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Dirección Editorial
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Dirección Comercial
Diego RODRÍGUEZ LUIS
Fotografía
Chino PAZOS Nelson IRRAZÁBAL Jorge SILVA
Entrevistas
Ma. José FRÍAS
Diseño Gráfico
Angel Miguel JURADO
Colaboradores
Lic. Ma. Paula STACCHIOLA Roberto BEGNINI Arq. Gabriela PALLARES Dis. Andres PARALLADA
Relaciones Públicas
Arq. Marta ARJONA
Suscripciones dadedo.suscripcion@gmail.com 099 591617 Impresión
IMPRENTA NAXOS
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Contacto Dorado No. 80 - Parque Roosevelt tel 26009957 - cel 098 343636 doblealturadeco@gmail.com Edición Nº 22 - Enero 2017
Inscripto en el Registro de Ley de Imprenta (M.E.C.) tomo XVI a foja 43 año 2011 / Depósito legal 20.434 / ISSN 1668-8308 Doble ALTURA deco no se responsabiliza por las opiniones vertidas de sus colaboradores, ni tampoco por la alteración de precios, stock y/o modelos de las firmas avisadoras. Prohibida la reproducción total o parcial de esta publicación.
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Foto de tapa: Chino PAZOS Maquillaje: leonelaitamusi.com
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Es con gran satisfacción que como publicación impresa nos encontremos apoyando el desbordante auge que está viviendo el diseño uruguayo, dentro y fuera de nuestro país. Nos ocupamos en particular de la difusión del área del mobiliario y la decoración de interiores, pero a decir verdad, todo impulso de creatividad en manos de las nacientes generaciones, provistas de nuevas herramientas y códigos, no deberían solo rondar ámbitos académicos en calidad de proyectos y tesis finales, sino saltar sin miedo a la realidad tangible del mercado textil, industrial, gourmet, audiovisual, o sea, donde se trabaja la imagen como punto de partida. 2016 fue un año de importantes apuestas del sector mobiliario: presentaciones de grifas extranjeras, lanzamientos de piezas de diseñadores locales, y una intensa agenda de ferias nacionales abocadas a una de las tareas más reconfortantes: embellecer nuestra casa. Por primera vez se dieron cita en el mes de octubre pasado tres muestras de diseño, decoración y equipamiento: Expohogar, Casadeco y La Casa de AyD, que en paralelo al mes del diseño en Buenos Aires fue realmente imposible aburrirse y no despertar la inspiración. Cada una en su estilo, respondieron a saciar la gran inquietud que hoy presenta el consumidor uruguayo que valora y transita cómodamente la evolución, ávido de nuevas estéticas para su diario vivir. Estuvimos presentes en el 5to. Encuentro DArA ID en la capital porteña, el que mostró el alcance que algunos talentosos profesionales del diseño de interiores con repercusión internacional pueden lograr, a través de la tan versátil batería de recursos que hoy plantea el diseño en el mundo, y que por suerte, gobiernos, particulares y grandes empresas de las comunidades a las que física o virtualmente pertenecen, les otorgan la plataforma adecuada para la innovación. Con un enfoque similar pero a escala Uruguay, compartimos un panel de diseño organizado en diciembre por Medio Montevideo donde el público tuvo la posibilidad de interrogar a los diseñadores uruguayos que hoy triunfan. El 2017 encuentra a Doble ALTURA deco con la plataforma digital a disposición de todos, desde la versión online de la última edición, hasta la selección de los mejores contenidos, y otros producidos en exclusiva para nuestro website, como alternativa a la edición impresa. Continuaremos siguiendo de cerca proyectos de valorización arquitectónica como Iluminando memoria en la Facultad de Arquitectura (UdelaR), la reconversión de la Capilla de la Caridad del Hospital Maciel y la reconstrucción del Teatro Paz y Unión de Dolores. En noviembre la Bienal de Montevideo en el Palacio Legislativo y en enero Este Arte en el Centro de Convenciones de Punta del Este, marcan hitos culturales que posicionan a nuestro país entre los más selectos circuitos de arte contemporáneo, además de propiciar un ámbito de reputación local y regional, construyendo mercados sólidos y perdurables dentro de las artes visuales. Y es en sintonía a esta cercanía cultural que los invitamos a recorrer los espacios habitados por Patricia Bentancur, curadora, amante de los blancos, de las bibliotecas y de los pizarrones, los que tanto en su estudio como en su oficina del Centro Cultural España muestran su huella inconfundible. Una fusión de dos jóvenes estudios liderados por los arquitectos Nicolás Queirolo y Paco Hernández da cuenta de un nuevo formato de centro comercial: un strip mall en Parque Miramar, que además del fin comercial genera la pertenencia a escala barrial. En esta edición veraniega, Diego Kröger desde Cabo Polonio nos presenta sus esculturas de barcos y sus horizontes abstractos. En Sauce una casa de té fue construida por su propietaria con un encanto único para honrar el encuentro. Formas de vida transcienden estaciones y coordenadas: un apartamento parisino que se remonta a la era post haussmanniana, y otro de corte contemporáneo sobre la rambla de Carrasco flanqueado por antiguos chalets, ambos contemplan excepcionales sutilezas de sus arquitectos. El color del 2017 llega para iluminar tonalidades neutras, las colecciones de mobiliario hecho a mano y el antiguo intervenido traen renovados aires para tu hogar, esperamos los disfrutes tanto como nosotros.
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Año 5 / Nº 20 Marzo 2016 Uruguay Revista trimestral $170
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PATRICIA BENTANCUR Libros y arte en una austeridad habitada
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En este número
EDITORIAL
PERFIL PROFESIONAL HMOZ + Queirlo Cantera
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SHOWROOM Llegó el verano y con él la calma
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SHOWROOM Presenciar nuevas historias
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SHOWROOM Todo para tu casa de temporada
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TENDENCIAS+ ¿Qué le preguntarías a los diseñadores uruguayos
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TENDENCIAS+ Los grises del 2017
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TENDENCIAS+ Diseño por diseñadores: 5to. Encuentro DArA ID
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NUEVOS TALENTOS Press Start
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COMO EN CASA Té & barro para honrar el encuentro
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ARTE & ARQUITECTURA El horizonte de Kröger
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LIFESTYLE Montevideo Transparencias costeras
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LIFESTYLE Paris El Paris de Haussman
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RESPONSABILIDAD SOCIAL Iluminando memoria
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DATE UNA VUELTA ADDIP presente en la semana argentina del diseño
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FERIAS DE DISEÑO Expohogar y Casadeco
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DATE UNA VUELTA Fusión inglesa, nórdica y cosmopolita
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SOCIALES Dolores ansía la reconstrucción de su teatro
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SOCIALES El arte por la capilla Maciel
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DIRECCIONARIO
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DAd PERSONALIDAD
Patricia BENTANCUR Textos | María José FRIAS Fotos | BMR Productora Cultural Marcos Mendizábal
Libros y arte en una austeridad habitada
Foto Chino PAZOS
Sea cual sea el punto donde se pose la mirada, los espacios que habita Patricia Bentancur están poblados de libros. Artista, curadora, directora de Exposiciones y Nuevos Medios del Centro Cultural de España, esta mujer que en la década del 90’ llegó a todos los hogares con programas como “A las 9 en Punta”, dedica su vida a difundir el arte y la cultura.
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Su radio de acción es la Ciudad Vieja. Las bibliotecas y los pizarrones caracterizan los interiores que habita. Sea en su oficina del CCE o en su estudio, estos recursos que para algunos pueden formar parte de una apuesta interiorista, para Patricia son vitales desde el punto de vista del uso cotidiano, y por lo que espacialmente vivencian y conectan con su forma de trabajo. Del modo que protagonizan sus espacios, no dan indicios de pasar desapercibidos, sobre todo por las generosas dimensiones. En su oficina, sobre una pared, largos estantes blancos soportan decenas de títulos, y otra pintada de negro oficia de gran pizarra, marco perfecto de registro creativo, tal superficie de anotaciones que con gran formato y tiza de por medio, es cómplice de sus ideas y planificaciones. Algo similar sucede en su casa. Los 60 centímetros de ancho que ocupa el plano- biblioteca con inmaculadas divisiones blancas, sectorizan y fusionan a la vez el ambiente, otorgan transparencia pero también privacidad, recrean contornos puros, translucen la intensa luz que ingresa por los altos ventanales, y sobre todo, vivencian el inquieto accionar de esta curadora.
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DAd PERSONALIDAD
Patricia llegó al apartamento de la Plaza Zabala buscando un lugar para instalar su estudio de artista. Supo que el arquitecto Luis Zino, que había sido su profesor en la Facultad, estaba reformando el edificio y se involucró de forma muy activa en la unidad que había adquirido, enamorándose de sus techos de bovedilla y sus pisos de doble altura. Juntos idearon un espacio sin muros, donde entraran las mesas enormes, otra de sus debilidades, y la biblioteca cuya dueña define como “una maravilla”. La misma que espera recibir, algún día, todos los libros acumulados por esta mujer que dejó la televisión, para dedicar su vida a un arte que la apasiona y moviliza cada fibra de su ser. Zino proyectó en 2009 la reconversión de este edificio de principios del siglo XX, ubicado en el entorno excepcional de la Ciudad Vieja. “Usamos su estructura original y subimos en altura hasta alcanzar la de los edificios circundantes a la plaza”, especifica el arquitecto, quien junto a su equipo de diseño adoptó dos interesantes criterios en lo que refiere al carácter tipológico espacial formal de la intervención. “Por un lado reciclamos la edificación en su interior y mantuvimos la fachada original realizando operaciones mínimas de apertura de vanos. En las unidades, todas de 1 dormitorio, respetamos la doble altura de 4.30 metros, demolimos algunos muros existentes y permitimos la apropiación del espacio por parte de los futuros usuarios según sus necesidades y requerimientos, adecuando los ambientes dentro de un marco de posibilidades establecidas. En lo que refiere a la ampliación, utilizamos la base del viejo edificio y lo coronamos con una cubierta (mansarda) de acero Corten que ocupa dos niveles, haciendo referencia a la tradición francesa de la arquitectura montevideana de la época. Allí ubicamos las unidades más amplias. En este apartamento en particular, se proyectó con la propietaria la idea de una doble fachada, una interna con biblioteca que oficia de espacio intermedio entre la parte íntima y de taller, apropiado marco para una artista plástica por cierto, y la externa que da a la plaza. “De este modo se conformó una nave con dos fachadas con diseños diferentes, que respetan y equilibran el ambiente”, resume el arquitecto Zino. doble ALTURA·12
Patricia vivió en España, donde estudió en la Escuela Superior de Arquitectura de Madrid. De allí guarda el recuerdo de un Seminario de Conservación Arquitectónica y Urbanística en Centros de Interés Histórico, cuyo director brindó su conferencia de apertura hablando de “Funes El Memorioso”, de Jorge Luis Borges. “Ese año se iba a dedicar a la arquitectura dedicada a museos y el tema me fascinó”, dice con el brillo en la mirada que tiene cada vez que se refiere al tema de los museos, su pasión. Con motivo del casamiento de una amiga vino a Uruguay, donde recibió la llamada de unos amigos españoles que tenían un proyecto de exposiciones que pasaría por el país y querían saber si podía ayudarlos a desarrollar el proyecto aquí. “Lo coorganizaban con el Instituto de Cooperación Iberoamericana e hicimos una muestra divina. La oficina de cooperación aquí me pidió que armara una programación cultural y me ofrecieron si me quería quedar aquí para desarrollar ese proyecto. Así empecé a trabajar en la cooperación española”, recuerda. Era el año 1988 y todavía no se hablaba del Mercosur, pero Patricia ya pensaba en un Centro Cultural para el Cono Sur. Con esa idea en mente comenzó a tender redes y empezó a trabajar sin sede propia, primero en la Casa del Vicario, organizando exposiciones en lugares tan diversos como Intendencias y Ministerios. Su formación en arquitectura la vinculó con la Comisión de Patrimonio y así llegó un día a la Casa Mojana, una construcción de cinco pisos y 3.000 metros cuadrados que estaba destruida.
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Soñar en grande Mientras Buenos Aires tenía un Centro Cultural de España de 800 metros en un subsuelo, Patricia se atrevió a soñar con transformar Casa Mojana en el Centro uruguayo y así se lo planteó al embajador español de la época, Ricardo Peidro Conde, quien junto a la consejera cultural Julia Olmo y Romero, le brindó todo su apoyo. Apenas dos años más tarde, en 1998, la reina Doña Sofía puso la piedra fundamental del proyecto y en el año 2000 el arquitecto Rafael Lorente comenzó las obras. En los años previos, desde 1996, solo funcionó la planta baja, donde se hicieron exposiciones de arte emergente y se comenzó a vislumbrar lo que sería el Centro Cultural de España. En medio de tantos sueños, Patricia se fue a estudiar a la New York University, donde hizo Arts Management. Recibió también dos becas de investigación de la Fundación Fullbright, lo que le permitió presentar un proyecto llamado Phisical Requirements for Contemporary Art, que buscaba complementar lo que había estudiado en España sobre los museos europeos. Las investigaciones las realizó en el Guggenheim Museum y en el New Museum of Contemporary Art. Y siguió desarrollando su arte, que la lleva a trabajar en instalaciones que involucran múltiples soportes, como objetos, pintura, fotografía, videos, sonido y textos. Ha expuesto en Uruguay y en el exterior y ha participado en bienales y exposiciones internacionales. Y mientras crea e impulsa a otros creadores, acumula libros en forma constante, nutriendo un espíritu intelectual incansable, por lo que ellos se vuelven dueños de sus espacios.
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DAd PERSONALIDAD ¿Cuál es el elemento que más te caracteriza? En cualquier espacio donde estoy por más de dos o tres días, siempre hay libros. Después del 94’ también hay elementos digitales, pero sigo prefiriendo el papel. Y también un cierto desorden. Siempre se me generan pilas de libros y notas. Trabajo varios proyectos al mismo tiempo.
filosofía artística. En mi casa tengo mucho de diseño y arquitectura, también tengo una preciosa y más pequeña biblioteca literaria, como todo desperdigado. Siempre está la ilusión de juntar los libros, que están arriba de las mesas, apilados en el piso. Me pareció que podía ser bonito porque al ser hueca, también permite pasar la luz, ser como un filtro del espacio.
En materia de diseño, optás por una estética muy minimalista. ¿Por qué? Mis espacios son habitados. Más que un minimalismo es una austeridad habitada. Trato de generar un espacio en el que las cosas que uso convivan sin agobiarme. Pocas cosas, útiles y que me gusten.
Mucha inclinación por el blanco… Sí. Me parece neutro. Funciona bárbaro.
¿Y qué cosas te gustan? Compro sillas. Tengo una debilidad. También me las regalan. Tengo una original de Eero Saarinen, con el esmaltado sobre metal estropeado, el tapizado también, y es maravillosa. Tuve la suerte de tener una maravillosa amistad con los hermanos Visca, alumnos de Torres García, y ellos me dieron el primer facsímil de la silla de Torres, de madera, muy tosca pero comodísima. ¿Tenés cosas recibidas de generaciones anteriores? Muy pocas cosas por herencia. Tengo una cama de la década de los 50’ que fue mía cuando era niña, con un respaldo muy puro, y al costado tiene una mesita auxiliar para sacar para desayunar. Es muy bonita. Tengo algún candelabro antiguo de la familia, un cuero de vaca. ¿Por qué la opción de conformar los interiores separando los espacios con bibliotecas? Porque tengo la ilusión de juntar todos mis libros. Tengo una cantidad enorme de libros de trabajo que tienen que ver con teoría del arte,
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¿Sos muy detallista? Soy muy detallista y cuidadosa con los lugares. No soy de tener plantas dentro de la casa pero me encantan las flores. En la gaveta del auto siempre tengo unas tijeras y unos guantes para cortar las salvajes que encuentro al costado de la carretera o compro en la feria. También me gustan las velas, de día y de noche.
“Siempre está la ilusión de juntar los libros, que están arriba de las mesas, apilados en el piso. Me pareció que una biblioteca podía ser bonita porque al ser hueca, también permite pasar la luz, ser como un filtro del espacio”.
El desafío de diseñar en Uruguay Patricia Bentancur es una gran defensora del trabajo que realizan los diseñadores uruguayos de muebles, algo que ha impulsado desde los inicios del Centro Cultural de España. A su entender, el desarrollo de la industria en el país constituye “un verdadero desafío”. “El segundo laboratorio que hicimos fue sobre diseño y trajimos a diseñadores españoles a trabajar con diseñadores uruguayos. Tenemos desde mobiliario hasta objetos utilitarios, diseño de moda, diseño gráfico y diseño industrial. Muchos de los diseñadores uruguayos están desde hace muchos años participando de concursos y licitaciones internacionales”, señaló. Sin embargo, su preocupación radica en el tamaño del mercado, dado que el sector enfrenta altos costos y resulta difícil mantenerse con la infraestructura de empresa. En ese sentido, consideró que sería positivo contar con un compromiso por parte del Estado para que adquiriera determinado porcentaje de diseño nacional para las entidades públicas. “Se trata de mobiliario eficiente, de calidad, y es una marca país importante. Creo que nos faltan esas señales más firmes, que a su vez impliquen crecimiento para estos sectores, que dependen mucho del exterior, porque no hay un mercado que los pueda sostener”, concluyó.
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Las camas laqueadas son de Bernardita O. La mesa y la silla de Meu Lar, al igual que la banqueta ¨London¨ con tapizado en composé. doble ALTURA·18
El origen de la pasión de Patricia Bentancur por el arte se remonta a una infancia llena de curiosidad. “Recuerdo que mi madre trajo de un viaje un libro con dibujos del Hermitage. Era un libro grande y lo pusieron alto en la biblioteca, seguramente por el tamaño, porque allí iban los libros grandes, pero a mí me dio curiosidad y me encantaba ver los desnudos”, dice entre risas.
Foto Chino PAZOS
Entre el Hermitage y el Bauhaus
Junto a ese primer recuerdo, está el de una exposición de la Bauhaus que visitó Montevideo cuando ella apenas era una niña. “Iba a la escuela Francia, y la exposición estaba cerca. Mis padres me llevaron y quedé tan encantada que negocié para ir todos los días. El acuerdo era que si me llevaban, yo hacía los deberes en la recepción de la exposición. Y así lo hicimos. Desde entonces digo que el sexo y la Bauhaus fueron mis inspiraciones para ser artista”, reflexiona.
“Trato de generar un espacio en el que las cosas que uso convivan sin agobiarme. Pocas cosas, útiles y que me gusten”.
Patricia BENTANCUR en 10 flashes ¿Campo o ciudad? Los dos. ¿Madera o metal? Los dos. Un estilo arquitectónico. El modernismo. Una textura. Materiales naturales. Una comida. Currys. Un libro. “Inside Outside” de Petra Blaise. Una película. Hiroshima Mon Amour, de Alain Resnais. Un artista. Félix González Torres. Un sueño por cumplir. Crear un centro de investigación de arte. Un lugar en el mundo. Casi cualquiera, con horizonte de mar.
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El discurso
Textos María José FRÍAS Fotos || Nacho CORREA Fotos | Chino PAZOS Marcos GUIPONI y Tali KIMELMAN
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Nicolás QUEIROLO + Paco HERNÁNDEZ arquitectos asociados HMOZ y Queirolo Cantera son dos estudios jóvenes que trabajan en conjunto en proyectos específicos a partir de oportunidades de colaboración como arquitectos asociados. HMOZ actualmente está dirigido por Paco Hernández, arquitecto desde 2012, con una joven pero amplia trayectoria, no solo en el ámbito profesional sino también en el académico. Queirolo Cantera está dirigido por Nicolás Queirolo, arquitecto desde el año 2000, quien ha basado su órbita de trabajo en proyectos residenciales y comerciales. Ambos graduados en la Universidad de la República (UdelaR), fusionan sus talentos y el especial interés por la investigación en el ámbito del proyecto arquitectónico, cuya constante transitan a través de la búsqueda de nuevas oportunidades proyectuales, materiales y funcionales. Sus propuestas convergen al punto de retroalimentar la diferencia generacional que los distancia siete años, y donde el particular abordaje de un proyecto desde y por la imagen, encuentra el sello que los identifica. “Nos interesa el poder e impacto que ésta tiene sobre la ciudad, tanto a nivel fotográfico como a nivel de diseño, y cómo puede aportar a la arquitectura y viceversa”, afirman. Montevideo, Canelones, Maldonado y Rocha son los ejes de acción de las obras realizadas por el estudio. La mayoría de ellas son proyectos surgidos por encargos directos que llegan por recomendaciones de clientes satisfechos, otras llegan a través de concursos por invitación. Pero nada como ser evaluados por ojos de terceros que testean doble ALTURA·20
capacidad y trayectoria, las que muy criteriosamente están trazando, para luego apostar al encargo del proyecto propio. Entrevistamos en esta oportunidad a quienes han sido los proyectistas protagonistas de un centro comercial que atiende a una necesidad específica en el contexto urbano de un barrio residencial a las afueras de Montevideo: el encuentro social. Así, Matisse sentó el primer antecedente en Parque Miramar. Ya comienzan a levantarse otros por la zona, pero en exclusiva exponemos aquí detalles de la concepción y hasta las repercusiones de este nuevo ícono finalizado en abril de este año, catalogado como un éxito comercial, de gran aceptación a escala barrial, y un atractivo referente gastronómico y de consumo desde otros barrios residenciales cercanos. A más de 15 años transcurridos en este siglo que muchos vimos llegar, HMOZ y Queirolo Cantera son de la generación de estudios de diseño arquitectónico que abrazaron la obra seca como técnica ya evolucionada y de su tiempo, cual pantallas digitales en la infancia actual. Ellos se han valido inteligentemente de la apertura del también consumidor joven que ve las estéticas metálicas, los revestimientos “side”, y las estructuras “frame”, de forma más amable y ya no solo hablando de destinos efímeros, provisorios, de fachada o complementarios, sino aceptándolas como posibilidad concreta, ágil, rentable y con excelentes resultados estéticos para el uso comercial, corporativo e incluso para la “vivienda propia”. Como ejemplo de ello presentamos una de sus últimas obras residenciales frente al Parque Roosevelt.
“Creemos que un buen proyecto debería admitir casi cualquier tipo de equipamiento y no por eso ser un mero espacio contenedor sin ningún valor. La arquitectura debería ser lo suficientemente contundente aunque no tenga una planta”.
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DAd PERFIL PROFESIONAL Han desarrollado proyectos con distintos programas y escalas: viviendas unifamiliares, restaurantes, locales comerciales, instalaciones y obras efímeras. Sin embargo, los de tipo gastronómico han sido y siguen siendo una constante en el estudio. Han realizado varias fábricas de pastas, un sushi bar, un restaurante, un chiringo, festivales gastronómicos, y locales comerciales con destino gastronómico en diversos formatos y escalas.
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Los concursos y la investigación La práctica estudiantil de la arquitectura está dotada, en muchos casos, de la adrenalina del proyecto anónimo y el carácter competitivo de los tradicionales concursos. Y es que el arquitecto, a diferencia de un abogado o un médico, tiene la oportunidad de medirse con otros pares en instancias que dejan al libre albedrío la decisión de un panel evaluador para definir un proyecto ganador. Este ha sido un ámbito fuerte para HMOZ desde 2007, incluso antes de que Hernández se graduara. Así se sucedieron el Parador Ocean Beach (Punta del Este, 2007), el stand Marfrig en la Rural del Prado (Montevideo, 2008) diseñado junto a Bednarik + Mirabal arquitectos que obtuvo el 1er. Premio al mejor stand empresarial de la exposición, y el concurso Cerro Pan de Azúcar (Maldonado, 2010), que obtuvo el 3er. premio. En el ámbito académico, le siguió Archiprix 2013 a partir del Proyecto Final de Carrera: “Rudimentario”, seleccionado en la fase local del “ARCHIPRIX International 2013”, para representar a la Facultad de Arquitectura, UdelaR (Archiprix International World’s Best Graduation Projects es el concurso internacional de los mejores proyectos de final de carrera del mundo). También en 2013 viajan a Moscú, Rusia, como finalistas de la fase internacional del Workshop “Desacralizing Moscow Holy Cows - What If... Military”, y al final de ese año presentan el proyecto “Identikit / Retrospectiva al Concurso de Vivienda y sus influencias” como propuesta curatorial del Pabellón Nacional en la 14ma. Bienal de Venecia 2014, siendo seleccionados dentro de los finalistas. En 2015 llegaron las repercusiones. El proyecto “Identikit” fue seleccionado para realizarse bajo el marco del llamado interno a Proyectos de Investigación, Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo (UdelaR), siendo el producto final un libro de 700 páginas, con entrevistas, diálogos y descubrimientos de influencias, en un registro único de la arquitectura de los últimos 65 años bajo una misma premisa: El Concurso de Vivienda.
Los pliegues de la habitación roja Fotos: Nacho Correa y Marcos Guiponi Matisse marca un antecedente de referencia edilicia y programática desde el punto de vista urbano/comercial de Parque Miramar. Intenta aportar al barrio un lugar de encuentro social, más allá de su función comercial. Todo el proyecto está centrado en el espacio público, para ver y ser visto, para jugar y para relajarse. Pretende generar una identidad, desde su color, su nombre, y su cuidado integral en la imagen global. Contrasta pero también respeta al barrio, su vegetación y la escala residencial que lo caracteriza. Si bien contiene variados locales comerciales, se intentó dar una unidad coherente y no premiar al “cartel más grande”, sino todo lo contrario, premiar al que mejor cuida del espacio público y lo que transmite cada local con su propuesta. Una circulación abierta para acceder tanto a pie, en bicicleta, patines o automóvil, fácil estacionamiento y, por su escala barrial, de ágil abordaje a todos los locales, a diferencia de los grandes centros comerciales. La compra puntual, el almuerzo en familia, el helado de la tarde, el juego, la sobremesa, todo allí. Inauguró en otoño de este año, y actualmente el estudio continúa con el proyecto de la azotea, ya planificado desde el comienzo y actualmente en proceso de diseño.
“El color en ´La habitación roja´ de Henri Matisse invade toda la obra. Es un mantel estampado que luego sube, se pliega y se transforma también en pared. Lo único que rompe con la paleta es el paisaje de fondo, de color verde, opuesto e intenso”. doble ALTURA·23
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¿Cuál fue el objetivo trazado como generador de un espacio colectivo? El proyecto se plantea como un recorrido, desde su acceso hasta la circulación que lo articula, le da forma, expresión e identidad. Se plantearon tres espacios que se “cosen” por este recorrido: El Rojo, un sendero que entrecruza e invade el predio tejiendo el proyecto; el Parque de Gramíneas, borde difuso entre el entorno y el edificio, donde se instalan grandes mesas para propiciar el encuentro y contemplar el juego de los niños en el espacio a nivel de terreno, donde se mantuvo una construcción preexistente para transformarla luego en “la casita”, un espacio infantil equipado con juegos de madera. En el primer nivel, un gran espacio techado denominado La Corneta, amplificador y mirador de Parque Miramar, que con geometría irregular invita a los transeúntes a hacer una nueva pausa. Y el recorrido culmina en la azotea, terraza transitable que sobrepasa la copa de los árboles de todo Parque Miramar, desde donde se puede apreciar una panorámica vista del barrio. La asociación con el pintor francés ¿surge como premisa del cliente o fue parte de su propuesta? El nombre fue parte de nuestra propuesta en conjunto con el proyecto arquitectónico desde los inicios. El proyecto arquitectónico comparte con “La habitación roja” el mismo diálogo con su entorno así como el nombre de su autor. Todo surgió como una unidad desde la etapa de diseño, que le fue dando sentido al proyecto. Como sucede con muchos nombres, la idea de Matisse surgió casi como un juego, una simple asociación cromática y de pliegues que fueron identificadas por el artista Matías Nin, colaborador del estudio en el área visual. En el transcurso se fue asentando la idea hasta que terminó con un gran cartel que lleva su nombre. Fue destacado el trabajo de diseño gráfico que llevó adelante la identidad de Matisse a cargo del estudio Atolón de Mororoa, desde los bosquejos primarios hasta el Manual de Uso para los locales comerciales, de manera de cuidar la imagen global. doble ALTURA·24
Seis meses de obra, 500 m2 edificados y 650 m2 de parque ¿podríamos decir que la clave del negocio nació en el rendimiento de los tiempos en la etapa de construcción? Sin duda la elección del sistema constructivo fue clave para la rápida ejecución de la obra. Esta fue una decisión que no solo aportó a los tiempos de obra, sino que fue también una oportunidad proyectual para proponer una arquitectura con ciertas características. El sistema constructivo es prefabricado y montado en obra seca en su amplia mayoría. Una trama metálica que estructura al proyecto en su totalidad, dándole forma y expresión. Cerramientos en chapa, policarbonato translúcido y vidrio. Por último, se utilizó la madera para aportar rusticidad y calidez, tanto en el pavimento del recorrido como en el cielorraso de La Corneta. Pocos materiales y simples detalles, potenciando la implantación y oportunidad proyectual. apreciar una panorámica vista del barrio. ¿Ante un encargo, cuál es el formato de trabajo que se plantean y el consiguiente abordaje de la obra? Todo proyecto comienza con un estudio exhaustivo de la situación a responder. Sin importar la escala ni el programa, todos los proyectos tienen un particular interés para nosotros. Tomamos en cuenta antes que nada los requerimientos del cliente y sin caer en formalidades prefiguradas, intentamos siempre dar respuesta con una arquitectura que aporte. Nos inclinamos por el desarrollo integral de los proyectos, trabajando en equipo con otros profesionales, abarcando distintas áreas como el paisaje, el equipamiento y el diseño gráfico. Desarrollamos todas las etapas de una obra, desde el anteproyecto, proyecto ejecutivo, gerenciamiento, dirección de obra y seguimiento post-obra concluida. Por lo cual, se podría definir a la asociación Queirolo-Cantera + HMOZ como estratégica, donde se valora tanto la investigación proyectual como el buen gerenciamiento y la cuidadosa dirección de las obras.
¿Contemplar qué otras áreas paralelas al diseño arquitectónico le da valor agregado a las nuevas generaciones de arquitectos? ¿Se imparte hoy como parte de la formación o surge como una necesidad inminente del mercado? Marketing y arquitectura son dos disciplinas que suelen estar disociadas en el mercado local. Sin embargo, creemos firmemente que se puede hacer una arquitectura que aporte y al mismo tiempo que considere las lógicas del marketing. Sin duda es un constante desafío y no siempre es fácil lograr un buen equilibrio entre ambas. Son muchos los factores que influyen en un proceso arquitectónico, pero como jóvenes arquitectos tenemos la oportunidad y la gran responsabilidad de poner en práctica este ejercicio. Conocer las leyes del mercado en profundidad y hacer un buen uso de las mismas desde lo arquitectónico es complejo pero también es un privilegio, dado el impacto que puede tener sobre la ciudad. Frente a cada nueva obra ¿cuáles son aquellos sucesos y herramientas que les hacen vivenciar y registrar la arquitectura? La forma de encarar los proyectos suele ser siempre muy intuitiva, sin demasiadas reglas más allá de las que se establecen por normativa. Los mejores insumos para definir la arquitectura son las condiciones de la situación a intervenir y lo que éstas sugieren, así como ciertos requerimientos del programa arquitectónico que nos invitan a pensar. Así descubrimos oportunidades desde dónde poder proponer espacios, materialidades y experiencias.
¿Cómo triunfa el diseño propiamente dicho de la mano de jóvenes estudios? ¿Para qué tipo de público proyectan? Es muy valioso y gratificante que los clientes confíen en jóvenes arquitectos para realizar sus proyectos. Hemos tenido todo tipo de clientes, desde conservadores que quieren la casa de ladrillo y tejas, hasta los más audaces a quienes les interesa una cierta exploración arquitectónica, descubrir nuevos formatos, espacios, materiales y técnicas de construcción. En todos los casos, siempre se busca aportar sin caer en preconceptos. El público que llega a nosotros va desde una joven pareja hasta una empresa multinacional. Para nosotros todos son igual de importantes. ¿Cuáles consideran sean sus ventajas o desventajas en relación a los estudios tradicionales con muchos años de obras en su haber? La primera ventaja con la que cuentan algunos estudios tradicionales, sin duda es el portafolio de obras construidas que tienen. El público lógicamente está más “cómodo” y seguro contratando a un arquitecto consagrado que a un joven estudio. Si bien vivimos en un mundo digitalizado, la obra construida sigue siendo la mejor carta a mostrar. La desventaja para estos, o mejor dicho para la disciplina, quizás pueda ir por un cierto estancamiento en la producción, ya que una vez que se encuentra un patrón con el cual el público se siente cómodo, se dejan de exploran otras alternativas y la arquitectura pasa a basarse en simples prefiguraciones. Aunque esta característica no pertenecería únicamente a los estudios tradicionales, sino que tendría que ver con una cierta postura frente a la disciplina y la responsabilidad que ésta conlleva.
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¿Qué aportan las nuevas generaciones de arquitectos como ustedes? Intentamos acercar la arquitectura a la gente y mostrar la importancia que tiene o puede tener en las vidas de todos, romper barreras tradicionales que se han instalado en el imaginario colectivo del mercado local, cuestiones con respecto al arquitecto y su hacer, romper mitos, como por ejemplo que el arquitecto es “caro” o que “no es necesario”. Mostrar de una manera amigable y de fácil acceso las infinitas posibilidades espaciales, técnicas y funcionales que existen, no porque se hayan inventado hoy, sino por lo lejano que se encuentran en muchos casos para el público en general. Nos interesa justamente volver a acercarnos como arquitectos a la gente y poner en valor la importancia de este enlace, actuando con responsabilidad ética, funcional y estética. Como si el ámbito de los concursos no les hubiera arrojado grandes logros, este dúo de jóvenes arquitectos declara tener mucho camino por recorrer en lo que trasciende incluso al ámbito académico, que abarca sólidas prácticas profesionales con un afán continuo de crecimiento referenciado en el mundo. “Hemos participado de diversos concursos internacionales, y aunque no hemos tenido demasiada suerte aún, seguimos apostando al formato de concursos. Como herramienta sigue siendo el modelo más desarrollado y democrático de producir arquitectura, en cuanto a lo que refiere a la adjudicación de un encargo, así como también respecto a las garantías que ofrece la decisión de un jurado idóneo que lo elige”, reflexionan.
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Volumetría desde el interior Fotos: Nacho Correa La obra está inserta en el paisaje natural de bosque de pinos y un lago, por lo que la consigna fue utilizar la madera como una “puesta en escena”, como material que resalta los diferentes volúmenes de la casa, de forma que participe protagónicamente en el interior también, utilizándola en techo, paredes, celosías exteriores y pisos, creando un aspecto moderno y cálido a la vez. Contrasta con la dureza de las losas de hormigón visto, que le dan sostén al piso superior unificado para ambas unidades residenciales, y por donde la inexistencia de barandas logra una sensación muy particular de la circulación, como un interior pero al aire libre. La obra en su totalidad tiene 495 m2 contando los aleros exteriores, que son parte esencial del diseño de las casas, ya que van formando bandejas de hormigón fusionando el espacio exterior e interior de manera natural. Dicha obra está enclavada en un terreno de 1.000 m2 con 20 metros lineales desde la costa hasta el lago, haciendo dialogar de manera fluida estos dos escenarios: bosque y lago. Al momento de proyectar, el mobiliario fue tomado como un todo. Se diseñó junto con los ambientes y ejerce parte fundamental, fue incorporado desde el vamos y no desde el punto de vista decorativo en la etapa de equipar los espacios.
En tiempos donde conceptual y materialmente vivimos un auge por el diseño, nuevos lenguajes y materialidades, ¿Cuáles son las apuestas que ustedes hacen para plasmarlo exitosamente? Nos interesa la búsqueda de nuevos formatos y maneras de utilizar las tecnologías a nuestro alcance. No existe una fórmula para esto. Simplemente creemos fuertemente en la experimentación, en el ensayo y el error. Solamente así encontramos las mejores soluciones para cada situación. En la mayoría de los casos, la elección del lenguaje o materiales a utilizar surgen naturalmente a partir de lo que el proyecto sugiere. A veces son búsquedas intencionadas y otras veces lo definen cuestiones como el presupuesto, los tiempos o requisitos del cliente. ¿Cuál ha sido la forma de incorporar en sus clientes el creciente interés por lo que hoy conocemos como obra terminada con espacios totalmente equipados? ¿Qué le agrega el interiorismo a la cáscara arquitectónica? Creemos que un buen proyecto debería admitir casi cualquier tipo de equipamiento y no por eso ser un mero espacio contenedor sin ningún valor. La arquitectura debería ser lo suficientemente contundente aunque no tenga una planta. De todas formas se percibe una creciente intención por parte de los clientes a exigir sus obras terminadas por completo, listas para su uso (llave en mano). Esto implica pensar el equipamiento más adecuado desde el diseño arquitectónico. No solamente mesas y sillas que se compran por catálogo, sino muchas veces equipamiento incorporado a la estructura base de la obra como parte del diseño (la baranda/banco en el segundo piso de Matisse por ejemplo), así como diseños específicos que pensamos para determinadas situaciones, la iluminación y la
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DAd PERFIL PROFESIONAL decoración del espacio en su conjunto. Cuanto más integral esté pensada la obra, mejor va a responder a sus necesidades. Valoramos los trabajos en equipo, en colaboración con diseñadores nacionales, tanto gráfico como diseño industrial, y trabajamos también con artistas locales, que brindan un gran aporte y una buena sinergia con la arquitectura. ¿Cómo definirían la globalización que está viviendo el diseño? ¿Cuál es el potencial del su enfoque en relación al usuario? El diseño llega a los clientes por todos lados, las redes sociales, revistas digitales, la vida urbana, y los medios en general. Existe una atomización de diseño. Vivimos en la era de la imagen. Y si bien la mayoría de los clientes siempre piensan en la funcionalidad de sus requerimientos, es inevitable que consideren y valoren a la hora de decidirse por una propuesta u otra en base a lo que ven. Existe lo que solemos llamar casas o arquitectura comercial basadas en Pinterest o Instagram, donde lo único que importa es como se ve en la foto. En nuestra práctica intentamos escaparle a esa prefiguración, e invitamos al cliente a valorar la propuesta arquitectónica no solo en cómo se ve, sino en cómo se vive, cómo funciona, las potencialidades que tiene una determinada situación u otra. Si bien valoramos fuertemente el poder y la importancia de la imagen, nos interesa que éste no sea el único valor.
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¿Cuáles han sido sus referentes internacionales para lograr dar rienda suelta a materialidades que hace no mucho eran inusuales para el diseño arquitectónico? Los referentes son muchos. Cada proyecto tiene sus referentes ineludibles, algunos más directos, otros menos claros, pero siempre hay influencias. No tanto arquitectos ni prácticas definidas, sino más bien proyectos puntuales, o situaciones que proponen determinados proyectos que nos interesan. Es una miscelánea de autores de diferentes orígenes: paulistas, holandeses, daneses, japoneses, por nombrar algunos: Joshua PrinceRamus, Steven Holl, Rem Koolhaas, Glenn Murcutt, entre otros.
¿Cómo el usuario uruguayo le va dando paso a la estructura metálica sustituyendo a lo más tradicional de nuestro sistema: el ladrillo? ¿Cuál es su lectura? En Uruguay todavía existe una inclinación por hacer obras de arquitectura que duren “para siempre” y esto suele estar más asociado al ladrillo y al hormigón armado. Pero de a poco los sistemas constructivos que existen en el mundo desde hace décadas, como las estructuras metálicas para viviendas (sistema que tuvo su auge en los EE.UU. en la década del 50’) por ejemplo, van siendo incorporados por el público local cada vez más. Paulatinamente el público y los mismos arquitectos se van animando a utilizar estos sistemas pero aún con cierta desconfianza, sobre todo en los sectores más conservadores. Este cambio se debe a diversas razones: la poca mano de obra calificada en comparación a otras épocas en Uruguay, el costo de la mano de obra, los tiempos de obra, todo va cambiando e influenciando en la toma de decisión de los sistemas no tradicionales. La globalización y acceso del público al consumo de otros sistemas de arquitectura también facilita este proceso. Nosotros no definimos a priori que un sistema sea mejor que otro, simplemente depende de cada caso particular. Nos interesan tanto las casas de ladrillo como las de estructura metálica. Creemos que todas las tecnologías tienen sus ventajas y cualidades particulares interesantes.
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Claro ejemplo de la postura de este dúo de profesionales es la “Casa 1056” (ubicada en Pablo de María 1056, Parque Rodó y fotografiada por Tali Kimelman), una transformación programática de una casa de principios de siglo XX en escuela de cocina y espacio de eventos. Si bien es un reciclaje, todos los trabajos fueron muy artesanales en sistema tradicional con ladrillo visto. Allí, Alex Magariños y su equipo imparten clases en formato de talleres de cocina y catering, surgidos de una propuesta concreta: cocina de autor con influencias de otros mundos en un espacio cálido y acogedor.
Para la adaptación de la casa se realizó un exhaustivo trabajo de restauración, recuperando pisos de mármol, pisos de gres esmaltados, claraboyas y molduras de la antigua casa. Luego se realizaron intervenciones diseñadas en las paredes, rejas, barandas y pisos de ladrillo visto, aportando distintos pliegues y movimientos que caracterizan a cada espacio. Las curvas y contra curvas aparecen por toda la casa, desde las rejas en su fachada, pisos de micro cemento, rejas de claraboyas y hasta los cortes en las paredes que descubren el ladrillo visto original oculto en las mismas. Toda la iluminación y equipamiento de la escuela fue diseñado específicamente para el mejor uso del espacio. Se incorporaron también algunas piezas del artista Gustavo Genta que aportan efectos en la iluminación. El proyecto propone con simples operaciones re significar y poner en valor aspectos característicos de la antigua casa. Una intervención respetuosa al mismo tiempo que propositiva.
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De objetivos y riesgos está compuesta la agenda a seguir para la fusión de los estudios HMOZ y Queirolo Cantera. Continuar explorando las posibilidades de la disciplina es un objetivo que se han trazado, y seguir participando en concursos de proyectos de arquitectura es un riesgo que quieren desarrollar, pese al tiempo y energía que estos demandan.
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Llegó el
verano y con él
la calma En un mundo donde todo se mueve cada vez más rápido, es bueno encontrar un lugar donde las cosas no se pueden apurar, donde el trabajo artesanal se toma su tiempo para lograr el mejor resultado, donde la gente y su larga experiencia profesional no se reemplazan con máquinas y producción en línea. Donde no hay atajos ni compromisos. Muebles y accesorios manufacturados con esa filosofía, respetan a las personas que los producen, al igual que a aquellos que eligen hacerlos parte de sus hogares o regalarlos. Con esta filosofía recibe el verano USUAL MVD. www.usualmvd-blog.com
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Presenciar nuevas
HISTORIAS Pocas veces importa realmente si lo que elegimos para desarrollar surge de la profesión misma o de un mero hobby. Nadia Rivas da cuenta de su pasión por la restauración de muebles antiguos siendo Licenciada en Ciencias de la Comunicación. Precisamente este año dio rienda suelta a Pistacho, producto de potenciar su creatividad en los ratos libres, “con el fin de darle vida a muebles con historias de otras épocas, a través de técnicas que los convierten en piezas únicas y auténticas, listas para vivir y presenciar nuevas historias”, cuenta.
El color en la madera es lo que caracteriza a Pistacho, vetas potenciadas por tonalidades jugadas y tapizados vibrantes en sus diseños y contrastes. En tan corto plazo, este empuje se verá potenciado por una línea textil propia de diseño 100% uruguayo. A la hora de la intervención, Nadia plantea tonos pastel para un estilo francés, inglés, isabelino o español, para mantener el propio romanticismo del mueble. Si se trata de una pieza de estilo americano o escandinavo, es decir, que atiende al movimiento moderno, utiliza colores plenos y fuertes. El color (ya sea que se muestre en la madera pintada o en el tapizado), y la madera natural laqueada, conviven en todos sus muebles, y es la calidad de las terminaciones la que propicia una mayor durabilidad. “El contar con la oportunidad de restaurar muebles y reutilizarlos no solo permite extender la vida útil a la pieza y, en consecuencia, tener una conciencia ecológica, sino que posibilita además el acceso a muebles de madera sólida (pino viejo, cedro, roble, pinotea, etc.) a un costo totalmente accesible”, señala. En Montevideo es posible encontrar muebles intervenidos con el sello Pistacho en tiendas de decoración como Casa Ernesta y Entre Aurelias y Aurelianas, en el paseo de diseño de La Barra organizado por el local Bárbara (a 50 metros del puente), o también se pueden recibir en cualquier departamento del país, ya sea que se tenga o no la pieza a restaurar. Si no, Nadia busca y cuando encuentra, lo interviene a pedido. Pistacho planifica la apertura de su propia tienda para 2017.
Enamorada de los muebles antiguos, de sus líneas, de la madera y sus vetas, primero intervino algunos para su casa, luego para su familia, y entre cursos, talleres y experiencia, esta autodidacta de la restauración fue evolucionando en su propia técnica. “Con el tiempo este hobby me apasionó tanto que decidí comenzar un emprendimiento donde poder intervenir muebles para vender. No tengo preferencias de estilos, pues restauro todo mueble que llega a mis manos, aunque sí una debilidad por los nórdicos, franceses y españoles”, explica Nadia.
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pistacho.com.uy pistachodeco@pistacho.com.uy Cel: 094 939 020 pistacho.restauraciones pistacho.restauraciones
Panton Chair Developed by Vitra in Switzerland, Design: Verner Panton 1959/1960 Av. San Marino 1493, 11400 Montevideo, Uruguay T: (+598) 2600 0365 Por favor, agende su visita.
www.zinc.com.uy
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Todo para tu casa de temporada
Con su ya conocida y variada propuesta de productos para la construcción y artículos para el mejoramiento del hogar, Sodimac abrió las puertas de su primera tienda en el departamento de Maldonado. De este modo, con su tercer local en el país, la firma cumple con la promesa de crecimiento que hizo al desembarcar en Uruguay. El nuevo local se ubica en el Complejo Polo del Este (Ruta 39 y Av. Luis Alberto de Herrera), ocupa un espacio de 6.500 metros cuadrados y abre en el formato “Casa de temporada”, por lo que en sus primeros meses de operaciones se destacarán especialmente los productos de verano. La inauguración oficial de la tienda está prevista para el segundo semestre de 2017, cuando sus instalaciones estén finalizadas. Desde ese momento, el local ofrecerá todas sus categorías de productos y estará abierto todo el año. Pese a esto, Gregorio Odriozola, gerente de Sodimac Uruguay, aseguró que la “casa de temporada” ofrece la misma alta calidad en oferta, distribución y atención que caracteriza a sus ya reconocidos locales de Montevideo.
Venta telefónica 0800 4663 www.sodimac.com.uy
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“Con este local ponemos a disposición de los veraneantes y los habitantes de Maldonado los mejores productos para embellecer y mejorar sus casas de temporada. Aquí hay herramientas, artículos para decoración, construcción y también de ferretería, con precios altamente competitivos”, agregó el ejecutivo. Este primer local de Sodimac en el este del país se suma a las tiendas de avenida Luis Giannattasio y de Sayago. Las tres se enmarcan en un amplio plan de inversiones para la región, donde la compañía cuenta con 245 sucursales en seis países. “Nuestra propuesta, reconocida por miles de clientes que nos prefieren, incluye unos 15.000 productos uruguayos e internacionales, destinados a profesionales de la construcción y a las familias que quieran mejorar su casa. Todo pensado para mejorar la vida de las personas”, señaló Odriozola. Los clientes pueden realizar sus compras concurriendo personalmente a cualquiera de los locales Sodimac o de manera telefónica, a través de la línea gratuita. Además, la firma cuenta con un sitio web en permanente renovación en el que es posible consultar todos los productos disponibles y solicitar ser llamado para comprar.
DAd TENDENCIAS + Producción | Andrés PARALLADA*
¿Qué le preguntarías a los diseñadores
de MOBILIARIO del Uruguay? Recientemente se ha constatado a nivel local un creciente interés por el diseño de mobiliario. Un grupo cada vez más numeroso de estudios de diseño se ha especializado en esta área, lo cual ha derivado en un significativo desarrollo del mercado. A nivel regional se destacan los premios que el diseño de mobiliario uruguayo ha recibido en diferentes ediciones del concurso «Salão Design» organizado por el Sindicato de las Industrias del Mobiliario de Bento Gonçalves – Sindmóveis, Brasil, uno de los polos más importantes de este sector industrial de ese país.
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DAd TENDENCIAS + Basado en este éxito, a mediados de año la marca brasileña Tok&Stok, especializada en diseño y decoración, lanzó en ese mercado la colección “DI.SE.ÑO”, integrada exclusivamente por piezas de mobiliario uruguayo. En este sitio web se puede conocer la colección completa: www.tokstok.com. br/design-uruguaio. La colección se comercializa en sus más de 50 tiendas distribuidas en Brasil. Tok&Stok, el gigante brasileño del diseño, cuenta con más de 170.000 clientes por mes, y ofrece una variedad de 12.000 artículos. También se destaca la reciente participación de un grupo de diseñadores uruguayos en la feria Designjunction 2016 en Londres, una feria donde los organizadores evalúan, previo a la exhibición, la calidad del diseño de las piezas que se pretende exhibir. Como forma de difundir la actividad de este grupo de estudios de diseño, desde Medio Montevideo decidimos organizar una instancia de intercambio público en relación a la situación actual de este sector. Esta instancia, denominada Panel de diseño de mobiliario, se basó en la modalidad de preguntas y respuestas, para lo cual se invitó a los principales estudios de diseño para que respondieran preguntas en relación a su experiencia reciente. La coorganización del evento, realizado el pasado mes de noviembre, estuvo a cargo de Espacio Serratosa, donde tuvo lugar esta jornada.
El panel estuvo integrado por los diseñadores Valentina Barreiro de Estampapas Objetos Textiles, Rosina Secondi de Estudio Claro, Ana Sosa y Guillermo Salhón de Estudio Diario, Carlo Nicola de Menini Nicola, Carolina Arias y Federico Mujica de Muar Diseño, Rafael Antía de Sámago y Claudio Sibille de Sibille. El panel se organizó en base a rondas de preguntas. A quienes se inscribían a la actividad se les pedía que formulasen una pregunta a alguno los diseñadores invitados. La consigna de la actividad fue: ¿Qué le preguntarías a los diseñadores de mobiliario del Uruguay? El total de preguntas se agrupó en tres rondas. La primera estuvo centrada en consideraciones acerca del proceso de diseño y las áreas de especialización de los diferentes estudios invitados. En la segunda ronda se respondieron preguntas referidas a la selección de materiales, relación con los talleres locales, comercialización, y el trabajo por motivación personal en contraposición al trabajo para un cliente. En la tercera y última ronda los diseñadores relataron su experiencia internacional reciente, entre otros temas.
Valentina Barreiro, diseñadora textil de Estampapas Objetos Textiles relató el inicio de la marca. Primero surgió la experimentación con la técnica de estampado, basada en el uso de sellos vegetales para generar patrones, y recién después se pensó a qué objetos comercializables podría aplicarse esta técnica. Así surgió una colección que incluye almohadones, manteles, bolsos y otros accesorios de moda y domésticos, entre los cuales se destacan los manteles Pojagi inspirados en la técnica coreana de patchwork del mismo nombre. Actualmente, además de venderse en nuestro país, los productos de Estampapas forman parte de la oferta de la brasileña Tok&Stok.
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Estudio Claro es uno de los equipos de diseño que más reconocimientos ha recibido en el concurso brasileño “Salão Design”. La diseñadora Rosina Secondi, una de sus directores, comentó que la selección del material, varillas de acero, para la poltrona Prado surgió de un análisis del mercado brasileño en relación al mobiliario de exteriores, así como consideraciones sobre la viabilidad productiva de los talleres metalúrgicos en Uruguay. Algunos de los productos de este estudio, como el aparador Telma, o la línea de mesas Bezel, que comparten con la línea Prado la utilización de la varilla de acero negro, se comercializan actualmente en Brasil.
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El trabajo de los diseñadores Ana Sosa y Guillermo Salhón, de Estudio Diario, se destaca por su carácter despojado y sugestivo. Su lenguaje de diseño se basa en una reelaboración sutil de la imagen icónica de los objetos de uso doméstico, como en el caso del reloj Haro, o el aparador Pana, vendido actualmente en Brasil por Tok&Stok. Ana y Guillermo comentaron como la simplicidad tanto en las formas como en los detalles constructivos les sirven de guía durante el desarrollo de un nuevo producto. Dentro de las diversas referencias que ellos utilizan durante el proceso de diseño mencionaron a la marca danesa Muuto, el estudio, también danés, Norm Architects y la dupla italo-danesa GamFratesi.
El diseñador Carlo Nicola de Menini Nicola fue consultado por el papel que juegan las referencias en su proceso de diseño. Quien preguntó vislumbra en la mesa Folha, recientemente presentada en la exposición Casadeco, referencias al diseñador finlandés Tappio Wirkkala, así como referencias, en el sillón San José, al diseñador danés Hans Wegner. De acuerdo a la opinión de Carlo, el lenguaje de diseño de los objetos del estudio se enmarca dentro de la escena del diseño contemporáneo, y por lo tanto es natural identificar referencias a otros artistas. Sin embargo, durante el proceso creativo ellos no buscan referencias específicas con ningún diseñador en particular. En esta línea, el pasado agosto, el estudio presentó en la feria High Design Expo, San Pablo, su nuevo modelo la poltrona 101 y los paneles acústicos Mudo.
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Durante su participación en la feria Designjunction 2016 en Londres, Muar Diseño presentó las mesas Catalá, la línea de accesorios de baño Cúbica y su lámpara Pod. Los diseñadores Carolina Arias y Federico Mujica, responsables del estudio, relataron cómo este último producto surgió a partir de un encargo puntual de un cliente, pero a medida que avanzaban en el proceso creativo comenzó a gestarse un producto propio independiente del encargo original. En la propuesta sensorial del producto conviven de modo armonioso la resolución geométrica de la estructura junto con el carácter orgánico de la pantalla. Para el diseño y materialización de la pantalla el estudio trabajó en conjunto con la artista textil sueca Siv Anneli Göransson.
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Sámago se caracteriza por integrar en su misma estructura empresarial, el taller de fabricación, el estudio de diseño y la tienda donde se comercializa su extensa línea de productos. En Londres, Sámago presentó uno de sus muebles clásicos, el aparador Yuxta. El diseñador Rafael Antía, uno de los socios de la empresa, se refirió al papel que ocupa el proceso de fabricación en la definición de un nuevo producto, para lo cual comparó dos proyectos, por un lado la silla Bones, donde la fabricación por control numérico permite el corte preciso de las piezas y su posterior encastre sin la utilización de partes metálicas ni pegamento, y por otro lado la silla Lego, donde el corte por control numérico determina un contorno específico de las piezas que facilita el ensamblado, que sí se realiza con piezas metálicas, y que a su vez caracteriza el lenguaje de este modelo.
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El diseñador Claudio Sibille, del Estudio Sibille, relató diversas experiencias en relación a su trayectoria como diseñador. Recordó sus primeros trabajos, muchos de ellos premiados y publicados en revistas internacionales, que se orientaban al diseño de mobiliario plegable para espacios reducidos. En una etapa posterior, la actual, y a partir de analizar el mercado, concluyó que el mobiliario de esa primera etapa, a pesar de solucionar un problema práctico específico como es la falta de espacio en los ambientes contemporáneos, no necesariamente genera una demanda significativa del mercado. Esta nueva etapa está conformado por proyectos como la poltrona Leo que integra la colección “DI.SE.ÑO” para Tok&Stok, o la silla Pituki para la tienda brasileña Oppa. Un encuentro más que interesante dejó al descubierto que uno de los temas que sigue concentrando interés es el referido a la posible identidad del diseño uruguayo. La creciente exposición del diseño nacional, tanto en la región como en el exterior, parecería poner en evidencia la posibilidad de tomar conciencia al respecto. Más de una pregunta del público se enfocó en esta dirección. De acuerdo a la opinión de los diseñadores invitados podrían existir tres posturas en relación a este tema: • La identidad del diseño local es la que ya existe. En cada una de las presentaciones públicas de diseño de mobiliario uruguayo se ha observado una alineación, quizá involuntaria pero real, del lenguaje de diseño, y materiales utilizados por los diseñadores uruguayos. Y esta síntesis actual sería la identidad nacional. Aprovecho para recordar que hasta marzo de 2017 se exhibe una selección de mobiliario nacional en el CCE. • A partir de la identidad mencionada en el punto anterior sería posible desarrollar un lenguaje propio, que mantendría un diálogo con el diseño contemporáneo internacional pero con voz propia, sin caer en un folclorismo ingenuo. • Teniendo en cuenta el impulso conocido por todos, el de la globalización del intercambio de información y cultural, la búsqueda de algo así como la identidad nacional no sería un objetivo a alcanzar. Para estar a tono con el espíritu del Panel de diseño de mobiliario cierro esta nota con una pregunta: ¿Cuál de las tres posturas anteriores representa mejor tu opinión? Responder a esta pregunta nos ayudaría a imaginar un aspecto relevante del futuro desarrollo del diseño nacional, que ya sabemos que está en buenas manos.
* Diseñador industrial y docente, egresado de la EUCD. Además de su actividad profesional, es el responsable de Medio Montevideo, un emprendimiento educativo especializado en la enseñanza del proceso creativo en diseño de mobiliario y estudio del color. doble ALTURA·43
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Los
Grises
del
2017 La versatilidad del Gris Humo genera una atmósfera perfecta para la calma y el relax.
Inca eligió “Gris Humo” para ser el color del año 2017. Las tendencias de color para el próximo año estarán alineadas a una propuesta estética que apunta a transmitir la importancia de lo esencial, actuando como fondo de inspiración para los más diversos decorados. Gris Humo 90BG 30/073
Pinturas Inca, empresa del grupo AkzoNobel, sugiere recorrer cinco paletas de combinaciones para destacar la calidez de los ambientes a través de este tono único y diferente de los dorados planteados el año pasado. ¿Sabías que cada año, el equipo del Centro de Estética Global de AkzoNobel reúne a los diseñadores de todo el mundo durante varios días para debatir eventos de la vida real y las opciones de color que se usan en el diseño de interiores, la arquitectura y la moda, así como también las tendencias sociales más generales? Así, en formato de “reunión mundial” se selecciona el color que dominará todas las tendencias más allá de latitudes y hemisferios, incluso trascendiendo estilos y líneas de diseño. “Luego de la calidez que ofreció ‘Sombra de Cedro’ en 2015, y de la elegancia cobriza de ‘Oro Monárquico’, que reinó en 2016, quisimos explorar una propuesta que remitiera a lo natural, versátil y capaz de transmitir diferentes efectos y sensaciones”, señaló la Especialista en Color de Inca y Analista de e-Marketing, Arq. Natalia Albónico. “Gris Humo” captura perfectamente el espíritu del momento. Es un gris atemporal y versátil que tiene diferentes características dependiendo de la luz, la combinación de colores y la situación. Suavidad, serenidad y la belleza de lo simple fueron las principales musas inspiradoras para lograr un color fácilmente combinable, al punto de ser capaz de transmitir desde la calidez del hogar hasta la cuidada elegancia de la oficina. Por ese motivo, partir del azul fue un recurso que surgió de forma natural. Es el color de nuestra vida diaria, desde el azul del cielo hasta la indumentaria que tenemos en el ropero. Con esta mezcla única de visiones, descubren un tema que captura el humor del momento y las tendencias en color que lo reflejan. Además, los especialistas de AkzoNobel presentaron una amplia paleta de contrastes, bajo el concepto de ver “la vida en una nueva luz”. Estas combinaciones se pueden explorar con la nueva app Inca Visualizer, que permite capturar los colores de Inca y aplicarlos al instante en las paredes de tu hogar. Algunos opinan que tendemos hacia una vida más urbanizada, otros se proponen ir hacia una más armoniosa y serena. Por un lado, se dice que el azul estimula las sustancias químicas que relajan la mente y el cuerpo, pero también moviliza la energía para el necesario ritmo mundano. Inspirate y elegí cuál de las dos opciones se ajusta más a tu estilo, ¿la calma o el vigor?
www.inca.com.uy doble ALTURA·44
DAd TENDENCIAS + Textos | Gabriela PALLARES Fotos | Archivo DArA
Diseño por
Diseñadores
Cada octubre se vive en Buenos Aires, una nueva edición del Mes del Diseño. La ciudad se prepara con infinidad de eventos para recibir a miles de personas que ya tienen en su agenda, la cita anual con lo mejor del diseño regional e internacional: Casa Foa, la Bienal de Arquitectura, exposiciones de arte, o las Gallery Nights que son algunos de los highlights de esa época del año. Cada dos años, además, la apuesta eleva el estándar con el encuentro organizado por DArA (Diseñadores de Interiores Argentinos Asociados), que consta de un seminario de dos días al más alto nivel, convocando a media docena de estudios internacionales líderes en arquitectura de interiores para contar sus experiencias en charlas magistrales y conferencias de prensa con una organización impecable. DArA es una Asociación sin fines de lucro, constituida para desarrollar y promover la temática afín al interiorismo y al diseño, siendo la primera entidad que nuclea a diseñadores de interior, profesionales y empresas en la República Argentina desde el año 1986 sin interrupción. En esta oportunidad, el arquitecto Julio Oropel, presidente de DArA, fusionó en la Sala Sinfónica del CCK (Centro Cultural del Bicentenario) una grilla de disertantes más que atractiva: Piero Lissoni (Italia), Neri & Hu (China), Carlos Ferrater (España),
Isay Weinfeld (Brasil), Dimore Studio (Italia), Rafael de Cárdenas (EE.UU) y Felipe Assadi (Chile), quienes comentaron sus más recientes obras, la impronta con la que han desarrollado sus marcas y las líneas conceptuales más latentes de sus diseños. Un esfuerzo logístico y de gestión elogiables que brindan a los asociados e interesados en general, la oportunidad de acceder de primera mano, a personajes, contenidos y protagonistas que son tendencia en el mundo. A continuación compartimos algunos de los apuntes más significativos de estas charlas mano a mano, y nuestra impresión de las conferencias de quienes dejaron algo de su personalidad en este evento. doble ALTURA·45
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Piero Lissoni Poseedor de un nombre protagonista en el desarrollo de la industria del diseño italiano a fines del siglo XX. Es un caballero con todas las letras, de los que cuando se presentan te saluda con un beso en la mano, a partir de ahí, lo que sigue es el despliegue de cautivación en tono bajo y pausado. Tiene un estudio con 70 personas trabajando para él, amplia cancha en presentaciones al público en general, y de hecho lo capitaliza cuando gana proyectos de edificios de 150 millones de euros luego de presentaciones de 4 minutos, (unos 37 millones de euros por minuto). Dijo con humor que los interioristas somos una especie de navaja suiza multifunción, y también, quienes ejercen la profesión más vieja del mundo… trayendo a la memoria de todos cuando alguien en una cueva cortó un tronco de árbol para sentarse y los arrimó a un fuego. No escatima historias, incluso aquellas que supusieron fracasos millonarios por errores de diseño, de los cuales también se saca grandes aprendizajes. Ante la pregunta del porqué el diseño italiano supo desarrollarse y expandirse con tanta fuerza en el mundo, opina que es debido a que estuvo acompañado de una industria que supo alinearse con parámetros de calidad de producción venciendo los obstáculos con experimentaciones e investigaciones. Cuando algo es difícil, primero dicen que sí, y después ven cómo hacerlo, y empujan hacia adelante. A su vez, los diseñadores exigen a otros proveedores los mismos niveles de competencia, como cuando Pilkington desarrolló cuatro tipos diferentes de vidrios difusores de luz de luminarias para no afectar obras de arte, para un museo donde él estaba creando la instalación. Es así que trabaja con modalidad de prefabricación y traslado a lugares tan lejanos como Seúl, para asegurar calidades de terminaciones y tiempos de entrega. Es conocedor de todas y cada una de las complejidades que implica el diseño de cada pieza, mueble o edificio, potencial que condice con su lema: “la simplicidad es la fachada pública de las complicaciones”.
Neri & Hu Trabajan para marcas internacionales y son dueños de una estética muy particular, equilibrio entre modernismo y tradición, entre contemporáneo y autóctono, tienen un lenguaje muy internacional pero con la sutileza y síntesis de oriente. Su arquitectura comparte el lema de todo lo creado en oriente: “See beyond he surface” entendido como todo lo que se ve suele tener un significado. Piensan que los chinos cuando salen de su país siguen pensando en chino aunque hablen otro idioma, y en su arquitectura se leen pautas ancestrales aunque agiornadas a lecturas más contemporáneas. Buscan la identidad dentro de la globalidad internacional y el caos de Shanghai del que provienen, intentando ofrecer una imagen de China desde una mirada más contemporánea y no con los clásicos recursos de pagodas o dragones. Viniendo de un país multitudinario, que hasta hace poco sufrió una revolución y los parámetros eran bastante estrictos, esa licencia y visión cosmopolita no es mérito menor.
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Carlos Ferrater Es uno de los protagonistas del despliegue creativo español de los años 80, contemporáneo de Bofill, Mariscal, Pensi, Arribas, Tusquets, y todos quienes posicionaron especialmente a Barcelona en el mapa del diseño mundial. Su arquitectura es de verdad de vanguardia y original, aún 30 años después de construida, con exploraciones fuera de órbitas transitadas, con muchos trabajos en conjunto con colegas. Su conferencia fue un verdadero recorrido y evolución por su obra, desde sus inicios con la clásica reforma de la casa de sus padres hasta masterplans para pueblos costeros, mostrando su espacio de trabajo, e interactuando con su hija, quien colabora en su estudio junto a hijo, yerno y otros tantos profesionales.
Isay Weinfeld Isay es reconocido, además de por su indiscutible calidad y firma arquitectónica por una humildad y discreción singulares, no le gusta hablar de su arquitectura, y ha afirmado que “ama el cine más que la arquitectura y a la música más que al cine” lo cual seguramente es la respuesta del enfoque de su espacio: una hora citando y mostrando en forma pausada, lenta, películas del realismo italiano de Luccino Visconti, Ettore Scola, de Luis Buñuel, Kurosawa, la naranja mecánica, pintores como Turner, diversos músicos como Bing Crosby, clásicos, brasileros, escultores, etc, la cosa era interminable casi enciclopédica. Acto seguido: ”…y ahora mostraré fragmentos de mi obra inspirado en lo anterior”. (Acá el lector googlee Isay Weinfeld imagenes y en silencio sepulcral páselas como ráfaga). “Muchas gracias.” “Hasta luego.” Nada más. No mencionó que está trabajando en el nuevo restaurante icónico del Four Seasons en New York, ni otros proyectos fuera de Brasil. Ni siquiera de cómo películas tan densas barrocas y surrealistas pueden siquiera alimentar una arquitectura tan lineal y sólida. ¡Ay Isay! Amamos tu trabajo como el de pocos, si hay algún embajador latinoamericano en el podio de la arquitectura mundial sos tú, el manejo de los volúmenes, los volados interminables, los materiales y espacios en forma contundente y magistral llevan tu firma, pero brindaremos con caipirinha y escucharemos a Caetano a ver si nos recobramos de la sorpresa que supuso tu charla, a ver si logramos captar tu espíritu, que si bien no sabe interactuar con audiencias grandes, sabe ganarse al Four Seasons luego de Mies.
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Felipe Assadi El más cercano quizás en idiosincracia, pero marcando distancia al reunirse con amigos, entre los que se encontraban Aravena, Kengo Kuma, los Sanaa, y algunas luminarias más del firmamento arquitectónico mundial. Muy cálido y demostrativo al explicar el porqué de la arquitectura chilena y su vinculación al paisaje relacionado a la geografía nacional, o el aprovechamiento de pocos recursos para hacerlos lucir como grandes oportunidades, o el disimular intencionados errores de mano de obra poco eficiente que recaen en la historia de todos los días por estas latitudes.
Rafael de Cárdenas Muy cálido y canchero, con 42 años y ascendencia cubano americana, está cumpliendo 10 años de trayectoria atendiendo marcas internacionales como Ford Models, Kartell, Delfina Delettrez, Baccarat, André Balazs, New Museum, o The Standard desde sus oficinas en New York y Paris. Desde chico cuando vivió en New York se vinculó con gente de diversas nacionalidades, y eso atrajo eventualmente cuando creo su firma Architecture at large, a clientes de todas partes del mundo. Ama el pop art, los años 80, admira a Madonna, David Lynch y Ru Paul, pero está firmemente inspirado en la cotidianeidad del presente. De hecho, asegura que “la Inspiración está en la calle: Rich people don´t do cool stuff, but they can buy it”. Cada diez minutos sacaba una frase de política en la conversación, su madre trabajó en la campaña de Hillary y su conferencia fue un deleite de anécdotas con humor de sus años de crecimiento en los polos cosmopolitas de los top designers.
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Dimore Studio De lejos ya se sabe quién lleva los pantalones en el área comercial y quién en el área creativa: Emiliano Salci y Britt Moran se complementan a la perfección y parecen disfrutar de ese contrapunto divertido y audaz que transmiten en sus obras, y se refleja en su vestimenta. Son conocidos por crear ambientes interiores en los que, objetos hechos por maestros del diseño, conviven con piezas contemporáneas creadas de materiales reciclados y muebles artesanales producidos por el taller. ¿Cuáles son sus armas? El uso del color en combinaciones impactantes y la mezcla de estilos de mobiliario. Su charla en el encuentro DArA fue en base a inspiración, y no mostró la calidad y variedad características en sus trabajos, pero si transmitió una gran preocupación por los acabados, texturas, mezclas de estilos que construyen su identidad al proyectar. Tal es su preocupación por la calidad que en los trabajos que abordan en el exterior suelen exportar también la mano de obra, salvo en instancias donde, como en un hotel en Mexico, incluyen artesanías locales que dan prioridad a los oficios de la zona. Es en el área residencial donde vuelan más hacia el rococó nostálgico y los años 80, pero nos acaparó la atención el repertorio de bares y hoteles como el Ceresio 7 en Milán o el Public de Chicago, donde el equilibrio es perfecto y la atmósfera muy contemporánea y cálida.
Extendemos nuestro mayor agradecimiento a DArA y a su comisión directiva por ese enorme esfuerzo logístico, económico, personal e institucional que implica la organización de semejante evento multitudinario en audiencia, referente en expositores, sincronizado en organización y llevado a cabo en espacios tan singulares como en este caso el Centro Cultural Kirchner. Una oportunidad excepcional para vivir de primera mano la experiencia de conocer, preguntar, e interactuar con verdaderos “starchitects”, y encontrarnos con colegas en un ámbito estimulante por demás.
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PRESS
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El mundo de los videojuegos apostó a una oficina con identidad de diseño e impronta lúdica. Un espacio joven conformado en un espacio original e innovador.
Las oficinas de IronHide constituyen un importante desafío de diseño corporativo para una empresa de videojuegos absolutamente revolucionaria en Montevideo. El encargo realizado al Estudio Martínez Rudolph Arquitectos gozó de las mayores libertades creativas y muy razonables condiciones para su ejecución. Esto permitió un diálogo fluido en lo conceptual y ejecutivo a lo largo del proceso de proyecto con los comitentes. Los arquitectos Sebastián Martínez y Nicolás Rudolph, que han sido reconocidos con premios nacionales e internacionales por éste y otros proyectos, establecieron como consigna “un espacio profundo, diáfano, equipado y fuertemente caracterizado”, en base a una propuesta interiorista no investigada hasta el momento desde el punto de vista del diseño.
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En particular, la oficina de IronHide fue premiada recientemente en el concurso “ARQADIA América”, como el seleccionado nacional por Uruguay en la categoría interiorismo. El jurado compuesto por los arquitectos Gabriela Pallares y Flavio Morán lo eligió argumentando en favor de: “Una propuesta de gran claridad formal que se fundamenta en la unificación de apartamentos contiguos generando una espacialidad continua de gran carácter. De una planta aparentemente tradicional o estructurada, en su interiorismo resulta un recorrido lúdico, sensible, matérico, y dinámico. Se valora la generación de un ambiente estimulante sin perder claridad funcional ni homogeneidad de identidad a través de la cinta u oruga policromática, y la banda organizadora. La flexibilidad espacial lograda permite una redefinición eventual de posibilidades y configuraciones de trabajo, que supone un valor agregado adicional para el cliente, y en particular al programa corporativo. El proyecto sostiene en los hechos el discurso conceptual presentado”. El programa exigía espacio para treinta y cinco puestos de trabajo, cómodas salas de reunión, cubículos para vídeo conferencias, una recepción/ biblioteca, un living de esparcimiento, comedor y área de recreación, más una terraza de expansión asociada a los escritorios. La totalidad de las funciones se organizaban en un piso completo de un edificio de oficinas de la Ciudad Vieja. Por su parte, la planta representaba la fusión de cuatro apartamentos. Esto tendía a generar una tipología por defecto desordenada en sus bordes geométricos. El secreto estuvo en homogeneizar las condiciones de trabajo desde algunos recursos compositivos y espaciales.
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Al ingreso, el recibidor, con un potente logo isotipo, segrega el área de entretenimiento del área de trabajo. Esta última se divide en tres sectores: el equipo amarillo, el verde y el azul. Este gradiente va dejando paso al espacio de reuniones, de color violáceo. En tanto, el acceso se torna anaranjado, con un modulado y vivaz living de esparcimiento: a modo de gran sillón equipado. Por último, el helminto transmuta en portal de recepción entre rojizos y bermellones, dando lugar al área de juegos y comedor, guardando aquí un posible espacio de crecimiento para un futuro equipo de trabajo. Así, el devenir cromático dialoga con los usos, codificando el espacio de manera amable y comprensible. Esta relación de colores encuentra cabida en un módulo espacial que acusa recibo en el moqueteado como en la banda articulada que recorre todos los espacios. A modo de apoyo, aparecen pequeñas cápsulas o espacios complementarios como salas de vídeo conferencias, su completo revestimiento en madera da una calidez diferencial al resto del espacio. A su vez, las paredes se convierten en pizarras, superficie de anotación, diversión e invención para los equipos de programación, diseño y creación de la compañía.
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Como singularidad: la distribución general no tiene jerarquías. La oficina carece de dirección, los jefes se mezclan con sus funcionarios en los escritorios del despacho. Esta concepción horizontal también beneficia la interacción entre todos los componentes de la oficina. De esta forma, el espacio del living, el área de juegos asociada al comedor, y la propia terraza con su templada madera, con una característica vista portuaria de Montevideo, son promotores de la intercomunicación permanente.
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Los espacios de trabajo, superando la lógica de despacho celular, se funden en una oficina paisaje o Bürolandschaft. El desafío del proyecto es convertir la oficina en una usina productora de ideas, cuya racionalización depende de operar desde la multiplicación de posibilidades relacionales. Los autores tomaron el concepto conforme lo describían Ábalos & Herreros: “La versatilidad organizativa pasa a ser uno de los objetivos primarios, las reconfiguraciones a lo largo de la vida del edificio deben ser prácticamente ilimitadas” extraído de la publicación de Iñaki Ábalos y Juan Herreros “Técnica y arquitectura en la ciudad contemporánea 1950-2000” (Editorial Nerea, S.A. San Sebastián, España, año 2000). A decir del Quickborner Team (movimiento alemán pionero en la planificación de oficinas abiertas): “La flexibilidad se concibe también desde una perspectiva temporal; así el edificio queda más ligado a la climatización artificial y provisión de energía que a la subdivisión de recintos”. Así, los parámetros organizativos toman cierta independencia de los problemas constructivos y pasan a vincularse con lo que permite el mobiliario. El espacio de trabajo contemporáneo, más supeditado a lo virtual, requiere de un ámbito que rompa la relación taylorista entre elemento y la totalidad física, en una cadena productiva, que ya no recorre desarrollos unívocos.
Premios más allá de la consola de juegos Fue una iniciativa del estudio presentarse al “American Architecture Prize (AAP)” en su primera edición sobre mitad de este 2016, al visualizarlo como “un concurso sólido, con gran proyección internacional y fuertes posibilidades de crecer en el futuro”, comenta Rudolph. Una vez recibida la invitación por parte de la organización del AAP, luego de ver publicaciones en medios americanos como Architizer (dos proyectos), no dudaron en presentarse al ver que el concurso contaba con jurados de la talla de César Pelli, Ben Van Berkel y Zaera Polo. Así, este estudio compuesto por profesionales jóvenes (ambos de 30 años de edad y asociados hace dos) optaron por presentar tres edificios pertenecientes a proyectos de su etapa de estudiantes. En fusión con otros colegas, los miembros de Martínez Rudolph Arquitectos ganaron los siguientes premios en el AAP comprendidos tanto con alcance de diseño arquitectónico como del paisaje: Simbiosis (proyecto Final de Carrera de Sebastián Martínez), fue galardonado como el “Nuevo descubrimiento del año” en la categoría de Arquitectura en el Paisaje, obtuvo premio de oro en la categoría Arquitectura Educativa en el Paisaje y premio de plata en la categoría Arquitectura Educativa. El Proyecto de final de Carrera de Nicolás Rudolph y Leandro Villalba, Monumento, obtuvo el premio de plata en la categoría Arquitectura Cultural, sumándose a la mención honorífica obtenida en 2013 en el concurso latinoamericano “Arquisur”. La Casa de Arquitectura Rifa G07, ganadora del “Concurso de Vivienda 2012”, obtuvo el premio de plata en la categoría Arquitectura Residencial de los AAP 2016. Dicho concurso es una coautoría de los Arquitectos Patrick Apolant, Pablo Canén, Joaquín López, Sebastián Martínez, Nicolás Rudolph, Omar Vila y Leandro Villalba.
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Té &
BARRO para honrar
el encuentro
Morada Mía es una Casa de Té, conectada con lo simple y esencial de la naturaleza, al abrigo de un monte de eucaliptus y un cañaveral, donde la mirada se pierde en la puesta de sol, y donde solo se interpone la silueta de los caballos pastando en el picadero.
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Malala Fotografía
Este emprendimiento dirigido por Alejandra Silva, deja al visitante una sensación de paz indescriptible. Al mediodía y a la tarde ofrece una variedad de tés, infusiones, bocados y exquisiteces caseras cuyos aromas se insinúan apenas se traspasa la portera. Sí, porque es una casa de té de campo, ubicada en la localidad de Sauce (Canelones), a tan solo 30 kilómetros de Montevideo, un lugar por sobre todas las cosas diseñado para honrar el encuentro. Sauces y álamos se suman a los eucaliptus y cañas que se distribuyen por las tres hectáreas del predio, en que el espacio de la casa de té ocupa 35 m2 asentados en barro y rodeados por un deck donde la mansa contemplación y la reflexión son un verdadero regalo. Una huerta de hierbas aromáticas, que Alejandra armó al abrigo de la galería de su casa, del otro lado del picadero, provee de romero, orégano, lavanda, ciboulette y tomillo, y son la base para la elaboración de las especialidades que transmiten gran dedicación y el concepto slowfood en todo su esplendor.
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Así, desde el almácigo al plato, tomate, morrón, albahaca y calabaza son parte fundamental de la propuesta gastronómica, que, cultivados allí, hacen la diferencia en la elaboración y presentación de platos y bocadillos. “Solo luego de mi mate dulce, meditar y agradecer poder escuchar el concierto diario de los pájaros, comienzo cada día. El cosechar, elaborar el menú y agenda de reservas, coordinar los talleres y ocuparme de mi hija, intercalando también congresos y capacitaciones del acompañamiento equinoterapéutico para mantenerme actualizada en la formación, son mi razón de ser”. Una estufa a leña, un cristalero antiguo y una fusión de sillas que abarcan desde versiones de los años sesenta a otras más actuales y rústicas, hacen a un interior sumamente “cozy”, entre manteles floridos y piezas de vajilla antigua. Los accesorios y muebles antiguos fueron encontrados en remates y subastas, otros fueron regalos de gente allegada. Permanentemente Alejandra incorpora nuevas piezas y juega con decenas de combinaciones, las encuentra, la encuentran, o le llegan de parte de quienes piensan que en Morada Mía tendrán un uso más emotivo.
Una casa de té construida como minga-taller Se le llama así a la modalidad que varias comunidades nucleadas en torno al compromiso con la biodiversidad y el valor humano que la sostiene, se organizan en equipo para construir y proyectar un estilo de vida en contacto directo con lo autóctono de un lugar. “En esta minga taller nos dio una gran mano Francisco Nuñez, tanto en la organización como en el desempeño de las tareas. No tuve más que avisar que nos juntábamos para empezar la revocada, de lo que hasta entonces era un rancho solo de paredes de caña, y fue una jornada increíble. Fue un gran empuje para tomar impulso, y ver hecho realidad el sueño de una casa de té para ofrecer almuerzos y meriendas de campo”. Alejandra y su familia participaron de todo el proceso de construcción de Morada Mía. Con las propias cañas del cañaveral se levantaron las paredes, que luego fueron revocadas con barro, a través de una mezcla amable con la fibra y el abono necesario. Así, con el plano en la cabeza y pisando el barro, se conformó un espacio sumamente acogedor, con la tierra que se impregna en todos los sentidos. Los ventanales y vitrales estaban allí abandonados, probablemente de una construcción anterior, “los restauramos y le devolvimos su función”, comenta Alejandra, recordando emocionada cuando junto a sus pilares (su marido y su mamá), tíos, primos, amigos y hasta un vecino, que sin conocerlos en profundidad les regalo un fardo grande de paja para el adobe, la casa de té quedó finalmente en pie. “Jamás había visto a mi madre pisando barro. Terminamos con un fogón mate, y naturalmente con una ronda de devoluciones de mucho amor, nunca olvidaré esa tarde” agrega. Tan solo antes de que la construcción en barro se pusiera de moda, para desarrollar su técnica Alejandra acudió a los más sabios, a sus abuelos, a sus tíos, y a todos aquellos que pudieron contarle sobre la conexión con la tierra en el acto de construir. Recuerda aquel rancho de barro de su tío Carlitos, los fogones con interminables tertulias, que vaya si fueron dignos de aprendizaje, ese mas puro, el que se compara con un oficio que se transmite de generación en generación. doble ALTURA·58
Las palabras escritas a mano en un eucaliptus son de origen hawaiano. Remiten a una técnica de resolución de problemas basado en la reconciliación y el perdón. “Yo estoy convencida que esas palabras tienen una vibración que trabaja aspectos importantes como el amor, el perdón y el agradecimiento. Escribí las placas a mano y las coloqué al amparo del bosque, en la entrada, y sé que solo con el hecho de leerlas hay aspectos que comienzan a trabajar en cada persona que nos visita. Siento que de algún modo este espacio tiene un poco de todos, y sus paredes guardan cada huella de nuestras manos”. reflexiona Alejandra.
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“Reconocimos la generosidad de la Madre Tierra. Le pedimos permiso al lugar, lo intervenimos con amabilidad, entendiendo que todo lo que había por algo estaba allí, como esperándonos”.
Pero Morada Mía es mucho más que una casa de té. También es un centro de desarrollo personal asistido con caballos. Poder trabajar con este animal fue un sueño perseguido desde hace tiempo por esta joven emprendedora, quien obtuvo la certificación del Centro Pacagua (La Plata, Argentina) especializado en formación a través de caballos. En su Uruguay natal, este es el lugar que eligió para ver crecer a su familia y a la vez poder desarrollar una técnica de sanación y autoconocimiento a través del contacto con el caballo, no la tradicional equinoterapia, sino un coaching a pie del caballo, sin montarlo. Y fue este vínculo con el caballo que dio paso y nombre a Morada Mía, espacio que destina también a talleres, jornadas de campo, encuentros de yoga y meditación. “Tengo dos yeguas que conviven muy cerca de nosotros. Ellas pasan su tiempo en el campo, tranquilas. Todos los días conecto con ellas, ya sea entrando al corral para ejercicios, o llamándolas al son de una melodía que les suelo chiflar. Son parte importante de lugar, de nosotros, y de visitantes que han estado por aquí”.
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Una infusión de pomelo, jengibre y menta, y luego un fresco abreboca en base a yogurt natural con mix de frutos secos y de estación, son detalles de una cordial bienvenida a esta original fusión entre el té y el barro. Morada Mía - 091993248
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DAd ARTE Y ARQUITECTURA Fotos | Gastón MONTERO
El horizonte de Kröger Una charla con Diego Kröger nos introdujo en un arte bien propio de la riqueza de nuestra costa. Desde su taller en Cabo Polonio, eje y excusa de sus paisajes, traza casi sin excepción una línea materializada por el grafismo, el color y la textura cual el horizonte. Este artista de 58 años, disfruta y pasa allí muchos días de su vida, que son hoy inspiración y fundamento para su perfil más abstracto, donde crea sobre la arena composiciones cargadas de materiales propios de esta mágica playa rochense. En la pintura de esta colección de temporada 2017, una línea casi perfecta aduce una división entre el arriba y el abajo, a veces levemente curvada, replicando la curvatura de la Tierra. Se repite, Diego la incorpora mecánicamente y se siente muy cómodo con ella. “Si no tengo esa línea ahí, siento una pared que me golpea. Es como un horizonte que me deja mirar más allá”. A los 9 años comenzó a transitar el arte, el que disfrutaban y fue fomentado por sus padres. Si bien hizo un fugaz paso por el taller de Clever Lara, se define como un autodidacta, trabaja solo, y dedica a él su forma de vivir, del que recogió intensas experiencias y grandes amigos. doble ALTURA·62
Depuró su técnica primero con el óleo, después con el dibujo, luego con ambas a través de un enfoque figurativo, y ahora transita una etapa en pintura más abstracta que la de hace unos año en paralelo al reciente descubrimiento de la escultura. “Pasé por todos los caminos de las técnica, óleo, pastel, acrílico, acuarela, técnica mixta. Soy bastante inquieto. Me valgo de todo a la misma vez. El arte es algo así, uno arranca y nunca sabe hacia donde el camino te lleva. Se va mezclando acrílico con el dibujo, la pintura con la escultura, fui armando una vida de arte pero sin un camino trazado a priori”.
En la preparación de sus trabajos de temporada, una serie nueva con paisajes sencillos, que define como “de grandes formatos azules y blancos, trazos alegres y luces visibles, decorativos y poco comprometidos. El pintor siempre trata de transmitir algo, de decir o avisar algo, que pasó o qué va a pasar. La pintura decorativa, es suave, linda, enérgica pero sin remitir a nada especial”. ¿Parado ante un lienzo, como empieza a dibujarse? Cuando yo preparo estas atmósferas medias soñadoras me enfrento con las manos a la tela blanca, no uso pinceles ni lápices, simplemente el pomo, la paleta y los dedos. Primero hago una base con mis manos y luego los toques que le dan el arraigo de situarlo en la tierra. Voy de la base al detalle.
De la figura humana al paisaje, ¿qué cambió en ti? Muchos años trabajé la figura humana y en particular la figura femenina, con diferentes clases de matices para distintas exposiciones. Sin embargo, el repertorio más actual se centra en el paisaje porque me hace sentir más suelto. La representación humana es muy estricta, requiere mucha perfección, mucha luz. A través de la representación del paisaje parto de la libertad en mis manos. Uno al principio invierte mucho en que la gente valore el trabajo, que la figura humana sea perfecta y que el paisaje sea exacto, hasta que llega el momento en la vida de mi pintura que empecé a soltar. Hace unos 10 o 12 años ya que me siento suelto, y no podría volver para atrás. Es propio del proceso de la maduración personal. ¿Cuándo ponés fin a un cuadro? Cuando me llega la comodidad con él. Nunca me pasó de tirar un lienzo. Incluso he llegado a sentir interés por la reformulación luego de haber tirado encima querosene para corregir un error, y ahí me meto de nuevo. A partir de ese error he sacado grandes trabajos. Lo busco porque de lo malo, siempre hay algo bueno. Mi trabajo es duro, empiezo y termino, un cuadro puede llevarme un mes porque tengo paciencia, pero también una hora y media.
DAd ARTE Y ARQUITECTURA
“Produzco según lo que me pide mi corazón. No preparo exposiciones ni pedidos puntuales. Voy viviendo y haciendo”.
Esculpir barcos empezó sin planificación, embarcándose casi de casualidad en un mundo que lo atrapó al instante de comenzar lo que sería su primera obra. Hace unos cuatro años, eligiendo piedras para el piso de su casa en el showroom de Giovanni Ruffo, y al ver una montaña de mármol pudo meter mano y testear que el material no tenía la dureza que parecía. Así se llevó la primera piedra que se convirtió luego de una semana en su primera pieza: un barco. “Quedé enloquecido, porque detecté que era un material que podía manejar como quisiera, super moldeable. Le puse un foco encima y parecía encandilar su presencia. Eso es impresionante”. Con la mecánica adquirida continuó armando originales en madera y luego desde una postura creativa continuó coordinando trabajo con herreros, fundidores que le producen, al estilo tradicional, las cascaras que luego Diego artesanalmente suelda, da forma, pulida y terminación en su taller de arte sobre la ruta 101 (Canelones), donde ni el granito, el mármol, el bronce, el cemento, el barro, ni el hierro forjado quedan libres de transformación. Allí Diego alterna desde grandes amoladoras, martillo neumático, aire comprimido, grúa, todas herramientas que le permiten trabajar incluso materiales de mucha dureza como el granito negro. “Descubrí que la escultura es mil veces superior a la pintura en lo que queda al final de la obra, en la materialización 3D que evoca, el trabajo ‘duro’ propiamente dicho te lo devuelve sobrado”. Así, entre tantas exposiciones y reconocimientos recibidos, llegó el primer premio en categoría ¨Escultura¨ de la Bienal Internacional de Arte Contemporáneo (Argentina, 2012).
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En este interior, Kröger exhibe sus esculturas apropiándose del sentido del espacio y no solo la disponibilidad de una superficie. A diferencia del formato y apreciación frontal de la pintura, la escultura necesita varios puntos de vista para la comprensión, y así una serie de nichos iluminados con base revestida en madera, diseñado por la arquitecta Raquelina Butler, conforman los soportes perfectos para ser, en este caso, parte de una colección de barcos y otros trabajos individuales, generados especialmente para cada pieza. El espacio se complementa con un gran formato, hecho en la arena misma de Cabo Polonio, fusionando minúsculos restos recogidos de la arena que previamente selecciona en montones de conchillas, almejas, pedacitos de huesos, vidrios, y une con resina poliester. “Esto lo armo en la arena y a gran velocidad para optimizar el contacto de los materiales con la resina. Me llevó menos de 40 minutos, tacho, catalizo y en ese tiempo una verdadera experiencia de creación pura, solo, caminando a su alrededor para transformarla en paisaje”. No considera poseer la capacidad que tiene un maestro para transmitir lo que sabe, a pesar de haberlo intentado, invitando a amigos a su taller ubicado en la buhardilla de una antigua casona de la calle Arocena. Era un formato de taller abierto, pues no cobraba, pasó mucha gente por allí pero sintió que su faceta productiva le ganaba ampliamente a la docencia, por su fuerte claridad en saber lo que técnicamente busca. Diego va andando, no tiene destino, va descubriendo cosas nuevas a su paso. En verano la nueva colección podrá verse en la galería Los Caracoles de José Ignacio. Internacionalmente accede directamente a coleccionistas privados dependiendo exclusivamente de la situación coyuntural de Europa, donde se encuentran sus potenciales clientes, haciendo escala en San Pablo como punto neurálgico de interés regional. Viaja, pero no por arte. Por nada cambia tomar de sus montañas de almejas lo necesario para colmar de textura sus lienzos, caminando descalzo a su alrededor, pisando la arena del Polonio. La brocha gorda en sus manos produce uno de los cielos más esfumados y pacíficos de la costa uruguaya.
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Trans paren cias
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Fotos | Chino PAZOS
Tal la reina en el tablero de ajedrez, la cocina oficia de pieza casi fundamental de esta residencia. Todo gira en torno a ella, y es a través de la cual se transparenta cada uno de los ambientes. Un gran balcón a la costanera intenta sumergir toda vivencia en la arena, digna de la cercanía de tan profundo mar.
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DAd LIFESTYLE Montevideo Los antiguos chalets de veraneo que visten de historia la rambla de Carrasco, se mezclan amablemente dentro de su carácter patrimonial con apuestas arquitectónicas de corte contemporáneo. Es el caso de esta casa de dos plantas, que el arquitecto Hassen Balut conformó en una única construcción para dos familias. Con 300 metros cuadrados cada planta, se optimizaron dos niveles bien definidos, resultando un volumen tan compacto esculturalmente como permeable a las visuales hacia la costa. ¨Quisimos sentir que estar en el living de nuestra casa fuera casi como estar en la arena¨, asegura su propietaria. La particularidad se torna en la cocina como espacio central, donde una gran isla a través de la combinación de mesadas en dos niveles oficia de mesa de comedor a la vez de superficie de elaboración. El diseño fue realizado por los arquitectos Boica Dugonjic y Gabriel Pandolfi pero para el espacio de la firma Todeschini en la muestra Casa Cor del año 2011 llevada a cabo en San Rafael (Punta del Este), e increíblemente tal ¨amor a primera vista¨ de sus propietarios, calzó a la perfección en este espacio, no solo por sus dimensiones sino por el protagonismo que le querían dar a este espacio de la casa. La cocina lo es todo para esta familia joven que alterna su vida entre Montevideo y Los Ángeles, ya que a partir de ella imaginaron el gran espacio de 10 x 8 metros que abarca también el recibidor, un patio interior y el living con una apertura total hacia el mar. ¨Propusimos conexiones y circulaciones plasmadas en papel porque nos encanta diseñar, y soñamos todo el funcionamiento¨, recuerdan. Luego Balut los interpretó sus ideas de la mejor forma, y el resultado está a la vista, sobre todo en el jugado concepto volumétrico, un afinado estudio en las proporciones, distribuciones, terminaciones y recursos espaciales con su estética tan particular. Una gran isla combina sector de elaboración y espacio para recepcionar varios comensales. Los frentes vidriados de sus puertas y cajones, como también las de los módulos vidriados en la pared posterior que alojan despensas, hornos y placares con el equipamiento para el lavado de ropa, son en tono hielo. La mesa en textura madera color tagliatto.
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En particular, en esta primera edición de Casadeco se buscó concentrar en un solo lugar esta nueva visión del diseño, y por consiguiente, la estética aplicada a entornos cotidianos. En todo momento se respiró un aire cargado de ¨pasión por el diseño¨, concepto con que sus directoras generaron la idea principal, ya desde meses anteriores. Ellas son tres mujeres, que se unieron potenciando sus talentos personales en búsqueda de otorgarle a la ciudad y al sector un evento sin precedentes. En el marco de la creatividad y una gran convocatoria, intentan posicionarse en el circuito de las muestras regionales de diseño. Expresiones como “si se puede”, o “no parece Uruguay”, fueron algunos de los reiterados comentarios que se escuchaban entre los visitantes impactados por la apuesta.
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Los interiores fueron concebidos a partir de una transparencia total, no obstante, guardando la privacidad necesaria algunos espacios se atreven a conectarse con vidriados tan sutiles como definidos. En las terrazas, cerramientos de tipo celosías de madera, aportan planos a media luz según como peguen en ellos los rayos de sol. También desde los dormitorios, incluso desde la ducha del baño principal puede verse el mar. Los baños, fueron totalmente revestidos en travertino arenado de 60x40 cm. Un patio interior, permeable en ese sector de la medianera también con el recurso de cerramiento-celosía, es testigo de un par de olivos en grandes macetas, que otorgan el toque verde a un espacio que sin grandes dimensiones se lleva todas las miradas, ya desde el acceso, en conexión total con la cocina y con una luminosidad tan vibrante como cambiante según el momento del día. Tanto los pisos de cemento lustrado como el color estuco (de Traquini) aplicado en absolutamente todas las paredes interiores, permiten leerse como una fiel continuación con la arena de la playa, balcón mediante al otro lado de la rambla, que era uno de los objetivos.
Uno de los sillones blancos es de Zara, el otro, al igual que los almohadones peludos y las lámparas de pie son de Anthropologie, una tienda por departamento muy conocida de Los Ángeles. Algunos accesorios traen a la memoria momentos con viejos amigos, como un cuadro de Hugo Arias en el frente de la estufa y las sillas del comedor, diseñadas hace muchos años por el decorador y modisto de alta costura uruguaya José Pedro Giordano Mazzulli. Ambos entrañables amigos de la familia continúan presentes en el diario vivir. doble ALTURA·70
Pareciera que lo súper etéreo del cristal y lo robusto de la madera han recompuesto su vínculo. Los dorados, bronces y cristales conviven holgadamente con macizos de madera en mesas y escritorios, sea develando la veta natural u ocultándola en los laqueados. Que mejor comunión que la brisa costera y el redoble del chico al margen del ventanal principal. Se confunde el adentro y el afuera, y se extiende a lo largo del balcón totalmente transparente de 8 metros de largo la vista de una infinita rambla. doble ALTURA·71
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“La decisión del color neutro se basó en lograr esos espacios de silencio y tranquilidad que tanto se necesitan para desconectar, son tonalidades cálidas que colaboran a armonizar con aromas frescos, que evocan estar en medio de la naturaleza, pero a su vez en el interior de nuestro hogar.” agregan los propietarios.
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El
París de
HAUSSMAN
El segundo piso de un edificio típicamente parisino de 1903, alberga un apartamento post-haussmanniano, que abre los ventanales de sus habitaciones principales sobre las hojas de los tilos de una de las calles comerciales más chic del “XVI Arrondissement” de París. Se ubica en uno de los barrios más residenciales de la ciudad, a orillas del Sena, muy visitado por los turistas amantes de arquitectura. Dista nada menos que a escasos metros del célebre Hôtel Particulier del arquitecto Hector Guimard (obra maestra del Art Nouveau), de la Maison La Roche de Le Corbusier, del Studio Building de Henri Sauvage y también de las realizaciones modernistas de Mallet-Stevens. Culminado en 2014, tras la intervención de restauración del arquitecto italiano Gianluca Caputo, el apartamento de 195 m2 ha retornado al espíritu y al lustre de la época de su construcción, recuperando la lectura de la distribución tradicional de los espacios, sin sacrificar por doble ALTURA·74
esto las comodidades de una residencia moderna. Los propietarios quisieron devolverle funcionalidad respetando su concepción de origen, consigna que Caputo (nacido en Sicilia, graduado en Venecia y radicado actualmente en Francia) logró de forma fiel y con extrema meticulosidad, contemplando requisitos propios de sus clientes, valiéndose de técnicos especializados en restauración interior, y atendiendo a su impronta profesional vinculada principalmente a la reformulación de teatros tradicionales de Francia (como el célebre music hall Les Folies Bergère o el teatro Marigny en los Champs Élysées, por citar algunos), y también de hoteles antiguos. Todo resulta de una investigación arquitectónica, en el caso de la vivienda como “unidad básica del tejido construido”, dirigida
por el principio de flexibilidad: “como las distintas modalidades de uso de los espacios, ya sean viviendas, edificios públicos o intervenciones de escala urbana, evolucionan continuamente, la arquitectura debe responder a estas mutaciones rápidas, ya que la sostenibilidad no se mide sólo en relación con el impacto ecológico de los materiales y con los gastos de energía, sino con respecto al ciclo de vida de un edificio, que depende de su capacidad de adaptarse a las nuevas exigencias”. Esta postura, que comparte con la intervención en edificios donde la historia dejó rastro, le permite ir más allá de la pura tendencia estética del momento.
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Una búsqueda documental Una previa pesquisa de tipo documental sobre las tipologías y las características de las residencias haussmannianas fue necesaria para comprender y respetar lo más posible la organización espacial del apartamento. Simple, armoniosa, y en forma de L, ubica los espacios sociales del lado de la calle y los dormitorios hacia el patio interior. La galería de entrada, revestida en estuco clásico y neutro, distribuye las tres habitaciones de recepción en cruz: el salón, de estilo Luis XV, con un bajo relieve en el techo representando a Anfítrite en su carro acompañada de criaturas marinas, escena que invita a la distensión y a la conversación; la biblioteca o sala de fumadores adyacente, de un más austero y masculino estilo neo renacentista; la tercera y última pieza, un ambiente más íntimo decorado en Luis XVI, originariamente el comedor de la familia (hoy trasformado en dormitorio de visitas). Cabe señalar la persistencia aún al principio del siglo XX de la distribución a la francesa de las habitaciones que, organizadas desde lo público a lo privado, van reduciéndose de tamaño. Si este apartamento preserva una organización espacial tradicional, no es por ello menos moderno. La cocina ya no está en el fondo del apartamento sino frente al salón, lo que permite una organización más simple de la vida doméstica. De esta forma la zona de los dormitorios, consagrada a la intimidad, da a un patio arbolado y calmo, lejos de las perturbaciones de la vida pública y de las funciones domésticas. Más allá de las intervenciones técnicas demandadas por la nueva distribución, se han conservado, restaurado y valorizado todos los materiales y elementos originales como el piso en parquet de roble, molduras, estucos, vitrales, ebanistería y herrajes. Se fusionaron piezas de mobiliario de principios del siglo XX con otras contemporáneas en los espacios principales, los ambientes secundarios, la cocina y los baños recibieron un tratamiento decididamente contemporáneo.
La estética de los espacios sociales que parece a primera vista ecléctico, corresponde a los distintos momentos sociales de una familia burguesa de comienzos del siglo XX.
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Muebles que retornan al origen La gran galería de entrada, definida por un decorado sobrio y elegante representa la primera etapa de acogida. Se instalaron aquí dos butacas de sicomoro Liberty de Hugues Chevalier de estilo Art Déco, tapizadas de terciopelo color celadón (celeste típico de la porcelana china). Los objetos y cuadros de este ambiente son la invitación misma al viaje. Se destacan un mapamundi luminoso modelo Duo con Atlante de Columbus (1958) y una serie de estampas de Alexandre Iacovleff provenientes del volumen de dibujos y pinturas de África ejecutados durante la Expedición Citroën Centre-Afrique (1925). Con respecto al salón, se eligió poner en valor el decorado de origen, de estilo Luis XV, integralmente conservado. Los estucos del techo recibieron una pátina delicada que mejora la legibilidad de los bajo relieves, mientras los detalles del tremó de madera que corona la chimenea de mármol blanco se acentuaron por la aplicación de hoja de plata, así como las sobrepuertas y los paneles que dan ritmo a las paredes. Los herrajes, después de ser decapados, fueron patinados de color latón envejecido así como los termostatos de los radiadores de hierro colado, éstos últimos pintados de gris plateado, color que define también la persiana en la boca de la chimenea. El centro de la habitación está marcado por una mesa baja de acero cromado y vidrio de los 70’ atribuida a Benoît Melk, alrededor de la cual se hallan la “cama de día” de cuero marrón Barcelona de Mies van der Rohe y el sofá Dominique de Hughes Chevalier de sicomoro y cuero agamuzado color teca. A lado de los ventanales se dispusieron, de un lado, la lámpara de pie Fortuny de Mariano Fortuny para Palluco, y del otro, un secrétaire de acajú de los 50’ atribuido a Giò Ponti. En el medio, una máscara de Borneo sobre un pedestal de galuchat. En la pared opuesta, una preciosa enfilade de palisandro de los años 30’ con bocallaves decorados de bronce dorado.
El comedor, al cual se accede desde el salón por unas puertas dobles vidriadas e igualmente desde la galería, termina en un luminoso mirador, cuyas cortinas de círculos plateados de Kenzo son idénticas a las del salón. Se eligió tratar con láminas de plata también el rico decorado de estuco de estilo neo renacentista de esta pieza, salvo las dos salamandras doradas de la puerta hacia el salón. En el centro de la pieza se ha dispuesto una gran mesa de comer Synapsis de PraL laqueado marfil y estructura de acero cromado de Jean-Marie Massaud para Porro, rodeada de sillas y butacas de distintas épocas: dos Bridge de los 50’ de terciopelo violeta púrpura, dos sillas de roble con asiento de cuero sintético verde de Maurice Pré de final de los 50’, y las más recientes butacas Cab de Mario Bellini para Cassina en cuero rojo pardo. La biblioteca USM Haller de metal beige y vidrio transparente que bordea la mesa, tras recordar el uso original de la pieza, alberga la colección de modelos de autos de época del dueño. La habitación está alumbrada por una araña oval Candles & Spirits de Brand van Egmond, cuyos cristales Swarowski juegan y compiten con los detalles plateados del techo de casetones. doble ALTURA·78
La restauradora Pascale Gransard aplicando la hoja de plata en el techo del comedor.
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El rojo frambuesa es el color dominante del dormitorio principal, alumbrado desde el patio interior, al cual se accede desde la galería de entrada. El armario de palisandro de Maurice Alet es de los años 30’, las lámparas de lectura a los costados de la cama así como las mesas de luz en tubo de acero pulido curvado y palisandro diseñadas por Marcel Breuer son de Thonet. Sobre la chimenea domina un busto de yeso, retrato de Juliette Récamier, copia de la obra de Joseph Chinard, acompañado por los numerosos desnudos femeninos en las paredes. El estudio de la propietaria, adyacente al cuarto, es una habitación privada. El rojo violeta de las paredes, que contrasta con el mobiliario laqueado blanco deliberadamente simple y práctico, crea un ambiente acogedor y concentrado y revela la fuerte personalidad de la ocupante. La araña de caireles metálicos color hierro, que contrasta con los motivos delicados de la cornisa del techo, subraya una vez más el carácter práctico y privado de la habitación. En la cocina, equipada por Bulthaup, se privilegió la practicidad de uso, lo que resultó en un aspecto decididamente contemporáneo caracterizado por tres colores sobrios: el pardo cobre de las baldosas de gres, el blanco de los frentes y del peto de la cocina y de la mesa Tulip de Eero Saarinen para Knoll, el gris del acero inoxidable y del aluminio de la mesada y de las paredes de enduido de cal. La única nota de color vivo se confió a las sillas de metal laqueado azul de Mallet-Stevens para Ecart International, que combinan con la persiana veneciana.
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DAd LIFESTYLE París Desde el dormitorio matrimonial se pasa directamente al baño principal, accesible también desde el pasillo de servicio, que distribuye los aseos y las otras habitaciones. Los placares de medida de madera pintada forman un nicho que acoge la mesada de lavabos en mosaico de vidrio rojo pardo con matices rosados como los revestimientos de la ducha de mampara transparente en frente de los lavabos. Una mesada de maquillaje del mismo acabado se obtuvo en un segundo nicho a lado de la ventana.
El resultado, lejos de ser una reconstrucción estéril, refleja de forma plena la personalidad de los propietarios, sensibles al mobiliario de diseño, particularmente a los muebles de los años 30’ y 50’, donde el trabajo de Caputo encontró una escena muy rica para la elección y valorización de detalles, y no en vano suman en la experiencia de volver a vivenciar un apartamento de principios del 1900. doble ALTURA·82
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Iluminando memoria
El sábado 1º de octubre, en el marco del Día del Patrimonio, la Comisión Asesora de Patrimonio de la Sociedad de Arquitectos del Uruguay (SAU) presentó el proyecto Iluminando Memoria en la Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo (UdelaR). La iniciativa tiene como finalidad poner en valor edificios, monumentos y espacios públicos patrimoniales por medio de su iluminación. Varios organismos y empresas se sumaron al proyecto, y esperamos con la sensibilidad pertinente, que otros también lo hagan a la brevedad, ya que solamente fue el puntapié inicial de una gran movida de la arquitectura hacia la comunidad, y viceversa. doble ALTURA·84
Ese día, en el Salón de Actos de dicha facultad, hicieron uso de la palabra el Dr. Arq. Gustavo Scheps (decano de FADU), Dr. Arq. Juan Articardi (presidente de la Sociedad de Arquitectos del Uruguay (SAU), y el Sr. Carlos Varela (alcalde del Municipio B). Sobre las 20 horas, se proyectó sobre la fachada de la institución un video que representaba “la lucha entre la oscuridad y la luz, entre lo que decidimos olvidar y lo que elegimos mantener en el recuerdo”, tal se describió en la memoria pertinente. Al finalizar el encendido en forma provisoria de la iluminación de la fachada sobre Bulevar Artigas, se visualizaba la puesta en marcha del proyecto de iluminación definitivo, para que pase a ser permanente y así destacarlo en el paisaje nocturno de la ciudad. Este primer paso, o “primer gesto” como lo llamó el presidente de la SAU, contó con el esmerado apoyo de la propia Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo, su decano y asistentes académicos, su cátedra de Acondicionamiento Lumínico, los electricistas, responsables por Udelar del edificio, su Comité de Patrimonio y el Servicio de Medios Audiovisuales. También de empresas auspiciantes como Philips, Urulamp, Fivisa, Electro Uruguay, Nova Construcciones, Darko, Lyte, Eduardo Chiappe (división Ecoeficiente), el Municipio B, el Ministerio de Turismo, el Ministerio de Industria, Ministerio de Educación y Cultura, Ministerio de Energía y Minería, UTE, la Intendencia de Montevideo y consejos vecinales. Por otro lado, un equipo se nucleó desde la SAU, al que se adhirieron particulares de forma colaborativa con el único interés de llevar esta idea a su concreción, encabezados por el arquitecto Alberto Leira, pilar fundamental en la conjunción del proyecto con los organismos y demás colaboradores.
Se cuidó que la instalación lumínica respete las líneas arquitectónicas del edificio, evite efectos de contaminación y obtenga de la propuesta una acción sostenible en el tiempo.
Así, con un “se hizo la luz”, fuimos testigos de cómo se revaloriza un edificio patrimonial de elevado diseño y excelente ubicación mediante su iluminación, que como se estableciera en la iniciativa del proyecto pretende “potenciar la seguridad y calidad del entorno barrial y el espacio público donde se implanta la obra. La acción será valorada además como construcción de una percepción nueva y valiosa en el horario nocturno de edificios patrimoniales, de modo tal de poder consolidar e intervenir en ciertos puntos de referencia de la trama urbana, que puedan expresarse como elementos singulares y a su vez que promuevan en el tiempo la generación de conjuntos iluminados de alto valor estético y simbólico. La iniciativa pretende además ser modelo para que estas acciones puedan replicarse por otras iniciativas desde otros ámbitos tanto público como privados”.
Foto Ignacio Ferrari
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Foto Ignacio Ferrari
Previo a la intervención se recopiló toda la información histórica, gráfica, fotográfica y documental posible para obtener un profundo conocimiento del edificio y del lugar de emplazamiento. Plantas, fachadas, cortes, detalles, instalaciones, memoria descriptiva, cálculos y simulaciones reales, plantas luminotécnicas y eléctricas realizadas por técnicos especialistas, además de catálogos y especificaciones técnicas de los materiales como también equipos utilizados, manual de mantenimiento y operación del sistema lumínico fueron los recaudos y documentación abordada.
El proyecto Iluminando Memoria pretende la participación de instituciones público-privadas tanto para su selección como para su implementación y mantenimiento. El proyecto debe ser sustentable, lograr que la inversión cumpla con los objetivos planteados sin generar una mayor erogación por consumo de energía, para lo cual se plantea utilizar paneles fotovoltaicos. El objetivo se pliega a la revalorización de los edificios patrimoniales, al rescate de la memoria colectiva, a dar mayor seguridad en el entorno y establecer circuitos turísticos. “Para ello creemos que debemos unir esfuerzos con distintos actores de nuestra sociedad, interesados y preocupados por los temas patrimoniales y la memoria colectiva e involucrar a los ciudadanos en general. Seguiremos trabajando en forma colaborativa y están todos invitados a participar. Estamos seguros que la forma de hacerlo es en equipo y sumando la energía de todos los interesados en el patrimonio y la ciudad”, concluye Leira. Deberíamos ocuparnos todos de valorar de sobremanera estas iniciativas que, como en tantas otras ciudades del mundo, enaltecen la buena arquitectura, logrando hacerla partícipe de nuestra memoria a través de la historia edilicia de los más importantes íconos. Y no hablamos de hechos flagelados ni sucesos instantáneos, sino de verdaderos referentes que siempre han estado allí, que fueron talentosamente erigidos, y hoy necesitan de un tratamiento comprometido gestionado por los altos mandos, para que sus siluetas continúen destacándose incorporando los códigos actuales del avance, dignos de una comunidad globalizada y conectada como la nuestra. doble ALTURA·86
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DAd DATE UNA VUELTA
Uruguay en la
semana
argentina de
diseño
La Asociación de Diseñadores Interioristas Profesionales del Uruguay (ADDIP) dijo presente en la gran movida de diseño que se llevó a cabo en Buenos Aires en la segunda quincena de octubre.
En IFI Meeting 2016 estuvieron representadas las asociaciones de: Uruguay (ADDIP), Argentina (DArA), Puerto Rico (CODDI), México (SMI), Chile (AdD) e IFI Internacional.
Un comité de dicha institución viajó especialmente para presenciar el 5to. Encuentro de Diseñadores de Interiores Argentinos Asociados (DArA), con diseñadores de la talla de Felipe Assadi, Studio DiMore, Isay Weinfield, Rafael de Cárdenas, Neri & Hu, Carlos Ferrater y Piero Lissoni. Especialmente invitados en la inauguración de Casa FOA, ADDIP manifestó las felicitaciones al Presidente de DArA, el arquitecto Julio Oropel, y al diseñador José Luis Zacarías, por una nueva Medalla de Oro en la exposición que se desarrolló esta vez en el Palacio Cabrera. Por último, participó del IFI Meeting 2016. Este año, ADDIP cumple 30 años como miembro pleno de IFI (The International Federation of Interior Architects/Designers), donde se trataron temas como la sinergia del interiorismo a nivel latinoamericano y la generación de nuevos vínculos entre los países asistentes. La presidente, Arq. María Elena Salinas, visitó a las autoridades de IFI en julio, proponiendo un acercamiento a Latinoamérica.
En función de esta propuesta, y en ocasión de la Semana del Diseño en Buenos Aires, ADDIP organizó junto con DArA Argentina -quien gentilmente cedió su sede para tal evento- una reunión con representantes de IFI Internacional y directivos de asociaciones latinoamericanas. En la misma se presentaron propuestas de intercambio de beneficios adicionales y se generaron vínculos entre los países asistentes. Para concluir este año sumamente positivo desde el punto de vista institucional, es ya un hecho la realización de la Cafetería ADDIP en un espacio designado en la sede, con el objetivo de llevar a cabo reuniones de trabajo y encuentros con clientes, provisto con muestras de productos y terminaciones que el mercado ofrece, en la comodidad de la casa que representa el interiorismo profesional de nuestro país. Varias empresas y técnicos están brindando el apoyo para hacerla realidad. ADDIP agradece especialmente a todos aquellos que lo están haciendo posible. doble ALTURA·88
DEO I V E T MON
o sadec a C r oga ExpoH
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ogar ExpoH
La exposición que superó su propia marca El showroom más grande de Uruguay en lo que respecta a equipamiento para el hogar abarcó líneas de revestimientos, tecnología, baño, cocina, grifería, menage, electrodomésticos, blanquería, pinturas, jardín, estufas, piscinas, iluminación, electricidad, mobiliario, reciclaje, sistemas de acondicionamiento y ahorro energético, juegos infantiles, viviendas modulares, etc, todo en un formato expositivo donde cada empresa desarrolló sus espacios mostrando e informando de primera mano sus características y prestaciones a los visitantes. ¡No faltó nada!
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ogar ExpoH La séptima edición de ExpoHogar fue en octubre y esta vez en la Rural del Prado, una nueva locación para esta propuesta que se desarrolla bianualmente. En particular, en esta edición, se hizo en paralelo con ExpoOutdoor, que incluyó todo lo referido motor-homes, equipamiento y dispositivos para disfrutar la casa, el deporte y el ocio al aire libre. ExpoHogar tomó otra dimensión en 2016 con una efectiva campaña de comunicación radial, televisiva, gráfica, digital y vía pública. Felicitamos a Proyectos & Promociones, empresa organizadora de la exhibición, pues superó la concurrencia de ediciones anteriores con 38.879 visitantes en dos fines de semana (de los cuales 21.476 fueron visitantes exclusivos de ExpoHogar), en tan solo 52 horas de exposición. Fueron más de 100 stands en 10.000 metros cuadrados.
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ExpoHogar es la instancia que eligen varias firmas para lanzar sus nuevas líneas de productos y/o servicios, apostando a la sinergia y la trascendencia. Entre una gran variedad se presentaron desde baldosas imantadas para revestir superficies verticales hasta heladeras con reminiscencias retro, desde alfombras teñidas con pigmentos naturales hasta mobiliario en hanex, revestimientos calados en MDF (Medium Density Fibreboard) y otros que simulan la terminación pétrea, nuevas tonalidades en pisos de madera, tecnología de punta aplicada en telas de tapicería, más y nuevos sistemas de eficiencia energética, entre tantas otras propuestas nutrieron de información y novedades a sus seguidores. Podías recorrerla en bicicleta o patines, compartirla con tus hijos alternándoles entretenimientos, y cabe destacar la expresa preocupación del equipo de coordinación en los dispositivos de accesibilidad instalados para todos los recorridos exteriores y también dentro de los pabellones (hoy exigidos en este tipo de eventos).
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ogar ExpoH
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Se trató de una apuesta ferial con convocatoria multitudinaria para quienes la consideran una muestra que cubre la mayor cantidad de rubros y sectores para el equipamiento del hogar. Novedades, ¡hubo muchas! Por un lado las “Deco tips” brindaron en charlas cortas consejos prácticos en la voz de los propios expositores y otros expertos relacionados a la decoración y el paisajismo durante todo el día a lo largo de los dos fines de semana. También el arte tuvo presencias importantes en varios pabellones, incluso los mismos artistas pintando en vivo, exponiendo su talento y abiertos a intercambiar experiencias con el público. Y por otro, la “Cocina de ExpoHogar”, ya transformada en un clásico, por la que pasaron reconocidos chefs y personalidades, deleitando los espectadores con su carisma y exclusivas recetas. Tampoco faltaron los foodtrucks y degustación de cerveza artesanal.
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eco Casad
Una nueva mirada a la decoración Casadeco se convirtió en un nuevo referente del interiorismo en lo que refiere a muestras de diseño, porque logró un formato que aún no había sido abordado. Lo hizo dejando sentada una importante definición estética en cuanto al armado, la ambientación y la caracterización de la infraestructura del total del espacio que abarcó. No fue una muestra que exhibió espacios diseñados por decoradores, ni una que ofreció recursos e insumos para el equipamiento de la casa, se posicionó más bien como un gran showroom donde se dieron cita los locales más importantes de decoración y diseño de interiores de Uruguay, la mayoría con sede en Montevideo y anexos en Punta del Este.
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Durante los días 6,7 y 8 de octubre, 50 marcas, 10.000 personas, 1.500 m2 de exposición, 16 oradores y 3 propuestas gastronómicas hicieron posible que el evento se convirtiera en un verdadero encuentro con el diseño, un nuevo soporte para apreciar y comprar mobiliario y objetos. Se realizó en Kibón y fue el entorno acorde donde diseñadores, arquitectos, interioristas y paisajistas se encontraron con su público directo, y presentaron el gran abanico de tendencias y fusiones para el 2017. De todo como en botica: desde filamentos a fibras naturales, desde caireles a decapados, de viselados a patinados, desde antigüedades a maderas ensambladas, abarcando en su mayoría líneas importadas y algunas piezas de diseño de autores uruguayos que por suerte cada vez más comienzan a mostrarse en ferias nacionales.
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eco Casad En particular, en esta primera edición de Casadeco se buscó concentrar en un solo lugar esta nueva visión del diseño, y por consiguiente, la estética aplicada a entornos cotidianos. En todo momento se respiró un aire cargado de ¨pasión por el diseño¨, concepto con que sus directoras generaron la idea principal, ya desde meses anteriores. Ellas son tres mujeres, que se unieron potenciando sus talentos personales en búsqueda de otorgarle a la ciudad y al sector un evento sin precedentes. En el marco de la creatividad y una gran convocatoria, intentan posicionarse en el circuito de las muestras regionales de diseño. Expresiones como “si se puede”, o “no parece Uruguay”, fueron algunos de los reiterados comentarios que se escuchaban entre los visitantes impactados por la apuesta.
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Al mismo tiempo, se disfrutó de la propuesta gastronómica que ofreció la chocolatería Mariapasión, Café Misterio y Hyatt Centric Montevideo, con las sugerencias de su Deli Café, y que juntas enmarcaron las cálidas e interesantes charlas en el living principal de Casadeco, a cargo de especialistas en arte, subastas, colorimetrías, iluminación, tecnología aplicada a los textiles, marketing aplicado al diseño, entre otras temáticas. Casadeco fue creada y organizada por Carina Martínez (publicista, creadora de MoWeek), Renata Battione (abogada y empresaria), y Ximena Arcos Pérez (asesora en decoración y Licenciada en Administración de Empresas), las que ya se encuentran trabajando para la edición de este 2017, y seguro nos volverán a sorprender. doble ALTURA·107
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Fusión inglesa,
nórdica y cosmopolita Ordet es un hotel boutique que muestra una acentuada búsqueda por el diseño, la cultura y el buen vivir. Abrió el pasado mes de diciembre en Punta del Este y llegó para quedarse, pues ofrece desde su concepción hasta sus espacios, un estilo ecléctico, alejado de los clásicos estándares de alojamientos de verano. Un enfoque personalizado y muy acogedor le otorga el perfil de posada, ubicada en Montoya, zona de tranquilos bosques de pinos y pintorescos jardines. La cercanía con el mar y los centros comerciales de La Barra y Manantiales, permiten combinar el descanso de la playa con la oferta gastronómica y el bullicio de la vida nocturna y cultural que ha convertido a Punta del Este en una marca internacional.
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Trae su nombre de la película homónima de Carl Dreyer filmada en 1955. Esta apuesta delinea su inspiración estética. Creatividad, elegancia y sobriedad son los signos más reconocibles en el criterio que rige la decoración de los espacios de una vieja casa, con intrincadas áreas de circulación, que sirvió de plataforma para desarrollar un estilo ecléctico: el típico canon inglés fusionado con el nórdico europeo. Montoya Beach, Punta del Este - ordetposada.com
Tu jardín en VERANO
GALLERY NIGHTS en Punta Ballena
¿Siempre te interesó la MADERA?
La comunicación es clave en el DISEÑO
La Revista Entre Jardines ya se encuentra en los kioscos de Montevideo y toda la costa uruguaya. Es esta la oportunidad de deleitarse con lo que un largo periodo invernal reposó para el pleno florecimiento veraniego, en particular en esta edición un poco de historia se alterna con jardines muy prácticos. Una hermosa casona de arquitectura, ocupa un predio en esquina y se plantea con una sucesión de escalones, cercas y portones. Otra de principios del siglo XX con elementos vegetales de valor casi escultórico. Un segmento con ideas para espacios pequeños, una terraza con un jardín de suculentas, y otro en una angosta parcela urbana entre medianeras. El jardín de las mil flores de Cleo Strohschoen, una veterana jardinera que despliega libremente sus habilidades y su personalidad en el jardín que rodea su casa, una simpática cabaña de madera. Esto y más en la edición #9 con muchos jardines para inspirarte.
Punta Ballena sumó un circuito de arte donde todos los sábados de enero, y los días 11 y 25 de febrero a las 20.30 horas se transforma en el entorno perfecto para la charla, donde artistas y público podrán intercambiar experiencias tomando una copa de excelente vino. Las Gallery Nights se realizarán alternadamente en los siguientes espacios: Museo del Azulejo en el Arboreto Lussich, Hotel del Lago, Centro Cultural Nicolás García Uriburu, Centro Cultural Dalarna (Chihuahua), Juana Guaraglia Mosaic, Los Robles, el Taller de María Grazia Fill y + Arte. Artistas nacionales y extranjeros, consagrados y emergentes en un verdadero paseo cultural, con la palabra que acompaña tan cálidamente la sensibilidad plástica.
El Diploma de Especialización en Diseño, Cálculo y Construcción de Estructuras de Madera que imparte la Universidad ORT es un programa académico que busca capacitar profesionales universitarios competentes en el diseño, cálculo y construcción de estructuras de madera a fin de asegurar la calidad de las mismas. Enfatiza el rol que los arquitectos e ingenieros civiles, en tanto proyectistas y directores de obra, tienen en la definición y toma de decisiones para la concreción exitosa de un proyecto de construcción en madera. El plan de estudios se estructura en ocho asignaturas (siete tienen una modalidad teóricopráctica más un proyecto fin de curso). La duración prevista del programa es de un año, y el comienzo será en abril de 2017. El plantel docente está integrado por profesores de la Facultad de Arquitectura de la Universidad ORT Uruguay, y de la Facultad de Ingeniería de la Universidad de la República, y está dirigido a egresados de las carreras de Arquitectura, Ingeniería Civil, y otras ramas de la Ingeniería.
Orson Comunicación es una empresa que lleva más de 6 años en el mundo del diseño y la comunicación. Se especializa en el diseño editorial, diseño de packaging y diseño gráfico en general. Hoy en día una de sus áreas fuertes es la administración de redes sociales, en las cuáles no sólo asesoran a las empresas en la forma en la que hay establecer y posicionar este tipo de comunicación, sino que analizan el mercado, el tipo de cliente, el público, la forma de promocionar la comunicación que se realiza, además de encargarse del diseño de las gráficas que se publican y la respuestas a las consultas de los clientes y concreción de ventas. Si un servicio de estas características estas pensando para este 2017 apostando al marketing digital, no dudes en informarte.
Por suscripciones 095 669823 entrejardines.revista @gmail.com
Por información de agenda semanal: 098 414737
Por más información: Dra. Arq. Laura Moya Facultad de Arquitectura - ORT 2707 1806 info@ort.edu.uy - fa.ort.edu.uy
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Dolores ansía la reconstrucción de su TEATRO El Teatro y Microcine PAZ y UNIÓN de Dolores, cuyo “Proyecto de Rehabilitación Arquitectónica” fue recientemente declarado de “Interés Cultural“ por el Ministerio de Educación y Cultura, está más cerca de potenciarse nuevamente como el espacio cultural y de reunión social por excelencia de la ciudad litoraleña. Fundado en 1895, por donde han pasado calificados espectáculos, supo ser el corazón cultural de la ciudad. Hoy solo quedan 600 metros cuadrados al descubierto, destruidos por el tornado del pasado mes de abril. La frase “121 años de historia, no dejemos que el viento nos detenga” vibra entre los integrantes de la comisión directiva del teatro, en el grupo de apoyo externo y en cada uno de los doloreños en pos de que el telón vuelva a levantarse. El pasado 8 de diciembre, en el Auditorio Nelly Goitiño del SODRE, se realizó el lanzamiento del proyecto a cargo de los arquitectos Diego Neri y Fernando Collet, en presencia de autoridades nacionales y departamentales, artistas, empresarios y público en general. Las palabras de Julio Anselmi, presidente de la Comisión Permanente del teatro, la reflexión de Lucía Chilibroste, historiadora especialista en salas teatrales, la presentación audiovisual a cargo del cineasta Pablo Pessi, bajo la emotiva conducción que hicieran Leonardo Lorenzo y Adriana Da Silva basados en la redacción de María del Huerto Aunchayna, dejó al descubierto el vacío cultural y social que deja un teatro en ruinas, y la inmensa fusión de sentimientos, manos y voluntades que empujan hacia algo más que devolverle un teatro a la ciudad: otorgar un espacio para el desarrollo expresivo y humano de las nuevas generaciones. La convocatoria de prensa estuvo a cargo de Horacio Maglione. Por más información www.teatropazyunion.com.uy.
Adriana Da Silva, Leonardo Lorenzo.
Carlos Moller, Gustavo La Paz. doble ALTURA·110
Diego Neri, Ruben Rada.
Julio Anselmi
Pedro Noble y Santiago Pérez.
Nino Poleti, Lucia Chilibroste.
Marta Sarotto, Victor Colezar
Liliana Viana, Ma. del Huerto Aunchayna, Diego Castillo, Alejandra Dalla Rosa, Laura Giachera
Juan Bonilla, Ana Laura Delissague, Ana María Erro.
Ignacio Aramendía, Gustavo Potrie, Marcelo Ferreira.
Juan Carlos Gil, Jorge Sosa, Raúl Plorutti.
Ma. Eugenia Ibaéz, Gabriela Mallek, Kristapor Santurión.
Ma. Fernanda Navarro. Horacio Maglione, Vanessa Scaldaferro, Leonardo Lorenzo, Adriana Da Silva.
DAd SOCIALES
El ARTE de la reconstrucción Días atrás se realizó en el Ballroom del Radisson Montevideo Victoria Plaza Hotel, la primera edición de “Una noche a todo arte”, una cena de gala a beneficio de la restauración de la Capilla de la Caridad, organizada por la Comisión Pro Restauración de la Capilla del Hospital Maciel y Juan Herrera Producciones. “Una noche a todo arte” fue un evento inolvidable donde más de 150 artistas se unieron por una noble causa. Entre ellos se encontraron el cantante lírico internacional Ariel Cazes, el Coro de Niños y la Sinfónica Juvenil del SODRE, el violinista Edison Mouriño y la comparsa Cuareim 1080, además de una suma importante de artistas plásticos que realizaron el remate de sus cuadros con el fin de recaudar los fondos necesarios para la restauración de la capilla.
Cardenal Daniel Sturla y Roberto Canesa
Coro de niños del Sodre, Orquesta Juvenil del Sodre Victor Mederos
Ruben Sosa, Carolina Rocha, Nicolás Sosa
Comisión Pro Restauración de la Capilla del Hospital Maciel
Laura G. Correa, Daniel Casalia, Guillermina Batista, Daniel Herrera
Carlos Jaureguy, Javier Radiccione, Gabriela Nunes y Pablo Damico
El doctor Roberto Canesa y la ministra María Julia Muñoz, padrinos del proyecto de restauración, compartieron su apoyo y visión junto a las demás personalidades invitadas, al Cardenal Daniel Sturla (Arzobispo de Montevideo) y la Hermana Verónica, quienes conjuntamente dieron el puntapié inicial a este proyecto.
María Julia Listur, Leonardo Defeff, Laura Martinez, María Angeles Rodriguez y Solange Gerona
Silvana Giachero, Daniel Caruso
Risita Angelo, María Julia Muñoz, Ana Gargano
Juan Herrera, Hermana Verónica, Daniel Sturla,
Laura Surraco, Laura Linardi, Pier Boffano
Gimena, Martina y Dolores García Pintos
Eduardo Zaidensztat, Mariela Cuestas y Roberto Canesa
Sergio Mautone, Gelenda Rondán, Jorge Maqueira
Juan Manuel Balaguer, Lara Stagnari
Marcela Castell, Walter Cancela
María Varela, Juan Berchessi
Silvia Laca, Doreen Ibarra, María Inés Obaldía
doble ALTURA·112
DAd DIRECCIONARIO
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