MiraBA 160

Revista MiráBA Nº 160 noviembre 2022. Revista ¨MiráBA¨ es una publicación mensual de interés general. Director: Ángel Luís Díaz. e-mail: diazal@revistamiraba.com.ar Propietario: Angel Luís Díaz. Ciudad Autónoma de Buenos Aires. República Argentina. Versión digital Registro DNDA 5344536. ISSN 2344-9446 Los artículos firmados y las opiniones de los entrevistados

reflejan necesariamente la opinión de la editorial y/o dirección. El contenido de los avisos publicitarios

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o escrito publicado originalmente en “Revista MiráBA”

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La tiktokera de la colectividad judía, Yamila Silberman, llega con «Monólogos de la Peluca»

14 de noviembre en Sala Picasso, Paseo la Plaza Larga, corta, ondulada, lacia, recta o con capas, rubia, castaña, morocha o colorada. Al igual que eligieron sus pelucas, Yamila Silberman, Jana Morend y Deborah Blanca eligieron su camino, su judaísmo, directa o indirectamente, a sabiendas o inconscientemente, hasta llegar al lugar que están paradas hoy. El 14 de noviembre llega «Monólogos de la Peluca» a la Sala Picasso de Paseo La Plaza para contar, desde el humor, tres historias de vida que pasaron por varios cambios de pelo.

Yamila Silberman

Shluja del Rebe de Lubavitch en Isej, Instituto superior de estudios judaicos, desde hace 11 años. Oradoras motivacional y Autora del libro «¿Muy ortodoxa? Un camino judío a una vida más feliz». Se formó como Coach ontológico profesional y Coach vocacional. Se especializó en Biodecodificación, herramientas creativas e inteligencia emocional. Practitioner en PNL, moderadora de círculos de mujeres y Points Of You. Da conferencias y talleres, shiurim para mujeres y madrijá kalot (cursos para futuras novias). Junto a su marido Jonatan

Silberman, son influencers en Tik Tok con una comunidad de más de 40.000 seguidores y sus videos sobrepasan las 10.000 visualizaciones.

Reservá hoy tu ticket en las redes sociales de las protagonistas.

Importante: Espectáculo únicamente para mujeres. Valor de Entrada: $2500

TikTok: https://www.tiktok.com/@itsorthodoxtime

Reserva tu entrada en https://bit.ly/monologosdelapeluca

“Tu productora”

En el marco del mes de concientización sobre el Síndrome de Down, la compañía de arte inclusivo Las Ilusiones, lanza su agencia de representación de talentos con discapacidad intelectual para que puedan tener un lugar en la industria del entretenimiento y favorecer la búsqueda de estos perfiles a productoras y castineras.

El objetivo es abrir un nuevo espacio profesional e inclusivo que promueva la inserción laboral, el acceso y el intercambio con productoras y castineras.

El proyecto llamado “Tu productora”, se inició el año pasado y contó con el apoyo de Disney y el auspicio de ASDRA (Asociación Síndrome de Down Argentina). A partir de allí, se desarrolló una plataforma de

búsqueda de perfiles artísticos de intérpretes con discapacidad intelectual para abrirles camino dentro del mundo del cine, la televisión y la publicidad.

Actualmente la sección de talentos se encuentra dentro de la página web de Las Ilusiones y se puede acceder de manera directa a través del link https://lasilusiones.com.ar/tuproductora. html

Cinthia Ávila, Directora de la agencia, dijo: “Estamos convencidos que es una propuesta innovadora y profesional que aporta una gran oportunidad para fomentar el trabajo de los artistas con discapacidad y visibilizar otros perfiles que se ven con poca presencia en los medios y que son indispensables para construir una sociedad con mayor cons-

ciencia inclusiva”.

“Sin dudas, la agencia es un gran desafío para nuestra comunidad porque nos instala en otro tipo de campo laboral, en el audiovisual. Es una gran oportunidad para los artistas con discapacidad intelectual porque este mundo genera una mejor remuneración económica haciendo que accedan a una retribución digna, y sobre todo porque nos da la posibilidad de ir ocupando espacios. Impulsar una agencia de representación de artistas con discapacidad intelectual habla de un gran avance en la sociedad”, afirmó Juan Ignacio Acosta, Director de la agencia.

Jimena Romero Prensa www.lasilusiones.com.ar

Nueva agencia de representación de artistas con discapacidad intelectual. Es la primera en el país.

NOTICIAS

Descubrí las nuevas tendencias en Casa FOA Retiro 2022

Desde el 14 de octubre al 20 de noviembre bajo el concepto “Escenarios futuros” en el Pensionado y Casa Parroquial Madre Admirable y el Museo Fernández Blanco (Palacio Noel).

5.390 metros cuadrados de recorrido, 35 espacios intervenidos y más de 50 profesionales y estudios protagonizan esta edición que tendrá lugar en una tradicional esquina de Retiro

La exposición además se suma por primera vez a La Noche de los Museos

Fiel a su espíritu, Casa FOA abre las puertas no solo de la exposición, sino también de un

antiguo edificio de un gran valor patrimonial en el barrio de Retiro: el Pensionado y Casa Parroquial Madre Admirable ubicada en Suipacha 1410, esquina Arroyo, CABA. La exposición entrega la posibilidad de sumergirse en un espacio histórico reinterpretado por destacados diseñadores, arquitectos y paisajistas.

Además, por primera vez en su historia, estará conectada a un museo, sumando así un atractivo especial para los visitantes. Se trata del Museo de Arte Hispanoamericano Isaac Fernández Blanco, en la sede Palacio Noel que alberga las colecciones de Arte Virreinal

Americano del siglo XVI, XVII, XVIII, el cual también será intervenido por la exposición en 5 espacios. En este caso se trata de un edificio neocolonial hispa- noamericano.

La 38ava. de Casa FOA puede visitarse desde el 14 de octubre y hasta el 20 de noviembre de 2022 todos los días de 12 a 20 horas. Tiene 35 espacios distribuidos en tres plantas. Los amantes del diseño, el interiorismo y la arquitectura podrán ir descubriendo, a medida que avanzan en su recorrido, propuestas con una mirada puesta en el futuro. Una cava reversionada, unidades flexibles que se configuran

según la necesidad, espacios de coworking con nuevas propuestas, dormitorios con rincones destinados especialmente para momentos de relax, baños que se transforman en spas y, mucho más.

Las empresas sponsor, por su lado, presentarán novedades, lanzamientos y nuevas formas de aplicar sus productos de la mano de destacados talentos. Entre las marcas que acompañan esta edición se encuentran: Alba Pinturas, Roca, Canteras, Patagonia Flooring, Faplac, Nissan, Ternium, Tecnoperfiles, Vite, Silestone, Johnson Acero, Rielamericano, Rosen, Dekton, Atrim, Control4, Pampa Living, Longvie, Knauf, World Led Go, Al Click, Rio Uruguay Seguros,

ENAS y PIX Desarrollos Inmobiliarios. Asimismo, Casa FOA Retiro cuenta con el apoyo del

Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires.

La entrada puede adquirirse online en www.casafoa.com o en boletería con un valor de $1800. Además, habrá 20% de descuento para estudiantes (presentando DNI y certificado), jubilados (carnet y DNI) y clientes RUS (presentando credencial) de lunes a viernes, e ingreso gratuito para personas con discapacidad (Acreditar certificado único de discapacidad) y menores de 15 años. También con Club La Nación 2x1 de lunes a jueves, y 20% de descuento de viernes a domingos.

@casafoa www.casafoa.com FAUNA 2022

LLEGA LA 11° EDICIÓN DE CARTÓN

FESTIVAL INTERNACIONAL DE CORTOS DE ANIMACIÓN

06 al 12 de Noviembre

El domingo 6 de noviembre comenzará la onceava edición de Cartón. Festival Internacional de Cortos de animación. En esta oportunidad Cartón festeja la vuelta a la presencialidad en su tradicional sede de Almagro ubicada en La Tribu Mostra Bar, y suma la posibilidad de ver online su programación a través de la plataforma Octubre TV para todo el país. Además, contará con otras dos sedes: el Centro Cultural de la Ciencia, en Palermo, y el Instituto Municipal de Arte Cinematográfico (IDAC), en Avellaneda.

La convocatoria de esta edición recibió films de 108 países y cuenta con una selección oficial de 190 cortometrajes, 132 de los cuales se organizan en seis competencias: Narrativo, Microcortos, Experimental, Videoclips, Series, Estudiantes de cine/Animación. Esta edición Cartón busca potenciar la exhibición de cine argentino por lo que cuenta con 117 producciones de origen

nacional.

La función de apertura será el 6 de noviembre en el Centro Cultural de la Ciencia e incluirá la proyección del cortometraje recuperado Entre pitos y flautas (1941), de Quirino Cristiani, presentado por Raúl Manrupe, Héctor Cristiani, Juan Pablo Zaramella, Laura Gómez Gauna y Alejandra Portela. A través de esta proyección Cartón busca hacer dialogar al cine de animación contemporáneo con el cine de los pioneros. Además, esa misma noche también se proyectarán los cortometrajes argentinos ganadores de la edición 2021: Te extraño (Geraldine Ratcliffe, 2’); Mr. Fear (Pablo Roldán, 4’); El Deshielo (Lucía López, Florencia Usuki, 3’); El Buitre (Santiago Colombo Migliorero, 3’); Me Quedo en Casa (Marcela Ruidiaz, Esteban Caggino, 1’); y Después del Eclipse (Bea Blankenhorst, 12’).

El miércoles 9 de noviembre,

acompañando el Día de la animación argentina, todas las actividades de Cartón se trasladarán a la sede del IDAC. En la escuela de animación habrá, desde las 17hs, proyecciones, charlas y la presentación de un videojuego.

Este año, Cartón presentará ocho secciones competitivas: Competencia oficial de Cortometrajes Narrativos Argentinos; Competencia oficial de Cortometrajes Narrativos Internacionales; Competencia oficial de Microcortos Argentinos; Competencia oficial de Microcortos Internacionales; Competencia oficial Videoarte / Experimental; Competencia oficial Videoclip; Competencia oficial Series; y Competencia oficial Escuelas/Estudiantes. Además, la selección oficial contará con un panorama nacional no competitivo y otro de talleres de formación de niñxs y adolescentes.

SEDES FÍSICAS Y VIRTUALES

LA TRIBU Mostra Bar Lambaré 873, CABA Centro Cultural de la Ciencia Godoy Cruz 2270, CABA IDAC- Edificio Municipal Leonardo Favio 12 de Octubre 463, Avellaneda, Pcia. Bs. As. Octubre TV (https://octubretv.com/)

Más info en página 244

Rojas 2022 / noviembre-diciembre ARTES VISUALES

Materia Sensible

Nueva exposición con cuatro escultores que tallan imaginativamente la madera, en las nuevas salas del Rojas

Materia Sensible Pablo Fracchia - Cristián Varela - Sergio Quattrochi – Marcelo Frankrajch.

Coordinadora artística: Claudia Nayar

Inauguración: jueves 3 de noviembre a las 19h

Abierta al público: desde el 3 de noviembre al 20 de diciembre

Centro Cultural Rojas | UBA Av. Corrientes 2038/2040 Lunes a sábados de 10 a 20 Entrada gratuita

“Materia Sensible” es una muestra que reúne a cuatro escultores. Singularidades que con/fluyen en un punto en común, la talla en Madera. Materia, devenida en su etimología Madera, adquiere forma sensible en cada uno de ellos. Un afecto en común los vincula: pasión por la Madera. Pasión que se talla y se expresa en

cada obra. Resonancia artística que multiplica el arte de Varela, Fracchia, Quattrochi y Frankrajch.

La sensibilidad de la naturaleza y de cada escultor convierte a la Madera en Arte.

La Materia/Madera es un movimiento deseante que se expresa a través de las manos y el cuerpo de cada escultor. Devenir creativo que se erige en cada escultura.

La muestra exhibe heterogeneidades. Una riqueza de formas que se encuentran en la diferencia. Inter/juego de tensiones y contrapuntos. La madera es el hilo conductor que los vincula a través de una búsqueda incesante de nuevos sentidos y afectaciones. Líneas, planos, intersecciones, concavidades dialogan entre sí. Se con/forma, entonces, una obra/muestra abierta a la mirada sensible de

cada espectador.

Se distinguen obras curvas de otras rectilíneas (Varela). O bien que pueden combinarse y aún contrastarse, componiendo en una misma obra superficies curvadas con “planos neutros, arquitectónicos” (Fracchia). Por otro lado, y al mismo tiempo, tal como lo expresan los mismos expositores, se trata de líneas anímicas, de afecciones, donde la forma geométrica, fría, hace contrapunto con la calidez de la madera (Quattrochi). La invención y el tallado de una geometría singular y deseante, se plasma en líneas de fuga, sinuosas, onduladas que se convierten en obras artísticas y modernas que habitan, en incesante movimiento, el espacio que las contiene (Frankrajch).

“Materia sensible “expone la potencia creativa de cuatro artistas.

NOTICIAS

Conciertos en Avellaneda y CABA de La Orquesta de Cámara del Plata

La Orquesta de Cámara del Plata, que dirige Pablo Banchi, aborda piezas del Barroco italiano con instrumentos que replican a los de la época.

Con el fin de difundir el repertorio orquestal de cámara del Barroco y del Clasicismo, destacados instrumentistas dedicados al estudio e interpretación de estos períodos se reunieron con la conducción del director Pablo Banchi.

de noviembre, integrados por piezas barrocas de autores italianos que adquirieron un notable relieve.

El primer encuentro se desarrollará el sábado 5 de noviembre a las 20 en la parroquia Olivos de la Congregación Evangélica Alemana en Buenos Aires (Avellaneda 1541, Florida).

tea Musso.

El Barroco musical en Italia

Sábado 5 de noviembre, 20:00 hs.

Parroquia Olivos de la Congregación Evangélica Alemana en Buenos Aires. (Avellaneda 1541, Florida)

Al ensamble constituido por un conjunto de instrumentos que replican a los antiguos de cuerda, órgano, clave y archilaúd, se suman otros de acuerdo con el programa específico.

En esta oportunidad, la Orquesta de Cámara del Plata brindará dos conciertos durante el primer fin de semana

Al día siguiente, el domingo 6 de noviembre a las 18, será el segundo concierto en la Primera Iglesia de Cristo Científico (Ayacucho 349, CABA)

Conservando la estética y los modos de ejecución, se programan piezas instrumentales de Tomasso Albinoni, Antonio Vivaldi y Arcangelo Corelli. Mientras que el Salve Regina en Fa mayor de Nicola Porpora cuenta con la participación de la mezzosoprano italiana Mat-

Domingo 6 de noviembre, 18:00 hs.

Primera Iglesia de Cristo Científico (Ayacucho 349, CABA)

Entrada: bono contribución $1.200

Sobre el repertorio

La elocuencia que revistió a la pintura de Caravaggio y a las esculturas de Bernini, la magnificencia dinámica de la arquitectura y la teatralidad que

impregnaba a la ópera, confluyen en el arte sonoro contemporáneo gestando un discurso que se apodera del oyente manteniéndolo atento y dócil.

Una amplia paleta colorística recorre las obras, mostrando contrastes y afectos, al tiempo que un dinamismo ensambla al conjunto en un fluido diálogo concertado. La interacción entre los instrumentos fundamentales del continuo con los ornamentales construye una imagen sonora rica en descripciones y profunda en su emotividad.

y compartir la humanidad con aquellos que testimoniaron en la historia el valor imperecedero del arte.

Programación

Tomasso Albinoni (1671-1751) Sinfonía in Sol maggiore Antonio Vivaldi (1678-1741)

Concerto in Re maggiore RV 121

Nicola Porpora (1668-1768) Salve Regina in Fa maggiore per Alto, archi e basso continuo.

Mezzosoprano, Mattea Musso Arcangelo Corelli (1653-1713)

Guillermo Scarabino y Carlos Vieu.

Desarrolla una intensa actividad pedagógica dedicada al repertorio coral y formación de directores en instituciones como la Universidad Nacional de las Artes, Universidad Nacional de Rosario y el Conservatorio Superior de música “Manuel de Falla”. Es Prof. fundador de la carrera de Dirección Coral en el conservatorio «Isaías Orbe» de Tandil, donde se desempeñó entre 2002 y 2018.

La lírica conducción melódica y la invención de los motivos musicales concisos son dos rasgos de la gestualidad del Barroco italiano que tienen un lugar de privilegio entre las obras que conforman este programa, sin eclipsar la severidad contrapuntística que caracteriza a las fugas y el juego de tensión y reposo de la armonía.

El virtuosismo instrumental convive con la elegancia y la delicadeza, despertando afectos que mueven al oyente desde el intimismo contemplativo a la vivencia gozosa del espíritu optimista. Las pasiones del alma son todas convocadas por una seductora escritura musical retórica que no ceja en su capacidad de persuasión, enseñando, deleitando y conmoviendo.

Concerto grosso in Re maggiore Op. VI No. 4 Concertino*

ORQUESTA DE CÁMARA DEL PLATA

Violines I: Cecilia Carnero * (concertino), Marcela Olivieri, Bárbara Escalada Portillo, Tamara Bolla

Violines II: Cecilia Luna*, Valentina Guirigay, Sergio Morales

Violas: Raquel Giuliani, Julia Proserpio Cellos: Ignacio Caamaño , Paula Leiva*, Martina Zolezzi. Contrabajo: Julieta Vida Tiorba: Sebastián Strauchler

Clave/órgano: Andrés Arzaguet Dirección musical: Pablo Banchi

Representante artística: María José Olivares

Desde 1989 ha creado y dirigido diversos conjuntos orientados a la música vocal de cámara. Dirige el ensamble coral – orquestal «Buenos Ayres Consort» y el «Conjunto Música Prohibita«.

Desde 2003, se desempeña en la programación y dirección musical en organismos artísticos del Ministerio de Cultura de la Nación. Director preparador del Coro Nacional de Jóvenes ha sido invitado para dirigir el Coro Polifónico Nacional y el Coro Nacional de Niños.

La “Primavera” de Vivaldi impulsa nuestro ánimo para florecer en este emprendimiento, que obsequia al oyente la oportunidad de vivenciar, presenciar

PABLO BANCHI

Se formó como Director de Coro y Orquesta con los Mtros. Antonio Russo, Néstor Andrenacci,

Al iniciarse el año 2022 convoca bajo su dirección a experimentados instrumentistas dedicados a la interpretación de la música antigua y funda la Orquesta de Cámara del Plata con el propósito de difundir el repertorio camarístico orquestal del período barroco y clásico.

Contacto musicaclasicaba@gmail.com gabilevite@homail.com

Vuelve el FAUNA

Nos volvemos a encontrar en un festival cada vez más inclusivo y federal

Vuelve el FAUNA, el Festival Artístico de la Universidad Nacional de las Artes, del 10 al 13 de noviembre en la Ciudad de Buenos Aires, con entrada gratuita. El FAUNA es un evento bienal en el que se cruzan los lenguajes, expresiones y prácticas artísticas de todas las disciplinas que se desarrollan en la UNA.

Luego de dos años de pausa por la pandemia, el FAUNA vuelve en su cuarta edición para acercar al público lo mejor de las producciones artísticas de estudiantes y graduadas/os de la UNA, con una programación extensa, inclusiva y cada vez más federal.

Durante cuatro días consecutivos, entre las 15 y las 21 h, el público podrá recorrer a pie un circuito enlazado por tres sedes, el Centro Cultural Borges, el teatro Payró y el Consejo Federal de Inversiones, además de un escenario al aire libre y actividades en espacios abiertos, para asistir a las más de 200 obras que componen el programa en su edición 2022.

“El FAUNA nació de la necesidad de demostrar que el arte crea nuevos mundos posibles y nuevas formas de expresarse a partir de esos nuevos mundos. A su vez, nos permitió comprobar el

altísimo nivel de producción que tiene la UNA, sus estudiantes y sus graduadas/os. Un nivel que muchos conocíamos pero que muchos otros no”, dice la profesora Sandra Torlucci, rectora de la UNA.

Con más de 400 artistas y 193 obras seleccionadas sobre un total de casi 1.000 aplicaciones en 17 áreas artísticas, el público podrá sumergirse y recorrer, en una distancia de dos cuadras, un programa en el que las artes traspasan sus propias fronteras.

El FAUNA es un evento extraordinario en su tipo, ya que es el único festival universitario del país integrado por todas las disciplinas artísticas. Las áreas que lo componen son: Obra bidimensional, Obra tridimensio-

nal, Instalación, Obra tecnopoética, Performance, Teatro, Danza, Danzas populares, Música académica, Música popular, Audiovisual de ficción, Audiovisual documental, Audiovisual experimental, Texto narrativo breve, Dramaturgia breve, Poesía y Ensayo. De este modo, las y los espectadores vivirán una experiencia inolvidable al poder recorrer, a solo metros de distancia, la variedad y cantidad de obras y conciertos que se ofrecerán en continuado en cada una de las sedes y en la calle.

Además de las obras de estudiantes y graduadas/os, seleccionadas por un comité compuesto por 48 artistas y docentes divididos por áreas, se podrán ver producciones artís-

ticas de las compañías, grupos y ensambles de los Departamentos de Artes del Movimiento, Artes Musicales y Sonoras y Folklore; obras realizadas por estudiantes del Programa UPAMI y la presentación de la cátedra de Danza Integradora, dedicada a la creación artística inclusiva para personas con discapacidad.

“No se puede ver todo, pero casi. Si programás bien tu visita del día podés hacer un paseo por las distintas disciplinas e interdisciplinas que habrá en cada lugar y también disfrutar de los shows y performances en vivo”, finaliza la rectora de la UNA, Sandra Torlucci.

El objetivo del FAUNA es promover un espacio de encuentro e intercambio entre estudiantes, graduadas/os, críticas/os, curadoras/es, docentes, Nodocentes y el público en general, en función de favorecer una mayor integración interdepartamental entre los miembros de la comunidad de la UNA y con las vecinas y vecinos de la Ciudad.

Otro punto fuerte de la edición 2022 será la presencia de universidades nacionales invitadas que participarán de la programación con obras y conciertos de producción propia. Entre ellas se encuentran la Universidad Nacional de Avellaneda, Universidad Nacional de Lanús, Universidad Nacional de Tres de Febrero, Universidad Nacional de Hurlingham, Universidad Nacional de La Matanza, Univer-

sidad Nacional de San Martín y Universidad Nacional de General Sarmiento.

artístico-cultural.

Una actividad destacada es Memorias y Relatos de Malvinas, la cual contará con la participación de docentes y graduados de la UNA ex combatientes y reservistas, en memoria a los 40 años de la guerra de Malvinas.

En el 8vo aniversario de la UNA, el FAUNA se convierte en una fiesta de celebración colectiva en la que compartimos con la sociedad la potencia, creatividad, innovación y compromiso de las/os estudiantes y graduadas/os de la universidad, nuestros artistas de hoy y del futuro.

Cargada de novedades, esta 4ta edición del FAUNA tendrá el Área educativa, un espacio de talleres abiertos a la comunidad sobre mediación cultural, diseño de proyectos y herramientas de comunicación para artistas. También habrá un encuentro con representantes de las universidades nacionales de la región metropolitana para pensar las relaciones entre las universidades y la producción

Encontrá toda la programación en https://fauna.una.edu.ar/ Nuestras redes: IG @una.oficial FB @UNAObraColectiva

Prensa Fauna22 prensafauna22@gmail.com>

VIDEO

FAUNA 2022 | Volvemos a encontrarnos

WEILL

El amor y la otra piel

De Carlos Vittorello Dirección : Miguel Sorrentino

"Todo parecido con la realidad, no es más que una buena copia de ella. Disfrazo mentiras y maquillo verdades que, juntas, se parecen a hechos legítimos" Carlos Vittorello.

SINOPSIS

La pieza desarrolla la visión que tiene sobre el gran compositor musical Kurt Weill, quien fuese su amante y compañera a lo largo de su vida : Lotte Lenya quien además completó con su voz, las composiciones que creaba para las palabras escritas por Bertolt Brecht.

Lotte Lenya, revive aquellos años entrelazando sus experiencias con las realidades de un tiempo sombrío, cuyos días se deslizaban sobre las brasas candentes de la guerra que, en su andar, sólo dejaba muerte.

El espectáculo muestra a una mujer que se atrevió a vivir y sobrevivir amando con el corazón y la piel. Intenta dar registro de una mujer muy particular que comía y bebía para después, con su voz, denunciar a gritos el hambre y la sed. Reía y lloraba con las palabras de Brecht y la música de Weill. Y, más allá de su vida como artista, en su coti-

diano vivir, desnuda los laberintos que puede dibujar el amor en tiempos de desesperanza.

Ficha técnico-artística :

Autoría : Carlos Vittorello Actriz y cantante: Mercedes Olivera

Piano y composición musical: Estela Ojeda

(dir. Julián Marcove); “Coronado de Gloria” y “Franz & Albert” (dir. Daniel Marcove); “Thalatta” (dir. Analía Fedra García); “Dos Casas, farsa pirandelliana al final feliz” (dir. Antonio Bax); “Mateo”, “Sangra, Nuevas Babilonias”, “Stéfano”, “Medico Loco”, “Un Impostor, revista para Baño” y “Ajena”(dir. Guillermo Cacace) y “La lección de anatomía” (dir. Carlos Mathus), entre otras. Participó en el largometraje “Dolores” (dir. Juan Dickinson), y en numerosas producciones audiovisuales

tanto en cine como en televisión. En 2016 obtiene el Premio Operas Primas del Rojas, donde realiza el espectáculo Orfeo Mezzosoprano. Algunos de los espectáculos en los que participó obtuvieron diferentes reconocimientos en los Premios ACE, Trinidad Guevara, María Guerrero, Florencio Sánchez, Teatro del Mundo, Teatro XXI, Luisa Vehil y ATINA. En el área pedagógica se desempeña como Docente de Actuación en la UNA.

Artes. Fue discípula de Elisabeth Canis y de Marta Blanco en técnica vocal. Estudió también con Ana María Osorio, Mónica Philibert y Ana Sirulnik. Fueron sus maestros de repertorio Marina Ruiz, Guillermo Opitz y Rozita Zozulia´ Como estudiante, fue becada por la Agencia Española de Cooperación Internacional para asistir al curso de verano a cargo del reconocido tenor Alfredo Kraus, (Escuela Superior de Música Reina Sofía en Santander, España).

Como actriz y cantante protagoniza actualmente el unipersonal musical “Kurt Weill, El amor y la otra piel” de Carlos Vittorello (dir. Miguel Sorrentino) y forma parte de la producción de “La anémona y el jabalí” de Monica Maffía,(dir. Mónica Maffia) obra estrenada en el Teatro Solís de Montevideo (julio 2022) y hoy en cartel en Buenos Aires.

MERCEDES OLIVERA: Profesora Superior de Canto y Licenciada en Artes Musicales, egresada del Departamento de Artes Musicales y Sonoras de la Universidad Nacional de las

Se formó como actriz con los Maestros Julio Chávez, Luz Palazón, María Vaner y Gabriela Daniel. Participó de talleres con Ricardo Bartis, Maby Salerno y Cristina Osses.

Protagonizó “Piedra, papel o tijera”, un Music Hall diferente sobre las canciones de Weill. (dir. Laura Gutman) y “El marino músico y otras historias cantadas.” Espectáculo infantil (dir. Laura Gutman)

Interpretó el rol de Olivia en “Noche de Epifanía” de u

Desde 2014 integra un dúo con la pianista y compositora Estela Ojeda con quien protagoniza actualmente “Kurt Weill. El amor y la otra piel” de Carlos Vittorello bajo la dirección de Miguel Sorrentino (Tadrón Teatro) Juntas han presentado variados espectáculos en distintas salas de la ciudad de Buenos Aires (Salón de honor del CCK, Teatro 25 de Mayo, Museo Isaac Fernández Blanco, La Botica del ángel, etc), entre ellos

pianista Guadalupe Mroue el concierto “The Gospel Train”, basado en los Negro Spirituals afroamericanos en diversos arreglos. Ópera

Junto a la agrupación LiricaLadoB participó en el estreno mundial de la ópera “La Festa del Villaggio” del compositor valenciano Vicente Martín y Soler interpretando el rol protagónico de Laura.

En diversas oportunidades interpretó los siguientes roles operísticos:

noche de verano” de H. Purcell . y en la producción de diversos conciertos sinfónico-corales.

Así mismo, abarca con solvencia un amplio repertorio dentro de la música de cámara francesa, alemana e inglesa.

“¿Amor? Un sueño una locura...”, basado en las canciones alemanas, francesas y norteamericanas del compositor alemán Kurt Weill.

“Las estaciones de la vida”, un recorrido a través de las etapas de la vida humana de la mano de las canciones de compositores clásicos.

“Erase una vez en Italia”, Arias antiguas italianas y La regata veneciana de G. Rossini.

Gretel de “Hansel y Gretel” de E. Humperdinck, Susanna de “Las Bodas de Fígaro” de W. A. Mozart, Clarina de “La cambiale di matrimonio” de G. Rossini., Euridice de “Orfeo y Euridice”de C.W. Gluck.

ESTELA F. OJEDA: Compositora y pianista. Egresó del Conservatorio Nacional Superior de Música con los títulos de Profesora Nacional de Música y Profesora Nacional de Composición (medalla de oro 1981). Ha sido galardonada como compositora con los premios Ricordi a su Cuarteto de cuerdas (1975), premio Luis Gianneo a su cantata "El hálito viviente" (1979, siendo estudiante), premio Trinac 1988 a su Ciclo para coro de niños y Trinac 1996 a su espectáculo musical "Les voy a contar". Como integrante de la asociación Compositores Unidos (C.U.D.A.) estrenó y difundió sus obras en las principales salas del país. Asumió la secretaría de esa entidad entre los años 1994

“Oh là là… La France” Canciones francesas de Hahn, Saint Saens, Satie, Poulenc y otros.

“Gala Kurt Weill” La vida y las canciones de Weill

“Ronda de estrellas” Canciones francesas, argentinas y norteamericanas de los Locos años 20 hasta la década de 1950

Cesca de “Gianni Schicchi” de G.Puccini , Bastiana de “Bastian y Bastiana” de W. A. Mozart,

Aminto de “Il re pastore”(versión de concierto) de W. A. Mozart,

Papagena y 2da Dama de “La flauta mágica” de W.A. Mozart.

Durante 2018 presentó, junto a la

Intervino también como solista en la óperas “Suor Angelica” de G. Puccini y “Sueño de una

William Shakespeare, en versión adaptada por Elena Gowland (dir.Laura Gutman)

y 1997. Es autora de la ópera para niños "Buscando a TinkeTinke" con texto de Elsa Bornemann, estrenada en el hall del Teatro Municipal San Martín en 1995, protagonizada por la soprano Graciela Odonne. Como pianista y preparadora musical, realizó estudios particulares de Morfología operística y Repertorio con Irma Urteaga y Catalina Hadis, repertorio italiano con Aquiles Parise y español con Sofía de Rey.

CARLOS VITTORELLO:

Dramaturgo. Tomó clases de Interpretación y análisis de textos con María Rosa Gallo y con quien luego fuese su colaboradora; María Esther Fernández. Estos cursos se extienden durante los años 1963, 1964 y 1965. Como actor realizó bajo la Dirección de Mario Rolla, integrando el elenco de “BECKETT” de Jean Anouilh en el Teatro Municipal General San Martín. Colaboró en varias producciones teatrales. Participó en las reuniones de trabajo experimentales que se realizaban en el teatro “La Campana” (que hoy ha retomado su antiguo y verdadero nombre de “Teatro del Pueblo”) junto a quienes integraban y hoy integran al grupo SOMI. En 1990 formó parte del jurado para la selección de los grupos teatrales que participarán en los festejos del Centenario del Teatro Independiente, en calidad de Dramaturgo.

Laura Mathieu Prensa y difusión kassyarte.producciones@gmail .com

Kurt Weill

El amor y la otra piel de Carlos Vittorello

Por María Inés Grimoldi Jurado en Premios Teatro del Mundo www.inesgrimolditeatro.com

El 20 de octubre de 2022 se repuso en el Teatro El Tadrón esta pieza de Carlos Vittorello con Mercedes Olivera en actuación y voz, Estela Ojeda en piano, dirección de Miguel Sorrentino.

tar de sobrevivir, sus distintos amores y entre ellos su amado Kurt al que acompaña hasta su muerte.

La actriz Mercedes Olivera muestra gran destreza en la actuación y en el canto. Interpreta canciones de K. W. en diferentes idiomas, alemán, francés e inglés.

Es una obra exquisita que reúne teatro y música ubicándonos y recreando la Europa de antes, durante y después de la guerra haciendo mención también al holocausto.

¿Qué decir de Kurt Weill uno de los más grandes compositores de la primera mitad del siglo XX? Nace en Alemania en 1900 y muere en Nueva York en 1950. De familia judía, su padre era cantante en una sinagoga. Una de sus obras más destacadas es La ópera de tres centavos, teatro épico.

La pieza de Vittorello se centra en su amante y compañera durante mucho tiempo Lotte Lenya. Se trata de un unipersonal acompañado magistralmente por piano en que se representan distintos momentos en la vida de Lotte, su infancia difícil, a los once años ya vive en la calle y tiene que tra-

La interpretación y canto de la actriz demuestra una excelente formación musical y artística (se desviste y viste en escena y muestra soltura y seguridad de en sus acciones) lo mismo que la intérprete del piano. Se nota una comunicación y una conexión clara y sin esfuerzo entre ellas. Por momentos tuve la sensación de estar en una ópera contemporánea, no convencional. Esa unión de teatro, música e interpretación nos ubican dentro del género operístico. Especialmente sabiendo que la ópera está transitando otros caminos en este momento, menos tradicionales, más libres y disruptivos.

Una dirección impecable permitió disfrutar de este espectáculo.

No puedo decir otra cosa más que Chapeau!!!

HIELO NEGRO

Alelí Jait alelijait@gmail.com

El último fin de semana de octubre se estrenó en el Teatro Sarmiento, sala del Complejo Teatral de Buenos Aires, esta obra de Luis Biasotto y Luciana Acuña quien actúa junto a Milva Leonardi, Francisco Dibar, Santiago Gobernori y Matías Sendón.

rio, y hay utilería que cae, escenografías que se rompen, y un iluminador, Matías Sendón, que es parte activa de la pieza que estalla.

En el cruce del teatro y la danza contemporánea se inserta Hielo negro, fragmentos de cuerpos en el espacio que significan de modo fantasmático y encriptado. Intérpretes que prueban coreografías truncas, repiten formas, retoman procesos, ensayan, fallan y aciertan.

El movimiento se expande en pequeños trozos de vidrio que cristalizan en escenas ejecutadas con un nuevo lenguaje que se renueva en las acciones y asienta con los textos que pronuncian los actores cuyos nombres son los propios, sin disfraz de personaje. Entonces el montaje es el montaje del teatro en una puesta en abismo y autorreferencia que se deconstruye.

Así, la escena habla de la escena y se rompen algunas reglas teatrales vinculadas a la ocupación de los espacios y la adjudicación de roles. Hay teatro arriba y abajo del escena-

El eje de la historia es articulado por cartas, una voz en off que guía el relato y le da un sentido de viaje por paisajes helados, resbaladizos y quebradizos; la fragilidad de los cuerpos en acción y su destreza como potencia narrativa. Pero también el humor y el absurdo; la gestualidad de Santiago Gobernori y la firme teatralidad que lo envuelve al igual que sucede con sus partenaires.

El juego constante con el recurso que domina y es dominado, se mecaniza y se interroga como parte de la apuesta de presentar un espectáculo cerrado cuya apariencia simula el work in pogress. El ritmo, la pausa, la música y una iluminación que tiñe el espacio, lo acota y ensancha como un sueño que se estira hacia el final develado en una pantalla que repone el diálogo que faltaba decir.

Ficha técnica: Dramaturgia: Luciana Acuña y Luis Biasotto. Textos: Luis Biasotto, Luciana Acuña y Mariana Chaud. Dirección: Luciana

Acuña. Elenco: Milva Leonardi, Francisco Dibar, Santiago Gobernori, Luciana Acuña, Matías Sendón. Asistencia artística y coreográfica: Ana Inés García. Producción y colaboración artística: Gabriela Gobbi. Video y colaboración dramatúrgica: Alejo Moguillansky. Música original: Gabriel Chwojnik. Diseño de iluminación: Matías Sendón. Diseño de vestuario: Mariana Tirantte. Diseño de escenografía: Ariel Vaccaro. Prensa: CTBA.

Funciones: Viernes a domingos a las 20 horas Teatro Sarmiento, Av. Sarmiento 2715. Duración: 70 minutos. Valor de las localidades: Platea $ 1.250.Viernes $ 650. -

ADIA celebra con ALMA los 30 años de la Danza Integradora en Argentina con 2 eventos

ADIA (Asociación Danza Integradora Argentina) celebra con ALMA Acto homenaje “Motorizando Utopías” Jueves 24 de noviembre 19 hrs. Centro Cultural Haroldo Conti Av. Del Libertador 8151-CABA Entrada libre y gratuita GRUPO ALMA (Compañía Danza Integradora) “Osadía” y “El Lugar donde Estamos”

Jueves 8 de diciembre 20:30 hrs.

Teatro EL Cubo: Zelaya 3053, Abasto CABA Entradas Generales: $2.200 anticipadas, $2.400 en puertahttps://www.plateanet.com/ Estudiantes y jubilados, presentando carnet $1.500

Danza Integradora, es el primer grupo de danza inclusiva de Argentina, formado por bailarines con y sin diversidad funcional. Fundado y dirigido por Susana González Gonz en 1997, quien tuvo la idea y visión de crear un grupo de danza contemporánea integrando a personas con silla de ruedas en la escena, pone en tela de juicio las condiciones que se le suelen exigir a los cuerpos danzantes.

DETALLE DE CADA EVENTO ADIA celebra con ALMA Acto homenaje “Motorizando Utopías”

Jueves 24 de noviembre 19 hrs.

“Motorizando Utopías” es un evento artístico que contará con obras coreográficas y un agradecimiento homenaje a instituciones y personas que han albergado el proyecto.

ADIA celebra los treinta años de permanencia de la DANZA INTEGRADORA junto al “Grupo Alma Compañía Danza Integradora” en sus veinticinco años de existencia, dando vida a ese no lugar, esa utopía que hoy está motorizada, iluminada y presente en la sociedad argentina, construyendo sueños en la superación y la felicidad de otros.

El Grupo Alma Compañía de

¡Les invitamos a celebrar la vida con la Danza Integradora!

Contará con proyecciones y distintas obras de Danza Integradora. Osadía, coreografía realizada con los participantes del proyecto “Todos Podemos Bailar” Lourdes Dakak, Cristian Baraldo y Diego Pawlowicz, Tres coreografías significativas del repertorio del “Grupo Alma ” de Susana González Gonz:

Oublivion de A. Piazzolla, obra estrenada en el Festival Internacional Inclusive Dance en Rusia-Moscú en 2015 con Aixa Di Salvo y Matías Ramírez acompañados con Músicos en vivo por Walter Ríos en bandoneón y José Di Salvo en guitarra, La Memoria de León Gieco con Demián Frontera y María Laura Vicenti obra presentada en diversos recitales con Gieco y en la película Mundo Alas y La Puñalada milonga por Franco Luciani, de la obra Tangos a flor de piel. con Aixa DI Salvo, Luciana Galván y Matías Ramírez y “El Lugar donde Estamos” de Oscar Farías, con Demián Frontera, María José Benitez Coll, Aixa Di Salvo, Luciana Galván, Cristian Baraldo, Lourdes Dakak,

Sofía

Valentina Vital y

Reynoso.

Entrenamiento corporal y asistencia coreográfica: Susana González Gonz

EL LUGAR DONDE ESTAMOS

Un grupo se autodirecciona ante el deseo de un integrante que los hará decidir un nuevo lugar. El tiempo nos mira y otros ojos miran y son mirados. Hay un deseo intimo que los traslada como patrones que responden a un orden natural y desde allí vuelven a desear.

Duración 40 minutos

Dirección general: Susana González Gonz

Coreografía y puesta en escena: Oscar Farías Intérpretes: Demián Frontera, Aixa Di Salvo, Luciana Galván, Majo Benítez Coll, Cristian Baraldo, Lourdes Dakak, Sofía Perez, Valentina Vitali, Martina Reynoso Vestuario: Grupo Alma Sobre Grupo Alma

La Danza Integradora actividad artística y pedagógica, se viene desarrollando de la mano de Susana González Gonz desde 1991 en Argentina, Chile, Uruguay, Cuba, México, Brasil, Ecuador, Guatemala, Alemania

y Rusia, a través de presentaciones artísticas, ponencias, talleres y seminarios de formación y capacitación docente, donde todos puedan bailar desde la ética y estética del cuerpo que porten, generando espacios accesibles, para hacer realidad el derecho al arte y la cultura para todos.

El Grupo Alma difunde en cada una de sus presentaciones el proyecto “Todos Podemos Bailar”, siendo su principal objetivo sensibilizar y crear conciencia social sobre el tema de la inclusión, la integración, la creación artística y la diversidad cultural, como un derecho de todas las personas, apostando a la diversidad cultural y a la danza como transformación individual y social, ofreciendo a la sociedad el aporte de sus búsquedas artísticas.

Es uno de los grupos más innovadores y multifacético, que cuenta con obras de danza contemporánea, tango y folklore, presentadas en el país y el exterior, logrando impactar a públicos muy diversos. Conformado por bailarines que portan silla de ruedas, profesionales y amateurs de la danza, desafía los límites que impone la vida, a favor de una danza accesible a todos, que abre nuevas puertas a los bienes de la cultura y trasciende las barreras sociales y culturales. Se enriquece el trabajo coreográfico, con la asimilación de técnicas diversas de artes del movi-

Zingoni Vinci, Diego Pawlowicz

Coreografía, creación colectiva: Lourdes Dakak, Cristian Baraldo, Yamila Zingoni Vinci

miento, desplegando las potencialidades de cada uno de los bailarines y elevando de manera significativa la potencia grupal. Todos los bailarines han sido formados en Danza Integradora en los talleres del proyecto “Todos Podemos Bailar” que dirige su directora, en la UNA, Artes del Movimiento, fortaleciendo el trabajo conjunto de los mismos, desde las posibilidades que ofrecen cada uno de sus cuerpos. Sus obras han sido presentadas en festivales, congresos, milongas, universidades y escuelas, en eventos culturales y científicos, en áreas de la educación, el

arte y la salud, recorriendo con gran éxito renombrados escenarios de Capital Federal, Buenos Aires y giras por el interior del país. Invitado por León Gieco, su padrino artístico, ha actuado en los festivales de Villa María, Cosquín, Folklore y Rock, en Córdoba en 2007 y 2009. Participó de la gira “Mundo Alas” 2007 y la película del mismo nombre, estrenada en 2009. Cuatro de sus integrantes fueron artistas del Bicentenario, en el escenario principal de la Av 9 de Julio, en la presentación de Gieco con Mundo Alas. Participó en diversos Festivales Internacionales

de Danza como invitado especial, en Chile, Uruguay, en la Cumbre Mundial del Tango 2009, en Bariloche, en el Festival Internacional de VideoDanzaBA 2010 ,en el 2º Queer Tango Marathon 2011, en la XIX Fiesta Iberoamericana de la Cultura en Holguín, Cuba, en El Paramusic Festival de Moscú, Rusia en 2013, Danza Diversa en Brasil, Festival Internacional Inclusive Dance en Moscú en 2015, Festival Internacional Danza Inclusiva Bremen, Alemania 2018, Inclusive Dance World Vision 2020 entre otros.

Sus espectáculos han sido de u

clarados de Interés por el Honorable Congreso de la Nación, de Interés Cultural, por la Legislatura de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires y de Interés Provincial por la Cámara de Diputados de la Prov. de Santa Cruz. Ha recibido el Premio INADI a las Buenas Prácticas contra la Discriminación y Premio de Oro, Se hace Camino al andar 2008. Ha contribuido con sus numerosas presentaciones, al desarrollo de una nueva concepción de la danza y a cambiar la mirada del público sobre la discapacidad. A través de sus obras y la dignidad de sus espectáculos, pretende hacer un aporte a la Danza del nuevo milenio, elevar el sentido de lo humano, recrear nuevos vuelos y desde el arte, dar forma a la propia vida, haciendo realidad las utopías.

Este año 2022, con la incorporación de nuevos bailarines celebra sus 25 años de existencia con dos nuevas obras, “Osadía” y “El Lugar donde Estamos”

Sobre Susana González Gonz: Es pionera de la Danza Integradora en Argentina. A partir de una vivencia personal y junto a su vasta formación profesional, logra llevar a cabo la creación de esta modalidad de la danza.

Becada en 1991 para asistir como bailarina, coreógrafa y representante argentina al Campeonato Europeo y la Conferencia Internacional de Danza Integradora en silla de ruedas en Alemania-Munich. En 1992 comienza a dictar talleres de

Danza Integradora en distintas instituciones y funda esta actividad en el Hospital de Rehabilitación Manuel Rocca . Participó en el espectáculo y video artístico realizado por la Fundación Artistas Discapacitados 1994, con su obra Ataduras y Deseos. Fundadora y Directora del Grupo Alma, primera compañía de Danza Integradora de la Argentina, creado en 1997, primero en el país en la modalidad de la Danza Inclusiva. Creadora del proyecto “Todos Podemos Bailar” fundadora y titular de la Cátedra abierta Danza Integradora en la UNA, Artes del Movimiento. Capacitadora y formadora de formadores. Ejerció como docente en la UBA Psicología Carrera de Musicoterapia en la Escuela de Teatro y Títeres, Escuela de Música Popular de Avellaneda y los profesorados de Educación Física de Avellaneda, Haedo y Olavarría. Arte educadora y Psicóloga social. Conferencista. Formadora de formadores Ha expuesto su trabajo artístico y pedagógico en festivales, jornadas y congresos de Educación, Arte y Salud, en Argentina, Cuba, Brasil, México, Chile, Uruguay, Ecuador, Guatemala, Rusia y Alemania, brindando sus investigaciones y experiencias y asesorando en el área de la danza, la inclusión e integración de las personas con discapacidad. Participó en el rodaje de la película "Mundo Alas" de León Gieco. Recibió diversos premios como personalidad destacada por contribuir al desarrollo de una sociedad más inclusiva y por su

labor cultural en torno al arte y la inclusión, entre ellos un reconocimiento del Congreso Nacional y de la Legislatura porteña. Ha integrado distintos grupos de Danza Contemporánea y Expresión Corporal, como bailarina, coreógrafa y directora artística, incluyendo, bailarines profesionales y amateurs, actores y gimnastas.

Terapeuta Corporal, formada en Bioenergética, Danza Movimiento Terapia, Yoga, Meditación, técnicas de sanación. Música terapéutica y Canto abierto, para el despertar de la conciencia, el bienestar, el autoconocimiento y el mejor desarrollo del potencial humano. Pionera de la Gimnasia Rítmica en Argentina, participó en competencias internacionales, Brasil, Inglaterra y España.

Autora del libro "Danza Integradora, Vida, Arte, Inclusión, Otredad" Editorial Biblos 2018. El Cuerpo propio. Publicó en Novedades Educativas, la revista Uno Mismo y Kiné, la revista de lo corporal. Conferencista Invitada en radios, diarios y TV. Fundadora y actual presidente de ADIA, Asociación Danza Integradora Argentina

ADIA es una organización no gubernamental formada por profesionales estudiantes y docentes especializados en las artes del movimiento, la educación y la escena creada en 2012 con el objetivo de difundir y desarrollar el trabajo que venía haciendo Susana González Gonz, quien desde 1991 desa-

rrolla esta actividad, una práctica artística, que humaniza y transforma la mirada de la danza como una herramienta de transformación individual y social. Busca dar respuesta a la problemática de la diversidad, la inclusión y la integración de las personas con discapacidad, sabiendo del valor de la Danza Integradora para desarrollar la sensibilidad artística y la comu-

nicación de todas las personas que deseen bailar. El principal objetivo es generar espacios accesibles de construcción colectiva que abarquen circuitos culturales y comunitarios, en las áreas de Arte, Educación y Comunidad a través de los talleres del proyecto “Todos Podemos Bailar” jornadas inclusivas, formación, capacitación docente y espectáculos del Grupo

Alma partiendo del paradigma de la diversidad cultural y la promoción de los Derechos Humanos. Se propone un cambio de mirada, para que la sociedad, trascendiendo el ideal de perfección, completud y belleza, incluya otros cuerpos en la danza y se enriquezca con ello, cultivando el potencial positivo de cada

info@tehagolaprensa.com.ar

TEMPLANZA

La música en la Fundación Catedral de La Plata

Debido a la pandemia que pasamos, las restricciones posteriores, la cuarentena, y los hechos de público conocimiento; la Actividad Musical Presencial se vio muy afectada en todos los ámbitos culturales, y , la Fundación Catedral, de la Catedral de la Ciudad de La Plata, no fue ajena a ello, también tuvo que enfrentar duros momentos apelando a la creatividad para mantener en contacto a músicos, cantantes, coreutas, público; y seguir por lo tanto, brindando propuestas musicales que llegasen a todos los sectores.

Requiem KV 626 de Mozart - Pascua 2022

“La salida alternativa fue la actividad musical virtual, para luego retomar la actividad presencial, cuando el Templo pudo volver a abrirse para los fieles, pero, ya hoy día, habiendo ganado una nueva herramienta, la actividad virtual se instaló y generó no solo una maravillosa difusión de los conciertos, sino también un nuevo público que sigue nuestros videos en Instagram” nos comentó la Dra. Mariana P. Pace, quien es la Coordinadora de los Ciclos de Conciertos del Área de Música de la Fundación.

Mariana Pace , (quien es Abogada, Directora Escénica de opera y Artista visual, entre varias de sus facetas artísticas, como también platense) fue convocada por su experiencia y trayectoria en el ámbito musical por el entonces Rector de la Iglesia Catedral, Monseñor Jorge González, hoy día Obispo Auxiliar de la ciudad, a fines del 2019, para hacerse cargo de dicha actividad en 2020.

“Fue un honor y alegría muy grande que me convocaran, ya que hacer música en un espacio tan bello y emblemático

como es la Catedral de mi ciudad, y que es un lugar de Fe; era todo un desafío. Sin embargo, al asumir en un momento histórico tan particularmente difícil como una pandemia, vi ese desafío multiplicado y multiplicado, al igual que la población toda, todos sufrimos de distintas maneras, pero, la Fe nos sostuvo” recuerda Pace.

La Actividad de la Iglesia siguió abrazando a los fieles desde las transmisiones en vivo que desde siempre ya se hacían con las misas, con las celebraciones. La ayuda humanitaria fue intensísima e incansable, a cargo del padre Hernán Remundini actual Rector de la Catedral y de todo su grupo de sacerdotes y colaboradores. El Museo de la Catedral continuó con muestras virtuales de los artistas plásticos, hasta que volvió a la presencialidad.

… Y el Área de Música de la Fundación, apeló a la creatividad y a la experimentación desde lo virtual, y así abrió ventanas. Un racconto por lo realizado virtual y presencialmente nos muestra el camino recorrido en menos tres años de esta gestión:

1. Se abrió un Instagram específico para el área musical y de difusión cultural:

@fundación.catedral.lp.musica

2. Se abrió un canal de You Tube también para el mismo fin, donde se suben los videos realizados al igual que en Instagram. Los videos son aquellos que se grabaron y editaron en pandemia, como hoy los conciertos presenciales, algunos fragmentos, arias, etc.

3. El Coro de la Fundación siguió ensayando de manera virtual durante el período de pandemia, con su director Mº Andrés Bugallo.

...también algunos números hablan por sí solos:

4. Se realizaron hasta el día de la fecha: 85 videos de música (con artis-

tas de excelente trayectoria para contenido y en formato de Instagram). De los videos mencionados:

(70 Videos con edición de Mariana Pace de producción propia de la Fundación; 6 videos de producción externa; 2 de RAS Teatro Argentino La Plata, y videos navideños donde Andrés Bugallo realizó la mezcla virtual del coro.

5. Otro desafío fue enfrentar la reparación del órgano, no contando con presupuesto para ello hubo que buscar soluciones alternativas para conseguir los fondos necesarios. Para esto trabajaron incansablemente la Iglesia, sus voluntarios, los organistas, los fieles, la Fundación Catedral y la Asoc. Organum Argentina, recaudando fondos para la reparación de dicho instrumento, que es el corazón de la actividad musical litúrgica, patrimonio histórico-cultural y que se encontraba en riesgo de colapsar. Ya se han cumplido dos de las tres etapas de reparación, en tiempo y forma, con éxito.

… y al volver la actividad presencial en el momento permitido comenzaron los Ciclos de Conciertos:

6. “Ciclo de Música de Órgano” de la Catedral, que em-

Walter Di Santo, Mariana Pace, Paula Almerares y Ruben Dario Martinez

pezó desde Octubre de 2020 ininterrumpidamente, en el cual un día por semana, todos los miércoles, suena música de órgano en vivo. Para ello la Mº Silvia Abiuso, convoca a prestigiosos organistas. Debido a que la Iglesia cuenta con un bellísimo Órgano que se encuentra a 43 metros con 60 cm. de altura de altura, (las torres miden 112 metros), permitió poder hacer música en momentos de distanciamiento social con total seguridad para la salud de los concurrentes.

En Diciembre 2022 estaremos Dios mediante, completando 60 horas de música de órgano

7. “Ciclo de Conciertos Cate-

dral”, que se realizan dentro del templo en fechas puntuales como Pascua, Navidad, etc.

8. “Ciclo de Conciertos de Música de Cámara 2022 ”, que se realizan en el Auditorio San Francisco de Asís. Comenzaron con el objetivo de ser uno mensualmente, y se logró un promedio de tres (3) conciertos mensuales!!!

Estos dos últimos ciclos, más lo virtual realizado en pandemia, estarán cumpliendo a fines del corriente año 2022, 40 horas de música de concierto.

Esperamos y es nuestra próxima meta comenzar el 2023 con 100 horas de mú-

sica en total!

9. Los Artistas que participaron desinteresadamente y donaron su arte, tanto virtualmente como presencialmente; desde 2020 hasta noviembre de 2022 son: (Por orden de fecha, algunos, actuaron en varias ocasiones)

Paula Almerares (Soprano)

Viviana Leonor Almerares Baldassari (Violoncello)

Rubén Darío Martínez (Tenor) Laura Delgado (Soprano)

Susana Paladino (Mezzosoprano)

María Rosa Hourbeit (Soprano) Silvia Abiuso (Organista)

Claudia Gomila (Organista) Ezequiel Orestes (Trompeta)

Coro Tous Ensemble - Dir. Emiliano Linares

Enrique Rimoldi (Organista)

Paola Ariza (Soprano)

Ensamble de Cuerdas

Lucas Portos (Violín), Octavio Savinelli (Violín), Cecilia Bugallo (Viola), Juan Villavicencio (Violoncello), Constanza Finocchi (órgano)

Ana Sofía Romagnoli (Soprano)

Estefanía Maite Cap (Mezzosoprano)

Hernán Sánchez Arteaga (Dirección ensamble y coral)

Presbítero Guillermo Oría (Organista)

Franco Mangarella (Organista)

Carlos Bellisomi (Organista)

Alan Pianesi (Organista)

Elda Moro (Organista de la Iglesia Catedral)

Florencia Baccaro (Organista)

Martín Pastor (Músico compositor y cantante)

Leopoldo Zoroza (Organista)

Mabel Serrano (Violín)

Dolores López Mac Kenzie (Viola)

Maricel Turkovich (Violoncello)

Ana Hipperdinger (Piano)

Andrés Bugallo (Dirección Coro)

Germán Torre (Organista y compositor)

Ximena Ibarrolaza (Soprano)

Coro del Instituto Británico de La Plata

Coro de la Universidad Nacional de Lanús

Coro Polifónico de la Fundación Catedral

Orquesta Sinfónica de la Policía Federal Argentina

Sergio Casanovas (Laúd)

Amalia del Giudice (Clarinete)

María del Carmen Calleja (Piano)

Viviana Almerares (Violoncello) Eliana Vázquez (Violín)

Natalia Dmytrenko (Violín)

Mariana Soledad Barbera (Viola)

Coro UCALP

Emiliano Linares (Dirección Coro)

Constanza Finocchi (Piano)

María Jesús Rivarola (Viola)

Walter Schwarz (Bajo)

Orquesta Escuela de Berisso José Bondar (Violín y Dir. Orquestal)

Coro Juvenil de la Opera del Rhin de Strasbourg Francia Luciano Bibiloni (Dir. Coral)

María Luz Suárez Pepe (Órgano)

Dúo Armonías del Crepúsculo Marta Delâge (Piano)

Daniel Briceño (Flauta)

Gabriela Battipede (Piano)

Cuarteto Tarabust Pablo Rubino (Violín)

Guillermo Báez (Violín)

José Martinez Garro (Viola)

Siro Bellisomi (Violoncello)

Sebastián Boeris (Piano) Ana Romagnoli (Soprano)

Dúo Cruma

Marcela Crusat (Piano) Fabio Maliandi (Flauta y Saxo)

Maitena Andrade (Soprano)

Esteban Salvador Gómez (bajo)

Coro Tous Ensemble Sabrina Sosa (Soprano) Alejandro Schijman (Barítono)

Matías Wilson (Piano)

María Bugallo (Soprano)

Miguel Ángel Cagliani

Orquesta Sinfónica Juvenil de San Isidro

Ramiro Soto Monllor (Dir. Orquestal)

Grupo Vocal Blitz

Manuel Di Nardo (Dir. Vocal)

Coro Universidad de Lanús Rocío Giordano (Soprano)

Laura Domínguez (Contralto) Darío Leoncini (Tenor)

Marianela Giménez Finocchiaro (Soprano)

Maximiliano Agatiello (Tenor)

Guillermo Saidón (Bajo)

Nina Rapp (Piano)

José María Lalo Vallina (Piano)

Entre cantantes y músicos solistas, coreutas e integrantes de las orquestas, han transitado aproximadamente más de 400 músicos en menos de

Paula Almerares (Soprano internacional) Ruben D. Martinez (tenor) y Miguel Angel Cagliani (Pianista)

tres años por la Catedral brindando su arte de manera gratuita. Pues estos ciclos de conciertos, son con entrada LIBRE Y GRATUITA. “A todos estos artistas, infinitas GRACIAS”

10. En Octubre la Fundación Catedral realizó una convocatoria para seleccionar las propuestas para la Agenda Musical 2023 para el Ciclo de Conciertos de Música de Cámara y la repercusión fue instantánea.

12. Noviembre y Diciembre del corriente año se presenta también con música en la Catedral platense. Los clásicos conciertos de Música de Órgano todos los miércoles a las 17.00hs, los de Música de Cámara, el sábado 12 de Noviembre a las 19.00 hs. se presentará la Soprano Laura Delgado con Gabriela Battipede al piano durante la Noche de los Museos, en el Auditorio San Francisco.

Y en Diciembre los conciertos de Navidad.

emoción, y con la convicción de seguir soñando un mundo mejor a partir del DARy compartir lo que uno sabe hacer, ARTE; y nos invita desde la Institución a concurrir a los conciertos, a seguirlos por Instagram @fundacion.catedral.lp.musica como también suscribirnos al canal de You Tube, “para ver y oír estos artistas de excelencia que brindan su arte sin más interés que regalarnos su música para abrazarnos el corazón”.

11. Además con motivo de la celebración del Día de la Madre, en el Camarín de la Virgen se presentó el Coro Tous Ensemble dirigidos por el Mº Emiliano Linares, Premio KONEX.

“Con constancia, templanza, paso a paso, fuimos sembrando notas en un pentagrama imaginario que florece y florecerá en cien 100 horas de música gratuitas, desde 2020 hasta HOY”, nos dice Mariana Pace con

L.A.D.

@marianapatriciapace @fundacion.catedral.lp.musica

Mariana Patricia Pace

marianapatriciapace@gmail.com

Stabat Mater Dir. Hernan Sanchez Arteaga

se extiende no solo a la danza en sí, sino a todo lo que atañe a la personalidad del bailarín, las rivalidades que afloran propias de la profesión, a los traspiés que suelen ocurrir en medio de funciones, y obviamente, a las puesta coreográficas de los grandes clásicos del ballet, todo ello guardando un profundo respeto por la danza y sus creadores.

"Ballet Con Humor" pretende llegar al balletómano con sus å

guiños más recónditos, pero también ansia tomar de la mano al público que por primera vez llega a su espectáculo, lograr que abra su gusto por lo clásico y esbozar en su rostro una gran sonrisa.

“Este nuevo espectáculo bautizado como "DOS DÉCADAS y UN LUSTRO" no solo significa festejar nuestra trayectoria, sino también el hecho de volver al escenario y reencontrarnos nuevamente con el público.

“Con estas presentaciones queremos mostrar la esencia del punto de partida de la creación de "Ballet Con Humor - Compañía Cómica" y nuestra evolución a través de los 25 años de esta mezcla de danzas y risas. En esta ocasión presentaremos un selecto repertorio de los grandes cuadros festejados por el

tador a lo largo de nuestra carrera, y nuevas interpretaciones nacidas de la inspiración

grandes

Dirección General: Adrián Dellabora Asistencia de

ográfica: Angel Gómez

y

Marcelo

Un nuevo libro en www.celcit.org.ar

PEQUEÑAS DOSIS

Antología

Incluye las obras presentadas en el Ciclo PEQUEÑAS DOSIS realizado en el CELCIT durante 2018 y 2019: FRATERNALMENTE de Silvia Martínez Cassina, COMO VIRGENCITA LLEVADA EN PROCESIÓN de Ana Laura Pace, VADE RETRO de Mónica Alonso, HERMANAS de Adriana Genta, NOS MIRAN de Gracia Morales, ARAÑAZOS de Gracia Morales, CHIQUERO de Adriana Genta, VISITA de Adriana Genta, COMA de Adriana Genta, C2HS-OH de Adriana Genta, FAVORES de Adriana Genta, BODA de

Adriana Genta, LA SALIDA de Claudia Eichenberg, ALQUILADO de Mariana Arrupe, ALGUIEN QUIERE VERTE AL DESPERTAR de Ana Laura Pace, VOLTAJE de Adriana Genta, PARAÍSO APARTMENT de Gracia Morales, UN RATITO MÁS de Teresita Galimany, ZAPATOS NUEVOS de Adriana Genta.

cedimientos, sus medios expresivos, etc.

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Las actividades del CELCIT han sido declaradas de Interés Cultural por la Legislatura de la Ciudad de Buenos Aires

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FERIA DEL LIBRO RARO Edición 2022

La feria del libro propone algo nuevo: la reunión de librerías anticuarias y editoriales artesanales en un mismo espacio, la galería de arte Ruth Benzacar, con la intención de promover el aprecio del libro como objeto entre un público ampliado y subrayar el vínculo entre la bibliofilia y las artes del libro.

La bibliofilia no solo se ejercita en el aprecio de libros antiguos, también es una pasión conectada con los libros de nuestro tiempo.

La edición artesanal, en la búsqueda de una relación armónica entre el contenido literario o intelectual y su soporte material, produce objetos estéticos que se distinguen de la serialización indiferenciada, característica de la producción industrial. Esta

distinción se realiza a través de un conjunto de operaciones legadas por las artes del libro tradicionales, tales como la selección cuidadosa de los papeles, las encuadernaciones realizadas a mano o la impresión tipográfica.

Al producir impresos de acuerdo a criterios estéticos, la manufactura de libros otorga un impulso vital a la bibliofilia.

El desarrollo del gusto por el libro como objeto persiste en los circuitos de librerías anticuarias, especializadas en primeras ediciones, ejemplares firmados por sus autores, libros antiguos o curiosos. Durante décadas, estos espacios fueron constituyendo una bibliópolis oculta, un reducto propicio para el cultivo de la pasión por los libros raros.

Los avances tecnológicos que hoy atraviesan y configuran muchos aspectos de nuestra

vida cotidiana no solo impactaron en los modos y dispositivos de lectura, afectaron la circulación de libros. Al simplificar en extremo la búsqueda, al eliminar los encantos de la pesquisa, la experiencia de las librerías se vio en peligro. Esta amenaza solo debe ser un estímulo para nuestra inventiva.

Buscamos construir algo nuevo: un espacio de reunión entre librerías anticuarias y casas editoras artesanales con la intención de generar nuevos accesos a las prácticas y saberes de la bibliofilia y las artes del libro.

FERIA DEL LIBRO RARO SÁBADO 5 — DOMINGO 6 NOVIEMBRE 14 a 20 hs.

Juan Ramirez Velasco 1287 villa crespo Entrada libre y gratuita

CONTACTO ferialibroraro@gmail.com

Salió el nuevo libro de literatura infantil

"Lluvia de verano"

De Laura Szwarc - Editorial Del Naranjo

La escritora Laura Szwarc nos presenta, en esta oportunidad, el libro "Lluvia de verano". Un cuento para el disfrute de niñas, niños y grandes.

Con ilustraciones de María Carranza en la colección "Luna de Azafrán" de la editorial Del naranjo.

En este libro nos cuenta cómo un pueblo entero se pone en movimiento:

Es de día y el cielo se ha puesto negro. Sopla el viento, mucho. Vuelan las hojas, las puertas se cierran solas. Y de golpe, rayos, relámpagos… ¡Tormenta!, gritan todas y todos y corren a sus casas. Se asustan los perros, los gatos se esconden, los niños se divierten… y entonces como una música de verano llega, al fin, la lluvia.

Sobre la autora

Laura Szwarc, artista, pedagoga y activista cultural. Es directora de Akántaros, entidad multicultural y transdisciplinar. Trabaja en México, Argentina, Cuba y España desarrollando laboratorios de lectura, escritura, teatro, y arte en acción para niños/as, jóvenes y adultos (docentes, mediadores culturales y creadores).

Creadora y coordinadora de diversos programas y obras relacionadas con el cuerpo, la palabra (lectura/escritura)

y el juego.

Algunas de las instituciones con las que colaboró son: Consejo de Cultura y Arte de México (CONACULTA), Ministerio de Educación Argentina (CAJ, Unidad de Arte y Cultura y Plan Nacional de Lectura), Centro Andaluz de las Letras, Fundación Germán Sánchez Ruipérez, Casa de América, EnterArte de Acción Educativa, Concejalías de Infancia y Juventud y Servicios Sociales(España). Ludotecas, centros escolares, centros de primera infancia, universidades (UNSE: Universidad Nacional de Santiago del Estero, Argentina; UHA: Universidad de Alcalá, España; ISA: Universidad de las artes, Cuba), ferias del libro, festivales y Bibliotecas públicas/Bibliotecas populares de diversos ayuntamientos y municipios de

México, Argentina, Cuba y España. Ha podido llevar su trabajo a eventos puntuales a Guatemala, Panamá, Ecuador, Brasil, Portugal, Italia, Alemania y Chile.

Ha realizado guiones y llevado a escena: El fruto al árbol, el pez al agua y la paz al mundo. Otra historia de hadas. Para mirarte mejor. Del castillo a tu jardín (teatro para todas las edades). Qué brisa la risa y Caricias en tus pies (obras para bebés). Amor como pomelo y Palabras cómplices (performance para adultos).

Ha sido convocada por diferentes compañías para realizar tareas puntuales como dirección, puesta en escena, coreografía. Estas obras se han realizado en diferentes espacios y festivales, se puede obtener más información en el blog: http://akantaros.wordpress.com

Publicaciones:

Harina en vuelo. Editorial Las Pa-

rientas, 2013. Poesía. Textos teatrales para todas las edades. Ed. Las Parientas colección Gira Soles, 2014. Palabras cantadas. Colección: El río suena. Experiencias artísticas y educativas, 2015. Para mirarte mejor. Colección: El río suena. Experiencias artísticas y educativas, 2015. Entre láminas. Colección: El río suena. Experiencias artísticas y educativas, 2015. Los primos y los tesoros escondidos. Editorial Abran Cancha, 2017. Literatura infantil. Publicaciones colaborativas: Literatura popular de Santiago del Estero, “Literatura breve” volumen I. A cargo de Adolfo Co-

lombres y Laura Szwarc. Editorial Catálogos, 2016. El paseo de Jane, tejiendo redes a pie de calle. Libro colaborativo en el aniversario de la urbanista Jane Jacobs. Editorial: Modernito Books, 2016.

De próxima edición: Los álbumes de literatura infantil; Pasaban cosas; La luna escondida; Leer con Lupa. Y en la colección El río suena: Cántaro de letras, Entonces baila, Se levanta el telón, Entremos al juego.

Contacto: Laura Szwarc laura.szwarc@gmail.com akantaros@gmail.com Facebook: https://www.facebook.com/laur a.szwarc.14 Instagram: https://www.instagram.com/lau ra.szwarc/

Enlace del libro: https://www.delnaranjo.com/pr oducto/lluvia-de-verano/

El hombre que dormía con los muertos Brian Janchez + Pablo D'Alio

El hombre que dormía con los muertos vive en esta ciudad. Su vida no tiene nada de especial, excepto por algunos detalles alarmantes.

Pero a nadie parece importarle demasiado su historia. Y a nadie le han llamado demasiado la atención las desapariciones que siguen ocurriendo en la ciudad. Hasta ahora.

El hombre que dormía con los muertos Brian Janchez

Pablo D’Alio P.V.P: $ 2300 88 páginas Color Peso 200 gr Formato: 17x23 ISBN: 978-987-4164-63-6

Brian Janchez Brian Janchez (1985) es dibujante y guionista de historietas. Ha publicado los libros McKosher, Shloishim, Marisa quiere pija y otras historias de amor, El Permiso, La Mejor de mis ex Novias, Tutorial para Pilotear un Robot Gigante + otras historias, La Hija del Carpintero y La Frustración (Ediciones Noviembre), entre otros. En 2021, publicó la antología de historias cortas Lo que ya pasó junto a Pablo D´Alio (Editorial Deriva).

Pablo Ezequiel D'Alio nació en junio de 1988, en Buenos Aires, Argentina. Estudió con Horacio Lalia, Diego Agrimbau y en la Universidad Nacional de Arte. Participó de diferentes publicaciones desde 2018. Entre ellas se encuentran Disonante (dentro del sello editorial Lenoise comix), Nueve Dragones (de Editorial Rabdomantes) y Lo que ya pasó junto a Brian Janchez (de editorial Deriva). Trabaja como ilustrador freelance desde 2010.

Pablo D'Alio

Fantagas

Carlos Nine

P.V.P: $ 3300 120 páginas

Color

Peso 300 gr Formato: 20x30 cm. ISBN: 978-987-4164-65-0

La obra más conocida de Carlos Nine es un libro de aire parisino y ademanes de cine mudo, una fábula con vampiresas y máscaras, policías adustos y un tono premeditadamente camp, como de dibujo animado antiguo.

Nine publicó Fantagas originalmente en Francia en 1995. En ese país, donde su trabajo es idolatrado, recibió distinciones tales como el Premio a la Mejor Obra Extranjera en el prestigioso Festival de Angoulême. En Argentina, sin embargo, esta obra no podía leerse más que en ediciones incompletas o de manera fragmentaria. Este volumen compila el primer libro de Fantagas en su versión final de 2006, junto a su continuación, Siboney,

Fantagas

Carlos Nine

aparecida en 2008.

Carlos Nine

Estudió en las escuelas de Bellas Artes Belgrano y Pueyrredón. Pintor, escultor y cineasta, trabajó además como artista gráfico. Es autor de más de treinta libros, publicados principalmente en Francia, aunque también en Argentina, España, Brasil, Estados Unidos, Holanda, Alemania y Taiwán.

Participó en numerosas exhibiciones tanto colectivas como individuales, en Buenos Aires, Córdoba, Mendoza, Rosario, Entre Ríos, Misiones, Tierra del Fuego, en Argentina. En Europa: Treviso, Lucca, Lecce, Milán, Roma, Nápoles y Boloña (Italia), Barcelona, Madrid y Sevilla (España), Bruselas (Bélgica) Oslo y Bergen (Noruega), París, Poitiers y Angouleme (Francia).

Ha recibido los siguientes premios: Premio Adquisición en el Concurso Internacional Gianduja (Turín, Italia, 1988). Primer Premio Adquisición en el Concurso Internacional organizado por la Escuela Panamericana de Arte (Buenos Aires, 1989). Premio Pléyade (otorgado por la Asociación Argentina de Editores de Revistas, 1990). Silver Clio, premio en ilustración (International Clio Awards, Nueva York, Estados Unidos, 1993). Premio Caran D’Ache al mejor dibujante (Roma, Italia, 1995).

Desarrolló seminarios en institutos, escuelas y universidades de su país y también en Poitiers y Angouleme (Francia), Oslo (Noruega) y Londres (Inglaterra).

Realizó en Buenos Aires los murales que decoran la estación “Venezuela” de la línea de metro H, y la estación “Congreso” de línea de metro A.

En París, Francia, realizó exposiciones individuales en la galería Maghen, en enero de 2008, Galería Barbier & Mathon, diciembre de 2011, y Champaka en abril de 2014, y en su homónima de Bruselas, Bélgica.

En el año 2012 obtuvo el Premio Konex de platino al mejor ilustrador de la década en la categoría artes visuales. Segundo premio salón Nacional de Dibujo año 2013, Buenos Aires, Argentina.

En el año 2014 se publicó en Francia Rapport Visuel sur la Ville de Buenos Aires et ses Environs, y fue invitado a exponer en la “American Illustrators Society” de Nueva York, junto con Bill Plympton y Peter De Séve. En 2016 publica en Francia Tropikal Mambo, novela gráfica policial que encubre una reflexión sobre el oficio de dibujar.

Hotel de las Ideas prensa@hoteldelasideas.com

Residencia de Escritores Malba

Ya abrió la convocatoria para participar de una nueva edición de la Residencia de Escritores Malba

Se seleccionarán tres autores extranjeros que durante cinco semanas trabajarán en Buenos Aires en un proyecto propio dentro de la escena cultural local. Dos residentes serán elegidos de cualquier parte del mundo y, gracias al Programa REM+AC/E, se elegirá un tercer participante de España. La convocatoria para las tres estadías está abierta a través de la web de la REM hasta el 15 de noviembre.

Malba anuncia la apertura de la cuarta convocatoria de la Residencia de Escritores Malba (REM), dirigida a escritores extranjeros que quieran ampliar su desarrollo artístico y profe-

sional, viviendo cinco semanas en la Ciudad de Buenos Aires. Las residencias se realizarán durante los meses de abrilmayo; agosto-septiembre (autor/a español) y octubrenoviembre 2023. La convocatoria se encuentra abierta hasta el 15 de noviembre en la nueva página de la REM: https://rem.malba.org.ar/

El comité honorario que estará a cargo de la selección de los autores está integrado por John M. Coetzee (Premio Nobel de Literatura, Sudáfrica); M. Soledad Costantini (Directora de Malba Literatura, Argentina); Christian Lund (Director del Louisiana Literature Festival, Di-

En las últimas ediciones de la REM se recibieron 700 aplicaciones de escritores de 35 países. Los autores participantes en 2018 fueron Fiona Sze-Lorrain (Singapur, 1980) y Mercedes Cebrián (Madrid, 1971); en 2019 Luisa Geisler (Canoas, 1991), Javier Montes (Madrid, 1976) y Daniel Saldaña París (Ciudad de México, 1984) y en 2022, Carolina Sanín (Bogotá,1973), Tehila Hakimi (Tel Aviv, 1982) y Juan Vico (Badalona, 1975).

namarca); Cristina Fuentes La Roche (Directora Internacional del Festival Hay, Reino Unido) y Santiago Tobón (Director de editorial Sexto Piso, España).

La REM propone una experiencia urbana que permite el contacto con diversas manifestaciones culturales de la ciudad y es una plataforma que promueve redes de colaboración artística. La REM se constituye como un foro de diálogo y creación literaria. No sólo a través de la presencia de escritores y especialistas de prestigio residiendo en el país, sino también por medio de un programa de actividades y eventos que se desarrollan anualmente y que tienen a la Residencia como el principal gestor y promotor de redes de trabajo.

La Residencia en 2023 volverá a desarrollarse en un antiguo edificio de la calle Paraguay, en el barrio de Palermo.

rán tener al menos tres libros publicados de cualquier género: novela, cuento, poesía, literatura infantojuvenil, no-ficción literaria. No serán considerados los papers académicos ni las obras auto-publicadas.

-No tener la ciudadanía argentina ni ser residente en el país.

-En caso de no ser hispanohablante, es deseable (pero no es una condición excluyente) que alguna de las obras del autor esté traducidas al español.

-El autor en residencia se compromete a dedicar su tiempo en Buenos Aires a trabajar en un manuscrito.

-Un jurado de expertos seleccionará anualmente a los participantes de la REM.

del programa. Para autores bajo el programa REM+ AC/E será de € 500.

-Seguro internacional de viajero durante su estadía.

-Tarjeta Malba que permite el acceso irrestricto a las actividades programadas por el museo: salas de exposición, programación de cine, literatura y descuentos en la tienda y el restaurante.

-Tres actividades públicas organizadas por la Residencia en el museo y/o instituciones afines destinadas a difundir la obra del autor invitado, como parte de su agenda en la ciudad.

Junto con Ediciones Ampersand –socio institucional de la REM–se organizarán diferentes actividades en Malba y en Casa Cavia en torno a la obra de los autores seleccionados a su llegada a Buenos Aires.

La posibilidad de que uno de los tres seleccionados sea de nacionalidad española surge del objetivo común de la Residencia de Escritores Malba y de Acción Cultural Española (AC/E) de favorecer la internacionalización de los creadores de España y Argentina, y construir puentes de colaboración con autores, editores y gestores de ambos países.

Selección de los participantes

-Los autores interesados debe-

-Es importante que los aplicantes sean independientes y puedan desplazarse por la ciudad de forma autónoma.

-La Residencia invita a los residentes a producir un texto breve (1.000 palabras) en su estadía para ser publicado en la página web del museo.

Beneficios para los participantes

-Pasajes correspondientes al traslado del escritor seleccionado desde su ciudad de origen hasta Buenos Aires, así como el pasaje de regreso.

-Un departamento amueblado para su alojamiento y el desarrollo de sus actividades durante la estadía.

-Un estipendio de U$S 500 destinado a colaborar con gastos diversos durante la duración

-Tickets para diversas manifestaciones culturales y un calendario sugerido de actividades en instituciones locales de referencia, a través del cual los participantes podrán conocer la agenda cultural de la Ciudad.

+info y aplicación: www.rem.malba.org.ar

La Residencia de Escritores Malba (REM) es una iniciativa de Malba Literatura. Cuenta con la colaboración de Ediciones Ampersand como socio institucional, cuenta con el programa anual REM + AC/E Acción Cultural Española y el apoyo de Mecenazgo Cultural del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires.

Coordinación REM: Magdalena Arrupe.

Contacto de Prensa: Julieta Correa jcorrea@malba.org.ar

"Smoky. Relato de muerte, exilio y terror"

Smoky nos permite descubrir a un narrador prodigioso, dueño de una impresionante imaginación y escritura. Andrés Vaccari, quien deslumbró a sus lectores anteriormente con su libro de cuentos “El enjambre y las sombras” y su novela “La pasión de Descartes”, vuelve a hacerlo ahora con esta novela de alto impacto donde se nutre de los géneros policiales, de terror y gótico, para contarnos una Argentina reciente desde un lejano país.

Una familia intenta rehacer su vida en el exilio. Pero una serie de brutales asesinatos sacudirán la tranquilidad de su nuevo hogar.

¿Qué responsabilidad tenemos frente a los crímenes de nuestros antepasados? ¿De qué modos nos acechan los horrores de la historia? ¿Hay manera de salir indemnes?

Escapando de la última dictadura militar, una familia argentina emigra a Australia para recomenzar. Allí harán todo lo posible para preservar la inocencia de Ramiro, su único hijo. Pero a medida que el tiempo pasa el mundo que se esconde detrás de lo cotidiano se comienza a revelar

penso con un creciente clima de tensión. Inicialmente el relato se perfila como una historia de inmigrantes, pero, a medida que avanza la trama, va cobrando tonos fantásticos. Smoky se nutre de varios géneros: policial, gótico y terror.

Smoky nos permite descubrir a un narrador prodigioso, dueño de una impresionante imaginación y escritura. Andrés Vaccari, quien deslumbró a sus lectores anteriormente con su libro de cuentos “El enjambre y las sombras” y su novela “La pasión de Descartes”.

Smoky - Relato de muerte, exilio y terror

De Andrés Vaccari

Borde Perdido Ed.

274 pág.

ISBN 978-987-8479-06-4

Los primeros problemas aparecen junto con la llegada de Smoky, una perra que sigue a Ramiro desde la escuela hasta su casa. Una criatura maloliente que los otros perros eluden. A pesar de todo, la familia la adopta y con los años se vuelve parte de sus vidas. Ramiro crece y con el despertar de la adolescencia también se despiertan las dudas: ¿Por qué se fueron de Argentina? ¿Por qué papá no quiere volver? Con estos interrogantes la fachada de normalidad se desmorona. La familia entra en crisis, se suceden los infortunios. Smoky se vuelve agresiva y se escapa. Días después, una serie de asesinatos sacude la tranquilidad de los suburbios. Crecen los rumores: los asesinatos son causados por una extraña y despiadada criatura que se esconde en el Parque Nacional.

Smoky es una novela de sus-

Andrés Vaccari es Doctor en Filosofía por Macquarie University (Australia), Investigador Adjunto del CONICET y profesor en la Universidad Nacional de Río Negro. Es autor de Robotomy (Saturn Press, 1997), El enjambre y las sombras (Premio Juan Ojeda/EMB, 2017), La pasión de Descartes (Barenhaus, 2019), Filiberto y Sofía: Metahistoria de amor multidimensional (Premio FER Dramaturgia 2019) e Informe sinnúmero sobre una eventualidad corriente (Premio Con/Texto Tipea 2020). Sus cuentos en inglés y artículos académicos han aparecido en varias revistas internacionales. Fue colaborador habitual en The Sydney Morning Herald, The Australian y otros medios australianos. También editó y publicó una revista de ficción, poesía y ensayos (Abaddon: A Journal of the Imaginary , tres números, 1997-2000).

Artes plásticas

EXPOSICIÓN: “Antes que las palabras” de Daniel Karp

Antes que las palabras hace referencia al acto de conocer propio del ser humano: ver antes de poder nombrar. Un día Daniel nos comentó “hago las imágenes jugando, no las pienso antes, hay palabras difusas, una visión anterior a la palabra”. Entonces, nuestra propuesta fue ofrecerle el espacio de la Gale-

ría para que se divierta.

Las posibilidades que brindan las nuevas herramientas, sumadas a su trayectoria en el cine, la música y la arquitectura, dan como resultado la exposición de collages digitales que estamos inaugurando. De algún modo, las obras reflejan la libertad que

tiene un artista de expresarse sobre aquellas cosas que aún no tienen nombre. Esta exposición es un acercamiento al hacer del artista, a su oficio. Daniel construye los escenarios de sus obras con su material fotográfico y otros personajes/elementos tomados de la cultura visual. Hay, quizás,

en su hacer algo de la actitud de la postproducción de la que habla Bourriaud: conjuga materia prima con elementos ya creados y produce otras formas de representación.

Palabras del artista

No utilizo un concepto preconcebido porque siento que impone y por tanto limita. Juego en los bordes entre la escenificación y el espejo de realidad al que la fotografía nos acostumbró por más de un siglo.

Merodeo en los intersticios entre lo verdadero y lo falso, lo imaginario y lo real.

Confirmo la sospecha sobre la veracidad de la visión. El sol no sube ni baja, somos nosotros quienes nos movemos.

Utilizo la fotografía como un pincel que deja estampado un trozo de imagen sobre el papel.

Voy trabajando todo ese material de la manera en que un músico compone o un escritor escribe y me detengo cuando se abre una puerta y la imagen funciona como una invitación hacia lugares donde quien entra pueda deambular y dejarse perder libremente, soltar el ancla y disfrutar un momento de libertad.

Un pensamiento motriz....

Considero que la belleza es hoy un acto de resistencia. Por ser simultáneamente objeto y estado de conciencia subjetivo es forma cuando la juzgamos y vida cuando la sentimos.

Al no ser lo bello una cualidad inherente a las cosas sino una que la conciencia incorpora a las cosas, esto (la belleza) se extin-

guiría si la humanidad desapareciera. Por ello, a los artistas nos horroriza la guerra.

Mantener la cualidad mutable, evolutiva de la conciencia de lo bello es continuar la vida, mantener activa la pulsión del sentir.

El arte del pasaje Daniel Karp en Revista LivingEdición octubre

"Las nuevas herramientas digitales han convertido a la fotografía en un arte plástico, en el sentido de permitirle ser un material moldeable", nos dice el fotógrafo Daniel Karp a propósito de Antes que las palabras, la muestra que realizará en la icónica Galería Jacques Martínez. Dueño de una trayectoria que incluye un pasaje por la facultad de Arquitectura (un amor que no cesa), su trabajo como director de fotografía en grandes títulos del cine nacional (Camila, de María Luisa Bemberg, por caso) y una larga estadía en Hollywood, su mirada profunda está atravesada también por la música y la literatura "La posibilidad que tiene un artista es

la de expresar aquellas cosas para las que no se tiene un nombre exacto que las designe". Una invitación a acercarnos a esas verdades silenciosas.

Sobre Daniel Karp www.danielkarp.com

Con formación en arquitectura, teatro y música, trabaja en el campo de la imagen y la narrativa desde 1974, participando en la realización de films nacionales, exponiendo su trabajo artístico y realizando publicaciones de fotografías y textos narrativos. Durante los años 1999 y 2000 residió en la ciudad de Santiago de Chile y desde 2001 al 2010 en la ciudad de Los Angeles-California.

Sobre la Galería

Horarios de visita: lunes a viernes de 14 a 19 horas con cita previa. Reservar turno a través de la página web o vía mail. Teléfonos: 011 52225381 / 011 15 3589 2701

www.galeriajacquesmartinez.c om

CUANDO LA TIERRA HABLA: LAS ARTESANÍAS TUVIERON SU GRAN NOCHE EN LA CASA DE LA CULTURA

En un marco de fiesta y emoción quedó inaugurada el pasado 19 de octubre la muestra con los ganadores del Concurso de Artesanías 2022 del Fondo Nacional de las Artes

"Mari mari pu peñi mari mari pu lagmien" ("Buenos días hermanos y hermanas"). En lengua ranquel, el pampeano Juan Pérez, ganador del Gran Premio Adquisición del Concurso de Artesanías FNA 2022 se dirigió a las autoridades del Fondo Nacional de las Artes y a la nutrida concurrencia que acompañó la inauguración de la muestra y la entrega de diplomas en la Casa de la Cultura (Rufino de Elizalde 2831). Así, las culturas regionales de todo el país no solo quedaron representadas en las 39 piezas que se lucen en la sala con un montaje audaz y contemporáneo sino que se hicieron presentes vivas y con todo el peso histórico de cada comunidad. De tal manera que, en el cierre del acto, la cantante chaqueña Charo Bogarín interpretó una canción de cuna toba que terminó de definir el espíritu de la convocatoria. La convicción de que las artesanías y las expresiones originarias tienen el mismo valor que las artes visuales y deben ser visibilizadas en un mismo plano tal como expresaron a su turno la presidenta del FNA, Diana

Saiegh y Alicia Santaló, quien desde el Directorio del organismo tuvo a su cargo la organización del concurso y la

Juan Perez, Machi Ranquel, Ceramica y alpaca, 42 cm x 20 cm x 16 cm, Santa Rosa, La Pampa

muestra que se podrá visitar hasta el 20 de noviembre. Saiegh manifestó: "Trabajar en este concurso nos enseñó la

deuda enorme que tenemos. Queda mucho por escuchar, ver y aprender de estas expresiones genuinas y auténticas de nuestra cultura que no debe quedar rezagada".

Interrumpido por la pandemia, el Concurso de Artesanías volvió con renovada fuerza en 2022. Alicia Santaló destacó que el jurado se vio desbordado por la respuesta de mil artesanos de todo el país y que se tuvo que hacer una preselección de 350 piezas hasta llegar a los ganadores con representación de las cinco regiones del país en que fue dividido el concurso. Varios de los premiados se acercaron a recibir su diploma en el jardín de la Casa de la Cultura. El Gran Premio Adquisición Juan Pérez, los Pre-

mios Regionales Adquisición Oscar Lagarejos (Buenos Aires) y Lucas Oviedo (Santa Fe); los Premios Especiales Adriana Lara Beltzer (Entre Ríos) y Luciano Polverigiani (Buenos Aires) y los Premios Estímulo Florencia Aparicio (Buenos Aires), Fabiana Berghole (CABA), María Lourdes Chicco Ruíz (Jujuy), Fernanda Dahbar (Catamarca) y Dolores Mallea (CABA).

Entre el público se dieron cita Sebastián Berardi (Ministerio de Cultura de la Nación), el Secretario de Estado de Cultura de la provincia de Río Negro Ariel Avalos, el Senador Provincial Juan Alberto Martínez y Rosa Aiello, Ignacio Hernaiz, Juan Lo Bianco y Gachi Prieto del Directorio del FNA.

Susana Beatriz Biondi Ojitos de mi pacha_ Arcilla 23 cm alto x 34 cm diametro, Viedma, Rio Negro

Como dijo el ranquel Pérez ayer: "El arte indígena está vivo". Y las puertas de nuestra Casa de la Cultura abiertas para mostrarlo.

SE EXHIBEN LAS OBRAS PREMIADAS Y SELECCIONADAS EN EL CONCURSO NACIONAL DE ARTESANÍAS 2022

39 piezas de artesanas y artesanos de todas las regiones del país.

El Fondo Nacional de las Artes exhibe en la Casa de la Cultura (Rufino de Elizalde 2831) las obras ganadoras y seleccionadas en el tradicional Concurso Nacional de Artesanías que, en su edición 2022, otorga la mayor cantidad

de premios en su historia.

Tras una convocatoria en la que habiendo superado todas las expectativas se presentaron casi mil postulantes, el jurado -que estuvo conformado por Lucia Cardini, Lucila Galíndez, Cristian Mohaded, Diana Rolandi y Carolina Sampor y coordinado por la directora del área del FNA Arq. Alicia Santaló-, seleccionó piezas de artesanos y artesanas de todo el país.

La selección, que se compone de 39 piezas en telar, maderas, plata, cerámica, arcillas locales, alpaca, randa, cuero, fieltro y gres, entre otros materiales, fue realizada por regiones. El Gran Premio Adquisición fue otorgado a Juan Pérez (La Pampa) por su obra Machi Ranquel . Oscar Lagarejos (Buenos Aires), Lucas Oviedo (Santa Fe),

Pedro Jose Maria Galvan Vargas Vasija sahumadora_ Ceramica 35 cm x 33 cm x 30 cm Ciudad de Santiago del Estero, Santiago del Estero

Ana María Toledo (Tucumán), Jessica Chara (Chaco) y Susana Biondi (Río Negro) recibieron los cinco Premios Regionales, en tanto que Juan Pablo Müller (San Luis), Nilda Lazarte (Tucumán), Adriana Lara Beltzer (Entre Ríos), Luciano Polverigiani (Buenos Aires)y Rocío Villagra (Catamarca) obtuvieron los cinco Premios Especiales. Además, en esta edición, se incorporó la categoría Premios Estímulo que también forman parte de la muestra. El listado completo se puede consultar en el sitio web del FNA.

cional 2022 no estableció diferencias entre las categorías tradicional y contemporáneo con el objeto de visibilizar sin otra distinción que la excelencia las expresiones populares que sostienen la memoria identitaria de los argentinos.

El FNA cerca de los artistas, sostiene cultura.

Hasta el domingo 20 de noviembre Casa de la Cultura del Fondo Nacional de las Artes Rufino de Elizalde 2831

Jueves a domingos de 14 a 19. Entrada gratuita

El Gran Premio Nacional y los Premios Regionales pasarán a formar parte del acervo del FNA, conformado por más de mil objetos de todas las culturas del país. En relación con las ediciones anteriores, el Concurso Na-

Redes: Instagram, Facebook, Twitter: @fnaargentina Web: fnartes.gob.ar Contacto de prensa FNA Ariana Ponzo aponzo@fnartes.gob.ar

El MUMART de La Plata recibe dos obras en donación

El Museo Municipal de Arte incorpora a su patrimonio obras de dos artistas platenses, se trata de una escultura de Norma Noemí Alarcón y una pintura de Marisol Vicente.

Norma Noemí Alarcón incursiona en múltiples disciplinas como pintura, escultura y telar, aplicando diferentes técnicas, materiales y formatos. Desde 2005 hasta la fecha, participa en muestras colectivas y presentaciones individuales, así como también en simposios nacionales e internacionales en muchos casos con creación de obra en vivo. La obra donada al MUMART por la artista, es una escultura Sin título. Técnica: soldadura, acero al carbono. Medidas 60cm. de alto por 50cm de ancho 10cm de espesor. Año de realización 2022.

Por su parte Marisol Vicente dona una obra de su serie “Habitar la incertidumbre”. Técnica mixta, acrílico y lacas. Medidas 140cm. por 140cm.

Más conocida en nuestra ciudad como Sol Vicente, la artista se caracteriza por experimentar con diversas técnicas y en sus “Manchas” maneja una amplia paleta de colores para expresarse a través del arte abstracto.

El Museo Municipal de ArteMUMART- agradece esta donación ya que, la ampliación del acervo patrimonial per-

mite presentar en futuras muestras, un panorama más amplio del trabajo de la comunidad artística de nuestra ciudad.

Donacion Alarcón

Donacion Vicente

Secretaría de Cultura y Educación Municipalidad de La Plata. Oficina de prensa y Comunicación.

www.cultura.laplata.gov.ar

Museos

arteBA 2022

Cinco nuevas obras para la Colección Malba

Malba anuncia la adquisición de cinco nuevas obras para su Colección: Ajedrez proletario de Edgardo Antonio Vigo (La Plata, 1928 – 1997); Sin título, C y C, la saga de Claudia del Río (Rosario, 1957) y Tiro al parto de Florencia Rodríguez Giles (Buenos Aires, 1978).

La obra Ajedrez proletario (1983-1987) de Edgardo Antonio Vigo retoma el juego de ajedrez de Duchamp para inscribirlo en una tradición obrera sin distinción de jerarquía entre las piezas. Por un total de 35.360 dólares la incorporación de la obra de Vigo fue posible gracias a los fondos aportados por el Comité de Adquisiciones del museo.

“Vigo retomó el juego de ajedrez para inscribirlo en una tradición obrera dado que las piezas son exclusivamente peones. Eliminó las categorías entre las fichas y la posibilidad de que sean ‘comidas’ por las de más jerarquía. Además, en términos materiales

Edgardo Antonio Vigo (La Plata, 1928 – 1997)

Ajedrez proletario 1983-1987 madera tallada y baldosa, 40 x 40 x 31 cm Galería MCMC

el artista trabaja con elementos ‘pobres’, estableciendo así una continuación temática: el tablero es una baldosa, las demarcaciones están realizadas con tiza y las piezas son elementos de tornería”, explica Marita García, Curadora en Jefe del Malba.

La pieza se inscribe en el conjunto de obras ‘políticas’ de la

Colección Malba donde se destaca Manifestación de Antonio Berni, hoy exhibida en Tercer ojo en el núcleo Transformar lo social, junto con Elevador social de Rubens Gerchman y los retratos del Che Guevarra de Claudio Tozzi; la serie de afiches sobre la reforma agraria del artista peruano Jesús Ruiz Durand y Exclusión de Pablo Suárez.

En el marco de la feria, ingresan al acervo del museo tres artistas argentinos: Edgardo Antonio Vigo, Claudia del Río y Florencia Rodríguez Giles

Gracias a la donación de USD 5.000 (cinco mil dólares) del Comité de Adquisiciones, también se compró Tiro al parto (20202021) de Florencia Rodríguez Giles. La pieza forma parte de una instalación de siete dibujos en lápiz sobre papel que problematiza la maternidad y la vinculación de un cuerpo más cercano a lo deforme que al

cuerpo normado.

Florencia Rodríguez Giles establece vasos comunicantes entre el dibujo y prácticas artísticas y terapéuticas. Su producción indaga en la expansión de la imaginación y la mutación de las formas de vida a partir de un trabajo sobre el cuerpo y la reflexión sobre la corporalidad

desde una perspectiva no descriptiva.

Donación ICBC

Por octavo año consecutivo y gracias a la donación de USD 8.000 (ocho mil dólares) por parte de ICBC Argentina, Malba adquirió en la galería argentina Walden tres collages de la artista rosarina Claudia Del Río (1957).

Artista multidisciplinaria, Claudia Del Río ingresa así a la Colección del museo con tres obras que continúan acrecentando la representación de artistas mujeres en su acervo; reforzando el compromiso con el arte contemporáneo.

Los collage son parte de la serie de más largo aliento en la que viene trabajando la artista desde el año 1995: Coca-Cola es un ejército. Esa serie dio lugar a otras en donde los fragmentos de las publicidades norteamericanas de los años cincuenta y sesenta se distribuyen para generar distintas situaciones. La imagen de la gaseosa avanzó en la obra de la artista de distintas formas tanto con el color y la tipografía, así como con el material de la lata.

MALBA Museo de Arte Latinoamericano de BA Av. Figueroa

3415 Capital Federal | ARGENTINA 54 11 4808 6500 info@malba.org.ar http://www.malba.org.ar www.asociacion@malba.org.ar

Florencia Rodríguez Giles (La Plata, 1928 – 1997)

Claudia

El Bellas Artes recibe en donación de parte del BBVA Argentina El legado del artista Libero Badii

El Museo Nacional de Bellas Artes presentó el pasado lunes 24 de octubre la donación de un cuerpo de obra formado por cientos de piezas de Libero Badii, figura emblemática del arte argentino del siglo XX, que

se incorporarán a la colección institucional gracias a la generosa donación de BBVA en Argentina.

El legado de Libero Badii (Arezzo, Italia, 1916-Buenos

Aires, Argentina, 2001) comprende pinturas, esculturas, grabados, cerámicas, dibujos y documentos del artista, producidos entre las décadas de 1940 y 1980. Este importante conjunto incluye, entre otras piezas

fundamentales de su producción, las esculturas “El punto” (1967), “Ariadna” (1969), “Testamento artístico” (1974) y “La madre” (1976), obra que se exhibirá en el hall central del Museo, a modo de presentación de la donación, desde el martes 25 de octubre.

“Para el Museo Nacional de Bellas Artes, es un honor y una gran responsabilidad recibir esta donación extraordinaria expresó el director de la institución, Andrés Duprat . Somos conscientes de formar parte de una institución que se ha convertido en un faro para la cultura argentina y de la región, por haber reunido, a lo largo de los años, un patrimonio invaluable, construido en parte gracias a importantes donaciones como la que se realiza en esta oportunidad”. “Con dicha acción, estas obras pasan a integrar el acervo del Museo, lo que permitirá aumentar su visibilidad y acceso para investigadores, estudiantes y público general interesados en la producción de este relevante artista”, agregó.

"El arte tiene mucho más valor cuando se encuentra al alcance de todas las personas y puede ser observado e interpretado de múltiples maneras. Por eso, para nosotros en BBVA, es un honor poder donar esta valiosa obra del maestro Libero Badii al prestigioso Museo Nacional de Bellas Artes. Consideramos que esta obra merecía formar parte del patrimonio público nacional, para que toda la población pueda acceder a ella y disfrutar

de las innumerables piezas de esta importante colección. Con esta acción reforzamos así nuestro compromiso con la cultura y la comunidad”, afirmó Martín Zarich, presidente ejecutivo de BBVA en Argentina.

El Museo recibió el conjunto de obras en comodato en 2021 y,

desde entonces, avanza el proceso de catalogación y el registro en el Centro Cultural Borges, donde se ubica la Reserva-Taller Libero Badii. El total de este legado se estima, en números aproximados, en 135 esculturas, 72 pinturas, cerca de 100 grabados y otros tantos dibujos enmarcados, casi

200 carpetas de dibujos y grabados, 50 libros de artista y piezas de cerámica.

“Esta tarea se lleva adelante a través de un convenio específico con la cátedra de Conservación Museológica de la Universidad Nacional de las Artes (UNA), que posibilita que un grupo de alumnos colabore en las tareas de relevamiento, catalogación y registro visual de esta colección”, detalló Mariana Marchesi, directora artística del Bellas Artes. “ Concluir la catalogación añadió permitirá completar la próxima donación, ya que para realizar el ingreso de un bien cultural al Estado Nacional, se deben registrar todos sus datos técnicos así como dar fe de su estado de conservación”.

Este acervo contiene también

El director de la institución, Andrés Duprat habla en la inauguración.

obra gráfica de Badii (afiches, ilustraciones y bocetos), así como sus herramientas de trabajo, que integraron la colección de la Fundación BBVA Argentina durante más de treinta años. Este patrimonio, que se suma al corpus de 70 piezas del artista presentes en el Museo, permitirá completar los diversos períodos de su singular trayectoria. Además, este vasto fondo de obras convertirá al Bellas Artes en poseedor de la colección de Badii más completa del mundo.

“Valoramos especialmente la visión de la Fundación BBVA Argentina de haber conservado en su totalidad este valioso conjunto de obras de Badii, que pasará a integrar el patrimonio público nacional, gestionado por los equipos del Museo que ya se encuentran realizando la catalo-

gación y el inventariado de las piezas, con el profesionalismo y el cuidado que caracteriza al personal de nuestra institución”, explicó Duprat.

El anuncio formal de la próxima donación estuvo encabezado por Duprat, director del Museo, y Zarich, presidente ejecutivo de BBVA en Argentina, junto con parte del equipo de dirección de la entidad financiera.

También estuvo presente Ana Badii, hija del artista, y autoridades de la UNA y del Ministerio de Cultura de la Nación.

Sobre Libero Badii Nacido en Arezzo (Italia), se inició en la escultura en el taller de marmolería de su padre. Años después, radicado en Buenos Aires, continuó su formación con Carlos de la Cár-

cova y Ernesto Soto Avedaño.

Al finalizar sus estudios, inició un viaje por el norte argentino, que luego se extendió hacia Bolivia, Perú y Ecuador. América significó para él la posibilidad de abrirse hacia nuevos campos imaginativos que rompían con su formación académica. Dos años más tarde, visitó Francia, España e Italia. En pos de un lenguaje plástico propio que renovara la tradición artística, sus obras son el resultado del cruce entre las formas del arte prehispánico y el lenguaje de las vanguardias europeas de la primera mitad del siglo XX.

A finales de la década del 60, comenzó a desarrollar el concepto de “lo siniestro”, como una forma de concebir la producción artística opuesta a “lo clásico”, entendido como los fundamentos estéticos heredados de los grandes maestros. A

comienzos de los 70, continuó elaborando esta idea, que empezó a asociar a lo americano, y se materializó en obras construidas a partir de maderas ensambladas y policromadas con colores puros y contrastantes.

Falleció en Buenos Aires el 11 de febrero de 2001, a los 85 años de edad. Su obra forma parte de colecciones nacionales e internacionales, como las del Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires, el Museo de Arte Moderno de Nueva York y el Museo de Arte Moderno de París, entre otras.

Sobre “La madre”, escultura exhibida en el hall del Bellas Artes

En la escultura “La madre”, de 1976, Badii vuelve sobre una iconografía recurrente en la historia del arte y central en su trayectoria. Es posible trazar

una continuidad entre ella y piezas como “La fecunda”, de 1953 (patrimonio del Bellas Artes desde 1956). En ambas, la estructura piramidal las ancla dentro de la tradición prehispánica de la representación de las deidades de la fertilidad, tanto humana como de la tierra, y de allí, con el mito del origen del mundo. Aquella tradición que también continuaría en el arte cristiano colonial, en la fórmula de la virgen-cerro. Esta red de asociaciones a imágenes ancestrales, combinada con un proceso de abstracción que se vale de múltiples bocetos y dibujos, resulta en una figuración de connotaciones universales.

Museo Nacional de Bellas Artes

Ministerio de Cultura de la Nación Av. del Libertador 1473, Buenos Aires

MUSEO NACIONAL DEL CABILDO Y DE LA REVOLUCIÓN DEL MAYO

EXPOSICIÓN Léonie Matthis - Nómade -

Curaduría: Jimena Ferreiro

El Museo Nacional del Cabildo y de la Revolución del Mayo inauguró la exposición Léonie Matthis - Nómade, el pasado jueves 29 de septiembre.

La exposición recorre en clave feminista la prolífica obra de la artista francesa radicada en Argentina Léonie Matthis (Troyes,

Francia 1883-Turdera, Argentina 1952). Con la curaduría de Jimena Ferreiro, la asistencia curatorial de Florencia Baliña y María Laura Pérez Veronesi, y el acompañamiento del equipo del Museo Nacional del Cabildo y la Dirección Nacional de Museos, la exhibición reúne un conjunto de pinturas, grabados, dibujos,

bocetos, fotografías y documentos provenientes del acervo familiar y de las colecciones del Museo Nacional del Cabildo y del Museo Histórico Cornelio de Saavedra.

Artista moderna, intuitiva y gestual, Matthis encontró un lenguaje propio a través de un

manejo muy personal del color. Nómade aborda su avidez por la investigación y el conocimiento del pasado local, sus exploraciones por los paisajes de la Argentina y de América del Sur, su formación y su método de trabajo, y ciertos aspectos domésticos y familiares que atravesaron su vida cotidiana.

En el marco de la exposición, Paula Léonie Vergottini y Agustín D’Ambrosio fueron invitados a desplegar en una instalación (Prelum typographicum guaranicorum) su investigación en torno a la historia de la imprenta en las misiones jesuíticas, que toma como punto de partida la pintura de Matthis dedicada al tema que podrá verse en sala. También fue convocada la historiadora del arte feminista Georgina Gluzman, para producir una pieza audiovisual que cruza el archivo, la investigación académica y el género espistolar.

Del 29 de septiembre de 2022 al 26 de marzo de 2023 Miércoles a domingos de 10.30 a 18 hs Museo Nacional del Cabildo de Buenos Aires y de la Revolución de Mayo (Bolívar 65, CABA) @cabildonacional

@museosypatrimonionacion

@culturanacionar

@jimena.ferreiro

@georginagluzman @barriosur.ar

Contacto Maria Laura Perez Veronesi lauracomunicacionoe@gmail.c om

El Bellas Artes presenta Una celebración a Graciela Taquini

Llega al Museo una nueva muestra temporaria, con dos obras de la artista argentina que se incorporan al acervo público.

El pasado martes 18 de octubre, el Museo Nacional de Bellas Artes inauguró la exposición “Una celebración a Graciela Taquini”, en la que se presentarán dos obras de la artista argentina, realizadas en diferentes períodos, que se incorporarán a la colección institucional.

Se trata del video “Lo sublime/banal”, una obra clave en la producción de Taquini –con la que obtuvo el primer premio del prestigioso Festival Videobrasil en 2005–, y la instalación lumínica “¿Hay arte?”, creada por la artista en 2022. Ambas obras, donadas por la artista al Museo, se exhibirán hasta el 20 de noviembre en la sala 42 del segundo piso.

“Graciela Taquini es una artista que se mueve con fluidez y virtuosismo en dos registros simul-

táneos”, afirma el director del Museo, Andrés Duprat. “Por un lado, su formación en Historia del Arte y su labor como curadora aportan a su obra un robusto marco teórico. Por otro lado, maneja con destreza y libertad una cuerda poética que otorga a su trabajo fantasía y desparpajo. Así, sus obras transitan por un territorio ambiguo y polivalente”, agrega.

“En ‘Lo sublime/banal’, una situación doméstica y una conversación de entrecasa sirven de

excusa para abordar una historia con múltiples pliegues y abismos temporales, en los que realidad y ficción construyen una trama deliciosa (como el postre que preparan las protagonistas), en torno a un encuentro fortuito con Julio Cortázar en París durante los años 70”, explica Duprat sobre una de las obras exhibidas.

La segunda de las obras que integran la muestra, “¿Hay arte?”, es una instalación lumínica creada por Taquini en 2022. Inspirándose en el filósofo Nelson Goodman quien cuestionó la tradicional pregunta “¿qué es el arte?” con otra: “¿cuándo hay arte?” , aquí la artista interpela al espectador con interrogantes que encierran un complejo debate en el mundo del arte.

Buenos Aires. Pionera del videoarte y del trabajo con nuevos medios, sus obras forman parte de colecciones nacionales e internacionales de Latinoamérica y Europa.

En 2011 se llevó a cabo su muestra antológica “Grata con otros” en la Sala Cronopios del Centro Cultural Recoleta. Al año siguiente, la exposición se replicó en el Espacio de Arte Contemporáneo (EAC) de Montevideo, Uruguay.

personalidad destacada de la Universidad de Buenos Aires (2021).

Es miembro de número de la Academia Nacional de Bellas Artes desde 2013.

Sobre Graciela Taquini

Buenos Aires, 1941

Artista, historiadora, gestora y curadora. Vive y trabaja en Buenos Aires.

La muestra “Destino.2” se presentó, en 2018, en el Centro Cultural de España en Montevideo. Ese mismo año, estrenó su primer largometraje de ficción, “La obra secreta”.

“Una celebración a Graciela Taquini” podrá visitarse hasta el 20 de noviembre en el segundo piso. El Museo Nacional de Bellas Artes, que depende del Ministerio de Cultura de la Nación y cuenta con el apoyo de Amigos del Bellas Artes, está ubicado en Av. del Libertador 1473 (Ciudad de Buenos Aires) y abre sus puertas de martes a viernes, de 11 a 20, y sábado y domingo, de 10 a 20. La entrada es libre y gratuita.

Se graduó como profesora y licenciada en Historia de las Artes en la Facultad de Filosofía y Letras, de la Universidad de

Obtuvo numerosos premios, como el Konex de Platino (2012) en la disciplina videoarte y el Gran Premio del Salón Nacional de Artes Visuales en la categoría nuevos soportes (2014). Fue distinguida como

Museo Nacional de Bellas Artes

Ministerio de Cultura de la Nación Av. del Libertador 1473, Buenos Aires https://www.bellasartes.gob.ar

Exposición de obras restauradas en la Cámara de Diputados de la Provincia de Buenos Aires

El Museo Pettoruti inaugura una exposición en la Cámara de Diputados de la Provincia de Buenos Aires

El Instituto Cultural presenta esta muestra compuesta por tres obras invaluables de la colección provincial, restauradas recientemente por medio del programa “Conserving Canvas”.

El Museo Provincial de Bellas

Artes expone desde el pasado jueves 27 de agosto tres obras restauradas de su colección en el Salón de los Pasos Perdidos de la Honorable Cámara de Diputados de la Provincia. La inauguración forma parte de las actividades impulsadas por el Instituto Cultural de la Provincia de Buenos Aires.

ser restauradas en el Centro TAREA-UNSAM, gracias al apoyo del Getty Institute de Nueva York, en el marco del programa “Conserving Canvas” que culmina su primera edición en Argentina con esta exposición.

Estas tres importantes obras de la Colección del Pettoruti regresan a La Plata después de

Las obras, El embarque de Colón al Puerto de Palos de Ricardo Balaca y Orejas Canseco, Muchachas en el baño de Francisco Vidal y Figura

de Lino Enea Spilimbergo, son invaluables piezas que forman parte del patrimonio artístico, el más importante de la Provincia de Buenos Aires. Su exposición y restauración es un evento histórico sin precedentes que se enmarca en los 100 años del Museo con tres recuperaciones clave para la reconstrucción de su historia.

En la exposición, podrán verse las obras y parte del proceso de restauración e investigación interdisciplinaria que llevó la puesta en valor. Estuvieron presentes en la inauguración de la exposición autoridades provinciales, nacionales e internacionales y todos los participantes que contribuyeron al trabajo.

Museo Provincial de Bellas Artes Emilio Pettoruti

51 n° 525, La Plata https://www.gba.gob.ar/museo _pettoruti

https://www.facebook.com/Mu seoProvincialBellasArtesEmilioPettoruti

https://www.instagram.com/mu seopettorzuti/ https://twitter.com/MuseoPettoruti

Música

Benito Cerati presenta

"

BUENOS DIAS AMOR"

Segundo sencillo que anticipa "Shasei", su primer disco solista.

BENITO CERATI está presentando nuevas canciones que adelantan su primer álbum en formato solista.

"Buenos días amor" es el segundo sencillo, más romántico y sentimental que su antecesor "Agujero negro", y fue elegido especialmente por BENITO para mostrar parte del abanico de colores musicales y estéticos que promete el track-list de "Shasei".

"Es una balada más tradicional, donde exploro la idea de querer estar junto a alguien y soñar con esa situación, pero a la vez sentirme imposibilitado de llevarlo a cabo debido a inseguridades o sensaciones similares; para contar esta historia jugué con los paralelismos de un “robot”. Musicalmente está inspirado en baladas ochentosas como las de Simple Minds o Roxette, y le agrego un toque personal: mi fascinación por el mundo de la opera y el trip hop" , cuenta Benito.

En "Buenos días amor" participan Alejandro Castellani (batería), Carlos Salas (percusión), Alfredo García Tau (guitarras y sintetizadores), Ramiro Flores (saxo y trombón), Federico Stuart (scratch), Constanza Rangoni (coros) y Benito en voz, teclados, programaciones y samplers.

"Shasei" es un disco inspirado en aventuras durante la adolescencia, en la intensidad de los primeros encuentros, en los errores cometidos, el paso del tiempo y la convivencia entre la naturaleza y la tecnología. A la hora de componer, BENITO se nutrió de la música ambient y de soundtracks de películas de espionaje, logrando un disco con un sonido barroco, con muchas capas espaciales, nocturnas y sensuales.

FICHA TÉCNICA "SHASEI"

Producido por Benito Cerati y

Estanislao López Grabado y mezclado en Estudio Unísono por Estanislao López. Asistentes: Luciano Gordillo & Martin Iglesia. Coach Vocal: Mavi Diaz Masterizado en Sterling Sound por Greg Calbi / Steve Fallone.

BENITO CERATI nació el 26 de noviembre de 1993 en Santiago de Chile. Creció en un ambiente rodeado de instrumentos y música, características que lo llevaron a construir su identidad artística casi desde su nacimiento.

A los 18 años formó Zero Kill, grupo con el que editó 4 álbumes, los dos primeros producidos por Tweety González: "Trip Tour", "Alien Head", "Unisex" y "Lapsus". Con la banda recorrió escenarios de Argentina y Latinoamérica, presentándose en festivales de renombre como Ruido Fest, Personal Fest, Lollapalooza y Vive Latino.

En el año 2014 estuvo nominado por primera vez a los Premios Gardel en la categoría "Mejor Album Nuevo Artista Pop" con su disco "Triptour", y en 2018 y 2020 con los discos "Unisex" y "Lapsus" -respectivamente- compitió en la categoría "Mejor Álbum Alterativo".

A lo largo de su carrera, BENITO ha colaborado con varios artistas, entre los que se encuentran Marilina Bertoldi, Marina Fagés, Paula Maffia, Lucy Patané, Richard Coleman, Leo García, Virus, Charly García, Adicta, Jay Mammón y Soda Stéreo. Además es coautor de las canciones de los discos "Ahí vamos" y "Fuerza Natural" de Gustavo Cerati.

El 2022 lo encuentra presentando nuevo material de "Shasei" el disco que abre su carrera solista.

CELINA CASSI Prensa y Comunicación celinacassiprensa@gmail.com

Video Benito Cerati - Buenos Días Amor (Official Video) https://youtu.be/sRCGjJtXJLQ

CLUB NOMADE presenta "No quiero ser virtual" Una exquisita canción compuesta en pandemia.

El proyecto encabezado por los uruguayos Roni Kripper y Marcelo Pardo lanzan un nuevo sencillo, compuesto y grabado a distancia por músicos del mundo durante la pandemia.

CLUB NÓMADE es un proyecto de música liderado por los músicos uruguayos Roni Kripper y Marcelo Pardo, con la participación de prestigiosos músicos de Uruguay, Argentina, Brasil, Estados Unidos e Israel, entre otros.

Se formó en 2017 con la idea de mezclar estilos musicales y sonidos de diferentes partes del mundo, concepto que siguen manteniendo hasta la fecha. Debutaron con el disco "Ruta Sur", cuyo tema "Naciendo voy" fue finalista del prestigioso concurso internacional "John Lennon Songwriting Contest".

En Argentina han trabajado con el productor Daniel García y en Latinoamérica con músicos de la talla de Mariano "Tiki" Cantero, Marcelo Torres, Mario Gusso y Facundo Cabrera.

"No quiero ser virtual" es el nuevo tema escrito y grabado durante la pandemia entre Lisboa, Buenos Aires y Denver, y cuenta con una importante producción de cuerdas e instrumentos de vientos, arreglados por el productor Daniel García y registrada en Buenos Aires.

El tema y el clip se enfocan en situaciones cotidianas y cómo la virtualidad ha cambiado nuestras formas de interactuar con otros y con uno mismo, todo esto, aumentado aún más, en la

vida de pandemia. Quizás irónicamente, el tema y el clip fueron mayormente grabados, editados y animados a distancia por músicos, y diseñadores viviendo en diferentes partes del mundo, algo que no sería posible sin ese componente virtual.

tiene su popular canal de instagram, seguido por miles de personas alrededor del mundo.

El trabajo de guión y producción fue complejo y extenso: se utilizó una mezcla de ilustraciones existentes y nuevas ilustraciones creadas especialmente para el clip, con el objetivo de reflejar situaciones cotidianas e historias de relaciones humanas dentro y fuera de la virtualidad. Robicheck y el equipo de Club Nómade unieron mágicamente las piezas de este rompecabe-

zas, tomando ilustraciones que fueron creadas originalmente como obras independientes, y creando una historia única y original, que a su vez retrata y acompaña la letra de la canción.

CELINA CASSI Prensa y Comunicación celinacassiprensa@gmail.com

Video Club Nomade - No quiero ser virtual (Video Oficial)

"No quiero ser virtual"

El video fue ilustrado por artista israeli Yuval Robichek y dirigido por Roni Kripper. Yuval tiene una extensa carrera en revistas y diarios internacionales, y man-

Daniel Drexler presenta su nuevo álbum La voz de la diosa entropía

Daniel Drexler da un paso al frente con La Voz de la Diosa Entropía, su noveno disco. Se trata de una colección de canciones nuevas en las que el artista uruguayo viaja entre la música del Río de la Plata y el pop, entre la calma y el caos, entre las relaciones humanas y la metafísica.

A lo largo de ocho sensibles composiciones propias, donde hay

candombe, reggae, pop, minimalismo y arreglos orquestales, Drexler va con absoluta naturalidad del baile a las dudas existenciales. La Voz de la Diosa Entropía cuenta con la participación especial de Kevin Johansen y del brasileño Vitor Ramil. El material será presentado en vivo con una gira que lo llevará por Uruguay, Brasil y Argentina este año, y por México y España en 2023.

“La ciencia tiene grandes leyes

que conforman una especie de Olimpo de dioses que rigen el universo. Entre todas esas deidades, hay una que me perturba particularmente, una ley que la mayoría de los científicos y filósofos considera la ley suprema, la única que no aceptaría discusión: la ley de la entropía, que hace referencia a la tendencia natural al desorden, al caos, a la ausencia de estructura. El propio universo estaría destinado así a un final de dispersión”, apunta Daniel Drexler.

¡Ya salió el video de la canción que le da nombre al disco! Feat. Kevin Johansen

Y sigue: “Sin embargo, la vida misma es un gran generador de orden, un titánico oponente a la ley de la entropía… Nuestro ADN en un sistema muy complejo que permite la maravilla de la existencia de algo tan complejo como un ser vivo. Lo logra con un éxito notable, pero también con un esfuerzo extenuante. Yo no digo que no sea importante hacer el esfuerzo diario por ordenar nuestro entorno, por ser felices. Pero me parece fundamental no olvidar que a pesar de la muy digna pelea que damos contra la entropía, al final siempre, inexorablemente, vamos a perder. Entendamos y aceptemos que vamos a dar batalla con alegría, con cariño, con amor. RELAX; vamos a bailar todo lo que el cuerpo nos permita, pero al fin de este baile hermoso y doloroso que es la vida, la única voz que se oirá será la de la diosa entropía”, como dice la canción que le nombre al nuevo disco.

La Voz de la Diosa Entropía no pretende ser una visión pesimista de nuestro futuro, sino una bandera en alto que alimente la fuerza para aceptar -sin tanta angustia- lo inevitable.

UNICA FUNCIÓN EN BUENOS AIRES

Jueves 10 de noviembre a las 20.30h Teatro Astros – Av. Corrientes 746 (CABA) Entradas a la venta por ENTRADAUNO

VIDEOS: La Voz de la Diosa Entropía. (Feat. Kevin Johansen) El secreto

de tu abrazo

En esta cama

FICHA TÉCNICA:

La Voz de la Diosa Entropía2022

1. El tiempo del tiempo

2. La voz de la diosa Entropía (feat. Kevin Johansen)

3. El secreto de tu Abrazo

4. En esta Cama

5. Faro de Santa María 6. Vida

7. Y de pronto (feat. Vitor Ramil)

8. Dulce Aurora

Todas las canciones fueron compuestas por Daniel Drexler excepto: 2, 6 y 7 por Daniel Drexler y Fede Wolf. 8 por Daniel Drexler y Carmela Drexler.

Daniel Drexler: voz, coros, guitarras españolas y guitarras eléctricas.

Fede Wolf: guitarras eléctricas, guitarras españolas, percusiones, bajo eléctrico, coros y programaciones. Camila Ferrari y Analía Parada: coros. Martín Ibarburu: batería. Artigas Leal: trombón. Javier Olivera: trompeta. Andrés Pigatto: contrabajo. Adrián Borgarelli: cello. Betina Chaves: violín y viola. Dany López: piano acústico. Matías Cella: sintetizadores

y moog. Julia Drexler, Carmela Drexler y Verónica Méndez: coros en 2.

Kevin Johansen aparece por cortesía de “Sony”. Vitor Ramil aparece por cortesía de “Ramil e Uma Produções”, recitando un texto de Caetano Veloso por cortesía de “Uns Produções e Warner Chappell”.

Grabado en estudio “La cajita de música”, Atlántida, Canelones, Uruguay. Ingeniería de sonido: Fede Wolf. Tomas adicionales: estudio “Melitón”, Montevideo, Uruguay. Ingeniería de sonido: Fede Wolf y Daniel Drexler. Producción artística y arreglos: Fede Wolf. Mezcla: Fede Wolf. Mastering: Gonzalo Gutiérrez. Fotos: Bruno Nogueira. Sello: Mapa Music y Altafonte. Distribuye: Altafonte. Diego Coiro: producción ejecutiva y dirección de arte. Management: Mapa Produ(c)tora. Brasil.

Acerca de Daniel Drexler y su discografía:

Daniel Drexler es reconocido en Iberoamérica como uno de los principales cancionistas de su generación. Lleva más de 20 años presentándose en los principales escenarios y festivales de la can-

ción de Latinoamérica y Europa y ha sido distinguido con el Premio Gardel de la Música (Argentina, 2013), entre otros galardones nacionales e internacionales. Con un pie en sus raíces regionales y otro en el mundo, su trabajo se enmarca en la canción pop con influencia de géneros de la cuenca del Río de la Plata.

últimos discos. La gira que arrancó en junio de 2015 en el Auditorio Nacional del Sodre (Montevideo), recorrió más de 60 ciudades en los principales teatros y salas de Uruguay, Argentina, España, Brasil Y Perú.

Mejores discos editados en Brasil. La gira de presentación abarcó más de 90 conciertos en Argentina, Uruguay, México, Brasil, Costa Rica, Estados Unidos y España, en un recorrido que duró dos años y medio.

“Aire” (2020) fue grabado siguiendo la premisa de no utilizar más que la voz y las guitarras española y eléctrica de Drexler, las percusiones y coros de Wolf -que en algunas canciones sumó su guitarrón- y las voces de Parada y Ferrari. El resultado es una sonoridad que potencia la capacidad de transmitir emoción. Este mismo criterio fue utilizado a la hora de filmar el proyecto audiovisual que acompaña el disco: se eligió un estudio muy amplio con una puesta de luces fija; se registró con una sola cámara en formato cine.

“UNO” (2017) es su séptimo disco, donde incursiona en el universo percusivo y en las esferas emocionales, creando una nueva sonoridad, más ligada al lado “pop” de la canción. Con este trabajo giró por todo el mundo incluyendo Brasil, donde fue el primer músico uruguayo en presentarse de modo solista en el prestigioso auditorio Ibirapuera de San Pablo.

“Tres Tiempos” (2015), es un DVD/ Libro con una selección de 13 canciones grabadas en vivo en los estudios ION de Buenos Aires, junto a un libro sobre el sustrato conceptual de sus tres

“Mar Abierto” (2012) fue concebido siguiendo dos referencias centrales: el álbum clásico de Miles Davis “Kind of Blue” y las ideas del pensador polaco Zygmunt Bauman sobre la "Modernidad Líquida". Editado en Uruguay, Argentina y Brasil, recibió el Premio Gardel de la Música Argentina 2013 en la categoría “Mejor Álbum de Música de autor”. Asimismo, fue elegido en la lista de los mejores cinco discos editados en Uruguay por el Diario El País y en la lista de los

"Micromundo" (2009) fue editado en España, Argentina, Chile, Uruguay y Brasil. Fue elegido por la prensa española y brasileña como uno de los mejores discos del año. Con "Vacío" (2006), Daniel Drexler cruzó las fronteras de Uruguay y lanzó su trabajo por primera vez en Argentina, España y Chile. Este material, nominado al Premio Gardel de la Música Argentina 2007 por “Mejor Disco Pop Masculino”, fue presentado en ocho países europeos e Iberoamérica. "La Llave en la Puerta" (1998) y "Full Time" (2001) fueron sus primeros discos editados solo en Uruguay.

Comunicación y Prensa Marina Belinco marinabelinco@gmail.com

Video

Daniel Drexler - La voz de la diosa Entropía feat. Kevin Johansen (Video Oficial)

presenta su nuevo disco “Hongo”

ÁRBOL lanzó ¨HONGO¨, un álbum completo con temas inéditos. El disco se plantea como un viaje lisérgico que atraviesa distintos estados, pintado por diferentes estéticas y sonidos, con canciones que envuelven y calman a otras que electrizan e invitan al viaje.

HONGO cuenta con Fts de lujo como Gustavo Santaolalla, Celso Piña, Torreblanca y Quique Rangel (Café Tacvba).

El disco fue grabado entre 2021/2022 en Sony Studios Mexico, Estudio El Pie Argentina con Nono Dipecco como ingeniero.

El disco está compuesto y producido por ÁRBOL y mezclado en Estudio La Pajarera por Hernán Bruckner.

El mastering a cargo de Daniel Ovie.

Días atrás Árbol había sacado como último adelanto de este disco ¨Escapar¨ el mismo contó con un video oficial que estuvo bajo la dirección de Mayra Berry.

Hoy celebrando el lanzamiento de este full álbum Árbol estrena Lobo Solitario, según palabras de la propia banda: Esto es un viaje por rutas desiertas. Siempre avanzando sin dudar, por páramos noches que parecen no tener fin, pero libres. Con la contemplación del que va solo y mira, y solamente se preocupa por vivir.

La canción cuenta con el contrabajo de Quique Rangel(Café Tacvba), las gloriosas voces de

El Lobo Solitario está ahí afuera en la carretera de noche, pero con las luces altas.

Nadya Cabrera nadyacabreraprensa@gmail.co www.nadyacabrera.com.ar

Video Árbol - Escapar (video oficial)

Gustavo Santaolalla y Torreblanca; y el hipnótico clima del acordeón de Celso Piña.

CICI presenta

feat Militta Bora

del

que lleva

nombre

Presentación oficial de CICI Sábado 5 de noviembre en el Centro Cultural Matienzo 21:30 hs Venta de entradas via Passline

La Artista multifacética CICI lanza un nuevo single ECO con la participación de Milita Bora Electro pop, synth pop, groove, los 80 y los 90 en una poderosa fusión musical; con una letra que nos invita a pensar, a bailar y a conectar.

ECO ficha técnica

Letra : Cynthia Manzi

Producción musical: Tomás Rodríguez Programaciones: Matías Fontanella

Voz: CICI

Voz invitada: Militta Bora Batería: Fernando Seitz

Guitarras: Jorge Valenzuela Bajos: Tomás Rodríguez Mezcla y master : Esteban Kahayan

mios Hugo al Teatro Musical". Este espectáculo se convirtió en una banda homenaje y pieza de culto, con la que recorrieron diferentes escenarios, entre los que se destacó su presentación en el RockOut Fest, siendo telonerxs de Bad Religion en Teatro Flores.

Desde el 2020 se presenta como "CICI", abocándose a la música alternativa perfomática, fusionando el electro pop, rock y ópera, propiciando al mismo tiempo un universo estético desde lo visual, performático y original.

Un poco mas sobre CICI

En el año 2017 comenzó a transitar el camino de la música con el espectáculo "Mama Punk, anti ópera", creado y dirigido por Karina K, evocando a la artista alemana Nina Hagen , primera artista mujer en fusionar el rock con la ópera y múltiples estilos en la década de los 70 y 80's. Con este espectáculo se realizaron temporadas en el Teatro Maipo de Buenos Aires, por el cual fue premiada en los "Pre-

Junto a su banda se ha presentado en diversos espacios: Batacazo Cultural, Usina del Arte, CCMatienzo, Cierre del Orgullo BA, Casa Brandon, Niceto Bar, Ciudad Emergente 2021, Otra Historia Cultural, Feliza Arcoiris, etc.

Cici en Spotify Estrategia en Comunicación Claudina Sánchez claudinasanchez@gmail.com

Video ECO - CICI feat. MILITTA BORA (Video Oficial) https://youtu.be/gQhteteAy0g

Francisca Valenzuela en Buenos Aires

La cantante, compositora, poeta y activista chilena Francisca Valenzuela regresa a Argentina el sábado 10 de diciembre para presentar su álbum “Vida Tan Bonita” y compartir con su público canciones de sus discos anteriores.

SÁBADO 10 DE DICIEMBRE 23.30 HS. EN LA TRASTIENDA (BALCARCE 460, CABA) Entradas a la venta en

www.tuentrada.com

Luego de su largo recorrido por Estados Unidos durante los meses de julio y agosto de la mano de la agrupación mexicana Camilo Séptimo, la cantautora se unirá como invitada especial de la gira de Café Tacvba en la costa oeste de Estados Unidos. Además, estará presente el 10 de noviembre en el David Rubenstein Atrium del

Lincoln Center (New York), el Movistar Arena de Chile, el Lunario de la Ciudad de México, el Festival Cervantino de Guanajuato y en el festival Rock Al Parque en Colombia.

El próximo 10 de diciembre Francisca se reencontrará con su público en Argentina presentando por primera vez sobre el escenario de La Trastienda su nuevo álbum "Vida Tan Bonita", de donde se se desprenden los temas "Dar y Dar", "Detener el Tiempo", "Como La Flor", "Último baile", "Salú", "Hola Impostora" y "Castillo de Cristal", entre otros.

Su quinto álbum de estudio, sucediendo al galardonado “La Fortaleza”, incluye once canciones compuestas por la artista. Fue producido por el argentino ganador de varios premios GRAMMY, Sebastian Krys y la talentosa productora colombiana Ali Stone. El disco ha tenido un gran recibimiento por la crítica y los fanáticos apareciendo en el

listado de “The Best Albums of 2022 So Far" de la prestigiosa revista Rolling Stone y elegido dentro de 22 discos latinos del año por Billboard Latin.

Recientemente la artista estrenó el video "DETENER EL TIEMPO", una clara muestra de lo que los fans pueden esperar de la artista en vivo. Según sus propias palabras: "Es una canción que describe ese momento perfecto con alguien, el que quieres revivir y volver, pero sabes que ya no existirá y no es duradero. Es la fantasía y el deseo de detener el tiempo, de poder llevar un momento contigo".

SOBRE FRANCISCA VALENZUELA

Con una carrera iniciada en 2007, Francisca ha logrado ser reconocida como una de las artistas más importantes del pop chileno de la actualidad. La artista ha sido nominada a un Latin GRAMMY y ha colaborado con artistas como U2, Miguel Bosé, Pablo Alborán, Mon Laferte, Natalia Lafourcade y Pedro Aznar. Francisca tiene un don para ahondar en las emociones más profundas de su escucha. La artista se sumerge en la expresión humana a través de canciones llenas de añoranza y optimismo, que logran infundir vida a su público. Su pegajoso pop esconde temas más profundos, de autorrealización, empoderamiento femenino y sensualidad. Valenzuela es además la fundadora y directora de Ruidosa, el primer festival interdisciplinario feminista Latinx, que fue fun-

dado en 2016 y que también sirve como una plataforma digital que celebra a mujeres destacadas en la escena artística. En el 2020, nace Ruidosa Radio, un podcast que busca abrir espacios para las voces Latinx en la industria de la música.

Jesica Kusnier Prensa, Estrategia & Comunicación

Video Francisca Valenzuela - Detener El Tiempo (Video Oficial)

www.franciscavalenzuela.com

SUANNO ESTRENA SINGLE

“De Nuevo”

“De nuevo" presenta un sonido más fresco y popero en el repertorio de Juli Suanno. Esta flamante canción vuelve a poner como protagonistas a la danza, fusionando hip hop y danza contemporánea en su videoclip, también dirigido por la artista platense.

“Vengo a hacerlo de nuevo”, repite Juli Suanno en el estribillo que invita a bailar, y que sentencia en su letra: “Si me ves así, llegué hasta aquí, solita y me la aguanto”.

Juli Suanno es una cantante y autora de La Plata (Buenos Aires, Argentina), que se mueve en géneros como el pop, el hip hop y el rock. Pisciana y enérgica, estudió música, teatro y danza y realizó la carrera de Artes Audiovisuales.

Juli Suanno no se queda quieta desde 2019 cuando sacó su primer álbum solista “No es amor si contamina”. Durante 2020 lanzó dos singles: “Piedad cero” y “Má$” y participó de festivales por streaming como el Banda invitada Fest y el Festival Billboard Solidario.

Fue 2021 el año en que lanzó su último EP “Utópica”, compuesto por “Tiempos violentos”, “Acércate” y “Bueno, real o no” y participó en varios escenarios como #8M en la Estación Provincial de La Plata, el cierre de Bienal Sur, el Festival de Cine de Ensenada y realizó diversas presentaciones en CABA.

El 2022 comenzó realizando su show performático con bailarinas y banda en vivo en Mar del Plata, siguió por el sur de Argentina donde realizó una gira por las ciudades de San Martin de los Andes, Villa Traful, Bariloche,

culminando la gira en el Festilagos en Villa la Angostura. Durante el mes de febrero participó del programa Argentina Florece de Cultura de la Nación, en marzo participó del cierre de temporada de la Ciudad de Chascomús y en junio se presentó en la Usina del Arte.

A fines de septiembre Juli Suanno lanzó su nuevo single “De nuevo” y se presentó en el Festival Capital compartiendo grilla con artistas como Fabiana Cantilo, La Delio Valdez, El Kuelgue, El Mato, Conociendo Rusia, entre otros.

Más info: http://www.julisuanno.com/ https://www.instagram.com/julisuanno/

https://www.tiktok.com/@julisuanno https://www.facebook.com/julisuanno https://twitter.com/julisuanno Escuchá “De nuevo” de Juli Suanno en Spotify: https://open.spotify.com/album/3 OLQorDAtKp2zZcVax33Kn

Mirá el video de “De nuevo” en YouTube: https://youtu.be/AyO2kemBNE0

LUCAS SEOANE - PRENSA lucas.seoaneprensa@gmail.com TW: @lucas_seoane82 Instagram: lucas.seoane Video Juli Suanno - DE NUEVO

Handa

La nueva artista de la música urbana

Una de las pioneras del trap latino en Perú, Handa ‘La Chica Naranja’ busca empoderar al talento femenino demostrando que las mujeres están pisando más fuerte en la industria musical

HANDA, es una de las voces más únicas en la música urbana y una de las responsables del despertar de este género en Perú con una nueva alternativa de sonidos.

Su estilo, construido por sus raíces peruanas y europeas, se ha influenciado de cumbias, baladas, bandas como The Beatles y demás géneros y talentos que la han ayudado a encontrar su propio enfoque. Si bien experimentó en otros géneros musicales, lo urbano es su foco profesional y su música se caracteriza por fusionar el género a otros, consiguiendo así un estilo muy disruptivo y único.

Su primera canción fue ‘Uh La La’, con la que logró entrar a uno de los festivales más grandes de Perú llamado ‘Barrio Latino’. En este camino de consagración artística, HANDA ha dado apertura a varios conciertos para artistas

internacionales en Lima. En el 2016, fue seleccionada para unirse a The Rolling Stones en el escenario, al ser parte del coro de su hit global “You can’t always get what you want”.

‘La Chica Naranja’, ya ha empezado a trabajar con productores renombrados en la escena urbana, en preparación de su nuevo álbum ‘EVA’, el cual le aportará a su debut internacional, enfocándose en las nuevas canciones que harán parte de su álbum, en el que incluirá también

temas que grabó junto a Eliot El Mago de Oz. El 1 de julio presentó su sencillo ‘La Manzana’, en colaboración de El Cherry Scom y Gran Memin, canción que ha logrado cruzar fronteras.

HANDA busca empoderar al talento femenino con su música, “Día a día las mujeres están pisando más fuerte en la industria musical, sobre todo en el género urbano. Veo cómo crecen las oportunidades a muchas artistas emergentes que buscan dar su mensaje al mundo. En Perú especialmente hay mucho talento por ser descubierto”.

Recientemente lanzó su nuevo single 'ALCOHOL', un tema de empoderamiento femenino que toma lugar en el ámbito emocional de una relación amorosa. El sencillo pone a prueba la capacidad mental de la mujer para poner de lado los sentimientos e iniciar una relación fría, casual y sin ataduras con su ex novio, como consecuencia del sufri-

miento y las cicatrices emocionales generadas.

ACERCA DE HANDA:

Eva Bustamante, más conocida en la industria como HANDA “La Chica Naranja”, con 28 años se ha convertido en una de las responsables del despertar de la música urbana en Perú. Reconocida por su estilo único influenciado por sus raíces peruanas y europeas, busca empoderar al tanto femenino en la industria a través de sus canciones. Su nombre profesional es un tributo a sus raíces europeas en Croacia, la cual viene del lado de su madre, cuyo apellido es Handabaka.

HANDA ha abierto varios conciertos para colegas internacionales en Lima. Además, participó en la apertura de eventos importantes como Barrio Latino en 2018 y dio apertura a los conciertos de Lenny Tavarez y Cazzu en julio y diciembre de ese mismo año.

trasladó a Lima para perseguir sus sueños como artista. Hoy en día se ha convertido en una de las artistas líderes de una nueva generación en su ciudad natal logrando a fines del 2021 firmar un contrato discográfico exclusivo con Own IT Entertainment LLC, quien le ha dado su apoyo para cruzar fronteras con sus proyectos musicales.

Actualmente, ha empezado a trabajar con productores renombrados en la escena urbana en preparación de su nuevo álbum, el cual la lanzará a su debut internacional.

Conectate con Handa en sus redes sociales:

YOUTUBE: https://www.youtube.com/c/HANDAOfficial/ TIK TOK: https://www.tiktok.com/@handa. music1 INSTAGRAM: https://instagram.com/handa.mus ic FACEBOOK: https://www.facebook.com/handamusic1

CONTACTO DE PRENSA pulpo info@pulpoPR.com

Video Handa - Alcohol (Video Oficial) https://youtu.be/ed8im16LNEE

Nacida en Perú, inició sus estudios de música y actuación a los 7 años. Comenzó cantando en teatros locales y a los 16 años, se

PLACENTI-BRUNDO TANGOS DEL 900 Compositores académicos en la "Guardia Vieja" del tango

ha grabado en dúo de piano y flauta estos tangos recopilados por él mismo, considerando su difusión y puesta en valor a través de conciertos como valioso aporte a nuestra memoria y a nuestra cultura.

El dúo se presenta desde el año 2017 en distintos ámbitos: Festival BATango, Festival de Tango de Boedo, Universidad Nacional de las Artes y Academia Porteña del Lunfardo, entre otros.

PRESENTACIÓN OFICIAL

DOMINGO 6 de NOVIEMBRE, 20.30hs.

LA BIBLIOTECA CAFÉ

Marcelo T. de Alvear 1155(CABA)

Entrada: $1000 Reservas 4811-0673 ó 15 615 9514

pular respetando el estilo de antaño.

ACERCA DE "TANGOS DEL 900"

¿TANGO PROSTIBULARIO Y COMPOSITORES OREJEROS?

El dúo integrado por Adrián Placenti en piano y Johana Brundo en flauta travesera, transita un repertorio único con la particularidad de abordar autores profesionales que compusieron tangos tradicionales y que la "historia oficial" desestima y olvida en su relato. El álbum grabado en Agosto 2022, con arreglos de Placenti nos acerca el sonido de los primeros años de este género po-

El objetivo de la propuesta del dúo PLACENTI- BRUNDO es la difusión y el rescate del olvido de una porción de nuestra historia musical: tangos de 1880-1900 compuestos por músicos con formación académica.

Se afirma que el Tango tuvo un origen marginal desarrollándose en en ambientes orilleros y en manos de músicos "orejeros".

Sin embargo, producto de años de investigación y con trabajos documentados e incluso publicados por la UNA, Adrián Placenti ha recopilado decenas de tangos creados por compositores con formación académica a los que el relato oficializado omite y olvida. Junto a Johana Brundo, Placenti

FICHA TÉCNICA DEL ÁLBUM

Grabado y masterizado en los estudios Liberty en Agosto 2022.

Ingeniero de grabación Juan Libertella.

Arte y diseño de Tapa: Ana Fuente.

Arreglos y dirección musical: Adrián Placenti.

PLAYLIST

1. EL malevo (Joaquín Cortés López)

2. El archivista (Pedro Sofía)

3. Que sí que no (Eloísa D'Herbil

de Silva)

4. Don Justo (Rafael Fracassi)

5. Tus ojos me embelesan (Gerardo Metallo)

6. Más vale tarde que nunca (Cayetano Silva)

7. Para muestra falta un botón (Gaetano Grossi)

8. Pucho (Enrique Cheli)

9. El afilador (Leopoldo Corretjer)

10. Bohemia Criolla (Antonio Reynoso)

11. ABC (Vicente Mazzoco)

12. Los fanáticos del placer (José Strigelli)

ACERCA DE ADRIÁN PLACENTI

Licenciado en Composición (UCA) y Profesor Nacional de Piano en (IUNA). Estudió con Sebastián Piana, Roberto Caamaño, Mario Benzecry, Nicolás Ledesma. Su obra abarca música de cámara y orquestal. Algunos premios en composición: Sonata El loco (Prom. Musicales); el sexteto La Venice de L’Ouest (estrenado por Gerardo Gandini, Fund. Omega); el tango Ayer y hoy (Certamen Hugo del Carril, GCBA).

Pianista en la Escuela de Danzas 1 y Director de Orquesta de la Escuela de Coro y Orquesta Athos Palma del Bernasconi. Fue docente en la UBA y UCA. Investigador, escribió la columna “De tango y pentagramas” en la revista “La porteña tango”.

Participó del Festival Les Allumés, Francia. Editó los CDs Ayer y hoy, mis tangos y “Tangos en los Estados Unidos” (grabado en USA) y “Tango Suite Puertas Abiertas”.

Toca en el circuito porteño. Dictó clínicas y ofreció conciertos en la Universidad de Graceland, y en

New York. También en la Universidad de Baker, Kansas, donde se estrenó su tango “Nunca más (vendas en los ojos)" para banda sinfónica de vientos.

Tocó junto a la orquesta europea Tango Harmony en Hungría, Austria, Alemania y Holanda. Recientemente la UNA publicó su trabajo de investigación “Músicos académicos en la guardia vieja del tango”.

En el año 2021 hizo una nueva gira Europea tocando en los países de Croacia, Hungría, Italia y Alemania.

Publicó y presentó en conciertos el trabajo pianístico: "Minimal Piano Tango".

ACERCA DE JOHANA BRUNDO

Estudió flauta traversa en el Conservatorio Superior de Música “Manuel de Falla” con los profesores Leticia Fanesi y Jorge Slivskin egresando con el título de Profesora Superior de Música con especialidad en Flauta Traversa. Actualmente se encuentra cursando la Licenciatura en Música/ Flauta Traversa con la Maestra Laura Falcone en la UNA.

A lo largo de su carrera Johana estudió de manera particular con los Maestros Fernando Quiroga,

Raúl Becerra, Jorge de La Vega y Amalia Pérez.

Participó en diversas Master Class en las que se destacan las dictadas por Ester Yoon, Lars Nillson y Emannuel Pahud. Integró numerosos ensambles de cámara y orquestas juveniles, entre ellas la Orquesta Estudiantil de Buenos Aires, Orquesta de la U.B.A, Orquesta U.S.A.L, Orquesta de Cámara Nueva Música de la Universidad Maimónides y Orquesta Juvenil de San Martín (siendo solista en dos oportunidades). Ha realizado diversas presentaciones en Casa de la Cultura, Facultad de Derecho y Teatro Colón de Buenos Aires, entre otros espacios.

Recientemente se presentó como solista junto a la Orquesta Sinfónica de la Policía Federal Argentina y en la actualidad se desempeña como Piccolista y Flautista en la Banda de Música de dicha institución. Es integrante del sexteto de Tango Adrián Placenti.

Contacto de Prensa Imedioshabilescom@gmail.com

Video https://youtu.be/u4rFbrULej0

Pablo Jaurena presenta su nuevo disco Retrato del aire

El álbum Retrato del aire, fue concebido en el marco de una prestigiosa convocatoria que le hicieron a Jaurena para participar de una extensa gira por China en donde debía dar conciertos, masterclass y workshops. Ante esta ocasión tan atractiva el músico eligió un repertorio en función de lo que iba a tocar en vivo y lo representaría mejor. Además, arregló algunas piezas especialmente, para mostrar su perspectiva como arreglador o compositor. Esta es la historia detrás de esta nueva propuesta discográfica Ver más palabras acerca de la concepción de este disco acá

Se trata de la primera propuesta discográfica solista de este destacado compositor, bandoneonista, arreglador, director y pedagogo luego de una amplia formación académica y admirable trayectoria.

“Dedicado a la memoria de mi abuelo Héctor Jaurena, quien hizo posible que un bandoneón llegara a mis rodillas por primera vez. Y a mis maestros, directos e indirectos, por ayudarme a descubrir este instrumento maravilloso”

Acerca del disco Retrato del aire (2022 Edita y distribuye Acqua Records / edición en CD y digital)

Esta nueva producción discográfica del compositor y bandoneonista Pablo Jaurena reúne trece obras instrumentales para bandoneón solista, algunas de ellas son propias y otras son piezas musicales elegidas especialmente por el artista con arreglos originales y un nuevo abordaje.

El disco toma su nombre de una de las composiciones de Jaurena incluídas en este repertorio. “La primera idea de este tema, Retrato del aire, apareció caminando al aire libre. En aquel momento tuve la sensación de que atrapaba algo flotando en el aire y que mi interior lo traducía en sonidos. Me gustó la idea poética de que mediante la composición podamos materializar en un retrato sonoro aquello que está en el aire, y luego devolverlo al aire en forma de vibraciones. Al nombrar el álbum, elegí este título como una manera de extender la idea poética a todos los temas, ya que nacen del aire del bandoneón” .dice Pablo Jaurena

En las obras propias se refleja el interés del compositor tanto por el Tango como por el Folclore y sus

Pablo Jaurena

arreglos le dan a todo el disco un sólido sello autoral.

En las piezas que no son propias, el artista versiona con libertad composiciones emblemáticas de algunos de los más importantes referentes del bandoneón que él admira: Piazzolla, Federico, Mori, Pane, Marconi, Garello y Mederos.

De este modo, Retrato del aire nos despliega un paisaje lo suficientemente amplio como para acercarnos a las inmensas posibilidades expresivas y estéticas que el bandoneón ofrece.

En palabras de Pablo Jaurena acerca de su nuevo álbum “Este disco tiene desde lo personal la relevancia del primer trabajo solista. Sin pensarlo fue gestado durante largo tiempo y parido en pocos días, a manera de tarjeta de presentación, del modo más crudo y descarnado que un músico puede hacerlo: tocando solo con su instrumento. Lo que suena, en parte es lo que fui, y en parte es lo que soy. Espero que también sea parte de lo que pueda seguir siendo”.

– Arreglo: Néstor Marconi (4:35)

Retrato del aire (Pablo Jaurena)

– Arreglo: Pablo Jaurena (03:10)

El Marne (Eduardo Arolas) –Arreglo: Leopoldo Federico (3:19)

Volver -fantasía de volver- (Carlos Gardel - Alfredo Le Pera) –Arreglo: Pablo Jaurena (4:12)

Recuerdos de Bohemia (Enrique Delfino - Manuel Romero) –Arreglo: Máximo Mori (2:39)

Zambita Florecida (Pablo Jaurena) – Arreglo: Pablo Jaurena (5:04)

Pedro y Pedro (Astor Piazzolla)

– Arreglo: Astor Piazzolla (5:59)

Mi refugio (Juan Carlos CobiánPedro Numa Córdoba) – Arreglo: Astor Piazzolla, con revisión de Julio Pane (3:24)

Por una cabeza (Carlos GardelAlfredo Le Pera) – Arreglo: Pablo Jaurena (3:02)

Pumpa (Rodolfo Mederos) –Arreglo: Rodolfo Mederos (2:00)

De profesión, Tango (Julio Pane) – Arreglo: Julio Pane (3:52)

Sur (Aníbal Troilo - Homero Manzi) – Arreglo: Raúl Garello (3:02)

La cumparsita (Gerardo Mathos Rodríguez) – Arreglo: Pablo Jaurena (3:33)

Ficha técnica

Grabado y mezclado durante abril de 2016 en estudio Antara, Córdoba, Argentina.

Edita y Distribuye: Acqua Records.

Fotografía del arte de tapa del disco: Julio Audisio. Fotografías para la Prensa: Mario Efrón.

Diseño Gráfico: Federico Guevara Olguín. Productor Fonográfico: Pablo Jaurena.

Grabado con un bandoneón Alfred Arnold (AA).

Este disco obtuvo un Subsidio del Instituto Nacional de la Música (INAMU) en la Convocatoria de Fomento 2016 para la edición discográfica.

Acerca de Pablo Jaurena (1981 - Río Tercero, Córdoba, Argentina)

Bandoneonista, arreglador, compositor, director y pedagogo.

Profesor en Composición Musical egresado de la Universidad Nacional de Córdoba (Argentina). Fue miembro de la Orquesta Escuela de Tango (Buenos Aires) con dirección de Emilio Balcarce y Néstor Marconi. Estudió con Hilda Herrera, Dino Saluzzi, Rodolfo Mederos, Julio Pane, Ramiro Gallo, Federico Pereiro y Damián Torres.

Repertorio del disco

Lo que vendrá (Astor Piazzolla)

Técnico de grabación, edición y mezcla: Fabricio Aballay. Asistente: Gustavo Sierra Mastering: Gustavo Fourcade en Steps Ahead Sound.

Ocupa el puesto de bandoneón solista en la Orquesta Provincial de Música Ciudadana de Córdoba y ha sido Director invitado de esta agrupación en reiteradas oportunidades.

Pablo Jaurena es parte del Trío MJC (Consagración Festival Cosquín 2013), asimismo del grupo

del pianista Andrés Linetzky, y la Orquesta El Arranque.

En 2015 formó el Pablo Jaurena Sexteto debutando en la Sala Sinfónica del CCK (Buenos Aires).

Fue invitado como solista para ir a China en 2016 a tocar 10 conciertos de bandoneón solo, con el auspicio de la Asociación China de Acordeones y la prestigiosa marca alemana Hohner. Los conciertos se realizaron en 10 ciudades chinas (algunas de las más importantes como Beijing, Shanghai o Shenzhen) en universidades y conservatorios, en donde además, realizó una actividad pedagógica con masterclass y workshops. Ahí editó un libro de arreglos y concibió el repertorio de un disco de bandoneón solo que fue el origen del reciente álbum Retrato del aire que está presentando ahora en año 2022

Ha tocado con artistas como Raúl Garello, Atilio Stampone, Osvaldo Piro, Osvaldo Requena, Nicolás Ledesma, César Salgán, Horacio Ferrer, Raúl Lavié, María Graña, Guillermo Fernández, Cecilia Todd, Hilda Herrera, Ramón Ayala, Juan Falú, Chango Spasiuk, Raúl Carnota, Ricardo Montaner, entre otros.

Se ha presentado en escenarios de Estados Unidos, China, Japón, Egipto, Alemania, Holanda, España, Bélgica, Colombia, Ecuador, Perú, Venezuela, Brasil y Argentina.

Participó como músico, arreglador o director en más de 40 pro-

yectos discográficos. Sus composiciones y arreglos han sido interpretados por agrupaciones de Brasil, Colombia, Japón, China, Estados Unidos, Canadá, Alemania, Suiza, Portugal, Italia, Nueva Zelanda, entre otros.

Realiza una intensa actividad docente. Entre 2011 y 2015 se desempeñó como Director Artístico de la Orquesta de Tango de la Red de Escuelas de Música de Medellín (Colombia). También dirigió la Orquesta Escuela de Tango “La Cabulera” de la Universidad Nacional de Villa María (Córdoba) y la Orquesta Típica Ciriaco (Córdoba). También participó como disertante en el ciclo de master class de la Orquesta Escuela de Tango Emilio Balcarce (Buenos Aires).

Se especializa en la transcripción de Orquestas de Tango y la escritura de arreglos pedagógicos, muchos de estos trabajos han sido publicados y son tocados por músicos de todo el mundo.

(China), entre otros.

Discografia Pablo Jaurena

Como solista

2022 - “Retrato del Aire” – Pablo Jaurena (Argentina, ACQUA Records). LP

2022 – “Recuerdos de bohemia” – Pablo Jaurena feat: Lautaro Greco, Ramiro Boero y Joaquín Benítez (Argentina, ACQUA). Single

Con el Trío MJC

2021 – “Adiós Nonino” – Trío MJC (Argentina, ACQUA Records). Single

2021 – “Libertango” – Trío MJC (Argentina, ACQUA Records).

Single

2020 – “Férreo” – Trío MJC (Argentina, ACQUA Records). EP

2018 – “Frutal” – Trío MJC (Argentina, ACQUA Records). LP

2011 – “… el viento los amontona” – Trío MJC (Argentina, ACQUA Records). LP

Es profesor del programa de formación Tango For Musicians junto a destacados pedagogos como Paulina Fain, Exequiel Mantega, Ramiro Gallo, Ignacio Varchauvsky y Diego Schissi.

Ha brindado workshops y masterclass en importantes instituciones, como el Reed College of Music de Portland, Oregon (USA), el Conservatorio Carl Maria von Weber de Dresden (Alemania), la Universidad de Caracas (Venezuela), Festival WMC Kerkrade (Holanda) y el Central Conservatory of Music de Beijing

2007 – “Arreglos” – Trío MJC (Argentina, IndependienteACQUA Records). LP

Como Arreglador y Director

2015 – “Melancólico Medellín” –Orquesta de Tango, Red de Escuelas de Música de Medellín. (Colombia, Alcaldía de Medellín).

LP

2015 (2014) – “Che, Medellín” –En vivo junto a Raúl Garello - Orquesta de Tango, Red de Escuelas de Música de Medellín. (Colombia, Alcaldía de Medellín).

LP

2014 – “Letras a Piazzolla” (Ho-

menaje) – Carmen Usuga (A cargo de los Arreglos, Bandoneón y Dirección Musical) (Colombia, Independiente). LP

Como Arreglador y Compositor

2022 – “Rompelo Tano” – Daniel Ruggiero. (Argentina) LP

2022 – “Atemporal” – F-31 Quinteto. (Colombia) LP

2020 – “Tango of the Americas” – Pan American Symphony Orchestra. (USA) LP

2018 – “Tango de autor” – Chapeau Dúo. (Colombia) LP

2017 – “Medellín Downtango” –F-31 Quinteto. (Colombia) LP

2015 – “Alzando vuelo” – F-31 Quinteto. (Colombia) LP

Como integrante de agrupaciones

2022 – “Tango” – Ricardo Montaner (Andrés Linetzky Orquesta Típica) (Argentina - USA). LP

2010 – “Tangos” – Trío MJC y Banda Sinfónica, Red de Escuelas de Música de Medellín. (Colombia). LP

2013 – “20 años no es nada” –Orquesta Provincial de Música Ciudadana (Argentina, EPSA).

LP

2011 – “Tango Doscientos Uno” – Orquesta Típica A. Linetzky, C. Corrales, D. Schissi. (Argentina, EPSA). LP

Respecto de la concepción del disco en relación a la gira por China en palabras de Pablo Jaurena

Tuve una invitación para ir a China en 2016 a tocar 10 concier-

tos de bandoneón solo, con el auspicio de la Asociación China de Acordeones y la prestigiosa marca alemana Hohner. Los conciertos se realizarían en 10 ciudades chinas (algunas de las más importantes como Beijing, Shanghai o Shenzhen) en universidades y conservatorios, en donde además debía realizar una actividad pedagógica, como masterclass o workshops.

Semejante acontecimiento fue para mí un compromiso y un desafío muy grande. Desde lo artístico por lo que representa abordar un repertorio solista y sostener un programa completo en ese formato. Desde lo pedagógico porque me estaban invitando a instituciones muy prestigiosas y debía trabajar con grandes músicos, pero que tenían pocos conocimientos sobre el bandoneón y el tango. Y desde lo cultural en su más amplio sentido, por las distancias, el idioma, la idiosincrasia, la historia.

Ante tal evento me pareció interesante llevar un registro discográfico que tuviera que ver más directamente con lo que yo iba a tocar en la gira, y que me repre-

sentara mejor. Ahí surgió la idea de la grabación.

Desde siempre me gustó estudiar y tocar solos de bandoneón de los autores más variados. Por esa razón no fue difícil reunir el repertorio que compondría el disco. Además, arreglé algunas piezas especialmente, para así mostrar mi perspectiva como arreglador o compositor.

Todo el proceso desde el primer día de grabación, pasando por la escritura de algunos arreglos (y aprenderlos), la edición, la mezcla y el mastering fue realizado en un mes. Ahí hubo otro gran desafío.

El disco finalmente se editó de manera independiente y exclusiva en China, y fue un éxito su recepción en el público (por entonces la gente aún compraba CDs).

Prensa Alicia Gubitsch prensa.aliciagubitsch@gmail.com

Video Lo que vendrá (Piazzola) Pablo Jaurena

Mariana Masetto presenta Ciclo su octavo álbum

“Ciclo”, el octavo álbum de estudio de Mariana Masetto, con composiciones compartidas con Ariel Gato y algunos músicos de lujo en la producción general de este maravilloso álbum. Un concepto canción devenido en imagen, y su reverso, la imagen que se hace sonora en forma impecable.

Músicos invitados: Daniel Maza y Quito Gato

Este álbum contiene 9 canciones en coautoría junto a Ariel Gato quien produce junto a Mariana este nuevo trabajo. Estas nueve canciones son un viaje en si mismas que Mariana junto a Ariel han realizado du-

rante el 2022.

Cada una tiene su videoclip disponible en Youtube donde muestran distintos lugares de nuestro país como Salta, Esquel, La Rioja y también Colonia, Uruguay además de un dibujo animado que retrotrae anteriores viajes por Brasil y Londres.

El espíritu de los viajes es siempre contar las historias de cada canción en diferentes contextos.

1. Ciclo 2:38

Mariana Masetto: Voz y Huancara

Ariel Gato: Programación y Bumbutro

2. Impulso 3:36

Mariana Masetto: Voz y Udu

Ariel Gato: Programación

3. Esencia 3:27

Mariana Masetto: Voz, cuatro, Udu, Ocean drum y huancara Ariel Gato: Bajo y programación

4. Legüero 3:43

Mariana Masetto: Voz y bombo Legüero Quito Gato: Guitarra Barroca

5. Alecrim é 3:48

Mariana Masetto: Voz y Djembe Daniel Maza: Bajo y Voz

6. Camino 3:35

Mariana Masetto: Voz, Kalimba, & Huancara

Ariel Gato: Bajo y programación

7. Fantasy 3:26

Mariana Masetto: Voz, Arpa, Ocean drum y huancara

Ariel Gato: Bajo y programación

8. Viaje 3:58

Mariana Masetto: Voz & Huancara

Ariel Gato: Bumbutro y programación

9. Sa chaleur 3;20

Mariana Masetto: Voz, Kalimba, Caxixi, Ocan drum & Huancara

Ariel Gato: Programación

demos cuenta. Dice en Francés, Je comprends, J’ai écouté, chaque pas, intense. Entiendo! Escucho cada paso, intenso.

3. Esencia es una reflexión interior, casi un sueño, ese momento en que nos damos cuenta que somos una radiografía de nuestra voz, de cómo hablamos, de lo que decimos, nuestra esencia se ve manifestada con cada palabra. La esencia es como una foto de nuestra alma y se manifiesta a través de nuestra voz.

del 1700 y el instrumento que suena es una Guitarra Barroca un instrumento antiguo. Quien lo toca es un especialista en este repertorio: Quito Gato.

1. Ciclo, la primera canción transcurre en un parque de diversiones en La Rioja. Nos lleva a observar que la vida misma es dar vueltas, un juego cíclico para seguir aprendiendo y sintiendo que alguien nos espera, nos escucha, nos quiere. Para cada uno ese alguien tiene nombre. Los humanos vivimos en relación, esa es nuestra condición y necesidad social.

2. Impulso transcurre en la Laguna La Zeta en Esquel y describe nuestro interior subiendo montañas inimaginables por donde nuestra vida transita. La vida misma que nos dice cada día que estamos vivos y que nos

4. Legüero es una canción dedicada a un instrumento de percusión muy antiguo utilizado en nuestro folklore Argentino, pero también similar y usado en muchas otras partes del mundo, desciende en nuestra tierra de la mixtura con la cultura Africana y tanto su sonido como su ritmo nos lleva siempre a sentir que es parte de nuestro cuerpo, algo parecido a un latido de corazón.

La letra habla de este amor que descubrí al conocer tanto su sonido como el origen, desde allí ha sido uno de mis instrumentos que más amo, por eso le he dedicado esta letra.

El video clip transcurre en Salta donde la música folklórica en general tiene siempre un bombo Legüero. El nombre Legüero es porque se dice también que este instrumento se habría utilizado para comunicarse a la distancia, a las leguas y así saber a dónde estaba la persona que lo tocaba, con eso medían distancias, leguas…. La introducción musical es una pieza antigua española de Gaspar Zanz, un compositor

5. Alecrim é, es una canción con ritmo de candombe dedicada a mi planta de Romero. De visita en una exposición en el Jardín Botánico de Buenos Aires nos regalaron un ramito fresco para cocinar. Al llegar separamos dos ramitas y las colocamos en agua, a las dos semanas habían sacado raíces y se convirtieron nuevamente en plantitas. “¡La esperanza de que la vida fluye y quiere vivir si la observamos!” Nos conmovió tanto este proceso de la vida que le escribimos esta letra. Aquí tuve la fortuna que el gran Daniel Mazza me regalara su arte para vestir nuestra música. La plantita está en el video también al comenzar.

6. Camino transcurre en La Rioja, es la primera canción que tuvo este álbum y nace de la sorpresa de la naturaleza misma, cuando nos internamos en ella. Siempre he querido visitar estas formaciones geológicas rojas tan imponentes, allí ocurren actos mágicos solo mirando, hay figuras, viento, quiebres, silencio, ecos…. eso me cambió, un momento muy especial de mi existencia. Ya no soy la misma habiendo recorrido ese territorio. Quedé encantada con la edad de esta tierra, amé caminarla y sentir que hace mucho es transitada. Vamos perdiendo esa percepción, por eso es muy bueno

visitar estos lugares.

7. Fantasy es una canción que siempre estuvo en mi imaginario, es una canción que me lleva a un lugar fantasioso donde los sonidos suaves nos llevan a un lugar placentero, ese lugar que algunas veces alcanzamos yendo a dormir. Para armar este contexto, diseñé la base con un arpa celta pensando como si fuera una canción de hadas. Tiene el texto dos frases de Shakespeare.

8. Viaje es una canción que me llevó a la reflexión de dónde vengo, por qué soy quien soy, por qué tengo esta forma, por qué me gusta lo que me gusta, de allí fui hacia mi interior y pude sentir este viaje que hace siglos han hecho mis ancestros. Me conmovió como símbolo el tren, que siempre ha llevado gente por un camino de rieles en donde algunos bajan y otros

suben y otros nunca dejan de viajar. Fue una interesante analogía con la vida. Para esto, quisimos representarlo con este hermoso tren museo que es la Trochita de Esquel, el primer tren que tuvo nuestro país y que recorre paisajes tan lindos y tan similares a otros de donde quizás yo venga ancestralmente.

9. Sa Chaleur describe la imagen o forma de un agujero, una cueva, un túnel por donde yo camino y donde felizmente em-

piezo a ver la luz al final del camino. Finalmente este álbum vió la luz! Sa Chaleur “La calidez que me genera” el cantar, hacer música, es mi mejor forma de vivir, en donde todo fluye y me hace bien.

Contacto Mariana Masetto bumbunitamusica@gmail.com

CICLO

León Gieco y Miryam Quiñones presentan 'Baguala por la Argentina' con versos de Chabuca Granda

A 40 años de la guerra de las Malvinas, el gran cantautor argentino León Gieco, en colaboración con la cantora peruana Miryam Quiñones, presentan 'Baguala por la Argentina', con versos de la eterna compositora peruana Chabuca Granda, que el cantor ha musicalizado.

La poesía fue escrita en 1982 por la más importante cantautora y folclorista de la historia del Perú, que estaba especialmente conmovida por la guerra que sacudía el Atlántico sur y formó parte de lo que ella misma llamó su 'modesta contribución a una causa tan justa y noble'.

Menos de un año después, Chabuca Granda murió a los 62 años dejando una estela de música y poesía que la hizo famosa universalmente con canciones emblemáticas como 'La flor de la canela' o 'Fina estampa'.

A fines de la pandemia Gieco le puso música a estos versos y ahora, en una cuidada producción, presenta con su voz esta 'Baguala por la Argentina' en compañía de la destacada cantora Miryam Quiñones (actualmente radicada en España).

La canción está dedicada 'A los soldados que estuvieron allí. / A los que murieron. / A los que no soportaron la marginación y el olvido.'

Para darle forma a este trabajo, Willi Piancioli se encargó de los sintetizadores, Lucía Ramseyer y el propio Gieco de las cajas, César Castillo de los sikus, quenacho, quena y roncoco. Las voces del coro son de Morita La Valle Giusti, Luca La Valle Giusti, Anita Piancioli, Lucía Ramseyer, Sofía Cámpora Durán, Elina Onzari y Amelia Onzari.

El grabado y mezclado fue realizado por Tomás Vigo en el Estudio Eclectic y la edición de video fue de Pablo y Alejandro Peláez. La coordinación general la hizo

Virginia Taranto para Grupo Dharma.

RRSS León Gieco Instagram: @giecoleon_oficial Facebook: Leon Gieco Oficial Twitter: @GiecoLeon Web: www.leongieco.com

RRSS Miryam Quiñones Instagram: @miryamquinones_music Facebook: Miryam Quiñones - Música Twitter: @MiryamQuinones Web: www.miryamquinones.com

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Video León Gieco y Miryam QuiñonesBaguala para la Argentina

Luis Mauregui CUARTETO presenta

3 R O S A S

El grupo encabezado por el guitarrista y compositor presenta su disco debut.

Viernes 11 de Noviembre 21hs en PREZ

Anchorena 1347, CABA

Entradas $1600 en www.prez.ar o en https://www.tuentrada.com/

Luis Mauregui (guitarra, composición y arreglos) junto a Sebastián Marcial Álvarez (saxo alto y soprano), Francisco Nava (contrabajo) y Martín Vicente (batería).

El Disco

"13 Rosas" fue cocinándose a fuego lento, quizás sin saber desde un principio que iba a ser un disco. Algunas composiciones

que lo conforman datan de 2014 y otras surgieron en los pandémicos años 2020 y 2021.

Integrado enteramente por música original e instrumental, "13 Rosas" está encarado como un álbum de jazz contemporáneo, donde la improvisación juega un lugar relevante, como es marca de este género, sin ir en desmedro de los arreglos y la composición.

En "13 Rosas", muchas veces la música emana de los gustos de Mauregui por la literatura, como es el caso de "Manuel", en honor a Manuel Puig, o de "Nada de Zambra",

en referencia al escritor chileno Alejandro Zambra.

El título del álbum "13 Rosas" - tomado del nombre de uno de los temas - alude a las trece jóvenes militantes antifranquistas, asesinadas el 5 de agosto de 1939 por el gobierno de Franco, acusadas de un crimen que no cometieron.

De este modo, aun sin ser una obra política ni mucho menos panfletaria, el disco rinde homenaje a la lucha de los oprimidos.

El Grupo

Dice Luis Mauregui: "Con Fran, Martín y Seba he compartido muchas juntadas y fechas y cuando quise plasmar mi música en un disco pensé en ellos para poder vehiculizarla."

Si bien Luis Mauregui Cuarteto nació en el año 2014, sus integrantes actuales no son los mismos que los de sus inicios, aunque la propuesta siempre mantuvo la misma instrumentación: el contrabajo y la batería en su rol de sección rítmica y el saxo alto y la guitarra como las voces cantantes y principales improvisadores.

Hoy lo conforman Sebastián Marcial Álvarez (saxo alto y soprano), Francisco Nava (contrabajo), Martín Vicente (batería) y Luis Mauregui (guitarra, composición y arreglos).

13 ROSAS disponible en Spotify en Youtube y en todas las plataformas digitales.

13 ROSAS

1) Lindo

2) Que esperabas

3) Nada de Zambra

4) Manuel

5) Gotas en el portón

6) 13 rosas

MÚSICOS

Luis Mauregui (guitarra, composición y arreglos de todos los temas)

Sebastián Marcial Álvarez (saxo alto y soprano)

Francisco Nava (contrabajo) Martín Vicente (batería)

Grabado en estudio Doctor F. el 16 de octubre del 2021.

Técnico de grabación: Agustín Silberleib

Mezcla y masterización: Florencio Justo

Arte de tapa: María Belén Terrón Videos y fotografía: Emilio Polledo

BIO LUIS MAUREGUI

Nacido en la ciudad de La Plata, el músico Luis Mauregui está radicado hace más de una década en Ciudad de Buenos Aires.

Se ha formado con los maestros Alejandro Moro, Marcelo Gutfraind, Lucio Balduini, Sacri Delfino, Ernesto Dmitruk en el estudio de la guitarra y con Diego

Schissi y Javier Mareco en arreglos y composición.

Luis es parte activa de la pujante escena jazzística de Buenos Aires habiendo compartido escenarios con Eloy Michelini, Ricardo Pellican, Juan Bayón, Athos García, Pedro Etcheverry, Bruno Varela, Hernán Cassibba, Jeanette Nenezian, Ornella Contreras, Inti Sabev, René Gatica, Matías Dabanch, entre otrxs.

Además de su cuarteto de música original, forma parte del trío de música francesa Louise Michel Trío.

Facebook: https://www.facebook.com/luis.m auregui

Instagram: @luismauregui Canal de Youtube: https://www.youtube.com/channel/UCsYnoIQbJGsRUMjkKa49 Kng/videos

Contacto Prensa: Yamila de la Fuente yamiladlf@gmail.com

Video

13 ROSAS - Lindo (Luis Mauregui) https://youtu.be/nwq4Sr1loNg

Lara Fichera presenta su nuevo álbum EN EL FILO

Se trata del primer trabajo discográfico de esta joven cantante y contrabajista en formato trío /Su despliegue lúdico vocal la posiciona en una de las nuevas y mejores voces en la escena del Jazz contemporáneo

“Me llena de alegría haber logrado honestidad y expresividad en mi primer álbum Llamarlo "EN EL FILO" es un manifiesto y un llamado a quienes resuenen en ello y una convocatoria a todas mis versiones posibles del futuro a vivir y crear con libertad, sin miedo a caminar en el abismo y lo incierto mientras mi faro sea lo genuino”. Lara

Presentaciones en vivo

Lara Fichera en voz, contrabajo, arreglos Andrés Martínez en piano, teclado y arreglos Con la participación especial de Agustín Cáceres en batería en estos conciertos + músicos Invitados sorpresa

En Ciudad Autónoma de Buenos Aires

Sábado 26 de noviembre 21h (Abren puerta de sala 20 30 hs) Sala Casals - Sadaic Música Av. Corrientes 1660 /Paseo La Plaza https://www.instagram.com/sala. casalsok Valor de la entrada $1.500

https://www.plateanet.com

En La Plata

Sábado 3 de diciembre 21 h

Sala 420 // Calle 42 entre 6 y 7 Número 571 https://www.instagram.com/sala4 20lp

Valor de la entrada $1500

Adquirir entradas en Alternativa Teatral

Acerca del álbum EN EL FILO

Este es el primer álbum de la cantante y contrabajista Lara Fichera, es una propuesta de jazz contemporáneo en formato trío, con Pablo Bianchetto en batería y Andres Martinez en piano y teclado. La obra cuenta con arreglos originales y tiene una duración breve y exacta, acorde a su propuesta conceptual y estética.

Reúne cuatro obras musicales elegidas por la artista: Inútil Paisaje de Tom Jobim, Round Midnight de Thelonious Monk, The Peacocks de Jimmy Rowles y Wiegenlied de Johannes Brahms.

La voz protagónica de Lara y la estética de la improvisación propuesta despliegan una atmósfera lúdica y emotiva El canto libre y creativo de la artista abre el juego a un diálogo y exploración sonora con el contrabajo, el piano, el teclado y la batería . Obras que parecieran tener rumbos artísticos ajenos entre sí, se ven hilvanadas y hermanadas aquí por el código del Jazz contemporáneo.

La claridad expresiva de Lara como vocalista, su inmenso caudal vocal y lúdico despliegan emoción, honestidad, frescura, y sensibilidad.

Cabe destacar que el álbum se grabó en una sesión en vivo y la sonoridad lograda es muy parti-

cular original y expresiva debido a eso “Grabamos el álbum en formato Live Sessions (tocando todos juntos la misma canción en el mismo momento) para captar la esencia de nuestro formato en trío, priorizando la honestidad y frescura del momento por sobre las posibilidades de corrección luego de la grabación. Esa interacción de miradas, escuchas, sorpresas mientras se imprimía EN EL FILO generó una atmósfera y un estado emocional en nosotros a fin con la propuesta estética y conceptual del álbum”. nos dice Lara

La extensa y amplia formación académica sumada a sus experiencias de juego musical desde pequeña hasta hoy en día, con sus participaciones en Jams de Jazz, dan a Lara una impronta personal muy admirable y original que explica la razón de ser de su álbum.

en un momento apareció la música y ahí estaba EN EL FILO”

Pablo Bianchetto en batería y Andres Martinez en piano y teclado, se sumaron a la propuesta de Lara Fichera y son protagonistas junto a Lara Fichera ( en voz y contrabajo) de esta sorprendente obra discográfica en la escena del Jazz contemporáneo.

“Fue genial y fundamental trabajar con los músicos que me acompañan en este álbum, Andres Martinez en pianos y arreglos, y Pablo Bianchetto en batería y arreglos, con sus aportes creativos, musicales y humanos. Dieron su presencia y entrega en cada parte del proceso”. nos cuenta la compositora y contrabajista

Acerca de Lara Fichera

El título “EN EL FILO" surgió de un poema de Lara que refiere a un estadío en el que se encontraba cantando y explorando, entre sus mundos, los sonidos que conforman este álbum..

“El mundo del corazón, lo intuitivo, lo espontáneo, lo incomodo, la improvisación, lo vivo, lo presente, ese lugar lúdico y vertiginoso en el que no hay error, todo vale y se defiende hasta el final sin correcciones. El tiempo permitió que todas las dudas desde la más amplia a la más diminuta entrarán en un proceso de reflexión, de búsqueda, de boceto, y,

Lara Fichera (La Plata, 1997), es una cantante, improvisadora y contrabajista. Se ha formado en el jazz y la música clásica que fusiona casi inevitablemente con su raíz folklórica.

Con 4 años de edad, inició sus estudios musicales en guitarra clásica en el Conservatorio de Música Gilardo Gilardi, Diana Chagalj. Ya en el Bachillerato de Bellas Artes comenzó el aprendizaje del contrabajo, composición, música popular e improvisación.

En el transcurso de la escuela primaria, integró el Coro de Niños, donde ya descubrió su pasión por el canto. u

Ingresa a la Universidad Nacional de las Artes (Universidad Nacional de Las Artes U.N.A/ U.B.A) donde cursa Licenciatura en Música. Inspirada por Bjork elige Composición con Medios Electroacústicos y Dirección Orquestal para aprender diferentes perspectivas sonoras. Luego profundiza su camino como cantante y cursa en la Licenciatura en Música con especialización en Canto Lírico.

Ha participado en diversos proyectos musicales tales como Orquesta La Trama Ensamble, Ensamble Informe, Francisco Seglie Cuarteto, Feliz Candelo cuarteto, Djasz Trío, Ruido Blanco.

cuentra en una jam de jazz, sintiendo que era la mejor oportunidad de crear música con otras personas. La improvisación desde siempre fue su lenguaje más natural.

Continúa su formación en canto con su actual maestra, Elisa Villadesau. También estudió canto con Celina Torres y Víctor Torres, improvisación con José Enrique Angelillo, Pablo Ledesma, improvisación vocal con Lucia Boffo, audioperceptiva y armonía con Fernando Albinarrate.

También tocó y cantó junto a Roque Monsalve, Lila Frascara, Bernardo Casagrande, Mariano Meneghini, Francisco Seglie, José Enrique Angelillo, Sergio Casanovas, Nicolás Fichera, Daniel Chapet, entre otros.

En 2019 conforma Lara Fichera Trio, junto a Andrés Martínez en piano y Pablo Bianchetto en batería

Paralelamente a su formación académica, a los 16 años se en-

Si bien desde los cuatro años estudio música, al momento de hacerla siempre me guiaron cosas que no entiendo y se han convertido en el sonido y el movimiento de mi cuerpo" ”. en palabras de Fichera

Con enorme interés en todas las formas de expresión artísticas, es co-autora e intérprete del espectáculo SONORO junto Ricardo Ibarlin y se desempeña como directora musical, cantante y contrabajista en la obra de teatro “1 Minuto” de Malena Her-

nández y Jimena Duca, formando parte del grupo Frontón Ensamble dirigido por Jimena Duca.

Junto al maestro Néstor Gómez están descubriendo nuevas expresiones musicales.

Actualmente es profesora de canto en la Escuela Taller Municipal de Arte Municipal desde 2019.

Desde 2017 integra la fila de contrabajos de La Orquesta Vanguardia Ikeda perteneciente a la SGIAR.

Actualmente presenta su primer álbum En el Filo en formato trío junto a Andrés Martínez en piano y Pablo Bianchetto en batería

Repertorio del disco EN EL FILO

1. Inútil Paisaje Música de Antônio Carlos Jobim y letra de Aloysio de Oliveira (03:29)

2. Round Midnight Música de Thelonious Monk y letra de Bernie Hanighen (9:36)

3. The Peacocks Música de Jimmy Rowles y letra de Norma Winstone (5:00)

4. Wiegenlied Música de Johannes Brahms (5:14)

Ficha Técnica EN EL FILO

Músicos en el álbum Lara Fichera en voz, contrabajo y arreglos

Pablo Bianchetto en batería y arreglos

Andres Martinez en piano, teclado y arreglos

Grabación, mezcla y mastering en Casa Frida Estudio por Hernán Caratozzolo / Fin del año 2021 Grabado en una sesión en vivo

Edición y post-producción de video Lucas Gardinetti Registros visuales y cámaras de Carmen Queirel, Josefina Horquin y Vicente Fichera Arte de tapa de Francisco Guglielmino Producción artística de Lara Fichera Edición independiente en formato digital Duración total del álbum: 23 mi-

nutos y 19 segundos

Fotos: Francisco Guglielmino, Juan Carlos Berdugo, Vicente Fichera

Encargada de Prensa y Comunicación Alicia Gubitsch

Lara Fichera en plataformas digitales y redes sociales Instagram Facebook YouTube Spotify

Prensa y comunicación Alicia Gubitsch prensa.aliciagubitsch@gmail.co m

Video

Inútil Paisaje (feat. Andres Martinez & Pablo Bianchetto) https://youtu.be/szYHEkys8Ug

Martes 8 de noviembre 20.30 h en la Sala Lavardén, Sarmiento esquina Mendoza. Entradas sin cargo previa reserva en la web del teatro, la semana anterior al concierto.

Jueves 10 de noviembre a las 20 h en el Auditorio Nacional del Centro Cultural Kirchner, Sarmiento 151 (CABA). Entradas sin cargo previa reserva en la web del centro cultural, la semana anterior al concierto.

El multipremiado artista rosarino

Franco Luciani, reconocido como uno de los más destacados instrumentistas de la música popular, celebra sus veinte años de trayectoria musical con la armónica; instrumento por el que es considerado uno de los mejores armonicistas del mundo y el más destacado del país.

Por este motivo, realizará dos conciertos, uno el martes 8 de noviembre a las 20.30 en la sala Lavardén de la ciudad de Rosario, y otro el jueves 10 de noviembre a las 20 h en el

Auditorio Nacional del Centro Cultural Kirchner de la ciudad de Buenos Aires; ambos con entrada gratuita disponible desde unos días antes a través de las webs de cada sala.

El repertorio elegido por el artista para estas presentaciones abordará temas de algunos de los diez álbumes que ha realizado a lo largo de su carrera como solista, así como temas de grabaciones en las que ha participado convocado como Invitado especial en un amplio abanico

FRANCO LUCIANI La armónica argentina - 20 años Con Leonardo Andersen(guitarra), Pablo Motta (contrabajo), Bruno Resino (percusión) y artistas invitados.

de artistas de distintos orígenes y géneros (más de ciento treinta participaciones) . Algunos de estos colegas con los que Franco se ha cruzado a lo largo de su camino musical, serán parte de la fiesta, en la que también estrenará nuevo material. El hilo conductor irá desde el Tango y el Folklore hacia otras músicas, con versiones y composiciones propias.

Franco Luciani ha sido recientemente nominado a los Latin Grammy 2022 por el disco "Milonguero", del Pablo Motta Ensamble con Franco Luciani.

“Franco Luciani es un músico que toca la armónica extraordinariamente bien" Mercedes Sosa

"Franco Luciani es uno de los músicos más brillantes que han aparecido en Argentina en los últimos años. Su extraordinaria musicalidad está conformada por partes iguales de pasión, virtuosismo y buen gusto. Su presente es luminoso, y su futuro no tiene techo a la vista”.

Pedro Aznar

“Talento, creatividad, personalidad, buen gusto. De todo eso se llena el aire cuando Franco besa su instrumento para dejar salir la magia. Asume la versatilidad de ser solista, adaptarse a un grupo, a dúo…. con la ubicuidad y el respeto a los espacios que la música requiere; y sobre todo, la elección de la frase melódica: cuando opta por una de ellas, seguro es la correcta”.

Guillermo Fernández

Dice Franco Luciani: “Veinte años es un número redondo y significativo. Si bien mi trayectoria musical arrancó mucho antes, son veinte años con la armónica, que han sido como un largo viaje para mí. Sé que tengo mucho por delante aún, seguramente más de lo vívido. Es un camino de muchos paisajes recorridos, no sólo en lo geográfico -que me ha llevado por destinos que tal vez ni hubiera podido imaginar-, si no también respecto a los paisajes sonoros. Desde mi columna vertebral de la Música Popular Argentina (el Tango y el Folklore) hacía una gran diversidad de géneros como el jazz, el rock, la música académica, clásica y contemporánea, los folklores del mundo, etc. Tanto como solista como en las participaciones junto a los grandes, y en muchos casos a los forjadores de cada uno de estos géneros.

En el antiguo imperio Inca existían lo que se llamaba 'Tambos'. Eran las postas que había en el camino Real. Llegaban a distintos paisajes del imperio. Eran para descanso y abastecimiento de los ‘chaskis’, los mensajeros que recorrían los distintos destinos. Muy diferentes y de lenguajes variadisimos, pero conectados. Tomando esto como una analogía de mi trayectoria, esa conexión ha sido la armónica desde el principio. Más tarde llegué a crear mis propias canciones y también cantar con mi voz. El camino continúa, pero veinte años son un trecho recorrido como para revisar el pasado y proyectar el futuro. Y,

principalmente, para celebrarlo”.

Más sobre el artista

Franco Luciani es instrumentista, intérprete de armónica, compositor y cantante. Considerado por los medios como uno de los músicos argentinos más talentosos, prestigiosos y versátiles de su generación; y el mayor intérprete de armónica de la actualidad en Argentina y reconocido entre los mejores del mundo.

Se formó en percusión sinfónica y batería en la Escuela Municipal de Música, en la Universidad Nacional de Rosario y en la Escuela Provincial de Música, todas ellas instituciones de Rosario, su ciudad natal. Sin embargo, como músico profesional utiliza la armónica, en particular la cromática. Su estilo musical combina la música folclórica argentina con el tango. También ha incursionado en el jazz y en la música clásica.

Ha compartido escenario, giras nacionales e internacionales (Europa, Asia, Australia, Latinoamérica y Norteamérica) y grabaciones con su proyecto solista y con los artistas más destacados de su país y el exterior como Mercedes Sosa, Egberto Gismonti, Lila Downs, Eva Ayllón, Snarky Puppy, Gotan Project, Pedro Aznar, entre muchos otros.

Forma parte de la Galería “Master of the harmonica” en el canal online de la prestigiosa marca alemana de armonicas Hohner en una entrevista grabada en la misma fábrica en Trossingen, Alemania.

Actualmente cuenta con diez producciones discográficas, y ha participado en cientos de grabaciones. Forma parte del CD homenaje al maestro de la armónica del jazz Toots Thielemans, “We Do it out of love”, junto a otros destacados armonicistas del mundo entero.

Ha recibido múltiples premios; entre los que se destacan: Premio Revelación 2002 y Premio Consagración 2010 del Festival Nacional de Folklore de Cosquín, Premio Clarín Espectáculos 2005, Premio Atahualpa 2008, 2010 y 2011 como “Mejor solista instrumental”, Diploma al mérito Premios Konex 2015 como uno de los 5 mejores instrumentistas de la década (20052015), "Personalidad Destacada de la Cultura de la Ciudad de Buenos Aires" por Ley de la Legislatura Porteña en el año 2016, “Músico Distinguido de la Ciudad de Rosario” por Ley del Concejo Municipal de dicha Ciudad. Premio Gardel 2015 como "Mejor Disco Tango Alternativo" por su álbum "Gardeleria". Premio Gardel 2018 como "Mejor Disco de Folklore Alternativo" por su álbum "Anda en el Aire".y Premio Gardel 2021 por el disco “Tango Improvisado” grabado junto al maestro José “Pepe” Colángelo, en la categoría “Mejor Orquesta y/o Grupo de Tango”.

En 2018, giró por Europa, durante 50 días llevando su música por ciudades de Francia, Alemania, Italia, España, Austria, y visitando por primera vez Rusia (Moscú) y Suiza; y en 2022 retomó sus giras por Francia e Ita-

lia, adonde regresará inmediamente luego de estos conciertos, retornando al país a fines de diciembre.

Videos: Franco Luciani: Adios Nonino Encuentro en la Cúpula con Lalo Mir

Franco Luciani: Los Ejes de Mi Carreta

Encuentro en la Cúpula con Lalo Mir

PH Ximena Ambrosioni:

Prensa: Karina Nisinman karina.nisinman@gmail.com Natalia Fiore nfcomunicacion@gmail.com

Video

Franco Luciani - Adios Nonino (Astor Piazzolla)

HIMALAYAS LANZA NUEVO SENCILLO

Out of the dark and into the light

HIMALAYAS está de vuelta con música editada por Nettwerk Music Group. Haciendo lo que mejor saben hacer, “Out Of The Dark And Into The Light” abre con un riff de himno y la convincente voz del líder Joe Williams. Joe explica: "Out Of The Dark And Into The Light" es una canción sobre la esperanza de algo mejor, así como la esperanza de ser mejor. Fue escrita en casa durante el final de un encierro, y creció como una bola de nieve una vez que regresamos a una sala de práctica.”

En julio, HIMALAYAS lanzó su floreciente sencillo, Alone, que fue producido por su colaborador Steffan Pringle y mezclado por el productor ganador del premio GRAMMY, Dave Sardy (Royal Blood, Josh Homme, Rage Against The Machine). La canción llegó junto con el video musical oficial, dirigido por Joel Barney (Royal Blood, Alfie Templeman, Gang Of Youths). Las imágenes cambiantes muestran a HIMALAYAS actuando frente a una serie de luces intermitentes y una pantalla translúcida que muestra a varias personas moviéndose fervientemente detrás de ella. Compartiendo un amor mutuo por Queens Of The Stone Age, Muse e Iggy Pop en su adolescencia,

Joe y el guitarrista Mike Griffiths comenzaron a tocar versiones en sus pubs locales. Más tarde se unió el baterista James Goulbourn en 2015, se completaron con Louis Heaps en el bajo. HIMALAYAS comenzó a hacer su propia mezcla única de música rock and roll estridente y de ritmo rápido, que pronto les valió una base de fans extremadamente sólida. El cuarteto se ha estado abriendo paso en el circuito en vivo desde entonces, tocando en

festivales de gran prestigio como SXSW y Reading & Leeds Festival, apoyando a Stereophonics y Manic Street Preachers, y han tocado en espectáculos con entradas agotadas. Llegó 2020 y detuvo abruptamente la increíble trayectoria de HIMALAYAS, pero Joe, Mike, Louis y James ahora están listos y con muchas ganas de continuar donde lo dejaron. Este año, el equipo de rock continuará lanzando nueva música y saldrá de gira nuevamente. Descubrí a los mejores artistas del mundo en Nettwerk Records! www.nettwerk.com

PAULA ALBERTI Prensa y comunicación! paulaalbertipress@gmail.com

Video - Out of the Dark and Into the Light [Official Lyric Video

LUCÍA RIET presenta SE ABRE

Presentación del cuarto material discográfico de la cantautora, coproducido junto a Ezequiel Borra y Nicolás Pestarino.

Domingo 27 de Noviembre 20hs en Club Cultural La Minga (Maza 1165)

Reservas en la Bio de Instagram de @lamingacc

Lucía Riet lanza su cuarto material discográfico, "Se Abre". La salida oficial del Ep completo en las plataformas digitales será el Viernes 25 de Noviembre.

Video "DIOS DEL VIAJE": https://www.youtube.com/watch?

v=f_bxAz3DLOg

dio.

SE ABRE es un delicado Ep de cuatro canciones, donde queda plasmado el trabajo creativo de Lucía de estos últimos años, marcando un giro en la composición y sonoridad de su arte.

Sus letras hablan de manera profunda y fresca sobre los viajes hacia adentro y hacia afuera, la confianza en los procesos y en la apertura a la vida.

Lucía Riet y su Ep SE ABRE

Lucía Riet, cantautora de sangre rioplatense, saca a la luz su cuarto material grabado en estu-

Una voz carismática, sensible, va acompañada de una atmósfera sonora expansiva, que va del minimalismo a la épica.

Podemos encontrar un rock-popMirá

indie en la canción "Dios del Viaje", una pieza mántrica nocturna en "Luna sobre el Mar", un reggae fresco y lúdico en "Lo Pequeño" y una canción botánica profunda que crece en "Siembra y Cosecha" .

La grabación de SE ABRE contó con la producción artística conjunta de Ezequiel Borra, Nicolás Pestarino y Lucía Riet.

Los músicos que participaron son : Ezequiel Borra (guitarra eléctrica, accesorios, coros)

Nicolás Pestarino (batería, coros)

Juan Telechea (bajo) Alex Musatov (violín) Violeta García (cello) Sonia Álvarez (arpa) Victor Rallis (trompeta) Lucía Riet (voz, guitarra española y composiciones)

Fue grabado en Enero 2022 en Estudio “El Precioso”.

Edición, Mezcla y Master en Estudio “El Ancla", por Nicolás Pestarino.

El arte visual de Se Abre y sus singles está a cargo de Miguel Suarez.

Fotos de Soledad Gryciuk. La distribución está hecha por La Flota Distribuidora.

BIO Lucia Riet es cantante y compositora.

Desarrolla su carrera desde el año 2004 en distintos formatos. Actualmente se presenta como solista compartiendo sus cancio-

nes profundas, frescas y de sonoridades diversas. Egresada del IUNA, Lucía se formó como cantante con diferentes maestrxs: Liliana Vitale, Jana Purita, Piere Tournier.

Sus estudios de composición fueron de la mano de Ricardo Capellano, Guillermo Pesoa, Rosario Bléfari y Edgardo Cardozo. Tocó en numerosos escenarios en CABA (CCK, Circe, Vinilo, etc); además llevó su música por Uruguay, México y distintas provincias de la Argentina.

Ha colaborado con diversos artistas, como Pablo Dacal, Rafa Doorish, Marcus Manzoni, Ciruelo, entre otros.

Sus discografía se completa con:

Extraño caminar (2004), ChicheBombom (2010), Tesoro (2020). Actualmente se encuentra lanzando su 4to material discográfico, Se Abre, coproducido con Ezequiel Borra.

La música de Lucía Riet está disponible en Spotify: https://open.spotify.com/artist/7o klPe80a15S9hXk9Ed7YT

Y en todas las plataformas. Canal de Youtube: https://www.youtube.com/channel/UChUU0VkgpzrjxbkzYQMalBg Instagram: @luciariet Facebook: Lucia Riet

Contacto Prensa: Yamila de la Fuente yamiladlf@gmail.com

Video

Dios del Viaje ( ft. Ezequiel Borra) // LUCIA RIET https://youtu.be/f_bxAz3DLOg

CINTIA BELÉN PRESENTA SU PRIMER SINGLE "VÉRTIGO"

Cintia Belén presenta la canción que abre el camino de este nuevo proyecto musical, y adelanta el lanzamiento de su prometedor disco debut "Descargo".

CINTIA BELÉN es cantautora, actriz y bailarina, nacida en la ciudad de Mar del Plata. Ha recorrido un largo camino previo a su incursión en la música, experiencias que la nutrieron y formaron para convertirla en la artista completa y versátil que es hoy. Participó en importantes proyectos: como bailarina en "Aliados"

(Cris Morena), Disney, El Choque Urbano, Luciano Pereyra, y el reconocido programa de televisión Showmatch; como bailarina, actriz y cantante en "Cabaret El Musical" y en la serie "Kally´s mushup", entre otros. Recientemente fue bailarina y protagonista del videoclip de la canción "N5" (Lali Espósito), artista con la que trabajó también en el rodaje de "Besarte mucho".

"Vértigo" es el corte con el que la artista debuta musicalmente y

anticipa lo que será su primer disco "DESCARGO". En esta canción, CINTIA BELEN fusiona lo urbano con tintes latinos y agrega una cuota del flamenco que se aprecia en su decir, resultando en un cóctel irresistible al baile y contundente en su lírica.

"Vértigo": escrito y compuesto por CINTIA BELÉN, con producción musical del sello ROJO (Juan Barallobres, Lucas Avellina y Axel Noguera). Fue grabado en el estudio "Peyote" de Pey Etura en Lago Puelo

(Chubut) en 2022.

"VERTIGO" Dirección Venganzaunder.

“Cuánto duele el duelo de dejar ir las partes que alguna vez creímos nos dieron identidad.

Aquel miedo que creí paradójicamente que podría protegerme. Qué vertiginosa es la vida cuando aceptamos la libertad. El ego quiere volver a la jaula mientras el alma grita por abrir sus alas.

Desidentificarnos para reconocernos realmente. Amar en libertad. Amar sin miedo a perder. Porque amar con miedo no es posible.

Estamos llenos de contradicciones verdad?

En ese limbo… dicen que el vértigo es la capacidad que tiene uno de tirarse por el abismo, cuanto más coraje, mayor el vértigo.

No concibo la vida de otra forma, sino es atravesando el bosque de todo lo que me limita. Prueba y error. A corazón abierto.

Creo que vivimos buscando algo a lo que le tenemos tanto miedo que en vez de encontrar, nos escondemos… y está ahí, cerca, esperándonos sin esfuerzo, bien adentro.

Solo el Amor puede protegernos de tanta hostilidad, será que estamos listos? Vamos a salir de esta jaula. Voy a dejar de luchar. Voy a rendirme. Basta para mi basta para todos”.

Presentación oficial de "Des-

cargo"

9 DE DICIEMBRE 21 HS. CLUB CULTURAL MATIENZO PRINGLES 1249 Entradas a la venta a través de PASSLINE

CELINA CASSI Prensa y Comunicación celinacassiprensa@gmail.com

Video

CINTIA BELEN - VÉRTIGO

"VERTIGO" según CINTIA BELÉN.

DAVID SOTELO cantante. compositor. guitarrista presenta su disco "EN NOMBRE PROPIO"

Cuando las fronteras entre la ciudad y el campo aún no eran tan claras, la música se desvanecía en largas noches de boliche y fogón campero. Allí las credenciales de la milonga eran la payada y, a veces, el arpegio somnoliento. Los temas eran diversos, como en este nuevo trabajo donde el autor convoca al paisaje habitual de la milonga sin rehuir la tensión del conflicto humano.

David Sotelo decidió hacer un repaso de aquellas canciones

que andaban por la senda del género. Nuevas armonías y giros para la forma tradicional de esta música de nuestros orígenes rioplatenses . Así, esta nueva mirada; este nuevo disco digital mezclas llanura y rascacielo y contiene diez canciones originales en letra y música del propio Sotelo... de su "nombre propio"

VIERNES 4 DE NOVIEMBRE21hs en Altos de La Poesía

Bolivar 703 - San Telmo Entrada $1500/ Anticipadas

al whapp +54911- 471-2308 e Instagram: @francis_ offen FICHA TÉCNICO ARTÍSTICA:

1. Milonga del busca (4:05)

2. Milonga en deseo (4:01)

3. Milonga dulce (4:00)

4. Milonga del soplo (6:29)

Milonga de las baldosas

6. Trenes y nubes (3:54)

7. Milonga del perejil (6:14)

8. Milonga del añorar (4:02)

9. Serenata para una milonga (2:20)

10 En nombre propio (4:04)

rrista, grabó con su primer álbum "Botellas al Río de La Plata" (2001) liderando, junto a Ricardo Bottaro, un combo con marcada influencia del candombe y la milonga.

Grabó dos discos junto a Oscar Alem: "Golondrinas" y "Despedida del amor" con repertorio de autores argentinos y latinoamericanos, y del propio Alem con Hamlet Lima Quintana.

Thielemans en La Plata junto a Daniel Chapett y su grupo.

JUAN MARTÍNEZ: : guitarra FELIPE TRAINE: guitarrón IRENE CADARIO: violín PAULA POMERANIEC: cello CHINO MOLINA: bandoneón GUIDO MARTÍNEZ : bajo RUBEN DUCA :batería CAROLINA GRINSPAN :clarinete

JORGE BURUCÚA voz en “Trenes y nubes”

Grabaciòn y mezcla: JAVIER BAÑUELOS

Masterizaciòn : HERNAN ASCONIGA

Septiembre 2022- Edición independiente

ACERCA DAVID SOTELO

Nacido en Buenos Aires, con padre y abuelo músicos, recibió influencias del bolero y el jazz, escuchando a grandes cantantes, desde Lucho Gatica hasta Frank Sinatra.

Compositor, cantante y guita-

Su siguiente disco: "Mar de Terrazas" (2006) con el grupo La alquimia porteña, contó con arreglos y dirección de Carlos Olano e incluye temas propios y de Ástor Piazzolla.

Durante los años 2020 y 2021 produjo dos discos digitales con arreglos y dirección de Guido Martinez: "Posteridad" (2020) y "El Banderín"(2022) que fue presentado en vivo en el Teatro Picadero, junto a diez músicos en escena y en el 2022 en el escenario de Bargoglio.

Recientemente realizó un homenaje a Lupicinio Rodrigues dentro del Ciclo Brasil de Bargoglio. Participó del homenaje a Toots

Actualmente ya se encuentra grabando un nuevo trabajo de ritmos folklóricos junto al guitarrista Claudio Ceccoli y la participación de la cantante Cecilia Pastorino que será editado en 2023.

Prensa Ana Garland anagarland@gmail.com

Video En nombre Propio - David Sotelo https://youtu.be/G56MNNl-HVE

SERGIO ZABALA:

“Un Ángel para tu soledad”

Homenaje y evocación de un clásico reversionado a la música cuyana

Sergio Zabala presenta una reversión de “Un Ángel para tu soledad”, canción del acervo de rock nacional, un clásico de “Patricio Rey y sus redonditos de Ricota”. El artista se apropia de la pieza y le otorga un nuevo significado, logrando otra obra desde esa transformación, que lo conduce directamente a encontrase con la pérdida más grande que tuvo. Disponible en todas las plataformas digitales a partir del 7 de octubre.

Sin tener una referencia en realidad del significado original de la canción, al músico la letra lo invitó a querer reversionarla de manera acústica. Le otorgó los espacios, tiempos y resaltando ciertas palabras a través de la melodía, “aprovechando más los silencios que la poesía nos permite” explica Sergio.

Darle una pausa a la canción, para que las palabras cobren otra autonomía y significancia, por lo cual la letra queda en primer plano. En cuanto a la instrumentación es muy minimalista, con una idea de mantener siempre el espacio, comenta el artista que se transportaba a la zona de La

Pampa al mar, desde esa inmensidad que el propio espacio que provoca. La poesía de la canción lo llevaba a esta musicalidad, creando un nuevo sentido.

Desde un orden azaroso o de coincidencia, o quizá desde el encuentro de la pérdida misma, es que Tute se encarga de ilustrar la nueva versión. “Una coincidencia maravillosa” describe Sergio Zabala y agrega “qué bueno que pasó esto, las dos búsquedas artísticas se unen”, comentando lo rápido que fluyó este proceso, donde no hubo más pautas que la música. Cabe destacar que el primer boceto que se presentó fue el que quedó finalmente como cover de la canción.

“Una misma obra puede contarse de distintas maneras, el poder de

la obra cobra un sentido desde cada uno y eso es lo maravilloso de la música, que puede vestirse de distintas maneras” dice el artista, que ya tiene tres discos de estudio editados como solista y muchísimas colaboraciones.

En el año 2020 Sergio Zabala recibió el 2do premio del Fondo Nacional de las Artes en el concurso de Música Popular Inédita. Su último disco, Gris de Fantasía, fue ternado para los Premios Gardel 2022. El músico recientemente dió un concierto en el Centro Cultural Kirchner en la sala “La Ballena Azul” junto a la Orquesta “Sin Fin”.

Sobre Sergio Zabala

Nació en la localidad Villa Dolores, Córdoba, comenzando su actividad artística como guitarrista y cantante a la edad de siete años.

Junto a su padre integró el “Dúo Puntano”, con el cual realizó la grabación de tres discos de folclore argentino presentándolos en diversos festivales de la región de cuyo.

Desde el año 1998 participó del conjunto “Los Herederos del Canto”, realizando una intensa

actividad en la provincia de Mendoza y siendo invitados al Festival Internacional de Puebla, México (año 2000).

En el año 2002 inicia la carrera “Licenciatura en Composición Musical”, en la Universidad Nacional de Córdoba perfeccionándose instrumental y vocalmente, de forma particular y en la Escuela de Música Popular La Colmena. En el mismo año emprende una pequeña empresa, “Base”, de fabricación de accesorios de percusión contando con el apoyo de bateristas y percusionistas de renombre nacional.

En el año 2004 es convocado por el estudio de grabación El Yeite, para incorporarse como técnico de sonido, productor y director musical. Trabajó como acompañante y director musical en los géneros de tango y folclore, junto a figuras como, Guillermo Fernández, Virginia Innocenti, Lito Vitale, Omar Moreno Palacios, Jaime Torres, Chango Farías Gómez, Facundo Saravia, Suna Rocha, María Ofelia, Oscar Alem, Néstor Basurto, Juan Muñiz, María de los Ángeles Ledesma y Cosecha, Diego Eschissi, Aca Seca, Juan Pablo Di Leone, Casiana Torres, Hernán Lucero, Collete Grand (Suiza), entre otros. Se radica en Brasil en el año 2008 para estudiar orquestación y perfeccionamiento instrumental en música popular brasilera, en la Universidad Nacional de Río de Janeiro (UNIRIO). Allí se formó junto a los maestros Paulo Aragao y Jaime Vignollhi. Integró un dúo junto a la guitarrista francesa Elodie Boune, con la cual realizaron diversas presentaciones en

importantes salas de conciertos de Río de Janeiro. En el año 2009 fue convocado por la UNIRIO para disertar acerca de la música popular argentina.

Durante el año 2010 realizó una gira por diversos países de Europa (Suiza, Alemania y Francia) interpretando sus composiciones (guitarra y voz) dentro de festivales y salas de concierto. A su vez, en Suiza, dirigió y presentó el trabajo discográfico disco de Collete Grand (voz).

Desde el año 2007 hasta el presente integra el cuarteto de guitarras vocal e instrumental “La Hendija”, con el cual grabó un disco. Este grupo aborda diversos estilos de la música popular argentina a través de arreglos y composiciones propias, incorporando influencias musicales de la cultura latinoamericana.

Además de desempeñarse como docente particular, trabaja como músico acompañante de artistas tanto para eventos en vivo como así también para grabaciones. Actualmente realiza estudios en la carrera de Tango y Folclore en el conservatorio Manuel de Falla. Realiza suplencias como Prof. De Lenguaje Musical en la Orquesta de Luis Guillón (Municipio Este-

ban Echeverría) y en la Orquesta del Campito cultural (Programa Andrés Chazarreta). Trabajó como músico estable de la Esquina Carlos Gardel hasta el comienzo de la pandemia. Lanza junto a Virginia Innocenti el disco En la luna, que es ternado para los premios Gardel. En el año 2020 recibe el 2do premio del Fondo Nacional de las Artes en el concurso de Música Popular inédita. El disco Gris de Fantasía es ternado para los premios Gardel 2022. Realizando un concierto en la sala del CCK La Ballena Azul junto a la Orquesta “Sin Fin”. Actualmente trabaja como profesor de guitarra y composición. Sergio Zabala hasta el momento tiene tres discos de estudio editados como solista “Tonadas”, “Alquimia” y “Gris de Fantasía”.

MN.Prensa y Comunicación Lic. Marcela Nuñez TW:@MNPrensa01 IG:@mncomunicacion marcela@mncomunicacion.com. ar Video Jazmín otoñal (Sergio Zabala / Alejandro Szwarcman)

GRÍA EREZ presenta MESEMONDÓ

PRESENTACIÓN

OFICIAL del disco debut del grupo encabezado por el guitarrista Tomás Aracri, donde conviven la improvisación del jazz, los climas del rock progresivo y el groove del funk.

VIERNES

25 DE NOVIEMBRE 20HS EN CENTRO CULTURAL MA-

TIENZO Pringles 1249

COMPARTIENDO LA NOCHE CON "THE PUPS" Entrada $1000

- Tomás Aracri: Guitarras, composición, arreglos, producción.

- Sebastián Loaiza García: Batería

- Luciano Benotto: Piano, sintetizadores y teclados.

- Augusto Noel: Saxo Tenor

- Santiago Bustos: Saxo alto - Nicolás Migliavacca: Bajo eléctrico Luego de una larga espera debido a la pandemia, llega la presentación en vivo de "Mesemondó", en un concierto que recorrerá íntegramente la obra lanzada en marzo de 2020.

Gría Erez es un proyecto de música original instrumental liderado y producido por el guitarrista y compositor Tomás Aracri. En 2019, después de una extensa gira por el viejo continente junto al trío de guitarras Piarché, – con el cual brindó conciertos en París, Amsterdam, Viena, Brujas, Zagreb y Budapest - el instrumentista retornó a Argentina con la decisión de emprender un nuevo rumbo estético, y abocarse a composiciones para formaciones más amplias.

Las experiencias vividas del otro lado del Atlántico dieron paso a un intenso proceso creativo que desembocó en el desarrollo de una ópera prima conceptual, inspirada en la intensidad de los vínculos humanos más allá del tiempo y las culturas.

del Ultravioleta" - El tema se inspira en las infinitas interpretaciones de los conceptos de realidad, irrealidad y distopía derivados de un mundo post-pandemia, mientras contempla la relación desequilibrada entre las sabidurías ancestrales y la modernidad tecnológica.

Por un lado, la nueva obra brinda una clara sensación de nuevos horizontes estéticos: se expande aún más la paleta de timbres respecto al disco debut en 2020, sumando una sección de cuatro vientos, sintetizadores, percusión y un solista invitado de lujo, el destacado saxofonista local Juan Torres Fernández.

2- Arc de Triomf (13:28)

3- Surrender (8:33)

4- Science's Just Modern Mysticism

5- Transpersonal (10:28)

6- Gyűrű (10:34)

Músicos:

Tomás Aracri en guitarra y composición, Ernesto Amstein en piano, teclados y sintetizadores, Edú Gabriel en bajo eléctrico, Nacho Colombini en batería, Alejandra Gómez en trompeta, Francisco Cetta en saxo tenor.

En Mesemondó – paralelismo húngaro de “narrador de historias” – cada tema refleja una escena emocional, un estadío de la mente enamorada en trance, una conexión iluminada. Musicalmente, confluyen diversas influencias: la armonía y la improvisación del jazz, los arreglos y climas del rock progresivo y el groove del funk son sólo un puñado de elementos que caracterizan una atrapante amalgama de sonidos latentes en la obra.

Single "La Catástrofe del Ultravioleta"

En 2021, Tomás Aracri embarcó al grupo en un nuevo lanzamiento, el single "La Catástrofe

Por otro lado, a su vez, la conexión con el mensaje artístico propuesto en "Mesemondó" es innegable y el proyecto continúa con su identidad musical de carácter conceptual, donde actos instrumentales confluyen en variados climas penetrantes y estadíos de groove, hilados íntegramente por una composición de tinte, ante todo, narrativa.

Invitados, Mark Moore en percusión (“Gyűrű”), Benjamín Barreiro en saxo alto (“Transpersonal”) y Daniel Iván Bruno en trombón (“Transpersonal”).

Grabado en diciembre de 2019, en Estudio Insigno. Grabación, mezcla y mastering: Paco Amenábar.

Mesemondó en Spotify: https://open.spotify.com/album/1 JvSVGcmirAJTQIWUp8vYp y en las principales plataformas digitales: https://linktr.ee/GriaErez

Single "La Catástrofe del Ultravioleta"

Músicos:

- Tomás Aracri: Guitarras, composición, arreglos, producción.

- Ernesto Amstein: Piano, sintetizadores, teclados.

- Edú Gabriel: Bajo eléctrico

Mesemondó

1- Matcha Latte (6:41)

- Sebastián Loaiza García: Batería

- Caro Conzonno: Trompeta 2

- Reimon Lesbereguis: Trompeta 1

- Valentina Pérez: Saxo tenor 1 - Agostina Belforte: Saxo tenor 2

- Mark Moore: Percusión Solista invitado: - Juan Torres Fernández: Saxo soprano

Grabado el 27/08/21 en Estudio Insigno. Grabación, mezcla y mastering: Paco Amenábar. Editado el 10/12/21 en todas las plataformas streaming.

Spotify: https://open.spotify.com/album/6 wL3EyoMeHfFxmlKhLoz9n?si=K OP9jXDRQA2fBP2RMbLQlQ

Youtube: https://youtu.be/Y130pMG5eRo

Tomás Aracri es guitarrista,

compositor y arreglador, graduado de la Escuela de Música Contemporánea - Berklee International Network - en 2017. Actualmente se encuentra transitando la Tecnicatura Superior en Jazz del Conservatorio Manuel de Falla. Paralelamente se formó con grandes referentes del jazz local como los guitarristas Juan Pablo Hernández y Rodrigo Agudelo, así como también posee estudios de armonía y

arreglos con Juan “Pollo” Raffo. Previo a Gría Erez, ha sido parte de diversos grupos como Piarché (jazz); Quásar (rock) y Random Bliss (jazz), con los cuales participó de grabaciones en ION Estudios, Estudio Insigno y Estudios Crazy Diamond.

Canal Youtube: https://www.youtube.com/channel/UCRLiQZ14f8LbBo-bI-x-wRg Instagram: www.instagram.com/griaerez.mu sica Facebook: www.facebook.com/griaerez.musica

VIDEOS: "Matcha Latte" (Live Session, Octubre 2019) https://youtu.be/xwMvkBWIeag

"Science´s Just Modern Mysticism" (Live Session, Agosto 2019) https://youtu.be/6Udrh2o2_uU

Contacto Prensa: Yamila de la Fuente yamiladlf@gmail.com

Video La Catástrofe del Ultravioleta

LANZAMIENTO: El Más Acá presenta

El Más Acá presenta en sociedad su nuevo sencillo titulado "La Trampa", canción de autor que navega en una melodía pegadiza, con una letra profunda, introspectiva, que invita a la reflexión.

El trío conformado por Seba Fernandez (quien fuera cofundador, compositor y guitarrista de La Covacha), Leonardo Farinola y Sol Gómez presentan esta canción que fuera interpretada por la otrora banda de Seba, pero nunca editada, dándole así el toque actual de El Más Acá en esta versión.

Este sencillo forma parte del nuevo álbum que la banda planea lanzar, siguiendo con la dinámica actual de ir presentando single a single hasta completar el track list, acompañando de material audiovisual que también saldrá a la luz en breve.

ESCUCHÁ "LA TRAMPA" AQUÍ

https://open.spotify.com/album/3 HCaEKfztVQozOtF8FrbZg

Las luchas internas, las contradicciones, las miserias y lo más bello de nuestros actos. El humano y sus múltiples universos que conviven simultáneamente. Somos capaces de crear nuestras propias trampas.

"Hay algo en tu andar, algo en tu mirar. Si elegís correr ¿Hasta dónde lo hacés?"

EL MÁS ACÁ EN FACEBOOK: https://www.facebook.com/elmasacaok

EL MÁS ACÁ EN INSTAGRAM: https://www.instagram.com/elmasacaok/

EL MÁS ACÁ EN SPOTIFY: https://open.spotify.com/artist/3V rMposrRXf2fQmL6nfxVP

EL MÁS ACÁ EN YOUTUBE: https://www.youtube.com/channel/UCvPv_xmRP4myX1iwRafbCTg

SG PRENSA Y DIFUSIÓN Susana Galarza sgprensaydifusion@gmail.com

Video

EL MÁS ACÁ - LA TRAMPA https://youtu.be/36tjJbbFnHY

COLORES AL AZAR (ft. Juani Rodríguez – Andando Descalzo

La banda liderada por el músico, productor y compositor Juan Rosasco, edita nueva canción con la participación de Juani Rodríguez, cantante de Andando Descalzo. El videoclip es protagonizado por la propia banda, junto a la primera actriz Mirta Busnelli y el periodista Lautaro Maislin.

400 personas, JUAN ROSASCO

EN BANDA llevó su disco “NORTE” de gira por las ciudades de Córdoba, Tucumán, Rosario, San Fernando y Escobar. El 14 de octubre se presenta en el Teatro Gastón Barral (Rawson 42, CABA) lugar que ya fue testigo el año pasado de la presentación oficial de su disco anterior.

voz de Palo Pandolfo y su video fue grabado en el Parque de la memoria y la Ex ESMA, con la participación de Abuelas, Madres, Hijos y Nietos de desaparecidos durante la última Dictadura Militar. El segundo tuvo a Rodrigo Manigot como cantante invitado y un videoclip con las actuaciones de Paola Barrientos y Gerardo Chendo.

Este nuevo material llega luego de la edición del álbum “Norte” (2021), el cual tuvo importantes feats como Tipitos, Daniela Herrero, Leo García y Bersuit, y posicionó a la banda en plataformas digitales y medios de todo el país.

Luego de iniciar el año con un gran show en el Centro Cultural Kirchner de Bs. As. ante más de

NORTE es el sexto disco de estudio de JUAN ROSASCO EN BANDA que articula las canciones de sus EPs “Niebla de Otoño” (2018) y “Mañanitas” (2019), más los simples lanzados este año: “Gritos de madrugada” y "Las luces de siempre". La canción que da nombre al álbum cuenta con la participación especial de Daniela Herrero en voz invitada.

Durante 2020 la banda grabó versiones #DesdeCasa de sus éxitos "Niebla de otoño" e "Hipnosis" para los festivales Billboard y AmigoSmusic, mientras siguió presentando su EP “Vivo” con tres canciones grabadas en La Trastienda el 21 de septiembre de 2019, en el marco del festejo de sus 15 años de historia.

JUAN ROSASCO EN BANDA lanzó en 2021 los simples “Gritos de madrugada” y “Las luces de siempre”. El primero contó con la

En ese mismo 2019 editó el EP Mañanitas, cuyo corte homónimo tuvo invitado a Dani Suárez (Bersuit) y a los actores Esteban Prol

JUAN ROSASCO EN BANDA PRESENTA

y Ramiro Agüero en el videoclip. Fue producido por Walter Piancioli de Los Tipitos, quien también fue parte de los anteriores trabajos: “Niebla de otoño” (con 500 mil visitas y la presencia de Leo García, Julieta Ortega y Nacho Toselli) y el disco Cuentos Para Coleccionar (2014).

En sus discos anteriores participaron invitados como Chano, Fabulosos Cadillacs, Auténticos Decadentes y Blues Motel. En estos últimos años la banda se ha presentado en los escenarios más importantes de la escena porteña como Teatro Opera, C.C. Konex, La Trastienda, Niceto, The Roxy, Teatro Sony y La Tangente entre otros, así como también por distintas ciudades en todo el país.

JUAN ROSASCO EN BANDA:

Juan Rosasco (voz, teclado y guitarra acústica) Sergio Maza (bajo y voz)

Bruno Fornasari (batería y voz) DISCOGRAFÍA

Mil Corbatas -solo piano- (2004) / Oscurito (2005) / Paseo en Menta (2007) / Rie la Puerta que da al Jardín (2011) / Cuentos Para Coleccionar (2014) / Niebla de Otoño -EP- (2018) / Mañanitas -EP- (2019) / Vivo -EP(2019) / Norte (2021)

SPOTIFY:

Juan Rosasco en Banda YOUTUBE: Juan Rosasco en Banda

INSTAGRAM: @juanrosascoenbanda FACEBOOK: Juan Rosasco en Banda - Oficial TWITTER: @juanrosasco Prensa Nadya Cabrera www.nadyacabrera.com.ar

Video

Juan Rosasco en Banda - Colores al azar (ft. Juani Rodríguez Andando Descalzo) https://youtu.be/iSDx-1YDqWI

ORIANA LANZA NUEVO SENCILLO:

Oriana Sabatini, la artista argentina que ha cautivado a la audiencia con su carácter auténtico y su capacidad para transformar las dificultades humanas en canciones alentadoras que empoderan a las personas, lanza su nuevo sencillo “SOLA”. La canción que nació en un estudio de grabación, fue producida por el reconocido productor Lauro y escrita por la artista junto a Theo. Es el resultado de una experimentación sonora en la que probaron distintos sonidos e introdujeron elementos del RKT, un género musical derivado del reggaeton que tiende hacia una producción minimalista con influencias de la cumbia argentina, y que infundió en la canción acordes alegres que invitan a pararse a bailar.

“SOLA” es un sencillo que reivin-

dica la soledad como una decisión autónoma que puede generar tanto o incluso más placer que estar acompañada. Habla sobre la importancia de disfrutar la independencia sin necesidad de otra persona mientras juega, a su vez, con algunos elementos de seduc-

ción propios de la cantante.

Esta canción no contará con un video oficial y esto es debido a un motivo especial. Oriana no tenía en mente armar una historia, quería hacer algo distinto. Estuvo viendo los videos de Blink 182 y Drake, y le encantó la idea de donar el dinero que tenía para la producción del video a diferentes instituciones. La donación total fue de $1.869.700 pesos. El refugio recibió un cheque con $300.000, el comedor “Locos Por El Ritmo” necesitaba dos campanas de cocina, y a eso le sumaron kgs de alimentos no perecederos. Y a la institución “Starte” les compraron equipamiento para el estudio de grabación, como, por ejemplo: monitores, placa focusrite, teclado midi y mixer.

Según sus propias palabras: “Fue una experiencia muy movilizadora y me da mucha felicidad poder hacer esto porque me llena el corazón”.

• “Soplo de Vida” es una fundación sin fines de lucro que se encarga de rescatar, recuperar y dar en adopción responsable a animales en situaciones de riesgo.

• La murga "Locos por el Ritmo" comenzó hace más de 5 años y contiene a más de 140 niños y jóvenes. Su impulsor fue Raúl Humberto Solis, al que todos en el barrio conocen como Toto, se crió en el barrio la 20 de la Cava. Su sueño siempre fue armar una murga para contener a los chicos y sacarlos de las esquinas, en donde se juntan para drogarse y tomar alcohol. En el año 2019 lograron obtener la personería jurídica y se pasan a llamar Asociación Civil Veinte de Junio Locos por el Ritmo de la Cava, a partir de este gran logro comenzó a nacer la idea de abrir un comedor para poder solventar una necesidad que se veía en la parte 20 de la Cava. En el año 2020 consiguieron poner en condiciones el comedor. Actualmente se brinda merienda y cena todos los días que hay mercadería. También cuenta con talleres de catequesis, peluquería y apoyo escolar (en breve van a sumar computación).

• Starte es una institución, que a través del arte aborda todo tipo de problemáticas brindando contención y atención para toda la comunidad en el barrio Santa Rita ( Boulogne Sur Mer, San Isidro) Hoy en día, en Starte concurren a

diario más de 100 niños en distintas actividades, se llevan adelante las actividades artísticas y educativas, que se complementan con las deportivas en la canchita del barrio, la cual con un gran trabajo de gestión se logró la capacitación y la inclusión de programas deportivos apoyados por Disney y Manchester City, que logran un impacto sostenido en los chicos.

Con esta nueva canción Oriana vuelve a demostrar por qué se ha

convertido en un referente cultural para los Millennials y para la Generación Z. La artista, imprime su carácter indomable mientras revela el valor de confiar en sí misma y gozarse cada momento de la vida. ¡No te la pierdas!

WE PRENSA & COMUNICACION contacto@weprensaycomunicacion.com

Video Oriana - SOLA (Lyric Video)

Maria Codino estrena su nuevo single "Nöche"

Maria Codino cierra un año de alto voltaje con el estreno de una de sus canciones más personales hasta el momento. La artista presenta "Nöche", una canción sobre las expectativas que evoca la nocturnidad y la intimidad de una conversación que se

da en confianza.

“La siento como una canción situacional, que narra una charla nocturna entre personas sobre la vida. Hay un cierto asinceramiento, con algunas observaciones personales y preguntas sin

responder que dialogan dentro de un auto”, cuenta la artista sobre “Nöche”.

En el tema, Codino recupera la simpleza de su canción insignia, “Las Flores Violentas”, para desnudar un viaje interior donde gui-

La artista porteña presenta nueva canción previo a su participación en el festival Primavera Sound

tarras y sintetizadores revisten el tema de la profundidad justa y necesaria.

“Nöche” es la tercera canción que Maria Codino presenta este año, después de lanzar su propia reversión de “My Kind of Woman” (Mac DeMarco) y el single “Desconcierto” junto con un videoclip de tintes surrealistas.

Sobre Maria Codino Maria Codino es compositora, guitarrista y productora de Buenos Aires, Argentina. Combinando un estilo particular e innovador con la voluntad de retornar a lo esencial del pop y la canción, trasciende los moldes del indie con una propuesta que ha sido etiquetada como “pop de diseño”.

una sensibilidad única, que le valieron argumentos para ser considerada como una de las apuestas más firmes de la escena musical argentina, a presente y a futuro.

Actualmente se encuentra presentando las primeras canciones que formarán parte de su álbum debut. En octubre de 2022 se presentó en el Festival Ciudad Emergente, y en noviembre par-

ticipará en la primera edición del festival Primavera Sound en Buenos Aires.

Fotos: Maximiliano Palala. Contacto: Andrea Romanos – Indie Folks aromanos.press@gmail.com

Video

Maria Codino - Desconcierto (Video Oficial)

Con un repertorio profundamente íntimo y el deseo de ahondar en la búsqueda sobre la instrumentación y la escritura, María lanzó su primer EP, “Ese Fragmento Velado”, a finales de 2020, dando inicio a su proyecto solista. Se trata de cinco canciones en las que predominan la exploración sonora, una marcada nostalgia posmoderna y

CON UN NUEVO SENCILLO

Parte de enemigo

Mango Para Armar continúa apostando a la música con su nuevo sencillo PARTE DE ENEMIGO, nacido de un riff y materializado en el Home Studio de Tomás Egüez.

El proceso de grabación fluye naturalmente gracias a la cantidad de ensayos previos y, al igual que en su primer EP, cuenta con la colaboración de Tomás Sáez.

"Buscamos generar un contraste en los versos, con arreglos más livianos basados en los sintetizadores y teclados. Musicalmente está influenciado por el sonido de los Arctic Monkeys en su ante último disco "AM", destacan los integrantes.

En cuanto a la intención lírica, la musa inspiradora llega de un cuento de León Tolstoi; donde un hombre de la aristocracia rusa se replantea el curso de la vida durante su lecho de muerte: "Creemos que la soledad y el aire puro son la combinación perfecta para acompañar el proceso de pensamiento", reflexionan.

MANGO PARA ARMAR es un proyecto emergente de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires nacido a mediados del 2014. Con muchos ensayos concretados, algunos cambios internos, canciones propias y covers, demuestra de qué está hecho debutando de local a fines del 2015.

Entre el 2016 y 2017 continúa brindando conciertos, a la par de que graba dos canciones en un estudio y las sube al canal de YouTube.

A comienzos del 2018 sufre nuevas modificaciones y decide hacer un párate para reflexionar a cerca de su futuro.

blica su nuevo sencillo PARTE DE ENEMIGO en todas las plataformas digitales y planifica una serie de shows que le permitan seguir girando su música.

MANGO PARA ARMAR ES:

Tomás Egüez (voz y batería) Lucas Valencia (guitarra y teclados)

Matías Egüez (guitarra) Hernán Vazquez Sarubbi (bajo)

Nancy Hougham Agente de Prensa Retro Producciones nancyhougham@hotmail.com

Video

Mango para Armar - Parte de Enemigo https://youtu.be/MGctbf4bitg

El 2021 lo encuentra motivado para materializar su primer EP HOMÓNIMO y presentarlo en San Telmo. Actualmente pu-

JAVIERA MENA PRESENTA SU NUEVO DISCO "NOCTURNA"

“NOCTURNA”, la nueva placa de Javiera Mena es sensual, elegante y sugerente. Un álbum engendrado en el estallido social de Chile, producido en pandemia y sobre la nueva normalidad que se sumerge en las noches de bares y discotecas, versus las noches en medio de los Andes. La dualidad que habita la propia Javiera al ser una chilena viviendo en España y Chile.

"Este disco significa abrazar mi etapa adulta. Es un retorno a lo musical, a lo compositivo, a explorar nuevos instrumentos y formas de componer. En lo conceptual y emocional, me conecto con mi mujer actual, con mi independencia y expansión, con la diversión y el placer femenino. Es el disfrute de la ciudad, de mí misma, de mi sexualidad, mi conexión con Eros." - Javiera Mena sobre su nuevo disco.

El fuego del estallido detonó este nuevo trabajo discográfico que da

forma a once canciones, donde se encuentran algunos de los cortes que la artista ha ido anticipando en los últimos meses. Es el caso de “Debilidad” que tuvo su estreno mundial en el reputado espacio 'Colors'. "Las isla de Lesbos", “Culpa”, "Dunas" y “Corazón Astral” también forman parte del quinto álbum larga duración de la artista. La artista reconoce este como su disco más colectivo ya que algunas canciones fueron compuestas por la propia Javiera

junto con otras personas, que a través de su filtro le ayudaron a encontrar lo que quería comunicar.

En “NOCTURNA” encontraremos el pop sintetizado de la artista chilena con mucha energía, con temas internos como la sombra, los vicios y la pérdida del sentido, que cumple el difícil hecho de poner a bailar sin dejar de resultar emocionante como pocos. Entregando también algunas canciones más 'chill', muy inspiradas siempre en Sade, George Michael y Lisa Stansfield; un sonido adulto contemporáneo funky y futurista a la vez, el que Javiera siempre busca.

El nuevo disco se encuentra disponible en todas las plataformas digitales, formato CD, Vinilo simple y Vinilo de lujo con la portada impresa en lenticular. Se puede conseguir en

www.javieramena.com/nocturna

Lista de canciones:

1- La isla de Lesbos

2- Debilidad

3- Peligrosa

4- Sombra

5- Diva (con Chico Blanco)

6- Dunas (con Myriam Hernández)

7- Me gustas tu

8- Eclipse total

9- Corazon astral

10- Sincronización

11- Culpa

Acompañando el disco, Javiera presenta "Me Gustas Tú" como nuevo sencillo: un hit compuesto en Madrid en plena pandemia junto a Luichi Boy y Toni D, integrantes del grupo Cupido. "Está inspirada en los años setenta, en cantantes como Jeanette y Matia Bazar. La producción fue en conjunto con Pablo Stipicic, donde logramos una sincronía entre la mezcla de elementos y colaboradores que fueron parte de la canción", explica la cantante sobre la canción que cuenta también con nuevo videoclip.

Este single y todos los que componen "NOCTURNA" sonarán en la gira de presentación llevará a Javiera Mena a recorrer diferentes puntos de España, Chile y Argentina a lo largo de los meses de octubre y noviembre.

ACERCA DE JAVIERA MENA

Javiera Mena, actual icono del electro pop - queer es una artista nominada al Latin Grammy que se ha convertido en la voz de los movimientos feministas y LGTBI+ en Latinoamérica. Su crecimiento

y reconocimiento se encuentra plasmado en los seis álbumes de estudio realizados a la fecha, considerados por la prensa y por los especialistas como joyas imprescindibles del electro pop. Durante 2020 e inicios de 2021 ha dado a conocer su EP ‘I. Entusiasmo’, el cual cuenta con canciones como ‘Flashback’, ‘Corazón Astral’ y ‘Diva ft. Chico Blanco’. Gracias a la gran repercusión de este primer EP, Javiera ha lanzado la versión Deluxe del mismo con colaboraciones estelares del productor chileno Vladi Cachai y la cantante argentina Zoe Gotusso.

Aquel viaje en busca de consolidar una identidad propia ha permitido que Javiera lleve su mensaje alrededor del mundo a países como España, México, Argentina, Colombia y Estados Unidos, donde ha cultivado audiencias fieles gracias a su música. Evidencia de ello son los múltiples festivales en los cuales ha participado como Coachella (2019), Primavera Sound Barcelona (2018, 2012) o Lollapalooza Chile (2016); y las colaboraciones que ha logrado de la mano de grandes artistas como Julieta Venegas, Miranda, Marilina Bertoldi

y Esteman, entre otros.

En noviembre de 2021 y luego de casi dos años sin llevar a cabo un show presencial en latinoamérica, brindó varias presentaciones cargadas de energía, emociones y nueva música en las ciudades de Buenos Aires, Santa Fé, Rosario y Córdoba.

A principios de 2022 Javiera colaboró junto a Marilina Bertoldi en la canción de la artista argentina "Amuleto". El videoclip protagonizado por ambas es el primer video latinoamericano de dos artistas abiertamente lesbianas.

Próximamente se presentará en varios escenarios de España y Chile y el 9 de noviembre desembarcará en el "Primavera Sound" (Argentina).

www.javieramena.com

Jesica Kusnier

Prensa, Estrategia & Comunicación info@jesicakusnier.com

Video Javiera Mena - Me gustas tú https://youtu.be/AwLsXDFqBg4

Festival de Fado

Regresa a Buenos Aires la nueva edición del prestigioso Festival de Fado que tendrá lugar los días 24, 25 y 26 de noviembre en el Centro Cultural Kirchner de Buenos Aires con entrada libre y gratuita.

En esta 12ava edición se dará el retorno a nuestros escenarios de la cantante portuguesa Mariza, la gran estrella del fado actual –tras la muerte de la legendaria Amália Rodrigues-, quien repasará su nuevo disco “Mariza Canta Amália”, junto a sus grandes éxitos.

Con veinte años de carrera y más de treinta discos de platino alcanzados en una sola década gracias a éxitos como “Gente da minha terra”, “Cavaleiro monge” y “Meu fado”, Mariza se ha alzado como una de las más grandes exponentes del actual fado, presentándose en el Royal Albert Hall de Londres, el Carnegie Hall de Nueva York, el Walt Disney Concert Hall de Los Angeles, la Ópera de Sidney, el Palau de la Música de Barcelona, la Alte Oper de Frankfurt y el Teatro Albéniz de Madrid, por mencionar sólo algunos espacios. Asimismo, ha conquistado premios como el de la BBC 3 a Mejor Artista de World Music de Europa y el European Border Breakers Award en el MIDEM, al tiempo de haber sido nominada en dos ocasiones para los Grammy Latinos e incluir sus discos en listas de los mejores del año en Times, Songlines (2015/2016), Uncut y Sunday Times. Con “Terra”, por ejemplo, alcanzó el top 5 en el World Music

tanto de Estados Unidos como de Canadá. Mariza también ha incursionado en la actuación al ser una de las estrellas principales de la película “Fados” (2007), del realizador español Carlos Saura, así como protagonizar el documental “Mariza and the History of Fado”, producido para la BBC por el crítico musical Simon Broughton.

Buba Espinho, uno de los mejores exponentes de la nueva generación del fado, encarna la relación entre dos patrimonios culturales inmateriales de la humanidad: el cante alentejano y el fado. Espinho empezó participando en grupos tradicionales, pasó por las más icónicas casas de fado de Lisboa y proyecta una carrera internacional que ahora lo trae a Buenos Aires como parte de este festival internacional. Natural de Beja, desde muy temprano vive y siente la música tradicional de la mano de su padre, también músico, que le transmitió la importante misión de conservarla.

pinho cuenta ya con una larga trayectoria musical, que empezó con el cante, donde formó parte de varios grupos, como los Adiafa, A Moda Mãe, Os Bubedanas, Mestre Cante y Há Lobos Sem Ser na Serra. Un largo camino que, en 2016, y habiendo ya asumido su lugar como fadista, le lleva a ganar la Grande Noite do Fado, en el Coliseu dos Recreios, y le convierte en una de las más esperadas promesas de la nueva generación de cantantes de fado.

Si el cante alentejano surge en Buba Espinho de pequeño, el fado aparece más tarde de forma natural, como la estética que entendió que atravesaría, en perfecta armonía, las influencias de sus raíces.

Pese a su juventud, Buba Es-

Es en ese momento cuando decide iniciar en solitario una carrera que ya está escrita desde hace mucho tiempo. Realiza sus primeros conciertos en solitario, explora la composición y graba sus primeras canciones. Desde entonces, ha sido un invitado habitual en espectáculos de grandes nombres de la música portuguesa, como Rui Veloso, Ana Moura, António Zambujo, Celina da Piedade, Júlio Resende, entre muchos otros. En 2020 lanzó su primer disco de estudio que refleja la difícil armonía entre la juventud y la tradición, entre el interior y el litoral, el legado de generaciones dedicadas a la música tradicional o de raíz portuguesa que tuvieron el valor y la determinación de arriesgar e innovar.

La voz de Camané y el piano de

Mário Laginha: dos artistas que encarnan el espíritu mismo de los barrios de Lisboa, que han tocado juntos en diversas ocasiones y han establecido una complicidad musical que se pondrá de manifiesto en el CCK, donde interpretarán los temas de Aqui está-se sossegado, un proyecto artístico con el cual obtuvieron una nominación al Grammy Latino y que incluye veinte temas, entre fados extraídos del canon fadista tradicional, temas del repertorio de Camané (un artista versátil que canta fado pero que también hemos escuchado interpretando boleros, bossa nova o chanson) y composiciones inéditas de Mário Laginha, este concierto se realiza en el ámbito del "Bicentenário de las relaciones Diplomáticas Portugal-Argentina / 200 años del reconocimiento por Portugal de la Independencia de Argentina"

Completando 12 versiones desde sus inicios en Madrid en 2011 (año en que el fado fue declarado por la Unesco como Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad) la edición 2022 de este festival titulado “Fado y el Mar” busca promover este arte y, por consiguiente, la lengua y cultura portuguesa a través de 17 ciudades de 13 países de Europa, Asia, África, y Latinoamérica, con artistas de primer orden, conferencias, películas y exposiciones representativas del fado y la cultura portuguesa. Además del magno concierto de Mariza, la jornada dedicada al fado incluye una conferencia de David Ferreira, autor de numerosos cursos sobre la Historia de la música popular portuguesa, di-

versas compilaciones publicadas en discos, investigador especialmente interesado en la obra de Amália Rodrigues, a quien dedicó una serie de 197 programas de radio durante la celebración del centenario de la artista. Conductor de radio, durante 24 años fue director general del mayor sello discográfico portugués (EMI-Valentim de Carvalho); ha trabajado con incontables cantantes, fadistas, músicos y compositores. Además, es hijo del poeta David Mourão-Ferreira, uno de los autores más cantados en el fado, sobre todo por Amália y Camané.

David Ferreira hablará de Saudades da terra firme. El fado y el mar. Recordará el nacimiento del fado en el lamento de un marinero que cantaba con tristeza. Muchos han sido los autores y voces que han cantado al mar, por la marca que deja en tierra firme, en el cielo o en el vuelo de una gaviota. Porque el mar crea, acerca, transforma. No es casualidad que tantas músicas populares (el fado, el tango, la canción napolitana, etc.) nacieron en puertos en el siglo en el que se intensificó el transporte de larga distancia, en el mar.

El documental Fado, dirigido por Sofia de Portugal y Aurélio Vasques trata de explicar qué es el fado a quien lo conoce y a quien no, desde el punto de vista del hacedor de esta música. Del compositor al guitarrista, pasando por quien lo canta y quien lo estudia. A través de variados testimonios nos explica lo invisible, el lado interior del fado.

Festival de Fado “Fado y el Mar” 24,25,26 Noviembre CCK Buenos Aires Programa

Jueves 24

21h - CONCIERTO: CAMANÉ Y MÁRIO LAGINHA Lugar: Auditorio nacional

Viernes 25 19:00h - CONCIERTO: BUBA ESPINHO Lugar: Sala Argentina

Sábado 26

CONFERENCIA David Ferreira" Saudades da terra firme” CINE Fado: de Sofia de Portugal e Aurélio Vasques Lugar: Auditório 6to piso

20h - CONCIERTO: MARIZA Lugar: Auditorio Nacional

www.festivalfadobuenosaires.co m Prensa Marta del Pino mardepinos@gmail.com @delpinoprensa

Meimi; Nueva Cantautora

La joven artista ha pisado escenarios como Tecnópolis, la rural y varios del interior de Bs. As. A pocos meses de su lanzamiento oficial, ya ha compartido escenarios y teloneado a artistas reconocidos como Pablo Lescano y Lgante.

Promete un show audaz y atrevido que hace vibrar a todo el público.

mi" y su último corte "Atrevida" y 3 más ya producidos y otros en producción para lanzar en los próximos meses.

Instagram: https://www.instagram.com/meim i.ok/

nil-adulto se identifique con sus letras.

Está inspirado en historias reales, donde el patrón común es sentirse "chamuyado" y decir "ya no más", "desperté y ahora las riendas son mías"

“Bla bla bla” cuenta con más de 14k de reproducciones orgánicas en Youtube y Spotify. Fue rotada en más de 5 radios AM y FM nacionales y regionales, entre ellas Radio Top, Fm Pasión, Rkt, Radio del Plata, entre otras.

Escuchá “Bla Bla Bla”: https://youtu.be/QYa8NvgtlhU

Prensa: Alfredo Monserrat alfredomonserrat@gmail.com

“Bla bla bla” es el primer sencillo de reggaetón pop de autoría propia.

Buscando que su público, juve-

Video BLA BLA BLA (Videoclip Oficial) - Meimi

El #reggaetonpalasnenas llegó para quedarse.

Cuenta con 3 sencillos estrenados "Bla bla bla", "No eres para

COTÉ lanza su nuevo disco Con mucho Swing Acompaña el lanzamiento el video del tema El baile de la sincronía

Coté Labandeira acaba de estrenar su tercer disco "Con mucho Swing".

En este nuevo disco Coté nos trae una propuesta diferente: acercar a niños, niñas y adultos a conocer y disfrutar el mundo del jazz, el swing, el country y el blues, con canciones que invitan a jugar con el cuerpo y con la voz.

También reversionó clásicos del repertorio infantil como: “El reino del revés” con la participación de

Sol MIhanovich y “Canción mentirosa” junto a Enzo Ordeig (Nilocos) sin dudas dos invitados dedicados, admirados y queridos por grandes y chicos.

Junto al lanzamiento de este disco, se estrenó el video clip de “el Baile de la sincronía”, un video lleno de humor con la participación de la compañía “Mundo Arlequín”. Una propuesta visual muy atractiva y lúdica, con una exquisita calidad musical de la mano de su voz única.

Ficha técnica del disco “Con mucho swing”

Coté Labandeira : voz lead y

coros

Sol Mihanovich : voz invitada Mundo Arlequín : Alejandro Carrol y Javier Herrero voces invitadas

Enzo Ordeig: voz invitada Niños : Nino y Teo Suarez Vazquez en voces, percusión y teclados

Hernán Bruno: saxo Daniel Corrado: batería Ramiro Flores: saxos, clarinete Eduardo Gómez Bidondo: programación

Leandro Kalén: contrabajo, piano, washboard, bajo acus, guit acus, bajo elec, teclados, guit elec, bajo fretless, percusión, ukelele Gustavo Rodríguez: guitarra eléctrica

Máximo Rodriguez: arreglos de vientos

Griselda Sardas: saxo Conce Soares: percusión Martin Telechanski: banjo, guit elect, ukelele Sergio Wagner: trompeta Producción artística: Leandro Kalén

Producción ejecutiva : Guido Medina

Técnico de grabación y mastering : Eduardo Gómez Bindondo Arte de tapa : María Brex Producción: Cintia Pulido MGMT: Sandra Yudchak

Sobre Coté: Coté es cantante, compositora y docente de educación musical egresada del Conservatorio Gral. San Martín. Desde hace más de veinte años enseña música en diferentes establecimientos educativos de Buenos Aires y en talleres de canto para niños y adolescentes. Su pasión por la

música la llevó a recorrer diversos escenarios junto a agrupaciones de jazz, boleros y tango.

En paralelo a su carrera de cantante y docente se dedicó a componer música para los más chicos. Su primer disco, “Coté te canta”, con todas canciones de su autoría, se lanzó en el año 2016.

En el año 2018 comenzó a componer y a grabar canciones para “EL Reino Infantil”, (Leader Music) en especial para el canal de youtube: “Bichikids”

En el año 2019 editó su segundo disco: “Abrazo”, donde participaron la cantante de jazz Roxana

Amed y los cantantes de Bersuit Vergarabat : Daniel Suárez y Germán “Cóndor” Sbarbati

Escuchá Con mucho swing en spotify

Mirá El baile de la sincronía en Youtube Cote.com.ar

Estrategia en Comunicación Claudina Sánchez claudinasanchez@gmail.com

Video "El baile de la sincronía". Coté Labandeira

Federico Arreseygor Trío presenta su disco “Jardinería para principiantes” En todas las plataformas digitales

Federico Arreseygor presenta, en formato trío, “Jardinería para principiantes”, su nuevo material discográfico. El reconocido pianista y compositor platense es el autor de las 8 canciones que componen este nuevo trabajo (el cuarto de su cosecha personal). Durante varios años participó de los proyectos musicales de artistas como Pedro Aznar y Silvia Iriondo, con quienes editó varios discos y recorrió escenarios de todo el mundo. En simultáneo desarrolló su labor solista con la

cual lleva editados los discos “Espirales” (2009), “Detrás de la medianera” (2014), “Todonosepuede” (2018) y el reciente “Jardinería para principiantes” (2022). El trío se completa con Omar Gómez en bajo y Mariano “Tiki” Cantero en percusión. Este disco cuenta además con la voz invitada de Cintia Coria.

y 11, n° 780). Las entradas están disponibles en la plataforma Aportickets.

Más sobre Federico Arreseygor Trío

La presentación oficial se realizó en La Plata, el pasado sábado 28 de octubre, a las 21 hs., en “The Brothers Concert” (55 e/ 10

Está integrado por Federico Arreseygor en piano y voz, Omar Gómez en bajos y contrabajo y Mariano “Tiki” Cantero en batería, percusión y voz. Se forma a mediados del año 2015, buscando un sonido con influencias musicales diversas, que incluyen

al jazz, el folklore argentino y latinoamericano y la canción urbana. Tienen 3 discos editados, “Espirales” (2009), “Detrás de la medianera” (2014) y “Todonosepuede” (2018).

Se han presentado en distintos escenarios de nuestro país y Uruguay, tocando en vivo y ofreciendo clínicas y conferencias sobre música popular. Actualmente se encuentra presentando su 4to disco, “Jardinería para principiantes”.

pación de Cintia Coria como cantante invitada en dos tracks.

Grabación y mezcla: Sebastián Perkal en Estudio EcoStudio Mastering: Justin Weis en Trakworx Studio

Fotografía y diseño: Gera Echeverría Soulé para @mostrario_

Discografía de Federico Arreseygor Tío: https://open.spotify.com/artist/1b WyXsJlpsaJJl2SYHHqjN?si=6oIKDN0TXmrFNkId-zgpw

Lista de canciones:

1- Jardinero

2- L.U.A.

3- Viajera 4- Orilla

5- 14 penas 6- Inasible 7- Casa 8- Himno

Ficha Técnica “Jardinería para principiantes”:

Videos: https://www.youtube.com/watch? v=APITVYq0syE

https://www.youtube.com/watch? v=4WCPmjgme2M&t=127s

https://www.youtube.com/watch? v=Yk-XPEjnC4E

https://www.youtube.com/watch? v=Iyg865F6D1w

Sobre “Jardinería para principiantes”:

Es el cuarto disco del Federico Arreseygor Trío. A lo largo de siete canciones y una música instrumental el disco propone un repertorio de composiciones propias, donde las voces y los instrumentos se entrelazan en un diálogo constante y marcado por distintas sonoridades propias de la música urbana. El disco profundiza el acercamiento a la canción como marco contenedor, proceso que había comenzado desde “Todonosepuede”, el tercer disco de esta formación. Es un material grabado íntegramente por el trío, con la partici-

Piano, voz, composición y guitarra: Federico Arreseygor Bajos: Omar Gómez Batería, percusión y voces: Mariano “Tiki” Cantero Cantante invitada (“Viajera” y “Casa”): Cintia Coria

Prensa y Comunicación

Federico “Poni” Rossi federicoponirossi@gmail.com

Video

Federico Arreseygor - Trajo https://youtu.be/APITVYq0syE

Gustavo Santaolalla se presenta con su banda BAJOFONDO en un concierto a beneficio de Fundación INECO

Los fondos recaudados serán destinados a iniciativas para sensibilizar sobre las enfermedades del cerebro y eliminar el estigma sobre personas que las padecen y sus entornos

El lunes 28 de noviembre, el colectivo rioplatense Bajofondo, liderado por el multipremiado artista Gustavo Santaolalla, brindará un concierto en el Teatro Coliseo, a beneficio Fundación INECO.

“Día a día, aumenta la cantidad de personas que padecen trastornos mentales. Sin embargo,

debido al estigma y al desconocimiento que existe al respecto, muchas no piden ayuda y, por ende, no acceden a tratamientos adecuados que les permitirían mejorar su calidad de vida”, afirma la Dra. Teresa Torralva, presidente de Fundación INECO, y agrega: “Desde Fundación INECO trabajamos para abordar activamente los estereotipos negativos, así como para generar conciencia respecto de esta problemática y contribuir a una mayor participación de la sociedad. En definitiva, procuramos una mejor resolución de esta realidad tan extendida.”

“Entendemos la importancia de dar visibilidad a estas problemáticas. Es por ello que convocamos al reconocido artista Gustavo Santaolalla, quien está consustanciado con esta causa, y a su banda Bajofondo, aclamada a nivel mundial”, destaca Marcelo Savransky, cofundador de la Fundación INECO.

El concierto tendrá lugar en el Teatro Coliseo el 28 de noviembre a las 21. Gustavo Santaolalla y Juan Campodónico, fundadores de la banda Bajofondo, se presentarán en vivo junto a Luciano Supervie-

lle, Javier Casalla, Martín Ferrés, Gabriel Casacuberta y la VJ Verónica. No faltarán los clásicos de la banda, invitados y sorpresas, que se sumarán a un ensamble de cuerdas dirigido por el maestro Alejandro Terán.

Acerca de Fundación INECO

La Fundación INECO es una organización sin fines de lucro, cuya misión es apoyar programas de investigación sobre el funcionamiento cerebral, la prevención, la detección y el tratamiento de los trastornos neurológicos y psiquiátricos, tanto en adultos como en niños. En sus doce años de vida, la Fundación INECO publicó más de 600 artículos científicos en revistas nacionales, regionales e internacionales de primer nivel y más de 30 libros científicos y de divulgación. Por su impacto en la sociedad, fue distinguida con el premio Kónex como una de las cinco mejores entidades de salud de la última década. De esta manera, Fundación INECO se ha convertido, desde Argentina, en una institución de vanguardia que lidera el campo de las neurociencias cognitivas, la neurología, la psiquiatría y la neuropsiquiatría en América Latina, así como en uno de los institutos de investigación más innovadores, dinámicos y vanguardistas de la región.

Acerca de Gustavo Santaolalla y de la banda Bajofondo

Gustavo Alfredo Santaolalla es un compositor, músico y productor musical argentino reconocido a nivel mundial, ganador dos veces del Premio Óscar que entrega la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de Hollywood, por su labor de compositor musical. Todo el trabajo de Santaolalla ha combinado elementos de música rock, folk, pop, new wave, ritmos africanos y folklore, entre otros.

En los años setenta, lideró Arco Iris, banda pionera del rock nacional argentino en fusionar música popular latinoamericana con rock.

Conquistó Hollywood como autor de la banda sonora de consagradas películas, tales como Amores Perros, 21 gramos, Diarios de motocicleta y Secreto en la montaña, por la cual ganó el Óscar en 2006 y el Globo de Oro a la mejor canción.

En el año 2001, junto a Juan Campodónico, creó la banda Bajofondo, de reconocimiento mundial. Su último trabajo, Aura, obtuvo un Premio Gardel, tres Premios Graffiti, una nominación al Latin Grammy y al Grammy.

Estas distinciones se suman al Grammy por su debut “Bajofondo Tangoclub” (2002) y a los Latin Grammy por su canción “Pena en mi Corazón” y por su álbum “Presente” (2013). Bajofondo ha marcado tendencia en la música del mundo gracias a su propositiva combinación de tango, candombe, murga con milonga con rock, electrónica, hip hop y jazz. Ha contado con las colaboraciones de Gustavo Cerati, Benjamin Biolay, Julieta Venegas, Natalia Oreiro, Nelly Furtado, Elvis Costello, Jorge Drexler, La Mala Rodriguez, YsyA, Daniel Melingo, Ryota Komatsu, Adriana Varela, Dj Otnicka, entre otros. En sus giras a nivel mundial, se ha presentado en importantes festivales, como Coachella, Lollapalooza, Roskilde, Creamfields y Glanstonbury.

Contacto Oriana Gonzalez oriana@lanusse.ar

Video

Bajofondo - Pide piso (In-Studio Performance)

nominado

“Mejor álbum de música alternativa”

El dúo conocido por reivindicar la cultura indígena peruana, los derechos de las mujeres, y desafiar al racismo, fueron recientemente nominado a los premios más importantes de la industria por su álbum “The Sacred Leaf” que incluye canciones en español y quechua.

La Academia Latina de la Grabación presentará la 23a. entrega anual del Latin Grammy en Las Vegas y AFRO-ANDEAN FUNK fue nominado como “Mejor álbum de música alternativa” por su reciente álbum “The Sacred

Leaf”, el cual refleja el profundo amor del dúo peruano/estadounidense por la música de diversos estilos y lugares. Mezcla de forma expresiva un amplio espectro de estilos musicales tradicionales y contemporáneos.

Comparten la misma categoría con algunos de los nombres más importantes de la música latina, como Rosalía y Bomba Estéreo.

Sobre AFRO-ANDEAN FUNK

Dúo formado por la cantante peruana Araceli Poma y el bajista y

productor musical estadounidense Matt Geraghty.

En 2018 Poma conoció a Geraghty en un estudio de grabación en Lima, Perú cuando él se encontraba produciendo el álbum y documental titulado “Las guerreras de la música afroperuana”, en el cual Araceli fue parte de la producción. Este encuentro fortuito entre ellos dio inicio a una asociación creativa que les llevaría a crear música juntos y producir su siguiente documental musical “Guerreras puertorriqueñas”, con enfoque

en las mujeres artistas de la isla. Fue filmado en Puerto Rico en 2021.

Luego de tres años de colaboración conjunta y con el fin de romper estereotipos y barreras culturales, nace Afro-Andean Funk, que debutó en la ciudad de Nueva York en 2021.

En mayo de 2022 lanzaron su álbum debut titulado “The Sacred Leaf”. El mismo incluye música en español y quechua, la lengua indígena más hablada en Sudamérica. Son nueve canciones, compuestas por Araceli y Matt, que nos hablan de los rituales chamánicos, la cultura indígena, la hoja de coca y también de la lucha de las mujeres esterilizadas forzosamente en la década de los 90’s en Perú y que hasta el día de hoy luchan por justicia.

Poma y Geraghty también fueron nominados al Grammy Latino 2020 en la categoría de “Mejor vídeo musical de larga duración” por el documental "The warrior women of afro peruvian music", que reúne a un grupo de mujeres artistas de Perú que plantean un desafío al racismo, el sexismo y la marginación en la sociedad peruana.

ARACELI POMA

Es cantante, compositora, investigadora y una de las artistas más representativas de la nueva generación en la música de Perú, poseedora de una impetuosa voz que está creando su propia tradición. Su trabajo se

define en su interés por visibilizar el aporte fundamental de la mujer, desafiando al racismo y marginación a través de su música; en la difusión del quechua, la lengua nativa de sus abuelos que está en peligro de extinción; en el rescate de los géneros populares de la música del Perú, divulgando el legado de cultores y cultoras de la tradición; y -al ser de herencia afro-andina- en su apuesta la unión e integración de culturas.

inclusivos realizados con los maestros de la tradición en Cuba, Puerto Rico, Perú y Estados Unidos.

Geraghty fundó Just Play en 2013, una plataforma musical y documental desarrollada a partir de viajes y sesiones improvisadas con músicos de Nueva York, Nueva Orleans, La Habana, San Juan y Lima. Creó el proyecto para conectar culturas tradicionales y dar visibilidad a artistas de toda la diáspora africana en las Américas. Just Play cuenta con más de 300 artistas y ha logrado colaboraciones históricas.

Matt ha producido cinco álbumes de su música original, donde han colaborado importantes músicos internacionales, entre ellos, Paul Wertico del grupo de Pat Metheny, el virtuoso de la armónica Howard Levy y la cantante estrella polaca Anna Maria Jopek.

MATT GERAGHTY

Es multiinstrumentista y productor musical, reconocido por sus colaboraciones con artistas de raíz, en proyectos documentales

Prensa Verónica Palacios difusionpalacios@gmail.com

Video Agua del Olvido : Afro-Andean Funk

Mora Navarro presenta su álbum debut, "AMORA"

La artista, compositora y productora argentina Mora Navarro estrena su primer disco: “AMORA”. Un viaje de ocho tracks para bailar y dedicar en partes iguales.

Tras los lanzamientos de los singles promocionales “Tuna” (un pop sujeto a sintetizadores que repasa pequeños placeres ante la cotidianeidad efímera), “Besos” (una melodía dulce y pegadiza que celebra el amor) y “Certezas” (una serie de pensamientos en voz alta, donde su autora repasa su presente mientras mira al futuro), la música de 24 años presenta una aventura pop llena de sentimientos.

Producido por Juan Giménez Kuj y Santiago Nápoli, la sonoridad de “AMORA” endulza oídos, mientras sus letras deslizan mensajes contundentes e invitan tanto a la reflexión como a la danza necesaria para sanar las penas. La voz aterciopelada de Mora Navarro nos lleva a un viaje sensible e introspectivo, con la intención de nutrir y apreciar las luces y sombras de la vida.

En su portada, la artista posa mirando a cámara: viste de blanco y contrasta con un fondo digital de garabatos a todo color, donde se distingue el título del disco por encima de su cabeza.

Grabado en Estudio Santa Marta y mezclado y masterizado por Patricio Sánchez Almeyra, con la única excepción del track “Tuna”, mezclado por Mariano Bilinkis y masterizado por Mario Breuer, el disco explora y fusiona diversas vivencias, culturas y estilos, ya sea rock, neo-soul, pop, r&b, folk e incluso algunos tintes del synthpop.

“AMORA” cuenta con las participaciones especiales de Tomás Sanguinetti, Jano Squeri, Juan Archoni, Guido Anocibar y Guille Salort. Producido por La Bienal, el álbum debut de la joven artista presenta, además, un feat en su track homónimo, interpretado junto a la neuquina La Valenti.

Anteriormente, Mora ha realizado colaboraciones con artistas como Palo Pandolfo, Thelma Fardin, Eve Calletti, Minco y O.L.I.V.I.A, entre otros.

“AMORA” está en Spotify: https://open.spotify.com/album/6 7w5GTUP0xRtseWy6MDILI

Ficha técnica:

AMORA fue producido por Juan Giménez Kuj y Santiago Nápoli.

Mezcla y mastering a cargo de Patricio Sánchez Almeyra Mix de TUNA: Mariano Bilinkis / Master de TUNA: Mario Breuer.

La canción que da nombre al

disco "AMORA" cuenta con la participación de la artista neuquina La Valenti. El disco cuenta con la participación de Tomás Sanguinetti, Jano Squeri, Juan Archoni, Guido Anocibar y Guille Salort Grabado en Estudio Santa Marta. Producción ejecutiva x La Bienal.

Video “Certezas”: https://youtu.be/Jnp4CIQqVI8

Video “BSOS”: https://youtu.be/dDL6SSMpYL0

Video “Tuna”: https://youtu.be/Fvxn08w9P8Q

Mora Navarro es una artista, cantante, compositora y productora de 24 años de Argentina. Desde el 2016 es la voz líder de su proyecto, donde interpreta canciones propias en formato banda. Sus canciones fusionan vivencias, culturas y estilos diversos (rock, neo-soul, pop, r&b, folk) que endulzan y convocan a quien se preste a escuchar.

Mora Navarro realizó colaboraciones con artistas tales como Palo Pandolfo, Thelma Fardin, Eve Calletti, Minco y O.L.I.V.I.A, entre otros. En 2022 Mora quedó seleccionada por la Bienal para grabar su primera producción fonográfica. Luego de lanzar los sencillos “TUNA”, “BSOS” y “CERTEZAS”, la artista presenta a fines de septiembre “AMORA”, su primer disco.

Seguí a Mora Navarro en las redes

Instagram: @a.moranavarro YouTube: youtube.com/c/MoraNavarro Spotify: spotify.com/artist/MoraNavarro

LUCAS SEOANE – PRENSA lucas.seoaneprensa@gmail.com TW: @lucas_seoane82 Instagram: lucas.seoane

Rock City Booking & Promo Agency maria@rockcity.com.ar pablo@rockcity.com.ar rockcity.com.ar facebook: /RockCityAgencia twitter: @rockcityagencia Video AMORA https://youtu.be/IfQ8tn5wGJA

Priset presenta su nuevo single “Velocidad”

“Velocidad”, la nueva canción de la joven y talentosa cantante argentina Priset, trata sobre apreciar y disfrutar del presente, superarse a uno mismo a pesar de las circunstancias y obstáculos en la vida sin dejar de persistir ni perder la constancia en la superación de uno mismo. Esta canción muestra una faceta diferente de Priset, ahondando en el rock alternativo con mucha distorsión, inspirándose en bandas como Idles y Queens of the stone age.

Priset es una cantante, compo-

sitora y guitarrista nacida en Buenos Aires, Argentina. Empezó a cantar desde muy chica, presentándose en vivo y componiendo sus primeras canciones a los 18 años. Aprendió de manera autodidacta a tocar la guitarra y el piano. Su estilo musical varía entre los géneros rock, pop, soul y funk. Sus influencias son artistas como Radiohead, PJ Harvey y Gustavo Cerati. En 2020 lanzó su EP titulado “Peligro”, con mezcla y producción de Tweety González y Mavi Díaz. Durante el 2021, Priset presentó tres nuevas canciones (“Perdiéndome”, “Gravedad” y “Sin mí”), compuestas por ella misma y produ-

cidas por Gabriel Vilches. Con 26 años de edad, la cantante se encuentra presentando en este 2022 un nuevo single, “Velocidad”, con una impronta mucho más rockera que sus anteriores sencillos.

Escuchá “Velocidad”: https://open.spotify.com/album/7 4FpJrbTwyjw9kVE08HJ3W

Más info: https://www.instagram.com/prisetmusic/ https://www.facebook.com/PRISET-105569650968711 https://www.tiktok.com/@prisetmusic?lang=es

LUCAS SEOANE – PRENSA lucas.seoaneprensa@gmail.com TW: @lucas_seoane82 Instagram: lucas.seoane

Mirá el video de “Velocidad” de Priset: https://youtu.be/HC27WbWCQv U

Festival IMPULSO LATINO 11 y 19 de Noviembre Entradas a disposición en Passline

eje para transmitir valores y conectar con el espíritu.

En esta primera versión entregamos un puñado de artistas con un discurso potente, con algo importante para transmitir a la humanidad y de una belleza musical que enriquece los corazones.

El día 11 de noviembre a las 20:30 será la apertura del Festival con un show en solitario del músico de Piedecuesta, el colombiano Edson Velandia. La cita es en la mítica La Catedral, espacio underground y tanguero de la ciudad de Buenos Aires.

El Festival de la Patria Grande tendrá una programación de lujo integrada por artistas de Argentina, Chile, Panamá, Brasil y Colombia.

Video 01- Sofia Viola- Alma gitana https://youtu.be/MPq_F0U049Q

Impulso Latino es un ciclo musical que muestra e impulsa las músicas latinoamericanas de alta calidad y virtuosismo. Son grupos musicales que incluyen en sus propuestas el sonido de raíz en fusión con lo contemporáneo, que llevan la canción al máximo de su expresión y como

Continuaremos el sábado 19 de noviembre a las 20:00 en el bello Teatro Margarita Xirgu en San Telmo. Esa noche desfilarán en el escenario la Anfitriona del Festival: Sofía Viola, junto a Luciana Jury, el músico panameño Carlos Méndez, la chilena Camila Vaccaro y el maestro pianista brasilero Benjamim Taubkin.

Profundidad, diversión, amor, abrazo musical latinoamericano, eso es Impulso Latino.

Es la música de nuestro continente, es la Patria Grande Musical: Argentina, Colombia, Chile, Brasil, Paraguay, Uruguay, Perú, Ecuador, Venezuela, México, et

Luciana Jury (Argentina)

LINE UP IMPULSO LATINO

11 de Noviembre - 20:30 hs

Apertura en La Catedral (Sarmiento 4006, Abasto) Edson Velandia (Colombia)

Anticipadas con descuento: https://www.passline.com/eventos/edson-velandia-impulso-latino

19 de Noviembre - 20:00 hs.

Impulso Latino en el Teatro Xirgu-Untref (Chacabuco 875, San Telmo) Sofía Viola (Argentina)

Luciana Jury (Argentina)

Carlos Méndez (Panamá) Camila Vaccaro (Chile) Benjamim Taubkin (Brasil)

Contacto Artistas @lucianajuryoficial @sofiaviolacanta

@benjamimtaubkinpianoevida @carlosmendez.musica

@camilavaccaro.musica @edson.velandia

Anticipadas con descuento: https://www.passline.com/eventos/impulso-latino-en-xirgu-untref

Staff Impulso Latino:

Dirección y Producción General: María Carrascal – Agita Cultura

Asistente de producción y Producción técnica:

Catalina Zaneff

Anfitriona: Sofía Viola

Diseño gráfico: Clau Smith

Desarrollo audiovisual redes: Helado Ruiz

Prensa: Federico “Poni” Rossi

Partners

Este evento cuenta con el apoyo de: @ibermusicas #Mecenazgo Media partner : @redpemib

Impulso Latino cuenta con el acompañamiento de REDPEMIB (Red de Periodistas Musicales de Iberoamérica)

Prensa y Comunicación Federico “Poni” Rossi federicoponirossi@gmail.com

Video

Edson Velandia y Adriana Lizcano - Fracking y Shopping https://youtu.be/KOBz8xktaGI

Edson Velandia (Colombia

MILA MANES lanza su nuevo video NO ME HACES FALTA

Mila Manes lanza su nuevo video "No me haces falta" por Youtube y plataformas digitales.

"La canción habla sobre cómo uno a veces se pierde a sí misma/o por el amor que tiene hacia otra persona que hace que, intencionalmente, uno cambie."

Y agrega: "Pero también relata que depende de uno volver a encontrarse y amigarse con la sensación de estar sola/o."

La joven cantante de tan solo 23 años, está en plena etapa de desarrollo. Durante el 2021 presento su primer álbum a través de un show en vivo por streaming en el teatro Opera Orbis, llamado “El sueño de Mila” que contó con la colaboración de Nahuel Pennisi en el single y video un “Viaje al pasado” que ya lleva 230.000 vistas.

Su próximo show está programado para el Jueves 3 de No-

viembre en Apóstoles, Misiones.

Mila corona el año con el lanzamiento de este nuevo video "No me haces falta" de la mano del productor y artista Estani, con el que nos seguirá sorprendiendo con nuevas canciones.

FICHA TÉCNICA:

Autores: Estanislao de Lera y Camila Manes Sello: ADA Latin Producción tema: Estani Foto fija y arte de portada: Tute Delacroix

Prensa

Analía Cobas analiacobas@gmail.com Cecilia Dellatorre pnlp83@gmail.com

Video

No me haces falta - Mila (Video Oficial)

Sus canciones han recorrido el país al acompañar al dúo pop MYA durante toda su gira nacional. Viene de presentarse en la Fiesta Nacional del Inmigrante en Oberá, en la provincia de Misiones y en la Fiesta Nacional de la Primavera en la localidad bonaerense de Cañuelas.

Cartelera

Cris Miró Orgasmo Apocalíptico

Esta obra habla

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Elenco:

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Mirá

LA MADRE DE LA PATRIA

La pieza pone el foco en maría Remedios del Valle, quien no logró todo el reconocimiento merecido. La obra hace visible, gracias a su figura, la invisibilidad de la presencia negra en argentina. La memoria se convierte en

un ámbito de afirmación de identidades, de expresión de grupos silenciados que buscan el reconocimiento de su existencia, de sus derechos, y la apropiación de su historicidad. Idea original Mauricio Brunetti. Dramaturgia,

Dirección y Puesta en escena: Mario Moscoso. FUNCIONES: miércoles 20h (Octubre / Noviembre)

Entrada gral: $1600/ Est y jub: $1400

Complejo Teatral Itaca Humahuaca 4027 Caba

En las puertas de la Iglesia de Santo Domingo, María Remedios del Valle pide limosna. Habla sola. Son sus fantasmas del pasado la invaden. Entre sus recuerdos se alzan las figuras del General Belgrano, el hijo de Remedios muerto en la guerra y

la cámara de representantes con Juan José Viamonte y el diputado Alcorta. Remedios lucha durante toda su obra para saber dónde están sus huesos, su lucha, su memoria. La importancia de María Remedios del Valle reside en aquello que representa. Por un lado, su vida valiente, resistiendo las torturas y la guerra; el hambre y la miseria.

Por el otro la participación de las mujeres y la comunidad afroargentina, que también existieron en la historia fundacional de nuestro país.

¿Por qué se calló por tanto tiempo su historia?¿Por mujer? ¿Por negra? ¿O por revolucionaria?

FICHA TÉCNICA María Remedios del Valle: Dayana Bermúdez Cortes Belgrano: Mario Moscoso Viamonte: Julio Tejeda Hijo: Gabriel Lamadrid Alcorta: Pablo Cominassi Soldado: Hernán Schifano

Música original y diseño de sonido: Rodrigo Molina Música en vivo: Pablo Cominassi y Jansel Torres Puesta de luces: Ricardo Sica Escenografía: Maria Celeste Etcheverry Artes Visuales: Mauricio Brunetti Vestuario: Alicia Macchi Música y Efectos Sonoros: Rodrigo Molina Coreografía:

Adriel Martinez Asistencia de Dirección y en Escena: Hernán Schifano Prensa y Comunicación: Paula Simkin Producción Ejecutiva: Adriana Yasky Idea y Producción General: Mauricio Brunetti Dramaturgia, Dirección y Puesta en Escena: Mario Moscoso

¿Por qué de la dramaturgia y puesta en escena de “LA MADRE DE LA PATRIA”?

Por Mario Moscoso “Reivindicar la relevancia simbólica que representa la figura de María Remedios del Valle a lo largo del tiempo. Las virtudes de valentía, arrojo, generosidad, patriotismo, que la habrían distinguido de las demás mujeres que también participaron en estas guerras y que le valieron el reconocimiento de los más altos jefes militares y sobre todo del general Belgrano quien le otorgaría el título de “Capitana”, reivindica no sólo el papel desempeñado por esta mujer negra, sino también aquél que les cabe a los afrodescendientes dentro de la historia patriótica nacional. Los procesos reivindicativos de María Remedios del Valle guardan una estrecha relación con los procesos de invisibilización y revisibilización de los descendientes de africanos en la historia nacional, los cuales están asimismo estrechamente vinculados con las representaciones cambiantes con resultados inequívocos realizados sobre estos a lo largo del tiempo. En este punto es impor-

tante considerar que los sectores afrodescendientes fueron mayormente sujetos de representaciones producidas y sancionadas por sectores dominantes que contribuyeron a su invisibilización.

Porque queremos hacer visible la invisibilidad de la presencia negra en Argentina –pergeñada desde fines del siglo XIX y de resultado eficaz a lo largo del siglo XX– se anulaba, concibiendo el pasado de esclavización y posterior lucha como un continuum mutable hasta el presente. La memoria se convierte así en un ámbito de afirmación de identidades, en el cual las dimensiones subterráneas serían la expresión de grupos silenciados, minoritarios, que buscarían el reconocimiento de su existencia y por ende de sus derechos, y la apropiación de su historicidad.

Porque sentimos que a través de las ideas, climas, sensaciones y

emociones que la obra crea, logramos traer al presente los más bellos y elevados textos que hablan de la actualidad. Un abordaje donde se fusionan la estética del cine y del teatro ofreciendo imagen y acción desde una mirada moderna donde se conserva la excelencia de las palabras pudiendo ir más allá de las mismas. Características no menos importantes como la facilidad de traslado de su escenografía, la ductilidad para adaptar la puesta en los diversos espacios, hacen de esta obra un espectáculo ideal para que innumerables espectadores puedan ampliar su acervo cultural y su goce estético, a partir del encuentro.

En suma un pretexto para reflexionar sobre nuestra historia, para bajar a nuestro próceres de sus pedestales de bronce y para acercarnos a ellos, desde un punto de vista más humano.

Un año de investigación histórica me ha llevado la materialización de este espectáculo. La dramaturgia está basada sobre escritos, libros, cartas y declaraciones reales de María Remedios del Valle, Manuel Belgrano, Tomás de Anchorena y Juan José Viamonte.

El teatro como “espejo del tiempo” nos hacer no obviar nada: penetrar en lo más profundo de las pasiones humanas, el amor, la traición, la locura, los sueños, el conocimiento, la ambición, la desesperación. Esta obra puede ayudarnos, como sólo el arte puede hacerlo, a entender nuestra época, dura, contradictoria y en plena transformación, muy parecida a la de las mujeres y hombres que forjaron nuestra patria”.”

Prensa: Paula Simkin paulasimkin@gmail.com

SEGUNDA TEMPORADA NUEVA VERSIÓN EL TINGLADO TEATRO Detrás de esa puerta

Abasto: Un debate dialéctico. Confrontando a modo también de espejo entre ambos temas como la vida: el amor, la justicia y la muerte.

a Con tres excelentes actuaciones transcurre este recorte de la vida en un policial psicológico que atrapa y permite reflexionar sobre la conducta humana. Viviana Kessel

Detrás de esa puerta Actúan: Pepe Monje, Eduardo Lamoglia, Claudia Mac Auliffe

SEGUNDA TEMPORADA NUEVA VERSIÓN EL TINGLADO TEATRO

Mario Bravo 948 Domingos 17 hs Entrada general: $1800 Duración: 50 minutos Entradas: alternativateatral.com

"Detrás de esa puerta" nos invita a sumergirnos en un juego de imagen y espejo, de estímulo y contraestímulo, entre dos sujetos que se debaten dialécticamente sobre la muerte, sobre la redención, sobre el amor, sobre la inoperancia de la justicia, provocando una simbiosis entre ellos. Un policial psicológico

sobre las obsesiones y fantasmas de la mente humana, sumergidos en un juego sin fin donde todo empieza, termina y vuelve a empezar.

Dijo la prensa: Adriana Santa Cruz para Leedor.com: Sin dudas, Detrás de esa puerta es una obra original que, incluso, aborda un género que no es tan común en la cartelera teatral porteña: el thriller, con el suspenso y la intriga que lo caracterizan. Este género, además, se sostiene en la trama, pero también en las actuaciones que, en este caso, logran envolver al espectador en una atmósfera oscura y de mucha tensión.

Viviana Kessel para Revista del

Jaime Tarasow Muy ricos, pero estremecedores diálogos, que confirman la inestabilidad anímica en la que estamos insertos. Una muy creativa ficción, muy bien elaborada y desarrollada . Escenografía: Sabrina López Hovhannessian Musicalización: Martín Pavlovsky Fotografía: Nahuel Lamoglia Diseño gráfico: Nahuel Lamoglia Dirección: Eduardo Lamoglia Seguinos en IG: @detrasdeesapuerta Prensa: Claudia Mac Auliffe claudiamacauliffeprensa@gmail. com

de Rafael Calomino

SEVERINO

el infierno tiene nombre

En "Severino. El infierno tiene nombre" se retratan los últimos minutos del anarquista Severino Di Giovanni en el calabozo de la Penitenciaria Nacional antes de ejecutarse su pena de muerte durante la Dictadura de Uriburu en 1931.

Basada en la novela "Severino", la obra es autoría de Gabriel Rodríguez Molina, dirigida por Mariano Dossena y con la actuación de Juan Manuel Correa.

BA 154

En un tono confesional cargado de preguntas la obra ilustra algunos pensamientos del tipógrafo italiano y narra hechos pasados perforando así la trama histórica para evidenciar la reflexión sobre el hecho de ser fusilado y, sobre todo, del ser visto morir.

La voz del poeta se hilvana con la carne para reflejar el fervor y el pensamiento de un hombre que no tembló antes del instante final.

ÚLTIMAS

4, 11, 18 y 25 de NOVIEMBRE - 22:30HS.

de la

Raúl González Tuñón

Rodríguez Molina

Actúa: Juan Manuel Correa Vestuario: Nicolás Nanni Escenografía: Nicolás Nanni Iluminación: Ana Heilpern Músicos en escena: Julio Coviello y Carla Vianello Música original: Julio Coviello Fotografía: Segundo Corvalán Asistencia De Producción: Sebastián Cáneva, Antonella Fagetti Asistencia de dirección: Katiuska Francis Comunicación y Prensa: Mutuverría PR Producción ejecutiva: Pablo Silva Producción: Silva Producciones Producción general: Felipe Maimone Dirección: Mariano Dossena Duración: 60 minutos Este espectáculo formó parte del Ciclo Agosto Poético

SOBRE EL DIRECTOR Mariano Dossena, en su doble rol de actor y director, se formó con maestros tales como Juan Carlos Gené, Verónica Oddó, Rubén Szchumacher, Antonio Celico y Diego Cazabat. Como director se destacan, entre otros, los siguientes trabajos: "Los Soviets de San Antonio" de Víctor Winer, “Quince días para hablar de amor” de Víctor Winer, “Gato y su selva” de Samuel Eichelbaum, Coucheo Actoral en "La

Gran Depresión" con Moria Casán y Nacha Guevara, "Copenhague" de Michael Frayn con Patricio Contreras, Alejandra Darín y Sergio Griffo; "Blum" de Enrique Santos Discépolo y Julio Porter con Humberto Tortonese y elenco Teatro Regio/CTBA, "Carmencita" de Patricia Suarez, "Las Tres Viejas" de Alejandro Jodorowsky con Moria Casan, Alejandro Paker y Marko Vega; "La que Besó y la que no Besó" de Maruja Bustamante; "Sacco y Vanzetti" de Mauricio Kartun en el Teatro Nacional Cervantes; "Poeta en Nueva York" de Federico Garcia Lorca; "El Otro Judas" de Abelardo Castillo; "Petrona, una delicia teatral"; "Espectros"; "Los invertidos" de José González Castillo; "El Tiempo y los Conway" de J. B. Priestley, entre otros. Actualmente también dirige "El gato y su Selva" de Samuel Eichelbaum en Andamio 90. Cuenta con varios premios y nominaciones. En el área pedagógica, trabaja en forma independiente (Parque Centenario y Almagro); a la vez que se desempeña

como docente especializado en teatro, en El Colegio Nacional de Buenos Aires (UBA) y en la Escuela Metropolitana de Arte Dramático.

SOBRE EL ACTOR Juan Manuel Correa se formó con Cristina Banegas, Pompeyo Audivert, Carmen Baliero, Damián Moroni, en Francia en la troupe de teatro L'epee de Bois. En su trayectoria como actor protagónico se encuentran, entre otras, las obras: Coronado de Gloria, de Mariano Cossa; Puente Roto, de Pompeyo Audivert. Compañero de Alma de A. Genta y Villanueva Cosse; Oíd el Ruido, de Carmen Baliero y Silvio Lang, “Los Mansilla” bajo la dirección de Cristina Banegas, “Tiresias, vidente ciego” dirigido por Rubén De León; Torquemada et le converti. Theatre L'epee de Bois, Paris Francia dirigía por Antonio Díaz-Florian. Prensa Mutuverría www.matuverriapr.com info@mutuverria.com

TEATRO “EL METODO KAIROS”

MARCADOS, DE POR VIDA De Ricardo Halac

José Escobar, Carla Di Amore y Lizardo Laphitz interpretan esta ficción ambientada en el año 1650 en la España del Siglo de Oro, inspirada en la vida del prolífico dramaturgo Juan Bautista Diamante.

Una historia de amor entre dos judíos conversos al catolicismo en tiempos de persecución religiosa. El dramaturgo Juan Bautista Diamante y María, una bailarina, se encuentran obligados a disimular su origen judío frente a las visitas de Fermín Sánchez, enviado por el Santo Oficio de la Inquisición.

La obra se pregunta: ¿Hasta dónde podemos ocultar quienes somos y lo que pensamos?

MARCADOS de por vida, culmina la “Trilogía Judeo-Española” escrita por Ricardo Halac, con “Mil Años, Un día”, de 1993, teatro San Martín, premio María Guerrero, sobre la expulsión de los judíos de España, y “La Lista”, de 2016, Auditorio Losada, Premio Argentores, sobre la vida de los judíos encubiertos en las colonias.

El dramaturgo Ricardo Halac se detiene en una última etapa de MiráBA 156

esta larga historia. Para eso, toma como base un episodio de la vida de Juan Bautista Diamante. Contemporáneo de Lope de Vega y Calderón de la Barca, Diamante estrenaba sus obras en el palacio del rey. Pero se sospecha que su obra no fue difundida por su condición de converso.

La obra se desarrolla en 1650 y para lograrlo el espectáculo cuenta con el trabajo de Victor de Pilla en escenografía y Alicia Gumá en vestuario (Ganadora del premio Florencio Sanchez en “Asi es la vida”, premio ACE 2005-2006 en “La resistible ascensión de Arturo Ui”.

Fotografías de Nacho Lunadei, Directora Asistente Gabriela Clavel, Producción ejecutiva, prensa y comunicación de Juan Halac.

Duración: 70 minutos

Con puesta en escena y dirección de Lizardo Laphitz y las actuaciones de Jose Escobar (en el rol de Juan Bautista Diamante) , Carla Di Amore y Lizardo Laphitz, “Marcados, de por vida” se presenta todos los Domingos en el Método Kairos (El Salvador 4530)

Las entradas se pueden adquirir en Alternativa teatral: (https:// www.alternativateatral.com/obra 80244-marcados-de-por- vida)

MÁS INFORMACIÓN: Marcados, de por vida de Ricardo Halac dirección de Lizardo Laphitz

Con las actuaciones de Jose Escobar , Carla Di Amore y Lizardo Laphitz , vestuario de Alicia Gumá, (realización y asistencia de vestuario de Anusha Guerenstein y Natali Sanchez) Escenografía de Victor De Pilla,

Funciones los Domingos a las 18 hs. El método Kairós El Salvador 4530 Entradas por Alternativa Teatral Instagram: https://www.instagram.com/marcados_obra Twitter: https://twitter.com/MarcadosObra Facebook: https://www.facebook.com/Marcados.obra Mail: marcadosobra@gmail.com

Ricardo Halac

El autor

Obras estrenadas, por orden cronológico: Soledad para Cuatro, Fin de Diciembre, Estela de Madrugada, Tentempié I, Tentempié II, Segundo Tiempo, El Destete, Un Trabajo Fabuloso, Lejana Tierra Prometida, Ruido de Rotas Cadenas, El dúo Sosa Echagüe, La Perla del Plata, ¡Viva La Anarquía!, Mil Años Un Día, Frida Kahlo-la pasión, Metejón, Luna Gitana, Perejiles, Aquellos Gauchos judíos (en colaboración con Roberto Cossa), La Lista, Barrera Baja, y ahora: Marcados, de por vida. Algunas de estas piezas fueron traducidas y se montaron en otros países.

En 1988, Halac se desempeñó como Director Nacional de Tea-

tro y posteriormente, entre 1989 y 1992, como director del Teatro Nacional Cervantes. Desde 1993 y hasta su cierre, en 1997, fue director del Centro Cultural Chagall, que funcionó en la entidad judía Amia. En el período 20012004 fue vicepresidente de Argentores. En el período 2000- 2018 dirigió el Seminario de Dramaturgia de Argentores. En setiembre de 2006 dio a conocer Escribir Teatro, Dramaturgia en los tiempos actuales, también por Editorial Corregidor. En 2018, Libros del Balcón publicó una 2ª edición, también agotada.

En televisión, entre 1962 y 1985, colaboró en los ciclos: Historias de Jóvenes, La Noche de los Grandes, Compromiso, Yo fui testigo, que también incluía una parte documental. En cine, realizó el guión de su novela El Soltero. También participó del guión de La Rosales.

En 1981, bajo la dictadura del Proceso, Ricardo Halac lideró con otros autores el grupo que organizó el movimiento político cultural “Teatro Abierto”. Para Teatro Abierto, Halac escribió Lejana Tierra Prometida y Ruido de Rotas Cadenas.

Entre sus distinciones figuran el premio de la Asociación de Críticos Teatrales, por Soledad para Cuatro; el premio Argentores, por Segundo Tiempo y El Destete; el ya mencionado María Guerrero que otorga la Embajada de España, por Mil Años Un Día; el Discepolín, que le dio u 157 MiráBA

la Secretaría de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires, por su aporte a la Cultural Nacional, y el García Velloso, que confiere anualmente Argentores, por su trayectoria teatral. Dos veces obtuvo el Martín Fierro al Mejor Autor del año en TV; el primero en 1975, por “La noche de los grandes”, donde también escribían Juan Carlos Gené, Roberto Cossa y Carlos Somigliana; el segundo, en 1984, por “Yo fui testigo”, en colaboración con Juan Carlos Cernadas Lamadrid.

rael, por su trilogía Judeo-Española, e invitado a disertar en esa alta casa de estudios, viaje que Halac todavía no ha programado. Por esa fecha también, en Buenos Aires fue declarado miembro honorífico del CIDICSEF.

Lizardo Laphitz

El director

Alezzo (1977-1984) en cuya escuela trabajó durante 38 años formando actores y dictando clases tanto para adolescentes como para adultos.

Fue premiado con el Premio Molière como Mejor Director por “Ceniza” de Janusz Glowacki y el ACE 2009 como Mejor Director de Teatro Alternativo por “Cena entre Amigos” de Donald Margulies.

A fines de 2021 fue distinguido por la Universidad Bar Ilan de Is-

Director, actor, maestro y entrenador de actores desde 1980. Su formación actoral comienza con Raúl Serrano (1973-1974), luego con Hedy Crilla (19751976) y finalmente con Agustín

Como actor participó en: “Despertar de primavera” de Frank Wedikin (1976/1977), “Butley” de Simon Gray (1978), “Nuestro MiráBA 158

pueblo” de Trotón Wilder (1978), “Paternóster” de Jacobo Langsner (1980), “Al fin y al cabo es mi vida” de Brian Clark (1980), “Mary Barnes” de David Edgar (1982), “La conversación” de Claude Mauriac (1983), “Subordinación o valor” de Saúl Levitt (1984), “Clamor de ángeles” de Bill Davis (1986), “Memorias de un adolescente” de Neil Simon (1987), “Camas separadas” de Marcelo Ramos (1991/1992), “Ah! Soledad” de Eugene O’ Neil (1995/1996), “Recuerdo de dos lunes” de Arthur Miller (1997), “Ricardo III” de William Shakespeare (1997), “El jardín de los cerezos” de Antón Chéjov (1998), "Una especie de Alaska" de Harold Pinter (2002), "Cena entre amigos" de Donald Margulies (2009-2010) y "Círculo" también de Donald Margulies (2011-2012).

Encine, “La isla” con dirección de Alejandro Doria en 1979 y “Los chicos de la guerra” dirigido por Bebe Kamin en 1984, donde además se desempeñó en la dirección actoral.

de Jacobo Langsner (2003) y “Espectros” de Henrik Ibsen (2005), “Independencia” de Lee Blessing (2007), “Al compás de los Corazones” de Muriel Rébori (2008), “Cena entre Amigos” de Donald Margulies (2009), “Nuestro Fin de Semana” de Roberto Cossa (2011), “Sabor a Miel” de Shelagh Delaney (2012), “Estela de Madrugada” de Ricardo Halac (2013) en el Centro Cultural San Martín, “Fin de diciembre” y “Barrera Baja” también de Ricardo Halac, “La lección” y “La cantante calva” de Ionesco,“Ricos” de Lee Blesing, Casa de Muñecas de Ibsen y “Delirio a Duo” de Eugene Ionesco.

En 2014 abrió su propia escuela de formación actoral en Palermo, El Laboratorio de Teatro, junto al también actor, director y artista plástico Marcelo Zitelli. El Laboratorio fue creado con la intención de ser un espacio de experimentación, apertura e innovación.

Como director trabajó en: “Ceniza” de Janusz Glowacky (1986), “Malcom y su lucha contra los eunucos” de David Halliwell (1987), “El viaje de Pedro el afortunado” de Augusto Strindberg (1990), “La muerte y la doncella” de Ariel Dorfman (1994), “Ceremonia de hombres solos” de Humberto Rivas (1997), “Roberto Zucco” de Bernard Marie Koltes (1998), “Incendio en la nieve” de Sam Shepard (1999), “Pausa” de Eugenio Griffero (2003), “Visitantes Inesperados”

Jose Escobar: Actor, fotógrafo, diseñador gráfico, escenógrafo y vestuarista.

Cursó sus estudios en la Escuela Superior de Artes Visuales “Martín A. Malharro” de Mar del Plata.

Se formó como actor con Agustín Alezzo, Julio Chávez, Lizardo Laphitz, Javier Daulte, Thelma Biral, Heidi Steinhardt (Seminario"La luz del Actor"),Susana Yasan (bioenergética), Pedro Segni (expresión corporal), Gabriela Spezzi (canto), Paula Battolla (clown).

En teatro, El amor es un bien de Francisco Lumerman, obra preseleccionada Fiesta CABA 2016, por este trabajo estuvo nominado en el rubro actor de reparto premios Trinidad Guevara 2015, y destacado en los Premios teatro del Mundo rubro: mejor actor. 2016, A la buena de Dios de Juan Ignacio Fernández, H ermanas de María Figueras, Clara de Sofia Wilhelmi. Por la labor en la obra Sencilla recibió el premio Trinidad Guevara Revelación masculina 2009, "SECO" de Santiago Loza, dirección L. Rodríguez en el CCC (Feria del libro 2011), "En tus últimas noches" de Francisco Lumerman en Timbre 4 (2010/ 2011) obra que participó de panaroma en Work in progress 2009 en el Rojas, fue Declarada de Interés Cultural por la Secretaria de Cultura de la Nación, participó del Tercer Festival Nacional de Teatro que se desarrolla en el espacio Cultural Nuestros Hijos ECUNHI- en la ex Esma-, Carla Di Amore: Actriz, bailarina y cantante

Su formación actoral comenzó en Escuela El Duende de A. Alezzo. Realizo seminarios con A. Alezzo, Miguel Cavia, Julia Calvo, Lizardo Laphitz, Emiliano Delucchi. Seminario Clown en I.U.N.A. con Cristina Moreira Se formó en danza clasica, danza jazz, danza contemporanea, comedia musical y canto. Prensa y comunicación Juan Halac juanihalac@gmail.com

Sólo 5 funciones para una propuesta artística única.

Desde el 10 de noviembre en El Cubo MACHINAL De Sophie Treadwell Dirigida por Daniel Teveles Coreografía de Teresa Duggan Música original de Daniel Schnock

Machinal es una obra contada en nueve escenas o “episodios”, drama del expresionismo. En una oficina donde trabaja Hellen o mujer joven, se puede escuchar el traqueteo de las máquinas mientras los oficinistas avanzan lentamente con sus máquinas de escribir, sumadoras, en forma permanente. Treadwell no nombra a casi todos los personajes, sino

que los identifica por sus trabajos (por ejemplo, chica del teléfono o empleado de archivo); el diálogo es de ritmo staccato y lleno de clichés y repeticiones; y la trama de la historia es episódica, con cada episodio representando un modo de represión femenina. Cada uno de los nueve episodios que componen la obra representan elementos o pasajes típicos de Mirá

la vida de una mujer trabajadora en la primera parte del siglo 20. Intérpretes

Paola Sanabria Estela Kiesling - Julián Mardirosian - Max Accavallo - Claudio Favieri Estefanía Gulla - Walter Fauve - Nicole Núñez Silva – Julia Tapia - Mario De Luca Isabel Guerra Marfull

en off Mamá: Lucila Iglesias Hijo/Niño: Benicio Fernandez Niña: Valentina Machado Radio: Carlos Benincasa

Dirección y Adaptación: Daniel Teveles

Teresa Duggan Música original: Daniel Schnock Escenografía: Edgard Orozco Vestuario: Alejandro Mateo

de iluminación: Jorge Merzari

Jean Lombardi

gráfico: Nahuel Lamoglia

Jean Lombardi

+ Media: Duche&Zárate

de Dirección: Paloma Cortina e Isabel Guerra

de Producción: Caro Arellano – Expansión Teatral

“Machinal está inspirada en un caso real de homicidio mediático

de la condenada final Ruth Sneyder y su posterior ejecución en 1928.

Varios films e incluso el musical “Chicago” se basaron en esta historia.

Escrita en el semillero del activismo político de esa década, y los nuevos desafíos femeninos, Sophie Treadwell le da una mirada profunda, cuestiona y termina siendo una precursora feminista de actualidad. Escribe una obra híbrida naturalista expresionista. En una sociedad cambiante, amorfa, que logra transformamos en máquinas, sin identidad, y que favorece a los hombres, al dinero, donde las mujeres han sido silenciadas y se las condiciona al deber ser. Y en lo personal, buceando en nuevos estilos teatrales, trabajamos con la coreógrafa Teresa Duggan una simbiosis de teatro físico, coreográfico dramatúrgico con música original de Daniel Schnock, experimentando algo nuevo, diferente, creativo, y surgió este nuevo Machinal” Daniel Teveles

Funciones: Jueves 10 de noviembre a las 20:30

Jueves 17 de noviembre a las 20:30

Domingo 20 de noviembre a las 19:30

Jueves 24 de noviembre a las 20:30

Jueves 1° de diciembre a las 20:30

Localidades: $ 2.300.Venta por Plateanet El Cubo Pje. Zelaya 3053 CABA

5111-6258

TEVELES (Director y adaptador)

Asiduo espectador teatral. Taller de escenografía Teatro Colón Gerardo Piertrapertrosa durante dos años. Curso y taller de escenografía Teatro San Martin Héctor Calmet. Cursos de dirección teatral Diego Kogan. Taller de dirección teatral con Augusto Fernandez, activo por dos años. Pequeño curso Universidad de Palermo De teatro (Hugo Midón). Médico Pediatra, diploma de honor. Notas publicadas y análisis de texto en la revista Toldot premiada en Londres. Cursos y taller de dirección teatral con Cristian Drut por 2 años. Talleres de dirección teatral con David Amitin, dos diferentes años. Escribe textos teatrales para las diferentes escuelas. Clases de canto con Magali Muro y Gachi Leivobich. Adquiere los derechos de “Die Judenbank”, adaptación del texto “El banco” (Die Judenbank). Diseño escenográfico de El banco (Die Judenbank). Dirección y puesta en escena de “El banco” (Die Judenbank) Estreno 22 de agosto del 2014 en El Tinglado Teatro. Segunda Temporada de “El Banco” abril 2015. “La Luz de un Cigarrillo”, estreno abril del 2016: Dirección, adaptación y puesta de Diseño escenográfico. “La Luz de un cigarrillo”, Segunda y 3ra temporada. Mención diploma al mérito por la Embajada de la República Dominicana por “La luz de un Cigarrillo”. “Casta diva Maria Callas El Crepúsculo” Temporada 2018 en El Tinglado. Dirección, Dramaturgia y puesta. u

MiráBA

“EL DOGMA” 2019 y 2020 interrumpida por pandemia, Autor, recreación de un viejo texto. Dirección y puesta. Segunda temporada y tercera temporada en el Multiescena en el 2022.

DANIEL SCHNOCK (Director musical)

Compositor, productor musical, arreglador y realizador audiovisual. Desde joven se ha sumergido y vinculado al arte, lo lúdico, la expresión y la música como una constante e incesante búsqueda. Compuso música para teatro, danza y cine. Y se desarrolla como compositor de obras para ensambles y songwriter para artistas. Actualmente es productor musical de renombrados artistas de la escena emergente musical Argentina e internacional. Dirige y escribe música original para un ensamble de cuerdas AÜREA. Dirige y arregla para un ensamble vocal femenino UNUM. Recientemente ha publicado una obra ARBORETUM, escrita para ensamble vocal, cuarteto de cuerdas y piano. Ha publicado más de 100 canciones de diversos géneros, estilos y colores y ha recibido premios internacionales por sus composiciones. Últimos trabajos realizados: 2020 Música para documental dirigido por Federico Suarez para obra integral de la realizadora Ellen Kuras; 2020 Música y banda de sonido de especial teatral (Malena Pichot, Julián Lucero) dirigido por Esteban Garay Santaló; 2019 composición seleccionada para el festival de Lituania, vilna Druskomanija, interpretada por una orquesta de jazz lituana; 2019 composición de

música para cortometraje Inside (dirigido por Mariano Russo) seleccionado en el ARFF Paris Festival, ganador del Oniros Film Fest.(Italia), Prague International Filme Fest, New York International Film Awards; 2018 Composición coral en quechua "SONCKOY" recibe mención en Tribuna Argentina de Música 2018 UNTREF.

TERESA DUGGAN (Coreógrafa)

Teresa Duggan vivió su infancia y adolescencia en el campo. Cuando terminó la secundaria se mudó a la ciudad de Buenos Aires y comenzó a estudiar danza contemporánea con las maestras Ana Itelman y Graciela Concado. En 1980 viaja a New York para perfeccionarse en las escuelas de Alwin Nikolais, Merce Cunningham y Movemente Research. Allí baila en las compañías de Elaine Summers y Marta Renzi and Dancers en New York y en el Festival de Avignon en Francia. En el 84 vuelve a la Argentina, crea su compañía Duggandanza y comienza su carrera como docente y coreógrafa. Trabaja con la Compañía La Arena, bajo la dirección de Gerardo Hochman, creando las coreografías: Gala,Bellas Artes, Ronda y Fulanos, presentadas en Argentina y España. Con el grupo Cuatro Vientos pre-

senta Sudestada y Música en Movimiento. También trabaja con cantantes populares como Julia Zenko (Teatros: Alvear y Coliseo) y Natalia Oreiro (teatro Gran Rex y gira a Israel). Desde hace 20 años integra el staff creativo de La Pipetuá, creando Opereta Prima, Sin Escalas, La Pipetuá 13 años, Lunática y el reciente espectáculo EnSueños. También dirigió espectáculos infantiles de música: Al Tun Tun, 5Encantando, Anda Calabaza. En teatro realizó las coreografías de las obras de Hector Levy Daniel: Melodía para seis sombras, Dinero, Los Hechizados y Las Fugitivas, en este momento en cartel. Dirigió Eusebio Ramírez, obra de Mariano Moro, en este momento en cartel. En el 2017 fue convocada por el Ballet del Teatro San Martín para la creación de Dos Pétalos. Duggan además de su extenso camino en la danza, se formó en el Instituto Superior de Arte del Teatro Colón como directora de escena en ópera. Con su compañía Duggandanza ha creado más de 40 obras, presentadas en Argentina, Brasil, Uruguay, Chile, México ,y Hong Kong . Duggan recibió los premios: Teatro del Mundo, Atina, Argentores, Ace, Trinidad Guevara. Duche&Zárate prensa@duchezarate.com.ar

NOVECENTO

De Alessandro Baricco

“La Leyenda del pianista en el océano”

Intérprete: Julio Viera Dirección: Mónica D´Agostino Domingos a las 20 hs.

Continúan las funciones de Novecento, “La Leyenda del pianista en el océano” de AlessandroBaricco,protagonizada por Julio Viera. Música original: Nicolás Di Lorenzo, Vestuario: M&J, Escenografía: Favio Spotorno. Diseño de luces: José Luis Misevich. Fotografía: Diafragma 4 Diseño gráfico Banners: Diafragma 4. Flyers, Redes, Dossier: Lorena Ackermann. Asistencia de iluminación: Hernán Preii. Prensa: Alfredo Monserrat. Producción ejecutiva: Fabi Maneiro. Dirección: Mónica D’ Agostino.

Las funciones se realizan todos los domingos a las 20 hs. en el Espacio de Teatro Boedo XXI. Boedo 853. CABA. Entradas en venta: https://www.alternativateatral.co m Tel/wsp: 11-6555-8986. Duración: 75 minutos. Entrada general: $1200-. Sinópsis:

En los años de entreguerras, un transatlántico, el virginian, recorría las rutas entre Europa y América, con su carga de millonarios, de turistas, de emigran-

tes… Tim tooney, trompetista que integra la banda de música, cuenta la singular historia de su amigo novecento, un pianista extraordinario con una técnica maravillosa, capaz de arrancar notas mágicas, inauditas. Se hablaba de un inusitado duelo pianístico nada menos que con Jelly Roll Morton, el inventor del jazz…

Se decía que el melancólico pianista había nacido en el barco, del que jamás habría descendido. Se decía que nadie sabía la razón… Alessandro Baricco ha afirmado que a su texto lo considera un relato largo para ser leído en voz alta.

PRENSA Alfredo Monserrat alfredomonserrat@gmail.com

163 MiráBA

"Las Bestias"de David Señoran

Estrenada por primera vez en 2012 y habiendo recibido elogiosas críticas, vuelve Las Bestias del premiado coreógrafo David Senoran y su compañía de danza. A partir del 7 octubre a las 22.30hs, se presentará todos los viernes en el Portón de Sánchez (Sánchez de Bustamante 1034, Almagro).

La masculinidad y el cuerpo se entrelazan a través del movimiento y la fuerza, entendiendo masculinidad desde un punto de vista performativo, es decir, la ficcionalización del cuerpo y sus acciones que logran una emergencia del hombre frente a lo bestial y las múltiples posibilidades de ser del cuerpo en el deseo.

Las bestias es una obra "para no mansos" basada en la construcción de nuevas posibilidades artísticas desde el movimiento, la teatralidad, la dramaturgia, la voluntad, el deseo, la fuerza y la masculinidad en estado salvaje, de lo oculto, a lo susceptible de ser creado, de lo libre y mágico a lo cotidiano y doméstico.

FICHA TÉCNICA

Performers: Rodrigo Bonaventura, Lautaro Cianci, Lucas Coliluan, Matías Furio, Luis Garbossa, Gastón Gatti, Sergio Jardín, Cristian Katari, Arian Ortellado, Joa-

MiráBA 164

quín Toloza, Fernando Vera, Eduardo Virasoro Diseño de vestuario: Alejandro Mateo Diseño de luces: David Seiras Música original: Alejandro Catarino Fotografía: Alejandro Carmona Diseño gráfico: Luciano Crispi Asistencia de dirección: Virginia Rossi Community Manager: Atmos Label Prensa: Prensópolis Producción ejecutiva: Gabriel Cabrera Dirección General: David Señoran FUNCIONES: (hasta el 25 de noviembre) Sala: El Portón de Sánchez Sánchez de Bustamante 1034, Almagro Duración: 60 minutos Viernes a las 22.30hs. Entrada general: $1500 / Estudiantes y jubilades $ 1200y pueden adquirirse por Alternativa.

Sobre DAVID SEÑORAN DIRECTOR Maestro, Coreógrafo, Director y Gestor

Su trabajo como director convive

con su tarea docente y de gestión. Actualmente, se desempeña como Director de la Licenciatura en Artes Escénicas de la Escuela de Arte y Patrimonio de la UNSAM (Universidad Nacional de San Martín), al tiempo que se desempeña como

maestro en la UNA (Universidad Nacional de las Artes), y dirige la “Escuela Profesional de Bailarines” (Programa de Formación Intensiva en Danza Contemporánea).

Como creador, se proyecta desde la danza hacia la construcción de propuestas donde los límites interdisciplinarios se diluyen, moviéndose su discurso en terrenos mixtos donde la danza convive con otras formas

de expresión.

En el año 2009, forma la Compañía que lleva su nombre y con ella, un espacio de investigación, creación y producción en el escenario de la danza actual. En la actualidad el grupo se conforma por más de 20 intérpretes y un equipo de creativos, de músicos, diseñadores de iluminación, sonido, vestuario y asesores en el área de teatro. Entre los espectáculos realizados se destacan: "Furtivo" (2016), "Las Bestias"

(2012), "Tundra" (2018) , "Play" (2019) por el que obtiene el Premio Maria Guerrerro 2022, y "La sombra de una nube" (2021).

Por ésta última, David Senoran recibió el Premio Argentores 2022.

Su labor en la gestión está directamente relacionada con la búsqueda de visibilidad y sustentabilidad para el Sector de la Danza. Y, como referente, desarrolla su actividad en colecti-

vos, organismos oficiales y privados.

Dice David Señoran, director de la Compañía:

"Sé lo complejo que es sostener un equipo de trabajo, por eso propongo esta agrupación, para

brindar un marco de contención y pertenencia. Como compañía nos proponemos investigar, crear y producir para abrir espacios y pensamientos que nos conecten con la contemporaneidad más allá de las modas. Buscamos la continuidad en el hacer, para poder madurar como artis-

tas. La urgencia es reunirse, agruparse detrás de un proyecto y llevarlo adelante, por eso nuestra Compañía".

Prensópolis Comunicación y Prensa Dir. Alejandra Pía Nicolosi prensopolis@gmail.com

¡NUEVA TEMPORADA!

"Pichón de cuervo es boleta" de Carolina Luaces

La obra Pichón de cuervo es boleta es una creación de Carolina Luaces donde prima el suspenso y los personajes investigarán, en clave de humor, el camino de la pista para desentrañar el misterio que los rodea.

Se presenta todos los domingos a las 18:00 horas en el Teatro Vera Vera (Vera 108, CABA). Las entradas se pueden conseguir a través de Alternativa Teatral o en la boletería del teatro a $1.200. Sinopsis

En una humilde y sencilla sala velatoria, dos ciclistas buscan entender el para qué de morar ese espacio al que no saben cómo ni cuándo llegaron. El tercer personaje, una joven mujer, parece habitar ese territorio misterioso, donde la discordancia de elementos da cuenta de un mundo ajeno, extraño y sospechoso. Pichón de cuervo como

posibilidad, marca o signo de una realidad que podría ser esa, pero que también podría ser otra.

FICHA TÉCNICA

Elenco: Germán Moldován, Valeria Ojeda, Ernesto Vigetti Diseño y realización de arte: Carolina Luaces, Ana Inés Soria Del Castillo Fotografía: Ana Inés Soria Del Castillo Diseño gráfico: Sebastián Carulli Asistencia de dirección: Ana Inés Soria Del Castillo Producción: Grupo Pasalo A Nafta Prensa: Kevin Melgar (0KM Prensa) Dramaturgia y Dirección: Carolina Luaces

DOMINGOS 18:00 HORAS TEATRO VERA VERA (Vera 108, CABA)

Las entradas se pueden conseguir a través de Alternativa Teatral o en la boletería del teatro a $1.200.

PRENSA Kevin Melgar (0KM Prensa)

HASTA LUEGO, ZORZAL De Lucero Abbate

La obra Hasta Luego, Zorzal es la ópera prima de la joven dramaturga Lucero Abbate quien además dirige al elenco compuesto por 5 artistas en esta hermosa historia porteña, que además cuenta con música en vivo.

FICHA TÉCNICA

Se presenta todos los domingos de octubre y noviembre a las 18:00 horas en el Teatro El Grito (Costa Rica 5459, CABA).

Las entradas se pueden conseguir a través de Alternativa Teatral o en la boletería del teatro desde $1.200. Sinopsis

Tres artistas callejeros habitan al margen de las calles de San Telmo y Tribunales. Un día, uno de ellos -una estatua viviente vestida de ángel- es sorprendido por la aparición del fantasma de Gardel.

Solo él parece verlo y con el correr de los encuentros sufre una extraña transformación.

Hasta luego, Zorzal es una historia de encuentros, de tango, de amistad y de muerte. Pero es, por sobre todo, una historia porteña.

Actúan: Agustina Malfitano , Gerardo Martínez , Facundo Pérez , Sebastián Scigolini , Ignacio Padilla , Toribio Galíndez Guitarra y Bandoneón: Bruno Leichman Vestuario: Cecilia Cotognini Escenografía: Taller La Terraza , Lucero Abbate , Talia Szulewicz Ilustraciones: Lucio Cantini Diseño de luces: Matthew Wray Violín: Ariadna Bruschini Música original: Bruno Leichman Fotografía: Harry Piluso Mulhall Diseño gráfico: Santiago Garrido Asistencia de dirección: Juan Manuel Massaro Producción: Lucero Abbate Gestión cultural: Martina Kogan Prensa: Kevin Melgar (0KM Prensa) Dirección y dramaturgia: Lucero Abbate Prensa: Kevin Melgar (0KM Prensa) kevin.0kmprensa@gmail.com MiráBA 168

El mundo es más fuerte que yo

de Victoria Roland y Juan Coulasso

“La ficción es eso ¿no? Inventarse cosas para sentir cosas. Si te inventas cosas pequeñas sentís cosas pequeñas, si te inventas cosas más grandes, sentís cosas más grandes. Y si no te inventas nada, no sentís nada.”

EL MUNDO ES MÁS FUERTE

QUE YO no es una obra. Es un accidente, una sesión abierta, obscena y en permanente reconstrucción. Cada espectador altera nuestro tejido, por eso cada viernes puede pasar cualquier cosa. La actriz entrará en

trance para ser otra o para dejar de ser. El baterista tocará tan fuerte que tapará todas las ideas importantes del texto. La asistente preparará whisky falso para un espectador real. El director bailará un minué y lo hará muy mal. Una Ifigenia trash será invocada para salvar al teatro occidental de su incesante repetición. Un terremoto que jamás vivimos hará temblar la República de Chacarita. El público huérfano saldrá a las calles de una ciudad dormida. Alguien será sacrificado. Una obra en

contra de la representación. Una búsqueda ciega del acontecimiento. Un intento desesperado por transgredir la costumbre y entregarnos a lo desconocido.

Actriz: Victoria Roland Asistente en vivo: Flor Sánchez Elia Batería en vivo: Matías Coulasso Entrenamiento vocal y asesoramiento artístico y musical: Bárbara Togander

Asesoramiento coreográfico y

colaboración en dirección: Carmen Pereiro Numer Dirección de arte y diseño de vestuario: Endi Ruiz Realización de vestuario: Emiliana de Cristófaro y

Fotografía: Nora Lezano Asistente de fotografía: Alejandro Pippa Diseño de

Matías Sendón Realización

Nadia Lozano Operador de sonido: Marte Producción General: La Mujer Mutante Producción Ejecutiva: Micaela Zaninovich Comunicación

Duche

Asistentes de dirección: Nadia Lozano e

Pereyra

Diseño

Matías Coulasso

Por Mercedes Mendez

"Desde el comienzo hasta un

que mejor no contarlo sino vivirlo como se busca

esta obra, el público debe

sobre lo

elegir una silla, creer en

participar de algunas

y hacerse

de esa mirada intimista y

que la actriz le dedica, en

momento, a cada uno de

espectadores."

Latfem - 22.11.2017

EL TEATRO ES EL MUNDO ES UNA MUJER ES UNA MOSTRA Por Agustina Paz Frontera

“La mujer y la ficción aparecen hermanadas por una duda constante acerca de su sustancialidad ¿dónde empieza y dónde termina ser mujer, dónde empieza y dónde termina la ficción?

En ambos casos el género es performance. Así como no hay un eterno femenino ineludible, no hay un destino o deber ser de la representación. Por ejemplo, dice la actriz: “esta obra es transgénero”.

Indiehoy - 07.09.2017

UNA ENORME NECESIDAD DE ROMPER

Por Sabrina Haimovich

categorías y los roles están dados vuelta. Se lleva a la asistente, a los espectadores, incluso al director a escena; se actualizan los mitos griegos pero en versión trash; se arrastra a la actriz de los pelos de un lado al otro; se realizan oráculos y sacrificios; se expresa el deseo de que las cosas al salir sean diferentes y más confusas, y efectivamente todo esto sucede al ritmo de los estallidos de una frenética batería.”

La Nación - 08.07.2017

UNA INTENSA EXPERIENCIA PERFOMATICA EN CHACARITA

Por Alejandro Cruz

EL ESCENARIO

"Un monstruo que sacude a un campo teatral plagado de convenciones. Más que una obra se trata de un ritual chamánico. El resultado es una no-obra en la que conviven los lenguajes del teatro, la música, la danza, la performance. Sesiones abiertas donde tanto las sillas como las

"Una intensa experiencia performática en Chacarita" (...) "Y vendrá un nuevo kilómetro cero de esta performance de momentos arrolladores, ensordecedores, desconcertantes y mágicos mientras, afuera, se pone el sol, y, adentro, la actriz será Ifigenia en Áulide y será la víctima de un terremoto que nunca vivió y será un terremoto en sí mismo y será una convulsionada mujer/actriz en estado de trance y será la hija del rey Agamenón y de la reina Clitemnestra y será, es, una performer que transpira actuación." (...) "Lo cierto es que en la República de Chacarita, como machaca ella, luego de un largo pasillo, sucede algo intenso, caótico y diáfano en medio de una puesta de un rigor extremo, de unas partes y un todo pensando hasta la obsesión."

Página/12 - 26.03.2021 u

ENSAYO SOBRE UN TEATRO AGÓNICO:

Por Alejandra Varela.

No hay nada que ocultar en esta puesta en escena. Todo está a la vista. El director, la asistente, las situaciones que deberían permanecer en el espacio de lo obsceno forman parte de la historia. Porque aquí se trata de develar la actuación como una epopeya en sí misma, como un acto de valentía sobre los hechos, sobre el dolor o sobre la propia interioridad que va a ofrecerse al sacrificio.

Revista Loie - 01.05.2018

TU MISTERIOSA FORMA

Por Magdalena Casanova

“Y ya afuera del teatro, de ese espacio sagrado, de vuelta a la realidad, mirando la cara del resto del público de esa noche que, silencioso y desconcertado, no sabe si quedarse, irse o volver a entrar, pienso: ¿qué puedo escribir sobre esta obra que le haga algo de justicia? Solo esto: ya no tienesentido bienvenir a la función. Queridos espectadores, bienvenidos al ritual.”

Farsamag - 18.10.2018:

EL MUNDO ES MÁS FUERTE QUE YO

Por Magdalena Bozzani

“Al comienzo una profecía nos sumerge en la incógnita y en la expectativa. Actor, director, asistente y baterista nos reciben. Nos miran. La ficción y lo real desdibujan sus bordes. Habitan con nosotros el espacio. Fuerzan la tensión que mantiene el

pulso todo el tiempo que vibra la escena. Esta obra lucha contra las convenciones, contra las representaciones, contra sí misma poniéndose en riesgo y en ridículo una y otra vez; busca interpelarnos, toca las fibras de nuestra sensibilidad y de nuestra inteligencia, invitándonos a torcer las estructuras, borrando los límites de la ceremonia teatral para devolvernos luego otra vez a la calle.”

Afen - 08.10.2018:

EL MUNDO ES MÁS FUERTE

QUE YO

"Una magistral puesta en escena, una novedosa obra de teatro, una apuesta de calidad e innovadora dentro del circuito de teatro off. (...) Sin telones que se abren y se cierran, logran que escenografía, vestuario, luces, sonido e intérpretes se fundan en un todo produciendo la ruptura de “la cuarta pared”, esa conexión cómplice y participativa y a la vez distendida entre los actores y los espectadores."

Luna Teatral - 06.08.2018:

EL MUNDO ES MÁS FUERTE

QUE YO

El mundo es más fuerte que yo es provocativamente una experiencia distinta y atrapante que, quizá, puede incomodar al espectador desprevenido. Una performance perturbadora, donde el perfecto encastre entre la iluminación, la música -la bateria y la caja- y los sonidos, acordes a la situación escénica, nos atraviesa con un ritmo sostenido y arrollador. Imposible no destacar a Vic-

toria Roland, quien no construye personajes sino acontecimientos difíciles de controlar dentro de esa impronta que nos coloca en el inexplicable límite de las categorías preestablecidas. Un acto creativo que nos cuestiona y nos sacude desde su inicio, por lo tanto necesario ante tanto teatro pochoclero.

El Caleidoscopio de Lucy27.07.2018 DECONSTRUIR PARA CREAR Por Daniel Gaguine

"Enfundada con vestido verde y zapatos rojos de tacos peligrosos, Victoria Roland será la maestra de ceremonias. Es la Pitonisa de una puesta en la que pone todo sobre el escenario para que se lleve adelante el trance al cual nos ha invitado a participar. Desde CABA hasta la morada de Ifigenia, pasando por Chile y una reunión de amigos donde no todo es lo que se dice que es. La participación del público es fundamental al igual que su ubicación en el escenario para ver lo que ocurre. Flor Sanchez Elía es la “segunda guitarra” que sostiene todo y se da tiempo para dar cuenta de su propia importancia en el armado completo de los acontecimientos. Vestido todo de negro, Juan Coulasso ocupa su rol de director de la obra, entrando y saliendo de la escena, casi como un personaje más. Finalmente, Matias Coulasso es el encargado de los parches de una batería que es pieza fundamental de la puesta y del sonido de la misma.Todos formando parte de ese momento de frenesí precisa-

mente dosificado para que el efecto sea tan particular como personal. " cqap

ROMPER LAS ESTRUCTURAS: Por Rodolfo Weisskirsch

“El mundo es más fuerte que yo es una alternativa ante tanta teatralidad que se ha congelado en el tiempo; una alternativa crítica ante tanto teatro esquemático y previsible. La búsqueda de los hermanos Coulasso y Roland trasciende el simple experimento. Es un trabajo con una meta simbólica que hará temblar los simientos -literales- de la posición del espectador dentro de cualquier espectáculo. Y a la vez es una reflexión sobre la actualidad, sobre la introducción del contexto en el proceso creativo, de involucrar la respuesta del

público a la narrativa.” mecagoenlabohemia.blogspot.co m:

LA OBRA ES UN ACCIDENTE Por Macarena Trigo

"El mundo está lleno de significantes agotados, de cosas que son sin estar, de acuerdos tácitos y absurdos. El pacto ficcional, esa convención vapuleada, esa anestesia… ¿puede quebrarse? ¿cómo? ¿qué hay que hacer para que la ficción se rompa? ¿dónde está la fisura que permite ir y volver? y, en última y primera instancia, ¿qué nos importa más? ¿nos define la realidad que nos rodea o la ficción a donde escapamos? La ficción que nos consume y consumimos, ¿acaso no nos (pre)ocupa más que la vida? ¿dónde vivimos más y mejor?".

Revista Ambar: EL MUNDO ES MÁS FUERTE QUE YO

"Hay algo que “El mundo es más fuerte que yo” consigue a cabalidad: mediante la representación sísmica de los movimientos telúricos de las placas tectónicas de la obra, abrir grietas en los límites claros de lo que conocemos como convención teatral. Hay algo que “El mundo es más fuerte que yo” consigue a cabalidad: mediante la representación sísmica de los movimientos telúricos de las placas tectónicas de la obra, abrir grietas en los límites claros de lo que conocemos como convención teatral."

Duche&Zárate Comunicación + Media Walter Duche – Alejandro Zarate prensa@duchezarate.com.ar

DEL OTRO LADO ¿qué se cocina mientras se cocina?

Una comedia de Damián Kepel

Dos historias que parecen no tener conexión. Dos universos que parecen no tener más vínculo que una relación de servicio. Ambos relatos y sus protagonistas están atravesados por diversas crisis.

Parejas apunto de volar por el aire, mujeres empoderadas que no se comen ninguna, hombres ricos en dilema existencial, mientras un pibe del interior se marea encandilado por la gran

ciudad y un joven mozo la ve pasar y la padece, entre cliente y cliente.

La nueva comedia de Damián Kepel, nos invita, entre copa y copa, a sumergirnos en un mundo atravesado por la desigualdad, los vínculos líquidos y la violencia latente. Cualquier similitud con la realidad es pura casualidad.

Funciones: miércoles a las 21h

demás. Tenemos naturalizada la desigualdad, convivimos con la injusticia todos los días y no nos importa. Hasta que se mete con nosotros.

“Del otro lado” reflexiona en tono de parodia sobre las diferencias entre las clases sociales, a través de sus personajes y sus historias de vida. Primero disímiles, casi antagónicas.

Luego entrelazadas, hasta volverse una única historia; porque en definitiva, y aunque nos cueste darnos cuenta, todos estamos en la misma.

Ficha artístico técnica: Actúan: Teresita Rellihan, Matías Hynes, Diego Leske, Tomás Raimundi, Florencia Sacchi y Augusto Álvarez. Dramaturgia y Dirección: Damián Kepel.

Asistente de Dirección: Luis Cícero

Escenografía: Ramiro Starosta / Vestuario: Sol Tévez / Iluminación: David Seiras / Coreógrafo: Diego Rosental / Sonido: Supercharango / Diseño gráfico: Maxi Rodríguez / Fotografía y video: Diego Ortiz Mugica y Nicolás Huerin / Prensa: Daniel Franco.

Dice Damián Kepel

“Tuve la suerte de nacer en una casa de clase media acomodada, con un papá y una mamá que me querían y se ocupaban de mí. Lo que en ese momento era normal, con los años entendí que significó una gran ventaja

para mí en todo lo que me dispusiera a emprender.

Cuando a comienzos de 2021, Javier Daulte nos instó a escribir sobre algo que nos conmoviera se me vino a la cabeza una imagen, un recuerdo de mi juventud: Yo bailando en un boliche con un trago en la mano y un pibe de mi misma edad recogiendo los vasos de vidrio ya vacíos y abandonados por los rincones para que no se rompieran…Yo disfrutando. Él trabajando. Yo sin saber qué hora era. Él cumpliendo un horario. Yo gastando plata. Él ganándosela. Así nació “Del otro lado”. Como un intento de reflexión sobre lo que pasa todos los días y tenemos naturalizado sin hacernos grandes cuestionamientos, aceptándolo sin más. Y como todo en la vida, por más duro que sea, me lo intenté tomar con humor.”

Sobre Damián Kepel Es publicista. Preside su propia

agencia, Super, y ha sido responsable de la creatividad de marcas como YPF, Quilmes, Visa, Coca-Cola y Mercado Libre, entre otras. Ha ganado premios en todos los festivales nacionales e internacionales: Círculo de Creativos, Cannes, Clio, Londres, Nueva York.

Realizó talleres de guión, dramaturgia, teatro y dirección con Pablo Solarz, Mauricio Kartun, Ignacio Apolo, Guillermo Cacacce y Javier Daulte.

Hizo su debut como autor y director con “Rehénes”, obra estrenada en 2017 en el Teatro de la Comedia. “Del otro lado”, escrita en el Taller de Javier Daulte, en 2021, es su segunda obra.

Daniel Franco Prensa y Capacitación Cultural https://www.facebook.com/danielfrancoprensa/ prensa@danielfranco.com.ar www.danielfranco.com.ar

Elenco : Denise Cotton (Blanca) y Karen Koch (Estrella)

Músico en escena: Claudio Riva Teatro del Pueblo: Lavalle 3636 CABA Funciones: Miércoles 20hs Localidades: $1500 / $1200 estudiantes y jub. / $1000 pasaporte vecino

Gira Trunca retrata las vicisitudes de Estrella y Blanca, dos actrices populares, que en los años cuarenta, recorren la Argentina con sus obras filodramáticas y sus espectáculos de canto y recitado argentino. La gira se trunca en un pueblo de la Pampa gringa cuando su director y productor, esposo de Estrella y amante de Blanca, se fuga con la Reina del Zapallo y todos sus ahorros. Las dos mujeres quedan atrapadas

por una inundación y se refugian en el teatro del pueblo donde intentarán sobrellevar rencores y asperezas. Entre la discordia y el amor, la poesía y la música, la danza y el teatro, tratarán de sobrevivir a la realidad, sumergiéndose en lo único verdadero que les queda: el teatro.

PRENSA TEHAGOLAPRENSA info@tehagolaprensa.com.ar

iCan de Guillermo Ipiña Dirección Lucas Santa Ana

En iCan, el conservador y obsesivo Lucas es dejado por su novia, Delfina. Durante su primera noche en soledad, despierta sobresaltado ante la imprevista incursión de Camila, una joven ocupa que pernocta a escondidas en el departamento y que lo imaginaba todavía desocupado.

Una obra de Guillermo Ipiña, con dirección de Lucas Santa Ana y protagonizada por Francisco Andrade, María Lía Bagnoli, María José Chicar y Pablo Ezequiel Silva.

Lucas está en sus treintas, es

conservador y obsesivo. Su accionar se ha sustentado siempre en el orden y la seguridad. Todo eso se desploma cuando a pocos días de la Navidad, Delfina su pareja, decide poner fin a la relación.

Facundo, su amigo de toda la vida, quien vive a la sombra de Maru, su mujer, acude en ayuda y le consigue un departamento.

Durante su primera noche en soledad, Lucas despierta sobresaltado ante la imprevista incursión de Camila, una joven ocupa que pernocta a escondidas en el departamento y que lo imaginaba todavía desocupado.

FUNCIONES LOS SÁBADOS 20HS.

NÜN Teatro

TÉCNICO-ARTÍSTICA

Lista

Diseño de escenografía: Lucas Santa Ana Fotografías: Sebastián Romero Bernhardt

Maquillaje y peinados: Florencia Brid

Diseño Gráfico: Estudio Garra Redes sociales: Joan Manuel Lorenzo

Comunicación y prensa: Mutuverría PR

Asistente de dirección: Vanina Cavallito Producción ejecutiva: Melania Barreiros Producción: locodelaltillo Dirección: Lucas Santa Ana

PALABRAS DEL AUTOR

“iCan es una clásica comedia de enredos, en donde los conflictos se van generando y creciendo tanto por las acciones de los personajes como también por los malos entendidos al estilo de obras del siglo pasado. Es intención del autor, presentar en los personajes un aura de anacronismo, cuyos actos y dichos den a la trama un toque naive que contraste con las vulgaridades y las siempre efectivas malas palabras de algunas comedias. Esto no impide que la temática sea tan actual como perpetua en las relaciones humanas: la crisis de quienes se acercan a sus cuarenta, sus planteos existenciales, la disputa entre el acostumbramiento o el cambio, la insatisfacción o la seguridad laboral y el clásico “ahora o nunca” que se lleva por delante relaciones y prejuicios. La obra, por qué no, peca también de una visión romántica de la amistad incondicional y el ansia

perdurable del renacimiento de la pasión. En esta historia, los vientos de cambio vienen de la mano tanto de situaciones ordinarias como de algún personaje tan real como mágico, nada mal para seguir soñando con que las soluciones pueden estar en uno mismo y al alcance de la mano". Guillermo Ipiña

SOBRE EL DIRECTOR

Lucas Santa Ana es guionista, director y productor egresado de la ENERC-INCAA (Escuela Nacional de Experimentación y Realización Cinematográfica). Comienza su carrera teatral en 1994 en la escuela de Norman Briski, estudiando años después con Juan Carlos Gené, Rafael Spregelburd, Alejandro Trantanián, Rubén Schumacher, Daniel Veronese, entre otros. En 1998 con apenas 21 años hace el montaje de Un tranvía llamado Deseo, con un grupo de ex alumnos de Briski. En 2003 estrena Los dos hidalgos, adaptación de la obra de William Shakespeare. Ese año decide retirarse por un tiempo del teatro para dedicarse de lleno al Cine. En esos años escribe guiones para directores como Alberto Masliah, Gustavo Cova y una seguidilla de documentales para Anima films. En 2013, regresa a

los escenarios con Las Llaves, adaptación de su cortometraje homónimo. En 2014 estrena Saudade, realizando 5 temporadas en los años siguientes. En 2019 realiza para la UNA, la dirección de la residencia de actores titulada Un sino de sombras, drama musical tanguero. En cine en 2013 participa de Historias Breves 8 con el cortometraje Vida Nueva. En 2016 estrena su Opera Prima de ficción Como una novia sin sexo. Entre 2016 y 2017 su documental El Puto Inolvidable viajó por numerosos festivales recibiendo el premio del público al mejor documental y mejor director en LesGaiCineMad. En 2017 hace la producción ejecutiva de El sonido de los tulipanes de Alberto Masliah. En 2018 hace la producción ejecutiva de Lobos de Rodolfo Durán y El Cazador de Marco Berger. En 2020 estrena su segundo largometraje de ficción, Yo, adolescente basado en la novela de Zabo con gran aceptación del público. En 2021 estrena el documental Ilse Fuskova sobre la reconocida lesbiana feminista argentina, co-dirigido con Liliana Furió.

AGRADECIMIENTOS Sombracine, Alberto Masliah, Daniel Chocrón, Camarón Brujo Música, Catu, Nicola Carrara, BSTUDIO, Manuel Saratella, Eleonora De Rueda, Zabo, Agus, Marcelo Martín, Felipe, Norita, Gastón Frías, Iván Masliah, a nuestras familias y al Universo. PRENSA prensa@duchezarate.com.ar walter@duchezarate.com.ar

Norman Briski presenta los Sábados a las 21 hs La Medicina TOMO III

"La

Duración: 60 minutos Entradas por Alternativa Teatral: Compra de Entradas

Redes sociales: @la.medicina (Instagram).

SOBRE LA OBRA:

La medicina - Tomo III es el intento de patetizar el encubrimiento de la salud como fenómeno de la enfermedad. Con un tratamiento protocolar que se aliena con la tecnología del diagnóstico, de la maquinaria como expendedoras de parcialidades y del juego ecográfico sobre los cuerpos humillados, detenidos, con determinaciones indudables.

El enfermero es testigo de todas las escenas que concurren al negocio humanista de las obras sociales.

Si nos atreviéramos a recurrir a la metáfora de este coágulo dramático podría incluirse en la conexión con el social histórico que responde a que la salud y la enfermedad se convierten en intereses homicidas.

jar de la mejor manera esa tragedia. El humor es una herramienta muy usada en esta obra porque está muy ligada a lo siniestro desde el primer cuadro, en el que se explica qué es la medicina. Es fundamental ese recurso para no caer en un tono a lo Samuel Beckett, donde lo sórdido todo lo cubre. Pero no dejamos de decir lo que queremos. El humor no le quita potencia al discurso porque nos reímos para no llorar. Los ejemplos sobran, hoy los precios de los medicamentos hacen que la mortandad aumente porque mucha gente no los puede pagar" dijo Norman Briski a Tiempo Argentino en 2019

"La puesta nos indagará sobre la salud y la muerte y nos trasmitirá ese cuestionamiento de manera muy singular… Deberemos seguir la obra como un hecho que tendrá sentido a la indagatoria que propone, para poder así, transitar un camino hacia el que nos conduce la propuesta. La dramaturgia y dirección de Nor-

man Briski, hace de todo esto una obra de arte que ilumina al espectador, quien quedará inmerso en su alternativa". Maria Riccheri –Periodico El duende en 2019

"Lo que podría ser un verdadero drama, linda con lo absurdo; los uniformes claros comparten su estética con los trajes y las ropas que parecen bizarras; lo despojado del escenario y la ausencia de elementos, además de la camilla que va y viene, ponen en evidencia las miles de historias que transcurren en un hospital, expresando la presencia de lo humano e inhumano de nuestra condición como sujetos. Para quienes disfrutan del tan singular humor de Norman Briski, es una obra interesante". Mariana Wassne - Revista el inconsciente en 2019

Esta obra en términos de relato quiere diluir la trama para solo buscar las intensidades trágicas.

Pero como toda discontinuidad, lo institucionalizado imprevisiblemente es mordido por la rebeldía de los bordes y todo lo edilicio se derrumba y los manteles pierden la luna.

DIJO LA PRENSA:

"Cuando nos metemos con estos temas, como el de enfermar curando y demás, tratamos de refle-

Colucci

CICLO LES CREADORES EN CARAS Y CARETAS

“Les creadores” es un ciclo de teatro de Caras y Caretas 2037 donde les jóvenes son protagonistas: no sólo subiéndose al escenario sino impulsando el proceso de creación desde todos sus ángulos: dirigiendo, escribiendo, produciendo, interpretando, deseando...

Cada mes una obra diferente, los sábados a las 17 hs.

EN NOVIEMBRE:

Los Miedos

SINOPSIS

Los Miedos es un espectáculo teatral siempre distinto. En esta obra el director se encuentra en escena junto a un grupo de artistas compuesto por músicos, actrices, actores e iluminador timoneando lo incierto, creando situaciones que no sabemos hacia dónde desembocarán.

blico presente, abordándolas con la única certeza de llegar a estadios vitales dentro del escenario. Los Miedos más que un show de improvisación es un contacto con lo imprevisible. ¡3 ÚNICAS

En cada función nacen y mueren escenas permanentemente, siempre diferentes, que proponen compartir junto con el pú-

SÁBADOS 5, 12 y 19 DE NOVIEMBRE 17 HS. CARAS Y CARETAS 2037 SARMIENTO 2037 Entradas $1200 Jubilados, estudiantes y afiliados a sindicatos $600 En venta en boletería y en AL-

NOS

quiere reflexionar sobre la esencia del discurso de odio desde una perspectiva amplia, que no pretende situarse como farsa política inscrita en nuestro contexto más inmediato. De alguna manera NOS quiere profundizar, siempre desde el humor, en las tendencias totalitarias del comportamiento humano. El espectador es invitado a una de las primeras reuniones de un nuevo movimiento revolucionario: NOS. Durante la reunión los partidarios del movimiento nos irán detallando su programa de una manera intuitiva a través de imágenes, gestos y el peso de la música en directo. Nos transmitirán sus ideas políticas pero también nos marearán proponiéndonos ideas que nos son cercanas pero también auténticas barbaridades, ideas sensatas pero también ideas repugnantes. Al mismo tiempo los cuatro protagonistas a través de monólogos en verso, más propios del mundo onírico, nos transmitirán los motivos internos y las frustraciones íntimas que los han llevado a defender estas ideas. El público, entre risas, verá crecer su incomodidad a medida que vaya descubriendo las ideas, cada vez más radicales, que aúnan los asistentes a esta reunión de la que ellos también forman parte.

Más información sobre Zero10: http://www.zero10.es/nos/

Duche&Zárate Comunicación + Media Walter Duche – Alejandro Zarate prensa@duchezarate.com.ar

Rudo

De y por Gabriel Gavila

Premiada en el Festival “Ciudad Diversa” organizado por el Ministerio de Cultura del GCBA.

Participa de Orgullo BA organizado por la DGEART (Dirección General de Enseñanza Artística del GCBA).

Mención del Instituto de Masculinidades y Cambio social.

“Rudo” es una performance absolutamente identitaria que no tiene la estructura convencional de un espectáculo teatral sino que se propone como un relato íntimo y personal.

Un actor solo, frente al público, buscando la complicidad de quienes lo miren, relata su vida real y explora el universo de las disidencias sexuales.

“Rudo” cuenta la historia de Gabriel Gavila y lo hace de forma cronológica en cuatro etapas: infancia, adolescencia, juventud y adultez. Mientras avanza el relato, el protagonista juega con “juguetes de nena” que nunca tuvo, cantará y bailará canciones de los programas infantiles que veía en su infancia. Todo a modo de catarsis y con el objetivo de explicar por qué se volvió un hombre “rudo”.

FUNCIONES:

Domingos 18:00 hs. Espacio Artístico "La Sodería" Vidal 2549 (CABA) Reservas: rudoperformance@gmail.com

Entrada: A la gorra

ACERCA DE LA OBRA:

La propuesta de “Rudo” es exponer el universo amoroso/ sexual del protagonista y buscar de esta forma generar una posible “identificación” con el espectador.

Un actor, un hombre, hablando de sí mismo, relatando sus experiencias reales. Podemos decir que la propuesta es completamente autorreferencial. Pero si bien la obra está basada en la biografía del autor, intenta ser un espacio de reflexión colectiva. La idea es generar empatía desde los conflictos universales del hombre: El desamor, la soledad, los propios cuestionamientos en relación a la sexualidad, los vínculos rotos y el proceso de crecimiento y formación del hombre y su masculinidad.

La pregunta es clara: ¿Puedo ser feliz si no respondo a las normas que la sociedad me impone?

La dramaturgia exalta este interrogante y lo propone como un hecho muy complicado, ya que cuestionamientos de este tipo en relación con la propia identidad sexual, implican el cuestionamiento de uno mismo como ser humano.

Son muchos los deseos no concretados, las frustraciones que aparecen a modo de protesta.

El amor, la sexualidad, los trastornos alimenticios, son temas que la trama aborda con sutileza y algo de humor.

"La identidad es el exilio" parafrasea a Fernando Pessoa y por eso "Rudo" es un manifiesto que in-

personal de lo social.

FICHA TÉCNICO/ ARTÍSTICA: Idea, Dramaturgia y Dirección: Gabriel Gavila Supervisión Dramatúrgica: Eugenia Pérez Tomas Actúa: Gabriel Gavila Voz en off: Gerardo Reboredo Escenografía y Vestuario: Cía. Rudo Creación Audiovisual: Leandro Sturla Coach Vocal: Caro De Gennaro Prensa: Valeria Franchi Asistencia de Dirección: Lissy Garcia Teppa Asistencia de Producción: Javier Roldán Duración del espectáculo: 60 minutos

Redes sociales del espectáculo: Instagram / Twitter / Facebook: @rudoperformance

Gabriel Gavila Actor, director, performer, dramaturgo y docente-investigador especializado en técnicas de Impro teatral. Egresado de la carrera “Formación del actor” de la E.M.A.D. (Escuela Metropolitana de Arte Dramático del Gobierno de la ciudad de Buenos Aires) completa sus estudios con seminarios de dramaturgia, clown, u

impro teatral, varieté y humor, esgrima, violencia escénica, acrobacia, maquillaje teatral, danza moderna, danzas folklóricas, tap, canto, entre otros. Cursó hasta el tercer año de la carrera Licenciatura en Composición Coreográfica con mención en Expresión Corporal en la U.N.A. (Universidad Nacional de las Artes). Se perfeccionó en Impro Teatral en el Teatro LOOSE MOOSE (Cuna de la Impro Mundial) en Calgary (Canadá) con Keith Johnstone (Pionero británico del teatro de improvisación, reconocido internacionalmente por ser considerado el padre de dicha disciplina).

Desde hace quince años lleva adelante, junto a un equipo docente, su propia escuela de Impro Teatral por la que transitan más de 200 alumnos por año y cuatro niveles de formación en un espacio propio del barrio de Belgrano. Es miembro fundador de PIT (Agrupación que nuclea a Profesores Independientes de Teatro de la Argentina). Con sus talleres y espectáculos ha visitado la mayoría de las provincias de la Argentina y distintos países (Uruguay; Brasil; Paraguay; Perú; Chile; Venezuela; Colombia; México y Estados Unidos).

Fundador de la Compañía Teatral IMPROVISA2 , uno de los grupos teatrales autogestivos más relevantes en la escena porteña y los mayores referentes de la técnica de "IMPRO" a nivel Nacional que ya fue visto por más de un millón de espectadores en dieciocho años consecutivos en cartel.

personal de Impro Teatral, un Long Form llamado: "PRINCIPIOS" (Con funciones en Buenos Aires - Argentina; Santiago de Chile - Chile; Bogotá - Colombia y DF - México).

En Cine protagonizó: "FERMÍN" (GLORIAS DEL TANGO), acompañando a Héctor Alterio y Gastón Pauls dirigida por Oliver Kolker y Hernán Findling. Y fue parte del elenco de "La ilusión de Noemí" bajo la dirección de Claudio Remedi.

performance”) y "Chicos Feos SHOW” ( Ganadora del Premio NotiRey “Mejor Performance”).

Una tetralogía de montajes de estructura performática que revoluciona el circuito off porteño y que ya tiene su propia versión en Colombia (Bogotá). La saga se replicó vía Streaming generando tres experiencias online (En vivo) que fueron ganadoras del Concurso “Actividades performáticas en entornos visuales” organizado por el Instituto Nacional del Teatro.

Realizó más de cincuenta publicidades para todo el mundo y participó en más de veinte programas televisivos (Nacionales e Internacionales).

En teatro recibió el galardón "Estrella de Mar" mejor espectáculo de Humor por la obra "DILLINGER", que escribe, dirige y protagoniza. Además fue distinguido con la nominación en el rubro: "Mejor Labor Cómica Masculina" por el mismo espectáculo. También recibió varias nominaciones a los Premios Estrellas de mar en distintos espectáculos del grupo Improvisa2 (“Caos”, “Ritmos Latinos”, “#Reír”).

En el 2014 estrenó su propio Uni-

Es el creador de la saga de espectáculos "Chicos Lindos" (Nominada al Premio NotiRey “Mejor Performance” y “Revelación”); "Chicos Malos" (Nominada al Premio NotiRey “Mejor Performance” y “Revelación”) ; "Chicos Feos ÍNTIMO” (Nominada al Premio Estrella de Mar en el rubro “Teatro Alternativo” y al Premio NotiRey “Mejor Performance”, “Revelación”, “Actuación protagónica en

En el verano 2021 su performance “RUDO” es seleccionada como parte del festival “CIUDAD DIVERSA” del GCBA, participa de la semana del Orgullo organizada por el Ministerio de Cultura del GCBA y recibe una mención del Instituto de Masculinidades y Cambio social. Durante el 2021 su grupo Improvisa2 participa del ciclo "Argentina Florece" organizado por el Instituto Nacional del Teatro , es parte de la fiesta "Abasto Abierto" de la Dirección General de Enseñanza Artística del GCBA , integran la programación del III Festival GETI (Grupos Estables de Teatro Independiente de CABA) , es invitado al ciclo "SAN MARTIN RIE" en el Complejo Cultural Plaza de San Martin , participa del "Día de las infancias" organizado por el Ministerio de Cultura del GCBA , forma parte del evento "Vivamos Cultura" fomentado por BA Cultura y gana el premio: "El Poder del Juego" también otorgado por el Ministerio de Cultura del GCBA.

Prensa Valeria Franchi valeriafranchiprensa@gmail.com

La obra Sextario es una creación de Nicolas Kayat quién además dirige esta comedia negra sobre el empoderamiento con más de 10 artistas en escena que interpelan el pensamiento del espectador con fuertes reflexiones. Tras una gran temporada, regresa para presentarse todos los sábados de noviembre a las 22:00 horas en el Teatro Border (Godoy Cruz 1838, Palermo). Las entradas se pueden conseguir a

través de Alternativa Teatral o en la boletería del teatro a $1.500.

SEXTARIO es una comedia negra sobre el empoderamiento. El líder de una secta durante los años 70 tiene que resistir frente a un ataque reptiliano que busca abducir a uno de sus miembros. En la actualidad, una secta presa de sus prejuicios busca evitar que el líder logre sacar lo peor de sus acólitas. En el medio, el amor y el pánico de transformarse en monstruos desesperados por afecto.

FICHA TÉCNICA

Elenco:

Valeria

¡NUEVA TEMPORADA! SÁBADOS DE NOVIEMBRE 22:00 HORAS

SEXTARIO De Nicolas Kayat

El

“Una lágrima asomada”

en

Una

tanda

FICHA

Lucas Di Giorgio Diseño gráfico: Juan Barrionuevo Fotografía de portada: Mihoko Sakata Prensa: Dafne Strobino Niedermaier Asistencia de dirección: Juan Barrionuevo Producción: La Doménica Idea y dirección: Lucas Di Giorgio

SOBRE LA OBRA:

“En los últimos años surge inevitable y necesariamente el compromiso de replantear y cuestionar diversas dinámicas sobre la masculinidad. En plena cuarentena un grupo de varones cercanos al universo del tango (bailarines, profesores, aficionados, milongueros) comenzamos a reunirnos virtualmente para charlar. Contarnos

experiencias, plantearnos dudas, incomodidades, aprender, entender, rever complicidades, modificar hábitos, todo esto enmarcado en el ámbito del tango, tan maravilloso y tan complejo a la vez. Nos convocó la necesidad de replantear ciertos códigos y dinámicas en los ambientes ya obsoletos, aun instalados, que ciertas veces no acompañan este presente que pulsa por una equidad de género y una sociedad más justa. Surgieron en esas reuniones variados disparadores de relatos e imágenes, que derivaron en la idea de una puesta en escena. Comenzamos ensayos presenciales, se trabajó en la dramaturgia, se unieron y acomodaron los relatos y constantemente revisamos que el trabajo nos siga interpelando y cuestionando tanto como en la primera reunión”, explica Lucas Di Giorgio.

“Una lágrima asomada” muestra la comodidad e incomodidad, el poder y la vulnerabilidad, la confianza y la vergüenza, de un grupo de hombres que frecuentan la milonga y sus códigos. El hilo conductor son relatos personales que recorren etapas de la niñez y la juventud de cada uno de estos varones, entrelazados con la potencia de esta danza y ambiente tan particular.

FUNCIONES

La Carpintería, Jean Jaures 858, en el Abasto. Entradas: $1500. Promo 2 x $2500. Reserva por Alternativa Teatral: http://www.alternativateatral.com

Prensa Dafne Strobino Niedermaier www.agendacultural15.com www.nueva-ciudad.com.ar www.nuestrobarrioweb.com.ar

REESTRENO:

La penúltima oportunidad

El grupo teatral Osadas mujeres presenta, por cuarto año consecutivo, La penúltima oportunidad, comedia negra de Rafael Bruza, como homenaje al dramaturgo, director y actor fallecido en 2021.

Las funciones serán en NÜN Teatro-Bar (Juan Ramírez de Velasco 419, CABA) los jueves de noviembre a las 21:00 y el sábado 5 a las 18:00.

La historia Protagonizada por Thelma De-

marchi y Marcela Grasso y dirigida por Cristina Miravet, la trama nos traslada a un pueblo de provincias en el que dos mujeres, Marta y Juana, amigas y eternas rivales, enamoradas del mismo hombre, se suicidan al saber que él ha muerto. Ambas se encuentran finalmente en “el

más allá” para seguir con su inacabable enfrentamiento y la búsqueda de su amor para que él decida, esta vez entre lápidas, quién es la elegida.

La historia de Rafael Bruza viaja desde lo ridículo a lo filosófico y recorre esa perfecta parábola con toques de humor negro. Más allá de lo anecdótico, la obra nos presenta el comportamiento humano, nos habla sobre el amor en sus diversas formas, sobre el tiempo y el sentido del destino; roza lo metafísico, las creencias religiosas y los comportamientos sociales.

Trayectoria del proyecto

La penúltima oportunidad se estrena en la sala DelBorde de la ciudad de Buenos Aires en agosto de 2018. En abril de 2019 comienza su segunda temporada en El Arenal, también en Buenos Aires. Durante los meses de agosto y octubre del mismo año, realiza funciones en salas del conurbano bonaerense, provincia de Buenos Aires y otras de CABA. En septiembre completa una gira provincial con el auspicio del I.N.T. visitando Rauch, Tandil, Necochea, Miramar, Santa Clara del Mar, Mar Azul y Olavarría.

Ha participado de los siguientes festivales y eventos:

• 8º Festival del Amor (Centro Cultural de la Cooperación, CABA; 2019)

• 3er. Festival de Teatro de Larroque, Entre Ríos, donde obtuvo el Premio del Público y tres

menciones: Mejor obra, Mejor puesta en escena y Mejor actriz -Marcela Grasso- (2019)

• FATBA (Festival Abierto Teatral de Buenos Aires, Teatro El Tinglado, 2019)

• Festival del humor Jara Jajuí (San Andrés, Prov. de Buenos Aires; Las 4 Plumas Club de Arte; 2020)

• Argentina Florece Teatral, evento del Instituto Nacional de Teatro (CABA, 2021).

• 4to. Festival de Teatro de Larroque 2022: invitada especial por ser la obra premiada por el público en 2019.

Comenta la directora:

¿Por qué elegí esta historia? Porque la mejor manera de plantearnos temas tan trascendentes es a través del humor; un humor no exento de hondura trágicacaracterística, por otra parte, de la dramaturgia del autor- que nos permitirá compartir con el público las probables respuestas a preguntas cotidianas: ¿Existe Dios? ¿Hay vida después de la muerte? ¿Nos encontraremos con nuestros seres amados u odiados en el “más allá”? ¿Tendremos aunque sea “una penúltima oportunidad” para corregir los errores que cometimos en vida?

exento

La interacción de los personajes permite el resignificado de sus vínculos con alternativas cambiantes y muestra lo intrincado de las relaciones humanas, con sus planteos abruptos antes y después de la muerte: un viaje de lo ridículo a lo filosófico con toques de humor negro no

querido autor: un dramaturgo sensible e inteligente, pleno de humor y generosidad que nos honró con su amistad, elogió nuestra puesta y nos alentó a seguir adelante con una obra que amamos hacer. Gracias, Rafa.”

Opiniones periodísticas:

"El argumento y la línea conductora son excelentes. Ahora también es justo reconocer el mérito propio de esta dupla actoral, que demuestran lo que mejor saben hacer, el género comedia. Me refiero a las actuaciones de Thelma Demarchi (Marta) y Marcela Grasso (Juana), quienes realmente capturan la atención desde el momento cero. Es discutible definir o no a la pieza teatral de humor negro, porque las situaciones y diálogos se acercan a esa delgada línea que se-

para la sátira de la comedia." (Diana Decunto/ Es la cuarta pared)

"La dirección explora y sigue el punto de vista de la comedia negra, y lo hace con eficacia llevando a los personajes a explotar cada palabra, desde el gesto y los silencios para producir el efecto catártico que se propone. La comedia, un género poco transitado pero necesario para decir aquello que de otra manera no estaríamos dispuestos a escuchar. Una forma realista desde lo absurdo de hacernos pensar en el sinsentido de muchas de nuestras acciones, y en la fina línea que nos separa de uno u otro mundo, atravesados ambos por una divinidad que decide y nos deja a veces las manos vacías, como aprendizaje. Una puesta que nos divierte y nos permite vernos en nuestro lado

menos feliz, pero que desde el humor nos lo hace decididamente soportable." (Ma. de los Ángeles Sanz/ Luna teatral)

"Al transcurrir los primeros minutos de la función y con unos cuantos años viendo teatro, ya nos dábamos cuenta de que la obra tenía ese algo especial que pocas piezas consiguen, ya que el público además de estar muy enganchado con la propuesta, compró los personajes (...). Y la verdad nos reímos mucho con esta comedia negra que, de la mano de un texto inteligente y una dupla protagónica deliciosa, genera una pieza muy divertida, donde las risas serán las figuras invitadas de la noche." (Pensador teatral)

Contacto Cristina Sisca cristina4175@hotmail.com

TODOS LOS JUEVES

¿VOS SOS EL AMOR?

Dramaturgia y dirección: Mila Vera

La obra ¿Vos sos el amor? es una creación de Mila Vera quien dirige al elenco compuesto por Camila Comas, Victoria Pepe, Lucas Montagna y Diego Rosso. La escenografía stá realizada con materiales reciclables, además del vestuario que se compone por un collage de diferentes prendas. Se presentan todos los jueves a las 21:00 horas en el Teatro El Piccolino (Fitz Roy 2056,CABA). Las entradas se pueden conseguir a través de Alternativa Teatral o en la boletería del teatro desde $1.200.

SINOPSIS

¿Vos sos el amor? Cuenta la historia de Vera y Sebas una parejita de jóvenes aventureros que llegan a un desolado pero acogedor

camping de algún lugar del norte argentino. Lupe, quien está encargada del espacio les estaba esperando, ella siempre espera. Diegui, un músico viajero, la acompaña.

A lo largo de los días y noches se desatarán entre lxs personajes diferentes situaciones donde se pondrán en juego sus deseos, sus identidades, sus sueños, y sus maneras de vincularse con un otro. Se replantean y dan lugar a un nuevo paradigma sobre lo que es amar y ser amado.

TÉCNICA

ESTRENA "Jarra de porcelana" de Florencia Aroldi

En Jarra de porcelana, José es un escritor que se encuentra en su monoambiente junto a un cadáver y no recuerda qué pasó. Sus únicas pistas son el texto de su novela adaptado a un unipersonal.

Jarra de porcelana

¡DESDE EL

Una obra de Florencia Aroldi -versión libre de la novela Rotxs de Pelcha Beyer- con la actuación de Cristian Thorsen y dirección de Mariano Dossena.

Desde el 5 de noviembre, los sábados a las 22:30hs en Ítaca Complejo Teatral, Humahuaca 4027. Entradas en venta por Alternativa Teatral.

José, un escritor se encuentra en su monoambiente junto a un cadáver y no recuerda qué pasó. Sus únicas pistas son el texto de su novela adaptado a un unipersonal. Intenta salir del departamento pero no encuentra sus llaves. Lucha por recordar pero elementos de la ficción se confunden con fragmentos de la realidad. ¿Es posible la traducción de un género a otro sin traicionar el sentido?¿Hay sentido? ¿Locura o exceso de pensamiento crítico? ¿Cuáles son los bordes que distinguen el arte de la vida? ¿Hay algo afuera? ¿Hay otros? ¿Hay algo que no sea relato, que no sea texto? ¿Es posible imaginar libremente? ¿Hay arte? Y si lo hay, ¿es libre?

22.30HS. Ítaca Complejo Teatral Humahuaca 4027 Entradas desde: $1400 En venta por Alternativa Teatral

FICHA TÉCNICO-ARTÍSTICA

Autora: Florencia Aroldi Actor: Cristian Thorsen Escenografía y vestuario: Nicolás Nanni Iluminación: Claudio Del Bianco Comunicación y prensa: Mutuverría PR Producción: Pelcha Breyer Producción ejecutiva: Pablo Lopez Director: Mariano Dossena

Mirá

En el Teatro del Pueblo Erase

La obra de Mónica Cabrera, Marcos Krivocapich y Gustavo Tarrío, quien también la dirige, tuvo su primera temporada en 2021 y realizó 2 funciones en el Festival de Arte Escénico Iberoamericano MIRADA en Santos, Brasil. Erase viaja en el tiempo para recorrer la historia de la humanidad y contar la muy poco sutil versión que imprimió el catolicismo en la última dictadura militar. Esta delirante comedia cuenta con excelentes críticas de la prensa y una gran convocatoria del público y en octubre

vuelvió por únicas 6 funciones.

Sinopsis Durante la última dictadura militar en Argentina, los kioscos de diarios y revistas distribuían la versión impresa del programa televisivo francés Erase una vez ... el hombre, que en sus primeros capítulos daba su versión del origen de la humanidad. La iglesia católica intervino esos fascículos semanales, colando un número especial que combinaba el catecismo castrense de la época con

neardentales y sapiens.

ERASE lleva a cabo la puesta en escena de una nueva enciclopedia ilustrada, capaz de contener la refundación de todos los relatos que incluyen cavernícolas al compás de Gershwin, un best seller global convertido en infografías en vivo, la epopeya trunca de Mónica Seles y también una encuesta sobre la posibilidad de borrarlo todo.

Dramaturgia Javier Daulte - Dirección Daniela Lozano

Francisco se muda con Ana a un departamento. Allí perciben una presencia que pertenece a otro plano o nivel de existencia. Ana fascinada pasa a ese plano. Francisco convive con dos seres que se encuentran en otra dimensión hasta que Ana decide soltar. A veces amar es decir adiós.

saciones, sentimientos, aquello que no se dice pero flota en el aire. La música está a cargo de Rubén Ferrero, referente del free jazz en Argentina, nominado a los Premios Gardel 2022 por “Piazzolla 100 años después.”

mos, expresamos y callamos y de los distintos modos de amar y ser amado.

Funciones: Domingos 20:30 hs. Teatro El Grito Costa Rica 5459Entradas $1500 / $1200 Estudiantes y jubilados Reservas: www.alternativateatral.com

Las imágenes visuales a cargo de Nicolás Barreto conjuntamente con la iluminación de David Seiras también irrumpen generando nuevos estados y sensaciones porque de esto se trata ¿Estás ahí?: De lo que sentimos y no sentimos, alucinamos, flashea-

¿Estás ahí? nos enfrenta con un tema que se nos presenta permanentemente en nuestros vínculos. El otro ¿está ahí? Ese estar o no tiene que ver con nuestra expectativa, con una realidad objetiva y con nuestra propia soledad, nuestras heridas. La muerte sobrevolando el amor. El amor sobrevolando la muerte. En esta obra aparecen seres de otras dimensiones que nos invitan a re-

Daniela Lozano, directora teatral y productora cultural de extensa trayectoria, lleva a escena la obra de Javier Daulte, ¿Estás ahí?, con un gran elenco, música original en escena y audiovisuales de animación para hacer de este texto maravilloso un gran espectáculo.

Acerca de la obra: Este texto maravilloso de Javier Daulte nos habla sobre las distintas posibilidades del amor. Quisimos trabajarlo en el cuerpo de nuestros personajes y a través de nuestros músicos en escena que generan y transmiten climas, sen-

pensar esta dimensión temporo espacial con sus límites y apegos. El adiós y el desapego también como una forma de amar. Ficha técnico/ artística:

Dramaturgia: Javier Daulte Actuación: Alejandro Ini y Emilse Díaz Música original: Rubén Ferrero Piano en escena: Rubén Ferrero Percusión en escena: Eduardo Righetti

Vestuario y asistente de escenografía: Agostina Uribari Make up y pelo: Fernanda Lascalzo

Asesoramiento de escenografía: Magalí Acha Diseño de luces: David Seiras Visuales y dibujos animados: Nicolás Barreto Fotografía: Lucas Suryano Prensa: Valeria Franchi Asistencia de dirección: Milagros Previgliano Producción y Dirección: Daniela Lozano Duración del espectáculo: 75 minutos

Daniela Lozano Egresada del Colegio Nacional de Buenos Aires y de la Carrera de Letras (UBA). Actriz y productora cultural de trayectoria. En 2004, organiza en el Teatro General San Martín, durante cuatro años, el archivo de Danza perteneciente al Complejo Teatral de la Cdad. de Bs. As. Con motivo de Buenos Aires Capital Mundial del Libro es convocada para coordinar su proyecto ̈Del libro al Libro: Reino Crepuscular ̈, el mismo fue presentado en 2012 en la Feria

del Libro de Bs As y en el Teatro San Martín y Feria 1nternacional de La Paz, Bolivia. También dirigió Sueños de Bs. As en el 2012, estrenado en Teatro Garrick y luego en Usina de las Artes. Escribió biografías de Roberto Arlt y Julio Cortázar publicadas por La Nación, Reino Crepuscular y Sueños de Buenos Aires (Ediciones Espliego). En 2013 produjo y realizó “Andábamos sin buscarnos: Rayuela 50 años”, video homenaje a Julio Cortázar, por encargo del Mtro. de Cultura H. Lombardi, que fue presentado en la Usina de las Artes y en la Biblioteca Nacional. Seleccionado en abril de 2014 por el Festival de Cortos de Berlín Lakino. Con motivo de los Cien años del Nacimiento de Cortázar creó y produjo “Clone”, espectáculo de orquesta y cantantes líricos de primera línea como Graciela Oddone y Hernán Iturralde, entre otros. Se estrenó en el Auditorio de Usina de las Artes. Este espectáculo también fue declarado de interés cultural para la Ciudad de Bs. As. Dirige “Queremos tanto a Glenda” (2015), espectáculo que combina teatro, video y música, estrenado en la Sala de Cámara de la Usina del Arte. Fue declarado de interés cultural para la Ciudad de Bs. As.

En el 2017 crea y cura el Ciclo “Correspondencias” en el Centro Cultural Kirchner, dirigiendo el espectáculo Correspondencias protagonizado por Ingrid Pelicori y Horacio Peña y produciendo Kinderbuch nominada al Ace 2018.

En 2018 realiza producción en Bares Notables y Complejo La Plaza. En 2019 y 2020, pre pandemia, producción en Caras y Caretas. En 2019 Producción del

Ciclo Musical El Hilo de Ariadna en Teatro Asterión, producción de Apenas el fin del mundo de Lui Lagarce en Nun Teatro. Actuación, dramaturgia y producción de Sueño Profundo en Teatro El Arenal. En septiembre de 2019 es Invitada al Festival Internacional de Monólogos de Uruguay- Paysandú por Sueño Profundo. En diciembre de 2019 presenta Sueño Profundo en Espacio Borges. En noviembre de 2019 se estrena Todos somos uno en el Salón Dorado del CCK, espectáculo interdisciplinario donde actúa y produce. Enero y febrero de 2020: Gira por Ecuador con Sueño Profundo. Teatro Patio de Comedias, Quito. 2020 Dirección del Ciclo Cuarenteneando. A partir de Textos literarios de diferentes escritores, músicos, artistas visuales y audiovisuales, actores y actrices generan un vídeo en situación de aislamiento. Julio de 2020: ganadora de Premio Podestá del Instituto Nacional de Teatro para realizar funciones de Sueño Profundo por streaming. Diciembre de 2020: ganadora de Premio Proteatro para realizar proyecto sobre El Banquete de Platón. Seleccionada por Mecenazgo 2021 Artes Audiovisuales para El Banquete de Platón 2021. Sponsoreo de Banco Nación para realizar funciones por streamming de Sueño Profundo. 2022 gira por España con Sueño Profundo. Palma de Mallorca y Madrid. 2020/2021. Escribe para la sección de Cultura de Caras y Caretas.

PRENSA Valeria Franchi valeriafranchiprensa@gmail.com

201 MiráBA

¡ESTRENO Miércoles 9 de noviembre!

The silencio manifiesto de Matt Wray y Felipe Rubio

SINOPSIS

Las palabras que estás leyendo en este momento fueron traducidas por los propios autores de la obra: The Silencio Manifiesto tal vez sea el intento de ingresar al territorio mental de un inmigrante estadounidense que busca

BA 202

encontrar su lugar en el mundo en un sitio completamente diferente de donde le tocó nacer. También puede ser sobre la soledad dentro de uno mismo o dentro de una sala de teatro en Buenos Aires, o sobre el choque entre el proceso de adaptación cultural y la frustración del aprendizaje del idioma mientras se intenta crear una obra para poder decir algo importante, como toda obra que se supone que debería decir algo importante.

Un minuto de silencio en un esce-

nario puede ser un momento, una semana, un mes, un año o una vida completa, tal vez eso es de lo único que estamos seguros.

FICHA TÉCNICA Y ARTÍSTICA

Dramaturgia escrita en Buenos Aires por: Matt Wray y Felipe Rubio Actor Estadounidense: Matt Wray Director Chileno: Felipe Rubio Voz en Off Estadounidense: John Wray

Fotógrafa y asistente técnica Argentina: Maia Liamgot

Producción y Diseño Teatral Inmigrante: Colectivo Embajada Efímera

THE SILENCIO MANIFIESTO Miércoles 22:00 hs TEATRO EL GRITO Costa Rica 5459, CABA. Localidades: $1.200 Duración: 60 minutos Localidades Limitadas Compra y reservas de entradas: http://www.alternativateatral.com

Embajada Efímera: Embajada Efímera es un proyecto teatral/performático, cuya búsqueda gira en torno a la investigación escénica, la migración y el cruce entre la ficción/realidad en lo biográfico. En 2020 crearon un laboratorio gratuito para artistas inmigrantes con domicilio en CABA gracias al apoyo del Fondo Metropolitano de la Cultura, las Artes y las Ciencias. THE SILENCIO MANIFIESTO es su primera creación escénica como grupo.

Felipe Rubio: Felipe Rubio es Actor, Director de teatro independiente, Licenciado en artes de la representación y diplomado en mediación cultural en UNA. Es estudiante de la carrera de Dirección Escénica de Ópera del Instituto Superior de Arte del Teatro Colón. Es chileno con residencia permanente en Argentina desde el año 2013. Ha estudiado, investigado y desarrollado su carrera en teatro, dedicándose a la dirección e investigación escénica desde el

año 2009, realizando proyectos y workshops de manera independiente en Chile, Argentina, Italia y Francia. En Buenos Aires estudió el primer año de la Maestría de Artes Performáticas de la Universidad Nacional del Arte (UNA). Biodrama con Vivi Tellas, performance con Fernando Rubio, dramaturgia con Mauricio Kartún.

Matt Wray: Matt Wray nació en San Francisco, California y creció en Seattle, Washington. En 2005 debutó como actor profesional junto a su padre en la obra "Lend Me a Tenor" de ArtsWest Playhouse. En la Universidad de Long Island estudió las técnicas Suzuki y Viewpoints con Maria

Porter, Linklater con Benjamin Moore, y actuación con David Hugo. Hizo su tesis sobre el uso de la actuación física de Suzuki y Viewpoints en el teatro contemporáneo. Se graduó con honores con una Bachelors of Fine Arts in Acting en 2010. Trabajó 4 años como actor en Nueva York. Ha vivido en Buenos Aires durante los últimos 9 años donde trabajó en la obra Usted Está Aquí en Konex y en el teatro El Grito. En 2020 y 2021 fue profesor asistente de los talleres de Viewponts y otras técnicas físicas presentado por Erin Mee, profesora de la escuela de artes de NYU Tisch.

Contacto: Felipe Rubio rubiomorales@gmail.com @embajadaefimera

YO SOLO QUIERO Actuar

La obra de teatro Yo solo quiero actuar, escrita y dirigida por Gabriel Gavila (Los actores infelices, Chicos malos, Chicos lindos, Chicos feos, IMPROVISA2) combina teatro, danza, música y performance. La obra cuenta con las actuaciones de Angie Saenz Briones, Micaela Luna, Javier Roldan, Nahuel Gordillo y Danny Gabriel Pérez, y se ofrece los domingos a las 20:30hs en La Sodería (Vidal 2549, Caba), con entrada al sombrero.

sobre Yo solo quiero actuar "Cuando estudias actuación (o danza, o canto lírico, etc) querés actuar . Subirte a un escenario y hacer lo que sabes. No existe el deseo de ser productor, gestor, prensa y hasta community ma-

nager. Existe la necesidad de desarrollarse como artista. ¿Por qué es tan complejo? Algo estamos haciendo mal. Es un mercado sobresaturado, hay demasiada precarización y un estado ausente que lo único que garantiza es tener miles de artistas frustrados con un íntimo deseo explosivo : “Yo solo quiero actuar”.

Gabriel Gavila I Autor y Director

Teatro, danza, música y performance se fusionan en un montaje de carácter experimental para hablar de varios problemas actuales en la escena independiente: la autogestión, la búsqueda de reconocimiento, y la incapacidad de sostenerse económicamente como artista.

Yo solo quiero actuar es una instalación performática a través de

la que se exponen frustraciones, miserias, miedos, y todo lo que un artista independiente soporta en nombre de la pasión.

FICHA TECNICA

Autor y director: Gabriel Gavila Asistente de dirección: Lissy Garcia Teppa Asistente de producción: Jimena Pawlik Coreógrafo: Danny Gabriel Pérez. Elenco: Angie Saenz Briones, Micaela Luna, Javier Roldan, Nahuel Gordillo y Danny Gabriel Pérez.

Vestuario y escenografía: Grupo ¨YSQA¨ Maquillaje: Gabriela Civale Fotografía: Agus Bianco Prensa: Prensópolis Colaboración Artística:

Leandro Sturla FUNCIONES:

Domingos a las 20:30hs Sala: Teatro La Soderia Vidal 2549, CABA Entrada a la gorra. Reservas por Alternativa Duración: 55 minutos

Sobre GABRIEL GAVILA Actor, director, performer, dramaturgo y docente-investigador especializado en técnicas de IMPRO teatral. Fundador de la Compañía Teatral IMPROVISA2, grupo de enorme referencia de la técnica de "IMPRO" a nivel nacional, con más de un millón de espectadores en 18 años consecutivos en cartel. Es miembro fundador de PIT (Agrupación que nuclea a Profesores Independientes de Teatro de la Argentina). Desde hace 15 años lleva adelante, junto a un equipo docente, su propia escuela de Impro Teatral por la que transitan más de 200 estudiantes por año. Es egresado de la carrera “Formación del actor” de la E.M.A.D. (Escuela Metropolitana de Arte Dramático del Gobierno de la ciudad de Buenos Aires), y a lo largo de su formación ha realizado seminarios de dramaturgia, clown, impro teatral, varieté y humor, esgrima, violencia escénica, acrobacia, maquillaje teatral, danza moderna, danzas folklóricas, tap, canto, entre otros. Se perfeccionó en IMPRO TEATRAL en el Teatro LOOSE MOOSE (Cuna de la Impro Mundial) en Calgary (Canadá), con Keith Johnstone (Pionero britá-

nico del teatro de improvisación, reconocido internacionalmente por estar considerado el padre de dicha disciplina). Con sus talleres y espectáculos ha recorrido Argentina, EEUU y distintos países de América Latina. Trabajó con distintos grupos y compañías teatrales desde el rol de director o de coach de impro de actores (“Clowndestinos”, “Sanata”, “Erguido”; entre otros).

En teatro recibió diversos galardones como el "Estrella de Mar" al Mejor espectáculo de Humor por la obra DILLINGER (que escribió, dirigió y protagonizó), al tiempo que fue nominado en el mismo espectáculo en el rubro "Mejor Labor Cómica Masculina.

Es el creador de la saga de espectáculos: Chicos Lindos (Nominada al Premio NotiRey “Mejor Performance” y “Revelación” ); Chicos Malos (Nominada al Premio NotiRey “Mejor Performance” y “Revelación” ); Chicos Feos ÍNTIMO (Nominada al Premio Estrella de Mar en el rubro “Teatro Alternativo” y al Premio NotiRey “Mejor Performance”, “Revelación”, “Actuación protagónica en performance”), y Chicos Feos SHOW (Ganadora del Premio NotiRey “Mejor Performance” ). Dicha saga es una tetralogía de montajes de estructura performática que revoluciona el circuito off porteño, y que ya tiene su propia versión en Bogotá (Colombia). Además, se replicó vía Streaming generando tres experiencias online (en vivo) que fueron ganadoras del Concurso “Actividades performáticas en entornos visuales”,

organizado por el Instituto Nacional del Teatro.

También, recibió varias nominaciones a los Premios Estrella de Mar en distintos espectáculos del grupo Improvisa2 (Caos, Ritmos Latinos y #Reir). En el verano 2021, su performance RUDO fue seleccionada como parte del festival “CIUDAD DIVERSA” del GCBA.

A lo largo de su trayectoria, participó de diversos festivales nacionales e internacionales. En el 2014 estrenó su propio Unipersonal de Impro Teatral, un Long Form llamado: PRINCIPIOS (con funciones en Buenos Aires - Argentina; Santiago de ChileChile; Bogotá - Colombia, y DFMéxico ). Además, como actor participó de varias producciones cinematográficas, realizó más de cincuenta publicidades para todo el mundo, y participó en más de veinte programas televisivos (nacionales e internacionales). sobre el ELENCO

ANGIE SAENZ BRIONES Actriz y bailarina.

Se recibió de la Licenciatura en Artes Escénicas en UADE, en u 205 MiráBA

2017. Se formó en actuación con diferentes maestros como Guillermo Cacacce, Lili Popovich y Nora Moseinco. Desde chica se desempeña en danza clásica y actualmente, su enfoque se encuentra en la investigación del movimiento y danza contemporánea junto a Carla di Grazia.

MICAELA LUNA.

Bailarina y actriz. Se formó en la Escuela Nacional de Arte y Danza Aida Mastrazzi (ex María Ruanova I.U.N.A), y es campeona nacional de Ballroom Dance (2017). Como actriz, se formó en el Estudio Actoral de Lito Cruz, en talleres de Sala/Estudio Apacheta con Julieta Abriola, y en la Academia Argentina de Actuación para Cine de Emiliano Romero. Formó parte del elenco de ¨La Oruga¨, serie web con dirección de Lucía Paz para Cine.ar Play. También, es parte de la serie web ¨Perpetua Tenebris¨ con dirección de Tomas Larrinaga seleccionada para el Festival de Bilbao Series Land.

vez desde el Año 2011 junto a docentes como Pablo Chao, Cristina Osses, Lili Popovich, Luz Palazón, Camila Mansilla y Julio Chávez. Desde el 2015, trabaja junto a Gabriel Gavila. Fue actor de Chicos Malos y Chicos Feos SHOW, y asistente de dirección de Chicos Feos INTIMO y Féminas. En 20192020, fue Asistente de Dirección de Inés, material escrito y dirigido por Julio Chávez y Camila Mansilla.

Behrens. Estudió actuación para cine en la Academia Argentina de Actuación para Cine de Emiliano Romero. Se recibió de Profesor de Teatro en el ISFD Ana Pavlova de San Juan, en 2018. Sus últimos trabajos en teatro fueron El Principito, el Musical estrenada en San Juan, Chicos Feos de Gabriel Gavila y Distraída Yo, estrenada en Paseo La Plaza.

Actualmente, estudia canto con Mariano Magnífico y piano con Gabo Illanes.

JAVIER ROLDAN. Actor. Se formó en el Estudio de Entrenamiento Actoral de Julio Chá

NAHUEL GORDILLO.

Actor. Se formó en actuación con Lili Popovich, Mariano Argento, y Manuel Vicente, entre otros y otras docentes, y como improvisador con Gaby Gavila, Gonzalo Rodolico y Ricardo

DANNY GABRIEL PÉREZ.

Actor y bailarín. Es Licenciado en Teatro y Licenciado en Danza de la Universidad de Antioquia en Medellín, Colombia, y es Magíster en Artes de la Escena de la Universidad de Campinas en San Pablo, Brasil. Es parte del equipo de trabajo del Taller de Teatro Inclusivo de la Municipalidad de San Martín. Actualmente, participa del Laboratorio de Creación Transdisciplinar de la DGEART.

Prensópolis Dir. Alejandra Pía Nicolosi prensopolis@gmail.com info@prensopolis.com.ar

Cartelera noviembre de El Crisol Teatro

El Crisol Teatro, ubicado en Malabia 611, en el barrio de Villa Crespo, presenta:

Los viernes a las 21hs se presenta “Engañando a la pena”

Sean todos bienvenidos a esta pequeña ilusión con profunda admiración les digo vengan pasando si se van acomodando este bar nos tiene unidos.

Como el hornero hace nido, como el peludo hace cueva acá les canto las nuevas de esta noche que es nefasta la bandera

media asta nos encuentra aquí reunidos una noche que es amena para este

este andar un poco lento

eslabón de cadena que va perdiendo su ruido

Ficha técnica: Actúan: Juan Bautista

rencia Montero

Ailin

Los

Buenos Aires, 1945. Al finalizar la función del estreno mundial de La Casa de Bernarda Alba, Margarita Xirgu vuelve emocionada a su camarín en el Teatro Avenida. Allí comprueba que el teatro es un ritual de invocación: atraído por la gran interpretación de su actriz predilecta, Federico García Lorca aparece para festejar el éxito y celebrar su amistad, impulsándola a tomar una importante decisión.

Ficha técnica: Dramaturgia: Martín Ortiz Dirección de Actuación: Martín Ortiz Dirección General: Martin Ortiz y Jorgelina Herrero Pons Actuación: Lorena Szekely y Mario Petrosini Escenografía y Vestuario: Jorgelina Herrero Pons Diseño de Iluminación: Eduardo Safigueroa Diseño de Sonido: Hernán Fernández Diseño Gráfico: Alicia Galvele

Entrada general: $ 1200. Descuento para jubilados, estudiantes y vecinos de la Comuna 15 (con acreditación de domicilio: DNI, factura de servicio, etc).

Los sábados a las 22.30hs se presenta “El maestro de cocina”

lo que piensa de sí mismo su "Maestro de Cocina", a quien conoceremos en un día muy especial. Después de años de esperar este momento, llegará la venganza contra la mujer de quien está perdidamente enamorado y que lo

desprecia profundamente. ¿Será una gran victoria? ¿O tal vez sólo se evidencien los fracasos y angustias de este hombre vulnerable, apasionado y jamás reconocido?

Ficha técnica: Autoría: Alicia Muñoz y Adriana Tursi Actúa: Gabriel Dopchiz Dirección: Pablo Flores Maini Entrada general: $ 900. Descuento para jubilados, estudiantes y vecinos de la Comuna 15 (con acreditación de domicilio: DNI, factura de servicio, etc).

Los domingos a las 18hs se presenta "Las fugitivas"

Dos hermanas mansas y sometidas que trabajan para una señora

El célebre "Don Juan" tiene un aliado esencial para lograr sus conquistas amorosas. O eso es

"Las fugitivas"

rica se convierten súbitamente en dos peligrosas criminales. Basado en el caso real de las hermanas Papin (1933).

Ficha técnica: Actúan: Brenda Fabregat, Daniela Rizzo y Laura Silva Vestuario: Cecilia Zuvialde Escenografía: Cecilia Zuvialde Diseño de luces: Ricardo Sica Música original: Eduardo Zvetelman Fotografía: Camila Levy-Daniel Diseño gráfico: Camila Levy-Daniel Asistencia de dirección: Laura Otermin Coreografía: Teresa Duggan Dirección general: Héctor Levy-Daniel Entrada general: $1000. Descuento para jubilados, estudiantes y vecinos de la Comuna 15 (con acreditación de domicilio: DNI, factura de servicio, etc).

Los domingos a las 20.30hs se presenta "Vitalicios" ¿Y si un día no quedan ni los artistas?

En el quinto subsuelo de una sórdida dependencia estatal, tres empleados repasan los nombres que figuran en una larga lista de personalidades artísticas para llevar adelante la misión que se les asignó: reducir

la nómina de los Premios Vitalicios, porque en épocas de vacas flacas, hay que cortar por lo sano.

Ficha técnica:

Autoría: José Sanchis Sinisterra Actúan: Cecilia Cósero, Pablo Flores Maini y María Rosa Frega Vestuario: Jorgelina Herrero Pons Escenografía: Eduardo Spindola Luces: Horacio Novelle Musicalización: Sergio Klanfer Fotografía: Ana María Ferrari Diseño gráfico:

Leandro Correa

"Vitalicios"

Asistencia de iluminación: Matías Noval Asistencia de Producción: Rocío Cárcano Asistente Fotografía: Walter Cesar Remus Asistencia de dirección: Claudia Díaz Dirección: Mónica Benavidez Entrada general: $1300. Descuento para jubilados, estudiantes y vecinos de la Comuna 15 (con acreditación de domicilio: DNI, factura de servicio, etc).

Prensa Dafne Strobino Niedermaier www.agendacultural15.com www.nueva-ciudad.com.ar www.nuestrobarrioweb.com.ar

Todos los Lunes a las 21 LUNES DE JAZZ

La Biblioteca Café a puro Jazz, presenta, en su 15º año al trío integrado por Angel Sucheras piano, Fede Palmolella contrabajo y Camilo Zentner batería.

DR JEKILL Y Mr. JAZZ 6TET, WHEN JAZZ WAS ALIVE! HARD BOP EN TIEMPOS DEL TRAP Composiciones de Joe Henderson, Kenny Dorham, Bobby Timmons, Freddie Hubard, Sonny Clark, Jimmy Heath, Art Blakey & Jazz Messengers y muchos otros. Gustavo Cortajerena, trompeta / Pablo Scaglia, saxo tenor / Lautaro Quipildor, trombón / Dante Carniel, piano / Leo Paez, contrabajo / Camilo Zentner, batería.

festivales. Sus integrantes son Florencia Lissi en voz, Pablo de Lucia en saxo, Mariano Gatto en guitarra, Martín de los Heros en bajo y Fabricio Gómez en Batería. Algunos temas que interpretan: Days of Wine and Roses, On the Sunny Side of the Street, Corcovado, Blue Bossa, Summertime, Fly me to the Moon, Garota de Ipanema, Autumn Leaves, All of Me, Perfidia…

Todos los Viernes a las 19 JAZZ X LA TARDE Gustavo Cortajerena trompeta/Dante Carniel Piano/ Leo Páez contrabajo/ Camilo Zentner batería. Happy Hour 2x1 tragos y cerveza Martes 1° y Miércoles 2 a las

Jueves 3 a las 20.30 THE CLONAZEJAZZ PROJECT

The Clonazejazz Project es un quinteto de Jazz nacido en Lanús, Buenos Aires. Comienzan su trayectoria musical en 2020 presentándose ininterrumpidamente en diversos escenarios y

Viernes 4 a las 21 MANUEL FRAGA TRÍO

WOODY & JAZZ /Novena TemMiráBA 210

porada Tres de los mejores músicos de jazz locales presentan “Woody & Jazz”, un show actualmente en su octava temporada consecutiva de presentaciones, basado en el repertorio de clásicos del jazz de las inolvidables películas del gran genio del humor. De Manhattan a Blue Jasmine y a través de los relatos de inolvidables escenas en las que el jazz y el humor van de la mano, la lista inagotable de clásicos que el trío recorre en el show incluye obras de George Gershwin, Duke Ellington, Irving Berlin, Cole Porter y Benny Goodman, entre otros. Manuel Fraga piano, Damián Falcón contrabajo, Germán Boco batería

Padovani, Dirección Melisa Hermida, Asistente de dirección Pablo Fisca, Dirección musical Simón Martins. Libro, vestuario, escenografía, gastronomía y producción general Edith Margulis Banquete completo con tapas, plato principal, postres y canilla libre de vino.

El dúo formado por Johana Brundo en flauta y Adrián Placenti en piano transita un repertorio exquisito y único: primeros tangos de la guardia vieja (desde 1870) pero, además, con una particularidad ya que abordan autores profesionales que compusieron tangos tradicionales y que la «historia del tango oficial» desestima y olvida en su relato. La propuesta recorre entonces dichos autores rescatándolos del olvido y recreando su legado más importante: su música en versiones para piano y flauta, respetando el estilo de antaño, acercándonos a ese hermoso sonido, el sonido de los primeros años de nuestro género popular, el Tango. Invitado el cantor Luis Cejas

Sábado 5 a las 21 LA CENA DE LEONARDO DA VINCI FARSA MUSICAL EN DOS PLATOS Y UN POSTRE

La experiencia de participar de un Banquete del Renacimiento, en el que se recrean escenas de la vida en una Corte del siglo XVI,con su bella música, sus danzas y sus manjares, presentados por los protagonistas de la época, entre los que se destaca el gran Leonardo. Natalia Albero, Juan Folino, Antonio Franconetti, Laura Leonelli, Edith Margulis, Schuss Nouzille, Sabrina Schulthess, Carlos Trujillo. Actriz invitada Ana

Domingo 6 a las 17.30 AMORES DISONANTES x M.I.P MARÍA INÉS PEREYRA EN CANTO Y PIANO Composiciones con textos de Alejandra Pizarnik, Adriana Valetti, J.L.Borges, Rene Char, Paul Ëluard, Robert Desnos, Franz Kafka, y música de M.I.P y Claudio Alsuyet…..Una merienda poética en el ámbito ideal…..

Lunes 7 21 Hs. LUNES DE JAZZ La Biblioteca Café a puro Jazz, presenta, en su 15º año al trío integrado por Angel Sucheras piano, Fede Palmolella contrabajo y Camilo Zentner batería.

Domíngo 6 a las 20.30 TANGOS DEL 900 ¿TANGO PROSTIBULARIO, MARGINAL Y ANALFABETO?

Martes 8 a las 20.30 HIMNOS DEL ROCK

Un repertorio de canciones de compositores argentinos y de los álbums Los Tiempos Cambian y En Confinamiento. Los intérpretes, Ric. Peña piano, guitar, voz y Franco Grosso, guitarra, voz.

211 MiráBA

Miércoles 9 a las 20.30 MARIANO CASTRO CLÉRICI, JAZZ TRÍO

Los destacados músicos de la escena joven de jazz porteño Mariano Castro Clerici en piano, Agustín Sánchez Adamo en contrabajo y Lucas Colagiovanni en batería, se presentan en La Biblioteca Café con un programa en el que homenajean la música de los grandes pianistas de los años ’50 y ’60, como Bud Powell, Ray Bryant, Sonny Clark, Red Garland, entre otros, junto con un repertorio de standards clásicos de jazz. Compartiremos una noche alrededor de la música, recreando piezas tradicionales del jazz y estilos que oscilan entre el swing y el bop.

composiciones del quinteto de Astor Piazzolla. Este es un proyecto donde buscamos en algunos temas ser fiel a los arreglos originales y en otros, utilizando nuestra experiencia jazzística, creamos arreglos propios que traen una nueva sonoridad a los temas consagrados. Buscamos llegar a todo tipo de público, mixturando repertorio de Astor con composiciones propias y arreglos de otros autores de tango, dando como resultado un sonido propio, original y de calidad

elige el repertorio, interpretadas

Todos los Viernes a las 19 JAZZ X LA TARDE Gustavo Cortajerena trompeta/Dante Carniel Piano/ Leo Páez contrabajo/ Camilo Zentner batería. Happy Hour 2x1 tragos y cerveza Martes 1° y Miércoles 2 a las 20.30

Sábado 12 a las 17 DOLCE E CORAGGIOSO EMOCIONES EN LA MÚSICA ITALIANA

Jueves 10 a las 20.30 CITÉ TANGO TRÍO / MÁS PIAZZOLLA

Trío conformado por: Martin Lozano en contrabajo, Santiago Hernández en batería y Pablo Sanguinetti en piano y arreglos. Nuestro objetivo es realizar conciertos donde interpretaremos las

Viernes 11 las 21 SERRAT A LA CARTA SUSANA SÁNCHEZ LAGANÁ

Sábado

rrido por el fado que nos permitirá sumergirnos en la calidez y la intimidad del género. Integran Almalusa: María Laura Rojas y Dulio Omar Moreno voz, Juan Pablo Isaía guitarra portuguesa, Luis Cativa Tolosa guitarra Ignacio Long contrabajo

sus 40, en esta ocasión tan especial compartiendo el escenario junto a su madre, Maria Levi. Tres voces acompañadas en piano por el talentoso maestro Mario Marzán. Jazz, bossa y mas, celebrando la vida

cela Giandinoto voz, Facundo Miranda piano, Jose Pawlin contrabajo y baterista invitado Omar Menéndez

Domingo 13 a las 17 MARTA ó LA FERIA DE RICHMOND COMEDIA LÍRICA

En homenaje a Enrico Caruso, Voces Líricas realizará tres presentaciones con escenas de la hermosa ópera – casi una comedia lírica – Marta ó La Feria de Richmond de Friedrich von Flotow, faltante de los escenarios desde hace muchos años pese a su belleza, debido en parte a sus dificultades interpretativas, ya que no es fácil reunir un elenco de cantantes dispuestos a abordarla. Las presentaciones cuentan con la participación de Rocío Olaya y Gabriela Ojeda sopranos, Mariana Artaza mezzosoprano, Elmo Ottado y David Lara tenores, Alfredo Gonzalez Reig barítono, Rita Casamajor piano, Edith Margulis regisseur, Paula Cabrera vestuario.

Miércoles 16 a las 20.30

MIDNITE JAZZ QUARTET Diego Olivera batería, Dante Carniel piano, Eddy Porchile saxo, Leo Cejas contrabajo.

Viernes 18 a las 21 PROFUMO DI NAPOLI

Una atmósfera creada por el solo idioma: compositores que descubrieron el sonido musical y delicioso del idioma napolitano, canciones que describen amores, celos, traición, alegría y amor a la vida. Estas auténticas obras maestras traspasan los tiempos y a partir del siglo XVIII hasta el siglo XX acompañan la tradición italiana musical de compositores académicos y populares. Música de Mercadante, Donizetti, Rossini, Tosti, Di Capua y muchos otros, comentados y alternados a poesías. Marta Rossi canto y Giovanni Panella piano.

Domíngo 13 a las 20.30 CANTANDO LOS CUARENTA Con un variado repertorio musical Renata y Lucia Rahal vuelven a La Biblioteca Café para celebrar

Jueves 17 a las 20.30

MARCELA GIANDINOTO JAZZ UN PUÑADO DE HERMOSAS CANCIONES

Canciones que nos hacen soñar, nos erizan la piel, y nos envuelven con un cierto glamour de antaño: Jazz Standards y un toque de jazz italiano. Integrantes: Mar-

Todos los Viernes a las 19 JAZZ X LA TARDE Gustavo Cortajerena trompeta/Dante Carniel Piano/ Leo Páez contrabajo/ Camilo Zentner batería.

Hour

tragos y cerveza

Martes 1° y Miércoles 2 a las 20.30

los espacios y los tiempos, Piaf con su voz y su vida desgarradas, Marlene Dietrich con su glamour inigualable, tan diferentes y tan únicas, evocadas por Edith Margulis junto a Hernán Bonadeo en piano y acordeón y Simón Martins en violín.

Sábado 19 a las 17 FIORINO BANDA

En Fiorino Banda habitan desde el Cuchi Leguizamón hasta Al Jarreau o desde Stevie Wonder a Spinetta. Todos están de alguna manera dentro de las composiciones de la banda, que se mueve entre el jazz, el folclore, el pop, el funk y otros tantos ritmos. Fiorino Banda está integrada por Christian Fiorino voz y composición Facundo Vidal teclados, Jorge Rabito bajo y Fabián Miodownik batería. Se presenta en Buenos Aires desde hace 6 años y tiene 2 discos con participaciones de Maria Volonté, Piojo Zappia, Mariana Iturri, etc. En esta oportunidad abre la sesión la cantante Clara Bergamo, acompañada por Martín «Chino» Capici en guitarra y estará como invitada la cantante Magali Sanchez Alleno

ESTE SHOW FORMA PARTE DE LA PROGRAMACION DEL MES DE LA CULTURA INDEPENDIENTE ENTRADA LIBRE– Show con cena

Domíngo 20 a las 20.30 BUENOS AIRES DE AYER Y DE HOY / TANGO

La historia del tango en Buenos Aires, en un relato nostálgico y divertido. En la escena de un conventillo, Irene Gaulli (cantante, actriz), Orlando Junco (actor, director) y María Elena Elisii (actriz) nos llevan – a través de poesía y canciones – desde el 1900 hasta hoy. Los invitamos a vivir juntos un maravilloso viaje en el tiempo…

Domingo 20 a las 17 MARTA ó LA FERIA DE RICHMOND COMEDIA LÍRICA

Sábado 19 a las 21 EDITH & MARLENE

Dos mujeres, dos íconos de una época, dos divas que atraviesan

En homenaje a Enrico Caruso, Voces Líricas realizará tres presentaciones con escenas de la hermosa ópera – casi una comedia lírica – Marta ó La Feria de Richmond de Friedrich von Flotow, faltante de los escenarios desde hace muchos años pese a su belleza, debido en parte a sus dificultades interpretativas, ya que no es fácil reunir un elenco de cantantes dispuestos a abordarla. Las presentaciones cuentan con la participación de Rocío Olaya y Gabriela Ojeda sopranos, Mariana Artaza mezzosoprano, Elmo Ottado y David Lara tenores, Alfredo Gonzalez Reig barítono, Rita Casamajor piano, Edith Margulis regisseur, Paula Cabrera vestuario.

Jueves 24 a las 20.30 NADIAH DEMARCO BOLEROS ETERNOS Nadiah Demarco, cantora argentina denominada "la Dama del Bolero", ahijada de Rafael Basurto Lara (última primera voz del Trío Los Panchos original) recorrerá junto al cuarteto integrado por Marco Hernández dirección guitarra y voz, Fabrizio Troilo guitarra y voz, Julio Hernández bajo y David Battagliese percusión, los orígenes de las canciones nacidas en Cuba y México y que después se difundieron en todo el MiráBA 214

mundo con rasgos propios. Así escucharemos las más bellas melodías, sus letras y las historias y anécdotas que rodearon a las canciones que nos acompañaron por generaciones. Nadiah Demarco es considerada la artista joven continuadora de la leyenda y la magia del bolero para los próximos años. Este concierto nos llevará por el camino de la emoción y el recuerdo.

muestran su virtuosismo vocal c

genes de Cinema Paradiso y El Padrino sin dejar de volar con Bellini ó Tosti. Acompañan otros dos fanáticos del amor: Ezequiel Dalairac al piano y Simón Martins en violín.

Viernes 25 a las 21

LA VIE, L'AMOUR, LES CHANSONS

ALEX DIONESALVI

«Les ofrezco un ramillete de canciones francesas creadas por grandes poetas, compositores e intérpretes que emocionaron desde siempre a públicos de distintas generaciones. Junto a Tomás Matar en el piano y a Ezequiel Martino en el contrabajo, viviremos estas canciones en la hermosa sala de La Biblioteca Café. Será una velada para el reencuentro con este repertorio que le canta al amor y a la vida. No faltarán algunos clásicos. Los esperamos.» Alex Martes 1° y Miércoles 2 a las 20.30

Sábado 26 a las 17 TARDE DE BOLEROS

Una ficción musical, en la que dos cantantes, bajo la dirección musical de su maestro de música, le

on piezas del repertorio lirico a la profesora extranjera Frau Kleiner.

Los jóvenes artistas aman también los boleros y le harán conocer a la profesora, este maravilloso género, sin advertir que la música los llevara a enamorarse con la ternura e ingenuidad de la época. Los cantantes: Patricia Douce y Antonio Seoane.

El maestro de música Carlos Koffman, Frau Klheiner Silvia Antonick

Sábado 26 a las 21 PARLAMI D' AMORE CANCIONES DE LA ITALIA ROMÁNTICA – QUINTA TEMPORADA

Porque el amor nos salva, porque el amor nos eleva, porque el amor nos transforma. Hablemos de amor! Soñamos, sufrimos y vibramos con las más bellas canciones y canzonettas de todos los tiempos. La soprano Susana Sánchez Laganá y el tenor Rodrigo Charmiello. nos llevan a recorrer los tiempos de Modugno, Di Bari, Zanicchi ó nos traen imá-

Domingo 27 a las 17 MARTA ó LA FERIA DE RICHMOND COMEDIA LÍRICA En homenaje a Enrico Caruso, Voces Líricas realizará tres presentaciones con escenas de la hermosa ópera – casi una comedia lírica – Marta ó La Feria de Richmond de Friedrich von Flotow, faltante de los escenarios desde hace muchos años pese a su belleza, debido en parte a sus dificultades interpretativas, ya que no es fácil reunir un elenco de cantantes dispuestos a abordarla. Las presentaciones cuentan con la participación de Rocío Olaya y Gabriela Ojeda sopranos, Mariana Artaza mezzosoprano, Elmo Ottado y David Lara tenores, Alfredo Gonzalez Reig barítono, Rita Casamajor piano, Edith Margulis regisseur, Paula Cabrera vestuario.

Domíngo 27 a las 20.30

FILOSOJAZZ GRISEL D’ANGELO / JULIÁN FAVA

Un maridaje surrealista entre jazz y filosofía para viajar a la más exquisita decadencia francesa cru-

Edición 2022

Festival Internadional de Teatro y Tradiciones Nativo Americanas Del 16 de noviembre al 4 de diciembre

El "Festival Internacional de Teatro y Tradiciones Nativo Americanas" se llevaráa cabo del 16 de Noviembre al 4 de Diciembre, con sedes en Buenos Aires, Argentina, Jalisco, México y Bogotá, Colombia. Se realizaráde forma mixta (Presencial y virtual), las sedes centrales serán Centro Cultural Raíces, Centro Cultural Paco Urondo y Espacio Cultural Julian Centeya, en Buenos Aires con entrada libre y contribución voluntaria.

entonces se realiza paralelamente en ambos países.

El FITTNA contribuye a reforzar redes para ir desdibujando barreras y asícontribuir al rescate, difusión y visibilización de parte del patrimonio cultural intangible en América Latina. Propiciando un reconocimiento de símismo a partir de la otredad, y de la diversidad de la misma.

Tendremos 28actividades: 17 funciones de 4 compañías internacionales invitadas y 5 compañías argentinas; 2 exposiciones (Fotografía de México, y pintura y escultura de Argentina), 5 talleres, y 4 funciones virtuales a través de https://www.youtube.com/channel/UCvclSbk4HsyoiShivHxB2Sg

El FITTNA inicióen noviembre del 2016 en Buenos Aires, con el objetivo de contribuir a visibilizar, difundir y dar reconocimiento a nuestras tradiciones indígenas, campesinas y afrodescendientes en América Latina, en particular, México, Colombia y Argentina. En 2018 se realizópor primera vez en Jalisco, México y desde

Proyecto interdisciplinario donde participan profesionales en artes escénicas, artes visuales y músico sonoras de México,Colombiay Argentina. Entre sus piezas artísticas se encuentran obras de teatro, montajes interdisciplinarios y espectáculos de narración, música y objetos. Coordinan y dirigen el“Festival Internacional Raíces para los niños” (Buenos Aires, Argentina y Jalisco, México), el “Ciclo Raíces para lxs Niñxs” (Buenos Aires, Argentinay Jalisco, México), y el “FITTNA. Festival Internacional de Teatro y Tradiciones Nativo Americanas”, (Buenos

Aires, Argentina,y Jalisco, México). Entre sus distinciones: “Fomento a Proyectos y Coinversiones Culturales del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes”, en México; PROteatro” Buenos Aires, Argentina; “Premio Artei” en Buenos Aires, Argentina; Proyecta producción de la Secretaría de Cultura, Jalisco, México; entre otros. Su sede es en Guadalajara, Jalisco, México, así mismo desarrolla actividades en Argentina, Colombia, Ecuador y Perú.

PROGRAMACIÓN ARGENTINA

Viernes 25 de noviembre del 2022, 16:00 hrs. Espacio Cultural Julián Centeya: Av. San Juan 3255CABA

CANTOS DE LA MADRE TIERRA COMPAÑÍA: Graciela Mendoza. PAÍS: Argentina. MODALIDAD: Presencial. Para toda la familia DISCIPLINA: Música ancestral.

DESCRIPCIÓN: Concierto de música ancestral de pueblos originarios de Argentina y el sur de América. Cantos en lenguas na-

tivas y composiciones propias inspiradas en los relatos de saberes de pueblos originarios.

Viernes 25 de noviembre del 2022, 18:30h. Espacio Cultural Julián Centeya: Av. San Juan 3255CABA EFRAÍN ASCENCIO CEDILLO. Exposición fotográfica. PAÍS: México.

MODALIDAD: Presencial. DISCIPLINA: Fotografía.

DESCRIPCIÓN: Exposición en memoria del fotógrafo, antropólogo y sociólogo Efraín Ascencio Cedillo, quien fue investigador y profesor en el Centro de Estudios Superiores de México y Centroamérica de la Universidad de Ciencias y Artes de Chiapas (CESMECA- UNICACH), donde participóen el Cuerpo Académico Sociedad y Cultura en Fronteras. Colaborórealizando exposiciones y vínculos con proyectos fotográficos para el Festival Internacional de Teatro y Tradiciones Nativo Americanas (FITTNA).

Viernes 25 de noviembre del 2022, 18:30h. Espacio Cultural Julián Centeya: Av. San Juan 3255CABA ANA MALDONADO. Exposición plástica. PAÍS: Argentina.

MODALIDAD: Presencial. DISCIPLINA: Pintura y escultura.

DESCRIPCIÓN: Exposición plástica de Ana Maldonado, artista visual contemporánea argentina quien “anduvo los más

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recónditos parajes de las provincias norteñas para ir organizando su propia iconografía(…)

Su obra trata de rendir un cálido homenaje a quienes integraron las primeras poblaciones de esta nuestra América ,Argentina, Perú, México, Ecuador, Chile y Venezuela.”

Espacio Cultural Julián Centeya: Av. San Juan 3255CABA Viernes 25 de noviembre del 2022, 20:00h

NNI FARE AFRICA COMPAÑÍA: Nni Fare. PAÍS: Argentina.

MODALIDAD: Presencial. Para

toda la familia DISCIPLINA: Danza afro DESCRIPCIÓN: Compañía compuesta por artistas afroargentinos, afrodescendientes y africanos, quienes ponen en valor el arte de raíz afro de diferentes territorios, llevando a la escena los saberes de los pueblos africanos y afrodescendientes.

Sábado 26 de noviembre del 2022, 17:00 hrs. Centro Cultural Raíces: Agrelo 3045 - CABA LA LEYENDA DE MAMA KOKA COMPAÑÍA: Miriam La Shula Gómez

PAÍS: Colombia.

MODALIDAD: Presencial. Para toda la familia

DISCIPLINA: Teatro.

DESCRIPCIÓN: Una mujer llega desde la región de los andes, viajando desde muy lejos acompañada de su títere la Minishula; se va encontrando con comunidades en su viaje y cuenta la leyenda de mamakoka que consiste en como el gran sacerdote Inca protegiendo sus grandes tesoros en el Lago Titicaca le pide al taita inti que proteja a su pueblo de la usurpación de los invasores y asíel taita inti le concede el gran poder de mamakoka para sostener tanta barbarie y la sabiduría de sus pueblos.

Jueves 1 de diciembre del 2022, 18:00 hrs.

Centro Cultural Paco Urondo: 25 de Mayo 201 - CABA HILOS TORNASOL.

COMPAÑÍA: AjíMaíz.

PAÍS: México-Colombia.

MODALIDAD: Presencial. Para toda la familia

DISCIPLINA: Teatro.

DESCRIPCIÓN: Montaje de teatro y narración con música en vivo a partir de la leyenda Wixárika“El dios del sol”, del cuento Mixteco“El zopilote y el cuervo” y la leyenda Náhuatl“Nuestro padre sol”.

Jueves 1 de diciembre del 2022, 19:00 hrs.

Centro Cultural Paco Urondo: 25 de Mayo 201 - CABA CRISÁLIDA

COMPAÑÍA: Ayelen Tato y Lautaro Navarro.

PAÍS: Argentina.

MODALIDAD: Presencial. Para toda la familia DISCIPLINA: Danza Afro Contemporaneo

DESCRIPCIÓN: Estáinspirada en la conexión que hay entre la tierra, el aire, el caos, el orden, la vida, la muerte y su relación con el cuerpo y el sonido. Toma elementos de saberes afro tradicionales, junto con improntas cubanas y brasileñas, asícomo también de técnicas modernas de matriz africana. En términos musicales busca potenciar la imagen proyectada y la exploración del instrumento como un recurso activo en escena, cumpliendo un papel músical, práctico y simbólico, amalgamando materiales propios con adaptaciones de toques de origen africano.

Viernes 2 de diciembre del 2022, 21:00 hrs. Centro Cultural Raíces: Agrelo 3045 - CABA PRE- GESTA. COMPAÑÍA: Diookaju. PAÍS: Colombia.

MODALIDAD: Presencial. Público adulto DISCIPLINA: Danza-teatro.

DESCRIPCIÓN: Es una obra que combina ESCENAFRO (Fusión de danza afrocolombiana, danza y actuación afro contemporánea) con potentes sistemas audiovisuales, mapeo y sonido en vivo para, en una hora, contar un sueño que es una realidad y es que volvía dormir "Anoche tuve el sueño más hermoso de mi vida, soñéque la vida misma me besaba", esta frase sintetiza el viaje a través de los sueños

de un ser multiforme que se negóa cerrar los ojos por miedo a perderse la locura de el momento presente, ignorando más tarde para comprender el multiverso de sueños complementario al multiverso de esta realidad y el sueño no es más que despertar nuevamente.

Sábado 3 de diciembre del 2022, 20:00 hrs. Centro Cultural Raíces: Agrelo 3045 - CABA INDÍCIOS AFRO.

COMPAÑÍA: Lotomachina y AjíMaíz. PAÍS: México, Colombia y Argentina.

MODALIDAD: Presencial. Público adulto DISCIPLINA: Teatro documental e interdisciplina.

DESCRIPCIÓN: Montaje interdisciplinar de teatro multimedia, de objetos, documental e instalación, resultado de una revisión documental asesorada por cronistas e investigadores del desarrollo histórico y demográfico de la afrodescendencia en la región de los Altos de Jalisco, identificando productos y “huellas” culturales de la tercera raíz en Jalisco.

Sábado 3 de diciembre del 2022, 21:30 hrs.

Centro Cultural Raíces: Agrelo 3045 - CABA MALAMBO. Raíz afro-campesina.

COMPAÑÍA: Malambo de pie. PAÍS: Argentina.

MODALIDAD: Presencial. Para toda la familia DISCIPLINA: Danza y música.

DESCRIPCIÓN: Es un espectáculo interdisciplinario donde se mezcla, el teatro, la música y la danza, para contar la historia de ésta danza desde sus orígenes en Perú, hasta la actualidad en Argentina. Una danza rítmica, que se desarrolla en sus principios con los pies, pero con el tiempo se empieza a manifestar en elementos comunes del gaucho, como el bombo, las boleadoras y el poncho.

Domingo 4 de diciembre del 2022, 19:00 hrs.

Espacio Cultural Julián Centeya: Av. San Juan 3255 -

CABA RAÍZ DE ÉBANO.

COMPAÑÍA: Diookaju. PAÍS: Colombia.

MODALIDAD: Presencial. Público adulto

DISCIPLINA: Danza - Teatro.

DESCRIPCIÓN: Es una puesta en escena donde la danza tradicional del pacifico colombiano como la jota Chocoana, el currulao, percusión colombiana y africanas, además de elementos del teatro y de la danza contemporánea, se convierten en el hilo conductor para la narración de la vida de tres mujeres afro colombianas mayoras oriundas del pacifico que por diversas razones llegaron a vivir a la gran ciudad siendo desplazadas de sus lugares de origen por distintas causas.

Domingo 4 de diciembre del 2022, 20:30 hrs.

Espacio Cultural Julián Centeya: Av. San Juan 3255CABA

Candombe ar-

El

La Fa-

DESCRIPCIÓN:

PRESENTACIONES

bandera

CUENTOS

MODALIDAD: Virtual. DISCIPLINA:. DESCRIPCIÓN: Cuentos y leyendas de México, Colombia y América Latina, donde nos centramos en historias de pueblos originarios y afrodescendientes. Son teatralizados y sonorizados en vivo.

LOS CHOZNOS. Mariachi tradicional.

COMPAÑÍA: Los Choznos. PAÍS: México.

MODALIDAD: Música tradicional.

DESCRIPCIÓN: Conjunto de intérpretes de los géneros del Mariachi-fandango, principalmente el Son. Compuesto por cinco músicos y una zapateadora.

LOS PITAYEROS. Mariachi tradicional.

COMPAÑÍA: Los Pitayeros. PAÍS: México.

MODALIDAD: Música y zapateado tradicional.

DESCRIPCIÓN: El Mariachi Tradicional los Pitayeros tiene como misión, investigar, interpretar, compartir, enseñar y reavivar la música tradicional mexicana, desde sones antiguos con zapateado en tarima, hasta la música folklórica representativa de varias regiones del país, especialmente del centro-occidente de México. Nos vemos comprometidos en aportar a la música mexicana con investigaciones de campo y/o informáticas, difundiendo esta música en nuestro entorno, en nuestro país y en el extranjero, haciendo una recopilación de la música grabada y escrita, reescribiendo la música para su preservación.

LOS TECUEXES. Mariachi tradicional.

COMPAÑÍA: Los Tecuexes. PAÍS: México.

MODALIDAD: Música tradicional.

DESCRIPCIÓN: Música tradicio-

nal de los Altos de Jalisco y el Sur de Zacatecas. Mariachi compuesto por dos violines, una vihuela, una quinta y una tambora. TALLERES Para la inscripción al taller escribir a fittnafestival@gmail.com

Taller de Lotería Náhuatl. COMPAÑÍA: Xoko arte. PAÍS: México.

MODALIDAD: virtual. PÚBLICO: Niños, niñas y toda la familia.

Taller de Titeres. COMPAÑÍA: La Shula. PAÍS: Colombia - Argentina MODALIDAD: Presencial. PÚBLICO: Niños y niñas. Sábado 26 de noviembre del 2022, 17:00 hrs. Centro Cultural Raíces Danza Afro Contemporanea como pulsion de ancestralidad Conversatorio COMPAÑÍA: Ayelen Tato. PAÍS: Argentina

MODALIDAD: Presencial. PÚBLICO: Jóvenes y adultos interesados en la danza afro Jueves 1 de diciembre del 2022, 18:20 hrs. Centro Cultural Paco Urondo

TallerEscenafro COMPAÑÍA: Diookaju. PAÍS: Colombia.

MODALIDAD: Presencial. PÚBLICO: Profesionales en artes escénicas. Domingo 4 de diciembre del 2022, 11:00 hrs. Centro Cultural Raíces

FESTIVAL CALLEJON 5 AÑOS

La fiesta del teatro, la danza y la música protagonizada por ELLAS!

El Festival Callejón festeja su quinto aniversario con más funciones y triple programa diario con lo mejor del teatro, la danza y la música protagonizada por destacadas artistas de la escena contemporánea. Del 1 al 5 de noviembre, Espacio Callejónemblemático teatro del barrio de Almagro- propone una maratón de experiencias escénicas de primer nivel.

En esta ocasión, la programación 2022 ofrece dos estrenos

con producción propia: Ballet Acuático dirigido por Memi Ladogana, Ryan hermano motor de Ana Schimelman y la obra invitada “Cómo para la bruma” de Jazmin Titiunik. Además dos work in progress: Subatómica de Mia Miceli y La victoria de lo incompatible de Mariana La Torre.

Durante los intervalos, sonará la mejor música en vivo -en el bar del teatro- de la mano de Vero Gerez, Ailin Zaninovich y Jose Scaglione.

“En esta oportunidad, el festival apuesta a la producción propia y a la visibilidad, como siempre, de las creadoras más talentosas de las artes escénicas contemporáneas, afirma Ramiro Bailiarini, artista y curador de la propuesta junto a Sebastíán Francia. “El Festival Callejón es un espacio independiente que apoyamos y producimos de la mano de las artistas que admiramos y con quienes nos encanta compartir procesos creativos”, concluye Francia.

INAUGURACIÓN:

APERTURA:

riales

FESTIVAL CALLEJON 5

1 al 5 de

MARTES 1 DE NOVIEMBRE

CÓMO

ACUÁTICO

Memi Ladogana (Tea-

MIERCOLES 2 DE NOVIEMBRE 19.30h:

VICTORIA DE LO

Mariana La Torre (Danza

4to. Ciclo de teatro y feminismos

Del 18 al 25 de noviembre de 2022 CELCIT (Moreno 431, CABA)

Entrada general: $1000. Gratuita para menores de 25 años y mayores de 65 años (consultar para cada espectáculo). Por Alternativa.

de la necesidad esencial y urgente de poner a la vista las problemáticas que sufren los cuerpos femeninos en una sociedad patriarcal.

Entre el viernes 18 y el viernes 25 de noviembre de 2022, se desarrollará la 4ta. Edición del Ciclo de Teatro y Feminismos del CELCIT. Se trata de una experiencia teatral independiente y autogestiva que busca poner en el centro de la escena diversas problemáticas que atraviesan los feminismos, en el marco la semana de la Eliminación de la Violencia contra las Mujeres.

Este ciclo, cuya primera edición se realizó en el año 2018, surge

En el contexto de plena ebullición callejera de pañuelos verdes, los escenarios se transformaron una vez más en resonadores de ese grito colectivo y proliferaron en la Ciudad una multiplicidad de puestas con temática de género.

Lo particular del ciclo del CELCIT son las voces femeninas en la dramaturgia, eligiendo que las historias hablen “desde nosotras” y no “de nosotras”. Este criterio responde a dos razones fundamentales en la concepción del festival: la apuesta a la construcción del imaginario femenino desde la propia vivencia, y la inequidad existente en las oportunidades de trabajo, dado que

la presencia de feminismos en espacios oficiales de teatro es significativamente menor. Esto último realza la necesidad de crear y sostener espacios autogestionados que den visibilidad a las producciones de artistas femeninas.

En esta 4ta. edición participarán las obras:

La mudita + Desmontaje (Viernes 18/11 a las 20 hs)

Lo que quieren las guachas de Cumbi (Sábado 19/11 a las 22 hs.)

Potranca (Domingo 20/11 a las 17 hs.)

Solilokia (Domingo 20/11 a las 20 hs)

No tengo tiempo + Desmontaje (Lunes 21/11 a las 19 hs.)

Además, se realizarán otras actividades relevantes como el curso presencial a cargo de Carolina Guevara: “Las mujeres de mi historia” (del Martes 22 al Viernes 25/11), la clase abierta virtual y gratuita a cargo de Flora Ferrari y Antonella Sturla: “Otra historia del teatro. Lectura, interpretación y análisis con perspectiva de género” (Viernes 25/11 de 17 a 18.30hs), y la muestra fotográfica “santiAMÉN".Screenshots, pantallazos de diálogos por zoom, de Claudia Quiroga (Qlo).

La sede del Ciclo es en el CELCIT (Moreno 431, CABA), la entrada general es de $1000, gratuita para menores de 25 años y mayores de 65 años (consultar para cada espectáculo), y se pueden adquirir por Alternativa.

Sobre el CELCIT

El Centro Latinoamericano de Creación e Investigación Teatral, CELCIT, nace en 1975 en Caracas, Venezuela. Una de las primeras iniciativas de esta naciente institución fue la de im-

pulsar la creación de filiales y delegaciones en los distintos países de América Latina, España y Portugal.

En Argentina, inicia sus actividades muy poco tiempo después.

Es un Instituto de las Artes Escénicas, al servicio de la comunicación entre teatristas del continente, al tiempo que recinto para la investigación, la formación, la promoción y la difusión de las artes escénicas iberoamericanas en el mundo.

El trabajo desarrollado en el CELCIT, se aplica a un campo preciso -la integración iberoamericana-, dando pasos concretos en el campo teatral, paralelos a los que en otros terrenos van cumpliendo nuestras naciones en la búsqueda de su integración.

El primer Presidente fue Francisco Javier, quien le dio sus bases legales y jurídicas. A partir de 2001, le sucedió Juan Carlos Gené hasta su fallecimiento en 2012. Desde ese momento, Carlos Ianni ejerce la presidencia siendo, además, su Director desde 1988.

El CELCIT ha sido distinguido con más de 40 premios otorgados por distintas instituciones y sus actividades han sido declaradas de interés cultural por la Secretaría de Cultura de la Nación y la Legislatura de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires.

Prensópolis Alejandra Pía Nicolosi prensopolis@gmail.com

teatroxlaidentidad Ciclo 2022 NOVIEMBRE

Domingos y Lunes en diferentes salas de la Ciudad de Buenos Aires ENTRADA GRATIS

teatroxlaidentidad irrumpe con dos estrenos en noviembre. “A propósito de la duda”, la obra que dio origen al movimiento, con dirección de Daniel Fanego e “Implosión de identidades”, con dirección de Mariela Asensio.

Buscando nietas y nietos. Todavía hay más de 300 personas que no conocen su verdadera identidad.

ENTRADA GRATIS IMPLOSIÓN DE IDENTIDADES DOMINGOS de Noviembre

6/11- 19 horas Centro Cultural Kirchner - Sarmiento 151 13/11 – 20 horas Espacio Cultural Carlos Gar-

del Olleros 3640 20/11 – 20 horas Espacio Cultural Julián Centeya - Av. San Juan 3265 27/11 - 20 horas Espacio Cultural ResurgimientoGral. Artigas 2262

A PROPÓSITO DE LA DUDA LUNES de Noviembre 7/11 - 20 horas Teatro Regina - Av. Santa Fe 1235 14/11 -20 horas

GRATIS

entradas se entregarán en los teatros, los días de función, desde una hora antes de la función, hasta agotar el aforo disponible.

Toda la información y programación en

y Twitter:

cena, quedan suspendidos en el tiempo sin entender bien qué papel deben desempeñar, no tienen claro de dónde vienen ni hacia dónde van. En una espera / estar impredecible, emergen interrogantes y emociones de lo más diversas, dando lugar a situaciones que con humor y emoción nos interpelarán: ¿Quienes somos realmente? ¿Por qué nos pasa lo que nos pasa? ¿Cómo llegamos al lugar en el que estamos? Con canciones en vivo y discursos atravesados por la diversidad, la obra nos sumerge en un mundo emotivo sin tiempo, en el cual todo está por ser descubierto. En el devenir de sus propias dudas y contradicciones, los personajes de IMPLOSIÓN DE IDENTIDADES irán encontrándose y construyendo su verdadera identidad.

Pérez de María, Federica Presa Músico en vivo: Ramiro Abrevaya Vestuario: Vessna Bebek Diseño luces: Jose Binetti Audiovisuales: Marina Lovece Asistencia dirección: Melina Cruz Dirección: Mariela Asensio A PROPÓSITO DE LA DUDA

IMPLOSIÓN DE IDENTIDADES

3 personajes arrojados a la es-

Dramaturgia: Mariela Asensio

A partir de los siguientes monólogos: ¿Cómo? de Luis Rivera López; Soy el que quieras de Fabián Díaz; Rosaura tatuada de Pablo Dos Reís; Estar en cartel de Alejandro Lifschitz; El cabello por el suelo de Andrea Garrote;; Inspección digital de Facundo Zilberberg; Del amor en los tiempos del WhatsApp de Macarena Trigo; El parecido de Mariano Saba; El espectador de Mariano Saba; El hombre de mediana edad de Jimena Aguilar; Cuando ves pasar el tren de Malena Tytelman.

Actúan: Adriana Barraza (participación especial)

Emiliano Figueredo, Ariel

Más de veinte años después la pregunta sigue sonando. ¿Y vos sabés quién sos? Hoy las nietas y los nietos, ayer veinteañeros, son mujeres y hombres adultos. Algunos con hijas, hijos. Por qué seguir esperando, si la duda ya está en vos. Pasa el tiempo. Algunas Abuelas ya no están. Pero hay familias que esperan ansiosas para darte un abrazo, compartir recuerdos, fotos, vidas. Esperanza. Memoria. Verdad. Lo que daña es la mentira. El paso del tiempo nos hace volver a hacernos y hacerte la pregunta. ¿Es otra y a la vez la misma? Vos, hoy, ¿querés saber quién sos? Abuelas, nietas, nietos, tu familia, te están esperando con el corazón y los brazos abiertos. No te quedes con la duda.

Dramaturgia: Patricia Zangaro Actúan: José Manuel Espeche, María Forni, Pepe López, Pablo Mariuzzi, Elena Petraglia Abuelas: Raquel Albéniz, Susana Cart, Amancay Espíndola

Dirección general: Daniel Fanego Producción: Cristina Fridman, Claudio Santibañez Producción audiovisual y montaje: Mathias Carnaghi Asistencia de dirección: Leandro Lalo Lambertucci Colaboración de producción: Mónica Scandizzo, Mauro Simone, Julieta Rivera López, Andrea Villamayor, Andrés Manzoco Música original: Martín Bianchedi Murga: Los verdes de Monserrat Centro Cultural Héctor Sapia Vientos: Agrupación Do Re Mi Voces: Grabadas por Juan Mariano Taboada y Federico Tellas en Estudio del Parral Cámaras y sonido: Grin Multimedia. Maximiliano Grinfelds, Iván Grinfelds Imágenes de archivo: Archivo Histórico de RTA. Radio y Televisión Argentina S.E. Agradecimientos: Pelu Romero, Rafael Varela, Presidenta de RTA Rosario Lufrano, Coordinador del Archivo Histórico de RTA, Julio Fernández Baraibar, Mariana Megías, Felipe Foppiano.

Espíndola - Cristina FridmanPatricia Ianigro - Eugenia LevinJulieta Rivera López - Luis Rivera López - Mónica ScandizzoMauro Simone - Andrea Villamayor COMISIÓN DE PRODUCCIÓN Cristina Fridman - Patricia Ianigro - Julieta Rivera López - Claudio Santibañez - Mónica Scandizzo - Mauro Simone -

COMISIÓN DE DIRECCIÓN

Raquel Albéniz - Mathias Carnaghi - Susana Cart - Amancay

MUBI ANUNCIA LA FECHA DE ESTRENO DE EL PLANETA

Una

"Un

DE NOVIEMBRE DE

MUBI, la distribuidora de cine y

de streaming de películas

curaduría, anunció

estreno

neta, ópera prima de Amalia Ulman, en exclusiva en streaming en MUBI en Argentina a partir del 16 de noviembre de 2022.

Dirigida por la artista convertida en cineasta Amalia Ulman, El

Planeta se estrenó en el Festival de Cine de Sundance de 2021. Reflejando los trabajos de Ulman como artista donde explora las clases, la sexualidad y la relación entre el consumismo y la identidad, la película está protagonizada por la propia

Ulman junto a su madre real, Ale Ulman.

con Subtítulos en Inglés / Blanco y Negro / 1.85 :1

En quiebra y al borde del desalojo, Leo y su madre se unen por su desgracia mientras planean, fanfarronean y se abren camino hacia un estilo de vida elegante más allá de sus posibilidades.

SINOPSIS

El Planeta es una comedia negra que explora la pobreza contemporánea, el deseo femenino y las siempre complicadas relaciones filiales de madres e hijas.

Tras la muerte de su padre, Leo deja su vida como estudiante de moda en Londres y regresa a su ciudad natal de Gijón, España, donde su madre está al borde del desahucio. Los dos sobreviven vendiendo artículos personales

en línea y acumulando cuentas basadas en mentiras extensas. Su desgracia inminente no impide que la pareja se vista con sus mejores abrigos de piel, se dirija al centro comercial para probar el maquillaje y compre lindos zapatos (siempre que sean retornables). Al abrirse camino hacia un estilo de vida elegante más allá de sus posibilidades, su vínculo familiar sobre la tragedia común se fortalece a medida que se

acerca la fatalidad evidente. Para más información por favor contactar a another: mubi_ar@another.co Carla Dinardo Jr. PR Executive another Correo electrónico carla.dinardo@another.co Video ¿Qué te hizo querer ambientar El Planeta en una pequeña ciu-

EL PLANETA

Una conversación con la Directora AMALIA ULMAN

dad que no mucha gente conoce? ¿Y cuál fue tu inspiración para la historia?

Crecí en la pequeña ciudad costera de Gijón, Asturias en España. En el verano, turistas de todas partes venían a la ciudad para disfrutar de las playas y el sol. A medida que cambiaba la estación, los turistas se marchaban y la ciudad se desierta, fría, húmeda y ventosa, sin emoción ni oportunidad. Esta industria estacional hace que los gijoneses de-

pendan de lo que viene de fuera.

Al crecer, había muchos personajes excéntricos en mi ciudad. Hacían cosas raras en la ciudad, nunca se metían en problemas y parecían no tener trabajo. Por ejemplo, "Penicilino": el hombre que se vistió de marinero, se cubrió con penicilina y miró a través de la basura. Siempre supuse que no tenía hogar, pero cuando murió hubo una gran historia sobre él en el periódico que revelaba que en realidad había sido

un conde.

Fue mi madre, Alejandra, quien primero me habló de “Las Falsas Ricas”, un par de estafadoras madre e hija llamadas Justina y Ana Belén. Habían afirmado ser dos miembros ricos de la alta sociedad y habían gastado miles de euros en negocios locales, alegando que pagarían la cuenta más adelante. Cuando no pudieron pagar, fueron arrestados y su historia apareció en las noticias de la noche. Instantáneamente

me fascinó su historia y sentí la necesidad de crear algo a partir de ella. Su historia reflejaba una idiosincrasia de la que, como inmigrante sudamericano, nunca había sido parte, de lazos familiares, dinero antiguo y relaciones con la realeza.

¿Puedes explicar cuándo está ambientada la película y cuál es su significado?

Antes de la década de 1990, Asturias se había basado en la industria del carbón. Incapaz de depender de eso por más tiempo, la región giró hacia el turismo. Cuando estalló la crisis financiera mundial de 2009, España había disfrutado de una década de relativa estabilidad y cierta prosperidad, pero gran parte de eso se debió a la financiación de la Unión Europea. La industria del turismo se vio muy afectada por la crisis financiera. Incluso durante esos "buenos" tiempos, España tendía a sufrir tasas de desempleo relativamente altas y durante los peores de la crisis, el desempleo se elevó a alrededor del 25%. Era especialmente malo para los menores de veinticinco años que no tenían experiencia profesional y acababan de salir de la universidad. Entonces, para personas como Leo y su madre, no era una cuestión de "simplemente conseguir un trabajo", no había ningún trabajo.

A lo largo de la película, se menciona el premio Princesa de Asturias, al que asistió Martin Scorsese en 2018. Aunque, la película podría haber sido ambientada en cualquier momento

posterior a la crisis económica. Elegí este año para llamar la atención sobre el hecho de que Gijón es un pueblo muy pequeño y se mueve lentamente. Se queda estancado en el tiempo.

Nacida en Argentina pero criada en España, ¿cómo crees que tu condición de inmigrante afectó tu perspectiva sobre el país y la crisis?

Crecer en un pequeño pueblo en los años noventa, donde había casi cero población inmigrante, fue duro. Me mudé a España cuando era un bebé, pero a pesar de todos mis intentos de ser muy español cuando era niño, siempre me veían como un extranjero, siempre me llamaban "argentino". Por supuesto, tengo raíces en Argentina, pero España fue mi hogar.

Creo que la crisis agudizó esto porque, a pesar de pasar toda mi vida en la misma ciudad, nunca logré tener el mismo nivel de apoyo que parecían tener todos los nacidos en el país que me rodeaba. Porque es un país muy tradicional, mucho se basa en conexiones familiares, y yo no tengo eso. La mayor diferencia entre los locales y los recién llegados era que muchos de los locales vivían de sus títulos y conexiones, como Penicilino. Los inmigrantes, por otro lado, tendrían que sobrevivir con dinero en efectivo, sus ahorros y trabajo duro.

En esta película interpretas el papel principal mientras su madre es su madre ficticia, ¿hasta qué punto la película es

autobiográfica?

Es cierto que mi madre y yo perdimos nuestro hogar y sufrimos tanto la falta de vivienda como el hambre. Esta experiencia nos permitió abordar la película con cierto humor y honestidad. Hay notas mías en el personaje, por ejemplo, ambos estuvimos en un accidente de autobús y sufrimos daños permanentes en las piernas. Elegí incluir eso con la esperanza de que Leo, que tiene una ligera cojera, ayudaría a dar forma al personaje, tanto físicamente como a su historia. Aún así, todos los personajes son puramente ficticios, son compuestos de muchas otras personas e ideas.

Aunque no clasificaría esto como autobiográfico, hay otras experiencias de las que me basé mientras elaboraba esta película. La escena inicial está basada en una experiencia personal que me sucedió en Gijón. Es un excelente ejemplo de la dinámica de ser pobre en un pueblo pequeño donde uno ni siquiera puede apresurarse para llegar a fin de mes.

El Planeta continúa su exploración de las ideas de identidad y autenticidad versus artificio que inició en sus representaciones artísticas Excellences & Perfections y Privilege, ¿qué tienen esos temas que encuentra tan interesantes?

Creo que parte de la razón se debe a mi origen argentino. Argentina todavía sufre los restos de una estructura colonial y las jerarquías dentro de la sociedad

están relacionadas con la raza y se basan en gran medida en la apariencia. “Pasar” es muy común, tanto financiera como racialmente y las estafas son prácticamente un deporte nacional. Prestar mucha atención a cómo uno mismo y los demás se presentan es muy común en Buenos Aires y, por lo tanto, encuentro que muchas interacciones son superficiales, guiadas por estereotipos y clichés.

Inicialmente, los personajes de madre e hija parecen superficiales, pero en realidad son bastante complejos y moralmente ambiguos, ¿cómo los ves?

mucho más joven y creía que ciertas cosas significaban el éxito por sí mismas, como mudarse a Londres.

Hay mucho humor negro en la película, ¿qué tan importante crees que es eso cuando se enfrentan temas serios?

cían mi trabajo y estaban emocionados de que estuviera haciendo un largometraje. A través de estos ahorros, pude armar un equipo y organizar el rodaje. Las productoras Memory y Operator se incorporaron más tarde para ayudar con la postproducción, como la edición, el color y la mezcla de sonido.

Es importante sentir empatía, no lástima, por las personas que pasan por dificultades. La falta de compasión infantiliza y deshumaniza a las personas. El humor ayuda a las personas a conectarse entre sí más fácilmente y a comprender mejor lo que el otro puede estar experimentando.

¿Por qué optó por Blanco y Negro?

Ser superficial, en su caso, es escapismo, lo utilizan para evitar hablar de la realidad de su situación. Pasan el tiempo soñando despiertos. Mientras elaboraban su relación, se sintió importante mostrar la volatilidad entre los seres queridos durante un momento de crisis. Es difícil mantenerse unido cuando las necesidades básicas no están cubiertas o garantizadas.

Decidí hacer menos agradable a Leo para hacer más adorable a su madre María... a pesar de sus malas decisiones y crímenes. Leo todavía pone mucho peso en cosas que no son importantes. Le importa ser cool, la gran ciudad, y tiene un caso extremo de fama para vivir fuera de Gijón. Personalmente, le tengo cariño tanto a Leo como a María. Siento que muchos de los jóvenes del sur de Europa son un poco como Leo. Yo era como ella cuando era

Creo que los temas que abordamos en la película a menudo se representan de manera melodramática, lo que puede dificultar la conexión con ellos. Pensé que sería interesante darle un toque de estupidez de Ernst Lubitsch. Además, mi madre y Chen Zhou son personas muy cómicas, por lo que era natural que las interacciones tomaran esa forma.

Por razones de presupuesto. Teníamos un presupuesto muy ajustado, pero aun así quería hacer una imagen hermosa. Las condiciones de luz no son muy buenas en Gijón y filmar en color hubiera sido un desafío y costoso. Filmamos con una Blackmagic Pocket 4K y las imágenes de cámaras como estas dependen en gran medida de la corrección de color. El clima en Gijón generalmente hace que las cosas se vean en blanco y negro incluso cuando disparas en color, por lo que tenía sentido para mí apoyarme en eso y tener cierto control sobre la imagen.

¿Hubo algún desafío técnico particular que enfrentó durante la realización de la película?

Lo más difícil fue aceptar la falta de apoyo institucional tanto de Asturias como de España por mi condición de inmigrante. Aparte de eso, el proceso fue hermoso y me sentí muy afortunada.

Reuní la mayor parte de la financiación de subvenciones e inversores privados con los que me había conectado en el mundo del arte. Me apoyaron mucho, cono-

Este es tu primer largometraje; ¿Cómo se relaciona con tu trabajo como artista y qué te impulsó a dedicarte a la dirección de largometrajes?

Mi trabajo como artista siempre borra la línea entre ficción y realidad. Hice actuaciones de duración en línea que se abrieron paso en los principales medios de comunicación. Por ejemplo, ensayos en video y conferencias que mezclarían jerga científica con datos irreales. Tiendo a desafiar

la autoridad incrustada en las formas y los medios narrativos tradicionales. Con mi arte, trato de construir nuevas formas de narración más cercanas a cómo experimentamos la información en nuestra vida cotidiana.

Además, tiendo a trabajar por episodios. La forma en que lo veo es que tengo todas estas carpetas que contienen una serie de obras de arte, que es similar a la forma en que se hace una película o una colección de moda. No sé por qué hago esto, pero ciertamente facilitó el trabajo en una característica en el sentido de que el proceso fue muy similar a cómo siempre me he acercado a otros medios.

Aunque todas mis obras son diferentes, cuando miras de cerca, los temas siempre son similares o están interconectados. La próxima película que tengo en mente tiene una gran diferencia en todo, desde el escenario y el estilo hasta la música y los actores. pero en esencia aborda el engaño y la clase.

Has hablado antes sobre tu autismo, ¿cómo crees que afecta tu trabajo, si es que lo hace?

La única razón por la que a menudo menciono esto es para crear conciencia sobre el problema. El autismo en mujeres y niñas a menudo no se diagnostica o se diagnostica erróneamente porque las personas solo son conscientes de cómo se presenta en los niños: estereotipos como estar obsesionado con los trenes, la codificación o las esta-

dísticas. Los niños con autismo tienden a perder interés en socializar por completo, pero las niñas tienden a esforzarse mucho por "encajar" y, por lo tanto, aprenden muchos mecanismos de afrontamiento para relacionarse mejor con otras personas. Algunos de los síntomas más comunes en las mujeres con autismo son el enmascaramiento y el guión, lo que a veces se convierte en un interés por la actuación, el teatro, la ficción, las novelas, la escritura, etc.

Llegué muy tarde Sin embargo, una vez que tuve mi diagnóstico, todo encajó y pude comprender mejor la forma en que presto atención a cómo interactúan los

humanos, porque no es algo natural para mí. También explica por qué me atrae el trabajo que hago, los mecanismos de afrontamiento que he desarrollado y mi afinidad por la actuación.

¿Qué esperas que el público se lleve de esta película?

No quisiera que mi trabajo fuera didáctico. Por lo tanto, no quiero ninguna guía sobre cómo ver esta película y qué sacar de ella. Honestamente, realmente deseo que la gente disfrute la película sin siquiera saber quién soy o cuál era mi intención. Me gusta cuando mi arte tiene vida propia, y lo mismo deseo para El Planeta

escultura e instalación, su práctica multidisciplinaria ha involucrado el uso de redes sociales, sesiones de fotos para revistas, entrevistas, autopromoción y patrocinios de marca como herramientas para la fabricación de narrativas ficticias.

AMALIA ULMAN - Directora Amalia Ulman (n. 1989) es una artista con una oficina en el centro de Los Ángeles. Nacida en Argentina pero criada en España, estudió Bellas Artes en Central Saint Martins en Londres. Sus obras, que se expresan principalmente en primera persona, desdibujan la distinción entre el artista y el objeto de estudio, a menudo creando engaños humorísticos y suaves, mientras exploran la imitación de clase y la relación entre el consumismo y la identidad. Además del trabajo de video,

La performance Excellences & Perfections de Ulman fue archivada por Rhizome y el New Museum (Nueva York) y exhibida en la Tate Modern and Whitechapel Gallery (Londres). Sus trabajos más recientes son el videoensayo Annals of Private History (Frieze Live, 2015), Privilege (online performance, 2015-2017) Buyer Walker Rover, Aka. Then There (2019) encargado por Feng Boyi para la Bienal de Arte Contemporáneo de Wuzhen en China y Sordid Scandal (2020) encargado por la Tate Modern.

ESTRENO

"UNA MIRADA HONESTA" 40 años del fotoperiodismo de Eduardo Longoni

ESTRENO EN SALAS JUEVES 3 DE NOVIEMBRE Cine Gaumont - Espacio INCAA Av. Rivadavia 1635, CABA.

Eduardo Longoni, el fotógrafo que retrató instantes decisivos de los últimos 40 años de la historia argentina, se enfrenta a una crisis que lo aleja de las calles y lo lleva a buscar nuevos desafíos profesionales.

SINOPSIS

Las primeras imágenes de las Madres de Plaza de Mayo que

dan la vuelta al mundo, la mítica foto del gol de Diego Maradona con la mano a los ingleses en el Mundial de 1986 y la serie sobre el histórico Juicio a las Juntas Militares, son algunas de las fotos más emblemáticas captadas por la lente de Eduardo Longoni.

Este fotógrafo, que tuvo a la violencia como una marca indeleble desde sus inicios, sintetiza el compromiso de toda una generación de fotoperiodistas que resistieron en la calle durante los oscuros años de la dictadura cívico-militar.

Longoni es un artista inquieto, que se reinventa y se lanza a buscar nuevos desafíos profesionales. Mientras prepara una

retrospectiva por sus 40 años de trayectoria, resignifica sus fotos recurriendo a nuevas formas y lenguajes artísticos. Hoy, alejado de las calles, Eduardo vuelve la mirada hacia sus orígenes. Recorre los lugares de su infancia en la ciudad de Mar del Plata, y decide montar allí una proyección pública de fotos, imprimiendo sus imágenes sobre las olas embravecidas del mar.

Las fotografías de Eduardo Longoni nos interrogan. ¿son bellas o comprometidas? ¿Gritan una verdad o son una obra de arte? Sea cual fuere la respuesta, su mirada estuvo siempre atravesada por un mismo sentido: el de la honestidad. u

Sobre la fotografía

“Cuando estoy fotografiando a alguien que es mi igual, que es alguien que le están pasando cosas que me pasan a mí, que siente la injusticia, que siente cierta impotencia además. Me parece que ahí yo siento el alma de la fotografía, el alma de lo que yo puedo decir.”

“Me parece que una de las grandes virtudes que tiene que tener un fotógrafo, además de la curiosidad y la velocidad, es tener paciencia. Paciencia para saber mirar, paciencia para estar en algunos lugares donde aparentemente no pasa nada, y de repente hay alguna escena que cambia esa perspectiva.”

Sobre su rol como fotógrafo

“Yo siempre me sentí más un laburador que un artista. Y que mis fotos son un registro de la historia más que una obra de arte. Que alguna de mis fotos estén en museos o en galerías de arte o en el poder de coleccionistas es algo que transformó esa imagen de denuncia en una obra. Pero no fue mi intención cuando yo la hice. Si alguien me pregunta qué soy: soy fotógrafo.

Sobre su participación en el juicio de La Tablada

“Si todas las fotos que hice todos estos años, valieron porque una foto desentraña un crimen horrible.” Si toda tu vida, todo tu oficio está al servicio de poder desentrañar un solo crimen espantoso, me parece que yo siento como la misión cumplida.”

Ficha Técnica

Dirección: Roberto PersanoSantiago Nacif Productoras: Sigil Comunicación & Sociedad - Mascaró CineLaima Production

Producción Ejecutiva: Gato Martínez Cantó - Diana Ramos Guión y realización: Mónica Simoncini - Omar Neri - Gato Martínez Cantó - Santiago NacifRoberto Persano Dirección de fotografía: Patricia Batlle - Leticia Bobbioni Sonido: Luis Corti Dirección de arte: Micaela Sleigh Montaje: Omar Neri - Mónica Simoncini Música original: Carlos Senin País: Argentina - Colombia Duración: 82 minutos Idioma: español Subtítulos: inglés Sonido 5.1 Formato de proyección: DCP 16:9 4 k Año: 2022

Algunas palabras de Eduardo Longoni

Participaciones en festivales: Incubadora INCAA 2019 - Ventana Sur Laboratorio desarrollo Puerto Ficci - Festival Internacional de Cine de Cartagena de indias2020 Premios: Mejor desarrollo de proyectoIncubadora Ventana Sur, 2019

Este proyecto fue Ganador Incubadora Ventana Sur 2019Puerto Ficci Festival Internacional de Cine de Cartagenas de Indias, Colombia 2020. Cuenta con el apoyo del INCAA y Mecenazgo de la Ciudad de Buenos Aires.

BIOGRAFÍA DE EDUARDO LONGONI

Inició su actividad profesional como fotógrafo en la Agencia Noticias Argentinas (NA), y en 1981 fue uno de los fundadores de la exposición "El Periodismo Gráfico Argentino", la muestra de mayor prestigio del fotoperiodismo argentino.

En 1987 creó su propia Agencia (EPD/PHOTO) desde donde realizó coberturas para publicaciones tanto nacionales como extranjeras.

Sus fotografías, sobre todo las referidas a la violenta dictadura militar Argentina, han sido expuestas en Argentina, Brasil, Chile, Uruguay, México, Vene-

zuela, Cuba, EEUU, Francia, España, Italia, Noruega, Suecia, Dinamarca, Bélgica, Egipto, Japón y la ex Unión Soviética.

Desde los años '90 se ha dedicado a la realización de libros de fotografía, dentro de los cuales se destacan: “Sábato Fotografías”, acompañado con textos del escritor argentino Ernesto Sábato. “Poemas Revelados: Un hombre en imágenes y palabras”, junto al escritor uruguayo Mario Benedetti, y “Violencias. Argentina 1980-2003”, libro que recorre en imágenes la historia reciente del país.

En 2013 la Legislatura de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires lo nombra Personalidad Destacada de la Cultura. u 241 Mirá

SOBRE LOS DIRECTORES Roberto Persano y Santiago Nacif

Roberto Persano nació en Buenos Aires, Argentina en 1976. Es Licenciado en Ciencias de la Comunicación (UBA), y estudio realización documental con Pino Solanas, Fernando Birri y Tristan Bauer (UNSAM).

municación & Sociedad, junto a Gato Martínez Cantó,

Entre sus trabajos en conjunto se pueden encontrar “El Almafuerte”(2010), “Nicaragua, sueño de una generación”(2012), "La parte por el Todo"(2015), "Los Indalos"(2019) y “Una Mirada Honesta” (2022). Todas programadas y premiadas en diversos festivales alrededor del mundo. También realizaron la producción de “Las aspas del molino” (2013).

Nacif Cabrera, por su parte, fue productor de “Al trote” (2012) y “Yo aborto, tu abortas, todxs callamos” (2013). Y actualmente se encuentra dirigiendo “San Pugliese” junto a Maxi Acosta y Lola Winer.

Santiago Nacif nació en Buenos Aires, Argentina en 1977. Es Licenciado en Ciencias de la Comunicación (UBA) y Profesor de Enseñanza Media y Superior en Ciencias de la Comunicación Social (UBA). Es docente.

Los dos realizadores audiovisuales fundaron Estudio SIGIL - Co-

De manera individual, Persano realizó “Estamos ganando: Periodismo & censura en la guerra de Malvinas” (2005). Es miembro activo de la Asociación Documentalistas de Argentina (DOCA).

Palabras de los directores: “Conocimos a Eduardo durante el rodaje de nuestra última película “Los Indalos” allá por el 2018. En ese documental nos contó lo trascendental que fue para él haber participado como fotógrafo del juicio de La Tablada en la que pudo registrar los últimos momentos con vida de Iván Ruiz y José Díaz. A partir de ese momento, conocimos más de su historia personal y profesional y decidimos contarla. La manera Mirá

que tenemos de contar historias, es ésta; a través de imágenes y de una fuerte investigación. En este caso en particular, nos podemos dar el lujo de poder sumar la belleza y la potencia de las fotografías de Eduardo, quien desde un comienzo, nos permitió acceder a su archivo y todo su trabajo.”

“Eduardo representa a toda una generación de fotoperiodistas argentinos que fueron imprescindibles para registrar momentos únicos de la historia nacional poniéndole el cuerpo a la dictadura cívico militar o registrando los momentos más gloriosos de Diego Maradona en el mundial de México 86. Eduardo es un claro ejemplo de compromiso y coherencia ideológica y desde ese lugar es que decidimos dar a conocer al hombre detrás de las fotos. Sus fotos son conocidas, e incluso memorables pero poco se sabe de quien las tomó. O se sabía… ahora es el momento que muchas personas conozcan un poco más de quién es

ese hombre. ”

“En esta nueva película encaramos dos instancias sumamente inéditas para nosotros. Por un lado, asociarnos entre tres casas productoras: Sigil. Mascaró Cine y Laima Productions. Si bien esta es la tercera película que trabajamos juntos Mascaró Cine y Sigil, es la primera vez que encaramos de modo asociado la producción. Creemos firmemente en el trabajo grupal y la realización colectiva. A tal punto que a cada uno de nosotros, nos parece prácticamente imposible encarar una producción de modo

solitario. Por otro lado, es la primera película que cruzamos las fronteras y nos “lanzamos” a una coproducción internacional. Así es que todo el proceso de postproducción, es decir la corrección de color y la post de sonido los hicimos en Colombia a través de Laima Productions”. Todo esto gracias a haber ganado el Concurso del INCAA Incubadora de Documentales.”

LLEGA LA 11° EDICIÓN DE CARTÓN,

FESTIVAL INTERNACIONAL DE CORTOS DE ANIMACIÓN

06 al 12 de Noviembre

El domingo 6 de noviembre comenzará la onceava edición de Cartón. Festival Internacional de Cortos de animación. En esta oportunidad Cartón festeja la vuelta a la presencialidad en su tradicional sede de Almagro ubicada en La Tribu Mostra Bar, y suma la posibilidad de ver online su programación a través de la plataforma Octubre TV para todo el país. Además, contará con otras dos sedes: el Centro Cultural de la Ciencia, en Palermo, y el Instituto Municipal de Arte Cinematográfico (IDAC), en Avellaneda.

La convocatoria de esta edición recibió films de 108 países y

cuenta con una selección oficial de 190 cortometrajes, 132 de los cuales se organizan en seis competencias: Narrativo, Microcortos, Experimental, Videoclips, Series, Estudiantes de cine/Animación. Esta edición Cartón busca potenciar la exhibición de cine argentino por lo que cuenta con 117 producciones de origen nacional.

La función de apertura será el 6 de noviembre en el Centro Cultural de la Ciencia e incluirá la proyección del cortometraje recuperado Entre pitos y flautas (1941), de Quirino Cristiani, presentado por Raúl Manrupe, Héctor Cristiani, Juan Pablo Zaramella, Laura Gómez Gauna y Alejandra Portela. A través de esta proyección Cartón busca hacer dialogar al cine de animación contemporáneo con el cine de los pioneros. Además, esa misma noche también se pro-

yectarán los cortometrajes argentinos ganadores de la edición 2021: Te extraño (Geraldine Ratcliffe, 2’); Mr. Fear (Pablo Roldán, 4’); El Deshielo (Lucía López, Florencia Usuki, 3’); El Buitre (Santiago Colombo Migliorero, 3’); Me Quedo en Casa (Marcela Ruidiaz, Esteban Caggino, 1’); y Después del Eclipse (Bea Blankenhorst, 12’).

El miércoles 9 de noviembre, acompañando el Día de la animación argentina, todas las actividades de Cartón se trasladarán a la sede del IDAC. En la escuela de animación habrá, desde las 17hs proyecciones, charlas y la presentación de un videojuego.

PROYECCIONES ESPECIALES

El filántropo Mediometraje escrito, dibujado y dirigido por Román Cura y musi245 Mirá

calizado por Sofia Esparza. Con una técnica que se asemeja a los orígenes de la animación y nos recuerda al pionero Quirino Cristiani, la película presenta a un empresario sin escrúpulos que propone una urbanización llamada Pozo Esperanza. Se trata de un enorme agujero en el que las casas se agrupan en anillos cada vez más bajos a medida que se acercan al centro, como una suerte de versión urbanística de los círculos del infierno de Dante. Ante el despropósito que tal ocurrencia provoca, el empresario soborna a políticos, periodistas y miembros eclesiásticos para que lo apoyen ante la descontenta opinión pública. Duración: 48’. Martes 8 de noviembre, a las 21.30hs, en La Tribu Mostra Bar

Maratón de Vigía Planetario Presentación de esta miniserie web de cinco episodios creación de Daniel Duche y realizada íntegramente en animación tradicional. Sinopsis: El Vigía Planetario protege a los pueblos de la galaxia. Donde suceda una injusticia va a estar nuestro héroe para enfrentarla. Pero el cosmos es grande y el mal acecha en cada rincón. ¿Podrá con todas las amenazas? Jueves 10 de noviembre, a las 21.30hs, en La Tribu Mostra Bar

La retrospectiva que te parió. Magrio, 20 años En diciembre de 2001, en medio del caos reinante, un niño de 13 años llamado Magrio González presenta una de sus primeras animaciones en el programa “Zona Virtual” del canal “Magic

Kids”. Un año después comienza a subir sus primeros cortos a Internet. 20 años han pasado desde ese momento. Años en los que creó series como “Los Chingolitos”, “Cacho Alberto” y “Leguleyo”. Trabajó para dos largometrajes de Ayar Blasco (“El Sol” y “Lava”), con quien además realizó las haniasiones de “Chimiboga”. También ha participado como animador de series del canal UN3TV (“Jingleros”, “Las aventuras del corazón roto” y “Chack Morris Life”). Actualmente se encuentra realizando pequeños cortos llamados “Animouseones” y animando para “Tito Bilbao”, serie creada por Jona Dibujos para la plataforma FLIXXO.

Viernes 11 de noviembre, a las 23.30hs, en La Tribu Mostra Bar

ACTIVIDADES ESPECIALES Presentación del videojuego Qom “LAIDAXAI Y EL ÁRBOL

NEGRO" Daniela Fernández, reciente ganadora del Festival Comkids, conversará sobre el proceso creativo de este videojuego inspirado en relatos de la cultura Qom.

Miércoles 9 de noviembre, a las 18.30hs, en el Edificio Municipal Leonardo Favio – IDAC

El mundo animado en software libre Animadorxs con diferentes estilos y técnicas nos muestran sus experiencias trabajando y explotando las capacidades de las herramientas de Software Libre en sus realizaciones.

Participan: Geri Ratcliffe - Diego Rolle (Rosario) - Rodrigo del Pirros.

Jueves 10 de noviembre, a las 20hs, en La Tribu Mostra Bar

Primer Encuentro de Manga y anime en Cartón

Un recorrido por sus orígenes e Mirá

historia, así como una mirada al futuro de la animación japonesa con la participación de investigadores nacionales e internacionales. Disertantes: Analía Lorena Meo (Argentina), Salomé Romera (Argentina en Japón), Áurea Xaydé Esquivel Flores (México), Antonio Míguez Santa Cruz (España), Rolando José Rodríguez De León (Panamá), Wladymir Bernechea (Chile) y Martín Fernández Cruz (Argentina). Además, muestra de cosplay y charla con los artistas. Domingo 6 de noviembre, desde las 15hs, en el Centro Cultural de la Ciencia

PANTALLAS: Animación y diversidad para infancias libres ¿Qué sucede cuando no nos vemos representados al crecer? Prácticas culturales y creación de personajes diversos en el cine de animación. Infancias diversas y plurales desafiando los modelos preestablecidos. Viernes 11 de noviembre, a las 20hs, en La Tribu Mostra Bar

Cortos sobre diversidad Muestra compuesta por cortometrajes que compiten en las diferentes categorías y que abordan la temática de género y diversidad. Participan: Panchito y los Colores, de Ramón Vega (Venezuela); Anima, de Mahboobeh Mohammadzaki (Irán); Ah les Crocodiles, de Agathe Sénéchal, Elise Debruyne, Cérine Raouraoua, William Defrance y Agatha Sip; 1325 Kilometers 227 Days, de Gustavo de Almeida y Vitor Teixeira (Brasil); Una Cartera, de Daniela Miranda (Chile); y Dancefloor Whit Friends, de

Julie Robert y Juliette Peuportier (Francia).

Viernes 11 de noviembre, a las 20hs, en La Tribu Mostra Bar

Presentación del libro “Una historia secreta del dibujo animado en Argentina”, de Yiyo Adam Corre 1943. Un año antes en la Argentina, Dante Quinterno estrena “Upa en Apuros”, de técnica depurada. Disney cuenta en su haber con seis largometrajes y la animación no es ya un misterio. Pero desde las profundidades de un barrio de la ciudad, tres jóvenes compañeros de escuela dibujan 14 horas al día en un cuarto de 1,75m por 2m, durante meses. El objetivo: hacer una película de dibujos animados. Conocimientos de animación, ninguno. Financiación, inexistente. El despropósito de ponerse al hombro la titánica tarea de llevar a cabo semejante hazaña, nos hace reflexionar sobre el poder del deseo y la determinación para convertir en una realidad palpable los sueños. La historia de “Tres al pez”, es única por eso. Lunes 7 de noviembre, a las 20hs, en La Tribu Mostra Bar

Animar la publicidad Ana Martín, Sebastián Cantero y Enrique Santana exponen sobre la forma de trabajo cuando el foco no son los personajes sino convencer a la audiencia sobre un producto o servicio. El desarrollo de la idea en la preproducción desde el storyboard y animatics hasta el resultado final que llega a la pantalla. Miércoles 9 de noviembre, a las 20hs, en el Edificio Mun. Leonardo Favio - IDAC

SEDES FÍSICAS Y VIRTUALES

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