Periódico nº 80 / Abril 2012 by Arte al Límite

distribución

SANTIAGO DE CHILE, abril

Nuevo: Barriovisión

gratuita

2012 artes visuales Nº 80

Circuito

Cultural

¿Quién no ha pasado mil veces por un sitio sin darse cuenta de lo que había alrededor? Con el ajetreado ritmo de vida de los santiaguinos es normal que esto pase. Por eso, desde Barriovisión te invitamos a redescubrir lo nuevo o lo que siempre ha estado en tu ciudad.

Cumplimos 80 ediciones

Carmen Aldunate

Son 80 números y siete años en los que mes tras mes hemos estado al frente de la contigencia artística chilena, creando debate y formas de expresión.

Presenta a Matilda, el personaje principal de su nueva exposición, que aún permanece rodeada de misterio. Mientras, la artista nacional persiste en el retrato de sus mujeres. P. 28

P. 17

EQUIPO

Ana María Matthei directora /Ricardo Duch director /Cristóbal Duch asesor comercial /Catalina Papic directora de arte/ Camila Duch proyectos culturales /Angélica Navarro editora/ Claudia Mesegué periodista /Camila Jofré diseñadora gráfica y mult. / Paulina Loyola diseñadora /Yuriko Takahashi periodista /Mariana Vukusich licenciada en historia / Carla Vásquez licenciada en estética /Paula Tallarico master en curatoría/ Francisca Medina historiadora de arte/Paula Barrera licenciada en letras /Pamela Olavarría historiadora de arte /Ernesto Muñoz crítico y asesor de contenidos/Ennio Bucci crítico /Enrique Solanich crítico /Julio Sapollnik crítico - Argentina /Pedro Labowitz crítico /Manuel Munive crítico - Perú /Maite Gallego gestora cultural /Bernardita Garib escritora y artista /Jorge Azócar asesor/ Patricio Schmidt asesor / Gabriel Núñez asesor de comunicación /Ignacio del Solar asesor /Paulina Sepúlveda ventas | ventas@arteallimite.com

EDITORIAL

omo dijo el filósofo Seneca “errare humanum est”, errar es humano. Mil proverbios, frases hechas, y dichos populares ilustran que el hombre es capaz de equivocarse una y mil veces a lo largo de su vida. Sin que sirva de justificación ni explicación alguna, eso sucedió en la edición del mes de marzo. Publicamos varios títulos de obras que no correspondían a los artistas sobre los que trataba el texto, de los cuales rectificamos los datos en el presente número. Más allá del error, esto constituye una forma de mejorar, de crecer como medio de comunicación y de darse cuenta de que uno tiene que tomar esas faltas y salir reforzados. Como de mirar al futuro se trata, la presente edición viene cargada de novedades. Este número –que corresponde con el 80 aniversario del diario–, representa un paso adelante en el acercamiento de las artes visuales al público. Queremos seguir recuperando elementos importantes que se encuentran en calles, museos galerías, e incluso en ciudades, y por este motivo, día a día nos esforzamos en divulgar esos pequeños detalles que nos parecen importantes a nivel artístico. Este mes inauguramos una nueva sección, "Barriovisión", con la que te invitamos a mirar

los distintos rincones de Santiago con otros ojos, a descubrir la historia detrás de aquellos personajes, edificios, tiendas o cafés que ya son parte de la esencia de nuestra ciudad. Además, como Arte Al Límite es un medio especializado en arte contemporáneo, de cada uno de nuestros barrios rescataremos esas joyitas escondidas que tengan que ver con lo que nosotros hacemos: el arte. ¿Y qué mejor que comenzar a redescubrir Santiago desde la faceta turística? En uno de nuestros reportajes te presentamos cuatro alternativas diferentes que te permitirán, desde distintas perspectivas, ponerte en los zapatos de un viajero, y dejarte sorprender por las maravillas de la capital. Por otro lado, en abril es Semana Santa, una fecha muy importante para quienes practican la religión católica. Por eso, iluminados con ejemplos de arte sacro, profundizamos en cómo es el trabajo de un conservador y restaurador de obras de arte. Casos como el de la Virgen del Carmen que fue quemada en 2008 o el de la Virgen de Montserrat, más conocida como “La Moreneta” –que en realidad originalmente no era negra–, presentan grandes desafíos a quienes se desempeñan como los médicos de estas disciplinas creativas. Aunque, por supuesto, no sólo este tipo de piezas son objeto de restauraciones, sino también las que producen nuestros artistas contemporáneos.

SUMARIO

07 .

De turista en Santiago

12 . 16 .

Barriovisión Virginia Berguño

17 .

Carmen Aldunate

18 .

Críticas

22 .

Agenda Santiago

24 .

Agenda Regiones

26 .

A g e n d a We b

29 .

Pe r f i l / A r t e

35 .

Fr a n c i s c a S a n d o v a l

36 .

Nieves Mac-Auliffe

38 .

Galeria Macchina

40 .

Restauración

46 .

Zona Maco

REPRESENTANTE LEGAL Orlando Calderón F. VENTAS info@arteallimite.com SUSCRIPCIÓN: marketing@arteallimite.com FONO-FAX 955 32 61 WEB www.arteallimite.com PORTADA Edición Nº 80 / Equipo Arte al Límite IMPRENTA R.R. Donnelley Santiago, Chile Las opiniones vertidas en este medio son de exclusiva responsabilidad de quienes las emiten.

Fe de errata - Edición 79 (Marzo 2012) Página 6- Catalina Abbott. “Sin título”, dibujo digital intervenido con pastel seco y graso, carboncillo y acrílico, 50 x 70 cm. Imagen cortesía de la artista. Página 7- Cristóbal Leonardo Riffo. “La Desaparición de una Familia”, 2011, instalación interactiva. Imagen cortesía del artista. Página 8- Yto Aranda, Roberto Larraguibel, Nury Gaviola. “[re]petición[es]”, 2009, grabado acrílico comandado por procesador central quien por medio de sensores gatilla la actividad lumínica del sistema, 80 x 80 cm. Imagen cortesía de Yto Aranda. Página 9- Gonzalo Mezza. “8 = 8. Infinity the Virtual Museum Project”, 1994-2010, instalación multimedial, LEDs, sonido, proyección sobre LCD, videos, imágenes digitales, 3,20 x 7,40 x 25 m., dimensiones variables. Imagen cortesía del artista y de Galería CAIXA Cultural, Río Janeiro 2010, Brasil. Página 18- Jaime Urbina. Imagen de la serie Fragmentos aéreos, 2010, acrílico sobre papel, 50 x 70 cm. Imagen cortesía del artista. Página 19- Concepción Balmes: “Flores”, 2012, pintura sobre tela, 120 x 100 cm. Imágenes cortesía de la artista. Página 20- Catalina Mena, imagen tomada por Patricio Novoa. Cortesía de Galería Isabel Aninat. Página 22- Rembrandt, “Jacob Haaringh”, el joven, 1655,

aguafuerte, puntaseca y buril, dimensiones. Imagen cortesía de Fundación Itaú. Página 24- Alicia Arizpe (AIXA), “Glosario del agua”, 2011, imagen digital impresa en papel Hahnemühle, 28 x 21.5 cm. Imagen cortesía de MAC - Valdivia UACh. Página 31- Carolina Busquets. “Mujer con vasijas”, 2011, técnica mixta sobre tela, 81 x 100 cm. Imagen cortesía de la artista. Página 31- Bernardita Domeyko. “Caballo azul”, óleo sobre tela, 80 x 80 cm. Imagen cortesía de la artista. Página 32- Marci Puelma. “Sin título”, 2008, aguafuerte, 20 X 30 cm. Imagen cortesía de la artista. Página 32- María Teresa Hasbún. “Viento norte”, 2011, técnica mixta, 210 x 110 cm. Imagen cortesía de la artista. Página 33- Francisca Balmaceda. “Título incierto”, 2011-12, acrílico sobre cartón, 21 x 50 cm. Obra aún en proceso que serán parte de un libro ilustrado aún sin título. Imagen cortesía de la artista. Página 34- Constanza Ragal. “Ágata”, 2010, óleo sobre tela, 90 x 130 cm. Imagen cortesía de la artista. Página 34- Loreto Undurraga. “Espiral”, 2009, tejido en papel, 210 x 70 x 60 cm. Imagen cortesía de la artista. Página 37 “Chile y sus loicas”, 2012, técnica mixta. Imagen cortesía de la artista.

¡DESCUBRE LO MEJOR DEL ARTE MUNDIAL!

Revista Ed. 53

Periódico N°80

Página Web

www.arteallimite.com

@arte_al_limite www.facebook.com/arteallimite

reportaje

de turista en santiago En esta ocasi贸n, m谩s que un reportaje te proponemos que redescubras la ciudad. Ser santiaguino no significa saberlo todo del sitio en el que has nacido, por eso, te animamos a que por una vez te conviertas en turista, y experimentes la sensaci贸n de recorrer Santiago de una forma distinta. Por Claudia Mesegu茅 Terradas, periodista

Circuito Cultural Transantiago Imágenes cortesía Equipo Arte al Límite

ransantiago te lleva a la cultura, es un recorrido especial en un bus como los que miles de santiaguinos toman a diario, que permite conocer los atractivos de la ciudad como museos, zonas típicas, y edificios patrimoniales. A través de sus 15 paradas, el recorrido permite conocer más de un centenar de puntos emblemáticos de la cultura local como el circuito cultural Santiago Poniente, que visita el Matucana 100, el Museo de Arte

Contemporáneo, el Artequín, el Planetario, el Museo Ferroviario, o la Biblioteca de Santiago. También es posible hacer un alto en el Centro Cultural Palacio La Moneda, la Catedral Metropolitana, el Cerro Santa Lucía, Mercado Central, el Parque Metropolitano, Parque Forestal, el Museo de Bellas Artes y la Plaza Brasil entre otros espacios de interés general. Se da una vez por semana (todos los domingos de 10 a 18:30 horas), y entre las numerosas ventajas de esta opción se encuentran el hecho de que el pago es sólo el de un pasaje único con la tarjeta BIP. Los estudiantes pagan tarifa escolar y los niños menores de 12 años viajan gratis. Con el paso de una micro cada veinte minutos aproximadamente, quienes disfruten de este recorrido reciben, a bordo del bus, una pulsera distintiva que les permite, durante ese día, subir y bajar del recorrido las veces que quieran, sin tener que pagar de nuevo. Además, el circuito incluye la guía de monitores, la entrega de mapas temáticos relacionados e información de las actividades en los distintos puntos de interés, y se puede acceder a descuentos y beneficios en centros culturales como Matucana 100, el Planetario o el Centro Cultural Palacio La Moneda. Este recorrido está enfocado al turista, pero sobre todo a los santiaguinos, ya que la idea es que por un día, sean turistas en su propia ciudad, y se les facilite el acceso al patrimonio cultural de su ciudad.

Cuándo: todos los domingos. Precios: el valor de un viaje en Transantiago. Más información en: www.transantiago.cl / 800 73 00 73

cultura mapocho Imágenes cortesía Cultura Mapocho

ultura Mapocho es una empresa de turismo urbano cuyo objetivo es ofrecer recorridos patrimoniales por la ciudad de Santiago, dirigidos tanto a visitantes nacionales como extranjeros. Para ello, considera en sus tours todo un abanico de manifestaciones culturales, ampliando las visiones tradicionales que se remiten al ámbito monumental y arquitectónico del llamado centro histórico, y que reduce al turista a una visión estrecha y estereotipada. Considerando que la mejor forma de hacer turismo es acercándose a este patrimonio, desde la perspectiva del transeúnte, en Cultura Mapocho guían al visitante hacia una experiencia en la que el escenario urbano se mide escala humana. Desde el 2007, y de forma gratuita, esta empresa ofrece los Recorridos Patrimoniales por Santiago, por lugares como Bellavista, el barrio Brasil, el sector aledaño a la calle Dieciocho, Estación Central y otros. A partir de marzo, y durante este 2012, se lanzarán nuevos circuitos: "Barrio Franklin-Matadero", el "Barrio San Isidro" y "Santiago Criminal". El 22 de abril, el escritor Ramón Díaz Etérovic, junto a su personaje literario el detective Heredia, recorrerá el Barrio Mapocho-Esmeralda. Además, por precios que van desde los $13000, Turismo Urbano brinda divertidas alternativas como el recorrido "Santiago Catastrófico" (lunes, miércoles y viernes). Terremotos, incendios, crecidas del río, pestes y epidemias, han formado el carácter de los santiaguinos a través de los siglos. De esta forma se puede conocer la historia del “destino infausto” y las huellas de la

tragedia en la ciudad. También existe el tour "Santiago Religioso" (martes, jueves y viernes), a través del que puedes visitar la historia colonial de Santiago, mediante la visita a sus más importantes y hermosas iglesias. Es la mejor forma de conocer la influencia que ejercieron las diversas órdenes religiosas en el trazado de la ciudad, y en la propia vida cotidiana de los santiaguinos. Otra opción es "Santiago Literario" (martes y jueves), que, como su nombre indica, recorre los sitios en la ciudad donde se puede leer, los lugares desde donde la literatura se escribe y aquellos inolvidables personajes literarios que toman vida hoy. Santiago se convierte, entonces, en escenario y protagonista de muchas obras que nacen de la inquietud de poetas, ensayistas y novelistas. Por último, el recorrido "Santiago Siglo XX" (sábados y domingos), explica la historia social y política del siglo XX y cómo ella ha dejado muchas huellas en la ciudad. A través de un recorrido por las sedes de los distintos poderes del Estado y espacios de expresión ciudadana se revisan los hitos y hechos más significativos del siglo pasado que han marcado el devenir político y social del Chile actual. Cuándo: diferentes alternativas, de lunes a domingo. Precios: los recorridos patrimoniales son gratuitos. Los tours de Turismo Urbano cuestan $13000, duran 3 horas e incluyen alimentos y bebida y guías especializados. Más información en: info@culturamapocho.cl / Teléfono: 3356162. turismourbano@culturamapocho.cl / 9-4990841 / 8-1883431

turistik Imágenes cortesía Turistik

esde octubre de 2007, Turistik trae por primera vez a Chile el innovador circuito Santiago Hop on / Hop off constituido por una flota de buses rojos de dos pisos al más puro estilo londinense. Por $19000, entre las 9.30 y las 18 horas, se puede subir y bajar del bus las veces que quiera. Son 13 las paradas del circuito, y entre ellas están Plaza de Armas, el Mercado Central, la Plaza de la Constitución, el barrio El Golf, el Patio Bellavista, el Parque Metropolitano y el Museo Nacional de Bellas Artes. Otra posibilidad es el Santiago City Tour Tradicional, que, por $20000, y durante alrededor de tres horas, hace un recorrido guiado por esta ciudad fundada en 1541, visitando sus barrios, parques, plazas, edificios, museos, y monumentos. El tour comienza mostrando la zona oriente y más

moderna de la ciudad, donde destacan el distrito financiero y la avenida de boutiques de Santiago, y la comuna de Providencia, que muestra la evolución de la capital a partir de mediados del siglo XX. Luego, continúa por el casco histórico, donde destacan la Biblioteca Nacional, el Palacio de Gobierno, la Estación Central, el Club Hípico, el barrio universitario o el Mercado Central, entre otros. Por último, se puede visitar Bellavista, conocida como la zona bohemia de Santiago, y luego el cerro San Cristóbal, un impresionante mirador natural. Para los que prefieran sentir en sus pies la potencia de esta creciente ciudad, existe el tour Caminando por Santiago, que por un precio más económico ($9000), se convierte en una de las mejores maneras de descubrir una ciudad. De está forma, el grupo camina junto a un guía que comentará la historia y anécdotas de Santiago, permitiendo entender los orígenes y la evolución de su cultura. Así, se puede descubrir en profundidad los atractivos más importantes del centro: la Plaza de Armas, la bolsa de Comercio, la Iglesia y Convento de San Francisco, el barrio París-Londres, la Biblioteca Nacional, el Teatro Municipal, el cerro Santa Lucía, el barrio Lastarria, el Museo Nacional de Bellas Artes y el Parque Forestal. Existe otra posibilidad, en este caso para los paseantes nocturnos, de conocer la diversidad cultural de Chile, a través de una magnifica cena show en la que disfrutas por $34200, de la energía de los bailes nortinos de La Tirana, seguidos por la tradicional Cueca, que mezcla la elegancia y picardía de huasos y chinas. A continuación se muestran de las danzas araucanas que evocan los orígenes de Chile, los bailes Chilotes, que destacan por su gran fuerza y calidez, y finalmente el espectacular contraste de ritmo y colorido que otorga la cultura polinésica de Isla de Pascua. Los de Turistik son servicios diseñados especialmente para los visitantes extranjeros, pero para el cliente chileno puede ser una excelente oportunidad de compartir con personas de otras latitudes, conocer la visión que se entrega de la ciudad y saber cuáles son sus impresiones al respecto. Cuándo: todos los días. Precios: desde $9000. Más información en: www.turistik.cl / reservas@turistik. cl / 820 10 00

la bicicleta verde Imágenes cortesía La Bicicleta Verde

a Bicicleta Verde es una empresa de turismo sustentable, que busca mostrar la cultura local sin impactar el medio ambiente. Para ello han diseñado city tours guiados en bicicleta y a pie, ofreciendo también arriendos de bicicletas para los que deseen recorrer la ciudad con sus propios tiempos. La idea es que el recorrido por Santiago sea una experiencia inspiradora, entretenida, segura y que pueda vivirse "desde dentro", ya que caminando o en bicicleta se consigue formar parte de la ciudad e interactuar con ella. La ventaja de esta empresa es que ofrece la posibilidad de hacer recorridos durante la mañana, la tarde y la noche, adaptándose así a las opciones del turista o paseante. De esta manera, de 9:30 a 12: 30 se puede visitar La Chascona en el Barrio Bellavista, el barrio Patronato, la Vega Central, conocer la historia de la Plaza de Armas, y disfrutar de muchas otras sorpresas que forman parte de estos imperdibles paseos por la capital. Durante la tarde, de 14:30 a 17:30 se recomienda el tour Parques y política reciente de Chile, gracias al cual se visita el palacio presidencial, el cerro Santa Lucía, la antigua casa de tortura de Londres 38, los parques y barrios más hermosos del centro de Santiago, y parte de Providencia. Ambas rutas tienen un costo de $18000 pesos. Por la noche, ofreciendo

una experiencia más entretenida e innovadora, y siguiendo siempre el curso del río Mapocho desde la cordillera, La Bicicleta Verde invita a pedalear por antiguas construcciones fusionadas con la moderna arquitectura de un país que intenta emerger al desarrollo. El recorrido es un 100% en bajada, resultando una ruta relajada, que se finaliza compartiendo un pisco sour en el Barrio Bellas Artes. En este caso, el itinerario tiene un coste de $30000 pesos, y dura tres horas, de 19:30 a 22:30. Los recorridos a pie que ofrece la empresa son tres, y parten de los $25000: Walk & Talk, que promete contar las mejores historias y curiosidades de la ciudad, Santiago Huachaca, con el lado B de Santiago (La Piojera, La Vega, cafés con piernas) y el Human Right Legacy Tour, que recorre los rincones donde aún hay vestigios de la dictadura militar. Cuándo: todos los días. Precios: desde $18000. Más información en: www.labicicletaverde.com / info@labicicletaverde.com / 570-9338 / 7-215-6961 / 7-215-7087

barriovisión

¿Sabías que…? Victoria Subercaseaux Vicuña, una de las mujeres más ilustres que ha producido la sociedad chilena –que da nombre a una de las calles ubicadas al costado del cerro Santa Lucía–, se casó con su primo, el conocido político y activista Benjamín Vicuña Mackenna. En el baile dado para celebrar la reelección del presidente don José Joaquín Pérez Mascayano Victoria se presentó en sociedad de forma oficial. En seguida cayó prendada de Vicuña Mackenna, y antes de cumplirse los seis meses de noviazgo, en el gran patio de la Chacra Subercaseaux, los novios se unieron en matrimonio.

¿Sabías que…? En 1843 José Victorino Lastarria publicó su primer cuento, “El Mendigo”, que hizo que pasara a la posteridad como el primer autor de ficción del país. Sin embargo, el hombre de letras estudió abogacía, llegando a ser profesor del Instituto Nacional en la cátedra de legislación y derecho de gentes. Durante toda su vida se dedicó a las letras y al área humanista, llegando a ser conocido como uno de los intelectuales más brillantes del siglo XIX en Chile.

BARRIOVISIÓN

Lastarria y Bellas Artes La sorprendente entrada de una novia con un vestido gigante en una calle estrecha, un inesperado concierto de música clásica, o una obra de arte extremadamente colorista y a gran escala en medio del gris de la ciudad, configuran un espacio tiempo pintoresco, que merece la pena recorrer. Lastarria y Bellas Artes es una zona, donde el paseo de una tranquila tarde de sábado, puede convertirse en un portal de conocimiento urbano. Por Claudia Mesegué Terradas, periodista Imágenes cortesía de Martin Reyes y Angélica Navarro

ara muchos Lastarria y el área que colinda con el Museo Bellas Artes configura ese barrio bohemio que está situado en el centro de la ciudad. Y en parte, esa descripción calza perfectamente con la esencia de la zona. Sin embargo, para un paseante que mira todo con los ojos

nuevos, del que no está acostumbrado a encontrarse ni ferias ambulantes ni artistas callejeros, Lastarria se convierte en una especie de historia vivida, en la narración de un cuento de vidas anónimas, y de la que pocos se percatan. Son incontables las anécdotas que suceden en una simple

¿Sabías que…? Este mes el artista Francisco Papas Fritas expone su obra en el restaurante Interludio, ubicado en Merced 316. El día de la inauguración –el 1 de abril– la gente podrá escuchar buena música a cargo de un destacado DJ de la escena local, además de ver arte, sentarse a compartir, dialogar, e incluso beber y comer con el artista. El opening durará 5 horas. Recomendado: el exquisito cheesecake de mango cubierto con arándanos, frutillas y helado casero de frambuesa.

¿Sabías que…? El café El Biógrafo abrirá de nuevo sus puertas este mes. La casa, por cuya fachada asoman míticas gárgolas, fue construida en 1909 por el arquitecto chileno Coll y Pi, discípulo de Gaudí. Conocido como uno de los principales puntos de encuentro de la izquierda santiaguina, por allí pasaron artistas e intelectuales como Miguel Littín, Silvio Caiozzi, José Balmes, Ana González y los presidentes de la Concertación, que dejaron sus firmas en las paredes del local.José Balmes, Ana González y los presidentes de la Concertación, que dejaron sus firmas en las paredes del local.

tarde en este y otros lugares de Santiago. Sólo hay que estar atentos a los pequeños detalles, dejarse sorprender y redescubrir las historias –muchas veces olvidadas– de aquellas cosas que están o parecen estar ahí desde siempre. A eso apunta la nueva sección del Periódico Al Límite, Barriovisión. Y también a descubrir cómo el arte está presente de diversas formas prácticamente en todos los rincones de la ciudad. Este, con el barrio Lastarria y sus alrededores como escenario, es nuestro primer acercamiento…

a recibirla, que la ceremonia estaba a punto de comenzar. No sé por qué, quizás por la pomposidad poco elegante, todo aquel escenario me recordó a las bodas gitanas que salen por televisión, tan llenas de joyas de falso oro, y de mujeres con edades que rodean los cincuenta ataviadas con vestidos de atrevidos escotes y vibrantes colores. Demasiadas euforias, uñas postizas y peinados de peluquería de barrio para una sorprendida reportera que, casualmente, se encontraba por la zona.

De repente, en la esquina de la calle Merced con Enrique Mac Iver, derrapó un Fiat Punto de un color azul calipso chillón, de como mínimo los años noventa. De él salió una novia acelerada y con ganas de casarse, con un vestido tan llamativo y aparatoso, que a duras penas lograba la mamá sacarla del auto. Los diamantes de fantasía que adornaban el traje de la joven centelleaban por la calle, avisando a los invitados que esperaban en las puertas de la basílica que iba

Como cualquier otro deambulante, seguí caminando. Además de la estampa que entrega un matrimonio en el casco antiguo de la ciudad, existen otros miles de elementos llamativos. Como un mural gigante en medio de una calle estrecha, céntrica y gris. Al observar la explosión de color que delinean las flores, estrellas, y corazones, no reconocí inmediatamente la autoría de la diseñadora española Agatha Ruiz de la Prada. Es curioso, porque mi adolescencia estuvo surtida de libretas,

¿Sabías que…?

El mural de Agatha Ruiz de la Prada, ubicado en la intersección de la calle Monjitas con Mosqueto (en la salida del metro Bellas Artes), fue una invitación que le hizo alcalde de Santiago, Pablo Zalaquett, a la diseñadora española, como pie para empezar una iniciativa que desplegaría por toda la comuna. Agatha donó esta obra como un regalo a Chile en el marco del Bicentenario como República, y su ejecución fue supervisada por el artista chileno Enrique Zamudio.

¿Sabías que…? La Iglesia de la Vera Cruz fue erigida por la Ilustre Municipalidad de Santiago entre 1852 y 1857 para conmemorar el ambiente de fraternidad entre un recién independizado Chile, y España. El hecho curioso es que la iglesia se ubica en la calle José Victorino Lastarria, conocido por sus ideas anti hispánicas. Además, supuestamente atesora como reliquia un segmento de “la cruz verdadera”, hecho que contribuyó a la elección del nombre final de la basílica.

bolígrafos y estuches de la marca que posee, y suelo tener muy presentes los elementos característicos que suele pintar la artista. Ver el estilo típico de la autora estampado en los dorsos de dos edificios, me hizo pensar en lo peculiar que es que una artista tan comercial llegue a pintar algo tan llamativo en medio del casco antiguo de la ciudad. Puede gustar o no, pero el hecho es que el mural está allí pasando a ser una de esas cosas que, de tanto llamar la atención, pasa desapercibida. Nadie le hacía ningún caso, nadie lo miraba, y sin embargo estaba chillando, reclamando el interés del transeúnte a través de sus intensos colores. Los paseantes, en general jóvenes ataviados con jeans pitillo, enormes gafas de pasta de estilo retro y sombrero tipo años 50, preferían hacer cola en las heladerías cercanas, que hacerle caso a una obra de tan grandes proporciones. Quizás es porque pasan por ahí cada día, y ya no la ven... Sería fácil también enumerar la cantidad de artistas callejeros que se sitúan en zonas estratégicas para un posible –y quizás distraído– público. Pero no todos son cantantes soprano, cuya cristalina y delicada voz crean una sensación que hace que el

tiempo casi se detenga. En la esquina de José Victorino Lastarria con la calle Rosal, en un estrecho tramo de calle, una chica de aspecto nórdico interpretaba una melancólica versión del Ave María de Mozart, que atrapaba y enredaba. Ataviada con un raido vestido que pretendía ser de gala, entonaba sus melodías acompañada de un joven violinista con traje de chaqué y una mini cadena que reproducía desafinados sonidos orquestales. Alrededor de ellos, pero desde la distancia, se arremolinaban unos cuantos curiosos, que parecía que quisieran ver algo más en la actuación. Sin embargo nada pasaba, y parecía que, tanto la cantante como el violinista, formaran parte de un espectáculo de bienvenida a la conocida feria de antigüedades y objetos curiosos del barrio. Sería demasiado típico decir que hay que salir a conocer, y ver lo nuevo que tiene la ciudad. Sin embargo, la zona de Lastarria y Bellas Artes hay que vivirla en la calle, hay que dejarse sorprender por los elementos que ya están, redescubrir lo que es y hacerse uno con la esencia de estas callejuelas, que encierran una y mil curiosidades, dispuestas darse conocer a aquel que esté más atento.

entrevist a

irginia Berguño comenzó su relación con el arte 17 años atrás. Desde entonces mantiene un permanente proceso creativo, al que le dedica tiempo y trabajo, y que le permite estar en constante sincronía con su creatividad. “Para mí el arte es una necesidad, una obsesión, un zumbido en el oído del que no puedes escapar…”, explica la artista. Virginia cuenta que ella lo vive como un proceso constante de expresión; dice que en su caso, a través de la joya como obra, se manifiesta dejando una impronta escultórica como un símbolo. Para la artista, el arte no se espera, viene de una especie de revelación ancestral que se traduce en una perplejidad ante la conducta del metal frente al fuego, o de una obsesión por las piedras preciadas, provocando un absoluta admiración por el legado que nos han dejado nuestras culturas, las cuáles son motivo de gran inspiración en su trabajo. “Es algo visceral, necesito sentir intensamente lo que estoy creando y… vomitarlo. Los trabajos que me han dado mayor satisfacción son aquellos que han surgido violentamente, casi sin esperarlo”, relata Berguño.

•“Contiene”, 2011, joya de gran formato tipo pectoral de colección de cobre y plata.

Virginia BErguño ORFEBRERÍA CON ALMA

Cuando la naturaleza apela a una imperativa necesidad de creación, Virginia Berguño se deja influir por el carácter de las culturas ancestrales para realizar “esculturas joya” cargadas de fuerza. Por Claudia Mesegué, periodista Fotografía cortesía de la artista

Actualmente, está trabajando en una colección de joyas y murales, inspirada en el concepto de “materia y alma”, con la intención de realizar una muestra itinerante no sólo en Chile, sino también en el extranjero. La idea es mostrar cómo la materia se fusiona con el ser del artista –con su mundo interno, con sus conflictos, con su cultura, con la herencia de sus antepasados–, y cómo de esta unión surge la obra. Para ello, la artista cree que hay que plasmar la existencia de cada uno, estimular los sentidos, y vincularse con nuestro entorno y su inmensidad. Y es que Virginia expresa la necesidad creativa del alma humana a través de diferentes formatos y materialidades, a fin de representar aquello que nos es dado por la naturaleza. Por lo tanto, al contemplar cada una de las piezas orfebres, joyas rupestres y tapices, podemos percibir el inicio de una inspiración donde cada volumen, forma, metal, y piedra forman un código emocional para sentir y entender la presencia de lo primario. Más allá de valor innegable de cada una de sus escultóricas joyas, está la fuerza de un trabajo que, en un lenguaje simple y bello, nos habla de la dignidad del sentido de las obras.

Carmen Aldunate UNA Y MIL MUJERES

Matilda se está gestando, y sin embargo quiere seguir en la sombra como personaje, hasta que aparezca en su nueva exposición. Mientras tanto, Carmen Aldunate sigue trabajando en el retrato de sus una y mil mujeres… Por Claudia Mesegué, periodista Fotografía cortesía de la artista

Sólo lo hice para poder respirar. Sin ponerle palabras difíciles, uno no "decide" dedicarse al arte... El problema es que uno nace distinto, y sin darse cuenta se hace arte, sin procesos, es sólo la forma de respirar de los artistas”. Eso contesta Carmen Aldunate, reconocida pintora chilena, cuando se le pregunta cómo y cuándo decidió dedicarse al mundo del arte. No hay un momento en que se piensa, “quiero ser artista”, simplemente se decide hacerlo, expresa: “No hay momentos precisos, no existe esa luz mágica llamada inspiración, no hay horarios; de hecho, sin siquiera saber, se comienza mirando de una forma diferente, convirtiendo e invirtiendo formas.” Haciendo una complicada retrospectiva hacia su obra, y siendo difícil descifrar los rostros de los retratos femeninos que componen la mayoría de sus pinturas, Carmen explica que, a diferencia de muchos artistas, no busca nada a partir de su trabajo. Ella no siente necesidad de expresar, de comunicar, simplemente desea encontrar, y para ello construye un autorretrato una y mil veces, que coincide con las vidas y experiencias de tantos otros. “Supe muy temprano que el uso de mascaras no sólo era útil, sino imprescindible.

•Carmen Aldunate, "Waltzing Matilda", 2012, óleo sobre tela, 80x100cm

No se puede andar por la vida con la piel y el alma expuestas. Duele, y mucho. Tampoco cargar a otros con tus bultos, son tu decisión el botarlos o conservarlos”, afirma. Dicen que quien busca encuentra, y Carmen dice que cuando ella encuentre dejará de pintar. Entretanto, la pintora no se moverá nunca de la “corriente pictórica” que la define y por la que es conocida, porque sería, de algún modo, despojarse de su identidad como artista, el reflejo de que algo ha cambiado, y de que ya no es ella. Por lo tanto, su letra, su trazo, sus valores e historias, son demasiados sentimientos, resentimientos, postergaciones y alegrías que hacen de la artista una mujer que se ve reflejada mil veces en cuadros cuyas expresiones no son indefinidas, sino que son una coraza. “Hoy soy Matilda” va a ser su próxima exposición de la que se reserva el derecho de explicar nada todavía. Quiere que el personaje crezca en la sombra, tranquila, y ajena aún a cuantas reacciones puedan desencadenarse. No quiere contar aún ni dónde ni cuando va a ser, simplemente quiere resaltar que Matilda va a ser la protagonista.

CRITICAS Las Crónica de las mil de Alicia Larraín Por Ernesto Muñoz, crítico de arte y miembro de la AICA Fotografía cortesía de Galería Artespacio

frente a la calle Alonso de Córdoba. Presenta las 1000 imágenes realizadas en metacrilato, usando la muralla como soporte, disponiendo las obras en diseños de inspiración geométrica. El color exalta la fuerza de las imágenes, compuestas por rostros humanos en muecas diferentes que muestran un mundo carente de amor. Elaborado desde el dibujo, los personajes conforman el anonimato de las mil fases anodinas que forman un universo imposible de conformar, y que evidencia la desesperación de las muchedumbres hoy puestas en discusión. Es una obra plural y enigmática, con contenidos superpuestos en su elaboración, y entregados al espectador sin concesiones: su fin es proponer un desplazamiento diferente en el juego de las emociones. El término “objeto estético”, recurrente en el arte del siglo pasado, es motivo de reflexión en la obra de Alicia Larraín, donde una frase –como las que plantea Joseph Kosuth, artista conceptual cuya obra consiste sólo en enunciados– es el camino adverso. En la artista el verso se cubre de un dejo de letanía para reafirmar el juego visual. El sonido de la erre –que usa en sus poemas como rastro recubierto– suena ronco, como una voz interior que presagia el peligro eminente en la imagen, dialogando con los versos iniciadores del juego visual. • “Pixel anónimo” o “Uno entre mil”, 2011, técnica mixta (acuarela, carboncillo, pigmento, pastel graso, tinta, acrílico, laca) sobre papel, encapsulado en polímero de 1 cm. de espesor, 14 x 19,5cm.

os sólidos basamentos estéticos de Alicia Larraín se comprueban en la exposición de su proyecto en la Galería Artespacio, titulado Crónica de las mil. La exposición está dispuesta en la sala principal de galería, usando los ventanales

La frase escueta de Kosuth es la “obra en sí”. En la artista que comentamos, el verso es el soporte de la imagen, y su búsqueda angustiada por dar contenidos a una humanidad que pulula en romerías, a un no destino donde el trazo y el color confluye en este desplazamiento. Sitúa a la galería como un tribunal donde los interpelados muestran sus desgarros. Bien por esta mujer artista que penetra en ámbitos nóveles de la creación.

Los grabados de Rembrandt Van Rijn (1606-1669) Por Pedro Labowitz, crítico de arte y miembro de la AICA Fotografía cortesía de Corporación Cultural de Las Condes y Fundación Itaú

e una colección privada europea nos llegan estos 68 grabados, que se presentan bajo el título Impresiones de un genio, un bonito juego de palabras. Rembrandt ha sido un grabador muy prolífico y la selección presentada nos da una buena idea de su producción en este campo. En una época en que el grabado era una importante fuente de difusión de imágenes y no pocos grabadores dejaron el acto mismo de grabar el dibujo en la plancha a sus ayudantes, Rembrandt solía él mismo herir con el buril el barniz que cubría sus planchas y aplicar los ácidos. La mayoría de los trabajos que podemos ver en esta exposición son combinaciones en una misma obra de técnicas diversas: buril, punta seca, aguafuerte.

doble. No hay nada espectacular; la obra grabada de Rembrandt no tiene nada de especialmente llamativa: el placer es gozar de los detalles del dibujo, de la distribución de las luces, del desarrollo de sus figuras dentro de estos planos oscuros y vibrantes. La exposición estará en las salas de la Corporación Cultural de Las Condes, y en Espacio ArteAbierto d e Fu n d a c i ó n I t a ú h a s t a e l 2 9 d e a b r i l .

Aproximadamente un tercio de la obra grabada de Rembrandt era sobre motivos del Nuevo Testamento, como “La huida de Egipto” o el “Hijo Pródigo” en distintas versiones. Sólo un paisaje se muestra en la Corporación Cultural de Las Condes: la gran mayoría son figuras y retratos. Las hojas a la vista son casi todas de pequeño tamaño, por ejemplo, de 11 x 8 cm. Sólo una –una escena de la Cruz– alcanza los 53 x 41 cm. El pequeño tamaño hace necesario mirar las obras muy de cerca y con mucha detención, para poder apreciar la gran riqueza de procedimientos que revelan. Muchas de las líneas son cortas, delgadas y apretadas. Los efectos luminosos son escasos: una pequeña vela en medio de la oscuridad puede ser lo único que ilumina una figura que se encuentra en las tinieblas y las sombras oscuras, y es lo que permite darse cuenta del asombrante cambio de las densidades en su diversidad y riqueza. Por ejemplo, en la “Anunciación” el ángel frente a María es sólo una vertical vibración de tenue luz. Se necesita un cierto gusto por el arte del grabado para poder gozar verdaderamente de esta exposición

• Rembrandt, “La muerte de la virgen”, 1639, aguafuerte y puntaseca

CRITICAS Grabadoras del Taller 99 en el MNBA Por Ennio Bucci, Licenciado en Teoría e Historia del Arte y Estética, miembro de la AICA Fotografía cortesía de la artista

cobre –que sirve como matriz– con líneas suaves y gruesas, donde surge de manera libre un dibujo donde participa el gesto, e involucra el cuerpo en la ejecución de la obra hasta plasmar figuras de rico y texturado contenido plástico. Como señala la artista, “es la idea de lo que fluye en su interior lo que la llama a crear plasmando las imágenes en la matriz”. Magdalena Ludwig: también de una manera espontánea trabaja la temática del paisaje, pero en él se advierte una evolución de su obra grafica anterior. Le interesa plasmar lo que ella denomina “el paisaje exterior”, mostrar los espacios amplios, lo intangible; es una búsqueda de lo infinito, su idea de Dios. En la presente obra podemos apreciar contrastes de colores donde surgen los verdes, amarillos, azules y • Antonia Téllez. “Habitar IV”, calcografía agua fuerte y agua tinta, 76 x 112 cm. ocres. Su serie Alumbramiento plantea la noción de un ser que sale a la luz l Taller 99 es un referente importante en la historia y presencia y se enfrenta con el mundo, creando un paisaje de gran del grabado en Chile. Fundado en 1956 por Nemesio soltura dibujántica, que expresa la libertad interior del artista. Antúnez, que inicialmente funcionara en la casa de Guardia Vieja, por él han transitado numerosas y valiosas generaciones de Antonia Téllez: en muestras anteriores ha desarrollado la artistas que han dado lustro a la disciplina del grabado en Chile. temática de los objetos, y ha mantenido esa misma línea en la presente exposición. Con un acabado y fino dibujo, En el mes de abril, en la sala Chile del Museo Nacional de haciendo uso de la técnica del aguafuerte y el aguatinta, Bellas Artes, presentan sus obras cuatro grabadoras –Isabel trabaja un procedimiento donde dibuja la matriz y la Cauas, Magdalena Ludwig, Antonia Téllez y Carmen Valbuena–, somete al ácido sacando partido a la línea de sus objetos. quienes tienen como antecedente de la presente muestra la exposición 4/4, donde experimentaron la idea de trabajar en Carmen Valbuena: es una artista que a lo largo de su conjunto, tomando como tema los cuatro elementos de la carrera se ha caracterizado por incursionar en formas naturaleza; agua, aire, tierra y fuego. En A pliego completo, la figurativas y abstractas de gran intensidad expresiva. En propuesta es diferente. Cada artista, tomando como soporte esta oportunidad su obra gráfica ha sufrido un cambio un pliego de papel de 76 por 112 cm., trabajó en forma significativo. Preocupada por indagar en el mundo de lo individual y se expresó a través de diferentes técnicas graficas: trascendente y lo espiritual, presenta una metamorfosis de figuras asociadas a ángeles alados, vírgenes de gran Isabel Cauas: trabaja el paisaje de forma espontánea. Haciendo contenido plástico y expresividad, con fondos blancos y uso de buriles de diferentes formatos va dibujando la lámina de negros donde se aprecia gran intensidad en el uso del color.

El pintor Jim Mendoza Mac Ray Por Enrique Solanich S., Magíster en Teoría e Historia del Arte, miembro de la AICA Fotografía cortesía de Editorial Puerto Alegre

l pospuesto pintor Jim Mendoza Mac Ray (Millaneco, Lebu 1905 – Santiago 1963), sale del ostracismo y vira historiable gracias a la iniciativa del crítico de arte Carlos Lastarria Hermosilla que, junto a la periodista Marcela Küffer Collao, son coautores de una publicación reciente de título homónimo con el alumbrado epíteto “Pintor de Abismos”. Tal como los investigadores lo indican, la historiografía de arte en Chile ha sido mezquina con él. Algunas publicaciones rimbombantes en el área lo ignoran; otras le dedican parcas líneas y sólo en el puerto de Valparaíso –ciudad en la que reside y vuelca en la pintura–, se dimensiona su talante, y se lo ubica en el lugar que le corresponde en la pintura local. Razones que explican tal paradoja son el temprano y pionero coleccionismo privado que promueven las colonias extranjeras y, en seguida, las indagaciones de aficionados e interesados.

apodados malditos– de fines de siglo XIX. Instalado en Valparaíso por razones ignotas, hacia 1929 se emplea y labora en el Hospital Enrique Deformes como maestro carpintero y pintor. El añoso edificio está emplazado en el agitado y populoso barrio El Almendral, mismo entorno urbano en que habita. Fusiona sin sonrojo sus

Serrano, protagonista éste de la escena cultural regional que se esmera por situar en su peldaño la creación plástica. Se debe cualificar su pintura, atendiendo iconografías y facturas. El inventario de sus obras data su primera pintura en 1929, y que, nada menos, reproduce el interior arquitectónico del recinto de salud en que trabaja. En óleo sobre tela de 130 por 174 cm., exulta conocimientos de la perspectiva geométrica, con punto de fuga y líneas de tierra y horizonte de por medio. Nada de ingenuidad ni pizca de pintura naif.

Por el contrario, es un apresto de lo que acomete luego: mirada extasiada con las formas y coloridos reinantes, pulcritud y afán de síntesis que, conforme se ejercita en la pintura, se radicaliza para conseguir la ansiada divisa estética: menos es más. Sin vacilaciones ni titubeos, su • Jim Mendoza, “Autorretrato con Jockey”, 1938, óleo sobre arpillera, 49 x 45 cm. pintura se desenvuelve en Colección privada. pocos temas, campeando las escenas de trabajadores, las deberes de asalariado con la vocación construcciones modestas, paisajes y retratos. Pertenecería, según el ensayo que se de creador, en espacios cotidianos En cada género queda su impronta de comenta, a esa cohorte pictórica que que domina y le brindan certezas de seguridad y decisión plástica, asestando un se rotula Generación Porteña y que, por pertenencia. Dicho arrabal es la insignia de designio y voluntad por el arte irrefrenables. extensión, retumba en toda la pintura chilena. la vida porteña que aúna trabajo y miseria; De orígenes modestos, nacido en una placeres y carencia; jarana y cultura o, si Valioso aporte a la historiografía de zona mapuche, de padre con ascendientes se quiere, vida plena y radical, plagada arte en Chile, que salta desenvuelta de aquella etnia y madre escocesa, su de los dolores y alegrías que la signan. y oportuna en medio de escrituras biografía y sucesos diarios son similares Autodidacto, amigo de algunos pares sofisticadas y elitistas que suelen expurgar o, si se quiere, más atribulados que de fuste, suma aprendizajes informales de sus páginas las prácticas de la los de ciertos artistas europeos –mal a la vera de Roko Matjsic y Camilo Mori sencilla y simple pintura de caballete.

AGENDAsantiago

• “El infinito multiplicado “, 2008, video instalación, medidas variables, fotografías cortesía de MAC Quinta Normal

destacado del mes Del 10 de abril al 3 de junio Movimientos/Bewegungen El título es simbólico: iba a inaugurarse en marzo de 2010,

MAC Quinta Normal Av. Matucana 464. Metro Quinta Normal Santiago

pero el terremoto del 27/F cambió los planes. Este abril la muestra del suizo alemán Louis von Adelsheim se toma el museo con 13 video instalaciones centradas en la realidad chilena, que muestran su mirada crítica sobre la situación energética, el consumo, la educación y otros temas. “Tiene una gran habilidad para involucrar al visitante, no sólo a la ubicación física, sino porque logra que éste quede dentro de la obra”, destaca Francisco Brugnoli, director del MAC.

ABRIL L

[16 ]

[1 2]

21 [22] [28] [29]

Inicio exposición

[ ]

Término exposición Exposición destacada

Hasta el 16 de mayo Einige Beobachtungen über Insekten und Wildblumen o Algunas consideraciones sobre los insectos y las flores silvestres

Museo de Artes Visuales (MAVI) Plaza Mulato Gil de Castro, Barrio Lastarria * Santiago Centro

Hasta el 22 de abril Lejos de casa / Vestigios

Centro Cultural Estación Mapocho Plaza de la Cultura s/n, ex estación de trenes Santiago Centro *

Hasta el 28 de abril The Rainbow Connection

D21 Galería de Arte Nueva de Lyon 19 departamento 21, Providencia

Mónica Bengoa presenta trabajos de su proyecto El fieltro como soporte de un nuevo ejercicio óptico, que consiste en la producción de murales de fieltro, de los cuales la exposición recoge tres. En esta muestra se presentan imágenes de libros clasificatorios de insectos y flores silvestres, en el que el desafío ha sido la traducción de problemas fotográficos específicos de una captura con lentes macro. La Galería Bicentenario alberga Lejos de Casa, un proyecto multidisciplinario y colectivo de Alexis Mandujano (fotografía), Jacinta Reyes (pintura) y María Ossandón (maquetas), que representa la magnitud de la naturaleza sobre la presencia humana. Vestigios reúne en la Sala Joaquín Edwards Bello el trabajo fotográfico de Alondra Rodríguez, Constanza Bravo, Emilia Cid y Javier Aravena, cuyo eje temático es Santiago como paradigma de la ciudad contemporánea.

El dibujante, guionista y comediante Rodrigo Salinas presenta una muestra donde retoma al famoso símbolo del triunfo del NO. La pérdida del entusiasmo y el fracaso de un proyecto forman parte de su diagnóstico irónico a la política chilena. Esta apuesta experimental continúa con otra presentada en 2006 en Galería Gabriela Mistral, donde se transformó en “Winnis”, un superhéroe mezcla de ternura y fracaso, que no cuenta con más poderes que su voluntad.

Hasta el 28 de abril Pepologías PLOP! Galería, Merced 349, local 7, Santiago Centro *

Hasta el 12 de abril Alturas

Galería Art Labbé Alonso de Córdova 4308 Vitacura

Hasta el 29 de abril Recordar a tiempo: la atormentada imagen de la mujer contemporánea Galería Ladrón de Bicicletas Dardignac 0163, Bellavista Santiago

Bautizada en honor a Pepo, seudónimo de René Ríos Boettiger, uno de los dibujantes e ilustradores más importantes del país, PLOP! Galería presenta una serie de dibujos, acuarelas y tintas que muestran todo el talento y versatilidad del creador de Condorito. La exposición se enmarca en las celebraciones del centenario del dibujante, que también se celebra con una muestra en la Biblioteca Nacional titulada Ciudadano Pepo.

Se inaugura la exposición Alturas del artista Martín Soria. El nombre se refiere a asociar las alturas de las montañas con las alturas de mira. En minería se hace un trabajo similar al del artista. Se desecha de entre los escombros hasta encontrar el valioso mineral, del mismo modo que el artista desecha de entre lo vulgar hasta encontrar el tema valioso, y este trabajo es el que puede verse en la exposición.

La exposición de la pintora nacional Carolina Labbé presenta un amplio archivo de ejercicios de colores fuertes, obras con las que experimenta y refleja a la mujer contemporánea, atormentada por el paso del tiempo al no cultivar su espíritu, y que vive pensando en cómo arreglar su imagen física, con una gran carga afectiva y psicológica.

* El destacado del texto corresponde al autor de la imagen que acompaña

*Las imágenes de las obras publicadas en agenda son detalles de la original

AGENDAregiones Del 14 de abril al 25 de mayo Música del Agua Teatro del Lago

Avda. Philippi 1000, Frutillar

La actual muestra de Mara Cammi Orsi, permitirá observar toda la belleza, sofisticación y poesía de sus creaciones. La artista cuenta sobre su obra: “Los esmaltes que se observan en la mayoría de la superficie de mis obras son esmaltes cristalinos que se obtienen por medio de una técnica especifica”. Y es que todas las fórmulas que utiliza son el resultado de pruebas ilimitadas, de experimentos de cocción, y de intercambio de experiencias e informaciones con sus amigos y colegas de todo el mundo.

•Mara Orsi. "Música del Agua", cerámicas italianas. Foto: Jean-Luc Orsi

ABRIL L

[ 8] [15]

1 9

[1 3]

Término exposición

Exposición destacada

Inicio exposición

[ ]

HASTA EL 28 de abril Exposiciones Artistas Emergentes Biblioteca Viva Antofagasta Balmaceda Nº 2355, Antofagasta *

HASTA EL 15 de abril

“PAISAJES Y GENTE DE CHILE” Museo O'Higginiano y de Bellas Artes de Talca 1 Norte #875, Talca *

HASTA El 8 abril

Siete Pecados Capitales Corporación Cultural de Puerto Montt Quillota 116, piso 3. Puerto Montt *

Del 3 al 21 de abril Tan Cerca y Tan Lejos Vanessa Kocking,

Avenida Vicente Pérez Rosales n° 1305, Puerto chico, Puerto Varas

HASTA El 13 de abril

Abstracciones, Figuración y Ficción

Sala el Farol Universidad de Valparaíso Blanco 1113, Valparaíso

HASTA El 15 de abril Efímero

Centro de Extensión Talca 2 Norte 685, Talca

[21 ] [28]

22 29

La intención de esta muestra es posicionar la sala como un espacio experimental donde se reflexione sobre el proceso de las artes visuales, tanto con los artistas emergentes como con los experimentados. La idea surgió de la inexistencia de escuelas de arte en el Norte, por lo tanto, esta propuesta también busca aportar de manera concreta en la formación de audiencia en el área de las artes visuales. Esta es una excelente oportunidad para conocer la historia de la pintura chilena. La muestra tiene el mérito de estar constituida por pinturas importantes, muchas de ellas poco conocidas por la mayoría del público y que, sin embargo, fueron famosas en su tiempo, como “Las Playeras” de Celia Castro; “El Primer Hijo” de José Mercedes Ortega; “Jugando al Trompo” de Agustín Undurraga y “Cosecha de Papas” de Pedro Jofré.

Más allá del bien y el mal o sobre consideraciones morales, llega la exposición Siete Pecados Capitales del pintor valdiviano Juan Carlos González Griffiths. Intencionada hacia la creación del debate, el intercambio de ideas y la generación de opinión, la muestra reúne siete pinturas realizadas en acrílico sobre tela de 120 por 100 centímetros que reflejan los pecados capitales definidos por la cristiandad.

Vanessa Kocking describe sus pinturas como “una forma de crear nuevos escenarios dimensionales y psicológicos, en los cuales conexión es la palabra clave”. Ciudades situadas en atmósferas silenciosas o escaleras que conectan caminos son elementos esenciales que dan vida a su trabajo. Vanessa juega con la profundidad y con capas de pintura para crear nuevos mundos, que carecen de márgenes, al contrario que la mente humana.

Desde el advenimiento de las vanguardias artísticas siempre ha existido una tensión creativa en los artistas: optar entre la abstracción y la figuración al momento de plantear una obra. En esta muestra podemos apreciar un conjunto de trabajos que surgen como una pulsión interna que reflejan la manera en la cual cada artista trabaja. Se entabla un diálogo con la materia que se desencadena y culmina en una obra depositaria de esas diferentes pulsiones.

En su búsqueda la artista María Angélica Echevarri llegó al tejido del mimbre, una de las expresiones artesanales más típicas de la zona central de Chile. La escultora chilena presenta una serie de obras ejecutadas en este material, que responden a sus indagaciones en el uso de elementos no tradicionales y formas contemporáneas. “El mimbre me sirve para representar lo efímero, lo que dura un instante o un segundo”, expresa la artista.

* El destacado del texto corresponde al autor de la imagen que acompaña Las imágenes de las obras publicadas en agenda son detalles de la original

AGENDAweb Te presentamos las coordenadas de nuestros Artistas Al Límite. Te invitamos a estar atento a sus pasos. Cristián Velasco Gimnasia artística. El arte como ejercicio de ocupación del cuerpo La exposición individual se compone de registros en video y objetos que exploran conceptos asociados al cuerpo, el movimiento, la energía física y el ritmo, y reflexiona acerca de la rutina, la vida cotidiana y el interés –e incluso obsesión– hacia el deporte y el ejercicio físico. Desde el 12 al 26 de abril Galería Yono José Manuel Infante, 1428, Providencia Contacto: cvelascog@yahoo.com

w w w. a r t e a l l i m i t e . c o m / c r i s t i a n - v e l a s c o • Cristián Velasco. “Disciplina", 2012, cuero, madera, plato de cerámica, 70 x 25 x 25 cm.

Bernardita Garib

En Reparaciones Exposición colectiva junto a Paola Ferraris. Fotografía, pintura e instalación. Del 10 al 29 de abril Corporación Cultural de Las Condes Av. Apoquindo 6570 (entrada por Nuestra Señora del Rosario). De martes a domingo de 10:30-19:00 bgarib@gmail.com

w w w. a r t e a l l i m i t e . c o m / b e r n a r d i t a g a r i b

Loreto Sanhueza

Premio de pintura de la Bienal de Florencia 2011 El Jurado Internacional premió las obras “Cultura Andina” y “Tramas Precolombinas”, que le merecieron a la artista la medalla de Lorenzo el Magnífico y un diploma.

w w w. a r t e a l l i m i t e . c o m / l o r e t o s a n h u e z a

Carolina Busquets

Marcela Carvajal

Primera Exposición de Arte Postal Exposición colectiva de arte postal 21 de abril al 21 de mayo

Taller de grabado Xilografía y grabado ecológico.

Ernesto Pinto Lagarrigue 156, casa D, Paseo de las Artes, Bellavista. www.carvajalarte.cl 9- 2335984

w w w. a r t e a l l i m i t e . c o m / m a r c e l a - c a r v a j a l

www.loretosanhueza.cl 9-7446293

Bohemia. #33 Murray St., Woodbrook, Port of Spain, Trinidad y Tobago www.postalarttrinidad.com/ Contacto: Raquel Vásquez. vasquezlaroche@gmail.com fono: 716-1580

www.arteallimite.com/carolinabusquets

ABRIL L

[26]

www.arteallimite.com

[30]

Claudia Peña

Erika Brandner

Bazart UC Feria donde se venderán obras de artistas nacionales en grabado, óleo, fotografía, esculturas y diseño. 1 de abril

Mujeres en el arte 2012 Presenta Presencias en una exposición colectiva de artistas mujeres. 18 de abril al 3 de mayo

Centro de Extensión UC Alameda 390, Santiago aquicpena@gmail.com

Corporación Cultural De La Reina Santa Rita N° 1153 esquina Echeñique, La Reina erika.brandner@gmail.com

w w w. a r t e a l l i m i t e . c o m / c l a u d i a p e n a

w w w. a r t e a l l i m i t e . c o m / e r i k a - b r a n d n e r

Josefina Grez

Magdalena Errázuriz

Taller de pintura 2012 Clases de pintura y dibujo Inicio: martes 3 de abril Todos los martes, de 10 a 18 horas

Sector Lo Gallo, Vitacura josefinagrez@yahoo.com 9-2220906

w w w. a r t e a l l i m i t e . c o m / j o s e f i n a g r e z

Dejar ver Muestra colectiva donde las obras buscan concretizar la subjetividad personal. Hasta el 27 de abril

w w w. a r t e a l l i m i t e . c o m / m a g d a l e n a - e r r a z u r i z

Montecatini

María Elena Etchepare

Musas Exposición individual de Fernando Toledo. Pintura Del 1al 30 de abril

Colores cobre Exposición colectiva de la Asociación de Mujeres Artistas Visuales (AAVRM). Hasta el 30 de abril

Galería Montecatini.cl galeriadearte@montecatini.cl

Galería CODELCO Huerfanos 1270, Santiago malena26cl@gmail.com

w w w. a r t e a l l i m i t e . c o m / g a l e r i a m o n t e c a t i n i

w w w. a r t e a l l i m i t e . c o m / m a r i a e l e n a e t c h e p a r e

Ruth Krauskopf

Killy Lilly

Taller de Dibujo analítico e Ilustración Tres niveles: Lineal Geométrico, Valórico Figurativo y Sintético. Hasta diciembre

La Mesa Larga Exposición colectiva del Taller Huara Huara. Cerámica en gres. 21 y 22 de abril, de 10:30 a 18 hrs.

Juventud Providencia, Sala Gran Angular Manuel Montt 101 93490054, m@magdalenaerrazuriz.cl, www.magdalenaerrazuriz.cl

Jardines de Borderío Av. J.M. Escrivá de Balaguer 6400, Vitacura. Al lado poniente de los restaurantes ruthk@huarahuara.cl

w w w. a r t e a l l i m i t e . c o m / r u t h - k r a u s k o p f

Toesca 2002 depto 705. Santiago Centro contacto@killy-lilly.cl c_marinkovic@yahoo.com 9-0817750

w w w. a r t e a l l i m i t e . c o m / c y n t h i a - m a r i n k o v i c El destacado del texto corresponde al autor de la imagen que acompaña

*Las imágenes de las obras publicadas en agenda son detalles de la original

¡CUMPLIMOS!

¡Arte al Límite cumple 80 ediciones! Desde su primera publicación, en el año 2005, ha conseguido dar espacio a un debate transversal a nivel nacional, que siempre gira en torno a las artes visuales. El hecho de ser el único medio especializado en arte y de difusión masivo –pues se distribuye de forma gratuita a través del diario La Tercera, el primer domingo de cada mes a sus suscriptores–, nos hace sentir orgullosos de todas aquellas personas o empresas que han sido parte de nuestro proyecto durante estos siete años. Entre ellas destacan, por ejemplo, nuestros fieles críticos de arte y colaboradores, y marcas como Rosen, Entel, Absolut, CCU, Alifrut o Hyundai, que junto a otras de igual importancia, han dado sentido y sustento a la cada vez más extensa trayectoria del periódico Arte Al Límite. Todos juntos hemos logrado acercar la cultura visual nacional e internacional a nuestros lectores, porque nos mueve la firme convicción de que los medios de comunicación somos los principales aliados de nuestras fértiles industrias creativas, cometido compartido por nuestra revista internacional y por la página web, que día a día acoge los proyectos de cientos de artistas Queremos agradecer el apoyo de artistas, galeristas, gestores culturales, empresas y lectores que ensalzan la labor del equipo y hacen posible este proyecto editorial. Por estos 80 números, gracias.

PERFIL/ARTE

perfil/arte

Son más de 400 artistas, nacionales e internacionales. Todos se reúnen en una comunidad virtual –www.arteallimite.com/ artistas– que los interconecta y los contacta directamente con su público. Desde nuestro sitio web los autores de las pinturas, esculturas, grabados y otras creaciones que se albergan en él, llegan a las páginas del periódico Al Límite, con entrevistas donde comparten con nosotros los porqués de su obra, la forma en que trabajan y sus más recientes proyectos.

www.arteallimite.com

perfil/arte

Julita Luco La persistencia de la experiencia y el color Por Carla Vásquez, periodista y licenciada en Estética

Con fuerte convicción acerca de la relevancia de lo que la rodea, Julita Luco plasma en sus obras todo lo que la inspira: las situaciones, paisajes y experiencias que ella misma absorbe de su diario vivir. El color es lo primero que selecciona y a partir de ello crea; de ahí la alta presencia de tonos muy puros. “El color me llama, me llena de energía, me ilumina; es la fuerza de la vida, de los sentimientos…”, afirma la pintora. Con una relativa figuralidad, sus creaciones nos invitan a completar las sensaciones de esta artista y a empaparse sensorialmente de sus constantes. Se trata de impresiones que son muy cercanas a la de cualquiera de nosotros: de árboles, del barrio, del mercado, del “todo” que se vive en la cotidianeidad. Uno de sus últimos proyectos fue “A jugar”, un banco que pintó e instaló en el Parque Forestal. Actualmente, Julita dice estar en un proceso de búsqueda, acompañada en este no sólo de las artes visuales, sino también de continuas creaciones de ropa y accesorios, admitiendo que cuando escoge una tela la aborda como si fuera un tubo de pintura. Es la fuerza, el movimiento y los colores lo que Luco dice que define sus obra; una fuerza con trazos decididos, un movimiento de formas que parecieran proyectarse fuera del marco y unos colores que en su magnitud se presentan como una razón fundante del por qué Julita Luco es y se define artista.

• “A Jugar”, 2011, técnica mixta sobre banco de madera y fierro forjado, 180 x 90 x 70 cm. Imagen cortesía de la artista.

• “Paisaje II: mar”, técnica mixta, óleo y polvo de mármol, 120x120cm. Imagen cortesía de la artista.

Karin wehrhahn Un paisaje con códigos experimentales Por Francisca Medina, historiadora de arte

“Los colores, las texturas, los espacios, las sensaciones, los olores; tenemos un paisaje increíble que nos rodea y que a veces, por andar apurados y vivir entre edificios y semáforos, lo olvidamos”, reflexiona Karin Wehrhahn. Sus pinturas hablan de montañas, ríos, árboles, agua, tierra, y aire. La imagen final no queda como un paisaje realista, sino como una suma y superposición de un poco de cada una. A veces de forma más abstracta, y otras menos, la naturaleza está siempre presente en la obra de Karin. De esta manera su trabajo se distingue por su versatilidad tanto en técnicas como en materiales, sustentado y enriquecido por un lenguaje experimental. Karin siempre soñó con un lugar donde compartieran distintos artistas, con quienes intercambiar ideas, criticar obras, y crear. De ahí surge Taller Lineal, espacio de creación donde no sólo se hace arte, sino que constituye un lugar de encuentro, donde las personas crean, discuten y proyectan exposiciones. En él se imparten distintas clases como pintura, grabado, cerámica, batik, o arte para niños, lo que hace de este taller un lugar de aprendizaje y de crecimiento. Durante junio, en la Scuola Italiana, Wehrhahn participará en una muestra llamada Paisaje Austral, basada en un viaje a la Patagonia. En noviembre, en tanto, expondrá en el edificio Bicentenario de Vitacura junto a varios integrantes del taller, con grabados y esculturas en cerámica, cuyo el tema principal son los cuatro elementos.

MARCELA VICUÑA Desde lo intangible Por Paula Tallarico, master en curatoría (De Appel, Ámsterdam)

•"Prosa Infinita", 2011, técnica mixta, 145 x 200 cm. Imagen cortesía de la artista.

Desde lo intangible de la interioridad del ser hasta la majestuosidad de la naturaleza, así se presenta la obra de Marcela Vicuña. Abstrayendo, la artista sugiere en sus telas un sinfín de lecturas: van desde reflejos del alma –entre emociones, sensaciones y sentimientos– hasta la contemplación más vital del ser humano en conexión con su entorno elemental. Luego de recorridos y travesías, es lo vivido, lo visto y lo sentido lo que, al guardarse en la memoria, se traduce con intensidad en la obra y se hace parte del proceso creativo. Sus trabajos, entre veladuras sutiles y dinámicos trazados, nos muestran a una artista que no interviene su obra con esquemas figurativos sino que da rienda suelta a una secuencia de vivencias, en una impronta con identidad que invita al espectador a sentir la obra más que a tratar de interpretarla. Los proyectos actuales de Marcela son el fruto de todo lo anterior. Participó en la Bienal de Florencia con la serie Bramasole y, en marzo, en Effetto Biennale en el Museo de la Ciudad de Mérida, México, con la obra "Prosa Infinita" de la nueva serie Versos en Diálogo, además de la exposición colectiva Women in Art (Ward-Nasse Art Gallery, NY). “El camino que quiero seguir es el mismo que llevo: trabajar con amor, dedicación y constancia, buscando ser fiel a mi misma, sin pretender resultados, sólo trabajar con pasión y libertad para seguir las inspiraciones y dejar que el agua fluya. Lo que trae la cosecha es y será consecuencia de como se ha sembrado”.

VIRGINIA TAGLE La tela, un refugio de lo aprehendido Por Carla Vásquez, periodista y licenciada en Estética

Virginia Tagle aborda la tela desde la mancha, pero esa misma mancha va dando formas reconocibles para todos. Ella las define como su historia y la vida misma: trata paisajes rurales, urbanos y naturales, y aborda objetos como la naturaleza muerta, flores y árboles, todas creaciones con una alta luminosidad –“en mi pintura busco captar las luces y sombras. La sombras para enfatizar la luz”, explica–. Una constante dentro de la propuesta de la artista nacional es la de los caminos que ha recorrido Virginia, haciéndose latentes en su trabajo sus experiencias en los diferentes lugares que ha visitado tanto en Chile –con paisajes tan diversos como los de Temuco, Talagante y Alto Hospicio– como en el extranjero, de los que destaca su importante estadía en Francia. “Me abrió el horizonte, son paisajes abiertos y lejanos”, comenta Tagle. Es apreciable el gesto espontáneo de esta pintora. Da espacio al ritmo de los colores, que nos permiten apreciar, sutilmente, imágenes de la realidad y, pese a tener una gran relación con obras figurativas, en el último tiempo la artista

• Detalle de "Caletones", 2012, técnicas mixtas sobre tela, 60x130 cm. Imagen cortesía de la artista.

ha abordado lo abstracto con formas indistintas y colores que juegan más con las texturas y la combinación de tonos. Actualmente Tagle está participando en colectivos de arte de Chile y de España, y admite que la pintura es lo que le impulsa y moviliza, por lo que siempre pinta. “Todos los días trabajo en mi taller. Es una lucha permanente frente a la tela”.

perfil/arte

NATALIA O'RYAN Ansias urbanas Por equipo Arte al Límite

• "Vuela Mariposa" 2011, técnica mixta, 195 x 160cm. Imagen cortesía de la artista.

VERóNICA BYERS Evocación y explosión Por Paula Tallarico, master en curatoría (De Appel, Ámsterdam)

La obra de Verónica Byers nace de estudios procedentes de la Academia, y más tarde de talleres bajo la tutela de reconocidos artistas plásticos como Gonzalo Cienfuegos. El resultado se presenta como un collage influenciado de diversas corrientes, entre los que se vislumbran ecos de Basquiat, De Kooning hasta la evocación de referentes clásicos como Velázquez y Rembrandt. Su búsqueda siempre ha sido en torno al color, y en sus figuras se evidencia el arrojo de autores como Juan D. Dávila, del cual rescata la inclusión de imágenes para componer una obra que respeta el valor de la expresividad. Sus personajes crean un universo onírico como el de los “collages hacia adentro” de la obra literaria de Severo Sarduy. En ellos, posición y color determinan situaciones vivenciales donde la función es consentir la lectura de la conjunción de imágenes y aportar estéticamente a su lectura óptica. Desde el punto de vista de la abstracción, juega tratando en primera instancia de atraer la percepción espontánea del objeto real, para luego redescubrirlo de manera contraria, casi como las técnicas del automatismo o del expresionismo abstracto de tipo figurativo. Actualmente Verónica trabaja en una muestra que se exhibirá en noviembre en Casas de lo Matta, que se inspira en la idea de construir un microcosmo o puesta en escena, a partir de la cual se erigen situaciones teatrales que dan vida a nuevos referentes que le permitirán independizarse de los modelos que ha utilizado en el trascurso de su obra.

El proceso creativo de Natalia O’Ryan forma parte de un relajado ritual que se inicia en el taller del patio de su casa, en un momento sin hijos, con dos velas prendidas, una cajetilla de cigarros, y un termo con té de hoja de granada. Después, respira profundo, y mientras canta melodías improvisadas, se prepara para recibir desde el universo aquello que quiere manifestar y termina plasmado en la tela. Sus obras no siempre se concretan en una misma jornada, pero usualmente concluye agradeciendo al universo por el trabajo realizado. Desde muy niña, Natalia estuvo vinculada al mundo creativo, principalmente a la pintura, ya que su familia está repleta de artistas. Explica que el arte se instala en su vida como medio de expresión de su mundo interno, ya que con la pintura descubrió que no había límites. “Las posibilidades de expresarse son infinitas, como infinitas son las combinaciones de texturas, colores, trazos… La pintura es un medio de canalización, una forma de contar”, afirma. Cuenta que lo que le ha llevado a realizar sus últimos trabajos, es una ciudad post terremoto que crece con ansias hacia el cielo. Así comenzó a plasmar la sensación que le producía el entorno: las esquinas, los encuentros de personas, las avenidas, la ropa que cuelga de las casas, los sucesos cotidianos… En este sentido, actualmente está preparando una nueva colección que retrata situaciones cotidianas que ocurren al interior de la ciudad. Además, realiza cuadros a pedidos por contacto telefónico, mail o por la página de Arte Al Límite.

•“Estación Mirador”, 2011, técnica mixta, óleo y carboncillo sobre tela, 1.10 x 90 cm. Imagen cortesía de la artista.

Miguel de lanÚ Explosión del color en la naturaleza Por Claudia Mesegué, periodista.

Le gusta sorprenderse cuando una piedra manifiesta una inmensidad de tonos y colores espectaculares, o cuando un árbol mágicamente muestra todo su esplendor en su figura y cromatismo. Así, en su vida, Miguel de Lanú configura el arte como un todo que parte de la naturaleza más esencial. Cuenta que ha estado, de alguna manera, toda su vida conectado con el arte; sin embargo, se dedica profesionalmente a él desde hace diez años. A pesar de estar tan conectado espiritualmente con la naturaleza, su proceso creativo es bien sencillo: pone música, ve pinturas, y sin más dilación, se pone a trabajar, a crear… Y es que el motivo de su inspiración muchas veces lo saca de sus viajes, cuando de repente algo explosiona y siente una necesidad urgente de pintar el paisaje, los colores, o las formas que han quedado grabadas en su retina, o dicho de otro modo, la impronta que deja la naturaleza se convierte en el detonante de su trabajo. Como otros artistas, Miguel de Lanú persigue un objetivo a través de su obra: el suyo está en la búsqueda y transmisión de la paz, el encuentro con la armonía y la comprensión de los colores. En la actualidad, el pintor está preparando una exposición colectiva en Barcelona, pero sus obras también están disponibles de forma permanente en los muros de importantes empresas como Walmer –tienda de interiorismo ubicada en Nueva Costanera–, y en internet.

• “De Primavera De Otoño”, 2011, óleo sobre papel, 120 x 80 cm. Imagen cortesía de la artista.

• “Trono”, 2012, grabado verde, 80 x 100cm. Imagen cortesía de la artista.

FERNANDA SALDIVIA El caos más productivo Por Claudia Mesegué, periodista.

“Desde siempre me motivó el color, observar libros de arte, sentir emoción frente a una obra… Me dí cuenta de que todo lo que buscaba estaba en un taller, y sólo faltaba darle el valor y creer en lo que estaba construyendo”. Así cuenta Fernanda Saldivia cómo empezó en el mundo del arte. Aunque, a ratos, tiene una relación amor-odio frente a la obra, dice que ella no sabría hacer otra cosa. Su proceso creativo es un caos, ya que las imágenes e ideas están en su cabeza todo el tiempo, y lo que intenta es ordenarlas al momento de plasmarlas. A veces al hacerlo no le gusta el resultado, pero igual continúa y completa el trabajo. “Casi nunca hago un boceto. Soy demasiado ansiosa, me gusta ver resultados. Trabajo directo sobre la matriz o la tela en base a recortes. A veces el resultado me sorprende y lo amo. Otras me carga, pero lo intervengo”. Mediante su obra Fernanda sólo busca contar una historia. Lo hace a través de objetos duales o compuestos, que hablan de inoperancia o doble discurso, donde los elementos retratados son una cosa pero esconden otra; como una cama que es pileta, un horno que esconde un dormitorio, una tina en que la ducha es un árbol, un trono que es un escusado… Así, ellos revelan, con un toque de humor, las propias contradicciones de la artista. Actualmente está pintando un banco para la Municipalidad de Las Condes, pero su intención es seguir explorando en la escultura en gres, que combina con grabado verde, para poder exponer a finales de este año los resultados.

perfil/arte

ISABEL MORANDÉ Evolución natural Por Mariana Vukusich, licenciada en historia

• "Sin Título", 2012, Acrílico, barras de óleo y carboncillo sobre tela, 120 x 150 cm. Imagen cortesía de la artista.

“Siempre tuve la inquietud de pintar, y ahora lo estoy realizando”, confiesa la artista nacional. Durante algún tiempo Isabel Morandé se dedicó a trabajar las técnicas de aguatinta y aguafuerte sobre placas de aluminio. Es en su taller donde desarrolla distintos tipos de grabado, y como evolución natural, la artista comenzó a ampliar sus horizontes aplicando las mismas técnicas en una tela. “Gracias a la pintura pude descubrir un mundo alucinante. Una de las mayores cosas que me atrajo fue que pude mezclar muchas técnicas en una misma obra”, comenta la artista, quien en sus últimos trabajos integra el acrílico, las barras de óleo y el carboncillo. En las obras de Isabel Morandé, se observa una atracción por la figura animal, la cual introduce de manera abstracta, sugerente y fragmentada, imágenes que intenta mezclar con vivencias cotidianas que construye y desarticula en distintas escenas. Finalmente el trabajo queda completo cuando se le agrega color. “Éste aparece por casualidad, según lo que quiera crear”, relata. Actualmente la artista, quien en enero del 2012 participó en una exposición colectiva en Santo Domingo para la Galería Blanc, se encuentra pintando telas de mediano formato. Estas nuevas experimentaciones consisten en mezclar las temáticas que desarrolló en los grabados, pero con un manejo más potente de los colores y lo trazos de la pintura.

evelyn rozas La transformación del paisaje natural Por Francisca Medina, historiadora del arte

Evelyn Rozas se caracteriza por una investigación continua tanto en lo formal como en sus temáticas. A veces es la materialidad de los objetos recolectados u observados la que sugiere una solución y en otras ocasiones es la idea o concepto el que determina el género o técnica a realizar. Sus temáticas se sustentan en la transformación de nuestro paisaje natural, provenientes de la observación directa de sus cambios y de la información acerca de la crisis planetaria que vivimos. “El habitante contemporáneo y la velocidad que caracteriza a nuestra sociedad actual, vulneran la relación esencial del hombre con la tierra. El hombre urbano habita su entorno natural en el sentido de apropiar, invadir y depredar”, comenta. En junio Evelyn exhibirá El jardín gráfico en Concepción. Se trata de una serie de monocopias de pequeño formato, usando siempre papel couche y una película –materia extremadamente sensible–. “El tema son las plantas que viven en mi jardín. Registro formas, texturas, movimientos provocados por el viento o por mí. También las he registrado con situaciones climáticas

•Detalle de “Monocopia Hojas de Calas” de la serie El jardín gráfico, 2010, 20 x 20 cm. Imagen cortesía de la artista.

diferentes: con gotas de rocío y lluvia. No hay colores externos, sólo el blanco del papel y todos los grises cálidos obtenidos desde la materialidad de registro”, describe. Cabe destacar lo interesante del montaje. En el eje vertical se especifican el nombre de la plantas y en el eje horizontal se nombran las diferentes situaciones climáticas. De esta manera es posible entender el origen de cada imagen exhibida y su secuencia.

• “Sin título”, 2011, óleo, lápiz y tinta china sobre papel, 24 x 33 cm. Imagen cortesía de la artista.

Francisca Sandoval Realismo racional

Francisca Sandoval pinta por que le gusta. Su estrecha vinculación con e l a r t e l a h a l l e v a d o a d i b u j a r t e l a s , fl o r e s e i n c l u s o a v e s , con un nivel de detalle extremo, que rebaja usando diferentes técnicas. Por equipo Arte Al Límite Fe de errata Edición 79 (marzo)

Francisca Sandoval estudió arquitectura en la Universidad Católica, pero desde pequeña estuvo ligada al arte. Su papá era escultor y su mamá pintaba; por eso, dice que desde siempre “respiró arte”. Nunca se llegó a dedicar a la profesión que escogió, sin embargo, sí le dejó un gran legado, y es que ella, cuando dibuja piensa en geometría. “Mi cabeza funciona matemáticamente siempre –explica– al contrario que la mayoría de los artistas, que tienen una gran carga sentimental. Yo llego a mis emociones a través de mi razón”. En la tienda-taller (ubicada en la Pocuro con Av. Tobalaba) que abrió hace 6 años con su madre, y en la que expone permanentemente, se dedica a dar clases de dibujo, en las que se centra, al igual que en su obra, en destacar los

volúmenes. Éstos le permiten jugar también con las luces y sombras, y son los que al final le dan a sus trabajos “una profundidad que parezca que se quiere entrar en ellos”. En este sentido, comenta que le gusta el tema de la sensación y percepción, pero no de una forma tan evidente. No le gusta el hiper-realismo, por eso en sus trabajos usa una combinación de óleo y lápiz, para que no parezcan una fotografía. “Si me preguntan si soy realista, no sé qué contestar. Lo soy, pero igual me gusta transmitir una segunda lectura”, explica. Francisca Sandoval partió pintando flores, luego se dedicó a las telas, y actualmente trabaja en una serie de aves. En un futuro quiere probar suerte con la escultura, siempre a la par de las innovaciones que la llevan a ir explorando por nuevos caminos.

•Video-instalación “Naturaleza Viva” que realizó para Galería Blanc, creando un gran cuadro vivo con frutas y verduras sobre el pasto.

Nieves Mac-Auliffe A todo color

Con una temática cotidiana la artista nacional Nieves Mac-Auliffe nuevamente nos lleva a la naturaleza. Expone durante abril sus nuevos trabajos en grabado, chinecollé y pintura, en la Galería Caballo Verde en Concepción. Por M. Angélica Navarro Ovalle, periodista Fotografía cortesía de Bernardita Bennett Fe de errata Edición 79 (marzo)

uando ya el otoño comienza a instalarse en las ciudades de nuestro largo y flaco país, algo muy diferente ocurrirá en la zona penquista: montañas, flores y pájaros llenarán de vivos colores las salas de la galería de Carmen Azócar. Se trata de la nueva exposición de Nieves Mac-Auliffe, titulada Naturaleza Única. Nieves Mac-Auliffe es una investigadora innata. Estudió Bellas Artes en la Universidad Finis Terrae y luego conoció la potencialidad del papel en un postgrado de grabados en Barcelona, España. Desde entonces no ha dejado de perfeccionar la manufactura del soporte –el papel– y la técnica, en la cocinería de las tintas

e impresiones. En esto último radica el particular estilo que Mac-Auliffe ha desarrollado durante su carrera: maneja hábilmente el chinecollé, una técnica que consiste en superponer papeles de distintas calidades y colores –muchos de ellos fabricados por la propia artista–, e imprime imágenes sobre aquellas composiciones. Es una técnica que ella cataloga como “mi verdadera expresión”. Fiel a sus inquietudes –que en el grabado ha estado acompañada de Javiera Moreira, del Taller Puerta Verde–, en 2011 Nieves se atrevió a incursionar en una nueva faceta: el blanco/negro. “Necesitaba experimentar imágenes inusuales en mi trabajo, y qué mejor

que trabajar con grabados en blanco y negro. Antes nunca me hubiese atrevido”, comenta la artista. Y este año tampoco será la excepción, y viene cargado de nuevos proyectos: luego de la exposición individual en Galería Blanc –que termina el 3 de abril–, y la de Galería Caballo Verde –instalada por un mes, desde el 10 de abril–, Nieves se dedicará a investigar sobre la teoría del color, y desde ella encauzará sus nuevos trabajos: “Me gusta trabajar, investigar, conocer todo lo referente a la psicología del color, porque creo que es mi gran fortaleza. Con ésta siempre me siento: ni empezando, ni terminando, ni en la mitad; sino trabajando… Siempre trabajando”, comenta.

¡SUSCRÍBETE! Suscripción anual a la revista $60.000 6 ediciones de lujo, bilingües $18.000 envío a regiones precio especial para estudiantes

Ian Ingram | Ed. 54

Y DESCUBRE LO MEJOR DEL ARTE MUNDIAL

ma r k e t i n g @ a r t e a l l i m i t e . c o m | + 5 6 2 9 5 5 3 2 6 1

Impresión de arte mespi nosa@pri ntl abdi gi tal .cl | tel éfono (5 6 - 0 2 ) 2 342910

Artfacts Data Series _ #46 _ Data generated: 13.03.2012

Highest-ranked Chilean artist : Alfredo Jaar www.artfacts.net

exposición

• Marie Jeanne Musiol, “Miroirs du Cosmos”, 2006, video, 16 min.

Galería Macchina

De cómo la luz revela la dimensión temporal La galería de la Escuela de Arte de la UC, ubicada en Campus Oriente, presenta las investigaciones en torno a la luz de cuatro artistas canadienses que expresan su visión desde el video arte. Por Valentina Serrati Fotografías cortesía de Galería Machinna

a exposición Fugacité et liminalité, arte contemporáneo de Canadá se nos presenta en el contexto de la Galería Macchina ofreciéndonos, de manera muy oportuna, la posibilidad de comprender la evolución que ha tenido de la imagen fija al movimiento, de lo análogo a lo digital, utilizando la luz, no sólo como el elemento trasversal en la creación de las imágenes, sino también como objeto de permanente investigación en su temperatura-luz-color, y sus efectos en el clima sicológico de la imagen en movimiento. Marion Bordier en "Transparences" nos invita, casi de forma personal, a descubrir con una mirada inocente lo específico del medio. Interviene directa y manualmente negativos, radiografías con tintas de color para luego contraponerlas al paisaje de su ventana, enmarcando y “digitalizando” las capas de lo real y lo representado en el formato video. La proyección del video en la superficie de sal ofrece mayor proximidad sensorial; pareciera estamos siendo testigos del momento exacto donde intuitivamente comprendemos las infinitas posibilidades que ofrece el desplazamiento de un medio a otro y como el trabajo de superposición de capas podría, de forma muy natural,

• Ramses Madina, “Night for Day: Road Crews”, 2011, video, 6 min.

trasportarnos de la pintura a la foto, de la foto al video. Marie –Jeanne Musiol, con su pieza "Miroir du Cosmos" también enfrenta la máquina, pero esta vez, la precisión de la investigación científica se nos presenta en la pantalla plasma como si fuera un libro de botánica del futuro. Una cámara que registra los campos electromagnéticos de plantas y minerales sirve para el desplazamiento de lo utilitario en la medicina tradicional, hacia la expresión de la más pura belleza biológica. La ciencia al servicio del arte y viceversa. En las siguientes dos piezas de video, aunque de autores distintos, Marion Bordier y Ramses Medina sirven al espectador en la causa común de adentrarlo a los confusos límites de la imagen fija y el video, la fotografía y el cine. Con el registro fotográfico de 24 horas durante 3 meses en el frío otoño de Canadá, condensado en un video de 20 minutos, Marion parece querer continuar en la contemplación de la nostalgia que se traduce en el paso del tiempo y su huella, que es la trasformación de la luz. Nuevamente desde su ventana, el marco real y simbólico de la pieza de video, pareciera

desde un interior, querer controlar o dominar aquello que el lenguaje medial otorga y que la fotografía niega, el trascurrir del tiempo. Este video termina cuando la pieza de Ramses Medina empieza, demostrando un acertado concepto curatorial de montaje que permite transitar de una proyección a otra. La potente temática industrial y urbana en los personajes de Ramses Medina pareciera pasar a un segundo lugar, sólo desplazado por la cuidadosa e impactante dirección cinematográfica y construcción de planos de la pieza audiovisual. "Nuit pour jour:Equipe de la voir" refleja la forma de producción actual del video arte a nivel internacional, nada inocente, ni experimental, y sí mucho más cerca del lenguaje del cine contemporáneo. Tanto la factura, la temática, los planos, como la delicadeza de los fuertes claroscuros, nos trasportan a un clima sicológico indescifrable, pero muy auténtico. Un híbrido entre documental que parece ficción y cuya poesía lo hace video arte. Fugacité et liminalité provoca una nueva reflexión del hacer de la imagen y de la constante exploración del formatos en la creación nuevos lenguajes contemporáneos, una primera aproximación al media art, cuyo medio esta siempre re-definiéndose.

reportaje

Restauradores

Los médicos más artísticos La restauración de arte es, muchas veces, considerada un arte en sí. Sin embargo, expertos aseguran que esa apreciación está muy lejos de la realidad, ya que indican que esta disciplina es comparable a la medicina. Por Claudia Mesegué Terradas, periodista

uando una persona se siente mal, acude al doctor. Éste, primero le hace una serie de preguntas que pueden determinar la causa del malestar. Si lo considera oportuno, el médico hará más pruebas, ayudado por laboratorios e instrumentos afines. Mientras más completo sea el diagnóstico, más completo será el tratamiento, y por lo tanto, antes se restablecerá el mal que aqueja al paciente. Pero ellos advierten: ante todo, si un paciente cuida su salud, es

• Proceso de restauración del Sagrario de la Catedral de Santiago. Fotografía cortesía de Francisco González

mucho más improbable que deba acudir en busca de remedios. Hasta aquí, nada fuera de lo ordinario. Las curiosidades empiezan cuando, tras varias entrevistas a importantes restauradores, nos damos cuenta de que lo que sirve para el ser humano, también sirve para pinturas, esculturas, murales y cualquier obra de arte en general. Cuando el arte está enfermo, restaurador es sinónimo de doctor. Eso sí, entre las numerosas similitudes con la medicina del ser humano, existe una diferencia notable: la restauración debe ser reversible en todo momento, ya que si en algún minuto se halla un método más efectivo o que se adecue mejor a la obra tratada, debe poder ser retirado para poder aplicar el nuevo. Sin embargo, en el momento en que un restaurador recibe, por ejemplo, una pintura al óleo, enseguida pone en valor algunos parámetros. ¿Qué es lo que la perjudica? ¿Cómo puede repararse? ¿Es fruto de una mala conservación? ¿Cuánto tiempo se tiene para restaurarla? ¿Qué materiales se tendrán que usar? ¿Con cuánto presupuesto cuentan? Más allá de todas estas preguntas, existen distintas técnicas de restauración, que, según los casos, a veces van unidas y otras siguen caminos distintos. Los métodos más tradicionales recuperan quehaceres centenarios que se basan más en los

• Sagrario de la Catedral de Santiago completamente restaurado. Fotografía cortesía de Francisco González.

Tips de conservación - Conservar las pinturas en temperaturas medias entre los 14 ºC y los 18 ºC. - Conservar las pinturas a una humedad baja, es decir, que no sobrepase el 55%. - Evitar exponerlas a una radiación de rayos ultravioletas mayor de un 20%. - Evitar colgarlas o situarlas cerca de ventanas, ya que de esta forma es mucho más fácil que entre la contaminación de la calle y ensucie la obra. - No colgarlas o situarlas bajo un foco de luz directa, ya que las ampolletas corrientes tiene un 70% de radiación UV y sólo un 30% de energía luminosa. - Intentar no producir cambios bruscos de temperatura alrededor de las obras, evitando, por ejemplo, exponerlas cerca de estufas, radiadores o chimeneas. - Bajo ningún concepto intentar limpiar la obra en casa, ya que esto puede dañarla seriamente.

elementos, la alquimia, los recursos naturales. La tecnología más moderna ocupa procedimientos más científicos, como laboratorios, computadores, y máquinas de rayos X o UV. Para conocerlas mejor, recogimos la experiencia de Jorge Basaure, restaurador particular; Francisco González, restaurador del Museo de Arte Contemporáneo; Gloria Velandia, jefa del Conservator of Art Basel Miami Beach; y Mónica Bahamondes, Jefa del Laboratorio de Monumentos del Centro Nacional de Conservación y Restauración. Todos coinciden en que, para empezar, hay que hacer una evaluación de la obra. Por ejemplo, hay que revisar si se debe reparar el desgarro de una tela, o las partes descoloridas del retablo. En el caso de la escultura es lo mismo, sin embargo, sea cual sea la reparación, nunca puede superar el 25% de la obra, pues en ese caso deja de ser un original, y se convierte en un híbrido, rebajando extremadamente el valor de la pieza. Es fundamental documentarse sobre la obra, ya que de esta forma, siguiendo con las analogías médicas, se obtiene la historia clínica de la pieza, y se sabe si, por ejemplo, tiende a coger hongos, o a verse afectada por la radiación ultravioleta. Según Basaure y González, en Chile, los mayores problemas son el clima y los daños causados por terremotos. En este caso, es frecuente que las brechas provocadas por los movimientos sísmicos, en vez de ser reparadas, sean rellenadas con pan de oro. En otros lugares, pueden verse afectadas por caer en el olvido en bodegas de museos, o incluso, por la calidad relativa del marco que las rodea. Pero sin duda, lo que más las afecta es la humedad: lo ideal es que sea baja, sin embargo, hay veces que es inevitable exponer obras en sitios donde se nota más el humedecimiento, lo que hace que se oxiden, se decapen o se creen daños bióticos, es decir, que aparezcan hongos. La clave de toda restauración es, al fin y al cabo, hacer

un diagnóstico certero acerca del problema [ver recuadro El diagnóstico] y saber cómo mezclar los elementos, ya sean sintéticos u orgánicos, ya que en este punto reside la clave del éxito. A este respecto, es destacable una curiosidad: según Francisco González es mucho más fácil restaurar una obra del Cinquecento, que una de un artista contemporáneo. Y es que pintores como Rubens, aunque ejecutaban sus encargos muy rápidamente, lo hacían con una sola técnica y un material principal: el óleo. En el caso de otros artistas más actuales, como Miquel Barceló, es mucho más difícil la restauración, ya que al tratarse de obras con técnicas mixtas, la forma de conservación no puede ser pareja, y se estropea en seguida. Así, se dan casos en los que es mucho más fácil restaurar frescos de pequeñas iglesias italianas, que pinturas del siglo XX, ya que las primeras están creadas para perdurar en el tiempo, y las segundas son una forma de expresión. Es por esto que, como explica Gloria Velandia, tal como los artistas crean obras más experimentales, los conservadores y restauradores se han tenido que poner creativos, aprendiendo las nuevas técnicas en conjunto con los creadores. En cualquier caso, todo restaurador prefiere evitar la restauración. Parece ilógico, pero muchos coinciden en que es triste ver cómo grandes obras de la humanidad se pierden por no estar bien conservadas. Por este motivo, abogan por la enérgica recomendación de la adecuada conservación [Ver Tips de conservación], ya que estiman más oportuno que un particular se gaste más dinero en la técnica de preservación, que en la restauración. La ejecución de la labor de un restaurador Este trabajo depende bastante de la casuística. Independiente de que cada restaurador utilice más algunas técnicas que otras, es la realidad de la obra en cuestión la que determina el camino a seguir. Teniendo en cuenta que este mes es Semana Santa, hemos querido rescatar algunas

Estas fotos pertenecen al taller de Jorge Basaure, situado en la planta baja de su casa. Al entrar, se percibe un fuerte olor a resina, pintura o algo parecido. El sitio es un pequeño pero ordenado caos en el que se mezclan tablas de madera, martillos, pinturas de todas las clases, marcos y telas. De entre todo este mar de herramientas, no se podía adivinar para qué servían cada una de las cosas, pero sí que todo servía para algo, y que estaba allí por algún motivo. Fotografías de Equipo Arte Al Límite.

Estratigrafía (análisis previo a la restauración) de la pintura Mural de Roberto Matta de La Granja. Se pueden observar las distintas capas de pintura; la primera, correspondiente a la obra original del artista, y el resto a cal u otros murales que se pintaron encima. Fotografía cortesía de Francisco González.

anécdotas relacionadas con arte sacro –imágenes de Cristos, Vírgenes o Santos– que han tenido que ser restauradas. Virgen del Carmen, Catedral de Santiago Mónica Bahamondes, ingeniera química, jefa del Laboratorio de Monumentos del Centro Nacional de Conservación y Restauración, fue la restauradora de la Virgen del Carmen de la Catedral de Santiago, después de ser quemada en abril de 2008. Luego del acto vandálico, la imagen era carbón puro. Mónica cuenta que no sabían cómo estaba hecha, y la única manera de poder verlo, sin tocar la imagen ni seguir dañandola, era con técnicas no destructivas como, los rayos x. Un dato curioso: al conjunto escultórico se le había cambiado el color original de los ojos –azul–, por un tono más verdoso. A causa de la acción del calor del incendio, los ojos volvieron a su estado primario, y el equipo de restauración decidió dejarlos tal cual estaban, añadiéndoles solamente una fina capa de barniz, para que recuperaran el brillo perdido tras el atentado. San Jerónimo Penitente Cuzco A Francisco González le pidieron hacer una réplica a escala de este Santo, que había sido tan importante en la historia post colonial peruana. Algo fallaba en esa imagen, ya que la cabeza era desproporcionadamente grande con respecto al resto del cuerpo. Al hacer un diagnóstico más profundo, González descubrió que la cabeza tenía un tamaño superior porque en su interior se encontraba la cabeza de un Cristo.

Este hecho se dio porque en algún momento de la historia post colombina el Santo generó gran expectación entre los conversos, ya que los sacerdotes de la época les hicieron creer a los que lo veneraban, que se trataba del mismo Dios. De esta forma, muchos Cristos fueron reconvertidos en San Jerónimos, ya que lo consideraron más importante que las imágenes del propio Jesucristo. Virgen de Montserrat, Cataluña, España La Virgen de Montserrat, ícono de las vírgenes negras no sólo en España sino también en Europa, fue en sus orígenes una misteriosa talla blanca que el deterioro del tiempo y las restauraciones fallidas oscurecieron, lo que dio como resultado el color oscuro actual. En 2001, el abad del monasterio en el que se resguarda la imagen de la patrona de Cataluña, mandó a restaurar la estatuilla, arrojando a la luz polémicos datos que generaron controversia alrededor del mundo entero. Tras ser sometida a un duro estudio por parte de un equipo de expertos, se determinó que la estatua no podía salir del recinto, y por lo tanto, todos los trabajos se hicieron in situ. Después de los trabajos, se supo que el humo de las velas del santuario, el incienso, la oxidación del plomo utilizado en la pintura y el paso del tiempo hicieron que el color de la talla del siglo XII pasara del blanco plomizo al negro azabache. Tras varias deliberaciones, se decidió dejar la imagen de color negro, ya que era como la conocían todos sus devotos, y al emblanquecerla, se comprometería el legado cultural de la región.

EL DIAGNóStico Gloria Velandia, jefa del Conservator of Art Basel Miami Beach, tiene gran experiencia en la conservación y restauración de obras de arte. Ella explica que, para llevar identificar qué proceso de restauración se va a desarrollar, se usandiversos métodos de investigación y análisis científico. Los más comúnmente utilizados son la microscopía, la radiografía con Rayos X y la radiación ultravioleta.

Microscopía

Radiografía con Rayos X

Radiación ultravioleta

A través de la microscopía sencilla y una muestra de la obra, se pueden identificar los pigmentos y fibras presentes en una superficie pintada o los materiales que la componen. Esto arroja luces sobre cómo podrían afectar los tratamientos a la estabilidad de la capa de pintura, cómo podría degradarse, o cuál es la mejor manera de proceder. Con la Microscopía Electrónica de Barrido se generan imágenes de alta resolución para determinar los elementos presentes en la superficie de un objeto e identificar cómo se está dañando.

Se utiliza para obtener una mejor comprensión de lo que está sucediendo dentro de una escultura. Cuando se trata de obras de arte sobre lienzo, papel o panel, los Rayos X revelan cualquier trabajo anterior que esté debajo de la superficie superior, además de descubrir los cambios en la composición de la pintura. General Electric ha desarrollado un aparato de Rayos X muy práctico, pues se puede portar en una pequeña maleta, los que permite llevarlo a lugares remotos.

Se utiliza en la conservación de arte contemporáneo, con el fin de detectar los daños de edad, y los tratamientos previos de conservación en una obra de arte, ya que las antiguas reparaciones emiten una fluorescencia de color morado o azul. Esto permite construir la historia pasada de la obra de arte que se está analizando, además de informar dónde yacen las debilidades inherentes a la pieza, que puedan estar ocultas. Los conservadores suelen llevarlas consigo para que, si hay una historia previa, puedan enterarse antes de hacer el trabajo.

ferias

ZONA MACO

• Cristián Salineros, “Esteganografía / Paisaje Enmascarado”, con la colaboración de Javier González. 2011 en Sala de Arte CCU. Fotografía de Álvaro Mardones.

La vitrina del arte mexicano Con presencia chilena, en abril vuelve Zona Maco, uno de los eventos que más mueve el coleccionismo en Latinoamérica, y que este año estrena una sección dedicada al diseño industrial. Fotografías cortesía de Zona Maco

asi todas las capitales del mundo ya han incluido en su calendario la realización de ferias dedicadas al arte contemporáneo. Ciudad de México, por supuesto, no es la excepción y, por novena vez, abril se transformará en el mes de las artes visuales con Zona Maco. Son casi 100 las galerías internacionales y más de 500 los artistas que participarán de este evento, bajo la dirección artística del curador y coleccionista español Pablo del Val. Además de contar con la presencia de Arte Al Límite, la galería nacional AFA representará a Chile en la Sección Principal, llevando el trabajo de Cristián Salineros (Chile, 1969), Daniel Santiago Salguero (Colombia, 1985) y Giancarlo Scagliav (Perú, 1981). El resto de las galerías participantes provienen de principalmente de México, y de otros países latinos y europeos. Este 2012 también contará con la presencia de galerías con menos de 5 años de experiencia –y propuestas

emergentes– en la Sección Nuevas Propuestas, a cargo del mexicano Pablo León de la Barra, destacado artista, comisario de exposiciones, galerista y editor. Zona Maco Sur, que exhibe proyectos de artistas invitados, será curada por primera vez por el director de la Colección Jumex, Patrick Charpenel. Este año se estrena Zona Maco Diseño con propuestas de diseño industrial. Además de contar con el clásico Programa de Coleccionistas, y en un esfuerzo por impulsar el nuevo coleccionismo, Zona Maco ha creado el programa “Menos de 30.000”, en que se marcarán aquellas piezas que tengan un costo menor a 30.000 pesos mexicanos (alrededor de USD 2.300). Así, del 18 al 21 de abril, esta feria creada y dirigida por Zélika García –una de las mujeres más emprendedoras y visionarias del mundo del arte contemporáneo mexicano–, se consolida como una puerta al mundo del arte contemporáneo latinoamericano.

• Július Koller, “Univerzálna Fyzkultúrna Orientácia (U.F.O.)”, 1972, látex sobre papel, 16.8 x 11.9 cm.