Amor al arte magazine 07

The lovers and creators of art magazine

Número /Number 7

JANET ECHELMAN · FETÉN FETÉN · ROBERTO RUÍZ · ULISES MÉRIDA · MARTA GUTIÉRREZ · SAN FRANCISCO · La revista de los amantes y creadores de arte FINCA RÍO NEGRO · ARUP · EARTH TECHNOLOGIES · WEWOOD · FAIRPHONE · MUD JEANS · JANET ECHELMAN · MUD JEANS · FAIRPHONE · WEWOOD · EARTH TECHNOLOGIES · ARUP · FINCA RÍO NEGRO · SAN FRANCISCO · MARTA GUTIÉRREZ · ULISES MÉRIDA · FETÉN FETÉN · JANET ECHELMAN · FETÉN FETÉN · ROBERTO RUÍZ · ULISES MÉRIDA · MARTA GUTIÉRREZ · SAN FRANCISCO · FINCA RÍO NEGRO · ARUP · EARTH TECHNOLOGIES · WEWOOD · FAIRPHONE · MUD JEANS · JANET ECHELMAN · MUD JEANS · FAIRPHONE · WEWOOD · EARTH TECHNOLOGIES · ARUP · FINCA RÍO NEGRO · SAN FRANCISCO · MARTA GUTIÉRREZ · ULISES MÉRIDA · FETÉN FETÉN · JANET ECHELMAN · FETÉN FETÉN · ROBERTO RUÍZ · ULISES MÉRIDA · MARTA GUTIÉRREZ · SAN FRANCISCO · FINCA RÍO NEGRO · ARUP · EARTH TECHNOLOGIES · WEWOOD · FAIRPHONE · MUD JEANS · JANET ECHELMAN · MUD JEANS · FAIRPHONE · WEWOOD · EARTH TECHNOLOGIES · ARUP · FINCA RÍO NEGRO SAN FRANCISCO · MARTA GUTIÉRREZ · ULISES MÉRIDA · FETÉN FETÉN · JANET ECHELMAN · FETÉN FETÉN · ROBERTO RUÍZ · ULISES MÉRIDA · MARTA GUTIÉRREZ · SAN FRANCISCO · FINCA RÍO NEGRO · ARUP · EARTH TECHNOLOGIES · WEWOOD · FAIRPHONE · MUD JEANS · JANET ECHELMAN · MUD JEANS · FAIRPHONE · WEWOOD · EARTH TECHNOLOGIES · ARUP · FINCA RÍO NEGRO SAN FRANCISCO · MARTA GUTIÉRREZ · ULISES MÉRIDA · FETÉN FETÉN · JANET ECHELMAN · FETÉN FETÉN · ROBERTO RUÍZ · ULISES MÉRIDA · MARTA GUTIÉRREZM · SAN A GFRANCISCO A Z I N E · FINCA RÍO NEGRO · ARUP · EARTH TECHNOLOGIES · WEWOOD · FAIRPHONE · MUD JEANS · JANET ECHELMAN · MUD JEANS · FAIRPHONE · WEWOOD · EARTH TECHNOLOGIES · ARUP · FINCA RÍO NEGRO · SAN FRANCISCO · MARTA GUTIÉRREZ · ULISES MÉRIDA · FETÉN FETÉN · JANET ECHELMAN · FETÉN FETÉN · ROBERTO RUÍZ · ULISES MÉRIDA · MARTA GUTIÉRREZ · SAN FRANCISCO · FINCA RÍO NEGRO · ARUP · EARTH TECHNOLOGIES · WEWOOD · FAIRPHONE · MUD JEANS · JANET ECHELMAN · MUD JEANS · FAIRPHONE · WEWOOD · EARTH TECHNOLOGIES · ARUP · FINCA RÍO NEGRO 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ste Amor estival podría sonar a melodías de ultramar, viajar a puentes sobre bahías y alcanzar atrapasueños en cielos crepusculares, podría vagar sin noticias o acercarse a ciertos universos femeninos, brindar con vinos de altura y recordar que la vuelta al mundo empieza por uno mismo, que la evolución natural de la vida transforma el planeta sin destruirlo, podría quizás recordarnos que, ante todo, somos naturaleza.

Foto portada / Cover photo: w w w. j e s u s r o m e r o p . c o m

SANDRA DEL POZO DIRECTORA DE CONTENIDOS / CONTENTS DIRECTOR MAR GONZÁLEZ ARCHE DIRECTORA DE ARTE / ART DIRECTOR LLÁMANOS O ESCRÍBENOS / CONTACT US 615 28 61 95 - 619 40 85 19 amoralartemagazine@gmail.com EDITA E IMPRIME / EDITED & PRINTED BY: NEO ESTUDIO GRÁFICO, S.L. DEPÓSITO LEGAL: M-6161-2017

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his summer Love could sound to overseas melodies, travel to bridges over bays and reach dream catchers in crepuscular skies, could wander with no news or approach certain female universes, toast with highaltitude wines and remember that round the world begins with oneself, that natural evolution of life transforms the planet without destroying it, maybe it could remind us that, above all, we are nature.

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er art is visual, urban, craft, traditional and technological.

Fishing nets combined with the highest technology, turned into colossal, translucent, billowing and aerial sculptures, travel around the whole world changing the urban landscape, some of them permanently, others itinerant and all of them at the service of wind and light, floating, light and, however, fifteen times stronger than steel. A trip to India was a turning point in her life and a walk along the beach watching the native fishermen fix their nets transformed her artistic career. In 2014 she received the Smithsonian American Ingenuity Award for Visual Arts and already two years earlier she was named an Innovator of the Year by AD magazine -Architectural Digest. From heaven to earth, with her new project, “Pulse”, the city of Philadelphia is preparing to house a new concept of sculpture wrapped in a mist that in front of the City Hall will trace the path of trains traveling on three underground lines in real time and each one in different colors, a fountain of thin columns of atomized water that invites passers-by to walked through and emerge completely dry. Ya

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u arte es visual, urbano, artesanal, tradicional y tecnológico. Redes de pesca combinadas con la más alta tecnología, convertidas en colosales, traslúcidas, ondulantes y aéreas esculturas, recorren el mundo entero cambiando el paisaje urbano, algunas de manera permanente, otras itinerantes y todas al servicio del viento y la luz, flotantes, ligeras y, sin embargo, quince veces más fuertes que el acero. Un viaje a India supuso un punto de inflexión en su vida y un paseo por la playa viendo a los pescadores nativos arreglar sus redes transformó su carrera artística. En 2014 recibió el premio Smithsonian American Ingenuity en Artes Visuales y ya dos años antes había sido nombrada Innovadora del Año por la revista AD -Architectural Digest. Del cielo a la tierra, con su nuevo proyecto, “Pulse”, la ciudad de Filadelfia se prepara para albergar un nuevo concepto de escultura envuelta en una neblina que frente al City Hall trazará el camino de tres líneas de tren subterráneas en tiempo real y cada una en diferentes colores, una fuente de finas columnas de agua atomizada que invita a los viandantes a adentrarse en ella y salir totalmente seco. Ya

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* 1.78, Madrid, 2018 / Foto: Joao Ferrand

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stuviste pintando durante diez años a pesar de no haber sido admitida en ninguna escuela de arte. ¿Qué significaba el arte para ti en aquel momento?

Nunca había hecho arte hasta la universidad, cuando tropecé con un curso electivo de dibujo. Tuve la oportunidad de tomar otro curso de arte antes de la graduación y luego me di cuenta de que ser artista era lo único que quería hacer. Así que pensé que por lo menos debía intentarlo ya que siempre existiría una obligación aunque fallara. Cuando terminé la universidad, presenté una solicitud en siete escuelas de arte y me rechazaron en todas.

Mis obras en ese momento aún no tenían personalidad. Pasaron diez años más hasta que encontré mi voz como escultora, y otros diez años antes de descubrir cómo construir mi escultura a escala de edificios. Nunca estudié escultura, ingeniería o arquitectura, así que parecía poco probable que fuera capaz de hacer lo que estoy haciendo, creando formas monumentales y ondulantes en ciudades de todo el mundo. No dejé que los rechazos me detuvieran. Me fui por mi cuenta para convertirme en artista. Primero me mudé a Bali, Indonesia, con 300 $ en mi bolsillo, allí comencé a pintar, y una década después tuve la oportunidad de enseñar pintura en India, Fulbright, donde descubrí la escultura. * Serie “Earth Time” (1.26, 1.8, 1.78) microsegundos perdidos en un día a consecuencia de devastadores terremotos/tsunamis y los cambios en la rotación de la Tierra

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omenzaste a esculpir sin ser un escultora y ahora, tus obras de arte necesitan de varias disciplinas, como la ingeniería aeronáutica, para hacerlas realidad. ¿Tu visión del arte es diferente hoy en día debido a la tecnología?

Cuando comencé a hacer mis esculturas de red se fabricaban completamente a mano. Todos mis trabajos recientes son una combinación de máquina y trabajo manual. Mi estudio utiliza el trabajo manual para crear formas y articulaciones irregulares e inusuales, y para hacer patrones de encaje dentro de la escultura. Utilizamos máquinas para fabricar paneles rectangulares y trapezoidales con nudos más fuertes y ajustados a la máquina que pueden resistir los intensos vientos huracanados, el gran peso de la nieve y las tormentas de hielo. Los métodos y materiales industriales me han ayudado a llevar mi trabajo a una nueva escala y permanencia.

Veo tanto las tecnologías antiguas como las nuevas como un terreno fértil para el arte, ya sea la tecnología industrial como los telares, la digital postindustrial como mi software personalizado de modelado e ingeniería de computadoras o la tecnología preindustrial como el trenzado, empalme y anudado de fibra. Mi estudio ha colaborado durante los últimos siete años con la empresa de software de diseño líder en el mundo, Autodesk, para construir una herramienta de software personalizada que nos permita el modelaje en 3D de cuerpos ligeros para nuestros diseños monumentales, al tiempo que comprendemos las limitaciones de nuestro oficio y mostramos respuesta a las fuerzas de la gravedad y el viento. No podríamos haber construido nuestras esculturas monumentales de la ciudad sin eso.

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l título de su TED Talk es “Taking Imagination Seriously” –Tomar en serio la imaginación. ¿Qué significa esa frase para usted y cómo la incorpora a su obra de arte?

Para mí, ese título trata sobre la necesidad de respetar nuestras propias ideas, por humildes que sean. Creo que es importante no censurar prematuramente las ideas o minimizar lo que imaginamos al principio. Como siempre, ya habrá tiempo para comprometerse y adaptarse a las limitaciones prácticas. Es importante asegurarse de que haya un lugar protegido para publicar o dibujar el alcance más completo de tu visión. Comencé haciendo pequeños modelos no más grandes que el tamaño de mis manos, pero me imaginé el tamaño de una hormiga dentro de ellos y esa experiencia alimentó mi trayectoria.

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Dónde encuentras inspiración? ¿Tienes un cuaderno lleno de dibujos?

Miro a mi alrededor en busca de inspiración, en las formas de nuestro planeta a macro y microescala, en los patrones de vida en él, en la medición del tiempo, los patrones del clima o los caminos creados por la dinámica de los fluidos. Siempre busco la inspiración de la vida. Supongo que esta es mi forma de darle sentido al mundo y de encontrar mi pequeño momento dentro de la historia más grande de la humanidad en nuestro planeta.

Cuando estoy diseñando para una ubicación específica, siempre recurro al sitio único como guía para cada obra de arte. Cuando realizo la primera visita al lugar, siento su espacio, hablo con las personas que lo usan y dedico tiempo a descubrir su historia y textura para comprender lo que significa para su gente... y tengo muchos cuadernos de dibujo: en mi estudio, cocina, dormitorio, mi bolso, en todas partes.

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Dream Catcher - AtrapasueĂąos, West Hollywood CA, 2017 / Foto: Nicole Wang

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l viento nos rodea y lo muestras con tus obras de arte creando un momento de descanso en nuestra rutina de vida al aire libre durante el tiempo que miramos hacia el cielo. ¿Qué hace único al viento?

Veo a la naturaleza como mi colaboradora. La ligereza de las superficies de mi escultura revela los patrones cambiantes del viento en constante flujo. Lo veo como una coreografía. La coreógrafa es la Naturaleza y me gusta que esté más allá de mi control.

Los materiales como el viento, el agua y la luz solar me atraen debido a sus cualidades efímeras. Quiero que las personas tengan la oportunidad de formar una relación con mi escultura viendo su interacción con el viento y la luz del sol a medida que cambia a través de los años. Hago esto porque quiero involucrarme en la vida cotidiana de las personas y en los lugares comunes de las ciudades que conforman la atmósfera de nuestras vidas. Estoy comprometida a interactuar con las personas en medio de su vida cotidiana porque no creo que el arte deba estar separado de la vida.

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oy en día estás experimentando con vapor de agua seca para traernos el juego del viento a nivel del suelo. “Pulse” será otra oportunidad para interactuar con tus creaciones después de “Skies painted with unnumbered sparks” (Cielos pintados con chispas no numeradas), un trabajo interactivo con vívidos rayos de luz proyectados en tiempo real en una escala masiva gracias a pequeños movimientos en los teléfonos de los espectadores. ¿Será “Pulse” una obra de arte completamente tangible? ¿Qué pasará cuando llueva?

Sí. “Pulse” es táctil. La gente camina a través de cortinas de niebla y luz: es interactiva e invita al compromiso. Sobre el suelo, la neblina está trazando los senderos de las tres líneas de metro que se encuentran debajo de la plaza. Lo veo como una radiografía de la ciudad, solo revela el sistema circulatorio de la ciudad. El movimiento ocurre en tiempo real, utilizando una alimentación de datos de llegada y salida del tren para iniciar el movimiento de cortinas de “niebla seca” de 5 pies de altura, compuestas de partículas de agua atomizada, iluminadas por luces de colores en capas.

La niebla y la lluvia pueden existir juntas, y estoy emocionada viendo los efectos de ambos juntos.

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uchas de tus esculturas viajan por todo el mundo, todo tipo de culturas y puntos de vista son testigos de tus obras de arte. ¿Cuál es el mensaje universal implícito en tus instalaciones y su interconexión?

Mi trabajo recuerda nuestra interconexión en todas las escalas. Cuando miro mis esculturas, veo una prueba física de nuestra capacidad para trabajar juntos en la configuración de nuestro mundo. Una acción en una parte del mundo puede causar efectos dominantes en todo el planeta.

Como individuo, a veces me siento impotente. Pero luego me imagino un trozo de hilo, trenzado y anudado en estas formas enrejadas que exhiben una inmensa fuerza y elasticidad.

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1.8, London, 2016 / Foto: Ema Peter

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Skies painted with unnumbered sparks, Vancouver, 2014 / Foto: Ema Peter

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Cómo imaginas las ciudades del futuro?

Sabemos que nuestro entorno visual afecta a cómo nos sentimos. Nuestro mundo visual influye en cómo experimentamos nuestras vidas. Entonces, la forma en que nuestras ciudades se ven y funcionan es el resultado del modo en que las personas eligen construirlas y creo que colectivamente tenemos el poder de hacerlo de manera diferente. Mi obra de arte trae una experiencia de ligereza y cuidado a escala de la ciudad. Es un contrapunto a los bordes rígidos de los edificios. Ofrece pruebas de que podemos cuestionar el status quo, que se puede cambiar la suposición de que las ciudades deben estar formadas por materiales rígidos y bordes rectos. Nuestras ciudades futuras pueden ser cualquier cosa que elijamos, el cielo es el límite.

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She Changes, Oporto, 2005 / Foto: Enrique Diaz

us creaciones pertenecen a diferentes tipos de arte: visual, tecnológico, urbano. ¿Cómo te defines a ti misma?

No me defino. Mi trabajo existe en la intersección del arte, la arquitectura, la informática y la ciencia de los materiales, y el espacio público. Me gusta que sea imposible de categorizar. La colaboración siempre ha sido fundamental para mi trabajo. Para hacer mi arte, trabajo con un grupo muy unido de arquitectos y artistas dentro de mi estudio, además de un equipo externo de científicos informáticos, ingenieros aeronáuticos y estructurales, con arquitectos, paisajistas e iluminadores independientes, así como también con nuestros fabricantes, donde están incluidos los artesanos que tejen alfombras a mano y cortan piedras preciosas en India y los trabajadores industriales estadounidenses que trenzan, tejen y empalman nuestra escultura.

Describo el arte público como un “deporte de equipo”. Poder trabajar con tantas personas talentosas amplía el lenguaje con el que puedo hablar como artista. Siempre estoy aprendiendo de mis colegas, y lo que creamos juntos es definitivamente más grande que lo que podría crear yo misma.

En pocas palabra, tu arte es… experiencia inmersiva.

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ou were painting for 10 years even though you weren’t admitted into any art school.

What did art mean for you at the time?

I had never really made art until university, when I stumbled into an elective drawing course. I had a chance to take one more art course before graduation, then realized being an artist was the only thing I wanted to do. So I thought I should give it a try, because there would always be time for compromise if I failed. When I finished college, I applied to seven art schools, and was rejected by all of them.

My works at that time were still unformed. It took ten more years before I found my voice as a sculptor, and another ten years before I figured out how to build my sculpture at the scale of buildings. I never studied sculpture, engineering or architecture, so I may seem like an unlikely person to be doing what I’m doing, creating monumental, billowing forms in cities around the world. I didn’t let the rejections stop me. I went off on my own to become an artist. First I moved to Bali, Indonesia, with $300 in my pocket, where I began painting, and a decade later I received the opportunity to teach painting in India, Fulbright, which is where I discovered sculpting.

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ou began to sculpt without being a sculptor and now, your artworks need several disciplines to make them a reality such as aeronautical engineering. Is your vision of art different nowadays because of technology?

When I began making my netted sculptures, they were fabricated completely by hand. All of my recent works are a combination of machine and hand-work. My studio uses hand-work to create unusual, irregular shapes and joints, and to make lace patterns within the sculpture. We utilize machines for making rectangular and trapezoidal panels with stronger machine-tightened knots that can withstand intense hurricane-force winds and the heavy weight of snow and ice storms. Industrial methods and materials have helped me bring my work to a new scale and permanency.

I see both old and new technologies as a fertile ground for art, whether it is industrial technology like looms, post-industrial digital technology like my custom computer modeling and engineering software, or preindustrial technology like braiding, splicing and knotting fiber. My studio has been collaborating for the past 7 years with the world’s leading design software company, Autodesk, to build a custom software tool that allows us to soft-body 3D modeling of our monumental designs while understanding the constraints of our craft and showing response to the forces of gravity and wind. We couldn’t have built our monumental city-scaled sculptures without it.

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he title of your TED Talk is "Taking Imagination Seriously".

What does that phrase mean to you? How do you incorporate it into your artwork?

For me, that title is about the need to respect our own ideas, however, humble. I think it is important not to prematurely censor ideas or minimize what we imagine at the beginning. Since there will always be time later to compromise and adapt to practical limitations, it is important to make sure there is a protected place to journal or sketch the fullest range of your vision. When I first started, I was making little models no larger than the size of my hands, but I imagined myself at the size of an ant inside them, and that experience fueled my trajectory.

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here do you find inspiration?

Have you got a notebook full of drawings?

I look all around me for inspiration, at the forms of our planet in macro and micro scale, to the patterns of life within it, to the measurement of time, weather patterns, or the paths created by fluid dynamics. I am always in search of inspiration from life. I guess this is my way of making sense of the world, and finding my tiny little moment within the larger unfolding story of humanity on our planet.

When I am designing for a specific location, I always turn to the unique site as a guiding force for each artwork.

When I make the first site visit, I get feel for its space, talk to the people who use it, and spend time uncovering its history and texture to understand what it means to its people… and I have lots of drawing notebooks, in my studio, kitchen, bedroom, my purse, everywhere.

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As If It Were Already Here, Boston, 2015 / Photo: Melissa Henry www.echelman.com

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ind is around us and you show it with your artworks, creating a break time in our routine outdoor life during the time we are looking up the sky. What is unique to the element of wind?

Forces of nature breathe life into my work. I see Nature as my collaborator. The softness of my sculpture’s surfaces reveal the changing patterns of wind in constant flux. I see it as choreography. The choreographer is Nature and I like that it is beyond my control.

Materials like wind, water and sunlight draw me in because of their ephemeral qualities. I want people to have a chance to form a relationship with my sculpture, watching its interaction with wind and sunlight as it changes through the years. I do this because I want to engage in people’s regular life, and in ordinary places in cities that make up the texture of our lives. I’m committed to interacting with people in the midst of their everyday life because I don’t believe art should be separate from life.

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owadays you are experimenting with dry water mist to bring us the game of wind at ground level. “Pulse” will be another chance to interact with your creations after “Skies painted with unnumbered sparks”, an interactive work with vivid beams of light projected in real time across a massive scale thanks to small movements on spectators’ phones.

Will be “Pulse” a completely touchable artwork? What will happen when it rains?

Yes. “Pulse” is touchable. People walk through curtains of mist and light, it is interactive and it invites engagement. Above ground the mist is tracing the pathways of the three subway lines that run beneath the square. I see it as an X-ray of the city, only it is revealing the city’s circulatory system. The movement occurs in real time, using a data feed of train arrival and departure to initiate the movement of 5-ft-tall curtains of “dry-mist” composed of atomized water particles, illuminated by layered colored lights. Mist and rain can exist together and I’m excited to see the effects of both together.

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any of your sculptures travel around the world, all kind of cultures and viewpoints are witnesses of your artworks.

What is the implicit universal message of your installations and interconnection?

My work reminds us of our interconnectedness on every scale. When I look at my sculptures, I see a physical proof of our ability to work together in shaping our world. An action in one part of the world can cause ripple effects all over the planet. As an individual I can sometimes feel powerless. But then I imagine a length of thread, braided and knotted together into these netted forms which exhibit immense strength and resiliency.

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ow do you imagine our future cities will look?

We know our visual environment affects how we feel. Our visual world influences how we experience our lives.

So, the way our cities look and function results from the way people choose to build them, and I believe that collectively we have the power to build them differently. My artwork brings an experience of softness and nurturance to the scale of the city. It is a counterpoint to the hard edges of buildings. It offers proof that we can interrogate the status quo that the assumption that cities must be formed from hard materials and straight edges can be changed. Our future cities can be anything we choose to make them, the sky is the limit.

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our creations belong to different kinds of art: visual, technologic, urban.

How do you define yourself?

I don’t. My work exists at the intersection of art, architecture, computer and material science, and public space.

I like that it is impossible to categorize. Collaboration has always been central to my work. To make my art, I work with a tight-knit group of architects and artists inside my studio, plus an external team of computer scientists, aeronautical and structural engineers, with independent architecture, landscape and lighting designers, as well as our fabricators, which includes artisans who hand-knot carpets and cut precious stones in India and American industrial workers who braid, loom, and splice our sculpture.

I describe public art as a “team sport.” Being able to work with so many talented individuals expands the language with which I can speak as an artist. I am always learning from my colleagues, and what we create together is definitely greater than what I could create myself.

In short, your art is… Immersive experience.

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* 1.78, Madrid, 2018 / Photo: Joao Ferrand * “Earth Time” series (1.26, 1.8, 1.78) microseconds lost in a day due to devastating earthquakes / tsunamis and the changes in Earth’s rotation

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TRAPECISTA en espíritu COREÓGRAFA DIRECTORA PRODUCTORA ESCRITORA Y ASESORA en acción www.acroevents.com www.teacro.com

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FOTO | www.cesarsaldivar.com

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“Lo que más me sorprende y agrada es ver cómo se llenan los teatros en las ciudades pequeñas”

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ace ya muchos años que Marta Gutiérrez cambió la adrenalina de los trapecios por la de vivir con mayor amplitud el proceso de creación de un espectáculo, como así nos cuenta en la charla que mantuvimos en el madrileño Monkee Koffee del distrito de Chamberí.

www.paulaquintana.com 17

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El otro CIRCO Ya de gira por España tras su reciente estreno en el Circo Price, La Vuelta a Mi Mundo es su último retoño, el resultado, según su creadora, de “una fusión de géneros que aúna el circo contemporáneo, la danza, el teatro y la tecnología, con un texto, un hilo argumental y un mensaje”, el de la lucha por preservar las diferencias individuales frente a los arquetipos de género. Un nuevo lenguaje circense en el que las luces y el sonido se ponen al servicio de una dramaturgia interpretada esta vez por tan solo cuatro artistas. Un gimnasta deportivo, una gimnasta rítmica, una bailarina y un especialista en acrobacias callejeras que en continuo movimiento sobrevuelan el escenario y tocan tierra en un alarde sin fin de números acrobáticos y danzas verticales sobre proyecciones en 2D y 3D fruto de la técnica del video mapping, cuyo origen se remonta a las representaciones de sombras chinescas.

Pero ¿quién es Marta Gutiérrez?

Empresaria madrileña, treintañera, a punto de autopublicar su primera novela y con más de diez años de trayectoria profesional que nos cuenta comenzó con “un momento de inconsciencia a los 24 años que me llevó a pagar mi primer recibo de autónomos”, sin saber de números ni publicidad, motivada por una irrefrenable necesidad de independencia que le convertiría en empresaria sin retorno, “aprendiéndolo todo por el camino, a veces, a base de tortazos”, y en fundadora de dos compañías, que han contribuido al movimiento de transformación que está viviendo el mundo de las acrobacias circenses, con las que ha llegado a Nueva York, México, Reino Unido, Grecia y Arabia Saudí: Teacro Circo y AcroEvents. Dos estilos diferenciados principalmente por el espacio en el que se desarrollan y con un requisito común indispensable, el de ser representados por artistas completos, multidisciplinares y con espectaculares dotes físicas, fruto de “bastantes años de trabajo y mucha iniciativa”, en ocasiones provenientes de compañías con renombre internacional como el Cirque du Soleil. Dos maneras de afrontar su pasión por el circo y una predilección por la caja escénica, en caso de tener que elegir, “porque puedes jugar con las narrativas y las calles, crear más ilusiones y hacer más trucos gracias a las dos zonas de bambalinas que el público no ve. Muy distinto a lo que sucede en pista donde todo queda a la vista”. Ya

FOTO | www.veronicamulio.com

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PARTNERS: Bungy System: para los movimientos aĂŠreos Things Happen: para los contenidos audiovisuales 07

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Teacro Circo: espectáculo narrativo representado sobre un escenario, basado en números de danza y acrobacias circenses cuyo origen se remonta al estreno de The Hotel en el Teatro Nuevo Apolo de Madrid en agosto de 2013 “con la única ambición -en aquel momento- de envolver el circo en un paquete más asimilable” que, pese a la relativa acogida que supuso su apertura de telón en temporada baja, acabó girando por España con éxito durante tres años.

AcroEvents: shows de grandes dimensiones, reproducidos en espacios abiertos propios de eventos corporativos y privados hechos a medida para sus clientes, muchos de ellos compañías internacionales como Wella, Vodafone, Audi o Mercedes Benz, donde la tecnología juega un papel fundamental para ensalzar los números aéreos y terrestres de danza y acrobacias.

GastroEspectáculos: un formato único y privado ideado junto con Rosa Rivas, periodista especializada en cultura gastronómica y Premio Nacional de Gastronomía 2010, que le ha abierto las puertas de lugares tan emblemáticos y de fama internacional como el restaurante guipuzcoano Mugaritz, ubicado en Errentería.

Programa Platea: plan estatal creado en 2013 que subvenciona los cachés de las compañías de danza, teatro y circo con el fin de enriquecer la programación cultural de espacios escénicos de titularidad de entidades locales públicas.

FOTO | www.veronicamulio.com

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“What I like most and susprise me is to see how theaters are filled up in small cities”

The another CIRCUS Trapeze artist in spirit, choreographer, director, producer, writer and adviser in action. It has been a long time since Marta Gutiérrez changed the adrenaline of the trapezoids by living more extensively the process of creating a show, as she told us during our talk at the Monkee Koffee in Madrid, Chamberí district.

Her latest project, The Return to My World, is on tour now around Spain after its recent premiere at Circo Price. According to her creator, it is the result of “a fusion of styles that unites contemporary circus, dance, theater and technology, with a text, a plot thread and a message”, that of the struggle to preserve individual differences in the face of archetypes of gender. A new circus language in which lights and sound are put at the service of a dramaturgy performed this time by only four artists. A sports gymnast man, a rhythmic gymnast woman, a dancer woman and a specialist man in street acrobatics who are in continuous movement flying over the stage and landing in an endless showness of acrobatic acts and vertical dances on 2D and 3D projections resulting from the video mapping technique, whose origin goes back to the representations of Chinese shadows.

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But, who is Marta Gutiérrez?

FOTO | Iván Gómez-España

A businesswoman from Madrid, in her thirties, just to self-publish her first novel and with more than ten years of professional career that she tells us began with “a moment of unconsciousness at the age of 24 that led me to pay my first freelance receipt”, not knowing anything about figures or advertising, motivated by an irrepressible need for independence that would turn her into an entrepreneur with no return, “learning everything along the way, sometimes the hard way” and into a founder of two companies that have contributed to the movement of transformation that is living the world of circus acrobatics, with which she has been to New York, Mexico, the United Kingdom, Greece and Saudi Arabia: Teacro Circus and AcroEvents. Two styles differentiated mainly by the space in which they are developed with an indispensable common requisite, that of being represented by complete and multidisciplinary artists, with spectacular physical qualities, fruit of “enough years of work and a lot of initiative”, sometimes coming from renowned international companies as Cirque du Soleil. Two ways to face her passion for the circus and a predilection for the scenic box, in case she had to choose, “because you can play with the narratives and the streets, create more illusions and do more tricks thanks to the two backstage areas that the audience does not see. Very different from what happens on the track where everything is in sight “. Ya

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PARTNERS: Bungy System: for aerial movements Things Happen: for audiovisual content

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Teacro Circo: narrative show performed on a stage, based on dance acts and circus acrobatics whose origin dates back to the premiere of The Hotel at the Nuevo Apolo Theater in Madrid in August 2013 “with the only ambition -at that moment- to wrap circus in a more assimilable package“ that, in spite of the relative reception when curtain went up in low season, ended up touring Spain successfully for three years.

AcroEvents: large-scale shows, reproduced in open spaces, typical of corporate and private events tailor-made for their clients, many of them international companies such as Wella, Vodafone, Audi or Mercedes Benz, where technology plays a fundamental role to enhance the acts of aerial and terrestrial dance and acrobatics.

GastroSpectacles: a unique and private format created together with Rosa Rivas, a journalist specializing in gastronomic culture and awarded of the National Gastronomy Prize 2010. A partnership who has opened the doors to her to such emblematic places of international fame as the Mugaritz restaurant in Gipuzkoa, located in Errentería.

Platea Program: State plan created in 2013 that finances the cache of dance, theater and circus companies in order to enrich the cultural programming of scenic spaces owned by public local entities.

PHOTO | Marta Gutiérrez

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l escenario de un café, sala, teatro o auditorio, la plaza de una ciudad, pueblo o aldea, el salón de una casa, el altar de una iglesia, juntos, por separado o con otros grupos, por Europa, en España, Francia, Holanda, Estonia, Letonia, Alemania o Austria, por África y Asia, en Marruecos, Namibia o India o, incluso, cruzando el gran charco hacia Latinoamérica, en Argentina, México o Costa Rica… FETÉN FETÉN, todo un universo de música popular.

www.fetenfeten.net

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FOTO | www.davidpalacin-photographer.com

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Cuatro discos de estudio, innumerables conciertos, estelares colaboraciones, melodías “de Ultramar”, “Cantables”, “Bailables”, sinfónicas, educativas… y, por encima de todo, tradicionales y únicas gracias a sus instrumentos insólitos, convencionales, históricos e internacionales.

Un grupo de música folk, La Musgaña, y una gira por los Estados Unidos entrelazó sus destinos hace más de quince años. Burgaleses los dos, afincado uno en Valladolid y otro en Atapuerca, usan las nuevas tecnologías a su favor para lograr que componer por separado y poner en común sea más sencillo. Grabar es otra historia.

Repiten productor, Carlos Raya, lugar, Riff Raff Estudios de Madrid y filosofía, un disco grabado de un tirón, con todos los músicos en acción. Y si a veces las letras acompañan a sus melodías, como ya sucedió en “Cantables” donde Rozalén, Fito Cabrales, Pedro Guerra, Jorge Drexler, Julieta Venegas o Natalia Lafourcade pusieron voz a sus ritmos, en “Melodías de Ultramar” son Javier Ruibal y Carmen Paris los cantantes elegidos junto con un equipo de músicos, entre ellos el compositor Nacho Mastretta, todo un elenco, puntualiza Diego, de “gente a la que admiramos y que están porque son amigos muy talentosos”.

Aprender y mejorar con humildad, exponer su música con honestidad y sin filtros comerciales son los grandes rasgos que les caracterizan por encima de todo, como así nos contaron en el madrileño Hotel Urban donde les entrevistamos. Quizás habría que añadir la gran labor didáctica que hacen, juntos y por separado, en la televisión, en teatros o colegios, en museos e incluso allende los mares en Nueva York en el Instituto Cervantes y la sede de la ONU. “Con nuestros conciertos didácticos ofrecemos la oportunidad de dejar un poso sobre los valores musicales de los más pequeños. No solo tienen la oportunidad de sentir de cerca un violín o un acordeón sino que llevamos instrumentos, algunos de ellos muy pobres, y les hacemos entender cómo el ser humano ha sido capaz de hacer música sin tener recursos y a reflexionar sobre que el dinero a lo mejor no es tan importante” –Diego Galaz.

ILUSTRADORA | www.lauramayoblog.wordpress.com

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No están de gira porque estrenen disco, puntualizan. Su vida es un viaje que, al menos, hasta final de año les tendrá tocando por España, América y Europa. Aunque su energía, dicen, está totalmente puesta en FETÉN FETÉN, también hacen hueco para sus proyectos personales. Jorge con su trío de jazz o su disco en solitario “El barco de Martín” y Diego con la banda de Nacho Mastretta o su labor como director artístico del Festival de Instrumentos e Intérpretes Insólitos de Burgos, único en España, que él mismo creó hace siete años y donde es posible sorprenderse escuchando un repertorio de Bach interpretado con guitarras eléctricas u otro de Jimi Hendrix con violines.

Es importante para ellos resaltar su propuesta artística, la que resulta, nos dicen, del enorme esfuerzo que supone hacer sonar con afinación y armonía un serrucho, una silla de camping convertida en flauta travesera, un violín que a la vez es trompeta, instrumentos medievales y difíciles de describir como la zanfona, otros que han ido incorporando de sus viajes por el mundo entero y utensilios tan simples como una sartén o dos cucharas. Instrumentos, en definitiva, cuyos sonidos te transportan a otros lugares y otras épocas, tan sólo hay que echar un vistazo a los títulos de sus últimas melodías: Pasodoble del Magreb, Milonga Fetén, “El zapatones” de Quebec o Fandangos y Txalupas. Ya “Hay ritmos de aquí que son iguales a los de otros lugares del mundo. Es otra manera de darnos cuenta de todo lo que nos une siendo tan distintos.

No hay nada como viajar para darte cuenta de que todo está mezclado” –Jorge Arribas.

FOTO | Susanne Schulte

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FOTO | www.davidpalacin-photographer.com

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he stage of a club, theater or auditorium, the square of a city, town or village, the living room of a house, the altar of a church, together, separately or with other groups, around Europe, in Spain, France, Holland, Estonia, Latvia, Germany or Austria, around Africa and Asia, in Morocco, Namibia or India or, even, crossing the great puddle towards Latin America, in Argentina, Mexico or Costa Rica ... FETÉN FETÉN, a whole universe of popular music.

Four studio albums, countless concerts, stellar collaborations, “From Overseas”, “Singings”, “Dancings”, symphonic, educational... and, above all, traditional and unique melodies thanks to their unusual, conventional, historical and international instruments.

A folk music group, La Musgaña, and a tour around the United States wove their destinies more than

fifteen years ago. From Burgos both, settled one in Valladolid and the other in Atapuerca, use the new technologies on their side to make easier to compose separately and put together. Recording is another story. The producer is repeated, Carlos Raya, the place, Riff Raff Estudios in Madrid and philosophy, a CD recorded all in one go, with all the musicians in action. And if sometimes the lyrics accompany their melodies, as it happened in “Singings” where Rozalén, Fito Cabrales, Pedro Guerra, Jorge Drexler, Julieta Venegas or Natalia Lafourcade put voice to their rhythms, in “Overseas Melodies” are Javier Ruibal and Carmen Paris the singers chosen along with a team of musicians, including the composer Nacho Mastretta, a whole cast, Diego says, of “people we admire and who are because they are very talented friends”.

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Learning and improving with humility, presenting their music with honesty and without commercial filters are the main features that characterize them above all, as they told us in Hotel Urban in Madrid where we interviewed them. Maybe, we should add the great didactic work they do, together and separately, on television, in theaters or schools, in museums and even beyond the seas in New York at the Cervantes Institute and the UN headquarter.

“With our didactic concerts we offer the opportunity to leave our mark about the musical values of children, not only they have the opportunity to feel a violin or an accordion close up, but we carry instruments, some of them very poor, and we try to make them to understand how human beings have been able to make music without having any resources and to reflect on that money is not so important “ – Diego Galaz They are not on tour because they are releasing their latest CD, they point out. Their life is a journey that, at least, until the end of the year will have them playing around Spain, America and Europe. Although their energy, they claim, to be fully set in FETÉN FETÉN, they also make room for their personal projects. Jorge with his jazz trio or his solo album “Martin’s boat”

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and Diego with Nacho Mastretta Band or his work as artistic director of the Festival of Unusual Instruments and Interpreters in Burgos, unique in Spain, created by himself seven years ago and where it is possible to be surprised listening to a repertoire of Bach played with electric guitars or another of Jimi Hendrix with violins.

It is important for them to highlight their artistic proposal, which results, they say, from the enormous effort involved in getting tuned and harmonious sounds from a handsaw, a camping chair converted into a flute, a violin that is also a trumpet, medieval instruments and difficult to describe them as the hurdy-gurdy, others which have been incorporating from their travels around the world and utensils as simple as a frying pan or two spoons. Instruments, in short, whose sounds transport us to other places and times, we just have to look at the titles of their latest tunes: Paso doble from Maghreb, Fetén Milonga, “The big shoes man” from Quebec or Fandangos and Chalupas. Ya “There are rhythms from here that are the same as in other parts of the world, it is another way of understanding everything that unites us being so different at the same time... There is nothing like travelling to realize that everything is mixed” – Jorge Arribas 35

“El arte es como parar el tiempo. Te transporta a conocer otros mundos, épocas o culturas hasta el punto de que te das cuenta que no hay nada nuevo bajo el sol”

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iguel Berzal no concibe la vida sin escribir y define el proceso creativo como un veneno que se dispara con una idea y no encuentra otro antídoto que el de no parar hasta completarla en papel. Así nos lo contó en la charla que mantuvimos y que pudimos prolongar una segunda vez con una especial sesión de fotos en el Hotel Villa Magna de Madrid.

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DIRECTOR GUIONISTA PRODUCTOR DISTRIBUIDOR Y NOVELISTA SENCILLO EN LAS FORMAS REFLEXIVO EN EL FONDO

www.mjbm.es www.instagram.com/miguelyjavierbdm/ 37

¿Hacia dónde nos conduce una vida SIN NOVEDAD? Con esta premisa parte el primer largometraje de Miguel Berzal, con el que aspira a llegar a los Goya 2019 si continua con la gran acogida de público y jurado que está teniendo desde que se proclamara finalista en el reciente 15º Festival de Cine de Alicante. Es la psicología humana la que le atrapa, colocar a sus personajes, cinematográficos o literarios, en situaciones límite es la nota común que despiden todos sus trabajos.

No hay buenos ni malos y eso es lo que le más le interesa, el debate que generan sus historias, los juicios de valor que provocan los distintos matices con los que viste a cada uno de sus personajes, a los que concibe sin pensar en ningún intérprete en concreto sino que a posteriori es su cuaderno de notas, que le acompaña siempre, el que resuelve la ecuación.

“Para dedicarte a esto hay que ser muy lanzado. Si tengo un guion y un actor que me gusta, se lo envío a su agencia de representación”. Y así es como ha llegado a dirigir actores consagrados como Fernando Guillén Cuervo, Silvia Marsó o Gonzalo Castro, noveles como Ignacio Jiménez y actrices como su última protagonista, Silvia Espigado, que llevaba once años dedicados a la televisión.

A la espera del estreno de Sin Novedad en las salas comerciales, Miguel Berzal disfruta de los éxitos que sigue cosechando con sus dos últimos cortos, Un encuentro (2014), con el que acaba de firmar un contrato para una televisión neoyorkina, y Nomeolvides (2016), el corto más laureado en los Premios Latino 2017.

Supervivencia. Los obstáculos financieros no detienen a este cineasta que apenas supera el cuarto de siglo. Asegura con una sonrisa haberse quedado siempre a las puertas de recibir subvenciones y los créditos bancarios no son un misterio para él, y tampoco la única fuente de financiación. “Cuando tu trabajo es tu pasión, te endeudas. Llevo una vida muy sencilla, tengo mi móvil y mi iPod. Lo he vendido todo para financiar mis proyectos. Soy don-ventas-segunda-mano. Cuando termino un rodaje empiezo a venderlo todo. Aunque también hay cosas del rodaje que las hacemos nuestras“ y otras que, confiesa, recuperan su lugar original que no es otro que la casa familiar.

Además de sus trabajos en distintas cadenas de televisión, su faceta de escritor también le proporciona beneficios. En cinco años ha publicado una novela, Entre parientes, y dos libros de relatos, su género por antonomasia, el que le sirve siempre como antesala para elaborar el guion de sus películas. Con Las Horas Muertas, una antología de historias breves, intimistas y sutiles, de nuevo expone los claroscuros de la psicología humana ambientados en su ciudad natal, Madrid.

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Film poster sculpture / Escultura cartel: Diego Peribáñez

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¿Quiénes son #miguelyjavierbdm?

“La música no es sólo la expresión de sentimientos, también tiene el toque abstracto del que carecen la imagen o las palabras”

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Miguel Berzal de Miguel ha vivido siempre inmerso en un ambiente familiar muy interesado por la cultura en general. Su regalo recurrente en Navidades fue durante muchos años acudir al estreno de cada nueva temporada de la Zarzuela en el Teatro Real.

Con su hermano Javier forma un tándem profesional perfecto pero no exclusivo. Javier disfruta componiendo las bandas sonoras de las películas de Miguel, pero es consciente de lo grande que es el mundo de la música y lo quiere explorar, no se cierra ninguna puerta mientras continua con sus estudios en la Escuela de Arte. No ingresó en el conservatorio porque confiesa no haber descubierto sus ganas de componer su propia música hasta bien entrado en la adolescencia. Juntos han estado desde los comienzos. Con Cuidar a Ruth en 2014 no sólo compuso la banda sonora sino que también la interpretó. Varias nominaciones a premios llegarían después por Un encuentro y Nomeolvides, con esta última el Premio latino a la mejor composición musical ha sido uno de los grandes y últimos regalos que le trajo 2017.

El cine llena en gran medida sus vidas no sólo como creadores en el séptimo arte sino también como voraces consumidores, enciclopedias humanas de conocimiento cinematográfico. Y más que tándem, bien podrían ser trío, ya que Chus, como así llama Miguel Berzal a su madre en el set de rodaje, se ocupa de la dirección artística con la que también ha recibido alguna que otra nominación y propuesta de trabajo que poco tiene que ver con su profesión real. Ya

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DIRECTOR, SCRIPTOR, PRODUCER, DISTRIBUTOR AND NOVELIST. SIMPLE EXTERNALLY, REFLECTIVE INTERNALLY. Miguel Berzal does not conceive his life without writing and defines the creative process as a poison that is triggered by an idea and the only antidote is not to stop until it is completed on paper. That’s what he told us in the talk that we were lucky to continue a second time with a special photo session at the Hotel Villa Magna in Madrid.

Where does a life WITH NO NEWS lead us?

With this premise starts the first feature film by Miguel Berzal, with which he aspires to be at Goya Awards 2019 if he continues with the great reception of audience and jury he is having since he was finalist in the recent 15th Alicante Film Festival. It is human psychology that catches him, placing his characters, cinematographic or literary, in extreme situations is the distinctive trait in all of his works. There are no good or bad people and that is what interests him most, the debate generated by his stories, the value judgments that provoke the different nuances with which he dresses each of his characters, whom he conceives without thinking of any particular interpreter but that a posteriori is his notebook, that always accompanies him, the one that solves the equation.

“To dedicate yourself to this you have to be very bold. If I have a script and an actor or actress that I like, I send it to their acting agent”. .And that is how he has managed to direct renowned Spanish actors and actresses such as Fernando Guillén Cuervo, Silvia Marsó and Gonzalo Castro, beginners like Ignacio Jiménez and actresses as their last protagonist, Silvia Espigado, who had been acting in television for the last eleven years.

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While he is waiting for the premiere of With No News in the movie theaters, Miguel Berzal enjoys the successes that he continues to reap with his last two shorts, An Encounter (2014), with which he has just signed a contract for a television network in New York, and Forget-me-nots ( 2016), the most awarded short film at the 2017 Latino Awards.

Survival. The financial obstacles do not stop this filmmaker who barely exceeds the quarter of a century. He ensures with a smile that he has always been at the gates of receiving subsidies and bank loans are not a mystery to him, although they are not the only source of financing. “When your profession is your passion, you get into debt. I lead a very simple life, I have my mobile and my iPod. I have sold everything to finance my projects. I am Mr- second-hand-sales. When I finish a shooting I start selling everething.

Although there are also things from the films that we make our own“ and others that, admits, recover their original place that is none other than the family home.

In addition to his work in different television networks in Spain, his role as a writer also provides him benefits. In five years he has published a novel, Between Relatives, and two books of stories, his genre by antonomasia, which always serves to him as an anteroom to make the script of his films.

With The Dead Hours, an anthology of short stories, intimate and subtle where again he highlights the lights and shadows of human psychology, located in his hometown, Madrid.

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Who are

#miguelyjavierbdm?

Miguel Berzal de Miguel has always lived immersed in a family environment very interested in culture. For many years, his recurring gift at Christmas time was to attend the premiere of each new season of Zarzuela at the Real Theatre in Madrid. With his brother Javier, they form a perfect professional but not exclusive tandem. Javier enjoys composing the soundtracks of Miguel's films, but he is aware of the greatness of the world of music and wants to explore it. No door closes while he continues his studies at the School of Art. He did not study in the conservatory because he confesses not having discovered his desire to compose his own music until well into his adolescence. They have been together since the beginning. With Caring for Ruth in 2014 he does not only composed the soundtrack but also interpreted it. Several nominations for awards would come later by An Encounter and Forget-me-nots. With the second one, the Latin Prize for the best musical composition has been one of the great and last gifts brought to him by 2017.

“Art is like stopping time. It transports you to know other worlds, times or cultures to the point where you realize that there is nothing new under the sun�

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Films greatly fill their lives not only as creators in the seventh art but also as voracious consumers, human encyclopedias of cinematographic knowledge.

And more than a tandem, they could well be a trio, since Chus, as Miguel Berzal calls his mother on the filming set, is in charge of the artistic direction with which he has also received some nominations and proposals for work that have nothing to do with her real profession. Ya

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“Music is not just the expression of feelings but also has the abstract touch which images or words lack”

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Cantina y Punto en Bogotá Barra Cascabel en Lisboa Mezcal Lab y Salón Cascabel en Madrid Un chef: ROBERTO RUIZ Un origen: PUNTO MX Una estrella: MICHELIN

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sentado en el Barrio de Salamanca de Madrid desde 2012, este chef mexicano apuesta por la innovación, la que le ha llevado a subirse a otros tantos podios desde que en 2014 convirtiese su PUNTO MX en el primer restaurante de Europa especializado en cocina mexicana con estrella Michelin.

Aperitivos acompañados de mezcal y menús degustación elaborados con ingredientes autóctonos mexicanos cultivados ecológicamente en la segoviana Huerta Retamilla de Navas de Oro. Un total de treinta variedades, en las que los chiles son los reyes, seguidos del maíz negro, el tomatillo y otras tantas hierbas. Sabores de México mezclados con la cultura ibérica que se funden en lo que él llama #EvoluciónNatural que este año ha desembocado en una nueva oferta gastronómica protagonizada también por los insectos, arácnidos y artrópodos propios de la cocina prehispánica. Ya

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antina y Punto in Bogota and Barra Cascabel in Lisbon, Mezcal Lab and Salón Cascabel in Madrid. A chef: ROBERTO RUIZ, an origin: PUNTO MX, a star: Michelin.

Based in Barrio de Salamanca in Madrid since 2012, this Mexican chef is committed to innovation, which has led him to get on so many podiums since in 2014 he converted his PUNTO MX into the first restaurant in Europe specializing in Mexican cuisine awarded with a Michelin star.

Appetizers accompanied by mezcal and tasting menus made with native Mexican ingredients grown ecologically in Huerta Retamilla in Navas de Oro -Segovia. A total of thirty varieties, in which chiles are the kings, followed by black corn, tomatillo -little tomatoe- and other herbs. Flavors of Mexico mixed with the Iberian culture that are based on what he calls #NaturalEvolution that this year has culminated in a new gastronomic offer also starring insects, arachnids and arthropods typical of prehispanic cuisine. Ya 47

MX de México y Punto es… para marcar un sitio especial, por ser únicos y porque, además, es el dominio de Internet que se refiere a México desde el extranjero Un espacio gastronómico es… un lugar de experimentación donde se generan nuevas ideas de cocina, en nuestro caso a partir de la tradición #EvoluciónNatural significa… no parar nunca, siguiendo el método Kaizen de mejora continua de una forma orgánica pero permanente La fusión México-España sabe a… Punto MX Para degustar el Menú Entomofagia hay que… saber que es una experiencia única y querer descubrirla Los totopos* son… una cuchara comestible, el mejor acompañamiento del guacamole y un aperitivo perfecto Y el chiltepín… uno de los chiles más picantes de México con sabores y matices increíbles en fresco y en seco, un sabor verdaderamente especial La agricultura ecológica aporta… respeto a los sabores auténticos de los productos al medio ambiente, honestidad en la cocina, salud y a una conciencia ecológica global Mantenerse en el firmamento Michelin supone… una búsqueda continua de nuevos sabores, perfección, técnica, disciplina y descubrimiento El último reto conseguido… haber ofrecido por primera vez en Europa un menú entomofágico mexicano y que fuera un éxito, logrando así dignificar y dar a conocer estos ingredientes únicos en el mundo Si los mayas levantaran la cabeza… seguramente estarían muy contentos de saber que su cocina hoy está presente en los mejores restaurantes del mundo ya sea por sus ingredientes o por sus técnicas Para ser emprendedor… hace falta ser inquieto y curioso y tener un cierto grado de inconformismo bien entendido Y para mantenerse como empresario… constancia y consistencia Si no fueras chef serías… algo relacionado con la producción de eventos *Tortillas de maiz originales, prehispánicas www.puntomx.es

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Mx is for Mexico and Punto is… to mark a special site, because we are unique and because, in addition, it is the domain of the Internet referred to Mexico from abroad A gastronomic space is... an experimentation site where new cooking ideas are generated, in our case from tradition #NaturalEvolution means... never stop, following Kaizen method on continuous improvement in an organic but permanent way Mexico-Spain fusion tastes to... Punto MX To taste Entomofagia Menu you should... know that it is a unique experience and you want to discover it Tototopos* are… an edible spoon, the best accompaniment to guacamole and a perfect appetizer And chiltepín… is one of the hottest chili peppers in Mexico with incredible flavors and nuances in fresh and dry, a truly special taste Organic farming provides... respect for the authentic flavors of the products, respect for the environment, honesty in cooking, health and a global ecological conscience To stay in the Michelin universe supposes... a continuous search for new flavors, perfection, technique, discipline and discovery The last challenge achieved... to have offered for the first time in Europe a Mexican entomofagic menu that was a success, thus achieving dignify and make known these unique ingredients in the world If Mayans raised their heads... surely they would be very happy to know that their cuisine, nowadays, is present in the best restaurants in the world, either for their ingredients or their techniques To be an entrepreneur... you need to be restless and curious and have a certain degree of well-understood nonconformity And to stay as a business owner… determination and consistency If you were not a chef you would be... something related to the production of events * Original corn omelettes, prehispanic Fotos cedidas por: www.thebridge.es Agencia de Comunicación y RRPP

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SAN FRANCISCO E

s el otro puente de San Francisco, BAY BRIDGE, dos tramos, 5.900 metros de acero sobre la bahía, una ínsula en medio para unir las ciudades de San Francisco y Oakland y un túnel que la atraviesa, 7.200 metros de trayecto total inaugurados en 1936, seis meses antes que el emblemático Golden Gate.

A pie, en bici o en coche es posible desplazarse desde Oakland hasta Yerba Buena Island, la excusa perfecta para cruzar el istmo que le une a la otra, la artificial Isla del Tesoro, antiguo territorio militar reconvertido en lugar de encuentro artístico desde el que se puede divisar el skyline de San Francisco. Llegar desde allí a “Frisco”, sin embargo, sólo es posible en vehículo, dos alturas para cada sentido desde que en 1958 se desmantelase la vía férrea del piso inferior. Ochenta y dos años de historia ligados a la ciudad de los tranvías fundada en 1776. Ya

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t is the other bridge in San Francisco, BAY BRIDGE, two stretches, 5,900 meters made of steel over the bay, an island in the middle to connect San Francisco and Oakland and a tunnel that crosses it 7,200 meters in total inaugurated in 1936, six months before the iconic Golden Gate.

On foot, by bike or by car it is possible to travel from Oakland and to Yerba Buena Island, the perfect excuse to cross the isthmus that joins the other, the artificial Treasure Island, an old military territory converted into an artistic meeting from which you can admire the skyline of San Francisco. Arriving from there to “Frisco”, however, is only possible by vehicle, two heights each way since the railway line on the lower floor was dismantled in 1958. Eightytwo years of history linked to the city of trams founded in 1776. Ya

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www.baybridgeinfo.org FOTO | Oliver Plattner @oplattner

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Los seres humanos #SomosNaturaleza

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unque parezca evidente conviene recordarlo, porque muchas veces parece que la naturaleza son los tigres, los bosques, las mariposas o los ríos y lo que les ocurre no tiene nada que ver con nosotros. Vivimos en un planeta realmente hermoso y es nuestra responsabilidad que lo siga siendo.

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En unos meses se cumple medio siglo desde que un grupo de inquietos pioneros, entre ellos Félix Rodríguez de la Fuente, fundaran la Asociación para la Defensa de la Naturaleza. Durante mucho tiempo en España se conoció con el nombre de “Adena”, la rama española de WWF, creada en 1961 en Suiza, y convertida con el tiempo en una de las mayores y más eficaces organizaciones mundiales independientes dedicadas a la conservación de la naturaleza.

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Desde entonces trabajamos para conseguir que el ser humano viva en armonía con su entorno, es decir, que seamos capaces de vivir con dignidad con los recursos que nos ofrece un planeta finito. Hoy en día la humanidad necesita 1,6 planetas para satisfacer su demanda de agua, tierra, comida, absorción de CO2… y si seguimos a este ritmo, en 2050 necesitaremos dos planetas y medio. Esta manera de consumir se sostiene sobre la pérdida de biodiversidad, pues se destruyen los ecosistemas, acabando con muchas poblaciones de seres vivos, para satisfacer nuestra gran demanda.

La buena noticia es que, juntos, podemos cambiar las cosas. Lo hemos comprobado durante estos 50 años: el esfuerzo común ha alejado al lince ibérico de la extinción, seguimos haciendo presión para acabar con amenazas como el gas o el dragado del Guadalquivir en un entorno tan increíble como Doñana o para lograr que todo el mundo, durante 60 minutos, apague la luz como símbolo de preocupación sobre el cambio climático en la Hora del Planeta. Pero tenemos que hacerlo ya.

Por eso te invitamos a que recuerdes qué te hace “SER NATURALEZA” y por qué es importante para ti. Para WWF una gestión de los mares que tiene en cuenta a los pescadores, conectar los espacios naturales para que los mamíferos puedan desplazarse sin morir atropellados o acabar con las toneladas de plásticos que inundan nuestros campos son algunas de las maneras de seguir en contacto con la naturaleza. Súmate a nuestra apuesta por conseguir un mundo en el que el ser humano viva en armonía con el planeta. Ya www.wwf.es

ESPACIO CEDIDO A:

TEXTOS Y FOTOS | WWF España

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Human beings are nature. Although it seems obvious it is convenient to remember it, because it often seems that nature is the tigers, the forests, the butterflies or the rivers and what happens to them has nothing to do with us. We live in a really beautiful planet and it is our responsibility to keep it that way. www.worldwildlife.org 07

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In a few months, it is celebrated half a century since a group of restless pioneers, Felix Rodriguez de la Fuente among them, founded the Association for the Defense of Nature. For a long time in Spain it was known as “Adena”, the Spanish branch of WWF, wich was created in 1961 in Switzerland and eventually converted into one of the largest and most effective independent global organizations dedicated to nature conservation.

Since then, we have been working to ensure that human beings live in harmony with their environment, that is, that we are able to live with dignity with the resources offered by a finite planet. Today, humanity needs 1.6 planets to satisfy its demand for water, land, food, CO2 absorption ... and if we continue at this rate, by 2050 we will need two and a half planets. This way of consuming is based on the loss of biodiversity, because ecosystems are destroyed, ending with many populations of living beings, to satisfy our great demand.

The good news is that, together, we can change things. We have proven it during these 50 years: the common effort has turned the Iberian lynx away from extinction, we continue pressing to end threats such as gas or dredging the Guadalquivir in such an incredible environment as Doñana or to get everyone, for 60 minutes, turn off the light as a symbol of concern about climate change in Earth Hour.

But we have to do it now.

SPACE GIVEN TO :

That is why we invite you to remember what makes you “BEING NATURE” and why it is important to you. For WWF, a management of the seas that keeps in mind fishermen, connecting natural spaces so mammals can move without being run over or killed with tons of plastics that flood our fields, are some of the ways to keep in touch with nature. Join our commitment to achieve a world in which human beings live in harmony with the planet.

Ya

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SOBRE UN SUELO CUATERNARIO ROZANDO LOS MIL METROS DE ALTITUD UN VIÑEDO, UNA BODEGA…

Bajo los vaivenes de un extremo clima continental, a los pies del Parque Natural Sierra Norte de Guadalajara, en 42 hectáreas de canto rodado sobre un manto arcilloso se vendimian cada año la uvas que componen los caldos tintos multivarietales Finca Río Negro, elaborados con la más autóctona de las uvas, la negra Tempranillo, cuyas cepas presiden las parcelas más altas del viñedo, que se mezclan en menor porcentaje con tres variedades francesas, las rojizas Cabernet Sauvignon y Syrah y las azuladas Merlot. Para los caldos blancos se cultivan las uvas rosadas Gewürztraminer, originarias de la Alsacia. www.fincarionegro.es

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“Buscamos cada año cambiar todos los procesos para obtener el mejor vino posible ese año. Hacemos todo lo que sea en cada vendimia incluida la crianza, que puede durar hasta 21 meses como sucede en Finca Río Negro 5º Año”

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Finca Río Negro cumple este año el décimo aniversario como empresa productora y el vigésimo como viñedo. Desde su creación, este Vino de la Tierra se elabora según los cánones de un Vino de Pago, como nos comenta su gerente, Fernando Fuentes: “Ni compramos ni vendemos uva y es un viñedo de bajo rendimiento con una vendimia manual donde la uva llega fresca e intacta a la bodega de elaboración que está in situ”.

Diseñada en origen para albergar 105.000 botellas, la bodega ha alcanzado ya este año una producción de 180.000 de las cuales un treinta por ciento se venden al extranjero gracias, en buena parte, a las buenas puntuaciones que han obtenido en la Guía Peñín desde que en 2010 salieran a la venta sus primeros tintos, Finca Río Negro, a los que le siguieron los blancos Gewürztraminer y los tintos 992 -en honor a la altura máxima a la que se encuentra el viñedo- y el último tinto en incorporarse, Finca Río Negro 5º Año, como así nos cuenta Fernando Fuentes mientras visitamos todo el complejo cercano al histórico municipio de Cogolludo que alberga entre otros monumentos, el Palacio de los Duques de Medinaceli, el que dicen podría tratarse del primer edificio renacentista construido fuera de Italia.

Gracias al Club de Vinos y al de Barricas, a los eventos de empresa y al enoturismo, en 2018 esperan superar los 6.000 visitantes que hasta allí llegan de todas partes para disfrutar de una experiencia singular que termina en la Bodega Social donde se encuentra la sacristía, cual vinoteca con botellas de añadas que se remontan a 2001. “El enfoque de la visita a la bodega no es extraordinariamente técnico. Lo que pretendemos es hacer coloquio con la gente, que se lo pasen bien y disfruten comiendo los quesos y los embutidos de caza y degustando el vino”. Como anécdota, Fernando Fuentes confiesa que suele ser su padre, José Manuel Fuentes, quien al final de cada encuentro se lleve los mejores laureles de la visita.

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José Manuel Fuentes sigue siendo el alma de Finca Río Negro, el sueño de un empresario palentino criado entre ovejas, cereales y viñedos, afincado en Madrid desde muy joven, dedicado a la consultoría de empresas y amante del vino que con 50 años decidió compaginar su profesión con la de vitivinicultor con “el afán de intentar conseguir hacer el mejor vino que fuera capaz de dar esta tierra” más parecida a su Tierra de Campos que a La Mancha a la que pertenece. Pese al inicial escepticismo familiar, acabó implicando como comercial a su hijo Víctor recién licenciado cuando en 2008 comienza el desarrollo comercial de la bodega y, años después, a Fernando que con la crisis abandona el mundo inmobiliario para dedicarse en cuerpo y alma al negocio del vino.

En un terreno dedicado también a la caza, con algo más de 500 hectáreas de bosques, es fácil toparse con

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jabalíes, ciervos y corzos en un entorno idílico plagado de romero, jara, lavanda, tomillo y orégano, además de pinos, encinas y robles que se divisan desde la bodega de elaboración, antigua nave de ovejas restaurada en pizarra, material propio de la arquitectura los pueblos negros que habitan la sierra, las tres casas solariegas de uso privado, antaño en ruinas, la pequeña granja construida para los visitantes más pequeños, la ermita y la Bodega Social, construida bajo viñedos.

Reconocen que aún les queda mucho camino por recorrer, de la mano de quienes han sido desde el principio sus grandes bazas, el director técnico, Juan Mariano Cabellos, el Instituto de la Viña y el Vino de la Universidad de León y el Centro de Investigación Enológica de la Comunidad de Madrid, además de la gente de la zona que asegura les ha acogido con los brazos abiertos, quizás en parte por la labor de recuperación de una tradición vinícola perdida en el tiempo por la emigración a las grandes urbes.

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“La mejor química que consigue que los vinos sean equilibrados, complejos y elegantes es el tiempo”

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Vinos atlánticos que figuran en las cartas de muchos y prestigiosos restaurantes del universo Michelin, incluso marcas como Lexus se han interesado en establecer una relación de co-branding. “Es un honor para nosotros por los matices de artesanía y ecología que nos unen y porque nos sentimos un poco identificados con ellos, una marca que viene de Japón, una pequeña empresa que decide plantarle cara a los grandes fabricantes alemanes y americanos, como nosotros que somos una pequeña marca con las mismas pretensiones frente a los Ribera y los Rioja”.

Artesanía en el campo y tecnología en la elaboración, un clima atlántico encuadrado en un sistema central, treinta parcelas y una vendimia tardía, bien entrado el mes de octubre, según las necesidades de maduración.

“A veces nuestras vendimias se pueden alargar casi un mes y por eso tampoco podemos contratar ni vendimiadoras mecánicas ni cuadrillas. Los vendimiadores son los jóvenes agricultores de la zona, todo un valor para nosotros”.

El futuro de esta empresa familiar pasa por sacar adelante dos monovarietales de Graciano y de Petit Verdot con los que están experimentando, además de una nueva variedad autóctona “que intentamos recuperar por su valor enológico, entendiendo que cualquier nuevo proyecto es a veinte años”. Ya

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“Como no somos D.O. y nuestros vinos no pueden etiquetarse como crianza, reserva o gran reserva, nuestra revolución pasa por darle importancia al año de la cosecha y esa es una tendencia que se empieza a notar”

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“As we are not D.O. and our wines cannot be labeled as aging, reserve or large reserve, our revolution is based on giving importance to the year of the harvest and that is a trend that is beginning to be noticed “

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ver a Quaternary soil, under the ups and downs of extreme continental climate, almost getting the thousand meters of altitude: a family, a vineyard, a winery ... FINCA RÍO NEGRO.

At the foot of the North Mountain Range Guadalajara Natural Park, on 42 hectares of pebbles over a clayey mantle, each year the grapes that make up the multivarietal wines Finca Rio Negro are harvested, red wines made with the most autochthonous grapes, the black one Tempranillo, whose vines preside over the highest plots of the vineyard, which are mixed in a lower percentage with three French varieties, the red ones Cabernet Sauvignon and Syrah and the blue ones Merlot. For white wines, the rosy grapes Gewürztraminer, originally from Alsace, are grown.

This year, Finca Río Negro is celebrating its tenth anniversary as a production company and its twentieth as a vineyard. Since its creation, this "Vino de la Tierra" -local wine- is made according to the standards of a Pago Wine, as its manager, Fernando Fuentes, tells us: "We neither buy nor sell grape and it is a low yield vineyard with a handmade harvest where grapes arrive fresh and intact to the processing winery that is in situ".

Originally designed to house 105,000 bottles, the winery has already reached 180,000 this year, of which thirty percent are sold abroad thanks, greatly, to the good scores they have obtained in the Peñín Guide since 2010 when their first red wines, Finca Río Negro, went on sale, followed them by the Gewürztraminer white ones and by the red wines 992 -in honor of the maximum height of the vineyard- and the lastest red wine, Finca Río Negro 5th Year, as Fernando Fuentes told us while we visited the entire complex near Cogolludo, an historic town which houses, among other monuments, the Dukes of Medinaceli Palace, which it is said it could be the first Renaissance building built outside of Italy.

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Thanks to the Wine Club and the Barrel Club, to company events and wine tourism, in 2018 they expect to exceed 6,000 visitors who arrive there from all over places to enjoy a unique experience that ends at the Social Winery where the sacristy is located, a wine cellar with bottles of vintages that go back to 2001. "The approach of the visit to the winery is not extraordinarily technical. What we want is to make a conversation with people, have a good time and enjoy eating cheeses and game meats and tasting the wine".

As an anecdote, Fernando Fuentes confesses that it is his father, JosĂŠ Manuel Fuentes, who, at the end of each meeting, gets the best laurels of the visit.

JosĂŠ Manuel Fuentes is still the soul of Finca RĂ­o Negro, the dream of a businessman from Palencia raised among sheep, cereals and vineyards, settled in Madrid since a very young age, dedicated to the consulting of companies and wine lover who, at the age of 50, decided to combine his profession with that

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“Every year we look to change all the processes to obtain the best possible wine that year. We do everything in every harvest including aging that can last up to 21 months as it happens with Finca Río Negro 5th Year“

of vitivinicultor with "the desire to try to make the best wine that this soil is able to give", a soil in a land more like his Land of Fields -Tierra de Campos- than La Mancha to which it belongs. Despite initial family skepticism, he ended up involving his son Víctor as a salesman who had just finished his degree when the commercial development of the winery began in 2008 and years later, in the middle of the crisis, Fernando left the real estate world to devote himself in heart and soul to the wine business.

In an area also dedicated to hunting, with more than 500 hectares of forest, it is easy to come across wild boar, deer and roe deer in an idyllic environment full of rosemary, cistus, lavender, thyme and oregano, as well as pines, oaks and holm oaks that can be seen from the elaboration cellar, old sheep shed restored in slate, material typical of architecture from the black villages that inhabit the mountain range, the three manor houses for private use, once in ruins, the small farm built for the youngest visitors, the chapel and the Social Winery, built under vineyards.

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“The best chemistry that makes wines balanced, complex and elegant is time�

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They recognize that they still have a long way to go, in the hands of those who have been their great weapons from the beginning, the technical director, Juan Mariano Cabellos, the Institute of Vine and Wine of the University in Leรณn and the Research Center Enological of the Community of Madrid, in addition to the local people that ensures have welcomed them with open arms, perhaps in part for the work of recovering a wine tradition lost in time by emigration to large cities.

Atlantic wines that appear in the menus of many and prestigious Michelin restaurants, even brands like Lexus took interest in establishing a co-branding relationship. "It is an honor for us because of the craft and ecologic aspects that unite us and because we feel a little identified with them, a brand that comes from Japan, a small company that decides to face up to the big German and American manufacturers, like us that we are a small brand with the same pretensions opposite to Ribera and Rioja wines".

Craftwork in the field and technology in processing, an Atlantic climate framed in a central system, thirty plots and a late harvest, until well into October, according to the needs of maturation. "Sometimes our harvests can be extended almost a month and that is why we cannot hire either any mechanical harvester or crew. The harvesters are the young local farmers, a real value for us".

The future of this family business lives through the development of two wine monovarietals, Graciano and Petit Verdot, with which they are experimenting, as well as a new autochthonous variety "that we try to recover due to its oenological value, understanding that any new project is twenty years old". Ya

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- F R I E N D LY

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Conservar el medio ambiente pasa por adquirir un estilo de vida sostenible lo que a su vez implica reducir al máximo la cantidad de basura que generamos: #CeroDesperdicio - #ZeroWaste. Repensar,

rediseñar, reutilizar, reparar, reducir, reciclar

y recuperar son las 7 “R” que ciudades como Amsterdam, en Holanda, y Peterborough, en Gran Bretaña, llevan a la práctica en sendos proyectos, cuyos ejemplos confirman que es posible cambiar el actual modelo de tomar, fabricar, usar y tirar/por el original ciclo de vida de la Madre Naturaleza donde nada se pierde ni se destruye sino que todo se transforma, un ciclo que resume los fundamentos de la economía circular y en los que se basan los productos eco-friendly: biodegradables, reciclables, parten de cultivos sostenibles, fabricados con materiales reciclados, contribuyen a la reducción de la huella de carbono o emisión de gases y favorecen el ahorro energético. Ya

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Conserving the environment means acquiring a sustainable lifestyle, which in turn means reducing to the maximum the amount of trash we generate: #ZeroWaste. Rethink, redesign, reuse, repair, reduce, recycle and recover are the 7 “R” that cities like Amsterdam, in the Netherlands, and Peterborough, in Great Britain, carry out in projects, whose examples confirm that it is possible to change the current model of taking, manufacturing, using and throwing for the original life cycle of Mother Nature where nothing is lost or destroyed but everything is transformed, a cycle that summarizes the foundations of the circular economy and on which eco-friendly products are based: biodegradable, recyclable, originate from sustainable crops, made with recycled materials, contribute to the reduction of the carbon footprint or emission of gases and boost the energy savings. Ya 07

#Earthtechnologies by Ryan H Harris, California (USA) Tablas de surf hechas con paneles de espuma EPS reciclados en lugar de poliuretano, resina con base biológica en lugar de resina de poliéster y telas de lino natural en lugar de fibra de vidrio / Surf boards made with recycled EPS foam board blanks instead of polyurethane, bio-based-resin instead of polyester resin and natural flax fabrics to replace fiberglass.

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LIFESTYLE #MudJeans by Bert van Son, Almere (the Netherlands)

#TheCircularBuilding by Arup, BAM Construction, The Built Environment Trust and Frener & Reifer, UK & Italy Es un prototipo de casa modular y extensible, una construcción desmontable, duradera y reutilizable fabricada con madera reciclada y piezas de acero / It is a prototype of modular and extendable house, a detachable, lasting and reusable building made with recycled wood and steel.

Tejanos hechos con algodón sostenible y agua reciclada usando prelavado con ozono y desgaste con láser. Un modelo pionero de leasing según el cual recuperan las materias primas después del uso / Jeans made with sustainable cotton and recycled water using prewash with ozone and laser wear. A pioneering Lease A Jeans model according to which they get the raw materials back after use.

#Fairphone by Bas van Abel, Amsterdam (the Netherlands) El primer teléfono modular ético fabricado con módulos reemplazables y un sistema operativo para la auto-actualización. Una empresa comprometida con la reducción de residuos electrónicos y la fundación Closing the Loop / The first ethical modular telephone manufactured with replaceable modules and an operating system for self-updating. A company committed to reducing electronic waste and Closing the Loop foundation.

#WeWood by Ryan Alexander, Florence (Italy) & Los Angeles (USA) Relojes hechos de madera reciclada sin colorantes y con un compromiso especial: tú compras un reloj y ellos plantan un árbol en todo el mundo gracias a #AmericanForests y #TreesForTheFuture / Watches made from recycled wood without dyes and with a special commitment: You buy a watch and they plant a tree around the world thanks to #AmericanForests and #TreesForTheFuture.

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TEMPORAL SENCILLA Y COMPLEJA GEOMÉTRICA ASIMÉTRICA Y SEDUCTORA…

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es moda

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n sello inconfundible y seis meses para construir cada colección. Seis años de carrera en solitario... dos con su propio concept store, un espacio donde arte, cultura, moda y comercio hilvanan el traje perfecto y resumen la propuesta de lifestyle de su creador desde el céntrico Barrio de las Letras de Madrid, donde otrora vivieron ilustres escritores españoles del Siglo de Oro y hoy acoge las más variopintas y eclécticas propuestas artísticas de la capital.

FOTO | www.artesanosaldetalle.com

El color, su obsesión, la paleta, su herramienta con la que ha creado BABEL, la síntesis de un universo femenino, étnico y multicultural, de tonos marino, mostazas, lilas y blancos, que mezclados, combinados o separados marcarán tendencia la próxima Primavera / Verano 2019 con una colección que una vez más se rinde a la seducción, se entrega al movimiento y se llena de luminosidad.

Discípulo incondicional de Balenciaga, Ulises Mérida tiene siempre presente la frase del maestro: “Un buen modisto debe ser arquitecto

para los patrones, escultor para la forma, pintor para el color, músico para la armonía y filósofo para la medida“.

Las butacas antiguas de un cine de Villaverde hacen las veces de pequeño anfiteatro por el que se desciende desde la tienda al atelier donde el diseñador obra su magia. Un maniquí, una tela y un espejo le bastan para desplegar su arte. Con su humildad, su cercanía y sus confidencias, además, nos mostró su humanidad. Ya

“NO ES LO QUE LLEVAS PUESTO, ES LO QUE DICE DE TI…”

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IMELESS, NATURAL AND COMPLEX, FOTO | @juanxcog19

GEOMETRIC, ASYMMETRIC AND SEDUCTIVE… is fashion

BETIN A

“IT IS NOT WHAT YOU ARE WEARING, IT IS WHAT IT SAYS ABOUT YOU…”

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unique hallmark and six months to build each collection. Six years of solo career... two ones with their own concept store, a space where art, culture, fashion and trade tack the perfect outfit and summarize the lifestyle proposal of its creator from the central Madrid neighborhood of Barrio de las Letras, where illustrious Spanish writers of the Golden Age lived and nowadays welcomes the most varied and eclectic artistic proposals of the capital.

The color, his obsession, the palette, his tool with which BABEL has been created, the synthesis of a women’s universe, ethnic and multicultural, full of marine tones, mustards, lilacs and whites, that mixed, combined or separated will set trends next Spring / Summer 2019 with a collection that once again surrenders to seduction, gives in to movement and fills with luminosity.

As an unconditional disciple of Balenciaga, Ulises Mérida always keeps in mind the teacher’s phrase: “A good

couturier must be an architect for patterns, a sculptor for shape, a painter for color, a musician for harmony and a philosopher for measure”.

The old seats from a theater of Villaverde neighborhood act as a small amphitheater that leads down from the store to the atelier where the designer works his magic. A mannequin, a cloth and a mirror are enough to display his art. With his humility, closeness and confidences, he also showed us his humanity.Ya

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IN SHORT

If Haute Couture is luxury, Prêt-à-Porter is… functionalism, beauty and elegance

Si la Alta Costura es lujo, el Prêt-à-Porter… es funcionalidad, belleza, elegancia

ULISES MÉRIDA in three words: Simplicity, organization and pragmatism

ULISES MÉRIDA en tres palabras: Sencillez, organización y pragmatismo

Another three ones for your Concept Store: Space, light and comfort

Otras tres para tu Concept Store: Amplitud, luz y comodidad

BABEL* means: WOMEN’S UNIVERSE If Betina is… an ICON Obi belt… the PERFECT COMPLEMENT A geometry for your next collection Autumn - Winter 2019-2020: Whatever means VERTICALITY Material sliding mannequin down must…

ENTER IN A DIALOGUE with the MODEL A sculpture you would dress up: I would redesign “ECSTASY OF SAINT TERESA” by BERNINI A seat in El Prado Museum opposite to…

THE BLACK PAINTINGS by GOYA A female character outfit of what movie: Whichever of “IN THE MOOD FOR LOVE” by WONG KAR-WAI A sound at creative time: Radio 3 station is always on at my atelier A place in the world: MADRID A solidarity project: Two, APRAMP¤ and MÚSICA EN VENAß (Music into Vein) The perfect menu: If I am hungry, about any one!

And to toast: A glass of WHITE WINE “HABLA de ti…” would be PERFECT If you were not a coutier you would be… a COUTIER ART is… VITAL

BABEL* significa: UNIVERSO FEMENINO Si Betina es… ICONO El cinturón obi… COMPLEMENTO PERFECTO Una geometría para tu próxima colección Otoño - Invierno 2019-2020: Cualquiera que defina VERTICALIDAD. La materia deslizándose sobre un maniquí tiene que…

DIALOGAR con el MANIQUÍ Una escultura a la que vestirías: Rediseñaría el look del “EXTASIS DE SANTA TERESA” de BERNINI Un asiento en El Prado delante de…

LAS PINTURAS NEGRAS de GOYA El outfit de qué personaje femenino en qué película: Cualquiera de los personajes de “IN THE MOOD FOR LOVE” (Deseando amar) de WONG KAR-WAI Una música para un momento creativo: En mi taller siempre suena Radio 3 Un lugar en el mundo: MADRID Un proyecto solidario: Dos, APRAMP¤ y MÚSICA EN VENAß El menú perfecto: Si tengo hambre, ¡casi cualquiera!

Y para brindar: Una copa de VINO BLANCO “HABLA de ti…” sería PERFECTO Y si no fueras modisto serías… MODISTO El ARTE es… VITAL

www.ulisesmerida.com *colección #12, Primavera - Verano 2019

*#12 Collection, Spring - Summer 2019 ¤

NGO against human trafficking with whom Ulises collaborated in a training program

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NGO to improve hospital stays of patients, relatives and sanitary personnel through live music.

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Asociación española sin ánimo de lucro #ContraLaTrata de mujeres y niñas en el mundo entero y con la que Ulises ha colaborado en un programa de formación ß Asociación sin ánimo de lucro dedicada a la mejora de las estancias hospitalarias de pacientes, familiares y personal sanitario a través de la música en directo.

FOTO | @juanxcog19

EN POCAS PALABRAS