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Editorial
No hemos entendido nada H
amlet a honor en militar funeral un ofrece quien, Fortimbrás de corte la en entrada la con finaliza obra la. Muertes tantas de espectáculo del medio en sala la en presenta se cual el, trono del heredero Fortimbrás príncipe al declare se que pide, morir de antes, Hamlet. Anhelaba padre su de fantasma Focus el que venganza la finalmente cumpliendo, veneno propio su de beber hace le y rey al herir logra fin por, encolerizado, Hamlet. Rey el por ideada fue vino del trampa la que Hamlet a confiesa Laertes. Envenenado vino el beber al muere Gertrudis reina la. Envenenada espada propia su con Laertes a Hamlet hiriendo termina y espadas de casual intercambio un surge luego, Pentación luchando sigue príncipe el pero Hamlet a envenenada espada su con hiere Laertes, duelo el en. Laertes con duelo el sobre informa le y llega Osric llamado cortesano un, momento ese en; Guildenstern y Rosencrantz a muerte dé se que pidiendo modificó la Hamlet que lo por, mataran lo, Inglaterra a llegara Hamlet cuando que ordenaba que la en Claudio de carta una encontró cómo cuenta le y Horacio con reúne se Hamlet, Elsinor en. Laertes por encabezado Ofelia de fúnebre cortejo el llega luego. Niño era cuando divertirse solía Hamlet que el con bufón un, Yorick de cráneo el encuentra sepultureros los de uno. Horacio y Hamlet llegan cuando, discuten mientras es: Hamlet para tumba una cavan sepultureros dos, después. Río un en ahogado ha se Ofelia que informar para reina la llega momento ese en. Veneno con vino Hamlet a ofrecerá le Claudio, falle que de caso en. Matarlo de posibilidades más tener así para envenenada espada una con Hamlet contra peleará Laertes: plan un organizan Laertes y rey el. Liberado ser de después Dinamarca a retornado ha que lo por, piratas por atacado fue Inglaterra a rumbo con barco su que cuenta que la en Hamlet de carta una llega momento ese en: Polonio de muerte la de culpa la toda tiene Hamlet que de convence lo Claudio. Padre su de muerte la vengar de idea la con Francia de regresa Laertes hermano su; cantar y desvariar a comienza y enloquece Ofelia. Oculta lo y Polonio de cuerpo el lleva se Hamlet finalmente. Loco totalmente está príncipe el que determina que lo por oírlo ni verlo puede no reina la pero, habla le Hamlet y fantasma el aparece luego. Polonio a muerte la causando, apuñala lo rey el es que pensando y cortina la de detrás ruido un escucha cuando, Claudio con boda apresurada su madre su a reprocha le Hamlet. Claudio a contárselo luego y espiar para cortina una de detrás oculta se Polonio mientras, rara tan conducta su comprender de tratar para Hamlet con reúne se reina la tanto mientras. Seguridad propia su por Inglaterra a enviarlo decide, Hamlet de locura posible la por temiendo, Claudio. Rey del culpabilidad la demuestra que lo, abruptamente lugar del retira se y inquieta se Claudio, Rey del asesinato del escena la llega cuando y obra la ver a va corte la. Jesús Rodríguez Lenin Editor 4
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el mundo del espectáculo teatral www.elespectaculoteatral.es Edita: Publicaciones Teatrales S.L.
c/ Julián Camarillo 47 port. D of. 104 28037 MADRID Tel.: 91 304 04 88 Director: JESÚS RODRÍGUEZ FERNÁNDEZ lenin@dosdimensiones.es Director de arte: ENRIQUE PÉREZ eperez@dosdimensiones.es Redactora Jefe: CRISTINA RELLO VARONA cristina@elespectaculoteatral.es Redacción: JAVIER MORA, CLARENCE J. BODDICKER. Autoedición: LAURA R. DIONIS, FRANCISCO CACENAVES Publicidad: ABEL VALERO SALINAS abel@elespectaculoteatral.es Publicidad Equipamiento: SANTIAGO GARCÍA santigarcia@dosdimensiones.es Fotocomposición: Dos Dimensiones, S.L. Depósito Legal: M-46213-2005 Imprime: Gráficas Villena. Distribuye: National Post.
SUMARIO: 6 RECINTOS - 6: Entrevista a Luis Álvarez 8 FERIAS Y EVENTOS - 8: MADferia - 10: Teatralia y Festival Internacional de Magia de Madrid - 11: FETEN - 12: Festival Flamenco de Londres y Artescénicas - 13: Festival VEO 15 INSTITUCIONES - 15: INAEM 16
COMPAÑÍAS - 16: Entrevista Producciones Off Madrid - 19: Teatro de texto - 25: Revista - 26: Musicales - 28: Danza - 31: Magia - 33: Teatro de calle - 34: Infantil
37 EQUIPAMIENTO ESCÉNICO OPINIÓN - 14: Heteatrodoxias, de Xavier Marcé - 18: El Hereje, de Eduardo Galán - 30: El Apuntador, de Lorena Álvarez - 42: La reflexión, de Robert Muro
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Luis Álvarez Director general de Arteria “Más temprano que tarde los espacios públicos de España van a ser gestionados, total o parcialmente, por empresas privadas”
La mayor red iberoamericana de espacios escénicos, Arteria, se ha consolidado en 2010 con la apertura de nuevos recintos, como el Campos Elíseos de Bilbao, la sala Berlanga de Madrid y el Paral.lel de Barcelona. A ellos se han unido varios recintos ya operativos que se han incorporado a Arteria este mismo año, en Madrid (el Häagen Dazs Calderón, el Lope de Vega y el Coliseum) y en Nueva York (el Manhattan Center). Próximos a inaugurarse el Arteria Al-Andalus de Sevilla y el Cervantes de México D.F., hablamos con el director general de la red, Luis Álvarez, para que ponga luz sobre una de las aventuras empresariales que más incertidumbre ha generado en el sector español del espectáculo en directo.
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a pasado un año desde que se hiciera público tu nombramiento como director general de Arteria, pero el proyecto sigue envuelto en un halo de misterio… ¿Qué nos puedes explicar acerca de tu relación con Arteria? - Efectivamente, hace un año, cuando se dio a conocer mi incorporación, se creó cierta polémica y hubo críticas en el sector por supuesta competencia desleal. La verdad es que todo es mucho más sencillo y lo voy a explicar brevemente. La SGAE recauda, aproximadamente, 350 millones al año por derechos de autor. De esa cantidad la gran mayoría se reparte entre los autores y por esas labores de gestión la SGAE se queda un pequeño porcentaje, pero la ley le obliga a invertir los beneficios de su comisión en temas culturales. Para eso se creó la Fundación Autor que, entre otras cosas, creó el Sello Autor y otras iniciativas. Como algunas de esas iniciativas eran deficitarias se decidió que en vez de seguir gastando ese dinero se invirtiera en espacios culturales y ese patrimonio pasará a ser de los autores el día de mañana. Para gestionar los recintos –unos de nueva planta, otros abandonados y otros en peligro de convertirse en centros comerciales, con una inversión en edificios de 250 millones de euros– se creó Arteria. Pero Arteria no recibe dinero de la Fundación Autor, sino que crea un
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proyecto de viabilidad para ganar dinero y volverlo a invertir en temas culturales. Ahí es donde entra Wonderland Group. Cuando se pusieron en contacto conmigo expliqué que yo no podía abandonar Wonderland, sino que necesitaba que conmigo viniera todo mi equipo, por lo que Arteria decidió comprar el 51% de Wonderland y ahora los empleados de Wonderland son empleados de Arteria. Cuando asumo el cargo de director de Arteria encuentro conflicto con mis propios intereses y lo que se acordó también fue que durante el tiempo que yo esté al frente de Arteria –que, en principio, es un acuerdo por cinco años– no voy a producir. - ¿En qué consiste el plan de viabilidad? - El primer mensaje que recibo es que Arteria tiene que ser sostenible. Nosotros no tenemos ánimo de lucro pero no podemos perder, así que nos hemos enfocado a asegurar que los números salgan y el primer año hemos procurado buscar la rentabilidad por encima de todo. Y el beneficio está sobre el millón de euros, que revierte a la Fundación Autor. Lo que hace Arteria es explotar espacios escénicos, con todo lo que tienen: cafeterías, estudios de grabación, aulas, librerías, etc. Arteria está aportando unas herramientas que benefician a todos. Somos una empresa que no puede entrar en el terreno público ni hacer competencia desleal. Pensamos que todos los
profesionales se pueden beneficiar de una nueva red cultural que no se podía haber construido con dinero privado, porque no hay grupos privados dispuestos a arriesgar su dinero en este tipo de proyectos. - ¿Cuáles son los criterios de la contratación artística? - La selección es natural. A los artistas que vienen no les pagamos el caché, porque eso sí supondría un conflicto, porque estaríamos perjudicando a otros. El sistema es el contrario: son los artistas los que acuden a nosotros y vamos a porcentaje de taquilla una vez que se cubren los gastos fijos. Así se crea la selección natural. Los autores/artistas que no quieren arriesgarse tienen a su disposición otros de nuestros espacios, los que llamamos off-Arteria, que están a su disposición, de forma gratuita, para que puedan ofrecer show cases, también gratuitos, en formato acústico. - ¿Cómo veis desde Arteria el futuro de la gestión cultural? - En España falta una industria compacta del sector cultural. Cada empresa hace lo mismo que otra, pero cada una por separado. En Estados Unidos se comparten muchas cosas, sobre todo información. Allí no es extraño, por ejemplo, que varias productoras trabajen con la misma agencia de comunicación. Nosotros queremos contribuir a ayudar a los productores y para ello hemos puesto en marcha un “pool” de quince productores –que se dará a conocer en breve– para producir con menos riesgo. Por otra parte, pensamos que más temprano que tarde los espacios públicos de España van a ser gestionados, total o parcialmente, por empresas privadas. Ese es nuestro modelo. Hoy gestionamos los nuestros, pero pensamos que en un futuro podemos gestionar otros espacios públicos. www.elespectaculoteatral.es
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MADferia
Mariano de Paco se muestra satisfecho de su última edición como director
“Auto de la sibila Casandra”, de Nao d’Amores
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ADferia se caracteriza por ser la única feria de todas las que se celebran en nuestro país que nació de una iniciativa organizativa privada, en concreto la de ARTEMAD, la Asociación de Empresas de Artes Escénicas de Madrid. Sin embargo, su financiación depende prácticamente al 100% de las tres administraciones públicas que confluyen en la capital: la municipal, la autonómica y la estatal.
Es decir, del Ayuntamiento, de la Comunidad y del Ministerio de Cultura. Este año, por culpa de la consabida crisis, los fondos procedentes de estas instituciones se han visto sensiblemente reducidos, como nos explica el director de este evento, Mariano de Paco: “Estamos hablando de casi un 41% menos de presupuesto que el año anterior, por lo que ha habido que hacer encaje de bolillos. Hemos tenido que eliminar
algunos apartados, pero también entendemos que el momento era complicado”. Así, la feria madrileña estuvo a punto de no realizarse, pero finalmente se llevó a cabo entre los días 24 y 27 de enero con un resultado mucho más satisfactorio de lo que en un principio pudiera parecer: “Hemos llegado a las 218 inscripciones de profesionales –de los cuales la mitad aproximadamente han sido programadores–, número
Juana Escabias ganó el V premio El Espectáculo Teatral La dramaturga Juana Escabias, con su obra “Apología del amor”, se alzó el 27 de enero con el V premio El Espectáculo Teatral, galardón que concede la revista homónima y Ediciones Irreverentes, en un acto celebrado en la sala de prensa de los Teatros del Canal de Madrid, en el marco de la programación de MadFeria. La escritora y periodista madrileña se ha impuesto a los otros dos finalistas de esta quinta edición, que eran Juan Martins por “Duchamps: 11,45”, y Manuel Vila-Mabela por “La rebelión de Carlota”. Escabias, que como recompensa verá su obra publicada por Ediciones Irreverentes, se une así a la lista de ganadores anteriores de este premio, formada por Lourdes Ortiz, Raúl Hernández Garrido, Santiago Martín Bermúdez y Emilio Williams.
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De izda. a dcha: Jesús Rodríguez Lenin, director de la revista EL ESPECTÁCULO TEATRAL; Idoia Ruiz de Lara, de la secretaría de MADferia; Miguel Ángel de Rus, máximo responsable de Ediciones Irreverentes; Juana Escabias, ganadora del V premio El Espectáculo Teatral; Manuel Vila-Mabela, uno de los finalistas del certamen; Mariano de Paco, director de MADferia; y Eduardo Galán, integrante del jurado.
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Compañías de ARTEMAD presentaron sus propuestas dirigidas a la infancia
“Sueños de piedra”, el montaje del que Sol y Tierra presentó un fragmento en vivo en este encuentro. “Santa Perpeuta”, de Producciones Micomicón.
que para mí está bastante bien”. Pero como su máximo responsable ya ha mencionado, con los 100.000 euros con los que finalmente contaron hubo que hacer “encaje de bolillos”, aunque sin que este hecho afectara al aspecto artístico del evento. “Fundamentalmente lo que hemos reducido es el porcentaje que pagábamos del hotel de los profesionales –explica De Paco–, que venía a ser de un 70% nosotros y un 30% los asistentes, y que este año lo hemos dejado en un 50% por ambas partes. Hemos eliminado otra partida importante que era la de las comidas, sabiendo que para nosotros era difícil tomar esa decisión porque las comidas en la feria de Madrid funcionan como punto de encuentro. Además también hemos tenido que eliminar nuestro catálogo con fotos, que se había convertido en una seña de identidad de la feria porque nos servía para poder identificarnos”. Para Mariano de Paco, el punto a favor de esta edición está precisamente en haber respetado la parte artística: “Los pilares que establecí desde que empecé a dirigir la feria, que eran el buen trato a las compañías, la elaboración de una buena programación, y que los espectáculos se pudieran hacer en las condiciones en las que fueron concebidos, se han mantenido, aunque en la parte de infraestructura técnica lógicamente hemos apretado un poco más a los proveedores”. Respecto a la financiación privada, este año se ha perdido el patrocinio que aportó www.elespectaculoteatral.es
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en las dos últimas ediciones Cajamadrid, aunque De Paco espera recuperarlo “si vienen tiempos mejores”, pero se ha mantenido el de la empresa Tecnifront, que además desarrolla la dirección técnica de la feria. Y aunque desde la administración pública se ha tenido que reducir la dotaciónn económica, si han seguido colaborando en especie, es decir, con la cesión de los teatros, imprescindible para la celebración de la feria: “Hemos tenido el lujo de poder mostrar los espectáculos en los Teatros del Canal y en el Teatro de la Abadía. Y también en teatros privados como el Alfil”. Respecto a los Teatros del Canal, De Paco apunta: “Este año hemos incorporado a la programación de la feria las dos producciones que se estaban representando en los Teatros del Canal, hecho que ha sido muy alabado. Han funcionado muy bien tanto el espectáculo de Albert Boadella, “Amadeu”, como “Los negros”, de Miguel Narros”. Por último, el entusiasmo con el que Mariano de Paco habla de MADferia, de la que en ocasiones se refiere incluso en futuro, no invita a pensar a que esta fuera la última edición en la que ejerciera de director, como de hecho ha sido. Él mismo quiso explicar las razones de su marcha: “Vine a la feria en principio para un año, luego me pidieron que hiciera dos y finalmente he hecho tres, y la verdad es que habría seguido dirigiendo más ediciones si no fuera por que yo soy director de escena,
También dentro de la programación de MADferia, el hotel Siete Islas, centro neurálgico de este evento, acogió el 25 de enero la primera edición de un encuentro en el que algunas de las compañías integrantes de ARTEMAD ofrecieron información a los asistentes a la feria de sus más recientes producciones dirigidas a la infancia. Seis de las compañías participantes mostraron fragmentos en vivo de 10 minutos de duración de sus últimos proyectos de teatro familiar, otra de ellas realizó una presentación de un DVD de su repertorio, y finalmente la octava explicó la trayectoria de su formación. Las compañías que tomaron parte de este encuentro fueron Sin Fin, Sol y Tierra, Factoría Teatro, La Fábrica de Sueños, La Tartana Teatro, Susana Toscano Producciones, Teatro de La Luna y Gurdulú. y quiero dedicarme durante algún tiempo solo a esa faceta. Creo que en la feria se ha cerrado una etapa, una buena etapa, y se queda en un momento estupendo para que alguien venga, la coja, y desde donde estamos siga avanzando en ella. Hasta que no haga el cierre económico y deje todos los papeles sobre la mesa de ARTEMAD seguiré siendo el director de la MADferia y el presidente de COFAE, cargo del que también cesaré cuando deje de estar al frente de la feria por cuestiones estatutarias”.
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Teatralia
“Pinocho y medio”, de El Retablo Títeres.
Cumplirá quince años entre los días 4 y 27 de marzo
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irco, danza, marionetas, títeres y teatro, entre otras disciplinas, estarán presentes en los escenarios de Teatralia, el Festival Internacional de Artes Escénicas para Niños y Jóvenes de la Comunidad de Madrid, que entre los días 4 y 27 de marzo celebrará su XV edición. Para conmemorar tan importante aniversario, este año se han programado 22 espectáculos nacionales e internacionales (procedentes de Alemania, Dinamarca, Francia, Italia y Canadá), dirigidos a un público de entre 6 meses y 18 años. La música será uno de los principales ingredientes de los espectáculos de esta edición. Es el caso de “Le gran large (Mar abierto)”, encargado de subir el telón del festival, y que aúna danza, música en directo y teatro. Lo mismo ocurre en “Le concert interdit (El concierto prohibido)”, en el que cinco instrumentos de viento y un percusionista cuentan su dificultad para disfrutar por culpa de la contaminación y la falta de aire. La danza también tendrá un papel muy destacado en Teatralia 2011. Para los bebés a partir de 6 meses se ha programado “Mig dig os (Yo tú nosotros)”, una producción intimista de la compañía
danesa Åben Dans cuyo propósito es transmitir la magia del movimiento del cuerpo y de algunos objetos que componen el escenario. «Haiku», por su parte, está dirigido a niños a partir de 3 años y fusiona danza, música en vivo y creación gráfica. El claqué también tendrá su hueco de la mano de «TapArpègics», un montaje cuya música proviene casi totalmente del zapateado y de las nuevas tecnologías y que se dirige a un público de entre 10 y 18 años. El festival también acogerá a las compañías francesas Étantdonné y Carré Blanc, que traen respectivamente los
espectáculos «Zigzag» y «Chiffonnade». Por último, en Teatralia también habrá sitio para los espectáculos de marionetas que se mezclan con otras disciplinas, como el teatro de actores, las sombras chinas y los objetos. Así podrán verse producciones como «La maleta de Agustí», basada en la vida del fotógrafo Agustí Centelles; «Pekka», sobre una tortuga que parte en busca de la luna; y «Pinocho y medio», una original versión del clásico de Carlo Collodi. Más información en la edición digital
Festival Internacional de Magia de Madrid Grandes magos nacionales e internacionales participarán en el debut de este evento
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l Teatro Circo Price de Madrid acogerá, del 14 al 20 de febrero, la primera edición del Festival Internacional de Magia de Madrid, un evento que contará con algunos de los mejores especialistas del ilusionismo en pequeño y gran formato del mundo. El plato fuerte será la Gala Internacional de Magia, que se llevará a cabo entre los días 15 y 20. Esta gala reunirá a maestros de la magia como es el caso de los españoles Jorge Blass, Yunke y Diego García y Elena Vives; los estadounidenses Kevin James, Tina Lenert y Mike Caveney; el francés Jerome Murat; y los alemanes Sos y Victoria. Los mágicos espectáculos de todos ellos se completan con grandes dosis de humor, poesía y creatividad. El 16 de febrero el conocido mago Juan Tamariz impartirá una Conferencia-Espectáculo en la que compartirá las aventuras y experiencias de magos del pasado, a la vez que sorprenderá con su personal estilo de hacer magia. Al día siguiente también impartirán otra Conferencia-Espectáculo, esta vez bajo el título de “La fuerza de la ilusión, Jorge Blass y Fernando Botella, quienes desvelarán a los espectadores algunos secretos que incluso les convertirán momentáneamente en magos. Y por último, también habrá sitio en la programación para “Magia para ciegos”, un espectáculo del mago chileno Juan Esteban Varela a través de la palabra y el tacto. Más información en la edición digital
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FETEN
Celebra su XX aniversario con público y profesionales
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ETEN, la Feria Europea de Artes Escénicas para Niños y Niñas –este año, de manera más acorde a sus características actuales, estrena en su título la denominación de “Artes Escénicas” frente a la anterior de “Teatro”– cumple 20 años, periodo en el que se ha convertido en un sello que identifica a Gijón con la cultura. Por ello, su organización quiere celebrar con el público este aniversario a través de una amplia jornada de “Pre-feria” que tendrá lugar el 19 de febrero, justo un día antes de que empiece su programación oficial, que se desarrollará hasta el día 25 del mismo mes. En concreto en esa jornada los habitantes de la ciudad y los profesionales que la visiten podrán presenciar los espectáculos “El mago de Oz”, de Ananda Dansa (Valencia); “La gallina submarina”, de la Compañía de Marina Bollaín; y, ya de noche, “Radio Armeniac”, de Jashgawronsky Brothers (Italia/ Armenia). “El mago de Oz”, de Ananda Dansa, será también el montaje encargado de subir el telón de la programación oficial de FETEN al día siguiente. Teatro, danza, adaptaciones de cuentos, circo, magia, títeres, marionetas, luz negra y teatro de sombras volverán a darse cita en este evento imprescindible para los profesionales de las artes escénicas, especialmente a los especializados en el público familiar e infantil. El más de un centenar de representaciones de esta edición se repartirán por los diez espacios oficiales de la feria, la red de centros municipales y por diversas plazas y calles de Gijón. Sesenta y cinco compañías, seleccionadas de entre las más de 500 que enviaron su solicitud de participación, presentarán sus propuestas este año. Representarán a 13 comunidades autónomas –cinco de ellas son naturales de Asturias– y a ocho países extranjeros –Portugal, Francia, Italia, Países Bajos, Reino Unido, Eslovenia, Armenia y una coproducción con Polonia–. De entre todos los espectáculos que se exhibirán destacan los que se estrenarán en el marco de la feria, que son los de las compañías La Canela, El Callejón del Gato, La Rous y la Compañía de Marina Bollaín. FETEN seguirá este año haciendo hincapié en la consolidación del apartado dedicado a los bebés de entre 0 y 4 años, montajes que por las edades a las que se dirigen, por su capacidad de admisión de espectadores, o por otros planteamientos, www.elespectaculoteatral.es
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requieren habitualmente de un espacio alternativo no convencional. Algunos de los espectáculos que se podrán ver de estas características son “Río de luna”, de Da.Te Danza (Andalucía); “Caracoles”, de Eugenia Manzanera (Castilla-La Mancha); “Mondo Flurss”, de Kolore Bitxia Teatroa (País Vasco) o “AliBaBach”, de la Companhia de Música Teatral (Portugal). Además de las funciones concertadas con la comunidad escolar, FETEN mantiene su interés en vincular a padres, familiares y niños en el hecho teatral, por lo que, para el disfrute de todo tipo de públicos, se programarán funciones todas las tardes en el teatro Jovellanos, como “Triálogos clownescos”, de Oriolo (Andalucía);
“Gatos”, de Companyia La Trepa (Cataluña); “El fantástico viajes de Jonás el espermatozoide”, de El Espejo Negro (Andalucía); “La niña farola”, del Ballet Carmen Roche (Madrid) o “Pinocchio”, de Roselanda Musical (Cataluña); y en el Centro de Cultura Antiguo Instituto, como “Enamorirse” de PTV Clowns (Comunidad Valenciana); “Cucarachas”, de La Tirita de Teatro (Castilla-La Mancha); o “La maleta de Agustí”, de Farrés Brothers i Cía. (Cataluña). También habrá hueco para reuniones profesionales, instalaciones y juegos de calle, que completarán el programa. Más información en la edición digital
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Festival Flamenco de Londres Israel Galván, Aída Gómez, José Maya, Rocío Molina y Eva Yerbabuena participan en el Sadler’s Wells en la octava edición del certamen
“Carmen”, de la compañía de Aída Gómez.
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ntre los días 8 y 19 de febrero va a tener lugar en el mítico teatro Sadler’s Wells de Londres la octava edición del Festival Flamenco de Londres. Las figuras de la danza que participan este año en este importante certamen son Israel Galván, Rocío Molina, la compañía de Aída Gómez y el Ballet Flamenco de Eva Yerbabuena. La programación se completa con la presencia del guitarrista Tomatito –que estrena su álbum “Luz de guía”–, y el cante de Estrella Morente y Miguel Poveda. Israel Galván es el encargado de abrir el festival con el estreno en la capital
británica de su aclamado espectáculo “La edad de oro”. Rocío Molina, galardonada recientemente con el Premio Nacional de Danza en la modalidad de Interpretación, actuará el día 15 con su espectáculo “Cuando las piedras vuelen”. El octavo Festival Flamenco de Londres acogerá el regreso a la capital del Reino Unido de Eva Yerbabuena, con el estreno en las islas británicas de “Cuando yo era”, de la que ofrecerá dos representaciones el día 17, mientras que Aída Gómez, auténtica figura del encuentro, ofrecerá su “Carmen” en un programa que incluye
representaciones los días 11, 12 y 13 de febrero. El espectáculo del día 16 contará con la presencia del guitarrista Tomatito acompañando al bailaor José Maya. El Sadler’s Wells ofrecerá también en su programación de primavera –por primera vez, en todos los casos– las actuaciones de Sol Picó, Nats Nus Dansa y Tap Olé, que ofrecerán, respectivamente, sus espectáculos “El llac de les mosques”, “Momentari” y “Tapeando”. Este último triunfó durante dos días el pasado verano en el Fringe Festival de Edimburgo.
Artescénicas Cuenta atrás para el II Congreso Provincial de la Artes Escénicas de Málaga
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on la intención de trabajar en el ordenamiento del sector provincial de las artes escénicas contando con todos los agentes implicados, el Área de Cultura de la Diputación Provincial de Málaga encargó a Rafael Torán, director artístico de la compañía Teatro del Gato, el diseño de un proyecto que quedó plasmado en la celebración en 2009 del I Congreso Provincial de las Artes Escénicas de Málaga, Artescénicas. Las conclusiones de este proceso de mesas sectoriales centrarán su II edición, que se celebrará entre los próximos días 14 y 19 de febrero. Ponencias, comunicaciones, reconocimientos profesionales, actuaciones, exposiciones y presentaciones de nuevos proyectos se llevarán a cabo en este evento, cuyo tema central girará en torno a las posibles salidas y estrategias comunes de cara al nuevo paisaje laboral que la crisis económica está presentando. Entre los participantes este año estarán los actores Pepón Nieto y Eduardo Velasco, así como el barítono Carlos Álvarez.
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El actor Fran Perea durante su intervención en el I Congreso Provincial de las Artes Escénicas de Málaga, Artescénicas, celebrado en 2009.
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Festival VEO
El objeto será el hilo conductor de su novena edición
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n su fiel compromiso de respaldar y promover los trabajos interdisciplinares de la escena contemporánea local, el Festival València Escena Oberta, VEO 2011, cuyo leitmotiv es el objeto (animado, manipulado, teatral...), apuesta en su novena edición por la producción de un montaje y la coproducción de dos. Todos ellos, que constituyen lo más destacado de la amplia y variada programación de este evento que se celebrará entre el 16 y el 27 de febrero, se desarrollarán en espacios no convencionales y se alejarán de la tradicional caja escénicas con la intención de hacer al público participe de su propio espectáculo. “Taxi” es un proyecto artístico que nace de la participación colectiva de tres jóvenes autores valencianos: Rebeca Crespo, Jacobo Julio y Néstor Mir, quienes llegan al VEO con una propuesta arriesgada y multidisciplinar que se mueve entre el teatro de objetos y la road movie. Inmersos también en la idea del laboratorio artístico, la compañía Bambalina Teatre Practicable presentará “Cosmos”, una coproducción del Festival VEO y el Mercat de las Flores de Barcelona, que crea un universo original y cambiante a partir de objetos de consumo cotidiano. Y “Tots els noms”, de la formación de danza contemporánea Mal Pelo, constituirá la primera coproducción internacional en la que participa el festival. Producida por el Agora de la Danse de Montreal y coproducida por los festivales Grec de Barcelona, Temporada Alta de Girona y VEO, la obra ofrece un complejo solo escénico interpretado por María Muñoz que ahonda en la identidad del ser humano y los nombres que lo determinan.
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El miedo a la invasión privada En opinión de Xavier Marcé, la actual polémica sobre la gestión privada del sector escénico constituye una falsa controversia en la medida en la que la gran mayoría de las producciones de nuestro país cuentan con la ayuda pública en forma de subvenciones. Tal y como expone en estas líneas, el reto consiste en dotar de su debido espacio tanto a las creaciones de autoría singular con gran interés público y, normalmente, de carácter artesanal, como a los proyectos privados con finalidad puramente comercial y con tintes más industriales.
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n sector existe cuando todas las fases de su cadena de valor funcionan con normalidad y se interrelacionan adecuadamente. Un mercado existe cuando disponemos de una serie de puntos de venta y un sistema que los abastece regularmente. Un país puede tener un mercado y carecer de un sector propio, pero un sector no puede existir sin un mercado. Esta ecuación es valida para todo tipo de productos: la perfumería, la moda, los electrodomésticos y el teatro. Incluso dentro de cada uno de ellos se establecen distintos niveles de calidad y singularidad que dan respuesta a las necesidades de cada franja social. Los productos culturales tienen ciertas características particulares en la medida que el peso del valor añadido genera un escaso valor sustitutivo. Desde esta perspectiva cada producto es original y comporta unas expectativas de mercado únicas que no son linealmente intercambiables por otros productos similares. Cabe señalar que esta particularidad de los productos culturales se relativiza considerablemente cada vez que se incrementan sus características industriales, bien sea en sus modos de creación y producción, bien sea en sus mecanismos de distribución. El valor sustitutivo de una pintura es nulo, el de una obra de teatro pequeño y el de un dvd alquilado en un videoclub para pasar en casa la noche de un sábado muy grande. En la medida que un producto tiene un menor valor sustitutivo el peso de las autorías se incrementa. Esta característica distingue, por ejemplo, el mundo de la alta costura del mercado del pret a porter. El teatro también funciona así porque además de ser extremadamente singular interesa a franjas sociales con alto nivel educativo. Sin embargo, cuando hablamos de política teatral superponemos a estas particularidades otros objetivos de carácter social que eufemísticamente podríamos definir del siguiente modo: aún funcionando como la alta costura queremos integrar en el mismo mercado
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el pret a porter. De hecho, esto sería lo que distinguiría a un sector de un simple mercado. Efectivamente, en el mundo del teatro conviven objetivos artísticos pensados para buscar la excelencia y la máxima calidad, con objetivos sociales pensados para facilitar un alto nivel de accesibilidad y amplios niveles de participación. Este es a mi juicio el debate interesante y trascendente que debe afrontar el sector teatral español en la actualidad. ¿Quién marca la legitimidad pública (en el sentido que afecta a la responsabilidad de una política cultural) de una producción teatral: quien la produce o quien la exhibe? En este sentido todas las obras que reciben subvención pública para ser producidas, tienen la correspondiente legitimidad para esperar ser exhibidas en los espacios públicos creados para esta finalidad. Con toda seguridad los principios de calidad y riesgo artístico deben protegerse especialmente. No tanto porque tengan un derecho especial o le corresponda al Estado una responsabilidad específica sobre ellos, sino por las propias especificidades de un sector que, como hemos señalado, otorga una gran relevancia a las autorías singulares. Pero a su vez los teatros tienen la responsabilidad solidaria de ofrecer oportunidades a todas aquellas producciones, incluso de carácter comercial, que forman parte de la dimensión pública del sector. Para conseguir cuadrar esta ecuación es imprescindible renovar los instrumentos de gestión, tanto a nivel jurídico, como económico y comunicativo y es imprescindible igualmente hacerlo mediante un acercamiento de las distintas familias que componen el sector teatral. Por eso la polémica sobre la privatización del teatro es un falso debate. Lo es intrínsecamente porque el teatro como sector no puede funcionar en régimen estrictamente privado y lo es políticamente porque la inmensa mayor parte de la producción escénica española tiene la complicidad pública.
Hay dos problemas, soterrados y en cierta medida silenciados, que dificultan este debate: el primero tiene que ver con el liderato sectorial que han mantenido los gestores públicos, tanto artísticos como programadores. No pocas veces este liderato se ha ejercido como una patronal más que como un sindicato. Y no es una reflexión absurda dado que la legitimidad de los programadores públicos proviene de la gestión de servicios a los ciudadanos y no tanto de la defensa de los derechos de los artistas; derechos legítimos para los que ya existen organizaciones específicas. El segundo tiene que ver con las fórmulas de compra finalista. La mayor parte de los teatros, con el soporte de políticas institucionales municipales y autonómicas, consideran que el mercado teatral funciona como un catálogo de ofertas que se compran a precio fijo o con descuentos de oportunidad, sin darse cuenta que en realidad se trata de productos en los que existe una coproducción tácita de la que podrían surgir fórmulas perfectamente legítimas de cogestión económica. A lo máximo que puede aspirar el sector teatral privado es a circular sus espectáculos con normalidad pero este objetivo perfectamente lógico no puede alcanzarse si la tendencia de los presupuestos se mantiene a la baja y no se varían los parámetros de funcionamiento del mercado teatral. Los costes pueden bajar si los circuitos se ordenan, se concentran y se planifican con anticipación. Del mismo modo hay una serie de espectáculos que pueden compartir el riesgo de la exhibición si se liberalizan los precios de las entradas. El debate deberá resolverse en los próximos años para garantizar la consolidación de un sector que ha crecido vertiginosamente, que tiene una enorme capacidad de inversión creativa y que garantiza un equilibrio imprescindible entre las características artesanales de la producción cultural y las tendencias industriales imperantes. Xavier Marcé www.elespectaculoteatral.es
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instituciones
el mundo del espectáculo teatral
INAEM
Convocó los concursos para las nuevas direcciones del BNE y la CNTC
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os próximos días 14 de febrero y 4 de marzo finalizarán los plazos de presentación de candidaturas de los concurso que el INAEM ha convocado para elegir las nuevas direcciones del Ballet Nacional de España (BNE) y la Compañía Nacional de Teatro Clásico (CNTC), respectivamente. Se trata del segundo y el tercer proceso de selección iniciados por el Instituto dependiente del Ministerio de Cultura dentro de su política de buenas prácticas tras el de la Compañía Nacional de Danza, por el cual fue recientemente elegido Juan Carlos Martínez como su director, cargo al que se incorporará a partir del próximo mes de septiembre. Tanto el BNE como la CNTC cuentan con nuevos y respectivos estatutos. En ambos casos la duración del contrato de la persona que ostente su dirección tendrá una duración temporal limitada a cinco
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De izda. a dcha: el coreógrafo José Antonio y el director de escena Eduardo Vasco, directores salientes del BNE y la CNTC respectivamente.
años, prorrogable por un nuevo periodo de un máximo de tres años, y se establecerán límites al número de creaciones artísticas o interpretaciones propias dentro de cada
una de estas unidades artísticas. El Consejo Artístico de la Danza, en el primer caso, y el del Teatro, en el segundo, participarán en la selección de las candidaturas.
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compañías
el mundo del espectáculo teatral entrevista
Pepa Sarsa y Luis Maluenda Producciones Off Madrid Aunque “Con todo mi amor, te odio”, de Lynda Marchal, fue uno de los primeros montajes que llevaron a escena, Pepa Sarsa y Luis Maluenda han demostrado una gran afinidad personal y profesional desde que en 1986 fundaran su propia productora teatral: Producciones Off Madrid. Poseedores de una completa formación escénica adquirida en Inglaterra y Alemania, y de una amplia trayectoria profesional como pedagogos en varias universidades y en el cine, la televisión y el teatro de nuestro país, es este último ámbito el que sin duda más les apasiona. Su más reciente proyecto escénico es “Suite”, obra de Carles Batlle que ella protagoniza junto a Abel Vitón, Clara Macías y Jorge del Río, y que él dirige.
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ué criterios seguís en Off Madrid para seleccionar los textos que después representáis en cada una de vuestras producciones? - Pepa Sarsa: Nos gustan los textos que, además de calidad artística y compromiso social, nos llenen de energía durante dos años para poder llevarlos al público. Tenemos preferencia por los autores contemporáneos, la mayoría de nuestras producciones son de textos escritos por dramaturgos de nuestro país y vivos. También buscamos los textos que podamos acometer dentro de nuestros planteamientos presupuestarios; es decir, buscamos textos abordables por nuestra empresa. Tal y como están las cosas no se pueden producir proyectos con grandes repartos, desgraciadamente; eso queda para los
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teatros públicos. Nuestra última producción, con la que actualmente estamos de gira, es “Suite”, premio SGAE 1999. Es una obra que reúne estas características: calidad dramática, estética, y una novedosa y sorprendente dramaturgia. Buscamos entre más de cien obras, leyendo el texto completo o versiones resumidas, o bien una sinopsis, hasta que dimos con ella. - ¿Qué se va a encontrar el espectador que asista a una de las representaciones de «Suite»? - Luis Maluenda: Es un montaje crítico con la vida familiar burguesa tal y como la planteamos en nuestra sociedad. En él se habla, entre otros asuntos, de cómo las mujeres de las nuevas generaciones no aceptan ciertas convenciones, y eligen tomar las riendas de su destino. Incluso la han llama-
“Hay que apoyar a los nuevos autores, las nuevas dramaturgias, los nuevos profesionales que se incorporan a la escena con unos contenidos que desafían al espectador, que estimulan la imaginación, y que renuevan la sociedad” do la nueva “’Casa de Muñecas’ del siglo XXI”. Además tiene un alto contenido poético, visual, con dos espacios de representación funcionando simultáneamente, una dramaturgia que estimula la imaginación del espectador y que le invita a preguntarse “¿qué haría si estuviera en el lugar de esos personajes?”. La estrenamos en Sevilla el pasado mes de octubre, y ya la hemos representado en varias ciudades. Este mes de febrero actuaremos en la sala Guirigai de Badajoz. Las críticas han sido muy buenas y la acogida del público excelente. - ¿Qué razones os llevaron a crear vuestra propia productora teatral? - LM: Como profesionales hemos colaborado en proyectos de otros creadores, además de nuestra actividad docente en diversas universidades, pero siempre sentíamos www.elespectaculoteatral.es
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compañías el deseo de llevar a escena nuestros propios proyectos y contar los temas o asuntos que nos importan y que por tanto nos dan energía. Al final uno se da cuenta de que la energía es la vida. Los problemas con los que nos encontramos son los derivados de contar con un presupuesto muy preciso que no nos permite competir con grandes productoras en igualdad de condiciones. - ¿»Suite» ha entrado en la programación de alguna de las redes de nuestra geografía? ¿Qué hay que hacer para entrar en alguna de ellas? ¿Hay compañías destinadas a entrar en ellas y otras que no lo conseguirán nunca? - PS: Efectivamente existen problemas para entrar en las redes. Nosotros hemos ido esta temporada a seis comunidades autónomas pero no dentro de las redes. Esto significa que nos abrimos camino con cada espectáculo, convenciendo. Nadie nos regala nada, sin embargo, ya hay algunos espacios escénicos que nos conocen y vuelven a llamarnos. Por supuesto, hay empresas que por sus características ya tienen un gran poder de penetración previo al proyecto que presenten. - ¿El teatro español está demasiado enganchado a las dosis de ayudas públicas? - LM: Creo que hay teatro español que necesita ser apoyado porque existen muchos textos valiosos, nuevas obras de contenido político, social, que se deberían poder dar a conocer al público mediante, por ejemplo, la creación de páginas web donde se pudieran leer gratuitamente. Considero que hay que apoyar a los nuevos autores, las nuevas dramaturgias, los nuevos profesionales que se incorporan a la escena con unos contenidos que desafían al espectador, que estimulan la imaginación, y que renuevan la sociedad. Esa es la función del teatro, revelar el mundo interno y con ello renovar el mundo. Creo que sí necesita ser apoyado por instituciones públicas y privadas. Si no, nos veremos abocados a ofrecer al espectador sólo obras de éxito probado o textos que le complazcan, que no le cuestionen nada, que no le agiten o remuevan su interior. - ¿Apoyaríais la creación de una Academia de las Artes Escénicas que aglutinara al sector frente a la Administración? - PS: Sin ninguna duda, creo que sería una iniciativa adecuada para dar a nuestro sector mayor visibilidad en la sociedad. - LM: Estoy totalmente de acuerdo. - ¿Cuáles son los próximos proyectos de vuestra compañía? ¿Qué líneas de trabajo barajáis de cara al futuro? - PS: El proyecto inmediato, en el que ya estamos trabajando, se llama “Las raíces cortadas”, que esperamos estrenar este otoño. Es una obra maravillosamente escrita por Jerónimo López Mozo, Premio Nacional de Literatura Dramática 1998, www.elespectaculoteatral.es
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el mundo del espectáculo teatral entrevista
Dos instantes de “Suite”, el más reciente montaje de Producciones Off Madrid.
entre otros galardones recibidos. Trata de un encuentro ficticio en el exilio entre Victoria Kent y Clara Campoamor, quienes, como sabemos, fueron las dos primeras mujeres españolas que ocuparon el cargo de diputadas y quienes, durante la II República, se enfrentaron por conseguir que se aprobara la ley a favor del voto femenino, derecho del cual este 2011 se celebra el 80º aniversario. Me gustaría señalar que proyectos como éste, en los que la comercialidad no es su valor básico,
necesitan el apoyo de la Administración. “Las raíces cortadas” es un texto cuyo contenido ayuda a conocer y transmitir valores que están en nuestra Historia, a reflexionar sobre su actualidad, es una obra que puede ayudar a encontrar referentes en nuestro país, especialmente a las jóvenes generaciones. Es lo que vamos a intentar reflejar con su montaje.
Más información en la edición digital
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el hereje
el mundo del espectáculo teatral opinión
Movilidad en el empleo en las Artes Escénicas por Eduardo Galán
Eduardo Galán cambia de tercio y centra esta vez su atención en las características del empleo en el sector de las artes escénicas. Mientras en los espacios escénicos, gestionados por la Administración pública, los puestos de trabajo se caracterizan por ser más estables, permanentes y especializados, entre las empresas productoras de artes escénicas, integrantes del sector privado, el empleo suele ser temporal, sobre todo entre actores y técnicos. En opinión de nuestro colaborador, las instituciones deberían tener en cuenta la estabilidad de las plantillas de las compañías a la hora de conceder sus ayudas.
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as formas de producción, financiación y la intervención de las administraciones en la gestión y exhibición de las artes escénicas condicionan de una forma radical la contratación temporal o por obra y servicio en la incipiente industria de este sector de la cultura. La falta de estabilidad es, pues, consecuencia de unas estructuras dependientes en gran medida de las inversiones públicas. La deseada estabilidad es difícil, pero posible si las inversiones públicas buscaran dicho objetivo y no se dispersaran y se repartieran con criterios “supuestamente culturales”. Vayamos por partes. El empleo no funciona de la misma manera en los espacios escénicos que en las empresas de producción. Conocido por todos es que los espacios escénicos son fundamentalmente públicos y la producción es fundamentalmente privada, salvo la excepción de Madrid y Barcelona, en donde los espacios escénicos son mayoritariamente privados. De esta forma, el empleo en los teatros o espacios escénicos, hasta la llegada de la crisis, se ha caracterizado por su estabilidad y permanencia, tanto en la empresa pública como en la privada, tanto en los puestos directivos o gerenciales como en los administrativos o técnicos de los teatros. No obstante, desde hace unos años, se viene observando en los teatros públicos la tendencia de externalizar los servicios del teatro a empresas de servicios a fin de abaratar los costes del teatro para las arcas municipales. De esta forma, el empleo deja de caracterizarse por la estabilidad laboral, puesto que depende ya de una empresa de servicios. Esta tendencia es todavía minoritaria. Con la crisis económica, cada vez crece con más fuerza la tendencia de privatizar la gestión de los teatros y auditorios públicos, que no significa la privatización de los espacios, que siguen siendo propiedad de los municipios, sino la privatización de los servicios de gestión y programación, aunque con la necesidad de la colaboración municipal.
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Con todo lo expresado hasta aquí, podríamos afirmar que el empleo en los espacios escénicos se viene caracterizando por la permanencia, la estabilidad y la profesionalización especializada. Y que, en número, no se ha visto afectado por la crisis. Al menos, de una forma especial. Sin embargo, es en el campo de las empresas de producción de las artes escénicas en donde mayor transformación y variedad se está produciendo en el campo del empleo, por la propia esencia y estructura del sector como por la incidencia de la crisis. En el campo de la producción, son pocas las empresas privadas que mantienen una plantilla estable (contratos indefinidos, o contratos de larga duración y permanencia) del personal administrativo y de gestión. Lo que es básico para los proyectos de interés general y necesario para desarrollar proyectos artísticos de calidad y excelencia. Lamentablemente, las administraciones no valoran la estabilidad de la plantilla de las empresas a la hora de facilitar subvenciones o apoyar a las empresas en sus giras por las diferentes redes. Esta visión laboral o economicista parece estar reñida con los supuestos intereses culturales de quienes toman las decisiones de apoyar económicamente a las empresas escénicas con dinero público. En mi opinión, fruto de prejuicios propios de los años 80 del siglo pasado. Más difícil es la estabilidad de actores y técnicos por la propia estructura del sistema de la producción escénica. Hasta recientemente había algunas compañías estables, herederas de los grupos independientes de la transición democrática, que contaban con un grupo de actores y técnicos fijos con un sueldo mensual. Esa situación casi ya no la conserva ninguna compañía. Y actores y técnicos están cobrando, como en las empresas de producción, por bolos y no por mes. La diferencia reside en que en las compañías el grupo permanece en la siguiente producción, y en las llamadas empresas de producción puede cambiar
el reparto completo y los técnicos. La movilidad y, por lo tanto, la inestabilidad son mayores en el campo de la producción que en el de los espacios escénicos. Al haber descendido los presupuestos municipales y programarse un menor número de espectáculos, el empleo directo en las empresas de artes escénicas ha descendido, como ha descendido la liquidez de las empresas como consecuencia, además, de la morosidad de los ayuntamientos. Menos bolos, menos días de actuación para los actores y técnicos… Y menos liquidez, menos producción, o producciones más económicas con menos actores y menos técnicos. Menos trabajo para todos. Y menos personal administrativo o de gestión. Con todo, las artes escénicas generan un empleo derivado que no debe olvidarse: construcción de escenografías, vestuario, transporte de decorados, transporte de actores y técnicos, movilidad geográfica con el consiguiente gasto en hoteles, restaurantes, fotógrafos de los espectáculos, diseñadores gráficos, empresas de grabaciones de vídeos del espectáculo, revistas especializadas en artes escénicas, empresas de publicidad, etc. Unas políticas culturales eficaces y modernas deberían considerar las políticas de empleo y de estabilidad laboral a la hora de definir sus objetivos y rediseñar sus apoyos a las empresas privadas, su manera de gestionar los espacios públicos y la configuración de las normativas de las redes de teatro, valorando de forma positiva a aquellas empresas que continúan manteniendo el empleo directo y favoreciendo el empleo indirecto relacionado con la llamada incipiente industria de las artes escénicas. Se hace imprescindible un replanteamiento de las políticas culturales en esta dirección, creando departamentos de I+D+i y de promoción de las industrias culturales. Cambio de perspectiva, de punto de vista. Lo vengo diciendo en casi todos mis artículos. www.elespectaculoteatral.es
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El coloquio de los perros
Morfeo traslada a la escena una de las Novelas Ejemplares cervantinas
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a puesta en escena de la obra “El coloquio de los perros”, que la compañía Morfeo Teatro Clásico estrenó el pasado 21 de enero en el teatro Principal de Burgos, está basada en la famosa novela que le da nombre. Miguel de Cervantes escribió esta su última Novela Ejemplar en el ocaso de su vida, apenas unos años antes de su muerte, y en ella demuestra con maestría un pesimismo irónico que le hace adelantarse a su tiempo con una narración sin precedentes. El texto escenifica la conversación entre dos perros, llamados Cipión y Berganza. Al comprobar que han adquirido la facultad de hablar durante las noches, Berganza decide contar a Cipión sus experiencias con distintos amos, en un recorrido por diversos lugares de la España de la época. El relato de Berganza está construido según los principios estructurales básicos de la novela picaresca. Mediante el contrapunto de los comentarios del otro perro, Cervantes reflexiona sobre la relación entre literatura, verosimilitud y realidad.
Morfeo pretende ofrecer al espectador un reflejo fiel de la obra original, respetando su estilo, sus modos de habla, y con la ubicación de la acción en una época acorde a la que fue escrita. Pero como la dramatización de una novela tiene que buscar la complicidad del público, la compañía ha cambiado los papeles originales que protagonizaban los dos perros por el de un hidalgo depauperado y un mendigo harapiento, “perros” desheredados de la fortuna, que
narran sus experiencias entre lo amargo y la comedia. Francisco Negro dirige este montaje que él mismo interpreta junto a Mayte Bona y Felipe Santiago, y en el que se ha puesto un gran esmero en presentar una estética verista de la época, con un vestuario reflejo del que se usaba a principios del XVII, y con unos decorados a base de telones pintados con gran utilidad escenográfica y estética.
Anfitrión Alquibla Teatro adapta y actualiza la obra de Plauto
De izda. a dcha: Nico Andreo (Mercurio), Lola Martínez (Bromia), Pedro Segura (Sosias), Luís Martínez Arasa (Anfitrión), Esperanza Clares (Alcmena) y Manuel Menárguez (Júpiter).
Si la comedia de enredo tiene un antecesor claro, ese es Plauto, comediógrafo latino que desde el siglo III a.C ha marcado una línea humorística basada en los equívocos y las relaciones personales. La compañía murciana Alquibla Teatro ha elegido “Anfitrión”, una de las más conocidas obras de este autor, para llevarla a cabo y darle una nueva interpretación de ambientación circense. La puesta en escena se lleva a cabo en una pista de circo con la clara intención, por parte de la compañía, de crear un ambiente lúdico y propicio para el juego. La obra cuenta cómo el dios Júpiter se encapricha de Alcmena, mujer del militar Anfitrión, y aprovechando la ausencia del marido consigue meterse en su lecho. Para ello cuenta con la ayuda de Mercurio, que se hace pasar por el criado de Anfitrión, creando www.elespectaculoteatral.es
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todo tipo de situaciones confusas. El estreno de “Anfitrión” se llevó a cabo el pasado 14 de enero en el teatro Guerra de Lorca (Murcia) y el día 5 de febrero inauguró el escenario del nuevo auditorio Miguel Ángel Clares de Algezares, también en Murcia. En este mismo mes Alquibla actuará el día 11 en el Teatro-Cine Moderno de San Pedro del Pinatar (Murcia) y el día 19 en el teatro Municipal de HuercalOvera (Almería). Durante el mes de marzo la obra podrá verse el día 17 en el Teatro-Circo de Cartagena (Murcia), el día 18 en el auditorio Municipal de Caudete (Albacete) y el día 26 en el Teatro-Circo Apolo de El Algar de Cartagena (Murcia). Más información en la edición digital
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La reina de la belleza de Leenane
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a reina de la belleza de Leenane”, de la compañía Gloria López Producciones, prosigue con su triunfal recorrido por la geografía española que se inició con su estreno el 29 de octubre de 2009 en el teatro Lope de Vega de Sevilla. Recientemente la obra cosechó dos premios en el Certamen Nacional de Teatro Garnacha de Rioja de la localidad de Haro, celebrado entre el 28 de noviembre y el 18 de diciembre, en concreto en las categorías de Mejor Dirección para Álvaro Lavín, y en la de Mejor Actriz Protagonista para Gloria López, aunque también fue candidata al Mejor Espectáculo, a la Mejor Actriz Protagonista para la otra intérprete femenina de la obra, Maite Brik, y al Mejor Actor de Reparto para Orencio Ortega, que junto a Pablo Gómez dan la réplica masculina en este montaje.
La obra llegará al Nuevo Teatro Alcalá de Madrid el 2 de septiembre Además la compañía sevillana realizará este mes de febrero una importante gira por Argentina y Uruguay. El montaje visitará el Teatro Nacional Cervantes de Buenos Aires y el Nacional Solís de Montevideo. Esta producción, que mantiene abierta su contratación y que está siendo muy bien acogida en las localidades de Andalucía, Comunidad de Madrid, Castilla-La Mancha
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y Aragón donde se está representando, estará también en el teatro El Musical de Valencia durante el próximo mes de mayo, y en el Nuevo Teatro Alcalá de Madrid a partir del 2 de septiembre. “La reina de la belleza de Leenane” está escrita por el dramaturgo angloirlandés Martin Mc Donagh, un autor que no se amilana al declarar que el teatro de Shakespeare y Chejov le aburren, pero que siente una gran devoción por el de Pinter o el cine de Tarantino, claras influencias en sus obras. Su texto constituye un claro ejemplo del llamado “Teatro de la Crueldad”, un genero que considera que el público asimila todo a través de sus sentidos y que, por tanto, es absurdo dirigirse preferentemente a su entendimiento, como hace el teatro ordinario, por lo que se vale de la brutalidad a través de lo cotidiano, la violencia y el humor negro. La obra, traducida y adaptada por la actriz Vicky Peña, obtuvo el Premio de la Crítica de Nueva York en 1998, y narra la relación de dos mujeres, madre e hija, y dos hermanos, Pato y Ray. Estos cuatro personajes cobran vida en un melodrama ácido que ya desde su primera línea nos sitúa frente a un lenguaje
Fotos: Sergio Parra.
Gloria López Producciones lleva este montaje a Argentina y Uruguay
directo, en un conflicto que no espera para sorprendernos. Mc Donagh busca el límite entre la ternura y lo brutal para que el espectador permanezca sin recostarse en la butaca en todo momento. La actriz Gloria López y May Pascual, ayudante de dirección en este montaje, son las responsables de Gloria López Producciones, una compañía que nació en 2004 con el estreno de la obra “El tren del holandés”, del autor afroamericano Amiri Baraka, con la que ganaron el premio a la Compañía Revelación en la Feria de Teatro en el Sur de Palma del Río (Córdoba). Su segundo espectáculo fue “El pelo de la dehesa”, de Manuel Bretón de los Herreros, con el que también consiguieron un gran éxito de público. Con “La reina de la belleza de Leenane”, su tercer montaje, la formación andaluza prosigue con su brillante trayectoria. www.elespectaculoteatral.es
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el mundo del espectáculo teatral teatro de texto
el mundo del espectáculo teatral teatro de texto
Sumergirse en el agua
Un recorrido en doce escenas por los conflictos existentes entre los jóvenes
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omás, un joven manipulador, e Iván, un muchacho acomplejado y vulnerable, deciden buscar una víctima con quien saciar sus frustraciones: Josué. Estos tres personajes protagonizan “Sumergirse en el agua”, una obra que pone sobre la mesa algunos de los más graves problemas que se dan entre nuestros jóvenes y en nuestra sociedad, como son la xenofobia, la intolerancia colectiva, la exclusión social, la aceptación de uno mismo, los traumas sociales o las tensiones en la relación entre padres e hijos. Pero este texto que firma la dramaturga catalana Helena Tornero, premio SGAE de Teatro Infantil y Juvenil en 2007, habla también del amor, la amistad, las lealtades peligrosas, la valentía y las culpas. Con dirección de Gonzala Martín Scherman, la compañía madrileña Factoría Teatro representó con gran éxito esta obra en la sala barcelonesa Tantarantana entre los días 6 y 16 de enero, y en el teatro La Paca de Jaén el día 28 del mismo mes. Las funciones de esta obra basada en hechos reales y estructurada en 12 escenas cortas, que habla de mundos paralelos y aparentemente destinados a no entenderse, continúan por toda nuestra geografía.
Yo, monstruo
Edy Asenjo se transformará en un violador encarcelado
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l actor Edy Asenjo, ganador del premio Max al Mejor Actor de Reparto en 2007 por “Antígona tiene un plan”, prepara con su compañía la puesta en escena de “Yo, monstruo”, un monólogo basado en hechos reales que permite al espectador escuchar las reflexiones en voz alta de un violador encarcelado, y cuyo estreno está previsto para finales de marzo. Pati Domenech dirige esta obra firmada por Sandra Bedia, quien advierte que “mirar al monstruo, escucharle y oír sus explicaciones no es justificarle. Quede comprendido que tratar de entender y explicar los mecanismos de la violencia no nos hace cómplices de la violencia, sino que nos capacita para tratar de evitarla”. Para arropar la interpretación, un espacio escénico minimalista y simbólico, dividido en cuatro áreas, así como el espacio sonoro, ayudarán a introducir al espectador en un territorio en el que los límites de la libertad no son precisos, donde se evidencia que la seguridad y el derecho de los ciudadanos pueden, en algún momento, ser violados. Más información en la edición digital
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Crimen perfecto Jorge Sanz, Elena Furiase y Pablo Puyol protagonizan esta conocida obra
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rimen perfecto” es el título de una de las tres obras teatrales que escribió en su vida el dramaturgo inglés Frederick Knott (otra de ellas fue “Sola en la oscuridad”, popularizada por la película homónima que protagonizó Audrey Hepburn en 1967). Fue estrenada por la BBC en una versión televisiva en 1952, y posteriormente vio la luz también en los escenarios londinenses y neoyorquinos, justo antes de pasar a la historia por la memorable película que realizó Alfred Hitchcock en 1954 con guión del propio Knott. Ahora el texto llega a los escenarios españoles de la mano de la productora guipuzcoana Txalo Producciones, que la estrenó el 4 de febrero en el teatro Principal de Alicante. La distribución, por su parte, corresponde a ZTP. Tony Wendice quiere asesinar a su esposa Margot para quedarse con su dinero. Para llevar a cabo su plan, chantajea a un antiguo conocido con la intención de que entre en su casa en su ausencia y estrangule a Margot cuando ésta reciba una llamada telefónica. Sin embargo, todo falla y es ella la que acaba matando a su asesino. Así, por carambolas del destino, Margot pasa de ser víctima a ser sospechosa de asesinato. El reparto de la versión española de “Crimen perfecto” está repleto de caras conocidas. Jorge Sanz da vida a Tony Wendice, Elena Furiase encarna a Margot, y Pablo Puyol interpreta al frustrado asesino. Completan el reparto Antonio Albella y José Sánchez. A todos ellos les dirige Víctor Conde.
Toc toc
Permanecerá en la cartelera madrileña hasta el inicio de su gira veraniega
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l igual que ocurrió la temporada anterior, y debido al gran éxito de público que ha conseguido, la obra “Toc Toc”, una producción de Lazona, prorroga sus representaciones en el teatro Príncipe-Gran Vía de Madrid hasta final de temporada, la segunda que realiza en la capital. De esta manera, el montaje calentará motores de cara a la gira que iniciará este verano por el resto de rincones de nuestra geografía. “Toc toc”, obra de Laurent Baffie que se basa en un grupo de pacientes con trastornos compulsivos obsesivos (TOC), ya se ha estrenado en Chile, México, Argentina y este mes lo hará en Venezuela, en todos ellos con la versión española de Julián Quintanilla. Y esto no es todo, ya que Lazona prepara actualmente una adaptación en catalán que esta previsto que se estrene durante el próximo otoño.
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Manual de bricolaje
Foto: Rafael Galán.
La primera representación de un texto de Miguel Romero Esteo desde 1996
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ecientemente la compañía Teatro del Gato ha presentado a un nutrido grupo de amigos y seguidores un par de escenas de su próximo estreno, “Manual de bricolaje”, basado en un texto del dramaturgo Miguel Romero Esteo –originalmente titulado simplemente como “Bricolaje”–, que llega a la escena adaptado por Luis Vera y bajo la dirección de Rafael Torán. A pesar de haber recibido el Premio Nacional de Literatura Dramática, otorgado por el Ministerio de Cultura en 2008; el premio Luis de Góngora, también concedido en 2008 pero por la Junta de Andalucía; y el premio Europa en su primera edición en 1985 por iniciativa del Consejo de Europa, el escritor Romero Esteo posee cierto halo de autor maldito. De hecho, en nuestro país no se le escenifica desde 1996, cuando la compañía Teatromaquia representó “Horror vacui”. “Manual de bricolaje” es una comedia diferente. Establece, por su temática y sus preocupaciones, una conexión directa con el público actual. Mantiene lo ceremonioso y ritualista de su teatro, los contrastes grotescos, la musicalidad de sus frases y
el ingenio terrible y divertido de sus más pulidas ideas en boca de unos personajes cercanos e inmediatos. Además, Teatro del Gato, compañía insertada en la empresa de gestión escénica El Gato, Cutural S.L, y que se encuentra en plena celebración de su X aniversario, prepara ya una segunda producción de título y argumento sugerente: “Hemingway”, de Maritza Núñez, con el actor Juanma Lara como cabeza de cartel. Y es que la compañía malagueña ha decidido combatir la crisis de la manera que mejor sabe hacerlo: con la creación de nuevos espectáculos.
Todas muertas
Las “damas” de Shakespeare se dan cita en esta comedia
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Foto: Iaia Cárdenas.
a escena comienza en un extraño espacio lleno de electrodomésticos destartalados, búhos disecados, sarro y porexpan. Ahí se encuentran, sin saber muy bien por qué, Lady Macbeth, Desdémona, Julieta y Ofelia, que se entretienen como pueden hasta que tras el estruendo llega él: un personaje entrecortado y con corbata, que las estimula a recordar y a revivir sus escenas más famosas desde un prisma muy particular. En estas condiciones se desarrolla “Todas muertas”, una comedia muy alocada de Oscura Teatre cuyas referencias van desde “Hamlet” a Chiquito de la Calzada, pasando por Los Chichos, Onda Vaselina o “El rey león”. Este montaje escrito y dirigido por Abel Zamora, en el que participan los actores Sergio Caballero, Vanessa Cano, Xavo Giménez, Nuria Herrero y Lorena López, se podrá ver del 16 de febrero al 6 de marzo en el teatro Micalet de Valencia, el 11 de marzo en Quart de Poblet, y el día 27 del mismo mes en Benetusser, ambas localidades valencianas. Más información en la edición digital
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Made in Paral·lel La historia de El Molino barcelonés narrada con música, luces y plumas
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ómo explicar lo que fue, es y será El Molino? ¿Cómo transmitir lo que significó este mágico espacio escénico para generaciones de barceloneses, catalanes y españoles? ¿Cuál es su secreto, que atrajo a personajes tan dispares como Fellini, Dalí o Rainiero de Mónaco? El espectáculo “Made in Paral·lel” responde a todas estas cuestiones desde el pasado 18 de octubre, cuando El Molino volvió a abrir sus puertas después de su cierre en 1997, y lo seguirá haciendo al menos hasta el próximo mes de junio. “Made in Paral·lel” conserva los valores que han hecho grande a El Molino: un espacio de libertad, de erotismo sugerente y de humor. A lo largo del espectáculo tres artistas de excepción nos conducen por la historia del recinto. Son Víctor Masan, el maestro de ceremonias; Merche Mar, la anfitriona del teatro; y La Terremoto de Alcorcón, su nueva super-vedette. La trama se inicia a finales del XIX, en los inicios de El Molino, que coinciden con la pérdida de las colonias de Filipinas y Cuba, que se recrea con un número de plumas, luz y canciones de La Lupe. El espíritu de Carmen Amaya, que actuó en El Molino en los años 30, vuelve a través del bailaor Amador Rojas. El burlesque de la II República y los bailes dramáticos e intensos de la Guerra Civil y el Franquismo dan lugar al colorido y la música pop de los años 60. “Made in Paral·lel” rememora también un capítulo tan importante de la historia de Barcelona como el que representaron los Juegos Olímpicos de 1992, hasta llegar a la nota emotiva que pone Merche Mar al compartir sus recuerdos sobre el cierre de la sala. La alegría regresará con La Terremoto, que con su peculiar estilo revisará éxitos de los 80 y 90 antes del apoteosis final, un número en el que todos los artistas suben al escenario a interpretar el mítico himno de El Molino.
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el mundo del espectáculo teatral musicales
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Bésame mucho, el musical de las pasiones Inicia su gira europea en Barcelona
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ésame mucho, el musical de las pasiones” permanecerá en la cartelera barcelonesa, en concreto en el teatro Coliseum de la Ciudad Condal, donde llegó el 19 de enero, hasta el 27 de febrero, en lo que será la primera escala de su gira europea. Posteriormente realizará temporada en Madrid, del 9 de marzo al 3 de abril en los Teatros del Canal, y recorrerá otras ciudades españolas antes de dirigirse a las principales capitales europeas. Este vibrante espectáculo musical narra una intensa y pasional historia de amor entre dos jóvenes residentes en un bullicioso barrio de La Habana. Los más de 30 temas originales, compuestos y arreglados especialmente para la obra, se suceden en el espectáculo bajo la dirección musical de Saul Valdés. La mayoría de ellos parten de boleros de siempre como “Perfidia”, “Quizás, quizás” o “Toda una vida”, arreglados musicalmente en base a géneros contemporáneos como el hip-hop, el pop, la conga, la bachata, la balada o la salsa, entre otros. La coreógrafa y directora artística Yolena Alonso es la creadora, directora y coreógrafa de “Bésame mucho, el musical de las pasiones”, mientras que la producción ejecutiva corre a cargo del barcelonés Óscar Iniesta. Presentado en La Habana este año, el espectáculo está interpretado por treinta artistas –entre cantantes, actores, bailarines y músicos– de origen cubano con extensa trayectoria internacional, entre los que destacan los actores y cantantes Rachel Pastor, Leiter Ledesma, Heydy González y Yadier Fernández. El musical es una coproducción entre Yoldance Showproductions –la compañía de danza que Yolanda Alonso creó en 1999– y Sandalia Music –compañía española de producción musical y artística–, y cuenta con la producción asociada de Anexa, empresa con una extensa trayectoria en la producción de teatro y musicales.
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el mundo del espectáculo teatral musicales
Por culpa de Yoko
Un reivindicativo musical lleno de humor y frescura a cargo de Jácara Teatro
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n “Por culpa de Yoko”, cuatro mujeres luchan por sus derechos, situación que sirve de excusa para hacer un repaso a sus vidas, sus secretos y a sus diferentes puntos de vista durante el encierro al que se someten en la fábrica de calzado en la que trabajan. Decididas a que se las despida si la empresa no les paga lo que les debe, las protagonistas se descubren a sí mismas y sus preocupaciones entre proclamas, canciones y bailes. Gloria Sirvent, Mila García, Dolores Faraco y Puri Moya interpretan a Berta, Elvira, Rosa y Cecilia, las cuatro representantes de un colectivo de mujeres que sufre las consecuencias de un despido masivo. La directora Mercè Vila Godoy se apoya en un texto de Paco Sanguino para contar sobre el escenario, y en formato de musical, una historia que, desgraciadamente, resulta bastante habitual en los tiempos que corren. Pero lejos de caer en el drama, esta comedia musical ha conseguido dar con la clave de humor necesaria para ser nominada como Mejor Espectáculo en los premios Max 2010 y en los Premios de las Artes Escénicas de la Generalitat Valenciana 2010. Jácara Teatro y su obra “Por culpa de Yoko”, cuya contratación permanece abierta, tuvieron una gran acogida el año pasado, sobre todo en las representaciones que realizaron durante el mes de marzo con motivo del Día de la Mujer Trabajadora. Más información en la edición digital
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el mundo del espectáculo teatral danza
Tango Metrópolis La pasión y la belleza del tango inundan los Teatros del Canal
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a sala Roja de los Teatros del Canal de Madrid acogerá a partir del 16 de febrero el espectáculo “Tango Metrópolis”, creado por los coreógrafos y bailarines Pilar Álvarez y Claudio Hoffmann, unidos desde la creación de su propia compañía en 1998. Juntos también han actuado como solistas en espectáculos como “Tangokinesis” y “Tango Pasión”. Acompañando a los artistas y a cargo de la dirección musical se encuentra el reconocido bandoneonista Daniel Binelli, al frente del quinteto que interpreta la tradicional música nacida en Argentina. “Tango Metrópolis” se estrenó en Colombia en 1998 como primer espectáculo de la compañía, y en estos doce años de trayectoria ha sido invitado a numerosos festivales y se ha representado en prestigiosos teatros de todo el mundo. Se trata de un recorrido por los diversos estilos del tango, desde el más tradicional en sus orígenes hasta el tango contemporáneo y rompedor. “Tango Metrópolis” llega a nuestro país tras haber recorrido Italia y Francia en los meses de noviembre y diciembre de 2010, avalado por la gran acogida que ha recibido en ambos países.
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Ananda Dansa invita a confiar en uno mismo en su nuevo montaje
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uando se cumple el XXX aniversario de Ananda Dansa, la compañía decana de la Comunidad Valenciana firma el epílogo de la obra que marcó su cuarto de siglo, “Alma”. Si aquella fue una celebración de la memoria colectiva, la pieza que presenta ahora, “Desalmados”, supone una reflexión sobre la individualidad y una llamada al cambio. Esta obra se estrenará los días 5 y 6 de febrero en el Gran Teatre Antonio Ferrandis de Paterna (Valencia), recinto que coproduce el montaje junto a la compañía y a los Teatres de la Generalitat Valenciana. La coreografía, firmada por Rosángeles Valls, detalla el viaje interior hacia la confianza en uno mismo. En la hora que dura “Desalmados”, los bailarines se mantienen todo el tiempo sobre el escenario. Cuenta con una única escenografía formada por ocho siluetas geométricas de acero que, por su forma, se www.elespectaculoteatral.es
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el mundo del espectáculo teatral danza
Coppélia Barcelona acoge el reestreno del montaje de 2006 del Víctor Ullate Ballet
A asemejan a ataúdes, pero que los intérpretes emplean como celda, columpio, refugio y puerta de acceso. Las estructuras son franqueadas, escaladas, elevadas, tumbadas y viradas en función del estado de ánimo que marca el inicio, el nudo y el desenlace del espectáculo. La fuerza de la pieza viene también avalada por la calidad de sus tres intérpretes. Ana Luján es artista asociada del Phoenix Dance Theatre y bailarina de la Rambert Dance Company. Toni Aparisi, por su parte, ha recibido siete nominaciones como Mejor Intérprete Masculino de Danza en los premios Max, hasta que finalmente se alzó con el ansiado galardón en 2007. Por último, Yolanda Peña ha pertenecido al Ballet Clásico Contemporáneo de Mario Martens, al grupo Art Ballet, y a las compañías Pampol’s, Patas Arriba, Otra Danza, y Eva Bertomeu. www.elespectaculoteatral.es
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nte la demanda del público, el montaje original de 2006 de “Coppélia”, del Víctor Ullate Ballet-Comunidad de Madrid, vuelve a estrenarse en Barcelona con un elenco de bailarines totalmente renovado. Entre los días 16 y 27 de febrero regresará esta producción al teatro Arteria Paral·lel de la Ciudad Condal. Para esta nueva adaptación del clásico, el coreógrafo y director artístico de la compañía, Eduardo Lao, ha actualizado la historia de la obra convirtiendo el famoso taller de muñecas del doctor Coppelius en un moderno y futurista laboratorio de robótica en el que se investiga la creación de un androide con apariencia, movimiento y comportamiento femenino. Aunque la ambientación y la coreografía han cambiado, Lao sí ha mantenido la música original de Leo Delibes y el tono cómico de la obra. Además ha contado con el diseño de vestuario de Pedro Moreno, la escenografía de Carles Pujol y la iluminación de Nicolás Fischtel para completar esta brillante producción. Más información en la edición digital
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el apuntador
el mundo del espectáculo teatral opinión
Cielos del Infinito: hacia un teatro sin fronteras por Lorena Álvarez Chávez A sus 26 años, Lorena Álvarez Chávez es licenciada en Comunicación Social y periodista. Actualmente es tesista del Magíster en Comunicación Social y Educación que imparte la Pontificia Universidad Católica de Chile en asociación con la Universidad Autónoma de Barcelona. Durante los últimos cuatro años se ha dedicado también
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l fin del territorio Latinoamericano, justo donde Chile concluye, se desarrolla cada verano el evento de artes escénicas más austral del mundo: el festival Cielos del Infinito. Abarcando en su máxima extensión la región de Magallanes, este encuentro de teatro, danza, música y cine reúne a más de 7.900 espectadores en torno a múltiples montajes, itinerancias y talleres de formación abiertos a la comunidad, cuya particularidad radica en la necesidad imperiosa de sus organizadores por extender y ampliar espacios culturales al sector más extremo del planeta. Y es que justamente en dicha premisa descansa el espíritu de Hain Producciones, organización responsable de su realización, que no se ha detenidos en los últimos cuatro en la búsqueda permanente de manifestaciones artísticas y culturales que contribuyan al desarrollo y bienestar de un grupo humano tan aislado geográficamente, pero al mismo tiempo tan sediento de espectáculos. Cielos del Infinito es un festival sin fines de lucro que apunta en esencia al desarrollo social y educativo de un sector invisibilizado por la lejanía geográfica respecto a la capital nacional. En su programación comprende tres sectores geográficos claves en la Patagonia chilena, las ciudades de Punta Arenas, Puerto Natales y Puerto Williams, esta última ubicada en el Cabo de Hornos, cuyos únicos accesos son a través de una pequeña avioneta o un viaje en una barcaza por los canales australes. La zona no supera los dos mil habitantes, de los cuales un porcentaje importante jamás ha “cruzado” hacia el continente. En este ápice del mundo el festival cumple un rol sociabilizador y educativo, tanto como de evasión y entretenimiento, pues además de transportar montajes teatrales, desarrolla durante una semana un taller infantil de formación técnica de vídeo a cargo del catalán Andrés Morte, otrora director de
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a la investigación en temas de arte, cultura y educación no formal en sectores vulnerables. Como periodista ejerce su labor en la promoción del festival de artes escénicas Cielos del Infinito y como columnista en la revista digital Cavila en la ciudad de Valparaíso (Chile).
La Fura del Baus. En este taller la idea central apunta a la reconstrucción de la historia del pueblo originario Yagán por medio de sus descendientes, valiéndose de las cualidades del formato documental audiovisual, pero con la particularidad que el registro nace desde la perspectiva de los niños que viven en Williams. Este material luego pasa a ser parte del gran proyecto Audiovisuales sin Fronteras que aúna producciones con estas características pero a lo ancho del mundo. Asimismo se hace en Puerto Natales y Punta Arenas, donde como un ejercicio necesario, el trabajo teatral se pone al servicio de la comunidad, ofreciendo talleres formativos de voz, música, teatro, dramaturgia y producción e industrias culturales, todos estos dictados por profesionales de las artes escénicas, que de modo gratuito preparan por períodos breves a jóvenes y adultos con el fin de iniciar en la materia a nuevos talentos en un espacio donde las escuelas profesionales de artes aún no existen. En lo referente a los montajes que se movilizan por la Patagonia, el vínculo entre lo educativo y el teatro es indisoluble. No sólo las temáticas que abordan los montajes son escogidas exhaustivamente por los programadores en miras del desarrollo del pensamiento crítico de esta diversa audiencia en formación, sino que además los espectáculos que desfilan por estas tierras australes tan lejanas consiguen, sin lugar a dudas, ampliar el horizonte de expectativas de los habitantes de las ciudades extremas, invitándolos a pensar en otros mundos posibles. Imaginar en el fin del territorio una fiesta de las artes, más allá del viento inclemente que sopla, las lluvias permanentes, los caminos rurales, las fragilidades en materia comunicacional y de transporte, (sin contar el elevado costo económico que
implica), parece una utopía. No obstante, esta fiesta existe, se llama Cielos del Infinito y sobre todos los obstáculos hoy cuenta con una interesante programación internacional, fondos estatales, regionales e internacionales que lo sustentan y un proyecto anual que pretende mantener durante el año actividades bimensuales en la zona para dar permanencia y proyección a la construcción de audiencias múltiples y al sinnúmero de talleres que ofrece a la población magallánica. Cielos del Infinito 2011 Del 21 de enero al 06 de febrero se realizó la cuarta edición del Festival de Artes Escénicas Cielos del Infinito. Este año la programación contempló tres obras internacionales, entre las que se encontraba la española “Fura”, con una propuesta de trapecio y coreografía aérea, además de las argentinas “Tercer cuerpo (La historia de un intento absurdo)”, de Claudio Tolcachir, y la obra “Mabel y Edgardo”, del Teatro Imposible, seleccionada tras un visionado en el Mercado de Córdoba. También estuvieron tres obras escogidas del festival más importante de Chile, Santiago a Mil, que fueron “La amante fascista”, “El olivo”, y “La mala clase”, además de las tres obras de excelencia nacional del reciente año: “Niñas araña”, “Santo progreso” y “Al volcán”. Este festival es un proyecto desarrollado por Hain Producciones (“Cielos del infinito” en lengua indígena selknam), un equipo integrado por jóvenes gestores que no superan los 30 años de edad y que a la fecha cuenta con el respaldo de Iberescena, la Red de Promotores Cultural de Latinoamérica y El Caribe, el Fondo Bicentenario del Consejo de las Artes y Cultura en Chile y el Centro Cultural Estación Mapocho. www.elespectaculoteatral.es
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el mundo del espectáculo teatral magia
No vengas solo
Anthony Blake presenta un nuevo espectáculo no recomendado para todos los públicos
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as oído hablar de “la chica de la curva”? Esa que alguien recogió con su coche en una carretera solitaria y que advirtió al conductor de lo peligrosa que era la siguiente curva antes de desaparecer del interior del vehículo. ¿Has sentido el tañido lejano de una campana en una noche de tormenta? ¿El aleteo de un pájaro sobre tu cabeza? ¿La presencia de tus seres queridos ya desaparecidos? Si la respuesta ha sido sí a alguna de estas preguntas, tienes que ver “No vengas solo”, el nuevo espectáculo del conocido mentalista Anthony Blake, pero solo si tienes más de 16 años, no eres fácilmente impresionable y no tienes problemas cardiacos o de nervios, ya que no está recomendado para todos los públicos. La empresa Wepresent produce este espectáculo para el que Blake ha tenido que superar sus propias angustias y miedos, y en el que espera no perder el control sobre lo que en cada función ocurra sobre el escenario. El teatro Cervantes de la localidad madrileña de Alcalá de Henares acogió su estreno los días 29 y 30 de enero, y ya en febrero se pudo ver en Alcázar de San Juan y Puertollano (Ciudad Real) los días 3 y 5 respectivamente, mientras que posteriormente se representará en Ponferrada (León) el día 18, y en Consuegra (Toledo) el día 26. Eso sí, vayas donde vayas a verlo, recuerda: no vayas solo. Más información en la edición digital
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el mundo del espectáculo teatral teatro de calle
A-Ta-Ka! / Nautilus Cal y Canto Teatro ofrecerá estos espectáculos en los Carnavales de Niza
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a compañía burgalesa Cal y Canto Teatro comienza el año 2011 cargada de propuestas internacionales que tendrán como protagonistas a los espectáculos “A-taka!” y “Nautilus”. La primera de estas citas más allá de nuestras fronteras tendrá lugar en los Carnavales de la conocida ciudad francesa de Niza, donde la formación presentarás estos dos montajes itinerantes de marionetas gigantes en cinco pases distribuidos entre los días 19 y 23 de febrero. Por otro lado, Cal y Canto Teatro tampoco deja de lado su más reciente montaje, “Despido improcedente”. Esta comedia musical dirigida por Pep Vila destaca por su compacto trabajo actoral y por sus escenografías en movimiento. Sus funciones continuarán en las próximas semanas en la provincia de Burgos y en la Red Vasca de Teatros. En concreto, y después de representarse en Miranda del Ebro el 22 de enero y en Alegría-Dulantzi (Álava) el 5 de febrero, se podrá ver en la casa de cultura de Gamonal (Burgos) el 12 de febrero y en el centro cívico Río Vena (Burgos) el día 20 del mismo mes.
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el mundo del espectáculo teatral teatro de texto
Érase una vez... La bella durmiente
La sala Caldero de Cobre acoge esta alocada obra musical de CamarKa Teatro
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aloma e Isidro son los acomodadores del teatro, y cómo cada día recogen las entradas de los espectadores y los acompañan a sus asientos. Pero hoy es un día diferente. La compañía que tenía que representar “La bella durmiente” no va a llegar a tiempo al teatro para hacer la función. Paloma e Isidro tienen que comunicarle al público la suspensión del espectáculo, pero… Isidro ve el baúl del teatro, el mismo en el que guardan todos los objetos que se han ido olvidando las compañías que han actuado allí. ¿Serán capaces de representar el cuento de “La bella durmiente” con trastos usados? Esta alocada, divertida y musical versión del clásico de Charles
Perrault de la compañía CamarKa Teatro está interpretada por Amalia Toba y Manel Romeu, quien también se ha encargado de su adaptación, dramaturgia y dirección. Los días 19, 20, 26 y 27 de febrero deleitará a toda la familia en el teatro Caldero de Cobre de Madrid, mientras que en mayo hará los mismo todos los fines de semana en el teatro Victoria, también en la capital. Por otro lado, en abril Camarka Teatro estrenará su nuevo montaje, “Érase una vez... La Caperucita Roja”, también en la sala Caldero de Cobre, donde se representará todos los fines de semana. Más información en la edición digital
La Caperucita Roja
Los personajes del conocido cuento infantil llegan a FETEN
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a Caperucita Roja” que el próximo 22 de febrero se podrá ver en Gijón en el marco de FETEN es una coproducción hispanopolaca llevada a cabo por la compañía Lapotínguele Producciones y que distribuye Teatro Tyl Tyl. Esta obra teatral, que respeta la historia tradicional, está dirigida por el polaco Jaroslaw Antoniuk, que ha contemplado esta adaptación teatral desde la perspectiva de una cultura como la polaca, en la que el bosque y sus significaciones tienen una dimensión diferente a la del cuento que todos conocemos. Cuatro actores dotados con nombres de colores asociados a partir del rojo de Caperucita dotan a esta obra de un brillante trabajo rítmico, corporal y vocal que proporciona energía, claridad y calidad al juego escénico. Recomendado a niños a partir de cuatro años, este montaje cuenta con una línea de acción ágil y dinámica en la que la escenografía, la composición musical y los objetos y marionetas proporcionan un encuadre distinto a este conocido cuento, abriéndole a nuevas significaciones. Más información en la edición digital
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el mundo del espectáculo teatral infantil
Amor de cuentos Relatos y poemas se dan la mano en la más reciente producción de Arbolé
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enios de la talla de Federico García Lorca, Gustavo Adolfo Bécquer, Gloria Fuertes, Juan Ramón Jiménez, Rafael Alberti o Antonio Machado firman algunos de los textos de “Amor de cuentos”, la más reciente producción del zaragozano teatro Arbolé, que se estrenó el pasado 1 de enero. “¡Cuentos..., cuentos...! ¡Vendo cuentos!”. Así pregona su fantasiosa mercancía el personaje de “La niña que riega la albahaca y el príncipe preguntón”, de Lorca, una de las historias que se incluyen en este “Amor de cuentos”. Los títeres también representan la fábula “Historia de burros”, el curioso caso del “Culete rebelde” de Omar Pompeyo, y se disfrazan de piratas en “La princesa del mar de la Trola”. Todos estos cuentos se aderezan con los poemas de algunos de los grandes escritores de nuestras letras. El actor-titiritero Javier Aranda y el director José Ignacio Juárez Montolío dan vida a este espectáculo lleno de fantasía y poesía ideal para estos tiempos tan prosaicos y tan serios.
20.000 leguas de viaje submarino
La compañía Rayuela adapta la universal obra de Julio Verne al teatro
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l pasado 22 de diciembre la compañía vallisoletana Rayuela Producciones Teatrales llevó a cabo el estreno de su adaptación teatral de la obra de Julio Verne “20.000 leguas de viaje submarino”. Nina Reglero es la responsable de la dramaturgia y la puesta en escena de este proyecto que ha adaptado Carlos Nuevo y que protagonizan Raúl Escudero, Diego López, Xiqui Rodríguez, Pablo Rodríguez y Carlos Nuevo. El estreno en Valladolid contó con la coproducción del teatro Calderón, donde la obra permaneció hasta el 30 de diciembre. La próxima parada de Rayuela tendrá lugar en la feria FETEN, que contará con esta función el 21 de febrero. La obra de Verne ha conseguido transmitir durante años su pasión por otros mundos posibles, su amor por el arte y la búsqueda de la libertad entre otros ideales. Más información en la edición digital
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el mundo del espectáculo teatral infantil
Klar y Yoyo
Una instalación que acerca las diferentes técnicas de este género
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Está por Ver Producciones distribuye la nueva obra de Teatro de la Luna
Los títeres
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a formación de títeres Teatro de la Luna y la distribuidora Está por Ver Producciones han llegado a un acuerdo recientemente para trabajar juntos en el espectáculo “Klar y Yoyo”. La compañía de la localidad madrileña de Alcalá de Henares, responsable de títulos como “Elmer y Wilbur”, “Ferdinando –premio FETEN 2005 al Mejor Espectáculo de Títeres– o “El pequeño teatro de D. Quijote –I premio “IV Centenario del Quijote” en el Concurso Internacional de Teatro de Títeres de Segovia–, estrenará su nueva producción el 19 de febrero en la próxima edición de FETEN, donde iniciará una gira por otras comunidades con el fin de dar a conocer este espectáculo de calle dirigido al público familiar e infantil. Esta función que se desarrolla en la vía pública y que invita a la participación de todos los viandantes arranca el día del cumpleaños de Yoyo, una niña caprichosa que suele conseguir todo lo que quiere. Sus papás le han regalado un monstruo de tres metros de altura como mascota. Convencida de que será la niña más envidiada de la ciudad, sale a la calle orgullosa y decidida a pasear con Klar. Pero para el monstruo ese es su primer paseo, y todo resulta nuevo para él y para sus necesidades de gigante... Más información en la edición digital
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espués de 17 años, de más de 1.600 funciones y de participar en 32 festivales internacionales de títeres, la compañía barcelonesa Galiot Teatre, integrada por Meritxell Serrats y Jordi Monserdà, dará un giro de 180 grados a su trayectoria y presentará en la nueva edición de FETEN un espacio lúdico y de creación para niños con títeres y marionetas que llevará el título de “Los títeres”. Esta instalación fue estrenada recientemente en Mediterrània, feria que coprodujo el espectáculo. La otra entidad que hizo posible este proyecto fue la Mostra Internacional de Títeres de Mollet de Vallés (Barcelona), localidad en la que reside Galiot Teatre, que produce y dirige este evento. A los responsables de la compañía les gusta definir “Los títeres” como “un museo de teatro de títeres al aire libre”. Y es que se trata de una superficie de unos 250 metros cuadrados que alberga 16 teatrillos en los que los niños podrán encontrar diferentes técnicas de manipulación como el guante, el hilo, las sombras chinas, las varillas, etc. En la parte central de la instalación se encuentra un espacio de construcción y creación donde el público podrá crear su propio personaje. Además habrá escenarios donde se recuperará el lenguaje de los juguetes antiguos, diferentes mecanismos con los que se podrá manipular un títere de más de tres metros de altura, cajas-sorpresa, y un espacio para jóvenes y adultos en el que interactuarán con ellos mismos a través de las manos. Más información en la edición digital
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entrevista Ramón B. Ivars Comisario nacional en la 12ª Cuatrienal de Praga
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el mundo del espectáculo teatral entrevista
Ramón B. Ivars
Comisario nacional en la Cuatrienal de Praga
“En mi carrera ha sido fundamental la gente que me ha ayudado a tener éxito con mis trabajos. Esta gente ha sido mucha, pero básicamente son aquellos que han hecho que los sueños, las ideas, se transformen en materia” Este año se celebra, entre el 16 y el 26 de junio, la 12ª edición de Cuatrienal de Praga, en la que la participación española será un tanto atípica, dado que los protagonistas serán los talleres artesanos de construcción de escenografías y vestuario, cuando tradicionalmente esta exposición está dedicada casi exclusivamente al diseño y la arquitectura. El responsable de ello es Ramón Ivars, escenógrafo y docente del Institut del Teatre con una dilatada experiencia, además de comisario nacional para la Cuatrienal. Desde su inauguración en 1967, esta exposición viene presentando el trabajo de los cinco continentes en las disciplinas de diseño de vestuario, escenografía, iluminación y sonido, así como arquitectura teatral. En total 64 países mostrarán sus trabajos en tres secciones: países y regiones, arquitectura escénica y estudiantes, que se desarrollan en diferentes espacios de la capital checa. Uno de los puntos fuertes del certamen son sus premios –siendo el más alto honor, a la mejor presentación, el Golden Triga– que son los más prestigiosos a nivel mundial en el ámbito del diseño escénico. El Institut del Teatre ha organizado la participación catalana desde 1987 y desde 2007 continúa en esa labor, aunque ya se trata de una representación a nivel de todo el estado español, contando con el apoyo del Ministerio de Cultura.
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uál es el mensaje que quiere transmitir la representación española en la Cuatrienal este año? - Este año queremos recordar a alguien que siempre se olvida, que es el constructor. Siempre nos fijamos en las fantásticas ideas de los diseñadores, pero nos olvidamos de que tiene que ocurrir algo para que todo eso deje de ser solo una idea y se convierta en una realidad.
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Como escenógrafo, cuando afrontas cualquier diseño antes de coger siquiera el lápiz para empezar a bosquejar debes tener en cuenta tres cosas básicas: conocer perfectamente de cuánto tiempo dispones para llevar a cabo el proyecto, con cuánto presupuesto cuentas y quién va a encargarse de la elaboración. Si tú todo eso lo tienes claro ya sabes el formato que has de diseñar, ya tienes un armazón,
un pentagrama sobre el que empezar a escribir la partitura. En todos mis años de carrera para mí ha sido fundamental la gente que me ha ayudado a tener buenas críticas y éxito con mis trabajos. Esta gente ha sido mucha, pero básicamente son aquellos que han hecho que los sueños, las ideas, se transformen en materia. Por supuesto, también están los que hacen que todo funcione en un escenario, que también son fundamentales, pero en esto consiste el oficio; hay tres etapas: diseño, construcción y escenificación, y ahí es donde el escenógrafo está en manos de todas esas personas. Este año en la Cuatrienal de Praga ha habido cambios, en las anteriores ediciones había un equipo que ha ido cambiando a lo largo de los años, pero ahora se ha renovado casi totalmente, es un equipo mucho más joven y mucho más inquieto. En el primer meeting de comisarios que se celebró en Amsterdam destacaba el tema de las nuevas tecnologías, de la globalización del diseño, es decir, que por ejemplo un arquitecto puede ser también www.elespectaculoteatral.es
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Las imágenes de manos de los artesanos trabajando son el leitmotiv del stand español. Las fotografías del montaje superior fueron tomadas en el taller de la empresa valenciana Odeón Decorados y las del inferior en la Sastrería Cornejo.
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talleres estará ahí trabajando y explicando lo que hace, para que la gente pueda ver e incluso tocar los materiales y cómo se trabaja con ellos. He contado también con un magnífico fotógrafo, Víctor Moreno, que ha hecho unos reportajes geniales de los talleres. De cada uno de ellos se hace un libro de edición única para la exposición, que los asistentes podrán hojear. - ¿En qué situación se encuentran actualmente estos talleres en nuestro país? - En general es una situación precaria; hay una tendencia a simplificar mucho, a no complicarse la vida con los montajes, a excepción del teatro público, que suele invertir lo que sea necesario. Muchas veces pienso si es necesario hacer, por ejemplo, un Shakespeare con los actores vestidos de Zara, me pregunto si es porque la dramaturgia así lo exige o simplemente porque resulta más contemporáneo y se ahorra un dinero en vestuario de época. Otras veces ves obras con un gran vacío escénico, que utilizan solo unos pocos elementos, sin ninguna atmósfera... totalmente alejado de los postulados de Peter Brook, gratuito, sin significado... ¿realmente se persigue esa aridez?, ¿la pretensión es crear inquietud en el espectador porque no se sugiere casi nada?, o simplemente plantear una
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escenógrafo. En definitiva, todo estaba muy centrado en el diseñador, en el creador de las ideas. Yo decía que todo eso es muy relevante, pero nos hemos olvidado de los artesanos, porque algunos de ellos, quizá por culpa precisamente de las nuevas tecnologías, están desapareciendo. Por ejemplo, llegará un momento en que nadie pinte un telón, porque la impresión digital ya está sustituyendo ese arte. La textura que ofrece un telón pintado no se consigue con la imprenta, aunque ésta es más barata y rápida. Por este motivo creo que es el momento de hacer saber esto a la gente. Hay que contar qué es lo que pasa “after design”, después del diseño. Ya se sabe muy bien lo qué es un diseñador y un espectáculo, pero lo que pasa en medio se desconoce. “After design” es el lema de nuestra exposición en la Cuatrienal. Ha sido aceptado por los organizadores y hubo que superar ligeras reticencias, porque es un poco lo opuesto de lo que proponen en el certamen, que es la diversificación de la escenografía, su entrada en otros ámbitos, siendo el diseñador el principal protagonista. Las imágenes de manos trabajando es el leitmotiv de toda la exposición. En el centro del stand hay una mesa porque en cada jornada un artesano de uno de los
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Talleres que expondrán sus trabajos en la Cuatrienal de Praga
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Otra imagen de Víctor Moreno para la exposición en la Cuatrienal, tomada en el taller de escultores Sarandaca, de Barcelona.
escenografía supone mayor presupuesto y esfuerzo. - ¿Cómo será la participación en la sección de arquitectura? - En esta sección los protagonistas de la participación española son aquellos espacios que antes se destinaban a otros usos completamente distintos y se han recuperado para las artes escénicas. Esta sección se desarrolla en otro recinto diferente al de la exposición de escenografía (ubicada en el en el Palacio Veletržní), que es la Iglesia de Santa Ana. Ahí a cada comisario nos ceden como espacio de exhibición solamente una mesa, con diferentes opciones y formatos pero con esas reducidas dimensiones. En principio iba a presentar tres proyectos, pero al final van a ser seis, así que tuve que ingeniármelas para presentarlos todos en esa mesa. Decidí hacer un poco el loco y la solución que elegí fue poner la mesa patas arriba (aunque sin patas) y colocar en ella tres expositores para postales, cada uno de ellos dedicado a dos proyectos. Cada proyecto se describe con una vista aérea de donde está ubicado el recinto, unas postales antiguas que muestran los trabajos y actividades que se realizaban antes de transformar ese espacio y unos planos de la rehabilitación. Además del Matadero de Madrid, los otros recintos que
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se presentan son el Centro Párraga, La Alhóndiga, Naves de Sagunto, Coma Cros y el Teatro de Navalmoral. - También está la sección de estudiantes, ¿cómo será la participación en este caso? - En este caso yo no soy el comisario. Yo empecé a ir a Praga precisamente como comisario de esa sección, hasta que en la anterior edición ejercí las dos funciones: comisario de las escuelas y de la sección nacional, pero me di cuenta de que me era muy difícil atender a todo, así que este año el comisario de la sección de estudiantes es Quim Roy. Él es el jefe de la especialidad de escenografía en el Institut de Teatre, igual que lo fui yo hace años. En esta ocasión por primera vez van a venir todas las escuelas públicas de España que imparten título de licenciatura en la especialidad de escenografía. - ¿Qué supone realmente para el sector en España participar en la Cuatrienal de Praga? - En este caso para los talleres supone un paso adelante en cuanto a salir del anonimato y que los conozcan en todo el mundo, no solo los profesionales españoles. Por otra parte, como ya te he dicho, está esa reivindicación de unos oficios que la gente desconoce que existen. En general, para todas las convocatorias el principal aliciente de Praga es darte a
• Antiqua Escena (Madrid) • Castells Planas (Barcelona) • Clap (Barcelona) • Cornejo (Madrid) • Cube.bz (Girona) • Dream Factory (Madrid) • Eskenitek (Álava) • Justo «El Salao» (Sevilla) • Manolo García (Valencia) • Odeón (Valencia) • Quim Guixà (Barcelona) • Sarandaca (Barcelona) • La Tía Norica (Cádiz) • Ras Artesanos (Cádiz)
Proyectos participantes en la sección de arquitectura • Naves del Español-Matadero Madrid • Centro Párraga (Murcia) • La Alhóndiga (Bilbao) • Naves de Sagunto (Valencia) • Coma Cros (Girona) • Teatro de Navalmoral de la Mata (Cáceres) conocer en todo el mundo. Yo creo que a Praga se ha de ir aunque no participes en la exhibición, porque ves lo que está pasando en el mundo en este sector. Son sesenta y cuatro países los que participan. Realmente es importantísimo. La primera vez que fui a la Cuatrienal, como comisario de la sección de estudiantes, para mí fue significativo porque me sedimentó como profesional, y eso que ya llevaba años dedicado a esto. Te sirve para situarte, para chequear tu propia obra y tu propio estilo. Allí tienes la oportunidad de ver cosas que están muy por encima de tus límites y también muy por debajo, así que puedes situarte. Fotos: Víctor Moreno
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el mundo del espectáculo teatral reflexión
la técnica, instrucciones de uso
Desazón, indignación, expectación “… la peor de las actitudes es la indiferencia; decir ‘yo no puedo hacer nada, ya me espabilaré por mi cuenta’. Comportándoos así perderéis uno de los principales componentes del ser humano. Uno de los componentes indispensables: la capacidad de indignación y el compromiso que se deriva de ella…” (Stéphane Hessel)
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sí nos alecciona el autor de un librito de apenas 30 páginas que ha sido un gran éxito en Francia donde –según aseguran las crónicas– ha vendido un millón de ejemplares. El texto, escrito por Stéphane Hessel, de 93 años, se titula “Indignez-vous” (¡Indignaos!). En él nos traslada una reflexión a partir de su experiencia. Afirma que aquellos que construyeron Europa en la posguerra tuvieron como acicate para la acción la indignación que les produjo el fascismo y el deseo de mejorar el mundo promoviendo la justicia social, los derechos del hombre y el reparto de la riqueza. Apoyándose en esta referencia, se dirige a nosotros –cuando para él “la fin n’est plus bien loin” (el fin ya no está muy lejos)– para recordarnos que deberíamos ser capaces de encontrar nuestro motor de indignación ante el estado actual de las cosas. Clama contra la indiferencia y nos anima a actuar; a cambiar la sociedad. El sector del espectáculo no vive al margen de la sociedad sino que es parte integrante de la misma. Lo hemos constatado duramente cuando la crisis ha arreciado y las vacías arcas municipales han dedicado los escasos recursos disponibles a necesidades sociales más perentorias que la cultura y el ocio. No en vano, el sector público es titular del 90% de las salas que hay en España. Los teatros programan menos y con menos dinero. Ante el retraimiento de la demanda, el tejido sectorial sufre en cascada las consecuencias. Como colofón, la deuda comercial de muchos municipios con las compañías teatrales ahoga su economía y las pone en situación de desaparición. Esta situación de escasa demanda y acumulación de impagados afecta también a las empresas prestatarias de servicios técnicos y al personal técnico. Si en algo coinciden todos los observadores es que, si bien de esta crisis general vamos a salir, las cosas no volverán a ser como antes. Esto es un eufemismo para decir que habrá menos dinero disponible. Un lugar común entre la gente del teatro es la idea de que estamos más preparados para afrontar la crisis ya que estamos permanentemente instalados en ella. Parece que las artes escénicas son un enfermo con una salud de hierro. Aún
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así, ¿debemos prepararnos para un largo período de vacas flacas en el sector? Las empresas (compañías, prestatarias de servicios técnicos, teatros, productoras) deben adaptarse al nuevo contexto de carestía para sobrevivir. Pero esta adaptación se ha realizado, en primer lugar, operando sobre la mano de obra. La tradicional precariedad en el empleo en nuestras profesiones ha trasladado el coste de la crisis al trabajador, aumentando de forma muy significativa el paro entre los profesionales técnicos. Tomemos, a modo de ejemplo, la noticia que bajo el titular “Los obreros de la ópera pagan la crisis” publicaba el periódico La Nueva España de Oviedo (LNE) el pasado mes de noviembre. En el cuerpo de la noticia -y con las propias palabras de los técnicos-, aparecía claramente reflejada la realidad laboral de estos profesionales. Escribe el redactor Pablo Gallego: “…Los recortes de las subvenciones que las administraciones públicas dedican a la música amenazan con recortar la programación ovetense de ópera y zarzuela, lo que dejaría en la calle a buena parte de los trabajadores que viven de la industria cultural. Y sin ellos, el espectáculo no puede continuar. De forma directa, un centenar de técnicos y especialistas de las artes escénicas temen pasar ‘más tiempo en el paro que trabajando’, con sueldos que, en muchos casos, no superan los 700 euros mensuales”. Cuando los grandes equipamientos se ven en la necesidad de encoger, no queramos saber lo que les estará ocurriendo a los pequeños, a las empresas auxiliares y los técnicos free lance. Oímos hablar insistentemente de las “industrias culturales” y el espléndido futuro que les aguarda tratándose de un ámbito estratégico para la economía del país. Pero los “obreros de la ópera” nos acaban recordando quién paga la crisis en un sector intensivo en mano de obra. La acomodación del presupuesto a la nueva realidad económica tiene una víctima fácil: la técnica. Aquel “menos hierros y menos camiones” que todos hemos oído en mejores tiempos como solución a los problemas de rentabilidad, reaparece ahora como solución a la crisis. Me pregunto si los espectáculos del futuro
serán todos monólogos con cámara negra. Seguimos leyendo en el artículo antes mencionado: “…Los ‘obreros de la ópera’ saben que, con vistas a asegurar su trabajo, uno de sus problemas es que el público y los políticos que deciden su futuro ‘no nos ven. Pero sin nosotros detrás, el espectáculo no sale. Que piensen en ello’…”. De acuerdo. Pero la cuestión no es tanto si sale o no el espectáculo, sino más bien qué tipo de artes escénicas queremos para nuestro país. Hemos rehabilitado y construido cientos de teatros para proporcionar a los artistas espacios dignos y adecuados en los que mostrar su arte al espectador. Su explotación es costosa puesto que la técnica en el espectáculo no es barata. No obliguemos ahora a los creadores a renunciar a recursos expresivos en escena, sacrificando escenografía, vestuario, iluminación o sonido. Puede que para los productores sea una opción; pero para los técnicos no se trata de una elección. Simplemente les va la vida en ello. Que deberemos adaptarnos es obvio. Que sepamos hacerlo ya es distinto. Y que sepamos ver en la crisis una oportunidad es más dudoso. En realidad, quizá estemos más cómodos en esa eterna situación de crisis endémica a la que estamos acostumbrados. ¿O debería mejor decir, condenados? Quizá sea una postura ingenua por mi parte, pero ¿qué mejor ocasión que la actual para la unidad, para el rearme ideológico en defensa de los intereses de la cultura, cada vez más a merced del mercado? ¿Se acuerdan ustedes cuando a finales de los setenta, todos –los artistas a la cabeza– nos autoproclamábamos “trabajadores” de la cultura? Leemos en el LNE las palabras de una técnica: “…’A pesar de todo, nos gusta este trabajo; antes era feliz, pero si pienso en lo que nos espera, marcho rabiada para casa’...” ¿Será la expresión “rabiada” sinónimo de la indignación de Hessel? En mis peores pesadillas me veo en los tiempos de “El viaje a ninguna parte”. Jordi Planas www.elespectaculoteatral.es
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la última
el mundo del espectáculo teatral reflexión
La cultura y las artes escénicas: Fuenteovejuna
La nueva situación generada en parte por la crisis económica ha urgido a empresas y compañías a introducir cambios profundos en su relación con el mercado, esencialmente en manos públicas. Pero, ¿son conscientes los espacios públicos de los cambios que también se requieren por su parte? En este artículo, Robert Muro plantea algunas reflexiones al hilo de una reciente e intensa conversación sobre este tema con José Luis Rivero, director artístico del Auditorio de Tenerife.
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a situación creada por la crisis económica en los últimos dos años y su repercusión en las instituciones locales ha ido configurando un nuevo marco de relación entre la producción artística, como sabemos, esencialmente de origen privado, y la exhibición, fuera de Madrid y Barcelona esencialmente en manos de instituciones públicas. En este nuevo marco, la reducción de los presupuestos destinados a programación cultural y artística juega un papel esencial, y ha obligado a empresas y compañías artísticas a un extraordinario ejercicio de acomodación y de supervivencia: primero, han reducido sus cachés, a la búsqueda de mantener niveles de contratación, lo que ha llevado a muchas compañías a excluir de sus precios finales amortizaciones y beneficios; por otro lado, se han abierto a fórmulas de cobro por taquilla y otras formas de captación de recursos, impensables hace apenas tres años; y, finalmente, han tomado conciencia de la necesidad de una nueva y mayor implicación en la relación con sus públicos, anteriormente delegada en exclusiva a los programadores y responsables de espacios de exhibición. Todo ello –más unos notables esfuerzos en la gestión interna de equipos y de presupuestos– ha tenido como consecuencia el incremento de tareas por parte de compañías y empresas. Bienvenido sea si contribuye a hacerlas más fuertes, autónomas y sostenibles en un mercado cada vez más difícil. Sin embargo, esta toma de conciencia de la producción y su rápida acomodación a los nuevos tiempos, no ha tenido en paralelo respuesta similar en teatros, auditorios y en general en quienes deciden los contenidos programados en los espacios públicos de exhibición. Y el problema de fondo es que el sector está formado por esas dos patas que deben caminar coordinadas y al paso adecuado para que el conjunto no acabe en el suelo. A continuación voy a señalar las que a mi modo de ver son tareas o líneas a asumir urgentemente por el sector público.
que la cultura y las actividades escénicas son un servicio público, y que su calidad –al igual que en otros servicios– no debe disminuir en tiempos de crisis. Dar por bueno que las reducciones presupuestarias acarrean indefectiblemente recortes en la cantidad y la calidad es un error que pagan los ciudadanos con un peor y menor servicio. Los responsables han de trabajar más y mejor, con creatividad en sus modelos de gestión, para que el servicio se mantenga. El burocratismo o el estilo funcionarial son en estos momentos un peligro de fondo para la Cultura en un país cuya red de relación entre cultura y sociedad es esencialmente pública. Por otro lado, medidas concretas, o más bien líneas de medidas que los espacios y sus responsables políticos y de gestión deben implementar para confluir y coadyuvar en el esfuerzo que está realizando el sector privado. A mi modo de ver las siguientes son algunas de ellas.
1. La calidad del servicio. Por un lado, una cuestión extraordinariamente relevante y que actúa de marco de otras medidas concretas: teatros, auditorios, espacios de exhibición y sus responsables –de programación y políticos– deben asumir
3. Los pagos. Es el momento, también, de buscar y poner en pie fórmulas innovadoras de pago de los servicios contratados. La supervivencia del sector privado de la creación es imprescindible estratégicamente para la sociedad, y el
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2. La taquilla. Debe pasar a ser una preocupación concreta y práctica de los espacios y sus responsables. Es el momento de esfuerzos supremos para que los teatros se llenen y para que las entradas a la venta acerquen su precio en alguna medida al precio real del producto ofertado, que por cierto, debería ser conocido por el espectador. Además, el dinero de la taquilla, como fuente de pago para compañías que se acogen a esta fórmula, ha de ser considerado como ajeno (no propio) y entregado de modo inmediato –en el porcentaje acordado– a las empresas que han surtido de servicio a ese espacio. La práctica actual de muchos responsables políticos de contar esos ingresos para la liquidez municipal y retrasar el pago a quienes ya han ofrecido el servicio es desleal, éticamente reprobable y probablemente no legal. Es el momento de reclamar la autonomía financiera – incluida la capacidad de recabar recursos privados–, y la disponibilidad de los ingresos generados por los teatros para su propio funcionamiento.
paso de una economía de caché a otra basada en exclusiva en la taquilla es imposible para algunas compañías –las de mayor riesgo– y para otras es necesario implementar medidas de transición para que sea viable. Ejemplos: medidas que combinen el pago de un fijo que aminore el riesgo de empresas y compañías, con el porcentaje de taquilla adecuado; medidas que abaraten los costes de transporte, mantenimiento y estancia de las compañías, más fáciles de lograr por los municipios o instituciones contratadoras… 4. La comunicación. En tiempos de dificultades se tiende a la reducción del esfuerzo comunicativo con la sociedad destinataria de la programación. Tanto por la menor disponibilidad de fondos, como por el propio desánimo que conlleva programar en malas condiciones. El efecto de comunicar menos es peligrosísimo y me recuerda aquella historieta en que el joven recién licenciado en Económicas recomienda a su padre reducir los gastos de publicidad de su restaurante de carretera porque hay una crisis enorme. El padre no la ha notado, pero hace caso al hijo porque para eso ha estudiado; y efectivamente al poco tiempo el negocio empieza a decaer. El padre nunca sabrá que fue el consejo del hijo el que motivó su pérdida de clientes. Incluso puede que lo tenga como un visionario gurú. La tendencia a que lo que vale poco –ya no pagamos cachés– no merece esfuerzo de comunicación, perjudica a las compañías, pero también al público y, finalmente, a la labor social del teatro. 4. El público. Y es que es el momento histórico idóneo para hacer del público un cómplice, un aliado; el momento de acercarnos a él por medios innovadores y a menudo baratos; el momento de preguntarle, de conocerle, de contarle la verdad, de implicarle en la salida de la crisis. De proponerle programas de socios, de proponerle su participación incluso en programas de micro-mecenazgo. La cultura requiere estructuras de creación y exhibición, pero sin los públicos no habría cultura y nada tendría sentido. Simplemente no sería. Pues eso. Robert Muro www.robertmuro.wordpress.com www.elespectaculoteatral.es
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