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SUMARIO NOVIEMBRE 2023 Pág. 6 NOTICIAS / Pág. 18 CARNAGHI UN PERSONAJE ATEMPORAL. Un actor que nos hizo reír a través del tiempo “A tempo” por Nicolás Isasi / Pág. 24 NO SE LLAMA ¿Qué hacer cuando te ves fundida en la materia toda? / Pág. 26 CARLOS DIMEO designado embajador de la Universidad de Bielsko-Biala, Polonia / Pág. 30 Festival CALLEJON 2023 / Pág. 32 “MUJERES ALFA” la serie web de las malas feministas / Pág. 36 DE LA VISTA AL PAPEL... DEL PAPEL A LA VIDA. Las maquetas teatrales de Mariana Pace / Pág. 42 6to. FESTIVAL PORTEÑO DE FADO Y TANGO / Pág. 44 PLÁCIDO DOMINGO, UN TENOR ETERNO Por Nicolás Isasi / Pág. 46 ASIA FESTIVAL /Pág. 48 LITERARIAS / Pág. 56 PLÁSTICA / Pág. 62 CARTELERA TEATRAL / Pág. 122 MÚSICA / Pág. 196 CINE.

Una línea azUl plateada en el río de Susana Gutiérrez Posse con María Svartzman y Solana Pastorin Página 86

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Revista MiráBA Nº 172 NOVIEMBRE 2023. Revista ¨MiráBA¨ es una publicación mensual de interés general. Director: Ángel Luís Díaz. e-mail: diazal@revistamiraba.com.ar Propietario: Angel Luís Díaz. Ciudad Autónoma de Buenos Aires. República Argentina. Versión digital Registro DNDA 5344536. ISSN 2344-9446 Los artículos firmados y las opiniones de los entrevistados no reflejan necesariamente la opinión de la editorial y/o dirección. El contenido de los avisos publicitarios es exclusiva responsabilidad de los anunciantes. Se permite la reproducción total o parcial del material gráfico o escrito publicado originalmente en “Revista MiráBA” con expresa mención de la fuente. Revista MiráBA en Internet: www.revistamiraba.com.ar - www.miraba.com.ar Contacto redacción: redacción@revistamiraba.com.ar Publicidad: publicidad@revistamiraba.com.ar Suscripción digital: suscripcion@revistamiraba.com.ar

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NOTICIAS

“BOSSI – TEORÍA DE LA INVOLUCIÓN” Se estrena mundialmente en Prime Video El showman argentino MartÍn Bossi es uno de los artistas más reconocidos y queridos de nuestro país, agotando todas las funciones donde se presenta tanto en Argentina como en el mundo, el pasado 20 de octubre arrancó su gira internacional en Montevideo, a sala llena y dando inicio a la gira que lo llevará por Miami, Dublin, Londres, Sevilla, Valencia, Alicante, Mallorca, Bilbao y finalizando en Madrid.

El próximo 1 de noviembre Martín estrena la producción audiovisual realizada para Prime Video de un show exclusivo: “Teoría de la involución”, un big show de humor, música y parodias como sólo el multifacético artista puede lograrlo, escrito, dirigido y protagonizado por éste, y que contará con estreno simultáneo en todo el mundo en la mencionada plataforma a partir del próximo 1 de noviembre de 2023. “Bossi - Teoría de la involución” fue producido en el imponente teatro Astral de la famosa Calle Corrientes en Buenos Aires, durante el cual el artista, junto a una banda en vivo, despliega todo su talento en un espectáculo único, fusionando distintos géneros para invitarnos a reír y reflexionar junto a él si no es posible concluir que, en algunos aspectos, hemos involu-

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cionado con los cambios que trajeron los nuevos tiempos, siempre en un guiño irónico con la audiencia para crear humor de la realidad que nos rodea.

Durante un deslumbrante show de 65 minutos, el artista suma a una audiencia de 2.500 personas en vivo a un acto de rebeldía conjunta, para recuperar las viejas melodías, letras y rituales que han hecho enamorar a tantas generaciones. Este exclusivo Show de Martin Bossi para Prime Video, cuenta con Silvana DAngelo y Agustín Fábregues de

Glowstar Media como Productores Ejecutivos, Hernán Minetti y Leonardo Álvarez de Digital 1 como Productores Generales, Dirección a cargo del talentoso Julián Zottola, así como Federico Hoppe, Ezequiel Corbo, Luis Penna y Diego Djeredjian como Productores Teatrales del equipo de Martín Bossi, conformando junto con un destacado equipo técnico y creativo, un team de realización de más de 50 personas que han hecho posible este diferencial contenido que disfrutarán los usuarios de Prime Video muy pronto y que los hará asombrar, reír, y volverse a enamorar.

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BUSCAN NUEVOS TALENTOS PARA

“EL JOROBADO DE PARÍS”

Pepe Cibrián y Ángel Mahler vuelven a trabajar juntos y buscan nuevos talentos para su nueva obra. Luego del éxito imbatible de “Drácula, el musical”, Pepe Cibrián y Ángel Mahler se preparan para el regreso de otro de sus clásicos: una nueva versión sobre “El Jorobado de París” y en el cual ya se encuentran trabajando. Vale aclarar que este espectáculo es la segunda obra más exitosa de la dupla: una versión libre y musical de “Nuestra Señora de París”, novela de Víctor Hugo conocida popularmente como el “Jorobado de Notre Dame” y que se estrenó en el Luna Park en 1993, con el protagónico de Carlos de Antonio y Paola Krum. Y aunque luego ha tenido unas nuevas reposiciones en diferentes teatros de Buenos Aires como el Ópera, el Presidente Alvear y Cervantes, el próximo año volverá al estadio que la vio nacer. El estreno oficial está previsto para el 10 de Abril y se supo, a manera de adelanto, que será una ampulosa producción de Ángel Mahler y Daniel Macón que contará con 50 actores en escena, una orquesta en vivo de 30 músicos y por supuesto, la direc-

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la que deberán audicionar con ropa de ensayo.

ción general de Pepe Cibrián Campoy.

Para ello, la dupla creadora de emblemáticos y recordados musicales como “Las Mil y una Noches”, “El Fantasma de Canterville”, “Otelo” entre otros, se encuentran en la búsqueda de nuevos talentos: actores y actrices que canten y /o cantantes que actúen. Un dato importante es que no se requiere experiencia previa. El único requisito excluyente es que los postulantes tengan entre 18 y 55 años. Los interesados deberán presentar una foto de cuerpo entero e inscribirse previamente de manera presencial los días 13, 14 y 15 de noviembre de 15.00 a 20.00 horas en el teatro Sha, ubicado en Sarmiento 2255. Allí se les indicará la fecha en

“Me motiva a seguir peleando por conseguir lugares donde puedan salir a la luz nuevos talentos. Que mi arte, mis letras, mis textos, mis poesías, junto a la música de mi compañero Angel Mahler sean el puente para que ellos se expresen es mi mayor logro en esta vida” confesó entusiasmado Cibrián ante la expectativa de dar oportunidades a nuevos talentos.

Al día de hoy, Cibrián anunció que solo hay seleccionados dos personajes protagónicos masculinos: Rodrigo Scian, que representará a Quasimodo y Germán Esquerda que se pondrá en la piel del archidiácono Claudio Frollo. El resto del elenco saldrá de estas audiciones abiertas. El espectáculo se podrá disfrutar por seis únicas y exclusivas funciones en el mismo mítico estadio Luna Park, para luego dar inicio una gira nacional que recorrerá la Argentina de punta a punta.

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COCINEROS ARGENTINOS FESTEJA SUS 15 AñOS

El programa gastronómico más federal del país celebra su decimoquinto aniversario en la TV Pública recorriendo el país. De domingos a viernes, Cocineros Argentinos inspira a sus televidentes a cocinar rico y casero. Desde sus inicios, el motor fue el de contar las historias de quienes producen nuestros alimentos y cocinan con amor, tanto desde el estudio como acercándose a cada una de las provincias que los reciben para aprender de sus recetas.

Chantal Abad, Ximena Saénz, Juan Braceli y Luciano García, están al frente del clásico de las tardes de TV Pública y cuentan con la participación de Gladys Olazar, Diego Sívori (nutricionista), Madame Papin, Damián “Mono” Cicero, y Marcela Rienzo (sommelier).

Cocineros Argentinos es mucho más que un programa de cocina que nos deleita con recetas ricas, saludables y económicas, además comparte notas exclusivas sobre los hábitos alimentarios de todas las regiones del país y sus diferentes técnicas. Entre las secciones más exitosas del programa, se destacan: Móviles en vivo: una de las características del programa es la de visitar cada rincón

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Emprendedores: se recorren historias de quienes iniciaron una pequeña empresa con Receta regional: cocineros sus productos gastronómicos. de todo el país vienen al estu- Se develan los secretos de su dio para enseñar a cocinar emprendimiento, se comparte alguna de sus recetas o platos típicos de su región. se cocina con sus productos. Productores: todas las semanas visitan el piso para acer- Nutrición con Diego Sívori: car los mejores productos de el especialista explica de temporada, fomentando su forma didáctica y divertida consumo y educando sobre el los temas que vinculan alimentación, gastronomía y ciclo de frutas y verduras. salud. Platos equilibrados, Recetas de estación: en este análisis de dietas, y servicios segmento se cocina con pro- sobre trastornos o enfermeductos de estación traídos por dades. los propios productores de modo de reforzar la ingesta Días y Horarios de alimentos de mejor cali- Lunes a viernes de 13:30 a dad y económicamente más 15:30 hs. Domingos por la TV accesibles por ser de tempo- Pública. https://cocinerosargentinos.com/ rada. del país para cocinar frente a los paisajes más hermosos.

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GUIDO ZAFFORA cumple su sueño y llega al teatro!

Guido Zaffora vuelve a su gran amor, el teatro. Guido sueña, Guido canta, Guido baila, Guido actúa, Guido conduce. Y todo lo hace con la misma mirada de su infancia, con los deseos intactos y las ganas de ser parte del mundo del espectáculo.

mundo del espectáculo, los medios de comunicación y sus rutilantes celebridades desde la perspectiva de un niño embelesado por pertenecer al medio.

FUNCIONES: Sábados 23.59h Teatro Picadero Pasaje Discépolo 1857, CABA En este show repasa su infan- Entradas por Plateanet. cia en Rosario llena de sueños FICHA TECNICA de fama. Guido juega entre personalidades de ayer y hoy a la vida GUIDO ZAFFORA estelar, las opiniones, las no- Pianista ticias y el mundo del pane- DAMI BÁEZ Libro: lismo. Con humor, canciones, actua- NORALIH GAGO, LEO lidad y acompañado por el BOSIO, GUIDO ZAFFORA maestro Dami Baéz en el Dirección general: piano y dirigido por la talen- NORALIH GAGO tosa Noralíh Gago, recorre el Asistencia de dirección:

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LEO BOSIO Diseño y realización de multimedia: NICOLÁS RUSSELL Fotografía: NACHO LUNADEI Maquillaje y peinado: LUISINA Producción ejecutiva: CANDELA BRAVO Diseño gráfico: JEAN LOMBARDI Vestuario: VICTORIA MOLOTOK Diseño de iluminación: ADRIÁN CINTIOLI Asistencia de producción: WALTER FAUVE Redes: CARO GUZMÁN Voz Abuela: CARMEN BARBIERI Voz Telefonista: MARIXA BALLI

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SCHOOL OF ROCK, el musical Comenzaron las audiciones presenciales El éxito mundial que conquistó Nueva York, Londres, China, Korea, Australia, Nueva Zelanda, San Pablo, Sudáfrica y Madrid pisa por primera vez el escenario del Teatro Gran Rex en mayo 2024 y ya comenzó la selección de los talentosos niños y niñas que se convertirán en la nueva generación de estrellas de rock. ¡El único musical con una banda de niños y niñas tocando en vivo!

Comenzaron las audiciones presenciales a todos los niños y niñas seleccionados en la gran convocatoria inicial, lanzada en el mes de septiembre con un resultado total de 1200 inscriptos de todo el país.

La búsqueda tiene como objetivo encontrar a los integrantes de la banda de niñas y niños de entre 11 y 14 años que formarán parte de la obra más esperada del año y que además de actuar, cantar y bailar, deberán tocar instrumentos en riguroso vivo. Es la única obra con este tipo de despliegue y se buscan a 39 niños y niñas que brillarán en el escenario más importante del país. En esta oportunidad quedarán seleccionados solamente 100 participantes para pasar a una nueva etapa antes de la

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selección final, que consta de un mes y medio de encuentros en los cuales, directores de cada área artística del musical designarán a los elegidos. La obra del legendario productor Andrew Lloyd Webber, con letra de Glenn Slater y libro de Julian Fellowes, basada en la película protagonizada por el mítico Jack Black, será co-producida por MP Producciones, Ozono Producciones, Carlos y Tomas Rottemberg y Preludio Producciones. El equipo creativo está compuesto por el prestigioso di-

rector Ariel Del Mastro, que tendrá a su cargo la Dirección General, Marcelo Caballero en la Dirección Actoral, Analía Gonzalez en la dirección coreográfica, Jorge Ferrari en el diseño escenográfico, Federico Vilas en la Producción Musical, Sebastián Mazzoni en la Dirección Vocal.

La historia narra las desventuras de Dewey Finn, un desocupado que, tras ser echado de su propia banda de rock, asume la identidad de su compañero de cuarto y comienza a dar clases de música en una prestigiosa escuela. Allí, enseña a sus alumnos sobre la pasión que genera el rock and roll y todos deciden formar una banda para competir por un gran premio. La película se convirtió en una de las más taquilleras de 2003 y su show en vivo viene recorriendo el mundo con un éxito a la altura de sus legendarios creadores. Las entradas saldrán a la venta muy pronto y se podrán adquirir por Tu Entrada o en la boletería del teatro. Seguinos en Instagram @SchoolOfRockAr

SOY PRENSA soy.prensaa@gmail.com

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Compañia Nacional de danzas contemporánea VIVIR JUNTES ES POSPONER EL FINAL La Compañía Nacional de Danza Contemporánea se presentaráen el Centro Cultural Kirchner con la obra Vivir Juntes es Posponer el Final, el sábado 4 a las 19 h y domingo 5 a las 20 h. Centro Cultural kirchner Samiento 151, CABA Reserva tus entradas a través de este Link a partir del jueves 3 de noviembre. Vivir Juntes es Posponer el Final

Sinópsis: Somos máquinas sensibles avanzando con rigor. Somos obreras subordinadas a la magia. Somos la mejor peor versión de nosotres mismes. El escenario convertido en un set de filmación aloja a los 21 bailarines de la Compañía Nacional de Danza Contemporánea. El set se convertirá en una pantalla de nuestras propias diferencias. Ficha técnica:

Intérpretes Yésica Alonso, Ernesto Chacón Oribe, Maria del Mar Codazzi , Victoria Delfino MagalíDel Hoyo , Pablo Fermani, Diego Franco, Liber Franco, Leonardo Gatto, Juan Pablo González, Yamila Guillermo, Victoria Hidalgo, Juan Salvador Jiménez Farfán, Virginia López, Inés

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Maas, Nicolás Miranda, Rafael Peralta, Mauro Podesta, Bettina Quintá, Candela Rodriguez, Victoria Viberti. Equipo artístico Dirección y coreografía: Lucía Giannoni. Asistencia de dirección:

Candelaria Gauffin. Colaboración dramatúrgica: Brai Kobla. Música original y diseño sonoro: Juan Barallobres. Diseño de escenografía: Magdalena Picco.

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CARNAGHI UN PERSONAJE ATEMPORAL

Un actor que nos hizo reír a través del tiempo “A tempo” Por Nicolás Isasi @isasi.nick

El humor es uno de los pilares de nuestra vida. En la vida cotidiana, el trabajo y el ocio. Es, fue y será algo que nos transporta y nos modifica para celebrar o pasar de la tragedia a la comedia. Pero hacer reír no es algo sencillo. El arte de hacer reír es una base de las comedias, ya sea en teatro, cine o la televisión. Roberto Carnaghi es uno de los pocos actores de nuestro país que supo ganarse un lugar privilegiado entre esos que hacen e hicieron

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reír al público desde hace décadas aportando calidad y elevando el humor a lo largo del tiempo. Sin embargo, en las últimas décadas el humor aislándose y alejándose más de la TV como nunca antes había pasado, aunque viejos capítulos de programas o series cosechan millones de visualizaciones en plataformas digitales como YouTube o Instagram donde jóvenes y adultos recuerdan aquellos episodios de comedia. Desde la comedia teatral,

las publicidades, el cine o la televisión, Carnaghi fue amoldándose a diferentes propuestas cómicas que iban del humor político con Tato, al humor de sketch con Gasalla, en telenovelas como Montecristo o Graduados, incluso en adaptaciones de formatos extranjeros como la sitcom La Niñera, sin perder vigencia, popularidad y audiencia. En una entrevista exclusiva, Roberto Carnaghi habló con MiráBA sobre su visión del humor desde el trabajo actoral.

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IN: ¿Cuál fue el mayor desafío al hacer reír en todas estas propuestas tan distintas? RC: “Lo más complejo fue la sitcom La Niñera 1, nosotros no estábamos acostumbrados a hacer sitcom. Tiene un tiempo, necesita ciertas cosas que hay que ver, preparar y algo sutil que tiene que ver con los personajes. Nosotros ensayamos varias veces antes de ir al aire para encontrar precisamente el mecanismo de una sitcom, había gente de Estados Unidos que miraba los ensayos y no podía creer que nosotros le dijéramos al director de qué manera veíamos o probábamos un personaje. Una de las cosas fundamentales fue ponernos de acuerdo en decirnos la verdad sobre lo que estaba bien y lo que estaba mal de cada personaje entre nosotros, entre los compañeros, eso para mí fue muy importante, encontrar ese mecanismo”. IN: ¿Sos consciente de lo que solamente tu voz genera en la gente? ¿Qué te sucede con eso? RC: “No, no soy consciente que mi voz genere algo en la gente, no la verdad que no. (Ríe). Me sorprendés con esa pregunta porque no tengo la menor idea”. IN: ¿Cuánto IN: fluye el texto y cuánto la improvisación?

RC: “Cuando incluye la improvisación, especialmente en el teatro, éste tiene lugar en los ensayos y puede ser muy enriquecedor. ¡El texto es lo más importante! En la televisión, suele pasar que el actor lleve ideas y junto con el autor y el director se modifiquen cosas del personaje y de las situaciones, al menos en mi experiencia. Si está bien escrito, hablo más que nada en la televisión, si te dan espacio para poder crear y demás este el texto fluye y en base a eso te permite improvisar”.

fícil de la comedia también, que todos coincidamos que no hay que cambiar por más que la gente se ría o demás, que no pasa por el público sino por lo que estás haciendo en el escenario porque si cada uno hace lo que quiere, se convierte en un aquelarre”.

IN: ¿Cambiaban cosas frente a la reacción de la audiencia? RC: “Uno no trabaja solo, trabaja con el público en la comedia, cuándo está la pausa, cuándo no lo está, es eso. Sin duda la reacción del público IN: ¿Qué es lo más difícil en influye en el actor, lo estimula y a veces lo sorprende. Se la comedia? RC: “Lo más difícil es el ritmo, ríen en el lugar que uno no engolosinarse con deter- menos lo espera. Conseguir minadas escenas y seguir, se- el tiempo, el timing, el ritmo, guir repitiendo lo mismo, esto todos tienen que estar de es fundamental. La comedia acuerdo. También pasa con el tiene un ritmo, un timing, drama, pero la comedia pasa pasa por ahí. Es una de las por ahí, no es tan fácil hacer cosas más difíciles hacer reír, comedia, hacer reír a la tiene que tener como un aire, gente”. una liviandad. La comedia siempre es hacia arriba a di- IN: ¿Sentís que el humor fue ferencia del drama que es más potente en algún mosiempre hacia abajo. La co- mento? ¿Por qué? media tiene que crecer espe- RC: “Sí, determinados humorando la carcajada de la res, depende del actor, degente, no sumarte, entender pende de lo que estén las pausas, que no se pierda haciendo. Quizás a veces es el texto. Es profesionalismo, más liviano respecto del tener en cuenta que uno no drama, pero una buena cometrabaja solo, a veces algunos dia tiene algo que decir no es personajes hacen reír más o solamente hacerte reír, tiene menos, pero no jugar con eso que hacerte pensar. El humor porque todos tienen su ritmo. político ha sido, es y probaJustamente esto es lo más di- blemente será, el más po-

La Niñera (2004) fue la primera sitcom hecha en Argentina por Telefé, basada en The Nanny emitida por CBS entre 1993 y 1999. Roberto Carnaghi obtuvo el Premio Martín Fierro como Mejor Actor de Reparto por este trabajo.

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tente. Depende del momento que se esté viviendo”.

IN: ¿Cómo ves el humor hoy en día? RC: “En decadencia total… cada vez peor. Lo ves en televisión, cosas increíbles, hoy en televisión no hay nada, se repiten cosas y realmente ponés, y al rato lo sacás. Hoy el humor es bastante chabacano, ha cambiado mucho. Hay cosas excelentes, pero en general son cosas donde va poco público. Precisamente el humor es algo que nos transporta y nos modifica. El buen

eso es lo que no hay que modificar después por la gente, no hay que agregar más. Hacer y repetir eso, e ir haciendo cada vez más perfecto, más perfecto. Cuando IN: ¿Creés que la magia del la gente se ríe, vos tenés que hacer reír tiene que darse en galopar sobre esa risa y no el set o en el escenario antes dejar que termine. Es un aprendizaje. que en la platea? RC: “Tiene que darse en el set o en el escenario, vos lo pro- IN: ¿Quiénes te hacían reír a bás en la platea. Cuando uno vos durante tu infancia y forensaya, ve cuáles son las mación actoral? cosas que son graciosas o por RC: “El cine italiano, las coqué aún no causan gracia. Si medias de Totó, Sordi... Canves al otro, lo que hace, es tinflas. No sé si la gente se ahí, esto tiene que quedarse y acordará de Cantinflas, pero humor, el humor sabio, inteligente. (Ríe). El humor de Tato2 era un humor creativo, un humor que te hacía pensar”.

Tato Bores (1925-1996), fue un actor, humorista, monologuista y conductor televisivo argentino. A través del humor, dijo lo que nadie podía o quería decir a una velocidad increíble. Tato renovó absolutamente el lenguaje del humor político, asistido por los mejores guionistas, transformando el estilo de los monólogos en una tormenta de escenas imaginarias y personajes surrealistas como el que Roberto Carnaghi interpretaba en su programa. Fue de gran influencia para el periodismo político y sus monólogos de hace décadas todavía siguen vigentes. 2

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son de cuando era chico. Yo empecé bastante mayor a hacer teatro, ya tenía 19 años. El cine italiano, el cine de posguerra, todo tenía algo de humor y algunos norteamericanos, ingleses. Hay un actor que ahora no me acuerdo, lo amaba a ese actor... (piensa), cómo se llamaba, después te lo voy a pasar. Canta a dúo junto a Armstrong... yo hubiese querido ser ese actor. (Recuerda al actor). Danny Kaye3, un capo, qué comediante, yo era chico veía sus películas, un capo, cantaba, bailaba, hacía películas de humor de pronto en la Edad Media, todas las escenas que tenía de espada me acuerdo eran geniales, pasaba de ser un Dios a un espadachín, un actor genial. Era el actor que yo hubiera querido ser, cuando no era actor. Cuando todavía no había elegido esta profesión, pero era un genio y hacía las dos cosas, la comedia y el drama”.

sualidad. Olmedo, era para mí el mejor dentro de la revista porque jugaba con vos y no solamente quería hacer reír él. Que es otra de las desgracias de esto, generalmente los protagonistas quieren hace reír ellos y es una lucha eso. Tato, cuando a veces lo vuelven a pasar y bueno sí, pero hoy desgraciadamente no sé… por ahí me hace reír mi nieta que va a cumplir 8 años. Los chicos siendo chicos me hacen reír o alguien que dice alguna cosa graciosa”.

IN: ¿A cuál extrañás cada tanto? ¿Cuál te gustaría hacer? RC: “Sí, sí, extraño, extraño a varios. Cualquiera de ellos me gustaría volver a hacerlos, cualquiera. Extraño a personajes que me gustó mucho hacer, por el personaje y por la puesta, digamos. Siempre en todos los personajes hay algo de uno. Para ser actor y poder llegar hay que haber IN: ¿Qué te hace reír ahora? vivido, hay personajes que RC: “Que me hace reír tenés que haber vivido cierahora... te diría que nada. tas cosas. Lo mejor de un inTiene que ver también el mo- térprete es su experiencia de mento que estamos pasando vida”. en este país, y no estoy viendo nada de humor. Ol- IN: ¿Qué consejos le darías a medo me ha hecho reír en el un joven actor? teatro. Yo hice revista dos RC: “A un joven actor le diría años, y hay actores que tienen que crea que no sabe nada. una cosa con el público. Yo no Cuando uno empieza, a tener venía de la revista, fue una ca- que ver, ver a los grandes ac-

tores y saber que uno no sabe nada. Y a los 85 años no sé nada. Siempre me gusta no saber, no creerte que sos genial no, no, no. Una de las cosas que yo hago, como en la obra que vos estuviste y me ayudaste tanto, pero a veces a los actores les pido consejos, a los chicos que recién empiezan les pido consejos. Eso lo tenés que hacer toda la vida, lo siento porque por ahí le pedía consejo a veces a un técnico, hay que escuchar, no creérsela, esos son los consejos. Hasta el momento que uno deje de vivir, saber que uno no sabe nada”.

IN: ¿Qué personaje fue más complejo? RC: “El Shylock, que fue el último que hice de Shakespeare. Robert Sturua lo dirigió, un genio total, tenía una mirada muy determinada y me impactó lo que hicimos. Shylock para mí es un judío que quiere ser aceptado. En cambio, recibe insultos, lo escupen, lo patean, lo tratan, según sus palabras, como a un perro por ser judío. Nosotros trabajamos mucho la relación con esa hija que lo traiciona y él la ama, pero no se da cuenta que ya no es una nena. Yo le traía unos lápices de colores para que pinte, y ella estaba en otra cosa, pensaba en irse. Se escapa y se lleva todas las joyas. Los ve-

Danny Kaye (1911-1987) fue uno de los artistas más polifacéticos de su época: actor, cantante, bailarín, parodiador musical y humorista estadounidense de gran popularidad, trabajó en más de 30 películas, entre las que se destacan “White Christmas” (1954) o “The Five Pennies” (1959) junto a Louis Armstrong. Obtuvo dos Premios Oscar, la Medalla Presidencial de EE.UU. y la Legión de Honor del gobierno francés por su contribución artística y a la humanidad. 3

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necianos se burlan de él porque su hija se escapa con un cristiano, lo escupen, le gritan... allí es donde él se convierte en un ser terrible. Y él llega a su casa y dice por primera vez que tenga cuidado con su pagaré. ¡El odio!, porque por favor... ese fue el personaje más complejo”.

IN: ¿Qué obras o personajes de esa lista fueron fundamentales como actor? RC: “Yo trabajé haciendo el personaje de Polonio en el Hamlet de Shakespeare, era una puesta moderna, fue muy interesante con Kive

(Staiff)4. Y para seguir con este mismo autor, además del Shylock del cual ya hablamos, hice también Rey Lear en dos oportunidades. Y en las dos hice el rol de Gloucester pero con dos elencos y directores diferentes (Lavelli y Schumacher). Y hay muchos personajes entrañables para mí como por ejemplo el Piccione de Babilonia y el Miguel de Mateo de Discépolo. También hice a Chéjov: Tío Vania (Teleguin), Las tres hermanas (Chebutikin), La gaviota (Schampaey) y El jardín de los cerezos (Lopajin). Otros

autores como Roberto Cossa, Ibsen, o El casamiento de Gombrowicz donde vos eras asistente. Fueron obras de gran aprendizaje”. A modo de cierre y siguiendo el cuestionario Pivot5...

IN: ¿Cuál es tu palabra favorita? RC: “Te quiero mucho”. IN: ¿Cuál es palabra que más odias? RC: “Esto no se puede hacer acá, en este país”. IN: ¿Qué es lo que más te

Kive Staiff (1927-2018) fue director general y artístico del Teatro San Martín de Buenos Aires en varios períodos. Durante su paso fue capaz de quintuplicar la cantidad de espectadores del teatro y tuvo la iniciativa de crear en 1979 la tercera sala denominada Antonio Cunill Cabanellas. 4

Bernard Pivot (1935) es un periodista y crítico francés que al final de cada programa, realizaba el presente cuestionario inspirado en el de Proust, que luego replicaría James Lipton (1926-2020) en el programa “Inside Actors Studio” de Nueva York. 5

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gusta hacer? RC: “Lo que más me gusta es actuar”.

IN: ¿Qué es lo que más te disgusta? RC: “La mentira”.

IN: ¿Cuál es el sonido que más te gusta? RC: “La música, me gusta también escuchar a mi nieta, me gusta cuando mi mujer canta, me gusta la naturaleza y tengo un gran contacto con eso, mirar a dónde está la luna por la noche, ver crecer un fruto, una planta, una flor… eso no tiene sonido, pero de alguna manera lo tiene. Tiene sonido”.

IN: ¿Qué sonido odias? RC: “La mentira. Después no he escuchado, pero me imagino que, en una guerra, en un lugar así, el peor sonido tienen que ser las balas de los cañones, las bombas”.

tan mucho las plantas, es otra de las cosas que amo, como crecen los frutos, cada cosa de ella me sorprende, jardinero es otra de las cosas que me gustaría hacer”.

IN: ¿Qué profesión no te gusIN: ¿Cuál es tu palabrota fa- taría tener? vorita? RC: “No me gustaría ser políRC: “¡Es un pelotudo impor- ticos”. tante!” IN: Si el cielo existe, y te enIN: ¿Qué profesión, además contraras a Dios esperánde la que tienes, te gustaría dote ¿Qué te gustaría que te dijera? ejercer? RC: “Mi papá era carpintero, RC: “Fuiste una buena pery le hubiera gustado hacer sona y un buen actor, nada herrería artística, la carpinte- más, ni el mejor ni nada, sino ría también me gustaría pero eso. Acá arriba podés seguir bueno la he ejercido. Me gus- haciendo tu profesión”.

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NO SE LLAMA

¿Qué hacer cuando te ves fundida en la materia toda?

El próximo viernes 3 de noviembre llega NO SE LLAMA, la nueva obra de la coreógrafa y bailarina JULIA GOMEZ a MOVAQ (Malabia 852, CABA).

No se llama es una pieza de narración autobiográfica en la que la artista es al mismo tiempo, persona y personaje. La vida de Julia como bailarina y como mujer queda plasmada en esta puesta contundente que refleja un devenir signado por el accidente cerebrovascular que la intérprete sufrió un tiempo atrás. SINOPSIS:

Julia va hasta la cocina, pone la pava y en un momento nota que los mensajes que quiere enviar no llegan. “No se llama” es una exploración de los movimientos de esa espera, del espacio que subsiste entre le suelo y los dedos de su pie. Algo tan grande que resulta inenarrable. Y lo que ocasiona esa espera no es para nada apacible. Es inevitable como un amor, un accidente o una catástrofe. Julia declara: “No se llama es un solo autobiográfico que narra mi vida signada por un

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Asesoramiento teórico: Ludmila Hlebovich Diseño de iluminación: Alfonsina Stivelman Música original y diseño sonoro: Federico Karrmann Temas musicales: Angelo Badalamenti y Frédéric Chopin Fotografía: Javier Sabaté Diseño gráfico: Fina Dane Teaser: Federico Karrmann Producción: Julia Gómez y Karla López No se llama aparece como la Comunicación y prensa: Ceposibilidad de encauzar cilia Gamboa dicha experiencia y sus reve- Agradecimientos: laciones. Una actuación que Juan Salvador Giménez Farempieza y termina no se sabe fán, Marina Otero, Nadia Deldónde. Una obra que toca, mas, Juan Sierra y que interpela y nos detiene Cooperativa Movaq. en un tiempo otro para interrogarnos sobre el valor de la vida. accidente cerebrovascular que sufrí hace seis años. El ACV irrumpió de forma intempestiva, como su nombre indica se trata de un accidente dentro de un devenir que se supone normal”. Y concluye: “en mi obra me pregunto por ese tiempo que no fue lineal; por esa fisura que trajo caos, crisis, confusión y a la vez la oportunidad de comprender la vida y mi danza de otro modo.”

La obra cuenta con el apoyo de Prodanza - Ministerio de Cultura GCBA, Movaq Aquelarre en Movimiento y La Filial Espacio Cultural. NO SE LLAMA, de Julia Gómez Noviembre 3, 20h en MOVAQ Malabia 852, CABA. Funciones viernes de noviembre a las 20h.Localidades $3800 (estudiantes y jubilados $2800) disponibles en Alternativa Teatral. Dirección, textos y performance: Julia Gómez Asistente de dirección: Lucila Shmidt Colaboración artística: Fina Dane

JULIA GÓMEZ

Es bailarina, coreógrafa, investigadora y docente de danza. Desarrolla su trabajo entre las ciudades de La Plata y Buenos Aires, Argentina. Es egresada de la Escuela de Danzas Clásicas de La Plata y del Taller de Danza Contemporánea del Teatro Gral. San Martín, CABA.

Se formó también en la Universidad Nacional de las Artes (UNA) con diversos referentes de la danza. Integró el Ballet Concierto de Iñaki Urlezaga y la Compañía de Danza de la UNA, trabajó además con diferentes coreógrafos del circuito independiente de CABA y participó en varios festivales de danza y teatro nacionales e internacionales. Desarrolló la investigación “Cómo abordar el cuerpo, la danza y la composición coreográfica al no contar con la percepción visual” (Beca FNA) y actualmente trabaja en la investigación “Danza Clásica desde la Biomecánica y el Movimiento Consciente. Decolonizar la práctica: su estudio y posibles abordajes”. Dirige las obras “Anfibias”, “Cumbia de Cámara” y “No se llama” (todas con el apoyo de Prodanza). Participa también como creadora y performer en “Blanco” de Valeria Martínez. Desarrolla su labor docente desde el 2002 de forma ininterrumpida. Actualmente dicta clases regulares en los espacios Movaq de CABA y La Filial de La Plata. Idea y produce Proyecto Vinculación y es maestra de danza clásica de la Compañía de Danza Contemporánea de la UNA. CECILIA GAMBOA Comunicación & Prensa Quesada 4405 Nro 1430 CABA. info@ceciliagamboa.com.ar www.ceciliagamboa.com.ar

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NOTICIAS CARLOS DIMEO

DESIGNADO EMBAJADOR DE LA UNIVERSIDAD DE BIELSKO-BIALA, POLONIA

El dramaturgo e investigador teatral nació en La Plata, Argentina, se formó en Venezuela y se consagró en Europa Central Un reconocimiento, con el título de Embajador, por su contribución al desarrollo de las actividades académicas, científicas, de investigación y culturales en Polonia y a nivel internacional en Europa y América Latina, recibió el dramaturgo, actor, director e investigador de teatro, el argentino Carlos Dimeo, por parte del Rector y de las autoridades de la Universidad de Bielsko-Biala, Polonia, institución donde imparte clases, desde 2008, además de crear y dirigir el Teatro Universitario.

Carlos Dimeo, (La Plata, Argentina, 1967), llegó a Venezuela, concretamente a Valencia, estado Carabobo, con su familia, quienes se vieron obligados a dejar su terruño, en los días de la dictadura argentina. Con apenas 10 años de edad, comenzó su formación en la escuela de teatro Ramón Zapata. En 2020, recibió el Premio Na-

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un Doctorado en Ciencias Sociales con especialización en Estudios Culturales de la Universidad de Carabobo en Venezuela. Es el director, editor y fundador de la editorial “La Campana Sumergida”. Además, se desempeña como director y editor en jefe de la revista digital “Dramateatro” Dimeo fue profesor colaborador cional al Ensayo Teatral otor- en la Universidad de Caragado por la Compañía Nacio- bobo en Venezuela, donde nal de Teatro de Venezuela impartió cursos de posgrado por su trabajo “Hierofanías de relacionados con el teatro lala Violencia en el Teatro Ve- tinoamericano. También ennezolano”. En 2021, fue con- señó en la Universidad decorado con la Orden de Católica Andrés Bello en CaFrancisco de Miranda en se- racas, donde ofreció clases gunda clase, una distinción sobre Historia del Teatro Ocvenezolana establecida el 28 cidental (Facultad de Humanide julio de 1939, otorgada por dades) y Literatura Infantil méritos en el ámbito de la (Facultad de Educación). ciencia, el progreso y los logros sobresalientes. ARGENTINO TROTAMUNDimeo enseñó en programas DOS de posgrado de Teatro Latinoamericano en la Universidad Es Postdoctor Habilitwany en Central de Venezuela. Tiene Literatura (especialización en

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Literatura Hispanoamericana) de la Universidad de Łódź en 2015 por su libro sobre el venezolano Marco Antonio Ettedgui: Poéticas Teatrales Pos(t)modernas (Sacralización y Carnavalización / Dialogismo y Polifonía), publicado en Lublin en 2013. Completó estudios de posgrado en “Gestión de Comunicación y Cultura” en la Facultad de Ciencias Sociales de la FLACSO-Argentina y actualmente está realizando estudios de posgrado en “Culturas Narrativas para Niños y Jóvenes” en la FLACSO-Argentina. Gran parte de su carrera y vida ha estado dedicada al teatro y a la investigación en el campo de Estudios Culturales y Teatro. Ha participado en cursos tales como “Escritura como Proceso” en el Instituto de Investigación Literaria bajo la dirección de Mateusz Marczewski. También asistió a talleres de dramaturgia dirigidos por Artur Pałyga en el Teatro Śląski y Tomasz Gromadka en el Teatro Powszechny en Varsovia. También ha participado en diferentes cursos y seminarios dictados en el Instituto Grotowski de Wroclaw en el que ha tomada parte con Teatr ZAR, Przemysław Błaszczak, Diego Pieleggi, entre otros. Desde 2008, reside en Polonia y ha impartido clases en la Universidad María CurieSkłodowska en Lublin, donde también fue jefe de la unidad de investigación de Teatro y

Drama de los Países de Lenguas romances. Ha enseñado en la Universidad de Łódź en Polonia, en la Facultad de Estudios Latinoamericanos, abordando temas actuales y relevantes de América Latina, y en la Universidad Matej Bel en Eslovaquia, en la Facultad de Filosofía, donde enseñó Literatura y Cultura Latinoamericana. También es el director del Teatro Laboratorium de la Casa de la Cultura “Viktoria Kubisz” en BielskoBiała.

nal of Human Dignity and Wellbeing Woman” de la Politechnika Śląska.

Es coorganizador de la “Escuela de Espectadores” en la sección de Polonia. Desde 2018, ha organizado y dirigido la “Conferencia Internacional sobre Teatralidad Antiteatralidad: Estudios Transdisciplinarios y Escenológicos del Teatro Contemporáneo”, que ha tenido éxito en 2019 y 2021, atrayendo destacados panelistas e invitados internacionales de diferentes Ha participado en numerosas partes del mundo. conferencias internacionales Realizó estancias de docencia y ha publicado alrededor de y de investigación en la Unitreinta trabajos de investiga- versidad de Estrasburgo ción científicas sobre el (Francia), la Universidad de campo teatral. En 2006, la Valladolid (España), la UniUniversidad de Buenos Aires versidad de Tartu (Estonia), la le otorgó un reconocimiento Universidad Complutense de especial en el concurso “Tea- Madrid (España) y otras institro del Mundo” por ser el cre- tuciones. ador de la primera revista de Es el fundador del Teatro Uniteatro digital en América La- versitario en la Universidad tina “Dramateatro Revista Di- de Bielsko-Biała, donde ha gital” dramateatro.com, dirigido obras de diversos aufundada en 1995 y activa tores, incluyendo a Federico hasta el año 2021. En 2008, García Lorca, Bertolt Brecht, esta revista recibió el premio Hilda Bonna, Néstor Caba“Teatro del Mundo” de la Uni- llero, Anton Chejov y José versidad de Buenos Aires por Watanabe. En 2020, durante destacados logros en la pro- el periodo de la pandemia, moción e investigación tea- dirigió la obra Madame de tral. Actualmente, Dimeo es Sade” del japonés Yukio Mismiembro del Consejo de In- hima (en formato VIDEO_TEEntre sus vestigación del Instituto de ATRO). Arte Escénico de la Universi- publicaciones más recientes dad de Buenos Aires. Tam- se encuentran Viajantes de la bién es miembro del comité Modernidad (Aracne Edieditorial de la revista “Świat i trice, Roma, Italia, 2015), y el Śłowo” de la Universidad de libro Otras Geografías / Otros Bielsko-Biała y del comité mapas teatrales: Nuevas perscientífico de la revista “Jour- pectivas escénicas latinoame-

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ricanas (en colaboración con Jorge Dubatti, Universidad de Bielsko-Biała y Universidad de Buenos Aires, 2016). En 2019, regresó a los escenarios como actor en la obra “STAFF ONLY”, dirigida por Katarzyna Kalwat y con dramaturgia de Beniamin Bukowski, que se estrenó en el Teatro Rozmaitości en Varsovia. Este trabajo recibió el Primer Premio a la Mejor Obra en el 6.º Festival de Nuevo Teatro en Rzeszów (Polonia) y el premio del público en el Festival de Teatro OFF en Szczecin. En el campo de la dramaturgia tiene una docena de obras, entre otras Gritos, La tregua, Los asesinos y Los girasoles no florecen en invierno. Actualmente prepara la publicación de un tomo que contiene los textos, Pequeños incidentes en la vida de los niños, En la isla… , Detrás de la granja y La pared.

Actualmente, está preparando un libro sobre la dramaturgia del argentino Héctor Levy-Daniel titulado Dimensiones metafóricas en la dramaturgia de Levy-Daniel, que se publicará a fines de 2024 a través del Instituto Polaco de Estudios de Arte Mundial. En 2020, Dimeo, junto con el Profesor Michał Kopczyk, recibió una subvención del Ministerio de Relaciones Exteriores y Culto de la República Argentina en el marco del programa “Sur” para investigar y traducir la dramaturgia de LevyDaniel. El libro con los estudios pertinentes y las

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Acto de entrega del reconocimiento a Carlos Dimeo, octubre 2023

obras, titulado Las mujeres de los nazis, fue publicado por Universidad de Bielsko-Biała. Es miembro de ATEACOMP (Asociación Argentina de Teatro Comparado), así como de AINCRIT (Asociación Argentina de Investigación y Crítica Teatral), también de la Federación Internacional de Investigación Teatral IFTR y la Asociación de Estudios Latinoamericanos LASA, y la Asociación Polaca de Estudios Teatrales (PTBT).

porte en Europa. Además, ha establecido aproximadamente 50 acuerdos bilaterales de cooperación científica y educativa con socios extranjeros. Como resultado, cada año crece el número de estudiantes que deciden irse al extranjero para estudiar en un país europeo diferente, mientras completan una carrera y los que deciden venir a estudiar a Bielsko-Biala.

La Universidad de BielskoBiała se encuentra en la hermosa ciudad de Bielsko-Biala, LA UNIVERSIDAD rodeada de un paisaje montaLa Universidad, fundada en ñoso. La ciudad tiene una imoctubre de 2001, como una presionante arquitectura Art institución académica inde- Nouveau y se le conoce como pendiente, coopera con mu- la Pequeña Viena. También es chos centros académicos e una ciudad amigable para los institutos de investigación de estudiantes con una agradatodo el mundo. Hasta ahora, ble vida nocturna, que es rica ha firmado más de 100 acuer- en lugares históricos y naturados en el programa Eras- les. mus+, que se creó para apoyar la educación, la for- Hernán Colmenares mación, la juventud y el de- hernancolmenaress@yahoo.com

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Festival CALLEJON 2023

Maratón de teatro, Danza, Música + Video performance por jóvenes creadoras en Espacio Callejón. Del 5 al 11 de noviembre tendrá lugar la sexta edición del FESTIVAL CALLEJÓN, la maratón artística de teatro, danza y música protagonizada por jóvenes creadoras que año a año conquistan el emblemático teatro Espacio Callejón (Humahuaca 3759, CABA).

La sala icónica de la escena independiente, dirigida por Javier Daulte y Federico Buso, recibe una nueva edición del Festival Callejón que cuenta

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con la curaduría y producción de Ramiro Bailiarini, Sebastián Francia y producción general de Zoilo Garcés. Este año las propuestas se duplican con una programación de seis días consecutivos con triple programa diario, intervalos con música en el bar y una instalación inusual titulada “Entrar Tarde”, video performance de Damiana Poggi y Miguel Masllorens con fotografía de Nora Lezano y la interpretación de Diana

Szeinblum, Leticia Mazur y Federico Fontán. La oferta teatral 2023 está integrada por el estreno de “Subatómica”, la obra de Mia Miceli sobre la investigación de un evento subatómico en una casa muy particular. “Cine herida”, work in progress de la actriz Sofia Palomino que pone en escena el devenir errante del espectador de un film. “Lo ilimitado no existe” obra estreno de Renata Mármora sobre el vínculo entre

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entrenadora-deportista y las disfrutan en Espacio Callejón. dinámicas que circulan en los ámbitos de competencia de- FESTIVAL CALLEJON 2023 Del 5 al 11 de noviembre en portiva. Espacio Callejón Las propuestas de danza son Humahuaca 3759, CABA. “La victoria de lo incompati- Localidades $ 3500 (2 obras ble” de Mariana La Torre y su $6000) disponibles en Alterdesopilante reflexión sobre el nativa Teatral universo de los grupos, sus comportamientos y espacios PROGRAMACIÓN 2023: de acción. “Los herederos de corazón de colibrí”, obra invi- Domingo 5/11 tada, con interpretación y di- 18hs “Cine herida”. Dramarección de Natalia Tencer turgia y dirección: Sofia Palojunto a Cristián Jensen y Gulli- mino. ver Markert (co-producción 20hs “La victoria de lo indel FIBA y el Festival Buenos compatible”. Idea y direcAires Danza Contemporá- ción: Mariana La Torre. 22hs “Los Herederos, coranea). zón de colibrí”. InterpretaRamiro Bailiarini, curador del ción, idea y dirección de: festival declara: “estamos Natalia Tencer, Cristián Jenmuy felices por la llegada de sen y Gulliver Markert. esta nueva edición del Festival Callejón, un espacio que Lunes 6/11 crece desde hace seis años 20hs “Subatómica” de Mia visibilizando -hoy más que Miceli. nunca- toda la diversidad y 22hs “Lo ilimitado no potencia creativa de las crea- existe” de Renata Mármora. doras de nuestra escena”. Su socio, Sebastián Francia, Martes 7/11 agrega: “siempre privilegia- 19hs “Cine herida”.Dramamos las propuestas innovado- turgia y dirección Sofia Paloras en materia de teatro y mino. danza - algunas de ellas pro- 21hs “Lo ilimitado no ducidas por nuestro festival-, existe” de Renata Mármora. hecho que nos llena de satis- 23hs “Subatómica” de Mia facción. Además, en esta Miceli. sexta edición, sumamos un nuevo lenguaje super intere- Miércoles 8/11 sante para descubrir: la video 20hs “Lo ilimitado no existe” de Renata Mármora. performance”. 22hs “Los Herederos, coraA partir del 5 de noviembre, zón de colibri”. Interpretadesde el atardecer hasta las ción, idea y dirección de: 23h, lo más innovador del te- Natalia Tencer, Cristián Jenatro, la danza y la música se sen y Gulliver Markert.

Jueves 9/11 19 hs “Cine herida”. Dramaturgia y dirección: Sofia Palomino. 21hs “La victoria de lo incompatible”. Idea y dirección: Mariana La Torre. 23hs “Subatómica” Mia Miceli. Viernes 10/11 20hs “La victoria de lo incompatible”. Idea y dirección: Mariana La Torre. 22hs “Los Herederos, corazón de colibrí”. Interpretación, idea y dirección de: Natalia Tencer, Cristián Jensen y Gulliver Markert.

Sábado 11/11 23h Fiesta de cierre, abierta a los artistas y público, con la actuación de Ibiza Pareo y lxs DJS Marcos Velázquez y Esto es Mabel. Instalación permanente “Entrar Tarde”. Dirección: Damiana Poggi Con: Diana Szeinblum - Leticia Mazur- Federico Fontán Performance Sonora: Miguel Masllorens. Fotografía: Nora Lezano. ** En los intervalos entre cada espectáculo se podrá disfrutar de la video performance y de la música en vivo de Mat Moreno y Agustín Ceretti en el bar del Callejón. CECILIA GAMBOA Comunicación & Prensa info@ceciliagamboa.com.ar www.ceciliagamboa.com.ar

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ESTRENO

“Mujeres Alfa”

la serie web de las malas feministas

La serie está basada en una versión ficcionada de las conversaciones de Sole Castro Virasoro y sus amigas: Maru, Laura y Flor. El guión gira en torno a la observación y parodia de hechos cotidianos, desde donde se crean situaciones que llegan al ridículo, gracias a las excentricidades de las protagonistas. En cada episodio se hace una lectura crítica, pero siempre muy divertida, de la cultura contemporánea y las pequeñas grandes tragedias que nos tocan vivir.

La serie cuenta con un increíble elenco: Florencia Prada Duhagon, Adriana Cuerda,

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Déborah Santllans, Sole Castro Virasoro y Nicolás Biffi. Tiene la participación especial de: Diego Topa, Sergio Maravilla Martinez, Guillermo Lobo, Robertito Funes, Rosa Montero y Sofía Squittieri.

Sole Castro Virasoro es argentina, ahora vive en España. Autora del libro “Mujeres Alfa y hombres 2.0” disponible en Amazon en español, portugués e italiano y de los cuentos infantiles de Diego Topa. Columnista de medios como Clarín y creadora de la marca Mujeres Alfa. Colaboradora en Revista Zenda y

Burak. Escribió críticas de cine y series en el Grupo Promecal (España).

En 2019 fue seleccionada para el concurso Mujeres Empresarias de FECOBA y CAME y se le otorgó Mecenazgo para la producción de la serie web Mujeres Alfa. En 2016 fue Finalista de Incuba del Gobierno de la Ciudad por su emprendimiento Mujeres Alfa y finalista del concurso Acercarte del Ministerio de Cultura de Buenos Aires en la categoría de stand up. Hizo shows de stand up durante casi 10 años (incluyendo Barcelona). En 2023 ganó una beca para

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Harvard Business School Publishing (Becas Santander). Estudió Letras en la UBA, guion de cine con Juan José Campanella y Aída Bortnik y luego dramaturgia con Mauricio Kartun. Cantidad de episodios: 10 Duración: 7 minutos cada uno Producción Ejecutiva: Sole Castro Virasoro Guión: Sole Castro Virasoro Elenco: Florencia Prada Duhagon, Adriana Cuerda, Déborah Santllans, Sole Castro Virasoro y Nicolás Biffi Participación especial de: Diego Topa, Sergio Maravilla Martinez, Guillermo Lobo, Robertito Funes, Rosa Montero y Sofía Squittieri Dirección de arte: Melina Fernández Méndez Dirección de vestuario: Leticia Salorio Maquillaje: Mabby Autino Imagen y sonido: Luciano Senatori y Emiliano Gauna Música original de la serie Juan Pablo Vitali, letra de Sole Castro Virasoro y voz de Jimena Iturre Animación de la apertura: Sebastián Semproni Ilustraciones: Sole Castro Virasoro

Durante la serie, el psicólogo de Sole comenzará, en secreto, a dibujar viñetas acompañadas por frases que son la esencia de su paciente. En la ficción, esas imágenes son un éxito y Sole comienza a preguntarse si al-

guien está robando sus ideas. En la realidad, los seguidores de la marca pueden comprar productos licenciados con esas mismas imágenes. Mujeres alfa es una marca y un contenido realmente transmedia, que juega a borrar el límite entre realidad y ficción, con productos que existen tanto dentro como fuera de la pantalla, y que forman un mundo donde todo es posible.

¿Dónde está el límite? El espectador no lo sabe, pero puede jugar a encontrarlo. Es complejo, claro que sí. No obstante se crea un mundo sumamente atractivo para los espectadores y una plataforma donde los PNTs no sólo no desentonan, sino que nutren las historias. Esta serie se está produciendo gracias al apoyo de Participación Cultural del Gobierno de la Ciudad y Banco Comafi. También somos Alfa en la vida real Sole Castro Virasoro (Argentina viviendo en España) es Sole.

Autora de “Mujeres Alfa y hombres 2.0” y de los cuentos infantiles de Diego Topa. Columnista de medios como Clarín y creadora de la marca Mujeres Alfa. Colaboradora en Revista Zenda y Burak. Escribió críticas de cine y series en el Grupo Promecal (España).

En 2023 ganó una beca para Harvard Business School Publishing (Becas Santander). Estudió Letras en la UBA, guion de cine con Juan José Campanella y Aída Bortnik y luego dramaturgia con Mauricio Kartun. Florencia Prada Duhagon (Argentina) es Maru

Es Actriz, se graduó de Licenciada en Actuación en la Universidad Nacional de Artes Dramáticas de Buenos Aires (UNA). Asistió a talleres de entrenamiento actoral con Javier Daulte, Guillermo Cacace, Lorena Vega, Mariela Asencio y Marcelo Savignone. En teatro trabajó en las obras Tristán Isolda, Mi vecina Favorita, Beatnik, Zooilogico, Wi fi Fest, Todos los secretos y Yerma. En televisión participó en varias series como Cuéntame cómo pasó, Esperanza Mía, Socias, Lobo, Señales, Patito Feo, Costumbres

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Argentinas y Son Amores, entre otras.

actualmente desarrolla su actividad en redes.

Es actriz. Asistió a varios talleres de actuación y entrenamiento actoral con María Zambelli, Francisco Civit , Laura Raggio, Bárbara Merlo, Inés Estevez, Carlos Rapolla y Guillermo Cacace En teatro trabajó en las obras: Tema de hombres, La llamada, Sabaneras (2 temporadas), Terapeuta Alternativo y Panaderas. Se suma la obra de teatro Hojas Negras, realizada vía streaming. Participó en los videoclips “Jaque Mate” y “Todo todo” y

Se formó en artes escénicas e interpretación en la escuela Complot Escénico de la mano de actores como Nacho Guerreros y Cristina Alcázar, entre otros. Es bailarina de Ballet y Flamenco y estudió canto e improvisación teatral. Actualmente forma parte del elenco de monologuistas de “La casa de la comedia” en Barcelona.

Adriana Cuerda (Argentina) es Flor

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Déborah Santanach Llansá (España) es Laura

Nicolás Biffi (Argentino viviendo en España) es Mar-

celo Nacido en Buenos Aires en 1982, se forjó en el mundo del teatro estudiando en el Teatro San Martín. Su talento encontró su mejor expresión en la comedia stand-up, donde brilló durante 15 años en el Paseo La Plaza antes de aventurarse a abrir su propio teatro en la concurrida Avenida Corrientes. Hace cinco años, decidió emprender un nuevo capítulo en Madrid, donde sigue haciendo reír al público con su humor genuino. TEHAGOLAPRENSA Andrea Feiguin +54 9 1150621635 info@tehagolaprensa.com.ar

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MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO BEATO ANGELICO

De la visa al papel… del papel a la vida Como mágicas casitas de muñecas, las maquetas teatrales de Mariana Pace son el “hogar en miniatura” de las historias de fantasía que cuentan diferentes operas. El pasado mes de Octubre, en el Museo de Arte Contemporáneo Beato Angelico de La Plata, se realizó esta singular muestra que nos invita a soñar con los escenarios, a soñar con EL TEATRO. Pero… ¿Qué es?, ¿Qué es el Teatro? Shakespeare nos diría que: “La Vida es un Teatro”. Y…los argumentos, ya sean veristas o fantasiosos de la Opera ¿nos representan? Sí, nos representan. Pues desde los sacrificios más altruistas a las bajas pasiones humanas, los hechos prosaicamente cotidianos, la ilusión infantil, los mitos, los monstruos y las metáforas de amores imposibles de sirenas, todos, todos sus temas, son parte de la vida. El Teatro es un espacio de autoconocimiento… ponerse “en los zapatos de otro” es una de las cosas más piadosas y generosas… pero Teatro no es psicología, ni mirar un personaje con una lupa, sino que es un “espejo”. El Teatro no es solo literatura, y

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la Opera no son solo música fría o técnica perfecta al cantar para llegar a la nota más alta; la Danza de un bailarín, no es el saltar cada vez más alto cual atleta olvidándose de su artista, no… El Teatro no es muchas pero muchas luces potentes y computarizadas o after effects o laser, o enchufes y enchufes y más enchufes y cables y más cables y “electrodomésticos” con muchos efectos de humo…no…no…no. El Teatro es EMOCION, ES ACCION, es MOTIVACIÓN, …y sobre todo, EL TEATRO ES JUEGO. Porque el artista juega y debe jugar. Si pierde

el juego, pierde el artista (se pierde como artista), porque ya no será niño... y los niños, sueñan! La maravilla de jugar y soñar la perdemos al intelectualizarlo todo, al desmenuzarlo todo y creer que lo digerimos todo porque “somos adultos”. El artista nunca puede olvidar lo lúdico (porque sino no sería artista) y esto es algo que no se puede intelectualizar “con el mucho bla bla bla”, solo se siente. Quizás desacralizar el contenido, ha sido parte de ese juego artístico sin que jugar haga perder la inten-

El Amor de las Tres Naranjas

ción utópica del decir de lo humano.

El Teatro es una fábrica de sueños… pero... ¿dónde nace un sueño? ¿Dónde nace el cuadro que vive en el escenario? Los cuadros de la escena nacen en la mente con las musas, o en el espíritu con el ángel, o nacen desde las entrañas con el duende que todos tenemos dentro; …nacen…de la vida al papel y del papel a la vida. Encontrar y visualizar la imagen completa de una obra, la idea de totalidad es imagina-

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ción y tarea del Régie.

Trasladar la imagen del autor desde los contornos de lo escrito de los personajes, a veces en algunos casos indefinidos como las formas de un feto, o perfectamente delineados como muñecos de porcelana o de cera, a darle vida en los cuerpos que prestan los intérpretes, encontrando la naturaleza humana; es el oficio del Director de Escena que, como alfarero él mismo juega a “dar” vida a sus “muñecos” en “ las casitas de muñecas”. Mariana Pace

Y en esas casitas de muñe-

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cas, Mariana Pace funde: Los encantos y perfumes de las historias de la opera, de sus pasiones, de sus relatos de riqueza y pobreza, de bohemia, de luchas de poder, luchas por la libertad, de ejecuciones, intrigas, celos, asesinatos, prejuicios, cuentos fantasiosos, religión, amor y sexo; subyugando con el juego de sus argumentos intensos... Vemos por ejemplo como en las Maquetas escenográficas de: La Traviata, de G. Verdi (segundo acto segundo cuadro o llamado también tercer acto) La casa de Flora es representada en un rojo in-

La Traviata Maqueta 2023 (2)

tenso lujoso y pasional, con escaleras que no llevan a ninguna parte, como el presente del amor de Violeta y Alfredo, que es condenado por el pasado que no los deja vivir un amor con futuro. Macbeth (Una macchia è qui tuttora) de G. Verdi. Lady Macbeth ve sus manos ensangrentadas, y los diseños de mil líneas en negro, blanco y rojo son su culpa, su conciencia tortuosa que la lleva a enloquecer. La Acción y el estado de ánimo del personaje es el que domina y crea el espacio.

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El Rapto en el Serrallo (“Die Entführung aus dem Serail”) de Wolfgang Amadeus Mozart: Todo parece un cuento infantil disfrazado con glamour, con colores pasteles, vestuarios rococó… mientras vemos allí, para no olvidar la palabra “rapto”, una mariposa allí, presa. El Amor de las tres naranjas de Sergei Prokófiev. Sin duda un cuento extravagante, donde la caricatura es el recurso para simbolizar uno de los datos más importantes del personaje del Príncipe, que solo se puede curar de su melancolía e hipocondría con la risa! Condenado a enamorarse de tres naranjas, nos recuerda que cualquier ser humano puede caer en el amor más ridículo. Aquí el color predominante, el naranja combate con el violeta, como el juego de cartas de su argumento, entre el bien y el mal; haciéndonos ver, que cuando alguien juega a las cartas…pensar: ¿qué es lo que está en juego en la vida?

Rusalka de Antonín Dvořák. Un cuento de Sirena, en la que ella solo puede abrazar a su amado humano en forma de ola…y pierde todo, hasta su habla, para volverse humana y seguirlo… pero por supuesto él, que es humano, la decepcionará… es una sirena que como tantas mujeres abandonan sus propias caudas de sueños y se ahogan por ello. Y, como

todo cuento tradicional, combina y funde los “rodillos azules” (una clásica forma de simbolizar el agua en el teatro de antaño) con el dibujo novedoso de las líneas.

Orfeo ed Euridice de Christoph Willibald Gluck. Orfeo (hijo de Apolo y Calíope) llora desesperado la muerte de Euridice. Los dioses se apiadan de su sufrimiento y mandan a Amor a darle la noticia de que podrá bajar al inframundo a rescatarla, con la única condición de no mirarla ni hablarle hasta salir al mundo de los vivos, no debe girar y mirar hacia atrás. La Lira es el paso de un mundo a otro, y el canto de Orfeo calmará a las Furias. Las cuerdas de la Lira ya no son siete, sino que se multiplican y son de la altura de todo el escenario en la maqueta de la escenografía, son los Portales para que Orfeo traspase y pueda ir a buscar a Euridice a los infiernos.

Pagliacci de Ruggero Leoncavallo. La opera verista que muestra una obra de la commedia dell`arte que se repite en la vida real. Aquí, la escenografía para el segundo acto da un giro del color del sol, color naranja y trapecios, con escaleras que no sirven para huir de las venganzas o de la ira de Canio; una maqueta para una opera verista con estética real y naif, figurativa y de fantasía,

circense alegre y a la vez dramática, un nido de recuerdos infantiles y de pasiones adultas violentas y humanas, escondidas detrás de las máscaras. Máscaras que son rostros, rostros que son máscaras.

Pierrot Lunaire OP. 21 de Arnold Schönberg. Sin duda, un ensueño lunar de espejos. Inspirado en un cabaret art decó de principios del siglo 20, un biombo de espejos, una capa de espejos, una escalera también de espejos pero fragmentados, hacen que la luna entre en la habitación “atonalmente” y veamos nuestras propias luces y sombras de personas y despersonas. Cada maqueta (que posee el característico colorido potente y vibrante de las puestas de Pace, que son su estilo y sello personal); cuenta en su nomenclador con un pequeño extracto del argumento de la opera a la cual pertenece, siendo así un complemento didáctico a la propuesta estética. Los 11 Bocetos aquí presentados, (once cuadros) no son figurines, sino “visiones” al estudiar los personajes, sus conflictos y situaciones, pero diseñando desde la emoción y las sensaciones, para así abordar el estudio del texto, subtexto y texto subyacente; ya que el Régie no se rige solamente por un libreto como solo un

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director de escena, debe estudiar el libreto y también la partitura. Abordar el estudio de la obra se realiza en varios planos: Texto, música, ubicación y contexto histórico, espacio, personajes, conflictos, etc. Y sobre todo EMOCION. Sino emociona y solo sorprende, es ciencia y no es arte. Todo tiene que estar en armonía, vestuario, escenografía, caracterizaciones, etc., para que el sueño sea verdad. Inspiración y trabajo. Juego con libertad y concentración más motivación más intuición más trabajo, dan como resultado de la pócima la concreción de la OBRA EN ESCENA. Las maquetas, casas de muñecas de las operas, se convierten en cajitas musicales, cajas de carrillones imagina-

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rios para luego tomar vida en nuestra mirada, si nos atrevemos a jugar o a soñar.

Y así, jugando-trabajando, trabajando-jugando, trabajando – jugando CREANDO, los bocetos y las maquetas de las operas en esta exposición son el embarazo de ese sueño que sale a escena. Algunas ya han nacido, y probaron el alimento dulce pero adictivo del aplauso. Otras esperan protegidas, para no ser raptadas por los no soñadores…. Y, todas, tienen algo que las une, y es su LIBERTAD. MARIANA PACE

Es abogada por la Universidad Nacional de La Plata (UNLP), Post-grado de Gestión Cultural en FLACSO, Prof. Lengua e Historia del Arte italiana, artista visual,

bailarina, y desde hace tiempo Dirección Escénica.

Coordina el Área de Música de Fundación Catedral desde 2020 a la actualidad en: realización de conciertos virtuales, y presenciales, y edición de videos. Su formación profesional, (su especialidad en la Abogacía como su actividad artística) son las bases de su de su respeto por la difusión para con el Patrimonio Cultural. La exposición, puede visitarse de lunes a viernes de 16.00 a 21.00 hs., en la Sala Sassone, del Museo de Arte Contemporáneo Beato Angelico UCALP, calle 47 esq. 16 y diag. 73 - La Plata. Contacto: Mariana Patricia Pace marianapatriciapace@gmail. com @marianapatriciapace

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6to. Festival Porteño de Fado y Tango A realizarse el sábado 4 y domingo 5 de noviembre Entrada libre y gratuita

Sedes: Academia Nacional Fundación Amália Rodrigues del Tango y CAFF (Club Atlé- (Lisboa) tico Fernández Fierro) El 6to. Festival Porteño de Este Festival cuenta con el Fado y Tango se realizará los acompañamiento de la Fun- días sábado 4 y domingo 5 de dación Santander Argen- noviembre de 2023 con tina** a través del Régimen charla, exhibición de baile y de Promoción Cultural (Me- recitales en las sedes de la cenazgo) del Ministerio de Academia Nacional del Tango Cultura de la Ciudad de Bue- y CAFF (Club Atlético Fernannos Aires, y con el apoyo ins- dez Fierro). titucional de la Embajada de Portugal en Buenos Aires y la Lo que caracteriza el espíritu

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del Festival, es encontrarnos en un espacio de pertenencia e intercambio entre ambos géneros que han sido declarados Patrimonio Intangible de la Humanidad por la Unesco. Los mismos están estrechamente vinculados por ser, en esencia, músicas de ciudades de puerto con influencias de las distintas migraciones. Este Festival, además de honrar las tradiciones de ambos géneros, ha

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En esta edición y a pesar del difícil contexto que atraviesa nuestro país, pensamos más que nunca que es necesario y sanador este encuentro: El Festival Porteño de Fado y puente cultural entre tango y Tango contó con cinco edicio- fado, Lisboa y Buenos Aires. nes anteriores: en 2012, en ritmos, declarados seis sedes, con más de 56 ar- Estos tistas - 2014 con conciertos ambos Patrimonio Intangible gratuitos en cuatro salas con de la Humanidad, surgen más de 50 artistas de diversas como identidades culturales en regiones del país y artistas lis- ciudades de puerto como Bueboetas invitados ; 2017 con nos Aires y Lisboa, unidas por Mafalda Arnauth como artista el Río de La Plata y el Tejo a internacional invitada; 2019 otras ciudades vecinas como con el artista internacional Zé Montevideo o Coimbra y han Perdigao y 2021 -por las res- sabido proyectarse al mundo. tricciones impuestas por la Sus poetas y creadores los llepandemia- con una combina- varon al máximo de su esplención de modalidad virtual con dor en el siglo pasado y hoy producciones audiovisuales vuelven a tener esta fuerza e de ambos géneros y concierto impulso local de nuevos compresencial con aforo reducido positores, intérpretes y letrisen CAFF y Rondeman Abasto. tas, más allá de los límites de los países que los vieron nacer. Han pasado por el Festival Este Festival intenta con cada estos destacados artistas in- edición homenajear su raíz ternacionales- por solo men- identitaria y rescatar su valor cionar algunos-: Zé Perdigao, cultural y ser fuente de inspiraNé Barandas, Mafalda Ar- ción a estas nuevas generacionauth, Paulo Valentin y Bruno nes musicales para seguir Costa, Fernanda Paulo. Ade- generando adeptos y difundir más de los más destacados a sus exponentes. ” exponentes locales de ambos géneros. En total, más de 70 PROGRAMACIÓN DÍA POR artistas de ambos géneros DÍA: han pasado por las 5 edicioSÁBADO 4- 18hs Academia nes anteriores. Nacional del Tango Palabras de Karina Beorlegui, cantora y organizadora del Palacio Carlos Gardel de Av. de Mayo 833 . Piso 1º Festival. - Charla y proyección audio“¡Con mucha alegría anuncia- visual: “Tango, Fado, Amália mos una nueva edición- la 6ta- y Gardel” de este ya tradicional Festival! A cargo del Presidente de la Academia Nacional del Tango tenido por objeto desde su primera edición, ser espacio de difusión de nuevos exponentes de los mismos.

y Director del Museo Casa de Carlos Gardel: Gabriel Soria. Con la participación en diferido de la Fundación Amália Rodrigues desde Lisboa, Portugal y la presencia del Sr Embajador de Portugal en Buenos Aires, Sr José Ludovice. Exhibición de baile a cargo de Lucas Di Giorgio y Noelia Coletti. DOMINGO 5 - 20hs- Apertura de sala 19hs CAFF - Club Atlético Fernandez Fierro Sánchez de Bustamante 772Abasto-CABA

Recital de las agrupaciones de tango y fado locales: Fado Trío (Fado) Mariana Accinelli y Diego Cappa (Fado y Tango) Almalusa (Fado) Juan Lorenzo (Tango- Presenta su reciente álbum “Alto ruido”) Fadeiros (Fado) Karina Beorlegui (Tango y Fado: Presenta su última producción “Encuentro Amália/Gardel”) Entrada Libre y Gratuita por orden de llegada hasta colmar la capacidad de cada sala.

Declarado de Interés Cultural por el Gobierno de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires. Contacto del Festival: festivalfadoytango@gmail.co m Prensa y comunicación Ana Garland anagarland@gmail.com

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PLÁCIDO DOMINGO, UN TENOR ETERNO

Por Nicolás Isasi

El reconocido tenor y director de orquesta español Plácido Domingo, uno de los más grandes cantantes de la historia, se presentó en el Altice Arena de Lisboa con un concierto particular y emotivo que hizo gala de su notable capacidad vocal con una maravillosa técnica que sigue ubicándolo en lo máximo de la lírica mundial a sus 82 años.

Exdirector general de la Ópera Nacional de Washington y de la Ópera de Los Ángeles, Plácido Domingo comenzó a cantar de adolescente con sus padres, y al poco tiempo fue conquistando escenarios en Europa, América y el mundo entero. Su popularidad a nivel masivo fue gracias al conjunto “Los tres tenores” junto al italiano Luciano Pavarotti y al español José Carreras. Si bien su color de voz es de tenor, el paso del tiempo ha mudado parte de su voz al registro de barítono, asumiendo nuevos roles operísticos. A la fecha, con más de 4 mil representaciones en prácticamente todos los teatros importantes de ópera del mundo, lleva el récord de haber interpretado más de 150 personajes operísticos diferentes, lo cual nos lleva a pensar en un breve

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cálculo de 3 personajes nuevos por cada año de carrera. Incluso su nombre figura en el Libro Guinness por haber sido ovacionado durante una hora y veinte minutos en la Ópera de Viena (1991). Entre otras distinciones, posee la Orden del Imperio Británico y la Gran Cruz de Alfonso X el Sabio. Su pasión por la música sigue cautivando al público de todo el mundo y en este caso estuvo acompañado por la orquesta Sinfonietta de Lisboa, formada por 65 músicos. Como buen hijo de cantantes de zarzuela (empezó a los 16 años como barítono, en 1957), realizó varias intervenciones de este género operístico español, y también cantó en inglés, francés, italiano y portugués. El repertorio obviamente estaba orientado a un público amante de la ópera, pero también tuvo opereta, clásicos de Broadway y canciones populares. El inicio del concierto fue con una obra instrumental, para dar paso al Maestro que interpretó temas fuera del repertorio popular y conocido por el gran público, tales como “Senza mamma” de Giacomo Puccini, “Nemico della Patria” de Umberto Giordano, “O vin,

@isasi.nick

dissipe la sadse” de Ambroise Thomas y “Depuis le jour” de Gustave Charpentier. Entre canción y canción alternó sus participaciones con la soprano armenia Mané Galoyan. Al cierre de la primera parte, interpretaron a dúo “Mira, d’acerbe lagrime” de la ópera Il Trovatore de Giuseppe Verdi.

En la segunda parte del concierto invitó al escenario a su hijo Plácido Domingo Jr que también es tenor, aunque más ligero, sin la versatilidad y potencia dramática de su padre, para cantar “Sabor a mí” de Álvaro Carrillo. Luego, el hijo llamó al padre y juntos interpretaron “Adoro” de Armando Manzanero. En una entrevista a un medio local, Domingo aseguró: “debuté en Portugal fue en 1989, con Otello de Verdi en el Teatro Nacional de São Carlos. Me encanta el ambiente de sus calles, la riqueza de su historia y la sofisticación de su cocina, pero sobre todo me encanta el fado. (…) Espero tener la oportunidad de volver a interpretar Fado”. Y efectivamente, como era de esperarse, con emoción, nervios y adrenalina según declaró al entrar al escenario

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junto a la fadista Kátia Guerreiro, terminó cantando los fados “Foi Deus” y “Coimbra” en portugués junto a la platea que coreaba y aplaudía de pie. La cantante portuguesa agradeció el honor de volver a cantar junto a él, elogió la

generosidad de Domingo y su versatilidad para animarse a cantar una vez más en portugués (aclarando que muchos cantantes líricos se animaban, pero no todos lo lograban), mientras el tenor sostenía las

partituras de fado en la mano. Los acompañaron los músicos Frederico Gato (bajo acústico), André Ramos (viola) y Pedro de Castro (guitarra portuguesa).

En el saludo final con todos los artistas en escena, como bis e invitando a cantar al público, interpretaron el clásico “Bésame mucho” de Consuelo Velázquez para cerrar una velada cálida e inolvidable en la que podemos afirmar que, a sus 82 años, su placer de subir al escenario está intacto. Y su voz también.

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Buenos Aires festeja la cultura de Asia y del norte de África

ASIA FESTIVAL La música, la danza, el teatro, son expresiones culturales que permiten acercar geografías distantes. En una ciudad cosmopolita como Buenos Aires, muchas de estas comunidades están presentes y mantienen sus tradiciones y gestos que -a su vez-, se van nutriendo de expresiones locales. Así, surgen nuevos colectivos de artistas que mantienen y revalorizan tradiciones milenarias de sus ancestros. Este es uno de los objetivos del Asia Festival (con entrada libre y gratuita y que ya va por su 12º Edición): acercar a las personas diversos espectáculos, seminarios y congresos y adentrarse en culturas lejanas como las de China, Japón, India, o los países árabes “No se encuentran, prácticamente, en Buenos Aires festivales que incluyan a estas colectividades de forma simultánea”, dice la Lic. Marina Barrionuevo, fundadora del Estudio Sahar y de este Festival. El proyecto cuenta con el acompañamiento de Fundación Santander Argentina a través del Régimen de Promoción Cultural (Mecenazgo) del Ministerio de

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Cultura de la Ciudad de Buenos Aires. Así, comenzaró el 27 de octubre, desde las 18 hs., en la Biblioteca del Congreso de la Nación con una conferencia y espectáculo en homenaje a Mario Kirlis (1957 – 2023) uno de los músicos, compositores, productores y arreglistas argentino de mú-

sica árabe más reconocido a nivel internacional Posteriormente, el 8 de noviembre, desde las 14 hs, se realizará el Congreso de Historia de la Danza y Música de Asia y el Norte de África en la Biblioteca Nacional. La Manzana de las Luces

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también será escenario de diversas expresiones artísticas. Así, el 10 de noviembre se realizará el Concierto de Literatura y Música Árabe (19 hs).

En tanto que el 12 de noviembre se realizará la Conferencia Performática: las danzas folklóricas de Medio

Oriente (18:30 hs).

El 16 de noviembre, en la Biblioteca del Congreso de la Nación desde las 18:30 hs, se llevará adelante un taller de danzas marroquíes y el 24 de noviembre, 18:30 hs, el tradicional “Chado: el té como camino”. El cierre del Festival se pro-

ducirá el 30 de noviembre desde las 19 hs, en el Museo Nacional de Arte Oriental / Centro Cultural Borges, con un espectáculo de música y danza árabe. Contacto: Flavia Vaccarezza: Javier Blanco Toledo: prensaasiafestival@gmail.co m

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ZORN Books lanza

Stones Fuera de Stones por Diego Perri.

Aventuras solistas de los Rolling Stones, producciones y participaciones en otros discos

fuera del grupo. No sólo se detalla año tras año cada aventura, sino que se comenta la participación en cada uno de los más de 1200 discos y se profundiza sobre la esencia y estilo de cada canción. Varias resultan conocidas y populares, pero muInfinidad de libros maravillo- chísimas otras no lo son y sos se editaron a lo largo del alcanzan la categoría de tiempo en torno a los Rolling culto. Además, se contabiliStones, pero resulta curioso zan los conciertos realizados descubrir que ninguno en vivo año tras año, tanto aborda sus álbumes en solita- aquellos desarrollados de rio. Y aún menos sus partici- manera solista, como cada paciones y colaboraciones uno de los shows junto a los Rolling Stones. con otras bandas y artistas. excelente atención a los detalles. Esta historia de los Stones y sus carreras en solitario sin duda será apreciada por cada fanático de los Stones en todo el mundo. BILL WYMAN

Stones Fuera de Stones 558 páginas a todo color Un trabajo único, inédito. Auténtico libro de culto Edición Limitada

Stones Fuera de Stones invita a realizar ese ambicioso recorrido a través de 558 páginas desbordantes de magia. A PRELUDIO del STONE transitar de modo obsesivo ALONE cada una de sus entradas a estudios, a investigar las proEste trabajo que Diego ela- ducciones, autorías y coopeboró es una empresa enorme, raciones de cada integrante y sólo puedo felicitarlo por su de los Rolling Stones por

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Este libro convoca a los fieles fans de la banda a un fascinante viaje por sus trabajos solistas y a través de esas colaboraciones que seguramente van a incentivar su búsqueda y descubrimiento. Aquellas obras menos renombradas, están revestidas a la vez por ese halo místico e his-

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tórico que rodea y enaltece a La Banda de Rock And Roll Más Grande del Mundo. Seduce difundir y amplificar las creaciones inimitables y el eterno legado individual de cada miembro de los Rolling Stones. Aquí, por momentos aparecen solos y por otros muy bien acompañados, pero siempre cargados de talento, empapados de gloria y dispuestos a llevar su música directo y sin escalas al corazón. Diego Perri nació el 28 de mayo de 1969 en Lomas de Zamora, provincia de Buenos Aires. Estudió Periodismo en el Instituto Grafotécnico. Tuvo programas radiales, trabajó en medios gráficos y desde 1990, se dedica a la prensa de artistas musicales y a diseñar campañas de prensa para conciertos y lanzamientos discográficos. Desde que vio y escuchó a los Stones por primera vez a finales de la década de los 70, no pudo desprenderse de ellos y se tornó una verdadera adicción. Así fue como se convirtió en coleccionista y en un estudioso de su carrera. Presenció más de 80 shows en vivo. En 2013 editó República Stone - Diario de Viaje con los Rolling Stones por el mundo, en el que transita por varios países detrás de sus héroes musicales. En 2018, lanzó junto a Jorge Barraza y Mauro

Cunto el libro Orgullo Nacional - La mayor hazaña de todos los tiempos, dedicado a una de las más grandes proezas de Independiente. Stones

e Independiente marcan a fuego su ADN y determinan la más genuina y eterna Simpatía por el Diablo. Aquí, vuelca una vez más su pasión a través de un intenso recorrido por las aventuras solistas y las colaboraciones de cada integrante del grupo. En principio pensé en la colaboración como una información primaria, mecánica e instantánea de año, artista, disco y canción. Ese esquema era práctico y dinámico pero un tanto básico, así que cambié de idea y comencé la interminable maratón y locura de contar cada álbum, cada historia, cada tema, cada contribución. Valía la pena desenmascarar, sacudir ese nicho y sacarlo a la superficie. Fueron diez años intensos de sensaciones ambiguas. En algunas ocasiones lo amé, en

otras lo detesté. Lo disfruté como lo padecí. Se tornó extenso, tedioso, tan inacabable como apasionante, revelador y seductor. Pero si los Rolling Stones me enseñaron algo es a tener disciplina, actitud, perseverancia y a ganar cada paso por mí mismo, valores que están presentes en cada palabra. Bien o mal puestas son genuinas y dispuestas a difundir y amplificar la obra y el eterno legado de los Dioses más grandes del Rock And Roll. Diego Perri Más info en: www.zornrecords.com

Venta de ejemplares on line a través del canal oficial: https://zornrecords.mitiendanube.com/

Y de manera personal en: 40x5 Tributo Bar, Cuenca 3602, Villa Devoto. Disquería RGS, Av Corrientes 5233, Local 2, CABA. JB Libros, Andonaegui 3059, timbre 1, Villa Urquiza. Ragged Music, Constitución 481 Local B6, San Fernando. La Disquería, calle 54 Nro 653, entre 8 y 9, La Plata. Contacto: Diego Perri 11 49467985 perridiego69@gmail.com Valeria Ledesma ladyvale@outlook.es

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“Versos del Corazón Arco Iris: Arco Iris de Igualdad y Amor” El mundo de la poesía se ilumina con la llegada de “Versos del Corazón Arco Iris: Arco Iris de Igualdad y Amor”, la ópera prima de Henry Faggiolo, un talentoso autor que da voz a la comunidad LGTB con una colección de poemas cautivadores.

Este libro, en formato e-book, es un himno a la autenticidad y la igualdad, pero también una celebración de la poesía en su forma más pura. Cada poema es un pincelazo de emoción, un destello de pasión y un tributo a la diversidad que define nuestra sociedad. Henry, en su debut literario, teje versos que abrazan la riqueza de experiencias, identidades y emociones que componen la comunidad

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LGTB, pero también toca las cuerdas del corazón de cualquier amante de la poesía.

Desde los colores del arco iris que adornan su portada hasta el contenido que fluye con gracia y sinceridad, “Versos del Corazón Arco Iris: Arco Iris de Igualdad y Amor” promete cautivar a los lectores con su profundidad emocional y su belleza lírica.

En el rincón de las palabras, en versos de colores, Donde el amor florece y se cuentan los amores, “Versos del Corazón Arco Iris” se alza con pasión, Un canto a la diversidad, un poema en el corazón. Cada página es un viaje, un arco iris de emociones, Un himno a la igualdad y sus vibrantes canciones, Desde el rojo de la pasión hasta el púrpura de la unión, Este libro es una celebración, una oda a la diversión. Con “Versos del Corazón Arco Iris”, el amor se expande, En cada verso, en cada línea, en cada rima que se amontona, La comunidad LGTB, un faro en la oscuridad, Este libro es un recordatorio, una voz con claridad. Así que únete a nosotros, en este viaje te invitamos, A explorar la diversidad y a abrazar lo que somos, Con cada palabra, cada verso,

un mundo por descubrir, “Versos del Corazón Arco Iris” te invita a vivir.

Henry Faggiolo, en su condición de autor debutante, demuestra un talento innato para explorar las complejidades de la vida, el amor y la identidad a través de la poesía. Su voz única resuena en cada verso, llevando a los lectores a un viaje poético inolvidable que puede ser apreciado por todos aquellos que valoran las palabras y las emociones plasmadas en ellas. “Versos del Corazón Arco Iris: Arco Iris de Igualdad y Amor” está disponible en formato ebook y se puede adquirir en Amazon.com. Este libro es una adición imprescindible a la estantería de cualquier amante de la poesía y a aquellos que buscan una obra literaria que celebre la diversidad y la inclusión, mientras cautiva con su poder poético. Para más información sobre Henry Faggiolo y su obra “Versos del Corazón Arco Iris: Arco Iris de Igualdad y Amor”, debes ir a www.amazon.com con su nombre o el titulo de la obra. Acompáñanos en este viaje

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poético único y celebremos juntos el poder de la palabra y la belleza de la diversidad en “Versos del Corazón Arco Iris: Arco Iris de Igualdad y Amor”. POEMA Arco Iris de Pasiones r r

En el arco iris de pasiones nos perdemos, Un mundo de colores en cada verso, Cada amor es único, cada historia es sagrada, En esta diversidad, la belleza

es abrazada. El rojo como el fuego, la pasión que arde, En cada corazón, un deseo que se expande, Naranja, el coraje que nos hace fuertes, En este arco iris, rompemos barreras, somos expertos. Amarillo como el sol, iluminando cada día, En esta diversidad, encontramos alegría, Verde como la esperanza que nunca se agota, En cada verso, en cada línea, una promesa que flota.

La hija del escultor Tove Jansson

Entre la ficción y la memoria, Tove Jansson construye en La hija del escultor un relato sobre la infancia de una niña en el seno de una familia de artistas donde la creatividad y el arte rigen la vida entera.

Primer libro de Tove luego de dar por concluida la serie de los Mumin. Un refinado y sutil manifiesto artístico en el que no describe sus futuras intenciones artísticas, sino que las retrata, se las cuenta a sus lectores, prepara a sus contemporáneos para lo que vendrá a partir de ese momento.

Azul, la serenidad que encontramos en la verdad, En este mundo diverso, juntos caminamos en paz, El púrpura de la igualdad, nuestro anhelo eterno, En esta comunidad, celebramos lo interno y externo. Asíque ven, únete a nosotros en este viaje, Donde el amor y la diversidad son nuestro encaje, En este arco iris de pasiones, celebramos la unidad, En cada poema, en cada verso, encontramos la belleza de la realidad.

miedos de crecer, a los peligros de vivir, al deseo de hacer de la vida un arte. La declaración, en definitiva, de una forma de mirar y sentir de una de las mayores escritoras del siglo xx.

Marcada por la exigencia estética de un padre escultor y la sensibilidad de una madre ilustradora de libros, la narradora observa el mundo con la ironía y la capacidad de reflexión propias de un adulto, pero también con la inocencia y el ingenio de una niña. Una mirada en la que se combinan los mieLa hija del escultor es un dedos de crecer y los de la arlicado, agudo y maravilloso tista que busca hacer su viaje por la mente de una ar- camino bajo el peso de una tista en la piel de una niña en- figura paterna que se imfrentada a los dilemas y pone.

LA HIJA DEL ESCULTOR Tove Jansson Traducción del sueco por Christian Kupchik Novela // 144 pags.

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Para la protagonista, el mundo está lleno de misterios, magia y aventuras, pero también de peligros, oscuridad y deseos. Una pintura y una tormenta le despiertan la misma fascinación y respeto. La frontera entre la realidad y la imaginación se difumina, y entonces un paseo por el bosque se vuelve un paseo por un cuadro de John Bauer, el anochecer es obra de una criatura acechante que extiende su largo brazo por el horizonte, un recorrido por las bahías de la isla donde pasan los veranos se convierte en un viaje transformador y un tratado sobre la soledad. El resultado es una obra llena de ternura, humor y sabiduría sobre la infancia y la adultez, el arte y la naturaleza, el amor y el trabajo.

“La revelación de este libro es ver que lo que impulsaba la imaginación de Jansson era el miedo. Este es un libro de peligros. La oscuridad es un monstruo sin rostro. El hielo respira. Las serpientes en la alfombra son casi reales. Las palabras ‘seguridad’ y ‘peligroso’ se repiten. Leerla es como volver a la infancia: ocurren cosas inexplicables cuando los adultos están al mando”. The Guardian “Una obra de una poética vibrante, divertida y cómica, que celebra la belleza salvaje del mundo y de la naturaleza,

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y el poder creador que el ser humano puede ejercer sobre su propia vida, transformando

la realidad con su simple mirada”. La Presse, Montreal

Tove Jansson (1914-2001)

(1972), sin duda su obra más emblemática, reflejo de su minuciosa observación de los veranos pasados en la isla en la que vivió gran parte de su vida; La verdad increíble (1982) y Juego limpio (1989), los últimos tres también editados por Compañía Naviera Ilimitada editores.

Escritora y artista finlandesa, alcanzó la fama como la creadora de las historietas de los Mumin, escritas e ilustradas entre 1945 y 1970 y traducidas a lo largo de los años a más de 50 idiomas. Pero los Mumin son solo una parte de su prodigiosa producción. Ya admirada en los círculos artísticos nórdicos como pintora, dibujante e ilustradora, escribiría en la última etapa de su vida una serie de novelas y cuentos para adultos. Entre ellos, La hija del escultor (1968), el primero de esta serie que escribe luego de los Mumin y que aquí se presenta; El libro del verano

Su amor por la naturaleza y su insistencia en la libertad de perseguir su arte atraviesan toda su obra. Su lema era “Trabajo y amor” y lo sostuvo con intransigencia y alegría hasta el final. www.cianavierailimitada.co m

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La perspectiva del tutti de Julian Ehrhorn

músico y escritor, “La perspectiva del tutti puede servir de manual para estudiantes de dirección o como guía práctica para directores de orquesta. Al ejecutante de música le ofrece una gran cantidad de puntos de partida para reflexionar sobre los desafíos de la profesión y para su trabajo cotidiano sobre sí mismo. Al melómano le ofrece la clave para una comprensión más profunda de las sensaciones experimentadas en la platea de la sala de conciertos o del teatro de ópera”. El libro se encuentra disponiLa Editorial del Departamento ble en formato físico -en la de Artes Musicales y Sonoras sede del Departamento de (EDAMus) presentó el pasado Artes Musicales y Sonoras, Córdoba 2445, 25 de octubre en Departa- Avenida mento de Artes Musicales y CABA- y en formato eBook Sonoras (DAMus - UNA) Sala desde el sitio BajaLibros. Para García Morillo - Avenida Cór- adquirir el ejemplar físico, doba 2445, CABA (1er piso) el coordinar entrega previalibro “La perspectiva del mente vía mail a tutti - Lo que los músicos de musicales.edamus@una.edu. orquesta necesitan del di- ar. rector”, de Julian Ehrhorn, publicado originalmente en Sinopsis 2018 por Schott Music en len- La primera sección del libro Consideraciones generales gua alemana. trata sobre la función de las grandes orquestas en la vida Sobre el autor Julian Ehrhorn es un violinista cultural de las sociedades de origen alemán radicado en modernas. Caracteriza el perArgentina. Desde 1995 inte- fil profesional de instrumengra la fila de los primeros vio- tistas y directores, así como el lines de la Orquesta Sinfónica ámbito en el que se desenNacional. También es profe- vuelven. Además, plantea un sor de la Técnica de F.M. Ale- análisis sobre las facetas de la xander. En palabras del percepción que participan en

la recepción de la música por parte del espectador, sea en vivo o por medio de fuentes multimedia. La segunda sección La parte práctica plantea y desarrolla el punto principal del libro: ¿cómo tendría que actuar un director para ensayar eficientemente con la orquesta y para lograr una presentación digna de las obras musicales en los conciertos? El autor caracteriza los vínculos dentro de una orquesta por medio de la narración de situaciones cotidianas del ámbito laboral de estos organismos. Expone el punto de vista de un primer violín tutti de orquesta, perspectiva inusual ya que los tratados disponibles sobre la temática suelen proceder de la pluma de directores. Más allá de las pautas técnico-musicales, se introducen también pautas de la Técnica de F.M. Alexander. Dicha técnica, en una posible y escueta definición, trabaja sobre el refinamiento del control mental sobre las funciones motrices en los procesos de aprendizaje, de trabajo y de comunicación. La tercera sección resume las conclusiones de las dos anteriores en un conjunto de recomendaciones -desde el tutti- para el ejercicio de la profesión de director de orquesta. Datos de contacto musicales.edamus@una.edu. ar

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“Odisea del hambre”

de Mariela Ghenadenik: una distopía salvaje no tan lejana

en Buenos Aires. Es licenciada en Ciencias de la Comunicación de la Universidad de Buenos Aires y de posgrado de la Universidad de San Andrés. Es considerada Si no cumple, volverá al cen- una de las escritoras significatro de rehabilitación en el tivas de la nueva narrativa arque, años atrás, la encerró su gentina. Varios de sus cuentos terrible madrastra. Pero no han sido premiados y publicahay esfuerzo que alcance: la dos en antologías de Penguin realidad se muestra muy dife- Random House Mondadori, suplementos culturales y rerente a la del relato oficial. vistas digitales, entre los que ¿En quién confiar, qué hacer, se destacan: “En Celo” (2007, cómo escapar cuando todo Mondadori), “De Puntín” (2008, Mondadori), entre cambia de sentido? otros. En un futuro cercano, el pla- Editada por Del Nuevo Exneta Tierra es un planeta pa- tremo, Odisea del hambre En 2012, su primera novela cífico, sin fronteras entre los emerge como una historia DESDE EL AIRE, finalista del países y con un sistema único apasionante que devela cómo Concurso Internacional de de gobierno. Sin embargo, tras un discurso de justicia, li- Novela Letra Sur, fue publiaún hay peligros: la explosión bertad y protección se puede cada en Nueva York por Díaz demográfica apenas puede encubrir una de las versiones Grey Editores y reeditada en controlarse y la suma del peso más salvajes y discriminado- 2014. de todos los humanos ame- ras de la sociedad humana. En 2019, Del Nuevo Extremo naza con descentrar el eje de la Tierra, acercándola fatal- “Escribí esta novela animán- Editorial (Buenos Aires) pudome a un nuevo género (la blicó su novela UNA FELICImente al Sol. ficción especulativa/distopía) DAD POSIBLE. La policía de los cuerpos vi- sin planificarlo, solo persigila cada ingesta de alimen- guiendo la historia que quería Actualmente vive en Málaga tos y persigue a los contar. Y encontré un espacio (España) donde trabaja en esabundantes gravitacionales que amplió mi creatividad. trategias digitales y creación que son obligados a pedalear Porque, a partir de una trama de contenido, capacita en repara recontextualizarse ¿o absolutamente irreal que se dacción profesional a emprepara producir energía lim- ancla en ideas normalizadas, sas y particulares y continúa encontré un espacio inespe- su actividad como escritora pia?. rado para decir y cuestionar de ficción. Sofía es una decidida joven aspectos que me parecen un @marieghena de 27 años que trata de acatar delirio de la actualidad.” https://marielaghenadenik.b las leyes y de poner a raya el hambre y la ansiedad de cada Mariela Ghenadenik nació logspot.com/ día para recuperar privilegios: vivir más libremente y salvar a su abuela, ya en el límite de la edad vital permitida.

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LANZAMIENTO EDITORIAL

Amordazadas

El libro que narra pequeñas historias sobre grandes sufrimientos acallados A través de más de treinta relatos, Jaqui Zieler, la autora, expone historias que fueron gritos -que pedían ser dichos- con la intención de curar. Amordazadas nos invita a una reflexión profunda sobre la violencia, su manera de operar en los pensamientos y los actos que la perpetúan.

La Editorial Creavida presenta Amordazadas, un libro de pequeñas historias sobre grandes sufrimientos acallados, perteneciente a la Colección Creavida Mujer. Es el segundo libro de su autora, Jaqui Zieler, quien dirige la Fundación que lleva el mismo nombre, su respectiva editorial, y trabaja hace más de 35 años con mujeres y hombres.

La experiencia de Zieler, y décadas de acompañar personas y escuchar finamente sus historias, fue lo que motivó a hacer realidad Amordazadas. “Antes de decir, escucho. Recibo relatos de vida hace muchos años. Muchos. Propongo a las personas escribir. Sé la pulsión terapéu-

tos llenos de miedo, guardados por mucho tiempo en los rincones más remotos para que nadie los viera, para que no molestaran la vida, por la certeza de cumplir con un mudo pacto social de silenciar entre todos las violencias”, afirma Zieler.

tica que hay en el acto de escribir, en poder decirse; conozco la luz que trae el relato de lo vivido para elaborar lo que ha sido muy difícil de transitar”, cuenta la escritora, que se alinea en la intención de Virgina Woolf: “Quiero escribir una novela sobre el silencio de las cosas que la gente no dice”.

Esta pulsión a narrar viene también del compromiso de darlo a conocer, para que no se repitan esas vivencias silenciadas. “Escribo para que el sufrimiento no haya sido en vano. Escribo con la pretensión de ayudar a otros”, finaliza la autora. Entre las historias ficcionadas hay también otros relatos que son perlas de ternura, sensualidad y alegría de lo mejor que el ser humano lleva dentro.

Sin dudas, Amordazadas nos invitará a la reflexión y debate de una realidad que nos duele y nos acerca a la memoria de lo esencial.

Las historias de Amordazadas muestran que Jaqui sabe que escribir para otros es una forma de prestar las propias palabras para decir lo ajeno y Prensa Flor Carrozza lo humano. “Eran sufrimien- mfcarrozza@gmail.com

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Razón o Rima

Artes plásticas

pinturas de Diego Ontivero

Razón o rima es la segunda exposición individual de Diego Ontivero en Galería Mar Dulce. Presenta una serie de dieciocho pinturas nuevas en acrílico sobre tela y bastidor. Cómo ver las cosas quietas. Cómo ver una silla, una esta-

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tuilla, un zapato. ¿Inmóviles frente a la cosa, imantados brevemente por su condición estable? ¿En movimiento? Quienes hacemos lo segundo pensamos que es difícil contemplar lo quieto sin alguna paranoia. Las figuras de Diego Ontivero dejan entrever la posibilidad

de un giro, de un salto; su indiferencia ante quien mira es un modo animal de estar agazapadas. La mutua amenaza se modula en la bruma pixelada que impide la visión, en la chinoiserie decorativa que es a la vez tatuaje y camuflaje, en las cavidades y fisuras que señalan combates del pasado,

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en la escala difusa (¿son miniaturas? ¿son más grandes que yo?), en entornos de inminente oscuridad que resuenan como pesadillas infantiles. Hay una música también, un rumor melódico que recorre la serie y que en sus variaciones baila y dice algo que enmudece antes de ser dicho. Roque Larraquy

Diego Ontivero (Buenos Aires, 1979) es artista visual, diseñador gráfico y docente en FADU, Universidad de Buenos Aires. Tras la carrera de diseño, estudió con Daniel Roldán, Cristian Turdera, Mauro Koliva, Mónica Weiss y Horacio Spinetto, en la Fundación Artes Visuales, bajo la dirección de Hermenegildo Sábat. Entre el 2008 y el 2010 participó en el taller de análisis de obra de

Tulio de Sagastizábal.

Desde 2008 expone su trabajo en muestras individuales y colectivas, como Ligustrina (Casa Borges, Buenos Aires, 2023), String Music (Ubicua Gallery, Londres, 2022), Sincronías (Multiespacio Pasco, Buenos Aires, 2012), Siete líneas es igual a un punto (Centro Cultural Recoleta, 2010), La penitencia (Casa de la Cultura de Adrogué, Buenos Aires, 2009) y, desde 2017, con frecuencia en la Galería Mar Dulce. En 2020, fue finalista en la Segunda Bienal de Ilustración de América Latina, exhibiendo su trabajo en la Ciudad de México. Junto a Roque Larraquy publicaron la novela Informe sobre ectoplasma animal y próximamente publicará Bonaerencia, su propia novela.

Vive y trabaja en la Ciudad de Buenos Aires.

Galeria Mar Dulce visitas martes a sábado 1619hs hasta 2 de diciembre en Uriarte 1490 Galería Mar Dulce se especializa en obras de pequeño y mediano formato de pintura, dibujo, grabado, libros de artista y objetos, realizadas por artistas rioplatenses clásicos y contemporáneos. Junto a Razón o rima presentamos +COLECTIVA81, una curaduría de obras realizadas por otros artistas de la galería.

Linda Neilson / Ral Veroni Galeria Mar Dulce galeriamardulce@gmail.com Galería Mar Dulce Uriarte 1490 CABA Argentina Martes a sábados 16-19hs / Tuesday to Saturday 4-7pm

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El Bellas Artes inauguró una muestra retrospectiva

“Eduardo Sívori. Artista moderno entre París y Buenos Aires” La exhibición que presenta más de 200 obras y documentos de uno de los pioneros del arte argentino podrá visitarse, con entrada libre y gratuita, hasta el 4 de febrero en el Pabellón de exposicio-

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nes temporarias.

El Museo Nacional de Bellas Artes inauguró el pasado jueves 28 de septiembre “Eduardo Sívori. Artista moderno entre París y Buenos

Aires”, la primera muestra antológica que la institución dedica a uno de los pioneros del arte argentino, con curaduría de las especialistas Laura Malosetti Costa y Carolina Vanegas Carrasco.

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El acto de apertura, abierto al público, contó con la presencia del ministro de Cultura de la Nación, Tristán Bauer; el director del Bellas Artes, Andrés Duprat; la directora artística del Museo, Mariana Marchesi; y Cecilia Remiro Valcárcel, en representación de Amigos del Bellas Artes; entre otras autoridades, artistas y personalidades de la cultura.

“Probablemente, Sívori sea uno de los artistas argentinos más relevantes de entresiglos y, además, fue un gran impulsor de las instituciones culturales, de la enseñanza, y de la creación del Museo Nacional de Bellas Artes”, afirmó durante la inauguración el director de la institución, Andrés Duprat.

“Esta muestra retrospectiva, la primera que tiene lugar en

nuestro país desde la exposición póstuma dedicada a Sívori en 1919, reúne cerca de 200 obras, grabados, dibujos, afiches y también objetos personales, fotografías y documentos de gran valor”, agregó Duprat.

“También quiero destacar el trabajo que hicieron los equipos de Bellas Artes y el Centro TAREA, Escuela de Arte y Patrimonio de la Universidad Nacional de San Martín (UNSAM), sobre la gran obra de Sívori, ‘El despertar de la criada’, que está en la muestra presentada junto con los resultados de los estudios técnicos realizados”, añadió el director del Museo. Por su parte, las curadoras Malosetti Costa y Vanegas Carrasco destacaron el esfuerzo de todas las personas involucradas en la exposición, para la que cedieron obras instituciones públicas y colecciones privadas. “Al reunir y repasar la producción de Sívori, reconocemos a una generación de artistas e intelectuales que pusieron sus privilegios de clase, su talento y sus conocimientos al servicio del bien común y del despliegue de las artes de cara a las generaciones futuras. Ese es el espíritu que también pretende recuperar esta labor colectiva”, subrayaron.

“Este es un trabajo de varias generaciones de profesionales de la historia del arte, la restauración, la catalogación,

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la archivística, que han colaborado en esta exposición y catálogo, y continuarán dirigiendo sus esfuerzos en esta tarea de recuperación de nuestras mejores tradiciones, de compromiso vital con las artes, las instituciones públicas y la educación de todo el pueblo, desde las criadas hasta los estancieros”, detallaron las curadoras.

En tono emotivo, Malosetti expresó para concluir su alocución: “Sívori fue hijo de una familia de inmigrantes genoveses y de comerciantes ricos extranjeros, que era socia de la familia también genovesa de Eduardo Schiaffino, artista y fundador de este Museo. Creemos que no hay otro país más generoso que este con sus inmigrantes. Nosotras somos una prueba de ello. Ninguna de las dos nació aquí, y hemos logrado curar esta exposición maravillosa en el museo más importante de la Argentina”.

Finalmente, el ministro de Cultura agradeció a las curadoras y a los equipos del Museo: “Han hecho una tarea extraordinaria en un momento muy importante, cuando se atacan las instituciones públicas, los ministerios, las universidades. Nosotros sabemos que el camino no es el de la destrucción, sino el de la construcción cada día. La obra de Eduardo Sívori que hoy presentamos nos habla

también de esa construcción de una mirada, de la mirada de los artistas que nos proponen caminos a recorrer”.

“Eduardo Sívori. Artista moderno entre París y Buenos Aires” podrá visitarse hasta el 4 de febrero de 2024 en el Pabellón de exposiciones temporarias del

Museo, de martes a viernes, de 11 a 20, y los sábados y domingos, de 10 a 20, con entrada libre y gratuita.

El Museo Nacional de Bellas Artes, que depende del Ministerio de Cultura de la Nación y cuenta con el apoyo de Amigos del Bellas Artes, está ubicado en Av. del Libertador 1473, CABA.

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Cartelera

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Llega al escenario del CELCIT “Con las manos atadas” Una comedia dramática de Claudia Piñeiro dirigida por Sara Mon.

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.PAL. BAT.A A. Con 16 funciones consecutivas a menos en ese momento único sala llena y más de 600 espectadores en su primera temporada en La Plata “Con las manos atadas” de Claudia Piñeiro estará en en el CELCIT. Centro Latinoamericano de Creación e Investigación Teatral, MORENO 431. Los sábados 18 y 25 de noviembre a las 21.30 hs. Reservas por Alternativa teatral Humana, sorprendente, desopilante y profunda, esta comedia dramática despliega una mirada atenta y sutil sobre las relaciones humanas.

Una historia policial, un asalto en una escribanía, dos víctimas de un robo. La escribana y su secretario quedan encerrados, atados espalda con espalda en el archivo de la escribanía donde ambos trabajan. En el lugar más inhóspito el caos original deviene en un planteo intimista de “dos personas solas, dos solitarios “ como los describe la autora.

La brecha social y jerárquica se desvanece, como en una especie de Saturnalia y el lugar dominante alterna de uno a otro al

fuera de las reglas donde solo cuentan el uno con el otro.

Elena y Gutiérrez que han compartido el mismo espacio de trabajo por horas durante años desconocen todo el uno del otro y no saben aún que impedidos de liberar sus cuerpos nadie los rescatará hasta el día siguiente.

Tampoco imaginan que ninguno de los dos será el mismo al finalizar esa larga noche. Actúan MARIANA ARRUPE MARIO MAHLER. Música original y Efectos sonoros: OSVALDO AGUILAR Diseño de luces NAHUEL LÓPEZ Dirección SARA MON

En el CelCIt. Centro Latinoamericano de Creación e Investigación Teatral MORENO 431. CABA Entradas por Alternativa teatral. portal webMesa de trabajo 2.jpg Contacto: Sara Mon saramon56@gmail.com

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“Bala perdida. Coronadas de gloria”

Dramaturgia Carolina Huerta, Virginia Flammini Dirección Fernanda Giménez - Por la Cia Teatral Arde Corre el año 1997. En la dirección de un colegio público del barrio de Constitución se palpita el acto oficial en homenaje al Gral. San Martín, donde no solo se juega el prestigio del establecimiento sino también la partida

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económica distrital. Todo se irá desmadrando para la directora, preceptora y portera, quienes deberán enfrentar una serie de imprevistos, coronados por el desafío de lidiar con una alumna embarazada.

Funciones:

Viernes 20:30 h (Hasta 16/12. El 1/12 no habrá función) C.C. Morán - Pedro Morán 2147 Entradas anticipadas $3200 / En

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puerta $3700 Compra online: https://www.culturalmoran.com/ acerca de la obra:

Creada a partir de improvisación, bajo un diálogo activo entre dramaturgia, dirección y actuación, la obra se ancla en un teatro donde acción, texto y cuerpo forman un todo en el que las partes se potencian y retroalimentan constantemente. ARDE es una compañía de teatro independiente autogestiva, originada e integrada por mujeres, que conciben proyectos creativos como equipo desde el año 2017, cuando se conocieron formándose actoralmente en el mítico Sportivo Teatral. Ficha técnico/ artística:

Dramaturgia: Carolina Huerta, Virginia Flammini Actuación: Carolina Huerta (Perla), evelyn Mosmann (Teresa), Mariana terrafino (Berenice), Virginia Flammini (Susana) Diseño de luces: Sofía Gatti Producción Sonora: ezequiel alberto Sominson Arte y Diseño: Fernanda Giménez Fotos: nicole ernst Prensa: Valeria Franchi Producción: Cristian Scotton Asistencia de dirección: Facundo Fisch

Dirección: Fernanda Giménez Duración del espectáculo: 70 minutos Redes sociales: IG @arde.somos

Fernanda Giménez (Directora)

Directora de Arte y diseñadora (U.B.A); Actriz y Directora Teatral con una destacada trayectoria de 20 años en el ámbito de la creatividad, el arte y la comunicación, creando experiencias y shows audiovisuales para reconocidas marcas. Comenzó su formación actoral en el año 2013 con Julián Doregger; continuó con Matías Scarvaci, Juan Carlos Malpeli y Federico León. En el 2015 inició un período de 4 años consecutivos de formación en el “Sportivo Teatral” de Ricardo Bartís, con Florencia Dyszel y Mariano Saba. En el 2019 siguió entrenando con Alejandro Catalán. En paralelo a su formación, integró el elenco de Toska, obra teatral, dirigida por Juan Carlos Malpeli; participó como actriz en comerciales, videoclips y cortometrajes; y fue asistente de dirección y escenógrafa en “No va a doler”, obra presentada en el Festival de Artes Escénicas del Centro Cultural Konex. Actualmente es parte del Grupo Teatral “ARDE” y dirige su ópera prima “Bala Perdida”. Virginia Flammini (Dramaturga y Actriz) Actriz. Egresada de la Escuela de Teatro Espacio Scalabrini,

.PAL. BAT.A A. bajo la dirección de David Paez, continuó su formación en el estudio “Sportivo Teatral” de Ricardo Bartís, bajo la coordinación del director y dramaturgo Mariano Saba, y luego complementó su entrenamiento actoral junto al actor y director Bernardo Cappa.

Incursionó en la dramaturgia de la mano de Mariano Saba, quien supervisó la escritura de “Bala Perdida”, su ópera prima como co-autora junto a la actriz Carolina Huerta.

Como actriz trabajó en “Hostel, la difunta modesta”, “Shakespeare en monólogos”, “Efecto Mariposa” y “Linda de día”, en “Un Informe sobre la banalidad del amor”, Durante el 2022 formó parte de la compañía actoral del teatro “La Ranchería” donde coprotagonizó “Verona”. Participó de los cortos “Por si Acoso” y “Dos Hermanas”. Carolina Huerta (Dramaturga y Actriz)

Actriz, Profesora de Teatro, Egresada de la Escuela de Teatro de La Plata. Estudiante de la licenciatura de Teatro en la Universidad del Litoral, Santa Fe. Se perfeccionó en entrenamiento actoral con Emilia Mazer, Sergio Boris, Bernardo Cappa y en el estudio “Sportivo Teatral” de Ricardo Bartís bajo la coordinación del director y dramaturgo Mariano Saba. Como actriz trabajó en “Rosaura” de Pablo Dos Rei, “Las del frente”, “Fiesta, estamos invitados” de Javier Ahumada, “ImproCrash” espectáculo

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de impro, entre otros.Participó en los cortometrajes “Campo de luz” , “Abogados”, entre otros. Exploró en la dramaturgia de la mano de Mariano Saba, quien supervisó la escritura de “Bala Perdida”, su ópera prima como co-autora junto a la actriz Virginia Flammini. Actualmente se desempeña como docente de teatro en distintas instituciones del ámbito privado y estatal. Mariana terrafino (Actriz)

Actriz, cantante. Se entrenó en el “Sportivo Teatral” bajo la coordinación de Mariano Saba, con quien cursó también su primer taller de Dramaturgia. Fue seleccionada para participar de los talleres ‘Actuación y relato’ a cargo de Sergio Boris y Adrián Silver, y del ‘Entrenamiento Actoral Intensivo’ a cargo de Luis Machín. Asistió a seminarios de actuación con Alejandro Catalán, Mariana Obersztern, Bernardo Cappa, Andrea Nussembaum y Débora Zanolli. Asistió al Taller

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de Dirección a cargo de Cecilia Meijide.

Trabajó como actriz en “Gitanxs, un porvenir incierto”, “El cruce, farsa sindical”, “Edad crítica”, “La casa de Bernarda Alba”, en el cortometraje “Noviembre”, y en “Manos Vacías”, mini serie web de 3 capítulos. Trabajó como asistente de dirección en el cortometraje “Peluche rojo”, “Edad crítica” y “Yorick, la mirada del bufón”. evelyn Mosmann (Actriz)

Actriz, Asistente de dirección, Baterista. Egresada como actriz y directora de escenas en el Centro de Investigación Cinematográfica (CIC). Baterista, cantante y productora de “Seno” 2017-2020. Co-creadora de “A los viejos hay que matarlos de chicos” de Shushu Hofferle en 2018. Como actriz de “En esta

casa no pasa nada” de Flor Laval en 2019. Formó parte de O.R.G.I.A teatro en 2019-2020. Intérprete en “Protocolo Ritual” 2020-2021. Performer de “Extintas Especies” grupo músical, desarrollando “Manifestaciones del cerebro reptil” de manera audiovisual y presencial en 2021. Como baterista, productora y corista en “Magenta” en 20212022. Dirigió puesta en escena en “La Nota al pie”, murga uruguaya en 2022. Bailarina de “Desierto de Olas” en 2022. Actualmente como asistente de dirección de “Plástico Cruel” de René Guerra y forma parte del grupo teatral Arde y actúa en “Bala Perdida” prensa Valeria Franchi valeriafranchiprensa@gmail.com

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“Catarro”de Mario Segade

Miramar. Costa bonaerense. Verano de 1974. Ángela y Roberto sueñan con disfrutar sus vacaciones con todo lo bueno que augura ese año. Sus planes se distorsionan a medida que una torrencial tormenta arrastra hasta su departamento la presencia de una vecina con las aparentes soluciones que la pareja desconocía que necesitaba. Ángela tiene ahora una nueva amiga. Roberto, funcionario del gobierno peronista, porta armas y excelentes noticias. El tiempo se acelera mientras Ángela sigue la telenovela “Pobre Diabla” y escribe sin cesar en sus cuadernos en un intento equívoco de oponer resistencia a la inminente tragedia argentina. Ficha técnico artística Dramaturgia:

Mario Segade Actúan: Vanina Montes, abian Vainstein, Maite Velo Voz en Off: arnaldo andré Diseño de vestuario: laura Singh Diseño de escenografía: Vanesa abramovich Diseño sonoro: Juan Ignacio Guerra, Matias Guerra Video: Juan Ignacio Guerra, Matias Guerra, Matias Guerra Música original: Juan Ignacio Guerra, Matias Guerra Diseño De Iluminación: leandra rodríguez -AdeaFotografía: nahuel lamoglia Diseño gráfico: paco Fernández

Asistencia de dirección: Melissa zenobi Prensa: paula Simkin Producción ejecutiva: adriana Yasky Colaboración artística: Guido losantos Coreografía: diego rosental Dirección: Mario Segade

LUNES 20.30hs EL TINGLADO MARIO BRAVO 948 - CABA Entradas por Alternativa Teatral Entrada general: $4000.Descuentos a jubilados y estudiantes: $3500.Entradas solidarias: $5000, $6000 y $7000. Prensa: paula Simkin paulasimkin@gmail.com

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“Bajo terapia”, la exitosa comedia de Matías del Federico, continúa con funciones a sala llena en el teatro Buenos aires. La obra dirigida por Federico Jiménez se presenta los días viernes a las 22.30h.

SINOPSIS Tres parejas acuden a una terapia para resolver sus conflictos, pero se encuentran con una sesión mas intensa de lo esperada. La psicóloga dejó sobres con consignas que las parejas tendrán que abordar y analizar entre todos. Cada sobre que se abre propone nuevos e ingeniosos interrogantes transformando la sesión en un caos desopilante. El mecanismo es simple y complicado a la vez. Es una olla a presión a punto de explotar. Todo va bien hasta que a este sexteto todo se le va de las manos. Una comedia para reír sin parar pero también para reflexionar. Representada en varios países y llevada al cine con gran repercusión, “Bajo Terapia” es una obra necesaria.

DIJO LA PRENSA

“Los espectadores ingresan en la trama desde el primer instante. Las carcajadas retumban en la sala, aunque se hacen un espacio para tratar temas profundos e intentar resolver dichos conflictos.” - Agustín Rey (News Digitales)

“La actual versión teatral argentina no se queda atrás. Los actores y actrices están a la altura de tan inmenso guión, cada uno es un gran hallazgo en su papel.” Diego Pacheco (Revista Minúscula) “La conversación se pone picante, y con humor se nos presenta las miserias y particularidades de parejas muy diferentes entre sí. En tono verti-

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prima a lo largo de una hora y media de duración.” - Maxi Curcio (Revista Siete Artes)

“Les recomiendo que vayan a ver Bajo Terapia, no sólo por las actuaciones sino por la historia maravillosa que tiene un trasfondo único.” - Kairo Samara (Es la Cuarta Pared)

“Bajo terapia busca generar conciencia, va escalando en sensaciones por los planteos que realizan los protagonistas, dando un final poético e inesperado.” Patricio Schajovitsch (Espectáculos de Acá)

“La comedia y el drama en su justa medida. El uso del espacio, la interacción con el público y la construcción de la trama te mantienen ahí toda la obra.” - Teatro para Ver

Entradas a través de Plateanet Instagram @bajoterapia2023 Contacto: Alexis Mazzitelli alexismazzitelli@gmail.com

EQUIPO CREATIVO

Autor: Matías del Federico Elenco: Malena di Módica, Gustavo Juárez, alexis Mazzitelli, Walter Muni, Alejandrina posse, Soledad Vázquez Fotografía: rosa laszewicki Diseño gráfico: Miur nagur Redes sociales y prensa: alexis Mazzitelli Asistencia de dirección: pedro pelliza Dirección: Federico Jiménez

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ESTRENO

esperando el tren De Ricardo Hana Dirección Manuela Serrano Bruzzo

Elenco: Lourdes Cerdán/ Juan Salamone/ Miguel Angel Atilio Farina/ Tuco Turleone.

Las esperanzas y desilusiones políticas y sociales en un pueblo solitario, donde un vendedor ambulante se enfrenta a sus peculiares habitantes mientras esperan un tren que represente un cambio, explorando la lucha constante por llenar un vacío profundo. Funciones viernes 21hs teatro del artefacto: Sarandí 760 - CABA Localidades $3.000 por Alternativa Teatral Elenco: lourdes Cerdán, Juan Salamone, Miguel angel atilio Farina y tuco turleone. Dirección: Manuela Serrano Bruzzo Co- Dirección: lourdes Cerdán Autor: ricardo Hana Vestuario/ escenografía: teatro del artefacto Iluminación: Manuela Serrano Bruzzo Fotos: nacho lunadei Tema “Llega la mañana” de esteban Morgado

La historia aborda sus triunfos y miserias, amores y desamores,

mientras se preparan para defender su estación, esperando un tren que les permita avanzar. La trama se sitúa en los años 1990, una de las décadas que, en nuestra opinión, resultaron más complicadas para nuestro país.

Con esta obra, deseamos reflejar el contexto político y social lleno de esperanzas y desilusiones, siempre en la espera de algo mejor y luego resignados a decisiones que resultan poco favorables. Esta situación guarda similitudes con la incertidumbre que enfrentamos en la actualidad, con el cambio de gobierno y la dirección que tomarán nuestras vidas.

La metáfora de un país que atraviesa un profundo vaciamiento se plasma en la historia de siete personajes interpretados por cuatro actores, quienes aguardan algo que los llene y revitalice para poder continuar luchando y defender su espacio, aunque sea pequeño y algo olvidado. Este espacio es donde alguna vez fueron felices y llenos de esperanza.

En ocasiones, resulta difícil distinguir si este contexto es real o simplemente una construcción ilusoria para sobrevivir en un pueblo inhóspito y casi fantasmal. Finalmente, se enfrentan en una guerra contra un enemigo exterior y, aunque con muerte heroica, es una muerte al fin. Una desaparición que vuelve a dejar un vacío, llevando consigo la desesperanza una vez más y dando inicio a un círculo cíclico

.PAL. BAT.A A. que parece no tener fin. Manuela Mora Serrano Bruzzo – Directora, nacida en Buenos Aires, es una artista multifacética. Su formación en arte dramático en la Escuela de Teatro de Buenos Aires bajo la dirección de Raúl Serrano, junto con su estudio de comedia musical con el renombrado Julio Bocca, marcaron el inicio de su apasionante carrera.

A lo largo de los años, Manuela ha participado en diversas producciones teatrales, desde “Yo amo a Shirley”, donde deslumbró como bailarina bajo la dirección de Alicia Bruzzo, hasta co-dirigir “Sobre el daño que causa el tabaco a la humanidad” junto a Raúl Serrano. Su talento se ha desplegado en obras como “Éter Retornable” (asistente de dirección bajo Gerardo Begérez), “La Corista” (asistente de dirección bajo Alejandro Magnone) y “El Viaje de Don Juan” (asistente de dirección/producción bajo Raúl Serrano). En el ámbito cinematográfico, Manuela también ha dejado su huella, destacándose en películas como “Nunca es un buen día para que un zombie toque a tu novia”, donde brilló como actriz bajo la dirección y guion de Hernan Lerner y Georgina Lizarraga, así como en “Subte-Polska”, donde demostró su versatilidad como actriz bajo la dirección, guion e idea de Alejandro Magnone. ricardo Hana, autor entre sus últimas obras estrenadas pode-

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mos destacar: La canción del vecino (Teatro Ift), El vendedor de enciclopedias (Teatro del Pueblo), Nada personal (2011, Teatro del Pueblo) La cortadora de fiambre (Teatro de la Rancheria). Cuenta con dos libros de poemas Contrasilencio y Nos habíamos escrito tanto. lourdes Cerdán, destacada actriz argentina, se forjó en las artes escénicas en la Escuela de Teatro de Buenos Aires E.T.B.A bajo la tutela del maestro Raúl Serrano, ampliando su formación con notables artistas como Pompeyo Audivert, Horacio Roca, Silvina Sabater, Carolina Adamowsky, y otros. Además, se embarcó en la Licenciatura en Actuación en la Universidad Nacional del Arte, U.N.A. Su versatilidad artística incluye una sólida formación en canto y técnica vocal de la mano de expertos como Carlos Di Martino y Dalila Real, junto a otros maestros de canto. Lourdes ha deslumbrado en aproximadamente veinte obras de teatro, en roles protagónicos, destacándose en producciones como “Amor de madre” de August Strindberg, “Tres hermanas” de Antón Chéjov, “Saverio el cruel” de Roberto Arlt, “Giacomo” de Armando Disépolo, y “Las cuatro gemelas” de Copy, entre otras. Asimismo, ha incursionado con éxito en la autoría, dirección y producción de diversos espectáculos. Además de su brillante carrera como actriz, Lourdes comparte su vasto conocimiento como do-

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cente de teatro, colaborando con el maestro Raúl Serrano y en talleres particulares.

Juan lucas Salamone, un actor argentino con una pasión innegable por las artes escénicas, ha dedicado su vida al mundo del teatro y la actuación. Su formación actoral incluye el segundo año de actuación con el destacado docente Julián Lucero en el Espacio Sísmico, durante los años 2017 y 2018. Además, completó el primer, segundo y tercer año de Formación de Actuación Naturalista en la Escuela de Teatro de Buenos Aires (ETBA), bajo la tutela de Raúl Serrano, obteniendo su egreso en 2017. La versatilidad de Juan Lucas no se limita al teatro, ya que también ha incursionado en la música, estudiando Bandoneón en la Escuela Popular Avellaneda (EMPA) y en el Centro Cultural Catalinas Sur en años anteriores. Su experiencia artística es amplia y diversa, habiendo participado en obras de teatro como “Esperando el Tren” y “Comer Caca 2”, dirigidas por Manuela Bruzo y Franco Vega Valiente, respectivamente. Además, ha formado parte de la serie “El Host” de Estudios Polka en 2019 y ha demostrado su talento en “Comer Caca 1” en el Teatro La Vieja Guarida, bajo la autoría de Franco Vega Valiente. Juan Lucas también ha desempeñado roles importantes como animador en eventos deportivos,

programas educativos y presentador en el Salón del Automóvil para Chevrolet en La Rural. Su habilidad en zancos y actuaciones con luces LED lo han destacado en eventos variados.

Además de su carrera en el teatro y el entretenimiento, Juan Lucas es un apasionado integrante de la banda Sarandunga, fusionando música y poesía desde 2014. Su dedicación y versatilidad artística lo han llevado a colaborar con numerosas agencias y productoras, dejando su huella en diversos proyectos.

Miguel Ángel atilio Farina, es un talentoso actor y director. Su formación incluye cursos de actuación en el Teatro Brancalione con el profesor Claudio Rissi en 2010/2012 y en la Escuela de Teatro Buenos Aires bajo la dirección del renombrado Raúl Serrano en 2014/2016. Además, ha explorado la improvisación y relajación actoral con la profesora Elvira Vicario en 2012, y en la actualidad, se perfecciona en guion y dramaturgia con la profesora Mónica Salerno.

Miguel también ha incursionado en el baile latino, completando un instructorado de Baile Latino en el Estudio Salsa Fusión bajo la tutela del Profesor Alejandro Casano en 2011, y participando en un seminario de salsa cubana y son montuno a cargo del Profesor Coqui Coral en 2014. Su búsqueda constante de perfección lo llevó a realizar un curso de dirección y perfeccionamiento actoral en la Escuela Teatro

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Buenos Aires con el Profesor Salvador Amore en 2017.

Su destacada trayectoria teatral incluye papeles en producciones como “Las Tres Hermanas” (2017-2018), donde brilló como actor bajo la dirección de Manuela Serrano Bruzzo; “La Gaviota” (2018), en el cual deslumbró en su actuación bajo la dirección de Nicolás Pérez Costa; “La Vía Láctea” (2018), donde demostró su versatilidad actoral bajo la dirección de Roberto Ibáñez; y “La Nona” (2019), donde ejerció tanto como director como actor en la Sociedad Luz.

En 2021, dirigió y actuó en “Julito” de Fontanarrosa, nuevamente en la Sociedad Luz. En 2022, participó como actor en la obra “Eva Duarte” de Susana Barbato, realizando una gira por la Provincia de Buenos Aires, y actualmente se encuentra en cartelera en “Los Invisibles” de G. Laferrere, donde despliega su talento en el Teatro El Popular en 2023. Hernando rafael turlione (Tuco) es un apasionado actor con una trayectoria que se ha forjado a lo largo de los años. Su formación en el mundo del teatro comenzó en la Escuela de Tea-

.PAL. BAT.A A. tro de Buenos Aires (ETBA), donde adquirió una sólida base actoral bajo la metodología de Raúl Serrano. A lo largo de tres intensos años, perfeccionó sus habilidades y se preparó para enfrentar los desafíos del escenario.

Además de su formación en ETBA, Hernando ha ampliado su conocimiento artístico a través de diversos cursos y talleres especializados. Ha trabajado en su preparación física, flexibilidad e improvisación en El Piso Teatro, de la mano de la talentosa Cecilia Gruner. También ha perfeccionado su técnica actoral en Apacheta Sala/Estudio, bajo la tutela de Guillermo Cacace. Su compromiso con el arte lo llevó a continuar su entrenamiento actoral con destacados profesionales como Alejandro Catalan y Silvina Sabater. Hernando no solo ha perfeccionado su técnica, sino que también ha demostrado su talento en una variedad de proyectos. Ha participado en el largometraje “Subte Polska”, dirigido por Alejandro Magnone, donde contribuyó con su presencia en la pantalla grande. En el teatro, ha interpretado roles memorables en obras como “Tres Hermanas”, “Antígona Furiosa”, “Querés ser feliz o tener poder”, y “Lo que no se nombra”. Su versatilidad actoral y dedicación son evidentes en cada uno de sus trabajos. TEHAGOLAPRENSA info@tehagolaprensa.com.ar

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MatKa Mujeres inmersas en esa red invisible que las sostiene

El próximo sábado 4 de noviembre a las 22h llega MATKA, la obra dirigida por Julieta Rodríguez Grumberg a MOVAQ (Malabia 852, CABA).

MATKA (madre en polaco) es la segunda pieza de la potente trilogía que se inició con “Manada” y que tiene el objetivo de indagar sobre los mecanismos de poder, sus relaciones y distribución de roles en procesos que encarnan en el cuerpo humano. Interpretada por Carolina Fallat, Georgina Forconesi, Florencia Belén Santillo, Lola Capua y Sofia Pozzati, toda la potencia expresiva del elenco resulta potenciada en un montaje interdisciplinario en el que la danza, la música y la iluminación construyen el universo estético de la obra. Julieta Rodriguez Grumberg, directora de la pieza, expresa: “Matka pone en el centro de la escena a cinco mujeres que exponen las tensiones de poder que atraviesan el universo que culturalmente configuramos

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como femenino.” Y agrega: “La dificultad de la que partimos es que culturalmente las mujeres no tenemos habilitada la exposición física de esos mecanismos que más bien quedan en un plano mucho más psicológico. A lo largo del proceso fuimos llegando a la conclusión de que la principal batalla de poder entre las mujeres es con nuestro propio linaje, con lo que se espera de nosotras.”

Grumberg es además una de las socias fundadoras de MOVAQ, institución que promueve el desarrollo, enseñanza, difusión y producción de las artes escénicas en diálogo con el barrio de Villa Crespo ofreciendo propuestas abiertas a la comunidad. MatKa, dirección Julieta R. Grumberg Noviembre 4, 22h MoVaQ (Malabia 852, CABA) Sábados a las 22h. Localidades desde $2500 disponibles en Alternativa Teatral.

Intérpretes: Carolina Fallat, Georgina Forconesi, lola Capua, Florencia Santillo y Sofía pozzati Música original: Jorge Grela Iluminación: adrián Cintioli Vestuario: Uriel Cistaro Asistencia general: Florencia Belén Santillo Producción: alexis losada Dirección general: Julieta rodríguez Grumberg

Julieta rodriguez Grumberg Directora, coreógrafa, bailarina y docente. Co- directora de MOVAQ

Nace en Buenos Aires en 1980. Es egresada del Taller de Danza Contemporánea del Teatro San Martín y Licenciada en Composición Coreográfica de la Universidad Nacional de las Artes. Se perfeccionó y complementó sus estudios institucionales con distintos maestros nacionales e internacionales, asistiendo a seminarios en Holanda, Bélgica, Alemania, Francia y Nueva York.

Como intérprete ha trabajado en numerosas compañías y grupos independientes: fue miembro de la Compañía de Danza de la Universidad del Arte bajo la dirección de Roxana Grinstein donde interpretó obras de Carlos Casella, Gustavo Lesgart, Margarita Bali, Gerardo Litvak, Roberto Galván, Mariana Estevez, Walter Camertoni, Ramiro Soñéz, Jeremy Nelson y Luis Lara (EEUU), Augusto Cuvilas (Mozambique) y Frank Michelletti (Francia); también realizó trabajos independientes dirigidos por Rakhal Herrero, Emanuel Ludueña, Federice Moreno, Miguel Robles, Marta Lantermo, Sandra Fiorito, Oscar Araiz, entre otros.

En 2009, luego de trece años de trabajo interpretativo, se vuelca a la creación de sus propias obras contando con distintos apoyos, premios y becas para las mismas. En sus trabajos concibe a la danza como un medio de expresión con la potencia de

.PAL. BAT.A A. ampliar el campo de lo comunicable. Sus creaciones Matka; Manada (2019), Taller montaje sobre las acciones orbitar, resistir, manipular (2019), Una de Amor (2016), Deíctica (2013), Contraplano (2013), Ergo sum (2010), Primera Impresión (2009), han sido programadas en distintos teatros, festivales, ciclos y plataformas de la ciudad de Buenos Aires y otras localidades de Argentina.

Desarrolla su labor docente desde los 22 años, incursionando tanto en el sistema estatal terciario y universitario, así como también en formaciones privadas alternativas, siendo invitada a dictar talleres en distintas localidades del país. Considera la transmisión de las técnicas de movimiento como una herramienta de empoderamiento de las distintas corporalidades. Desarrolla su trabajo de gestión y militancia de manera sostenida desde el 2010, codirigiendo el Estudio “El Aquelarre” espacio dedicado a la enseñanza de distintas técnicas de danza, a la difusión de la misma y al trabajo de investigación, devenido en la Sala Teatral y Cooperativa de trabajo MOVAQ Aquelarre en Movimiento en 2020. Es militante activa por los derechos de les trabajadores de la Danza, focalizando e el colectivo del Frente de Emergencia de la Danza. CECILIA GAMBOA Comunicación & Prensa info@ceciliagamboa.com.ar www.ceciliagamboa.com.ar

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RELANZAMIENTO TEATRAL

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SINOPSIS:

nunca te fíes de una mujer Leonela, quien acaba de reconcidespechada liarse con su pareja Daniel, invita a su círculo íntimo de amigas ELENCO: Miriam Lanzoni - para descubrir quien tuvo una reFabio Di Tomaso - Sabrina Car- lación con su novio cuando esballo - Nancy Gay - Fiamma tuvo separada. Pero luego de una Curtosi - Angy Jaume. acalorada noche de copas y confesiones descubre mucho mas de FUNCIONES lo que esperaba. entonces, en pleno fervor del encuentro, Leo Sábados y domingos 20hs invita a Daniel a su departamento teatro premier para desquitarse y ejecutar junto Corrientes 1565 a sus amigas la peor de las venEntradas en Plateanet ganzas o boletería del teatro FICHA ARTÍSTICA:

Elenco: Miriam lanzoni, Sabrina Carballo, Fabio di tomaso, Fiamma Curtosi, nancy Gay y angy Jaume. Libro y dirección: Hernán Krasutzky Escenografía: Soledad Sánchez Vestuario: leonela Santana - Valentina Mayol Prensa: agencia aB - Alejandra Benevento Asistente de dirección: César asensio Producción EJecutiva: Miguel Catalán - Candela Bravo Asistente de producción: eloísa Walter Producción general: Feldman SantaCruz Producciones Prensa: alejandra Benevento prensa@alebenevento.com @agenciaab

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Ensayo para la muerte de un amigo/una obra de Nicolás Blandi.

El pasado sábado 7 de octubre estrenó la obra “SAMPLER. Ensayo para la muerte de un amigo/una obra” de Nicolás Blandi, en el Teatro Beckett (Guardia Vieja 3556, CABA).

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Luego de su obra “La teoría del olvido”, en 2018 Blandi presentó una propuesta acerca de la teoría del encuentro titulada “Los meridianos”. Ese proyecto es retomado ahora en “Sampler” por un grupo de intérpretes que ensaya una obra que ya no existe. Una retrospectiva de algo olvidado que se samplea con los mismos cuerpos de quienes intentan la tarea inútil de darle vida a algo muerto. ¿Cómo prepararse para el acontecimiento trágico? ¿Cómo hacer para soltar lo que ya no está? La voluntad absurda de querer reconstruir algo sin sentido y que no le importa a nanadie. “Ojalá mañana recordemos aunque sea por unos segundos este acto absurdo, por si acaso sirviera de algo” NICOLÁS BLANDI Actor, dramaturgo y director con un extenso camino transitado, que incluye también algunas incursiones en cine, televisión y en comerciales. Como autor y director ya subió a escena las obras “La Forma”, “Lágrimas de pez”, “Vinilos”, “La teoría del olvido”, “Meridianos” y “Tres latidos de pulmón artificial” piezas con las que ha ganado representaciones concursales a festivales provinciales y nacionales.

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SAMPLER Ensayo para la muerte de un amigo/una obra.

Dramaturgia: nicolás Blandi Intérpretes: Sol ajuria, nacho albani, Gastón d’Ángelo, daniel núñez, Malena pérez Bergallo, pilar rodriguez rey Diseño de luces: Fernando Chacoma Universo sonoro: pablo Girosa Asistencia de Dir: laia d’angelo Schiavi Dirección de Movimiento: andrés Molina Vestuario: Malena pérezBergallo y laia d’angelo Schiavi Diseño gráfico: nacho albani Dirección: nicolas Blandi BECKETT TEATRO Guardia Vieja 3556 Capital Federal - Buenos Aires Sábados - 21:00 hs (Noviembre) Entradas por Alternativa Teatral. Contacto: @sampler.obra samplerensayo@gmail.com

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Basada en la historia: “Las viudas de Shakespeare” tacaño es el amor Dramaturgia Patricia Suárez Dirección Pino Siano

tres actrices atrapadas en el recuerdo de un viejo amor que se rehúsan a olvidar. en su dolor repiten parlamentos de los más emblemáticos personajes de Shakespeare. ¿o será que esos recuerdos tan profundos, tan vívidos, fueron guionados?

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amor, desengaño, despecho, envidia, desenfado y humor, tacaño es el amor no es simplemente un éxito más de patricia Suárez. es un poderoso homenaje dramatúrgico a William Shakespeare llevado exquisitamente a escena de la mano del director pino Siano. Funciones: Miércoles 21:30 h. teatro Buenos aires Av. Corrientes 1699 Entrada general: $4.000 / Descuento Atrápalo 30% / Des-

cuento diario La Nación y Clarín 2x1 Compra online Plateanet:

acerca de la obra Tres mujeres se reúnen en el funeral de un famoso director de teatro que presuntamente cometió suicidio. Tres actrices de sus obras se encuentran allí y confiesan sus experiencias amorosas vividas con él. Cada una lo conoció en un momento diferente de su vida: su juventud, su adultez y su vejez. Pero todas recuerdan sus historias mezcla-

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das con los textos aprendidos de las emblemáticas obras de Shakespeare. ¿Quiénes son realmente estas mujeres? ¿Las que fueron, las que creyeron ser o las que desearon ser? ¿Pueden sus vidas ser influidas por las obras que interpretaron? ¿O será acaso que sus recuerdos más profundos también fueron guionados por la pluma y la magia de Shakespeare? Ficha técnico/ artística:

Autoría: patricia Suárez Actuación: roxana randon (Julia), Melody llarens (Desireé), Chiara Francia (Ofelia) Voces en off: patricia Suárez - Claudio aprile Escenografía: Dt Escenografías / ana díaz taibo Vestuario: luciano rosini Diseño de iluminación: david Seiras Ingeniero de Sonido: Walter Sosa Fotografía: nacho lunadei Creatividad y Diseño Gráfico: nahuel lamoglia Dirección imagen pantallas: dannah Michinski Videografía: Matías S. de Bustamante Gestión y asesoría: A Tierra Gestión / tatiana d’agate Asistencia de Dirección: Valentina Santelli Administración y Asistencia de

Producción: Javier Medina Asesoría en redes: pablo lancone Prensa: Valeria Franchi Presenta: Magnicaballi Maroglio Dirección: pino Siano Duración del espectáculo: 80 minutos

patricia Suárez (Dramaturga) Dramaturga y narradora argentina (Rosario, Santa Fe), escritora de novelas y cuentos para grandes y libros de cuentos y teatro para niños, actriz; es en la actualidad la autora argentina más representada en el mundo.

Como dramaturga cuenta con más de 100 obras de su autoría, muchas galardonadas con importantes premios como los otorgados por el Fondo Nacional de las Artes, el Instituto Nacional de Teatro, Argentores, en varias oportunidades. En 2011 recibió el I Premio Latinoamericano Argentores por su obra “Natalina”. Su obra “El corazón incauto” escrito en coautoría con Sandra Franzen recibió el premio Estrella de Mar 2015 a mejor texto. También recibió nominaciones a Mejor Obra Teatral en los Premios ACE por sus obras “El Tapadito” nominada en 2006 y “La Tarantula” en 2011, entre tantos otros nacionales e internacionales, como el premio Scrittura de la Differenza por su obra “Edgardo practica, Cósima hace magia” en Nápoles, Italia, en 2005. Como escritora ha sido galardo-

.PAL. BAT.A A. nada con una amplia variedad de premios como el Premio Clarín a la Novela 2003, por su novela “Perdida en el momento”, el Primer Premio Cosecha EÑE de la revista homónima por su relato “Anna Magnani” en 2007, el premio San Luis Libro por su libro de cuentos “Brindar con extraños” en 2011, entre muchos otros, e Internacionales como el Premio Relatos Cortos de Cádiz, España, por “El Árbol de Limón” en 2012, para nombrar algunos.

Ha escrito también una amplia variedad de obras teatro para niños, muchas premiadas, algunas de las cuales, como su obra “Igor”, sobre el ayudante de Viktor Frankenstein, se encuentran de gira permanente por las escuelas de todo el país. Dada la calidad y amplia variedad de sus obras para grandes, entre los nuevos estrenos y constantes reestrenos de sus obras anteriores, se encuentra siempre vigente y presente en las carteleras del teatro nacional siendo reconocida entre los principales dramaturgos nacionales.

En el Ámbito internacional obras suyas fueron representadas en el extranjero como “La rosa Mística” en el Proyecto Padre, del Teatro San Martín de Caracas, de la mano de Gustavo Ott (2009), “Disparos por Amor” dirigida por Jorge Cassino en Madrid (2010) y “La engañifa”, espectáculo de Marta Monzón basado en Las Polacas, en La Paz, Bolivia, en 2011; también en 2011 la puesta de la obra para niños “Aventuras de Don Quijote” dirigida por Hugo

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Medrano en el Gala Theatre de Washington, DC, y en 2014 en Teatro Mirador de Madrid, “RUDOLF”, dirigida por Cristina Rota; las lecturas de las obras: “Herr Klement” en la Radio Polaca Nacional (2010), “La chica serbia” (2011), “Chiclana”, “Cádiz”; “Casamentera” (2012) en la State University de Ohio; “Rudolf” (2012) Madrid, España, “La huelga de las escobas” (2012) en coautoría con M. Ogando y R. Aramburu, en el Teatro Stabile di Genova, para nombrar algunas.

nández, Dominic Fazio (EEUU) y Eric Morris (EEUU). Su formación como Director Teatral fue de la mano de Juan Carlos Gené y Augusto Fernández.

Suma varias décadas en la docencia, debiendo destacarse sus pasos por el “Cultural Italiano”, “Teatro Arte Belgrano”, “Ninsei”, “Teatro Actor´s Studio”, “Centro Cultural San Martín” y la “Asociación Argentina de Actores”

Por su labor como director recibió la Medalla de Oro en Mar del Durante el pasado mes de julio su Plata por la obra “El Príncipe obra “Shylock”, también premiada Azul” de Eugenio Griffero. en España, fue presentada en el Centro Rey Juan Carlos I de la Con más de 40 años de carrera, Universidad de Nueva York dirigió entre otras las siguientes (NYU), en formato de lectura dra- piezas teatrales: 2010/2020: Comatizada, por la misma firma pro- media Municipal de Tres de Feductora que presenta hasta brero. mediados de diciembre “Tacaño es el Amor” en el Teatro Buenos 2017: Entrebares. Teatro El Vitral. Aires, Magnicaballi Maroglio, y Teatro La Fábula. 2012: El Homque estará publicando su novela brecito, de Carlos País basada en la misma obra a fina2012/2014: A La Pesca De Un les de Noviembre. Autor. Emilio Ferrero. Con: Estela Sus reconocimientos más recien- Molly y Marta Albertini. tes incluyen el Premio de Teatro Breve del XII Certamen “Jose Mo- Declarada de interés Cultural Nareno Arenas” en España, por su cional. obra “Reproche” y el premio Altazor en Perú por su obra “La tarta 2013: El Discurso. Versión libre tatín de Olivia”, un libro que su- de “Julio César” de W. Shakespebraya el vínculo entre madre e are. Participó del Festival Shakespeare. Tecnópolis. hija. pino Siano (Director) Director, actor, formador y productor teatral, Pino Siano se formó en arte dramático con docentes de la talla de Roberto Durán, Carlos Moreno, Carlos Gandolfo, Lito Cruz, Augusto Fer-

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2014: Ciudad En Fuga, de Alicia Muñoz. Casa De La Cultura De Buenos Aires. 2015: La Plaza, de Patricia Suarez. Teatro Actor ́ s Studio.

Ha dirigido también “Ubu encade-

nado”, en el Teatro Olimpia; “La Gaviota”, en el Teatro del Globo; “Cumbia, morena, cumbia”, en el Teatro Fundación Banco Patricios; “El experimento K”, en el Actor´s Studio; “El arquitecto y el emperador de Asiria”, en el Teatro IFT y en el Club del Bufón; “El viejo criado”, en el Teatro Actor’s Studio Complex.

Trabajó como Asistente de Dirección con el Director Roberto Durán y los actores Federico Luppi, Luis Brandoni y gran elenco en la obra “Convivencia”, en los Teatros Regina y Blanca Podestá; y con la actriz Adriana Aizemberg en el Teatro El Ciudadano, asistiendo la obra “La pura verdad”. Como Actor en teatro se destacan “A que jugamos”, en el Teatro Olimpia Chouchou y en el Teatro del Centro; y en “Un tranvía llamado deseo”, en el Teatro Actor´s Studio acompañado por Dora Baret, Edgardo Nievas y un gran elenco.

Entre sus intervenciones en televisión: “Hombres de Ley”, con Federico Luppi, Stella y Díaz; “Buenos Vecinos”, con Moria Casan; “Límite de crimen”, con Daniel Miglioranza, entre otras y en cine en “Carancho” junto a un gran elenco encabezado por Ricardo Darín. redes sociales: Facebook: Tacño es el Amor Instagram: tacanoeselamor.laobra

Prensa Valeria Franchi valeriafranchiprensa@gmail.com

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¿Que Hacemos sin penny? Una comedia desopilante que habla sobre el lugar que ocupa una mascota en una familia.

Penny es una perrita que genera sentimientos cruzados, pero inconscientemente es quien une a esta familia de locos. Un alérgico a los animales, una madre autoritaria, un hijo sin personalidad. Una novia distante, una hija conciliadora, sumado a dos visitantes muy peculiares, nos harán

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pasar un momento a pura risa ¿Que hacemos sin Penny?

Cleiton enrique

damián peluffo Marianela Garcia laura liotta Matutito ruiz leíza Garay Marco precedo nayla tapia

FUNCIONES: teatro Cpm Multi escena Corrientes 1764 Domingos 20hs Desde el 5 al 26 de noviembre

Elenco:

libro y Dirección General: ezequiel Castillo

Fotografia y diseño grafico:

Contacto: sequi castillo sequicastilloteatro@gmail.com

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GELUK y PLAP PRODUCCIONES PRESENTAN

WaSaBI Una comedia de Mechi Bove con dirección de Diego Ramos y la participación especial de DAN BREITMAN

Un grupo de amigos se reúne para celebrar un cumpleaños. Un juego les propondrá conocerse

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.PAL. BAT.A A. aún más y una sorpresa les reve- piezas de sushi, un juego los in-

lará una verdad. Entre piezas de sushi y brindis, la noche se pondrá picante y ya nada será igual.

FUNCIONES: Martes 20h paseo la plaza - Sala Picasso Entradas en Plateanet y boletería

SINOPSIS: Es el cumpleaños de Willy (un reconocido jugador de fútbol) y lo celebra junto a Bárbara, su novia (ex modelo y actriz) y su grupo de amigos, Federico y Carolina (una pareja elitista, snob y perfeccionista) y Marina y Damián (una pareja rutinaria, de clase media y padres de gemelos). Entre brindis y

vita a plantearse preguntas que nadie se atreve a hacer en voz alta y revelar verdades. La noche se verá interrumpida por la presencia de un “médium”, que en una alocada sesión de espiritismo, hará que los fantasmas del pasado, traigan aún más interrogantes. La noche se pondrá picante y no por el Wasabi, cuando descubran que nada es lo que parece.

FICHA TÉCNICO ARTÍSTICA: Elenco por orden alfabético: Mechi Bove, dan Breitman, nacho di Marco, luly drozdek, daniel pacheco, Manu Viale y Gastón Vietto. Dramaturgia: Mechi Bove Diseño de Arte: lola rodriguez Diseño Gráfico: nahuel lamoglia Prensa: agencia aB - ale Benevento Comunicación Digital: enchulame Contenidos Fotografía: nacho lunadei Maquillaje: rana Makeup Asistente de Producción: Cristian rodriguez Asistente de Dirección: Mateo demarchi dunat Producción Asociada: poncho teatro - dos Fuegos Producción General: Geluk - plap producciones Dirección: diego ramos PRENSA:alejandra Benevento prensa@alebenevento.com @agenciaab

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ESTRENO

Una línea azul plateada en el río De Susana Gutiérrez Posse - Dirigida por Pablo Di Paolo

“Una línea azul plateada en el río” de Susana Gutiérrez Posse, con dirección de Pablo Di Paolo y las actuaciones de María Svartzman y Solana Pastorino. Una obra que narra el ciclo de la ilusión al desencanto de un personaje, o tal vez también de una nación. Todos los jueves a las 20 hs. en La Tertulia Espacio Teatral (Gallo 826, CABA). Sinopsis

Dos mujeres conviven bajo una autopista que mira al río. Lapin, una joven embarazada, se refugia en la casa de Lagarta, quien le ofrece protección a cambio de dinero. Ambas planean la venta del hijo. El embarazo avanza en una encrucijada de fuerzas dibujando el mundo de la desesperanza, con la ilusión de que en algún momento, algún día, aparezca una línea azul plateada en el río. palabras de la autora

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“Una línea azul plateada” me recuerda especialmente que toda escritura lleva el sello de su época. Escrita en un año de profunda crisis económica en nuestro país, un momento político que condiciona e impregna a los personajes. Lagarta y Lapin, las dos conviven bajo una autopista que mira al río. Iluminadas por los autos con un haz de luz que las

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separa de las sombras en las que transcurre su existencia, van ensamblando residuos de conversaciones y sonoridades que dibujan el mundo de la desesperanza y la marginación. palabras del autor

Me voy a quedar con una imagen: la de una adolescente abrazando con todas sus fuerzas un cochecito vacío. Imagen que organizó la puesta y que sintetiza la explotación de la que es víctima la protagonista: de género, de clase e infantil. Porque “Una línea azul plateada” permite múltiples lecturas pero todas tienen algo en común: el abuso de poder llevado al extremo. A través del fatídico destino de Lagarta y Lapin, la obra nos muestra de manera palpable y concreta las consecuencias de vivir en una sociedad donde la anomia es ley. En Argentina la compraventa de menores con fines de adopción no se encuentra tipificada en el código penal. En un fallo del 2012 la CIDH instó a nuestro país a incluir la compraventa de menores y la adopción irregular en el código penal. Durante el 2022, la Secretaría Nacional de niñez, adolescencia y familia junto al Ministerio de Justicia y otros organismos especializados, presentó un anteproyecto de ley al poder ejecutivo. Al día de la fecha, 15 de septiembre de 2023, la ley no se encuentra promulgada. agenda

Funciones: jueves, 20 hs. Lugar: la tertulia espacio teatral Gallo 826, CABA.

Entradas: $3500 / Descuento jub. y estud. $3200 / Alternativateatral o en boletería Duración: 60 min. ATP (a partir de los 14 años) Ficha técnico-artística

Dramaturgia: Susana Gutiérrez posse Elenco: María Svartzman, Solana pastorino Diseño de Espacio: Féliz padrón Iluminación: aquiles Gotelli Vestuario: Compañía azul plateada Fotografía: nacho lunadei Diseño Gráfico: ailín Viola Comunicación en RRSS: Compañía azul plateada Prensa: oCtaVIa Comunicación Producción: pablo di paolo Dirección General: pablo di paolo Sobre el director

Pablo Di Paolo nació en Buenos Aires en 1978. Estudió Economía en la Universidad de Buenos Aires y fue docente de filosofía y economía en la misma universidad. Estudió actuación con María Onetto, Mara Bastelli y en el Sportivo Teatral de Ricardo Bartis. Como director se formó con Guillermo Cacace en dirección de actores y puesta en escena. Dirigió “A Margarita” en el complejo Teatral Itaca (2022), “Tóxico” en el Teatro El Extranjero (2020 y 2022) y CC25 de mayo (2023), “La América de Edward Hopper” en el Teatro Anfitrión (2017 y 2018) y diversas obras cortas. Sobre la autora Susana Gutiérrez Posse es autora teatral y psicoanalista. Desde 1998 participa de un taller de autogestión sobre escritura teatral

.PAL. BAT.A A. integrado actualmente por Susana Torres Molina, Victor Winer, Lucía Laragione, Adriana Tursi y Gilda Borna. Con “El grupo de los jueves” desarrollaron diferentes proyectos, escritura de obras, puestas en escenas y publicaciones conjuntas con autores de España y México (Monólogos de dos continentes, Exilios, La noticia del día y otros). Algunas de sus obras más destacadas han recibido reconocimientos internacionales como “Brilla por Ausencia”, finalista del XXIII Premio Tirso de Molina de España y en el Concurso de la Fundación Carlos Somigliana; “La vida…es otra cosa”, en el Centro Cultural Ricardo Rojas, Teatro del Pueblo y FIBA; “Victoria”, 3° Premio Nacional de Dramaturgia de la Secretaría de Cultura de Bs. As. y sobre la que se realiza el guión cinematográfico de la película “Lisboa”; “Una Línea azul plateada en el río” y “La sombra de un perfume”, último estreno en el Teatro Nacional Cervantes. Sus textos pueden encontrarse en diferentes publicaciones de Universidades y en varias editoriales. En el libro “Brilla por ausencia”, de Editorial Interzona, se encuentran algunas de sus obras. Sobre la Cía. azul plateada

La Cía. Azul Plateada está formada por María Svartzman, Solana Pastorino y Pablo Di Paolo Instagram @unalineazul prensa OCTAVIA Comunicación y Gestión Cultural María Eugenia Souto eugenia@octaviacultura.com.ar

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SE ESTRENA EN PASEO LA PLAZA. Descubrí quién es

Dirección: Daniel Fernandez

El jueves 5 de Octubre a las 20 hs. se estrenó “MYLCH” de Sol levinton y Sebastián Meschengieser. Protagonizada por edu Blacher y emmanuel degracia. Ambientación: Vanesa abramovich. Música Original: eduardo Blacher. Diseño de realización de títeres: Gladis Garnica. Fotografìa y diseño de artes gráficas: noreStudios. Prensa & difusión: alfredo Monserrat. Asistente de dirección: Gastón dufau. Dirección General: daniel Fernández.

las funciones se realizan todos los jueves a las 20 hs. en la sala Cortazar del paseo la plaza. Av. Corrientes 1660. CABA. Entradas en venta por Plateanet y en boletería del teatro. Entradas: $4.000-.

Síntesis argumental:

Mylch es el pianista de un bar perdido en alguna callecita de Buenos Aires. Y sus canciones son el trago obligado para los clientes que se animan a entrar. Aunque Susana, la dueña, prefiere que Mylch toque las canciones que pide la clientela, él interpreta las obras de su autoría que considera necesarias para cada confesión. Porque eso

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hacen los clientes: piden un trago solo para justificar el tiempo que hablarán. Cada uno tiene una historia, un sueño, una aventura o desventura que quiere contar. Y Mylch está ahí, atornillado al banquito frente al piano, sin posibilidad de escapar. Pero lejos de ser un psicólogo capaz de evaluar, interpretar o diagnosticar, sus intervenciones son siempre musicales.

Mylch responde con la canción que apunta directamente a la sensibilidad de esos clientes que están manipulados por sus propios miedos y deseos. Literalmente manipulados, porque se trata de títeres. Una espectáculo teatral y musical en el que dos intérpretes (el músico y el actor) crean una multiplicidad de personajes que impulsan canciones inéditas, capaces de emocionarnos, sorprendernos, inspirarnos, divertirnos y conmovernos.

Música provocadora, apasionada, irreverente, para un público que se anime a escuchar… con el inconsciente.

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prensa Alfredo Monserrat alfredomonserrat@gmail.com

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¡ESTRENO 2023! Una obra de Jean-Luc Lagarce dirigida por Darío Serantes

ESTABA EN CASA Y ESPERABA QUE LLEGARA LA LLUVIA

SINOPSIS Cinco mujeres en la casa, hacia el final del verano, desde el final de la tarde hasta incluso la mañana del día siguiente, cuando el frescor haya vuelto y que la noche y sus demonios se hayan alejado. Cinco mujeres y un muchacho de vuelta de todo, de vuelta de sus guerras y de sus batallas, finalmente de regreso a casa, puesto allí, en la casa, ahora, agotado por la ruta y por la

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vida, dormido apaciblemente o moribundo, nada más, vuelto a su punto de partida para morir allí.

Jean-Luc Lagarce nos cuenta la historia de su retorno a la casa familiar, vuelve vencido por su enfermedad. Es el joven hermano, quien un día se fue para no regresar. Ahora escribe su despedida y quien nos habla es su hermana, La Mayor, ella se ha quedado esperando, junto a La Madre, La

Más Vieja, La Segunda y La Más Joven. Y la espera de su regreso ahora se ha transformado en la espera de su muerte. FUNCIONES: SÁBADOS A LAS 18 HS Ítaca Complejo Teatral - Humahuaca 4027 Entradas: $3500 En venta por Alternativa Teatral FICHA TÉCNICA

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Autor: Jean luc lagarce Traducción: laura Campodónico Actúan: nadia albarracín, patrizia alonso, Bea Galessi, laura otermin y darío Serantes Diseño gráfico: 3Boxes Diseño y realización de vestuario: danna Giménez Corbera Concepto de espacio y objetos: darío Serantes Diseño de iluminación: Malena Miramontes Boím Fotografía: evann Violeta Comunicación y prensa: Mutuverría pr Directora asistente: María Inés Howlin Dirección: darío Serantes Duración: 60 minutos

desde su escritura se convirtió de alguna manera en un militante de aquello que implicaba vivir con VIH. Fue dramaturgo y director, escribió más de 20 piezas teatrales. Y como director llevó a escena sus propias obras entre otras del repertorio universal. En varios de sus textos podemos encontrar reflejada su presencia en los personajes y en el tránsito de las situaciones que padecen.

SOBRE EL DIRECTOR darío Serantes se formó con Juan Carlos Gené y Rubén Szuchmacher. Becario del curso de Dirección y Dramaturgia dictado en Casa de América, Madrid, donde participó de cursos con José Sanchís Sinisterra, Juan Mayorga, Carla Mateini, Sergi Belbel, entre otros. Sus trabajos más importantes como director: SOBRE EL AUTOR Jean-luc lagarce, es una de las “Atra Bilis” de Laila Ripoll, “Impofiguras sobresalientes del teatro sible de olvidar” basado en el francés de fines del siglo XX, más texto Matando Horas de Rodrigo representado en su país, después de Shakespeare y de Moliere. Nació en 1957 y murió en 1995, víctima del sida, dato que consideramos fundamental, ya que

.PAL. BAT.A A. García, “Las Criadas” de Jean

Genet, “Intervención Florencio Sánchez: La gente honesta”, “Las Hijas del Agua” de Alberto Muñóz, “Noches blancas en Buda” de Alfredo Martín (Festival Internacional de Teatro 1997 – Teatro del Pueblo), “Los Caminantes” (Textos de Peter Weiss), “La casa de Bernarda Alba” (adaptación realizada en el Museo Penitenciario Antonio Balvé), “Sub-textos” (creación colectiva en el Centro Cultural Ricardo Rojas); entre otros. Sus trabajos más importantes como asistente de dirección: “Una mujer, una celda, una bandera” de José Ramón Fernández con dirección de Edgardo Chini; junto a Susana Torres Molina en “Matando Horas” de Rodrigo García en el Centro Cultural Recoleta; “Canto de Sirenas” junto a Katja Aleman en la Fundación Banco Patricios; “Monelle” bajo la dirección de Susana Yasán en Babilonia, entre otros. prensa. Mutuverría PR info@mutuverria.com

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CHACON EN BUSCA DEL AMOR EN ARGENTINA nos trae una propuesta donde Pedro Leal viene dispuesto a hacer reír y entretener hasta a los gustos más exigentes, además estará acompañado de la bellísima actriz Katherine Frailan. La pieza esta escrita por Daniel Leal, con la producción ejecutiva de Pedro Leal, producción general de Miguel Rosales y La Tramoya Producciones con la asistencia en producción de Ronald Martinez. Esta comedia llega a Argentina super recargada, más aguda y atrevida, con reflexiones sobre el amor, las aventuras de las citas, el sexo y el juego de poder en las relaciones de pareja.

tamientos y contraponerlos con la opinión del público; haciendo a esta pieza teatral sea un espectáculo interactivo muy actual, que se convierte en una suerte de espejo para la sociedad que vive en pareja.

FICHA TÉCNICA

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Dramaturgo: daniel leal. Dirección y Producción Ejecutiva: pedro leal. Producción: la tramoya producciones. Producción General: Miguel rosales. Asistente de Producción: ronald Todo esto con un plus, un perso- Martínez. Elenco: pedro leal y naje inesperado quien llega a es- Katherine Frailan. Maquillaje: cena a robarse el show con una Jesús Montoya. Fotografía: consigna pro feminista abogando raccoon producciones y Ferpor la inclusión y el respeto hacia nando parra. Estilismo: robert aular. Diseño Gráfico: Freestyle las féminas. Marketing digital.Jefe de Este espectáculo cuenta con un Prensa: Kevin Melgar (0KM ambiente musical de ritmos urba- Prensa) PH y manejo de Redes aylem González nos y caribeños que harán al Sociales: público levantarse de su butaca (@aylem.ph) Duración: 90 minutos y bailar durante 90 minutos. prensa: kevin.0kmprensa@gmail.com Tendra funciones todos los sábaaylemgonzalez.0kmprensa@gm dos a las 22:30 y domingos a las ail.com 20:00 del mes de noviembre en MUY TEATRO (Humahuaca 4310, Almagro, CABA) y las entradas se pueden conseguir a traves de Alternativa Teatral o en la boleteria del teatro. SINOPSIS

Comedia de situaciones enfocadas con distintos tipos de mujeres, en diferentes etapas de su vida y cómo se relaciona con ellas. Pedro Leal relatará en medio de monólogos y representaciones de citas amorosas con las mujeres en cuestión, todo lo que un hombre llega a atravesar psicológica y emocionalmente, cuando quiere enamorar a una mujer. Se confrontará, de manera muy jocosa y sensual, con estas 4 mujeres, y estas también tendrán que debatir sus compor-

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Llega Freeshop del Grupo BESA El Grupo BESA presenta su nueva obra Freeshop los martes a las 21.30h en El Galpón de Guevara (Guevara 326, CABA). El colectivo artístico integrado por intérpretes sub 30 -de formación multi disciplinaria- presenta un espectáculo que combina teatro, danza, performance, artes visuales y sonoras en una puesta de gran despliegue escénico, que llega luego de la elogiada “Breve Enciclopedia Sobre la Amistad” (primera obra de BESA, cuyas iniciales dieron nombre al grupo). La obra plantea un diálogo entre orillas. Una comedia escrita en la ciudad de Montevideo (Uruguay)

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por Victoria Vera y puesta en escena bajo los múltiples dispositivos y recursos de BESA (Buenos Aires). Sinopsis:

Freeshop despliega un atentado ambientalista a un Buquebús donde se lleva a cabo una importante reunión de empresarios en el contexto del conflicto de las papeleras. En la orilla, antes de que el buque parta, una asamblea de vecinos se manifiesta: “Papá Noel

morirá cuando cruce el río Uruguay”. Para semejante fantasía ficcional, la pieza cuenta con cuatro actrices irreverentes y excéntricas que encarnan a las trabajadoras del freeshop, protagonistas de la pieza. “Somos un grupo de exploración escénica: nos aproximamos a la composición como quien se adentra en un bosque y observa, se sorprende, descubre, toma muestras o simplemente se echa a descansar. Investigamos desde

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.PAL. BAT.A A. 2020 la creación de piezas en las Grupo BESA presenta Freeshop sariche, Max Suen, Milagro de que lo interdisciplinario y el cruce de lenguajes estéticos construyan narrativas que se desplieguen, se doblen, se transformen y transiten diversos estadios desde lo sonoro, lo plástico y lo actoral”, declara BESA.

BESA fue invitado por el grupo Piel de Lava para montar la obra en el Festival Temporada Fluorescente 2022 en coproducción con el Festival Internacional de Dramaturgia, con la Intendencia de Montevideo (Uruguay) y el apoyo del Centro Cultural San Martín. En 2023, resultaron ganadores del Premio “S” para la creación de la tercera obra del grupo, actualmente en proceso.

Martes 21.30h en el Galpón de Guevara Guevara 326, CABA. Funciones: martes de octubre a las 21.30h. Localidades $4000 en Alternativa Teatral. Freeshop

Intérpretes: Casandra Velázquez, Bianca Vilouta rando, Felipe Saade, Mechi Beno Mendizábal, Maga Clavijo y tomás Masariche Diseño sonoro: Maga Clavijo Diseño y operación de video: Milagro de Catamarca Diseño de escenografía: laura Copertino Asistente de escenografía: Juan Cruz Santangelo Diseño de vestuario: Uriel Cistaro Diseño de iluminación: Matías Sendón Coreografía: Casandra Velázquez y Mechi Beno Mendizábal Fotografía: Jazmín robles Comunicación: estudio Karai Producción: eva palottini Dramaturgia: Victoria Vera Dramaturgista: eva palottini Asistente de dirección: Cata napolitano Dirección de actuación: Max Suen Dirección general: tomás Masariche Prensa: Cecilia Gamboa Agradecimientos: Mechi Castillo, Grupo Piel de Lava, Malena Schnitzer, Matías Umpierrez y Joacx Sesma. Grupo BeSa

Catamarca, Viki Masariche, Eva Palottini y Cata Napolitano.

El grupo trabaja sin pausa desde el 2021. Desde sus inicios se adentraron a investigar sobre la amistad. Ese año finalizó con horas y horas de investigación encima y con un fuerte deseo de abrir esa exploración, de ponerla en diálogo con el público. Fue así que en abril de 2022 estrenaron su primera obra “Breve Enciclopedia Sobre la Amistad” en Planta Inclán. Tras el estreno, fueron invitados por el grupo Piel de Lava para montar una nueva obra en el marco del festival Temporada Fluorescente, que dio nacimiento a Freeshop. Al finalizar el 2022 reciben el premio S con el cual pudieron continuar, impulsar y enriquecer el trabajo que venían llevando a cabo.

La esencia del grupo es la amistad, se conocieron investigándola y en ese camino se hicieron amigos. Desde 2021 su práctica se apoya en la investigación de piezas en las que lo interdisciplinario y el cruce de lenguajes estéticos construyen narrativas propias.

El motor de BESA implica continuar investigando la grupalidad y sus modos de creación y generación de prácticas. Actualmente preparan su primera gira internacional a Montevideo (Uruguay) y a la provincia de Tierra del Fuego.

Colectivo de exploración escénica conformado por Casandra Velázquez, Bianca Vilouta Rando, CECILIA GAMBOA Felipe Saade, Mechi Beno Men- Comunicación & Prensa dizábal, Maga Clavijo, Tomás Ma- www.ceciliagamboa.com.ar

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JeSÚS MIlenIal

Adaptación de Herminia Jensezian y Juan Manuel Besteiro De la obra homónima de Patricia Suárez Nazaret 30 DC, María está desesperada por el futuro de Jesús ya que todavía no ha encontrado su camino. A su vez Jesús, un milenial de 30 años, está descubriendo nuevas emociones al enterarse que es un ser especial. Una farsa, con canciones, en donde el milagro hará el encuentro. elenco

José: andrés Sahade María: María pastur Jesús: Juan Manuel Besteiro

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Judas: Sebastián dartayete Músico: ricardo Scalise Asistente de Escena: nicolás Wolcoff Asistente de Dirección: María laura laspiur Música Original: Gabo Illanes Producción Ejecutiva: Silvina Macri Diseño Gráfico y Fotos para Gráfica: Martin albarracín Fotografía de la Obra, Prensa y Redes: Silvina Macri

Escenografía y Puesta en Escena: Herminia Jensezian Producción General: tadron teatro Dirección General: Herminia Jensezian Funciones: Jueves 22h. tadron teatro Niceto Vega 4802 - CABA Duración: 50 min. Entradas por Alternativa: IG: @jesusmilenial.obra

Herminia Jensezian - Directora

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(desde 1993), Escenógrafa (desde 1984), Actriz (desde 1971)

¡Estudió Escenografía con el Maestro Arq. Gastón Breyer en el Instituto Gastón Breyer, donde también se especializó en Diseño Espacial y Color. Asimismo, con el Arq. Breyer, cursó Heurística en la Facultad de Arquitectura de la U.B.A. Su formación como Directora Teatral fue con el maestro Juan Carlos Gené, cursando Técnicas del Espectáculo, Dirección Teatral y Dramaturgia en el CELCIT. Como actriz se formó con el maestro George Sarkissian. Durante su formación también ha realizado cursos de Escultura con Enio Iommi en CEA Cromos y Caracterización Teatral en la “Es-

cuela Lucia Flotta”.

En el año 1984 funda el Conjunto Teatral Armenio de Exilio “Geaorge Sarkissian” de Hamazkain, junto al cual realizó giras teatrales en Armenia, Uruguay, Francia, Canadá, Brasil, Líbano y al interior de la Argentina. En 1996 funda “TADRON TEATRO”, donde es, desde sus inicios y hasta la actualidad, la Directora Artística y Gestora Cultural. +En su gestión, la sala TADRÓN ha sido Reconocida en el año 2012 por la Legislatura Porteña por su búsqueda de justicia por el Genocidio armenio y su labor cultural en el 15º aniversario de su creación. Nominada en 2007 y 2011 y premiada en 2012 por su Producción Teatral Privada con el PREMIO TRINIDAD GUEVARA. Asimismo la sala ha recibido el PREMIO TEATRO DEL MUNDO (U.B.A.) como Institución Destacada. En el año 1999 estuvo a cargo de la idea y realización del Intercambio Teatral Argentino – Armenio, con el espectáculo “LA NONA” - de Roberto Cossa - el cual cuenta con el auspicio de organismos nacionales. Este Intercambio vuelve a realizarse en 2013 con el espectáculo “COMO ARENA ENTRE LAS MANOS”, de Pablo Mascareño. En 2017 la sala recibió el PREMIO ACE por 20 años de Teatro y Defensa de la Justicia y los Derechos Humanos. Desde el año 2007 y hasta la actualidad se encuentra a cargo de la Idea y Realización del ciclo “TEATRO X LA JUSTICIA”, por el cual ha obtenido el Premio TEATRO DEL MUNDO 2007-2008 (U.B.A.). También recibe la Men-

ción Especial LUISA VEHIL 2016 por los 10 años del ciclo “Teatro x la Justicia” ¡En el 2021 inaugura “V de Vidriera”, un espacio teatral donde el público se encuentra en la calle y la puesta detrás de la vidriera. Desde el año 2022 lleva a cabo la idea y realización del Festival AQUÍ Y AHORA ROVNER. En el 2023, forma parte del equipo organizador e impulsa el I Festival GASTÓN BREYER - Jornadas Académicas sobre su Obra, Trayectoria y Pensamiento - junto con el Centro de Heurística, Secretaría de Investigación, FADU, UBA; el Instituto de Artes del Espectáculo “Dr. Raúl H. Castagnino”, FFyL, UBA; el Área de Investigaciones en Ciencias del Arte (AICA); Centro Cultural de la Cooperación y el Teatro Nacional Cervantes.

Desde 1990 dirige y pone en escena obras teatrales; entre las más destacadas se encuentran: “El Gran Silencio” (1990), “El Ararat y Yo” (2003), “Surch Café” (2006), “Sobre Piedras” (2009), “Como Arena entre las Manos (2010), “Volvió una noche” (2012), “Encuentro en Roma” (2014), “Madre sin Pañuelo” (2014), “Te Voy a Matar Mamá” (2014), “NomeolvidO” (2015), “Aluscinado Suceso de lo Desconocido” (2016), “¿Oíste Papá?” (2017), “No es Amor es Deseo” (2018), “La Cajita de Jaspe” (2019), “En Casa de Nora” (2019) y “Jesús Milenial” (2023). prensa: Silvina Macri silvinamacri@gmail.com www.eclecticamentearte.com.ar

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ESTRENO

SUeÑo raFFaella

Dramaturgia: Guillermo Farisco - Dirección general: Silvia Silva Sueño raffaella transcurre en la Argentina de 1995. A tres mujeres de 50 años, las convoca el sueño de una de ellas, Lidia, quien anhela participar en el concurso del famoso programa

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italiano Sueño Raffaella.

Este sueño es un disparador para darle sentido a su vida opaca y rutinaria, ella no cuenta con el talento ni con el dinero

para lograrlo. Ahí aparecen Idila y Dilia, sin saber que sus vidas serán impactadas a partir de la heroica interrogante de Lidia ¿por qué alguien como yo no puede vivir un sueño?

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En este encuentro surgen fantasmas, miedos, frustraciones, renuncias, dolor y ocultamientos que han fracturado los vínculos de la familia, aun así, algo sucederá en el misterioso universo emocional de estas mujeres y a partir de ese momento nada volverá a ser igual. Elenco (por orden alfabético): Gaby Barrios, María Fernanda Francucci, María lucrecia

lamas Dramaturgia: Guillermo Farisco Diseño de escenografía (mural): Bett tettamanzi Diseño de luces: pablo rojas Diseño gráfico: Marcela Jusue Diseño de movimiento coreográfico: Gaby Barrios Diseño Audiovisual: aire producciones Fotografía: adriana tettamanzi Prensa y comunicación: tehagolaprensa Asistencia de Producción: Yamila Barrera Producción general: Silvia Silva Asistencia de dirección: José luis Barrera Galue Dirección general: Silvia Silva

Funciones Viernes 20:30hs. (hasta el 22/12/23) teatro Belisario Club de Cultura Avda. Corrientes 1624 CABA info@marcelosavignone.com Tel. 4373 3465 Entradas Generales $3.000 / Estudiantes y Jubilados $2.400/ Solidarias $3.500 - $4.000 $4.500 por Alternativa Teatral Silvia Mariana lourdes Silva Mermot – Directora

Desde sus primeros pasos en la escena teatral hasta su incursión en la literatura y la radio, la vida de Silvia Mariana Lourdes Silva Mermot ha estado marcada por

.PAL. BAT.A A. una pasión inquebrantable por las artes. A lo largo de los años, ha demostrado su versatilidad y compromiso en diversas áreas, dejando una huella imborrable en la comunidad artística.

Su andar en las tablas comenzó como actriz, y desde entonces se ha destacado en diversas producciones teatrales. Uno de sus logros notables fue su participación en “El Candidato,” bajo la dirección de Graciela Nicola en 2023, donde su talento actoral brilló. No contenta con solo actuar, Silvia también ha incursionado en la dramaturgia y la dirección teatral, demostrando su capacidad creativa en producciones como “Sueño Raffaella” de Guillermo Farisco (2020/2023), “Nosotras Inmigrantes” (Houston/USA 2022), y “Marea Lorquiana” basada en textos de Federico García Lorca (Compañía Teatral La Pajarera 2022). Su compromiso con el teatro no se limita a actuar y dirigir. Silvia también ha desempeñado un papel fundamental en la producción y adaptación de numerosas obras, como “Las Patricias” (2019/2021), “La Prudencia” de Claudio Gotbeter (2018/2019), y “Ansiedad Oral” de Pablo Albarello (2018/2019), entre otras. Su amor por el teatro se extiende a la creación colectiva, como en “La vida nos inspira” (2021) y “Es tiempo de vivir” (2019), donde trabajó con grupos como Compañía Teatral La Pajarera y Grupo Narradoras en Acción. prensa Andrea Jezabel Feiguin www.tehagolaprensa.com.ar

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Manual de urbanidad para jovencitxs Escrita y dirigida Luisina Sclavi “A través de estas escenas aparentemente independientes entre si, la obra se desarrolla en tres módulos, sobre un eje nodal que toma algunos conceptos filosóficos expuestos en la obra de Tiqqum “Primeros materiales para una teoría de la jovencita”, y que sin pretensiones moralistas, nos conduce por un universo fascinante, entretenido pero cruel, perverso y desolador.” - Luisina Sclavi I Dramaturgia y dirección “Manual de Urbanidad para Jovencitxs” es una obra osada, provocadora e incómoda que invita a reflexionar sobre el placer, la sexualidad y el erotismo de las feminidades en la actualidad.

La obra fue escrita y dirigida Luisina Sclavi y cuenta con las actuaciones de Gimena Cos, Roció Busca, y Adela Buendía.

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Las funciones son todos los viernes de octubre y noviembre a las 23hs en Fandango Teatro (Luis Viale 108, Villa CrespoCABA), con entrada general: $3000, por Alternativa. Sobre Manual de Urbanidad para Jovencitxs

“La dramaturgia es, en parte, el resultado de un proceso de investigación realizado con las intérpretes durante los ensayos a partir de la obra de Pierre Louys, “Dialogo de Cortesanas y Manual de Urbanidad para jovencitas”. De esta investigación nacieron, casi inmediatamente, algunos interrogantes que funcionaron como disparadores fundamentales para el desarrollo de todo el proceso creativo: ¿Qué de este material, que en principio resulta muy ajeno a la vida de la actual sociedad occidental,

nos interpela? ¿Qué podemos hacerle decir hoy, a un texto erótico que nació como critica y sátira de los manuales de comportamiento divulgados entre las jóvenes de elite Europea en 1900?” Luisina Sclavi / Dramaturga y directora. EL DESTAPE RADIO: “Primero vamos a desandar lo mejor: Manual de urbanidad para jovencitxs. Fantástica”. Por Nacho Dunand de “Especialistas en cosas”

REVISTA MARINÉ: “Despiadadamente maravillosa. Véanla, véanse”. Sobre ”Manual de urbanidad para jovencitxs”. Por Mariné Amestoy AM530- RADIO MADRES: “Luisina Sclavi, dramaturga y directora de “Manual de urbanidad

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para jovencitxs”: “Después de la obra uno precisa que alguien lo contenga”. - “La Banquina” con Susana Martins, Christian Dodaro y Gladys Stagno

RADIO CON VOS: “Habla de la dictadura de la imagen por sobre todas las cosas”. Por Celeste Murillo de “El círculo rojo” AM750: “Gaby Licht anuncia el estreno de Manual de urbanidad para jovencitxs”. En “La mañana con Víctor Hugo Morales”

“Manual de Urbanidad para Jovencitxs” es una obra provocadora y satírica que explora los temas del placer, la sexualidad y el erotismo desde la perspectiva de las adolescentes y jóvenes de hoy en día. A través de lecciones y tutoriales presentados en módulos, la obra se sumerge en situaciones cómicas y delirantes, desafiando las normas sociales establecidas y cuestionando los conceptos que influyen y manipulan el auténtico deseo en nuestra sociedad contemporánea. Siguiendo la tradición de Pierre Louys (1900) y su obra inspiradora, “Manual de Urbanidad para Jovencitxs” se adentra en territorios de alto contenido sexual, así como en elementos bizarros y oscuros.

De manera irreverente, la obra busca romper tabúes y plantear preguntas incómodas sobre la sexualidad y las normas impuestas, invitando al público a reflexionar y cuestionar las convenciones.

FICHA TÉCNICO ARTÍSTICA

Dramaturgia y Dirección: luisina Sclavi Asistente de dirección: tomas Savino Actúan: Gimena Cos, roció Busca, adela Buendía Diseño de Movimiento: agustina Barzola Würth & Florencia Savoia Diseñadora de Luces: Valeria noel Vestuario: Fiorella roetto & Charlie anglas. Música Original: dfrancesco. Producción: 3escenas producciones. Prensa: prensópolis Manual de urbanidad para jovencitxs FUNCIONES: Viernes a las 23hs Sala: Fandango teatro Luis Viale 108, Villa Crespo CABA Entrada general: $ 3000 Por Alternativa teatral Clasificación: + 16 años Duración: 50 minutos

SOBRE LA AUTORA Y DIRECTORA

luisina Margot Sclavi Freitas (39 años), nació en Montevideo, Uruguay. Comenzó su formación en teatro y actuación en el año 1996, luego de haber migrado a Buenos Aires. A lo largo de su carrera, se formó con Julia Calvo, Claudio Martínez Bel, Ariana Caruso, Pablo Vascello y

.PAL. BAT.A A. Guillermo Cacacce, entre otrxs docentes. Formó parte de la compañía de teatro itinerante dirigida por Rubén Vilela “Compañía artística del Arco Iris”, durante 6 años. Además, estudió Dirección Escénica con docentes como Guillermo Arengo, Andrés Bazzalo y Gustavo Tarrío, como así también en talleres con Paco Redondo y Emilio García Webbi. SOBRE LAS ACTRICES

rocío C. Busca (24 años) es actriz, cantautora e iluminadora teatral. Actualmente, cursa la Lic. en Actuación y la Lic. en Diseño de espectáculos en la Universidad Nacional de las Artes. Se formó con docentes como Cristina Banegas, Pompeyo Audivert, Martin Salazar, Silvina Sabater, Rubén Ramos, entre otras figuras del under porteño.

Entre sus últimos espectáculos en cartelera como actriz, se destacan: “Manual de Urbanidad para Jovencitxs” dirigida por Luisina Sclavi, y “Torres Gemelas, dramaturgia con el destino”, dirigida por Nelson Ansiporovich.

Gime Cos es Licenciada en Actuación, graduada en la UNA. Habiéndose formado con profesores como Guillermo Cacace, Sergio Albornoz, Marco Berger, Eugenia Cappellari, entre otros. Tiene experiencia en teatro, cine y publicidad. Sus últimos trabajos en teatro como actriz son “Manual de Urbanidad para jovencitxs” dirigida por Luisina Sclavi, y “La Descamisada, Evita

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y vos frente a frente”, dirigida por Noel Ponce. Sus últimos trabajos en cine fueron “Eso que quiero infinito” y “Mamá”, cortometrajes dirigidos por Franco Caffarel, y “Turno Nocturno”, dirigido por Forajido Audiovisuales.

adela Buendia nació en Mar del Plata. Cursa Diseño de Imagen y Sonido en Fadu (Uba), a la vez que está formándose en teatro con Florencia Dyszel. Siempre upo que su gran vocación era el arte, por lo que comenzó estudiando piano y canto de pequeña.

En 2023, tuvo la oportunidad de actuar junto a Camila Sosa Villada en el largometraje “Tesis Sobre una Domesticación”, dirigido por Javier V an de Couter.

Actualmente, se desempeña en “Manual de Urbanidad para Jovencitxs”, dirigida por Luisina Sclavi. Su n ombre artístico, que remite a la novela “Cien Años de Soledad” de García Márquez, la define. prensópolis Comunicación y Prensa Dir. Alejandra Pía Nicolosi prensopolis@gmail.com info@prensopolis.com.ar

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ESTRENO!!

“la risa no se jubila” Vuelve a argentina rudy Chernicof – radicado en españaestrena nuevo espectáculo donde muestra sus dotes clásicos de humorista, y además, toca el piano, baila un tango y canta rap! (rudy, casi 80!!) “la risa no se jubila” TERRAZA TEATRO BAR PASEO LA PLAZA Av Corrientes 1660 CABA Sábado 4 de Noviembre 20 hs Sábado 11 de Noviembre 20 hs Precio. $ 3000 Entradas por PLATEANET Clasificación. +13 / - Duración. 60 minutos Unipersonal cómico musical. Sinopsis

“La risa no se jubila” es la nueva comedia de este trovador de la alegría, que es Rudy Chernicof. Regresa a Buenos Aires de su estancia en España – donde monta varios espectáculos – para retratar en este nuevo show, su vida con la risa, eterna. Y por primera vez, al piano y con sus raps! La obra cuenta la historia de un cómico de la legua que al pasar por diferentes países, entiende que los chistes se deben com-

prender en todas las geografías, y que lo mismo sucede con la música, más allá de los idiomas. Y pretende demostrarlo aquí frente a su público, con una narración de humor que recorren al mismo tiempo, su vida y su obra, hasta llegar a Messi… Imperdible! Ficha artístico técnica

Texto Chernicof y Silva Actúa: rudy Chernicof Diseño andres San Martin Producción artística pablo Silva Prensa amadeo lukas Producción Gral Jorge Capodistrias Dirección pandy Bradichansky – rudy Chernicof

rudy Chernicof

Destacado actor de teatro, cine y televisión, autor y cantante de tango, institución del humor en Argentina con más de 50 años de carrera artística. Ha presentado su humor en países como España, Colombia, Cuba, Francia, Italia y Brasil, y entre sus espectáculos destacan “El señor del baño” con más de 20 años de presentaciones ininterrumpidas, “Demoliendo Tangos”, “Humor a la carta”, “Homenaje a Fontanarrosa”, “Que lo pario, Inodoro Pereyra” y el recientemente estrenado con mucho suceso en España: “Por amor a Gila”. Nominación a Premios Carlos, Mejor unipersonal (Que le parió), 2016 Festival del Humor de Bogotá, Mejor actor cómico, 1995 Premios Estrella del mar, Mejor Show, 1991 Premios Pepino, Mejor actor del año, 1991 Premios Estrella del mar, Mejor Show, 1987 Premios Discepolin, A la trayectoria teatral, 1986 Premios Podestá, Por los 50 años de afiliación a la Asociación Argentina de Actores Silva Produccion silvaproduccion @gmail.com

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Vuelve la obra de Verónica Mc Loughlin

“HaSta el MarteS”

Con las actuaciones de Karina Antonelli y Mauricio Minetti Mario, un hombre de 60 años, viudo, vive solo en su departamento repleto de viejos electrodomésticos y objetos olvidados. Un día decide contratar a una persona para limpiar y acomodar ese espacio. Cada martes, Mario y Azucena irán entablando un vínculo singular. El encuentro entre ellos durará lo que un acorde, lo que un mate, lo que una anécdota. O quizás, un ins-

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tante más.

Dramaturgia: Verónica Mc loughlin Actúan: Karina antonelli, Mauricio Minetti Escenografía: emiliano pandelo Iluminación: Manon Minetti Diseño de vestuario:

luciana Monteleone Diseño sonoro: nicolás diab Fotografía: lina etchesuri Diseño gráfico: Mariana Sosnowski, Melanie tellecher Asistencia de dirección: agustina de los Santos Dirección: Verónica Mc loughlin

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Desde el viernes 27/10 a las 21 30 hrs en timbre 4: Boedo 640. Solo por 4 funciones, desde el viernes 27/10 en Timbre 4. Entradas $4500 Más información y venta de entradas en Alternativateatral palabras de la autora:

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.PAL. BAT.A A. pasa por el escenario, fascinando Carlos Diviesti – Blog de la esa la platea en cada función. La perfección es mayor en lo mínimo, lo minúsculo, y esto es lo valioso de esta obra con dramaturgia y dirección de Verónica Mc Loughlin” Laura Miranda – Sobre Bue” (Sobre Bue)

“Una puesta exquisita. “Hasta el martes” vuelve a las raíces de un teatro simple y contundente. Es una puesta que sabe lo que quiere contar. Todo está en su lugar, con un trabajo muy bien realizado en todos sus aspectos. No se regodea con lo bueno que tiene en la mano y prefiere el sano camino de la precisión que caer en pretensiones que no le corresponden.” (Daniel Gaguine – El caleidoscopio de Lucy)

“Cuando la escribí me interesó indagar en un posible encuentro entre personas maduras. Ya no la historia de amor adolescente o juvenil, sino profundizar en las emociones de quienes ya se casaron, la maternidad/paternidad ya no está en juego, lo profesional está medianamente establecido. ¿Cómo es, entonces, ese encuentro? ¿Qué es lo que se compromete cuando la construc“Verónica Mc Loughlin presenta ción de un futuro ya no lo está? una obra que retoma elementos Hoy, 5 años después de haberla propios del realismo, pero los diestrenado, de haberla visto y tra- namiza hasta alcanzar un nivel bajado durante tanto tiempo, me poético inusual. La creatividad y convoca también lo que la obra la posición ética de Mc. Loughlin manifiesta en relación al mundo hace que una pequeña historia aldel trabajo. Una empleada do- cance una inesperada trascenmestica en la casa de un electri- dencia...” (Perla Zayas de Lima cista. El trabajo los convoca y los GOEN Escena) separa. El trabajo. No la vocación, los sueños, la misión. El tra- “Es una pieza que no se oculta bajo cotidiano con el que se pero que no se revela hasta el ganan el sustento. Casi iguales, final, que no es complaciente en sus clases sociales, quizá al- aunque verla sea tan reconforguna diferencia económica, pero tante, que hace universal lo ínno cultural. Hoy pienso que es timo, que se resiste a morir una obra sobre el trabajo y sobre porque la sostiene la memoria. la soledad. Y también, sobre la Uno no puede más que imaginarse que Azucena y don Mario ternura y la esperanza” están vivos, que Azucena y don Mario son Karina Antonelli y MauDIJO LA CRÍTICA: ricio Minetti, personajes fruto de “El amor salva al mundo y llena la observación aguda del gesto teatros. Un suspiro muy leve que mínimo y de la palabra exacta”

quina peligrosa” (Blog de la esquina peligrosa)

“Es inevitable la empatía por estos personajes porque nos reconocemos en su universo, sólido desde sus cimientos hasta los detalles en la puesta.” (ANRed)

“Hasta el martes” de Verónica Mc Loughin con dos actores que la rompen que te meten en su mundo y que te dejan adentro para siempre.” (Máquina de escribir ) “La escritura dramática y escénica de Verónica Mc Loughlin construyen un hecho teatral preciso, en un tiempo real justo, y el humor en cada detalle es una sonrisa para nuestro presente tan castigado.” (Azucena Ester Joffe)

“Hasta el martes” es una obra alegre, divertida, profunda. No pueden dejar de verla. Una obra que nos muestra la verdadera magia del teatro”. (Eclécticamente Arte)

“Dos actuaciones que se lucen mucho en lo particular, pero que sin dudas se potencian en el conjunto. Un diseño escenográfico fantástico de Emiliano Pandelo. Un punto muy alto, al igual que el diseño sonoro de Nico Diab, dándole un sello distintivo a la misma.” Javier Pensador Teatral “Y en eso reside la belleza de esta obra, en la capacidad de hallar lo que nos conmueve en algo cotidiano.” (Espectáculos de Acá) prensa. Sonia Novello soniaveronovello@gmail.com

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ESTRENO TEATRO PICADERO ana KarenIna en HalloWeen

Flor Torrente y Federico Salles protagonizan la obra “ANA KARENINA EN HALLOWEEN” escrita y dirigida por Eva Halac. El estreno será el próximo 23 de octubre 2023 en el teatro Picadero (Pje Enrique S. Discépolo 1857- CABA) con funciones los

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días lunes a las 20 hs. Sinopsis:

Inés es actriz, Lorenzo es diputado. Hace dos años tuvieron un hijo y sus vidas cambiaron. Para ser madre, Inés tuvo que cancelar un importante contrato para protagonizar una serie basada en Ana Karenina, y desde entonces no volvió a trabajar.

Lorenzo, en cambio, desde que está con ella se hizo más conocido y tiene una agenda política agitada.

Ahora, ambos acaban de llegar de una fiesta de disfraces. Por la mañana él tiene una entrevista en un programa de mucha audiencia. Debería prepararse, pero un incidente ocurrido en la fiesta no lo deja concentrarse. Tampoco el hecho de que Inés

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esté disfrazada de Ana Karenina. palabras de la autora:

En la novela Ana Karenina, Tolstoi se pregunta si las ambiciones individuales son compatibles con tener hijos, con formar una familia. Imagina a esas personas solitarias que ven el mundo como una aventura llena de fascinación y las cambia de ambiente, las coloca en medio de la familia, con hijos y responsabilidades. Y se sienta a mirar qué les ocurre, en qué momento la aventura se convierte en planificación, la fascinación en fastidio, y el mundo, hasta ayer un misterio digno de explorar, en una amenaza. Robé algunas situaciones de Ana Karenina con su marido, el funcionario, y busqué imaginar

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esas emociones, esas contradicciones, en la actualidad. Busqué sobre todo ese instante donde aparecen los hijos, la noción de familia. Las diferencias de ese instante entre los hombres y las mujeres. Un instante donde nos despedimos de una forma de imaginar la vida. En que la fantasía infinita, individual, deja paso a otra totalmente diferente. Un umbral entre dos mundos, como esas cosas que se celebran en la noche de brujas. Eva Halac

Vero alcoba Fotografía: Guillermo Monteleone Música, Fx y diseño sonoro: Gustavo García Mendy Voces en off: Mora Monteleone y Juan Halac Redes: Magdalena Margo Producción Ejecutiva: demián Kaltman Asistencia de Dirección: Mora Monteleone / lulú trotta Texto y Dirección: eva Halac

Elenco Flor torrente Federico Salles Escenografía: Micaela Sleigh Vestuario: Gabriela Gerdelics Diseño de Luces:

prensa Raúl Casalotti -SMWPress raulcasalotti@smwpress.com

FICHA TÉCNICA

Funciones: lunes 20 hs Teatro: Picadero Pje. Enrique S. Discépolo 1857 Localidades: $7000. en boletería del teatro o por Plateanet

Flor Torrente Eva Halac Federico Salles

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En Espacio Callejón una nueva obra de Javier Daulte

el sonido

Escrita y dirigida por Javier Daulte 9Berta, una joven trastornada, está segura de oír la voz de su madre muerta en el sótano de su casa. Sus hermanos mayores no terminan de aceptar su estado mental. Su ex niñera, una diputada de extrema derecha, una vieja leyenda del rock nacional y su coequiper completan el entorno familiar. Olaf, un sueco sin escrúpulos, llega a la Argentina con un curioso aparato con el que dice poder recuperar los sonidos producidos a lo largo de la historia de la humanidad.

Los intereses creados, las pasiones cruzadas y las ideologías

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trastocadas harán que todos los personajes se vean envueltos en las redes del ambicioso sueco. Una comedia trepidante que plantea los límites entre lo real y lo imaginado, y la relación que establecemos con la verdad y sus detractores: la posverdad, la negación y la manipulación. Dramaturgia y Dirección: Javier daulte

Elenco: ramiro delgado, luciana Grasso, Silvina Katz, paula Manzone, agustín Meneses, Marcelo pozzi, William prociuk, María Villar

Iluminación: Sebastián Francia Escenografía: José escobar Vestuario: ana Markanian Música: Fernando albinarrate Asistencia de Vestuario: Julia Seras rodríguez Dramaturgista: diego Morán Vera Fotografía: atomobit Diseño Gráfico: laura tavacca Prensa: duche & zárate Asistencia de dirección: Valeria Camino

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Producción ejecutiva: zoilo Garcés

Música grabada y mezclada en Syntagma Música por ezequiel Kosiner Blanco y agustín Boria.

Agradecimientos: dana Basso, Jorge Gentile

¿Hasta qué punto los fantasmas son patrimonio exclusivo de la imaginación y la locura? ¿Dónde convergen lo ocurrido, lo recordado y lo imaginado? La respuesta, en El sonido, se desliza de forma metafórica. Es el teatro ese lugar fantasmagórico que adquiere mágicamente la consistencia y el semblante de lo real. Podemos ver y oír a esos personajes en la medida en que sabemos que no son reales. Si lo fueran, serían inaprehensibles e incomprensibles. Funciones:

Martes 20hs Entradas: $3.500 general $3.000 descuento estudiantes y jubilados Compra por Alternativa Teatral ESPACIO CALLEJON Humahuaca 3759 - CABA

apreciación de Javier daulte sobre su trabajo con equipo espacio Callejón y el sonido

el equipo espacio Callejón es un colectivo de artistas con los que vengo montando obras desde hace 4 años, desde el estreno de la obra Clarividentes. En este equipo participan actri-

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.PAL. BAT.A A. ces, actores y colaboradorxs que cula, Un cuerpo salvaje y se esse vinculan con nuestro teatro y nuestra poética desde diferentes lugares y en múltiples oportunidades. El Equipo Espacio Callejón tiene una línea de programación, de búsqueda y de creación que le confiere una identidad definida, no solo en los espectáculos que dirijo, sino también en los que son programados en la sala.

teatro líquido, por brindar un ejemplo (Héctor Díaz, Silvia Gómez Giusto, María Marull, Paula Marull y yo) es el colectivo de creadorxs (autorxs / directorxs) que congregué hace ya también cuatro años y cuyas obras se han ensayado y estrenado o están en proceso de preparación, nutriéndose siempre artísticamente del Equipo Espacio Callejón. De ese encuentro surgieron espectáculos como Valeria radioactiva, Amor de pelí-

pera el estreno de La Oportunidad.

el Sonido El sonido es el segundo proyecto con un equipo integrado exclusivamente con el elenco que protagonizó Luz testigo, mi última obra.

luz testigo nace desde el Equipo Espacio Callejón, como una propuesta en medio de la situación de pandemia y confinamiento del 2020, para hacer teatro cuando no se podía hacer teatro. Es por eso que se impulsó el concurso del mismo nombre, convocando a autoras y autores a participar escribiendo obras que tangencialmente abordaran la situación que estábamos y estamos atravesando. El jurado que seleccionó las obras es también en parte del EEC: Dana Basso, Paula Manzone, Sebastián Irigo, Leandro Arecco, María Marull, Paula Marull, Silvia Gómez Giusto y Héctor Díaz. Además, la mayoría de los que participan en el proyecto, desde Sebastián Francia, José Escobar (iluminación, escenografía), Ana Markarian (vestuario), Alejandro Zárate y Walter Duche (prensa y comunicación) y Zoilo Garcés (producción) así como gran parte el elenco, ya han sido partícipes de varios proyectos en común que nos han involucrado. Duche&Zárate Comunicación + Media Walter Duche – Alejandro Zarate prensa@duchezarate.com.ar Seguinos en IG, T y F @duchezarate

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Luego de 6 meses a sala llena en el circuito independiente, ahora llega a calle Corrientes

laS deSCartadaS Dirigida por Alejandra Mistral Una obra de Florencia Farías y Gustavo Roza Pereyra En Teatro Buenos Aires Domingo a las 20 horas Con Mariel Rueda nominada al ACE por su actuación ¿A “Las Descartadas” les cambiará su suerte?

Seis mujeres muy diversas, estudiantes de psicología de la universidad pública necesitan presentar su tesis universitaria grupal para así recibirse y poder cambiar su suerte. En plena búsqueda del tema a investigar hurgando en sus biografías estalla el conflicto. Fueron “descartadas” por sus compañeros y rejuntadas en un grupo dispar,

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unidas por diferentes, cada una mostrará sus partes menos valoradas, menos aceptadas, haciéndonos reflexionar sobre el aspecto “descartado” con el que cada uno de nosotros luchamos cotidianamente. Mariel Rueda nominada a los ACE como Revelación femenina FICHA TÉCNICO ARTÍSTICA

Madrid Diseño Multimedia: pablo Cernadas Música original: Carla Haffar Fotografía: pablo Cernadas Diseño gráfico: patricio azor Asistencia de dirección: diego rasore Producción ejecutiva: pablo Cernadas Puesta en escena: alejandra Mistral Dirección Coreográfica: teresa duggan Dirección: alejandra Mistral Funciones: Domingos a las 20 Localidades: $ 4.600.En venta por Plateanet teatro Buenos aires Rodríguez Peña 411- CABA

Dramaturgia: Florencia Farías, Gustavo roza pereyra Actúan: Florencia Farías, nacha Malén, Yamila Mayo, lourdes prenafeta, Mariel rueda, erica ruiz Vestuario: Gisela Budesky Escenografía: Gisela Budesky dice alejandra Mistral Diseño de luces: Miguel angel

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.PAL. BAT.A A. “Dirigir esta obra de Las Descar- los autores: Los autores de la actividades en múltiples espacios tadas fue importante para mí , dado que siempre trabajé con alumnos en la docencia , siempre entendí sus miedos y sus debilidades y los ayude a sortear grandes obstáculos propios y de conjunto, hoy tienen éxito en las tablas , porque se han dado cuenta tanto ellos como los personajes que representan las actrices de este elenco , que tanto ellos como yo y como todos alguna vez nos hemos sentido descartados por las circunstancias y han sabido desplegar sus sentimientos e ideas de que ser “Descartado” es el aviso y la motivación para que comencemos a interiorizar la idea de que debemos también reciclarnos como personas , la diferencia es una virtud sin igual , ser actor , actriz y representar un conflicto , un estado del propio ser es un trabajo donde surgen las particularidades y se hace consciente la evolución como motivación central y el cambio del ser mismo.”

de teatro Independiente , siendo recientemente Directora de teatro y docente en la Pausa Teatral durante 2022 . Estuvo a cargo del Teatro la Ranchería , como coordinadora artística , curadora y productora de sus obras Fundadora del proyecto Abriendo Caminos y del proyecto AnimArte, proyectos registrados en DDNA , actriz y dramaturga de la obra “Yasse, dale” en el mismo Teatro en donde ha desarrollado su actividad desde enero 2019 hasta diciembre 2021 en forma ininterrumpida. Participó de innumerables Producciones Teatrales junto a innumerables elencos de actores amateurs que han continuado su profesión , en el teatro de la Manzana de las Luces, Teatro Colonial, Paseo la Plaza, Teatro la Clac y teatro la Pausa Teatral , realizando más de 30 muestras por año de alumnos , donde, a su vez, dio clases de actuación, psicodrama y participó de la Noche de los Museos con espectáculos de Match de Improvisación , como Profesora de actuación en La Manzana de las Luces desde el año 2005 , colaboró en proyectos solidarios como el grupo los “Sin techo”, y la realización de muestras desde el 2005 hasta el 2015 de alumnos como docente teatral. Actualmente dicta clases en la Comunidad Tel Aviv , esta a cargo de las clases de actuación para el Banco Nación a su personal JeLa Directora: alejandra Mistral rárquico y Empleados y como es Psicodramatista , Actriz, Dra- Profesora de Teatro en el Colegio maturga , Profesora y Directora Pestalozzi. Teatral desarrollando también actividades como Productora de te- duche&zárate atro , desempeñándose en prensa@duchezarate.com.ar obra entrecruzan sus formaciones: Florencia Farías es Dra. en psicoanálisis y actriz, Gustavo Rozas Pereyra es director de cine y cada escena está atravesada por la mirada de ambos oficios. La trama argumental denota los aportes del psicoanálisis: las enseñanzas de Sigmund Freud y de Jacques Lacan aportan luz a los conflictos traídos por las protagonistas. Encontrar el tema de la tesis es la excusa para lograr desplegar las vivencias y dolores que atraviesan a todos los seres humanos, diferentes temas aparecen: feminidadhisteria, elección-determinismo, religiónpsicoanálisis, amor-deseo, goce masculinogoce femenino, sometimiento-libertad, vínculo madrehija. Se despliega en el transcurso de la obra la idea de que “Ser Descartado” es el sentimiento iniciático para que nos demos cuenta que debemos también reciclarnos como personas , la diferencia es una virtud ,la obra nos vincula con el gran problema de la humanidad: montañas de residuos se acumulan en las orbes del mundo a partir de la feroz y desmesurada acumulación excesiva de recursos sin control dando impacto global al medio ambiente , el reciclado aparece como un recurso fundamental : aquello descartado y lo que parece que no sirve toma valor.

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Geomenticamente

Sinopsis: Enzo es una persona que sufre trastornos mentales, producto de varios sucesos que vivió en su vida. Imagina en su mente que las personas que los juzgaron y señalaron como “El loco” , están encerrados en distintas figuras geométricas vivenciando distintos traumas y conflictos.

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La obra habla sobre la salud mental y la ley 26.657 Elenco: Matias Sotomayor Betty Bermudez Jorge Bernuchi eduardo ampuero Sebastián Sierra Cleiton enrique Santiago Iglesias Gonzalo eisenag Asistencia de dirección:

leiza Garay Fotografia y diseño grafico: Cleiton enrique Libro y Dirección general: ezequiel Castillo

FUNCIONES: Miércoles 21:30hs de Noviembre teatro Cpm Multiescena prensa sequi castillo sequicastilloteatro@gmail.com

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.PAL. BAT.A A. la indiada. Pero cae

Llega el estreno de Janequeo, de Juan Isola, en el Teatro El Grito

profundamente enamorado cuando Janequeo le salva la vida. Cuando el Abad conoce los sentimientos que unen a Janequeo y Tomasino comienza a pergeñar el plan para someter a la Janequeo ante los ojos de su señor, darle muerte y salir ileso del complot.

El sábado 21 de octubre a las 23 hs. se estrenó en el Teatro El Grito, la obra Janequeo, la ópera prima de Juan Isola, con las actuaciones de un elenco de talentosos artistas de la escena local: Facundo Livio Mejias, Delfina Colombo, Emanuel D´aloisio, Gogo Maldino y Eugenio Tourn.

Janequeo Funciones: Sábados 23 hs. teatro el Grito Costa Rica 5459 - CABA Entradas a la venta

El actor, músico, director y docente Juan Isola cuenta con una trayectoria muy prolífica en la escena nacional. Entre sus últimos trabajos se destacan “La Traducción” de Matías Feldman, “ Las Ciencias Naturales” con dirección de Mariano Tenconi Blanco, “La Madre del Desierto “ de Ignacio Bartolone, “Que todas las vaquitas de Argentina griten Mu” con la dramaturgia de Juan Francisco Dasso, “ La Liebre y la Tortuga”, bajo la dirección de Ricardo Bartis. Además. es director del Festival de lenguajes escénico “Buenos Aires Empírico”, del Espacio Sísmico un teatro independiente jóven que reúne a lxs nuevxs productorxs de artes escénica, visuales, performance y danza de la ciudad de Buenos

Aires y también del grupo teatral Grupo Mínimo. Sinopsis

Tomasino es un conquistador que ha viajado sirviendo al Rey de España para ampliar las fronteras del reino y llevar la palabra evangelizadora en las Indias Occidentales. Él es aventurero, ducho en las artes de la guerra, lector empedernido, escritor, y poeta. Lleva un diario de su camino en las nuevas tierras y redacta cartas en donde narra sus aventuras a la Corona. Lo acompaña Federico un Abad de Castilla, su gran consejero y confidente. Junto con él diagraman y organizan los pasos a seguir.

Tomasino un hombre de su época, desbocado por conocer a los aborígenes, no solo los empuja de su territorio por la fuerza, sino que insiste en cruzarse con

loroso.

Una farsa toma el espacio. Los animales hablan, las personas corren desnudas y el Guajalote nos escucha. Conoceremos una verdad con un encanto do-

Ficha técnica

Actúan: Facundo livio Mejias, delfina Colombo, emanuel d´aloisio, Gogo Maldino y eugenio tourn Diseño de arte: Julieta Sanchez aragone Realización de vestuario: Camila Segovia, natalia alayon y ana Freccero Ilustración: Ben Cattan Iluminación: Juan Isola Prensa: antonela Santecchia Asistencia en dirección: Candela Font Dramaturgia y dirección: Juan Isola

Prensa: antonela Santecchia antonelasantecchia@gmail.com

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Basta de abusos: Inquilinos unidos contra la especulación inmobiliaria y la injusticia. MIGUelIto pepe ¡Barramos con las escobas las injusticias de este mundo!

Luego de recibir una mención especial en el Tercer Certamen Iberoamericano de Dramaturgia de Castuera, España, Matias Alarcón se enorgullece de poner en escena “Miguelito Pepe”, la historia del joven anarquista que en el año 1907 fue protagonista de la huelga de inquilinos más conocida como “La huelga de las escobas”, un movimiento popular contra la suba de los alquileres en las casas de inquilinato de la ciudad de Buenos Aires.

Este drama nos lleva a un viaje emocional y reflexivo a través de momentos cruciales de la historia argentina del principio del siglo XX, explorando las luchas, sacri-

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ficios y esperanzas de quienes desafiaron adversidades en busca de un mundo mejor para los más vulnerables. SINOPSIS:

El joven Miguelito Pepe y su madre, María, luchan por sobrevivir en un conventillo de San Telmo bajo condiciones inhumanas. Cuando los alquileres aumentan, Miguelito se ve obligado a trabajar en una fábrica para contribuir al hogar, lo que crea tensiones con su madre, quien teme que sea explotado y pierda su juventud. En un acto de sacrificio desgarrador, ella hará lo impensable para preservar la inocencia y el bienestar de su hijo. Pero cuando la represión liderada por Ramón Falcón sacude el barrio, Miguelito junto a los vecinos se unen en una apasionada manifestación que los arrastra hacia el trágico episodio conocido como la “Huelga de las

escobas”.

FICHA TÉCNICA

Elenco: Gianna prado, Max acuña, lucas Matey, Carlos Marsero, Sol Gutiérrez, Hernán arrichetta, emiliano Krogh Producción: Matias alarcón Asistente de Producción: Gisela parapar Dramaturgia y Dirección: Matias alarcón Asistente Dirección: Gisella Sirera Iluminación: Manuel Mazza Música original: tomas pallo Escenografía: Micaela delgado Diseño y Fotografía: Belén Garofalo Funciones: Viernes 20hs teatro: el Grito Costa Rica 5459 - C.A.B.A. Entradas por Alternativa Teatral Contacto: @miguelito.pepe www.migueitopepe.com.ar Matias Alarcón alarconmatias@gmail.com

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Nuevo Espectáculo

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“Vida y Milagros de Niní Marshall”

Teatro del Pueblo.

Con actuación, libro y dirección general Ana Padovani

Continúan las funciones del espectáculo titulado “Vida y milagros de Niní Marshall”, protagonizado por ana padovani y Juan trzenko.

el género teatral y el radial. Dado que cuenta su vida e interpreta sus personajes tal como lo hacía ella en la radio junto a Juan Carlos Thorry en los años ‘40.

Este espectáculo cuenta con el subsidio de la Fundación Williams. prensa: Alfredo Monserrat alfredomonserrat@gmail.com

Asistencia: Valentina lozano. Fotografía: Victoria Bornaz. Diseño Gráfico: María Inés lópez escudero. Musicalización y elementos: ricardo Merayo. Asesoramiento escénico: paula pasnansky. Prensa: alfredo Monserrat. Dirección general: ana padovani. Las funciones se realizan todos los sábados a las 17 hs. en el teatro del pueblo. Lavalle 3600. CABA. Tel: 7542-1752. Entradas: https://www.alternativateatral.com/obra85258-viday-milagros-de-nini-marshall y en el teatro. Duración de la obra: 70 minutos. Entradas: $3500.Vida y milagro de Ninì Marshall Textos Radiales de Niní. Correlato: Ana Padovani.

ana padovani ya ha frecuentado los textos y la figura de Nini Marshall en anteriores espectáculos. En este caso el género de la narración oral se fusiona con

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artística: Música y letras.

domíngo 12 a las 20.30 alMalUSa Canta aMalIa El quinteto argentino de fado y canciones de Portugal presenta su nuevo espectáculo en el cual celebra a la fadista más grande de todos los tiempos: Amália Rodrigues. El concierto incluirá algunos clásicos del folclore portugués con la impronta Almalusa en versiones musicales que respetan la esencia tradicional y el amor por el género. Integran almalusa: María laura rojas y dulio omar Moreno voz, Juan pablo Isaía guitarra portuguesa, luis Cativa tolosa guitarra clásica. Músico invitado: nicanor Suárez contrabajo.

lunes 13 a las 20.30 lUneS de Jazz SUCHeraS / de MÓnaCo / zentner

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Gil, Chico Buarque, Milton Nascimento y más! Con Miguel oyuela en guitarra y como invitado especial rodrigo aberastegui en piano. La Biblioteca Café a puro Jazz, presenta, en su 16º año al trío integrado por angel Sucheras piano, Gerardo de Mónaco contrabajo y Camilo zentner batería.

Martes 14 a las 20.30 Banda Broder BaStoS ConVIdando MÚSICaS de BraSIl Todos los martes el guitarrista, bajista, compositor y cantante Broder Bastos junto al baterista Camilo zentner, presentan un show de música popular brasilera. Caetano Veloso, Gilberto

Miércoles 15 a las 19 Con-CIerto SentIdo MUltISenSorIal Irene Marín, artISta VISUal A través de una exploración e indagación por nuestras misteriosas cajas de Pandora te invitamos a jugar con tus cinco sentidos asumiendo un rol protagónico y vital, lejos de pantallas y simuladores. Irene Marín, flauta traversa, Fernanda Gonzalez, piano. Jueves 16 a las 20.30 MarIano CaStro ClerICI Jazz trío Los destacados músicos de la

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.PAL. BAT.A A. Marta roSSI / GIoVannI pa- “La guitarra, en manos de ella, nella,

escena joven de jazz porteño Mariano Castro Clerici en piano, agustín Sánchez adamo en contrabajo y lucas Colagiovanni en batería, se presentan en La Biblioteca Café con un programa en el que homenajean la música de los grandes pianistas de los años ’50 y ’60, como Bud Powell, Ray Bryant, Sonny Clark, Red Garland, entre otros, junto con un repertorio de standards clásicos de jazz. Compartiremos una noche alrededor de la música, recreando piezas tradicionales del jazz y estilos que oscilan entre el swing y el bop.

Viernes 17 a las 18 HappY HoUr + Jazz en VIVo Todos los viernes: Gustavo Cortajerena trompeta, Sebastián Álvarez saxo tenor, dante Carniel piano, leo páez contrabajo, Camilo zentner batería. Happy Hour 2x1 tragos y cerveza

Viernes 17 a las 21 CaFe CHantant

El café chantant o café-concert fue un espectáculo que caracterizó la Belle Époque, en los primeros años del siglo XX. Nació en Paris y difundió con mucho éxito también en Italia. Una característica de esos espectáculos era la posibilidad de mezclar canciones de varios origenes “canzonetta”, pequeñas escenas dramáticas, “operetta”, ballet y teatro. La versión italiana tuvo gran desarrollo sobre todo en Nápoles y Roma. Se conocen poco las canciones que se cantaban durante esa época y las versiones de temas y nombres que del francés pasaban al italiano. La “sciantosa” en particular (del francés “chanteuse”) era la reina y protagonista de esas representaciones. En este concierto queremos recuperar esas canciones y acercarlas al público porteño. Músicas de Ranzato, Costa, di Chiara, Lehár, Bixio entre otros, interpretadas por Marta rossi, soprano, Giovanni panella, piano. Sábado 18 a las 17 analía reGo del Salon parISIno al arraBal porteÑo

Clásica y tango x analía rego

suena a ruego y a misterio y a memoria”. Así describió Horacio Ferrer el arte de analía rego. Al regreso de su gira por Alemania y Suecia la artista presentará un recorrido por

composiciones emblemáticas de la guitarra clásica interpretadas con instrumento de época junto a clásicos instrumentales del tango argentino.

Sábado 18 a las 21 en el MarCo del MeS de la CUltUra IndependIente Hard Bop leGaCY 5tet Jazz El quinteto integrado por Gustavo Cortajerena trompeta, dante Carniel piano, leo páez contrabajo, Sebastián Marcial Álvarez saxo, Camilo zentner batería interpreta composiciones de Jazz de finales de los años 50´s. Con temas de Hank Mobley, Art Blakey & the Jazz Messengers, Jimmy Heath, Freddie Hubbard, entre muchos otros mas...

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lunes 20 a las 20.30 lUneS de Jazz SUCHeraS / de MÓnaCo / zentner La Biblioteca Café a puro Jazz, presenta, en su 16º año al trío integrado por angel Sucheras piano, Gerardo de Mónaco contrabajo y Camilo zentner batería.

Martes 21 a las 20.30 Banda Broder BaStoS ConVIdando MÚSICaS de BraSIl Todos los martes el guitarrista, bajista, compositor y cantante

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Broder Bastos junto al baterista Camilo zentner, presentan un show de música popular brasilera. Caetano Veloso, Gilberto Gil, Chico Buarque, Milton Nascimento y más! Con Miguel oyuela en guitarra y como invitado especial rodrigo aberastegui en piano. Miércoles 22 a las 20.30 BronKadero pIazzolla Y MaS Bronkadero es una agrupación

musical surgida en el año 2020, en el momento en que se flexibilizaron las medidas de aislamiento social impuestas a raíz de la aparición del Covid 19. La banda está compuesta por norberto Malandrino en la batería, diego dolzani en bajo eléctrico, Nicolás “Titi” Trucco en teclado y sintes, Federico Quevedo en bandoneón y pedro

luyo en violín. El estilo propio de Bronkadero busca captar el mensaje de la música del maestro Piazzolla, haciendo un guiño a otros géneros, haciendo una puesta en valor y una reinterpretación propia de esta música que nos identifica, intentando acercarla a un público para el que esta música sea desconocida y convirtiéndola en parte del repertorio popular del siglo XXI. A poco más de 100 años del nacimiento del maestro nuestro humilde homenaje es llevar su música a nuevas generaciones de oyentes.

Jueves 23 a las 20.30 dÚo alGerI MarConI / Canta aadrIana nano tanGo La cantante adriana nano la bandoneonista Carla algeri y el pianista leonardo Marconi harán en este nuevo concierto

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una recorrida por el tango con material incluido en los más recientes discos, VIivo en Casa realizado por Adriana Nano junto al cuarteto de Leonardo Marconi y el disco dúo de Carla Algeri y Leonardo Marconi titulado Gris de Ausencia

Viernes 24 a las 18 HappY HoUr + Jazz en VIVo Todos los viernes: Gustavo Cortajerena trompeta, Sebastián Álvarez saxo tenor, dante Carniel piano, leo páez contrabajo, Camilo zentner batería. Happy Hour 2x1 tragos y cerveza

Viernes 24 a las 21 BrIdGeS - BrazIlIan & Jazz ConneCtIon La formación repasa desde dos voces versátiles y diferentes, temas que amalgaman el jazz la bossa, boleros etc. Jorge Cutello voz ,piano, flauta traversa, Martín delp guitarra y voz, athos Garcia batería, leo paez contrabajo Sábado 25 a las 21

en el MarCo del MeS de la CUltUra IndependIente parlaMI d’aMore CanCIoneS de la ItalIa roMÁntICa - Sexta temporada

Porque el amor nos salva, porque el amor nos eleva, porque el amor nos transforma. Hablemos de amor! Soñamos, sufrimos y vibramos con las más bellas canciones y canzonettas de todos los tiempos. La soprano Susana Sánchez laganá y el tenor rodrigo Charmiello. nos llevan a recorrer los tiempos de Modugno, Di Bari, Zanicchi ó nos trae imágenes de Cinema Paradiso y El Padrino sin dejar de volar con Bellini ó Tosti. Acompañan otros dos fanáticos del amor: ezequiel dalairac al piano y Simón Martins en violín.

domingo 26 a las 17 CoMpaÑía eStrellaS presenta aMor en VeneCIa, Temas de Andrea Bocelli, Arias de Ópera y Musicales interpretados por el tenor Christian an-

.PAL. BAT.A A. chaval y la mezzosoprano Silvia Guillot, acompañados por Melisa Spina en piano.

domíngo 26 a las 20.30 eVa BrUna / CoMeCoCo Y otraS YerBaS La cantante de tango Eva Bruna comparte temas de su último disco doble, Comecoco y otras Yerbas en el que combina distintos géneros musicales. En la oportunidad estará acompañada por Juan Martínez en guitarra y arreglos, rubén Sloninsky en bandoneón, paula liffschitz en flauta traversa y pata Corvani en percusión.

lunes 27 a las 20.30 lUneS de Jazz SUCHeraS / de MÓnaCo / zentner La Biblioteca Café a puro Jazz, presenta, en su 16º año al trío integrado por angel Sucheras piano, Gerardo de Mónaco Martes 28 a las 20.30 Banda Broder BaStoS ConVIdando MÚSICaS de BraSIl

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oyuela en guitarra y como invitado especial rodrigo aberastegui en piano.

Todos los martes el guitarrista, bajista, compositor y cantante Broder Bastos junto al baterista Camilo zentner, presentan un show de música popular brasilera. Caetano Veloso, Gilberto Gil, Chico Buarque, Milton Nascimento y más! Con Miguel

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Jueves 30 a las 20.30 en el MarCo del MeS de la CUltUra IndependIente GUIllo eSpel CUarteto SoUVenIr

Guillo espel Cuarteto continúa presentando material de su reciente álbum Souvenir y celebrando sus 20 años de trayectoria como grupo. Música argentina incluyendo obras propias y de autores como Tito Francia, Ariel Ramírez, Hnos Díaz y Gustavo Leguizamón. integran Guillo espel Cuarteto: oscar albrieu roca vibráfono, metales y parches, alejandro Becerra cello, Coti Moron clarinetes, Guillo espel guitarra. Cantante invitada Guadalupe Farías Gómez.

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Música

LANZAMIENTO MUDANTE

“te MIntIeron”

Mudante es el proyecto solista de damian Guitar. Sus dos primeros álbumes fueron lanzados con su nombre real, pero para el tercero se autodenomino Mudante, ese seudónimo supuso una mutación radical en su lírica y sonido. englobaba sus cambios musicales de álbum en álbum, su necesidad de transformarse. Mudante ha experimentado un

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cambio en su estilo musical a lo largo de su carrera, aunque siempre ha mantenido la canción como bandera.

Su nuevo disco “Te Mintieron”, incluye 7 canciones compuestas durante su estancia en España. lo mudante tatúa el álbum.

Su piel encarna géneros como el

indie, el folk y la cumbia a los que su registro vocal se adecua: inspiraciones como Andrés Calamaro o Mi Amigo Invencible fluyen en su momento. Con llanura y simpleza, Mudante hace verso su necesidad de expresión, que va más allá de la mentira. También comunica un amor fuera de foco, ambiguo en el que la confesión juega un papel decisivo.

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damian vivió mucho tiempo en Sevilla y toco por toda España. Hoy, en 2023, regresa a su tierra natal para presentar su nuevo disco “Te Mintieron”, que incluye 7 canciones compuestas durante su estancia en España. Este nuevo disco, es una recompilacion de composiciones que se fueron acumulando en esos años. Todas esas canciones están interpoladas por experiencias que ha vivido en ese viaje, por gente que conoció de todo el mundo. Y la música se ve claramente inyectada por el sonido de Sevilla, sin dejar nunca de lado su sangre argentina marcada por grandes como Calamaro, Fito Páez, Spinetta y tantos otros. En algunos temas aparece Manu Chao como influencia, y algunos géneros nuevos en su música, como la cumbia. El disco cambia de productores por diversas razones, hasta que finalmente cae en manos de Checho Fla (Antu, Guille Beresñak) quien había participado en la banda sonora de la película de Gilda y en la de Rodrigo, por lo que se encarga de darle una impronta al disco más latina.

“El coqueteo con la cumbia arranca en mi tercer disco. Fue idea del productor y yo me resistia. Yo siempre fui muy rockero pero cedí, la deje entrar. Cuando llego a España, paradójicamente conocí un montón de latinos y entonces aprendí a tocar hasta bachata con la guitarra. (Cuidado con la guitarra de la bachata porque parece que no, pero tiene bastante laburo). Y me empecé meter en la cumbia tradicional, la amazónica.

Los Mirlos tienen unas guitarras que son buenísimas. Fue natural, no es que dije: ‘Voy a hacer esto’. Igual no dejo mi corazón y mi sangre que es rockera y blusera. Siempre está.” En junio del 2023 lanza el primer single del disco llamado “Luciérnaga”, cuya composición está insipara en una gata que vivía con él en Sevilla. La canción se hizo viral ya que la gente la usaba para subir a las redes vídeos con sus felinos.

La canción “Te Mintieron”, antes nombrada, es la más importante para él del disco, tanto así que al álbum le puso ese mismo nombre. La canción fue la primera compuesta al llegar a España y habla de que todos tenemos un talento natural, y nos mintieron al hacernos creer que no era así. Sólo hay que saber buscarlo y como dice la canción “Luego de más grande te das cuenta que todo con esfuerzo se puede lograr, todos nacemos con talento natural, no te dejes engañar.”

Se destaca por tener componentes latinos y de la rumba catalana, tanto es así que hay una participación de una voz flamenca por parte de la cantante sevillana Rachel Power, un rapeo sincero por El Chusta (Ofunkillo), también sevillano, y una batucada de mujeres de distintas nacionalidades. De esta manera, “Te Mintieron” tiene un aire cosmopolita y de unión rompe fronteras. El video filmado entre Sevilla, París y Bue-

nos Aires, apareciendo en el mismo músicos y artistas que han trabajado con él en el continente europeo.

El músico rano Sarbach quien produjo el segundo disco de nuestro “tropical guitar héroe” nos cuenta que le pareció “Te Mintieron”. Este disco suena increíblemente bien, muy bien tocado e interpretado, además de tener una muy buena producción artística. El repertorio muy ecléctico nos hace viajar, logra composiciones en diferentes estilos, pero siempre con su impronta, sin nunca perder de vista “la canción” ¡Utiliza un lenguaje universal que creo que le va a gustar mucho a un gran porcentaje de la humanidad! FICHA TECNICA

Luciérnaga Triste Te Mintieron Perro Viejo Un Día Como Hoy QDF Nunca Te Escribí

BIO / DISCOGRAFIA

En el año 2011, luego de haber sido parte de varios grupos musicales, Damián Guitar lanza Canciones del Segundo Piso, su primer disco como solista. Fue grabado íntegramente en su homestudio; él interpretó todos los instrumentos. El disco tiene una influencia marcada del rock

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nacional, con Cerati solista como principal referencia.

En el año 2013 se embarca en su nuevo trabajo, “Mejor que Ayer”, un EP de 5 temas producidos por Rano Sarbach. El disco se presenta más pop que el anterior, con sangre rockera vía sonidos de guitarra eléctrica punzantes en contraposición con el sonido cálido de las acústicas. Se presenta en varios lugares de capital como Ladran Sancho, Liberarte, La Viola Bar, entre otros.

El disco que empezó a grabar con Guillermo Beresñak en 2015 le da el nombre al alter ego Mudante con el que se abre de género sin limitarse con su apellido. Supuso una mutación radical en su lírica y sonido. Su logo es una persona con un triángulo como cabeza, que simboliza la transformación. Mudante es una palabra inven-

tada en cuyos ingredientes aparecen la muda (muda de piel, como los animales), mudar de cambiar de lugar. El Mudante sería una persona que se mueve, que se revitaliza. Al año de este álter ego dio un giro en su vida personal; renunció a su trabajo, vendió sus cosas y decidió viajar para cumplir su sueño de vivir de la música. Así, viajó primero a Brasil y luego a España en 2017, donde se encontró con Checho Fla, coproductor de Beresñak.

En 2019 y 2021, hizo cerca de 90 shows por año en España con distintos proyectos como Mamá África Revolución, Avanti Rock y su banda cumbiera Viva Maicol, tocando en algunos de los festivales más importantes de Andalucía. A finales del 2022 regresó a Argentina con un disco casi termi-

Mudante - damian Guitar ENTREVISTA POR CLARA STREB ¿Cómo iniciaste como músico?

Desde los 11 años, siempre tuve una tendencia a crear, no solo con la música, sino en la escuela; dibujaba algo inventado en vez de copiar. Y siempre estuve escribiendo cuentos y tocando canciones antes de ser músico. Ya a los 13 me regalan mi primera guitarra eléctrica. A partir de eso empecé a tener bandas, casi siempre componiendo, siendo un poco el líder. Tuve una banda de heavy metal, otra más de rock alternativo,

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después toqué en una banda que se llamaba María Magdalena. Me gustaban Madonna, Michael Jackson, pero no podía decirlo al principio.

En 2011 hice mi primer disco solo, empecé a grabar en la computadora, unos amigos que tenían un estudio me lo mezclaron, y tocaba en barcitos, solo o con banda. Empecé con Guillermo Beresñak a grabar un disco, que le da el nombre al álter ego Mudante. Quería abrirme de género y el apellido me limitaba. Ahí hay mucha ins-

nado. Checho Fla terminó produciendo este adelanto y el disco en una etapa de madurez compositiva para el artista. El arte de tapa fue diseñado por el propio Mudante, como la mayoría de sus discos, ya que considera su proyecto como una experiencia audiovisual. DISCOGRAFIA

- Canciones del Segundo Piso (2011) Producido por Mudante - Mejor que Ayer (2013) Producido por Rano Sarbach - Mudante (2015) Producido por Guillermo Beresñak - Quemé las Naves (2017) Producido por Guillermo Beresñak - Siempre en Verano (Single 2022) Producido por Isra Bizarre (Esp)

trumentación.

Hablame de tu nuevo disco ¿Qué canción de tu repertorio te resuena más actualmente?

“Te Mintieron” es la canción que más fuerte me pega, por un montón de motivos. Habla de todo esto de haberme ido. Y por lo que pasaba con la gente: era la primera canción que me pedían que toque. “Talento natural”, salió en Sevilla. Las premisas en los vídeos era que fuera natural: donde vos vas

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misma, es un lugar en España. Es un bulevar. Alameda de Hércules se llama el lugar. Es un Palermo con muchos bares. Palermo de antes, más bohemio. Se me mezcló eso. Es a una chica pero nombrando al lugar, hablando a través de Sevilla.

¿Hay alguna experiencia de tocar en españa que haya sido especialmente memorable?

a tocar la guitarra, anda como vos vas, a cantar, naturalmente. Es un poco ese el espíritu “Tener tu corazón como tu animal”: la letra original (la parte de rap la hizo un amigo de Sevilla, Adro) decía ánima, y yo lo cambié a animal. Sobre “Perro viejo”, en pleno confinamiento había un señor que estaba en la calle bajo la lluvia y con una compañera de piso bajamos con barbijo y bajo la lluvia lo ayudamos y pedimos una ambulancia. Cada canción tiene una historia. Es algo que me está pasando. Hay gente que me critica eso y gente que le gusta: el tema del que hablo. Me gusta hacer de storyteller entre canción y otra. Y cuando voy a ver a un artista, hacía poco iba a ver a Calamaro, y Calamaro no habló, y de Fito me

gustó que contara cosas. Ahora es distinto, dejar misterio o dar autenticidad (y esto último juega). Cuando me preguntan el género, digo indie pop para encasillarse en algo. Pero tiene mucho de rock argentino. “Nunca te escribí” es el único compuesto antes de España, influenciado por Radiohead, Nick Drake “Alameda triste”: es la alameda

El primer festival es el más memorable. Estuvo el Pop Cac, que fue la primera experiencia tocando con tanta gente, y también tengo muchos recuerdos tocando en Avanti Rock . También recuerdo la playa. Siempre quise tocar en la playa y no se me daba. Y allá toqué en la playa pero zarpado. Hasta me llegué a cansar; en Sevilla, en Cadis… Contacto AGENCIA LES DILETANTES Natalia Eva de Parseval lesdiletantes@gmail.com

Video Mudante - Te Mintieron https://youtu.be/3LWwtoDIEdk?f eature=shared

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arpeGHY, la banda de Hard Rock del

momento, presenta el videoclip de “Hasta el final” Arpeghy continúa con su seguidilla de lanzamientos de vídeoclips y en esta oportunidad es el turno de “Hasta el Final”, single correspondiente a su muy loado álbum “3”, el cual se suma a los ya exitosos “Un Round Más”, “Mi Destino”, “Hechizo Gitano” y “Te Perdí”. Paralelamente el grupo presentó dos videoclips EN VIVO, grabados durante una de sus presentaciones en The Roxy Live, que significaron los primeros en ese formato. Las canciones elegidas fueron “Dame una señal” y “No sé vivir”.

La banda, que se encuentra en su más alto momento creativo, presenta este nuevo clip intimista que viene una vez más de la mano del prestigioso Penumbrart. Una pieza de puro Hard Rock que invita al disfrute de principio a fin, con una letra que le inyecta todo el empuje a aquel que la escucha, destacando no sólo la vibrante ejecución de instrumentos de esta gran formación sino también la excelsa

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calidad vocal de su frontman. Arpeghy sigue, además, girando por los principales escenarios locales, transitando un 2023 plagado de éxitos en lo que a sus presentaciones respecta y proyectando un 2024 que incluye shows de nivel internacional, acompañando a grandes figuras del género.

Sin dudas esta es la banda de Hard Rock del momento, la que bajo la bandera de la movida independiente nacional apuesta con todo a elevar paso a paso su nivel musical.

VENÍ A VIVIR LA EXPERIENCIA

DE ARPEGHY EN VIVO PRÓXIMO SHOW: 25 DE NOVIEMBRE EN EL TEATRITO.

Más información de arpeghy en: https://linktr.ee/arpeghy SG PRENSA Y DIFUSIÓN Susana Galarza https://linktr.ee/sgprensaydifusion sgprensaydifusion@gmail.com MIEMBRO DE AAAPAC

Video Arpeghy - Hasta el Final (Video Clip Oficial) https://youtu.be/vT2wAqK6maA? feature=shared

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Julieta Díaz • Diego Presa presentan

“rIo” junto a su banda completa

Acompañados por primera vez por la banda en pleno, el dúo de Julieta Díaz y Diego Presa presentará sus canciones en el reconocido Bebop Club. Luego del premiado EP “El Revés de la Sombra” -con el que ganaron el premio Graffiti a Mejores Compositores-, “RÍO” es el nombre del segundo trabajo discográfico del dúo formado por la prestigiosa actriz y cantante argentina Julieta Díaz y el reconocido compositor y cantante uruguayo Diego Presa (Diego Presa, Buceo Invisible, El Astillero). El concierto oficiará de estreno y presentación oficial del

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nuevo álbum en Buenos Aires. “rIo” junto a su banda completa. 23 de noviembre 20 hs. (puntual) Bebop | Uriarte 1658 CABA PASSLINE

Julieta Díaz (Buenos Aires, 1977) trabaja como actriz e intérprete desde hace más de veinticinco años, habiendo participado en una gran cantidad de películas, series de televisión y obras de teatro. Diego Presa (Montevideo, 1975) es músico y autor de canciones.

Como solista y en colectivo (Buceo Invisible, El Astillero) ha publicado más de una decena de álbumes, desarrollando una carrera consolidada en la escena de la música de Uruguay.

La obra en conjunto de este dúo de voz y guitarra es el resultado de un encuentro de música y poesía que comenzó en forma virtual durante el encierro pandémico de 2020 y que desembocó en su primer disco “El Revés de la Sombra” en 2021 (Bizarro Records) -con el que ganaron el premio Graffiti a Mejores Compositores-, y continuó

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con visitas a Montevideo y Buenos Aires.

A su primer trabajo se le suma “Río” (2023, también editado por Bizarro), un disco grabado como el primero- en los dos márgenes del Rio de la Plata. A Julieta Díaz en vocales y Diego Presa en voces, guitarras acústicas, mandolina y producción musical, se sumaron Santiago Peralta en guitarra eléctrica, Ariel Iglesias en batería y percusión, Checo Anselmi en bajo, Juan Ravioli en piano y Christine Brebes en violín, para completar un equipo sólido a las órdenes de las canciones. En “Río”, todas las canciones fueron escritas por Julieta Díaz y Diego Presa, excepto “Volver a volver” (Gabo Ferro) y “La canción quiere” (Alfredo Zitarrosa).

+ Sobre río, nuevo disco de Julieta Díaz y Diego Presa.

En “Río”, Presa y Díaz juegan con los géneros, los degeneran y eligen las sonoridades que mejor visten las canciones. Al final, lo que se quiere decir es lo que se quiere decir. Porque, bajo una apariencia de —llamémosle—

pop, los diez tracks del álbum pasan por baladas, rocks y blues de allá, milongas de acá, y entroncan en un cauce común, esa costumbre cancionística del Río de Plata, tan lleno de Fernando Cabrera y Liliana Herrero como vacío de prejuicio. Y en ese plan, además, las voces a veces se amalgaman y otras discurren antojadizas, como agua, como ríos que se encuentran o como “mar que se ciñe en laguna”. El disco se abre con “Luz de río”, una milonga densa que abre paso a “Arrancar el día”, medio vaso lleno de frescura pop, y luego “Zamba”, todo dulzura con la noche de fondo.

“Tordo” es el primer sobresalto, un rock’n’roll sin frenos volando

sobre una autopista vacía, y una canción que tiene lo que necesita un clásico: riff y melodía, una letra para aprender de memoria y un estribillo hecho de cuchillos.

Para “Serpiente en vuelo”, el traje es de blues árido y épico de coros fantasmales, y un aura al “The end” de los Doors, y no solo por el inevitable reptil, y “Desafina”, con sus arreglos austeros, suena más que a canción a poema musicalizado, que no es lo mismo, y no es un demérito. “La luz que me esperaba”, en cambio, conecta con el espíritu optimista de “Arrancar el día”, y podría haber sido firmada por Buck/Merchant a fines de los 80. Para el cierre, “tiempo de usar palabras sagradas”, la u

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darnachaunsniana “Serás peligrosa” es una invitación y un desafío.

Pero hay más en “Río”. Hay dos versiones, dos nuevas lecturas del cancionero rioplatense. La más cercana en el almanaque, “Volver a volver”, de Gabo Ferro es, sin dudas, menos lúgubre que el registro original, y la frase “hace tanto frío que no puedo más que arder” suena, en la voz de Díaz, luminosa como un malvón de baldío. La otra es “La canción quiere”, firmada urgentemente por Alfredo Zitarrosa en 1972. Ahora, rabiosamente alhajada y en la garganta de Presa, es un pájaro en llamas que enciende al resto de las canciones del disco.

quiere” (Alfredo Zitarrosa). Músicos: ariel Iglesias: batería y percusión - Checo anselmi: bajo eléctrico - Santiago peralta: guitarra eléctrica - Juan ravioli: piano - Christine Breves: violín Julieta díaz: voz y coros - diego presa: voz, guitarra acústica, Como en el de Heráclito, nadie mandolina y coros. sale el mismo de este río. Aquí, las canciones se abren camino a Grabado en Cuarto Tavella (Monpunta de incómoda elegancia tevideo) por Martín tavella y para buscar otros horizontes, Gino Miauri y en La cocina de nuevos o viejos, qué más da, Betti (Buenos Aires) por Juan rafuera del mapa de la complacen- violi. cia. En horas de barro y turbulencia, “Río” milita —e invita a Tomas adicionales de batería de militar— por la belleza. “Desafina” grabadas por ariel Iglesias en Estudio Nota Alta. “RÍO” Mezclado y masterizado en La

01 - Luz de río // 02 - Arrancar el día // 03 - Zamba // 04 - Tordo // 05 - Volver a volver // 06 - Serpiente en vuelo // 07 - Desafina // 08 - La luz que me esperaba // 09 - La canción quiere // 10 - Serás peligrosa.

Todas las canciones fueron escritas por Julieta díaz y diego presa excepto “Volver a volver” (Gabo Ferro) y “La canción

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cocina de Betti por Mauro taranto, excepto “Luz de río”, masterizada en Puro Mastering por eduardo Bergallo. Foto: Gisela Filc - Diseño gráfico: Sebastián Santana - Producción musical: diego presa - Producción artística: Julieta díaz y diego presa. CELINA CASSI Prensa y Comunicación celinacassiprensa@gmail.com

Video JULIETA DÍAZ y DIEGO PRESA - “Río” en Sala Zavala Muniz (Junio, 2023) https://youtu.be/bdLyv9XQMRw? feature=shared

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Guille Molina presenta su primer disco solista

SeGUndaS CHanCeS “Sinceramente siento que SEGUNDAS CHANCES es un Disco Honesto, lleno de amor. Cada canción es una caricia al alma, porque tiene mucho sentimiento. Eso me genera tranquilidad al momento de defender cada una de ellas, al cantarlas, interpretarlas, sentirlas. SEGUNDAS CHANCES es un nuevo comenzar, una nueva vida, una manera de vivir desde otro lado. ¡Ojalá lo disfruten tanto como yo!” Guille Molina TRACKLIST

01. Dame tu amor 02. Tan solo una vida con vos 03. Lo mejor del amor 04. De otras 05. Quiéreme 06. No sos vos 07. Será 08. Es con vos 09. El color de tus besos 10. Lejos no es mejor

las plataformas digitales. Incluye temas propios y una versión muy diferente de Lo mejor del amor, de su coterráneo Rodrigo.

Guille Molina ya cuenta en su haber con actuaciones en importantes escenarios nacionales: abrió el Festival Internacional de Peñas de Villa Maria y también fue telonero de Coti y de Abel en Marcos Juárez.

(responsable de la productora PredaSound y director musical de Abel Pintos), la historia de este artista da un giro y comienza su etapa solista, con toda su impronta y su personalidad. Nace entonces “Segundas Chances”, producción musical que ya se encuentra disponible en todas

Alejandra Waisblat AGW Prensa+Desarrollo IG & FB: @agwprensaydesarrollo

Video Guille Molina y su banda encendieron la 55ª edición del Festival Internacional de Peña https://youtu.be/4PQW8cV5710? feature=shared

Guille Molina es cantante y compositor. Desde hace muchos años, pero formalmente desde 2019 con su primera banda, va haciendo camino para conquistar Buenos Aires y todo el país. Al conocer a Marcelo Predacino

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LUCRECIA LONGARINI presenta

“MaGnolIa”

Tango, folklore argentino y latinoamericano Dice Lucrecia: Es un disco donde mi voz se conjuga con el tango, el vals, la milonga y el candombe para dejar huella de nuestra música ciudadana. Y en el cual, el piano, el violín, el contrabajo, y el bandoneón son quienes visten cada canción con el mítico ritmo de arrabal. Presentación: Domingo 12 de noviembre 18,00 hs. CATULO TANGO Anchorena 647, esquina Zelaya. Abasto Buenos Aires Sobre lucrecia:

Nació en Dudignac, partido de 9 de julio, provincia de Buenos Aires. Comenzó desde muy pequeña a cantar, como así también sus estudios de canto cuando tenía 12 años, y casi inmediatamente sus presentaciones en escenarios de su ciudad natal. Y así apasionada, creativa, divertida y trabajadora, no se detuvo nunca, y continúa así hasta hoy en este camino del arte. En 2010 grabó su primer disco de folklore “ A orillas del sol” presentándolo en teatros y festivales de nuestro país. Con su música ha recorrido varias provincias, casas de tangos de Buenos Aires y giras por Ecuador, Perú, Brasil, y Colombia. Hoy da a conocer con orgullo

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“MAGNOLIA” su último trabajo discográfico de tango que realizó con mucha dedicación, siendo meticulosa en la elección del repertorio e incorporando por primera vez una canción de su autoría.

Son nueve los temas que integran el disco, los tangos Tu, Uno, Tarde, Nada, y Palabras sin importancia; los vals Parece Mentira y Gota de lluvia ; la milonga Pavadas y el Candombe del regreso.

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Les compartimos un adelanto de este disco el tango “Palabras sin Importancia “ de Homero Manzi y Tata Cedrón y el vals “Parece Mentira” de Homero Manzi y Mauricio Mora. “MAGNOLIA” Ficha Técnica

Grabado en Estudio Aural Grabado y mezclado por Gustavo lopez Masterizado por Federico lopez. Producción daniel Vaca Arreglos y piano ovidio Velázquez Bandoneon Matias rubino Contrabajo Cristian Basto Violin Cecilia Garcia Percusión Gustavo lopez Voz lucrecia longarini

Palabras sin importancia (tango)3.04 Letra : Homero Manzi Música : tata Cedrón Gota de lluvia (vals) 3.30 Letra : Homero Manzi Música : Felix lipesker Pavadas (milonga) 2.39

Letra: Homero Manzi Música: Joaquín Mauricio Mora Tarde (tango) 3.53 Letra y música : José Canet Uno (tango) 4.26 Letra: enrique Santos disepolo Música : Mariano Mores Nada (tango) 3.21 Letra: Horacio Sanguinetti Música : José dames Candombe del regreso 3.05 Letra : lucrecia longarini Música : ovidio Velásquez Parece mentira (vals) 3.27 Letra: Homero Manzi Música : Joaquín Mauricio Mora

Tu (tango)3.52 Letra : José Maria Contursi Música :José Canet Redes sociales: Instagram: @lucrecia_longarini Facebook: Lucrecia Longarini

Prensa y comunicación: NORA SAUL nsartproduccion@gmail.com

Video Lucrecia Longarini https://youtu.be/YV9J5w6sA_I?f eature=shared

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rUMBo tUMBa

Estrena video en vivo y anuncia el cierre de su gira mundial con un concierto en el Teatro Margarita Xirgu.

Hoy, Rumbo Tumba prepara el cierre de su gira mundial con un show especial en el Teatro Margarita Xirgu, sala histórica ubicada en el barrio de San Telmo. El concierto será en formato circular -inédito para el proyecto-, contará con la apertura de Terror Cactus -destacado músico y productor argentino radicado en Seattle-, y tendrá un carácter íntimo marcado por una puesta en escena realizada especialmente para esta ocasión, la que promete la cercanía del público en todo momento.

tras un exitoso tour por África y europa, el proyecto del multiinstrumentista y productor argentino Facundo Salgado aterriza nuevamente en Buenos aires para cerrar el año con un show íntimo e inédito. las entradas ya están a la venta a través del sistema passline.

En 2022 se cumplieron diez años de existencia de Rumbo Tumba, proyecto del multiinstrumentista, compositor y productor argentino Facundo Salgado. Para celebrarlo, el pasado abril se realizó el “Concierto 10 años” en La Tangente -con entradas agotadas-, y luego una extensa gira por África y Europa, la que lo llevó a presentarse en 16 paí-

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ses y a dar más de 30 conciertos: “Estoy muy feliz por el movimiento del proyecto. En Europa ya hice 10 tours, y tocar en otra parte del mundo, tan lejos de casa, agotar entradas, me parece increíble. Por otro lado, la ida a África fue un sueño, no solo por la experiencia de llegar ahí con mi música -cosa que siempre deseé-, sino también por el recibimiento que tuve. La gente estaba súper agradecida de que haya ido hasta allá a llevar música de América del Sur”, detalla el músico, quien además se presentó en grandes y reconocidos festivales como Fusion (Alemania), MTN Bushfire (Esuatini), No Logo BZH (Francia) y Ariano Folk (Italia), entre otros.

En su esperado debut en el Xirgu, Salgado repasará toda su discografía -la que incluye sus dos álbumes, “Madera Sur” (2018) y “Río adentro” (2021), y los EP “Groove Andina” (2012) y “Cable tierra” (2015)- y contará con la compañía de varios invitados e invitadas sorpresa. Sobre el evento, el compositor adelanta: “Este concierto va a ser muy especial porque es el cierre de una etapa, de una búsqueda de más de una década y de una gira que comenzó con el lanzamiento de mi último disco después de la pandemia. Necesito parar de tocar y viajar un poco para poner mis energías en componer un disco nuevo que me está latiendo en el pecho. Así como “Río Adentro” fue llevar a música la experiencia de estar encerrado, ahora necesito procesar todas estas nuevas experiencias que viví en

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estos dos años de gira incesante por el mundo y convertirlas en un nuevo álbum, pero para eso necesito parar un momento. Es muy probable que éste sea el último concierto en Buenos Aires por un buen tiempo”.

Para acompañar el anuncio del show, Rumbo Tumba estrenó una versión en vivo de la canción “Huguaju”, filmada en el “Concierto 10 años”, en abril de 2023 en La Tangente. El registro fue realizado por Julián Borrell y Franco González y captura la esencia de Rumbo Tumba, la que se nutre de un sabio consejo de Celso -abuelo de Facundo- que se nos comparte en la canción:

“Rumbo Tumba vamos todos y esa es la única verdad, así que deja de dudar, parate y sacala a bailar que de acá hasta el final tenés un tiempo y nada más Satélite no le aflojes y viva la música latinoamericána”

Las entradas para Rumbo Tumba en Xirgu están a la venta a través del sistema Passline.

Huguaju (En Vivo Concierto 10 años) Más sobre rumbo tumba

Rumbo Tumba nace a principios de 2012 y desde entonces ha realizado más de 20 giras Nacionales e internacionales en las cuales se presentó en reconocidos escenarios y festivales de Argentina y el Mundo. Entre los cuales se destacan: Pirineos Sur (España 2015 & 2019), Mutek AR (Argentina 2017 & 2018), Ozora (Hungría 2019), Festival Boreal (España 2019), Bratislava World Music Festival (Eslovaquia 2019), Mekudeshet (Israel 2019), La Pamparina (Francia 2017), Zsolnay Light Festival (Hungría 2018), MIL - Lisbonne International Music Network (Portugal 2019), Reperkusound (Francia 2019), Tropical Pressure (Reino Unido 2019), Burning Mountain (Suiza 2017), Zugvoegel (Alemania 2017 & 2018). A su vez desde 2015 lleva adelante la producción de un ciclo de conciertos en la Ciudad de Buenos Aires llamado “Cable Tierra” que ya lleva 20 edicio-

nes. El mismo tiene su edición anual en formato festival en el Delta del Río Paraná, de la ciudad de Campana.

Su música formó parte de diversas compilaciones del mundo que reúnen el nuevo folklore latinoamericano y Argentino (“Waxploitation” USA, “Produce Crack” ARG, “Shika Shika” DEU). En 2020 la serie documental “Long Way Up” de Apple TV eligió la música de Rumbo Tumba para acompañar a Ewan Mac Gregor en su viaje en moto por la cordillera de los Andes. Tiene editados de forma independiente 2 EPs (“Groove Andina” del 2012 y “Cable Tierra” del 2015) y 2 LPs (“Madera Sur” del 2018 y “Rio Adentro” del 2021) Ovoide Santiago de Chile Loreta Neira Ovoide contacto@ovoide.cl

Video RUMBO TUMBA - Huguaju (En Vivo Concierto 10 años) https://youtu.be/wwCgGuRGOE?feature=shared

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SEBA DORSO presenta su nuevo álbum

de nUeVo el preSaGIo

Se trata de la tercera propuesta solista de este exquisito compositor, pianista y cantante. Asimismo, es la quinta propuesta discográfica en la que plasma su sello autoral en la escena de la nueva canción argentina. Este álbum se presenta en formato trìo junto a Diego Rodríguez en contrabajo y Agustín Pietribiasi en batería, percusión y accesorios. en palabras de Seba dorso acerca de su álbum

“De nuevo el presagio” es para mi, un punto de llegada y a la vez un hito fundacional. Un punto de llegada porque es el registro de la culminación de un trabajo de dos años con una agrupación estable y comprometida, que trabajó este material con mucho cariño y dedicación, y del cual este álbum es solo la punta del iceberg. Y es un hito fundacional porque espero que este grupo humano y de trabajo, que ahora está consolidado, siga creciendo y floreciendo. Quiero seguir haciendo música de esta forma, y espero que podamos hacer otros discos así en el futuro. Presentación en vivo Viernes 17 de noviembre, 20.30h puntual (Apertura de las puertas del espacio, 20h) Circe Fábrica de Arte Gral. Manuel A. Rodríguez 1559 Villa Crespo - C.A.B.A

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Entradas Desde $3000 Disponibles por Passline PARTICIPAN

Seba Dorso en piano y voz, se presentará en formato trío, junto a Diego Rodriguez en contrabajo y Agustín Pietribiasi en batería y percusión.

El concierto contará con la presencia de músicos invitados: Nela Cuzzani, Laura Ledesma ( canto) y Marcos Monk ( guitarra y canto). Acerca del álbum De nuevo el presagio ( Edición independiente

digital / Distribuidor digital: Club del disco)

Este álbum es la tercera obra discográfica solista del compositor, pianista y cantante, Seba Dorso. La presenta en formato trío junto a Diego Rodríguez en contrabajo y Agustín Pietribiasi en batería, percusión y accesorios. Reúne cinco canciones sin un género definido pero con un concepto, una estética y una búsqueda artística en común. Las tres primeras canciones son extensas y funcionan como una obra integral, similar a las gran-

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des formas clásicas: son tres movimientos de una misma obra, la “Suite del Presagio”. Tienen un gran desarrollo instrumental con énfasis siempre en las texturas que se generan entre los tres instrumentos de la formación del trío. Los instrumentos melódicos, el violín y el clarinete, se sumaron en la etapa final de la grabación para aportar color.

otro lugar y de otra manera”.

acerca de las letras de las canciones

Las canciones hablan, de una manera u otra, del cambio, de lo que cambia y lo que no, de los momentos en los que el cambio se precipita, y de los que se estanca, de los agentes vitales que propician el cambio, los precipitan y de los factores que lo impiden o demoran.

Se podría decir que la búsqueda artística en la música en esta primera parte del álbum, se centró en la textura como motor de cre- Sobre la estética del arte de tapa y su vínculo con el concepto del ación de estas canciones. álbum La cuarta canción es un tango, con piano y voz únicamente. Es En la foto de tapa, tomada por una pieza triste en donde está pa- Mati Montagne con dirección de sando algo que no es lo evidente. arte de Lucía Alcoba, quisimos rePara cerrar el álbum, vuelve el presentar una escena en la que el trío con un sonido más crudo y artificio está expuesto, como lo más contundente con una textura está en las canciones centrales más llana. que al contrario de las del álbum, que constituyen la primeras canciones del álbum, “Suite del presagio”. En la mesa tiene solo un tema que se repite. hay mucho esmero, trabajo y beLa fuerza expresiva se plasma lleza. Es una escena de búsbúsqueda de aquí en la curva dinámica del queda: conocimiento en los libros, bústema. queda de rumbo, estamos como aguardando un presagio. Pero en palabras de Seba dorso también la mesa es ese lugar Sobre el título del álbum común del trío, es ese espacio / “De nuevo el presagio, es una tiempo que compartimos en el frase tomada de una de las can- que cada uno aporta lo mejor que ciones del álbum. El verso com- tiene. Es la última y la primera pleto dice De nuevo el presagio cena, siempre. Y aún así, con de cambiar. Estas canciones ha- todo eso, que fue pensado e inblan del cambio, cada una a su tencionado, el presagio llega manera. El título también repre- cuando no menos se lo espera, senta lo que significó para mí la desde un ángulo inesperado. La constitución y permanencia de luz que me ilumina es el último sol esta formación de este grupo hu- de la tarde que entró entre dos mano que llamamos “el trío”: un ramas y se enfocó completapresagio de tiempos nuevos, de mente en mi rostro. Fueron cinco música nueva, de trabajar desde minutos que justificaron todo el

trabajo realizado. Como dice Onetti, “es todo, y no el resto, lo que se da por añadidura” acerca del trabajo con el trío

Comenzamos un camino de exploración y estudio de nuestra sonoridad. Trabajamos durante varios meses en la adaptación de muchos arreglos de mis canciones a nuestra formación, probando y aportando ideas entre todos. Eso hizo que luego pudiera componer canciones hechas especialmente para esta formación. El encuentro, la afinidad y complicidad que encontramos fue el motor de estas composiciones” Ficha Técnica / Disco de nuevo el presagio

Todos los temas compuestos por Seba dorso Edición independiente digital Seba dorso: composición, voces, piano diego rodríguez: contrabajo agustín pietribiasi: batería, percusión, accesorios Músicos invitados a la grabación emiliano Stirling: clarinete en “Mi casa es más grande que esto” Javier Vazquez: violines en “Para las mariposas la tormenta es una pérdida de tiempo” Grabado entre mayo y julio de 2023 en Estudio Fort Music y Estudio Mudras Técnico de grabación en Fort Music: Javier Mazzarol Técnico de grabación en Estudio Mudras: Ignus zavalla Mezcla: Ignus Zavalla - estudio Mudras Mastering: Jerónimo escajal -

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estudio nogal Producción: Seba dorso Fotos: Mati Montagne Dirección de arte: lucía alcoba Distribuidor digital Club del disco Prensa y comunicación alicia Gubitsch acerca de Seba dorso

dor del concurso “Música en los Cafés Notables de Buenos Aires”. En 2013 fueron seleccionados finalistas de la “Bienal de Arte Joven de Buenos Aires” En 2018 comenzó su carrera solista, y desde entonces se presenta interpretando su música en diversos escenarios de Buenos Aires. Desde 2020 se presenta en la formación actual de trío, junto a Diego Rodríguez en contrabajo y Agustín Pietribiasi en percusión. Actualmente presenta su nueva obra solista discográfica De nuevo el presagio con su formato trío.

Seba Dorso es compositor, pianista, cantante, autor e intérprete de sus canciones. Su obra se nutre de la música argentina y sudamericana en general, y en sus canciones se perciben influencias diversas como Gustavo Leguizamón, Chico Buarque, Luis Alberto Spinetta, Horacio Salgán, Jaime Formación artística y docente Roos, Fito Paez, entre muchísi- Comenzó sus estudios de piano a la edad de 11 años. En 1997 inmos otros. gresó al Conservatorio de Música Luego de integrar distintas for- Julián Aguirre, y en 2007 obtuvo maciones e incursionar en diver- su título de Profesor de Piano, sos géneros, entre 2007 y 2018 cursando sus estudios de piano compartió un proyecto con Mar- clásico con la Mtra. Ana Laura cos Monk en el que compusieron Stampalia. Paralelamente estue interpretaron sus propias can- dió música popular e improvisaciones, que se inscriben en la ción con Hernán Ríos. En 2014 nueva canción argentina. Ha completó el curso “El Piano en el compartido escenario con Cae- Tango” dictado por Nicolás Letano Veloso, Gilberto Gil, Raúl desma. Entre 2020 y 2021 tomó Carnota, Carlos Aguirre, cursos de armonía y composición Eduardo Spinassi, Carlos Mos- con Diego Schissi. cardini, Franco Luciani, Lilián Saba, Marcelo Chiodi, Ramiro Gallo, Cuartoelemento, Analía Rego, entre otros. Editaron dos discos: “Los tiempos de empezar” (2011), y “Un segundo” (2014), los han presentado en diversos escenarios de Buenos Aires y el interior del país. En 2016 realizaron una gira por España, Francia, Alemania, Suiza y Bélgica. En 2014 el dúo “Seba Dorso y Marcos Monk” fue gana-

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discografía

Solista: De nuevo el presagio - 2023 La noche sobre mis pasos - 2020 Un gran ovillo - 2016 A Dúo con Marcos Monk: Un segundo - 2014 Los tiempos de empezar - 2011 Todos los discos son de edición independiente. Distribuidor digital: Club del Disco Participaciones Nicolás Lapine - “Barrio” - 2022 edición independiente Nicolás Lapine - “Lo que tenga que durar el mundo” - 2020 - edición independiente Nicolás Lapine - “Luz y sombra” 2019 - edición independiente Facundo Galli - “Liebre” - 2016 ediciòn independiente Vecina - “Después de la mudanza” - 2015 - edición independiente Prensa Alicia Gubitsch prensa.aliciagubitsch@gmail.co m

Video Para las mariposas, la tormenta es una pérdida de tiempo. https://youtu.be/gAGGjtF4lys?feature=shared

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Sonia Álvarez la gran arpista argentina despide el año con su

SHoW “eterno”

Jueves 23 de noviembre – ND TEATRO

SONIA ÁLVAREZ, la gran arpista argentina, presenta ETERNO despidiendo el año en ND TEATRO jueves 23 noviembre 20 hs - Paraguay 918 CABA. Con invitados especiales David Lebón, Lito Vitale, Elena Roger, Mel Muñiz, entre otros y su banda estable compuesta por Alejandro Franov (Piano), Christine Brebes (Violín) y Camilo Carabajal (bombo). Los esperamos!

Instrumentista, compositora y cantante, es reconocida como arpista en Argentina y países de Latinoamérica. La maravillosa Sonia Álvarez, rompió barreras con el instrumento, mostrando la versatilidad por desmarcarse de los patrones fáciles, fusionando su música, compartiendo escenarios, realizado giras y participado en grabaciones de reconocidos artistas entre los que se encuentran: Gustavo Santaolalla, Natalia Lafourcade, León Gieco, Las Pelotas, David Lebón, Cuti y Roberto Carabajal, Lito Vitale, Hilda Lizarazu, Elena Roger, Silvina Moreno, Daniel Melingo, Alejandro Terán, Eruca Sativa, La Charo, Neo Pistea, Ca7riel, Fernando Kabusacki, Sandra Mihanovich, Milo Moya, Fernando Samalea, Fabiana Cantilo, Soy Rada, Alejandro Franov, La bomba de tiempo, Pan, y Nico Sorin.

Aprovechando su dominio y técnica y la atracción por la experimentación, ha lanzado tres discos, “Paisajes”, “Tiempos y Destellos” y singles de últimas canciones “Tierra Colorada”, “Piel”, y “Árbol”, aportando ideas con las que re imaginar una forma

diferente de entender el instrumento que ama. Su música representa una búsqueda de conexión con el mundo, rica en matices y texturas (del folklore autóctono a los sonidos occidentales más estandarizados).

Acompaña su voz narrando historias repletas de postales, de emoción, espacios imaginarios donde los pensamientos se dan a la fuga. Siempre única, como en un teatro de sombras chinescas, Sonia y su arpa tejiendo melodías en primer plano.

PAULA ALBERTI Prensa + Comunicación paulaalbertipress@gmail.com

Video Piel Sonia Alvarez https://youtu.be/TxN23Re_DI4?f eature=shared

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Travis Birds presenta su trabajo más luminoso y ambicioso hasta la fecha:

“perro deSeo”

Travis Birds presenta su nuevo disco, “Perro Deseo”. Un disco en el que explora un nuevo universo sonoro con el que consigue alcanzar una nueva dimensión que se ve reflejada en sus creaciones musicales, pero también en su personaje, caracterizado hasta ahora por una imagen mucho más oscura, íntima y con ciertos matices un tanto extravagantes que nos evocaban una locura y un universo único. Ahora da un paso adelante y en estos nuevos sonidos vislumbramos una Travis Birds mucho más transgresora, luminosa y afilada. Fruto de esta metamorfosis, cosechamos “Perro Deseo” y sus once canciones con sus once contextos en los que el deseo dirige y cambia el rumbo de los acontecimientos haciendo de hilo conductor a través de todas las pulsiones, sentimientos, aspiraciones e ilusiones que conforman la identidad de Travis Birds y su imaginario. “perro deseo” por travis Birds

El deseo es el delirio de la niña de mis ojos, es la cura y el destrozo, es la flor que da el martirio. Como el caos al equilibrio, yo deseo como loco... pero todo siempre es poco, y acabé loco perdido.

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Siempre escojo su camino me da igual si me equivoco. temas ¨perro deseo¨

1. La fama *A Veces Sueño” 2. La posesión “Cada Minuto” 3. La libertad “Mis Aires” 4. El éxtasis “Peligro” 5. La inspiración “Perro Deseo” 6. La lujuria “Cuando Satán vino

a verme” 7. La magia “Grillos” 8. La acción “Una romántica” 9. El amor “Urgente” 10. La soledad “Oruga” 11. La belleza “Canción del Valle”

Todo el concepto gira en torno al deseo, pero bebe de distintos universos musicales que han

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inspirado a la artista, tal y como nos tiene acostumbrados. En “Perro Deseo” se mezclan y traducen canciones que van desde Cab Calloway a Jeff Buckley, pasando por Al Green o Bob Marley, y con pinceladas de Jeanette, Nancy Sinatra, 7 notas 7 colores, Amy Winehouse o Federico García Lorca. A este nuevo sonido se han sumado Depedro colaborando en “Urgente”, producida por Campi Campón, y Leiva”, aportando su voz y poniéndose a los mandos de la producción en “Grillos”. El resto de canciones del disco han sido producidas en parte por Tato Latorre y en parte por Paco Salazar, que han ayudado a la artista en ese camino hacia la luz.

Este nuevo trabajo será presentado en una extensa gira por toda la geografía nacional y llevará a la artista a grandes recintos por primera vez en su carrera. Sin duda, este disco supondrá un antes y un después en la trayectoria de la artista, que se ha consolidado como una de las voces más singulares y prometedoras de la escena musical actual.

acerca de travis Birds

Travis Birds presentó en 2021 su nuevo disco, ‘La Costa de los Mosquitos’. Un disco en el que podemos asomarnos a la habitación de Travis Birds, a su mundo interior; una estancia llena de matices, de colores, de texturas… una habitación que genera un disco que te remueve por dentro de una forma que consigue erizarte la piel.

“La Costa de los Mosquitos” es un antes y un después tras el éxito alcanzado con ‘Coyotes’, cabecera de la Serie ‘El Embarcadero’ y la maravillosa versión junto a Benjamín Prado de ‘19 días y 500 noches’ de Joaquín Sabina.

Entre 2022 y 2023 se encuentra presentando singles para terminar lanzando un nuevo disco que verá la luz en octubre bajo el nombre de “Perro Deseo”. Un disco en el que explora un nuevo universo sonoro con el que consigue alcanzar una nueva dimensión mucho más luminosa. Oficina de Prensa: prensa@gonnago.com.ar Nadya Cabrera nadyacabreraprensa@gmail.co m

Video Travis Birds - Cuando Satán vino a verme (Videoclip oficial) https://youtu.be/Mk_3IUCSjY?feature=shared

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Marcelo Dellamea presenta su nuevo disco:

VIda

El destacado guitarrista y cantautor chaqueño Marcelo Dellamea lanza Vida (Virgin Music), su nuevo disco solista, que incluye nueve canciones grabadas en su totalidad en vivo, en una atmósfera íntima y personal, a guitarra y voz.

Presentación: Miércoles 8 de noviembre a las 20.30 h en la sala Solidaridad del Centro Cultural de la Cooperación, Av. Corrientes 1543 (CABA). Entradas a la venta a través de la Web del CCC. Informes 011 5077 8000 / Boletería 5077-8000, interno 8313 En las principales plataformas digitales.

Vida es un álbum enteramente folklórico, con el cual Marcelo

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decide retomar su camino solista -en paralelo con las presentaciones de Dos Más Uno, formación que lidera junto a su hermano Hugo y el percusionista Ariel Sánchez-, para volver a sus orígenes. De los nueve temas del disco, tres son de su autoría (incluyendo Vidala interior, primera canción compuesta en letra y música por Marcelo), y seis son versiones propias de obras de autores como Tejada Gomez, Cesar Isella, Atahualpa Yupanqui, Mariano Mores, Félix Dardo Palorma entre otros. Dice Marcelo Dellamea: “Llamé Vida a esta nueva obra porque, después de doce años de haber lanzado mi primer disco solista tenía ganas y una necesidad artística de volver a retomar ese

camino. Todos los tracks terminaron siendo la toma número uno (son casi siempre mis preferidas) y hay muy poca edición; incluso los tracks cantados los grabé guitarra y voz en simultáneo, por lo tanto tampoco hice uso de afinadores para voz y todo lo que se utiliza generalmente en las grabaciones. Es un disco en el que busqué la menor cantidad de procesos posibles en el audio, para que quien escuche sienta que lo está haciendo en directo desde el living de su casa, con esa cercanía e intimidad. Y de alguna manera eso hizo que la música del disco esté viva”.

Dice Lila Downs: “Marcelo Dellamea es un gran músico, comprometido con la herencia musical

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de argentina, solidario y sensible”.

Dice Luis Salinas: “Marcelito es para mí una de las apariciones más lindas en la guitarra, por su virtuosismo lleno de melodía, musicalidad y buen gusto, además de gustarme mucho su canto y su condición artística, admiro su sencillez como persona”.

Dice Chango Spasiuk: “Marcelo Dellamea es muy joven, pero en su mundo, que es la música, sus ideas y talento son de una gran madurez. Desde ahí, cuando toca e interpreta con su guitarra, lo lleva hacia algo mejor y más bello. Por eso mi respeto y admiración”.

Dice Ismael Serrano: “Su capacidad de trabajo, su creatividad, su aporte constante, su seguridad en el estudio siendo tan joven nos deja a todos impresionados”.

Ficha técnica:

Vida fue grabado durante 2022 y principios de 2023 en estudios Panacea y Santa Marta, Ciudad Autónoma de Buenos Aires.

La mezcla y mastering estuvo a cargo de Alejando Saro y Nicolás Pestarino. Marcelo Dellamea, guitarra, voz y producción. Voces en Vidala interior: Marcelo Dellamea. Fotos: Mariano Beresiartu Temas:

Vidala interior (Marcelo Dellamea) Amanecer Litoral (Marcelo Dellamea Al cimbar de la vida (Félix Dardo Palorma) Canción de las simples cosas (César Isella) Jefe moreno (Ernesto Montiel) Despedida (Marcelo Dellamea) La Humilde (Julián Antonio Cachilo Díaz) Uno (Mariano Mores/Enrique Santos Discépolo) Mis noches sin ti (Demetrio Ortiz/M.T. Vázquez) Breve bio:

Dueño de una destreza única en el instrumento, Marcelo Dellamea es considerado uno de los referentes jóvenes de la guitarra argentina. Su dominio del instrumento y su forma de interpretar melodías es tan expresiva que parece hablar a través de las cuerdas. Pero esto no solo se limita a la guitarra, su voz es igualmente sorprendente y ha cautivado a muchos. Lo caracteriza un color de voz suave e íntimo, profundo pero también potente a la hora de interpretar. Sin dudas lo que lo hace aún más especial, es su capacidad

de moverse sin esfuerzo entre la música de raíz folklórica y los géneros del mundo. Marcelo ha sabido fusionar de manera magistral distintas tradiciones musicales, creando así una experiencia auditiva única y enriquecedora para su audiencia. Desde aires flamencos hasta jazz, pasando por el tango y la música latina, cada interpretación suya es un viaje que nos conecta con la esencia misma de la música. Con treinta y dos años, ha compartido escenarios con artistas nacionales de la talla de Diego Torres, Luis Salinas, Chango Spasiuk, Raúl Barboza, entre otros, y figuras de la música internacional como David Bisbal, Djavan, Lila Downs, Yamandú Costa, Scott Henderson, Steve Vai, Chucho Valdes e Ismael Serrano. Ha realizado giras en Europa, Sudamérica y EEUU, presentándose en más de catorce países.

Cuenta con cinco materiales discográficos. Tres junto a su proyecto de trío Dos Más Uno (Dos Más Uno, Reflejos, Las Canciones Más Lindas del Mundo) y dos en solitario (Calle 11 y Vida). Ha tocado en los más diversos escenarios del país (CCK, Usina del Arte, Teatro Gran Rex, Luna Park, Teatro Coliseo, Teatro ND Ateneo, Teatro Opera, Teatro Coliseo Podesta, La Trastienda, etc) y ha participado en importantes festivales, como Cosquín, Festival del Chamamé de Corrientes, Festival de Baradero,

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Morfi, creado por Gerardo Rozín. Por su corta edad, versatilidad y gran trayectoria, ha logrado una experiencia casi inédita en nuestra música. Prensa: Karina Nisinman karina.nisinman@gmail.com Tali Nadel talunadel@gmail.com Festival de Otoño de Buenos Aires, entre otros. También ha brindado conciertos en importantes festivales del mundo como el Uppsala Guitar Festival de Suecia, Festivales de Jazz de Montevideo y Porto Alegre y la Fiesta Patria Argentina de Miami, en donde fue reconocido como Visitante Distinguido por dicha ciudad. Ha colaborado con más de treinta artistas nacionales e internacionales en grabaciones, conciertos y performances.

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Desde 2018 forma parte, junto a su trío musical, del exitoso programa de TELEFÉ La Peña de

Video Marcelo Dellamea - Amanecer Litoral (Videoclip Oficial) https://youtu.be/lE9tzEoPOTI?feature=shared

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¡NATASHA DOE PREPARA SU DISCO SOLISTA

“tUlUz” y “aMIGa”

la cantante natasha doe prepara su primer trabajo discográfico. “tuluz” y “amiga” -este último junto a Mario Simerman (Fabulosos Cadillacs)-, son dos singles que ya suenan en diversas plataformas, pero que forman parte del disco que está grabando.

natasha es guitarrista y tecladista, oriunda de Ramos Mejía (Provincia de Buenos Aires). Fue corista del Piojo Avalos (Los Redonditos de Ricota). Más tarde formó su primer grupo, Anhedonia, de la mano del guitarrista Santiago Bruzzone. Y hasta llegó a compartir escenario con Robin Banerjee (Amy Winehouse).

Natasha Doe es una artista superlativa, que brilla al volante de su banda. “Va a ser un disco bastante blusero”, dijo Doe, en relación al LP que está registrando y que presentará el próximo sábado 16 de diciembre en “El emergente” Bar, Gallo 333, Abasto.

Contacto: javier lopez trezza jlopeztrezza@hotmail.com

Video ‘TULUZ’ - Natasha Doe // Romaphonic Sessions https://youtu.be/P5FJjhuJCWU?f eature=shared

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LUCA BOCCI presenta su tercer disco

paraISo CorazÓn

El artista mendocino presentará su nuevo LP el 17 de diciembre en Teatro Vorterix. Entradas disponibles a partir del martes 17 de octubre.

La sensibilidad única de Luca Bocci encuentra un nuevo refugio en Paraíso Corazón, el tercer disco del artista mendocino. Un LP donde explora una sonoridad más oscura que en sus anteriores trabajos, los aclamados Ahora (2017) y No Pierdas la Simpleza (2020), pasando por riffs rockeros y estribillos memorables, sin perder la impronta que le caracteriza. Sus composiciones ahondan en texturas sonoras, efectos y una amplia gama de instrumentos electrónicos que crean una experiencia auditiva y emocional inmersiva. Paraíso Corazón es un lugar

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dentro de uno mismo. Es una conexión profunda y desoladora a través de la música y la poesía en la que Luca Bocci nos intenta comunicar diferentes estados del ánima: “Buscando salidas bailé con las sombras para encontrar un paraíso que siempre estuvo en mí... y como es adentro es afuera, todo se refleja de forma inmediata como un crisol de canciones de amor”.

Lunario de CDMX. Todavía con shows por delante en Lima, Perú (18/10, Sargento Pimienta); Quito, Ecuador (20/10, La Ideal) y en Santiago de Chile en el mes de diciembre, Bocci también colgó el cartel de entradas agotadas en Bogotá y Medellín (Colombia).

La salida del LP encuentra a Luca Bocci inmerso en una exitosa gira por Latinoamérica con presentaciones a sala llena en el Foro Indie Rocks de Ciudad de México, Guadalajara, Delicias y Querétaro, y como banda invitada de Usted Señálemelo en el

Sobre luca Bocci

Sin duda, estamos frente al cierre de un ciclo sonoro y poético del artista.

La presentación oficial de ‘Paraíso Corazón’ será el 17 de diciembre en el Teatro Vorterix (CABA). Las entradas estarán disponibles a partir del martes 17 de octubre.

Luca Bocci es un reconocido cantautor y productor mendocino, partícipe de la revolución del ‘Manso Indie’ (Simón Poxyran, Perras on the Beach, Usted Señalemelo y Mi Amigo Invenci-

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ble). Su primer álbum ‘Ahora’ (2017) fue grabado en su casa, producido por él, en conjunto con Leandro Pezzutti (Las Cosas Que Pasan) y Cocó Orozco (Usted Señalemelo); luego se masterizó en cinta por Mario Sánchez.

Luca Bocci llevó su obra por diferentes ciudades de Argentina, Chile, México, Ecuador y el resto de Latinoamérica encabezando un nuevo movimiento que busca renovar la escena con un mirada fresca, desprejuiciada y consciente de la realidad.

Participó también de la edición de Cosquín Rock 2017, de Lollapalooza Argentina 2018 y fue como invitado del grupo español Cupido a participar de su show en el Primavera Sound Barcelona de 2019. Tras dos años residiendo en España, donde grabó su más reciente LP, ‘No Pierdas La Simpleza’ (2020), Bocci regresó a la Argentina para presentar en directo sus últimos trabajos y avanzar algunas canciones nuevas. En 2023 lanzará su tercer disco de estudio marcando un punto de inflexión en la carrera del artista, y se prepara para presentarlo en una gira latinoamericana a mediados del mismo año. Indie Folks prensa@indiefolks.com.ar

Video Luca Bocci - Aproximación (Video Oficial) https://youtu.be/YpNSdTGu9Q?feature=shared

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En Noviembre PAULINA TORRES presenta

SentIdo

Canciones a cielo abierto en la Terraza del Teatro Ñaca - Bs Aires

SentIdo es un ciclo de música y poesía con canciones a cielo abierto y finales inesperados, en 3 fechas diferentes que invitan a explorar la sensorialidad a través de un viaje de canciones texturadas, aromadas, vibrantes, sabrosas. 2/11 Música Latinoamericana + Paulina Inédita 9/11 Cancionero argentino + Paulina Inédita 16 y 17 Lanzamiento digital de su nuevo álbum: Josha Bo’ 23/11 Paulina Inédita + Mujeres del mundo

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Paulina Torres presenta: SENTIDO

JUEVES 2, 9 y 23 de NOVIEMBRE, 21hs. En la TERRAZA del Teatro Ñaca, Julián Álvarez 924, CABA.

Paulina Torres, voz, composición y actuación. Pablo Figueroa, Guitarra y Arreglos Diego Brignone, Percusión + Invitad@s sorpresa.

La propuesta nos invita a conectarnos desde las pulsiones

más profundas, en una vertiginosa sinuosidad que da SENTIDO a todo y a tod@s, con canciones inéditas y 3 episodios de un repertorio popular curado a puro gusto y placer.

LANZAMIENTO: Paulina además prepara para el Jueves 16 a las 22hs la salida del video de la producción general de su nuevo álbum: JOSHA BÓ . Este álbum completo estará disponible en todas las plataformas digitales a partir de las 00hs del 17 de Noviembre.

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BIo

paulina torres es actriz, cantante y compositora argentina. Su arte transcurre en creaciones que transmiten su curiosa profundidad, en su afán por expresar y transformar-se. Como artista integral, invita al público a experimentar una espiral de emociones transformadoras, con humor y actitud reflexiva. Dúctil, se enamora de distintos géneros, en una celebración de la música del mundo y de sus raíces folk-afro-americanas. LLEVA EDITADOS 4 DISCOS:

Atardeceres, De viento y de rosas, Torres Torres, y actualmente estrenó una colección de singles audiovisuales que forman parte del nuevo álbum Josha Bo, mix de música uruguaya, argentina y Jazz, grabado en Estudios Ion, que estará en disponible en Noviembre.

Como cineasta realizó su ópera prima, Laura, un cortometraje ficción con el que ha participado en más de 17 Festivales Internacionales de Cine, y ha ganado premios tales como Mejor Actriz en FOCAT, México, Mejor cortometraje ficción en FRAME OF MIND International Film Festival en la India, Chennai, y Seleccionado por Octubre Tv en Jujuy Cortos, y otros.

Actualmente se encuentra participando como actriz y cantante de la compañía Los Amados, y mientras compone y produce

sus propias obras.

Les esperamos los jueves 2, 9 y 23 de Noviembre a las 21 hs. Se pica y bebe en la barra o mesitas de la terraza. No se suspende por lluvia. Entradas por Alternativa Teatral $3500 PRODUCCIÓN: Fefa Producciones y Tilo Films DIRECCIÓN: Paulina Torres con la colaboración de Luis De Almeida DISEÑO GRÁFICO:

Renata Kandico ASESORÍA EN IMAGEN: Fernanda Caride

PRENSA: Sonia R. Cabral Prensa + Gestión cultural prensasoniacabral@gmail.com IG: @soniacabralprensa FB: Sonia Cabral

Video Recuerdos de Ypacaraí - Por Paulina Torres https://youtu.be/HX2w8i8ejqY?fe ature=shared

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La Revelación del Pop Rock de Salta presenta

MI lUz

Desde Salta y para todo el mundo, llega LEO TOVI con su música

MI LUZ es su nuevo corte y promete ser hit. SOBRE HOY

HOY, otro de los singles de LEO TOVI, ya tiene Challenge propio y video oficial. Se filmó en una casa ubicada en Buenos Aires, ambientada en 1920, en la que además grabaron celebridades como Airbag, María Becerra, entre otros.

Con un público fiel que lo sigue desde sus comienzos, cuando interpretaba covers en inglés de artistas como Coldplay, Europe, U2 y Jonas Brothers, busca ahora su camino con un estilo

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musical propio. Con canciones pegadizas y letras que intentan dejar un mensaje, LEO TOVI espera conquistar Buenos Aires y desde allí, al país entero.

“Hoy es una canción llena de energía y positividad que habla sobre aprovechar el presente, vivir cada momento al máximo y superar una etapa de dolor enfocándote en vos mismo, en tus proyectos, en tus sueños. Espero que esta canción te inspire!” Estas canciones son parte de un álbum que incluye temas de su autoría y de colaboradores, y cuenta con el trabajo de reconocidos productores, que lo ayudan a encontrar su identidad y su sello como performer de temas propios.

Video Leo Tovi - Mi Luz (Audio) https://youtu.be/X-XUKEjOAM?feature=shared

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EN PRIMERA PERSONA

“Soy un cantante y compositor argentino, oriundo de Salta. Desde hace muchos años me presento en mi ciudad natal. Y ahora, a punto de sacar mi nuevo álbum, con canciones originales Pop-Rock, estoy muy ansioso y feliz”. “La mayoría de las canciones las compongo yo, aunque a veces acudo a otros autores para que me ayuden”. “Mis referentes son, en general, artistas de los 80s y 90s como Bryan Adams, Europe, Guns, Def Leppard, Lenny Kravitz. Soy un fanático de su música y me animé a hacer covers de sus canciones”. √ “También escucho otros músicos como Jonas Brothers, John Mayer, Coldplay. De Argentina, Cerati y Airbag, con quienes me gustaría hacer una colaboración”. “Mi meta más cercana es terminar un gran álbum en este 2023, presentarme en vivo y que más gente me conozca a mí y a mis canciones. También sería lindo poder ser parte el próximo verano de los festivales que hay por todo el país. Mientras, sigo estudiando y me sigo preparando para mejorar mi performance vocal, a lo que le doy mucha importancia”. ¡Apoyemos a los artistas en ascenso! Alejandra Waisblat AGW Prensa+Desarrollo IG & FB: @agwprensaydesarrollo

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Maga Falcoff presenta

Une I y II

Un proyecto creado a dúo con el pianista peruano Kenneth Saravia La cantante, compositora y percusionista Maga Falcoff presenta oficialmente UNE I y II, proyecto en el que viene trabajando junto a Saravia tanto presencial como virtualmente. El eje principal es dar a conocer lenguas nativas y estilos musicales no tan difundidos de Argentina y de Perú y Maga brindará dos conciertos junto a su banda. Sábado 4 de noviembre a las 21h en Espacio Tucumán, Suipacha 140, CABA. Entrada $3000.

Jueves 9 de noviembre a las 19h en el auditorio Jorge Luis Borges de la Biblioteca Nacional, Agüero 2502, CABA. Entrada libre y gratuita. MUSICOS EN VIVO

Maga Falcoff: Voz, percusión, piano y composición Martín “Chino” Capici: Guitarra edú Gabriel: Bajo leandro “pitu” Marquesano: piano

Une es un dúo formado por Kenneth Saravia, pianista, multi-instrumentista, arreglador y compositor peruano y Maga Falcoff, cantante, percusionista y compositora argentina. El proyecto surge en Argentina cuando ambos músicos se cono-

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cen y en base a sus investigaciones de la música latinoamericana. Sus composiciones fusionan ritmos del continente con armonías refinadas y una clara influencia jazzera. Falcoff y Saravia hacen hincapié en unir (de ahí viene el nombre) culturas, texturas, estilos y estéticas entre países, conviviendo la raíz con lo actual, desde el rock, pop hasta el folklore lati-

noamericano. La búsqueda sonora propone orquestar de la manera más amplia como dúo: ambos tocando varios instrumentos y cantando a voces y sumando la composición en conjunto con todos esos elementos investigados. La primera entrega de UNE fue grabada de manera presencial el

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día 3 de enero de 2020 en los míticos Estudios ION de Buenos Aires. Por el contrario, UNE II fue compuesto, ensayado y grabado en su totalidad de manera virtual, ya que la pandemia no pudo hacer posible el viajar y realizarlo in situ. Este proyecto tiene como eje principal dar a conocer lenguas nativas y estilos musicales no tan difundidos de Argentina y de Perú. Consta de composiciones propias basadas en ritmos tradicionales y algunas canciones populares versionadas con un sonido actual. Contaron con el subsidio de Ibermúsicas para poder finalizarlo. Sobre Maga Falcoff

Maga Falcoff es cantante, percusionista, compositora y docente argentina. Su primera agrupación fue Tumbatú Cumbá (2000-2014), grupo de música latinoamericana con 3 discos editados y giras por Argentina. Desde 2009, Maga crea paralelamente su proyecto solista: “La Maga y lo qué?!” en el cual plasma sus composiciones a través de su voz, percusión y piano. En 2011 con el tema “Mitad” el grupo fue seleccionado entre las 16 bandas finalistas elegidas entre 5.400 grupos de todo el país del concurso “YPF destino rock” (Jurado: Gustavo Santaolalla, Claudio Kleiman, Alfredo Rosso y Marcelo Fernández Bitar)

Tiene 4 discos editados: Rosa china (2011), Desnivel (2019) y los discos a dúo con Kenneth Saravia UNE (2020) y UNE II (2023).

Colaboraron con ella destacados artistas como Vítor Ramil, Mariano “Tiki” Cantero y Carolina Cohen. El tema “Cielo” ganó en 2015 un concurso nacional de canciones dedicadas a Luis Alberto Spinetta, que fue incluido en el CD Luz al Instante.

En 2023 Maga realizó una gira por Europa haciendo conciertos, interpretando su música y dando talleres de voz, percusión corporal y percusión afroamericana por España, Suiza, Suecia, Alemania, Bélgica y Polonia. Desde 2015 hasta la actualidad, Maga además dirige la Jam Latinoamericana, primera en su es-

pecie en Buenos Aires. Se trata de un ciclo de conciertos interactivos en el cual abre la noche con versiones del clásico cancionero latinoamericano. Luego hay escenario abierto para la exploración e interacción con otros músicos dando margen a la improvisación musical y al baile. Florencia Meluso Enlazadora de Mundos @flormeluso florenciameluso@gmail.com

Video Camalote - Kenneth Saravia, Maga Falcoff (UNE II) https://youtu.be/HCy6qCKA2Fs? feature=shared

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LAS COSAS INVISIBLES presenta su nuevo álbum de estudio:

“apoloGía del Salto”

El nuevo álbum de Las Cosas Invisibles, “Apología del salto”, es el reflejo de un proceso de transformación personal atravesado por su cantante y compositor, que ha condensado en nueve canciones, diferentes aspectos de ese despertar de conciencia.

En estos nueve capítulos asoman las escenas de una revolución interior y de un pasado revisado y cuestionado, sin dejar de fijar la mirada en el sueño de un destino posible, tanto personal como colectivo. En todo el disco, producido por el guitarrista José Sánchez, se

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encuentran muy presentes desde la letra, valores y miradas de la vida vinculadas a la fragilidad, la ternura, la compasión, el paso del tiempo, la muerte y la libertad. PRESENTACIÓN OFICIAL DE “APOLOGÍA DEL SALTO”

SÁBADO 25 DE NOVIEMBRE – 20:30HS RONDEMAN LAVALLE 3177 ARTISTA INVITADO: IGNACIO DESPACIO Entradas a la venta en www.tuentrada.com “Apología del salto” es un disco

de rock, con matices de intimidad y pasajes acústicos, siempre desde un formato tradicional de banda. Acompañado por Agustina Perrotta en Bajo, Leo Leonardi en batería y José Sánchez en Guitarras y producción, Echave imagina y propone un cambio en la manera de habitar el planeta, de vincularnos con los seres más vulnerables, las infancias, los animales de otras especies y las minorías. Entre arreglos de cellos, cornos y pianos que acompañan a la banda, el autor nos lleva de paseo a su infancia, sostiene diálogos pendientes con su padre, acaricia vacas, gallinas y

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cerdos, alza la voz para repensar paradigmas, abraza a personas que ya no están, le muestra el mundo a su hijo, y sueña despierto un ser humano diferente.

En palabras de Echave: “A lo largo de todo el disco hay postales de un momento de quiebre en mi vida. En casi todas las canciones está plasmada una época de revolución interior que quizá comenzó con el cambio de alimentación, pero continuó con la revisión crítica de todos mis hábitos y decisiones personales”. La invitación es a mirar desde otra perspectiva el lugar donde vivimos, pero fundamentalmente a empezar mirando hacia adentro.

TRACKLIST

1. Fuegos en la noche 2. Niñe 3. Diego y yo 4. Vi (en los ojos de mis perros a todos los animales del mundo) 5. Ahora sé quién soy 6. Fotos que guardé 7. Ayeres vuelven 8. Felicidades 9. Días que nunca podré agradecerte

acerca de las Cosas Invisibles

En el año 2014 Echave, cantante y compositor, decide grabar algunas de sus canciones en formato de banda. Inicia su camino musical como cantante de “Los de Fuego” el proyecto de los miembros originales de la primera formación de Sandro, y posteriormente es convocado para unirse como vocalista a la banda Opera Prima Rock (Tributo a Queen), girando por Argentina, Uruguay y México.

Durante la gira por este último país, llega hasta el Estado de Chiapas, donde busca introducirse en los caracoles zapatistas para conocer su cultura, y termina finalmente, subiéndose a la caravana insurgente del Subcomandante Marcos, recorriendo 8 Estados de México. Durante ese mes, su mirada del mundo cambia. Decide dejar su trabajo de cantante para reencontrarse con su oficio de compositor, reúne antiguas y nuevas canciones e inicia su proyecto personal “Canciones, pequeñas revoluciones”, con el cual recorre 21 provincias a dedo, micro y camión durante 4 años. En el 2014 Echave decide grabar algunas de sus nuevas canciones en formato de banda, dándole el nombre de Las cosas invisibles. Tras presentaciones en Groove acompañando a Sobredosis de

Soda y en La Trastienda junto a Los días en Marte, el proyecto cobra vigor.

En ese momento surge el primer videoclip de la banda, que termina finalmente en la producción de un documental. “No hay derecho” es un trabajo documental de 30 minutos de duración que se adentra con profundidad en la gravísima problemática social del gatillo fácil. El material, que cuenta con la participación de Nora Cortiñas y Mirta Baravalle, de Madres de Plaza de Mayo, y del reconocido historiador Osvaldo Bayer, surgió durante el proceso de filmación del videoclip de 22, la canción que abre el disco debut de la banda.

Las Cosas Invisibles comienza a convertirse en una especie de bitácora de viaje que refleja el proceso personal de autoconocimiento que lleva a su compositor a revisar su historia y sus propias violencias Se representa artísticamente ese despertar interior que lo llevó a abrazar el activismo por la No Violencia, empatizar con todos los animales y cambiar su mirada del mundo. El nacimiento de su primer hijo en 2016 genera otra revolución en su vida, abriéndose una etapa minimalista y de introspección. Junto a su compañera Patu Leonardi co-escriben “El planeta de Spinetta” un libro infantil que cuestiona la forma en que nos

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vinculamos los seres humanos con los animales, y en el cual, cada personaje lleva el nombre de un pionero del Rock Nacional. Más tarde escribirá “Ven, seremos” una historia que cuestiona la cultura de la competencia y promueve la cooperación en las infancias, y su tercer libro “Las luces y sombras dentro de mi”, como invitación a abrazar las emociones más difíciles. Los tres libros conforman la colección Niñes del Nuevo Paradigma, editada por la Editorial Milena Caserola. (“Niñe”), el vínculo con su padre y su revisión de la violencia (Fotos que guardé”) y su nueva relación con los animales de otras especies en “Ahora se quién soy”, “Felicidades”, “Vi” y su último single “Fuegos en la noche”.

En 2019, nace el material Sesiones Caducifolias, una serie de seis videos registrados en vivo en los Estudios Camarón Brujo donde las canciones de Las cosas invisibles son versionadas por Echave, en guitarra, piano y voz, junto al cellista Juan Ignacio Ferreras como invitado, de forma acústica e íntima.

LCI lanza 3 singles en 2021 y 4 singles en 2022. En ellos Echave habla sobre vínculos importantes en su vida (“Diego y yo”, “Ayeres vuelven”), la vulnerabilidad de las infancias

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Durante este período Las cosas invisibles filma 6 videoclips junto a los directores Salvador Lencina y Diego Barbatto. las Cosas Invisibles son: agustina perrotta - bajo leo leonardi - batería

echave - voz, guitarras y piano José Sánchez - guitarras y producción Foto: Bárbara Leonardi

PRENSA María Nolte mnolte@indigopress.com.ar Nicolás Tavella nicolastavella@indigopress.com. ar VIDEO Las cosas invisibles - Ahora sé quién soy (Video oficial) https://youtu.be/1ThjfoHTfds?feature=shared

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GIRO SOLAR publica su segundo material discográfico

parQUe CítrICo parQUe CítrICo Grabado a mediados del 2022 en “Estudios ION”, con el apoyo de Fernando Samalea y Matías Sznaider como ingeniero de mezcla.

Desde su composición, la premisa es reflejar un concepto positivo y unificador entre cada canción. Las nueve elegidas para ser materializadas, continúan el hilo conductor que las lleva a la intención de obra completa. “A lo largo de su recorrido pareciera que todo fuera un descontrol, pero hay estructuras bien marcadas y ciertos límites que sobrepasan la civilización para sumergirse en una selva de colores”.

Sonoramente se destaca el ensamble de las guitarras y las distintas personalidades que sostienen al álbum de principio a fin. Existe una convivencia interesante entre las rítmicas contundentes y la diversidad de sensaciones que recorre un mismo tema.

GIRO SOLAR nace durante el 2015 en la Ciudad Autónoma de Buenos Aires (Argentina). Dentro de su propuesta predomina un sonido moderno, etéreo y con una esencia indie uniendo las canciones. La interacción entre guitarras limpias y procesadas, una sola voz y armonías

voca les, permite generar climas diversos.

mer nivel.

Después de cerrar el 2022 en “La Tangente” (CABA), y de presentar “Cítrico” y “Cruzando” como cortes adelanto, llega el segundo disco de estudio PARQUE CÍTRICO a todas las plataformas digitales. la agrupación está integrada por:

La lírica está atravesada por una necesidad de optimismo. Historias nocturnas, experiencias místicas y telúricas, luces de ciudad, son imágenes que sirven de punto de partida.

Durante la primera etapa publica el sencillo “Simple Solar” (2016) y su álbum debut GIRO SOLAR (2019). También se destaca una versión del tema “Influencia”, en homenaje a “Charly García”, con un manifiesto audiovisual de pri-

Mariano Moledous (voz y guitarra) pablo Manuel pili (batería y coros) pablo Baumberger (guitarra y coros) Nancy Hougham Prensa & Difusión nancyhougham@hotmail.com Retro Producciones

Video Giro Solar - Influencia (Charly García) https://youtu.be/DuVtgBzFf3k?fe ature=shared

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Joaquin Bressan presenta:

“BaIle MorBoSo”

Tercer corte desde Del otro lado de las vías. Joaquin Bressan tiene nuevo sencillo. Se trata de “Baile Morboso”, tercer corte adelanto de su primer disco. Bressan es un músico argentino de 18 años oriundo de la provincia de Buenos Aires. Es compositor y letrista de sus canciones, además es cantante, guitarrista, bajista y baterista. A fines de junio atravesó una grata experiencia al abrir el show de La Mancha de Rolando en La Trastienda y el pasado sábado 29 de julio tocó a sala en el bar de Lucille. Comenzó con la guitarra criolla a los 4 años tocando en forma autodidacta por encima de los discos. Estudió con profesores particulares y escuelas de música que lo ayudaron en su formación. Recibió influencias de artistas y bandas como Gustavo Cerati, Luis Alberto Spinetta, Charly García, Björk, Led Zeppelin, David Bowie, Rush, XTC, The Cure y The Smiths, referentes que escucha y los considera como maestros.

En principio lanzó “A cientos de kilómetros”, primer single y video desde Del otro lado de las vías, su disco debut integrado por 9 canciones de su propia autoría. Todas producidas por Nelson Pombal y masterizadas por Alvaro Villagra.

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En julio fue el turno de “Ultimo recurso”, segundo sencillo del álbum y ahora es tiempo de “Baile Morboso”, tercer adelanto. “BAILE MORBOSO”

¿La música que estamos escu-

chando en todos lados, la estamos eligiendo o nos la están imponiendo? Cuando escuchas algo reiteradamente esto se fija en tu inconsciente, estas palabras van a entrar en tu cerebro quieras o no. ¿Realmente queremos esto, nos gusta? ¿O la re-

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petición de esos mensajes es tan reiterada que nos conquista? Es evidente que la música que elegimos es diferente a la que nos quieren vender, en efecto, letal. Esquivar y esquivar, evitar el vaciamiento de ideas, elegir qué queremos escuchar y ser conscientes de lo que no queremos escuchar, tratar de no seguir esas huellas es un baile morboso.

Cruzando espacio tiempo no me entreveo Lo que pase en esta fiesta Es parte del destino Como si nada Siguiera esas huellas Es el tropiezo de volar Cerca del principio Y del más allá Como si nada Siguiera esas huellas Es el tropiezo de volar Cerca del principio Y del más allá

“BAILE MORBOSO” Letra y música: Joaquin Bressan No me interesa Seguir tus pasos Forajido

Se que es mentira Tu anarquía Y el olvido

Cruzando espacio tiempo no me entreveo Lo que pase en esta fiesta es parte del destino

Como si nada Siguiera esas huellas Es el tropiezo de volar Cerca del final Y del más allá.

Del otro lado de las vías está compuesto por los siguientes nueve temas: 1- “a cientos de kilómetros” (primer single y videoclip), 2“Baile morboso”, 3- “Caza de muñecas”, 4- “del otro lado de las vías”, 5- “Ultimo recurso” (segundo sencillo y videoclip), 6“resplandor natural”, 7- “ojos

espectrales”, 8- “Invencible” y 9- “Corazón fantasma”.

Video “A cientos de kilómetros” Link de YouTube: https://youtu.be/G2HR-xLwNaE

Video “Ultimo recurso” - Link de YouTube: https://www.youtube.com/watch? v=-TYiRuWQjBE Más info en:

Web: joaquinbressan.com.ar IG: https://www.instagram.com/joaqu inbressan_/?igshid=YmMyMTA2M2Y%3D YouTube: https://www.youtube.com/@joaq uinbressan1649 Contacto: Valeria Facchini @flashmusic.ok valefacchini1@gmail.com Diego Perri perridiego69@gmail.com

Video Joaquin Bressan - A Cientos de Kilómetros (VIDEO OFICIAL) https://youtu.be/G2HR-xLwNaE?feature=shared

Baile morboso Vive el momento En mis manos Varias mareas Nos llevaron Con un rastro

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JUANA AGUIRRE lanza

“lo_dIVIno”

Primer adelanto de su nuevo álbum.

“El primer adelanto de mi nuevo álbum, lo_divino, es una reflexión experimental y libre sobre la infancia. Las primeras impresiones de vivir en este mundo, y la reconstrucción de esos recuerdos”. Así describe Juana Aguirre la idea que quiere transmitir a través de su nueva canción, no solo en la letra y melodía, sino que ese concepto estético se prolonga al arte de tapa y al videoclip que acompaña a lo_divino.

lo_divino revela solo un poco de lo que se viene en su segundo trabajo, en el que la artista propone una vez más traer su sonido evocador y alternativo a la

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escena musical local, consolidando así su posición como una de las artistas más prometedoras y vanguardistas de la actualidad.

La canción -letra y música- fue compuesta por Juana Aguirre; la producción en conjunto con Juan Stewart -quien también realizó el mix-; mastering a cargo de Daniel Ovie, y el arte de tapa y video estuvieron a cargo de Fede Maks. + SOBRE JUANA AGUIRRE

Juana Aguirre -Buenos Aires- cultivó su pasión por la música bajo la influencia de su hermana mayor, Lola Parda, cofundadora de la banda Perota Chingo.

Desde temprana edad, Juana exploró la música como medio de expresión y narración, tejiendo historias y creando mundos con sus composiciones. En 2009, cofundó la banda Churupaca, una aventura musical que la llevó a girar no solo por Argentina, sino también por varios países de Latinoamérica.

A finales de 2021, Juana Aguirre emprendió un nuevo camino en su carrera como solista. En esta etapa, nos introdujo a un universo sonoro en constante evolución, donde las imágenes, los elementos, la ciudad y la naturaleza convergen en una expresión artística única. Se refugió en el sur de Argentina, donde estableció su propio estudio, materializando así la

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historia que siempre quiso contar. Juana Aguirre es una artista polifacética cuya creatividad abarca tanto lo musical como las artes plásticas y el diseño audiovisual, agregando una dimensión adicional a su proyecto en solitario.

En abril de 2022, Juana Aguirre debutó en vivo en el festival Quilmes Rock, evento que marcó un sólido inicio en su carrera musical. Ese mismo año, recibió una invitación para participar en el Festival Internacional DRUGA GODBA en Eslovenia, lo que la llevó a emprender su primera gira por Europa, con actuaciones en Madrid, Berlín y la apertura del concierto de Bandalos Chinos en Barcelona. A su regreso a Buenos Aires, presentó su primer álbum “Claroscuro” en el emblemático Teatro Margarita Xirgu, con localidades agotadas una semana antes del espectáculo. La presencia de Juana Aguirre en el prestigioso festival Primavera Sound Buenos Aires, compartiendo escenario con Bjork, Lorde y Arca, marcó otro hito en su carrera. En 2023, realizó una exitosa gira por Chile con entradas agotadas en Santiago y visitó varias provincias de Argentina. Además, tuvo el honor de abrir para la destacada artista sudafricana Alice Phoebe Lou en Niceto Club, y la banda canadiense Bad Bad Not Good en Ciudad Cultural Konex.

“Fuego” co-producido junto a Matías Cella, conocido por trabajar con artistas como Jorge Drexler, Kevin Johansen y Mercedes Sosa. Este álbum es una audaz exploración de nuevos sonidos que la impulsó como una promisoria figura en la música de Argentina y Latinoamérica.

Juana autora y productora del disco, colaboró en la producción con destacados músicos como Juan Stewart, Ezequiel Kronenberg, Ignacio Cruz y Dylan Lerner. Además, el álbum cuenta con invitaciones notables: Santiago Motorizado en “El Gigante” y su hermana Lola Parda en “Ven a Visitarme”. La portada del disco es una obra del reconocido diseñador Braulio Amado (EEUU).

En la actualidad, Juana Aguirre prepara las canciones de su segundo álbum, titulado “lo_divino”, prometiendo una vez más traer su sonido evocador y alternativo a la escena musical local, consolidando su posición como una de las artistas más prometedoras y vanguardistas de la actualidad. Juana Aguirre llega al Niceto Club con “Las Luces que estaban ocultas”, un concierto único que servirá como puente de despedida de “Claroscuro”, su cautivador disco debut, y como adelanto exclusivo de su próximo álbum. 16 DE NOVIEMBRE 20 HS. NICETO VEGA 5510 | CABA Entradas a la venta a través de Passline Management & Booking Macs Abente Gaydou maca.abente@gmail.com

CELINA CASSI Prensa y Comunicación celinacassiprensa@gmail.com

Video lo_divino — Juana Aguirre https://youtu.be/9KS5QnFWsWI ?feature=shared

CLAROSCURO, su primer disco.

Marca el debut musical de Juana Aguirre en 2020, con su sencillo

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Jin Yerei / Lanzamiento/ nuevo album

tHe onlY WaY oUt IS tHroUGH

Jin Yerei es el proyecto solista de Federico Sánchez, músico y artista visual de Buenos Aires, Argentina. Sus composiciones mezclan música étnica latinoamericana con electrónica, creando un espectro de viajes rítmicos, impredecibles y meditativos. Es una de las figuras clave de la escena de folktrónica de Bs. As. “The only way out is through” comprende 10 temas etéreos que se mueven con precisión rítmica del productor argentino Jin Yerei, marcando su debut en su propio sello llamado “Awesome Tapes from Munro”. Reconocido globalmente por su papel clave en la escena del folklore futurista argentino, Jin Yerei ha estado a la vanguardia en la promoción y difusión del nuevo sonido latinoamericano

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durante los últimos 5 años. Nacido y criado en Buenos Aires, Argentina, Jin Yerei entrelaza la rica historia musical de América Latina con un enfoque moderno. Sus trabajos anteriores a menudo encontraban inspiración en los elementos naturales: el calor del sol y el susurro de los vientos patagónicos establecieron el ambiente para su álbum anterior “Foráneo Cálido Pasmoso”, con los vastos lagos y montañas del sur sirviendo como telón sonoro para su obra actual.

Ahora, con “The only way out is through”, los oyentes son introducidos a melodías etéreas que recuerdan a paisajes del espacio exterior. La pista central del álbum, “Off the Grid”, encapsula el enfoque innovador musical de Jin Yerei,

ritmos africanos rápidos con los sutiles matices del dub techno espacial. Las emociones fluctúan de manera similar a los variados y vastos paisajes de Argentina, yendo de lo más alto del hipnotismo a los acordes acuíferos del violín.

“Ojos Blancos”, acompañado por un video realizado por el director argentino Rafael Vodovosoff, muestra ritmos post-dubstep integrados perfectamente con bajos futuristas, dando lugar a una yuxtaposición auditiva que es tanto nostálgica como vanguardista. La reverencia de Jin Yerei por el equilibrio entre la música y los sentimientos es evidente en su obra. “As Above, So Below” se mueve en su propio tiempo, ascendiendo/descendiendo en una

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armonía simple y compleja a la vez. “Not Walking Straight”, por otro lado, ofrece una exploración introspectiva, revelando capas de texturas cinemáticas con cada escucha.

“Sikudelia” destaca como la pista más orientada al baile, reflejando la vibrante energía de la rica cultura musical de Jin Yerei mientras mantiene la estética única del future bass. Al desplazarnos hacia “Kosmikfleks”, la exuberante escenografía de las selvas tropicales oscuras se pinta auditivamente con vivaces líneas de guitarra y ritmos latinos. Los entornos en constante evolución en los que Jin Yerei elabora su arte se convierten en un elemento definitorio, dando vida a cada nota.

“La única salida es a través de” es testigo de la escalada de Jin Yerei hacia su paleta de sonido más madura y honesta, ya que fusiona magistralmente el ambiente natural con sonidos sintetizados. Al igual que con sus creaciones

anteriores en Fértil Discos, Shika Shika, Urban Cosmonaut o Waxploitation, este álbum celebra la armonía (y la tensión) entre la naturaleza antigua y la nueva en diálogo con la tecnología. En este baile intrincado, “The only way out is through” comunica emociones profundas, incluso en ausencia de palabras. BIOGRAFIA

Jin Yerei es una de las figuras clave de la escena downtempo / folktrónica de Buenos Aires. Editó en sellos como Fertil Discos, Shika Shika, Shango Records (Grecia), Waxploitation (Estados Unidos), Urban Cosmonaut (Alemania), Canal Dub (Ecuador), Casa Caos (Brasil), Tropical Twista Records (Brasil) y muchos más Estudió piano desde muy pequeño, estuvo un tiempo en el conservatorio.

Es cuando descubre la música electrónica las 20 años (el dub de King Tubby, el house de chicago con la crudeza de Larry Levan, la vieja escena de Detroit

Buenos Aliens/ diario de viaje radio rueda ENTREVISTA del 15/09 en Buenos aliens

- estás editando por estos días tu nuevo álbum “the only Way out Is throuhgh” ¿Cómo fue el proceso creativo?

El disco lo inicié hace unos cinco años. Entiendo que, en esta

época, tomarse ese tiempo es un montón. Lo tenía medio listo en 2020, pandemia de por medio y otras situaciones fueron detonantes para darle otra significancia. El disco se iba a llamar “Fotogramas de una Posible Revolución”, pero de repente sentí

y la nueva, el juke de Chicago, el dubstep inglés, el house sudafricano del 2000) que empieza realmente a escuchar y a componer. Fue uno de los creadores del sello Fértil desarollando todo lo digital ; plataformas, redes, era el partner más prioritario de todos, la parte que hacía funcionar la rueda. Se alejo de su rol de productor para dedicarse de lleno a su musica.

En más de 10 años de carrera, su música se hizo presente en las cabinas de Salón de Baile (Fusion Festival 2019), Journey to Tarab (Hungría), Das Werk (Viena), Bahnwärter Thiel (Münich), Hoppla! Festival (Basilea), Lollapalooza Argentina, Centro Cultural Kirchner, Centro Cultural Recoleta, Cocoliche, Pacha Buenos Aires, Club Cultural Matienzo, Niceto Club, entre otros. DISCOGRAFIA

Bootycumbiatraxx, 808m, 2011 (LP) Foráneo Cálido Pasmoso, Fértil Discos, 2016(LP)

que no estaba conectando tanto con la idea de la revolución.

En el medio de esta cuestión y mi proceso personal, apareció un concepto que me pareció brillante: The Only Way Out Is Through. Tiene dos reminiscencias

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muy claras, una es el disco de Beastie Boys: “The In Sound From Way Out”, que está a su vez basado en un disco de Jean Jacques Perrey -un precursor de la música electrónica-. Por otro lado, investigando en sesiones de terapia, encontré el término “spiritual bypass”, que habla de cuando una persona tiene traumas o atraviesa ciertas cosas, aparecen los atajos. Te aferras a algo espiritual u holístico para alivianar ese trauma. Si bien hay algunos que funcionan, para mí, la única salida del trauma es atravesarlo.

Entonces este disco sale de eso. Tenemos varios caminos, pero la única salida es vivirlo, darse cuenta, generar un registro. Una cuestión casi pragmática.

- Muchos artistas separan lo que producen en el estudio de lo que les pasa emocionalmente ¿es algo habitual que el proceso de tus discos esté atravesado por lo que estás viviendo?

Eventualmente termina siendo así. Es esta cuestión de cerrar etapas, sacas un disco que marca una etapa de tu vida, se distingue por los sonidos que usaste, por elegir ciertos sintes. Pero hay algo también que es la cabeza que tenías en ese momento, el nivel de madurez, como abordas una composición, desde que lado te sentas a hacer música.

Yo sentía en este caso, que el duelo por la muerte de mi viejo y otras cuestiones, tuvieron que

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ver un montón. Hasta que no pude reflotar todo esto que trasciende a lo sonoro no pude terminar el disco. Para mí, la música es una cosa y lo que rodea a la música es otra, que dicen es algo etéreo. Es muy inherente al proceso. - ¿tus discos anteriores también tuvieron procesos largos? Con el anterior tardé tres años,

iba a ser un disco de canciones, lo arranqué en 2012. Vivía en Neuquén en esa época, volví en el 2015 a Buenos Aires y era justo la época del digital bass con reminiscencias folkloricas, de bajar los BPMs, con Nicolas Jaar a la cabeza, con Chancha vía Circuito sonando en Breaking Bad y haciendo viajar ese sonido, Fértil Discos después. Así que, reformulé el disco y terminó llegando a otro lado. Me gusta tomarme mi tiempo.

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- la edición es a través de tu nuevo sello, awesome tapes From Munro ¿Cómo ves el contexto de los sellos discográficos actualmente?

Creo que los sellos están muertos. Las distribuidoras le están pasando el trapo, son básicamente las que están haciendo plata porque entendieron el business: ser intermediario. Con una distribuidora podés tener un trato más personal. Con los label services te brindan todos los servicios que te daría un sello, a cambio de porcentajes de regalías. Ellos eligen si confían en vos o no. Básicamente, las distribuidoras se comieron a los sellos.

Hay algo importante que es que la distribuidora empuja proyectos y los sellos empujan la conexión entre artistas. Son dos cosas diferentes que probablemente en algunos sellos todavía estemos viendo, pero es lo único que queda, el laburo colectivo. Si sos un artista emergente te puede resultar fácil o difícil, depende del conocimiento que tengas de la industria. Con ese conocimiento podés generar un producto. Yo quiero editar mi música, moverla por mi cuenta y le quiero dedicar lo que realmente vale, es una inversión casi romántica de tiempo, dinero y energía al servicio de la música.

- Saliéndonos de los sellos ¿Cómo analizas el momento de la escena electrónica?

Hay que ser lindo, salir bien en las fotos, tener tatuajes, jaja. Hay que responder a un arquetipo. Ok, quiero poner tal estilo, entonces tengo que ponerme cierta ropa. Es como una maquinita que los imprime. Tenés que trabajar en tu imagen, comunicar de cierta forma, seguir lo que hacen los artistas más grandes, replicar… No existe más trazar una línea y crear algo nuevo. Hay una cuestión aceleracionista. Pasa lo mismo con las fiestas, todas parecen la copia de otra. Esto genera erosión mental, tengo varios amigos que se fritaron en el camino. Menos DJs, más gasistas. Si quiero pensar en números, copio un par de temas del que esté arriba y listo. Spotify te lleva a eso, porque si un tema se parece a uno popular, lo empieza a recomendar. La copia de la copia la genera la misma industria imponiendo desde el algoritmo. - ¿Si generas algo original tenés oportunidad de trascender? Es difícil. Pero se re puede, no

te digo pegarla, pero siendo real las cosas se te pueden dar. Conozco a montón de gente que se le dio, por esa cuota de originalidad, y obviamente explotarla. Comunicar bien es fundamental, la mayoría comunica mal. - ¿Cuál es la salida en una situación así que el alrededor no contagia?

Hago mi propia movida. Este disco lo mandé a un par de sellos que me gustaban y me dijeron que no porque no entraba en el sello. Fuck them. Es así porque es un disco extraño, pero para mí tiene mucho que ver con el disco anterior, en cuanto a reformular y encontrar el momento justo para su lanzamiento. Entrevista: damián levensohn Contacto AGENCIA LES DILETANTES Natalia Eva de Parseval lesdiletantes@gmail.com

Video Jin Yerei - Ojos Blancos (Official Video) https://youtu.be/JP4UIY_Wd60?f eature=shared

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Fenna Frei expande el himno feminista mexicano

“CanCIÓn SIn MIedo” con una poderosa versión en vivo

En una co-producción con la Residencia Artística Snowapple y tomando la adaptación de la letra realizada por el Colectivo de Mujeres de Rosario, la compositora, cantante y productora argentina presentó una versión electrónica y conceptual de la canción de Vivir Quintana.

“Canción sin miedo”, de la cantautora mexicana Vivir Quintana, es hoy uno de los mayores himnos feministas que México ha conocido. Entonada con fuerza en cada 8M y versionada por colectivos de mujeres de toda Latinoamérica, la canción que exige justicia por los casos de feminicidio en nuestro continente cuenta

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con una nueva y poderosa interpretación realizada por la compositora, música y productora argentina Fenna Frei.

Registrada en vivo en colaboración con la residencia artística Snowapple (CDMX), la performance audiovisual traduce la emotividad y la fuerza de la versión original al idioma de Fenna Frei: la canción electrónica conceptual. “Quise hacer esta versión a tempo lento para que la letra se desglosase palabra por palabra y con todo su peso recayendo en una nota pedal de bajo sintetizado”, asegura Candela Cibrián -nombre real de la artista- y añade: “La melodía de-

vino con algunos aires de tango y la letra es una adaptación argentina realizada por el Colectivo de Mujeres de Rosario. (…) Pensaba en las tantas canciones de lucha que se componen intencionalmente sencillas en búsqueda de ese aire popular, pero que sin duda esconden miles de posibles orquestaciones o formas de vestirlas y reinventarlas”. En su nueva versión, “Canción sin miedo” está instrumentada con un bajo sintetizador, melotrón y samples de archivos de audio de marchas y testimonios de comunidades. Con estos recursos, visuales de Luis Rivera y una interpretación conmovedora,

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Fenna Frei construye una atmósfera profunda que interpela no solo al género femenino y que invita a unirse en un grito necesario y arrollador: “¡Nos queremos vivas!”.

Sobre su relación con “Canción sin miedo”, la artista comenta: “Cuando estuve viviendo en México el año pasado, me tocó escuchar esta canción en vivo por primera vez, y la emoción fue abrumadora. Saliendo de aquel evento en el CC España imaginé otra versión, más misteriosa, más dramática. La escuché en mi cabeza y se sentía poderosa. Luego armé un proyecto para aplicar a la Residencia artística Snowapple, que consistía en arreglar canciones de activismo para este género musical. En cuestión de días materializamos la idea”. Actualmente Fenna Frei se encuentra en Ciudad de México y se prepara para presentarse el 12 de Octubre en Departamento Studio Bar (Roma Nte, CDMX) junto a Fernanda Elío, y el 1 de Noviembre en la Celebración de día de muertos en Casa Snowapple. Para más información, te invitamos a seguir sus redes sociales. Material de prensa

Luces: Karen lebrija Makeup y pelo: Brenda liz portillo Coordinación: adriana Chow Asistencia: paloma duque, Vladimir Chorny, Juanchez Adaptación de la letra por el Colectivo de Mujeres de Rosario Filmado en la residencia artística internacional Casa Snowapple,

CDMX

prensa. Ovoide Argentina victor@ovoide.cl

Video Fenna Frei ‘Canción Sin Miedo’ (Vivo en Residencia Snowapple) https://youtu.be/3Sly7Bq8PQc?f eature=shared

“Canción sin miedo” Créditos

Producción musical: Fenna Frei Mezcla & master: emma Harumi Visuales: luis rivera Cámara: Maw roldán Edición de video: Fenna Frei

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Erich Larsson presenta su nuevo single

“HaSta Ver el Sol” Erich Larsson, proyecto solista del músico misionero Germán Vázquez (ex cantante y bajista de La Otra Cara de la Nada), presenta “Hasta ver el Sol”, una de las cuatro piezas que conformarán “Reproducción Extendida”, su próximo e inminente EP.

Erich Larsson resetea los claroscuros de su imaginario personal con “Hasta ver el Sol”, la primera señal electrónica y experimental tras el álbum “Adorno” (2020). Si en el disco debut de Erich Larsson predominaba una sonoridad de estética retro con arreglos del presente, en su nuevo sencillo las influencias son más explícitas. Germán refuerza su exploración musical y se sirve de samples que, lejos de sentirse enlatados e inorgánicos, actúan como disparadores de un relato críptico y personal que parece fluir desde otra dimensión, tan lejana como cercana.

La grabación de una cantante de soul se alza desde el primer segundo, un vozarrón que no tarda en fragmentarse entre matices instrumentales: arpegios casi imperceptibles, capas atmosféricas y loops como coordenadas sónicas. Una percusión acelerada hace que todo despegue. “La luz me reveló/Señales en pausa/La comisura/De esta mañana/Suave iluminó/Espacios aislados”, entona Germán, volá-

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til, inmerso en el efecto de confesiones líricas, en las reverberaciones de sueños e imágenes que se resquebrajan con la luz del amanecer.

“Hasta ver el Sol” está co-producida junto a CANKI (Juan Francisco Obregoso), con quien también trabajó en la mezcla de “Adorno”.

Erich Larsson presenta un videoclip que encapsula una amalgama de emociones en su último sencillo, “Hasta ver el Sol”. Esta pieza audiovisual logra tejer un ambiente emocionante y lúgu-

bre, pero con destellos esperanzadores y luminosos que se entrelazan en una experiencia psicodélica e inmersiva.

A medida que la canción avanza, una percusión acelerada impulsa la narrativa musical hacia adelante, llevando al espectador a través de paisajes sonoros en constante cambio. Las letras de la canción, entonadas por Germán con una voz volátil, se convierten en confesiones líricas que se funden con las reverberaciones de sueños e imágenes que parecen resquebrajarse con la luz del amanecer.

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“Hasta ver el Sol” es un videoclip que te sumerge en un mundo de contrastes emocionantes y te lleva a un viaje musical y visual que es a la vez inquietante y lleno de luz.

Ficha técnica Compuesto, escrito y producido por Germán H. Vázquez pedrozo. Co-producido por CANKI. Mezcla y master por estanislao lópez. Voces, guitarras, sintetizadores, samples y percusión por erich larsson. Sintetizadores, guitarras y programaciones CANKI. Bajo por Juan pablo lópez. Batería por Martín Britos dumois. Arte de tapa por erich larsson. Fotos prensa por Guillermina Muller.

Germán H. Vázquez pedrozo fue el bajista y cantante de La Otra Cara de la Nada, banda formada en Misiones en 2011 y que, en 2016, desembarcó en Buenos Aires para marcar un antes y un después en el escenario del indie federal. La banda se disolvió en 2020, dejando tras de sí una estela indeleble de re-

citales intensos, el disco “Sobre Premios y Tormentas” (2017) y otros singles que consolidaron una trayectoria más que influyente.

Germán dio el primer paso en la configuración de su proyecto solista Erich Larsson en diciembre de 2018, con la salida del simple “Drama”. Un año después fue el turno de “Los Muertos”, canción que sirvió para anunciar la salida del disco debut. En los meses que siguieron Germán se abocó a la producción del material y, finalmente, tras una serie de tratamientos exhaustivos, lanzó su disco debut “Adorno” en noviembre de 2020.

como una búsqueda personal de pasajes sonoros y líricos cargados de misticismo urbano, de secuencias nocturnas de introspección y catarsis. Con la potencia de una banda, sus canciones transmiten una sonoridad tan optimista como lúgubre, con tonos de misterio y baile. Es el volumen de una experiencia llena de significados insondables e imágenes secretas. Más info: https://www.instagram.com/erichl arsson/ https://twitter.com/erich_larsson

https://www.tiktok.com/@erich.la rsson Spotify YouTube https://linktr.ee/erichlarsson

LUCAS SEOANE - PRENSA lucas.seoaneprensa@gmail.com Instagram: lucas.seoane

erich larsson se presenta

Video Erich Larsson - Hasta Ver el Sol (Video Oficial) https://youtu.be/JWxUETdWrtI?f eature=shared

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«Collage», lo nuevo de Seba Stamati feat

la CHICa del CUMpleaÑoS

“Tanto buscaste amor, que llegó la primavera y se te olvidó florecer”, cantan Seba Stamati y La Chica del Cumpleaños en el melancólico puente de “Collage”, su nuevo single. Ya disponible en todas las plataformas digitales.

link a Spotify: https://open.spotify.com/intles/track/3lOYOX24aO4BUuLwX1cDM5

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“Collage” es el más reciente lanzamiento del cantautor santafesino Seba Stamati, un track que libera una bocanada de aire fresco y ternura desde el primer momento, y que cuenta con la participación de La Chica del Cumpleaños, nuevos exponentes de la música indie santafesina. La canción, que ya se puede escuchar en todas las plataformas

digitales, es una bienvenida a la primavera, donde los artistas nos regalan un estribillo tierno y melancólico, con una melodía pegadiza y un dejo de groove que nos invita a bailar.

La producción musical, mezcla y mastering del sencillo estuvo a cargo de Germán Dobler y el diseño del arte de tapa lo hizo Isabella Cuneo, con una fotografía

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que tomo junto a Bianca Gonzalez Ortiz de Zarate. Video del backstage: https://www.youtube.com/watch? v=UG7XSfsi1U4 Sobre el artista:

Seba Stamati es un cantautor santafesino que ha estado presente en la escena musical desde 2015, participando en diversos proyectos. Después de haber transitado por varios espacios culturales de la ciudad con iniciativas previas, lanzó, en 2019, su proyecto solista, que abarca una amplia variedad de géneros, desde el R&B y el soul hasta el pop.

A través de la música y su expresión artística en el escenario, Seba busca conectar con la parte más íntima de su audiencia, al mismo tiempo que crea un ambiente fresco y relajado que invita a mover el cuerpo.

Spotify: https://open.spotify.com/intles/artist/6effLLdckDJsWb5ICEo UmN

Youtube: https://www.youtube.com/channel/UC0ea93ChVO5AQaRouPfh nFQ

Hasta la fecha, su proyecto solista consta de un EP titulado “Colisión” en 2022, una sesión en vivo llamada “Galería 624” en 2021, y dos sencillos: “¿Cuál Fuente: d&M - prensa y dihay?” en 2021 y “Desapareceré” en 2020. Además, ha tenido el privilegio de actuar en algunos de los escenarios más emblemáticos de Santa Fe, como Tribus Club de Arte, donde en una ocasión abrió el espectáculo para Rayos Láser, así como en la Sala Moreno y la Bienal de Arte Joven de la UNL. redes y plataformas digitales: Instagram: https://www.instagram.com/seba.stamati/

seño (ig: @dym_prensa) Daniela Fortonani danielafortonani@gmail.com

Video Collage - Seba Stamati ft. La Chica del Cumpleaños (+backstage) https://youtu.be/UG7XSfsi1U4?f eature=shared

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AZABACHE TANGO presenta su álbum

MUndo ManIJa ||

Azabache Tango es: Katharina deissler y adriana Miranda / violines Esteban Fioroni / viola Bruno Bragato / cello

Mundo Manija, el segundo álbum de estudio de Azabache Tango, es un disco de música instrumental con composiciones originales que busca reflejar la sociedad actual y relatar el momento de ansiedad, euforia y desigualdad que se vive en esta etapa post pandemia. La búsqueda de ampliar las posibilidades sonoras del cuarteto de cuerdas viene siendo una premisa en el trabajo de Azaba-

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che. En este disco además de los efectos acústicos que suelen usar, se incorporan efectos electrónicos, abriendo así un abanico que va desde temas instrumentales sumamente contrapuntísticos a texturas sonoras de mucho peso y densidad, pasando por géneros musicales variados y populares en nuestra cultura rioplatense. El primer tema del disco es un recitado a cargo de Martín Pitu Frontera, reconocido letrista de la murga porteña y del tango nuevo e integrante de Los Garciarena. En cuanto al trabajo visual, el álbum cuenta con la colabora-

ción del fotógrafo nacional Marcos López en contraste directo con el arte de @_nandon (vendo.mi.ego), conocido por sus populares carteles callejeros. Ficha técnico-artística del álbum:

Azabache Tango: Katharina Deissler y Adriana Miranda / violines Esteban Fioroni / viola Bruno Bragato / cello temas:

1. Mundo Manija (Martin “Pitu” Frontera/Esteban Fioroni) 01:00

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2. Mecha Corta (Katharina Deissler) 02:40 3. Yeca (Esteban Fioroni) 02:37 4. Arnia (Katharina Deissler) 03:44 5. Totem (Esteban Fioroni) 02:47 6. Mazmorra (Katharina Deissler) 04:21 7. Chapa (Katharina Deissler) 03:31 8. Baruyo (Esteban Fioroni) 4:40 Grabado por Manuel Schaller en Estudio 0618 Editado por Marcelo Mancuso Mezclado y masterizado por Alejandro Saro Recitado: Martin “Pitu” Frontera (tema 1, Mundo Manija) La composición de los temas y la producción del disco está a cargo de Katharina Deissler y Esteban Fioroni. Arte de tapa: Vendo.mi.ego Retrato: Marcos Lopez Sello: Acqua Récords

Realizado gracias al apoyo del Banco Itaú mediante el programa de Mecenazgo Cultural de la Ciudad de Buenos Aires. ACERCA DE AZABACHE TANGO:

El cuarteto comienza su actividad en el año 2017 tocando en vivo en diferentes salas de la ciudad de Buenos Aires. En 2019, gracias a la ayuda del INAMU, produce dos videoclips: Rey puesto y Todo está en obra, con Victoria Di Raimondo y Sara Chara como cantantes invitadas y con la participación de Fernando Avila (titiritero) y Natalia

Pelayo (bailarina). Durante el 2020, el grupo se consolida y produce su primer álbum de estudio “Azabache”, disponible en todas las plataformas digitales. Este disco se presenta en abril de 2021 con dos funciones en el Teatro Hasta Trilce. El mismo contiene 8 tracks que buscan explorar las posibilidades sonoras del cuarteto de cuerdas dentro de un lenguaje tanguero. En el disco conviven temas instrumentales con algunas canciones. Participaron como artistas invitados: Alejandro Guyot y Julieta Laso como cantantes y Pablo Ciliberto en bandoneón. Acompañan al lanzamiento del álbum, los videoclips de los temas: Torque, Industrial y Arcaico como propuesta audiovisual complementaria. Todos ellos están realizados por el artista visual Alejandro Diez. En el mismo año, el grupo em-

prende una gira de conciertos y talleres por la provincia de Buenos Aires visitando las ciudades de Coronel Suárez, Olavarría, Bahía Blanca y La Plata, además de realizar varias fechas en Capital Federal y Gran Buenos Aires. Durante el año 2022, viajan a la Costa Atlántica, Carmen de Patagones y Rosario. Además realizan su primera gira a Europa. Llevan su música a España, Suiza, Alemania y Francia, siguiendo la invitación del festival de Tango de Tarbes. Por otro lado, en Buenos Aires se realizaron dos conciertos en el CAFF ; Hasta Trilce; CC Nueva Uriarte, Je Sui Lacan y en el Teatro Santa María. Éste último en marco del Festival de La Sala, donde compartieron escenario con artistas variados de la escena indie local. Video en vivo en el Teatro Santa Maria

A comienzos de 2023 trabajan junto a artistas del colectivo de Mesas Lúcidas en un show interdisciplinario en el Centro Cultural Borges, con animaciones visuales en vivo. Gracias al apoyo de Mecenazgo de la Ciudad de Buenos Aires, durante gran parte de 2023 se dedican luego a la producción de su segundo álbum, Mundo Manija. ACERCA DE LOS INTEGRANTES:

Katharina Kadidja deissler es violinista de nacionalidad alemana. En 2008 empieza su carrera artística de violín en el conservatorio

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de Leipzig „Hochschule für Musik und Theater Mendelssohn-Bartholdy“ como alumna del maestro Prof. Friedemann Wezel. Atraída por el tango argentino aplica para una beca del DAAD con el objetivo de estudiar un año en Buenos Aires. Durante el 2011 y 2012 cursa en la Escuela de Música Popular Avellaneda (EMPA) y en la escuela Orlando Goñi. De regreso a Alemania recibe su diploma del conservatorio Leipzig en julio 2014 con la mejor calificación posible. Se instala en Buenos Aires para seguir con sus proyectos de tango. En 2009 inicia además la carrera de dramaturgia en la Universidad de Leipzig y se recibe en 2014 con una tesis sobre el Biodrama de Vivi Tellas. Formó parte del “Tanino Trío” con quienes grabó

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el disco “Ni es cielo ni es azul” Desde fines del año 2014 es contratada como violinista en la Orquesta Estable del Teatro Colón, Buenos Aires. Ganó el concurso para estabilidad en diciembre de 2018 en el mismo cuerpo artístico. Es solista de la Orquesta Típica de Julián Peralta con actuaciones en sitios como la Usina del Arte y la Ballena Azul del CCK durante los últimos años. Es concertina de la Orquesta de Cuerdas de tango “Cuerdas del Plata” desde el año 2017. Tiene contrataciones en el Centro de Experimentación del Teatro Colón para varios formatos de cámara, por ejemplo “El Cuervo” (2017) y “La traición oral” (2018). Desde febrero de 2020 es docente suplente para el Maestro

Mauricio Marcelli en la materia “violín tango” en el ciclo superior de la Escuela de Música Popular Avellaneda.

adriana Miranda torrico es violinista argentina Comienza con sus estudios de violín a la edad de 10 años con el Prof. Santiago de Angulo (Colombia). Posteriormente sus maestros fueron Ricardo Rodríguez, Ulrich Siegert, Norberto Minces, José Bondar y Daniel Robuschi. Participó de seminarios y masterclasses de violín y música de cámara con Maestros como Felix Olschofka, Jack Glatzer, Haydeé Schvartz, Elías Gurevich, Ulla Benz, Catalyst String Quartet, Marmen String Quartet, entre otros. Asimismo, participó del Festival

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de Música de Santa Catarina (Brasil) 2018 en el programa de Cuarteto de Cuerdas, a cargo del Arianna String Quartet (Estados Unidos). En la actualidad cursa el último año de la Licenciatura en Artes Musicales en la UNA (Universidad Nacional de las Artes). Ha participado como contratada en la Orquesta Estable del Teatro Argentino de La Plata, y a partir de marzo de 2018 es miembro estable de la Orquesta Sinfónica Nacional en la fila de primeros violines. Asimismo, formó parte de producciones de la Ópera de Cámara del Teatro Colón. Desde 2017 es integrante del Cuarteto Arkhé, presentándose en diversas salas de Buenos Aires: Templo Libertad, Usina del Arte, Salón de Honor (Centro Cultural Kirchner), entre otros; y en el exterior en el Teatro del Sodre (Uruguay) y Teatro Pequenho (Santa Catarina, Brasil).

esteban Fioroni es violista argentino de la ciudad de Olavarría. Comenzó sus estudios en la Escuela Municipal de Música de Olavarría y en el Conservatorio Municipal Ernesto Mogávero. A los 18 años se traslada a Buenos Aires para estudiar Lic. En Composición en la Facultad de Artes y Ciencias Musicales de la UCA donde fue becario por promedio elevado. Paralelamente realizó estudios de composición con los Mtros. Julio Viera y Julián Peralta y de viola con Elizabeth Ridolfi, Claudio Medina, Adrián Felizia y Javier Cárdenas, además de completar sus estudios en la carrera de Viola en la Universidad Nacional de Artes.

En el año 2020, además, completa el profesorado de yoga. Como violista, actualmente participa en la Orquesta de Música Argentina Juan de Dios Filiberto, en la Orquesta Sinfónica Municipal de Olavarría; en la orquesta de tango nuevo Cuerdas del Plata y en el cuarteto Azabache. También realizó contrataciones como violista en la ópera de cámara del Teatro Colón, ópera del Teatro Avenida, Orquesta Sinfónica de la Universidad de Cuyo, entre otros. Ha participado en el Festival de Música de Santa Catarina (FEMUSC) y Música Maestra, dictado por Diego Schissi. Actualmente se desempeña como docente en la Facultad de Artes y Ciencias Musicales de la UCA, en la cátedra de Lenguaje 2 de la carrera de música popular y como docente de viola en la Orquesta Escuela de la CAVA, prov. de Buenos Aires y de forma particular. Bruno Bragato es cellista argentino Comienza sus estudios de cello a los 15 años con los profesores Gastón Colloca y Myriam Santucci. En 2007 ingresa al Instituto

Universitario Nacional del Arte (actual UNA). En 2011 continúa sus estudios en el Conservatorio real de Lieja (Bélgica) bajo la tutela del profesor Jean-Pol Zanutel, donde se diploma en 2014. Luego, decide perfeccionarse en los Conservatorios de Bruselas y Amberes.Actualmente, cursa de manera particular con el profesor Diego Fainguersch. Desde 2017, se desempeña regularmente con las orquestas Sinfónica Nacional, del Teatro Argentino de La Plata y Filarmónica de Buenos Aires. Asimismo, colabora con la Ópera de Cámara del Teatro Colón y el CETC. Es miembro fundador del ensamble NEO y el ensamble Hopper (BE). Desde fines de 2016, es profesor en el sistema de orquestas- escuela de la Ciudad de Buenos Aires. prensa Ana Garland Management anagarland@gmail.com

Video LA SALA - Azabache Tango (En Vivo en el Teatro Santa María) https://youtu.be/HunHZUPCCD4?feature=shared

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AMORELA presenta su nuevo disco

FÁBUla BlanCa

Se trata de la primera propuesta discográfica solista de esta admirable y exquisita creadora de canciones, cantante y actriz santafesina, Cintia Amorela Bertolino. Amorela es el nombre de su flamante proyecto musical personal, luego de una inmensa trayectoria en diferentes formaciones grupales. Con este proyecto nos presenta su álbum debut Fábula Blanca. en palabras de amorela

“Fábula Blanca es un gran anhelo de mucho tiempo: la reunión de once canciones para darlas a conocer. Cada una de

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ellas forman parte de un trayecto musical diverso y se han manifestado en el transcurrir de diferentes etapas creativas” Luego del exitoso concierto de estreno del disco en Santa Fe, se dará la primera presentación en vivo en Buenos Aires, en formación de quinteto

Sábado 18 de noviembre, 20.30h puntual Apertura de puertas del espacio, 20h Circe Fábrica de arte Manuel Rodríguez 1559, C.A.B.A. www.circefabricadearte.com/ Entradas anticipadas: Desde $

3.000 Adquirir entradas en Passline participan

amorela Cintia amorela Bertolino (en voz) Franco Bongioanni (arreglos, guitarra, programación y coros) Jorge Mockert (batería, percusión y coros) luciano Stizzoli (piano, sintetizadores y coros) pilar Ferrando (violoncello, bajo eléctrico y coros) Artista invitado Juanito el Cantor, abre el concierto con su proyecto solista acerca del disco Fábula

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Blanca

“Fábula Blanca” es el primer disco solista de Amorela, la propuesta personal de la creadora de canciones, cantante y actriz santafesina, Cintia Amorela Bertolino.

Reúne once canciones propias en las que confluyen las distintas vertientes creativas de su extensa y variada trayectoria. El concepto de este disco consiste en integrar cada una de las canciones con la narrativa de una fábula. Cada canción es un capítulo que corresponde a una etapa diferente de creación de su autora. Los capítulos atesoran una vivencia, un aprendizaje, observaciones y reflexiones en relación al mundo que nos rodea

o a los sueños que se nos presentan como revelaciones.

La instrumentación y los arreglos musicales elegidos fueron diseñados con una paleta sonora que también son parte del imaginario de esta fábula. A una formación cuarteto, de piano, bajo, guitarra y batería, se le suman luego instrumentos de cuerdas y vientos, para completar la narrativa tímbrica de cada capítulo. Así es como las sonoridades del Jazz, la Música de Cámara, el Rock, el Folklore y lo electrónico nos proponen un recorrido musical original. En este universo artístico personal la poesía, oficia de lucero y el potente despliegue vocal expresivo de Amorela, abre un portal hacia fantasías infinitas.

El título del álbum proviene de una de las canciones del repertorio de esta flamante propuesta.

en palabras de amorela ”Se trata de una guerrera que toma las fuerzas de la naturaleza y de su comunidad para enfrentar los imperios mezquinos de la oscuridad. Dispuesta a defender los recursos naturales de su entorno de las repetidas invasiones a lo largo de la historia, emprende un viaje. Esta canción inspirada en lecturas de Liliana Bodoc nos invita a recordar nuestro origen: la Madre Tierra, para honrarla, cuidarla y respetarla. Fábula Blanca nos propone mirar a través del tiempo para mantener viva la memoria”. En palabras de Amorela “Fábula Blanca” es un gran anhelo de

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mucho tiempo: la reunión de once canciones para darlas a conocer. Cada una de ellas forman parte de un trayecto musical diverso, y se han manifestado en el transcurrir del tiempo, algunas de ellas datan de hace más de 10 años, paralelamente a otros proyectos. Mi participación en diversos grupos musicales, teatrales y escénicos en diferentes propuestas artísticas colectivas ha sido siempre mi gran fuente de aprendizaje. Los procesos de co-creación representan para mí una gran escuela como artista y, las experiencias anteriores, me han permitido llegar a esta etapa en la cual encuentro un momento de síntesis para lanzar un proyecto propio de canciones, que lleva mi nombre Amorela, y conté para ello con el apoyo e ideas de Franco Bongioanni durante años. Es un proyecto personal, mas nunca estoy sola porque siempre es compartido, ya que necesaria y, fundamentalmente, el Arte es colectivo. Ante esta iniciativa, el equipo de trabajo que me acompaña es un gran sostén, un impulso para que estas canciones se materialicen y puedan llegar a sus sensibilidades”.

listado de canciones del disco Fábula blanca

Todas las obras compuestas por Cintia Amorela Bertolino 1 . Por el espiral 2 . Abrenmil 3 . Nuevo viento 4 . Se pasa 5. Hoy

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6. Fábula blanca 7. Cuesta arriba 8. Plegaria humedal 9. Verde azul 10. Mirar 11. Vuelve a amanecer

Ficha técnica amorela - Fábula Blanca

Todos los temas letra y música por Cintia amorela Bertolino Arreglos: Franco Bongioanni, excepto “Se pasa” por Franco Bongioanni, Gonzalo diaz, Cintia amorela Bertolino Voz, caja, percusión: Cintia amorela Bertolino Guitarras, ronroco, coros: Franco Bongioanni Bajo, violoncello, coros: pilar Ferrando Piano, teclados, coros: luciano Stizzoli

Batería, glocken, vibráfono, coros: Jorge ernesto Mockert

Musicos Invitados: Voz en Plegaria humedal: Soema Montenegro Saxo alto: Camila lencina Saxo tenor: agustina Cortés Saxo barítono: Fernanda lagger Clarinete: Ivana papini Violín: Victoria diaz Geromet Viola: lucila Belén Gerelli Contrabajo: Cristian Bórtoli Producción Artística: Franco Bongioanni, Cintia amorela Bertolino Grabado en enero de 2023 en “Estudio Sonorámica” por Juanito el Cantor. Asistencia de grabación: Mati Medús, Sebastián ruiz Voz Soema Montenegro grabada por Juanito el Cantor en “Sale

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La Luna” Tomas extra vientos y cuerdas por Franco Bongioanni en “La casita rodante” Mezcla: Franco Bongioanni Revisión de mezcla: Juanito el Cantor Master: daniel osorio (El Ángel Mastering) Productor fonográfico: Franco Bongioanni Sello Distribuidor digital: elefante en la habitación Foto de portada, fotos retratos y visuales: aldana Mestre Producción general: Cintia amorela Bertolino, Gaby redero, Franco Bongioanni Prensa y Comunicación alicia Gubitsch acerca de amorela

Amorela es el proyecto personal de Cintia Amorela Bertolino, cantante, actriz y creadora de canciones de la ciudad de Santa Fe. Su voz lleva el trabajo de años recorridos en la diversidad de fuentes: sus comienzos en el jazz, el rock y el canto lírico, la exploración de músicas de latinoamérica y su experiencia en las artes escénicas.

La propuesta aborda la canción como espacio de creación, un territorio a desarrollar desde la multiplicidad de lenguajes sonoros, la coexistencia de géneros musicales y la experimentación con instrumentos acústicos, eléctricos y electrónicos puestos en función de potenciar el mensaje poético de cada canción.

Cintia Amorela Bertolino ha participado en numerosas grabacio-

nes y participaciones escénicas entre las que se destacan: Luis Barbiero, Canticuénticos, Melocotón Pajarito, Ginkgobiloba, Emparche, Agustina Cortés, Mariana Pretto, Seba Ibarra, entre otros.

Los arreglos y la producción artística la comparte con Franco Bongioanni, con quien Cintia ha editado cuatro discos con otros grupos propios: Barro: Meteorológico (2014) y Canciones como flores (2021); y Paquito: Paquito y sus viajes por la tierra y la luna (2014) y Aventuras en canciones Vol.1 (2023). Forman parte de este proyecto

Cintia Amorela Bertolino: voz, percusión y composición Franco Bongioanni: Arreglos, guitarra, programación y coros Jorge Mockert: batería, percusión y coros Luciano Stizzoli: piano, sintetizadores y coros Pilar Ferrando: violoncello, bajo eléctrico y coros Discografía Solista

Fábula Blanca (CD, 2023) Primera propuesta discográfica de su proyecto personal Amorela En formaciones grupales propias Aventuras en canciones Vol. 1 (LP, 2023) Grupo Paquito Canciones como flores (LP, 2021) Grupo Barro Paquito y sus viajes por la tierra y la luna (CD, 2014) Grupo Paquito Meteorológico (CD, 2014) Grupo Barro Videos

Florcita de mburucuyá (videoclip, 2023) Paquito Mono Pandillero (videoclip, 2022) Grupo Paquito Finito (Sesión en vivo, 2021) grupo Barro A través de las siete (videoclip, 2018) Grupo Barro Prensa Alicia Gubitsch / Buenos Aires prensa.aliciagubitsch@gmail.co m

Video BARRO - Finito - Sesiones Vivo en La Casita https://youtu.be/SiiB3YPIEnE?feature=shared

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FLOR OTERO presenta

“la CaSa SeCreta”

Presentación en vivo: Sábado 2 de Diciembre en Roseti, 21hs Flor otero: voz - nacho esbo: guitarra y fx - Gabo Cuman: bajo - nicolás Mú Sánchez: guitarra - nico Méndez: batería Artistas Invitadas. María Ezquiaga - Melina Moguilevsky

la Casa Secreta Luego de sus discos Nocturno Mundo y El juego verdadero, surge este nuevo trabajo en formato Ep. La Casa Secreta nos invita a recorrer un mundo interno y visitar distintos estados y sensaciones. Este trabajo surgió en pandemia, en momentos donde la puesta en pausa nos llevó a reinventar los espacios propios, a buscar nuevas formas e invocar un refugio interno que nos permita reencontrarnos con algo de nuestra propia esencia. El EP, integrado por cinco canciones compuestas por Flor Otero, cuenta con la participación de Lulo Isod en batería,

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Gabo Cuman en bajo, Nacho Esbo en guitarra, Juan Pablo Alcaro en guitarra y producción, Flor Otero en voz y María Ezquiaga como música invitada. LA CASA SECRETA: 1. Lo que arrasa

2. Los espacios 3. De regreso 4. La marea 5. Gritar Músicos nacho esbo, guitarras y efectos Gabo Cuman, bajo lulo Isod, batería

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Juan pablo alcaro, guitarras Flor otero, voz Maria ezquiaga, guitarras en ¨Lo que Arrasa¨

Diseño e Ilustración de Booklet: Mariana otero Fotos y Arte de Tapa: Catu Hardoy

Todos los temas compuestos por Flor Otero. Grabado entre julio de 2022 y septiembre de 2023 en Apis Estudio, Buenos Aires, Argentina. Técnico de grabación, mezcla y mastering: Juan Pablo Alcaro. Producción: Juan Pablo Alcaro. SOBRE FLOR OTERO

Cantante, compositora, improvisadora argentina. Su música recorre los universos del folk, el jazz, la canción, la música experimental y contemporánea. En el año 2012 lanza su disco debut “Nocturno Mundo”, músicas de Joni Mitchell, con el que obtiene las más elogiosas críticas de la prensa especializada nacional e internacional. Nocturno Mundo fue presentado en los escenarios más representativos del circuito cultural de Buenos Aires y del interior del país, incluyendo la presentación en el festival Buenos Aires Jazz, edición 2012 y 2015 y el festival Internacional de Jazz Mar del Plata, 2013, entre otros. En el año 2015 el disco fue parte del homenaje a Joni Mitchell realizado por NPR (Radio Nacional de EE.UU). En 2012 forma el Trío de voces, proyecto de improvisación vocal

junto a las cantantes Melina Moguilevsky y Bárbara Togander. En 2016 edita su segundo trabajo discográfico: “El Juego Verdadero”, basado en músicas de su autoría y arregladas por la pianista Paula Shocron. Este material fue presentado en el festival Encuentros con músicos Populares, Centro Cultural Kirchner, 2017, Ciclo “Las Flores del Bien “, USINA DEL ARTE 2017, Festipoa Literaria Porto Alegre 2018, Encuentro Artístico en Los Alpes, Mont Blanc, Francia 2018, Barcelona 2018, Festival Confluencias, Auditorio Leparc Mendoza 2018, Festival de Jazz del Conti 2019. Integró el ensamble La Jaula Se Ha Vuelto Pájaro y Se Ha Vo-

lado, proyecto liderado por la saxofonista Camila Nebbia. En el año 2020 recibe el premio Ibermúsicas para la composición de músicas originales junto a la cantautora chilena Camila Vaccaro. Participó en distintos proyectos musicales y discográficos como sesionista y como Vocal Coach. En octubre 2023 lanza su tercer disco solista, La Casa Secreta. Contacto prensa: Yamila de la Fuente yamiladlf@gmail.com

Video Lo que arrasa https://youtu.be/Ifn7z9uLlUM?feature=shared

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JHONA LEMOLE y la ORQUESTA DEFORME presenta

“deForMe” su primer álbum de estudio.

Jhona lemole y la orquesta deforme lanza el primer álbum de su flamante proyecto musical en banda.

(2015). Editó 4 discos en solitario, de los que se destacan “Monstruo familiar” (2017) nominado a los Premios Graffiti de la música En esta nueva entrega confirma- uruguaya, su simple “Felices” en mos la extrañeza cotidiana del colaboración a Camila Rodríguez universo compositivo de Lemole, (“Niña Lobo”) y su proyecto de folhaciendo referencia a la autora clore alternativo “Demoledor”. argentina Mariana Enríquez y al australiano Nick Cave, entre En 2021 luego de su experiencia solista formó Jhona Lemole y la otros. Orquesta Deforme. Con su nueva Jhona Lemole es un crooner banda grabó en formato Hi Fi DEmiembro de la escena indepen- FORME, primer disco producido diente de la ciudad de Montevi- por Santiago Peralta. deo, Uruguay, etiquetado como un músico de culto por el presti- Según el periodista uruguayo esgioso medio argentino Filo News. pecializado Alexis Borla, DEParticipó del festival “Generacio- FORME es “un disco que transita nes Independientes” junto a Pau momentos de perpetua vibración O´Bianchi y Rosario Bléfari donde la luz por momentos nos

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enceguece y “El viento se lleva el humo de la habitación”. Referencias a Mariana Enríquez, confesiones intoxicadas que purgan penas, bossa novas con aires a Nick Cave y niveles maníacos de detalle como cuando canta “Veo brillar todos tus premolares” hacen de “Deforme” un disco impredecible, lleno de destellos inimitables mediante secuencias asociativas lógicas. El impulso que alcanzaron con tracks como “Invencibles” nos hace pensar en la consagración de un artista hasta ahora de culto. La Orquesta Deforme está compuesta por Micaela Artigas en voces, Santiago Pepe en teclados, el bajo de Paulo Amorín, batería de Ale Caper, y las guitarras de Federico Ravera y Facundo

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Bonilla, quienes protegen a Lemole en esta nueva incursión sónica, ahora en formato banda y más enchufado que nunca.”

Realizado con el apoyo del Fondo Nacional de Música. www.fonam.org.uy Créditos: Camila Caballero

Invitados: laura Gutman, Santiago peralta, Viviana Stagnaro, Selina tarallo, olivia. Grabado en el transcurso del 2023: Estudio El cuarto Tavella por Martin tavella y Gino Maiuri y en el estudio de Santiago peralta. Producido y mezclado: Santiago peralta Masterizado: Juan Stewart en Estudio el árbol Arte de disco: Martín Batallés Arte de simples: Muerte al autor

Jhona Lemole es músico y compositor nacido en Paraguay y criado en la ciudad de Montevideo (Uruguay). Antes de componer sus propias canciones ofició de clarinetista de varios proyectos y recitales.

FICHA TÉCNICA

“La fiesta” es el último adelanto del disco Deforme, disponible desde el 6 de octubre en todas las plataformas. Previamente, Jhona Lemole y la Orquesta Deforme nos entregó Orquesta EP. En “La Fiesta” confirmamos la extrañeza cotidiana del universo compositivo de Lemole, y justamente es la canción en la que hace referencia a la autora Mariana Enríquez. La canción cuenta con un audiovisual sugestivo vampírico realizado por Bruto videos.

SOBRE JHONA LEMOLE

En 2017 y luego de su experiencia como sesionista, el artista decidió comenzar a escribir sus propios temas e iniciar su carrera solista, abriéndose camino con “Monstruo familiar”, primer disco de estudio, con muy buena repercusión y una nominación a los Premios Graffiti a la música uruguaya. Como Jhona Lemole editó tres discos más, siendo “Celebrar” el último trabajo que cuenta con colaboraciones de Camila Rodríguez (Niña Lobo). Con su proyecto -paralelo- solista DEMOLEDOR debutó con el exquisito “Folclor”, disco que lo terminó de coronar como un artista de culto según Alexis Borla, dis-

ponible en plataformas digitales desde 2022. Según el escritor y dramaturgo uruguayo Gabriel Peveroni, “Jhona Lemole tiene una construcción silenciosa y constante de una obra cuidada que deriva en formatos de ensueños electroacústicos con canciones hechas de melodías frágiles y espirituales”.

Hoy debuta en banda con “Deforme”, el primer álbum junto a su orquesta deforme, por supuesto. El 11 de noviembre a las 20 hs. Jhona Lemole y la Orquesta Deforme se presentará en la sala Camacuá (Camacuá 575, Montevideo). Entradas a la venta a través de Red Tickets www.jhonalemole.com

CELINA CASSI Prensa y Comunicación celinacassiprensa@gmail.com

Video Jhona Lemole y la Orquesta Deforme - La fiesta (videoclip oficial) https://youtu.be/pQSFx2vKkbA?f eature=shared

CRÉDITOS

Dirección: Bruto videos | Vestuario: Natalia Bresciani | Actúan: Micaela Artigas, Santiago Pepe, Franco Scopelli, Ale Caper, Federico Ravera, Facundo Bonilla y Jhona Lemole | Agradecimientos: Tomás Feed, Chepe Irisity, Martín Tuzman y Leoncio Artigas.

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MUÑEKI77A lanzó su nuevo disco

“el terror Solo eS aMor”

El disco será presentado oficialmente en vivo el 3/11 en The Roxy

500.000 seguidores y millones visualizaciones, demostrando sus habilidades y matices vocales, un tema que resume todos los momentos sensoriales por los que va a pasar el disco. El álbum cuenta con la producción musical de Eze Asstro y Muñeki77a, salvo Devil Kiss, producido por Música Gratis.

La artista presentará el disco por primera vez en un show en vivo del viernes 3 de noviembre en The Roxy Live, junto a su banda completa y artistas invitados desde las 20 hs. MUÑEKI77A

MUÑeKI77a, la multidisciplinaria artista, lanzó su nuevo disco “el terror Solo es amor” en plataformas digitales. Cuenta con un total de 8 canciones y entre ellas se destaca el cover de la canción “llamado de emergencia” de daddy Yankee versión punk screamo.

“El Terror Solo es Amor” está inspirado en las películas de terror que explora los géneros más hardcore con una vuelta de tuerca de amor y creepy cute. El disco de nu metal toma también

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sonidos del hyperpop característico de Muñeki77a, lleno de matices de voces que van de lo tierno al screamo y distorsiones vocales, guitarras punk, baterías reales y colaboraciones con artistas del género. Las letras cuentan historias de empoderamiento, salud mental, superación de relaciones y por sobre todo de amor, con una visión muy particular y metalera. El disco empieza con un ASMR metalero, algo con lo se hizo muy popular y viral en TikTok, red en la que cuenta con más de

Track list Todos están muertos (ASMR) Devil Kiss (ft. Música Gratis) Dementores Fantasmas (ft. O.L.I.V.I.A) Más gente como yo Llamado de emergencia (cover) Monstruos (ft. ELNUEVEONCE) No tengas miedo MUÑEKI77A

Presenta su nuevo disco “El terror solo es amor” en The Roxy Live Cnel. Niceto Vega 5542 el 3/11 ¡Comprá tus entradas! Artistas invitados: ISAAC y PEKA ROUX Entradas a la venta por sistema ALLACCESS

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MUÑEKI77A, la multidisciplinaria artista, presenta su nuevo disco “El Terror Solo es Amor” el viernes 3 de noviembre a las 19 hs en The Roxy Live, ubicado en el barrio de Palermo Holliwood sobre la calle Cnel. Niceto Vega 5542. Se suman al show los artistas invitados: Isaac (metal trap) y Peka Roux (pop punk urbano) y habrá flash tattoo gratis con dibujos realizados por la artista.

Muñeki77a se presentará junto a una potente banda en vivo, integrada por Eze Asstro en guitarra; Nazareno Garay en batería; y Agus Di Maio en el bajo, que inauguró con su live session en YouTube hace un mes. El show contará con los invitados, como Naza Antolini de ELNUEVEONCE, que participan del disco y el público podrá esperar mucho pogo, rebeldía, unión y expresión. Algo más sobre MUÑEKI77A

Muñeki77a es el alter ego que creó Naomi Preizler durante la cuarentena para recrear con él un nuevo sonido disruptivo que mezcla punk con un metal y Hyperpop. La artista juega con los conceptos opuestos de oscuridad e inocencia, terror y dulzura, desarrollando así un personaje lleno de ironía y oscuridad. Dueña de un humor que empodera a la mujer, va en contra de la cosificación y el machismo, las letras de sus canciones van desde la salud mental hasta el empoderamiento y eso agrada mucho entre el público joven.

Avalada por sus estudios en artes

multidisciplinares tanto en Nueva York como en Tokio, donde ha vivido como modelo, Muñeki77a hace su propio arte, maquillaje y vestuario, con las que inspira a miles de adolescentes.

Ha actuado en festivales como Lollapalooza Argentina, Virtual Burning Man y Primavera Sound de Argentina en 2022. También ha abierto shows en Buenos Aires para Dua Lipa, Zara Larsson y Pussy Riot. En 2022 desembarcó en el verano europeo, en donde actuó en los Prides de Madrid y Praga entre otros espectáculos por toda España y Alemania, en el marco de una gira.

Ha tenido muchas nominaciones con sus sencillos y EPs por los Premios Gardel en Argentina, y ha sido la imagen internacional de Converse durante 2019 entre Milly Bobby Brown y otros artistas.

Naomi se hizo muy conocida dentro de la audiencia latina en 2019 tras su tema viral “Fama de Puta” que supera los 5 millones de visualizaciones en Youtube. En redes sociales también está

muy presente, trabaja en alianza con TikTok, canal en el que tiene más de 500k seguidores que la siguen por su música única y estilo visual, donde también cuenta sus experiencias como modelo de moda internacional y se posiciona como una de las artistas argentinas más disruptivas del momento.

En 2023, su sencillo PARANORMAL, lanzado en marzo, logró ingresar en Helium, la lista más importante de Spotify de hyperpop de España, siendo portada de la misma. Por su lado, MONSTRUOS y DEMENTORES, que forman parte de su nuevo disco, también ingresaron a la playlist. Clara Siancha (@Yclari) MANAGEMENT

Prensa. Romina Girardi rominagirardiprensa@gmail.com Más información: https://linktr.ee/rominagirardiok Video MUÑEKI77A, ELNUEVEONCE Monstruos (Video Oficial) https://youtu.be/zFtig_ulLaQ?feature=shared

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Chino Mansutti presenta su nuevo disco

“para BIen”

“Para bien” es el quinto disco del compositor santafesino Chino Mansutti, posiblemente su álbum más orgánico y directo. Se trata de nueve canciones que referencian la esencia beatle del músico hasta su lado más soul.

La mayoría de las canciones fueron escritas durante los dos meses que el músico volvió a la casa de sus padres para acompañar los últimos días de su papá luego de una enfermedad. “Para bien” comenzó con cinco maquetas y en Córdoba la banda terminó las nueve canciones que lo completan luego de jornadas in-

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tensas y mágicas.

Ramiro Genevois.

En este flamante disco, Chino En noviembre, el músico santafeMansutti contó con la participa- sino presentará su nuevo disco ción de talentosos músicos invita- en Buenos Aires en el marco del dos: Nahuel Briones en “Nuevo mes de la cultura independiente. intento”, Luz Pereyra en “Dale” y Juan Pablo Di Leone en “Para Gonzalo “Chino” Mansutti es músico, cantante y compositor arPa”. gentino, de la ciudad de Santa Grabado en la Sierra cordobesa Fe, con una gran trayectoria en la (Sonorámica Studios), es un escena INDIE/POP nacional. A álbum grabado con la toda la los 14 años fundó el grupo de banda tocando en simultáneo. Rock/Pop “Ambar” y, cuatro años Producido por el mendocino Leo más tarde, inició un nuevo proCosta. Participaron de la mezcla yecto de banda de rock alternay mastering ingenieros de la talla tivo llamado “Farah”, con quienes de Mario Breuer, Juan Armani y editó su primer disco de estudio.

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En 2009, Chino Mansutti cambió de planes y decidió radicarse en Europa para dar comienzo a su carrera profesional. En 2011 Luego de una extensa búsqueda, finalmente surgieron “Los Refutadores del Pensamiento” con quienes grabó “Lleva”, su primer disco como solista. Luego editó “Lo que Queda de la Casa” (2014) y “Frenesi” (2016).

En octubre de 2020 lanzó “Ese mundo sin tiempo” en todas las plataformas virtuales, su cuarto material discográfico compuesto por nueve tracks. Dos de las canciones del álbum formaron parte de importantes playlist de música INDIE de la plataforma Spotify, y también tuvo su reconocimiento en importantes medios de comunicación de Argentina y Latinoa- coros, Gaston Briggiler en guitamérica. rra, Fabricio Galoppo en guitarra y rodrigo Carlachiani en batería Durante su carrera realizó pre- y programaciones. sentaciones por todo el país junto a su banda y participó en festiva- Más info: les de gran importancia como “Música en el Río”, Rock en Ba- https://www.instagram.com/chiradero y Harlem Festival, donde nomansutti/ compartió escenario con artistas https://www.facebook.com/chinocomo Indios, Cruzando el Charco, mansutti/ Iván Noble, Emmanuel Horvilleur, https://twitter.com/chinomansutti Tan Biónica, entre otros. En 2023 https://www.tiktok.com/@chino.m realizó su primera presentación en Montevideo, Uruguay.

ansutti Spotify https://www.youtube.com/@ChinoMansutti

LUCAS SEOANE - PRENSA lucas.seoaneprensa@gmail.com Instagram: lucas.seoane Video Chino Mansutti - Para Pá https://youtu.be/Gs30MhNYgaY?feature=shared

Además, grabó colaboraciones con artistas como Minerva Casero y el ex dúo Salvapantallas, formado por Zoe Gotusso y Santi Celli.

Actualmente la banda que acompaña a Chino está formada por Juli Gervasoni en teclado y coros, nico Bordón en bajo y

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Todos Hacemos Música presenta:

“arGentIna en Una CanCIÓn” Un país, un potencial.

El primer video en la historia que une todas las provincias en una sola canción.

Por primera vez en la historia de nuestro país, las 23 provincias participan de un video donde personas con y sin discapacidad tocan instrumentos, cantan y bailan la canción ¨Mira Hacia Tu Alrededor¨ de Alejandro Lerner y León Gieco.

video terminado me genera mucha emoción. Son seis años de haber recorrido toda la Argentina y de haber conocido muchas personas con muchísimo potencial. Es sentir a toda la Argentina unida, es un viaje que une”. ¿Cómo surgió? Todo gran sueño comienza con un gran soñador.

A comienzos del año 2017, Ralf Niedenthal, director de la ONG, sentía que podía unir a toda la Argentina a través de la música. Sabía que para alcanzar su sueño no era tarea fácil, pero eso Un total de 29.149 fueron los kiló- no le impidió rendirse. metros recorridos durante seis Así que decidió poner manos a la años (2017 – 2023) para filmar un obra y contactarse con asociaciodocumental, donar instrumentos nes y personas con discapacidad musicales, brindar capacitaciones y maestros referentes de cada gratuitas de musicoterapia y fil- provincia y organizar la producción del video. mar el videoclip. Aprovechar el viaje no solo para En palabras de Ralf: “Tener este grabar el video y el documental Más de 170 artistas estuvieron presentes en este proyecto creando una experiencia única, enriquecedora y maravillosa.

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sino para también sembrar una semilla tanto con donaciones de instrumentos como brindar capacitaciones gratuitas de música. Todos Hacemos Música, es la ONG, que promueve la inclusión de personas con discapacidad a través de experiencias musicales.

¿Cómo es el videoclip? Al principio, los sueños parecen imposibles, luego improbables y eventualmente inevitables. Este videoclip presenta una idea original, ya que muestra los principales paisajes de cada provincia mientras que cada participante interpreta la canción “Mira Hacia Tu Alrededor”. Algunos de ellos cantan, otros bailan y/o tocan instrumentos.

El objetivo de este proyecto es mostrar los potenciales musicales de las personas con discapacidad para desmitificar el concepto de

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“discapacidad=mediocridad” y reconocer, valorar las habilidades y potencialidades únicas de cada individuo.

¿Cuáles son las asociaciones / entidades que participan? Centro Siete sentidos, Asociación Civil Tu Puedes, Playing For Change Patagonia, Escuela Mahadma Gandhi, ASDE, IFDC, Centro Vínculos, Taller TIAM, EUTERPE, Todos Hacemos Música La Pampa, Escuela N. 509, Bloco de Girasoles, Equipo de terapia Huellitas, Centro Tríada, Misiones Cultura, ONG Fotos del Alma, Escuela Integral Comienzos, Ministerio de Turismo de Chaco, Instituto Caviahue, Mariano Dawidson, Escuela Especial CANDI, Valle de Tierra Mayor, Centro I.T.E.A, Neurouco, Fundación T.E.A, La Rioja Turismo, Centro Tierra de Sol, Fundación Viento Norte, CAPEC, Martín Ansolini, Almacén Bien me Sabe, Acortando Barreras, Instituto Sullai, Escuela Rural El Rosal, Seres Vibrantes y Fundación Le Ralos. participación especial Cantando con Adriana (Adriana Szusterman).

¿Cuándo fue el estreno? El pasado domingo 1 de octubre, en el Día Internacional de la música, vamos a estrenar el videoclip de Mira Hacia Tu Alrededor en todas las plataformas digitales. Nos encantaría que nos ayudes a difundir este video que hicimos con tanto trabajo y amor. Ficha técnica Producción general:

ralf niedenthal Cámaras: nicolás Franco, philip Goya, ani Calvo, luis Versa, Facundo Álvarez, raymundo lagresta, nicolás Failla, lionel demayo y Martín tolos. Audio: Florencia Morán, Hernán rago, ralf niedenthal y nicolas Failla. Mezcla y masterización: nelson pombal. Edición de video: ralf niedenthal. Edición color: Mariano dawidson. Voluntarios en viaje: ricardo lammertyn, Marcela lópez, nicolás Corinaldesi, diego Stanley, adriana Szusterman, alejandro Brugnoni y evelyn Brugnoni. Comunicación general: Matías Federico y nicolás Franco. Prensa: María nolte y nicolás tavella. Intérpretes de Lengua de señas: Francisco Baspineiro, Micaela Juárez, Maite Gil tusa, Martina ortíz, Florencia Ferreyra y Fernanda Figueroa (coordinadora). artistas: Tucumán: Ignacio orellana

Formosa: diego Stanley Córdoba: débora trejo Chubut: Julieta Belén Coronel Mendoza: Gonzalo Sosa San Luis: Martín ansaloni Entre Ríos: Sebastián Soria Salta: teófilo diamato Río Negro: Samir aciar Santa Cruz: Sofía Cifuente La Pampa: Sebastián arnaudo Santa Fe: María Virginia russo Jujuy: rocío ordoñez Corrientes: estela Fariña Santiago del Estero: adriana Szusterman Buenos Aires: Valentina alfonso Tierra del Fuego: Gabriel Álvarez San Juan: Fátima Garro Misiones: lucas torales Catamarca: Mariano Salas adi Chaco: ariel portillo La Rioja: t.I.a.M prensa Indigo Press nicolastavella@indigopress.com. ar Video Todos Hacemos Música - Mira Hacia Tu Alrededor (Alejandro Lerner) https://youtu.be/8dXlM5xS8nY?f eature=shared

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“aline” 10 años Cristiano Varisco

Producción Studios Dreher 2013 - Indie El compositor de Rio Grande do Sul lanza Aline, álbum repleto de canciones que nos llevan a viajar por espacios sonoros en los que prima la autenticidad y, sobre todo, la originalidad. Aline, primera incursión como solista del músico y compositor Cristiano Varisco, se trata de una de las novedades más bienvenidas que surgieron en el actual escenario brasilero, que está considerablemente dominado por artistas un tanto “olvidables”. Deshilando sus piezas musicales, el disco retrata la reciente etapa de ruptura vivida por Varisco. O sea, la división de su vida entre los valores frívolos de la gran ciudad contrapuestos a la edificante vida campera.

La sonoridad prensada en Aline refleja las idas y vueltas del guitarrista, cuya cotidianidad está dividida entre los bucólicos caminos rurales y las contaminadas calles y avenidas de Porto Alegre. En 50 minutos de audición, el álbum pasea por géneros tan distintos como, a veces, “tradicionales”: folk, psicodelia, clásico, rock, blues, entre otras sonoridades. El disco, en verdad, es el debut de una trilogía en progreso, de la cual el segundo volumen está a punto de ser lanzado. Y el nuevo retoño ya tiene nombre. Nombre sugestivo: Bandas Sonoras para Películas Imaginarias.

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En Aline hay 16 composiciones firmadas por Varisco, que se inclinan fuertemente hacia una singular propensión instrumental: “rock-fusion”, digamos así. Además, en sus surcos digitales, Aline contempla grabaciones inéditas, relecturas de antiguas canciones y, además, revela claras influencias que Cristiano incorporó en el transcurso de sus

veinte años de camino. Se escucha, igualmente, el viejo blues tradicional; envenenado, sin embargo, por una entonación “telúrica”. E impregnando el álbum, uno de los “toques finales”, se puede decir, es la sabrosa colección de interludios, ruidos, sonidos aleatorios y, para terminar, ardientes improvisaciones a base de rock progresivo; por mo-

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mentos meditativas, por momentos contemplativas. A propósito, la Aline que le da nombre al disco de hecho existe: es una joven talentosa, ilustradora y artista visual que actúa en la ciudad de Porto Alegre.

Uno de los bellos destaques del álbum Aline, sin duda, es la especialísima participación de un pequeño grupo vocal (peregrinos nómades que, en la época de las grabaciones, se encontraban en Viamão, cercano a Porto Alegre) autointitulado “Coro de Música Cósmica Sudamericana”. Otra ilustre presencia es el tecladista Fabrício Carvalho, más conocido por el apodo “Astronauta Pinguim” (tocó con Edgard Scandurra, Júpiter Maçã, Daniel Belleza, entre tantos otros), un entusiasmado investigador de música electrónica. En el disco, Pinguim toca su moog y, de paso, pilotea sus bártulos electrónicos en lisérgicos interludios. Algunos en tonalidad concreta (uno de esos interludios se trata de la grabación del sonido, extraño y horripilante, emitido por el canto del pájaro Urutau –o “Ave Fantasma”–, raro espécimen de ave habitante de los campos de Viamão).

Aline fue grabado en el verano de 2013, en el estudio del renombrado productor Thomas Dreher (Ultramen, Bidêou Balde, Cachoro Grande). Durante la confección del disco, se tuvo en cuenta, especialmente, delicado esmero para que sonoramente el “sueño musical” perseguido por Varisco se materializara. Usando las palabras del propio Varisco, se buscaba la “más pura concepción vintage”. La producción de Aline contó con el lujoso apoyo del negocio de instrumentos musicales “Guitar Garage” (que pertenece al bluesmanSólonFishbone), que cedió gentilmente los instrumentos y amplificadores –remanecientes de las décadas de 60 y 70– que dan la típica estética que exuberantemente suena en las 16 pistas del álbum. El productor Thomas Dreher, a su vez, directamente de su colección de equipos de grabación raros, desenterró, por ejemplo, los micrófonos que se emplearon para captar los sonidos y obtener diferentes timbres. Timbres, por cierto, en el disco son predicados especiales a los que el oyente necesariamente debe prestarles atención con esmero.

Cristiano Varisco, además de guitarrista, es graduado en periodismo y licenciado en música en la Universidad Federal do Rio Grande do Sul. También es profesor de música en la red municipal de educación. Y, más aún, productor musical y operador de audio en la radio.

Durante mucho tiempo fue guitarrista del legendario, outsider, músico y compositor porto-alegrense Julio Reny. Trabajó, por fin, al lado del maestro Tiago Flores (Orquesta de Cámara de la ULBRA) como solista en los conciertos DANA, en 2009. Además, acompañó al carioca Ras Bernardo (primer vocalista de Cidade Negra) en sus excursiones de reggae por todo Rio Grande do Sul y Santa Catarina. Producer Claudia Kunst claudiakunst@gmail.com

Produção Cristiano Varisco producaocristianovarisco@gmail .com Video Cristiano Varisco - Aline https://youtu.be/zHYJ1mFXiyw?f eature=shared

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El dúo: BUSTOS – BRAGÁN presenta su nuevo disco:

el CÓMo Y lo QUé

Andrés Bustos y Pedro Bragán integran este dúo de folklore argentino y rioplatense que propone en El cómo y lo qué un trabajo puramente instrumental de fusión, con composiciones nuevas y también temas del repertorio popular, donde podemos encontrar chacareras, milongas, zambas, cuecas al igual que otros ritmos resignificados.

Ambos son instrumentistas, compositores, arregladores, improvisadores, docentes y directores de Orquestas juveniles-infantiles. Pero sobre todo: son amigos.

Nuevamente, como en su primer disco, el dúo se decidió por la técnica de grabación en vivo, sin auriculares y en corte directo con el fin de transmitir el espíritu

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vivo de la música y plasmar el carácter lúdico y el vértigo de la improvisación.

El cómo y lo qué es su segundo trabajo editado con cuatro composiciones propias de ritmos libres y cinco versiones.

En los temas “Siete locos” y “Once varas” se exploran métricas irregulares y se juega con referencias a sonoridades del Caribe y de la música afroperuana respectivamente. Desde el punto de vista de la instrumentación y los arreglos el dúo propone sonoridades nuevas para abordar los géneros. En esta línea se puede mencionar la milonga “De corrales a tranqueras” de Alfredo Zitarrosa, en donde incluyen el bombo con platillo. En “Tun Tun”, un bailecito nor-

teño, incorporan udú y ovni drum. Y se destaca la mixtura de ritmos que plantean entre la chacarera y el maracatú en la versión de “La Aclaradora” de Rául Carnota, que además contiene citas de “Maracatú” de Egberto Gismonti. lista de temas:

1. “La Aclaradora”. Chacarera, Raúl Carnota. 2. “Mismidad”. Candombe de Pedro Bragán. 3. “Cueca de las Pulgas” Pedro Bragán 4. “De Corrales a Tranqueras”. Milonga, Alfredo Zitarrosa. 5. “Los Siete Locos” – Bustos/Bragán 6. “Lavanderas del Río Chico”. Zamba, Gustavo Leguizamón. 7. “TunTun”. Bailecito, Manuel

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Acosta Villafañe. 8. “Once Varas” – Bustos/Bragán 9. “Río de los Pájaros”, Aníbal Sampayo. Este trabajo explora una faceta más introspectiva de los músicos. Bustos-Bragán busca un lenguaje propio con vínculos, señales y guiños claros a una matriz musical y cultural, permitiendo cuestionamientos y reflexiones en clave de interpretación musical. El arte de tapa, realizado por Romina Pavía, fue el resultado de varias jornadas de trabajo donde se trató de reflejar la búsqueda sonora de este trabajo, que sugiere esa faceta introspectiva que vienen transitando. Los volúmenes naranjas sobre las texturas azules ofrecen contraste, foco y a su vez la ambigüedad donde, de algún modo, se expresa el vínculo entre los motivos musicales completamente insertos en un contexto y una identidad cultural y las imágenes, representaciones y reinterpretaciones del dúo.

el cómo y lo qué Jueves 9 de Noviembre – 20:30hs LA BIBLIOTECA CAFÉ Marcelo Torcuato de Alvear 1155 / CABA Reservas: labibliotecacafe.com.ar Tel.: 4811 0673 o al 11 6515 9514 / Entradas: $2.500.-

en 2010 como resultado del devenir artístico de dos músicos que han compartido una gran cantidad de proyectos y una mirada común sobre la música

La búsqueda se inició con un abordaje de la música latinoamericana de manera lúdica, con un gran margen para la improvisación y procurando desdibujar los límites entre el acompañante y el acompañado. Un pianista rítmico y un percusionista melódico... o viceversa, según la ocasión. Con el tiempo fueron incorporando composiciones propias que dieron forma al disco que se llamó: Bustos-Bragán (2012) con la participación de Lucas Bragán (guitarra) y Daniel Maza (bajo) como músicos invitados.

En 2023 editan su segundo disco: “El cómo y lo qué”, que ya está en las plataformas digitales, en donde intentan sin éxito explicar sin palabras la tarea que vienen desarrollando en sus más de 10 años de carrera. Han realizado numerosas presentaciones en salas de Buenos

Aires y en el interior. También han participado de manera conjunta con otros artistas en grabaciones y diversos proyectos artísticos como: Ata la quimbamba, Inés Bayala grupo, Orquesta infanto juvenil de música latinoamericana “Ricardo Carpani”, Orquesta infanto juvenil Baires-Bancalari, Comparsa Yaguareté. redes:

www.instagram.com/bustosbragan/# www.instagram.com/andresjbustosmusico/# www.instagram.com/pedro.bragan/?hl=es-la# www.facebook.com/BustosBragan/ bustosbragan@gmail.com Sonia r. Cabral Prensa + Gestión cultural prensasoniacabral@gmail.com IG: @soniacabralprensa FB: Sonia Cabral

Video BUSTOS-BRAGÁN, “Los siete locos” https://youtu.be/NITnuJ992R4?fe ature=shared

BIo del dúo

Andrés Bustos: percusión, Pedro Bragán: piano, el dúo se forma

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LANZAMIENTO EMERGENTE

Fran Carzino presenta su obra más experimental, honesta y arriesgada

FranCo Incluye doce composiciones, nacidas (en su mayo-

ría) durante una noche mágica y solitaria. “Me disponía a ensayar para un recital y se rompió una clavija de la guitarra. Empecé a cantar sobre lo que había pasado y caí en la cuenta de que podía visualizar el tema. Me propuse jugar a crear universos y apareció el concepto de FRANCO”, destaca.

Las temáticas existenciales conviven dentro de la intención lírica, no sólo para contar historias autorreferenciales, sino para interpelar a quienes las escuchan. En lo que refiere a condimentos sonoros, la presencia de la guitarra electro-criolla y el ukelele funcionan como hilo conductor entre las canciones.

A mediados de este año completa la publicación de esta obra bajo el nombre FRANCO. El próximo 20 de octubre podrá disfrutarse junto a Lavanda en Amelia Bistró (San Telmo), donde distintos artistas sumarán su perfomance al show integral.

(2021). Un viaje entre el pop, la electrónica y algo de música urbana.

El 2022 lo motiva a crear y lanzar “La Vida Adulta” y “Existir” como Los únicos testigos del proceso cortes adelanto de su siguiente de materialización son Fran Carzino y Fernando Huertas (productor), que reunidos en un Home Studio, logran las atmosferas propicias para esta etapa.

FRAN CARZINO es un artista emergente de la zona sur del Gran Buenos Aires que, luego de integrar diferentes proyectos durante 10 años, emprende su camino solista editando el primer material discográfico UNIVERSO

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disco. Se suman “Tragicómic0”, “Fua” y “Cunita” (2023) con sus correspondientes videoclips.

prensa & difusión Nan Hougham nancyhougham@hotmail.com Retro Producciones

Video fran carzino - FUA (Video OficiAl) https://youtu.be/e0kn2cWn8sc?f eature=shared

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La Farsa del Dr. Berretín presenta

¨te SorprenderíaS¨ Luego del exitoso lanzamiento de ¨No quiero verte más¨, La Farsa del Doctor Berretín vuelve a la carga con un nuevo single titulado ¨Te sorprenderías¨ acerca de la farsa del dr Berretin

La Farsa del Dr. Berretín es una banda de rock originaria del barrio de Lomas del Mirador en Buenos Aires, Argentina.

Formados en 2007, el grupo cuenta con un estilo musical propio con el rock como base pero recorriendo diferentes géneros. En 2008 grabaron su primer EP. Durante los siguientes años recorrieron diferentes escenarios de la movida underground argentina, hasta llegado el año 2018 donde lanzan su primer disco de estudio llamado “La Farsa del Dr. Berretin”, el cual fue presentado en el emblemático “The Roxy La Viola Bar” con entradas agotadas. Durante el 2019 produjeron su 2do disco de estudio “Acariciando un Sueño” el cual fue lanzado a las plataformas virtuales el 4 de Noviembre y presentado el 7 de Diciembre en “El Teatrito”. Luego de la pandemia, comenzaron a trabajar junto a Miguel del Luna Campos (Guitarrista y Compositor del grupo Argentino Kapanga), quien se encargó de la producción de 2 sencillos que fueron lanzados durante el 2022 “Me Han Contado” y “Nova Insula Vtopi”

Integrantes:

Juan pablo Cajal: Voz leandro Qualizza: Guitarra Federico de San Martín: Guitarra Víctor Ángel Gómez: Bajo Juan Manuel diaz derosa: Batería pablo pugliese: Percusión

prensa Nadya Cabrera nadyacabreraprensa@gmail.co m

Video Te Sorprenderías - La Farsa del Dr. Berretin https://youtu.be/Zbn0oEYHju0?f eature=shared

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Cine

“CÓMo tener SeXo”

EN CINES DE ARGENTINA A PARTIR DEL 9 DE NOVIEMBRE DE 2023 MUBI, el servicio global de streaming, productora y distribuidora de películas, y el distribuidor de cine internacional MACO Cine han anunciado su colaboración para llevar el esperado y premiado debut en Cannes de Molly Manning Walker, Cómo tener sexo, a los cines de Argentina a

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partir del 9 de noviembre de 2023.

Ganadora del premio Un Certain Regard en el Festival de Cannes 2023, Cómo tener sexo es una descripción vibrante y auténtica de las agonías, éxtasis y gloria a vida o muerte de la amistad

entre mujeres jóvenes, de la ascendente cineasta británica Molly Manning Walker, que escribió y dirigió la película.

Tres adolescentes británicas se van de vacaciones, beben, salen de fiesta y se enrollan en lo que debería ser el mejor verano de

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sus vidas. Mientras bailan por las soleadas calles de Malia, se enfrentan a las complejidades del sexo, el consentimiento y el autodescubrimiento. Capturado con imágenes luminosas y una banda sonora perfecta, el debut en la dirección de Manning Walker pinta un retrato dolorosamente familiar de la juventud adulta y de cómo deberían -o no deberían- desarrollarse las primeras experiencias sexuales.

Cómo tener sexo está protagonizada por Mia McKenna-Bruce (Persuasion, Kindling), una de las Screen Stars of Tomorrow 2023, y el nominado al BAFTA Samuel Bottomley (Somewhere Boy, Ladhood), junto a lara peake (Mood, Brave New World), Shaun thomas (Ali & Ava, The Long Shadow) y las

debutantes enva lewis y laura ambler.

Molly Manning Walker

Molly Manning Walker, Screen Star of Tomorrow 2021, se formó en la NFTS de Inglaterra y posee un máster en Cinematografía. Entre sus anteriores tra-

bajos como directora de fotografía se incluyen el rodaje de la ópera prima de Charlotte Regan, Scrapper, y la película Mood, nominada a varios premios BAFTA. Molly debutó en la dirección con el cortometraje Good Thanks, You?, que se estrenó en la 59 edición de la Semaine De la Critique de Cannes y pasó por numerosos festivales. Molly también ganó el premio Next Step en Cannes 2022 por el guión de Cómo tener sexo. La película está producida por Ivana MacKinnon de Wild Swim (Beast, Bring Them Down) y Emily Leo (Under the Shadow, Nocebo), junto a Konstantinos Kontovrakis de Heretic (Triangle of Sadness). Film4 y BFI, con fondos de la Lotería Nacional, desarrollaron el proyecto y

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financiaron la producción, junto con mk2 Films. Los productores ejecutivos son Farhana Bhula y Ben Coren por Film4, Kristin Irving por el BFI, Nathanaël Karmitz y Fionnuala Jamison por mk2 Films, Giorgos Karnavas por Heretic, y Phil Hunt y Compton Ross por Head Gear. Para más información, por favor contactar a: another: mubi@another.co MACO Cine: hola@macocine.com

locales de películas contemporáneas y clásicas de los más grandes cineastas mundiales entre los que se destacan Martin Scorsese, Quentin Tarantino, Pedro Almodóvar, Jim Jarmusch, Alfonso Cuarón, Guillermo del Toro, Alejandro G. Iñárritu, Noah Baumbach, Claire Denis, Hirokazu Koreeda, Bruno Dumont, Kleber Mendonça Filho, Alice Rohrwacher, Nadav Lapid y

Carla Simón, entre otros. Además de la actividad de distribución, recientemente ha incursionado en la producción de proyectos actualmente en desarrollo. Video CÓMO TENER SEXO | Tráiler Oficial | Noviembre 9 en cines https://youtu.be/xrN3F8iB1XU?fe ature=shared

Sobre MaCo Cine

MACO es una compañía audiovisual con base en Buenos Aires y operaciones en Argentina, Chile, Uruguay y Paraguay. Desde su fundación en 2016 ha sido responsable de los estrenos

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ESTRENO desde el 2 de nov. Sala Lugones

laS delICIaS Una película de Eduardo Crespo 7 únicas Funciones - Sala Leopoldo Lugones (Av. Corrientes 1530)

Jueves 2, viernes 3 y sábado 4 a las 21 hs. Domingo 5 a las 17 hs. Martes 7 a las 18 hs. Miércoles 8 a las 17 hs. Jueves 9 a las 18 hs.

El próximo jueves 2 de noviembre se estrena en la Sala L. Lugones (Av. Corrientes 1530, Teatro San Martín) el cuarto largometraje de Eduardo Crespo (Crespo, Tan cerca como pueda y Nosotros nunca moriremos), Las Delicias, documental que acompaña a una generación de jóvenes durante sus días en un internado en el campo entre-

rriano.

Tras participar en la Competencia Internacional del prestigioso Festival Internacional de Documentales de Amsterdam (IDFA) y de hacer un notable recorrido por festivales internacionales (Biarritz, Guadalajara -entre otros-), Las delicias, llega a la Sala Lugones donde tendrá siete únicas funciones. SINOPSIS

En el verde campo entrerriano, más de cien alumnos del internado agrotécnico Las delicias viven el final de su niñez y el comienzo de su juventud. El cuarto largometraje de Eduardo Crespo sigue la vida cotidiana de estos personajes mientras estudian, se meten en problemas y se esfuerzan por cumplir las expectativas de sus profesores, que quieren verlos convertirse en “la sociedad del mañana”.

Las Delicias habla del aprendizaje, del crecimiento personal y colectivo, del paso del tiempo en nuestras vidas y de la promesa eterna de un futuro en el cual los jóvenes tienen toda la incidencia. PALABRAS DEL DIRECTOR

“En mi infancia la escuela tenía cierta mala fama, era lo más parecido a un reformatorio, y que te manden a estudiar a Las Delicias era una amenaza constante dicha por nuestros padres cuando hacíamos alguna travesura. Pero cuando empecé a filmar, dejé de lado esos prejuicios y fui descubriendo otra cosa, cierta bondad, compañerismo y una particular sensibilidad tanto de los niños como de los adultos que conviven allí. En el momento en que empecé a filmar ‘Las delicias’ estaba desencantado con algunas formas

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de hacer cine. Tenía el rodaje de ‘Nosotros nunca moriremos’ por delante, y necesitaba recobrar algo de esa fe perdida para encararlo. Entonces recordé este lugar que siempre llamó mi atención. Empecé a ir con mi cámara a pasar tiempo allí, como si fuera una suerte de retiro. Estaba siempre expectante, preparando el terreno para que algo se revele. Pensé que era una buena idea volver a casa, conectar con mi lugar de origen y algo tan sencillo como volver a filmar para responder esas preguntas que me inquietaban.” FICHA TÉCNICA

Guión y dirección: eduardo Crespo Montaje lorena Moriconi Diseño de sonido: andrés perugini Fotografía y cámara: eduardo Crespo Mezcla de sonido: lucas Meyer Corrección de color: Juan Martín Hsu Productores: Santiago loza, eduardo Crespo, lorena Moriconi Prensa: luciana zylberberg Bio eduardo Crespo

Edurado Crespo nació en Crespo, Entre Ríos, en 1983. Es director, productor y director de fotografía.

Las delicias (2022) es su cuarta película como director, se estrenó en la Competencia principal del Festival Internacional de Documentales de Amsterdam (IDFA) y luego pasó por prestigiosos festivales como el Festival de Biarritz, Guadalajara, True/False y Frames of Representation, entre otros. Su anterior película Nosotros nunca moriremos (2020) se estrenó en la Sección Oficial del

Festival de Cine de San Sebastián y en la Competencia Internacional del Festival de Mar del Plata. Obtuvo el Premio Nueva Visión en el Festival de Cine de Santa Bárbara y el Cóndor de Plata a Mejor Guión. Además dirigió el documental Crespo (La continuidad de la memoria) (2016) y Tan cerca como pueda (2012). Director de fotografía de varias películas, entre ellas Amigas en un camino de campo y Breve historia del Planeta Verde de Santiago Loza y De nuevo otra vez de Romina Paula. En la actualidad desarrolla un nuevo proyecto llamado La gruta del viento el cual fue seleccionado y premiado en la residencia Ikusmira Berraik del Festival de San Sebastián y es el director artístico del Festival Internacional de Cine de Entre Ríos. Contacto: luciana zylberberg info@lucianazylberberg.com.ar IG @lucianazylberbergprensa Video LAS DELICIAS de Eduardo Crespo - ESTRENO 2/11 https://youtu.be/866EO5O0B4?feature=shared

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EN EXCLUSIVA EN MUBI DESDE EL 20 DE OCTUBRE extraña forma de vida

MUBI, el servicio global de streaming, productora y distribuidora de películas, presentó un nuevo teaser del aclamado cortometraje de Pedro Almodóvar, Extraña forma de vida, que estará disponible en streaming en Argentina a partir del 20 de octubre, en exclusiva en MUBI. Dirigido por pedro almodóvar (Madres Paralelas, Todo Sobre mi Madre), presentado por Saint laurent por anthony Vaccarello y producido por el deseo, Extraña forma de vida está protagonizada por ethan Hawke (First Reformed, Before Trilogy) y pedro pascal (The Last of Us, The Mandalorian). Filmada en el desierto de Tabernas, en Almería, esta historia sobre dos pistoleros que se reencuentran después de veinticinco años cuenta con música de Alberto Iglesias y diseño de vestuario de Saint Laurent por Anthony Vaccarello, quien también actúa como productor aso-

ciado del proyecto. El elenco incluye a los jóvenes talentos Jason Fernández, José Condessa, George Steane y Manu Ríos, junto con actores como Pedro Casablanc y Sara Sálamo.

Extraña forma de vida tuvo su estreno mundial en el Festival de Cine de Cannes de 2023 y es el segundo cortometraje en inglés de Almodóvar, después de La voz humana de 2020, que protagonizó Tilda Swinton. Después de 25 años, el ranchero Silva (Pedro Pascal) monta a caballo por el desierto para visitar a su viejo amigo Jake (Ethan Hawke), el sheriff de Bitter Creek. Lo que sigue es

una velada de intimidad compartida, recuerdos y reconciliación. Sin embargo, al día siguiente, la revelación de las conexiones de ambos hombres con un crimen local sugiere que su reunión es más que un viaje por el camino de la memoria. Para más información, comunicarse con: another mubi_ar@another.co Camila Cuevas camila.cuevas@another.co

Video EXTRAÑA FORMA DE VIDA | Teaser Oficial https://youtu.be/MHOc6zeQgj8?f eature=shared

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