Helina Metaferia, Art has the power to transform society

L'art et son pouvoir de transformer la société

INTERVIEW WITH / AVEC MATHILDE LEPERT

HELINA METAFERIA EST UNE ARTISTE INTERDISCIPLINAIRE NÉE À WASHINGTON DC. ELLE ALLIE DANS SON TRAVAIL DIFFÉRENTES TECHNIQUES COMME LE COLLAGE, LA PEINTURE, LA SCULPTURE, LA VIDÉO, LA PERFORMANCE, AINSI QUE LA RECHERCHE UNIVERSITAIRE ET L’ORGANISATION DE PLATEFORMES D’ÉCHANGES PARTICIPATIVES. ELLE NOUS PARLE DE SA MISSION D’INITIER UN DIALOGUE AVEC LE PUBLIC À TRAVERS L’ART.

- Votre art est politique, vous abordez des sujets liés à la « race », à l’identité, au genre, à la migration. Pensez-vous que l’art soit une arme puissante pour générer des changements politiques et sociaux ?

Je crois au pouvoir transformatif de l’art, sinon je ne m’y investirais pas autant. Le rôle de l’artiste producteur de culture est d’être une capsule du temps présent, tout en imaginant les possibilités futures. Lorsque nous mettons en perspective nos expériences personnelles avec l’état du monde actuel et de la société, notre discours individuel entre automatiquement dans le domaine du public et fait allusion au politique. Ce processus est puissant, car il offre aux individus de multiples opportunités d’entrer en conversation, plus encore que les livres, les articles ou autres méthodes d’analyse. Tout art a ce potentiel, les objets d’art (peinture, collage, sculpture) comme les expériences artistiques (performance, pratique sociale, art du temps).

- Votre père était professeur en sciences politiques et votre mère Présidente du Center for the Rights of Ethiopian Women (CREW). Pouvezvous nous parler de votre enfance dans cet environnement très actif sur le plan politique ?

On peut dire que j’ai grandi dans un foyer « woke 1 », terme utilisé de nos jours pour décrire ce type d’environnement. Mes deux parents étaient des expatriés éthiopiens politiquement actifs, et nous vivions dans la région métropolitaine très politisée de Washington DC. Mon père professeur a écrit plusieurs livres sur la politique éthiopienne et intervenait régulièrement à la télévision, la radio et dans les journaux éthiopiens. Ma mère a participé, avec d’autres femmes de la diaspora éthiopienne, à la création d’une association pour la défense des droits des femmes et des enfants. Cette association lutte pour mettre fin au mariage des enfants, à la traite des éthiopiens au Moyen-Orient ou pour libérer les prisonniers politiques. Quand j’étais jeune fille, je me souviens avoir assisté à plusieurs manifestations au Capitole avec l’association de ma mère, où je prenais soin des bougies et des pancartes. Faire partie de ce genre de famille était enrichissant mais aussi écrasant. Je ne me voyais pas devenir de sitôt un « petit soldat » activiste, quelle que soit la révolution. J’ai tout d’abord cherché dans les arts un échappatoire aux fardeaux de ce monde. Malgré tout, dès mon plus jeune âge, mes œuvres étaient empreintes de références politiques, historiques et culturelles, qui apparaissent aujourd’hui comme le prolongement de la recherche et de l’engagement de mes parents contre les injustices sociales. Je n’ai pas échappé à l’influence de mon environnement. Ma mère est décédée il y a trois ans. Depuis sa disparition, je remarque que mon travail devient de plus en plus politique. Je pense que c’est une façon de me rapprocher d’elle en son absence. Son dévouement m’a toujours inspiré et, en fin de compte, m’aide à faire face au chagrin.

- Quelles personnalités vous inspirent le plus ?

Je suis inspirée par le fait de voir des personnes surmonter l’adversité avec grâce et avec la sagesse qui en découle. Je pense que c’est la raison pour laquelle une partie de ma pratique est engagée socialement. J’aime créer des espaces de partage communautaire et enseigner, car le dialogue a le pouvoir de conduire à l’empathie. Je m’inspire également des gens qui trouvent du sens aux contradictions de la condition humaine et qui sont capables de déconstruire les préjugés qui entourent les idées sur la race, le sexe et la sexualité, à travers un langage écrit et visuel. J’aime la façon dont James Baldwin, Toni Morrison et Audre Lorde utilisent les mots pour changer notre regard sur des questions chargées émotionnellement. Je suis émue lorsque je vois l’art de Betye Saar et Howardena Pindell, ou interpellée par le concept des œuvres d’Adrian Piper et David Hammons. Les films douloureux de Haile Gerima et Julie Dash me motivent.

- Pouvez-vous nous en dire plus sur l’importance du corps dans votre travail artistique ?

J’ai commencé ma pratique artistique dans la peinture figurative. Ce n’est qu’après mes études supérieures que j’ai commencé à utiliser mon propre corps dans ma pratique artistique, comme un médium en soi, par le biais de la performance et de ses dérivés. C’était la façon la plus directe de traiter les questions d’identité parce que mon identité se construit à l’intérieur de mon corps. Aucun corps n’est neutre (chaque corps a une certaine hauteur, taille, couleur, forme, sexe, etc). Puisque l’identité fait partie du corps et que le spectateur projette sa perception de l’identité sur le corps, le dialogue sur la race, le sexe et l’ethnicité a lieu sans que j’aie à le suggérer.

- Pourquoi reliez vous les deux villes Washington DC et Addis-Abeba dans plusieurs de vos œuvres, comme « Weaving Capitals » en 2015 ?

En tant qu’artiste de la diaspora, je me retrouve souvent dans une forme d’identité hybride. Je suis née à Washington DC, qui est la ville avec la plus grande communauté d’Éthiopiens en dehors de l’Éthiopie. Mes parents ont émigré d’Addis Abeba pour y vivre. Ils partageaient souvent leurs souvenirs nostalgiques et romancés de l’Éthiopie avant la révolution de 1974, car mon père ne pouvait y retourner en toute sécurité, jusqu’à récemment. J’ai en quelque sorte hérité de cette nostalgie de la diaspora envers une patrie où je n’ai jamais vécu. Comme beaucoup d’enfants de la diaspora, je me suis construit une identité basée sur la notion d’entre-deux. En Amérique, je me sens de culture éthiopienne, ayant grandi avec cette culture. En Éthiopie, je me sens très américaine, car je n’ai pas de liens physiques avec l’Éthiopie. En 2015 je suis allée dans les deux capitales pour rassembler des histoires orales et développer ma recherche sur les performances en direct, les installations et l’art vidéo. Je me suis entretenue avec plus de quarante personnes qui ont fait des aller-retours entre Addis-Abeba et Washington DC dans le cadre du projet. Ils ont alors exprimé divers points de vue sur leur sentiment d’appartenance à l’une ou l’autre nation. Les opinions divergeaient grandement. Certaines personnes ne souhaitaient plus quitter l’Éthiopie parce qu’elles se sentaient stressées aux États-Unis et n’y trouvaient pas les valeurs qu’elles recherchaient. À l’inverse certaines personnes ne voulaient plus revenir en Éthiopie à cause du manque d’opportunités, de l’homophobie, etc. Après avoir interviewé les participants, j’ai transformé leurs histoires en une enquête artistique sur les notions de foyer dans notre société de plus en plus mondialisée. Les récits étaient ceux des Éthiopiens-Américains, pourtant, la réussite du projet a tenu à sa capacité à transcender cette spécificité pour s’intéresser de manière plus générale aux inquiétudes liées au sentiment d’appartenance à un lieu.

- Quels sont vos prochains projets ?

Mon prochain projet sera l’examen de l’histoire de l’art et de l’esthétique en Afrique, avec l’appui de quelques musées qui abritent d’importantes collections d’art orthodoxe éthiopien. En tant qu’artiste éthiopienne-américaine élevée et éduquée en Occident, je me suis donné pour mission de modifier les discours biaisés de l’histoire de l’art qui mettent l’accent sur l’exceptionnalisme occidental. Je veux avoir la chance d’être imprégnée de la richesse de l’histoire de l’art africain. Je suis en train de développer une série d’œuvres avec des collages et de la peinture, et des œuvres performatives qui offrent un regard contemporain sur ces formes d’arts traditionnels. L’œuvre reste ancrée dans le corps tout en croisant des histoires séculaires et politiques avec l’iconographie religieuse traditionnelle. Il s’agit de la suite d’une œuvre récente intitulée "Refiguring the Canon", qui sera présentée à AKAA cette année.

Helina Metaferia Out Of The Palm Of My Hands collaged paper, 2019 210 cm x 56 cm

© Helina Metaferia and NOMAD GALLERY BRUSSELS

Art has the power to transform society

HELINA METAFERIA IS AN INTERDISCIPLINARY ARTIST BORN IN WASHINGTON, DC. SHE MIXES DIFFERENT TECHNIQUES SUCH AS COLLAGE, PAINTING, SCULPTURE, VIDEO, PERFORMANCE, AS WELL AS RESEARCH AND THE ORGANIZATION OF PARTICIPATORY PLATFORMS. SHE TELLS US ABOUT HER ROLE TO OPEN A CONVERSATION WITH THE PUBLIC THROUGH ART.

- Your art is political, it interrogates ‘race’, identities, gender, migration. Do you think that art is a powerful weapon for political and social change?

I am a believer of the transformable possibilities of art — or else I wouldn’t be that invested in it. The artist role as a cultural producer is to serve as a time capsule for the present moment and as a visionary for future possibilities. When we begin to connect our personal experiences to social and global circumstances, it puts our singular narrative into the realm of public discourse, and innately alludes to the political. This can be powerful, as it offers more subjective opportunities for entry into a conversation than books, articles, or other analytical routes can provide. All art has this potential, from art objects (i.e. painting, collage, sculpture) to art experiences (i.e. performance, social practice, time based art).

- Your dad was a teacher in political science and your mom President of the Center for the Rights of Ethiopian Women (CREW). How was it to grew up in this very politically active environment?

I guess you could say I grew up in a “woke 1 ” household, which is the term used these days for that kind of thing. Both of my parents were politically active as Ethiopian expats, and we lived in the highly politicized metropolitan region of Washington, DC. As a professor, my father wrote books on Ethiopian politics and spoke regularly on this subject matter for Ethiopian TV, radio, and newspapers. My mother helped found an organization with other women in the Ethiopian diaspora to advocate for the rights of women and children — such as ending child marriage, freeing political prisoners, and ending human trafficking of Ethiopians in the Middle East. As a young girl, I remember attending many protests on Capitol Hill that my mother’s organization would put together, caring candles or signs with them. Being a part of that kind of household was enriching but also overwhelming, and I didn’t see myself as a “foot soldier” activist for any revolution anytime soon. When I entered the arts, I saw it as an escape from the burdens of the world. However, even from a young age, my artwork always had political, historical, and cultural references that feel like an extension of my parent’s research and commitment to social justice. I couldn’t help but be influenced from my environment. My mother passed away three years ago, and at that time I notice my work getting increasingly political. On a personal note, I suppose it was my way to connect to her in her absence. Her dedication to service always inspired me, and at the end of the day it helped me deal with my own grief.

- Who are your greatest inspirations?

I am mostly inspired by watching ordinary people overcome adversities with grace and the wisdom that forms from this. Witnessing strength and resilience unfold in everyday people and hearing their stories gives me hope and restores my faith in humanity. I guess that’s why a part of my practice is steeped in socially engaged experiences. I enjoy creating platforms for communal sharing, knowing that the power of dialogue can lead to empathy. This is probably also why I teach as well. I am always humbled by watching people grow and develop, and it certainly feeds my own artistic practice. I am also inspired by people who can articulate the contradictions of the human condition, as well as deconstruct race, gender, and sexuality, through written and visual language. I love the way that James Baldwin, Toni Morrison, and Audre Lorde use words to describe new ways of looking at loaded issues. I feel moved when I see visual art by Betye Saar and Howardena Pindell, or challenged conceptually (in a good way) by the work of Adrian Piper and David Hammons. I feel motivated through the historically poignant films of Haile Gerima and Julie Dash. A large part of my artistic practice includes spending time going to art exhibitions, reading, writing, and thinking before I conceptualize an artistic project.

- Can you tell us more about the body as an artistic medium in your work?

I began my artistic practice as a figure painter. It wasn’t until my graduate studies that I began using my own body in my artistic practice, as a medium in itself via performance and its relics. I felt that it was the most direct way to handle issues on identity because my identity is built within the medium. No body is neutral — each body comes with a certain height, size, color, shape, gender, etc. Since identity is a part of the material itself and gets projected onto it by the viewer, we are already having a conversation about race, gender, and ethnicity, without me having to imply it. My job as the artist and subject is to complicate that conversation and bring out possibilities within this tension. When I perform live, that tension happens in real time and constructed through action. When I perform on paper via mixed media collage, that tension happens once removed and constructed through images. Either way, I am challenging the audiences gaze on the black female body and its politics within space as a continuum of a larger history of artworks where the artist vulnerably brings their body to the foreground as subject and object.

- Can you explain why you link the two cities Washington, DC and Addis Ababa in some of your performance and video works, like ‘Weaving Capitals’ in 2015?

As a diaspora artist, I often find myself in hybridity. I was born in Washington, DC, which has the largest community of Ethiopians outside of Ethiopia. My parents immigrated there from Addis Ababa and often romanticized their nostalgic memories of Ethiopia before the 1974 revolution, since my father couldn’t return there safely until recently. As their daughter, I somehow inherited this diaspora longing for a homeland I never lived in. Like many children of the diaspora, I have constructed an identity for myself based on the notion of inbetweenness. In America I feel very Ethiopian, having grown up with the culture. In Ethiopia I feel very American, having grown up without physical ties to the country. In 2015 I traveled to both capital cities, gathering oral histories and developing the research into live performances, sculptural installation, and video art. I interviewed over forty people who have migrated back and forth for the project and who offered various views on their sense of belonging to either nation. The opinions ranged greatly. Some people never wanted to leave Ethiopia again because they deemed the United States to be too stressful or without the values they were seeking. Some people never wanted to enter Ethiopia again because of a lack of opportunities, increased homophobia, etc. After interviewing the participants I transformed their stories into an artistic investigation of the notions of home in our increasingly globalized society. Though the narratives were specific to Ethiopian-Americans, I found that the success of the project was in its ability to transcend this specificity and become more open ended to the general anxieties of belonging.

- What are your next projects?

My next project will be an examination of African art history and aesthetics, with the support of a couple of museums that house prominent Ethiopian Orthodox art collections. As an EthiopianAmerican artist who was raised and educated in the west, it has been a personal mission to shift the skewed narrative of art historical canon’s that emphasize western exceptionalism. I want to have the chance to steep myself in the richness of African art history. I am developing a series of mixed media collages/paintings and performative work that provide a contemporary spin to these traditional art forms. The work is still grounded in the body, but in a way that intersects secular and political histories with traditional religious iconography. This is a continuation of a recent body of work, titled Refiguring the Canon, which will be on view at AKAA art fair.

Helina Metaferia Flower Pot 2 collaged paper, 2019

124 cm x 68 cm (framed) courtesy the artist and NOMAD GALLERY BRUSSELS