Revista 90+10 #44

+44 + Kostüme presentó en Feria PuroDiseño su línea #POCKETwaTERPROOF para la lluvia: dos modelos de piloto unisex, que se convierten en bag. www.kostumeweb.net Foto: Maia Croizet @MaiaWATIO

sumario +mundo creativo 014 diseño, art toys, arte, publicaciones, música, green design, moda, arquitectura, lugares, branding y diseño, vehículos, destinos, eventos, gadgets, marketing, agenda

+especial 046 Milan Design Week Caminando por la Semana del Diseño 052 Salón latino En la conquista de Milán 054 Fuorisalone La escuela de la calle

062

diseño Piero Lissoni El tiempo es flexible Wete Fuentes para la inspiración

Isol La niña adulto

+ideas creativas 070 074 102

diseño Feria PuroDiseño Tendencia que crece

tecnología Google I/O 2013 Qué planea el gigante de las búsquedas Cámaras de sistema compacto La opción ideal para los entusiastas de la fotografía

+personas creativas 058 066

ilustración

078 086 098 082 092

arte Puma Urban Art Acceso urbano arteBA Gran evento del arte contemporáneo MICA El turno de las industrias culturales

vehículos Tecnología automotriz Inventos sobre ruedas

moda Simpleza del Sur

+portfolio fotográfico 104

Anja Butti

+clásicos contemporáneos 108

+ Ilustración de Isol para el libro “La bella Griselda” (Editorial Fondo de Cultura Económica, México 2010). www.isol-isol.com.ar

diseño Instituto Torcuato Di Tella Diseño de un plan cultural

112

+english summary

114

+conexión

+44 + Anja Butti, Street photography. www.anjabutti.com

staff Director / Publisher Gonzalo Joaquín Fargas gfargas@90mas10.com.ar @gonza9010

Diseño de Tapa Patricio Oliver www.patriciooliver.com.ar Dirección Comercial Daniel Urrestarazu daniel@90mas10.com.ar

Editora Marcela Fibbiani marcela@90mas10.com.ar @marce9010

Gestión Comercial Claudio Boleda claudio@90mas10.com.ar

Diseño Gráfico Hernán Patto Leandro Marenzi

Coordinación Editorial Celeste Nasimbera celeste@90mas10.com.ar @SrtaCele Producción Fátima Fargas fatima@90mas10.com.ar @fatimafargas Departamento Comercial publicidad@90mas10.com.ar

Colaboran en esta edición Adriana Godoy, Aldo Bressi, ArtsMoved, Celeste Nasimbera, Diego Giaccone, Elvio Orellana, Fátima Fargas, Fernanda Cohen, Germán Andrés, gt2P, Hachetresele, Javier Villa, Jorgelina Peciña, Maia Croizet, María Agustina Iscaro, María Paz Berri, Osvaldo Zorzano Betancourt, Pablo Pérez de Ángelis, Patricio Oliver, Ricardo Sametband y Wustavo Quiroga Nuestros colaboradores Osvaldo Zorzano Betancourt Nació en Arica -ciudad playa, frontera norte de Chile-, en 1971. Estudió diseño gráfico en el Instituto Arcos y, mucho después, se especializó en diseño automotriz en la Scuola Politecnica di Design, en Milán. Además, es magíster en didáctica proyectual de la Universidad del Bío Bío, Concepción. Entre 2011 y 2012, se desempeñó como jefe de la carrera de diseño en la Universidad de Chile, y actualmente dedica gran parte de su tiempo a la docencia en las universidades de Chile y Del Desarrollo. El resto, lo reparte entre proyectos profesionales y actividades de difusión y promoción del diseño. En esta edición de 90+10, fue responsable del Especial Milan Design Week. + ArtsMoved Es una asociación cultural de Barcelona, España, formada por Elka Mocker, Sebastián Puiggrós y Mireia Calafell.

Es también, y sobre todo, una plataforma desde donde tres amigos con perfiles distintos –de la gestión cultural al diseño gráfico–, se organizan para dar a conocer a los artistas que más les interesan, a través de entrevistas (como las que hacen para 90+10), o el Festival ArtsMoved, realizado en Argentina (2009) y China (2010). Colaboran con instituciones como el CaixaForum, montando actividades educativas, y lo que han llamado “Viernes con artistas”. Y sí, claro, se divierten haciendo su trabajo. + www.artsmoved.cat Distribución en kioskos CABA y GBA Vaccaro, Sánchez y Cía. S.C. Moreno 794, Piso 9º Tel. (+5411) 4342-4031/32 Distribución en el interior Distribuidora Interplazas S.A. Pte. Luis Sáenz Peña 1836 Tel. (+5411) 4305-0114

Impresión Help Group Colombres 1333, Piso 1°, Of. 6 Tel. (+54 11) 43973-0217 www.hgprint.com.ar info@hgprint.com.ar Asesoría Legal Dr. Mariano Javier Gattelli estudio_gattelli@hotmail.com

Suscripciones Librería Concentra Montevideo 938 Tel./Fax (+5411) 4814-2479 libreria@concentra.com.ar Librería técnica CP67 Florida 683 - Local 18 Tel. (+5411) 4314-6303 cp67@cp67.com

Domicilio Legal: Av. Raúl Scalabrini Ortiz 2553 – Piso 13 “E” (C1425DBG) Ciudad Aut. de Buenos Aires, Argentina Domicilio Redacción: Cerviño 3814 – Piso 4 “A” (C1425AGU) Ciudad Aut. de Buenos Aires, Argentina info@90mas10.com.ar | 90mas10.com.ar Revista 90+10. Editor responsable y propietario: 90+10 SRL. Queda prohibida la reproducción total o parcial del contenido sin la previa autorización del editor. Las notas firmadas son responsabilidad de sus autores. Registro de la propiedad intelectual Nº 943748 | ISSN 1668-6403 Año 9 - Nº44 – Mayo | Junio 2013

+44 + La obra de Diego Roa en arteBA www.flickr.com/photos/diegoroa/ Foto: Maia Croizet @MaiaWATIO

editorial El que espera, ¿desespera? Esta edición de 90+10 se armó en medio de uno de los momentos más movilizadores de nuestras vidas (por “nuestras”, entiéndanse la de Gonzalo Fargas y la mía, que además de socios en lo laboral, somos pareja en lo personal), ya que estamos esperando la llegada –de un momento a otro- de nuestra primera hija.

Entre contracciones y una mezcla variopinta de sentimientos, surge el número 44 de este proyecto editorial que venimos haciendo crecer desde el 2004, y al que siempre llevamos un paso más adelante, haciendo evolucionar a medida que pasan los años, que cambian el mundo y sus circunstancias, y con ellas, nosotros mismos. Un verdadero motivo de orgullo.

Sabemos que este número implica una “forma de hacer” que cambiará radicalmente a partir del próximo, porque se sumará una personita más a nuestro día a día. Nos venimos preparando para estos cambios, que nos llenan de ilusión, nos entusiasman y causan también muchísima ansiedad (¡claro que sí!) y queremos compartirlos con ustedes, que siempre están ahí, con su lectura atenta y sus ganas de disfrutar de los contenidos que con tanta dedicación les ofrecemos en cada 90+10. + Marcela Fibbiani Editora

CONEXIÓN DIGITAL Con los links de 90+10 (9010.co), accedés directamente a la versión digital de la nota (disponible para las secciones: personas creativas, ideas creativas, clásicos contemporáneos, portfolio y especial), para poder compartirla, comentarla, ver más material de fotos y video, y entrar a los todos links vinculados.

Una nueva manera de conectar el medio en papel con el mundo digital. + 90mas10.com

+ Un gran placer que me dio 90+10: visitar el estudio de Piero Lissoni en Milán y conocer en persona a un arquitecto y diseñador que admiro tanto, cuando la panza apenas se asomaba.

FOTO DE TAPA Durante el mes de abril, se llevó a cabo en Tecnólopolis, la segunda edición del Mercado de Industrias Culturales Argentinas (MICA). Entre todas las actividades que propuso este encuentro federal e internacional -cuyo objetivo es promover las industrias culturales de nuestro país-, como parte de las actividades sobre diseño de imagen de la sección Diseño, el estudio neuquino Hachetresele realizó una producción fotográfica en un set en vivo, con indumentaria de autores independientes. Para reafirmar el compromiso de 90+10 con estas manifestaciones que tan bien le hacen a nuestra cultura, elegimos una de las imágenes de esa producción para ilustrar nuestra tapa. + Proyecto, concepto y dirección Hachetresele www.hachetresele.com Fotografía Farbonestudio www.farbone.com Asistente de Fotografía Pachanga Estilismo Agustín Bossini Vestuaristas Elizabeth Echagüe y Eliana Elías Make Up y Pelo Charli Ari para Espacio Buenos Aires Set Asociación de Fotógrafos Publicitarios Argentinos www.fop.org.ar Modelo Victoria Céspedes, alumna del IUNA (Instituto Universitario Nacional del Arte) www.iuna.edu.ar

+ Vestido: www.carososa.com (Buenos Aires). Gorro: Familia Avar Saracho www.avarsaracho.com (Catamarca). Zapatos: Mafe www.facebook.com/mafe.saltazapatos (Salta) MICA 2013, Tecnópolis www.mica.gob.ar Coordinación general sector Diseño Paola Pavanello y Germán Lang Asistentes de coordinación Florencia Valcarcel (Talleres de producción en tiempo real), Jimena Anastasio (Set fotográfico) y Valentina Pagliere (Rondas de negocios)

014

+ mundo creativo

Texto: María Agustina Iscaro @iscarlina

diseño

Traum

Un proyecto innovador En un mercado saturado de productos similares, donde abundan las imitaciones y escasean las ideas nuevas, un fresco concepto en lámparas vino a demostrar que todavía quedan muchos terrenos por explorar en la producción de luminaria.

Así nació Traum, un pequeño taller ubicado en la ciudad de Mar del Plata, que alberga las creaciones de un diseñador industrial, que decidió hacer algo particularmente distinto. Desde ahí diseña, desarrolla y fabrica su colección de lámparas de techo, de mesa, apliques y plafones, todas con la particularidad de emplear un elemento natural para su construcción: la chapa de madera natural. Ésta, creada a partir de una fórmula secreta, permite no sólo darle diferentes tonos de acabados, sino que le proporciona una elasticidad para poder lograr las formas deseadas. Además, adquiere un efecto cálido, a la vez que logra proyectar la belleza interna de la madera, dando por resultado un cuerpo noble. Se puede decir que Traum incorpora en el mercado argentino un material nunca

visto, que suele estar asociado al laminado, un revestimiento sintético que da impresión de madera, y un aspecto muy lindo al estar apagado, pero de noche, su espesor hace que la propia iluminación oscurezca el objeto mismo.

La cabeza del proyecto, Carlos M. Giacinto, desarrolló sus primeros años profesionales en el extranjero, para luego regresar al país y dedicarse de lleno al desarrollo de diseños para todos los gustos.

Periódicamente, lanza nuevos modelos que responden a los requerimientos del mercado y a las nuevas tendencias, apuntando a esas personas que buscan embellecer, tanto ambientes domésticos como públicos, con diseños de autor. + www.lamparastraum.com.ar

016

+ mundo creativo

Texto: Patricio Oliver (*) @patriciooliver

art toys

Unicornio serie 2

El regreso de los ponis kawai de Tokidoki Si algo ha demostrado la carrera de Simone Legno, es su capacidad para tomar lo mejor de Oriente y Occidente, y crear con ellos un combo destinado al éxito. Es así cómo -luego de una primera serie de Unicornios que cabalgó con fuerza hace unos años- ahora regresan los ponis kawai de Tokidoki, para deleite de sus seguidores.

Unicornio es un claro homenaje a “My Little Pony” de Hasbro, aquella licencia para niñas que en los años 80 desarrolló una serie animada exitosa y una línea de figuras de colección, compuesta por pegasos, unicornios, hipocampos y, claro, pequeños ponis.

Como muchas líneas de la época, cada poni contaba con un eje temático que lo hacía distintivo, y la manera de representarlo, era por medio de nombres muy llamativos, combinaciones cromáticas de todo tipo, y una serie de íconos gráficos colocados estratégicamente a los lados del personaje, muy en línea con otras series, como “Los ositos cariñosos”.

Tokidoki tomó todos estos elementos, y les sumó una ironía aún no presente en la serie clásica, para crear, de esta manera, a los Unicornios, símiles ponis que un día, mientras cabalgaban en la cercanía de una cascada mágica y tras mojarse en sus aguas, se convirtieron en unicornios, y encontraron un reino mágico, viviendo entre nuestro mundo y el nuevo que descubrieron.

Esta nueva serie consta de once diseños; cada uno responde a un referente gráfico visual y cultural diferente. Sakura es una poni con notorias referencias a la cultura japonesa y las geishas. Es por eso que cuenta con flores de cerezo en su cuerpo y pelo.

Bambú es -como su nombre indica- un poni chino con el patrón visual de un oso panda. Kaili es otra poni con referencias asiáticas, muy femenina, y con un tocado en forma de rosa china. Caramelo tiene fuertes raíces latinas, y representa a una catrina mexicana.

Sunny Day es como un sundae con caramelos, y Rodeo remite a un caballito de madera mecedor.

Por su parte, Mario es un potrillo macho italiano sexy; mientras que el otro macho de la manada es Sergeant Rumble, una suerte de caballito camuflado de una fuerza élite. El animal print, curiosamente, se hace presente en Cheetah y Zamba, una cebra con tonos flúo. Y finalmente -y como un guiño claro a la cultura del street art-, aparece Vándalo, con textura de pared urbana, cubierto de graffitis y tags.

Cada unicornio mide, aproximadamente, dos pulgadas, siendo Mario y Caramelo las figuras difíciles, ya que la serie es “blind box”, y claramente no se puede saber qué unicornio tocará, hasta abrir su caja… Los fanáticos de los unicornios podrán encontrar en el sitio oficial de Tokidkoki una serie de fondos temáticos para escritorio, tablets y celulares. + www.tokidoki.it

(*) Patricio Oliver es diseñador gráfico por la FADU/UBA, ilustrador y creador de numerosos vinyl toys para Red Magik, Kid Robot, Toy2R, UnboxIndustries y Mugo. www.patriciooliver.com.ar

018 arte

+ mundo creativo

Texto: Javier Villa Foto: Gentileza Xippas

Dani Umpi: Informática La obra de Dani Umpi debe pensarse desde la construcción del personaje Dani Umpi. Gran hechicero y alquimista contemporáneo, es un transmutante que regurgita novelas, poemas, canciones, performance y objetos.

Según su propia auto-definición, es el bufón, el freak, el burlado; aquél que puede materializar una verdad desde lo profano. Un psicopompo que, desde lo bajo, abre las puertas del cielo, de lo hermético, convirtiéndose en un posible puente para el comercio cultural. Hombre y mujer al mismo tiempo, un bebé canoso, un sabio idiota: es uno de esos complejos personajes que, cuando sinceros, no abundan en las artes visuales.

“Informática” es su nueva individual en la sede montevideana de la galería Xippas, donde el artista construye una constelación de diversas piezas realizadas en distintos momentos, sumado a un texto de sí mismo, que funciona en clave de mini-autobio/statement/reflexiones/gacetilla: “Me interesa el artificio, la ficción y el poder de los símbolos arcanos. Prefiero el melodrama a lo real, lo arquetípico a lo lógico. Uno va optando, más que descubriendo la verdad, o el funcionamiento de las cosas. El cuerpo como herramienta, la gente que se inventa, las Mostras. Eso me gusta.

Entonces, me dije: ‘¡Voy a escribir sobre eso!’. Después pensé: ‘Ay, no. Me van a caer todos arriba’. Pero, ¿quiénes son ‘todos’? ¿A ese ‘todo’ le interesa lo que pueda decir? Probablemente no,

así que ya mismo comienzo a detallar lo que pensé al hacer estas obras”.

Las obras -entre otras, tituladas: “La muerte del patriarcado”, “Marta, la musical”, “Freeway”, “Chloë Sevigny y Vincent Gallo”, “Informática”, “Birds” y “Absolut Averno 2013”-, tienen un eje común en el trabajo sobre lo simbólico, relacionado con la numerología, lo arcano, los arquetipos, el hermetismo, distintas entradas a la religión y a la ciencia en general, los colores y la geometría. Un grupo de obras que Umpi llama cuadros con discursos, ponen al frente las palabras de un panteón variopinto: José Mujica y Lady Gaga, Matrix, Galileo Galilei, Kepler, biblias apócrifas e himnos satánicos, papas medievales y Ricardo Fort.

Una composición polifónica, unida por una identidad polimorfa.

Un alquimista de gran precisión, abanderado de la redistribución del caos y la transmutación del ser. + www.daniumpi.com Informática. Del 16 de mayo al 24 de agosto. Xippas arte contemporáneo (Bartolomé Mitre 1395, Montevideo, Urguay). www.xippas.com

020

+ mundo creativo

Texto: María Agustina Iscaro @iscarlina

publicaciones

Raf Simons Este tomo explora la historia en fotos de un diseñador industrial que triunfó en el mundo de la moda. Seguramente, Raf Simons no imaginó que su destino en el diseño estaba estrictamente ligado al universo de las pasarelas, sin embargo, hoy es uno de los diseñadores de moda más influyentes y un marcador de tendencias. El libro, que lleva su nombre, hace un recorrido por su carrera, que se inicia en 1995, con el lanzamiento de su propia línea de ropa para hombres. Luego, en 2005, fue designado como director creativo de Jil Sander, llevando la marca a lo más alto del mercado del lujo. Seis años después, se convirtió en el director artístico de Dior, suceso que despertó grandes expectativas en el universo de la moda. La publicación escrita por Terry Jones -fundador y editor de la revista i-D- incluye imágenes de fotógrafos como Willy Vanderperre y Alasdair McLellan, así como entrevistas llevadas a cabo por Terry y Tricia Jones, Holly Shackleton, Jo-Ann Furniss y James Anderson. + www.taschen.com

Editorial TASCHEN Autor TERRY JONES Formato 29.6 x 42 cm 120 páginas Español, Inglés, Italiano, Portugés

Cuentan que Cuentan que les Contaron Historia y cultura se combinan a la perfección, para dar lugar a estos relatos de tradición oral. El libro logra recrear -a veces con humor y otras, con imágenes poéticas- leyendas de toda la Argentina y América Latina. Incluye, además, paratextos que agregan información relacionada con los distintos temas, los personajes o la historia de los pueblos originarios que aparecen en cada uno de los escritos, con el fin de enriquecer la comprensión lectora. La poeta, escritora y ensayista Olga Drennen es quien recrea los textos. Otro atractivo del libro son sus imágenes, y lo que cada una de ellas esconde. El ilustrador Patricio Oliver es quien da vida a los relatos, con el estilo único que lo caracteriza. Dibujos cargados de elementos fantasiosos que dan rienda suelta a la imaginación, como si se tratara de un universo paralelo, o de un mundo de ensueño. El libro está recomendado para chicos a partir de los ocho años de edad. + www.edicionesquipu.com.ar Editorial QUIPU Autora OLGA DRENNEN Formato 24 x 22 cm 96 páginas Español

022

+ mundo creativo

Texto: Germán Andrés @vermirando Foto: Micaela Iaconis

música

Melmann Un instrumental desafío Nicolás Melmann es un creativo argentino que trabaja con los sonidos como medio de experimentación y exposición.

El músico que ha grabado ya cuatro discos instrumentales en forma independiente, y se mueve en los límites del arte sonoro, se ganó una beca especial en New York de la Red Bull Music Academy. Ahora está allí, en residencia, con talleres a cargo de Brian Eno y Tony Visconti. Luego gira por USA, mientras aquí sale en formato digital un disco retrospectivo de su música.

de instrumentos virtuales, muchas veces, el propio sonido marca el rumbo. A su vez, voy incorporando instrumentos acústicos y sintes por hardware. Al principio, componía sólo con la computadora; hoy pasó a ser un elemento más. Me interesa mucho la plasticidad del sonido; las grabaciones manipuladas te dan gestos musicales y sonoros, que a veces son imposibles de generar con un instrumento.

+ ¿Cómo te formaste musicalmente?

M Fue bastante desordenado, una deformación casi... con muchas idas y vueltas con la música desde la niñez. Con sólo 5 años empecé guitarra, luego retomé a los 13 guitarra clásica, leía, etc..

Y de repente, quise tocar la eléctrica, pero nunca aprendí. Tuve pasos fugases por conservatorios, luego abandoné la música por un tiempo, hice algunos años de sociología, y volví por la inquietud artística, comencé con clases de piano y canto. A los 23-24 años, se me dio por experimentar con programas de los más básicos, aprendí solo, y descubrí que era capaz de componer una canción con todos sus sonidos y elementos. Luego hice cursos para aprender más de audio y programas específicos. A los 26, arranqué en la Universidad de Quilmes una licenciatura en composición musical con medios electroacústicos, y a hacer cursos sobre musicalización de cine.

+ ¿Cuál fue el concepto de curaduría para el armado de esta retrospectiva?

M Está pensada cronológicamente y reúne material de tres discos: “Kyoko”, “La virginidad de Otomi” (que compuse para una obra de teatro) y “Lento y grave”, más unos tracks de “Cataplasma ungúento”, un EP grabado sólo con instrumentos acústicos -piano, laúd, ukelele, kalimba, melódica y palo de lluvia-, lo cual lo diferencia de los tres anteriores. El sello Estamos Felices -con quien tengo relación de larga data- me propuso esto, no estaba en mi mente, pero me pareció una muy buena idea condensar seis años de música en un disco. No fue sencillo, pero lo logramos.

+ ¿Tenés algún soft preferido, o con qué herramienta trabajás a la hora de crear?

M No tengo una herramienta preferida; trabajo con Cubase, Live, Reason, instrumentos virtuales. Pero básicamente, estoy cambiando e incorporando elementos constantemente; compongo con lo que tengo a mano, me encanta escuchar bancos de sonidos y timbres de sintetizadores, puedo pasar horas probando diferentes patches

+ ¿Cómo llegaste a ganar la beca de Red Bull Music Academy?

M Aparte de completar y responder una extensísima aplicación, tenés que enviar CV y un disco con música. Vengo trabajando desde hace varios años en diseño sonoro, componiendo música para cine, televisión, teatro, instalaciones, música infantil, etc. Reuní ese material súper diverso y agregué temas de mi proyecto más experimental. Mandé toda esa compilación, muy heterogénea.

Quizás esto les haya despertado interés… Este año aplicaron más de 4 mil personas, y se tomaron bastante tiempo para dar los resultados. Aquí estoy. + www.melmann.com.ar

MELMANN: CULTO AL PASADO. Retrospectiva 2006/2012 (Estamos Felices. Argentina. 2013) Sólo es formato digital. Disponible para comprar en todas las tiendas de música online y en la del sello, esta compilación contiene 11 piezas instrumentales de impronta minimalista y muy variada sonoridad. Como se trata de un repaso por la obra del compositor, hay un espectro bastante amplio de propuestas bien unificadas. Todas en una temporalidad media o lenta, con motivos melódicos cortos o en loop y timbres diversos. Aún cuando usa procesos digitales, suena orgánico, y en la mayoría de los casos, acústico. Son como pequeños pasajes sonoros muy cuidados y de sutil carácter. Accesible y disfrutable por cualquier oído, pues no son ejercicios eruditos extremos, ni demasiado experimentales.

Una musicalidad fina, intimista y creciente. +

024

+ mundo creativo

Texto: María Agustina Iscaro @iscarlina

green design

La Mersa Sustentable: Nueva vida a los muebles Cuando se hace referencia a un objeto antiguo, automáticamente se piensa en algo noble, resistente y de buena calidad. Antes de que la producción en serie -impulsada por satisfacer una demanda cada vez mayor- obligara a reducir la calidad en la fabricación de los elementos para el hogar, la producción de muebles tenía como prioridad la excelencia de los mismos.

Esas antigüedades, que ejercen una seducción natural por la calidad de sus materiales y el diseño de sus formas, son la base de La Mersa. La propuesta: una decoración que cruza los años 20

al 70, y piezas restauradas a mano, con técnica de anticuario.

En este caso, La Mersa Sustentable es la alternativa que supo lucir las vidrieras del local palermitano en el mes de abril. Objetos diseñados con los más diversos materiales, que empuñan una sola premisa: el reúso. Hierro, madera, alambre, vidrio y piedra, entre otros, se combinan para dar vida, por un lado, a obras de arte realizadas con materiales de descarte y reciclaje. Por el otro, muebles restaurados recobran vida, sin perder su carácter original. + www.lamersa.com

Pisotapitas: Una ambientación ecológica Si cada vez que se genera un desecho, se pensara en cómo reutilizarlo, seguramente, los basurales (que están al borde del colapso) podrían tomarse un respiro. Por suerte, existen personas que utilizan su naturaleza creativa para colaborar con el cuidado ambiental. Este es el caso de Pisotapitas, un estudio de arquitectura y diseño que desarrolla productos y servicios a partir de materiales de descarte.

Las tapitas de gaseosa son su vedette: “Si las dejás a la intemperie, pueden durar entre cien y cuatrocientos años. Entonces, desde lo ecológico, una tapita suelta es un gran problema, pero al utilizarlas como piso, esa resistencia es favorable”, plantea Francisco Ribero, el arquitecto que dirige el proyecto. La idea, que nació originalmente como revestimiento de pisos, paredes y hasta mesas, hoy se utiliza para la realización de objetos para el hogar y cuadros decorativos. Al existir una gran variedad de colores, los productos quedan muy atractivos, y las tapitas actúan como patrones de píxeles, es decir que, cuando uno se aleja, comienzan a configurarse imágenes. Una vez más, creatividad y reutilización se unieron en beneficio del planeta. + www.pisotapitas.com.ar

Texto: Cele Nasimbera @SrtaCele

mundo creativo

+ 025 moda

+ Cartera Pli

Mariela Calvé

Encastre orgánico Mariela Calvé piensa el diseño desde la sumatoria de elementos. Acopla exploraciones disímiles, para lograr coordinar la envolvente creación natural con los calculados componentes humanos. Un rompecabezas que, al completarse, devuelve imágenes innovadoras.

Tanto en carteras como en joyería contemporánea, Mariela Calvé busca distinguirse desde la propuesta morfológica. La marca surgió en el año 2006, producto de una inquietud personal, combinada con un interés en referencias arquitectónicas como naturales. Cada pieza creada da cuenta de las formas que funcionaron como inspiración: lo orgánico y lo humano como dos espacios dispares de creación. Ambos logran dialogar, para encontrarse en la funcionalidad.

En cuero, el material más utilizado por la marca, Calvé ofrece productos geométricos que generan, ante una mirada curiosa, un tiempo de reflexión sobre la construcción.

El modelo de cartera Pli se edifica desde un plano cuadrado, que logra cobrar volumen a través de cortes intercalados. Es, gracias a sus previsores recortes, que la pieza logra estirarse y generar la forma contenedora necesaria. Las tiras desmontables finalizan por construir la cartera. Cual rompecabezas para armar, el recurso permite pasar de un plano 2D a 3D, formando un espacio de depósito.

La funcionalidad del encastre, generando objetos para llevar.

En cuero reversible e intercambiable, se resuelve que un solo producto, cumpla la sensación de multiplicarse. Una cartera que se desarma con simplicidad, puede hacer de varias a la vez. El diseño, la indagación por la resolución de la forma, es puesto al servicio de lo práctico, una cualidad necesaria en los tiempos que corren, y en la diversidad de roles que cumple la mujer moderna.

Mariela Calvé cimienta en cuero, neoprene, lona y demás materiales, productos desarmables, reversibles y sumamente útiles. Es por eso que la marca optó por el cuero vegetal, intentando disminuir así el impacto ambiental. Incluso de los desechos, surgió la posibilidad de sumar la joyería. En ella se replican procedimientos como exploraciones.

Desde su primera colección, Calvé comercializa sus productos en distintas tiendas de museos, como Tiendamalba de Buenos Aires, el MoMa de San Francisco y el Museum of Contemporary Art de Chicago. El diseño pensado desde la construcción morfológica encuentra en esos espacios una visibilidad que demuestra la actualidad de su propuesta. Además, posee su propio local en el barrio de Palermo, en la Ciudad de Buenos Aires.

Como resultado de las pesquisas en innovación, Mariela Calvé incorporó Spacepack, un conjunto de productos pensado para los usuarios que viajan asiduamente. Cada kit incluye bolsas de variados tamaños, para diferentes usos prácticos, realizadas con Tyvek, un material resistente, impermeable y 100% renovable. Su última colección vuelve sobre sus constantes, localizando en los paisajes naturales de la Mesopotamia, fuentes de nutrición. El diseño lúdico encaja con la exploración en la forma, construyendo objetos que resuelven y seducen a la mirada moderna. + www.marielacalve.com

026

+ mundo creativo

Texto: Germán Andrés @vermirando

música

Cat Power en Argentina Crónica de una noche con sol La cantante estadounidense Chan Marshal y su banda Cat Power llegaron a Buenos Aires para brindar un show el 23 de mayo en el Teatro Coliseo. Levi´s estuvo a cargo de su presentación, como parte de los festejos por los 140 años del jean.

Apenas minutos antes de las 22hs., y con el telón abierto desde hacía un rato largo, fueron apareciendo las chicas que acompañan a Chan Marshall. Luego entró su tecladista, y empezaron a sonar unos acordes de guitarra en loop como introducción. La chica del pelo platinado apareció cantando desde el fondo del escenario, y así Cat Power estaba ya sonando en vivo. Este show, su tercera presentación en Buenos Aires, se focalizó en las canciones del disco “Sun”, sin muchos otros temas de su carrera. Duró 1 hora y 20 minutos, incluyendo las pocas palabras que intercambió con el público, una versión que mezcló dos temas en uno, cover de tipo mashup en vivo (que quedó muy bien), y un intento de cantar en español, en un momento.

La banda sonó compacta, y Chan lució su impactante voz, a pesar de ciertas molestias (con tos), que mostró en escena. Eso no impidió su entrega, sus movimientos un tanto extraños en el escenario, ni las ganas de estar cerca de la gente. En el segundo tema, el hit “Cherokee”, pidió con señas que el público se pusiera de pie y se acercara al estrado. Se mostró un poco escurridiza, pero muy conectada con la música, especialmente en los pasajes emotivos (las baladas más simples), donde su expresión y caudal de voz se desplegaron muy bien. Al final, se notó su emoción de estar en Buenos Aires de nuevo, y feliz con el concierto, que no tuvo concesiones. Muy agradecida, no con palabras, sino con gestos elocuentes. Fue la última en irse del escenario, tirando caramelos, recibiendo regalos y aplausos cariñosos. +

SUN (Matador Records, 2012) Es la vuelta de Cat Power con canciones propias tras varios años de silencio, y marca un cambio en la actitud de su líder y cantante. Es, quizás, una de sus obras más eclécticas y luminosas, con bases electrónicas y cantantes invitados. Ya con el título y la tapa dan esa impronta. La foto de portada es de Marshall, pero del año 1992, cuando recién se había mudado a New York y, según declaró, en medio de una crisis personal, decidió cortarse el pelo cortísimo. Este noveno disco es de carácter optimista en un punto, y arriesgado en lo sonoro, pero claramente, se trata de su producción más madura. Los años no vienen solos... Sun apareció entre los 50 mejores álbums de 2012. + www.catpowermusic.com

WHAT’S YOUR INTERPRETATION? #501 Como parte de la celebración por los 140 años del jean, Levi´s lanzó su campaña “501 Interpretation”, que incluyó numerosas acciones. A través de http://90mas10.com/levis501, todos aquellos que subieron una foto creativa reinterpretando su Levi’s, participaron por entradas para Cat Power. También, se propuso elegir la banda soporte, y se invitó a distintas personalidades referentes de la moda, el arte y la música, para hacer sus propias reinterpretaciones de este ícono de la moda. +

Texto: María Agustina Iscaro @iscarlina Imagen: Gentileza Sellar Property Group

+

mundo creativo 027 arquitectura

The Shard Un resplandor londinense Nacida como resultado de una sólida y consagrada relación entre dos naciones, The Shard se erige, imponente, sobre la ciudad de Londres, junto a la estación London Bridge, y en la orilla sur del Támesis.

Esta perla de la arquitectura, inaugurada en julio del 2012, nació bajo una visión compartida entre el estado de Qatar -quien financió casi la totalidad del proyecto-, The Sellar Property Group -encargado de la promoción- y Renzo Piano, arquitecto y autor del diseño. El rascacielos es la cara más visible de un plan aún más grande: The London Bridge Quarter, una zona comercial que, una vez finalizada, anhela generar 12 mil puestos de trabajo.

Renzo Piano—Premio Nobel de la Arquitectura en 1998– detalla: “The Shard está inspirada en las agujas de las iglesias imponentes y el mástil de los barcos que una vez fueron anclados en el río Támesis”. Esto se percibe en cada uno de sus lados, que se inclinan para adentro y, a su vez, fluyen hacia arriba, como fragmentos de cristal que nunca llegan a unirse en el extremo, pero logran

otorgar un espacio para respirar. Las esquinas son abiertas, y el revestimiento está formando por placas de vidrio traslúcido, lo que suscita una constante transformación de las caras, según el clima y el momento del día.

El casco, que se eleva a 310 metros de altura, convirtió al rascacielos en la cara más visible de la ciudad, y en uno de los más altos de Europa. Concebido con el concepto de crear una ciudad vertical, sus 63 pisos albergan oficinas, residencias, restaurantes, un hotel 5 estrellas, y un mirador (recientemente inaugurado), que propone una vista de 360°, y a una distancia de 64 kilómetros.

Pero por sobre todo, lo que logra demostrar es cómo en tiempos de crisis, se puede dar lugar a un crecimiento económico, basado en la confianza mutua y la buena voluntad. + www.the-shard.com

028

+ mundo creativo

Texto: María Agustina Iscaro @iscarlina

lugares

Eco Lodge Un lujo artesanal De un lado el mar y del otro, las montañas. En medio de este escenario paradisíaco, un joven arquitecto francés logró combinar la construcción y el cuidado del planeta -sus dos pasiones- para crear Eco Lodge, un hotel ecológico.

En verdad, la llegada de Tom Gimbert a Máncora -ciudad ubicada al norte de Perú- fue casual, pero fructífera. Cuenta que se le ocurrió la idea hace algunos años, mientras practicaba kit surf en la playa de esta ciudad, mejor conocida como “La Quebrada”. El proyecto se inició con su empresa de diseño y construcción, llamada Eco Wekk. Así, Eco Lodge es, al mismo tiempo, una vivienda, un taller y un hotel de 315 metros cuadrados.

Fabricada exclusivamente con elementos reciclados, la obra tardó diez meses en ser terminada, y en su edificación participaron cinco personas. “El proyecto comenzó sin plan, cada mañana hicimos un boceto que ha guiado nuestro trabajo diario”, detalla Gimbert, quién además, cuenta que utilizó hualtaco, una madera local, para la cubierta de las habitaciones; tallos de bambú de ocho metros de

longitud para los refuerzos; tierra, cal y aserrín para las paredes; y palmas tejidas para el techo, que fue recubierto con una lona publicitaria vieja muy sólida y tratada con rayos UV que, según el arquitecto, es el mejor plástico existente.

Los tres pisos del hotel son amplios, y cada habitación cuenta con todas las comodidades de un hotel de lujo. La suite, que mide cien metros cuadrados, tiene cupo para hasta cuatro personas, y está equipada con home cinema, minibar, sala de estar y doble terraza.

Como si fueran pocos los atractivos del lugar, se ofrecen actividades para todos los gustos: piscina, yoga, masajes, paseos en caballo por la playa, buceo, pesca y pozo de barro, entre otros. Una vez más, diseño y naturaleza se unen para dar lugar al lujo y el confort. + www.ecolodgemancora.com

Texto: Wustavo Quiroga

mundo creativo

+ 029 diseño

Susana Machicao Mujer revolución Desde Bolivia, Susana Machicao ha tomado el puesto de luchadora gráfica, para recuperar el espacio negado a las mujeres dentro del diseño y la sociedad. Sus proyectos se diversifican entre gestión cultural, curaduría y diseño. Impulsora del trabajo en equipo y la colaboración en red, fomenta al diseño como herramienta de cambio, y a las diferencias culturales como aportes específicos en el contexto internacional. + En el accionar que realizás en tu país, ¿cuáles considerás los principales logros de gestión?

SM Propiciar la apertura de distintas organizaciones culturales, para no asumirlas como islas. En los países latinoamericanos, casi siempre los eventos buscan cooperaciones y apoyos de las mismas fuentes para gestionar sus actividades. Se genera una competencia interna que no debería suceder, por ello potenciamos el trabajo colaborativo y aunado. A inicios de este año, hemos asistido a las cuatro organizaciones culturales más importantes del país en la mejora de sus identidades. Esta acción lleva no sólo a un conocimiento entre nosotros, sino a una valoración de nuestras capacidades en las distintas áreas de gestión. Con la Bienal del Cartel Bolivia (BICeBé) trabajamos en acciones más allá de los eventos públicos. El valor de la gestión cultural ahora, en tiempos de crisis y presupuestos recortados, es mirar dentro y potenciarnos con perspectiva. + ¿Cómo se origina y evoluciona el archivo de tu blog para mujeres diseñadoras www.womendesignersproject.com?

SM Al acceder a la lista de los cien mejores cartelistas del mundo en una bienal del cartel europea, en un afán muy personal, me puse a leer los nombres de los diseñadores que yo conocía, y grande fue mi sorpresa al ver que sólo había cinco mujeres. Entonces, comencé a cuestionar el porqué somos tan poco destacadas como diseñadoras, conferencistas, jurados, entre otras tantas actividades. ¿Acaso nuestro diseño no es bueno? Como en otras disciplinas, ¿será un mundo de hombres? + ¿Qué decidiste hacer ante esto?

SM Junto a Marina Córdova, diseñadora boliviana, iniciamos la búsqueda de documentación, para generar perfiles de varias mujeres: diseñadoras gráficas, luego ilustradoras, y ahora, con espacio para la inspiración más allá de la gráfica, como fotógrafas, pintoras, escritoras, artistas, diseñadoras de moda, de objetos,

e inclusive, ganadoras del Premio Nobel. Esta comunidad que se encuentra en una red social, ha crecido exponencialmente, y se ha convertido en un punto de referencia en la búsqueda del talento femenino. + ¿Cómo analizás la representación del diseño boliviano en las bienales, concursos o ediciones internacionales? ¿Qué temas son fundamentales para incorporar en el debate constructivo?

SM En el caso boliviano, se ha dado un incremento alto de participación. Generar actividades aquí, ha servido no sólo de motivador profesional, sino de cuestionador silente de nuestro trabajo.

Sin embargo, no siempre la calidad del diseño se ve representada en las bienales. Existen problemáticas muy específicas que a los eventos fuera de Latinoamérica parece no importarles. Podemos y no compararnos con otros países. En una muestra de diseño, difícilmente se pueden determinar las diferencias del contexto regional. Aunque se alcance un mismo nivel de calidad, los caminos, políticas, facilidades y oportunidades que ese producto ha recorrido hasta llegar ahí, son absolutamente distintos. Los eventos internacionales de diseño deberían contemplar políticas más allá del “show off”. Es complejo, y al parecer, nadie quiere meterse en eso. + Entre tantas actividades, también dirigís tu propio estudio de diseño gráfico. ¿Qué lo caracteriza?

SM Machicao Design es un estudio que trabaja con requerimientos personalizados de gráfica en Bolivia y fuera del país. Manejamos un acercamiento directo de los proyectos emprendidos que, quizás, ha sido la fórmula de la estabilidad y crecimiento del estudio.

Hemos tenido proyectos muy variados, que pasan desde identidad y editorial, hasta proyectos de aplicaciones para teléfonos inteligentes. Estamos en un camino siempre abierto a formar parte de proyectos que impliquen un desafío multidisciplinario. + www.machicaodesign.com | http://lamachicao.blogspot.com.ar/

030 arte

+ mundo creativo

Texto: Javier Villa

Diego Bianchi: Estado de Spam Para Diego Bianchi, estar en “Estado de Spam” podría significar salirse de sí mismo, de un lenguaje propio, para encarnar a un otro desde sí, una alteridad. Encarnando a otro, que es Bianchi: el spam es ese pedazo de información que nos rodea, pero con el cual no solemos tener ningún tipo de relación. Un agujero negro alrededor de nuestro universo; un terreno de potenciales sorpresas y fantasías.

Lo que es posible ver en la galería Alberto Sendrós (en la cuarta individual de Bianchi trabajando bajo los mismos límites) son ciertas situaciones urbanas que penetran el espacio artístico, a veces con un corrimiento y una abstracción mayores; otras, con un realismo producto del mero desplazamiento.

La primera de estas situaciones proviene de una circunstancia urbana tan spam, que es posible que pase desapercibida: unas vallas, mobiliario gubernamental desperdigado hasta el hartazgo, fueron removidas desde la esquina para flanquear la puerta, creando un camino de entrada a la galería. Es tan difícil darse cuenta de su desplazamiento a causa de la naturalización e indiferencia hacia el objeto, que posiblemente, continúen allí eternamente.

En el pasillo previo a la sala, el espectador se encuentra con otras dos situaciones opuestas: contenedores y/o muebles exhibidores, que son activados por cuerpos, una incorporación de los últimos años que dio nueva vida a los objetos de Bianchi. Uno de ellos es vertical y cerrado: sólo por pequeños agujeros asoman brazos de limpiavidrios o volanteros; los cuerpos; apiñados permanecen ocultos. El otro es horizontal y abierto, una cama en donde se recuesta una pelirroja que lee un libro de Rilke, suerte de apoyacabellera reflectante: desde la entrada se ven recortados los pelos rojizos y los espectadores reflejados.

Al entrar a la sala, se escucha una radio popular de la zona del

Once. Se atraviesa una suerte de laberinto con cubículos que miran hacia la pared; vidrieras de negocios ocluidas y habitadas por maniquíes con bastones de esquí, relojes, mierda de perro, parabrisas que atraviesan cuerpos, piedras. Del otro lado de los cubículos, un nigeriano vende relojes. Lo acompañan ópticas de autos, más relojes, cadenitas y anillos, copias truchas de DVDs, toda la parafernalia de objetos de venta callejera que uno pueda imaginar sobre plataformas extrañas, algunos objetos-chatarra-chapa-telgopor, una gigante piedra ritual, un gigante tanque de chapa retorcido, etc., etc., etc. Situaciones cotidianas que podrían ser parte de un resabio social, desplazadas y recompuestas con una ingeniería a veces delirante, algo caótica (y aún re-caotizada por el público); otras sublimes y de gran precisión, como si se tratase de un “cut-up” del spam urbano, para crear una nueva y fantasiosa constelación.

La muestra se completa con dos textos que derivan naturalmente a la Web. Uno de ellos es sólo un link: http://vimeo.com/66238466 - Clave: Stephen. El otro es un mail que le llega a Bianchi, firmado por la princesa Aisha Gadhafi, hija de Muammar Gadhafi, pidiéndole ayuda para ocultar su herencia de 35 millones de libras en su cuenta bancaria, antes de que el Gobierno de los Estados Unidos encuentre el dinero. + www.diegobianchi.com.ar Estado de Spam. Del 15 de mayo al 21 de junio. Galería Alberto Sendrós (Pasaje Tres Sargentos 359, CABA). www.albertosendros.com

Texto: Diego Giaccone @diegogiaccone (*) Foto: Adri Godis Photography @adrigodis

+

mundo creativo 031 branding y diseño

+ Una manera de conocer qué piensan sobre el diseño y los diseñadores los responsables de marketing de empresas exitosas, quienes deciden y compran diseño, buscando sumar valor a sus marcas y productos. La mirada del otro lado del mostrador.

Diego López de Lagar | LG “El buen diseño no hay que contarlo, sino hacer que se vea” “Hiperconectividad y diseño van de la mano”, dispara Diego López de Lagar, a modo de presentación. Es el gerente de marketing de LG para Argentina y Uruguay desde hace un año. Y está a cargo de Home Entertainment, Mobile, Home Appliances y Aires Acondicionados. Pero antes de LG, tuvo una rica carrera: trabajó durante siete años en Coca-Cola South Latin, en Siemens Mobile, Aguas Danone y Procter & Gamble.

Tengo frente a mí a una persona súper actualizada en las nuevas tecnologías y las tendencias, que entiende y valora mucho el diseño, ya sea en la empresa o en su vida. Y declara como principio irrefutable, que hoy el mundo es digital, pero que los humanos seguimos siendo analógicos, y que el diseño es clave para acercar lo analógico a la velocidad que va el mundo digital. LG, al ser una marca relativamente nueva (tiene 15 años), está construyendo su

identidad y evolucionando en su programa visual. Hoy, los pilares de la marca son ser siempre pioneros en tecnología, con diseño de estilo y Premium. “El diseño está en el ADN de la marca”, me cuenta, y me muestra el nuevo modelo de celulares de LG, una especie de mini tablet increíble.

Tiene un equipo interno compuesto por dos diseñadores, trabaja con la agencia Y&R, y hace mucho hincapié en pedirles que lo ayuden visualmente, para que la marca tenga una coherencia gráfica y un sistema visual común para todos los productos. Sostiene que estética y el diseño son fundamentales para lograr esa imagen Premium de la marca. “El buen diseño no hay que contarlo, sino hay que hacer se vea”, dice Diego. Y refuerza este concepto, remarcando que el diseño es fundamental para construir una marca: “El diseño en la vida hace que todo sea más armónico, y a la tecnología le busco que tenga buen diseño”.

Trata de motivar a su gente, a su equipo, para que asuman el liderazgo; él toma la iniciativa en el brief, para enfocarlos. Y cree mucho en los creativos: “Son mis partners”, me dice, y le gusta que los trabajos creativos salgan, se vean y estén buenos. Es por eso que se junta cada diez días con la agencia, presentan y se discuten las ideas, haciendo muy fuida la relación. “A los creativos les dimos nuestros teléfonos para que experimententen y entiendan de primera mano lo que es Android”, aclara. Para Diego, es fundamental que el brief sea claro, conciso y enfocado, para que salga un gran trabajo. La idea no es tratar de comunicar ocho cosas juntas, sino no más de tres virtudes.

Cuando le pido que me haga alguna “crítica” a los profesionales del diseño o la publicidad, que vea el otro lado del mostrador, me dice que, a veces, los creativos se enamoran más de las ideas que de las necesidades de la marca, y que cuando ven que pasaron el primer filtro de “vendí la idea”, les cuesta mucho la bajada. Pero esto, sólo a modo de sugerencia hacia nuestro sector…

Algo que siempre trato de conocer de estos profesionales con altos cargos y responsabilidades, es cómo hacen para estar frescos y aislarse de la vorágine interna, para pensar o aprobar ideas. Para Diego, correr y hablar con sus hijos, le devuelve la naturalidad y lo conecta con su ser. También me cuenta que, para pensar, a veces hay que salir del ambiente de trabajo, separarse del día a día. “El escritorio está bueno para hacer un PPT, pero la realidad está en la calle, en el consumidor”, sostiene. + www.lg.com/ar

MUNDO LÓPEZ DE LAGAR Una marca de autos. Audi Una ciudad para ir de vacaciones. New York Una ciudad para vivir. Sidney Una marca de ropa. Abercrombie & Fitch Una película. Argo (Ben Affleck, 2012) Un grupo musical. The Beatles Un equipo. River Un hobby. Fútbol Un producto de tu empresa. LG Optimus G (*) Diego Giaccone es diseñador gráfico, director de SURe Brandesign. www.surebrandesign.com

032

+ mundo creativo

Texto: Elvio Orellana @emorellana33

vehículos

Audi A3 Inserto en nuestro mercado desde el año 1997, este hatchback es uno de los autos más longevos y reconocidos de la marca de los cuatro anillos. Ahora, Audi acaba de presentar a su tercera generación, con mejoras notables en cuanto a diseño y tecnología.

Dueño de una expresión mucho más deportiva, el modelo alemán bajó de peso, con el fin de mejorar su relación peso/potencia.

De este modo, se utilizaron en su carrocería nuevas piezas de

aluminio y de aceros, que terminaron por adelgazar al modelo alrededor del 18 kilos con respecto a su antecesor. Esta merma, sumada a su motor más liviano (se ofrece, por el momento, con el naftero 1.4 TFSI de 122 CV y otro 1.8 TFSI de 180 CV), le sacaron alrededor 80 kilos. Así, el Audi 1.4 TFSI, tiene un peso en vacío de 1.175 kg, convirtiéndose en uno de los hatchbacks más livianos del mercado. + www.audi.com.ar

Toyota RAV4

La firma nipona Toyota puso a la venta a la última generación de su utilitario deportivo, la RAV4. Con una imagen mucho más deportiva y dos nuevos motores, el todo camino japonés se puso más a tono con la competencia, y apunta a liderar el segmento este año. Para ello, acudió a una estética más atlética, en donde se destacan sus líneas laterales mucho más marcadas.

Su parte más jugada se encuentra, sin dudas, en su frontal. Allí, la nueva parilla, sus nuevas ópticas, su toma de aire frontal y su paragolpes rebajado, le otorgan una mayor expresividad. Debajo de su capot, también hubo cambios. Es por ello, que ahora se ofrece con dos opciones mecánicas: un motor 2.0 litros de 16 válvulas de 146 CV asociado a una caja CVT, y una mayor de 2.5 litros de 180 CV, que se acopla a una caja automática de 6 marchas. Esta última versión está disponible con la tracción 4x4, quedando la tracción simple para la motorización más pequeña. + www.toyota.com.ar

Fiat 500 Cabrio

La gama del Fiat 500, proveniente desde México, se amplía con la incorporación de la variante más glamorosa de todas, la descapotable. El lateral del modelo se destaca por la silueta de los parantes que, separándose de la línea de la capota, diseñan una curva característica del Fiat 500. Para identificar esta nueva versión, se colocó en los montantes de puertas el logo 500C, que resalta la particularidad del cabriolet, con la letra C en rojo. La capota es de accionamiento eléctrico. Cuando ésta se cierra, el vidrio de atrás regresa a su posición original, ofreciendo así las ventajas de una luneta clásica, con desempañador incorporado. Se ofrece con una sola motorización (la misma de los 500 Sport y Lounge), es decir, un 4 cilindros, 1.4 litros, 16 válvulas, sistema de admisión MultiAir y 105 caballos de fuerza, con caja automática de 6 velocidades. + www.fiat.com.ar

+

mundo creativo 033 vehículos

Mercedes-Benz ML, Clase A y GLK

Mercedes-Benz presentó la renovación de tres de sus modelos. El nuevo Clase M es 2.3 cm más largo, 1.5 cm más ancho y casi 2 cm más bajo que su antecesor. En su diseño, adopta un estilo más deportivo y aerodinámico. En tanto que en seguridad, ofrece 7 airbags y tecnologías avanzadas, como el Attention Assist T, para el monitoreo del cansancio del conductor, o los sistemas de control de la estabilidad mejorados y ampliados para uso en asfalto y fuera de camino.

Por su parte, el clásico Clase A, fue relanzado con un impresionante lavado de cara. Concebido sobre la plataforma del Clase B, se diferencia totalmente con su antecesor. De este modo, ahora el modelo se apropió de un corte más deportivo, con su carrocería de 2 volúmenes, con centro de gravedad bajo, con 4.292 mm de largo, 1.780 mm de ancho y 1.433 mm de alto. Esto, en la práctica, da la sensación de que

Chevrolet Onix y Prisma Mientras que todos esperábamos que en la sexta edición del Salón Internacional del Automóvil de Buenos Aires (que abre sus puertas del 20 al 30/06) las marcas dieran a conocer a sus próximos modelos, Chevrolet se adelantó con un doble lanzamiento: el Onix y el Prisma.

De estéticas similares, ambos modelos comparten plataforma, aunque se diferencian por disponer de diferentes carrocerías (el Prisma es sedán; el Onix es hatchback). De este modo, el Prisma, por su baúl rectangular, es un auto orientado a la familia. En tanto, el Onix, con su remate curvo, puede resultar mucho más atractivo para un público juvenil, o para conductores maduros, que no tienen como prioridad disponer de buen espacio en el baúl. De momento, ambos modelos se ofrecen con una única motorización: un motor naftero de 1.4 litros de 8 válvulas, de 98 caballos. + www.chevrolet.com.ar

el auto va pagado al asfalto. A pesar de ello, el nuevo Clase A, sigue siendo un modelo de 5 plazas, con un correcto volumen de baúl de 341 litros. Se presenta en tres versiones (Style, Urban y Sport), con una generosa dotación de confort en todas ellas. Estos tres niveles, se combinan con dos modernas y eficientes motorizaciones nafteras 1.6 de 156 CV y 2.0 de 211 CV, y cajas manuales o automáticas. La oferta queda conformada con cuatro modelos: A 200 Manual Style, A 200 Manual Urban, A 200 Automático Urban y A 250 Automático Sport.

En cuanto al GLK, su cambio más visible se da en las ópticas delanteras, que suman sistema de luces inteligente y los faros traseros con tecnología LED y fibra óptica. El motor de este SUV es el naftero de 3.5 litros de 247 caballos de potencia. + www.mercedes-benz.com.ar

Nuevo Peugeot RCZ

La marca del león presentó el nuevo RCZ en nuestro país, la exclusiva cupé deportiva que, desde su lanzamiento a principios de 2011, vendió más de 650 unidades, y que ahora se renueva, adoptando los últimos elementos de estilo de la marca y novedades en su equipamiento. En su aspecto exterior, gracias al rediseño de la parte frontal, incorpora nuevos proyectores, insignias, grilla de aireación, y luces diurnas a LEDs. En su interior, se sumaron insertos en cuero y detalles cromados en la plancha porta instrumentos. Lo más trascendental pasa por su navegador satelital con pantalla rebatible de 7”, un sistema de audio Arkamys (que brinda mejor calidad de sonido a todos los ocupantes), y nuevos airbags laterales que, además del tórax, protegen también la cabeza. Se ofrece con el conocido motor 1.6 THP de 163 CV con caja Tiptronic, y una más potente de 1.6 THP de 200 CV, asociado a una caja manual. + www.peugeot.com.ar

034

+ mundo creativo

Texto: Germán Andrés @vermirando

música / discos

En este más que interesante álbum nuevo de 10 temas suyos, logra un resumen o amalgama muy cuidada de sus toques distintivos. Tanto en el canto como en el acompañamiento instrumental, en la textura musical y, sobre todo, en los planos sonoros. Esta vez, a su voz la podemos oír y disfrutar casi limpia en la mayoría de los casos (antes hacía uso y abuso de efectos). Si bien utiliza filtros y procesadores, son más sutiles, y van en pos de la canción.

Es innegable su gusto por el gospel o el blues más antiguo, influencia que se escucha no sólo en su voz cantante, sino también en cómo maneja los coros y las partes vocales, además de ciertas formas compositivas en general; una clara muestra es “DLM” (track 6). Los beats gravitan en tempo medio, y sólo acelera en algunos momentos, en pasajes de algunos temas. El caso más “bailable” es “Voyeur”, que se pone house a su manera. Hay, igualmente, una variedad de ritmos, baladas o cosas parecidas al trip hop.

James Blake: En relieves “Overgrown”es el esperado segundo disco del británico James Blake.

Este músico de 24 años, representa cierta esperanza del electropop alternativo, pues fue toda una revelación que explotó en el indie global, en tan sólo dos años, con un EP y un disco que lleva de título su mismo nombre. Es, además del niño mimado de los hipsters, una promesa muy bien sustentada de que se puede hacer algo arriesgado con la electrónica y la canción. Pues a su ingenio como compositor y tecladista, suma el fino trabajo creativo de productor en el estudio -básicamente con el procesamiento digital de todo-, y sobre eso canta o juega este muchacho blanco con voz de negro (posee un muy particular timbre de soul).

Otro detalle de color -y que le pone otro timbre a este collage sonoro- es la participación del rapero RZA (reconocido líder del WuTang Clan), la única otra voz por fuera de la de Blake, que suena en el disco. También está de invitado nada menos que Brain Eno, con quien compusieron un tema juntos, y fue como una referencia en el concepto de producción; esto se manifiesta en las ideas de carácter más experimental o ambient de los temas, que si bien Blake tiene en sus genes, Eno -seguramente desde su experiencia- le aportó valor al conjunto total.

Algo a prestar especial atención en toda la música del joven es el diseño que elabora con los planos (con frecuencias a veces imperceptibles), las formas que pone en primer en plano y cómo las mueve en la superficie, el tratamiento de las capas en relieve o bajorrelieve. La atmósfera del audio es su premisa, y nunca es demasiado explícito. Asimismo, genera una impronta de misterio sutil. Un encantamiento en el que hay mucho de lo bueno por descubrir. + www.jamesblakemusic.com

es cantautor con guitarra al hombro, y de ver el paisaje, aprender de los sonidos y también de los problemas de su zona -ante el embate de los grandes emprendimientos turístico-inmobiliarios, particularmente en los esteros y lagunas de Corrientes-, se decidió a cantarlo. Esto no lo vuelve monotemático ni falto de poesía o bellas imágenes costeras.

Letras bucólicas o cuentos entrañables de la vida en ese interior que a veces nos parece tan lejano, están plasmados con sinceridad y, podríamos decir, austeridad -de sonido principalmente acústico, sin grandes efectos de post-producción-, en 11 canciones cálidas.

El autor refleja en su primer disco llamado “La corrriente” (a destacar que lo editó la multinacional Sony recientemente), un lindo mosaico de ritmos litoraleños y unas pseudo chacareras, todo con influencias de la cultura rock que cualquier joven posee. O sea, no es un disco de música folklórica, por si hace falta la aclaración. Incluso, se cuela un reggae, y entre los invitados, también aparece la impronta popular y rockera de este disco, pues incluye la participación del gran Jorge Serrano (voz y compositor de Los Auténticos Decadentes) y de Raúl Ruffino de Los Tipitos, entre otros.

Yacaré Manso: Stereos del Iberá Esta denominación simpática de Yacaré Manso y el juego de palabras con los Esteros del Iberá, tienen que ver, claro, con la procedencia de este músico correntino y su mensaje naturalista. Rauli (Yacaré Manso)

Los temas que se relatan en las canciones ya lo hacen pintoresco; la variedad de ritmos, entretenido, a la vez que sabe emocionar en algunos otros momentos. Es una propuesta clara y directa, con pocos elementos, bien utilizados. Con la fuerza de lo simple y mucha frescura, esta ópera prima se gana un buen lugar en la escena de la nueva música popular argentina. + www.yacaremanso.com.ar

+

mundo creativo 035 destinos

Texto y foto: Fátima Fargas para Travel Design (*)

Praga Una postal en movimiento Pequeña y elegante, esta ciudad deslumbra al visitante con sus virtudes del Medioevo, y más.

Ubicada en Europa Central, Praga es la capital de la República Checa, pero no siempre fue así. En sus inicios, lo fue del Reino de Bohemia, para luego pasar a ser la capital de Checoslovaquia, hasta el año 1993, cuando se convirtió en la capital del actual país.

A medida que se fue escribiendo la Historia, Praga fue modificando su imagen, pasando por momentos en los cuales deslumbró al Viejo Mundo por su brillo, y por otros tiempos más opacados, gracias a las guerras y sus consecuencias. Principalmente, es una ciudad ideal para ir descubriendo de a pie, ya que entre sus callecitas se van abriendo plazas, iglesias, monasterios y monumentos.

Es la ciudad más poblada de la República Checa: si bien la mayoría de sus residentes son autóctonos, se encuentra repleta de turistas durante todo el año, ya que su belleza la ubica entre una de las ciudades más lindas y visitadas de todo el continente. Derrochando estilo y elegancia por doquier, su casco antiguo ha sido declarado Patrimonio de la Humanidad en la década del noventa.

EL PUENTE DE CARLOS El estar a orillas del río Moldava ayuda a darle un toque especial, como si se tratase de una postal, unidas las dos costas por varios puentes. No podemos dejar de nombrar a uno de los puentes más famosos de la ciudad: el Puente de Carlos. No sólo es el más reconocido y antiguo de Praga, sino uno de los lugares con más encanto de esta maravillosa ciudad, que nos traslada a siglos pasados. Este puente contiene una gran cantidad de estatuas, que lo vuelven aún más pintoresco, y es visitado diariamente por un sinfín de turistas que lo caminan, mezclados entre vendedores de souvenirs callejeros y ar-

tistas locales. El Puente de Carlos une el casco antiguo con el Castillo de Praga, de estilo medieval, donde desemboca.

EL CASTILLO DE PRAGA Y MÁS A pie, el turista puede ir descubriendo una cantidad de lugares con un encanto único, y entender el porqué fue residencia de los Reyes de Bohemia durante tanto tiempo. Entre los sitios más impactantes murallas adentro del Castillo, podemos destacar a la Catedral de San Vito y al callejón del Oro. Este último, alberga la casa en donde vivió el gran escritor Franz Kafka.

Otro ícono de esta soñada ciudad es la plaza de la Ciudad Vieja, donde podemos encontrar el Ayuntamiento, el cual sigue manteniendo en pie una Torre que data del año 1490, famosa por su Reloj Astronómico. Grandes cantidades de turistas se reúnen allí para observar e inmortalizar a este completísimo reloj que, además de marcar la hora, representa también otras cosas. Por ejemplo, cada vez que marca la hora en punto, entra en acción por medio de varias estatuas que representan a los doce apóstoles.

TEATRO NEGRO Es una de las atracciones tradicionales de la capital checa. Si bien se trata de un estilo de teatro en particular, original de esta ciudad, se ha expandido a muchas otras partes del mundo. Su nombre se debe a que tanto el escenario como sus actores están oscuras, y por medio de luces y textiles sensibles a la luz negra, se crean la escenografía y el vestuario de una manera mágica. En la ciudad se pueden encontrar una gran cantidad de obras en cartel, para deleite de los espectadores. + www.praguewelcome.cz/es/

(*) Para dejar de ser turista y comenzar a ser viajero, visitar: www.traveldesign.com.ar | blog.traveldesign.com.ar

036

+ mundo creativo

Texto: Jorgelina Peciña @JorgelinaPecina

moda

adidas Originals Denim Outfits para todo el año Sí, adidas Original también apuesta por la clásica tela azul de jean, con una colección compuesta por pantalones, shorts, camisas, polleras y camperas de jean, pensada para la vida diaria.

En su quinta temporada, la línea Denim ofrece una amplia gama de jeans de cortes variados, junto con una innovadora serie de prendas que se han convertido en un básico indispensable para cualquier armario.

La colección masculina incluye cortes clásicos y modernos, como los Skinny Fit (tiro bajo y chupines) que resaltan la figura en colores lavados y puros, y el Slim Colour Fit (tiro bajo y rectos en la caída) en tono mostaza, el color de la temporada. A los populares Skinny y Slim, se unen dos nuevos estilos: el Regular Fit, un clásico con corte limpio, pierna recta y tiro bajo, a la altura de la cadera, que evoca un look vintage; y el Loose Carrot, un estilo cómodo y fácil de usar, de pierna estrecha, y con una caída en la entrepierna abuchonada, que propone un look relajado. A su vez, las camperas y camisas de jean tienen un gran protagonismo en esta línea, que en esta temporada, vienen en colores claros.

La colección femenina está compuesta por los modelos Super Skinny Fit, ajustados al cuerpo, chupines y de tiro bajo, con líneas en cadera y rodilla -para simular el desgaste del jean-, dándoles un aspecto de uso regular y relajado. La línea incluye colores grises, azules y turquesa. Además, los jeans Slim Fit son de tiro medio, ajustados en las caderas y de corte recto, y se presentan en tonos azules y grises. Por último, el modelo O Leg, que hace referencia a los estilos más holgados, un look abuchonado, dado su bajo corte en la entrepierna y su color desgastado. Por su parte, los shorts femeninos vienen en colores lavados y puros, ideales para un look casual, junto con las polleras y las camperas de jean de corte regular y peso liviano. + www.adidas.com.ar/originals/

+

mundo creativo 037 eventos 1I

2I

3I

4I

5I

6I

1. Pet Shop Boys tocó en la presentación del Clase A 2. El presidente de la Fundación Laurens, Hugo Porta, junto al presidente de Mercedes-Benz Argentina, Roland Zey 3. Matías Martin tuvo a su cargo la conducción del evento 4. Joaquín Rozas y Lucía Celasco 5. Zeta Bosio 6. “Zorrito” Von Quintiero

El Clase A festejó a lo grande en el Luna Park En una gran fiesta para más de 4 mil invitados, Mercedes-Benz presentó en el Luna Park su nuevo modelo compacto. Los Pet Shop Boys tocaron sus mejores hits, y se anunció que la automotriz dará un aporte especial a la Fundación Laureus por cada Clase A que se venda.

La noche comenzó con la presentación del nuevo Clase A, siguió con el anuncio de la donación a la Fundación Laureus, continuó con el recital del dúo británico, y luego los invitados bailaron con la música del DJ Tommy M uñoz.

Conducido por Matías Martin, el evento contó entre sus 4 mil asistentes, con clientes, concesionarios, directivos y empleados de la empresa y amigos de la marca, como: Sofía Gala, Humberto Tortonese, María Costantini, Mariana Arias, Lolo Fuentes, Fabián “Zorrito” Von Quintiero, Zeta Bossio, Nacho Viale, Eduardo Celasco, Lucía Celasco y su novio Joaquín Rozas, Bobby Flores, Valeria Gastaldi, Tomás Fonzi, Benito Fernández, Concepción Cochrane Blaquier, Laurencio Adot, Alejandro Gravier, Soledad Ainesa, Luchi y Martín Barrantes, Carolina Giménez Aubert, Diego Impagliazzo, Facundo Manes, Martín Cabrales, Cochito Lopéz, Jorge Sánchez Córdova, Javier Iturrioz, Florencia Macri, Juan Manuel

“el Rifle” Varela, Fabián Medina Flores, Pablo Pérez Companc, Mabby Wells, Mariel Quintana, Ani Mestre y Claudio Rígoli, entre otros.

También, entre los invitados se encontraban glorias del deporte argentino y miembros de la Fundación Laureus, como su presidente, Hugo Porta, y los embajadores Pepe Sánchez, Juan y Nicolás de la Cruz Fernández Miranda, Santiago “Tati” Phelan y Alejandra García. Roland Zey, presidente de Mercedes-Benz Argentina, anunció que por cada Clase A que se venda, la empresa hará un aporte a la Fundación Laureus -que tiene como misión apoyar y promover la práctica deportiva, como herramienta de cambio social para el desarrollo integral de niños y adolescentes en situación de riesgo-, por lo que se espera donar, por lo menos, una suma de $300 mil, los que serán utilizados en sus proyectos sociales. + www.mercedes-benz.com.ar

038

+ mundo creativo

Texto: Ricardo Sametband @rsametband

gadgets

BlackBerry Q5

Nokia Lumia 920

La compañía sigue modernizando su oferta de smartphones con su nueva plataforma BB10, ahora, con un equipo con pantalla táctil IPS de 3,1 pulgadas, chip de doble núcleo, 2 GB de RAM, cámara de 8 megapíxeles (y otra al frente para videollamadas), batería de 2180 mAh y el clásico teclado Qwerty, que le dio renombre.

Llega a la Argentina a fin de año. + www.samsung.com/ar/

La compañía finlandesa sigue apostando por las cámaras de alta calidad: este nuevo móvil con Windows Phone 8, es una evolución del Lumia 920 que salió a la venta en la Argentina en junio, y tiene pantalla de 4,5 pulgadas, chip de doble núcleo y una cámara de 8,7 megapíxeles con 6 elementos, y una carcasa que suma aluminio al clásico policarbonato, para lograr un móvil más delgado y liviano que su antecesor. + www.nokia.com/ar-es/

Coby Kyros MID7065

Fitbit Flex

Con un precio de $ 1599, es una tableta con pantalla táctil capacitiva de 7 pulgadas (1024 x 600 píxeles), chip de doble núcleo a 1,2 GHz, 1 GB de RAM, 8 GB de almacenamiento interno, expandible con una ranura microSD.

Por lo sencilla, la idea es muy poderosa: un dispositivo que le agrega un elemento lúdico a algo tan sencillo como caminar, para así lograr que hagamos más ejercicio. De esta forma nació Fitbit, una pulsera que cuenta los pasos que damos, y compara nuestros logros con objetivos predefinidos, y con lo que están caminando nuestros amigos. Ahora, la versión Flex mide las calorías consumidas, el tiempo de sueño (y qué tanto descansamos), y qué tanto ejercicio estamos haciendo, en comparación al resto de la comunidad. Todo esto podemos verlo en la pantalla de nuestro smartphone. + www.fitbit.com/es/flex

Además, posee conexión HDMI y Android 4.0, con acceso a la tienda de Google (algo inusual entre equipos de este valor). + www.cobyusa.com

+

mundo creativo 039 gadgets

Samsung Galaxy Note 8.0

LG Optimus G

La compañía presentó un nuevo modelo de tableta, con el estilo de diseño del Galaxy S4, un chip Exynos de 4 núcleos a 1,6 GHz, 2 GB de RAM, 16 ó 32 GB de almacenamiento interno, pantalla de 8 pulgadas y 1280 x 800 píxeles, Android 4.1, cámara de 5 megapíxeles, batería de 4600 mAh y el lápiz capacitivo -presente en otros Galaxy Note-, para dibujar en pantalla. Saldrá a la venta en la Argentina en la segunda mitad del año. + www.samsung.com/ar/

Uno de los nuevos smartphones de la firma surcoreana. Tiene una pantalla IPS de 4,7 pulgadas, chip Qualcomm Snapdragon de 4 núcleos, 2 GB de RAM, 32 GB de memoria interna, cámara de 13 megapíxeles, batería de 2100 mAh y Android 4.1.2. Permite ver dos aplicaciones de Android en la misma pantalla (transparentando una), y tiene un precio local que va de $ 2699 a $ 3849, según la operadora local. + www.lg.com/ar

Logitech UE Boom Ultimate Ears, una marca de audiófilos de Logitech, presentó un parlante muy particular: es un cilindro que emite música en forma omnidireccional, tiene conectividad inalámbrica y, gracias a una aplicación para Android/iPhone, se puede sincronizar con un segundo parlante, para funcionar en modo monoaural (es decir, uno controla el canal derecho y el otro el izquierdo) o estéreo, ampliando el área de cobertura. Está pensando para llevar a cualquier lado, ya que tiene una batería interna que le brinda 15 horas de autonomía, es resistente al agua y tiene un precio aproximado de U$S 200. + www.logitech.com

Microsoft Xbox One La primera de las consolas de nuevísima generación ya mostró su cara. La Xbox One, que competirá con la PlayStation 4, tiene un chip de 8 núcleos, 8 GB de RAM, controla la visión de los canales de televisión, acepta múltiples comandos de voz al estilo Apple/Google, tiene Skype, viene con un Kinect más sensible (tiene una cámara Full HD, detecta el ritmo cardíaco) y -como la PS4- no es compatible con los juegos de la Xbox 360. Saldrá a la venta a fin de este año. + www.xbox.com

Sony DEV-50V Podría decirse que los largavistas han pasado de moda, si no fuera por modelos como éste, de Sony: unos binoculares que son, en realidad, una cámara de fotos de 20 megapíxeles, capaces de grabar video en Full HD (en 2D ó 3D). Se pueden mojar, están protegidos contra golpes y polvo, tienen un zoom de 25 aumentos y estabilización óptica de imágenes. Tienen un GPS interno y pesan 765 gramos. + www.sony.com.ar

040

+ mundo creativo

eventos

1|

2|

4|

5|

8|

9|

6|

10|

3|

7|

11|

1,2,3 y 4. María Freytes, Facu Garayalde, Teresa Frías, Abril Pereyra Lucena y Wally Diamante, Boy Olmi y Florencia Salvioni estuvieron en el espacio de GÉAU Vitaminwater y Grupo Mass en arteBA 5. Dolli Irigoyen y Bernd Friedrich (el tea master de Tea Connection), en la presentacion de Inside 6. Dolores Barreiro en Buenos Aires Grand Hotel 7. Favio Posca en la apertura del nuevo local de A.Y. Not Dead exclusivo de hombres, en Palermo 8. Florencia Macri y Flor Torrente asistieron a la presentación de la colección de Blackmamba 9. Horacio Cabak se acercó al lanzamiento de las nuevas afeitadoras Braun, para festejar el Día del Padre 10. Leo Sbaraglia cenando en Elena, el nuevo punto de encuentro de Buenos Aires 11. Valeria Mazza junto a Amelia Sabán en el desfile de Ménage à Trois, Invierno 2013, acompañado por HSBC +

Texto: Jorgelina Peciña @JorgelinaPecina Foto: Maia Croizet @MaiaWATIO

+

mundo creativo 041 marketing

Leo Battistelli con Chandon en arteBA El desafío de crear un oasis

Invitado por Chandon para trabajar en una instancia clave de arteBA como es el bar, Leo Battistelli apostó por materiales nobles, para crear un espacio en donde la vitalidad fue protagonista e invitó al encuentro.

Como en cada edición de arteBA, Chandon sumó para su espacio una obra innovadora, con el objetivo de que el público disfrutara de los últimos movimientos y tendencias dentro del universo artístico local e internacional. Este año, se exhibió una instalación inédita del artista rosarino Leo Battistelli, titulada “Temperantia”. Así nos las explica su creador. + Contanos de qué se trata tu trabajo en el bar Chandon de arteBA. LB La primera consigna de Temperantia tiene que ver con el nivel visual. Es una mujer que pasa fluido de un cántaro lleno, a un cántaro vacío.

Es una imagen del tarot. Ese fue el disparador. Y la copa de champagne.

Significa equilibrio, los espacios que se unen. Ese juego de un fluir constante. Y lo que hice, fue una obra dividida en dos espacios. El espacio aéreo, el cielo, está lleno de guías, con burbujas de vidrio y cerámica.

Las blancas, representan al dios creador. La obra es un diálogo abierto.

Habla de la conexión de los antiguos con la vida. Y está la tierra. Los materiales son muy importantes para mí: madera, cuarzo, cerámica, porcelana. Hay líquenes, que son una simbiosis, dos seres que se unen. + El espacio como un todo, ¿qué transmite?

LB Queda en cada uno, pero sería como un oasis. Conozco la feria desde hace muchos años, sé cómo funciona. Quería crear un espacio para relajarse, que vibre y genere buena energía. Un alto en el recor-

rido. Abarco todo el espacio con materiales vivos y luz suave. Intenté bajar la luz al máximo, para que sea tranquilo. Un lugar agradable, en comunión con todas las personas. + Espiritualidad y uso de la cerámica, dos componentes clave en tu trabajo. ¿Qué me podés comentar al respecto?

LB El primer punto es mi abuelo, que era ferroviario. Viajaba mucho por el interior, hasta que se quedó en Rosario y construyó su casa, donde se encargó de intervenir todos los detalles. Y trabajaba mucho con desechos fabriles y cerámicos. Con eso, generaba paisajes. Es algo que nunca lo vi, no hay algo comparable, porque lo hacía en un contexto de una casa, para él, para mi abuela. Todos los detalles cuidados. Cuando él muere, yo estaba estudiando Bellas Artes, entonces decido tomar toda la obra de él y rescatarlo como artista. Así, veo a través de mi abuelo, manipulo sus elementos. Y ahí comienzo a interesarme por los azulejos, la cerámica. + Este espacio y tu obra están muy cerca del Barrio Joven, un espacio clave en arteBA. ¿Qué consejo o comentario les darías a los que recién comienzan en el arte?

LB Producir desde el amor, desde la felicidad. En armonía con los materiales. Para mí, eso es lo más importante, hacer arte saludable. + www.chandon.com.ar | http://leobattistelli.com/

042

+ mundo creativo

Texto: Celeste Nasimbera @SrtaCele. Foto: www.bluevertigo.com.ar

diseño

Héroes marginales Recuperar la expresión urbana Hasta el mes de julio, el diseñador brasileño Rico Lins presenta en el Centro Metropolitano de Diseño (CMD), su instalación “Héroes marginales”. Su inauguración se dio durante el PreTRImarchiDG. El sábado 4 de mayo se realizó el PreTRImarchiDG, la versión reducida e itinerante, que anticipa la realización del congreso de diseño en Mar del Plata, del 4 al 6 de octubre. Volver sobre nuestros saberes para recordar lo olvidado o conocer aquello que ignoramos.

El encuentro tuvo lugar en el CMD (Algarrobo 1041, CABA). Allí, el diseñador argentino radicado en México, Jorge Alderete -reconocido realizador de tapas de discos-, como el ilustrador argentino Cristian Turdera, brindaron conferencias.

“Volver al oficio” fue la consigna que aglutinó las búsquedas en esta nueva edición. Generar cómo reforzar un diálogo entre el oficio del gráfico tradicional y las nuevas tecnologías. Una mixtura de saberes para reencontrarnos y revalorizar el oficio. Esa exploración coincide con las conversaciones populares que establece el brasilero Rico Lins en su instalación de carteles “Héroes marginales”, que montó en el CMD. Allí, sobre el papel, rostros populares, íconos y desconocidos conviven en la reproducción. Rico nos explica: “Yo cuelgo las posibilidades, pero necesito de la mirada del espectador para definir; el cartel es un disparador de reflexión. Los carteles son una pregunta, el inicio de una contestación”. La instalación surge desde la necesidad de generar en espacios cotidianos, edificados sobre los bordes, un encaje entre las técnicas de reproducción serial y la unicidad.

Vuelve entonces sobre los carteles, en los cuales combina tecnologías mixtas, impresión tipográfica, serigrafía e impresión digital, para obtener anuncios populares, que recuperan modos del hacer y de la expresión urbana.

Rico no puede localizar en el tiempo en qué momento surge su interés en los carteles, cree que “desde siempre”. Considera que constituyen un soporte más libre. Ve en ellos la sumatoria propia de las calles de Brasil, porque es un país “complejo en las mixturas, que posee una estructura de mezclas”. Rescata el letrero como un objeto popular, para atravesarlo con posibilidades técnicas más recientes.

Realiza entonces, una serie de grabados generados en una producción sistematizada, pero obteniendo como resultado objetos únicos, dejando en ellos cierta desprolijidad del azar. El proceso estuvo a cargo de la Gráfica Fidalga, uno de los últimos reductos de impresión tipográficos de San Pablo, donde reside hoy Rico, y está prohibido legalmente el uso de carteles. Reconquista un soporte marginal para cargarlo de rostros. Repite sobre ellos la frase: “Sé un marginal, sé un héroe” del artista brasilero Hélio Oiticica, para “reforzar la idea”. Toma elementos del oficio, de la calle, de los márgenes, para exponerlos a una mirada que no los recuerda o los desconoce.

Los resignifica. Los rescata. + www.ricolins.com | www.trimarchidg.net

Texto: Jorgelina Peciña @JorgelinaPecina

+

mundo creativo 043 marketing

+ Auditorio en arteBA. Foto: Maia Croizet @MaiaWATIO

Masisa en arteBA El auditorio, obra póstuma de Clorindo Testa Masisa Argentina fue la empresa elegida para llevar adelante el auditorio de arteBA 2013, diseñado por el célebre Clorindo Testa.

Masisa no sólo fue silver sponsor de arteBA 2013. Además, estuvo a cargo de la materialización del auditorio del Open Forum, ubicado en el Pabellón 9, donde se desarrolló un significativo programa de actividades gratuitas relacionado con el mercado de arte latinoamericano y su esquema de validación, circulación y discusión.

En 2013, y luego de tres años de pensar un trabajo en conjunto, arteBA y Masisa Argentina sumaron su experiencia y convocaron al prestigioso arquitecto y artista Clorindo Testa, para que diseñara el auditorio. El auditorio de Testa, fallecido recientemente a sus 89 años, se convirtió en su obra arquitectónica póstuma, y en un gran homenaje para uno de los arquitectos más reconocidos y de mayor trayectoria en la Argentina.

La construcción del auditorio fue realizada de manera tal que pudiera ser desmontado, guardado y rearmado fácilmente. Se desarrolló una estructura metálica reticulada modulada en partes, revestida en todos sus planos: tanto cerramientos verticales, cara exterior e interior, como cielorraso con placas de Fibro Melamina Masisa. Este producto fue elegido gracias a su facilidad de montaje y su terminación superficial, que permite respetar las condicionantes del diseño en cuanto a imagen y calidad de terminación.

Una vez finalizada la feria, el auditorio se trasladará desde La Rural

+ Clorindo Testa trabajando en los bocetos preliminares del auditorio de arteBA.

hasta el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (MAMbA), donde permanecerá activo con nuevos debates y conferencias hasta la próxima edición de la feria, en mayo de 2014, cuando volverá a su lugar de origen. + ww.masisa.com | www.arteba.org

044

+ mundo creativo

eventos

+ La sexta edición del Festival Puma Urban Art se llevó a cabo en el Centro Cultural Recoleta, los días 4 y 5 de mayo. Estuvieron presentes: Ernesto Chalita

(manager de Momer 360), Dj Mosca (Momer Records), Peta Rivero y Hornos (director de Human Agency), Víctor le Masne (House de Racket), Berty Giménez Brotons (director de B-Side) y Pierre Leroux (House de Racket); los artistas internacionales Jimbo Phillips y Tristan Eaton; Mirtha Busnelli, Anita Pauls y Clemente Cancela; Sergio Richard (Rock’n Ride), Bárbara Bertani (lifestyle marketing manager de Puma Argentina) y Gabriel Lama (Galería Domingo, Lima, Perú); y Sheila González (actriz de “Vecinos en Guerra”). www.pumaurbanart.com

+ adidas invitó a experimentar la disciplina del yoga de la mano de la colección adidas by Stella McCartney, en el galpón de Milagros Resta. Manuela Viale, Soledad Ainesa y Dolores Barreiro participaron del evento. http://mygirls.adidas.com.ar/

+ Felipe Colombo y Jenny Williams pasaron por el VIP de Levi’s en el show de Cat Power en el Teatro Coliseo, para disfrutar de un trago antes de que comenzara el espectáculo. www.levi.com.ar

mundo creativo

+ 045

agenda

+ mUeSTRAS/eXPOSICIONeS/FeRIAS

+ CONCURSOS/CONVOCATORIAS

20 Al 30/06 6º SAlóN INTeRNACIONAl del AUTOmóVIl de BS. AS. La novedades en autos, comerciales livianos, pesados, ómnibus y camiones, importadores y proveedores de equipamientos y servicios, concept cars y prototipos.

Predio Ferial La Rural, Sarmiento 2704, CABA www.elsalondelautomovil.com.ar

20/09 Al 21/10 CASA FOA La muestra de decoración, arquitectura y diseño festeja sus 30 casas.

Edificio Tornquist, Bartolomé Mitre 559/31, CABA www.casafoa.com

+ CONgReSOS/eNCUeNTROS/SemINARIOS 30/07 Al 2/08 eNCUeNTRO lATINOAmeRICANO de dISeñO Más de 350 actividades de capacitación gratuita (talleres, laboratorios, conferencias, mesas redondas) dictadas por destacados profesionales del diseño y la comunicación de toda América Latina.

En sedes de la Universidad de Palermo y Palais Rouge, CABA http://fido.palermo.edu/servicios_dyc/encuentro2010/ 4 Al 6/10 TRImARCHIdg Encuentro internacional de diseño gráfico.

Polideportivo de la ciudad de Mar del Plata www.trimarchidg.net

HASTA 30/06 CONVOCATORIA BIeNAl de ARTe JOVeN BS. AS. Se podrán presentar proyectos en cuatro disciplinas -artes escénicas, artes visuales, artes audiovisuales y música- y dos categorías: obras terminadas y proyectos a desarrollar. En sus distintas etapas, hasta fines de noviembre, la Bienal tendrá el acento puesto en la formación, los procesos de producción y la exhibición de las obras. www.buenosaires.gob.ar/labienal 1 Al 31/07 V PRemIO CC de lA memORIA HAROldO CONTI. CATegORíA: FOTOgRAFíA Convocatoria de ensayos fotográficos enmarcado en la temática de la memoria y los derechos humanos. www.derhuman.jus.gob.ar/conti

10 Al 12/10 ANImA2013 VII edición del Festival Internacional de Animación.

Universidad Nacional de Córdoba, Pabellón Argentina, Ciudad Universitaria www.animafestival.com.ar

HASTA 26/07 CONVOCATORIA XII SAlóN dIARIO lA CAPITAl Participan proyectos de diseño contemporáneo de objetos, abarcando las siguientes categorías: Accesorios (carteras, mochilas, zapatos, sombreros, cintos, corbatas, anteojos, etc.), Joyería contemporánea, Infantil y/o lúdico, Equipamiento (mobiliario), Equipamiento (hogar y escritorio) y Packaging (producto, logo y campaña), que serán expuestos del 20/09 al 15/10 en el XII Salón Diario La Capital. www.fundacionlacapital.org.ar

5 Al 7/11 el OJO de IBeROméRICA 2013 16º edición del festival internacional de la publicidad latina. www.elojodeiberoamerica.com

HASTA 31/07 CONCURSO VIdA 15.0 Fundación Telefónica seleccionará los mejores proyectos de arte y vida artificial. Importantes premios en efectivo. http://vida.fundaciontelefonica.com/

046

+

+ Entrada a los Salones de Rho Fiera. Foto: Alessandro Russotti

Milan Design Week

Caminando por la Semana del Diseño Un recorrido por lo más destacado de la semana más importante del diseño a nivel internacional. | Texto y fotos: Osvaldo Zorzano Betancourt (*)

(*) Osvaldo Zorzano Betancourt nació en Arica, Chile. Es diseñador gráfico y se especializó en diseño automotriz en la Scuola Politecnica di Design, en Milán. Dedica gran parte de su tiempo a la docencia, en las universidades de Chile y Del Desarrollo.

especial

+ 047 diseño

+ Desfile Mapa de Diseño INTI - Hue + Stand de Magis. Foto: Saverio Lombardi Vallauri

¿TODOS LOS AÑOS LO MISMO? Es predecible que abril es el mes en que se repite anualmente la Semana del Diseño en Milán. Es predecible que todos los años los expositores vayan a “tirar toda la carne a la parrilla” (tan del Cono Sur que es este refrán). Es predecible que vas a quedar agotado de tanto recorrer, y con el disco duro lleno de imágenes, ideas, ladrillazos de cultura y vanguardia que te tomará mucho tiempo procesar y “guardar”.

Lo que no es predecible es qué te va a producir todo lo anterior: dónde, en qué momento, pabellón, esquina, stand, cortijo o showroom vas a quedar boquiabierto… En qué aperitivo vas a conocer a algún diseñador con el que vas a conversar con ganas, hasta que te echen del lugar (para luego irse a otro aperitivo o a un bar), o vas a ver ese proyecto en que dices “¡¿Cómo no se me ocurrió a mí?!”. Y estoy seguro de que eso nos pasa a los diseñadores muy frecuentemente... ¡Pues acá, pasa más!

La Semana del Diseño es de una efervescencia para nada típica de Milán. Los milaneses son personas contenidas, distantes, sonrientes como desconocidos, de patios interiores y palabras justas. Pero gentiles como anfitriones y, a veces, muy entusiastas... ¡Muy! Durante esta semana se abren los patios, se orienta al turista con una broma pasajera, se habla de diseño sin desconfianzas ni celos profesionales. Con el pecho inflado y una copa en la mano. El metro, las veredas, los bares y tranvías se llenan de gente de diferentes razas, idiomas, estilos de pelo, ropa, lentes y edades. Todos hablando al más puro estilo Torre de Babel o bar de Tatooine en Star Wars. La ciudad, con sus habitantes flotantes duplicando la densidad de población, se echa por la ventana, y uno no sabe qué cosa es parte de una mudanza o una performance, qué es mobiliario urbano o puesta en escena. Qué es tendencia, vanguardia, “bluff” o refrito. Diseño. Todo Vale.

048

+

+ Euroluce. Foto: Annalisa Cimmino

Quien se tome esta Semana en serio, no debiera improvisarla. Pero seamos sinceros: toda planificación posible va a verse sobrepasada por las circunstancias del día a día y, si no eres flexible, lo vas a pasar mal. O sea que “no improvisar” es, en realidad, buscar un punto medio entre tus intereses y las tentaciones que Milán te a va poner por delante; entre saber lo que no te puedes perder y lo que puedes postergar por una sorpresa inesperada o una conversación incortable.

Si bien es recomendable empezar a mirar por Internet qué te depara Milano estos días, lo más útil es llegar un par de días antes y buscar los folletos que tienen la planificación diaria. Hay varios gratuitos de muy buena factura y contenido (Milano Zero o el de revista Interni, por ejemplo). Con estos folletos, un mapa de transporte público y un cuadernito de bolsillo, uno puede organizar adónde ir y a qué hora.

Pero, ¡ojo!, es muy posible que muchos trayectos se vean saboteados por la aparición de un imprevisto aperitivo. Y sin querer hacer sufrir a nadie, ni dármelas de atleta masoquista, creo que la forma más provechosa de recorrer la ciudad en estas fechas, es a pie... O por lo menos, las zonas de mayor concentración de actividades, como Zona Tortona o Ventura Lambrate.

IL SALONE: PROTAGONISTA DISCUTIDO En las afueras de Milán hay un sector que se llama Rho Fiera, al cual se accede en metro, bus o tren de superficie. Son 70 hectáreas acondicionadas para exposiciones, con enormes pabellones, con sectores de carga/descarga, amplias vías, un boulevard central techado

+ Stand de Artemide en Euroluce. Foto: Annalisa Cimmino

y un edificio para la organización y prensa. Es un espacio que parece no tener límites, y que puede reconfigurarse para diversos tipos y tamaños de exhibiciones; muchas de ellas, simultáneas.

La única exhibición que ocupa toda esta enorme infraestructura es, precisamente, Il Salone del Mobile, que este año celebró su 52da versión. Si empezamos por un par de datos, este año se vendió sólo un 70% del espacio expositivo disponible; pero eso se tradujo en pasillos más amplios y una vista más despejada, sobre 320 mil visitantes este año (también ha habido mejores), viniendo de 160 países. En esta edición, tocaba Euroluce, exposición bienal del área iluminación, que es un atractivo adicional.

El resto del Salone es un espacio literalmente inabarcable, que requiere disciplina y constancia para poder ver entero -o selectividad e información privilegiada, para saber “qué vale la pena”, que para algunos, es prácticamente todo-. Cuando uno es un afortunado con acreditación de prensa, el Salone es un lugar mucho más grato. Pero el primer día iba a ser previsiblemente el desembarco de Normandía en versión tropas aliadas de periodistas que trataban de traspasar la Omaha Beach de las acreditaciones.

Apenas una hora después de haber llegado al recinto, logramos llegar al centro de prensa. Ahí -y tras recibir la mochila de material oficial y tomar un rico café con facturitas y pastelito, comenzamos la odisea Salone, que duraría dos días y medio. Por eso venden los

+ 049

+ Stand de SA Möbler AB en el Salone Ufficio. Foto: Annalisa Cimmino

+ Stand de Gervasoni

+ Stand de Kartell. Foto: Saverio Lombardi Vallauri

packs de tickets para tres días que, al principio, parece una exageración. Son más de 2500 expositores... Supongan que a cada uno le dedicas un minuto: ya tienes más de 41 horas de caminata, ¡uff!

mico e inusual de su propuesta, que aún estoy digiriendo.

Como decíamos antes, este año, tuvimos la muestra bianual Euroluce, en donde hay desde objetos o instalaciones conceptuales, hasta las marcas y productos que dictarán tendencia en un futuro inmediato.

Obviamente, está lo último en tecnologías y materiales para iluminación. Pero eso no me llamó tanto la atención, como sí otros ejemplos de productos que destacaban por su simpleza, elegancia y uso noble de los materiales (que no es lo mismo que uso de materiales nobles).

En general, ésta ha sido una de las características de este Salone: materiales tradicionales, viejas técnicas, nuevos lenguajes. En Euroluce, esto se hizo notar tanto por los intentos desesperados de llamar la atención, con recursos opulentos y ostentosos, cuanto por morfología y por materiales y técnicas de construcción. Es un contraste no tan evidente para quien tiene una mirada desprejuiciada del diseño.

La otra faceta imperdible del Salone son las grandes marcas o aquellas más icónicas, como Moroso, Magis, Flos, Kartell, Edra, Casamanía, Ligne Roset, Vitra, Desalto, Poliform, Porro, Driade, Cappellini, Meritalia, Emu y Artek, entre otras. En mis artículos publicados en 90mas10.com, con el recuento día a día, mencioné a la empresa Visionaire como una destacable (http://9010.co/ZnsJQd), por lo polé-

Esta vez, quisiera detenerme un poco en Alessi y Gervasoni, por diferentes motivos. Alessi, porque constituye siempre un referente -tanto de tendencias, como de vitrina de “en qué están los diseñadores importantes que Alessi elige para sus líneas de productos”-.

Esta marca presentó varios productos diseñados por autores consagrados que tienen, a pesar de lo variopinto de la exhibición, dos líneas divergentes: una que va por lo vintage y una estética simple (pero no simplona), y otra que se mueve entre lo lúdico y orgánico.

En esta última línea, hubo objetos que me recordaron mucho al trabajo que el argentino Patricio Lix Klett viene haciendo desde hace años. Y no es lo único que me pareció como visto en estas latitudes anteriormente.

Por otro lado, Gervasoni -que tiene un estilo de diseño muy diferente al de Alessi- merece una mención por su “puesta en escena”.

Todo su stand fue una instalación modular, a partir de “bandejas plásticas” blancas, con un patrón pseudo-mudéjar, que recordaba mucho a las mezquitas, y que servía para enganchar, traspasar, fijar y colgar prácticamente todo lo expuesto en el stand (de un tamaño considerable). Esta solución simple, funcional y bella competía a la par con los objetos a cuyo servicio debía ponerse. Y ése es el punto que hace difícil emitir juicios: ¿felicitamos al diseñador del stand por hacer que el “fondo” sea la muestra, o le tiramos las orejas por “sabotear” todo lo exhibido a la sombra de su instalación?

050

+

+ Una de las oficinas propuestas por Jean Nouvel. Foto: Saverio Lombardi Vallauri

OFICINA PARA VIVIR Dentro del SaloneUfficio de este año, el francés Jean Nouvel tenía un lugar preponderante, con su instalación “Project: Office for living”. Nouvel -de 68 años- es arquitecto, ganador de premios como el Wolf Prize in Arts (2005) y el Pritzker Architecture Prize (2008).

Lo que plantea con esta obra es algo bastante lógico, pero que solemos dejar pasar inadvertido: la oficina es un espacio en donde no sólo se trabaja, sino donde se vive. Se pasan más horas del día y se enfrentan más situaciones personales en la oficina que en la casa, sin perjuicio de que lo que pasa en la casa sea más trascendente. Esta premisa es revisada desde cinco puntos de vista en cinco espacios cerrados, conectados entre sí, que van desde lo retrospectivo a lo vanguardista, dando a entender las diferentes relaciones de creatividad, inspiración y goce que pueden lograrse en un espacio acondicionado correctamente.

Una especie de manifiesto práctico-conceptual. El espacio se puede recorrer en más o menos una hora, en la que uno aprende y

reflexiona mientras se sorprende, camina, toca, intrusea y, sobre todo, engancha con este planteamiento de que los espacios de trabajo son espacios vivos y vivenciales.

TODO MENOS EL “ARROZ GRANEADO” En el mismo pabellón 24, donde se encontraba la muestra de Nouvel, se alojó el SaloneSatellite, el máximo imperdible del Salone.

Este espacio, del que ya hablamos harto en el post de la premiación (el primero de toda la saga en nuestro Website: http://9010. co/11ZdfCu), es de acceso gratuito (a diferencia del Salone mismo), y alberga a los que ya no son tan principiantes, pero tampoco consagrados.

Cada año capta más atención, gracias a la frescura, atrevimiento e impredictibilidad de sus expositores. Acá, uno puede encontrar desde independientes, colectivos y agencias “frescas”, hasta stands representativos de países como Chile, que organizó una muestra a nivel gubernamental, para traer algunos diseñadores en sintonía con la imagen país que se quiere proyectar. Uno puede saltarse muchos pabellones en esta giganto-exposición; pero éste,

+ 051

+ Corteza de alcornoque utilizada por Tania Da Cruz para revestir su stand y lámparas colgantes. Primer premio SaloneSatellite.

no. Si bien el Salone lleva 52 años realizándose, el Satellite sólo lleva 15 años. Su crecimiento ha sido exponencial, pero controlado, y su oferta en cuanto a variedad de proveniencias, especialidades, estilos y grupos objetivo mejora cada año.

Cada año, se hace una premiación para los diseñadores emergentes más destacados en la muestra. Se trata de un incentivo muy importante, pues además del reconocimiento y popularidad asociados a la distinción, existe una recompensa en dinero. No es el móvil que trae a tantos autores a este espacio, pero es un plus no menor.

Este año, el primer premio recayó sobre Tania Da Cruz, una diseñadora de ambientes y objetos de origen portugués, pero que vive en Milán desde hace años, y expuso un stand ambientado, usando un mismo material para revestimientos y cuerpo para lámparas colgantes. Y se trata nada menos que de corteza de alcornoque (de donde se obtiene el corcho), cortada con sierra que, por fricción, le da el color “quemado” y conserva ese olor también. Es un material natural, sin aditivos, y de duración efímera (por ahora).

Por su materialidad y forma, este elemento presentado como un módulo base es aplicable de diversas maneras, y es acústico y termo-acústico, además de brindar una sensación táctil muy agradable. La innovación no siempre se expresa morfológicamente. Este proyecto es una combinación de astucia y sensibilidad, propias del sentido de mediación e innovación del buen diseño.

Todo un personaje en el SaloneSatellite es su curadora, Marva Griffin Wilshire. En realidad, ella es el motor que empuja el Satelli-

Link a la nota: http://9010.co/milan2013

+ El chileno Matías Ruiz se hizo merecedor de una Mención Especial en el SaloneSatellite por su producto Lamp Stick 120.

te, que recorre el mundo promoviéndolo, “cazando” talentos menores de 35 años (requisito para estar en este espacio), y abriendo una ventana de frescura al diseño, que a veces, por vanguardista, es incomprendido. Esta periodista de origen venezolano se toma muy en serio su trabajo, y la verán siempre ocupada, de un lado a otro. Aún así, de vez en cuando, se toma un tiempo para explicarte cosas invisibles del Satellite, y poner en valor lo que no es evidente de esta exposición, como espacio de encuentro y convergencia. + www.cosmit.com

052

+

+ Muestra colectiva de diseñadores chilenos.

Salón Latino

En la conquista de Milán “Diseño y artesanía: juntos por la industria” fue el tema propuesto para la más reciente versión de SaloneSatellite.

Sin duda, la experiencia latinoamericana tiene mucho que aportar a esta reflexión. | Texto: gt2P (*) @gt2P

Tal como lo señala Marva Griffin Wilshire, curadora y organizadora de SaloneSatellite, el objetivo de este escenario es ofrecer una oportunidad a los jóvenes diseñadores, para darse a conocer en el mundo del diseño. Eso implica, entre otros, identificar cuáles son las necesidades acordes al paso del tiempo y a las nuevas tendencias.

Este año, el tema central del evento apuntó hacia la contribución de los procesos artesanales al futuro del diseño, así como las perspectivas que ofrecen las nuevas tecnologías. Por esta razón, esta edición estuvo acompañada por una serie de talleres de madera, vidrio y metal -técnicas artesanales que están estrechamente vinculadas con la producción industrial-, y otro orientado a estudiar la influencia de la fabricación digital y la impresión 3D en la industria.

Es indudable la riqueza artesanal de América Latina y las consecuencias del influjo de nuevas tecnologías de diseño y fabricación para las nuevas generaciones de diseñadores. Resulta interesante acercarse a múltiples experiencias que afrontan de manera particular el encuentro de estas dos maneras de hacer, dependiendo de intereses específi-

cos, de contextos locales y sociales, y de posibilidades de acceso a uno u otro. Son precisamente estas diversas expresiones las que atrajeron la atención de los visitantes hacia los representantes del diseño latinoamericano.

BRASIL Viniendo de un país tan extenso, resulta evidente la fuente inagotable de referencias culturales y estéticas de sus diseñadores. Para Ademario Santos Tabares es precisamente su país la principal fuente de inspiración, su gente, su vida cotidiana, sus colores, sus artesanías. La mezcla de materiales es característica en sus diseños, particularmente la madera y el acrílico, lo cual se pudo apreciar en la colección de bancos presentada en el Salón, bajo el nombre “Del mar a las tierras áridas”, todos inspirados en leyendas, artes y tradiciones populares.

Por su parte, Nicole Tomazi es una diseñadora enfocada a la producción social. Sus productos son desarrollados por personas en situaciones vulnerables, con el objetivo de crear un “círculo virtuoso de autoestima, desarrollo social y seguridad para los niños”. Asimismo,

(*) gt2P es un estudio chileno de dseño y arquitectura que participa de eventos de diseño internacionales, y comparte con 90+10 sus experiencias, hablando sobre nuevos diseñadores y tendencias. www.gt2p.com

especial

+ 053 diseño

+ Banco/mesa Progresivo de los tucumanos Mariana Jiménez y Carlos Ramírez de Des-hechos.

+ Banco Andando de Mariana Jiménez (Des-hechos) y Carolina Vera (VA Design).

trabaja con industrias locales para desarrollar nuevos insumos, buscando integrar a través de sus diseños ambos sectores de la sociedad.

Su colección “Jangada” está inspirada en las tradicionales balsas brasileras, evocando la manera en que el hombre se relaciona con el mar. Es una colección compuesta por una mecedora, un banco, un panel multiuso y un florero hechos con cuerdas de poliéster tejidas a mano sobre estructuras de aluminio.

PUERTO RICO Eddie Figueroa, de origen puertorriqueño, y con una amplia experiencia profesional en Europa, se dedica al diseño fundamentado en observaciones locales, considerando siempre la disponibilidad de materiales y tecnologías. Sus productos se alimentan de la diversidad y multiculturalidad. En Milán dio muestra de ello con el escritorio “OWD” -desarrollado en colaboración con el italiano Giorgio Bonaguro- y sus lámparas de hojas de polímero cortadas en CNC, que crean un efecto de transparencia con la multiplicación de capas.

Ambos productos son manufacturados considerando sistemas de eficiencia en la producción y la distribución.

ARGENTINA La participación argentina este año estuvo a cargo de los tucumanos Mariana Jiménez, Carlos Ramírez de Des-hechos y Carolina Vera de VA Design. Esta presentación colectiva se caracterizó por contar productos de ensamblaje y formas simples, atentas al uso eficiente de los recursos y con materiales fácilmente reciclables: el banco/mesa “Progresivo” de la primera, la línea “Dominó” de la segunda y “Andando”, banco diseñado y producido en conjunto por ambas oficinas.

Progresivo está inspirado en un juego infantil, y por ello motiva a la interacción y la experiencia del usuario. La línea Dominó nace de un solo elemento hecho en madera, que adquiere diferentes usos y formas, según su posición o el ensamble con otras piezas. Finalmente, el diseño de Andando resulta innovador por la simpleza de sus procesos

Link a la nota: http://9010.co/salonlatino

+ Banco Curupira del brasileño Ademario Santos Tabares.

y las piezas que lo conforman; está inspirado en las ruedas de un tractor oruga.

CHILE Por segundo año consecutivo, Chile participó en SaloneSatellite con una muestra representativa del diseño local. “Movimiento, exploración y el uso de recursos naturales” fueron las premisas que orientaron la presentación colectiva. Junto con el estudio Ruiz Solar, que recibió una mención especial por su lámpara “Stick 210”, otros siete estudios participaron de ésta.

Con su característico tono experimental, reflexivo y promotor de experiencias entre los usuarios, Si Studio aportó a la muestra con “Migration”. Ésta es una lámpara de techo inspirada en la formación V de las aves migratorias, la cual les permite reducir el consumo de energía durante el proceso. Está formada por un conjunto de pájaros hechos en acrílico con tecnología LED, pensada para contribuir al ahorro energético.

“2R Armchair” fue otro destacado de la muestra. Es una poltrona hecha de roble blanco de Tierra del Fuego, bajo estándares de protección de los bosques, y tapizada con piel de salmón, ambos elementos naturales y característicos del extremo sur del país. Como es propio del trabajo de Sien Estudio, este producto surge de una observación arquitectónica, destaca el conocimiento de técnicas constructivas, y presta especial atención en las terminaciones.

El toque imponente de la exhibición estuvo a cargo del revestimiento “Lum” del estudio Sanjohn. Se trata de un conjunto de tres módulos de cobre, que se ensamblan de acuerdo a las necesidades estéticas y de iluminación del espacio, en base a un sistema sencillo de anclaje.

El trabajo de este estudio apuesta, además, a la sustentabilidad social, ambiental y económica. + www.cosmit.it/tool/salonesatellite

054

+

+ Burbuja antilluvia para el Led7, concept car de Hyundai en el Temporary Museum for New Design, en el patio de Superstudio Più.

Fuorisalone

La escuela de la calle Si por cualquier motivo, no logras ir a Rho Fiera, no todo está perdido. Para nada. Como decíamos al principio del artículo, todo Milán es parte de la Design Week. Y muchas sorpresas esperan, en algún rincón de la ciudad. | Texto: Osvaldo Zorzano Betancourt

“Fuorisalonear” es, también, una inyección de diseño, más abierta, anárquica y, sobre todo, más extensa. Es difícil hacer esta aventura de otra forma que no sea caminando. Y créanme, van a necesitar remojar sus pies en salmuera cada noche, mientra revisan sus fotos. Por lo mismo, es recomendable parcelar el fuorisalone, y destinar a cada zona de la ciudad un medio día (que será más que eso, garantizado).

Eso los mantendría entretenidos por cuatro o cinco días, lo que sumado a los días dedicables al Salone (ojalá, mínimo dos), garantiza una semana entera viviendo Milán. Además, cada zona para recorrer tiene su sector de bares, cafés y aperitivos, para reponer energías antes de irse a casa. Ahora, si quieren seguir callejeando de noche, cada día encontrarán fiestas masivas (como las de Heineken), y a algunas de ellas se puede entrar gratis, descargando un “invito” (invitación), o anotándose en una lista. Es decir, lo que está pasando fuera del Salone es -con creces- un plus para quienes visitan la ciudad. En el listado de puntos a visitar del folleto de Interni figuraban 340 puntos. Si los dividimos en 5 días de visitas, da casi ¡70 lugares por día! Imposible, pero estimulante. Nuevamente, la clave es anti-

ciparse, saber elegir y conectar los recorridos por sector.

TEMPORARY MUSEUM FOR NEW DESIGN Il Salone suele abrirse un martes para los acreditados. Eso nos da un día de ventaja a quienes venimos a mirar y “encerrarnos” en Rho Fiera, aprovechando el lunes. Empezar la semana por el Temporary Museum for New Design (TMND o Museo Temporal para el Nuevo Diseño), previa acreditación, por supuesto, es tal vez, la mejor forma. Ubicado en Zona Tortona, en un espacio enorme que se llama Superstudio Più, reúne anualmente una serie de agencias, colectivos, mini-empresas y otras nada de mini, como Hyundai, que expuso una instalación que combina mapping e interacción denominada “Fluidic” y, además, su vehículo conceptual Led7; o LG, que presentó varios productos de su línea “Hausys”, tecnología de punta, y un lenguaje innovador puestos al servicio de lo cotidiano.

Es un trabajo realmente difícil escoger temas y poner límites a la experiencia de recorrer el TMND, porque las manifestaciones de

especial

+ 055 diseño

+ Set de mesa y lámparas de LG Hausys

+ Taburetes en cuero y madera teñida con pigmentos naturales, hecho por Lith Lith Lundin.

+ Lámpara de pedestal desmontable autónoma de Beau&Bien.

diseño presentes son muy variadas, ya sea por especialidad, oficio, calidad o concepto. Diseño industrial, de productos, equipamiento e interiores son lo principal, junto a un par de manifestaciones de diseño conceptual (nuevos medios), muy cercanos al arte.

En este espacio convergen emprendedores (Thailand’s Slow Hand Design), ganadores de premios europeos de diseño (Thule Pack n’ Pedal) y empresas consagradas. Esto abre una oportunidad muy similar a la del SaloneSatellite o la zona Ventura Lambrate, que es ver a los que ya no son “rookies” (novatos), y que podrían ser los nuevos “trendsetters” (instaladores de tendencias).

Para quienes vienen a hacer negocios, se trata de apostar a futuro y realizar alianzas, pedir representaciones, o simplemente, encargar productos como concesión o re-venta. Parte del concepto “vanguardia” implica incomprensión (lo nuevo no puede ser comprendido mientras surge) y, por lo tanto, el instinto y el ojo educado son lo único fiable a la hora de apostar. De eso se tratan los espacios como éste, en parte.

+ Stefano Conticelli es el autor de este “tuning”, que resulta del cruce del mundo ecuestre y el motociclístico. El resultado es prácticamente una Vespa-corcel, en cuero y con alforjas. Además de la obra terminada, se pudo apreciar gran parte del proceso de matricería y talabartería.

El TMND debe recorrerse con tiempo, por tres razones: la primera es el tamaño de la exposición, que de verdad es enorme, y nada da para pasar de largo; la segunda es que muchas cosas son un desafío al entendimiento, y toma un tiempo de contemplación y preguntas, hasta comprender lo especial en ellas; y la tercera es la cercanía que se logra con quienes exponen, que en muchos casos, son los propios autores. Y como decíamos antes, éste es un espacio ideal para hablar de diseño, con franqueza y generosidad.

Todo esto hace que el TMND sea panorama para medio día, de sobra. Al final del recorrido, dentro del mismo Superstudio Più -y como corresponde a la Milano Design Week-, terminamos con un aperitivo en el “ice bar”: un bar de hielo a la escandinava, que lo que tiene de original (aunque ya no tanto) y bello, lo tiene de incómodo y resbaloso. No se entienda como queja, pues el ambiente y el Prosecco eran para no querer irse de ahí. Pero como todo lo bueno, se terminó antes de tiempo, y la energía que queda, hay que usarla para volver a casa. www.superstudiogroup.com

056

+

+ Muestra del concept car Twin’Z de Renault en la Triennale. Esta exhibición es un excelente ejemplo de que los detalles hacen el todo, los que llegan hasta los más ínfimo de las llantas y neumáticos, y los muebles que forman parte de este espacio, todo diseñado por Ross Lovegrove, con la misma lógica y estética del auto.

+ Stand de DHPH (Den Herder Production House), que reunía obras de Maarten Baas, Bertjan Pot, Fabien Dumas, gt2P, Nightshop y Max Lipsey. Objetos que van desde la intervención manual gestual, hasta el “digitally handcrafted” (o digitalmente artesanal), término ya acuñado y tendencia cada vez más fuerte entre los vanguardistas.

TRIENNALE: UN TREMENDO BONUSTRACK La Triennale es el templo del diseño por excelencia, y cada año se cuadra con la Design Week, apoyándola y complementándola, añadiéndole sentido y contexto. Situada en uno de los extremos de Parco Sempione, es un enorme “zapping” de tres pisos llenos de diseño, empezando en el más alto por una exhibición de muebles de Taiwán, y una retrospectiva del diseño italiano (Sindrome dell´influenza), que expone productos famosos, algunas instalaciones de homenaje y muchas, muchas sabrosas muestras del proceso de diseño, que se pone mucho en valor, no sólo esta semana.

Eso es, definitivamente, algo que nos diferencia del arte: la importancia de la transmisión del proceso de diseño como obra en sí misma.

A las muestras ya mencionadas, se suman por lo menos otras cinco más, entre ellas, diseño tecno-artesanal desde Korea (Hand Made in Hangzhou), y Natural Story: una exhibición de productos de diseño industrial, hechos con materiales usuales, tratados de una manera bastante inusual.

Triennale es un espacio que cumple un rol de contexto y complemento muy importante en los días de la Semana del Diseño. Es un imperdible que tal vez debiera verse antes de ir al Salone, para no dejarse sorprender tan fácil. Es un espacio potente, y que este año se complementó perfecto con los otros espacios expositivos milaneses. www.triennale.it TORTONA + BRERA + VENTURA LAMBRATE + ROSSANA ORLANDI Todos estos son sectores o distritos de diseño, cada uno con un carácter distintivo y complementario. Dudo que esta complementariedad que existe entre el Salone, Triennale, el TMND y los espacios de exposición abiertos sea casual. Lo que resulta evidente es que uno no pue-

+ Algo muy común en Ventura Lambrate, son los objetos conceptuales casi funcionales. Desde sillas a alturas inalcanzables hasta instalaciones o colecciones de objetos domésticos muy poco cotidianos; la idea es sorprender con el oficio.

de formarse una idea acabada de lo que es la Milan Design Week, si no deja los pies en estos “paseos” por el diseño. En cada una de estas zonas, se da el triángulo marcas consagradas+muestras estudiantiles (italianas y extranjeras)+diseñadores independientes o emergentes, lo cual las hace bastante variadas.

Si seguimos el orden cronológico, Zona Tortona es la primera parada, porque combina con el TMND, lo que hace recomendable dedicar a este tour un día completo. Con una buena ayuda y prisa, se puede ver el TMND en mediodía y hacer un “zapping patiperro” el otro medio día... Y descansar por la noche, porque agota. En cuanto cruzas el puente que une la estación Porta Genova con el sector Tortona, notas el cambio de aire. Y como suele pasar en Milán esta semana, las marcas consagradas se mezclan con exposiciones académicas y pequeños showrooms independientes, así que se debe caminar con el ojo bien atento.

Brera es el distrito de diseño más cercano al centro, y se conecta con lugares como teatros o Parco Sempione, según cómo se llegue a él.

Es caminable -tanto desde el centro como desde la Triennale-, por lo que se puede organizar un recorrido que comience en este recinto, terminando al atardecer en Brera. En este lugar, se encuentran varias tiendas de diseño trendy y hasta chic, pero no de las grandes marcas, sino de diseñadores con estilos muy propios. Eso se combina durante la semana del Salone, con espacios ocupados momentáneamente por marcas de tamaño global, como Epson u Opel.

Pero Brera es también uno de los sectores más tradicionales vinculado al diseño, retrospectivamente hablando. Esto se traduce en exposiciones de carácter histórico, cortiles abiertos y showrooms con clásicos de diseño italiano. La cantidad de puntos a visitar, com-

+ 057

+ Un insignificante aviso a la entrada de un “cortile” en Brera, fue una invitación a un espectáculo inesperado. Más de cien años de evolución de la bicicleta, encerrados en un patio.

+ A veces, un objeto simple, pero bien realizado, puede llamar tanto la atención. No podría dar fe de su éxito en ventas, pero estos posavelas de Si Studio no pasaban inadvertidos para ningún visitante.

binado con lo laberíntico del sector, hace muy probable caminar en círculos, o pasar por la misma esquina varias veces. Está bien, mientras no te pierdas, te frustres, y te vayas, habiendo visto muy poco. Este sector tiene, además, muchos bares pequeños muy entretenidos, en donde terminar la caminata con una cervecita, un café o una merienda.

Por otro lado, está el sector Ventura Lambrate (VL), ubicado cerca de metro Lambrate, en un ex-sector industrial de la ciudad, donde actualmente, los que fueron galpones de industrias son ocupados como oficinas o escuelas. Es tan concurrido y demandado, que hasta los talleres mecánicos abren un espacio para que los diseñadores puedan exponer, literalmente.

La mayor parte de la muestra en VL se lleva a cabo en bodegas, galpones y talleres; eso ya define una atmósfera muy particular. Acá estaban, por ejemplo, la Scuola Politecnica di Design, Maarten Baas, NightShop, Formafantasma y Fera, entre otros. VL podría definirse como el sector más diverso y propositivo del fuorisalone. Recorrerlo con calma toma fácilmente medio día y, dadas las condiciones de las exhibiciones, es muy factible quedarse a conversar un rato con los diseñadores, que son en su mayoría profesionales emprendedores, no tan jóvenes, pero aún promesas.

Rossana Orlandi, por otro lado, es un emporio de diseño y decoración, que no sabes por dónde empezar. Es un lugar muy parecido a VL en el sentido del tipo de muestras. Los precios, eso sí, a veces se escapan de VL. En realidad, a veces se escapan de la lógica, pero así es la especulación del valor de lo intangible en diseño. El hilo conductor de la muestra es el diseño de autor, muy cercano al arte, ingenioso, provocativo, caprichoso, perspicaz, pero siempre con un

Link a la nota: http://9010.co/fuorisalone2013

+ Rossana Orlandi: sectores abiertos y los accesos a la muestra. Ya al llegar, las expectativas comienzan a cumplirse: rondaba el rumor de que RO era el lugar al que había que ir este año.

+ Sombreros de madera de Tête de Bois en Rossana Orlandi.

manejo del oficio realmente destacable. Cada expositor es un ejemplo, incluso si no comulgas con lo que hace (cosa que me sucedió muy frecuentemente).

No sé si existen otros espacios en donde la profesión (u oficio) del diseñador se dignifique a tal punto, que cuando alguien te pregunta “¿Eres diseñador?”, tú respondes “Sí”, lleno de orgullo, y con cara de “estaba esperando que me hicieras esa pregunta”. Eso no es muy común en nuestros países. Pues aquí se trata no sólo de dignificar la profesión, sino de alabarla. Es una semana para acercar el diseño a todos los interesados y fanáticos. Y esto implica no sólo exhibir los productos, sino mostrar los procesos creativos, productivos y económicos que hay detrás; dar tribuna para que los diseñadores se muestren, se expresen, e interactúen con la gente, que quiere oírlos o cuestionarlos.

Incluso, es el espacio de reflexión para debatir con más o menos formalidad y validez, hasta dónde diseñar es un acto político, que va desde la solución de problemas, a la generación de cultura material, y desde lo social y redentor, hasta la generación de basura para el consumo efímero y hedonista. Y es que a veces no nos damos cuenta, pero somos admirables los diseñadores: creativos, trasnochados, iconoclastas y eclécticos. Empresarios/artesanos. Geeks orgullosos y obsesivo-compulsivos de la forma. Ingenieros con croquera, o artistas renegados. Cada vez más imprescindibles y cada vez peor pagados. Acá caben todos, si saben buscar su rincón y gritar su mercancía, cual feria a mega-escala. Y esa sensación, ese gesto, esa validación, bien valen una visita a esta Meca del diseño, si eres parte de este mundo, con corbata o alfiler de gancho. + www.tortonadesignweek.com | www.breradesigndistrict.it www.venturaprojects.com | www.rossanaorlandi.com

| Foto: E.de Conti

personas creativas

+ 059 diseño

Piero Lissoni

El tiempo es flexible Describir el trabajo de este arquitecto italiano podría reducirse a una simple frase: diseño en todas sus variantes.

Desde casas para particulares, grandes hoteles y diseño de muebles, hasta identidad corporativa y diseño de interiores para yates. Nada escapa al universo de Piero Lissoni, el arquitecto que cree que el tiempo es flexible. | Texto: Jorgelina Peciña @JorgelinaPecina

Piero es su nombre, Lissoni su apellido, de profesión, arquitecto.

Nació en 1956, en Italia. Luego de graduarse de arquitecto en el Politécnico de Milán, comenzó su carrera como diseñador y director de arte. Hasta que, junto a su colega Nicoletta Canesi, en 1986, abre su propio estudio en Milán, Lissoni Associati. Se suma a este emprendimiento, Graph.x, en 1996, una compañía dedicada al desarrollo de proyectos gráficos.

El trabajo de su estudio, con un staff de cerca de sesenta personas, incluye desde dirección de arte y arquitectura de interiores, hasta diseño industrial y gráfico, con proyectos que van desde el diseño de muebles y luminarias, hasta cocinas y baños, sin olvidar la dirección de arte a nivel corporativo, publicidad, catálogos, packaging y diseño Web. ¿Queda algo afuera? Nada. Sus proyectos de diseño interior incluyen hoteles, showrooms, espacios para ferias, casas, tiendas y yates.

Entre la lista de personas y marcas ilustres para las cuales ha trabajado el estudio de Lissoni, se encuentran Kartell, Knoll International, Porro, Alessi, Boffi, Cappellini, Cassina, Desalto, Fantini, Flos, Fritz Hansen, Glas Italia, Lema, Living Divani, Lualdi, Matteograssi, Pierantonio Bonacina, Poltrona Frau, Tecno y Thonet, entre otras.

También, se cuentan algunas incursiones en el mundo de la moda, con diseños para tiendas de etiquetas italianas, como Benetton, además del showroom y la identidad corporativa para la diseñadora neoyorquina Elie Tahari.

El trabajo de Lissoni fue premiado internacionalmente, y la lista de galardones se remonta a la década del 90. Entre las últimas distinciones, se cuentan el premio Elle de Decoración Internacional, en 2009, con un trabajo realizado para Galss bathtub – Boffi. En el mismo año, recibió el Premio al Buen Diseño, que entrega el Chicago Athenaeum Museum of Arch & Design, por la realización de Ile Club – Living Divani.

+ Sillón Mini Jelly para Living Divani, 2013. Lámpara Cool para Flos, 2013.

060

+

+ Mamilla Hotel en Jerusalém. Foto: Amit Geron

En 2010, recibió una nominación para el Mejor diseño doméstico en los premios Wallpaper y, en 2012, resultó ganador nuevamente del Premio al Buen Diseño del Chicago Athenaeum Museum of Arch & Design, por su trabajo Audrey chair – Kartell.

ARQUITECTURA: HOTELES, HOGARES Y MÁS Si bien Lissoni es arquitecto, hemos visto que reparte su tiempo en proyectos varios. Sin embargo, la sección arquitectura ocupa un interesante lugar. En este plano, ha trabajado en el desarrollo de residencias privadas, oficinas, teatros y hoteles, incluyendo la transformación del Conservatorio de Música de Ámsterdam en un hotel de lujo y la construcción del Mamilla Hotel en Jerusalém, que cuenta con nada menos que 210 habitaciones. Siguiendo en la línea de hoteles, trabajó en el Bentley Design HotelTM de Estambul, el Mitsui Garden Hotel de Tokio y el Studio M Hotel, en Singapur.

Además, Lissoni estuvo a cargo de la renovación del Teatro Nacional de Milán, en 2009, trabajo que realizó para el grupo holandés Stage Entertainment. Ampliando aún más su gama de proyectos, Lissoni trabajó en el diseño del interior del yate Ghost, en colaboración con el Brenta Yacht Design Studio. Y parece que esta experiencia le gustó por demás; también diseñó junto a Mondo Marine un motoryacht para Luciano Benetton.

Todos estos trabajos, lo llevaron a participar, en 2012, de la Bienal de Arquitectura en Venecia, en el pabellón de Italia. Y, como no podría ser de otra manera, Lissoni y sus trabajos se expanden, cruzan fronteras. Es por eso que en 2012, Lissoni Associati desembarca en Nueva York, con la apertura de sus oficinas dedicadas a trabajar para el continente americano.

LISSONI BY LISSONI + Si tuviera que explicar en pocas palabras en qué consiste su trabajo hoy, ¿cuáles serían?

PL He diseñado casas, fábricas, sillas, cocinas, torres, y aún amo diseñar todo, desde un punto de vista estético. El diálogo constante con mis clientes y el deseo de ir siempre más allá en mis investigaciones, son factores necesarios para mi trabajo. + ¿Qué proyectos prefiere o disfruta más?

PL No tengo proyectos favoritos, me gustan todos. Tengo una tendencia a preferir aquellos con defectos, o que no fueron aceptados anteriormente. + ¿Cómo elije sus proyectos? ¿Alguna estrategia?

PL Es muy importante tener un buen cliente para hacer buenos proyectos. Por buen cliente, me refiero a que tenga coraje, gene-

+ 061

+ Transformación del Conservatorio de Música de Ámsterdam en un hotel de lujo. Foto: Amit Geron

rosidad, visión, curiosidad. Trabajar con mis clientes es un diálogo constante. + ¿Cuáles son sus inspiraciones a la hora de diseñar?

PL Amo las formas puras y la sensibilidad humanista de las sillas Shaker. Me gustan la transparencia y las proporciones espaciales que uno encuentra en los edificios de Mies van der Rohe. Amo Venecia, con sus hermosos y restaurados palacios del siglo XV frente al Gran Canal, lleno de habitaciones cubiertas por frescos. Pero en mi trabajo, trato de traer orden y belleza todos los días, con una elegancia tranquila. + ¿Qué es diseñar para usted?

PL La pasión por mi trabajo incluye diferentes áreas de interés, que van desde la arquitectura hasta el diseño de arte y gráfico. No hay diferencia en términos de qué deseo diseñar: una villa, una tienda, un hotel, un edificio de residencias, un bote, un viñedo. Cada proyecto comienza con un acercamiento en común, pero luego difiere, para desarrollarse en toda la diversidad que se requiera. + ¿Qué les diría a los jóvenes diseñadores, algún consejo?

PL Que contaminen y se contaminen de diferentes culturas; es la mejor forma de transformarse en el largo plazo.

Link a la nota: http://9010.co/pierolissoni

+ ¿Algún comentario que desee sumar?

PL Soy impreciso y siempre llego tarde, y es por eso que creo completamente en la teoría de la relatividad de Einstein. Creo que el tiempo es flexible, porque siempre estoy intentando arreglar seis cosas diferentes durante la misma hora. + www.lissoniassociati.com LISSONI EN EL SALON DEL MUEBLE DE MILÁN El Salón del Mueble de Milán es la feria de mobiliario más importante de Europa. En su edición 2013, no podían faltar los diseños de Lissoni. Uno de sus trabajos de interiorismo, realizados para Porro, fue el Home Reloaded, una suerte de villa de una planta, donde la geometría y los colores describen de manera holística un espacio dedicado al bienestar.

Para la misma feria, pero esta vez, para la firma italiana Living Divani, Lissoni diseñó muebles tapizados bajo su cuidadosa supervisión, bautizados Soft & Soft: In & Out. La novedad de la edición 2013 tuvo que ver con las líneas y las superficies, con materiales crudos y sofisticados, donde la innovación en tecnología aplicada a los productos nunca ha sido tan versátil y confortable. +

+ Diccionario para armar (Conaculta, MĂŠxico 2011).

+

personas creativas 063 ilustración

Isol

La niña adulto Marisol Misenta -mejor conocida en el mundo de los libros ilustrados para chicos como Isol- acaba de ganar el prestigioso premio sueco Astrid Lindgren, lo cual la vuelve a consagrar como autora e ilustradora internacionalmente.

El trabajo de Isol se destaca por tener una narrativa que es tan clara y concreta, que se vuelve atípica, acompañada de un estilo descontracturado, que nos lleva a mundos que intercambian el protagonismo entre lectores y personajes ilustrados, al ritmo de su propia lectura. | Texto: Fernanda Cohen (*) @fernandacohen

PRIMERA SALITA Los primeros pasos en su formación académica como artista fueron en la Escuela Nacional Rogelio Yrurtia, donde obtuvo el Magisterio en Bellas Artes en 1989, seguido de unos años en la UBA, en la carrera de Licenciatura en Artes, que la llevaron a darse cuenta de lo que realmente quería hacer: dibujos y textos. “Si lo miro ahora, la pintura que hacía como estudiante era bastante gráfica. Cuando dejé los estudios, pinté muebles antiguos con flores por seis meses (¡nada que ver!), y ahí por 1992, entré en una agencia de publicidad, donde empecé a hacer fanzines de textos, por ejemplo, de Nick Cave, entre otros. Eran trabajos de autoedición, con serigrafía”.

Como suele ser el caso en el comienzo de la gran mayoría de ilustradores, el campo editorial (diarios y revistas) le brindó a Isol una estabilidad económica suficiente como para seguir adelante. Así fue como, por un tiempo, hizo ilustraciones para Noticias, Para Ti y varias revistas femeninas locales, además de una columna para chicos que ilustró para la revista dominical del diario Clarín, Viva.

“En aquel entonces, me gustaba mucho trabajar con los medios, y también me metí en proyectos independientes, como la revista Lápiz Japonés, con comiqueros, ilustradores y autores que se enfocaban en historias propias, dentro de una movida under”. En alguna parte entre lo clandestino, lo propio y lo ajeno, Isol se dejó llevar por su poesía innata, y apostó a combinar dos de sus pasiones, a través de la experimentación con libros-álbum para chicos, creando así “Vida de perros” (Editorial Fondo de Cultura Económica, México 1997). Sin

embargo, un año antes de que saliera editado, lo envió al concurso “A la orilla del mar”, el cual no ganó -por más de que sí recibió una mención honorífica–, porque el juradó consideró que sus personajes eran demasiado psicóticos.

Como ya sabemos, la historia tuvo un final feliz, gracias a que el editor del concurso, Daniel Goldin, se enamoró del libro y lo apoyó hasta que vió la luz. ¿Y acaso no es esa misma espontaneidad de principiante la que nos permite brillar sin preconceptos, antes de que la experiencia misma nos vaya puliendo? Y a su vez, es tan poco común que no sea reprimida (o tildada de psicótica), en cuanto te topás con los jueces de sea cual fuera el medio… A no ser que aparezca mágicamente ese alguien que ve más allá del árbol y que -tantas veces-, te cambia el rumbo para siempre.

LA ESCUELA A su primer libro le siguieron muchos más en los últimos quince años, empezando por “Cosas que pasan” y “Un regalo sorpresa” (ambos de Editorial Fondo de Cultura Económica, México 1998).

“La verdad es que tuve mucha suerte, ya que empecé publicando en la editorial que me parecía la más importante de América Latina, y donde veía a grandes autores publicados”, la leo decir por ahí. Poco a poco, se fue armando de un ejército de historias que construyeron -junto al talento, la perseverancia, una visión firme y el correr del tiempo- la credibilidad que conocemos hoy como Isol.

La escucho hablar, y se le nota enseguida la pisada firme, aunque receptiva a la vez, con esa realidad en la voz de toda persona que se

+ Vida de Perros (Editorial Fondo de Cultura Económica, México 1997). (*) Fernanda Cohen es ilustradora, graduada en la School of Visual Arts de New York. www.fernandacohen.com

064

+

+ Pantuflas de Perrito. Texto: Jorge Luján (Pequeño Editor, Argentina 2010).

ganó con esfuerzo y orgullo el derecho de piso. Me intriga su proceso creativo, a lo que me responde: “El texto y la imagen suelen surgir juntos, me parece que hay un diálogo interesante y divertido ahí. De pronto estoy dibujando, y se me ocurre un texto, y viceversa. Cuando ilustro para otro autor, en cambio, voy dibujando sin pensar; lo analizo, e intento agregar algo propio, porque usualmente los escritores con los que me toca trabajar -como fue el caso con Paul Auster-, no escriben para niños. No considero en absoluto que todo lo que ilustro tenga que salir del texto. Después recién elijo la técnica , según la historia que estemos contando, y voy probando cómo funciona, lo cual también marca un ritmo de por sí. Es un proceso bastante intuitivo, que a su vez, tiene bases conceptuales muy concretas a la hora de ver de qué manera voy a hablar con cada historia”.

Por ejemplo, me comenta, “Vida de perros” se le ocurrió viajando en España, retocando detalles del cuento eternamente, a medida que la idea inicial florecía y tomaba vida propia. Recuerda que optó por conectar a los personajes con la narrativa, a través del parecido físico y del lenguaje corporal, mostrándolos a ambos saltanto felices y energéticos, logrando así contar la historia como ella misma la vivía.

Sumamente influenciada por el mundo del cómic de autor argentino, con personajes como Sábat, Napoleón, Quino y, especialmente, los “Cuentos de Polidoro” de fines de los 80, Isol lleva consigo las herramientas que mamó por aquel entonces, cuando la versatilidad -tanto plástica como narrativa- reinaba su universo. Su estilo tiene una dinámica orgánica que parece siempre amoldarse a la palabra, mismo a medida que fue evolucionando a lo largo de su carrera. “Mi línea cambió, antes era más densa… El humor es una constante, y nunca dejo de buscar algo plástico, generalmente, combinándolo con una paleta de colores acotada. La línea tiene un rol fundamental: busco que sea fresca, expresiva, con una mirada desprejuiciada, porque los nenes no tienen preconceptos. Soy casi impune, porque ellos lo son. De repente, te dicen cosas que te hacen repensar todo. Pienso que los artistas tenemos mucho de los niños, en que estamos todo el tiempo en movimiento, buscando, investigando, tan curiosos…”.

La tecnología, por otro lado, eventualmente repercutió en su técnica, adaptándose a la demanda de lo que venía haciendo, cosa de no cambiar la esencia de su trabajo, sino más bien, de acelerar los tiempos de producción. Lo que antes hacía con pasteles y tintas de colores plenos, entremezclados con papeles superpuestos en collage -aplicando una notable visión reciclada del grabado y la serigrafía-, hoy lo reemplaza con capas digitales, que le permiten decodificar más rápido su comunicación visual. Se podría decir que es otro tipo de ritmo, pero que llega exactamente al mismo fín.

A pesar de sonar más bien expeditivo, Isol aún prefiere seguir tomándose su buen tiempo para desarrollar cada proyecto; esto implica editar un promedio de un libro por año, aunque parezca un siglo en un mercado local, en donde la compensación no nos permite tal privilegio. Y es por eso que ella elige, en su mayoría, editoriales extranjeras, incluyendo México, España, Francia, Suiza, Corea y Estados Unidos. “En Argentina todavía falta cierta síntesis, una búsqueda más profunda. Tiene que ver con un mercado de libros que no respeta los tiempos de investigación, y te obliga a

+ El cuento de Navidad de Auggie Wren.

Texto: Paul Auster (Sudamericana, Argentina 2003).

+ 065

+ Afiche para el Festival de Teatro para Niños de México.

+ Nocturno (Editorial Fondo de Cultura Económica, México 2012).

resolver todo ya. Por eso, a veces, no te sale bien. La verdad es que ese tiempo que yo me doy para macerar el concepto, le funciona muy bien al libro”.

jo, pero sí a quien le llega. No es sólo dinero, es libertad”.

Además de escribir y dibujar, Isol le ha dedicado mucho de su tiempo al canto. Fundó la banda “Entre Ríos”, de la que fue vocalista hasta el 2005, entre un importante puñado de proyectos musicales en los que ha participado, tanto en Argentina como en Estados Unidos. La música, como consecuencia, es una veta más, que complementa el perfil artístico de esta mente curiosa e inquieta: “Lo que me suma es cierta experiencia con el ritmo. Como cantante, juego con las palabras, y así voy narrando. A su vez, procuro que lo que escribo, también tenga una música”.

EL TÍTULO Isol tiene hoy un hijo de un año y cuatro meses que, contrario a lo que uno supondría, dice no haberla inspirado a entender mejor a sus pequeños lectores. “No quiero hacer algo antropológico para chicos.

No trabajo para alguien que no sea yo, ni siquiera para la nena que yo fui. Pienso en un par, en realidad, y si pensara más al respecto, me trabaría. Si a mí me conmueve, no dudo que le vaya a atraer a otra gente; el adulto se acerca y, por ende, los chicos también. Lo que hago es parte de quién soy, lo que me da risa, me intriga, me emociona… ¡Es parte de estar viva! Siento que tengo empatía con los chicos, que me puedo poner en su lugar, porque entiendo el código; no me enrollo mucho en estudiarlos”.

Pareciera que entre todas las disciplinas de las artes variadas, la ilustración estuviera entre las pocas que no son compensadas con premios monetarios, como es el caso del cine, la literatura, las Bellas Artes y demás. Pero no, el premio sueco Astrid Lindgren otorga U$S 767 mil anualmente en el campo de la literatura infantil y juvenil, en honor a la creadora de la serie de libros Pippi Mediaslargas. El trabajo de Isol había sido considerado para tal premio desde el 2006, me cuenta, y finalmente, el 2013 fue su año: “Es algo muy importante y halagador, porque mi trabajo es valorado. Me da algo de vértigo (todavía no lo puedo creer); es descomunal. Igual, no cambia cómo yo veo mi traba-

Link a la nota: http://9010.co/notaisol

Es en este punto, precisamente, que Isol me termina de conquistar como colega, donde entiendo su mecánica, y me enorgullezco con la frente en alto, porque haya sido una argentina la que esta vez ganó semejante premio. ¿Qué se viene ahora? Como era de suponerse -más allá de que no se sienta tan influeciada por su reciente maternidad-, su próximo libro se trata -nada más y nada menos- que de eso mismo, a ser editado por Editorial Océano en Argentina, donde no casualmente, se encuentra su querido editor Daniel Goldin. Una vez más, todo vuelve. + www.isol-isol.com.ar

ALGUNOS LIBROS EDITADOS Cosas que pasan (Editorial Fondo de Cultura Económica, México 1998) Un regalo sorpresa (Editorial Fondo de Cultura Económica, México 1998) Intercambio cultural (Editorial Fondo de Cultura Económica, México 2000) El globo (Editorial Fondo de Cultura Económica, México 2002) Secreto de familia (Editorial Fondo de Cultura Económica, México 2003) El cuento de Navidad de Auggie Wren.

Texto: Paul Auster (Sudamericana, Argentina 2003) Piñatas (Ediciones del Eclipse, Argentina 2004) Petit, el monstruo (RBA, España 2006) Tener un patito es útil (FCE, México 2007) El bazar de los juguetes (Editorial Además, Argentina 2008) La bella Griselda (Editorial Fondo de Cultura Económica, México 2010)

066

+

+ Wete es Juan Ramón Pastor Rovira. Foto: Isolda Delgado

Wete

Fuentes para la inspiración Wete es un pequeño e independiente estudio de diseño gráfico de Barcelona, dirigido por Juan Ramón Pastor Rovira, especializado en tipografía, ilustración y diseño gráfico. Sus espectaculares trabajos tipográficos han conseguido reconocimiento internacional, y han desembocado en la creación de la fundición tipográfica Ultra types. | Texto: ArtsMoved (*)

+ Lo primero, ¿Por qué Wete?

W Es una larga historia. Empecé pintando graffitis cuando tenía 13 ó 14 años. Entonces, mi firma era “Wed”. Me gustaba pintar todo tipo de superficies, pero sobre todo, me encantaban los trenes y bombardear… Mucha gente me conocía por mi firma, pero mi

hermano empezó a llamarme “Wete Cacahuete” de forma cariñosa.

Cuando comencé con el diseño, pensé que no era una buena idea seguir con el pseudónimo que utilizaba en graffiti, ya que había dado problemas con la justicia, así que decidí utilizar Wete en honor a mi difunto hermano.

(*) ArtsMoved es un proyecto dirigido por la asociación Movimiento Artes (formada en Barcelona), dedicado a la difusión y promoción de la cultura, a través del arte realizado por jóvenes artistas. www.artsmoved.cat

personas creativas

+ 067 diseño

+ Tipografía Alexander Grotesk, diseñada por Wete.

+ Cuéntanos tu experiencia en el mundo tipográfico. ¿Cómo empezaste? ¿Cómo te has formado y cómo has adquirido experiencia?

W Realmente, descubrí mi pasión por la tipografía en la escuela de diseño, en la optativa de tipografía. Me gustaban las letras, pero no tenía ni idea de cómo podía convertir un boceto en algo tangible, como una fuente “open type”. En clase, me enseñaron un poco el proceso, y me quedé fascinado. Decidí explorar el mundo de la tipografía por mi cuenta, y ese mismo año publiqué una fuente gratuita –Deibi–, que lleva ya más de 160.000 descargas. Al día de hoy, me sigo formando. Me han servido mucho algunos libros, como “Diseñar Tipografía” de Karen Cheng y, sobre todo, la documentación que hay en Internet en foros como Typophile. + ¿Te atreverías a escoger, de entre todas, la tipografía con la que escribirías tu biografía? ¿Por qué?

W Pues, como amante de las letras, pienso que cada tipo tiene sus connotaciones y cada etapa de mi vida tiene un sentido. Cada fuente que he diseñado, tiene parte de mí, de esas etapas, y las diseñé porque no encontraba otras fuentes que me identificasen. Seguramente, escribiría mi biografía con mis propias tipos: para la niñez, utilizaría “Deibi”, por su carácter divertido y sin preocupaciones. Para mi juventud, utilizaría “Tp Duro”: la pérdida de mi hermano jugó un papel muy importante, y las formas agudas y la construcción basada

en las fuentes góticas representa bastante bien lo que sufrí. Sin embargo, la que me representa hoy en día sería “Alexander Grotesk”, una fuente más madura, sin serif, mucho más legible y, quizás, con un aire ochentero (sobre todo, por el tipo de ligaduras). + ¿Qué te ha llevado a la creación de la empresa Ultra types?

W Nunca pensé en vender mis tipos. Creía que no eran de suficiente calidad; simplemente, publicaba mis proyectos en mi portfolio. Pronto recibí ofertas de algunas fundiciones, y decidí poner a la venta algunas de mis tipos. Mi experiencia no fue muy buena: el trato con las fundiciones era muy frío, me sentía uno más del montón y, además, estas empresas se quedan con la mitad de tus ventas, simplemente por el hecho de colgar tu fuente en su Web (sin ningún tipo de apoyo técnico ni nada, y poniendo el precio que les da la gana). Entonces, me planteé hacer una Web para vender fuentes mías y de amigos. La idea era buscar tipografías especiales, con un alto grado de originalidad, y que no estuviesen en las grandes fundiciones online. Además, intento ser más generoso a la hora de repartir las ventas con los diseñadores, ayudarles y asesorarles en la parte técnica. + ¿Nos explicarías un poco el desarrollo de los proyectos tipográficos “Alexander Grotesk” y “Favela”?

W Muchos de los proyectos tipográficos que desarrollo, vienen pre-

068

+

+ Logotipo para blog de graffiti y street art www.streetartlondon.org.

+ Números diseñados para la sección Numerografía de la revista Yorokobu.

cedidos de una necesidad, casi siempre personal, de crear una tipo que me apetece, o con la que me siento identificado. En el caso de “Favela”, fue algo sencillo: tenía ganas de diseñar una fuente relacionada con el graffiti, y siempre me fascinaron los “pixaçoes” (estilo de letra originario de los graffitis de San Pablo). A su vez, siempre me han gustado las construcciones geométricas, y decidí mezclar ambos conceptos para crear esta fuente.

W Casi siempre utilizo el mismo proceso: comienzo dibujando algunas letras, en especial la palabra “nova”, que me dará algunas de las formas esenciales para construir las demás letras (por ejemplo, con la n y la o, podemos crear h,r,b,p,q,i...). Luego empiezo con la parte de digitalización, que depende mucho de la forma y complejidad de la letra. A medida que voy diseñando caracteres en Fontlab, intento ir haciendo pruebas de espaciado, y no dejarlo todo para el final. Es muy importante que hagamos los metrics y kernings de forma manual; realmente, no existe ningún truco que funcione bien. Así pues, dependiendo de la complejidad, podemos convertir el diseño de tipos, en un simple ejercicio formal (que podemos desarrollar en cuestión de días), o en un complejo ejercicio de diseño, que puede llevarnos meses. De todas formas, siempre es importante ponerse deadlines.

En cuanto a “Alexander Grotesk”, surgió como un reto. El primero fue crear una tipo sans serif, inspirada en la construcción de la Din, pero con un aire más geométrico, como Avant Garde. Empecé haciendo el abecedario, acentos y algunos glifos. Acabé y pensé: ‘¿ya está, eso es todo?’ Desde luego que no, y me puse a hacer caracteres alternativos y ligaduras (lo cual me obligó a iniciarme en el mundo del Python). La acabé, y no tenía mala pinta, pero de nuevo me planteé si el trabajo estaba realmente acabado o podía dar un paso, así que decidí hacer el peso bold (lo que me llevó también a iniciarme en el mundo de los macros de Fontlab). Hoy día, sigo pensando si aún se puede hacer algo más; la respuesta evidente es que sí (aunque hay momentos en los que debes decir basta). + ¿Cómo es el proceso de creación de una tipografía? ¿Cuánto tiempo puedes tardar en terminarla?

+ Hoy en día, todos utilizamos tipografías: programas de edición de texto, de diseño, dispositivos móviles, etc. Las consumimos a diario en prensa, publicidad, Internet, televisión… ¿Crees que la profesión de tipógrafo está poco reconocida para lo mucho que importa?

W Sí, realmente está muy poco reconocida, sobre todo en las fuentes que están diseñadas para funcionar en todo tipo de soportes y tamaños. La gente no es consciente del trabajo que tiene crear una tipo, y mucho menos, una de lectura. La letra es uno de los medios

+ 069

+ Tipografía Favela, diseñada por Wete.

+ Lettering para la exposición “Express Yourself”, diseñado por Wete e impreso por La Trastería.

que tenemos para transmitir el lenguaje, y la sociedad en sí le está quitando valor. Prueba de ello es que cada vez se le da menos importancia a la caligrafía en el aprendizaje de los niños pequeños, y muchas veces, te encuentras a profesores de primaria que ni si quiera tienen buena letra.

+ ¿Tienes ahora algún proyecto entre manos que te haga especial ilusión?

W Creo que acabaría antes diciendo el proyecto que me hace menos ilusión. Me apasiona el diseño, e intento coger con ganas cada uno de los proyectos que nos llegan. Aún así, ahora mismo, estamos realizando una portada de CD para un músico inglés, y colaborando con una agencia de publicidad norteamericana, para desarrollar una fuente display, además de estar diseñando una nueva tipografía.

Esta clase de proyectos son los que me hacen levantarme por la mañana, con ganas de ir a trabajar.

+ Hay mucha gente que no tiene reparos en gastar 10 euros en un menú de mediodía, pero que no quiere pagarlos por una tipografía de autor, tanto que prefiere buscar fuentes gratuitas aunque no sean de calidad. ¿Es rentable ser tipógrafo? ¿Cómo se organiza una empresa que se dedica a ello?

W Sí, es rentable, pero para ello, debes dedicarle mucho tiempo y ganas. Realmente, no me importa que descarguen mis fuentes de forma ilegal, el problema es cuando ves que una empresa la está utilizando para mejorar su imagen y no te han pagado (culpa del diseñador). El problema es que con la crisis, los presupuestos han bajado tanto, que comprar tipografía es en lo último en que piensan los diseñadores y clientes. En nuestro caso, intentamos realizar proyectos por encargo, lo cual nos da un margen superior de beneficios.

También es muy importante saber a quién dirigirte y adónde. Ahora mismo nos anunciamos en Estados Unidos, Inglaterra, Alemania, Japón y China (cuando realmente nosotros estamos en Barcelona, España), y está dando resultados…

Link a la nota: http://9010.co/notawete

+ ¿Alguna pregunta que no te hayamos hecho y que te apetezca contestar?

W Quizás, preguntaría algo así como ‘¿cuáles son tus referentes, o tipógrafos favoritos?’ ‘¿De qué autor te gustaría vender su fuente en Ultra types?’ Sin duda, me quedaría con genios como Adrian Frutiger y Hermann Zapf, por su disciplina y buen hacer; con Wim Crouwel, por la forma y su uso de la retícula; y con LettError, por su aportación al mundo de la tipografía y su visión tecnológica. En cuanto a los autores actuales, que me gustaría que vendiesen en www.ultratypes.com... Seguramente, gente como Emmanuel Rey, Benoit Bodhuin o Áron Jancsó. + www.wetecacahuete.com

070

+

+ La Selección. Accesorios de Chulo.

Feria PuroDiseño Tendencia que crece

Bajo el lema “Coleccioná y conectate con el diseño”, alrededor de 350 expositores presentaron, de manera vanguardista, lo mejor del diseño regional, en una de las ferias más esperadas del año. Pasen y vean. | Texto: María Paz Berri. Fotos: Maia Croizet @MaiaWATIO

Hay una frase que dice que “para poner en el mundo algo nuevo, hay que ser capaz de ver lo que otros no pudieron”. Y de ésto, no hay dudas. Para crear un objeto diferente, se debe descubrir lo inesperado, pensar lo que otros no se animaron, pasar días (y noches enteras) de inspiración y transpiración. Algo similar pasa en cada edición de la Feria PuroDiseño, que va sumando, cada vez, más propuestas originales e innovadoras.

Este año (del 21 al 26 de mayo), la invitación fue a recibir a los “coneccionistas”, aquellas personas que se conectan con los diseñadores, con su trabajo, y lo suman a su colección de elementos más

preciados. Y a través de esta gran “vidriera de diseño”, se pudieron conocer las nuevas tendencias de lyfestyle, ideas súper creativas, y distintos productos trabajados a partir de la recuperación de materiales como la madera o el cartón, que buscan cuidar el medio ambiente.

Junto a Marcela Molinari, directora de contenidos de la feria, un equipo interdisciplinario integrado por los principales referentes del diseño en diversas disciplinas, seleccionó lo más novedoso del diseño argentino. Formaron parte del comité: Benito Fernández (diseñador), Enrique Avogadro (director de industrias creativas y del CMD),

ideas creativas

+ 071 diseño

+ La Selección. Mobiliario de Alejandra Rumich Estudio de Diseño (Formosa).

Mónica Cohen (arquitecta y directora de Remade in Argentina), Julio Oropel (arquitecto), Andrés Gotelli (diseñador y director creativo de Pony), y Marina Massone (diseñadora industrial y joyera).

Como siempre, algunos productos se destacaron por su originalidad.

Es el caso de los muebles hechos con bambú de Bambus Top, las lámparas de corcho de Corchetes, las carteras armadas con bolsas de residuos de Modesta, bolsos de gamuza sintética con diseños exclusivos como los de Simones o Dbaires, y hasta un llavero de madera para poder “tocar madera rápido” y evitar la mala suerte, de Niño Buenos Aires. Pero también marcaron tendencia las zapatillas hechas en papel impermeable de Sole & Soul, las bicicletas para chicos de Gio, y los tés de Blendy.

“Este año hubo mucha variedad de objetos para la decoración, y la tendencia pasó más que nada por una búsqueda hacia la ‘personalización de los espacios’, con ideas que ayuden a crear ambientes únicos. También fueron muy buscados los pequeños objetos, esos elegidos por los que nosotros llamamos “los coneccionistas”; los visitantes de la feria, que se conectan con ellos y las coleccionan”, comenta Molinari. Algunas de estas propuestas fueron los sellos de madera de la marca Ponte Rey, las macetas de Maschetita, los productos de Vacavaliente, las palabras hechas en acrílico de Shinjuku,

y las creaciones de Animaderos. Todo para atesorar.

UNA FERIA QUE CONECTA A TODO EL PAÍS Inspiración. Inspiración. Inspiración. No sólo por la presencia de los expositores en las categorías de diseño de indumentaria y accesorios de moda, joyería, equipamiento, objetos, diseño sustentable, arte e iluminación, sino porque también estuvieron las provincias de Salta, Tucumán, Santiago del Estero, Corrientes, La Pampa y Chubut, exhibiendo las producciones de los diseñadores más destacados de cada región. Y nos hicieron viajar sólo con el pensamiento.

También hubo nuevos espacios de contenido, en donde se presentaron propuestas de lo más diversas. Un ejemplo fue el de Conecciones Inéditas, donde diseñadores reconocidos se conectaron con los expositores (Diseño de Mobiliario y Sustentable por Cristián Mohaded y Neumática; Diseño de Indumentaria y Joyería Contemporánea por Gabriela Horvat, Candioti-Dodds y Kostüme). Los creativos que participaron de este espacio, también brindaron Clínicas de Diseño, con el objetivo de dar herramientas de crecimiento para los expositores.

Otra novedad fue Eco-conectados, una colección de curiosidades sustentables que apuntó a concientizar sobre la necesidad de cuidar

072

+

+ Reconocidos diseñadores se conectaron con los expositores de la feria, a través del espacio Conecciones Inéditas.

el medio ambiente, y destacó a aquellos diseñadores que trabajan con criterios eco-social responsables. Es decir, a quienes realizan sus productos con materiales y técnicas de reciclado, y ayudan a minimizar el daño del medio ambiente.

can: “‘La Selección’ es una plataforma de difusión de diseñadores emergentes, y busca incluir propuestas que presenten innovaciones en varios rasgos del diseño, y que sus productos remitan al entorno cultural desde donde son creados”. + www.feriapurodiseno.com.ar

Además, el Observatorio de Tendencias INTI fue nuevamente convocado para desarrollar el proyecto curatorial y montaje de La Selección, el rincón de jóvenes talentos que anticipa a los futuros referentes del diseño en todas las disciplinas. En esta oportunidad, seleccionaron a seis empresas de diferentes rubros, destacando la innovación de sus desarrollos y originalidad de sus lenguajes creativos: Chulo (accesorios), Ccóncavo (indumentaria), Paulina Finn (joyería), Alejandra Rumich (mobiliario Irupé), Lucas Sánchez (calzado urbano) y Renzo Strada (luminarias). “‘El poder de las referencias’, fue el concepto curatorial de esta exhibición, y se vio reflejado a través de tres productos de cada marca.

La propuesta fue que inspirados en una imagen, un aroma y una canción, los creativos desarrollen piezas que evoquen el sentimiento de las primeras emociones percibidas, quizás al pie de un monte, a orillas de un río, bajo la sombra de un árbol, o en la vereda del barrio”, comentan Sebastián Rodríguez y Julieta Puhl, diseñadores de indumentaria, miembros del Observatorio de Tendencias. Y remar-

+ Eco-Conectados. Bancos hechos con cáscara de arroz, de Magucha Dco.

+ 073 TRES PROPUESTAS PARA CONOCER PCH DECO Quiénes son. PCH (Pensamos cómo hacerlo) es el emprendimiento de dos diseñadores industriales: Rodrigo Ebel y Andrea Manfredi.

Viven en la ciudad de Bragado (Buenos Aires), y desde allí fabrican los productos que comercializan a todo el país.

Qué hacen. Diseñan y producen piezas de mobiliario y decoración: asientos, mesas, luminarias y relojes, entre otros accesorios. Son productos que aportan soluciones para todos los espacios, y están orientados a equipar ambientes reducidos. Sus dueños proponen un mobiliario versátil, liviano, apilable. La idea es que puedan ser ensamblados, armados y desarmados con facilidad y, en ocasiones, prescindiendo de herramientas. Reinterpretan el estilo nórdico en mesas, banquetas y taburetes, en donde predominan la racionalidad formal, la madera natural y el blanco como acento.

El dato. Conciben los productos esencialmente desde la funcionalidad, respondiendo al concepto Ready to Assemble (RTA) -“Listo para armar”. Su misión es ofrecer al cliente una pieza de diseño, de buena calidad, y a bajo costo. Y lo principal, es que sea fácil de armar y de transportar. Además, se trata de una actividad con conciencia ambiental, porque emplean materiales recuperados. Son objetos cálidos y nobles, que no por eso dejan de ser modernos. + www.pchdeco.com.ar TÉ DE TÉ Quiénes son. Es el resultado del trabajo conjunto de Lorena Sosa y Ester Boué, diseñadoras tucumanas, que desde el año 2011 trabajan juntas en esta marca. Lorena Sosa es parte del Libro “Mapa de Diseño, 101 diseñadores de autor”.

Qué hacen. Accesorios de acrílicos y madera cortados con láser. Las piezas van desde anillos, aros y gargantillas, hasta accesorios para la casa y para adornar la vajilla del té. La conexión entre estos productos parte de la necesidad de escapar por unos segundos del acelerado ritmo de vida que llevamos, parar un segundo, y disfrutar de algo tan simple como una taza de té, por ejemplo.

El dato. El objetivo es crear un producto femenino y moderno, diseñado para mujeres activas, cuya vida está completamente ocupada por el trabajo, la familia y los amigos. El desafío se encuentra en presentar un objeto nuevo, innovando con materiales y tecnologías novedosas, pero sin desprenderse de la premisa de que sea un producto realizado en Tucumán. + www.facebook.com/Tedeteaccesorios LA PALLETERÍA Quiénes son. Marcela Salzberg (Licenciada en Publicidad) y Melina Oppenheimer (Licenciada en Administración de empresas).

Qué hacen. Diseñan, fabrican, y venden objetos hechos con pallets reciclados (tarimas de madera). Lo original de la idea es que generan un aporte positivo en la sociedad, a través del reciclado de un material en desuso. Entre sus muebles, se pueden encontrar mesas ratonas, sillas reposeras, bibliotecas o puffs. Pero también hacen cuadros con base de madera pallet, pizarrones, marcos decorativos y percheros. Todo se puede hacer a medida, y en el color que cada cliente pida.

El dato. Lo distinto es que parten de un pallet para hacer el mueble.

Todo se trabaja muy artesanalmente: cepillando la madera, lijando, puliendo, desarmando, y volviendo a armar. + www.lapalleteria.com.ar

Link a la nota: http://9010.co/pumaurbanart13

074

+

Google I/O 2013

Qué planea el gigante de las búsquedas Las principales novedades surgidas del evento anual de Google, donde miles de desarrolladores de todo el mundo -junto con representantes de la industria y los grandes referentes de la prensa de tecnología-, se congregan para conocer cómo el gigante de las búsquedas planea cambiar el día a día de los millones de personas que utilizan sus productos. | Texto: Pablo Pérez De Angelis @arkatPDA

El evento -que se desarrolló en San Francisco, EE.UU., del 15 al 17 de mayo- comenzó con una sentencia que marcó el tono de esta edición: “Here is what you are going to build next” (Esto es lo siguiente que van a construir), mostrando que el enfoque de este año es, mayoritariamente, en las novedades relativas a las distintas herramientas que Google provee a los desarrolladores.

Desde Google+, pasando por Maps, hasta algo tan central como las búsquedas, la mayoría de los productos clave del ecosistema

Google recibieron una lavada de cara, con un clara búsqueda en mejorar e integrar la experiencia del usuario y hacerla más consistente, a través de sus distintos productos. Sin grandes anuncios en hardware -como en la anterior edición, cuando presentó el proyecto Google Glass, con un gran show que incluyó a Sergey Brin (co-fundador de la empresa) saltando paracaídas-, el gigante de las búsquedas anunció importantes novedades en muchos de sus productos, y fue mostrando cómo ha desarrollado nuevas formas de transformar su gran cantidad de datos en nuevos servicios. Lo

+

ideas creativas 075 tecnología

que sobresalió fue la “magia” de las API de Google y sus nuevos algoritmos.

GOOGLE+ La gran apuesta de Google en redes sociales sigue creciendo, y recibe un rediseño total en su interfaz de usuario, tanto en Web como en su versión mobile. Agregándole 41 características nuevas, la nueva interfaz hace que las fotos, las páginas y el stream se vean realmente bien. Los post en Google+ ahora tienen un diseño de tarjetas en el stream, haciéndolos más simples de leer, +1 y compartir. Actualmente, G+ cuenta con más de 390 millones de usuarios activos mensuales alrededor de la Web, y cerca de 190 millones de miembros lo usan directamente desde el stream.

El nuevo diseño del stream, multicolumna y adaptable al dispositivo que se esté usando, está lleno de animaciones y pequeñas mejoras, que logran que su UX -experiencia de usuario- sea refinada y consistente, a través de los distintas formas de acceder a la red social. Con este diseño de tarjetas, no sólo podemos observar los post de nuestro stream, sino también profundizar en un tema que nos interesa, eliminando ese concepto de diseño “plano”, que comentó durante el keynote Vic Gundotra, Senior Vice President of Engineering.

GOOGLE+ PHOTOS “Las fotografías no se sacan, se hacen”. Así se anunció una gran mejora en el manejo y el procesamiento de nuestras fotos, integrando muchas de las geniales herramientas para tratamiento de imágenes construidas por Nik Software, empresa que Google adquirió en septiembre pasado. Con el foco puesto en darle al usuario un resultado similar al que recibe un fotógrafo cuando edita, corrige y mejora sus fotos, utilizando un software avanzado de edición, G+ realiza un conjunto acciones automáticamente con nuestras fotos, al momento en que las subimos a la plataforma. Google+ puede ahora, como ejemplo, mejorar automáticamente la distribución del tono de una imagen, la definición de ciertas partes, suavizar la piel de las personas o remover el “ruido” de ciertas partes. Todo este proceso se lleva a cabo en la Nube, donde alojamos nuestras fotos de G+, y puede ser modificado y utilizado por los usuarios, para editar sus imágenes online.

“Nuestras mejores fotos”. Cuando subimos nuestras fotos, el sistema nos muestra una selección de “Los mejores momentos” del álbum. Basándose en la calidad de la foto (luz, definición, etc.), eliminando duplicados o utilizando características más avanzadas -como detectar la aparición de personas sonriendo en la foto-, G+ nos ayuda a organizar nuestras fotos, manteniendo a un click el acceso a nuestro álbum completo de imágenes.

“Algunos recuerdos no están hechos para bajarles la resolución”.

A partir del comienzo del I/O, Google ofrece 15GB de almacenamiento -en lugar de los 5GB que ofrecía antes-, para guardar imá-

genes en la misma resolución que fueron tomadas. Para imágenes en definición standard (hasta un límite de 2048 píxeles de definición), G+ nos ofrece espacio para una cantidad ilimitada de fotos.

“Algo extra”. Si tomamos varias fotos de un mismo paisaje, nos crea automáticamente una foto panorámica, y combina varias fotos similares, para crear una animación al estilo gif animado e, incluso, crea fotos grupales en donde todos salen bien, combinando varias tomas.

HANGOUTS: INTEGRACIÓN Y MÁS COHESIÓN Desde hace un tiempo, se rumoreaba que Google estaba trabajando en unificar todos los sistemas de chat que tiene en sus distintos productos (una dispersión que molestaba a más de un usuario), para todos los dispositivos (Web, tablets, celulares) y, al mismo tiempo, para los sistemas móviles más usados, como iOS y Android. El resultado -como fue tendencia en todo el I/O 13- está integrado en G+, y se llama Hangouts.

Los nuevos Hangouts reemplazan automáticamente -mediante una actualización- a Gtalk, en los celulares con Android y el chat en G+, y paulatinamente va a reemplazar los chats en todos los productos de la empresa. Además de texto, fotos y la posibilidad de realizar videoconferencia, el último día de la conferencia se rumoreaba que la posibilidad de enviar SMS desde el programa sería la próxima “feature” a agregar.

MAPS: EL FUTURO EN PREVIEW Una gran cantidad de mejoras en uno de los productos centrales en el ecosistema Google, con un resultado excelente. Estas mejoras se pueden disfrutar, entrando en la versión preview de Maps. Con una gran transformación en la UX, el principal elemento de navegación en esta versión de preview es el mapa en sí mismo, sacando del lugar central al campo de búsqueda, y la columna de información a la izquierda que tiene la actual versión de Maps. Bajo la idea de “qué pasa si creamos mil millones de mapas, uno para cada usuario”, el equipo de Maps desarrolló mapas adaptativos, es decir, que se irá adaptando a la información que nos muestra, en base a los lugares que visitamos, adónde van nuestros amigos en G+, qué recomendamos, etc.

Con información contextual, fotos, reviews provistas por Zagat -http://www.zagat.com/, sitio de reseñas con gran reputación en EE.UU.- y recomendaciones sobre los lugares apareciendo a la izquierda cuando hacemos click en formato de tarjetas como en Google Now, Maps nos provee de más información, más rápido y más contextualizada. Cada vez que hacemos click, y nos movemos por un mapa, vemos una versión personalizada de Maps, como por ejemplo, marcas personalizadas sobre los sitios: resaltando en rojo aquellos sitios a los que ya fuimos, y con un brillo amarillo, los sitios que nos recomienda el sistema.

076

+ INTEGRANDO GOOGLE EARTH CON MAPS Utilizando la preview de Maps, si comenzamos a hacer zoom sobre el mapa de San Francisco, pasamos súbitamente de un mapa plano en 2D, a uno en renderizado 3D, con texturas de imágenes satelitales.

Esto gracias a la integración de Google Earth, utilizando WebGL en el navegador. Si hacemos zoom-out, llegamos a ver todo el planeta, con una vista del espacio exterior, donde vemos ubicados en una posición relativa correcta a la Tierra, las estrellas y los distintos planetas.

En cuanto a las “direcciones” para ir de un punto a otro, no sólo fueron rediseñadas, sino que también se agregó aún más información contextual sobre el transporte, horarios, etc., y se integraron vuelos como otra alternativa de transporte que podemos seleccionar. Otra característica no tan útil, pero muy atrayente, fueron las “visitas guiadas” a los lugares turísticos más concurridos del mundo. Esto es, utilizando las fotos agregadas por los usuarios, Google crea un “paseo virtual” por el lugar. Para poder disfrutar de esta version en preview de Google Maps, hay que dirigirse a http://maps.google. com/preview y solicitar una invitación.

“EL FIN DE LAS BÚSQUEDAS COMO LAS CONOCEMOS” El Senior Vice President de Google y Software Engineer, Amit Singhal, subió al escenario del I/O con la frase “The end of search as we know it”, proyectada en las pantallas gigantes del Moscone Center. Tratándose de una empresa que se construyó alrededor de las búsquedas en Internet, es éste un anuncio muy interesante... Con una fuerte integración con una versión extendida de Google Knowledge Graph, Google Now y Voice Search, Google pretende unificar y transformar la manera en la que realizamos búsquedas. El anuncio de versiones para iOS y Chrome de la búsquedas utilizando la voz -que ya es muy popular entre los usuario de Android- es una muestra de esta integración.

ANDROID Las novedades por el lado de Android estuvieron lejos de anunciar el salida de la versión 5.0 Key Lime Pie, como se rumoreaba. Lo que sí se anunció fue Android Studio, el cual hace más fácil el desarrollar aplicaciones en la plataforma Android para múltiples lenguajes y múltiples devices. Con más de 48 mil millones de aplicaciones instaladas desde el Google Play, y alcanzando 900 millones de activaciones de dispositivos con Android (500 millones desde el último I/O), Google demuestra que su plataforma para celulares es una opción muy interesante para los desarrolladores de aplicaciones, y pretende ser el primero con su fuerte expansión.

OK, GLASS Google Glass es un prototipo de “lentes” de Realidad Aumentada, que pretende brindarnos acceso a la tecnología sin ser intrusivo, y permitir tomar registro -fotos, video o audio-, y recuperar información de lo que va sucediendo a nuestro alrededor, sin tener que dejar de vivir el momento que estamos viviendo. Como ejemplo, una madre jugando con su bebé puede sacar fotos y videos y, sin tener que buscar la cámara, lograr fotos únicas de su hijo. Cuenta con una pequeña pantalla por encima del ojo derecho, un pequeño micrófono para comunicarnos con Glass utilizando comandos de voz, y un auricular que nos permiten registrar nuestros momentos y acceder a información útil, sin interferir con nuestra vivencia del momento.

Entre los anuncios que se hicieron en las sesiones técnicas sobre éste, podemos destacar que ya se enviaron los mails confirmando el proceso, y solicitando que retiren sus Glass -previo pago de los U$D 1500 (más impuestos) que cuestan- a los primeros 2 mil desarrolladores que se inscribieron el año pasado en el I/O, para participar de este beta cerrado. A éstos se les van a sumar los 8 mil ganadores

+ 077 de #ifihadglass -donde distintas personas comentaban lo que harían de tener sus Glass, y de ellos se seleccionaron los desarrolladores ganadores, para darles la chance de comprar sus Glass y participar de la versión explorer-beta cerrada en la que se encuentra Glass actualmente-.

Otro de los anuncios importantes lo realizó Timothy Jordan, Developer Advocate del Project Glass, cuando comentó muy brevemente sobre GDK -Glass Developer Kit-, el cual le va a permitir a los desarrolladores acceder de forma nativa al hardware de Glass, dando mayor libertad a los desarrolladores para crear aplicaciones aún más innovadoras que las que se pueden realizar actualmente utilizando la mirror API para construir aplicaciones de Glass. Pero quizás, el anuncio más importante para los pocos afortunados que ya son usuarios de Glass, es la llegada de la integración con Glass de varias redes sociales y servicios populares entre los usuarios de smartphones. Sin lugar a dudas,Twitter y Facebook eran los más esperados y solicitados por los usuarios, pero dentro de la lista de nuevos servicios integrados, podemos encontrar, entre otros, a: CNN, Evernote y Tumblr.

GOOD BYE I/O El I/O de este año fue un evento plagado de novedades en los productos más exitosos de Google, sin que ningún anuncio o producto fuera la estrella del evento -como lo fue Google Glass en la anterior edición-.

Muy centrado en dar herramientas a los desarrolladores y concentrado en sus productos más exitosos, Google parece querer enfocarse y buscar construir las bases para la próxima generación de productos, que cambien sustancialmente la vida diaria de sus usuarios en los próximos diez años, siguiendo su filosofía de Moon shots -intentar construir cosas que se creían imposibles y que cambian el mundo-. + https://developers.google.com/events/io/ + Google Glass

Link a la nota: http://9010.co/googleio2013

078

+

Puma Urban Art Acceso urbano

La sexta edición del festival de arte urbano Puma Urban Art convocó a más de 30 mil personas en el Centro Cultural Recoleta de la Ciudad de Buenos Aires. Durante tres jornadas gratuitas, el público encontró un espacio para dialogar con diferentes manifestaciones urbanas. Una propuesta que mixturó el graffiti, el kustom art, la búsqueda en el arte digital, la propuesta innovadora del tweet art, conferencias, música y algo de chicas pin-ups. | Texto: Celeste Nasimbera @SrtaCele

ideas creativas

+ 079 arte

+ Tristan Eaton y una de sus obras. Foto: Maia Croizet @MaiaWATIO

INICIO El Puma Urban Art viraliza en múltiples 140 caracteres, diálogos en conexión. La apropiación y la imperiosa necesidad de compartir.

De los pasillos del Centro Cultural Recoleta brota cierto desparpajo, una evidente urbanidad y color. Las obras se hacen de su espacio propio para interpelar, se superponen y salen al encuentro. Un diálogo informal permanente con las propuestas emergentes.

Los elementos se suman, en una apropiación en vías de formación: las búsquedas artísticas, los concurrentes y sus cámaras fotográficas. Un consumo cultural mediatizado, en donde ambas partes involucradas desean expresarse. Ramiro Smith Estrada mezcla -desprejuiciadamente- personajes históricos y mediáticos argentinos.

Juan Peralta serializa una ventana. El grupo Lagansedo interviene a través del live painting y graffitis en 3D. Distintos soportes para expresar las calles. Sin distinción alguna, mutan en una fotografía, la cual se carga y se comparte.

El Puma Urban Art ahonda en las grietas de las mismas calles; el arte que recorre nuestras ciudades, esperando en los lugares menos propicios, sin pedir permiso, ni necesidad de presentaciones previas.

Consuelo Vidal escribe “Pienso en vos”, en una tipografía naif, envuelta de naturaleza. Nos interpela.

Descaro, frescura, cotidianidad, diseño. El Puma Urban Art genera un espacio de conexión, y un tiempo gratuito de diálogo. En paralelo a las exposiciones, se realizaron conferencias como exhibición de documentales y videos. Además, estuvo presente el programa Puma Social TV, transmitiendo vía live streaming desde la página oficial del evento. Acceso físico con correlato virtual.

A las imágenes se les sumaron melodías. La invitación se hizo extensiva al cuerpo. Por eso, la sexta edición del evento contó con una grilla musical. El opening estuvo a cargo del dúo Housse de Racket, conformado por los franceses Pierre Leroux y Victor le Masne. Durante los días sucesivos, se presentaron Daniel Melero, Leo García, Juana la Loca, Las Kellies, Hermanos de Distinto Padre & Madre, Sr. Tomate, Good Time for Dynacom, Armada Cósmica, Horizonte, The Ovnis!, Panda Elliot, Carmel, MyTe y sus linternas verdes, Abril Sosa, Julián Aznar, Lavial y Albrío.

CONECTA Directo desde Estados Unidos, Tristan Eaton -nacido en Los Ángeles, figura destacada en el arte callejero- y Jimbo Phillips -de California, referente del arte gráfico para skateboarding- fueron las menciones destacadas.

Tristan Eaton propone disecar la cultura norteamericana, tomar los datos y dibujar su opinión, con pinceladas de humor. Superpone información, autocrítica y cinismo. Estéticamente, alude a la liturgia bélica, y expone sus deidades en falsos vitrales. + ¿Donde hallás inspiración?

TE La mayoría de las veces encuentro inspiración en la gente, en la figura humana. En los humanos en general, y lo extraño que somos. + ¿Qué significa arte urbano?

TE Es una manera de expresarme, y un desafío. No cualquiera se sube a determinados lugares. Allí, el mensaje es directo; es lo más valorable.

No hay intermediarios. Me da satisfacción ir, subirme y dibujar. + www.tristaneaton.net

080

+

+ Jimbo Philips y una de sus obras. Foto: Maia Croizet @MaiaWATIO

Por su parte, el diseño gráfico de Jimbo Phillips surfea en distintos soportes, recreando un imaginario propio del skate, surf y punk, además de replicar la “screaming hand”, creada por su padre Jim en los años 70. Jimbo apuesta por el mix, por “la conglomeración de distintas artes en un mismo edificio”. + ¿Donde hallás inspiración?

JP Encuentro inspiración en casi cualquier cosa, en el océano, en los deportes acuáticos que practico, y toda la atmósfera que se genera alrededor.También en la música: escucho punk, rock, reggae... + ¿Qué significa arte urbano?

JP Básicamente, ser vos mismo como artista, sin reglas, hacer lo que quieras. Lo ponés en la pared y me parece una expresión pura. + www.jimbophillips.com Ambos artistas coinciden en el cambio de paradigma que suscitaron las expresiones urbanas. El artista se vuelve cercano; el espacio de construcción son las ciudades que recorremos cotidianamente, y el acceso es directo. No hay intermediarios. El carácter gratuito y cierto ánimo de desorden, hacen del Puma Urban Art una continuación lógica de ese relato urbano. Entrar, mirar, compartir.

+ ¿Cómo se te ocurrió arrancar?

HR En mi timeline apareció un dibujo que, automáticamente, me hizo investigar cómo hacerlo. Era un diseño de Matthew Haggett (@ tw1tt3rart), al que creo que todos los que nos dedicamos a twitear dibujos le debemos todo, por los conocimientos que compartió referidos a la técnica necesaria para realizarlos. +¿Cuáles son las posibilidades y restricciones?

HR Se pueden hacer infinidad de dibujos pop y tipografías. Las restricciones se solucionaron con la llegada de las aplicaciones, herramientas fundamentales para realizar dibujos rápidamente y de forma sencilla. + @rogoskihoracio DESCUBRE La mirada es interpelada, mientras el cuerpo recorre desordenado. Registramos nuestra propia experiencia y la compartimos. Nos acercamos sin intermediarios, sin silencios, ni linealidades. Accedemos a nuestras calles. + http://pumaurbanart.com

EN 140 CARACTERES Ante cada nuevo soporte, las manifestaciones creativas encuentran un espacio de germinación. El arte en red. El Puma Urban Art incorpora el Tweet Art, una tendencia creciente, que intenta generar imágenes en la red social Twitter. Los 140 caracteres son puestos a disposición de la figura. Horacio Rogoski, diseñador gráfico y publicista, es uno de los exponentes de la disciplina en el país. +¿Qué es el Tweet Art? HR Un tweet art es un dibujo realizado en el entorno de la red social Twitter, utilizando bloques de objetos Unicode.

Link a la nota: http://9010.co/pumaurbanart13

082

+

+ El lanzamiento del Toyota Prius, ayudó posicionar las tecnologías híbridas en el mundo.

Tecnología automotriz Inventos sobre ruedas

Los avances tecnológicos en pos de la industria automotriz, están al orden del día. Muchos de ellos, ya se utilizan.

Otros, se encuentran en etapa experimental, y prometen revolucionar todo lo conocido hasta aquí. | Texto: Elvio Orellana @emorellana33

A través de la historia del automóvil, hubo marcas destacadas que supieron adelantarse de alguna u otra forma a su tiempo. Lo hicieron en base a diferentes avances tecnológicos, muchos de los cuales, y en base a su aporte, lograron cruzar la barrera del tiempo. En concomitancia con ello, haremos un breve repaso por aquellas tecnologías y desarrollos que están siendo implementados en la actualidad, y de aquellos otros que están por venir.

UN PASO ADELANTE Si por empezar a enumerar a aquellos inventos que resultaron trascendentales para la industria automotriz se trata, resultaría pertinente iniciar refiriéndonos a la marca Mercedes-Benz. La terminal alemana, además de producir autos suntuosos, es una de las firmas que más desarrollos en pos de la seguridad ha realizado. Así fue, que patentó el habitáculo rígido con zonas de deformación programada en el año 1951. Es decir, un recurso de seguridad pasiva, que hoy prácticamente se encuentra presente en todos los modelos que circulan por las calles. Además de ello, Mercedes-Benz también innovó con el cinturón de seguridad, los sistemas antibloqueo de frenos (ABS) en 1978, el airbag (bolsa de aire) en 1981, y el programa electrónico de estabilidad (ESP) en 1995, entre otros desarrollos más.

EL CLIMA IDEAL Remitirse al aire acondicionado (AA) como equipamiento de un auto hasta hace un tiempo atrás, era referirse a un elemento de confort, sólo disponible en algunos modelos. Hoy, más popularizado, el AA dispone de un nuevo aliado tecnológico: el climatizador automático. Lo interesante de este sistema es cuando se selecciona la función “Auto”, ya que al activarla, y elegir una temperatura, el sistema se encarga de mantenerla, adecuándose a las condiciones. Otro de los atributos del climatizador, es que permite tanto al acompañante como a los ocupantes de las plazas traseras, regular la temperatura de manera independiente, en el caso de un climatizador multizona.

Así, por ejemplo, modelos como el Citroën C4, Fiat Línea, Peugeot 408, Chevrolet Cruze y VW Vento, entre otros, disponen de climatizadores bizona o multizona. ÚTILES, BONITAS Y LUMINOSAS Si hay un implemento que viene sumando presencia en los autos, son las luces de LEDs. En la mayoría de los modelos que hoy las presentan, funcionan como luces diurnas, es decir, de día. Así, la función principal de las mismas no es la iluminar el camino, sino de lograr que el resto de los autos divisen a aquellos que las llevan. Esta tec-

+

ideas creativas 083 vehículos

+ En el Mercedes-Benz CLS, un sensor en el parabrisas evalúa la luminosidad exterior y conecta automáticamente las luces al llegar la oscuridad.

nología tuvo su origen en los años 60, pero recién en 2007 se la incorporó a los automóviles. El primer auto que las ofreció de fábrica fue el Lexus LS, presentado en 2007. En este caso, sólo se utilizaba LEDs para la luz del guiño y posición. En tanto, el primer fabricante que empleó LEDs en todas las luces delanteras fue Audi con su R8, en el 2008. En la actualidad, las utilizan el Fiat Idea, Citroën DS3 y nuevo C3, el Peugeot 308, el nuevo Renault Mégane III, la nueva Ford EcoSport y la Toyota GT 86, por nombrar sólo algunos.

A TOMAR UN CAFECITO Volviendo al tema de la seguridad, es sabido que una de las causas de accidentes automovilísticos es el cansancio y somnolencia. En la actualidad, son varias las marcas que ya disponen en sus autos de un sistema que identifica este estado. La alemana Volkswagen, por ejemplo, equipa a varios de sus modelos (Passat, Tiguan y CC, entre otros), con este sistema de seguridad activa, denominado “Detector de Fatiga”. Esta tecnología detecta los primeros indicios de fatiga o cansancio del conductor. Este patrón de conducta es analizado junto a otras maniobras y factores, como la duración del trayecto o la hora del día, y calcula un índice de fatiga. En ese momento, en la computadora de a bordo, aparece una señal que ilustra una taza de café, y una frase que sugiere al conductor tomarse un descanso.

DOBLE CORAZÓN Es sabido que la tendencia hacia una propulsión limpia, es decir, autos no contaminantes, viene en alza. Una de las alternativas que ya convive con nosotros son los denominados vehículos híbridos (aquellos que se impulsan por dos o más fuentes de energía). Si bien este tipo de propulsión fue concebido en el año 1901 (Ferdinand Porsche fabricó el primer auto del mundo impulsado por un motor naftero y otro eléctrico), su masificación fue alcanzada en el 1997 de la mano del Toyota Prius. En nuestro país, su venta se inició en el año 2009. Su gran avance está representado por el sistema Hybrid

Synergy Drive (HSD), una tecnología que le permite al Prius generar bajos índices de emisiones contaminantes, por estar equipado con dos motores: uno eléctrico de 80CV y otro naftero de 100CV. Ambos pueden funcionar de manera individual o en conjunto.

LA INTERACTIVIDAD EN SU PICO MÁXIMO Si de marcas que revolucionaron el mundo automotor se trata, Ford es una de ellas. De hecho, lo hizo hace más de cien años (en 1908), cuando presentó al Ford T, modelo con el que revolucionó el proceso de fabricación de los coches, a través de las líneas de producción.

Hoy, a la firma hay que otorgarle el crédito de haber dado el puntapié inicial de lo que es la conectividad a bordo del auto. Esto es así, ya que la terminal americana fue la primera marca generalista en presentar, en el año 2010, un sistema interactivo que denominó SYNC. Desarrollado por Ford y Microsoft, el SYNC debutó en nuestro mercado con el Fiesta Kinectic Design, que permite realizar llamadas, recibir mensajes de texto y responderlos, y hasta reproducir música desde su MP3, solamente con una orden impartida por la voz. ¿DÓNDE ESTÁN LAS LLAVES? Otro avance tecnológico que se implementó primero en los autos de alta gama y después se masificó, es el denominado sistema “Keyless”. Es decir, una tecnología que permite el ingreso y arranque del auto, sin una llave convencional. Con dicho sistema, sólo se requiere llevar una tarjeta o un llavero, y poner la mano sobre alguna de las manijas de las puertas, para que el vehículo se abra y proceda a la desconexión de la alarma. Una vez dentro, para arrancar el auto, sólo es necesario tocar un botón de arranque, habitualmente ubicado en la consola central del vehículo, e identificado con la leyenda: “Power”.

ASISTENTES INVISIBLES Uno de los aliados más eficientes que en esta última década, que

084

+ acercan los objetos. De este modo, si una colisión es inminente, y el conductor no toma las acciones apropiadas, el auto frenará automáticamente, para evitar el choque. Es decir, el auto adoptará reflejos. ¿Y dónde está el chofer? Los autos autónomos (sin conductor) ya dejaron de ser un elemento propio de la ciencia ficción, y de a poco, se van convirtiendo en realidad. Uno de los primeros en incursionar en esta temática fue la compañía Google, quien había presentado una serie de prototipos que recorrieron las calles de Estados Unidos.

Ahora, la Universidad Libre de Berlín, en el marco del Proyecto AutoNOMOS, está experimentando la posibilidad de recorrer una ciudad con un taxi, sin chofer humano. Por el momento, este taxi -que es un Volkswagen Passat-, obtuvo la autorización especial para recorrer las calles de Berlín, pero con la presencia de un piloto y copiloto, que pueden tomar el control del vehículo, ante una situación de riesgo que no pueda resolver el sistema. + El prototipo Pivo de Nissan es un socio del conductor, al que le informa de diversas cuestiones relativas al tránsito.

+ La Renault Duster viene con sensor de estacionamiento trasero en las versiones Luxe.

aparecieron como opcionales de equipamiento en los autos, son los sensores. Unos de los más útiles son los de estacionamiento. Su funcionamiento es muy sencillo: se activan cuando se utiliza la marcha atrás, y detectan todo obstáculo que se ubica detrás del auto, a una distancia de 1,5 a 2 metros. A medida que el auto se aproxima al objeto, una señal acústica empieza a subir de intensidad, hasta convertirse en un pitido continuo, cuando la distancia es inferior a los 30 cm. Pero eso no es todo, ya que hay modelos que ofrecen cámaras de visión trasera, que proyectan en una pantalla LED (como la Toyota SW4), o en el mismo espejo retrovisor (como la nueva Ford Ranger), lo que se encuentra en la parte posterior del auto.

No podemos dejar afuera de esta lista a los sensores de lluvia (se activan las escobillas cuando empieza a llover) y crepusculares, que miden la intensidad de la luz externa y, en caso de ser baja, encienden automáticamente las luces del auto.

Más que un auto, un asistente. Desde Nissan, sostienen que los autos del mañana serán robóticos y serviciales. Un ejemplo de esto es el Pivo 3, un prototipo que actúa como socio del conductor, e informa de diversas cuestiones, entre ellas, el estado de tránsito, o dónde hay lugar para estacionar. El Pivo 3 está compuesto por un chasis de cuatro ruedas y, dado que pueden rotar 90 grados, puede estacionar en lugares estrechos, sin requerir maniobras. Su batería se recarga en la red convencional, con un cable y un enchufe, y puede activarse a través de un smartphone. Su planteamiento es viable y, en buen grado, anticipa los trazos de lo que terminaremos viendo como movilidad personal en las grandes urbes.

Cuidado y salud. Ford también aparece en este listado de inventivas.

Uno de los últimos desarrollados por la marca es el cinturón trasero inflable. Éste combina los atributos de los cinturones de seguridad tradicionales con los de los airbags, lo que provee de una mayor protección en caso de accidente para los ocupantes de las plazas traseras. A este avance, se le suma el desarrollo de una butaca que puede monitorear los latidos del corazón del conductor, a través de seis sensores embutidos en ella, y que pueden detectar los impulsos eléctricos generados por el corazón. Con este desarrollo, queda inaugurada una nueva era de vehículos en los que la salud de sus pasajeros también será susceptible de ser monitoreada con el potencial, incluso, de salvar vidas. +

LOS AUTOS DEL MAÑANA La contienda de las marcas por adelantarse y ver cuál de ellas demarcará el rumbo de los autos en el futuro, es ardua e intensa. Independientemente de ello, la tendencia indica que los autos dejarán de ser vistos como tales, para convertirse en inteligencia artificial sobre ruedas. Esto forjará una relación nueva entre el auto y el ser humano. ¿Chocar? Nunca más. Se visualiza un futuro en donde el choque de los autos será imposible. Esto se logrará gracias a un sistema de radares en el parabrisas, que puede medir la velocidad con la que se

+ A través de una aplicación compatible con el sistema de conectividad SYNC AppLink, los conductores de Ford pueden conocer los niveles de polen y el índice de riesgo para el asma, gripe y resfrío, sólo conectando su smartphone y mediante comandos de voz, sin soltar el volante.

Link a la nota: http://9010.co/inventosruedas

086

+

+ This neon sign was made by… de Claire Fontaine, Galería House of Gaga (U-Turn Project Rooms).

arteBA

Gran evento del arte contemporáneo Un análisis de la edición 22 de feria de arte contemporáneo más importante de Argentina, que se desarrolló del 24 al 27 de mayo en La Rural. | Texto: Javier Villa. Fotos: Maia Croizet @MaiaWATIO

ideas creativas

+ 087 arte

+ Eduardo Navarro trabaja con cigarrrillos (Galería Liprandi).

+ Alexandra Kehayoglou en la Galería Proyecto Arte Contemporáneo.

Es difícil desdibujar la sonrisa de la mayoría de los galeristas y artistas involucrados en el evento: antes de que la feria abra sus puertas al público general, casi todo está vendido. Es probable que a nivel económico -a pesar de la crisis internacional o de la mala prensa de las políticas locales-, este año, haya sido el más fructífero de arteBA desde su fundación, hace veintidós ediciones.

también transformar a la feria en el evento de arte contemporáneo más importante del país, al que se acercan curadores, críticos e instituciones internacionales, a comprar obra argentina para grandes museos. Por ejemplo, el caso de la Tate Modern, que este año compró obra histórica de Marta Minujín.

Desarrollar un análisis profundo de las causas de este fenómeno, probablemente requiera la combinación de un sociólogo y un economista especializados en asuntos culturales. Lo que sí es posible entender, desde el campo de las artes visuales, es que arteBA ha tenido un crecimiento exponencial en la última década. Para bien o para mal, dependiendo del caso, ha sabido cultivar y educar a nuevos coleccionistas (sean personas física o empresas), como

Esto último se logró a partir de diversas variables, pero la más notoria, fue el pasaje de una feria localista con una esquizofrenia cualitativa, a una feria cada vez más internacional y con menor cantidad de galerías, lo que deriva en un nivel más parejo, en un organismo con pasillos amplios que no se transforman en un embudo de tráfico, y en menor cantidad de obras, logrando un espacio con aire en donde se puede respirar, tanto mental como físicamente. Otra de las variables de esta transformación han sido

088

+

+ Marcelo Grossman en Foster Catena.

+ Obra de Tomás Sarraceno, Galería Esther Schipper (U-Turn Project Rooms).

los proyectos satélites a lo meramente comercial: el Premio Petrobras, U-Turn, el Premio Arcos Dorados, las conferencias en el auditorio y una zona editorial curada, entre otros.

Si bien el crecimiento de arteBA ayudó a que el campo artístico de Buenos Aires sea una plaza de arte -en gran porcentaje, dominada por su variable comercial-, esto no es del todo positivo, y puede ahondarse a largo plazo (por ejemplo, los artistas son legitimados con muestras individuales en galerías y no con proyectos en museos; los dedicados a la performance, el video o a proyectos no vendibles, deben tener otras actividades para solventar su cotidiano, les cuesta mucho más acceder a cierta visibilidad, ya sea porque no llegan a las galerías o a los medios masivos).

Sin embargo, sería un gran error culpar a los que hicieron bien su trabajo: todos quieren un mercado pujante. Lo que habría que hacer es revisar qué pasó con los museos y centros culturales del Estado, por qué no supieron acercar al público masivo, a la prensa, a un circuito de arte internacional, o a la producción de proyectos de arte de mayor escala, como supo hacer arteBA. Pero éste no es un artículo sobre museos, sino sobre la feria, y como todo el mundo ya sabe que funciona, y muy bien, es inútil continuar cualquier tipo de análisis. Más vale revisitar los puntos más fuertes e

interesantes de este año.

INTERNACIONALISMO Aunque fue notorio en las últimas ediciones cómo arteBA fue virando el foco para transformarse en una feria importante dentro de la agenda del circuito de arte latinoamericano, para esta edición, la intención se vio plasmada con toda claridad en cada uno de los segmentos de la misma. La dirección del Premio Petrobras estuvo a cargo del curador mexicano Cuauhtémoc Medina, y su colega y compatriota Pablo León de la Barra de la selección de artistas para el Concurso + Solo Show Arcos Dorados. La organización del auditorio fue diseñada por la curadora española Chus Martínez y, como los años anteriores, la curaduría de U-Turn fue realizada por la curadora iraní Abaseh Mirvali.

Es decir, la mayoría de los segmentos más importantes de la feria fueron conducidos por expertos internacionales, y no por profesionales locales. Se trata de una buena estrategia para levantar la categoría de la feria a un nivel global, y que gente de afuera se sumerja en la producción argentina. A su vez, durante esta última edición, aparecieron artistas interesantes de renombre internacional (algo que en las ediciones anteriores, exceptuando a los latinoamericanos, no se dio mucho), como Bernardette Corpora-

+ 089

+ La obra de Luciana Rondolini en la Galería Ruby, una de las ganadoras del premio En Obra del Barrio Joven Chandon.

tion, Claire Fointane, Klara Lidén y Ceal Floyer. Todos en U-Turn, espacio de proyectos curados, donde se invita a un buen número de galerías extranjeras. A pesar de lo estimulante de estos nombres, la producción que llegó de ellos al país fue en formato pequeño, feriante, y no muy atractiva a nivel proyectual.

NOVEDAD Durante esta edición, se realizó por primera vez el Programa Jóvenes Curadores. El apoyo a la nueva curaduría es un grave faltante de nuestro país, ya que sin una construcción curatorial sólida, es muy difícil provocar intercambios con otras plazas artísticas del mundo. Tanto las bienales, museos, e incluso, las grandes colecciones de arte, son pensadas y manejadas por curadores. Y el circuito local, ya sea desde la esfera pública o privada, no estuvo apoyando el desarrollo de esta disciplina con presupuesto o con espacio disponible, para que gente joven construya narrativas artísticas.

La fundación arteBA notó esta carencia, y empezó con un pequeño aporte junto al Banco Ciudad: mediante un jurado de selección, pidieron proyectos a diez curadores, y eligieron sólo a uno para que desarrollara su propuesta, dentro del contexto de la feria.

La ganadora fue Lara Marmor, quien presentó un video titulado

“Dobles” de la artista Leticia El Halli Obeid. Se trata de un proyecto realizado en México que, partiendo del documental como género, y de entrevistas a actores de doblaje como contenido (la voz del Súper Agente 86, Homero, Bart y Marge, la voz en off de Los Dukes de Hazzard, entre tantos otros), aborda temas como la identidad y el lenguaje, la problemática del español neutro, lo visible, lo no visible y lo audible, la distancia objetiva y la memoria como dimensión emocional.

A su vez, encara desde una perspectiva fresca, discusiones que se dieron en la última década dentro del arte contemporáneo, como el lugar de la traducción, el doble, el “reenactment” y el médium.

El apoyo estuvo bien otorgado, ya que Marmor es una de las curadoras con más proyección del circuito local, y tuvo la precisión de presentar un proyecto de un solo artista, con una sola obra, que funcionó muy bien dentro del contexto (cosechando éxito de público general y especializado), en vez de intentar hacer malabares con algún grupo de artistas jóvenes, en un espacio reducido y complicado para la curaduría seria, como el de una feria de arte.

PETROBRAS, U-TURN Y ALGUNAS COSAS DESTACABLES El espacio U-Turn se fue transformando en uno de los más interesantes de la feria. Este año, lo más destacable se vio en el seg-

090

+

+ BC Lifestyle EXIT de Bernadette Corporation, Galería MD72 (U-Turn Project Rooms).

+ Obra “Aguante” de Enrique Jezik, ganador del Premio Petrobras.

mento asignado a la galerista argentina Nora Fisch, en particular, la propuesta de Gastón Pérsico, quien parte de vitrinas -uno de los objetos más utilizados como soporte y organizador de piezas contemporáneas, sobre todo dentro del género de la investigación artística y el trabajo con archivo-, para transformarlas en objetos estéticos y narrativos en sí mismos, de cierta elegancia enigmática.

En el sector del Barrio Joven -que congrega propuestas organizadas por nuevos artistas o galeristas que quieren ingresar en el circuito comercial-, lo mejor fue entregado por el colectivo rosarino La Hermana Favorita, y los espacios porteños Ruby y Galería Inmigrante; este último, mutando diariamente.

Finalmente, la convocatoria de este año del Premio Petrobras se basó en el concepto de desplazamiento: “se llamó a concurso a quienes, por decisión o necesidad, habían partido, arribado o regresado a la Argentina, para constituir una mirada transformada por esos saltos”. Estas directrices no provocaron una serie de proyectos que discutieran las problemáticas de las migraciones

y el movimiento humano en general, identidades locales y globales o híbridos nómades, pero fue interesante porque se exhibieron proyectos de algunos artistas argentinos que no suelen verse en nuestro país.

Los seleccionados fueron Sebastián Díaz Morales, Aili Chen, Antonio Gagliano, Gustavo Romano y Enrique Jezik, quien ganó el premio de $ 100 mil (la mitad debe ser utilizado para una producción inédita en la Argentina), con una obra titulada “Aguante”, donde un grupo de musculosos de gimnasio sostienen gigantescos bastidores de hierro que contienen superficies de cemento. Las mismas son embestidas por una grúa con mano excavadora, cincelando de manera tosca y brutal esas esculturas ad-hoc, gracias al aguante humano. El tándem hombre versus máquina fue un poco obvio, pero hipnótico, construyendo una suerte de divertida combinación entre Lucio Fontana, el día del juicio final de Terminator y la Guerra de los Gimnasios de César Aira. La propuesta iba a ser realizada en vivo en La Rural, pero finalmente, se presentó en video. + www.arteba.org

Link a la nota: http://9010.co/arteba2013

Simpleza del Sur Inspirados en la Patagonia, sus vientos y la simpleza de su naturaleza autóctona, el estudio neuquino Hachetresele -dirigido por Horacio Lardiés-, realizó una producción fotográfica en un set en vivo, con indumentaria de autores independientes de toda Argentina, durante el MICA 2013 (Mercado de Industrias Culturales Argentinas).

Se trató de una de las actividades sobre diseño de imagen del sector Diseño, en la que se buscó generar un diálogo entre marcas de autor de distintas regiones del país, y un debate en torno a la fusión del diseño y la artesanía, como rasgo identitario del diseño federal argentino.+ Proyecto, concepto y dirección Hachetresele www.hachetresele.com Fotografía Farbonestudio. www.farbone.com Asistente de fotografía Pachanga Estilismo Agustín Bossini Vestuaristas Elizabeth Echagüe y Eliana Elías Make Up y Pelo Charli Ari para Espacio Buenos Aires Set Asociación de Fotógrafos Publicitarios Argentinos www.fop.org.ar Modelos Antonella Grosso, Victoria Céspedes y Alejandra Machó Pascual, alumnas del IUNA (Instituto Universitario Nacional del Arte) www.iuna.edu.ar MICA 2013, Tecnópolis www.mica.gob.ar Coordinación general sector Diseño Paola Pavanello y Germán Lang Asistentes de coordinación Florencia Valcarcel (Talleres de producción en tiempo real), Jimena Anastasio (Set fotográfico) y Valentina Pagliere (Rondas de negocios)

Link a la nota: http://9010.co/simplezasur

+ Alejandra Mach贸 Pascual. Gorro: Litel Jorz www.facebook.com/liteljorz (Buenos Aires). Saco: Colombas www.colombas.com.ar (Buenos Aires). Calza: Chica Lalala www.facebook.com/ChicaLalala (C贸rdoba).

Botas: Familia Avar Saracho www.avarsaracho.com (Catamarca)

+ Alejandra Mach贸 Pascual. Campera cuero y piel: Rafaello www.raffaellobuenosaires.com (Buenos Aires).

Vestido: Laura Andrade lauraandra_22@hotmail.com.ar (Jujuy)

+ Victoria CĂŠspedes. Vestido y calza: Rod www.facebook.com/RodrigoAzeved0 (Buenos Aires).

Zapatos: Clan Issine www.clan-issime.com (Buenos Aires)

+ Antonella Grosso. Conjunto: Noelia Miguez www.facebook.com/noelia.miguenz (Buenos Aires).

Cartera: Leo RInaldi leonardorinaldi@speedy.com.ar (Buenos Aires)

+ Antonella Grosso. Vestido: Caro Sosa www.carososa.com (Buenos Aires).

Collar: La Colorina www.lacolorinatiendadeaccesorios.blogspot.com (Tucumรกn)

098

+

MICA

El turno de las industrias culturales La segunda edición del Mercado de Industrias Culturales Argentinas (MICA), se celebró el pasado abril, en la sede Tecnópolis, organizado por la Secretaría de Cultura de la Presidencia de la Nación. Con exposiciones, recitales en vivo, espectáculos, charlas y rondas de negocios, el objetivo fue promover las industrias culturales y llevarlas un paso adelante. | Texto: Jorgelina Peciña @JorgelinaPecina. Fotos: Gentileza MICA

Entre las actividades que formaron parte del evento, se realizaron showcases de música en vivo, grabaciones de artistas independientes y consagrados, además de rondas de negocios, charlas, debates y talleres de capacitación. Una de las actividades, denominada Hackatón musical, dio como resultado la creación de siete nuevos instrumentos musicales y más de cincuenta sellos independientes de todo el país subieron parte de su catálogo a la recién lanzada Plataforma Argentina de Música (PAM), una nueva herramienta creada por la Secretaría de Cultura de la Presidencia de la Nación.

En la sección Diseño, se realizaron conferencias y gran cantidad de rondas con compradores y curadores nacionales e internacionales.

+ Exposición de Diseño en MICA.

Asimismo, se organizó el desfile Pasarela Nacional, del que participaron veintiséis diseñadores, junto con artesanos del Mercado de Artesanías Tradicionales de la Argentina (MATRA) y del programa Identidades Productivas, que dependen de la Secretaría de Cultura de la Presidencia de la Nación.

Las Artes Escénicas también tuvieron su espacio, con rondas de negocios programadas y espontáneas. Se exhibieron doce espectáculos de danza y muestras de trabajos seleccionados por el Instituto Nacional del Teatro (INT), con cuatro piezas en proceso de ensayo y dos obras del Teatro Nacional Cervantes. Del sector Artes Audiovisuales participaron de más de ochenta invitados internacio-

ideas creativas

+ 099 diseño

nales, entre compradores, financistas y conferencistas. Además, se registraron cuatrocientos inscriptos para las rondas de negocios y conferencias especializadas. También, cinco instituciones educativas participaron del concurso para realizar un cortometraje de tres minutos, con importantes premios.

saber más sobre el espacio de la sección Diseño dentro de MICA, entrevistamos a los coordinadores del área, dentro de la Dirección Nacional de Industrias Culturas. Ellos con Germán Lang y Paola Pavanello, ambos graduados en diseño gráfico por la Universidad de Buenos Aires.

Los gamers también fueron parte del encuentro. El sector de Videojuegos mostró una exposición de trabajos de estilo más indie, y videojuegos que aún no están en el circuito comercial, la mayoría con diseño y tramas vintage. Hubo reuniones internacionales programadas, con compradores nacionales e internacionales. Dentro de los invitados internacionales, estuvo la empresa creadora de Angry Birds, Rovio, que generó un acuerdo con la Secretaría de Cultura de la Presidencia de la Nación, para la organización de un concurso de desarrollo de videojuegos, a realizarse en el futuro. Por último, en la sección dedicada a la industria Editorial, se celebraron desde conferencias y talleres, hasta rondas de negocios. Asimismo, se montó un área de impresión y producción editorial en vivo.

+ ¿Qué actividades se realizan en el sector Diseño?

GL El sector Diseño dentro de las industrias culturales es uno de los más complejos a la hora de definirlo, en principio, por la cantidad de rubros que lo componen (gráfico, ilustración, fotografía, multimedial, indumentaria y textil, industrial, mobiliario, luminarias, objetos, etc.), que hacen que se deba dar una respuesta a todos ellos con problemáticas comunes, pero de diferentes modos y escalas de producción, comercialización y visibilidad. Ante esto, la primera lectura que se hizo fue que todos tienen en común una manera de hacer, en donde lo industrial y lo artesanal dialogan de manera parecida en casi todo el país. Esto nos da para pensar en una producción a escala humana, que es lo que identifica a la gran mayoría de las empresas participantes de MICA. Fue por eso que decidimos mostrar esta forma de hacer, con talleres de producción en vivo, para poder mostrar ese quehacer, que es parte común a todos. Esta fue una gran plataforma de exhibición, pero también de capacitación, transmisión de conocimientos y de diálogos entre productores de diferentes provincias del país. La orfebrería y la joyería junto al diseño textil y de objetos generaron una sinergia creativa, que quedó registrada en producciones fotográficas que acontecían en un gran set, destinado a la imagen del diseño. También hubo charlas, conferencias y clínicas como parte de los contenidos, al igual que las rondas de negocios nacionales e internacionales.

A LA HORA DE HACER DISEÑO Ya sea a nivel nacional como provincial, organizados por particulares o a nivel estatal, la industria del diseño cuenta con la ventaja de tener un impulso destacado. Luego de la crisis económica de 2001, el diseño en todas sus variantes fue una de actividades que más trabajo generó, algo así como una salida u oportunidad para generar ingresos en un contexto económico no favorable. Lo cierto es que la crisis pasó, llegaron otras, pero la actividad se consolidó y sigue vigente y en crecimiento. Para

+ ¿Cuál fue el criterio de selección de los participantes?

GL A la hora de curar los proyectos para cada dispositivo de exhibición, en principio, se piensa en dar la mayor representatividad de todo el diseño argentino. Tanto la calidad como la innovación son características a tener en cuenta, pero donde más nos focalizamos, es en poder rescatar aquellos productos de fuerte identidad, que pueden mostrar una manera de hacer, y que hablen de diseño nacional.

PP En esto, se buscaba generar una narrativa de la diversidad nacional que hay en la mirada a la hora de diseñar productos, y creo que desde la materialidad, tenemos un discurso interesante a la hora de mostrar un criterio. + ¿Cuál es el balance de las actividades llevadas a cabo en MICA 2013?

GL En cuanto a los modelos de exhibición, creo que logramos nuestro objetivo, que fue ver la parte de atrás del diseño. Mostrar la producción en vivo fue un gran valor, tanto para los creadores como para el público en general, que pudo conocer cómo se realiza un producto, cómo trabaja su creador y generar un diálogo; formar un consumidor consciente de los procesos creativos ayuda a comercializar mejor los productos con diseño. El set fotográfico fue un gran atractivo y súper enriquecedor, ya que una de las grandes problemáticas en los proyectos es profesionalizar la imagen de sus marcas y, con esto, pudieron ver cómo se realzaban sus productos con profesionales de la imagen. En cuanto a las charlas, contamos con grandes profesionales, que entregaron sus conocimientos de manera desinteresada para capacitar al sector, con una gran audiencia. Creemos que pudimos contemplar todos los temas que hacía falta abarcar.

PP También, surge el desafío de encontrar la manera de cruzar a aquellos diseñadores que venden servicios de diseño, con los empresarios de todas las otras industrias culturales (editorial, música, videojuegos, audiovisual, artes escénicas). El diseño gráfico, el de identidad, aquél que ofrece vestuario, iluminación, ilustración, fotografía, profesiones que se desarrollan a partir de ofrecer sus servicios al resto del universo. www.mica.gob.ar

100

+

+ Diseñadores, artesanos, bailarines y artistas del país participaron de la Pasarela MICA.

CUANDO LA MÚSICA SUENA También en MICA 2013, se presentó la Plataforma Argentina de Música (PAM), un catálogo de exhibición de la industria nacional, disponible en una aplicación para tabletas, dispositivos móviles y Web. Presentado con el apoyo de la Sociedad Argentina de Autores y Compositores de Música (SADAIC), la Asociación Argentina de Intérpretes (AADI) y la Cámara Argentina de Productores de Fonogramas y Videogramas (CAPIF), el uso del PAM es gratuito para todos los productores y artistas de música de la Argentina, y se proyecta comenzar a gestionar acuerdos con otros países e instituciones.

Fer Isella, productor y director creativo en Limbo Music, y uno de los principales impulsores de la plataforma, ofreció más detalles sobre sus características y funcionamiento: “Estamos muy orgullosos de poder lanzar PAM: un espacio para conectar la industria musical local a nivel nacional y mundial. Muchas bandas ya están subiendo su material, y estamos ansiosos por escuchar las devoluciones que nos harán los productores acerca de las herramientas que precisarán para desarrollarla de la mejor manera”. Habrá distintos niveles de accesos: para usuarios, representantes, productoras, sellos y compradores. “PAM funciona como un espacio de intercambio para productores de música, managers, bandas y sellos discográficos. Si bien el objetivo principal no es que se transforme en un espacio para escuchar música, el público en general podrá acceder a los temas en streaming, navegando de manera sencilla por sellos, estilos de música, o utilizando un buscador de bandas y cantantes. Además, llegará a salas de conciertos, curadores y medios de comunicación”. www.pam.gob.ar

+ 101 INVITADOS INTERNACIONALES: CINZIA FERRARA Cinzia Ferrara fue invitada por la fundación Creatividad Ética, para brindar una charla en MICA. Su curriculum es por demás nutrido y calificado: es arquitecta y diseñadora gráfica, y está doctorada en diseño industrial. Desde 2009, es vicepresidente nacional de AIAP (Associazione Italiana Design della Comunicazione Visiva). También, es profesora del Laboratorio de Comunicación Visual en la Licenciatura en Diseño Industrial de la Universidad de Palermo, en Sicilia, Italia, y brinda clases y conferencias sobre diferentes temáticas, como la promoción de las colecciones en los museos y el packaging, este último, en la Academia de Bellas Artes de Palermo. Combina su tarea de investigación con la enseñanza y la organización de conferencias, exposiciones y talleres. Actualmente, trabaja en comunicación visual para la cultura y proyectos de imagen corporativa. Vive y trabaja en la ciudad de Palermo. + Viniste invitada por Creatividad Ética, para dar una charla en Tecnópolis.

CF Sí. Mi presencia está limitada al intercambio, para brindar una conferencia sobre diseño en ambientes culturales y, también, para participar en una mesa redonda sobre diseño. En MICA, mi contribución es una charla sobre un tema en el que vengo trabajando desde hace mucho tiempo. Mi tema de doctorado ha sido el diseño para proyectos culturales. Además, desde hace años, investigo la transformación en el mundo de la cultura a nivel internacional, pero con foco en Europa. Hoy, lo cultural también se traduce a un negocio, y lo mismo sucede en los proyectos culturales. En el campo cultural, hay más libertad de hacer, los museos grandes tienen mucho dinero para invertir, para hacer cosas grandes, mientras que no sucede lo mismo con los más chicos. + ¿Cuáles son los puntos clave de tu charla?

CF Indago en la transformación. Están cambiando los gestores y los consumidores culturales y, al mismo tiempo, la forma de comunicar.

+ Cinzia Ferrara. Foto: Maia Croizet @MaiaWATIO

Link a la nota: http://9010.co/mica2013

Para describir mejor esa transformación, me baso en antinomias: cómo eran las cosas en un museo en el pasado y cómo son hoy: que es más abierto; además de ver obras, se pueden hacer otras cosas, como tomar un café, encontrarse con amigos. Confronto pasado y presente, para evidenciar la transformación. Antes, la identidad visual era inmóvil, estática. Ahora hay muchas líneas, y la identidad es dinámica, cinética y se transforma. + Se supone que lo cultural se democratizó, ¿cuál es la contracara de esta apertura?

CF Todo esto cambia la realidad. Las organizaciones grandes pueden hacer trabajos de mega identidad (como el MoMA, el Brooklyn Museum), que tienen dinero para invertir y se muestran al mundo. ¿Pero qué pasa con los más chicos? Con la globalización, cada realidad, grande o pequeña, puede hacerse ver en la Web, por ejemplo.

No obstante, si nadie visita esa Web, no existe. La globalización puede ser una oportunidad para las pequeñas organizaciones culturales, pero también puede comérselas. Antes, el museo era el patrimonio de todos. Pero nadie pensaba que era dueño de esas cosas, porque era muy solemne; se tenía mucho respeto frente a las obras. Ahora, uno no sólo va a ver las muestras, también se visita la tienda de recuerdos, la biblioteca, etc. Uno tiene una experiencia diferente frente a la que se tenía en el pasado. + De todas formas, siempre es celebrada la apertura de nuevos y grandes museos. Por ejemplo, la de un Guggenheim en una ciudad de América Latina.

CF No es suficiente con sólo tener una gran arquitectura. Puede ser un proyecto bueno, pero que se convierta en un fiasco en cuanto a su contenido. La identidad visual puede aumentar su presencia, pero ser como una caja vacía, si no se complementa con el contenido. La arquitectura y la identidad visual por sí solas no resuelven el tema.

Se debe trabajar en conjunto, entre artistas y directores de museos, para lograr los resultados esperados. + www.aiap.it

102

+

+ Canon EOS M y NIkon 1 J3

Cámaras de sistema compacto

La opción ideal para los entusiastas de la fotografía El diseño de las cámaras fotográficas busca evitar intermediarios entre el lente y el sensor, abandonando los espejos internos de las clásicas réflex y sumando lentes intercambiables. Los principales modelos que ofrece el mercado. | Texto: Ricardo Sametband @rsametband

La culpa de todo la tiene Philippe Kahn. Bueno, no de absolutamente todo, se entiende. Pero reinterpretó una idea que Steve Sasson había tenido veinte años antes, y la llevó a un lugar inesperado. En diciembre de 1975, Steve Sasson tomó la noción de la fotografía -casi intacta, conceptualmente, por un siglo- y la dio vuelta. La sacó del siglo XIX, donde seguía viviendo, y la llevó derechito al siglo XXI, al crear el primer prototipo funcional de una cámara de fotos digital. Lo hizo para Kodak, compañía que -ironías del destino-, ya no está en el negocio de las cámaras de fotos, al declararse en bancarrota en enero de 2012 (ya superó el rojo fiscal, pero lo logró abandonando la fotografía). Kodak no pudo enfrentar con éxito dos cambios: el paso de la fotografía fílmica a la de bits, y la llegada de los celulares con cámara.

El primero en pensar en la unión de una cámara con un teléfono fue el francés Philippe Kahn, que quería compartir con el mundo el nacimiento de su hija Sophie lo más rápido posible, y vio en el celular -y más aún, el smartphone, nacido a mediados de esa década- el vehículo ideal.

Hoy, las cámaras en los celulares son algo normal: son, para muchos -aunque no para todos-, el reemplazo de la cámara de bolsillo. Tanto, que a la salida de Kodak se suma -aunque menos drástica- la visión

de Canon (el mayor fabricante de cámaras del mundo) y Olympus, que esperan que el mercado de cámaras de bolsillo se reduzca a la mitad en el año próximo, según hicieron público por estos días.

Las cámaras fotográficas se han estado reconvirtiendo en los últimos años, compitiendo precisamente con los celulares y con su historia. Además de sumar la posibilidad de grabar video, uno de los mayores cambios de la fotografía digital ha estado en la implementación, a mediados de la década pasada, en equipos de gama media y alta, de un diseño que abandona los espejos internos de las clásicas réflex, por un diseño que busca evitar intermediarios entre el lente y el sensor.

Así nació lo que se denomina cámara de sistema compacto (CSC, según sus siglas en inglés) o cámara sin espejos, de objetivos intercambiables (ILC, segús sus siglas en inglés). Suena más complejo de lo que es: el espejo en las réflex sirve para mirar por el visor, ver a través del lente, y apreciar así el encuadre real de una foto, en oposición a las cámaras de bolsillo que no son réflex, donde el visor se ubica junto al objetivo, y da una idea general -pero no exacta- del encuadre.

Hace casi diez años, alguien tuvo una idea genial: usar lentes de

+

ideas creativas 103 tecnología

2I

1I

4I 3I

1. Sony NEX-3N 2. Samsung Smart NX1000 3. Pentax Q10 4. Olympus PEN E-P5

buen diámetro y sensores grandes -claves para una buena calidad de imagen-, pero prescindiendo del sistema de espejos que obligan a hacer cámaras grandes, pesadas y caras: bastaba con ponerle una buena pantalla que mostraba lo que registraba el sensor, que a su vez es -ni más ni menos- lo que fotografiará la cámara. Así, hoy hay una enorme oferta de equipos con lentes intercambiables (teleobjetivo, gran angular, etc.) y sensores de buen tamaño, por lo general APS-C o Micro Cuatro Tercios (este último es más pequeño, pero aún así, tiene muy buena calidad de imagen); ambos elementos (lente y sensor) son mucho más importantes que la cantidad de megapíxeles de una cámara.

Los equipos sin espejo y con lentes intercambiables son ideales para los entusiastas de la fotografía, pero que son menos voluminosos (y más económicos) que una réflex digital. Y suman algunas funciones claves en 2013, como el compartir las fotos o videos en forma inalámbrica. Entre los modelos más notorios del mercado, está la Canon EOS M, por ejemplo, que tiene un sensor APS-C de 18 megapíxeles con sensibilidad ISO 25.600, montura para lentes EF-M, grabación de video en Full HD, captura hasta 4,3 fotos por segundo, pantalla sensible al tacto, entrada para micrófono y conector para un flash externo. La Fujifilm X-E1, mientras, tiene un sensor APS-C de 16 megapíxeles, sensibilidad ISO 25.600, pantalla de 2,8 pulgadas y visor OLED, controles analógicos o digitales, flash incorporado, montura Fujinon XF para los diez lentes disponibles, medio segundo desde el encedido a que pueda tomar una imagen, hace foco en una décima de segundo, es capaz de tomar hasta 6 fotografías por segundo. También graba video Full HD. Nikon mostró en enero último su modelo 1 J3, con un sensor CX (la mitad de superficie que un sensor de Cuatro Tercios) de 14,2 megapíxeles, que graba video en Full HD, y tiene un sistema de foco muy rápido, lo que permite tomar 15 fotos por segundo con foco continuo y 60 por segundo con foco fijo, además de incluir un flash y un visor de 3 pulgadas. El cuerpo de aluminio le permite llegar a los 200 gramos de peso; usa la misma montura que otros equipos Nikon 1. La Olympus PEN E-P5, anunciada en mayo último, es un

Link a la nota: http://9010.co/camcompacto

equipo con sensor MIcro Cuatro Tercios de 16 megapíxeles, con un obturador de 1/8000 segundos, un estabilizador óptico de 5 ejes y conexión Wi-Fi (se puede vincular a equipos Android/iOS, para ver en la pantalla del móvil/tableta lo que registra la cámara y disparar una fotografía). La pantalla de 3 pulgadas es táctil y es posible rotarla, toma videos Full HD y puede tomar hasta 9 fotos por segundo.

Panasonic, a su vez, ofrece la Lumix GF6, con sensor Micro Cuatro Tercios de 16 megapíxeles, sensibilidad ISO 25.600, pantalla sensible al tacto de 3 pulgadas que se puede inclinar, grabación de video en Full HD, Wi-Fi para copiar las imágenes a otro dispositivo y controlar la cámara en forma remota, NFC para vincularlos por contacto, 19 filtros para modificar la imagen en la cámara misma y flash incorporado. Pentax, por su parte, usa la montura Q para los lentes de su Q10, que tiene un sensor retroiluminado de 1/2,3 pulgadas y 12,4 megapíxeles, con una sensibilidad ISO 6400, estabilización del sensor, una pantalla de 3 pulgadas, la capacidad para grabar videos Full HD y un peso de 180 gramos, por lo que la compañía dice que es la más liviana de su tipo.

La Samsung Smart Camera NX1000 ($ 7299) tiene un sensor APS-C de 20,3 megapíxeles (ISO 12.800), que permite grabar video en Full HD. Además, puede registrar hasta 8 fotos por segundo, e incluye una antena Wi-Fi para subir fotos directamente a Facebook, Picasa y otros servicios. También tiene una pantalla LCD de 3 pulgadas, salida HDMI y un modo para tomar panoramas en 3D. La muy reciente Sony NEX-3N, por ejemplo, tiene un cuerpo compacto y liviano (210 gramos) e incluye un sensor Exmor de tamaño APSC, capaz de registrar fotos de 16,1 megapíxeles (con sensibilidad ISO 16.000) y graba video en Full HD. Además de flash, tiene una pantalla LCD que se puede rotar 180 grados y reconoce los objetos en pantalla para cambiar al modo de captura que más los favorece.

La montura E tiene 13 lentes disponibles. En la Argentina, Sony ofrece la NEX F3K ($ 7699), que es casi idéntica, pero tiene un cuerpo un poco más grande, aunque -al igual que el resto de las cámaras mencionadas aquí- sigue siendo mucho más compacto que una cámara réflex convencional. +

+ Anja Butti. Street.

portfolio fotográfico

Anja Butti | Curador: Aldo Bressi

Anja Butti es psicóloga, de nacionalidad sueca, y vive en la Argentina desde hace dos años. Ha realizado sus estudios de fotografía con Aldo Bressi.

Su búsqueda personal está orientada hacia la fotografía urbana y de denuncia social, utilizando el blanco y negro como instrumento de expresión artística. Captura sus imágenes con una cámara Canon de 35 mm, con preferencia de lentes fijos, como el 50 mm y el 100 mm. + www.anjabutti.com

Link a la nota: http://9010.co/anjabutti

+ Anja Butti. Street.

+ Anja Butti. Tango Los Aureles, Buenos Aires.

+ Anja Butti. Tango Los Aureles, Buenos Aires.

108

+

+ Exposición #18. Diseño contemporáneo Telas y Tapices. Catálogo de Alberto Churba. Diseño gráfico de J.C. Distéfano.

Instituto Torcuato Di Tella Diseño de un plan cultural La reciente exposición documental “El caso Di Tella”, realizada en la galería Documenta Art, en Buenos Aires, pone a disposición pública una serie de archivos privados sobre el Instituto. La minuciosa curaduría de Ricardo Ocampo y Claudio Golombek complementa los múltiples textos sobre la influencia del Instituto en el medio cultural, y permite diferentes lecturas transversales. | Texto: Wustavo Quiroga. Fotos: Gentileza www.documenta-art.com

clásicos contemporáneos

+ 109 diseño

+ Exposición #62. Olivetti: diseño y producto. Organización del catálogo CAV y Departamento de Diseño Gráfico ITDT.

Ricardo Ocampo y Mauro Álvarez son los responsables de Documenta Art, una galería especializada en temas de conceptualismo, mail art, arte acción y contracultura, entre otras particularidades.

Su acervo de originales nos posibilita realizar un análisis general del Departamento de Diseño Gráfico del ITDI y de las muestras de diseño que sucedieron en el CAV - Centro de Artes Visuales.

EL INSTITUTO En los años cincuenta, la empresa Siam Di Tella -fabricante de bienes de consumo masivo- decide crear un instituto para la investigación científica y cultural. Su vínculo cultural era fuerte, hasta el punto de ser la primera empresa argentina en acunar una agencia de diseño y comunicación dentro de su estructura, Agens. Su fundadores, conocedores del panorama internacional, estuvieron influenciados por el modelo de corporaciones americanas, que propiciaba el rol de extensión en educación y en cultura.

Por estas razones, en 1958, se creó el Instituto Torcuato Di Tella que, en su desarrollo, originó centros específicos para la cultura, las ciencias sociales y técnicas. El apoyo al arte permitió la creación de varios centros de estudio: el CAV - Centro de Artes Visuales, el CEA - Centro de Experimentación Audiovisual, el Centro

Latinoamericano de Altos Estudios Musicales, y llegar a esbozar el Centro de Estudio para Teatro. El Departamento Gráfico del Di Tella no fue un centro más, pero constituyó uno de los principales aspectos visibles del Instituto. A lo largo del tiempo, sistematizó la comunicación, y formuló una identidad cultural de elevado impacto público, cuya influencia llegó a las empresas nacionales de entonces, y a la historia del diseño después.

El DEPARTAMENTO GRÁFICO La familia Di Tella conocía la importancia del diseño en las vanguardias artísticas, y procuró un espacio para la experimentación de calidad. Convocado por Guido Di Tella (hijo del fundador de la empresa y principal propulsor del Instituto), el artista y grafista Juan Carlos Distéfano fue el director y principal responsable del Departamento.

Este Departamento nunca ocupó un espacio físico relevante en el ITDT, primero estuvo contiguo a la cabina de sonido del teatro, y luego en un entrepiso de la misma área. Al comienzo, Distéfano trabajó de manera independiente (aunque desde Agens, existieron apoyos, como el del planificador Frank Memelsdorff); luego lo acompañaron importantes colaboradores, que sumaron su impronta a la identidad comunicacional.

110

+

+ Exposición #24. Juvelo, juguetes didácticos. Ganador del Primer premio Sólido de Cobre, diseño de Jacobo Glanzer.

+ Exposición #24. Heladera modelo Siam 100. Ganadora del Primer premio Sólido de Cobre. Siam Di Tella Electrodoméstica S.A.

Se incorporaron Humberto Rivas -quien sumó la fotografía y el estilo gráfico-, luego Juan Andralis -que atendió de manera especial las puestas tipográficas- y, por último, los jóvenes Rubén Fontana, Norberto Coppola y Carlos Soler, consolidando el equipo.

Los materiales y sus métodos de aplicación se beneficiaron con la experiencia y el trato continuo con proveedores. Ejemplo es la imprenta Anzilotti S.A., con quien se capacitaron mutuamente en los procesos técnicos y creativos, facilitando ajustes o creaciones a pie de máquina.

El área de fotografía tomó cuerpo, hasta formar un departamento anexo al funcionamiento de gráfica. Entre los colaboradores, estuvieron: Grete Stern y Sameer Makarius. Los aportes múltiples se manifestaron en mayor medida en la Editorial del Instituto, donde se cruzaban gráficos, planificadores de contenidos, correctores y fotógrafos.

Algunas piezas son verdaderos “objetos” de colección. El catálogo de “Surrealismo en la Argentina” (1967), contó con una edición de tapas en tela negra con el rótulo engrapado, y otra edición especial con tapas duras blancas, que contenía un folio con 36 diapositivas rotuladas; el catálogo “Más allá de la geometría” (1967), con encuadernación cruzada, y en su interior, una serie de cortes aplicados en las esquinas del papel, que virtualizaban la pieza editorial.

PAPELES, COLORES, POCO DINERO Y TIEMPO El Departamento de Gráfica del Di Tella se caracterizó, entre varios aspectos, por una economía de recursos técnicos, hábilmente implementados. Los diseños a una y dos tintas, la escasa utilización de fotocromos y cuatricromías, la impresión artesanal y la variación de papeles, utilizando diversas calidades, según la necesidad de reproducción, fueron algunos de sus tópicos.

DISEÑO EN PLAN GENERAL El diseño era un factor común en el Instituto. En 1963, cuando el proyecto para los Centros de arte se conglomeró en el local de Florida 936, le solicitan al estudio de arquitectos Bullrich & Testa la remodelación y diseño interior. Las instalaciones con-

+ 111

+ Exposición #24. Primero y Segundo Concurso de Diseño Industrial. Diseño gráfico de J.C. Distéfano.

taron con mobiliario moderno para la biblioteca especializada y el café, y con tecnología para los laboratorios fotográfico y electrónico.

este paisaje entonces? Puede ser tan válido como cualquiera de los otros paisajes en los que puso su mirada el artista para manifestar la inquietud de vivir”.

El director ejecutivo del Instituto, el ingeniero Enrique Oteiza, tenía su oficina en la misma sede de Florida, aspecto que incentivó los vínculos cultura-empresa, arte-industria, diseño. Muchos de los artistas que allí circulaban producían arte pop, arte de masas y, como parte del abanico de propuestas, realizaban diseños de su autoría.

En él se realizaron exposiciones como “Diseño contemporáneo: telas y tapices” (1964) de Alberto Churba, Fiesta Rasti -para niños- (1964), y otras organizadas por el CIDI / INTI: “Primero y Segundo Concurso de Diseño Industrial” (1964) y “Olivetti: diseño y producto” (1969).

Edgardo Giménez (multifacético en el amplio sentido), Dalila Puzzovio (diseñadora de zapatos), o Delia Cancela y Pablo Mesejean (vinculados a la moda), entre otros, que interiorizaban al diseño como parte de su cotidianidad. El CAV, que funcionó hasta 1969, sirvió de sede para algunas exposiciones de diseño. Su director estrella, Jorge Romero Brest, presentaba así el tema: “...el paisaje que crean los productos industriales es lo único que nos impresiona, modificando las ideas, los sentimientos y deseos, los mandatos y hasta las anticipaciones metafísicas. ¿Cómo no profundizar en

Link a la nota: http://9010.co/instditella

El debate acerca del diseño, se enriquecía constantemente. Tomás Maldonado aportaba en el catálogo del Concurso de Diseño Industrial: “¿Es el diseño industrial una actividad artística? Y si lo es, ¿con qué clase de artística está emparentado? Y si el diseño industrial no puede ser llamado una actividad artística, ¿dentro de qué otro dominio de nuestra civilización puede clasificarse? ¿La ciencia o la ingeniería, tal vez? ¿O es un nuevo fenómeno, para el cual es preciso encontrar una relación cultural nueva, independiente del arte, de la ciencia y de la ingeniería, pero indirectamente vinculadas a ellas?”. +

112

+ english summary Milan Design Week Strolling along Design Week

Translated by: Lucrecia Bertani @lulubertani

Pages 046-057

In the outskirts of Milan, in Rho Fiera, Il Salone del Mobile is displayed. It has celebrated its 52nd version this year and among its main features, traditional materials, ancient techniques and new languages were displayed. This became apparent in the biennial Euroluce, so did the desperate attempts to draw attention with opulent and lavish resources, both seen morphologywise and in the choice of materials, and construction techniques.

In the SaloneUfficio, the frenchman Jean Nouvel presented the installation “Project: Office for living”, where the idea that the office is an environment not only for work, but also to live in is raised. This premise is reviewed from five viewpoints in five interconnected enclosed spaces, which entail retrospective to avant-garde designs, conveying that different relations between creativity, inspiration and enjoyment can be accomplished in a space that has been properly set up.

Within the same pavillion, the Salone Satellite took place. It hosts designers which are not beginners, but not yet acclaimed. This year, the theme of the event aimed towards the contribution of crafted processes to the future of design, as well as the perspectives offered by new technologies. This is why this edition featured wood, glass and metal workshops (hand-crafted techniques that are tightly linked with industrial production), and a workshop aimed at studying the influence of digital manufacture and 3D printing in the industry.

Fuorisalone The Street School “Furisaloning” is also, a design injection. It is more open, anarchic and, above all, more extense, because the Design Week in Milan takes up the whole city. The main locations are the Temporary Museum for New Design en Zona Tortona, with very varied expressions of design, be it because its specialised area, craft, quality or concept. Industrial design, product design, equipment or interior design are uppermost, along with a couple of expressions of conceptual design (new media), very close to art.

On the other hand, the Triennale is the temple of design by excellence, and every year it pairs the Design Week, supporting and complementing it, adding meaning and context to it. Located in one of the endpoints of Parco Sempione, it is a main three-storey “zapping”.

The storeys are filled with design. Starting by the highest, an exhibition of Taiwan furniture and a flashback to Italian design (Sindome dell’Influenza), which exhibits famous products, some installations in homage and many luscious samples that show the design process, very valuable, not only this week.

Brera is the design district which is closest to the city centre. There, numerous shops of trendy and even chic design are found, not major brands but designers with their own personal style. On the other hand, the Ventura Lambrate sector can be found in a part of town which used to be industrial, nowadays what used to be storage buildings are being used as offices or schools. Finally, Rossana Orlandi is a design and interior décor emporium, featuring design d’auteur very close to art, witty, edgy, capricious, acute, but always keeping up an outstanding mastery of the craft.

Piero Lissoni Time is Flexible

Pages 058-061

Describing this Italian architect’s work could be narrowed down to a simple phrase: design in all its variants. From houses, big hotels and furniture design to corporative identity and interior design for yatchs. Nothing is out of reach for Piero Lissoni, the architect that believes that time is flexible. The renown brands that studio Lissoni Associati has worked for include Kartell, Knoll International, Porro, Alessi, Boffi, Cappellini, Cassina, Flos, Living Divani, Poltrona Frau, Tecno y Thonet and others. These include certain incursions in fashion, designs for Italian brand shops, like Benetton, and a showroom and corporative identity for the New York based designer Elie Tahari. + What inspires you when it comes to design?

PL I adore the pure forms and the humanistic sensitivity. I like the transparency and the spatial proportions found at Mies van der Rohe’s buildings. I love Venice, with its beautiful restored 15th Century

palazzos that face the Grand Canal, filled with rooms covered with frescos. But in my works I try to include order and beauty every day, with a serene elegance.

Isol The Adult Child

Pages 062-065

Marisol Misenta (also known, within the universe of picture books for children, as Isol) has just won the prestigious Swedish award Astrid Lindgren, which established her once again as an author and illustrator internationally. Isol’s work outstands for having such a clear and tangible narrative that makes her unusual. Along with a freeflowing style that takes us to universes where the illustrated characters exchange the main role with the reader, to the beat of their own reading.

“I don’t want to do anything antropological for children. I don’t work for anybody other than myself, not even for the girl I used to be. If I was to think harder about it I would get stuck. If it touches me, I am doubtless that other people will feel attracted; adults would become interested and in consequence, children would too. What I do is part of who I am, what makes me laugh, what intrigues me, what touches me... It is part of being alive! I feel that I am empathic towards children, that I can be in their place because I understand the code; I don’t get too tangled up trying to study them”.

Wete Sources of Inspiration

Pages 066-069

Wete is a little independent graphic design studio in Barcelona, headed by Juan Ramón Pastor Rovira, with a specialism in typography, illustration and graphic design. His spectacular typographies are internationally acclaimed and have led to the creation of the type foundry Ultratypes. + How is the process of creating one typography?

W I generally go through the same process: I start sketching a few letters, specially the word “nova”, which will provide me with some essential shapes to build the rest of the letters (for instance from the n and the o we can create h, r, b, p, q, i...). Then I start digitalizing, which quite depends upon the shape and complexity of the letters.

As I design the characters in fontlab, I attempt to try the spacing and not leave everything for the last bit. It is very important that we do the metrics and kernings manually; there is no trick that works well, really. So, depending upon the complexity we can turn the design of typos into a simple and formal exercise (that we can develop in a matter of days), or in a complex designing exercise that can take us months.

Anyhow, it is always important to set ourselves deadlines.

PuroDiseño Fair A Growing Trend

Pages 070-073

With the motto “Collect and Connect to Design”, about 350 exhibitors presented, in an avant-garde manner, the best of regional design in one of the more awaited fairs of the year. This year (from 21st May to 26th May), the invitation received the “connexionists”, the people who connect to designers, to their work and add it to their own collection of beloved elements. And through this “design display window”, we could learn the new lifestyle trends, super creative ideas and different products crafted out of recovered materials like wood or cardboard, seeking to take good care of the environment.

Google I/O 2013 Pages 074-077 What Does the Massive Search Engine Propound?

Google’s annual event (which took place in San Francisco, US, from 15th May to 17th May) summons thousands of developers from all over the world that, along with their representatives in the industry and the big names from the tech press, congregate to get acquainted with the way this massive search engine plans to change their millions of users’ daily lives.

From Google+ to Maps, and something as central as web searching, most of the key products in Google’s ecosystem have been renewed, with a clear aim at improving and integrating the users’ experience and making it more consistent through their various products. Without groundbreaking announcements regarding hardware (like in the last event where the project Google Glass was presented), the

english summary

massive search engine announced many important advances in their products and showed how it has been developing new ways of transforming its large amount of data into new services. What stood out was Google’s API’s “magic” and its new algorythms, Google+’s redesign and its integration with its Hanghouts, an improvement in Google Photos, and Maps, now integrated with Google Earth.

Puma Urban Art Urban Access

Pages 078-080

The sixth edition of Puma Urban Art summoned over 30 thousand people in Centro Cultural Recoleta in Buenos Aires. During three days where the entrance was free, the attendants found themselves in a space where they could interact with different urban expressions. A proposal that mixed graffiti, kustom art, a search through digital art, the groundbreaking proposal of tweet art, conferences, music and a bit of pin-up girls. While the expositions were taking place, conferences were held, and documentaries and videos were shown. Tristan Eaton and Jimbo Phillips came straight from the US, both being leading figures when it comes to street art.

Automotive Technology Inventions on Wheels

Pages 082-084

Technological advances that favour the automotive industry are the order of the day. Many of them are already in use, like the air conditioner -which is now combined with the climate control, to choose a temperature and maintain it-; the active security system called “Fatigue Detection” detects the driver’s first hints of fatigue or tiredness; the hybrid technology; the “Keyless” technology, that allows the driver to enter the car and start it without the need for a regular key; and the now usual sensors: rain and parking sensors. Other advances are in trial period, and pledge to be revolutionary: radar system in the windshield to prevent crashes; inflatable rear seatbelt and a seat capable of monitoring heartbeats, in terms of healthcare for the driver. arteBA The Main Event for Contemporary Art

Pages 086-090

The fair of contemporary art arteBA has grown exponentially in the last decade. It has wisely educated and cultured new collectionists -whether people or businesses-, and it has also turned the fair into the main contemporary art event, to which curators, critics and international institutions assist in order to buy Argentine pieces for big museums.

This year most of the main segments of the fair were conducted by international experts and not by local professionals. It is a good strategy to raise the level of the fair to an international one, and for foreigners to delve into Argentine production. The U-Turn space was transformed into one of the most interesting ones of the fair. This year, the most remarkable pieces were seen in the Argentine galerist Nora Fisch’s segment, especially Gastón Pérsico’s proposal. In the Barrio Joven sector -which condensates proposals organized by new artists or galerists eager to enter the commercial circuit-, the best was delivered by the collective La Hermana Favorita from Rosario city and the spaces by Ruby and Galería Inmigrante from the City of Buenos Aires. Finally this year, the Petrobras contest was based upon the concept of movement and won by Enrique Jezik with a piece titled “Aguante”.

MICA It is the Cultural Industries’ Turn

Pages 092-097

The second edition of Mercado de Industrias Culturales Argentinas (MICA) was held this past April, in Tecnópolis. It featured expositions, talks, business rounds, training workshops, aiming at the promotion of cultural industries and at taking them one step forward. Showcases of live music were held, indie and well known artists recorded. Even a musical Hackaton took place, which resulted in the making of 7 new musical instruments and over 50 indie labels from all over the country that uploaded part of their catalogue to the recently launched Plataforma Argentina de Música (PAM). In the Design section, conferences and a large amount of rounds were held, with buyers and national and international curators. Also, a fashion show -Pasarela Nacional- was organized. 26 designers participated, along with artisans from the Mercado de Artesanías Tradicionales of Argentina.

Compact System Cameras An Ideal Option for Photography Enthusiasts

+ 113

Pages 102-103

Besides adding the possibility of recording video, one of the major changes in digital photography is the implementation, in the mid2000s, in top and mid quality gear of a design that discards the mirrors that the classic reflex cameras used to have, for a design that seeks to have no go-betweens between the lens and the sensor.

This is how it was developed what’s called Compact System Camera or Mirrorless Interchangeable-Lens Camera. It sounds more complex than it actually is: the mirror in the reflex cameras is used to look through the viewfinder and through the lens, and thus appreciate the real framing of a photo. In contrast to pocket cameras, which are not reflex, where the viewfinder is next to the lens and the photographer gets a general idea (not an accurate one) of the framing. Mirrorless and with interchangeable-lens cameras are ideal for photography enthusiasts and are smaller and less expensive than digital reflex cameras. In 2013, some key features were added, such as the wireless sharing of photos and videos.

Portfolio Anja Butti

Pages 104-107

Anja is a Swedish psychologist who has been living in Argentina for two years. She has studied photography with Aldo Bressi. Her soulsearch is oriented towards urban photography and social denouncement, black and white being her instrument for artistic expression.

She takes her pictures with a 35mm Canon camera, with a preference for fixed lenses like the 50mm and the 100mm.

Torcuato Di Tella Institute Design of a Plan for Culture

Pages 108-111

The recent exposition-documentary “El caso Di Tella”, which was held in the Documenta Art gallery in Buenos Aires, made public a series of private files about the institute. The thorough curing by Ricardo Ocampo and Claudio Golombek complements the many texts about the institute’s influence to culture and allows different cross-readings.

Ricardo Ocampo and Mauro Álvarez are responsible for Documenta Art, a gallery specialized in conceptualism, mail art, action art and counterculture among other distinctive features. Its collection of original pieces allows us to analyze the Graphic Design Department of the ITDI and the design expositions that took place in the CAV (Centro de Artes Visuales).

In the 50s, the firm Siam Di Tella (manufacturer of goods of mass consumption) decides to create an institute of scientific and cultural research. Its cultural bond was strong, to the point of becoming the first Argentine firm to launch a design and communication agency within their structure, Agens. Its founding members, acquainted with the international panorama, were influenced by the model of American corporations that contributed to the extension of education and culture.

The Di Tella family knew about the importance of design in the artistic vanguards, and strived to create a quality space for experimentation.

It was summoned by Guido Di Tella -son of the firm’s founder and main promoter of the institute-, and the artist and graphic designer Juan Carlos Distéfano was the leader and head of the Department.

This Department has never taken up a substantial physical space within the ITDT. It was initially next to the theatre’s sound cabin and then in a mezzanine level within the same area. In the beginning, Distéfano worked independently (though he was somehow supported by Agens, for example by the planner Frank Memelsdorff); later, he was accompanied by important collaborators, who added their signature to the communicational identity.

Humberto Rivas, who added his photography and graphic style, was brought in. Then, Juan Andralis, who paid special attention to typographic models, joined the team. Finally, the young Rubén Fontana, Norberto Coppola and Carlos Soler became members of the team. The photography area grew until it became a department adjoined to the functioning of graphics. Amongst the collaborators: Grete Stern and Sameer Makarius. The many contributions were majorly expressed in the Institute’s Editorial, where the work of graphic artists, content planners, correctors and photographers could be seen. +

+44 90mas10.com info@90mas10.com

facebook/90mas10

conexión En kioskos de revistas y en las librerías: Tienda Palacio Honduras 5272 / Defensa 926 Interior El Pasillo Libros Diagonal 78 Nº 680, La Plata

Mar Del Plata Fray Mocho Libros Rivadavia 2702 Brecher Moreno 2623 Libros de la Arena Güemes 2717 Rosario Librería técnica Binetti Córdoba 981 Librería Ross Córdoba 1347 Librería técnica 3 Córdoba 1354 Villa Gesell Casa Bohm Av. 3 Nº 464 Ciudad de Córdoba Amerindia Caseros 253

Formato papel. Los que se suscriban a reciben como obsequio un ejemplar del CD Sampler 4 de Casa del Puente Discos, con los más recientes lanzamientos nacionales e internacionales del exquisito catálogo del sello. Altocamet, The Radio Dept., BK, Asobi Seksu, Emisor, Deerhoof y Jerónimo Escajal son algunos de los artistas que participan de este compilado que, además, incluye tracks inéditos de Altocamet, Doma Tornados y Flavio Etcheto. www.casadelpuentediscos.com Escribir a suscripcion@90mas10.com.ar o comunicarse con las siguientes librerías:

A través de Librería técnica CP67, se puede conseguir por pedido en las librerías:

La Plata Éxodo Calle 1 Nº 713 Rayuela Libros Plaza Italia Nº 10 Librería Arq. Nélida Lugo Calle 47 Nº 162

http://gplus.to/90mas10

SUSCRIBITE A 90+10

¿Dónde consigo 90+10?(*) Ciudad de Buenos Aires Librería técnica CP67 Florida 683 Local 18 Librería Concentra Montevideo 938 Librería Prometeo Honduras 4912 Tienda Malba Av. Figueroa Alcorta 3415

twitter/90mas10

Amerindia Dos Vélez Sarsfield 252 El Mundo del Libro Obispo Trejo 4 Maidana Libros Dean Funes 175 y 199 Ciudad de Mendoza Librería técnica Mendoza Rivadavia 24 Mauro Yardin Librerías San Martín 2551 Chaco Librería de la Paz 9 de Julio 359-361 Chipako Juan B. Justo 90 S.M.de Tucumán La Feria del Libro Muñecas 260 El Griego Libros Muñecas 285 Librería Universitaria Ayacucho 401

(*) Consultar números anteriores en info@90mas10.com.ar

Librería Concentra Montevideo 938, Ciud. Bs As. Tel./Fax (+54 11) 4814-2479 libreria@concentra.com.ar | www.concentra.com.ar Librería técnica CP67 Florida 683 - Local 18, Ciud. Bs. As. Tel. (+54 11) 4311-8988 / 4314-6303 Fax (+54 11) 4314-7135 cp67@cp67.com | www.cp67.com

NUESTROS LECTORES ofrece a sus lectores un espacio para compartir lo que mejor saben hacer. Contanos qué estás haciendo a info@90mas10.com.ar PIZARRAS ORIGINALES Luma Club de Diseño es un estudio conformado en 2010 con un pantógrafo láser como herramienta de producción principal. Sus integrantes, Lucía Estévez y Mariano Suifett, ante la necesidad de explorar posibilidades y materiales, decidieron generar la línea de productos denominada “Tizarrón”. Productos de diseño, decorativos y lúdicos; pizarras de tres tamaños diferentes, con formas atractivas, adaptadas para niños y adultos. Realizadas en pizarra negra, todas son imantadas y vienen acompañadas de un packaging de cartón corrugado integrador de la pizarra, los portatizas, el manual de instrucciones y la superficie metálica, para el colgado en la pared. Perfectas para anotar, dibujar, recordar luego borrar y volver a escribir. + www.lumaclub.com.ar