Periódico / Edición 68 Abril by Arte al Límite

abril artes visuales Nยบ 68 distribuciรณn gratuita

Arte y Religiรณn | Francisco Perรณ | Josef Hoflehner | Nuevo centro de arte contemporรกneo

editorial

periódico al límite

EDI TO RIAL

Cada vez con más frecuencia notamos que el verano terminó porque el supermercado se llena de huevos y de conejos de chocolate en todos los colores y tamaños. Lo mismo sucede en otras fechas cuyos significados lentamente se van perdiendo por esta sociedad que –reconozcámoslo- funciona en torno al consumo. Es por esta razón, este desapego de las costumbres y de los valores tradicionales, que decidimos dedicar esta edición especial de marzo al arte y su relación con la religión y la espiritualidad; un aspecto fundamental que ha marcado todo el desarrollo de nuestra cultura chilena desde la llegada de los españoles, los colonos y los distintos grupos de religiosos a Chile, cuyo aporte a nuestra educación y cultura seguimos cosechando en la actualidad. Casi el 70% de los chilenos se declararon católicos y del 30% restante sólo el 8,3% optó por definirse como ateo o agnóstico en el último censo realizado en el año 2002. Esto cataloga a nuestro país como una nación cristiana, si bien

equipo

el Estado no reconoce ningún credo como oficial. El arte sacro nacional –a pesar de dichas cifras- ha ido decreciendo con el tiempo, llegando al punto de casi desaparecer. Actualmente no contamos con una producción importante de iconografía religiosa por parte de nuestros artistas, lo que es una pena, debido a la carga simbólica y cultural que estas obras pueden llegar a tener para futuras generaciones. Nuestra tarea es difundir el arte y a los artistas nacionales; testigos y actores claves en nuestra cultura y a la larga, en nuestra identidad y organización social. La ausencia de un rescate de las tradiciones espirituales del momento histórico actual nos llama la atención y quisiéramos destacar la importancia que este tipo de obra artística posee a largo plazo para nuestro patrimonio. El valor del arte sacro o litúrgico trasciende si es figurativo, abstracto o geométrico. Kandinsky e incluso Matilde Perez

han explorado las capacidades de la pintura para reflejar su relación con lo divino o espiritual. El arte es en sí una expresión de una inquietud mística, una búsqueda de comunión entre lo físico y lo metafísico, el momento actual y las creencias que han moldeado nuestras culturas. Es también una forma de expresión de alcance masivo, cercana a la comunidad y que por su naturaleza –y así se ha comprobado a lo largo de los siglos- se preserva y mantiene vigente. Queremos que nuestros lectores se detengan un momento y reflexionen en torno a las tradiciones que hoy estamos preservando. Cristianas o no, las costumbres con las cuales fuimos educados nos marcan e influencian cómo educamos a nuestros hijos. Y si queremos formar una audiencia que disfrute del arte contemporáneo y que lo exija -como documentación y reflexión en torno a los cambios que atraviesa nuestra sociedad-, debemos también valorar las distintas formas de expresión y las tradiciones que forman y mantienen el marco cultural que hoy nos hace chilenos, y latinoamericanos.

Ana María Matthei directora Ricardo Duch director Cristóbal Duch asesor comercial Leonie Schilling editora general Catalina Papic directora de arte Carolina Silva diseñadora Francisca Yaksic licenciada en estética Camila Duch proyectos culturales Camila Urrutia licenciada en artes y humanidades

Enrique

Solanich crítico Pedro Labowitz crítico Ennio Bucci crítico Julio Sapollnik crítico - Argentina Carlos Navarrete crítico Manuel Munive crítico- Perú Ernesto Muñoz crítico y asesor de contenidos Virginia Rioseco

periodista y profesora

Gina Benvenuto

periodista Josefina Valdés licenciada en letras Bernardita Garib escritora y artista Ángela Tapia periodista Jorge Azócar asesor Gabriel Núñez asesor de comunicación Ignacio del Solar asesor

Sumario

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SU MARIO REPRESENTANTE LEGAL Orlando Calderón F. VENTAS info@arteallimite.com FONO-FAX 955 32 61 WEB www.arteallimite.com PORTADA Ilustración Arte Al Límite IMPRENTA R.R. Donnelley Santiago, Chile Las opiniones vertidas en este medio son de exclusiva responsabilidad de quienes las emiten.

Creatividad y espiritualidad

06 20 38

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18 34 44

Pascua de Resurrección

Del culto al salón

Josef Hoflehner

Agenda Santiago

Agenda Regiones

Crítica

María Inés Lagos

Ramón Muñoz

Universiadad Fines Terrae

Diseñando el diálogo

Artistas Al Límite

Nuevo centro de arte contemporáneo

Crítica de Ennio Bucci

Ferias Internacionales

Fracisco Peró

Recomendamos

María Soledad Chadwick

Verónica Byers

Dafne Grossman

Mónica Paz

Dafne Lyon

Mariana Neuweiler

Creatividad y espiritualidad

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Creatividad y espiritualidad Los nexos entre arte y religión

La estética religiosa es algo que trasciende todo tipo de cultura, raza y religión desde los inicios del hombre. Los resultados de la colaboración entre el arte y la religión han creado algunos de los tesoros más grandiosos de la humanidad y actualmente sigue generando nuevas propuestas y discusiones en el arte contemporáneo. Por Leonie Schilling, periodista. Fotografías cortesía Galería Patricia Ready

“El arte es un vehículo para alcanzar la divinidad”, afirmaba el teórico Earle J. Coleman. Esta frase es aplicable a toda nuestra civilización desde los tiempos más remotos. El arte, de la mano de la religión ha facilitado que grandes artistas desarrollen su sensación de plenitud, de auto-integración, un compromiso trascendental con su obra y una unión espiritual con su sociedad. Miguel Ángel, Rafael, Leonardo Da Vinci, Rembrandt, Bellini, Caravaggio, Titian, Rubens, Vermeer y Velázquez son sólo algunos de los grandes maestros que han moldeado nuestro concepto sobre lo que es arte y que se dedicaron a crear obras en torno a la divinidad. Desde la Capilla Sixtina, “La última cena”, las columnas de la Basílica de San Pedro, a la “Crucifixión” de Dalí, el arte se ha inspirado en innumerables ocasiones en la Biblia. Y es este tipo de arte –que también se aplica a las creencias no cristianas - el que frecuentemente logra permanecer a través del tiempo. Lo estético y lo espiritual son dos aspectos claves que van unidos en todas las expresiones dedicadas a lo bello; canto, poesía, pintura o danza. Además, representan dos esferas axiológicas según las cuales regimos nuestras vidas y nuestras aspiraciones; el arte provee el marco valórico estético y la religión los valores espirituales y morales. La integración de ambos es una necesidad, volviéndolos dos formas complementarias de concebir y experimentar la vida. En la actualidad, si bien la religión ha tomado formas de expresión más moderadas o extremas –como los fundamentalismos- lo sacro sigue motivando a artistas contemporáneos alrededor del mundo. Y Chile no se queda atrás.

I nspiraci ó n

cultura

Hasta el 9 de este mes se podrá ver la muestra “Un diálogo renovado entre el arte y el cristianismo en el siglo XXI” en Galería Patricia Ready. Con distintas artistas jóvenes como participantes, la exposición pone en tapete la estrecha relación que tiene el arte chileno con el cristianismo desde la época de la Colonia. Por esta razón, destacamos a tres artistas de diversas disciplinas cuya relación con el arte está estrechamente ligada a la espiritualidad.

Octavio Román, escultor.

El arte sacro se me dio desde muy niño, cuando me encargaron unas monjitas a Santa Marta. Otra congregación me encargó la Beata Laura Vicuña y así innumerables obras como el Arcángel Rafael para Luis Campino, la Virgen del Pilar para el Instituto

Catalina Mena: “Ofrenda”, 2010, Técnica mixta, 110 cm de diámetro.

Creatividad y espiritualidad

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León Prado, por mencionar algunos. La escultura en piedra fue destino. Ninguno de los que me encargaron trabajos se conocía. Siempre, por cualquier camino, llegan estatuas de Cristos, tanto para realizar como para restaurar. La imagen visual religiosa es muy importante ya que impacta en el alma del ser humano, haciéndolo reflexionar sobre un mundo invisible que comparte nuestras existencias y nos conduce a indagar en la metafísica.

Cata Mena, artista multidisciplinaria

En mi obra “Ofrenda” he abordado las problemáticas que subyacen en el territorio de lo espiritual en íntima relación con el concepto de fragilidad. Tanto lo efímero como lo eterno son los dos polos de nuestra existencia, los que determinan nuestro estar en el mundo, nuestra conciencia de ser. Desde el acto más cotidiano, hasta el más específico pensamiento matemático está determinado por lo vital, lo inesperado, lo frágil. La fuerza de la fragilidad nos acuna en sus brazos. La palabra Dios, en los principales doce idiomas del mundo, alude a la diversidad y apela a que la variedad conjuga un todo. Además, al estar escrita en alfileres conlleva una carga de dolor y se asocia a diferentes campos de sentido que nos refieren a la idea del sufrimiento como necesario para la transformación. La fragilidad presente entre la unión del alfiler y el bastidor es a su vez nuestra condicionante, esa que ha hecho de nosotros lo que somos, desde el peligro en el que nacimos y en el que intentamos sobrevivir. Paradójicamente esta fragilidad nos da fuerza, lo perecedero nos obliga y nos da esencia. Por ello es necesario tenerla presente, entenderla y cobijarla, para así aprender a ser junto a ella; a ser en ella.

Malú Stewart: “Babel 2011”, 2011.

Juan Echeñique, iconógrafo

Me he dedicado a hacer arte litúrgico según la tradición bizantina por una vocación que está ligado a mi pertenencia a la iglesia Ortodoxa. Esto no siempre fue así, se dio como un llamado cuando participé del rito Bizantino en una comunidad de rito Bizantino en Francia. El rito Bizantino reveló la significación espiritual del ícono y, por ende, el conocimiento en profundidad del contenido espiritual y teológico de este arte. Antes yo era pintor contemporáneo sin ninguna vinculación de mi arte con los temas religiosos. La palabra cultural viene de culto. El origen de todas las artes y de la cultura es el culto religioso. No hay cultura sin religión. Hoy nuestra civilización contemporánea post-humanista está a la deriva tanto en lo espiritual como en lo cultural. Si el hombre no vuelve a Dios, se destruye a sí mismo y su entorno. Esto es lo que está pasando en todos los ámbitos. Hoy la cultura es sólo una imagen de la destrucción del hombre y su hábitat; ya no hay o casi no hay cultura. Hoy se llama cultura a manifestaciones que no lo son. El arte litúrgico que yo practico es un llamado para volver a Dios, en este caso a las fuentes del cristianismo y de la Iglesia. Si la Iglesia no reencuentra sus fuentes se transforma en algo que está lejos de ella.

Octavio Román: “Santo Tomás de Aquino”, 2005, Bronce, 230 cm de alto.

Obra de Steve McCurry, Revista Arte Al Límite Ed. N° 47

r e v i s ta a r t e a l l í m i t e n ° 4 7 | m a r z o - a b r i l

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pascua

resurrección

Hay una tradición que se niega a morir, cuyo origen se remonta a miles de años; el pintar huevos para la Pascua de Resurrección. Si bien los orígenes de esta tradición yacen en la antigua cultura persa, hace siglos se han convertido en un símbolo de la resurrección de Cristo, de la nueva vida. Hoy, esta costumbre se ha reemplazado por la masiva compra de huevos de chocolate, restringiéndose una importante actividad que no sólo posee un valor simbólico, sino que además fomenta la creatividad de los niños. En esta ocasión invitamos a un grupo de artistas a pintar e intervenir huevos con la intención de reavivar esta tradición, representando una experiencia y entregando una invitación a adentrarse en las posibilidades que ofrece esta costumbre tan creativa y popular.

Fotografías de Jorge Azócar.

Pascua de Resurrección

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pAULA lAFRENTZ La Pascua de Resurrección es un día en el cual celebramos la vida con alegría, en donde el mundo se alegra de estar vivo y de tener la capacidad de renacer. Niños, jóvenes y adultos festejamos esta fecha con felicidad, tanto por su significado simbólico como por el hecho de que sea un momento para compartir en familia.

xIMENA cAPDEVILLE Resurrecci贸n: Oportunidad de renacer, esta vez en forma consciente.

Pascua de Resurrección

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ÓSCAR BARRA Los niños despertaron muy temprano esa mañana... el sol apenas se colaba por las cortinas. Con la vista en el piso, los ojos iluminados por un sueño, buscando por todos los rincones, agitados e impacientes. De pronto un grito: “¡¡Encontré un huevito!!”... y otro, y otro más. En las esquinas, bajo las sillas, entre maceteros y pequeñas flores. Las sonrisas se tiñeron color chocolate... y una magia incomprensible llenó de alegría nuestros corazones. Afuera...la ciudad despertaba y un conejo travieso regresaba a su hogar... ¿Lo viste?

mARÍA ANGÉLICA PEÑARANDA En muchas culturas el huevo representa el inicio de la vida, resurrección o reencarnación. Sin querer entrar en debates filosóficos ni religiosos, la reencarnación representaría, desde un punto de vista muy primario, una nueva oportunidad; de hacer lo que no se hizo en la oportunidad anterior, de contemplar lo que no se contempló, compartir con quien por diversas razones no se compartió. Desde esta perspectiva, el huevo es un signo de esperanza… Esta nueva oportunidad de vivir una nueva vida la represento de la mano de Dios que asciende a los Cielos y nos invita a seguirlo. A vivir junto a Él, con Él y con todos los nuestros en paz y armonía una vida plena, llena de amor y de color. Es así como nosotros -representados por los pájaros- seguimos a Cristo -representado por el pájaro blanco- a través de este símbolo de la Vida Nueva que es el huevo. Con esta escultura, quisiera “gritar” que es posible lo imposible, la vida puede vencer a la muerte, la alegría a la tristeza, la esperanza a la desesperanza. Y darnos cuenta que se puede abrir paso a un mundo lleno de alegría y color, un mundo que siempre ha estado ahí y que por distintos motivos; como nuestra vorágine, caos y desaliento, no nos hemos percatado de su existencia.

Pascua de Resurrección

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xIMENA GUMUCIO ¡Huevitos, huevitos! Los niños corren, alegres y contentos porque ha pasado un conejito a dejarle sus huevitos. Los mayores dan gracias porque Jesús ha resucitado, abriendo sus corazones con esperanza y renacimiento.

MAITE IZQUIERDO Resurrección textil, próxima y táctil. Manto protector de lazos y plumas que abrazan la vida naciente. Desde ahí, ¡que nazca y vuele!

Del culto al salón

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Del culto al salón Arte religioso en las colecciones del MNBA

Este 12 de abril se inaugura en el Museo Nacional de Bellas Artes la muestra “Del culto al salón”, la cual presentará importantes obras de la colección del museo relacionadas con la temática religiosa y sus usos.

ste mes el Museo Nacional de Bellas Artes presentará una valiosa selección de obras centradas en la religiosidad y el culto. “Del culto al salón: arte religioso en las colecciones del MNBA” reafirma el enfoque que la institución ha venido desarrollando en torno a la visibilidad de sus colecciones y las posibles lecturas que se les pueden dar a éstas. Conversamos con Soledad Novoa, curadora del MNBA, quien estuvo encargada de la selección de obras para esta exposición y quien tiene a su cargo uno de los grandes desafíos del MNBA este 2011: realizar un catálogo razonado de todas las obras del Museo.

Por Leonie Schilling, periodista.

¿Qué reúne esta muestra a grandes rasgos y bajo qué líneas curatoriales se seleccionaron las obras de la colección? Es una selección de pintura, tallas y obras sobre metal que muestran cómo se ha abordado la temática religiosa en distintos contextos y momentos, y según diversos “usos”. Es así como se exhibirán obras cuya primera función muy probablemente sea el culto -imágenes devocionales- y otras en las que priman aspectos plásticos o plantean una relectura o reactualización de los relatos religiosos. ¿Qué importancia tiene el arte relacionado a la religiosidad para una cultura como la chilena? ¿Cómo ha aportado éste a la cultura nacional, desde la Colonia hasta nuestros días? En Chile hay algunas importantes colecciones de pintura colonial –como la del convento San Francisco-, y existen otras series de obras, tanto pintura como imágenes de bulto o tallas, cuyo fin es fundamentalmente devocional. Por otro lado, desde principios del siglo XX la pintura ha abordado en sus temáticas aspectos relacionados con la religiosidad popular o con los ritos religiosos (“El velorio del angelito de Gordon”, o “La primera misa celebrada en Chile” de Subercaseaux) y en esa medida, dan cuenta de una tradición cultural.

Título: Del culto al salón: arte religioso en las colecciones del MNBA Fecha: Desde el 19 de abril al 12 de junio. Lugar: Museo Nacional de Bellas Artes Dirección: Parque Forestal s/n

En cuanto a esta muestra, ¿se enmarca dentro de una nueva línea curatorial? ¿Me puedes contar de los cambios que se advertirán en el museo para este 2011 y qué desafíos se les presentan este año a nivel institucional? Realmente esta muestra no se enmarca dentro de una “nueva línea curatorial” sino que viene a fortalecer el trabajo que se ha venido desarrollando con las colecciones del museo. Este trabajo busca dar mayor visibilidad a las obras que conforman nuestro patrimonio, intentando cruces y lecturas que abran nuevas formas de interpretar, exhibir, analizar estas obras. La idea es que las curatorías sobre la colección se fundamenten en la investigación de las obras. Así, por un lado, cada exhibición nos permite ir avanzando en la investigación, y por otro lado, las investigaciones nos van abriendo y proponiendo nuevos enfoques, nuevas temáticas y nuevas curatorías que permitan visibilizar públicamente los resultados de estas investigaciones. En este sentido, uno de nuestros desafíos es comenzar a trabajar sistemáticamente en el catálogo razonado de las colecciones del museo, un trabajo a largo plazo absolutamente necesario y, a mi juicio, apasionante.

Mateo Pérez de Alessio: “Sagrada familia o la pérdida de Jesús y su hallazgo en el templo”, 1605.

Josef Hoflehner

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“Jet airliner I, American Airlines Boing 737-800 arriving from Miami FL”, Impresión de plata sobre gelatina.

JOSEF HOFLEHNER Paisajes sublimes

Los escenarios en blanco y negro del destacado fotógrafo reflejan su búsqueda por retratar la sencillez de la belleza en lugares que no esperamos. Este mes exhibe, sus trabajos más recientes, en México y en Alemania. Por Leonie Schilling, periodista.

i pudiésemos resumir la obra de Josef Hoflehner (Austria, 1955) en una sola palabra seguramente sería “estético”. Estético en el sentido de la apreciación de la belleza, de artístico, bello, elegante, de los elementos estilísticos y por la armonía que cada una de sus imágenes exuda.

haber sido nombrado Fotógrafo de paisajes 2007 por los International Photography Awards, publicar una serie de monografías y tener más de 20 exposiciones individuales a su haber, Josef Hoflehner conversó con Arte Al Límite sobre lo que él define como “su pasión y su vida”.

Hoflehner creó un estilo único en la fotografía, el cual se basa en la construcción de paisajes minimalistas de composiciones correctas y contrastes perfectos, todos en blanco y negro. Escenarios puros, calmos, limpios y bellos. Urbanas o de naturaleza, sus fotografías nos cuentan de un artista que mantiene su capacidad de asombro y una mirada aguda, dispuesta a retratar la arquitectura del planeta en forma sublime, dedicado a plasmar la belleza de lo que nos rodea sin adornos ni ostentaciones.

Ha tenido un interés especial en el concepto de espacio; espacios abiertos, libertad y viajar. ¿Definió esto su interés en los paisajes? ¿O hay otra razón por la que privilegie los exteriores en su trabajo? Tengo una especial conexión con los paisajes. Me encanta viajar, observar y fotografiar los paisajes más extraordinarios allá afuera. Y me encantaría mostrarle al mundo cómo veo las cosas. No soy adverso a otros sujetos en mi fotografía, y también estoy abierto a descubrir nuevas temáticas, pero creo que los paisajes aún no han recibido la suficiente atención en el mundo del arte, cuando se compara

Hoy, tras recorrer todos los continentes,

“Sheikh Zayed Road (Day)”, Dubai, UAE, 2009, Impresión de plata sobre gelatina.

al retrato o a la fotografía documental. ¿Me puede explicar por qué escogió trabajar en blanco y negro? ¿Este formato le otorga más texturas y contrastes? Bueno, en blanco y negro soy capaz de trabajar con contrastes e interpretar de manera más exacta la misma imagen. Las fotografías a color muchas veces son una “foto-copia” del paisaje real, mientras que el blanco y negro me permite mostrar mi visión. ¿Aprendió de la experimentación? La fotografía fue y es mi pasión y nunca me he cansado de experimentar. Casi todo lo que he logrado lo he hecho gracias a que tomé la determinación de “aprender creando”. ¿Me podría explicar su proceso creativo? ¿Planea cada toma o son imágenes “fortuitas”? Gran parte de mis fotografías son planeadas de antemano (antes de que viaje), pero muchas de mis locaciones son encontradas

“Walkway to heaven”, China 2008, Impresión de plata sobre gelatina.

“accidentalmente”; cuando camino o manejo por ahí. Eso es muy fascinante ya que nunca sabes con lo que te puedes encontrar al otro lado de la calle o en la playa siguiente. Belleza, paz, silencio. En su trabajo todo parece estar congelado en un momento sublime. ¿Qué debe tener una fotografía para satisfacerlo? Es muy difícil describir esto con palabras… pero debe haber algo dentro de esa imagen para que funcione. Puede ser el sujeto, o la ausencia de éste, o ciertas formas/ estructuras. Por ahí se dijo que usted hacía fotografía documental, ya que sus series se agrupan en estudios de lugares. Yo, en cambio, diría que es artística, ya que la fotografía documental debería tener un cierto contenido social… No necesariamente... La fotografía documental no siempre tiene que tener contenido social. Vivimos en un mundo que cambia constantemente, y

la fotografía de paisajes o arquitectura también puede ser considerada como una especia de fotografía documental. No hay una “regla” de que este tipo de imágenes no puedan mostrar algún tipo de estética. Sin embargo, ¡definitivamente considero mi trabajo como arte! ¿Y qué le parecen las tendencias de la fotografía contemporánea? Honestamente, no miro mucho a los lados, ni sigo de cerca el mercado. Pero cada vez que camino por los pasillos de Paris Photo, o cualquier otra feria de arte, rara vez me impresionan los trabajos contemporáneos expuestos. ¿Y qué podremos esperar de usted este año? Esta primavera (boreal) lanzo mi nuevo libro llamado “ZNZ: Zanzibar”, que siempre es un gran desafío. Además de esto, tengo varios viajes planeados, en su mayoría a Asia, y varias exhibiciones individuales en Europa.

Agenda Santiago

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Viñetas de Marcela Trujillo Hasta el 1 de mayo / Galería Plop! Marcela Trujillo ha desarrollado junto a su labor como pintora un importante trabajo como historietista. Desde su debut en los años ochenta en la mítica revista Trauko y más tarde en The Clinic, la artista y su alter ego Maliki han creado viñetas agudas y desinhibidas. Una selección de estas obras forman parte de la muestra “Maliki Underground”, que recorre diversos momentos de la vida de la autora, desde sus días de universitaria y sus inicios como dibujantes hasta sus experiencias en Nueva York, pasando por su infancia, embarazo y divorcio.

“Clasificados” de Jorge González Hasta el 30 de abril / Galería Ensambles El reconocido artista y académico Jorge Gonzalez, presenta la muestra “Clasificados” en la Galería Ensambles. Las obras que se exhiben en la muestra son construcciones de bloques de guías de teléfono, pintadas en sus caras laterales con retratos de amigos, a los que el artista va atribuyendo su propio análisis sobre las conductas humanas y la perdida de identidad.

Mujeres escultoras Hasta el 15 de mayo / Parque de las Esculturas Un encuentro destinado a constituirse en un hito en la escultórica nacional es la exposición/ encuentro de diez escultoras que forman parte de la historia de esta rama del arte y más de 60 artistas contemporáneas. Se trata de la mayor muestra colectiva de escultoras realizada en el país y en la que se ha contado con la colaboración de la Sociedad de Escultores de Chile, la participación del crítico de arte, el crítico de arte Pedro Labowitz y el aporte y conocimientos de la escultora Lily Garafulic.

El cuerpo en el arte Hasta el 24 de julio / MAVI La muestra “Cuerpos radiográficos”, presenta una selección de pinturas, fotografías, grabados e instalaciones, que pretenden replantear el tema del cuerpo en el arte, esta vez desde su perspectiva biológica, facilitando una mirada interna, y dando lugar con esta operación a nuevas interpretaciones. Se exhiben obras de: Roser Bru, Jaime Cruz, Arturo Duclos, Roberto Edwards, Mario Fonseca, Gonzalo Ilabaca, Paz Lira, Ricardo Maffei, Guillermo Núñez, Alejandra Raffo, Ian Szydlowsky, Jorge Tacla, Mario Toral, Rosa Velasco, Lorena Villablanca.

agenda santiago Dinámicas telecomunicativas Hasta el 26 de junio / Fundación Telefónica La muestra “Variaciones de lo invisible” propone presentar un tipo de experiencias de lo inabarcable, aleatorio y cambiante del mundo de las telecomunicaciones, que se abstrajo y permanece invisible a la percepción. La exhibición es una re-materialización de la dinámica de los flujos de las telecomunicaciones a partir de los volúmenes de datos y las trazas de las comunicaciones generadas en tiempo real por miles y miles de usuarios al comunicarse.

Mujeres en el arte 2011 Hasta el 21 de abril / Centro Cultural de La Reina El Centro Cultural de La Reina presenta la undécima versión de “Mujeres en el arte”, iniciativa que pretende difundir el trabajo de artistas emergentes y consagradas nacionales desde su perspectiva de mujer. Las expositoras que estarán presentes en la muestra son: María Cristina Encina, Francisca Lazo Corvalán, Carla Aranda Parodi , Carolina Rodríguez y Alejandra Kettlun.

Grabados de Joan Miró Hasta el 14 de mayo / Galería Animal La muestra, titulada “Joan Miró GRABADOS”, presenta 31 trabajos del artista español. Miró tuvo una prolífica carrera como artista, explorando distintos medios de creación, como la pintura, la escultura y la cerámica, pero fue la técnica del grabado la que concentró gran parte de su atención. Hijo de un orfebre y nieto de un herrero, adquirió desde pequeño un sentido del oficio artesanal, que, unido a su pasión por la poesía, lo llevaron a desarrollar un extraordinario cuerpo de obras en torno al grabado.

Obras de Ramón Vergara Grez en Galería stuArt Hasta el 23 de abril / Galería stuArt La exposición “Espacio Concreto” muestra obras creadas por Ramón Vergara Grez en un espacio de tiempo delimitado, que va desde 1962 a 1966. Las piezas que conforman esta singular muestra pueden presentarse hoy como detonantes para realizar una re-lectura acerca de la evolución de la abstracción geométrica en el desarrollo del arte en nuestra historia local.

Agenda regiones

periódico al límite

Intervención de Loreto Pérez Hasta el 29 de abril / Galería Centro, Talca Con el montaje “Te arriendo mi sombra”, la artista estará interviniendo los espacios del edificio en donde está situada la galería. Mediante un lenguaje metafórico y poético, nos propone una reflexión en torno a nuestro lugar en el devenir contemporáneo. Para ello presentará una instalación en la galería y a la vez ocupará la planta baja del edificio, con un texto que se podrá leer desde la altura.

Imagen Latente

Hasta el 7 de mayo / Museo de Arte Moderno, Chiloé La exposición de fotografías de León Durandin, que se realizó primero en el Museo Nacional de Bellas Artes, se encuentra ahora en su fase itinerante por regiones y llega en abril al MAM Chiloé. La muestra presenta imágenes del fotógrafo francés (1872 París – 1955 Santiago), que retratan con sencillez y sensibilidad la vida cotidiana urbana, rural y familiar de Chile de comienzos del siglo XX.

Monumento Eriazo Hasta el 14 de abril / Centro de Extensión Cultural Alfonso Lagos, Chillán Voluspa Jarpa se propone en esta muestra dar cuenta de lo que queda olvidado en la narración de nuestra historia nacional, y nos invita a que: “No nos olvidemos de los eriazos, de las ruinas, las demoliciones, las mediaguas. No olvidemos nuestra permanente convivencia con la precariedad, la fragilidad y el abandono. Nuestra no-historia, aquella que aún estamos por narrar, construir y representar”.

agenda regiones Tres artistas invitan a recorrer el mundo con sus exposiciones

Hasta el 26 de abril / Centro de Extensión en Identidad y Patromonio, Valparaíso Loro Coirón, Eduardo Mena y Rodrigo Villalobo, tres artistas unidos por sus incesantes viajes, llegarán al Centro de Extensión en Identidad y Patrimonio del Consejo de la Cultura para exhibir sus obras que reflejan travesías por paisajes, escenas cotidianas, y múltiples ciudades. Se trata de la exposición “El Viaje”, que través de tres muestras, invita al espectador a convertirse en viajero desde la ciudad de Valparaíso, puerto de entrada y salida al mundo.

Marilyn Chiloé. Patrimonio de la humanidad Hasta el 30 de abril / Galería de Arte Bosque Nativo, Puerto Varas Esta exposición profundiza en una búsqueda estética de varias décadas a través del trabajo de collage en papel con traspaso digital, donde los íconos de Chiloé y de los pueblos originarios como referente de lo local y de Marilyn Monroe como referente de lo universal, se funden en “encuentros felices”, con otras propuestas de la historia del arte, para crear nuevas realidades espaciales y estéticas.

Fotografía minutera Hasta el 17 de abril / Museo del Limarí, Ovalle El proyecto “Fotografía minutera. El retrato popular en Chile”, es la primera iniciativa consistente en una investigación, una exhibición y el lanzamiento de un sitio web que se realiza en el país para poner en valor el oficio de los fotógrafos de cajón o minuteros, así como a las imágenes resultantes de su labor. Ambos constituyen parte importante de la historia de la fotografía nacional y poseen un valor incalculable para la identidad y patrimonio cultural chileno.

ARTE CONTEMPORÁNEO

CHIL

Durante el mes de marzo se realizaron dos importantes muestras en Lima. En galería Enlace Arte Contemporáneo se presentó “Rasgos emotivos”, curada por Ernesto Muñoz. En tanto, en La Galería, Manuel Munive fue curador de “Habitación simple”. Les presentamos el intercambio de miradas que ambos críticos de arte realizaron en torno a sus trabajos.

Crítica

periódico al límite

La vuelta de la xilografía peruana Por Ernesto Muñoz / Chile

La exclusiva galería de San Isidro, ubicada en la calle Conde de la Moncloa, recibe este mes una muestra de artistas gráficos peruanos curada por el crítico y colaborador de la Revista Arte Al Límite, Manuel Munive. La exposición -que lleva el nombre de “Habitación simple”- convoca a once artistas peruanos en un trabajo que lleva de soporte la xilografía, esa técnica tan asociada al trabajo social de los años treinta en Latinoamérica.

Martín Moratillo: “La pose del matador”, Xilografía, 30 x 43 cm.

La vuelta de la xilografía en estos artistas cubre espacios para reflexionar en torno a la simpleza en la imagen, en la cual el blanco y negro es el desplazamiento definitivo de color, va a darnos a conocer mundos llenos de imaginería, rica en situaciones de gran ímpetu. Christián Bendayán, conocido por sus exposiciones en Chile, presenta imágenes eróticas con uso extraordinario de la línea. En tanto que el dibujante José Luis Carranza explora los cráneos en juegos simbólicos. Ignacio Macha exacerba el uso del cuerpo en lo cotidiano al igual que Martín Maratillo y José Luis Torre. El nombre de Marco Alburqueque lo unimos al arte que privilegia la línea, así como lo hace Tania Bedriñana. Máximo Antezana busca en el uso del plano produciendo variaciones del negro al igual que Israel Tolentino. Fito Espinosa y Haroldo Higa juegan introduciendo elementos del cómic a esta disciplina. “Habitación simple” es una verdadera experiencia, una muestra que presenta la reconsideración de una disciplina subvalorada que con esta muestra nos adentra en el arte peruano. El deseo es poder verla en Santiago el año próximo para observar las reacciones de los artistas y público local.

Martín Moratillo: “La pose de la confesión”, Xilografía, 30 x 43 cm.

LE <> PERÚ Rasgos emotivos Por Manuel Munive / Perú

Bajo la curaduría de Ernesto Muñoz se presenta en Enlace Arte Contemporáneo la muestra grupal titulada “Rasgos emotivos. Once artistas chilenos”. Por el nutrido grupo de participantes y por estar cada uno representado por varias obras la exposición en la galería peruana se constituye en una eficiente y atractiva panorámica del arte chileno contemporáneo, la que permite aproximarnos a su desarrollo como proceso regional y apreciar la coexistencia de los diversos y peculiares lenguajes que lo integran. En el conjunto hallamos la pintura de caballete ejecutada con solvencia por Jorge Vilches (Santiago, 1967), Lorenzo Moya (Paine, 1967) y Matilde Huidobro (Valdivia, 1966), impregnada en cada caso por imaginarios que pendulan entre la subjetividad del autor y la expresión cosmopolita. La experimentación con materiales extrapictóricos y la fricción con el soporte tradicional las hallamos en las propuestas de Paula Dunner (Santiago, 1957), Andrés Vio (Santiago, 1973) y Catalina Mena (Santiago, 1971), por ejemplo, y la pertinencia de la técnica mixta en obras como la de Amelia Errázuriz (Santiago, 1961) y Claudia Peña (Santiago, 1975). La pintura de esta última propone un imaginario de indudable estirpe latinoamericana al estar definida por el trabajo acucioso del detalle y por la dimensión psíquicoreligiosa que emana del ámbito doméstico.

Paula Dünner: “Sin Título”, 2008, Técnica mixta.

En el terreno de lo inaprensible a primera vista hallamos los cuadros de Sebastián Maqueira (Santiago, 1978) en cuyas lisas y saturadas superficies monocromas las sutiles intermitencias gráficas plasmadas habilitan al lienzo como pantalla o superficie susceptible de contener cualquier enunciado. El filo –literalmente– conceptual de la obra de Pedro Tyler (Montevideo, 1975) se hace un espacio propio dentro del conjunto por la materialidad de los objetos adaptados para articular una obra que se mantiene en el borde de lo escultórico y lo bidimensional. (Mediante la participación de Tyler añoramos la presencia de algunos escultores chilenos pero sabemos perfectamente la problemática que conlleva el traslado de esculturas en muestras de larga itinerancia). Destacamos los trabajos textiles de Cristian Velasco (Santiago, 1971), donde la señalética y el diseño geométrico trasvasados al lienzo-tapiz mediante el bordado convierten la obra en un campo de lectura que se solaza en la realización del trazo más allá del significado del contenido gráfico inscrito. Esta exhibición tal cual se ha presentado en Lima viajará al Ecuador para integrarse a la Décima Bienal de Cuenca.

Cristian Velasco: “Sin Título”, 2011, Bordado y acrílico sobre lino crudo, 100 x 70 cm.

María Inés Lagos / Ramón Muñoz

periódico al límite

MARÍA INÉS LAGOS Scanner de Maletas: una exposición de contrapuntos

Siguiendo la línea de los trabajos presentados en “Registro de Huellas”, la nueva entrega de Lagos realiza abstracciones a partir de imágenes familiares. En esta oportunidad, a partir de un objeto que, en palabras de la artista, se ha transformado en un elemento de primer uso: la maleta. Por Camila Urrutia, licenciada en artes y humanidades.

a maleta se exhibe como una representación de nuestras expectativas y como muestra de nuestras pequeñas manías antes de emprender un viaje; la selección de los objetos que llevamos y la disposición que hacemos de ellos dentro del espacio delimitado de ésta, revelan una manera particular de prepararse antes de partir. Y no sólo la maleta, también se examina el “paquete” que va en una encomienda. En ambos casos, se presenta la idea de un juego entre lo que preparamos, las expectativas que caben dentro, y lo que se deja ver. Nuestras particularidades a la hora de ordenar estos continentes se ven estandarizadas a través del scanner que las revisa: los objetos aparecen en el

orden que éste les indica y se sublevan de la posición que les hemos otorgado. María Inés Lagos toma esta paradoja del orden interior que damos a las cosas versus el orden con el que son vistos a través de la cámara de seguridad, para entregarnos un contrapunto entre esculturas y óleos que se refieren a este juego. Tomando como base las imágenes de scanner que podemos ver en los aeropuertos, Lagos pinta el desorden de los objetos desorbitados y fuera de los límites que el espacio cerrado de la maleta les impone. Para acentuar este caos, no sólo utiliza las posibilidades que le brinda el soporte de la tela, sino que se extiende hacia el vidrio que enmarca los cuadros, al que pinta y nos da la

sensación de movimiento ingobernado de los elementos representados en el cuadro. Los óleos de esta muestra se presentan por partida doble: color y blanco negro, cubriendo con ello el espectro del imaginario real –la manera en que efectivamente vemos el contenido de una maleta a través de un scanner- y la fantasía que nos produce el desorden desbocado de los objetos. Una serie de esculturas en bronce completan la muestra con sus representaciones de paquetes de dimensiones variables, totalmente sellados y cerrados para provocar nuestra curiosidad respecto a lo que pueden contener. Una exposición de contrapuntos que da con el gris la pauta de la estandarización de los elementos: sin importar el orden que nosotros demos a nuestros objetos, el scanner los va a mostrar de acuerdo a sus códigos, haciendo sobresalir a unos por sobre otros; y con el color, la imagen que surge a partir de la visión de esos objetos que nos hemos esmerado tanto en ordenar de acuerdo a nuestra lógica, pero que a través de la pantalla se muestran irreverentes respecto a nuestros deseos de catalogación. También un contraste entre lo que se deja ver, el paquete cerrado, sellado frente a nuestros ojos curiosos, y el contenido, que sólo se muestra en su estado original a quien estuvo desde un principio destinado a recibirlo. Para los demás resta la imaginación que surge a partir de la locura de esos objetos fuera del foco y orden establecidos.

Título: Scanner de Maletas. Fecha: Desde el 12 de abril al 4 de mayo. Lugar: Galería Artespacio Dirección: Alonso de Córdova 2600, Vitacura. “Cartera voladora”, Óleo y técnica mixta, 55 x 75 cm.

“Con un pie por delante y otro por detrás”, 2010, Intervención digital y óleo sobre tela, 72 x 140 cm.

RAMÓN MUÑOZ

así el mapa conceptual-emocional interior va construyéndose.

“Contradictio in terminis” u oximorón

La búsqueda del mapa, del territorio interno que quiere alcanzar la necesaria síntesis perceptual y conceptual es lo que interesa a un joven creador que blinda y brinda significaciones, usando obras consagradas del cine, la poesía y la plástica. Por Gina Benvenuto, periodista y licenciada en estética.

ediante un lenguaje plástico que es complejo y busca ser culto, (porque “vivir es conocer” en el decir del neurobiólogo Francisco Varela), Oscar Muñoz organiza y revela en sus trabajos -óleos intervenidos digitalmente-, el proceso de construcción interior (la de él mismo) una vez expuesto a situaciones emocionales y afectivas intensas, especialmente aquellas vivencias interiores desencadenadas en el encuentro sensible con obras de arte y escritos filosóficos. Sus obras cuentan entonces, esas organizaciones representacionales del emocionar…cómo la emoción reposa, descansa al encontrar un referente mental que la organiza. Algo se ha perdido, pero es entusiastamente buscado. El camino hacia los preceptos emocionales conceptualizados;

Este recorrido hasta el encuentro en la síntesis va siendo una superposición de significados que recuerda el esfuerzo que exige la figura literaria del oximorón, tan moderno él que el mismo Jorge Luis Borges se tomó el tiempo para explicarlo: “En la figura que se llama oximorón se aplica a una palabra un epíteto que parece contradecirla; así los gnósticos hablaron de luz oscura; los alquimistas de un sol negro”. Es el extrañamiento del hombre desalojado y vuelto a arrojar a las dulces y horrendas virtualidades del pánico total. “Los temblores de Aire” del pensador alemán Peter Sloterdijk y “Burbujas” son algunas de las muchas lecturas de este joven artista egresado de arte de la Universidad de Chile y que –subliminalmente- se asoman en sus obras que podrán ser disfrutadas, indagadas y admiradas entre el 19 de abril y el 16 de mayo próximos en la Sala Isabel Aninat del Parque Arauco. ¿Cuál es nuestra zona de seguridad? ¿Dónde estamos? ¿Quiénes somos, quiénes hemos sido y quiénes seremos? Una compleja incerteza que narra lo vivenciado en su estrecho vínculo con el arte y el paisaje cultural moderno. Algunas claves para adentrarse en su trabajo: En poesía: Oscar Hahn, “Ningún lugar está aquí o está ahí/Todo lugar es proyectado desde adentro”, en cine las películas “El Inconformista”, del italiano Bernardo Bertolucci, “Solaris” del ruso Andréi Tarkovsky y “Pauline en la playa” del francés Éric Rohmer; finalmente en plástica, la obra “El Gran Vidrio (Le grand verre)” del también francés Marcel Duchamp.

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ALFREDO JAAR EN LA UNIVERSIDAD FINIS TERRAE Seminario de Intervenciones Públicas

Universidad Finis Terrae

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Desde el 4 al 8 de abril, el reconocido artista Alfredo Jaar dictará un interesante taller teórico práctico sobre intervenciones públicas, en el marco del ciclo de charlas y conferencias de la UFT, denominadas “Cátedra Siglo XXI”, dirigido a alumnos de la Escuela de Arte de la Finis Terrae y se dictará una conferencia abierta para el público general el lunes 4 de abril.

ace ya algunos años las intervenciones en espacios públicos han tomado fuerza y se han convertido en una disciplina potente y cautivadora del arte contemporáneo, tanto por su capacidad de interacción como por la masividad de su alcance. Bajo esta premisa, la Universidad Finis Terrae ha organizado un conjunto de actividades con el destacado artista nacional Alfredo Jaar. “Intervenciones Públicas” se llevará a cabo durante la primera semana de abril, comenzando con una conferencia y posterior diálogo del artista con Marco Antonio de la Parra –abierto al público general-, y un taller teórico práctico dictado por Jaar a un grupo de alumnos de la carrera de Artes Visuales.

Víctor Pávez, coordinador del Seminario.

La idea de este seminario de intervenciones públicas es “ofrecer un panorama sobre el tema y entregar herramientas para que los participantes puedan desarrollar un proyecto público fuera del “cubo blanco” que representa la tradicional galería de arte. Al final del seminario cada participante -o grupo- creará un proyecto de intervención pública”, cuenta

Exposiciones del mes

La presencia de Alfredo Jaar en la Universidad Finis Terrae nos enorgullece por ser uno de los artistas chilenos con mayor presencia en el circuito internacional de arte, y ser un protagonista de las vanguardias artísticas actuales, convirtiendo este seminario en una importante instancia formativa para los alumnos La conferencia inaugural para el público general será este lunes 4 de abril a las 19:00 horas, en el Teatro UFT (Av. Pedro de Valdivia 1509).

de profesores y ex alumnos de la Universidad Finis Terrae

María Elvira Valenzuela, Andrea Silva, Francisca Mendoza y Jessica Torres “75 mujeres en la escultórica nacional” Museo Parque de las Esculturas Hasta el 15 de mayo

Diseñando eL diálogo Arquitectura alemana sostenible

El MAC de Quinta Normal hace su reapertura este mes con una muestra que reúne los trabajos del destacado estudio de arquitectos Gerkan, Marg und Partner, cuyos trabajos

Título: Diseñando el Diálogo Fecha: Desde el 8 de abril al 15 de mayo. Lugar: MAC Quinta Normal Dirección: Av. Matucana 464, Quinta Normal. Metro Quinta Normal.

Moses Mabhida Stadium, Durban, Sudáfrica.

on el patrocinio de la Embajada de Alemania, el MAC de Quinta Normal reabre sus puertas -tras ser declarado inhabitable por los graves daños sufridos durante el terremoto el año pasado- con la exposición “Diseñando el Diálogo: La arquitectura de von Gerkan, Marg und Partner. Esta muestra reúne parte de los trabajos más relevantes que el estudio ha realizado en el mundo, cuyo sello ha sido una línea arquitectónica razonable, sostenible e innovadora, que busca el diálogo con el sitio y renuncian a las corrientes principales de la arquitectura contemporánea. Sus edificios responden a condiciones específicas, tales como la ecología, la topografía, la economía, la sociedad y la política, para asegurar la sostenibilidad arquitectónica. La variedad y diversidad en el diseño de gmp abarca desde museos, teatros, estadios, edificios gubernamentales, aeropuertos, estaciones de trenes, ferias comerciales, edificios de oficinas, campos universitarios

hasta la planificación urbanística. Fundado en 1965, el estudio de arquitectura es uno de los pocos que se hace responsable del proyecto desde su idea inicial y realización hasta su diseño interior. Su visión se inspira en la obra de Vitrubio, basada en la solidez, durabilidad y belleza, y su filosofía se basa en la sencillez, variedad y unidad, individualidad y orden estructural. “Diseñando en diálogo” ofrece una visión global de la trayectoria internacional y de los variados proyectos de esta oficina. Con bocetos y dibujos se ilustran los pensamientos conceptuales, acompañados de imágenes de renombrados fotógrafos de arquitectura quienes documentan las obras realizadas, en tanto que las maquetas y modelos transmiten diseños en su forma tridimensional. La exposición está acompañada de un programa de conferencias y un taller para estudiantes en colaboración con las principales escuelas de arquitectura en Chile.

Artistas Al Límite

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NOTICIAS

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Víctor Mahana Clases

“Dibujo Figura Humana”, a partir de abril en la Corporación Cultural de Lo Barnechea 20% de descuento vecinos Lo Barnechea. Contacto: Javiera Marambio jmarambio@lobarnechea.cl 216 75 77

SITIO INTERACTIVO DE ARTISTAS NACIONALES E INTERNACIONALES COMPRA DE OBRAS CONTACTOS DIRECTOS CON ARTISTAS Y GALERISTAS

Angelí Martínez Talleres Todouncuento En Ñuñoa. Clases de grabado, acuarela experimental, cerámica, mosaico y Decoupage. Más información y valores en: http://angelitodouncuento. blogspot.com

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Danisa Glusevic

Marcela Cerda

Clases de pintura, dibujo y técnicas mixtas Profesora Licenciada en Artes Plásticas, Universidad de Chile Horario a convenir Contacto: 9-6120400

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Clases de Cerámica Inicio de clases en abril Cursos de 7 alumnos Martes y jueves de 9:30 a 13:30 hrs. Más información y contacto: marcerami56@gmail.com 9-5385389

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Paula Copetta Exposición colectiva Desde el 4 al 29 de abril, exposición de pinturas y acuarelas en el Instituto Alemán LBI Nustra Sra. del Rosario #1120, Vitacura, Santiago.

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Lorena Morandé

“Reencuentro: dos comienzos - un solo camino”, exposición colectiva Desde el 13 de abril al 4 de mayo Instituto Alemán “Wilhelm von Humbolt” Nuestra Señora del Rosario 1120, Las Condes, Santiago

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Marcela Krause

Constanza Ragal

Clases de pintura

Colectivo GANG BANG, exposición y lanzamiento sitio web Inauguración 15 de abril, 20:00 hrs.

Adultos y niños Más información: marcela@marcelakrause.cl Contacto: 9-92512065

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Eliana Simonetti “Diversidad Creativa”, exposición colectiva Hasta el 30 de abril Centro de Arte Moderno de Guadalajara, México

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María Elena Etchepare Exposición Colectiva, Ex Alumnos Colegio Alemán Sábado 9 de abril Desde las 12:00 a las 18:00 hrs.

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Galería Cu4tro, Monjitas 467, Santiago.

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Luz María Villarroel Taller de dibujo Método enfocado en el desarrollo del Hemisferio Derecho Inicio: Jueves 14 de abril de 10:30 a 13.00 horas Valor Curso: $180.000 – 4 cuotas. Información e inscripciones: 8423923 / 9-1399514 luzsol26@yahoo.com

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Pamela Galleguillos Clases de cerámica A partir de abril en nuevo Atelier en Plaza Lo Castillo Candelaria Goyenechea 3820, local 51 Matrícula gratis por inauguración Contacto: 9537353 / 8-2948897

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Nuevo Centro de Arte Contemporáneo AMPLIANDO LOS ALCANCES DEL ARTE

Nuevo Centro de arte contemporáneo

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Francisco de la Maza junto a Paula de Solminihac y Mario Navarro, conversaron con Arte Al Límite sobre el nuevo Centro de Arte Contemporáneo, el cual se inaugura a fin de mes y consolida a Las Condes como el nuevo núcleo de la actividad cultural capitalina. Por Leonie Schilling, periodista. Fotografía cortesía de Municipalidad de Las Condes

una visión conjunta con la Universidad Católica atribuye el alcalde Francisco de la Maza la creación del Centro de Arte Contemporáneo de Las Condes, que se inaugura el 14 de abril con una muestra de Alicia Villareal. El Centro, un espacio moderno ubicado en el Centro Cívico de la comuna, se suma a las distintas actividades que han aportado y entregado nuevas propuestas artísticas a los habitantes de Santiago. Alcalde, el rol del arte contemporáneo en la sociedad ha sido un aspecto clave de su gestión en la comuna. ¿Puede compartir con nosotros su interés por crear nuevos espacios culturales y de exhibición? El 2010 fue un año especialmente importante para la comuna en materia cultural. Se inauguró el Teatro Municipal de Las Condes; la Sala de Exposiciones, que ahora será el Centro de Arte Contemporáneo; el Paseo de Las Esculturas y el Museo de la Chilenidad. Este año, asimismo, seremos custodios de parte sustancial de la colección Mac Kellar, estableciéndose una pinacoteca en la Corporación Cultural, cosa inédita para un instituto. Hoy, Las Condes apuesta y se consolida como capital de la cultura, que busca constituir patrimonio y dar un lugar de privilegio a la expresión, en su sentido más integral. El arte entrega un valor agregado al espacio urbano y se vincula amablemente dando nuevas posibilidades al entorno. La ciudad crece y se desarrolla de mejor manera cuando en ella existe esa comunicación y posibilidad de maravillarse que entrega el arte. Se manifiesta esa conversación, un descanso, reflexión y una oportunidad. ¿Qué expectativas tiene para este espacio, tanto a nivel de comuna como a nivel nacional? Esperamos que sea una oportunidad para destacados y, a la vez, jóvenes artistas. Se ha realizado una importante inversión para habilitar la sala como las de Europa y Estados Unidos, con una identidad clara y netamente contemporánea. El espacio crecerá por quienes expongan y por quienes visiten el centro, y en ese sentido, aspiramos a siempre proponer una idea interesante. Apostando por la formación de audiencias Por su parte, Paula de Solminihac y Mario Navarro, docentes de la Universidad Católica y coordinadores del CeAC, han enfocado sus esfuerzos en proyectar el Centro como el espacio dedicado al arte contemporáneo y a la educación de éste a un público general. Como coordinadores de este espacio cultural, ¿qué viene a aportar éste a nuestra sociedad? Permite mostrar el trabajo de investigación tanto en producción como en educación en arte contemporáneo que se realiza al interior de la Escuela de Arte de la UC. Es además el primer lugar que se instala exclusivamente para mostrar arte contemporáneo junto con un completo programa educativo en torno a éste. Así mismo, nos interesa que este nuevo espacio esté disponible para miradas curatoriales diferentes. Este año partiremos con proyectos elaborados principalmente por docentes de la UC y hemos invitado a Paulina Varas, directora de CRAC Valparaíso a curar una muestra sobre arte y política. Pretendemos ir nutriendo el calendario 2012 con invitaciones a curadores nacionales y principalmente latinoamericanos. La formación de un público ávido de buen arte es fundamental. ¿Cómo esperan cultivar este aspecto en la comunidad?

El trabajo de audiencias y de formación de público es uno de los principales impulsos de este proyecto. Es necesaria la formación de “un buen público” para la experiencia del arte contemporáneo, que es de algún modo la proyección de nuestro quehacer como docentes. Para ello hemos propuesto un programa de trabajo entre el curador, los artistas y un equipo de especialistas, quienes en conjunto diseñarán estrategias específicas y nuevas metodologías de formación de públicos. Para ello trabajaremos además con alumnos, quienes realizarán dinámicas en torno a la exposición para el acercamiento y la posterior reflexión de los temas que plantea cada muestra. ¿Qué expectativas tiene en cuanto a la curatoría del espacio y los proyectos a mediano y largo plazo? Nuestro objetivo principal a corto plazo es romper con el ostracismo institucional ligado a las universidades. Por mucho tiempo ha habido una competencia poco productiva entre las universidades que imparten la carrera de Artes Visuales y que han estereotipado la producción de cada casa de estudios. Queremos mostrar una mirada mixta; una amalgama de proposiciones que ponga a la calidad de los proyectos por sobre un tipo de mirada específica. En este sentido, tanto la UC como la Municipalidad han estado totalmente abiertas a promover un intercambio cultural basado en la tolerancia y en la heterogeneidad. A mediano y largo plazo, nuestro deseo es generar una plataforma de trabajo, tanto en la producción de proyectos, como en la creación conceptual de ellos, donde se desarrollen métodos novedosos para potenciar la educación en arte, para incidir positivamente en la reformulación de políticas públicas sobre este tema y en especial para modificar la pasividad del público frente a las obras de arte contemporáneo. Queremos espectadores más activos, opinantes y críticos. Queremos más reflexión pues vemos que es ahí donde la producción artística, en especial la de las nuevas generaciones, debe repensar su rol en la sociedad y reconocerse como un actor más dentro del desarrollo cultural del país. Finalmente, ¿por qué se seleccionó el trabajo de Alicia Villarreal como la muestra que dará el puntapié inicial a este proyecto? El proyecto de Alicia Villarreal, “Ejercicios de Conexión” sigue el camino trazado por su obra anterior “La Enseñanza de la Geografía” (Galería Metropolitana, 2010). En Las Condes se trabajará con alumnos de IIº medio del Liceo Rafael Sotomayor. Ellos realizarán actividades en la sala de clases y el Centro de Arte Contemporáneo a propósito de la observación de diferentes hitos arquitectónicos de la comuna. Junto a esto realizarán una visita a la colección del Museo de la Solidaridad, para comprender cómo se articula una colección y de qué forma se puede entender un archivo en relación a lo que observarán en su recorrido por la ciudad. El resultado de esta observación será exhibido en el CeAC a través de maquetas, videos, testimonios y gráficos desarrollados en colaboración entre la artista y los estudiantes. Quisimos partir con Alicia porque pensamos que es ella quien con más certeza y rigor ha llevado el trabajo contemporáneo en arte a una reflexión ampliada sobre la historia de la educación en Chile y en forma especial ha desarrollado con sus obras potenciales modelos pedagógicos que creemos pertinentes de ser observados tanto por públicos especializados como por estudiantes y espectadores neófitos que podrían encontrar en estas prácticas un sentido más cercano a la manera actual en que se comprende la educación y el arte.

Crítica

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CRI TI CA

POR ENNIO BUCCI Licenciado en teoría e Historia del Arte y Estética. Miembro de la AICA. Imagen del Cristo de Mayo cortesía de © Templo San Agustín

Iglesias de Santiago Patrimonio Artístico y cultural Si observamos la historia de nuestro arte colonial dentro del parámetro de la realidad del llamado Reino de Chile; notamos que en la época de la colonia las fiestas de Semana Santa tenían profunda importancia dentro del quehacer social. Por esta razón queremos destacar

cuatro templos que están en el centro de Santiago y que merecen ser visitados. Estos son: la Catedral de Santiago, la iglesia y convento de San Francisco, la iglesia de San Agustín y la Iglesia de la Merced. Estos templos poseen un valioso patrimonio artístico que merece ser conocido. La Catedral de Santiago posee una fachada de estilo neoclásico que fue proyectada por el arquitecto italiano Joaquín Toesca. Está compuesta por tres arcos de medio punto; el central de mayor tamaño que los dos laterales, coronados por columnas dóricas adosadas al muro. Esto le otorga un sentido de equilibrio y armonía a la fachada, la cual se puede apreciar al dar un paseo por la Plaza de Armas. A su vez, el arquitecto Ignacio Cremonesi proyectó la fachada poniente de la Catedral, donde podemos apreciar la elevación de la cúpula y la fachada de la Sacristía de los Canónigos. Este mismo arquitecto trabajó en la capilla del santísimo; conjunto arquitectónico ornamental y de oración donde se pueden apreciar los objetos de plata repujada realizados por los jesuitas en el siglo XVIII. Por ejemplo, el altar mayor repujado en plata de estilo barroco bávaro del mismo siglo. La iglesia de San Francisco y el convento poseen un rico patrimonio de arte colonial. Tiene sus antecedentes en la Ermita del Perpetuo Socorro, construida en 1543 después de la destrucción de Santiago en el mismo terreno donde se construyera

Imagen del Cristo de Mayo en el Templo de San Agustín

la actual iglesia, cuya primera piedra se colocó en 1572. Tras los muros de San Francisco se guardan importantes obras de gran valor artístico; como es la presencia en el altar mayor de la talla de la Virgen del Perpetuo Socorro que el gobernador Pedro de Valdivia traía en el arzón de su montura. El artesonado de estilo mudéjar en el techo de la iglesia es de gran belleza artística, al igual que la puerta de la sacristía; un trabajo finísimo en madera que da a los jardines del convento. El tesoro más importante para el arte virreinal en el Reino de Chile está en este museo, que guarda la serie de 54 cuadros -pertenecientes a la Escuela Cuzqueña- que narran la vida de San Francisco, destacándose obras como “San Francisco dándole pan a los pobres”. En ella se aprecia el estilo barroco en la ornamentación de la mesa donde está el Santo. La iglesia de San Agustín, de estilo neoclásico, conserva la imagen del “Señor de mayo”, que es una talla completa que perteneciera a la Quintrala y fuera esculpida por fray Pedro de Figueroa. Finalmente la iglesia de la Merced, construida en 1566, posee un hermoso pulpito de estilo barroco esculpido por Jorge Lanz. Para este mes de reflexión, los invitamos a apreciar nuestras iglesias; espacios de oración y meditación, y a su vez, lugares donde nos podemos encontrar con hermosas obras de la historia de nuestro arte virreinal.

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Ferias Internacionales

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Ferias Internacionales Zona MACO, CIGE y Art Brussels

Este mes, Arte Al Límite reafirma su presencia global participando en tres importantes ferias en México, China y Bélgica. Tres epicentros donde se reúnen la gran mayoría de las galerías más destacadas y que este año prometen ser inolvidables. ntre el 6 y el 10 de este mes se llevará a cabo Zona MACO en México, que este año celebra su décima edición con más de 110 galerías, que en su mayoría son europeas y de Estados Unidos. Este año tendrá la primicia de contar con el estreno de la galería Kaikai Kiki New York, con la curatoría del destacado Takashi Murakami. Además, la feria contará con un espacio dedicado exclusivamente a propuestas nacionales e internacionales de galerías dedicadas al diseño industrial. Chile estará presente con Galería Florencia Loewenthal y con nuestra publicación, que ya es una presencia constante en esta importante feria centroamericana, que este año espera superar los 30 mil visitantes. Muy lejos de ahí, en Beijing, se llevará a cabo la China International Gallery Exhibition 2011 –CIGE- entre el 21 y el 24 del presente mes. Esta feria de arte contemporáneo, que va en su octava edición, se ha consolidado como una plataforma de intercambio crítica para la internacionalización del arte contemporáneo oriental, con más de 60 galerías de Nueva York, Roma, París, Hong

Kong, Shangai, Beijing, Singapur y Seúl. Por último, el mes termina con Art Brussles, la feria europea de mayor convocatoria internacional. En su edición número 29, esta destacada feria –que se realizará entre el 28 de abril y el 1 de mayo- apunta a presentar la mejor calidad del arte contemporáneo actual, con 170 galerías nominadas por su calidad excepcional. Entre ellas destaca la nacional Gonzalez y Gonzalez, quienes estarán en la sección de talentos jóvenes de la feria. Como plataforma de las discusiones que mueven el arte actual, los debates presentes en esta edición de la feria se centrarán en las interdependencias actuales y relaciones de poder entre los artistas, galeristas, críticos de arte y escritores. Además habrá una mesa redonda dedicada a la actual hibridación y colaboración entre arte y arquitectura. Por segundo año consecutivo Arte Al Límite estará participando de esta importante feria, con la presencia de nuestra revista en los salones VIP del evento.

1. Enrique Marty: “20 fanatics”, 2010, Técnica mixta, medidas variables. Cortesía DEWEER Gallery, Kunsthalle Manneheim 2. Domestic Viability: “Domestic Viability”, 2010, Acrílico sobre lino, 200 x 150 cm. Cortesía Manuel Caeiro 3. Yuan Yuan: “Untitled”, 2009, Óleo sobre tela, 195 x 185 cm. Cortesía © Yuan Yuan y JGM. Galerie 4. Olaf Holzapfel: “Heubild nat”, 2010, Heno y marco de madera, 80 x 80 x 10 cm. 5. Polyanskiy: “Pumpkin”, 2010, Acrílico sobre tela, 200 x 200 cm. Cortesía Aidan Gallery 6. Image 5: “Entre la vida y la muerte”, 2008, C-Print, 127 x 169 cm. Cortesía Galerie Laurent Godin

Francisco Peró

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FRANCISCO PERÓ DiÁlogo interior entre niña y mujer

A propósito de la inauguración de su exposición “Del oro al vuelo”, en Galería Isabel Aninat y en medio de la febril tarea del montaje, Arte al Límite conversó con el artista sobre esta muestra y su obra. éste es el resultado. Por Virginia Rioseco, periodista.

Desde dónde nace la exploración que revela tu pintura, cuál es el proceso que ha seguido tu trabajo? Mi trabajo revela un contrapunto entre imágenes de mujeres híbridas mitad adolescentes y mitad adultas, algunas de éstas mezcladas con muñecas y otros objetos que se relacionan con la infancia y situaciones oníricas. Así, mi trabajo se centra en la histeria, en cómo eso afecta a la mujer y qué aspectos de la infancia podrían verse presentes en su adultez. Es diferente a mi trabajo anterior que se basaba en la representación de este estereotipo femenino. Ahora estoy focalizado en ver dónde y por qué se origina ese tipo de mujer y de alguna manera me he topado con que la adultez no se diferencia mucho de la niñez o la adolescencia. ¿A partir de lo dicho, cómo definirías la imagen de mujer que protagoniza tu trabajo? Es una mujer adulta que no ha dejado de ser niña. Sus atributos están en la seguridad, la inteligencia, el éxito y la belleza, pero todo enfocado a partir del juego. Por otro lado mi obra da cuenta de la creación de mujeres perfectas pero intervenidas de tal modo que en el resultado se ven un tanto extrañas, esto por sutiles deformaciones respecto a modelos verosímiles de representación. ¿Qué relación estableces entre el concepto de maquillaje y tu obra? El maquillaje de la mujer es pintura y superficie, al igual que la pintura en los cuadros. El maquillaje, según lo entiendo, es un medio utilizado por la mujer desde hace mucho tiempo para, de alguna manera, verse más bonita, perfecta. Creo que mi pintura revela precisamente eso.

Cuál vendría siendo el maquillaje que utilizamos para cumplir nuestros objetivos y aspiraciones. En ese punto no centro la idea en la mujer, sino más bien a ambos sexos. A propósito de su visualidad: hay en mi trabajo una evidente influencia de la animación japonesa, por el modo en que representan un imaginario entre lo ficticio, lo real y lo pop en la mujer. En cuanto al concepto de belleza que se ironiza (es una de las lecturas posibles) y que se devuelve “deformado” sutilmente en una particular visión de la moda y las tendencias, ¿cómo lo manejas en relación a los media y al uso del inefable photoshop en las revistas de maniquíes? Yo no pretendo ironizar el concepto de belleza. Lo que hago es mostrar una característica presente en un grupo de mujeres. No todas las mujeres están desesperadas buscando la perfección, sin embargo, sí creo que es una de las características más llamativas de la mujer contemporánea. En cuanto a las “deformaciones”, las aplico en mi pintura para personalizar a las mujeres que represento, una suerte de creación de alguien nuevo, más que copiar una persona. Al final, es una visión personal del tema, por lo que me gusta que sea propio desde el dibujo inicial hasta la expresión exagerada que se da en las últimas pinceladas. Así es la única manera de crear personajes ambiguos y trabajos que no tienen una lectura inmediata o mucho menos obvia. Esto es porque no represento personas, sino más bien ideas o su perfil. Yo pinto de una manera bastante similar al trabajo de retoque en el computador, pero con pintura. Hago un dibujo inicial,

luego unas primeras capas de pintura y luego voy tomando decisiones acerca de cómo me gustaría agrandar algo, mover o cambiar la postura, incluso si hay algo en la imagen que no me gusta, tomo algo de otra imagen y lo pinto en mi pintura, algo así como un “copy - paste”. La pintura es más bien limpia y ordenada, observándose -más que nada- planos de color. Todas las pinturas tienen un barniz que permite que se vean aun más planas, acercándolas a una apariencia similar al plástico, dando cuenta del carácter superficial tanto de la pintura como de lo que transmite la imagen. ¿Cuáles son tus expectativas con respecto a esta muestra? En “Del oro al vuelo”, primero quiero meter mucho ruido. Además quiero ver de qué manera se identifican las personas con mi trabajo y hasta qué punto se pueden generar conflictos de alcance o agrado con la misma. ¿Qué viene a futuro, en tu carrera, ya sea en lo más próximo como en lo lejano? A esta pregunta prefiero no referirme por el momento, ya que los futuros proyectos en que estoy trabajando están todavía en etapa de resolución y mientras no sean concretos, preferiría no hablar de ellos. Lo único que podría agregar, es que quiero hacer una campaña fuerte afuera.

Título: “Del oro al vuelo” Fecha: 16 de abril a principios de mayo. Lugar: Galería Isabel Aninat Dirección: Espoz 3100, Vitacura.

“No hay más historias de muñecas y princesas”, 2011, Óleo sobre tela, 160 x 120 cm.

Amor x Chile: 30 años de fotografía

Recomendamos / Artistas

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RECOMENDAMOS Nuevos libros de artes visuales

Inscrito en la historia de la fotografía contemporánea chilena, la obra de Julia Toro se condensa en “Amor x Chile”, publicación que postula un diálogo crítico entre la visualidad expuesta en las fotografías de la artista y los textos que acompañan, interpretan y se entrelazan con su trabajo. Editado por Mateo Goycolea, el libro nos presenta además textos de escritores y académicos nacionales. Precio de referencia: $15.000 Librerías: Principales librerías del país.

La temporada de otoño nos trae varias novedades a nivel editoral, destacando las publicaciones nacionales especializadas en artes visuales. En esta ocasión, les presentamos cuatro propuestas que destacan por su aporte y contenido visual .

Hiperpolis El viernes 8 de abril se lanza “Hiperpolis” de Juan Borchers en Galería Die Ecke. “Hiperpolis es la expresión máxima del formalismo. Es la abstracción de la vida y la pérdida de la vida abstracta. La arquitectura es abstracta, pero no una abstracción. Borchers advierte del peligro. La Hiperpolis está afuera y se introduce dentro de nosotros si nos dejamos invadir. Desvanece lo real, desmaterializa los muros, corrompe los significados”. Precio de referencia: $10.000 Librerías: Metales pesados

CámaraObscura: Destellos en suspensión Autoedición de lujo que reúne lúdicamente imágenes rescatadas del olvido, tomadas en su mayoría por anónimos fotógrafos minuteros, los que registraron con sus cajones mágicos breves latidos que burlaron al tiempo y que con fondos pintados inmortalizaron un sueño que sigue posando en silencio. El autor, Julio Núñez nos presenta este libro-homenaje a los fotógrafos ambulantes, valorizando esta parte importante de nuestra identidad. Precio de referencia: $23.800 Librerías: MNBA, Museo de la Memoria, MAVI, Centro Cultural Palacio de la Moneda, GAM, Estrofas del Sur y Metales Pesados.

La pintura hoy Tony Godfrey realiza un estudio exhaustivo y ameno de la pintura de los últimos treinta años, presentando la obra de figuras consagradas como Gerhard Richter y Neo Rauch junto con la de jóvenes valores como Jumaldi Alfi e Ingrid Calame. El fotorrealismo, el paisaje, el retrato, el neoexpresionismo, las instalaciones de pintura o la escuela de Leipzig son sólo algunos de los temas que el autor explora. Precio de referencia: $59.900 Librerías: Principales librerías del país.

Artistas

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MARÍA SOLEDAD CHADWICK Naturaleza y tiempo

Abril es un mes agitado para esta artista, quien estará presentando esculturas en SOFA Nueva York y en la muestra colectiva “75 mujeres en la escultórica nacional” en el Parque de las Esculturas. Por Camila Urrutia, licenciada en artes y humanidades.

uego de cursar a fines de los 90 el Magíster en Artes Visuales de la Universidad de Chile, María Soledad Chadwick ya no pudo volver al uso del lenguaje de la pintura que venía desarrollando desde los inicios de su carrera como artista. Experimentando con instalaciones y luego con la escultura, su trabajo realizó un tránsito hacia estos medios, que son los que ha utilizado para el desarrollo de su obra más reciente. Fue una “nueva mirada a la posmodernidad” la que la llevó a realizar este cambio y a alejarse del lenguaje “más tradicional” de la pintura. A pesar de los diferentes medios que utiliza, hay una constante en la obra de esta artista; la naturaleza y el paso del tiempo. Respecto a este tema, Chadwick rescata la influencia que tuvo en ella haber vivido desde niña en un entorno rodeado de naturaleza y soledad. “Eso hizo que el mundo de mi niñez girara alrededor de la observación de fenómenos naturales; la percepción de instantes efímeros que aparecen y mueren; los ciclos de la naturaleza y la reflexión sobre el paso del tiempo”. Estas influencias permean las creaciones de María Soledad, en las que podemos reconocer -más allá de las abstracciones- formas que se remontan a la naturaleza. Es el caso de los relieves escultóricos que la artista estará presentando en SOFA Nueva York, piezas abstractas que remiten a paisajes marinos; obras hechas en resina y luego montadas en acrílicos transparentes, lo que para la artista “les confiere una cierta liviandad”. El juego que la artista tiene con los materiales que selecciona para trabajar, y la soltura que muestra en su acercamiento a ellos, tiene relación con otro aspecto de su biografía; antes comenzar sus estudios artísticos, Chadwick estudió Ingeniería civil, carrera que a su juicio “más que nutrir mi labor como artista, me ha dado herramientas de trabajo como el rigor y la disciplina. Me impulsa también a trabajar en un formato grande, con materiales industriales, sin temor, que quizás sin esa formación los vería como algo inalcanzable”. Estamos quizás en deuda con esta formación en lo que respecta a las múltiples esculturas de gran formato que la artista tiene instaladas en espacios públicos, labor con la que Chadwick siente que aporta a generar un diálogo distinto entre el espacio definido como entorno y aquellos que circulan a su alrededor. Esto, ya que la artista considera que las obras instaladas en espacios públicos hacen más cercano el arte: “hay muchas personas que no acceden a los espacios delimitados para el arte como museos y galerías y esto les permite participar, en cierta forma, de algunas manifestaciones artísticas”. Feliz de aportar al diálogo con sus creaciones, la artista se prepara ahora para realizar una instalación en referencia a un tema de la contingencia internacional. Esperamos atentos esta próxima intervención. “Copo”, 2010, Mármol, Esfera de 42 cm de diámetro.

VERÓNICA BYERS Lúdica esencia femenina.

un grato homenaje a la naturaleza del género femenino; un llamado a conectarnos con el ser, y a dejar de lado el deber ser. Por Bernardita Garib, artista y escritora.

a obra de Verónica “Coco” Byers absorbe. Resulta difícil dejar de mirar los misteriosos lienzos, llenos de manchas hechas accidentalmente que nos invitan a entrar en un mundo de realismo lúdico, con trazos sueltos que nos muestran personajes llenos de historias por descubrir. Parece todo hecho al azar, pero no lo es. La diversidad de técnicas empleadas en las que conviven medios como el acrílico, óleo y carboncillo, refleja el interesante recorrido de Verónica por diversos talleres de connotados artistas como Cienfuegos y Dittborn, entre otros. “El arrojo a la tela, es casi como una acción religiosa de expresión”, nos cuenta, acción a través de la cual

el realismo aflora inexorablemente y la tela no se agota de brindarnos información de interesantes personajes que salen a nuestro paso. La figura humana es protagonista, pero no cualquier figura humana. La gordura es una característica importante en las mujeres que representan sus obras. Voluptuosas, insinuantes, de miradas lascivas y sensuales, nos invitan a liberarnos de los obsesivos cánones de belleza que hoy predominan en la sociedad y en el inconsciente colectivo, y a rescatar la esencia de la mujer. Cada contorno dibujado resulta ser un acto solemne de catarsis personal, que refleja el anhelado deseo de la artista por regresar al concepto real y auténtico de femineidad perdido a lo largo de la historia.

“Dormida en el dolor”, Óleo sobre tela, 130 x 180 cm.

DAFNE GROSSMAN Arte y religión

En arte, un objeto cualquiera puede estar cargado de espiritualidad. Con mayor razón un objeto de uso religioso si el artista busca ser serio en estas cuestiones. Por Gina Benvenuto, periodista y licenciada en estética.

n general, toda figura humana realizada por Dafne Gruossman logra transmitir expresividad y un correcto acabado; sin embargo, trabajando con objetos -sean estos prosaicos o religiosos- es como esta pintora, arquitecto de profesión, logra adentrarse en los misterios del arte y hacer así de una escalera, una vasija con espigas o un trapo colgando de una ventana en una pequeña chocita de campo, algo más que eso que efectivamente son. Es como si de lo profano extrajera algo que nos recuerda a lo sagrado. Definir el arte es una pérdida de tiempo. Pero es bueno tener en cuenta que cuando una idea, o un sentimiento “universal” se encarna en forma de color, línea, volumen -y si

esa forma es además notoria y evidentemente subjetiva, propia- se puede implicar que estamos cerca de sus dominios, rondando el territorio del arte. Hoy actualiza y revitaliza su pintura dotándola de personales reverberaciones místicas, al retratar objetos de los rituales judíos, como el jala jalot (pan trenzado) o la copa de kidush (de vino) utilizados en las festividades del shabat, un día religioso consagrado a la espiritualidad, la familia y el descanso. Dafne es judía practicante y estudia regularmente La Tora, situación que la provee de la calma necesaria para vivir feliz y de buena manera todos los múltiples roles que ella misma diferencia: “los asumidos y los asignados”.

“Te añoro tanto”, 2004, Óleo sobre tela, 100 x 100 cm.

Artistas

periódico al límite

Los grabados que componen la obra de esta artista osornina son una invitación a jugar con nuestro lado infantil, a conectarnos con aquello que está sólo en nuestro mundo interior.

MÓNICA PAZ Mítico escenario para la imaginación

Por Bernardita Garib, escritora y artista.

n clásico paisaje chilote en manos de esta artista puede transformarse en un mundo de misterio e imaginación. Sus coloridos y cálidos grabados, en los que entremezcla hábilmente diversas técnicas como Hayter, colografía, aguatinta y aguafuerte, reflejan un mundo interior que deambula entre lo real y lo imaginario. Casas flotantes y seres ficticios que vuelan, forman parte de la realidad paralela que habita en el inconsciente de Mónica. Es desde ahí, desde los sueños, de donde parte su trabajo. El escenario: la mitología chilota. Las legendarias y fabulosas historias que giran entorno a esta ciudad austral es la

que gatilla esta suerte de “realismo mágico” que la conecta con un lado infantil y le permite fantasear con imágenes distorsionadas de la realidad, generando así escenarios altamente expresivos y lúdicos. Es así como su trabajo nos lleva a mirar la realidad desde un punto de vista personal y único conectándonos con nuestros sueños y fantasías. Actualmente, Paz trabaja para la muestra “Little Treasures Exhibition” que se realizará en la ciudad de Bologna, Italia. En ella participará con cuatro obras de pequeño formato inspiradas en el título de la renombrada película “En nombre de la Rosa” de Umberto Ecco.

DAPHNE LYON La mujer, la naturaleza y el árbol

En sintonía y sincronía con la ninfa Daphne, la artista establece relaciones de forma y significado entre el cuerpo de la mujer, el cuerpo del árbol y la naturaleza. Por Gina Benvenuto, periodista y licenciada en estética.

“En el nombre de la rosa”, 2011, Óleo sobre tela, 20 x 20 cm.

En la naturaleza nadie te disfraza al muerto: una ardilla muerta es una ardilla muerta”, afirma Daphne Lyon, joven pintora y escultora cuyo nombre es el mismo de la ninfa Daphne, asociado en la mitología griega al mundo natural. Daphne se transformó en un laurel para evadirse de las insistentes persecuciones amorosas del dios Apolo, todo esto en el momento justo en que éste iba a darle alcance a las orillas de un río. La artista se recrea y crea desde esta metamorfosis de una mujer que se transforma en árbol y tierra. Una coincidencia significativa y/o sincronía. La autopercepción de su nombre asociado, fundido con la tierra, se hace creación estética a través de obras que varían desde un canto laudatorio, una protesta seca o un chillido portentoso. Daphne está preparando su próxima exposición, la que presentará a mediados de este año en el Centro Cívico de la Municipalidad de Las Condes. Se trata de una instalación de tres por dos metros, mediante la cual la artista busca el cruce de energías entre objetos naturales -trozos de ramas de árboles- e industriales -hilos de cobre. Los trozos de vegetación son trabajados con una particular estética -las embarrila con lanas de fuertes colores, las cubre de plumas- y luego los cuelga de bastidores de madera al estilo de los atrapa sueños que hacían los Ojibwa, el pueblo nativo estadounidense. Su último trabajo entonces, es una estridente, chillona y dulce incordia; un dínamo de energía emocional que busca espantar la pesadilla de la muerte y atrapar el sueño de la vida. “Bosque”, 2011, Técnica mixta, render de la instalación, 300 x 200 x 200 cm.

MARIANA NEUWEILER Cadenciosa consonancia

En noviembre próximo se inaugura en el Instituto Cultural de Las Condes una muestra de esculturas de mujeres que aparecen -por sus envolventes formas- como un suplicante soplo que busca el entendimiento de lo real femenino. Por Gina Benvenuto, periodista y licenciada en estética.

ariana Neuweiler es alemana, bisnieta de un artista escultor que durante el siglo recién pasado prestó sus servicios profesionales al último Kaiser de Alemania y es madre de cuatro hijos, todos ellos varones. Las anteriores pueden ser algunas de las posibles razones en las que se funda el medio que eligió Mariana Neuweiler para expresarse -la escultura- y el tema de su trabajo, la mujer. En el taller de Consuelo de La Maza, Mariana prepara los trabajos para su próxima exposición -en noviembre próximo- en las salas del Instituto Cultural de Las Condes. En sus obras de pequeño y gran formato, se percibe una nostalgia suplicante y delicada por el entendimiento de aquello que llamamos femenino. Sus mujeres son mujeres abstractas y abstraídas en sus movimientos

y torsiones, que se muestran o repliegan; llamando o llamándose a un estado de introspección. En su trabajo sutilmente potente, las mujeres de gres están definidas por el juego desplegado entre las líneas rectas y puras y la redondez sensual. La artista crea volúmenes y espacios que sintetizan el cuerpo femenino. Mujeres abstractas que se buscan en lo esencial femenino. ¿Pero qué es aquello? ¿La curva? ¿El arqueo? Lo que no es explicable en palabras puede serlo en la plástica, y las obras de esta creadora nos aproximan a esa sensación de anhelante plenitud de una mujer que siendo “curva” y que conoce la ductilidad del arqueo, trabaja y se trabaja a sí misma en la búsqueda de lo propio, para regalarse así de mejor forma a lo ajeno, lo próximo distinto; la familia. Una cadenciosa consonancia. “Equilibrio”, 2010, Gres y meta, 70 x 100 cm.