Revista 90+10 #38

+38 + Foto: Charly V Real. Estilismo y Producción: Lyla Peng. Modelo: Alice Park para EP Bookers. Túnica: Kostüme

sumario +mundo creativo 012 diseño, cine, art toys, arquitectura, arte, green design, publicaciones, destinos, moda, música, marketing, eventos, branding y diseño, agenda, lugares, tecnología, vehículos

+especial 042 Milan Design Week 2012 El diseño del mundo en un solo lugar 044 iSaloni Mucho más que tendencias 048 SaloneSatellite Diseño y tecnología 052 Fuori Salone El diseño invade Milán 054 Triennale Design Museum Gráfica italiana y más 056 Ventura Lambrate Un nuevo paso 058 Diseño internacional Todos se muestran en Milán

066 074 070

ilustración Tim O´Brien Recorriendo las Bellas Artes comerciales Brosmind Studio Trabajar entre hermanos

moda Pablo Ramírez El hombre de negro

+ideas creativas 076 084 086 088 090

moda Alter Ego

marketing Campari El arte de beber

vehículos City cars Pequeñas grandezas

diseño Tipos Latinos Hablemos de tipografías

tecnología Windows 8 Un hito en la historia de Microsoft

+clásicos contemporáneos 092 094 098

arte Espacio Gaussian Blur Bombay Sapphire en Milan Design Week

arquitetura Massimo Scolari Más allá de los muros

diseño Colección de diseño GUÓN! Terremoto a los sentidos

+portfolio fotográfico 101

Guillermo Mayoral

112

+english summary

114

+conexión

+ Marioneta de Juan Pablo Cambariere

+personas creativas 062

diseño Juan Pablo Cambariere Artesano digital

+38 + Cómoda Altedeutsche de Studio Job para Moooi. www.moooi.com

staff

Director / Publisher Gonzalo Joaquín Fargas gfargas@90mas10.com.ar @gonza9010 Editora Marcela Fibbiani marcela@90mas10.com.ar @marce9010

Diseño Gráfico Hernán Patto Leandro Marenzi

Gestión Comercial Claudio Boleda claudio@90mas10.com.ar

Diseño de Tapa Patricio Oliver www.patriciooliver.com.ar

Producción Fátima Fargas fatima@90mas10.com.ar @fatimafargas

Dirección Comercial Daniel Urrestarazu daniel@90mas10.com.ar

Departamento Comercial publicidad@90mas10.com.ar

Colaboran en esta edición Adriana Godoy, Aldo Bressi, ArtsMoved, Carola Danza, Carolina Prioglio, Charly V Real, Diego Giaccone, Elvio Orellana, Fátima Fargas, Fernanda Cohen, Germán Andrés, gt2P, Javier Villa, Jorgelina Peciña, Laura Piasek, Leila Mesyngier, Lyla Peng, Lucrecia Bertani, Maia Croizet, Natalia Iscaro, Patricio Oliver, Ricardo Sametband y Wustavo Quiroga Nuestros colaboradores Lucrecia Bertani Es la encargada del English Summary, que se publica en las últimas dos páginas de 90+10. Luego de estudiar arquitectura durante un año, comenzó Análisis en Comunicación Publicitaria, carrera que terminó en 2006. Su gusto por los viajes y el inglés, la llevó a recorrer varios países, y a vivir en Nueva Zelanda. Ya de vuelta en Argentina, trabajó en agencias de publicidad, mientras comenzaba el traductorado de inglés.

Cursa actualmente las últimas materias en la Universidad del Museo Social Argentino, y se desempeña como asistente editorial en Pearson Argentina, y como pasante en dicha universidad. + @lulubertani | lulubertani@gmail.com gt2P - great things to People Sebastián, Juan Pablo, Tamara, Guillermo, Alexy y Diana integran este estudio chileno de diseño y arquitectura, que ha trasmitido su capacidad par a integrar las tecnologías CAD/CAM con técnicas, materiales y procesos artesanales, a través del concepto “Digital Crafting”. Han presentado su trabajo en eventos de diseño, tanto en ciudades de Chile, como en Estocolmo, Milán, Londres, Colonia, París y Buenos Aires. Colaboran con 90+10 desde 2011, compartiendo sus experiencias internacionales, y hablando sobre nuevos diseñadores y tendencias que encuentran en sus recorridos. + info@gt2p.com | www.facebook.com/gt2p.chile

Distribución en kioskos CABA y GBA Vaccaro, Sánchez y Cía. S.C. Moreno 794, Piso 9º Tel. (+5411) 4342-4031/32 Distribución en el interior Distribuidora Interplazas S.A. Pte. Luis Sáenz Peña 1836 Tel. (+5411) 4305-0114

Producción Gráfica Help Group www.hgprint.com.ar info@hgprint.com.ar

Suscripciones Librería técnica CP67 Florida 683 - Local 18 Tel. (+5411) 4314-6303 Fax (+5411) 4314-7135 cp67@cp67.com

Asesoría Legal Dr. Mariano Javier Gattelli estudio_gattelli@hotmail.com

Librería Concentra Montevideo 938Tel./Fax (+5411) 4814-2479 libreria@concentra.com.ar

Domicilio Legal: Av. Raúl Scalabrini Ortiz 2553 – Piso 13 “E” (C1425DBG) Ciudad Aut. de Buenos Aires, Argentina Domicilio Redacción: Cerviño 3814 – Piso 4 “A” (C1425AGU) Ciudad Aut. de Buenos Aires, Argentina info@90mas10.com.ar | 90mas10.com.ar Revista 90+10. Editor responsable y propietario: 90+10 SRL. Queda prohibida la reproducción total o parcial del contenido sin la previa autorización del editor. Las notas firmadas son responsabilidad de sus autores. Registro de la propiedad intelectual Nº 943748 | ISSN 1668-6403 Año 8 - Nº38 – Mayo / Junio 2012

+38 + Candelabro Finally Alone de Philippe Starck y Ambroise Maggiar para Kartell. www.karell.it

editorial Viajar es uno de los grandes placeres de la vida, o al menos para mí. Y si se puede combinar con visitar la meca del diseño, mucho mejor. Eso es Milán, cada año, durante una semana en el mes de abril. Lejos de repetirse, la ciudad siempre cambia, y ofrece nuevas posibilidades para sorprenderte: un barrio que no conocías, un milanés te recomienda tal o cual restaurante, descubrís una tienda soñada, o conseguiste el libro que andabas buscando...

Luego de varias visitas a la Semana del Diseño, muchos rostros se reconocen, se hacen amigos, y se identifican ciertos lugares como preferidos. Se empiezan a generar rituales, y uno se siente parte de una energía especial que se genera en torno a la creatividad y el intercambio.

Más que nunca, Milán representó para nosotros un lugar fantástico de encuentro para las más de 300 mil personas que llegan hasta allí por distintos motivos, pero que la eligen para conocerse las caras y vencer las barreras de tanta virtualidad.

Como dice el diseñador Federico Churba –único argentino que exhibió su colección de mobiliario en el SalonSatellite-, es importante hacerse ver. Y para que aquellos a los que te interesa llegar, conozcan –y reconozcan- tu trabajo, el contacto persona a persona es imprescindible.

Que un diseñador te explique con toda su pasión un proyecto, que te transmita su emoción al poder mostrarlo, y conocer los pormenores del proceso para llegar a una pieza terminada, es un privilegio. Y si a eso le sumamos que los diseñadores son miles, vienen de otras partes del mundo, hablan diversos idiomas, y poseen distintas culturas, la experiencia se enriquece mucho más.

Esta edición de 90+10 es un compilado de momentos vividos, que queremos compartir con todos ustedes. Casi, un diario de viaje. ¡A disfrutarlo juntos! + Marcela Fibbiani Editora

CONEXIÓN DIGITAL Con los links de 90+10 (9010.co), accedés directamente a la versión digital de la nota (disponible para las secciones: personas creativas, ideas creativas, clásicos contemporáneos, portfolio y especial), para poder compartirla, comentarla, ver más material de fotos y video, y entrar a los todos links vinculados. Una nueva manera de conectar el medio en papel con el mundo digital. + 90mas10.com

IMAGEN DE TAPA La ilustración -así como el diseño- de tapa de esta edición, pertenecen a Patricio Oliver (www.patriciooliver.com.ar).

Queríamos generar una imagen que representara lo más característico de la Milan Design Week 2012, a la que dedicamos el especial de este número: Milán como el lugar al que desde distintas partes del mundo, todo el que está de alguna manera relacionado con el diseño, acude cada año.

Inmediatamente, pensamos en Patricio, le contamos nuestras ideas, y nos devolvió algunos bocetos, los que fuimos puliendo en conjunto hasta llegar a esta versión que nos encanta, y que esperamos que a ustedes también. +

012

+ mundo creativo

Texto: Jorgelina Peciña @JorgelinaPecina Fotos: Gonzalo Fargas @gonza9010

diseño

+ Muestra Contemporary Drinsch de Mark Gmehling. www.markgmehling.weebly.com

+ Muestra Where´s your head art? dedicada a la cabeza, uno de los elementos centrales del character design.

Pictoplasma

Monstruos más allá de la era digital Pictoplasma es un festival de diseño contemporáneo con sede en Berlín, Alemania, que agrupa a los referentes europeos del diseño, la animación y la creación de personajes. Celebrado entre el 11 y el 15 de abril de 2012, el encuentro también contó con invitados argentinos.

“Monstruos Postdigitales” fue el título elegido, y que le dio identidad a la última entrega de Pictoplasma, el festival de diseño contemporáneo europeo, que agrupa las últimas tendencias en el mundo del diseño gráfico, la ilustración, motion graphics, la pintura, la escultura y el arte urbano.

Esta vez, el foco estuvo puesto en el trabajo de los artistas que crecieron inmersos en la cultura de lo digital. En medio de la revolución global de la comunicación y de las posibilidades que las nuevas tecnologías brindan para trabajar digitalmente, la edición 2012 de Pictoplasma propuso volver a las fuentes, para trabajar con materiales tradicionales: lana, madera, vidrio, y otras técnicas de dibujo y pintura. Y si bien esta estrategia no quiere decir que se abandonan las bondades de la era digital, se la elije como un camino más para la producción artística. De ahí que en Pictoplasma se hable de lo postdigital como una manera de tomar los principios de la estética digital, pero sin limitarse a ésta.

Pictoplasma 2012 se llevó a cabo en el barrio de Mitte -conocido por ser el distrito artístico clave de Berlín-, y tuvo varias secciones, entre ellas, la de conferencias, laboratorio de personajes, cortos animados y el denominado “tour de personajes”, que consiste en una visita guiada por varias galerías de arte del barrio sede del encuentro.

El ciclo de conferencias reunió a varios artistas, como Mark Gmehling (Alemania), Bee Kingdom (Canadá), Femke Hiemstra (Holanda), Nathan Jurevicius (Australia), o Julia Pott (Gran Bretaña), aunque también hubo espacio para una voz argentina. El elegido fue Tomi Diéguez, de Punga, quien pasó revista a los trabajos realiza-

dos desde sus inicios, en 2001: “Pictoplasma lleva muchos años realizándose, y se nota la organización y la calidad de los participantes.

Estudios y artistas de todo el mundo se acercan para mostrar sus trabajos e intercambiar ideas y experiencias. Haber sido invitados por Pictoplasma a contar nuestra experiencia como estudio, qué hacemos y quiénes somos, fue increíble. El público, mayoritariamente europeo, es muy abierto, y sabe apreciar la mirada diferente que traemos desde otro lugar del mundo”.

Otra sección clave fue la de screenings: cortos, videoclips, films experimentales y personajes en motion graphics tuvieron un espacio destacado. Nuevamente aquí, la presencia argentina se hizo notar. El estudio de animación Peppermelon participó con dos de sus trabajos, el cortometraje “First” y “Top 10at10”, un comercial realizado para MTV. En cuanto a esta participación, Martín Dasnoy, director de animación en Peppermelon, comentó: “Si bien enviamos cortos en varias ocasiones, nunca tuvimos la suerte de estar en el evento hasta este año. Tenemos muy buena relación con los organizadores, y llegamos a realizar la intro del festival, en 2007. Hoy, Pictoplasma es el festival de personajes más importante del mundo, y es un privilegio para nosotros que nos inviten a presentar trabajos ahí”.

Completaron la propuesta el laboratorio de personajes, y el tour por las galerías. El primero, consistió en talleres con artistas, donde los participantes dejaron sus computadoras de lado, para trabajar artesanalmente con distintas técnicas y materiales. Por su parte, el tour de personajes incluyó la visita por quince galerías, instalaciones e intervenciones urbanas del barrio Mitte. + www.pictoplasma.com

014

+ mundo creativo

Texto: Natalia Iscaro @Natusfila Foto: Gentileza CE

diseño

DesignAbroad

Un puente entre Argentina e Italia Que el diseño argentino arme las valijas y parta a otras latitudes para exhibirse, explicarse y fomentarse, siempre es una buena noticia. En este caso, el escenario es la italiana ciudad de Torino, aquella que da el nombre al clásico vehículo, hoy de colección.

Acaso por eso, la elección parece más que acertada. Es allí donde, del 3 de mayo al 2 de junio, se dan cita algunos de los más relevantes exponentes locales de arte (pintura, fotografía, videoarte, escultura, instalaciones), bajo la curaduría de Massimo Scaringella y la Lic. Lía Cristal; y de diseño (indumentaria, joyería, gráfica, audiovisual, industrial), bajo la curaduría de Creatividad Ética.

Esta última, es una asociación civil que se dedica a la difusión de la creatividad en el diseño, con el objetivo de servir de recurso útil a la sociedad. “Nuestra institución llega al mundo de la creatividad para canalizar recursos humanos, materiales e inmateriales, hacia las necesidades de los actores del diseño”, afirman desde Creatividad Ética. En este marco, DesignAbroad es el programa de la institución para la promoción del diseño argentino en el mundo. Gracias a él, se realizan acciones de promoción comercial y cultural del diseño argentino en el exterior, para fomentar el desarrollo local, y fortalecer las relaciones comerciales entre Argentina y otros países, detectando potenciales oportunidades.

En el caso de Torino, el debut de la muestra, presentada bajo el

nombre Arte & Diseño Argentino, fue el 2 de mayo, en el Museo Regional de Ciencias Naturales de Torino, con la presencia del Consejero Económico de la Embajada Argentina en Italia, Gonzalo Sabater, y el Director del museo, Ermanno de Biaggi.

Promovido por el Ministerio de Asuntos Exteriores de la Embajada Argentina en Italia, con el patrocinio del Ayuntamiento de Torino, la Cámara de Comercio y la Región Piamonte, todo con el objetivo de establecer una estrecha colaboración entre instituciones locales y los principales actores del proyecto, para abrir una ventana comercial y cultural en Italia, por el arte y el diseño argentinos.

Los participantes en las distintas categorías son: Carina Juan, Lorenzo Shakespear, No Lines y Phenomenna (diseño gráfico); De Crisci, Fabiola Brandan, Indarra, Jimena Anastasio, Ladrón de Guevara, Langg, Lisobono, Lucrecia Sonnet, Natacha Morales y Quier (diseño de indumentaria); Gabriela Horvat, Juana Maraña y Tamara Lisenberg (joyería); Cohan Design Group, Fosko, Hernán Fretto, Que!diseño y VacaValiente (diseño industrial); Furia Films, Shango Films y Steinbranding (diseño audiovisual); y Yira Music (música). + www.creatividadetica.org

016 cine

+ mundo creativo

Texto: Natalia Iscaro @Natusfila

+ Policeman, del israelí Nadav Lapid. Ganadora Mejor Película Internacional del BAFICI 2012.

BAFICI 2012

Electroshock de celuloide Del 11 al 22 de abril, la 14 edición del BAFICI (Buenos Aires Festival Internacional de Cine Independiente) copó todos los espacios, ánimos y curiosos. Expertos y no tanto, acudieron a las salas para encontrar, aunque más no fuera, un destello de inspiración. ¿La propuesta? Cine que no puede verse durante todo el año, y un espacio de descubrimiento y plataforma de despegue para jóvenes talentos. Nuestro balance y los ganadores a Mejor Película local y extranjera.

De lo más perturbador a lo más emotivo, este BAFICI no sólo refuerza su vigencia por la variada cartelera internacional, sino también por una propuesta que recupera la esencia de la cinematografía de autor. Y como siempre, están quienes se llevan los laureles. En este caso, fronteras adentro, el premiado fue Gastón Solnicki, quien había estrenado su ópera prima, “Süden”, también en este festival. “Papirosen” es el nombre de su trabajo, Mejor Película.

Bajo la forma del documental, Papirosen es el resultado de diez años en los que el director filmó con una camarita digital todo lo que sucedía puertas adentro de su hogar. Son, en total, 74 minutos que resumen 200 horas de material filmado. Como protagonistas, su papá, su mamá, su hermana mayor, su hermano del medio, sus sobrinos y la bobe (de ochenta y pico, acento polaco y todo) hacen lo que mejor saben hacer, ser ellos mismos.

Sobre el eje de su trabajo, explica que “el asunto central de la película serían cuatro generaciones. Ciertas dinámicas familiares que tienen que ver con una endogamia, con una diáspora que va más allá del siglo XX, que tiene miles de años y que a mí me parece fascinante, porque tiene muchísima correspondencia con los traumas que son legados. Eso es algo que es universal, porque no son los judíos los únicos que han tenidos un éxodo, o que han elegido encerrarse en la reproducción biológica entre primos y hermanos”, relata Solnicki, sobre su familia, que llegó al país en 1947, tras sobrevivir a la guerra en una localidad de la entonces

Polonia (hoy Bielorrusia) una de las ciudades donde menos judíos pudieron sobrevivir.

De la Selección Oficial Internacional, la Mejor Película fue “Policeman”, del israelí Nadav Lapid, quien sorpresivamente se llevó asimismo el premio a Mejor Director, algo poco común. Nacido en Tel Aviv, en 1975, estudió historia y filosofía antes de formarse en la Escuela de Cine y Televisión Sam Spiegel, en Jerusalén. En Policeman, el director retrata a un grupo de policías de élite encargado de eliminar posibles amenazas terroristas, y un cuarteto de jóvenes judíos, dispuestos a todo con tal de atraer la atención sobre la situación política y social de Israel.

A la manera de una confrontación inevitable y hasta mitológica, la pregunta que intenta responder este film es: ¿Quiénes son estas personas? “Creo que para mí, el hecho de ser israelí es algo de lo que trato de despegarme, e igualmente me persigue y se me pega.

Policeman, creo, tiene una fuerte conexión con este hecho”, nos cuenta, ya desde su suelo local, Lapid. “De alguna manera, esta es una película sobre la situación israelí, o sobre el alma colectiva de Israel. De la compleja mezcla entre lo personal y nacional, lo privado y lo público, lo psicológico y lo político, lo físico y lo ideológico. Un caótico, a veces divertido y a veces perverso, estado mental que me fascina, y es algo que como israelí siento muy profundamente”. Sobre su visita al país y al festival, concluye: “Encontré al festival intenso, lleno de energía”. Que así sea, y siga siendo. + www.bafici.gov.ar

018

+ mundo creativo

Texto: Patricio Oliver @patriciooliver

art toys

Lovebirds

Tortolitos de vinilo Si hay algo que se puede decir del mundo del art toy, es que sus representantes se encuentran disgregados por docenas de lugares en todo el mundo. Sudáfrica no podía ser menos, y Kris Hewitt (a.k.a.

Kronk), desde Johannesburgo, da cuenta de ello.

Este joven y talentoso ilustrador y diseñador gráfico, ha mantenido una estrecha relación con Kidrobot desde sus inicios en el mundo de los juguetes de diseñador, principalmente, realizando versiones del ya icónico Dunny de dicha empresa. Su variado y vibrante uso cromático, fuertemente arraigado en la diversidad de colores presentes en África, ha sido siempre uno de sus rasgos más característicos, acentuando el carácter vívido y feliz de sus personajes.

Su trabajo como diseñador gráfico también lo ha involucrado en proyectos de la línea de Apparel de Kidrobot, y en el año 2010, se le encargó realizar una serie de diseños para Nike Sportwear, en el contexto de la copa mundial de fútbol, realizada en dicho lugar. Recientemente, y dentro de toda una serie de lanzamientos para 2012 con Kidrobot, creó los Lovebirds (Tortolitos). En cuatro ediciones cromáticas (naranja, negro, púrpura y azul turquesa), los pajaritos

enamorados de Kronk son los animales más tiernos y afectuosos que se pueden encontrar, si uno desea entrar al mundo del vinyl toy.

Cada ave viene empaquetada de manera individual, en un pack que refleja claramente el estilo y diseño del autor. Cada figura se sostiene por medio de su cola, con sus patas en los aires y hacia delante, lista para conectarse o expulsar cualquier compañero posible. Estos pájaros de vinilo se destacan por sí solos, pero se complementan perfectamente con otro de su mismo color, o realizando combinaciones entre las cuatro opciones.

Lo más interesante de esta figura es su origen, ya que el diseño original en blanco y negro fue una idea del mismo Kronk, para su reciente boda. Los Lovebirds funcionaron como souvenir de su casamiento, y fueron producidos de manera muy limitada (tan sólo 400 unidades de 4 pulgadas cada una) por Kidrobot, para tan importante fecha. Luego, para San Valentín, se decidió a lanzar una tirada de 40 unidades de sus Lovebirds Weeding Edition y, finalmente, esta producción en 4 colores, para el público mundial. + www.kidrobot.com | www.facebook.com/iKronk

020

+ mundo creativo

Texto: Natalia Iscaro @Natusfila Foto: Esteban y Sebastián Suarez

arquitectura

Sunset Chapel

Refugio al eterno descanso El primer encargo religioso del estudio mexicano Bunker Arquitectura fue Estancia Chapel, una capilla concebida para celebrar matrimonios. El segundo fue radicalmente opuesto, la Sunset Chapel (capilla al atardecer), un espacio para dejar ir a nuestros muertos.

Así lo cuentan desde esta oficina de arquitectura, urbanismo e investigación, fundada por los hermanos Esteban y Sebastián Suarez. Su nota distintiva ha sido encontrar acercamientos poco convencionales a proyectos. Entre ellos, un puente habitable de 3 km en Acapulco, y un rascacielos invertido de 300 metros en el Zócalo (centro histórico de México DF). Con trabajos para clientes privados, el gobierno y concursos, Bunker invierte, asimismo, gran parte de su tiempo en proyectos de investigación autofinanciados. “La teoría y la práctica coexisten en una simbiosis perfecta”, afirma la dupla Suarez.

En el caso de estas capillas, su concepción de opuestos se plasmó en la elección de materiales transparentes con formas clásicas, versus materiales sólidos y proporciones caóticas. Así, la curiosa estructura de la Sunset Chapel –destinada al eterno descanso

tras la vida en la Tierra-, equilibra el rocoso terreno con una forma triangular para formar la entrada.

Ubicada en un primer piso, al que se accede por una escalera interior, una sucesión de aberturas sucesivas verticales otorgan visiones del entrono, y bañan de una luz rayada al interior. Estas estructuras se fusionan al frente, donde una abertura rectangular recorta la figura de una cruz. El efecto del espacio, tanto desde el interior como desde el exterior, es deslumbrante.

A pedido del cliente, las criptas se ubican por fuera de la capilla.

Según los autores: “Metafóricamente, el mausoleo debía ser una utopía perfecta, en sincronía con el ciclo celestial de renovación”. Puede decirse que la meta ha sido cumplida, con creces. + www.bunkerarquitectura.com

022 arte

+ mundo creativo

Texto: Javier Villa Foto: Maia Croizet @MaiaWATIO

+ Collages de Juan Burgos en el stand de la Document Art Gallery en arteBA

arteBA XXI edición

Impulsando el arte contemporáneo Del 18 al 22 de mayo de 2012. Pabellones Azul y Verde, La Rural, Av. Sarmiento 2704, CABA. Como ocurre durante cualquier fin de mayo, el circuito de arte se acelera. Nadie contesta mails, y todos corren para llegar con la mejor forma a arteBA, preservando la esperanza de llevarse la mayor tajada de dinero posible. Y sí, la circulación de capital en el arte contemporáneo argentino no se compara con la producida por los hidrocarburos. No hay mejor oportunidad de salvación para los locales –es decir, para los artistas locales- que esos cinco días de frenesí.

Pero no todo es mercado, aunque el mercado todo lo mueva, y ya que fue mencionado el tema de los hidrocarburos, este año puede verse, en La Rural, a un nuevo Premio Petrobras. No sólo porque se trata de una nueva edición, sino porque el premio aparece renovado.

La artífice del cambio fue la curadora Victoria Noorthoorn, quien optó por exhibir a sólo tres seleccionados –lo que implica mayor dinero de producción para cada proyecto específico-, elegidos por un gran número de jurados, que debían llegar a la unanimidad. A su vez, este año, está dedicado a proyectos grupales y multidisciplinarios. Los elegidos son: Splatter Morfogenético / Arlt Maschine, presentado por Silvina Aguirre, Laura Bilbao, Roberto Conlazo y Lux Lindner (que fue el ganador); La Multisectorial Invisible, de Gustavo Doliner, Ana Gallardo, Lola Granillo, Guillermina Mongan, Mariela Scafati y Elisa Strada; y Pop Up Cartoon, desarrollado por Emiliana Arias, Cecilia Lenardón, Silvia Lenardón, Guillermo Martínez, Renata Minoldo, Sebastián Rosés y Luciano Schillagi.

Los dos primeros enfocan sus obras en el discurso y la comunicación,

yendo desde el hermetismo a la apertura, y desde la patafísica a la realidad concreta, mezclando música, literatura, discusión políticosocial y arte, entre otras cosas. El restante, de Rosario, es un proyecto que navega entre el teatro, las artes visuales y la música, donde toma fuerza la poética formal y material -el cartón- puesta en acción y movimiento.

Otras dos secciones interesantes de esta feria son U-Turn y Barrio Joven. La primera, permite a artistas crear proyectos que excedan la pieza de stand de galería. No son elegidos por una cuestión de banca (en la doble acepción del término), sino por un curador internacional.

Esta edición, fue el turno de la curadora Abaseh Mirvali, que eligió a muy pocos artistas argentinos –Diego Bianchi, Sofía Bohtlingk y Eduardo Basualdo-, dándole la oportunidad al circuito de descubrir la obra de artistas extranjeros con mayor profundidad.

La segunda sección presenta la novedad de lo local, donde se pueden ver proyectos de Buenos Aires, que no sorprenden a los que están en tema, como Rayo Lázer, Cobra, Munguau y Mite; e interesantes propuestas de otras provincias. Es el caso de la tucumana El Rancho, donde se puede ver obra de Pan Duro y Lucrecia Lionti; la salteña Viña Roja Arte Contemporáneo, dirigida por Josefina Carón; la promesa rosarina con La Hermana Favorita; y los bahienses de Perfecta Galería. La lista se completa con algunos proyectos extranjeros, como Emma Thomas (Brasil), Galería Daniel Morón y Museo Internacional de Chile (Chile) y Y Gallery New York (Estados Unidos). + www.arteba.org

024 arte

+ mundo creativo

Texto: Javier Villa

+ Alberto Greco. Asesinato de J.F. Kennedy. Acto I, c. 1964. Técnica mixta y collage sobre papel. 100 x 120 cm. Colección privada, Buenos Aires.

Foto: Patricio Pueyrredón.

Pop, realismos y política Vuelven los 60 y 70 a PROA

Del 14 de julio al 30 de septiembre de 2012. Fundación PROA, Av. Pedro de Mendoza 1929, CABA. El curador Rodrigo Alonso llenará nuevamente las salas de Fundación PROA, pero en esta oportunidad, lo hará junto a una eminencia de la curaduría brasilera e internacional: Paulo Herkenhoff, ex MoMA y curador de unas de las más recordadas Bienales de San Pablo.

La exhibición, que podrá verse de julio hasta septiembre, se titula “Pop, realismos y política. Brasil – Argentina”, y trabaja en sintonía con “Imán Nueva York” (2010) y “Sistemas, acciones y procesos 1965-1975” (2011), ambas curadas por Alonso en la misma Fundación y, como esta tercera, con el foco puesto en una nueva revisión de las décadas de los sesentas y setentas.

Mientras que la de 2010 abordó la producción local, frente al problema del internacionalismo durante la era ditelliana -sobre todo, en relación a la ciudad de Nueva York como eje del arte contemporáneo de la época-, y la de 2011 entabló un diálogo

internacional de artistas volcados a un arte de raíz conceptual, esta tercera entrega propone un diálogo bilateral, que dará cuenta del intercambio entre artistas brasileros y argentinos, en un período decisivo en el que cobran relevancia el pop art, el realismo y el “arte político”, con ejes tales como el lugar del sujeto, los usos de las culturas populares, la irrupción de los medios de comunicación, la preeminencia de lo político y el consumo.

Se presentarán obras de Cildo Meireles, Jorge de la Vega, Claudio Tozzi, Hélio Oiticica, Marta Minujín, Antonio Dias, Rubens Gerchman, Glauco Rodrigues y Antonio Berni, entre muchos otros. Una oportunidad no sólo para ver artistas de envergadura, sino para entender cruzamientos y filiaciones, donde imágenes icónicas, populares, objetos y figuraciones revelan ideas compartidas, notables diferencias y múltiples diálogos. + www.proa.org

026

+ mundo creativo

Texto: Laura Piasek @laurapiasek

green design

| Foto: Gonzalo Fargas

Wonder Horse: juego ecológico El diseño sustentable sigue conquistando terrenos, y esta vez, de la mano del diseñador chino Tom Shi, desembarca en el universo de los juguetes.

no resigna en materia de funcionalidad: su armazón es lo suficientemente fuerte como para resistir el peso de niños de dos a diez años.

Un encantador caballito de batalla bautizado Wonder Horse es la pieza sobre la que este creador de vanguardia plasma su concepción lúdica del diseño, y gracias a la cual, antiguo material de desecho vuelve a ver la luz. Se trata de una estructura de madera, con una base compuesta por 23 botellas de plástico reciclado, que

El artículo -que invita a ser decorado, a partir del uso de diferentes colores sobre las botellas- resulta una muestra acabada de cómo, inspirados por el imaginario infantil, cuidar el medio ambiente puede resultar una actividad atractiva y pintoresca. + www.tomshi.com

Corkmatters: El dominio de lo orgánico Cuando un material que se sabe sustentable es puesto al servicio de un concepto de diseño innovador, suceden cosas como éstas. Corkmatters, la serie del joven diseñador portugués Tiago Sá da Costa, demuestra que las creaciones sustentables también pueden ser vistosas.

Y es que lejos de construirse solamente como piezas ecológicas, estos artículos de corcho aglomerado, se convierten en objetos de decoración rústicos y modernos. Entre ellos, la lámpara Lugh, compuesta por tres capas de láminas, evoca a la naturaleza, y emite una luz difusa y cálida.

Sirviéndose de la matemática, y de la aleatoriedad que presenta el material natural al que le debe su encanto, la serie incluye, además de lámparas en distintos modelos, bandejas y cuencos realizados a mano, que rescatan las propiedades térmicas y plásticas del material en cuestión. + www.tiagosadacosta.eu

028

+ mundo creativo

Texto: Natalia Iscaro @Natusfila

publicaciones

Editor JIM HEIMANN (con la colaboración de Steven Heller) Editorial TASCHEN Formato 2 volúmenes en estuche 720 páginas 24 x 33,6 cm Edición plurilingüe: Español, Italiano, Portugués

Mid-Century Ads: Advertising from de Mad Men Era Si la exitosa serie Mad Men puso foco sobre la publicidad en su época dorada, estos dos tomos recopilan toda la información como para que no quede duda de que, en efecto, fue su época dorada.

Estos dos libros reúnen lo mejor de la publicidad gráfica estadounidense de la época de apogeo del consumismo norteamericano de la guerra fría, cuando la preocupación era silenciada por Martinis y cigarrillos. Revistas inundadas de ingeniosas publicidades y anuncios televisivos revelaban el espíritu de unos años coloridos, relucientes, y un tanto contradictorios. El editor, Jim Heimann, es editor ejecutivo de Taschen, y autor de numerosos libros sobre arquitectura, cultura popular y la historia de los Ángeles y Hollywood. + www.taschen.com

The Sky’s the Limit Editores JIM HEIMANN, STEVEN HELLER Editorial GESTALTEN Formato 24 x 30 cm 288 páginas Idioma Inglés

Existen artes –si no es en todas-, en las cuales el límite está dado por las innovaciones tecnológicas.

Sin embargo, es en la arquitectura donde esta frase adquiere su mayor expresión. Porque no es sino gracias a las innovaciones en materiales, tecnologías de diseño y herramientas constructivas, que las nuevas generaciones pueden superar a las anteriores, y así. Hoy, gracias al desarrollo de una exploración que raya los límites de lo insólito, la tecnología no sólo se ha vuelto prácticamente imbatible, sino que también se ha dado el lujo de ser lúdica, irónica e incluso provocadora.

Este tomo se dedica a explorar una serie de trabajos en los cuales la arquitectura se anima a ir más allá de sus límites, desde edificios y fachadas espectaculares, hasta proyectos temporarios e intervenciones urbanas. Una experiencia enriquecedora. + www.gestalten.com

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+ mundo creativo

Texto: Fátima Fargas para Travel Design (*) Foto: Carolina Sard Chico

destinos

Estambul

Kebab connection Entre dos mundos, la joya de Estambul se abre para resplandecer universalmente.

Estambul es la ciudad más grande de Turquía. Sin dudas, una metrópolis con mucha historia: primero fue la antigua Bizancio, más tarde pasó a ser la famosa Constantinopla y, finalmente, terminó conociéndose hasta día de hoy como Estambul.

Situada en “las puertas de Europa”, fusión exquisita entre Oriente y Occidente, se considera una de las ciudades más especiales del mundo. Es un lugar en donde los contrastes se tocan constantemente, y la tolerancia está a la orden del día. Nada tiene que ver con la imagen de ciudad que nos muestra el film “El expreso de medianoche”, del año 1978.

Con el Bósforo dividiendo la ciudad -y un poco más adelante, separándola claramente del continente asiático y del europeo-, a simple vista, se puede vislumbrar una de sus muchas particularidades. Estambul cuenta con un sinfín de lugares importantes para recorrer, entre ellos, la Basílica de Santa Sofía, la Mezquita Azul, el Palacio de Topkapi y, por último, el magnífico mercado gran Bazar.

Si bien es una ciudad que se remonta a muchos siglos atrás, hoy en día se pueden hallar, sin problemas, las tiendas europeas número uno, y toparse con restaurants o cafés de franquicias estadounidenses. Es que Turquía está creciendo económica, política y culturalmente, y este constante desarrollo del país, logra que se incrementen el interés en la innovación y el diseño. Una de las formas por las cuales se manifiesta dicho interés, es estimulando el desarrollo de

las industrias creativas.

BIENAL DE DISEÑO La fundación de cultura y arte de Estambul, desde hace varios años, viene trabajando para que este año se pueda llevar cabo la primera edición de la Bienal de Diseño en Estambul, que se realizará del 13 de octubre al 12 de diciembre. Las exhibiciones principales de la Bienal tendrán espacio en el museo Istanbul Modern y en la Galata Greek Primary School, mientras que el resto de los eventos se desarrollarán en distintas partes de la ciudad.

Una de las razones más influyentes por las cuales se determinó la necesidad de crear esta Bienal, es la importancia que se le está dando al diseño, ya sea para la producción, economía, interacción cultural y/o la calidad de vida. Estará relacionada con todas las disciplinas creativas, tales como el diseño urbano, la arquitectura, el diseño de interior, el industrial, gráfico, new media design y de moda.

Entre otras actividades, se presentarán exhibiciones -tanto de diseñadores nacionales como internacionales-, y habrá workshops, seminarios y presentaciones temáticas. El tema de la Bienal es “Imperfection” (imperfección, Kusurluluk en turco), tema sugerido por Deyan Sudjic, director del Design Museum en Londres, y miembro del consejo asesor. Los curadores son Emre Arolat y Joseph Grima, y el director de la Bienal de diseño es Özlem Yalım Özkaraoglu. + www.estambul.org | www.istanbuldesignbiennial.iksv.org

(*) Para dejar de ser turista y comenzar a ser viajero, visitar: www.traveldesign.com.ar | blog.traveldesign.com.ar

mundo creativo

Texto: Carolina Prioglio @caroprioglio Foto: Gentileza Céntrico

+ 031 moda

Céntrico De oficio, zapatero Leonardo Mancuso vive rodeado de zapatos desde que nació. Heredó el oficio familiar de la zapatería, junto a una fábrica que produce calzado para varias marcas argentinas de primera línea.

Pero con ese “savoir faire” que forjó con los años, a fuerza de observación y práctica, Leonardo quiso generar sus propias colecciones.

Así, hace tres años nació Céntrico, su propia firma de zapatos de factura completamente artesanal, y en la que los diseños de estilo clásico, 100% en cuero de vaca, y con una fuerte impronta masculina, le otorgan el sello a las colecciones de mujer y hombre.

“Céntrico fue un proyecto tan deseado como meditado, porque quería que reflejara mis gustos e intereses: la fotografía, el cine, los viajes y la escuela de diseño belga con Martin Margiela y Dries Van Noten a la cabeza -explica Leonardo, ingeniero industrial de profesión. Lo mismo sucede con la tienda. Me las ingenié para ubicarla cerca del circuito comercial de Palermo, pero en un contexto

más de barrio”.

El local, que antes era una galería de arte, está ubicado en una esquina, en las calles Acuña de Figueroa al 1800 y Soler: pasar por la puerta y descubrirlo resulta una grata sorpresa para los amantes de los zapatos que van más allá de las estaciones. La estética de la tienda acompaña con una fuerte reminiscencia retro, de mobiliario y objetos que parecen haber viajado desde mediados del siglo XX a la actualidad.

Y la música acompaña: Johnny Cash suena en ese mismo espacio que también acoge exposiciones de arte y fotografía. Ahora, es el turno de Lucila Heinberg y sus imágenes, que adornan las paredes en blanco prístino. Volviendo a las colecciones de zapatos, abundan la atemporalidad y los pequeños detalles. “Los diseños no respetan las tendencias, pero evolucionan con cada temporada. Siempre vas a encontrar una bota Beatle, un borcego o un mocasín”. + www.centricocentrica.com.ar

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+ mundo creativo

Texto: Germán Andrés @vermirando

música

La cuestión es más o menos así: “Le voyage dans la Lune” es un clásico de la historia del cine, creado por el pionero cinematográfico francés Georges Méliès en 1902. Fue filmado en blanco/negro, y no tenía un soundtracks. En 2011, se decidió restaurar y re-colorear una copia de esa película fundamental, y le encargaron a Air la música para esta nueva versión, que aquí pudo verse hace muy poco, en la edición pasada del BAFICI. Así es que, nuevamente, Nicolas Godín y Jean-Benoit Dunckel se embarcaron en una nueva travesía lunar, a casi quince años de su primer disco “Moon safari”. Este trabajo es más visceral y conceptual. Hecho con los tracks que les pidieron para el film (en verdad, un cortometraje), más algunas inspiraciones en la temática, logran como resultado una obra incidental. En once piezas -entre las que hay tres canciones con cantantes invitadas, y todo lo demás instrumental, con algunos pasajes breves- se alejan del pop y la impronta “french touch”.

Aquí nos ofrecen un gran paisaje sonoro, sustentado en sus influencias psicodélicas, en lo melódico y climático. Todo es muy cinematográfico y bien logrado, en el audio que los identifica claramente. Con una excusa interesante, el dúo alcanza su punto exacto de maduración y encantamiento.

Air: Otro viaje a la Luna Ya salió en Argentina la edición especial de lo último del dúo francés Air. Concretamente, se trata de la banda de sonido para el film “Viaje a la Luna”, y viene con un DVD que contiene la película remasterizada.

En algunos países, se editaron el CD o el vinilo sólo con la música, pero en Argentina, está disponible este combo doble, casi como un objeto de colección: Le voyage dans la Lune (CD + DVD. Edición limitada. EMI). Una gran oportunidad para tener y disfrutar lo que algunos franceses saben hacer muy bien. + www.aircheology.com

que comenzó con “Búfalo” (2007), y siguió con “El sapo argentino” (2009), es “Pájaro de fuego”, una obra de música para bailar, hecha con muy buen gusto y pulso sanguíneo.

Partiendo de una base rítmica más que contundente (aún cuando parece que lo que tocan se repite, y es simple), toman el trance como lugar de referencia, pero no común, ya que las maniobras melódicas de Sehinkman con los sintetizadores vuelan encendidas en distintas direcciones. Escuchen y sentirán qué bien le queda el título al álbum.

Son temas que envuelven en sus giros, donde el clímax y el movimiento son los polos que se atraen. Con presencia de loops y otros elementos del lenguaje de la música electrónica dance, pero con atractivas melodías como guía. Sólo como referencia, podría agregar que hay algo de synthe-pop, pero sólo en el audio, pues no se tiene en cuenta la estructura formal de canción pop. Hay aquí una clara impronta de armonía expresiva, abierta, y no de contención o compresión (que es como se produce mucha de la música pop actual), con claras reminiscencias a lo mejor de la psicodelia bailable de los 70 (hasta se puede pensar en Frank Zappa, por cierto humor irónico).

Nuevo disco de Esteban Sehinkman, al frente del trío que completan Pipi Piazzolla en batería y Matías Méndez en bajo. Algunos lectores pensarán que se trata de jazz, o algo similar, por los nombres involucrados, pero estén seguros de que no. Es, realmente, algo novedoso para estas tierras lo que suena en esta obra.

Tiene, además, algo que lo hace especial, y es una suerte de tensión desprejuiciada entre lo rígido y sencillo -lo estructural de la repetición en la base de lo que se baila-, y lo erudito, lo complejo, y ese espíritu suelto y de improvisación que traen estos músicos del jazz.

Con todo, el disco está en un equilibrio envidiable, puesto que asume el riesgo de crear patrones rítmicos, pero sin ser repetitivo. Puede decirse que el beat cambia, y que no es un género en particular. A la vez, que se lucen tocando, pero sin abusar del virtuosismo.

“Pájaro de fuego (Trance)” es un paso más en la búsqueda inquieta de este músico que ahora se mete con el dance, pero tocado en vivo por esos talentosos artistas, que vienen de una escuela más intelectual de la música. La cuarta producción -y tercera de una trilogía mutante

Una gran trabajo con singularidad estética, imposible de encasillar.

Impecable y directo, Pájaro de fuego (Trance) es una edición independiente del mismo autor. + www.estebansehinkman.com

Esteban Sehinkman trío: Trance

mundo creativo

Texto: Germán Andrés @vermirando

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música

Abril Sosa

Todo el tiempo, uno es solo Abril Sosa sale al ruedo con su primer disco solista “El piloto ciego”. Quien empezara su carrera musical, siendo un teen, en la batería de Catupecu Machu a mediados de los 90, y que luego dejara ese rol para ser el frontman de Cuentos Borgeanos, ahora se la juega solo con sus canciones. + ¿Cómo fue el proceso creativo de las canciones para tu disco?

AS Las canciones tienen un sistema tan extraño que, muchas veces, uno no percibe cómo y cuándo surgieron. Pero creo que la mayoría de este disco nació y se gestó en la ciudad de NY, donde estuve viviendo los dos últimos años. Fue un período de mucha introspección, ya que al estar allá, sin tocar –además, Cuentos B ya no existía-, tuve que buscar cosas desde muy adentro. En ese momento, salieron los primeros demos. + ¿Cuál es la idea conceptual del El piloto ciego, ya como obra?

AS El piloto ciego es, modestamente, un viaje de auto-conocimiento. Claro que ya dejó de ser solamente mi viaje. Cuando uno decide editar un disco, decide también desprenderse de él y compartir esas inquietudes, esas ganas, esas felicidades y esas tristezas con el oyente. Y creo que también eso es parte del viaje y del aprendizaje. Cuando uno está haciendo un disco, es casi la cosa más valiosa, y desprenderse de tal para compartirlo, resulta muy gratificante. + ¿Cómo le contarías a un desconocido sobre tu nuevo camino?

AS Podría contarle cómo es el comienzo de este camino, ya que no sé hacia dónde se dirige ni hacia dónde me llevará; pero es una

instancia muy grata de mi vida artística. Quizás, la mejor. Tener un grupo es, a su vez, estar en una comuna, una familia, una sociedad, o una especie de relación marital. Y un proyecto solista tiene lo fantástico de que toda manifestación musical sólo parte de tu propia visión del mundo y del sentido que vos le ponés a cada cosa, con el desafío de llevar a cuestas tamaña empresa. + ¿Creés en el rock?

AS No lo sé. Creo que ya no es nada y que, probablemente, nunca lo haya sido. Actualmente, los géneros musicales dejaron de existir o, por lo menos, perdieron importancia. Siento que las personas que escuchamos música -me refiero a los que realmente están interesados en lo que escuchan, no a las personas que ponen la radio de fondo- dejamos de lado lo genérico, ya que lo que verdaderamente importa de la música es la conmoción. + Para vos, ¿la canción es un medio o un fin?

AS Yo creo que es un medio, ya que la canción no tiene una finalidad. Probablemente, la vida no tenga una finalidad. Y para mí, la canción, a fin de cuentas, es una manera de explicar y entender qué carajo es la vida y qué significa estar vivos. + www.elpilotociego.blogspot.com.ar

EL PILOTO CIEGO (Elegante records. 2012. Argentina) Abril se presenta con un disco de canciones pop en formato rock, y de una poética claramente existencialista, en donde la búsqueda es el motor principal. El crecimiento del muchacho se escucha en todo lo que tiene que ver con el disco; el animarse a dejar atrás la contención de una banda, y tomar una ruta más “pop” sin miramientos, ya es valioso. Y el álbum expone, de igual manera, lo bueno y lo malo del pop/rock actual: por ejemplo, son todas canciones con una estructura similar, que duran unos tres minutos promedio, con pocas voces melódicas sencillas y repetidas, con arreglos cuidados y retoques electrónicos sobre la formación típica del rock. A la vez que, no abusan de los estribillos pegadizos; se grabó en USA, con una producción impecable, y colaboraciones muy especiales. Participa gran parte del colectivo Bajofondo Tango Club, y fue co-producido por Aníbal Kerpel (socio de Santaolalla). Los días, meses y años dirán qué es Abril en el tiempo; hoy, tira la primera piedra, y mira al frente.

034

+ mundo creativo

marketing

Samsung: Realidad aumentada en Milán De la mano del reconocido arquitecto y diseñador Italo Rotta, Samsung presentó en la sede del Temporary Museum for New Design (en el marco de la Tortona Design Week), la instalación “Life/Installed, cuatro minutos para pensar el futuro”, que se completó con el uso de la Galaxy Tab por parte del público.

Esta instalación futurista y original, exhibió una innovadora idea de espacio doméstico y del uso de la tecnología. El visitante entraba en una casa totalmente gris, divida en distintas habitaciones, y recibía una Galaxy Tab para recorrerla, siendo libre de quedarse en donde deseara, y dándole vida el espacio en donde se encontraba, gracias a la tecnología que llevaba consigo. Así, el lugar elegido cobraba vida, gracias a las imágenes que representan la ambientación de la casa y sus habitantes en acción (una familia completa), y los sonidos que generaban las tablets, transformando la instalación en dinámica y llena de significado. Una metáfora de la casa y del espacio del futuro, gracias a las nuevas tecnologías, como la que ofrece la Samsung Galaxy Tab. + www.samsung.com/ar

Nueva campaña Puma Social Puma lanza la tercera edición de su campaña publicitaria Social, con los atletas de noche como protagonistas. Ping pong, dardos, bowling y metegol son los deportes que éstos practican; el objetivo principal de la competencia es pasarla bien y divertirse entre amigos. Pero este año, Puma Social viene acompañada de algo más: a partir del miércoles 6 de junio, se comenzará a emitir vía Internet el Puma Social TV, en formato livestreaming, para todo el mundo.

Una vez por semana, se transmitirá este programa en vivo desde Congo Bar, en el horario de 20.30 a 21hs, con notas a músicos, artistas, DJs, ilustradores, diseñadores, fotógrafos, graffiteros, y mucha información cultural urbana. Una vez más, Puma demuestra que, durante la noche, también se pueden practicar deportes, y que no se necesita ser profesional para eso. + www.puma.com | www.pumasocialtv.com

Mercedes-Benz acompaña al diseño En ocasión de la Tortona Design Week 2012, Mercedes-Benz auspició la muestra “Meet in Milano”, y aprovechó la oportunidad para dar la bienvenida a su nueva Clase A en el mercado europeo, que inaugura una nueva generación de vehículos de la automotriz, con un diseño de fuerte impacto emocional, potente, segura y altamente eficiente. Es así que se presentaron tres muestras: la primera, sobre diseño chino contemporáneo (“Slow Seating: Contemporary Chinese Design”); la segunda, resumió el trabajo de jóvenes talentos (“Meet Talents”); mientras que la tercera, estuvo dedicada a la historia dela cocina (“Kitchen Story”).

La muestra Meet Talents presentó una selección de 18 objetos de diseñadores hasta 35 años, insirados en el mundo del automóvil y, en particular de Mercedes-Benz. Slow Seating: Contemporary Chinese Design, exploró las relaciones entre el desarrollo tecnológico y la producción artesanal, utlizando a la silla como objeto simbólico. Más de 60 productos, realizados por un numeroso grupo de diseñadores chinos.

Finalmente, Kitchen Story mostró una larga mesa-vitrina que relataba 60 años de la historia de la cocina italiana con electrodomésticos, vajilla y utensilios típicos, divididos por décadas. + www.mercedes-benz.com.ar

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mundo creativo 035 eventos lugares

+ Absolut dio un nuevo paso en el mundo de la moda, con el lanzamiento de su botella de edición limitada Absolut Mode Edition, en el salón del Centro Naval. Para esto, convocó a seis diseñadores de moda locales (Tramando, Kostüme, María Vázquez, Cecilia Gadea, Grupo 134 y Laurencio Adot), quienes seleccionaron una prenda exclusiva para vestir su botella. Entre los invitados al evento: Micaela Tinelli, Martín Churba y Mariana Arias. www.absolut.com/ar

+ Coca-Cola in Concert es la nueva plataforma de música experiencial e interactiva de la marca, que presentó a la banda inglesa The Kooks en el Luna Park. Vanesa González y Nacho Goano disfrutaron del show. www.cocacoladeargentina.com.ar

+ Presentada por el nuevo Chevrolet Sonic, llegó a Buenos Aires una de las bandas más esperadas de la escena indie: Chromeo, que tocó en vivo en el escenario de Niceto Club. Esta fiesta de la música electro-funk (dirigida por el dúo canadiense integrado por Dave 1 y P-Thugg) tuvo lugar el 15 de mayo, a sala llena. adidas Originals aprovechó la oportunidad para invitar a algunos amigos de la marca a presenciar el show, como Nicolás Riera, María del Cerro, Belén Chavanne, Marco Antonio Capone y Benjamín Rojas. www.chevrolet.com.ar | www.adidas.com.ar

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eventos

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1,2 y 3. La feria de arte contemporáneo arteBA presentó su edición 2012 con una conferencia en el Malba. Estuvieron presentes Alejandro Corres, Marta Fernández, Luis Incera, Julia Converti, Teresa Frías, Facundo Gómez Minujín, Teresa Garbesi, Karina Rabolini, Marta Minujín, Wally Diamante y Cristina Pérez. www.arteba.org 4. La actriz Sabrina Garciarena quedó deslumbrada con la colección de tapados de invierno de Jackie Smith. www.jackiesmith.com 5. Calu Rivero se acercó a conocer el perfume “Diez & Seis” de María Cher. www.maria-cher.com.ar 6 y 7. Them es la marca de indumentaria comandada por las diseñadoras Ángeles Chevallier e Isabel García Calvo, que presentó en su local de Palermo “Heavier than Heaven”, su colección para el otoño-invierno 2012, de la mano de Cunnington.

Belén Chavanne, Sofi Suaya y Nico Pauls estuvieron entre los invitados. www.somosthem.com 8. Gonzalo Heredia, padre de Eloy, visitó Mimo & Co para conocer la nueva colección de la marca. www.mimo.com.ar 9. Carola del Bianco, Romina Ricci, Yanina Solnicki y Julieta Díaz en la presentación de la nueva colección de El Camarín. www.elcamarin.com 10 y 11. Bártola, un nuevo restaurante y cafetería, abrió sus puertas en Palermo. Agustina Córdova, Belén Chavanne, Leandro Fresco y Anita Alvarez de Toledo se sumaron a la fiesta. www.bartolaba.com.ar 12. Marcela Naón, Pablo Ramírez y Jessica Trosman en la presentación de los cursos que brindó Central Saint Martins y London College en Buenos Aires. www.csm.arts.ac.uk 13 y14. Naima celebró la apertura de su nuevo local en Patio Bullrich con un desfile de su colección invierno 2012. www.naima.com.ar

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mundo creativo 037 branding y diseño

Texto: Diego Giaccone (*) Foto: Adriana Godoy

+ Una manera de conocer qué piensan sobre el diseño y los diseñadores los responsables de marketing de empresas exitosas, quienes deciden y compran diseño, buscando sumar valor a sus marcas y productos. La mirada del otro lado del mostrador.

Patricio Howlin | Puma Llevar la frescura del deporte al lifestyle Me reconozco fan y coleccionista de Puma; es por eso que esta entrevista me generaba muchas espectativas y ganas de saberlo todo. Puma es de esas marcas que provocan deseo y admiración, que estéticamente son impecables, y siempre están un paso adelante. Desde su Web, sus acciones o sus colecciones especiales con grandes personalidades de la moda. O el festival Puma Urban Art, que este año, ocupó la totalidad del Centro Cultural Recoleta de Buenos Aires, contó con la presencia de artistas internacionales como Ron English o Jeremy Fish, y que también actúa como mecenas de nuevos artistas.

Patricio Howlin es el gerente de marketing de Puma en Argentina, y una persona que, al instante, denota toda su gran experiencia en grandes marcas y empresas de consumo masivo, ya que trabajó para Danone, Molinos y SC Johnson, entre otras. En Puma, ha liderado más de 30 campañas y exitosas activaciones, como la

realizada con Martín Palermo, que le valió muchos premios, y que le aportaron grandes beneficios a la marca.

Pero lo que a mí me interesa en estas notas, es conocer el lado interno de los gerentes de marketing exitosos. Detectar ese diferencial único que poseen para llegar a esos grandes puestos en las grandes marcas. Patricio expresó una gran pasión por la estética y la imagen desde su infancia. A los cinco años, ya era un obsesivo del dibujo y la pintura. Los test vocacionales revelaban su inclinación por el arte; es así que estudió escultura, donde trabajó la volumetría, la madera, la arcilla: “Durante esas seis horas de taller, sentía que se detenía el mundo”, recuerda. “Luego estudié tres años de arquitectura, pero era demasiado estructural”, así que se decidió por el marketing.

Su vínculo con la carrera fue la inspiración y la creatividad que se aplica al manejo de marcas. Esa sensibilidad le permite detectar lo auténtico de Puma -el color, la frescura, la sorpresa-, y trabajar con esta marca tan visual, que respira inspiración todo el tiempo y exige transgresión, puntos de vista distintos, y necesidad de innovación, pero al alcance, ya que la marca tiene un valor identitario muy fuerte. La sustentabilidad está muy presente en Puma: innova desde la estética, pero desde el lado sustentable. Y entre los objetivos de Puma, está el de ser la marca más deseable y sustentable del mundo.

En su relación con las agencias, Patricio dice que se siente parte, y que entrar en una de ellas es adentrarse en un espacio de debate, pero también de sonrisa, de diversión. Arma primero el brief, y luego en la agencia se dejan los papeles, y se meten a trabajar en los “insight”.

Me interesa mucho saber qué hacen los gerentes de marketing para mantenerse frescos y no devorados por la vorágine de la gran empresa. En Puma, todos los años viajan a Alemania para ver lo trendy, y también recorren otras ciudades para alimentar su frescura, como Dublín y Barcelona. Patricio armó su propio equipo de seis personas, muy heterogéneo. Realizan encuentros cada dos meses, en donde cada integrante lleva un tema, no necesariamente relacionado con el negocio, sino también desde lo social, lo humano. En estos encuentros se analizan las tendencias, y también se respira frescura.

En los 90, llevando esa frescura del deporte al lifestyle (vida al deporte y deporte a la noche), de acuerdo a la visión de su CEO, se dio el resurgimiento de Puma, gracias al contacto con los diseñadores de moda, “siempre el artista tiene un punto de vista un paso más adelante que el resto”, remata Patricio que, según nos dicen, también es un gran jugador de ping pong.

MUNDO HOwLIN Una ciudad para estar. Barcelona Una ciudad para vivir. New York Una marca de tecnología. Apple Una película. Match Point (Woody Allen, 2005) Un auto. Jaguar Un deporte. Running Un producto de tu empresa. Puma Suede by Kozik

(*) Diego Giaccone es diseñador gráfico, director de SURe Brandesign. @diegogiaccone www.surebrandesign.com

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+ mundo creativo

agenda

+ Muestras/exPosiCiones/Ferias

15 al 23/09 London design FestivaL Festival anual de diseño Londres, Inglaterra www.londondesignfestival.com 27 al 30/10 Buenos aires Photo Exposición de fotografía Palais de Glace, Posadas 1725, CABA www.buenosairesphoto.com + Congresos/enCuentros/seMinarios

+ Mobiliario del estudio Pomada

14 al 20/06 Feria Purodiseño La edición número 12 de la exposición de diseño latinoamericano girará en torno al concepto de “inspiración”. Stands de diseño de indumentaria y accesorios de moda, joyería y artesanía contemporánea, equipamiento, objetos, diseño sustentable, arte e iluminación. También se contará con los espacios Puro verde, Espacio sustentable, Joyeros en acción, la Selección, y el Espacio de arte. A éstos, se sumará el Espacio del futuro, del que participarán reconocidos diseñadores con sus diseños inspirados en el futuro, y darán charlas sobre el tema. Se realizarán rondas de negocios nacionales e internacionales, seminarios, workshops, y se entregarán los premios PuroDiseño La Rural, Sarmiento 2704, CABA www.feriapurodiseno.com.ar

31/07 al 3/08 enCuentro LatinoaMeriCano de diseño 2012 Actividades de capacitación gratuitas (talleres, laboratorios, conferencias y mesas redondas) dictadas por profesionales del diseño y la comunicación de América Latina http://fido.palermo.edu/servicios_dyc/encuentro2010/ 31/08 al 2/09 PixeLations 2012 Séptima edición del festival de diseño gráfico, industrial y sustentable. Nuevas tecnologías, bandas, DJs y VJs sets, mapping, proyecciones, exposiciones, workshops, instalaciones, pintadas y fiestas Pabellón Argentina, Universidad Nacional de Córdoba www.pixelations.com.ar 12 al 14/10 triMarhidg 2012 El encuentro internacional de diseño grafico más grande de Latinoamérica Estadio Polideportivo de Mar del Plata www.trimarchidg.net

15/10 al 21/10 iCograda design Week saraWak 2012 Una plataforma para compartir e inspirarse, entre diseñadores locales e internacionales. El tema de esta edición es “Rediscovery”, y apunta a reconocer las prácticas de la población local www.icograda.org

+ ConCursos/ConvoCatorias

23 al 26/08 CaFira innova PriMavera 2012 XII Exposición Internacional de fabricantes e importadores de regalos y afines. Una selección de las mejores propuestas en artesanías, cristalería, cerámica, complementos para la mesa, decoración, iluminación, muebles y petit muebles, platería, regalos y textiles para el hogar Centro Costa Salguero, Pabellones 1 al 4 y Auditorio Av. Rafael Obligado y Salguero, CABA www.cafira.com

hasta el 18/06 art is MoBiLe Samsung invita al público a participar de este concurso, dirigido a todas aquellas personas que tengan ganas de expresar su creatividad. Se puede participar, subiendo en

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agenda

la Facebook Fan Page de Samsung Argentina, hasta 3 fotos de un paisaje, intervenidas artísticamente con tecnología. Éstas serán sometidas a la votación de todos los amigos de la página. Las 100 obras más votadas serán luego evaluadas por un impecable jurado de artistas, compuesto por Augusto Zanela, Claudio Roncoli, Alberto “Kaiser” Sosa, Dan Stroomer (Collage Lab), Ramiro Puebla y Federico González. Ellos serán los responsables de seleccionar las mejores 6 obras, las que serán exhibidas en la Tienda del Museo Latinoamericano de Buenos Aires (Malba), del 3 al 8 de julio. El ganador del primer lugar obtendrá como premio un viaje para dos personas a New York y una Galaxy Note.

Del segundo al sexto galardonado, también se llevarán una Galaxy Note, con la cual es posible sacar fotos, grabar o abrir contenidos, y editarlos con el lápiz digital S Pen www.facebook.com/SamsungArgentina

hasta el 22/06 adoBe design aChieveMent aWards 2012 El concurso, organizado por Adobe, reconoce la innovación de estudiantes y miembros de facultades de todo el mundo, y premia sus logros a la hora de combinar, de forma original y dinámica, el uso de la tecnología con las artes creativas www.adobeawards.com hasta el 27/06 red dot aWard design ConCePt 2012 Un concurso para profesionales del diseño, que pueden participar con sus conceptos, ideas y prototipos, de manera individual o en equipo. Las categorías para inscribirse son 21, y abarcan distintas ramas del diseño www.red-dot.sg

El concurso -que se realiza en simultáneo en Argentina, Brasil, Chile, México, Perú, Colombia, Ecuador y Venezuela- cuenta con dos etapas de premiación: a nivel nacional (que se realizará en paralelo en todos los países, seleccionándose los tres mejores proyectos, además de un favorito del público, elegido a través de Facebook), y a nivel internacional (se desarrollará en CasaCor, Santiago de Chile, y reunirá a los primeros lugares de cada país). El ganador de esta instancia obtendrá un pasaje y 1.000 euros para visitar una de las ferias de diseño más importantes del mundo, entre Colonia, París, Londres, Milán y Nueva York www.masisa.com.ar | contacto@masisa.com

hasta el 20/07 PreMio arnet a CieLo aBierto2012 –

esCuLturas e instaLaCiones Pueden participar artistas visuales argentinos de distintas disciplinas como la plástica, la fotografía y los medios audiovisuales, así como profesionales relacionados con el diseño, urbanismo y arquitectura, que deberán presentar sus proyectos de obras escultóricas o instalaciones urbanas para un espacio al aire libre de la ciudad de Rosario. El Museo de Arte Contemporáneo de Rosario (Macro) será el encargado de exhibir las obras finalistas. La obra ganadora será donada por Arnet a la Municipalidad de Rosario, para ser instalada en la Rotonda de Av. De la Costa y Av. Francia, Puerto Norte. Además, los diez primeros finalistas tendrán una mención honorifica, mientras que el primer puesto contará con una mención especial y $60 mil para el desarrollo de su proyecto www.arnet.com.ar | premioarnet@arnet.com.ar

hasta el 31/08 hiii iLLustration internationaL CoMPetition La plataforma online Hiii convoca a ilustradores, creativos profesionales, publicistas, agencias, estudiantes y profesores de todo el mundo, a participar con sus ilustraciones en dos categorías: “The Published” y “The Unpublished” www.hiiibrand.com hasta el 31/08 ConvoCatoria saLonesateLLite 2013 Diseñadores y arquitectos de hasta 35 años podrán presentar sus soluciones innovadoras de diseño, a través de proyectos, prototipos y propuestas, tendientes a encontrar empresas productoras. Hasta 3 fotografías deben enviarse por correo o por mail para ser evaluadas por el jurado de selección, que decidirá su participación en la próxima muestra SaloneSatellite, del 9 al 13 de abril 2013, en Milán www.cosmit.it |cghilardi@cosmit.it

+ Sillón Dumbo de Gisela Mónica Funes, ganador del concurso Masisa 2010

hasta el 29/06 diseñá eL Futuro Masisa Argentina invita a estudiantes de arquitectura, diseño y afines, a participar de la quinta edición de su concurso de diseño para estudiantes, que busca potenciar la gestión de los futuros profesionales y el desarrollo de la industria del mueble, incentivando la creatividad y la innovación tecnológica por medio del diseño. Los participantes deberán imaginar y diseñar un mueble del 2050, materializándolo a partir de la proyección de un RTA (Ready to Assemble), haciendo uso de los productos Masisa, que resulte estético y funcional, además de poseer factibilidad industrial e innovación.

hasta el 31/10 hiii PhotograPhy internationaL CoMPetition Fotógrafos, creativos profesionales, publicistas, agencias, estudiantes y profesores de todo el mundo a participar de este certamen, que se divide en dos partes: Published y Unpublished. La primera incluye trabajos encargados por agencias, en forma de editoriales, posters, avisos, CDs, paquetes, libros, revistas, entre otras; la segunda se trata de trabajos que no han sido encargados ni publicados previamente. Se elegirá 1 Gran Prix, 20 Best Works y 200 menciones. Todos estarán compilados en la app para iPad de Hiii Photography www.hiiibrand.com/competion | hi2012@hiiibrand.com

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+ mundo creativo

Texto: Laura Piasek @laurapiasek Foto: Gentileza Leopoldo

lugares

Leopoldo

Cocina con diseño El chef internacional Diego Gera, junto con su socio Javier Cainzos (fundador del Grupo Gastronómico Buenos Aires) son los mentores de esta propuesta, en donde la gastronomía se fusiona con el arte y el diseño, en un espacio sin desperdicio.

Una cocina de autor original, en un entorno dominado por una estética pop envolvente es la fórmula que explica el éxito de esta apuesta con nombre de hombre. Ubicado en el emblemático Boulevard Cerviño, en el barrio de Palermo, Leopoldo ofrece una experiencia gastronómica con aires internacionales.

La ambientación del lugar, en manos del director de arte y decorador Javier Iturrioz –quien ha trabajado para firmas de lujo como Kenzo y Givenchy-, se hace eco de un estilo sofisticado, que no presenta fisuras. Por su parte, la artista Cynthia Cohen, termina por definir la decoración lúdica del lugar, a través de un mural fresco y colorido, que viste a las paredes.

Además del chef propieteur Diego Gera, la troupe de la cocina se completa con el sous chef Javier Rodríguez, y el chef Renato Rosano, dos profesionales con experiencia en las cocinas más selectas del mundo. Sirviéndose de las últimas tecnologías, el equipo pone el acento en la frescura de cada uno de sus platos,

en los que los sabores europeos se fusionan con matices asiáticos.

En cuanto a la carta, la entrada invita a probar los “healthy finger food” y los “hot finger food”, piezas gourmet innovadoras.

Le siguen los “platos livianos”, y los “platos principales”. Para cerrar, los postres son otras de las especialidades de la casa. Con una capacidad para 65 cubiertos, el restaurant cuenta con boxes que privilegian la privacidad, livings con sillones, además de un jardín al fondo, ideal para las épocas más cálidas del año.

La barra, creada acorde a la atmósfera del lugar, además de ofrecer una gran variedad de piscos, Passion Sensation con maracuyá, Naranja en flor, y Old Sour con mandarinas, y selección de caipirinhas con quinotos, uvas verdes y ananá, cuenta con un cocktail con vodka Goose La Poire, especialmente creado por la bartender Mona Gallosi para Leopoldo. + www.leopoldorestaurante.com.ar

LEOPOLDO wEEKEND BRUNCH Ahora Leopoldo también tiene una propuesta para los mediodías del fin de semana. A partir de abril, el restaurante inauguró los DJ Brunch, los sábados y domingos, desde las 11 y hasta las 15hs. Los chefs Diego Gera y Renato Rosano ofrecen diversas opciones: viennoiserie, que incluye croissant, pan brioche o pain au chocolat, acompañado de infusiones, además de yoghurt con granola o waffles con frutilla. Para continuar, huevos revueltos con jamón, sandwich, ensalada o un principal, acompañado de limonada, jugo natural, copa de vino, o los clásicos cocktails del brunch: Bloody Mary, Garibaldi, Bellini y Mimosa. Todos los almuerzos son musicalizados por DJs residentes del restaurante. +

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Milan Design Week 2012

El diseño del mundo en un solo lugar La ciudad italiana de Milán es –indiscutiblemente- la meca del diseño de mobiliario y de objetos, de la que toda la comunidad mundial del diseño quiere y debe participar. Así quedó demostrado, una vez más, con la edición 2012 de la Milan Design Week, del 17 al 22 de abril. | Texto: Marcela Fibbiani @marce9010 Fotos: Gonzalo Fargas @gonza9010

¿DE QUÉ SE TRATA LA MILAN DESIGN WEEK? Siempre en el mes de abril, seis días durante los cuales la actividad comercial y cultural de Milán gira en torno al diseño. No sólo los italianos aprovechan la ocasión para desplegar toda su creatividad, apuntando a hacer valer el “Made in Italy”; la ciudad lombarda ya se convirtió en el lugar al que acuden todos los que están de alguna forma relacionados con el diseño, principalmente, para hacer negocios, y para dar a conocer sus empresas, sus productos, sus prototipos, sus ideas.

La Milan Design Week es donde las productoras muestran sus novedades, y van en busca de nuevos talentos; donde los diseñadores emergentes esperan conquistar a estas grandes productoras; donde diseñadores autoproductores buscan compradores al por mayor y/o menor, así como persiguen posibilidades para exportar; donde grandes empresas eligen hacer lanzamientos (como Ford con su Fiesta Kinetic Design Escape para el mercado italiano, o Mercedes-Benz y su nueva Clase A, o Nespresso y su nueva línea de máquinas de café Maestria); donde arquitectos y diseñadores llegan en buscan inspiración; donde público general participa, muchas veces, sólo en busca

de entretenimiento... Todas las excusas son válidas para disfrutar de esta fiesta del diseño.

A la vanguardia de toda esta movida cultural y comercial van i Saloni (los Salones), las tradicionales exposiciones internacionales del mueble que, en su 51 edición, presentan las novedades de las productoras de mobiliario y objetos más renombradas a nivel mundial, junto a las propuestas de los jóvenes diseñadores menores de 35 años en el SaloneSatellite y, este año, las muestra bianuales de baño y cocina. Todo esto, en el predio feria en Rho, en las afueras de Milán, junto a una serie de charlas y eventos en otras zonas de la ciudad.

Pero no todo se limita a los pabellones de la feria de Rho, sino que la actividad se extiende hacia distintos barrios, más o menos cerca del centro milanés (en donde se encuentran el Duomo –la catedralfrente a la galería Vittorio Emanuele II -que alberga tiendas de lujo e importantes bares y restaurantes-, y al teatro lírico La Scala).

Esto se conoce como Fuori Salone, o fuera de los salones, y está integrado por varios distritos de diseño.

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especial 043 Milan Design Week

+ Más de 300 mil personas participaron de la Milan Design Week.

El barrio más importante es Tortona, donde se instala la Tortona Design Week, un distrito de diseño que genera un recorrido entre las calles Tortona, Savona y Stendhal, y agrupa una amplia oferta de muestras en distintas locaciones, como galerías y showrooms -como el de Moooi, la productora holandesa dirigida por el diseñador Marcel Wanders-, con el Temporary Museum for New Design a la cabeza, en Superstudio Più, enormes galpones que durante el año se alquilan como sets de filmación y estudios de fotografía.

El Temporary Museum for New Design es un proyecto ideado por Gisella Borioli, con la dirección artística del celebrado diseñador italiano Giulio Cappellini, que fue sede de 30 muestras, con presentaciones a cargo de estrellas del diseño, como Italo Rotta para Samsung, el mismo Cappellini para Alcantara, Carlo Colombo para Cristalplant, los hermanos Campana para Cosentino u Oki Sato para Nendo. Además, alrededor de 90 nuevos diseñadores se presentaron en el Basement (sótano) de Superstudio Più, para sorprender con sus propuestas; mientras que exposiciones colectivas de mobiliario, objetos y accesorios para la vida cotidiana, apuntaron a difundir las bondades del diseño tailandés, sueco o polaco.

Otro de los distritos importantes, que en los últimos dos años creció notablemente, es Ventura Lambrate, desarrollado en una zona de universidades e institutos de enseñanza de diseño. Ideado por la Organisation in Design, un estudio dedicado a la gestión del diseño, ofreció un curado recorte de las más talentosas expresiones del diseño contemporáneo internacional, en especial, jóvenes promesas, prestigiosas instituciones y academias de diseño, y hasta diseñadores reconocidos (como el español Jaime Hayón, que instaló en esta zona su showroom milanés para exhibir sus bocetos, procesos y piezas finales), y la enorme muestra del hipermercado del mueble IKEA, siempre con el foco en proyectos de calidad, creativos y experimentales.

Brera Design District es otra de las zonas importantes, que agrupa una gran cantidad de showrooms de empresas italianas de larga tra-

Link a la nota: http://9010.co/milan12

yectoria, como Valcucine, Lago, Calligaris, Boffi, Magis o Moroso, que durante la Semana del Diseño mantuvieron sus puertas abiertas más allá de su horario habitual. Además, el espacio La Pelota albergó una muestra colectiva de diseño austríaco.

Los límites del BDD se extienden desde la murallas de Porta Nuova a via Broletto, desde via Legnano hasta los bordes de via MonteNapoleone (la avenida más lujosa de Milán), incluyendo edificios históricos y de importancia cultural, como la Academia de Bellas Artes, el Piccolo Teatro y la Basílica de San Simpliciano. BDD es un proyecto de Studiolabo y Marco Torrani. Este año, la via MonteNapoleone hospedó la muestra Auto-Mobile, compuesta por cinco casas de madera de color rojo, que presentaban ambientaciones con mobiliario que formó parte de iSaloni en los últimos 50 años. Custodiándolas, cinco automóviles íconos de Citroën.

Otras iniciativas también importantes que apuntan a revalorizar otras zonas de Milán son: Porta Romana Design (con 55 expositores en 17 locaciones), Porta Venezia in Design (con 24 puntos de interés, entre showrooms, tiendas y empresas que exponen sus novedades en diseño y arte), y la muestra Most, en el Museo de la Ciencia y la Tecnología, un proyecto del británico Tom Dixon, que planea convertir este espacio en el nuevo epicentro de la Milan Design Week, con la curaduría de Martina Mondadori y más de 30 expositores.

Otro imperdible es el Triennale Design Museum, cerca de la estación ferroviaria Cadorna que, además de presentar cada año, fantásticas exposiciones dedicadas al diseño en Italia (este año fue el turno de celebrar la tradición de diseño gráfico de la península), cede sus instalaciones para muestras temporarias durante esta semana. Este es el caso de las exhibiciones de alfombras Interface, la colectiva de diseño belga, e individuales (de diseño experimental del italiano Roberto Giacomucci, o de vajilla de porcelana del taiwanés Heinrich Wang).

En fin, ¡mucho para ver y disfrutar! +

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+ Sillón Twig de Patricia Urquiola para Kartell. www.kartell.it

iSaloni

Mucho más que tendencias Cada año, iSaloni reciben más de 300 mil personas, y esta edición no fue la excepción, ya que el número de visitantes aumentó un 3,5%, a pesar de la inminente crisis económica por la que está atravesando Europa. Durante la Milan Design Week, las puertas del predio ferial de Rho (el más grande de Europa) se vieron invadidas por un público ansioso por conocer las novedades en diseño de mobiliario, objetos y accesorios de decoración, compuesto por profesionales del sector, periodistas y, durante los últimos dos días de la feria, por todo el que quisiera visitarla.

En un contexto dominado por la crisis, las productoras de diseño siguen mostrando prudencia en cuanto a la generación de novedades, e insisten en revistar sus catálogos, reeditando aquellas piezas de éxito seguro, pero “aggiornándolas” en cuanto a materiales y tecnología, sumando acabados perfectos y detalles para deleitarse. Y si bien los diseñadores reconocidos siguen siendo convocados, estas empresas también apuestan -enhorabuena- a nuevos talentos y a diseñadores menos mediáticos. Pero también existe la tendencia a generar mobiliario neutro, sin tiempo, minimalista y funcional, que pueda adaptarse a distintos usos, y de precio accesible.

-con líneas suaves y limpias, casi austeras; y el uso de materiales naturales, como la madera natural o bien teñida de negro-; así como una meticulosa y casi artesanal forma de producción, que coquetea con el minimalismo japonés.

Este año, al catálogo de Ligne Roset se suman 100 nuevas piezas de 80 diseñadores, 25 de los cuales están trabajando con esta productora francesa por primera vez. Es evidente la influencia escandinava

Los valencianos de Andreu World, entre otras cosas, siguen apostando a ampliar la colección “Nub” diseñada por Patricia Urquiola, que suma nuevas versiones de butaca-trono y sofá de dos plazas,

Riva 1920 -dirigida por Davide y Maurizio Riva-, continúa generando muebles en madera de diseño atemporal, siempre utilizando madera certificada por la FSC (Forest Stewardship Council), que trata con colas vinílicas de bajísimos residuos químicos, que no dañan la salud del hombre.

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+ Silla Medici de Konstantin Grcic para Mattiazzi. www.mattiazzi.eu

+ Lámpara Bou de Vibeke Fonnesberg Schmidt para Normann Copenhagen. www.normann-copenhagen.com

+ Mesa rodante Chariot de GamFratesi para Casamania. www.casamania.it

+ Reposera Fedro de Lorenza Bozzoli para Dedon. www.dedon.de

+ Ambientaciones de Vitra en el Salón del Mueble. www.vitra.com

+ Candelabros Abbracciaio de Philippe Starck y Ambroise Maggiar para Kartell. www.kartell.it

realizados en madera maciza de haya y respaldo de varillas. Estas dos piezas ofrecen múltiples combinaciones de color en su estructura y tapizados. De la colección Andreu World Outdoor incorpora la silla plegable “Brisa”, obra de Lievore Altherr Molina, con estrutura de acero, disponible en colores blanco o marrón, y con asiento y respaldo de cintas de polipropileno.

ción denominada “Nuvola” (nube), compuesta por un maxi sillón y dos modelos de sofá, con una línea suave, apoyabrazos altos, y asientos bien profundos, con relleno de plumas de oca. Los textiles son algodón y lino, que se apoyan sobre una estructura que parece suspendida en el aire.

La diseñadora Paola Navone pensó para Gervasoni una casa alegre y delicada, poética y seductora, para la cual adaptó las colecciones ya existentes “Gray” y “Sweet”, cambiando materiales y virando la paleta de colores hacia el blanco, el negro y el gris, inspirándose en el mar. Utilizó textiles como linos, algodón, pana, y hasta denim. Las novedades de Gervasoni son tres nuevos productos de la colección Gray: un escritorio, una cómoda y un silloncito, además de la colec-

Por su parte, Meritalia festejó sus 25 años en esta edición 51 de iSaloni. Esta empresa familiar, fundada en 1987 por Giulio y Vanna Meroni (hoy gestionada por sus hijos, Stefano y Francesca), propuso un recorrido por sus diseños más reconocidos, haciendo especial hincapié en su colaborador estrella, Gaetano Pesce. La italiana Desalto amplía su sistema de mobiliario funcional y flexible “Helsinki”, diseñado por Caronni-Bonanomi. A la rica oferta de mesas y bibliotecas, suma nuevas soluciones para la casa, el outdoor y la

+ Velador Light-Air de Eugeni Quitllet para Kartell. www.kartell.it

+ Lámpara de escritorio MINI Taj de Ferruccio Laviani para Kartell. www.kartell.it

+ Diván Foliage de Patricia Urquiola para Kartell. www.kartel.it

+ Mobiliario de Zeitraum. www.zeitraum-moebel.de

+ Sofá Nuvola de Paola Navone para Gervasoni. www.gervasoni.it

+ Silla Serpentine de Éléonore Nalet para Ligne Roset. www.ligneroset.com

oficina: estantes que se cierran formando contenedores, cajones y separadores que le van versatilidad a las piezas, las que pueden asumir, así, diversas configuraciones.

Kartell presentó “Work in project” una exhibición con mobiliario y accesorios, obra de Philippe Starck, Piero Lissoni, Patricia Urquiola, Tokujin Yoshioka, Mario Bellini, Ferruccio Laviani, Eugeni Quitllet y Rodolfo Dordoni, entre otros, develando bocetos, prototipos y entrevistas a estos creadores, con el objetivo de desentrañar el proceso creativo de cada uno de ellos.

Para la firma de mobiliario outdoor Dedon, Lorenza Bozzoli diseñó una reposera denominada “Fedro”, de diseño ergonómico que, gracias a dos pequeñas patitas, permite balancearse hacia adelante y hacia atrás, usando las piernas y los pies para controlar el movimiento. Ligera, portátil, apilable y sumamente cómoda, es ideal para descansar en casa, en el jardín o al borde de la pileta.

La edición 2013 de iSaloni tendrá lugar en Rho Fiera Milano, del 9 al 14 de abril. + www.cosmit.it

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+ Sillón Take a soft line for a walk de Alfredo Häberli para Moroso. www.moroso.it

+ Butaca-trono Nub de Patricia Urquiola para Andreu World. www.andreuworld.com

+ Sillón Gray de Paola Navone para Gervasoni. www.gervasoni.it

+ Sillón de exterior Pavo Real de Patricia Urquiola para Driade. www.driade.com

+ La propuesta de cocina de Riva1920. www.riva1920.it

+ Biblioteca de Riva 1920. www.riva1920.it

+ Baño de Stocco. www.stocco.it

EUROCUCINA Y SALÓN DEL BAÑO Los salones EuroCucina y del Baño se realizan cada dos años, en el marco de iSaloni. A estos se suma FTK - Technology for the Kitchen, dedicada a los electrodomésticos de empotrar y las campanas extractoras.

mostraron no sólo innovadores productos que ya se pueden adquirir en el mercado, sino también prototipos y conceptos para el futuro. Principalmente, se apunta al ahorro energético, la funcionalidad, y a que todo pueda manejarse mediante smartphones, tablets o PCs, que se conectan por Wi-Fi.

EuroCucina ofreció propuestas para todos los gustos: desde las más clásicas a las más tecnológicas, poniendo el acento en el mix de materiales impensados, con detalles y acabados excepcionales.

En el sector de tecnología para la cocina o FTK, 30 empresas

El baño sigue siendo el lugar que deja de ser íntimo, para transformarse en un centro de bienestar psico-físico, cada vez más espacioso e importante dentro de la casa. En cuanto a los materiales, predominan el mármol, el ónix y las piedras naturales. +

Link a la nota: http://9010.co/isaloni

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+ Alfa Romeo presenta lo mejor del SaloneSatellite 2012, puro design y tecnología

SaloneSatellite Diseño y tecnología

El SaloneSatellite, dedicado al talento emergente, cumplió 15 años, y lo festejó bajo el lema “Design y tecnología”.

Este espacio es una plataforma de promoción para los diseñadores de todo el mundo, hasta los 35 años, y para universidades de diseño. Los participantes son elegidos por un jurado compuesto por reconocidos diseñadores, prensa especializada, y la propia curadora del SaloneSatellite, Marva Griffin.

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+ Sistema Arumi de Emmanuel Gardin para Krizalidstudio. www.krizalidstudio.com

+ Banco Bambi de Kamina & C. www.kamina-c.com

Con motivo de los 15 años que cumplió esta iniciativa, se invitaron a 15 diseñadores que ya han formado parte de este evento, para crear instalaciones relacionadas con el moto de esta edición, entre ellos: Sebastian Wrong, Nika Zupanc, Studio Juju, Big Game, Diego Grandi y Studio Adriano. Además, en el sector de conferencias, la curadora de diseño del MoMA, Paola Antonelli, expuso sobre la muestra “Talk to me. Design and the Communication between People and Objets”, exhibida en ese museo neoyorkino, sobre los sistemas, mecanismos y artilugios tecnológicos que facilitan y/o inventan un contacto entre las personas y los objetos.

Infaltable el concurso SaloneSatellite Award, que este año premió a tres productos que representaban a los sectores cocina y baño. El ganador del primer premio fue el español Raúl Lauri por su lámpara de mesa “Decafé”, de material biodegradable.

El segundo lugar quedó en manos de Wow, también españoles, por una garrafa de cerámica para enfriar el agua naturalmente, llamada “El Botijo”. El tercer premio fue para la mesa “Eramel”, laqueada con esmalte de bañera, de los suecos Hinnerud, Enoksson y Beldt.

Se destacó la presencia chilena, con un espacio que agrupó a

+ Mesa Usefuless de Jacky Wu Design. www.jackywu.tw

+ Lámparas de Made in Mimbre/Andes House. www.theandeshouse.com

jóvenes diseñadores, ansiosos de sorprender y cautivar al público. Entre ellos, el estudio Made in Mimbre/Andes House, que trabaja con las fibras naturales que desarrollan los artesanos de Chimbarongo y con las maderas nativas de los talladores de Villarrica, como también con metales del norte de Chile; Pro 2, con piezas que encajan y forman relojes, porta botellas y hasta lámparas listas para armar; o bien los amigos de gt2P, son su estantería “Cracked” o su banco “Suple”.

Lo notable de esta presentación, fue que se concretó gracias a un programa de la Dirección de Asuntos Culturales y ProChile del Ministerio de Relaciones Exteriores, el Consejo de la Cultura y las Artes, y con la colaboración de la empresa Masisa. Esto habla de una conciencia del estado chileno de apoyar al diseño en pos de lograr una marca país reconocible y apreciable en el mundo.

En el mismo sentido, empresas y nuevos talentos provenientes de las tres regiones belgas (Bruselas, Flandes y Valonia) volvieron a presentarse en conjunto, bajo el nombre Belgium is design, como vienen haciéndolo desde hace ya varios años. Así eligen promocionar su diseño, superando las barreras lingüísticas y culturales, y formando un estilo único, bajo una misma

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+ Alfa Romeo presenta lo mejor del SaloneSatellite 2012, puro design y tecnología

+ Floreros de Milia Seyppel. www.miliaseyppel.com Foto: Julian Mährlein

+ Lámpara de mesa Decafé de Raúl Lauri. www.rlauri.com

marca que los representa en el exterior. Un grupo se presentó en el SaloneSatellite, mientras que otras dos importantes muestras se exhibieron en el Triennale Design Museum. Destacamos las piezas de Pascal Breucker, con su colección de lámparas de porcelana y opalina, resultado de la combinación de distintas piezas olvidadas, que ensambla para conferirles una nueva función. También, el Krizalidstudio de Emmanuel Gardini mostró un sistema de mesas de aluminio que pueden ser utilizadas vertical u horizontalmente, son combinables entre ellas y pueden ser ubicadas de distintas maneras. Y Jonathan Honvoh y Rodrigue Strouwen del estudio TwoDesigners explotan las posibilidades del corcho en estéticas lámparas y livianas mesas bajas con delgadas patas de acero.

Bajo el nombre …Some German Designers, cuatro estudios alemanes –45Kilo, Milia Seyppel, Laura Straßer y Uli Budde- exhibieron delicados objetos de líneas puras y hasta arquitectónicas, como floreros de cerámica, lámparas de mesa y de pie, estanterías y mesitas.

Los que no paran de sorprender son los orientales, con un diseño funcional y de formas cercanas a la naturaleza, en materiales nobles, que inspiran tranquilidad y, muchas veces, poseen cierto contenido lúdico. Es el caso de la oficina Kamina & C. Sus integrantes, provenientes de Japón, robaron más de una sonrisa a los visitantes del SaloneSatellite con su banco “Bambi” (que recuerda al simpático personaje de Disney), o su conjunto de salero y pimentero “Kokeshio-kosho”, que representan dos karatecas con

+ Salero y pimentero Kokeshio-kosho de Kamina & C. www.kamina-c.com

expresión de preocupados.

Del distrito chino Yuhang, los diseñadores Zhang Lei, Christoph John y Jovana Bogdanovic del estudio From Yuhang se proponen revivir la tradición de su lugar de origen. Fusionan tradicionales técnicas artesanales y se sirven de materiales como el papel de bamboo, la porcelana y el hilo de seda, para conjugarlos en piezas de mobiliario con un claro lenguaje de diseño moderno, que son un placer para los sentidos.

De Taiwan, Jacky Wu –ganador de importantes premios internacionales como IF y red dot, y titular del estudio Jacky Wu Design, con base en Taipei- se especializa en muebles de uso cotidiano, a los que les imprime asombros detalles, como en su mesa “Usefuless”, lograda con la recuperación de cuatro floreros de cerámica de distintas formas, pero idéntica altura, que cortó verticalmente y dispuso de adentro hacia afuera para formar cada una de las patas, las que unió con una tabla.

Otra novedad es que el catálogo con toda la información de los expositores del SaloneSatellite puede consultarse online, y posee una nutrida cantidad de imágenes e información. Está disponible como app en el iTunes Store con descarga gratuita, y en formato e-book en la Web de Cosmit. Y ya está abierta la convocatoria para participar del Salone 2013: hasta el 31 de agosto, los diseñadores de hasta 35 años, pueden enviar fotos de sus prototipos, que serán evaluados por el Comité de selección a mediados de octubre. + www.cosmit.it/it/salonesatellite

+ 051 Senza cuore saremmo solo macchine

+ Stand de Federico Churba en el SaloneSatellite. www.federicochurba.com.ar

FEDERICO CHURBA: UN ARGENTINO EN MILÁN El diseñador Federico Churba fue el único argentino en el SaloneSatellite, que por tercera y última vez (ya que se admiten sólo tres participaciones por diseñador) presentó su nueva colección de mobiliario, que incluye lámparas, mesas, una silla, un sofá y una estantería. La lámpara de techo “Punto y Coma” rinde un homenaje a la lámpara Parentesi de Achille Castiglioni, y puede tener distintas alturas. En hierro y cuero, la estantería “Chocolate” permite distintas posibilidades de uso, gracias a sus estantes con tres medidas y dos alturas distintas, además de accesorios como paneles frontales y sujeta libros, que suman versatilidad a la pieza y la transforman en biblioteca. + ¿Cuál es el balance (económico y profesional) luego de presentarte durante tres años seguidos en el SaloneSatellite?

FC En el plano profesional, significa un crecimiento inmenso poder tener mis diseños en producción por empresas europeas y otras partes del mundo. El balance económico da negativo en lo inmediato, pero tengo previsto alcanzar el punto de equilibrio en el 2014. + ¿Cuáles de tus productos tuvieron más éxito? ¿A qué pensás

Link a la nota: http://9010.co/SaloneSatellite

que se debe?

FC Es difícil de medir aún. Varios de los productos no comenzaron a comercializarse todavía, o acaban de comenzarse a producir. En otro terreno, que no sea el de las ventas, la lámpara “Hanoi” es, sin dudas, la más exitosa, en términos de difusión, prensa e interés. + ¿Cuáles son los valores que creés buscan las productoras en los muebles y objetos?

FC Imagino que cada empresa buscará valores diferentes, pero algo en común entre las empresas con las que estoy en contacto, es que valoran el nivel de desarrollo al que llevamos los proyectos en el estudio. Al trabajar en contacto con la producción, muchas de nuestras piezas ya fueron “ingenierizadas”, y eso ahorra algunos pasos. + ¿Qué necesita un joven diseñador argentino para competir en el exterior?

FC Hacerse ver. Tener en claro que los empresarios de todo el mundo necesitan y esperan recibir novedades, y la única forma de que las reciban, es si se las mostramos. + www.federicochurba.com.ar

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+ Atelier Brückner puso en escena el nuevo mobiliario de la productora Kusch+Co en Superstudio Più. www.atelier-brueckner.com | www.kusch.co

Fuori Salone

El diseño invade Milán La Milan Design Week se extiende también hacia otras zonas de la ciudad, como Tortona (con el Temporary Museum for New Design en Superstudio Più como principal locación), Porta Romana, Brera, Porta Venezia, Ventura Lambrate y el Triennale Design Museum.

TEMPORARY MUSEUM FOR NEW DESIGN Los estudios de Superstudio Più se transforman, durante la semana del diseño milanés, en el Temporary Museum for New Design, principal espacio de la Tortona Design Week, dando lugar a marcas internacionales, diseñadores, y miles de visitantes, que llegan para dejarse sorprender por sus propuestas siempre novedosas.

Foscarini, Moroso y Scavolini), además de presentar objetos y mobiliario para la casa en general, se centró en una propuesta de Social Kitchen. Especialmente invitado, el diseñador japonés Oki Sato del estudio Nendo, montó una instalación totalmente en vidrio y casi líquida, denominada “Still & Sparkling”, en colaboración con Lasvit.

Este año, el evento propuso como línea conductora, contar una historia -con un recorrido especialmente organizado-, para reflexionar sobre del diseño, gracias a una instalación gráfica del artista Flavio Lucchini. Además, en este espacio se presentaron, entre otras, las sugestivas instalaciones de Samsung (con realidad aumentada), de Canon - Neoreal (con proyecciones y música), y de Foscarini (con luces y sonido).

Mayormente dedicado a los jóvenes talentos de todo el mundo, el “Basement” de Superstudio Più fue una invitación a descubrir el trabajo de 43 diseñadores italianos e internacionales, así como los 24 ganadores del concurso “Ilide”, dedicado a las luminarias, que se suman a los 20 diseñadores del proyecto Museo de Papel (pequeños objetos pensados para ser vendidos en las tiendas de museos italianos, con la curaduría de Aliantedizioni y el apoyo de Superstudio Più). + www.superstudiogroup.com

La línea para la casa de Diesel (realizada en colaboración con

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especial 053 Milan Design Week

+ Diesel presentó su línea para la casa, realizada en conjunto con Scavolini. www.diesel.com

MONTENAPOLEONE DESIGN EXPERIENCE BY CITROËN Auto-Mobile se llamó la exhibición a lo largo de la calle más exclusiva de Milán, la via MonteNapoleone, que presentó cinco casas pintadas de rojo (el color que representan a iSaloni), cada una de ellas dedicada a una de las cinco décadas que cumplió este importante evento milanés, y ambientada con piezas de mobiliario y objetos que formaron parte de los salones en esas oportunidades. El común denominador fue un televisor que transmitió imágenes, sonidos y noticias relativas a cada época. Como custodiando cada una de estas casas, un modelo de Citroën de alta gama: desde el DS hasta el XM, el DS5 y el más reciente de la línea DS. Este proyecto del arquitecto Piero Russi, en colaboración con Carolina Visivoccia (encargada de la investigación sobre los interiores) presentó, en primer lugar, un salón pop de los años 60 (con el nacimiento del plástico y formas flexibles). Luego siguió un salón de los 70, con mobiliario que se simplifica y persigue la funcionalidad. Para la década del 80, se prioriza la belleza en detrimento de lo funcional; mientras que en los 90, el minimalismo es el dominante. En el 2000, el espacio se abre y desestructura con objetos multifuncionales, firmados por reconocidos diseñadores. + www.citroen.com

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+ TDM5: gráfica italiana

Triennale Design Museum Gráfica italiana y más

El museo de diseño de la ciudad de Milán, el Triennale Design Museum, aprovechó la Semana del Diseño para inaugurar “TDM5: grafica italiana”, una exposición de diarios, avisos publicitarios, packaging, revistas, libros, afiches, films y videos, identidades visuales y todo tipo de objetos gráficos de diseño italiano, que permanecerá abierta hasta el 24 de febrero de 2013.

Esta exposición pone el foco en el mundo del diseño gráfico italiano, con obras de importantes figuras como Albe Steiner, Franco Grignani, Bruno Munari, Bob Noorda, Armando Test y Massimo Vignelli, que han acompañado el éxito de las mayores empresas italianas, e influido notablemente en la vida cultural de la península itálica. Teniendo en cuenta la historia del diseño gráfico italiano y sus momentos claves, TDM5 parte de la revolución tipográfica futurista, ofreciendo también algunas aperturas sobre la tradición de los siglos anteriores, así como la producción más reciente, presentando el gran patrimonio de producción gráfica de los diseñadores gráficos italianos en su amplia variedad. La curaduría del proyecto estuvo a cargo de Giorgio Camuffo, Mario Piazza y Carlos Won, y la ambientación fue tarea del diseñador Fabio Novembre.

El resto de sus salas albergaron otras muestras, igualmente interesantes, como la de porcelanas de Heinrich Wang para la

taiwanesa NewChi; o la del italiano Roberto Giacomucci, sobre objetos cotidianos, bocetos y notas inspiradas en la idea de experimentar y el difícil, pero estimulante, proceso de proyectarlos; o el homenaje al grupo histórico Pas, D’Urbino y Lomazzi, a través de una selección de piezas emblemáticas, que pone de relieve la importante contribución en la historia del diseño italiano desde el punto de vista de la investigación y la experimentación, y que se extiende hasta el 17 de junio.

Además, la productora de paneles de vidrio Lasvit expuso “Liquidkristal”, una instalación del galés Ross Lovegrove, que invitaba a recorrer un pabellón de cristal de formas sinuosas; mientras que la creadora de alfombras Interface mostró su nueva colección “Metrópolis”, con una espectacular instalación a cargo del arquitecto Francesco Maria Bandini. + www.triennaledesignmuseum.it

Link a la nota: http://9010.co/Triennale

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especial 055 Milan Design Week

+ Instalación de alfombras Interface en Triennale Design Museum, idea de Francesco Maria Bandini

+ Colección de alfombras Metrópolis de Interface

INTERFACE: RECORRIDO ALFOMBRADO Paneles irregulares revestidos de coloridas alfombras generan un recorrido laberíntico, enigmático y ameno para el público que, sorprendido, no para de sacarse fotos aprovechando las distintas perspectivas que genera este espacio, diseñado por el reconocido arquitecto y diseñador gráfico italiano Francesco Maria Bandini, para presentar la colección “Metrópolis” de la empresa Interface, especialista en diseño y fabricación de alfombras modulares.

Por segunda vez en el Triennale Design Museum, Interface eligió la Milan Design Week para sorprender con lo que mejor sabe hacer: atractivas e innovadoras alfombras sustentables, ya que una tercera parte de la colección Metrópolis contiene 100% de hilo reciclado, hecho de desperdicios industriales, como los que se usan en redes de pesca e hilo de alfombras modulares que se

Link a la nota: http://9010.co/InterfaceMilan

ha reciclado a través del programa de sustabilidad de la propia empresa. A su vez, muchos de sus productos incluyen beneficios ambientales adicionales del programa de compensación de carbono, y un diseño no direccional para menor desperdicio y rapidez en la instalación.

“La nueva colección es Interface en su versión más atrevida y llamativa, con diseños atmosféricos que reflejan un estado de ánimo y misterio de un nuevo mundo más valiente. Los productos son todo lo que los clientes han esperado de nosotros –vistosos e innovadores, al mismo tiempo que funcionales. Esperamos que inspiren el interiorismo más dramático y evocativo”, aseguró Nigel Stansfield, vicepresidente y chief innovations officer de Interface, Inc. En Argentina, las alfombras Interface –aptas tanto para la casa como para el mercado corporativo- se venden a través de Kalpakian, su revendedor exclusivo. + www.interfaceglobal.com | www.kalpakian.com

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+ Banco Gravity de Jólan Van der Wiel. jolanvanderwiel.nl

Ventura Lambrate Un nuevo paso

En su segundo año, Ventura Lambrate se posiciona entre los escenarios que reúnen a jóvenes profesionales con propuestas de valor conceptual y experimental en el camino hacia su consolidación profesional. | Texto: gt2P www.gt2p.com

Cuando comenzamos a participar en ferias internacionales de diseño, en lo primero en lo que pensamos fue en las oportunidades de acercarnos a productores, distribuidores y medios de comunicación. Una vez allí, entendimos que, alrededor de las grandes ferias, hay numerosos eventos que toman la ciudad, e incluso, algunos resultan una potente fuente de inspiración.

los sistemas automatizados de corte y plegado, está presente en todos los componentes del objeto.

Durante la pasada Semana del Diseño de Milán dos eventos llamaron especialmente nuestra atención: la exhibición del inglés Tom Dixon en Most y la del estudio japonés Nendo en Superstudio Più. Ambas dieron cuenta de la madurez y el profesionalismo de estos diseñadores.

Nendo, con las colecciones “Innerblow” y “Overflow”, explora las relaciones entre el vidrio soplado y un contenedor. En la primera, varios sopladores de vidrio intervienen simultáneamente en un marco de acero, para dar forma a un asiento que contiene volúmenes de cristal que colisionan de manera espontánea. En la segunda, un marco de acero con bordes interrumpidos es llenado con vidrio soplado, el cual sale por los espacios vacíos de manera que, la forma final de la mesa, es definida por la tensión del material y el soplido del ejecutante.

Tom Dixon presentó su colección de lámparas “Luminosity”, manufacturadas en planchas metálicas plegadas y perforadas. El alcance del diseño en cada pieza, desde la forma general hasta

Ambos casos nos resultaron especialmente atractivos porque, a pesar de la espontaneidad que manifiestan, ponen en evidencia un trabajo preciso en lo conceptual y en lo material. Esta cla-

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especial 057 Milan Design Week

+ Happy Misfits de Rutger de Regt. www.rutgerderegt.com

ridad de pensamiento, métodos y resultados son sólo un par de ejemplos que aportan a la evolución de un estudio joven durante la Semana del Diseño.

Entre los espacios de Fuori Salone, Ventura Lambrate se posiciona como una de las mejores plataformas para diseñadores independientes, que desean comunicar su proyecto a una audiencia profesional. La ausencia de marcas consolidadas permite visibilizar exclusivamente estas nuevas propuestas. Entre sus expositores, destacan aquellos que logran reunir una sólida base conceptual y el manejo experto de procesos propios. Hay cuatro de ellas que queremos resaltar.

El banco “Gravity”, del diseñador holandés Jólan Van der Wiel.

Para lograrlo, su creador diseñó una máquina con platos metálicos cargados magnéticamente, que hace reaccionar una mezcla de resinas plásticas y polvo metálico, que dan forma a las patas y el asiento. Cada estructura que se obtiene es única, gracias a la atracción magnética entre los polos. Transforma un fenómeno natural en una herramienta de fabricación.

“Happy Misfits”, del holandés Rutger de Regt, es una serie de asientos basados en la idea de la manipulación directa de un molde, para crear piezas únicas. Dentro de un globo, inserta pequeñas bolas de poliestireno, y va creando formas redondeadas, con ayuda de correas y sus propias manos. Luego, introduce

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+ Florero P.O.V. del estudio Nightshop www.intothenightshop.nl

vapor para calentar el molde y, finalmente, succiona el aire del interior para solidificar la forma.

La sencillez del proyecto “Free concret” del estudio israelí Itar Bar-on se mantiene igualmente en la línea experimental, con la exploración de las posibilidades de doblado de placas de hormigón, para crear formas libres, ligeras y arriesgadas.

Finalmente, “P.O.V.” es un florero que cambia de colores al moverse a su alrededor. Sus creadores, del estudio holandés Nightshop, señalan que “la magia” ocurre, porque el revestimiento de plástico transparente y rugoso altera el punto de vista (Point Of View) de la superficie del florero, generando también el cambio de color.

Por nuestra parte, este año, tuvimos la oportunidad de experimentar dos escenarios diferentes. Estuvimos en el SaloneSatellite, con una iniciativa de diseño chileno promovida por organizaciones gubernamentales, y en Ventura Lambrate, con la colección “Digital Crafting”, a la que incorporamos un nuevo juego de repisas que mezclan las teselaciones geométricas del sistema “Cracked”. Acá hemos cerrado un ciclo que consolida nuestra base conceptual y nuestra metodología de trabajo y que, en adelante, pretendemos explotar, con ejemplos a la altura de Tom Dixon y Nendo. + www.venturaprojects.com

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+ El francés Marc Aurel utiliza cerámica en la colección Onda de mobiliario outdoor para Mobil Concepts. www.metalco.fr

Diseño internacional Todos se muestran en Milán

Con esta edición de la Milan Design Week, quedó más que claro que la ciudad italiana se convirtió en un lugar de privilegio para exhibir las novedades en materia de objetos y mobiliario a nivel mundial. Y fue notable cómo numerosos países optaron por tener presencia en el evento, agrupando distintos representantes (emergentes y de amplia trayectoria) de sus latitudes. Una decisión a nivel gubernamental, entendiendo que el diseño es una porción importante de sus economías.

DISEÑO FRANCÉS El diseño francés apostó a la Tortona Design Week para presentar en el pabellón Visconti, un total de 150 prototipos, proyectos y nuevos productos, junto a diseñadores ya establecidos y también emergentes. Muebles seleccionados por sus características innovadoras desde el punto de vista de los materiales, la técnica de construcción experimental o producción industrial, o bien por su acercamiento con la sustentabilidad.

Además, 8 escuelas superiores de arte y diseño francesas bajo una muestra colectiva, presentaron 42 proyectos desarrollados a partir de los conceptos de convivencia, sociabilidad, comunicación

e intimidad, respondiendo con una gran variedad de propuestas, a veces realistas, a veces irónicas o provocativas, que demuestran cómo el diseño puede influir no sólo en el día a día de las personas, sino también en sus comportamientos colectivos. Aquí, la atención a la sustentabilidad también es destacable. La sección “Material Matters” propuso un recorrido centrado en los materiales y la búsqueda de nuevos horizontes que se abren al diseño y la arquitectura; mientras que el sector “Les Éditeurs” presentó las novedades de una selección de 15 empresas francesas que apostaron a la innovación y al diseño, produciendo lámparas, objetos y mobiliario. + www.francedesign.eu

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especial 059 Milan Design Week

+ Mobiliario para animales de Chimére. ww.bloomroomstudio.com

+ Sillón Jaguar de Mariana Betting Ferrarezi y Roberto Hercowitz. www.em2design.com.br

+ Tricycle chair de Zheng Taokai.

+ Relojes Newold de Bruno Novo Verschleisser. www.doppel.com.br

DISEÑO CHINO En 2009, la capital de China hospedó el Congreso Mundial de Diseño de Icograda y, aprovechando la ocasión, se realizó la primera Beijing Design Week. Y como una extensión de este evento anual, es que presentó “Slow Seating” en el pabellón ex Ansaldo de Zona Tortona, una exhibición de diseño chino contemporáneo, tendiente a explorar la relación entre desarrollo y patrimonio, tecnología y artesanía, en el actual contexto chino, a través de una selección de piezas de mobiliario para sentarse, relajarse y descansar, obra de diseñadores de distintas edades y trayectorias.

DISEÑO CARIOCA Es el cuarto año que el estado de Río de Janeiro se presenta en Milán, bajo el título “Río+Design”, presentando un panorama del diseño carioca, con la curaduría de Guto Indio da Costa. La ciudad que en junio próximo será sede de la Cumbre Río+20 para reflexionar sobre un futuro sustentable para nuestro planeta, propuso casi 30 objetos y proyectos gráficos, obra de 23 diseñadores, que dan cuenta de propuestas innovadoras, de fuerte carácter expresivo, investigación y uso de técnicas avanzadas, que no descuidan el aspecto ecológico.

Lejos de la imagen que hoy tenemos de China, con la producción en masa y las falsificaciones, Slow Seating develó otro costado de esta realidad: la riqueza y diversidad de la cultura china del momento, traducida en una galería de asientos en donde la línea curva y el uso de materiales naturales fueron protagonistas. + www.bjdw.org

Ejemplo de esto es la silla “Marajó” de Carlos Alcantarino, que posee una estructura de tubos metálicos revestida con junco natural, tejida con motivos que recuerdan a aquellos de las típicas cerámicas Marajoaras del Amazonas. O en un plano más pop, los relojes de pared con péndulo “Newold” de Bruno Novo Verschleisser, de formas orgánicas y fluidas, que en distintos colores (cyan,

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+ Sofá Jambo de Saša Mitrovic para SCS Plus. www.scsplus.co.rs

DISEÑO SERBIO La exposición promovida por la agencia gubernamental SIEPA (Serbia Investment and Export Promotion Agency) llegó a la Milan Design Week con el objetivo de difundir e impulsar la innovación que caracteriza la actual escena del diseño contemporáneo en Serbia. Es por eso que no sólo seleccionó a los diseñadores que se presentaron, sino que los vinculó con empresas productoras, que se encargaron de la realización de las piezas, las que incluyeron en sus catálogos de venta. Convencidos del poder de la unión entre los diseñadores y la industria, la propuesta “Creative Space Serbia” fomenta la renovación y la experimentación, favoreciendo a aquellos proyectos multifuncionales para el uso cotidiano, que dan respuestas a problemáticas como la falta de espacio, haciendo uso de tecnologías de bajo impacto y de materiales locales.

+ Sistema modular de Mirko Tattarini_Serbian Furniture Cluster para SCS Plus. www.scsplus.co.rs

magenta o amarillo) y materiales (plástico o madera), pueden adaptarse a cualquier hogar contemporáneo. + www.riomaisdesign.com.br

El sofá modular “Jambo”, del diseñador Saša Mitrovic y producido por la compañía SCS Plus, estimula la creatividad del usuario, invitándolo a jugar con las distintas configuraciones que propone.

Las cuatro estructuras de base, realizadas en madera, se combinan con doce tipologías diversas de almohadones en poliuretano expandido que, encastrándose sobre el respaldo o entre sí, dan vida a una chaise-longue, una lounge chair, un canapé o un pouff.

La amplia posibilidad de personalización se acentúa gracias a las combinaciones cromáticas de las partes. + www.creativespaceserbia.com

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+ Poufs Trefle de Piotr Kuchcinski para Noti. www.noti.pl

DISEÑO POLACO Dentro del Temporary Museum for New Design de Zona Tortona, la extensa muestra “Polish Design. Design from Wielkopolska”, organizada por el gobierno de esa región de Polonia, dio cuenta de una porción de la economía polaca, relativamente joven, pero sumamente creativa e innovadora, que es el diseño. En Wielkopolska, aspiran a ser reconocidos en innovación y, en este sentido, el diseño es uno de los factores importantes para ellos, ya que han comprendido la importancia de estimular una unión sólida entre el diseño industrial y los principales sectores productivos, que favorezca la competitividad de las marcas polacas en el exterior, prestando suma atención a la calidad.

El diseño de la región Wielkopolska posee profundas raíces en la tradición artesanal, y busca una identidad moderna, capaz de satisfacer las exigencias del mercado nacional y mundial, considerando las problemáticas ecológicas. Para favorecerlo, en esa región, se ubican numerosos institutos de enseñanza del diseño, y cada año se realizan allí dos importantes eventos: la feria del mueble Meble Polska Furniture Fair y arena Design, y hasta el gobierno edita su propia publicación de diseño, la revista innowacje&design_pl, en polaco e inglés, que se distribuye gratuitamente. + www.wielkopolska-region.pl www.meble.mtp.pl + Perchero Seven de Tomek Rygalik para Profim. www.profim.eu

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| Foto: Carola Danza

personas creativas

+ 063 diseño

Juan Pablo Cambariere Artesano digital

Es escultor y diseñador, un artista sensible y comprometido. Combina grandes proyectos como las marionetas de madera con el trabajo semanal en Página 12, donde crea las tapas del suplemento No, y dando forma a tapas de libros y discos. No le teme a la hoja en blanco, y aprovecha los espacios vacíos para generar diálogos con el público. | Texto: Leila Mesyngier

Juan Pablo Cambariere prende el interruptor, y las tres marionetas que cuelgan de una pared del living de su casa cobran vida. Se mueven de formas distintas, como si cada una tuviera su propia personalidad, sus propias limitaciones y fallas. Una tiene ojos redondos que miran a ambos lados, la otra parece que reza, y la tercera no tiene cabeza. Las tres son parte de su estudio sobre el poder, un ensayo en el que trabaja desde que era alumno de Enio Iommi, uno de los grandes escultores argentinos.

Comenzó como ayudante del taller de alumnos, continuando la obra y la filosofía del maestro. Pero luego de seis años de armar piezas individuales, abstractas, mecánicas, con paneles móviles y partes que interactuaban, comenzó a darle forma a su propia obra. “Empecé a pensar qué era lo que a mí me inquietaba, qué me preocupaba, y qué quería trabajar, y era ese vínculo, ese contrato social, nuestra

doble moral argentina. Es un tema que me genera mucha angustia y preocupación desde siempre”, cuenta el artista.

Entonces, cansado de la chatarra (“está muy buena, pero te agota, porque siempre ya está dado”) y las formas abstractas, su obra dio un giro. “En cuanto a los materiales y al lenguaje, me volqué a la madera y a cierta visión o estética minimalista. Conceptualmente, me parecía interesante trabajar con marionetas por la obviedad que tienen. En cierta forma, iba a trabajar la manipulación, el poder y los vínculos. Entonces están los hilos, la figura humana… Era obvio, y a la vez era interesante, poder generar algo nuevo”, dice convencido, con tono amable.

El resultado es un proyecto a largo plazo, que muestra “las ausencias, los espacios en blanco”, faltas que dan lugar a que el que mira

+ Tapas del suplemento semanal No del diario argentino Página/12. Realizadas en equipo con distintos editores.

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+ las complete. A las marionetas siempre les falta algo: la cara, la cabeza, un brazo o los ojos, pero en conjunto, crean un diálogo. Entre Buenos Aires, Nueva York y Berlín se mueven sus marionetas y otras de sus creaciones, que son exhibidas en museos y galerías de arte.

En su primera exposición local, el escritor argentino Alan Pauls le escribió en el texto de presentación “aquello que la mano le presta a la cabeza y la cabeza le presta, le ordena o le da a la mano”.

“Creo mucho en el diálogo entre el hacer y el pensar, y me gusta mucho el diálogo que proponen los materiales analógicos”, define.

Una línea en la computadora es similar para todos, un pedazo de madera cortado por uno, se convierte en una pieza única, con sus vetas, con sus huellas digitales, sin ángulos rectos ni partes iguales.

“Por eso, la madera sirve para hablar de la identidad de la Argentina”, asegura.

La creación escultórica que realiza en su taller, busca despertar la mirada ajena, y canalizar sus propias preocupaciones. “Mi obra es para tocar, para jugar. Yo veo qué es lo que hace el público con las marionetas, veo que hacen cosas que a mí no se me hubieran ocurrido, que las mueven de formas distintas”, reconoce, y recuerda sonriente que sus hijas – y los niños en general- también tienen una relación particular con ellas.

Es, sin dudas, un proyecto a largo plazo. “Si bien la construcción de mi trabajo editorial, si lo ves como algo global, también puede ser entendida de esa forma, cada pieza es individual, cada libro, cada disco. En cambio, el proyecto sobre el poder, la manipulación y toda la dialéctica social es más largo, tiene muchas facetas, y tengo otra libertad y otras limitaciones”, reconoce.

COMBINACIÓN DE CIRCUNSTANCIAS Juan Pablo tiene capacidad para adaptarse a los cambios: de materiales, de tecnologías, de estrategias, de la vida cotidiana. De artista y creador, pasa a ser docente y conferencista. Le preocupan la libertad y las limitaciones, pero las transforma en recursos para crear, las usa para tomar decisiones. Por eso, su trabajo es un gran abanico, en el que combina las marionetas de madera y las herramientas del taller con el diseño editorial de libros, discos y del suplemento No de Página 12.

“Creo que diseñar, diseñamos todos, porque es tomar decisiones, simplemente. Pero al mundo del diseño profesional llegué de casualidad. Estaba bastante perdido, tenía conflicto con el tema de la vocación, e ingresé en dos carreras: Diseño Gráfico en la Universidad de Buenos Aires y Bellas Artes en el Instituto Prilidiano Pueyrredón, que ahora es el IUNA, además de trabajar para Iommi”, recuerda.

A partir de entonces, fue encontrando en ambas disciplinas, cosas que le gustaban hacer, y hoy disfruta tanto de su trabajo escultórico,

como de hacer tapas de libros. “Hay que tener vocación por la vida, entusiasmo por lo que uno hace todos los días. Yo tengo una relación bastante buena con el trabajo, y creo que en todos los trabajos, independientes o en una oficina de 9 a 18, uno tiene que ser creativo”, asegura.

Todos sus recursos los pone en juego cuando diseña la tapa y las páginas interiores del No. Se trabaja con dos géneros básicos: el reportaje con foto, y las notas más “retóricas”, se discuten los objetivos de comunicación, qué se quiere decir, y se utiliza un lenguaje que ya es código para los lectores.

En el diario, dice, “hay muchísima libertad intelectual y de trabajo, es un lugar ideal para laburar, pero tiene muchísimas limitaciones tecnológicas, técnicas: no hay Internet, y hasta hace algunos años, tampoco ciertos programas de diseño o herramientas que para cualquier alumno de Diseño 1 en la facultad es común tener”.

De libertades, tiempos y limitaciones se arma Cambariere para crear en apenas dos o tres horas los dibujos y diseños del suplemento, para concretar seis tapas de libros, una de un disco y la gráfica de un hotel, en apenas un mes. “A mí nunca me incomodó ni le tuve miedo al vacío, a la hoja en blanco. En Bellas Artes, está ese terror a la tela en blanco, pero a mí nunca me pasó. Me genera, en cambio, un entusiasmo desmedido, me encanta. Que me digan que hay un libro nuevo me encanta, me entusiasma laburar, me parece muy divertido, y pienso que me puede quedar buenísimo. Cuando me dicen el título, ya estoy pensando ideas”, confiesa.

Cuando le toca la tapa de un libro, previa conversación con el editor, se dispone a dibujar. No lo hace a mano: el oficio y la experiencia lo conducen directo a la computadora, donde el proceso es bastante inmediato: el editor y el autor quieren ver la idea hecha. “Casi todo lo que hago es collage. A veces se entiende y es evidente, y otras, se trata de un composición, y se busca que no se entienda tanto. Compongo en base a fotografías que puedo sacar yo, o que compro de un banco de imágenes. Pero no tengo un estilo gráfico; eso lo aprendí de Alejandro Ros, uno de mis maestros. Si no te subís a la moda y los estilos, no pasa de moda lo que estás haciendo”, advierte. + Además de Ros y de Enio Iommi, ¿qué otros artistas te despiertan admiración o influyen en tu trabajo?

JPC Siempre me gustaron mucho el período histórico de comienzos del siglo XX, las vanguardias, el suprematismo, el dadaísmo, el constructivismo. Me gusta mucho el pensamiento, la ruptura, la libertad, la contextualización de la obra, el trabajo conjunto. Eso es lo que más me influyó. Y después, terminé rescatando muchísimas más cosas del arte medieval para mi propia obra. También me gustan todos los artistas concretos argentinos, como Alberto Heredia. + www.cambariere.com

+ Libro “Historia de una traición argentina” de Eduardo S. Calamaro. La palabra “traición” está escrita sólo en laca sectorizada, lo que hace que, desde ciertos ángulos, se lea: “Historia de una argentina”, y desde otros, “Historia de una traición argentina”. + “Qué significa hoy ser de izquierda” de Fernando A. Iglesias para Editorial Sudamericana. + Disco “Canciones de cuna al palo” de Divididos.

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+ Marionetas mecรกnicas

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Tim O´Brien

Recorriendo las Bellas Artes comerciales Como ilustrador y retratista, Tim O’Brien tiene el don de crear pinturas en óleo tradicional que parecen fotografiadas, tocadas a su vez por una varita mágica que las impermeabiliza de la realidad actual. Su nivel de detalle fotorealista es tan ridículamente tangible, que los retratos casi nos hablan, las escenas nos envuelven de lleno y los paisajes nos decoran la vista, asimilando todo a través de un lente que trasciende, donde sea que se lo enfoque. | Texto: Fernanda Cohen @fernandacohen Foto e imágenes: Gentileza TO

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personas creativas 067 ilustración

PRIMEROS PASOS O’Brien siempre observó la vida utilizando un lenguaje visual propio e innato, liderado por la forma del dibujo y el volumen de la pintura.

“Nací con la facilidad de poder dibujar realísticamente, viendo todo en términos de volumen, luces y sombras. Cuando era chico, me dio una gran ventaja; pero cuando empecé la universidad, mi mayor desafío, de pronto, pasó a ser el verdadero contenido detrás de mi trabajo”.

Sin pensarlo dos veces, sabía que su vocación era la ilustración, y se inscribió en una pequeña universidad de Connecticut, llamada Paier College of Art, donde cursó la carrera de cuatro años. Su sueño, en ese entonces, era dedicarse a ilustrar tapas de libros. Hoy, su trayectoria demuestra una y otra vez que no sólo lo cumplió, sino que, además, lo superó, ¡y por lejos!

Guiado por su instinto e inspirado, en parte, por las icónicas pinturas del legendario ilustrador Norman Rockwell y del grandioso e inmortal pintor Leonardo Da Vinci -a pesar de no mencionarlos entre sus influencias-, O’Brien desarrolló su estilo desde muy pequeño, al igual de quien domina la raqueta, como si fuera una extensión de su brazo.

“Mi estilo de pintura realista en óleo cambió muy poco a través de los años; lo que sí evolucionó fue mi método. Ahora hago todo mi trabajo preliminar en la computadora, lo cual me permite explorar muchas más opciones de cambios, y después uso una técnica mixta antes de pintar, empezando con una base en carbonilla y tempera”.

Sus influencias más recurrentes, y por ende las más palpables, incluyen a los artistas Mark Tansey, William Harnett y Paul Cadmus; amigos colegas como Marc Burckhardt, Brian Stauffer y Edel Rodríguez;

+ Tim O´Brien

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un sinfín de objetos de otra era, y su eterna y sagrada pasión por correr: “Encuentro una soledad ahí, que me ayuda a liberar mi mente”.

LISTOS, PREPARADOS, ¡YA! Las tapas de libros, efectivamente, le dieron de comer a O’Brien durante el primer puñado de años de su carrera, ilustrando novelas de misterio mediocres que, sin embargo, le sirvieron como “una especie de extensión y broche de mi formación académica”. Poco a poco, la experiencia le delineó un camino firme en ascenso, hacia clientes más prestigiosos, como Esquire, National Geographic, Playboy, Penthouse, New York Magazine, The New York Times, Reader’s Digest, Harper Collins, Penguin, Scholastic, Warner, y eventualmente, ilustrando desde tapas para las revistas Time y Rolling Stone, hasta las estampillas que está elaborando actualmente para el U.S. Post Office (Correo Nacional Americano).

“Creo que soy lo suficientemente versátil para ilustrar tanto en libros y revistas como en campañas publicitarias, pero tengo un talento particular que se destaca, sobre todo, en las tapas de revistas.

Es ese sexto sentido del que nunca se habla en lo que yo hago, el que me permite saber qué imágenes funcionan mejor en ese tipo de contexto. A través de los años, las noticias políticas más populares se volvieron mi temática por excelencia”.

LA META Hoy, O’Brien se encuentra entre los ilustradores fotorealistas más reconocidos de los Estados Unidos, mayormente gracias a su talento extraordinario, pero además, por mantenerse al frente de un estilo tradicional, universal y atemporal. Rockwell fundó el campo

de la ilustración allá por 1920, documentando una realidad ideal también plasmada al óleo, y marcada por un estilo tan clásico, que sus pinturas de uso explícitamente comercial causaron polémica en aquel entonces.

Respetando siempre la seriedad de su género, y sin nunca mirar atrás, O’Brien confiesa: “A veces me contratan para imitar a otro artista, como cuando tuve que darle una vuelta de tuerca a la Mona Lisa, lo cual me permite soltarme un poco dentro de mi estilo. Admiro a artistas como Thomas Fuchs o Christoph Niemann, que logran flexibilizar su estilo en diferentes direcciones”, agregando que prefiere ilustrar temáticas políticas con las que está de acuerdo, pero que acepta el desafío de un desacuerdo si le parece justo.

Las Bellas Artes continúan cuestionando el fin del arte comercial, también conocido como ilustración. A pesar de que ambas disciplinas comparten la costumbre de lucrar con su belleza, con la única diferencia de que el artista plástico se basa en pura expresión propia, mientras que el ilustrador comunica el pedido de un cliente.

O’Brien me cuenta que el mejor trabajo que recuerda es “la tapa de Osama Bin Laden para la revista Time. La pinté años antes, y esperé una década hasta que la agarraron, y finalmente se usó mi retrato.

Fue un momento muy poderoso para Estados Unidos, y la verdad es que disfruté muchísimo ser una pequeña parte de eso”. A lo que yo respondo: si esto no es 100% expresión personal, creo que estoy empezando a perder la noción de esa línea fina que separa el arte plástico del conocido como comercial, ¡y me alegra! + www.obrienillustration.com

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| Foto: Carola Danza

personas creativas

+ 071 moda

Pablo Ramírez El hombre de negro

Pablo Ramírez es uno de los diseñadores argentinos más reconocidos a nivel nacional e internacional. Ha presentado sus creaciones en distintos fashion weeks europeos y latinoamericanos y, en paralelo, diseña el vestuario de importantes piezas teatrales y los uniformes de Aerolíneas Argentinas. El último gusto que se dio: mostró su colección otoño-invierno 2012 en el Salón Dorado del Teatro Colón. | Texto: Carolina Prioglio @caroprioglio

Ramírez suele ser un apellido bastante habitual. Sin embargo, en el universo de la moda argentina, la misma palabra adquiere otra dimensión, dejando de ser un simple apellido, para convertirse en una clara visión sobre la indumentaria prêt à porter y couture: rigurosa, fuerte, teatral y, sobre todo, en color negro. Siempre.

Su autor es Pablo Ramírez, uno de los diseñadores más importantes de la última década, que llegó al mundo de la moda con el cambio de milenio (de por sí, lleno de vicios estilísticos propios de los noventa), para instalar un estilo propio, con el que viene soñando desde niño, que evoca, mediante el dibujo, a las mujeres que lo marcaron y a las que lo deslumbran hoy.

En retrospectiva, con 23 colecciones en el perchero y otros tantos vestuarios sobre el escenario teatral, el creador abrió las puertas del universo Ramírez, en la tienda de San Telmo, y conversó con 90+10.

RAMÍREZ DE NIÑO “Mi primera aproximación a la moda llegó a través del dibujo. Desde muy chico, soñaba con alguna profesión que estuviera relacionada con el arte y lo creativo. En realidad, al principio quise ser bailarín, pero no me dejaron, y tuve que desistir. Por eso, siempre digo que fui una especie de Billy Elliot con mal final… (risas). Otro pensamiento recurrente de esa época era que como no iba a poder vivir de la pintura o el dibujo, sería, en paralelo, profesor de literatura, porque me interesaba la docencia”.

PRIMEROS PASOS EN EL DISEÑO DE ROPA “Si bien el interés en el diseño siempre estuvo, recién en la adolescencia empezó a tomar forma y color: creaba prendas para mi mamá, mi hermana y mis amigas. Más tarde, al terminar el secundario, decidí estudiar diseño de indumentaria y textil (justo coincidió con el momento en que surgió formalmente la carrera en la UBA, a fines de los ochenta). En 1994, gané el VII Concurso Alpargatas Tela y Talento, y a partir de ahí, entré a trabajar de lleno en la industria de la moda local. En el 2000, llegó mi primera colección, y

+ Verano 2010

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+ L’école, Verano 2012

la verdad que fue bastante inconsciente de mi parte; surgió la posibilidad de hacerla, el espacio para presentarla, y me mandé”.

sentidos: puede ser duelo, sexo, dramatismo, teatro, austeridad, lujo.

Y jugar con esas posibilidades me encanta”.

UNIVERSO DE LA MARCA “Lo mío es embellecer y estilizar la figura; trabajo con las proporciones para acercarme a la belleza y alejarme de la fealdad. Cuando empecé, mi ropa no encajaba con lo que estaba de moda: se usaba el talle bajo, no existía la cintura alta, y yo no podía seguir esa moda, iba en contra mío. Por eso, al principio, había gente que no entendía mis diseños. Después la moda cambió, avanzó, y hoy reina la variedad. Pero para mí, el no seguir a la tendencia en esos comienzos fue como una especie de cruzada quijotesca”.

EL MOMENTO DE LA CREACIÓN “Constantemente estoy dibujando; tengo siempre un bloc a mano sobre el escritorio. Así, acumulo bocetos e ideas, que son el puntapié de las colecciones. Es mi manera de acercarme al diseño, y mis bocetos son bastante fieles a mis prendas terminadas”.

SILUETAS NEGRAS “El color negro está presente desde los primeros bocetos de la marca. Es mi herramienta para trabajar con la figura y la forma sin distracciones, en abstracto. Fue algo que me propuse: quería ser un diseñador de ropa negra. Lo pensé así; buscaba entrar en ese nicho -o inventarlo. Que la gente cuando necesitara un buen vestido negro o un buen pantalón negro, pensara en Ramírez. Luego, hay un montón de otras cosas que pasan con el negro; es un color cargado de

INSPIRACIÓN E INTERNET “No soy de mirar blogs, porque me parece que es información que ya viene procesada. Prefiero ver las colecciones de los diseñadores luego de los desfiles, sin la intervención de estilistas, fotógrafos y demás, y en ese aspecto, Internet se actualiza muy rápido. Y sólo lo hago para estar al tanto de lo que está pasando en la moda; a la hora de trabajar, me gusta mantenerme al margen, y hasta me preocupa coincidir con lo que se está usando. Si se da, se da”.

SU COLECCIÓN FAVORITA “Casi siempre, la que más disfruto es la última. Luego del desfile que presenté en el Colón, tuve que viajar a Europa: una semana en

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+ Invierno 2008

Madrid y una en París. Cuando llegué, mis amigos querían verlo y, de repente, me encontré en el exterior reviviendo el momento, disfrutándolo, y fue fuerte”.

DESILUSIONES Y ALEGRÍAS DE LA PROFESIÓN “Todo lo que me pasó como diseñador de indumentaria superó ampliamente mis expectativas, sobre todo, al tener en cuenta mis orígenes… pero siempre creí en mí mismo y en lo que hacía, en cada momento. Supongo que eso fue lo que guió el camino”.

DISEÑADORES COMO REFLEJO DE SU MARCA “No me parece que sea necesario ser fiel reflejo de lo que uno hace, particularmente en cuanto a la imagen personal. Durante gran parte de mi carrera yo no estuve muy alineado con mi marca, mas allá de que siempre me gustó vestirme de negro. No le daba demasiada importancia a la apariencia porque estaba gordo, y no me concentraba en eso. Lo veo a Alber Elbaz, diseñador de Lanvin, a quien admiro, y sin haberlo conocido, creo que tiene una especie de personaje construido: uno ya no espera que Alber sea alto y flaco. Asimismo, yo tuve que construir algo conmigo; para mí, fue la única manera de subsistir en este medio”.

Link a la nota: http://9010.co/PabloRamirez

+ Ten piedad, Verano 2007

DESFILES EN EL EXTERIOR “Presentar colecciones afuera es abrirte a la novedad. Estuve en Madrid en dos oportunidades, y la forma en la que el público y la prensa recibieron las colecciones fue muy positiva. Me sorprendió que vinieran a hablarme sobre la calidad y la terminación de la ropa, cuando ellos tienen una tradición en ambas cuestiones (risas). Algo similar sucedió cuando participé de la semana de la moda en Berlín, en 2009. El año pasado, estuve en el fashion week de Estolcolmo, Suecia. Me lo encontré a Scott Schuman (a.k.a.

TheSartorialist.com), quien me había seleccionado para ir en el Fashion Edition Buenos Aires 2010. Estábamos parando en el mismo hotel, y me vino a saludar cuando estaba haciendo el fitting. Que te pase todo eso es bárbaro”.

ACTUALIDAD Y PROYECTOS “En junio viajo a París, convocado por Alfredo Arias para presentar un trabajo en colaboración con una marca francesa, en el marco de una exposición. Y en septiembre, vuelvo a viajar para allá con Alfredo, porque voy a hacer el vestuario de dos obras de teatro. También, acaba de estrenarse “Zeppelin”, en el Teatro San Martín, una pieza de ballet contemporáneo con la puesta de Carlos Casella y Gustavo Lesgart, para la que diseñé el vestuario. + www.pabloramirez.com.ar

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Brosmind Studio

Trabajar entre hermanos Nos sumergimos en el peculiar universo de las mentes de los hermanos Juan y Alejandro Mingarro, fundadores del estudio de ilustración Brosmind. | Texto: ArtsMoved (*) Fotos: Meritxell Arjalaguer www.marjalaguer.com

Con su original estilo, fresco, divertido, optimista, y con el cuidado por los detalles de sus ilustraciones, este estudio con base en Barcelona, ha acaparado atención mundial, y recibido numerosos premios internacionales. + Empezasteis estudiando farmacia y diseño industrial. ¿Cómo, cuándo y, sobre todo, por qué decidisteis que vuestro futuro sería trabajar juntos en el mundo de la ilustración?

B Aunque siempre tuvimos ciertas dotes creativas, no confiábamos del todo en que pudiésemos llegar a vivir de ello, así que Juan continuó la tradición familiar, y estudió farmacia. Sin embargo, cuando Alejandro comenzó diseño industrial, nos dimos cuenta de que aquello era lo nuestro, y tras licenciarse, Juan se matriculó en diseño gráfico. Poco después montamos nuestro propio estudio, totalmente multidisciplinar durante su primer año. Siempre nos había gustado dibujar, pero no habíamos recibido formación académica como ilustradores. Para nosotros, era prácticamente un hobby. Sin embargo, uno de aquellos trabajos puntuales de ilustración que hicimos (“The Power of Dreams” para Honda, con la agencia Villarrosas) fue un bombazo, y ganó muchos premios nacionales e internacionales. Fue una sorpresa para los dos; empezamos a recibir ofertas de trabajo de

agencias de publicidad de todo el mundo. Fue entonces cuando decidimos convertirnos en un estudio de ilustración a tiempo completo. + ¿Vuestra complicidad creativa viene de lejos? ¿Qué nos podéis contar sobre vuestras primeras producciones?

B Bromeamos con que tenemos más de 30 años de experiencia trabajando juntos. Desde niños fuimos una pareja creativa, y pasábamos nuestro tiempo haciendo nuestros propios cómics, vehículos para nuestros muñecos, e incluso películas con una cámara doméstica. Echando la vista atrás y analizando toda aquella producción, parece totalmente lógico que hayamos acabado trabajando en esto. + Vuestro estilo, muy personal, siempre utiliza el humor y el cuidado por los pequeños detalles… ¿Cómo llega uno a definir su propio estilo de ilustración?

B En nuestro caso, surgió de forma natural, cuando tuvimos que enfrentarnos al primer proyecto de ilustración. Gráficamente, cada uno aportó lo mejor de su estilo de dibujo y, de aquella mezcla, apareció el universo visual que se ve en nuestras ilustraciones. Hoy en día, los dos podemos reproducir ese estilo, sin que el espectador pueda diferenciar la autoría de cada uno de nosotros. En cuanto a

(*) ArtsMoved es un proyecto dirigido por la asociación Movimiento Artes (formada en Barcelona), dedicado a la difusión y promoción de la cultura, a través del arte realizado por jóvenes artistas. www.artsmoved.cat

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personas creativas 075 ilustración

+ Slightly para Another Planet Entertainment y City para Woouf, 2011.

la parte conceptual, fue incluso más fácil, ya que debido a nuestra condición de hermanos, tenemos las mismas influencias, así que pensamos de una forma muy similar. + ¿Cada uno de vosotros tiene un rol concreto en los proyectos?

Explicadnos vuestra manera de trabajar, y cómo se fusionan y combinan vuestras mentes en cada ilustración.

B Todas las decisiones creativas se toman en conjunto. Los dos ponemos en común nuestras ideas, y entonces decidimos cómo enfocar el proyecto. El dibujo a lápiz también lo hacemos entre los dos, turnándonos la hoja de papel, hasta que decidimos que aquello está completamente planteado. Para nosotros, esa es la parte más importante del proyecto, y es a la que dedicamos más tiempo. Una vez terminado ese original a lápiz, sí que dividimos nuestras funciones, por motivos prácticos. Juan se encarga de entintar el dibujo, y después Alejandro lo escanea, y lo colorea con el ordenador. Aunque la última parte del proceso es digital, nuestros trabajos nunca son vectoriales. Nos gusta mantener al 100% el “feeling” del entintado hecho a mano. + ¿Cuánto tiempo tardáis en hacer un proyecto como “City, Family, Work”?

B En teoría, alrededor de dos semanas, pero es sorprendente cómo en ocasiones se puede llegar a comprimir o estirar el tiempo. + Ser hermanos, ¿facilita el trabajo?

B En nuestro caso, sí. La comunicación entre nosotros es muy eficiente, ya que pensamos de una manera muy similar. Además, compartimos la mayor parte de referencias visuales que podemos necesitar para transmitirle una idea al otro. Por otro lado, el nivel de confianza es tan alto, que podemos hacer críticas muy severas al trabajo de cada uno. Tenemos fuertes discusiones creativas, pero se nos olvidan al cabo de cinco minutos, ya que las percibimos como una simple riña entre hermanos. Esto, sin duda, ayuda elevar nuestro nivel de exigencia.

Link a la nota: http://9010.co/Brosmind

+ Vuestros workshops parecen una juerga de papel, tijeras y mucha cinta adhesiva. ¿Cómo los organizáis y cuál es la reacción de los participantes?

B Los asistentes pueden tener la sensación de que están jugando, pero sin darse cuenta, están estimulando sus reflejos creativos durante todo el tiempo. Hay gente que, al principio, se extraña de que nuestros talleres no estén centrados en la ilustración, ya que planteamos la mayor parte de los ejercicios en volumen. Cada actividad está cronometrada, y se trabaja contrarreloj todo el tiempo. Nuestro objetivo es que la gente salga muy motivada, y se sorprenda de las cosas que ha conseguido resolver al final de la clase. + Se dice que asistir a vuestras conferencias es siempre ver un espectáculo, ¿por qué?

B Muchas de las conferencias de los profesionales de nuestro sector suelen consistir en una persona sentada en una mesa tras un ordenador portátil, que va mostrando transparencias en una pantalla. Nosotros intentamos ir un poco más allá, acercarnos al público, contarles anécdotas personales y de nuestro trabajo, que no puede encontrar en nuestra Web y, sobre todo, hacerles pasar un rato divertido. Es difícil explicarlo, ¡lo mejor es asistir a una de ellas! + ¿Qué proyectos personales os gustaría desarrollar en un futuro próximo?

B Nos gustaría llevar nuestro trabajo a otro nivel, y experimentar en el mundo audiovisual de algún modo. + ¿Por qué los hermanos Mingarro se llaman Brosmind?

B Fue una palabra que apareció de forma casual, cuando tratábamos de encontrar un nombre adecuado para firmar nuestros trabajos en común. Más que por su significado literal, la palabra “Brosmind” nos sedujo por su carácter anglosajón, y por una sonoridad que nos recordaba, en cierto modo, a nuestro apellido. + www.brosmind.com

Alter Ego La lucha entre el bien y el mal. La búsqueda de un balance entre dos fuerzas opuestas y complementarias. Las dos caras de una misma moneda. ¿Cuál es nuestro verdadero yo?

Fotografía Charly V Real www.charlyvreal.com Estilismo y Producción Lyla Peng www.facebook.com/lylapeng Modelos Alice Park para EP Bookers www.epbookers.com y Delia Hou para Satoko Models www.satoko.com.ar Pelo y Make up Giovanna Caggiano www.giovannacaggiano.blogspot.com.ar y Tinna Love para MOD Management www.modmanagement.com.ar Asistente de estilismo Jederson De Avila www.jedersondeavila.blogspot.com Agradecimientos Luciana Cabarcos y Gustavo Bianchi

DIRECCIONARIO A.Y. Not Dead www.aynotdead.com.ar | Edu de Crisci - Proyecto Cuadrilla www.decrisci.com/proyectocuadrilla | Kostüme www.kostumeweb.net | Malos Hábitos ediciones limitadas www.maloshabitos.net | María Vázquez www.mvzmariavazquez.com.ar | Prüne www.prune.com.ar

+ Delia y Alice. Túnicas: Kostüme

Link a la nota: http://9010.co/ProduAlterEgo

+ Delia. Vestido con multi apliques plateados: Malos Hรกbitos ediciones limitadas

+ Alice. Vestido con escamas: María Vázquez. Zapatos de charol: Prüne

+ Delia. Vestido: Edu de Crisci. Jean reptil: A.Y. Not Dead. Zapatos: Prüne + Alice. Remerón con cascabelitos: Malos Hábitos ediciones limitadas. Vestido con escote corazón mini tachitas doradas: A.Y. Not Dead (su perposición). Botas bucaneras: Prüne

+ Delia. Kimono cobre con cuello colgante: Kost端me

+ Delia. TĂşnica terracota: KostĂźme

+ Alice. Remerón con cascabelitos: Malos Hábitos ediciones limitadas. Vestido con escote corazón mini tachitas doradas: A.Y. Not Dead (superposición). Botas bucaneras: Prüne

084

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+ El Camparino en la galería Vittorio Emanuele II, en Milán. Foto: Marco Curatolo.

Campari

El arte de beber De color rojo, y apreciada por años como el aperitivo infaltable, la mítica bebida italiana Campari sigue presente en bares y restaurantes, siempre con nuevas combinaciones, sumando fanáticos a sus filas. Una de las claves de este éxito es su constante relación con las últimas tendencias en arte y diseño. | Texto: Jorgelina Peciña @JorgelinaPecina

Hay productos que nacen y permanecen unos años en el mercado para, luego, pasar al olvido. Hay otros que recorren la historia, se reinventan una y otra vez, y logran ocupar un espacio de privilegio en la mente de los consumidores. Es el caso de Campari, la bebida alcohólica que nació en Milán, en 1890, como licor digestivo, y cuyo creador, Gaspare Campari, bautizó con su propio apellido.

Mario Botta, quien supo convertir la estructura original en un nuevo edificio de alto valor arquitectónico, donde se ubican las oficinas del Grupo Campari desde 2009.

Los años pasaron y Campari, ya consagrado en su país de origen, Italia, se expandió por Europa, y llegó también a Sudamérica. El secreto de la permanencia de la bebida tiene que ver con su sabor, su calidad, su historia y, también, con su capacidad para captar nuevos públicos, a través de alianza con el arte y el diseño.

La galería propone un itinerario artístico único, donde el arte y el diseño se encuentran en torno de la bebida. El primer piso cuenta con tres áreas temáticas: comunicación, arte y producción. La idea principal fue transmitir la fuerza, la vitalidad, el ritmo y la belleza del aperitivo rojo a sus visitantes, a través de una experiencia multimedia.

Allí, se expone una selección de avisos gráficos, entre los cuales se encuentra el realizado por Leonetto Cappiello en 1921, y los videos de la serie de calendarios publicados entre el 2000 y el 2011.

UN RECORRIDO CON SABOR A ARTE Con el motivo del cumpleaños 150 años de la marca, en 2010, se inauguró en Milán la Galería Campari, alojada en un edificio de estilo Art Nouveau, de 1900, donde originalmente funcionaba la planta productora de la bebida. El espacio fue renovado por el arquitecto

Un año después de su inauguración, Campari redobló la apuesta, e inauguró el segundo piso de su galería, sumando nuevas atracciones, dando como resultado un área dedicada al arte de beber, algo así como un viaje por el mundo, las formas y los colores de Campari.

Así, el segundo piso de la galería conduce a los visitantes por un

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ideas creativas 085 marketing

+ Galería Campari. Foto: Gonzalo Fargas

viaje a través de la historia del producto, con una serie de cinco espacios temáticos sin cronología, adaptado a los gustos de cada uno. En el apartado denominado Introducción, se muestran objetos propios del mundo del bar: cocteleras, vasos, menús, bandejas y botellas y hasta relojes originales de los años 60 y 70. Por su parte, el Bar sumerge a los visitantes en un día en la vida de un barman, con objetos típicos de su tarea.

Con énfasis en la parte lúdica, el espacio Vintage expone juegos de mesa y colecciones de revistas, mientras que en Gadget se muestran los carteles que hicieron famosa la marca. Por último, en Design, se accede a las entrevistas a diseñadores que han trabajado a lo largo de todos estos años con Campari. El final del recorrido lo marca un carro con sesenta botellas diferentes, una suerte de ruta por el diseño de los envases de la vida de Campari, desde fines de 1800 hasta nuestros días.

EL CAMPARINO El Camparino es el bar insignia de Campari, y uno de los íconos de Milán, junto con la moda y el diseño, ubicado en la entrada de la galería Vittorio Emanuele II, frente al Duomo, en el centro de la ciudad. Fue el lugar que le dio vida a la tradición del aperitivo y le otorgó popularidad, tanto a nivel nacional como internacional. Davide Campari lo abrió en 1915, como el hermano menor de Café Campari, el establecimiento que su padre Gaspare había abierto en 1867, no sólo para servir el aperitivo, sino también para funcionar como restaurante.

Desde el primer momento, el Camparino se convirtió en el centro de la vida milanesa y de la moda que lucían los clientes habituales.

Si bien Café Campari era el bar más moderno del momento, pronto tuvo que cederle el espacio al joven Camparino, que ganó terreno gracias a su sistema innovador, que garantizaba un flujo continuo de agua gasificada directamente desde las bodegas, de modo que ofre-

Link a la nota: http://9010.co/CampariMilano

cía a sus numerosos clientes un Campari con soda siempre perfecto y refrigerado en su punto justo.

El Camparino supo marcar tendencia. A principios de 1900, el Art Nouveau brillaba en Europa, y el Camparino incorporó ostentosamente a sus muebles las incrustaciones y piezas geométricas propias del estilo Liberty, gracias al ebanista Eugenio Quarti, al pintor Angelo D’Andrea y al maestro herrero Alessandro Mazzuccotelli.

Este espacio fue testigo del nacimiento de algunas tendencias, sede de debates políticos y el lugar favorito de los vanguardistas, cuna de nuevas ideas, un lugar donde los pensamientos y los conceptos se fusionaron, todo esto acompañado del sabor fortalecedor de Campari. En la actualidad, el Camparino es un lugar que alberga nuevas tendencias y rituales, con una fuerte influencia cosmopolita. + www.campari.com | www.campariargentina.com

CAMPARI SODA Y EL CAMPARITIVO Camparisoda es el aperitivo “listo para beber”, resultado de la mezcla de Campari y soda, de un color rojo brillante y moderada graduación alcohólica, que se consume bien frío desde 1932, y sólo en Italia. Su botella en forma de cáliz invertido -diseñada por el maestro del futurismo Fortunato Dapero- es todo un ícono del diseño industrial italiano. En 2010, nació el Camparitivo, un bar dedicado a esta bebida, situado en los jardines del Triennale Design Museum de Milán, donde la arquitectura y el diseño se encuentran: desde el espacio hasta la vajilla y el mobiliario se inspiran en esta bebida, y son obra del diseñador Matteo Ragni. + www.camparisoda.it

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+ Renault Twizzy

City cars

Pequeñas grandezas El mercado automotor se nutre cada vez más de los denominados city cars, aquellos autos de reducidas proporciones, y fáciles de conducir por las grandes urbes. Los usuarios los eligen por su gran agilidad y escaso consumo. | Texto: Elvio Orellana @emorellana33

Son pequeños y maniobrables. Ocupan reducidos espacios, y consumen poco combustible. Sus diseños son cada vez más atractivos, y sus niveles de equipamientos, cada vez más sofisticados. Nos referimos a los denominados city cars o autos de ciudad, la categoría de autos que viene creciendo de manera exponencial en los últimos años en nuestro mercado, gracias a la irrupción de nuevos modelos, y a una brecha de consumidores que simpatiza cada vez más con estos “pequeñines”.

LOS PRIMEROS BENJAMINES Si bien el boom por los city cars explotó en este último tiempo, y su fama mundial está más emparentada con el referente más actual de los autos pequeños, el smart For Two, presentado en el mundo en el año 1994, éste no fue el primero. Es por ello que, para poder encontrarlo, debemos retroceder hasta los años 60, época en donde estaban haciendo furor dos modelos: el Peel P50 y su hermano el Trident.

Ambos micro autos fueron producidos por la empresa británica Peel Engineering, entre el año 1962 y 1965, y su modelo P50 es considerado hasta la actualidad, como el auto más pequeño del mundo.

Tal es así, que el P50 disponía de espacio sólo para el conductor, por lo cual medía 1.370 metros de largo, 1.041 de ancho y sólo 1.2 de alto. Su pequeña carrocería de fibra de vidrio se encontraba

montada sobre tres ruedas, y pesaba escasos 59 kilos. En tanto que su compacto motor de 49 cc de 4,5 caballos, era capaz de impulsar a su solitario usuario hasta los 60 km/h.

Su hermano mayor, el Trident, concebido para dos personas, se distinguía por no tener puertas (se debía levantar toda la cubierta transparente para entrar en él), y por sus dimensiones un poco mayor que las del P50 (1.829 metros de largo por 1.067 de ancho).

Hoy, después de 45 años, la firma inglesa anunció la vuelta al ruedo de ambos modelos, a través de una serie limitada. Tanto el P50 como el Trident, sumarán como opcional de sus motores nafteros, dos versiones eléctricas.

Una de las cuales será capaz de avanzar a una velocidad máxima de 24 Km/h, con una autonomía de 80 kilómetros. La segunda versión eléctrica, utilizará un motor más potente de 4 Hp, y alcanzará una velocidad de 80 Km/h, con una autonomía de 80 kilómetros, tras haber sido completamente cargada.

CRECEN LOS PEQUEÑOS EN ARGENTINA En la actualidad, los city cars se van abriendo paso de a poco en nuestro país. No hace falta más que focalizarse en el parque auto-

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ideas creativas 087 vehículos motor local, para darse cuenta de la tendencia en ascenso, a favor de este tipo de vehículos. Esto responde, en parte, a que cada vez más personas ven a los city cars como una alternativa de movilidad con dos ventajas claras: posibilidad de ahorro de gasto en combustible, y una solución a las intransitables urbes.

Entre los claros referentes de este segmento que ya circulan por nuestras calles, se encuentra el smart For Two, cuyo nombre aclara, sin vueltas, que es sólo para dos. Comercializado actualmente en 41 diferentes países, entre ellos en Argentina desde el 2010, el smart fue creado en 1994, a partir de un acuerdo entre el fabricante de relojes Swatch y Mercedes-Benz, una de las marcas de automóviles del Grupo Daimler.

Alto, angosto y llamativamente corto, el smart mide apenas de 2,69 metros de largo y 1,55 metros de ancho. En nuestro mercado, se comercializa en dos versiones: Coupé y Cabrio, ambas con un motor naftero turbo de 1.0 litros y 84 caballos. Es de destacar el nivel de equipamiento de este modelo, como así también el alto nivel de seguridad, a cargo de ABS, programa de estabilidad ESP, bolsas de aire tanto para conductor como para copiloto y estructura con seguridad en el “techo con Tridión”, bloque automático de puertas al arranque, entre otros.

caballos, y otro de 75. Este pequeñín fue recientemente distinguido como “Auto del Año 2012”, en el Salón Internacional del Automóvil de Nueva York. El modelo llegará a la Argentina en el 2014.

Si nos fijamos en el porfolio de la japonesa Toyota, encontramos al iQ, un modelo que es furor desde el año pasado, cuando fue lanzado.

Este revolucionario modelo supo encontrar en apenas 3 metros de longitud lugar para cuatro plazas, siendo uno de los pocos city cars pensados para cuatro pasajeros. Mediante un diseño innovador, los ingenieros del iQ han reducido los voladizos al mínimo, y han situado la masa principal del vehículo entre las ruedas delanteras y las traseras, a fin de mejorar el manejo y la maniobrabilidad. El pequeño japonés puede equiparse con dos variantes de motor: un naftero de 1.0 litros de 68 caballos acoplado a una caja manual de 5 velocidades, con un consumo y emisiones realmente bajas (C02 a 99g/km); y el otro propulsor es un 1.3 con emisiones de tan sólo 120g/hm, el cual está asociado a una caja automática Multidrive de 6 marchas.

En definitiva, la fiebre por los city cars está tomado el mercado automotor de las grandes capitales, y se perfila como el segmento de autos en el cual ninguna marca quiera estar ausente. +

Otro de los modelos que por sus proporciones entra en esta categoría, es el Hyundai i10. Un auto que vino para reemplazar a otro pequeño de la marca, el Atos, que fue el referente de la firma durante la década del 90. Con una imagen moderna, la cual incluso fue actualizada el año pasado, el i10 es un city car con una carrocería muy agraciada, que alberga a cuatro personas cómodas, pudiéndose sumar un quinto integrante de talla chica. Techo alto, grandes superficies vidriadas y un nivel de equipamiento por demás completo, hacen de este pequeño un verdadero “gigante” en su segmento. Su motor 1.2 de 16 válvulas y 78 caballos le sienta muy bien, lo que le permite obtener una muy buena dinámica en el tránsito, es decir en su hábitat preferida.

Otra opción del denominado segmento A, la propone Chevrolet a través del nuevo Spark. Importado desde Corea del Sur, el Spark se distingue por su diseño agresivo, la calidad de los materiales utilizados en su construcción, su gran confort de marcha y sobre todo en el equipamiento de seguridad, una deuda que tenía el modelo, y que con esta nueva generación viene a quedar saldada. A la gran agilidad de este modelo, colabora un motor naftero 1.2 de 81 caballos, el cual se asocia a una caja de 5 marchas.

LOS MÁS SOFISTICADOS Y ECOLÓGICOS Si miramos el mercado europeo, nos encontramos con modelos muchos más evolucionados, y la mayoría de ellos, ya forman parte de las postales de las principales capitales del viejo continente. El más reciente de todos, que ya dejó su etapa de boceto para volverse realidad, es el Renault Twizzy, presente desde principios de este año en Europa. Mide 2,33 metros de largo (36 cm menos que un smart ForTwo), tiene espacio para dos personas y está propulsado por un motor eléctrico de 17 caballos que alcanza una velocidad máxima de 80 km/h, y su autonomía es de 100 kilómetros. Este vehículo eléctrico poco convencional, viene de serie, sin puertas, las cuales se pueden solicitar pagando un plus. Entre los 38 países que verán circular este modelo a partir de este año, figuran Brasil y México; en tanto que a la Argentina se sabe que llegará más tarde.

La firma alemana Volkswagen, es otro de los constructores que se jacta de disponer un benjamín: el Up!, lanzado en diciembre último al mercado europeo. Este modelo de 3,45 metros de largo será el más pequeño de la marca, y dispondrá de tecnologías inéditas, como el frenado automático de urgencia ante la detección de un obstáculo (por lo cual fue premiado por la Euro NCAP), o el sistema start-stop, que detiene el motor cuando, por ejemplo, se detiene el auto en un semáforo. Estará impulsado por un motor de 1.0 libros de 3 cilindros de 60

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+ Toyota IQ + Volkswagen Up! + Chevrolet Spark + smart For Two

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+ Exposición Tipos Latinos 2012 en la sede Paraná del CCEBA.

Tipos Latinos

Hablemos de tipografías Tipos Latinos, el espacio tipográfico internacional, celebra su Quinta Bienal de Tipografía Latinoamericana, del 3 de mayo al 2 de junio, en el Centro Cultural de España en Buenos Aires. Además de la tradicional muestra, la propuesta incluye desde charlas y talleres hasta debates, con el fin de difundir la actividad. | Texto: Jorgelina Peciña @JorgelinaPecina Fotos: Gentileza TL

La Bienal de Tipografía Latinoamericana Tipos Latinos es el evento del sector más importante de la región, y uno de los principales del mundo, al desarrollarse en simultáneo en trece países y recorrer, en diferentes etapas, más de treinta ciudades. Además de una exposición de casi quinientos trabajos tipográficos, ofrece una agenda de actividades paralela, con entrada gratuita, en ambas sedes del Centro Cultural de España en Buenos Aires (CCEBA): Paraná 1159 y Florida 943, para reunir a aficionados, estudiantes y profesionales del diseño, con el objetivo de intercambiar experiencias y difundir la producción tipográfica entre el público en general.

La programación de la Bienal incluye talleres, debates, conferencias, la proyección de dos documentales relacionados con la tipografía (“Cortando letras: tipos móviles en el siglo XXI” y “Linotype: la película”) y visitas guiadas hasta el 2 de junio en Buenos Aires, para luego iniciar su visita por Córdoba, Mendoza, Paraná, Posadas, San Juan y Santa Fe. La quinta edición de Tipos Latinos confirma el éxito del encuentro, con presencia en Argentina, Bolivia, Brasil, Chile, Colombia, Cuba, Ecuador, Guatemala, México, Paraguay, Perú,

Uruguay y Venezuela, pero sobre todo, evidencia la expansión de la disciplina en la región.

TIPOGRAFÍA PARA TODOS En entrevista con 90+10, César Mordacci, diseñador gráfico, docente y coordinador de Tipos Latinos Argentina, comenta las novedades de la Bienal, y la actualidad de la escena tipográfica regional. + ¿Cuáles son las novedades de esta Quinta Bienal?

CM A nivel regional, Tipos Latinos, Bienal de Tipografía Latinoamericana, experimenta su expansión más grande hasta la fecha: gracias a un acuerdo con el Instituto Cervantes, llegará por primera vez a ciudades como Berlín, Bucarest, El Cairo, Manchester y Manila, y seguimos trabajando para que sean muchas más. A ellas se suman los trece países que integran Tipos Latinos. Si ya podemos considerar que Tipos Latinos es un espacio consolidado a nivel regional, también podemos estar seguros de que esta presencia en países del resto del mundo es signo de la consolidación de América Latina como una usina productora de fuentes tipo-

ideas creativas

+ 089 diseño

gráficas. Y como les digo a mis alumnos, la Bienal es el momento para ir, aprender y sorprenderse. + ¿La tipografía es una rama del diseño gráfico que exige especialización?

CM Sin tipografía no hay diseño, no hay información que comunicar ni organizar. Los principios del diseño tipográfico se aplican, incluso, a un sistema de pictogramas; tal es la relevancia de la tipografía y su omnipresencia. En lo personal, abordé el aprendizaje del diseño desde lo que aprendí en tipografía. Y sé que no soy el único.

Ahora bien, es importante que el estudiante de diseño gráfico sepa de tipografía, no necesariamente para diseñarla, sino especialmente para elegirla y utilizarla. Es simple: la idea no es que cada diseñador gráfico con conocimientos de tipografía se ponga a diseñar una fuente, pero sí que sepa escoger del repertorio inagotable de fuentes disponibles la mejor para cada necesidad, y que la sepa usar. La mejor fuente compuesta de la peor manera, no sirve. Las fuentes son la materia prima del diseño. + ¿Se puede vivir de la tipografía? ¿Cómo se vende?

CM La primera pregunta no te la puedo responder, porque soy docente de Tipografía 1 de la UBA y diseñador editorial, es decir, que uso mucha tipografía, pero no he diseñado hasta ahora. Sé que hay varios tipógrafos que pueden dedicarse bastante al tema, y obtener buenas remuneraciones. De ahí, a vivir de la tipografía, hay una distancia variable. El tema de la distribución es bastante simple: se regala como forma de darse a conocer, o por pura generosidad, se la descarga ilegalmente, o se compra un disco con muchas fuentes ilegales, se vende a través de fundidoras internacionales que se quedan con un porcentaje de cada venta, o se vende a través de fundidoras locales, muchas de ellas, en manos de los mismos tipógrafos. Por último, se distribuye gratuitamente por medio de google.com/webfonts o fontsquirrel.com.

Link a la nota: http://9010.co/TiposLatinos

+ Contanos sobre el caso Google y cómo impactó en el negocio de la distribución y comercialización de las tipografías.

CM En el caso de Google, la idea de la empresa fue armar un catálogo de fuentes que permitiera salir de la prisión que significaban para el diseño Web las fuentes de sistema, ésas que comparten todas las computadoras. Ahora, uno puede diseñar un sitio y utilizar una fuente del catálogo de Google. Muchas otras fundidoras ofrecen el mismo servicio, pero mediante el pago de un abono periódico. ¿Cómo armó Google el catálogo? Recibiendo envíos de gente que quería participar, y saliendo a la caza de talentos. Lo cierto, es que por los canales de distribución habituales, un diseñador podía hacer una fuente, y tardar mucho tiempo en reunir una suma que considerara suficiente como remuneración para su trabajo. Google invirtió la ecuación: compra o encarga fuentes, las paga por única vez a un precio tentador, y las distribuye gratuitamente en su sitio, y para toda la Web. Google apareció como un mecenas inesperado de muchos tipógrafos alrededor del mundo, y muchos están en la Argentina. + Sobre la Bienal, ¿podemos pensarla como una herramienta para hacer conocer la profesión y, también, crear conciencia sobre cómo proteger el trabajo tipográfico?

CM Indudablemente. A pesar de los pedidos de terceros, seguiremos sin ser representantes de ningún interés comercial. No queremos ser una fundidora. Simplemente, queremos servir de nexo entre el talento tipográfico latinoamericano y los posibles usuarios finales. Y queremos que se tome conciencia sobre esta realidad. La tipografía es tan ubicua, que esta Bienal puede ser de interés para todas las edades y cualquier actividad. Cuando uno toma conciencia de la relevancia inadvertida de la tipografía en la vida cotidiana —que a un chico le resulte más o menos fácil leer un libro, que un abuelo pueda leer rápidamente lo que necesita en un prospecto, o que un conductor identifique la salida de la autopista claramente—, se da cuenta de que esta Bienal es para todos. + www.tiposlatinos.com

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Windows 8

Un hito en la historia de Microsoft En octubre próximo estará lista la nueva versión de Windows. Será el lanzamiento más importante en la historia de Microsoft, con la posible excepción de la presentación del Windows original, en 1985. | Texto: Ricardo Sametband @rsametband

+ Presentación demo de Windows 8 Consumer Preview en la feria de tecnología CeBIT.

Como la Macintosh de Steve Jobs (anunciada en 1984), la oferta de Microsoft se inspiraba en el temprano trabajo de Bob Engelbart (el inventor del mouse) y su equipo, que desarrollaron la primera interfaz gráfica con íconos y ventanas para Xerox unos años antes (y que tanto Bill Gates como Steve Jobs conocieron a principios de los 80, en una visita al centro de investigación de Xerox en Palo Alto).

Desde entonces, las interfaces gráficas de usuario (lo que vemos en la pantalla cuando interactuamos con la computadora) evolucionaron, pero la disposición básica se mantuvo más o menos constante, sobre todo a partir de 1995, con la llegada de Windows 95. La cercanía entre éste y Windows 7 es evidente; en la Mac, las cosas se hacen un poco diferente, pero no mucho (y de hecho, es poco lo que OS X cambió desde su llegada al mercado en 1999).

Un escritorio, un botón que activa el menú de aplicaciones, accesos directos a las mismas en forma de íconos, una barra de tareas, ventanas móviles. Todo estaba en 1995, todo sigue ahí.

En el medio, sin embargo, pasaron algunas cosas. En 2001, Microsoft anunció con bombos y platillos la llegada de las Tablet PC, abuelas de

las tabletas actuales. Pero la tecnología no estaba lista, y los equipos -caros y pesados- nunca pasaron de ser una curiosidad. Microsoft siguió desarrollando su apuesta por las pantallas táctiles, pero siempre pensando su uso desde una interfaz de Windows convencional, lo que complicaba su operación con los dedos en la pantalla.

En 2007 pasaron dos cosas. Microsoft presentó Windows Vista, que a diferencia de XP (de 2001) tenía poco para aportar y mucho para criticar. Ese año, además, Apple anunció el iPhone, y volvió a poner de moda las pantallas táctiles, al tiempo que desataba una revolución en la informática personal y se transformaba, por obra del iPhone, el iPad y un renovado interés en las Mac, en la mayor empresa de tecnología del planeta.

La popularidad de los productos de Apple, la entrada de Google en el mundo móvil y el impulso que unos años antes Nokia le había dado al celular como computadora de bolsillo, coincidieron con una desaceleración de las ventas de PC, el segmento de la informática personal que hasta este entonces estaba dominado por Microsoft.

Tanto como para que en 2011, por primera vez en la historia, la

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ideas creativas 091 tecnología

+ Nuevo Windows 8 Consumer Preview

venta de teléfonos y tabletas superara a la de PCs. Si antes Microsoft dominaba el 90% de la computación personal, ahora tiene el 40%, y una presencia casi nula en el segmento que crece, que es el móvil, y que cada vez se acerca más en prestaciones, usabilidad e interés para los usuarios a la PC tradicional. Para peor, aunque Windows 7 se lleva bien con las pantallas táctiles, su interfaz de usuario asume que se manejará con un teclado y un ratón, no con un dedo en la pantalla. Así que no hay cómo llevarlo con eficiencia a una tableta. Eso es lo que Microsoft espera resolver a partir de octubre próximo.

aplicaciones adaptadas para ser usados con pantallas táctiles (pero que también se podrán usar con ratón y teclado en una PC convencional) y la ausencia de ventanas. Las aplicaciones tienden a funcionar a pantalla completa, aunque se podrá tener un par al mismo tiempo en pantalla. Una segunda opción activará la vista tradicional de Windows 7, con un escritorio, ventanas y demás. Las aplicaciones existentes hasta ahora funcionarán en esta segunda vista: para la primera (la moderna, la distinta) se deben crear aplicaciones nuevas; las más de 60 mil que están disponibles para Windows Phone 7 funcionarán en Windows 8, con algunos cambios en su código.

Aunque se suele tomar como punto de inflexión de la industria al iPhone, para Microsoft, el cambio ya estaba en marcha antes. En 2006, la compañía presentó su reproductor multimedia Zune, con el que esperaba competir con el iPod; el sistema operativo del Zune usaba un nuevo diseño gráfico, basado en el uso de tipografías de gran tamaño y un aspecto minimalista, despojado de lo que en la industria del software estadounidense se denomina cromo: los bordes de las ventanas de una aplicación, las sombras o transparencias en un botón, etc.

Habrá tres versiones de Windows: la hogareña, la corporativa, y la versión para tabletas. Todas usan Metro, pero la versión para tabletas no podrá correr aplicaciones de PC, aunque sí dispondrá de un Escritorio y una versión de Office. Todas las herramientas del sistema operativo están diseñadas para ser usadas con pantallas táctiles o con teclado y ratón (o una combinación de los tres, por supuesto).

Eso fue la base de Metro, el lenguaje de diseño que la compañía adoptó y desarrolló a partir de 2007, para remozar su oferta móvil, y que llegó al mercado en 2010 como Windows Phone 7. El atractivo de WP7 estaba en su uso extensivo de tipografías y elementos planos y de colores distintivos, usando una combinación de ícono, acceso directo y widget, que la compañía que se denomina “Live Tile” (algo así como baldosa o azulejo activo). Son íconos que funcionan como accesos directos, pero que contienen información que se actualiza, y que pueden modificar su aspecto en función de ellas: cantidad de mensajes sin leer, una nueva fotografía publicada en un perfil de Facebook, etc.

Las aplicaciones usan el mismo sistema, con menús sencillos, pocos botones, y predominancia de tipografías de gran tamaño.

Más allá del poco éxito en términos de ventas que por ahora tuvo esta propuesta en el terreno de los celulares, la muy positiva recepción que tuvo Metro en la comunidad llevó a Microsoft a pensarlo como un puente para permitirle seguir con el mundo de las PC y subirse, al mismo tiempo, al de las tabletas, celulares y dispositivos intermedios, que prescinden del teclado y el ratón para depender de las pantallas táctiles.

Así, Windows 8 tendrá una vista principal, basada en Metro y con sus mismos principios: baldosas activas en toda la pantalla, menús y

Link a la nota: http://9010.co/Windows8hito

Como OS X, Windows 8 tendrá su tienda de aplicaciones, y una mayor integración con Windows Live ID, la cuenta que se usa para Hotmail y otros servicios online de la compañía, como su carpeta virtual Skydrive, las fotos en línea y más servicios basados en la Nube.

También podrá instalarse en un pendrive y llevarlo de una computadora a otra; tendrá una carga más rápida del sistema operativo y no requerirá mejor hardware para funcionar, ya que cualquier computadora que hoy corra Windows 7 será capaz de usar Windows 8, incluyendo las netbooks.

Quienes quieran probar Windows 8 antes de su lanzamiento, pueden instalar la versión de desarrollo, que ya tiene la mayor parte de las funciones incluidas, y que es de uso gratis. Está en inglés, y se descarga de http://windows.microsoft.com/es-ES/windows-8/ consumer-preview.

Si la estrategia le sale bien, Microsoft logrará así renovarse y pasar a la nueva realidad de la informática personal, que en Apple llaman post-PC (donde priman los smartphones y las tabletas) y en Microsoft PC-más (PC con una constelación de dispositivos alrededor) y, de paso, unificará su propuesta con un sistema operativo que es igualmente dúctil en computadoras de escritorio, tabletas y celulares (con Windows Phone 8, que compartirá parte de los componentes básicos, y la intefaz de usuario, con Windows 8). Pero tendrá que convencer a los usuarios que esa dualidad es lo mejor de los mundos posibles. + http://windows.microsoft.com

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Espacio Gaussian Blur Bombay Sapphire en Milan Design Week Con motivo de la reciente Milan Design Week, que este año tuvo lugar del 17 al 22 de abril, Bombay Sapphire se alió con el artista alemán Moritz Waldemeyer y el diseñador francés Florian Dussopt, para desarrollar Gaussian Blur, un nuevo concepto en espacios de vanguardia, ubicado en Zona Tortona.

Texto: Laura Piasek @laurapiasek

Una vez más, es el diseñador Moritz Waldemeyer, con quien la firma ya había trabajado previamente para crear la “Bombay Sapphire Vapour Infusion” -una escultura que ilustra el proceso de destilación del gin- el responsable de esta nueva experiencia, que tiene como cocreador a Florian Dussopt.

Gaussian Blur es el nombre de esta iniciativa que, además de funcionar como punto de encuentro de los creativos que se dieron cita en el evento de diseño de mobiliario y objetos más importante del año, se propuso fusionar la moda, con la música, el networking, el arte y los cocktails.

En este sentido Bombay Sapphire Twist, una escultura de seis metros de largo, realizada por los dos artistas a cargo de Gaussian Blur, fue emplazada en el corazón del lugar. Con una apariencia exterior intrigante y etérea, la instalación con forma de espiral contiene cincuenta recreaciones de la tradicional botella de Bombay Sapphire, fabricadas en acrílico azul traslúcido, y colocadas en diferentes alturas a lo largo de la estructura. Gracias a la tela semitransparente de la obra, las sombras que las botellas revelan se dejan ver sobre ella. Además,

para potenciar el efecto hipnotizador de la escultura, sobre la superficie se proyectaron animaciones.

Mientras que Moritz Waldemeyer se distingue por sus trabajos en donde la tecnología y la iluminación son puestas al servicio de la obra, Florian Dussopt encuentra la inspiración en la física, la óptica, el sonido y la energía. Tanto para el proceso creativo, como para la producción de la obra, los artistas contaron con la colaboración de un equipo multidisciplinario de graduados en moda, producto y animación de la Middlesex University, de Londres.

La instalación se propuso captar el espíritu de Bombay Sapphire, a través de un enfoque lúdico, que rescata la claridad del cristal de la marca, al mismo tiempo que añade profundidad y misterio a la propuesta. El resultado es una obra interesante que, gracias su forma ascendente, funciona también como un símbolo del estado de expansión actual del diseño internacional. Una vez más, Bombay Sapphire trabaja en conjunto con referentes de la comunidad creativa, a través de proyectos que tienen como objetivo estimular la imaginación. + www.bombaysapphire.com

clásicos contemporáneos

+ 093 arte

+ La escultura Bombay Sapphire Twist y sus creadores: Moritz Waldemeyer y Florian Dussopt

BOMBAY SAPPHIRE TWIST Una trago realizado en exclusiva para la Milan Design Week 2012 por Sam Carter, Bombay Sapphire Global Brand Ambassador.

Mezclar en una cocktelera: 50ml de Bombay Sapphire con 25ml de limón exprimido, 10ml de jarabe de miel, 25ml de agua tónica y 15ml licor Blue Curaçao, con abundante hielo triturado. Colar y servir en un vaso alto. Decorar con una rodaja de cáscara de naranja. +

Enjoy BOMBAY SAPPHIRE Responsibly. Bombay Sapphire, su botella y logos son marcas registradas. w w w.bombaysapphire.com

Link a la nota: http://9010.co/GaussianBlur

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Massimo Scolari Más allá de los muros Massimo Scolari cree que la representación de la arquitectura excede a sus límites físicos. Esta creencia ha guiado su trabajo como diseñador, artista, teórico y docente, y es, además, lo que se tradujo en una retrospectiva que tuvo lugar hasta el mes de mayo, en la Universidad de Yale. Nos adentramos (y desafiamos) a los muros poco confiables de su filosofía.

| Texto: Natalia Iscaro @Natusfila Fotos e imágenes: Gentileza Yale School of Architecture

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clásicos contemporáneos 095 arquitectura

+ Reconstrucción de Wings sobre el techo de la School of Architecture IUAV, Università di Venezia, Santa Marta, 1992. Foto: G. Basilico.

Para Platón, la definición del arte consistía en ser la copia de una copia. Una taza, por ejemplo, era única y verdaderamente una idea de taza, completamente abstracta, antes que cualquier otra cosa. Luego, la taza que está en nuestras alacenas, sería una copia de aquélla. Y la que está pintada en un lienzo en cualquier pared es, por tanto, una copia de esta segunda, y una tercera copia del original. De acuerdo a esta sucesión de copias, el arte quedaría reducido (o no tanto) a una categoría donde la fidelidad hacia el original, ciertamente no sería una de sus cualidades. Al griego, parece, las artes no eran lo que más le interesaban. O sí.

Massimo Scolari (1943), italiano, diseñador de mobiliario, dibujante, pintor, teórico, autor y profesor, también se preocupó por ahondar en la relación entre el arte y su representación. Entre un original (más precisamente, obras arquitectónicas y espacios urbanos) y su copia (sus propios dibujos, pinturas y acuarelas que, muchas veces, reinterpretan de un modo enriquecedor a los originales que los inspiraron).

Algo que queda muy claro en Massimo Scolari: La representación de la arquitectura, 1967-2012, la primera retrospectiva

desde 1986 de este destacado profesional y artista, que se presentó hasta el 4 de mayo, en la escuela de arquitectura de Yale.

Elaboradas desde 1967 hasta 2012, estas 160 pinturas, acuarelas y dibujos son una vía de entrada a los métodos de trabajo de diseño de este creador, así como una forma de aproximación a su desarrollo teórico, uno al que se ha dedicado con creciente fervor con el correr de los años.

En la sala dedicada para tal fin en Yale, los objetos arquitectónicos y urbanos de sus lienzos se sumaron a la reproducción a escala de una escultura monumental (creada para la Bienal de Venecia de 1991), y 10 modelos arquitectónicos. Curada por él mismo, la exhibición incluyó 57 paneles, cada uno de los cuales estuvo dedicado a un proyecto o tema recurrente a lo largo de su carrera.

La exhibición fue una declaración de principios, que reforzó el cuestionamiento radical de Scolari hacia algunas de las premisas más asentadas en el mundo de la arquitectura, especialmente, hacia aquellas que vinculan la representación arquitectónica a las construcciones físicas. En diálogo con 90+10, el artista amplió detalles de las piezas, su filosofía de trabajo, y hasta de lo que le causa felicidad.

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+ La escultura Wings en la 5º Exposición Internacional de Arquitectura de Venecia, 1991, 23.3 x 29.2 cm. Foto: L. Ghirri.

+ Usted fue el curador de la muestra, ¿cómo eligió las piezas?

MS Realicé el diseño de la exhibición junto con la arquitecta Laura Silvestrini, y presenté mayormente las pinturas a las que tuve fácil acceso. + ¿Cómo fue el recorrido de la exhibición?

MS Mayormente cronológica, y mostrando cómo pasé de la representación a la realización de cosas reales. + ¿Cómo fueron creadas estas piezas?

MS Eso permanece como un enigma. ¿Están relacionados a un trabajo arquitectónico? ¿Interactúan o se pelean con éstos?

Todo está relacionado con todo, porque nada viene de la nada. + ¿Qué técnicas artísticas ha explorado?

MS Todas. + ¿Qué sintió al ver su trabajo expuesto de este modo?

MS Soy feliz cada vez que veo un trabajo bien hecho, como éstos que fueron exhibidos. + ¿Cómo interactúan el lenguaje artístico y el arquitectónico?

MS La arquitectura es el tema de mis pensamientos y de mis pinturas.

LA LEY DEL CUESTIONAMIENTO A lo largo de este diálogo, Massimo Scolari no sólo respondió a las preguntas con economía de palabras, precisión, sentido común y una seguridad sutil, esa que no necesita reafirmarse con tonos graves o imperativos, sino más bien la que se desliza suavemente, tras años y años de experiencia como aval. También se preguntó a sí mismo, al entrevistador, o al goce propio de quien ve en el ejercicio del auto cuestionamiento una oportunidad de aprendizaje.

Graduado en arquitectura en Milán, en 1969, comenzó a dictar clases de historia de la arquitectura en Palermo (Italia), e historia y técnica del dibujo en el Instituto Universitario de Arquitectura de Venecia (ídem), del cual luego sería profesor adjunto.

Como docente, además, participó de cursos en universidades de todo el mundo, entre ellas, Harvard, Yale y Cambridge.

Sus estudios acerca de la representación fueron publicados en “El diseño oblicuo” (1986), uno de sus cientos de libros, que se suman a su trabajo como editor de libros dedicados a la arquitectura y al diseño de mobiliario. Sus piezas de diseño y obras de arte participaron de muestras en Europa, Japón, Rusia y los Estados Unidos; y realizó instalaciones para numerosas ediciones de la Bienal de Venecia y la Trienal de Milán. En 2001, se retiró de su trabajo en la Universidad, y sacó una licencia como piloto de avión. Desde entonces, vive en Venecia y, entre sus canales y edificaciones de ensueño, se dedica a pensar y repensar los límites de los planos. + ¿La arquitectura excede su materialidad?

MS Siempre, porque fue producida a partir de una idea que vino antes, y no después. Esta idea puede ser una buena (una buena arquitectura) o una mediocre (una simple construcción). + ¿Qué cambió en la arquitectura desde 1967 hasta el día de hoy? ¿Y en arte?

MS La arquitectura siempre expresó el espíritu del tiempo al que se refiere. Hoy, las obras de los “arqui-artistas” son un tipo de arquitectura que sólo puedo llamar cara, y que se desvanecerá muy rápido, debido a un corte de dinero y a la indiferencia hacia lo que la gente realmente necesita. El arte se convierte en una actividad financiera, sin grandes galeristas, sin críticos, sólo con hombres de negocios. No es muy interesante… + ¿Cuál debería ser la máxima aspiración de la arquitectura?

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+ Beyond the Sky, 1982. Acuarela sobre cartón, 27.6 x 45.9 cm.

MS Ser normal, útil, hermosa y durable. Lo dijo Vitruvius, hace dos mil años. Su próximo desafío es ser normal, y la gente que la hace, también. + Luego de su larga experiencia como docente, ¿qué consejo le daría a un recién graduado en arquitectura?

MS El trabajo hecho con precisión, seriedad y felicidad se convierte en lo que uno es. Y considero a la belleza una función. + ¿Cómo es vivir en una de las ciudades más hermosas del mundo, Venecia?

MS Me hace vivir lentamente, y dentro de la belleza.

ESPÍRITU CREATIVO Limpias. Suaves. Claras. Orgánicas. Así son las piezas de mobiliario de Massimo Scolari. En su lógica creativa, cada obra tiene tanta personalidad como la que le confieren sus nombres, habitualmente destinados a personas. Así, Olimpia (1990) es una interesante pieza en madera de haya con respaldo de madera ajustable, con la forma de dos sutiles alas de un pájaro; Claudius (1995) es una cajonera circular y baja, de madera, con un cilindro delgado del mismo material, y base y tapa revestidas de negro; Zeno (1994) es un escritorio ligero con dos bases en forma de L, elaborado en haya, con tapa de goma líquida, y detalles en aluminio anodizado y ébano; Theo es una mesa de tapa en forma alveolada en aluminio y resina epoxi, e injertos en madera de Pau Ferro con lustre brillante, cuyas patas se lucen por ser de un vidrio negro grueso, con una delgada tapa y base en madera recubierta en metal; y Dora (2007) es una silla con respaldo y apoyabrazos en una sola pieza curva, de aluminio revestido con cuero.

Luces, camas, cajoneras, sofás, sillones, butacas…, todas ostentan una serie de detalles que, lejos de ser sólo bellos, son discretos, pero creativos. Gestos de un artista que delinea su propio

Link a la nota: http://9010.co/MassimoScolari

universo, pero sin temor de ir más allá de lo que su propia lógica le permita. Es la mente de un artista sin certezas. + ¿Cómo fue su experiencia diseñando muebles?

MS Es hermoso ver dibujos que rápidamente se convierte en objetos. + ¿Cómo ve el diseño italiano hoy en día?

MS Ganando. + ¿Cómo fue su evolución?

MS Lenta y constantemente, avanzando desde los tiempos romanos. + ¿Qué es el arte hoy en día?

MS Cuando todo el mundo es un artista, nadie realmente lo es. + ¿Qué tipo de arte le gusta?

MS Figurativo y algunos trabajos abstractos; pocos para ser honesto. + ¿A qué artistas admira?

MS Rosso Fiorentino, Osvaldo Licini, Paul Klee. + Su trabajo de escritor, ¿qué rol jugó en su carrera?

MS Hice lo que pude, con una actitud ética y profesional. Investigación, libros, pinturas, objetos, son producidos por un cerebro, pero a través de diferentes técnicas; eso es todo. ¿A qué certezas arribé? A ninguna. + ¿Qué lo hace feliz?

MS Todo lo que tengo ya, y el comportamiento de los animales, que es sin pretensión ni disimulo. + www.massimoscolari.it | www.architecture.yale.edu

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+ Sillón para exteriores de la línea Barna, realizado en concreto y hierro. Su morfología remite al modernismo de la década del 50 en Mendoza, con su principal referente en diseño, César Jannello. De Ricardo Colombano y Rolando Espina para la firma Soluciones Urbanas.

Colección de diseño GUÓN! Terremoto a los sentidos GUÓN! podría ser un insulto o un guiño coloquial, pero es una colección de piezas, y un archivo de documentos que relatan el desarrollo del diseño en el oeste argentino, más precisamente, en la provincia de Mendoza, Argentina, creada por los integrantes de la Fundación del Interior. | Texto: Wustavo Quiroga

En esta última década, el panorama nacional está especialmente abocado al relato interno de un inmenso país, un país que son dos: las provincias y el exterior (la Ciudad de Buenos Aires). Esta nueva lectura de la diversidad territorial y sus productos culturales, hacen al diseño un bien material, que nutre un mapa lleno de experiencias.

La colección GUÓN! viene a contar una historia fantástica de aventuras entre montañas. Con epicentro en Cuyo, el panorama

del diseño se desarrolla con la primera escuela de diseño en Argentina, largos períodos de vanguardias relacionadas a la autoproducción y la industria liviana, académicos entusiastas, y jóvenes emprendedores que se arriesgan a desdoblar los límites locales.

DE VIEJOS A NIÑOS Qué, cómo, cuándo, quiénes y por qué nos preguntamos sobre todo lo que había a nuestro alrededor, y para averiguarlo, pusimos en

clásicos contemporáneos

+ 099 diseño

+ Tite Barbuzza diseña el concepto Contemporary Wine en productos MTB vino orgánico, acompañada por la fotógrafa Salomé Vorfas.

marcha el grupo de amigos que integramos Fundación del Interior, una institución cultural formada por artistas, diseñadores, gestores, historiadores del arte y teóricos de Mendoza. Así, comenzamos con las tareas de indagar y dar testimonio a muchos esfuerzos que no alcanzaron estado público, y relacionamos creadores de renombre con su lugar de origen. De alguna extraña manera, hablamos del diseño mendocino, sin una taxonomía estricta de lo local; dibujamos -aunque de manera difusa- las características de un escenario con muchas bases, un desarrollo sinuoso, y un presente prometedor.

La revisión se ejecuta desde múltiples entradas; se desarrollan variantes como gráfica, multimedia, producto, indumentaria, desarrollo académico, gestión e investigación proyectual. Algunos marcan hitos del diseño argentino, otros son ejemplos invisibles integrados a la trama social. También hay casos de empresas que incorporan diseño o diseñadores fuera de la provincia, que interactúan con el mercado internacional. La investigación y la gestión son áreas menos visibles que las anteriores, pero fundamentales en el engranaje del diseño; encuentran en el archivo un espacio para manifestarse a través de ediciones y textos formulados, registro de eventos, y acciones exitosas entre hacedores y empresas o instituciones educativas y sociedad.

REFLEXIONAR ENTRE AMIGOS El archivo comienza a tomar forma editorial, permitiendo diferentes acercamientos críticos. En reuniones formales e informales, se extraen conceptos que permiten leer el material desde enfoques diversos, incluso, hasta enfrentados.

Escuché decir a Víctor “Pupo” Boldrini -integrante del prestigioso estudio de diseño gráfico mendocino Boldrini-Ficcardi- sobre los movimientos del diseño: “Era como si comieran remolachas y, sin pensarlo, todos meaban rojo”, y nos acercó a la idea de que lo que se produce es, precisamente, resultado de lo que nos nutrimos, por lo que Pupo retomó: “Sin una modificación profunda del modelo educativo, las potencialidades futuras de diseño están en riesgo. La crisis se evidencia en la poca inserción laboral de sus egresados. ¿Esta situación se debe a que sus conocimientos no son suficientes para enfrentar una sociedad cada vez más compleja y cambiante, o que la cantidad de egresados es mayor a la que la sociedad necesita y puede procesar?” Estas preguntas dispararon reflexiones laterales al archivo, pero necesarias para proyectar el diseño en Mendoza y esa, tal vez, sea su mejor función.

Por otro lado, hay casos que demuestran que el vínculo diseñadorempresa es posible. Laura Braconi, docente en la Universidad de Cuyo, investiga las innovaciones del diseño en la industria: “A través del recorrido realizado, se puede observar el accionar de los diferentes actores que intervienen en el proceso de innovación. El primero de los actores (los usuarios y la sociedad) deben demandar innovaciones que solucionen problemas, y fortalecer el papel de los usuarios, en su relación con los productores. El segundo de los actores (sector empresarial), debe asumir a la innovación como una estrategia que les permite afrontar problemas de competitividad. Para ello, invertir en I+D se traduce en know-how: capacitación, educación para sus empleados, nuevas formas de gestión y comercialización. En definitiva, es la incorporación del

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+ Vasija cerámica de Alejandro Morassi, inspirada en la cultura andina, 2011.

+ Lección de morfología por Sánchez de Bustamante en la Escuela de Diseño de la Universidad Nacional de Cuyo, en la década del 60.

conocimiento al proceso de producción. Asimismo, la innovación no existe en aislamiento; es vital establecer relaciones hacia afuera de la empresa (proveedores, clientes, universidades). Finalmente, el tercero de los actores (Estado) debe asumir un rol activo, a través de políticas públicas orientadas a fortalecer la capacitación científico-tecnológica, la infraestructura en I+D, y fomentar las actividades de innovación”. Entonces, ese rejunte de papeles amarillos, prototipos de proceso, objetos varios y energía potencial, es la colección y archivo GUÓN!

SI LA MONTAÑA NO VIENE, NOSOTROS VAMOS Entre los incunables de la colección, se encuentra la Feria de América, la primera feria industrial de carácter continental en Argentina, que contó con un desarrollo modernista de avanzada, para ejecutar el despliegue comercial; documentos que reflejan el pensamiento y acción de los fundadores de la primera escuela de diseño en la Universidad Nacional de Cuyo; obras cerámicas de Colette Boccara; y referencias gráficas de Abdulio Giudici; entre otros documentos que permiten entrever las vanguardias aplicadas. Luego, con el transcurrir del tiempo, aparecen Ramón Villaroel con su inventiva industrial; Carlos Gómez y Cuatro para gráfica, con aplicaciones de comunicación institucional; Luis Sarale con gráficas de identidad localista; y así, contados actores salvaguardan épocas de difícil desarrollo productivo.

Silvia Centeleghe, diseñadora industrial integrante de la Fundación gestora, comenta sobre la importancia del mismo: “El conjunto de los objetos de uso, la cultura material, define una sociedad, sus usos, costumbres, creencias, valores, capacidades. La arqueología busca piezas del pasado remoto, para descubrir su historia, entenderla, explicarla. El coleccionismo puede aplicar la operación inversa: seleccionar objetos en el momento en que abundan, aplicar un criterio de lectura, o escribir la historia mientras sucede. Implica la conciencia de la mirada futura; la intención de trascender, de dejar un legado. Una colección de diseño adquiere la función accesoria de representar un momento histórico, económico, tecnológico y social, pero también intelectual, filosófico. Los diseñadores son cada vez más conscientes de este rol, al proyectar objetos con fuerte valor simbólico, objetos que deseamos poseer, que tienen un prestigio en el que deseamos identificarnos, y nos permite a todos ser coleccionistas”.

A lo que Facundo Burgos, gestor cultural e integrante del equipo, , adhiere: “Hay instancias del diseño que no se pueden archivar, coleccionar o exponer fácilmente, como pueden ser el proceso intangible o el contexto funcional”. Esta situación, disparó una serie de entrevistas documentales, con testimonios de primera mano.

Recuerdos, anécdotas, datos técnicos, apreciaciones personales integran la trama documental de tan apasionante iniciativa.

En el último tiempo, caen a cuenta activos y jóvenes hacedores: Tite Barbuzza, diseñadora del mundo de la música con su referencia imborrable del logo para Soda Stéreo, emprende nuevas maneras de interpretar el mundo del vino; Leo Peralta exalta las pasarelas últimas de BAFWeek, con su colección “Bestiario”; el trío Blirp exporta audiovisuales a las principales cadenas televisivas; o los maestros gráficos de Grapo, divirtiéndose con afiches de compromiso político.

SORPRENDERSE ANTES QUE ABURRIRSE GUÓN! es una manera lúdica de desempolvar los cánones del diseño, de estimular con imágenes del pasado un campo tan fértil como futuro. Equipos interdisciplinarios, trabajo ad honorem, donaciones afectivas, apoyo empresarial, un depósito dispuesto a proteger el patrimonio material e intangible, y otras tantas partes integran este emprendimiento. Allá donde una vez el diseño fue cumbre de América, hoy se retoma con fuerza la intensión de llevar el “arte” a todos los rincones de la sociedad. +

Link a la nota: http://9010.co/ColeccionGUON

+ Guillermo Mayoral: El lenguaje del cuerpo

portfolio fotográfico

Guillermo Mayoral | Curador: Aldo Bressi Guillermo Mayoral es argentino, estudió Bellas Artes y fotografía analógica, y maneja cámaras de medio y gran formato. Su búsqueda personal se relaciona con el agregado de texturas a las imágenes originales, creando atmósferas particulares y personales. Las imágenes que presentamos en este portfolio, pertenecen a distintas series: niños, autorretratos, still life y desnudos. + www.facebook.com/gm.art.photos

Link a la nota: http://9010.co/GuillermoMayoral

+ Guillermo Mayoral: Intervenciones - Texturas

+ Guillermo Mayoral: Intervenciones - Texturas

+ Guillermo Mayoral: Intervenciones - Texturas

+ Guillermo Mayoral: Intervenciones - Texturas

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+ mundo creativo

Texto: Ricardo Sametband @rsametband

tecnología

Samsung AIO serie 7 Los fabricantes de PC siguen ampliando su oferta de equipos todo-enuno, que integran la pantalla y los componentes básicos en un mismo gabinete, aprovechando la experiencia lograda en la fabricación de notebooks. En este caso, es Samsung la que presentó un equipo de este tipo en el país, con un diseño de 16 mm de grosor y una pantalla Full

HD de 23 pulgadas. Tiene un chip Core i5, 6 GB de RAM, un terabyte de disco, teclado y mouse inalámbricos, y conectores HDMI de entrada y salida, para compartir su contenido en una pantalla más grande, o ver TV con un sintonizador externo. Tiene un precio local de $7499. + http://www.samsung.com/ar/

Gameloft-Personal Freemium

Barnes & Noble Nook SimpleTouch con Glowlight

Gameloft y Personal anunciaron en el país la disponibilidad de juegos en la tienda de la operadora, que responder al modelo Freemium (por ahora, sólo para Android): los títulos se ofrecen completos y de uso gratis, y el usuario tiene la posibilidad de comprar elementos que enriquezcan su uso, en función de su interés en el juego: desde niveles adicionales a armas que permitan un avance más rápido en el juego.

Los agregados no tienen un precio fijo, pero los más económicos rondan los $0,50 por elemento. El primer juego en estar disponible es Oregon Trail, aunque el estudio francés confirmó que ofrecerá más en los próximos meses. + www.gameloft.com.ar | www.personal.com.ar

El mayor competidor de Amazon en el mundo de los ebooks, la cadena estadounidense Barnes & Noble, presentó un nuevo modelo de su línea Nook. El SimpleTouch con Glowlight agrega, a la pantalla táctil de tinta electrónica, un sistema de retroiluminación, que permite usarlo a oscuras. Las pantallas de tinta electrónica tienen la virtud de consumir muy poca energía, ya que usan la luz ambiente para iluminarse, pero eso limitaba (hasta ahora) sus posibilidades de uso. El equipo, que tiene Wi-Fi para descargar libros, posee una autonomía promedio de un mes de uso con la luz, y dos meses sin ella. En los Estados Unidos, tiene un precio de U$S139. + www.barnesandnoble.com

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mundo creativo 107 tecnología

Sony Tablet S1 La firma nipona se sumó en la Argentina al resto de los grandes fabricantes de tabletas, y ya ofrece en el país su modelo S1, con Android 3.x, 1 GB de RAM, un chip Nvidia Tegra 2 a 1 GHz y pantalla de 9,4” con tecnología TruBlack, además del acceso a su tienda de videojuegos de PlayStation. El diseño de su carcasa, plegada sobre sí misma como un diario, permite que, al apoyarla sobre una mesa, quede levemente inclinada. También tiene un puerto infrarrojo, que permite usarla de control remoto universal, además de DLNA para transmitir en forma inalámbrica sus contenidos a otros dispositivos multimedia. El modelo con 32 GB de almacenamiento, tiene un precio de $4299, mientras que el modelo de 16 GB cuesta $3599. + www.sony.com.ar

Alerta Pebble El reloj pulsera da batalla y se resiste a pasar de moda o quedar como un mero objeto decorativo. Así, compañías como Alerta están apostando a diversificar sus funciones y traerlo al siglo XXI con modelos como el Pebble, que tiene una pantalla de tinta electrónica, para permitir cambiar de diseño en el dial, y conectarlo vía Bluetooth a un celular iPhone o Android, y recibir un alerta en la muñeca cuando llega un SMS (y hasta verlo en pantalla) o saber quién te está llamando, antes de sacar el teléfono del bolsillo. En septiembre saldrá a la venta en los Estados Unidos, a un precio estimado en U$S150. +

Eurocase EUGA-250 Aunque parecía que el mundo de los simuladores de vuelo había pasado de moda, es un segmento que sigue teniendo adeptos. En febrero último, Microsoft presentó la última versión de su histórico software de vuelo, llamado simplemente “Flight”, que ahora es gratis. Para aprovechar al máximo su ductilidad, conviene un joystick antes que el teclado y mouse; una buena alternativa es el EUGA-250 ($159,90), con vibración, 4 ejes de movimiento y 12 botones de acción. + www.microsoft.com/games/flight/

Motorola Atrix 2

Intel Lava Xolo X900

Motorola sorprendió hace un año al presentar el Atrix, un móvil que con un accesorio (teclado y pantalla) se transforma en una computadora completa. El Atrix 2 sigue ese camino, ofreciendo una pantalla de 4,3”, Android 2.3 (se actualiza en el tercer trimestre del año), chip de doble núcleo, 1 GB de RAM, cámara de 8 megapíxeles capaz de grabar video en Full HD, 8 GB de almacenamiento interno, ranura microSD, conectores USB y HDMI para usarlo como una PC con Linux, y un Firefox convencional si se activa el modo Webtop (requiere un accesorio). El equipo tiene un precio de preventa con Claro de $1599. + www.motorola.com/ar

La gran apuesta del año para Intel será lograr tener una participación en el mundo móvil, con una versión de su chip Atom (presente en las netbooks), adaptado para móviles. Lava Xolo X900, que permite Lava Xolo X900, que permite adivinar lo que veremos luego: Adroid 2.3, 1 GB de RAM, pantalla de 4”, cámara de 8 megapíxeles, capaz de grabar Full HD, y 16 GB de memoria interna. Lenovo también confirmó que tendrá un equipo en breve con similares prestaciones, aunque no hay modelos confirmados para el mercado occidental. + www.intel.com.ar

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+ mundo creativo

vehículos

Texto: Elvio Orellana @emorellana33 Estos autos y más encontralos en Deautos.com

Renault Sandero Stepway Rip Curl A poco más de un año de la presentación de la nueva edición del Sandero Stepway, la firma del rombo vuelve a poner al modelo en el centro de todas las miradas. Esta vez, con un nuevo ropaje, que lo emparenta aún más con la vida al aire libre. Para ello, la automotriz francesa ha decidido aunar fuerzas con la reconocida marca australiana de indumentaria para surfistas: Rip Curl. ¿El resultado? Un vehículo joven y aventurero, con nuevas llantas de 16 pulgadas, barras de techo en color gris acero, al igual que los diferentes adhesivos Rip Curl, que se sitúan en los laterales y en el portón trasero.

La personalización de esta edición especial se extiende también en

su interior. Ello se aprecia en las nuevas tonalidades del tapizado (negras y rojas, que hacen alusión a los colores originales de la casa de indumentaria). Se suman a esta revitalización de colores, los relojes del tablero y las salidas de aire. Un detalle importante es la incorporación en el baúl de un espacio especial para guardar las prendas mojadas y las barras en el techo para transportar las tablas de surf. Debajo del capó, el Renault Sandero Stepway Rip Curl esconde el ya conocido propulsor 1.6 litros 16V que entrega unos 105 CV, junto a la transmisión manual de 5 marchas. $86 mil es el costo de esta edición limitada. + www.renault.com.ar

Alfa Romeo MiTo 1.4 Tbi Quadrifoglio Verde El importador en Argentina de Alfa Romeo se prepara para ingresar al país la versión más deportiva del hatchback italiano, es decir, el MiTo. Se trata de una versión que competirá de manera directa contra el Audi A1 S-Line (185 CV, U$S43.900) y el Mini Cooper S (184 cv, desde U$S38.000), entre otros. Este pequeño demonio estará impulsado por un motor turbo con 170 caballos de potencia y caja manual de 6 velocidades. Su llegada a nuestro mercado será durante este año. + www.alfaromeo.com.ar

Ranger Rover Evoque En el 2008, el prototipo LRX se presentó por primera vez en diferentes salones del automóvil, y tras su positiva recepción en todo el mundo, la compañía decidió convertir el concepto en realidad. Es por ello que, desde hace más de un año, se fabrica en la planta inglesa de Halewood el Ranger Rover Evoque, un SUV compacto que comparte plataforma con el Freelander 2, y que ahora ingresó en nuestro mercado. Este nuevo integrante de la marca inglesa se destaca por sus marcadas líneas horizontales, un perfil cargado de nervios y musculatura, y su techo flotante en colores distintos a los de la carrocería.

Su motor será un 2.0 litros para todas sus versiones, el cual desarrolla unos 240 caballos de potencia. Su valor de inicio para nuestro mercado es de $74.900. + www.landrover.com.ar

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Estos autos y más encontralos en Deautos.com

mundo creativo 109 vehículos

Citroën DS4 Se trata de un hatchback con 5 puertas del segmento compacto, que se posicionará por encima del DS3 -que se vende desde hace un año-, como segundo integrante de la línea DS, con la cual Citroën pretende competir en el mercado Premium.

El DS4 se ofrece en Argentina con una sola versión, con el ya conocido

motor 1.6 THP con 163 caballos de potencia. Acelera de 0 a 100 km/h en 8,6 segundos y alcanza los 212 km/h. Mide 4,27 metros de largo y es muy alto: 1,53 metros. Esto es porque tiene un despeje del suelo mayor al de otros hatchbacks compactos, aunque no tanto como para ser considerado un SUV. Su precio ronda los $200 mil. + www.citroen.com.ar

Peugeot 508 A poco de haber lanzado al 308, la firma del león suma a su portfolio a su máximo representante de la alta gama: el Peugeot 508. Importado de Francia, el 508 llega para reemplazar al 407, y al también discontinuado 607, proponiendo ahora una única y moderna oferta, orientada a satisfacer las necesidades de un cliente que es cada vez más exigente.

Las alternativas de motores son tres, una naftera y dos diesel. El primero es el 1.6 litros de 163 CV, de potencia máxima a 6.000 rpm.

La caja de cambios asociada es automática secuencial Tiptronic de 6 velocidades, con levas al volante. Las variantes diesel, que llegarán más adelante, son un 2.0 HDI de 16v y 163 caballos y un 2.2 litros HDI de 16v y 204 caballos, también asociados a la caja Tiptronic.

El nuevo león ya está disponible en la red de concesionarios oficiales, en sus versiones 1.6 THP 163 CV 6AT Allure ($180.000) y 1.6 THP 163 CV 6AT Feline ($203 mil). + www.peugeot.com.ar

Toyota Corolla XRS El citadino más representativo de la firma japonesa reapareció en escena, esta vez, con un ropaje más deportivo del habitual, dejando atrás su reconocido corte señorial. El motivo de ello, es una nueva versión denominada XRS, orientada hacia los que querían un modelo con estética más atrevida. En esta versión, toman protagonismo un spoiler más grande, llantas pintadas en grafito, zócalos, y una parrilla delantera con un sólo filete, en vez de dos. El espíritu deportivo no se trasladó, en este caso, debajo de su capó, siendo el ya conocido motor naftero 1.8 VVT-i de los otros Corolla, con 136 caballos de potencia, con caja manual de 6 velocidades, la que impulsa a esta nueva edición. Su costo es de $131.500. + www.toyota.com.ar

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+ mundo creativo

Texto: Elvio Orellana @emorellana33

vehículos

Chevrolet Sonic La firma del moño no da respiro con las novedades este año, y una de ellas se produjo en el segmento de los subcompactos con su modelo Sonic, en sus carrocerías 5 y 4 puertas. El primero, de diseño agresivo, apunta a un público joven. En tanto que el sedán, de líneas más armoniosas, pone foco en las familias. Importado desde Corea del Sur, el nuevo Chevrolet se destaca por su completo equipamiento de seguridad y confort, lo que lo pone a la altura de su máximo competidor: el Ford Fiesta Kinectic Design. Disponible desde el mes pasado desde $100.170, el Sonic se equipa con una sola motorización de 1.6L de 16v, que eroga una potencia de 115 caballos, a 6000 rpm. + www.chevrolet.com.ar

Honda CR-V

Ford EcoSport 2012

Luego de haberse exhibido por varios salones del automóvil, finalmente Honda presentó a la cuarta generación de su vehículo, referente en el segmento de los Sports Utility Vehicles (SUV). Uno de los aspectos donde más se apuntó en esta nueva generación fue su diseño. Es por ello, que ahora posee un frontal más estilizado, con parrilla imponente y grupos ópticos longilíneos. Los detalles deportivos se suman a su nueva apariencia, como las llantas de 17 pulgadas, de 5 rayos dobles.

La ciudad brasilera de Salvador Bahía fue el lugar que eligió la marca del óvalo para develar ante la prensa la versión definitiva de la EcoSport, que llegará a nuestro mercado en el último trimestre de este año. La nueva imagen de la Eco es por demás lograda, tomando protagonismo su gran parrilla delantera, sus ópticas rasgadas con luz de posición con faros de LEDs, y algunas nuevas líneas definidas por el nuevo lenguaje de diseño global de la marca.

El otro aspecto que se mejoró fue su motor DOHC i-VTEC de 4 cilindros, 2,4 litros y 185 caballos, el cual ahora optimiza el consumo de combustible, y brinda un estilo de manejo más ecológico. El CR-V se comercializa en tres versiones: LX 2WD (U$S34.300), EX 4WD (U$S43.200), más EXL 4WD (U$S46.800). Estas dos últimas opciones cuentan con el sistema de transmisión Real Time 4WD, que ofrece una transferencia instantánea y controlada de la tracción a las ruedas traseras de la unidad, con lo que el off-road se vuelve sencillo y divertido. + www.honda.com.ar

De la misma manera, el interior también dispone la misma configuración de su hermano, el Fiesta Kinetic Design. Cuenta con un diseño moderno, y posee las mismas características tecnológicas de los nuevos modelos de la marca, como los sistemas SYNC con control por voz, la entrada sin llave inteligente, la asistencia en pendientes, y los sensores traseros de estacionamiento. Aunque no tenemos confirmado sus potencias, las motorizaciones serán de 1.6 y 2.0 litros. + www.ford.com.ar

Fiat Gran Siena Luego de que a finales del año pasado irrumpiera en escena el nuevo Palio, ahora Fiat presentó a su hermano sedán, denominado Gran Siena. Lo hizo en tierras chilenas, contexto que sirvió para probar a este renovado modelo que creció en proporciones, reafirmando su carácter de vehículo familiar. El Gran Siena llegará a las concesionarias argentinas a partir de junio, con las mismas motorizaciones que el Palio, es decir, el ya conocido Fire Evo 1.4 de 85 CV, con caja manual de 5 velocidades, y E.torQ 1.6 de 115 CV, con caja manual de 5 marchas, o automatizada Dualogic. + www.fiat.com.ar

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+ english summary Milan Design Week 2012 Special The World’s Design in One Place

Translated by: Lucrecia Bertani @lulubertani

Pages 42-61

The Italian city of Milan is the undisputed mecca of furniture and objects design that everyone in the design community wants and needs to be part of. Once again, this was shown in the 2012 edition of the Milan Design Week, from April 17th to the 22nd.

Not only have the Italians seized the opportunity to display their creativity, aiming to enforce the “Made in Italy” motto. The Milan Design Week is where worldwide producers show their latest and go in the search of new talents; where emerging designers hope to conquer these majors; where independent designers are in search of wholesale and retail buyers, while pursuing export opportunities; where important companies choose to launch products; where architects and designers go to feel inspired; and where the general public is just looking for entertainment.

At the forefront of all this commercial and cultural scene, it was i Saloni (the exhibition halls), the traditional international furniture exhibition that in its 51st edition, presents the latest developments in furniture and object design of the most renowned global companies, along with the proposals of young designers who are under 35 years of age, in the Salone Satellite. Moreover, the biannual Bathroom and EuroCucina exhibition took place this year. All of this happened at the Rho fairgrounds, outside of Milan, together with a series of conferences and events in other parts of the city.

Beyond the Saloni, the scene spreads out into different neighbourhoods, which can be nearer or further from downtown. The Tortona area is the most important; where the Tortona Design Week takes place. It is a design district that creates a tour along the streets of Tortona, Savona, and Stendhal. It includes a wide range of exhibitions in different locations, such as galleries and showrooms, with the Temporary Design Museum in the lead, which takes place in the Superstudio Più, a series of huge storehouses that are rented as recording and photography studios during the year.

The Temporary Museum for New Design is a project created by Gisella Borioli, under the artistic direction of the renowned Italian designer Giulio Cappellini. It hosted thirty exhibitions with presentations by design stars such as Italo Rotta for Samsung, Cappellini for Alcantara, Carlo Colombo for Cristalplant, the Campana brothers for Cosentino, and Oki Sato for Nendo. In addition, about 90 new designers were shown in the Basement of Superstudio Più, surprising with their ideas and collective exhibitions of furniture, objects and accessories for everyday life, while aiming to spread the benefits of Thai, Swedish or Polish design.

Another major district that has significantly grown in the past two years is Ventura Lambrate, which has developed in an area where universities and design institutes are found. Conceived by the Organisation in Design, a studio involved in design management, the district offers a curated selection of the most talented international expressions of contemporary design; especially young talents, prestigious design institutions and schools, and also well-known designers -such as the Spanish Jaime Hayón, who has set up his Milan showroom in this area to display his sketches, processes and final pieces- always focusing in creative and experimental quality projects.

Brera Design District is another important area that gathers a number of showrooms of traditional Italian companies, such as Valcucine, Lago, Calligaris, Boffi, Magis, and Moroso. During the Design Week they kept their doors open beyond their regular hours. Moreover, the La Pelota space (the ball space) hosted a group exhibition of Austrian design. This year, la via Monte Napoleone hosted the Auto-Mobile show, composed of five wooden red houses that had settings with the furniture that has been part of the iSaloni in the last 50 years. There were also five iconic Citroën cars guarding the houses.

Other important initiatives aimed at revaluing various areas of Milan are: Porta Romana Design –with 55 exhibitors in 17 locations–; Porta

Venezia in Design –with 24 points of interest, among showrooms, shops, and businesses that exhibit their innovations in design and art–; and the Most exhibition in the Museum of Science and Technology –curated by Martina Mondadori and showing over thirty exhibitors–. This last is a project of the Briton Tom Dixon, who plans to turn this space into the new epicentre of the Milan Design Week.

The Triennale Design Museum is another site nobody should miss.

Near the Cardona railway station, besides presenting great Italian design exhibitions every year –this year the tradition of the graphic design of the peninsula was shown–, it also provides their facilities for the exhibitions during that week. Such is the case of the exhibits of Interflor carpets, the Belgian design collective, and individuals – the Italian Roberto Giacomucci and his experimental design, and the Taiwanese Heinrich Wang and his china–.

Juan Pablo Cambariere Digital Craftsman

Pages 62-65

He is a sculptor and a designer, a sensitive and committed artist. He combines big projects: wooden puppets, his weekly job in the newspaper Página 12 where he creates the covers for the No supplement, and the creation of book and cd covers. He does not fear a blank page and makes the most of the empty spaces to enter into dialogues with the public.

“I believe that we all design, because designing is simply about making decisions,” says Cambariere, and adds: “One must have a real vocation for life, be enthusiastic about what one does every day. I feel that I have a really good relationship with work, and I believe that in all jobs, whether they are freelance or in an office from nine-to-five, one must be creative”, he assures.

Tim O´Brien Going through the Commercial Fine Arts

Pages 66-68

As an illustrator and portrait painter, Tim O’Brien has the knack for creating traditional oil paintings that look like photographs and that are touched by a magic wand that makes them impervious to today’s reality. His level of photorealistic detail is so absurdly concrete, that it seems that the portraits almost talk to us, the scenes fully wrap us, and the landscapes decorate our view, as he takes in everything through a lens that transcends, no matter where it is focused.

His most recurrent influences include the artists Mark Tansey and Paul Cadmus, friends and colleagues such as Marc Burckhardt, Brian Stauffer, and Edel Rodríguez, a never-ending number of objects from another era, and his eternal and sacred passion for running. He has the most prestigious clients, such as Esquire, National Geographic, Playboy, Penthouse, New York Magazine, The New York Times, Reader’s Digest, Harper Collins, Scholastic, and he sometimes illustrates from magazines covers for Time and Rolling Stone, to the stamps that he is currently designing for the U.S. Post Office.

Pablo Ramírez The Man in Black

Pages 70-73

Pablo Ramírez is nationally and internationally known as one of Argentina’s greatest designers. He has shown his creations in several European and Latin American fashion weeks, while at the same time he designs costumes for important theatre plays and uniforms for Aerolíneas Argentinas airline. His latest indulgence was showing his 2012 autumn-winter collection in the Golden Hall of the Colon Theatre. In Argentina’s fashion world, the Ramírez surname is a synonym of a clear vision regarding prêt à porter and couture: tough, strong, dramatic, and black above all. Always.

“The colour black is present since the very first sketches of the brand. It is my tool to work in abstract with shape and form without distractions. It was something I had decided: I wanted to be a clothing designer of black clothes. I thought of it in that way, I wanted to be part of that niche or create it. I wanted to know that whenever

english summary

someone needed a great black dress or a great black pair of trousers would think of Ramírez. Besides, there are plenty of things that happen with the colour black; it is a colour loaded with meanings: it may be mourning, sex, drama, theatre, simplicity, luxury. And I love playing with all these possibilities”.

Brosmind Studio Work between Brothers

Pages 74-75

The brothers Juan and Alejandro Mingarro are the founders of the illustration studio Brosmind. With their fun, optimistic, fresh, and original style, together with the care for details in their illustrations, this studio based in Barcelona, has attracted worldwide attention and has received a number of international awards. +Your quite personal style has always humour and attention for small details…How does one define their own style of illustration?

BS Graphically, each one of us has brought his best of his drawing style, so the visual universe that is seen in our illustrations emerged from that blend. Nowadays, we are both capable of reproducing that style, and the viewer won’t be able to distinguish the authorship of the piece. As for the conceptual element of the pieces, it has been even easier. Given that we are brothers, we have had the same influences, so we think in a similar way.

Campari The Art of Drinking

Pages 84-85

Red coloured, and valued for years as the must-have aperitif, the legendary Italian beverage Campari is still present in bars and restaurants, always in new combinations, while adding fans to their ranks.

One of the keys to this success is their constant connection to the latest trends in art and design. With the occasion of the brand’s 150th birthday, the Campari Gallery opened in Milan, which proposes a unique artistic journey, where art and design meet around the drink.

The Camparino is the brand’s emblematic bar and one of Milan’s icons -along with fashion and design- located at the entrance of the Galleria Vittorio Emanuele II, opposite to Il Duomo. This space witnessed the birth of many trends, was the site of political debates, and was the favourite place of avant-garde members. Currently, the Camparino hosts new trends and rituals, all with a strong cosmopolitan influence.

City Cars Small Greatnesses

Pages 86-87

The automotive market increasingly thrives on the so-called city cars, those of reduced size and easy to drive in big cities. They are chosen for their great agility and low fuel consumption. They are small and easy to use. They fit in small spaces and are fuel efficient. Their designs are becoming more attractive, and their level of equipment has become more sophisticated.

This car category has exponentially grown in recent years in our market, thanks to the emergence of new models and a gap of consumers who sympathize with these “little ones”. Some of these are: Smart for Two, Hyundai i10, Chevrolet Spark, Chery Face, Renault Twizzy, Volkswagen Up!, and Toyota iQ. Tipos Latinos Let’s talk about Fonts

Pages 88-89

Tipos Latinos, the international typography exhibition, celebrates their Fifth Latin American Typography Biennial, from May 3rd to June 2nd, in the Centro Cultural España (Cultural Centre of Spain) in Buenos Aires. Besides the traditional exhibition, the proposal includes lectures, workshops, and debates so as to promote the activity. “When one becomes aware of the unnoticed importance of fonts in our daily lives –that a boy will be able to read a book more or less easily, or that an oldster can quickly find what he needs in a patient’s leaflet, or that a driver can clearly identify a motorway exit–, one can realize that this Biennial is just for everybody,” says César Mordacci, graphic designer and coordinator of Tipos Latinos.

Windows 8 A Milestone in the History of Microsoft

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Pages 90-91

This October the new version of Windows will be ready. It will be the most important release in the history of Microsoft, with the possible exception of the Windows Original presentation, back in 1985. Windows 8 will have a main view, with active tiles all over the screen, menus, applications that are adapted to be used with touchscreens (while they will also be used with mouse and keyboard in a standard PC) and the absence of windows. The applications tend to operate at full screen; although it will be possible to have a couple of them at the same time on screen.

A second option will activate the traditional Windows 7 view, with desktop, windows, and everything else. The existing applications will still work in this second setup: for the first one -the modern and different- new applications will be created. However, the more than 60 thousand applications available for Windows Phone 7 will work for Windows 8, with some changes in their coding. Three versions of Windows will be available: the home edition, the professional edition and the tablet version.

Gaussian Blur Space Bombay Sapphire in the Milan Design Week

Pages 92-93

On the occasion of the recent Milan Design Week, Bombay Sapphire joined the German artist Moritz Waldemeyer and the French designer Florian Dussopt, to develop Gaussian Blur, a new concept in avantgarde spaces, located in Zona Tortona.

Bombay Sapphire Twist, a six metres long sculpture created by the two artists, was sited in the heart of the location. With and intriguing and ethereal outward appearance, the spiral-shaped installation holds fifty recreations of the traditional Bombay Sapphire bottle, all made of translucent blue acrylic and placed at different heights along the structure.

Massimo Scolari Beyond Walls

Pages 94-97

Massimo Scolari believes that the representation of architecture is beyond its physical limits. This belief has guided his work as a designer, artist, theoretician, and teacher, and is also what is today translated into a retrospective to be held until May at Yale University. + What should be the highest aspiration of architecture?

MS To be normal, useful, beautiful, and lasting. Vitruvius said it two thousand years ago. Its next challenge is to be normal, and also for the people who create it.

GUÓN! Design Collection Earthquake to the Senses

Pages 98-100

GUÓN! is a collection of pieces and an archive of documents that chronicle the development of design in western Argentina, precisely in the province of Mendoza, created by members of the Fundación del Interior. With its epicentre in Cuyo, the outlook of design is developed with the first school of design in Argentina, long periods of avant garde related to selfproduction and the light industry, academic enthusiasts, and young entrepreneurs who dare to go beyond the local boundaries. GUÓN! is a fun way to dust off design canons, to stimulate with images from the past a field as fertile as the future.

Photographic Portfolio Guillermo Mayoral

Pages 101-105

Guillermo Mayoral was born in Argentina. He studied Fine Arts and analogue photography, and uses medium and large format cameras.

His personal quest is related to the adding of textures to the original images, creating special and personal atmospheres. +

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Packaging creativo y sustentable a1Pack es un estudio argentino, especializado en diseño de packaging. Una de sus más novedosas creaciones es la parrilla descartable a.punto, que nació con el objetivo de darle otra vuelta a una pasión argentina: el asado. De fácil traslado, armado, uso y desarme, es una parrilla lista para usar. El kit viene con 2 kilos de briquetas de carbón vegetal para armarla, prender el fuego, asar la carne y disfrutar de un rico asado. Luego de éste, los restos de la parrilla se tiran en los cestos de residuos secos, para el recupero de los materiales. a.punto no se quema, porque tanto el cartón como la madera, encienden al contacto con el fuego, y no con el calor. Está diseñada para que los materiales no tengan contacto directo con las brasas, sino sólo con el calor de las mismas. Ganadora del Concurso Creer Crear 2011 - American Express en la categoría diseño sustentable, se produce con materiales 100% reciclables. El cartón no tiene contacto con el fuego ni la carne, por lo que puede ser reutilizado. Además, la madera que tuvo contacto directo con la carne, puede ser recuperada o bien biodegradarse. + www.a1pack.com.ar | www.facebook.com/a.parrilladescartable