Dossiers magazine v2014 final by Amir Arsalan

PHOT BY CATA

24 POSTAL FREE EQUIPO CRÓNICA

POP ART

JACKSON POLLOCK

VASILY KANDINSKY

DOSSIERS

COLLAGE DE UN OJO

SURREALISMO

CAMISETA MOCKUP

CONSTRUCTIVISMO

OBJETO IMPOSIBLE

DADAISMO

DINAMISMO DEL DEPRESION

FUTURISMO

ÍNDICE DEL UN DOSSIER 38

ANTON GIULIO BRAGAGLIA

Anton Giulio Bragaglia nació el 11 de febrero de 1890 y

murió el 15 de julio de 1960. Fue pionero en la fotografía italiana futurista y en el cine en Italia. Era un versátil e intelectual artista, que poseía amplios intereses. Escribió

JUVENTUD

DINAMISMO DE LA DEPRESION

l movimiento futurista busca el dinamismo y marcar una velocidad y tecnologías bastante importante en sus fotos. Una frase muy importante para definir este movimiento sería «Los objetos en movimiento se multiplican y se distorsionan como vibraciones a través del espacio.» Fragmento de el Manifiesto futurista Las obras que representan el futurismo, se caracterizan por el color y las formas geométricas y en gran parte por la representación de movimiento y velocidad que pasa en ellas.Lo que pretende el futurismo es salirse de lo normal y buscar algo original (Que tiene carácter de

novedad), por lo que marcar una diferencia.Contenido relacionado con el mundo moderno, las ciudades y los automóviles, su bullicio y dinamismo.Utilizan formas geométricas para poder crear ritmos, al igual que diferentes tipos de colores resplandecientes, transparencias y multiplicación de líneas y detalles además de transición de imágenes intentando crear una impresión de un caleidoscopio o una película. En el campo de la fotografía dentro del movimiento futurista se ve bastante influenciado por los movimientos callejeros.La estructura urbana, y además estaciones de trenes y aeroplanos, centrales eléctricas, casas escalonadas con as-

DOSSIER DEL FUTURISMO

censores...El futurismo busca romper con la tradición, el pasado y los signos convencionales de la historia del arte.Tenía dos temas dominantes, la máquina y el movimiento,captar un objeto o una persona, lo que fuese, en movimiento de forma que mostrara un dinamismo. Un paso adelante de Bragaglia Un movimiento del Arte Contemporáneo en el cual se muestra el movimiento en una fotografía. Para hacer la fotografía futurista de mi compañero, lo único que tuve que hacer es ir a la playa de noche, con 15 segundos de exposición y mi compañero moviendóse de una manera continua, ya estaba todo hecho.Intenté reflejarme en las fotografías hechas por “Un paso adelante de Bragaglia”, generando como siempre una originalidad en las fotografías y sobretodo velocidad.

sobre fotografía, teatro y danza. Bragaglia nació en Frosinone, Lazio. En 1906 trabajó como asistente de director en un estudio de películas de Roma patrocinado por su padre, Francesco. Adquirió un gran manejo de la técnica y una experiencia artística. Aprendió de los directores Mario Caserini y Enrico Guazzoni. Con sus hermanos Arthur and Carl Ludovico, empezó a experimentar con fotografía y cinematografía. Estudiaron el tratamiento del movimiento, desarrollando lo que llamaban fotodinamismo. Bragaglia nació en Frosinone, Lazio. En 1906 trabajó como asistente de director en un estudio de películas de Roma patrocinado por su padre, Francesco. Adquirió un gran manejo de la técnica y una experiencia artística. Aprendió de los directores Mario Caserini y Enrico Guazzoni. Con sus hermanos Arthur and Carl Ludovico, empezó a experimentar con fotografía y cinematografía. Estudiaron el tratamiento del movi-

FUTURISMO miento, desarrollando lo que llamaban fotodinamismo. En 1911 publicó el tratado de Fotodinamismo y comienzó a profundizar en el concepto. En el mismo año le nombraron editor de arte y teatro

en el periódico “L’Artista”. Publica dos manifiestos futuristas, “Fotodinamica Futurista” en 1912 y “Manifesto of Futurist Cinema” en 1916. En 1916 fundó la revista vanguardista “Cronache di Attualità”. En ella examinaba política, música, teatro y arte dentro del punto de vista futurista. En el mismo año funda el estudio de cine “Novissima-Film”, y produce algunas visionarias películas futuristas incluyendo “Thais” (dicho también “Perfido incanto”). En 1918 abrió una galería de arte, la “Casa d’Arte Bragaglia”, la cual llegó a ser un nexo importante entre artistas de vanguardia. En ella mostró el trabajo de modernistas como Balla, Depero, De Chirico, Boccioni, Klimt y Kandinsky. En 1919 dirigió actuaciones para Rosso di San Secondo y Pirandello. De 1921 a 1924 Bragaglia publicó el panfleto satírico “Index Rerum Virorumque Prohibitorum” (“Index of Forbidden Things and Men”). En

1922 abrió el “Teatro Sperimentale degli Indipendent” el cual dirigió hasta 1936. También fundó su propia compañía de teatro, “Company Bragaglia Shows”, que llegó también a ser el punto de enfoque de la vanguardia italiana. En 1932 es nombrado consejero de la “Corporazione dello Spettacolo” (“Corporación del Entretenimiento”). El teatro cerró en 1936, y desde 1937 a 1943 fue director de la fundación “Teatro delle Arti”. Bragaglia describió sus teorías sobre el teatro en “Maschera mobile” de 1926, “Del teatro teatrale ossia del teatro” de 1927 y “Il segreto di Tabarrino” de 1933. Dirigió más de 15 producciones. De 1926 hasta 1960, también escribió numerosos artículos y libros sobre el arte, el teatro y las imágenes en movimiento. Bragaglia murió en Roma el 15 de julio de 1960.

REFERENCIAS

En mi último curso de historia fotográfica, decidí investigar el futurismo y la fotografía. El futurismo fue un movimiento artístico y social que se originó en Italia a principios del siglo XX. El movimiento se centró en la velocidad, la acción, la rebelión política, el conflicto y la glorificación de la máquina. El movimiento futurista fue una rama del movimiento de vanguardia, y fue la creación del rico poeta italiano Filippo Tommaso Marinetti. Marinetti se obsesionó con la idea de una profunda necesidad de una metamorfosis de la sociedad postindustrial. El manifiesto futurista sorprendió y entusiasmó al público con una ideología radical que abrazó la guerra, la violencia y la rebelión como la forma de combatir las antiguas y pasadas ideas del pasado. Un fotógrafo importante influenciado por este movimiento fue Anton Giulio Bragaglia, quien se esforzó por representar un retrato fluido de la realidad a través del movimiento y la energía, para captar el movimiento a través del tiempo en un flujo continuo y constante. Bragaglia se convirtió en el portavoz del futurismo dentro de la arena fotográfica, y escribió y

publicó el Fotodinamismo Futurista en 1912. El manifiesto dice: “Un grito, una pausa trágica, un gesto de terror, toda la escena, el completo despliegue externo del drama íntimo, pueden expresarse en una sola obra. Y esto se aplica no sólo al punto de partida o al de llegada, ni tampoco a la etapa intermediaria, como ocurre en la cronofotografía, sino continuamente, de principio a fin, porque de esta manera los estados in-

ter-movimiento de un movimiento también pueden ser Invocado “.

FUTURISMO Y FOTOGRAFIA

https://jamielynnphilp.wordpress.com/tag/bragaglia/

El Dadaísmo crea una especie de antiarte moderno, es una provocación abierta al orden establecido. El Dadaísmo surgió del desencanto que sentían esos artistas al vivir en la Europa del periodo tardío de la Primera Guerra Mundial y, posteriormente, de la actitud de rebelión hacia la abulia y desinterés social característico de los artistas del periodo de entreguerras. El Dadaísmo suele ser una sucesión de palabras,letras y sonidos a la que es difícil encontrarle lógica. Se distingue por la inclinación hacia lo dudoso, la muerte, lo fantasioso, y por la constante negación.El movimiento dadaísta es un movimiento antiartístico, antiliterario y antipoético porque cuestiona la existencia del arte, la literatura y la poesía. Para crear este objeto imposible:

OBJETO IMPOSIBLE

-Pimer paso, coger los cristales de las gafas para marcar en el papel que iba a usar el contorno del mismo.

Los objetos imposibles son una serie de objetos imaginarios porque su construcción en las tres dimensiones conocidas no se puede dar. La representación de estos objetos es por medio de dibujos. Existen varios tipos de objetos imposibles. Hay algunos en que el ancho se convierte en el alto o en la profundidad, de manera que observando área por área, el dibujo tiene lógica, pero no así en su totalidad. Otros simplemente nos engañan con la perspectiva en que son plasmados, pues en el dibujo se pueden interpretar dos perspectivas y ninguna es correcta. El ejemplo clásico es el cubo imposible. El artista sueco Oscar Reutersvärd es considerado el padre de los objetos imposibles por sus obras pioneras. Sin embargo, se los asocia al artista holandés M.C. Escher, que fue quien los popularizó en los círculos artísticos. No obstante, a veces, por objetos imposibles se entiende aquellos que se asemejan a los creados por el artista francés Jacques Carelman, que se caracterizan por ser absurdos o inútiles. Un móvil perpetuo es otro ejemplo de objeto imposible.

Segundo paso, un papel de ordenador, protector de pantalla de los que vienen cuando realizas la compra, pintar de negro uno de los cristales creados en este tipo de papel con un rotulador y con el contorno marcado de los cristales, cortarlo hasta que quede correcto. Tercer paso, coser el papel, a las gafas de manera que tengan resistencia y ya está acabado. Tuve la idea, mirando objetos en mi casa, y en el último momento, lo tuve claro, ¿Que mejor que unas gafas de sol para volverlas imposibles, de una manera fácil y correcta?

CONSTRUCTIVISMO ALEXANDER RODCHENKO

l constructivismo surgió en Rusia en 1914.Tenía un predominio de la tridimensionalidad y las líneas inclinadas.Poseían motivos abstractos y formas geométricas. El término que usó Kasimir Malévich para describir el trabajo de Aleksandr Ródchenko era “arte de construcción”.Se realizaban carteles, propagandas y fotografías al igual que ilustraciones para representar la idea de Revolución.El

constructivismo se origina como respuesta de el caos vivido en ese momento en la Revolución de Octubre.No buscaban crear arte ni que recibieran ese título simplemente poder enseñar al mundo una manera más de expresar lo que pasaba.Utilizaban diferentes tipos de tipografía, todas muy fuertes. Para este trabajo busqué imágenes de Rodchenko para basarme en sus proyectos. Diseñé una ilustración de un puño

representando la vida de diseñadores, la lucha de ellos.Utilicé los colores amarillos y rojos porque eran los que usaban en él.En una cara hay un puño con un pincel y en la otra con un lapiz.Me basé en el cartel de Rodechenko de “Time for change”.

REFERENCIA Constructivismo

SURREALISMO COLLAGE : OJO

l const r u c t i v i smo fue un movimiento artístico y arquitectónico que surgió en Rusia en 1914 y se hizo especialmente presente después de la Revolución de Octubre.

BE AN ARTIST MY FRIEND jo de Aleksandr Ródchenko en 1917. Además del constructivismo ruso o soviético, que se vincula al suprematismo y al rayonismo o cubismo abstracto; se habla también de un “constructivismo holan-

dés”: el neoplasticismo de Piet Mondrian, Theo van Doesburg y el grupo De Stijl.1 No debe confundirse con abstracción constructiva. Características: sus obras fueron difusoras de las propagandas

El término construction art (“arte para construcción”) fue utilizado por primera vez, de manera despectiva, por Kasimir Malévich para describir el traba-

Revolucionarias. Realizaban carteles, propagandas, fotografías, ilustraciones, etc. Tenían un predominio de la tridimensionalidad y las líneas inclinadas, también, poseían motivos abstractos, utilizaban formas geométricas y lineales.

André Breton (Tinchebray, 19 de febrero de 1896 - París, 28 de septiembre de 1966) fue un escritor, poeta, ensayista y teórico del surrealismo, reconocido como el fundador y principal exponente de este movimiento artístico y es un collage suearismo .

Vasili Kandinski Biografía

asili Vasílievich Kandinski (Moscú, 4 de diciembrejul./ 16 de diciembre de 1866greg.-Neuilly-sur-Seine, 13 de diciembre de 1944) fue un pintor ruso, precursor de la abstracción en pintura, y teórico del arte. Se considera que con él comienza la abstracción lírica y el expresionismo. Vasili Kandinski nació el 16 de diciembre (en el antiguo calendario ruso: 4 de diciembre) de 1866, proveniente de una familia de clase media alta. Su padre Vasili Silvéstrovich Kandinski era un comerciante de té procedente de Kiajta, una población siberiana cercana a la frontera con Mongolia.1 La abuela de Vasili era una aristócrata mongola de la dinastía Gantimúrov. Lidia Ivánovna Tijéieva, la madre de Vasili, era de Moscú.2 Pasó su infancia y juventud entre Moscú y Odesa, donde se trasladó la familia en 1871.2 Tras el divorcio de sus padres vivió con su padre. Su tía Elizavet Tijéieva también lo cuidó.2 Su abuela materna era alemana y le hablaba en alemán. En Odesa tomó clases de piano y de violonchelo.2 En 1886 Kandinski comenzó sus estudios de Derecho y Ciencias económicas en la Universidad de Moscú. También estudió etnografía.2 En 1892 se casó con su prima Anna Chemyákina, con quien vivió hasta 1904. En 1893 fue nombrado profesor asociado en la Facultad de Derecho. En 1896 la Universidad de Tartu le ofreció una plaza de profesor que rechazó para dedicarse por completo al arte. Esta decisión estuvo influida por la exposición de los impresionistas en Moscú en 1895, al ver las obras de Monet y la representación de Lohengrin de Richard Wagner en el teatro Bolshói.2 Se trasladó a Múnich donde inicialmente no fue admitido en la Academia de Arte. Estudió un tiempo en la academia privada de Anton Ažbe hasta 1900, cuando fue admitido en la Academia. Su profesor fue Franz von Stuck y, como consideró que la paleta de Kandinski era demasiado brillante, le hizo pintar en una gama de grises durante un año.2 En 1901 fundó el grupo Phalanx, cuyo propósito principal era introducir las vanguardias francesas en el provinciano ambiente muniqués, para lo que abrió una escuela en la que daba clases. Sus pinturas de los primeros

años del siglo eran paisajes ejecutados con espátula, en un principio sombríos, para luego adquirir una intensidad casi “fauve”. También pintó temas fantásticos basados en tradiciones rusas o en la Edad Media alemana. Este período estuvo marcado por la experimentación técnica, en particular en el uso del temple sobre un papel oscuro, para dar una impresión de superficie transparente, iluminada desde atrás. La consistencia tonal del claroscuro enfatiza el esquema, borrando la distinción entre las figuras y el fondo, resultando una composición casi abstracta. En 1902 expuso por primera vez con la Secesion de Berlín y realizó sus primeras xilografías. En 1903 y 1904 viaja por Italia, Países Bajos, África y visita Rusia. En 1904 expuso en el Salón de Otoño de París. En 1903 se divorció de Anna Chemyákina y se casó con la joven artista Gabriele Münter. Durante cinco años viajó con su esposa por Europa pintando y participando en exposiciones. Volvió a Baviera y se asentó en Murnau am Staffelsee en la falda de los Alpes.2 En 1909 fue elegido presidente de la Nueva Asociación de Artistas de Múnich (NKVM). La primera exposición del grupo tuvo lugar en la galería Thannhauser de Múnich ese mismo año. Hacia el final de la década, las pinturas de Kandinski denotan una gran tendencia a la plenitud, por la equivalencia en intensidad de las áreas de color y la superficie reluciente, que destruye toda ilusión de profundidad. Las series de cuadros de jinetes en combate comenzaron en 1909, y en ellas, la línea del horizonte se va erradicando gradualmente, al igual que otras referencias espaciales. En 1913 escribió sus memorias y una colección de poesías.2 En 1913 una obra suya se presentó en el Armory Show de Nueva York. Al estallar la Primera Guerra Mundial abandonó Alemania y junto a su esposa Gabriele se mudaron a Suiza el 3 de agosto de 1914. En noviembre de 1914 Ga-

briele volvió a Múnich y Kandinski volvió a Moscú. En el otoño de 1916 conoció a Nina Andreevskaya, que era hija de un general ruso. Se casó con ella en febrero de 1917.2 A partir de la Revolución de octubre de 1917, Kandinski desarrolló un trabajo administrativo para el Comisariado del Pueblo, para la Educación; entre los proyectos de este organismo estaba la reforma del sistema educativo de las escuelas de arte. En 1920 fue uno de los fundadores en Moscú del INJUK (Instituto para la Cultura Artística), a lo largo de este año surgió el conflicto entre Kandinski, Malévich y otros pintores idealistas frente a los productivistas (o constructivistas), Vladímir Tatlin y Aleksandr Ródchenko, este último grupo encontró un fuerte apoyo en “el plan de propaganda monumental” ideado por las autoridades políticas de la Revolución. La situación de tensión propició la salida de Kandinski de Rusia. En 1922 se trasladó a Weimar (Alemania), donde impartió clases teóricas para la Escuela de la Bauhaus. En 1926 se publicó su libro Punto y línea sobre el plano. Contribución al análisis de los elementos pictóricos. Una continuación orgánica de su trabajo anterior De lo espiritual en el arte. Hacia 1931 los nacionalsocialistas iniciaron una campaña a gran escala contra la Bauhaus que llevó a su cierre en 1932. Kandinski y su esposa emigraron a Francia y fijaron su residencia en Neuilly-sur-Seine, suburbio de París.

SOBRE EL BLANCO ll 1 9 2 3 KANDINSKY Considerada una de sus obras maestras,marca el momento de su ingreso somo Profesor de la Bauhaus en Weimar,donde a partir de 1922 impartió clases de Teoría de la Forma.Sobre una superficie blanca y cuadrada el artista situó otro cuadrado de formato trapezoidal,girado respecto al plano del cuadro.Sobre la parte izquierda del trapecio el pintor dispuso dos triángulos y dos trapecios de tamaños y colores diferentes.La intersección de las diferentes figuras con el trapecio produce cambios cromáticos en la zona de contacto y cierta tensión compositiva,fruto

de la sobrecarga de elementos sobre ese lado.Un sentido giratorio invade todo el lienzo por la gran línea diagonal y la inclusión de un círculo cuya superficie abarca tres elementos sustantivos:fondo,trapecio y diagonal.El color violeta produce una sensación de balanceo. La sucesión de líneas curvas sobre la diagonal tienen una misión equilibradora.El cruce de las grandes diagonales son elementos decisivos y centrales de la composición. FUENTE:Grandes Maestros de la Pintura- Barcelona-editorial SOL90 Clarín-2007

Jackson Pollock P

aul Jackson Pollock (Cody, Wyoming, 28 de enero de 1912-Springs, Nueva York, 11 de agosto de 1956), más conocido como Jackson Pollock, fue un influyente pintor estadounidense y una importante figura en el movimiento del expresionismo abstracto. Era reconocido por su estilo único de salpicar

pintura.

Durante su vida, Pollock tuvo fama y mucha notoriedad siendo uno de los artistas principales de su generación. Pollock era una persona aislada y con una personalidad volátil. Tenía problemas de alcoholismo a los cuales se enfrentó día a día durante toda su vida. En 1945, se casó con la artista americana Lee Krasne, quien se convirtió en una influencia importante en su carrera y en su legado.1

Pollock murió a la edad de 44 años en un accidente automovilístico debido a que conducía en estado de ebriedad. En diciembre de 1956, meses después de su muerte, Pollock fue conmemorado con una retrospectiva en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA). En 1967 se montó una exhibición más completa y larga de sus trabajos en el mismo lugar. En 1998 y 1999, su trabajo fue laureado con una retrospectiva a gran escala en el MoMA de Nueva York y en el Tate Modern de Londres.2 3

En el año 2000 un filme basado en la vida de Jackson Pollock, Pollock, dirigido y protagonizado por Ed Harris, ganó un premio de la Academia.

PRIMEROS AÑOS

ollock nació en Cody (Wyoming) en 1912,4 el más joven de cinco hijos. Sus padres, Stella May (née McClure) y LeRoy Pollock, nacieron y crecieron en Tingley (Iowa). Su padre nació con el apellido McCoy pero tomó el apellido de sus padres adoptivos. Los Pollock eran vecinos de la familia McCoy y adoptaron a LeRoy después de la muerte de sus padres. Stella y LeRoy eran presbiterianos y de ascendencia irlandesa y escocesa-irlandesa respectivamente.5 LeRoy Pollock era un granjero, posteriormente se convirtió en agrimensor para el gobierno, mudándose conforme el trabajo lo requería.4 Jackson creció en Arizona y Chico, California. Mientras vivió en Echo Park, Los Ángeles, Pollock se inscribió en la Preparatoria de Artes Manuales de Los Ángeles,6 sin embargo fue expulsado de la misma; Pollock ya había sido expulsado de otra preparatoria en 1928. Durante los primeros años de su vida, Pollock exploró la cultura de los Pueblos nativos de los Estados Unidos mientras acompañaba a su padre en sus viajes.4 7 En 1930 (siguiendo los pasos de su hermano mayor Charles Pollock) se mudó a Nueva York donde estudió, junto con su hermano, bajo la tutela del pintor Thomas Hart Benton en el Art Students League of New York. Las pláticas de la América rural de Benton tuvieron poca influencia en Pollock, sin embargo su uso rítmico de la pintura y feroz independencia marcaron al artista.4 De 1938 a 1942, durante la Gran Depresión, Pollock

trabajó para el Federal Art Project de East Hampton (Nueva York) en Works Progress Administration.8 la costa sur de Long Island. Con ayuda de un enganche, préstamo Tratando de lidiar con su problema de Peggy Guggenheim, pudieron de alcoholismo, Pollock se some- comprar una casa con un granero tió a psicoterapia junguiana con el de madera en el número 830 de Dr. Joseph L. Henderson de 1938 la calle Springs Fireplace. Pollock hasta 1941 y posteriormente con la Dra. Violet Staub de Laszlo en 1941-1942. Henderson lo enganchó a través de su arte, alentándolo a hacer dibujos. Los conceptos y arquetipos junguianos quedaban expresados en sus pinturas.9 10 convirtió el granero en un estuRecientemente, los historiadores dio. En ese espacio perfeccionó han creado hipótesis que indi- su técnica de pintura de grandes can que Pollock pudo haber pa- “salpicaduras”, con la cual se sendecido de un desorden bipolar.11 tiría permanentemente identificado.

NUEVAS TÉCNICAS

PERIODO EN SPRINGS Y SU TÉCNICA Pollock firmó un contrato con Peggy Guggenheim en julio de 1943. Él recibió una comisión para crear Mural (1943), que mide 8 pies de altura y 20 pies de longitud,12 para la entrada de la nueva casa de Guggenheim. Como sugerencia de su amigo y consejero Marcel Duchamp, Pollock pintó esta obra en un lienzo en lugar de la pared para que la obra fuera portátil. Después de ver el mural, el crítico de arte Clement Greenberg escribió: «Le eche un vistazo y pensé, “esto sí es arte extraordinario” y supe que Jackson era el pintor más grande que este país ha producido».

Matrimonio y familia En octubre de 1945, Pollock se casó con la pintora estadounidense Lee Krasner y en noviembre se mudaron fuera de la ciudad a Springs (Nueva York) en el área

Pollock fue introducido al uso de pintura líquida en 1936 en un seminario experimental impartido por el muralista mexicano David Alfaro Siqueiros. El artista utilizó la técnica de verter pintura como una de varias en sus lienzos de principios de 1940 como Macho y Hembra y Composición Vertida I. Después de mudarse a Springs, comenzó a pintar con los lienzos recostados en el suelo del estudio y desarrolló su técnica de salpicar pintura. Comenzó a utilizar pinturas con base en una novedosa resina sintética llamada barniz alkyd. Pollock describía estas pinturas como más que una simple herramienta de trabajo, “un resultado natural salido de una necesidad”.14 Él utilizaba pinceles endurecidos, varas, y jeringas para aplicar la pintura. La técnica de Pollock de verter y salpicar pintura es reconocida como uno de los orígenes del action painting (pintura de acción). Con esta técnica, Pollock logró un medio inmediato para crear arte: la pintura fluía literalmente desde la herramienta de su elección hacia el lienzo. Al desafiar las convenciones de pintura en una superficie vertical, el

añadió una nueva dimensión al ser capaz de ver y aplicar pintura a sus lienzos desde todas direcciones. Una posible influencia en el trabajo de Pollock era el trabajo de la artista ucraniana-estadounidense Janet Sobel (1894-1968) (originalmente Jennie Lechovsky).15 Peggy Guggenheim incluyó el trabajo de Sobel en su Galería, “El Arte de este Siglo” en 1945. Junto con Jackson Pollock, el crítico Clement Greenberg vio la obra de Sobel en la galería en 1946.16 En su ensayo “American-Type Painting” (“Pinturas Tipo-Amer ic a na s ”) , Greenberg destacó que esas obras eran las primeras pinturas “all over” (cobertura total de la superficie) que él había visto y dijo que “Pollock admitió que esas pinturas habían causado una impresión en él”.17 Mientras pintó de este modo, Pollock dejó la representación figurativa y retó la tradición occidental de utilizar caballete y pinceles. Él utilizaba la fuerza de todo su cuerpo para pintar, la cual quedaba expresada en sus lienzos. En 1956 la revista Time apodó a Pollock “Jack el salpicador”, debido a su estilo al pintar.18 Mis pinturas no vienen de un caballete. Prefiero fijar el lienzo nuevo a una pared o en el suelo. Necesito la resistencia de una superficie dura. En el suelo me siento más tranquilo. Me siento más cerca, más parte de la pintura, ya que de esta

manera puedo caminar alrededor salpicaduras incluyen a los murade ella, trabajar desde cuatro lados listas mexicanos y del automatisy literalmente “estar” en la pintura. mo surrealista. Pollock se negaba a confiar en “los accidentes”; él Continúo alejándome de las usualmente tenía una idea de como herramientas tradicionales de quería que se viera cada obra en los pintores como los caballetes, particular. Su técnica combinaba las paletas y pinceles, etc. Pre- el movimiento de su cuerpo, que él fiero varitas, palas de jardinero, podía controlar, con el flujo viscocuchillos y pintura diluida o im- so de la pintura, la fuerza de grapasto con arena, vidiros rotos o vedad y el lienzo. Era una mezcla cualquier otro material añadido. de factores controlables e incontrolables. Arrojar, salpicar, verter Cuando y gotear, él se movía energéticaestoy “den- mente alrededor del lienzo como tro” de mi si fuera una danza y no se detenía pintura, no hasta que veía lo que quería ver. soy cons- Las pinturas más famosas de Pociente de lo llock fueron hechas durante el que estoy “periodo de goteo” entre 1947 y h a c i e n d o . 1950. Escaló rápidamente a la fama Tan solo después de un artículo de cuadespués de un periodo de “aclimatación” me doy cuenta de lo que ha pasado. No tengo tro páginas de 1949 en la revista miedo a hacer cambios, destruir la Life que hizo la pregunta “¿Acaso imagen, etc., porque la pintura tie- es él el pintor con vida más granne vida propia. Intento dejarla salir. de de los Estados Unidos?”. En el Es sólo cuando pierdo contacto con pico de su fama, Pollock abandonó la pintura cuando el resultado es un abruptamente su estilo de goteo.23 desastre. De lo contrario es armonía pura, un sencillo dar y recibir, y la Después de 1951, el trabajo de pintura resulta bien.Pollock (1956) Pollock era de colores más oscuros, como su colección pintada Pollock observó las muestras de con negro sobre lienzos crudos. pintura en arena de los Navajo en Posteriormente volvió a utilizar 1940 y refiriéndose a este estilo de color y re-introdujo elementos fipintar en el suelo, Pollock declaró: gurativos.24 Durante este periodo, Pollock se cambió a una galería Me siento más cerca, más parte más comercial debido a que hade la pintura, ya que de esta mane- bía mucha demanda de su trara puedo caminar alrededor de ella, bajo por parte de coleccionistas trabajar desde cuatro lados y estar literalmente en la pintura. Esto es . En respuesta a esta presión, propio de los métodos de pintura aunado a frustraciones persoen arena de los indios del Oeste.19 nales, su problema de alcoholismo se hizo más profundo. Otras influencias de su técnica de

DE NOMBRAR A ENUMERAR

En su esfuerzo por evadir la búsqueda de elementos figurativos por parte del espectador, Pollock abandonó los títulos y comenzó a enumerar sus obras. Lo que él dijo al respecto fue: “...miren pasivamente y traten de recibir lo que la pintura les ofrece y no traigan temas ni ideas preconcebidas de lo que deberían estar buscando”. La esposa de Pollock, Lee Krasner, dijo que Jackson solía darle nombres convencionales a sus pinturas... pero ahora tan solo las numeraba. Los números son neutrales. Hacen que las personas vean a la pintura por lo que es –pintura pura.” n 1955, Pollock realizó sus últimas dos pinturas, Aroma y Búsqueda.26 El artista no pintó nada en 1956, pero estaba realizando esculturas de alambre, gasa y escayola en la casa del escultor Tony Smith.24 Formadas con el método de molde de arena, tenían superficies con mucha textura, similares a lo que Pollock creaba en sus pinturas.27

LA DÉCADA DE 1950

MUERTE El 11 de agosto de 1956, a las 22:15 horas, Pollock murió en un accidente automovilístico en su Oldsmobile convertible mientras conducía bajo la influencia del alcohol. Edith Metzger, una de los pasajeros, también murió en el accidente. El otro pasajero, Ruth Kligman, una artista y la amante de Pollock, sobrevivió al siniestro.28 Por el resto de su vida, la viuda Lee Krasner se encargó de los asuntos del artista y se aseguró que la reputación de Pollock se mantuviera fuerte a pesar de las tendencias cambiantes del mundo del arte. La pareja está enterrada en el Cementerio de Green River en Springs con una gran lápida marcando la tumba de Pollock y una más pequeña marcando la de ella.

pollock

Number 8 comentario :

Arsalan Arababan

n el número 8 de 1949, la línea de Pollock tiene una potencia polimórfica: la capacidad de estar en todas partes a la vez, para servir a los fines de la ilusión y la materialidad. El poeta Frank O’Hara lo puso como nadie lo ha hecho cuando escribió: Nunca se ha dicho lo suficiente acerca del dibujo de Pollock, esa asombrosa habilidad para acelerar una línea adelgazándola, ralentizarla por inundaciones, elaborar ese elemento más simple, la línea - cambiar, revitalizar, extender, acumular una vergüenza de Riquezas en la masa del dibujo. “ No podría ser tan exclusiva y reductivamente “óptica” de lo que podría ser el esclavo de la literalidad modernista. Funcionó supremamente bien como el vehículo de una velocidad de luz alloverness, creando la impresión de que Pollock grandes vertidos allover pinturas llegó a su estruc-

tura tanto interna como inmediatamente (a pesar de su dependencia de un nuevo proceso, estas pinturas no, de hecho , Anunciar ese proceso). Las delicadas cortezas de Pollock, que alcanzaron una capa infinitesimal de relieve, tenían profundas afinidades con dos logros modernistas relacionados: el cubismo analítico de Picasso y el tardío impresionismo de Claude Monet. Las superficies incrustadas, empapadas, laberínticas y superficiales de Pollock están físicamente, eróticamente presentes, y atraen al espectador a una relación en la que su cuerpo, y no sólo su vista, se enfrenta directamente al campo abstracto. Esta relación, por lo menos tan cercana a la experiencia de la arquitectura como a la tradición de ver o “entrar” en una pintura ilusionista, puede ser engañosa. Pollock creó una oscilación entre una superficie enfática y una ilusión de profundi-

dad indeterminada, pero de alguna manera definitivamente superficial, que recuerda a los espectadores de lo que Pablo Picasso y Georges Braque llegaron con los planos facetarios de su cubismo analítico

1) Su nombre original era Paul. 2) Pollock una vez tuvo un trabajo de limpieza de las estatuas de la Oficina de Socorro de Emergencia. También trabajó brevemente como conserje con su hermano, Sanford, en una escuela de niños donde su hermano mayor, Charles, enseñó. 3) Jackson Pollock no era un alumno muy bueno en la escuela. Fue expulsado de dos escuelas

DATOS INTERESANTES SOBRE JACKSON POLLOCK secundarias y en 1930 decidió vivir con su hermano en Nueva York. 4) Una vez derribó una pared para hacer una habitación lo suficientemente grande para un lienzo de 20 pies. 5) En el verano de 1938, Pollock tuvo un colapso nervioso, que lo dejó en una unidad de atención psiquiátrica durante unos meses.

6) A finales de la década de 1930, Pollock llenó varios cuadernos con bocetos de Guernica de Picasso. 7) En 1941, Pollock fue declarado no apto para el servicio militar. 8) Durante la década de 1930, Pollock de vez en cuando robaba comida y gasolina debido a su terrible situación financiera.

EQUIPO CRÃ&#x201C;NICA

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Amir Arsalan

Historia del Arte

LĂ&#x2030;ELO !