Periódico Arte Al Límite Nº 86 Octubre 2012

Nº 86 OCTUBRE 2012

SANTIAGO DE CHILE

distribución gratuita

Chile ilustrado Irreverentes, divertidos, ácidos e inspirados. Así son los nuevos ilustradores chilenos, una generación de artistas que no dejan títere con cabeza, cuento sin dibujo, realidad sin ironía ni papel en blanco.

donaciones de obras

barriovisión valparaíso

¿Dónde van a parar las obras de arte que los artistas donan al Estado chileno? ¿Y las obras que ganan el Fondart?

Poesía, mar, arquitectura, cerros, libros, canciones...y sobre todo, la idiosincrasia de una ciudad-emblema.

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EQUIPO

Ana María Matthei directora • Ricardo Duch director • Cristóbal Duch asesor comercial • Catalina Papic directora de arte Camila Duch proyectos culturales • Juan José Santos editor general • Antonella Galarce periodista Nathaly Pizarro diseñadora en comunicación visual • Paulina Loyola diseñadora en comunicación visual • Francisca Allendes marketing y ventas Ernesto Muñoz crítico y asesor de contenidos • Ennio Bucci crítico • Enrique Solanich crítico • Pedro Labowitz crítico Ignacio del Solar asesor • Jorge Azócar asesor • Julio Sapollnik asesor • Lorena Venegas periodista • Denise Madrid periodista • Bernardita Garib escritora y artista • Carla Vásquez licenciada en estética • Alejandra Torres periodista Valentina Acuña periodista • Lucía Rey historiadora del arte • Javiera Calderón periodista

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EDITORIAL

CHACO BUSCA SU IDENTIDAD

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l evento de arte más importante de Chile ha finalizado dejando un sabor agridulce. Por un lado, los galeristas y artistas nacionales han logrado mantener un nivel de ventas considerable. El montaje planteado por la organización ha mejorado con respecto a años anteriores; ha sido sencillo y práctico. Hay que valorar también positivamente el ciclo de charlas, que contó con voces de prestigio y animadas conferencias con nombres como Pablo León de la Barra, Gerardo Mosquera, Christian Viveros-Fauné o Massimiliano Gioni, el invitado de honor. Las expectativas de encontrar alguna producción artística interesante y sorprendente obtuvieron amparo ante las dos propuestas más alejadas del concepto “feria”; la obra conjunta de Raúl Zurita y Fernando Prats y la provocativa e inteligente acción de Sebastián Errázuriz.

Sin embargo hay aspectos en los que se podría haber mejorado, como la actual ubicación en

la fría Estación Mapocho o la tímida apuesta de las galerías participantes, que no han arriesgado en sus nombres y han relegado a un llamativo segundo plano la escultura y la instalación. Son aspectos a valorar pero secundarios, máxime si tenemos en cuenta que en nuestro país el apoyo público y privado al arte contemporáneo es deficiente. Por ello aplaudimos y apoyamos el trabajo realizado en la Feria, que evoluciona y se transforma en búsqueda de una identidad.

La propuesta paralela a la feria “oficial”, Off Chacoff, efectivamente quedó bastante “of”, apagada, poco visible, atomizada en diversas propuestas de perfil bajo diseminadas por toda la ciudad. Por el interés de todos, instituciones, publicaciones, artistas y público, necesitamos una feria que nos inserte en el mapa internacional, para lograr un mayor reconocimiento de la actividad local y para poder apreciar y reconocer la práctica exterior.

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SUMARIO 06. Chile Ilustrado I 12. Odeón internacional I 14. ArtBO internacional I 16.Reportaje Donaciones de obras 22. críticas I 26. Macarena Cienfuegos I 27. Paula Zegers I 28. Agenda Santiago I 30. Agenda Regiones 32. Agenda web I 34. perfilarte I 40. Barriovisión I 43. Nieves Mac- Auliffe 44. Cecilia Campos I 46. ArTV I 47. En el taller

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40. Barriovisión valparaíso 28

Una lectura poética de un lugar poético.

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6. chile ilustrado Una selección de algunos de los mejores ilustradores del momento que certifican el auge de este arte.

REPRESENTANTE LEGAL Orlando Calderón F. • VENTAS info@arteallimite.com, ventas@arteallimite.com SUSCRIPCIÓN marketing@arteallimite.com • FONO - FAX 955 32 61 • WEB www.arteallimite.com FACEBOOK facebook.com/arteallimite • TWITTER @Arte_Al_Limite PORTADA Edición 86: Francisco Olea, “Summertime”, 2010, ilustración digital.

IMPRENTA R.R. Donnelley, Santiago, Chile.

Las opiniones vertidas en este medio son de exclusiva responsabilidad de quienes las emite.

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REPORTAJE chile ilustrado

chile ilustrado Durante los últimos años, se ha venido produciendo un auge en la ilustración local: una nueva generación de artistas gráficos, dibujantes y humoristas se han tomado las páginas de medios de prensa y las paredes de museos y galerías. Paralelamente, se consolidan espacios de exhibición como Gatopez y Plop!, además de librerías especializadas como Prosa y Política y Color Animal. En esta edición, les presentamos el trabajo de seis destacados ilustradores, que desde distintos ángulos entregan visiones novedosas sobre la cotidianidad y la idiosincrasia nacional.

Por Antonella Galarce, periodista.

Malaimagen

• “Confusión”, 2012, lápiz tinta gel sobre papel.

Estética punk y humor negro Fotografía cortesía del artista

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on dos libros editados – “La cuenta por favor” (2009) y “Abajo las manos” (2010)-, el artista maneja con destreza un humor de actualidad en clave punk, condimentado con algo de mordacidad y absurdo. Advierte que no es ilustrador, que más bien se considera dibujante; “lo que hago no es nada que no hayan hecho cientos de dibujantes antes que yo”, señala.

Su infancia estuvo marcada por publicaciones como Condorito y Barrabases. “aquel fue el primer humor gráfico que conocí -aunque en esos momentos no se llamaba ‘humor gráfico’-. Luego llegué a libros de Mafalda, a Asterix”.

Para el autor, todo puede gatillar una idea: “el trabajo, el aburrimiento, lo que pasa en la calle, lo que veo en las noticias, las bromas con la gente”, en un proceso que deviene de forma natural, como la propia vida cotidiana. Sin embargo, ese contacto con la

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Actualmente, el artista mantiene una columna en el semanario The Clinic y se encuentra preparando algunos proyectos que aún no revelará, como su nombre real. realidad le exige disciplina para plasmar ideas en su croquera; según Malaimagen, es necesario “ser constante, insistente, y obsesivamente trabajólico. Creo que de otra forma no funciona”.

Sin calificar la situación actual de la ilustración en Chile como un “auge”, el dibujante admite que “se han ido abriendo espacios y dado a conocer más autores, y eso es genial”. Según Malaimagen, Internet ha contribuido con este proceso. Su propio blog (malaimagen. blogspot.com) es bastante conocido entre los internautas y en Twitter cuenta a la fecha con casi 11 mil seguidores.

REPORTAJE chile ilustrado

marcela trujillo El cómic de su vida Fotografía cortesía del artista

•“Crónicas íntimas de una chilena en la gran manzana”, cómic publicado en • “Maliki Laurel y Maliki Hardy”, perteneciente a las “Crónicas íntimas de una chilena TheClinic en entre 2002 y 2003. Tinta china. en la gran manzana” publicadas en TheClinic entre 2002 y 2003. Tinta china.

Para Marcela Trujillo, “Maliki cuatro ojos”, su propia vida es una constante fuente de inspiración. Anécdotas, sucesos insólitos y experiencias difíciles convergen en su obra, una especie de diario de vida dibujado. “el arte, en cualquiera de sus expresiones sirve para tanto para sanar heridas tanto como para celebrar y regocijar los sentidos, ambas funciones están conectadas y se retroalimentan”. Es por eso que esta artista ha graficado momentos sorprendentes o dolorosos, como su separación, cuando la expulsaron de la Universidad sin avisarle o cuando Feroces Editores la ridiculizó en un video publicado en Internet. “cada día pasan cosas insólitas sobre todo con mis hijas que tienen 6 y 8 años. Son muy divertidas y muy hinchapelotas también, todas las madres sabemos lo difícil y lo alucinante que es esta pega y este rol. Y claro, también me pasan cosas desagradables de las cuales preferiría no acordarme, pero he aprendido que las cosas que te producen malestar son las que precisamente hay que sacar afuera y revisar”.

Admite que es difícil perseguir una carrera relacionada con

el arte o la ilustración en Chile y que hay que “trabajar como china”; “el problema son los estándares chilenos y el clasismo aplastante que existe, donde las personas anhelan tener muchos bienes materiales por sobre los morales, espirituales o culturales”. Para Marcela, Internet es una herramienta fundamental. A través de las redes sociales y de su sitio www.tallerdemaliki.cl, coordina clases, consigue alumnos e interesados en su obra.

La artista define su cómic como “muy underground, detallado y expresivo”, influenciado principalmente por artistas españoles como Nazario, Max y Marti y estadounidenses como Phoebe Gloeckner, Julie Doucet y Jessica Abel. Actualmente dedica gran cantidad de su tiempo a hacer clases y dibujar cada noche los capítulos de su próximo “Diario Íntimo”, con fecha tentativa de publicación en 2013. Asimismo, prepara una muestra colectiva de pintura para octubre en la Factoría Santa Rosa y una exhibición de pinturas en Antofagasta para 2012, entre otros proyectos.

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REPORTAJE chile ilustrado

Francisco olea

Estilo mutante

Fotografía cortesía del artista

• Detalle de “Andar con la mona”, 2010, ilustración digital.

El diseñador, ilustrador y pintor Francisco Olea, autodefine su estilo como “un poco mutante, bien temperamental, dependiendo de mi estado de ánimo y del estado de ánimo del texto a ilustrar. Lo más difícil es equilibrar en la justa medida la guata y su dinámica incontenible y la cabeza que trata de imponer funcionalidad a la imagen”.

Según Francisco, el auge de la ilustración en los últimos 10 años en Chile se relaciona con un cambio de actitud general. “el ilustrador, como gran parte de los ciudadanos, se dio cuenta de que puede opinar con sus dibujos y no sólo optar a lo decorativo y, desde ese punto de vista, tiene el plus de poder plasmar sus obsesiones e incomodidades visual y conceptualmente. Esa causa produce, creo yo, el aumento de libros y salas”.

Cualquier pretexto parece atizar la imaginación de este autor: algo que escuchó a la pasada, una frase en una entrevista, el trazo del lápiz, un color, un estado mental o una lluvia de ideas.

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Su infancia estuvo marcada en lo creativo por las publicaciones más diversas: “un par de libros de Quino que llegaron a mis manos, los dibujos de Lukas, historietas ilustradas, Barrabases, Mampato, revistas Cosas y Vanidades que son, prácticamente cómic”.

Para el creador, Internet “es la forma de estar constantemente dentro de una galería de arte; es la solución a andarse paseando por las calles con un CD con imágenes”. Según Francisco, para ser ilustrador profesional y no morir en el intento, es preciso “ser perseverante, perfeccionarse, ser muy autoexigente con los contenidos y buscar incansablemente la coherencia entre la gráfica y el mensaje; aprender mucho y ser humilde pero ambicioso”.

El autor acaba de publicar “Manual de Estilo” que contiene una selección de sus columnas publicadas en la revista Sábado de El Mercurio y está preparando “Mal de Amores”, viñetas que abordan las relaciones de pareja. Paralelamente, continúa con sus “Oleísmos” en el sitio oleismos.blogspot.com.

REPORTAJE chile ilustrado

leo ríos

Provocativa experimentación Fotografía cortesía del artista

• “Magallanes”, 2012, pluma, tinta china y acuarela sobre papel.

El trabajo del periodista y dibujante Leo Ríos se inscribe dentro del humor gráfico, particularmente el de la sátira política y social; “Chile ha tenido una escuela de grandes dibujantes de humor. En mi caso, Hervi y Palomo son figuras gravitantes desde cabro chico y es ese oficio, más la ilustración pura, el que he estudiado y cultivado”.

Su estilo posee influencias que van desde lo que podríamos definir como la “época de oro” del humor gráfico chileno (con publicaciones como Topaze, El Pingüino y la Chiva), pasando por Quino y Fontanarrosa hasta la revista MAD. Como melómano, el autor toma además inspiración en la música en sí misma y como reflejo cultural; “Junto con la clásica, el jazz y distintas variantes experimentales, tengo una formación en el ‘underground’ de fines de los 70’s hasta los 80’s, una época fundamental en las desviaciones ruidosas”.

Lo que le conduce a perseguir este oficio es “el gusto y el placer por las posibilidades del dibujo en sí -a la antigua, ensuciando el papel- y

Tras pasar una temporada en Italia, donde colaboró con el Giornale dell Arte, el dibujante se encuentra preparando proyectos que aún caen en la categoría de “top secret”. su relación con el tono y los temas a tratar, en un continuo desarrollo, exploración y provocación”.

El dibujante advierte que si bien no se puede hablar actualmente de un auge en la disciplina, existe mayor movimiento que hace algunos años, todo esto impulsado por el trabajo de editoriales, la autoedición y la difusión de ilustradores a través de Internet y las redes sociales. Para Leo, en este trabajo “lo fundamental es ser exigente consigo mismo. Eso significa dibujar mucho y estar continuamente ampliando el propio bagaje cultural. En eso consiste la integridad y el fortalecimiento del oficio”.

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REPORTAJE chile ilustrado

vicente Martí Cómic, arte y diseño Fotografía cortesía del artista

• Detalle de “Muerte de una estrella” , 2012, Técnica mixta, 15 x 22 cm.

Proveniente del mundo del diseño, Vicente Martí posee una amplia carrera ilustrando para publicaciones en Chile y en el extranjero. Lo suyo surgió casi espontáneamente: de forma paralela a su trabajo como diseñador, Vicente comenzó a ilustrar por gusto y armó un blog en Internet para mostrar su trabajo. Las obras llamaron la atención de la directora de arte de la revista Poder y a partir de ahí surgieron oportunidades que el artista ha ido tomando.

Define su estilo como una “combinación de códigos extraídos del cómic (el trazo), del diseño gráfico (la composición) y otros del mundo de la fotografía (la iluminación)”, mezcla que da por resultado una estética única y de mucho carácter. Su atracción por el dibujo comenzó a temprana edad, precisamente ligada a las historietas, especialmente las de Marvel. Entre sus referentes se cuenta al artista visual británico Dave McKean, “quien llevó el cómic tradicional a un nuevo nivel, expandió los límites del noveno arte y le otorgó códigos y elementos gráficos extraídos de la pintura, la fotografía, la escultura y del diseño gráfico”.

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Para el autor, es preciso estudiar constantemente las vanguardias es esta disciplina. “la ilustración esta mutando constantemente y debemos ser capaces de seguirle el ritmo”. De formación autodidacta en este campo –pese a haber estudiado pintura, dibujo y escultura- asegura que las propuestas que nazcan de la ilustración deben “lucir frescas, poderosas y llamativas”.

Para Vicente, “la ilustración ha dejado de ser algo meramente decorativo, hoy tiene una misión absolutamente comunicante.

En Chile hay cada vez más y mejores exponentes, algo que no es pasajero. Todo parece confirmar que la ilustración como disciplina cobra cada día más protagonismo a través de los diversos medios”.

Próximamente espera dictar talleres de ilustración y realizar exposiciones con colectivo Ilustren, que está formando con Patricio Otniel. Asimismo se encuentra trabajando en su proyecto “Geometría Floral” y preparando un nuevo sitio Web.

REPORTAJE chile ilustrado

carolina durán

Investigación y técnica Fotografía cortesía del artista

• “Madame Butterfly”, imagen colección “Pintemos arte” Zig -Zag, 2011, acrilico, 20 x 30 cm.

La artista gráfica Carolina Durán posee un sistema de trabajo característico, que la conduce a estudiar cada texto a ilustrar, tomando inspiración en recuerdos, sensaciones, colores, aromas de la realidad e incluso elementos históricos que subrayan sus propuestas; “por ejemplo, cuando ilustré Madame Butterfly hice la distinción en el peinado: cuando las mujeres son solteras sus peinados son más levantados y llamativos”.

“Lo que define mi ilustración al menos en libros infantiles, es que se sustenta en una metodología clara para enfrentar nuevos temas: mucha investigación, marco teórico, mucho pensar y darle vuelta a los temas antes de tomar el lápiz y lanzarse a ilustrar”.

La autora tuvo su primer acercamiento a esta disciplina a través de la narrativa ilustrada: “me encantaban los libros. Recuerdo uno de Boticcelli y varios libros franceses, una versión clásica de la Sirenita, la tortilla corredora y sobretodo los cuentos clásicos que mi abuela adquirió para contarnos a mí y a mi hermana.

Teníamos una colección completa de Tin Tín”.

Para Carolina desde hace 10 años se viene produciendo un evidente boom en la ilustración nacional, por la disponibilidad de clases y talleres, la apertura de la academia y la disponibilidad de libros que hoy existe. “La ilustración en chile se esté poniendo cada vez mas interesante, competitiva en el aspecto constructivo que esto tiene, desafiante y llena de posibilidades”, comenta.

Además de continuar con su taller “Desayunos Ilustrados”, Carolina se encuentra concretando la iniciativa “Música para Contar”, cuyo objetivo principal es utilizar la ilustración como medio artístico de expresión para “contar” la música, generando material educativo en el que se recreen grandes piezas musicales. Hasta el momento posee cuatro títulos editados en una alianza entre Teatro del Lago y Zigzag, “La Señora de las Mariposas”, “Pedrito y el Lobo”, “La Flauta Mágica” y el “Lago de los Cisnes” y espera generar nuevas alianzas para seguir completando la colección.

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Odeón internacional

• Detalle de “Juleny michi”, 2011, fotografía Lambda print, 100 x 100 cm.

Odeón

se toma el espacio cultural de Bogotá

La Feria Odeón 2012 no es solo un evento en el que se reúnen propuestas artísticas, también habrán espacios dedicados a la música y la gastronomía, además de intervenciones como las de los artistas Miller Lagos (colombiano) y Oscar Santillán (ecuatoriano).

Por Equipo Arte Al Límite.

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a Feria Odeón se realiza por segundo año consecutivo en Bogotá, Colombia, entre el 19 y el 23 de octubre en la sede de la Fundación Teatro Odeón.

La Feria, que reúne a 17 galerías, ofrecerá dentro de sus instalaciones una exposiciones de pintura, escultura, artes plásticas y dos exposiciones totalmente innovadoras: Miller Lagos, reconocido artista colombiano, tendrá una video-instalación en el antiguo teatro y el ecuatoriano Oscar Santillán intervendrá el jardín del edificio con una propuesta que se verá por primera vez en Colombia.

En la primera versión de la Feria Odeón, que se llevó a cabo el

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Estarán presentes en el evento los cubanos Elizabeth Cerviño, Rafael Villares y Marianela Orozco; los españoles Mariano Vargas y Robert Ferrer; los argentinos Guillermo Marconi y Natalia Revilla y el japonés Xu Guofeng. año pasado, se registró un éxito total, con más de 4 mil personas visitantes y gran aceptación de la crítica. Por este motivo, el 90 por ciento de las galerías que estuvieron presentes el año pasado confirmaron nuevamente su participación para este año. Dentro de este contexto, se espera que los resultados en las ventas superen los 100 mil dólares.

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ARTBO internacional

• Gastón Ugalde: “Balls”, 2012, C-print, 120 x 80 cm.

ArtBO

Cita imprescindible para el arte en Latinoamérica

artBO, Feria Internacional de Arte de Bogotá, dará inicio el próximo 19 de octubre la octava versión de la Feria de Arte de Bogotá con 57 galerías de 15 países del hemisferio y Europa, 10 proyectos individuales, 33 jóvenes talentos en el Pabellón Artecámara y una amplia programación cultural.

Por Equipo Arte Al Límite.

Fotografía cortesía de Gastón Ugalde.

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onsolidándose como un punto de encuentro por exce-lencia para el arte en Latinoamérica, la octava versión de artBO se llevará a cabo del 19 al 22 de octubre con la presencia de 15 países del hemisferio y de Europa. La feria contará con la participación de 57 galerías de arte de primer nivel y 10 proyectos individuales de artistas contemporáneos bajo representación comercial curados por María Inés Rodríguez.

Chile tendrá aun más participación en esta destacada feria que el año pasado. Las prestigiosas Galería AFA y Galería Isabel Aninat, fueron las seleccionadas para participar. La Galería AFA especializada en proyectos relacionados con la visualidad contemporánea presentará una potente muestra de arte chileno, con la presencia de Juan Pablo Langlois, Paz Errázuriz, Álvaro Oyarzún e Ignacio Gumucio. La Galería Isabel Aninat comprometida desde 1982 con promover el arte

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contemporáneo y los artistas jóvenes, también representará artistas chilenos Mónica Bengoa, Pedro Tyler, Voluspa Jarpa y el Colectivo Aninat & Swinburn. La revista Arte al Límite también se hará presente en este importante evento del arte latinoamericano.

Adicionalmente la feria cuenta con espacios novedosos Pabellón Artecámara, una muestra de 33 jóvenes promesas del arte colombiano sin representación comercial curados por Conrado Uribe, el Pabellón Encuentro Cultural un espacio para los más importantes museos e instituciones del país y el Pabellón Pon de tu P(arte) un espacio para la formación de los niños, joven y sus familias a través de actividades lúdicas. Así mismo artBO organizará una nutrida Programación Cultural para los coleccionistas e invitados especiales, con actividades culturales y sociales que les permitan apreciar la oferta artística que ofrece Bogotá.

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REPORTAJE

¿A dónde van las obras donadas al Estado chileno?

Por equipo Arte Al Límite.

Fotografías cortesía de los artistas.

Entre el público común y probablemente entre algunos aficionados al arte, poco se conoce sobre la retribución que realizaban hasta hace un par de años los ganadores del Fondart al CNCA o los artistas expositores a la Galería Gabriela Mistral. El problema es más grave cuando descubrimos como muchos de los artistas que han donado obra o que han sido ganadores de dicho premio desconocen dónde están actualmente ubicados esos trabajos. Se habla de un almacén donde están guardadas todas esas obras, o de que están colgadas en algunas de las instituciones estatales. Más información tenemos con respecto a la actuación de otras instituciones que merecen respeto y cuidan el patrimonio, como la empresa CCU en el arte, que lleva años coleccionando

el arte chileno contemporáneo. Ellos han trabajado en un inventario real y en la conservación de las obras, que se han exhibido en varias regiones del país. El Museo Mavi, con una colección formada por Santa Cruz y Yaconi, también cuenta con un archivo y una colección en perfecto estado.

En este reportaje hemos hablado con diversos artistas afectados por esta falta de información, contamos con la opinión del crítico Ernesto Muñoz y contrastamos esas afirmaciones con las de Ximena Pezoa, encargada de la Colección de Arte Contemporáneo de la Galería Gabriela Mistral, perteneciente al Consejo de la Cultura. A ella le preguntamos dónde van las obras donadas.

¿Dónde están?

Por Ernesto Muñoz, crítico de arte y miembro de AICA

Estamos en los tiempos de la ciudad mundial compuesta por una comunidad virtual y en ella se instala del deseo de trascender de una sociedad. Cuando se estableció el Fondart, éste se transformó en un aparato regulador del arte chileno y los artistas debieron acatar sus órdenes, entre ellas, la de entregar una obra a cambio del estipendio concedido. Es así como las obras almacenadas en una secreta bodega parecieran ser el botín del estado para internarse en la ciudad mundial. ¿Dónde están estas pinturas, esculturas, grabados y videos?

Algunas de estas obras han sido realizadas en materiales delicados y necesitan verdadero cuidado. Sin embargo, durante años su bodegaje ha sido un misterio, tomando en cuenta que las fotografías pueden rayarse, las pinturas sufrir deformación al ser apiladas y las esculturas quebrarse.

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A menudo estas obras son confundidas con las que pertenecen a la colección de la galería Gabriela Mistral, las que están debidamente catalogadas y difundidas. En el caso de este verdadero museo fantasma en el que se ha convertido la colección de obras que proviene del Fondart, se evidencia la desidia de una institución estatal con obras que merecen respeto y cuidado. ¿Tendremos alguna vez solución o presenciaremos la pérdida de este patrimonio? Espero que muy pronto esas obras sean catalogadas y exhibidas a un público amplio, ya que se trata de un capital cultural de todos los chilenos. Según fuentes legales consultadas, el consejo de la cultura no puede recibir donaciones, por lo tanto, si alguien quiere donar debe recurrir a un juez para que lo autorize y pagar los impuestos correspondientes. Mientras tanto todo lo que estamos hablando esta en el aire.

REPORTAJE

LO QUE DICEN LOS ARTISTAS Muchos son los artistas que denuncian un desconocimiento de la ubicación actual de las obras que han donado al Estado chileno. Iván Daiber, Bruno Truffa, Juan Pablo Langlois, Paula Dünner, Iván Godoy, Loreto Enríquez y Matilde Huidobro son algunos de ellos.

Iván Daiber “Con el estado de Chile he realizado sólo una donación (aparte de exposiciones para diversas instancias). Se trata de una obra que se instaló en la sede de APEC en Singapur. En realidad se trató de un canje muy favorable, primero, Viajé a Singapur para inaugurar la obra junto a la comitiva. Segundo, la organización y realización de exposición en Canadá”.

Bruna Truffa

• “Un pez por el Pacífico”, madera y bronce, 200 x 160 cm.

Sede de APEC en Singapur.

“Algo debo haber donado cuando gané el Fondart a principios del 2000; pese a haber postulado varias veces después, nunca volví a ganar el concurso. No sabría decirte donde están las obras que doné, es una cuestión de que uno entrega y nunca más se supo, cuando va a las oficinas del Fondart ve uno una que otra pieza colgada en las paredes. Expuse en la Galería Gabriela Mistral cuando recién se inauguró, pero creo que en ese minuto no era requisito entregar obras”.

• Detalle “La lavandera”, 2001-2005, estructura de alambre, papel de impresión y cola fría, 165 cm.

Juan Pablo Langlois “He donado obras al Museo Nacional de Bellas Artes y al Fondart entregué cerca de 100 copias de un libro. No tengo idea del destino de los libros, ellos tienen un centro de distribución, no sé como lo harán, deben estar en algunos centros culturales de regiones, la verdad es que no lo sé”.

•Serie Hecho en China “Mercancía”, 2007, óleo, 44 x 65 cm.

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REPORTAJE

ismael frigerio “Curiosamente, habiendo expuesto en los noventa con Iván Daiber en la Galería Gabriela mistral, yo estaba muy interesado en donar una obra, hablé con las personas encargadas, pero nunca mostraron interés. Incluso hablé con Florencia Loewenthal pero no hubo caso. Ellos también hicieron un libro sobre las exposiciones de la galería y me dejaron fuera. Insistieron en que enviara un texto de algún crítico y mande un poema de Antonio Hill. Como mi trabajo era sobre el norte de Chile lo que él hizo fue jugar con las palabras –por ejemplo “cobre-cobrar”-; al parecer ellos no lo aceptaron como texto crítico y me dejaron fuera de ese catálogo. Me gustaría mucho ser parte de esa colección, así que si hay algún interés me podrían avisar. Con respecto al Fondart, he ganado 3 concursos. Lo que doné en 2005 fueron catálogos. Nunca supe que hicieron con ellos, supongo que están guardados en alguna bodega”.

iván godoy “He ganado tres veces el Fondart. En dos de esas ocasiones tuve que entregar 200 vídeos, y en la otra oportunidad 800 libros del trabajo del Teniente Bello. No sé en qué lugar están actualmente esos libros”.

Loreto enríquez “Dos veces obtuve el Fondart, una de ellas fue una obra sobre los suicidios, basada en la escritora Teresa Wilmsmontt. desconozco su destino”.

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• “Sin Título”, 2011, mixta sobre yute, 150 x 180 cm.

PAULA DÜNNER “Gané el Fondart en tres ocasiones. En dos de esas veces tuve que entregar una obra sin saber dónde iba a ir a parar.

matilde huidobro “Participé una vez junto con un colectivo, y ganamos esa edición del Fondart. Desconozco absolutamente el paradero de esa obra”.

REPORTAJE

eNTREVISTA XIMENA PEZOA

Ximena Pezoa, encargada de la Colección de Arte Contemporáneo de la Galería Gabriela Mistral, perteneciente al Consejo de la Cultura, quien nos entregó algunos puntos clave para comprender el tema.

Por Antonella Galarce, Periodista Fotografías cortesía de Galería Gabriela Mistral

• Chiara, “cocktail 05”, 2001, multimedia, fotografía color digital, 78 x 53 cm.

¿

En qué consistían las donaciones de obras vía Fondart al CNCA?

la, conservarla, hacer restauración y difundirla. Ese comodato dura 99 años y se renueva automáticamente.

El tema de las donaciones de Fondart está bajo el concepto de la retribución y eso existió como tal hasta el año 2010. Hasta ese año los artistas, dependiendo de la línea de postulación, entregaban una obra a modo de retribución. Eso constituye un conjunto de obras que tenemos almacenado en una bodega climatizada; en este momento estamos iniciando un proceso de documentación y registro de estas obras. Debido a un tema legal, desde el 2011 en adelante el CNCA no puede pedir retribuciones a los artistas Fondart, nos objetó la contraloría. Sin embargo, tenemos un cuerpo de cerca de 180 obras y estamos comenzando a trabajar para estandarizar al nivel que tenemos en la colección de la Galería Gabriela Mistral.

Es decir que si un artista desea retirar una obra de esta colección para venderla, por ejemplo ¿no podría?

Cuando termina el comodato, podría eventualmente el nieto del artista decir que no quiere renovarlo. La figura del comodato es por 99 años renovable, ya que se entiende que los artistas han manifestado que están muy interesados en que su obra siga al alero del Estado, porque nosotros las estamos exhibiendo, estamos implementando una serie de medidas enfocadas en la protección y difusión de estas obras. Cada artista que exhibía en la galería, por contrato, entregaba una obra a modo de donación, pero como hemos ido trabajando en la parte legal, llegamos a esa conclusión, que las obras entran como comodato y que el artista sigue manteniendo la propiedad intelectual.

¿El CNCA sigue recibiendo obras de arte a través de la Galería Gabriela Mistral?

Sí, las obras que ingresan vía galería, entran bajo la figura del comodato. Es decir, el artista sigue siendo el propietario intelectual de la obra y nosotros tenemos el derecho para exhibir-

Me dices que existen alrededor de 180 obras en la “colección Fondart” ¿No es un número algo menor considerando que los Fondos se crearon en 1992?

Hay muchas retribuciones del Fondart que quedaron pendien-

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REPORTAJE

• Patrick Hamilton, “Sin título”, 1998, instalación, impresión sobre objeto, 68 x 64 cm.

“Debido a un tema legal, desde el 2011 en adelante el CNCA no puede pedir retribuciones a los artistas Fondart, nos objetó la contraloría. Sin embargo, tenemos un cuerpo de cerca de 180 obras y estamos comenzando a trabajar para estandarizar al nivel que tenemos en la colección de la Galería Gabriela Mistral.” tes, nosotros eventualmente podríamos ir hacia atrás, hablar con el artista e incorporarlas. Estamos empezando, ya logramos un muy buen de estándar internacional con la colección Gabriela Mistral: no sólo hacemos tareas de conservación y restauración, la tenemos documentada en un programa conjunto con la Dibam y vamos a hacer difusión de estas obras en el sistema internacional. Entonces lo que queremos ahora es tomar las mismas medidas con este grupo de obras. ¿En qué estado se encuentra ese trabajo?

Ya inventariamos las retribuciones del Fondart, pero el inventario es lo más básico, puedes ver la colección de la Gabriela Mistral en el sitio www.surdoc.cl, ahí están catalogadas todas las obras y eso es un trabajo que toma mucho tiempo. ¿Los artistas que han donado obras a la Galería Gabriela Mistral conocen el destino de estas piezas?

Elaboramos un catálogo razonado en 2008, que no es el concepto de catálogo razonado que refiere a la obra de un sólo artista; incluimos todas las obras, todos los espacios donde se

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exhibió cada obra y los datos de los artistas y eso lo distribuimos a todos los creadores que tienen obras en la colección. En ese sentido estamos siempre en contacto y cada vez que utilizamos imágenes de la colección para cualquier impreso que realicemos o cualquier texto en soporte digital hablamos con ellos primero y les damos la información, porque sabemos que ellos requieren ir actualizando su portafolio.

Presentaron recientemente parte de esta colección en la Feria Ch.ACO… A fines del año pasado, se trabajó en la formulación del documento “Política de selección e incorporación de obras a la colección”.

Se aprobó ese documento por resolución y ahora tenemos criterios: establecimos un criterio estético, un criterio que refiere a la condición física del objeto (eso es importante porque arrendamos una bodega) y también establecimos un comité, que tiene que ver con la selección de obras, con el cambio y baja de obras. Eso es lo que presentamos en Ch.ACO, y se materializa en la incorporación de alrededor de 4 obras este año, que exhibieron además de un puñado de obras que ya existen en nuestra colección, y que sirven como articulación conceptual con las obras nuevas.

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Críticas LUZ INTERIOR ARTE Y VIDA EN EL CLAUSTRO. Por Ennio Bucci Abalos.

Licenciado en Teoría e Historia del Arte y Estética.

Miembro de AICA. »Fotografías cortesía Corporación Cultural de las Condes.

• Corredor del convento de las capuchinas.

• “La anunciación”, serie de La vida de la Virgen, óleo sobre tela, siglo XVIII.

esde los albores de nuestra nación, las órdenes religiosas ocuparon un lugar fundamental en la conformación social del nuevo país. Su misión centrada básicamente en la evangelización, alcanzó esferas inimaginables y contribuyó con obras concretas a la educación y desarrollo cultural del incipiente Reino de Chile que se comenzaba a organizar tanto en lo político como en lo social, y en ese contexto, la educación y el desarrollo cultural de la población fue un factor de importancia.

ción de gran parte del patrimonio religioso chileno y cómo podemos contribuir a su difusión y que el público tome contacto con estas manifestaciones artísticas.

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Desde el siglo XVI se asentaron en nuestro territorio órdenes masculinas y femeninas que difundieron la palabra de Cristo a través del evangelio; junto a ello construyeron templos y conventos para albergar lo mejor de pinturas, platería y tallas en madera destinadas a difundir y defender la fe.

De esta manera, conformaron un patrimonio artístico de incalculable valor y pilar fundamental para el desarrollo y evolución de las artes locales.

La presente muestra da cuenta de este periodo histórico y toma como referencia el Monasterio de la Santísima Trinidad de las Clarisas Capuchinas cuyo asentamiento data de 1727.

El acto fundacional del Monasterio de Contemplativas en Santiago se realizo con una procesión acompañada por una multitud de fieles hacia la Catedral de Santiago, con el santísimo expuesto bajo un palio.

Lo valioso de esta muestra es hacer público uno de los patrimonios más importantes del país y permitir el acceso a espacios comúnmente ocultos, intentando crear conciencia sobre el estado de conserva-

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La presente exposición se complementa también con piezas exclusivas de otras instituciones como el Museo Histórico Nacional y el Museo del Carmen de Maipú.

Entre las piezas que destacan figuran la serie del Vía Crucis realizada en los talleres de la Escuela Quiteña, un encargo realizado por el general español Manuel de Araindia, como a su vez una bella talla en madera policromada con la figura del arcángel San Miguel.

Destaca por su montaje y la presencia de la corriente barroca la hornacina de plata labrada con elementos vegetales provenientes de la flora americana y un Cristo crucificado al centro recreando un oratorio, también dos hermosas tallas de vírgenes complementan esta muestra.

Como una manera didáctica de adentrarse en la vida de sacrificio, penitencia y humildad -cualidades tan ausentes de nuestra sociedad actual-, se exhibe el video “Mujeres del Silencio” de Catalina Vergara; que muestra la vida al interior de las clarisas capuchinas.

La presente muestra ha sido posible gracias a un proyecto de la Corporación del Patrimonio Religioso y cultural de chile, la Municipalidad de las Condes, y el Instituto Cultural de las Condes, que presentan esta valiosa muestra para el deleite del espíritu del público.

críticas

RICARDO YRARRÁZAVAL Pintura y Gráfica en D 21 GALERIA DE ARTE. Por Enrique Solanich S. Magíster en Teoría e Historia del Arte.

Miembro de AICA. »Fotografías cortesía de Galería D 21

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icardo Yrarrázaval Larraín (Santiago 1931) asume temprano la polivalencia de los medios y soportes, inscribiendo por decenios la médula de su ideario central: el hombre de hoy; subsumido en contornos que lo asolan y reprimen.

De la mano va la apropiación y dominio de la disparidad de técnicas que concatena, sea cerámica, grafito, tinta china, acuarela, escultura en madera, la pintura en óleo y acrílico, pastel seco e imágenes digitalizadas, más grabados. Las adecua y ajusta con perceptor mirar y mesura intelectual a una iconografía que, sin mutaciones bruscas, se perpetúa coherente y plena.

Al consultar datos sobre su formación, estos indican cursos de dibujo y pintura proseguidos en Italia, en la Academia de Bellas Artes de Roma, en 1952, luego, en la Academia Julian de París, durante 1953.

Empero, los viajes a Europa y por América, las invitaciones y becas de años posteriores, le conceden un sólido aprendizaje que robustece su madurez. La vocación y laboriosidad cauta se suman como bases idóneas para constituir una trama icónica vívida y resuelta.

• “Sin título”, 1986, óleo sobre tela, 35 X 27 cm.

La exposición actual, Pintura y Gráfica en la D21 Galería de Arte, es un excepcional resumen de su maciza faena, que reúne trabajos en superficie comprendidos entre los años 1986 y 2012. Suerte de recuento y gabinete, estas solitarias cabezas de frente, perfil o espaldas, más cuerpos femeninos y masculinos en tamaños medio o tres cuarto, evidencian la hondura de su perquisición a las conductas humanas. Los personajes, sin fisonomías ni semblanzas conocibles, libres de antifaces o aspavientos, devienen protagonistas claves de su relato visual, atribulados por la irremediable alienación en las que sus existencias se debaten.

Ya instalada como su imaginería, la figuración persiste al escudriñar vahídos rostros y ademanes, operando como un proscenio por el que desfilan individuos exultantes de sus caracteres, develando con sus desplazamientos, gestos y pantomimas, las intimidades y pesares portados. Este paseo se muta en una excepcional vitrina y territorio artístico para desmenuzar hábitos antropológicos dados en la urbe moderna.

Patéticas, mordaces o grotescas, las castigadas y míseras figuras fundan una exégesis que ratifica tan acertada inquisitiva. Sin ser retratos, retratan. Sin sermonear, enseñan.

Por ello cobra mérito su premonitoria opción de los años setenta, cuando este enigma prioriza y signa su trabajo como adelanto y

puesta en escena de una revisión sorpresiva a la conducta del hombre contemporáneo –dígase chileno-; de los virajes en la estructura de la sociedad criolla; las mudas en sus idearios; las dependencias y remedos con modelos foráneos y, esa enfermiza disposición al consumismo y fatua soberbia.

El ejercicio que emprende Ricardo Yrarrázaval es un juego sutilísimo del saber ver dialéctico. Queda claro que mira, y harto. Que el otro importa. También comunica a qué es a lo que apunta y cómo su mira, escruta despiadada. El modelo, que se sabe visto, se deja observar constreñido, declarando con sus facciones y fisonomías tantas tipologías sicológicas como para sentar un ancho repertorio de ellas, siempre tamizadas por la lente casuística del diestro mirante.

Mérito suyo es el amasijo certero de las cunas que lo movilizan. En el entramado de tendencias artísticas, concluyentes resultan las oníricas y del pop, unida las señas geométricas. Con formatos pequeños y medianos, pigmentos reducidos a los grises mínimos y hechuras sin artilugios, Ricardo Yrarrázaval establece una retórica social interpelante y rastreadora que, de vastas lecturas-, en la primera de ellas descuella el drama que aflige a extraviados y sosos ambulantes. Allí residen los méritos de la jugada estética, hermanada con las valencias de sus maniobras plásticas.

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críticas

“DESDE LA MATRIZ” en el Museo de Bellas Artes (a fines Octubre) Por Pedro Labowitz.

Crítico de arte .

Miembro de AICA. »Fotografías cortesía del Museo Nacional de Bellas Artes.

• Gracia Barros: “Sin título”, 1977, grabado.

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espués de la gran exposición de las mujeres escultoras en el Parque de las Esculturas, ahora podemos ver a 45 mujeres grabadoras con trabajos provenientes del Fondo de las Artes de la Universidad de Playa Ancha en Valparaíso. Este fondo de obras en las técnicas del grabado fue creado sobre la base de una gran donación del artista grabador porteño Carlos Hermosilla, a la cual se unieron otras posteriormente, de modo que el fondo cuenta hoy con unas 8 mil piezas. Para esta colección, se construirá un Museo del Grabado en el puerto, iniciativa única en Chile.

La introducción del curador a esta exposición, cuyo título es un obvio juego de palabras, menciona las diversas técnicas representadas, incluso el offset que ya es netamente industrial.

La gran mayoría de los grabados a la vista están en blanco y negro. Así Roser Bru está representada por dos hojas fuertes y estructuradas, mientras que Lea Kleiner opta por representaciones más líricas de ciertas plantas. Gilda Hernández es una de las varias artistas no-figurativas con sus grandes planos negros únicos, horizontales, de bordes totalmente irregulares, que encierran correspondientemente irregulares campos de blancos.

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• Carmen Valbuena: “Mujer chile 1”, 2009, calcografía, 99 x 49 cm.

Por su parte, Ester Fierro fue una de las primeras grabadoras en Chile que produjo litografías en color – aquí está a la vista su globo inquieto y variopinto “Forma XXVIII” del año 1988. Otras artistas interesantes que prescinden de una temática son la constructivista Marina Pinto – compañera de Carlos Hermosilla – con sus “Extructuras” (sic) o Javiera Moreira que muestra una composición de fuertes, paralelas pero irregulares rayas negras en violento movimiento.

Lucy Lortsch, Claudia Cataldo y Lilo Salberg muestran distintos grados de expresionismo. La última en “Los perseguidos”, presenta un grupo densamente aglomerado de personas desesperadas, de pie. Hoja que data de 1948, está obviamente relacionada con el arte social alemán.

Imposible mencionar a todas las grabadoras con trabajos destacables en esta muestra – hay realmente muchas obras y artistas valiosas que ver, aunque lamentablemente no hay nada de Dinora Doudchitzky. Y queda en claro que la generalizada preferencia del público por la pintura por sobre el grabado, no tiene ninguna razón estética/artística y constituya más bien un prejuicio.

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macarena cienfuegos

macarena cienfuegos

Macarena Cienfuegos siempre estuvo relacionada con óleos, pinceles y bastidores; desde pequeña supo que la pintura era a lo que se quería dedicar, algo que actualmente realiza con una genuina propuesta estética.

Cienfuegos en lo cotidiano Por Carla Vásquez, licenciada en estética.

Fotografía cortesía de la artista.

• “La Siesta”, 2011, acrílico sobre tela, 120 x 150 cm.

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oy en imágenes cotidianas y situaciones comunes, Macarena muestra su pintura con la técnica del acrílico y grabado. Gonzalo Cienfuegos, su padre, pudo influenciar su interés y decisión de ser artista, pero lo que le inspira en la actualidad es la rutina, la empatía hacia los momentos efímeros que no marcando la trascendencia, sí fijan el imaginario del humano.

Macarena explica su forma de pintar: “Me gusta trabajar con una imagen fotográfica como base en mis pinturas. Parto así para saber bien los pliegues de la ropa o la expresión de una cara y de ahí voy poniendo algo de mi imaginación en la composición, al colorido o agrego nuevas cosas”. Esta fuente creativa puede ser desde un recorte de diario a una película y fotografía de un álbum suyo, de amigos o de familiares.

Personas disfrutando una a tarde en la playa, en el bar o una peluquería, son unas de sus formas de expresión. “Mi pintura es de alguna manera costumbrista. En general son personas en su tiempo libre como de relajo, de entretención o una celebración de algo. No son cosas importantes, pero son momentos en que la gente está feliz o haciendo algo que le gusta”.

“Mi pintura es de alguna manera costumbrista.

En general son personas en su tiempo libre como de relajo, de entretención o una celebración de algo”

Las pinturas simulan ser encuadres de fotografía, el cual contiene una situación común y corriente potenciada por la técnica de la caricatura. Colores de altos contrastes y la acentuación de los rasgos de los personajes permite apreciar con mayor gracia la circunstancia vivida, y así confirmar que es un simple suceso de la rutina de cualquier persona.

El dinamismo es parte de la obra de Macarena, lo cual no sólo lo demuestra con el retrato de experiencias que permiten apreciar la anécdota de un momento ejecutada de una forma caricaturesca; sino que también porque ella misma confiesa que es fundamental que el proceso de creación sea animado.

“Si un cuadro me aburre, no me resulta bien”.

Paula zegers

paula Lo invisible zegers del encuentro Por Alejandra Torres, periodista.

Fotografías cortesía de la artista.

• “ Dos mujeres”, 2010, técnica mixta sobre papel, 120 x 120 cm.

• “Sin título”, 2011, técnica mixta sobre papel, 110 x 170 cm.

a obra de la artista se define por “trazos sueltos que apareceno desaparecen; los que van sumándose entre ellos tratando de armar una atmósfera que nos invite a sentirnos dentro o parte de… Rostros o cuerpos que nos acercan a sentimientos más profundos”, señala Paula, mientras trabaja concentrada en la figura humana, figuras que para ella “tienen que ver con lo invisible del encuentro”. Pero las formas pueden cambiar, ya que el tema es sólo una excusa para pintar.

algo nuevo.; “la inspiración no viene de adentro sino que aparece cuando trabajas con secuencia y concentración”, nos comenta.

Paula cree que hay que trabajar mucho para así lograr inspirarse y lograr que esa inspiración tenga sentido. “La inspiración no existe, es el trabajo constante, continuo día a día, que te hace concentrarte y te lleva a descubrir algo que se transforma como en un poema que no puedes dejar de escribir, y ahí sigues y sigues... Te das cuenta de que algo está apareciendo y es un momento de mucha concentración en la cual te vas como por un tubo y fluye. Ese momento es corto pero con un gran desarrollo, que te hace trabajar concentrada y así armas un todo que tiene consistencia y profundidad”.

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“Nació conmigo”, así responde la artista Paula Zegers al preguntarle desde cuándo supo que quería ser artista. Y es que esta pintora desde niña ha estado ligada a las telas y pinceles, descubriendo y experimentando técnicas y estilos.

Para Paula el arte “es decir lo que se palpa en el encuentro con el mundo o con lo que nos rodea ya sean sentimientos que nos acompañan día a día o tiempos que están dentro y que sólo aparecen sin siquiera darnos cuenta. Es como una necesidad”.

El tema de la figura humana nació mientras trabajaba. Y de esa manera ha sido como siempre ha conseguido inspirarse para crear

Para esta artista, lo más importante es que el espectador logre sensibilizarse con sus obras; “creo que ese es el sueño de un artista, que pase algo, ya sea de placer, de desagrado, de identificación, de tristeza, soledad o compañía; lo que sea pero que le pase algo. Eso es lo más importante y cuando uno logra eso te sientes feliz”, nos explica a días de comenzar una nueva etapa: está por cambiarse a su nuevo taller; “este proyecto de mi nuevo taller es una inyección de energía y de muchas ganas de empezar a trabajar”, cuenta entusiasmada.

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AGENDA Santiago destacado del mes 75º Aniversario de Studio Harcourt Desde su creación en 1934, Studio Harcourt es considerado como el estudio fotográfico de celebridades como Edith Piaf, Salvador Dalí, John Malkovich o JeanPaul Gaultier. Con motivo de su aniversario, se exhiben las mejores piezas de su colección en el MAC, exposición que posteriormente se trasladará a regiones.

La muestra incluirá retratos de celebridades chilenas, como Alejandro Jodorowsky, Jorge Edwards y Carmen Castillo, entre otros.

Hasta el 4 de noviembre Museo de Arte Contemporáneo Parque Forestal www.mac.cl • Jean Dujardin, Oscar 2012 del mejor actor en la película francesa : THE ARTIST.

* Hasta el 15 de octubre

Galería XS

Nueva Costanera 3723, Vitacura http://xsgaleria.cl

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Gonzalo Vergara En la muestra “-Pero ¿Cómo hablar Pintura” Gonzalo Vergara exhibe 11 pinturas, de acrílico sobre papel y tela, realizadas durante el año 2012, entre Madrid, Arica y Santiago.

* Hasta el 21 de octubre

Galería Artium

Alonso de Córdova 3102, Vitacura www.artium.cl

Benjamín Morales “Dadá” El artista Benjamín Morales “Dadá”, presenta en la muestra “Resplandores”, una serie de 15 pinturas centradas en la naturaleza, plasmando a través del color lo real y lo imaginario.

El destacado del texto corresponde al autor de la imagen que acompaña. * Las imágenes de las obras publicadas en agenda son detalles de la original.

agenda santiago

* Hasta el 2 de diciembre

Museo de Artes Visuales

Plaza Mulato Gil de Castro, Barrio Lastarria www.mavi.cl

Nuestro Sitio, Artistas de América del Sur

Hasta el 20 de enero 2013

Museo de Arte Contemporáneo

La muestra reúne 32 obras de 12 artistas latinoamericanos y es la primera realizada en colaboración con el MAC Niteroi, emblemático museo creado por Óscar Niemeyer.

Parque Forestal, Barrio Bellas Artes www.mac.uchile.cl

Estampas, Independencia y Revolución La muestra reúne más de 50 obras donadas por Gobierno Mexicano al MAC con motivo del Bicentenario de la Independencia y Centenario de la Revolución en ese país.

*

* Hasta el 31 de octubre

Factoría de Arte Santa Rosa

Avenida Santa Rosa 2260, piso 2, Barrio Franklin http://factoriasantarosa.cl

Hasta el 26 de octubre

Muestra de arte contemporáneo

Instituto Cultural de Providencia

La sala ubicada en barrio Franklin ofrece una exhibición conformada por trabajos de autores como Juan Downey, Hugo Marín, Juan Castillo y Lotty Rossenfeld.

*

Avenida 11 de Septiembre 1995. Estación Metro Pedro de Valdivia www.proviarte.cl

Daniela Miller En su muestra “H2oH”, la reconocida fotógrafa transmuta el agua en colorido complemento estético de diversos entornos florales, mediante una buena dosis de paciencia y tecnología.

* Hasta el 8 de noviembre

Galería Isabel Aninat

Boulevard del Parque Arauco, Local 467 http://galeriaisabelaninat.cl

Magdalena Pérez La exhibición “Con-céntrico” se conforma una serie de obras que evocan círculos, giros y ciclos, apelando al movimiento infinito de la bailaora y de la vida misma.

Hasta el 24 de noviembre

Artespacio

Alonso de Cordova 2600, Salas 1 y 2. Vitacura www.artespacio.cl

www.twitter.com/ARTE_AL_LIMITE

Francisco Gazitúa Acero, madera y piedra son los materiales utilizados por el escultor para crear sus “Puentes de Luz”, obra que lo inspiró a crear un gran puente escultórico en Toronto, Canadá.

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AGENDA Regiones

• Rodrigo Coll, Mano dibujando un caballo que vuela sobra los edificios de la ciudad POP, 1998, lápices acuarela, sobre papel, 40 x 40 cm.

DESTACADO DEL MES

Rodrigo Coll

HASTA EL 11 DE NOVIEMBRE

Galería Modigliani

Calle 5 Norte 168, Viña del Mar www.galeriamodigliani.cl

Aviso Allimite Frutas copia.pdf

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El artista visual autodidacta Rodrigo Coll expone en “Popcoll” una serie de pinturas realizadas entre los años 2008 y 2012 con lápices acuarela sobre papel en diversos formatos, con temática libre y colores brillantes y pasteles, alto contraste y rigurosidad en la composición, en un homenaje personal al Arte Pop.

15-04-11

13:12

Coll posee una extensa carrera que se inicia en 1994. Ha expuesto sus obras en diversos espacios en Santiago, en regiones y el Buenos Aires, Argentina.

El destacado del texto corresponde al autor de la imagen que acompaña. * Las imágenes de las obras publicadas en agenda son detalles de la original.

W W W . M I N U T O V E R D E . C L

agenda regiones

Hasta el 31 de octubre

Hasta el 13 de octubre

Mapas Migratorios Galería de Arte Universidad Católica de Temuco Av. Alemania 0422, esquina Dieciocho de Septiembre, Temuco.

Verónica Allamand Galería de arte Bosque Nativo Av. Vicente Pérez Rosales 1305, Puerto Varas

Melba San Martín y Mauricio Q u i ñ o n e s co n ce p t u a l i z a n l a m i g r ac i ó n a p a r t i r d e l desplazamiento de los discursos visuales, utilizando técnicas de dibujo y grabado.

En “Sueños de Niña”, la artista visual traslada sus propios sueños y los de su hija a la tela, los que se transforman en genuinas aventuras, llenas de imaginación.

* www.uctemuco.cl/galeria

Hasta el 28 de octubre

Hasta el 15 de noviembre

Patrick Steeger Casa E Lautaro Rosas N° 344, Cerro Alegre, Valparaíso.

Javier Soto Museo R.A. Phillipi de la Exploración, Universidad Austral Los Laureles s/n. Isla Teja, Valdivia.

En “Bordes y límites”, el artista conjuga estrategias escultóricas, minimalistas y cinéticas, en una puesta en escena de obras objetuales que juegan a ser parte de la sala.

En la muestra “Falso Positivo”, el artista expone ilustraciones e instalaciones, donde despoja a los objetos de la significativa cadena producción-circulación-consumo.

* www.casae.cl

*

* www.galeriabosquenativo.cl

* www.museosaustral.cl

Hasta el 11 de octubre

Hasta el 26 de noviembre

Mauricio Camus Galería Marina Ifarle Oriente 6701, Brisa del Sol, Talcahuano.

Nicole García Alcota Bahía Utópica Almirante Montt 372, cerro Alegre, Valparaíso.

El artista plástico Mauricio Camus presenta una serie de sus últimas creaciones en la muestra “Fragmentos de Espiral”.

En “El cuerpo del imaginario”, la joven artista expone doce esculturas en aluminio, madera y gres, plasmando la recuperación de un espacio privado saturado por Internet y la TV.

* bahia.utopica.over-blog.com

www.facebook.com/ar teallimite

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AGENDA Web

Te presentamos las coordenadas de nuestros Artistas Al Límite.

Muriel Gallardo Primera Bienal Internacional de Arte Contemporáneo en Argentina.

La Bienal Internacional contará con la presencia de artistas provenientes de 19 países, quienes

intercambiarán

experiencias entorno al arte.

La artista nacional presentará su obra en el evento que se realizará en la capital trasandina y que incluirá muestras de pintura, escultura, grabado, dibujo, arte digital, instalaciones, cerámica, porcelana joyas de autor, arte textil y fotografía.

Del 4 al 10 de octubre Centro cultural Borges Viamonte 525, Buenos Aires, Argentina.

•”Ciervo”, Cuerina beige sobre cuerina blanca, dibujo con corte láser, 70 x 50 cms.

Berta Iñiguez

Claudia Parodi

Isla Grande

Todo sobre Papel

La artista presenta 8 obras en técnica mixta, inspiradas en la naturaleza de Chiloé

Con una veintena de obras sobre papel, Parodi presenta un trabajo lleno de color.

Hasta el 11 de octubre Corporación Cultural Alianza Francesa de Osorno Juan Mackena 1512, Osorno

Hasta el 5 de noviembre Galería Blanc Vitacura 4363, Vitacura

* www.arteallimite.com/berta-iniguez

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www.arteallimite.com/murielgallardo

* www.arteallimite.com/claudia-parodi

El destacado del texto corresponde al autor de la imagen que acompaña. * Las imágenes de las obras publicadas en agenda son detalles de la original.

agenda web

Claudia Canobra

Francisca Lohmann

Zoom In Situ

Feria Sur al Sur

Muestra del colectivo penquista “In Situ”, donde se exhiben detalles de obras de mayor formato.

La artista integra la muestra colectiva de la galería trasandina Argentinartes.

Hasta el 31 de octubre Aula Magna, Universidad Católica de la Santísima Concepción

Del 3 al 7 de octubre Centro Cultural Recoleta Junin 1930, Buenos Aires

* www.arteallimite.com/claudia-canobra

* www.arteallimite.com/franciscalohmann

Gonzalo Riscal – Constanza Villalba

Geraldina Ahumada

Bazart UC

Venta de Taller K

Exhibición y venta de esculturas de la artista, realizadas en gres, en pequeño formato.

21 de octubre Centro de Extensión UC Alameda 390

* www.arteallimite.com/geraldinaahumada

Venta de obras del colectivo dirigido por Klaudio Vidal, nominado al premio Altazor 2012.

Sábado 6 y domingo 7 10:00 a 20:00 horas Taller K Hamburgo 626, Ñuñoa

* www.arteallimite.com/gonzaloriscal

Carolina Busquets

Macarena Vicuña

Bairfayst Book Exhibit

Exposición Taller Macaví

Exposición colectiva de Libros de Arte de artistas de 25 países del mundo.

Muestra colectiva de la artista junto a sus alumnas de mayor trayectoria.

Hasta el 31 de octubre VISAC Gallery 1501 Cedar Ave. Trail, B.C. V1R 4C7 British Columbia, Canadá

Desde el 4 de octubre Espacio Benedic Francisco Bulnes Correa 800, Las Condes

* www.arteallimite.com/carolinabusquets

* www.arteallimite.com/macarenavicuna

María Elena Etchepare

Ruby Yunis

Pares

First Impressions

La artista exhibe una obra realizada en conjunto con María Eugenia Errázuriz.

Muestra colectiva curada por la artista Soledad Salamé, f u n d ad o r a d e S o l P r i n t Studios.

Hasta el 8 de octubre Galería Artium Alonso de Córdova 3102, Vitacura

Hasta el 30 de noviembre Stevenson University 1525 Greenspring Dr Maryland, EEUU

* www.arteallimite.com/mariaelenaetchepare

* www.arteallimite.com/rubyyunis

www.ar teallimite.com

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PERFIL ARTE

los + vistos En www.arteallimite.com durante septiembre 2012

Salustiano / macarena vicuña / claudia parodi alejandra raffo / nieves mac-auliffe / Alejandra bisquertt

Entrevistamos a nuestros

Artistas para conocer lo más reciente de su trabajo

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PerfilArte

www.arteallimite.com/artistas Arte global | nacional e internacional | más de 400 artistas

PERFIL ARTE

Andrea Ringeling Arte con raíces Por Antonella Galarce, periodista.

Inspirada primero por las tradiciones de los pueblos mapuches y aymaras y luego por figuras y símbolos de distintas culturas americanas, las obras de la artista visual Andrea Ringeling poseen una rica complejidad de tonalidades, texturas, luces y sombras donde se mezclan sus propias emociones y las del espectador. “Es gratificante observar cuando mis obras producen en las personas estados que las conectan con sus propios recuerdos y experiencias”, señala. Para Andrea, el arte ocupa gran parte de su cotidianidad, mantiene un horario de trabajo definido y riguroso; “siempre sentí atracción por elementos como la madera, el adobe, las grietas de las paredes… traslado esos recuerdos a la tela en un plan no muy definido, ya que a veces parto con una idea que termina en algo totalmente diferente”. Actualmente, la artista se encuentra preparando una exhibición en la Galerie Lee, en París, Francia, que se inaugurará al público en noviembre; “acabo de exponer esta muestra en la Galería SWT de Alonso de Córdova, la que tuvo una muy buena acogida por parte del público”. Sobre el futuro, Andrea advierte que se encuentra disfrutando la oportunidad de exponer fuera de Chile, a la espera de los resultados de esta experiencia.

• Detalle “Abundancia”, 2012, técnica mixta, 80 x 100 cm.

www.arteallimite.com/andrearingeling

carolina busquets Pintura en esencia Pese a estar desde temprana edad conectada con el mundo el arte –su madre es la pintora Loreto Sanhueza-, Carolina Busquets decidió estudiar Ingeniería Comercial, carrera que aún persigue con éxito. Pero el germen del arte nunca le abandonó y tras titularse se enroló en la academia de artes y luego en diversos cursos en EEUU. La artista se inclina particularmente por la acuarela y los pasteles y dependiendo del soporte, incluye otros elementos como el lápiz pasta. “Tengo facilidad para el dibujo y en general mi obra es más bien figurativa”, explica. Para Carolina, el arte es una necesidad: “he aprendido a crear desde la felicidad y la pena, en las más variadas circunstancias. Para mí la creación estética es un fin en sí mismo, me siento plena como persona cuando estoy creando. Pero también llevo dentro la búsqueda de la belleza, la búsqueda de un ideal clásico, la esencia de las cosas en su estado más puro”.

Actualmente, la creadora está trabajando en el Design Lab, la nueva escuela de Diseño de la Universidad Adolfo Ibáñez, lo que le permite mezclar su formación como ingeniera con el arte. Asimismo, se encuentra constantemente presentando sus obras en muestras colectivas de arte postal. www.arteallimite.com/carolinabusquets

• “Desolación II”, serie Encuentro de Artistas por la no violencia contra las mujeres, 2012, acuarela sobre papel, 16 x 20 cm. aprox.

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PERFIL ARTE

isabel barros El don del retrato Por Antonella Galarce, periodista.

“El retrato, la observación y la necesidad de plasmarlo nació conmigo”, señala Isabel Barros, explicando que “desde que tuve uso de razón sentí mi vocación hacia el dibujo y la pintura como algo instintivo”. Dedicada a desarrollar el género clásico del retrato, esta artista autodidacta -y especializada en un diplomado de figura humana en la Universidad Católica- asegura que el arte es parte de su esencia. Se inspira usualmente en el concepto de familia, en la observación de escenas cotidianas familiares; “mi proceso creativo se va logrando a través el trabajo.

Actualmente realizo retratos por encargo y me gusta mucho lo que hago. Quiero seguir experimentando con otras técnicas que puedan hacer mi labor cada vez más entretenida e interesante”. A partir del registro fotográfico y mediante la pasta con óleo, la artista maneja de forma sobresaliente las texturas, las luces y sombras, realizando figuras con siluetas desdibujadas, que subrayan el aura casi sobre natural de sus personajes. Isabel asegura que su desafío es alejarse de las imágenes “acartonadas”, con la seguridad de que el retrato es don de nacimiento, un talento que muy pocas veces puede adquirirse. www.arteallimite.com/isabelbarros

• “Antofagasta Perdida”, 2012, óleo sobre papel, 150 x 70 cm.

Miguel de LanÚ El gesto de lo abstracto Por Valentina Acuña, periodista.

Desde temprana edad, Miguel de Lanú vivió rodeado de brochas, lienzos, telas y artistas. De madre artista, personajes como Nemesio Antúnez eran parte de su cotidianidad. A los nueve años tomó un lápiz y comenzó a dibujar a su padre mientras dormía: fue así como su madre descubrió su talento y le apoyó en su desarrollo. A pesar de contar con herramientas y habilidades, el artista se dedicó al área audiovisual, carrera que ha desarrollado con gran éxito. Sin embargo, con el pasar los años, la necesidad de expresarse fue creciendo y se dedicó a fotografiar artefactos, como por ejemplo puertas, para plasmarlas en tela. Pero no fue suficiente, lo que era un hobby necesitaba más dedicación. Compró telas y óleos, modificó su casa para adaptar un taller y nació el artista. Su especialidad es el arte abstracto con gran uso de colores; “pasé por una época de mucho rojo, tengo muchas piezas que son sólo rojos” Hoy, los colores fuertes están siendo reemplazados por la suavidad de los ocres y actualmente está trabajando en la mezcla de óleo y papel, donde a través de espátula, “se da una textura diferente, es todo un mundo nuevo”. Si bien ha pasado por diversas tendencias, el artista continúa plasmando su pasión, frustraciones y alegrías en telas de gran formato.

• Detalle de “Retrato Familiar” . 2007, técnica mixta, 200 x 140 cm.

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www.arteallimite.com/migueldelanu

PERFIL ARTE

nicole reiss Del ser humano y algo más.

Por Bernardita Garib, artista y escritora.

• “Recuerdos del futuro”, 2012, técnica mixta, 55 x 75 cm.

El mundo artístico de Nicole es variado. Entre grabados, arte digital, obras en acrílico y técnicas mixtas, la artista representa un tema recurrente en su obra: el ser humano y la unión entre hombre y mujer. En sus primeros trabajos, Nicole exhibió una faceta más erótica y sensual de la vida entre ambos sexos y el encuentro espiritual que surge de la sexualidad. Inspirada en la mitología griega y el concepto de la sabiduría basada en la unión de los géneros, la “agnosis”, realizó una serie de grabados de gran contenido emocional y sensual. “No se trata sólo de lo físico y tangible, hay algo que va más allá de lo que podemos ver o palpar con los sentidos”, dice. Este encuentro espiritual entre el hombre y la mujer, y su inquietud por lo que sucede en nuestras almas y mentes, llevó a la artista a trabajar en “Recuerdos del Futuro”, serie que busca develar lo que está en nuestra psiquis y que no siempre somos capaz de ver; “el inconsciente es un lugar no tangible, donde hay mucha imagen, sueños, deseos. Es atemporal y me interesa representar cómo el hombre y la mujer se conectan desde otro lugar”. Éste es el punto de partida de su próxima muestra, donde expondrá trabajos de diversas técnicas, logrando gran riqueza técnica y cromática. www.arteallimite.com/nicolereiss

ramón muñoz Traslapo de imagen Por Lorena Venegas, periodista.

Corría el año 2003 y Ramón Muñoz, estudiante de Arquitectura, se dio cuenta de que quería algo más; “necesitaba un lugar donde estudiar distintas técnicas de expresión y creación”. Así llegó al Campus Oriente de la Universidad Católica, donde pudo conocer y mezclar distintas artes; “no hay límites entre crear y vivir. Creo que estamos aún en pañales con respecto a comprender cómo con el pensamiento creamos nuestra realidad”. Para Ramón el arte nace como una necesidad de re-crear experiencias, de hacer un mapeo y comunicarlas. Al observar su creación se evidencia cómo las imágenes esconden su forma; “en mi técnica traslapo medios como la fotografía, la imagen cinematográfica, la impresión en distintos soportes, la pintura, el dibujo y el borrado de estos”. Dependiendo de la obra será la manera en que ésta pierde su forma, donde puede haber correspondencia con estados extáticos u otros vinculados a la neurosis; “en el proceso de arme y desarme busco a nivel intuitivo que no se me cierre la imagen; el no poder apropiármela del todo, el que desde esa extrañeza y misterio me esté constantemente hablando, como una imagen viva”. Hoy está experimentando con el vidrio como soporte para crear figuras tridimensionales. Sus obras pueden visitarse en la Galería Isabel Aninat. www.arteallimite.com/ramonmunoz

• “Stasis”, 2012, impresión digital y óleo sobre tela, 140 x 100 cm.

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PERFIL ARTE

Patricia soto arte desde el alma Por Javiera Calderón , periodista y Juan José Santos, crítico de arte.

En las obras de Patricia Soto existe una singular combinación entre las formas y el color, entre lo matérico y lo intangible. Sus comienzos en el mundo de las artes visuales son casuales; “fue la necesidad de crear, de salir de la estructura del diseño local, que daba poca posibilidad de proponer ideas nuevas, la que me llevó al arte. El inicio fue casual, una amiga me pidió asesoría para tomar clases de pintura y en ese momento me sentí cómoda con la libertad de crear.” En su búsqueda de técnicas pasó por el lápiz, los acrílicos, o diversos materiales que iba mezclando hasta obtener el resultado que más le interesaba. Esto en cuanto a la superficie exterior, en cuanto al espíritu de la obra, Patricia expresa un viaje introspectivo; “muchas veces entro en conflicto con mis propuestas, pero siempre nace una nueva tarea interna de crear, siento en forma interna la necesidad de plasmar obra en algún soporte. La pasión por crear, por sentir un proceso que viene del pensamiento interno, expuesto a la realidad propia del día a día”. Su pasado como diseñadora gráfica está patente en su manera de abordar la obra de arte, intentado comunicar al espectador sus inquietudes de una manera directa. Patricia Soto continúa con su labor artística aunque su intención es trabajar también en otros campos; “estoy trabajando en varios proyectos relacionados con cultura, quiero estar del otro lado de la creación, la gestión de cultura.”

En su meta el objetivo final está claro; “seguir creando, haciendo gestión y arte desde el alma, ya que no puedo vivir sin la creación y la inspiración.”

www.arteallimite.com/patriciasoto

• “Autorretrato”, serie Sueños Prohibidos, óleo sobre lienzo, 120 x 150 cm.

Nelson Maglio Olate EROTISMO VITAL Por Denise Madrid, periodista.

El pintor Nelson Olate se mueve en las líneas del realismo, del cuerpo humano y el erotismo. “Soy un solitario autodidacta, que en cada trazo profundiza su oficio sin prejuicios arbitrarios que ofusquen mi obsesión por expresarme libremente, sin patrones impuestos”, señala sobre su trabajo. La pintura se configura como un acto vital para el artista, donde viven las emociones que le provocan el color, la luz y la sombra, no experimentar esto sería como ignorar la esencia de la vida, según sus palabras; “pinto lo que me emociona, lo que conozco, lo que me hace terrenal y objetivo con la fuerza somática que me produce el estar en contacto con lo corporal, resca-tando la gestualidad que no está predeterminada, pues tiene variaciones según el momento que singulariza a cada ser”. Nelson Olate está a cargo del Taller 56 desde el año 2004, espacio que define como su creación y su fascinación; “en él, trabajo, enseño y cada día crezco junto a mis alumnos en este oficio en el que nada es definitivo”. En la actualidad, está preparando su exposición “Sueños Prohibidos”, que se inaugurará en noviembre próximo en su propio taller ubicado en Isabel Riquelme nº 2 Barrio Bellavista.

• “ZEN / dero RANJADO” , 2012, técnica mixta, 20 x 20 cm.

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BARRIOVISIÓN

BARRIOVISIÓN

VALPARAÍSO Pre- textos y di- vagaciones Porteñas1 Vórtice. Laberinto vertiginoso, caleidoscópico. Caminable bizantinamente hasta el infinito. Podemos pensar que el mismo tránsito por la ciudad genera esta estética-estática de la supervivencia, que exige determinación para no olvidarse del mundo en el inquieto recorrido del auto-bus. Su topografía nos marea. Se duerme en las alturas, se vive corriendo cuesta arriba - cuesta abajo, y simultáneamente en ese desplazamiento se percibe al gran mar, acechando con sus olas. Valparaíso es un buen lugar para respirar y relajarse. Para soñar y para volar. Valparaíso no es un lugar para encontrar trabajo. No es un lugar para conocer gente nueva. En Valparaíso las personas están siempre en el latido constante de persistir. El trabajo rudo y concentrado o, el proyecto soñador y lejano.

Por Lucía Rey, licenciada en artes

todas las Fotografías han sido seleccionadas por nuestros amigos a través de un concurso de nuestro facebook.

Jorge Ruiz

“Valpito, Volando vengo, volando voy” primer lugar Concurso “buscamos el mejor ángulo de valparaíso”

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BARRIOVISIÓN valparaíso

María Mardones

Mención Honrosa

¹ Valparaíso un lugar descubierto pero no fundado en el siglo XVI, saqueado por piratas europeos, habitado por gitanos de mar, lugar que fue olvidado por los conquistadores, llamado Ali Mapu (país quemado) tras los bombardeos que sufrió en el siglo XVII. Su casco histórico fue declarado como Patrimonio Cultural de la Humanidad por la UNESCO en el año 2003. Esta zona es la Iglesia La Matriz, Plazuela Santo Domingo, Plaza Echaurren, Calle Serrano y entorno, Muelle Prat, plazas Sotomayor y Justicia, Museo del Mar, Calle Prat, Plazuela Turri y entorno, intermedio entre cerros Alegre y Concepción. Declarado Monumento Nacional es el Palacio Baburiza (Paseo Yugoslavo del Cerro Alegre). Como Zona Típica el sector de la Iglesia Matriz del Salvador y el área en torno a la plaza Aníbal Pinto.

D

esde su puerto acoge con una brisa que refresca, y en medio de sus casi 50 cerros, hipnotiza. El lugar del estudiante soñador, del turista curioso y del paseante despreocupado. El lugar también del zombi que olvida el tiempo. El lugar del bohemio en donde la noche es lo normal.

El vino y los libros. Los fragmentos que reciben los recuerdos.

Los fragmentos olvidados en el suelo de un puerto reciclado.

Los fragmentos patrimoniales. La plaza Aníbal Pinto, con su Neptuno, recibe a los transeúntes que palpitan a la espera de algún signo mnémico. Los rostros llegan ahí, se observan, se conocen, se saben. Se hablan. No se hablan.

www.facebook.com/artealllimite

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BARRIOVISIÓN valparaíso

Claudia cortés brown

Mención Honrosa

El recorrido obligatorio para el visitante y el habitante: la “Feria de las Pulgas” imperturbable en la Av. Argentina, llegando al polémico asiento del Congreso Nacional, ubicado frente a la librería “Crisis” que se mantiene quieta y serena cada 21 de mayo. Siempre presente el juglar porteño, en torno a la plaza Victoria, que tras un gesto tragicómico nos alienta con su sonrisa increíble, a seguir circulando el puerto imaginado.

Sólo en la poética de circular el puerto que imaginamos es que se logra penetrarle, para llegar a una presunta esencia mítica y magnética que atrae y repele, que absorbe y expulsa.

Cual sistema de tránsito vital, se insiste con vigor en el tráfico cultural, que permite comprender el lugar desde una poética

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amable y transformadora. Así, si subimos por la calle Cumming hacia el cerro Cárcel, se puede encontrar el Parque Cultural de Valparaíso, que sin desenmarcarse del agotamiento melancólico porteño, se presenta como un lugar perfecto cuyo pasado sigue pulsando el trabajo estético de muchos.

Como dice la canción: “Pero este puerto amarra como el hambre, no se puede vivir sin conocerlo”… No hay extranjero que no se enamore del lugar, no hay capitalino que no busque un momento para estar allí. El porteño, que a veces no es más que un visitante enamorado del mar, de los cerros y de la noche, se queda hipnotizado por el viento que seguramente le promete libertad.

nieves mac-auliffe

nieves mac-auiliffe

Con su exposición “Accidente y Orden”, la artista visual chilena continúa su investigación sobre la naturaleza, esta vez con una instalación en el centro extensión DUOC, Edificio Cousiño del puerto.

Inaugura instalación en Valparaíso

Por Antonella Galarce, periodista.

Fotografía cortesía de la artista.

• “Orden y accidente”, 2012, fotografía digital. Fotografía por Piedad Garcia.

P

ara Nieves, la naturaleza ha sido desde siempre una fuente de inspiración. Esto, sumado a su fascinación por la madera y el papel, la condujo a encontrarse por accidente con un cúmulo de ramas quemadas, la que dispondrá en un orden específico y en formato de instalación en Valparaíso.

En esta, su primera instalación de gran formato, la artista partiendo desde su esencia por respetar y cuidar la naturaleza, siendo gran amante de ella, abordando su belleza en sus últimos años de trabajo, no pretende apelar a grandes discursos medioambientales, sino que hacer énfasis en la materialidad del elemento escogido. “Siempre es bueno producir en el espectador un tema de reflexión, pero mi texto es trabajar con la naturaleza, con objetos encontrados en ella. También me interesa mucho investigar sobre la acumulación del material, de hecho la muestra consiste en la instalación de más de 500 ramas quemadas, llenas de hollín, colgadas desde el techo rodeando el espacio. Hay un contraste cromático entre el muro rojo de la sala y el negro de las ramas, donde se complementan”.

Con esta obra, la artista culmina un círculo creativo que comenzó de manera intuitiva, primero con estudios de arte en la Universidad Finis Terrae, luego con estudios de grabado en litografía, en Barcelona España, donde conoció el increíble mundo del papel. “He hecho papel a mano, pelando la rama para elaborarlo, de ahí lo he

llevado a grabados y cuadros; he comprado y recolectado papel y ahora sin darme cuenta trabajar con la ramas ha sido como volver al origen”, señala.

Nieves admite que sus obras anteriores siempre estuvieron “muy pegadas a la muralla” y que la posibilidad de contar actualmente con un espacio de trabajo más amplio –su nuevo taller en Melchor Concha y Toro, Bellavista- le ha permitido “llevar a cabo sus sueños”, tanto de tener una casa propia recién restaurada, pudiendo compartirla con mas artistas, a poder crear obras de grandes dimensiones.

La exposición, que se inaugura el 27 de octubre a las 12:00 horas y que se puede visitar gratuitamente hasta el 28 de noviembre, se emplaza en el Edificio Cousiño, actualmente sede del Centro de Extensión DUOC en Valparaíso. El histórico edificio fue construido entre 1881 y 1883 a petición de Isidora Goyenechea y en memoria de su esposo, el empresario Luis Cousiño. Ubicado a la altura de Pasaje Ross, entre las calles Blanco y Errázuriz, este edificio ha sido testigo de la transformación urbana de Valparaíso, y nos habla de la época de esplendor de la Ciudad Puerto. Con el paso del tiempo, el inmueble sufrió graves deterioros a causa de su abandono (por lo que se le conoce como la ex ratonera) y con el fin de protegerlo, fue declarado Monumento Histórico en 1994.

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cecilia campos

cecilia El arte de campos la dualidad Obras de gran tamaño, materiales puros. Piedra y mármol. Volúmenes limpios y pulcros, los que encajan en una o más partes. Figuras abstractas. Así es el arte de Cecilia Campos, escultora nacida en 1947, dual. Dos volúmenes, a veces más, que dialogan íntimamente entre si, formando una energía única y especial. Volúmenes con gran fuerza en si mismo, volúmenes que al mirarlos transmiten energía pero que al mismo tiempo son simples y puros.

Por Alejandra Torres, periodista.

Fotografía cortesía de la artista.

“

Yo trabajo lo que siento, lo que sueño y también lo que callo”, nos cuenta Cecilia. Nos cuenta también de su proceso de trabajo. De cómo de la arcilla hace una maqueta, las veces que sea necesario, hasta lograr lo que tiene en mente. Luego elige el mármol que va a tallar. “Miro mis mármoles y después de pensarlo mucho, encuentro el preciso”. Recién ahí empieza a esculpir y tallar. “Después viene todo un proceso de adaptación de la maqueta a la piedra, a veces cambiando completamente hasta quedar tranquila, sabiendo como va terminar la obra. Es un proceso largo y silencioso donde se sufre, se goza, se cansa, hasta llegar al final”, relata.

Ha trabajado los símbolos de la figura femenina y la abstracción de las formas en la piedra, el mármol y el bronce.

La textura natural de los elementos y el brillo que logran una vez pulidos. Dos caras de una misma moneda.

Por estos días está empezando a pensar en una nueva serie de esculturas, “proyectándola”. “Estoy muy concentrada… En lo más profundo de mi ser. Es una época de pensar mucho, de vida serena, de ver a mi alrededor”, nos explica. “Es un momento muy especial en el que se necesita estar en silencio para empezar nuevas obras”.

Uno de sus proyectos favoritos, fue el de las “Moradas”. “Esas esculturas tienen algo de mágico. Proyectan una gran introspección y un silencio absoluto, tienen algo de mágico y una pureza que dan una tranquilidad de espíritu”, recuerda de la muestra de 2008, que Carolina Abell definió como “un grupo de esculturas de formas tan simples, tan austeras y tan ancestrales que remiten a volúmenes arquitectónicos que se transforman en espacios arquetípicos, por los cuales se puede vagar incansablemente”.

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• “Machimbre 2”, 2011, granito y del mármol de carrara, 90 x 90 x 50 cm.

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AR TV

20 años de

ar tv

Por Juan José Santos, periodista y crítico de arte. @andyjuanjol Fotografía cortesía de AR TV

¿

El canal ARTV cumple 20 años, estableciéndose como el más longevo del país. Con contenidos exclusivos de cultura y de arte, ARTV es un referente único en la televisión chilena.

Hablamos con Natalia Arcos, directora de programación del canal, sobre la evolución de ARTV y los deasfios que se están planteando para el futuro.

• Natalia Arcos entrevistando a la artista Orlan.

Cómo empezó la aventura de ARTV?

Comenzó en el año 1992, y ha día de hoy es el único canal de cable que se mantiene. Lo fundó Eduardo Tironi. Al principio eran contenidos envasados, pero en 1994 salieron contenidos propios; con programas culturales. Tuvo un peak pero a partir de mediados del 2000 empieza a bajar, y el modelo en ese momento se convierte en algo poco viable de mantener. Lo compra Luis Venegas, que me contrata a finales del 2008, como directora de programación.

La misión fundamental era renovar el canal, con una línea más acotada de contenidos: arte, difusión de creación, visuales, cine, literatura. Y reforzando los contenidos latinoamericanos.

Tenemos acuerdos de intercambio con casi todos los países de la región, retransmitimos muchos contenidos de brasileños, peruanos, colombianos, mexicanos…Queremos acercar a los vecinos, aparte de continuar con esa pedagogía de arte. ¿Cómo ha sido la aceptación del público a los cambios?

El primer año fue más experimental, con unos cambios que fueron llamando la atención, corrió la voz que el canal estaba evolucionando, “Chile exportación” fue quizás el que más llamó la atención. A mediados del 2011 hicimos un estudio y fue muy satisfactorio ver que estos ideales que uno tiene se han venido

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cumpliendo, el espectro socioeconómico del espectador del canal también cambio; llegamos a más gente. Y el espectro de edad, que antes era de 60 años para arriba, ahora está entre los 35-50 años. Eso nos ha permitido verificar los resultados del proyecto. ¿Cuál va a ser la evolución, el futuro del canal?

Estamos en medio de varias transiciones, el sitio web cambia el diseño, y la manera de hacer las promos también va a cambiar.

Lo que queremos conseguir es que el canal se convierta en una pieza de arte, que no solo sean contenidos sino que se vean como piezas de arte. Empiezan nuevas temporadas de varios programas, de teatro, de literatura, y empezamos con contenidos infantiles. Micro-programas sobre oficios de arte explicados a niños en capsulas de dos minutos. Al ser el único canal de cultura, es natural que exista una responsabilidad social, por eso hay documentales medio ambiente, el tema educativo, cosas que no hacen en Tvn. ¿Y 20 años más?

Ojalá, 20 años más, y que la televisión digital terrestre nos permita llegar a más gente, y que Tvn sea un canal público, participar con ellos, ser hermanos… si se da ese contexto, sino se da nunca continuaremos peleando.

EN EL TALLER

Eduardo Garcés viaje a la nostalgia (en tren)

En el taller de Garcés se escuchan los ecos de un silbato lejano. Nos avisa de la llegada de un tren. Un tren sin pasajeros que atraviesa nuestra mirada y nos transporta a la siguiente estación.

Por Juan José Santos, crítico de arte @andyjuanjol Fotografía cortesía de Juan José Santos.

• Taller de Eduardo Garcés.

S

ituado en el barrio de Ñuñoa, el taller en el que trabaja Eduardo Garcés es un refugio tranquilo, ordenado y silencioso. Tan sólo se escuchan ecos de los silbidos de los trenes que un día atravesaron las regiones de Chile. Él los rescata del pasado por una cuestión simple: pasión. Charlamos con Garcés en su taller, en el que también trabajan artistas de otras disciplinas, como la textil. ¿Qué es para ti el taller?

Lo es todo. El refugio del trabajo, donde estoy yo solo con la pintura, donde pienso futuras obras, es la base de la creación.

No es sólo el taller, el barrio también me inspira, como barrio tradicional, tranquilo.

Trabajas en un taller colectivo, ¿es positivo para tu trabajo?

Si, es súper positivo. Puedo tener una visión distinta ante una duda, o sugerencia. Trabajan en diferentes disciplinas pero también manejan el color en su área, es positivo tenerlo a mano.

Supongo que ya te lo habrán preguntado muchas veces, pero ¿de dónde viene esa obsesión por los trenes?

Me apasiona, me encantan los trenes. Hay mucha nostalgia con este tipo de trenes porque ya se acabo esa época, ya no existen esos trenes. Solo quedan fotografías de aquella época. Es volver al pasado. Recrear una fantasía.

“El taller es el refugio del trabajo, donde estoy yo solo con la pintura, donde pienso futuras obras, es la base de la creación”

¿Qué quieres transmitir con tu trabajo al espectador?

Una sensación de alegría. De que la obra sea un soporte al recuerdo de la persona. Que sea ella la que complete ese vacío que queda con su presencia.

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