La Revista 58

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abril 2014 mx $87 / 7usd

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EL MUNDO DEL bUEN UEN GUSTO

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n o . 5 8 | A b R I L 2 014 | L A R E V I S T A . M X

d a n c r o s b y: portafolio de un fot贸grafo de moda mexicano

evoluci贸n de la moda: del homo sapiens a carrie bradshaw

escenas de la moda

la Carta editorial No. 58 | Escenas de la moda | Abril 2014

La moda, posiblemente, deberá rendirse a la orgía de la tolerancia, al sincretismo total, al absoluto e imparable politeísmo de la belleza, pero también nos concederá la oportunidad privilegiada de ensayar una salida, de planificar una salvífica evasión hacia los territorios de la verdad y la belleza.”

– J e a n Bau drill ard

Hablar de moda es como querer hablar de arte, de historia, de geografía, y suponer que con una teoría basta, que un solo estilo domina. La historia de la humanidad se puede contar a través de las prendas que los hombres han usado para protegerse, distinguirse, ser. La vestimenta es, en todo caso, una extensión de nuestra piel, una voz de nuestra identidad, cultura y momento histórico. Pero me gusta más tomar las palabras de Diana Vreeland, quien fuera editora de la revista Vogue en los años 60 y que aún hoy sigue siendo la indiscutible reina del glamour: “La moda tiene que ver con quien la viste, con la personalidad, la fantasía, el rol que cada quien interpreta, su allure; de otro modo estaríamos hablando simplemente de ropa”. Vestir “a la moda” es, según ella, convertirse en vocero de un mensaje, tener un sello personal, aportar algo al mundo exterior y alejarse de las masas. Y sin embargo, este afán por distinguirse de los demás, de ser único, es quizá el negocio masivo más grande de nuestra cultura.

En 1967 Roland Barthes escribía que la moda se asemeja a un lenguaje con su propia gramática, códigos y reglas… ¡así de compleja es! Mientras tanto, Jean Baudrillard, en 1980, escribió que, a diferencia del lenguaje —que apunta al sentido y se esfuma ante él—, la moda apunta a una socialidad teatral, y se complace a sí misma.

Todos queremos ser únicos. Pero la seducción es aquello que no tiene representación posible, y es aquí donde, a través de la historia, un sinfín de modistos, costureros y estilistas han intentado vender este elíxir de la seducción, envuelto en telas, velos, joyas y demás accesorios.

La moda sigue siempre dará de qué hablar. En esta edición, que dedicamos a las tendencias y los creadores que están tras bambalinas, podemos recordar grandes momentos de nuestra cultura, vistos a través del imperio de la costura. En un extraordinario recorrido, Andrea

Villanueva nos lleva al mundo de la televisión destacando algunos shows emblemáticos en la industria —Sex and the City, Downton Abbey y Game of Thrones, entre otros— en que la vestimenta de los personajes es tan importante como la trama misma. Desde siempre, las series de televisión han batido récords de audiencia, sencillamente porque el público quiere ver a las grandes estrellas envueltas en lujosas prendas; no hay más que recordar las famosas series de los 80, como Dallas y Dynasty.

Hollywood ha sido, sin lugar a dudas, el detonador de una empresa multimillonaria en la que los actores principales son los modistos —europeos, en su mayoría— como Valentino, Dior, Armani, Yves Saint Laurent. También podrá, en estas páginas, echar un vistazo al mundo íntimo del gran Valentino, El Emperador: yates, casas, desfiles y amigos famosos son la cotidianidad de este talentosísimo italiano. Su historia es digna de cualquier película de la dolce vita y, junto a su socio, Giancarlo Giammetti, ha fundado un imperio, un culto al buen vestir, con embajadoras de la talla de Jackie Kennedy y Elizabeth Taylor.

Tenemos también el portafolio de un extraordinario fotógrafo de moda mexicano, Dan Crosby, quien, a través de su lente se adentra en la personalidad de modelos y modistos, a fin de lograr transmitir una esencia no tanto frívola sino compleja, reflexiva y, ante todo, impresionantemente estética. Éste es el mejor ejemplo de cuando una imagen, literalmente, vale mucho más que mil palabras.

Moda y tecnología, diseñadores jóvenes en casas legendarias, obsesión por los zapatos, recomendaciones de libros, documentales y películas que hablan sobre moda y muchos datos curiosos sobre este fascinante mundo, se encuentran en nuestras páginas. Y lo mejor de este universo es que cada día, en cada momento, ¡nace una estrella más! Esperamos que la disfruten.

@marcelamaya

el Contenido No. 58 | Escenas de la moda | Abril 2014

C Centrales 22 El Perfil: Daniela Norinder

por Marcela Aguilar y Maya La diseñadora brasileña de joyas regresa a México para presentar su nueva colección.

26 La Plática con Mayalen Elizondo

por Marcela Aguilar y Maya Dejó el mundo editorial para ayudar a las mujeres a encontrar la mejor versión de sí mismas. Aquí su historia en sus propias palabras.

30 El Portafolio: Dan Crosby

por Inés Marrón G. Las mejores imágenes del mexicano diseñador convertido en fotógrafo de moda.

42 Pieza por Pieza: escenas de la moda

por Inés Marrón G. Lo que hoy conocemos como moda y usamos todos los días no se parece en nada al origen de esas piezas. Éste es un viaje que lo llevará a los orígenes.

50 Moda hecha en México

por Rose Mary Espinosa El mundo de la moda en México está lleno de figuras que trabajan día a día para hacerse de un nombre. ¡No olvide estos nombres!

58 Entre publicistas y condesas

por Andrea Villanueva La moda que llevan los personajes más queridos de la televisión llega también a las calles. Descubra quién la crea.

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el Contenido No. 58 | Escenas de la moda | Abril 2014

A aBrIDOres

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10 El Blog

Lo mejor del diseño mexicano, los mejores vestidos de la temporada y más.

16 De la A a la Z

Conozca algunos de los grandes secretos del mundo de la moda.

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F FInales 66 La Galería

78 Periferias

70 El Personaje

80 El Libro

El MODO presenta la muestra “Las Relaciones Rotas” con donaciones de personas comunes.

Valentino no sería quién es sin Giancarlo Giammetti.

Ahora el socio del diseñador lo cuenta todo.

76 El Coleccionista

La historia del héroe Rama y su lucha contra el mal y su actuar ante la duda y la frustración.

Ana Terán analiza el éxito de Lupita Nyong’o y lo que éste significa para las mujeres.

La historia de Isabella Blow contada a través de sus posesiones más valiosas.

Polanco Newton 35, Col. Polanco México, D.F. T. +52 5280 2967 c a s a Pa l a c i o Centro Comercial Antara Ejército Nacional 843 Col. Granada, México, D.F. T. (55) 9138 3750

el Directorio No. 58 | Escenas de la moda | Abril 2014

Dirección Eduardo Sanmiguel director general Marcela Aguilar y Maya directora asociada Mariana Castro directora de proyectos especiales

Editorial Julieta García directora editorial julieta@aeditores.com Andrea Villanueva Coordinadora editorial andrea@aeditores.com Susana Paz Corrección de estilo

Suscríbase por un año

al (55) 5281 0568 y reciba mensualmente, en su domicilio, La Revista.

Arte Cynthia Márquez directora de arte cynthia@aeditores.com Yair Orozco diseño gráfico yair@aeditores.com Fernanda Carrasco edición fotográfica fernanda@aeditores.com

Comercial

Colaboradores Martina Balaban | Michel Bellego | Daniel Benítez | Luis Alberto González | Daniela Cuevas Guerrero | Rose Mary Espinosa | Ignacio Galar | Yurex Omazkin | Rodrigo Rivero Lake | Ana Terán

Consejo Editorial Carmen Cordera | Allan Fis | Bruno Newman | Mónica Patiño Ricardo Salas | Gonzalo Tassier

Eva Feldman ejecutiva de cuenta eva@aeditores.com Gabriela García ejecutiva de cuenta gabriela@aeditores.com Ivonne Miranda ejecutiva de cuenta ivonne@aeditores.com @_l are vIsta

l are vIsta .mx

l a re vIsta , El Mundo del Buen Gusto

Información para anunciantes: ventas@aeditores.com

las opiniones de los autores no necesariamente representan el punto de vista de los editores o la editorial.

Circulación certificada por el Instituto Verificador de Medios Registro No. 489/ 001

La revista el mundo del buen gusto es una publicación de a editores, Leibnitz 20, piso 8-801, Col. Anzures, C.P. 11590, México, D.F. Teléfonos: 5281 1778 y 79. La Revista el mundo del buen gusto es una publicación de estilo de vida de A Editores. Revista mensual. número 58, abril 2014. Editor responsable: Marcela Aguilar y Maya. El contenido de los artículos es responsabilidad de los autores. Todos los derechos reservados. Prohibida su reproducción parcial o total incluyendo cualquier medio electrónico o magnético para fines comerciales. La información contenida se ha obtenido de fuentes que se consideran fidedignas. Número de reserva al Instituto Nacional de Derechos de Autor 04-208-092913333400-102. Número de certificado de licitud de contenido No. 11997. Número de certificado de licitud de título No. 14424. Distribuida por: Mentor, Playa Caletilla No. 61 PB, Col. Reforma Iztaccíhuatl, CP 08810, México, DF. Impresa por Preprensa Digital, S.A. de C.V. Caravaggio 30.

Col. Mixcoac. CP 03910 T. 5611.7349 Mexico, D.F.

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ABRIDORES

el Blog por: La Redacción fotos: Cortesía

pág. 010 Abril es el mes ideal para estrenar bolsos y gafas de sol. Conozca además los datos curiosos más divertidos de la historia de la moda.

El verano en Rapsodia La marca perfecta para esta temporada Rapsodia Solidaria Se ha dado a la tarea de convertirse en una empresa socialmente responsable. Su iniciativa busca promover la integración social con programas de capacitación que se enfocan, principalmente, en el oficio de la confección.

Entre las organizaciones con las que trabajan se encuentran el Centro Conín, la Fundación Cedemil y la Fundación Los Tilos.

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rapsodia.com.mx |

RAPSODIA MÉXICO |

@RapsodiaOficial

La casa argentina Rapsodia es, desde hace tiempo, la favorita para fines de semana relajados y planes casuales, sobre todo durante el verano. Sin dejar de lado el estilo bohemio, la colección primavera-verano 2014 se tiñe de colores pastel, como menta y coral, para dar la bienvenida a la época de calor. Rapsodia propone sus clásicos vestidos etéreos que mezclan diversos materiales como sedas, encajes y gasas semitransparentes, además de ofrecer lindas faldas de todos los largos y colores. En general, todas las prendas de la colección son ideales para un fin de semana de paseo en la ciudad o para usar en la playa. Entre los favoritos también suelen estar los coloridos sacos —cortos y largos— y chamarras con aplicaciones en pedrería, bordados y estampados, que igual se pueden usar con jeans un fin de semana o también para una cena formal.

EL BLOG

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→ Rubaiyat De la hacienda al plato Masaryk 20, Polanco, México, D.F. | Rubaiyat México

(55) 5545 02021 |

Los tradicionales sabores de Brasil y España llegan a México de la mano de Grupo Rubaiyat. Con 57 años de experiencia, el grupo —que además de España y Brasil tiene locales en Argentina— sirve cortes de carne premium y ofrece más de 700 etiquetas de 15 países. Su famosa carta ha sido reconocida como una de las mejores del mundo por la revista Wine Spectator y está lista para servir a los amantes de la carne y el vino de la Ciudad de México.

El restaurante tiene un menú excepcional creado a partir de la selección de ingredientes gourmet y recetas minuciosamente elaboradas. Lo platillos tradicionales son, por supuesto, los cortes clásicos de la casa como Baby Beef, Picanha, diferentes cortes de raza wagyu, originaria de la región japonesa de Kobe, y el Queen Beef. Otra de las opciones favoritas de los comensales es el pulpo aplastado sobre papas al murro, así como el salmón chileno con salteado de espárragos y chícharo japonés. La visita comienza de la forma más brasileña posible: con las tradicionales caipirinhas y el delicioso pão de queijo (pan de queso) tan típico de Brasil.

Sobre Rubaiyat Belarmino Fernández Iglesias llegó a Brasil, desde España, en 1951 y en 1957 fundó Rubaiyat con algunos socios.

Cinco años después se conviritió en el único dueño. Actualmente,

Grupo Rubaiyat cuenta con cuatro restaurantes en Brasil –con uno por abrir en Río– y uno en España, así como proyectos para abrir tres locales más en Santiago de Chile, Bogotá y Río de Janeiro.

→ Musibatty El arte de hacer joyas musibatty.com |

Musibatty |

@musibatty

El diseño mexicano crece día a día, no solamente en cantidad sino también en calidad. Jennifer Musi, diseñadora de joyas, es prueba de ello. Con una madre que es artista textil y un padre arquitecto, desde niña comenzó a experimentar con materiales y en la universidad se dedicó a la cerámica y los estampados. Al graduarse, su objetivo era ser “artista” y se obligó a pintar y esculpir mientras tenía empleos extraños como asistente de chef o administrativo en una escuela. No fue sino hasta una visita a Taxco que se percató de la falta de perspectivas personales en el diseño de joyería y decidió dar una oportunidad a esta disciplina y crear pequeñas esculturas que la gente pudiera llevar. Entonces decidió tomar una clase y crear una pequeña colección con el nombre de Musibatty. Ésta se vendió inmediatamente y así nació su marca. En La Revista nos encantan, sobre todo, sus enormes anillos.

Autodidacta Jennifer Musi es artista y estudió algunos cursos para crear joyería, pero en general aprendió sus técnicas de la mano de amigos y en los libros. En pocas

palabras, es una joyera autodidacta. Una de sus técnicas favoritas, por su amor al dibujo, es la de trazar sobre plata usando barniz de uñas y ácido cítrico.

Arte hecho joyas.

larevista.mx | 11

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ABRIDORES

Rodríguez → Oriana En piel mexicana (33) 3330 1288 | orianarodriguez.com |

Oriana Rodríguez

Lo hecho a mano siempre tiene un dejo de exclusividad que lo diferencia de cualquier otro producto. La diseñadora Oriana Rodríguez Michaud, originaria de Guadalajara, lo sabe y por eso se ha dedicado a crear hermosos accesorios en piel para mujeres elegantes.

Hija de padre mexicano y madre francesa, Oriana se graduó como diseñadora industrial del Istituto Europeo di Design en Barcelona y lanzó en noviembre de 2010 su marca, que se ha convertido en favorita de las mujeres más elegantes de México y el mundo. Con venta tanto en línea como en exclusivas boutiques, las piezas de Oriana Rodríguez son únicas.

Las favoritas La colección para esta temporada incluye piezas para mujer de las líneas 24 Horas, night, y petite maroquinerie, así como sus famosas weekender que pueden usar

tanto hombres como mujeres. A nosotros nos encanta el modelo Alessa en color negro para usar todos los días y la weekender París/New York en croco tabaco.

Homme → Dior Leather statement dior.com |

Dior |

@Dior

La piel es, desde hace ya varias temporadas, el elemento clave en pasarelas y en las calles. Dior Homme no quiso quedarse atrás y lanzó sus lentes de sol BLACKTIE193S, que llegan desde la pasarela primavera/verano 2014. El marco de las gafas fue cubierto a mano con piel de la más alta calidad y tiene un toque de plástico que le da un aire moderno. El modelo viene en tres colores diferentes —azul marino, café y el clásico negro— y con su diseño minimalista es ideal para la temporada de verano. Claro que están diseñados para hombre, pero hasta las mujeres se volverán fanáticas de los BLACKTIE193S.

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A la cabeza de Dior Homme Kris Van Assche es director artístico de Dior Homme desde abril de 2007. Nació en Bélgica en 1976 y es parte del grupo de diseñadores

salidos de la Antwerp Royal Academy of Fine Arts. En París trabajó con Hedi Slimane en Yves Saint Laurent y fue en 2005 que creó su propia firma de alta costura, Kris Van Assche.

EL BLOG

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→ Mykita Las gafas más cool José Vasconcelos 150 PB-6D, Monterrey, Nuevo León | (81) 8378 2547 | @mykita Mykita |

Martin → Aston Los británicos toman México Goldsmith 53-1, Polanco, México, D.F. |

(55) 5351 1571 | astonmartin.com

A finales de febrero se inauguró la primera agencia de Aston Martin en México. El lujo y una mano de obra excepcional es lo que caracteriza a esta marca inglesa que ve a México como un mercado en gran crecimiento. Con más de 400 m2, la sala de exhibición se inauguró con la presentación del modelo insignia de la marca, el Vanquish, así como el Rapide S de cuatro puertas y otros deportivos Aston Martin incluyendo el DB9 y el Vantage V8.

El director general de Aston Martin en México, Martin Josephi, aseguró en la inauguración: “Es un honor para nosotros ser los socios de Aston Martin en México”. Con esta reciente apertura, la marca británica llega a 41 locales en América con vistas a su expansión.

El nacimiento de un ícono Fundada en 1913 por Robert Bamford y Lionel Martin con el nombre de Bamford & Martin Ltd, la compañía se ha convertido en un símbolo del lujo y la elegancia. El nombre cambió un año después a Aston Martin, tras el éxito de Lionel Martin en las carreras de Aston Hill Climb en Buckinghamshire, Inglaterra.

La manufacturera de gafas de Berlín ha relanzado mykita. com con el fin de presentar su primera tienda en línea.

Ahora usted puede comprar los vanguardistas lentes no sólo en sus ocho tiendas y almacenes socios —que incluyen una sucursal en Monterrey y el corner en Common People de la Ciudad de México—, sino también por internet a la hora que lo decida y desde cualquier parte del mundo. La nueva página permite, además, echar un vistazo tras bastidores y conocer las múltiples colaboraciones que tienen con artistas y diseñadores. Y hablando de colaboraciones, nuestra favorita es, sin duda, la que hizo Mykita con la marca francesa Damir Doma, en especial los inspirados en el trabajo del artista Sterling Ruby. Para éstos, el diseñador croata eligió materiales transparentes, muchos colores y enormes formas que encantarán a los adictos a los lentes de sol.

En el blog Una de nuestras secciones favoritas de la página de Mykita es su blog. Con secciones llenas de color, fotografías de los fans de la marca y hasta información de pasarelas, es el lugar perfecto para perderse un buen rato y conocer mucho más de la visionaria casa. blog.mykita.com

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ABRIDORES

aroma del cuero → El Fan di Fendi Leather Essence fendi.com |

Fendi |

@fendi

La nueva edición limitada del perfume Fan di FENDI rinde homenaje a uno de los materiales icónicos de la marca: el cuoio romano con Fan di FENDI Leather Essence.

El frasco lleva un sello excepcional sobre su hebilla icónica Fendi Forever y la transparencia del bloque de vidrio deja entrever la fragancia, pero lo mejor va mucho más allá del empaque, y es el aroma. Fan di FENDI Leather Essence tiene esencias que van desde el cuero hasta la mandarina de Sicilia y un poco de vainilla y almizcle.

Creada por los maestros perfumeros Delphine Lebeau y Benoist Lapouza, es una de esas ediciones limitadas que, definitivamente, no puede dejar de tener.

Max Azria → BCBG El vestido perfecto Plaza Carso, Lago Zurich 245, Polanco, México, D.F. | bcbg.com |

No hay boda, despedida o cualquier otro evento en el que una mujer no lleve un vestido de BCBG. La marca, que es una mezcla entre el estilo parisino y el norteamericano, hace honor a sus iniciales —Bon chic, bon genre, es decir, “buen estilo, buena actitud”— con cada una de sus piezas que van desde vestidos de noche y zapatos, hasta trajes de baño y accesorios. Pero son, sin duda, los vestidos los favoritos de las fans de la marca. Y sí que las hay. Para la primavera, BCBG propone siluetas y colores tradicionales pero con técnicas de fabricación modernas. Utilizando mucho algodón y la paleta de color más clásica —sobre todo blanco y negro— esta colección con inspiraciones barrocas tiene algo para todos los gustos.

Los Azria y su historia de amor

La Selleria La piel es parte del ADN de la casa y por eso no puede haber Fan di Fendi Leather sin un acompañamiento peletero.

Adele y Edoardo Fendi tuvieron en 1925 la idea de emplear artesanos

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peleteros de la zona de Roma, para que llevaran sus ideas a la realidad.

Ya en 2013, se creó la línea Selleria con ocho modelos diseñados a la perfección y que llevan el nombre de las seis hermanas Fendi.

@BCBGMAXAZRIA_MX

Max y Lubov Azria están a la cabeza de su propio imperio de vestidos desde hace 25 años. Él diseña la colección de más alto nivel Hervé Léger y ella BCBG, además de ser una de las parejas más famosas y filantrópicas de Los Ángeles, donde se encuentra su imperio de moda.

Lubov, nacida en Ucrania, conoció a su esposo en una entrevista de trabajo y desde entonces son inseparables. Y además de eso, tienen seis hijos, ¿qué más pueden pedir?

EL BLOG

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→ Dostoievski ilustrado Memorias del subsuelo

Fiódor Dostoievski, con ilustraciones de Jorge González Sexto Piso Ilustrado, 2014 | sextopiso.com

“Soy un hombre enfermo… Soy malo. No tengo nada de simpático”. Así es como Fiódor Dostoievski (Moscú, 1821) nos advierte que el camino a recorrer no será agradable. El protagonista —un hombre resentido, sádico, una premonición en sí mismo del existencialismo de Jean-Paul Sartre— goza al exponer su miseria y al hacer miserables a quienes se encuentran a su alrededor. Si bien Memorias del subsuelo es fundamental en la obra de Dostoievski y clave para entender su posterior trabajo, no figura entre las más conocidas del autor. Es por eso que incluirla en la colección ilustrada de Sexto Piso se antoja como una gran idea. Para esto, el ilustrador Jorge González (Buenos Aires, 1970) realizó un trabajo que no solamente es un acompañamiento de la lectura. Se trata de una serie de ilustraciones que, tal como el personaje, se perciben en momentos oscuras y enfermas.

El autor ruso cuenta la historia de un hombrecillo resentido, vengativo, sádico que parece deleitarse en contarnos las sucesivas humillaciones del individuo moderno y las imágenes de Jorge González son el perfecto acompañamiento. El ilustrador posee no sólo el trazo y la capacidad lúdica (y parece disfrutar de mostrar el proceso del dibujo), sino que, con elementos en apariencia sencillos y que a veces rayan en lo infantil, logra hacernos sentir que echamos un vistazo por la distorsionada mirada del atormentado antihéroe.

–GTR

El autor Fiódor Dostoievski nació en Moscú en 1821 y como autor de numerosas novelas, ensayos, relatos cortos, artículos y otros textos, retrató como nadie la sociedad rusa del siglo XIX. Es figura clave de la literatura universal y uno de los autores más significativos de la edad de oro de la literatura rusa, con obras tan reconocidas como Crimen y castigo y Los hermanos Karamázov, entre otras. Murió en San Petersburgo en 1881.

El ilustrador Jorge González nació en Buenos Aires en 1970. Ha ilustrado publicaciones y trabajado para agencias de publicidad. Ha obtenido prestigiosos reconocimientos como el Premio Tiza (2010), el Premio Junceda Iberia (2009) y el I Premio Internacional de Novela Gráfica Fnac-Sins Entido (2008). Su cortometraje de animación Jazz Song fue galardonado en 2007 con el Premio Madrid en Corto.

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La moda y la tecnología

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Cuando el desarrollo tecnológico de otras especialidades se aplica a la moda por primera vez, es cuando lo tradicional se re-inventa resultando en nuevas tendencias que muchas veces terminan por revolucionar la forma en la que vestimos.

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De la A a la Z

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El juego de la moda Prendas impresas en 3D

Ilustraciones: Daniel Benítez

Aunque la tecnología de las impresiones en 3D sigue en pañales, ya ha llegado al mundo de la moda. Todo, desde bikinis hasta zapatos, ha pasado por una impresora 3D. Uno de los ejemplos más notables son los zapatos invisibles de Andreia Chaves —tallados con una impresora 3D y luego unidos de forma manual a un tacón clásico— o el famoso vestido de Iris van Herpen para Ditta von Teese. En el caso de las aplicaciones, Continuum tiene una para que los usuarios puedan crear sus propios diseños que después se imprimen en 3D. Aún así, en términos de calidad, la impresión en 3D está a nivel de prototipo, pero sólo es cuestión de tiempo.

La moda va mucho más de vestidos y zapatos, refleja sociedades y formas de vida; es la manera en la que nos expresamos sin palabras y nos presentamos ante el mundo. Nos ayuda a expresarnos. La creación de moda va desde generar tendencias hasta piezas que son casi obras de arte. Es un mundo que evoluciona constantemente y avanza a la velocidad de la luz, pero también se ha convertido en un medio por el cual podemos estudiar el pasado y la historia de la humanidad. Bien lo decía mademoiselle Coco Chanel, “la moda no es algo que exista únicamente en los vestidos. Está en el cielo y en las calles. La moda tiene que ver con ideas, la forma en que vivimos y lo que está pasando”.

por: Daniela Cuevas Guerrero

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Grabado con láser

Impresión digital

Es, probablemente, la más avanzada en cuanto a tecnología textil. La estudiante de la Universidad de Artes de Berlín, Alba Prat, ha presentado lo último en grabado láser en la industria con una serie conceptual de neopreno cortado con láser, que es verdaderamente vanguardista. Y estos detalles son una de las grandes tendencias para la primavera 2014, ya que marcas como Chloé, Oscar de la Renta y Alexander Wang, entre otras, presentaron pasarelas con este detalle.

Mary Katrantzou crea tejidos estampados en colores vivos con la más avanzada tecnología en diseño digital. Sus vestidos esconden figuras como frascos de perfume y hasta decorados de interiores del siglo xvIII manipulados digitalmente.

Hace collages que se procesan y se transforman en imágenes de dos dimensiones en las que la escala corresponde con la figura humana. La diseñadora griega ha cambiado la visión de los estampados en la industria.

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Diseñadores jóvenes en casas legendarias Estos tres diseñadores han llevado sus lugares de empleo a nuevas alturas: imponen tendencias, diseñan ropa y accesorios fuera de este mundo y crean obsesiones en cientos de miles de mujeres, y algunos hombres, de todas latitudes.

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Los firsts de la moda • La primera pasarela con modelos en el mundo se realizó en Londres en 1899.

• El primer número de Vogue se publicó el 17 de diciembre de 1892.

• El primer brassier fue inventado por la socialité de Nueva York, Mary Phelps en 1914.

• El primer perfume moderno fue lanzado en 1921 cuando Coco Chanel lanzó Chanel No. 5.

• El primer bikini apareció en 1946 cuando Micheline Bernardini modeló uno en un show de moda en París.

Hedi Slimane en Saint Laurent Bautizado por GQ como el Príncipe de la Oscuridad en 2005, Slimane revolucionó el arquetipo masculino con su aspecto delgado, tanto que hasta Karl Lagerfeld se puso a dieta para encajar en sus pantalones skinny. En 1996 entró al equipo de diseño de ropa masculina de Saint Laurent y, a pesar de su falta de entrenamiento formal, demostró ser tan hábil que fue nombrado director

del área en menos de un año. El obsesivo esteta insiste en tener control total sobre todos los aspectos de su trabajo y su marca; desde la iluminación y música de las pasarelas hasta los artículos de papelería del atelier. Fue criticado porque, tan pronto fue nombrado director creativo de Saint Laurent en 2012, hizo modificaciones como cambiar el logotipo y trasladaró el estudio de diseño

de París a Los Ángeles. Aunque sus dos primeras colecciones dividieron a la crítica, fue consistente con los principios del mismo Yves: cuestionar la naturaleza del lujo y fusionar la moda de la calle con las técnicas meticulosas de la alta costura. Slimane mantiene a Saint Laurent como una presencia dinámica y en boca de todos. ysl.com

Alexander Wang en Balenciaga

Nicolas Ghesquière en Louis Vuitton

Con tan sólo 29 años, Wang ya lidera una de las casas de moda más icónicas: Balenciaga. virginie Mouzat, editora de Vanity Fair Francia, dijo que “Nicolas Ghesquière ayudó a madurar a Balenciaga; Balenciaga ayudará a Wang a madurar”. Con su segunda colección para la firma, Wang llevó al límite a la tradicional casa y presentó una colección deportiva y juvenil. Fue una muestra fuerte y encantó a todos, sin embargo, se contuvo lo suficiente como para dejar a la audiencia con ganas de más. balenciaga.com

Cuando Nicolas Ghesquière dejó Balenciaga en 2012, el mundo de la moda sintió una gran pérdida. Sin embargo, con su regreso a las pasarelas como director artístico de Louis vuitton, el júbilo no se hizo esperar. Louis vuitton no tiene archivo de prêt-à-porter más allá del trabajo de Marc Jacobs, quien llegó en 1997, mismo año que Ghesquière entró a Balenciaga. Su interés en el arte contemporáneo, la cultura callejera y su fascinación por la ciencia ficción seguramente llevarán, como se pudo ver ya en su primera colección, a vuitton a otro nivel. louisvuitton.com

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Collar de moño de cuero Saint Laurent Con este moño de cuero de Hedi Slimane, le puede dar a cualquier blusa o vestido un gran toque alternativo. bergdorfgoodman.com

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Los indispensables

Clutch Lenox DANNIJO Este clutch de piel italiana en rojo es el accesorio elegante y perfecto tanto para el día como para la noche. dannijo.com

Una camisa o un bolso lo lleva cualquiera, pero solamente los verdaderos amantes de la moda saben el valor de tener uno de estos artículos de súper lujo. O todos.

Beats by Dr. Dre de Alexander Wang Beats by Dr. Dre Studio El diseñador Alexander Wang y Beats by Dr. Dre presentan una nueva colaboración de Studio, el único detalle es el color dorado que los hacen el modelo más elegante. es.beatsbydre.com

Lentes de sol en color oro Dolce & Gabbana Una oda a la opulencia italiana, estos lentes de sol hechos de delicada filigrana de oro-tono y adornados con flores, son perfectos para una primavera soleada. net-a-porter.com

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Playera de algodón Team Miuccia LPD New York Las playeras estilo uniforme de futbol llevan nombres de grandes diseñadores.

Escogimos a Miuccia Prada, pero hay desde Jacobs y Wang hasta Ghesquière. net-a-porter.com

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Pigalle Spikes Christian Louboutin Porque un par de tacones nunca está de más, este peculiar modelo de Louboutin resalta entre la multitud. christianlouboutin.com

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Suscripción a Carine Roitfeld Fashion Book Para todo amante de la moda es indispensable una suscripción a Carine Roitfeld Fashion Book, una de las revistas más reconocidas y respetadas de la industria. crfashionbook.com

Bolso Box Céline Un clásico entre los bolsos it: al menos un bolso de Cèline debe habitar el armario de cada mujer que se jacte de ser elegante.

Saks Fifth Avenue, C.C. Santa Fe, México, D.F.

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Cinco libros de moda que debe leer oB

Alrededor del 50 a.C. los romanos diseñan la sandalia para actividades militares y los gladiadores.

Ya en 1200 d.C. los jinetes mongoles bordaban botas de invierno, el zapato más colorido de Oriente.

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A través de la historia los zapatos han pasado de ser una necesidad • a un artículo de lujo. Nos hemos obsesionado con ellos ya sea por moda, comodidad o para el deporte. Los registros de egipcios, chinos y otras civilizaciones tempranas contienen referencias a los zapatos y hasta aparecen innumerables veces en la Biblia.

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Obsesión por los zapatos

En el siglo xvII la norma eran la zapatillas de ballet para hombres, con tacón y hebillas como las que usaba el rey Luis xIv de Francia.

Kate: The Kate Moss Book Creado por la misma Kate Moss en colaboración con el director creativo Fabien Baron, este libro es una retrospectiva de la carrera de una de las modelos más icónicas de todos los tiempos. Con fotografías que Moss seleccionó personalmente, el libro muestra su influencia en las últimas dos décadas. Contiene imágenes nunca antes vistas, tanto de sus propios archivos como de fotógrafos con los que ha trabajado.

Fabien Baron, Rizzoli, 2012 The World According to Karl El ingenio de Karl Lagerfeld es tan famoso como los bolsos que crea para Chanel y este libro es una colección de los llamados Karlisms. El maestro de la alta costura, que trabaja simultáneamente Chanel, Fendi y su propia marca hace sorprendentes declaraciones que son adoptadas como reglas por fashionistas. En el libro encontramos sus exigentes comentarios que van desde la moda y Chanel hasta la fama y los libros.

Sandrine Gulbekian, Flammarion, 2013 The Impossible Collection of Fashion Una magnífica colección de los vestidos más icónicos del siglo xx, curado por valerie Steele. De Poiret a Pucci, Doucet a Dior, vionnet a valentino, los 100 vestidos que causaron un gran revuelo y dieron lugar a una nueva dirección en la moda. La colección, aunque ciertamente subjetiva, es bastante impresionante.

Valerie Steele, Assouline, 2011

En 1897 Konrad Birkenstock desarrolló el primer zapato con una plantilla contorneada que lleva su nombre, pero el usarlas ridículamente con calcetines blancos se volvió popular por ahí de 1980.

En 1970 Bill Bowerman, cofundador de Nike, experimenta con la suela al verter la goma en la waflera de su esposa, creando así la suela que revolucionó el mundo de los tenis.

En 1916 los Keds salen al mercado como los primeros sneakers, término creado porque la suela de goma permitía a la gente acercarse sin hacer ruido. Al siguiente año nacen los Converse All Star.

En 1976 las plataformas y la brillantina, como las Gene Simmons de KISS y Elton John, dominaban. Fue la primera vez, desde la era aristocrática, que los hombres volvieron a usar tacones.

En 1966 Nancy Sinatra lanza el sencillo que la hizo famosa (más allá de su padre): “These Boots Are Made for Walking”.

En 1993 el número 5255452 se convierte en la patente de los zapatos que usó Michael Jackson en el video musical “Smooth Criminal”, zapatos que permiten a los bailarines inclinarse a un ángulo de 45º.

It La presentadora, modelo, diseñadora y DJ Alexa Chung, haciendo alusión a su título de it girl, ha publicado con Penguin su primer libro. It resume el universo Alexa en 192 páginas de bocetos, fotografías y escritos con consejos sobre moda y reflexiones sobre sus inspiraciones. Y aunque varios artistas han colaborado en su confección, la it girl más famosa incluye también pensamientos sobre la vida, el amor y la música.

Alexa Chung, Penguin Books, 2013 Grace: A Memoir Los que no la conocían por su trabajo en Vogue lo hicieron en el documental The September Issue, donde robó el show a su jefa, Anna Wintour. Grace Coddington, que lleva 55 años trabajando en el mundo de la moda, lo ha visto y oído todo, y ahora lo cuenta en esta biografía en la que describe sus inicios y su trabajo en Vogue. Una interesante mirada desde dentro a una vida dedicada a la moda.

Grace Coddington, Random House, 2012

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La moda en la pantalla Estos grandes documentales que retratan el detrás de cámaras de lo que sucede en el mundo de la moda, son un must que todo fanático de la industria, y alguno que otro curioso, debe ver.

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Bill Cunningham New York

Valentino, The Last Emperor

EE. UU. y Francia, 2010 Apenas comienza el documental y ya vemos al legendario fotógrafo de moda callejera para el New York Times a media calle, intensamente concentrado y capaz de ignorar todo menos la toma que busca. El director Richard Press, Philip Gefter y Tony Cenicola –productor y director de fotografía– siguieron a Cunningham por Nueva York durante dos años de forma modesta y casi invisible. Intercalando percepciones vivaces de Cunningham con historias de viejos amigos –socialités, editores, modelos, excéntricos y vecinos– Press creó un retrato íntimo de un hombre que vivió de forma sumamente sencilla. La película sugiere que hay algo agridulce en una vida dedicada a ser el observador designado de Manhattan.

EE. UU., 2008 No muy alto, majestuosamente peinado, con un bronceado naranja y la impaciencia de un monarca absoluto, así es valentino Garavani en el retrato documental de Matt Tyrnauer. El diseñador italiano ha creado cientos de hermosos vestidos para las mujeres más glamurosas desde los años 60, ya que, según él, nació para hacer sólo esto. El espectador lo ve en su taller supervisando a los ayudantes que cosen cada lentejuela en los vestidos (no hay una máquina de coser a la vista), se puede apreciar su perfeccionismo que siempre culmina en una fantasía hecha realidad. El documental también explora la relación con su pareja y compañero de trabajo, Giancarlo Giametti.

Diana Vreeland, The Eye Has to Travel

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EE. UU., 2011 La editora Diana vreeland, nacida en París, tuvo una vida extraordinaria basada en la auto-invención. El documental, escrito y dirigido por Lisa Immordino vreeland, esposa de uno de sus nietos, explora una vida que incluye un cuarto de siglo en Harper’s Bazaar y un reinado influyente en Vogue, donde fue editora de 1963 a 1971, a través de entrevistas con sus familiares y muchos testigos brillantes como Manolo Blahnik. La vida de vreeland fue un torbellino de décadas de belleza y color, sostenido por un hambre profunda e insaciable de vida y una rebelión contra el conformismo.

Inglaterra, 2011 El documental explora la relación de Alexander McQueen con la periodista de moda e ícono que lo descubrió: Isabella Blow. Parte de la ola Cool Britannia! que existió en los 90, McQueen fue punta de lanza de la industria de la moda del Reino Unido, pues con sólo ocho colecciones llegó a renovar Givenchy. Tras el suicidio de Blow, la muerte de su madre y la exigencia de constantes colecciones, llegó la tragedia. En la víspera del funeral de su madre tomó un coctel de pastillas para dormir, dejó una nota y se ahorcó. El filme es una historia trágica, de lucha por la grandeza y el triunfo del talento.

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de la a a la z

Moda y cine: la pareja perfecta

Blue Jasmine dir. Woody allen. Con: Cate Blanchett, alec Baldwin, sally Hawkins. diseño de vestuario: suzy Bezinger. ee. UU., 2013.

A Single Man dir. tom Ford. Con: Colin Firth, nicholas Hoult, Julianne Moore, Matthew goode. diseño de vestuario: arianne Phillips. ee. UU., 2009.

Funny Face dir. stanley donen. Con: audrey Hepburn, Fred astaire, Kay thompson. diseño de vestuario: edith Head. ee. UU., 1957.

en la más reciente película de allen, Cate Blanchett interpreta a Jasmine French. La historia está ligeramente basada en Un tranvía llamado deseo de tennessee Williams y la actuación de Cate Blanchett de una princesa de Park avenue destronada, que le valió el oscar a mejor actriz, merece tanto aplauso como la ropa que lleva. La diseñadora de vestuario usó todo lo adecuado: los zapatos, bolsas y las joyas son perfectos. Jasmine usa vestidos de alberta Ferretti, sacos de Chanel, tacones roger vivier y lleva una Birkin, al estilo de las celebridades, como empuñando un escudo. Para un personaje cuyo mecanismo de defensa se centra en mantener las apariencias, su vestuario es sumamente importante, ya que la identifica como miembro de las altas esferas de la sociedad. tal como en la vida real.

Protagonizada por Colin Firth, la película dirigida por el diseñador tom Ford y basada en una novela de Christopher isherwood, es un deleite visual. el filme retrata un día en la vida de george Falconer, interpretado por Colin Firt, un hombre consumido por la muerte de su compañero Jim. La película es visualmente impresionante, con tomas cuidadosamente construidas y un vestuario maravilloso e impecable. el estilo del personaje de Colin Firth tiene una elegancia sencilla y clásica, una impecabilidad inmaculada que coincide con su personalidad sobria después de la muerte de su compañero, y que solamente tom Ford podía haber logrado. Para cualquier entusiasta de la moda o de la cinematografía, es una película que tiene que ser vista.

se trata del clásico musical de moda por excelencia. Protagonizado por audrey Hepburn y Fred astaire, cuenta la historia de la editora de la revista ficticia Quality quien busca a su nueva modelo estrella. Con la ayuda del fotógrafo dick avery, interpretado por astaire, realiza una sesión de fotos en greenwich Book shop, donde trabaja el personaje de audrey Hepburn, Jo stockton. Kay thompson, la editora, y dick avery quieren a Jo como modelo y la convencen para ir a París para ser fotografiada. Con diseños de Hubert de givenchy fotografiados en los escenarios más hermosos de París, el filme es, probablemente, el que convirtió a Hepburn en un ícono de moda y a la mancuerna Hepburn-givenchy en una de las más exitosas de la historia del cine.

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sU r das Falda Hobble (1910) Aunque se ve bien, el dobladillo a la altura del tobillo era tan apretado que no podemos entender cómo las mujeres podían caminar con esto puesto.

Sombrero zapato (1940) Elsa Schiparelli fue la mente detrás de esto y aunque era una gran diseñadora, no sabemos cómo las mujeres en una época tan conservadora aceptaron usarlo.

Bra de cono (1960) Madonna no fue la primera en usar uno, ya eran muy populares en los 60. Y eran tan puntiagudos que se podrían considerar como un arma blanca.

Hombreras (1980) Se incorporaron como un llamado al empoderamiento femenino, parte de una tendencia andrógina y aunque han tenido varios comebacks desde entonces, nunca han regresado tan grandes como en los 80.

Tenis de plataforma (1990) ¿Por qué alguien unió plataformas con tenis? No lo podemos entender. ¿Por qué se pusieron de moda?

Nadie lo sabe, aunque culpamos a las Spice Girls.

El año pasado resurgieron gracias a Isabel Marant y su wedge sneaker.

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Las seis tendencias más absurdas de la historia

Cangureras (1990) Aunque no conocemos de dónde salieron y esperamos que nunca vuelvan, Adweek Magazine las nombró como el producto más importante de 1988.

Para los 90 ya eran la pesadilla de todo amante de la moda.

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Daniela Norinder: su extravagante y exclusivo mundo

por: Marcela Aguilar y Maya retrato: Ignacio Galar fotos: Pablo Morales

¿Qué hace precioso a un objeto? Cuando se combinan en él calidad y talento, la pieza se vuelve algo único. Si, además, se trata de joyas, entonces estamos hablando de algo trascendente. La brasileña Daniela Norinder ha logrado convocar en sus joyas todo lo que hay de valioso: belleza, cuidado, talento, creatividad, ingenio y arte.

• Una joya es una joya, es una joya… pero no todas son iguales. Las piedras preciosas son quizá el objeto más buscado y valorado por conocedores. Son escasas por principio y esa escasez las hace invaluables. Tal vez montar una piedra preciosa sea una labor no tan complicada para algunos joyeros, pero diseñar piezas que mezclen sutilmente diversas piedras, colores, formas y tamaños, ése es un arte. Diseñar además teniendo en mente las tendencias, la moda y el mundo contemporáneo, es algo único, que muy pocos pueden lograr. Daniela Norinder lo hace con honores.

Brasileña de nacimiento, pero ciudadana del mundo, esta atractiva mujer se mueve constantemente por el planeta, dejando que su intuición —y su agitada vida social—, la lleven en busca de inspiraciones para crear esas piezas tan especiales que la han hecho famosa dentro del exquisito mundo de la alta joyería.

Se podría afirmar que Daniela diseña para ella, inspirada en lo que la mueve y centrada en su propia experiencia de vida que, por vivir en Brasil y viajar constantemente a Europa, la mantiene visualmente muy ocupada. “No pienso demasiado en las colecciones: son resultado de un proceso que no tiene una fórmula. Mis piezas nacen después de que veo una exposición o de alguna situación cotidiana, como una película, un documental o algo que me mueva. ¡Lo importante para mí siempre es estar conectada!”.

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Daniela transforma, corta y pule todo lo que sus manos tocan. En su mundo no hay desperdicio, pues toma inspiración de todo lo que la rodea, presente, pasado y futuro.

Trotamundos incansable, los diseños de Daniela Norinder poseen un frescor y juventud que no tienen otras piezas de alta joyería, pues las piedras de ese nivel son tratadas con gran solemnidad debido a su costo. Pero Daniela no les teme. Se relaciona con esmeraldas, aguamarinas, turmalinas y otras gemas valiosas como si se tratara de viejas amigas o, más bien, cómplices de toda la vida.

Entonces ella las toma, intuye su magia y las combina con otras piedras preciosas de una manera tan natural como sobrecogedora. ¿El resultado? Colecciones de mil colores que son tan únicas como las piedras mismas. No cabe duda de que el arte se lleva en la sangre.

Daniela sabe cómo mezclar el pasado con el presente y volverlo algo extraordinario, donde las referencias de ayer se combinan con diseños contemporáneos. Todo lo que

sus manos tocan es único, siempre con un aire de joyas de familia, o de la herencia de una abuela, con nostalgia de viajes a tierras lejanas. En las piezas de Daniela Norinder siempre encontramos una mezcla de exuberantes culturas y realidades distantes con formas contemporáneas y contundentes.

“El más importante proyecto en mi vida es que mis joyas trasciendan el tiempo; quiero que mis piezas sean vistas hoy y que pasen de mano en mano, de generación en generación”.

Su trabajo tiene un aire de antaño, reminiscencias de la Rusia de los Zares, de los preciados huevos de Fabergé, así como evocaciones al París bohemio donde predomina aún el estilo art déco.

Norinder se ha convertido en una de las grandes exponentes de la nueva generación de diseñadores, que sorprende por su audacia fuera de lo común y sus colecciones fáciles de mezclar con las nuevas tendencias de alta costura. “No tengo miedo de romper con cosas

establecidas. Mis joyas son audaces y una mezcla atrevida de formas clásicas y tradicionales, tanto en las técnicas que utilizo en la creación, como en el diseño mismo”.

Su nueva colección está concebida para un tipo muy determinado de perfil: una mujer decidida que no tiene miedo en opacar a sus rivales llamando la atención de una forma contundente. Una mujer muy segura de sí misma, que sale de lo establecido por las casas de joyería existentes y busca algo mejor, único, que casi nadie pueda poseer. Éste es el principal reto que tiene colección tras colección, desafiando siempre lo convencional. La inspiración está siempre presente: en la pintura abstracta, en las exposiciones e instalaciones, así como en ese ir y venir que es la vida diaria.

También están presentes en sus colecciones las pasarelas de París, su vida en Brasil y sus viajes a México; y cada vez, Daniela Norinder vuelve a sorprender.

La artista afirma que le gusta combinar la alta joyería con la naturaleza, y de esta

“No tengo miedo de mezclar colores, texturas y materiales; todo es válido en la creación de una joya”.

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forma conectar a sus clientes con la esencia de las piedras, pues está absolutamente convencida de que cada joya tiene el poder de atraer emociones físicas y mentales, así como aspectos emocionales.

“Esto brinda a quien lo porta un sentimiento de fuerza, de vigor, que hace que una mujer se sienta autoritaria y exitosa.

Las joyas tienen ese poder”. Daniela Norinder es el mejor ejemplo de esta clase

de mujer, pues sabe que hoy en día las mujeres además de sentirse hermosas y con feminidad, gozan de saberse exitosas y de pisar fuerte en el terreno laboral. Y es para ellas que Daniela crea estas joyas, femeninas y fuertes, contundentes y con mucha personalidad. Después de todo, como ella misma dice: “Sólo se vive una vez, y hay que hacerlo de la mejor manera posible”.

“Siempre busco transmitir un sentimiento de lujo, elegancia y dar un toque sexy con mis diseños, de tal manera que una mujer hermosa se vuelva aún más atractiva y poderosa”.

Regalos de la tierra Existen únicamente cuatro piedras llamadas “preciosas” en el planeta: diamantes, zafiros, esmeraldas y rubíes. Todas las demás rocas que se usan en joyería son consideradas “semipreciosas”. Por supuesto, esto no quiere decir que no haya otros minerales tan hermosos o más que estas gemas. Lo mismo se puede decir del costo: es probable encontrar piedras semipreciosas que superen en belleza y costo a alguna de las consideradas preciosas. Hay algunas rarezas, como pueden ser la paraiba turmalina o jeremejevita, que adquieren más valor conforme pasan los años y que garantizan piezas extraordinarias en manos de un buen joyero.

El libr o Daniela Norinder Jewels: Rizzoli, Newton 35, Polanco, México, D.F. T. (55) 5281 0568

Daniela y las gemas Las piedras que Daniela Norinder favorece son la paraiba turmalina, una joya brasileña, con reminiscencias de mar y cielo en su composición pétrea. También los rubíes, los diamantes (rosas, blancos, amarillos y negros), los zafiros y las esmeraldas. Además, usa la tanzanita (de rasgos purpúreos), la kunzita (que parece un diamante ruborizado), la morganita (como vino rosado), el cuarzo y el topacio.

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Mayalen Elizondo: una Beauty Concierge de lujo por: Marcela Aguilar y Maya fotos: Ignacio Galar

Con tanta información, marcas nuevas y publicidad sin discriminación en el –cada vez mayor– mercado de la moda y la belleza, hace falta alguien que aconseje y, sobre todo, personalice toda esta propaganda. ¿Quién mejor que una editora nata y apasionada beauty-tóloga?

Conozca a Mayalen Elizondo.

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M a y ale n E l i z o n d o : u n a B ea u t y C o n c i e r g e de l u j o

1 Sus lugares favoritos: Handlab Polanco Es mi nail bar consentido, tienen los mejores mani/pedis y masajes de pies y manos. ◆ Edgar Allan Poe 308, Polanco, México, D.F. (55) 4040 7350

Para verse siempre radiante no es suficiente ir a una tienda departamental y comprar todo tipo de cremas, maquillajes y sueros. Es necesario saber qué productos y las gamas de colores que le quedan mejor a uno para aprovechar al máximo lo que ofrece cada marca. Puede sonar a misión imposible, pero ya hay en México una mujer que tiene como labor ayudar a otras mujeres a navegar entre el mar de opciones disponibles. Conozca a Mayalen Elizondo y permita que la lleva a navegar por el mundo de la belleza.

Mayalen, mientras que en otras partes del mundo es muy usual contratar a un especialista antes de comprar productos de belleza, en México es poco común, ¿no es así?

Marcela Aguilar y Maya:

Lourdes Zermeño Faciales fantásticos. Lourdes tiene manos de ángel y maquilla increíble. ◆ Únicamente con cita: lourdeszermeno@gmail.com

Oriental Spa JW Marriot Santa Fe Me encantan sus servicios además de lo acogedor y moderno de sus instalaciones ◆ Avenida Santa Fe 160, Santa Fe, México, D.F.

Mayalen elizondo: Es

correcto. Este servicio en Estados Unidos, principalmente, es conocido como personal beauty shopper.

Yo me especializo, como el nombre lo indica, en productos de belleza, no en moda. Todo lo que son maquillajes, productos para el pelo y cremas —que no tengan que ver con dermatólogos ni con ningún tema médico. Creo ser la primera persona que lo hace en México; en Miami, Nueva York o Londres es muy común. Fue algo que quise hacer cuando salí del medio editorial, pues el universo de la belleza siempre ha sido lo mío, desde que era muy chica me encantaba untarme todo lo que oliera rico.

¿Cómo funciona?

Yo te hago llegar un cuestionario y posteriormente fijamos una cita donde detecto tus necesidades, personalidad y estilo de vida, pues no es lo mismo alguien que se maquilla en cinco minutos, a otra persona que de plano no se maquilla, o alguien que le dedica mucho más tiempo. El siguiente paso es lo que yo bauticé como Product Editing, que consiste en tirar los maquillajes caducos,

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pasados de moda, secos o cremas en mal estado. Saco lo viejo para que entre lo nuevo. ¡He tirado cajones completos! Y después nos vamos de compras.

¿A algún sitio en particular?

A donde la clienta quiera. Yo por lo general sugiero El Palacio de Hierro o Sephora, por la gran variedad de productos que tienen, pero me acoplo al presupuesto de la clienta. Una vez adquiridos los productos nuevos, le enseño cómo utilizarlos, pues ésta es la clave.

Digamos que es un curso muy básico de maquillaje. Y lo mismo con las cremas y productos de belleza. Es un servicio totalmente personalizado.

¿Cuál sería el valor agregado de contratar a una beauty concierge, en vez de hacerlo por sí sola?

De entrada limpio los cajones de productos viejos con total objetividad. Como mujeres nunca nos queremos deshacer de cosas porque tienen un cierto valor sentimental, o porque estás acostumbrada a eso, pero puede que ya no te vaya bien. La moda también cambia en el maquillaje: ¡usar un blush ocre “bronceado” es como traer hombreras! Hay que hacerle espacio a lo nuevo. Y también me fijo mucho en el tipo de piel, pues no todos los maquillajes son para todo mundo, y conozco a la perfección qué bases, primers y maquillajes son efectivos en los diferentes tipos de piel; yo aconsejo antes de hacer un gasto para evitar que después no sirva el producto. Eso es fundamental.

Siendo este servicio tan personalizado, ¿cuál sería, sin embargo, el común denominador para todas las mujeres?

Yo quiero que experimenten que, al verse bien, se sientan mejor y tengan la seguridad en la vida de que pueden hacer lo que se propongan. No es ningún secreto que es mucho más fácil salir y

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enfrentar al mundo cuando tú te sientes bien “en tu piel” que cuando no. Es lo que yo denomino “el poder del lipstick”.

Tengo muchas amigas que van por la vida de “cara lavada” sin embargo, un poquito de brillo en los labios, ¡nunca le ha hecho mal a nadie! Yo me especializo en sacarle lo mejor de sí misma a cada mujer para que, a su vez, ellas saquen lo mejor de sí mismas al mundo exterior.

¿Quiénes son, para ti, las mujeres con más estilo? Digamos, tus modelos a seguir.

Siempre he admirado muchísimo a dos mujeres que para mí representan lo mejor del estilo femenino, que son Sophia Loren y Catherine Deneuve. Admiro la manera tan elegante de envejecer, al contrario de una Joan Rivers, ¡que ya no aguanta una cirugía más! Me encanta, por su belleza y frescura, Christy Turlington, que a pesar de estar en sus cuarentas sigue siendo una top model espectacular; y de las más jóvenes me encanta la modelo inglesa Cara Delevingne, por su frescura, estilo y belleza.

¿Qué es lo que más disfrutas de esta ciudad?

Los domingos me encanta sacar una Ecobici y dar una buena vuelta por Reforma, después desayunar en algún rinconcito de la colonia Roma donde tengan pan recién hecho, caminar… Es lo que más disfruto. ¡Me encanta caminar!

¿Cuál es tu pequeño gran lujo?

Definitivamente sería, estando en Londres, irme a la sección de belleza de la tienda Selfridges, y perderme durante horas. ¡Es de mis lugares favoritos en el mundo! Tanto por la cantidad de productos que tienen, como por la enorme variedad de marcas que manejan de todo el mundo: marcas australianas, por supuesto inglesas, asiáticas…

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Mayalen, en el tiempo que llevas en esta nueva aventura profesional, ¿qué has aprendido del mundo de la belleza?

Me ha dejado constatar que no hay mujer que no haga algo —lo que sea—que le prometa verse y sentirse mejor, más guapa, femenina. Queda claro que hoy hay una búsqueda por llevar una vida mucho más sana, y encontrar productos que a ti te acomoden, independientemente del precio o de la marca.

¿Tienes algún ritual de belleza?

Tengo un ritual para viajes largos que consiste en que, a medio vuelo, saco mi agua de rosas, desmaquillante, cremas de cara, humectante de labios, quita ojeras y, justo antes de aterrizar, me vuelvo a maquillar perfectamente. ¡Y lo disfruto muchísimo! Pero en el día a día mi rutina es, sobre todo, por las noches, que siempre me desmaquillo y utilizo agua de rosas (de farmacia, que no tenga químicos), crema hidratante de cara, labios y pecho, y bueno, pues me voy a dormir ¡muy encremada! *** Rituales o simplemente cuidados urbanos, es importante, resalta Mayalen, tener presente que el paso del tiempo se queda marcado en el rostro, y hoy en día existen miles de productos que pueden ayudarnos a retrasar su inminente presencia. El saber elegir, editar, encontrar el producto óptimo para cada mujer, puede ser una labor titánica a la que hay que dedicar horas y más horas. ¿La solución? Muy fácil, hay que llamar a una experta, una Beauty Concierge a domicilio, y por lo menos este primer paso estará bien dado. Y después… ¡a sonreír!

2 En su bolsa de maquillaje Blush: orgasm de nars Lipstick: Le rouge givenchy en rose Dressing Rímel: Scandaleyes de rimmel Corrector: Laura Mercier Cejas: Eco-brow Polvo: Lancôme Sombras: naked 2 de urban Decay Barniz de uñas: Le Vernis givenchy en rose Addiction BB Cream: Kiehl’s Base: Laura Mercier Iluminador: ooh La Lift de Benefit Bronzer: Les Beiges de Chanel Crema de día: Absolue L’Extrait de Lancôme Crema de ojos: Plantscription de origins Crema de manos: Biomains de Biotherm Protector solar: Prozone Bálsamo: Blistex Crema de noche: Dreamtone de Lancôme Crema modeladora para el pelo: Curl Defining Cream de Moroccanoil Perfume: jour d’Hermès

MAyALEn ELizonDo: unA BEAuty ConCiErgE DE Lujo

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3 Sus íconos de belleza en México: Gaby Vargas Escritora y pionera en temas de belleza en México Su elegancia y belleza siempre la han distinguido. Es una señora guapísima y orgullosa de su edad.

Joanna Faría Brand manager de Bottega Veneta en México La venezolana que vive en México es una belleza natural, necesita hacer muy poco para verse bien.

Ariadne Grant Editora de Marie Claire México Es de las mujeres que más provecho sacan al arreglarse, es guapa y sabe lo que le favorece.

Alejandra Albarrán Joyera e interiorista Es muy guapa y además, no le da miedo experimentar con tendencias, me encanta su estilo arriesgado.

Natalia García Vivanco Editora y periodista una belleza tapatía. Es natural, elegante y muy distinguida.

MAyALEN ELIZONdO Beauty Concierge urbanglossbymayalen.wordpress.com urbanglossmx@gmail.com FB: Urban Gloss @UrbanGlossMX

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Dan Crosby por: Inés Marrón G. fotos: Cortesía del fotógrafo

La fotografía de moda no es sólo belleza: también es reflexión. Es uno de los elementos más directos para medir qué es lo que, como sociedad, nos fascina y atrapa. Un fotógrafo de moda puede ser quien le dé voz a esa fascinación. Presentamos, por lo mismo, el portafolio de un apasionado y talentoso joven fotógrafo mexicano.

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La bella duquesa de Castiglione, Virginia Oldioini, conoció a Adolphe Braun —un fotógrafo que más tarde hiciera un buen número de naturalezas muertas— en las primeras décadas del siglo xix. Braun y ella llegaron a un acuerdo para que él la fotografiara en varias ocasiones. De él es el más conocido retrato de la bella duquesa —quien posó también para otros fotógrafos— y que fue publicado en 1856. La dama amasó en su vida la asombrosa cantidad de 700 imágenes de cuando una fotografía era un acontecimiento. Aparece en poses diversas, con atuendos distintos: acostada, reclinada, sentada, parada; de frente, de lado, de tres cuartos; con el pelo recogido, suelto, rizado o hecho un remolino. El día de hoy, la “La Castiglione”, como era conocida, es considerada la primera modelo de modas.

Han pasado más de 150 años desde entonces. En este lapso, se han disparado cientos de miles de cámaras, conservando el rostro, el cuerpo y la ropa de un número igual de mujeres y hombres. Pero, ¿qué captura una imagen de modas, qué espera conservar?

Dice Dan Crosby (León, 1985): “Yo me vine al D.F. a trabajar en Terán/tbwa. La verdad vivía ahí. Llegaba a las 9:00 a.m. y me iba a las 2:00 a.m. Los fines de semana eran exclusivamente para dormir e ir al cine.

Un día, mi ex jefe habló conmigo y me dijo: ‘Ten una vida’. Le hice caso y de pronto tenía más energía y ganas de moverme los fines de semana y regresé a hacer fotos”. Cuando habla de “regreso” habla de volver a una pasión que lo tenía interesado desde tiempo atrás.

En su juventud, cuando tenía 15 años, vivió un año en Canadá. Su primer amigo ahí fue Nath, un joven tailandés en cuya casa descubrió rollos tirados en el piso (“Seguro eran unos 20 o más”) que encajaban a la perfección en la pequeña cámara Fuji de Dan, regalo de Navidad de sus padres. “Gracias a Nath tuve cientos de fotos de mi viaje y de muchos buenos momentos. Empecé a cargar mi camarita para todos lados y fue ahí que me empezó a gustar la foto. Después se descompuso y murió mi camarita”, narra.

La llamada de atención de su jefe, diez años después de su regreso de Canadá, lo puso en alerta, así que buscó cómo desahogar el interés que sentía por sujetos especiales. “Yo estudié diseño gráfico y el que era mi socio en ese entonces tomaba fotos. De ahí me renació la idea de hacer fotitos. Empecé con las amigas guapas [a retratarlas] y después de un tiempo le di la seriedad que necesitaba. Me distancié del diseño y comencé a usar modelos profesionales y maquillistas, estilistas de pelo, editores de moda, etcétera”, cuenta, como si dar el salto a la fotografía de moda fuera un hecho cotidiano.

En sus imágenes es la expresión la que cobra relevancia, pero siempre dentro de un contexto dado. Está ahí la ropa, están también el peinado y el maquillaje, claro.

Hay largas extremidades, ombligos, gargantas, pectorales… Pero es en el rostro y lo que le sucede donde queda clara la intención del fotógrafo. Sus sujetos tienen algo que decir, aportan elementos a una discusión permanente. “Yo no puedo hacer producto o paisaje. Necesito alguien con quien platicar, ya sea una muchachita guapa, un dude interesante, gatitos, perritos: alguien que respire”, acota. Y sí, es cierto, sus modelos respiran en las imágenes y quieren decir algo. ¿Y el contexto dado?

“Lo que identifica una foto de moda es precisamente eso, la moda, las tendencias que representa”, dice Dan. “Los fotógrafos poderosos usan la moda como una manera de representar un concepto y así la hacen trascendental (después de todo, la moda es la repetición de algo; si pensamos que la moda ayuda a que expreses tu individualismo, es importantísima). [Estos fotógrafos] pueden hacer críticas sociales, políticas, etcétera”, continúa. “Lamentablemente, nadie en México se atreve a lograr esto, pero ésa es mi meta: quiero dejar de hacer cosas nada más bonitas para hacer cosas que denoten un mensaje importante.

Pero primero tengo que hacer las cosas bonitas”, concluye.

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Modelo: Celia Flower @Paragon Model Management. MUA: Alana Melina.

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Modelo: Celia Flower @Paragon Model Management. MUA: Alana Melina.

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Cliente: ELLE. Estilismo: Cynthia Grajales. MUA: Nicol谩s Berreteaga & Julio Cedeno. Modelo: Anita Hodosi @Q management. Producci贸n: Expansi贸n / santias2120@gmail.com y dorianulises@gmail.com Publicado en ELLE M茅xico, septiembre, 2013.

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Cliente: John Castelazzo. Estilismo: Chabe (Laura Carrillo). MUA: Daniel Avilán. Pelo: Gerardo Maldonado. Modelo: Nathalie Martínez @Paragon Models. Producción: Welcome Branding / fabiola@welcomebranding.com.

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Cliente: NYLON. Estilismo: Tamara Fasja & Daniela Helfon. MUA: Daniel Avilán. Modelo: Sabine @New icon models y Alia @Wanted Models. Producción: Nylon / tamar@nylonmag.com.mx y danielahelfon@gmail.com.

Publicado en NYLON México, febrero 2014.

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DAn CROsby (León, Guanajuato, 1985) Estudió diseño gráfico en la Universidad Iberoamericana de su estado natal. Sus fotografías han aparecido en publicaciones como Marie Claire, P Magazine, 192, Elle y Nylon, entre otras. Ha trabajado para muchas marcas, entre las que destacan Tane, El Palacio de Hierro, Lob y Gatorade. Sus fotógrafos predilectos son (por mencionar sólo algunos): Steven Meisel, Steven Klein, Sebastian Kim y Giampaolo Segura.

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L i b r os | r ev i sta s | d i s e 単 o | c o n t e n i d o

La moda en tres escenas La vestimenta ha servido, a través del tiempo, para mostrar la evolución de la humanidad. Inés Marrón nos lleva a un viaje a través del tiempo y las locuras que nos han llevado a usar zapatos, piyamas y hasta ropa interior. pp. 42-49

Rose Mary Espinosa se dio a la tarea de encontrar a los creadores mexicanos que están cambiando el panorama de la moda nacional: un experto en piel, una joyera que rescata tradiciones, un clásico sastre y una diseñadora de alta costura nos cuentan sobre su trabajo. pp. 50-57

La inspiración viene de todos lados y la televisión se ha convertido en una de sus fuentes infinita. Andrea Villanueva se interna en las bambalinas de quienes se encargan de dar personalidad, gracias a la ropa, a nuestros personajes consentidos. pp. 58-65

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Prenda por prenda: escenas de la moda por: Inés Marrón G.

Conforme la civilización ha ido cambiando, también lo ha hecho la ropa, y por ello se ha convertido en un reflejo de los tiempos.

Presentamos aquí un recuento de las prendas favoritas del ser humano, su evolución y lo que significan hoy en día.

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PRENDA POR PRENDA: EscENAs DE lA mODA

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En 1991 se encontró en los Alpes a un hombre de la Era de Cobre momificado. Ötzi, como se le conoce ahora, murió hace más de 5 mil años, asesinado. Su excelente estado de conservación ha sido pieza clave para entender muchos aspectos de nuestra vida prehistórica; entre otros, la ropa. Ötzi estaba completamente vestido, con zapatos y accesorios de todo tipo, incluyendo cinturones, un gorro y adornos varios.

La evolución de las prendas de vestir va de la mano con la evolución misma del hombre; no sólo de su adaptación a nuevos espacios y climas, sino de los cambios en su forma de pensar. La vestimenta es un indicador muy claro de los tiempos y puede registrarlo todo: avances tecnológicos, ideologías, miedos, crisis ambientales, guerras y la percepción que cada cultura tiene de sí misma y de sus momentos de trascendencia. Lo que alguien viste para una celebración festiva no será lo mismo que para un ritual mortuorio; lo que se usa para ir a la guerra dista de ser lo que se emplea para amamantar. Pero, ¿cómo nosotros, parientes cercanos del chimpancé, llegamos a lo que somos hoy? ¿Cómo pasamos de vivir con la piel tostada por el sol y las plantas de los pies llagadas a una industria que el año pasado sumó ganancias por más de mil 200 billones de dólares?1 Hace más de 180 mil años el Homo sapiens perdió una buena parte del pelo que protegía su cuerpo. La especie se expandía y avanzaba por la sabana, así que la sudoración se volvió imperativa y el denso vello que cubría la piel de estos seres se afinó hasta casi desaparecer. Más tarde, los individuos de esta especie voraz avanzaron hacia zonas más frescas, lejos de África, a nuevos continentes. En unos cuantos miles de años pasaron de estar en suelo ardiente a vivir una glaciación; ampliaron su horizonte y habitaron selvas, bosques, montañas, oasis y valles. Su habilidad manual y un cerebro gigante les otorgó un poder enorme sobre las demás especies: eran criaturas que sabían emplear un sinfín de herramientas. Una de ellas, por más extraño que nos parezca ahora, fue la ropa.

Según un estudio elaborado por la Universidad de Florida en 2011, la ropa apareció por primera vez en los seres humanos hace 170 mil años, casi al mismo tiempo que el lenguaje. David Reed, el científico que encabezó la investigación, encontró que la ropa existió desde esas fechas

gracias al estudio evolutivo de los piojos, quienes han acompañado al hombre en su periplo por este mundo. Donde hubo piojos, hubo ropa: y los piojos estaban ya, desde hace todos esos miles de años.

Las primeras piezas de vestir fueron trozos de piel unidos toscamente. Miles de años más tarde, surgieron los primeros hilos y más adelante, las primeras telas. Se conservan unas agujas hechas con huesos de animales que tienen al menos 30 mil años de existir. Y se calcula que, tentativamente, el hilado, la costura y el tejido tienen cerca de 100 mil años de vida. Se da por sentado que la civilización surgió hace 10 mil años. Para entonces, la ropa ya era parte natural de los seres humanos.

Con las distintas culturas de esta incipiente civilización, llegaron diferentes telas y atuendos. Las primeras fibras en usarse, que eran semejantes a las actuales, fueron el lino (8 mil años a. C.), el algodón (5 mil años a.

C.), la seda (4 mil años a. C.) y la lana (3 mil años a. C.), aunque otros textiles ya se empleaban con anterioridad.

Según algunos historiadores, fue la famosa "ruta de la seda" la que hizo la diferencia entre pequeños pueblos y grandes culturas. El tránsito para el comercio de esta insólita tela de textura vaporosa abrió caminos que permitieron conquistas e imperios.

Las prendas de vestir en Egipto, Roma y Grecia, entre otros pueblos notables, tenían pocas costuras y solían ser de colores crudos. Sin embargo, cuando Bizancio se erigió como el centro del mundo, las prendas comenzaron a teñirse: los azules, rojos, púrpuras, verdes y marrones hicieron de ellas algo más rico y deseable. Poco a poco, nuevos detalles se añadieron a lo viejo, incrementando la sofisticación del trabajo en telares e hilares, para empezar.

Conforme avanzaron los siglos, avanzó también la elaboración y riqueza de los atuendos, que comenzaron a cobrar relevancia por sí mismos. Para cuando María Antonieta de Austria reinó Francia y Navarra (de 1774 a 1792), los vestidos eran ya un tema de interés nacional, casi un asunto de estado. De entonces hasta ahora, la forma en que nos vestimos ha devenido parte fundamental de nuestra historia. Aquí, unas cuantas fotografías.

1. Esto es para 2013 según las estadísticas de FashionUnited, que reúne datos duros de la industria de la moda en el mundo. Los billones son, por supuesto, millones de millones, no miles de millones.

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Imelda Marcos, quien fue primera dama de Filipinas, tuvo la abrumadora cantidad de 3 mil pares de zapatos mientras su marido fue presidente. Huyó de la revolución en su país llevándose cerca de 2 mil pares y las piezas restantes fueron a dar a un museo, donde la mayoría se echó a perder por descuido.

Zapatos Los zapatos han sido una obsesión para las personas desde tiempos inmemoriales. Estas piezas y sus huéspedes, los pies, han sufrido transformaciones notables con el paso de los años. Los primeros zapatos que se conservan en buen estado son romanos. Se han encontrado en abundancia caligas, las sandalias militares: de suela firme y con tirantes o lazos de cuero atados al frente, llegaban hasta los tobillos para permitir que el pie se moviera con libertad.

Para cuando los romanos no eran más que una memoria bélica, las personas ya usaban zapatos cubiertos, de piel. En la Edad Media, la longitud de los dedos gordos del pie era símbolo de status, así que los zapatos se volvieron, por decir lo menos, puntiagudos. El tacón nació hacia 1590 y hombres y mujeres se volvie-

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ron afectos a él, creciéndolo para demostrar su posición social. Hacia el final del reinado de Isabel I de Inglaterra, la gente caminaba ya sobre tacones de diez centímetros de alto.

Durante cientos de años y hasta las primeras décadas del siglo xx, los zapatos usados en el mundo occidental tuvieron un estilo de alguna manera homogéneo pero que cambiaba con los tiempos: con tacón o sin tacón; con la punta cuadrada o puntiaguda; con lazos, broches o botones. Fue poco antes de la Primera Guerra Mundial que estos accesorios comenzaron a encontrarse en todas las formas, colores y texturas. Se le atribuye al fallecido diseñador Alexander McQueen la última verdadera innovación en zapatería: los tacones de armadillo. Lástima que no se popularizaron.

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Pantalones Los hombres no siempre fueron quienes llevaban los pantalones. De los sumerios a los aztecas, pasando por egipcios, griegos y romanos, los hombres más poderosos de las grandes civilizaciones usaron siempre togas, mantas o lo que ahora llamaríamos falda. Por increíble que parezca, los pantalones no fueron una prenda común hasta bien entrado el siglo xix. Antes, una serie de confecciones se emplearon para cubrir a los varones, dándoles libertad —y propiedad.

Los hombres calzaron medias largas de diversas formas y longitudes durante siglos. En algún momento del Renacimiento, tuvieron un receptáculo al frente donde se guardaban el pene y los testículos. En el mundo oriental, existía algo llamado “payjama” o “ropa de pierna”. Cada

pierna entraba de forma aislada en una prenda que la cubría y que se ataba en los tobillos y, de forma cruzada, a la cintura.

En 1851, la intrépida norteamericana Amelia Bloomer apareció utilizando algo parecido a los payjamas con una falda corta sobre ellos y fue el escándalo que abrió la puerta a las damas con pantalones. La Primera Guerra Mundial puso a los hombres en el frente y a las mujeres en las labores masculinas. Los pantalones se extendieron como pólvora por todo el mundo occidental y, para 1920, eran aceptados como atuendo femenino, aunque su uso siguió siendo polémico. La Revolución Sexual probó ser el parteaguas para las mujeres: que los usara la que quisiera.

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Mary Phelps Jacob estaba de fiesta en Manhattan, tenía 19 años y un vestido con la parte superior transparente. El corsé que debía llevar no sólo asomaba, sino que amenazaba con romper la frágil tela. Así que Mary y su mucama juntaron unos pañuelos de seda, los cosieron y armaron el primer brasier. El invento le pareció ideal a Mary, quien lo patentó y vendió algunos cuantos en 1914. Como no le resultó negocio, vendió la patente a la Warner Bros Corset Company por mil 500 dólares.

Poco tiempo después, esa patente valdría 15 millones de dólares.

Ropa interior Nada nos parece más íntimo que la ropa interior. Es la capa primera, lo que está en contacto con la piel. Pero pocas cosas aparecieron más tarde en la evolución de las prendas de vestir que la ropa interior como la conocemos hoy.

Las mujeres han puesto, desde tiempos históricos, más atención a cuidar su distintivo sexual: los pechos. En Creta se utilizaron los primeros “corsés”, que eran de tela o cuero y se colocaban debajo del busto que aparecía, erguido y desnudo, frente a todos.

En claro contraste están las prendas que se usaban bajo la ropa en la Edad Media: telas bastas y largas que tenían la única intención de cubrir todo el cuerpo, incluso durante los (escasos) baños que la gente se daba. Hombres y mujeres por igual llevaban camisolas y faldones que tapaban casi toda su piel.

Los primeros calzones se usaron para impedir el roce de las telas, arneses y demás acceso-

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rios sobre la sensible piel de las nalgas y los muslos. Tenían, sin embargo, un amplio orificio justo en el medio, que dejaba al descubierto toda la zona genital. Las mujeres tenían tanto trabajo subiéndose las faldas —adicionadas con crinolinas, polizones o la parte baja de un corsé— que les era imposible llevar hacia abajo, a la vez, la ropa interior a la hora de ir al baño.

Los varones usaron durante siglos trozos de piel o tela firme para proteger tanto las ingles como los testículos. Conforme avanzó el tiempo, algo similar a las payjamas que usaban los persas se volvieron la ropa interior acostumbrada. Los calzones para hombre similares a los que conocemos ahora fueron diseñados por primera vez en 1934 por un tal Arthur Kneibler. Llamó a su nuevo producto “Jockey Shorts” y logró un éxito rotundo con ellos: vendió los 600 pares manufacturados el día en que los puso a la venta.

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Otras rarezas Piyamas

Armaduras

Zapatos muy pequeños

Corsés

Los occidentales copiaron el estilo de vestir de los persas hacia 1870 y, para 1890, era la costumbre en los varones usar un atuendo semejante al oriental. Las adaptaciones a la vida occidental no se hicieron esperar y pronto eran sólo de dos piezas.

Se usaban para estar cómodamente en casa y no tanto para dormir, pero antes de que el siglo XX amaneciera, ya eran la prenda nocturna predilecta de los hombres. Las mujeres llegaron un poco tarde a la costumbre de ir a la cama en pantalón largo y camisa. Fue Coco Chanel, a quien le debemos tanto de nuestro estilo actual, la que logró poner de moda las piyamas en las mujeres –al menos, en algunas.

Tal vez unas de las prendas de batalla más notables –por su frecuente uso durante casi 150 años– fueron las armaduras empleadas en las cruzadas (del siglo V al XV).

Los cruzados debían usar una cota de malla, sobre pantalones y camisa acolchados, que consistía en anillos engarzados unos con otros para proteger la piel. A eso se añadían un peto y un espaldar hechos de acero; rodilleras, grebas para las espinillas y escarpes para los pies. Cada armadura podía pesar hasta 40 kilos y con el tiempo, las armaduras sumaron peso por una cuestión de moda: se les pusieron escudos, insignias, marcas y adornos labrados en metales de distintos colores.

Parece que Han Qiaoni, del norte de China, es una de las últimas mujeres con los pies vendados para hacerlos más pequeños.

Han, de 103 años, relató que su madre le ataba los dedos de los pies, salvo el gordo, con una tela larga para que se pegaran a la planta del pie. Esto se llama “San Cun Jin Lian” o “loto dorado de seis centímetros” y durante siglos millones de mujeres chinas sufrieron este vendado porque la pequeñez de los pies era vista como símbolo de status y belleza. La tradición fue prohibida en 1912, pero es posible que se practique ilegalmente. Los zapatos para estos pies se llamaban “zapatos loto” y tenían la intención de parecer un capullo de flor de loto.

Los primeros corsés surgieron en el siglo XVI y se empleaban para dar al torso de la mujer una forma cilíndrica, y para moderar y elevar el busto. Su aparición fue un gesto revolucionario que se perpetuó durante siglos. Su uso en la era victoriana se asociaba con una figura esbelta y erguida y, supuestamente, mejoraba la salud de quienes la usaban. En realidad, los órganos se aplastaban y reacomodaban, las mujeres no podían respirar, padecían problemas de columna y atrofia muscular; también registraban cambios en su forma de andar, problemas de fertilidad y hasta hiperextensión de las rodillas. Cayó en desuso con el arranque de la Primera Guerra Mundial.

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Moda hecha en México por: Rose Mary Espinosa fotos: Cortesía de los diseñadores

Sabemos que el mundo del moda es una industria global y que hay de todo y para todos. Y México no es la excepción, con increíbles piezas que van desde delicada joyería hasta las prendas de piel más innovadoras. Conozca a algunos creadores de lujo de nuestro país.

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México es un país lleno de tradición creadora, pero por una cosa o por otra, a veces nos olvidamos de lo bien que se hacen aquí objetos de lujo.

Por eso, hablamos con algunos de los representantes más importantes de la creación en México. Se trata de cuatro acercamientos a partir de cuatro aspectos distintos: la joyería, la talabartería, la alta moda para mujeres y la sastrería para caballeros.

Cada uno de estos expositores ve la moda desde una postura peculiar: José Sánchez tiene la vista en diseños atemporales y busca resaltar lo femenino, lo sofisticado y lo glamuroso desde la comodidad de quien lo porta. Dalia Pascal devuelve ante nuestros ojos la belleza de lo mexicano, se compromete con los artesanos y promueve el trabajo de éstos con orgullo y respeto. Mariana Luna ofrece un cuidado muy particular para sus clientes, los entrevista exhaustivamente antes de diseñar las prendas y la completa satisfacción de la clienta le significa tanto un reto como un placer. Por último, bajo la tradición napolitana, Antonio Solito, destaca la elegancia clásica y el gusto por el buen vestir en el mundo masculino.

Sánchez, Luna, Pascal y Solito nos comparten su visión particular de la moda a través de los materiales que eligen, sus procesos y sus piezas favoritas de creación.

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José Sánchez Talabartero

¿Qu iéN E S ?

José Sánchez crea piezas en cuero novedosas, femeninas y cómodas. Con 30 años en el oficio, hoy sus creaciones se venden no sólo en México sino en Estados Unidos y Brasil. El gusto por la piel se remonta a su niñez, al rancho ganadero de su padre. Lo inspiran los viajes y las imperfecciones de la piel con que trabaja. josesanchez.mx FB: JoseSanchezOficial Twitter: @josesancheze

¿Qué tienen en común un minivestido de lunares, una falda negra de vuelo, un vestido tipo shift y un abrigo con perforaciones diminutas?

La piel: son todas piezas hechas en cuero, aun cuando, en un primer vistazo, no lo parezcan. Las creaciones de José Sánchez demuestran que la piel va más allá de una chaqueta, una bolsa o un cinturón.

Son ligeras y sutiles, pero conservan el cuerpo y la forma. De relieves insólitos y colores inéditos, son osadas, son clásicas, son perpetuas. Leather is forever.

No en vano se dice que este mexicano ha redefinido el concepto del diseño en piel. Con 30 años de trayectoria y presencia no sólo en México sino en São Paulo, Los Angeles y Houston, sus piezas se 52 | la revista

consideran únicas y son retratadas en las más prestigiosas publicaciones del mundo de la moda.

Todo comenzó en 1982, cuando Sánchez sintió la necesidad del cuero en las tiendas high end de California y vinieron a su mente cuatro diseños de falda. No obstante, el vínculo de José con la piel se remonta a su niñez: tanto al rancho ganadero de su padre como a la primera pieza de cuero que tuvo a los 12 años. Ese vínculo no ha hecho sino fortalecerse y sofisticarse: “Cuando eliges los colores y la textura, toda esta innovación que ha habido en

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las porta se refiere a la sensación que les transmite usar un José Sánchez. En palabras de la diseñadora francesa Madeline Vionnet (1876-1975), el vestido debe ser una segunda piel, lista para sonreír cuando el que lo lleva sonríe”. ¿Cómo mira un genio del diseño la situación de la moda en nuestro país? Con sabiduría y con humildad. José Sánchez aplaude el potencial de los talentos jóvenes, si bien lamenta que no exista una cultura que apoye a la moda emergente como ocurre en otros países: “Con la dirección adecuada, esta nueva generación de diseñadores nos puede llevar a ser un país con reconocimiento mundial”.

“Una gran fuente de inspiración en mi carrera son los mercados de flores. En México tenemos uno de los más bellos: el Mercado de Jamaica”, asegura. “Siempre busco lo urbano: caminar en alguna parte del mundo me brinda la creatividad y la inspiración necesarias. Mezclarme con la gente del lugar y captar esencias, estilos y colores es parte de mi trabajo. El proceso creativo es un trabajo del día a día”.

Al preguntar qué necesita una pieza para dejarlo 100% satisfecho y sobre el perfeccionismo, responde: “Encuentro la perfección como algo lejano. Particularmente, al trabajar con piel, una característica de exclusividad son las imperfecciones en los materiales.”

la piel te transporta a lo que es diseñar para la mujer, que tiene un sentido muy exacto de la moda, sobre todo porque une sensualidad con sexualidad”.

En efecto. Las piezas de José Sánchez resaltan aún más lo femenino, sin reñirse con el confort. “A través de los años me he dado cuenta de que, sin importar la edad, el gusto, el género, el perfil o la personalidad, lo que hace a mis clientes llevar mis diseños es la actitud que tienen al portarlos”.

Cada uno de los diseños de las colecciones de José Sánchez está concebido para ser atemporal.

Aun cuando las piezas estén pensadas de acuerdo con cada estación y puedan adecuarse a cada momento, es gracias a la ya mencionada ligereza y al asombroso colorido de los componentes que muchas de ellas pueden usarse en cualquier época del año.

Dice José Sánchez que su fantasía al diseñar es hacer prendas que resalten del resto por su elegancia y autenticidad: “Cada una de las personas que larevista.mx | 53

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Antonio Solito, hijo Sastre

¿Qu iéN E S ?

Antonio Solito es heredero de una larga tradición de sastrería, inaugurada por su abuelo en Nápoles y continuada en México por su padre, don Antonio Solito, que en vida fue considerado “el sastre de los presidentes”. Antonio Solito, hijo, considera que el trabajo a la medida puede lograr que una pieza luzca perfecta y celebra la influencia de la cultura europea en el retorno del buen vestir.

FB: Antonio-Solito

El secreto mejor guardado de Antonio Solito es la escuela de la sastrería napolitana: la base es un estilo clásico que se adecua un poco a las modas y los cambios amén de toques modernos sin caer en lo fashion.

Desde que Antonio Solito tiene uso de razón, ha estado rodeado por el mundo de la sastrería: entre ferias y proveedores de telas, mientras acompañaba a su padre, don Antonio Solito, ganador de la Tijera de Oro en Europa, y quien marcó a toda una generación masculina en México. Antonio Solito padre no sólo vistió a políticos y artistas, sino que les enseñó el buen gusto, la pulcritud y un alto sentido de la elegancia clásica en el vestir.

Antonio Solito tenía 18 años cuando su padre falleció, dejándolo al frente del negocio familiar y 54 | la revista

como corazón del mismo; es decir, al frente de la confección de trajes a la medida: “Nosotros hacemos una especie de estudio de colorimetría. Ahí le decimos al cliente lo que mejor le queda, según su trabajo, su físico y su personalidad, aunque la respuesta final la tiene él”.

Es importante saber lo que se toma en cuenta al elegir tela, y Solito comenta: “La tela se escoge según lo que se busca. No podemos hacer un traje de verano con una tela de invierno o un traje oscuro para una boda de día. Según los hilos, existen lanas desde un súper 110 hasta un súper 250. También hay mezclas: lana súper 180 y seda. Mink, polvo de dia-

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mante, hilo de oro. Hay 100% cashmere, algodón, vicuña, pashmina… Nuestras telas son extranjeras por el factor de exclusividad”.

Apenas el cliente se decide por la tela, después de la primera prueba, restan dos más antes de la entrega final. En el proceso, se trazan las medidas en la mesa de corte, operación en la que participa el equipo; es decir, el sastre y los operarios. El tiempo de entrega suele ser de un mes y algunos días: “Nos consideramos perfeccionistas. Tenemos que serlo por el cliente: es lo que merece.

Quedo satisfecho cuando el cliente demuestra su satisfacción y me da las gracias”.

“Nadie es perfecto”, responde cuando se le pregunta qué debe tomar en cuenta un

cliente que asiste con él. “Todos tenemos secretos: una pierna más corta que la otra, un poco de panza, un hombro caído. Hacer un trabajo a la medida es justamente eso: hacer que la pieza luzca perfecta. Un traje de talla cubre las necesidades generales, pero no las individuales. A su vez, en ocasiones encontramos el traje que nos gusta, pero nos gustaría más con las bolsas diferentes o con un corte un poco más ajustado. Ambas partes debemos estar de acuerdo en cuanto a necesidades y exigencias”.

Su pieza favorita son los sacos. “Los sacos son algo extraordinario porque se pueden crear cosas fantásticas: mangas de camisa, bolsas de parche, medio forro, sin forro, re-

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saltar los vivos… Tantas opciones que probablemente no se presentan en otras piezas”.

Antonio Solito celebra que en los últimos años se haya hecho una buena labor de cultura de la moda europea que se traduce en más líneas, una mayor apertura de negocios y una creciente cercanía entre los dos continentes. “Por unos años se perdió la cultura del buen vestir, por ejemplo: el viernes casual o que en ciertos lugares la corbata no sea obligatoria. Antes había restaurantes donde sólo podías entrar con traje. Ahora esos mismos lugares permiten el acceso hasta en jeans y tenis. Pero también creo que, de un tiempo para acá, se han retomado el gusto y el interés por verse bien y por vestir bien”.

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Mariana Luna Alta costura para mujeres

¿ QuiéN E S? Estudió moda en Nueva York y en Milán, donde trabajó para Trussardi. Posteriormente lanzó su propia marca. Sus colecciones han estado presentes en los desfiles más prestigiosos de México y en pasarelas de Costa Rica, Panamá, Nueva York y Belgrado. En 2009 fue elegida para realizar el diseño de uniformes de Volaris. marianaluna.com Twitter: @marianaluna

Quien quiera un vestido diseñado por Mariana Luna, debe responder una serie de preguntas.

Las primeras están relacionadas con el evento al que se va a asistir (horario, lugar, clima, indicaciones de etiqueta) y otras relacionadas con la persona: estilo propio, medidas corporales, colores favoritos y, algo fundamental, presupuesto. Mariana empezó a trabajar durante los veranos de la preparatoria en el taller de alta costura de Enrique Martínez, uno de los primeros diseñadores mexicanos. Por él decidió estudiar diseño de moda en Nueva York, en el Fashion Institute of Technology y, posteriormente en Milán, en el Instituto Marangoni. Tras colaborar un tiempo con la firma Trussardi, regresó a México y trabajó en la industria siete años antes de lanzar su propia marca.

Las creaciones de Mariana Luna se caracterizan por ser femeninas y clásicas, con un toque de vanguardia que las coloca en la escena propositiva. La edad de sus clientas va de los 15 a los 80 años. “Hoy las mujeres se mantienen en forma. La gente está en busca de diseños más frescos y actuales”.

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En efecto. Luna reconoce que la globalización de la información ha derivado en clientes más actualizados sobre colores, siluetas y telas; es decir, sobre tendencias de las pasarelas internacionales. Si antes le resultaba muy difícil vender una idea novedosa, actualmente son los clientes quienes buscan innovar, lo que hace del proceso uno más lúdico.

La primera entrevista con una clienta en la que la diseñadora comienza a hacer bocetos y le presenta opciones de telas puede durar entre una y dos horas. El siguiente paso es hacer el molde que habrá de ajustarse antes de cortar el vestido en la tela definitiva.

Mariana está al tanto de las preferencias de la clienta latina: “Es algo difícil de cambiar.

Por lo general, preferimos cortes ceñidos que no sacrifiquen la cintura. Las siluetas voluminosas, aun cuando estén de moda, son difíciles de vender. Quizá sea un acierto pues no tenemos ni la estatura ni las proporciones de la mujer europea. Al ser más bajitas y curvi-

líneas, debemos tomar de las tendencias internacionales sólo aquello que nos favorece”.

La elección de la tela se hace con base en la calidad. El tejido y el teñido deben estar hechos de manera óptima. Las telas que utiliza para alta costura son todas importadas, ya que “desgraciadamente en México no se producen telas con esas características”.

Para Luna, la moda mexicana se encuentra en un momento de cristalización. De 1996 a la fecha los componentes de la moda se han multiplicado: desde pasarelas y revistas hasta el número de diseñadores con tiendas propias y puntos de venta en el extranjero. “Si bien todavía nos falta mucho a nivel comercial, yo sí veo un gran avance que seguro se potencializará en los años por venir”.

El proceso de creación de Mariana Luna es solitario. “Normalmente incluye música.

Es un proceso largo de investigación de tendencia e introspección. Suele durar un par de meses cada temporada y se va realizando a la par de la confección. Diseño a todas horas, cuando aparecen las musas hay que hacerles un espacio”.

Al preguntar cuál es su pieza favorita de creación no duda. “Los vestidos importantes: aquellos que siempre se recuerdan porque marcan un momento en la vida. Son un reto porque ya de entrada tienen una fuerte carga emocional, pero también son los que me dan mayor satisfacción”.

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Dalia Pascal Joyera

¿QuiéN E S? Dalia Pascal es una diseñadora uruguaya de nacimiento y flechada por la belleza de México. Flores, mariposas y los motivos del papel picado han inspirado su joyería y accesorios. Además, un amor como el de Dalia es responsable con el ambiente y comprometido con los artesanos. daliapascal.com FB: Dalia-Pascal-Accesorios Twitter: @daliapascal

Hace 12 años, en un taller de orfebrería, Dalia Pascal empezó su romance con la plata, el metal mexicano por excelencia. En ese entonces trabajaba en un concepto propio que consistía en piezas hechas con dijes tibetanos y piedras semipreciosas y, posteriormente, volvió la mirada a México y descubrió la belleza que rodea a este país.

Uruguaya de nacimiento, Dalia fue la primera diseñadora que usó textiles mexicanos para hacer bolsas y que acercó este concepto, entonces privativo de turistas de alto nivel sociocultural, a los consumidores mexicanos. “Uno se acostumbra a ver esta belleza todos los días al grado de ni siquiera apreciarla. Yo la rescato y la convierto en piezas más fashion”.

Hoy, Dalia Pascal es un sello que diseña y produce joyas, bolsas y carteras con el afán de rescatar valores artesanales: “Estamos casados con el concepto orgánico y estamos conscientes de cuidar el ambiente. Usamos barro negro de Oaxaca, semillas, la palma que cae de los árboles secos, el ixtle –que es la fibra del maguey– y estamos empezando a trabajar con henequén. Nos interesa proveer a los artesanos de una fuente de trabajo, promover su trabajo con respeto, demostrarle a la gente que tenemos cultura artesanal”.

Uno de los símbolos de las creaciones de Dalia Pascal es el papel picado. Ejemplos de ello son el brazalete en plata –que le valió el Premio Nacional de Joyería 2008– y las bolsas en lona y mezclilla, diseñadas bajo el mismo concepto. Las piezas de la colección Flor-corazón-mariposa, hechas en hoja de barro negro y rayado en plata, tienen un toque étnico. Recientemente lanzó las colecciones Amorcito corazón, inspirada en el encaje de las abuelitas mexicanas, y Una perla es una perla con gran éxito: “La mujer mexicana es muy clásica. Los diseños con perlas pueden llevarse todos los días”.

Y eso lo dice con conocimiento de causa no sólo por el tiempo que dedica a investigar sobre tendencias y asistir a exhibiciones y ferias de artesanía, sino por su buen ojo para diseñar. “Sé lo que le gusta a las mujeres. Hay quienes hacen piezas perfectas, piezas que nadie compra. Yo diseño para mí y, al hacerlo, sé exactamente lo que voy a usar”.

Dalia Pascal se considera de la vieja escuela: un dinosaurio al que le gusta diseñar a mano. Nos cuenta, “Tengo días tranquilos y días en que nadie me puede hablar. Cuando

empiezo a trabajar, me clavo. Una vez diseñada la pieza, consulto a mi esposo y ambos preguntamos a gente que conocemos. Después se hacen medidas y se manda con el artesano. Primero recibimos un dummy y posteriormente la pieza física. Tiene que ser ideal. De lo contrario, no puedo seguir adelante. Si una arracada es demasiado pesada o si un anillo no tiene movilidad, no los saco”.

De los textiles que Dalia Pascal utiliza, el 95 por ciento son mexicanos y 5 por ciento, guatemaltecos. En cualquier caso, los selecciona personalmente. No sólo es una firma preocupada por la producción artesanal sino que está consciente de la economía de sus clientes: ante el incremento de la plata hace dos años, lanzó piezas en latón con baño de oro y baño de oro rosa y, por otra parte, aun cuando sus bolsas pasaron de lo bohemio-chic a lo elegante, las mantiene a precios accesibles: “Por más nombre que tenga como marca, tampoco se trata de ahuyentar al cliente”.

Dalia está convencida de que la moda en México ha evolucionado: prueba de ello es un mayor número de talentos y escuelas, si bien aún se adolece de espacios para exhibir productos mexicanos. De ahí que la firma no deje de explorar y valorar otras vetas como las redes sociales y los regalos corporativos, aunque hoy día sus creaciones se vendan en prestigiosas tiendas departamentales y hoteles de gran lujo: “Fue una lucha, pero valió la pena. Somos muy derechos, transparentes y puntuales. Eso nos ha ayudado a que crezca nuestro mercado. Yo prefiero perder una venta a perder a un cliente”. larevista.mx | 57

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Entre publicistas y condesas por: Andrea Villanueva

Los fanáticos de las series aman las aventuras y desventuras de Carrie Bradshaw, Lady Mary Crawley y Don Draper. Y conocen también los detalles de sus vestidos, sacos y joyas. Hoy, el mundo de las series es una enorme fuente de inspiración a la hora de crear y vestir. Conozca a quienes se encargan del armario de los personajes mejor vestidos de la televisión.

Carrie Bradshaw camina por una típica calle de Manhattan —con cientos de personas, camiones y humo— vestida con un tutú y una sonrisa. De repente, un camión la llena de agua sucia y al voltear ve su propia fotografía en el camión. En ella, Carrie lleva el famoso naked dress, un turista curioso la mira con desdén y la sonrisa que tenía se esfuma.

La escena de los créditos de Sex and the City es icónica. El tutú rosa también. Es, precisamente, el que llevó a mujeres locas de finales de los 90 a llevar una prenda creada para bailar sobre un escenario y fue, sorpresivamente, una compra de tienda de segunda mano. Patricia Field —diseñadora de vestuario de la legendaria serie— pagó cinco dólares por la pieza que, eventualmente, se convertiría en parte de la historia de la televisión.

Hace unos cincuenta años, cuando uno pensaba en un diseñador de vestuario, jamás era en alguien que trabajaba para la televisión, sino para grandes producciones cinematográficas. Era la época de los grandes estudios como Paramount donde se diseñaba el vestuario de grandes estrellas como Grace Kelly y Audrey Hepburn, quien incluso alguna vez afirmó que “el diseñador de vestuario no solamente es esencial sino vital, ya que es quien crea la imagen del personaje sin la cual ninguna actuación estaría completa”.

Edith Head e Irene Lentz eran reconocidas como diseñadoras pero nunca llevaron su trabajo al ámbito comercial como Janie Bryant, quien incluso diseñó una colección al estilo Mad Men para Banana Republic.

Pero las historias que se cuentan en pantalla —y por tanto sus vestuarios— han migrado, en gran parte, a la televisión. La facilidad e inmediatez con la que uno puede ver una serie gracias a portales como Netflix, el déficit de atención que tienen los

humanos del siglo xxi y la aparición de cada vez más personajes con los que uno se puede identificar Tras el éxito de Sex and —incluyendo su forma de vestir— han hecho de la the City algunos aún televisión (o computadora o tablet) el nuevo cine. piensan que Sarah Hoy, incluso ganadores del Óscar por diseño de Jessica Parker en vestuario —como Catherine Martin, quien es ya verdad es Carrie Bradshaw. Y la actriz lo casi una celebridad y se llevó su segundo Premio de aprovecha al máximo: la Academia en 2014 por The Great Gatsby— han recientemente lanzó pasado a segundo plano y viven a la sombra de nomcon la tienda bres como Janie Bryant, Michele Clapton y la misdepartamental ma Field, quienes tienen una enorme influencia en Nordstromn, su línea la cultura popular y en la forma en que la gente de zapatos de nombre viste día a día. Sí, aunque diseñen para aristócratas SJP. Y sí, hay un de 1912 o domadoras de dragones. modelo Carrie.

Carrie y sus zapatos

Cuando la moda llegó a la pantalla ChiCa

Patricia Field, de la mano de Sarah Jessica Parker por supuesto, cambió el mundo de la moda, tanto dentro de la televisión como fuera. Con los icónicos/legen icónicos/legendarios looks que creó para Sex and the City, la mancuerna logró lo que pocos. Sin siquiera intentarlo. Field asegura que parte del éxito de la serie fueron las cir circunstancias en que surgió. El libreto representaba un momento muy específico en Nueva York y Field puso la ropa para lograrlo.

Field y Sarah Jessica Parker, quien representaba a Carrie Bradshaw, tenían ya una relación y fue la misma SJP quien buscó a la vestuarista. Field esta estaba loca y Parker aceptó muchas de sus locuras y así nació Carrie. Al poco tiempo, las otras tres chicas —Kim Cattrall como Samantha, Cynthia Nixon como Miranda y Kristin Davis como Charlotte— larevista.mx | 59

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CENTRALES

Patricia Field, diseñadora de vestuario de Sex and the City, con Kim Catrall, quien interpretaba a Samantha Jones.

“El diseñador de vestuario no solamente es esencial sino vital, ya que es quien crea la imagen del personaje sin la cual ninguna actuación estaría completa”.

—Audrey Hepburn fueron formando su propia personalidad a través de un vestuario que describía a cada personaje. Eventualmente, los guionistas comenzaron a escribir sobre moda y alrededor de la moda. Sex and the City se convirtió entonces en un programa sobre cuatro mujeres en Nueva York, sus hombres y su ropa.

Además de las locuras que usaba Carrie, con una mezcla entre vintage y alta costura, Field decidió dar una personalidad rígida y dura a la abogada Miranda, con aburridos trajes sastre en grises y marrones; un estilo clásico del Upper East Side a Charlotte, con vestidos apropiados para su trabajo en una galería de arte y shorts en colores clásicos para tomar té 6 0 | la revista

con su suegra en los Hamptons, y a la RP de RPs, Samantha, con sus prendas ajustadas en todos los colores del arcoíris para aperturas de restaurantes y demás eventos clásicos de Manhattan.

Cuando la serie llegó a su fin, tras seis exitosas temporadas en 2004, Carrie Bradshaw era todo un ícono de estilo y Sex and the City una serie de culto.

Y podría decirse que Patricia Field, buscando en tiendas de segunda mano y rogando a las casas más famosas que le prestaran prendas, logró convertir el rol menor de vestuarista en la súper estrella que es hoy en día el diseñador de vestuario de la mano de un tutú y una baguette de Fendi.

La evolución de un estilo Cuando comenzó la producción de Sex and the City en 1998, la diseñadora de vestuario Patricia Field compraba la mayoría de las prendas en tiendas de segunda mano. En cambio, en 2010, cuando se

estrenó la primera película, las casas de moda más importantes del mundo peleaban porque Carrie y compañía llevaran sus diseños. Para la segunda película, se estima que el presupuesto de vestuario fue de más de 10 millones de dólares.

ENTrE PuBLiCiSTaS Y CoNDESaS

de la máquina de Coser al set de grabaCión

así se idea el vestuario de un personaje.

Bien decía Audrey Hepburn que un diseñador de vestuario debe ser un artista, investigador e historiador. Un buen diseñador de vestuario confecciona prendas originales y elige los atuendos exactos para los personajes a los que tiene que conocer a profundidad.

Trabaja “con el guión, el director, el escritor y el actor para definir lo que el vestuario debe hacer para ayudar al actor a habitar el personaje”, ha dicho Audrey Fisher, quien trabajó en True Blood.

Pero no solamente es importante hacer de historiador y conocer los estilos de la época, sino también que estos vayan de acuerdo con la personalidad y la vida del personaje, así como asegurarse de que el vestuario de los diferentes personajes no choque entre ellos.

Para lograr crear un ambiente a través de la ropa, el diseñador de vestuario debe tener conocimientos sobre textiles y la tecnología que se usaba para crearlos —no se puede usar poliéster al contar una historia que transcurre en los años 20— y conocer sobre arte, literatura, cine y hasta modales, es un requisito.

Para la primera temporada de Downton Abbey, por ejemplo, Caroline McCall debió vol-

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verse una experta en el estilo que dominaba a principios de siglo xx, pero también conocer los detalles sobre costumbres de la época: desde el tiempo en que una viuda debía vestir de luto hasta saber que las mujeres, por más aristocráticas que fueran, sí repetían vestidos.

Platicar ideas de los atuendos con los actores es de suma importancia, ya que no debe haber una disonancia entre lo que percibe el diseñador y lo que será representado por el actor. El caso de estudio básico es Carrie Bradshaw, ya que el personaje realmente es una creación de la actriz Sarah Jessica Parker y la diseñadora de vestuario Patricia Field.

Y la diferencia entre un diseñador de vestuario y un diseñador de moda ayuda a entender esta idea. Jill Ohanneson, quien trabajó en Six Feet Under, habla sobre ello: “Cuando uno diseña un vestido está pensando en un cuerpo […]. Pero al diseñar un vestuario se diseña para un personaje. No solamente se diseñan unos pantalones, una camisa y una corbata. También se diseñan la tristeza y la voluntad. Hay muchas formas emocionales con las que se juega —el color y la textura, los estampados y la forma en que las prendas caen sobre el cuerpo contribuyen a la definición de un personaje”.

Las hermanas Crawley –Edith, Sybil y Mary– en la primera temporada de Downton Abbey.

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CENTRALES

Don Draper (Jon Hamm) con su secretaria convertida en esposa, Megan (Jessica Paré).

de prinCipios del siglo xx a los años 60 y de regreso a una edad media que no existió

El auge en producciones de televisión con mucha más calidad que antes ha ayudado a que éstas superen a los filmes. Por primera vez, desde que la televisión llegó a los hogares, se reconoce a algunas de sus producciones como productos de calidad y no como entretenimiento burdo. La mayoría de las series ya mencionadas —con excepción de Downton Abbey, que es una producción inglesa— se transmiten en Estados Unidos por canales de cable que han optado por producir menos capítulos que los canales abiertos, pero con niveles de calidad mucho mayores.

Además, series que se producen en los rincones más recónditos del mundo, desde Dinamarca hasta Argentina, se han dado a la tarea de poner en alto el nombre de la televisión.

Y así es como Don Draper es ese personaje que se pasea por Manhattan bebiendo, fumando y conquistando mujeres quien, tras su impecable traje, esconde toda una vida de secretos: pasó de ser absolutamente pobre a vendedor de autos y, por fin, a socio de una 62 | la revista

prestigiosa agencia de publicidad en Manhattan. Janie Bryant es quien se encarga de dar a los hombres de Sterling Cooper & Partners un traje específico para su personalidad y es Don quien, tras cada uno de esos trajes perfectos que exudan elegancia y masculinidad, esconde un pasado perturbador. La manera en que los hombres de Mad Men llevan sus trajes dice más de la época que una cátedra de historia. Don Draper los usa ajustados con corbatas delgadas y una paleta de color sobria: gris, negro, azul oscuro.

Las mujeres de los años 60 vivían algo similar a lo que ocurría a partir de 1912 en Downton Abbey, cuando comenzaron a dejar de usarse los corsés. Bryant viste a sus mujeres —Peggy Olson, Betty Francis Draper, Megan Draper y Joan Harris— en las telas y colores representativos de la época, siempre cuidando no caer en el disfraz, con vestidos de falda amplia, cintura ajustada y estampados florales para algunas y entalladas faldas en colores vivos para otras, pero siempre impecables. Las mascadas en el cuello, vestidos que muestran siempre la figura y todo tipo de colores vivos fueron

para las mujeres de Madison Avenue lo que los primeros pantalones tras la primera guerra, los vestidos estilo flapper que llegaron a mediados de los años 20 con el surgimiento de diseñadores como Lanvin y Chanel, y la eliminación del corsé para las hermanas Crawley y demás mujeres que se paseaban por Downton y veían los tiempos cambiar.

Así como el mundo se transformó diametralmente tras la llegada de la Primera Guerra Mundial y su desenlace, la ropa que vestía en ese momento la alta sociedad también lo hizo: algunos hombres dejaron de cambiarse para cada actividad de su día y los vestidos estilo victoriano dieron paso a colores más vivos, adornos en pedrería y hasta espaldas descubiertas.

Quizá el final de los años 90 no sea reconocido —aún— como una época de grandes cambios y los acontecimientos sucedidos no sean todavía considerados momentos históricos, pero el ver a Samantha Jones en Sex and the City hacerse cargo de una empresa y no tener que vestir como hombre al hacerlo, sí que lo es. Aunque la liberación femenina era ya asunto de décadas pasadas, fue en los

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Joan Harris (interpretada por Christina Hendricks) es admirada al caminar por el Manhattan de los 60.

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Vestidos de The Great Gatsby en exhibición.

Bocetos del vestuario de The Great Gatsby.

La moda y el cine El oscar a mejor diseño de vestuario este año fue para Catherine Martin por The Great Gatsby. En la película, la esposa del director Baz Luhrmann –quien ya había ganado un oscar por Moulin Rouge– colaboró con la diseñadora Miuccia Prada para la creación de los vestidos que llevaría Daisy Buchanan, además de que se crearon joyas exclusivas

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de Tiffany y trajes de Brooks Brothers para los hombres. Catherine Martin suele poner en el vestuario toques que ayuden al actor a entrar en el personaje, como por ejemplo un forro con calaveras en los trajes de Tom Buchanan (Joel Edgerton) como símbolo de sus días en una orden secreta en la universidad de Yale.

Pero Miuccia Prada no es, ni de cerca, la prime-

ra diseñadora de moda que se involucra en una producción cinematográfica. La diferencia es que no se trataba entonces de colaboraciones, sino que los mismos diseñadores de moda actuaban como diseñadores de vestuario. una de las mancuernas más reconocidas es aquella entre audrey Hepburn y Hubert de Givenchy en el filme Funny Face.

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Cersei Lannister y Margaery Tyrell (interpretadas por Lena Headey y Natalie Dormer) portando sus mejores galas en Game of Thrones.

Entre Seinfeld y Bill Cosby: el regreso de los 90 una de las tendencias que se vio en pasarelas para el 2014 –tanto para primavera como otoño– es la de la normalidad. Los expertos en moda lo llaman normcore y fue visto tanto dentro, como fuera de las pasarelas.

Editoras de moda y demás asistentes llegaron a los desfiles sin tacones, en colores sencillos y usando los llamados ugly shoes, incluyendo zapatos abiertos con calcetines.

La influencia de la televisión está presente y se cita a los jeans de Jerry Seinfeld y los zapatos negros con calcetines blancos o los vestidos de flores largos de Elaine Benes, de Seinfeld, y los increíbles suéteres de colores de Cliff Huxtable de The Cosby Show como inspiración. Los años 90 y la normalidad están de regreso en el mundo de la moda.

años 90 cuando las mujeres comenzaron a llegar a lo más alto de la escalera de ejecutivos.

Para hacerlo, vestían trajes sastres en colores grises y marinos, sin forma y con zapatos aburridos. Pero no Samantha. Ella es una mujer que, con su esfuerzo, logró tener su propia firma de relaciones públicas y que competía con hombres de traje llevando ajustados vestidos en amarillo fosforescente, enormes aretes con las iniciales de Yves Saint Laurent y hasta un traje sastre rojo con todo y hombreras: lleva puesta su personalidad.

Lo que sucede en Game of Thrones no es la representación de una época histórica, pero aún así refleja la forma en que los seres humanos relacionan su personalidad y el papel que juegan en la sociedad, a través del vestuario de cada personaje. Como en la vida real, cada prenda tiene una razón de ser: quienes viven en el norte deben usar pieles para cubrirse del frío, muy probablemente de animales que ellos mismos cazaron, mientras que aquellos que viven en la capital, King’s Landing, llevan vestidos en telas de colores y accesorios como cinturones de metal para reforzar su posición social. Los colores, asegura la diseñadora de vestuario de la serie, Michele Clapton, denotan características de los personajes. Los rojos son para aquellos apasionados y que buscan sangre, mientras que un azul

denota nobleza. Uno de los personajes favoritos, Daenerys Targaryen, es quien lleva algunos de los mejores atuendos en azul y los mejores accesorios: sus tres dragones. La madre de las criaturas comienza en el exilio con colores neutros y va cambiando hasta llegar a vestidos los mencionados azules y una capa que representa su posición. Porque, sí, los dragones son esenciales para ganar una guerra, pero no hay como el color para demostrar poder.

Puede que el Manhattan de Don Draper, los jardines de Downton Abbey y las guerras de Westros se encuentren a años luz entre sí, pero todos son, de alguna forma, míticos y representativos. Los personajes que los habitan se desarrollan en ellos y al mismo tiempo muestran quiénes son a través de su vestimenta. Todos se han convertido en una obsesión y un referente que ha llegado al día a día de quienes los ven a través de una pantalla. El creador de Mad Men, Matthew Wiener, es un obsesivo de la exactitud y Game of Thrones está en su mejor momento cuando se presenta más como reimaginación de eras pasadas que como una serie de fantasía. Todo esto se ve reflejado en la ropa que llevan los personajes. Porque, como dice Daniela Ciancio, nominada al Oscar por mejor vestuario en La Gran Belleza, “la ropa es el alma del personaje”. larevista.mx | 65

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la Galería por: Luis Alberto González Arenas fotos: Martina Balaban

Las Relacio‒ nes Rotas, el fin (expuesto en el MODO)

Las relaciones humanas son, en buena medida, la base de nuestra civilización: la relación con nuestros padres y hermanos al principio de la vida, los maestros y amigos de la escuela y eventualmente las relaciones amorosas. Son éstas las que suelen cambiar por completo nuestras vidas. Sobre todo cuando terminan. Esta innovadora exposición muestra los momentos que quedan tras esas rupturas y lo que éstas significan.

Comencemos con el final, esa condición humana que no nos gusta ver.

Siempre que empezamos algo, está destinado a tener un límite, un fin, el punto último que la vida trae por regla. Las relaciones personales son la práctica más bella y más dolorosa para entender ese criterio, y hoy se exhiben, hablan por sí mismas en un museo.

El Museo de las Relaciones Rotas inició en Croacia en 2006 con una idea plasmada en una linda hoja de papel, de tez clara, tersa, y con hermosas marcas de tinta que daban voz a una idea. Después conoció a un apuesto buque de carga, quien le regalaría un generoso espacio para exponer lo que en ella decía: objetos de valor emocional y sentimental que re-

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pág. 066 Cerramos nuestro número de abril con una visita al MODO y una mirada a la vida privada de Valentino.

L a rEL aCiOnES rOtaS

presentaran la historia de una relación amorosa. Ese espacio ahora es un reconocido museo en la ciudad de Zagreb, Croacia, que tendrá su espejo del 13 de marzo al 8 de junio en el MODO (Museo del Objeto del Objeto) de la Ciudad de México. El Museo es un lugar que describiría como el sindicato de los objetos. Un sitio donde estos tienen la palabra y luchan por el respeto y el sitio que merecen.

El objeto es inhumano y se obstina en existir. El hombre es quien le permite estar en el mundo de manera activa. Es así como Roland Barthes, uno de los padres de la semántica, desmenuzaba el existencialismo de la cosas en Semántica del objeto.

Tal como las curadoras Ivana Druzetic y Natalia Cheng hicieron con los miles de objetos e historias que fueron donados para la exhibición en la ciudad de México. El proyecto depende de donaciones: ahora mil 502 objetos con un universo sentimental detrás fueron los que rompieron el récord absoluto para este proyecto que viaja por todo el mundo.

“Una parte crucial es la participación local. Sería más fácil traer sólo una colección, pero es más importante que la gente pueda traer sus objetos y nos cuente sus historias”, dice Drazen Grubisic, artista plástico y medio cerebro de esta iniciativa. La otra mitad es la cineasta Olinka Vistica.

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MéxiCO, COntaDOr De histOrias

Para Olinka, los mexicanos son grandes contadores de historias. Muchas de ellas podrían ir de manita sudada con la ficción, saliendo a la hora del pan con la imaginación; sin embargo, es así como las recuerdan los protagonistas: con ensueños, pasiones y entrega. “Si no hubiera ficción, la vida sería aburrida”, dice la cineasta.

Drazen agrega lo interesante que es descubrir que en Ámsterdam, una ciudad con una sociedad muy abierta, en la que casi todo es legal y no hay cortinas en las ventanas (muchas veces literalmente), solamente recibieron 50 donaciones de objetos en total, mientras que en México, el primer día hubo 200, provocando por primera vez una reestructura curatorial. Eso muestra la distinta concepción que hay de lo privado, del amor y, por supuesto, de las relaciones.

“Ser vulnerables es algo bueno, pues nos permite estar abiertos al mundo y convertirnos en alguien mejor de lo que solíamos ser. Sobre todo, nos recuerda que el amor es quebrantable, pero quizás sea su fragilidad la que nos hace libres”.

Así lo dijo una de las donadoras quien prefiere mantener su nombre anónimo, mas no así su imagen. Le creció un tumor en los senos paranasales

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EL MODO Colima 145, roma, México, D.F. T. (55) 5533 9637 Horario: abierto de miércoles a domingo de 10 a 18 hrs.

Facebook: MuseoModo Twitter: @MuseoModo

que le dejó cicatrices y aportó un cuadro de 1 m x 70 cm donde se encuentra un retrato serial en distintos colores, muy al estilo del pop art de Andy Warhol. Una fotografía que, según su historia, fue tomada antes de aquella inoportuna enfermedad. El cuadro se lo regaló el hombre al que amó por seis años y quien elogiaba su rostro una y otra vez. Él la apoyo mucho durante lo más duro de los padecimientos espirituales y físicos, pero al cabo de un tiempo decidió marcharse. Ella no le reprocha, dice que se amaron de verdad. “Su partida me dejó la salvación, pues me ayudó a sanar por completo, desde mi interior. Vencí la vanidad y me sumergí en una felicidad pequeñita, pero más verdadera que nunca”.

…Y vivierOn feliCes, ¿para sieMpre?

Un chico se acerca y antes de dejar el museo, toma una hoja de papel, disponible al final de la muestra, para colgarla con una re-

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flexión en una especie de tendedero de folios.

El muchacho destapa un plumón color verde y delinea: “¡Al carajo contigo, realmente aún no comprendo por qué te amo!”. Después toma un plumón color azul y remata: “Sin embargo, sigo contigo…”. El amor está en nuestra naturaleza y por ello cuesta trabajo no preguntarse por qué, un tema tan simple como éste, no se hubiese abordado anteriormente de la misma manera que hoy lo hace este proyecto. “Cuando comenzamos a platicar esta idea, tenía la absoluta certeza de que alguien más ya lo había hecho; lo busqué por Google y simplemente no existía”, aclara Drazen. En esa misma búsqueda, Grubisic encontró que la gente se preguntaba cómo deshacerse de las cosas que les recordaban a sus relaciones rotas: algunos querían quemarlas, tirarlas, hacer una fiesta y destruirlo todo. Para el artista, la destrucción de esas cosas es casi un sacrilegio; afirma que debes tener un recordatorio de lo que

viviste, sea un fracaso o un éxito, pues al final, de esos claroscuros es de lo que se trata la vida. “El cuento debería ser relatado así: se conocieron, estuvieron juntos, la pasaron muy bien y después conocieron a alguien más.

Eso sería más cercano a la vida real”.

Volviendo a la pregunta, ¿por qué no se había creado una cosa tan simpe como ésta?

Olinka reflexiona: “Creo que la gente considera un rompimiento como algo que le deprime y el concebir un espacio destinado a los rompimientos es como invocar a la depresión, y eso no entra en la línea de nuestra sociedad consumista”.

Acerca de si las historias o los objetos pueden ser considerados como arte, Drazen dice que no, pero afirma que lo empieza a ser cuando lo integras y creas una especie de camino, una montaña rusa de emociones en la que la gente entra y sale reflexionando. Es verdad, este espacio es bueno para invocar a tus relaciones pasadas, saber en qué te hi-

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cieron crecer y en qué punto te encuentras ahora.

Creo que es como una de las frases misteriosas que reposan en una pared del museo: “Regresé a mis muertos, y tú quedaste allá, con tu tiempo”.

nO Dejes que la Muerte te Detenga para viajar

Olinka y Drazen Hace unos ocho años Olinka Vistica y Drazen Grubisic terminaron su relación sentimental. Era momento de dividir las posesiones y hacerlo con las cosas grandes fue realmente fácil. El problema llegó al tratar de decidir qué hacer con las pequeñas cosas que el único valor que tenían era sentimental. a modo de broma, dijeron que sería fantástico hacer un museo con dichos objetos. Un año después, se inauguró la primera muestra.

Tantas historias de distintas partes del mundo forman parte hoy del acervo cultural de este proyecto. Hay una muy especial para Olinka ocurrida en Ámsterdam: un señor con una enfermedad terminal había estado en una relación de threesome por 17 años, según Olinka era un tipo increíble, alguien que consideraba curioso que lo visitaran sus amigos para hablarle de planes futuros, viajes y proyectos, al tiempo que la muerte lo estaba esperando a él. Se enteró del museo y le interesaba dejar una parte de sí mismo, contar su historia, así que donó una pintura de su trío amoroso. Dos días después de que la exhibición fuera inaugurada, murió. La historia en su donación decía: “No dejes que la muerte te detenga para viajar”. Ahora su historia (él) viaja por el mundo. Tal como los relatos de muchos mexicanos, lo harán.

Este año, la exhibición visitará también el Parlamento Europeo en Bruselas, después Londres, Taipéi y Milán. El 2015 Canadá es el primero en la lista. ¿Pero qué pasará con el museo? Como hemos dicho, todo tiene un final. Para Olinka eso es tema para consultar con la almohada y afirma que se publicará un libro con todo lo que, hasta ahora, ha representado la exhibición. Cuando me decía esto vi que una idea no paraba de zapatear en su cabeza y al final me la compartió: “A veces le digo a Drazen que podríamos firmar un contrato con alguna de estas compañías que planean los viajes a la luna, así podríamos mandar todos los objetos al espacio en una forma simbólica, como regresarlos a donde alguna vez pertenecieron”.

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el Personaje

por: Marcela Aguilar y Maya fotos: Cortesía de Assouline

Detrás de un gran hombre, hay un gran Giancarlo Giammetti

El socio del afamado diseñador de moda acaba de publicar un extraordinario libro, de nombre PRIVATE y editado por Assouline, donde abre las páginas a su mundo privado: un universo tan exquisito como lujoso y tan misterioso como íntimo. Una tribu de seres privilegiados que han reinado durante décadas el orbe de la alta costura.

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dEtrás dE Un grAn hombrE, hAy Un grAn giAncArlo giAmmEtti

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Todos conocen a Valentino —a secas—, el “Emperador”, como lo apoda el cosmos de la Alta Costura. De mirada azul intensa, tez über bronceada y porte de artista de la época dorada del cine, la vida íntima de Valentino se limitaba a fotografías de paparazzi: rodeado de celebridades, haciendo una rápida caravana ante cientos de espectadores en sus míticos desfiles de moda, navegando a bordo de su mega yate TM BLUE ONE, o esquiando en Gstaad. Pero en 2008 salió a la luz el documental de nombre Valentino: The Last Emperor, extraordinariamente dirigido por Matt Tyrnauer y ganador de varios premios, donde por primera vez se captaba al ser humano detrás del imperio de moda: un hombre renacentista en toda la extensión de la palabra que, literalmente, reina en el Olimpo de los Dioses de la Alta Costura. Y del jet set.

Pero también por primera vez se pudo observar a otro personaje, su más cercano colaborador, socio, partner, y amigo, Giancarlo Giammetti.

Por supuesto que su círculo íntimo lo conoce a la perfección, le atribuye de forma unánime el éxito del gran modisto y lo culpan, entre risas y bromas, de la fama desbordante de Valentino, pero fuera de su círculo cercano, Giammetti era un perfecto desconocido. Era. Tras el éxito del documental, este hombre —igualmente bronceado— sale a la luz como la pareja de Valentino, el cerebro detrás del genio, el artífice del imperio de moda, su cómplice más cercano. En el filme vemos cómo, con lágrimas en los ojos y la voz entrecortada, un orgulloso Valentino agradece a Giancarlo Giammetti al recibir la condecoración de la Legión de Honor del gobierno francés. “Sin él, nada de esto sería posible”. Giammetti entonces se seca una lágrima, sonríe en un segundo En los inicios de su relación. plano, y mueve la cabeza minimizando el gesto de su socio de más de 40 años.

Pero se ensancha como pavorreal. Sabe que la gratitud es bien merecida. Y de la noche a la mañana, la pareja de Valentino es tan mediática como el diseñador mismo.

Luego Giammetti decide contarlo todo, pero no a manera de una autobiografía, sino a través de las miles de imágenes que durante la vida compartida con Valentino ha ido recopilando. PRIVATE es su diario personal, una especie de scrapbook donde se reproducen, literalmente, las páginas de las agendas de Giancarlo. Todas las fiestas, los veranos a bordo del yate, las navidades en Gstaad, tras bambalinas de desfiles y demás eventos privados. Y toda su “tribu”.

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con madonna y gwyneth Paltrow.

Tal vez la sorpresa para todos los que no forman parte de este círculo íntimo y blindado de Valentino y Giammetti, es saber que fueron novios durante doce años, de 1960 a 1972, pero después rompieron el affaire y continuaron siendo socios en el negocio y cómplices en la vida. “Somos como hermanos, y quien nos conoce sabe que moriríamos el uno por el otro”, cuenta Giammetti.

A partir de entonces han creado esta tribu, como la llama Giammetti, de amigos íntimos que hoy son una verdadera familia. Esta tribu se compone de colaboradores cercanos, ex amantes, sus hijos, algunos miembros de la realeza, artistas de cine, y nuevos amores. Todos ellos expresan completa y absoluta devoción por el Emperador, y adoración por ambos. “Somos una familia”. Y de eso no queda duda.

Uno de ellos es el muy carismático Carlos Souza, a quien el diseñador y su socio conocieron durante el carnaval de Río de Janeiro en los años 70. “Estaba bailando junto a nosotros en el club de moda de entonces, el Hippopotamus, y Valentino se enamoró de él”. A pesar de que Souza era entonces modelo y pasaba su tiempo entre Tokio, París y Nueva York, encontraban siempre el

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tiempo para verse. Para ese entonces Valentino y Giammetti ya no estaban románticamente involucrados, y adoptaron de inmediato a Souza. Durante años los tres fueron cómplices inseparables y Carlos comenzó a trabajar para Valentino, llegando, eventualmente, a llevar Relaciones Públicas de la firma.

Y sigue ahí hasta el día de hoy, a pesar de que ambos, Valentino y Giammetti, están retirados. Cuando Carlos Souza se incorporó a la tribu fue el momento en que el Imperio de Valentino comenzó a crecer como nunca, volviéndose una marca reconocida en todo el mundo y vendiendo franquicias a diestra y siniestra. Años más tarde, Souza contrajo matrimonio con la socialité brasileña-francesa Charlene Shorto, y tuvieron dos hijos, Saun y Anthony. Al poco tiempo el matrimonio se disolvió pero esta familia completa sigue siendo el núcleo más cercano de Giammetti y Valentino, quienes son padrinos de los chicos y vacacionan juntos siempre. Del clan —o tribu— también son parte Rosario Nadal, Anne Hathaway, Marie Chantal Miller y Pavlos, los príncipes de Grecia, Gwyneth Paltrow, Elizabeth Hurley, Nati Abascal y Georgina Brandolini.

Quizá quien más representa la dinámica

de fiesta con Andy Warhol y Elton John.

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moderna del grupo sea su más nuevo miembro, Bruce Hoeksema, quien es la actual pareja del diseñador y gran amigo de Giammetti. Éste llegó al imperio de moda como modelo, y al poco tiempo se convirtió en asistente personal de Giancarlo y amante de Valentino. En el libro, Giammetti último se refiere a Bruce como “el mejor de los amigos, y aún me salen lágrimas en los ojos cuando recuerdo la elegía que leyó en el funeral de mi madre”, además de que sabe manejar a la perfección los estados de ánimo de Valentino, quien no es una persona nada sencilla.

El universo de Valentino tiene, como un buen diamante, muchas caras, y a Giancarlo Giammetti le ha tocado llevar la faceta del negocio, blindando al diseñador para que los problemas ni siquiera lo rozaran y pudiera dedicarse enteramente a la creación. Así es como Giammetti tomó por entero las riendas del negocio, y, con buen humor, recuerda a una amiga que en su momento le dijo: “su empresa es tan exito-

Jackie onassis pasea descalza por capri escoltada por giancarlo y Valentino.

sa porque la ha vendido mil veces sin jamás soltarla”. En cierta forma es verdad. En 1980 Giammetti necesitaba recursos, así es que vendió la marca a un norteamericano, Robert Kenmore, quien buscaba hacer un conglomerado de marcas de lujo y acababa de adquirir Cartier. Por 5 millones de dólares —hoy serían unos 20 millones— entregaron la marca, pero jamás el control. “Valentino realmente no se enteraba de las negociaciones, él seguía haciendo lo suyo, desde su misma oficina, con su mismo staff.

Yo era el que sudaba y no dormía por las noches”, recuerda hoy. Pero finalmente Kenmore no logró concretar el negocio, y perdió su anticipo, cosa que le dio un gran flujo a la empresa de moda. Algunos años

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FINALES

con meryl streep y Anne hathaway en una escena de la película El diablo viste a la moda.

después, Giammetti volvió a vender la empresa en el 2002 a un consorcio de la familia Agnelli, al que pertenecían la marca de llantas Pirelli y el Diario Corriere della Sera, entre otras.

Pero los directores decidieron que la industria de la moda no tenía gran futuro y vendieron, a su vez, la casa de Valentino a otra firma llamada Permira, en el año 2007. Afortunadamente Giammetti había blindado tanto sus intereses como los de Valentino, quienes no perdieron nada en estas transacciones de negocio al contrario, se fortalecían dentro de la industria. Finalmente, cuando en el año 2008 Valentino decide retirarse como diseñador de la casa que lleva su nombre, Giancarlo ya había entrevistado a varios diseñadores que podrían sustituir al Emperador. La elegida fue Alessandra Facchinetti, quien venía de Gucci.

El grupo Permira la despidió de una forma contundente tan sólo dos años después. Hoy los encargados de diseñar las colecciones son Maria Grazia Chiuri y Pierpaolo Piccioli, quienes durante años fueron los encargados de los accesorios bajo la tutela del mismo Valentino.

El verano antes de que el Emperador se retirara, Giancarlo Giammetti decidió hacerle

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el homenaje más importante de su historia, en Roma, su ciudad natal. Fueron cinco días de fiestas, exposiciones, pasarelas y celebraciones sin precedentes. Personajes de todos los rincones del mundo acudieron a darle el último aplauso sobre la pasarela al Emperador Valentino, y éste se lució como nunca antes.

Al mismo tiempo se montó una magna exhibición con sus creaciones más representativas en el Museo Ara Pacis, seguido de una cena de gala en el Palacio Villa Borghese y el gran día se festejó en el mismísimo Coliseo, con una escenografía digna de película, así como un ballet suspendido en el aire. Giammetti recuerda que le prometió a Dios no volver a fumar si todo salía bien. ¡Y no ha prendido un cigarro desde entonces!

La vida del retirado Emperador de la moda sigue tan activa como siempre, pero ya sin el estrés de las colecciones. Diseña solamente por encargos muy especiales, como el vestido de novia de la princesa Magdalena de Suecia o el de Tatiana Santo Domingo, quien se casó el pasado enero con Andrea Casiraghi, hijo de Carolina de Mónaco. Sus palacios siguen siendo los anfitriones por ex-

a ss oulin e newton 35, Polanco, méxico d.F. T. (55) 5281 0568

dEtrás dE Un grAn hombrE, hAy Un grAn giAncArlo giAmmEtti

celencia de las mejores fiestas del jet set y la realeza, así como de estrellas de la pantalla y, por supuesto, de sus amigos íntimos, que cada día son más. Su yate continúa navegando las olas del mar Egeo, con Giancarlo Giammetti al timón, y un buen grupo de atractivos amigos tomando el sol, copa de champaña en mano. Su legado hoy se exhibe en un museo colindante a su palacio de las afueras de París, que Giammetti ha creado y dirige meticulosamente, resguardando cada boceto, cada muestra de tela y cada vestido.

A manera de reflexión dice Giancarlo Giammetti que cuando Valentino comenzaba a ser reconocido en el mundo de la Alta Costura, muchos lo comparaban con Yves Saint Laurent, quien era el gran diseñador y mito de esa época.

La pareja de éste, Pierre Bergé, inclusive fingía no saber de la existencia de Valentino. Pero hoy vemos cómo la imagen del mítico Saint Laurent ha quedado lejana al hombre, pues Bergé se ha dedicado a

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El conocido "rojo Valentino" presente en cada aspecto de su vida.

comercializar con ella, sin importarle mucho el legado de su maestro. “Yo he vivido y vivo para Valentino, su nombre, su herencia creativa… su vida es su testamento, y yo me encargaré de que ésta sea inmortal”, ha dicho Giancarlo.

Este libro es una probadita de esa vida, de ese legado, visto a través de los ojos de un hombre que, cámara fotográfica en mano, retrató —y lo sigue haciendo— a un ícono de nuestro tiempo, a un genio, al último Emperador.

bronceándose a bordo del tm blUE onE.

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FINALES

el Coleccionista por Rodrigo Rivero Lake

El Ramayana En esta historia, el héroe Rama transita por momentos en que la tentación y las diversas circunstancias lo llevan a luchar contra el mal y a experimentar debilidad, duda o frustración.

l Ramayana es una de las dos famosísimas historias épicas de la vasta literatura hindú y una de las más bellas de la literatura universal. La fecha de su creación se sitúa alrededor del siglo iii a.C. Escrita en sánscrito, nos permite gozar de una serie de figuras en planos diversos y de descripciones sobre la naturaleza que explican estados de ánimo e intervenciones divinas ocasionales, con sus actuaciones y resultados a nivel humano. ❡ Rama, el héroe principal, es considerado dentro de la religión hinduista una de las diversas encarnaciones del dios Vishnu, el cual ha adoptado diversas formas para hacer sus apariciones. Una de ellas es Anantasayin, señora del cosmos, donde es creado el sueño “maya” —o la ilusión— dándole con ella a todos los seres de la creación, sus actuales formas temporales. ❡ Rama, el príncipe, es el heredero de la corona de Ayodhya y con su actuar salva nuevamente a la humanidad de la opresión de las diversas fuerzas del mal, tanto exteriores como interiores, las cuales son vencidas durante esta bella historia en las actitudes humanas, en sus debilidades, en los diálogos, en las batallas y, sobre todo, en los profundos dolores de las separaciones que todo ser humano sufre durante su vida; dolores que aquejan al alma y que son brillantemente manejados en una forma simple y humana en esta magistral obra. ❡ Recordemos la aparición de los dioses en diversas religiones dentro del género humano, donde actúan y participan de las debilidades, pero en las que siempre son el poder divino. Así, en esta historia, Rama pasa por momentos en que la tentación y las diversas actuaciones lo llevan a luchar contra el mal y a experimentar momentos de debilidad, duda o frustración, en los cuales los patrones de conducta positiva lo conducen a actuar en forma justa. Dirigido siempre por una fuerza divina que ha sido fuente inspiradora para sus seguidores y que en la búsqueda por obtener estos divinos beneficios han imitado a este arquetipo. ❡ Rama es el ejemplo divino de rectitud frente a las vicisitudes de la vida. Sita —su esposa, la no-heroína, gran mujer— actúa a un nivel manejado por las debilidades humanas y así, tiene destellos de frivolidad y un carácter fuerte y decidido que hacen de su actuación el papel de la gran mujer com-

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pañera, patrón a seguir. ❡ Rama nace heredero de la corona y, siendo querido y deseado por todo su pueblo, debe abdicar al trono a favor de Bharata, su medio hermano, por la promesa hecha a su padre de heredarlo. Acompañado por Sita, su esposa, y por Laksmana, su fiel hermano, huyen al bosque por 13 años, un mundo fantástico, místico y espiritual donde los demonios intentarán perturbar las nobles intenciones de Rama. Sita, en una debilidad de vanidad, es raptada por el rey Ravana de Lanka, quien se la lleva volando por los aires. Hanuman, el rey de los changos, descubre el escondite y pone su ejército a la orden de Rama. Ambos realizan prodigios para vencer a los demonios, que tenían la facultad de cambiar de forma a voluntad con sorprendentes trucos mágicos, venciendo el bien después de innumerables sufrimientos. ❡ Rama y Sita regresan a su reino y Rama es coronado rey. Por años, su gobierno es feliz hasta que el mal, a través de las lenguas de los débiles, hace correr el rumor y la duda. ¿Sita habría podido resistir a los encantos de Ravana durante su cautiverio? Rama pide a Sita que lo abandone, ya que un rey no puede gobernar con algún rumor de duda de su probidad. Nuevamente en el bosque, Sita da a luz a los hijos de Rama. Valmiki toma el cuidado de los niños y, al contarles las aventuras del rey Dios, escribe la historia y hace nacer la tradición de esta joya literaria. ❡A través del tiempo, el Ramayana ha tenido variaciones y adaptaciones de acuerdo a la idiosincrasia del lugar en el que se desenvuelve. India es uno de los tres grandes de la cultura universal, al igual que Roma y China. Y su influencia ha abarcado al mundo entero. Así, en el momento de haber vencido la batalla, Rama recibe a Sita con júbilo, mas en la versión que se sigue en India, llega a dudar de la fortaleza de Sita durante su cautiverio por Ravana. Sita, al ser rechazada, pide una hoguera en la cual trata de inmolarse, mas el Dios del Fuego, conociendo su honestidad, se niega a quemarla. ❡ Hanuman es el rey de los changos, pero posee la facultad de hablar. Sus batallas contra el mal son recordadas en todo lugar influenciado por la cultural hindú. En Angkor, Cambodia, sus hazañas están talladas en vastos relieves, donde hordas de changos atacan al mal para matarle en todas sus formas. Su figura es constantemente adorada en los templos hinduistas. Su actuación siempre es desinteresada, y lleva la fuerza y el arrojo que da el saber. Sus

el coleccionista

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Vishnu y Uma, Bronce Palavha, sur de india, s. XiV.

actos están en armonía con el sentir del Universo, como el prototipo de la amistad. ❡ La sabiduría del Ramayana es inmensa y aquí acabamos donde éste empieza: ¡Oh hombre! Yo soy el demonio guerrero Indrajit (hijo de Ravana), el difícil de ver. Por encantamien encantamientos peleo, invisible, escondido de tu vista. Ataco detrás de los vientos salvajes, de los malignos pensamientos; apago muchas luces que son dejadas sin atención. Te conozco y sé que las buenas acciones hechas durante la vida serán tu único escudo, cuando debas morir y atravesar sólo el camino hacia la otra vida. Durante la noche podrá esconderte del sol; pero nunca de tu propio corazón —donde vive el dios Narayana (la trinidad); el mundo entero aguarda tus acciones, por lo que perdonar es Dharma (ley, esencia de las cosas).

Y más adelante este maravilloso relato continúa: …Valmiki, el poeta, bajó la mirada y vio en su copa hacia el pasado. Ante sus ojos apareció la imagen y pensó que el mundo era como un suave veneno.

Los hombres aparecían viviendo de mentiras, pero sin saber hacia qué caminos les conduciría esto. Los días estaban hechos de ignorancia y duda, y de abortos de decepciones e ilusiones. Pero en el agua vio un sueño, una oportunidad y una gran aventura. Valmiki confió en la verdad y olvidó el resto; encontró al universo entero como una brillante joya firmemente montada en perdonar y así mantenida por el amor. Desenreda tu corazón: abandona el coraje, créeme, tus días están contados; has una decisión rápida, pues ni existe ni existirá otra. Camina conmigo, aclara rápido tu corazón y camina hacia el creador mientras nos quede tiempo.

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FINALES

Periferias

por ana Terán

ilustración: Yurex Omazkin

No hay color eN la belleza

La actriz de moda en Hollywood es mucho más que eso; es una mujer con una historia que inspira a su género y que tiene paralelos con personas de todas partes del mundo.

Lupita Nyong’o llamó mi atención antes de que su merecimiento del Oscar como mejor actriz de reparto por 12 Years a Slave —primer largometraje en el que actuó— la catapultara a la fama mundial de la noche a la mañana. Supe de su existencia hace meses, cuando una amiga subrayó las contingencias, poco comunes, con que el azar entrecruza el origen de la actriz y uno de mis descendientes: Lupita nació en esta capital cuando su padre —keniata— era profesor invitado en el Colegio de México; y uno de mis hijos nació en Kenia, cuando el suyo contribuía al diseño de la capital del vecino país de Tanzania. Los padres le dieron a la recién nacida el nombre más mexicano de todos: el diminutivo de la guadalupana; y el nuestro ha hecho del suyo, que proviene de la región a orillas del Lago Manyara, su distintivo por antonomasia. Lupita regresó a la patria de sus ancestros con apenas un año, misma edad que mi vástago al Distrito Federal.

Pero hay otra casualidad aún más infrecuente: mi hijo, que rema a contracorriente desde que llegó al mundo, jura que habría 1. Master in Fine Arts.

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dado lo que fuera porque el color de su piel hubiera sido oscuro. Aseveración que denota su proclividad por las causas difíciles, por esas realidades del mundo que urge cambiar.

Y Lupita, con la razón del dolor infligido en carne propia, desde muy niña rezaba por las noches —después de comprobar en la tele que su fisonomía distaba años luz del prototipo de belleza dominante allende África— porque Dios, a cambio de sus sacrificios infantiles (ya no robarse terrones de azúcar antes de dormir, obedecer a su madre sin chistar y no volver a perder su suéter en el colegio…), le concediera el milagro de amanecer al día siguiente con la tez más pálida.

Esta hermosa joven, que rememora las estilizadas esculturas en ébano de la tribu Makonde, ataviada en un soberbio traje de Giambattista Valli, confesó en el séptimo almuerzo Black Women in Hollywood de la revista ESSENCE, la frustración que experimentaba cada mañana frente al espejo al verificar que su piel no se había aclarado, y recordó las palabras que su madre solía repetirle entonces: “La belleza no se come,

hija, no te alimenta”. Aquel mediodía, nominada ya por la Academia, frente a las cámaras del mundo, hizo suya la tesis de su progenitora: “La belleza no es algo que pueda adquirirse, consumirse, no se puede depender de ella para mantenerse vivo”.

Aunque en esta red de correspondencias es obvio que la fama diferencia abismalmente a una y otro, otra más los hermana: los dos se prepararon para entrar a terrenos del cine: ella estudió una maestría en la Yale School of Drama, él una MFA1 con especialización en dirección de cine en Columbia University, y cada uno, desde su respectiva trinchera, lanza historias que, desde la pantalla, aspiran a mover conciencias.

Y es sobre todo por eso, que esta madre se afilia a la de Lupita Nyong’o, fraterniza con ella en la sentencia que inspiró a su hija para cerrar su discurso: “Lo que nos nutre, lo que es fundamentalmente bello, es la compasión por uno mismo y por los que nos rodean. Esa belleza inflama el corazón y encanta el alma. Esa belleza no tiene color”.

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FINALES

el Libro

por: La Redacción

casa palacio

Centro Comercial Antara México, D.F. T. (55) 9138 3750 casapalacio.com.mx

casa_palacio casa_palacio

librería rizzoli

Newton 35, Polanco México, D.F. T. (55) 5281 0568

isabella sabella Blow: Fashion Galore!

La hermosa tragedia de la moda

A principioS de loS AñoS 90, Isabella Blow llevó a Michael Roberts, editor de moda de Vanity Fair, a un sótano que olía peor que un basurero. Roberts se quejó, pero después comprendió que lo que había ahí era una joya: la primera colección de Alexander McQueen. Así era la gran Isabella Blow, ni musa ni editora, sino una experta en descubrir talento. Publicado por Rizzoli, en conjunto con el centro cultural londinense Somerset House para acompañar la muestra de prendas y objetos de Blow, el libro es más que un catálogo: es una celebración de la colección personal de la aristócrata. Las fotografías de Nick Knight, tomadas en la que hubiera sido la residencia de Blow si no hubiera sido desheredada, tienen un aire fantasmal como el que ella dejó tras su muerte. Este tomo es una fiesta para compartir su enorme colección porque, como dijo alguna vez su gran amiga Daphne Guinness, más allá de sus sombreros era su generosidad lo que realmente la hacía destacar en el mundo en que se movía.

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