Block Magazine - Issue 27

The 10th Anniversary Issue /

Le numéro du 10e anniversaire Looking back at 10 years of Block, plus Montreal’s Moment Factory and Jason Logan of The Toronto Ink Company make their mark. / Retour sur 10 ans de Block, plus Moment Factory à Montréal et Jason Logan de Toronto Ink Company apposent leurs marques.

Creativity has its place Issue 27 La créativité a sa place Numéro 27

Artist’s Block / Art en Block

Photo by / par Dexter Forbes–Wavelens Media

Cityscape by / de Camille Jodoin-Eng

BLOCK / 3

Contents / Table des matières

In This Issue /

Dans ce numéro ARTIST’S BLOCK / ART EN BLOCK Each issue, we ask an artist to create a block using the medium and approach of their choice. Cityscape by Camille Jodoin-Eng is made from two-way mirror, wood, papier mâché and melted glass. It depicts an abstract cityscape glowing within a reflective cube.

Inspired by the many creative people featured in Block over the years, Jodoin-Eng floated glass orbs throughout, like meandering spirits. / Dans chaque numéro, on demande à un artiste de créer en toute liberté une œuvre d’art façon bloc. Cityscape de Camille Jodoin-Eng, qui combine glace sans tain, bois, papier mâché et verre fondu, représente un paysage urbain abstrait miroitant dans un cube réfléchissant. Inspirée par ses prédécesseurs, elle lui a ajouté quelques billes de verre qui flottent dans les airs à la manière d’esprits vagabonds 3

ABOVE LEFT: Papier mâché and lint were added to the buildings. / CI-DESSUS : Papier mâché et tissu ouaté pour la confection des immeubles.

Photos by / par Camille Jodoin-Eng

RIGHT: Jodoin-Eng then gilded the buildings with metallic foils and lit them from below. / À DROITE : L’artiste les a ensuite enveloppés de papier métallisé et éclairés par en dessous.

3 CONTRIBUTORS / NOS COLLABORATEUR·TRICES Our extended (and extensive) community of writers, artists and photographers. / Notre belle et grande communauté de rédacteur·trices, artistes et photographes

6

THE STARTING BLOCK / BLOCK DE DÉPART Why Block? The impetus for the magazine plus interesting tidbits learned along the way. / Pourquoi Block? La première impulsion et les informations intéressantes glanées en cours de route 8

12 4

THE MOMENT / LE MOMENT Cheryl Catterall talks biophilic design at 1001 Robert-Bourassa in Montreal. / À Montréal, Cheryl Catterall introduit la biophilie au 1001, avenue Robert-Bourassa 12

Contents / Table des matières

10 YEARS OF ARTIST’S BLOCK / 10 ANS D’ART EN BLOCK Twenty-five artists’ blocks piled up over the past decade. / 25 blocs d’artistes empilés en une décennie 18

MAKE ROOM FOR THE ARTS / FAITES PLACE À L’ART A three-artist mural collaboration at an Edmonton intersection. / À Edmonton, un trio de muralistes colore un carrefour 38

THE CREATOR / LE CRÉATEUR Inkmaker Jason Logan makes pigments from Toronto-foraged ingredients. / À Toronto, Jason Logan fabrique ses encres à partir de récup’ urbaine 24

38

24

RETHINK / REPENSÉ Bringing rural daydreams THE CONVERSATION / LA CONVERSATION On the to the metropolis. / Réaliser ses rêves de musicality of cities and how they’re designed campagne à la ville 39 versus experienced. / On discute musicalité des villes et théorie versus pratique 30 THE BLUEPRINT / LE PLAN D’ACTION A miniature Allied building. Assemble it yourself! / NOW & THEN / D’HIER À AUJOURD’HUI Ten years of archival photo comparisons and Vancouver’s Un immeuble d’Allied version miniature 41 Dominion Building. / Dix ans de photos d’archives à assembler! et l’édifice Dominion de Vancouver 35 FILL IN THE BLANK / VEUILLEZ COMBLER L’ESPACE Katherine Lam’s urban infill is a watery feature. / La dent creuse et aquatique de Katherine Lam 43

35

43 BLOCK / 5

Contributors / Nos collaborateurs

It Takes a Village /

Il faut tout un village Over the years, hundreds of writers, artists and photographers have contributed to Block. Here, we recognize a fraction of them and offer infinite thanks. / Au fil des ans, des centaines de rédacteur·trices, artistes et photographes ont contribué à Block : en voici une partie. Avec nos mille et un mercis.

WRITERS / RÉDACTEUR·TRICES Navneet Alang Jason Anderson Bert Archer Sarah Barmak Sara Baron-Goodman Ryan Bigge Jake Bogoch Gordon Bowness Chantal Braganza Daniel Bromberg Alexandra Caufin Hunza Chaudhary Kevin Chong Elizabeth Chorney-Booth Bill Clarke Gabrielle Drolet Jane Farrow Jeremy Freed Catherine French Chris Frey Alison Garwood-Jones Ximena González Linda Hoang Jessica Johnson Joanne Latimer Yaniya Lee Sarah Liss Kristina Ljubanovic Kelli María Korducki Ossie Michelin Juliana Moore Christina Palassio Susan Peters Philip Preville Luc Rinaldi Mélanie Ritchot Lisa Rundle John Semley Courtney Shea Hannah Siklos 6

Naomi Skwarna Mark Slutsky Ivor Tossell Isa Tousignant Mary Tramdack Eric Vellend Stéphanie Verge Jeff Warren Audra Williams PHOTOGRAPHERS / PHOTOGRAPHES Amber Bracken LM Chabot ( Jolianne L’Allier Matteau and Alexandre Chabot) Regina Garcia Hudson Hayden Vanessa Heins Alexi Hobbs Jennilee Marigomen Jalani Morgan Cristian Ordóñez John Paillé Alana Paterson Andrew Querner Curtiss Randolph Andrew Rowat Derek Shapton Gabrielle Sykes Christopher Wahl Colin Way Simon Willms ARTISTS / ARTISTES Monika Aichele Michelle Ashurov Francesco Bongiorni Sam Brewster Marcos Chin Hudson Christie

Tavis Coburn Sara Cwynar Dean Drever Yvetta Federova Sara Graham Kellen Hatanaka Sam Island Kelly Jazvac Laurie Kang Karen Kraven Gracia Lam Jimmy Limit Jason Logan Chrissie Macdonald Wendy MacNaughton Simone Massoni Alex McLeod Kagan McLeod Olia Mishchenko Celia Perrin Sidarous Jeannie Phan Ciara Phelan Brian Rea Jonah Samson Leanne Shapton Gary Taxali Dasha Tolstikova Winnie Truong Naomi Yasui Shaheer Zazai LONG-STANDING COLLABORATORS / COLLABORATEURS DE LONGUE DATE Suzanne Aubin Catherine Connes Catherine Dean Jane Fielding Lesley Fraser Benjamin Leszcz Michael Nyarkoh Sarah Steinberg

Contributors / Nos collaborateurs

EDITOR-IN-CHIEF / RÉDACTRICE EN CHEF Kristina Ljubanovic

Hannah Macready is a Vancouver-based writer and journalist focused on business and technology (Rethink, p. 39). She is happiest when playing with her two dogs, Soup and Salad. / Économie et technologie sont les deux spécialités de la journaliste vancouvéroise Hannah Macready. Ce qu’elle aime le plus? Jouer avec ses chiens, Soup et Salad (Repensé, p. 39).

CREATIVE DIRECTORS / DIRECTRICES ARTISTIQUES Yasemin Emory, Whitney Geller, Jacqueline Lane MANAGING EDITOR / DIRECTRICE DE LA RÉDACTION Claire Reis COMMISSIONING EDITOR / RESPONSABLE DES COMMANDES Mélanie Ritchot EDITOR / RÉDACTRICE Helaena Pezzano

Sydney Loney (Now & Then, p. 37) is a writer, editor and journalism instructor. She has written for The Walrus, Maclean’s and The Globe and Mail and is currently the editorial director of Range magazine. / Rédactrice et enseignante en journalisme, Sydney Loney a écrit pour The Walrus, Maclean’s et The Globe and Mail.

Elle est actuellement directrice de la rédaction du magazine Range (D’hier à aujourd’hui, p. 37).

PHOTO & ILLUSTRATION EDITOR / ICONOGRAPHE Catherine Dean ASSISTANT PHOTO & ILLUSTRATION EDITOR / ASSISTANT ICONOGRAPHE Michael Nyarkoh DESIGNER / GRAPHISTE Julie MacKinnon TRANSLATOR / TRADUCTRICE Catherine Connes

This issue’s Artist’s Block and cover art are by Camille Jodoin-Eng, a Toronto-based artist who combines materials and elements like ink, discarded trash and light to create physical manifestations of the internal world. / Artiste torontoise, Camille Jodoin-Eng combine différentes matières à de l’encre, des déchets recyclés et de la lumière pour créer des manifestations physiques du monde interne (Couverture et Art en Block, p. 3).

Luis Mora is an artist and commercial photographer based in Toronto. He was born in Colombia and raised in the U.S. and Canada. His first self-published photo book is Say It With Flowers. He photographed (and foraged with) Jason Logan for The Creator (p. 24). / Artiste et photographe commercial torontois, Luis Mora est né en Colombie et a grandi aux États-Unis et au Canada. Son premier livre photo autopublié s’intitule Say It With Flowers. À travers son objectif, il a suivi Jason Logan dans sa chasse à la couleur (Le créateur, p. 24).

COPY EDITORS - PROOFREADERS / RÉVISEURES - CORRECTRICES Suzanne Aubin, Jane Fielding, Lesley Fraser ALLIED 134 Peter Street, Suite 1700 Toronto, Ontario M5V 2H2 Canada (416) 977-9002 info@alliedreit.com alliedreit.com WHITMAN EMORSON 213 Sterling Road, Studio 200B Toronto, Ontario M6R 2B2 Canada (416) 855-0550 inquiry@whitmanemorson.com whitmanemorson.com

BLOCK IS PUBLISHED TWICE A YEAR. / BLOCK EST PUBLIÉ DEUX FOIS PAR AN.

ILLUSTRATIONS BY / PAR KAGAN MCLEOD BLOCK / 7

The Starting Block / Block de départ

If you are an avid reader and consumer of Block magazine, first, thank you, and second, you may notice this issue is a bit different than the rest. / Si vous êtes un·e fidèle lecteur·trice de Block, premièrement, merci, et deuxièmement, vous avez dû remarquer que ce numéro est quelque peu différent.

Creativity has its place Fall 2013 Issue 2 / La créativité a sa place Automne 2013 Numéro 2

Creativity has its place Summer 2013 Issue 1 / La créativité a sa place Été 2013 Numéro 1

INCREDIBLY, this year marks the 10th anniversary

Creativity has its place Summer 2015 Issue 9 / La créativité a sa place Été 2015 Numéro 9

INCROYABLE mais vrai, Block a 10 ans cette année!

of Block. As our previous editor-in-chief, Ben Leszcz, Comme le dit Ben Leszcz, notre ex-rédacteur en noted, that is longer than the lifespan of many great chef, c’est plus long que la durée de vie moyenne de magazines. That kind of longevity merits a dose of nombreux magazines. Cette longévité mérite, vous Creativity has its place Creativity has its place Winter 2014 Issue 3 / Spring 2014 Issue 4 / Creativity has its place reflection and a soupçon of celebration. en conviendrez, une dose de réflexion et un soupçon Creativity has its place La créativité a sa place Spring 2016 Issue 12 / La créativité a sa place Creativity has its place Hiver 2014 Numéro 3 Spring 2015 Issue 8 / La créativité a sa place Printemps 2014 Numéro 4 Winter 2015 Issue 7 / La créativité a sa place Printemps 2016 Numéro 12 Before we close out 2023, thought, let’s take de célébration.

La créativité we a sa place Printemps 2015 Numéro 8 Creativity has its place Hiver 2015 Numéro 7 2016 Issue 13 / a moment — rather, an entire issue! — to look back and Fall Avant de conclure 2023, on a eu envie de prendre La créativité a sa place Automne 2016 Numéro 13 to look forward to the next 10 years with a special un moment—ou plutôt un numéro entier!—pour Creativity has its place Summer 2014 Issue 5 / edition that honours our cities and the creatives who jeter un coup d’œil dans le rétroviseur grâce à une La créativité a sa place Été 2014 Numéro 5 Creativity has its place has its place has its place 2017 inhabit them Fall/Winter and sustain theirCreativity vitality. éditionCreativity spéciale Spring/Summer 2017 Spring/Summer 2018qui met à l’honneur nos villes et les Issue 15 / Issue 14 Issue 16 / La créativité a sa place La créativité a sa place La créativitécréatives a sa place After all,Automne/Hiver that’s the force behind Block, its personnes qui participent à leur vitalité.

2017 driving Printemps/Été 2017 Printemps/Été 2018 Creativity has its place Numéro 15 Numéro 14 2018 Numéro 16 raison d’être. Published by Allied since 2013, initially Fall/Winter Car c’est bien là que se trouve la raison d’être Issue 17 / La créativité a sa place eachCreativity quarter and eventually biannually, the magazineAutomne/Hiver de Block.

Publié par Allied depuis 2013, chaque 2018 has its place Numéro 17 Spring/Summer 2019 Issue 18 / has always been a celebration of creativity and trimestre puis deux fois par an aujourd’hui, il a toujours La créativité a sa place Printemps/Été 2019 Numéro 18 community, of the knowledge-based industries that salué la créativité et la collectivité, les entreprises de Allied’s properties serve and beyond — to a broader la connaissance que sert le parc immobilier d’Allied pan-Canadian fellowship of artists, designers, et, plus largement, une communauté pancanadienne innovators, urbanists, industrialists and thinkers of d’artistes, de concepteurs, innovateurs, urbanistes, all stripes. industriels et penseurs de tous horizons.

Creativity has its place

Creativity has itsFall place 2014 Issue 6 / Fall 2015 Issue 10La/ créativité a sa place La créativité a sa place Automne 2014 Numéro 6 Automne 2015 Numéro 10

Creativity has its place Winter 2016 Issue 11 / La créativité a sa place Hiver 2016 Numéro 11

Over the course of 26 issues, THE ARTIST MICAH LEXIER Block has featured a plethora THE RADIO STAR THE INDUSTRIAL DESIGNER of subjects on its cover.

THE URBAN FARMER Inside Sid Lee / Hot Chocolatiers / The Comic King Creativity has its place Who else would you need Fall/Winter 2020 Chez Sid Lee / Maîtres Chocolatiers / Le Roi de la Bande Dessinée 21 Winnipeg’s Wonders / Hipster Heroes / TechIssue Revolutionaries Ubisoft’s HQ / Jimmy Limit / Apocalypsis Now for a functioning society?

Creativity has its place GOOGLE’S SPACE MAKER Winnipeg multifacette / Ces hipsters, nos héros / Les cyberévolutionnaires Fall/Winter 2019 The Pop-Up Office / Art Meets Wine Onstage Innovation La créativité a sa place Le/ QG d’Ubisoft / Jimmy Limit / L’épopée d’Apocalypsis (Albeit, we’re missing the Issue 19 Automne-hiver 2020 THE CRAFTSWOMAN Le / Bureau Pop-Up Dégustation d’Art et de Vin / Scène novatrice Numéro 21 La créativité a sa place all-important butcher, baker In Praise of Idleness­/­Snowy Style­/­The Gastro-Scientists Automne/Hiver 2019 Numéro 19 / and candlestick maker.)

L’Éloge du Farniente­/­Style Hivernal­/­Scientifiques Gourmets THE SOAPMAKER / Publishing’s Future THEATRE ARTIST Inside Breather / Hadley+Maxwell / Design Meets Business Pléthore de métiers se The Magic of Metric / Cowboy CoffeeTHE THE EXPERIENCE DESIGNER

The Puppeteer

Metric, comme par magie / Café façon Far West / L’avenir de l’édition sont invités en couverture Creativity has its place Film Set Secrets / Living Walls / The Future of Work Creativity has2020 its place des 26 numéros deSpring/Summer Issue 20 Dreamy Dresses / The Power of Play / Works on Paper Spring/Summer 2021 Secret de tournage / Murs vivants / L’avenir du travail Teenage Techies / The Bookstore’s Future / Inside Shopify Issue 22 Block. Qui manque-t-il THE FASHION VISIONARY Robes de rêve / Jeu de grands / Œuvres de papier La créativité a sa place Ados technos / Il était une fois une librairie / La boutique Shopify Printemps-été La créativité2020 a sa place au bon fonctionnement Numéro 20 Printemps-été 2021 Numéro 22 Inside Moment Factory / Building with Felt / In Praise of Clutter de notre société? (Mis à Kid Koala’s Chaos / Scenes of Summer / A Culinary Comeback Immersion dans Moment Factory / Jeu de feutrine / Vive la pagaille Le chaos de Kid Koala / Prises estivales / Retour culinaire en force part les indispensables THE POLYMATH boulanger·ères, boucher·ères et fabricant·es de bougies Inside eOne’s New Digs / Sci-fi Dreams / Public Art’s Future Dorian Fitzgerald / Binational Branding / Art vs. Commerce Nouveaux décors pour eOne / Science-fiction de rêve / L’avenir de l’art public parfumées.)

Dorian Fitzgerald / Marques sans frontières / Une affaire d’art

Au cœur de Breather / Hadley+Maxwell / Créativité rime avec commerce

The Impresario

The Entertainer

The Entrepreneur The Cultural Diplomat

The Connector The Nature Enthusiast Eventbase’s Home Base / The Joy of GSOFT / Wellness Gets Better Herbalist Gina Badger collaborates with plants chez Eventbase / Le bonheur selon GSOFT / Le bien-être va mieux TheBienvenue Curator-in-Chief Gina Badger, herboriste, collabore avec les plantes

Evans Hunt’s Old-School Charm / Inside MOCA / The Joy of Jargon

Creativity has its place Issue 25 Le charme désuet d’Evans Hunt / Visite du MOCA / La joie du jargon La créativitè a sa place Numéro 25 Ingels Builds / Omer Arbel Designs / Steve Zissou Lives Bjarke

Bjarke Ingels construits / Omer Arbel dessins / Steve Zissou vit

Subversive Recipes / Sentient Art / Wall-to-Wall Carpeting Recettes subversives / Art sensible / Tapis mur à mur

The Alchemist

Creativity has its place Fall/Winter 2021-22 Issue 23

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Genre-bending choreographer and dancer, Dana Michel La chorégraphe et danseuse qui fait pirouetter les genres

The Advocate

La créativité a sa place Suzanne Barr, kitchen crusader Automne-hiver 2021-22 Numéro 23 Suzanne Barr, chef cuisinière en croisade

The Documentarian / Le documentariste

Creativity has its place Issue 24

The Cordwainers / En grande pompe

La créativité a sa place 2019-06-11 12:59 PM 24 Numéro

Edward Burtynsky’s epoch-defining photography, plus the David Suzuki

and a Calgary farm’s take on sustainable cities. / Les photos dans The ReveristFoundation l’air du temps d’Edward Burtynsky et la collectivité durable vue par une ferme TheSuzuki.

Visionary / La visionnaire de Calgary et la Fondation David 20044_Block_FW2020_00_Book.indb 1

Book 1.indb 1

Kevin Calero, director of dreamy music-videos and films Le rêveur : Kevin Calero, réalisateur de films et de vidéoclips

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Cultural producer Umbereen Inayet looks back, goes forward La productrice artistique Umbereen Inayet avance, un œil dans le rétro

Creativity has its place Issue 26Maguire’s two founding sisters redesign the shoe industry Les cofondatrices de Maguire remodèlent l’industrie de la chaussure La créativité a sa place Numéro 26 2020-10-15 4:24 PM

The Storyteller / Le conteur

Hoop dancer Nimkii Osawamick goes inside the drum circle Nimkii Osawamick, danseur de cerceau, entre dans le cercle des tambours

2023-05-03 5:25 PM

2022-11-18 12:23 PM

The Starting Block / Block de départ

In Block’s inaugural issue, Ian Cochran, co-founder of Victoria’s renowned Munro’s Books, told us, “People tend to comprehend and retain electronic text less effectively compared to the tactile experience of reading a physical book” (Issue 1, 2013). Cochran was referencing a study from Scientific American.

Meanwhile, researchers in the U.K. have shown that reading can also help reduce stress levels.

68%

READING JUST SIX PAGES OF A BOOK CAN REDUCE STRESS LEVELS BY 68%.1

68 %

LIRE SIX PAGES D’UN LIVRE ABAISSERAIT LE NIVEAU DE STRESS DE 68 %1.

POURQUOI AIME-T-ON LE PAPIER?

Dans le premier numéro de Block, Ian Cochran, cofondateur de la librairie Munro’s Books à Victoria, nous disait : « On ne comprend pas aussi bien et on ne retient pas autant ce qu’on lit en version numérique que dans un livre physique, tactile par essence. » (Numéro 1, 2013). Il faisait référence à une étude parue dans Scientific American. Par ailleurs, des chercheurs britanniques ont démontré que la lecture réduit le stress.

A magazine can feel a lot like a city. It is full of people, opinions, ideas and spaces to wander through.

You can move through in linear fashion, cover to cover, as if walking along an avenue. Or — as many of us are wont to do — you can pop in here and there, like you’ve just ascended from a subway into a new neighbourhood. It can feel energetic (ideally not chaotic) and it can be inspiring (hopefully not hokey).

Like a city or building, a magazine is a physical thing, to be experienced temporally and with your senses.

It is also, of course, a vehicle for storytelling, which remains a critical tool — our best, maybe? — for relaying and processing information, especially in these input-saturated, algorithmically controlled, primarily digitally interfaced and disruptive times.

Much has changed since 2013 in the global context. We’ve witnessed the Paris Agreement on climate change; broad legalization of same-sex marriage; a new sharing economy; a racial reckoning and the rise of social justice movements like Truth and Reconciliation, Black Lives Matter and #MeToo; a warming climate and the emergence of “fire season”; and parabolic-curve-shaped advancements in AI and machine learning — not to mention a global pandemic that rocked national economies and affected, tragically or in the most banal of ways, most every person on the planet.

The very nature of work — what it is and how and where we do it — has changed too, and so have workplaces and work culture. But then, they were already in a state of flux 10 years ago. The more progressive factions were moving away from cubicles toward increasingly flexible layouts — even with innovative play and biophilic features — paired with a more concerted interest in health and wellness, all based in a better understanding of how to get the best out of a creative workforce and from an increasingly competitive talent pool.

At Block, we’ve had front-row seats to watch some of these changes play out and the privilege to glimpse behind closed doors at so many inspired work environments, from creative agency Rethink’s

Illustration by / par Marco Cibola

WHY DO WE LOVE PRINT?

Un magazine peut ressembler à une ville quand il est rempli de gens, d’idées et de lieux pour se balader.

On peut le parcourir comme une avenue, en ligne droite, de la première à la quatrième de couverture. Ou, comme plusieurs d’entre nous en ont l’habitude, piocher ici et là comme en sortant d’une bouche de métro dans un nouveau quartier. Il peut être animé (non chaotique de préférence) et inspirant (sans être à l’eau de rose).

Comme une ville ou un bâtiment, un magazine est une chose physique, temporelle, qui fait appel à nos sens.

C’est aussi, bien entendu, un conteur d’histoires et un outil pour la pensée critique—le plus efficace, peut-être?—qui relaie et traite l’information, notamment en ces temps bousculés et saturés de commentaires, où les interfaces numériques et les algorithmes règnent en maître.

Le contexte mondial a beaucoup changé depuis 2013 : Accord de Paris sur les changements climatiques, étendue de la légalisation du mariage entre personnes de même sexe, nouvelle économie de partage, prise de conscience raciale et montée de mouvements de justice sociale tels que Vérité et réconciliation, Black Lives Matter et #MeToo, multiplication des canicules et des incendies, avancée à pas de géants de l’IA et de l’apprentissage automatique, sans oublier une pandémie qui a ébranlé les économies nationales et touché, de manière tragique ou banale, tout un chacun sur cette planète.

La nature même du travail—définition, fonctionnement et lieu—a également changé, tout comme la notion de bureau et la culture d’entreprise. Mais il y avait déjà de la transformation dans l’air 10 ans auparavant. Les plus progressistes remplaçaient les cubicules par des aménagements flexibles, laissaient place au ludique et à la biophilie, s’intéressaient à la santé et au bien-être afin de mieux tirer parti de la créativité dans un vivier de talents de plus en plus compétitif.

Chez Block, on était aux premières loges pour observer certains de ces changements.

On a eu le privilège de franchir les portes de nombreux lieux de travail inspirants, de l’agence de BLOCK / 9

The Starting Block / Block de départ

13%

COMPANIES THAT TAKE MEASURES TO SUPPORT EMPLOYEE WELLBEING HAVE SEEN THEIR PRODUCTIVITY IMPROVE BY AN AVERAGE OF 13%.2

13 %

LES ENTREPRISES QUI PRENNENT DES MESURES EN FAVEUR DU BIENÊTRE DE LEURS EMPLOYÉS ONT VU LEUR PRODUCTIVITÉ AUGMENTER DE 13 % EN MOYENNE2.

Author and urbanist Charles Montgomery shared his vision for a happy city, where health, happiness and prosperity intersect (Issue 18, 2019). / Une ville heureuse, selon l’urbaniste et auteur Charles Montgomery, combine santé, bonheur et épanouissement (numéro 18, 2019).

Toronto office, with its traffic-pylon pendant lights and glamping tents (Issue 8, 2015), to the “organized chaos” of Ubisoft’s versatile, vibrant workshop inspired by Montreal’s Mile End (Issue 9, 2015) to architect Perkins&Will’s Vancouver studio “alive with plant life and activity” (Issue 22, 2021).

We’ve also had some eye-opening conversations over the years, on topics as important and varied as how we might begin the process of decolonizing our design (Issue 21, 2020) and arts institutions (Issue 22, 2021) to the ways our building code is failing a large portion of the disabled population (Issue 25, 2022). We learned from author and urbanist Charles Montgomery the recipe for a happy city (Issue 18, 2019) and received advice from Ray Reddy, CEO of order-ahead app Ritual, to the tune of “slow down and hone your skills” (remarkable, coming from a tech guy) (Issue 18, 2019).

We’re deeply moved by and grateful to all the people, opinions, ideas and spaces that have passed through Block over the course of 26 issues. Whole cities of people. A world of ideas. A majesty of artist contributions and visuals, each telling its own story (or a thousand). As a supplement to our familiar and favourite sections, in this issue we’re honouring our past contributors (p. 6), indulging in our catalogue of Artist’s Blocks (p. 18) and, throughout, reflecting on some of our favourite moments from the past 10 years of the magazine.

We’re also celebrating new achievements and looking forward. Take, for instance, the renovation of Allied’s 1001 Robert-Bourassa in Montreal, a remarkable space that layers the physical and digital experience, authored by architects Gensler and experience designers Moment Factory (The Moment, p. 12). (Make a DIY mini model

Despite the challenges posed by the pandemic, the 2023 World Happiness Report affirmed that global happiness persevered, with “positive emotions [remaining] twice as prevalent as negative ones and feelings of positive social support twice as strong as those of loneliness.”3 / Malgré les défis posés par la pandémie, le Rapport mondial sur le bonheur de 2023 affirme que le bonheur persévère avec des émotions positives deux fois plus présentes que les négatives et un sentiment de soutien social deux fois supérieur à celui de solitude3.

of the building with The Blueprint, p. 41.) Then there’s Jason Logan, our creator, who has for years created illustrations for the magazine, this issue included (Rethink, p. 39). We look at his broader fascinating practice as an inkmaker (The Creator, p. 24). And, finally, we hear from urban planner Lourdes Juan and urban thinker Marcin Kedzior (The Conversation, p. 30) on, among other things, 10

communication torontoise Rethink avec ses cônes de signalisation en guise de lustres et ses tentes chics (numéro 8, 2015) au « chaos organisé » des bureaux polyvalents d’Ubisoft à l’image du Mile-End montréalais (numéro 9, 2015), en passant par le cabinet d’architectes vancouvérois Perkins&Will, « animé de plantes et de projets » (numéro 22, 2021).

Durant ces années, on a abordé des sujets riches en prise de conscience. On se rappelle notamment nos conversations sur la décolonisation du design (numéro 21, 2020) et celle des institutions culturelles (numéro 22, 2021) et sur l’impuissance du code du bâtiment à répondre aux besoins d’une majorité de personnes ayant un handicap (numéro 25, 2022). L’urbaniste et auteur Charles Montgomery nous a donné sa recette pour une ville heureuse (numéro 18, 2019) et le PDG de l’appli Ritual, Ray Reddy, nous a conseillé de « prendre le temps de maîtriser notre métier en peaufinant nos compétences » : remarquable de la part d’un technicien (numéro 18, 2019).

Les personnes, idées et lieux croisés au cours de ces 26 numéros de Block nous ont profondément touchés. Une métropole de gens. Un monde d’idées. Une majesté de contributions artistiques, chacune racontant son histoire (ou des centaines).

Dans ce numéro anniversaire, on enrichit nos rubriques préférées en mettant à l’honneur tous nos collaborateurs (p. 6), en nous replongeant dans notre collection d’Art en Block (p. 18) et en nous rappelant les moments les plus marquants de ces dix dernières années.

On regarde aussi vers l’avenir en vous parlant de nouvelles réalisations. Citons, par exemple, la rénovation de l’immeuble d’Allied situé au 1001, avenue Robert-Bourassa à Montréal : le cabinet

d’architectes Gensler et le studio multimédia Moment Factory signent ensemble un espace remarquable associant expériences physique et numérique (Le moment, p. 12), et dont vous trouverez la maquette à construire (Le plan d’action, p. 41). Ou encore Jason Logan, notre créateur, qui illustre le magazine depuis des années, ce numéro y compris (Repensé, p. 39), et se lance dans la fabrication d’encre (Le créateur, p. 24).

Since 2017, Allied has been repurposing unused rooftop space into honeybee habitats. In 2022 alone, 41 hives across Canada produced 4,000 jars of honey and housed approximately two million bees.4 / Depuis 2017, Allied reconvertit ses toits en habitat apicole.

Rien qu’en 2022, les deux millions d’abeilles vivant dans les 41 ruchers installés d’un océan à l’autre ont produit 4000 pots de miel4.

Photo courtesy of / offerte par Allied REIT

The Starting Block / Block de départ

the musicality — nay, the polyrhythmic symphonic cacophony! — of cities and how urban planning can be a form of fortune telling.

Change is inevitable. Cities — and magazines — grow, recede and sometimes dwindle and die.

But here at Block, and at Allied, we hold on to the philosophy conçu pour durer, which means “built to last,” as it applies to both brick-and-beam buildings and robust creative communities. Maybe “built for change-and-embracing-whatever-comes-next” is more accurate.

Here’s to the next 10.

A study found that “the ceiling height in a room changes the way your brain processes information: Higher ceilings foster creativity and emotion, while lower ones promote more practical thinking.” This “ceiling effect” demonstrates the impact of thoughtfully selecting and configuring environments for specific kinds of work and activity5 (Issue 16, 2018). / Des chercheurs ont découvert que « la hauteur du plafond a une influence sur le fonctionnement du cerveau : plus haut, il favorise la créativité et l’émotion, plus bas, l’esprit pratique ». Cet « effet plafond » montre l’importance de bien choisir, et de bien aménager, les lieux en fonction du travail ou de l’activité exercée5. (Numéro 16, 2018)

Enfin, l’urbaniste Lourdes Juan et le penseur urbain Marcin Kedzior discutent de la musicalité— ou plutôt de la cacophonie polyrythmique!—des villes et du don de prédiction de l’urbanisme (La conversation, p. 30).

Le changement est inévitable. Les villes, et les magazines, grandissent, rapetissent et, parfois, dépérissent et disparaissent. Ici, chez Block, on s’accroche à la devise « conçu pour durer », qui s’applique tant aux bâtiments qu’aux collectivités créatives. Mais peut-être que « conçu pour s’adapter à tout ce qui pourrait arriver » serait plus juste.

Aux 10 prochaines années!

1. Galaxy Commissioned Stress Research, Mindlab International, Sussex University (2009).

2. The Next Frontier of Workplace Culture, Boston Consulting Group (2023).

3. “The World’s Happiest Countries for 2023,” CNN (2023).

4. Allied Environmental, Social and Governance Report (2022). / Rapport de gouvernance, social et environnemental d’Allied (2022).

5. “The Influence of Ceiling Height: The Effect of Priming on the Type of Processing People Use,” University of Minnesota (2007).

10 X 10 A not-comprehensive list of highlights from the past 10 years of Block. / 10 ans de Block, 10 moments forts (liste non exhaustive).

Art by / par Nadia Belerique and / et Jennifer Rose Sciarrino

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ISSUE / NUMÉRO 1, 2013 Before there was Artist’s Block, there was, for one issue only, The Work, a commissioned installation

by Nadia Belerique and Jennifer Rose Sciarrino inspired by Block and Allied’s philosophy conçu pour durer, which means “built to last.” / Avant Art en Block, il y a eu, dans un numéro seulement, L’œuvre, une installation artistique signée Nadia Belerique et Jennifer Rose Sciarrino, qui se sont inspirées de Block et de la philosophie d’Allied : « Conçu pour durer ».

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The Moment / Le moment

Cheryl Catterall, creative director at Moment Factory, stands in the lobby of 1001 Robert-Bourassa in Montreal. Here, the team, known for their design of immersive spectacles, applied a technological “experiential layer” atop the architecture to subtly evoke nature and create place. / Cheryl Catterall, directrice de création chez Moment Factory, et son équipe ont appliqué une « couche expérientielle » dans le rez-de-chaussée du 1001, avenue Robert-Bourassa à Montréal.

Connu pour ses spectacles immersifs, le studio multimédia a donné vie à ce lieu en y faisant entrer la nature.

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The Moment / Le moment

2023-09-27 15:11 EST/HNE

BY / PAR DANIEL BROMBERG PHOTOS BY / PAR FREDERIC TOUGAS

Cheryl Catterall is all smiles, her hand movements agile as she ties the laces of her steel-toe boots and her eyes deliberate as they meet the large construction site before her.

The project at 1001 Boulevard Robert-Bourassa in Montreal’s Quartier international is close to seeing the light of day.

Co-designed by Montreal-based multimedia studio Moment Factory and Gensler, an American architectural firm, the lobby of this downtown high-rise is undergoing a transformation to meet the changing needs of modern work environments — and the people who use them.

Slated for completion in early 2024, the space is a work in progress, with wires hanging from the exposed ceiling and safety vests and helmets de rigueur. The plan for the lobby, however, was conceived more than four and a half years ago, well before the pandemic changed the way many of us work.

At that time, notions of how workplaces should look and function were already shifting, influencing the vision to convert the underused space at this Allied property into something more functional, livable and breathable.

Something that feels a little like your living room.

“It was important [for us] to consider how to create a framework where the people traversing the space, either for work or simply in transit, feel welcome and alive,” says Catterall, Moment Factory’s creative director.

Traditionally investing in historic brick-and-beam buildings, Allied seized on an opportunity to imbue the post-modern high-rise with a warm ambience — a quality often lacking in spaces built with strict functionality in mind.

Furthermore, the creative teams embraced and integrated the concept of biophilia, a hypothesis that suggests humans seek out environments that satisfy an intrinsic demand for and innate connection to nature.

“Biophilia is capable of bringing a built environment to life in a way that traditional architecture can’t,” Catterall says. “It provides a more sensory experience, especially [in] how we respond to natural systems physiologically.”

Equal importance was placed on how to zone the lobby, with the belief that spaces that are amenable to gathering are more contained and, ultimately, more convivial. How exactly they would achieve this came down to a particular flash of inspiration.

“A member of the Gensler team had done a study on Mount Royal,” Catterall says. “Recalling its three summits, [they got the idea] to design tiered seating areas, with forms generated by the mountain’s contour lines.”

Cheryl Catterall est tout sourire en laçant ses bottes à embout d’acier, les yeux rivés sur le grand chantier qui lui fait face.

Le projet du 1001, boulevard Robert-Bourassa, dans le Quartier international de Montréal, est sur le point de voir le jour.

Coconçu par le studio multimédia montréalais Moment Factory et le cabinet d’architectes américain Gensler, le rez-de-chaussée de cet immeuble du centre-ville est en pleine métamorphose pour répondre aux besoins des milieux de travail modernes et des personnes qui les utilisent.

Avec une ouverture prévue en 2024, l’espace est en cours d’aménagement : vestes et casques de sécurité sont toujours de rigueur sous les fils électriques qui pendent des plafonds ouverts. Cela fait plus de quatre ans et demi que les plans ont été dessinés, bien avant que la pandémie ne vienne bousculer nos habitudes personnelles et professionnelles. À cette époque, l’amorce d’un changement flottait déjà dans l’air, influençant la conversion de cette tour de bureaux appartenant à Allied en un lieu plus fonctionnel, plus vivable, plus respirable.

Un lieu qui pourrait s’apparenter à votre salon. « Il était important [pour nous] d’imaginer un cadre accueillant et plein de vie pour les travailleurs, ou les gens de passage, qui empruntent ce rez-de-chaussée », explique Cheryl Catterall, directrice de création chez Moment Factory.

Allied, qui a plus l’habitude d’investir des bâtisses anciennes chargées d’histoire, souhaitait une ambiance chaleureuse, qualité qui fait souvent défaut aux édifices postmodernes à l’architecture strictement fonctionnelle.

L’équipe créative a poussé le raisonnement plus loin en y intégrant le concept de biophilie, à savoir l’affinité de l’être humain pour le vivant et la nature, un lien inné qu’il recherche où qu’il se trouve. « Avec la biophilie, on peut donner vie à un cadre bâti; l’architecture traditionnelle, elle, est plus limitée, poursuit-elle.

L’expérience est plus sensorielle, en particulier dans notre réaction physiologique aux systèmes naturels. » La délimitation du rez-de-chaussée était tout aussi essentielle, avec la conviction que les zones qui se prêtent au rassemblement se doivent d’être circonscrites pour gagner en convivialité. Et c’est grâce à un éclair de génie qu’ils y sont parvenus. « Un des membres de l’équipe de Gensler avait fait des recherches sur le Mont-Royal et ses trois sommets notamment.

Il a alors eu l’idée d’aménager des places assises sous forme de gradins, inspirés des courbes de niveau de la montagne. » BLOCK / 13

The Moment / Le moment

LEFT: A rendering of the completed lobby shows the tiered seating and light feature, the large screen and a view of the outdoors. / À GAUCHE : Sur cette projection du hall, on peut voir les sièges en gradins, les luminaires suspendus, le grand écran et une vue sur l’extérieur.

BOTTOM LEFT AND FAR RIGHT: The three seating areas in the ground-floor lobby mimic the contours of Mount Royal and its three summits. / EN BAS À GAUCHE : Les places assises en gradins reproduisent la silhouette du Mont-Royal et de ses trois sommets.

Images courtesy of / offertes par Moment Factory

BOTTOM RIGHT: Moment Factory-produced dynamic graphics for the large screen convey topical information to users of the building, like weather conditions. / EN BAS À DROITE : Les éléments visuels dynamiques du grand écran, produits par Moment Factory, informent les visiteurs du bâtiment : actualités et météo par exemple

Naturally, elevated seating brings one closer to the ceiling, and, further, the team brought the ceiling down by installing lowhanging light fixtures to create an intimacy not often found in postmodern architecture, which favours large open spaces with high ceilings. This, Catterall explains, was due to the firms’ consideration of how shared moments are created in public spaces.

Seated on the top row of one of those tiered hillocks, leaning back and propped up on her hands, Catterall identifies another “aha” moment in the creative process: the need for and integration of a narrative that connects explicitly with Montrealers.

To deliver on this, an immense screen will be affixed to the western wall of the lobby. Measuring a cool 30 feet by 20 feet, the screen will display more than 65 clips of Montreal’s largest and best-loved urban parks, from Parc La Fontaine and Parc du MontRoyal to the less-visited Cap-Saint-Jacques on the island’s western edge. In projecting scenes common to Montrealers’ collective identity, Moment Factory found an overall narrative for the architecture and scenic design.

“The integration of local nature that feels familiar to us lends a sense of intimacy that we connect to more easily,” Catterall explains. “We can’t always tear down walls, but we can change the warmth, the vibe, the soundscape. Digital technology can and should be applied to architecture.”

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Pour créer un sentiment d’intimité (plutôt absent des bâtiments post-modernes) dans cette immense aire ouverte à très haut plafond, il fallait casser la hauteur : d’un côté, les gradins, qui rapprochent du plafond, de l’autre, de très longs luminaires suspendus. Ensemble, ils définissent une zone privée, propice à un moment partagé dans un espace public.

Assise au sommet de cette montagne imaginaire, appuyée sur ses mains, bras en arrière, Cheryl Catterall me raconte l’autre « eurêka » de ce processus créatif : l’intégration d’un narratif qui s’adresse explicitement aux Montréalais et Montréalaises.

Pour ce faire, un écran géant de 9 m x 6 m sera installé sur le mur côté ouest, écran sur lequel défileront 65 vidéoclips des grands parcs populaires de la ville, du parc La Fontaine au parc du Mont-Royal, en passant par le parc-nature du Cap-Saint-Jacques au bord du lac des Deux-Montagnes. En projetant des paysages appartenant à la mémoire collective montréalaise, Moment Factory a trouvé le fil conducteur de son récit, englobant à la fois architecture et scénographie. « L’intégration d’une nature qui nous est familière ajoute à l’intime, le lien nous paraît plus évident, continue-t-elle. On ne peut pas toujours abattre des murs, mais on peut réchauffer l’ambiance, changer la bande-son, apporter du ressenti, jouer sur la lumière. La technologie numérique peut, et doit, s’appliquer à l’architecture. »

The Moment / Le moment

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Images courtesy of / offertes par Moment Factory

The Moment / Le moment

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The Moment / Le moment

LEFT: Two renderings of the light feature show how colour temperature and brightness alter over the course of the day — and season — to atmospheric effect. / À GAUCHE : L’éclairage suivra le fil de la journée, et des saisons, grâce à des variations de luminosité et de température des couleurs.

L’éclairage suivra le fil des saisons, passant des rouges et orangés flamboyants de l’automne aux blancs bleutés doux et froids de l’hiver. Côté nord, un tableau de mousse végétale stabilisée sublime un mur de briques rouges du Nevada, dans lequel s’entrelacent des ampoules DEL, multipliant les combinaisons entre nature et technologie.

Le but de ce mélange d’éléments naturels, de lumière et de trame sonore? Créer un espace holistique chaleureux, qui fait écho à la biophilie et à ses effets sur notre psyché. Cette démarche à 360 degrés, associant architecture, multimédia et conscience aigüe de l’occupation de l’espace, est un bel exemple de l’humanisation d’un lieu.

En balayant le grand hall du regard, Cheryl Catterall réalise le chemin parcouru et s’enthousiasme de l’ouverture d’esprit qui a animé cette collaboration et abouti à un résultat unique en son genre. « Cette réalisation montre que l’immobilier et l’architecture ont pleinement intégré les disciplines expérientielles et s’en servent à des fins de bien-être. » Et d’ajouter qu’il est rare qu’une entreprise multimédia soit consultée dès le début d’un projet. Cela a contribué, toujours selon elle, à la réussite du 1001, boulevard Robert-Bourassa. « C’était un vrai cadeau que de pouvoir commencer la conception avant l’arrivée des architectes autour de la table.

On a pu s’aligner sur le narratif et influencer certaines décisions pour intégrer la technologie. »

Art by / par Tatsuro Kiuchi

ISSUE / NUMÉRO 3, 2014 In 2014, The Globe and Mail’s resident architecture critic, Alex Bozikovic, introduced readers to a radical innovation in tall building design: wood. At the time, cross-laminated timber (CLT) was just emerging as a structural solution. Nearly 10 years later, CLT is being used in contemporary building design across the country. / En 2014, Alex Bozikovic, critique architectural du Globe and Mail, vous présentait une innovation révolutionnaire dans la construction des gratte-ciels : le bois lamellé croisé (ou CLT). Dix ans plus tard ou presque, il est utilisé dans de nombreuses structures d’immeubles contemporains partout au pays.

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ISSUE / NUMÉRO 12, 2016 Tokyo-based artist Tatsuro Kiuchi’s urban infill is pure joy. Before branching into editorial work, Kiuchi illustrated children’s books. His first picture book, The Lotus Seed (with text by Sherry Garland), has sold more than 250,000 copies worldwide. / La dent creuse de Tatsuro Kiuchi n’est que joie. Avant de bifurquer vers la presse, l’artiste tokyoïte illustrait des livres pour enfants. Son premier album, The Lotus Seed, écrit par Sherry Garland, s’est vendu à plus de 250 000 exemplaires dans le monde.

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Art by / par Yvetta Fedorova

Ambient lighting will be programmed to adapt to and evolve along with the four seasons, transitioning from the bold reds of autumn to the subtle coolness of winter’s soft whites. On the north end, a green wall of preserved moss laid atop red brick sourced from Nevada is interwoven with LED lights, furthering the integration of nature and technology.

The blend of natural materials, light and sound, along with the integration of concepts surrounding biophilia and its effects on the human psyche, are meant to create a warm, holistic space not often found in traditional workspaces. This 360-degree approach, pairing architecture and digital design, along with a keen awareness of how users will occupy the space, sets an example for how we can transform our environments to be more thoughtful and more humane.

Scanning the vast space, Catterall acknowledges how far they’ve come since the project’s origins, and how open collaboration between firms can result in something truly unique.

“This project shows how real estate and architecture have fully embraced experiential disciplines as an important way of bringing well-being into spaces,” she says. She adds that it is unusual for a digital design team to be brought in from the beginning. In the case of 1001 Robert-Bourassa, this has contributed to the project’s success.

“It was a gift to be at the table before the architects started designing, as we were able to align around the narrative and influence certain decisions to integrate the technology.”

10 Years of Artist’s Block / 10 ans d’Art en Block

10 Years of Artist’s Block 10 ans d’Art en Block

Each issue, we ask an artist to create a block using the medium and approach of their choice. For the 10 years Block has been in production, we’ve accumulated a total of 25 artist-created blocks of every kind and variety — some refined, a few perplexing, many sheer delights. / Dans chaque numéro, on demande à un artiste de créer en toute liberté une œuvre d’art façon bloc. Depuis 10 ans que le magazine existe, on a eu la joie d’en recevoir 25, chacun ayant sa personnalité : certains raffinés, quelques-uns déroutants, la plupart enchanteurs.

ON THE COVER: Artist Camille Jodoin-Eng contributed our 10th anniversary Artist’s Block.

Cityscape is made of two-way mirror, wood, papier mâché and melted glass. Jodoin-Eng chose to photograph the work outside to contrast with the block’s surreal contents. / EN COUVERTURE : Camille Jodoin-Eng fête nos 10 ans en signant son Art en Block. Cityscape combine miroir sans tain, bois, papier mâché et verre fondu. Elle a choisi de le photographier de l’extérieur pour mettre en contraste son contenu surréaliste.

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There was our inaugural block (Issue 2, 2013) by Sara Cwynar, a clear acrylic cube loaded with tropical fruits. Jennifer Murphy’s block (Issue 4, 2014) was an entire ecosystem — of birds, cocooning moths, grasshoppers and spiders — living in delicate harmony. Contrast that with Naomi Yasui’s clay block (Issue 14, 2017) emerging from a bucket of silty water or Dean Drever’s perfect cube constructed of one-eighth-inch birch dowels (Issue 17, 2018). And then there was Katie Bethune-Leamen’s so-called cuddly cube (Issue 16, 2018) featuring ceramic arms embracing a hunk of nubbly bits.

“I think a good block is identifiable as a work by that artist and shows what is unique about their practice,” says Catherine Dean, Block’s long-standing photo and illustration editor. Dean has been key to casting a wide net and sourcing contributors, from Cwynar back in 2013 to the present day. “It helps to have an example by a well-respected artist when you’re asking other artists to contribute,” says Dean when asked how Cwynar’s block set the stage.

“It shows that artists can work in their own style and that the block form is the only constraint.”

For Dean, choosing a favourite from the catalogue is a harder task, “especially since there’s so much variety,” she says. “We’ve been fortunate to work with so many incredible artists over the years, and every block is unique and surprising,” a decade-long testament to the creative mind and spirit and the capacity to take a simple assignment and turn out something entirely original.

“That’s the best part,” she says. “Artists see things in ways you can’t anticipate.”

Le tout premier, signé Sara Cwynar, était un cube en plexiglas rempli de fruits exotiques (numéro 2, 2013). Celui de Jennifer Murphy représentait un écosystème branchu où oiseaux, papillons de nuit, sauterelles et araignées vivaient en délicate harmonie (numéro 4, 2014). Tout un contraste avec le bloc de béton émergeant d’un seau d’eau trouble de Naomi Yasui (numéro 14, 2017) ou avec le cube parfait de Dean Drever, composé de chevilles en bouleau (numéro 17, 2018). Sans oublier le cube soi-disant câlin de Katie Bethune-Leamen, dont les bras en céramique enlaçaient un bric-à-brac aux couleurs tendres (numéro 16, 2018). « Je crois qu’un bon bloc est un bloc signature, qui montre ce qui est unique dans la pratique de l’artiste », explique Catherine Dean, iconographe de Block depuis des années. C’est elle qui a mis en place un vaste réseau pour chercher les participants. « Avoir un exemple d’un artiste de renom aide beaucoup à convaincre les suivants », répond-elle quand on lui demande comment le bloc de Sara Cwynar a ouvert le bal. « Les artistes ont vu qu’ils pouvaient travailler comme bon leur semblait, la seule contrainte étant la forme cubique. » Choisir son bloc préféré est une tâche plus ardue : « Ils sont tous si différents, lance-t-elle. On a eu la chance de travailler avec des artistes incroyables, chaque bloc est singulier et surprenant. » Un témoignage de 10 ans de créativité et de la faculté à transformer une simple mission en quelque chose de tout à fait original. « C’est le plus agréable, conclut-elle. On ne peut jamais prévoir ce qu’un artiste va imaginer. »

10 Years of Artist’s Block / 10 ans d’Art en Block

ISSUE / NUMÉRO 1 THE MISSING BLOCK / LE BLOC MANQUANT

ISSUE / NUMÉRO 3 - JAMES NIZAM

ISSUE / NUMÉRO 4 - JENNIFER MURPHY

As noted in our 10 x 10 (p. 11), Block’s very first issue featured a different, more difficult, ask.

Artist’s Block, as we know and love it, arrived in Issue 2, inspired by the block symbol at the end of every story. / Comme raconté dans 10 x 10 (p. 11), notre premier numéro présentait une installation artistique, plus difficile à reproduire. Art en Block, tel qu’on le connaît et tel qu’on l’aime, est arrivé au numéro 2, inspiré par le petit cube qui marque la fin de chaque article.

ISSUE / NUMÉRO 2 - SARA CWYNAR

ISSUE / NUMÉRO 5 - OREST TATARYN

ISSUE / NUMÉRO 6 - CIARA PHELAN

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10 Years of Artist’s Block / 10 ans d’Art en Block

ISSUE / NUMÉRO 7 - CHRISSIE MACDONALD

ISSUE / NUMÉRO 10 - VANESSA MALTESE

ISSUE / NUMÉRO 8 - TAMMI CAMPBELL

ISSUE / NUMÉRO 9 - JIMMY LIMIT

ISSUE / NUMÉRO 11 - DORIAN FITZGERALD

DID YOU KNOW? / LE SAVIEZ-VOUS? While Dorian FitzGerald’s block appears minimal — even ascetic — the Toronto-born artist is better known for his “monumental paintings of materially excessive situations.” / Même si le bloc de Dorian FitzGerald paraît minimaliste, voire austère, l’artiste-peintre torontois est connu pour ses tableaux monumentaux, bondés à l’excès.

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10 Years of Artist’s Block / 10 ans d’Art en Block

ISSUE / NUMÉRO 12 - JAIME ANGELOPOULOS

ISSUE / NUMÉRO 15 - DEAN BALDWIN

ISSUE / NUMÉRO 13 - JEREMY LAING

ISSUE / NUMÉRO 14 - NAOMI YASUI

ISSUE / NUMÉRO 16 - KATIE BETHUNELEAMEN

DID YOU KNOW? / LE SAVIEZ-VOUS? Dean Baldwin’s block looks good enough to sip.

The installation artist has historically created works that are part art, part life and part bar, asking viewers to inhabit, query and imbibe. / On n’a qu’une envie devant le bloc de Dean Baldwin : le siroter. L’artiste-installateur a toujours créé des œuvres mêlant art, vie et bar, invitant le public à les habiter, les questionner et s’en imbiber.

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10 Years of Artist’s Block / 10 ans d’Art en Block

ISSUE / NUMÉRO 17 - DEAN DREVER

ISSUE / NUMÉRO 19 - JONAH SAMSON

ISSUE / NUMÉRO 18 - CELIA PERRIN SIDAROUS

DID YOU KNOW? / LE SAVIEZ-VOUS? Montreal-based Celia Perrin Sidarous’s artistic practice is all about creating assemblages. So, too, is her Artist’s Block, an arrangement of eucalyptus within glazed stoneware, set against blue silk. / L’artiste montréalaise Celia Perrin Sidarous a fait de l’assemblage son mode de création de prédilection. Ici, son arrangement réunit branches d’eucalyptus et grès émaillé dans un écrin de soie bleue.

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ISSUE / NUMÉRO 20 - ALEX MCLEOD

ISSUE 21 / NUMÉRO - LAURIE KANG

10 Years of Artist’s Block / 10 ans d’Art en Block

ISSUE / NUMÉRO 22 - WINNIE TRUONG

ISSUE / NUMÉRO 24 - MICHELLE ASHUROV

ISSUE / NUMÉRO 23 - SHAHEER ZAZAI

ISSUE / NUMÉRO 25 - KAREN KRAVEN

ISSUE / NUMÉRO 26 - KELLY JAZVAC

DID YOU KNOW? / LE SAVIEZ-VOUS? Michelle Ashurov of Reverie Deli is a graphic designer turned cake artist. Her contribution to our canon was the magazine’s first and only truly edible block. / Michelle Ashurov de Reverie Deli est une graphiste devenue artiste-pâtissière.

Gourmande et fruitée, sa contribution à notre collection était le tout premier bloc comestible.

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The Creator / Le créateur

The Inkmaker Le faiseur d’encre

In an urban environment, where foraging isn’t on local activity guides, Jason Logan finds colour. / Jason Logan pratique la chasse à la couleur en milieu urbain, une activité non répertoriée dans les guides touristiques.

BY / PAR MÉLANIE RITCHOT PHOTOS BY / PAR LUIS MORA

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The Creator / Le créateur

PREVIOUS SPREAD: Illustrator turned inkmaker Jason Logan blurs the lines between what we think of as urban and natural, inspired by ingredients he forages for in cities. / DOUBLE-PAGE PRÉCÉDENTE : Illustrateur devenu fabricant d’encre, Jason Logan estompe les différences entre urbain et naturel, inspiré par les ingrédients qu’il récolte en ville.

BELOW RIGHT: A teal pigment can be extracted from copper and turned into ink, which reacts differently on paper depending on factors like the water used. / À DROITE : Selon l’eau utilisée dans sa fabrication, cette encre couleur sarcelle, un pigment extrait du cuivre, réagira différemment sur le papier.

ONE AFTERNOON in August, the task at hand was to carbonize

CET APRÈS-MIDI d’août, c’est la carbonisation d’un noyau

a peach pit. Other days, it’s foraging for black walnuts or rust somewhere in Toronto.

Though Jason Logan’s idiosyncratic career has included illustration, design and writing, at times all at once — if you have ever wondered what each neighbourhood in New York City smells like, his map “Scents and the City” in The New York Times will help — he is now primarily an inkmaker.

“I just got curious about what ink actually is,” Logan says. And so he began foraging for natural sources of colour around him and experimenting with pigments. “It feels like this quirky niche, but, in fact, it’s one of our oldest forms of communication.”

Among his books (including an illustrated guide to recovery post-breakup and the 2018 Make Ink: A Forager’s Guide to Natural Inkmaking), recent reads (like Metazoa, a nonfiction title about the origins of thinking) and now-occasional illustrations (which Block is fortunate to feature most issues), Logan says he sees a common thread through his work and how he spends his time: finding the meeting point between visuals and ideas.

Logan founded The Toronto Ink Company in 2014 and shipped thousands of vials of ink to his favourite artists, hoping they’d try it. Now, his ink is used by artists, illustrators and calligraphers around the world. People often look to him when they need a very particular ink or if they want an ink made from a specific ingredient.

The appeal for some is the non-toxic quality of Logan’s ink, while to others it’s the unpredictability of it, depending on factors like the pH of the water used or what he’s harvested that particular year.

de pêche qui est au programme de Jason Logan. À venir : recherche de rouille dans les rues de Toronto et cueillette de noix de noyer noir.

Cet illustrateur, graphiste et auteur, connu entre autres pour son étonnante carte des odeurs de New York en été, intitulée « Scents and the City » et parue dans le New York Times, se consacre désormais à la fabrication d’encre. « Un jour, je me suis demandé ce qu’était l’encre », explique-t-il tout simplement. Il s’intéresse alors aux couleurs naturelles qui se trouvent à sa portée et fait des essais. « On a l’impression que c’est un sujet niche, mais en fait c’est un de nos plus anciens modes de communication. » Entre ses livres (dont un guide illustré pour se remettre d’une rupture amoureuse et un autre sur l’encre artisanale : Make Ink: A Forager’s Guide to Natural Inkmaking paru en 2018), ses lectures (dont Metazoa, un essai sur les origines de la pensée) et ses illustrations qui se font de plus en plus rares (Block a la chance de continuer à en profiter), il voit un fil conducteur : la recherche du point de rencontre entre l’image et l’idée.

En 2014, Jason Logan fonde son entreprise, The Toronto Ink Company, et envoie des milliers de fioles d’encre à ses artistes préférés en espérant qu’ils en fassent bon usage.

Aujourd’hui, peintres, illustrateurs et calligraphes du monde entier s’en servent. Quand ils ont besoin d’une nuance particulière ou d’une encre fabriquée à partir d’un ingrédient précis, ils s’adressent à lui, confie-t-il.

Pour certains, l’attrait de ces encres réside dans leur nontoxicité, pour d’autres, dans leur imprévisibilité : le pH de l’eau entrant dans leur composition ou la récolte de l’année ayant leur rôle à jouer.

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The Creator / Le créateur

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The Creator / Le créateur

“The ink that I make has unexpected qualities when it hits the paper,” Logan says. Even once a recipe is complete, the colours aren’t necessarily fixed. If you squeeze a bit of lemon on a wild-grape ink, it goes from purple to pink, and if you sprinkle a bit of baking soda on it, it turns bluish green. “It really is living.”

That mutable quality of ink — flowing, rippling and trailing brushes across artists’ pages — was brought to new audiences through The Colour of Ink. The film, directed by Brian Johnson, debuted at the Toronto International Film Festival last year and walks viewers through Logan’s inkmaking process and how it comes into being: from foraging for raw ingredients to experimenting to find the perfect hue to seeing a vial plucked out of a shipping box by a master calligrapher in Japan. Between vivid macro shots of different inks, Logan reintroduces viewers to something we encounter every day (and maybe don’t think twice about). “[You leave the] theatre feeling like the world is full of colour,” he says.

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« Mon encre a des qualités inattendues quand on la couche sur le papier. C’est un produit vivant », poursuit-il. En effet, la couleur du produit final n’est pas forcément fixée. Il suffit d’ajouter quelques gouttes de jus de citron dans une encre de raisin sauvage pour qu’elle passe du violet au rose ou de la saupoudrer de bicarbonate de soude pour qu’elle vire au vert bleuté.

Cette mutabilité de l’encre, ondulant sous les pinceaux des artistes, s’est répandue sur les écrans grâce à The Colour of Ink, un documentaire réalisé par Brian Johnson et projeté en avant-première au Festival international du film de Toronto en 2022. Il y dévoile la méthode de fabrication de Jason Logan, de la collecte des ingrédients à la sortie d’une fiole de sa boîte d’expédition par un maître calligraphe japonais, en passant par les multiples essais pour trouver la juste teinte. Au travers de prises de vue macro éclatantes, le spectateur redécouvre une chose qui fait partie de son quotidien (mais qu’il a parfois tendance à oublier) : « [On sort du cinéma] avec le sentiment que le monde est rempli de couleur. »

The Creator / Le créateur

LEFT: Wild grapes that Logan often finds along railway tracks and fences result in a deep-purple ink. / À GAUCHE : Le raisin sauvage, que Jason Logan cueille le long des voies ferrées, donne une encre au violet profond.

When Logan first sought to make ink, he realized there weren’t many definitive resources on how to do it. He says his solution was to dig up medieval recipes or to do “strange internet rabbit-hole searches for alchemical texts. People have been making ink for a long time; it was just a bit hidden.”

He found similarities in textile dyeing. “When I’m starting with a new plant or some new weird substance, I usually talk to the people who do natural dyeing first. That gives me a hint about how to start extracting colour. Then I do a lot of fiddling.”

Logan says his book Make Ink is the one he wishes he had when he was starting and learning. When he began getting invited to talk about inkmaking post-publication, he opted to run workshops. “Rather than talking, I would often say, ‘Let’s just go out as a group and make our own ink.’” He adds that the network of people making ink has grown since his book was published.

Ink can be as simple as three elements, Logan explains: a liquid (water in most of his recipes), a pigment and a binder that connects the colour to the liquid. “I try to forage for everything. I like to forage for my own water. I like to forage for the pigments. I use binders like cherry sap. The vast majority of what I put in my inks are things that I can find right at my feet.”

“It doesn’t have to be leaves and berries,” he says. “There are rusty nails and bits of copper wire and drywall dust — all these amazing things that are being underutilized in cities [and] make extraordinary colours.” The word “foraging” is often associated with non-urban environments, but Logan says that as his craft has progressed, he’s become increasingly interested in blurring the line between what we think of as urban and natural.

“It’s almost democratizing the idea of making your own colour supplies by recognizing,” finding value in and using “the stuff on the streets.”

ISSUE / NUMÉRO 21, 2020 Amid the uncertainty of the pandemic, Block profiled Siphesihle November — then the newest member of The National Ballet of Canada—from his Toronto apartment: “I dance to move people, whether that’s to make them happy, to make them think or to make them feel something that I’m feeling.” Soon after, November was promoted, making him the youngest and only the second Black principal dancer in the company’s history. / En pleine incertitude pandémique, Block brossait le portrait de Siphesihle November, nouveau venu au Ballet national du Canada, depuis son appartement torontois : « Je danse pour émouvoir, pour rendre les gens heureux, pour les faire réfléchir ou pour transmettre un sentiment. » Quelques entrechats plus tard, il devenait le plus jeune, et seulement le deuxième à ce jour, danseur étoile noir de la compagnie.

Video by / vidéo par Siphesihle November

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À ses débuts, Jason Logan ne trouve que très peu de manuels de référence. Il doit dépoussiérer des grimoires moyenâgeux ou se perdre dans les dédales d’Internet à la recherche de recettes d’alchimistes : « On fait de l’encre depuis très longtemps, donc c’était un peu caché. » Son autre source? Les teinturiers. « Quand je teste une nouvelle plante ou une substance insolite, je commence par demander à quelqu’un qui pratique la teinture naturelle pour savoir comment extraire la couleur. Ensuite, c’est du bricolage. » Son guide sur la fabrication d’encres artisanales est né de ce constat. Tout comme les ateliers qu’il a organisés par la suite : « Quand on m’invitait à parler du livre, ma première réaction était de proposer une sortie pour qu’on fabrique de l’encre ensemble. » Et d’ajouter que son guide a suscité des vocations.

Toujours selon lui, l’encre peut se résumer à trois éléments : un liquide (de l’eau dans la plupart de ses recettes), un pigment et un liant qui, comme son nom l’indique, permet de lier couleur et liquide. « La grande majorité de mes ingrédients sont locaux, des choses que je peux trouver à mes pieds : je vais chercher mon eau moi-même, pareil pour les pigments et les liants. J’utilise notamment de la gomme de cerisier pour ces derniers. » « Les pigments, eux, sont des clous rouillés, de vieux fils de cuivre ou de la poussière de placoplâtre : toutes ces choses formidables qu’on trouve en ville et qui sont sous-utilisées pour créer de la couleur. Il n’y a pas que les feuilles et les baies! » Il est vrai qu’on associe souvent pigment et nature. Plus il peaufine son savoir-faire, plus l’artisan tente de brouiller les pistes entre l’urbain et le naturel. « Faire ses couleurs à partir de trucs récupérés dans la rue, c’est presque démocratiser la fabrication d’encre. » C’est aussi lui ajouter une plus-value, conclut-il.

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Photo by / par GS & CO

The Conversation / La conversation

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The Conversation / La conversation

City Rhythms Rythmes urbains BY / PAR LOURDES JUAN AND / ET MARCIN KEDZIOR

In an endeavour she calls “food rescue,” Lourdes Juan, an urban planner and the founder of Calgary-based Hive Developments, launched a tech start-up called Knead that connects the dots between food waste and organizations looking to recover it. She joined Marcin Kedzior, a Toronto-based design professional, educator and urban thinker, for a chat about urban planning as a mode of prophecy and how cities are designed versus how they’re experienced.

Urbaniste et fondatrice de Hive Developments à Calgary, une agence de conseils en urbanisme et travail de proximité, Lourdes Juan a lancé Knead, une jeune pousse qui facilite le rapprochement entre la nourriture gaspillée et les organismes à sa recherche pour en faire bon usage. Avec Marcin Kedzior, enseignant en architecture et penseur urbain torontois, elle discute aménagement de l’habitat : de la théorie à la pratique et don de prophétie ou pas.

MARCIN KEDZIOR: A recent obsession of mine has been thinking of the formation and inhabitation of cities from the point of view of rhythm — as a series of improvisations and responses that develop over time. Maybe every neighborhood has its own rhythm?

MARCIN KEDZIOR : Depuis quelque temps, je réfléchis à la formation et à l’occupation des villes par leurs habitants du point de vue du rythme, comme une série d’improvisations et de réactions qui évoluent au fil du temps. Peut-être que chaque quartier a son propre rythme?

LOURDES JUAN: I’m in Calgary — a city that is still in a very pimplyteen awkward phase — in a province that has been largely dominated by one industry, so we really haven’t had the opportunity to think about cool things like architecture and design until more recently.

I grew up here, and when I think of Calgary 40 or so years ago versus what it looks like today, in so many ways the city is making the right moves. For example, right now I’m sitting in Platform Calgary — a tech and innovation centre — and the f loor heights are such that the building is convertible [to other uses]. In the future, we can turn it into offices or housing, and it’s right across the street from our [newly built] central library.

LOURDES JUAN : Je vis à Calgary, une ville qui est encore dans sa phase d’adolescente boutonneuse et mal à l’aise, dans une province largement dominée par une seule industrie. Donc ici, on commence à peine à penser à des trucs cools comme l’architecture et le design.

J’y ai grandi, et quand je vois ce qu’elle est devenue en une quarantaine d’années, je crois qu’elle est sur la bonne voie. Par exemple, en ce moment, je te parle depuis Platform Calgary, un centre de technologie et d’innovation où la hauteur sous plafond est telle que le bâtiment pourra servir à d’autres usages : il pourra être converti en bureaux ou en logements. Et il se trouve juste en face de notre toute nouvelle bibliothèque centrale!

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The Conversation / La conversation

LJ: When I think of making a true impact on a complex problem, it goes back to community engagement. We cannot take — and Marcin, maybe you’ve come across this in your design process — one idea or one architectural style and plunk it into a city. You really have to understand the roots and the context.

And you really can’t affect things like food waste, food security or food access without thinking about urban planning.

When it comes to accessing healthy or affordable food, the [big box grocers] in Calgary are primarily in places that you need to drive to. If you are a young immigrant family, for example, and you don’t have access to a vehicle, or you’re a single mother and you have six children, or you’re a senior who lives alone, how on earth are you going to get to the grocery store that is an hour and a half away by bus. I don’t think it was done on purpose, but we’ve created these “food deserts” in the city. And also “food swamps,” in that there are lots of fast-food options in inner-city communities but access to healthy food like fruits and vegetables is almost non-existent. There’s a built-in inequity.

MK: That’s a great point about accessibility in the food landscapes you describe. Going to the market is — or should be — a pleasurable event, an amazing social and cultural experience.

Sometimes, in planning discourse, there is an emphasis on getting from point A to point B, but something about the richness of living in a city is harder to capture. When we talk about social cohesion, we often use musical terms like “unison” or “harmony,” but I don’t think those terms are as good as “polyrhythmic,” which describes when a rhythm is open enough to accommodate other rhythms to enter and become part of it — the tempos, speeds and possibilities of urban life.

I know Calgary has an extensive above-ground walkway system. It’s interesting the kind of co-operation that it took between different partners to create that circulation system.

I would love to learn more about how you think about these things, how long it takes for things to improve in the city and how those relationships are nurtured.

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LJ: There’s a political layer, then there’s this engagement layer with all who want to be at the table, then there’s a cultural layer.

I remember doing a project in Chinatown here that was fairly controversial. In just a three-block radius, there were over 120 different community associations. It takes all these different layers to get [a full picture and] all the feedback. Then we sift through what’s helpful, what’s not helpful and where we can do better.

I wrote a paper in university about how the Plus 15 skyway network was the most inequitable system. Someone in my master’s program wanted to see, if they dressed a little scrappy, how long it would take to get kicked out of the walkway. I think the average was about 4.6 seconds. It’s pedestrianism for only certain folks, and that decision was made from a political standpoint. It’s like, we put time, energy and effort into making something that is not accessible for many people, who probably need that shelter from the cold. I don’t know how that’s going to play out in 30 or 40 or 50 years.

Like I said, we’re in an awkward phase. We can always envision what we want something to look like, but we’re really just gathering information from cities that we want to emulate.

MK: On the point of envisioning futures, I think that kind of analysis is like a mode of prophecy, done by the Oracles of Data! My rule of thumb has been that beyond 200 years is unfathomable, which is about the time frame between someone’s great-grandparent and great-grandchild. It does feel a bit controlling, trying to own the future before it happens by making predictions. Though I love what you said earlier, Lourdes, about building flexibility into the design of Platform Calgary.

LJ: Anticipation and optimism! I hope this building isn’t a parking lot in 50 years. I hope the library across the street is a historical building my grandchildren can enjoy. And maybe it will function differently, but the architecture and design will really stand.

ISSUE / NUMÉRO 25, 2022 Block featured Ottawa-based printmaker and ceramicist Gayle Uyagaqi Kabloona’s second-ever wall hanging, Uvagut (which means “all of us” in Inuktitut). Kabloona has since achieved some remarkable milestones, including a collaboration with Uniqlo and designing a Canada Post stamp as part of a Truth and Reconciliation series. / C’est dans Block que Gayle Uyagaqi Kabloona, graveuse et céramiste à Ottawa, a décidé d’accrocher sa tenture intitulée Uvagut (« nous tous » en inuktitut).

Elle a depuis tracé sa route, croisant sur son passage Uniqlo pour une collaboration et Postes Canada pour l’illustration d’un timbre de la série Vérité et réconciliation.

Photo courtesy of / offerte par Canada Goose, Inc.

MK: That’s a great example of how certain buildings can set in motion the future of a neighbourhood or constitute a community or even a distinct form of living — especially if the design engages with the complexities of how people actually live, their everyday habits and practices.

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“Maybe every neighbourhood has its own rhythm?”/« Peut-être que chaque quartier a son propre rythme? »

M. K. : C’est un bel exemple de la façon dont un bâtiment peut mettre l’avenir d’un quartier en mouvement, constituer une communauté ou même un mode de vie distinct, surtout si l’architecture tient compte des complexités de la vie réelle, des habitudes quotidiennes des résidents.

L. J. : Pour avoir un vrai impact face à un problème complexe, je pense toujours engagement communautaire. On ne peut pas prendre, et Marcin, tu pourras peut-être me le confirmer, une idée ou un style architectural et le balancer, tel quel, dans une ville. On doit tenir compte des causes et du contexte.

De la même façon, on ne peut agir sur le gaspillage ou la sécurité alimentaire et l’accès à la nourriture sans penser à l’urbanisme. Pour avoir accès à des aliments santé à prix abordables à Calgary, il faut se rendre dans les grandes surfaces qui se trouvent presque toutes hors du centre-ville.

Comment une jeune famille immigrée qui n’a pas d’auto, ou une maman solo avec six enfants, ou encore une personne âgée qui vit seule, va-t-elle aller faire ses courses dans une épicerie qui est à plus d’une heure de bus de chez elle? Je ne crois pas que ce soit un fait exprès, mais nous avons créé ces « déserts alimentaires ». Et des « bourbiers alimentaires » également, car les choix de restauration rapide pullulent dans les quartiers alors que les fruits et légumes y sont pratiquement inexistants.

C’est une iniquité construite de toutes pièces.

M. K. : Ce que tu viens de décrire est tout à fait juste. Faire son marché est, ou devrait être, un moment agréable, une sortie sociale et culturelle. Parfois les urbanistes se concentrent sur le fait d’aller d’un point A à un point B en perdant de vue la richesse de la vie en ville, plus difficile à saisir. Quand on parle de cohésion sociale, on a souvent recours à des termes musicaux, tels que « unisson » ou « harmonie ». Ils sont bons, mais pas autant, je crois, que « polyrythmie », qui est l’emploi simultané de structures rythmiques différentes : les tempos, les vitesses, les possibilités de la vie citadine.

Je sais que Calgary dispose d’un vaste réseau de passerelles piétonnières. Cette coopération entre divers partenaires pour créer un tel système de circulation est intéressante. J’aimerais avoir ton avis sur ce sujet, sur le temps qu’il faut pour améliorer une ville et comment on arrive à ce genre de collaboration.

L. J. : Il y a une couche politique, puis une couche engagement avec toutes les personnes qui veulent s’impliquer, et enfin une couche culturelle. Je me souviens d’un projet ici, dans le quartier chinois, qui a été pas mal controversé. Dans un rayon d’à peine trois blocs, il y avait plus de 120 associations communautaires. Toutes ces couches sont nécessaires pour avoir une vue d’ensemble. Ensuite, on passe ces infos en revue : ce qui est utile, ce qui ne l’est pas et ce qui peut être amélioré.

J’ai écrit un article à l’université, expliquant pourquoi le Plus 15 [réseau de passerelles piétonnières vitrées de Calgary] était injuste. Quelqu’un de mon programme de maîtrise a voulu savoir combien de temps il lui faudrait, s’il était mal habillé, pour être expulsé de la passerelle. Je crois que la moyenne était de 4,6 secondes. Ce n’est pas une piétonnisation pour tous, et cette décision est politique. On a dépensé du temps et de l’énergie à construire quelque chose qui n’est pas accessible à ceux qui en auraient besoin pour se protéger du froid. J’ignore ce que ça va donner dans 30 ou 50 ans. Comme je l’ai dit, on est dans une phase délicate. On peut toujours imaginer ce à quoi on voudrait que notre ville ressemble, mais on ne fait que recueillir des infos sur celles qu’on veut imiter.

M. K. : En ce qui concerne la prédiction de l’avenir, je crois que ce genre d’analyse est une forme de prophétie rendue par l’oracle des données! Ma règle de base est qu’au-delà de 200 ans, c’est insondable, ce qui correspond à peu près au laps de temps entre nos arrière-grands-parents et nos arrière-petits-enfants.

Essayer de s’approprier l’avenir en le prédisant me paraît un peu contrôlant. Mais j’aime beaucoup ce que tu as dit à propos de l’aménagement flexible de Platform Calgary.

L. J. : Anticipation et optimisme! J’espère que, dans 50 ans, ce bâtiment ne sera pas un stationnement. Et que la bibliothèque en face sera un monument historique que mes petits-enfants pourront admirer. Que son architecture restera, même s’il n’a pas le même usage.

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Photo by / par Maxime Brouillet

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ISSUE / NUMÉRO 25, 2022 Brad McCannell and Kristen Habermehl from the Rick Hansen Foundation discussed with Block the often-unseen impacts of making spaces accessible. We learned that 57% of people with physical disabilities “who are willing and able to work are unemployed because of barriers in the workplace.”

Imagine the increased agency — and the benefit to the economy — if workplaces could support people of all abilities. / Brad McCannel et Kristen Habermehl de la Fondation Rick Hansen ont discuté avec Block des effets souvent invisibles de la mise en accessibilité des bâtiments. On y apprenait que 57 % des personnes ayant un handicap physique, « désireuses et capables de travailler sont sans emploi à cause d’obstacles sur le lieu de travail ». Imaginez les avantages économiques si ces derniers pouvaient accueillir des personnes de toutes aptitudes!

Photo by / par Martin Tessler

ISSUE / NUMÉRO 22, 2021 Block checked in with master mason Kostas Kotoulas, who was leading the efforts to restore the caryatids and copper dome atop Vancouver’s Sun Tower. In the pandemic-era issue dedicated to the theme of caring, Kotoulas shared, “You must be passionate and care for a building the way you care for yourself.” / Une rencontre au sommet a eu lieu entre Block et le maître maçon Kostas Kotoulas, qui chapeautait la restauration du dôme en cuivre et des caryatides de la Sun Tower de Vancouver. Dans ce numéro consacré aux métiers du soin, il nous disait : « On doit être passionné et prendre soin d’un bâtiment comme de soi-même. »

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Now & Then / D’hier à aujourd’hui

Now & Then x 10 / D’hier à aujourd’hui x 10 Each Allied property is a unique alchemy of forms, uses and stories, accruing value and history over time. For 10 years, Now & Then has been capturing those stories. / Chaque propriété d’Allied est une subtile alchimie de formes, usages et histoires, augmentant sa valeur au fil du temps. Des histoires que D’hier à aujourd’hui raconte depuis 10 ans.

1872

1905

1912 TORONTO Gurney Stove Factory / La fonderie Gurney

VANCOUVER The Landing EDMONTON The Revillon Complex / Le complexe Revillon

c. 1913

c. 1931

CALGARY Lougheed Building / L’édifice Lougheed

OTTAWA The Chambers

VANCOUVER Barber-Ellis Building / L’édifice Barber-Ellis

TORONTO Dominion Paper Box Company

c. 1931

1956 MONTRÉAL Le Nordelec CALGARY Odd Fellows Temple

1960

c. 1971

Photos courtesy of / offertes par (from left to right from top / de gauche à droite à partir du haut): Toronto Public Library; City of Vancouver Archives; Glenbow Archives; Ibid: William James Topley/Library and Archives Canada; City of Vancouver Archives; Allied REIT; Bell Canada Historical Collection; Calgary Library Archives

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Now & Then / D’hier à aujourd’hui

2013

2021

2014

2012

2013

2017 36

2011

2012

2013

Photos courtesy of / offertes par (from left to right from top / de gauche à droite à partir du haut): Harry Choi; Allied REIT; Amber Bracken; Harry Choi; Ibid; Ibid; Allied REIT; Marc-Olivier Bécotte; Harry Choi

Now & Then / D’hier à aujourd’hui

Back to the Future Retour vers le futur

How Vancouver’s first skyscraper attained movie-star status. / Le premier gratte-ciel vancouvérois se hisse au rang de star de cinéma.

BY / PAR SYDNEY LONEY

2021 Top / En Haut: R. Broadbridge / courtesy of / offerte par Vancouver Public Library 8393.

Bottom / En bas: Photo courtesy of / offerte par Allied REIT.

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ISSUE / NUMÉRO 26, 2023 The Montreal Mile End-focused 1KM Guide, illustrated by Sean Lewis, centred on Ubisoft’s Canadian headquarters and celebrated the great community that surrounds it. While it’s one of the city’s busiest corners, Lewis captured the intimate atmosphere and beloved local haunts that draw people from all walks of life. / Illustrée par Sean Lewis, notre rubrique 1 km autour vous dévoilait les bonnes adresses entourant le QG canadien d’Ubisoft. Dans ce quartier animé du Mile-End montréalais, l’artiste a su capter l’atmosphère intime des lieux préférés des habitués du coin.

Illustration by / par Sean Lewis

1915

The 13-storey Dominion Building at 207 West Hastings Street in Vancouver arose from futuristic thinking in the early 1900s when it was commissioned by the Imperial Trust Company to be “a landmark in the city.” It was big (at 45 metres, the tallest building in the British Empire and Vancouver’s first “skyscraper”), it was bold (with a striking flat-iron shape and rose-coloured terracotta facade) and it marked a new approach to architecture in the city’s downtown core.

The man behind its look was John Shaw Helyer, who designed yachts as a member of the Royal Institution of Naval Architects in the U.K. before immigrating to Canada in 1900.

Helyer departed from conventional heavy stone construction and paired an innovative steel and concrete interior with classical columns, a curved mansard roof and decorative detailing.

Then, he added a few unexpected flourishes to the Dominion, including a 10-storey staircase spiralling up through the heart of the building.

The Dominion made the papers when it was completed in 1910 and has continued to attract attention over the decades, appearing on the big screen, in both fantastical and futuristic settings, in The NeverEnding Story, Battlestar Galactica and Blade: Trinity. It also caught the eye of Allied Properties, which bought the building in 2021, cementing its star status for decades to come. / Au début des années 1900, le Dominion Building, situé au 207, rue Hastings Ouest à Vancouver, émerge de la vision futuriste de l’Imperial Trust Company, qui veut que son immeuble soit « le point de repère de la ville ». Pari réussi : il est grand (avec ses 13 étages empilés sur 45 mètres, il est le plus haut édifice de l’Empire britannique et le premier gratte-ciel de Vancouver), il est audacieux (avec sa silhouette en fer à repasser et sa façade en terre cuite rose) et il révolutionne l’approche architecturale du centre-ville.

Il est signé John Shaw Helyer, qui dessinait des voiliers en tant que membre de l’Institution royale des architectes navals (RINA) au Royaume-Uni avant d’émigrer au Canada en 1900. Le maître d’œuvre décide de s’éloigner des constructions traditionnelles en pierre pour combiner une structure innovante en acier et béton à des colonnes classiques et un toit mansardé convexe. Puis, il lui ajoute quelques ornements étonnants, dont un escalier intérieur central déroulant sa spirale jusqu’au 10e étage.

Le Dominion fait les gros titres lors de son inauguration en 1910 et ne cesse d’attirer les regards depuis, apparaissant notamment sur grand écran dans L’Histoire sans fin, Battlestar Galactica et Blade 3 : la trinité. Il a aussi tapé dans l’œil d’Allied, qui en est devenu propriétaire en 2021, cimentant son statut de star pour les années à venir.

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Make Room for the Arts / Faites place à l’art

Heroic Efforts L’héroïne

BY / PAR XIMENA GONZÁLEZ PHOTO BY / PAR VICKY MITTAL PHOTO COURTESY OF / OFFERTE PAR EDMONTON MURAL FESTIVAL

In an environment designed for cars, in downtown Edmonton, a new mural enlivens the intersection of 104 Street NW and 103 Avenue NW. Using the former blank wall of a six-storey parkade as a canvas, three artists transformed a nondescript landscape into a statement of hope and strength.

Part of the inaugural year of the Edmonton Mural Festival, The Hero is one of 10 murals painted across the city this past September. It’s the first collaboration between Bernhard Suryaningrat, an Indonesian graffiti artist also known as Hardthirteen, and Annaliza Toledo and Trevor Peters of Rust Magic International, a multidisciplinary art agency based in Edmonton and Bali.

Evoking the work of other socially minded artists such as Eric Almanza, a Chicanx figurative painter based in California, the trio opted for a vivid colour palette that drastically changes the energy of its surroundings and attracts the attention of passersby. “It was a six-storey blank wall that nobody could interact with,” says Peters, “and now it’s a six-storey symbol that people can admire.”

Together, the trio brought to life a vision of bravery that invokes a more hopeful future for Indigenous women and girls.

“This is such an important project for us moving forward,” says Toledo. “This is a stepping stone for us to do projects that question, raise conversations, build awareness and shed light on issues that affect everybody.”

Born and raised in Edmonton, Peters (who is Cree) and Toledo work toward the preservation of graffiti and urban art history through their artistic practice, as the presence of graffiti in public spaces is often misunderstood.

Through The Hero, the artists use graffiti art to challenge clichés and invite viewers to reconsider their positions. “We know graffiti as an art form,” says Peters, who’s been a graffiti artist since 1994. “It’s one of the largest art movements of our time.”

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Plantée dans un décor pensé pour la voiture, une nouvelle murale égaye le croisement des 104e Rue NO et 103e Avenue NO au centre-ville d’Edmonton. Trois artistes ont transformé le mur bétonné d’un stationnement étagé en déclaration de force et d’espoir.

The Hero fait partie des 10 œuvres peintes en septembre dernier dans le cadre du premier festival de murales de la ville. C’est aussi la première collaboration de l’artiste graffeur indonésien Bernhard Suryaningrat, alias Hardthirteen, avec Annaliza Toledo et Trevor Peters de Rust Magic International, une agence artistique multidisciplinaire basée à Edmonton et à Bali.

Inspiré par d’autres artistes socialement engagés, comme Eric Almanza, peintre figuratif californien d’origine mexicaine, le trio a opté pour une palette vive qui insuffle au lieu une énergie nouvelle tout en attirant le regard des passants. « C’était un mur gris de six étages, sans aucune interaction, explique Trevor. C’est aujourd’hui un symbole de six étages qu’on peut admirer. » L’illustration représente la bravoure, évoquant un avenir plus prometteur pour les femmes, jeunes filles et fillettes autochtones. « Cette réalisation est très importante pour nous, poursuit Annaliza. C’est un tremplin pour d’autres projets qui font réfléchir, qui ouvrent le débat, sensibilisent et mettent en lumière des sujets qui touchent tout le monde. » Elle et Trevor, artiste graffeur Cri depuis 1994, travaillent à la préservation des graffitis et de l’art urbain en général dans Edmonton (ville où ils sont nés et ont grandi), leur présence dans l’espace public étant souvent mal comprise.

Ils se sont servis de l’art du graffiti dans The Hero pour défier les clichés et inviter le public à reconsidérer ses positions. « Le graffiti est reconnu en tant que forme d’art : c’est un des plus grands mouvements artistiques de notre époque », conclut Trevor.

Rethink / Repensé

Deus Exurban Machina Oasis urbaines BY / PAR HANNAH MACREADY ILLUSTRATION BY / PAR JASON LOGAN

People in the city always want to move.

To a bigger apartment. To a house with a yard. Downtown. Uptown. Or out of the city entirely. I’ve watched my friend group fragment over the years as people trade SkyTrain stops for suburban parking spots and walkable routes for more bedrooms.

Here in British Columbia, the obvious remedy for metropolitan burnout is its exact opposite: rural living.

Penticton. Nelson. Fernie. Squamish.

Every year, these rustic small towns see an influx of urban defectors seeking local coffee shops, artisanal farmers’ markets and houses with woods so thick you can’t see or hear the road.

For a long time, I thought, eventually, I would be among them. I wanted space for my dogs to run. I wanted a backyard criss-crossed with hiking trails. I longed to watch the quiet magic of evaporating morning dew.

I wanted all of this — that is, until the fires started. The past decade has brought a steady invasion of wildfires to B.C.’s interior communities. In 2021, the village of Lytton literally burned to the ground — vanished in just a few hours.

My friends and family members who live outside of the city have spent the past five years on rotating evacuation notices.

Summer, now, is a time of deep stress and uncertainty.

Apprehension abounds, and as citizens of Canada’s most expensive city, Vancouverites have already lived through too much housing uncertainty.

So, what do we do when our dreams get torched? We hit pause on our rural plans and find new dreams. We bring the rural here.

Instead of saving for a four-bedroom house in Summerland, we’re starting community gardens and raising backyard chickens. We’re buying Mitsubishi Delicas and converting them into movable homes. Tomato plants and basil sprigs overflow from our balconies. Soon, we’ll

build rooftop farms, set up cocktail bars in gardens and plant enough shrubbery and security cameras to capture the morning dew from the comfort of our 25th-floor apartments.

This isn’t to say that urbanization can replace the rural. Or that the plight of those who already live in these small towns is theirs to bear alone. But I am suggesting that we city folk stay put and make our dreams come true right where we are.

Vancouver can be our Osoyoos, Revelstoke or Argenta. Vancouver can be our wooden, rural dream. We don’t have to leave the city to find peace. We just need to be creative in how we live in it. / Les citadins veulent toujours déménager.

Pour du plus grand. Pour une cour. Pour un quartier plus calme ou plus chic. J’ai vu mon groupe d’amis se fragmenter au fil des ans, échangeant un arrêt de métro contre une place de stationnement garantie ou une piste cyclable contre deux chambres de plus.

Ici, en Colombie-Britannique, l’antidote au surmenage urbain est la vie à la campagne. Penticton. Nelson.

Fernie. Squamish. Tous les ans, ces villes champêtres voient affluer des métropolitains désenchantés en quête de petits cafés sympas, de marchés fermiers et de maisons au bois épais pour ne plus voir ni entendre les autos.

Pendant longtemps, j’ai eu la même envie. Je voulais de l’espace pour que mes chiens puissent courir. Une cour d’où partirait un chemin de rando. Une baie vitrée de laquelle contempler la rosée du matin.

Jusqu’au jour où les incendies ont commencé. Ces 10 dernières années, l’arrière-pays britanno-colombien a été envahi par les feux de forêt. En 2021,

le village de Lytton a disparu dans les flammes en quelques heures. Mes amis qui vivent hors de la métropole ont tous été évacués à tour de rôle. L’été est devenu synonyme de stress et d’incertitude.

L’appréhension pullule, partout.

Les Vancouvérois et Vancouvéroises, citoyens de la ville la plus chère du Canada, craignent aussi pour leur capacité à se loger.

Alors, que fait-on quand nos rêves s’évanouissent en fumée? On met nos projets sur pause et du bucolique en ville.

Au lieu d’économiser pour une grande maison à Summerland, on s’inscrit au jardin communautaire et on élève des poules dans sa cour. On s’achète un Mitsubishi Delica pour le transformer en maison mobile. On cultive des tomates sur son balcon. Bientôt, on construira des fermes sur les toits, on installera des bars à cocktails au milieu de la verdure et on plantera assez d’arbustes et de caméras de surveillance pour pouvoir admirer la rosée du matin dans le confort de son salon au 25e étage.

Cela ne veut pas dire que l’urbain peut remplacer le rural. Ou qu’il faut abandonner les habitants des petites villes à leur triste sort. Ma proposition est plutôt que nous, citadins et citadines, arrêtions de bouger et réalisions nos rêves sur place.

Vancouver peut être notre Osoyoos, Revelstoke ou Argenta. Notre rêve de maison dans le bois. On n’a pas à quitter la ville pour trouver la paix. Il suffit de faire preuve de créativité.

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ISSUE / NUMÉRO 26, 2023 For decades, famed photographer Edward Burtynsky has been pulling the veil off industrial landscapes to reveal how they affect the planet. He welcomed Block into his Toronto studio for an intimate look at his process and most recent book, African Studies, sharing the reach — and impact — of globalism on the African continent. / Son objectif braqué depuis des années sur les paysages industriels, Edward Burtynsky lève le voile sur ces activités humaines qui mutilent la terre. Block a pu pénétrer dans l’antre torontois du photographe et jeter un œil sur son dernier livre, African Studies, témoignant des effets du mondialisme sur le continent africain.

Photo by / par Derek Shapton

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9 Photo by / par Jon Furlong, courtesy of / offerte par MURAL Fest

ISSUE / NUMÉRO 25, 2022 Shepard Fairey — the creative force behind Obama’s presidential campaign “HOPE” poster — created another socially minded and meaningful piece, titled Paix et Justice, for Montreal’s 2022 MURAL Festival. Emblazoned on the side of an Allied building, the larger-than-life ode to justice calls attention to some of the most pressing issues of our time. / En 2022, dans le cadre du festival montréalais Mural, Shepard Fairey, créateur de Hope, l’affiche de la campagne présidentielle de Barack Obama, réalisait une autre œuvre du bout de son pinceau socio-engagé : Paix et Justice. Déployée sur le flanc d’un immeuble d’Allied, elle donne matière à réflexion sur certaines questions urgentes de notre époque.

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The Blueprint / Le plan d’action

Scale Model / Modèle réduit

After reading about Moment Factory’s efforts at 1001 RobertBourassa in Montreal (The Moment, p. 12) make it yourself — in miniature (at a scale of 1:1250). / Après avoir découvert le futur hall du 1001, avenue RobertBourassa à Montréal, imaginé par Moment Factory (Le moment, p. 12), amusez-vous à le construire à l’échelle 1/1250.

Mountain fold / Pli montagne Valley fold / Pli vallée

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The Blueprint / Le plan d’action

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Fill in the Blank / Veuillez combler l’espace

EACH ISSUE, WE ASK AN ARTIST: WHAT WOULD YOU DO WITH YOUR OWN URBAN INFILL? / DANS CHAQUE NUMÉRO, NOUS DEMANDONS À UN ARTISTE CE QU’IL FERAIT DE SA PROPRE DENT CREUSE BY / PAR KATHERINE LAM BLOCK / 43

JASON LOGAN, BY LUIS MORA, OCTOBER 3, TORONTO / JASON LOGAN, PAR LUIS MORA, 3 OCTOBRE, TORONTO