La Revista 56

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febrero 2014 mx $87 / 7usd

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EL MUNDO DEL BUEN GUSTO

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HotEl Escondido: el secreto mejor guardado de la costa oaxaqueña

E lli ot t E r w i t t: el gran fotógrafo habla de perros, colores y escocia

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El (otro) artE Artistas comprometidos que mueven montañas

la Carta editorial No. 56 | El (otro) arte | Febrero 2014

El arte socialmente comprometido es una actividad híbrida […] que existe en algún lugar entre el arte y el no arte y su estado podría estar permanentemente irresuelto” – Pa blo H e lguera

Aunque la pregunta originaria dentro del mundo del arte sea la misma desde hace siglos (“¿es acaso esto arte?”), los razonamientos para la reflexión son exponencialmente más amplios, pues hoy los críticos no solamente deben cuestionar asuntos como temática o materiales utilizados a la hora de la creación de la supuesta obra, sino deben también tener en cuenta la intención del artista, sus credenciales y trayectoria.

Hay movimientos como el street art o el land art, así como movimientos de índole social que han creado polémicas y derramado ríos de tinta, sobre si es o no válido el que un artista o grupo de ellos se denominen más creadores que terroristas. ¿Dónde termina o empieza la libre expresión? ¿Deben seguir reglas? Si bien antes había manifiestos artísticos, hoy parece que todo se vale. ¿Podemos hablar, acaso, de “no–arte”? Cuando la expresión artística se complementa con filosofía, política y causas sociales, claramente se vuelve más complejo el fondo que lo sustenta, pero, ¿invalida acaso su carácter artístico?

Hoy sabemos que la pintura no es solamente una técnica para representar la realidad, y un verdadero artista es aquél que trabaja con ideas y conceptos a los que desde luego siguen distintas técnicas, y no al revés: no deberían ser las técnicas las que dictaran las ideas al creador.

En un tema tan apasionante, bienvenido el debate.

En esta edición le dedicamos muchas páginas a estas nuevas tendencias, discursos, manifestaciones artísticas.

Martina Santillán nos lleva de la mano al mundo del arte socialmente comprometido, donde examina corrientes que retan al mercado del arte, mediante brillantes ejemplos, pues a medida que las fronteras entre las corrientes artísticas se desdibujan, se cuestiona más y más su validez como legítimas prácticas artísticas. Los nuevos “artistas-activistas” invaden cada día más las ferias y museos antes

reservados para los consagrados –según el mercado del arte. ¿Es arte? En palabras del artista contemporáneo Pablo Helguera sí lo es, pues “los artistas ironizamos, problematizamos […] para provocar la reflexión [acerca de las ideas de justicia social]…proponemos enunciados simbólicos en el contexto de nuestra historia cultural y entramos en un debate artístico más amplio”. Es una forma artística que todavía está en desarrollo y que probablemente nunca tenga una forma tan definida como la pintura o la escultura. Es un arte mucho más demandante tanto para el artista como para los que lo experimentan, pero vale la pena darle una oportunidad.

Tomemos al artista contemporáneo chino Ai Wei Wei, quien desde sus llamativos lienzos se ha dedicado a enfrentar a su gobierno, haciendo que el discurso de la tolerancia y la creatividad esté hoy más vigente que nunca, o los nuevos laboratorios artísticos de Italia, como Fabrica que la familia Benetton tiene al norte de este país y desde donde las ideas se cocinan de la mano de la mercadotecnia y la publicidad.

Hoy los fenómenos artísticos marcan una presencia ineludible y, lo que es fundamental, se convierten en los nuevos objetos de nuestra reflexión. Cada vez más el artista conceptual convierte la superficie de su obra en soporte de un discurso. Bienvenida la postmodernidad.

Pero lo que es innegable es que algunas obras tienen la capacidad de conmovernos de forma especial y, lejos de los discursos de provocación del artista, si las hay, el arte estará siempre inmerso en el ámbito de lo sublime, y su mensaje es siempre primigenio, pues el mensaje del arte es a la vez desconocido y universal, un lenguaje que habla todos los idiomas a la vez y cuya finalidad, de haber alguna, sería unir cientos de diferentes culturas, razas y momentos históricos.

@marcelamaya

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C Centrales 22 La plática con Elliott Erwitt

42 Yarn bombing, el arte de tejer grafiti

34 ¿Arte que no es arte?

O el arte socialmente comprometido

50 Fabrica de Benetton, ¿mecenas de nuestros tiempos?

por Marcela Aguilar y Maya Uno de los mejores fotógrafos contemporáneos visitó México para contarnos sobre su proyecto con The Macallan.

por Martina Santillán Con el arte tan ligado al consumo, han surgido creadores que buscan separarse del resto y acercarse más a la realidad.

por Daniela Cuevas Guerrero El estambre se ha convertido en una nueva arma para aquellos que se dedican al arte urbano.

por Andrea Villanueva En Italia existe un oasis de creación patrocinado por Benetton. ¿Será la marca un verdadero mecenas?

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A aBrIDOres

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10 El Blog

Un hotel para descansar y las gafas para su viaje, además de lo mejor para comer y beber.

16 De la A a la Z

El arte no es, ni de cerca, lo que era hace algunos años. Conozca su pasado, presente y muchos datos curiosos.

F FInales 56 La Galería

La Colección Jumex abre las puertas de su nuevo espacio en el Nuevo Polanco.

62 La Suite

El nuevo hotel del Grupo Hábita en Puerto Escondido es toda una joya.

68 El Personaje

Erick Meyenberg y Glenfiddich se unen para hacer arte en Escocia.

70 La Moda

Ferragamo y su colección inspirada en el trabajo arquitectónico de Aragonés.

74 La Joya

OMEGA es mucho más que una marca de relojes. Conozca su línea de joyas.

76 La Gazette

82 Periferias

80 El Coleccionista

84 El Libro

Dos presentaciones de libros sin igual a cargo de Bárbara Berger y Grupo Monex.

La historia de un Buda a través de los ojos de nuestro coleccionista.

Cambiar el sentido a una frase, así sea del ámbito legal, puede darnos sorpresas.

El ser humano no se comporta igual dormido que despierto. Un libro de arte sobre el tema.

el Directorio No. 56 | El (otro) arte | Febrero 2014

Dirección Eduardo Sanmiguel Director general Marcela Aguilar y Maya Directora asociada Mariana Castro Directora de proyectos especiales Leonardo Kourchenko Director ejecutivo

Editorial Julieta García Directora editorial julieta@aeditores.com Andrea Villanueva Coordinadora editorial andrea@aeditores.com Susana Paz Corrección de estilo

Suscríbase por un año

al (55) 5281 0568 y reciba mensualmente, en su domicilio, La Revista.

Arte Cynthia Márquez Directora de arte cynthia@aeditores.com Yair Orozco Diseño gráfico yair@aeditores.com Fernanda Carrasco edición fotográfica fernanda@aeditores.com

Colaboradores Michel Bellego | Daniel Benítez | Daniela Cuevas Guerrero | Ignacio Galar | Thais Herrera | Undine Pröhl | Rodrigo Rivero Lake | Martina Santillán | Ana Terán

Consejo Editorial Ausbert de Arce | Carmen Cordera | Allan Fis | Bruno Newman | Mónica Patiño Ricardo Salas | Gonzalo Tassier | Ignacio Urquiza

Comercial Eva Feldman ejecutiva de cuenta eva@aeditores.com Gabriela García ejecutiva de cuenta gabriela@aeditores.com Ivonne Miranda ejecutiva de cuenta ivonne@aeditores.com

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l a re vIsta , El Mundo del Buen Gusto

Información para anunciantes: ventas@aeditores.com La revista el mundo del buen gusto es una publicación de a editores, Shakespeare 21-802, Col. Anzures C.P.11590, México, D.F. Teléfonos: 5281 1778 La Revista el mundo del buen gusto es una publicación de estilo de las opiniones de los autores no necesariamente representan el punto de vista de los editores o la editorial.

Circulación certificada por el Instituto Verificador de Medios Registro No. 489/ 001

vida de A Editores. Revista mensual. número 56, febrero 2014. Editor responsable: Marcela Aguilar y Maya. El contenido de los artículos es responsabilidad de los autores. Todos los derechos reservados. Prohibida su reproducción parcial o total incluyendo cualquier medio electrónico o magnético para fines comerciales. La información contenida se ha obtenido de fuentes que se consideran fidedignas. Número de reserva al Instituto Nacional de Derechos de Autor 04-208-092913333400-102. Número de certificado de licitud de contenido No. 11997. Número de certificado de licitud de título No. 14424. Distribuida por: Mentor, Playa Caletilla No. 61 PB, Col. Reforma Iztaccíhuatl, CP 08810, México, DF. Impresa por Preprensa Digital, S.A. de C.V. Caravaggio 30. Col. Mixcoac. CP 03910 T. 5611.7349 Mexico, D.F.

this must be the place AZÚCAR

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+52 (55) 52 8 2 2 1 9 9

GR U P O H A B I TA

GRU P O H A B I TA HO T E L E S

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ABRIDORES

el Blog

pág. 010 Una plática sobre perros y fotos; excelentes recomendaciones y los robos de arte más famosos para comenzar bien el año.

por: La Redacción fotos: Cortesía

Absolut Elyx Sustancia con estilo absolut.com |

Absolut Elyx

Elaborado completamente a mano, Absolut Elyx es la máxima expresión de lo que significa Absolut, un magnífico ejemplo de lo que más de 500 años de experiencia en la creación de vodkas premium pueden lograr.

Elyx ofrece un aroma envolvente, un delicioso y suave sabor y un acabado tan limpio que otorga una textura sedosa en boca. La máxima expresión de la experiencia, la creatividad y la pasión que siempre han definido a Absolut proviene de la alta calidad de los granos de trigo de invierno que son 100% seleccionados a mano por el maestro destilador Krister Asplund en los campos del sur de Suecia, para luego ser procesados de manera artesanal con una técnica de destilación que incluye una catalización mediante cobre, lo que otorga el toque final de carácter y purificación al espirituoso.

Disfrutarlo debe ser una experiencia sencilla y elegante, por lo que se recomienda que Absolut Elyx se tome solo; sin embargo, su carácter suave y armónico también lo hace perfecto para darle vida a cocteles clásicos como el martini seco.

Una nUeva imagen

La nueva edición de Absolut Elyx mantiene la forma cúbica de su botella —reinterpretación de la silueta original de Absolut— pero ahora presenta elementos decorativos que honran y evocan al proceso de purificación con cobre. De estética decó, la botella está adornada con rectángulos cobrizos que hacen clara referencia al material con que está hecho el alambique de 1921 del que aún se obtiene este sedoso vodka.

La imagen de Absolut Elyx es tan importante como el líquido y Johan Lindeberg —director creativo— se ha encargado de crear un estilo de vida Elyx. Con la pasión por lo hecho a mano y su muy particular estética, Lindeberg le ha dado a Absolut Elyx una imagen impecable.

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El manifiesto de Absolut Elyx • Granos de trigo 100% seleccionados a mano: Absolut Elyx es destilado exclusivamente de granos de trigo de invierno originarios de Råbelöf, una finca al sur de Suecia.

• Exclusividad y trabajo artesanal: con un cuidadoso trabajo manual y la supervisión de cada paso del proceso, no se usan maquinarias automatizadas. Es por ello que sólo existe una cantidad limitada de lotes.

• Catalización de cobre: durante la destilación mediante alambiques, columnas, bombas y tuberías forjadas a mano con este material, el líquido obtiene su sedosidad.

• Agua filtrada de manera natural: se utiliza agua prístina, baja en minerales de un manantial subterráneo.

EL BLOG

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→ Orlane B21 extraordinaire orlane.com |

Orlane Paris

B21 es un tratamiento revolucionario y de alta tecnología, capaz de reinicializar la juventud en el corazón de la célula y, de esta forma, actuar en la fuente misma del envejecimiento. Orlane se ha dedicado a la investigación en sus laboratorios y ha hecho descubrimientos científicos que parecen salidos de un cuento de hadas. Entre éstos se encuentran el complejo exclusivo “Youth Reset” y 21 aminoácidos esenciales, los cuales son indispensables para la belleza de la piel, sin importar la edad de quien lo use.

B21 Extraordinaire es, además, un tratamiento universal que funciona en todas las pieles de todas las edades. Al ser capaz de reiniciar las células, detener las disfunciones y recuperar el ciclo virtuoso de las pieles jóvenes, Orlane ha encontrado una definición de juventud mucho más moderna. Se trata de una belleza que no tiene que ver con convertir arrugas en arruguitas, sino con un rostro que se siente bien consigo mismo.

Orlane ofrece ahora un producto más global, que actúa en profundidad para recuperar la densidad y la luminosidad a flor de piel. B21 Extraordinaire es un tratamiento que libera de los dictados de la edad.

Be Orlane Desde 1947, Orlane sigue su filosofía de ofrecer lo mejor a la piel. En 1968, con B21, la casa francesa revolucionó el mercado de la belleza ofreciendo uno de los tratamientos más completos, modificando profundamente la industria cosmética. A lo largo de estos 50 años, la marca sigue conservando la misma filosofía de ofrecer la libertad a la piel y proporcionarle todos los medios para recuperar sus mecanismos de defensa y auto-dirigirse de forma ideal. Ahora Orlane presenta un nuevo manifiesto de la belleza: el lujo se manifiesta en una piel bonita, sana, lisa, fresca y, por supuesto, suave. Para una mujer feliz, sonriente, simple y extraordinaria.

Eyewear → Prada La magia de miuccia en sus ojos prada.com/es |

Prada |

@prada

Miuccia Prada es una de las grandes del diseño de moda, frecuentemente adelantándose a las tendencias y dictando cánones estéticos. Su especialidad, sí, es el diseño de moda para mujer, pero los accesorios de la casa que lleva su nombre y que dirige, también son impredecibles y fascinantes.

La colección de gafas de mujer para esta temporada transmite una personalidad controvertida, como todo en los diseños Prada, con sofisticados modelos que evocan los años 40 en frontales amplios y angulares. Las líneas básicas juegan con volúmenes y geometría, mientras que la paleta de colores abarca desde tonos clásicos —como el negro, el marfil y el cacao— hasta extravagantes colores.

La colección Ornate tiene piedras preciosas que se combinan con la clásica combinación de blanco y negro. Y los modelos para hombres de líneas clásicas no se quedan atrás en cuanto a sofisticación se refiere.

Como siempre, Prada muestra un espíritu creativo sin igual y lo plasma en estas gafas llenas de personalidad.

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ABRIDORES

Tamayo → Restaurante arte gourmet y pepinos → Rosas Hendrick’s, una ginebra inusual hendricksgin.com |

Hendrick’s Gin |

@HendricksGin

Hendrick’s ha sido desde siempre una de las bebidas espirituosas más originales, tanto en su sabor como en su imagen. Para las fiestas de fin de año, la marca creó una edición especial que llamaron Midnight Gift Pack. Ésta incluye una botella de Hendrick’s acompañada de un juego de té, de taza y plato, con un diseño que hace referencia a las inusuales y fascinantes historias que suceden bajo la luz de la luna. Además, Hendrick’s eligió hacer referencia a uno de nuestros personajes favoritos de La Revista: Oscar Wilde. Utilizando elementos gráficos característicos de la marca, Hendrick’s ha creado todo un mundo lleno de misterio.

Esta ginebra se destila en Escocia con un proceso artesanal en pequeños lotes de 450 litros cada uno, haciendola una bebida destinada a un grupo exclusivo de conocedores. En el 2003, Hendrick’s fue proclamada la mejor ginebra del mundo por el Wall Street Journal.

Rosas y pepinos No hay ginebra con el sabor de Hendrick’s porque ninguna está creada de la misma forma. Los ingredientes secretos –además de los ingredientes que son

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realmente secretos– son los pétalos de rosa (específicamente la rosa búlgara damascena) y una maravillosa infusión de pepino.

Reforma y Gandhi s/n, Bosque de Chapultepec, México, D.F. | museotamayo.org (55) 5286 6519

En el corazón del bosque de Chapultepec, dentro del Museo Tamayo, se encuentra el Restaurante Tamayo.

Se trata de un espacio privilegiado, rodeado de todos los árboles y la naturaleza del Bosque de Chapultepec.

Se encuentra, además, dentro de uno de los museos más importantes de nuestro país, lo cual lo inserta en un contexto creativo y cultural. Tanto su terraza como el comedor principal son ideales para ir en grupo o solo y disfrutar de un buen libro. El diseño y la decoración del lugar corrió a cargo de A3 Studio, despacho que creó una atmósfera cálida llena de madera y metal que dan un toque distinto al lugar. El servicio comienza a las ocho de la mañana con de-

La tienda del Tamayo Si decide hacer de su desayuno o comida todo un paseo, no puede perderse la Tienda Tamayo. Justo a un lado del restaurante, ésta ofrece una editada selección de productos de diseño y editoriales, que van desde revistas y libros hasta papel tapiz y sillas.

Es ideal para encontrar regalos únicos o apoyar marcas y diseñadores que trabajan de manera sustentable o integran a comunidades indígenas en la creación, diseño y producción de sus piezas.

liciosos desayunos que terminan a las 12, y a partir de esa hora y hasta las seis de la tarde puede disfrutar del menú de comida creado por la chef Linda Cherem, el cual incluye delicias como las empanadas de mole o unos tacos de pato con jamaica. En general el menú es internacional pero con un marcado toque mexicano y fue creado con la intención de integrar entre los ingredientes base productos orgánicos, mexicanos y que promuevan el comercio justo.

Siguiendo esa línea, el Restaurante Tamayo busca usar materiales biodegradables y reciclados. Y, por supuesto, en su terraza puede disfrutar al lado de sus mascotas.

EL BLOG

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Americana Grand Los Cabos → Fiesta escápese al paraíso Carretera Transpeninsular km 10.3, Cabo del Sol, Los Cabos, BCS |

Los Cabos es uno de los destinos más deseables, no solamente de México sino de todo el mundo, gracias a sus hermosas playas y bellezas naturales. En esas costas se encuentra el espectacular hotel Fiesta Americana Grand Los Cabos All Inclusive Golf & Spa. El hotel se destaca por su calidad en el servicio, la funcionalidad y elegancia de sus instalaciones y, por supuesto, por ofrecer un oasis para descansar del ajetreo de la vida de ciudad.

El Fiesta Americana Grand Los Cabos cuenta con 12 restaurantes que ofrecen desde clásicos mariscos y snacks para disfrutar a un lado de la alberca hasta platillos mexicanos, cortes argentinos e incluso un espacio de bar dedicado a fumar puros y habanos. En cada uno de ellos usted podrá disfrutar de comida

01 (800) 504 5000 | fiestamericanagrand.com

de la más alta calidad y, por supuesto, con un servicio excepcional.

En cuanto a las habitaciones, nosotros le recomendamos la Imperial Suite, con su balcón privado con vista al Mar de Cortés, dos habitaciones y productos de lujo. Al estar separada del resto de las suites, provee una privacidad que le dará la libertad de hacer suya esta estancia. Cuenta con alberca privada, sala, comedor y espacios únicos que le brindarán momentos memorables.

Desde el mes de diciembre, Fiesta Americana Grand Los Cabos All Inclusive Golf & Spa enaltece su compromiso de servicio de alta calidad con cada uno de sus huéspedes en un ambiente de exclusividad y lujo ofreciendo el servicio de todo incluido.

SOMMA WineSPA Tras un ajetreado día de actividades déjese consentir en el único spa de México enfocado en la vinoterapia. La región de Baja California es famosa por su rica producción de vinos y es de las mismas uvas de las que se obtiene el vino que el SOMMA WineSPA toma los ingredientes para ofrecer una experiencia de relajación y renovación. Las cualidades del vino —y otros tratamientos como piedras calientes y terapia con chocolate— se aplican en un ambiente sofisticado, lleno de paz y armonía. Tal como debe de ser en un spa.

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ABRIDORES

y el arte → Swarovski Una nueva mirada de verano C.C. Antara, Polanco, México, D.F. | swarovski.com @swarovski Swarovski |

Para la primavera del 2014, Swarovski recurre a influencias tales como la naturaleza, el arte contemporáneo y diversas culturas. Por primera vez, la casa joyera rinde un homenaje al arte. “En diferentes colores, siluetas, materiales y texturas, el arte siempre ha sido una fuente de inspiración para diseñadores y creadores de moda”, dice Nathalie Colin, directora creativa de Swarovski. La nueva colección toma influencias que van desde la artesanía tribal hasta el arte contemporáneo, creando un estilo tanto único como universal.

Con piezas de inspiración tribal y con materiales que van desde el oro amarillo hasta el cuero y algunas con líneas delicadas (como un collar de perlas, gran innovación para la casa), las piezas de Swarovski para la primavera transmiten la sensación de un estilo de vida auténtico. Con este aire de joie de vivre, el usar cualquiera de estas joyas iluminará su vida diaria.

Dumas → Marché Un mercado gourmet en el corazón de Polanco Alejandro Dumas 125, Polanco, México D.F. |

(55) 5280 1925 |

@MarcheDumas

Los amantes del buen vivir y, sobre todo, del buen comer, tienen un nuevo lugar favorito en pleno corazón de Polanco. Se trata de Marché Dumas que, aunque era ya conocido en la zona, se ha renovado para ofrecer aún más productos culinarios artesanales de la mejor calidad.

La nueva oferta de Marché Dumas continuará ofreciendo su habitual repertorio de comida preparada por Josefina Santacruz, chef ejecutiva de Marché Dumas. La novedad son los más de 10 locales con deliciosos productos como embutidos de Humo y Sal, productos de pato de Canard Canard Canard y los mejores vinos mexicanos en el espacio de Envinarte. En la línea de los postres, lo mejor son los macarons de Theurel & Thomas —la mejor marca mexicana en cuanto a repostería francesa— y los helados artesanales Glacé.

La amplia y novedosa gama de alimentos de Marché Dumas está integrada por un pool multidisciplinario de 11 locatarios, todos amantes conocedores del buen comer, quienes han sumado su experiencia y pasión por la comida para llevar al consumidor de la zona poniente una experiencia culinaria única bajo un mismo techo.

Los habitantes de las grandes ciudades del mundo valoran cada vez más el compartir y disfrutar experiencias gastronómicas, por esto y la necesidad de ser un buen anfitrión a pesar de estar ocupado, Marché Dumas es ideal para los amantes de todo lo gourmet en la Ciudad de México.

Y para el fin de semana…

Joyas y cristales Swarovski se fundó en 1895 en Austria y es una casa que se dedica a diseñar, producir y comercializar cristal, piedras preciosas y semipreciosas, así como bisutería, accesorios e iluminación. Se trata de un negocio familiar dirigido por la quinta generación.

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Marché Dumas abre de lunes a viernes de 9:00 a 20:00 horas. Lo mejor es que los sábados a partir de medio día tiene, además de su oferta normal, un mercado con una fresca selección de pescados y mariscos del Mercado de San Juan, así como productos orgánicos y ecológicos locales. Esto al aire libre como en los mercados de delicatessen al aire libre más reconocidos del mundo.

EL BLOG

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C OnfE R E nC IA S OBR E l A llu vIA Autor: Juan Villoro Dirección: Sandra Félix Con: Diego Jáuregui Lugar: Sala Héctor Mendoza, Francisco Sosa 157, Barrio Santa Catarina, Coyoacán Sábados y domingos, 13:00 hrs Hasta el 13 de abril Entrada libre, cupo limitado Informes y reservaciones: publicos.cnteatro@inba.gob.mx

lluvia como pretexto → La Humor e introspección de Juan villoro Cada quien enfrenta sus demonios como mejor puede. Para enfrentarlos, el sujeto puede acudir a una terapia intensiva, someterse a una práctica extrema o buscar una solución más doméstica. También puede, tal vez por desbordamiento, usar cualquier pretexto y desahogar lo que pesa en su pecho. Y un pretexto más que válido en esta ciudad, y en los tiempos del cambio climático, es la lluvia. Una lluvia continua que, de tan real, se convierte un poco en metáfora.

La obra de teatro Conferencia sobre la lluvia, de Juan Villoro, es una pieza fascinante. En el texto se mezclan el humor y la introspección, los primeros visos de una locura reprimida con gestos francamente entrañables. Con ella, la Compañía Nacional de Teatro arrancó este 2014.

El protagonista (un Diego Jáuregui notable, expresivo y contenido a la vez) tiene frente a sí a un público ávido de

lo que él pueda ofrecer. Después de mucho rebuscar, este conferencista desaliñado se encuentra a sí mismo como la mejor oferta. En su monólogo viaja por sus aspiraciones, sus sueños, sus fantasías, sus miedos, sus fobias y sus errores.

Su travesía interior se expresa sin miramientos ante los dos públicos a los que se enfrenta. Con una inocencia que borda en la crueldad y una pasión que linda con la psicosis, el conferencista se lanza como los grandes a vaciar su corazón ante la audiencia.

Villoro —un autor excepcional y diverso— mantiene a lo largo del texto su sentido del humor ácido, ligeramente oscuro; así, logra que la disertación del conferencista se disfrute muchísimo y sirva para reflexionar.

La obra es dirigida con buen tino por Sandra Félix y cuenta con la escenografía e iluminación de Philippe Amand. —jgg

Fotos: Sergio Carreón Ireta

Sala Héctor Mendoza. Francisco Sosa 157, Coyoacán, México, D.F. | Sábados y domingos a las 13:00 hrs | publicos.cnteatro@inba.gob.mx

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El encanto de una tienda de museo

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De la A a la Z

Algunos museos del mundo tienen tiendas tan interesantes como sus exposiciones, logrando la selección perfecta de regalos y recuerdos con diseños tan exclusivos que uno llega a perderse más tiempo dentro de la tienda que en el mismo museo.

mpras Ilustraciones: Daniel Benitez

El arte en la era del consumo

Definiciones de arte hay muchas. Cada quien le da un signi significado distinto y a lo largo del tiempo se ha clasificado de diferentes maneras; desde artes liberales y vulgares en la Edad Media, hasta la distinción moderna entre bellas artes y artes menores. Thomas Merton escribió que el arte nos ayuda a encontrarnos a nosotros mismos y perdernos al mismo tiempo. Oscar Wilde opinó que es la forma más alta de individualismo que el mundo ha conocido, mientras que Tolstoi afirmó que es lo que une a los hombres y lleva al progreso. Con el paso del tiempo y los cambios en el concepto, también han cambiado los límites del arte, ahora llamamos arte a casi cualquier manifestación de la creatividad e imaginación del ser humano. Pero algo en lo que todos podemos estar de acuerdo es que afecta nuestra cultura, el entorno y la forma en que vemos y describimos todo lo que nos rodea.

por: Daniela Cuevas Guerrero

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Museo de Arte Moderno, Nueva York Mercancía aprobada por curadores llena tres tiendas del MoMA. Desde su apertura en 1989 ha marcado la pauta para otros museos. Muchas cosas son creadas por los diseñadores cuyas obras se exhiben en el mismo museo.

Casa Batlló, Barcelona La creación de Gaudí tiene una pequeña tienda que cautiva por su selección de libros, joyería y sillas de Gaudí en miniatura. Lo mejor es su especialidad: reproducciones de muebles diseñados por Gaudí para la familia Batlló.

107 Rivoli Museo de Artes Decorativas, París La boutique adjunta al Louvre es un imán para los geeks del diseño, quienes se ven atraídos por su colección de cristal de Baccarat, lámparas de papel, reproducciones de cristal antiguo y joyería.

Museo de Arte Popular, Ciudad de México El MAP es el lugar ideal para conseguir artesanías mexicanas. Su tienda evoca las salas de exposición del museo con una impresionante selección de joyería, cerámica, tallas en madera, orfebrería y textiles.

Museo Victoria & Albert, Londres Tiene una exclusiva línea de ropa hecha con textiles británicos de diferentes siglo y todos los artículos —inspirados en sus mejores exposiciones— tienen un toque de excentricidad que hace a esta tienda algo único.

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Las colecciones de arte más grandes de la historia

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Diccionario básico del arte

Sin los coleccionistas dispuestos a gastar increíbles cantidades de dinero, el mundo del arte sería uno muy diferente al que conocemos hoy en día, porque, ¿qué tan a menudo se pueden juntar picassos, monets y warhols en un mismo lugar?

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Le presentamos los conceptos básicos del mundo del arte y su exhibición para que no se vea sorprendido por alguna de estas palabras.

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Colección Wildenstein Está rodeada de misterio y quizá sea la mejor colección privada de arte del mundo, ya que los Wildenstein han amasado durante muchas décadas una colección que algunas fuentes han valorado en más de 7 mil millones de euros. Tiene obras desde los maestros antiguos hasta los modernos, con obras de Van Gogh, Renoir, Cézanne, Monet, Rembrandt y, se rumora, una pintura de Vermeer no conocida por los críticos.

coleccionismo La agrupación de objetos de una manera relativamente coherente y significativa. curaduría Trabajo de investigación que define una colección como un conjunto de objetos con una lógica determinada. museografía Técnicas de orientación y ambientación para la correcta exhibición de obras; condiciones adecuadas que necesitan las piezas y orden en que se exponen los elementos. discurso museográfico El mensaje que envía las piezas que están en exhibición. La sala y su ambiente son parte de la idea, logran que el visitante se involucre con el objeto. bienal Exposición artística que se convoca regularmente cada dos años, las más famosas son la de Sao Paulo y Venecia. preservación Reúne un conjunto de actividades que incluyen la adquisición, registro, catalogación, conservación y restauración de obras.

Rothschild

Peggy Guggenheim

Eli Broad

Durante generaciones, los Rothschild han sido patronos de las artes, tanto que tienen una larga lista de artistas que formaron parte del círculo de amigos de la familia. El fundador del actual Grupo Rothschild, Edmond de Rothschild, mostró un gran interés en el arte francés del siglo xVIII. Hoy, Benjamin y Ariane de Rothschild continúan con ese legado e impulsan la innovación con su gigante colección de arte contemporáneo.

Comenzando en la década de los 30, la sobrina de Solomon R. Guggenheim reunió una colección de arte moderno inigualable. Peggy Guggenheim afirmaba que era su deber proteger el arte de su tiempo y a eso dedicó más de la mitad de su vida, apoyando los tres movimientos artísticos más importantes de los últimos 100 años: cubismo, surrealismo y expresionismo abstracto. En 1969 decidió legar su colección, junto con la de su tío.

Posiblemente la colección privada de arte contemporáneo más completa, la Broad Art Foundation es una colección que podría competir con cualquier museo del mundo en su género. Tiene cerca de 2 mil obras de artistas como Jasper Johns, Robert Rauschenberg, Andy Warhol, Roy Lichstentein y Edward Ruscha, además de una importante colección de fotografía.

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Cojines de la tienda del Museo de Arte Popular Estos cojines le darán un toque artístico a cualquier espacio, ya sea una sala o el estudio. tiendamap.com

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Pinturas de aceite hechas a mano de Williamsburg Cada color de esta línea tiene una textura especial, ya que son hechas con un molino de tres rodillos diseñado en el siglo xIx. williamsburgoils.com/index.php

Cuadernos Cavallini & Co. El acompañante perfecto de cualquier artista para poder anotar sus pensamientos en cualquier lugar. Diferentes modelos están disponibles en el Palacio de Hierro. elpalaciodehierro.com

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Art Circles App para iPad La app perfecta para aprender todo sobre el mundo del arte, inspirarse y hasta crear una colección personal propia. art.com

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Lámpara de escritorio Monk de Kozo Lamps La inspiración puede llegar en cualquier momento, por lo que tener buena iluminación es básico. kozo-lamp.com

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Los indispensables Además de creatividad y la búsqueda constante de la belleza, un buen artista necesita las herramientas adecuadas para imaginar y crear.

History of Beauty de Umberto Eco Umberto Eco explora la naturaleza, el sentido y la historia misma de la idea de belleza en la cultura occidental. Lo puede encontrar en Rizzoli Studio.

Newton 42, Polanco, México D.F.

Cámara Fujifilm X100S La cámara compacta más deseable y técnicamente impresionante que se haya visto hasta ahora. fujifilm.com

Set de 12 Lápices de Lyra Rembrandt Art Design Exactitud, precisión y pulcritud, los mejores lápices para dibujar. lyra.de

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Ladrones de arte, una profesión centenaria El robo de obras de arte va mucho más allá de ser un simple crimen. Un ladrón debe saber qué obras robar y cómo hacerlo, evitar robar falsificaciones y saber a quién venderle la mercancía. Definitivamente no es un trabajo fácil.

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Museo de Arte Moderno de París Suena a ficción, pero en 2010 un ladrón rompió una de las ventanas del Museo de Arte Moderno en París y robó cinco pinturas sin hacer saltar una sola alarma —al parecer estaban todas descompuestas— o alertar a los guardias. Las pinturas eran piezas de Matisse, Braque, Modigliani, Léger y Picasso. Hasta ahora, ninguna de las obras ha reaparecido y el caso sigue sin resolverse.

Museo Van Gogh En 2002, dos hombres entraron al museo y minutos después salieron con dos cuadros valuados en 10 millones de dólares cada uno. Aunque fueron captados por las cámaras, evadieron a la policía por dos años hasta su arresto en 2004. Ninguna de las pinturas ha sido recuperada gracias a una ley en Holanda que considera a los ladrones de arte dueños de los artículos robados hasta 20 años después del crimen.

Museo Munch En 2004 dos sujetos enmascarados entraron con una pistola al museo Edvard Munch y salieron de ahí con El grito y Madonna. En 2006, la policía noruega recibió de repente una llamada y las pinturas fueron encontradas en la parte trasera de una camioneta. Nadie entiende por qué robarían dos famosas obras para que eventualmente aparecieran por ahí como si nada.

La Mona Lisa En 1911 Vincenzo Perugia, un trabajador del Louvre, se escondió en un clóset y después del cierre del museo salió de su escondite, desmontó la Mona Lisa, la escondió bajo un mantel y salió de París en un tren. La pintura desapareció dos años hasta que Perugia fue capturado al intentar venderla. Siempre mantuvo que fue un acto patriótico para regresar la pintura a Italia. Lo que sí logró fue dar a la Mona Lisa fama mundial.

El ladrón de arte más famoso René Alphonse van den Berghe, mejor conocido como Erik el Belga, es probablemente el ladrón de arte más importante del siglo xx y se le atribuye el robo de más de 6 mil obras. Incluso estudió arte y su osadía no conocía límites, tanto que se atrevió a trazar un plan para vaciar todas las obras de arte sacro de Luxemburgo en un fin de semana. Se dedicó, además, a saquear incontables iglesias de Castilla y León, Aragón y parte de Cataluña.

Fue detenido en Barcelona en 1982 en una operación que permitió recuperar gran cantidad de obras de arte esparcidas por diversos países de Europa. En España había un enorme descuido por el patrimonio y fue gracias a él que empezaron a atenderlo.

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La historia de la historia del arte Hitler y el arte degenerado

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La obra más robada en la historia del arte

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Adolfo Hitler fue un fracasado estudiante de arte en Viena. Aunque en definitiva no fue lo suficientemente talentoso y las academias de arte lo rechazaron, se consideraba a sí mismo un árbitro de las artes. Por esta razón, quiso meter mano en la cultura durante la guerra.

En 1937 montó una exposición llamada El arte degenerado, para la cual los nazis quitaron de las paredes de los museos de Europa todas las obras que consideraban degeneradas para exhibirlas en Berlín. A Hilter no le gustaba el arte modernista y esta exposición ayudó a identificar a los artistas que eran considerados prohibidos por los nazis. En Europa el trabajo de los “artistas degenerados” no tenía valor y la gente podía comprar obras muy valiosas por casi nada. Algunos líderes nazis aprovecharon para comenzar colecciones discretamente, como lo hizo Baldur von Schirach, líder de la juventud nazi, que fue gobernador de Viena y quien se dedicó comprar arte degenerado porque le gustaba. Como resultado, una gran parte del arte europeo de mediados del siglo xx fue robado por los nazis y miles de piezas siguen desaparecidas hasta el día de hoy.

Aunque el estudio de la historia del arte se desarrolló en el Renacimiento, los primeros escritos de arte que se pueden considerar historia del arte son los pasajes sobre la evolución de la escultura y pintura griega dentro de la Historia Natural de Plinio el Viejo. En ellos se encuentran las ideas de Jenócrates de Sición, un escultor griego considerado el primer historiador del arte.

Mientras que en China en el siglo VI un canon de artistas fue establecido por un grupo de escribanos pertenecientes a los nobles eruditos que describieron los seis principios de la pintura formulados por el escritor xie He.

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El Retablo de la Adoración del Cordero Místico –también conocido como Políptico de Gante o Altar de Gante– es un retablo formado por 12 tablas pintadas al óleo por ambos lados, obra de los hermanos Hubert y Jan Van Eyck, para la Catedral de San Bavón de la ciudad de Gante. Todo comenzó en 1566 cuando la pieza tuvo que ser escondida para evitar su destrucción. En 1794, los franceses se llevaron cuatro tablas a París. En 1821, un coleccionista británico se llevó secciones a Berlín. Después de muchos cambios de mano, en 1920 todas las tablas se volvieron a juntar pero en 1934 dos de ellas fueron robadas otra vez. Aunque una de las tablas fue recuperada poco después, la otra siguió desaparecida. La obra que en seis siglos ha pasado por decenas de manos, incluidas las de Bonaparte y Hilter, se encuentra en su ubicación original en la Catedral de Gante… hasta ahora.

CENtrAlES

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Elliott Er w i tt Nacido en Francia, en 1928, de padres rusos, el fotógrafo desarrolló su carrera en la Ciudad de Nueva York.

Ama los perros y los niños, protagonistas comunes de sus fotografías.

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La p ática pL con:

La “Gran Aventura Escocesa” Elliott Erwitt

por: Marcela Aguilar y Maya fotos: Retratos de Ignacio Galar / Obra de Elliott Erwitt cortesía de The Macallan

Elliott Erwitt ha encantado al mundo con sus imágenes tanto de presidentes y celebridades como de perros y niños. The Macallan, el whisky de malta más preciado del mundo, le propuso participar en el proyecto Masters of Photography. ¿El resultado?

Un exquisito maridaje de imágenes que capturan la extraordinaria riqueza escocesa, sin dejar atrás su muy particular estilo humorístico. larevista.mx | 23

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The Macallan realiza por cuarta ocasión el proyecto de Masters of Photography, en el cual el whisky invita a un gran fotógrafo a inmortalizar el espíritu de la marca. Anteriormente han participado Albert Watson, Annie Leibovitz y el aclamado fotógrafo conocido únicamente como Rankin. Esta vez, sin embargo, la iniciativa fue la más ambiciosa de The Macallan hasta ahora: se seleccionaron 58 barricas de whisky para acompañar a las imágenes que Elliott Erwitt capturó durante su aventura escocesa, conformando un libro de 158 fotografías que al mismo tiempo funciona como estuche para la botella de esta edición especial.

La “Gran Aventura Escocesa” de Erwitt nos lleva en un recorrido por Escocia donde capturó diferentes escenarios de regiones como los Highlands, 24 | la revista

Glaslow y Edimburgo, así como las islas escocesas, fotografiando las tradiciones y las excentricidades de su gente, así como su más grande pasión, los perros.

Entre Bastidores

A principios de los años cincuenta, Robert Capa —fotoperiodista húngaro reconocido por su trabajo en conflictos bélicos— invitó a Erwitt a unirse a la agencia fotográfica Magnum, fundada por David Seymour, George Rodger, Henri Cartier-Bresson y el mismo Capa.

Desde su creación, la agencia Magnum

ha promovido el fotoperiodismo directo, sin manipulación, y defendido los derechos de autor de los fotógrafos.

Erwitt se ha mantenido fiel a los principios fundacionales del documentalismo fotográfico y hoy es considerado un clásico de la agencia.

Sin embargo, hay dos factores en la obra de Erwitt que lo diferencian del resto de sus colegas de la Agencia Magnum: primero, la inclusión de elementos autobiográficos, y segundo, su personalísimo uso inteligente del humor, nunca malicioso, sino para señalar los disparates humanos y provocar una sonrisa.

Quienes lo conocen de manera cercana —perros incluidos— entran y salen del escenario sin ser identificados.

Erwitt mismo aparece en escena en algunas de sus imágenes a manera de autorretratos: puede ser reflejado en un espejo, o irreconocible porque la cámara le 

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Cada una de las fotografías que Elliot Erwitt hizo para The Macallan corresponde a una barrica de whisky. Pero la selección, por supuesto, no fue aleatoria. La personalidad de cada uno de los whiskies se ve reflejada en las fotografías.

1. Foto 11 Barrica No. 0003207 Volumen de alcohol 61.1% Loch Tulla Viewpoint, Argyll and Bute 2. Foto 10 Barrica No. 0010202 Volumen de alcohol 56.5% The Jacobite Steam Train, Glenfinnan Viaduct, Lochaber, Highlands 3. Foto 6 Barrica No. 0004868 Volumen de alcohol 44.0% Glorious Twelfth Grouse Shoot, The Coignafearn Estate, Tomatin, Inverness, Highlands 4. Foto 27 Barrica No. 0003206 Volumen de alcohol 61.1% Pony and trap, South Ronaldsay, Orkney Islands

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 cubre la cara, aunque nunca de forma evidente. Elliott Erwitt es un fotógrafo que siempre está tras el escenario. En ocaciones su sombra delata su presencia, un ejemplo perfecto de cómo un autorretrato revela la personalidad precisamente por lo que omite. La falta de pretensiones de Erwitt le permite penetrar en las personalidades y ser testigo de los eventos entre bastidores.

El fotógrafo no pone títulos a su obra y limita la información al lugar y la fecha. Solamente cuando retrata a figuras públicas —tan públicas como Marilyn Monroe, Grace Kelly, Jackie Kennedy, Che Guevara, Fidel Castro y Nikita Khrushchev— identifica al retratado. Ha fotografiado también a figuras literarias, entre ellas William Carlos Williams, Yukio Mishima justo antes de su suicidio, Simone de Beauvoir, Jack Kerouac y la fotógrafa de la época de la Depresión, Dorothea Lange. No obstante, Erwitt respeta el anonimato del retratado otorgando preferencia a la interpretación, tanto nuestra como suya, del contenido de la imagen.

La imagen habla por sí sola como en las elocuentes fotografías de figuras solitarias en el entorno urbano de ciudades como París, Londres o Nueva York. Su visión optimista de la condición humana y el sentido del humor impregnan su obra, pero deja de lado su tono jocoso cuando retrata episodios que tocan su propia vida, como la conmovedora fotografía que tomó de la madre de Robert Capa, su gran amigo además de colega, abrazando la lápida de la tumba de su hijo, muerto en Indochina en 1954.

La formación de Elliott Erwitt como fotógrafo, sus valores e iconografía, tienen origen en los años 50 y hasta hoy día no han cambiado. Dos elementos básicos del estilo americano de vida, la televisión y el automóvil, están presentes en toda su obra.

Erwitt ha sido fiel a los principios estéticos de la Agencia Magnum y ha contribuido a la creación de una fuerte tradición fotográfica, a la vez que ha recogido los valores humanos fundamentales, exaltándolos.

Observador persistente del panorama americano y, por supuesto, de muchos otros. En la apropiada observación del escritor Richard Hattersely, Elliott Erwitt “ha logrado que la comedia humana sea más fácil de sobrellevar”.

De visita

El fotógrafo visitó la Ciudad de México de la mano de The Macallan para presentar  26 | la revista

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 esta aventura escocesa, siempre atento, observando, con una media sonrisa dibujada en su rostro. Está feliz de haber podido descubrir el mundo del whisky de malta escocés con un proyecto tan íntimo, apasionante y al que volvió muy suyo. Ken Grier, Director de whiskies de The Edrington Group, dijo: “El excelente trabajo exhibido por Masters of Photography se ha convertido en sinónimo de The Macallan. Trabajar con Elliott Erwitt ha sido un honor personal. Elliott es una leyenda en el mundo de la fotografía y es uno de mis fotógrafos favoritos de todos los tiempos. Con su alegría e ingenio, no pudimos pensar en nadie más para captar el corazón de la tierra de The Macallan. Estamos orgullosos de que Elliott Erwitt sea uno de los Masters of Photography; su dominio al capturar el 'momento decisivo' junto con la perfección a la hora de hacer nuestro whisky, lo convierten en una elección obvia para asociarlo con la marca.”

Introspectivo, sonriente y con una mirada juguetona como de niño pequeño, este hombre que ha aportado tanto a la fotografía moderna y contemporánea parece ajeno a la con-

moción que su mera presencia crea. Trae una pequeña cámara portátil colgada del cuello, la acaricia constantemente. Se le siente cansado aunque lo niega, y habla tranquilamente de los fantásticos huevos rancheros que se comió en la mañana.

Comenzamos a platicar y me recibe con un gesto curioso, un tanto infantil, e inmediatamente me presume el libro que realizó para The Macallan: "¿Lo conoce ya? ¿Qué le parece?" Y entonces contesto, sintiendo que la entrevistada, esta vez, soy yo.

Es bien conocida su pasión por los perros, por lo que quisiera preguntarle: si usted fuera uno de ellos, ¿cómo vería la vida? ¿Cómo un perro grande o uno pequeño? ¿Qué raza elegiría?

Marcela aguilar y Maya:

ee: Ésa es una pregunta muy interesante, ¡no creo que nadie me lo haya preguntado antes!

Pero si fuera yo un perro me gustaría ser un salchicha pelo de alambre, que supuestamente es la raza más inteligente, y si fuera perro quisiera ser un perro inteligente. Mi visión de la vida sería entonces desde un ángulo muy bajito, pues son unos perritos pequeños. 

Elliott Erwitt, entre imágenes y perros En 1928, de padres rusos emigrados a Francia, nació Elliott Erwitt. Sus primeros años los pasó en Italia, pero regresó a Francia a los 10 y un año después se mudó definitivamente a los Estados Unidos. Tras una corta estadía en el ejército de dicho país, Erwitt llegó a Nueva York para establecerse y dedicarse a la fotografía, oficio que aprendió en sus años de preparatoria al trabajar en un laboratorio de revelado en Hollywood.

Robert Capa mostró interés en él antes de su servicio militar, y cuando regresó lo contrató para su empresa Magnum Photos. En los años 70 y 80 se dedicó a producir/dirigir documentales, películas y hasta programas de televisión. Lo que más le gusta son los niños y los perros.

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“ L A F oTo gR A F í A E S E L A R T E d E L A o b S E R vA C I ó N — S E T R ATA d E C R E A R A Lg o E x T R A o R d IN A R I o d E A Lg o o R d IN A R I o . [ … ] E S P E R A R E L M o M E N To A d E C U A d o PA R A q U E A Lg o M á gI C o L L E g U E ” .

–Elliott Erwitt

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5. Foto 35 Barrica No. 0012181 Volumen de alcohol 56.8% Findhorn over Burghead Bay, Lossiemouth, Moray 6. Foto 4 Barrica No. 0004112 Volumen de alcohol 58.5% The Macallan, Easter Elchies House, Craigellachie, Moray 7. Foto 49 Barrica No. 0016630 Volumen de alcohol 57.4% Princes Street Gardens, Edinburgh 8. Foto 32 Barrica No. 0004378 Volumen de alcohol 58.0% South of Siabost bho Dheas, Isle of Lewis, Outer Hebrides

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 MaM: ¿Se encuentra siempre sacando fotos o solamente cuando tiene la cámara en la mano?

MaM: ¿Cómo fue la colaboración con The Macallan?

ee:

ee:

Siempre estoy visualizando imágenes, enmarcando, analizando la luz… incluso cuando estoy dormido. De hecho ayer en mi sueño “saqué” unas fotos muy buenas, ¡en mi imaginación!

MaM: Me imagino que después de haber pasado todo el día en la Ciudad de México, estas “fotos” habrán tenido un tono surrealista…

ee: De hecho sí. Pasé ayer mucho tiempo en el aeropuerto y ver todo ese desorden, grafiti, colores… Fue muy interesante y sería perfecto para una serie de fotografías. Ya he estado en México antes, y siempre es fascinante, una verdadera explosión visual.

MaM: ¿Cómo mantiene su visión creativa, tan personal, cuando trabaja en proyectos comisionados para clientes, como en este caso el de The Macallan?

Trabajar para clientes y trabajar para ti mismo son dos cosas completamente diferentes. Pero hay veces que, si tienes mucha suerte, te llega un encargo como el de la “Gran Aventura Escocesa”, sin ninguna instrucción especial, y eso es un regalo. Esto es demasiado inusual, y estoy muy agradecido por ello. A mí me encanta mi profesión como fotógrafo y me encanta salir a tomar fotos como hobby…

En raras ocasiones se vuelve una sola. ee:

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La fotografía es el arte de la observación.

Se trata de crear algo extraordinario de algo ordinario. Se elige el marco y se espera hasta el momento adecuado para que algo mágico venga a llenarlo. Mientras trabajaba en este proyecto, me di cuenta de que es exactamente la forma en que Bob, el creador del whisky The Macallan, lo hace. Él visualiza el sabor que quiere obtener del whisky, selecciona la barrica para crearlo, y luego espera. ¡El tiempo lo es todo!

MaM: ¿Qué le gusta leer? ee: Me gusta leer los periódicos sobre todo, no

soy tanto un lector de libros. Me encanta sentirme informado; de vez en cuando leo un libro por información, investigación, pero no tanto por entretenimiento.

Si pudiera elegir un tema, un proyecto que hacer en México, ¿qué sería?

MaM:

Pues ayer pensé que me gustaría pasar una temporada en el aeropuerto de la Ciudad de México, es algo increíble, pues ese desorden organizado es muy seductor para un fotógrafo. Pero me interesa mucho este país, recuerdo haber visto un circo itinerante alguna vez, algo extraordinario… Ése es un tema que me encantaría fotografiar en México, ¡los circos!

ee:

André S. Solidor, alter ego Recientemente Erwitt creó un alter ego, André S. Solidor (que Erwitt abrevia ass, o sea trasero) y que se describe como “un artista contemporáneo de alguna de las colonias francesas del Caribe, no recuerdo cuál”. ¿Su motivo? Satirizar los excesos y locuras a los que llegan los fotógrafos contemporáneos. El trabajo de Solidor fue publicado en el libro The Art of André S. Solidor (2009), y se exhibió en 2011 en la Galería Paul Smith en Londres.

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9. Foto 2 Barrica No. 0005568 Volumen de alcohol 58.1% Fishermen, Scalloway, Shetland Islands 10. Foto 29 Barrica No. 0010250 Volumen de alcohol 57.8% The Drovers Inn, Loch Lomond and The Trossachs National Park, Inverarnan, Stirling 11. Foto 28 Barrica No. 0004377 Volumen de alcohol 58.5% Champagne Central, Grand Central Hotel, Glasgow Central Station, Glasgow 12. Foto 8 Barrica No. 0002475 Volumen de alcohol 55.9% Bairds Bar, Gallowgate, Glasgow

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Los Seis Pilares de The Macallan

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Fundada en 1824, The Macallan fue una de las primeras destilerías escocesas en tener una licencia legal. The Macallan tiene una excelente reputación como uno de los mejores whiskies de una sola malta. Esta bebida tiene influencia de lugares tan diversos como Escocia, España y Norteamérica.

El carácter y la fama de The Macallan se basan en Seis Pilares que conjuntan en lo que resulta la esencia del whisky. Aquí se los presentamos.

1. Hogar espiritual: construido en 1700, la propiedad The Macallan es donde todo surgió.

2. Alambiques curiosamente pequeños: contribuyen al distintivo espíritu frutal del whisky.

3. La elección más fina: The Macallan utiliza únicamente el 16% de la destilación final del líquido.

Así, el whisky es lo mejor de lo mejor.

4. Barricas de madera excepcional: ninguna marca de whisky de una sola malta gasta tanto en la construcción y cuidado de sus barricas.

5. Color natural: la rica gama de colores de los whiskies de The Macallan viene únicamente de las barricas.

6. ¡The Macallan como tal! Uno de los mejores whiskies del mundo. Es todo.

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Facebook: The Macallan Twitter: @The_Macallan themacallan.com

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L i b r o s | r ev i sta s | d i s e 単 o | c o n t e n i d o

Esto también es arte pp. 34-41 Los artistas intervienen de múltiples formas sus sociedades. A veces, la aproximación de algunos de ellos parecería poco “artística”, un gesto. Sobre esta polémica forma de arte habla la especialista Martina Santillán en un ensayo que revisa el fenómeno.

pp. 42-49

El arte-guerrilla llegó para quedarse. Desde que Christo y Jeanne-Claude cubrieron muros e islas, el espacio público se volvió un bastidor fascinante. Ahora, la herramienta artística son agujas de tejer. Daniela Cuevas explora.

pp. 50-55

¿Es posible que la marca que vende suéteres al pormayor sea también el mecenas más interesante de nuestros días? Andrea Villanueva se da a la tarea de revisar qué sucede en la Fabrica de Benetton.

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¿Arte que no es arte?

O el arte socialmente comprometido por: Martina Santillán fotos: Cortesía de los artistas

El arte contemporáneo se ha convertido, de alguna forma, en una moda que depende por completo del mercado. Aún así, dentro del arte contemporáneo existe una corriente que ha decidido separarse de ese mundo de glamour y lujo para acercarse a las personas y exponer su visión del mundo real. Conozca un poco más sobre este movimiento que busca regresar a un arte más comprometido.

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En estos tiempos en que la escena del arte parece estar dominada por el mercado —con sus innumerables ferias en todas partes del mundo, casas de subastas vendiendo arte en millones de dólares a los ricos y famosos—, existe otro tipo de arte, más local y más accesible, que intenta acercarse a las personas comunes que habitan estas mismas ciudades y otras tantas. Es un arte que sucede tanto en las calles como en las galerías de arte y museos. Es a veces tan diferente de lo que estamos acostumbrados a llamar arte, que es natural cuestionarse si se trata de arte o no. Me refiero al arte de contenido social, en el que los artistas se insertan en una comunidad e intentan proponer un cambio y al arte que se desarrolla en un contexto artístico, pero pretende hacer una crítica o denuncia social.

El arte socialmente comprometido nace del performance y los happenings de los años 60 y 70. Y como en éstos, su principal medio es la acción. Lo que vemos en museos y galerías de este tipo de arte es el registro de dichas acciones; es decir, fotografías o videos de algo que ocurrió una sola vez. Shannon Jackson llama a esta actividad “Práctica Social”, que describe como un evento inter-relacional y procesual a la vez, y que combina la estética con la política.1 Este tipo de prácticas se propone influenciar el ámbito de lo público y para ello se vale de otras disciplinas del conocimiento como la sociología, la antropología y la filosofía, entre otras. Efectivamente, las fronteras entre estas disciplinas y el arte se desdibuja, y es por eso que se cuestiona su validez como práctica artística.

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Pero vamos a los ejemplos para que se entienda de qué estoy hablando. Santiago Sierra (Madrid, 1966), quien realiza acciones como Contratación y ordenación de 30 trabajadores conforme a su color de piel (2002), —en la que coloca personas en ropa interior mirando hacia la pared ordenadas según su color de piel— es uno de ellos. Este trabajo no sólo involucra personas que participan activamente en la creación de la obra; también habla de problemas sociales tan vigentes y sensibles como los conflictos raciales. En otra de sus obras, veteranos de las guerras de Afganistán, Irak e Irlanda del Norte están parados en los rincones de la Manchester Gallery mirando hacia la pared mientras las personas recorren los diferentes espacios de la galería (Veteranos, 2010). El contenido político y los cuestionamientos éticos de estas piezas son intrínsecos a la obra, y su lugar dentro del arte contemporáneo es innegable. Los proyectos de Santiago Sierra se desarrollan dentro del ámbito del arte, en galerías o museos, y están —sin duda— dirigidos a un público conocedor.

De una manera igualmente crítica, y también insertada dentro del contexto del arte contemporáneo, se encuentra la obra de Andrea Fraser (Berkeley, 1965), quien durante un tiempo personificaba guías en los museos y daba visitas en un afán por apropiarse de un rol institucional para cuestionar a las personas, usando la ironía para criticar a las instituciones.

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thomas Hirschhorn. Museo precario Albinet.

superflex. The Corrupt Show and the Speculative Machine.

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Directorio

Éstos son tan sólo algunos de los artistas que quieren volver a un arte más humano: Allora & Calzadilla es un colectivo bicultural: Jennifer allora nació en Philadelphia, Pennsylvania, en 1974, mientras que Guillermo calzadilla en 1971 en la Habana, cuba. desde 1995 colaboran haciendo experimentos relacionados con temas como la nacionalidad o las fronteras, así como del significado de los objetos. esto lo hacen con trabajos híbridos en fotografía, escultura y video, entre otros, y sus exhibiciones más importantes incluyen el dallas Museum of art (2006) y el institute of contemporary art de boston (2004), así como una residencia en el P.s.1 contemporary arts center del MoMa (1998–99).

José Arnaud Bello vive, desde que nació en 1976, en la ciudad de México. aunque es arquitecto, su trabajo se ha desviado hacia el arte multidisciplinario y se enfoca en el proceso de formación entre cultura y condiciones materiales. su trabajo se ha exhibido en recintos tan diversos como el Palacio de bellas artes, la Maison des arts Georges Pompidou y la bienal de são Paulo.

Héctor Mediavilla es un fotógrafo español nacido en 1970 que además es economista. estos dos intereses, al parecer dispares, lo han llevado a retratar la condición humana y su relación con el ambiente. sus imágenes han sido publicadas en Colors, el New York Times y Esquire, entre otros.

Francis Alÿs nació en antwerp, bélgica en 1959, pero vive en la ciudad de México. su trabajo se mueve entre el arte, la arquitectura y la práctica social, examinando temas como la relación entre política y poesía.

Thomas Hirschhorn, suizo de nacimiento en 1957, vive en París desde los años 80. Fue parte del colectivo comunista de diseñadores gráficos Grapus. dejó el grupo para crear instalciones (usualmente interactivas y en espacios públicos) con materiales comunes como cartón, plástico y hasta cinta de aislar. es uno de los principales representantes del arte de instalación.

Andrea Fraser nació en Montana en 1965 y creció en la hippie berkeley, california. tras estudiar en la Universidad de nueva York (nYU), fue parte del programa de estudios del Whitney Museum of american art y de la escuela de artes visuales. su trabajo se enfoca principalmente en performance, video y crítica institucional.

Pablo Helguera, nacido en 1971, se fue de la ciudad de México a nueva York, donde trabaja en instalaciones, fotografía, escultura, performance y demás disciplinas contemporáneas. entre otros temas, Helguera se ha enfocado en la historia y la pedagogía, así como la memoria y el absurdo. su trabajo ha sido exhibido en el Museo de arte reina sofía de Madrid, el P.s.1 de MoMa en nueva York y en el Museo Metropolitano de tokyo, entre otros.

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Santiago Sierra es un artista español, nacido en 1966, licenciado en bellas artes por la Universidad complutense de Madrid. su carrera, sin embargo, se ha desarrollado en México e italia, y ha regresado a Madrid para continuar con su trabajo en audio y video, en el cual suele criticar temas económicos y la repartición de la riqueza. en 2010 desató polémica por rechazar el Premio nacional de artes Plásticas de españa.

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Entre el happening y el performance Por ahí de los años 50 y 60 surgieron obras de arte que eran el resultado de organizar un evento con la participación de los espectadores, quienes entonces dejarían de ser sujetos pasivos y, a través de representación colectiva, se liberarían de las ataduras del mundo real. es común confundir el happening con el performance art, del cual se podría decir, surge. el performance art surge a principios del siglo XX con las presentaciones en vivo de artistas de los movimientos conocidos como vanguardias (futurismo, surrealismo, y demás). el happening sí proviene del performance art como manifestación artística, pero éste necesita de la participación espontánea del público para existir. ambas disciplinas suelen tener una corta duración, por lo tanto, lo que permanece es siempre el registro de lo sucedido.

En estos días todavía se puede visitar en la Colección Jumex en Ecatepec la exposición The Currupt Show and the Speculative Machine, del colectivo danés Superflex (fundado en 1993). Ellos, al igual que Andrea Fraser, trabajan alrededor de la compleja relación que existe entre el arte y la sociedad. Por medio de la confrontación crítica del sistema económico global, intentan modificar ciertas conductas en las personas.2 En la galería de Jumex instalaron, entre otros trabajos, una agencia de distribución de productos, creando una “fábrica” dentro de una fábrica, e invitaron a todos los trabajadores de la fábrica Jumex a visitar la exposición.

En un tono muy distinto está la producción artística del colectivo Allora & Calzadilla (compuesto por Jennifer Allora, Philadelphia, 1974, y Guillermo Calzadilla, La Habana, 1971). Su trabajo se liga a los proyectos anteriores en tanto que muchas veces su obra es interactiva e involucra a personas dentro de la obra misma: cantantes de ópera dentro de estructuras fabricadas por la dupla; gimnastas olímpicas haciendo pruebas sobre

Una verdad es que todo arte es social porque fue creado para la sociedad que lo consume y requiere ser experimentado por otro. Pero hay un tipo de arte que se involucra directamente con la sociedad. asientos de avión creonvertidos o una persona que asoma la mitad superior del cuerpo por un agujero en un piano y toca desde ahí la Sinfonía Número 5 de Bethoveen, al tiempo que desplaza el piano por la galería. Su trabajo es una fusión entre escultura y performance que descoloca al público e intenta dar una mirada diferente, cuestionando el sentido de las cosas, los materiales y sus simbologías.

Una verdad es que todo arte es social porque fue creado para la sociedad que lo consume y requiere ser experimentado por otro. Pero hay un tipo de arte que se involucra directamente con la sociedad. Los artistas que trabajan de esta manera involucran a las personas de una comunidad en sus proyectos y requieren la participación activa de sus miembros. Muchas veces la obra es el proceso en sí; otras, hay un resultado esperado y una intención de efectuar un cambio. Estos trabajos son sumamente variados tanto en forma como en contenido, desde la denuncia social o política hasta proyectos colaborativos que pretenden crear un jardín para cierta comunidad específica.

Thomas Hirschhorn (Berna, 1957) —quien en 2004 creó el Museo precario Albinet, un proyecto comunitario en el que los habitantes de un suburbio de París construyeron y administraron una galería de arte durante una temporada—, es uno de los representantes de este tipo de artistas. El museo funcionó con obras prestadas por el Fondo Nacional de Arte Contemporáneo y el Centro Georges Pompidou3. Otro ejemplo de su obra es la fabricación de monumentos temporales dedicados a pensadores como Gramsci4. Este “Monumento a Grasmci” fue construido en el Bronx, Nueva York, con la participación de la gente de la comunidad. La “escultura participatoria”, construida con madera afuera de edificios multifamiliares, albergaba lugar para diferentes actividades, tales como conferencias y talleres.

Librería Donceles, (2013) del artista mexicano Pablo Helguera (México, 1971) es otro ejemplo de arte socialmente comprometido. Es la primera librería de viejo con libros en español en la ciudad de Nueva York. En esta ciudad, cerca del veinticinco por ciento de la población es larevista.mx | 39

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En Cuando la fe mueve montañas, de Francis Alÿs, 500 voluntarios con palas mueven una duna unos centímetros.

Francis alÿs. Cuando la fe mueve montañas.

José arnaud-bello. Todas las formas de estar juntos.

Héctor Mediavilla, Penélopes.

Los artistas en sus palabras Muchas veces, lo que sabemos de un creador o artista viene de la boca de un crítico o curador, de lo que podemos leer en un libro de texto. Por eso, es sumamente interesante escuchar, de la boca de ellos mismos, lo que los llevó a dedicarse al arte y, más específicamente, a este estilo que se ocupa de regresar al arte comprometido.

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“decidí ser artista, porque sólo así puedo ser completamente responsable de lo que produzco. La decisión por el arte, es también una decisión por la libertad. La libertad es una cuestión de responsabilidad y el arte no es una cuestión de forma y contenido, sino de responsabilidad”.

–thomas Hirshhorn en entrevista con Mark rappolt, 2003.

“el arte socialmente comprometido es una actividad híbrida, multidiciplinaria, que existe en algún lugar entre el arte y el no arte y su estado podría estar permanentemente irresuelto”.

–Pablo Helguera en Education for Socially Engaged Art (Jorge Pinto books, new York, 2011).

“cuando empecé, estaba solamente interesado en denunciar la injusticia, pero ahora, con más experiencia, me doy cuenta que estoy más preocupado por llegar a entender la condición humana.

Por qué hacemos lo que hacemos, por qué creemos en lo que creemos”.

–Héctor Mediavilla en su manifiesto de artista.

Arte sociAlmente comprometido

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Jennifer allora & Guillermo calzadilla. Stop, Repair, Prepare: Variations on “Ode to Joy” for a Prepared Piano.

hispanohablante y sin acceso a libros en su idioma. Los libros se adquirieron por donación y todo lo que se recaude será donado a programas locales de fomento de lectura para inmigrantes5. En este proyecto hay una clara intención por parte del artista de crear un cambio en la comunidad. Las personas se involucran de diferentes maneras, ya sea donando libros, acudiendo a la librería o bien beneficiándose de los programas de lectura.

De una manera mucho más poética, el artista José Arnaud-Bello (México, 1976) presentó en la última Bienal de Sao Paulo su trabajo Y todo lo que hay en medio 4 (de la serie Trabajos en el cauce), (2008), donde el tiempo y la naturaleza, además de las personas, juegan un papel importante. Un grupo de piedras del río Pance, un lugar que muchas personas visitan cada fin de semana para bañarse en él y convivir, fueron removidas y grabadas con la frase “Todas las formas de estar juntos”. Después se volvieron a colocar en el río para que pudieran ser llevadas por la corriente. De esta mane-

ra, no sólo el cauce se encargará de moverlas, sino que quienes las encuentren serán afectadas por ellas o las llevarán a otros lugares, expandiendo así la pieza misma.

Francis Alÿs (Amberes, 1959), artista belga radicado en México desde hace muchos años, trabaja de una manera similar. Esto se ve reflejado en piezas como Cuando la fe mueve montañas, (2002). En ella, 500 voluntarios con palas mueven una duna unos centímetros. También se ve en Re-enactment, (2004) en la que compra un arma en la Ciudad de México y pasea por el Centro durante 11 minutos hasta que lo arresta la policía.

Por último, quisiera mencionar la serie Penélopes de Héctor Mediavilla (Burgos, 1970), fotógrafo español cuyo trabajo se encuentra entre el fotoperiodismo y el arte.

Mediavilla se instaló varios meses en una comunidad en Guanajuato donde vivían varias mujeres víctimas del proceso migratorio en México y, sobre todo, en en ese estado. Se ha trabajado mucho con el tema de los migrantes, pero pocos se han ocupa-

do de los que quedan atrás: mujeres y niños.

En el tiempo que trabajó en el proyecto, estas mujeres le contaron sus historias y él las retrató. A través de sus fotos el artista pretende generar algún cambio en la situación de estas mujeres, aunque él mismo lo describe como utópico.6 Éstos son sólo algunos ejemplos de un tipo de arte que se produce hoy y que cada vez es mas popular entre los artistas. ¿Es arte? Sí, lo es. Porque, como dice Pablo Helguera, “los artistas ironizamos, problematizamos […] para provocar la reflexión [acerca de las ideas de justicia social]… proponemos enunciados simbólicos en el contexto de nuestra historia cultural y entramos en un debate artístico más amplio”7.

Es una forma artística que todavía está en desarrollo y que probablemente nunca tenga una forma definida como la pintura o la escultura. Es un arte mucho más demandante, tanto para el artista como para los que lo experimentan, pero creo que vale la pena darle una oportunidad.

1 Jackson, shannon. “social Practice.” In Lexicons: Special issue of Performance Research., 2007. copy at www.is.gd/oLHbtq 2 colección Jumex, Hoja de sala, 2014 3 www.revistaenie.clarin.com/arte/entrevista_thomas_Hirschhorn_0_437956454.html 4 antonio Gramsci (1891-1937), filósofo, teórico marxista y periodista italiano. n. de las e.

5 http://pablohelguera.net/2013/06/libreria-donceles-new-york-2013/ 6 entrevista con Héctor Mediavilla. Marzo, 2013 7 Helguera, Pablo. Education for Socially Engaged Art, (Jorge Pinto books, new York) 2011

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Yarn bombing,

el arte de tejer grafiti por: Daniela Cuevas Guerrero fotos: Cortesía de los blogs

Desde un tanque de la Segunda Guerra Mundial cubierto por una cobija rosa tejida a mano en Iraq, hasta un autobús completamente envuelto en crochet de distintos colores en la Ciudad de México, el movimiento conocido como yarn bombing ha tomado las calles por sorpresa desde hace ya un tiempo.

Para muchos se trata simplemente de una moda hippie, algunos cuantos lo consideran vandalismo y otros lo definen como una especie de arte guerrilla que ha llegado hasta los museos. Pero, ¿cuál es la realidad?, ¿a qué se debe todo el alboroto? Conozca un poco más sobre el arte de cubrir de estambre las ciudades.

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El yarn bombing, también conocido como yarn graffiti, urban knitting o graffiti knitting, se trata de “llevar un mensaje personal en el mundo”. Es el arte de embellecer espacios públicos con grafiti tejido. Lo primero que el artista/tejedor debe hacer es crear una pieza tejida, liberarla en el mundo y después salir corriendo como loco en la dirección opuesta. La idea principal es volver a imaginar el paisaje urbano, tratar al mundo entero como una gran galería de arte y darle color y vida a las grandes ciudades y espacios urbanos. Aunque no existen registros del primer grafiti tejido, según los rumores en internet fue Den Helder quien lo inició en 2004, en Holanda. Al siguiente año Magda Sayeg desató el movimiento que ya era practicado anónimamente en distintas partes del mundo.

El yarn bombing es un tipo de grafiti en el que la obra se realiza con lana en lugar de pintura. Es aceptado como un tipo de arte callejero, particularmente colorido, que usa crochet para expresarse, como una especie de búsqueda de revivir puntos muertos de las ciudades, que son cada vez más grises y frías.

El mensaje y el porqué dependen del artista, algunos crean piezas para recuperar calles o domesticar espacios públicos donde las mujeres sufren de maltrato o son rechazadas.

Esto lo acercaría un poco más al arte. Pero hay otros que se mantienen lejos de la política y lo hacen simplemente porque es divertido y le da cierto encanto al entorno en el que se mueven.

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Desde sus inicios, en 2004, el yarn bombing fue creciendo poco a poco hasta convertirse en un fenómeno mundial, tanto que tiene un día internacional (el año pasado se celebró el 8 de junio) y hasta llegó al museo Tate Modern en Londres con una exposición creada por el grupo de tejedoras inglesas Knit the City. La exposición llamada I’m Half Sick of Stitching (Casi harta de tejer) se inspiró en el poema de Tennyson “Lady of Shalott” y era una ilustración del poema completamente tejida a mano. Ésta no ha sido la única exhibición de este fenómeno pero, ¿el crear una telaraña de estambre merece estar en un museo? ¿Puede considerarse arte el envolver el tronco de un árbol con tejidos de distintos colores?

Todo comenzó cuando Magda Sayeg, ya considerada la madre del yarn bombing, decidió cubrir de crochet la puerta de su boutique en Houston. Poco a poco se le fueron uniendo otras tejedoras que siguieron su ejemplo en distintos lugares hasta crear el grupo llamado Knitta Please. En 2009, las canadienses Mandy Moore y Leanne Prain publicaron el libro Yarn Bombing: The Art of Crochet and Knit Graffiti. En 2011, la también canadiense Joann Matvichuk declaró el 11 de junio como el Día Internacional del yarn bombing y aunque parece que el día cambia según el año, miles de personas

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salen a los parques a cubrir postes, bancas, árboles, rejas y monumentos. En el 2013 el Día Internacional del Yarn Bombing fue celebrado el 8 de junio. Para muchos, ésta es una forma de convertir una actividad tradicionalmente femenina y desvalorada —que muchos incluso discriminan— en una expresión artística que compite en espacios públicos con esculturas convencionales, grafitis agresivos y demás expresiones artísticas. Estas intervenciones masivas son efímeras y muy pocas sobreviven, porque a los ojos de la ley se trata nada más de vandalismo, cosa que nunca ha detenido a una tejedora de grafitis armada con sus agujas.

¿Arte cAllejero o puro estAmbre?

Se dice que la mejor forma de destruir un concepto es expandirlo de forma que lo abarque todo. Con el nacimiento de nuevos movimientos artísticos, cada generación ha intentado contestar la tediosa pregunta: ¿se le puede llamar arte a esto? Para muchos, lo único que se necesita hoy son unos cuantos objetos de uso cotidiano y un poco de pegamento, o dejarlos en el piso acomodados de forma absurda acompañados por un título que evoque la imaginación de los críticos de arte o simplemente dejar cualquier creación Sin Título, para tener una pieza cotizada en millones en el mercado internacional.

El yarn graffiti no es la primer forma de expresión que ha llevado al mundo a hacerse esta pregunta. El interés en estas formas de arte efímeras y virales que han puesto su marca en los espacios urbanos del mundo ha crecido mucho durante los últimos años.

El arte callejero se ha hecho cada vez más atrevido, elaborado y sofisticado y, aunque

todavía no existe una definición definitiva del arte callejero, éste suele encontrarse en espacios urbanos. Se trata de una forma democrática de arte popular que no se limita a las galerías y no es fácil de coleccionar o comprar por aquellos que aman presumirlas como trofeos. Eso sí, hasta Bansky ya vende su obra.

Y aunque muchos consideran este tipo de arte una molestia, para otros es una forma de comunicar sus inquietudes, hacer preguntas incómodas y expresar problemas políticos. El arte callejero ha pasado de ser una herramienta para marcar territorios a convertirse en una forma de embellecimiento y regeneración.

Una mañana de 1995 el edificio del Parlamento Alemán apareció cubierto con más de 100 mil metros cuadrados de tela. La obra,

de nombre Wrapped Reichstag (Reichstag envuelto) impresionó a transeúntes que corrían hacia el edificio para tocar la tela que lo cubría. Al envolver estructuras famosas como el Pont Neuf, Christo y Jeanne-Claude, obligaron a la gente a verlas desde una perspectiva distinta. Mientras tanto, personajes como John Fekner, un artista multimedia de los 70 y 80, ilustró sus puntos de vista con cientos de obras ambientales, sociales, políticas y conceptuales hechas con palabras, símbolos, fechas e íconos pintados en las calles y edificios de países como Estados Unidos, Suecia, Inglaterra y Alemania. Probablemente el ejemplo más común hoy en día, y que ya mencionamos, es el de Banksy. Grafitero, supuesto millionario, cineasta y activista, el artista de quien se desconoce

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Principales representantes Knit the City knitthecity.com Es un grupo inglés de tejedoras que ha pasado de envolver la ciudad a tejer historias como una diminuta manada de ovejas que cruza el río Támesis por el Puente del Milenio. Fue fundado por Lauren O’Farrel, mejor conocida como Deadly Knitshade.

Twilight Taggers twilighttaggers.blogspot.mx Es el trabajo de la artista conocida como Bali, quien ha estado cubriendo las calles de Melbourne desde 2009. Casi siempre trabaja sola pero también ha contribuido en los grandes proyectos internacionales. Bali llama a su trabajo “arte de fibra”.

Knitta Please magdasayeg.com Fundado por Magda Sayeg, quien es considerada la madre del movimiento, continúa su trabajo instalando tejidos en todo el mundo, también imparte talleres, enseña y es líder de varios proyectos comunitarios.

Agata Oleksiak oleknyc.com La artista polaca, mejor conocida como Olek, es reconocida por ingeniárselas para que el tejido con ganchillo tenga un toque bizarro e inesperado. Su obra se caracteriza por cubrir grandes piezas con extravagantes dibujos de camuflaje hechos en crochet.

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Otros tipos de arte callejero Stencil Pintar con una plantilla hecha en casa, por lo general recortada en papel o cartón, para crear una imagen que se pueda reproducir fácilmente. El diseño deseado se recorta de un medio seleccionado y la imagen se transfiere a una superficie, generalmente mediante el uso de pintura en aerosol.

Estampas También llamado sticker bombing o slap tagging, propaga imágenes y mensajes en espacios públicos a través de estampas caseras. Dichas estampas tienen comúnmente un mensaje político, tratan sobre un problema específico o atacan un movimiento de arte de vanguardia. El arte de las estampas se considera una subcategoría del arte postmoderno.

Proyección de video Proyectar digitalmente una imagen manipulada por computadora a una superficie por medio de un sistema de proyección acompañado por luces.

Bloques de madera

su verdadera identidad se ha convertido en todo un mito. En octubre del año pasado invadió la Gran Manzana durante un mes con una combinación de arte, dinero, bromas, celebridades e instalaciones urbanas. La más reconocida fue, probablemente, “The Sirens of the Lambs” (que en un juego de palabras sería algo así como Las sirenas de los inocentes), se trató de un camión lleno de cabezas de peluche autómatas de ovejas y vacas que se asomaban a través de tablas de madera, moviéndose y haciendo ruidos de alarma en su camino hacia el matadero.

La gran diferencia entre estas formas de expresión y el yarn bombing es que la mayoría de las otras variantes del arte callejero son expresivas, territoriales, comentarios socio-políticos, formas de vandalismo agresivo o publicidad. El urban knitting se enfoca de forma casi exclusiva en la creatividad y, sobre todo, el embellecimiento. No implica acciones agresivas, sino que es una forma de expresión amable, una que guarda una especial relación con los objetos, los abraza, abriga y, en pocas palabras, hace todo más lindo. Es una respuesta a la agresividad que crece día a día en las grandes ciudades. Al igual que el resto del arte urbano, el arte tejido ha ganado notoriedad sobre todo en el mundo cibernético donde se comparten ideas y miles de fotos. Pero ha sido también en el mundo del arte en donde se cuestionan los límites de lo que clasificamos como tal.

El wood blocking son ilustraciones pintadas en pequeños trozos de madera o algún material similar que se clava a señales de tránsito y letreros. Los clavos suelen doblarse en la parte trasera para que se le dificulte a las autoridades retirarlos. Se ha convertido en una forma de grafiti que se utiliza para cubrir letreros, carteles o cualquier tipo de anuncio que esté parado o colgado.

Instalaciones urbanas Las instalaciones son cada vez más populares dentro de las artes callejeras.

Mientras que el arte convencional callejero se plasma en superficies o paredes como lo hace el grafiti, las instalaciones callejeras usan objetos en tercera dimensión para introducirse en el ambiente urbano.

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El libro: The Guerilla Art Kit de Keri Smith Esta obra es la inspiración de miles de tejedoras y artistas callejeros. Enseña la filosofía de escapar un poco del mundo virtual y darle al mundo físico más significado plasmando arte e ideas en lugares públicos. Inspira a crear cosas que cambien el día de las personas expuestas a ellas, obras que provoquen cambios de humor y afecten al mundo en el proceso. The Guerilla Art Kit muestra cómo pequeños actos artísticos son capaces de crear una revolución. Por medio de sus característicos dibujos y escritura a mano, Keri Smith ayuda a cualquiera a encontrar y exteriorizar su artista o activista interno. Con ejercicios, proyectos e ideas es un libro lleno de consejos y tareas para que libere la energía creativa y la lleve a las calles donde puede tener un verdadero impacto. Desde ejercicios fáciles, como dejar libros para que alguien más lo encuentre, escribir frases con gis en las banquetas, hasta las reglas de etiqueta involucradas en este mundo, The Guerilla Art Kit, tiene todo lo necesario para que pueda salir y dejar su mensaje en nuestro planeta.

Yarn bombing en México El evento de tejido más conocido en México es el que patrocinó en 2008 absolut Vodka, para el cual Maya Sayeg cubrió un camión en la Plaza Luis Cabrera, en la colonia roma. En 2011 las chilangas por fin se animaron e invadieron el Parque España mientras que en 2012, convocadas por Letras Voladoras, se apropiaron de la Plaza río de Janeiro. Miriam Mabel Martínez, escritora y orgullosa tejedora de grafitis, ha encontrado que la gente se asusta un poco cuando saca sus agujas o

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menciona su afición por el yarn bombing pero esto nunca ha sido un obstáculo para que cuente historias no sólo con palabras sino también con estambre. Miriam define esta disciplina como una versión más acogedora del grafiti y un medio de expresión tan efectivo como la escritura.

La comunidad de tejedoras mexicanas, aunque pequeña, crece día con día. no se sorprenda si se encuentra con postes tapizados de crochet de colores frente a su casa.

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Craft and Folk Art Museum Las tejedoras de Yarn Bombing Los Ángeles cubrieron las fachada del museo Craft and Folk art Museum en Los Ángeles con 15 mil cuadritos. Éstos fueron tejidos en 50 estados distintos de EE.UU. y 25 países diferentes.

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Resurrecting el Cid olek cubrió el año pasado el Cid en Sevilla, España, con uno de sus diseños más impresionantes hasta ahora.

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“Como cualquier artista tenemos opiniones fuertes y grandes ideas. Pero no buscamos gritarlas al mundo a través de nuestros tejidos. Nuestro arte callejero no funciona de esa forma, ¿dónde quedaría la diversión si así lo fuera? Cambiar y hacer del mundo uno mejor puede lograrse con una sonrisa en lugar de una mueca, un susurro en lugar de un rugido”.

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Llámame En el Hotel Pelirocco en brighton, Inglaterra, la habitación “Do Knit Disturb” incluye un teléfono antiguó cubierto de crochet. La decoración estuvo a cargo de Kate Jenkins, una diseñadora de tejido que antes trabajaba con Marc Jacobs.

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Tank Blanquet Marianne Jorgensen cubrió un tanque de la Segunda Guerra Mundial con una cobija tejida completamente rosa.

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—Knit the City un diáloGo tejido

¿Por qué no dedicarse a tejer suéteres o cobijas para la gente necesitada o animales en refugios?

Y si lo que se busca es hacer arte, ¿por qué no hacer algo más serio e impactante? Knit the city ha declarado que sus tejidos son más que chambritas para calentar los árboles, el yarn graffiti logra apropiarse con lana de espacios públicos olvidados y les da un poco de alma; impulsa a otros a dar vida a sus ciudades en nuevas y creativas formas que solamente ellos puedan imaginar.

Esto podría considerarse arte por la simple razón de que hace feliz a otros y da vida a objetos que antes no la tenían: el día que se encuentre a un calamar gigante hecho con lana sobre una estatua de Darwin, lo mínimo que hará es sonreir.

El punto es que nadie le diga lo que debe ver en un grafiti tejido sino que cada quien imagine su propia interpretación dependiendo de la for-

Web of Woe Un grafiti tejido con pintura de aerosol.

Everything Nice Una motocicleta cubierta de crochet rosa por Theresa Honeywell en 2006.

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ma en la que ve el mundo a su alrededor. Tal como el arte abstracto.

Algunos artistas de nuestros días se han dedicado a crear obras que, sin quererlo, han convertido al arte en algo repetitivo, aburrido y hasta predecible. Lo cierto es que no hay ninguna ley que diga que el arte debe ser lindo en un sentido estético, dejar un mensaje de amor y paz, ser un comentario social o político o contar una historia.

Pero la mayoría parece estar de acuerdo en que el arte debe tener un significado, debe conmover y comprometer al espectador a interactuar con la obra. El arte debe iniciar un diálogo y, nos guste o no, el yarn bombing cambió la forma en que las personas interactúan con su alrededor y creó una conversación que se ha expandido por casi todo el mundo. Cómo ha afectado su mundo depende completamente de usted.

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Dial M for Monster Knit the City tejió un monstruo sobre una cabina telefónica inglesa, ésta fue subastada para ayudar a niños en Londres.

—— Charging Bull olek cubrió el famoso toro de Wall Street en nueva York para calentarlo en la navidad del 2010.

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Calamar Gigante “Plarchie” es un calamar gigante tejido sobre una estatua de Darwin fuera del Museo de Historia natural de Londres por Deadly Knitshade en 2011.

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Un pesero tejido Magda Sayeg cubrió un autobús en la Ciudad de México en 2008.

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Fabrica de Benetton ¿Mecenas de nuestros tiempos? por: Andrea Villanueva fotos: Cortesía de Fabrica

Luciano Benetton y Oliviero Toscani tuvieron hace 20 años la idea de crear un espacio para la experimentación artística en el norte de Italia. Con los recursos para campañas de comunicación de Benetton, los dos hombres se dieron a la tarea de hacer realidad Fabrica, la cual aún hoy continúa su labor. Conozca un poco más sobre este taller de creadores.

Lana Sutra, Erik Ravelo, 2011.

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En el siglo xiii la familia Medici se hizo de una gran fortuna y poder gracias a su trabajo en la banca.

Cerca del año 1430, la familia —especialmente Cosimo de Medici, quien apoyaba a artistas como Brunelleschi y Donatello— llenó de arte la ciudad de Florencia, al norte de Italia, convirtiéndola en la cuna del Renacimiento al encargar trabajos de arte y arquitectura. Entre los grandes artistas que trabajaron para la familia se pueden nombrar a Botticelli, Leonardo da Vinci y, finalmente, a su gran “adquisición”, Miguel Ángel, a quien pidieron que diseñara hasta sus tumbas.

No es coincidencia, entonces, que sea justo al norte de Italia, cerca de Venecia pero aún más de Treviso, donde se encuentra un semillero moderno de artistas de finales del siglo xx y principios del xxi. La familia Benetton, originaria de Treviso, a través de su empresa, se ha convertido en mecenas de los jóvenes que pasan en el complejo un año trabajando en proyectos arte y diseño ya sea propuestos por los “maestros” de Fabrica o en proyectos personales.

A diferencia de una universidad, en Fabrica no hay calificaciones ni abstracciones; es una realidad en la que se aprende haciendo. La verdad es que, de la misma forma en que los mecenas de la antigüedad confiaban ciegamente en sus artistas —que muchas veces no daban los resultados esperados— el trabajo en Fabrica no es más que un experimento. Decía Luciano Benetton, el gran patriarca de la familia, un experimento “inventado por nosotros para el mundo”. Invento suyo, seguramente no. Quizá sí un gran semillero de ideas, pero sigue

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Un día en Fabrica Los Fabricanti —como se conoce a los residentes y al staff de Fabrica— comienzan su día a las 9:30 y a las 13 horas toman un receso para almorzar en Mensa, la cafetería de Fabrica. Suelen tomar un café en Catena y regresar a trabajar por ahí de las 14 horas para terminar sus labores desde las 18:30 hasta las primeras horas de la madrugada, todo dependiendo del proyecto en que estén trabajando y sus fechas de entrega. Una vez a la semana reciben clases de visitantes destacados y otro día de la semana hay proyecciones cinematográficas. Jugar partidos de fútbol es una de las actividades favoritas de los residentes.

siendo el lugar que utiliza Benetton para crear sus campañas de publicidad, mismas que le generan no solamente clientes, sino también reconocimientos y premios.

En ese edificio, mitad minimalista, mitad renacentista, rediseñado por el arquitecto japonés Tadao Ando, Luciano Benetton depositó su enorme deseo de que surgieran ideas sobre el arte, el diseño y la comunicación. La idea principal era (o bueno, es) estimular las mentes frescas de jóvenes y de esa forma también evitar lidiar con profesionales y agencias. Así, como en la época de oro del mecenazgo, todos saldrían ganando. Y aunque es cierto que muchos ex-Fabricanti aseguran haber tenido una plácida experiencia de aprendizaje en Fabrica, para muchos otros fue “un infierno”, sobre todo con las crueles críticas de Toscani que, se sabe, han hecho llorar a más de uno.

Toscani salió de Benetton en el año 2000 de forma no tan amigable tras afirmar que él no pretendía vender suéteres y hasta que era un “total anarquista”. Entonces Fabrica pasó por diferentes directores, cada uno intentando continuar con la idea inicial. Varios con poco éxito.

Recientemente hubo rumores de que Fabrica cerraría algunos de sus departamentos, cosa que el

Fabrica de benetton

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Línea del tiempo 1994 Se crea Fabrica de la idea de Luciano Benetton y Oliviero Toscani. Fidel Castro rechaza la oferta de ser director.

1997 La revista COLORS lleva su centro de operaciones a Fabrica.

1999 Fabrica comienza a transmitir su programa de televisión sobre creatividad en el canal italiano TMC2.

2000 El arquitecto japonés Tadao Ando inaugura las nuevas instalaciones de Fabrica.

2001 El proyecto de Fabrica Musica Sangam: The Meeting Point de Michael Nyman es lanzado.

2003 Laura Pollini se convierte en directora de Fabrica.

2006 Se inaugura en el Centro Pompidou de París la exposición Les Yeux Ouverts.

2009 Las instalaciones de arte interactivo Venetian Mirror y Exquisite Clock forman parte de la exhibición Decode: Digital Design Sensations en el museo V&A en Londres.

2010 Dos miembros de la Fabrica reinterpretan el Infierno de Dante con un libro ilustrado de título L’inferno di Dante. Una storia naturale (Dante’s Inferno: a Natural History).

2011 Fabrica crea UNHATE para United Colors of Benetton. La campaña gana el Gran Premio de Prensa en Cannes Lions International Festival of Creativity.

2012 Alessandro Benetton se convierte en nuevo presidente del Grupo Benetton y Dan Hill es nombrado Director de Fabrica. Además se nombra un Consejo Directivo, presidido por Paul Thompson, rector del Royal College of Art en Londres.

2013 Fabricat, un gato negro hace de Fabrica su hogar.

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director del centro desde noviembre de 2012, Dan Hill, negó rotundamente. Hill —quien llega a Fabrica con experiencia en todo tipo de proyectos de comunicación en lugares tan diversos que van desde la BBC y Monocle hasta la Universidad de Manchester— afirma que tiene hoy el reto de conjugar cultura, ciencia e industria a través de la comunicación por medio de las disciplinas que se desempeñan en Fabrica.

El británico tiene una idea muy clara que llevar a sus Fabricanti: el mundo se ha convertido en un lugar que necesita equipos de trabajo transdisciplinario, no solamente en el arte sino en todas las áreas en las que se desempeña el hombre. De hecho, más que buscar que distintas disciplinas se unan, Hill busca en Fabrica seguir el ejemplo de Joi Ito, del MIT Media Lab, quien busca un acercamiento “anti-disciplinario”. Es difícil decir qué fue primero, pero Hill asegura que su modelo de creación en Fabrica está inspirado en lo que hacen lugares como el mismo MIT Media Lab, el Instituto Strelka en Rusia, la británica School of Everything y el Instituto de Interacción y Diseño de Copenhague.

Entonces, ¿qué es lo que gana Benetton al ser esta especie de mecenas del siglo xxi? Los Medici, en su momento, lo que obtenían era una serie de obras de arte que aún hoy existe y se ha convertido

en un patrimonio artístico de la humanidad, pero no parece ser lo mismo con el intento de Fabrica.

Recientemente se presentó en Roma, en el Museo Nacional de Arte del Siglo xxi (conocido como maxxi) una muestra de nombre Playful inter-action que buscaba la experimentación con el sentido del tacto del público en piezas de diferentes materiales y tuvo la participación de algunos miembros de Fabrica. A pesar de haber tenido cierto éxito, así como otras participaciones de Fabricanti en ferias y muestras pequeñas, no hay un nombre en el arte contemporáneo que esté cien por ciento relacionado con Fabrica.

Sí, los Fabricanti presentan piezas con éxito en ferias del mueble en Milán y Miami, además de crear campañas como la reciente, y muy polémica, UNHATE en la que hasta el Papa salió afectado. Lo que sucede es que siempre se menciona a “miembros de Fabrica” pero éstos no se han convertido en nombres propios. Pero en el sentido más estrictamente artístico Benetton no se comporta como se esperaría de un gran mecenas.

En lugar de eso, Fabrica se ha hecho de fanáticos —desde jóvenes que sueñan con algún día convertirse en Fabricanti hasta los no tan jóvenes que ya no dan la edad pero son ávidos compradores de los productos que se crean en el taller y por lo regular se

El edificio El proyecto del arquitecto japonés Tadao Ando para Fabrica fue un reto complejo pero al mismo tiempo fascinante: tomar la Villa Pastega Manera en Treviso —un edificio del siglo xVII— y convertirla en un centro de estudio y desarrollo de proyectos total y absolutamente moderno.

El edificio principal y sus anexos se encuentran entre colinas verdes, cerca de Venecia pero no lo suficiente para que los jóvenes residentes lleguen a distraerse. Lo que sí era primordial era tener todos los elementos para poder desarrollar, crear y mostrar proyectos de las diversas disciplinas que se desarrollan en Fabrica sin llegar a parecer una escuela.

Los anexos de la villa fueron renovados para ser hogar de talleres y un auditorio, pero el arquitecto se aseguró de mantener el espíritu del lugar usando materiales y técnicas de construcción similares a las originales. Los edificios principales de la construcción original hoy albergan un auditorio y labo-

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ratorios, y llevan todos piso de madera. Lo que Ando no pudo dejar de su estilo propio, fue el uso de concreto expuesto en el área que se construyó desde cero. La biblioteca se encuentra dentro de un curioso edificio circular a 10 metros bajo el nivel de la tierra.

Uno de los elementos más interesantes de la construcción es una serie de columnas de 12 metros de alto que se reflejan en un cuerpo de agua, esto con el afán de crear un diálogo entre la arquitectura de la villa Veneto y el estilo de Ando.

En realidad, la idea era crear una atmósfera para comunión y comunicación entre personas y entre éstas y la historia del lugar en que se encuentran. En pocas palabras, un lugar de diálogo.

Como el mismo arquitecto asegura, creó “un acomodo arquitectónico basado en la geometría: cuadrados, círculos, triángulos y rectángulos”, además de utilizar las fortalezas del área para crear unidad entre la naturaleza y el edificio.

Fabricanti y exFabricanti Más de 500 jóvenes han sido parte del programa élite de creadores de Fabrica.

Provenientes de más de 35 países de cada uno de los continentes, han disfrutado de un año de completa libertad creativa en el ámbito de su elección.

Fabrica de benetton

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FAbRiC A Facebook: Fabrica Twitter: @fabrica fabrica.it

ilustraciones de los británicos Patrick Waterhouse y Walter Hutton para L’inferno di Dante. Una storia naturale (Dante’s Inferno: a Natural History).

agotan— y a la prensa le encanta alabar lo que sucede en el taller. Las campañas de Benetton aún crean controversia, aunque tras la partida de Toscani o por culpa del internet parece que son menos impactantes, aunque en general son noticia.

Puede ser, entonces, que a pesar de asegurar que no son escuela o agencia de publicidad eso sea en lo que se ha convertido Fabrica. En un semillero, sí, pero más de creativos y de cierto modelo de empleado que de artistas. O puede que incluso se haya convertido en un producto muy similar a lo que se rechazaba en un principio.

Tal vez la verdadera razón por la que no conocemos todos los nombres en el arte es que, como en cualquier otro medio hoy en día, la oferta es demasiada y los destacados muy pocos. ¿O será quizá que los verdaderos artistas no gustan de estar en las portadas de todas las revistas? Ésa puede que sea una pregunta tan compleja como intentar descifrar qué es exactamente el arte, pero lo que sí nos queda claro es apreciar el esfuerzo y los recursos para fomentar la creación artística. Benetton ofrece —a cambio de trabajo y publicidad gratuita— una forma peculiar de mecenazgo. Muy a su manera, es un mecenas, o un Medici.

COLORS, una revista sobre el resto del mundo Uno de los productos más importantes de UCofB y que se crea en Fabrica es, sin duda, la revista COLORS. Ésta fue creada en 1991 por el fotógrafo Oliviero Toscani y su director de arte elegido: Tibor Kalman. Solamente tenían una idea en mente y desde entonces sigue siendo la misma: la diversidad es buena. El primer número presentaba en su portada a un bebé lite-

ralmente recién nacido y tocaba el tema de la importancia que tienen todas las culturas.

La revista aborda temas sociales pero con una perspectiva mundial, tratando todas las opiniones con el mismo respeto y sin juzgar.

Además, está impresa en papel reciclado para ir de acuerdo con su filosofía de hacer su parte para mejorar el mundo. Cada número

de COLORS tiene un tema específico y jamás incluye celebridades o noticias, sino que se enfoca en héroes ordinarios como gimnastas chinos desconocidos o activistas por la igualdad de todo tipo.

A pesar de haber sido fundada en Nueva York, su naturaleza nómada ha llevado a la revista a diferentes lugares como Roma y París, aunque ahora vive felizmen-

te en Fabrica, al norte de Italia en la ciudad de Treviso. COLORS ha sido traducida a más de 15 idiomas que van desde coreano hasta griego y ha recibido todo tipo de amenazas y censura por su contenido, aunque también enormes reconocimientos por mantenerse siempre firme en su intento de eliminar la homogenización a la que se enfrenta nuestro mundo.

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FINALES

la Galería por: Marcela Aguilar y Maya fotos: Cortesía de la Colección/Fundación Jumex

Nueva casa para el arte:

El edificio de la Colección/Fundación Jumex En el Nuevo Polanco se inauguró, en noviembre del año pasado, un espacio para el arte contemporáneo sin igual en México: el Museo Jumex. Presentando la colección de Eugenio López y exposiciones temporales, este nuevo espacio del arquitecto británico David Chipperfield es el nuevo punto de encuentro artístico en la Ciudad de México.

Más que un edificio parece una escultura, un bloque monolítico de concreto y cantera blanca con remates escalonados, que se alinea perfectamente con su entorno; depende desde dónde se observe, el edificio cuenta con diferentes fachadas, pues hay un juego en su forma contundente que logra amoldarse con el paisaje urbano. Construido sobre un terreno de forma triangular, llegar a él —ya sea desde la explanada de Plaza Carso o por la escalera directamente de la calle— es una gran sorpresa, pues este edificio de proporciones aparentemente medianas, se vuelve inmenso una vez frente a él. El espacio principal de galería para exposiciones se ubica en los dos niveles superiores, con el objetivo de optimizar las posibilidades de iluminación natural. Los niveles inferiores contienen una serie de espacios que albergan los aspectos más sociales y comunitarios del programa,

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pág. 056 El más nuevo espacio de arte contemporáneo de la ciudad y un hotel (casi) incógnito en la playa, para cerrar el primer número del año.

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mismos que se pueden moldear según las exigencias del evento. La fachada, una estructura nervada de concreto blanco, se extiende sobre la totalidad de la galería y permite filtrar la luz hacia las áreas de exhibición. La arquitectura en su totalidad gira en torno a la luz, pues fue ésta la obsesión de Chipperfield. “En la galería del último piso es imposible encontrar una sombra, jamás”, dijo el aclamado arquitecto en la conferencia de prensa de la inauguración del recinto. Una capa estructural de acero sostiene los tragaluces con filtros de luz, persianas ciegas y controles de luz ambiental.

David Chipperfield no es ajeno a concebir espacios destinados al arte y, en sus propias palabras, es éste quizá el que le haya brindado más satisfacción: “Es la primera vez en toda mi carrera que el cliente me presionaba para darle más al proyecto; siempre es al contrario, te piden que le restes, que le quites, y en este caso Eugenio siempre exigía más”. El aclamado arquitecto, autor de espacios renombrados y como el River & Rowing Museum en Henley-on-Thames, el Neues Museum en Berlín, el Figge Art Museum en Davenport, el Museum of Modern Literature de Marbach, el Design Museum de Londres y la Turner

Contemporary, de Kent, se siente perfectamente complacido con el resultado de este espacio. “Pienso que todos los museos tienen que lidiar con un programa estático y dinámico. Solía ser fácil diseñarlos porque eran cajas de tesoros, ya que un número muy reducido de gente acudía a ellos y veía lo que le complaciera y se marchaba. Ahora hay más centros sociales que se enfocan en la cultura y la convivencia”, dice. “Eso creo que es lo que se quería con este edificio, que se volviera popular y destino de personas con una imagen informal pero también muy formal. Enfocándonos más al edificio, está divido en dos partes; los últimos pisos son los espacios serios y estáticos para la contemplación y abstracción, donde te encuentras lejos de la ciudad. Los demás espacios son mediadores entre la ciudad y la institución. Son más transparentes, dinámicos y potenciales”, dijo Chipperfield en una reciente entrevista con el arquitecto Miquel Adriá.

Al leer sobre su obra, queda claro que a David Chipperfield le preocupa mucho que los espacios sean abiertos al público, no excluyentes como mausoleos que guardan tesoros “sin vida”. En su obra siempre hace juegos con los espacios de dentro/fuera, y

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eso queda patente en las plantas inferiores del museo que, literalmente, están abiertas al público. Así lo explica él: “Confundimos el estado de fuera y dentro, de hecho el restaurante se encuentra fuera del edificio. Creo que este juego de confusiones ayuda a promover la cualidad de lo público en la planta

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baja. Posteriormente uno sube y entra al museo.

Estábamos muy interesados de cómo podíamos seguir con esta manipulación de lo que está dentro o fuera, entendiéndolo más allá que una simple planta baja. Este piso es experimental e introducimos una especie de vitrina, donde se encuentran galerías imprácticas como en la National Gallery de Berlín en el cuarto imposible de Mies, que es muy bueno. Esto ha impulsado a los curadores a crear un sentido teatral en el público”. Es aquí donde el arquitecto se vuelve curador, pues los espacios que Chipperfield construyó para la Colección Jumex dictan claramente cómo se percibe la misma, en vista de que la obra arquitectónica se vuelve una pieza más en la colección, que se va admirando durante todo el recorrido: es tan obra de arte como la colección que alberga.

Algunos de los mejores museos tienen características que resultan un desafío para los curadores, y eso fue aceptado en este edificio. “El primer piso se une a la planta baja en este programa arquitectónico dinámico”, narra Chipperfield, “haciéndolo público. En estos dos pisos la luz siempre será cambiante. Avanzando hacia los siguientes dos pisos, todo trata de arte, viéndolo en una manera más convencional. De forma callada y reflexiva donde sólo en los museos y, si uno es religioso, también en las iglesias, hay la oportunidad de estar reflexionando profundamente en algo, estando parado frente a una pintura en un cuarto silencioso”.

Un sir que edifica Sir David Alan Chipperfield nació en Londres en 1953. Estudió arquitectura en el en el Kingston Polytechnic y pronto comenzó prácticas con gente como Richard Rogers y Norman Foster. En 1985 estableció la firma David Chipperfield Architects.

Ha sido profesor en universidades de todo el mundo, incluyendo las de Stuttgart y Yale.

En 2012 fue el curador de la 13ª Exhibición de Arquitectura en la Bienal de Venecia. Es un miembro honorario tanto del American Institute of Architects y de la Bund Deutscher Architekten. Ha obtenido algunos de los reconocimientos más importantes del mundo por su trabajo. Fue nombrado caballero (sir) por los servicios arquitectónicos ofrecidos a la corona inglesa en 2010.

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Lo más notable de este espacio arquitectónico extraordinario, que alberga una colección de arte contemporáneo fuera de serie es, según Patrick Charpenel —director de la Colección/Fundación Jumex— el carácter dinámico de la misma: “El foco del proyecto, históricamente, ha sido La Colección y ésta ha sido el sol alrededor del que orbita todo lo demás. Sin embargo, la tendencia es, cada vez más, a ser un espacio que se preocupe por el desarrollo del conocimiento a través de obras de arte; queremos reforzar muchísimo el programa educativo y de investigación. Me gustaría recalcar que no solamente estamos construyendo un espacio de exhibición. Se trata de un centro donde se van a generar programas educativos, donde se van a realizar y apoyar investigaciones. La nueva sede será un laboratorio de experiencias, un espacio de investigación, de educación y de exhibición”.

Como marco de las actividades de la apertura del museo, se realizaron varias mesas redondas en las que el debate fue sobre el arte contemporáneo, y su aparente elitismo, a lo que responde de manera contundente Charpenel: “Muchos opinan que es elitista, pero yo creo que es al contrario; nunca había sido tan democrático, social, político e incluyente como hoy. He estado analizando qué significa abrir un museo de arte contemporáneo en este momento en el país. Todavía no tengo la respuesta, pero sí he encontrado que algunos museos, en vez de ser un

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centro de investigación, cultural y educativa, son centros de espectáculo. De acuerdo a la misión y visión de nuestra fundación, el Museo Jumex no sigue ese camino”.

Más Es Más

Tras muchos años de coleccionar éxitos en la sede de Ecatepec, este nuevo espacio abre sus puertas presentando cinco proyectos. El primero es una exposición de uno de los grandes del arte conceptual, James Lee Byars, titulada ½ an Autobiography, que ha sido coorganizada por Fundación Jumex Arte Contemporáneo y MoMA PS1, y curada por Magalí Arriola. Segundo, Cosmogonía doméstica, de Damián Ortega, una obra

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comisionada por la Fundación Jumex que será parte del museo: un reloj que se asemeja a un planetario, y que estuvo curada por Rosario Nadal. Tercero, el libro Las ideas de Gamboa, a cargo de Mauricio Marcín, el cual revisa la labor de Fernando Gamboa, quien ayudó a institucionalizar ciertas prácticas museográficas, como la del curador.

Por último, se activará el auditorio con conferencias, mesas redondas y perfomance, entre otras actividades. Con este gran proyecto, “damos el mensaje de lo que somos. Mucho más que una colección, es una institución”, recalca Patrick Charpenel. La Fundación también espera aumentar la afluencia de visitantes de cada muestra, de los 6 mil que

actualmente tienen en la Colección Jumex de Ecatepec, a 300 mil en tres años. Y está en el lugar ideal para lograrlo.

Esas son las expectativas con la apertura de este extraordinario museo, que ha puesto a la Ciudad de México en el mapa de lo mejor de lo mejor en cuanto a la escena del arte contemporáneo en el mundo. Y la tan querida sede de Ecatepec no cerrará sus puertas, sino que “se volverá más experimental con la fábrica de fondo. Queremos reflejar la estructura de la institución, [señalar] que también hacemos investigación, [reforzar] nuestro programa educativo y el carácter social que posee la Fundación”, concluye Patrick Charpenel.

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Si lo dice Louis Vuitton...

“El nuevo espacio museístico de la Colección/ Fundación Jumex está ubicado en el Nuevo Polanco, a un costado del Museo Soumaya en el corazón de Plaza Carso. No será necesario hacer un gran viaje para poder apreciar las 2 mil 600 piezas que conforman su acervo y acercarse a sus diversas propuestas curatoriales y educativas. El recién estrenado edificio construido y diseñado por el destacado arquitecto británico David Chipperfield es, según la opinión de los críticos de arquitectura, el mejor edificio público de este arquitecto. Un espacio sobrio y elegante, pensado y diseñado para ser simplemente, el mejor lugar de exposiciones del país. Fundada en 2001 por el destacado y comprometido coleccionista mexicano Eugenio López, este acervo se ha convertido en una referencia mundial, no sólo porque cuenta con estupendas piezas de artistas internacionales, sino también por su selección de obras de artistas mexicanos que trabajaron durante la década de los noventa, que es única en el mundo. La Colección Jumex es, sin duda, uno de los agentes más importantes para el desarrollo de la actual escena del arte en México. Las lecturas de su colección apuntalaron la curaduría como una actividad necesaria para entender el arte contemporáneo; sus exposiciones permitieron que muchos artistas jóvenes entraran en contacto con las tendencias del arte contemporáneo; y a través de sus patrocinios y becas se han generado gran parte de la producción y del pensamiento sobre arte contemporáneo. Este nuevo espacio está pensado para que los visitantes puedan apreciar exposiciones de arte, así como asistir a conferencias, mesas redondas, proyecciones, cursos y talleres.”

— Louis Vuitton City Guide, Ciudad de México 2013.

MuS Eo JuM E x Miguel de Cervantes Saavedra 303, Ampliación Granada, México, D.F. Martes a sábado de 11:00 a 20:00 hrs Domingo de 11:00 a 21:00 hrs T. (55) 5395 2615 fundacionjumex.org info@museojumex.org

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por: Thais Herrera fotos: Undine Pröhl

Escondido en Escondido, un hotel especial para viajeros estetas El Hotel Escondido –el más nuevo elemento de Grupo Habita– abrió sus puertas a finales del 2012 y es desde entonces, en tan sólo unos meses, un favorito de quienes aman relajarse junto al mar. El hotel, que es al mismo tiempo rústico y lujoso, seguramente se convertirá en un clásico.

Conózcalo desde ahora.

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Un shock de descanso,

en medio de un paraíso privado, es algo que seguro vivirá al visitar Hotel Escondido, la última apertura del Grupo Habita en diciembre de 2013. La magia del lugar es de tal magnitud, que en pocos meses el complejo ha conquistado a viajeros que gustan del valor por el detalle y el equilibrio de la naturaleza. Se trata de un rincón –ubicado a 12 kilómetros del centro de Puerto Escondido– con mucho estilo, un lugar perfecto para relajarse, descansar, contemplar el mar, y, por qué no, atreverse a una clase de surf.

A los creativos hoteleros del Grupo Habita y al arquitecto que dirigió el proyecto, Federico Rivera Río, no les tomó mucho tiempo decidir que debían darle al complejo una estilo de palapa moderna. Una idea necesariamente sencilla, pues los 200 metros de costa en los que se emplaza, hablaban por sí solos.

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Decidieron mantener el estilo rústico que dan el mar, las montañas de arena y la vegetación silvestre.

Crearon un hotel formado por 16 bungalows de estilo minimalista y ambientes cálidos. Los techos son de palapa real y los pisos de madera de la zona.

En cada cuarto la luz natural se desliza a través de persianas de madera decoradas con artesanías regionales. Y para completar la escena de relax, cada bungalow tiene su alberca privada rodeada de hamacas. También hay restaurante, alberca, bar, pool lounge, alberca, spa –el cual ofrece tratamientos con productos de la región– y sala de música subterránea e insonorizada. Sin embargo, el restaurante y la alberca merecen una mención aparte. En el primero imperan los sabores locales, se ofrece comida sana elaborada con suministros que crecen en la zona –como la pesca del día y las mejores

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Grupo Habita Tomar riesgos, descubrir espacios es lo que a las cabezas de este grupo le fascina. La empresa surgió en 1998 y se convirtió en una empresa que revolucionó el concepto de la hotelería moderna en México. Todos sus hoteles –al día de hoy el grupo tiene más de media docena desperdigados por México y uno en Nueva York– además de brindar un servicio de hospedaje excelente, brindan una experiencia que acerca al huésped al entorno en el que se encuentra. Ya sea playa, centro histórico, ciudad cosmopolita o desierto. Para la creación de cada proyecto las cabezas del grupo formaron equipos integrados por arquitectos, diseñadores de interiores, diseñadores gráficos y chefs.

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frutas de la región– protagonizan un menú pensado para sibaritas. Por su parte, la alberca es uno de los espacios del hotel que enamoran, tiene 50 metros de largo y su mayor peculiaridad es que se encuentra a nivel del mar. Entrar a la alberca se siente como entrar al mar.

El impecable diseño de Escondido ha tenido eco internacional. El hotel recibió la mención honorífica como el mejor resort de los Desing Awards 2014 entregados por la revista Travel + Leisure en su edición de Estados Unidos con un jurado encabezado por el arquitecto David Adjaye, el diseñador de modas Thom Browne y la diseñadora de interiores Ilse Crawford, entre otros.

Por supuesto, hay muchos viajeros que al descanso y las múltiples amenidades del hotel, quieren agregarle un poco de aventura. Para los huéspedes que lo deseen, solicitar al conserje que les contrate clases de surf, salidas a navegar y paseos en kayak es una excelente opción.

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viajar a esta playa oaxaqUeña y hospedarse en el hotel esCondido, impliCa obtener lo mejor de dos mUndos: Un paraíso rústiCo, Casi virgen, sUmado a la Comodidad y el lUjo de Un hotel habita.

CiUdad peqUeña Con mar gigante

Desde hace ya varios años, en el mundo de los viajes en México, hay una premisa que da vuelta: la presencia de un hotel del Grupo Habita en un destino es el indicio de que allí algo muy bueno está sucediendo y será todavía mejor. La creación del Hotel Escondido en la costa oaxaqueña confirma una vez más esa idea.

Hace 25 años Puerto Escondido era un pueblo de pescadores en el que vivían alrededor de 700 personas. La vida era tranquila, en las calles abundaba el olor a café y, en el malecón, el de la pesca del día frita, al mojo de ajo o al chipotle.

Hoy, debido al fomento turístico y a una serie de inversiones privadas en el lugar,

viven casi 50 mil personas y de poblado de marinos, el lugar se ha transformado en un destino que reúne viajeros de todo el mundo: viajeros estetas y sibaritas.

A pesar de este crecimiento, Puerto, como le dicen los lugareños, conserva el aire tranquilo y rústico de antaño. Y es justamente, ese perfil relajado y para nada pretencioso, lo que lo ha convertido en el rincón preferido de la gente joven, de los amantes de los deportes de playa y de las familias jóvenes que buscan un rincón seguro y relajado para compartir en familia.

Debido a su clima tropical, Puerto Escondido vive un verano de todo el año.

Sus playas impactan porque parece que

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Hot EL E S coNdIdo

las montañas, cubiertas de vegetación, caen hasta el mar. Los amantes de la tabla no negocian, las olas de Zicatela, de hasta seis metros de altura, han convertido a esta playa –ubicada en la zona urbana– en el refugio de surfistas de todo el mundo.

Cada año se realizan en ese escenario de olas bravas varias competencias de surf, siendo el más importante el Torneo Internacional de Surf.

Las playas más apartadas, en las que reina la paz, son Bacocho y Tierra Colorada, ambas con claras y cálidas aguas que invitan a disfrutarlas hasta que llega la puesta de sol. Los más jóvenes eligen descender los 170 escalones que llevan a playa Carrizalillo y sus escasos 300 metros de extensión. Llegar puede ser un poco complicado, pero allá abajo hay garantía de disfrutar una playa de poco oleaje y arena fina que hace que el viaje valga la pena.

Hay otras varias actividades clásicas que son recomendables. A la mañana temprano, una caminata por el malecón le permitirá captar inolvidables tomas panorámicas del océano Pacífico y de la playa Zicatela. Regrese por la tarde, porque el momento en que se esconde el sol, es memorable.

Carretera Federal Salina Cruz - Santiago Pinotepa Nacional km.113, Puerto Escondido, Oaxaca.

T. 01 (800) 400 8484 Facebook: Hotel Escondido Twitter: @HotelEscondido hotelescondido.com

el arqUiteCto federiCo rivera río logró Crear Una palapa moderna en la CUal Uno se sUmerge en Un ambiente tanto minimalista Como sUmamente Cálido.

Otra cosa imprescindible es realizar un paseo marítimo, desde la playa Principal zarpan embarcaciones que recorren las costas de la zona. Estos recorridos son ideales para observar la biodiversidad del lugar, cuando las lanchas se adentran en el mar se aprecian delfines, tortugas marinas y ballenas. Las últimas sólo se pueden avistar en temporada, que es de diciembre a marzo.

Que no falte una visita al corazón del pueblo, el mercado. Se llama Benito Juárez y allí es posible encontrar artesanías oaxaqueñas como alfarería realizada con barro negro, alebrijes y bordados, además de productos frescos. Cuando cae el sol y la actividad en la playa se apaga, hay que caminar por el “adoquinado”, nombre con que se le conoce a la avenida peatonal que atraviesa el corazón del pueblo: es una vía escoltada por cafés, restaurantes, tiendas y bares. Antes de partir, deguste un plato de mariscos en las palapas de Puerto Angelito, debe saber que es una playa pequeña y casi siempre llena, pero sus restaurantes sirven unos mariscos inolvidables.

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más allá de pUerto

El pueblo es un encanto, pero sus alrededores, no se quedan atrás. La zona está colmada de lugares a los que vale la pena visitar. El Parque Nacional Lagunas de Chacahua resguarda un ecosistema que fascina a los amantes de la naturaleza y al resto. Se trata de varias lagunas con flora y fauna profusa: hay árboles anfibios, orquídeas negras, cocodrilos, tortugas de agua dulce, innumerables especies de aves como flamencos, ibis, carpinteros, golondrinas, entre otros. Lo que hace tan particular a este lugar es que se ubica a pocos metros del mar: entre el océano y el manglar sólo existe una larga playa de arena de unos 100 metros de ancho.

Escondido En Escondido

Las tortugas marinas son unos de los grandes atractivos de la zona. En las costas oaxaqueñas habitan cuatro especies: golfina, laúd, prieta y carey. Para conocer más sobre ellas se puede visitar el Centro Mexicano de la Tortuga que está ubicado en Mazunte, a 50 km de Puerto Escondido. Allí se puede aprender sobre el trabajo de preservación y cuando es temporada, participar de una liberación de crías protegidas.

Bahía de Estacahuite es un sitio muy recomendable para practicar esnórquel o buceo, porque las aguas son muy calmas y cristalinas. Además de peces de colores también se pueden ver tortugas marinas.

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Otro modo de integrarse con la flora y fauna del lugar es recorrer la Laguna de Manialtepec, a 16 km de Puerto. Este lugar es hogar de aves como pelícanos, cormoranes, patos silvestres, garzas, además de iguanas y una rica vegetación tropical. Los paseos se realizan en lancha, en bote o se puede alquilar un kayak para recorrerla a gusto.

De esta forma, Hotel Escondido se convierte en el pretexto ideal para visitar Puerto Escondido. O, quizá, sea de la otra forma. El punto es que nadie tiene ya excusa y debe disfrutar de uno de los mejores rincones de Oaxaca, y del país.

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el Personaje

por: Julieta García González fotos: Cortesía de Glenfiddich

La poesía del entorno:

Erick Meyenberg, artista residente Este joven artista mexicano, que ha hecho de la investigación y la búsqueda una herramienta para su obra, se benefició del programa de artistas residentes que la marca de whisky Glenfiddich patrocina cada verano. Su trabajo en el Valle del Venado es algo a la vez mágico, natural y perturbador. Una prueba más de que una colaboración como la que propone Glenfiddich sólo puede dar buenos resultados.

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Escocia es un lugar extraño: sus prados verdes, sus valles, castillos, ríos y su muy peculiar luz lo convierten en algo

parecido a un ensueño. No es difícil de entender que se haya supuesto, durante siglos, que en sus lagos y bosques se ocultaban hadas, elfos y peculiares seres acuáticos.

En Speyside —los alrededores que abrazan la inmensidad del río Spey— se encuentra el poblado de Dufftown, en plenas highlands escocesas. Este pueblo de apenas unas cuantas calles, con edificios de piedra y la torre de un reloj como eje y centro, es la referencia para quien quiera saber algo de whisky. El destilado es el espíritu literal de muchas áreas de Escocia, y lo es marcadamente de aquí.

Las destilerías se encuentran salpicadas (al menos, eso parece al ojo incauto) por acá y por allá, como dispersas a los costados de una carretera encantadora. Es en una de ellas, la destilería de Glenfiddich, que tiene lugar un acto sorprendente: hay espacio para el arte.

Por supuesto, las mejores bebidas son, en sí mismas, el producto de un gesto creativo, casi artístico. Quien haya visitado Glenfiddich o,

la poESía dEl Entorno

simplemente, quien haya bebido alguno de sus whiskies, sabe de cierto que en ellos hay arte, artesanía y tradición reunidos. Pero estoy hablando de otro tipo de expresión artística. Me refiero al arte contemporáneo.

En 2007, la destilería se dio a la tarea de localizar, seleccionar e invitar a artistas que pudieran darle nuevos contenidos al trabajo que se elabora desde 1887 entre sus paredes. El proyecto se llama AIR y es, en efecto, como aire fresco.

Los artistas provienen de todas partes del mundo y son elegidos con mucho cuidado por un panel de especialistas. Reciben de Glenfiddich 10 mil libras y deben pasar en sus instalaciones (en unas casitas preciosas, con vistas a la destilería) el verano.

En 2013, por primera vez un mexicano fue seleccionado como parte de AIR. Se trata de Erick Meyenberg (México, 1980), quien ha tenido ya presencia internacional. Estudió Artes Visuales y, después de sus estudios con Rebecca Horn, comenzó un proceso evolutivo muy interesante.

Para Glenfiddich, Erick hizo un proyecto fascinante, a la vez vital y oscuro. Se trata de The Black Spirit que se convirtió después en dos proyectos: Valley of the Deer (nombre del lugar donde se encuentra ubicada la destilería) y Cancer.

A pregunta expresa, respondió sobre su trabajo: “Al llegar acá fui de excursión al bosque y descubrí que todos los árboles alrededor de la destilería están negros por un hongo que crece no sólo en ellos, sino que mancha todas las superficies de la destilería.

Encontré que el hongo se alimenta de los vapores del whisky. Me pareció poético que la pérdida de las barricas del whisky sea tomada por la naturaleza

para generar un excedente de vida. El hongo no mata a los árboles, sólo los utiliza como soporte. Y crece sobre metal, madera, piedra: nada lo detiene.

Me pareció fascinante trabajar con esto”.

Su pieza incluye maderas con un toque de pintura verde. Unas son ligeras maderitas y otras más son polines enormes, apilados unos sobre los otros, en una acumulación que amenaza con caerse. “Con Black Spirit –Valley of the Deer, quería hacer una referencia directa al lugar, quería decir ésta es una investigación in situ, los materiales surgen de aquí.

Esta es madera que fue utilizada por la destilería y está cortada por procesos industriales. Lo negro es el hongo. [El proyecto] era una manera de hablar del tiempo y los materiales y los procesos de la naturaleza en estos objetos encontrados”.

Frente a la obra de arte contemporánea, que muchas veces requiere explicación, está el artista que se entrega a ella porque le encuentra un sentido íntimo. “De pronto uno intenta poner las claves para que la gente lea lo que uno quiere. Pero a veces llegan sorpresas. Habrá infinitas lecturas diferentes. Esta pieza la hice para mí, exclusivamente en un diálogo personal: no sé si pueda tacharse de egoísta, pero no me importaba lo que pensara la gente”, dice al hablar de la relación entre el público y el autor. Finalmente, hubo una retroalimentación. El público especializado dio su punto de vista, pero el más interesante fue el de los visitantes que llegaron a su exposición en Escocia porque sí, por interés. Sintieron sobre sí la pieza, los movió y conmovió.

Ante eso, dijo: “Es grato que el objeto hable por sí mismo”. También es grato que un artista mexicano interesante, con una obra rica, sea apoyado por una marca tan excepcional como Glenfiddich”.

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Glenfiddich En el verano de 1886, William Grant, con la ayuda de sus siete hijos y dos hijas, comenzó a construir su propia destilería. La llamó “Glenfiddich” que quiere decir “Valle de los venados” en gaélico. Después de casi un año de intenso trabajo, el día de Navidad de 1887, las primeras gotas de whisky de una sola malta cayeron destiladas de los alambiques de cobre. Así, empezó una leyenda que se continúa hasta nuestros días. Los whiskys de Glenfiddich son el producto de años de labor artesanal, cuidadosa y detallada. Los premios que han recibido los destilados son apenas testigo de la calidad y el sabor que cada botella encierra.

info Facebook: Glenfiddich Twitter: @GlenfiddichSMW glenfiddich.com

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la Moda

por: Daniela Cuevas Guerrero fotos: Cortesía de Ferragamo

Salvatore Ferragamo y su arquitectura mexicana

En septiembre, durante el penúltimo día en la semana de la moda de Milán, la casa italiana Salvatore Ferragamo presentó su colección primavera/verano 2014. En general, las colecciones italianas reflejaron la arquitectura como inspiración, pero Massimiliano Giornetti –director creativo de Ferragamo– se inspiró en el trabajo del arquitecto mexicano Miguel Ángel Aragonés creando una colección llena de líneas, colores y cortes a la mexicana.

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s a lvat o r e f e r r a g a m o

ASalvatore finales de septiembre del 2013 Ferragamo presentó en Milán su colec-

ción primavera/verano 2014 y Massimiliano Giornetti, director creativo de la casa italiana, la describió como un comentario sobre la dualidad en una colección calificada de muy arquitectónica.

“Por un lado tienes pureza y por el otro, sensualidad. Me inspiré mucho en la arquitectura minimalista del mexicano Miguel Ángel Aragonés y la idea de la costura y la construcción mezcladas con elementos más fluidos y femeninos, así como algunos detalles de lencería”.

Al jugar con la dualidad de la mujer, Ferragamo presentó una colección refinada, moderna y muy elegante, que al mismo tiempo representa un aspecto mucho más gentil y femenino. El color predominante fue el beige, que resalta en chaquetas tipo sastre y blusones con corte alto en la cintura o bajo en el escote. La colección además incluye de-

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safiantes siluetas —no tan alejadas de las presentes en las construcciones de Aragonés— que muestran el ombligo, así como sostenes de piel de serpiente.

Sin duda, looks antagónicos que se rinden al encanto del minimalismo más absoluto, tal como ha sido siempre en la casa Ferragamo. Materiales como piel de becerro, piel de serpiente y sedas —siempre en colores neutros como los ocres, negro, beige y azul marino— componen las faldas plisadas y vestidos con sinuosas transparencias, así como gabardinas reinterpretadas en forma de vestido para adornar las curvas más femeninas.

Giornetti se inspiró también en los archivos de la casa de moda fundada por el zapatero Salvatore Ferragamo —quien se hizo de nombre en Hollywood al crear zapatos para estrellas como Marilyn Monroe, Greta Garbo y Audrey Hepburn— para crear calzado de punta cuadrada con correas de piel de serpiente en el tobillo. “Lo que amo de los arquitectos mexicanos es que son muy racionales y al mismo

Materiales coMo piel de becerro y serpiente, así coMo sedas, coMponen faldas plisadas, vestidos con sinuosas transparencias y elegantes gabardinas reinterpretadas.

Miguel Ángel Aragonés A lo largo de más de dos décadas, la arquitectura del mexicano Miguel Ángel Aragonés ha trascendido a la misma disciplina. Cada una de sus obras, impregnadas de emociones, tiene como objetivo la generación del bienestar humano. Con escaleras que impulsan hacia adelante y el color como un accidente lumínico, una manipulación de luz, Aragonés crea espacios que cambian con el sol, que dan ganas de explorar. Expositor y conferencista en múltiples universidades de México y el extranjero, también ha sido invitado distinguido del Colegio de Arquitectos Vasco-Navarro de Bilbao, España; la Universidad de Parsons, el Museum of Latin American Art en Long Beach, California, y Era 2005, en Copenhague, Dinamarca, organizado por la International Federation of Interior Designers. Miguel Ángel Aragonés participó en la Primera Bienal de Arquitectura Internacional, organizada por Conaculta y Bellas Artes, así como en la Tercera Bienal de Arquitectura.

Recientemente decidió abrir sus fronteras y está construyendo un complejo residencial en la Ciudad de Los Ángeles.

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Massimiliano Giornetti Diez años después de unirse a la casa de moda Salvatore Ferragamo como diseñador de prendas de punto en el departamento de hombres, Massimiliano Giornetti fue nombrado director creativo de la marca en 2010.

Como tal, el diseñador guía el desarrollo del estilo de todos los productos de Salvatore Ferragamo. Giornetti estudió en tres importantes escuelas de diseño: Polimoda International Institute of Fashion Design & Marketing en Florencia, Italia, en el London’s College of Fashion y el Fashion Institute of Technology en Nueva York. Massimiliano Giornetti es uno de esos creadores que conoce bien a su público, sus colecciones cumplen siempre con la lista de deseos que tienen en común las mujeres femeninas cosmopolitas y amantes del buen diseño.

Lo que lo distingue de otros grandes diseñadores es que para él es muy importante la arquitectura y el arte, más allá del diseño, lo cual se refleja en cada una de sus creaciones, y esta colección no es la excepción.

Ferragamo Masaryk 426, Polanco, México, D.F. Facebook: SalvatoreFerragamo Twitter: @Ferragamo ferragamo.com/shop/es/mex

Accesorios

Zapatos Polaris P1

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Bolso Alizeé

Zapatos Pert

Clutch Macy

s a lvat o r e f e r r a g a m o

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Principales obras Casa Lago de Guadalupe, Casa Arroyo, Casa Arrayanes, Avellanos, Eucaliptos, Hotel Encanto de Acapulco y el diseño de iluminación de Casa Cubos.

Reconocimientos En 2006 la International Association of Lighting Designers y la European Lighting Designers Association lo premiaron en la categoría de Mejor Iluminación en Arquitectura por su proyecto Eucaliptos; mientras que por Cubos obtuvo el Premio Light & Architecture Design. En la Tercera Bienal de Arquitectura en Museo de San Carlos se le otorgó un reconocimiento por sus 20 años de trayectoria.

Aragonés El año pasado Rizzoli publicó un libro de arte con fotografías de los edificios e interiores más representativos del reconocido arquitecto. De nombre Aragonés, se trata de la primera recopilación del trabajo de Miguel Ángel Aragonés en inglés y español. El tomo incluye también textos académicos del mismo arquitecto, así como reflexiones de otras personas sobre su trabajo.

Ideal para los amantes de la arquitectura contemporánea.

Rizzoli Studio Newton 35, Polanco, México, D.F.

Massimiliano Giornetti encontró en la arquitectura de Aragonés la mejor inspiración

tiempo prácticos. Siempre intento vincular esa idea con la moda, el trabajo de Salvatore siempre estuvo conectado a la idea de hacer zapatos hermosos pero cómodos, Ferragamo desarrollaba todas sus colecciones partiendo de las ideas de forma y escultura”, explicó Giornetti quien completó sus piezas con accesorios que asemejan engranajes mecánicos, rígidos y afilados pero extremadamente femeninos, y bolsas cuadradas.

Para Aragonés se trata de un reconocimiento sensible y sincero a su obra, el cual le tomó por sorpresa. Un homena-

je que se sintió tanto en la pasarela como en el diseño. El reconocido arquitecto destacó que el hecho de que Giornetti llevara su influencia hasta el diseño de la ropa y en la propia pasarela significó una distinción que le honra y empuja a seguir trabajando.

Sin duda, Giornetti —que sabe bien cómo crear siluetas masculinas— creó una colección que combina la fragilidad y fuerza en un mismo conjunto, y funciona, ya que como él sabe, son temas cercanos a la estética y el sentido del vestir contemporáneo de la mujer.

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la Joya

por: Antonio Cortés fotos: Cortesía de OMEGA

Elegancia atemporal Ladymatic de OMEGA

OMEGA es una marca reconocida, principalmente, por sus relojes. Lo que pocos saben es que además de su alta relojería, la casa cuenta con una línea de joyería fina de nombre Ladymatic. Conozca un poco sobre su nueva y atemporal colección.

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La casa relojera OMEGA fue, en 1955, una de las primeras en lanzar un reloj de pulsera creado específica-

mente para la mujer: el hoy famoso Ladymatic. Pero la casa decidió consentir más a sus fieles clientas y crear también una línea de joyería fina con piezas inspiradas en el reloj.

Este año, OMEGA dio la bienvenida a su familia de joyería fina a nuevos integrantes de la línea Ladymatic. Inspirada en los clásicos relojes del mismo nombre, esta colección presenta piezas con cuatro hermosos patrones que reinterpretan de forma elegante la idea del reloj Ladymatic y mantienen un vínculo con los guardatiempos que le dan nombre.

La joyería de la línea Ladymatic es sumamente femenina, pero lo que resulta más agradable es la gracia con la que se crearon anillos en diferentes tonos de oro: blanco, amarillo y rojo, todos en 18 quilates. Aunque en tiempos anteriores el oro amarillo se consideraba el más elegante y combinar metales

ELEGANCIA ATEMPORAL : L ADYMATIC DE OMEGA

omega Facebook: OMEGA Watches Twitter: @omegawatches omegawatches.com/es

El reloj que inspiró las joyas El OMEGA Ladymatic es el reloj de donde surgieron las joyas de la colección Ladymatic. En esta ocasión, éste se presenta con una esfera marrón profundo o en nácar blanco natural y está realzada por 11 índices de diamante engastados en soportes de oro de 18 quilates. Su caja cuenta con las mismas ondas decorativas que las piezas de joyería y en su interior late el calibre 8520 Co-Axial de OMEGA, haciéndolo tanto funcional como elegante.

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A pEsAr dE quE OMEGA Es unA cAsA rEcOnOcidA principALMEntE pOr sus rELOjEs, su AvEnturA cOn LAs jOyAs hA tEnidO un GrAn rEcibiMiEntO

estaba prácticamente prohibido, hoy en día es de lo más común. Por eso, OMEGA decidió ofrecer esta línea en los diferentes tonos e incluso combinarlos. El oro en distintos tonos se consigue mezclando otros metales con el principal: en general se utiliza plata para crear el oro blanco y cobre para los oros rojo y rosado. Y en este caso el resultado son tonos realmente interesantes.

Además, la casa relojera —que también puede presumir de ser una casa joyera, perfumera y marroquinera— ofrece esta línea para mujeres de todos los gustos, ya que hay una infinidad de opciones para agregar diamantes a las piezas. Así, quien lleve cada uno de estos anillos puede ser tan extravagante o sutil como lo desee.

Pero los anillos no son las únicas piezas que brillan en esta colección, en los mismos colores de oro, y también con 18 quilates, se presentan los aretes que son el complemento perfecto para los elegantes anillos. En oro en su forma más pura —ya sea de un solo tono o en combinación de colores— o con una línea de 42 exquisitos diamantes, tanto los anillos como los aretes son piezas atemporales que encantarán a cualquier mujer.

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por: Márcela Aguilar y Maya fotos: Ignacio Galar

Presentación del libro Fashion Jewelry, the collection of Barbara Berger Fue una fiesta a cuatro bandas, pues además de presentar a este lujoso libro “en sociedad”, tanto su autora, Barbara, como Ari y Sergio Berger, celebraban sus cumpleaños. Pero eso fue más tarde…

A las siete en punto de la noche un grupo de íntimos amigos se dio cita en el lugar del festejo, una antigua casona de la colonia Roma, para conocer el libro al que Barbara le ha dedicado los últimos meses de su vida, seleccionando meticu-

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losamente las imágenes que resultaran más representativas de su legendaria colección de joyería vintage, piezas únicas que hoy se expone, en parte, en el Museo de artes Decorativas de la ciudad de Nueva York. Cada página es una delicia, y Barbara no dejó de celebrar tan especial acontecimiento con cada uno de los amigos que la acompañaron, y que, además ¡brindaron por su cumpleaños!

La gazette: BarBara Berger

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1. Barbara Berger y Alexandre Lemaire 2. Lina Botero y Alejandro G贸mez de Tuddo 3. Sergio Berger, Raquel y Le贸n Bessudo 4. Mauricio, Barbara, Sergio y Ari Berger 5. Manuel Struck y Guido Vittale 6. Lupe Ramos C谩rdenas y Leonel Lecompte 7. Mungo Lockhart, Elodie Weil y Charles Lebreton 8. Rodrigo y Camila Rivero Lake 9. Mauricio y Barbara Berger con Bruno Newman 10. Fashion Jewelery, de Assouline 11. Becky Alazracki y Sergio Berger

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FINALES

la Gazette

por: Andrea Villanueva fotos: Gilberto Contreras Rocha

Grupo Financiero Monex presenta tomo sobre Tamayo y Siqueiros El pasado mes de noviembre Grupo Financiero Monex reunió a clientes y amigos en la explanada del Museo Tamayo para presentar con gran orgullo el libro Del mural al caballete: el México de Rufino Tamayo y David Alfaro Siqueiros. Héctor Lagos Dondé, Director General de Grupo Monex, presentó, junto con Leonardo Kourchenko, Marcela Aguilar y Maya, Natalia de la Rosa y Moisés Tiktin Nickin, este tomo que analiza la relación entre dos grandes del arte en México El libro ofrece curiosas anécdotas y da un paseo por las mejores obras de ambos. Durante la noche, además de disfrutar de la música de un cuarteto de cuerdas, los invitados pudieron hacer recorridos guiados por el museo.

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La gazette: grupo monex

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Además de música y bocadillos, los invitados disfrutaron de recorridos guiados por el museo

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1. Moisés Tiktin Nickin, Natalia de la Rosa, Marcela Aguilar y Maya, Héctor Lagos Dondé y Leonardo Kourchenko 2. Héctor Lagos Cué, Rodrigo Rivero Lake, Marcela Aguilar y Maya y Eduardo Sanmiguel 3. Moisés Tiktin Nickin y Héctor Lagos Dondé 4. Grocio Salomón Solvedilla Canales, Patricia Guerra, Minerva Castro, a la extrema derecha Natalia de la Rosa y acompañantes 5. Visitas guiadas dentro del museo

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el Coleccionista por Rodrigo Rivero Lake

El Buda ¿ C ómo lle g ará el hombre a alc anz ar l a p lenit ud? Tal c omo lo h i z o el Bud a , l a únic a fo r m a e s ren un ciar a lo que n o s ata al mund o terrenal .

ada vez que se habla de Budismo se trata de explicar, en muy diversas formas que van desde una religión sin Dios y una filosofía práctica de la vida, hasta un dogma, un camino de conducta o una forma de ser. En fin, el budismo tiene varias y muy diversas definiciones en las cuales cabe, sin poder con ello ni explicarlo, ni definirlo ni limitarlo. ❡ En el siglo vi antes de Cristo —siglo sublime y fantástico, de luz y sabiduría para la humanidad, ya que nacieron y predicaron grandes iluminados como Confucio, Lao Tse, Zaratustra y los filósofos Sócrates y Platón entre muchos otros— es un siglo que diversos historiadores definen como el siglo estrella de varias civilizaciones, en él destacan dos príncipes iluminados, ambos nacidos en las lejanas tierras de India, hombres nacidos príncipes que se revelarían contra su destino para evitar ser gobernantes. Nació entonces Bahubali, quien renunció con ejemplar y pacífica forma, y cuyas enseñanzas sobre cómo la violencia es la causante de todo mal y sufrimiento lo convirtieron en el fundador de la secta Jainista del hinduismo. En el mismo siglo llegó al mundo el príncipe Siddharta Gautama, quien en su filosofía contra el sufrimiento del vivir y con la cadena de las reencarnaciones, es quien crea y funda el budismo. ❡ Su historia muy conocida relata al rey Shaddhodhan, rey de Kapilvastu, y a su reina Mayadevi, quienes no habían logrado tener descendencia, cuando una noche la reina tuvo el sueño de un elefante blanco entrando a su regazo dejándola embarazada, dando a luz en el bello parque de Lumbini al Buda y muriendo ella al séptimo día. De esto tomamos que el elefante blanco es la personificación del mismo Buda, su presencia auspiciadora y, por tanto, el símbolo de varios países y grupos budistas, como es el caso de Tailandia. ❡ Su vida temprana se desarrolla aprendiendo los trabajos y deberes de un príncipe, llegándose a casar con la bella princesa Yasodhara, con quien procrea posteriormente al príncipe Rahul. Un día mientras viajaba, el príncipe Siddharta conoció a un anciano y, sorprendiéndole el hecho que él también llegaría a la vejez, vio el dolor en otros y los sufrimientos del vivir. Al visitar un monasterio descubrió el deseo del camino a la luz que es lograr con un recto actuar, durante varias vidas, la iluminación y

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romper con ello las causas de las reencarnaciones y del sufrimiento. ❡ Muchos hemos gozado la lectura de su vida a través del bello libro Siddhartha, de Hermann Hesse, del cual tenemos las imágenes de los sublimes momentos en que el Buddha pide, en una rebelión pacífica, permiso a su padre para dejar su obligación principesca de gobernar y poder en forma ascética llegar a profundas meditaciones y austeridades y en esas privaciones y recogimiento. Quería aprender de todos los grandes maestros de su época, lograr conquistar ese estado lumínico en el bello parque de Sarnat próximo a Benares, bajo la sombra del árbol de Bodh (ficus religiosa) y finalmente entrar al estado del Nirvana —estado de conciencia de la nada absoluta, donde quedan rotas todas las cadenas del sufrimiento y la reencarnación. Murió el Buddha en Kushinagar con más de 70 años en, aproximadamente, el año 478 a.C. Predicó las cuatro verdades del principio y fin del sufrimiento y durante sus enseñanzas públicas sus discípulos se dedicaron a recopilar cuanta palabra fuera dicha por él. ❡ Desde un principio, el budismo fue ayudado a su diseminación por los hinduistas, quienes declararon al Buda como una de las múltiples reencarnaciones del Dios Vishnu. Así empezó la predicación y diseminación de esta filosofía, cuando sus 40 discípulos, tomando una vara del árbol donde el Buddha encontró la iluminación, caminaron en diversas direcciones sembrando ese bastón en los lugares donde se establecieran para difundir su sapiencia y haciendo que de ella renaciera el saber junto con un bello árbol como una muestra de su santidad. Así, recuerdo uno de esos bellos árboles en las fantásticas ruinas de Siguiriya en Ceylán, hoy Sri Lanka, árbol festivo lleno de coloridos listones que cantan al visitante la alegría de una vida llena de luz y de la esperanza del no sufrimiento. ❡ Al pasar las fronteras con China, el budismo tomó el mejor camino, no sólo por su aceptación en la enorme China, sino porque ya en su apogeo llegó a Corea y de allí naturalmente al Japón.

En su camino fue tocando los pueblos y naciones más recónditas de los Himalaya. ❡ Así, el budismo nos da la posibilidad de explicar que tanto lo alto como lo bajo, el pensamiento como la materia, el espacio como el tiempo, toda contraposición está sujeta a cien interpretaciones, a mil explicaciones y a tantas variaciones como posibilidades que se encuentran latentes en el ánima y mente humana. En un mundo que no

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está estático, sino que se encuentra constantemente en movimiento, en potencia, donde el hombre se encuentra en ese constante devenir del ser, de lograr caminar hacia el sendero de la luz, y así el espacio se convierte en un tiempo visible, en una posibilidad de logro, en el encuentro con la nada que será la liberación del sufrimiento. ❡ Y siguiendo las palabras del Buda “La vida no es un problema que debamos resolver, sino una realidad que se debe experimentar” se combinan la simplicidad con la profundidad del vivir y así se resume su doctrina en dos preceptos fundamentales: el llamado pe-

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queño vehículo o Theravada, cuya función es la práctica de no hacer el mal a los demás, y el llamado gran vehículo o Mahayana, que es ayudar a los demás y es la base de la reflexión meditativa. Aquellos que esto ya hayan logrado entrarán al Tantrayana o Vajrayana que es el vehículo en forma de diamante que nos llevará a él y con el logro de las dos prácticas en forma totalmente personal, trayéndonos al momento todas las experiencias del pasado, revelándonos nuestras potencias del futuro que, consecuentemente, nos llevarán a la iluminación.

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FINALES

periferias

por ana terán

ilustración: Yurex Omazkin

Estados dE ExcEpción Un estado de excepción, según la ley, restringe. Pero en algunos casos, si se le cambia el sentido, puede modificar de manera positiva la vida de alguien.

Excepción primera: que me ocupe de una anécdota derivada del trabajo de Lorena Wolffer, mi hija, ocurrida durante una de las intervenciones de su proyecto “Estados de excepción”, porque no ha dejado de inquietarme desde que me la contó. Como una espinita que va afilándose al adentrarse en la conciencia y, a medida que penetra, se ensancha más y más. Su permanencia duele. ¿Hasta cuándo?

Valga decir que a su obra la precede una trayectoria sólida y en nada requiere del soporte de su madre, más bien sería al revés: ella ha sido una de las grandes maestras en mi vida. La crítica define su tarea creativa “como una plataforma permanente para la resistencia y la enunciación en el intersticio entre el arte y el activismo”. Agrego que ha centrado su labor performática en visibilizar la violencia que se ejerce contra las mujeres. Aquí y en otros continentes.

Su actual proyecto aplica el “estado de excepción”, inscrito en el Artículo 29 de la Constitución Mexicana, que restringe o suspende el ejercicio de los derechos y las garantías de la ciudadanía “en los casos de invasión, perturbación grave de la paz pública o cualquier otro que ponga a la sociedad en grave peligro o conflicto...” a la condición femenina, a la amputación de los derechos del género que advertimos a diario, al continuo ascenso de los feminicidios, al hecho de que cinco de cada diez mexicanas experimente hoy día algún tipo de violencia1.

Después de haber utilizado por años su propio cuerpo como territorio receptor de múltiples brutalidades

(cuya rudeza estremecía cada célula de este cuerpo que le dio la vida), cambia de estrategia al invertir el sentido del “estado de excepción” produciendo escenarios performáticos insólitos, concebidos para ejercer y disfrutar nuestros derechos en entornos libres y seguros; se vuelve testigo y parte de una serie de intervenciones a primera vista triviales, gozosas, tan simples que hasta podría tachárseles de intrascendentes. Pero es justo ahí donde la fuerza de las anomalías irrumpe como un proyectil de largo alcance.

En colaboración con instituciones y restauranteros comprometidos con la causa femenina, Lorena monta en un plaza pública una mesa para 20 comensales e invita a mujeres transeúntes —sin importar edad, nivel socioeconómico, raza, preferencia sexual ni cualquier otra diferencia— a compartir un delicioso banquete de tres tiempos, acompañado de vino y del menú de los principales derechos de las mujeres estipulados en las legislaciones locales, nacionales y en tratados y acuerdos internacionales. El suceso dura tres horas y, al final, sólo les pide que le dejen escrito en un mantelito de papel su testimonio.

Entre los muchos que conmocionan, el que más me sacudió fue el testimonio oral de una indígena ñäñho que no sabe escribir, de la comunidad otomí, grabado en la Plaza de la Constitución en Querétaro: “Tengo 58 años y es la primera vez en mi vida que alguien me sirve de comer. Me siento muy contenta. Muchas gracias”.

1. Según la tipología contenida en la Ley General de Acceso de las Mujeres a una Vida Libre de Violencia.

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FINALES

el Libro

por: La Redacción

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Una mirada voyeurista del sueño Ted Spagna (1943–1989) era caSi un hombre del renacimienTo, de esos pocos que pueden mezclar el arte con la ciencia y obtener un gran resultado. La idea de su estudio y, por supuesto de este libro-homenaje a Spagna, surge de que pasamos un tercio de nuestras vidas durmiendo… y que en ese tercio somos una persona completamente diferente a la que somos en la vigilia. En 1975 el maestro, cineasta y fotógrafo comenzó sus estudios sobre el sueño, exponiendo los secretos de la conducta del ser humano mientras duerme. Se trata de interesantes y rítmicas fotografías tomadas en intervalos fijos de tiempo desde lo alto en una perspectiva que él llamaba “la vista de Dios”. Parejas, bebés, hombres y mujeres por separado se exponen en un momento que —aunque no siempre se le considera así— es muy vulnerable. Con reveladores e interesantes textos del psiquiatra e investigador del sueño Allan Hobson, M.D. y la periodista Mary Ellen Mark, así como la edición de Delia Bonfilio and Ron Eldridge, se convierte en un libro de culto (póstumo) para los amantes del arte, la fotografía y la ciencia del sueño.

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