Periódico / Edición 65 Diciembre by Arte al Límite

diciembre artes visuales N潞 65 distribuci贸n gratuita

editorial

periódico al límite

Partió diciembre, mes de la Navidad y de disfrutar en familia, de hacer el balance del año; con sus cosas buenas y menos positivas. Una fecha de cierre y renovación, de resoluciones de fin de año y de las motivaciones para el siguiente. Para esta fecha significativa, les presentamos este especial periódico dedicado a nuestros artistas. A su mirada de Chile, del arte, de su pasión y de la internacionalización de sus carreras. A su obra, lo que ésta esconde y conlleva. A lo que el artista propone más allá de su trabajo visual. Reunimos en esta edición a un diverso grupo de creadores; escultores, pintores, artistas multidisciplinarios, instaladores y fotógrafos. Algunos de ellos viven en Chile, y otros tantos viven en el extranjero. Varios de ellos experimentan día a día cómo los chilenos nos enfrentamos al arte, en tanto que -desde la distancia- los demás recuerdan con emoción su experiencia con nuestra cultura. Pero más allá de sus vivencias, estos artistas nos relatan el panorama del arte nacional y la capacidad que éste tiene para ser reconocido fuera del país; mucho más de lo que se hace dentro de éste.

equipo

Por esta razón, la resolución de fin de año de Arte Al Límite es fortalecer el arte en Chile, y que éste no sólo sea concebido como un objeto de adquisición. Que se valore como una disciplina que tiene metas que van más allá de la creatividad y de la expresión; con objetivos inherentes como lo son comunicar ideas –políticas, espirituales o filosóficas-, crear sensaciones y nociones de belleza o fealdad, explorar la naturaleza de las percepciones, generar placer o emociones fuertes, por mencionar algunos. No existe una obra de arte que no tenga un propósito o significado más allá del aparente. Y esa intención se extiende más allá de llenar un espacio, cualquiera que sea.

no manifiestas que esperan trascender. Es esa “amplitud de onda”, en la cual se movilizan múltiples significados, la que reafirma nuestra misión: Demostrar que el arte es para todos. Y que desde sus comienzos su capacidad transformativa ha acompañado nuestra existencia, comunicándonos con un lenguaje universal la historia de nuestra humanidad.

Los invitamos entonces a repensar el arte y a disfrutarlo. A jugar con las posibilidades que cada obra nos entrega, con su subjetividad, propósitos, y técnicas creativas. Cada movimiento o brochazo del artista tiene una finalidad que trasciende lo meramente visual. Lo hicieron los grandes maestros del Renacimiento, y lo hacen nuestros artistas también.

En esta fecha de celebración insistimos en invitarlos a explorar las diversas disciplinas que el arte nos ofrece. Queremos que para esta Navidad regale arte, en cualquiera de sus formas. Porque más allá de entregar un obsequio único y estético, obsequiar arte es un cualidad con la cual enriquece la vida de todos que rodearán esa obra. Porque cada una de ellas aporta a múltiples planos: conocimiento, testimonio, cultura, creatividad y patrimonio. Pero por sobre todo, creemos que regalando arte motivará a la familia y amigos a aprender más sobre éste. Y con ello, esperamos comenzar el 2011 con el mejor presente de todos; una sociedad más interesada en conocer, cuidar y fomentar nuestro patrimonio cultural.

El arte es mucho más que la representación de temáticas obvias o hechos cotidianos. Su finalidad es expresar ideas

¡Feliz Navidad y próspero año nuevo!

Ana María Matthei directora Ricardo Duch director Cristóbal Duch asesor comercial Leonie Schilling editora general Catalina Papic directora de arte Carolina Silva diseñadora Francisca Yaksic licenciada en estética Camila Duch proyectos culturales Elisa Fernández periodista Labowitz crítico

Enrique Solanich crítico Pedro

Ennio Bucci crítico Julio Sapollnik crítico -

Argentina Carlos Navarrete crítico Manuel Munive crítico- Perú Ernesto Muñoz crítico y asesor de contenidos Virginia Rioseco periodista y profesora Gina Benvenuto periodista Josefina Valdés licenciada en letras Bernardita Garib escritora y artista Ángela Tapia periodista Jorge Azócar asesor Gabriel Núñez asesor de comunicación Ignacio del Solar asesor

Sumario

periódico al límite

SU MARIO REPRESENTANTE LEGAL Orlando Calderón F. VENTAS info@arteallimite.com FONO-FAX 955 32 61 WEB www.arteallimite.com PORTADA Empresa y cultura IMPRENTA R.R. Donnelley Santiago, Chile Las opiniones vertidas en este medio son de exclusiva responsabilidad de quienes las emiten.

06 El arte chileno al estrado

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Balance de las artes visuales

Cecilia Quezada

Luz María Yrarrázabal

El arte chileno al estrado

Paola Ferraris

Bernardita Domeyko

Nils Sprenger

Marcela Krause

V Concurso MAVI

Agenda Santiago

Agenda Regiones

Miami 2010

Jaqueline de St. Aubin

Lotte Sanders

Ximena Gumucio

Cecilia Flaten

Artistas Al Límite

Bernardita Matthei

Universidad Finis Terrae

Daniela Orlandi

Luz María Villarroel

Libros recomendados

Danisa Glucevic

Crítica de Gabriel Barros

Balance de las artes visuales

periódico al límite

balance de las artes visuales

Lo más recobrado

Lo destacado y lo mediocre de este 2010

Este año fue movido, no cabe duda. Con la apertura de nuevos espacios de arte, grandes muestras internacionales y un creciente abanico de propuestas artísticas chilenas, los invitamos a conocer el balance anual de nuestros críticos de arte Enrique Solanich, Ennio Bucci, Pedro Labowitz y Ernesto Muñoz.

Lo más desilucionante

Destacamos la aparición del gran artista chileno residente en París Iván Contreras Brunet en Ch.ACO. El pintor volvió a exponer en su patria tras un largo periodo de ausencia, participando de la selección que Galería Isabel Aninat presentó durante nuestra feria de arte contemporáneo.

La más triste despedida Este año fuimos profundamente afectados por el fallecimiento de nuestros queridos artistas Angélica Pérez, Francisco de la Puente, Rosa Vicuña, Patricia Figueroa, Uve Grumann, Hardy Wistuba, Sergio Castillo y Julio Tobar. Destacamos el gran legado de estos chilenos, cuyos efectos marcarán las futuras generaciones.

El mejor espacio cultural

El año 1910 el Museo Nacional de Bellas Artes se inauguró con una exposición denominada “internacional”, pero hoy se la considera un paso atrás en nuestra historia. Este 2010 se suma a las exposiciones que no merecen un Bicentenario y ninguna mención.

Nuestro grupo acordó nombrar el Centro Cultural Palacio La Moneda como el mejor espacio cultural por las correctas exposiciones que realizó durante el año, integrando lo histórico y colonial con las nuevas tendencias del arte contemporáneo. Vale la pena destacar el gran aporte de la muestra “Oro y Plata: el Resplandor de América”.

Lo más polémico La inauguración del Paseo de las Esculturas La Pastora, en la calle La Pastora de Las Condes. Este paseo cuenta con obras de Federico Assler, Cecilia Campos, Aura Castro, Francisco Gazitúa y el destacado Sergio Castillo, entre otros. La iniciativa fue polémica porque puso en relieve el antagonismo del arte con el entorno urbano.

Mejor esfuerzo editorial

El mejor envío extranjero.

Lo más precario La participación chilena de Alfredo Jaar y el grupo CADA en la 29 edición de la Bienal de Sao Paulo. Las fotos colocadas sobre la pared, sin vidrio, y el video sin un espacio oscuro al final de un corredor fueron un golpe bajo para las expectativas que los organizadores habían incendiado.

La exposición “Arte Peruano hoy”, presentada durante octubre en Galería Isabel Aninat, destacó por su complejo desarrollo de un tema reciente de la creación peruana, mostrándonos en su todo su esplendor pintura, fotografía y escultura de destacados artistas del país vecino.

El mejor esfuerzo editorial de este año es, sin lugar a dudas, la publicación “Chile Arte Extremo: Nueva escena en el cambio de siglo”. Los investigadores Sergio Rojas y Guillermo Machuca, junto a la periodista Carolina Lara, lograron realizar un libro que analiza a destacados creadores de la última década de los noventa y los inicios de este siglo, aportando a nuestro patrimonio cultural. Patrick Hamilton: “Guantánamo” Fotografía cortesía de Carolina Lara

Lo más desdichado

La mejor publicación y programa audiovisual Destacamos este 2010 el libro “Bohemios en París, epistolario de artistas chilenos en Europa 1900-1940” de Wenceslao Díaz. La publicación recopila cartas y documentos de artistas chilenos que vivían en la capital francesa durante la primera mitad del siglo XX. Además, es relevante el aporte de la serie de Artv “Por amor al arte: Historias de artistas chilenas” del cineasta Renato Villegas, la cual ha logrado demostrar el impulso de lo privado en el arte.

Los trágicos sucesos que destruyeron gran parte de nuestro patrimonio histórico con el terremoto del 27 de febrero. Ante esta tragedia, que aún no ha sido superada, queremos destacar la solidaridad de algunas empresas y privados, que se acercaron a apoyar las zonas más afectadas o desarrollaron actividades de beneficencia, entre ellos Galería Patricia Ready.

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cecilia quezada

Cecilia Quezada

Alegría, colores y creatividad

La propuesta de esta artista nos invita a experimentar, a realizar un constante viaje en las diversas formas, diseños y significados que pueden emanar de una obra. Un recorrido infinito y abierto a la imaginación. Por Elisa Fernández, periodista.

l trabajo de Cecilia resulta llamativo por su diversidad, por la enorme y auténtica capacidad que tiene de reinventarse una y otra vez. Esto último resulta una ventaja enriquecedora dentro de la creación plástica, ya que podemos navegar en un intenso abismo de emociones que evocan una exuberancia inigualable en los sentidos. Cada uno de sus cuadros está envuelto en una interesante y atrevida fusión, la capacidad de generar una mezcla entre pintura y arte digital, elementos que son cómplices, y que juntos otorgan un panorama de notoria intensidad a la obra. “Es un enorme trabajo y mucho más costoso debido a que partes de cero recopilando fotografías y luego viene una segunda parte que es un plus ya que el proceso de decidir en donde lo imprimes puede ser muy interesante…todo depende del papel que ocupas, como se incorpora la tinta, y eso es una novedad”, explica. Hay un entusiasmo intrínseco en investigar lo que está por venir, o los miles de resultados creativos que son inesperados, pero que por esta misma condición, le confieren a la pintura una frescura latente. Le interesa retratar el tema de lo femenino, la riqueza que se encuentra en cada una de las etapas que van formando la vida de una mujer, pero al igual que su propuesta artística, siempre está dispuesta a retratar lo que el destino le vaya soplando a lo largo del camino. La única emocionalidad constante y por sobre todo extremadamente humana, son las ganas de transmitir felicidad, placidez y prosperidad en cada una de sus imágenes. Un sentimiento genuino, que nos habla sobre la honestidad y simpleza con la cual se manifiesta frente a un otro. “A mí me gusta que la gente se entretenga, que cuando tu tengas un cuadro lo mires y que te pueda producir agrado, en general no soy de la tendencia de crear cuadros que te den pena, pienso que en la vida uno tiene que dar y aportar una dosis de alegría”.

“La mujer del espejo”, 2010, técnica mixta, 100 x 180 cm.

Luz María Yrarrázaval

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“El niño azul”, 2010, técnica mixta, 100 x 180 cm.

LUZ MARÍA YRARRÁZAVAL La infancia idílica ice cosas bellas. Las siente. Las pinta. Desde hace un tiempo en sus cuadros nos presenta niños en aquel instante o momento particular de un concierto o desconcierto que los domina y atrapa en el ejercicio de su vitalidad -más que misteriosa, mistérica- interrogativa, melancólica, permeable, sensible. La artista atrapa esas situaciones infantiles con atención delicada y espontánea. Los movimientos del alma naciendo a la par con los del cuerpo. Los movimientos interiores de la artista y los de los niños se hacen exterioridad significativa -no en los rostros de los pequeños- sino en sus gestos, imperceptibles, pero cargados de interioridad. Esa mano que busca al otro; su hermano. De espaldas al espectador uno siente el impulso de girarlos, conocerlos y preguntarles: qué es lo que de verdad sienten, qué quieren, qué miran. Con “una pizca de anemia cromática”, comentó sobre ella un prestigioso crítico. Esa anemia cromática es la que ahora

evidencia con mayor rigor y vigor la presencia rotunda y significativa que la artista hace del color rojo. Con él asombra, y despierta la curiosidad y el anhelo estético: Definitivamente querríamos saber más de estos angélicos niños.

Con una muestra de preciosos niños, la artista chilena viaja a Nueva York a participar en una muestra de arte latinoamericano. Por Gina Benvenuto, periodista y licenciada en estética.

Luz María Yrarrázaval viajará con “sus niños” próximamente a Estados Unidos. Su obra trabajada preferentemente con óleo y pastel será exhibida en una galería neoyorquina junto a la de otros artistas latinoamericanos, hasta el 15 de diciembre. En una galería perteneciente a un cubano estarán sus últimos encantamientos, consecuentes, arropados y desalojados y siempre sensibles de lo que recuerda y sabe de la niñez. Una infancia de espera

esperanzada e idílica. Sin embargo, también en sus cuadros nos habla y comunica algo de la emoción del frío, del asombro estupefacto. La playa y el campo son el lugar geográfico donde se despliegan estos niños que a pesar del potente rojo se nos aparecen como etéreos e inmateriales. La artista con estudios en la Universidad Católica, ha sido alumna en los talleres de Juan Ibarra, Matías Vergara y Concepción Balmes, y actualmente se encuentra estudiando fotografía digital para perfeccionarse en la realización de obras pictóricas que posteriormente digitaliza. “Niña; mi niña” se llama la serie en la que la pintura original, y por lo tanto el sentido primigenio del cuadro, es modificado por las intervención de ciertas técnicas que ofrece el computador y que ella que usa de diversas maneras, generando así nuevos sentidos complementarios o incluso contestatarios al sentido primero. En algunas impera una atmósfera calma, en otras una vibración vital más pasional. La misma niña (una mujer en realidad) es, sin embargo, cada vez distinta.

El arte chileno al estrado

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el arte chileno al estrado Una mirada desde sus protagonistas

Durante este año Arte Al Límite se enfocó en destacar el aporte del arte a nuestra cultura, su importancia en nuestro desarrollo y la educación, y lo fundamental que es el apoyo del Gobierno y la empresa privada a todas las actividades que lo fomenten. Hoy, les presentamos el análisis de un grupo de destacados artistas chilenos que han logrado posicionarse con éxito en el mercado internacional. Su visión del país, local e internacional, nos revela un Chile ignorado, con gran potencial pero con déficit atencional. Desde Estados Unidos o de la misma capital, subimos el arte nacional a la palestra para responder a nuestras dudas y realizar una evaluación honesta de algunas de las razones por las que los artistas deciden emigrar y lograr éxito fuera del país. Lo bueno y lo malo, las alegrías y los sentimientos encontrados se mezclan con lo destacable y lo lamentable, con nostalgia o indiferencia. Porque ser artista es finalmente más que ser un pintor, escultor, o instalador. Es ser testigo de los cambios sociales, políticos, económicos y culturales de una era.

Pintor radicado en Los Ángeles, EE.UU.

victor castillo

¿Se puede vivir del arte en Chile? ¿Cuál es la diferencia con Europa y Estados Unidos, por ejemplo? En general no se puede vivir del arte en Chile… quizás sobrevivir. Yo no podría vivir de mi arte si dependiera del mercado local o de los fondos concursables. La mayoría de los artistas en Chile resiste y vive más bien de ilusiones. Dependen mucho del Fondart, y si no resulta se pueden dedicar a la docencia, para formar más artistas que estarán en la misma situación: un círculo vicioso. No es una novedad que el medio y la cultura chilena minimiza a sus artistas. En este sentido, la comparación con Europa o Estados Unidos es brutal. Existe un mercado tan amplio y diverso en el “primer mundo” y una sensibilidad para con el arte tan evidente, que si tienes talento y eres disciplinado, te irá bien. En el caso de Estados Unidos la diferencia con Chile se dispara aún más, pero quizás el medio aquí es mucho más competitivo que en Europa. ¿Cuáles son los aspectos positivos y negativos de ser un artista chileno? Lo negativo es toda esta situación precaria de la cultura chilena, que minusvalora a sus artistas. Lo bueno lo puedes ver cuando sales del aislamiento y te das cuenta de que estuviste en una situación extrema y por lo tanto tienes una perspectiva muy distinta, lo cual puede ser muy interesante. ¿Cuáles han sido los mayores desafíos de la internacionalización de tu carrera? La internacionalización me ha exigido más trabajo y por lo tanto más producción, hasta el punto de verme frente al desafío de cómo dar abasto con tantas exposiciones, sin perjudicar la obra o estresarme. Cuando entras en un sistema intenso de producción, si no elaboras un sistema ordenado puedes fallar con los tiempos, agotar las ideas o perder la inspiración. Entonces llega un momento en que la internacionalización te exige ser muy disciplinado. ¿Qué iniciativas o artistas chilenos –en el área de las artes visuales- destacas de este 2010? No estoy informado en detalle de lo que está pasando en Chile, pero entre lo que me he enterado y gente a la que le sigo la huella, destaco al ya internacional Norton Maza, a la emergente Cecilia Avendaño, al sureño Guillermo Grez y al irreverente Papas Fritas. Como propuesta del 2011, ¿qué aspectos debiésemos mejorar o implementar los chilenos para potenciarnos

como consumidores culturales? Potenciar el consumo de arte en un país acostumbrado a “ningunear” a sus artistas es algo que veo muy complicado. Tal como están las cosas hoy en Chile, pareciera que se va en la dirección contraria. No se saca nada atacando los síntomas si el problema de base no es tratado. ¿Cómo potenciar el consumo de arte en un país donde la distribución de los ingresos es tan desigual como la de Uganda? ¿Cómo fomentar la cultura en una sociedad mezquina que no valora a sus artistas? Lo primero es que el Gobierno y la empresa tengan un interés real y no sólo económico por el arte, y esto es muy difícil en una sociedad, que por lo visto, entiende la cultura desde la farándula. El modelo neoliberal en el caso chileno ha demostrado ser claramente incompatible con una sociedad desarrollada y culta, partiendo por la vergonzosa desigualdad en la distribución de los ingresos y el acceso a la educación. Cualquier propuesta real

para fomentar la cultura y su consumo requiere replantearse esta realidad sobre los ingresos y el acceso a la educación. La sociedad que se está construyendo en Chile está pensada para consumidores, no para ciudadanos. No hay sensibilidad para con el arte. Si los chilenos no son felices, ni entienden sus derechos, menos van a pensar en consumir arte. Finalmente, ¿cuáles son tus proyectos para el próximo año? Acabo de firmar un contrato con la galería Merry Karnowsky de Los Ángeles. Ahora tenemos un itinerario de exposiciones de tres años que comienza en febrero próximo con una gran exposición individual en Los Ángeles, sólo con obras nuevas y con mi primer libro incluido, para luego coordinar las siguientes muestras colectivas e individuales en Seattle, Londres, Paris, Tokio, Hamburgo, Vancouver y Miami, todo esto sólo durante 2011. También, estoy trabajando en series limitadas de grabados y juguetes. www.victor-castillo.com

alejandro siña

Instalador radicado en Boston, EE.UU.

¿Cuáles fueron las razones que en su momento te llevaron a radicarte en Estados Unidos? Con los años, ¿estas razones se han justificado? Llegué a Boston en Julio de 1973, con una beca Fulbright, para continuar mi trabajo en el Center for Advanced Visual Studies en el Massachussets Institute of Technology. Cuando la beca terminó fui invitado a continuar en el M.I.T. Así pasaron los primeros seis años. Tiempo suficiente para echar raíces, vínculos y desarrollar amistades. Conocí a Moira, mi esposa, con la cual hicimos un equipo de trabajo y montamos un Taller. La opción de regresar a Chile se fue desvaneciendo. ¿Se puede vivir del arte en Chile? ¿Cuál es la diferencia con Estados Unidos, por ejemplo? Poder vivir del arte es difícil en todas partes. En Chile, el mercado es más reducido y propenso a saturación. Esto pasa, cuando un coleccionista ya tiene varios trabajos de un mismo artista. Esto también ocurre en Estados Unidos, con la diferencia que hay más mercado y mejor aún, se abren algunas oportunidades fuera de Estados Unidos. ¿Cómo percibes la evolución de lo que actualmente conocemos como “arte contemporáneo” en Chile y en el mundo? Al comienzo, cuando estaba en Chile, mis trabajos cinéticos estaban hechos con materiales simples y mucho ingenio chileno. Esos trabajos eran electromecánicos. En Boston, el trabajo incorporó más electrónica. Tuve una época análoga que luego con el tiempo cambió a digital. Por ejemplo, en el trabajo cinético “Night Butterfly”, la versión original análoga fue reformulada en digital. Considero que dicho concepto visual lumínico, luego de varios años, ahora está mejor resuelto. Mi arte se ha refinado con la evolución tecnológica, lo que también me embarca en nuevas ideas que antes no eran posibles. Otros artistas contemporáneos, con otros medios de expresión, están expuestos a la misma rápida evolución tecnológica que alimenta el proceso creativo. Por estos lados, las Escuelas de Artes están pasando por una curiosa evolución. Menos instrucción en ramos manuales y, en algunos casos, cerrando esos departamentos. Hay menos interés por trabajar con las manos. Por ejemplo, complicados collares ahora pueden

ser diseñados y las piezas cortadas por computador. Saldrán entonces los nuevos “artesanos cibernéticos”. Este mismo proceso de computarización está afectando todas las áreas del arte contemporáneo que, para bien o para mal, no se puede evitar. Finalmente, ¿cuáles son tus proyectos para el próximo año? En 2011 se inaugura el nuevo “Intellect“ Science Center en Moscú. Han adquirido un trabajo participativo de la serie “Touch Plane”. Seré parte de la colección junto a otros artistas. Además participaré en una exposición sobre los proyectos más importantes creados por el M.I.T. en los últimos 150 años. El Center for

Advanced Visual Studies fue invitado con “Centerbeam”, un proyecto al aire libre que involucró el trabajo comunal de muchos artistas para Documenta 6. Mi participación en dicha obra fue el “Neon Argon Line”, trabajo que ahora tendré que reproducir para dicha exposición. También he sido invitado con una obra y a estar presente, para la inauguración del nuevo Centro Cultural en memoria de Gyorgy Kepes, en Hungría. El fue el fundador del C.A.V.S/ M.I.T. Tuve la suerte de ser uno de los últimos artistas nominados por él para trabajar en dicho Centro. Fui seleccionado junto a otros colegas, que tuvieron la oportunidad de reflejar su visión con arte y tecnología. www.sinalightworks.com

Pintora e instaladora.

¿Se puede vivir del arte en Chile? ¿Cuáles son los mayores desafíos a los que se enfrenta un artista en este país? En un país en vías de desarrollo como el nuestro, y que presenta aún tantas necesidades básicas para su población, la cultura y el arte siguen siendo relegados y entendidos como suntuarios, esto hace que vivir del arte en Chile sea difícil y complejo. Al margen de esta realidad, siempre hay espacios donde con mucho trabajo, consecuencia y perseverancia, es posible vivir de nuestro quehacer. ¿Has considerado radicarte fuera del país un tiempo? Para cualquier artista es importante ampliar los horizontes de conocimiento y la idea de salir del país a estudiar o trabajar es una posibilidad para ello. Pese a lo anterior, considero que no es indispensable para seguir profundizando en mi quehacer. ¿Cuáles son los aspectos positivos y negativos de ser un artista chileno? El arte se percibe y posibilita narraciones en todos los ámbitos de la vida diaria. El arte abarca todo, la naturaleza y la tecnología, la globalización y la espiritualidad, la política, el objeto cotidiano y muchas otras áreas. Nos permite una mirada que provoca la reflexión necesaria. Desde esta premisa ser artista es un privilegio. Tal vez lo negativo tiene que ver con el estado de la cultura y su efecto en el mundo del arte. En Chile aún no se desarrollan políticas ni acciones que puedan provocar un cambio sustantivo en la cultura, obligando al mundo del arte y a los artistas a mantenerse con grandes y encomiables esfuerzos para producir y hacer extensivo su quehacer. ¿Cuáles han sido los mayores desafíos y las gratificaciones de la creciente internacionalización de tu carrera? El haber tenido la posibilidad de mostrar mi trabajo en diferentes países como Inglaterra en la feria Pinta, en Colombia en ArtBO, En arteBA en Buenos Aires, o en la Bienal de Santa Cruz en Bolivia ha sido un gran desafío de gestión y disciplina. A la vez, estas experiencias me han permitido conocer diferentes lugares, “conocer el

estado del arte”, interactuar con otros artistas y profesionales que giran en torno a las artes, pero sin lugar a dudas lo más importante y enriquecedor es la posibilidad de mostrar mi obra a un público más amplio. ¿Qué iniciativas o artistas chilenos –en el área de las artes visuales- destacas de este 2010? Principalmente destacaría que la mayoría de las políticas culturales de los gobiernos anteriores hayan sido mantenidas y se les dé continuidad. Esto ha permitido una cierta base que es fundamental. Asimismo existe un creciente interés para establecer un diálogo fructífero entre privados y empresas con el sector gubernamental, lo que me parece de vital importancia. Como propuesta del 2011, ¿qué aspectos debiésemos mejorar o implementar los chilenos –Estado, Gobierno y empresa- para

catalina mena

potenciarnos como consumidores culturales? Lo principal es lograr posicionar el tema de que la cultura es la base de una sociedad, el motor fundamental que mueve su identidad y su manera de estar en el mundo, y que es un valor que nos permitirá seguir avanzando con una propuesta sólida, profunda y diferenciada en este mundo global. El crecimiento económico debe ir siempre a la par del desarrollo cultural, imprescindible equilibrio que permite una mayor equidad. Sobre esta premisa debiésemos unirnos los diferentes actores culturales, ya sea de gobierno o privados, para buscar fórmulas que permitan ampliar la red de políticas culturales procurando que todos tengan acceso a la cultura y donde se proyecte el trabajo de los artistas chilenos para continuar con una línea de desarrollo encaminada a la consolidación y diferenciación en el contexto mundial.

Jorge tacla

Pintor, radicado en Nueva York, EE.UU.

¿Cuáles fueron las razones que en su momento lo llevaron a radicarse en Nueva York? Con los años, ¿las razones se justificaron? Decidí radicarme en Nueva York porque quería desarrollar mi trabajo pictórico en una ciudad donde la cultura tuviera peso específico. Me mudé a Nueva York el año 1981. Respecto a las razones; todo tiene costos y beneficios.

principalmente en Nueva York, donde vivo, hay artistas de todas partes del mundo, por lo tanto aquí convergen muchas culturas y muchos referentes. Esta es para mí una de las diferencias principales. Otro aspecto importante en que divergen estos países, es que en Estados Unidos el arte tiene mayor respaldo de las instituciones culturales y empresas privadas.

¿Se puede vivir del arte en Chile? ¿Cuál es la diferencia con Estados Unidos, por ejemplo? Yo veo que hay muchos artistas que en Chile viven del arte. Al mismo tiempo, hay muchos artistas que estando en Chile tienen una carrera muy internacional. Pienso que ahora la brecha entre los dos países es mucho más estrecha que antes. En Estados Unidos y

¿Cuáles son los aspectos positivos y negativos de ser un artista chileno? Los aspectos positivos, residen en la originalidad del lenguaje por venir de una cultura específica. Lo negativo podría tener que ver más con lo personal que con el origen geográfico. ¿Cuáles han sido los mayores desafíos y las gratificaciones de la internacionalización de su carrera? El mayor desafío es siempre la obra y las gratificaciones vienen generalmente cuando la obra logra comunicar. ¿Cómo percibe la evolución de lo que actualmente conocemos como “arte contemporáneo” en Chile y en el mundo? Creo que el film y el video han tomado un rol fundamental en la escena actual. Esta evolución, si así se le puede llamar, ha sido beneficiosa en la mixtura de las propuestas culturales. ¿Qué iniciativas o artistas chilenos –en el área de las artes visuales- destaca de este 2010? Destaco la iniciativa del proyecto expositivo de González y González, la beca para artistas AMA, la muestra de Eugenio Dittborn en el MAVI y la exposición “Proyecto Ideal 2010” en el MAC. Así mismo existen muchas otras actividades e iniciativas culturales que están haciendo de Chile un país más integrado a la escena cultural mundial. Como propuesta del 2011, ¿qué aspectos debiésemos mejorar o implementar los chilenos –Estado, Gobierno y empresa- para potenciarnos como consumidores culturales? Lo primero sería integrar la cultura y la apreciación estética a la educación primaria, secundaria y superior. También creo que sería óptimo sacarle el impuesto a los libros. Finalmente, traer a los espacios expositivos artistas de diferentes países y culturas para mostrar sus trabajos. Finalmente, ¿cuáles son sus proyectos para el próximo año? Mi siguiente proyecto es la presentación en Marzo de 2011 en la Bienal de Sharjah 10.

Pedro tyler

Pintor e instalador.

¿Se puede vivir del arte en Chile? ¿Cuáles son los mayores desafíos a los que se enfrenta un artista en este país? Depende de lo que se entienda por “vivir del arte”. Creo que mucha gente que estudia arte y después trabaja en otros ámbitos, en cierta manera vive gracias a lo que estudió. Otra cantidad de gente vive del arte ya que eso es lo que enseña. En mi caso particular es sencillamente por la venta de mis obras, aunque mucho sea en el exterior. Personalmente, el mayor desafío fue, al salir de la universidad, no saber qué hacer, cómo llegar a una galería o a un museo, dónde proponer exposiciones, etc. Y hoy es más difícil creo, con la cantidad de artistas que somos. ¿Has considerado radicarte fuera del país por un tiempo? Me interesan algunas residencias y experiencias en el extranjero pero teniendo familia son todas más bien de mediano plazo. ¿Cuáles son los aspectos positivos y negativos de ser un artista chileno? Comparado con otras ciudades creo que dentro de Santiago hay bastante movimiento, pero al mismo tiempo es un poco cerrado. No tiene mucha conexión con el extranjero, o afuera no saben bien qué pasa dentro de Chile. ¿Cuáles han sido los mayores desafíos y las gratificaciones de la creciente internacionalización de tu carrera? El mayor desafío es la presión de seguir trabajando con cada vez mayor exigencia. Y la gratificación es ver cómo la obra es bien recibida por públicos tan distintos, así como las oportunidades que se van dando. ¿Cómo percibes la evolución de lo que actualmente conocemos como “arte contemporáneo” en Chile y en el mundo? Creo que el arte contemporáneo es un mundo en sí mismo, con esto quiero decir que es tan variado lo que puedes encontrar en una Bienal o una Feria de arte, que no me siento capaz de decir nada de esta evolución, salvo el que me parece bien que haya esta mezcla, me gusta. ¿Qué iniciativas o artistas chilenos –en el área de las artes visuales- destacas de este 2010? Fui padre a mitad de año, y esto sumado a los viajes al exterior no me permitió estar muy al tanto de todo lo que pasó en Chile. Como gusto personal, la exposición de Paula Anguita, como iniciativas estatales, la ayuda

del Consejo de la Cultura y de las Artes a Arte BA y como iniciativa privada, Ch.ACO. Como propuesta del 2011, ¿qué aspectos debiésemos mejorar o implementar los chilenos para potenciarnos como consumidores culturales? Creo que iniciativas como Ch.ACO o la Feria del Libro facilitan que más gente viva la cultura de forma más simple y cercana. El apoyo del Estado y de las empresas a este tipo de eventos es fundamental. Finalmente, ¿cuáles son tus proyectos para el próximo año? En febrero voy con Isabel Aninat al Museum of Fine Arts de Houston a defender mi trabajo frente a curadores y coleccionistas de Estados Unidos, donde también Sotheby’s subastará un par de mis obras. En marzo vamos al Armory Show en Nueva York y después Arte BA. En agosto expondré en Galería Isabel Aninat y en octubre volveremos a la feria de Bogotá, ArtBO. Hay varios proyectos en el exterior pero todavía hay que cuadrar las fechas.

mario NAVARRo

Artista multidisciplinario y asesor curatorial.

¿Se puede vivir del arte en Chile? ¿Cuáles son los mayores desafíos a los que se enfrenta un artista en este país? Definitivamente no. Las condiciones que actualmente ofrece el mercado son muy insuficientes y especialmente irregulares. Puedes, como es mi caso, vender unas cuantas piezas a chilenos interesados en el arte contemporáneo, pero eso no significa que exista un mercado que pueda soportar financieramente las necesidades de producción de un artista. El galerismo que se está articulando actualmente en torno a artistas contemporáneos, todavía es muy precario en términos de posicionamiento nacional. Asimismo, la capacidad financiera de dichas galerías también es insuficiente para enfrentar una adecuada circulación internacional. Por lo mismo, el panorama para los artistas sigue estando más cargado a “otras actividades” que permitan sustentar la vida cotidiana. Eso sí, veo con optimismo que los artistas están cada vez más conscientes que la validación de sus obras parte por el esfuerzo personal y por la claridad con que trabajen con galeristas o dealers responsables y serios. Sin una buena relación entre artistas y galeristas no es posible romper el ostracismo en que actualmente se encuentra el mercado del arte en Chile. ¿Qué iniciativas o artistas chilenos –en el área de las artes visuales- destacas de este 2010? Me parece siempre muy interesante lo que ocurre con Galería Metropolitana. El ejemplo más claro es la obra de Thomas Hirschhorn que formó parte de la muestra “Dislocación”. Me interesó también lo hecho por Galería D21 pues se da en ese espacio una mixtura de artistas consagrados y de emergentes muy seria. También encontré acertada la muestra de Cristóbal Leyht y Cristián Silva en el MAVI. Me parecieron obras inteligentes y totalmente asentadas en el presente, y esto no lo atribuyo al mecenazgo de Juan Yarur. Experiencias como las que se siguen llevando a cabo en Valparaíso con CRAC, a cargo de Paulina Varas, en Concepción con la atenta mirada de Simonetta Rossi o en Iquique con la consolidación de la escena local a través de curatorías de Rodolfo Andaur son determinantes para redistribuir

la atención y diversificar los modelos de producción y pensamiento del arte chileno. Como propuesta del 2011, ¿qué aspectos debiésemos mejorar o implementar los chilenos para potenciarnos como consumidores culturales? Creo que las instituciones chilenas están llamadas a buscar y desarrollar dos áreas fundamentales. La primera, casi como en todo orden de cosas en este país, se refiere a la educación. No hablo de poner más guías en los museos, sino a la potencia de experiencias pedagógicas desarrolladas por los artistas en conjunto con las instituciones. Veo en experiencias como las obras recientes de Alicia Villarreal el germen de un trabajo serio y novedoso en este sentido. El segundo aspecto que considero significativo tiene que ver con los presupuestos asignados por el gobierno a la Dibam para sustentar la mayoría de las instituciones preocupadas del arte contemporáneo en Chile. Es muy importante que se entreguen dineros para crear una colección contemporánea que sea patrimonio de todos los chilenos y que

por su alto nivel pueda ser vista como un referente internacional. Una iniciativa así podría dar pie a que los privados se acercaran con mayores expectativas a este mundo que siempre parece tan irregular. Finalmente, ¿cuáles son tus proyectos para el próximo año? Lo primero es una muestra en el Museo de Arte de Zapopán en Guadalajara. Sigue la exhibición de mi video “El Punk Triste” en Caixa Forum en Barcelona. Luego Cut & Mix en Berlín y Stuttgart y se inaugura en abril la segunda parte de Dislocación en el Kunstmuseum de Berna en Suiza. Sigo con mi trabajo de asesor curatorial en el Museo de la Memoria y Los Derechos Humanos y, desde la Escuela de Arte UC, junto a Paula De Solminihac estamos configurando la instalación de un nuevo Centro de Arte Contemporáneo en Las Condes, que será administrado en forma compartida por la UC y la Municipalidad. Finalmente tengo proyectado trabajar a full todo el año en la edición de un libro monográfico que debería salir a fines de 2011 o principios de 2012.

Fotógrafa radicada en Miami, EE.UU.

¿Se puede vivir del arte en Chile? ¿Cuál es la diferencia con Estados Unidos, por ejemplo? Sea donde sea, no es fácil vivir del arte. Sin embargo, algunos pocos lo logran y Chile en ese sentido no es distinto que Estados Unidos. En Chile hay menos recursos, hay menos coleccionistas y menos galerías. En el ámbito de las becas, en Chile no hay un equivalente de un Guggenheim, de una Fundación Rockefeller o Knight, o un MacArthur Award, por nombrar algunos. La iniciativa privada es muy importante para promover el desarrollo de las artes a nivel individual e institucional. ¿Cuáles han sido los mayores desafíos y las gratificaciones de la internacionalización de su carrera? Lo gratificante no es solamente la posibilidad de mostrar obra en otro lugar del mundo,

sino mas bien los vínculos afectivos que se establecen con otros artistas, el trabajo en colectivo, la innovación, la oportunidad de ver, aprender y comprender otras culturas. Lo otro sería el valor que adquiere la obra en el contexto internacional. Los desafíos también son muchos, algunos como la evolución de la obra y mantenerse vigente, pero es complicado porque, ¿para quién la obra es relevante o vigente? La “internacionalización” en realidad es algo muy efímero. Independientemente de su calidad, una obra puede estar híper-relevante para el concepto que está un día y mañana ese mismo concepto desaparece de la escena internacional y con ello cualquier huella de la obra. El mercado del arte sufre de déficit atencional. ¿Cómo percibe la evolución de lo que

Eugenia vargas

actualmente conocemos como “arte contemporáneo” en Chile y en el mundo? Mi percepción del “arte contemporáneo” en Chile es que, a pesar de los años de la dictadura, el arte en Chile ha logrado transcurrir como en el resto del mundo. Pero podría decir que un aspecto del arte contemporáneo, la crítica en los medios de comunicación, es muy escasa. Como propuesta del 2011, ¿qué aspectos debiésemos mejorar o implementar los chilenos para potenciarnos como consumidores culturales? ¿Consumidores culturales? Sería una lástima que la cultura fuera un producto más a la venta. Aquí una cita del gestor cultural, Toni Puig: “Nos hemos dedicado a potenciar consumidores culturales y hemos inventado clientes y usuarios de la cultura, lo que me parece una vulgaridad tremenda. La cultura es pensar, proponer, reflexionar. Cuando hay más cultura, los fundamentalismos son imposibles porque tenemos un sentido de la vida”. ¿Qué iniciativas o artistas chilenos destaca de este 2010? Apuesto por artistas tales como Javiera Asenjo, Camila Lucero, Álvaro Peroa, José Agurto, Guido Solar, entre otros. Artistas muy jóvenes y que he tenido la oportunidad de trabajar con ellos directamente en performance, en el proyecto “Home Sweet Home”. Finalmente, ¿cuáles son sus proyectos para el próximo año? Muchos, desde re-construir una casa en el barrio Yungay, trabajar en mi estudio, disminuir mi huella de carbono, muestra colectiva en Toronto, México D.F., individual en Chillán, intervenciones en Miami, con un proyecto continuo de radio/arte; Talking Head Transmitters (THT) baja frecuencia en FM. Junto con mi colaboradora y fotógrafa, Amalia Caputo, estamos participando en un proyecto de poesía que transmitiremos desde el Ghery Theater en Miami. La idea es que los niños se tomen la cabina de THT y transmitan sus poemas, cuentos, experiencias favoritas y que la radio no sea una fuente de malas noticias y mala música, sino un gran instrumento para la creación y experimentación. “Sin titulo”(detalle), 2009, digital C - Print, 30 x 40 cm, obra rectangular.

CARLOS NAVARRETE

Artista, curador y crítico de arte.

¿Se puede vivir del arte en Chile? ¿Cuáles son los mayores desafíos a los que se enfrenta un artista en este país? Se puede vivir del arte en Chile, en la medida de que uno entienda las extensiones de su arte. Me explico; algunos artistas viven de la venta de obra, otros de sus clases, conferencias, escritura de textos u organización de muestras, que viene a ser una extensión de su arte. En mi caso particular, he vendido algunas piezas en los últimos años pero el mayor ingreso viene por la organización de muestras y escritura de textos. El mayor desafío es lo precario del medio, el subdesarrollo y la falta de políticas culturales a la altura de lo que ha sido el desarrollo económico de Chile. ¿Has considerado radicarte fuera del país por un tiempo?

Tengo la suerte de viajar mucho, porque he diseñado un programa de trabajo, basado en las residencias de artistas, lo que me ha permitido vivir un año en Japón, otro en Alemania, y largas temporadas en USA, Holanda e Italia. Todo ello comprendido en una década de trabajo sostenido. ¿Cuáles son los aspectos positivos y negativos de ser un artista chileno? No veo ni algo positivo ni mucho menos una arista negativa en ser chileno, ya que la globalización ha borrado muchas fronteras y hoy se habla de dos grandes grupos de artistas, los que están en los nuevos medios y los que viajan, que es al que pertenezco. ¿Cómo percibes la evolución de lo que actualmente conocemos como “arte contemporáneo” en Chile y en el mundo? Todos los días esa idea de arte chileno

internacional se está agrandando con cosas tan simples como el libro “Copiar el Edén” -que ha sido mostrado en diversas ciudades del mundo-, hasta la presencia de artistas como Alfredo Jaar e Iván Navarro en las grandes muestras internacionales, además de las iniciativas curatoriales de Cecilia Brunson o Camila Marambio, en este mundo cada vez más poroso e interesado en ver y abrir nuevas fronteras. ¿Qué iniciativas o artistas chilenos –en el área de las artes visuales- destacas de este 2010? En el 2010, que ya se ha ido luego del Bicentenario, destaco la muestra de Ximena Cristi en el MAC del Parque Forestal como un gesto de rescate noble y muy honesto de nuestra historia pictórica en el siglo XX. También, en el otro extremo, la exposición “DISLOCACIONES” me sorprendió por su puesta en escena y la contemporaneidad con que artistas chilenos y suizos abordaron el concepto “Dislocación.” Como propuesta de 2011, ¿qué aspectos debiésemos mejorar o implementar los chilenos –Estado, Gobierno y empresa- para potenciarnos como consumidores culturales? Unir fuerzas en el marco de ir definiendo de mejor manera nuestra presencia en ciertas ferias de arte y algunas bienales. Hacer que el Fondart deje de darle la plata a los artistas y la destine a los museos e instituciones, para que ellas desarrollen buenas exposiciones y armen un coleccionismo estatal, capaz de estimular el coleccionismo particular. Finalmente, ¿cuáles son tus proyectos para el próximo año? El 2011 será la continuación de un proyecto de viajes y exposiciones llamado “Un viaje por el triángulo de la Polinesia”, el cual consiste en viajar por todas esas islas y territorios, tratando de repensar qué significa viajar, conocer, para tratar de re-examinar la figura del pintor viajero, en especial la figura de Paul Gauguin y su idea de pintor salvaje. Ya he viajado a Isla de Pascua y he mostrado algo de eso en la Galería Florencia Loewenthal. Ahora estoy armando la expedición a Tahití. A lo anterior debo agregar muestras en EE.UU. y Europa, más algunas ferias con esta galería que me representa, algo que también demanda tiempo y energía. Carlos Navarrete instalando su pintura “Territorio” en Galeria D21. Agosto 2010. Fotografía: Vinka Quintana.

SÓLO POR DICIEMBRE

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Paola Ferraris / Bernardita Domeyko

periódico al límite

“Wait”, óleo sobre tela, 100 x 140 cm.

paola ferraris Humanizar y depurar Chile.

Una conjunción complementaria entre lo patriarcal masculino y lo matriarcal femenino. La comunión y la común unión. Por Gina Benvenuto, periodista y licenciada en estética.

aola Ferraris, cercana a las ideas del movimiento artístico Fluxus ve en el arte un medio, un lenguaje para la renovación y el cambio. En sus obras conceptuales -donde importan más las ideas que los aspectos formales de la obra- encontramos cañerías, laboratorios y llaves, todos elementos asociados a la limpieza. Hay un deseo de depurar, de asear, que tiene algo de quirúrgico. De rotundo. Guantes de látex, tijeras, alicates, gasas: una herida que sanar. Si hay feminismo se trata de uno diferencial, que busca la conjunción complementaria entre lo patriarcal y lo matrístico, lo masculino y lo femenino, donde lo femenino es asociado a la participación y la colaboración y lo masculino a la dominación y a la obediencia. Las tijeras -símbolo de conjunción de

vida y muerte por excelencia- las “ve” y presenta como similares al aparato reproductor femenino y también masculino, según cómo y dónde se las vea. Con la “marraqueta” sucede algo similar. Ella se parece visualmente a las líneas y formas de los glúteos humanos. En Chile, una nueva paridad entre hombres y mujeres. Entre ricos y pobres. En Chile existe una pobreza económica como consecuencia de una pobreza espiritual insensible y caracterizada por un consumismo triunfante que se empeña en parecer y aparecer. “¡Oh my god!”, “Consuma conciencia” y “Conciencia de raíz”, son algunos de los títulos con que la artista piensa a Chile y a la religión mayoritaria de nuestro país: el Catolicismo.

“Sin titulo”, óleo sobre tela, 90 x 140 cm.

Bernardita domeyko Lirismo Abstracto Los personajes caminan conmigo en el recorrido de mi historia. Siempre cambian y no hay un porqué, ya que surgen del sinfín de identidades que un hombre puede tener en el acontecer de su existencia. Un día te despiertas y quieres jugar o pintar. Mañana, es eso u otra cosa, porque no existe una estación en la evolución. Lo que permanece es la atmósfera, el color y la luz. Es en ellos donde está la potencia y el escenario que perdura. Los personajes aparecen y desaparecen, al igual que nosotros nos asomamos a mirar por una ventana o nos arriesgamos a fluir por el camino y situarnos en ese escenario”. En un modo lírico, Bernardita Domeyko nos explica su quehacer artístico cuyo lenguaje pictórico fue nombrado como lirismo abstracto por la curadora de arte panameña Carmen Alemán, quien seleccionó

La artista se sirve de la fuerza poética del color para dar cuenta subjetivamente, de los paisajes del norte chileno. Por G.B., periodista y licenciada en estética.

obras de la artista para presentarlas en el circuito de arte internacional. La abstracción lírica es una tendencia dentro de la pintura abstracta que se desarrolló a partir de 1910 con la obra de Wassily Kandinsky. El artista ruso inició, entre otros, el rechazo a la representación objetiva de la realidad y rescató como tema de la pintura la emoción pictórica del artista. A Bernardita le importa recoger la experiencia emocional del paisaje. Dejar registro de la morada vivencial y existencial del territorio. La huella amorosa del paisaje internalizado. Para ella la vida es, en buena medida, vivida en la contemplación del paisaje, el que se le hace memoria y la memoria se le hace luz y color. Sus viajes al norte del país son también viajes interiores. Su subjetividad, su emocionar se objetiva y

se concreta en el uso del color. Prefiere los paisajes nortinos, los que siente más abiertos, inmensos e ilimitados. El contacto con sus arenas y sus aguas la conmueve y la inunda de sensaciones. Su recorrido (“un recorrido de mi historia”) también es sugerido por las escaleras, uno de los escasos elementos figurativos reiterado en sus trabajos. La escalera es un símbolo frecuente en la iconografía universal y expresa la idea de camino, itinerario y tránsito entre el cielo, la tierra y el infierno. También ésta habla sobre las interconexiones entre la virtud, la pasividad y el pecado. Los recorridos geográficos que son también vitales y espirituales, son expresados por Bernardita con resplandores de color dulces y gentiles, que sin embargo tienen una viveza germinadora.

Nils Sprenger / Marcela Krausse

periódico al límite

Nils Sprenger le cuesta hablar de sí mismo. De su obra. No sabe bien lo que siente o piensa de ella. Pero es su trabajo como artista pintor y letrerista lo que facilita su expresión, dejando fluir estética y libremente su emoción e intelectualidad. Así pueden él y su obra hablar. Pintor que mezcla lo abstracto y figurativo, logra dar cuenta en sus cuadros de las ambigüedades complejas y significativas de algunos conceptos antinómicos, como fuerza y debilidad; claustro y apertura; voluptuosidad y castidad. Celestes, amarillos. Profundos negros o tenues grises y variados blancos son los colores que usa para prefigurar sus cavernas, yates, libélulas o aves fénix.

“Regatta”, 2010, técnica mixta, 120 x 150 cm.

nils sprenger Arte y Comunicación.

Cada artista elige el medio que le resulta más a fin para dar cuenta de sí mismo y el mundo. El poeta la palabra, el músico la nota, y el artista plástico -preferentemente- la materia pictórica. Por Gina Benvenuto, periodista y licenciada en estética.

Alumno del pintor Francisco Villalón, Nils Sprenger se inició en la pintura a edad madura. Sus obras, que se venden en algunas tiendas de decoración en Santiago -como el Rehue-, estuvieron presentes en septiembre en la Expotrastienda de Buenos Aires, una feria organizada por la asociación de galerías de arte de ese país y que convoca además de público, coleccionistas. Dedicado laboralmente al diseño y confección de letreros publicitarios, el artista usará algunos de los materiales de desecho de sus trabajos realizados para un restaurante japonés y otros usados para una tienda de fotografías y retratos, y los intervendrá artísticamente, yuxtaponiendo diferentes elementos, acercándose así a las ideas y técnicas del pop art, un movimiento que nació en Inglaterra, cruzó el atlántico y fue en Estados Unidos donde tuvo la mayor repercusión, en la década del 60 y que trabajó artísticamente conceptos como la identidad, el consumismo y la fama.

marcela krause Arte que nace de la introspección

La obra de esta artista está profundamente ligada a su esencia. La creación pictórica y su vida van ligadas estrechamente. Un trabajo que indaga en la nobleza d e l a s i n s ta n c i a s v i v i d a s . Por Elisa Fernández, periodista

uchas veces resulta difícil identificar desde dónde provienen los intereses o afinidades que nacen en el vínculo con el arte. En el caso de Marcela, su cercanía con la creación está sabiamente definida. La pintura es un elemento intrínseco en ella y siempre la ha acompañado a lo largo del camino. “Creo que mi interés por el arte nació el mismo día en que yo nací. Desde muy pequeña sentí fascinación por el dibujo y los colores. Ya a los seis años fui a talleres de pintura y escultura en Concepción, mi ciudad natal”, comenta. Expresar emociones y sentimientos a través de la pintura, resultó ser una opción sólida e irrefutable como camino de vida. Es esta misma intensidad y pasión por su trabajo, lo que se manifiesta tácitamente en sus obras. Hay unas ansias nítidas por exteriorizar la magia que nos rodea,

“Espíritu Salvaje”, 2010, técnica mixta, 120 x 160 cm.

y manifestar la importancia de entregar un mensaje positivo mediante los colores y formas desplegados en un lienzo. “Pienso que no puedo separar mi propio proceso personal con mi obra. Para mí la vida es un constante aprendizaje, la suma de diferentes etapas que nos llevan a conocernos y a evolucionar, y de eso se trata mi trabajo”. La sensibilidad introspectiva de su proceso creativo, es fielmente articulada en su nueva exposición “Espíritu Salvaje”. Es justamente en este escenario en donde nos enseña a retomar la esperanza de encontrar la belleza del camino.

Título: “Espíritu Salvaje” Fecha: Desde el 10 al 26 de diciembre Lugar: Casas de lo Matta Dirección: Av. Kennedy 9350, Vitacura.

v concurso mavi

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Bicentenario de Arte Joven Cabeza de Ratón.

V Concurso MAVI

La principal plataforma del arte emergente de Chile ha anunciado al primer premio del destacado certamen. La obra ganadora de Nicolás Miranda, “Easy”, junto a las de los otros finalistas, se exhiben todo este mes en el MAVI.

ras recibir más de 900 trabajos de todo Chile, el jurado de V Concurso de Arte Joven, “Cabeza de Ratón” seleccionó a un diverso grupo de ganadores que –de acuerdo a las tendencias de los concursos anteriores- darán que hablar en la escena del arte contemporáneo durante los próximos años. Presentado por el Museo de Artes Visuales –MAVI-, la Comisión Bicentenario y Minera Escondida, el certamen escogió como ganador a Nicolás Miranda y su obra “Easy”. También fueron premiados Andrés Lima, María Luisa Murillo y Carla Ríos. Ellos obtuvieron el segundo y tercer lugar, y premio Bicentenario respectivamente. “Cabeza de Ratón”, que se realiza desde 2006, busca promover y difundir la creación e innovación artística joven. Esta tarea la ha realizado con un éxito de convocatoria inusual, que se debe a sus modernas formas de postulación que facilitan la participación de artistas de todo el país. Este año el jurado estuvo integrado por Andrea Brauweiler, Directora de Arte MAVI; Ximena Zomosa, artista y coordinadora de Artes Visuales de Balmaceda Arte Joven; los artistas Francisca Sutil, Jorge González–Lohse,

y Voluspa Jarpa; y Catalina Mena, quien fue comisaria. El primer lugar, Nicolás Miranda, de 29 años y proveniente de la comuna de San Joaquín, antes ya había expuesto sus trabajos en el Museo de Arte Contemporáneo y en el Museo Benjamín Vicuña Mackenna. El segundo lugar, Premio Minera Escondida, lo recibió Andrés Lima por “Museo de la Memoria, Codelco, Centro de la Justicia”, y el tercer Premio Minera Escondida fue otorgado a María Luisa Murillo. Finalmente, el “Premio Bicentenario” lo obtuvo Carla Ríos por “Cuerpo Uniforme”. Menciones honrosas obtuvieron los trabajos de Carlos Ramos, “Media tubería”; Benjamín Edwards, “El Escondite”; Adolfo Martínez, “La voluntad, el sacrificio y la fuga del deseo”; Cecilia Flores, “Entre paréntesis”; y Ana Domínguez, “Sin título”. Además, como celebración de los cinco años del concurso, la organización digitalizó toda la información de los años anteriores, creando el sitio web “Cabeza de Ratón”. A este se puede acceder a través del sitio web del Museo de Artes Visuales.

Primer premio MAVI. Nicolás Miranda: “Easy”, 2010, técnica mixta, madera, óleo, pasta de modelado y acero, 180 x 130 x 60 cm.

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Agenda Santiago

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Retrospectiva plástica de Carmen Aldunate Hasta el 18 de diciembre/ Galería Artium. La artista chilena, considerada como una de las representantes más importantes del imaginario cultural nacional, presenta una exclusiva muestra. En esta oportunidad la exhibición llamada “Gran Reserva” dará a conocer variados dibujos, pasteles y esculturas que Aldunate ha ido creando a lo largo de los años. También se presentan cuatro bronces y dos volúmenes en cerámica gres, de pequeños y medianos formatos.

CeDoc termina el año renovando su imagen Durante todo el mes/ Centro de Documentación de Artes Visuales. El CeDoc estrena un innovador frontis, el cual a través de su propuesta gráfica representa un archivo sobre los variados formatos y géneros que existen en el arte contemporáneo chileno. También contarán con un Boletín de Educación Artística, destinado a estudiantes, docentes y académicos de las artes visuales. Por último, el 22 de este mes vence el plazo del primer Concurso de Ensayos sobre investigación en torno a la producción de arte en Chile entre 1970 y 1980.

Arte con enfoque ecológico. Hasta el 24 de diciembre/ Galería Patricia Ready. Luego de doce años fuera de Chile, la artista Mónica Undurraga retorna a nuestro país para presentar su reciente trabajo creativo. Coloridas lozas, porcelanas invertidas con dibujos de pájaros en negro y lámparas fabricadas con tazas y otras piezas, son parte de las obras que se encontrarán a la venta en una Feria Navideña que se realizará en la galería. Los trabajos presentan un genuino enfoque medioambiental, en donde la transformación es fundamental.

“Efusión”, iconografía experimental Hasta el 10 de enero/ Galería Artespacio. La fotógrafa Valeria Zalaquett tiene una vasta trayectoria dentro de las artes visuales. Participó en el proyecto “Ars Virtual” de la Fundación Telefónica en España y luego fundó el estudio “Vizuale” en Amsterdam. En su nueva muestra presenta un trabajo fotográfico ligado a un lenguaje experimental. La obra se vincula con las vibraciones y ondulaciones que nos entrega la naturaleza, lo que se combina con la germinación y la efusión.

agenda santiago Abstracción, dibujo y pintura Hasta el 24 de diciembre/ Galería Moro. El artista César Gabler presenta su nueva exposición “Otras Canciones”, cita de un disco del grupo de música Ataque 77. La muestra busca indagar en la creación de lo figurativo y lo genérico a través de la combinación entre dibujo y pintura. Por otro lado, se aborda el tema sobre el enfrentamiento entre el hombre y la naturaleza, sumado al debate en cómo el mundo occidental encara la problemática entre la cultura, las experiencias y las vivencias del día a día.

Siete artistas narran la memoria fotográfica Hasta el 26 de diciembre/ Sala Joaquín Edwards Bello. Estación Mapocho. Desde el año 2006, el Consejo Nacional de la Cultura y las Artes entrega el premio a la fotografía joven Rodrigo Rojas De Negri. El galardón conmemora la muerte del joven fotógrafo durante la dictadura militar. En esta oportunidad Antonia Cruz, Nicolás Wormull, Manuel Morales, Fabián España, Miguel Navarro, Sebastián Sepúlveda y Cristóbal Traslaviña estarán exponiendo sus obras en relación a la vida y la memoria.

“Agencia intermediaria” la nueva propuesta de Claudio Correa

Hasta el 14 de enero/ Galería de Arte Gabriela Mistral. Mediante una instalación gráfico sonora, el artista mostrará los resultados obtenidos en un taller de escritura y dibujo retratista que estaba dirigido a internos menores de edad que viven en Valdivia. La temática de la exhibición se relaciona con la marginalidad, el abandono y la incomunicación. El montaje tiene un vínculo con lo minimalista, a lo que se suma su sesgo como documental, medio a través del cual los internos le piden a sus seres queridos retomar el contacto perdido.

Selección VI Bienal Internacional de Arte SIART-Bolivia Hasta el 23 de enero/ MAC Parque Forestal. Esta Bienal de Arte, creada en el año 1999, se ha transformado en una plataforma de arte de gran relevancia para dar a conocer las distintas creaciones del arte contemporáneo. La versión que se realizará en Chile recopila el trabajo de treinta artistas de América y Europa. En esta instancia se podrán apreciar obras ligadas a la fotografía, instalación, video y pintura. La selección, que se muestra en Chile por primera vez, se realizó entre los ganadores de las últimas tres bienales.

Agenda regiones

periódico al límite

Fotografías de León Durandin Hasta el 19 de diciembre/ Artequin Viña del Mar. Muestra iconográfica de León Durandin, personaje francés que vivió en Chile desde 1897 a 1955. Se dedicó a trabajar en la industria fotográfica y al mismo tiempo a realizar una búsqueda en torno a las imágenes emergentes de la época. Son 120 las obras que estarán en exhibición, piezas en las cuales resalta el trabajo de retratos, y los paisajes de la zona centro y sur de Chile.

Ciclo de exposiciones en la Región de los Ríos Hasta el 23 de diciembre/ Galería de arte “l’Atelier”, Valdivia. Dos interesantes muestras cierran el exitoso año 2010 que tuvo este espacio cultural. Ariana Cuevas quien ganó el primer lugar en el concurso de fotomontaje organizado por UNICEF, nos sorprende con su trabajo titulado “Geishas en el agua”. El artista Tite Calvo presenta “Animal Babies”, piezas gráficas digitales que son intervenciones sobre avisos de moda y trabajos sobre cartones de cajas.

Rescatando el valor de nuestro patrimonio cultural Desde al 20 al 29 de diciembre/ Galería de Arte Bosque Nativo, Puerto Varas. El Ministerio de Obras Públicas en conjunto con el proyecto de remodelación del antiguo Molino Machmar, el Centro de Arte Molino Machmar, el Centro Cultural Bosque Nativo y la Dirección Regional de Arquitectura de Los Lagos realizarán una exposición con las propuestas recibidas para el concurso público de la etapa de diseño de arquitectura y especialidades. Una forma de gestionar en la importancia del patrimonio inmueble.

conocenos

agenda regiones Exposición de Paula Bosio Hasta el 27 de diciembre/ Galería Elquitotal, Elqui. La artista chilena Paula Bosio vivió varios años en Ecuador, en donde asistió a clases con el maestro Osvaldo Guayasamín. De regreso en nuestro país se perfeccionó con cursos de dibujo y pintura de Eugenio Dittborn y Gracia Barrios. Sus obras destacan por expresar un sutil y bello lenguaje ligado al surrealismo, el cual se caracteriza por un fuerte colorido, gran potencia expresiva e inusual imaginación.

Festival Internacional de Fotografía Hasta el 31 de diciembre/ Hall Central Consejo Nacional de la Cultura, Valparaíso. “Conjunciones. Imágenes del desierto” es el nombre de la muestra en donde se fusiona el trabajo de los destacados artistas Laura Quezada y Carlos Montes de Oca. La primera trabaja con la escultura, mientras que el segundo se dedica a la creación pictórica. El montaje versa sobre cómo incorporar la potente iconografía del desierto a nuestra consciencia colectiva.

Un espacio de encuentro con Benjamín Lira Hasta el 11 de enero/ Galería Modigliani, Viña del Mar. El destacado artista nacional se embarca en un nuevo e interesante proyecto creativo. En esta oportunidad, presenta una exposición en donde se podrán apreciar diversas de sus singulares obras. La muestra se compone de grabados, pinturas y algunas de sus magníficas esculturas, las cuales se caracterizan por su originalidad e innovación plástica.

Miami 2010

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MIAMI 2010 la otra capital del arte.

Hoy terminan nada más que 16 ferias de arte contemporáneo simultáneas en la ciudad de Miami. Especializadas, vanguardistas y populares, estas actividades reunieron lo más destacado del arte contemporáneo internacional y Arte Al Límite estuvo presente. ace varios años que Arte AL Límite participa activamente de las distintas actividades que se realizan en Miami durante la primera semana de diciembre, conocida como “Art Week”. Este año volvimos a estar presentes –entre el 30 de noviembre y el 5 de este mes- con un stand en dos de las ferias más relevantes; Art Basel Miami y SCOPE. Sin embargo, la cantidad de ferias, artistas y obras es simplemente arrolladora si uno no se informa sobre cada una de las iniciativas. Hay para todos los gustos y para todo tipo de público. Este año, Art Basel Miami destacó por más de dos mil artistas presentes y sus propuestas de arte público –con trabajos site specific de Carlos Cruz Diez, Runa Islam y Andrea Bowers, por mencionar algunos- y sus distintos espacios en donde destacaron los chilenos Johanna Unzueta, con un stand individual en los Art Positions, y Cristián Silva, quien presentó su novedosa propuesta en los Art Nova. SCOPE en su décima edición nuevamente atrajo las miradas por lo innovador de sus propuestas. Este año destacó por su labor de beneficencia con su evento Haití Art Expo, que presentó trabajos de artistas haitianos y cuyas recaudaciones irán directamente a los afectados por el terremoto. Art Asia se ha convertido, en su tercera edición, en un imprescindible para conocer el arte contemporáneo asiático. En su selección de galerías y proyectos individuales destacó la instalación de Li Xin, “Ecstasy”, que utilizó las nuevas tecnologías 3D, y la de Meeson Pae Yang, además de trabajos de Zhang Yu, Shen Shaomin, Zhang Dali y Yue Minjun. Art Miami, por otro lado, es la feria de arte más antigua de la ciudad. Este año contó con la participación de la galería Patricia Ready, quien presentó obras de los chilenos Alfredo Jaar, Felipe Cusicanqui, Alicia Villarreal, Pilar Ovalle, Cristóbal Lehyt, Cecilia Avendaño, José Pedro Godoy y Germán Tagle. Mencionamos también las ferias especializadas Photo Miami, Sculpt Miami, Ink Miami y las consolidadas Pulse y Red Dot, las cuales confirmaron el atractivo de sus propuestas curatoriales.

Mónica Bonvicini en Art Basel: “Scale of things (to come)”, 2010.

Geza Szollosi en Scope Miami: “Cow Head”, 2009.

Antony Gormley en Art Basel: “Set”, 2009.

Thomas Hirschhorn en Art Basel: “Sin titulo”, 1998.

Huang Yang en Art Asia: “Autoretrato”, 1998.

Michelangelo Pistoletto en Art Basel: “Twentytwo less two”, 2009.

Jaqueline de St Aubin / Lotte Sanders

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jaqueline de st. aubin Colores que evocan lo vivido

Luminosidad, intensidad, fuerza cromática que remece los sentidos. Tonalidades que emergen de la obra con el fin de recordar el camino recorrido. El goce de poder intensificar el día a día. Por Elisa Fernández, periodista. De la serie Veleros: “Harmony”, 2008, óleo sobre tela, 130 x 150 cm.

a pintura de esta artista es capaz de generar una sensación muy particular de fina sensibilidad y a la vez un destello de fuerza muy perceptible. La propuesta visual de Jacqueline se transforma en un documento artístico sobre las distintas sensaciones y momentos que ha experimentado a

lo largo de su existencia. “El color para mí es fundamental, lo que caracteriza a mi pintura es el color, es un tema personal. Yo viví en México durante muchos años, y éste es un país muy colorido… pienso que inconscientemente me influyó. Pero también hay una predisposición de uno, en como ves la vida y eso

gatilla lo que haces”, explica. Su gama de creación es extensa y ha ido diversificándose con el paso de los años. Le interesó el tema del tratamiento artístico ligado a objetos de uso cotidiano como los sobres, las estampillas y los sellos, luego retrato la imponencia de la figura del caballo, y

actualmente sitúa en el lienzo la vida de los veleros en la profundidad del océano. Cada una de sus obras tiene la intención de comunicar, de llevar el arte a cada rincón posible, de liberar los colores y hacerlos cercanos, la posibilidad de sanar y generar refugios a través de lo creado.

lotte sanders El paisaje del cuerpo y el paisaje de la tierra

Las bellezas del Valle Limarí sentidas como potencias afectivas, libidinales, donde los contornos y curvaturas del paisaje son también los contornos y las curvaturas del cuerpo. Por Gina Benvenuto, periodista y licenciada en estética.

l paisaje del cuerpo y el paisaje de la tierra se hacen uno en la imaginación simbólica de la artista Lotte Sanders. Recorrer y transitar la tierra es también recorrer y transitar un cuerpo: el suyo, el de otro. Son los territorios del alma de la tierra y del cuerpo humano los que se encuentran y fusionan en sus manchas de colores potentes, sensuales, eróticos, dulces. También terribles. Su conmoción estética frente a los cielos transparentes de azules eléctricos violáceos o rojizos que cubren el norte de Chile, semeja un enamoramiento. Los bellos ocres; desérticos y dorados también lo hacen. Los espinos nortinos y los cauces del río Limarí, también

“El espino”, 2010, técnica mixta, 140 x 200 cm.

nos narran vivencias internas de paisajes sicológicos amorosos y desgarrados. Como si la belleza se le hiciera mucha y necesitara darle un cuerpo para aliviarse de ella. “Necesito pintar para no quedarme con tanta existencia”. La artista actualmente se encuentra en la relectura de Leonardo Da Vinci y su “Tratado de la pintura”, donde seguramente encontrará algunos referentes inspiradores para sus nuevas indagaciones pictóricas. Esta vez están centradas en el erotismo y las diferencias y semejanzas que acercan y separan la sexualidad humana y la sexualidad instintiva.

ximena gumucio

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Los barcos que salieron del marco

Ximena Gumucio / Cecilia Flaten

Galería Blanc presenta la muestra “Movimiento Continuo”, de la destacada artista. En esta exposición la pintora saca sus veleros del marco del cuadro y los traslada hacia la materialidad en tres dimensiones, donde se acentúa la fuerza del gesto y el poder de la naturaleza. Por Viginia Rioseco, periodista y profesora.

Movimiento Continuo” es el nombre de la muestra de la artista Ximena Gumucio que se presenta hasta el 16 de diciembre en Galería Blanc. El nombre de esta exposición no sólo es adecuado a su obra pictórica sino también es una metáfora de la actividad que la autora está realizando desde hace un tiempo, pues los barcos salieron del marco para avanzar en plena materialidad plasmada en arcilla en la técnica Gres, hacia tres dimensiones. Ximena Gumucio es una artista chilena, pedagoga de profesión, que ha viajado por cielo y mar con su obra. Por cielo pues se ha presentado no sólo en Chile, sino también en Suiza, Argentina, Puerto Rico y Nueva York. Y por mar en sus barcos que han transitado desde la pintura, en un marco establecido, hacia la materialidad de la forma, lo que según ella representa la necesidad de transportar los cuadros al volumen con toda la fuerza de lo agreste y con todas las dificultades a la que la naturaleza desafía.

Jaime León. Ha realizado exposiciones individuales y colectivas donde los veleros protagonizan la escena, inmersos en agitadas aguas e intensas tonalidades de azul. Ella destaca en su obra la gestualidad y la materia pues su pintura no sólo contiene pigmento, sino materia que bien pueden ser arena o espuma (o los cuatro elementos esenciales: agua, aire, tierra, fuego). Su trabajo posee mucha fuerza, se nota el movimiento de su cuerpo en el gesto de la factura y luego en la delicadeza de los trazos de carboncillo. El formato grande favorece este gesto pues se evidencia en su elocuencia que toda su obra esta sostenida por un cuerpo y no sólo por el leve movimiento de una mano y un pincel.

Esta transformación hacia lo tangible implica para Ximena Gumucio convertir a estos medios de navegación en personajes, en sujetos, que bien pueden significar lo que en el paso del tiempo va quedando o cómo la fuerza de la naturaleza va socavando los objetos y la vida.

Si atendemos la crítica podríamos decir que “en sus obras se percibe el impacto del Impresionismo Abstracto o New York School, de la del Nuevo Expresionismo Europeo”. Asimismo para la artista Concepción Balmes el trabajo de la expositora se podría definir como: “(…) pinturas que tienen mucho de ensoñación, a veces son románticas y poéticas, otras veces, fuertes y decididas. Pero siempre están comunicándonos una gran alegría de vivir. Etéreos y soñadores los veleros afloran a la tela en medio de audaces pinceladas y amplias aguadas que construyen una rica trama”.

Ximena ha participado en diversos talleres dirigidos por destacados artistas, como Conchita Balmes, Matías Vergara y

La exposición consta de alrededor de 20 obras en total, de mediano y gran formato en técnica mixta y esculturas en gres.

“Marea Alta”, técnica mixta sobre tela, 100 x 200 cm.

cecilia flaten Los anhelos naturales

De s c e n d i e n t e d e v i k i n g o s , pinta a los dioses nórdicos y se encanta con sus ancestros colmados de fuerza guerrera, que vivían en estrecho vínculo con las fuerzas de la naturaleza. Por Gina Benvenuto, periodista y licenciada en estética.

a casa de Cecilia Flaten tiene algo de cueva, gruta y refugio. Es denodada, atrevida, decidida e intrépida como lo es ella y los poderosos dioses nórdicos a los que rinde culto a través de su hábitat, su modo de vestir y su arte. Piedras, asta de ciervo y trozos de palo, además de todo el piso, muro y cielo de la casa está cubierto de lanas y linos de color blanco, invitando al ocasional visitante a conocer y participar de las costumbres de los pueblos originarios del otro extremo del planeta. Sorprende así mismo la ropa de la artista que incluye elementos decorativos como brazaletes, túnicas e incluso un gorro tipo vikingo que ella misma hizo, a partir de un gorro chilote.

“La energía de Asgard”, 2006, óleo sobre tela, 100 x 120 cm.

Cecilia presentará “Susurros Boreales” durante el mes de diciembre en la Liga Chileno Alemana, junto Cristian Ulrich. El fenómeno de las auroras boreal y austral entusiasma a ambos no sólo por su belleza, sino también por la particularidad de las circunstancias y lugar que acontece el fenómeno. “Susurros Boreales”, es un buen título para pintar y presentar en piezas de artesanía, el hablar incipiente y poderoso de los países del norte como Noruega, Suecia, Finlandia, Islandia y Dinamarca.

Los dioses, hechos a la medida de los anhelos y necesidades del hombre, son pintados por Cecilia sin elementos antropomórficos. Lo hace como energía pura. Son pinceladas y brochazos de color. Sólo eso. En algunos cuadros se respira la subjetividad anhelante y herida propia del artista romántico, buscador de libertad y naturaleza. También se siente la influencia del noruego Edward Munch quien ya con su “Grito” dijo todo lo decible del tormento e inconformismo del hombre contemporáneo.

Artistas Al Límite

periódico al límite

NOTICIAS

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Bernardita Garib

“Con el corazón en la mano” Exposición individual Hasta el 17 de diciembre. Corporación Cultural de Osorno. Av. Manuel Antonio Matta 556.

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Constanza Ragal

SITIO INTERACTIVO DE ARTISTAS NACIONALES E INTERNACIONALES COMPRA DE OBRAS CONTACTOS DIRECTOS CON ARTISTAS Y GALERISTAS

Boris Correa “Pinturas desde Abraxas” Exposición colectiva Hasta el 26 de enero. Av. Italia 1153, local 3, Providencia.

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daphne lyon

Muestra Colectivo Artístico Gang Bang Hasta el 9 de enero.

Venta de nueva colección “Amor por la tierra” El 16 de diciembre a las 20:00 hrs.

Centro de Extensión CNCA Plaza Sotomayor 233, Valparaíso.

Casa taller Arte Origen Alonso de Córdova 3780, Vitacura.

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FRANCISCA LOHMANN

milena lehmann

“Mar que tranquilo nos baña” Exposición individual. Hasta el 28 de febrero

Primer lugar en concurso de escultura “Arte, una educación continua” Con su escultura “Maternidad”, obra hecha en gres.

Restaurante El Muelle Av. Carlos Alessandri s/n (Lado Club de Yates), Algarrobo.

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mónica paz “Nuestro sur” Exposición colectiva Hasta el 10 de diciembre. Embajada de Chile en Buenos Aires. Tagle 2762, Argentina.

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Paula Copetta

Boutique del pequeño formato 2011 Exposición internacional Desde el 27 de diciembre al 2 de marzo. Av. Gorlero 692, esquina calle 23, centro de Punta del Este, Uruguay.

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Stephanie Pooley “En Resumen” Exposición y venta colectiva Hasta el 26 de diciembre. Café Literario Parque Bustamante. Av. Bustamante Altura 50, Providencia.

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óscar barra

Venta taller escultura, pinturas y grabados Hasta el 23 de diciembre. Paul Claudel 1312. Departamento 803, Vitacura. Para visitas contactarse al: 9-4156546 o talleroscarbarra@gmail.com

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Pilar Ríos “Momentos íntimos” Exposición individual Hasta el 30 de diciembre. Galería Montecatini www.montacatini.cl

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Víctor Mahana

Muestra Colectivo Artístico Gang Bang Hasta el 9 de enero. Centro de Extensión CNCA Plaza Sotomayor 233, Valparaíso.

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Bernardita Matthei / Universidad Finis Terrae

periódico al límite

Bernardita matthei La fortaleza del color

Superando los temores que acarrean un diagnóstico médico desalentador, la artista se ha concentrado más que nunca en su trabajo, cruzando por un fértil proceso sobre “lienzos de cerámica”, como dice. Por Ángela Tapia, periodista.

n marzo pasado, a sólo meses de haber hecho una retrospectiva de su trabajo -una exposición de 15 años de esculturas- Bernardita Matthei fue diagnosticada con esclerosis múltiple. Pero dejando atrás el terror que se apoderó de ella en una primera instancia, la artista y madre de dos pequeños sacó fuerzas y hoy aclara que ha trabajado más que nunca. “El arte es una ilusión que te puede transportar lejos de ti misma, donde tu conciencia se confunde con su verdad y te lleva tan lejos, donde la realidad de la escena parece magia, y te gusta tanto que quieras poseerla, ya sea en imagen, en una foto u obtener en sí la obra”, lee Berna en su cuaderno, el mismo en el que dibuja los sueños que desde siempre la han nutrido de figuras y juegos cromáticos que se pueden apreciar en sus “cabezas” -perfiles humanos que viene creando desde temprana edad- o en esos seres que casi como gárgolas le permitieron desligarse un rato de lo figurativo.

No quiere que su enfermedad se apodere de su obra, así que sigue centrada en las esferas que suelen acompañar sus trabajos, y que para ella encierran un secreto que aún no parece revelarse. Así es como las vemos en sus “lienzos de cerámica”, como prefiere llamar a sus pinturas al horno. Matthei aún se resiste a pintar como cualquier artista, porque dice que se vuelve loca. Es por eso que, aunque esté totalmente animada a atreverse a ir más allá de lo conocido, comenta: “Ahora decidí colgar mis cuadros”, con el peso y la seriedad que tendría cualquier sentencia que no tiene marcha atrás. “El otro día soñé con una frase: ‘La respuesta no está en el centro, sino que alrededor tuyo’. A lo mejor no tengo que preocuparme tanto de que estoy enferma, sino de hacer mis cosas. Tengo que trabajar, tengo que pintar, tengo que aprovechar al máximo mi vida. Y no hay nada que me pueda llenar más que estar en mi taller, trabajando. Ahí soy yo. Ahí saco mis colores y mis formas”.

Título: Venta de Taller. Precios especiales por Navidad. Fecha: Todo diciembre Lugar: Holanda 2735, esquina con Aguilucho, Providencia. Dirección: bernamatthei@hotmail.com Fono: 223 3589 “Ayecan”, 2009, cerámica esmaltada, 25 x 35 x 60 cm.

Congreso español de Historia del Arte Espacio de interconexiones culturales

Claudio Cortés, académico de la Universidad Finis Terrae, participó en este magno encuentro artístico. Aquí nos habla sobre esta cautivadora experiencia. Fotografía cortesía de Claudio Cortés

n septiembre de este año, se realizó la versión número XVIII del Congreso español enfocado en tratar temáticas en torno a la historia del arte. La ciudad de Santiago de Compostela, fue el lugar elegido para dar cabida a esta importante reunión cultural, en donde se dan a conocer aproximadamente unas 200 ponencias. Esta suerte de concilio tiene una duración de cuatro días, y está acompañado de variadas actividades que se vinculan con las artes visuales. El profesor Claudio Cortés, tuvo la oportunidad de presentar una ponencia sobre el español Antonio Romera. Este personaje llegó a Chile en 1939 y logró elaborar una serie de extensas críticas de índole artística entre los años 1940-1975, además de desarrollar creaciones relacionadas con el dibujo y las caricaturas. “La ponencia que llevé, a nombre de la facultad de artes de la universidad, está basada en un estudio sobre el trabajo de Romera, especialmente en la crítica de arte que realizó en El Mercurio. Literalmente fui a presentar a Romera a los españoles, ya que no lo ubicaban porque sólo escribió en Chile. Es un personaje muy interesante, y fue el primero que ordenó la historia de la pintura en nuestro país” explica. La experiencia resultó ser una instancia muy enriquecedora debido a la importancia de poder compartir con destacados teóricos de distintos países, intercambiar pensamientos y opiniones, y también para tener un mayor conocimiento sobre el debate artístico en un nivel de mayor apertura. Cabe destacar que en este Congreso, el trabajo entre maestro y alumno es equitativo, y ambos trabajan en conjunto en pro de un análisis o estudio artístico. Ejemplos como estos son traspasados por Claudio hacia los estudiantes en la sala de clases. “Con los alumnos que tengo de primer año en la carrera de artes visuales, hablamos sobre estos temas; los trato de involucrar en lo que significan los congresos, ya que una de las cosas que me impresionó fue que de asistentes había muchos estudiantes y estos también tenían sus propias ponencias. Eso es una de las cosas que tenemos que aplicar aquí”. Para generar un acercamiento efectivo a espacios como estos, los cuales se transforman en elementos de gran valor para el enriquecimiento tanto de docentes como alumnos, el aporte de la Universidad Finis Terrae fue fundamental. “Si la Universidad no me hubiera dado el apoyo, sencillamente yo no habría podido asistir, considero que el aporte de una institución educativa es tremendamente importante, y esto es el principio de algo que puede generar muchísimas cosas”.

Exposiciones del mes de profesores y ex alumnos de la Universidad Finis Terrae

Claudia Müller y Raimundo Edwards Taller de Magíster de Arturo Duclós “Zíper, 16 versiones” Sala CCU Hasta el 29 de Enero 2011.

Daniela Orlandi / Luz María Villarroel

periódico al límite

“Paisaje imaginario”, 2009, acrílico sobre tela y técnica mixta, 40 x 40 cm.

daniela orlandi Los colores primarios cómo priman los primarios. Colores francos y vibrantes. La belleza intrínseca de cada uno de ellos. El valor cromático puro y su eficacia a través de una interacción potente, son algunas de las características del movimiento pictórico francés llamado Fovismo que están presentes en los trabajos pictóricos de Daniela Orlandi. Su obra, según declara, es instintiva y busca alejarse del mundo natural, real y adentrarse en uno imaginativo y mágico para transmitir estados de ánimo, generalmente alegres, y en ciertas obras más relajados. Busca y encuentra las líneas simples y puras del arte primitivista y pareciera extender el consejo que el pintor Paul Gauguin diera en los primeros días del Fovismo a Paul Serusier (“si ves amarillo elige el más estridente que tengas en tu paleta y llévalo al cuadro”) a su propio trabajo y es así como arremete con pasión entusiasta además de los amarillos a los rojos y a los azules.

Con fuerza instintiva elige y selecciona rojos amarillos y azules en un ejercicio estético que recuerda el uso provocativo del color practicado por los fovistas. Por Gina Benvenuto, periodista y licenciada en estética.

Sus estructuras imaginarias, energéticas, las obtiene de elementos vivos animados, más que de objetos geométricos inanimados, y genera una abstracción biomórfica -no figurativa- sin embargo emparentada a las formas percibidas en la naturaleza. Un círculo almendrado, con otros círculos más pequeños en su interior, se nos deviene en ojo. Y es que es la fuerza del ojo de la que hablara el cineasta Robert Bresson lo que trasunta, emite y traslada al espectador esta artista-artesana licenciada en Artes de la Universidad Católica. El bello, puro e intenso color no sólo lo usa en pintura, también en el trabajo artesanal de accesorios para vestuario, entre otros, aros, pinches de fieltro, cinturones y porta celulares tejidos en lana pura. En su casa-taller de Calera de Tango Daniela da clases de tejido a telar y próximamente ampliará las funciones en su taller cuando lo convierta en un pequeño centro cultural para mujeres de esa localidad.

Luz maría villarroel Fluir al compás

Como una eterna conexión con ese ritmo interno que acompaña a cada ser vivo, la artista ha utilizado por años la acuarela para registrar el movimiento. Por Ángela Tapia, periodista. “Araucaria Nahuelbuta”, 2009, acuarela sobre papel, 50 x 50 cm.

a desde la escuela de arte que el óleo se le fue acuarelando a Luz María Villarroel. Fue la manera más directa que encontró la artista para conectarse con ese ritmo que parece acompañar a los seres humanos y a la naturaleza, y que otros podrían definir, simplemente, como vida.

fluir del agua. Responde a algo muy profundo del ser humano”, dice Villarroel, sin poder evitar tocarse su vientre cuando quiere explicar lo que esta técnica le permite expresar, a través de una mancha de color que parece no sólo escapar de su raciocinio, sino que cobra vida propia cuando comienza a expandirse frente a ella.

Así, desde 1984 -cuando comenzó a trabajar con la acuarelista Lea Kleiner- que viene registrando con sus trazos el movimiento intrínseco de paisajes, la vibración de las araucarias eternas y las montañas. Asimismo, ha logrado plasmar la intensidad de bailes como la rumba y el flamenco, que entre faldones y taconeos parece escapar hasta los ojos del espectador.

Fiel creyente en los ciclos naturales, hoy Villarroel se apronta a trabajar en una visión más general del ritmo y se muestra entusiasta con los nuevos colores que surgen en su obra, más allá de los tonos tierra que por tantos años la han acompañado. Paralelamente, y como fiel alumna de Kleiner, entrega junto a su maestra la técnica de la acuarela, en clases que se ajustan a la búsqueda de ese caudal de colores; el compás de la vida que no se detiene jamás.

“La acuarela se conecta con lo inmediato, con lo emotivo, por el

EXPOSICIÓN DE CRIADORES DE CABALLO ÁRABES

1° copa criadores

C E N T R O E C U E S T R E - E S C U E L A M I L I TA R SÁBADO 11 DE DICIEMBRE DE 11:00 A 18:30 HRS ENTRADA LIBERADA

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Guillermo Machuca

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En este libro, cada capĂtulo, cada video, narra y traduce diversas situaciones que podrĂan ser entendidas desde la perspectiva del arte polĂtico. En efecto, la mayorĂa de los trabajos reunidos se caracterizan por reflexionar de manera crĂtica sobre diversos temas de la realidad social, econĂłmica y polĂtica que aquejan a nuestras sociedades en el marco de la denominada globalizaciĂłn. Las miradas y recortes incluyen problemĂĄticas y cuestionamientos a situaciones de violencia, narcotrĂĄfico, inmigraciĂłn, asĂ como cuestiones de geopolĂtica y otras vinculadas a la historia del DUWH ÂŹVLQ FDHU HQ HO IDFLOLVPR GRFXPHQWDO GH OD denuncia ni menos asumiendo posturas UHGHQWRUDV VREUH GLFKRV WySLFRV ÂŹ

VIDEO OTRA VEZ

periĂłdico al lĂmite

44 Video otra vez Once muestras de video arte contemporĂĄneo

Video otra vez: Once muestras de video-arte contemporĂĄneo

Video otra vez

Teresa Margolles, Santiago Sierra, Alberto Baraya, Jota Castro, DarĂo Escobar, Alexander ApĂłstol, Yoshua OkĂłn, Juan Fernando HerrĂĄn, Regina JosĂŠ Galindo, IvĂĄn Navarro y Tania Bruguera

En este libro la mayorĂa de los trabajos reunidos se caracteriza por reflexionar de manera crĂtica sobre diversos temas que aquejan a nuestras sociedades en el marco de la globalizaciĂłn. Editado por Patrick Hamilton, esta publicaciĂłn cuenta con la participaciĂłn de artistas como Teresa Margolles, Santiago Sierra, Jota Castro, DarĂo Escobar, Yoshua OkĂłn, Regina JosĂŠ Galindo e IvĂĄn Navarro. Precio de referencia: $5.000 LibrerĂas: En todas las librerĂas del paĂs.

Dicen que un libro es un regalo que puedes abrir todos los dĂas. Nada mejor entonces que obsequiar una ediciĂłn especial dedicada al arte chileno para esta navidad. Este segundo semestre presenciamos el lanzamiento de una gran variedad de publicaciones especializadas, de las cuales les presentamos las mĂĄs destacadas.

Chile Arte Extremo: Nueva escena en el cambio de siglo Con entrevistas a 20 artistas destacados la periodista Carolina Lara junto a los investigadores Guillermo Machuca y Sergio Rojas analizan al grupo de creadores que emerge a mediados de los aĂąos 90 y comienzos de los 2000. La publicaciĂłn bilingĂźe reĂşne en 350 pĂĄginas color un material teĂłrico, periodĂstico y fotogrĂĄfico inĂŠdito, concebido como herramienta de consulta para el pĂşblico en general. Precio de referencia: $30.000 LibrerĂas: Ulises, Takk, Metales Pesados, TXT y Contrapunto.

RevisiĂłn TĂŠcnica Esta publicaciĂłn reĂşne la obra de 100 pintores durante los Ăşltimos 30 aĂąos en nuestro paĂs. Se trata de una ediciĂłn bilingĂźe que incluye monografĂas de cada artista, ademĂĄs de imĂĄgenes de sus obras mĂĄs representativas. El tĂtulo, compilado por Jorge GonzĂĄlez Lohse, pretende enriquecer el conocimiento y debate sobre la visualidad pictĂłrica en Chile entre 1980 y 2010. Precio de referencia: $33.000 LibrerĂas: En las principales librerĂas.

La mujer chilena en la colonia Esta publicaciĂłn es una reseĂąa bibliogrĂĄfica sobre los roles que tuvieron las mujeres durante el periodo colonial. En el libro, ilustrado con pinturas en tela de las artistas Claudia Penrroz, Pilar RĂos M. y Cecilia Quezada, y obras de las orfebres MarĂa Isabel Moya Sch. y Soledad Tobar, se destacan las mujeres relevantes de la ĂŠpoca Precio de referencia: $38.000 o 9.900 + IVA para suscriptores de la revista Arte Al LĂmite Contacto: galeriadearte@montecatini.cl o 98954135

danisa glucevic La Simbolización

Desde la pintura la artista sugiere enigmáticas relaciones entre el viaje, la cena mística religiosa y el encuentro amoroso. Por Gina Benvenuto, periodista y licenciada en estética. “Corazón expandido”, óleo sobre tela, 80 x 100 cm.

En el cénit azul, una caricia rosa”, escribe Juan Ramón Jiménez en su poema “Infancia” generando una bella síntesis poética sobre el amor y el deseo en el encuentro con el otro. Danisa Glusevic habla de esas cosas y usa esos mismos colores para simbolizarlas, pero ya no con las letras -como hiciera el poeta- sino con los medios de la pintura. Rojos y azules son usados y reiterados en sus más diversas gamas para dar cuenta de una lucha y contradicción, que busca la síntesis y el equilibrio entre las fuerzas del intelecto asociadas al espíritu y a las emociones profundas (color azul); y las fuerzas del instinto asociadas a la pasión erótica y a las emociones intensas (color rojo). La sabiduría

de la mente. La sabiduría del cuerpo. De alguna manera, la creadora -mediante el uso de símbolos- pareciera insinuar una relación entre la cena cotidiana, la cena mística religiosa y la “cena” de otro cuerpo, no como ritual antropófago sino como ingesta simbólica. Ojos, bocas y pulmones, entre otros órganos, son pintados desde la abstracción. Para descubrirlos es necesario indagar con atención el cuadro. Al hacerlo la obra genera una cierta confusión y/o amalgama entre lo sublime e inefable y lo sexual, genésico. Como consecuencia de esa abstracción emerge como símbolo la figura de la “mandorla”. Esta figura habla de la

conjunción de los mundos: cielo y tierra, espíritu y materia, femenino y masculino, y se relaciona con el continente. Ahí están sus largas y grandes ballenas. Otro símbolo utilizado por la pintora y que también habla de alimento, vida y regeneración es el escarabajo. Abundante en los jeroglíficos egipcios el escarabajo está vinculado al dios Jepri, la forma de Ra, el dios naciente. La palabra símbolo viene del griego y equivale a signo, señal, pero también a indicio y conjetura, de tal manera que el contexto y las subjetividades también inciden en la dación de significados. En el decir de Umberto Eco, la obra es siempre abierta.

Crítica

periódico al límite

CRI TI CA

POR GABRIEL BARROS Director de Amigos del Arte y miembro de la AICA

Cerrando el Bicentenario En el marco del Bicentenario la Corporación Cultural de Las Condes presentó durante el 2010 exposiciones de elocuente contenido histórico en torno a la plástica chilena del siglo XX. La muestra “El país geométrico” describió el desarrollo de la abstracción constructivista en Chile, fortaleciendo la propuesta mediante el lenguaje potente emanado de las obras incluidas. Este rescate de nuestro patrimonio se complementó con la recuperación que significó la exposición de Lorenzo Domínguez. Las excepcionales obras del coleccionista Ricardo Mac Kellar, exhibidas durante agosto bajo el nombre de “La (e)lección de pintura” dieron clara muestra de las cualidades estéticas de su dueño y de su generosidad. Parte de la colección

Bob Borowicz: “Campesinos”, fotografía.

Bob Borowicz: “Autorretrato”, fotografía.

–una de las más sobresalientes de pintura chilena- fue donada a la Corporación Cultural de Las Condes para formar un futuro museo. El grupo Montparnasse se presentó con las obras de sus miembros fundadores bajo el nombre de “Grupo Montparnasse en versión original”. Esta destacada exhibición demostró con argumentos sólidos el carácter pionero de la introducción de la pintura contemporánea en Chile, con Henriette Petit como figura señera. Finalmente, la retrospectiva de Bob Borowicz, “Bob Borowicz, fotógrafo del claroscuro”, durante el mes de octubre, junto al montaje impecable de cada una de las muestras de este año del Bicentenario, colocan a esta Institución, una vez más, en un lugar privilegiado que es necesario destacar.

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