Periódico / Edición 60 Julio

julio artes visuales N潞 60 distribuci贸n gratuita

Haciendo camino en el arte

EDICIONES

Edici贸n N掳60 | Roberto Ampuero | Cruzando el horizonte | Wistuba, Ludwig y Martner

editorial

periódico al límite

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Cumplimos ocho años desde que se creó la revista Arte Al Límite y cinco años desde que el periódico gratuito comenzara a circular. Nada mal, para un medio gratuito, especializado en las artes visuales, que hasta hace muy poco no formaban parte del interés colectivo de un público masivo.

En honor a nuestra incansable tarea de acercar el arte a las personas, queremos destacar los números, las pragmáticas cifras, que nos apuntalan en un espacio privilegiado, que nos dan la seguridad de que nuestra labor la estamos haciendo bien… o mejor dicho, muy bien. En realidad superamos todas las expectativas.

Con alrededor de unas 150 ferias de arte contemporáneo en el cuerpo y casi mil artistas internacionales entrevistados, podemos decir humildemente que estamos alcanzando ese momento en que ya podemos rodar tranquilos porque el reconocimiento es evidente, tanto en Chile como en el extranjero.

No tenemos nada que demostrar porque tanto revista como periódico hablan por si solos, se sustentan y renuevan, en una búsqueda incansable por ser únicos y líderes en nuestro nicho del arte contemporáneo.

Hay un momento en la vida de un medio, en donde los

equipo

miedos y las inseguridades se pierden. Nuestro periódico ha tenido como entrevistados a presidentes, ministros, artistas internacionales, curadores renombrados, influyentes artistas nacionales. Piñera, Bachelet y Lagos han estado presentes en nuestras páginas, al igual que los más importantes gestores culturales del país. Son 1.380 entrevistados que han marcado la pauta de la agenda cultural de Chile, y hemos escrito sobre más de mil exposiciones. Hemos entregado, entonces, un completo panorama cultural durante estos años.

ser el medio líder de arte contemporáneo latinoamericano. Y estamos haciéndolo bien, vamos encaminados. Lo vimos en arteBA y en las ferias de Basel, lo vemos en nuestro correo todos los días.

Críticos internacionales hoy en día nos escriben para poder colaborar con nuestra revista. Contamos con representantes en cinco países y hemos generado una red de contactos que actualmente nos permite acceder a artistas de la talla de Ed Ruscha, Bill Viola, Marina Abramovic, Pierre Huyghe y Chuck Close. Cada revista es un testimonio de nuestra perseverancia y pasión, y estamos confiados en que hemos construido un medio sin igual a nivel global, tanto por las ganas de los artistas de participar en este medio, como por las reacciones de quienes reciben nuestras ediciones y quienes conocen nuestras portadas.

La Roja de Bielsa si bien no alcanzó pasar a cuartos de final, si tuvo un trascendental cambio en su comportamientos y sus esperanzas, hicieron el switch de un ”buen equipo” a un “gran equipo”. Nos la podemos, somos grandes, lo vamos a lograr. Perdimos, es verdad, y se sintió fuerte la derrota, pero ganamos un excelente equipo para el 2014, que se tomará con más confianza su participación en un mundial, que se creerá capaz de alcanzar un mejor desempeño, dejará de mirarse en menos y apuntará más alto.

Estamos confiados en que hacemos lo correcto, que el arte es para todos, y que el interés por éste será cada vez mayor. Queremos hacer más entrevistas, tener un mejor diseño y contenido,

El éxito de una iniciativa no implica “dormirse en los laureles”: Involucra tener una vara más alta, una calidad mejor, aspirar a una excelencia. Lo hacemos por nuestros lectores y por nosotros mismos, ¿porqué no? Tenemos la actitud y las ganas.

Son pequeños pasos dentro de un proceso mayor, uno que espera trascender y lograr un cambio. Nuestro periódico, la revista y www.arteallimite.com tienen la misma finalidad.

Estamos comprometidos con una única meta a largo plazo: Arte para todos.

Ana María Matthei directora Ricardo Duch director Leonie Schilling editora general Catalina Papic directora de arte Carolina Silva diseñadora Alejandro Gatta fotógrafo Camila Duch fotógrafa Ernesto Muñoz crítico / asesor de contenidos Carlos Navarrete crítico Enrique Solanich crítico Pedro Labowitz crítico Ennio Bucci crítico Julio Sapollnik crítico - Argentina Manuel Munive crítico- Perú Pablo Barrenechea periodista Gina Benvenuto periodista Michelle Bolomey periodista Francisca Yaksic licenciada en estética Cristóbal Duch asesor comercial Soledad Zamorano asesora comunicacional Jorge Azócar asesor Gabriel Núñez asesor de comunicación Ignacio del Solar asesor Josefina Valdés periodista

Sumario

periódico al límite

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SU MARIO REPRESENTANTE LEGAL Orlando Calderón F. VENTAS info@arteallimite.com FONO-FAX 955 32 61 WEB www.arteallimite.com PORTADA Fotografía Camila Duch M. IMPRENTA R.R. Donnelley Santiago, Chile Las opiniones vertidas en este medio son de exclusiva responsabilidad de quienes las emiten.

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EDICIONES

14 36

10 28 38

12 30 44

Edición N°60

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Ignacio Gana

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Cruzando el horizonte

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Wistuba, Ludwig y Martner

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Agenda Santiago

16

Agenda Regiones

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Agenda Internacional

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En tus zapatos

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Photoespaña

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Critica Enrique Solanich

26

Evelyn Rozas

27

Montajes y desmontajes

28

10 Consejos de conservación

29

Roberto Ampuero

30

Artistas Al Límite

32

Soledad Carvajal

35

Acción Sudaca y Balmaceda Arte Joven

36

Carmen Cruzat

38

Universidad Finis Terrae

40

Nieves Mac-Auliffe

42

María José Pinto

43

Amelia Errázuriz

44

Pauline Cristi

45

María Teresa Hasbún

45

Sebastián Picker

46

María Eugenia Akel

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Edición N°60

periódico al límite

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ARTE AL LIMITE ARTE PARA TODOS

Hace ya ocho años que Arte Al Límite tomó forma, instalándose en un nicho privilegiado con sus dos propuestas editoriales: el periódico gratuito y la revista especializada. Hace algunos años hemos desarrollado una nueva plataforma en línea, que nos convierte en uno de los pocos medios de comunicación en tres frentes muy distintos pero adecuados para nuestros lectores.

REVISTA Han pasado varios años desde que la revista Arte Al Límite inició sus publicaciones bimensuales.

Hoy se ha convertido en uno de los medios de comunicación impresos líder de Latinoamérica, gracias a su calidad, estilo y a los contenidos internacionales.

La revista va dirigida a un público informado, que disfruta de las artes visuales y le interesa estar al tanto de los artistas que están dando que hablar en los distintos circuitos del arte contemporáneo. Arte Al Límite entrega a sus lectores lo mejor del arte actual, emergente o consagrado.

Bilingüe, cuenta con críticos, curadores, historiadores latinoamericanos especializados en arte, y con una impresión de lujo que no deja de sorprender, la revista participa activamente en más de una veintena de ferias de arte contemporáneo. Este mes de junio visitamos Art Basel, Scope, Volta, Hot Art Basel, y arteBA. También participaremos en Art Forum Berlín, Pinta NY, Hot Art México, ArtBO, Maco Monterrey, Photo Buenos Aires y Art Basel Miami, entre otras.

La revista se distribuye a través de suscripciones, y ventas en puntos clave de Santiago, como son Color Animal, Metales Pesados, Ulises, la tienda del Museo de Bellas Artes, del Centro Cultural Palacio La Moneda y del Museo de Artes Visuales, entre otros.

Edicion Mayo Junio N°42

PERIÓDICO Gratuito, especializado en artes plásticas, dirigido al público masivo, y distribuido a lo largo de Chile. Cuatro características claves de un periódico mensual que ha logrado combinar entrevistas actuales, agenda cultural, exposiciones e iniciativas de Santiago y regiones.

Celebramos nuestra edición Nº 60 y con ella la consolidación de un formato que descubre cada día nuevas posibilidades de acercar el arte a las personas.

EDICIONES

Circulamos el primer domingo de cada mes a través de La Tercera, a la cual agradecemos su apoyo y confianza, ya que siendo un medio independiente nos ha facilitado acercarnos a sus suscriptores. Además, se puede encontrar en galerías del sector de Alonso de Córdova, museos y centros culturales. En regiones nos encuentra en espacios culturales de Frutillar, Valdivia, La Serena, Puerto Varas, Talca, Concepción, Puerto Montt y Antofagasta, entre otros.

mayo artes visuales Nº 58

diciembre artes visuales Nº 54 julio artes visuales Nº 49

distribución gratuita

distribución gratuita

distribución gratuita

GONZALO DÍAZ El padre de la instalación vuelve al MAC Carolina Pino | Paulina Urrutia | Sala Gasco | Omar Gatica

Michelle Bachelet | Especial de Navidad | Gerhand Richter | Lo Mejor del Año

Ministro de cultura Luciano Cruz - Coke | Grandes maestros en jaque | Magdalena Krebs | Cristina Fresca

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www.arteallimite.com Nuestra plataforma más reciente es el sitio web www.arteallimite.com, que en tres años se ha convertido en un espacio multifuncional y bilingüe en donde puede encontrar: - Noticias nacionales e internacionales de arte contemporáneo. Actualizadas diariamente.

- Exposiciones y concursos del mes en nuestra sección Chile Hoy. - Agenda mensual con las distintas actividades relacionadas con las artes plásticas.

- Galerías de arte nacionales e internacionales, con sus enlaces directos, en donde puede conocer sus artistas y exposiciones recientes.

- 332 artistas con su página virtual y enlace directo, con más de cinco mil obras para visitar.

- Conocer nuestras ediciones de la revista online.

- Comentar las notas y compartirlas en plataformas sociales como Twitter y Facebook.

- Y prontamente podrá revisar nuestro periódico online.

www.arteallimite.com es un núcleo de arte contemporáneo, donde podrá mantenerse actualizado diariamente de lo que sucede tanto en Chile como en el extranjero en torno al arte contemporáneo.

ANIVER

periódico al límite

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Edición N°60

Un grupo representativo de quienes colaboran mes a mes, tanto en la revista como en el periódico, nos relatan sus experiencias, pensamientos y anhelos.

Agradecemos a Ernesto Muñoz, Mara De Giovanni, Fernanda Reyes Retana, Tomás Vio, Loreto ramírez y Pamela Olavarría por compartir con nosotros sus vivencias y por apoyarnos en acercar el arte a todos los chilenos.

Loreto ramírez Licenciada en estética / Chile

María Fernanda Reyes Retana Z

TOMÁS VÍO Periodista / Chile

Colaboradora / México Si bien con las nuevas tecnologías de la información cada día hay más acceso a la educación y la cultura en las sociedades contemporáneas, anquilosado en viejas discusiones del tipo “espectáculo versus arte, clásico versus popular”, de alguna u otra forma el arte ha seguido alejado del ciudadano de a pie, el que muchas veces además, se siente ajeno, excluido o simplemente perdido frente al “hermetismo” de los lenguajes no referenciales de los que el arte actual suele servirse.

En un medio como el nuestro, donde existen pocas instancias de acercamiento al arte, gracias a su circulación gratuita junto a un diario de gran tiraje, el rol de Arte al Límite, no sólo en la homogeneización sino también en la difusión del arte es notable y fundamental, y por lo mismo, siempre resulta estimulante y gratificante hacer parte de un proyecto como éste.

Mucho más allá de los museos, del glamour de las bienales, el lenguaje para iniciados o las sumas astronómicas de las subastas, el arte es para todos y aunque no se puede negar que como en cualquier disciplina, es útil conocer la historia y la teoría, la más perfecta obra adquiere validez cuando el espectador, después de enfrentarse a ella, de algún modo, ya no es el mismo.

Colaboré en Arte Al Límite porque me pareció una revista de artes visuales interesante, con proyección internacional, y con espacios abiertos para nuevos artistas. Para mí fue una manera de catarsis a través del conocimiento de arte valioso y emergente con algunos artistas consagrados y otros que se nota que van camino a la gloria.

El artista se atreve a ver lo que los demás no ven, a despreciar lo comúnmente aceptado, a detenerse en el horror o el goce estético y sacarlo a la luz y darle su sitio: violenta, enternece, empatiza, sacude pero nunca nos deja indiferentes.

Para el periódico me tocó entrevistar a Salustiano en el marco de la feria Ch.aco 2009. Fue todo a última hora, yo estaba muy ocupado en otras cosas y no sabíamos si íbamos a alcanzar a publicar la nota porque dependíamos de la rapidez del artista para responder.

Finalmente Salustiano contestó amablemente el cuestionario que le enviamos y pudimos respirar tranquilos...

Presentar el trabajo de artistas en Arte Al Límite me ha permitido ser un poco cómplice de ese proceso y ayudar a llevar ese mensaje, a mostrar lo que otros estan haciendo, viendo, descubriendo, creando y yo también crecer en el proceso.

RSARIO EDICIONES

MARA DE GIOVANNI

ERNESTO MUÑOZ

Historiadora del Arte / Chile

Crítica de arte / Argentina

Crítico de Arte / Chile

Fue sin duda atractivo y sorpresivo el llamado a colaborar con la revista de arte contemporáneo más relevante del país. ¡Wow! Casi recién egresada se me daba esta oportunidad. La línea de trabajo adoptada fue “artistas hispanoamericanos jóvenes” y el deseo fue concedido. Suena fácil, pero otorgar a quien escribe su propia casilla temática, sin interferir con el interés editorial de una revista especializada, no es poca cosa.

Hace casi un año que colaboro con Arte Al Límite, y ha sido una experiencia muy agradable y no exenta de sorpresas.

Soy tímida, confieso; y paradójicamente ello me conduce a simpatías que a veces bordean la torpeza. Imagínense la situación de arteBA; una oportunidad única de establecer, en un tiempo mínimo, un contacto importante.

Entonces vi a Nicola Costantino frente a su obra “Trailer” (2010). En ella Nicola precisa de un doble para, entre otras cosas, cubrir el afecto de su hijo pequeño y responder a exigencias profesionales como artista. La felicité por su trabajo y no tuve mejor idea que interpretar salvajemente su lenguaje corporal de flamante madre: ¿Estás embarazada?, le pregunté sonriendo.

Enderezó su espalda, miró su abdomen absolutamente chato y por educación hizo un silencio sepulcral; las dos miramos a la cámara: flash de por medio hicimos como que nunca había pasado nada. ¡Gracias Nicola!

Arte Al Límite se sitúa entre las tres revistas de arte contemporáneo líderes en América Latina. Es un medio con el cual me he comprometido desde sus inicios, escribiendo mes a mes artículos tanto para el periódico como para la revista.

PAMELA OLAVARRÍA

Es importante para mi relevar el concepto de “recién egresada”, lo que recae necesariamente en el agradecimiento a la voluntad y confianza de Ana María Matthei, con las nuevas generaciones.

Actualmente soy Directora del Consejo Nacional de la Cultura y las Artes en la Región de los Ríos, por lo que mi tiempo libre se ha reducido considerablemente.

Pero sin duda, una de las instancias que me emplaza constantemente a investigar, releer y debatir, es la oportunidad de seguir contribuyendo con esta revista.

En estos ocho años de colaboración he tenido la oportunidad de conocer a artistas tan destacados como Tony Cragg, Tunga y Nora Correa, y observar de cerca la perseverancia y el cariño del equipo que forma Arte AL Límite. ¡Los felicito! Es un mérito llegar al número 60 de este periódico gratuito.

Esperamos sinceramente que se mantenga en la misma línea de la libertad que ha ido desarrollando en sus más de cinco años de existencia.

Ignacio Gana

periódico al límite

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IGNACIO GANA EL DESAFÍO DE REINVENTARSE

Aplaudido a nivel internacional por cuadros que presentan una original visión sobre lo onírico y lo surrealista, Gana apuesta ahora por la escultura. Galería Cecilia Palma expone su nueva faceta, que incluye la incursión en cerámica y dibujo, y por supuesto sus características pinturas.

Por Pablo Barrenechea, periodista.

i bien Ignacio Gana (1976) remarca que ser arquitecto ya no influye en su labor como pintor -dejó la profesión definitivamente el 2005-, es inevitable apreciar en su producción la importancia que otorga al espacio en sus cuadros, y ahora en las esculturas que expondrá este mes en Galería Cecilia Palma.

Esto porque el artista orienta el ojo del espectador a través de fragmentaciones -gracias a su estudio del grabado- que plasma en la tela y que otorgan diferentes perspectivas a partir de las tonalidades y luminosidades generadas con los colores utilizados. Sus óleos grafican campos abiertos; espacios escenográficos donde la luz contrasta a la oscuridad en oníricas y coloridas situaciones, como el cielo de día y la tierra en penumbra, que hila como cuento, y que críticos de arte han comparado con la obra de Magritte.

“Claro que los lugares abiertos, los prados, van contra la arquitectura de alguna forma, porque no hay edificios o construcciones. Lo hago para mostrar vías de escape, de evasión, como pasa con los deseos, tema que siempre me interesa y que es surrealista”, explica el artista.

¿Y qué pasa con la escultura en este caso?

Con la escultura (seis en bronce y madera) giro en torno a un objeto que no es plano como el cuadro. La escultura me permite indagar el espacio en relación a la tridimensionalidad que cobran algunos personajes de mis obras. Está, por ejemplo, el tipo con su barquito de papel (símbolo característico de sus obras) para buscar un juego más cercano o palpable con el espectador.

A los 29 años fue invitado a exponer en “Surrealismo: lo fantástico hoy en Chile”, en Washington, y en “Los maestros de la imaginación”, en Nueva York. ¿Por qué cambiar los cuadros e indagar en estas nuevas facetas, reinventarse?

Tiene que ver con buscar nuevas formas de expresión, desafiarme a mí mismo para no descansar en el mismo esquema. Por eso también hice dibujos de gran formato (1.30x90) con lápices grafito de varios colores y cerámicas en raku (técnica japonesa). También expondré algunos cuadros donde me centro más en lo elocuente que en lo espacial. Quiero que vean un artista que sea pasea por la pintura, escultura, dibujo y cerámica con completa versatilidad.

Titulo: Óleos, esculturas y dibujos Fecha: Hasta el 3 de agosto Lugar: Galería Cecilia Palma Dirección: Avda. Allonso de Córdoba 2812.

“Soñador”, 2008, escultura en bronce y madera, 85 x 30 x 30 cm.

Cruzando el horizonte

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CRUZANDO EL HORIZONTE ARTE CONTEMPORÁNEO DE CHINA

Hasta mediados de agosto se podrá visitar una inédita exposición de arte contemporáneo de China en el Museo Nacional de Bellas Artes.

Artistas consolidados y emergentes de ese país nos revelarán porqué el arte contemporáneo asiático ha capturado la atención global.

Por Leonie Schilling, periodista.

on las 10 de la mañana de un día nublado y el partido de Chile vs. Honduras acaba de terminar. Las calles del centro de Santiago aún no se convierten en el posterior caos de ese mediodía y el Museo de Bellas Artes abre tranquilamente sus puertas.

Una pequeña delegación de China se dirige al Ala Norte de la institución para continuar con el montaje de la muestra “Cruzando el Horizonte – Exposición de Arte Contemporáneo de China”, que finaliza el 15 de agosto. Los artistas Lin Jingjing y Zhang Yu acompañan al curador de la muestra Shui Tianzhong y a su esposa –y también curadora - Xu Hong. Con humor se toman la brecha idiomática, el evidente jet lag y el mal tiempo de Santiago, felices por su visita y

lo que “Cruzando el Horizonte” significa.

La exposición, que se lleva a cabo gracias a la gestión de la Embajada de la República Popular China y la Confederación de Círculos Literarios y Artísticos de ese país, “es el resultado del permanente interés de China en realizar un intercambio cultural con Chile, más allá de los tratados económicos o políticos”, explica Tianzhong.

“Además, es un intercambio bidireccional, ya que Chile participará en la Bienal de Beijing en septiembre, enviando una selección de obras de artistas nacionales”.

Son 24 los artistas que participan en la muestra, y su selección obedece a la representatividad de sus trabajos.

“Queremos presentar cómo lo artistas de China se han apoderado de lo tradicional y de lo actual en el arte contemporáneo. Fue una muy selección difícil”, explica el curador.

“Queremos que el público logre comprender que a pesar de ser de trasfondos distintos, los artistas de todo el mundo deben enfrentarse a los mismos sentimientos y aprender a lidiar con condiciones sociales, medioambientales y culturales similares.

Junto con Milan Ivelic acordamos que la muestra se centraría en el desarrollo del arte, desde lo más tradicional a lo más contemporáneo, presentando obras de técnicas y materiales disímiles y variados”, agrega la académica y curadora Xu Hong.

La muestra reúne trabajos emblemáticos de los destacados artistas como Xu Bing, Zhang Wang y la interesante obra -pintada con los dedos- de Zhang Yu, junto a pinturas, esculturas y fotografías de jóvenes emergentes como Lin Jingjing, cuya serie de figuras ausentes en paisajes urbanos reflexiona sobre la dualidad y la ambigüedad de la actualidad china.

Qiu Anxiong: “En el aire”, 2005, video, 8:16 min.

Xu Weixin: “El minero de carbón Liu Xiangcai”, 2005, óleo sobre tela, 250 x 200 cm.

Wistuba, Ludwig y Martner

periódico al límite

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Wistuba, Ludwig y Martner Despedimos a tres grandes del arte nacional

Hace algunos días fuimos informados del sensible fallecimiento de estos tres grandes artistas nacionales.

Queremos honrar su partida destacando el importante aporte de cada uno de ellos a la plástica nacional.

amentamos la partida de Hardy Wistuba, Alberto Ludwig y María Martner, figuras influyentes e históricas del arte nacional. No sólo deseamos expresar nuestras condolencias a su familia, amigos y pintores, sino además queremos rendir un pequeño homenaje a su vida y obra, y la gran pérdida que su partida significa para el arte nacional.

Alberto Ludwig (1926 -2010)*

Una de las figuras clave del arte porteño, Alberto Ludwig fue varias veces candidato al Premio Nacional de Arte, galardón que no le fue concedido. Realizó una destacada trayectoria tanto en Chile como el extranjero, además de enfocarse en el acercamiento de los jóvenes al arte a través de la educación.

La obra de Ludwig está plagada de paisajes, pero vistos desde su prisma, con marcadas líneas, colores definidos e imágenes que transitan entre lo real y lo onírico. También tuvo una faceta como escritor y publicó varios libros, lo cual dejó expresado en títulos donde se mezclaban pintura y poesía. Su preocupación por la educación artística de los jóvenes lo llevó a entregar libros a colegios municipalizados y editar títulos especialmente dedicados a ellos.

El crítico de arte Carlos Lastarria recuerda que fue “un pintor muy solidario, especialmente con la gente joven, apoyó muchas propuestas de artistas emergentes, al mismo tiempo que colaboró con varias causas sociales donando sus obras. Su obra es un recorrido por lugares del país, algo que él llamaba ‘Poesía pictórica de Chile’, y también se inspiró en textos de Isabel Allende y Pablo Neruda. En sus cuadros siempre había paisajes solitarios, arquitectura, mares, montañas, lunas o soles de color rojo, pero sin personajes y con un técnica muy depurada, impecable”.

“Ludwig, gran pintor nacido en Valparaíso, llevó la mirada plástica por caminos de vencer, desde la geometría a lo onírico. En su obra además destaco la importante labor gremial que llevó a cabo en la Asociación de Pintores y Escultores de Chile, Apech. Ludwig quedará imborrable entre los maestros del arte de la pintura”, afirma Ernesto Muñoz, crítico de arte y miembro de la AICA, Ludwig realizó más de 100 exposiciones, sus obras están en importantes museos del país y el extranjero, ganó numerosos premios y fue fundador de la Apech (Asociación de pintores y escultores de Chile). Fue siempre un artista muy solidario y gracias a su gran gestión la Apech logró adquirir la vivienda de Salvador Donoso 21.

Hardy Wistuba: “Damasco en Otoño en el patio de mi casa”, 2004, Acuarela, 68,5 x 47 cm.

Alberto Ludwig: “Calidoscopio”, 2009, Fotografía de la instalación en Sala CCU. Cortesía Sala CCU.

Hardy Wistuba (1925- 2010)*

Acuarelista que mostró los escondrijos del sur y fue discípulo de Jorge Caballero, Laureano Guevara y Gustavo Carrasco, Wistuba fue un pintor eminentemente paisajista.

Ennio Bucci, crítico de arte, recuerda haberlo conocido en su taller en la década del 70. “Era un hombre humano, sencillo, amable, como los maestros de la vieja escuela; de fácil acceso. Como uno de los miembros de la generación del 40 su legado y su aporte como artista es vasto. Destacó por su cultivo la técnica de acuarela, con la cual plasmó los paisajes del norte de Chile y las temáticas de las oficinas salitreras Humberstone y Santa Laura. También plasmó en su obra los paisajes de su tierra natal, Puerto Montt y Angelmó. En la última etapa de su vida, Wistuba desarrolló la técnica del pastel, llegando a dominarla con gran destreza.

Con su partida se va uno de los grandes maestros de la pintura chilena que cultivaron la tradición del paisaje y enseñaron a través de la docencia la técnica de la acuarela”.

“Divulgador de un soporte como la acuarela, a la que le dio carácter de indispensable para pensar el paisaje del sur de Chile, la partida de Hardy Wistuba eleva su presencia como un visionario de una generación. Ejerció la docencia con bonhomía, y su mirada e introspección del oficio, junto a su obra plena de vigor, enaltecen nuestro arte”, recuerda Ernesto Muñoz.

Su gran maestría y espontaneidad para dominar la difícil

técnica de la acuarela, que exige ser terminada en una sola sesión y que no permite correcciones posteriores, lo convirtieron en un especialista en la materia y posicionó esta técnica en el más alto nivel de expresión plástica.

María Martner (1921-2010)*

Premiada muralista y vitralista, María Martner nos deja como legado una importante obra que es reconocida en Chile y el extranjero. Amiga estrecha de Pablo Neruda, la artista orientó su obra desde un principio al trabajo en piedra y minerales, inspirándose en las técnicas de los mosaicos venecianos, y derivando su obra a un estilo particular, sin pulir las piedras a las cuales –con un talento único- supo darle movimiento.

Entre sus murales en piedra destacan: “Los peces del frío”, que está en la casa-museo La Chascona; “Mural en Balneario Tupahue” diseño del artista mexicano Juan O’Gorman; y “Monumento Plaza Tomic”, ubicado en la avenida Argentina.

También creó el monumento a Bernardo O’Higgins en Chillán y los murales frente al estadio de Playa Ancha.

En la década de los ’70 comenzó a experimentar con el diseño de estructuras de vitrales en las que utiliza piedras semipreciosas laminadas y cobres, con diseños modernos y audaces. Su obra fue y es admirada por artistas, políticos y escritores. *Fuente: Apech

Agenda Santiago

periódico al límite

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Trasnoche: Foto-relatos urbanos Hasta el 22 de agosto/ Centro Cultural Palacio la Moneda.

Más de 200 fotografías y textos de siete destacados narradores contemporáneos chilenos, componen la muestra “Transnoche: Foto-Relatos Urbanos” en el Centro Cultural Palacio La Moneda. Alfredo Castro, Leonor Varela, Fernanda Urrejola, Felipe Braun y Francisco Melo, junto a figuras como Lily Pérez, Carolina Tohá, Beto Cuevas, Nicole, Javiera Parra y Tonka Tomicic encarnan a los personajes de las fotografías tomadas por Gabriel Schkolnick.

Ellos dan vida a personajes solitarios, bohemios o en situaciones límite, sorprendiendo con una caracterización que desmitifica a estas figuras icónicas, situándolas en un terreno mundano.

Arthur Conning y sus Escenas del museo Hasta el 1 de agosto/ Corporación Cultural de Las Condes.

“Escenas del museo” se titula la muestra que presenta el destacado fotógrafo Arthur Conning en la Corporación Cultural de Las Condes. Para el artista, la delgada frontera que separa los hechos de la ficción es un tema recurrente en su obra. 47 fotografías tomadas en museos y galerías de arte de Santiago, Nueva York y Londres “intentan capturar la tenue distinción entre la realidad cotidiana y las realidades paralelas que parecen coexistir con la vida y el arte, y que a veces van más allá de lo que la misma cámara registra”, cuenta el artista neoyorquino radicado en Santiago.

Viaje al Fin del Mundo, de Ángela Leible Desde el 14 de julio al 10 de agosto/ Galería Artespacio.

“Celebramos los últimos 200 años de una historia que tiene 40.000 años; el viaje del hombre americano desde Bering hasta Tierra del Fuego, a través de dos glaciaciones. El viaje al fin del mundo”, explica Ángela Leible. Los hombres y mujeres que retrata la artista son los últimos descendientes de estos viajeros incansables y lo hace, en su mayoría, con las mismas técnicas usadas hace 150 años: papel salado. Su trabajo retrata a integrantes de las etnias hopi, pie negro, indios cuervos y mapuches hasta llegar a los yámanas, selk´nam y kawésqar de Tierra del Fuego.

Exposición en Sala del Bicentenario Hasta finales de año/ Museo Ralli.

En el marco de la conmemoración de los 200 años de nuestra vida como nación independiente, Museo Ralli ha hecho una exclusiva selección, dentro de su catálogo, para presentar su “Sala Bicentenario”. Se trata de una muestra especial que reúne a 17 connotados artistas nacionales en torno a 22 obras. Junto con esta nueva iniciativa, actualmente el recinto está exhibiendo obras de artistas de renombre internacional, tales como Dalí, Chagall, Calder y Rodin. La entrada es liberada.

agenda santiago Modelos para ensamblar Desde el 15 de julio al 20 de agosto/ Galería Gabriela Mistral.

Soledad Pinto y Rodrigo Vargas dialogan en Galería Gabriela Mistral con propuestas que renuevan lo escultórico desde el uso del ensamblaje y de elementos propios de nuestra época: fotografías digitales y serigrafías, en el caso de la primera artista; objetos plásticos de uso cotidiano, en la obra del segundo. El curador, Gonzalo Pedraza, explica que Soledad fotografía espacios en ruinas y ensamblando cada imagen al muro en una suerte de rompecabezas tridimensional. Rodrigo, por otro lado, trabaja con elementos de uso cotidiano y los conecta a través de alfileres, creando módulos llamativos y originales.

Paisaje prefabricado Hasta el 15 de agosto/ Centro Cultural Matucana 100.

“Paisaje fabricado” reúne dos proyectos fotográficos que reflexionan acerca de los efectos de los cambios de la experiencia moderna en el espacio construido. Antonio Corcuera documenta el desarrollo inmobiliario de gran escala en los principales balnearios del litoral central, analizando el impacto estético, ecológico y social y la irreversible transformación del paisaje. Por su parte, Pía Lasa se hace cargo de esta realidad, aludiendo al impacto de las tecnologías. Su propuesta habla del impacto en la forma y la lógica urbana, y en las conductas de su cuerpo social.

El misterio me invade Hasta el 24 de julio/ Galería AFA. La muestra “El misterio me invade”, de la artista chilena Paloma Villalobos, presenta la serie “Nuevas formas de vida”, que consiste en 14 fotografías elaboradas entre 2008 y 2009 en Alemania. Durante esos años realizó una investigación fotográfica relativa a la construcción de distintos paisajes ficticios con efectos especiales en el momento de la toma, pero sin manipulaciones posteriores. Son escenarios que parecen ser parte de la naturaleza y de su accidentado devenir; paisajes consecutivos a un desastre o arrojados entre la naturaleza después de un posible acontecimiento.

Brasil em Chile – Chile en Brasil Festival Desde el 7 al 10 de julio en Santiago/ 27 al 30 de julio en Fortaleza, Brasil.

En el MAC y en el Teatro Nescafé de las Artes se llevarán a cambo los tres días de intercambio cultural y artístico denominado “Brasil em Chile – Chile en Brasil Festival”. Danza, teatro, música, cine y artes plásticas serán algunas de las expresiones brasileras que podremos disfrutar durante esta fecha. En tanto, las artistas visuales Yto Aranda y Brisa MP serán algunos de los artistas que llevarán la cultura a la ciudad de Fortaleza, en Brasil. Para mayor información visitar www.brasilchile.com.

Agenda Regiones

periódico al límite

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[re][des]arm[o] Hasta el 20 de julio/ Centro de Extensión del CNCA, Valparaíso.

Arte y tecnología se conjugan en esta exposición interactiva con gran despliegue de aparatos tecnológicos, luces, colores y sonidos. Se trata de [re][des]arm[o], obra conjunta de Roberto Larraguibel, Yto Aranda y Nury Gaviola, que recibió el año 2008 financiamiento Fondart. Según los autores, el objetivo de la propuesta es crear un espacio de arte habitado por objetos cibernéticos que interpreten e imiten la conducta humana, replanteando el devenir de una comunidad hombremáquina. Los visitantes se encantarán, sorprenderán, jugarán e interactuarán con los espacios para finalmente reflexionar, pues cada acto tiene su consecuencia.

Benjamín Lira en Casa Verde Hasta el 30 de Julio/ Galería Casa Verde, Viña del Mar. Continuando con las muestras individuales de grandes artistas y luego de las exposiciones de Roser Bru, Gonzalo Cienfuegos, Guillermo Nuñez y Carmen Valbuena, Galería Casa Verde presenta este mes obras en mediano y gran formato del destacado Benjamín Lira. 20 notables grabados nos muestran la compleja factura que parte, generalmente, con el trabajo en la plancha calcográfica, para luego aplicar diferentes técnicas e insertar el color con intervenciones de pintura. Con esta muestra, el visitante podrá conocer un poco más sobre la visión de mundo de Lira.

Colección en Viaje: Arte chileno Hasta el 8 de agosto/ Pinacoteca de la Universidad de Concepción.

Por primera vez, gracias a un proyecto desarrollado y gestionado conjuntamente por el Museo Nacional de Bellas Artes y por Fundación Itaú, una selección de alrededor de 45 obras de arte chileno del MNBA es trasladada y exhibida en regiones. La muestra propone una mirada transversal a las obras seleccionadas de acuerdo a criterios que consideran aspectos históricos, teóricos, estéticos y temáticos. La exhibisión seguirá luego a Temuco y Viña del Mar del presente año y La Serena, Antofagasta e Iquique durante el 2011.

SUSCRÍBETE POR $30.000 / 6 ediciones www.arteallimite.com | info@arteallimite.com | (56-2) 955 3261

agenda regiones Pinceladas al viento Desde el 9 al 22 de julio/ Casa Azul del Arte en Punta Arenas.

La exposición final y premiación del 2° concurso de pintura “Pinceladas al viento” se llevará a cabo durante julio en la Casa Azul del Arte. Este año el concurso tuvo tres categorías de participación, cuyos ganadores fueron Paola Mellado, Augusto Alvarado y Cristian Haase. La muestra contiene las 20 mejores obras seleccionadas. Este concurso fue organizado por la Escuela Municipal de Arte Casa Azul de Punta Arenas gracias al financiamiento del Fondo de Provisión Cultural Gobierno Regional 2010.

Hecho en Chile, de Patricio Court Hasta el 30 de julio/ Centro de Extensión de la Universidad de Talca.

Obras que son parte del historial artístico de Patricio Court y que fueron realizadas entre 1999 y 2007 componen la muestra “Hecho en Chile”. La exposición, en las salas “Pedro Olmos” y “Giulio di Girolamo”, reúne más de 25 obras de pequeño y gran formato hechas con técnica mixta, entre arena, tierra de color, polvo de mármol sobre arpillera o yute“. “Esta muestra es una selección de las obras que últimamente he realizado en Chile. Aquí están reunidas obras que exhibí en varias salas de Santiago y que ahora quiero difundir en regiones”, manifestó el artista.

3 generaciones en Chillán Desde el 6 de julio al 13 de agosto/ Centro de Extensión Cultural Alfonso Lagos, Chillán.

Celebrando los 140 años del diario “La Discusión”, el Centro de Extensión Cultural Alfonso Lagos invitó a tres destacados artistas a participar de la muestra colectiva “3 generaciones en Chillán”. Tatiana Álamos, Francisco de la Puente y Andrés Vio reúnen en esta propuesta algunos de sus trabajos más recientes. La muestra propone una mirada que trasciende lo generacional, poniendo en el presente un montaje colectivo, dónde al unísono se complementa en un mismo discurso creativo.

ALIFRUT

Agenda internacional

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agenda internacional

Por Julio Sapollnik, crítico de Argentina | Manuel Munive, crítico de Perú

ATTENTION SPAM Hasta el 1 de agosto/ Centro Cultural Borges, Buenos Aires.

“ATTENTION Spam” es la primera muestra del colectivo de arte Gang Bang, integrado por seis artistas contemporáneos chilenos: Cristián Elizalde, Sebastián Maquieira, Alejandro Quiroga, Constanza Ragal, Matías Santa María y Sebastián Vargas. La muestra está conformada por dos letreros prismas publicitarios que permiten la rotación de tres obras en una secuencia de tiempo móvil, confrontado una serie de seis pinturas sobre tela, realizadas especialmente para esta ocasión.

Des-Habitables Hasta finales de julio/ Centro Cultural de España, Lima.

Des-Habitables es un proyecto que reúne a jóvenes artistas de Latinoamérica, junto a otros más reconocidos del continente y de Centro Europa. Con la curatoría conjunta de Dermis P. León y el Buró-Curatorial, la exposición presenta instalaciones, videos, fotografías y dibujos que forman un conjunto que apunta hacia una reflexión sobre el entorno urbano, la arquitectura y las tipologías que han identificado ciudades caracterizadas por la preponderancia y pervivencia del proyecto moderno, y que hoy sufren drásticas transformaciones.

Jorge Piqueras. Obra reciente 2008 – 2010 Hasta el 31 de julio/ Galería Lucía de la Puente, Lima.

El destacado artista peruano Jorge Piqueras Sánchez-Concha (Lima, 1925), presenta en Galería Lucía de la Puente una serie de pinturas realizadas en su estancia en Paris entre 2008 y 2010. En esta oportunidad exhibe una treintena de cuadros trabajados en acrílico y carboncillo con la vitalidad y gestualidad que lo caracterizan. Cuadros en su mayoría en negro sobre blanco en los que los elementos geométricos dan el acento cromático que genera esa tensión a la que nos tiene acostumbrados su obra pictórica.

Osvaldo Romberg – Obras sobre papel Hasta el 23 de julio/ Galería Laura Haber, Buenos Aires.

A pesar de que Romberg ha expuesto en Buenos Aires dos o tres veces desde 1973 -fecha en que dejo el país-, es la primera vez que se presentan las obras desde sus comienzos como grabador, junto con la evolución que se produjo en su trabajo a partir del momento que se alejó de ese país. La exposición está compuesta por los grabados de principios de los años 60, la muestra del CAYC de 1970, “El paisaje como idea” y luego el desarrollo que el artista hizo en el extranjero sobre una fenomenología del color y “Analisis de la Historia del Arte”. También se exhibirán los trabajos sobre arquitectura e instalaciones de los años 80 y 90 y, obras de 2010.

En tus zapatos Explorando problemáticas sociales como la falta de tolerancia y la discriminación local, un grupo de artistas, diseñadores y publicistas participaron en el concurso “En tus Zapatos”, organizado por el Grupo Elemental gestión Cultural y que contó con el patrocinio de Matucana 100 y la Universidad del Desarrollo, y el apoyo de Arte Al Límite.

El jurado, conformado por Ernesto Ottone (Director Ejecutivo Matucana 100), Arturo Duclós y Francisco GonzálezVera (Asistente de Dirección Museo de la Solidaridad), escogió los tres ganadores del concurso: Ximena Pérez, Juan Pablo Nacrur y Manuel Galindo.

En tus zapatos

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A continuación les presentamos el primer, segundo y tercer lugar del concurso, cuyas propuestas nos emplazan a tener más conciencia ante quienes conocemos día a día.

tercer lugar: manuel galindo

segundo lugar: juan pablo nacrur

primer lugar: ximena pĂŠrez

PhotoEspaña La fiesta de la fotografía contemporánea

Photoespaña

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Germán Gómez: “Condenado retrato XIV”, 2008, C-Print sobre papel e hilo, 100 x 100 cms.

Hasta el 25 de julio se llevarán a cabo las actividades del destacado Festival Internacional de Fotografía y Artes Visuales, uno de los mayores foros internacionales de esta disciplina.

Fotografías cortesía del artista.

Proyectos fotográficos, videos e instalaciones de reconocidos fotógrafos y artistas visuales españoles y extranjeros, se han presentado en sus 723 muestras en los principales museos, salas de exposiciones, centros de arte y galerías de Madrid, Lisboa y, recientemente, Cuenca. Cuenta además con un intenso programa educativo y social, enfocado en acercar esta disciplina a más de 500 mil niños y jóvenes de bajos recursos.

Este año, el evento realizará 69 exposiciones, que reúnen a casi 400 artistas de más de cuarenta países. En esta edición, la sección temática estará dedicada al Tiempo, y las diferentes formas de abordarlo desde la fotografía.

El comisario del festival, Sérgio Mah explica: “Cada imagen está vinculada al momento en que fue realizada. La fotografía está atada al tiempo, permite situar, discernir y archivar. Basándose en esa idea, ha cumplido una de las grandes ambiciones de la modernidad: racionalizar el tiempo, a través de la urgencia por estandarizarlo, calcularlo

y dividirlo. Si por un lado la fotografía ha contribuido a la creación de un tiempo racionalizado y científico, por otro ha configurado otro tiempo más intuitivo, ligado a otra duración.

Más allá de su capacidad de representación existe la posibilidad de que las imágenes produzcan un tiempo sensible a los cambios físicos y mentales”.

Organizado por la empresa de gestión cultural La Fábrica, PhotoEspaña, este año el festival contará con artistas invitados de renombre, tales como Bernd e Hilla Becher, Tacita Dean, Ceal Floyer, Gabriel Orozco, Cindy Sherman, Thomas Struth, Hiroshi Sugimoto y Erwin Wurm.

También participará un gran grupo de artistas emergentes y algunos reconocidos en el circuito internacional.

Destacamos a Germán Gómez (1972) con su serie “Condenados”, inspirada en el Renacimiento, y en donde desarrolla su leitmotiv sobre la identidad, las pasiones y las heridas. El artista español ha participado en varias de las ediciones de PhotoEspaña, ganando el Premio Revelación Room Mate 2008. En esta ocasión participa apoyando a la Fundación ONCE, apadrinando a al artista discapacitado Eduardo Oquendo en una muestra conjunta en el espacio “Cambio de sentido”.

Más información y programas:

www.phedigital.com

Germán Gómez: “Condenado retrato V, I y VIII”, 2008, C-Print sobre papel e hilo, 100 x 100 cms.

hotoEspaña es el festival de arte más popular de ese país. Cada año reúne a más de 600 mil personas, catalogándose como una cita ineludible para cualquier apasionado por la fotografía, consolidándose con su XIII edición con un 60% más de participantes, nacionales e internacionales.

Crítica / Evelyn Rozas

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CRI TI CA

POR ENRIQUE SOLANICH profesor de Historia del Arte y miembro de la AICA.

Fotografía cortesía de Galería AMS Malborough.

SALVADOR AMENÁBAR CRUZ: Un concertista, 12 mujeres y el pintor atribulado. a pintura naturalista sigue en boga.

Habrá que clarificar que no es sinónimo estricto de realismo. La pintura natural fluye del procedimiento usado para transcripciones de la realidad por medio del dibujo y el color. En el aprendizaje del oficio de la pintura son los primeros ejercicios hechos a partir de la observación y análisis visuales de modelos -vivos o yesos-, más otros referentes que pueden ser utensilios domésticos, frutos, flores, aves y animales muertos. Por ende, es figurativa, no abstracta, pero distante de la mimesis así de la tiranía del ilusionismo.

Una lección esclarecedora es confrontar las doctrinas antagónicas que predican en las medianías del siglo XIX Édouard Manet y Gustave Courbet. El primero abre un inusual camino a la pintura, plagado de sugestiones cromáticas dadas en lo que denomina ideal de lo inacabado, campo desde el cual se opone a la obviedad icónica que signa al registro de la fotografía. Al unísono asienta su personalidad, declara su aprecio por la tradición y proclama la investigación y ensayes. Por el contrario, el segundo se esmera en reproducir exacta la realidad habitual, meta perseguida con obstinación y fidelidad tan objetiva y precisa como sus habilidades y vista se lo permiten.

Esa práctica, de factura escrupulosa, lo eleva como máximo representante del realismo ochocentista, ese que la historia del arte rotula con R mayúscula.

Salvador Amenábar Cruz (España 1973) es un llamativo y singular caso de lo afirmado. Con estudios en la Universidad Finis Terrae y tres muestras individuales: El paisaje oculto (2000), Pinturas y dibujos (2004) y Bares (2009), el artista indica los

Salvador Amenábar: “Mujer recostada sobre día invernal”, Óleo sobre tela, 72 x 92 cms.

temas por los que deambula y que nutre de la imaginería que la mirada cotidiana retiene de sus entornos próximos. Se propone examinar su alrededor inmediato, rescatando las imágenes que los momentos casuales de cualquier operación del ver acarrea en la vida individual diaria.

La presente exposición “Un concertista, 12 mujeres y el pintor atribulado”, es el resultado de un cuidado trabajo de taller, concebido para hacer verdaderos cuadros de estudio. La integran retratos de medio y tres cuarto de cuerpo, la mayoría femeninos, más algunos autorretratos, ambos géneros respaldados por una brillante tradición, ya imperecedera, a los cuales se les otorga continuidad renovada, adecuadas a las exigencias de los polilenguajes imperantes en la pintura de hoy.

En la serie expuesta, los modelos posan en actitudes y posturas tan íntimas como caseras, que concordadas, suponen la complicidad entre pintor y ellos para resumir su traslación plástica en formas

espontáneas y planas. Campean las mujeres que, frontales, de espaldas, perfil o medio perfil, recostadas, arropadas o descubiertas, son conseguidas con manchas aventuradas, lúdicas y decididas. Alojadas en fondos imprecisos y nada reconocibles, se recupera el lenguaje prístino de la pintura, aquella reacia a la copia fútil, que atiende los motivos con la libertad creativa que otorgan la selectiva mirada y el manejo del oficio, que cuando es conciso y castigado, enseñorea libre de prejuicios.

Puede afirmarse que su primer propósito es la puesta en valor de una estrategia pictórica que sabe de las valencias de los trazos gestuales y seguros, más empastes y aguadas en contrapunto, abogando siempre por las insinuaciones visuales resonantes. Es la aspiración cúspide para subrayar el acto y adiestramiento pictóricos por sobre lo representado o, si se quiere, exponer una pintura de pretextos, forzada a la síntesis radical y, remitida sólo a los significados que los pigmentos portan en luces y sombras.

EVELYN ROZAS Magia y Creatividad

Desde que la escultora se alejó del diseño y la arquitectura, no ha parado de crear obras de arte por encargo de otro cliente: ella misma. De esta manera le ha dado arranque a su imaginación.

Por Gina Benvenuto, licenciada en estética y periodista.

a semejanza y el camuflaje como supervivencia.

Estrategias de ocultamiento y exhibición como posibilidad del ser femenino asociado al ser de la naturaleza. Evelyn Rozas pinta más que árboles, hojas y espinos en peligro de extinción, pinta la vida y sus complejidades. La vida atrapada en la repetición. La existencia como un cúmulo de tiempos y espacios replegados, pujando por expandirse.

Es mediante la repetición compulsiva de una imagen como trabaja Rozas. Rosas con espinas. Espinas buenas que la protegen y que ella recoge en los bosques sureños y replica, dibuja y recorta para hacer una matriz de cartón. Esta matriz la aplica sobre una tela hasta “200 veces” en variadas gamas de rojo. Y, por un caos organizado emerge otra figura. Para algunos, la corona de Cristo, para otros la constitución y creación de un nuevo ser del mundo natural, tarea a la que según cuenta, próximamente dedicará algunos esfuerzos pictóricos.

En sus cuadros monocromáticos -todo de brillante rojo o azulse expresa estética y vitalmente algo de la teoría del caos.

Teoría que recalca evidencia, cómo las condiciones iniciales de un fenómeno son sensibles y determinantes en el proceso y resultado de lo acontecido. Cómo una cosa desencadena muchas otras. El renombrado efecto mariposa. El mar o la

“Espino”, 2008, Óleo sobre tela, 80 x 80 cms.

poza. Lo abierto y sin fronteras o lo limitado y cercado.

No da lo mismo, entonces, recoger una espina o una hoja.

El uso de una matriz de hojita deviene guirnalda, también corona, pero esta vez festiva. Otras veces cardumen; peces delicados, tenues, tímidos y frágiles. O también bandada, pájaros ligeros. O danzantes óvulos marinos.

Siempre una atmósfera femenina delicada, prudente y mediadora, como si tomara en cuenta los principios de la teoría del caos: toda intervención o cambio genera insospechadas consecuencias.

Montajes y desmontajes en la escena nacional / 10 consejos de conservación

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montajes y desmontajes en la escena nacional Por Ernesto Muñoz, critico de arte.

Fotografías cortesía del BBVA.

a temporada de exposiciones ha alcanzado su punto más alto con la muestra de Lorenzo Domínguez en la Corporación Cultural de las Condes. La obra, trasladada de Argentina, fue dispuesta en un montaje relevante que distribuye esculturas de todo el periodo creativo de este artista chileno. Destaco el intercambio logrado y la recuperación de este maestro, especialmente en el tema del montaje de la muestra, elaborado bajo la mirada atenta de Francisco Javier Court y el ojo de Fernando Moya y Paulina Paredes.

La exitosa presentación contrasta con las recientemente reinaugurada exposición de arte colonial en Casas de lo Matta. El lamentable montaje de esta muestra se ve aún más disminuido cuando recordamos las excelentes exhibiciones de Santa Teresa, en el Museo Nacional de Bellas Artes, y la selección de arte colonial en el Centro Cultural Palacio La Moneda.

La muestra de Casas de lo Matta toma un título irónico extraído de la pieza musical “La bamba”: “Para subir al cielo se necesita una escalera grande y otra chiquita”. Sin embargo, contó con errores de información respecto al color celeste elegido en los paneles, presentado a modo de escapadas de movimiento punk junto a la obra de don Eugenio Pereira Salas y el recordado Patricio Estellé.

Estos contrastes rompen la tranquilidad del recinto, y presenciar las obras en mal estado, acompañadas de santitos de primera comunión, mueven a pensar adonde va este mundo aún tan colonial y sus actuales nombramientos de la escena artística y cultural nacional.

Francisco Iturrino:“Mujer con abanico”.

Este ambiente se mueve con el distanciamiento de la dinámica Javiera Parada, en la Dirección de Asuntos Culturales, quien es reemplazada por el diligente Alfonso Díaz, ex relacionador del Museo Salvador Allende. En el terreno de agregados culturales podemos ver a Carlos Leppe tomando posición en Argentina y a Antonio Arevalo -poeta exiliado en Roma- en Italia.

Isidora Cabezón, Constanza Guell, Magdalena Aninat y Macarena Matte llegan al Consejo de la Cultura y las Artes, cuyos cambios ya afectan al Museo de Bellas Artes. Podemos ver al curador de esta institución, el afable Ramón Castillo, trasladarse a la dirección de la Escuela de Arte de la Universidad de Diego Portales y al director Milan Ivelic barajar una posible jubilación.

David Alfaro Siqueiros:“Paisaje I”.

Por último, y para concluir, la muestra “Confluencia” del BBVA que se exhibe en el mencionado Museo de Bellas Artes, reúne sólo grandes nombres con obras poco relevantes. Tapies, Matta, Guayasamín y Siqueiros, junto al montaje de la obra de René Combeau, recuerdan al drama que se vive en el sur de Chile con el terremoto, y gatillan una segunda lectura que prueba la fragilidad con la que se puede percibir este arte latinoamericano si no se presenta de una manera cuidadosa y correcta.

10 consejos de conservación y montaje de obras de arte

¿Cómo se monta y conserva correctamente una obra de arte? ¿Qué debemos hacer si presenta algún daño? ¿Cómo evitamos dañar permanentemente una pintura o escultura?

ASEGURARSE DE QUE SUS OBRAS SE MANTENGAN IMPECABLES. Por Gloria Velandia, conservadora jefe de Art Basel.

Antes de hacer una nueva adquisición, asegúrese de averiguar con qué materiales fue realizada para evaluar su longevidad.

Cada obra de arte requiere de un tratamiento de manutención: desde tratamientos periódicos de limpieza leve, hasta intervenciones cuando la obra muestra fuertes signos de envejecimiento o de mal mantención.

La limpieza periódica de las obras de arte es normalmente necesaria y a menudo no requiere de los servicios de un profesional experimentado. Si deseara hacer una leve limpieza por su cuenta, mi sugerencia es que primero se informe de algunos métodos correctos e incorrectos antes de manipularlos.

Las pinturas al óleo requieren de una limpieza periódica, ya que tienden a atraer y absorber los contaminantes del ambiente. Si no están barnizadas, estas obras de arte deben ser monitoreadas aún más. La pelusa y otros

contaminantes se acumulan gradualmente en la superficie y, sin una limpieza periódica, estos poluyentes se pueden incrustar en la obra, alterando para siempre su apariencia.

Nunca exponga sus piezas de arte sobre papel a la luz directa más intensa que 5-8 pié candelas o footcandles.

No manipule las obras de arte con las manos descubiertas. Siempre tóquelas con guantes de algodón, y nunca tome la obra no enmarcadas por las esquinas.

Proteja los dibujos, impresiones y libros en tránsito y almacenados colocándolos en carpetas y utilice hojas que los separen entre si.

Siempre utilice personal especializado para manejar obras de arte al mover o empacar sus obras.

Evite colocar sus trabajos sobre papel en baños, cerca de ventilaciones de aire acondicionado o de calefacción.

Al contratar un enmarcador, asegúrese de que no solo tenga “experiencia”, sino que utilice los mejores materiales libres de ácido. Y recuerde que “caro” no quiere decir “experimentado”.

Siempre consulte un conservador certificado al tomar decisiones o buscar ayuda para su colección de arte.

Más información en: www.gvartconservation.com

Roberto Ampuero

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Roberto AMPUERO Novelista, independiente, (pero) no prescindente Por Soledad Zamorano, periodista.

Fotografía Camila Duch.

unque sonó fuerte hasta como Ministro de Cultura de Sebastián Piñera, por quien hizo puerta a puerta en la campaña pasada, no cumplía dos meses en el directorio del Consejo de la Cultura cuando decidió renunciar. Así, mantiene su vida familiar, académica y de escritor en Estados Unidos y también la independencia suficiente para ser crítico de lo que se hace y no se hace en materia cultural en Chile. Más parece ejecutivo que escritor. De paso por Santiago, Roberto Ampuero mira a Chile y pide más espacios públicos, preocupación por las regiones y una imagen país que hable realmente de lo que somos.

Literatura y política. En su experiencia, ¿es factible mantener un vínculo sano?

Absolutamente. Nadie es más político en las artes que un novelista. Lo importante es ser un intelectual preocupado por el mundo que te rodea, por sus desafíos sociales, ecológicos, culturales, pero desde una posición independiente. No ponerse al servicio de un partido o un gobierno. No implica prescindencia política, sino todo lo contrario, pero desde la independencia.

El intelectual un cazador solitario que se ocupa de temas de la sociedad y del individuo, de allí viene su drama y su influencia. Algunos me dicen: ¿Y apoyaste al candidato Sebastián Piñera y no pediste nada a cambio? Así es. No pedí ni postulé a cargo alguno, como tampoco nunca lo hice en 20 años de Concertación. Y si miento, que me rectifiquen. Soy un novelista y columnista, que analiza el poder, pero desde fuera del poder, sin un jefe que me ordene tareas o imponga deberes. Esa es la esencia del intelectual moderno, independiente, opinante.

Pese a su visión crítica sobre el rol de la Concertación en la pérdida del rumbo del país en diversos ámbitos, ¿qué avances le reconoce a esa coalición en materia cultural? Se dice que uno de los sellos fue la instauración de una institucionalidad cultural.

Absolutamente, la Concertación creó la institucionalidad cultural, un gran avance para el país. Pero no hay obra perfecta y era necesario un cambio de rumbo para fiscalizar y modificar prácticas no del todo felices que se van dando con

el ejercicio del poder durante decenios.

Yo reconozco las cosas buenas de todos los sectores, y critico las deficiencias. Es el papel de un intelectual independiente, que se mantiene financieramente independiente del poder de turno. ¿Por qué renunció al CNCA cuando apenas cumplía cerca de dos meses en el cargo?

Me di cuenta que no iba a estar en condiciones de asistir en forma regular a las sesiones mensuales del CNCA. Vivo en EEUU, tengo mi vida allá, compromisos familiares y profesionales, y todo eso me iba a impedir cumplir al 100% con las obligaciones de un director del Consejo. También es una forma de mostrar una actitud ética ante los cargos en la administración pública, que a menudo obnubilan a muchos.

Si hubiera permanecido en el directorio, ¿qué planes le hubiera gustado proponer?

Todas cosas pendientes en Chile. Una es perfeccionar los sistemas de selección a distintos niveles, de manera de hacer más estrictos los jurados. Lo otro es un proceso real de regionalización, porque creo que no le hace bien al país ni a la creación tampoco esto de decidir desde Santiago. Chile es mucho más que Santiago.

Y, finalmente, que el CNCA tenga mayor incidencia en el nombramiento de los agregados culturales que nos representarán en las embajadas. Son tareas importantes que el Consejo debiera tomar, porque estamos hablando de un área vital en la promoción del arte y la cultura. Me preocupa que Chile todavía no tiene imagen afuera, porque la imagen ha sido el terremoto, antes fue Pinochet o Allende.

Colombia, por ejemplo, ha pasado por muchas crisis y aún así tiene su sello. ¿Dónde está el nuestro? No lo tenemos, no tenemos cuento que contar afuera.

Ya superada la desconfianza inicial -con variados gestos de gente de izquierda reconociendo sus expectativas en este gobierno- ¿qué debiéramos empezar a ver y a vivir como país en el terreno cultural?

Ojo: no soy vocero cultural del gobierno.

Simpatizo y respaldo la gestión del Presidente, pero desde mi posición de independiente. Creo que en cultura pasará

lo mismo que en la política tras el arribo a La Moneda del Presidente Piñera: no era cierto que renacía Pinochet ni volvía el pinochetismo.

Este es un gobierno de una centroderecha nueva, con dos almas, pero consciente de que el mundo marcha en una dirección, de que el país necesita cambios, pero que va en términos generales en una buena dirección, por lo que hay que impulsar con más energía lo que está bien hecho, rectificar lo que va mal y reconocer aquello que se estancó. ¿Cómo ve a Chile en su Bicentenario, especialmente post terremoto?

Hay que conmemorar los 200 años. Dudo que tengamos motivos objetivos para celebrar al 100%. América Latina tiene muchas tareas pendientes en el área social y de los derechos humanos. Chile, por fortuna, ha hecho progresos notables en los últimos decenios, pero aún estamos lejos de convertirnos en un país desarrollado. Y ser desarrollado implica mostrar cifras contundentes en lo social. Por las extremas diferencias sociales y de oportunidades, de educación y por el clasismo y la inmovilidad social, seguimos siendo un país del Tercer Mundo. Los edificios altos de acero y cristal, las autopistas y los malls son una parte de una nación moderna y desarrollada, no la modernidad ni el desarrollo. A veces perdemos esa visión de las cosas, no vemos la pobreza que nos rodea y mitificamos la realidad.

“El Caso Neruda” ha pasado a las grandes ligas tras situarse en el top ten de las novelas policiales del año. ¿Siente el mismo reconocimiento y valoración en Chile?

Perdón, es Top Ten 2010 entre 700 novelas, según la crítica de Alemania, Austria y Suiza.

En Chile tengo lectores muy fieles y sin su apoyo no sería el escritor que soy. Para mi la selección de la prestigiosa revista internacional Buchkultur -que sitúa “El Caso Neruda” junto a obras de James Ellroy, Jan Nesbo o Martin Cruz-Smith- es un reconocimiento a la literatura chilena y constituye un mensaje alentador para muchos colegas chilenos y especialmente para los jóvenes escritores y escritoras: somos capaces de jugar de igual a igual en las grandes ligas de la literatura internacional. No hay límites a nuestra creación. El mundo puede ser para nosotros como lo es para escritores de países influyentes. La clave está en creer en lo que uno hace, practicarlo con seriedad, perfeccionarse, ver el mundo y escribir consciente de su existencia.

Artistas Al Límite

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NOTICIAS www.artistasallimite.com

SITIO INTERACTIVO DE ARTISTAS NACIONALES E INTERNACIONALES COMPRA DE OBRAS CONTACTOS DIRECTOS CON ARTISTAS Y GALERISTAS

CAROLINA HURTADO

CATALINA DE LA CRUZ

“Reconocerse a través de la pintura”.

Hasta septiembre.

“Taller de emulsiones fotográficas”.

Durante todo el año.

Taller de pintura para niños entre 5 y 10 años. Cupos limitados.

Dirección: Francisco Bulnes Correa 699, Los Dominicos. Las Condes.

Contacto: 92195447

Creación de emulsiones fotosensibles, y experimentación en imagen.

Melchor Concha y Toro 19, Bellavista, Providencia. Horario: jueves de 18:00 a 21:00 hrs. Contacto: 99980874

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CECILIA FLATEN

DAPHNE LYON

Exposición permanente en restaurant Element.

Venta especial de esculturas.

Sábado 10 de julio.

Monseñor Edwards 1636, La Reina.

Contacto: 8800936

Casa Arte Origen Alonso de Córdova 3780, Vitacura. Horario: Continuado de 10am a 8pm.

www.arteallimite.com/ceciliaflaten

www.arteallimite.com/daphnelyon

Denise Treizman

Diego Larraín

Exposición colectiva FUTBOLisARTE. Hasta el 11 de julio.

Exposición colectiva en la Audi Boutique.

Hasta el 11 de julio.

Sala Negra del Centro Cultural Las Condes Apoquindo 6570, Las Condes.

Audi Boutique Dirección: Av. Isidora Goyenechea 3.527, Las Condes

www.arteallimite.com/denisetreizman

www.arteallimite.com/diegolarrain

VERÓNICA GONZÁLEZ

FERNANDA LEVINE

Clases de grabado en metal.

Talleres de pintura, dibujo, escultura y resina.

Durante el segundo semestre.

Enfocadas a la experimentación y a la creatividad individual.

Grupos de ocho personas.

La Dehesa. Contacto: 82941205

www.arteallimite.com/veronicagonzalez

Providencia 1648.

Contacto: 97123429

www.arteallimite.com/fernandalevine

FRANCISCA LOHMANN

GONZALO MEZZA

“Nuestro mar… que tranquilo nos baña”.

Hasta fines de noviembre.

Instalación multimedia “8 = 8 The virtual Museum Project”.

Restaurant El Muelle. Av. Alessandri, Algarrobo.

www.arteallimite.com/franciscalohmann

Desde marzo hasta julio.

Caixa Cultural Rio de Janeiro.

Galería 3. Rio de Janeiro, Brasil.

www.arteallimite.com/gonzalomezza

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MARIA EUGENIA ERRÁZURIZ “Taller de pintura: expresión y creatividad”.

Durante el segundo semestre.

Blaise Cendrars 6781, Vitacura.

Horario: Miércoles de 10 a 13 30.

Contacto: 92322578

Artistas Al Límite/ Soledad Carvajal

www.arteallimite.com/mariaeugeniaerrazuriz

PAULA RUBIO Selecionada en el Concurso Bicentenario Nescafé Art Collection.

En desarrollo.

Exposición desde el 8 de septiembre al 23 de octubre.

Lugar: Galería Patricia Ready.

www.arteallimite.com/paularubio

TITO CALDERÓN Taller de xilografía con práctica de yoga y meditación.

Desde marzo hasta julio.

Lugar: El Tabo.

Horarios: Sábados y domingos Contacto: calderonprint@yahoo. com o al número 85673432

www.arteallimite.com/titocalderon

PATRICIA CLARO Art Hamptons en Nueva York, con Kelley Roy Gallery.

Desde el 9 al 11 de julio.

Art Hamptons. Sayre Park, Bridgehampton, Nueva York.

www.arteallimite.com/patriciaclaro

Sebastián Baudrand Participación en AP’ Art en Francia.

Desde el 8 al 13 de julio.

Alpilles-Provence’Art Festival International d’Art Contemporain (AP’Art). Lugar: Saint Remy de Provence. Francia.

www.arteallimite.com/sebastianbaudrand

TOTOY ZAMUDIO Gran venta de taller.

Desde el 10 al 14 de julio.

Descuentos de hasta 50%.

Virgo 1868, Vitacura.

Concertar cita previa: 95484854

www.arteallimite.com/totoyzamudio

VERÓNICA BYERS

FRANCISCA BALMACEDA

Exposición colectiva inaugura Clínica Monteblanco.

Desde el 10 de julio al 10 de agosto.

Exposición colectiva en la Audi Boutique.

Hasta el 11 de julio.

Clínica Monteblanco. Kms. 4 Nº 18.780, Lo Barnechea.

www.arteallimite.com/veronicabyers

Audi Boutique.

Av. Isidora Goyenechea 3527, Las Condes.

www.arteallimite.com/franciscabalmaceda

soledad carvajal La metáfora de las armaduras

Desde que la escultora se alejó del diseño y la arquitectura, no ha parado de crear obras de arte por encargo de otro cliente: ella misma.

De esta manera le ha dado arranque a su imaginación.

Por Michelle Bolomey, periodista.

as series de Soledad Carvajal se caracterizan por llevar la experimentación al extremo de la escultura. Armaduras o vestimentas predominan en sus obras, ya que es la forma que esta escultora escogió para reflejar al ser humano en forma simbólica donde proyecta sólo lo aparente, lo externo, tal como una cáscara. “Mi obra intenta reflejar nuestras máscaras. Es una metáfora del vacío existencial del hombre”, explica.

A través de un proceso de ensayo

y error, la artista modela, esculpe, desarma y arma como se le dé la gana con tal de lograr el efecto buscado.

La síntesis final de su obra pasa por unir la intención inicial de la artista con el protagonismo de la arcilla, los esmaltes y el horno. Cada uno de estos elementos colabora en la sumatoria del largo proceso creativo que emplea para cada pieza escultóricas.

La metáfora de sus figuras se ha vuelto infinita y por eso actualmente reconoce que sigue pegada a sus “personajes-cáscara”, pues cada uno constituye un verso de todas las estrofas que ha plasmado con sus series escultóricas, las cuales han estado inspiradas en mujeres y hombres de todo tipo: famosos, divas o incluso santos religiosos.

Actualmente Soledad Carvajal sigue dando cuerda a su imaginación para presentar una nueva exposición, mientras estudia las posibilidades del gres unido al papel. Así logra obras con mayor plasticidad, liviandad y formato.

“Don Pedro”, Papel cerámico y fierro, 49 x 40 x 27 c.m

en cada impresión, una obra de arte Folletos, Papelería, Volantes, Libros Revistas, Memorias, Agendas

(56-2) 9443550 ventas@mavalchile.cl

www.mavalchile.cl

Acción Sudaca y Balmaceda Arte Jóven

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acción sudaca y Balmaceda Arte Joven La nueva jugada del arte emergente

Claudia Machuca: “Tack”, Tachuelas sobre policarbonato.

Colectivo 6: “Numen”, Instalación, fotografía con escritura.

Una agrupación de jóvenes artistas está cambiando la forma en que el arte se relaciona con la sociedad.

Recuperando espacios que se creían perdidos, sus propuestas son una apuesta segura para rejuvenecer la escena artística nacional.

na ventana para el arte joven, ampliar el panorama visual actual, es lo que presenta este año el centro Cultural Balmaceda Valparaíso en conjunto con el colectivo Acción Sudaca; agrupación colectiva de estudiantes que surge de la Facultad de Artes de la Universidad de Chile, cuya finalidad es dar a conocer el trabajo visual de artistas jóvenes, promoviendo la agrupación entre pares, la retroalimentación y la búsqueda de espacios perdidos para el arte emergente.

Por Francisca Medina, historiadora de arte.

Son cinco las exposiciones

contempladas para este año, cuyo ciclo comenzó con “El trabajo dignifica”, cuya inauguración fue el pasado 20 de mayo y que continuará el 24 de junio con la exposición “PABELLÓN DIEZ” en dónde expondrán sólo mujeres, todas ellas estudiantes de Arte en la Universidad de Chile, cuya temática se sustenta en la identidad y roles culturales que ha adquirido la mujer en nuestra sociedad actual.

Paulina Mellado: “Retrato”, fotografía.

Las siguientes muestras, enmarcadas en “El insoportable simulacro”, engloban las tres últimas exposiciones: “Intemperancia”, desde el 29 de julio al 20 de agosto, “Ver para creer” desde el 2 de septiembre al 23 de septiembre, “ Lo Despiadado”, desde el 30 de septiembre al 21 de octubre, tendrá la característica de reunir obras de jóvenes artistas de la Región Metropolitana y de la Región de Valparaíso, convocatorias abiertas que buscan “reflexionar sobre lo aparente, lo escenográfico, como un velo o como un espejismo, pero de raíz profunda. Desde la materia hasta la esencia metafísica, la poética de los objetos, de las cosas, la gente y sus relaciones, todo eso y más, entrama el simulacro en nuestra sociedad. Es la desarticulación de todo tipo de relación entre la imagen y el sustrato o modelo que la genera. Se entiende que esta escenografía de ciudad no es más que un “simulacro”, un “escenario”, que coincide con elementos tangibles, que de algún modo enajenan al individuo de su rol activo y crítico en esta sociedad. No se trata ya de imitación ni de reiteración, incluso no de parodia, sino de una suplantación de lo real por los signos de lo real.

Se hace meritorio y notable cómo surgen propuestas nuevas en un escenario común que busca trascender lo institucional para agrupar y dar a conocer lo emergente desde una plataforma que parte desde lo mismos estudiantes y que busca resolver interrogantes con visiones nuevas y necesarias para rejuvenecer el escenario artístico de nuestro país.

Millale Cordero: “Contensiones”, Serigrafía sobre cerámica.

CARMEN CRUZAT EL AURA DE LA OBRA

Carmen Cruzat

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Detalle “Ocre”, 2010, Estampado textil y patchwork, 164 x 74 cms.

Con Alusiones ornamentales, su primera exposición, la promisoria artista indaga en el arte textil -poco abordado en Chile- para teorizar sobre qué pasa cuando su producción industrial dialoga con la intervención manual, que otorga significación.

Por Pablo Barrenechea, periodista.

Quiero romper los patrones existentes sobre la reproducción textil. La idea es que el público vea elementos repetitivos, pero que a la vez perciba detalles particulares en cada obra”, explica Carmen Cruzat sobre su primera exposición colectiva, Alusiones ornamentales, a inaugurarse el 16 de julio en el teatro de Zapallar.

Y es que con Alusiones…, la artista de la Universidad Católica contrapone producción

mecánica con manual para recobrar el sello, la autenticidad de las obras creadas a partir del montaje y materiales utilizados. ¿Por qué el interés por el arte textil?

Básicamente porque en la escuela de arte no existía como tal. Además, siempre se asocia esta técnica con tejidos y lanas y yo le doy un vuelco al aspecto industrial que lo vuelve más autoral.

En cada trabajo hay diferencias ya sea por color, temperatura y presión de la prensa de calor que estampa los motivos.

Además, añado bordados y patchwork.

espectador acerca del valor único que posee cada objeto. Repetición y diferencia esta vez no son conceptos ajenos.

¿Y cómo se relaciona esto con lo monstruoso, lo siniestro que anuncia para esta exposición?

Esta exposición busca una doble extrañeza: primero, porque los personajes estampados son seres híbridos y confusos por su misma naturaleza monstruosa, amorfa (lo temático).

Pero también hay distorsión con el espacio (lo técnico). Se confunde figura y fondo, lo que está a primera vista y lo que está menos expuesto. Hay desplazamiento del grabado.

“No perder el aura de la obra”, como dice el filósofo Walter Benjamín.

Benjamín dice que una obra sujeta a reproducción pierde su autenticidad.

Entonces, la intervención humana se la regresa. Claro que en este caso lo que Benjamin postula no es del todo cierto.

Porque si bien el soporte para crear es industrial, la intervención manual inevitablemente implica errores que diferencian cada obra. Esta técnica de estampado textil siempre cuestiona al

¿Qué debiera pasar entonces con el espectador ante esta propuesta?

El ojo está adiestrado para reconocer ciertos esquemas, formas, según nuestros marcos culturales. Entonces, cuando modificas estas imágenes, se desconcierta. Y ahí da un vuelco el tema de lo monstruoso, ya que Alusiones ornamentales quiere que el público vea belleza, armonía, en lo anormal, en lo amorfo, a través de esta técnica experimental, que de alguna forma busca la reeducación de la mirada.

Universidad Finis Terrae

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Seminario de Arte y Naturaleza EN LA universidad FINIS TERRAE

Durante agosto se llevará a cabo el seminario “Arte y naturaleza” en la UFT. esta inédita iniciativa entregará una visión contemporánea sobre las artes visuales y su relación con el medio ambiente.

Fotografías cortesía de Matilde Marín.

a naturaleza ha sido una constante fuente de inspiración para generaciones de artistas.

Sin embargo, en la actualidad nos enfrentamos a los cambios, influencias y deterioros del espacio que nos rodea. El seminario de la Universidad Finis Terrae “Arte y naturaleza” se enfoca en este contexto una visión actual. Belén Romero, teórica investigadora de la Universidad de Valencia, Paola Vezzani, artista nacional de Punta Arenas, y Matilde Marín, destacada artista argentina, son algunos de los panelistas invitados.

Matilde Marín acaba de terminar su participación en arteBA, como parte del equipo docente de la Academia Nacional de Bellas Artes de Argentina, y expone hasta fines de julio en Galería Patricia Ready su muestra “Paradisus”. ¿Cuáles fueron las razones para escoger a la naturaleza como el protagonista principal de tu trabajo?

Desde hace 20 años transito por la Patagonia austral argentina y chilena. El paisaje que descubrí en estos años lentamente me fue invadiendo, y me situé como el artista que mira y es un testigo del paisaje total y aislado. Siento la naturaleza y el paisaje como espacio de reflexión para el hombre. ¿Puedes contarme brevemente de tu muestra “Paradisus”?

“Paradisus” surge de una experiencia personal en la región de Cholila, o “valle hermoso” en mapuche. En ese lugar viví una gran inundación.

Podría leerse como la naturaleza que se agrede a sí misma, pero a la vez continúa siendo bella, permanece. Y pensé en los pequeños paraísos personales que uno construye para continuar la vida. Lo que traté de hacer con la serie es recrear una sensación de ese espacio mítico que es el Jardín del Edén. ¿Cómo se gestó tu participación en el seminario “Arte y naturaleza”?

Con la artista Teresa Gazitúa compartimos una mirada común hacia la naturaleza, y también

“Sueños sobre el paisaje”, 2008, fotografías analógicas, 100 x 140 cm.

pensamos en su destino conectado con el hombre. Esto hizo que la UFT me invitara a participar de esta actividad tan importante y que es la primera vez que se realiza en Chile.

Estamos cada vez más lejos de la naturaleza. No hay contacto, empatía hacia ella. ¿Qué pueden hacer los artistas por este distanciamiento?

Creo que la vida en la ciudad contemporánea es muy intensa y genera mundos que encierran a los artistas y a veces los hacen vulnerables. Pero el artista que también posee sensibilidad puede acercarse a la naturaleza y dejar que esta contribuya a su inspiración. ¿Qué le parecen este tipo de iniciativas realizadas por la UFT? Las iniciativas que genera la Finis Terrae me parecen de una creatividad y profundidad importante. Hacen que el estudiante tenga alternativas de estudio y pueda formarse muy solidamente como artista.

Exposiciones del mes de profesores y ex alumnos de la UNIVERSIDAD fINIS tERRAE

Francisco Peró, Francisca Onetto y Ramón Peón-Veiga, entre otros “Rutas” Centro Cívico de la Municipalidad de Las Condes Hasta el 10 de julio.

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NIEVES MAC-AULIFFE HOMENAJE A LA BANDERA CHILENA

Nieves Mac-Auliffe/ MAría José Pinto

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A modo de celebración de uno de los icónicos símbolos patrios, la artista reformula nuestra visión de la patria, el blanco, rojo y azul, y el concepto de la chilenidad, entregándonos una mirada joven sobre sus significados.

Fotografías de Piedad García.

“Color Azul II”, 2010, Técnica mixta, 70 cm. de diámetro

l 9 de julio se celebra el Día del Homenaje de la Bandera. No es coincidencia entonces que Nieves Mac-Auliffe haya escogido ese día para inaugurar su exposición “Bandera Chilena” en Galería Collahuasi, Iquique.

La muestra, ganadora de un Proyecto Bicentenario de la Minera Collahuasi, explora la historia y el contexto tras los colores patrios desde la perspectiva artística, contextualizando sus significados y trasfondo simbólico, a través de distintas pinturas e instalaciones. “La bandera es uno de los grandes símbolos patrios de nuestra historia republicana. Por esto le queremos dar todo el protagonismo que se merece. Ella tiene un permanente diálogo con cada uno de los chilenos, siendo su intención mostrarnos parte de nuestra propia historia”, explica.

Durante su recorrido, el espectador podrá entender y

experimentar en forma lúdica cada aspecto de la historia y evolución de este emblema. “Quiero que las personas recuerden qué cada componente tiene su significado.

Blanco representa la cordillera que nos acompaña de norte a sur, el color azul nuestro profundo mar, el rojo la sangre derramada por los chilenos y finalmente la estrella que simboliza nuestra tierra libre y soberana”.

En el marco del Bicentenario, la exposición también incluye un documental de TVN sobre la restauración de la bandera utilizada en el juramento de la Independencia, y que actualmente se puede visitar en el Museo Histórico Nacional.

La muestra se podrá visitar durante todo el mes de julio. Luego se trasladará -en el mes de septiembre- a Pica, en donde se podrá visitar en la Galería de Pica hasta mediados de octubre.

MARÍA JOSÉ PINTO Arte en pareja “Ahumador”, 2010, Tinta tipográfica, barniz y esmalte sintético sobre tela, 80 x 120 cm.

Los decires y haceres de LA joven creadora y compañera del -al parecer- emergente artista chileno.

de pvc y algunas mallas de plástico, va el trabajo realizado por Baudrand con la colaboración de ella y que tuvo suficiente mérito para ser seleccionado en un festival de arte contemporáneo en Provenza.

Por Gina Benvenuto, Licenciada en estética y periodista.

Una tarea artística donde hay reciprocidad, apoyo y sostén, pero también individualidades, universos personales.

El de María José es frecuentemente una reflexión sobre el espacio, sus fronteras, sus límites. Sus claustros. Sus libertades.

n medio de un claro de bosque cercano a Puerto Varas, María José Pinto, artista, junto a Cristián Baudrand, también artista, construyeron su casa. Allí en la “casa clara” del bosque dialogan sobre el arte y la vida. Allí le ayuda en su trabajo, hace el propio e imparte clases de grabado en una colaboración comprometida y entretenida que llevó a la pareja hasta México y próximamente a Francia. En una mochila cargada con tubos

Son pulsos y son acentos que dan cuenta de un ritmo, ritmo como los del corazón: ritmo de sístole, una contracción del corazón para impulsar sangre y también ritmo de diástole, una relajación del corazón para que entre sangre y el corazón se llene de ella. Y todo ese ritmo capturado siempre con el rodillo,

aquel usado en la técnica del grabado.

Rescata de éste su capacidad reveladora y acusadora de realidades por imperceptibles que sean. “El rodillo hace que un material que se percibe sólo de manera táctil, pueda ser también visualizado”, explica.

En su trabajo últimamente también usa latas de pintura sprite (aérea) y cualquier material de desecho para retratar los espacios amables, y no tanto, que la impresionan. Entre estos últimos, las chimeneas humeantes sobre el cielo sureño.

Búsqueda mínima de materiales mínimos, a veces de deshechos. Sin alaridos María José hace en sus cuadros revelaciones categóricas pero afables. Lo perdido es recuperado. Lo ido, vuelto.

El ritmo prevalece, la vida continúa.

Artistas

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AMELIA ERRÁZURIZ Una mirada metafísica s nieta y bisnieta de dos ex presidentes de Chile. También es hermana de un ex candidato presidencial en las elecciones de 1998. Amelia Errázuriz Talavera, pintora apasionada.

Desoladamente inteligente e interrogativa.

Desde hace algún tiempo la motiva, la provoca estéticamente, el concepto de acumulación. Acumulación de sillas, acumulación de quitasoles, acumulación de maderas. Todos los seres repetidos y juntos. Todos los seres iguales y distintos. ¿Qué constituye el ser de las cosas? ¿Es la función del objeto, su utilidad, lo que en algún grado y de alguna manera describe y define su ser?

La artista hace interrogaciones metafísicas; reflexiones profundas sobre el ser de las cosas, lo que está más allá de lo sensible, más allá de lo físico. ¿Qué hace que lo que veamos sea eso que vemos y no otra cosa a pesar de la variabilidad? ¿De qué esta hecho? ¿Qué es lo que ha llegado a ser? ¿Qué relación hay entre

“Desorden II”, 2007, Técnica mixta, 90 x 110 cm.

Construcciones pictóricas que se alejan de la realidad física para abordar y allanar las complejidades del ser de las cosas.

Por Gina Benvenuto, Licenciada en estética y periodista.

el cerebro como órgano físico material y la mente como función de éste?

La metafísica es una rama de la filosofía, pero también, y sobre todo, la primera tendencia del ser humano. La mente infantil pregunta, indaga, averigua. La metafísica es la tendencia primaria de la inteligencia. Y es la ciencia natural y humana del hombre, único ser del planeta que se interroga e interroga el mundo del más acá y del más allá.

En la metafísica de Errázuriz hay una búsqueda del ser, del sentido de la

existencia y un ávido interés por el conocimiento. Una focalización emocional e intelectual por el misterio; descubrir lo enigmático, lo oculto y lo reservado y hacerlo evidente y claro.

En medio de la soledad, el silencio y la espera que inundan sus cuadros presentan una revelación, una luz sobre el significado del hacer en el ser. Un ser que haciendo va siendo. Una pintora que va pintando capas como capas de su alma.

En su último trabajo pintó 12 obras de gran formato que instalará en medio de alguna construcción de edificios todavía en obra. Palos y más palos hasta el borde mismo de la tela, todos desde una perspectiva inesperada.

Una mirada intensa, ávida sobre las distintas instancias y utilidades de la madera: lo que era, lo que es y lo que será un trozo de palo. La función como estructura del ser. Poetizar la función, poetizar el tiempo. Lo verdadero asociado a lo hecho. Maderas de oro, maderas de plata.

PAULINE CRISTI La vida INexacta de lo natural

Del 10 al 25 de julio, la artista expondrá en la Sala de Arte del Club House de Marbella una completa muestra de su trabajo HECHO entre 2009 y 2010 en mediano y gran formato.

Por Josefina Valdés, periodista.

auline Cristi presenta en esta oportunidad una exposición que recoge lo más característico y novedoso de su obra. Dos ejes temáticos dividen la experiencia visual, que sin embargo se unifica en el valor vital del color. “La expresión es muy importante al crear, pero para mí, algo indispensable es el uso del color. Creo que una obra temáticamente hablando puede ser excelente, pero si no está trabajado bien el uso del

“Lomas I”, 2009, Óleo sobre cartón, 30 x 38 cm.

color en cuanto a sus figuras y fondos, complementariedad, transparencias, luces y sombras, el resto se pierde.

Sobre todo el producir efectos; expresar a través del color”.

En “Trazos profundos” los botes, referentes constantes de su obra, entablan un diálogo con la naturaleza, la experiencia humana y la espiritualidad: “Creo que nunca voy a dejar de pintar botes, independientemente

de que en paralelo quiera trabajar otras temáticas. Me gusta porque está unido a algo que es mío, a mi pasión por el exterior, la naturaleza y la vida de las personas. Hay que pensar que dentro de ese “bote” existe la presencia -presente o pasado- de un “alguien” que siente o sintió, que vive.”

Además, la artista señala que la temática la envuelve en una reflexión en torno a la creación de todos los seres humanos,

de aquella colectividad que poco percibimos: “Esa persona que habitó o habita ese bote tiene que ver con Dios.”

“Entrecierro los ojos” concentra distintas temáticas y un acercamiento a la abstracción.

Como explicó a Arte al Límite, Pauline Cristi encuentra en aquel acto “una naturaleza que muestra otra belleza más específica, más detallista, pero a la vez más abstracta”.

MARÍA TERESA HASBÚN daltonismo

La dificultad como inspiración: incapacidad para discriminar colores se hace fuente y puente de creatividad.

Por Gina Benvenuto, licenciada en estética y periodista.

“Jarrones Ocre”, 2009, Técnica mixta, 190 x 90 cm.

pur si muove. Epur si vede. Igual se mueve. Igual se ve. Una resistencia a la aceptación inerte y al detenimiento.

Una invitación a la vida, a la belleza y a la alegría. “Las cosas feas, dolorosas, no quiero ni verlas”. Aunque también están. Las pinta, por ahí, un poquito, intuitiva, inconsciente o premeditadamente.

María Teresa Hasbún es pintora por gracia, ya que siendo portadora del gen del daltonismo, no padece la enfermedad

que sí afecta a dos personas de su familia.

Charles Meryon, famoso grabador francés daltónico del siglo XIX, expresó: “Prefiero los hermosos negros con los que puedo observar todos los grados de gris, que los vivos colores de la pintura”. Y es que la dificultad de discriminar tonalidades se traduce a veces en una agudeza visual que permite distinguir matices e incluso objetos camuflados no perceptibles al ojo normal.

Una idea afectiva se hace mancha y luego

pintura. “Veo y disfruto figuras en las manchas”. “Orilla de playa”. Un cuadro que es también un estudio apasionado y sin embargo quieto sobre el color rojo.

Perfiles indeterminados que sugieren la imagen de dos barcos lo mismo que dos pechos femeninos. Cordel que también puede ser trenza de pelo. O bien, el cuadro “Regatta”. Una reflexión pictórica sobre los colores primarios. Es decir, aquellos que no se pueden obtener mediante la mezcla de ningún color.

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sebastián picker La soledad nuestra de cada día

Sebastián Picker / Maria Eugenia Akel

Chileno, radicado en México, el artista utiliza sus figuras para develar una y otra vez su visión de la sociedad y del género humano. Dulces e inocentes que nos demuestran la tragedia humana más íntima.

Por María Fernanda Reyes-Retana, gestora cultural.

n el diario Las Últimas Noticias, del martes 17 de febrero de 1970, salió publicado un artículo titulado “Pintor veterano a los catorce años”. El texto contaba la historia de Steve Picker, artista chileno que desde los 11 años comenzó a dibujar y a los 13 años, gracias a la amistad de su padre con el gran maestro y humanista Vittorio di Girolamo, fue a Roma a estudiar animación.

El destino torció la historia de esta promesa del arte nacional y después del golpe militar su familia emigró a Boston, Estados Unidos.

La realidad de Steve comenzó, a partir de ese momento, a acontecer entre escenarios divididos por el recuerdo idealizado de lo que había sido su vida en Chile, y lo que iba evolucionando en ese presente forzado. Las dos veces que regresó a Chile se sintió como un extraño, el país de sus recuerdos parecía haberse esfumado.

Desde su estudio de Guadalajara, México, Sebastián analiza su carrera artística. Pintura, escultura, música, instalaciones y hasta la escritura han sido parte de sus intereses durante el desarrollo creativo. Pero fue quizá después de diseñar la marioneta de un soldado deprimido y una pequeñita alegre y despreocupada que lo animaba, la que motivó al artista a volver a los muñecos, pero ya no de animación, sino en olio, su técnica favorita.

Sebastián Picker ha realizado innumerables exposiciones en Estados Unidos, México y España y varias de sus obras forman parte del acervo cultural de los museos de esos países.

Desde su infancia en Chile, su marcha ha ido en ascenso, pero a su país no ha vuelto.

“Torre de palabras”, 2005, Óleo en lienzo 99,1 x 78,7 cm.

Las razones de esta determinación, las influencias de su arte y sus proyectos, podrá descubrirlas en una entrevista en profundidad en la edición Nº43 de la revista Arte Al Límite, Julio-Agosto.

maría eugenia akel La simultaneidad imaginada

Inquietud, dinamismo, y trabajo constante son los motivos que llevan a esta artista a seguir incorporando nuevas herramientas, mientras participa en proyectos de renombre internacional que desafían constantemente los deslindes de su obra.

Por Josefina Valdés, periodista.

“Fusión Valparaiso - Mercado Central Santiago”, 2009, Obra digital sobre tela intervenida con técnicas mixtas, 160 x 280 cm.

aría Eugenia Akel continua experimentando con herramientas digitales que expanden los alcances tanto del mensaje como del público en su obra: “Hay un momento en que te cuestionas todo, y en ese instante hay que salir de lo conocido y atreverse. A probar lo nuevo, sin dudar”. Papeles de diario, hojas de árboles, velos y mallas, se suman a la fotopictografía para conformar sus collages y mostrar la versatilidad e inquietud comunicante dentro de estas obras que fusionan con maestría una mirada íntima con la simultaneidad ecléctica de la ciudad y la memoria: “Siempre me ha fascinado el misterio del funcionamiento de la mente, cómo se superponen y amalgaman los pensamientos. En mis actuales trabajos ése es el tema: los niveles superpuestos de

elementos muy diferentes, que amalgamados provocan diversas sensaciones, de acuerdo y según quién sea el espectador de la obra”.

El empleo digital es sin duda una posibilidad de apertura al diálogo tanto referencial y significante, como también hacia otros artistas y posibilidades de crear. En torno a esto la artista reflexiona sobre el diálogo simbiótico entre pintura y fotografía, lo que le brinda la posibilidad de instalarse en la grieta de la representación, “desdibujando las fronteras que antes existían entre estas dos maneras de hacer arte”. Además, explica cómo las tecnologías le han servido como plataforma de expansión para difundir su obra. Desde portales virtuales como arteallimite.com, su sitio mariaeugeniaakel. cl, y otras webs de Estados Unidos e

Inglaterra, ha sido invitada a distintas ferias de arte y exhibiciones en Italia y Nueva York. Gracias a estos espacios de difusión, fue también contactada por Art Now para participar en el libro “Masters of today”, además de recibir el 4to Premio en Fotografía en la pasada Bienal de Florencia y el premio Bicentenario por Chile en Buenos Aires.

Hoy los proyectos no se detienen. En junio participó de la exposición colectiva en homenaje a Violeta Parra “En Tonos Violeta”, a cargo de la Asociación de Artistas Visuales, donde actualmente es directora y curadora. Además, participará en un proyecto Bicentenario para la embajada de Chile en Berlín, en la exposición de Arte Latinoamericano en Bruselas y en la Bienal de Esmirna, Turquía.