MiraBA 185

SUMARIO

Pág. 6 NOTICIAS / Pág. 20 LA MADRE con Cecilia Roth, Gustavo Garzón, Martín Slipak y Victoria Baldomir por Alelí Jait / Pág. 22 JORGE DREXLER EN CONCIERTO por Nicolás Isasi / Pág. 24 ENTRE REDES; Contar una historia actual y la de siempre / Pág. 28 Vuelve el ballet al Teatro Argentino con DON QUIJOTE / Pág. 30 NO TIENE UN DESGARRÓN, sobrevivir pese a todo por Irene Bianchi / Pág. 32 LA OBRA de Mariano Pensotti / Pág. 34 Clásica del Sur cierra su Temporada 2024 con MEFISTÓFELES / Pág. 36 PUCCINI CENTENARIO por Nicolás Isasi / Pág. 40 ERRANTE el film de Adriana Lestido / Pág. 46 LITERARIAS / Pág. 50 ARTES PLÁSTICAS / Pág. 60 MUSEOS/ Pág. 66 CARTELERA TEATRAL / Pág. 104 MÚSICA / Pág. 106 CINE.

Revista MiráBA N. 185 Diciembre 2024. Revista MiráBA es una publicación mensual de interés general.Director: Ángel Luís Díaz. e-mail: diazal@revistamiraba.com.ar Propietario: Angel Luís Díaz. Ciudad Autónoma de Buenos Aires. República Argentina. Versión digital Registro DNDA 5344536. ISSN 2344-9446 Los artículos firmados y las opiniones de los entrevistados no reflejan necesariamente la opinión de la editorial y/o dirección. El contenido de los avisos publicitarios es exclusiva responsabilidad de los anunciantes. Se permite la reproducción total o parcial del material gráfico o escrito publicado originalmente en la Revista MiráBA con expresa mención de la fuente. Revista MiráBA en Internet: www.revistamiraba.com. ar - www.miraba.com.ar Contacto redacción: redaccion@revistamiraba.com.ar Publicidad: publicidad@revistamiraba.com.ar Suscripción digital: suscripcion@revistamiraba.com.ar

MiráBA

¡Última función de Così fan tutte!

De W.A. Mozart y Lorenzo Da Ponte

La Compañía de Ópera del Departamento de Artes

Musicales y Sonoras de la Universidad Nacional de las

Artes (UNA) presenta este clásico de W.A. Mozart en una producción con puesta en escena, orquesta y coro. Se presenta junto a la Orquesta de Ópera y Teatro Musical del DAMus y el Coro Carlos López Buchardo.

Martes 3 de diciembre - 19 h Auditorio Julio García Cánepa del Departamento de Artes Musicales y Sonoras - DAMus (Av. Córdoba 2445, CABA) Entrada libre y gratuita por orden de llegada hasta agotar capacidad de la sala.

Pedro Alfonso hará este verano “Un

viaje en el tiempo”.

Se viene una nueva temporada y la comedia para toda la familia “Un Viaje en el tiempo” ya puso primera con Pedro Alfonso y Paula Chaves a la cabeza.

Debutarán el 25 de diciembre en el Teatro del Lago, Carlos Paz, como ya es una tradición en las sierras.

Pedro y Paula compartirán verano otro año con el actor y humorista Pachu Peña, la dirección estará a cargo de Diego Ramos y se suman al elenco: Viviana Saccone, Sebastian Almada y Noelia Marzol.

El libro está a cargo de Pedro Alfonso y Mechi Bove.

Con producción de Ezequiel Corbo y Federico Hoppe,

el elenco liderado por la pareja más querida del país ya comenzó los ensayos de

una historia que divertirá a toda la familia como cada temporada.

NOTICIAS

BRANDONI, BARBAROSSA, DAYUB, BONELLI en la inauguración de TEATRO MARIN

El pasado martes 5 de noviembre quedó inaugurado oficialmente el Teatro Marin de San Isidro, que contará con la dirección del productor teatral Gustavo Ferrari de ROMA Produce y el reconocido actor Luis Brandoni es el padrino de la sala que cuenta con 833 butacas.

“Esto es algo novedoso para mi, lo cual no es poco a esta altura de mi vida. Este padrinazgo me llena de orgullo, y mucho más porque no lo esperaba. Los vecinos de San Isidro van a tener la posibilidad de ver los mejores espectáculos que se dan en otras salas de todo país, con los mejores actores y grandes producciones. Hay que apoyar el teatro”, manifestó Brandoni luego de cortar la cinta y descubrir la placa en su honor.

Con la presencia de figuras de la escena nacional como Georgina Barbarossa, Mauricio Dayub, Andrea Bonelli, Nacho Gadano, Nicolas Scarpino, Roberto Antier, Pompeyo Audivert, Susan Ferrer, Noelia Marzol, Sergio Gonal, Marcelo Mazzarello, Ana María Cores, Judith Gavanni, Maxi Romero, Erik Ferreyra, Pablo Agustin, Monica Salvador, el director Manuel Gonzalez Gil, se realizó la apertura oficial del teatro que desde el 17 de noviembre comienzó con la programación oficial de espectáculos con “Maestra Normal” de Juan Pablo Geretto.

El evento recibió el apoyo de productores teatrales representados por Carlos Rottemberg, referente del mundo teatral, Jorge Taiana, Chino Carreras, Braian Gonzalia, Gabriel Garcia, Ariel Perrotti, entre otros. La

presencia de los periodistas

Pablo Sirven y Adrian Pallares y del intendente de San Isidro Ramon Lanus, además la presencia de Leo Cifelli, Secretario de Cultura de la Nación y Andres Sensini, director de la institución Colegio Marin.

Por su parte, Gustavo Ferrari agradeció a todos los presentes y a todos los artistas y productores que ya están en contacto con él para llevar diferentes espectáculos al nuevo teatro de San Isidro, un espacio que le permitirá a los vecinos disfrutar de la cultura. También destacó el trabajo de la puesta en valor edilicia a cargo de Ariel Aidelman.

Cabe destacar que las entradas de las funciones estarán bajo la venta de Ticketek y que el teatro cuenta con estacionamiento propio para 200 vehículos.

NOTICIAS

Emotiva Inauguración de “Pimpinela Dúo Iluminado” en el Club Obras Sanitarias.

En noviembre pasado en el histórico Club Obras Sanitarias (Avda. del Libertador 7395, Ciudad Autónoma de Buenos Aires), se vivió una ceremonia cargada de emoción y recuerdos con la inauguración de la escultura de hierro *”Pimpinela Dúo Iluminado”*. La obra, creada por el reconocido artista plástico argentino Alejandro Marmo, rinde homenaje a la trayectoria de Lucía y Joaquín Galán y ya adorna la entrada del club como símbolo de su legado cultural.

La escultura, de 2 metros de alto por 2,5 metros de ancho, forma parte de la serie dedicada a la música argentina del siglo XX y refleja el característico

estilo de Marmo, basado en siluetas de hierro. Durante el evento, Marmo describió su creación como “una metáfora poética y social que reconoce la trayectoria de Pimpinela, su rebeldía y su impacto en la identidad inmigrante y el alma de Argentina”.

En medio de la emotividad de la noche, surgió un recuerdo imborrable: el de Diego Maradona, quien estuvo presente en el primer show de Pimpinela en Obras, allá por 1983. Lucía y Joaquín revivieron ese momento especial, cuando apenas minutos antes de subir al escenario les informaron que el ídolo había llegado con su familia. Con el tiempo justo, le prepararon 12 sillas para su grupo, y el propio Diego subió al escenario para compartir ese instante, regalando

una de las imágenes más recordadas de aquel debut.

Como solo Diego podía hacerlo, su presencia se sintió una vez más, en esta ceremonia histórica. Poco antes de la revelación de la escultura, mientras los fans cantaban a capela los grandes éxitos de Pimpinela y los medios aguardaban, ocurrió algo mágico. Lucía y Joaquín, parados junto a una pared en el interior del club, notaron un detalle inesperado: el autógrafo de Maradona, aún visible, como si él mismo se hiciera presente desde algún plano no terrenal para darles su apoyo.

“Es como si Diego nos estuviera diciendo que sigue acá, como en aquel primer show, dándonos su buena fortuna”, comentó Joaquín conmovido.

El evento culminó con el aplauso de los presentes y el descubrimiento de ¨Pimpinela Dúo Iluminado, una obra que simboliza no solo la grandeza del dúo, sino también la memoria viva de aquellos momentos y personas que marcaron su camino.

En medio de la emotividad de la noche, surgió un recuerdo imborrable: el de Diego Maradona, quien estuvo presente en el primer show de Pimpinela en Obras, allá por 1983. Lucía y Joaquín revivieron ese momento especial, cuando apenas minutos antes de subir al escenario les informaron que el ídolo había llegado con su

familia. Con el tiempo justo, le prepararon 12 sillas para su grupo, y el propio Diego subió al escenario para compartir ese instante, regalando una de las imágenes más recordadas de aquel debut.

El evento culminó con el aplauso de los presentes y el descubrimiento de ¨Pimpinela Dúo Iluminado, una obra que simboliza no solo la grandeza del dúo, sino también la memoria viva de aquellos momentos y personas que marcaron su camino.

El dúo de hermanos más emblemático de la música en español, Pimpinela, se presentó el pasado 26 de

octubre y volverá al Movistar Arena el 24 de noviembre, ambos shows con entradas agotadas.

AGENDA DE SHOWS “SIEMPRE JUNTOS TOUR 2024”

22 de Noviembre - Espacio Quality - Córdoba, Argentina 24 de Noviembre - Movistar Arena - Buenos AiresArgentina

29 de Noviembre - Antel Arena- Montevideo, Uruguay

6 de Diciembre - Arena Maipú - Mendoza, Argentina

MP Comunicación

María Peluffo maria@mariapeluffo.com

NOTICIAS

Revista MARIMBA ingresó en el Archivo Histórico de Revista Argentinas (AHIRA).

Hace unos meses que “Marimba” fue digitalizada merced a los oficios de Guillermo Korn, uno de los gestores de AHIRA (Archivo Histórico de Revistas Argentinas). La revista que supo ser orgullosamente analógica hoy puede ser consultada por quien quiera en el link https://ahira.com.ar/ revistas/marimba/

Para celebrar la digitalización, se hizo una charla abierta con Mariano del Mazo, Guillermo Pintos, Sergio Pujol y Diego Fischerman el pasado sábado 30 de noviembre, a las 16 h, en la Casa de la Cultura, Avenida de Mayo 575 (CABA). Como cierre, se presentó el pianista Nicolás Guerschberg.

¿Qué fue Marimba?

En esencia, un milagro. Comenzó como un desprendimiento de Ibermúsicas, que en ese momento dependía de la entonces Secretaría de Cultura de la Nación, y luego continuó con el

apoyo del Ministerio de Cultura. Quisimos reflejar la exuberancia cultural de América latina y, de alguna manera, saludablemente, todo se nos fue de las manos. Sus editores fueron, en algunos casos alternativamente, Irene Amuchástegui, Andrés Casak, Norberto Chab y Oscar Finkelstein. El diseño fue de Carlos Salatino y la edición fotográfica de Alejandro Lipszyc.

Su título remite a un instrumento de percusión -la marimba- inventado por Marimbo, un esclavo africano y su esposa Lugarda, de origen oaxaqueño.

En sus páginas escribieron Luis Chitarroni, Marcos Mayer, Sergio Pujol, Violeta Weinschelbaum, Juan Trasmonte, Yumber Vera Rojas, Marcelo Pavazza, Guillermo Saavedra, Santiago Giordano, Ricardo Salton, Juan José Becerra, Diego Fischerman, Mauro Apicella, Leandro Donozo, Mónica Maristain, Gustavo Varela,

Micaela Ortelli, Martín Pérez, Sandra de la Fuente, Lorena García y Laura Falcoff. Las fotografías fueron de Guido Piotrkowski, Carlos Furman, Rodrigo Ruiz Ciancia, Eunice Adorno y Leo Vaca. Salió publicada entre octubre de 2013 y diciembre de 2015.

Sus cuatro portadas condensan una búsqueda sintetizada en los retratos de Discepolín, Maria Bethânia, Mercedes Sosa y Martha Argerich. Pero también hay entrevistas a Djavan, Hugo Fattoruso, Cergio Prudencio, Fernando Cabrera, Agustín Guerrero, José Luis Castiñeira de Dios, notas, informes, rescates (Lolita Torres, Lhasa de Sela, Leonardo Favio, la familia Parra, Agustín Barrios, Astor Piazzolla), ensayos fotográficos, comentarios de libros, novedades discográficas, información sobre sitios web dedicados a la música de la región.

Prensa: Karina Nisinman karina.nisinman@gmail.com http://karinanisinman.com

NOTICIAS

Ludmila

Fernández y Alejandro Kalinoski en el C.C.BORGES

La cantante Ludmila Fernández se une al destacado pianista Alejandro Kalinoski para celebrar a las grandes referentes del jazz vocal: Billie Holiday, Ella Fitzgerald, Sarah Vaughan y Carmen McRae.

Miércoles 4 de Diciembre 19h. CON ENTRADA GRATUITA en CENTRO CULTURAL BORGES

Salón Astor Piazzolla Viamonte 525, CABA. https://centroculturalborges. gob.ar/ Las entradas se retiran desde 1 hora antes de la función en Informes (primer piso). Se entregan hasta dos entradas por persona. El ingreso a la sala es por orden de llegada.

Ludmila Fernández, Bio:

Desde sus inicios como solista y como invitada de importantes músicos y agrupaciones, Ludmila Fernández abarca en su repertorio arreglos de standards de jazz, boleros, música argentina y de Brasil. A lo largo de su carrera, ha recibido elogios y reconocimiento de diversos periodistas especializados de los medios más importantes del país, entre los que se destacan Armando Rapallo,

Nano Herrera, Carlos Inzillo, Cesar Pradines, Pablo Gianera, Mariano del Mazo, Gabriel Senanes, Mauro Apicella, Diego Curubeto y Cristian Vitale. Se han publicado crónicas y críticas de sus discos y trabajos en vivo en la prensa gráfica: Página 12, Clarín, La Nación, Ámbito Financiero; en diversas radios y en medios digitales, como la revista online Argentjazz, entre otros. Ludmila cuenta con tres discos solistas: “Now’s the time”(2000), “Diverso”(2008) y “Blossom in Swing” (2018).

Alejandro Kalinoski, Bio:

Pianista, compositor y arreglador que se ha presentado en los principales escenarios de nuestro país integrando diferentes formaciones de jazz. Ha

tocado con destacados músicos como Jorge Anders, Ricardo Lew, Carlos Michelini, “Pipi” Piazzolla, Gustavo Bergalli, Alfredo Remus, Bernardo Baraj, Daniel D’Alcantara (Brasil), Rex Richardson (USA), entre muchos otros. Ha participado también en numerosos festivales de música en Argentina y en el exterior (Francia, España, Alemania, Suiza, Estados Unidos, Brasil, Paraguay y Uruguay). En 2003 ganó el Primer Premio en el Concurso de Composición de Temas de Jazz patrocinado por la empresa Metrovías S.A. Ha participado como pianista y arreglador en grabaciones de diversos artistas argentinos. Su disco “Check In”, grabado junto a Mauricio Dawid en contrabajo y Nicanor Faerberg en batería, dos talentosos músicos de la escena local, contiene composiciones originales y standards de jazz.

Instagram:

@ludmilacantajazz

@alejandrokalinoski

Facebook:

Ludmila Fernández Jazz

Alejandro Kalinoski

Canal Youtube:

Ludmila Fernandez

Alejandro Kalinoski

PRENSA

Yamila de la Fuente yamiladlf@gmail.com

NOTICIAS

Declararon “De

Interés

Cultural”

a las actividades de Clásica del Sur

La Legislatura de Buenos Aires declaró “De Interés Cultural” las actividades de la Compañía Artística Clásica del Sur, que anuncia su Temporada 2025.

El reconocimiento fue llevado a cabo el pasado martes 19 de noviembre en el palacio legislativo porteño, en un acto en el que también recibieron diplomas las madrinas y padrinos de la compañía y durante el cual fueron interpretados fragmentos de grandes títulos de la ópera.

Las actividades de la Compañía Artística Clásica

del Sur, creada por el director y pianista César Tello, fueron declaradas “De Interés Cultural” por la Legislatura de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires, en reconocimiento a su contribución al desarrollo y difusión de la ópera y la música clásica en el país.

Durante el acto, realizado este martes 19 de noviembre en el Salón Dorado del Palacio legislativo porteño, que contó con la presencia de integrantes de la compañía y funcionarios de la Ciudad, la legisladora Jessica Barreto, impulsora de la iniciativa, destacó la tarea que Clásica del Sur

desarrolla en tiempos “muy difíciles para la cultura”.

En el mismo sentido se expresó Roy Cortina, ex diputado y actual subsecretario de Políticas Culturales de la Ciudad de Buenos Aires, al repasar la historia de la asociación y la resaltar la importancia que el arte lírico tiene en el marco de las propuestas culturales locales, ratificando la necesidad de apoyar desde la gestión pública los emprendimientos artísticos como el motorizado por Tello.

A su turno, y tras la lectura de la Declaración

492/2024, que determina “Decláranse de Interés Cultural de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires a las actividades de la compañía artística Asociación Civil ‘Clásica del Sur’”, su director compartió su emoción por el reconocimiento y su convicción en torno a la necesidad de continuar apostando al desarrollo de las expresiones culturales y a la producción artística.

En ese orden, apuntó a los vaivenes de las políticas públicas en el área cultural y resaltó la necesidad de “seguir adelante, con políticas, sin políticas, con creatividad y mucha energía”. “Es la única forma; si no, no hubiésemos llegado a esto”, agregó Tello, quien destacó la relevancia del equipo que conforma la compañía.

Enseguida, el coro, parte esencial de ese entramado de artistas que incluye también a músicos, vestuaristas, escenógrafos y directores de escena, entre otros, le puso música al encuentro con la interpretación del Aria de Magda, de la ópera La Rondine de Puccini; el sexteto de la ópera Lucía di Lammermoor, el aria Vissi d arte, de la ópera Tosca, la escena de La Noche de Saba de la ópera Mefistíofeles, y el Brindis de La Traviata, del genial Giuseppe Verdi.

A lo largo del miniconcierto

aportaron también sus voces en carácter de solistas Eugenia Coronel Bugnon, María Castillo de Lima, Marcelo Reynes, Bruno Sciaini y Nicolás Sánchez, entre otros, en tanto el maestro César Tello ejerció la conducción desde el teclado.

El acto se completó con la entrega de diplomas de reconocimiento a las madrinas y padrinos de Clásica del Sur: las sopranos María Castillo De Lima y Verónica Cangemi, ausente con aviso, y el barítono Omar Carrión; y los periodistas Cecilia Scalisi y Guillermo Lobo, presente a través de un video; además de Jesús Barbosa, María Teresa Neira, Adriana Rodríguez, Cristian Lacoste y Graciela Romer, quienes desde su ejercicio profesional en diferentes disciplinas acompañaron y acompañan el trabajo de la compañía.

Cada uno a su tiempo hizo hincapié en el trabajo sostenido de Clásica del Sur a lo largo de los últimos 10 años, con un acento especial puesto tanto en la promoción de nuevos talentos de la lírica local, la convocatoria de nuevos públicos, como en la conexión y la extensión de la obra de la asociación artística al ámbito del trabajo social, con un particular compromiso orientado a

la salud de los niños. Finalmente, Juan Carlos Montamat, a cargo del área de la producción ejecutiva de Clásica, expresó su agradecimiento al Sindicato de Luz y Fuerza, que desde los inicios de las actividades reconocidas ayer por la Legislatura, pone a disposición su sala para que la compañía desarrolle la mayoría de sus puestas estrenadas a lo largo de la última década y a diferentes entidades y empresas que apoyan la titánica tarea de desarrollar un proyecto artístico independiente de ópera en la Argentina, con todo el esfuerzo que eso supone.

Compañía Artística

Clásica del Sur

Temporada 2025

Carmen (Georges Bizet)

Teatro Avenida - 9, 10, 16 y 17 de mayo

Requiem (Giuseppe Verdi) Iglesias de Buenos AiresJulio

Carmina Burana (Carl Orff)

Masonería ArgentinaSeptiembre

Turandot (Giacomo Puccini)

Teatro AvenidaNoviembre

Arte prensado

Prensa y comunicación

Eduardo Slusarczuk eduardo.slus@gmail.com

NOTICIAS

Presentación oficial del Tintoretto del Museo Provincial de Bellas Artes Emilio Pettoruti.

El Instituto Cultural de la Provincia de Buenos Aires y el Museo Provincial de Bellas Artes Emilio Pettoruti realizaron el pasado viernes 29 de noviembre la presentación oficial de “Retrato de Melchior Michael”, la obra del patrimonio del Museo que recientemente confirmó su atribución al taller del famoso artista italiano Tintoretto.

La presentación se realizó en el foyer del primer piso del Centro Provincial de las Artes Teatro Argentino (Av. 51 e/ 9 y 10- La Plata) y en el marco de la apertura de PLATEADA, la feria de arte contemporáneo que organiza el Museo. La obra podrá visitarse con guía a partir del viernes, el sábado y el domingo de 16:00 a 20:00 h.

conservado en el Museo Pettoruti pertenece al taller de Jacopo Comin “Tintoretto”, uno de los artistas más importantes de la Venecia del siglo XVI.

En la presentación se dio a conocer la apasionante historia de una obra de casi quinientos años que viajó de la Venecia del Renacimiento hasta La Plata, capital de la provincia de Buenos Aires, cómo se hizo la atribución y qué tiene de particular este increíble descubrimiento.

“Retrato de Melchior Michael” obra donada al Museo por Sara Wilkinson de Santamarina en 1932 permaneció durante casi cien años entre dudas e investigaciones y no fue hasta 2020 cuando se reunieron las

pruebas necesarias para construir la atribución que reúne a una de las obra más antiguas del Museo con la firma de un artista que posee pinturas entre las principales colecciones de arte del mundo.

Hace pocas semanas, gracias a un trabajo mancomunado entre el Instituto Cultural y el CONICET La Plata, se confirmó que el retrato

Además el mismo viernes se realizó la apertura de la segunda edición de “Plateada” la Feria de Arte Contemporáneo Bonaerense, que se celebra los días 29 y 30 de noviembre, y 1 de diciembre en la Sala Pettoruti del Teatro Argentino.

Museo Provincial de Bellas Artes Emilio Pettoruti

5 n° 525, La Plata https://www.gba.gob.ar/ museo_pettoruti https://www.facebook.com/

La Madre

por Alelí Jait

alelijait@gmail.com

En diciembre se despide la obra que marca el regreso de Cecilia Roth a los escenarios porteños junto a Gustavo Garzón, Martín Slipak y Victoria Baldomir en el Teatro Picadero, Pasaje Santos Discépolo 1857, Ciudad Autónoma de Buenos Aires, con funciones de

jueves a domingos.

En un rol protagónico que produce un sinfín de sensaciones -tales como empatía, rechazo, complicidad y confusiónCecilia Roth transita las emociones de una mujer que encuentra vacío su lugar de

madre e intenta reacomodar su identidad desfasada.

La obra se apoya en las actuaciones por demás orgánicas del elenco que logra mantener una difícil historia dado que no es fácil digerir el conflicto que plantea. Para ello, la 20 MiráBA

dirección de Andrea Garrote es fundamental.

La depresión, el desapego, la alucinación de una madre que ve y palpita cómo va perdiendo su maternidad, su matrimonio y el modo en que conoce habitar un mundo que siente expropiado. De allí la fantasía y el delirio que se basa en la repetición y en la deformación de lo que sucede a su alrededor.

Entonces la vivencia se vuelve un loop de escenas como en un paisaje onírico que con el correr de los minutos se va transformando en la pesadilla de una mujer que no puede sostener sus inconsistencias.

Es dura, es cruel y, por momentos, innecesaria la trama de la obra que desnuda los pensamientos vueltos acto de un sujeto que va perdiendo aquello que la sujetaba al mundo, su maternidad. No por una tragedia sino por el natural desenvolvimiento de la vida, por la adultez, por la libertad del hijo.

Así, la obra devela cómo los modos de ser madre pueden desencadenar la locura cuando los vínculos que se tejen no son sanos y el amor por el hijo es el único objetivo vital que arrastra todas las facetas de una persona que ya no puede situarse ni como mujer, ni como esposa y se convierte en la peor versión de sí misma.

M. Slipak, C. Roth, G. Garzón y V.

La obra del dramaturgo francés Florian Zeller forma parte de la trilogía El Padre, El Hijo y La Madre que fue protagonizada por Isabelle Huppert en 2019.

Ficha técnica

Dramaturgia: Florian Zeller. Dirección: Andrea Garrote.

Versión: Fernando Masllorens y Federico

González del Pino.

Elenco: Cecilia Roth, Gustavo Garzón, Martín

Slipak y Victoria Baldomir

Asistente de dirección: Luna

Pérez Lenning.

Diseño de Vestuario: Ana

Markarian.

Asistente de vestuario: Jorgelina Pineda.

Diseño de Escenografía: Micaela Sleigh. Diseño de Iluminación: Agnesse Lousupone. Diseño

Gráfico: Martin Gorricho. Fotografía: Alejandra López. Productores ejecutivos

Bárbara Rapoport y Luciano Greco

Andrea Garrote

Dirección de producción

Sebastián Blutrach

Producción General: Sebastián Blutrach y Faroni Producciones. Comunicación en redes: Bushi Contenidos. Prensa: SMW

Teatro: Picadero

Dirección: Pasaje Santos Discépolo 1857

Funciones diciembre: Jueves 5 y 12 - 20 h. Viernes 6 y 13 - 20 h. Sábados 7 y 14 - 20 h. Domingos 1, 8 y 15 - 18.30 h.

Localidades: boletería del teatro o por plateanet.com

Elenco:

Baldomir.

MiráBA 21

VOZ, DERRUMBE Y GUITARRA JORGE DREXLER EN CONCIERTO

Por Nicolás Isasi @isasi.nick

El músico uruguayo Jorge Drexler presentó su nuevo espectáculo titulado “Voz y Guitarra” donde repasó las últimas décadas de su trabajo discográfico. La fecha inicial del concierto estaba prevista para inicios de noviembre, pero debido al fallecimiento de su padre Günther Drexler con 89 años en Montevideo, el cantante suspendió la gira europea de inmediato para regresar con urgencia a Uruguay.

La fecha fue pospuesta para finales del mismo mes en la Sala Suggia de la Casa da Música, un edificio emblemático creado por el arquitecto Rem Koolhaas a propósito del evento Oporto Capital de la Cultura 2001 e inaugurado en 2005. Pasadas las 21h, con un traje blanco y dos asistentes que ayudaban en la parte técnica de sonido y luces, Drexler tomó la guitarra y dio inicio a la velada.

Uno de los aspectos que ayudó a romper el hielo con el público presente, fue que habló prácticamente todo el tiempo en portugués, pese a que gran parte de la audiencia era hispanohablante. Sin embargo, fue un detalle que sumado al carisma en el escenario sirvió para contrarrestar las letras de

sus canciones que en su mayoría están en castellano. Un concierto íntimo con características mínimas: un par de minúsculas cámaras instaladas al borde de los atriles funcionaban como un plano paralelo proyectado en una pequeña pantalla al costado del músico en blanco y negro. La iluminación era muy sencilla, intercalando un estridente contraluz estilo estadio que encendía la platea frente a momentos aún más íntimos de lo que el espectáculo mismo presentaba, con luces puntuales casi en penumbras. En uno de esos momentos incluso dejó que el público pidiera alguna canción como si se tratara de una peña de campo. Si bien fue un momento descontracturado, los oyentes lo pusieron a prueba con temas que el músico ya no tocaba hace años o no tenía ensayados, pero que improvisaba con acordes o pasajes y se ayudaba con la letra que alguien le soplaba desde la platea.

Galardonado en diversas ocasiones durante la última década, Drexler cuenta con catorce álbumes de estudio, un Oscar por la canción de la película Diarios de motocicleta de Walter Salles y 15 premios Grammy Latinos incluyendo los dos ganados en las categorías «Mejor Canción de Cantautor» y «Canción del Año» con su tema Derrumbe en la última ceremonia celebrada en Miami unos días antes del

concierto donde aprovechó para dedicarlos a su padre Günther Drexler. Según el propio Jorge “la canción cuenta una historia triste. Un amor que se desmorona ante los ojos impotentes de sus protagonistas. No me pareció que estuviera a la altura de la brillantez del álbum, pero me sigue gustando mucho y estoy muy orgulloso de la forma en que las imágenes describen una situación por la que tantas parejas pasan en algún momento”. En el concierto de Oporto, también le dedicó la canción Bolivia por tratarse del único país que recibió a su padre, un reconocido otorrinolaringólogo judío de origen alemán, cuando escapaba de Alemania.

Si bien hubo música de diversos álbumes, en las dos horas de duración de este concierto pequeño en sala grande, el hecho de no tener otros músicos

o cantantes hacía que se tornase repetitivo, como un gran loop de momentos en donde diversas canciones parecían formar parte de una misma. Por eso mismo, la interacción y participación con el público fue crucial de inicio a fin. Es allí donde Drexler aprovechó a explicar anécdotas de la composición o algún detalle del porqué de letras que constantemente hacen alusión a la física, el amor o la política. Entre los temas que el público más participó se encontraron Todo se transforma, Telefonía y en el final, el clásico más famoso de su discografía que todos estaban esperando y que en Argentina se hizo famoso por una publicidad de sopas: Me haces bien.

El uruguayo, fuera del micrófono central, terminó cantando directamente a cappella con la audiencia a coro, aprovechando la buena acústica de la sala para cerrar una noche otoñal en Oporto.

MiráBA 23

Entre Redes

Contar una historia actual y la de siempre

Una producción del Conservatorio Piazzolla

El Conservatorio Superior de Música Astor Piazzolla presenta Entre Redes, una producción integral que reúne a docentes, estudiantes y diversas carreras de la institución. Con autoría y dirección de Fernando Albinarrate, destacado compositor y docente del Conservatorio, la obra fue concebida especialmente para el Ensamble de Percusión del Piazzolla y contará con más de 100 músicos en escena, incluidos Pablo Mainetti, Anahí Scharovsky, Marina Calzado Linage, la carrera de Producción Musical y el Coro del Piazzolla, bajo la dirección de Miguel Ángel Pesce.

El Conservatorio Superior de Música Astor Piazzolla,

dependiente del Ministerio de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires, reconocido por su prestigio y dedicación a la formación de músicos profesionales, invita el próximo 5 de diciembre a las 20 horas a un evento único en el Auditorio Nacional del Palacio de la Libertad. Con entrada libre y gratuita, el Ensamble de Percusión del Piazzolla con la dirección de Marina Calzado Linage junto a destacados docentes, estudiantes y el coro de la institución, presentará un programa innovador, con diversidad de ritmos y texturas, que promete llevar al público por una experiencia sonora impactante.

Estreno de Entre Redes, un poema sinfónico

Con más de 100 músicos en escena, se estrenará la obra Entre Redes, compuesta especialmente para el Ensamble de Percusión del Piazzolla por el reconocido compositor y profesor de la casa Fernando Albinarrate. Esta obra presenta una instrumentación innovadora que incluye timbales, marimba, vibráfono, glockenspiel, batería y accesorios. Destacados docentes del Piazzolla se suman como solistas: Pablo Mainetti (bandoneón), Marina Calzado Linage (marimba), Andrea Croce (guitarra) y Gonzalo Lizama (piano). También se suma la reconocida soprano Anahí Scharovsky, aportando su talento como solista invitada, el Coro del Conservatorio

Piazzolla, dirigido por el Prof. Miguel Ángel Pesce, y el narrador Agustín Daulte.

La puesta escénica cuenta con entrenamiento actoral a cargo del docente Luis Gianneo, mientras que la coordinación de la producción musical estará en manos de Ezequiel Kosiner Blanco, otro referente de la casa, acompañado por estudiantes de la carrera.

Esta obra amplía la percepción de la percusión como disciplina al incorporar estilos que abarcan desde lo clásico hasta lo contemporáneo, ofreciendo una reflexión profunda sobre la conexión humana y las dinámicas sociales.

Un proyecto que surge del Piazzolla

Entre Redes tiene su origen en una propuesta de la directora del Conservatorio, Marina Calzado Linage, al compositor y docente Fernando Albinarrate, quien creó esta obra especialmente para el Ensamble de Percusión del Piazzolla. Lo que comenzó como una colaboración puntual se transformó en un proyecto interdisciplinario que reúne a diversas carreras y áreas de formación de la institución.

Desde la composición, la producción musical, hasta la puesta en escena, Entre Redes se consolidó como una plataforma única donde estudiantes y docentes colaboran, experimentan y construyen una obra

que trasciende lo musical, reafirmando el compromiso del Conservatorio con la innovación y la excelencia artística.

Sobre Entre Redes

Entre Redes es una obra de diversidad musical que combina distintas fuentes sonoras y estilos para narrar una historia universal: la interdependencia humana. En un mundo moldeado por redes visibles e invisibles —sociales, laborales, familiares—, la obra invita a reflexionar sobre estas conexiones desde perspectivas que abarcan la violencia y la paz, la opresión y la fraternidad.

En palabras de Albinarrate:

“Las redes pueden ser asfixiantes, pero también fraternas: la red de la fraternidad es posible si dejamos que avance sobre la violencia”.

Este poema sinfónico trasciende lo musical, explorando narrativas que conectan lo cotidiano y lo trascendental en pos de contar una historia actual y de siempre.

Percusión del Piazzolla

Información clave:

Entrada: Libre y gratuita Lugar: Auditorio Nacional del Palacio Libertad, Sarmiento 151, CABA

Hora: 20:00 h

Fecha: 5 de diciembre

Acerca de Fernando

Albinarrate

Fernando Albinarrate es un compositor, autor teatral, director de orquesta y pianista argentino-francés, reconocido por su trabajo en el teatro musical y la música vocal. Su obra más destacada como autor es Ni con perros ni con chicos, producida por el Teatro Nacional Cervantes, que le valió el Premio Argentores y el Premio ACE 2016. Además, su comedia musical Siempre quise ser Bette Davis ganó el Premio Hugo 2014 a la mejor obra unipersonal musical.

En el ámbito operístico, Albinarrate ha estrenado varias obras, como las óperas infantiles Le Chat Botté y El Calzón del Rey, esta última transmitida en vivo por la Televisión Pública Argentina. También destacan sus producciones Les Chansons de Gavroche y La Foret Mouillée, que le valieron reconocimientos internacionales.

A lo largo de su carrera, ha trabajado con destacados artistas y ha estrenado en importantes escenarios de u

Argentina, Francia, Rusia y otros países. Entre sus últimos trabajos se encuentra el musical El Puente Azul, estrenado en 2017 en el CC25 de Mayo.

Acerca de Marina Calzado Linage

Directora del Conservatorio Superior de Música de la Ciudad de Buenos Aires “Astor Piazzolla” .

Directora y creadora de los Ensambles de Percusión de Universidad Nacional de las Artes (DAMus), Conservatorio Astor Piazzolla y Juan José Castro y profesora de percusión en estas instituciones.

Licenciada en Música -I.U.N.A., Egresada del “Conservatorio Carlos Lopez Buchardo” en piano y percusión, Contadora Pública U.B.A, perfeccionándose en Brasil y E.E.U.U.

En calidad de solista se ha presentado acompañada por la Orquesta Sinfónica de Entre Ríos, Orquesta de música Argentina “ Juan de Dios Filiberto”, Orquesta Sinfónica

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de la Radio y Televisión Pública, Orquesta Sinfónica de Olavarría, entre otras.

Como intérprete ha desarrollado su actividad como solista y en música de cámara, en el país y en el exterior siendo sus trabajos discográficos su CD solista “Marimba de Buenos Aires”, Caminos Argentinos (Radio Nacional Clásica) y “Chasca” de Enrique Mario Casella (Tradition), entre otros.

Productora y conductora de “Con bombos y platillos” en Radio Nacional Clásica (20202023) y es directora artística del Encuentro de Ensambles de Percusión Buenos Aires desde 2010.

Acerca del Ensamble de percusión del Conservatorio Astor Piazzolla

El Ensamble de percusión del Conservatorio Astor Piazzolla fue creado en el 2003 a propuesta de su directora Marina Calzado Linage. Está integrado por alumnos de todos los niveles del Conservatorio, constituyendo un espacio de formación profesional de estos jóvenes percusionistas.

Ha contado con la participación como directores invitados de Fabián Bermann, Lucio Bruno Videla, Darío Ingignoli, Hernan Sánchez Arteaga, Alfredo Corral, Gustavo Codina, Carlos Calleja, Diego Lurbe, Miguel Pesce , Camilo Santoestefano , Cesar Bustamante y Salvatore Caputo.

Se ha presentado en prestigiosas salas de nuestra ciudad: Teatro Colón, Biblioteca Nacional, Legislatura de Buenos Aires, Colegio Nacional de Buenos Aires, Facultad de Derecho UBA, Centro Nacional de Música, Facultad de Medicina UBA, Teatro 25 de mayo, Usina del Arte, CCK y Teatro Gran Rex, entre otras.

Participó del Dia de la Percusión organizado por Percusive Art Society, del Encuentro de Percusión -UNLA, del Encuentro Internacional de Ensambles de Percusión del Conservatorio “Astor Piazzolla”, del X Festival de Percusión “Arte a Palos”, de la Noche de los Museos de la Ciudad De Bs As. Asimismo se ha presentado en el Ciclo de “Conciertos del Mediodía “del Mozarteum Argentino junto con la Agrupación Coral Lagún Onak interpretando Carmina Burana de Carl Orff y en el estreno argentino de The Desert Music de Steve Reich junto a la agrupación coral Musicaquantica bajo la dirección de Camilo Santoestefano. Ha participado del CD de la ópera argentina“Chasca” de Enrique Mario Casella, sello Tradición. Participó del estreno latinoamericano de la ópera “Pulgarcito “de H. Henze junto al Coro de Niños del Teatro Colón bajo la dirección de Cesar Bustamante.

PRENSA

Gabi Levite Prensa gabilevite@hotmail.com

TEMPORADA ARTÍSTICA 2024

Vuelve el ballet al Teatro Argentino con “Don Quijote”

El Ballet y la Orquesta

Estables brindarán seis funciones de esta célebre obra que se ofrecerá en una gran producción realizada íntegramente en los talleres del Teatro y con 70 artistas en escena. Estos espectáculos forman parte de la agenda impulsada por el Instituto Cultural de la Provincia de Buenos Aires. Las entradas serán gratuitas con reserva online.

El ballet “Don Quijote” -con música de Ludwig Minkus

Participarán el Ballet

Estable que conduce María Fernanda Bianchi y la Orquesta Estable, dirigida en esta oportunidad por Diego Censabella.

Los roles protagónicos estarán a cargo de Nadia Osorio (6 y 20), Aldana Percivati (7 y 21) y Romina Panelo (19 y 22) como Kitri y Miguel Ángel Klug (6 y 20), Santiago Rojas

y Vasili Soloviev-Sedoy y reposición y adaptación coreográfica de Viktor Filimonov (basada en los originales de Marius Petipa)se presentará el viernes 6 de diciembre, a las 20, en la Sala Alberto Ginastera del Centro Provincial de las Artes Teatro Argentino, ubicado en la avenida 51 entre 9 y 10. Habrá nuevas funciones el sábado 7, jueves 19, viernes 20 y sábado 21 de diciembre, a las 20, y el domingo 22, a las 18. Estos espectáculos se incluyen dentro de las actividades programadas por el Instituto Cultural de la Provincia de Buenos Aires.

(7 y 21) y Emanuel Gómez (19 y 22) como Basilio. Los demás papeles serán asumidos por distintos integrantes del Ballet Estable del Teatro Argentino

La escenografía le corresponde a Augusto González Ara, el vestuario a Eduardo Caldirola y la iluminación a Esteban Ivanec.

Este espectáculo contará, entre integrantes del Cuerpo de Baile y figurantes, con más de 70 artistas en escena y constituye una gran producción de la que participaron todas las Secciones Técnicas del Teatro Argentino para elaborar

-entre otros elementos-, tres grandes telones pintados de 10 X 20 m., dos grandes molinos de viento con sus aspas, casas con sus tejados, una gran chimenea, rejas de 3 m. de alto X 5 m. de largo, adaptación de más de 130 trajes para los diferentes personajes, 28 tocados de flores y 10 collares.

Para las funciones de los días viernes 6 y sábado 7, las entradas gratuitas, con reserva online, se podrán obtener a partir del miércoles 4, desde las 12, y para las funciones de los días jueves 19, viernes 20, sábado 21 y domingo 22, a partir del martes 17, también desde las 12, siempre a través del link publicado en la Web y en las redes sociales del Instituto Cultural de la Provincia de Buenos Aires y el Teatro Argentino.

Las personas mayores de 65 años tendrán además la opción de reservar tickets de forma presencial, mediante un cupo de entradas destinadas a tal fin, acercándose entre las 12 y las 18 a la boletería del Teatro y presentando su DNI. Para las funciones del viernes 6 y sábado 7 podrán hacerlo el miércoles 4 y para las funciones del jueves 19, viernes 20, sábado 21 y domingo 22, el día martes 17.

Una de las obras más destacadas del repertorio de ballet

Inspirado en el episodio de las bodas de Camacho, incluido en el vigésimo capítulo de la

segunda parte de la inmortal novela de Cervantes, el argumento del ballet “Don Quijote” narra los amores de Kitri, la hija del tabernero Lorenzo, con el joven barbero Basilio. Como el padre de Kitri quiere casarla con el viejo y rico Camacho, ella y Basilio tendrán que urdir varias intrigas hasta lograr, con la intervención del mismo Don Quijote, que Lorenzo termine por aceptar su unión.

Aunque no es el único acercamiento de la danza a la novela de Cervantes, esta obra, creada por el genial coreógrafo ruso Marius Petipa (1818-1910), fue estrenada en el teatro Bolshoi de Moscú en 1869 y es el único ballet relacionado con la historia del caballero andante manchego que trascendió hasta nuestros días.

El lenguaje coreográfico de la pieza, rebosante de humor y romanticismo, junto a las oportunidades de lucimiento que ofrece a los intérpretes, por el grado de virtuosismo que les exige, han contribuido para convertirlo en uno de los títulos preferidos por el público de todo el mundo.

Centro Provincial de las Artes Teatro Argentino

Avenida 51 entre 9 y 10 - La Plata – Provincia de Buenos Aires

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NO TIENE UN DESGARRÓN

SOBREVIVIR PESE A TODO

Por : Irene Bianchi

“No tiene un desgarrón” es el título de la obra que vimos en el Teatro Municipal Coliseo Podestá de La Plata, dirigida por Rita Cortese e interpretada por Julieta Cardinali y Vera Spinetta. Se trata de una adaptación de “Heldenplatz (Plaza de los Héroes)” (1988), del

novelista, dramaturgo y poeta Thomas Bernhard (1931-1989), llevada a cabo por la directora y Carolina Santos, con producción de Sebastián Blutrach.

Desgarrón, me animo a decir, es lo que produce esta pieza en el espectador.

Es uno de esos textos que interpelan inevitablemente al público por su contenido, su mensaje y su intensidad dramática. El leitmotiv de toda la obra del autor austríaco es nada más y nada menos que la condición humana, el sinsentido, la angustia existencial. Los

vínculos, la hostilidad, el odio, el fanatismo ciego, la falta de empatía, el impulso de autodestrucción y muerte. Tanto ayer, en la Alemania nazi y en la Austria posthitleriana, como hoy en cualquier país del mundo. Una constante que se repite una y otra vez, un tropezar siempre con las mismas piedras, una involución planetaria trágica, un aniquilarse unos a otros sin piedad ni miramientos.

Julieta Cardinali y Vera Spinetta interpretan a dos amas de llaves que están desarmando una casa de clase alta en Viena tras el suicidio de Josef Schuster, un profesor judío, su dueño (y amo). La súbita e inesperada muerte de este hombre las deja huérfanas, desamparadas, obligadas a resetear sus vidas. Así como en “El Zoo de Cristal” (Tennessee Williams) el “pater familia” está omnipresente aunque no aparezca, aquí el fantasma del “Profesor” sobrevuela la escena todo el tiempo.

Tanto Cardinali como Spinetta logran una dupla armónica y ajustada. Se entrelazan, se amalgaman, se enfrentan, se fusionan, se repelen; son opuestos complementarios; por momentos, dos en una.

Julieta Cardinali despliega un enorme abanico expresivo. Su voz, sus voces, sus silencios, sus pausas, su lenguaje corporal, su gestualidad: todo tiene una

potencia arrolladora. Cuesta sacarle los ojos de encima; un “capo lavoro”. Ese ir y venir, sus movimientos repetitivos, automáticos, mecánicos. Un “staccato” obsesivo, maníaco. Hay aquí una clara referencia a la formación musical del autor, alumno del “Mozarteum” de Salzburgo (1955 a 1957).

La dirección de Rita Cortese es muy precisa, rigurosa y minuciosa; casi un mecanismo de relojería. Nada librado al azar. Las actrices a veces parecen dos piezas de ajedrez, y esa casa desmantelada, el tablero en el que se mueven (o las mueve el destino).

“No tiene un desgarrón” es una obra de texto, dura, feroz, que no hace concesiones de ningún tipo.

Una pieza que requiere atención a cada palabra, a cada símbolo, porque nada se dice ni se hace caprichosamente. Es también una revalorización del Arte, en todas sus manifestaciones, como esencial mecanismo de supervivencia. Esta propuesta constituye un desafío tanto para estas dos talentosas actrices, como para el espectador, que agradece el teatro de calidad que promueve la reflexión.

Hermosa y esperanzadora esa final invocación a la música, de boca de Vera, justamente hija del enorme y extrañado poeta Luis Alberto Spinetta. Todo cierra.

IRENE BIANCHI

Portal de espectáculos y actualidad

https://irenebianchi.com.ar/

Vera Spinetta, Rita Cortese y Julieta Cardinali

La Obra de Mariano Pensotti

Aún sin fecha de estreno en Buenos Aires

“La Obra”, la más reciente creación de Mariano Pensotti / Grupo Marea, que fue presentada en los principales festivales internacionales, con la expectativa de su estreno en Buenos Aires durante el 2025.

La Obra es el título de la más reciente creación de Mariano Pensotti / Grupo Marea, que cuenta con un elenco destacado conformado por Alejandra Flechner, Susana Pampin, Diego Velázquez, Pablo Seijo, Horacio Acosta y

el actor sirio Rami Fadel Khalaf se presentó desde su estreno en el 2023 en más de diez Festivales internacionales con un resonante éxito de crítica. Actualmente, Grupo Marea espera la confirmación de su esperado estreno en Buenos Aires para el próximo año 2025.

La Obra tuvo su estreno internacional en Wiener Festwochen (VienaAustria), Athens Epidaurus Festival (Atenas - Grecia), Teatro Benito Pérez Galdos (Canarias), Tandem Scene National Arras (DouiFrancia), Festival D’ Automne (Paris - Francia), Teatro Principal Antzokia (Vitoria Gasteiz - España), Temporada Alta (Girona - España), Piccolo Teatro (Milán - Italia), Hau Hebbel am Ufer (BerlínAlemania), Klaipeda Drama Theatre (Klaipeda - Lituania).

Texto y dirección: Mariano Pensotti Elenco: Rami Fadel Khalaf, Alejandra Flechner, Diego Velázquez, Susana Pampin,

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Horacio Acosta, Pablo Seijo.

Músico en vivo: Julián

Rodríguez Rona

Escenografía y vestuario: Mariana Tirantte

Música: Diego Vainer

Producción artística: Florencia Wasser

Luces: David Seldes

Video: Martin Borini, Jose Jimenez.

Asistencia de dirección: Juan

Francisco Reato

Dramaturgista: Aljoscha

Begrich

La Obra es una coproducción entre Wiener Festwochen, Athens

Epidaurus Festival, Festival

D’ Automne à Pari y Piccolo

Teatro di Milano – Teatro

d’Europa y colaboración: Grand Theatre Groningen. Premiere junio 2023, Wiener Festwochen.

Comentarios de la prensa internacional

“Todas las escenas tienen el gesto señalador del teatro brechtiano. Son sencillos y al mismo tiempo ingeniosos, mezclan la realidad de hoy con un ayer legendario”

DerStandard

“La Obra de Mariano Pensotti teje una confusión sensacionalmente inteligente en torno a una falsa víctima”

Kleine Zeitung

“La Obra: la mejor obra del Wiener Festwochen” Wiener Zeitung

Mariano Pensotti https://www.instagram.com/ marianopensotti/ www.marianopensotti.com

VIDEO La obra Temporada Alta 2023

https://youtu.be/oNP2PqjZtg?feature=shared

Clásica del Sur cierra su Temporada 2024 con Mefistófeles (Arrigo Boito)

La Compañía Artística Clásica del Sur, recientemente declarada

“De Interés Cultural” por la Legislatura de la Ciudad de Buenos Aires, cierra su temporada 2024 con una de las más famosas óperas basadas en la leyenda de Fausto, en versión concierto

Cielo y Tierra ya lo han hecho. Ahora, también el Infierno festeja

Mefistófeles, el espíritu del mal, ha llegado al cielo para desafiar a Dios apostándole

que puede ganar el alma de Fausto, el erudito favorito de la divinidad, cuya alma le pertenecerá en caso de que logre hacerlo caer en la tentación.

Convertido en un elegante caballero que asegura poder cumplirle a Fausto su deseo más secreto de acercarse al misterio de las cosas que hasta entonces no había logrado conocer, Mefistófeles lo convence de que prometa su alma inmortal a cambio de una vida de placeres dichosos.

A partir de entonces, un sólo instante de felicidad del anciano lo condenaría a entregar su alma al Demonio.

Bajo esa condición, transformado en un joven apuesto su primer acto es seducir a Margherita, una inocente muchacha del pueblo que posteriormente es condenada por envenenar a su propia madre y ahogar a su bebé. Pero cuando Mefistófeles y Fausto arriban a rescatarla de la prisión, Margarita rechaza al diablo y es redimida.

El Coro de Clásica del Sur con Bruno Sciaini en el rol de Nabucco como solista Foto crédito Leonardo Pecar_Clásica del Sur

Luego, Mefistófeles transporta a Fausto de regreso a la antigua Grecia, donde seduce con éxito a Helena de Troya. Sin embargo, el filósofo no encuentra en el mundo sensual de Helena el ideal del ser, como tampoco lo había encontrado en el amor de Margarita, y lo único que le queda es una amarga sensación de dolor.

De vuelta en su estudio, Fausto reflexiona sobre el significado de la vida incluso cuando siente que se acerca la muerte y Mefistófeles aparece una vez más, instándolo a que abordara nuevas experiencias.

¿Podrá Fausto resistirse a la tentación, o el diablo se saldrá con la suya?

Del fracaso estrepitoso al éxito y la inmortalidad

Tras el estrepitoso fracaso de su estreno en La Scala de Milán el 5 de marzo de 1868, la Mefistófeles compuesta por Arrigo Boito, quien para abordar los planteos metafísicos de la leyenda de Fausto logró combinar con solvencia un audaz abordaje musical para la época con un carácter literario de notable proximidad con la obra de Goethe, debió esperar siete años para su reivindicación.

Con varias modificaciones en el libreto y con el paso del personaje de Fausto de la cuerda de barítono a la de tenor entre otros cambios, el 4 de octubre de 1975 la obra

volvió a subir a escena en el Teatro Comunal de Bolonia, donde recibió la aprobación que le había sido negada en su estreno.

Aún así, el éxito cosechado con su nueva versión no impidió que el compositor italiano nacido en Padua en 1842 retocara una vez más su creación, que sería presentada en su forma definitiva en el Teatro Rossini de Venecia, el 13 de mayo de 1876, y que pondría punto de inicio a una era de esplendor para Boito, quien no sólo creó con Giuseppe Verdi una nueva versión de Simon Boccanegra sino que aportó a la obra verdiana los libretos de Otello y Falstaff.

FICHA TÉCNICA

César Tello

Dirección Musical: César Tello

Producción General: Juan

Carlos Montamat

Mefistófeles

Bruno Sciaini (8-15/12)

Esteban Hildebrand (13/12) Fausto

Nicolás Sánchez

Margarita

Eugenia Coronel Bugnon (8-15/12)

Margarita Kobysheva (13/12)

Marta

Mónica Koggionis

Wagner

Miguel Alberto Balea (13/12)

Gonzalo Mena (8-15/12)

Coro y Orquesta Estable de Clásica del Sur

Director: Maestro César Tello

Coro de Niños de Clásica del Sur

Directora: Maestra Natalia Vivas

Banda Sinfónica de Gendarmería Nacional

Director Titular: Segundo Comandante Lic. Fabián Antonio Di Mattia

Director Asistente: Alférez Lic. Sebastián Quiroga

“Mefistófeles” (Arrigo Boito)

3 ÚNICAS FUNCIONES

8 de diciembre a las 18 h. 13 de diciembre a las 20:30 h.

15 de diciembre a las 20 h. Teatro Luz y Fuerza

Perú 823 (San Telmo)

Entradas anticipadas hasta 24 h. antes a $15.000.-, a través de WhatsApp +54 9 11 6429-1853 o en el Teatro a $18.000.-, en la previa de cada función

Arte prensado Prensa y comunicación

Eduardo Slusarczuk eduardo.slus@gmail.com

PUCCINI CENTENARIO

Por Nicolás Isasi @isasi.nick

Giacomo Puccini probablemente haya sido el último gran compositor italiano de ópera. Trazando una línea temporal, sus primeras cinco obras fueron compuestas a finales del siglo XIX forjando una estructura estilística y dramática. Mientras que las otras cinco, fueron producto de una búsqueda incansable del drama musical y teatral en el vertiginoso cambio de paradigma que supuso el siglo XX para la humanidad, donde la radio y el cine se imponían como un fenómeno cultural de masas que modificaría la historia de la ópera.

Nacido en Lucca (Toscana), el 22 de diciembre de 1858, Giacomo Puccini creció en una familia de músicos y las primeras lecciones junto a sus hermanos fueron las de su padre que era organista. Decidió dedicarse a la ópera luego de ver una representación de Aida (1871) de Giuseppe Verdi en Pisa y ahí dijo que Dios lo había tocado con un dedo diciéndole que escriba teatro, solo teatro. Gracias a una beca de la reina Margarita de Saboya, en 1880 se trasladó a Milán donde asistió al conservatorio. Entre sus maestros se encontraba Amilcare Ponchielli (18341886), compositor de La Gioconda (1876).

En una de las cartas dirigidas a la madre de Puccini, Ponchielli le confiesa “su Giacomo resultó por voto unánime de todos los inteligentes fue el más original y el que mejor lo hizo. Yo estoy triste que Puccini deje el

conservatorio, pero por otra parte es mucho mejor que se lance a la carrera, porque con su ingenio, si trabaja seria e incansablemente sólo podrá hacerlo bien. Es cierto que la carrera es espinosa Giacomo Puccini (1924).

y la suerte no siempre llega rápido (yo tengo las pruebas de ello), pero tengo la sensación de que un horizonte feliz está a punto de abrirse para su Giacomo. Ya he hablado en casa Ricordi, y no dejaré nada sin hacer, para que en cuando se presente la oportunidad pueda beneficiar a este buen joven”. Y fue así como con la ayuda de Amilcare Ponchielli, su gran maestro, obtuvo el libreto de la ópera Le Villi (1884).

Su primera ópera, estrenada a sus 26 años, fue un verdadero éxito pero frente al fracaso de la siguiente, Edgar (1889), trabajó como organista y director en iglesias y teatros locales. Su editor Giulio Ricordi lo envió a Alemania para que escuchara a Wagner. Al regreso, evidentemente adquirió parte de esa tonalidad extendida, un recurso que el compositor alemán utilizaba asiduamente para alargar la resolución melódica de los pasajes. Pero Puccini, quizás por su experiencia y formación anterior, utilizará ese recurso para generar una especie de éxtasis melodramático extendido. Es decir, sus melodías y secuencias armónicas suelen tener un efecto más atractivo y poderoso, para amalgamar una escena con otra sin perder las diversas atmósferas que la situación dramática de la escena precisa. Así fue como escribió Manon Lescaut (1893) que alcanzó fama

internacional.

Giacomo Puccini falleció en 1924, pero su legado continúa hasta el día de hoy. En 40 años de trayectoria escribió 10 óperas que se siguen representando en todo el mundo desde hace más de un siglo, por su belleza melódica, profundidad emocional y exotismo. Se puede decir que Puccini fue uno de los compositores que comprendió ese estilo wagneriano de pensar en la unidad de la ópera como un todo: casi sin pausas o cortes de escenas, o recitativos secos. Su estilo combina melodías líricas con un enfoque realista de las emociones humanas, siendo un precursor de la banda sonora cinematográfica. En sus óperas no hay pausas largas o parlamentos de texto que cortan la acción, sino que toda la música fluye casi de principio a fin, como en una película generando momentos de intimidad absoluta con un coro prácticamente a capella, hasta un éxtasis total de la orquesta completa. Su legado es muy importante y es un heredero de Verdi. El éxito continuó con obras como La Bohème, Tosca o Madama Butterfly, con aquel coro bellísimo a bocca chiusa o el desorbitante final que termina en disonancia, creando obras que hasta el día de hoy son aclamadas como algunas de las mejores óperas jamás escritas.

Su vida personal no estaba

falta de drama. Se escapó con Elvira Gemigniani, la mujer de un comerciante a los veinte años, y años después una sirvienta suya se suicidaría tras ser acusada por Elvira de estar embarazada del mismísimo compositor. Siendo joven y adinerado, tenía una pasión por los autos y fue uno de los primeros en tener un accidente automovilístico que lo dejó en cama por varios meses. Esta curiosidad por lo que entonces era extravagante, sumado a su placer de viajero hizo que dedicara menos tiempo a la composición, además que cada ópera en sí le tomaba algunos años en completar. Sólo en 1904, tras la muerte del primer marido de Elvira, los dos pudieron legalizar su relación y legitimar a su hijo Antonio, que ya tenía 17 años. En junio de 1891, Puccini visitó por primera vez Torre del Lago, un pequeño pueblo situado a orillas del lago Massaciuccoli, entre Pisa y Viaregggio. Puccini amaba Torre del Lago más que cualquier otro lugar del mundo, principalmente porque era un lugar ideal para la caza, otra de las grandes pasiones del músico.

Entre las obras predilectas por el público se encuentra el drama parisino La Bohème de 1896, que ilustra parte de la Belle Époque en contraste con un grupo de artistas bohemios que viven en la buhardilla de un edificio y que refleja las captions u

experiencias del compositor durante los años que vivió como estudiante en el Conservatorio de Milán, donde compartió habitación con Pietro Mascagni (1863-1945, conocido principalmente por haber sido el compositor de Cavalleria Rusticana). La obra tuvo un inicio un poco complicado, primero porque el compositor Ruggero Leoncavallo (quien ya le había ayudado en el libreto de Manon Lescaut) decía que estaba trabajando en esa historia y Puccini se la había robado. Por otro lado, el estreno tuvo una acogida fría, tanto por parte del público como de la crítica, donde un periódico de Turín llegó a decir “aunque deja cierta impresión en las mentes del público, la boheme no dejará una gran huella en la historia de la ópera”. De igual forma, ambas versiones se estrenaron, pero aquella que perduró en el tiempo fue la de Puccini. Y vaya que se han equivocado, ya que La Bohème es una de las óperas más destacadas del repertorio operístico y aparece, en estadísticas recientes (2005-2010), como la cuarta más representada en todo el mundo. La primera representación de La Bohème fuera de Italia fue en el Teatro de la Ópera de Buenos Aires, hoy llamado Teatro Ópera, Argentina, el 16 de junio de 1896. Cuando estaba por componer la escena final llegó a decir “voy a llorar como un niño”. Tosca es otra de sus grandes óperas, cargada de pasiones,

celos y muerte con una tormentosa orquestación y quizás el villano más amenazante de la historia de la ópera: el Barón Scarpia, jefe de la policía de Roma. Tosca fue recordada también por haber sido interpretada por la gran María Callas, una de las voces más carismáticas del siglo XX.

La relación de Puccini con el público argentino fue arrolladora desde el inicio. De todas las óperas de Puccini, ocho de ellas se estrenaron en Buenos Aires como primera representación fuera de Italia. Toscanini trajo Madame Butterfly a Buenos Aires el mismo ano del estreno en 1904. Y en junio de 1905, Puccini viajó a Argentina cuando todavía no se había inaugurado el actual edificio del Teatro Colón. Puccini nunca pudo dirigir en el Olimpo del Colón ya que en ese momento el antiguo teatro ya no existía y el nuevo (actual Teatro Colón) todavía no había abierto sus puertas. Pero su visita a la ciudad de Buenos Aires fue memorable y así

lo relataban en la época: “a las 7 de la mañana empezó a llegar la concurrencia (a la Dársena Norte) y poco después el gentío era inmenso (…). A las 12 y 30 el Savoia penetraba en la cabecera Norte (…). Y entonces estalló una estruendosa ovación. Puccini, visiblemente conmovido, agradecía (…). Cerca de una hora tardó el médico en acudir para la visita sanitaria con gran descontento de todos antes de que acompañaran al esclarecido compositor hasta su alojamiento de La Prensa en el tercer piso del edificio en Avenida de Mayo donde se hospedó”. En los días subsiguientes firmó tarjetas postales por un peso para apoyar a las víctimas de las inundaciones en el Litoral y al Hospital Italiano. Escuchó su Tosca el 1º de julio, Manon Lescaut el 2 de julio en el Teatro de la Ópera, el 4 de julio asistió a la zarzuela Bohemios, de Amadeo Vives en el Teatro de la Comedia, el 8 presenció el estreno mundial de la versión definitiva de Edgar y el 19 concurrió a Madame Butterfly. Fue homenajeado el día 12 en el Teatro Apolo y el 16 de julio viajó a El Talar de Pacheco (hoy estancia turística) para participar de una cacería. De aquel encuentro se conservaba en la biblioteca del Teatro Colón un bastón de oro de Giacomo Puccini que se encuentra desaparecido junto a otros 150 objetos como un manuscrito de Verdi y partituras de alto valor

histórico.

Llegó a afirmar “si solo pudiera encontrar un argumento, un argumento lleno de pasión y dolor”. Y claro que los encontró, porque ese tiempo invertido en experiencias y en la vida personal también lo llevó a explorar otras culturas, lenguajes e historias que dejaron una huella en su arte, con memorables óperas ambientadas en Japón (Madama Butterfly, 1907), EE.UU. (La fanciulla del west, 1910) o China (Turandot, póstuma,1926). En 1907 viajó a Nueva York y así nació la ópera estadounidense La fanciulla del West, ambientada en California que fue estrenada dirigida por Arturo Toscanini en 1910 en el MET. La rondine ha sido injustamente subestimada y considerada siempre entre las obras menos logradas de Puccini. Se trata de una opereta cómico-sentimental de estilo vienés. El estreno, que se pretendía en Viena, fue impedido por el estallido de la Primera Guerra Mundial y la entrada de Italia en la Alianza contra AustriaHungría por lo que fue estrenada en Montecarlo el 27 de marzo de 1917.

En diciembre de 1918 estrenó Il Trittico, compuesto por tres óperas en un acto: Il Tabarro, Suor Angelica y Gianni Schicchi inspiradas en la Divina Comedia de Dante Alighieri. Sin saber que eran sus últimos años, Puccini escribe en el final de Gianni

Schicchi un parlamento que es casi un guiño de despedida al público como lo hiciera Hitchcock al final de Family Plot, su última película. Y digo sin saber porque todavía no había comenzado la que sería su ópera inconclusa, Turandot, estrenada de forma póstuma en 1926. Así es como el personaje homónimo de Gianni Schicchi dice mirando a la audiencia “si esta noche se han divertido, concédanme... (haciendo el gesto de aplaudir) ¡un aplauso!”.

En 1921, Puccini abandona Torre del Lago, principalmente por el ruido y la contaminación de una central eléctrica construida cerca de su casa. Se mudó a una casa en la localidad toscana de Viareggio. Allí comenzó su última ópera Turandot inspirada en una novela de Carlo Gozzi. Durante el proceso de composición le diagnosticaron un carcinoma de laringe y para someterse a un tratamiento de radioterapia innovador y experimental acudió a

una clínica especializada en Bruselas. Sin embargo, tras la cirugía sólo sobrevivió unos días y falleció el 29 de noviembre de 1924. Luego de su funeral en la ciudad belga, el 3 de diciembre de 1924 se celebró un segundo funeral solemne en el Duomo de Milán y hoy descansa en la tumba familiar en la casa de Torre del Lago.

El tercer acto de Turandot lo finalizó Franco Alfano y finalmente la ópera se estrenó en el Teatro alla Scala de Milán el 25 de abril de 1926, dos años después de la muerte del maestro. Su enorme legado ha influido en generaciones de compositores y todavía inspira a compositores, músicos y cantantes de todo el mundo que han estudiado, aprendido, trabajado con sus obras. Pero especialmente es recordado por un público universal que se ha deleitado con sus cientos de personajes puccinianos. Grazie Maestro!

VIDEO

E lucevan le stelle Luciano Pavarotti 1978 english

Nueva temporada de Errante

el film de Adriana Lestido

Presentación La conquista del hogar, diarios de viaje y fotografías.

En diciembre vuelve a la pantalla de Malba Cine Errante, la premiada ópera prima fílmica de la fotógrafa Adriana Lestido, pero esta vez los espectadores podrán disfrutar de una experiencia única: Lestido presentará en simultáneo dos bellísimos libros que completan la

travesía emprendida entre 2019 y 2020 en cuatro viajes al Círculo Polar Ártico. La conquista del hogar reúne los diarios de esos viajes y en otra edición también el registro fotográfico de aquella aventura. Ambos libros fueron publicados por Planta Alta Ediciones y se presentarán el viernes 6 de diciembre a las 19 hs. en el Malba (Av. Pres. Figueroa Alcorta 3415).

Además, el martes 3 de diciembre a las 16.30 h. Lestido será distinguida en la Legislatura porteña (Perú 160) donde recibirá la declaración de interés cultural de su film Errante.

Lestido ofrece a sus espectadores/lectores una experiencia/viaje sensorial donde confluyen la palabra, la fotografía, la imagen audiovisual, la

naturaleza en su máxima expresión, la sensibilidad y el pensamiento de una gran artista en uno de los sitios más inhóspitos del planeta.

Sobre La conquista del hogar, diario de viajes

Dice Adriana sobre este libro: “el diario es el viaje interior del viaje exterior. Ese es el sentido de los diarios para mí. No me interesa describir lo que veo sino entrar en las resonancias internas que disparan lo que veo y las experiencias que vivo al querer ver.”

Guillermo Saccomanno escribió el prólogo del libro:”Tarkovski se ha referido a menudo al sacrificio como un tránsito necesario para la creación, alusión directa al valor sagrado del arte como experiencia que trasciende lo introspectivo. Pues bien, Adriana va por ese lado. Y, en su caso, el sacrificio deviene revelación. ‘Comprobar que lo único que cuenta es poder estar en lo que es’, dice ella.”

Y agrega: “Vendió su casa para financiar el proyecto, y cargando como antes sus cámaras y su equipo, se internó sola durante un año y medio en los confines helados para filmar no solo las auroras boreales sino el territorio de paisajes inhóspitos bajo el efecto de los cambios de estaciones. Atravesó dificultades de todo tipo, sometiendo el cuerpo a las inclemencias del frío y la nieve. Escritora de diarios, registraría sus

cuatro viajes nórdicos”

Finalmente, Josefina Licitra escribió en la contratapa del libro: “La conquista del hogar es el diario de ese viaje, que tiene el Círculo Polar Ártico como destino geográfico, pero que en realidad es hacia adentro. Durante un año y medio en el que fue cuatro veces a las zonas más inhóspita de Islandia y Noruega, Adriana se enfrentó a la blancura como territorio, destino y posición filosófica, y capturó con su cámara la nervadura que irriga toda materia: el tiempo. (...) Este libro es el relato verdadero y universal de su búsqueda. Y es también una ofrenda.”

Errante - Sinopsis

Errante es una meditación visual sobre el retorno al origen a partir del registro de un viaje en soledad de un año y medio alrededor del Círculo Polar Ártico por gélidas e inhóspitas regiones. En ese desierto blanco, lo inabarcable, lo enigmático y lo melancólico se funden en la auténtica búsqueda que la directora comparte con el espectador. Lestido transforma la cámara en una herramienta de indagación no sólo del espacio sino también de su propia y solitaria experiencia personal. Es la conquista del hogar en el sentido de poder llegar al lugar que nos pertenece. El final del ciclo y la vuelta a la vida otra vez desde la transformación y el renacimiento. Un viaje hacia otro estadio.

Al registro visual y sonoro que hace de esa naturaleza indómita y su transformación a lo largo de cinco estaciones (primavera, verano, otoño, invierno y otra vez primavera), Lestido suma una delicada selección de textos de Haruki Murakami, Luis Alberto Spinetta, Liliana Bodoc, Frigyes Karinthy, Theodor Kallifatides, Antonio Gamoneda y Doris Dörrie, y de canciones de Nick Cave, Gabo Ferro y Ketil Bjornstad.

Errante obtuvo el premio del público en la última edición del Festifreak (Festival Internacional de Cine Independiente de La Plata), fue elegida por el público entre las 10 mejores películas del MIFF (Festival Internacional de Cine de Maine), fue galardonada en el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata con el Premio a la Innovación Artística al Mejor Largometraje Argentino en todas las categorías, otorgado por PCI (Proyecto de Cine Independiente). Además, durante su extensa primera temporada en cartel en Malba Cine fue acompañada por el público que colmó la sala en cada función y cosechó inmejorables críticas (ver reseñas y entrevistas).

Ficha Técnica

Dirección: Adriana Lestido Productores: Lita Stantic, Paula Zyngerman, Leandro Listorti, Adriana Lestido Compañías productoras: Lita Stantic Producciones S.A u

Maravillacine S.R.L.

Producción Ejecutiva: Lita Stantic, Paula Zyngierman, Leandro Listorti, María Gowland

Director de Fotografía: Adriana Lestido

Director de Sonido: David Mantecón

Editor: Elizabeth Wendling, Adriana Lestido

Tratamiento de Color: Ada Fontini

Retoque digital: Nico Agarzua / Alexia Miller

Post Producción de Imagen: Zebra Films / Periférica

Cine

Diseño Gráfico: Pablo Engel

ADRIANA LESTIDO

Buenos Aires, 1955. Comenzó estudios de cine y de fotografía en 1979 en la Escuela de Cine y Técnicas Audiovisuales de Avellaneda. Entre 1982 y 1995 trabajó como fotoperiodista para La Voz, Página12 y la Agencia Diarios y Noticias. Se ha dedicado intensamente a la enseñanza coordinando talleres y clínicas; en 2010 fue invitada a impartir uno de los campus Photo España Grandes Maestros. Fue la primera fotógrafa argentina en obtener al Beca Guggenheim, la beca Hasselblad y el Premio Mother Jones. También fue nombrada Personalidad Destacada de la Cultura por la Legislatura de Buenos Aires, obtuvo la Medalla del Bicentenario, el Gran Premio Adquisición Salón Nacional de Artes Visuales, el Konex de Platino y el Premio a la Trayectoria, otorgado por

la Academia Nacional de Artes Visuales, entre otras distinciones.

Su trabajo se ha exhibido en todo el mundo e integra las colecciones del Museo Nacional de Bellas Artes y Museo de Arte Moderno Buenos Aires, Argentina; Fondation Cartier pour l’art contemporain, Bibliothèque Nationale de France, Chateau d’eau Toulouse, Centre Regional de la photographie du Nord Pasde-Calais. Douchy- lesMines, Casa Europea de la Fotografía, Francia; Museum of Fine Arts Houston, Museum of Fine Arts Boston, USA; Museo de Bellas Artes Caracas, Venezuela; Hasselblad Center Gotebörg, Suecia; Fundación

A. Lestido. Ph. Freddy Heer.

Comunidad Autónoma Castilla/La Mancha, España. Publicó ocho libros: Metrópolis, Ediciones Larivière / RM, Madrid 2021, Antártida negra, Capital Intelectual, Madrid, 2017. Antártida negra (los diarios) Tusquets, Buenos Aires, 2017.

Lo que se ve, Antología, CI, Madrid, 2012. La obra, CI, Madrid, 2011. Interior, CI, Madrid, 2010. Mujeres presas, Colección Fotógrafos Argentinos, Buenos Aires, 2001/2008. Madres e hijas, La Azotea Editorial/ Fundación Guggenheim, Buenos Aires, 2003.

LITA STANTIC

Cuenta con una extensa trayectoria de más de

50 años en la industria cinematográfica.

Fue Jefa de Producción durante 10 años, entre otras películas, de La Raulito (Lautaro Murúa) y La parte del león (Adolfo Aristarain). En 1978 asociada con Alejandro Doria produjo La Isla y Los miedos. En 1980 se asocia con María Luisa Bemberg para producir Momentos, Señora de Nadie, Camila, Miss Mary y Yo, la peor de todas. En 1993 dirigió el largometraje Un muro de silencio. Desde 1997 ha impulsado y difundido en su rol de productora el trabajo de jóvenes cineastas. Produjo, entre otras, Dársena Sur (Pablo Reyero), Mundo Grúa (Pablo Trapero), La Ciénaga (Lucrecia Martel),

Bolivia y Un Oso Rojo (ambas de Adrián Caetano), Tan de repente (Diego Lerman), La Niña Santa (Lucrecia Martel), Hamaca Paraguaya (Paz Encina), Cordero de Dios (Lucía Cedrón), Café de los Maestros (Miguel Kohan), Diletante (Kris Niklison), Habi, la extranjera (María Florencia Álvarez), La Guarderia (Virginia Croatto), La Deuda (Gustavo Fontan) y Errante (Adriana Lestido). Actualmente se encuentra en post producción del film Gruta Continua de Julián D`Angiolillo. Fue distinguida con los siguientes premios: Príncipe Claus (Holanda), Rezzónico (60º Locarno Film Festival), Astor de Oro (Festival de Mar del Plata) Mayahuel de Plata junto a Fernando Solanas

y Fernando Birri (Festival de Guadalajara), Premio Konex Platino Espectáculos 2001-2010 (Producción), fue nombrada Personalidad Destacada de la Cultura por la Legislatura de la Ciudad de Buenos Aires, Premio a la Trayectoria del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata 2012, Premio Panambí Honorífico Augusto Roa Bastos (2014), Premio Cóndor a la Trayectoria otorgado por la Asociación Argentina de Cronistas de Cine en 2017, Mención de Honor Senador Domingo Faustino Sarmiento por su gran aporte artístico y su lucha en la defensa del cine nacional otorgado por el Honorable Senado de la Nación Argentina (2017). En 2019 recibe el Coral a la u

Trayectoria en el Festival de La Habana.

Se hicieron retrospectivas de sus films en París, New York, Ginebra y Friburgo.

MARAVILLACINE

Es una Productora argentina creada en 2016 por Paula Zyngierman y Leandro Listorti luego de años de trabajo en el área de la producción de cine y TV, y de una vasta experiencia en los campos de archivo y programación cinematográfica, respectivamente.

En MARAVILLACINE producimos a nuevos cineastas, acompañamos proyectos que asumen riesgos y coproducimos largometrajes de corte autoral que se han proyectado en festivales internacionales y en plataformas de calidad.

FILMS:

Herbaria de L. Listorti (Arg/

Alem) | Visions du RéelPremio especial del Jurado 2022

Ese fin de semana de M. Pescio (Arg/Br) | San Sebastián F.F. New Directors 2021

Borom Taxi de A.

Guerberoff| Visions Du Réel 2021

Mapa de sueños latinoamericanos de M. Weber (Arg/Méx/Noruega/ EEUU) | Mejor

Documental Cinélatino, Rencontres de Toulouse 2021 Las facultades de E. Solaas |

ZINEBI Grand Prize 2019 Ínsula de M. Onis | Visions du Réel 2019

Chubut, libertad y tierra de C. Echeverría | Biarritz Film Festival 2019

Doce Clavos (Corto), de P. Hernández | Best Short Film Award Shnit Festival 2018

Marilyn de M. Rodríguez (Arg/Chile) | Berlinale & San Sebastián | Mejor película

Tel

Aviv International Film Festival & Queer Lisboa 2018

La película infinita de L. Listorti | Rotterdam Film Festival 2018

Miss de R. Bonomo BAFICI 2017

@errante.lapelicula @litastanticproducciones @maravillacine_

PRENSA

info@lucianazylberberg. com.ar

IG @ lucianazylberbergprensa

VIDEO Errante. La conquista del Hogar Trailer

https://youtu.be/D1qT1PdI_ uA?feature=shared

Adriana grabando en Islandia. Foto Valeria Bellusci.

Lanzamiento nuevo libro ilustrado - La amistad y el arte como refugio

MONTAÑA

Crónica de un cáncer

Florencia Curi - Marianela Müller

"Montaña. Crónica de un cáncer” es la ópera prima de Florencia Curi y Marianela Müller, que se destaca al crear poderosas imágenes que acompañan de una manera amorosa todo el recorrido de la obra. En rigor este libro no tiene una sola autora sino que es un libro escrito a la par por tres corazones, la protagonista (Florencia Curi), la ilustradora (Marianela Müller) y la editora (Maite Diorio), amigas de toda la vida que decidieron responderle al tratamiento con arte. Un libro que nació

en Chajarí (Entre Ríos) y Villa Luro (CABA).

„Montaña. Crónica de un cáncer” no se detiene en el cáncer sino que tiene la particularidad de usar la enfermedad como puente. La protagonista narra minuciosamente el recorrido que inicia desde el momento de detectar la enfermedad y comenzar a subirse a esa montaña para luego bajar renovada, destacando el apoyo fundamental de la amistad y la familia:

“Encontramos ahí una potencia que es más grande que nosotras, es más grande que Flor, que Mai y que Mari. Es Montaña, es algo que sucede cuando las tres estamos ahí, nosotras tres y también todas las demás mujeres que fueron en el camino colaborando para poder concretar este sueño”.

Sinopsis:

Florencia vive en una pequeño pueblo rural de Entre Ríos, es una mujer en la mitad de los treinta que disfruta de su gran momento

profesional cuando recibe una noticia inesperada: tiene cáncer de mama.

La novela ilustrada cuenta en primera persona la experiencia de una joven que debe hacer frente a su diagnóstico, un camino de luces y sombras, lleno de desafíos y aprendizajes para ella, pero también para las personas que la acompañan. Sin recetas ni mensajes de autoayuda, este libro fue hecho con la ilusión de que se convierta en un buen compañero de viaje, a veces gracioso, a veces incómodo, otras reflexivo, pero sin dejar de ser sensible e introspectivo.

¿Por qué escribir otro libro sobre el cáncer?

«Me lo han preguntado, y yo misma me lo he preguntado, muchas veces. Se podría pensar que no es el tema más popular y convocante, de hecho cuando comencé a escribir, fue más bien para poner en palabras toda la

incertidumbre, enojo y miedo que producía la interrupción de mi vida, tal como la conocía hasta antes del cáncer. Porque en cuestiones de salud, hay un antes y un después de cualquier enfermedad que viene a recordarnos la finitud de la vida. No es que no lo sepamos, claro. ¿Existe, acaso, algo más humano que el miedo a la muerte? Pero cuando te llega la noticia de un cáncer, casi siempre inesperada, ese miedo se vuelve compañía diaria y la vida adquiere un sentido muy distinto. Cuando empecé con este libro, fue casi como un impulso catártico, pero a medida que el proceso avanzaba, que otras personas sumaban sus miradas, tanto el libro como yo nos fuimos transformando. Mientras hacía quimioterapia quería leer algo, pero el cansancio y la energía no daba para mucho, cuando llegó a mis manos un libro especial. Era una novela gráfica que trataba sobre el arte, tenía muchas ilustraciones y un texto muy ameno que poco a poco se convirtió en una gran compañía. Y así, me fui dando cuenta de que ese lenguaje podía servir para contar esta historia, con la esperanza de que sirviera de compañía a otras personas que estuvieran viviendo algo parecido. Siento que esa montaña de emociones que produce cualquier enfermedad, en este caso el cáncer pero que no se reduce a él, puede y debe ser una experiencia compartida. Porque hay muchas cosas que nadie cuenta y me hubiera gustado saber antes. Este libro está hecho con

la ilusión de que sea un compañero de viaje, a veces gracioso, a veces incómodo, otras reflexivo Como quien mira un paisaje a través de una ventanilla. Una voz que dice que no vas solo o sola en esas subidas y bajadas, porque también vivió eso que muchas veces cuesta poner en palabras. Una voz que dice: vayamos juntas, compartamos esto que nos pasa, porque al fin de cuentas, eso es lo más lindo de la vida.” Florencia Curi.

FICHA ARTISTICA

Escritora: Florencia Curi

Ilustradora: Marianela Müller

Editora: Maite Diorio

Prólogo: Mariela Acevedo

Texto de Contratapa: Selva Almada

Producción Editorial: Florencia Schäfer

Diseño: Lali Müller

Primera edición: Octubre 2024

SOBRE LAS AUTORAS

Florencia Curi: Nacida en la Ciudad de Chajarí (Entre Ríos), Licenciada en Realización de Cine (UNLP), fotógrafa profesional y documentalista. Se ha formado en diversas áreas audiovisuales de la Escuela Internacional de Cine y Televisión de Cuba. En 2016 recibió la Beca Bicentenario del Fondo Nacional de las Artes por su proyecto documental “La réferi” y en 2021, la Beca de Formadores para brindar talleres sobre cine con perspectiva de género. Su cortometraje documental u

“Mujer de tierra” fue finalista en numerosos Festivales Internacionales.

Es creadora y directora del largometraje “Soñando a Madame Editah”, ganador del Festival Int. de Cine de Entre Ríos y seleccionado en el Concurso Gleyzer 2020 por el INCAA. Otro de sus proyectos de ficción, “Paloma y Dora” resultó ganador del FICER en Categoría Desarrollo y seleccionado en el Concurso Gleyzer 2021. Ambos proyectos participaron en diferentes mercados como NEXOS (CABA), Entre Fronteras (Paraguay), y Pulsar (Santa Fe). Desde 2012 coordina y dicta talleres de fotografía para diferentes niveles, tanto de forma independiente como en diversos establecimientos educativos. Fue Auxiliar Docente de Cátedras

de Estructura del Relato Audiovisual I y III (FBAUNLP).

Marianela Müller: Es ilustradora, arquitecta graduada en la Universidad Nacional del Litoral de la Ciudad de Santa Fe y trabajadora cultural nacida en la Ciudad de Chajarí (Entre Ríos). En el año 2012 estudió becada en la Universidad Federal de Paraná en Curitiba (Brasil). También cursó sus estudios de Artes Visuales en la Escuela Superior de Bellas Artes Manuel Belgrano en la Ciudad de Buenos Aires. Luego de desarrollar diversos proyectos, es en 2018 cuando su carrera da un giro para dedicarse plenamente a la ilustración y adentrarse de lleno en el mundo de contar con imágenes. La naturaleza, la imaginación, lo femenino y los espacios son

SERIAL Editorial lanza

"

El amigo de Dios"

de MARIANO ISRAELIT.

algunas de las temáticas que desarrolla en sus acuarelas e ilustraciones digitales. Ilustra para diferentes proyectos nacionales y del exterior tales como proyectos de literatura infantil y juvenil, animación infantil (Linuen, Paka Paka, 2023) y publicidad. Se interesa por el desarrollo y gestión de proyectos artístico culturales colectivos con una mirada interdisciplinaria. Fue ganadora de la Beca de Creación del Fondo Nacional de las Artes con el proyecto de juego ilustrado “Criaturas Mágicas, personajes e historias para armar”.

www.montañalibroilustrado. com.ar

PRENSA

Lic. Analía Cobas analiacobas@gmail.com

Lic. Cecilia Dellatorre pnlp83@gmail.com

Crónicas de mi vida en el mundo del espectáculo, el deporte y la política.

Serial Editorial tiene el agrado de presentar a MARIANO ISRAELIT y su primer libro: “El amigo de Dios” - Crónicas de mi vida en el mundo del espectáculo, el deporte y la política. Un intenso recorrido a través de más de tres décadas de historias, anécdotas e inolvidables acontecimientos narrados por uno de los mejores y más fieles amigos de Diego Maradona.

Para algunos Diego Armando Maradona fue un dios, para otros simplemente el mejor jugador en la historia del fútbol. Siempre controversial, contradictorio, pero leal a sus amigos, argentino por sobre todas las cosas y auténtico como pocos. Para mí fue un amigo, una persona maravillosa con la que compartimos momentos inolvidables, muchísimas

sonrisas y alguna que otra lágrima. Con Diego vivimos épocas y anécdotas que pocos tuvieron el privilegio de compartir, pero sin dudas Mariano Israelít fue uno de esos amigos que estuvieron todo el tiempo apoyando al amigo en los buenos momentos, pero sobre todo en los peores. Sin dudas “El feo” como le decía Diego, fue alguien muy especial para él y también lo fue

para mí, porque era un pilar esencial en la contención y el acompañamiento del mejor jugador del mundo. Si no fuera por su apoyo en todo momento y a toda hora, yo no me hubiera podido ocupar por completo de todas las reuniones, los negocios y viajes que demandaban la carrera del diez.

En este libro se encontrarán anécdotas inéditas de Mariano con Diego Armando, desde sus inicios en Villa Devoto hasta sus últimos días. Los encuentros con toda su familia, con Fidel Castro en la Habana, con Evo Morales, Hugo Chávez y muchas más.

“Ustedes no tienen idea lo que era convivir con una de las 100 personalidades más importantes de la historia”. Mariano se los cuenta en este libro, con lujo de detalles y en primera persona.

Guillermo Coppola

Mi nombre es Mariano Israelit y viví más de 35 años de la más

pura y verdadera amistad con la persona más icónica del siglo XX, el mejor futbolista de todos los tiempos, mi amigo Diego Armando. Durante todos estos años a su lado tuve la dicha de compartir hermosos e imborrables momentos y algunos no tanto. Historias, situaciones increíbles que nadie contó y nadie vivió desde adentro como yo.

En este libro cuento las más graciosas anécdotas y vivencias con el genio del fútbol mundial. Los aprendizajes que me dejó y lo hermoso de compartir su amistad todos estos años.

Mariano Juan Israelít nació el 12 de septiembre de 1967 en Capital Federal en el barrio de Caballito. Productor de TV, radio, eventos y shows. Ganador de dos Premios Martín Fierro. Reconocido por haber producido

programas como Badía & Cía, Imagen de Radio, La Noche del 10, Liga Súper 8, Fuimos Héroes, El juego Sagrado (Enzo Francescoli), Fútbol por la Altura (Evo Morales) y Contar la vida (Eduardo Sacheri). Ex mánager de Alejandro Lerner. Posee el Museo Memorabilia más grande de Diego Maradona llamado “La Mano de Dios”. Productor musical en Café Berlín & Roxy Bar & Grill.

Link de venta: https://mandibula.com.ar/ producto/el-amigo-de-diosmariano-israelit/

Más info en: Mariano Israelit: IG: @marianoisraelit Mandibula Producciones: https://mandibula.com.ar/

Prensa Diego Perri perridiego69@gmail.com

Dos nuevas propuestas visuales inauguraron el pasado 13 de noviembre en el Centro Cultural Recoleta

“Memorias en gestación” y “Contorno biográfico”

El Centro Cultural Recoleta inauguró dos nuevas exhibiciones el pasado miércoles 13 de noviembre a las 18 h. La gran exposición bienal “ Memorias en gestación ” del Medialab del Centro Cultural de España en Buenos Aires (CCEBA) ocupará las salas 7, 8 y 9 en una impactante articulación

entre arte, ciencia y tecnología. Mientras que “ Contorno biográfico ”, de la artista salteña Roxana Ramos, estará en la sala 4 del Centro Cultural.

“ Memorias en gestación ”, curada por Jimena Ferreiro, estará integrada por los artistas Andrés Belfanti, Federico Ragessi,

Penny Di Roma, Indira Montoya, Karen Palacio, Franco Palioff, Leonello Zambón y el Sindicato Involuntario. Todos ellos expresarán la diversidad de poéticas del arte contemporáneo argentino, a la vez que compartirán una preocupación en torno a la acción de rememorar, evocada en múltiples

formas y estrategias. “Memorias en gestación” es una exposición bienal curada por Jimena Ferreiro que reúne seis propuestas seleccionadas entre 2023 y 2024 que encuentran hoy su materialización luego de un intenso proceso de conceptualización y exploración a cargo de un comité integrado por Rodrigo Alonso, Mariana Rodríguez Iglesias y Mene Savasta durante 2023; y Jazmín Adler, Florencia Levy y Javier Villa en el transcurso de este año, bajo la coordinación de Emiliano Causa y Matías Romero Costas, responsables del programa MediaLab.

Los artistas que integran esta gran exhibición son Andrés Belfanti, Federico Ragessi, Penny Di Roma, Indira Montoya, Karen Palacio, Franco Palioff, Leonello Zambón y el Sindicato involuntario. Todos ellos expresan la diversidad de poéticas del arte contemporáneo de nuestro país, a la vez que comparten una preocupación en torno a la acción de rememorar, evocada en múltiples formas y estrategias.

En la sala 7 Penny Di Roma (Ciudad de Buenos Aires, 1988) exhibe “ Poéticas de la Naturaleza ”, instalación de luz led, higrostato, humidificador ultrasónico y ecosistema de musgos. Andrés Belfanti (Villa María, 1985) y Federico Ragessi (Ciudad de Córdoba, 1985)

presentan la instalación sonora titulada “ Études (Sobre un rollo de pianola encontrado)”.

En la sala 8 Indira Montoya (Ciudad de Córdoba, 1975) propone la videoinstalación titulada “ Te convertirás en sal ” (2024), compuesta por videos generados con motores de videojuegos y una experiencia de realidad virtual para Oculus.

En la sala 9 Franco Palioff (Junín, 1988) presenta la videoinstalación titulada “ ElectroChikry ” y Leonello Zambón (Ciudad de Buenos Aires, 1970), junto al Sindicato Involuntario, la instalación “ La Memoria de un Eco. Espejismos aurales en el desierto fantasma ”. Mientras que Karen Palacio (Ciudad de Córdoba, 1994) propone “Lenguaje frontera. Otros infinitos en las fisuras técnicas de los sistemas” (videoarte). Los seis artistas convocados proponen cierta exploración arqueológica de pasados

remotos o incluso más próximos, que se funden en ficciones especulativas que anticipan desastres ecológicos y versiones posthumanas. Jimena Ferreiro, curadora de la muestra, agrega: “En un presente en el cual la perspectiva histórica lineal parece sucumbir ante la multiplicación de temporalidades enrarecidas, estos ensayos procuran gestar espacios de convivencia a partir de la ruina.”

“Memorias en gestación” podrá visitarse de martes a viernes de 13.30 a 22h y sábados, domingos y feriados de 11.15 a 22h con entrada libre y sin costo para residentes argentinos, en el Centro Cultural Recoleta (Junín 1930).

www. centroculturalrecoleta.org

PRENSA

Cecilia Gamboa info@ceciliagamboa.com.ar

Casa Nacional del Bicentenario Pasado desfigurado

Obras de Fabiola Gonzáles, Rubén Saavedra y Alexander Tongombol

Inauguración: Viernes 15 de noviembre 18 hs

Hasta el domingo 15 de diciembre

De miércoles a domingos de 15 a 20h.

Riobamba 985. Gratis

La Embajada del Perú en Argentina y la Secretaría de Cultura de la Nación inauguran en la Casa

Nacional del Bicentenario Pasado desfigurado, una exposición de obras de los artistas peruanos Fabiola Gonzáles, Rubén Saavedra y Alexander Tongombol.

Se trata de una serie de 48 trabajos en los que los artistas dialogan a propósito del pasado: como tema, como recuerdo, como trampolín

de un futuro que se busca o que se encuentra de manera fortuita. Pinturas, collages y técnica mixta para dar cuenta de un recorrido en el que los caminos de estos tres jóvenes artistas confluyen para volver a dispararse en direcciones diversas.

La exhibición se podrá visitar hasta el domingo 15 de

diciembre, en el primer piso de la Casa.

TEXTO CURATORIAL

Hablar del pasado inevitablemente involucra una suerte de desfiguración, aquella imagen que proyecta nuestra memoria en la pantalla interior cuando cerramos los ojos, nunca es nítida, pero es profunda. El presente dura poco, segundo a segundo, transita esquivo e inaprehensible, de esa manera es difícil no estar casi permanentemente en el pasado.

En esta muestra, los tres artistas coinciden en esto del llamado al pasado, pero vuela cada uno a una arista distinta respecto a qué sensación de lo pasado evocan:

Para Tongombol es una mirada a la fragilidad de la infraestructura colonial limeña. Al mencionar, en sus palabras, la “arquitectura de la angustia”, no solo hace mención a edificaciones en riesgo del colapso sino también hay una consternación social por quienes lo habitan. El cartón como soporte de su arte contribuye a esta escenificación, pues más allá de su irregularidad, lleva consigo una identidad de lo marginal, de la subsistencia a diario expuesta en vitrina, o quizá sería más acertado, en este caso, expuesta en balcones.

En la obra de Fabiola Gonzáles, el pasado vuelve a manera de postales familiares,

recuerdos de cumpleaños y la algarabía infantil a la que la artista añade una capa de lo que podría ser, quizá, la primera carga de adultez sobre un niño: la conciencia, si se quiere incipiente, que desarrollan los chicos del esfuerzo que hace un padre cuando escasean los recursos, la punzada en la memoria que acompaña el goce del momento, la dualidad misma de la existencia. Recordando un célebre diálogo entre Roberto Benigni y Tom Waits: “Es un mundo triste y hermoso, amigo”. Lo resume bastante bien.

En los lienzos de Rubén Saavedra tenemos al pasado y al presente confluyendo en un puente imposible, lo histórico y lo contemporáneo conviviendo. Lo satírico con la dosis de humor que le es inherente, hace mención a distintos pasajes inolvidables (para bien o para mal) de la cosmovisión peruana, resignificándolos y orientándolos a una crítica sociopolítica de nuestro presente. La pintura como advertencia a futuro, recordando que el pasado puede ser pesado si no decidimos aprender de él.

Las obras de Saavedra, Gonzáles y Tongombol nos recuerdan que no hay pasado digno de ser evocado sin una profundidad que lo haga meritorio de traerlo al presente, este que experimentamos en este instante al terminar de leer estas líneas o recorrer estas imágenes que quedarán en algún lugar de nuestra

memoria.

Cristias Rosas Chocano

SOBRE LOS ARTISTAS Y SU OBRA

Fabiola Gonzáles

Lima, 1995

Artista visual y gestora cultural, estudió Pintura en la facultad de Arte & Diseño de la Pontificia Universidad Católica del Perú, e ilustración editorial en Toulouse Lautrec. En sus obras evidencia las variantes de la afectividad, la deconstrucción de la memoria y la forma en que se contienen en archivos domésticos y espacios privados. De esta manera se introduce hacia nuevas narraciones donde habitan el collage, la fotografía, la pintura y la instalación, al observar la dimensión de la afectividad y las formas de reproducción en distintos soportes, espacios y encuentros.

La obra de Fabiola Gonzáles entre 2023 y 2024 se centra en retratar la infancia desde una mirada crítica y reveladora. En sus pinturas, explora fiestas infantiles que, lejos de ser meros escenarios de celebración, se transforman en rituales de corrección y control. Gonzáles utiliza estos momentos aparentemente inocentes para develar patrones de conducta impuestos desde la niñez, diseñados para perpetuar una violencia simbólica que atraviesa generaciones

Su propuesta se interesa en descomprimir los archivos u

familiares, explorando las tensiones entre lo que se recuerda y lo que se oculta, para ofrecer una representación sin secretos ni artificios. A través de su investigación artística con los archivos, Gonzáles construye una narrativa que revalora esos momentos cargados de vulnerabilidad, donde desafía el mito del creador solitario al generar una extensión emocional en su proceso creativo como una forma de amor y protección hacia los recuerdos compartidos.

La complejidad de recordar una infancia marcada por crisis económicas y la desesperación de los padres por ofrecer estabilidad en un entorno incierto, como lo fueron los años noventa, son los escenarios que aborda en su pintura. Las imágenes aparentemente alegres de cumpleaños y fiestas son un recordatorio de los esfuerzos por ocultar la precariedad y, al mismo tiempo, un testimonio de cómo esos recuerdos siguen moldeando nuestra percepción del pasado y del presente. La joven artista emplea una técnica mixta que combina acrílico, spray y tizas pasteles, para evocar la naturaleza fugaz de la memoria, su velocidad y las múltiples posibilidades que despliega la inmediatez. Los crayones y pasteles añaden un trazo sincero y elemental, que remite a la autenticidad del gesto infantil. Su paleta de colores, intensamente saturada, se erige como protagonista visual, revelando recuerdos y

emociones que se manifiestan con una presencia vibrante y profundamente significativa.

En tiempos de inmediatez e inmaterialidad, la artista nos permite soñar sin dormir, transportándonos a una dimensión donde los recuerdos de la niñez se mezclan con destellos de reminiscencias. La propuesta de Gonzáles es, en última instancia, un tributo a la infancia, a ese espacio que, a menudo, intentamos ocultar o escapar: una dualidad entre la celebración y la angustia por un futuro incierto. Cada obra nos reta a desentrañar los secretos que habitan en nuestros propios recuerdos y a reconocer la complejidad de crecer en un entorno donde lo lúdico y lo sombrío coexisten, generando un diálogo constante entre lo que fuimos y lo que somos.

Rubén Saavedra Chilcayo, 1992

Realizó estudios de arquitectura, para luego estudiar arte en la Escuela de Bellas Artes “Macedonio de la Torre” de Trujillo. Su propuesta artística está basada en la reflexión histórica, dialéctica y estética sobre la Historia del Arte, a través de un eclecticismo temático. Su obra interpela la memoria colectiva como la sucesión de hechos que reconstruye a su manera. Así, juega con lo autóctono y también con lo hispano, lo que lleva a mostrar la forma auténtica de ser mestizos en la amplitud de la palabra.

Las obras que se exhiben fueron construidas a partir de las diversas imágenes de la Historia del Arte y de las civilizaciones en general. En esta exposición se pone en juego un contraste de ideas, políticas y creencias, y se evidencia una crítica a nuestras sociedades, en especial la peruana y la latinoamericana. A partir de la utilización de elementos precolombinos y contemporáneos, el lenguaje que aquí se despliega es una apropiación de elementos de la fotografía, la pintura, los carteles, la arquitectura y la escultura. En todo momento, existe una combinación de los diversos recursos visuales que son habituales en el siglo XXI.

Como en todo conjunto de obras presentadas, se trata de fecundar nuevas historias distorsionando los discursos ya conocidos. En esta oportunidad, para tener una lectura distópica que llame a la reflexión de nuestra historia como república. A pesar de que juega entre lo absurdo y lo situacional, el arte es un elemento de evocación hacia la libertad. El imaginario que presentan estas obras, a pesar de estar basado en elementos históricos, es prueba de ello.

Alexander Tongombol Cajamarca, 1989

Egresado de la Escuela de Arte de Cajamarca “Mario Urteaga Alvarado”, en la especialidad de pintura. Su obra plantea la posibilidad de pensar

pasado y presente desde su representación, desde una imagen real o un tiempo en escena, generando diversas lecturas, lo que conduce a pensar en lo pasado no en un relato particular único e inequívoco, sino plural y divergente. Hace uso de material reciclado, por lo intrincado y precario que es, logrando buenos resultados a base de técnicas mixtas en contexto contemporáneo.

Sobre su obra, nos dice:

“En este proyecto, exploro la riqueza y fragilidad de la arquitectura histórica del Perú, enfocándome en las construcciones virreinales, coloniales y republicanas que, a pesar del paso del tiempo, conservan una belleza encantadora en su decadencia. Estas edificaciones, muchas de las cuales se encuentran en el Centro Histórico de Lima y de otras ciudades del Perú, son testigos de una historia profunda y significativa, ofreciendo refugio y calidez,

aunque a menudo poniendo en riesgo la vida de quienes las habitan.

Utilizando cartón reciclado como soporte, busco representar el olvido y el abandono que sufren tanto estas estructuras como el propio material. Cada pieza de cartón tiene su propia historia, marcada por manchas, dobleces y desgastes, reflejando las cicatrices de un patrimonio abusado por la modernidad y la contaminación visual. A través de la pintura —ya sea óleo, acrílico, acuarela o dibujo— y técnicas de calado, mis obras toman forma en miniaturas que evocan la arquitectura angustiada de nuestro entorno.

Mi labor para transformar el cartón desechado en obras nace de una profunda apreciación por la imperfección y la singularidad de este material. Los desafíos intrincados; sus superficies pueden

ser ásperas, desgastadas e impredecibles. Sin embargo, es precisamente en esas características donde encuentro la esencia de la belleza. Así, mi trabajo no sólo busca crear arte visual, sino también suscitar una reflexión sobre la historia y la identidad, invitando al espectador a redescubrir el valor oculto en lo aparentemente ordinario.

Este proyecto no es solamente un homenaje a las edificaciones en riesgo de desaparición, sino también una invitación a generar conciencia sobre la importancia de preservar nuestro legado histórico. A través de este diálogo visual, espero fomentar un cambio de percepción positiva hacia nuestro patrimonio, resaltando su belleza y la necesidad de protegerlo. Al final, cada obra se convierte en un reflejo de la vida que habita en su interior, capturando momentos de cotidianidad en un contexto de nostalgia y esperanza. Mi intención es que el espectador pueda apreciar la profundidad de estas historias y reconocer el valor de un patrimonio que, aunque en peligro, aún puede inspirar y elevar el espíritu.”

Horario de atención

Miércoles de 15:00 a 20:00h

Jueves de 15:00 a 20:00h

Viernes de 15:00 a 20:00h

Sábado de 15:00 a 20:00h

Domingo de 15:00 a 20:00h

Casa Nacional del Bicentenario

Riobamba 985, CABA.

INAUGURACIÓN

Terrario

de Lola Goldstein. Jueves 21 de noviembre de 17 a 21h.

Se inauguró el pasado jueves 21 de noviembre TERRARIO en Espacio FAN.

FAN es un espacio dedicado a la investigación, a la exhibición de proyectos artísticos contemporáneos y al desarrollo de publicaciones experimentales.

Existen obras que, al mirarlas de frente, parece sin embargo que uno estuviera siempre viéndolas de soslayo sin alcanzar nunca a capturarlas de pleno. Eso ocurre con estas piezas que simulan estar moviéndose todo el tiempo, bailando una coreografía fantástica. Ni bien uno intenta aprehenderlas, la música se mutea y se detienen en una pose rígida como si se tratara del juego de las estatuas. En Cómo vivir juntos, Roland Barthes sostiene que el poder de la hegemonía suele imponernos un ritmo normativo y, a modo de escapatoria, presenta la idea de idiorritmia. Me aventuro a pensar que las obras de esta exposición son idiorrítmicas: comparten un ritmo vital pero no están sujetas a leyes estrictas ni subordinadas a las demandas de un todo coherente. Su pluralidad no es de ningún modo igualdad

sino una heterogeneidad sin jerarquías. El resultado es un espectáculo delirante, también tierno, de vegetaciones que habitan pacíficamente y flotan en el aire color pastel de la inexistencia.

Lola Goldstein

Argentina, 1978. Estudió dibujo y cerámica, y diseño gráfico en la UBA. Hizo su primera muestra individual de dibujos en el año 2001 en la galería Belleza y Felicidad. En 2005 comenzó a trabajar en cerámica y ese mismo año recibió un subsidio

del Fondo Cultura BA para la producción y realización de una muestra de dibujos y cerámicas en el C. C. Recoleta. Formó parte, entre otras exposiciones colectivas, de Civilización y barbarie, una muestra de arte contemporáneo argentino organizado por la cancillería y curado por Sonia Becce, que recorrió varios países de Latinoamérica, y de Ouro Sentimental, curada por Fernanda Laguna, en el MAC de Niteroi, Rio de Janeiro.

Diseña y produce una colección de utilitarios de cerámica que expone y comercializa en diversos espacios del circuito artístico y cultural, formando parte entre 2007 y 2009 del catálogo de la tienda del MoMa. Su trabajo integra colecciones en la Argentina y el exterior. Vive y trabaja en Burzaco, Pcia de Bs. As.

*Lola Goldstein participa por cortesía de la galería María Casado.

Espacio FAN

Galerías Larreta Florida 971 o San Martín 954 Local 41 CABA. info@espaciofan.com

Móvil 10 años

Muestra de los 21 artistas que expusieron durante ese período.

Móvil cumple 10 años y lo festeja con una gran muestra colectiva que reunirá obra de los 21 artistas que formaron parte de la vida de este proyecto. Hasta el 21 de diciembre, todos los sábados 16 a 20 hs. con entrada libre y gratuita, en Iguazú 451 CABA

Este ámbito dedicado a la producción y exhibición de arte contemporáneo es dirigido por Solana Molina Viamonte desde 2024, quien lo fundó junto a Alejandra Aguado en 2014.

Para esta ocasión especial, se vuelve a reunir el equipo curatorial fundacional que sumó a la curadora, escritora y editora canadiense, Sylvie Fortin.

Participan de la muestra

Irina Kirchuck, Joaquin Boz, Tomás Maglione, Mercedes Azplicueta, Sebastián Roque, Nicolás Sarmiento, Santiago de Paoli, Joaquín Aras, Manuel Molina, Elena Dhan, Benjamín Felice, Julián D´Angiolillo, Mariana Ferrari, Jesús Jair Toledo, Celina Eceiza, Denise Groesman, Nicolás Mastracchio y Lucía Reissig, quienes exponen obras emblemáticas de sus trayectorias y, en otros casos, creadas especialmente para la ocasión y el espacio.

Móvil es una organización

independiente y sin fines comerciales con sede en cheLA, un centro autogestionado de experimentación en arte y tecnología con sede en Parque Patricios, que irrumpe en la escena de las artes visuales con una propuesta: apoyar a jóvenes artistas brindándoles los medios para que puedan concebir y realizar un proyecto inédito y para el espacio, con la intención de que esta posibilidad les permita dar un salto en su producción y los ayude en generar un impacto en su trayectoria. Esto funciona gracias al aporte de individuos e instituciones que comparten estas premisas.

También ha producido proyectos “fuera de sala” con artistas de trayectoria, invitándolos a desarrollar

un trabajo fuera de su línea habitual . Han participado en esta sección: Obeid (Jornada de pensamiento sobre la economía desde la sociología, la historia y el arte), Leopoldo Estol (La pequeña vida, su primer proyecto audiovisual en el que abordaba la ruta de los libros y los caminos que transitan algunos libreros independientes), y Marina de Caro (El universo en un hilo, un poema visual a modo de ópera que conjugó imagen, musicalidad y movimiento que fuera estrenada en Centro de Experimentación y Creación del Teatro Argentino de La Plata, que asumió su producción e integró este proyecto a su programación).

Contacto: Francisco Cerdan francisco@inprensa.com https://www.movil.org.ar

INTRA | ACCIONES

Cruces posthumanistas en el arte contemporáneo

El jueves 5 de diciembre a las 18:30, en el marco del programa que desarrolla la curadora Agustina Rinaldi en la Casa, inaugura Tecnopoiesis; una exhibición que reúne instalaciones, objetos escultóricos, proyecciones, fotos y videos de los artistas Lena Becerra, Aun Helden, Juan Pablo Ferlat, Eva Moro Cafiero, Penny Di Roma, Angel Salazar, Roma Blanco y Celeste Martínez Aburrá.

La exposición se podrá visitar hasta el domingo 9 de febrero de 2025 en el 3er piso de la Casa.

Programa de activaciones

Jueves 19 de diciembre de 18.30 a 19 y de 19 a 20 Recorrido por la obra de Roma Blanco, proyección de Cyborg y debate en el auditorio.

Jueves 23 de enero de 18.30 a 20

Recorrido por la exhibición con la curadora (con inscripción previa).

Sábado 8 de febrero de 18.30 a 21.30

Cierre de la exhibición. Acto performático “Otro Reino” a cargo de Federice Moreno, Vieyra Liber, Andrés Franco, Agustina Barzola, Morgana Altamirano e Influencer notfound, set por DJ Laulo y brindis final.

Texto curatorial

Una nueva superficie de contacto posthumana donde se ponen en escena otras construcciones posibles de lo real -sintéticas e inestables- se alza a partir de la reivindicación del saber técnico. Mediante herramientas tecnológicas duras y blandas -desde el entrenamiento de modelos de IA hasta la costura y la manipulación de materia en tensión- los artistas de Tecnopoiesis, el acto final del programa Intra|acciones: cruces posthumanistas en el arte contemporáneo, alcanzan la instancia más elevada de la técnica: la creación artística. El saber hacer se enraiza en la obra de arte, autónoma y enigmática. Al entrar en relación con el observador mediante la experiencia estética, irrumpe el desocultamiento. Lo latente, lo que estaba aguardando a ser desvelado, se trae al presente; se pone ahí delante en la emergencia de la apertura del ser en lo ente. Hay ruptura. Lo cotidiano entra en conflicto. Lo impensado se torna evidente, casi familiar. Quien observa se vuelve uno con la pieza y, en ese devenir sujeto|objeto se impone, por un momento, la verdad del mundo y de sí mismo en relación con él. En ese doble despertar que asalta al artista en el acto de crear y al visitante en la fiebre del observar, en ese “ser ahí”, donde lo claro se

pone sobre lo oscuro y donde todo es a uno lo que uno es a todo, se alza la posibilidad de imaginar otro horizonte posible en el que humanos, animales, plantas, máquinas, sistemas cibernéticos y microorganismos encuentren el equilibrio en una plataforma posdualista que nos impulse a intra|actuar con lo viviente. (Agustina Rinaldi)

Sobre el programa

A partir del diálogo con las infancias, con las inteligencias no humanas y con los artistas latinoamericanos que abordan la mixtura artetecnología, Intra|acciones: cruces posthumanistas en el arte contemporáneo propone especular colectivamente acerca de un futuro posnatural en donde la relación entre lo humano y lo no humano -fauna, flora, minerales, microorganismos y tecnología- sea circular en vez de piramidal.

Sobre la curadora

Agustina Rinaldi es una curadora y comunicadora argentina. Investiga posthumanismos filosóficos, se ve influenciada por el realismo agencial, las neomaterialidades y lo no nominado | categorizado. Propone proyectos híbridos entre lo tangible e intangible, lo orgánico y lo artificial, lo humano y lo maquínico.

Desarrolló el programa Intra|acciones: cruces posthumanistas en el arte contemporáneo para La Casa Nacional del Bicentenario, del que Tecnopoiesis es su tercera y última instancia.

Biografías de los artistas

Juan Pablo Ferlat es un artista argentino que teje ecologías de prácticas donde los sistemas de conocimiento se entrelazan con eso que etiquetamos como naturaleza, la metamorfosis de la materia y la vida misma. Su trabajo explora la difusa membrana entre lo tangible y lo místico, revelando la dimensión inefable y atávica de la ciencia y la tecnología.

Aun Helden es una artista brasileña que trabaja con múltiples disciplinas haciendo foco en materialidades diversas. El resultado es un cuerpo de obra multidisciplinar que hibrida performance, películas, imágenes, textos y objetos. Exhibió y proyectó su película, Eternidade, en Brasil, Francia, República Checa, Alemania, España, Japón, Inglaterra, Argentina y Estados Unidos. Publicó su primer libro de artista, “Fantasma Femenino”, en 2022.

Lena Becerra es una artista argentina que actualmente vive y trabaja en Berlín. Mediante el uso de arquitecturas orgánicas, gesta organismos híbridos donde las fronteras entre género,

sexualidad, tecnología y naturaleza no están definidas. Desarrolla un trabajo reparador y especulativo a partir de un espacio de ausencia, mediante la idea de pliegues y fisuras en la memoria. Se comunica a través de estructuras de tejido visceral, sometiendo a sus materialidades a constante tensión.

Celeste Martínez Abburrá es una artista argentina que vive y trabaja en Córdoba. Es Licenciada en Artes Visuales con un posgrado en Tecnologías en el Arte Contemporáneo. Exhibió en la 54ª Bienal de Venecia, en la Bienal MADATAC de Arte y Tecnología y en Ukrainian Biennale of Digital and Media Art. Sus obras pertenecen a colecciones públicas y privadas de Argentina, Chile, Perú, España y Estados Unidos.

Eva Moro Cafiero expuso su obra en el Centro Cultural Recoleta, Centro Cultural Borges, Museo MAR, Valerie´s Factory y NN Galería. Fue premiada en el 110° Salón Nacional de Bellas Artes, el 100° y 101° Salón Provincial Museo Pettoruti y con el premio Utopía ARTEBA23. Formó parte del programa de artistas 2023-24 de UTDT y fue becada en el programa Presente Continuo y en Hito cultural. Es miembro activo de las ONGs ambientalistas EcoRaices, CANLA y Jóvenes por el Clima.

Angel Salazar es un artista ecuatoriano radicado en

Argentina. Desarrolla su práctica de manera transdisciplinar entre el arte y la tecnología, explorando narrativas futurológicas desde cosmovisiones del sur. Ha expuesto en el Festival Ars Electronica (Aut), La Box Gallery (Fr) y FACTO 11 (Br).

Roma Blanco es una artista de prácticas híbridas de Mar del Plata. Graduada como Profesora en Artes Visuales y Museóloga, continuo su formación con Juan Carlos Romero y realizo clínicas con Sergio Bazán y Leticia Obeid. Su trabajo abarca la gráfica experimental, el objeto expandido, la obra colaborativa, la acción performática y el medio audiovisual. Investiga sobre la dimensión física y metafísica de las cosas. Explora nuevas lecturas de la realidad haciendo foco en la filosofía, la ciencia y la mística.

Penny Di Roma nació en Buenos Aires y se formó en la Licenciatura de Artes Visuales en U.M.S.A. Recibió el apoyo a la producción de obra del Centro Cultural de España y participó de Hito Cultural. Se le otorgó el Premio Beca de formación en el exterior de UADE, el Premio Estimulo de la fundación Cazadores, obtuvo el tercer Premio de la Fundación Fortabat y fue finalista del Premio Banco Itaú en Bioarte.

Casa Nacional del Bicentenario Riobamba 985 CABA, Buenos Aires

MUSEOS

MUSEO DE ARTE POPULAR

Un viaje visual por el artista detrás del Martín Fierro: la obra de Tomás Ditaranto

A 190 años del nacimiento de José Hernández, se inaugura la exposición “Tomás Ditaranto, el pintor del Martín Fierro” en homenaje a uno de los grandes artistas visuales del siglo XX, ilustrador de las ediciones plurilingües del gran poema nacional. Asimismo, habrá actividades especiales en torno a esta muestra en La Noche de los Museos y la Semana del Patrimonio.

El pasado jueves 7 de noviembre a las 18 h se inauguró “Tomás Ditaranto, el pintor del Martín Fierro”, exposición en homenaje a uno de los grandes artistas visuales del siglo XX, en la sede del Museo de Arte Popular (Av. del Libertador 2373), en conmemoración de los 190 años del nacimiento de José Hernández (18341886).

En este marco, habrá visitas guiadas a cargo de Tomás Ditaranto, nieto del artista, y se realizarán charlas, talleres y espectáculos musicales. Esto será durante La Noche de los Museos (sábado 9 de noviembre) y la Semana del Patrimonio (del 10 al 16 de noviembre). Como actividad

destacada, el sábado 16 de noviembre a las 17 h se presentará la charla y

exhibición de “Souvenirs digitales del Martín Fierro. Desarrollo de una obra de

NFT sobre la obra de Ditaranto”, a cargo de Gabriela Serkin.

La exposición

“Tomás Ditaranto, el pintor del Martín Fierro” hará foco en uno de los trabajos más destacados de Ditaranto: las ilustraciones que realizó para las ediciones plurilingües del Martín Fierro, la primera de ellas, publicada por editorial Iberoamericana en 1970, con motivo de la celebración del centenario de la publicación original del gran poema nacional. Se exhibirán además los distintos bocetos que realizó el autor, hasta llegar a la caracterización final del personaje.

Otro de los ejes de la exposición será su faceta de viajero, en sus innumerables travesías por Argentina y por el continente europeo, haciendo hincapié en su producción sobre el norte argentino y en sus paisajes italianos, su país natal. También se exhibirán piezas de su última etapa como creador.

El maestro ítaloargentino Tomás Ditaranto nació en Montescaglioso, el 24 de febrero de 1904. A sus dos años, emigró con su familia a Buenos Aires. Este pintor y

dibujante de larga trayectoria estudió arte desde muy joven y gestó su obra en su atelier de los pasajes de Liniers, para convertirse luego en un pintor de dos mundos.

A partir de 1945, comenzó a viajar por el país, atraído por el paisaje y las costumbres argentinas, experiencias que serían claves para el desarrollo temático posterior de lo que es el corpus fundamental de su obra. Ditaranto tenía necesidad de dejar testimonio de todo lo que veía. El paisaje y el hombre quizás fueron el centro de su vida y así lo plasmó en gran parte de sus creaciones.

Durante esos viajes por el país, realizó infinidad de bocetos, hoy expuestos en el Museo de Arte Popular, con diversas técnicas: óleo, acuarela, carbonilla, pastel y monocopia. En sus viajes de estudio por Europa, en 1951 y 1952, visitó museos y talleres de afamados pintores de Italia, Suiza, Francia y España. En un total de 14 viajes al exterior, recorrió el Cantábrico Español, Tánger y Tetuán, entre otros destinos. Tomás Ditaranto falleció el 29 de agosto de 1985.

La exposición “Tomás Ditaranto, el pintor del Martín Fierro” podrá visitarse hasta el 23 de marzo de 2025.

Museo de Arte Popular José Hernández

Av. del Libertador 2373

Horario:

Lunes, miércoles, jueves y viernes de 11 a 19 h Sábados, domingos y feriados de 11 a 20 h Martes cerrado.

Entrada: Público general: $5000 Residentes argentinos y/o extranjeros (con DNI): $1000 Miércoles sin cargo. Jubilados, estudiantes universitarios presentando acreditación, personas con discapacidad más un acompañante, menores de 12 años y grupos de estudiantes de colegios públicos, sin cargo todos los días.

MuseosBA

En diciembre llega la exposición del 68° Salón Manuel Belgrano y más inauguraciones en los museos porteños.

Para cerrar el año, los museos de la Ciudad presentarán nuevas muestras con foco en la premiación artística, la moda nupcial, un diálogo contemporáneo entre artistas y la revalorización del patrimonio escultórico.

Salón Manuel Belgrano en el Museo Sívori

En diciembre, los museos de la Ciudad de Buenos Aires presentarán cuatro nuevas exhibiciones. El sábado 28 a las 12 h, el Museo Sívori cerrará el año con la inauguración de la exposición

de las obras premiadas y seleccionadas del 68° Salón Manuel Belgrano. Antes, el jueves 5 a las 18 h, el Museo Larreta presentará “Intermitencias, destellos y continuidades. Un encuentro inesperado entre Silvia Gurfein y Agustin Riganelli”, en conjunto con el Sívori. El viernes 6 a las 12.30 h llegará a la Casa Fernández Blanco la historia de los trajes de boda a través de su colección en “De blanco te esperé”. Finalmente, el jueves 12 a las 18 h, el Museo Perlotti presentará “Revelando el Patrimonio II: Obras

escultóricas revalorizadas, testimonios recuperados”. Además, en otros cinco museos continuarán abiertas varias muestras.

68° SALÓN MANUEL BELGRANO

Museo de Artes Plásticas

Eduardo Sívori

Av. Infanta Isabel 555 Inaugura: sábado 28 de diciembre a las 12 h

Exposición de las obras premiadas y seleccionadas en la 68° edición del Salón, un clásico de la escena artística

local. El Salón de Artes Plásticas Manuel Belgrano es un certamen que, desde 1945, premia a artistas argentinos y residentes en las disciplinas de pintura, escultura, dibujo, grabado y monocopia, fomentando así la trayectoria, la continuidad y la práctica en el arte. Otorgado por el Ministerio de Cultura, opera como un instrumento identitario e institucional, con una doble naturaleza: por un

lado, garantiza el desarrollo y la diversidad de la escena cultural en el ámbito de la Ciudad, incrementando el acervo patrimonial del Museo Sívori al adquirir los primeros premios en cada categoría, que pasan a formar parte de su colección, y, por el otro, confiere pensiones que le dan un reconocimiento a la producción de artistas que dedicaron su vida a la profesión.

OTRAS INAUGURACIONES

Museo de Arte Español Enrique Larreta

Av. Juramento 2291

“Intermitencias, destellos y continuidades. Un encuentro inesperado entre Silvia Gurfein y Agustin Riganelli” Inaugura: jueves 5 de diciembre a las 18 h

Realizada en conjunto con el Museo Sívori, que aporta u

obras de su patrimonio, la exposición articula un diálogo entre las piezas exhibidas de Gurfein y Riganelli. A través de técnicas de monocopia y estampación únicas, ambos artistas exploran temas como la intimidad y la naturaleza, en un encuentro que trasciende el tiempo. Gurfein, con sus veladuras y superposiciones, evoca un cosmos pictórico donde el tiempo parece plegarse. Riganelli, con líneas precisas

y motivos introspectivos, experimenta con el vacío y el color. La muestra propondrá una conversación entre dos universos creativos, simbolizando conexiones entre distintos tiempos y espacios.

Museo Fernández Blanco -

Sede Casa Fernández Blanco Av. Hipólito Yrigoyen 1420

“De blanco te esperé”

Inaugura: viernes 6 de diciembre a las 12.30 h.

La muestra, que incluye una donación de fotografías de bodas del Ing. Carlos Gabriel Vertanessian, explorará la historia de los trajes de boda entre 1870 y 1926, ofreciendo un recorrido por los cambios en la institución del matrimonio y las ceremonias nupciales en Argentina, especialmente tras la ley de matrimonio civil de 1888. Desde la moda del vestido blanco impuesta por la reina Victoria hasta la tradición de casarse de negro debido al

luto, “De blanco te esperé” revela las complejidades del matrimonio en otras épocas. Los retratos expuestos captaron el momento solemne de la unión, un reflejo de una sociedad patriarcal en la que las mujeres, simbólicamente “de blanco”, estaban destinadas a esperar.

Museo de Esculturas Luis

Perlotti

Pujol 644

“Revelando el Patrimonio II: Obras escultóricas revalorizadas, testimonios recuperados”

Inaugura: jueves 12 de diciembre a las 18 h

El ciclo de exposiciones Revelando el Patrimonio tiene como objetivo despertar el interés del público al descubrir y destacar piezas de la colección del museo que, durante mucho tiempo, han permanecido en la reserva patrimonial, o que han sido recientemente restauradas y puestas en valor por el área de conservación. En su segunda edición, los artistas expuestos serán Lidia Battisti, Libero Badii, Héctor Nieto y Luis Perlotti, entre otros.

MUESTRAS QUE CONTINÚAN

Seguirán abiertas al público durante diciembre:

“Guido Boggiani y el Chaco. Una aventura del siglo XIX” y “Arte y ambiente natural. Circuito escultórico accesible en los jardines del Palacio Noel” en el Museo Isaac

Fernández Blanco (Suipacha 1422)

“Parque de la Ciudad: una vuelta por su historia” en el Museo de la Ciudad (Defensa 223)

“Tesoros del Gran Chaco”,

“Nirvana” de Sergio Blanco y

“Tomás Ditaranto, el pintor del Martín Fierro” en el Museo de Arte Popular (Av. del Libertador 2373)

“Intervenciones mínimas III” en el Museo Larreta (Av. Juramento 2291)

“Wilenski, fotógrafo de artistas” en el Museo del Cine Pablo Ducrós Hicken (Agustín R. Caffarena 51)

“Troilo, el otro Gardel del Abasto” en el Museo Casa Carlos Gardel (Jean Jaurés 735 CABA)

Horarios: Lunes, miércoles, jueves y viernes de 11 a 19 h. Sábados, domingos y feriados de 11 a 20 h. Martes cerrado.

Entrada: Residentes argentinos y/o extranjeros (con DNI) $1000. Turistas y extranjeros $5000. Miércoles sin cargo. Jubilados, estudiantes universitarios presentando acreditación, personas con discapacidad más un acompañante, menores de 12 años y grupos de estudiantes de colegios públicos, sin cargo todos los días.

prensadgpmych@ buenosaires.gob.ar

MuseosBA

66 MiráBA

Agustín “Soy Rada” Aristarán vuelve a sorprender al público con TARÁN, un nuevo hito en su prolífica carrera, el próximo 6 y 7 de diciembre en el histórico Teatro Ópera en Buenos Aires. Con este nuevo show recorrió 10 provincias y más de 18 ciudades en todo el país.

Este espectáculo promete sumergir al público en un viaje fascinante a un mundo lleno de ilusiones, risas y momentos mágicos. En TARÁN, se podrá disfrutar de rutinas de magia colectivas e intimistas, combinadas con su característico humor y stand up, sin perder la esencia de la música que siempre acompaña sus presentaciones. Un espectáculo tan exquisito como sorprendente, donde la magia, la ilusión y el humor se entrelazan de manera perfecta para hacer creer en lo imposible.

Su último show REVUELTO fue galardonado con el premio Estrella de Mar a mejor espectáculo de humor de la temporada en Mar del Plata, y coronó el año (tras un recorrido de gira nacional, un Luna Park agotado y dos giras internacionales) ganando el premio ACE 2023, en la misma categoría.

Agustín Aristarán sigue sumando grandes logros a lo largo de su carrera, como el reconocimiento que recibió dos años consecutivos con el premio HUGO al Mejor Protagónico Masculino por su interpretación como Tronchatoro en el musical Matilda (2023) y como Dewey Finn en School of Rock (2024). Soy Rada ahora se reinventa y retoma el escenario con un espectáculo que promete hacer vibrar a todo el público.

Ficha técnica

Agustin Soy Rada Aristarán presenta TARÁN en GIRA

NACIONAL

Manager: Juan Martin Resua

Producción General: 300

Producciones

Productora Asociada: JUEGUE

Productora General Soy Rada: Luisina Pozzo Ardizzi

Elenco: Agustín “Soy Rada” Aristarán

Técnica

Productor técnico: Martín Lerena

Sonido: Martin Brunello

Website: www.rada.soy

Soy prensa hola@soyprensa.com.a

Por primera vez Luis Brandoni y Soledad Silveyra juntos en teatro en

- EL EVENTO TEATRAL MÁS IMPORTANTE DEL AÑO -

Dos de los artistas más importantes y queridos de nuestro país compartirán escenario por primera vez. Luis Brandoni y Soledad Silveyra serán los protagonistas de la obra teatral más importante del año, dirigida por Héctor

Díaz y producida por Tomás

Rottemberg y Juan Manuel Caballé.

desde el miércoles 8 de enero y las entradas se encuentran disponibles por PLATEANET.

Sinopsis

¿Quién es Quién? se podrá disfrutar en el Teatro Liceo

MiráBA

Luis Brandoni y Soledad Silveyra interpretan a dos personajes entrañables y llenos de matices, se enfrentan a dilemas que resonarán en la audiencia, invitándola a cuestionar sus propias relaciones.

¿Quién es Quién? será un imperdible de la cartelera porteña del 2025. Nadie querrá perdérsela por su combinación

¿Quién es Quién? de Audrey Schebat es una comedia fresca y aguda que se adentra en la vida de una pareja moderna atrapada en la rutina. Ante la espera de una pareja de amigos a cenar, se desata un torrente de situaciones hilarantes y reflexiones profundas sobre el amor, la comunicación y la búsqueda de la felicidad. A través de diálogos ingeniosos y un ritmo dinámico, la obra explora cómo lo cotidiano puede transformarse en extraordinario con un toque de locura.

de humor y sinceridad que te hará reír y pensar.

Ficha técnica

Autora: Audrey Schebat

Traducción:

Pablo Rey

Actúan:

Luis Brandoni y Soledad

Silveyra

Dirección: Héctor Díaz

Asistente de dirección: Miguel Kot

Diseño de escenografía: Lula Rojo

Diseño de vestuario: Romina Giangreco

Diseño de iluminación: Stefany Briones Leyton

Apuntador: Pablo Arambarri

Diseño gráfico: Nico Rejlis

Fotos: Machado Cicala

Comunicación: @drama.com.ar + Florci Gonzi

Community Management: Lucía Peralta

Fotos y videos de escena: Rosario González del Cerro

Prensa: SOY PRENSA

Producción ejecutiva: Florencia Spinelli

Coordinación de producción: Rocío Gómez Cantero

Producción general: Tomás Rottemberg y Juan Manuel Caballé

Soy prensa hola@soyprensa.com.ar

MiráBA 69

“LA ÚLTIMA SESIÓN DE FREUD”

de MARK ST. GERMAIN

LUIS MACHÍN – JAVIER LORENZO

MiráBA 70

70 MiráBA

PREMIOS ACE 2022-23

Actor protagónico en drama: Luis Machín

Dirección drama: Daniel Veronesse

PREMIOS ESTRELLA DE MAR 2024

Mejor Obra Dramática

Mejor Actor Drama: Luis Machín

PREMIO JOSÉ MARÍA VILCHES 2024

No es solo un fuerte debate, es una obra profunda sobre dos hombres que viven y discuten los grandes temas de todos los tiempos, con inteligencia y humor.

La última sesión de Freud (Freud`s last session) de Mark St. Germain, luego de dos temporadas y una extensa Gira Nacional recorriendo el interior del país, cierra su segunda temporada despidiendo el 2024 realizando 6 funciones en diciembre en el Teatro Picadero, Pje Enrique S. Discépolo 1857, CABA. Luis Machín es quien interpreta al Dr Sigmund Freud en este duelo de actores, y Javier Lorenzo en el papel de C.S Lewis, bajo la dirección de Daniel Veronese.

La obra se centra en el legendario psicoanalista Dr. Sigmud Freud (Luis Machín) que invita al joven y brillante académico C.S. Lewis (Javier Lorenzo) a su casa en Londres. Ese día Inglaterra entra en la segunda guerra mundial y ellos discuten sobre la existencia de Dios, el amor, el sexo y el significado de la vida.

La última sesión de Freud se estrenó en Nueva York el 22 de Julio del 2010, y fue la sensación en la temporada 2010/11 recibiendo el premio off Broadway Alliance Award a la mejor obra. Londres, Madrid, Tokio, Rio, Los Ángeles, Estocolmo, México, Chicago y Seattle fueron algunas de las ciudades donde se representó esta comedia. En Buenos Aires se estrenó el 28 de enero de 2012 en el Multiteatro.

LAPLATA CABA

FICHA TÉCNICA

Autor: Mark St. Germain

Versión: Daniel Veronese

Dr. Freud: Luis Machín

J.C. Lewis: Javier Lorenzo

Director: Daniel Veronese

Asistente de dirección

Adriana Roffi

Diseño de escenografía: Diego Siliano

Diseño de iluminación:

Marcelo Cuervo

Diseño de vestuario:

Laura Singh

Asistente de Vestuario: Daniela Dearti

Diseño Gráfico: Diego Heras

Fotografía:

Nacho Lunadei

Prensa: SMW

Comunicación en redes: Bushi Contenidos

Producción Ejecutiva:

Luciano Greco

Productor general: Sebastián Blutrach

Últimas funciones 2024 TEATRO PICADERO

Pje Enrique S. Discépolo 1857, CABA

Lunes 2 diciembre 20 h.

Sábado 7 diciembre 22:15 h.

Domingo 8 diciembre 20:45h. Lunes 9 diciembre 20 h.

Domingo 15 diciembre 20:45 h.

Lunes 16 diciembre 20 h.

Localidades a la venta en www. plateanet.com o en boletería del teatro.

SMW -ASESORES DE PRENSA

FB: smwpress

TW / IG: @smwpress raulcasalotti@smwpress.com

ÚLTIMA FUNCIÓN EN LA CARPINTERÍA

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LA MAMI

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Con un elenco destacado integrado por Graciela Tenenbaum, Abian Vainstein y Jorgelina Vera, “La Mami” es una historia intensa y emocionante que explora los silencios y secretos de una familia.

“La Mami” es una obra de teatro

para reirse a carcajadas y emocionarse hasta las lágrimas. Tres hermanos de un pueblo chico se encuentran la noche de Año Nuevo para descubrir el secreto mejor guardado de su madre. Porque al final es cuestión de rascar, que algo escondido todos tenemos.

Con Graciela Tenenbaum, Abian Vainstein y Jorgelina Vera Escrita y dirigida por Paolo Sambrini 72 MiráBA

DIJO LA PRENSA

Graciela Tenenbaum, Abian Vainstein y Jorgelina Vera encarnan a tres hijos con gran convicción, logrando una química y un ritmo que aportan humor y momentos emotivos. Con dramaturgia y dirección de Paolo

LAPLATA CABA

Sambrini, el tono grotesco de la obra se manifiesta tanto en las actuaciones como en los detalles escenográficos. “La Mami” encuentra su fuerza en los lazos familiares que se representan, ofreciendo momentos de autenticidad que conectan con el espectador… brindando una experiencia teatral que combina humor y reflexión sobre el pasado. Muy Buena. Chapeau Argentina

Una delirante comedia, que también es una historia plagada de silencios de siesta y olor a

recuerdos, que no siempre fueron verdades.

La Nación

La nueva creación de Paolo Sambrini, logra ese difícil equilibrio entre la comedia costumbrista y el drama familiar, salpicado con toques de suspenso que mantienen al espectador en vilo. Esta obra nos recuerda que el teatro, en su mejor expresión, puede ser simultáneamente entretenimiento y reflexión profunda sobre la condición humana. Una propuesta teatral que se perfila como una de las revelaciones más gratificantes de la temporada y una invitación imperdible para los amantes del buen teatro.

Christian Domínguez para Nota al pie

La mami es una historia llena de silencios de siesta, olor a recuerdos y chicharras que aturden en un pueblo chico con infierno grande. Lo mejor: Dos grandes actores como Graciela Tenembaum y Abian Vainstein que se sacan chispas.

Time Out

Con un elenco destacado integrado por Graciela Tenenbaum, Abian Vainstein y Jorgelina Vera, “La Mami” es una historia intensa y emocionante que explora los silencios y secretos de una familia. “La Mami” es una obra de teatro para reirse a carcajadas y emocionarse hasta las lágrimas.

La Mirada O

FICHA TÉCNICA

Elenco

Graciela Tenenbaum

Abian Vainstein

Jorgelina Vera

Guión y Dirección:

Paolo Sambrini

Asistente de Dirección: Agustina Arias

Escenografía:

Claudio Provenzano, Juan

Manuel Sequeira

Vestuario:

Lidia Benitez

Iluminación:

Leticia Agesta

Sonido:

Emilio MundelEzequiel “Chicho”

Scillone

Diseño Gráfico: Zarina Kelly

Producción Ejecutiva: Julián Martínez Fernández

Coordinación de Producción: Francisco Hails

Prensa:

BMZ Comunicaciones

Redes Sociales: Boria audiovisual

Fotografía:

Nacho Lunadei

Producción General: Paolo Sambrini

“LA MAMI” de Paolo Sambrini

ÚLTIMA FUNCIÓN

LUNES 02 DE DICIEMBRE A LAS 21:00h

Teatro La Carpintería

Jean Jaures 858, CABA

Entradas en la boletería del teatro y por Alternativa Teatral

Redes Sociales

@lamami.teatro @lacarpinteriateatro

Para más información:

Marcelo Boccia

BMZ Comunicaciones marcelo@bmzcomunicaciones. com.ar

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En el teatro Área 623

Croquembuch de Nina Dell´Oca

Croquembuch, la obra escrita y dirigida por Nina Dell´Oca, estrenó el pasado viernes 1 de noviembre, a las 21 en Área 623, Pasco 623, C.A.B.A. Estará cada viernes (durante cinco semanas) a esa misma hora.

Esta es una obra inspirada en todo lo apasionante, soberbio, absurdo, humano, barroco e irreverente del mundo familiar de la autora. El nombre, especialmente escrito de esta forma, hace referencia al término en francés Croquembouche (cruje en boca) y se vincula con la personalidad llamativa y ruidosa de la mujer que inspiró esta historia.

Perla y Amanda. Vecinas impecables, barrocas y coquetas. Viven en zona paqueta. Se cruzan de vez en cuando comprando masas finas por el barrio. Su desborde y delirio se oculta entre bochinche sofisticado, o eso piensan ellas. ¿Cuánto barro y pasión caben en un par de uñas recién hechas?

“La inspiración fue mi tía Perla y sus delirios de grandeza y en aquello que nunca pasó de moda. Mi pequeño homenaje a Almodóvar, lleno de estridencias, delirio y verdad. Una muestra del violento e irracional amor romántico, una ventana hacía las reacciones primitivas y un gusto que me encanta darme.

Ella, fuente inagotable de anécdotas familiares y relatos desopilantes, quebrantó con su mera existencia el umbral entre realidad y ficción. Siendo incorrecta, despiadada y encantadora, construyó un personaje más que atrapante, repudiable muchas veces, e hipnótico otras tantas. Abarcó y apretó tanto que fue necesario desglosar su personalidad en dos. Dos actrices en escena, cumpliendo roles distintos, pero originadas desde la misma fuerza creadora: mi tía. Un personaje se llama Perla y el otro Amanda, las dos salen de la misma costilla, se bifurcan y hacen lío en escena”, relata Nina.

Dramaturgia, dirección y producción: Nina Dell’ Oca. Asistencia de dirección: Florencia Conti. Elenco: Cecilia Colombo, Vanesa Diaz, Florencia Conti. Diseño y realización de vestuario: Erica Rabinovich. Diseño y realización de escenografía: Erica Rabinovich. Diseño de luces: Alejandro Velazquez

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Sonido: Gabriel Ferreyra Voz en off: Ricardo Castro Guitart. Diseño de maquillaje: Julieta Silva. Contenido audiovisual: Canela Velazquez y Camilo León Romero Del Rio. Fotografía y diseño de flyer: Nina Dell’ Oca. Prensa: Manuel Balut.

Este es el primer proyecto teatral en donde Nina Dell’Oca se desenvuelve como directora, dramaturga y productora. El disparador que ella misma se planteó fue: Crear con lo cercano.

Crear con un código familiar. La familia es una inspiración primaria para ella y continuamente busca recopilar escenas de su tía abuela Perla y su marido Eduardo, las sobremesas en Villa Devoto y muchas anécdotas que son descriptas por su madre o su abuela.

Prensa y Comunicación Manuel Balut manuelbalut@gmail.com

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Noche de cúpulas presenta

Las costuras del tiempo Gastronomía + Teatro + Música + Arquitectura

El sábado 14 de diciembre, a las 18, 19.30 y 21 horas, Noche de cúpulas presenta:

Las costuras del tiempo, una experiencia performática en el histórico edificio Gath & Chaves, con la cúpula más antigua de Avenida de Mayo, ubicada en el café London City. Información y entradas a través de @nochedecupulas.

La propuesta, que combina gastronomía, teatro, música y arquitectura, es un recorrido inmersivo que evoca el esplendor de una era dorada de consumo y expansión. Los espectadores se adentrarán en los vestigios de sus pasillos, vitrinas y oficinas, así como en el ambiente de los célebres cócteles de época que hicieron de este lugar el corazón de la vida comercial porteña e inspiración para escritores como

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Julio Cortázar.

FICHA ARTÍSTICA - TÉCNICA

Intérpretes: Víctor Malagrino, Maximiliano Trento, Romi Sak y Natalia Chami

Voz en off: Ariel Mele

Arte y vestuario: Macarena García

Colaboración musical: Iván

Duclos

Colaboración coreográfica: Martina Kogan.

Colaboración dramatúrgica: Fernando Milzstajn

Iluminación: LDMX luminarias

Fotografía: Adriana Cichero La Reina de las Cúpulas

Gastronomía: Cocina Discreta

Producción: Noche de Cúpulas

- Ana Groch, Vero Groch y Ale Langer

Dirección: Lindalinda - Romi

Sak y Natalia Chami.

Dirección general del proyecto: Noche de Cúpulas

SOBRE NOCHE DE CÚPULAS

Noche de Cúpulas, es el evento inspirado en la charla TED de Phillipe Starck que manifestó que mirar 45 grados hacia arriba le cambió la vida, y busca cambiar el ángulo de la mirada. Las experiencias, que combinan gastronomía, teatro, música y arquitectura en las cúpulas porteñas, se realizan desde 2017 y proponen un viaje con foco en los cielos de la Ciudad de Buenos Aires a través de intervenciones artísticas destacadas de la escena local, experiencias site specific de artes escénicas, performances poéticas con prestigiosos artistas, directores, dramaturgos y DJs en vivo durante todo el evento, que se realiza en

LAPLATA CABA

una locación de valor histórico montado exclusivamente para cada experiencia sensorial.

¡Cierre del año en las alturas!

Sábado 14 de diciembre

Horarios: 18 h, 19.30 h y 21 horas.

Av. de Mayo 591

Informes del valor a través de @nochedecupulas

La entrada incluye una copa de vino y un bocado de degustación Duración: 60 minutos

“Dicen las Estrellas que los fugaces somos nosotros”

Entradas @nochedecupulas https://www.instagram.com/ nochedecupulas/?hl=es

Noche de Cúpulas recibió apoyo y reconocimientos de las siguientes instituciones y participó de diversos proyectos desde 2017. Cuenta con el apoyo del F.N.A. Fondo Nacional de las Artes, Mecenazgo Cultural, I.N.T. Fondo Nacional de las Artes.

F.I.B.A. Festival Internacional de Buenos Aires del Gobierno de la Ciudad. ENACOM, Ente Nacional de Comunicaciones, Conexión Madrid Buenos Aires, Fundación Itau, Fundación Santander, Fundación Zurich Santander y Ministerio de Cultura del GCBA.

PRENSA

Marisol Cambre prensa@marisolcambre.com.ar

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Muñeca o el naufragio

Dramaturgia Irene Almus - Dirección Mariana Giovine

Muñeca o el naufragio

Dramaturgia Irene AlmusDirección Mariana Giovine

Corre el año 1941. En un teatro de la mítica avenida Corrientes, un grupo de actores ensaya Muñeca de Armando Discépolo. Durante este proceso saldrán a la luz, con humor y patetismo, los celos, envidias y amores de sus integrantes. Todo esto confluirá en un final inesperado donde ficción y realidad se mezclarán en un final sorprendente.

FUNCIONES:

Domingo 1 a las 19 h.

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Espacio Experimental

Leónidas Barletta

Av. Roque Sáenz Peña 943Entrada general: $10.000 / 20% desc estudiantes y jubilados / 2x1 Club La Nación

Compra online / reserva: www.alternativateatral.com

ACERCA DE LA OBRA

La concepción escénica de “Muñeca o el Naufragio” se sustenta en la rica tradición del teatro grotesco argentino. Ambientada en el contexto oscuro de la Segunda Guerra Mundial, aborda tanto las dificultades profesionales como las relaciones humanas y emocionales de los personajes.

La obra se desarrolla durante el proceso de ensayos de la obra “Muñeca” de Armando Discépolo. Este enfoque permite que el público pueda sumergirse en el ambiente íntimo y caótico de un proceso creativo, revelando las miserias y vulnerabilidades tanto de los personajes ficticios, como de los actores enfrentando su propia lucha creativa. El humor se convierte en una válvula de escape para el miedo al olvido, al fracaso y a la opresión.

“Muñeca o el Naufragio” no solo celebra el legado teatral argentino, sino que también

nos invita a reírnos de nuestros propios temores.

FICHA TÉCNICO/ ARTÍSTICA

Dramaturgia: Irene Almus

Actuación: Eduardo Calvo (René Bravo/ Anselmo), Luciana Vieyra (Adela Pico/ Muñeca), Gastón Frías (Fito Leber/ Enrique), Santiago Fraccarolli (Emilio), Irene Almus (Beatriz) Escenografía y Vestuario: Alejandro Mateo

Iluminación: Horacio Novelle

Música original: Gastón Frías

Diseño gráfico: Santiago Fraccarolli

Fotografía: Gastón Frías

Prensa: Valeria Franchi

Producción ejecutiva: Fabi Maneiro

Asistente de dirección: Tadeo Goldstein

Dirección: Mariana Giovine

Duración del espectáculo: 60 minutos

Irene Almus (Dramaturga, actriz)

Premios y nominaciones:

Nominaciones a: Mejor Actriz de reparto por los premios Florencio Sánchez, Trinidad Guevara, Estrella de Mar, María Guerrero, ACE. Premio Hugo Mejor Actriz protagónica en musical. Como autora: Nominación Mejor Obra Musical Premios Hugo a “Espumas de Oriente”. Nominación Mejor Obra alternativa Premios ACE a “Espumas de Oriente”.

Teatro: “Los empeños de una casa”, “La celosa de sí misma”, “El lindo Don Diego” y “La Discreta enamorada” Centro Cultural de la Cooperación y festivales en España; “Espumas

de Oriente” Teatro Nün; “Vacas Sagradas”, “Estado del tiempo” Centro Cultural de la Cooperación; “Cosas de Payasas” Centro Cultural de la Cooperación; “El Conventillo de la Paloma”, “Globo”, “Amarga Marietta” Teatro Nacional Cervantes; “Romeo y Julieta” Teatro Regio; “Despertar de Primavera” Teatro Astral; “El Salpicón” Paseo La Plaza.

Cine: Dos ilusiones, El cine de Maite, El regreso de Peter Cascada, Un juego absurdo, Piedras, Niño pez, Días de vinilo, Eso que llaman amor, La lata de bizcochos, Cielito lindo, Yo nena, yo princesa.

Mariana Giovine (Directora)

Nació en Buenos Aires el 25 de noviembre de 1980, es actriz, docente y directora teatral. Se egresó de la Escuela Metropolitana de Arte Dramático (EMAD) y recibió formación adicional con reconocidos maestros como Alejandra Boero,

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Agustín Alezzo, Diego Cazabat, Hernán Franco, Gabriel Chamé Buendía.

Nominada como revelación premio Florencio Sanchez 2013 por la dirección de “A propósito del tiempo”. Nominada premio Estrella de Mar 2016 como mejor actriz de comedia dramática por su actuación en “Distracciones”.

Como directora, ha trabajado en producciones como “Cocinando con Elisa” y “Distracciones”, “La panadera de los poetas”, “A propósito del tiempo” entre otras. Su trayectoria actoral incluye obras como “Filomena Marturano”, “Romeo y Julieta”, “La Farolera” y “Yerma”, entre otras.

Además, fue parte del grupo “Catalinas Sur” y participó en el ciclo “Teatro por la identidad”.

PRENSA

Valeria Franchi valeriafranchiprensa@gmail.com

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MI VIDA ANTERIOR

de Teresa Donato & Dennis Smith

10 años después de BOYSCOUT, Dennis Smith vuelve con su nuevo unipersonal.

El día en que muere Gal Costa, Mariana entra en trance. Gal la acompañó en sus momentos más difíciles durante el exilio. Francisco, su hijo, decide que debe conocer el pasado de su madre como oficial montonera. Hace casi 50 años que la muerte de su padre en combate, el posterior secuestro y liberación de su madre y el vínculo con un militar que los puso a salvo en Brasil y a quien su madre no denunció, le dan vueltas en la cabeza. Mientras la ve bailar despidiendo a Gal, completamente ida, Francisco entiende que debe pedirle a su madre que le cuente, de una vez por todas, su vida anterior.

Montonera, madre, desaparecida, sobreviviente. ¿Traidora o víctima?

¡ÚNICAS 6 FUNCIONES!

Martes 29 de octubre a las 20 horas

Martes 12, 19 y 26 de noviembre a las 20 horas

Miércoles 4 y 11 de diciembre a las 20 horas

Centro Cultural San MartínSarmiento 1551

Entrada desde $8.000

Descuento para estudiantes, jubilados y pensionados.

A la venta en Entradas BA o en la boletería del Centro Cultural San Martín

Esta obra cuenta con el apoyo de RADIO CON VOS, Mecenazgo, BALANZ, FIBA, Centro Cultural San Martín & Ramírez.

FICHA TÉCNICA

Elenco: Dennis Smith

Dirección musical: Fernando Losada

Diseño lumínico: Rodrigo González Alvarado

Diseño de vestuario: Pablo Ramírez

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Prensa y comunicación:

Mutuverría PR

Asistencia de dirección: Tomás Savino

Producción artística: Leandro Rosenbaum

Producción: @ comuproducciones y Dennis Smith

Dramaturgia: Teresa Donato & Dennis Smith

Basado en la historia real del libro “Desaparecida dos veces” de Teresa Donato (2025, Seix

Barral)

Dirección: Dennis Smith

Duración: 60 minutos

PALABRAS DEL DIRECTOR Y LA AUTORA

“Cuando Teresa Donato me contó la historia que estamos a punto de estrenar, lo único que cruzó mi cabeza fue: tengo que hacer esto. Hacía años que ella venía entrevistando a la protagonista y estaba cada vez más cerca de editar un libro con la historia, que finalmente se lanzará por Seix Barral en 2025. Me llamó la atención una imagen: una mujer que esconde en el pañal de su hijo de 18 meses una 9mm y que lo disfraza de nena por las dudas. Por lo general no soy muy de pararme en el banquito a señalar con el dedo, y me pareció que esta historia, la de

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una mujer que se dejó guiar por el instinto de supervivencia, era un gris interesantísimo para explorar. La polarización, el no poder ver en escala de grises, el limitarnos al blanco y al negro, le ha hecho muy mal históricamente a nuestra sociedad. Hay blancos, hay negros, sin dudas. Hay acuerdos sobre lo que sí y lo que no. Pero en el medio, cuando uno se pone en los zapatos del otro, y cuando aparece el animal que tanto intentamos domesticar, es muy difícil, sinceramente, saber cómo hubiera uno actuado en ciertas circunstancias. Creo que ‘Mi vida anterior’ es una historia fascinante porque nuestra protagonista es humana a más no poder, y al menos a mí, como director e interprete, me invita a no juzgarla, a vivirla, simplemente”.

Dennis Smith

“Escribir la vida de ‘Mariana’ fue duro para ambas. Para ella, porque ahondar en su historia y salir del ‘no me acuerdo’ la enfrentó a grises dolorosos. Para mí, escucharla me hizo replantear conclusiones que creía verdades que sonaban a sentencias. Desde afuera siempre es fácil. Hacía casi cincuenta años que no le contaba su vida a nadie diciendo medias verdades. Mariana tiene contradicciones que nos hacen bajar el dedo acusador en tiempos en que le exigimos al otro un coraje que no tenemos. En la adaptación teatral buscamos ponernos en su lugar con empatía. Entenderla, acompañarla, abrazarla. Reconozco que ser ella fue difícil en los setenta pero mucho más ahora cuando se ríe con u MiráBA 81

ganas a pesar de la mochila pesadísima que carga. Quisiera que comprendan su vida y a través de ella se entiendan un poco más esos días. Fue una mujer y su circunstancia. Enfrentó situaciones extremas y no merece que le exijamos que sea una heroína. Es una mujer que hizo lo que pudo. Mucho más que muchos”.

Teresa Donato

SOBRE EL EQUIPO CREATIVO

DENNIS SMITH (Actor, Co-Autor, Director)

Director, dramaturgo y actor, ha trabajado en Cine, Teatro y TV con los más destacados directores, entre ellos Alfredo Arias, Daniel Burman, Javier Daulte, Marcos Carnevale, Ricky Pashkus. Ha sido ganador y nominado a los premios más importantes del teatro argentino. Ha dirigido más de 15 espectáculos multipremiados, entre ellos “Negra”, “Boyscout”, “Los abrazos huecos”, “Eye y yo”, “Christiane” y “La ultima Bonaparte”. Actualmente protagoniza “James Brown usaba ruleros” de Yasmina Reza bajo dirección de Alfredo Arias y espera el estreno del largometraje Virgen Rosa” bajo su dirección y protagonizado por Juana Viale. A su vez, aguarda la edición de su primera novela “EYE & YO” (Editorial Planeta, 2025), coescrita con Julieta Cayetina.

TERESA DONATO (Autora) Periodista, dramaturga y guionista de radio y televisión con experiencia en documentales, comedias, telenovelas y ficción para jóvenes multipremiadas de éxito mundial: “Patito Feo”, “Chica vampiro”, “Viudas e hijos del

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Rock & Roll”, “Educando a Nina”, “El elegido”, “Amor en custodia”, “Se dice amor” y “Herencia de amor”, etc. En 2023, escribió las películas “La indemnización” y “La novia de” para Sin sentido films de México. En 2022, estrena en teatro “Aquellas mujeres”, adaptación del libro “Mujercitas” junto a Sebastián Irigo. En radio, trabajó con Elizabeth Vernaci (“Black & Toc) y Marcelo Zlotowiazda (“El horno no está para bollos”) haciendo columnas de humor, televisión y teatro. Ambos programas premiados con el Martín Fierro. Desde 2020, está a cargo del ciclo de divulgación teatral “Teatro con vos” en Radio con vos, ganador del premio Argentores. Actualmente, está trabajando en la versión documental sobre esta historia.

LEANDRO ROSENBAUM (Productor Artístico) Licenciado en Actuación (UNA), Especialista en Gestión Cultural y Políticas Culturales (IDAESUNSAM). Es Coordinador del

Centro de Oficios para las Artes y la Cultura de la Universidad Nacional de las Artes donde se dictan cuatro Diplomaturas vinculadas a oficios artísticos. Es docente en la misma institución. Trabaja como Coordinador de Producción Artística del Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín. Trabajó como productor en Artes Escénicas en el Centro Cultural Recoleta. Con su productora Comunidad Producciones (@ comuproducciones) dirige y produce integralmente ciclos musicales, teatrales y performáticos en diferentes festivales (FIBA, entre otros) y en espacios como el CC 25 de Mayo, Biblioteca Nacional, entre otros. Como actor y productor participó con varios espectáculos teatrales en Festivales internacionales, y realizó giras por provincias argentinas, Paraguay, Uruguay, entre otros.

PRENSA Mutuverria info@mutuverria.com

Continúan las funciones de «Saverio, La Farsa del Coronel»

Viernes 21 h. Teatro Multiescena

Sinopsis:

“En la argentina de la década del 30’, Susana, una joven de la aristocracia, junto a sus amigos y familiares, deciden gastarle una broma al mantequero del pueblo, Saverio, lo que se desatará en una farsa de Reinas y coroneles ¿Hasta dónde puede llegar la locura del ser humano? ¿Qué pasa cuando lo irreal atraviesa nuestra naturaleza y se vuelve nuestra verdad?”

Saverio: la farsa del coronel, Basado en un texto de Roberto Arlt, una producción de Carpe Diem y Sabrina Champalanne, con un gran elenco.

ELENCO:

Máximo Ochoa, Micaela Saracino, Rocío Circe, Ignacio Garay, Santiago Basílico, Leila Zylberberg, Delfina Prieto Cané, Valentina Ferreyra y Camila Raimondi.

FICHA TÉCNICA:

Texto: Roberto Arlt.

Dirección general/puesta en escena: Máximo Ochoa.

Producción: Micaela Saracino. Producción Ejecutiva: Sabrina Champalanne. Diseño y operación de luces: Pedro.

Stage Manager: Lucia Moreno.

Funciones

Los viernes 6, 13 y 20 de diciembre a las 21 h. en el

Teatro Multiescena Av. Corrientes 1764. CABA. Entradas: $15.000.

(Plateanet o boletería) y @carpediem.grupoteatral

Duración de la obra: 80 Minutos.

PRENSA

Alfredo Monserrat alfredomonserrat@gmail.com

Juana

La creación de Chevi Muraday

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Teatro Regio estrena Juana La creación de Chevi Muraday, uno de los artistas más importantes en el panorama teatral de España, debuta con Juana Viale como protagonista.

“Al atravesar los bosques de la memoria encontramos a una mujer, a muchas mujeres, unidas por un mismo nombre, que se preguntan incesantemente si hay un destino femenino en la Tierra” .

Con esta premisa, el prestigioso bailarín y coreógrafo español Chevi Muraday presenta Juana , un espectáculo en el que ciertas Juanas de la historia (Juana la Loca, Juana de Arco, la Papisa Juana, Sor Juana Inés de la Cruz, Juana Azurduy o Juana Doña) dejan “l os vestigios de un legado que retumba una y otra vez en esos, a menudo, sordos oídos del presente”.

Este espectáculo, que explora “los ciclos del mundo, la naturaleza salvaje y profunda de la mujer, el camino de vuelta a casa”, según dice Muraday (autor de la idea original, y de la coreografía y dirección) se presenta desde el pasado domingo 22 de septiembre en el Teatro Regio (Av. Córdoba 6056)

Juana tiene dramaturgia de Juan Carlos Rubio con textos de Juan Carlos Rubio, Marina Seresesky y Clarice Lispector. Está protagonizada por Juana Viale, a quien acompañan los bailarines Nicolás Baroni, Rodrigo Bonaventura, Emiliano Pi Alvarez y Andrés Rosso. La música original es de Mariano Marín, el diseño y puesta de sonido de Pablo

“El Ruso” Aidelman, el diseño de iluminación es de Nicolás Fischtel (con adaptación de Adrián Grimozzi), el diseño de vestuario es Chevi Muraday (adaptado por La Polilla), el diseño de escenografía es de Curt Allen y Chevi Muraday (con adaptación escenográfica de Vanesa Abramovich), la dirección actoral es de Eduardo Gondell, la producción para Club Media es de Tomás Bru, y el diseño de coreografía y la dirección general y artística es de Chevi Muraday.

Funciones:

Domingo 1/12 a las 19 horas. Duración: 80 minutos Platea $ 9.000 - Jueves $ 5.000. Entradas por https://www. ticketek.com.ar/juana/teatroregio

Juana es una coproducción entre Club Media y el Complejo Teatral de Buenos Aires , dependiente del Ministerio de Cultura de la Ciudad .

El madrileño Chevi Muraday es un bailarín, coreógrafo, docente e incansable creador contemporáneo. En 1997 crea Losdedae, su propia compañía de danza, con el propósito de generar movimiento en torno a la danza contemporánea en España. Desde 1997 dirigió más de 40 piezas, entre las que se cuentan Juana (2019, con la actriz Aitana Sanchez Gijon) y El perdón (2022, con Juana Acosta), que hicieron temporada en el Teatro Español de Madrid con gran éxito de crítica y de público, y en 2024 estrena Pandataria con Cayetana Guillen Cuervo, estrenada en el Teatro Romano

del Festival Internacional de Mérida. Losdedae bailó en los principales escenarios y festivales tanto a nivel nacional como internacional, pasando –entre otros países- por Brasil, Bulgaria, Filipinas, Chile, Argentina, Ecuador o Polonia.

Entre otros reconocimientos, Chevi Muraday recibió el premio como coreó grafo en el certamen nacional de Maspalomas - Masdanza (2000); el Premio Nacional de Danza (2006); el premio Ceres a la Mejor Coreografía por Cuerpo Fronterizo (Chile, 2015); fue finalista a los Premios Max en los rubros Mejor Bailarín y Mejor Espectáculo por Cenizas (2015), galardón que recibió al Mejor Espectáculo de Danza por En el Desierto (2016). Chevi Muraday es socio fundador de la Academia de las Artes Escénicas de Madrid desde 2014, y recibió el premio Shangay a toda su carrera como creador, y el Reconocimiento Académico de Honor de la Academia de las Artes Escénicas (2024).

Juana Viale es una actriz argentina, conocida por su versatilidad en el teatro, el cine y la televisión. Aunque inicialmente alcanzó la fama en la pantalla chica, Juana construyó una sólida carrera en el teatro, donde demostró su talento para interpretar una amplia gama de personajes con profundidad y emoción. En 2013 debutó con la pieza La celebración , dirigida por Daniel Barone, por la que recibió elogios por su interpretación y compartió escenario con actores de renombre. Luego continuó u MiráBA 85

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su ascenso con obras como La sangre de los árboles (2016), dirigida por Luis Barrales, donde mostró una faceta más madura y comprometida y en la que exploró temas intensos y complejos. Con El ardor (2018) y 40 días y 40 noches (2019), dirigida en ambas por Luciano Cáceres, reafirmó su presencia en la escena teatral argentina con una interpretación apasionada y llena de matices. En 2024, Juana Viale asume el desafío de protagonizar Juana , en la que encarna diferentes mujeres históricas que comparten su nombre, y en la que muestra su habilidad para sumergirse en personajes diversos y memorables, uno de sus proyectos teatrales más ambiciosos hasta la fecha.

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El Teatro Regio integra el Complejo Teatral de Buenos Aires, organismo inaugurado en el 2000 que reúne seis salas teatrales dependientes del Ministerio de Cultura de la Ciudad: San Martín, Presidente Alvear, Regio, De la Ribera, Sarmiento y El Plata.

Departamento de Prensa CTBA www.complejoteatral.gob.ar prensa@complejoteatral.gob.ar

“La Tentación de Vivir”

de Denise Despeyroux - Dirección: Monica Villa Todos los sábados a las 16:30 h. Espacio Callejón

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Continúan las funciones de la obra de la obra “La Tentación de Vivir” de Denise Despeyroux, con dirección de Monica Villa. Protagonizada por: Jimena López, Walter Fornasero, Mónica Stricker, Fabián Guzmán, Lorena Bernasconi, Carlos Ponte, Luciana Conde, Julieta Fernández, Antonella Valese y Talia Acosta. Diseño de escenografía/ vestuario y realización: Giselle Boscio.

Diseño de luces: Mónica Villa. Diseño Gráfico: Fran Roca. Fotografía: Leconsag. Fotos de escena: Luis Escudero.

Producción ejecutiva: Mónica Stricker. Asistencia de dirección: Milagros Previgliano Dirección: Mónica Villa. Prensa: Alfredo Monserrat

Las funciones sábado 7/12 - 18:30 h. Teatro Espacio Callejón. Humahuaca 3759. CABA. Entradas en Boletería del Teatro y Alternativa Teatral: Duración de la obra: 80 minutos. Entrada general: $10.000.Jubilados y estudiantes: $9.000.-

SINOPSIS

Dos hermanos contemplan cómo una desconocida da latigazos a la tumba de su padre; un psiquiatra, guiado por su amiga tarotista, receta a sus pacientes actos psicomágicos plagados de confusiones; un joven que acude a grupos de autoayuda solo para hacer amigos se enamora de una cirujana con vocación de violinista... Son muchas y diversas historias que se cruzan en esta obra, pero

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en definitiva lo que parecen mostrarnos es que hay cosas que no podemos controlar. La vida y el amor se van abriendo camino hasta en los momentos más insospechados, es sólo cuestión de dejarse llevar y dejarse tentar...

La tentación de vivir es una obra con una estructura diferente, que nos sorprende a medida que transcurre como una suerte de cajas chinas que se van abriendo presentando algún personaje nuevo que tiene que ver con otro personaje que nos hace comprender una situación y así otra, y la anterior y la anterior. Hasta que cerca del final de la obra, aún más sorprendente, vamos armando este rompecabezas que es la obra. Fresca, joven, inteligente, tierna, entrañable, nos va tentando a ser parte de esta aventura que es la vida misma.

PRENSA:

Alfredo Monserrat alfredomonserrat@gmail.com

Mirá

Medida por medida (La culpa es tuya) de Chamé Buendia

Una vez más me acerco a William Shakespeare, a través del humor y la lúdica del gag físico y poético.

En Medida por Medida se desarrolla una cuidadosa exposición dramática de la

En Medida por Medida se desarrolla una cuidadosa exposición dramática de la naturaleza moral del hombre en relación a la justicia y el vicio y se invita a la reflexión sobre la ley, la corrupción, la religión y la ética. La mujer ocupa un lugar central con un tema muy actual: el abuso de poder en lo político y lo sexual.

naturaleza moral del hombre en relación a la justicia y el vicio y se invita a la reflexión sobre la ley, la corrupción, la religión y la ética. La mujer ocupa un lugar central con un tema muy actual: el abuso de poder en lo político y lo sexual.

También hay una clara relación

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con los Evangelios: “No juzgues si no querés ser juzgado, porque con el juicio que juzgás te juzgarán y con la medida que medís te medirán”. Shakespeare no hace ningún juicio de valor moral, simplemente delata lo trágico de nuestras contradicciones. Sin conclusiones, nos llena de preguntas políticas y espirituales, nos interpela cuestionando la esencia de las leyes y poniendo en duda los valores que nos gobiernan: ¿Leyes o abuso de poder? ¿Rigor o compasión?

Sobre el extremismo de las ideas Borges decía: «Hay que tener cuidado con los enemigos porque uno termina pareciéndose a ellos.»

Medida por Medida (La culpa es tuya) propone una reflexión acerca de un presente infantil y vigente: culpabilizar al otro, una forma de relacionarnos hoy en día. La cultura de la culpa. La política de la culpa. La culpa de lo políticamente correcto. La nobleza del hombre está íntimamente unida a su bajeza, ésta es la moraleja de Medida por Medida.

Gabriel Chamé Buendia

FUNCIONES

Jueves 5 a las 20 horas viernes 6 y sábado 7 a las 22 h.

Teatro Politeama

Paraná 353

Entrada desde: $14.000

A la venta en Plateanet Duración: 110 minutos

6 NOMINACIONES A LOS PREMIOS MARÍA GUERRERO 2023

· Dirección: Gabriel Chamé

Buendia ·

· Traducción: Gabriel Chamé Buendia ·

· Adaptación: Gabriel Chamé Buendia ·

· Actuación protagónica: Nicolás Gentile ·

· Actuación protagónica: Elvira Gómez ·

· Actuación protagónica: Agustín

Soler ·

FICHA TÉCNICA

Adaptación, traducción y dirección: Gabriel Chamé Buendia

Interpretado: Matías Bassi, Elvira Gómez, Nicolás Gentile, Agustín Soler y Marilyn Petito

Autor: William Shakespeare

Diseño de iluminación y escenografía: Jorge Pastorino

Diseño sonoro: Sebastián Furman, Gabriel Chamé Buendia

Diseño de vestuario: Cecilia Allassia

Comunicación institucional y redes sociales: Juan Gabriel Yacar

Producción administrativa: Micaela Fariña

Asistencia artística y asistencia de producción: Lorena Booth

Asistencia de iluminación: Daniel Marino Nava

Asistencia de escenografía: Mariano Katz

Asistencia de escenario: Sebastián Tornamira

Fotografía: Carlos Furman (CTBA)

Diseño gráfico: Alejandro Barba y Patricio Vegezzi

Comunicación y prensa: Mutuverría PR

LAPLATA CABA

Producción: Buendia Theatre

Este espectáculo fue producido por el Complejo Teatral De Buenos Aires (2023-2024)

DIJO LA CRÍTICA

EXCELENTE «Medida por medida: un Shakespeare transgresor, divertido y profundamente actual. Un caso poderoso de teatro vivo y artesanal».

Mercedes Méndez - La Nación

MUY BUENA. ”Un Shakespeare moderno, que plantea preguntas muy actuales».

Diego Di VincenzoDiario La Prensa

«Esta obra de Shakespeare habla del poder de una manera políticamente incorrecta. Se van a reír a carcajadas. Chamé Buendia logra una calidad, calidez y técnica únicas en el escenario con excelentes actuaciones. Muy pocas veces vi algo igual»

Flavia Pittella - Radio Mitre

«Escrita en 1604 y recreada en 2024, Medida por medida no es actual, es profundamente contemporánea».

Marina Locatelli - Revista Otra Parte

«Después de diez años de éxito con Othelo. Termina mal, la genialidad de Chamé Buendia vuelve a deslumbrar con otro clásico adaptado de William Shakespeare”.

Eva Matarazzo - Escénicas

Baires

PRENSA Mutuverria info@mutuverria.com

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Partir(se) de Belén Galain

La obra obtuvo el Primer Premio Germán Rozenmacher

15º de Nueva Dramaturgia en Buenos Aires (Rojas UBA - FIBA)

FUNCIONES

Sábados 2 y 16 de noviembre y 7 de diciembre | 21 h.

Entradas $7500

Sala Batato Barea del Centro Cultural Rojas UBA: Av. Corrientes 2038

Las localidades se adquieren online o el mismo día de la función en la boletería de planta baja desde dos horas

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antes y únicamente en efectivo. Localidades de noviembre y diciembre en venta.

SINOPSIS

Marlies, guiada por la precisa intuición de partir a tiempo, decide irse de la Argentina junto a su hija. Se despiden con urgencia y parten hacia la novedad.

Al llegar, la madre se encuentra con un pueblo en ruinas y una serie de desafíos transformadores. Lejos de su hogar, descubre que la partida es una oportunidad para reinventarse.

Ana llega a un lugar que huele distinto, con la mitad del idioma, sin saber qué historia contarles a los demás ni a sí misma.

Mientras su madre se preocupa por hacer de sus vidas una cotidianeidad tranquila, Ana sale a descubrir el mundo a través de la danza. Observar a Marlies la inspira a buscar su propio camino, a preguntarse por su deseo, su patria, en fin, su heimat.

FICHA TÉCNICA

Actrices: Lilian Timisky y Camila Cobas Lamas.

Bailarines: Flavio Zuñega, Mónica Romero y Lucía Lacabana. Coreografía: Gustavo Friedenberg.

Escenografía: Cía. Las Partes. Diseño para la realización: Mariano Castillo.

Utilería: Cía. Las Partes.

LAPLATA CABA

Diseño de vestuario: Antonela Fucenecco.

Asistencia y realización de vestuario: Ro Lamas.

Diseño de iluminación: Paula Fraga.

Música y diseño de sonido: Matius. Masterización: Danilo Di Pace.

Fotografía: Joaquín Camaño.

Prensa: Cecilia Gamboa.

Colaboración artística: Paula Fanelli.

Producción: Cía. Las Partes y ROJAS-FIBA.

Asistencia de dirección: Jorgelina Valmarrosa.

Dramaturgia y Puesta en escena: Belén Galain.

Duración: 65 min.

Belén Galain es directora,

dramaturga y productora de teatro. Sus obras han sido traducidas al inglés, portugués y francés. Partir(se) obtuvo el Primer Premio Germán Rozenmacher 15º de Nueva

Dramaturgia en Buenos Aires, mientras que en New York fue seleccionada por IATI Theater para formar parte del programa Cimientos. Con “Parti(do)”, su otra obra sobre

exilio y derechos humanos, obtuvo el Premio Acotaciones en la caja negra en España, la Beca Creación del FNA en Argentina, y el reconocimiento del Instituto Cervantes en USA al haber sido seleccionada por Water People Theater en Chicago.

PRENSA CCRRojas UBA prensa@rojas.uba.ar MiráBA 93

3° Edición “Festival” - Del 4 al 20 de Diciembre.

Ciclo Hembra

3° Edición “Festival” - Del 4 al 20 de Diciembre.

El Ciclo Hembra surge en el año 2022 para apoyar y visibilizar el trabajo de mujeres realizadoras del sector escénico, en roles de cabeza de equipo. Actualmente se está llevando a cabo la 3° edición ¨Festival¨, cuya curaduría se organizó en torno a la selección de obras en distintos estadios de sus procesos creativos: Una obra a estrenar, seleccionada

MiráBA

por convocatoria abierta, dos obras a reposición, una obra internacional de gira y un work in progress. También en el marco del Ciclo se ofrecerá una clase de Dirección Escénica, abierta y gratuita, dictada por Maruja Bustamante.

OBRAS DEL CICLO HEMBRA:

Todas las funciones son en el Teatro Área 623 - Pasco 623Entrada general $11.000 / descuentos para jubilados y estudiantes. Reservas: www.

alternativateatral.com

¨Ensayo para una despedida¨ Miércoles 4/12, 21 h. (Reposición)

Obra unipersonal de teatrodanza que narra la historia de Cassandra, una adolescente del conurbano bonaerense que viaja a diario para formarse como bailarina. En su trayecto, experimenta el amor y las dificultades del crecimiento, explorando cómo las cicatrices del pasado influyen en su presente.

Ficha técnica/ artística: Dramaturgia: Stefy Sleiman, Alejo Sulleiro / Intérpretes: Stefy Sleiman / Voz en Off: Francisco M. Mié Luraschi / Iluminación: Rodolfo Eversdijk / Música original: Diego Revelant, Sego Segovia / Sonido: Abel Airala / Fotografía: Luis Barrios / Asistencia coreográfica: Eva Palottini / Asistencia de dirección: Carolina Banin / Producción: Yegua Producciones / Dirección: Ignacio Henríquez / Duración: 60 minutos

¨Cecilia y el lagarto¨ Jueves 12/12, 20 hs. (Reposición)

Cecilia trabaja en un vivero en Río Cuarto, habla con sus flores, baila en la Fiesta de la Cerveza y se enamora de un lagarto. Pero el lagarto trae consigo un hechizo y ahora es ella quien queda hechizada ¿Cómo hará para deshacerse del encantamiento?

Esta obra cuenta con la beca Creación del Fondo Nacional de las Artes. Formó parte

del Festival Monoblock 2023 producido por el Teatro del Abasto y fue editada por Libros Drama.

Ficha técnico/ artística

Dramaturgia e interpretación: Jazmín Carballo / Música en escena: Diego Vegezzi / Vestuario: Belén Varán Guevara / Escenografía: Compañía Las Rosas / Maquillaje: Fabiana Yanún / Luces: Tony Capelli / Fotografía: Muriel Bruschi / Diseño gráfico: Pilar Sahagún / Producción ejecutiva: Jazmín Carballo / Asistencia de dirección: Yannick Duplessis / Dirección: Agustina Groba / Duración: 45 minutos

“Chica Almodovar”

Sábado 14/12, 21 hs. (De Uruguay. En gira.)

Flor y Anita, actrices y cantantes por vocación, se encuentran sumidas en un mundo rutinario. En el afán de construir un destino distinto, se arrojan a la vida con lo puesto: amores compartidos, brindis, cenas imperdibles, besos apasionados. Todo las conduce a Aron, un chico australiano que conocen por casualidad.

El proyecto Chica Almodóvar es un conjunto de obras de teatro en la que cada una le continúa a la otra, conformando una serie teatral. Chica Almodóvar o la increíble fortuna de nuestra esperanza es la obra inicial que se presenta en este ciclo.

Ficha técnico/ artística

Dramaturgia: María Eugenia Trias / Intérpretes: Agustina Trias Frugoni, Jesica Maiori Assad / Diseño general: Jimena

Vignolo / Fotografía: Sofía Cayota / Producción ejecutiva: Sofía Nieves / Producción general: Rosas del melodrama / Dirección: Irene Brusoni / Duración: 60 minutos

¨Sempiterna¨ Miércoles 18/12, 20 hs. (Work in progress)

Sempiterna invita al espectador a sumergirse en la ausencia, el amor, la pasión, la soledad, la euforia, el mundo creativo y el vacío más profundo, llegando a los últimos instantes de vida de la cantautora Violeta Parra. Buscando evocar lo mejor de su obra antes de morir en su carpa.

Ficha técnica artística:

Dramaturgia: Julieta Cassia, Sofía González Scheffer / Intérprete: Julieta Cassia / Coreografía: Stefy Sleiman / Música: Camila Pippo / Voz en off: Ignacio Henríquez / Escenografía y vestuario: Lucia Urrere / Realización escenografía: Leonardo Puglia / Producción: Yegua Producciones / Dirección: Sofía González Scheffer / Duración: 55 minutos

¨Un rayo de vidrio sobre un muro¨

Jueves 19/12 y Viernes 20/12, 21 hs. (Estreno. Seleccionada por convocatoria)

Vera y La Invisible pasan un rato, una merienda, una tarde, una noche, el tiempo juntas. Conversan, se mandan audios, evocan recuerdos, comparten anécdotas, se transmiten técnicas de supervivencia. La charla sigue. Hay ruido de fondo. Se hacen una con el ruido. Una entre ellas mismas. Una con el

LAPLATA CABA

fondo. Hay silencio de fondo. Ficha técnica / artística:

Intérpretes: Vanina Dubois, Victoria Casellas / Visuales: Agustin Scipione / Dramaturgia y dirección: Emilce Olguín Ramírez

ACTIVIDAD FORMATIVA DEL CICLO:

Conversatorio sobre Dirección Escénica, por Maruja Bustamante

Clase virtual gratuita. Martes 10/12, 19 h.

Por segunda vez ofrecemos un espacio virtual de intercambio con Maruja Bustamante, gran referente de nuestra escena, gratuito y abierto a toda la comunidad, al que se puede acceder desde cualquier parte del país.

Acerca de las organizadoras del Ciclo:

El Ciclo Hembra es creado y producido por Marina Bazzolo y Sofía Cantarini. Ambas se forman como actriz en la UNA. Marina se desempeña también en gestión, creación y producción en Artes Escénicas. Sofía es diplomada de la Tecnicatura Universitaria en Dramaturgia (Uruguay) y del curso de Dramaturgia de la EMAD. Escribe teatro.

Redes sociales del Ciclo y de sus organizadoras: @ciclohembra @lacantu @marubazzolo

PRENSA

Valeria Franchi valeriafranchiprensa@gmail.com

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PROGRAMACION DE DICIEMBRE

DE LUNES A VIERNES A LAS 18

HAPPY HOUR + JAZZ EN VIVO

Ahora de lunes a viernes

Sebastián Marcial Álvarez saxo tenor, Dante Carniel piano, Fran Nava contrabajo, Camilo Zentner batería.

LOS LUNES A LAS 20.30 LUNES DE JAZZ

SUCHERAS / DE MÓNACO / ZENTNER

La Biblioteca Café a puro Jazz, presenta, en su 16º año al trío

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integrado por Angel Sucheras piano, Gerardo de Mónaco contrabajo y Camilo Zentner batería.

LOS MARTES ALAS 20.30

BANDA BRODER BASTOS CONVIDANDO MÚSICAS DE BRASIL

Todos los martes el guitarrista, bajista, compositor y cantante Broder Bastos junto al baterista Camilo Zentner, presentan un show de música popular brasilera. Caetano Veloso, Gilberto Gil, Chico Buarque, Milton Nascimento y mas! Con Miguel Oyuela en guitarra y como invitado especial Rodrigo Aberastegui en piano.

Domingo 1° a las 17 SERRAT,TANGOS Y BOLEROS

Juan Carlos Catalán, homenajea a Joan Manuel Serrat. Ely Gonzaléz Greco canta tangos y

boleros en una tarde de música, y todos acompañados en piano por el Mtro. Adrián Abduca.

Domingo 1° a las 20.30 GUADA REGALZI CANTAMOS AL AMOR

Guada Regalzi junto con el bajista Fede Palmolella, el baterista Camilo Zentner y Rodrigo Aberastegui en el piano, le cantarán al amor. Baladas, rock, boleros y pop para viajar juntos por las distintas facetas del enamoramiento y, por qué no, cantar a los gritos.

Miércoles 4 a las 21 STORYVILLE

EL BARRIO DEL JAZZ EN NEW ORLEANS

StoryVille es una banda de Hot Jazz que recrea el estilo de New Orleans de la época en que se nació este género. Esta banda, que lleva el nombre de la zona de la ciudad donde se afincaban los locales de diversión nocturna, interpreta las grandes melodías con las que los pioneros del estilo musicalizaban las reuniones de la zona de tolerancia de esa ciudad portuaria. Integrantes: Agustina Ferro trombón y voz, Pablo Bachetta corneta, Eduardo Manenti piano, Sebastián Dezeo bajo, Jorge Lombardo batería.

Jueves 5 a las 21 PATRICIA „PIOJO“ ZAPPIA PRESENTA EPIFANÍA

La cantante Patricia “Piojo” Zappia sigue presentando su último álbum Epifanía (Los Años Luz Discos), con ocho temas que despliegan una variedad

de estilos musicales de manera ecléctica. En esta oportunidad estará acompañada por Leandro “Pitu” Marquesano piano y dirección piano y Fabian “Sapo” Miodownik en batería. Las composiciones que componen esta placa son: Memoria de Mí (Julieta Césari); El último bolero (Pablo Tozzi); Epifanía (letra de Melisa Lamione y música de Leandro Marquesano y Piojo Zappia); Se lo lleva el viento (letra de Ceci Elías y música de Pablo Giménez); Poema (letra de Carlos Oquendo de Amat y música de Susana Baca); Hasta que Aclare el cielo (Omar Gómez); La Negra Atilia (Pablo Camacaro); Penas Luz (Ana Robles).Invitados Amanda Kerber y Negro Falótico

Viernes 6 a las 21

EL ALMA DE LOS POETAS

EDITH MARGULIS / ALEJANDRO GRAZIANI

Desde Verlaine hasta Homero Manzi, pasando por Garcia Lorca, Shakespeare, Prévert y muchos otros, algunos famosos y otros anónimos, volcados en canciones por músicos de exquisita sensibilidad como Gustav Mahler o Aníbal Troilo. Y por supuesto los trovadores, los que escriben el poema, lo musicalizan y lo interpretan, los hubo en el sigloXII, y reaparecen en nombres como Charles

Trenet, Georges Brassens, Silvio Rodríguez, Joan Manuel Serrat, León Gieco, Maria Elena Walsh y tantos más. Un programa ecléctico, con canciones muy antiguas, un lied, baladas y algún tango. En la voz de Edith Margulis y el maestro Alejandro Graziani en el piano, de paso por la Argentina.

Sábado 7 a las 17 HISTORIAS DE TANGOS ROBERTO CORRAL

Cada uno de nuestros tangos más memorables tiene una historia que merece ser contada y cantada. Roberto Corral nos invita a recorrer algunos de esos tango y sus historias. Roberto es un artista polifacético: cantante, actor, compositor y escritor, protagonizo cuatro cortometrajes y varias obras de teatro. Compuso mas de veinte canciones y musicalizo mas de treinta poemas de distintos autores, Como cantor de tangos se ha presentado en el Centro Cultural de la Cooperacion, en varias radios y en el legendario Café Tortoni. En 2009 publica su primer libro: „De broncas y amores“ . En 2010 realiza presentaciones en España y en 2016 su primera gira en USA. De esta resulta su album, „En vivo en New York“. En esta oportunidad se presenta acompañado por las guitarras de Samy Mielgo y Oscar Ballester. MiráBA 97

PROGRAMACION DE DICIEMBRE

Sábado 7 alas 21

ALMALUSA / CASA DE FADOS

CIERRA SU NOVENA TEMPORADA

En su novena temporada Almalusa presenta su ya clásico espectáculo de fados y música portuguesa, con un intenso recorrido por el fado que nos permitirá sumergirnos en la calidez y la intimidad del género. Integran Almalusa: María Laura Rojas y Dulio Omar Moreno voz, Juan Pablo Isaía guitarra portuguesa, Luis Cativa Tolosa guitarra, Ignacio Long contrabajo.

Domingo 8 a la 17

LA VIDA AL CENTRO EN CANCIONES DE AYER Y DE HOY

Patricia de la Torre y Jazmín Levy, acompañadas por Martín -Tincho- Maroni, nos ofrecen

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desde el centro de sus vidas, canciones de ayer y de hoy, a través de baladas, tangos, folklore, pop…

Domingo 8 a las 20.30 LUCES DEL VARIETÉ

ISABEL MINGUEZ / ALEJANDRO GRACIANI

Opereta, Zarzuela, Cabaret. Clásicos inolvidables del Siglo Veinte que atraviesan el corazón y que hacen al mundo Rejuvenecer. En la voz multifacética de Isabel Minguez, y en el piano, recién llegado de Alemania, el Gran Mtro Alejandro Graziani!!!

Miércoles 11 a las 21 NAMELESS JAZZ BAND

Nameless Jazz Band es una banda que combina elementos de jazz, blues, soft jazz, soul y funk, logrando crear un sonido único y envolvente que atrapa desde la primera nota. El repertorio de Nameless Jazz Band es una rica mezcla de estándares de jazz acompañados de melodías de soft jazz, ritmos de soul y la contagiosa energía del funk. Su habilidad para transitar sin esfuerzo entre estos géneros demuestra la versatilidad y talento de cada uno de sus miembros. Canciones clásicas como „Take the A Train“ y „Doxy“ cobran nueva vida en sus interpretaciones, mientras

que piezas como „Killer Joe“ de Benny Golson y „Sugar“ de Stanley Turrentine resaltan su capacidad para infundir soul y Soft Jazz en cada presentación. Conclusión: NJB no es solo una banda; es una celebración del jazz y sus múltiples facetas. Sin duda, seguirán encantando a los amantes de la música con sus interpretaciones llenas de alma y su inigualable pasión por e arte del jazz. Norberto Malandrino batería, Rodrigo Pan guitarra, Fabricio Fermi saxo tenor, Diego Dolzani bajo.

Jueves 12 a las 21 JUST FRIENDS

JAZZ Y BOSSA

Carlos Ferrero piano y dirección Rolo Spíndola saxo, Freddy Prochnik bajo, Enrique Bidoglio batería y coros. Con invitados.

Viernes 13 a las 21 EL ASUNTO

AGUSTÍN LÓPEZ NÚÑEZ Y PATRICIA MALANCA

Agustín López Núñez y Patricia Malanca presentan EL ASUNTO,

el espectáculo romántico musical que con toques de humor y amor desentraña las relaciones entre dos géneros rebeldes: el tango y el bolero. Acompañados en piano por Paula de Ovando. Agustín López Núñez, humorista, conductor, locutor, imitador y cantante, humorista en Radio El Destape Sin Fin. Patricia Malanca, cantante, compositora, ganadora del Premio Gardel 2022.

Sábado 14 a las 21 HARD BOP LEGACY 5TET JAZZ CON INVITADOS composiciones de Jazz de finales de los años 50´s. Con temas de Hank Mobley, Art Blakey & the Jazz Messengers, Jimmy Heath, Freddie Hubbard, entre muchos otros mas. Con artistas invitados!!

Domingo 15 a las 20.30

LEONARDO PASTORE A SOLAS

El cantor Leonardo Pastore se presenta en La Biblioteca Café a solas con su guitarra en

un concierto íntimo en el que recorre las obras que están en su memoria emotiva de intérprete muy conocedor de todos los repertorios. Cantante invitada. Maria Cecilia Aquino.

Miércoles 18 a las 21 EL NONETO JAZZ

„El Noneto“ fue creado en 2001 para interpretar música argentina. Con nueve integrantes: seis saxofonistas que doblan flauta y clarinete más base armónica compuesta de piano, bajo y batería, todos profesionales sesionistas de excelencia. El repertorio incluye obras originales con arreglos también originales a cargo de integrantes y fundadores del grupo. La característica de esta música está basada en la fusión de estilos sin descuidar la esencia. Incluye autores como Ariel Ramirez, A. Piazzolla, Hnos. Nuñez, Carlos Gardel, Atahualpa Yupanqui, Mariano Mores, C. Carabajal, Anselmo Aieta y Julián Plaza, y se puede apreciar en plataformas: https://open.spotify. com/artist/3hGo0 J768pnCT1OIYRmEfH? si=oeVsN22HRGS2jiUggQtvew A partir de 2022 „El Noneto“ integró la voz de Manuela Argüello convirtiendo el orgánico en diez músicos. Integran el noneto: Manuela MiráBA 99

PROGRAMACION DE DICIEMBRE

Argüello voz, Fernando Lerman flauta saxo soprano arreglos, Gabriel Herrera flauta saxo tenor, Miguel O. Sosa saxo alto clarinete arreglos, Alejandro Gonzalez saxo alto clarinete, Victor Skorupski saxo tenor clarinete arreglos Pablo Pesci saxo barítono clarón, Fabio M. Zurita piano, arreglos, Juan Carlos Estivill bajo eléctrico, Leandro Savelón batería.

Jueves 19 a las 21 RIC PEÑA EN BANDA ROCK NACIONAL

Andrés Sainagui, Manuel Pardo, Ric.Peña, Franco Grosso y Isidro Magyary presentan temas de sus álbums Aquellas Canciones, En Confinamiento, junto a Himnos de Nuestro Rock Nacional.

Viernes 20 a las 21 FUNES EL MEMORIOSO

GUSTAVO CAMPANA CUENTA / GABRIEL TORRES CANTA

Desde el 2011 por AM 750, Gustavo Campana se convierte en Funes el memorioso y nos invita a sumergirnos en el archivo, para devolvernos un pedacito de nuestro pasado que quedó encerrado en el laberinto de la historia oficial. Desde 2019, Campana acompaña sus relatos y reflexiones interactuando con las canciones del cantautor Gabriel Torres. Vamos a pensar y cantar poniéndole el pecho (y el bocho) a la realidad que nos toca vivir. Con invitado/a sorpresa.

Sábado 21 a las 17 RAVENS ENSAMBLE y DE MOTU CORDIS THERE WERE THREE RAVENS De Pájaros e Historias de la Vieja Inglaterra.

Ravens Ensamble; Daniela Bonfanti flauta travesera Martina Zolezzi viola da gamba Raquel Giuliani violín, viola, arpa y voz y De Motu Cordis: duo de laúdes, Fede Berthet y Gregorio Fernández presentan obras de la Antigua Inglaterra desde el medioevo hasta el siglo XVIII. Dowland, East, Robinson, Ravencroft entre otros.

Sábado 21 a las 21 EN CLAVE ALMODÓVAR LA MÚSICA DE SUS

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PELÍCULAS Y MUCHO MÁS

Una pincelada que ilustra la obra del genial artista manchego, Canciones, escenas y relatos de las películas más emblemáticas de Pedro Almodóvar, interpretadas por Grisel D’Angelo, Edith Margulis, Simón Martins y Santiago Ortega. Libro y producción Edith Margulis.

Domingo 22 a las 17 VIVIANA LAZZARIN PIANO CLÁSICOS, ROMÁNTICOS Y ARGENTINOS

Viviana interpretará y comentará obras para piano, proponiéndonos un recorrido imperdible desde el nacimiento de la Sonata para Piano con el virtuosismo de Scarlatti, su evolución con el genio Mozart, la apoteosis de la Sonata con Beethoven. Para luego sumergirnos en el poético e intimista Romanticismo de Chopin. Y finalizar con dos poderosos argentinos : Piazzolla y la fuerza de las Pampas con Danzas de Ginastera… -“Dicen q los ríos crecen cuando acaba de llover, así crecen mis amores cuando no te puedo ver” Criolla de Ginastera.

Domingo 22 a las 20.30

DANIELA BASSO PRESENTA POR SIEMPRE ELIS

La cantante argentino-brasileña llega a La Biblioteca Café para rendir homenaje a una

de las más grandes voces de la música popular de todos los tiempos. Acompañada por el talento y la versatilidad de Leandro Marquesano en piano, Diego Wainer en bajo y Fabián Miodownik en batería, Daniela Basso ofrecerá una selección de las canciones más emblemáticas del repertorio de Elis Regina, evocando la pasión y fuerza interpretativa que caracterizaron su estilo único. Elis Regina, reconocida por su enorme expresividad y su impacto en la música popular brasileña, dejó una huella indeleble con su voz singular, capaz de transmitir la más triste melancolía hasta la energía más vibrante. En este tributo, Daniela Basso recorrerá clásicos de Tom Jobim, Ivan Lins, Pixinguinha, Milton Nascimento como “Águas de Março“, „Madalena“, „Carinhoso“, entre otros, manteniendo viva la esencia y emoción que Elis supo imprimir en cada interpretación; una cita obligada para los amantes de la música brasileña y del legado de Elis Regina.

Martes 24 las 21 CENA DE NOCHEBUENA Noche de paz, noche de amor, Nochebuena en La Biblioteca Café, con mesa fría de ensaladas y piononos, carré con ciruelas y manzanas, coq

au vin, postres, tortas, helados, nuestra especial ensalada de frutas, villancicos y brindis con champan!!

Jueves 26 a las 21 BRIDGES - BRAZILIAN & JAZZ CONNECTION

CUTELLO/DELP/GARCÍA/PÁEZ

La formación repasa desde dos voces versátiles y diferentes temas que amalgaman el jazz la bossa ,boleros etc. Jorge Cutello voz ,piano, flauta traversa, Martín Delp guitarra y voz, Athos Garcia batería, Gonzalo Aldas contrabajo.

Viernes 27 a las 21

JONI MITCHELL X JENNG

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PROGRAMACION DE DICIEMBRE

La revista Rolling Stone la llamó „una de las mejores compositoras de todos los tiempos.“ Como una de las cantautoras y compositores más influyentes de música folk de los años 1960, Mitchell se hizo conocida por sus letras personales y composiciones poco convencionales que crecieron para incorporar elementos de pop y jazz. JennG presenta las canciones de Joni que ha estado cantando desde que era adolescente. El show presenta las primeras canciones de la carrera de Joni (Both Sides Now, Night in the City, Blue, California, Case of You) y otras que vinieron más tarde (Help Me y Court & Spark, entre otros). JennG se une al cantante / guitarrista Emanuel Suárez y a otros artistas / músicos de Joni en Buenos Aires.

Sábado 28 a las 17 TARDE DE VERSOS ESCENCIALES

Un recorrido por las letras de poetas contemporáneos de Argentina, España, Italia, México, Perú Polonia, Nicaragua y Venezuela, publicados durante 2024 en Argentina y que son parte del catálogo de

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poemarios y antologías de la Editorial Revista Poética. Para amantes e interesados en la poesía contemporánea escrita en español. Con la participación de los autores de “La que me habita” Gio Burgos Arenas, de “Mudando la Piel Belén Barrera y De obreros y Ateos” Domingo Martínez.

Sábado 28 a las 21 DIVAS!

MARISA INI, ROMINA SCHWEDLER Y EDITH

MARGULIS.

De Madonna a Tita Merello, de Edith Piaf a Liza Minelli, ellas, con su brillante individualidad iluminan la época que les toca vivir. Son las más bellas?

Las más talentosas? Las mas grandes artistas? Puede ser, pero son su encanto y su personalidad irrepetible lo que las hace inmortales. Esta noche Romina Schwedler, Edith Margulis y Marisa Ini evocan a las grandes divas de ayer, de hoy y de siempre. Acompaña Simón Martins en piano.

Domingo 29 a las 20.30 ANTÍDOTO DE DOMINGO PAULINA TORRES

La actriz y cantante Paulina Torres cierra el año con este Antídoto que llena los domingos de música, poesía y buena energía. Paulina Torres nos transportará a través de

sus canciones e interpretaciones por diversos géneros y temáticas artísticas. Acompaña el maestro Pablo Figueroa en la guitarra y los arreglos y Camilo Zentner en batería. Una experiencia única No se lo pierdan, les esperamos.

Martes 31 a las 21

FIESTA DE AÑO NUEVO

GRAN CENA SHOW

Un año difícil, con crisis, momentos oscuros, pero ya sabemos que no siempre son días de vino y rosas, y aunque la lucha es cruel y es mucha, todavía cantamos, y damos gracias a la vida, y seguiremos cantando al sol como la cigarra, porque somos muchos más que dos los que hacemos todo a pulmón, y porque es necesario como nunca honrar la vida. Asi que en La Biblioteca Café decidimos despedir el 2024 y recibir al 2025 con una mesa fría con vitel tonné, piononos, ensaladas, carré de cerdo

glaseado con ananás, mas una cazuela de pollo con manzanas y de postre tenemos una mesa dulce – terrinas de chocolate con frutos del bosque, cheesecake de maracuyá, mousses, helados y un Show que nos asegura que la felicidad es posible!!

EL ASUNTO con nuestros adorables Patricia Malanca, Agustín López Núñez y Paula de Ovando y brindaremos con esperanzas que nunca perderemos, por una Argentina y un mundo donde se comience de una vez por todas a cuidar a todos los seres que lo habitamos!

MiráBA

Música

Antes de su llegada al país, Dream Theater anuncia su 16º álbum de estudio

“Parasomnia”

A lanzarse el 7 de febrero de 2025.

La alineación icónica de James LaBrie, John Petrucci, John Myung, Jordan Rudess y Mike Portnoy regresan con su primer álbum juntos desde 2009 con una gira mundial que comenzó el 20 de octubre y se extiende hasta el 22 de marzo, incluyendo una imperdible fecha en el Movistar Arena de Buenos Aires el próximo 19 de diciembre.

¡DREAM THEATER EN ARGENTINA!

19 DE DICIEMBRE - MOVISTAR ARENA

Entradas ya a la venta - 3 cuotas sin interés con Banco Ciudad SHOW DE APERTURA: LÖRIHEN

Los titanes de la música progresiva Dream Theater, ganadores de un GRAMMY®, anuncian su gira 40 Aniversario entre 2024 y 2025. Una Noche Con Dream Theater, es la primera gira desde el regreso del baterista Mike Portnoy a la alineación, uniéndose al vocalista James LaBrie, al bajista John Myung, al guitarrista John Petrucci y al tecladista Jordan Rudess.

Dream Theater interpretará clásicos y favoritos de los fans de su catálogo en lo que promete ser una noche inolvidable de música.

«¡Estos shows van a ser increíblemente especiales para todos nosotros! Cada espectáculo estará lleno de adrenalina y muchas emociones. No podemos esperar para subir al escenario juntos una vez más y comenzar esta celebración

histórica de 40 años con todos este otoño. Esto es sólo el comienzo, y tendremos muchas más noticias de Dream Theater para compartir en los próximos meses”, explica la banda.

PARASOMNIA

Un anuncio de álbum que lleva quince años preparándose, los titanes de la música progresiva ganadores del GRAMMY®, Dream Theater, regresan con su decimosexto álbum de estudio, Parasomnia. El álbum marca el primer álbum con la icónica alineación del vocalista James LaBrie, el guitarrista John Petrucci, el bajista John Myung, el tecladista Jordan Rudess y el baterista Mike Portnoy desde Black Clouds & Silver Linings de 2009.

Las noticias sobre este último álbum llegan inmediatamente después del reciente anuncio de la gira que celebra el 40 aniversario de la banda. Parasomnia está programado para su lanzamiento el 7 de febrero de 2025, a través de su sello de toda la vida, Inside Out Music / Sony Music. El álbum fue producido por Petrucci, diseñado por James ‘Jimmy T’ Meslin y mezclado por Andy Sneap. Hugh Syme regresa una vez más para aportar su visión creativa a la portada. Más información en: www. dreamtheater.net.

Desde la canción de apertura “In The Arms Of Morpheus” hasta el cierre de “The Shadow Man Incident”, Dream Theater regresa con una colección de canciones que muestran lo que le ha valido a la banda un

seguimiento leal durante cuatro décadas. Con una duración de 71 minutos, Parasomnia lleva al oyente a un viaje musical que se ha convertido en sinónimo de la banda desde el comienzo de su carrera.

La parasomnia es un término que se refiere a las alteraciones perturbadoras relacionadas con el sueño, como el sonambulismo, la parálisis del sueño y los terrores nocturnos. Canciones como “A Broken Man”, “Dead Asleep”, “Midnight Messiah” y “Bend The Clock” se basan en los temas provocados por el título del álbum. El primer single, “Night Terror”, es un emocionante viaje musical capturado en la experiencia auditiva de poco menos de diez minutos.

Un video musical de la canción, dirigido por Mike Leonard, ya está disponible y se puede ver aquí: https://youtu.be/2IPT60hvGw4.

Tracklist de Parasomnia:

In The Arms Of Morpheus (5:22) Night Terror (9:55)

A Broken Man (8:30) Dead Asleep (11:06)

Midnight Messiah (7:58) Are We Dreaming? (1:28) Bend The Clock (7:24)

The Shadow Man Incident (19:32)

Más allá de vender millones de discos en todo el mundo y reunir más de mil millones de reproducciones, Dream Theater se ha convertido silenciosamente en pioneros del metal progresivo en el transcurso de un viaje sin

precedentes marcado por un hito inolvidable tras otro.

El lanzamiento de su carrera, Images & Words, fue elegida entre las “100 mejores álbumes de metal de todos los tiempos” de Rolling Stone, mientras que Awake reclamó el #1 en “Superunknown: 50 Iconic Albums That Defined 1994” de Guitar World. Además de emerger como el “15º Mejor Álbum Conceptual” de Classic Rock, Metropolis Pt. 2: Scenes from a Memory derrocó una encuesta de Rolling Stone votada por los fanáticos como el “Álbum de Rock Progresivo Número Uno de Todos los Tiempos”.

Sacudieron las listas de éxitos con tres debuts en el Top 10 en el Billboard 200 y encabezaron espectáculos con entradas agotadas en todas partes, desde el Radio City Music Hall hasta el Red Rocks Amphitheatre. La banda obtuvo un premio GRAMMY® en la categoría de “Mejor Interpretación de Metal” por “The Alien” de A View From The Top of the World de 2021.De este último, PROG elogió: “No sólo un Dream Theater adecuado, sino algo un poco más grande y mejor”, y Consequence atestiguó:

“A View From the Top of the World muestra que el quinteto todavía ofrece música que está fácilmente a la par con sus esfuerzos anteriores”.

Ahora, Dream Theater han regresado a sus raíces con James LaBrie (voz), John Petrucci (guitarra), John Myung (bajo) y Jordan Rudess (teclados) reuniéndose con u

Mike Portnoy (batería) durante su cuadragésimo aniversario. Al mismo tiempo, estos cinco viejos amigos entran en una nueva y audaz era impulsada por algunas de las músicas más centradas, formidables y ardientes de su carrera.

Están aprovechando los recuerdos del pasado y la promesa del futuro para aprovechar al máximo el presente. En última instancia, el decimosexto álbum de larga duración del grupo, Parasomnia [Inside Out Music / Sony Music], representa tanto de dónde vinieron como hacia dónde van no sólo como compañeros de banda, sino como hermanos.

Más información de Dream Theater en:

www.dreamtheater.net

https://www.facebook.com/ dreamtheater http://twitter.com/ dreamtheaternet

https://www.instagram.com/ dreamtheaterofficial/

ACERCA DE LÖRIHEN

LÖRIHEN es una banda de Hard Rock Heavy Metal formada en el año 1996 en Buenos Aires, Argentina por el guitarrista Emiliano Obregón. Posee 8 discos de estudio y 5 discos en vivo desde 1998 hasta la actualidad, y se ha presentado en los más prestigiosos recintos de Latinoamérica. Estadio Ferrocarril Oeste, Obras Sanitarias, Teatro Broadway, Teatro Flores, Teatro Vorterix.

Acaba de presentar su último

trabajo discográfico “La Magia del Caos” en el Teatro Flores. Su formación actual está integrada por Lucas Gerardo voz, Christian Abarca Bajo, Leonardo Dobao Batería, Johan Maximus Teclado y Emiliano Obregón, Guitarra.

PRENSA

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VIDEO

Dream Theater - Night Terror (Official Video)

Jueves 12 de Diciembre: FUNKY TORINOS cierra el año en Marquee presentando

El Arca Torino.

La histórica banda de Willy Crook sigue su legado y se presenta recreando la obra del máximo exponente del funk argentino.

Una noche para cerrar un año de actuaciones a puro groove, potentes instrumentales, soul, blues, reggae y canciones demoledoras seleccionadas entre todos los discos de Willy.

JUEVES 12 DE DICIEMBRE en Marquee Session Live, Av. Scalabrini Ortiz 670 - CABA. Puerta 20:30h / Show 21h

Preventa: 50 Entradas anticipadas a $9000 en: https://www.passline.com/

FUNKY TORINOS:

La banda :

Patan Vidal - pianos

Juan Valentino - guitarra

Timoty Cid - batería

Hubert Reyes - percusión

Miguel Tallarita - trompeta

Nacho Porqueres - bajo

Barby Corvalán - voz

Santiago Castellani - trombón

Paloma Sneh - saxo

Luciano Coniglio - guitarra rítmica

FUNKY TORINOS en Instagram: @funkytorinosok

PRENSA: Yamila de la Fuente yamiladlf@gmail.com

VIDEO Funky Torinos

Choco Mike - voz

TANGO CHINO CUARTETO PRESENTA SU NUEVO EP

ARGENTA MIUSIC

El cuarteto integrado por Edgardo „Chino“ Rodríguez en guitarra, arreglos y composición, Fulvio Giraudo en piano, Marcos Ruffo en contrabajo y Serdar Geldymuradov en violín, presentarán en este concierto los temas que integran su nuevo EP Argenta Miusic y también algunos otros de sus discos anteriores

TANGO CHINO CUARTETO PRESENTA

ARGENTA MIUSIC

JUEVES 12 DICIEMBRE 21 H. CAFÉ VINILO

Estados Unidos 2483 (CABA) Entradas: $ 6000.-

A la venta por Alternativateatral. com

FICHA TÉCNICA DE ARGENTA

MIUSIC

Grabado en Estudio Dr. F (CABA)

Editado, mezclado y masterizado por Juan M. Albariño (La Plata)

Edgardo Chino Rodríguez: guitarra, arreglos y composición

Fulvio Giraudo: piano

Marcos Ruffo: contrabajo

Serdar Geldymuradov: violín

Temas:

1. Malgre tout

2. Cuatro robles

3. Verano sin puerto

4. Fedemon

ACERCA DE TANGO CHINO

El dúo ‘Tango Chino’ se formó a mediados del año 2004 con el pianista Fulvio Giraudo y el guitarrista y compositor Edgardo

Chino Rodríguez.

Luego de un período relativamente largo de inactividad (debido a las numerosas giras internacionales de Fulvio) en 2006 retoman los ensayos y en 2007 graban su primer disco ‘Tango Chino’ con la participación del cantante de tangos Caracol. El disco fue editado por Epsa Music en mayo de 2008 y la crítica lo ha recibido con gran reconocimiento.

El dúo ejecuta piezas compuestas por Rodríguez, en diversos géneros: tango, milonga, vals y galopa. La apuesta estética del dúo es riesgosa, por un lado, busca separarse de la vertiente piazzolliana ubicua en los nuevos grupos de tango y, por

el otro, lograr una sonoridad diferente de la emblemática de Salgán-De Lío.

En 2010 editan el disco Tango Chino & Caracol en el que reversionaron tangos cantados clásicos (El día que me quieras, Vida mía, María, Naranjo en flor, Vieja viola, etc.) uniendo las particularidades expresivas y la versatilidad sin límites de la voz de Caracol con los arreglos de Rodríguez y la ejecución del dúo. La idea es alejarse, al mismo tiempo, de la cristalización del género tanguero y de la seguridad del cover.

En 2013 el grupo se transforma en cuarteto con la incorporación de Adrián Speziale en contrabajo y Juan Raczkowski en violín (luego suplantado por Javier Weintraub). Con esa formación a fines de año graban el disco Tango Chino Cuarteto editado en septiembre de 2014.

El disco está compuesto de arreglos de tangos muy tradicionales (La cumparsita, La yumba, Milonga de mis amores, El choclo, etc.) en los que Rodríguez, como en los discos

anteriores, busca apartarse de las relecturas canónicas insertando fragmentaciones y discontinuidades no presentes en el texto.

En el año 2018 se incorporan Marcos Ruffo en contrabajo y Javier Kase en violín. Con ellos han grabado videoclips de nuevas piezas y arreglos publicados en redes, entre ellos la milonga tradicional de Pintín Castellanos´La puñalada´y las piezas de Rodríguez´Tango Satie´, ´Otravezdenuevoagain, ´Loviu´, ´Tango platense´ y ´Otoño platense´(estos últimos con la participación del trompetista Valentín Garvie) En 2024 con el nuevo violinista

Serdar Geldymuradov el grupo registró y publicó en noviembre el EP Argenta Miusic con cuatro piezas nuevas de Rodríguez.

SEGUIR A TANGO CHINO EN Instagram

You Tube Canal Oficial Facebook Chino Rodríguez Chino Rodríguez Bandcamp

Contacto de Prensa

Medioshabiles

IG @medioshabiles

FB @medioshabilescom

TW @Medioshabiles mail: medioshabilescom@gmail. com

VIDEO

ARGENTA MIUSIC.- Malgre Tout

Marina Casas presenta su nuevo disco “Cicatriz activa”

“Cicatriz activa” es el segundo disco de Marina Casas. Tal como sus proyectos musicales anteriores, este flamante álbum se caracteriza y destaca por sus letras disruptivas en las cuales despliega temas profundos y a la vez envueltos en su sarcasmo y humor. Está conformado por diez canciones sobre el amor, el desamor, el cuerpo, la salud mental, la neurosis, la soledad y el dolor.

Este disco contiene en cinco de sus canciones al tap como un instrumento más, siendo este elemento de danza/música su característica más particular en su música invitando al oyente a escuchar como instrumento percusivo a un elemento comúnmente asociado a lo visual en la danza y a otros géneros musicales. En este proyecto se fusiona el tap con el estilo pop del disco en cual, a diferencia de canciones anteriores, hay una nueva experimentación hacia el pop rock, el synth, electro e indie y alternativo.

Letra y música: Marina Casas. Voces y tap: Marina Casas. Producción musical y arreglos: Tobías Brukman. Grabación, mezcla y master: Lucas Bergman. Fotos de prensa: Lucía Vite.

Marina Casas

Cantante, bailarina, escritora,

directora/coreógrafa en teatro y psicóloga argentina, Marina Casas comenzó su proyecto musical en 2019 luego de experimentar con el tap y la poesía y fusionar diversas expresiones artísticas que desarrolla, hasta empezar a componer sus canciones en letra y música sumando al tap como un instrumento de percusión en la mayoría de ellas.

Ficha técnica “Cicatriz activa”

Con esta impronta, en 2020 salió su primer disco “Semblantes” en el que predomina este elemento como también letras poco comunes sobre diversas temáticas de interés de la cantautora.

Entre 2021 y 2022 lanzó un EP “Monstruos” con canciones nuevas más melódicas y en el contexto de pandemia, a comienzo de 2021, realizó “No me da lo mismo” en formato banda, un Live Session con algunas canciones donde predomina además de lo musical, una estética audiovisual muy propia también poniendo hincapié en la palabra y el ritmo.

Durante estos años se presentó en vivo en distintos ciclos culturales y bares dando a conocer su propuesta acompañada por músicos en formato dúo (guitarra o teclado) o trío (teclado y batería).

Durante 2024 grabó y lanzó su nuevo disco “Cicatriz activa” donde se mantiene su estilo de fusión y experimentación

con el tap e inclinándose hacia un estilo de synth/electro pop. En las letras de sus canciones se escucha una voz fuerte y contundente en sus dichos pasando por diversas temáticas con una gran sensibilidad.

Otros proyectos

Guionista: Su largometraje Del ruido al ritmo ganó el premio Mejor guión Conexión en el Oaxaca Filmfest (2017). Escribió, dirigió y produjo las obras de danza teatro Sujeto/a (2018) y Trenza (2019) y escribió y produjo la obra de texto Formas de hospitalidad (2023). Es miembro fundador de

la Asociación Argentina de Tap (2018).

Poeta: Publicó Los animales no saben contar (Rangún, 2021) y Me niego a escribir un poema sobre vos (Halley Ediciones, 2022). Aprieta muñecas (2023) es un poemario en formato audiovisual que se puede ver en su canal de Youtube. Su nuevo poemario es Experimento no planeado (Enero editorial, 2024).

Discografía:

“Cicatriz activa” (2024). “Monstruos” (EP 2022). “No me da lo mismo” (Live session, 2021). “Semblantes” (2020).

Más info: https://www.instagram.com/ marin_casas/ https://www.tiktok.com/@marin_ casas Facebook Spotify YouTube

LUCAS SEOANE PRENSA lucas.seoaneprensa@gmail.com Instagram: lucas.seoane

VIDEO

CICATRIZ ACTIVA Full Album (2024) - Marina Casas

La Piwa lanza su single

“Las Olas que vendrán”

Adelanto de su próximo disco “Rouge n’ Roll”

“Las olas que vendrán” es una canción indie rock con tintes ochentosos y cuenta con el feat. de Lucía Rodriguez (Crewrod).

Sobre este single, Piwa comenta “Con este single, comienza una nueva etapa en mi carrera, una más despojada y sin artificios. Hay algo profundamente catártico en esta búsqueda, donde exploro nuevas formas de expresión, conectando con lo más visceral de mi música. Cantar con Lucía (Lucía Rodríguez - Crewrod) fue un momento muy especial. Su voz y su energía trajeron una dimensión única a la canción, y siento que juntos logramos capturar esa esencia de lo incierto y lo efímero que quería transmitir.”

«Rouge n’ Roll”, un disco doble que cuenta con 20 canciones, co-producido junto a Lucas Porcel y la colaboración de Mario Breuer en los máster finales. El lanzamiento del primer sencillo, “Las Olas que Vendrán.

“LAS OLAS

QUE VENDRÁN»

Ficha técnica

Letra y música: Piwa Feat. Lucía Rodriguez

Producción: Piwa y Lucas

Porcel

Ingeniero de grabación: Lucas Porcel

Mezcla: Max Kamienomosky

Master: Mario Breuer

Voz, guitarras y teclados: Piwa

Voz y coros: Lucía Rodriguez

Batería: Pedro Bulgakov

Bajo: Lucas Porcel

Sintes y teclados: Santiago

Martínez

BIOGRAFÍA

Piwa La Piwa es un talentoso

cantautor argentino, multinstrumentista y compositor, reconocido por su versatilidad en el mundo de la música. Ha formado parte de destacadas bandas, como Los Pulpos, Los Pakidermos, Lemans, Delta Venus, Barco Carmen Costa (México) y La Suite Bizarre (España), entre otras.

En 2016, con Lemans, lanzó el álbum “Forma”, que le permitió presentarse en importantes festivales y venues, como Personal Fest, Niceto Club y Vorterix. En 2018, Piwa lanza su primer EP solista titulado “Al Borde de la Cama”, y se establece en México para realizar una exitosa gira con Barco y Delta Venus, participando en festivales como Tecate Arcadia y la Semana de las Juventudes, entre otros. Su carrera internacional se expande en 2019 con el disco “Psycho Boy”, grabado en inglés, que incluye actuaciones en icónicos locales del Reino Unido como Hope and Anchor y The Rocksteady Club. Además, acompaña a Carmen Costa en su segunda gira por España, tocando en una variedad de festivales.

Piwa graba dos sencillos, “Bailando con Fuego” y “Reloj de Arena”, y lanza el EP “Presagio”, colaborando con reconocidos artistas del indie argentino, como Karina Vismara y Galgo (King Krule). En 2022, presenta su álbum conceptual “Noche de Hotel”, una ópera rock producida por Agustín Della Croce, que fusiona teatro y música en una propuesta artística integral, presentada en el Margarita Xirgú. En 2023, Piwa se presenta en diversos espacios de Buenos Aires y el conurbano, y realiza una exitosa gira por España en formato unipersonal, visitando ciudades como Madrid, Barcelona, Sevilla y San Sebastián.

A fines de 2023 comienza a grabar su reciente producción, Rouge n’ Roll, un álbum doble de 20 canciones. Este disco cuenta con muchos feat. como Lucía Rodriguez (Crewrod), Paul Higgs,

Alejandro Alvarez (Barco) y Naked Family (España). También colaboraron muchos músicos de la escena local actual, como Pedro Bulgakov (Emilia Mernes), Santiago Martínez (Silvestre y La Naranja/Isla de Caras) y Nano Cantarini (Tini Stoessel). Bajo la producción de Lucas Porcel y la supervisión y masters finales por el legendario Mario Breuer (Charly García, Soda Stereo, Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota), este disco abarca una

variedad de géneros y estilos, donde Piwa se permitió hacer una obra libre y despojada, con muchas canciones, y de ésta manera generar una experiencia íntegra de su música.

MN.Prensa y Comunicación Lic. Marcela Núñez www.mncomunicacion.com.ar

VIDEO

Piwa La Piwa - Las Olas que Vendrán (Feat. Lvrod)

NÂK presenta su nueva canción

“Sonriéndole al Viento”

NÂK, el proyecto solista del músico santafesino

Ignacio Sörenson estrena su nuevo sencillo, producido por Maxi Abal, guitarrista y productor de “Cruzando el Charco”.

Ya disponible en todas las plataformas digitales.

Luego de la presentación de “Canciones a cielo abierto” el primer disco de NÂK como solista, el santafesino Ignacio Sörenson nos presenta “Sonriéndole al Viento”, el nuevo single de su proyecto musical; la primera de una serie de canciones que verán la luz este año, y que ya se puede escuchar en todas las plataformas digitales.

“Sonriéndole al Viento” es una canción con una melodía y un estribillo súper pegadizos que habla de perseverar, seguir adelante, lo mejor siempre está por venir.

La misma fue producida por Maximiliano Abal, actual productor y guitarrista de la banda platense “Cruzando el Charco”, una de las bandas argentinas con mayor crecimiento en estos últimos tiempos, y las voces fueron grabadas en su estudio en la ciudad de Buenos Aires.

SOBRE EL ARTISTA

NÂK es compositor, músico y técnico en sonido santafesino.

Formó parte de dos proyectos musicales muy importantes en su carrera: Badú Pop y Distant Project, bandas que lo llevaron a girar por ciudades como Bogotá (Colombia), Los Ángeles-Las Vegas-Phoenix (EEUU), Buenos Aires (Niceto Club), Córdoba, Santa Fe, Entre Ríos.

Desde el 2015 comienza un camino de formación personal y profesional en las Sierras Cordobesas como Terapeuta en Sonido y creó Bosque Acústico y Electro Nativo, proyectos vigentes que lo acompañan en las giras.

En 2016 comienza un nuevo camino dentro de la música y escribe, entre otras canciones, las que hoy forman parte de su primer disco «CANCIONES A CIELO ABIERTO» (2023) con la producción de DIEGO APUT (Cuyoman y Karamelo Santo).

Música, Letra, Voz y Coros NÂK (Ignacio Sörenson) Producción, Guitarras, Teclados, Coros: Maximiliano Abal Voces y Coros grabados en Estudio Tilo, de la Ciudad de Buenos Aires. Batería: Facu Lizondo en Estudio Mirifico de la Ciudad de La Plata. Bajo: Gabriel Vilches

Guitarras Acústicas grabadas en el estudio de Nahuel Piscitelli

Mezcla y Masterización: Martin Pomares Edición de Audio: Santiago Delia Fotos y Portada: Victoria Panozzo

SEGUILO EN:

IG: @naksorenson

YouTube: https://www.youtube.

com/@Nak.Sorenson

Spotify: https://spotify.link/ eCIV4yI19Db

D&M - Prensa y Diseño IG: @dym_prensa

Daniela Fortonani danielafortonani@gmail.com

VIDEO SONRIÉNDOLE AL VIENTO

FICHA TÉCNICA

LA FERNI y AMIGOS vuelve al CAFF

FIESTA- RECITAL -PEÑA

La Ferni cierra un año de intenso trabajo en los escenarios con una tercera peña en el CAFF (Club Atletico Fernandez Fierro)

Un recital de folklore contemporáneo que resignifica el cancionero popular latinoamericano y al mismo tiempo propone nuevos autores disidentes. Desde Atahualpa Yupanqui pasando por Teresa Parodi, Raúl Carnota, Jorge Fandermole hasta Susy Shock.

Una peña donde la interpretación se ve atravesada por la sensibilidad y el compromiso poético con las luchas de la sociedad actual.

Una fiesta para cantar, escuchar, bailar y revalorizar la palabra compartir.

LA FERNI y AMIGOS vuelve al CAFF

FIESTA- RECITAL -PEÑA

Viernes 13 de diciembre 21 hs CAFF- Club Atletico Fernandez Fierro

Sanchez de Bustamante 772 (CABA) Entradas a la venta por Ticket

La Ferni es una artista disidente. Una cantora de música popular, lírica y de ópera. Realizó su formación en la Universidad Nacional de las Artes y fue docente en la escuela media.

A 2 años de su participación en el Festival de Cosquín donde tuvo una enorme repercusión, La Ferni se afianza en su actividad dentro de la música popular

Ferni De Gyldenfeldt en la final del Pre Cosquín 2022 interpretando ¨Como de zamba¨ de Susy Shock.

Durante el 2024 realizó un recorrido por centros cultural del Gran Buenos Aires, Munro, Villa Ballester, Berazategui, Vicente López, Remedios de Escalada, Morón,Temperley, Quilmes y Berisso. Fue convocada al Festival Internacional de Cine

de la Pcia. de Buenos AiresFICPBA dando un concierto en el Teatro Argentino de La Plata , y en la misma ciudad en el Festival Bonaerense de Poesía.

Grabó junto a La Empoderada Orquesta Atípica, El Toque del Pibe. La Ferni musicalizó un poema de Ioshua.

El Toque del Pibe - La Empoderada Orquesta Atípica feat La Ferni

Fue invitada a participar del ciclo Sofar Buenos Aires. Conciertos secretos en livings. Movimiento internacional para amantes de la música.

La Ferni - Sin Palabritas (Eladia Blazquez cover) | Sofar Buenos Aires

Actuó junto a la escritora

Gabriela Cabezón Cámara en el Ciclo Desea: un cruce poéticomusical. Artistas LGBTTIQ+ suben a La Paz Arriba (CABA) a hacer refugio con la música y la palabra. Participaron del Ciclo Ana Prada, Gabriela Borrelli Azara, Paula Maffia, Paula Trama, Barbi Recanati y Marie Gouiric.

LA FERNI

Instagram @LaFerni Youtube @LaFerni Spotify La Ferni

PRENSA Y COMUNICACIÓN: Daniela Paola Rodriguez

VIDEO

La Ferni - Sin Palabritas (Eladia Blazquez cover) | Sofar Buenos Aires.

https://youtu.be/ oCBkAVtTHd8?feature=shared

FLORENCIA

GARCÍA CASABAL presenta su nuevo disco:

Hasta volverme brote

Concierto poético musical

Textos y canciones que se entraman en un viaje por el universo de la canción y la poesía latinoamericana.

Poetas - compositoras latinoamericanas contemporáneas.

PRESENTACIÓN

La cantante presentará los temas de este nuevo trabajo discográfico en formato de concierto poético musical.

Domingo 8 de Diciembre - 20h. TEATRO ÑACA

Julián Alvarez 924 - V. Crespo Entradas por alternativateatral. com.ar

Bueno, ahora canta, canta hasta que tus huesos se

vuelvan brotes.

Hoy canté mientras removía

Las plantas

Las manos sucias de tierra

Por primera vez Brillaban

De las puntas de los dedos Nacían flores.

(Fragmento poema de Barbara Alí).

Hasta volverme brote es su tercer disco como cantante solista. Contiene doce canciones que determinan la necesidad de plasmar, desde un repertorio profundo, el sentimiento y la palabra de compositoras clásicas y nuevas. La dirección musical es de Manu Navarro y el sello Acqua Récords.

En estos dos conciertos se abordan los textos poéticos

de Barbara Alí, Cristina Peri Rossi, Gabriela Mistral, Susana Thenon, Alfonsina Storni, Idea Vilariño que se irán entramando con la obra de compositoras argentinas y latinoamericanas: Eladia Blázquez, Carmen Guzmán, Ma. E. Walsh, Chabuca Granda,Teresa Parodi, Verónica Bellini, Ana Robles, Elizabeth Morris, entre otras.

“Es el resultado de dos años de investigación y trabajo, recopilando y probando materiales en vivo para luego tomar la decisión de grabar. Se grabó en vivo, tres días en estudios ION. Me interesaba que tuviera esa impronta y la frescura de lo que sucedía en el escenario. Quise darle mayor visibilidad a la obra de artistas mujeres, tanto en lo poético como en lo musical, al cruce de generaciones entre artistas consagradas y otras nuevas. Elegí obras que me conmueven, por sus textos y/o por su música. Algunas me interpelan, otras me emocionan, otras me divierten, pero todas tocan especialmente alguna fibra en mi interior.

Agradezco a Manu Navarro, gran compañero de ruta en este trabajo, su sensibilidad musical y escucha hacia lo que yo quería y necesitaba, en términos de clima y sonoridad, para cada tema, fueron fundamentales.

Y también a las músicas invitadas, quienes participaron con mucho compromiso artístico

en la producción: Mariana Mariñelarena en percusión, Candelaria Quiñones en piano, Marcela Pedretti en piano, Luciana Corral en voz, y el acompañamiento, la escucha y asistencia de producción en las jornadas de grabación de Diego Bergesio, además de la fina y paciente escucha de Fede López para mezclar y masterizar todo el material”. Florencia.

HASTA VOLVERME BROTE

Florencia García Casabal (voz - piano)

Manuel Navarro (guitarra - voz)

Mariana Mariñelarena (percusión)

Invitadas:

Luciana Corral (cantante invitada)

Candelaria Quiñones (piano)

Marcela Pedretti (piano)

Delfina Campagnoli (performer)

Sol Zaragozi (actriz)

Arreglos vocales: Florencia García Casabal - Manu Navarro. Dirección musical: Manu Navarro. Selección de textos, canciones.

Dramaturgia: Florencia García Casabal.

Dirección y Puesta : Mercedes Torre

Vestuario: Lorena Chaplin

Producción: Fefa

Producciones. Sello: Acqua Récords

LISTA DE TEMAS: CD Hasta volverme brote

Ese arar en el mar (CH. Granda). Florencia García , Manu Navarro, Mariana Mariñelarena.

Sin señal de adiós (M. Elena Walsh) Florencia García , Manu Navarro, Mariana Mariñelarena, Lucian Corral.

Décimas (Elizabeth Morris) Florencia García, Candelaria Quiñones, Mariana Mariñelarena.

Zamba de los días (M. Elena Walsh) Florencia García, Candelaria Quiñones, Manu Navarro, Mariana Mariñelarena.

Porque vas a venir (Carmen Eduardina Guzmán - Mandy) Florencia García , Manu Navarro.

Dueño Ausente (Ch. Granda) Florencia García , Manu Navarro, Mariana Mariñelarena.

Cuando ella baila (Ana Cristina Robles) Florencia García, Candelaria Quiñones, Manu Navarro, Mariana Mariñelarena, Luciana Corral.

La caricia perdida (Alfonsina Storni - Verónica Bellini) Florencia García , Manu Navarro.

Por donde pasa el viento (Elizabeth Laura Rossi) Florencia García, Candelaria Quiñones, Manu Navarro, Mariana Mariñelarena, Luciana Corral.

De Bs. As. Morena (Carmen Eduardina Guzmán - Héctor Negro) Florencia García , Manu

Navarro.

Te estoy llamando (Idea Vilariño - Verónica Bellini) Florencia García, Marcela Pedretti.

Las voces del río. (Teresa Parodi) Florencia García, Manu Navarro, Mariana Mariñelarena, Luciana Corral.

Arreglos y dirección musical: Manu Navarro.

Producción: Florencia Garcia Casabal - Diego Bergesio.

FLORENCIA GARCÍA CASABAL:

Nacida en Buenos Aires, Florencia es cantante e intérprete solista de música popular argentina (tango y folklore) y latinoamericana.

Integra el cuarteto vocal femenino de tango Flores Negras - cuatro voces en tango, en el rol de soprano desde Junio 2023.

Es Fonoaudióloga, Maestra Nacional de Música, y entrenadora vocal de intérpretes escénicos. Docente en educación superior y terciaria - UNA Universidad Nacional de las Artes Dpto. de Artes Dramáticas - Escuela Metropolitana de Arte Dramático.

Se encuentra presentando su tercer material discográfico como solista, “Hasta volverme brote” editado por Acqua Records, y con el apoyo del programa Becas de creación del Fondo Nacional de la Artes.

Agosto 2024, edita junto a Flores Negras, single y video de “La Negadora” (V. Morán).

Mayo -Junio 2024 realiza una gira internacional por Europa u

(España, Bélgica y Países Bajos) junto al cuarteto Flores Negras. Diciembre del 2023 estrena audiovisual de “Balada para un loco” con producción independiente de la agrupación Flores Negras (junto a Cecilia Bonardi, Alejandra Cañoni y Laura Esses).

Durante el 2022 editó de manera independiente dos sencillos en colaboración con Luciana Corral: “Tonada para dos tristezas” y “Coplas a la luna llena”.

En septiembre de 2021 graba Streaming con cinco canciones del espectáculo poético musical “Cuando pase el aguacero”.

En 2016 edita su segundo disco como solista “De Amores y Lunas” editado por Acqua Récords.

En 2014 junto con su padre Galo García editan el CD “De a uno y de a dos” de producción independiente. Ambas producciones cuentan con arreglos y dirección musical de Cristian Zárate y Cesar Angeleri.

“Florencia Garcia Tango” (2010) fue su primer trabajo discográfico como solista, de producción y edición independiente.

BIOGRAFÍA

Comenzó a cantar y a estudiar técnica vocal desde muy pequeña, a los 6 años entró en el Coro de niños de la Universidad de Mar del Plata (Dir. Graciela Plancic), luego, ya en Bs. As. y con 11 años, ingresó al Coro de niños del Teatro Nacional Cervantes.

Sus primeras experiencias como

solista, fueron a sus 15 años en los actos y peñas de la Escuela J. P. Esnaola. Luego, con 18 años, de la mano de Oscar Cardozo Ocampo y su padre Galo García, debutó en el C. C. San Martín como invitada.

A lo largo de su carrera, realizó conciertos con la Orquesta Nacional de Música Popular Juan de Dios Filiberto en el Teatro del Globo, y con la Orquesta de Música Popular de la Universidad de Bs. As. en la Usina del Arte y en el C.C. Rojas. como solista invitada.

Se presentó en numerosos escenarios de la ciudad de Bs. As. Centro Cultural Recoleta, Casa de la Cultura del FNA, La Biblioteca Café, Bebop, Clásica y Moderna Teatro Picadero, Club Social Cambalache, La Scala de San Telmo, Espacio Giuffra, Pista Urbana, Taconeando, Auditorio de la UOCRA, La Paila, Circe Fábrica de arte, C.C Uriarte, entre otros.

Dentro de sus actuaciones internacionales se destacan:

Presentación de su disco De amores y lunas en el Festival Internacional de Tango en

Granada (2017).

Participación en el espectáculo “Encuentros del alma” (2003, Asunción del Paraguay) junto a Eladia Blázquez, Galo García, Cecilia Enriquez y Rolando Chaparro en homenaje a Oscar Cardozo Ocampo.

A lo largo de su recorrido ha compartido escenarios con Oscar Cardozo Ocampo, Jairo,Teresa Parodi, Eladia Blázquez, Horacio Molina, Julia Zenko, Chango Farías Gómez, Guillermo Cardozo Ocampo, César Angeleri, Cristian Zárate, Pablo Agri, Sebastián Prusak, Abel Rogantini, Manu Navarro, Nicolás Enrich, Magdalena León, Galo García, Pehuén Naranjo, entre otros.

IG @Florencia.garcíacasabal

Sonia R. Cabral Prensa + Gestión cultural prensasoniacabral@gmail.com IG: @soniacabralprensa

VIDEO

De Buenos Aires Morena (C.Guzman - H- Negro). Florencia García Casabal. Streaming Sept. 2021.

CHRISTOPHER UCKERMANN LANZA SU SEGUNDO SINGLE

«LOS HOMBRES LLORAN»

Segundo corte discográfico de lo que será su álbum

Un canto a la sanación del linaje masculino a través de la música

Christopher Uckermann, actor y artista musical mexicano, lanza su nuevo single “Los Hombres Lloran”, un tema que busca explorar la profundidad de la vulnerabilidad y el poder de sanar heridas emocionales masculinas. Este segundo single forma parte lo que será su álbum que conecta la experiencia humana con la numerología y la intención personal de sanación. “Los Hombres Lloran” ocupa un lugar significativo en el álbum, representando el número 3, un símbolo de tribu y de sanación del linaje masculino.

propio sentir.

“Los Hombres Lloran” nació de una melodía que Christopher no podía dejar de escuchar en su mente, un sonido que capturaba la esencia de la canción incluso antes de ser plasmado en el estudio. Junto al músico Juan, Christopher desarrolló la base musical de la canción, incorporando pianos y cuerdas que sostienen la profundidad emocional del tema. En la mezcla final, la voz fue colocada al frente, logrando que la poesía y la emoción resuenen con una fuerza particular, invitando a la audiencia a conectar con su

La letra de “Los Hombres Lloran” representa un acto de introspección y de ruptura de viejas creencias. Con versos

como:

„Dicen que los hombres no lloran, Lágrimas sobran, La vida me pesa mal, Me escondo en un velo, Llevo mi duelo, Olas de sangre en el mar…”

Christopher refleja el dolor y las emociones reprimidas que los hombres suelen enfrentar, cuestionando los estereotipos de la fortaleza masculina y permitiendo que la vulnerabilidad sea vista como una fuente de sanación y liberación.

PRENSA

Vicky Roa Comunicaciones vicky@vickyroa.com.ar

VIDEO

Christopher Uckermann - Los Hombres Lloran (Video Oficial)

China Roldan presentó HERMANADA

Nuevo álbum en La Tangente junto a Lito Vitale

La China Roldán presentó su primer disco “Hermanada” en La Tangente, Buenos Aires, el pasado Miércoles 13 de Noviembre, donde mostró el trabajo realizado junto al productor Juan Sarda Lerotic, en formato full band, con Lito Vitale como invitado especial.

“Fue un show emocionante, se vio el fruto del trabajo de un equipo de artistas y profesionales en el que cada uno aportó desde su lugar no solo experiencia y talento si no también amor al proyecto y eso se vivió y se sintió muy inspirador.”

“El momento con Lito fue de mucho fuego, se subió en “En Manada Voy” y tocó un solo percusivo y latino que sumó al clima selvático del tema.”

Cuenta La China. El show tuvo diversos momentos, desde un comienzo explosivo con una entrada performatica de La China hasta otros muy emotivos a dos acordeones con su hermano Lucas Roldán, en el que dedicaron el tema “Perlita” a su abuela.

La China Roldan continuará presentando “Hermanada” con un show en Rosario en el Teatro Lavarden el Sábado 30 de Noviembre a las 21 h.

HERMANADA explora temas de hermandad, valentía y autenticidad. Es un disco de siete canciones que explora sonoridades y géneros diversos que van desde el soul, R&B, música latinoamericana, y la canción, atravesado por la identidad única de la rosarina.

Con letras íntimas y poderosas, y una instrumentación

envolvente que une su voz y teclados junto a un equipo de músicos excepcionales, cada canción ofrece un retrato profundo de emociones y experiencias.

Producido por Juan Pablo Sarda y mezclado por Lucas Gómez, HERMANADA es una oda musical al poder de la voz propia, en el que cada integrante aportó creativamente desde su instrumento generando una sonoridad colectiva que tuvo como desafío respetar siempre la esencia y la emoción de la canción.

El disco fue grabado y producido en su integridad en el Estudio Brod por Juan Pablo Sarda.

HERMANADA cuenta con el apoyo de INAMU y Fondo Nacional de las Artes.

Ambos shows cuentan con el apoyo del Ministerio de Cultura de Santa Fe, Ave Fenix y Rapto.

FICHA TÉCNICA:

Banda:

Guitarra: Juan Sarda Lerotich

Batería: Lean Quinteros

Percusión: Santiago Arroyo

Bajo: Edú Gabriel

Teclado: Naiah Trigoso

Saxo: Milena Bagdadi

Trombón: Manu Calmo

Trompeta: Reimon Pinillos

Coros: Catalina Vila y Moah

Acordeón: Lucas Roldán

Show:

Producción general: Lucas

Garbarino

Iluminación: Leticia Agesta

Escenografía: Luisina Roldán

Vestuario: Isabella Gómez

Asistencia de vestuario: Rita Calissano

Sonido: Luciano Gordillo

Pelo: Ivi Robles

Make up: Luciana Rozen

Cobertura fotográfica: Calfú Martinez

Asistencia cobertura: Macarena Zapico.

Cristobal Aldezabal cristobal.aldezabal@gmail.com

Lic. Analía Cobas analiacobas@gmail.com

Lic. Cecilia Dellatorre pnlp83@gmail.com www.masprensa.com.ar

VIDEO

China Roldán - Buenas Noches (Official Video) https://youtu.be/ AHd6juaPXiw?feature=shared

Jimena con Jota lanza su nuevo single “Un plan mejor”

“Un plan mejor” es la novedad musical de Jimena con Jota, una hermosa canción que marca un nuevo rumbo y sonoridad en su carrera como solista.

Ya disponible en todas las plataformas digitales.

El pasado lunes 1/11 Jimena con Jota estrenó su nuevo material, una canción en la que la artista, oriunda de Buenos Aires, logra sincerarse, encontrar un sentido verdadero a sus letras, volcar sus miedos y prejuicios, entendiendo que expresarse de forma genuina es la mejor manera para decir algo, más allá de las tendencias y los algoritmos.

Los sonidos en Un Plan Mejor, que ya se puede escuchar en todas las plataformas digitales, juegan entre lo minimalista y rítmico, destacando los beats, sintetizadores y voces. En un momento de la canción se puede escuchar un sample a una película alemana (el título traducido es “No dejes de mirarme”) en la que una mujer dice “todo lo real es bello” -Esa idea me enfocó, hizo que en los momentos en donde creía que no vale la pena tanto esfuerzo, siga apostando por hacer una nueva canción- dijo al respecto la artista.

FICHA TÉCNICA

Letra y música: Jimena con Jota

Producción, mix y master: Moreu

Co- producción y guitarras: Paco Leiva

Grabado en estudio de Guido Moretti

CABA (septiembre-octubre 2023)

SOBRE JIMENA CON JOTA

Jimena es de la zona norte de la Provincia de Buenos Aires, tiene 25 años y es compositora, cantante y guitarrista.

“Jimena con Jota” es un proyecto solista, autogestionado e independiente que apareció en escena en 2021 con su

primer sencillo “Tu Raíz”. Posteriormente lanzó su primer EP “CAPARAZON” en Noviembre de 2022 y su versión acústica en Junio de 2023.

A lo largo de su carrera ha presentado sus canciones en reconocidos espacios de la Ciudad de Buenos Aires, como el Centro Cultural Recoleta, Niceto Bar y Bocha Polo, entre otros. Además durante el 2023 realizó una gira en formato solo set por diferentes partes de la provincia y del país, como Córdoba, La Plata, Santa Fe y Mar del Plata.

Con su música, Jimena con Jota ofrece un momento íntimo y cálido con canciones de amor y expresiones tiernas y sinceras, generando un clima de mucha conexión con sus seguidores.

REDES SOCIALES Y PLATAFORMAS DIGITALES

https://www.instagram.com/ jimecon.JOTA/ https://www.tiktok.com/@ jimeconjota_ https://www.youtube. com/channel/

UCvM9jF1kjeZxlQjFEUEQm5w https://open.spotify.com/intl-es/ artist/7cDTpz5r4hSvq771lLRmId https://linktr.ee/jimenaconJOTA

Fuente: D&M - Prensa y Diseño Ig: @dym_prensa Daniela Fortonani danielafortonani@gmail.com

VIDEO

JIMENA CON JOTA- “Un Plan Mejor” (Lyric Video)

https://youtu.be/MMbWu6_ nlC8?feature=shared

DALLAS PONCE - VIVIANA DALLAS & MARCELO PONCE presentan su nuevo álbum

100 AÑOS DE BLUES GRABADO

Disponible en plataformas digitales

Luego de su reciente gira internacional llevando su música al “Bentonia Blues Festival”, Mississippi (el Festival de Blues más antiguo de los Estados Unidos), compartiendo escenario con la leyenda del género Jimmy ‘Duck’ Holmes, y habiendo participado también del ‘Arkansas Country Blues & String Band Festival’ en Arkansas, el dúo integrado por Viviana Dallas en voz y Marcelo Ponce en guitarra y voz presentarán en este concierto su nuevo disco editado por Epsa Music y realizado con el apoyo de INAMU.

El disco fue realizado en conmemoración a ‘Crazy Blues’,

el primer blues grabado por Mamie Smith el 10 de agosto de 1920. El trabajo está integrado por una selección en su mayoría de clásicos de la década del ‘20 y dos temas que pertenecen a Marcelo Ponce. Originalmente, el proyecto iba a grabarse en 2020 pero la pandemia pospuso los planes hasta que finalmente lograron concretarlo.

PRESENTACIÓN

100 AÑOS DE BLUES

GRABADO

JUEVES 5 DE DICIEMBRE, 19.30 H.

LA DAMA DE BOLLINI

Pasaje Bollini 2281 (CABA)

MÚSICOS INTEGRANTES DEL SHOW EN VIVO

Viviana Dallas, voz

Marcelo Ponce, guitarra y voz

Sebastián Casaccio, bajo y contrabajo

Martín Acuevide, batería y percusión

TRACK LIST DEL ÁLBUM Y FICHA TÉCNICA

01. Some Cold Rainy Day

Viviana Dallas, voz | Marcelo Ponce, guitarras | Sebastián Casaccio, bajo |

Martín Acuevide, batería

02. Roll And Tumble Blues

Marcelo Ponce, guitarra acústica y dobro, voz | Sebastián Casaccio, bajo |

Martín Acuevide, batería

03. Devil’s Gonna Git You

Viviana Dallas, voz | Marcelo Ponce, guitarras | Sebastián Casaccio, bajo |

Martín Acuevide, batería | Ft. Fernando Viola, teclados

04. Booze And Blues

Viviana Dallas, voz | Marcelo Ponce, guitarras | Sebastián

Casaccio, bajo |

Martín Acuevide, batería | Ft. Fernando Viola, teclados | Gonzalo Gonzo

Palacios, saxo alto, saxo barítono, clarinete

05. Vos Decís

Marcelo Ponce, guitarras y voz | Sebastián Casaccio, bajo | Martín Acuevide, batería | Ft. Gonzalo Gonzo Palacios, clarinete | Pablo Scenna, banjo | Pablo Hadida, lap steel

06. Cuando Venga El Tren

Marcelo Ponce, guitarras y voz | Sebastián Casaccio, bajo | Martín Acuevide, batería | Ft. Gonzalo Gonzo Palacios, saxo alto, Fernando Viola, teclados

07. That’s What My Baby Likes

Viviana Dallas, voz | Marcelo Ponce, guitarra dobro

08. Highway 61

Marcelo Ponce, guitarra acústica y voz | Viviana Dallas, percusión

09. Crazy Blues

Viviana Dallas, voz | Marcelo Ponce, guitarras | Sebastián Casaccio, bajo | Martín Acuevide, batería | Ft Fernando Viola, teclados

10. Downhearted Blues

Viviana Dallas, voz | Marcelo Ponce, guitarra acústica

Grabación, mezcla y masterización: Pablo Hadida Arte de Tapa: Carla Salas Epsa Music 2024

ACERCA DE DALLAS PONCE

En 2024 el dúo ha participado de giras internacionales llevando su música en 2024 al “Bentonia Blues Festival”, Mississippi, USA (el Festival de Blues más antiguo de los Estados Unidos), compartiendo escenario con la

leyenda Jimmy ‘Duck’ Holmes. También en 2024 ha participado del ‘Arkansas Country Blues & String Band Festival’, Arkansas, USA. En ambas giras por Estados Unidos en 2024, ha realizado además workshops y conciertos en organismos oficiales y en la Radio Pública de Arkansas, entre otros. Ha participado además del Festival “Ecuador Jazz 2009” (Quito,Ecuador) y en 2011 de los Festivales “Arts International Festival” en Francis Marion University, Florence (SC, USA) y “7th Annual Blues by the Sea” en Freshfields Village Green (Kiawah Island, SC, USA) Su música sonó así en Estados Unidos, la cuna del Blues. En 2013 ha participado de los prestigiosos Festivales ‘Blues al Río’ (Guayaquil) y ‘Quito Blues’ (Quito), ambos en Ecuador. A este último también ha sido invitado en 2019 brindando conciertos y workshops. Desde 1998, Viviana Dallas y Marcelo Ponce dirigen coros y agrupaciones vocales orientadas a la música gospel.

Como Dallas-Ponce, tienen varios discos editados por el sello EPSA Music Argentina, que pueden encontrarse en las tiendas virtuales más

importantes del mundo. Uno de estos discos ha sido grabado con Stefan Grossman, en su gira 2010 por Argentina, organizada por Dallas Ponce con el apoyo de la Embajada de Estados Unidos en Argentina. Han compartido escenario y/o acompañado a figuras del ámbito local como Cristina Dall, Miguel Botafogo, Hugo González Neira, entre muchos otros y también junto a figuras del exterior como el reconocido director de coros de música Gospel, Gregory Hopkins (Ministro de Música de la Convent Avenue Baptist Church de Nueva York), Zakiya Hooker (hija del legendario bluesman John Lee Hooker), Stefan Grossman, Shrimp City Slim, Drink Small y James Cotton, entre otros.

DALLAS PONCE EN www.dallasponce.musica.ar

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Some Cold Rainy Day

7 y 8 de diciembre en CABA y en Avellaneda

¡Canticuénticos cierra el año en Buenos Aires!

Show de música y juegos para toda la familia

Canticuénticos cierra el año en Buenos Aires con su show de música y juegos para toda la familia los días 7 y 8 de diciembre en Floresta y Avellaneda, respectivamente. El grupo viene desde Santa Fe con las canciones de su nuevo disco “Para saber que te quiero” (ganador del Premio Gardel por Mejor Álbum Infantil) y con las clásicas que no pueden faltar, como “La cumbia del monstruo de la laguna” (que superó las 150 millones de vistas en YouTube), “Quiero para mí” y “El mamboretá”, entre muchas otras.

Sábado 7 de diciembre a las 14h TEATRO GRAN RIVADAVIA

Av. Rivadavia 8636 (CABA)

Entradas en venta a través de FullTicket

Domingo 8 de diciembre a las 16h TEATRO COLONIAL

Av. Bartolomé Mitre 141

(AVELLANEDA)

Entradas en venta a través de

TuEntrada

Este año Canticuénticos lo empezó con una gira por España, luego se presentaron en México, Chile, Colombia y Uruguay, siempre con entradas agotadas. Visitaron numerosas ciudades de nuestro país e incluso en su provincia ofrecieron un concierto para más de veinte mil personas junto a la Orquesta Sinfónica de Santa Fe. El año próximo se acerca con muchos proyectos también, arrancando nuevamente con una gira por España. Con 17 años de trayectoria, Canticuénticos es una de las propuestas más originales y relevantes de América Latina para acompañar las infancias. Alejada de los estereotipos, combinando diversión con emociones profundas, sus letras tocan todos los tópicos, desde los más graciosos y disparatados hasta los más difíciles y delicados. El grupo está formado por Ruth Hillar (voz, flauta y acordeón), Laura Ibáñez (voz),

Cintia Bertolino (voz), Gonzalo Carmelé (bajo y coros), Daniel Bianchi (guitarra, cuatro y coros), Nahuel Ramayo (batería, percusión y coros) y Sebastián Cúneo (producción, iluminación, fotografía y video). También lo integran Javier Escandell (sonido), Darío Zini (asistencia de escenario, aerófonos, charango y percusión) y Rocío Solís (voz invitada).

Canticuénticos tiene editados seis álbumes con canciones originales sobre ritmos argentinos y latinoamericanos: “Canticuénticos embrujados” (2009), “Nada en su lugar” (2013), “Algo que decirte” (2015), “¿Por qué, por qué?” (2018), “A cocochito” (2020 - ganador del Premio Gardel por “Mejor Álbum Infantil”) y el flamante “Para saber que te quiero” (2023 - también ganador del Gardel).

Más sobre Canticuénticos:

En este grupo, además de canciones, hay cuentos: “Canticuénticos en papel”, es

una colección de libros que cuentan cantando y cantan contando. Las ilustraciones de Estrellita Caracol comparten con la música y letras de Canticuénticos el amor por el trabajo artesanal y una atención a los detalles que alimenta diferentes miradas y escuchas. “El mamboretá”, “El monstruo de la laguna”, “Noni-noni”, “¿Por qué, por qué?”, “Quiero para mí”, “Hay secretos”, “Pañuelito blanco”, “A cocochito”, “La rana rosita” y “El lorito Teté” son los diez títulos ya publicados.

“Canticuénticos en cartón” es una colección de libros pequeños en cartoné (hojas duras) especialmente pensada para la primera infancia.

“Un remolino”, “¡Acá tá!”, “El mamboretá” y “Viene para acá” son los cuentos de este proyecto hasta el momento, ilustrados por Martina Cúneo.

Canticuénticos ha recibido numerosos reconocimientos, premios y menciones notables: dos Premios Gardel por Mejor Álbum Infantil (2024 y 2022); Mejor Espectáculo Infantil 2018 por AADET (Asociación argentina de Productores de Espectáculos); ha sido declarado de Interés Cultural por el Senado de la Nación de Argentina por su “trayectoria y valioso aporte al cancionero infantil nacional y latinoamericano”; es “Embajador Cultural” de la ciudad de Santa Fe; ha sido reconocido por su Interés Artístico por la Legislatura de la Ciudad de Buenos Aires, también por su Trayectoria por la Legislatura de la Ciudad de Buenos Aires y también por la Legislatura de la Provincia de Santa Fe; además

de haber sido reconocido en el Festival Cosquín 2020 por su “aporte artístico para las infancias libres”.

Algunas notas de prensa:

“Cómo acompañar las infancias desde el arte…”.

Por Julieta Botto (Infobae)

“La canción comunica de manera muy potente”.

Por Candela Gómez Diez (Página12)

“Suma y suma: Canticuénticos dará 20 shows y presentará nuevo álbum”.

Por Florencia Borrilli (Ñ)

Algunos videos recomendados:

Como el caracol (nuevo!)

El pulpo cocinero, El lorito Teté, Hay secretos, Pañuelito blanco, La rana Rosita, Si viene de la tierra, A cocochito, ¿Por qué, por qué?, Cumbia del Monstruo, Quiero para mí, El mamboretá.

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Como el caracolCANTICUÉNTICOS

ANDREA ÁLVAREZ SIGUE PRESENTANDO SU DISCO “LA CADENA DEL MAL”

Después de haber presentando su nuevo disco, ”La cadena del mal” en The Roxy con gran éxito de prensa y público, haber teloneado a Living Colour y ser seleccionada por Sadaic como representante de músicas compositoras-productoras del mundo (Canadá, USA, Japón, Macao, India, Países Bajos, Polonia, Brasil, México y Argentina) para juntarse en el hermoso Planet Studio de Montreal, experiencia maravillosa y creativa, nuestra querida Andrea Álvarez finaliza un año brillante con nuevo show en Strummer Bar el sábado 21 de diciembre a las 21 h. Entradas disponibles por sistema Tickethoy. Los esperamos!

Nuestra querida ANDREA ÁLVAREZ tan duradera, auténtica y rebelde como una

campera de cuero old school, domina desde hace mucho tiempo el arte del rock, vuelve a la carga con un nuevo disco llamado “LA CADENA DEL MAL” aprovechando la experiencia acumulada para entregar su trabajo más ambicioso.

Este nuevo álbum incluye once temas en los que los ecos al power rock, sirven de colchón para letras en las que conviven dolores personales, crítica social con otros más festivos. La contundencia musical y la urgencia son las grandes armas del trío. El cromatismo sonoro dirigido por el amplio registro vocal de una omnipresente Andrea, capaz de agravar su voz en los susurros o desgarrarla en los cortes más enrabiados, tocando la batería con maestría y esa pasión escénica que

la caracteriza, se suman a la guitarra de riffs vertiginosos de Tomás Brugues y el bajo profundo y emocional de Lonnie Hillyer.

La producción artística estuvo a cargo de Andrea, Lonnie y Tomás, fue grabado en el mítico estudio Panda de Buenos Aires, su técnico de grabación y mezcla Christian Algarañaz que realizó la tarea en Estudio Romaphonic. Para el mastering contaron con la vasta experiencia de Neil Pickles (TOOL, Groove Armada, Basement Jaxx, The Fun Lovin’ Criminals, The Alabama Three, Kasabian y The Buzzcocks, entre otros) en Estudio Revealsound, Londres UK. El disco se estrena con el videoclip “Sos La Muerte del Rock” dirigido por Sal Lencina. La portada es diseño Giselle Morello y las fotos de prensa son creación

de la artista Nora Lezano.

DICE ANDREA:

“Podría asegurar que “La Cadena del mal “es mi mejor disco. Empecé a componerlo antes de la pandemia y siempre mantuvo el mismo espíritu, pero porque mi gran inspiración es la disconformidad y el disco habla de los abusos desde el poder y de la muerte del mundo que nos formó, ya no existe más y mi dificultad para aceptarlo. La muerte de amigos, de referentes, de estilos de hacer las cosas. Creo que pudimos concretarlo ahora porque seguramente éste era el momento justo. Musicalmente trabajamos como banda y eso es lo que más lo distingue de mis discos anteriores. Lo arreglamos e hicimos la producción muy juntos. También trabajé en conjunto con dos personas ajenas a la banda (Luke en la música de Dos Minutos y Karina Cohen en la letra de UhUh) y eso fue una novedad para mí. Traté de sacarme el dolor y la rabia que me da esta época en la que vivimos porque me gusta estar feliz y no acepto la carga de la queja. El rock me ayuda para sacarme de encima el enojo y volverlo algo que valga la pena”

BREVE BIO DE ANDREA ÁLVAREZ

Baterista, cantante y compositora argentina de reconocida trayectoria en su país por haber tocado y grabado como sesionista junto a las más importantes figuras de la música popular Argentina (Soda Stereo, Divididos, Charly García, Attaque 77, Los Rodríguez, Natalia Oreiro entre muchos otros) e

internacional (Tito Puente, Celia Cruz, Draco Rosa). Desde el año 2001 comienza su carrera solista, que ya lleva cuatro discos: Andrea Alvarez-2001; Dormis? 2006; Doble A-2008, realizado junto al productor Jim Diamond; “Y Lo Dejamos Venir”, producido por Andrea Álvarez y Lonnie Hillyer, nominado “Mejor Album de Rock” por los Latin Grammys. Embajadora en Argentina y jurado del concurso internacional de bateristas mujeres “Hit Like A Girl”.

Fue galardonada por la Fundación Konex con el Premio Konex diploma al mérito en el rubro “Mejor Artista femenina de rock de la década”.

SHOW ANDREA ÁLVAREZ SÁBADO 21 DE DICIEMBRE/ 21 H!

EN: STRUMMER BAR - GODOY CRUZ 1631 – CABA https://bue.tickethoy.com

(Crédito fotográfico: Nora Lezano)

PRENSA

Paula Alberti Prensa y comunicación! paulaalbertipress@gmail.com

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ANDREA ALVAREZ - SOS LA MUERTE DEL ROCK - Video oficial

Alan Trezz presenta

El futuro

Su nuevo single en colaboración con la cantante y compositora tandilense Ro Sosa.

En este flamante track se amalgaman dos voces que provienen de mundos diferentes. Alan aporta su habitual melodía pop y Ro añade el cálido sonido del bolero contemporáneo.

“El vínculo, la pasión, el desencuentro; crecer. La crisis, la ansiedad, los miedos, incertidumbre. El amor ante todo, para que todo funcione” (Alan Trezz sobre El futuro)

Además, El futuro está acompañado de un videoclip

grabado íntegramente en la ciudad balnearia de Miramar, por Matías Tazza e Ignacio Espinosa, que refleja la historia de amor descrita en la letra.

Por último, el viernes 22 de noviembre Alan Trezz presentó por primera vez en vivo todas las canciones lanzadas en 2024, incluido El futuro, con la presencia de Ro Sosa, que además ofició de show apertura. También hubo otros invitados sorpresa y la propuesta será a banda completa (Alan Perellón en voz, Santiago Paolucci en

guitarra y coros, Diego Olguín en teclados, Juan Anté en guitarra, Gabo Fierro en bajo, Matías Orellano en batería, Nano Pérez en saxo y Jonatan Cabrera en trompeta). La cita fué en Chauvin (San Luis 2849, Mar del Plata).

PRÓXIMOS SHOWS

7 de Diciembre - Tandil Próximamente entradas a la venta

5 de Enero - Mar Chiquita Entrada libre y gratuita

ACERCA DE ALAN TREZZ

Alan Trezz es una banda indie formada a fines de 2020, que cuenta con tres trabajos discográficos y cinco singles, hasta el momento. Rock, pop, rap, tecno y folk son los géneros musicales que la atraviesan. En septiembre de 2021 lanzó su primer EP, “Desde lo Absurdo del Mundo”, con cuatro canciones: “Caramelos”, “Nublado”, “La nave” y “Último puchito”. En diciembre presentó el single “Alta luna” a modo de cierre de ese año.

En agosto de 2022 sacó a la luz su segundo trabajo discográfico: “Desde el Mundo Absurdo”, con tres tracks: “El flaco” (homenaje a Luis Alberto Spinetta), “Nada” y “A cualquier hora”. El lanzamiento estuvo acompañado de un videoclip largo (grabado en plano secuencia), que contiene la totalidad de los temas. Un mes después, el EP se presentó en vivo en el Club TRI, a sala llena.

En octubre del mismo año compartió sus canciones ante más de 10.000 personas en MAREA, el festival que celebró el centenario del Puerto de Mar del Plata, donde compartió escenario con FMK, Ecko, Bhavi y Orquesta Cumbia Grande.

En noviembre, abrió el show de El Kuelgue en GAP Mar del Plata, con localidades agotadas. Y en diciembre, cerró el año con una presentación en el Parador ReCreo Mar del Plata (organizado por el Ministerio de la Provincia de Buenos Aires).

El 2023 comenzó con una

gira por la costa atlántica, que incluyó ciudades como Pinamar, Cariló y Villa Gesell. También tocó en la Ciudad Autónoma de Buenos Aires (Lucille, Río Patio Cultural) y en la localidad serrana de Tandil.

Una vez finalizada la temporada de verano y con el tercer EP en proceso de grabación, tocó junto a Edu Schmidt (ex Árbol) en formato set solo (acústico) en Mar del Plata.

En julio lanzó el single “Acuatizar”, una canción con reminiscencias al rock y al rap, apoyados en guitarras y voz, sin perder la esencia indiepop que propuso en sus trabajos anteriores. Este track salió a la luz con un videoclip dirigido por Matías Tazza, con tomas íntegramente subacuáticas, y su estreno se realizó en una de las salas de Cinemacenter Argentina. La jornada contó con la presencia de prensa especializada y seguidores de la banda, que presenciaron la charla con el director y el grupo.

En agosto publicó su tercer EP, “Lugar Seguro”, con tres canciones (“Acuatizar”, “No perdamos tiempo”, “Espiral”) y una versión de “Yendo de la cama al living”, de Charly

García. El disco trae a la banda su primer acercamiento a la música urbana y tecno, a través de “Espiral”, un track colaborativo con el productor musical y beatmaker KEONTHEBEAT. En ese mismo mes llevó a cabo la presentación oficial en el CCAVE (Centro Cultural a la Vuelta de la Esquina), por primera vez con una formación de seis. Además contó con artistas invitados y una muestra fotográfica.

En septiembre compartió escenario con Vale Acevedo, Rondamón y Laila Farinola en el Festival x Los Árboles, organizado por Planta y Canta y Ritmos del Mundo.

En diciembre lanzó “Alta Luna Remix”, en colaboración con el freestyler y MC, KATRA (FMS Argentina, Dupla Bardo) y, nuevamente, KEONTHEBEAT. Billboard Argentina, Filo News, Quiero Música, entre otros medios nacionales, se hicieron eco de este track.

En el inicio de febrero de 2024, participó de la segunda edición del Festival-Expo Costa Cannabis, junto a Nonpalidece, llevado a cabo en Estancia La Moringa (Mar del Plata). En esta oportunidad, se presentó en formato banda completa, con bronces y coristas, siendo un total de once músicos en escena. A mediados, tocó junto a Juku Ares y Lisboa, entre otros artistas, en el marco del Huarte Indie Festival (Tandil). Y a fines de ese mes, se presentó en la vigésima segunda edición de la multitudinaria Fiesta Nacional de la Cerveza Artesanal de Santa Clara del Mar (Partido de Mar Chiquita), donde también u

actuaron Bersuit Vergarabat y SER. A fines de marzo, como corolario de la temporada de verano, realizó un show junto a la cantante y compositora Martu Brito.

En abril dió a conocer “¿Qué haremos después?”, su primer single colaborativo internacional, por invitación de la banda oriunda de Tijuana (México), Rollo California. El track cuenta con un lyric video filmado en Los Ángeles, Estados Unidos.

En mayo publicó “Lo que podemo’ hacemo’”, su cuarto single de estudio y el primero que explora la música rioplatense y el formato acústico.

Desde el viernes 5 de julio, ya está disponible en todas las plataformas Industria Nacional, el nuevo single de Alan Trezz en colaboración con Pepo San

En este track, la banda explora por primera vez el género bossa nova, sin perder su esencia indie. La incorporación de Pepo define el espíritu de la canción y aporta una impronta rock con su característica voz.

Además, Industria Nacional está acompañado de un videoclip grabado y dirigido por Matías

Tazza, que muestra el proceso de grabación de voces en el estudio y parte del backstage.

PRENSA

Nadya Cabrera nadyacabreraprensa@gmail. com

VIDEO

Alan Trezz - El Futuro feat. Ro Sosa https://youtu.be/ WZSzeTtk99s?feature=shared

Martín, vocalista y guitarrista de Científicos del Palo.

Ale Cares y Los Magos Farciar estrena el videoclip

"Buscando Pescados"

Ale Cares y Los Magos Farciar dio a conocer semanas atrás su cuarto álbum de estudio, “Pescado 3”. Su trabajo más ambicioso compuesto por dieciocho canciones de la autoría de Cares, u na obra que captura la esencia que marcó a la banda liderada por Luis Alberto Spinetta, con una visión contemporánea y original.

Ahora la banda estrenó el videoclip de “Buscando Pescados”, canción que comienza con un riff al mejor estilo del rock de los años 60, melodías vocales en unísono y batería incesante. Un track que habla sobre la búsqueda de ideas que, en definitiva, es una “guía práctica” de cómo hacer canciones.

El videoclip fue generado a través de más de mil dibujos hechos a mano. La idea, dibujos, animación y edición estuvo a cargo de Cares; Damián Quinteros le dio color y Clever Ortiz se encargó de la animación final.

Con “Pescado 3”, la agrupación del oeste del Gran Buenos Aires logra cambiar nuevamente el sonido y la propuesta con respecto a sus trabajos anteriores. Esta vez, el disco está envuelto en una atmósfera setentosa. Si bien la inspiración fundacional proviene de Pescado Rabioso, el desarrollo de las canciones no intenta imitar la música, sino más bien tomar el concepto y aceptar el

desafío de desarrollarlo con su impronta, sin perder su esencia.

Acerca de Ale Cares y Los Magos Farciar

Ale Cares y Los Magos Farciar (Merlo, Buenos Aires) está conformado por Alejandro Cares, Lisandro Flores, Nicolás Luna, Damián Quinteros, Ivo Mandusic y Joaquín López. Su música está fuertemente influenciada desde sus inicios por la psicodelia de los 60 y 70 en la Argentina y el mundo.

Se formó en 2019 con la intención de tocar el segundo álbum solista de Alejandro Cares (cantante y compositor

principal de la agrupación), “Ritmos Clásicos”. Desde ahí en adelante, la banda comenzó a tocar en vivo luego de la pandemia. En 2022, la banda lanza su tercer álbum “Rock and Roll 1”, de gran repercusión, logrando girar por todo Buenos Aires.

En 2024, con más de 100 recitales en vivo por Capital Federal, el conurbano y Córdoba, y luego de compartir escenario con Los Espíritus en San Miguel, la banda presenta su cuarto álbum “Pescado 3”, su trabajo más ambicioso compuesto por dieciocho canciones de la autoría de Cares, con la intención de recorrer otras provincias.

Indie Folks prensa@indiefolks.com.ar

VIDEO

Ale Cares y Los Magos Farciar - Buscando Pescados (Videoclip Oficial)

https://youtu.be/bCFyzgyzW4?feature=shared

CRISTIAN ÁNGEL ALDERETE presentó

TERRITORIO SONORO

Cristian Ángel Alderete presentó el pasado jueves 28 de noviembre en Galpón B “Territorio sonoro”, su primer álbum solista. Con más de 28 años de trayectoria musical participando de diversos proyectos colectivos o acompañando con su guitarra a otros artistas, Alderete viene desarrollando su proyecto con un repertorio donde se priorizan las composiciones propias.

Es compositor, trombonista, cantante y guitarrista; productor, docente y atleta paralímpico.

Estudió la carrera de Trombón en el Conservatorio Nacional Alberto Ginastera. Desde los 18 años es integrante de la Banda Sinfónica Nacional de Ciegos. Participó de diversos proyectos como “Los Duendes de La Salamanca”, “La Mazamorra” y “La Casimiro Brass”. Actuó junto a León Gieco, La Trova Rosarina, Lito Vitale, entre otros. Desde hace varios años, acompaña con su guitarra a la gran cantora Melania Pérez.

“Presentamos el disco! Luego de un camino de construcción y aprendizaje, llegamos a este anhelado momento, donde les compartiremos estas canciones, para encontrarnos en el abrazo de la música. Vengo desde mi adentro, desde los sentires que echaron raíz. Desde los kilómetros y años de andar haciendo música en vivo y en discos. Desde las alegrías y desde las penas que dejan marcas en nuestra esperanza.

Desde ahí traigo estas canciones, propias y de otros autores, que se hicieron disco. Por supuesto con la fundamental participación de mis compañeros de grupo y de la vida”.

El disco. “Territorio sonoro” estará disponible en todas las plataformas.

Más sobre el álbum:

Enraizado en lo folklórico, “Territorio sonoro” le dio espacio a todas las vertientes que conforman la identidad musical y poética de Alderete. El álbum contiene, once canciones que retratan los paisajes sonoros que transita Cristian en este tiempo, en el territorio y con su gente. En una misma trama habitan ritmos como la chacarera, la zamba o el tinku, también se encuentran algunos tintes del rock, el jazz y la cumbia.

Siete composiciones propias y cuatro de otros autores, corren por un mismo cauce que es una banda sólida, capaz de aportar diversas texturas y sutilezas. La misma está formada por Katy Jaramillo (guitarra y coros), Gabriel Carabajal (piano y coros), Andrés Alderete (batería y percusión), Gabriel Franic (bajo) y Cristian Alderete (voz, guitarra y trombón).

Lista de temas:

1- Día a día. (Chacarera) Letra Cristian Alderete, Música Matías Peralta. Invitada Astrid Motura en cello.

2- Ahí va al tranquito el Juan (Rasguido doble) L. y M. Tarragó Ros.

3- Ramita de palo santo (Chacarera) L. y M. Cristian Alderete.

4- Sin piedad. (Canción) L. y M. Cristian Alderete.

Invitada Astrid Motura en cello.

5- Gatito chayero. (Gato) L. y M. Carlos de la Fuente.

6- Serás parte (Canción) L. y M. Cristian Alderete. Invitada Male Villaverde en coros.

7- Tu nombre de canción. (Zamba) L. y M. Cristian Alderete.

8- A la Vera. (Aire de huella) L. y M. Juan Patarca.

9- Volver en guitarra. (Chamamé) L. y M. Roberto Galarza.

10- Floreciendo. (Tinku) L. y M. Cristian Alderete. Invitada Male Villaverde en coros.

11- Caracú. (Reggae, cumbia y aire de candombe) L. y M. Cristian Alderete.

Invitados/as: Gerardo Kessler en saxo alto, Alejandro Artacho en trombón, Hernán Harros en tumbadoras y Male Villaverde en coros.

Más sobre Cristian Ángel

Alderete:

Es trombonista, guitarrista y compositor, docente, productor y atleta paralímpico de judo. Se recibió en el Conservatorio de Música Alberto Ginastera de Profesor de Música y trombonista. Es Profesor en la materia Formación Laboral, en la especialización para ciegos del ISFD 105. También se encuentra a cargo de la materia Música para la inclusión” en el Conservatorio Ginastera y es Profesor de trombón, guitarra y ensambles y realiza actividades y asesoramiento especializado a personas con discapacidad visual.

Como deportista es integrante de la selección Paralímpica Argentina de Judo. Fue medallista de bronce en Juegos Parapanamericanos Santiago 2023.

Integra desde 1996 la Banda Sinfónica Nacional de Ciegos. Con quienes realizan más de 45 conciertos anuales. Algunas de las actuaciones más destacadas fueron en 2015, cuando cantó junto a León Gieco en el ex Centro Cultural Kirchner (actual Palacio Libertad). Otra actuación destacada fue en 2013, junto a Lito Vitale y la Trova Rosarina en Rosario, en el Monumento a la Bandera.

Como guitarrista, actualmente acompaña a Melania Pérez, con quién actuó durante la Novena Luna del Festival de Cosquín (2018). Además, participó en su último disco “La Flor del Comprendimiento”. Actualmente trabaja en la grabación de un nuevo disco de la gran cantora.

Con el grupo “La Mazamorra”, grabó y produjo artísticamente los discos: “¡¿Qué nos parió?!” (2010) y “Tras el fuego” (2016). También integra La Casimiro Brass, que junto al grupo El Tierral grabaron los discos: “Sendero de Greda”, “Empeñados” y “Por el Carnaval”; y fue parte de Los Duendes de la Salamanca, grabando el disco “Chuspa”.

Creó y produjo el Proyecto Visiones que, a través de la música, propone borrar las fronteras entre los sentidos, y con quienes participó en el micro de Canal Encuentro, “Una Gira Diferente”.

PRENSA:

Federico “Poni” Rossi piukemil@gmail.com

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Cristian Ángel Alderete - La llamadora

CUARTETO DE NOS sorprende con Miren para allá!

Su nuevo lanzamiento doble

La potente banda de rock plantea una ironía social en sus canciones: “El perro de Alcibíades” y “Cara de nada”

“Miren para allá!” parece decir el Alcibíades de turno señalando a su perro con el rabo cortado, mientras “Cara de nada” presencia impávido esa situación. Son opuestos complementarios. Dos partes de un mismo escenario, donde las bombas de humo, capaces de desviar la atención de la mayoría, se encuentran con el único personaje al que no

pueden convencer, uno al que realmente nada le asombra en su apatía.

Estos conceptos se desarrollan en el nuevo lanzamiento de la histórica banda uruguaya de rock Cuarteto de Nos, quienes presentan su sencillo doble “Miren para allá!”, integrado por las canciones “El perro de Alcibíades” y “Cara de nada”, primeros adelantos del próximo y esperado nuevo álbum del Cuarteto. Este lanzamiento llegó como

una sorpresa: Aunque la comunicación estuvo centrada en un sólo título, al momento del estreno revelaron los dos temas que completan “Miren para allá!” y que, en opinión del Cuarteto, debían salir juntos para desarrollar el concepto de esta historia.

Las letras de ambas canciones integran un retrato de elementos sociales que parecen haber acompañado a las sociedades desde sus inicios y que, sin embargo, hoy se muestran actuales y contemporáneas: el desvío intencionado de la atención, el bombardeo de estímulos superfluos para ocultar lo importante, y la saturación que deja a muchos escondidos tras el silencio de quien ha visto tanto que ya no se interesa por comprender nada más.

Ambos temas llegan acompañados por videoclips ilustrados y animados, con estéticas propias que empiezan a mostrar el universo visual de esta nueva etapa de Cuarteto de Nos, conservando la acostumbrada ironía y la inteligencia rebelde de la banda.

El perro de Alcibíades

El primer corte de Miren para allá! desarrolla, con su sonido potente y elementos discos integrados con el rock, una historia basada en una leyenda griega. Así lo relata Roberto Musso, cantante, figura principal

y compositor de los temas.

“Alcibíades, un mandatario aristócrata que se paseaba por la Atenas del siglo V con un magnífico perro del cual todos admiraban su sublime porte y su espléndida cola, un día ordena antojadiza e inexplicablemente que se la amputen, desatando un gran escándalo entre todos los ciudadanos.

Por ese acto recibió un aluvión de críticas y comentarios reprobatorios pues nadie entendía por qué había tomado una decisión tan drástica, cruel y de mal gusto.

Todos lo vituperaban, pero él, muy calmo y risueño, comentó a sus allegados que, mientras la gente hablaba de la amputación del rabo, no reparaba en cosas peores concernientes a su gobierno que, con esta estrategia de distracción a modo de cortina de humo, lograban pasar desapercibidas”.

Cara de Nada

En el segundo corte, se presenta un personaje que no hace “ni un gesto que le delate” y que vive tras una máscara que le sirve de refugio. Así

lo describe Roberto Musso:

“Cara de nada” está cansado, aburrido y hastiado de ver colas cortadas en infinidad de situaciones, pero esa saturación y sus emociones contenidas las procesa por dentro sin que esto afecte las facciones inmutables de su rostro.

A él le es indistinto el humo o el fuego, ya no puede ni le interesa distinguir entre ambos, y menos aún volver a mirar para otro lado, porque a esta altura de su desencanto, los efectos de la cola cortada de cualquier perro terminan resbalando en su indiferencia.

La treta de Alcibíades no funciona con “Cara de nada”, y a ninguno de los dos le importa.

Fin de la gira Lámina Once e inicio de nueva etapa

Estos lanzamientos llegan en el marco de la gira mundial de Cuarteto de Nos con su disco Lámina Once, que para fin de año habrán realizado más de 120 fechas en 20 países. Durante el segundo semestre se presentaron en Chile, una extensa gira por Argentina, México y USA y se preparan para despedir Lámina once en Uruguay, España, Portugal, Ecuador y Perú, donde será el cierre de año y del tour el 14 de diciembre en el magnífico nuevo espacio junto al océano de Lima, Costa 21.

Para inicios del nuevo año terminarán de grabar su nuevo disco que se lanza en mayo 2025 y continúan con el tour, ya con la presentación de nuevas canciones.

INDIGOPRESS

María Nolte mnolte@indigopress.com.ar Nicolás Tavella nicolastavella@indigopress.com. ar

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El Cuarteto de Nos - El Perro de Alcibíades

ENRIQUE CENZANO lanza

ENRIQUE CENZANO lanza

El Último Malevo Su álbum debut disponible en todas las plataformas.

El Último Malevo es una óperatango y el debut discográfico de Enrique Cenzano. Una obra conceptual integrada por 20 piezas interconectadas. “Yo lo defino como un The Wall tanguero”, declara Enrique, voz y creador de la flamante producción independiente que se encuentra disponible en todas las plataformas a través de A.M.A., distribuidora del INAMU.

La ópera-tango cuenta con dos personajes protagónicos. Sin una ubicación precisa en el tiempo, transcurre en un amanecer “a la hora en que el alba viene con su cerrojo”, según el verso de González Tuñón.

Un presentador (de quien luego sabremos que es un Ángel) nos introduce en la escena: un Malevo borracho y solitario (“tirado en un sofá de mala muerte”), recuerda momentos de su vida. Fantasmas de su pasado desfilan ante el ojo de su mente y el de los espectadores. Los recuerdos se vuelven tangos y recitados en su voz: su gran amor, su barra de amigos, la ciudad y hasta su país, serán los temas evocados en esta madrugada. El Ángel contempla la escena sin ser notado por nuestro antihéroe, y a aquel le corresponden también interpretaciones cantadas y recitadas, que entablan un diálogo unilateral con el Malevo.

El autor, valiéndose de las características de los personajes, establece estilos

bien diferentes para las letras, al Malevo le atañen los tangos más tradicionales, nostalgiosos y sufridos (casi paródicos), mientras que el Ángel maneja un lenguaje más relajado, llegando a burlarse del dolor del primero. Así se puede ver en el Malevo una personificación del tango, aferrado al pasado y obstinado en la repetición de sus viejas glorias, como un árbol seco y sin frutos que se resistiera a caer (“Yo soy el guardián de los recuerdos, que se pierden si me pierdo, o los dejo de pensar”); y en la obra, una suerte de réquiem para este estilo, que aún hoy es la música que más identifica a Buenos Aires (“Yo soy como el fuego de la estrella, que parece que destella, y hace siglos se apagó”).

La obra está integrada por 20

piezas: 1- “El Último Malevo Intro”, 2- “Ecos de la Caída” 3- “El Personaje y el Autor”, 4- “Cuando Te Fuiste”, 5- “Mate Amargo”, 6- “Al Compás de Mi Dolor”, 7- “Tu Sermón”, 8- “Alba”, 9- “Buenos Aires”, 10- “La Ruleta del Destino”, 11- “Privilegio”, 12- “La Negra Tina”, 13- “País Generoso”, 14- “No Pares”, 15- “Amigos”, 16- “La Barra de Retiro”, 17- “La Sombra”, 18“Milonga de la Muerte”, 19- “No Me Voy a Enamorar” y 20- “El Último Malevo”.

Todos los temas fueron escritos y compuestos por Enrique Cenzano. El disco se grabó entre los meses de julio de 2022 y agosto de 2023 en diversas sesiones realizadas en estudios caseros. Voz: Enrique Cenzano, guitarras y arreglos: Víctor Puelman, guitarra base en “Alba” y “Milonga de la Muerte”: Rodrigo Alejandro Ruiz Díaz, bajo en “Alba” y “Milonga de la Muerte”: José Ríos. Programación de percusión y batería en “Alba”, “No Pares” y “Milonga de la Muerte”: José Ríos. Ingeniero de Grabación: Demián Cenzano, ingeniero de mezcla y mastering: Federico “Tío” Ariztegui.

Breve biografía:

Enrique Cenzano nació en Buenos Aires en agosto de 1968. Hijo de un cantor vocacional, se orientó desde niño hacia la música. A los 10 años se recibió de profesor de teoría y solfeo. En 1987, luego de terminar la secundaria, formó el grupo de hard rock Deja Vu, en el que fue cantante, letrista y compositor durante casi ocho años. En 1992, editó Deja Vu, el primer disco

homónimo y tocó con la banda como apertura en los shows de Skid Row (1992) y Poison (1993) en el Estadio Obras. Finalizada esta etapa, transitó durante varios años el circuito de pubs y bares interpretando versiones de diversos estilos, lo que se transformó en su medio de vida.

Hacia fines de los 2000, asistió por tres años a un taller de letras de canciones que se dictaba en SADAIC. De esta experiencia surgió una relación mucho más profunda con el tango, al estudiar a los grandes creadores del género. Fruto de esta etapa, brotaron la gran mayoría de las composiciones que conforman su ópera tango El Último Malevo.

Su tránsito por la música popular podría enmarcarse en la tradición de aquellos artistas surgidos del rock que terminaron volcándose al género del 2x4, como Adriana Varela, Omar Mollo o Daniel Melingo.

Ahora es tiempo de El Último Malevo, que ya se encuentra disponible en todas las plataformas digitales.

Más info en: IG: @quiquecenzanotango

Diego Perri perridiego69@gmail.com

VIDEO El Último Malevo

No Importa, Así Van a Entrar las Mariposas presenta

¨V.A.C¨ su segundo disco

“V.A.C (Vamo a Cagarla)” es el segundo disco de ¨No Importa, Así Van a Entrar las Mariposas¨, este nuevo material a diferencia del primero, trae un crecimiento grupal a nivel compositivo y a nivel producción. Tal cómo en el primer disco, hay diferentes estilos musicales desde una cumbia/rock, una balada hasta un tema con aires de zamba fusionado con bases electrónicas pero más allá de los diferentes géneros, el rock es quién tiene el protagonismo. Un sonido poderoso, energético y por momentos divertido por sus letras absurdas, sus samples y ciertas referencias a la cultura Argentina que van desde Spinetta hasta Iorio.

La producción de este nuevo material estuvo a cargo de Juan Bruno y Pepe Céspedes (Bersuit), Santi Martínez (El Kuelgue) y Julian Scarinci (El Club de los Elefantes). Todos los temas mezclados y masterizados por Martín Pomares. Música y composición: Gastón Collizzolli y Peto de Temperley

Escucha ¨Vamo a Cagarla¨

De este nuevo material se desprende como focus track ¨Asado¨, una canción que traduce a la perfección energía general del álbum, con un sonido más rock, fusionado con cumbia, una letra pegadiza y un gran crecimiento a nivel compositivo y sonoro, de esta manera ¨No Importa, Asi Van a Entrar las Mariposas¨ te invitan a escucharlo.

PRÓXIMA FECHA

SÁBADO 7 DE DICIEMBRE

NICETO BAR

Acerca de ¨No Importa, Asi Van a Entrar las Mariposas¨

“No Importa, Así Van a Entrar las Mariposas” es una banda oriunda de Temperley (Zona Sur del Gran Buenos Aires) que combina diferentes estilos musicales (Rock/Pop/Funk/Ritmos Latinoamericanos) ensamblados con letras lúdicas más una performance cómica y absurda en sus shows. El proyecto musical nace durante el año 2020, en medio de la pandemia,

mediante los integrantes Gastón Collizzolli y Peto de Temperley. Ante el panorama mundial del COVID-19, la banda se forma cómo recurso artístico y creativo en pos apaciguar el estado de encierro, a través de lo musical, lo absurdo y el entretenimiento.

En el año 2023, lanzaron su primer álbum titulado “Accesorios Innecesariamente Necesarios Vol.3”, el cual presentaron por distintos lugares del Conurbano Sur y por la Capital Federal.

Actualmente están lanzando su segundo disco “Vamo a Cagarla”, el cual demuestra un salto de calidad desde la composición y la producción de los nuevos temas.

PH @m4ti.montagne

PRENSA

Nadya Cabrera nadyacabreraprensa@gmail. com

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No Importa, Así Van a Entrar Las Mariposas - Asado

!Valeria Adriel cierra el año realizando su primer show como solista!

Será en el “Roxy Live” en el mes de Diciembre.

Valeria Adriel cierra el año realizando su primer show como solista en el “Roxy Live”, será el 29 de diciembre a las 18 hs. (Niceto Vega 5542) - Palermo.

Toda presentación en vivo es especial, pero esta será su primera como solista, una mezcla de desafío y crecimiento, en una carrera musical de casi 10 años y que va en constante ascenso. El show llevará el nombre del EP “Cuando el corazón quiere gritar”, y tiene que ver con el momento actual de la artista, expresar lo que siente mediante sus letras comprometidas y profundas.

En junio de este año estrenó el sencillo “Acá estoy” versión Video clip, y luego llegó el lanzamiento del EP en todas las plataformas digitales. Valeria está muy enfocada en su carrera, sabe que es un trabajo arduo pero tiene plena confianza en sus canciones y en su potencial, trabaja bajo la producción de Alan Aguirre, y promete tener nuevas canciones, que serán añadidas al set-list de la presentación en vivo del 29 de

Diciembre.

Las entradas estarán a la venta en los próximos días.

MÁS INFO SOBRE VALERIA:

Cantante y compositora solista de la localidad de San Martín, Buenos Aires. Argentina. Comenzó con la música gracias

a una maestra que la escuchó en una prueba de canto en su clase, la incluyó en competencias escolares, entre coros de muchas voces y bases de música clásica. Se formó con otras profesoras de canto, además de estar rodeada de familiares músicos. Fue durante 5 años vocalista de la banda “Ocultos” hard rock (2015-2020), con quienes tuvo la oportunidad de compartir fechas junto a bandas influyentes del metal argentino, como: Malón, O’Connor, Horcas entre otras. En 2021 se dispone a componer letras y melodías en un momento de introspección donde cuenta en canciones acerca de procesos emocionales que le tocó vivir durante la etapa de encierro del 2020, de esa manera con la colaboración de su productor encara la grabación del álbum.

PRENSACCIONES

Gustavo Antonopolos gustavoantonopolos@gmail.com

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Acá Estoy

LEONEL VON KLINGEN PUBLICA

OLVIDAR en forma de sencillo y videoclip

OLVIDAR corresponde al último single de LEONEL

VON KLINGEN, cargado de sensibilidad, profundidad y reflexión: „Habla de aquellas personas que fuimos víctimas de abuso, y mis sentimientos al respecto“.

Sonoramente se manifiesta como un tema denso y oscuro, del género Sad Indie, cuyos tintes eclesiásticos simbolizan el vínculo de la iglesia con la pederastía y el repudio al encubrimiento de varios organismos.

Esta experiencia se completa cuando el autor decide realizar un videoclip y publicarlo el Día Mundial de la Prevención del Abuso hacia las Infancias (19 de noviembre).

“La idea de las dos versiones es poder darle una intención más rítmica a la pieza original (vos y piano) y ampliar su horizonte interpretativo”, agrega LEONEL.

LEONEL VON KLINGEN es un músico cantautor transgénero oriundo de Buenos Aires, Argentina. Desde temprana edad se dedicó a tocar el piano y hasta la actualidad es el instrumento en el que más se destacó.

Inspirado en artistas como Regina Spektor, Yann Tiersen, Charly García, y compositores de la talla de Ludwig Van Beethoven y Robert Schumann, compuso algunas canciones que terminaron dando origen a su primer EP PRINCIPIO Y FIN.

Una obra de estilo experimental y excéntrico, cuyas melodías sutiles y emotivas se transforman por momentos en explosivas y enérgicas.

Las seis canciones que la integran fueron grabadas durante el proceso de cambio de género del artista y se caracterizan por un contenido lírico reflexivo, disidente y antiespecista. Los géneros que abarcan van desde el pop, rock hasta el indie y folk; con influencias de música de cámara y clásica, dark wave, post punk y funk.

Su última composición se materializa como sencillo y videoclip bajo el nombre OLVIDAR, con el apoyo de Cactus Música desde la producción. Filmado y editado por Jose López Ruano en Estudios Kimono. La mezcla y el mastering quedan a cargo de byANGELIBARRA.

PRENSA

Nancy Hougham

Agente de Prensa nancyhougham@hotmail.com

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Olvidar - Leonel Von Klingen

¨RETAZOS¨

LO NUEVO DE MUSTER

Retazos, es el segundo single, que Muster grabó con banda completa en estudios El Arca situado en Neuquén Capital. Una canción que abre con un reef potente, donde se suman el bajo y la batería para estallar en sonido.

Retazos nos relata acerca de los diferentes tipos de recuerdos que puede dejar una persona en este mundo, y como en pequeñas acciones o detalles la gente los tendrá presentes porque al final de cuentas y como dice la canción “ El amor, es amor, por tu amor”..

ACERCA DE MUSTER

Muster, es un proyecto que comenzó en formato solista en plena pandemia para plasmar viejas y nuevas composiciones hechas por Agustin Fabiani, compositor, guitarrista y cantante con marcadas influencias del Brit-Rock de los 90 . En octubre de 2021 sale el disco debut llamado “Volverme a encontrar”, el cual contiene 10 canciones que van desde el rock con guitarras presentes hasta baladas acústicas. Este disco fue seleccionado como álbum ganador en el concurso Discos Cardinales, donde se presentó en vivo en La Usina del Arte en la ciudad de Buenos Aires, el 16 de octubre de 2022.

En el mes de febrero 2023, Muster abrió el día 3 del escenario principal de la Fiesta de la Confluencia en Neuquén, donde participaron artistas

como Las Pastillas del Abuelo, WOS y No te va a gustar para luego continuar con varias presentaciones en el país y el Valle Patagónico. En marzo de este mismo año Muster publicó un segundo álbum “Sueños que se hacen canción” producido por Manu Pineda y Ale Kurz. Las mezclas finales de estos temas estuvieron a cargo de los prestigiosos ingenieros de grabación Eduardo Bergallo y Martín Pomares. Con este segundo álbum y el hit bajo el brazo llamado “Que pasa!?”, la banda giró por La Plata, CABA, Bahia Blanca y varias ciudades en los alrededores de Neuquén.

En el 2024 arrancaron con el cierre de la primera noche de la Fiesta Nacional de la Confluencia en el escenario Limay, y además de continuar con fechas en el Valle Patagónico fueron los encargados de abrir los shows de Massacre, Pier y Jóvenes Pordioseros en diferentes plazas de la zona. En mayo de este año editaron un nuevo single bajo el título de “Renacer” que es la primera grabación con banda

completa en estudios, que anticipa lo que será su tercer disco.

INTEGRANTES

Agustín Fabiani: voz y guitarra Julian Marzialetti: batería Rolando Parra: guitarra principal Lucas Gedaminska: teclados Atilio Martinez Colussi: bajo

PRENSA

Nadya Cabrera nadyacabreraprensa@gmail. com

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MUSTER - Retazos ( Video Oficial )

Donald y La Fanfarria del Capitán lanzan una nueva versión de Compañeros

El legendario cantautor

Donald Mc Cluskey y la banda de rock-folk La Fanfarria del Capitán se unen para lanzar una nueva versión de la icónica canción ‘Siempre fuimos Compañeros’.

La colaboración surge de una reunión familiar, donde Jeronimo, guitarrista de La Fanfarria y sobrino de Alex Mc Cluskey, hermano de Donald, propone reversionar juntos la canción con la banda completa, buscando un sonido moderno con samples de la versión original y una cita al clásico ‘Zorba el griego’.

El videoclip que acompaña la canción refleja la esencia de la tradición argentina de unir generaciones alrededor de la mesa del domingo. El corazón de esta nueva versión es honrar a los compañeros de la vida, con la presencia de Vero, compañera de vida de Donald, revisando álbumes de fotos y recortes de antaño, mientras la nueva generación juega y corre alrededor.

Jorge Marinucci, dibujante de Manuel García Ferre (Hijitus) volvió a darle vida al dibujo animado de Donald, como en sus históricas apariciones en la tan querida serie argentina.

La historia de Donald Mc Cluskey es una odisea musical que ha unido a su familia durante décadas. Con una furgoneta como hogar, viajó con sus cuatro hijos por todo el país durante 20 años, compartiendo su música de sur a norte. Hoy, La Fanfarria del Capitán, banda que ganó reconocimiento por actuar en la serie de Netflix La Casa de Papel, es liderada por Jero y Vicky, sigue esa tradición, girando por el mundo desde hace 15 años con sus dos niños a cuestas.

La unión familiar se extiende a la próxima generación, con Melody, hija de Donald, como Tour Manager de La Fanfarria del Capitán, cuidando a los niños durante los shows y recordando sus propias aventuras en el backstage.

‘Compañeros’ se convierte en un

himno a la vida. Una celebración de la tradición, la amistad y el amor, que une a todas las generaciones en un abrazo musical.»

Grabado en estudios

Predasounds y en Naza con la producción general de Nicolas Guerrieri y Jerónimo Cassagne. Interpretaron el tema los miembros de La Fanfarria del Capitán: Victoria Cornejo (Voces y Acordeón), Jerónimo Cassagne (Guitarra, Bouzouki & Bajo), Valeria Velasquez (Violín), German Parise (Moog, Keys & Pads) Farras Scopigno (Saxo), Juan Pablo Pelaez (Trompeta), Eduardo Laucella (Batería) junto a Donald y Melody Mc Cluskey en coros.

PRENSA

Geraldine Namios

trenzacobreproducciones@ gmail.com

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SIEMPRE FUIMOS

COMPAÑEROS - Donald & La Fanfarria del Capitán

https://youtu.be/YBsAD-PvnHs? feature=shared

Cine

“El Affaire Miu Miu”

Laura Citarella emprende un viaje cinematográfico entre la moda y el campo, “El Affaire Miu Miu” explora el misterio del encuentro de la alta costura con la llanura pampeana. “El cine tiene esa capacidad de reunir cosas aparentemente incompatibles”, dice la directora argentina. Por Noelia Gómez -infobae-

Laura Citarella, una de las figuras más destacadas del cine argentino contemporáneo, continúa su exploración de la narrativa y la estética a través de su nuevo cortometraje, El Affaire Miu Miu. Miembro de El Pampero Cine, Citarella ha realizado obras que han sido reconocidas y premiadas en festivales internacionales como Rotterdam, Locarno, Venecia y la Quincena de Cineastas de Cannes. Su trayectoria incluye títulos notables como Ostende,

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La mujer de los perros y Trenque Lauquen, en los cuales combina el misterio y la ficción de manera única.

El Affaire Miu Miu se presenta como más que un simple cortometraje de ficción; es un ejercicio de creatividad y experimentación. En este corto, Citarella entrelaza el universo de sus películas anteriores con la marca de moda italiana Miu Miu, creando un ambiente lúdico y relajado que invita a la

audiencia a disfrutar del juego cinematográfico.

La trama gira en torno a una modelo que llega a Trenque Lauquen para una sesión de fotos. Desde el inicio, la incongruencia entre la modelo y el paisaje pampeano es palpable. Sin embargo, lo que comienza como un evento de moda se transforma rápidamente en un misterio, cuando la modelo desaparece sin dejar rastro. A medida que una detective, una comisaria y

una vidente intentan rastrearla, solo encuentran pistas crípticas: prendas de Miu Miu dispersas por el campo argentino.

Citarella, en su característico estilo, utiliza la desaparición como un catalizador para una serie de interacciones absurdas y cómicas. Los personajes se mueven entre el humor y lo enigmático, creando un ambiente donde lo inexplicable se convierte en parte de la cotidianidad. La vidente, por ejemplo, escribe en su anotador buscando epifanías más por placer que por necesidad, mientras que las investigadoras bailan sobre lo que podría considerarse la “escena del crimen”, haciendo del proceso de investigación un juego en sí mismo.

La obra destaca por su estética, donde la moda no solo adorna la narrativa, sino que se convierte en un elemento simbólico del misterio. Las prendas de Miu Miu son más que vestimenta; son rastros de la modelo que desapareció, y su presencia en el cortometraje refuerza la dualidad entre la alta costura y la vida rural.

La dirección de Citarella se inspira en un enfoque donde lo cotidiano se mezcla con lo extraordinario, un sello distintivo de su filmografía. El Affaire Miu Miu sigue esta línea, pero lo lleva a un nuevo nivel de humor y ligereza. El cortometraje se asemeja a un tablero de juego donde los personajes y sus interacciones crean un espacio mágico, casi como un universo paralelo en el que lo absurdo y lo enigmático coexisten en armonía.

El Affaire Miu Miu es una celebración de la creatividad y la sororidad, un recordatorio de que el cine puede ser un espacio para el juego, la experimentación y la exploración de nuevas ideas. Con un enfoque que mezcla humor, misterio y moda, Laura Citarella ha creado una obra que invita a la audiencia a cuestionar la realidad mientras se sumergen en un mundo visualmente cautivador.

A medida que Citarella continúa su trayectoria, El Affaire Miu Miu se posiciona como un testimonio de su habilidad para desafiar las convenciones narrativas y estéticas, ofreciendo al público una experiencia cinematográfica única. En esta entrevista, la directora profundiza en su proceso creativo, las inspiraciones detrás del cortometraje y sus visiones futuras en el mundo del cine.

—¿Cómo fue llevar esta propuesta de hacer un corto que vincula a una marca de moda con Trenque Lauquen? ¿Cómo surgió esa fusión? —Es esta vieja idea de que siempre terminás filmando la misma película. Una película que cambia según cuándo y cómo la filmes. Las películas

que yo he dirigido se deben mucho las unas a las otras. Trenque Lauquen a Ostende y también a Las poetas visitan a Juana Bignozzi, pero un poco a La Mujer de los Perros. Existe una especie de endogamia entre las películas que hacemos. No solo en las que una dirige sino también las que una produce o hace desde otros rubros. En este caso, que era un encargo, un proyecto solicitado desde afuera, había que incorporar una gran novedad: una marca de ropa. El mundo de la moda es, para mí, un mundo ajeno, extraño. Por eso había que incorporarlo a algo que yo sí conocía. Ese cruce me parecía la manera más honesta de abordar esta película corta. El cine tiene esa capacidad de reunir cosas aparentemente incompatibles o lejanas, como Miu Miu y Trenque Lauquen. Ese encuentro es casi un milagro. De eso se componen la mayoría de las películas, de milagros.

—¿Cómo fue trabajar por encargo y con una marca que puede imponer algún condicionamiento?

—No había limitaciones. La principal limitación fue la duración. Nosotros no estamos acostumbrados a formatos cortos o, más bien, a predeterminar las duraciones de los materiales. Normalmente nuestras películas tienen las duraciones que los relatos imponen. Y cada escena dura lo que se necesita. No solemos trabajar por encargo ni con ese tipo de limitaciones. Este corto de 20 minutos fue filmado con nuestro estilo habitual, con sus derivas y sus posibilidades. u MiráBA

Laura Citarella

Con estructura de largometraje pero con la cabeza puesta en un corto. Fue un gran trabajo ajustar el material a un límite de tiempo determinado. Y nos impresionó mucho cuánto puede reinventarse un material a partir de esos ejercicios, de ritmo y de duración.

Nunca había trabajado con una marca, ni con un encargo de este tipo. Fue sorprendente que, salvo por la duración, nos dieran tanta libertad y confianza: nos proporcionaron presupuesto, aseguraron un festival y nos permitieron explorar. Sabíamos que la ropa debía aparecer, pero ni siquiera nos impusieron mostrarla de tal o cual manera. Fue importante para mí quitarle solemnidad y seriedad al tratamiento de la ropa. Había que integrarla como un elemento de ficción, con mucho humor y con cierta ironía. Y descubrí que eso era algo posible en el trabajo con ellos. Miu Miu se divirtió y aceptó cada cosa que

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propusimos. Más allá de querer visibilizar una marca, claro, creo que tienen claridad sobre qué hacer con este proyecto, que excede a la marca y que lo que al final espera es reunir directoras de todos los tiempos y que estos cortos se vuelvan también un documento de la moda, las mujeres y el cine.

—¿Qué sienten al intentar explicar el método que usan para hacer sus películas?

—Es difícil explicar cómo trabajamos. Puedo contar algunas cosas, algunos aspectos, sistemas, códigos, pero hay algo de la experiencia que no se puede trasladar tan fácilmente. Mucha gente que visita nuestros rodajes no entiende cómo podemos hacer todo siendo solo cuatro personas. Este no es el cine que la mayoría busca hacer. En general se empieza así en la universidad, pero luego se espera producir con más

recursos, organización y comodidad. Nuestro método, si es que existe tal cosa, está en constante mutación: cada película encuentra su propia forma de hacerse, de producirse y de organizarse. No hay una fórmula. Algunas películas grandes sostienen a las más pequeñas y viceversa, creando una red de producción flexible.

Cuando intentamos explicar esto, en general nos damos cuenta de que no es tan fácil, porque es un esquema que lleva mucho tiempo, mucho de la vida. Las películas no son un paréntesis, sino una constante. Y tenemos amigos, familia, gente alrededor que también quiere y puede trabajar así. Pero no estoy segura de que sea algo que invite a ser repetido. Supongo que lo que una busca transmitir en estos espacios en los que habla, es cierto entusiasmo por filmar. Y también cierta importancia de cuestionar las estructuras tradicionales del

cine. O quizás no cuestionarlas, pero sí repensarlas, para que las películas existan (que es lo mínimo que se le puede pedir a una película). De todas formas, hoy - con el panorama actual - es difícil debatir sobre producción de cine y sobre cómo hacer películas, dado que la industria y todo el sector está peleando por sobrevivir. de la agresión general hacia el sector.

—También pensaba en la importancia de tu rol múltiple, donde no solo piensas en la película como directora, sino también como productora. Eso rompe con la idea de que el director debe estar aislado de los temas de producción y gastos, ¿no?

—Siempre pienso que si no hubiera formado parte de El Pampero Cine, no hubiera sido productora. Es un espacio donde los directores pueden producir, pueden imaginar y pensar solidariamente la producción. Mariano Llinás, por ejemplo, dirigió Historias extraordinarias y yo fui la productora pero, más allá de los créditos, tengo el recuerdo de haber pensado juntos prácticamente cada r

resolución de producción para cada dificultad que tenía la películas (que las tenías, claro, porque no teníamos dinero y era una película muy ambiciosa en términos de producción). Cuando lográs fusionar dirección y producción, encontrás soluciones diferentes. A veces, una idea de producción viene antes que la puesta en escena, y la dirección se adapta a ella. Esto permite que el material sea más diverso, artesanal y único. En nuestro equipo, los problemas se comparten de forma equitativa.

—Me llamó la atención el concepto de respeto hacia el lugar y las personas donde uno filma, evitando que la producción llegue, irrumpa y desaparezca. En el caso

de Trenque Lauquen, ¿cómo fue esa relación con la comunidad?

—El cine sustrae e invade. Supongo que por la forma de trabajo, tan integrada y grupal, hemos intentado trabajar cuidando ese aspecto lo más que se pueda. En Trenque Lauquen encontramos una dinámica de colaboración: un equipo local que ahora es parte de nuestro grupo. Esto se vuelve un método y un verdadero encuentro entre el cine y el pueblo, formando una especie de comunidad. Las películas son también esos intercambios: qué deja una allí y qué se lleva. Hay algo un poco primitivo, de trueque, de intercambio, de encuentro o de reciprocidad. Me cuesta pensar en otra forma de trabajo.

* El Affaire Miu Miu se puede ver en MUBI. Además, la directora participó de un episodio de Encuentros, el podcast con realizadores de América latina que realiza la plataforma junto a la productora La Corriente del Golfo.

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Miu Miu Women’s Tales #28 – El Affaire Miu Miu

Mirá

EL CINE FRANCÉS ESTÁ DE FIESTA

25 AÑOS DE LA FESTA DO CINEMA FRANCÊS

Por Nicolás Isasi @isasi.nick

La Festa do Cinema Francês de Lisboa celebró un cuarto de siglo con grandes películas que exploraban temáticas variadas como la vida en familia, los vínculos de pareja o dramas históricos tan complejos como apasionantes. Organizado por la productora Jangada, con la colaboración de la Embajada de Francia, el Instituto francés y la red de Alianzas Francesas en Portugal, el Festival de Cine Francés se celebra desde hace 25 años.

En esta ocasión se han exhibido más de 50 películas en más de 9 ciudades portuguesas. Este aniversario trajo películas del

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nuevo cine galo, pero también una bellísima retrospectiva de la obra del cineasta, fotógrafo y escritor Chris Marker (19212012) en la Cinemateca portuguesa, para descubrir la ironía y la poesía de su lenguaje cinematográfico. Sus películas recuerdan la temática del ensayo y su colaboración con Resnais en “Les Statues Meurent Aussi” (1953), o su obra más recordada que reúne conceptos de historia y un buen uso del montaje y la narración en forma de estructura en “La Jetée” (1962).

Entre las películas destacadas, el drama “El sucesor”, dirigido por Marc-André Grondin cuenta

la historia de un destacado diseñador que al retornar a su ciudad natal para el funeral de su padre, desata una macabro secreto familiar transformando una historia común en un thriller inesperado, con ciertos toques de humor negro y la comedia de época “El crimen es mío” de François Ozon. En tono de comedia liviana, “Paradis Paris” presenta un conjunto de historias ligadas entre los parisinos sobre las relaciones de pareja, con una memorable, cómica pero breve aparición de Rossy de Palma y el gran regreso de la actriz italiana Monica Bellucci luego de su breve e inesperada aparición en

la última entrega de Beetlejuice 2 bajo la dirección de su actual pareja, el director de cine Tim Burton. Con una temática que pretende presentarse como la aceptación genuina de otra época y un sentido de humor algo forzado, el drama Rosalie de la directora Stéphanie Di Giusto cae en el esterotipo y la previsibilidad, con una película ambientada en 1870 con una protagonista femenina cuyo cuerpo y rostro están cubiertos de pelos. El drama gira en torno al poder de adaptación de su llegada como esposa acordada por su padre al seno de un pueblo francés a finales del siglo XIX y cómo logra superar y atravesar el descubrimiento de su peculiaridad física de mujer barbuda que tanto llama la atención en el pueblo.

Entre las grandes presentaciones del festival

estuvieron “Bernardette – La mujer del presidente” dirigida por Léa Domenech, quien estuvo presente en la sala para contar parte del proceso creativo, la investigación y el trabajo actoral que cuenta con la magnífica actuación de Catherine Deneuve en la piel de Bernardette Chirac, la primera dama del presidente francés Jacques Chirac durante 1995 y 2007. La última y gran película de un cine independiente pero muy valioso fue “Toni en famille” con dirección de Nathan Ambrosioni. Es una película ágil y sincera, fresca en el devenir de su guion con una madre viuda que intenta sobrellevar la crianza de sus hijos con el peso de haber sido una cantante conocida en su juventud por un éxito repentino, pero ya olvidada por completo. La película pone en jaque este nuevo momento de crisis de ella mientras trata de rearmar su nueva vida mientras tiene que lidiar con los problemas cotidianos de la adolescencia en su casa. Un relato genuino interpretado por actores jóvenes y talentosos.

Bernardette

Toni

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[Streaming]

UN MOVIMIENTO EXTRAÑO se puede ver en MUBI

Un movimiento extraño, el cortometraje de Francisco Lezama que ganó el Oso de Oro 2024 en Berlín y es precandidato al Oscar© en la categoría Best Live Action Short Film, ya está disponible para ver globalmente en MUBI.

En un país sumido en el caos, una guardia de seguridad intenta ganarle a la inflación. Tras inspirarse en el oráculo de péndulo improvisado, ella decide apostar su indemnización en una jugada especulativa. Sin darse cuenta, su vida se convierte en un espiral de sexo, dinero y trabajos precarizados.

«¿Cómo encontrás tu camino como joven en un mundo que no te da ninguna seguridad? ¿Te convertís en guardia de seguridad vos mismo? ¿Te exponés al arte, a parejas sexuales ocasionales, o tal vez buscás la espiritualidad e intentás ver el futuro? (...) A lo largo del viaje de 23 minutos del protagonista, la película desborda vitalidad, humor irónico y un comentario social sutil, encapsulando a la perfección la absurdidad de nuestros tiempos capitalistas“. Jurado del Festival Internacional de Berlín 2024

SINOPSIS

Buenos Aires, 2019. Una guardia de seguridad presiente el robo de una obra de arte. Al consultar con su péndulo, ve

una suba abrupta del valor del dólar. Un despido imprevisto y su indemnización, la llevan a conocer a un empleado de una casa de cambio.

ELENCO

Laila Maltz, Paco Gorriz, Susana Pampin, Eugenia Alonso, Marcela Guerty, Eugenia Alonso, Cecilia Rainero, Sofía Palomi- u MiráBA 155

Francisco Lezama - Director

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no, Jorge Prado, Alejandro Russek, Guillermo Massé.

Guion y dirección: Francisco Lezama

Fotografía y cámara: Federico Lastra

Asist. de cámara: Ana Roy Montaje: Franco Figueroa

Asist. de dirección: Manuel Setton

Arte y vestuario: Alix Cobelo

Asist. arte y vestuario: Paloma De La Jara, Catalina Szejnblum

Sonido: Gabriel Real, Javier Jensen

Post. de sonido y mezcla: Nahuel Palenque

Producción: Iván Moscovich, Juanse Alamos, Francisco

Lezama

Productores asociados: Adrien Cothier, Jerónimo Quevedo, Victoria Marotta

Jefatura de producción:

Juan Segundo Alamos, Iván Moscovich, Paula Saidón

Diseño: Juan Moralejo

Casa productora: 36 caballos

FESTIVALES

Ganador Oso de Oro mejor corto Berlinale 2024, Ganador Festival Internacional de Cine Independiente de Cosquín, FICCI, IndieLisboa, Cinemateca

Uruguaya.

Un movimiento extraño DIFUNDE

Julieta Bilik

bilikjulieta@gmail.com https://www.julietabilik.com.ar/ VIDEO

“An Odd Turn” (Un Movimiento Extraño)

Trailer | Berlinale 2024

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Algo viejo, algo nuevo, algo prestado de Hernán Rosselli

Tras su estreno mundial en la Quincena de Realizadores de Cannes, haber ganado el premio a la Mejor Película en FICUNAM y a la espera de formar parte de la programación de Contracampo, Algo viejo, algo nuevo, algo prestado, la nueva película de Hernán Rosselli, tendrá su estreno argentino en diciembre.

SINOPSIS

Los Felpeto administran desde hace algunas décadas un negocio de apuestas de quiniela. La empresa familiar funciona en una pequeña vecindad de casas blancas en el sur del conurbano bonaerense. Maribel

es la encargada de coordinar un grupo de operadores que computan las apuestas en el living de su casa. Alejandra, su madre, vive en una casa idéntica a unos metros de distancia, donde funciona la administración. Algunos capitalistas del juego fueron allanados en los últimos días y el clima en el barrio está enrarecido. Se habla de purgas en la policía y grandes movimientos de dinero. Nadie sabe cuánto hay de verdad en los rumores y las noticias en la tele.

PALABRAS DEL DIRECTOR

“De enero a enero, todo es para el banquero”. Dicho popular

El Barrio Hospital Español está en un vértice formado por

las localidades de Temperley, Turdera y Llavallol. Esta zona fronteriza era territorio de El Chino Sabella, un respetado banquero, como se conoce en jerga al capitalista de juego clandestino. La casa de mi infancia —un típico chalet de clase media con ladrillo a la vista y tejas californianas— quedaba junto a la casa de Fabián, hermano de El Chino. Fabián tenía problemas con el alcohol, era peleador y se decía que una vinchuca le había agujereado el corazón y herido de muerte. Su casa funcionaba como depósito y taller de la flota de autos y motos que usaban los correos de la organización, los encargados de recoger el dinero de las apuestas. Tenía tres hijos. Darío, Javier y Jorge. Mi papá me tenía prohibido salir a jugar con los hijos de Fabián. Pero u MiráBA

cuando mis padres se separaron se convirtieron en mis mejores amigos. Pasábamos horas escuchando música dentro de los autos de la organización.

Imaginábamos largos viajes por la ruta con destino incierto. A veces vendíamos números para rifas inventadas o pedíamos mercadería en el almacén del barrio. Pedir gratis era un derecho adquirido por simple portación de apellido.

Para sumar un ingreso a la magra cuota alimentaria, mi mamá comenzó a trabajar computando apuestas en el callcenter que funcionaba en la casa que El Chino compartía con su esposa y sus hijos. Todo sucedía dentro de un entorno familiar y de absoluta confianza.

Trabajaban a partir de las diez de la noche, cuando se sorteaba el último premio. Mi mamá cargaba los datos y el software se encargaba de buscar coincidencias y calcular los

premios. Un patrullero pasaba por la puerta a cada hora y hacía sonar las sirenas como si dijera: todo está en orden. Cada tanto —generalmente cuando había nuevos nombramientos en la policía bonaerense— se hacían allanamientos y se llevaban a algunos detenidos. Al menos hasta que los banqueros de la zona se ponían de acuerdo y arreglaban su “postura”, que es el canon que tributan a la comisaría del distrito por cada persona levantando apuestas en la calle.

En más de un sentido, la quiniela, con su origen napolitano, su organización familiar y su metafísica de los sueños parece la representación abstracta de las aspiraciones y límites de gran parte de la clase trabajadora del conurbano bonaerense. La certeza, como aseguraba un célebre sindicalista argentino y bien saben los hijos de buena familia,

de que la fortuna no se amasa trabajando. - Hernán RosselliSOBRE EL DIRECTOR

Hernán Rosselli nació en 1979. Estudió en el CIEVYC donde se especializó en guión y realización, y en 2002 ingresó a la ENERC, donde se formó en montaje. Además estudió Filosofía y música. En 2014 estrenó Mauro en la Competencia Internacional del BAFICI, donde obtuvo el Premio Fipresci y el Premio Especial del Jurado. Además, la película participó en el Festival Internazionale di Roma, Viennale, Festival des Tres continentes de Nantes y Rotterdam International Film Festival, entre otros.

Su cortometraje Un Cuento de Navidad (2016) formó parte de la programación de BAFICI, FICIC y Viennale. Su documental Casa del Teatro (2018) se proyectó en

BAFICI y en la Semana del Cine

Argentino en Lisboa.

Algo viejo, algo nuevo, algo prestado, su última película, tuvo su estreno mundial en mayo de este año en la Quincena de Realizadores del Festival de Cannes y tendrá su estreno argentino en el mes de diciembre.

Título original:

Algo viejo, algo nuevo, algo prestado

Duración: 100 min.

Idioma: Español

Países: Argentina & Portugal

Año: 2024

con Maribel Felpeto

Juliana Simões Risso

Alejandra Cánepa

Leandro Menendez

Javier Abril Rotger

Marcelo Barbosa

Hugo Felpeto

Dirección & Guión

Hernán Rosselli

Casas productoras

36 caballos

Un Resentimiento de provincia

Protón Cine

Zebra Cine

Arde Cine

Jaibo Films

Oublaum Filmes

Producción

Juan Segundo Alamos

Mariana Luconi

Hernán Rosselli

Alejandro Rath

Miguel Molina

Adán Aliaga

Dirección de Fotografía

Joaquín Neira

Montaje

Hernán Rosselli

Federico Rotstein

Jimena García Molt

Distribución

Santa Cine

PRENSA: Erica Denmon erica@denmon.com.ar

Julieta Bilik bilikjulieta@gmail.com

VIDEO

Trailer de „Algo viejo, algo nuevo, algo prestado“ de Hernán Rosselli

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«La Hacienda: el regreso de los malditos» en el Festival Internacional Rojo Sangre de Buenos Aires.

Dirigida por el argentino Gaby Smiths y con guión de Mechi Perez,»La Hacienda: el regreso de los malditos» se estrenó en noviembre en Buenos Aires en el marco del Festival Internacional Buenos Aires Rojo Sangre Edición 25.

La película de de género terror slasher rodada durantes 8 días de este año en Gral. Madariaga y Pinamar, recibió recientemente un premio a Mejor Largometraje Iberoamericano en el Festival Internacional Ave Negra en Monterrey, Nuevo León, México, cuenta con las actuaciones de Facundo Vrdoljak, Mariangeles Gagliano, Juani Rodriguez, Sofia Soler, Juan Manuel Soto, Nicolas Morales, Clara Belen Sanchez y Fernando Enrique y con la participación especial de Georgia Viero y Christian Vit.

En agosto de 2024 La Hacienda, fue premiada como Mejor

Largometraje Internacional en el “Mahkizmithran Film Festival” en India y en septiembre del mismo año quedó seleccionada para ser proyectada en el ”Montevideo Fantastico IV Edición” en Uruguay.

La elección del género de la película - slasher, subgénero del terror- está directamente relacionada a los gustos y las influencias de los creadores, no sólo en cine sino también en literatura. Un ejemplo de esto último es la inclusión en la película de un fragmento de “Los Enemigos” de Charles Baudelaire, “Las Flores del Mal”.

La película cuenta nuevamente con la producción general de Lion Films -productora que realizó en 2023 el largometraje slasher “Los Turistas, Una Temporada en el Infierno”. Los Turistas fue declarada Obra de Interés Cultural por la Secretaría de Cultura de la Ciudad de Avellaneda y participó en importantes Festivales Internacionales de Cine como el “Buenos Aires Rojo Sangre”,

“Dracula Film Festival Rumania”, “Montevideo Fantástico Uruguay”, Etreum Horror Film Festival”, Festival Internacional de Cine de la Costa del Sol en España entre otros. Los Turistas tuvo su estreno en Cine en Buenos Aires en el marco del ciclo “Noches de Terror” en el Cine Gaumont.

Actualmente el largometraje está siendo distribuido internacionalmente a través de la productora Black Mandala.

Acerca de Gaby Smiths

Gaby Smiths, director de la película estudió Publicidad en Buenos Aires, luego comienza a estudiar la carrera de Realizador Integral de Cine y Video en IDAC, Instituto de Cine de Avellaneda donde realiza gran cantidad de cortometrajes, documentales y guiones. Allí en el año 2007, comienza el camino de las producciones; y en el año 2008, funda la productora Lion Films con la cual ha realizado más de 350 videoclips con bandas musicales nacionales u MiráBA 163

como Attaque 77, Cadena Perpetua, Jauría, Andando Descalzo, Bulldog, Hijos del Oeste entre otros. También para grandes bandas internacionales

como Pixies, The Magic Numbers, Peter hook, Jehtro Tull, Ian Anderson, Inspiral Carpets, entre otras. En 2023 produce y dirige el largometraje

slasher «Los Turistas, Una Temporada en el Infierno» y en 2024 produce y dirige el largometraje “Almost Forgotten” en coproducción con Canadá.

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Acerca de Mechi Pérez

Mechi Pérez, guionista y asistente de dirección de la película, comenzó a dar sus primeros pasos en el mundo de la escritura siendo muy chica a través de la creación de

cuentos y poesías. Más tarde comenzó a estudiar Traducción, carrera que luego abandonaría para estudiar Letras en la Universidad de Buenos Aires y en la Universidad del Salvador. A su vez, se formó en Fotografía y Actuación pero siempre de la mano de la escritura, pasión que la acompaña desde siempre. Desde el año 2015 integra el equipo de Lion Films como asistente de dirección, guionista, fotógrafa, cámara y asistente de edición. En el año 2022, terminó de escribir su primer libro de poesías y a su vez escribió el guión del largometraje «Los Turistas, Una Temporada en el Infierno». en 2023 realiza el guión de “La Hacienda,

El Regreso de los Malditos” y actualmente se encuentra trabajando en un nuevo guión para un largometraje a rodarse en 2025. Mechi Pérez formará parte del cuerpo de jurados en la sección cortometrajes del Festival Buenos Aires Rojo Sangre en su XXV edición.

FLOR CARROZZA

Prensa y Comunicación

https://florcarrozza.webnode.es/ https://www.instagram.com/ florcarrozza.prensa/

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La Hacienda, El Regreso de los Malditos I Slasher Horror Film I Official Trailer Premiere 2024.

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