Periódico nº 79 / Marzo 2012 by Arte al Límite

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SANTIAGO DE CHILE, MARZO

gratuita

2012 artes visuales Nº 79

G o n z a l o

Especial de Tecnología

M e z z a

La tecnología está presente en todas partes y el arte no se queda afuera. Muchos artistas han decidido trabajar con soportes digitales y los mismos museos han abierto nuevos espacios para que los visitantes interactúen con estas obras.

Historias en redes sociales

Entrevista

Diversas anécdotas en torno a las redes sociales y a Internet son las que nos cuentan algunos artistas que han decidido formar parte de la web para dar a conocer su trabajo e interactuar con el público.

A pocos días de dejar su cargo como director de la Dirac, Horacio del Valle evalúa sus dos años de trabajo, los proyectos que potenciaron las artes visuales en el extranjero y los desafíos pendientes.

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EQUIPO

Ana María Matthei directora /Ricardo Duch director /Cristóbal Duch asesor comercial /Catalina Papic directora de arte/Camila Duch proyectos culturales /Angélica Navarro editora /Yuriko Takahashi periodista /Camila Jofré diseñadora gráfica y mult. / Valentina Figueroa practicante diseño / Claudia Mesegué periodista /Mariana Vukusich licenciada en historia /Francisca Medina historiadora de arte/Paula Barrera licenciada en letras /Pamela Olavarría historiadora de arte /Ernesto Muñoz crítico y asesor de contenidos/Ennio Bucci crítico /Enrique Solanich crítico /Julio Sapollnik crítico - Argentina /Pedro Labowitz crítico /Manuel Munive crítico - Perú /Maite Gallego gestora cultural /Bernardita Garib escritora y artista /Jorge Azócar asesor/ Patricio Schmidt asesor / Gabriel Núñez asesor de comunicación /Ignacio del Solar asesor /Paulina Sepúlveda ventas | ventas@arteallimite.com

EDITORIAL

omo si de una película de ciencia ficción se tratara, nuestras vidas se han ido mezclando, poco a poco, con la alta tecnología. Actualmente vivimos rodeados de pantallas de todas las clases, teléfonos celulares, televisores, computadores, LEDS gigantes ubicados en calles y grandes zonas… Ahora esas relaciones mediadas por tecnología han llegado a un nuevo espacio: los museos –quizás el último lugar en el que podría esperarse la llegada del progreso científico –, a la creación y, en definitiva, a todos quienes disfrutamos de aquellas producciones que nacen del raciocinio y sensibilidad de los artistas de ayer y hoy. Como todo, el arte, y su forma de verlo, ha ido evolucionando. La cultura, desde siempre, ha formado parte del progreso de la humanidad, sin embargo, ahora es este progreso el que le da un empujón al arte, acercándolo más al público, globalizándolo hasta límites extremos. Por eso, en este número hemos decidido hablar de las nuevas experiencias que ligan las artes visuales a la tecnología. Los chilenos, según el estudio el estado de Internet en Chile 2011, pasan aproximadamente 25 horas al mes conectados a Internet, tiempo que hoy en día podrían ocupar para visitar museos, galerías, exposiciones y obras de arte en general, alrededor de todo el mundo. Y es que las pinacotecas más importantes del globo se han ido modernizando, ofreciendo a través de la red información detallada de sus artistas, colecciones y muestras, e incluso la posibilidad

de hacer tours virtuales, a todo aquel que tenga un tiempo para “visitarlos”, aunque sea desde el living de su casa. Así, la experiencia del público frente a las artes visuales ha adquirido una nueva dimensión, haciendo mucho más realista e inmediata la relación con grandes obras de todos los tiempos. Museos de reputación mundial como el Louvre, el MoMA o el Tate Modern han publicado sus colecciones en la web, han desarrollado aplicaciones para teléfonos inteligentes y tienen una activa relación con sus espectadores a través de las redes sociales. En Chile el Centro Cultural Palacio La Moneda ha seguido por la misma senda, desarrollando espacios de interactividad en sus salas, y a través de las pantallas. Asimismo, los artistas han tomado estas mismas herramientas e incluso más –sensores, luces, circuitos eléctricos, por nombrar algunos– y las han llevado al plano creativo. Ya no sólo los óleos, arcillas u objetos sirven como canalizadores de sus inquietudes; también, nuevamente, la tecnología ha traspasado este ámbito. Y más aún: al igual que muchos espacios culturales, a través de la web ellos mismos se han hecho cargo de la relación con su público. De esta forma, en una era en que los avances científico -tecnológicos avanzan a la velocidad de la luz, el arte también ha dado sus pasos, y poco a poco se sube al carro. Probablemente muchos más cambios están por venir. Veremos cómo todos estos actores se van sumando a estos nuevos desafíos.

SUMARIO

06 .

Una nueva era

10 . 12 .

Leonardo Da Vinci en Chile E n t r e v i s t a a H o r a c i o d e l Va l l e

16 .

Marco Bontá

18 .

Críticas

22 .

Agenda Santiago

24 .

Agenda Regiones

26 .

A g e n d a We b

28 .

Historias en las redes sociales

30 .

Pe r f i l / A r t e

36 .

Nieves Mac-Auliffe

37 .

Fr a n c i s c a L o h m a n n

39 .

Museos 2.0

44 .

Arte en la era digital

46 .

ArteUSA

REPRESENTANTE LEGAL Orlando Calderón F. VENTAS info@arteallimite.com SUSCRIPCIÓN: marketing@arteallimite.com FONO-FAX 955 32 61 WEB www.arteallimite.com PORTADA Edición Nº 79 / Gonzalo Mezza: “8 = 8.

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Infinity The Virtual Museum Project”, 1994-2010, instalación multimedial, LEDs, sonido, proyección sobre LCD, videos, 88 imágenes digitales, 16 cybergrabados en cajas acrílicas. Internet, 3,20 x 7,40 x 25 m., dimensiones variables. Imagen cortesía del artista y de Galería CAIXA Cultural, Río Janeiro 2010, Brasil.

IMPRENTA R.R. Donnelley Santiago, Chile Las opiniones vertidas en este medio son de exclusiva responsabilidad de quienes las emiten.

reportaje

tecnología y creación

una nueva era En la búsqueda de nuevos lenguajes y propuestas artísticas, varios artistas han experimentado con materiales que hace algunos años ni se sospechaba que terminarían en un museo o una galería: pantallas, luces, conexiones eléctricas, sistemas computacionales y otros elementos dan vida a novedosas obras de arte, como las de los chilenos Gonzalo Mezza, Yto Aranda, Cristóbal Riffo y Catalina Abbott. Por Yuriko Takahashi V., periodista

on propuestas novedosas y que refuerzan algo que es, hoy por hoy, una realidad global: la tecnología es parte de la vida diaria de las personas. Varios artistas han querido hacerse cargo de esta situación y han creado una obra que hace uso del computador para ciertos procesos, que utiliza diferentes medios virtuales o digitales –como internet, luces, circuitos eléctricos, pantallas y sonido– o que apelan directamente a interactuar con su público. Son los precursores de un tipo de creación que cada vez tiene más adeptos, situación que incluso los ha llevado a crear su propio diccionario de conceptos. Esta familiaridad con la tecnología es bastante propia de las nuevas generaciones y, tal vez, se podría pensar que son aquellos artistas más jóvenes quienes están desarrollando este tipo de propuestas. Y es cierto que el tema tiene cada vez más penetración entre artistas jóvenes. Sin embargo, hace ya varios años algunos tomaron este camino. Gonzalo Mezza: Octavo arte Desde los años ‘70 que el artista Gonzalo Mezza trabaja con

• Catalina Abbott, “Sin título”, dibujo digital intervenido con pastel seco y graso, carboncillo y acrílico, 50 x 70 cm. Imagen cortesía de la artista

propuestas conceptuales en torno a los medios electrónicos, con varios trabajos emblemáticos: por ejemplo, la muestra “Homenaje a Picasso”(1974), en el Museu Picasso de Barcelona, donde realizó una instalación a partir de nueve proyectores, imágenes y sonido –muestra que revolucionó el medio catalán– y la iluminación del Palacio de la Moneda en 1994 a partir de rayos láser, computadores y luces. Luz, cámaras, videos, computadoras, internet, imágenes digitales, DVD y arquitectura convergen en un lenguaje propio que Gonzalo denomina “Octavo arte”: “esa otra dimensión abierta que equivale a la vanguardia multimedial y la exploración de la imagen, expresado virtualmente en gigas, megas y bytes. Hoy el pensamiento y la creación en estados numéricos de ceros y unos infinitos se pueden preservar y materializar utilizando diversos soportes digitales multimediales”, explica este artista con ya más de cuatro décadas de trayectoria en Barcelona, siendo uno de los precursores, junto a Antoni Muntadas, de la creación en video España. Es así como Mezza crea instalaciones de grandes dimensiones que expresan el sentido que para él tienen el arte, la

• Cristóbal Leonardo Riffo G, “La Desaparición de una Familia”, 2011, instalación interactiva. Imagen cortesía del artista.

energía, la información y la importancia de la cultura digital. Su último trabajo, “8 = 8 The Virtual Museum Project” –a ser presentado en el Museo Nacional de Bellas Artes en junio– es un trabajo multimedial que se enmarca en el net-art y que muestra al público “los resultados estéticos y conceptos de una utopía hecha realidad”. Yto Aranda y la pintura electrónica interactiva Cuando estaba en el colegio tuvo en frente una consola Atari y pronto comenzó una fascinación e interés por este y otro tipo de aparatos electrónicos. Luego surgió Internet y se dio cuenta de que esta plataforma tenía un gran potencial, sobre todo para contactarse con otros creadores y tener una gran cantidad de información disponible. Es así como poco a poco Yto Aranda se fue acercando cada vez más a la tecnología, hasta que finalmente comenzó a desarrollar su arte en torno a ella, a pesar de que no se ha despegado del todo de la pintura tradicional y de vez en cuando realiza un cuadro. Denomina a su trabajo “pintura electrónica interactiva. “La llamo interactiva pues la pintura reacciona a la

manipulación o presencia del sujeto que está frente a la obra, aunque hay diferentes grados de complejidad en la interacción”, explica. Consiste en la integración de pintura, circuitos electrónicos, colores generados por pigmentos y colores generados por luz, sensores o pulsadores, sonidos y microcontroladores. Estos últimos permiten la programación y el funcionamiento de todo lo anterior. “La idea de una pintura que integrara microcontroladores, me permitía unir mis dos pasiones principales: lo virtual y lo físico o lo digital y lo análogo. No sé qué otras palabras pueden ser las más acertadas para describir estos dos mundos. Para mí, uno se desarrollaba en la creación en la pantalla de computador y el otro en la tela; esta dualidad o paralelismo se transformó en una problemática seria”. La artista, además, construye obras de arte ASCII, une técnica que consiste en la utilización de recursos computacionales, como los caracteres, para dar vida a imágenes. “Pensé que tenía que elegir un elemento común para crear unidad en mi obra y elegí el arte ASCII simplemente porque me gustaba muchísimo su visualidad y porque representaba lo digital, lo

• Yto Aranda, Roberto Larraguibel, Nury Gaviola “[re]petición[es]”, 2009, grabado acrílico comandado por procesador central quien por medio de sensores gatilla la actividad lumínica del sistema, 80 x 80 cm. Imagen cortesía de Yto Aranda.

binario, lo computín. Hace poco una persona me comentó que estaba muy impresionada por mi “pintura decodificada”. Me encantó su lectura: Pintura decodificada, ¡genial!”, comenta. Otros de los trabajos de Aranda que van en esta misma línea utilizan circuitos que va introduciendo en bases de plumavit pintadas, placas de acrílico de alta densidad talladas para atraer la luz. Actualmente trabaja con aluminio, aplicando técnicas de grabado y la electrónica. Con todo ello, la artista se suma a esta tendencia de la que varios jóvenes se están apropiando. “Se están rebelando a estar siguiendo tendencias dominantes y están haciendo lo que quieren. Eso me gusta y me da esperanza de que en Chile se desarrolle el arte desde su premisa fundamental, que es la libertad”, comenta. El grabado digital de Catalina Abbott El uso del computador ha expandido sus límites en el último tiempo. Escribir, editar fotografías y ver videos son algunas de las actividades creativas que es posible realizar. Con todas las herramientas disponibles y muchas más, incluso los mismos artistas han decidido crear obras a través de una pantalla, un mouse y un buen programa de diseño.

Ejemplo de lo anterior es lo que desarrolla la artista Catalina Abbott con el grabado digital. Esta técnica sustituye la plancha, los ácidos y resinas por un computador, una impresora y un buen papel. “Siempre he estado muy ligada a la computación, tanto en el diseño de libros como en fotografías. Uso Mac y casi todos sus programas y pensé ‘¿por qué no llevar mi arte a la computación?’ Y así sucedió”, relata Catalina. Ya lleva seis años imprimiendo en sus grabados digitales sus clásicas obras que, con un toque un tanto infantil, hablan de los derechos de la mujer, muestran su postura anti aborto o el mal uso de la televisión. Todo comienza con dibujos en papel que luego digitaliza a partir de una tableta. Luego va agregando cosas a la imagen gracias a un escáner y une todos los elementos. Finalmente los imprime y realiza intervenciones a mano con el fin de “valorizar” cada obra. De todas formas, Catalina aclara que la digitalización tampoco desplaza completamente a la manera tradicional de grabar. “Si bien es más expedito y permite imágenes y colores ilimitados, me parece que el grabado tradicional tiene una calidad

• Gonzalo Mezza, “8 = 8. Infinity the Virtual Museum Project”, 1994-2010, instalación multimedial, LEDs, sonido, proyección sobre LCD, videos, imágenes digitales, 3,20 x 7,40 x 25 m., dimensiones variables. Imagen cortesía del artista y de Galería CAIXA Cultural, Río Janeiro 2010, Brasil.

mucho más fina y un trabajo manual invaluable”, explica. Cristóbal Riffo: Con los códigos contemporáneos Una mixtura de formatos como el video, el sonido, la fotografía, la robótica y la instalación. Es así como Cristóbal Riffo define el arte electrónico, un lenguaje con el que él mismo trabaja y que, a su juicio, es uno de los grandes aportes que ofrece es la interactividad que se establece entre las obras y el público. “El espectador puede modificar tangible y conceptualmente la obra desde diferentes plataformas. Si la obra, por ejemplo, utiliza un sistema de sensores de movimiento o un programa de reconocimiento de imagen, el público podrá interactuar con ella mediante el uso de su propio cuerpo y ese movimiento puede ser traducido en cualquier acción que el artista crea pertinente, ya sea como disparador de videos, sonidos, olores, etc.”, explica. En conjunto con otros dos artistas Cristóbal fundó en 2011 en Buenos Aires “Espacio imaginario”, un proyecto que tiene como objetivo fomentar la experimentación y el aprendizaje, y dar cabida a artistas más jóvenes

y emergentes que trabajen con nuevas tecnologías, arte sonoro, arte electrónico e instalaciones, entre otros. ¿Y por qué en la capital argentina? Riffo afirma que ésta y São Paulo son de las pocas ciudades donde estas nuevas propuestas despiertan mayor interés, tanto del público como de los mismos artistas. Para Cristóbal el arte electrónico permitirá el acceso a un público más masivo “por la simple razón de que se está trabajando mediante códigos que la gente puede entender, ya que son parte de la vida cotidiana moderna”, explica y agrega: “En un momento histórico en que el espectador medio ve televisión mientras revisa su email, actualiza su Facebook y escucha música, es muy difícil poder retener su atención en una obra que no responda a los mismos códigos”. Por eso, Riffo ve para esto un futuro promisorio, tanto en Chile con en el resto de Sudamérica. “Trabajamos desde el reciclaje electrónico, aprendemos desde plataformas de código abierto, crackeamoscopiamos-pirateamos cualquier software que sea necesario para terminar nuestras obras. Este nuevo lenguaje se está ampliando día a día y eso es muy excitante”, concluye.

Leonardo Da Vinci EN CHILE Uno de los máximos exponentes en la historia del arte llega a Chile con una de las exposiciones más completas de pinturas y dibujos de las que se haya tenido registro. Se trata de “Leonardo Da Vinci en vivo”, una presentación HD que podrá ser vista los días 18 y 25 de marzo en el Teatro Nescafé de las Artes. Imágenes cortesía Teatro Nescafé de las Artes.

00 minutos, más de 60 obras y una pantalla gigante Full HD dan vida a “Leonardo Da Vinci en vivo”, un espectáculo único en el mundo a través del cual se podrán conocer los trabajos del genio italiano ícono del Renacimiento, que data entre el 1480 y el 1490. “Le permitirá al público chileno acceder a una exhibición irrepetible e histórica, de muy difícil acceso dada la lejanía donde se exhibe”, afirma Pablo Barrenechea, director de comunicaciones del teatro. “La virgen de las rocas”, “La dama con un armiño”, “La última cena”, la icónica “Gioconda” y la recientemente descubierta y nunca antes exhibida en público “El Salvator Mundi”, serán algunas de las obras que podrán ser vistas en este documental subtitulado donde el historiador Tim Marlow, junto a la anfitriona Mariella Frostrup, recorrerán la National Gallery Center de Londres, mostrando

y explicando al público cada una de estas pinturas. La muestra a causado gran expectación mundial ya que por primera vez en la historia se reunirá en un solo lugar una muestra tan completa de las pinturas y dibujos hechos por Leonardo Da Vinci. El Telegraph calificó la exhibición de “impresionante y verdaderamente notable… La mayor exposición del siglo” y The Guardian se refiere a ella como un espectáculo deslumbrante, misterioso e inquietante”. La iniciativa se logró gracias a la coordinación y colaboración de diversos directores de museos, curadores, restauradores y propietarios de distintas partes del mundo. Las entradas para las dos únicas funciones del documental, el 18 y 25 de marzo, se podrán adquirir en las boleterías del teatro y por el sistema Ticketmaster, con precios que fluctúan entre los $7.000 y los $10.000g. Toda la información se podrá encontrar en www.teatro-nescafe-delasartes.cl.

entrevistas

HORACIO DEL VALLE

“El alma de los países se refleja por el nivel de su cultura” En dos años la Dirac dio pasos importantes en la internacionalización de las artes visuales nacionales, apoyando a artistas en bienales y ferias o en la gestión de Ch.ACO, entre otras cosas. Este es solo uno de los ámbitos que se posicionan fuera de las fronteras del país, y que a partir de mediados de marzo quedarán en manos de Germán Guerrero. Por M. Angélica Navarro Ovalle, periodista Imágenes cortesía de Dirac

exactamente dos años –o un poco más– de haber asumido como director de la Dirección de Asuntos Culturales del Ministerio de Relaciones Exteriores (Dirac), Horacio del Valle deja el cargo para asumir un nuevo desafío: hacerse cargo de la Embajada de Chile en Suecia. Conversamos con él acerca de las orientaciones de su administración durante este período –que se vio marcada por un giro estratégico hacia la sistematización de la gestión– , de los logros y proyectos que se concretaron en materia de artes visuales y de los desafíos para Germán Guerrero, ex embajador de Chile en México, quien tendrá la tarea de internacionalizar la cultura chilena durante el resto del actual gobierno. —Uno de los lineamientos estratégicos de las Políticas Culturales 2011-2016 es “Contribuir a instalar los bienes y servicios artístico-culturales en el escenario internacional”. La Dirac se dedica específica y exclusivamente a posicionar la producción nacional en el extranjero. ¿Por qué es tan relevante hacer este trabajo? —Porque el alma de los países se refleja no por sus políticas ni por su éxito económico, sino fundamentalmente por el nivel de su cultura, de su creatividad, de su reflexión en torno a los problemas humanos llevada a la creación. Entonces es imprescindible que el tema cultural, que en Chile está extraordinariamente bien desarrollado, se exteriorice y se sistematice la forma de hacerlo. A eso apuntan las políticas públicas culturales en materia internacional. Además, por su esencia, la Dirac es una unidad que se ocupa de la diplomacia cultural, es decir, de aportarle a nuestras misiones los elementos e insumos para que ellos hagan su trabajo en distintos planos. Asimismo, la cultura contribuye a nuestra gestión diplomática e incluso responde a las prioridades de la política exterior del país. —¿Cree usted que hay cada vez mayor interés

de los creadores nacionales por internacionalizar sus carreras? ¿Cree que hay más conciencia de que esto puede darles mejores oportunidades? —Eso es una tendencia absolutamente global. A las personas no sólo les interesa conocer lo que hacen los demás sino dar a conocer lo que están haciendo. A ese fenómeno natural en el siglo XXI se le debe adicionar un elemento extra: el mercado chileno tiene sus limitaciones. En consecuencia, si uno va a generar platea, qué bueno que vayan muchos chilenos a ver nuestras películas o exposiciones, pero evidentemente al artista, cineasta, dramaturgo o novelista le gustaría que fueran muchísimas más las personas que conocieran su obra. Las limitaciones que tiene el ámbito chileno se resuelven con la internacionalización de nuestras creaciones. Es una tendencia absolutamente natural. Significa más espectadores, más compradores, más coleccionistas, además de un tema importantísimo en cuanto a la trascendencia del alma de Chile. —Desde que usted está a la cabeza de la Dirac hubo un cambio estratégico importante. ¿Cuál fue el diagnóstico que hizo necesario este cambio? —Básicamente es una reflexión en torno a un tema de gestión, de aprovechar de una mejor forma los siempre insuficientes recursos en el ámbito de la cultura. Eso nos motivó a, sin desconocer los éxitos considerables que se obtuvieron en administraciones anteriores, intentar darle un sesgo más pragmático a la internacionalización de la cultura. No alcanza para todos, entonces había que priorizar y considerar ciertos elementos adicionales, por ejemplo, la mayor intinerancia posible de las manifestaciones culturales gestionadas por la Dirac. Antiguamente se gastaba

una buena cantidad de recursos para colocar un evento y se realizaba con mucho éxito en una sola capital, entonces su efecto era relativamente pobre en términos de visibilidad y difusión. Eso había que corregirlo. Otro tema estratégico que se consideró fue el apoyar solo proyectos de envergadura y ojalá multidisciplinarios: que los postulantes se preocupen de contactar a cultores o creadores de otras disciplinas para enriquecer la muestra que va a llevarse al exterior. Finalmente, era importante que las muestras que se hicieran en el exterior, cuando regresen a Chile, también sean mostradas en el país. Entonces si su pregunta es

—Se ha enfatizado también en la generación de alianzas con otras instituciones en el desarrollo de estas estrategias y políticas culturales. ¿Cuáles son estas instituciones hermanas? ¿Qué pasa con la empresa privada, por ejemplo? —Al Consejo Nacional de la Cultura y las Artes, la Fundación Imagen de Chile, la Dibam, el Consejo de Monumentos Nacionales y ProChile debo agregarle que cuando descubrimos, con un informe jurídico, que la Dirac podía recabar fondos del sector privado, empezamos a pensar muy seriamente si ha valido la pena el esfuerzo, en también buscar aliados es—Otra innovación es decir, ¡absolutamente! Por las gestiones que se han tratégicos en el d e e s t a a d m i n i s - hecho en los últimos cinco o seis años, se va a conocer sector privado, tración tiene que en instituciones ver con dejar una muchísimo más de las artes chilenas que en otras etapas. que normalmenhistoria tangible te son muy med e l o q u e h a c e l a D i r a c a f u e r a . cenas y apoyan el tema de la cultura. —Lo que usted haga en materia cultural, si no tiene Por ejemplo, para el proyecto “Chile Cultura” [afiches de registro, es efímero. Si no se hace desperdiciamos una la obra de fotógrafos y artistas visuales para decorar o magnífica oportunidad que nos da el mundo de la ser difundidos en las embajadas y consulados], para las cultura para dar a conocer y colocar a Chile con una iniciativas del segundo semestre de 2012 ya contamos con imagen potente en el exterior. En cambio, si nosotros el patrocinio de una universidad privada en la impresión. llevamos un registro, ya sea audiovisual o en papel, y lo hacemos llegar a los principales directores de —La nueva administración significó también la museos, críticos de arte, de teatro, de música, a los disminución de los agregados culturales –siete principales gestores de festivales, el efecto multipli- actualmente versus más de 15 en otros gobiernos. cador es notable. Hemos dedicado muchos recursos —Los agregados culturales han aumentado o disminuido de al uso de la valija diplomática para colocar publica- acuerdo con los criterios que tiene el estado en determinaciones chilenas en el exterior y las respuestas a eso do momento. Esto responde a un criterio bien planificado en estos dos años han sido bastantes y relevantes. porque los agregados culturales compiten con agregados

en otras disciplinas y tienen que ser personas de exclusiva confianza del Presidente de la República. Es un número limitado, entiendo que son 24. En algunas oportunidades hemos aumentado los agregados científicos y disminuido los culturales y en otras oportunidades el predominio total ha sido de los agregados culturales, y no con mejores resultados que los que están teniendo los siete que tenemos hoy. —¿Por qué se eligió a personas con más experiencia en la gestión en sí en lugar de actores o escritores, como se ha hecho anteriormente? —En términos prácticos, y el Presidente lo ha entendido perfectamente, se ha propuesto en esta etapa que los agregados culturales sean más gestores que creadores. Hay experiencias en el pasado de muy buenos gestores que venían el mundo de la creación, pero también ejemplos nefastos. El agregado cultural debe ser un muy competente gestor porque las condiciones de trabajo son bastante complejas, los recursos son limitados y los desafíos son gigantescos. Adicionalmente a eso, los funcionarios del servicio exterior están capacitados para hacerse cargo de la gestión cultural en las embajadas donde no tenemos agregados. No hay absolutamente ninguna de nuestras misiones que no tenga una persona encargada del área de la cultura. En este sentido, el tercer tema que estamos explorando, con tremendos resultados, es el de los contratados locales: contratar a un chileno o algún extranjero que viva en el lugar, para hacerse cargo de esta labor. La Dirac y las artes visuales. —La Dirac apoya la participación de artistas en bienales y ferias extranjeras. ¿Qué impacto ha visto usted que tienen estas iniciativas en sus carreras? —Se lo resumo en un área: el diseño. En 2010 creamos el Consejo Asesor de Diseño de la Dirac. Desde esa fecha ya hemos participado en 100% Diseño en Londres y hemos acompañado a diseñadores en otros eventos internacionales. Nos invitaron a participar en el Salón del Mueble de Milán y propusimos a diez diseñadores chilenos, pensando que se podían elegir dos o tres, con cuatro piezas cada uno. ¡Y resulta que eligieron a los diez! Y cuando nosotros, por un tema de espacio, esfuerzos y recursos, les propusimos a los curadores que vaya cada uno con una obra, ellos nos dijeron que no, que tienen que ir con las cuatro. Entonces nos dimos cuenta de que hay diseño chileno de gran calidad y que está perfectamente capacitado para competir en las ligas mayores del diseño mundial. Eso pasa con la arquitectura también y lo mismo está empezando a ocurrir con las artes visuales: atraemos la mirada de importantes críticos internacionales de arte y se dan cuenta de que en Chile hay artistas visuales importantes y con propuestas interesantísimas. El impacto que tuvo Iván Navarro, por ejemplo, cuando la Dirac propuso y se aceptó que se generara un pabellón propio en la Bienal de Venecia y no en uno colectivo, fue notable. —De hecho, después de esa muestra le ha ido increíble. Por ejemplo, en Arco 2011 vendió una obra por más de 36 mil euros. —Y le ha pasado lo mismo a Prats. Y feliz Alfredo Jaar aceptó la invitación que se le ha hecho. Incluso él va a realizar una gestión privada para

obtener fondos adicionales para su participación en Venecia 2013. Entonces si su pregunta es si ha valido la pena el esfuerzo, es decir, ¡absolutamente! Por las gestiones que se han hecho en los últimos cinco o seis años, se va a conocer muchísimo más de las artes chilenas que en otras etapas. —Usted decía que estas participaciones generan nuevos proyectos. Con un presupuesto tan limitado, ¿cómo se hace cargo la Dirac de ellos? —Hay que priorizar. Hemos tenido que destinar esfuerzos importantísimos a nuestra participación en Venecia, Milán y otras bienales de mucha visibilidad, en perjuicio de proyectos menores. Por mucho esfuerzo que hagamos, la Dirac es una dirección que tiene personal limitado y capacidad de gestión limitada para conseguir fondos. — E n t o n c e s a p o y a n a g e n te que tiene una carrera más consagrada. —No necesariamente, porque en el futuro la Dirac puede focalizar su atención en los artistas emergentes, el cortometraje o, como se ha hecho recientemente, en el arte cinético. En este caso concreto, la Dirac le ha puesto un énfasis muy relevante a resaltar la obra de Matilde Pérez. —Otro proyecto que ha apoyado la Dirac es la feria Ch.ACO. ¿De qué forma se ha materializado esta colaboración? —Nosotros apoyamos las manifestaciones que se generan en Chile y que están orientadas hacia el público chileno, pero que tienen una repercusión internacional muy grande y efectiva. Es el caso de lo que

está haciendo FITAM con Santiago a Mil o nuestros festivales de cine. efecto claramente mayor que el de simplemente manOtra de esas ellas, absolutamente creciente y en pleno desarrollo darle un mail o de invitarlo a ingresar a la página web. –por eso hay que cuidarla mucho–, es Ch.ACO, que cada día es más conocida afuera. Nuestro aporte a Ch.ACO, en primer —A poco tiempo de partir del cargo, ¿cuál es su evaluación, abartérmino, es aprovechar nuestras redes para difundir la feria entre cando también las otras disciplinas que promociona la Dirac? galerías extranjeras importantes. En ese sentido se inscribe lo que —El trabajo de la Dirac no se pueda medir simplemente por el estamos haciendo hoy: una difusión masiva del catálogo Ch.ACO. inicio o término de una gestión; es un trabajo de continuidad. Yo Yo le aseguro que ese catálogo en estos momentos está en el no podría haber hecho ninguna de las iniciativas que se hicieron escritorio de importantísimos directores de museos, críticos de durante estos dos años si no hubiese habido antes un trabajo intenso arte y galerías en todas las capitales del mundo donde tenemos de parte de mi antecesor. El equipo que hoy trabaja en la Dirac representación diplomática. Es un catálogo bilingüe y en conse- es prácticamente el mismo que hace diez años. Lo que cambian cuencia su difusión unison los énfasis en una versal se facilita mucho. Las limitaciones que tiene el ámbito chileno se resuelven con determinada área, la internacionalización de nuestras creaciones. Significa más cualidad o acción. — ¿ Q u é c o s a s espectadores, más compradores, más coleccionistas, además de un que se han contema importantísimo en cuanto a la trascendencia del alma de Chile. —¿Qué desafíos le cretado gracias quedan a su sucesor? a esta mayor visibilización de la feria afuera? —Tiene un gran desafío, la Feria Internacional del Libro de Gua—Esta es la primera vez que lo hacemos sistemática- dalajara, en que somos el invitado de honor. Un segundo gran mente y espero que después de esta distribución masiva desafío es la construcción del importantísimo Año Internacional de obtengamos una respuesta interesante de las galerías la Cultura Chile-Italia que cuenta con una inmensa cantidad de a las que se lo hemos hecho llegar. Además aumentan iniciativas: se iniciará el año Chile-Italia, con una gran muestra de las posibilidades de que vengan grandes críticos de Matta en coincidencia con una de Picasso, vamos a poner mucho artes o grandes artistas. El hecho de que nuestro en- énfasis en la presentación de la ópera “Il Postino”, con argumento cargado de cultura visite a un galerista, un artista o un de Antonio Skármeta, vamos a participar en la Feria Internacional museo importante y conversen sobre Ch.ACO, tiene un del Libro de Turín como invitado de honor, entre muchas otras cosas.

lanzamiento

MARCO BONTá El profesor e historiador del arte, Enrique Solanich, presenta un estudio biográfico sobre Marco Aurelio Bontá, un destacado pintor chileno que hizo un gran aporte a la plástica nacional. Por Francisca Medina, licenciada en teoría e historia del arte Imágen cortesía de Enrique Solanich.

a recuperación de lo olvidado en la historia de la escena plástica chilena responde a la necesidad de construir significados propios que identifiquen y hagan suyo lo que ha quedado en el pasado. No olvidemos que el arte es historia, es cultura, lectura, interpretación, lenguaje de una época; patrimonio de todos y para todos. De esta manera, el profesor e historiador Enrique Solanich Sotomayor nos presenta en el mes de marzo “Seamos Nosotros”, legado de Marco Aurelio Bontá Costa (1898- 1974). Se trata de un estudio biográfico que incluye la producción en artes visuales de este creador visionario como la escritura que hiciera a lo largo de su vida y su trascendente legado como gestor, en agosto de 1947, en el funcionamiento del Museo de Arte Contemporáneo de la Universidad de Chile (MAC). Patrocinado por la Fundación Marco Bontá, este estudio recopila la escasa bibliografía existente sobre el artista, antecedentes guardados en la Biblioteca del Museo Nacional de Bellas Artes y del mismo MAC, y de la documentación que aporta la Sra. Amelia Rodríguez Bontá sobrina del artista monologado. En once capítulos se narran y describen

episodios biográficos determinantes; aspectos familiares, la escena cultural de la época, viajes y perfeccionamiento en Europa, creación del taller de grabado al interior de la Escuela de Artes Aplicadas de la misma Universidad

de Chile, residencia docente en Caracas y Venezuela, creación del Instituto de Extensión de Artes Plásticas y la notable y premonitoria apertura del Museo de Arte Contemporáneo; meditaciones sobre arte y un breviario de referencias críticas. Se incluye una selección de documentos que considera el discurso inaugural del

Rector de la Universidad de Chile Sr. Juvenal Hernández en la apertura del MAC y el famoso “Seamos Nosotros”, auténtica proclama de su ideario estético, aparecido en noviembre de 1950 en el seminario cultural Pro Arte. Finalmente se presenta una extensa Bibliografía e ilustraciones de pinturas y grabados. Se complementa la investigación con citas y fotos biográficas junto a instancias reflexivas y críticas del estudioso, que robustecen aún más este estudio. La utilización de fuentes primarias y de una bibliografía exhaustiva devela una gran profundidad en la investigación. Se incluyen antecedentes y testimonios complementarios de la vida del artista como de su círculo más cercano. Son opiniones reveladoras y certeras que junto con las reflexiones y críticas del estudioso, además de la gran cantidad de ilustraciones y fotos biográficas, logran un justo equilibrio entre texto e ilustraciones que permiten deleitar y situar a todo tipo de lector. Este libro es una contribución importante a la plástica nacional. Su lectura permitirá conocer y profundizar acerca de este polifacético artista, situándonos en el contexto social y cultural de la época tanto en Chile como en el extranjero. De igual modo, se puede profundizar en ciertos tópicos que pueden resultar atractivos y relevantes al lector, algo bastante meritorio. A través de esta publicación la Historiografía en Chile salda una deuda con el artista y docente Marco Aurelio Bontá Costa. Volver a recordar lo nuestro, y a reafirmar la identidad es lo que se propone el ensayo “Seamos Nosotros Legado de Marco Aurelio Bontá Costa (1898-1974).

¡DE S CUB R E L O M E J O R DE L ART E M U N D I A L !

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La tecnología está presente en toda partes y el arte no se queda afuera. Muchos artistas han decidido trabajar con soportes digitales y los mismos museos han abierto nuevos espacios para que público interactúe con estas obras.

Historias en las redes sociales Diversas anécdotas en torno a las redes sociales y a Internet son las que nos cuentas algunos artistas que han decidido formar parte de la web para dar a conocer su trabajo e interactuar con el público. P. 28

Revista Ed. 53

Entrevista A pocos días de dejar su cargo como director de la Dirac, Horacio del Valle evalúa sus dos años de trabajo, los proyectos que potenciaron las artes visuales en el extranjero y los desafíos pendientes.

Periódico N°79

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CRITICAS Marzo recargado de pintura Por Ernesto Muñoz, crítico de arte y miembro de la AICA Imagen cortesía del artista.

n la Galería de Arte Trece, ubicada en el apasionante barrio Italia, se presenta Jaime Urbina, pintor que conforma su obra en un universo de formas que reflejan búsquedas estéticas puras y llenas de vigor. El artista durante años ha creado mundos distintos a los que hoy presenta, y ha abandonado el tema tan recurrente del paisaje, planteándose nuevos desafíos. Urbina, curioso observador, hoy se introduce con solvencia en el difícil mundo de la pintura e incursiona en la abstracción con infinitos recursos. En la galería Sala Taller de la calle Antonia López de Bello, en pleno barrio Bellavista, este mes de marzo exhibe el artista de Concepción Óscar Concha, reconocido por su talento y por sus investigaciones. Concha, nacido en 1964, es un autodidacta en busca de la simpleza. Enfoca su mirada hacia lo atávico, hacia nuestras raíces que involucran la naturaleza, jugando con el formato y colocando objetos cotidianos en forma inesperada. Esta es una excelente

oportunidad para ver el desarrollo de este artista dueño de un estilo personal, cosa que no es fácil de conseguir. El universo pictórico de algunos artistas nos hace cruzar el umbral de la estética y penetrar caminos insospechados que nutren las investigaciones sobre creadores tan relevantes como Jim Mendoza, del cual se ha editado un libro que revela aspectos desconocidos de este gran artista. De origen humilde, Jim Mendoza se ganaba la vida como pintor de brocha gorda y su presencia en salones y exposiciones provocó interés y admiración en críticos como Antonio Romera, quien lo calificó como un verdadero hito en la pintura nacional y como un representante de la llamada Generación Porteña. El título de la publicación, de la cual son autores Marcela Küpfer y Carlos Lastarria, es “Pintor de abismos” y se trata de una edición de bello diseño que alberga un tesoro de información sobre este desconocido –y admirado por sus pares– creador de cuadros de Valparaíso.

• Jaime Urbina, imagen de la serie “fragmentos aéreos”, 2010, acrílico sobre papel, 50 x 70 cm.

Concepción Balmes en Galería Modigliani Por Pedro Labowitz, crítico de arte y miembro de la AICA Imágenes cortesía de la artista.

oncepción Balmes es hija de dos Premios Nacionales de Artes Visuales, Gracia Barrios y José Balmes, pero por cierto luce por sus propios medios. No por nada es también una profesora de pintura muy buscada y reputada. En esta exposición muestra una serie de doce cuadros sobre el tema de ramos de flores. Las doce telas de óleo están datados 2012, de modo que por término medio tiene que haber pintado un cuadro, aproximadamente, cada tres días. De allí seguramente la iteración de la composición: todos sus ramos forman círculos irregulares, siempre del mismo tamaño, anclados en ese rectángulo transparente que es un florero de vidrio visto de frente. Pero son todas obras individuales y que de hecho se dan muy espontáneas, gracias especialmente al uso del color. Cada flor es solo un conjunto de manchas que reúnen pinceladas cortas de diversas tonalidades del color básico de la flor, manchas que forman esos ramos alegres, generalmente de tonalidades claras, llenas de vida y estructuradas gracias a ciertas líneas negras que hacen el papel de delgados tallos, y que algunas pocas veces pueden espesarse hasta formar manchas grandes, cuando el cuadro está conceptuado en un colorido más oscuro. Y siempre perfectamente reconocibles como rosas u otras flores. Todo es optimismo, naturaleza altamente civilizada, agrado, calidez.

• “Flores”, 2012, pintura sobre tela, 120 x 100 cm.

Son danzas multicolores que se dan a base de ejecuciones rápidas, precisas y seguras, logros festivos. Constituyen un placer para el ojo. No hay nada cerebral ni conceptual: nada de presentar ideas intelectuales ni mucho menos defender posiciones políticas o filosóficas. Estamos presentes frente a un fenómeno muy distinto: solo expresar la alegría de vivir y sentir el agrado de un placer visual y sensual. • “Flores”, 2012, pintura sobre tela, 120 x 100 cm.

CRITICAS Léxico doméstico de Catalina Mena en Galería Isabel Aninat Por Ennio Bucci, Licenciado en Teoría e Historia del Arte y Estética, miembro de la AICA Fotografía cortesía de Galería Isabel Aninat.

n una grata mañana de febrero fuimos recibidos en el taller de Catalina Mena para conversar sobre la muestra que está presentando en Galería Isabel Aninat. Tomándonos una agradable tasa de té nos fuimos adentrando en lo que esta artista quiere develar a través de su obra plástica. Formada en la Universidad Católica, primero como licenciada y después como magíster en artes visuales, posee una trayectoria en nuestro medio artístico y ha participados en varias muestras internacionales como las ferias de Pinta Londres, arteBA, ArtBo y la feria de Santa Cruz en Bolivia. Su muestra “Léxico Domestico”, tiene como antecedente un trabajo plástico con una preocupación constante por mostrar los espacios de la vida doméstica y la relación de los objetos cotidianos con las personas; éstos forman parte de nuestro entorno y constituyen nuestro recuerdo y nuestra memoria. El hogar es un referente importante en la obra de Catalina. Su nueva propuesta alude a la conexión de los objetos que acompañan nuestro diario vivir. En esta ocasión introduce dos elementos importantes que constituyen ejes de significación plástica. Por un lado, la presencia • Catalina Mena, imagen tomada por Patricio Novoa.

del cuchillo que forma parte de los objetos de una cocina y que está presente en una mesa de comedor. Sobre su hoja ha escrito una palabra que alude a situaciones de uso cotidiano como "cortar, es el arma de la casa”. Posee significaciones agresivas, violentas y, a su vez, la palabra está usada en su obra como el lenguaje, poniendo énfasis en su significado ya que el uso cotidiano las desgasta. Al poner palabras sobre los filos de los cuchillos se está evidenciando la incertidumbre de la palabra. En el espacio de lo privado, del cuidar los objetos y las cosas, también se establece un espacio de incertidumbre y un repliegue para crear comunicarse y decir lo suyo como artista. Catalina Mena con esta muestra nos invita a tomar conciencia de hay que volver a practicar los rituales de contacto, de comunicación de unos con otros; como el compartir una mesa, tomar un café, o bien expresar el significado preciso de las palabras. Ella piensa que el artista, a través de su obra, construye su propia visión de mundo a partir de su entorno y, por lo tanto, de ese segmento de sociedad que le ha tocado vivir. Con la presente exposición se nos invita a valorizar y a resignificar lo cotidiano como expresión de la existencia humana.

Trastocado silencio: Instalación/ Sala Matta / MNBA Por Enrique Solanich S., Magíster en Teoría e Historia del Arte. Imagen cortesía de la artista.

aría Paz Lira Campino (Santiago, 1955), a fines de marzo arremete con otra desusada muestra. Sin caer en la redundancia, valga subrayar sus estudios de pintura en la Universidad de Chile (1973-77), y la cercanía con docentes adherentes irrestrictos al cuidado de la forma y la luz. Radical es su pertenencia al grupo de estudiantes que irrumpe a fines de la década setentona, ostentando lenguajes y códigos renovados en soportes y herramientas novísimas para el conservador ambiente local, abiertos –entre otras causas– por los arrojos que la posmodernidad en boga acarrea. Trastocado Silencio es el rótulo de su comparecencia en la Sala Matta del Museo Nacional de Bellas Artes, continuación de Palimpesto (2003), en la misma institución, que confirma la constancia de su investigación visual en un área cuyas claves significantes son el transcurrir temporal y el deterioro de las cosas, naturales o artificiales, sino inexorable de toda materia. Paz Lira rezuma muchas ideas que signan las maniobras visuales hoy, como ligar en

propuestas ciencia, técnica y antropología social, ampliando así los márgenes de la realidad y vigencia del arte, recurriendo a objetos fácticos imbricados en sucesos cotidianos de la vida consumista presente, en este caso, una faena de acuicultura en el Seno de Reloncaví, y el mensaje sobre las secuelas ambientalistas, económicas y laborales derivadas del uso y abuso de los emprendimientos sin lindes. Trátase del rescate y apropiación de materiales en desuso por años, que son reciclados y sometidos a una resignificación, para ensayar una estratagema ocular que remonta meditaciones sobre los orígenes prehistóricos de las manifestaciones del arte, entendiéndolos como ejercicios sincréticos primarios, con el empleo de materias nativas para intentar manufacturas de utensilios o artefactos con morfologías simples, mas gratas y vistosas. Cabe su programa en los territorios que fijan el arte pobre y el arte objetual, derivados éstos del arte merz, surgido el año 1919 en Alemania, cuyo proceso recoge basura y desechos urbanos o industriales posibilitando el binomio arte-vida al integrar al repertorio plástico

materias espurias y rudas las que, a la sola vista del espectador, incitan amplias y polivalentes meditaciones. Un paredón en diagonal erigido con 150 descomunales sillares de poliuretano, de 26 metros de largo, 3,5 de alto y de 0,7 de profundidad, puesto en el piso de la sala museal, se enfrenta a un conjunto de 350 boyas cilíndricas de fieltro, cada una de 1,4 metros de altura y 0,4 de grosor que, pendidas del techo, ponen en valor una operación de arte de tremenda sagacidad y apabullantes resonancias perceptivas. Estas piezas son sometidas a un travestismo estético que las restituye como sustancias plásticas, conservando las huellas y escrituras dejadas por la corrosión ambiental, que les impuso formas, texturas y cromatismos. El mérito de Paz Lira es terciar con ellas para su reivindicación, mudando su categoría de desperdicios en venturosa materia artística y –nada menor–, conseguir que su atinada y simple puesta escenográfica –tan sólo mampostería y colgados–, interpele a los públicos para definir posturas en dilemas coyunturales que los comprometen.

• Paz Lira, detalle de instalación “Trastocado silencio”, 2012, bloque de poliuretano.

AGENDAsantiago

• Rembrandt, “Jacob Haaringh”, el joven, 1655, aguafuerte, puntaseca y buril, dimensiones. Imagen cortesía de Fundación Itaú.

destacado del mes Del 9 de marzo al 29 de abril Rembrandt: impresiones de un genio Por primera vez en Chile se presenta una exposición del

Corporación Cultural de Las Condes holandés Rembrandt, destacado exponente del movimiento Av. Apoquindo 6570 barroco. 68 obras originales en aguafuerte, buril y puntaseca, realizadas entre 1630 y 1665, conforman esta muestra Espacio ArteAbierto que se exhibió en museos y galerías de Italia, España y Av. Apoquindo 3457 Andorra, y que permite conocer los estudios del artista Las Condes sobre los desnudos, la luz y la atmósfera en la composición.

Fe de errata: en la edición de febrero la muestra destacada fue “Fotografía periodística autoral”, de Estación Mapocho. La fotografía publicada para ilustrar esta muestra es de autoría de Carolina Cortés y no de Cristóbal Olivares, como se destacó en el texto.

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Del 9 de marzo al 30 de marzo retro

Galería Tajamar Av. Providencia 1100, L59, Torres de Tajamar Providencia, Santiago

Del 8 de marzo al 15 de abril

Las iniciales de la Tierra

Museo Nacional de Bellas Artes Parque Forestal s/n. Santiago

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Término exposición Exposición destacada

Gerardo Pulido altera la materialidad del vidrio de la galería con pintura, haciéndola parecer de madera de pino y mármol azul. Es un cambio superficial, pero que transforma radicalmente el espacio. “El adentro y el afuera se potencian, recalco la diferencia entre anverso y reverso así como el límite permeable e inherente de un espacio artístico en la ‘trama social’”, explica el artista nacional sobre la muestra.

16 pinturas de formato mural y 6 fotografías de representantes de las etnias Inuit, Mapuche, Yámana y Ona, con la antigua técnica de sales de plata sobre Lino, se reúnen bajo el tema América Primitiva. En esta muestra la artista nacional Ángela Leible hace visible la marcha y estadía de los primeros pobladores del continente provenientes de Mongolia y que luego llegaron a Tierra del Fuego.

Del 5 al 24 de marzo Michelle Piaggio & Óscar Concha

Galería Sala Taller Antonia López de Bello 94, Barrio Bellavista Santiago

Del 14 de marzo al 10 de abril Blanco rojo negro Galería Artespacio Alonso de Córdova 2600 Vitacura

Hasta el 17 de marzo Arte Geométrico

Galería Artium Alonso de Córdova 3102 Vitacura

Del 16 de marzo al 21 de abril Limbo

Galería Die Ecke Av. José Manuel Infante 1208 Providencia

La artista peruana residente en Chile, Michelle Piaggio, y Óscar Concha, proveniente de Concepción, presentan dos maneras de asumir la visualidad de sus entornos, la experiencia del paisaje y de lo urbano frente a lo natural. De esta forma, a partir de exposiciones personales, se relacionan a través del trabajo sobre la superficie con diversas materialidades, desde el gesto o la gráfica, con gran síntesis formal.

La artista nacional Francisca Cerda presenta una investigación del color en volúmenes, partiendo de simples formas geométricas como el óvalo, el triángulo y el rectángulo. 14 esculturas de acero conforman esta muestra y son utilizadas para contener internamente otras formas. “Por afuera la simplicidad misma, internamente todo un mundo”, señala la artista.

Técnicas mixtas y objetos cinéticos conforman este recorrido por las distintas corrientes de la abstracción desarrolladas en los años 50 y 60, entre las que destacan cinetismo, el op art y el neoconcretismo. Así se podrá apreciar el trabajo de maestros internacionales como Vasarely, Jesús Rafael Soto, Cruz-Díez y Le Parc y artistas chilenos como Matilde Pérez, Mario Carreño, Carlos Ortúzar, entre otros.

A partir de cajas de luz, transparencias, maquetas y proyecciones de luces y sombras. Leonardo Portus instala el edificio INP de Concepción como protagonista y presenta fantasmagóricamente sus fragmentos. Para él este edificio representa una mezcla de los postulados modernistas y evidencian, a su vez, la búsqueda de una cierta identidad latinoamericana.

* El destacado del texto corresponde al autor de la imagen que acompaña Las imágenes de las obras publicadas en agenda son detalles de la original

AGENDAregiones Hasta el 23 de marzo El Imperativo EcológicO/ The Ecological Imperative Mac Valdivia

Los Laureles S/N Valdivia

Gracias al curador norteamericano George Rivera se gestó un proyecto innovador e inédito mediante el cual se inducirá a las futuras generaciones a crear una conciencia medio ambiental. Artistas nacionales y de otros países como Estados Unidos, México y Corea participarán en esta exposición a partir de instalaciones, performance, pintura, escultura, fotografía, video, música y poesía.

• Alicia Arizpe (AIXA), “Glosario del agua”, 2011, imagen digital impresa en papel Hahnemühle, 28 x 21.5 cm. Imagen cortesía de MAC - Valdivia UACh.

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Hasta el 25 de marzo Identidad fortuita Teatro del lago Av. Philippi 1.000 Frutillar

Hasta el 30 de marzo Informe País, Itinerancia Regional (GAM) Casa del Arte Diego Rivera Quillota 116 Puerto Montt

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Exposición destacada

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“Mi pasión por los retratos transcurre entre un retrato que me regaló mi abuela, que me acompaña siempre en mis ya numerosos domicilios, y que cuando miro me devuelve su voz, su tacto y su olor, entonces no hay olvido”, afirma Luis Poirot, destacado fotógrafo nacional que trae una muestra de fotografías de Víctor Jara, Raúl Ruiz, Nicanor Parra, Pablo Neruda, entre otros.

El proyecto Informe País, que busca explorar el concepto imagen – país Chile, llega a Puerto Montt en el marco de su itinerancia por regiones. Artistas nacionales que se han destacado por su trabajo sostenido y reflexivo, junto a exponentes locales, participarán de esa actividad expondrán sus trabajos y experiencias en torno a los lugares donde pasen.

Hasta el 12 de marzo La aventura del héroe

Galería de arte Bosque Nativo Av. Vicente Pérez Rosales 1305 Puerto Varas *

Hasta el 1 de abril Grito en papel

Centro Cultural La Sebastiana Ferrari 692 Valparaíso

El artista argentino Mariano Botas presenta una serie de pinturas que son una reinterpretación basada en los estudios y trabajos de Joseph Campbell, quien inspirado por C.G.Jung, se centró en el concepto de la figura del héroe en todas las culturas. La muestra aborda una temática fundamental en la gran cuestión de quién es el ser humano, cuál es su camino y cuál es, en definitiva, la aventura de su vida.

Una selección de grabados realizados entre los años 1977-2000 reconstituye la trayectoria del artista Santos Chávez, desde su partida de Chile en 1977 y su regreso luego de 17 años. Este itinerario incluye su paso por Venezuela, España y Suecia, y su extensa radicación en Alemania. develando así sus contextos biográficos y cómo éstos se relacionan con su producción artística.

Del 24 de marzo Transportravestivalpo Galería de arte Bahía Utópica Almirante Montt 374 Valparaíso

Doce óleos sobre tela o PVC componen esta muestra del artista Lobsang Durney y se inspiran en los medios de transportes pasados y presentes de Valparaíso –micros, troles, tranvías, trenes, remolcadores, submarinos–, sobre los cuales el artista aplica una acción de desplazamiento para incorporarles nuevos significados y apariencias, con el concepto de "travestismo" como el elemento unificador.

Hasta el 25 de marzo Expect: oculares éxitos invisibles Galeria Marina Ifarle Oriente 6701 Talcahuano

888 días estuvo el artista Juan Pablo Bascur pintando. Este trabajo dio como resultado una muestra de acrílicos y óleos donde es posible encontrar reinterpretaciones de obras de la Pinacoteca de la Universidad de Concepción, y de otras obras y noticias que llamaron su atención. Esta exposición se relaciona con el hecho de ser persona, en actitudes estimuladas por la razón, representada por el valor del rostro.

* El destacado del texto corresponde al autor de la imagen que acompaña Las imágenes de las obras publicadas en agenda son detalles de la original

AGENDAweb Te presentamos las coordenadas de nuestros Artistas Al Límite. Te invitamos a estar atento a sus pasos. DAPHNE Anastassiou Abstraction in the presente tense La pintora nacional participará en una exposición colectiva en la galería Amsterdam Whitney International Fine Art, ubicada en el corazón artístico y bohemio de Nueva York, el barrio Chelsea. Daphne Anastassiou compartirá el espacio con la pintora Melissa Ayr (EE.UU.), el escultor Randy Covey (EE.UU.) y el artista multimedial Joseph Eschenberg (EE.UU.). Durante marzo Amsterdam Whitney International Fine Art. 511 west 25th Street, Chelsea, Nueva York. Contacto: artist@daphneartist.cl daphne@daphneanastassiou.com

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• Daphne Anastassiou, “Pareja”, 2011, Técnica mixta sobre tela, 140 x 100 cm.

Paula Richasse y Marcela Krause

Loreto Sanhueza

Noche de Arte Taller Piedra Roja 22 de marzo

Colores Cobre Exposición colectiva junto a Gabriela Errázuriz, Carolina Busquets y Bernardita Garib Del 20 de marzo hasta fines de abril

Piedra Roja 121, Los Dominicos Las Condes Contacto: prichasse@gmail.com

Galería Codelco Huerfanos 1270 Santiago Contacto:

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www.arteallimite.com Nelson Olate

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Espíritus de la tierra Exposición de pintura donde además participará Erika Brandner Del 8 al 30 de marzo Casona Nemesio Antúnez Av. Larraín 8580 La Reina Contacto: 8- 234 46 84 / 02- 880 27 26 Contacto: schugupe@gmail.com

Galería Montecatini

Alejandra Raffo

Galería Montecatini.cl www.galeriamontecatini.cl Contacto: 9- 895 41 35

Las Hualtatas 4477 Vitacura Contacto: araffo2010@gmail.com

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Taller de fotografía digital De abril a junio

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Pamela Galleguillos

Elisa Díaz VELASCO Taller de práctica fotográfica análoga y digital Miércoles 7 de marzo

“Mujeres virtuosas” Exposición Desde el 7 de marzo al 7 de abril

Galería Belle Époque, Papudo 527, cerro Concepción, Valparaíso Contacto: 8-2948897

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MARCELA VICUÑA

Arte Latinoamericano Exposición colectiva de artistas latinoamericanos Del 7 al 18 de marzo

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La Reina Contacto: elisadifusion@tie.cl

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Carmen Erazo

Casas de lo Matta Av. Kennedy 9350, Vitacura Contacto: carmenerazo.cl@gmail.com / 9- 741 81 72

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Musas Exposición de pintura de Fernando Toledo 1 de marzo al 30 de abril

María Elena Gana

Taller de pintura Óleo y otras técnicas Desde marzo

Isabel Riquelme Nº2, Bellavista Providencia Contacto: 732 28 25

Women’s in Art 2012 Exposición colectiva Hasta 31 marzo

The gallery Ward Nasse Nueva York Contacto: titi.artwork@gmail.com

w w w. a r t e a l l i m i t e . c o m / m a r c e l a v i c u n a El destacado del texto corresponde al autor de la imagen que acompaña

*Las imágenes de las obras publicadas en agenda son detalles de la original

reportaje

HISTORIAS EN LAS REDES SOCIALES Facebook, Twitter, Youtube, Flickr, LinkedIn, Vimeo, Tumblr y los sitios web son las vías de comunicación del siglo XXI por excelencia. Estos soportes han traspasado los límites de la amistad y para muchos, los artistas incluidos, se han transformado en una forma de difundir, concretar nuevos proyectos, e incluso comercializar su trabajo. Por Claudia Mesegué, periodista

PHILIPPE TRILLAT/ Pintor

El Comité Científico de Curaduría de la Bienal de Arte Contemporáneo de Florencia, Italia, que está a cargo de la convocatoria de los artistas que participarán de ella, contactó a Marcela Vicuña a través de su pagina web www.titiartwork.com. Marcela opina que mostrar la obra en la web es una gran ayuda, pero es solamente una invitación a acercarse a conocer su trabajo. Considera que lo que la ha ayudado mucho en su trayectoria ha sido estar presente en las exposiciones y ferias de arte en las que ha participado. “La obra expuesta, vista en persona, directamente, no fotografiada, es insuperable. Se transmite mejor”, opina y apunta: “No me cabe duda de que la presencia del artista junto a su obra es fundamental”. Además explica que, para ella, con el contacto humano es como se abren puertas, y luego es la calidad de la obra la que, finalmente, habla por si sola, y por la cual surgen oportunidades.

MARCELA VICUÑA/ Pintora

El 31 de diciembre, Philippe Trillat recibió una invitación muy especial: en un email, Paola Trevisan, curadora del certamen anual "Liberated Dreams" –que se realiza en Ferrara, provincia de Italia–, lo instaba a participar de la edición 2012 de la iniciativa, que se realizará en abril. Paola vio su obra en el sitio www.arteallimite.com y, luego de evaluarlo con su equipo de curadores, Philippe fue seleccionado como el único chileno. “Esta invitación me pareció sorprendente; sobre todo, darme cuenta de la importancia de estar presente en la web y la posibilidad de traspasar fronteras e idiomas”, relata el pintor. Gracias a este reconocimiento internacional, Trillat decidió crear su propia página, www.ateliertrillat.com, donde quienes deseen podrán conocer su trabajo, revisar gran parte de su obra y las actividades que desarrolla durante el año.

Mercedes Fontecilla El casi obsoleto Messenger le permitió a Mercedes Fontecilla involucrar su faceta de artista en las redes sociales. Fue la primera de muchas experiencias. Cuenta que un día, hace 11 años, dejó el taller y se conectó a Messenger. En lugar de poner una foto de perfil de ella, incluyó la de una obra, pues “una pintura puede decir cosas más profundas de su autor”. Subió una imagen del cuadro en el que trabajaba, y "que estaba en fase de "”firma". En seguida un amigo, Rodrigo, la saludó, y esa conversación se convirtió en una venta inmediata: “Mercedes, me encanta tu cuadro, te lo compro”. La única condición era que debía prestarle esa obra para una exposición. Eso no fue inconveniente; incluso invitó a Rodrigo a la muestra, quien maravillado por su trabajo, le compró otro.

Francisco Papas Fritas Como una forma de mantener su independencia y alejarse del “amiguismo” del sistema nacional, Francisco Papas Fritas ha dado a conocer su trabajo –que abarca video, intervención, performances, escultura, instalación y pintura–, principalmente gracias Facebook y también otros soportes como Flickr y Skype. Desde 2005 Francisco se transformó en el regalón de la prensa, entonces las redes sociales le han permitido acercarse a un público quizás no tan entendido en artes visuales. Decidió comercializar sus pinturas a través de esta plataforma, y muchas de esas personas han comprado su trabajo, que se amolda a la realidad económica de cada comprador. “La gente a veces me paga en cuotas o me dice que tiene cierta cantidad de dinero, y si con eso alcanza para adquirir una pintura, es una de las libertades que te puedes permitir trabajando lejos de un espacio o un representante”, explica. Además, la web ha sido una eficaz herramienta para coordinar exposiciones fuera de Chile –en Costa Rica, Honduras, Italia y China, entre otros–, contactarse con curadores y otros artistas con los que ha desarrollado proyectos.

PERFIL/ARTE

entrevistas

Son más de 400 artistas, nacionales e internacionales. Todos se reúnen en una comunidad virtual –www.arteallimite.com/ artistas– que los interconecta y los contacta directamente con su público. Desde nuestro sitio web los autores de las pinturas, esculturas, grabados y otras creaciones que se albergan en él, llegan a las páginas del periódico Al Límite, con entrevistas donde comparten con nosotros los porqués de su obra, la forma en que trabajan y sus más recientes proyectos.

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cAROLINA BUSQUETS

BERNARDITA DOMEYKO

Dando la vuelta al mundo

Vivencias abstractas

Por Bernardita Garib, escritora y artista

Por Yuriko Takahashi V., periodista

Con la finalidad de hacernos conscientes de la carente calma del mundo de hoy, Carolina Busquets nos conecta, a través de sus obras en pequeño formato, con la sutileza de cada instante, del segundo, que día a día se pierde en el apuro y la inmediatez que el mundo actual exige. El arte postal se ha presentado para ella como el espacio para expresar la inminente necesidad de “acercarnos a la esencia de las cosas en su estado más puro y maravilloso”. Esto implica que las obras de diversos artistas recorren el mundo a través del correo, entregando cada pieza de arte como un mensaje que difundir a diversas culturas y uniéndose con el objetivo de llevar el arte a todos. La obra de Carolina es muy versátil, y comprende diversas técnicas tales como el grabado, la acuarela, el óleo y técnica mixta. Valiéndose de variados y simples materiales como el lápiz pasta, ella expresa la necesidad de “trasladarnos de esta realidad tan fuerte, tan inmediata y violenta a un estado superior del alma”. Caballos, toros y bailarinas se nos presentan en sus lienzos y papeles como los símbolos con los que identifica el regreso a lo esencial. “Los animales no tienen tiempo, son libres. Es en una mujer bailando ballet o un caballo en movimiento, donde encuentro otro nivel de la realidad, eso que se pierde constantemente”, explica. La artista participará en marzo, en la muestra Autorretrato de arte postal en Trinidad y Tobago.

Historias basadas en sensaciones y vivencias personales. De ese material Bernardita Domeyko se vale para comenzar a plasmar en la tela lo que serán sus obras. Y es en torno a la abstracción donde se mueven estas pinturas, en la que el color –azules, rojos, verdes, naranjas – se toma el espacio. “Me da un mayor grado de soltura, ya que es vivencial y gestual, y desde ahí puedo potenciar con mayor fuerza los espacios, la luz y el color. La abstracción me brinda libertad”, explica la artista. La mancha es la protagonista del lienzo, pero si uno se detiene a mirar, se pueden advertir algunas figuras, tal vez humanas, que aparecen sutilmente. “Estas figuras humanas son mis personajes que aparecen y desaparecen, pero siempre caminan conmigo en el recorrido de mi historia. Siempre cambian y no hay un por qué. Un día puedes aparecer tú o el señor de la esquina”, comenta Bernardita. Recientemente decidió incursionar también en la cerámica gres, pero son los óleos, acrílicos, telas y papeles los que suelen confromar el universo plástico que merodea Domeyko. Actualmente trabaja en una muestra de pinturas en el Museo Desierto de Atacama en el Parque Cultural de Huanchaca, Antofagasta. Hasta fines de abril se podrá ver la muestra titulada “Desierto heredado, huellas y trazos”, donde seis obras dialogan en relación al lugar más árido del planeta.

• Detalle de “Mujer con vasijas”, 2011, técnica mixta sobre tela, 81 x 100 cm. Imagen cortesía de la artista.

• Detalle de “Caballo azul”, óleo sobre tela, 80 x 80 cm. Imagen cortesía de la artista.

entrevistas

MArci puelma Belleza trascendente en el grabado Por Yuriko Takahashi V., periodista

Son tres las disciplinas que Marci Puelma suele desarrollar –el dibujo, la pintura y el grabado–, pero es esta última a la que le ha dedicado mayor atención. “Este diálogo que sucede entre los diversos materiales no ocurre ni con el dibujo ni con la pintura por sí solos, es por eso que el grabado me interpreta”, explica la artista. Marci trabaja principalmente con planchas de cobre y aluminio, y a veces madera, cuando realiza xilografía. Es así como da vida a trabajos abstractos donde retrata paisajes por un lado y figura humana por el otro. “Me interesa la temática ancestral en donde todo tenía un sentido más allá de lo cotidiano, y las ofrendas como una forma de agradecimiento sagrado, lo nativo en su relación con lo esencial ,lo andino en su silencio y su música”, agrega. La belleza, lo sutil y lo trascendente; esos elementos son los que pretende transmitir en su obra. Y es en el color donde puede dar vida a todos esos negros, blancos y grises existentes al comenzar a realizar un grabado. Además de su trabajo como artista Marci también se ha dedicado a la gestión cultural de concursos de pintura y eventos en torno al grabado, entre otras cosas. Actualmente trabaja en dos proyectos para el próximo año, una exposición individual de grabado y un libro de poesía ilustrado con sus propias obras.

•“Sin título”, 2008, aguafuerte, 20 X 30 cm. Imagen cortesía de la artista.

mARÍA TERESA HASBÚN Dinamismo abstracto Por Yuriko Takahashi V., periodista

Una bicicleta se deja entrever tras los trazos de pintura que intervienen la tela, y hacen que ella se pierda, pero que a la vez siga presente y veloz. Ese juego de luces, y sombras es lo conforma la propuesta de María Teresa Hasbún, artista que trabaja entorno a la abstracción. Si bien es cierto que ha desarrollado figura humana y rostros, definitivamente la obra de esta artista nacional se aleja de lo figurativo para ahondar en un área con mayores libertades y menos límites, donde los paisajes encuentran su máxima cabida. Sin embargo, tampoco se ha visto seducida por presentar un lienzo absolutamente abstracto, y es así como ha decidido incluir ciertos elementos reconocibles en medio del color: “algo que haga más fácil llegar a mi pintura”, explica. En ocasiones anteriores eran toros, por ejemplo; en su trabajo más reciente, las bicicletas y los veleros han sido los elementos escogidos. Sobre estos últimos María Teresa desarrolla actualmente una serie. “Te dan la sensación de agua, de movimiento, de que estás ahí en medio del mar. Tú ves el velero pero lo que hay es un esbozo”, comenta. Así, a partir de bosquejos y de un par de líneas, la artista dispone

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•“Viento norte”, 2011, técnica mixta, 210 x 110 cm. Imagen cortesía de la artista.

los objetos de manera incompleta, y no es si no el color quien viene a completar el lienzo. “El color invadió todo y se fue ganando los espacios”, señala. Diversas tonalidades donde ciertamente predominan los azules, negros y blancos, han permitido que la artista poco a poco haya abandonado el dibujo para centrarse en ellos y, en definitiva, en el movimiento.

FRANCISCA BALMACEDA Actualidad en colores Por Yuriko Takahashi V., periodista

•“Sin título”, 2011, óleo, lápiz y tinta china sobre papel, 24 x 33 cm. Imagen cortesía de la artista.

Francisca Sandoval Realismo racional Por Claudia Mesegué

Francisca Sandoval estudió arquitectura en la Universidad Católica, pero desde pequeña estuvo ligada al arte. Su papá era escultor y su mamá pintaba, por eso, dice que desde siempre “respiró arte”. Nunca se llegó a dedicar a la profesión que escogió, sin embargo, sí le dejó un gran legado, y es que ella, cuando dibuja piensa en geometría. “Mi cabeza funciona matemáticamente siempre –explica– al contrario que la mayoría de los artistas, que tienen una gran carga sentimental. Yo llego a mis emociones a través de mi razón”. En la tienda-taller (ubicada en la Pocuro con Av. Tobalaba) que abrió hace 6 años con su madre, y en la que expone permanentemente, se dedica a dar clases de dibujo, en las que se centra, al igual que en su obra, en destacar los volúmenes. Éstos le permiten jugar también con las luces y sombras, y son los que al final le dan a sus trabajos “una profundidad que parezca que se quiere entrar en ellos”. En este sentido, comenta que le gusta el tema de la sensación y percepción, pero no de una forma tan evidente. No le gusta el hiper-realismo, por eso en sus trabajos usa una combinación de óleo y lápiz, para que no parezcan una fotografía. “Si me preguntan si soy realista, no sé qué contestar. Lo soy, pero igual me gusta transmitir una segunda lectura”, explica. Francisca Sandoval partió pintando flores, luego se dedicó a las telas, y actualmente trabaja en una serie de aves. En un futuro quiere probar suerte con la escultura, siempre a la par de las innovaciones que la llevan a ir explorando por nuevos caminos.

La obra de Francisca Balmaceda tiene un particular carácter lúdico. Por lo coloridos de sus trabajos y porque algunos están llenos de elementos como juguetes infantiles, flores y otros detalles. “Más que representar la infancia, busco por medio de estos modelos establecer paralelos entre realidades opuestas. Utilizo estos objetos, en algunos casos, como representantes de la era de la reproductibilidad masiva, provocada por el gran crecimiento de la industria”, explica la artista. Sin color nada luciría así. Su estadía de un año y medio en México generó en ella una fascinación por las diversas tonalidades que le han servido como herramienta fundamental para representar a la sociedad actual, su consumismo exacerbado y ese modelo de felicidad impuesto: estudiar, casarse, tener un trabajo, una casa, hijos. Lo hace a través de la pintura, el grabado en metal y aguafuerte. “Me fascinan las materias en general. Las lanas, sus colores, tejer, hacer telar. Las telas, ir a la calle Independencia comprar un pedacito de género y después inventar qué hacer con él”, agrega. También la ilustración –de manera autodidacta– ha ido conformando parte de su trabajo últimamente. Comenzó haciendo santitos de bautizo, y actualmente realiza ilustraciones de libros para niños. “Nuestros niños son el futuro, y trabajar para ellos –tanto haciendo talleres de arte, como ilustrando sus libros– es mi norte en este momento. En los libros para niños he encontrado verdaderos tesoros y las mejores obras de arte”, concluye.

•“Título incierto”, 2011-12, acrílico sobre cartón, 21 x 50 cm. Obra aún en proceso que serán parte de un libro ilustrado aún sin título. Imagen cortesía de la artista.

entrevistas

Constanza RAGAL La representación de la mujer arquetipo Por Claudia Mesegué, periodista.

Las creaciones de Constanza Ragal parten de una necesidad de comunicar una visión de mundo, de contar una historia, de celebrar la realidad, de emocionar y seducir al espectador. Entró a la Escuela de Arte de la Universidad Católica para aprender herramientas y medios de construcción de obra, pero también para investigar todos los rincones del arte, aunque cuenta que, en este terreno, nunca deja de sorprenderse. “El mundo del arte me suena a un lugar que nunca se termina de explorar. Creo que uno decide participar de él todos los días. Tomo los pinceles, preparo la paleta de color, me enfrento a la tela en blanco y en ese instante vuelvo a decir “sí”.” Constanza ha tomado a la mujer como figura principal de sus obras, ya que ve el retrato femenino como pretexto para indagar en arquetipos humanos, para dar cuenta de un canon de belleza contemporáneo y de las problemáticas de una época. Cuenta que desde la Venus paleolítica, la mujer ha sido mitificada en su representación. Actualmente existe un modelo casi imposible de belleza, una idealización del paradigma, y es precisamente esta inquietud la que intenta trasmitir en su trabajo. En este momento está preparando un proyecto que combina pintura con audiovisual, una serie de cuatro cortometrajes, más cuatro pinturas de gran formato. Las obras se presentarán a modo de díptico –la pintura acompañada de su tráiler–, y de esta forma el espectador podrá ser parte de un imaginario donde el cuadro abre sus propios límites. La exposición se presentará en el Hotel W de Santiago a finales de junio, aunque la fecha está por confirmar.

• “Ágata”, 2010, óleo sobre tela, 90 x 130 cm. Imagen cortesía de la artista.

•“Espiral”, 2009, tejido en papel, 210 x 70 x 60 cm. Imagen cortesía de la artista.

Loreto Undurraga Tramas de color Por Yuriko Takahashi V., periodista

Llegó a la escultura por accidente, cuando se vio seducida por el diseño teatral, y aquella búsqueda por plasmar las ideas de manera tridimensional. Esto último hizo que Loreto Undurraga se dedicara a esculpir obras tejidas con diversos colores y texturas. Los hilos de cobre, las fibras naturales, los alambres, el papel y las telas componen ese universo material a partir del cual genera los entramados. Los espacios y los volúmenes conjugan la base a la hora de elaborar sus esculturas. El paisaje chileno ha servido como temática a partir de la cual emergen algunos dibujos que realiza que, si bien no son centrales en su trabajo, sí sirven de complemento para todo lo anterior, sobre todo para pensar y bosquejar alguna obra. Sin embargo, más que tratar de transmitir algún concepto la artista tiene claro que el público le da un sentido propio a lo que está mirando. “Tiro la obra al viento para ver adónde llega”, expresa. Al mirar su trabajo cabe preguntarse, incluso, si puede darse un fin decorativo a estos entramados, y Loreto comenta que efectivamente le interesa incorporar el arte a la vida cotidiana, donde el fin estético no sea único. Actualmente la artista sigue una investigación en torno al tejido a telar en cobre y las pátinas conseguidas a través de los procesos de oxidación por medio de químicos y/o agentes naturales. Todo esto con el fin de trabajar el color en su obra.

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•Nieves Mac- Auliffe, Naturaleza Viva en Galería Blanc

Nieves Mac-Auliffe A todo color

Con una temática que nuevamente nos lleva al hogar, la artista nacional expone en Galería Blanc, hasta el 3 de abril, sus nuevos trabajos en grabado y chinecollé. Por M. Angélica Navarro Ovalle, periodista Fotografía cortesía de Bernardita Bennett

aturaleza viva es el título que Nieves Mac-Auliffe eligió para la exposición que llenará la galería de flores y frutas. Tal como en otras ocasiones, la artista nacional ha llevado un pequeño espacio del hogar a su trabajo. “Me fascinan los floreros y los fruteros, por su cotidianidad en el diario vivir”, reflexiona. Con grabados en aguatinta y chinecollé, Nieves hace una cita a las tan afamadas naturalezas muertas. “Están muertas porque están cortadas, pero para mí están vivas porque tener un florero o frutero en la casa es mostrar vida, acogimiento y color”. En esto último es donde radica el particular estilo que la artista ha desarrollado en su carrera. Maneja hábilmente el chinecollé,

una técnica que consiste en imprimir sobre composiciones de papeles de distintos tipos y colores. Nieves también en esta ocasión ha incluido una nueva faceta: el blanco y negro. ¿La razón? “La imagen, para que fuera como yo realmente quería, tenía que ser en blanco y negro, aunque igual se transmite el color a través del movimiento y tonalidades”, explica. Además, la muestra contará con un video-instalación en el que la artista crea un cuadro de grandes proporciones sobre el pasto, donde frutas y flores son sus materiales. Nieves Mac-Auliffe es una investigadora. Estudió Bellas Artes. Conoció la potencialidad del papel gracias a un compañero japonés que conoció cuando estudiaba grabado en Barcelona, España.

Profundizó el tema experimentando, hasta que llegó al chinecollé, que cataloga como “mi verdadera expresión”. La grabadora del Taller Puerta Verde, Javiera Moreira, ha sido su mentora durante estos últimos años con todo lo referente al grabado. Luego de la exposición en Galería Blanc y otra en abril en Galería Caballo Verde –en Concepción– y fiel a sus inquietudes, la artista se hará cargo de una de sus últimas inversiones: investigar a fondo un alto de libros sobre la teoría del color, que es por donde encauzará sus nuevos trabajos. Como ella dice: “Me gusta trabajar, investigar, conocer todo lo referente a la psicología del color, porque creo que es mi gran fortaleza. Con ésta siempre me siento ni empezando, ni terminando, ni en la mitad; sino trabajando”.

entrevista

•“Chile y sus loicas”, 2012, técnica mixta

FRANCISCA LOHMANN LIBERTAD SOBRE EL LIENZO

Elementos típicos de la cultura popular chilena son la base de inspiración para que la artista desarrolle un trabajo en torno a la pintura y, recientemente, con fotografías intervenidas. Imágenes cortesía Camila Jofré F.

na banca inspirada en las aves chilenas es por estos días la obra que tiene toda la atención de Francisca. Un par de loicas sobre unas ramas dan vida a una composición inspirada en el paisaje chileno, paisaje que además estará acompañado de alguna frase de Pablo Neruda, y que pronto estará dispuesta en la plaza Los Domínicos. Esta banca no es la primera que realiza la artista nacional Francisca Lohman. De hecho la primera se ubica en el Parque Forestal y retrata la Cordillera de Los Andes intervenida con poemas de Gabriela Mistral. “Siempre cuando hago algo que va a estar expuesto al público me inspiro en poetas chilenos, música chilena, naturaleza, lo que nos identifique un poco”, explica Francisca. El imaginario cultural de nuestro país está muy presente en la obra de Lohmann. Es por esa razón que ha desarrollado por años series en torno a parras y, más recientemente, sobre caballos. “Me inspira mucho la naturaleza y la creación. Siempre trato de trabajar cosas que estén a mi

alrededor, especialmente las chilenas”, comenta. A pesar de trabajar con naturaleza, muchas veces los colores de las hojas de esas parras o de la piel de los caballos no tienen una correspondencia con la realidad. Así, podemos encontrar árboles rojos y animales azules. ¿La razón? Pura libertad y sensibilidad. “Al principio empecé con mucha academia. Ahora me doy una licencia de ser yo. Ya no hay nada de estructura en mi pintura, es lo que me sale del alma”, expresa Francisca. Y a tal punto ha llegado esa libertad que muchos de sus óleos y acrílicos son realizados en técnica mixta, con carbón, arena e incluso piedras. Actualmente la exploración de nuevas formas y lenguajes ha llevado a esta artista a indagar nuevos materiales y técnicas. Es así como hace dos años trabaja con fotografía digital. Capta imágenes de obras anteriores y luego las interviene con carboncillo, acrílicos y óleos, destacando ciertas cosas y generando nuevas creaciones. “Cada obra tiene un valor porque es un minuto único para esa obra”, reflexiona.

MUSEOS 2.0

EL ARTE A TRAVÉS DE LAS PANTALLAS Hace tiempo que la innovación tecnológica llegó a nuestras vidas, sin embargo, existen raros espacios que todavía se escapan de ellas. Ahora, se puede decir, que los museos y galerías ya no forman parte de estos resquicios del pasado, ya que se van modernizando mediante la implementación de distintos soportes. Por Claudia Mesegué, periodista

Centro Cultural Palacio la Moneda Redes sociales Videos App Store Google Art Project

os museos, esos enormes edificios que a menudo evocan imágenes de un pasado antiguo y muy lejano, han sabido actualizarse y entrar de pleno en el mundo de las nuevas tecnologías. Ahora, salas importantes como el Louvre, el Museum of Modern Art (MoMA), el Tate, y en el caso de Chile, el Centro Cultural Palacio La Moneda, cuentan con aplicaciones para smartphones, páginas web que permiten recorridos virtuales, cuentas activas en las redes sociales y otras formas de interacción con el público dentro y fuera de sus salas. En la era de la globalización, estos nuevos dispositivos han permitido acercar la cultura, habitualmente sólo al alcance de los privilegiados que pueden hacer turismo, a todas aquellas personas que dispongan de una conexión a Internet. Desde cualquier parte del globo se pueden admirar obras de arte de todos los tiempos como “La Gioconda” de Leonardo da Vinci, en una calidad excepcional, y con

tanto nivel de detalle, que en algunos casos hasta se pueden apreciar las fibras de las telas ocupadas por los artistas. De esta forma, también es posible sacar más partido al patrimonio de las pinacotecas, ya que se puede acceder a los recintos más allá de sus muros, pudiendo contemplar obras que, de otro modo, quedarían archivadas en las bodegas de los museos. Y es que gracias a las nuevas tecnologías, se pueden explicar las colecciones, integrar múltiples recursos, y ofrecer muchas más actividades de las que se pueden procurar in situ, y tan variadas como diferentes sean los visitantes. Así pues, museos y galerías de arte, se han visto obligados a replantearse su modo de congeniar con su público, dando paso a una nueva doble existencia: una real y una virtual. El ejemplo chileno de esta generación actualizada de museos es el Centro Cultural Palacio La Moneda (CCPM),

•Imagen de la entrada al espacio Violeta Parra perteneciente al tour virtual

cuyas herramientas de modernización no tienen nada que envidiar a las de los museos de mayor prestigio.

no es un sujeto pasivo, sino que es invitado a involucrase en la construcción de la experiencia cultural.

Alex Meza, coordinador del área tecnológica del CCPM explica que desde hace varios años están incorporando diversos desarrollos tecnológicos y multimedia como medio para mostrar los contenidos de sus muestras, con el objetivo –según cuenta– de ofrecer una aproximación diferente a las exhibiciones y de ampliar y enriquecer la experiencia de los visitantes, generando un contacto más amigable y cercano entre los contenidos y los espectadores, ya sean físicos o virtuales. La tecnología se ha sumado a los esfuerzos que el CCPM ha hecho para generar mayor cercanía entre su patrimonio cultural y la gente, intentando hacer más significativo el vínculo.

En el Centro Cultural Palacio de la Moneda, Alex Meza explica que las exposiciones siempre cuentan con una visita virtual en la web y con el acceso al catálogo digital y a material educativo descargable, entre otros elementos. El departamento de arte y tecnología del CCPM ha desarrollado recursos web liberados que la gente puede utilizar en su casa o los profesores en sus colegios, solamente descargando la información y actividades y ejecutándola mediante un hardware simple.

De esta forma, la institución se mantiene en sintonía con un público que está cada vez más acostumbrado a lidiar con un mundo donde él es el protagonista. Este es un punto fundamental en la estrategia del centro, pues la tecnología se ha constituido como un puente de conexión efectivo entre la institución cultural y el público, al recortarse las distancias y otorgar la posibilidad de establecer una relación donde el espectador

Una de las más recientes innovaciones del Centro Cultural Palacio de la Moneda es la inclusión de pantallas táctiles en sus exposiciones. A través de ellas el visitante puede interactuar, creando formas y colores de manera libre e intuitiva con proyecciones activadas mediante sensores de movimiento, con sistemas de audio y controladores de luces led, y ofreciendo contenidos e información mediante pantallas de acceso virtual. Un ejemplo de ello es el nivel -1 de este espacio, que ha incorporado a la nueva museografía del Espacio Violeta Parra pantallas interactivas y elementos audiovisuales. Además, se ha desarrollado un minisitio en su página web www.centrocultural-

•Imagen perteneciente al interior de la sala espacio Violeta Parra a través del tour virtual

lamoneda.cl, que permitirá que desde distintos rincones del territorio nacional y del mundo se pueda ver la obra visual de la cantautora –pinturas, arpilleras y sobrerrelieves–, complementado con un video en Youtube que muestra todas las innovaciones 2.0 que ha implementado el CCPM en esta exposición. A través de su área de comunicaciones se van produciendo sostenidos cambios en los contenidos complementarios que se publican en el sitio web, además de trabajar mano a mano con las redes sociales como canal de contacto directo e inmediato y como vía de difusión de sus actividades. Asimismo, se está trabajando en la creación de aplicaciones para iPad, iPhone y Android, herramientas que entregarán aún más alternativas para ampliar los vínculos entre los espectadores y las exposiciones, ahora gracias a otros soportes como la telefonía y los servicios de internet movil. Así, al mismo modo que lo han hecho los museos y centros culturales más importantes del mundo, el CCPM se está modernizando a grandes pasos con el objetivo de consolidar una comunidad digital que se sienta partícipe del nuevo proyecto global. Para el Centro Cultural Palacio La Moneda la interactividad va incluso más allá del uso de recursos tecnológicos, lo que también tiene que ver con una línea editorial institucional.

El espectador es fundamental en la tarea de valoración del arte, entendiendo que su aproximación al mundo cultural ayuda a ampliar el mundo del museo, y a la vez ayuda dinamizar las construcciones intelectuales que determinan las lecturas de nuestro patrimonio cultural. Alex Meza considera que hay que estar al tanto sobre la manera de interactuar con el mundo, con las cosas y con las personas. Así pues, se puede decir que la tecnología interactiva está al servicio de la ampliación del arte y de las emociones de la gente. A pesar de que el Centro Cultural Palacio la Moneda es pionero en Chile en adoptar estos avances tecnológicos y entrar de lleno en una nueva era de contemplación artística, existen, en otras instituciones artísticas del mundo elementos de comunicación 2.0 más avanzados. Los ejemplos son variados, y las ideas ilimitadas, ya que no sólo hablamos de lo que pueden ofrecer los museos –que de por sí ya es mucho–, sino de cómo los artistas pueden presentar y globalizar sus trabajos, y de cómo el público receptor puede generar una respuesta casi inmediata a la exposición de esa obra. Es fácil darse cuenta de cómo se han llenado las redes sociales de contenidos relacionados con las artes visuales, haciendo que, por ejemplo las galerías postéen

•Ilustración cortesía de Valentina Figueroa

sobre próximas exposiciones. También son divertidas las aplicaciones de los principales museos que podemos encontrar para iPhone, iPad y Android, ya que muchas van más allá de la aportación de datos técnicos y entregan los conocimientos de forma lúdica. Además, también existen videos colgados en la red, o proyectos como Google Art Project que acercan, desde una perspectiva distinta, el arte a cada individuo, y permite que este sea contemplado de una forma quizás más personal e íntima.

Así pues, el imaginario colectivo se puede desvincular de la idea de que museos y galerías son meros contenedores de arte, que no ofrecen ningún placer más que la pura contemplación en sí misma de lo que poseen muros hacia adentro. Ahora uno puede darse cuenta de las mil y una formas que existen de relacionarse con el arte y el artista y que estos, que a menudo se ven anclados a la atemporalidad, han entrado de lleno a una nueva era en la que, por lo visto, todo se puede hacer, siempre a través de una pantalla o de internet.

Google Art Project El sitio integra la tecnología Street View mediante la cual se puede hacer un tour virtual por 17 prestigiosos museos del mundo que han querido unirse al proyecto. Algunos de ellos son The Metropolitan Museum of Art y el MoMA en Nueva York, el State Hermitage Museum en San. Petersburgo, el Tate Britain y The National Gallery en Londres, el Museo Reina Sofía en Madrid, el Uffizi Gallery en Florencia y el Van Gogh Museum en Ámsterdam. Esta herramienta proporciona diversos beneficios para sus usuarios, como por ejemplo, que la calidad de las imágenes es de súper alta definición (cada una de las fotografías tiene más de 7 mil millones de pixeles), permitiendo que se pueda explorar a nivel de detalle cada pincelada de cada pieza. Esto se complementa con información detallada de la obra –ficha técnica, historia–, del artista y otros elementos multimedia como videos. La página da también la posibilidad de crear colecciones propias en las que se pueden guardar las obras preferidas de cada uno y compartirlas con otra persona.

REDES SOCIALES A través de herramientas como Facebook o Twitter –entre las más comunes– los museos y galerías establecen una relación horizontal con su audiencia, al lograr una comunicación sin intermediarios. En tiempo real pueden dar información sobre lo que sucede en el interior de sus muros: publicar imágenes del montaje de sus exposiciones, explicar cuándo van a ser visitados por una celebridad, notificar acerca de eventos próximos, reportar sobre conferencias o espectáculos u ofrecer datos curiosos sobre sus colecciones. Una de las ventajas de estas instituciones de arte tecnológicamente actualizadas, es que el público puede responder casi al momento con comentarios y críticas, lo cual pone a los museos y a los visitantes al mismo nivel. Por ejemplo, en uno de sus últimos posts el Museo Reina Sofía, en Madrid, invita a visitar la exposición de Mateo Maté. Siguiendo con el patrón, la National Gallery de Londres hace poco compartió en su muro de Facebook los tours virtuales de sus obras maestras del Renacimiento que están disponibles en su sitio, planteando preguntas dirigidas a sus seguidores. Estas son sólo dos formas de cómo los museos y galerías pueden hacer uso de las redes sociales.

VIDEOS El mundo del arte visual ha contemplado como buena opción la creación de videos de diferentes temáticas, que pueden mostrar desde curiosidades de los museos, hasta información acerca de exposiciones o artistas, pasando por hechos noticiosos relacionados con el ámbito cultural. Además, los videos también constituyen una plataforma de lanzamiento, ya que es un método fácil y eficaz para dar a conocer obras y trabajos, por eso es un medio ocupado por varios artistas. En esta edición hemos querido destacar un video en particular de Youtube, llamado “Installation of Maurizio Cattelan: All at the Guggenheim” en el que, gracias a la técnica de la cámara rápida, se ve como en un minuto y quince segundos, se arma una exposición de este artista, cuya obra está entre la escultura y la performance. En él, se ve cómo, poco a poco, se monta una complicada estructura de objetos aparentemente inconexos, colgados de una gran estructura metálica, que va ascendiendo hacia el techo del museo Guggenheim de Nueva York. Los videos son pues, una entretenida alternativa para la visualización artística.

APP STORE Como es habitual, en Apple Store, la tienda on line para dispositivos Mac, se pueden encontrar una gran variedad de aplicaciones, en este caso, relacionadas con arte, artistas y museos. La mayoría son gratuitas y se pueden clasificar por temática: existen las que a modo de guía recogen información sobre referencias técnicas de los museos de cada país –de España y México, por ejemplo–, aportando datos como direcciones, página web, teléfonos, email de contacto, horario, arquitectos, año de fundación, etcétera. Otra opción son las de los museos más famosos como el MoMA, el Louvre o el Tate Modern, que han desarrollado sus propias aplicaciones, más específicas. Algunas están dedicadas a colecciones rotativas, en cuyo caso, pueden tener algún costo; pero otras alternativas son las que aportan datos interesantes como un diccionario de términos artísticos o un calendario de exposiciones, proyecciones y eventos. Como originalidad, el Tate Modern ha desarrollado “Street Museum”, que gracias a la tecnología de la Realidad Aumentada, permite fotografiar edificios de Londres, y verlos tal y como fueron en el momento de su construcción.

concurso

cONCURSO TELEFÓNICA

ARTE EN LA ERA DIGITAL

A partir del 12 de marzo estarán publicadas las bases de la segunda versión del Concurso Matilde Pérez Arte y Tecnología Digitales 2.0, una iniciativa impulsada por la Fundación Telefónica que busca promover la creación artística a partir de nuevas tecnologías y que este año será la antesala para una retrospectiva de esta artista chilena. Imágenes cortesía de Fundación Telefónica.

n los ’60 Matilde Pérez realizó una búsqueda de nuevos lenguajes y configuró una propuesta en torno a la geometría, adicionando en varios casos motores y luces. Ha sido sido una fiel representante del arte cinético y una de las precursoras en aplicar tecnología a las obras de arte. Como una tecnológica forma de realizarle un homenaje –y fomentar la creación de jóvenes universitarios y recién egresados con tecnologías– es que la Fundación Telefónica junto a la UNIACC decidieron realizar un concurso. “Nace con el objetivo de incentivar la creación artística universitaria y difundir el uso de tecnologías digitales ya no sólo como usuarios, sino también como productores críticos, capaces de desarrollar un mensaje que refleje su visión del entorno y de cómo allí pueden posicionar su mensaje de una manera novedosa y poco difundida hasta ahora”, afirma Francisco Aylwin, gerente de Arte y Tecnología Fundación Telefónica Chile.

• Álvaro Pimentel, “Flujo en curso”, obra ganadora en categoría estudiantes.

El año pasado el certamen recibió 30 trabajos. Luego de una evaluación y selección se les apoyó con clínicas a quienes quisieron mejorar o terminar sus trabajos. “Sabemos que hacer arte en Chile no es tarea fácil, por eso nuestra intención fue marcar un precedente y poner la primera piedra”, explica Aylwin. —¿Qué tipo de proyectos recibieron el año pasado? —Rápidamente recuerdo la obra “Flujo en curso”, de Álvaro Pimentel, en la que el espectador se acercaba a un recipiente con agua que detectaba el movimiento –sin más intervención que su presencia– y era capaz de replicar esa oscilación del agua en una pantalla gigante. Y me conmovió mucho la creación de Cristóbal Cea, “Tacto”, quien reflexionó sobre el vínculo entre la cultura digital-

• Cristóbal Cea, “Tacto”, ganadora en la categoría egresados.

virtual y la afectividad: desarrolló una estructura interactiva capaz de replicar mensajes abstractos para un ordenador, pero que en el fondo buscaba proyectar una experiencia tan humana como el amor, el cariño. Esa obra mezclaba cables, metales y computadores con internet inalámbrico. Lo tenía todo. —¿Qué tipo de elementos y nuevas tecnologías fueron empleados en los proyectos presentados? —Estas generaciones nacieron en otra realidad y herramientas para la diversión o el trabajo. Y en sus creaciones transmiten mensajes desde sus intereses: hay computadores, scanners, impresoras, guitarras, micrófonos, internet, sistemas de sonido, tubos de PVC, detectores de movimiento, cámaras, proyectores de luz, agua, motores, engranajes, etc.

—¿Cómo esperan que sea la convocatoria 2012? —Esperamos que sea similar y mayor que el 2011, pero el énfasis estará en mejorar los tiempos de postulación y desarrollo de los proyectos con apoyos de los expertos de las clínicas de Physical computing, programación y audio/video digital, con el objetivo de dar un salto en cuanto al resultado final, que nuevamente se convertirá en una de las exposiciones de Sala de Arte Fundación Telefónica. Además será la antesala de una gran retrospectiva de Matilde Pérez. Este concurso es, entonces, una oportunidad para quienes deseen expandir sus lenguajes creativos, o afianzarlos por el lado tecnológico, pues brindan apoyo concreto para acabar su obra. Como dice Francisco Aylwin, "hasta la más volada de la ideas puede concretarse en una pieza artística exitosa ".

ferias

ArteUSA Los primeros días de marzo dos importantes ciudades norteamericanas, Miami y Nueva York, albergarán tres eventos en torno al arte contemporáneo. Artistas y galerías de primer nivel serán parte de tres ferias que pretenden cautivar la mirada de los críticos y el público que año a año las visita. •Janet Werner, “Veil”, 2011, oleo sobre lienzo, 152,4 x 121,9 cm. Cortesía de Parisian Laundry y de Volta New York.

VOLTA NY VOLTA NY es la versión americana de la joven, pero exitosa feria creada en Basilea en 2005, por la crítico de arte Amanda Coulson, que es la actual directora de la feria. Su programa estará enfocado en la presentación de proyectos solistas de distintos artista, bajo la representación de galerías de 25 países del mundo, que este año suman 80. Al poner el foco en los artistas a través de creaciones individuales que muestra en exclusiva, este evento promueve una exploración profunda de la obra de los proyectos seleccionados, permitiendo descubrimientos que van más allá de los de una feria de arte tradicional. Es lo que se podrá hacer con artistas como Janet Werner (en la foto),

Timotheus Tomicek o Aakash Nihalani. Varias instituciones sin fines de lucro y ligadas al arte presentarán los trabajos de los artistas que han patrocinado. HomeBase Project llevará a Ignatz Bier y NURTUREart Non-Profit Inc. la obra del fotógrafo David Schoerner. CULTURE SHOCK trae otra de las novedades con BOOM!, una muestra interactiva que incluye las aplicaciones para iPad de Glenn Marshall e interfaces de audio curadas por Dave Hodge, entre otras cosas. Lugar: Entre la 5ta y 6ta Avenida, piso 11, Nueva York Fecha: del 8 al 11 de marzo www.voltashow.com

arteaméricas

Se autodefine como la primera feria de arte de Latinoamérica y España, y este 2012 Argentina es el país invitado, permitiendo que una serie de instituciones de este país expongan las obras de sus artistas. En total son más de 50 las galerías que presentarán las nuevas propuestas de pintura, escultura y arte conceptual multimedia. En su décima versión, Arteaméricas trae varias novedades. Una de ellas es FotoAméricas, un espacio exclusivo para la exposición de fotografía. Además el Museo de Arte de Fort Lauderdale participará con una exhibición curada por Jorge Santis. Por otra parte, este año la feria volverá a presentar Art Talks/Conversaciones, una serie de mesas de discusión donde se tratarán diversos temas con el fin de entender más detalladamente las artes visuales, las bienales y las prácticas de colección de arte. Finalmente el destacado artista venezolano Carlos Cruz-Diez fue escogido para instalar una obra en la entrada del estadio de los Miami Mirlins y, de esta forma, promover el arte en espacios públicos.

•Max Seteven Grossman, “Springbok”, 2011, fotografía digital, 90 x 115 cm. Imagen cortesía de Arteconsultores y arteaméricas.

Lugar: Miami Beach Convention Center, Miami Beach Fecha: Del 3 al 5 de marzo www.arteamericas.com

ARMORY SHOW Armory Show es uno de los eventos artísticos más importantes que se desarrollan año a año en Nueva York, reuniendo lo mejor del arte de los siglos XX y XXI. En su décimo cuarta edición el encuentro contará con la participación de 30 países, con más de 120 expositores en la sección contemporánea y 71 gestores internacionales especializados en creaciones de arte moderno significativas. Además se inaugurarán tres iniciativas: Armory Film, bajo la curaduría de Moving Image Fair, la participación de once art dealers jóvenes en Solo Projects y el lanzamiento del Media Louge, que tendrá una programación in situ que incluye filmes, foros abiertos, charlas y performances. La sección Armory Focus, en su tercera versión, estará dedicada a los países nórdicos. El director de Malmö Konsthall, Jacob Fabricius, curó la muestra, incluyendo galerías de Dinamarca, Noruega, Suecia, Finlandia e Islandia. Lugar: Piers 92 & 94, Twelfth Avenue at 55th Street, Nueva York. Fecha: del 8 al 11 de marzo www.thearmoryshow.com •Obra de Odd Nerdrum. Imagen cortesía de The Armory Show.