REVISTA DEMO PARA LA DIFUSION DEL ... CUBA • CHILE • COLOMBIA • ECUADOR • COSTA RICA
numero 1 · mayo 2020 · CR
LAM • MATTA • BOTERO • GUAYASAMIN • CARBALLO
Pintores latinoamericanos
CONTENIDO 10
GUAYASAMIN
MATTA
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BOTERO somos · 2 · arte
LAM
CARBALLO
DEL
SOMOS ARTE
EDITOR
numero 1 · mayo 2020 · CR
SOMOS-ARTE se define como una Revista de Arte primordialmente Contemporáneo, que se enfoca en los siguientes ejes temáticos: Arte, Literatura, Historia del arte, crítica de arte, reseñas de publicaciones, reseñas de artistas, coleccionismo y mercado del arte,, pensamiento estético, estudios visuales, ensayo visual fotográfico. Somos-Arte es un proyecto alternativo de arte actual, independiente y autónomo, no está asociada a ningún organismo gubernamental, ni empresarial externo a la revista, ademas se define independiente de cualquier interés personal. El objetivo de Somos Arte, es difundir procesos investigativos y críticos enfocados en las artes visuales, con especial énfasis en la producción de pensamiento generado desde América Latina. Esta publicación se encuentra dirigida a las comunidades artísticas y a un público más amplio interesado por desarrollar y ahondar en la diversa complejidad del campo de la plastica. Somos-Arte se publicará con una periodicidad semestral, en formato PDF y aspira a convertirse en una plataforma referencial para el campo de las artes a nivel local y regional. Temáticas Libres: Arte y nuevas tecnologías, Arte en Red, Arte y Política, Arte experimental, Poesía Visual, Artes Visuales, Instalación, Cultura Libre, Cine contemporáneo, Video, Crítica, Contingencia Social, Ensayo, Investigación, Historia, Filosofía, Poesía, Literatura, Música y Teatro ... somos · 3 · arte
DIRECTOR Y EDITOR Jose Siu A. PUBLICIDAD siuxarte DISEÑO GRAFICO Jose Siux 8397-3838 IMPRESO EN CR Publicaciones Creativas PDF COLABORADORES Latin American Art Modern FUENTES:
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EL UNIVERSO MAGICO DE ...
ROBERTO MATTA
Arquitecto de formación, Roberto Sebastián Antonio Matta se inició en la pintura de forma autodidacta y se adscribió a la corriente surrealista. Estudió arquitectura en la Pontificia Universidad Católica de Chile, titulándose en 1935. Además, fue alumno libre del artista Hernán Gazmuri (1900-1979), primero en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Chile y posteriormente en su academia privada. El mismo año en que egresó de la universidad dejó el país para radicarse en Europa. Inicialmente trabajó en los talleres de los arquitectos
Le Corbusier (1887-1965) en París y Walter Gropius (18831969) en Londres. El encuentro con el artista inglés Gordon Onslow-Ford (1912-2003), en 1937, lo estimuló a dedicarse a las artes visuales. Ese mismo año conoció a Salvador Dalí (19041989), quien a su vez le presentó a André Bretón (1896-1966) y también a otros miembros del movimiento surrealista. Matta se unió al grupo colaborando en algunas publicaciones y participando en varias muestras, entre ellas, las exposiciones internacionales de 1938 en París y de 1940 en México D.F. En 1938 se radicó en Nueva
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York, al igual que numerosos artistas e intelectuales de vanguardia que huyeron de Europa a inicios de la Segunda Guerra Mundial. Uno de ellos fue su amigo y referente el francés Marcel Duchamp (1887-1968). Fue en esa ciudad donde Matta desarrolló una intensa actividad artística y realizó su primera exposición individual en la galería Julien Levy en 1940. En este periodo, además, se vinculó con jóvenes pintores de la Escuela de Nueva York, entre ellos Jackson Pollock (19121956), Arshile Gorky (19041948) y Robert Motherwell (1915-1991). Por lo cual, algunos críticos e historiadores del arte han visto en la pintura del chileno una influencia en el desarrollo del denominado Expresionismo abstracto. En sus más de sesenta años de incansable actividad, el trabajo artístico de Matta sufrió diversas mutaciones. A finales de los años 30 realiza sus primeras pinturas al óleo, medio que será el más característico de su producción, así como será distintiva la utilización de grandes formatos. Para la creación de sus obras iniciales utilizó como proceso creativo el automatismo psíquico surrealista, buscando traer a la luz las visiones más recónditas de la mente. Esta serie de imágenes abstractas fueron denominadas “morfologías
psicológicas” o “inscapes”, dando cuenta de paisajes interiores con una profundidad de campo indeterminada y que aluden a una espacialidad tanto de la conciencia como cósmica. Expuso en numerosos museos y centros de arte alrededor del mundo, alcanzando desde finales de los años 50 un reconocimiento a nivel internacional. Con frecuencia ha sido señalado como uno de los artistas visuales más gravitantes del siglo XX. Su primera gran muestra retrospectiva fue realizada en 1957, en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Otras retrospectivas destacadas fueron las realizadas en el Centro Georges Pompidou en París (1985), en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en Madrid (1999) y en el Centro Cultural Palacio La Moneda en Santiago (2011), esta última exhibición fue realizada en homenaje al centenario de su nacimiento. Asimismo, su producción se encuentra en importantes colecciones e instituciones nacionales y extranjeras, entre ellas la Tate Modern en Londres, el Metropolitan Museum of Art en Nueva York y la Peggy Guggenheim Collection en Venecia.
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Saturnino Herrán
México 1887-1918
Estrictamente, este pintor es un puente entre el siglo XIX y el XX; nació en Aguascalientes, México en 1887, y murió muy joven en 1918, con tan sólo 31 años de edad. Se denomina que es un puente porque fue precursor del discurso estético e ideológico que permeó el arte en los años posteriores a la Revolución Mexicana. Se identifica como un pintor indigenista y fue un pintor de gran talento y técnica para plasmar escenas del México precolombino. Su forma de pintar se ha asociado varias veces a pintores españoles como Velázquez. Saturnino Herrán nació en la ciudad de Aguascalientes, el 9 de julio de 1887. Sus padres fueron José Herrán y Bolado y Josefa Guinchard Medina. Su padre fue un hombre polifacético, quien fungió como tesorero general del estado de Aguascalientes, pero al mismo tiempo era profesor de teneduría de libros en el Instituto de Ciencias de Aguasca-lientes. Asimismo, Don José se caracterizaba por ser un inventor y literato espontáneo; parte de su tiempo la invertía construyendo artilugios mecánicos, los cuales no tuvieron suficiente éxito, como lo indica Federico Mariscal. Su padre, quien también cultivó las letras, presentó su drama en tres actos El qué dirán en el Teatro Morelos, edificio que había apoyado para su construcción. Asimismo participó en la redacción de la revista mensual El Instructor, publicación científica, literaria y de agricultura, la cual fundó Jesús Díaz de León. La madre de Saturnino, Josefa Guinchard Medina, de ascendencia franco-helvética, provenía de una familia de hacendados hidrocalidos, de los cuales Miguel Guinchard llegaría a ser gobernador del estado, en el periodo de 1879 a 1881.42 En 1902 la familia Hesomos · 6 · arte
rrán se mudó a la Ciudad de México, porque José Herrán tuvo que ocupar el curul de diputado suplente en el Congreso de la Unión, además de que tenía la intención de perfeccionar un combustible artificial.. Sus primeros estudios los realizó en el Colegio de San Francisco Javier y en 1901 ingresa a la preparatoria en el Instituto de Ciencias de Aguascalientes; ahí conoce a Pedro de Alba, y reencuentra a sus amigos de la infancia, Ramón López Velarde y En-
rique Fernández Ledesma. El 18 de enero de 1903 fallece su padre, lo cual significó un duro golpe moral, pues contaba sólo con quince años de edad.87 Al quedar en el desamparo, su madre y él intentan recuperar algunas de las patentes, pero no contaban con los materiales que se habían quedado en Europa. Ingresó en la Escuela Nacional de Bellas Artes —antes Academia de San Carlos— en 1904, en el momento en que la institución había cambiado sus planes de estudio, bajo somos · 7 · arte
la dirección en las clases de dibujo y pintura impartidas por Antonio Fabrés.. Saturnino se casó con Rosario Arellano en 1914, con quien tendría a su único hijo, el químico José Francisco Herrán Arellano. Su esposa fue modelo en una de sus obras representativas, Tehuana..
La presencia femenina en ...
Fernando Carballo Nacido en Puebla, Cartago en 1941, con más de 50 años de esbozar en sus lienzos su percepción de rostros y sentimientos de los que le han rodeado, Fernando Carballo ha logrado dejar una huella marcada con su desempeño como dibujante. Denotando una marcada influencia de pintores de renombre como Guayasamín, Cuevas, Baskin y Wunderlich, el artista presenta nacional e internacionalmente al público sus obras que asoman su temperamento inquieto e indomable. Desde niño empleó las paredes de su casa como lienzos, lo que le realizaba mucho. Sus figuras humanas presentan deformaciones, escogiendo presentar figuras con dimensiones irreales en algunas partes del cuerpo. Usa lápiz, lápices de colores, tinta de imprenta diluida simulando acuarela, óleos sobre lienzos de distintas texturas para crear diferentes resultados; usa modelos, pero también su imaginación. Una imagen sobre un lienzo al que al final aplica muchas veces un fondo irreal. Obtuvo el Premio Nacional Aquileo Echeverría en dibujo y también en pintura. Incontables exposiciones y colecciones públicas y privadas en varios países. Ignacio Carballo, hijo mayor del artista, e Irene de Carballo son los representantes exclusivos de la Galería oficial del maestro Fernando Carballo, “Pueblarte”. La belleza femenina, el
amor, la libertad, el deseo, la soledad, entre otras temáticas son desarrolladas por el artista Fernando Carballo Jimenez en pinturas al óleo, dibujos, litografías, serigrafías y grabados. Por lo que con el paso del tiempo su talento, disciplina y capacidad para formar otros amantes de las artes le permitieron convertirse en uno de los exponentes más importantes de la historia de la plástica en el país. somos · 8 · arte
La presencia femenina es una vez más motivo de inspiración y creatividad de Fernando Carbaüo. Rostros, rizos, formas voluptuosas y poesía son elementos infaltables en esta nueva muestra del maestro, que hoy presenta en el Museo Dr. R.A. Calderón Guardia. Libertad, voz, movimiento y ante todo la palabra comprometida con la vida, con lo cotidiano, son medulares en la apreciación del eterno
femenino muy presente en la lírica de la región y en otras expresiones del arte. Cada una de las obras transpira el placer del artista en plasmar con su arte aquellas cosas que realmente le gustan, como lo expresa con tanto entusiasmo. Su trayectoria ha guardado el recuerdo de gente valiente, que va de frente ante la vida, mujeres. Las piezas son una visión libre de la línea, del grafismo a diferencia de la particularidad del puntillismo que ha estado tan presente en su obra anterior. En conjunto las obras son un homenaje a la creatividad femenina.
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El arte inspira nuestra imaginación ...
Oswaldo Guayasamín El período durante el cual Guayasamín recibió su formación estética fue el de mayor auge de la Escuela Indigenista, y la influencia de esta corriente en el pintor es evidente desde sus obras iniciales. En 1942 realizó su primera exposición en Quito, que causó gran escándalo por su marcado carácter de denuncia social. Poco después se trasladó a México, donde trabajó algunos meses con el gran muralista Orozco, quien ejerció una importante influencia en la definición del lenguaje estético del joven pintor ecuatoriano. En 1943 pasó siete meses en los Estados Unidos reco-
rriendo distintos museos a fin de estudiar las obras de Goya y El Greco, entre otros maestros. A comienzos de la década de 1940 trabó amistad con Pablo Neruda y realizó un largo viaje por Chile, Perú, Argentina, Bolivia y Uruguay, durante el cual tomó apuntes para su gran serie Huacayñán (“El camino del llanto”), compuesta por más de cien telas que giran en torno a la temática del indígena, el negro y el mestizo en América. La realización de este trascendental trabajo fue posible gracias al apoyo que le brindó Benjamín Carrión desde la recién creada Casa de la Cultura. Las telas que integran la serie Huacaysomos · 10 · arte
ñán fueron expuestas por primera vez en 1952, en el Museo de Arte Colonial de Quito y, a lo largo del mismo año, en la Unión Panamericana de Washington y en la III Bienal Hispanoamericana de Arte, realizada en Barcelona (España), que le concedió el Gran Premio de Pintura. Guayasamín aunó la fuerza de la temática indígena con los logros de las vanguardias de principios de siglo, especialmente el cubismo y el expresionismo, elementos que se advierten en el mural en mosaico de cristal veneciano denominado Homenaje al Hombre Americano, que realizó en 1954 para el Centro Simón
Bolívar de la ciudad de Caracas, Venezuela. En 1957 recibió el Premio Mejor Pintor de Sudamérica, concedido por la Bienal de São Paulo, Brasil. Durante 1958 realizó dos importantes murales en el Ecuador: El descubrimiento del Río Amazonas, realizado en mosaico veneciano, que se encuentra en el Palacio de Gobierno de Quito, y el mural Historia del Hombre y la Cultura, para la Facultad de Jurisprudencia de la Universidad Central del Ecuador. En 1960 recibió el Gran Premio del Salón de Honor de la II Bienal de Pintura, Escultura y Grabado de México, un galardón que significó el comienzo de su proyección internacional. Tras varios años de intenso trabajo, en 1968 presentó en el Museo de Bellas Artes de la Ciudad de México su segunda serie de envergadura, titulada
La edad de la ira y compuesta por 260 obras que se agrupan por series (Las manos, Cabezas, El rostro del hombre, Los campos de concentración, Mujeres llorando), en las que el pintor recogió diversos elementos de su experiencia vital para plasmar en una deslumbrante sucesión de telas el drama y la tragedia del hombre de nuestro tiempo. La edad de la ira ha sido considerada una de las últimas grandes realizaciones del cartel político en pintura del siglo XX y tras su exhibición en México fue presentada, a lo largo de 1973, en el Palacio de la Virreina (Barcelona), en las Galerías Nacionales de Praga y en el Museo de Arte Moderno de París. En 1971 se dedicó al monumento escultórico denominado La Patria Joven, que se encuentra en la ciudad de Guayaquil y, al año siguiente, el Museo de Arte Contemporáneo de Madrid acogió una muestra de sus últimas obras.
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PINTOR PROFUNDAMENTE NICARAGUENSE ...
Alejandro Arostegui
Alejandro Aróstegui, nació el 4 de julio de 1935 en Bluefields, Nicaragua. Introdujo como artista una visión universal con el uso de elementos no tradicionales en la pintura Nicaragüense. Fundador del Grupo, galería y revista Praxis. Reconocido por prestigiosos críticos de La-
tino América, Estados Unidos y Europa. Ha realizado exposiciones individuales en importantes museos de América y Europa. Trabaja en técnica mixta, collage y texturas sobre tela dentro del paisaje telúrico y lacustre nicaragüense. En 1940, con su familia se traslada a Managua. Cursa somos · 12 · arte
primaria y secundaria, Instituto Pedagógico de Managua, bachillerato en 1953. Estudios: Arquitectura, Universidad de Tulane, New Orleáns, EUA (1954). Pintura, Ringling School of Art, Sarasota, Florida EUA (195558). Academia San Marco, Florencia, Italia (1958-59). Ecole de Beaux Art, París,
Francia (1960-62). Regresa a Nicaragua en 1963, invitado por el Maestro Rodrigo Peñalba, presenta su primera exhibición personal, Escuela Nacional de Bellas Artes. Fundador y Director del Grupo y Galería Praxis, Managua. Reside en Nueva York durante cinco años, realizando exhibiciones personales y colectivas dentro y fuera de Estados Unidos. Ha ejercido cargos de Director Galería Praxis, Managua (1963- 1966-1972). Director de Bellas Artes, UNAN, León, Nicaragua (1972). Director Escuela Nacional de Artes Plásticas, Managua, Nicaragua (1983-84). Asesor Consejo Facultad de Humanidades, UCA, Managua, Nicaragua (1995). Asesor Consejo de Artes Plásticas Teatro Nacional Rubén Darío, Managua, Nicaragua (1997). En 1966, presenta en Washington una exhibición personal en Galería de Artes Visuales OEA D.C., invi-
tado por el crítico de arte y director de la Unión Panamericana José Gómez Sicre. Museo de Arte Moderno, México (1982). Museo de Arte Costarricense, San José, Costa Rica (1986). Museo de Arte Contemporáneo, Panamá (1987). Mu-
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seo José Luis Cuevas, México (1995). Ha presentado 20 exposiciones personales en Europa, Estados Unidos, Centro y Sud América y 54 muestras colectivas alrededor del mundo. Ha participado en bienales: invitado de honor fuera de concurso, Cuenca, Ecuador. Eco Art, Museo de Arte Moderno. Medalla de oro, Simone Bonzano, Río de Janeiro, Brasil. Invitado por Art Institute de Chicago, Illinois, EUA. Condecorado por la Presidencia con Orden Rubén Darío, en grado de Gran Cruz, 2006. Nicaragua. Nombrado ciudadano del Siglo XX por Bluefields y Nicaragua. INPASA reconoce su trayectoria artística con la elaboración de un calendario, 2005.
MODERNISMO EXTENDIDO ...
Wifredo Lam
Wifredo Lam nació el 8 de diciembre de 1902 en Sagua la Grande, Cuba. Es el octavo hijo de LamYam, nacido en Cantón hacia 1820, y emigrado hacia las Américas en 1860, y de Ana Serafina Castilla, nacida en 1862 en Cuba y descendiente mestiza de familias originarias de África y España. La naturaleza frondosa de Sagua la Grande provoca, en su infancia, un impacto notable sobre Lam. Una noche de 1907, fue profundamente impresionado por la sombra extraña de los aleteos de un murciélago proyectada sobre las paredes de su cuarto. Fue su primer choque magnífico, contara más tarde, con cierta dimensión de la existencia. En 1916, Lam y una parte de su familia se instalan en La Habana. Allí, se inscribe en la Escuela Profesional de Pintura y Escultura, Academia de San Alejandro, donde estudia hasta 1923. Es durante este período, marcado por exposiciones en el Salón de Bellas Artes, que afirma su vocación de pintor. En 1923, recibe una beca de la municipalidad de Sagua la Grande con el fin de estudiar en Europa. En el otoño del mismo año, se va a
España con apenas 21 años. Su estancia en España, que debía ser sólo una corta etapa en su camino hacia París, dura 14 años. Este período es fundamental en la formación de Lam como artista. En Madrid, entra en contacto con las ideas y los movimientos del arte moderno y frecuenta regularmente el Museo arqueológico y las salas del Prado. Estudia a los grandes maestros de la pintura española, Velázquez, Goya, y las obras de Bosch y de Bruegel el Viejo le llaman particularmente la atención. Descubre sorprendentes correlaciones entre el arte occidental y el arte dicho « primitivo » En enero y febrero de 1941, Lam ilustra el poema de Breton Fata Morgana, censurado por el gobierno de Vichy. El 25 de marzo, Lam y Helena Holzer embarcan a bordo del « Capitaine Paul-Lemerle » en compañía de otros 300 artistas e intelectuales con destino a la Martinica. André Breton y Claude Lévi-Strauss viajan también. A su llegada, los pasajeros son detenidos en las Tres-Islas. Es durante esta etapa forzada y antes de su salida para
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Cuba que Lam y Aimé Césaire se encuentran y se hacen amigos. De regreso en su país natal después de casi veinte años de ausencia, Lam profundiza sus investigaciones, vinculándolas con el mundo de su infancia y de su juventud. Su hermana Eloísa, de la cual es cercano, lo informa de manera muy precisa sobre los rituales afrocubanos, a los cuales asiste en compañía de amigos. Lam afirma su estilo con el enriquecimiento de la cultura afrocubana, y pintará más de una centena de telas, entre ellas La Jungla, haciendo del año 1942, el más productivo de este período. Realiza varias exposiciones en los Estados Unidos los años siguientes, en el Institute of Modern Art de Boston, en el MoMA de Nueva York y en la Galería Pierre Matisse, donde La Jungla es presentada por primera vez y hace escándalo . En 1946, Lam y Helena permanecen en Haití y asisten a ceremonias vudús en compañía de Pierre Mabille y André Breton. A propósito de su experiencia haitiana, Lam dirá: « La gente cree sin razón que mi obra tomó su forma definitiva en Haití. Mi estancia allá la extendió solamente, como el viaje que hice en Venezuela, en Colombia y en el Mato Grosso brasileño. Habría podido ser un buen pintor de la Escuela de París, pero me sentía como un caracol fuera de su concha. Lo que verdaderamente extendió mi pintura, fue la presencia de la poesía africana. » A partir de 1947, el estilo de Lam evoluciona. La influencia del arte de Oceanía se combina a la del arte africano y la presencia de elementos esotéricos se hace más dominante. Su trabajo logra una amplitud internacional, con publicaciones en revistas prestigiosas tales como VVV, Instead, ArtNews y View, así como con exposiciones en los Estados Unidos, Haití, Cuba, Francia, Suecia, Inglaterra, México, Moscú y Praga. Durante los años sesenta, la obra de Lam refleja un interés creciente por el grabado. Colaborando con poetas y escritores, realiza varios portafolios de grandes formatos, impresos y publicados en los
talleres de grabado de Broder, Mathieu y Upiglio, entre los cuales: La tierra inquieta de Édouard Glissant (1955), El viaje del árbol de Hubert Juin (1960), La muralla de ramitas de René Char (1963), Apostroph’ Apocalypse de Gherasim Luca (1965), La Antecámara de la Naturaleza de Alain Jouffroy (1966), Anunciación d’ Aimé Césaire (1969). Su encuentro con el maestro grabador Giorgio Upiglio, en el taller Grafica Uno en Milano, inicia un período de intensa creatividad que se extenderá hasta la muerte de Lam en 1982.
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FERNANDO BOTERO PINTOR DE VANGUARDIA ... Fernando Botero es un artista plástico colombiano que goza de altísimo reconocimiento internacional. Suele ser conocido como “el pintor de las gordas”, pero lejos de lo que cree la mayoría, Botero no tiene interés en representar “la gordura”. En cambio, sí lo tiene en desarrollar hasta las últimas consecuencias el valor plástico del volumen, punto principal de su propuesta. Si bien hoy en día ha pasado a ser considerado como pintor de vanguardia, en sus inicios su estilo figurativo fue causa de rechazo. Eso se explica en que hacia mitad del siglo XX el mundo artístico estuvo movido por el arte conceptual. Algunos han clasficado su estilo como naif, otros como neo-figurativismo e, incluso, como realismo mágico. En todo caso, para Botero, el volumen será revisado, estudiado y desarrollado en cualquier aspecto a representar, sea que se trate de un cuerpo humano, un animal o un objeto. Por ello su obra no tiene limitaciones temáticas y abarca toda clase de géneros. Su estilo figurativo hasta tiene nombre oficial: el «boterismo». Tanto en pintura como en escultura, realiza figuras más robustas y somos · 16 · arte
gruesas de lo habitual, es decir, gordos. Botero es hoy uno de los artistas más cotizados de la actualidad y sin duda el pintor colombiano de mayor resonancia internacional. Es palpable en su particularísima obra una cierta influencia del muralismo mexicano propia de Diego Rivera, pero puestos a indagar en sus conexiones, podemos tender cables con el monumentalismo de Paolo Ucello o Piero de la Francesca. Y por supuesto, las referencias al primitivismo naíf de Rousseau son evidentes. Temáticamente, al colombiano parece gustarle lo grotesco, por sus recurrentes imágenes deformadas, pero su obra supura un de un humor que se puede interpretar como una crítica sarcástica a la sociedad actual, llena de monstruos sobrealimentados realizando todo tipo de acciones ridículas. Sus desmesurados personajes ocupan todo el lienzo en ocasiones, no dejando espacio para nadie más. Son caricaturas, retratos de la feal-
dad, pero no es una fealdad moral, sino exterior y estética. Tampoco está ausente la crítica política en su obra, no sólo colombiana sino también internacional. Son habituales escenas de terrible actualidad como torturas, masacres, guerras, pero siempre vistas a través del filtro del boterismo. Ya sea Jesucristo, un dictador un obispo o el propio pintor, sus retratos siempre tienen un
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tratamiento exagerado en sus proporciones. Se podría decir que Botero pinta un realismo mágico. El suyo es un mundo conocido y recordado, pero en él suceden cosas maravillosas. A saber porqué freudiano motivo pinta a la gente con varias tallas de más. A lo largo de su carrera, aparecieron también escenas de crítica social, muy especialmente referidas a las tensiones latinoamericanas, y la tauromaquia, convertida en una auténtica línea de representación. Las creaciones artísticas de Fernando Botero llevan impresa una irreverente interpretación de la corriente figurativa, denominada boterismo, donde el volumen se convierte en el protagonista absoluto de sus creaciones. A día de hoy, su estilo singular le ha convertido en uno de los artistas contemporáneos más admirados y reconocidos de la esfera artística internacional.
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