Revista enero - febrero Ed 76

ISSN 0719-2878

Portada: Camilo Matiz Yoshua Ok贸n Johnston Foster Eduardo Villan茅s Julio Bittencourt Chiyomi Longo

La feria de Arte Contemporáneo de México.

Ciudad de México.

Centro Banamex / Sala D. www.zonamaco.com info@zonamaco.com

FEBRERO

What makes this an object of value?

Editorial

Arte al límite cumple 15 años difundiendo arte latinoamericano alrededor del mundo, y estamos celebrando nuestro aniversario con una nueva etapa.

Arte Al Límite celebrates 15 years of spreading Latin American art throughout the world and we are celebrating our anniversary with a new era.

Desde nuestro incio contamos con una revista y un portal actualizado de noticias de arte a nivel mundial, buscando cumplir con nuestra misión de apoyar a los artistas latinoamericanos en su posicionamiento a nivel global y, así, que el arte contemporáneo sea accesible entre el público y sus autores. De esta manera, nuestra plataforma virtual tiene información diversa y completa sobre los artistas con entrevistas, reseñas, críticas, noticias y eventos de todo el mundo; a lo que sumamos –el año pasado– nuestro portal de ventas en línea.

Since our inception, we have been a magazine and up-to-date news portal for art worldwide, while seeking to fulfill our mission to support the global position of Latin American artists and therefore make contemporary art accessible among the public and artists. Through this, our virtual platform provides diverse and thorough information about artists through interviews, reviews, critiques, news and events from all around the world; additionally, (last year) we added our online sales portal.

La edición n° 76, por tanto, celebra esta nueva etapa con conocidos artistas visuales de todas partes del mundo, como Camilo Matiz, quien con una creativa obra de provocadores mensajes triunfó radicalmente en las pasadas ferias de Miami; o bien como Yoshua Okón, quien logra convencer a las personas que se encuentra en las calles de actuar performáticamente para sus registros audiovisuales, y de esta manera hacer una obra absolutamente llamativa.

In issue No. 76, we celebrate this new era with renowned visual artists from all corners of the globe, such as Camilo Matiz, whose creative work which contains provocative messages was a major success in previous art fairs in Miami; as well as Yoshua Okón, who manages to convince people he finds on the streets to act out situations for his audiovisual recordings in order to create absolutely striking work.

Entre mensajes y técnicas podemos descubrir artistas como Julio Bittencourt quien con la fotografía nos recuerda el abandono; o Aurora, que a través de un trabajo manual de sumo cuidado busca materializar los oficios antiguos, aquellos que toman meses de estudio y meses o años de trabajo. Entre la inmediatez y las pausas temporales, el arte visual se posiciona cada vez más en el continente, tomando fuerza en las ferias de arte y por ende en el mercado internacional.

Latinoamérica está dejando de ser una región aislada y los compradores aficionados a la visualidad ya tienen grandes colecciones del arte local.

Among the messages and techniques, we can discover artists like Julio Bittencourt who uses photography to remind us of abandonment; or Aurora, who through carefully hand-crafted work, seeks to give form to ancient trades, those which require months in the studio and months or years of work. Between immediacy and temporary gaps, visual art is growing stronger on the continent and is gaining traction in art fairs and therefore in the international market. Latin America is ceasing to be an isolated region and buyers who love visual art already have large collections of local art.

Como todos los años ya comienzan las importantes ferias de arte, en febrero con la 35° edición de la Feria Arco en la que participaran distintos expositores del continente y chilenos de renombre, tales como la galería Isabel Aninat, y los artistas Patricia Domínguez, Carlos Leppe y el peruano Huanchaco, ente otros. Y luego, en marzo, comenzará la semana del arte en Nueva York, donde al igual que en Arco y Art Madrid, Arte Al Límite estará presente.

Like every year, the major art fairs are already starting. In February there is the 35th edition of the Arco Fair, where various artists from the continent will participate along with renowned Chileans like the Isabel Aninat Gallery, and artists such as Patricia Domínguez, Carlos Leppe and the Peruvian artist Huanchaco, among others. Later, in March, art week in New York will kick off, where, just like at Arco and Art Madrid, Arte Al Límite will be present.

Junto con desearles un feliz 2016, esperamos que sea otra oportunidad para seguir avanzando en descubrir y publicar en toda nuestra región y Latino América. Los dejamos invitados a ser parte de esta enorme fiesta de nuestros 15 años de Arte Al Límite y nuestro nuevo portal en línea.

Along with wishing you a happy 2016, we hope this will be another chance to keep discovering and publishing in our entire region and Latin America.

We invite you to be part of this enormous party for the 15 year anniversary of Arte Al Límite and our new online portal.

Ana MARÍA MATTHEI DIrectora | Director

Colaboradores / Contributors

demetrio paparoni

julio sapolnik

Crítico y Curador de Arte | Art Critic and Curator Italia | Italy

Licenciado en Historia de las Artes | Art History Graduate Argentina | Argentina

Nació en 1954, en Siracusa. Fundó la revista de arte Tema Celeste y la Casa Editorial Homónima. Es curador y crítico de arte. Ha realizado numerosos documentales para Rai Educational. Colabora con ArtChina (Shanghai) y Arte Al Límite.

Nació en Buenos Aires. Es Máster en Cultura Argentina, director del Palais de Glace y Curador de Arte. Crítico en los diarios Clarín, Página 12, y conduce el programa “Cultura al Día”, en Metro, Argentina.

Born in 1954, Siracusa. He founded the art magazine Tema Celeste and the homonymous publishing house. He has developed several documentaries for Rai Educational.

He is a contributor for ArtChina (Shanghai) and Arte Al Límite.

Born in Buenos Aires. He has an MA in Argentinian Culture, directs the Palais de Glace and is an art curator. He writes critics for the Clarín and Page 12 newspapers and hosts the show “Cultura al día” in Metro, Argentina.

FERNANDA REYES retana

Andrés isaac santana

CONSTANZA NAVARRETE

leticia abramec

Escritora | Writer México | Mexico

Crítico de arte | Art critic España | Spain

Licenciada en Arte y Estética | Arts and Aesthetics Graduate Chile | Chile

Periodista | Journalist Argentina | Argentina

Creció en Guadalajara, donde vive actualmente. Obtuvo una Maestría en Humanidades por la Universidad Adolfo Ibañez, de Santiago de Chile. Publicó la novela Cortar una jacaranda, en 2012 y Al encuentro del norte frío, en 2015.

Crítico, ensayista, y editor de arte.

Vive en Madrid y tiene un master en arte cubano. Ha publicado dos libros, además de ser autor de más de trescientos artículos, ensayos y reseñas sobre arte contemporáneo en medios y revistas especializadas.

Nació en Santiago en 1989, ciudad donde vive. Trabaja como artista, profesora de taller de dibujo y pintura; de fotografía, y ayudante de los cursos de grabado en la Pontificia Universidad Católica de Chile, lugar cursó sus estudios.

Nació en Buenos Aires, en 1985, ciudad donde reside. Sus estudios profesionales, los realizó en la Universidad de Buenos Aires.

Es redactora, productora de arte y medios de comunicación. Además, colaboradora de Arte Al Límite.

Born in the year 1983, Buenos Aires, city she currently lives in. She works as an independent curator, art critic and teacher of Art History. Also, she is a permanent contributor for Arte Al Límite.

He is an art critic, essayist, and art editor. He lives in Madrid and has a master degree in Cuban Art. He has published two books, and is the author of more than three hundred articles, essays, and reviews about contemporary art that have appeared in specialized magazines and means.

Born in Santiago, 1989, city she lives in. Works as an artist, gives a drawing and painting and a photography workshop. She’s also an assistant professor in the engraving courses at the Pontificia Universidad Católica de Chile, where she studied.

Born in 1985, Buenos Aires, city where she currently lives. She received her professional education at the Universidad de Buenos Aires. She’s an editor, art and communication media producer.

Also, contributor for Arte Al Límite.

elisa montesinos

daniel g. alfonso

daniele butturini

gonzalo medina

Periodista | Journalist Chile | Chile

Historiador de arte | Art Historian Cuba | Cuba

Periodista | Journalist Italia | Italy

Periodista | Journalist Chile | Chile

Nació en 1973, en Santiago. En la actualidad colabora con Local Project, en N.Y., donde ha vivido por 10 años. Edita y publica en Paper Magazine, proyecto que está trasladando a Chile, al igual que su residencia.

Es editor y redactor de la Revista ArteCubano SelloArteCubano.

Practica la crítica de arte en diversas publicaciones y fue curador de diversas exposiciones en la duodécima Bienal de La Habana, Cuba.

Nació en Varese, Italia, en 1982.

Colaborador de las revistas Arte Al Límite, Arte Varese y del Museo Internazionale della Ceramica di Cerro di Laveno (VA). Actualmente es gerente de comunicación en Italdibipack Spa.

Es Licenciado en Com. Social y Periodista. Ha realizado investigación en semiótica y en el área de periodismo cultural.

Actualmente cursa un Diplomado en Gestión Cultural en la Universidad de Chile.

Born in 1973, Santiago. Currently, she is a contributor for Local Project in N.Y., where she has lived for 10 years. She edits and writes for Paper Magazine, project she’s bringing to Chile, place where she’s also moving to.

He works as editor and writer from ArteCubano SelloArteCubano magazine.

He makes art critics in many publications and was curator of many displays on the 12th La Havana Biennial, Cuba.

He was born in Varese, Italy, in 1982. He is a contributor to the magazines Arte Al Límite, Arte Varese and the Museo Internazionale della Ceramica di Cerro di Laveno (Va). Currently, he’s manager of campaigns in Italdibipack Spa.

He has a Bachelor degree in Social Communication and Journalism. He has conducted academic research in semiotics and research in cultural journalism’s area. He attends to a Diploma in Cultural Management.

luciana acuña

CAMILA LONDOÑO

DALEYSI MOYA

Lia alvear

Historiadora del arte y curadora | Art historian and curator Argentina | Argentina

Periodista |Journalist Colombia | Colombia

Crítica de arte y curadora | Curator and Art critic Cuba | Cuba

Periodista | Journalist Chile | Chile

Nació en Buenos Aires, en 1977.

Estudió Bellas Artes en la Universidad Nacional de La Plata, y luego en la Universidad del Museo Social Argentino. Actualmente es redactora de contenidos y docente de Arte Latinoamericano.

Nació en 1989 en Colombia.

Atraída por la cultura chilena, llegó a Santiago de Chile, donde trabaja como encargada de comunicaciones. Ha sido redactora, colaboradora y editora de varias revistas culturales.

Nació en 1985, en La Habana.

Es licenciada en Historia del Arte, ejerce como curadora y crítica de arte. Ha trabajado en importantes galerías cubanas, y es parte del equipo curatorial del Proyecto F5.

Nació en 1991. Estudió Periodismo en la Universidad de Santiago de Chile, lugar donde reside actulmente. Posee diversas experiencias en cultura, entre ellas, de Periodista Asistente en el Centro Cultural Palacio La Moneda.

Born in Buenos Aires, 1977.

She studied Fine Arts at the Universidad Nacional de La Plata, and afterwards, at the Universidad del Museo Social Argentino.

Currently she’s a copywriter and Latin American Art teacher.

She was born in 1989, in Colombia.

Attracted by the Chilean culture, came to Santiago of Chile, where she works as communications manager. She has been an editor, contributor and publisher of several cultures magazines.

She was born in 1985 in La Havana. She has a degree in Art History, serves as curator and art critic. She has worked in important Cuban galleries, and is part of the curatorial team of Proyecto F5.

She was born in 1991. She studied journalism at the University of Santiago in Chile, place where she resides currently. She has different experiences in culture, including Journalist Assistant at La Moneda Palace Cultural Center.

Galleries | 10 Chancery Lane | 303 Gallery | A | Acquavella | Aike -D ellarco | Air de Paris | Alisan | Andréhn -S chiptjenko | Applicat -P razan | Arario | Arndt | Athr | Atlas | Aye | B | Balice Hertling | Beijing Commune | Bernier /E liades | Blindspot | Blum & Poe | Boers -L i | Marianne Boesky | Ben Brown | Buchmann | C | Gisela Capitain | Cardi | carlier gebauer | Carlos /I shikawa | Casa Triângulo | Chambers | Chemould Prescott Road | Chi -W en | Yumiko Chiba | Mehdi Chouakri | James Cohan | Sadie Coles HQ | Contemporary Fine Arts | Continua | Pilar Corrias | Alan Cristea | Chantal Crousel | D | Thomas Dane | Massimo De Carlo | de Sarthe | Dirimart | The Drawing Room | E | Eigen + Art | Eslite | Gallery Exit | G | Gagosian | Gajah | Galerie 1900 -2 000 | Gandhara -A rt | gb agency | Gerhardsen Gerner | Gladstone | Gmurzynska | Goodman Gallery | Marian Goodman | Richard Gray | Greene Naftali | Karsten Greve | Grotto | Kavi Gupta | H | Hakgojae | Hanart TZ | Hauser & Wirth | Herald St | Xavier Hufkens | I | Ibid. | In Situ - fabienne leclerc | Ingleby | Taka Ishii | J | Bernard Jacobson | Jensen | Johnen | Annely Juda | K | Kaikai Kiki | Kalfayan | Paul Kasmin | Sean Kelly | Tina Keng | Kerlin | Kewenig | David Kordansky | Tomio Koyama | Krinzinger | Kukje /T ina Kim | L | Pearl Lam | Simon Lee | Lehmann Maupin | Lelong | Dominique Lévy | Lin & Lin | Lisson | Long March | M | Maggiore | Magician Space | Mai 36 | Edouard Malingue | Marlborough | Hans Mayer | Mazzoleni | Fergus McCaffrey | Meessen De Clercq | Urs Meile | Mendes Wood DM | kamel mennour | Metro Pictures | Meyer Riegger | Francesca Minini | Victoria Miro | Mitchell -I nnes & Nash | Mizuma | Stuart Shave /M odern Art | mother’s tankstation | N | nächst St. Stephan Rosemarie Schwarzwälder | Nadi | Nagel Draxler | Edward Tyler Nahem | Nanzuka | Taro Nasu | Nature Morte | neugerriemschneider | nichido | Anna Ning | Franco Noero | O | Lorcan O’Neill | Nathalie Obadia | One and J. | Ora -O ra | Ota | Roslyn Oxley9 | P | P.P.O.W | Pace | Pace Prints | Paragon | Peres Projects | Perrotin | PKM | Plan B | Platform China | Polígrafa | Project Fulfill | R | Almine Rech | Nara Roesler | Tyler Rollins | Thaddaeus Ropac | Andrea Rosen | Rossi & Rossi | Lia Rumma | S | SCAI | Esther Schipper | Rüdiger Schöttle | ShanghART | ShugoArts | Sies + Höke | Silverlens | Skarstedt | Soka | Sprüth Magers | Starkwhite | STPI | Sullivan+Strumpf | T | Take Ninagawa | Tang | team | Thomas | TKG+ | Tokyo Gallery + BTAP | Tolarno | Tornabuoni | V | Vadehra | Van de Weghe | Isabelle van den Eynde | Susanne Vielmetter | Vitamin | W | Wentrup | Michael Werner | White Cube | White Space | Wilkinson | Hubert Winter | Jocelyn Wolff | X | Leo Xu | Y | Yamamoto Gendai | Yavuz | Z | Zeno X | David Zwirner | Discoveries | 11R Eleven Rivington | 313 Art Project | a.m. space | Sabrina Amrani | Artinformal | Isabella Bortolozzi | Thomas Erben | Experimenter | Selma Feriani | François Ghebaly | Hopkinson Mossman | Pippy Houldsworth | Darren Knight | Michael Lett | Mujin -t o | Night | Raster | ROH Projects | Rokeby | Side 2 | Société | Weingrüll | Workplace | Yeo | Insights | 1335Mabini | A Thousand Plateaus | Antenna Space | Arataniurano | Hadrien de Montferrand | du Monde | EM | Exhibit320 | Fost | Gallery 100 | Ink Studio | Yoshiaki Inoue | iPreciation | L -A rt | Lawrie Shabibi | Leeahn | Liang | Longmen | MEM | Osage | Park Ryu Sook | Pékin | Pi Artworks | Star | This Is No Fantasy + dianne tanzer | Vanguard | Yamaki | Yang

GASTON UGALDE FEB 24 MAR 24

WWW.GASTONUGALDE.COM

Sumario / Summary

DIRECTORES Ana María Matthei Ricardo Duch DIRECTOR COMERCIAL Cristóbal Duch DIRECTORA DE ARTE Catalina Papic PROYECTOS CULTURALES Camila Duch EDITORA GENERAL Kristell Pfeifer EDITORA Elisa Massardo DISEÑADORAS GRÁFICAS Javiera de la Fuente Maria Elisa Ramírez PERIODISTA Natalia Vidal ASESORES Leo Prieto Benjamín Duch REPRESENTANTES INTERNACIONALES Alfredo Ginocchio (México) Julio Sapollnik (Argentina) jsapollnik@gmail.com Manuel Munive (Perú) manuelmunive@yahoo.es REPRESENTANTE LEGAL Orlando Calderón TRADUCCIÓN INGLÉS Jonathan Anthony Sofía Camus SUSCRIPCIONES 56 2 2955 3261 suscripciones@arteallimite.com IMPRESIÓN BHA Impresores DIRECCIONES Chile / Camino Agua del Carrizal 9497.

Lo Barnechea, Santiago de Chile. www.arteallimite.com VENTA PUBLICIDAD 56 2 2955 3261 info@arteallimite.com marketing@arteallimite.com Derechos reservados Publicaciones Arte Al Límite Ltda.

@arteallimite2 PORTADA: Camilo Matiz I love you, 2015, espejo y neón, 116 x 86 cm.

@arteallimite

@arte_allimite

@arteallimiterevista

16

84

Camilo Matiz

Nahuel Tupac Losada

Un juego de simulaciones

La mirada del jaguar

24

92

Yoshua Okon

Johnston Foster

A game of simulation

Through the jaguar’s eyes

El mundo que nos mira

Cosechador de alquimias

The World that looks at us

Collector of alchemy

30

100

Jimmy Law

Patricia Arena

Lo auténtico de una mirada

La fotografía más allá de lo aparente

38

106

Achraf Baznani

Caiozzama

An authentic glance

Photography that goes beyond the obvious

“Con el surrealismo puedes descansar de la realidad”

Lo efímero transformado en eterno

“With surrealism you can rest from reality”

The ephemeral becomes eternal

46

112

Aurora

Evelyn Tovar

Materializando el pasado

Los otros significados de lo cotidiano

50

120

Chiyomi Longo

Paula Diringer

Conciliando opuestos: el yin yang materializado

Puntadas gestuales

58

126

Eduardo Villanes

Julio Bittencourt

Entre la hidalguía y el reclamo

Sudor fotográfico, impacto latino

62

132

Loreto Carmona

Patricia Salamonde

Revisiones de un pasado latente

Concreto es el arte y fluida como el tiempo

66

136

Marisa Caichiolo

Bodhan Burenko

La piel, territorio de descubrimientos

La máscara herida

72

144

Augusta Barreda

Jesús Hdez Güero

Bringing the past to life

Findig balance between opposing forces

Between nobility and complaints

A look into a latent past

Skin: A Land of Discovery

Jardines mágicos Magical Gardens

78 Maria Fernanda Lairet Manchas de política y naturaleza Stains of politics and nature

The other meanings of everyday things

Gestural stitches

Photographic sweat, Latin American impact

Art is concrete and fluent as the time

The wounded mask

Políticamente imperfecto Politically Imperfect

16 . 17

Colombia | Colombia Artista Multidisciplinar | Multidisciplinary Artist

Camilo Matiz Un juego de simulaciones A game of simulations

Entre estados duales como el amor, el ego y las inseguridades, la obra de Matiz nos sitúa en un espacio de reflexión sobre lo que somos: nuestra realidad y nuestras simulaciones. Una obra que, en sus propias palabras, se conforma en un 70% por la experiencia del espectador.

Between dual states such as love, the ego and insecurities, Matiz’s work places us in a space of reflection regarding who we are: our reality and our pretenses. It is a work which –in his words– is 70% made up by the viewer’s experience.

Por Elisa Massardo. Lic. en Historia y Estética (Chile).

Imágenes cortesía del artista.

U

na simple orden, un mandato o un deseo. Una forma de comunicar, transmitir e interpretar. Caminar por los pasillos de una feria de arte nos aleja de ciertas realidades o, quizás, nos acerca más aún a aquella virtualidad con la que se vive en el momento: Take a selfie, una frase que invita a los espectadores a actuar rápidamente. Y ahí el clic en la pantalla teléfono para tomar la fotografía se hace algo inmediato, algo que se realiza sin mediación del pensamiento sino, más bien, a través de una rápida acción, como un acto/reflejo.

a

simple order, command or desire. A form of communicating, conveying and interpreting. Walking along the corridors of an art fair distances us from certain realities or, perhaps, brings us even closer to that potentiality which we experience in the moment: Take a selfie, a phrase which invites the viewers to act quickly. There, the click of the phone’s screen to snap a picture becomes something that is immediate, something that is done without thinking, but rather, through a quick action, like an act/reflex.

You are a star, 2015, espejo y ne贸n, 120 x 90 cm. Foto por Ramon Giovanni.

Y luego el mensaje sigue porque Camilo Matiz no se queda en la sencillez del auto-retrato tomado por un celular –que es de lo más popular tanto en redes sociales como en internet en general– Una forma mediática de mostrarse, reflejarse, exhibirse e incluso venderse. Una forma más de cosificar el cuerpo y el ser a través de una fotografía, esta vez con una diferencia, mostrar –además– el lugar donde estás, las personas con las que te encuentras y lo “exitoso” que puedes ser. Fake a life, simula y solo simula… tal como Braudillard predicaba en Cultura y Simulacro: “la simulación vuelve a cuestionar la diferencia de lo ‘verdadero’ y de lo ‘falso’, de lo ‘real’ y de lo ‘imaginario’”, incluso, hace aparecer como real algo que no es, sumergiéndonos en un falso relato de lo acontecido. Es aquí donde la simulación de una vida puede convertirse en realidad, esa realidad que existe para todos los que miran, revisan, supervisan y vigilan a través del panóptico actual de las redes sociales.

And later, the message remains, since Camilo Matiz isn’t just confined to the simplicity of self-portraits taken by a cell phone –which is the most popular on both social networks and the internet in general–. It is a high-profile way of showing, reflecting, exhibiting, and even selling oneself. It is another way to objectify the body and the being through photography, this time with a difference, by also showing the place where you are, the people around you and how “successful” that can be. Fake a life, simulates and only simulates… just like Braudillard predicted in Simulacra and Simulation: “the simulation calls into question the difference of what is ‘true’ and what is ‘false’, of what is ‘real’ and what is ‘imaginary’.” It even makes something that isn’t real, seems real by immersing us in a false tale of what happened. It is here, where the simulation of a life can become real; that reality which exists for all who see, inspect, monitor and keep an eye on it through the current panoptic of social networks.

La mirada de Matiz va mucho más allá, no es un cuestionamiento solo a lo contemporáneo o a los simulacros de las redes sociales; es también una postura de libres interpretaciones sobre diferentes mensajes. Es así como I love you, un clásico del amor, la frase más importante en una relación, lo que une a dos personas en un compromiso, puede reflejarse como una cruda realidad que entrega a múltiples lecturas: I’m over you. En palabras del artista: “Esta es una de mis obras favoritas por cómo reacciona la gente. Las parejas pasan muchos momentos y dependiendo del estado emocional del observador, se da la interpretación. Si estás en una etapa pasional, I´m over you, cobra un sentido; si estás en otro momento, alude a otro significado”, un significado crudo, cruel, de pura realidad. Un significado que se sale de ese simulacro donde lo verdadero y lo falso se confunde en una realidad que no se admite; mientras que en el fondo hay una relación de podredumbre: “En Miami una mujer visitó el stand durante dos días, esperando que yo fuera para agradecerme. Cuando le pregunté por qué, me dijo que estaba viviendo una situación emocional difícil con su pareja, y después de ver la obra, ésta le ayudó a entender que ella podía estar en control del lado de la imagen que quería estar, si en el reflejo o en la realidad”, explica Matiz, y de esta manera, para él: “la obra evoluciona como lo hacemos todos, nada es blanco o negro, todo se transforma y la obra se transforma en nosotros”.

Matiz’s outlook goes much further. It’s not just a question regarding contemporary culture or the simulations of social networks; it’s also a stance on free interpretation regarding different messages. That is how I love you, a tradition in love, the most important phrase in a relationship, which binds two people in a commitment, can be reflected as a harsh reality that grants multiple interpretations: I’m over you. In the artist’s words: “This is one of my favorite pieces because of how people react to it. Couples spend a lot of time together and how it is interpreted depends on the emotional state of the viewer. If you are in the passionate phase, I’m over you, makes sense; if you are going through another phase, it refers to something else,” a harsh, cruel meaning that is completely real. A meaning that emerges from that simulation where what’s real and what’s fake are jumbled together in a reality that isn’t accepted; meanwhile, in the background there is a relationship of corruption: “In Miami a woman repeatedly visited the stand over two days, waiting for me in order to thank me. When I asked her why, she told me that she was undergoing a difficult emotional situation with her partner, and after seeing my work, it helped her understand that she could control which side of the image that she wanted to be on, whether in the reflection or in reality,” explains Matiz. Through that, for him: “the work evolves like we all do. Nothing is black or white, everything is altered and the work transforms into us.”

Así lo atosigante de las relaciones es un reflejo de ese amor que alguna vez existió; y así otros mensajes como: Believe you can, se transforman en frases como Lie to yourself anyway; o bien You are a star, es el mero reflejo de You bastard. Y en estos cruces de realidades, “el que simula [una enfermedad] ¿está o no está enfermo contando con que ostenta ‘verdaderos síntomas’?

–para Braudillard, una sola respuesta es clave– Objetivamente, no se le pue

That is how the pressure of relationships is a reflection of that love that once existed; also, that is how messages like: Believe you can, turn into phrases like Lie to yourself anyway; or You are a star, is a mere reflection of You bastard. In those junctions of realities, “isn’t he who simulates [an illness], sick or not sick with ‘real symptoms’? For Braudillard, a single response is key. Objectively,

Believe you can, 2015, espejo y ne贸n, 101 x 201 cm. Foto por Keko Angulo.

You are a star, 2015, espejo y ne贸n, 120 x 90 cm. Foto por Ramon Giovanni.

de tratar ni como enfermo ni como no-enfermo. La psicología y la medicina se detienen ahí, frente a una verdad de la enfermedad inencontrable en lo sucesivo”.

you can’t treat him as neither sick nor healthy. Psychology and medicine stop there, in face of a truth of the untraceable illness henceforth.”

Entre cámaras y realidades. Simulando en la vida

Between cameras and realities. Pretending in life

“El espejo es una herramienta para confrontarnos en un espacio emocional de tres dimensiones: lo que se lee, lo que se ve reflejado, y lo más importante, nuestra imagen en este contexto”, explica Camilo Matiz, director audiovisual, director de comerciales publicitarios y realizador de la película 1989, junto a Vincent Gallo, un artista multifacético que pasa la vida entre cámaras y realidades; entre juegos y simulaciones; en escenarios que sitúan al espectador frente a una proyección de lo que es su propia vida frente a la pantalla grande, frente al televisor y los comerciales, frente a la realidad del Here, Not Here, de sus obras.

“The mirror is a tool to confront ourselves in a three-dimensional emotional space: that which can be read, that which is reflected, and, most important, our image in this context,” explains Camilo Matiz, audiovisual director, advertisement director and producer of the film 1989, along with Vincent Gallo, an artist of many talents who spends his life between cameras and realities; between games and simulations; in scenes that place the viewer in front of a projection of his own life opposite the big screen, opposite the TV and commercials, opposite of the reality of the Here, Not Here, of his work.

Siendo todos elementos de lo mismo: la fotografía, el cine, la música, las artes plásticas, son para Matiz formas de expresión de distintas emociones, “son pinceles”, comenta. De esta forma los pinceles le sirven como: “medios con objetivos muy distintos, pero con patrones muy similares. Como unos vecinos que se quieren pero no lo admiten –señala el artista–. El arte es la esencia, la base, pero sin duda se complementan, ambas son formas para expresar mi creatividad en diferentes medios”.

All of these elements are one and the same: photography, cinema, music, visual arts, are for Matiz, forms of expression for different emotions, “they are brushes,” he says. Through this, the brushes help him as: “mediums with very different objectives, but with very similar patterns. They are like two neighbors that like each other but won’t admit it,” says the artist. He continues, “Art is the essence, the foundation, but undoubtedly they complement each other and all are ways of expressing my creativity in different mediums.”

Y esta necesidad de expresarse, de sentir, de mostrar y reflejar la complejidad de este mundo ficticio y real a la vez, tiene un origen en múltiples imágenes y memorias de sonidos y colores. En historias que reunía en la moto junto a su padre cuando era un niño, cuando sentía la noche, el viento, el ruido del motor bajo la música de Strauss, Rubén Blades o Coltrane, con el inquietante color del caribe y con mensajes cruciales. “Mi padre vivió en Cuba durante doce años, seis en el tiempo de Batista y seis en el tiempo de Castro, y siempre pensó que una revolución me llegaría como le llegó a él: a cambiarle la vida. Aunque no se quejó de sus experiencias, siempre quiso prepararnos: nos enseñó que sólo somos lo que sabemos; y mi madre, a estar más cerca de lo que sentimos. Así, sin querer, nos mostraron en el arte la herramienta absoluta”, completa el artista.

This need to express oneself, to feel, to show and reflect the complexity of this both fictitious and real world, originates from several images and memories of sounds and colors. In stories that involved a motorcycle along with his father when he was a boy, when he felt the night air, the wind, the noise of the motor beneath the music of Strauss, Ruben Blades or Coltrane, with the eerie colors of the Caribbean and critical messages. “My father lived in Cuba for 12 years, six during the Batista years and six during Castro’s time, and he always thought that I would experience a revolution like he did: to change his life. Although he didn’t complain about his experiences, he always wanted to prepare us: he taught us that we are only what we know; and my mother taught us to be closer to what we feel. Through that, unintentionally, they showed us that art is a comprehensive tool,” concludes the artist.

Esta herramienta absoluta es la que refleja en los espejos enmarcados, donde sus frases se convierten en realidades o simulaciones, o bien, en una verdad atrofiada que no somos capaces de ver, que no queremos sentir o todo lo contrario: simulaciones que queremos mostrar para vivir, revivir y sentir.

This comprehensive tool is what is reflected in the framed mirrors, where his phrases are converted into realities or simulations, or, into a stunted truth that we aren’t able to see, that we don’t want to feel or the complete opposite: simulations that we want to show to live, revive and feel.

Here Not Here, 2015, espejo y ne贸n, 94 x 74 cm. Foto por Keko Angulo.

24 . 25

México | Mexico Artista Multidisciplinar | Multidisciplinary Artist

Yoshua Okon el mundo que nos mira the world that looks at us A través de videos e instalaciones, desde una mirada crítica y reflexiva, Yoshua Okón nos presenta las extrañezas y contradicciones en las que se mueve la sociedad contemporánea.

Through video art and installations, from a critical and reflexive point of view, Yoshua Okón shows us the surprise and contradictions that move contemporary society.

Por Fernanda Reyes Retana. Escritora (México).

Imágenes cortesía del artista.

e

n la sala de la galería, la enorme pantalla muestra un cuerpo humano desnudo.

Quizá una mujer, que postrada sobre una mesa respira pesadamente. Atrás de ella, un cristal con los reconocibles arcos dorados de la cadena de restaurantes más famosa del mundo y un chico delgado y ágil que, con diligencia, los limpia afanosamente. Los pliegues de su piel, desbordados por el exceso de tejido adiposo, ponen en duda el sexo, no vemos su cabeza, ni la parte superior del cuerpo, solo identificamos sus piernas marcadas de venas torturadas por tanto peso, es el brazo el que le permite salvar la horizontalidad, para permitir que el aire entre. Respiración arrastrada, como si le costara trabajo jalar la vida a esa anatomía sobre exigida.

Los arcos dorados a sus espaldas, como cabecera improvisada, como vigilante inmutable, son fácilmente reconocibles por todos, han dado la vuelta al mundo y se pueden identificar como uno de los emblemas más preciados de la exitosa

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n a gallery space, a huge screen displays a naked human body. Maybe it is a woman, lying on a table breathing heavily. Behind it, there’s a window pane with the recognizable golden arches of the world’s most famous restaurant chain and a nimble and slim boy diligently cleaning. The folds of skin, overflowing due to the excess of adipose tissue, make us question its sex. We can’t see the person’s head or the upper half of the body; we can only make out their legs distinguished by veins tortured due to so much weight. Their arm allows them to prop themself up in order to let some air flow between. Their breathing is labored, as if it were hard for them to reach that overstressed anatomy.

The golden arches at their back, like an improvised headboard or an immutable guard, are easily recognized by everyone. They have been around the world and can be identified as one of the most treasured emblems of the successful capitalist society of consumption, fast food and disposable objects, of excess, abuse and

Freedom Fries: Still Life, 2014 video instalaci贸n, medidas variables.

sociedad capitalista, de consumo, de comida rápida y objetos desechables, de excesos, de abusos y su consecuente insatisfacción. Nunca es suficiente comida, ropa, aparatos, autos, viajes, casas. Nunca es suficiente y por ello siempre es poco.

La pieza consta de otras fotografías y un video escultura con dos sillas y una mesa cuya superficie es una pantalla, que muestra el movimiento lento del aceite con el que se prepara la comida. Aceite que, por recalentado y viejo, ya esta viscoso y se desplaza con dificultad, como evocando el efecto que provocará en el cuerpo de aquel que lo ingiera. Freedom Fries es el nombre de la pieza que evoca la libertad, o eso a lo que llaman libertad y sus consecuencias.

Yoshua Okón no es nuevo en la escena del arte contemporáneo en México, Estados Unidos, Chile y otros países del mundo. Lo humano de sus mensajes, la cuidadosa factura de sus trabajos y un amplio historial de exposiciones da cuenta de ello.

Su trabajo se ha decantado por la producción de videos, todos ellos concebidos para el espacio de una galería, con características claras que hablan del estilo del artista y sus búsquedas. La idea primigenia surge de las inquietudes o cuestionamientos de Yoshua Okón, pero están realizados, en su mayoría, gracias a “aliados” que él va encontrando en el camino. Esa es quizá una clave en su estilo, pero también es un ingrediente importante en el contenido de su obra.

Una mujer que pasaba por la calle; el policía aburrido que juega con su macana; el representante de una organización comunitaria o el indocumentado que espera a que llegue un nuevo empleador; se prestan para “jugar” ante la cámara de Yoshua Okón. No sabemos cómo, pero los hace participar obteniendo de perfectos extraños, una actuación, que quedará registrada y será exhibida. Sin embargo es cuestión de conocer a Yoshua Okón, de ver su semblante tranquilo, su mirada inteligente pero diáfana, para calcular por qué le tienen confianza, y se dejan llevar por su magia.

Así, por ejemplo, en la pieza Salò Island, Yoshua Okón consigue, que en un apacible y lujoso barrio de oficinas, de una ciudad de Estados Unidos, un grupo

their consequent dissatisfaction. It’s never enough food, clothing, devices, cars, trips, homes. It’s never enough and because of that it is always too little.

The piece consists of other photographs and a video sculpture with two chairs and a table whose surface is a screen, which shows the slow movement of the oil used to prepare the food. Oil which, due to being reheated and old, is already viscous and almost motionless, as if it is evoking the effect that it will have on the body of the person consuming it. Freedom Fries is the name of the piece that evokes freedom, or what we call freedom and its consequences.

Yoshua Okón isn’t new to the scene of contemporary art in Mexico, the United States, Chile and other countries around the world. The humanness of his messages along with the careful execution of his pieces and a vast curriculum of exhibitions show this.

His work tends to be executed in video productions, all of which are created for a gallery space, with clear characteristics that talk about the artist’s style and his quests. The original idea arises from Yoshua Okón’s concerns and questions, but they are mostly executed thanks to “accomplices” which he finds along the way. That is perhaps essential in his style, but it is also an important ingredient in his work’s content.

A woman who was walking through the street; a bored cop playing with his nightstick; the representative of a community organization or the undocumented worker waiting for a new employer to come; they all lend themselves to “play” before Yoshua Okón’s camera. We don’t know how, but he manages to get performances from perfect strangers that will be recorded and exhibited. However, it is a matter of knowing Yoshua Okón, a matter of seeing his calm demeanor, his intelligent but clear stance, in order to figure out why they trust him and gets swept up by his magic.

Octopus, 2011 video instalaci贸n, medidas variables.

de entusiastas se desnude, se sujeten a correas de perro y caminen en cuatro patas por las calles, todo eso, por supuesto, evadiendo las rondas de patrullas que resguardan la tranquilidad de la noche. La escena, como el título de la pieza, evocan la película de Salo o los 120 días de Sodoma, en la cual se muestran escenas de crudeza y sadismo dramático realizadas por aquellos considerados “pilares de la sociedad”.

En la pieza Octopus consigue que un grupo de indocumentados guatemaltecos escenifique, en el estacionamiento de un Home Depot de los Ángeles, la guerra civil en la que probablemente participaron, y lo hacen imaginando convoys de tanques, rifles, barricadas y atacantes rodando por el suelo del estacionamiento o subiéndose a vehículos en formación de defensa. Son adultos actuando comocuando eran niños, en escenas reales, históricas o personales.

Según cuenta Yoshua Okón, desde su estudio de la ciudad de México, para él es importante involucrar al espectador, sacarlo del papel de observador y forzarlo a mirarse o a tener una postura frente a las ideas de las que está siendo testigo.

Sus videos son concebidos de forma escultórica para una galería y siempre cuentan con una explicación, un texto que como él dice, ancla las imágenes que se están observando, con la idea primigenia que dio pie a la obra.

Si algo tienen en común las piezas de Yoshua Okón, es su interés por evidenciar los “pliegues” de la naturaleza humana, las desviaciones políticamente correctas que ignoramos y hasta las escandalosamente reales que dejamos pasar, sin embargo, el hecho de que cada vez sea capaz de conseguir a un grupo de entusiastas, que sin ningún interés extra lo secunde, que no teman al ridículo o a la vergüenza de arrastrarse por el piso o desnudarse en plena calle, reír, llorar, actuar como soldados con rifles simulados; es sin duda un símbolo de esperanza. La naturaleza humana tiene sus sombras y convivimos con ellas, pero también tiene la capacidad de mirarse a sí misma desde afuera, develar sus propias miserias y reírse o llorar. Esa capacidad es quizá la semilla de una evolución, esperanza.

Thus, for example, in the piece Salò Island, Yoshua Okón gets a group of fans to get naked, wear a dog leash, and walk on all fours through the streets of a quiet and luxurious business district of a city in the United States. They do all of this, of course, while avoiding patrols keeping peace at night. The scene, like the piece’s title, evokes the film Salo o los 120 días de Sodoma, which shows scenes of dramatic sadism and rawness that were carried out by those considered the “pillars of society.”

In the piece Octopus, he gets a group of undocumented Guatemalans to stage the civil war in which they probably participated in the parking lot of a Home Depot in Los Angeles. They do this by imagining convoys of tanks, rifles, barricades, and attackers while moving around the pavement of the parking lot or by climbing onto vehicles in a defensive formation. They are adults acting out as if they were children in real, historic, and personal scenes.

According to Yoshua Okón, from his studio in Mexico City, for him it is important to involve the viewer and remove them from their role as an observer and force them to look at themselves or take a stance against the ideas that they are witnessing. His videos are conceived sculpturally for a gallery and they always have an explanation, a text, which he says, ties the observed images to the original idea that gave rise to the piece.

If there is a common theme in Yoshua Okón’s work, it is his interest in showing the “folds” of human nature, the politically correct deviations that we ignore and even the scandalous real deviations that we let happen. However, he is always able to get a group of fans, who support him, and don’t fear ridiculousness or the embarrassment of crawling on the ground or getting naked in the middle of the street, laughing, crying or acting like soldiers with pretend rifles; undoubtedly this fact is a symbol of hope. Human nature has its dark side and we coexist with it, but it also has the ability to look itself in the face from outside, reveal its own misery and laugh, or cry.

That ability is perhaps the seed of evolution, hope.

Detalle de Sal貌 Island, 2013, Video instalaci贸n, medidas variables.

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Sudáfrica | South Africa Pintura | Painting

Jimmy Law Lo auténtico de una mirada An authentic glance Retratos a gran escala, intensidad de colores, trazos gruesos y movimientos enérgicos, son solo algunas de las características con las que el pintor invita a descifrar la mirada penetrante y, tal vez, perdida de quienes captura en sus lienzos.

Scale portraits, intense colors, thick strokes, and energetic movements are only some of the characteristics with which the painter invites to decipher the penetrating and, perhaps, lost look of those he captures on his canvas.

Por Lía Alvear. Periodista (Chile).

Imágenes cortesía del artista.

Between the rings of Saturn, 2015, 贸leo sobre tela (145x145cm) oil on canvas.

Nirvana, 2015, 贸leo sobre tela, 150 x 138 cm.

Child of the sun, 2015, 贸leo sobre tela, 150 x 136 cm.

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La obra de Law, hoy colmada de enérgicas e inexactas pinceladas, comenzó tímidamente con un estilo más realista que demoraba días en completar.

“Estaba más preocupado de que cada pieza fuera una réplica muy precisa de las fotos con las que estaba trabajando. Estas obras eran perfectas, pero eran aburridas”, comenta, y por lo mismo decidió cambiar el estilo, para poder disfrutar mucho más de las energías y cualidades de un trabajo expresivo; un trabajo que se aleje de la rigidez y de los límites para poder experimentar un mayor sentido de libertad.

Law´s work, today full of inaccurate and energetic brushstrokes, shyly began with a more realistic style that took several days of completion.

“I was very concentrated on making each piece a very precise replica of the pictures which I was working with. These works were perfect, but boring” he comments, and because of this he decided to change his style in order to enjoy the energy and quality of an expressive job, one that separates itself from rigidity and limits in order to fully experiment a sense of freedom.

De este modo, el cambiar las pequeñas brochas por pinceles, que oscilan entre los seis y quince centímetros de ancho, ha sido clave para el actual trabajo del artista, quien se ha obligado a abstenerse de delinear detalladamente cada punto de las figura y, en su lugar, se ha centrado en la realización de trazos audaces y fuertes utilizando cepillos más grandes. En palabras del artista: “Cargo mis pinceles con pintura y aplico suficiente presión sobre el lienzo.

También me obligo a simplificar y reducir el número de golpes para no quedar atrapado en el intento de crear cada pequeño detalle. Mi objetivo es dar al espectador la información suficiente y dejar que él complete los detalles”, así logra crear una obra llamativa, original y todo desde los conocimientos que ha logrado de manera autodidacta.

Changing from small to big brushes, which can be between six and fifteen centimeters wide, has been a key decision for the artist´s actual work, obliging him to abstain from outlining every point of the figure, and focusing instead on the realization of bold and strong strokes using bigger brushes.

On the artist´s words: “I load my brushes with paint and apply enough pressure on the canvas. I also force myself to reduce and simplify the number of hits so I don´t get stuck trying to create every small detail. My objective is to give the audience enough information in order for them to complete the details.” This way, he creates a startling and original work, based on his self-taught artistic endeavor.

Presencia abrumadora

Overwhelming presence

Para Law, la cara de una persona es clave en la identidad de la misma. En dos metros de lienzo el artista va configurando los rostros de modelos que él considera interesantes, pero no necesariamente perfectos o bellos. Esto le ha permitido explorar la personalidad de quienes posan para él y según afirma: “es como leer un libro o tomar un viaje a la personalidad de otra persona. Los rostros revelan

To Law, a person´s face is a key to his identity. The artist builds up, on a two-meter canvas, the faces of whom he considers interesting, but not necessarily beautiful or perfect. This has allowed him to explore the personality of his models, and he states: “it is like reading a book or taking a trip inside another person´s personality. Faces reveal our mood, our emotions

ntes de dedicarse a pintar, Jimmy Law trabajó en una empresa de impresiones, diseñó vestuario, fabricó tablas de surf y fue ilustrador freelance, actividades propias de alguien titulado de Diseñador Gráfico desde 1993. Y es que la pintura no se presentó en la vida de Law hasta 15 años después, cuando decidió cambiar las herramientas propias de su profesión para tomar sus pinceles y brochas, y dedicarse por completo a lo que en sus palabras es “la dirección correcta”. Sin embargo, Law admite que sus estudios de diseño han sido una fuerte influencia en sus lienzos. ”Hasta cierto punto, eso hace que mi obra sea única supongo. Si se piensa en ello, todo arte bello ha participado en el diseño de una u otra manera. El diseño es planificar y todo buen arte tiene una cuota de planificación. No obstante, la pintura es mucho más complicada, ya que contiene muchas capas construidas y tiene una interacción que es a menudo delicada y compleja. Aprender a pintar bien es mucho más difícil que la ilustración”, señala el artista.

efore dedicating himself to painting, Jimmy Law worked at a printing company, designed costumes, manufactured surfboards and was a freelance illustrator; common activities for a graduate in Graphic Design, since 1993. This occurred because painting was not a part of Law´s life until 15 years later when he decided to replace his professional tools with brushes and dedicate himself fully to what is in his words, “the right direction.” Law admits, nonetheless, that his studies on design have strongly influenced his canvas. “This makes my work unique until a certain point, I suppose.

If you think about it, all beautiful art has somehow participated in design.

Designing means planning and all good art requires a share of it, too.

However, painting is much more complicated, since it is built on many constructed layers, and has an interaction which is often delicate and complex. Learning to paint well is much more difficult than illustrating”, the artist says.

Skies as grey, 2015, 贸leo sobre tela, 150 x 127cm.

nuestros estados de ánimo, nuestras emociones y también la falta de ellos, un estado que exploro en un esfuerzo para invitar al espectador a hacer preguntas sobre su condición como sujeto. No mostrar emoción obvia en mis temas plantea preguntas al espectador, hace que se pregunten, y eso me gusta”.

and the lack of them as well; a state that I explore in an effort to invite the viewer to make questions about the subjects´ aura or condition. By not showing obvious emotions in my themes raise questions in viewers, it makes them question themselves, and I like that.”

Además, la selección que hace sobre los modelos a retratar se basa en sus rasgos fisionómicos, al respecto agrega que: “En particular, me encantan los ojos grandes y las bocas lozanas. En algunos casos me he encontrado que una característica particular, como una nariz ligeramente más grande, junto con las características de una persona particular, son muy interesantes. Es difícil de definir, pero sé cuando veo el modelo adecuado”. Así, la mirada es fundamental en los cuadros del pintor sudafricano, quien afirma que los ojos son el rasgo que más información le brindan acerca de una persona y su personalidad.

Moreover, the model selection process for his portraits is based on their physical traits, to which he adds: “I particularly love big eyes and healthy mouths. In some cases I have found that a particular characteristic, such as a slightly bigger nose, alongside other characteristics of a determined person, are very interesting. Though this is difficult to define, I know when I am looking at the right model.” This way, the way a person stares is essential to this south African painter, who asserts that eyes are the feature that provide more information about a person and his personality.

Por otro lado, los colores vibrantes sobrepuestos mediante una paleta le permiten incorporar la pintura necesaria hasta lograr la textura deseada, son elegidos de acuerdo al objetivo que el artista se proponga transmitir. Por este motivo, en su trabajo es posible encontrar óleos y acrílicos tan coloridos y otros, a la vez, tan neutrales. “Independientemente de mi elección, los colores deben trabajar juntos en armonía. El uso de tonos fuertes y paleta neutra también se puede trabajar muy bien juntos, todo depende de cómo se aplica”, agrega el artista.

On the other hand, the vibrant colors overlaid through a palette allow him to incorporate the amount of paint necessary to achieve the desired texture, and are chosen according to the objective that the artist wants to transmit.

For this reason, it is possible to find some very colorful oils and acrylics, and on the other hand, some very neutral ones. “In spite of my choice, colors must work together in harmony. The use of strong colors and a neutral palette can work together very well, it all depends on how they are applied” adds the artist.

Aunque los distintos detalles con los que el artista crea su relato son fundamentales en el acabado de sus cuadros, es el tamaño de sus lienzos –entre metro y medio y dos metros– la característica que más ayuda en las abrumadoras presencias de los hombres y mujeres que posan para él. “Me encanta trabajar con grandes piezas, porque es mucho más impresionante que mirar pequeñas pinturas”, declara el pintor.

Even though the different details with which the artist builds his story are a key to his paintings´ finishing, the size of his canvas –between a meter and a half and two meters– is the feature that most strongly helps to express the overwhelming presences of the men and women who pose for him. “I love to work with big pieces, because they are much more impressive to stare at than small paintings” declares the artist.

Plantarse frente a un cuadro y más aún frente a un retrato, es aceptar la invitación de un artista a percibir aquella característica especial que hizo que él decidiera pintarla en primer lugar: un gesto, rasgo, o incluso una pequeña luz en sus ojos que logra inquietar a quien se detiene a observar.

De este modo, Law es movilizado por las grandes energías, o las ausencias, que sus modelos provocan en él. Un sentimiento que intenta capturar con la pintura que sea necesaria, y que invita a quienes lo observan a interpretar libremente un sentir que, aunque jamás logre ser descifrado o definido con palabras por los observadores, de seguro será percibido por ellos.

Standing in front of a painting, and even more, in front of a portrait, is accepting an artists´ invitation to perceive that special feature which made him decide to paint it in the first place: a gesture, a trait, or even a small light inside a person´s eye that disturbs those who stop and stare. This way, Law is moved by the big or absent energies that the models are able to stir inside him. A feeling he tries to capture with the necessary amount of paint, and invites those who observe it to freely interpret a sense that may never be defined or decoded with words, but will surely be perceived by them.

Detalle de Behind castle walls, 2015, 贸leo sobre tela, 150 x 112 cm.

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Marruecos | Morocco Fotografía | Photography

Achraf Baznani “Con el surrealismo puedes descansar de la realidad” “With surrealism you can rest from reality” Un espacio multidimensional: las minúsculas huellas de un hombre inmerso en el mundo de las ideas, descubre la magnitud de lo espontáneo y natural en una representación de extensiones ficticias que remiten a la inexorable realidad. Así trabaja el fotógrafo Achraf Baznani, con los ojos puestos en la experiencia y la mente en la narrativa conceptualista.

A multi-dimensional space: the tiny footprints of a man immerse in the world of ideas, discovers the significance of natural and spontaneous through in a representation of fictional areas that assemble the unyielding reality. This is how the photographer Achraf Baznani works: with his eyes set on experience, and his mind on conceptual narrative.

Por Natalia Vidal Toutin. Periodista (Chile).

Imágenes cortesía del artista.

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n la monocromía, un hombre al borde de caer se superpone en capas y se abre espacio en la realidad para conmover. Un sitio aparentemente eriazo, que se pierde entre la niebla y la confusión, contextualizan el dramático y solitario destino de éste, un soldado caído. The Falling Soldier, de Robert Cappa, tiene mucho de eso que provoca y sugiere la obra de Achraf Baznani, sin llegar a definirlo. No es aleatorio. Ese afecto y la forma en que una imagen promueve una circunstancia, anímicamente intensa, es lo que consiguen sus composiciones a través de la construcción y deconstrucción de una imagen. Achraf Baznani sintió un impulso al ver a ese hombre cayendo, es más: “Esa foto en particular me hipnotizó la primera vez que la vi. Es una clara representación de la guerra, pero expuesta de manera surreal. En mi obra, cada imagen empieza con una idea, una proyección sobre el papel de una historia. Luego, la cámara y la edición traen a la vida lo que hay en mi mente: un mundo soñado, de fantasía, suspendido entre los límites del surrealismo y lo sobrenatural”, señala.

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n monochrome: a man on the verge of falling overlaps in layers and makes his way towards reality to move the audience. An apparently deserted land, that gets lost between fog and confusion, contextualizes the tragic and solitary fate of this fallen soldier. The Falling Soldier, by Robert Cappa, possesses much of what Achraf Baznani´s work provokes and suggests; without defining it; however, t is not accidental. This affection, and the way a picture promotes an intensely emotional circumstance, is what his compositions achieve through the construction and deconstruction of an image. Achraf Baznani was driven by this falling man, in fact: “This particular picture hypnotized me the first time I saw it. It is a clear representation of war, exposed in a surreal way. In my work, every image begins with an idea, a projection of a story on a piece of paper. Then, through the camera and editing, I give life to what is inside my mind: a dream world, a fantasy world suspended between the boundaries of surreal and supernatural” he points out.

Capturing, 2014, fotografĂ­a ditigal, 50 x 50 cm.

Ready to fly, 2014, fotografĂ­a ditigal, 50 x 50 cm.

My small world, 2014, fotografĂ­a ditigal, 50 x 50 cm.

La fotografía orienta sus pensamientos, puntualiza las ideas y las dispone para abordarlas sin la limitación del tiempo y movimiento en ellas. Contribuye a esa reflexión que el artista marroquí persigue y lleva más allá de los límites que le impone la existencia. “Pienso que la fotografía no es un simple disparo capturado y producido por la cámara. Es una forma interesante de hacer que la gente note algunas cosas. Es también la mejor forma que tiene el fotógrafo de explicar y exhibir sus sentimientos”, explica el artista. Es por esto que su serie Inside my dreams estuvo basada en este argumento. La forma de contagiar la sensación que produce la oportunidad de contrariar, cuestionar y detener un instante para pensarlo. Así exhibe el efecto de un espejo mental que representa e involucra al espectador con su propia realidad por medio de una obra. En sus palabras: “El espectador encontrará un espejo que refleja la imagen de su vida y situaciones con las que han debido lidiar; problemas a los que cualquiera debe enfrentarse en la vida real. Habrá en mi trabajo también mensajes implícitos, ideas que surgen de esa composición e imagen única”.

Photography guides his thoughts, points out ideas and arranges them so they can be addressed without the limitations of movement and time. It contributes to the reflection that the Moroccan artist follows and takes beyond the limits imposed by existence. “I think that photography is not a simple shot captured and produced by the camera. It is an interesting way of making people notice certain things. It is also the best way a photographer has to explain and display his feelings”, he explains. This is why his series Inside my Dreams was based upon this argument. The way in which the author transmits the feeling produced by the chance of holding onto an instant, in order to question and refutes it. This way he exhibits the effect of a mental mirror, which involves and relates the observer with his own reality, through an artistic work. In his own words: “The viewer will find a mirror that reflects the image of his life and the situations he has dealt with; problems that everybody has to face in real life. There will also be hidden messages in my work, ideas that arise from that unique image and composition.”

Algo hay en las miniaturas que se traduce en un profundo sentido de pequeñez.

La forma en que este artista modifica sus fotografías para hacer grande lo pequeño y para interactuar con los ornamentos cotidianos, extrayendo su sentido más conceptual para reducirlo al mero argumento epistemológico, traslada inmediatamente al espectador a una reminiscencia casi existencial cuyo criterio otorga valor a las cosas. Él lo explica así: “Mi fotografía es una especie de clase o práctica de sí misma. Se compone de diferentes inspiraciones y es esencialmente conceptual. Me permite ofrecer una idea abstracta.

Nunca me centro en la necesidad de dar una ilustración cristalizada de la realidad, más bien prefiero dejar que reine la ambigüedad. También uso mi propio retrato porque, después de todo, estas ideas o mensajes me afectan.

Me las arreglo para sentir que soy ‘una parte de ellas’”.

There is something in miniatures that is made clear through a profound sense of smallness. The way in which this artist alters his pictures in order to turn small into big and interacts with everyday decorations, extracting their most conceptual meaning to reduce it to its mere epistemology, immediately moves the viewer to an almost existential reminiscence that gives value to things. He explains it this way: “My photography is in itself a kind of class or practice. It is built up of different inspirations and is essentially conceptual.

It allows me to offer an abstract idea. I never focus on the need of giving a crystallized illustration of reality, I´d rather let ambiguity reign. I also use my own portrait because, after all, these messages or ideas affect me. I manage to feel that I am ‘a part of them.”

El tratamiento de las capas, la nitidez y opacidad es el proceso en que más se afana y que más le admite moldear su contenido. Por medio de Photoshop corrige imágenes y suma, resta, administra y moldea capas. Entonces agudiza algunas terminaciones, modifica la iluminación y trae el suministro indispensable para dar vida a su mundo de miniaturas y fantasías. Al fotógrafo le importa mucho el vínculo que establece con el espectador, y la relación invisible que se teje mientras están contemplando su obra. Estos lazos metafóricos se alejan de una complejidad aparente, se muestran simples y prestos a la subjetividad de cada espectador; porque a Achraf no le interesan las cosas complejas, sino lo inspirador y distinto.

The layer treatment, opacity and sharpness, is the process he most endeavors and best allows him to mold his content. Through Photoshop, he corrects the images and adds, subtracts, manages and molds layers. Then he sharpens some finishing, modifies the lighting, and brings the supply needed to give life to his world of miniatures and fantasies. The photographer deeply values the bond that he creates with the viewer, and the invisible relationship he knits while people are admiring his work. These metaphorical ties step away from an apparent complexity; they portrait themselves simple and vulnerable to every particular perception. This because Achraf is not interested in complex things, but in what is different and inspiring.

Y para terminar…

Wrapping this up…

¿Por qué decidiste trabajar con el hombre y su interacción con los ornamentos cotidianos?

Why did you decide to work with man and his interaction with everyday objects?

¿Te refieres al modelo?, el pequeño hombre presente en todas mis obras de arte no es nadie más que yo mismo. Cuando era joven estaba muy obsesionado con las miniaturas de las películas y la magia del cine, las cosas de pequeña escala. Solía girar e inclinar fotos para crear pequeños mundos en Photoshop, y un día me pregunté ‘¿por qué no ponerme a mí mismo en un mundo de ensueño y surrealista?’.

You mean the model? The little man present in all my artwork is nobody else but me. When I was young I was obsessed with movie miniatures and the magic of cinema; things in a small scale. I used to tilt and spin pictures to create small worlds in Photoshop, and one day I asked myself: ‘why don´t I put myself inside a surrealist dream world?’

¿Es tu trabajo una forma de crear mundos mágicos o ficcionales?

Do you see your work as a way to create fictional or magical worlds?

Con mis fotos puedo tener a la gente pensando fuera de su sistema. Las cosas más triviales, que encontramos a nuestro alrededor a cada minuto, todavía logran transmitir un mensaje especial. No quiero ser complicado, solo inspiracional y distintivo. Así acabo las posibilidades y trato de ser innovador. Hago fotos y experimento con la manipulación digital hasta que tenga una imagen creativa, para un espectador reflexivo y contemplativo. Con el surrealismo puedes descansar de la realidad.

With my photographs I can make people think outside their system. The most trivial things that we encounter around us every minute can still transmit a special message. I don´t want to be complicated, but distinctive and inspirational. This is how I finish possibilities and try to be innovative.

I make pictures and experiment with digital manipulation until I achieve a creative image, for a reflective and contemplative viewer. With surrealism, you can rest from reality.

¿Qué rol cumple el ser humano en el mundo, y cómo lo ves?

What role do human beings have in the world, and how do you perceive it?

Es un ser con zapatillas de deporte. Créanlo o no, todos los hombres somos iguales, viendo a los otros pasar por nuestras mismas experiencias. En breve, creo que deben dar amor para repartirlo en toda la tierra

They are beings with sneakers. Believe it or not, all men are equal, seeing them go through our same experiences. Briefly, I think that they have to give love and spread it throughout the earth.

¿Puedes explicar la forma en que se relacionan los pequeños personajes que habitan tu obra?

Can you explain the way the little characters that inhabit your work relate to one another?

Cada imagen es una historia que deja abierta una puerta hacia la imaginación. Cada persona es un pensamiento, una percepción o una experiencia personal. Así, uso mi retrato para crear personajes que representan lo surreal, lo soñado o icónico: un mundo de pasión para vivir en él. Y a través de mis imágenes transporto al ser humano fuera de sus conflictos de personalidad.

Se produce una ambigüedad entre la sabiduría de los adultos y la inocencia de un niño o animal. Por otro lado, al favorecer un marco cuadrado, enlazo en mi trabajo, oriento y dirijo la mirada del espectador a moverse en círculos, en vez de hacerlo de manera tradicional de lado a lado o de arriba a abajo, lo que permite sentir una percepción equilibrada de la escena.

Every image is a story that leaves the door open to imagination. Every person is a thought, a personal experience or a perception. This way, I use my portraits to create characters that represent what is surreal, dreamy or iconic: a passionate world to live in. And through my images I transport human beings outside of their personality conflicts. An ambiguity between the wisdom of adults and the innocence of an animal or a child is produced.

On the other hand, by using a square framework, I connect my work, I run and guide the viewer´s sight to move in circles, instead of the traditional way from one side to another or up and down, which allows them to feel a balanced perception of the scene.

Hand of fate, 2014, fotografĂ­a ditigal, 50 x 50 cm.

Friendship, 2014, fotografĂ­a ditigal, 50 x 50 cm.

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Chile | Chile Artista Multidisciplinar | Multidisciplinary Artist

Aurora Materializando el pasado Bringing the past to life En la profundidad del color negro siempre hay una respuesta a las interrogantes que plantea la vida diaria. La muerte, el renacer y lo delicado son formas de representar que Aurora ha encontrado a través del bordado y la escultura.

Within the depths of the color black we can always find an answer to the questions that life poses on a daily basis. Death, being reborn and delicateness are forms of representation that Aurora has found through embroidery and sculpture.

Por Elisa Massardo. Lic. en Historia y Estética (Chile).

Imágenes cortesía de la artista.

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as luces en la penumbra rara vez se distinguen de la realidad. “El vacío que deja el silencio es una prolongación in-vaciable, no hay nada. Este nos conduce a la libertad, cuando alguien se declara partidario de nadie y amigo de sí mismo” el tiempo es un suceso que actualmente olvidamos, se nos hace poco y que, antiguamente, se vaciaba en la complejidad de cada acción.

ights in the shadows are often indistinguishable from reality. “The void that leaves behind silence is a prolongation that can never be depleted, there is nothing. This leads us to freedom, when someone declares themself to be in favor of nobody and friend to one’s self.” And time is an occurrence that we have currently lost sight of, it’s not enough for us and, in the past, it was depleted in the complexity of each action.

Trabajar con técnicas antiguas es lo que la invita a crear, a partir de la materialización de lo sublime y de un reencuentro con el pasado. Aurora crea con diversos hilos, delgados y tan finos que parecieran romperse a cada puntada; trabaja con espejos, vidrios y materiales tan complejos en su delicadeza que la invitan a profundizar en ellos durante meses. De esta forma, su estudio se centra en algo concreto, en la última pasión que le quita el sueño para sentir que está armando algo bien, que está quedando mejor de lo que ella misma imaginó. Pero el bordado y la escultura no lo es todo. Esta joven artista también ha incursionado en video arte y a futuro pretende continuar con la búsqueda del pasado a través de una obra con ex libris (antiguo sello usado para marcar libros).

To working with old techniques is what inspires her to create by forming the sublime and a brush with the past. Aurora creates with different threads, thin and so fine that they seem to break at each stitch; she works with mirrors, glass and materials that are so complex in their delicateness that they invite her to get lost in them over months. Through this, her study lies in something concrete, the ultimate passion that takes away her dream of having the feeling that she is creating something well and that it is better than what she imagined. However, embroidery and sculpture aren’t all that she does; this young artist has also ventured into video art and intends to continue the search into the past through a piece with ex libris (ancient seal used to mark books).

Sin luz no hay noche

Without light there isn’t night

Devoción y muerte se llamó la exposición que realizó en el subterráneo de la Galería Isabel Aninat. En ella trabajó la estrecha relación existente en la búsqueda eterna de la salvación del ser humano a través de sus ritos, devociones y fuertes creencias hacia un Dios. De este modo, la barca de Caronte pareciera ser un ícono a trabajar, el viejo barquero de la mitología griega, que traslada el alma desde La Tierra hacia la Isla, “hacia la salvación del alma en la muerte, entendiendo la muerte como el más grande misterio del entendimiento humano”, según reseña el texto de la exposición.

Devoción y muerte is the name of the exhibition that she held in the Isabel Aninat Gallery. There she worked with the close-knit relationship that exists in man’s eternal search for salvation through rituals, devotion and strong beliefs in a God. Through this, Charon’s boat seems to be an icon to work on, the old ferryman of Greek mythology who transports the soul from The Earth to The Island, “towards the salvation of the soul in death, while understanding death as the greatest mystery in human understanding,” as the text of the exhibition describes.

Así, en la galería, hubo una vez un ataúd de 1.70 x 50 cm. hecho de espejos tallados manualmente. En el interior, se veía un rostro; nuestro propio

Thus, in the gallery, there was once a 1.70 x 50 cm. coffin made of hand engraved mirrors. On the inside a face can be seen; our own reflection,

¹ Nota de la artista.

¹ Note of the artist.

De la serie Silencio, 2015, bordado sobre tela, 44x33 cm.

De la serie Silencio, 2015, bordado sobre tela, 28 x 24 cm

De la serie Silencio, 2015, bordado sobre tela, 32 x 25 cm.

reflejo, en efecto ascensor, inmortalizándonos en la muerte. Una iluminación especial llenaba el resto del espacio, porque “la luz puede crear sombras en movimiento, y así la obra pareciera tener vida propia y una atmósfera particular”, señala Aurora. Pero, como característica de su obra –la cual ella encasilla dentro de la rama del arte sacro–, lo barroco, lo rococó, lo bizantino, no podía quedar lejos y la obnubilación de los sentidos debía estar completa, por lo que el arte sonoro llenaba aquel espacio con cuencos tibetanos, creando el ambiente en el que una mujer iría prácticamente todos los días –casi en un acto performático– a recordar a su fallecida hija. La actitud de recogimiento estaba lograda.

in effect, an elevator, immortalizing us in death a special lighting filled the rest of the space, since, “light can create moving shadows, and through them the work seems to have its own life and a certain ambience,” states Aurora. However, her work –which she categorized within the branch of religious art–, has characteristics of Baroque, Rococo, and Byzantine art.

Also, a clouding of the senses must be carried out, which is why sound art filled that niche with Tibetan singing bowls, creating the environment where a woman would practically go every day –almost in a performance-like act– to remember her deceased daughter. The attitude of seclusion was achieved.

Fuera de la oscuridad, queda la historia

Outside of the darkness, History remains

Pero la obra de Aurora va más allá de las tétricas historias, en ella recupera el trabajo antiguo y descubre materiales que han pasado al olvido. “Me gusta trabajar esos materiales, el tallado, técnicas súper minuciosas, como todo esto que es la forma anti figurativa, de ornamentos”, explica. Es así como en estos cuadros va creando y recreando imágenes del rococó que busca en diversos sitios, que dibuja e interviene con nuevos patrones que serán decorados con los pocos colores que acostumbra a usar: blancos, negros, dorados y plateados, creando una obra minimalista dentro de la confusión que emanaba del arte medieval

However, Aurora’s work goes beyond gloomy stories. In them, she revives old work and discovers materials that have crossed into the void. “I like working with those materials, sculpture, very meticulous techniques, like everything that is anti-figurative and ornamental,” she explains. It is through this that she creates and recreates images from the Rococo that she finds on different places, which she draws and intervenes with new patterns that will be decorated with the few colors that she usually uses: white, black, gold, and silver, thus creating a minimalist piece amongst the confusion that was medieval art.

El contenido entonces, busca recordar estos ritos y el tiempo tan exclusivo que dedicaban antiguamente a crear cosas que hoy se hacen de

The content, then, seeks to remind us of those rituals and the ever-so exclusive time that used to be devoted to creating things that today are

De la serie Silencio, 2015, bordado sobre tela, 28 x 24 cm.

manera mecánica. Porque detrás de cada tallado o puntada, detrás de cada espejo, luminosidad, audio o video, por ella creados, hay un retroceso en el tiempo: “mi trabajo sirve para detenerse a pensar en el minuto, en lo apurado que estamos viviendo, porque al ver mis obras te cuestionas la cantidad de tiempo que me demoré en hacer esto. Es como lo hacían antes, todo a mano, cuando la gente vivía mucho más calmada, dándose el tiempo para… Y eso también te lleva al tema de lo que vivimos ahora como sociedad: todo es rápido, todo a máquina, todo China, eso influye mucho en el comportamiento social de las personas”, explica la artista, que dentro de lo mismo busca traer al presente y poner en valor “todo lo que es ritual y dentro de esto también tomarse el tiempo para reflexionar”, explica.

made mechanically. Because behind every cut or stitch, behind every mirror, light, audio or video clip created by her, there is a regression in time: “My work helps you to stop and think about the moment and our rushed nature, since upon seeing my work you question the amount of time that I took in making it. It is like it was before, everything handmade. A time when people were much calmer, thus giving them time for… And that also leads you to the issue of how we live now as a society: everything is fast, everything done by machine, in China, and all of that has a lot of influence on the social behavior of people,” explains the artist, who within the same search seeks to place value on and bring to the present “everything that is ritualistic, and within this also take time to reflect,” she explains.

Cada bordado creado por Aurora puede tomar una a dos semanas. El proceso está lejos de ser sencillo, pues partiendo de una inquietud, de su propia satisfacción por ver plasmado algo que le gusta mirar y crear, viene la investigación. Aprende, captura y retoma todo lo que se hizo, participa de talleres, de cursos, de diversas formas en las que puede plasmar lo que su vista adquiere. Luego viene la creación y en esta etapa busca referentes que distorsiona, volviendo a crear para –en el caso del bordado– dibujar su propia propuesta, elegir los colores, los hilos y bordar, lentamente, hasta ver su obra finalizada. Pero el proceso continúa, viene luego la etapa del color de la tela, la pintura y el marco. Una serie de procesos que lleva más de un año realizando para montar una exposición y luego retomar un nuevo oficio que recupere y retome el pasado en la actualidad.

Each embroidered piece created by Aurora can take one or two weeks. The process is far from simple. Starting with a concern and her own satisfaction to see it expressed as something that she would like to see and create, we get investigation. She learns, captures and revisits everything that was done, she participates in workshops and courses, which are the different ways that she can express what she sees. Later comes creation and at that stage she looks for references that she distorts by recreating them to –in the case of embroidery– draw her own proposal, choose the colors, threads and slowly embroider until she sees her finished piece. But the process continues, now comes the color stage of the canvas, painting and frame. A series of processes that she has done for over a year in order to assemble an exhibition, and later she revisits another new role that presently repeats and revisits the past.

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Japón | Japan Artista Multidisciplinar | Multidisciplinary Artist

Chiyomi Longo Conciliando opuestos Finding balance between opposing forces Resulta curioso pensar que estilos artísticos provenientes de oriente y occidente, en apariencia disímiles, se puedan aunar bajo una misma obra; es lo que hace la artista Chiyomi Longo en su intento por combinar la abstracción norteamericana y el Sumi japonés, con el fin último de manifestar una espiritualidad intrínseca.

It is interesting to think that artistic styles from the East and West, which differ in appearance, could unite in a single piece of art.

That is what the artist Chiyomi Longo does in her attempt to combine North American abstraction and Japanese Sumi-e, in order to show intrinsic spirituality.

Por Constanza Navarrete. Licenciada en Artes y Estética (Chile).

Imágenes cortesía de la artista y Buildingbridges Gallery.

Artista del programa internacional de Building Bridges Art Foundation.

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Al comienzo, una de sus primeras impresiones sobre la cultura norteamericana fue la informalidad en el modo de interactuar de las personas, así como en la forma de vestirse en relación a Japón; cuestión que, a pesar de la cantidad de años viviendo allá, le sigue pareciendo un poco extraño.

In the beginning, one of her first thoughts on American culture was the informality of how the people interacted with one another, as well as how they dressed compared to Japan; this is something that, no matter how many years she has lived there, it still seems a little strange to her.

Volviendo a las raíces

Getting back to her roots

De joven Chiyomi estaba fascinada con la cultura occidental. Indagó en materia de arte, literatura y música, ignorando la cultura artística tradicional y

Since she was young, Chiyomi has been fascinated with Western culture. She delved into art, literature and music and ignored the traditional and contemporary

hiyomi Longo nació el año 1937 en la Prefectura de Hyõgo, Japón.

Viviendo allí conoció a su novio de nacionalidad estadounidense, quien la deslumbró con su inteligencia y conocimientos en artes. Luego de casarse se marcharon a E.E.U.U, teniendo ella 20 años entró a estudiar Arte en Illinois, Normal e Illinois-Wesleyan en Bloomington, donde es introducida en la escena occidental contemporánea. También vivió un tiempo en Hawai, siendo integrante de un activo grupo de arte. En los ‘60s se trasladó a San Francisco para ingresar al Instituto de Arte SFAI, primero haciendo un Bachillerato en Bellas Artes y posteriormente un Máster.

hiyomi Longo was born in 1937 in the Hyõgo Prefecture in Japan. While living there, she met her American boyfriend, who blew her away with his intelligence and knowledge about art. After getting married, moved to United States. At the age of 20, Chiyomi enrolled to study art in Normal, Illinois and in Illinois Wesleyan University in Bloomington, where she is introduced to the Western contemporary art scene. She also lived in Hawaii for a while as a member of an active art group. In the ‘60s she moved to San Francisco in order to enroll in the San Francisco Art Institute, where she completed her undergrad in Fine Arts and afterwards got a Master’s.

Kaicho of Sumi #100, 2014, tĂŠcnica mixta en tela, 58.4 x 45.7 cm.

contemporánea del Japón. En ese entonces pensaba en ser escritora, cosa que cambió una vez viviendo en E.E.U.U, principalmente por la diferencia de idioma. Por lo tanto enfocó su energía hacia el arte visual, su segunda pasión.

artistic culture of Japan. At that time, she wanted to be a writer, but that changed once she started living in the US, mainly due to the difference in language.

Because of this, she focused her energy on visual art, her second passion.

Algunos de sus principales referentes del arte occidental, según comenta, son: “Anselm Kiefer, con su misterioso y natural uso de los materiales; Gerhardt Richter, sus colores vibrantes y el uso que da al espacio; Jackson Pollock, con su libertad de expresar y energía; Henri Matisse, con su espíritu libre y el movimiento; y los primeros trabajos de Paul Cezzane por su riqueza colórica y la profundidad de su obra, son solo algunos de los artistas que inspiran produnfamente. Cada uno de estos artistas viene de un lugar diferente y trabaja un estilo distinto, aun así cada uno me ha incentivado espiritual e intelectualmente”.

According to her, some of her main referents in Western art are: “Anselm Kiefer with his mysteriousness and use of natural materials; Gerhardt Richter and his vibrant colors and use of space; Jackson Pollock’s freedom of expression and energy; Henri Matisse with his free spirit and movement and the early works of Paul Cezanne and his richness of color and depth, are just a few of the artists whose works have moved me deeply. Each of these artists comes from a different background and work in a different style yet each has moved me spiritually and intellectually”.

No obstante, durante los años '60 surge en Chiyomi la inquietud por retomar su cultura original japonesa. Empezó así a estudiar el Chado –ceremonia del té japonés–, lo que potenció su entendimiento y cercanía hacia los valores y tradiciones de su país natal. Mientras estudiaba en el Instituto de Arte de San Francisco, inició la búsqueda por incluir de alguna forma ambas culturas en su cuerpo de obra, ya totalmente enraizado en las técnicas occidentales americanas. “Sin embargo, luego de vivir en Estados Unidos por mucho tiempo, comencé a mirar el arte nativo y la cultura de mi origen de una forma diferente, y comencé a incorporarlo en mis experiencias de vida en América.

Naturalmente, sin tratar o pensar al respecto, mi cultura original comenzó a penetrar en mi vida y, por supuesto, en mi pintura”.

Nonetheless, during the ‘60s, a concern to get back in touch with her original Japanese culture emerged. She started to study chado –the Japanese tea ceremony–, which strengthened her understanding and closeness with the values and traditions of her native country. While studying at the Art Institute of San Francisco, she started a search to somehow include both cultures in her body of work, which was already completely deeply rooted in American Western techniques. “However, after living in the United States for such a long time, I began to look at my native arts and culture in a different light and began to incorporate them into my life experiences in America. Naturally, without trying or thinking about it, my native culture began to penetrate into my life and, of course, into my painting”.

La metodología de trabajo: cruces entre oriente y occidente

Work Methodology: A Cross between Eastern and Western

La obra de Chiyomi Longo es interesante, en cuanto logra fusionar la sutileza y sensibilidad oriental del Sumi con la abstracción y mancha de occidente, propias del Informalismo y Expresionismo abstracto. Al respecto, su obra tiene tanto de azar como de control o bien de espontaneidad como rigor, pues hay una intención y cuidado en sus trazos más allá de arrojar energía y pigmentos.

Chiyomi Longo’s work is interesting in terms of managing to merge the subtlety and Eastern awareness of Sumi-e with abstraction and smears of paint from the West which are typical in informalism and abstract expressionism. Regarding this, her work is both random and controlled or perhaps spontaneous and exact, since there is intent and care in her brushstrokes that go beyond spewing out energy and pigments.

Por un lado tenemos la influencia de la técnica Sumi-e, aplicada en la caligrafía y pintura japonesa, cuya base se encuentra en la filosofía Zen. Ésta apela a una atención profunda ante el cuerpo, entendiéndolo como una proyección de la mente hacia el pincel. Existe una delicada fuerza en cada pincelada, expresando pintura pero a la vez un estado emocional. Por lo mismo, es una ejecución que va desde el interior al exterior. Este arte

On one hand, we can see the influence from the Sumi-e technique, which is applied in calligraphy and Japanese painting and that is based on Zen philosophy. This appeals to a profound attentiveness before the body, which is understood as a mental projection towards the brush. There is a delicate force in each brushstroke that depicts both a painting and an emotional state. Because of this, it is a process that flows from within.

Kaicho of Sumi #101, 2014, tĂŠcnica mixta en tela, 58.4 x 45.7 cm.

tradicional funciona mediante la aplicación directa, sin corrección, por ende debe hacerse bajo la máxima concentración y conciencia corporal, mental y anímica, generando como consecuencia una ralentización del tiempo y movimiento.

This traditional art functions through direct application. There are no corrections and therefore, her work must be made under full concentration and physical, mental and emotional awareness, thus resulting in a slowing down of time and movement.

A pesar de que las temáticas del Sumi son por lo general animales, flores y bambú, en cuya representación se intenta traspasar su energía o identidad, en el caso de Chiyomi no presenciamos aquel naturalismo, sino que más bien busca mantener la conexión con la naturaleza que implica la técnica, a través de su simpleza y fluidez visual. Señala al respecto: “Nací en Japón, cerca de lo natural y sus cualidades siempre cambiantes, y hasta el día de hoy mantengo un contacto muy cercano y personal con mi entorno natural. Mis observaciones de la naturaleza no son meramente visuales o casuales, sino una profunda experiencia sentimental sobre la vida y la muerte de todas las cosas naturales (…)

Esta experiencia se manifiesta a sí misma en mi trabajo, no como una copia detallada de la naturaleza, sino como una respuesta a su espíritu”, explica la artista.

Although Sumi-e subject matter usually consists of animals, flowers and bamboo, whose depictions try to convey their energy or identity, in Chiyomi’s case we don’t see that naturalism, rather, her work seeks to maintain the connection with the nature that the technique implies with its simplicity and visual fluidity. “I was born in the country in Japan, close to nature and its ever-changing qualities and to this day I maintain a very close and personal touch with my natural surroundings. My observations of nature are not merely a visual or casual glimpse but rather a deep soulful experience of the life and death of all natural things (…) This experience manifests itself in my work not as a detailed copy of nature but of my response to the spirit therein”, said the artist.

Por otro lado, apreciamos la soltura y abstracción occidental, donde se abandona el realismo para ser reemplazado por manchas, chorreos y materia.

La obra de Longo, si bien presenta un trabajo de abstracción por capas, no incluye aquel exceso matérico, visible en algunas obras informalistas o expresionistas abstractas. Tampoco colores fuertes ni gestos grotescos. De hecho, tiende a utilizar colores pálidos y blanquecinos que combina con la tinta negra del Sumi, la cual se esparce entre los planos.

On the other hand, we can see looseness and Western abstraction, where realism is abandoned to be replaced by smudges, drips and material.

Although Longo’s work is a layered abstraction, it doesn’t include that material excess that is visible in some informalist or abstract expressionist pieces. It also doesn’t include strong colors or grotesque gestures. In fact, she tends to use pale and whitish colors that combine with the black Sumi-e ink, which she spreads among the canvases.

Una de sus técnicas es untar toallas de papel en la tinta, tenderlas sobre pedazos de diario o revistas, para luego pegar estas últimas sobre telas e intervenirlas con diferentes materiales, como por ejemplo acrílico, óleo, gesso o carbón, y así unificarlo visualmente. El resultado es un collage de texturas y pigmentos, en donde se funden y transparentan las capas de un modo muy orgánico, sutil e incluso volátil, mas siempre reflejando su espíritu interior.

“Además no soy religiosa, estoy bien familiarizada tanto con el budismo y taoísmo. Por muchos años estudié chado, el que incorpora principios de ambos y creo que mi trabajo refleja su espíritu. Los profesionales del chado creen que todo el universo está representado en el ritual del té y que a través de su práctica se puede encontrar la paz. Aunque no estoy consciente de ello, mi espíritu interior, se ha moldeado por mi filosofía, practicas y experiencias del chado, se manifiesta con cada golpe o adición a mi trabajo –y finaliza– Cada trabajo realizado, no es un final, sino el comienzo de otra idea, otra búsqueda de una esencia ilusoria de la vida”.

One of her techniques is to spread paper towels in ink and hang them on strips of newspaper or magazine, to later glue them onto the canvas and intervene with different materials such as acrylic, oil, gesso or charcoal. By doing that, she brings the piece together visually. The result is a collage of textures and pigments where layers are fused together and are reveled in a very organic, subtle and even volatile way, while always reflecting her inner spirit. “Although I am not religious I am well acquainted with both Buddhism and Taoism. For many years I studied chado, which incorporates the tenets of both and I believe my work reflects their spirit. The practitioners of chado believe that the whole universe is represented in the tea ritual and that through its practice true peace can be found. Although I am not consciously aware of it, my inner spirit, which has been shaped by my philosophy, practice of chado and experiences, manifests itself with each stroke or addition to my work.” Para terminar, agrega: “Each completed work is not an ending but rather the beginning of another idea, another search for an illusive essence of life”.

Kaicho of Sumi #105, 2014, tĂŠcnica mixta en tela, 121.9 x 91.4 cm.

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Perú | Peru Artista Multidisciplinar | Multidisciplinary Artist

Eduardo Villanes Entre la hidalguía y el reclamo Between nobility and complaints Entre la libertad, la realidad, las formas y los mensajes, la obra de Villanes es un ataque a lo real, a lo crudo de nuestra sociedad; un llamado de atención a los sucesos que pasan desapercibidos.

Among freedom, reality, forms, and messages, Villanes’ work is an attack to reality to the crudeness of our society; it’s a wakeup call to the events that go unnoticed.

Por Daleysi Moya. Curadora y Crítica de Arte (Cuba).

Imágenes cortesía del artista.

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Cuando aventurara mis primeros acercamientos al quehacer de Villanes la suerte, o alguna Moira traviesa, pondría en mis manos la entrevista que le realizara la plataforma Lima Gris a propósito de un acto de censura realizado por la Fundación Telefónica a uno de sus proyectos expositivos. Las palabras de Villanes para la revista me resultaron de una sinceridad y coherencia tal, que no he podido repasar su trabajo sin asomarme al hombre que le antecede.

When first approaching Villanes’ work, luck, or some kind of mischievous Moira, brought me to his interview with Lima Gris concerning an act of censorship carried out by the Telefónica Foundation against one of his exhibition projects. I found Villanes’ words in the magazine so sincere and consistent, that I haven’t been able to glance at his work without taking a look at the man behind the artist. That nobility of the committed artist,

l discurso de la libertad es tan poderoso en las sociedades contemporáneas que nadie se atreve a ponerlo en crisis. Más aun tratándose del arte. Sin embargo, se vuelve un imperativo semblantear el asunto y desmontar, de una vez, el relato ambiguo y movedizo de la libertad creativa ¿Puede realmente el arte ser autónomo, independiente de la política, del condicionamiento ético, de la arena social? ¿Es factible seguir manejando la idea lineal de una historiografía estética avocada a la independencia absoluta? La respuestas, claro está, son bien complejas. Ellas requerirían de un ensayo enorme, un análisis exhaustivo de los procesos creativos a lo largo de la historia humana, demandarían la revisión de la narrativa sobre la que edificamos nuestro sistema de pensamiento. Me bastará en esta ocasión, no obstante, con decir que hay artistas que se mantienen orbitando alrededor de esa otra realidad que acontece fuera del arte. El aquí y el ahora. Autores para los cuales las esclusas carecen de sentido porque todo, al final, es parte del proceso omnímodo de la existencia del hombre. Uno de esos artistas es el peruano Eduardo Villanes (Lima, 1967).

he discourse on freedom is so powerful in contemporary societies that no one dares to question it. This is even more when it comes to art. However, it has become imperative to scrutinize the issue and, all at once, dismantle the ambiguous and fickle tale of creative freedom. Could art really be autonomous, separated from politics, ethnic conditioning, of the social arena? Is it feasible to keep working with the linear idea of an aesthetic historiography doomed to absolute independence? It is clear that the answers are rather complex. They would require huge tests and a thorough analysis of creative processes throughout human history. They would require the revision of the narrative on which we build our system of thought. It would be enough for me to say, nonetheless, there are artists who are still orbiting around that other reality that occurs outside of art. The here and now. Artists for whom gates lack meaning since everything, in the end, are part of the all-embracing process of human existence. One of those artists is the Peruvian, Eduardo Villanes (Lima, 1967).

Eduardo Villanes ejecutando el grafiti “Maíces Negros” en el edificio Limatambo, cuando estaba en proceso de demolición. Lima, 27 de octubre del 2013. Fotografía: Iván Vildoso, derechos cedidos a Eduardo Villanes. Fotografía: Iván Vildoso.

Esa hidalguía del artista comprometido, que muchos consideran pasada de moda, terminaría siendo sobrecogedora. El inmovilismo dentro de la esfera cultural, atizado por otras tendencias estéticas que miran hacia la sala exhibitiva como el parnaso moderno, no deja de dar pena, sobre todo si nos paramos frente a figuras de la talla de este artista peruano.

which many consider out of fashion, would end up being daunting. The stagnation within the cultural circle, roused by other aesthetic trends that look at exhibition rooms as a modern day Parnassus, never ceases to inspire pity, even more so if stand in front of figures like this Peruvian artist.

Así supe que Villanes desarrollaría durante la década de los 90’ una labor artística de filiación activista –hoy en día a esta comunión se le denomina artivismo, y se demarca del “arte político”, esencialmente, por tomar el espacio de la ciudad como terreno natural de la praxis artística y por su involucramiento enérgico en los reclamos sociopolíticos de la ciudadanía. Las principales series realizadas por aquellos años terribles de dictadura fujimorista fueron Gloria Evaporada y Kerosene, ambas referidas a las múltiples desapariciones por motivos políticos acontecidos en el país. El quehacer de este período estuvo marcado por la persecución y la clandestinidad, las carencias, la censura, el dolor. Estuvo atravesado, asimismo, por la voluntad de denuncia, el arrojo y la firmeza. Este sería el inicio del camino de Eduardo, un camino que ha continuado su curso con paso seguro y tremendamente coherente.

That is how I found out that Villanes created activist related artwork during the ‘90s –today this is called artivism, and essentially, stands out from “political art” by using spaces in the city as the natural grounds of artistic practice and also due to its energetic involvement in the sociopolitical tactics of civil responsibility. The main series made during those terrible years of the Fujimorista dictatorship were Gloria Evaporada and Kerosene. Both pieces referred to the multiple disappearances due to political motives that happened in the country. Work from this period was marked by persecution and secrecy, shortages, censorship and pain. Likewise, it was riddled with the willingness to complain, courage and conviction. This would be the beginning of Eduardo’s path, a path that he has steadily and consistently followed.

La producción más reciente de Villanes mantiene la sintonía con su quehacer iniciático. Su obra entera se articula como una línea ininterrumpida de más de veinte años de vida. Es llamativo que, tratándose de un artista interesado en problemáticas sociales y políticas de una algidez mayúscula, su quehacer se canalice de modo multidireccional en lo que a géneros refiere. En efecto, trabaja el intervencionismo, la performance, el arte de acción, pero también la pintura, la fotografía y el video. Hay en ese gesto una reafirmación de su apuesta por el arte como plataforma de denuncia y disensión. El arte como mecanismo efectivo para el cambio.

Villanes’ most recent work upholds the theme of his work from when he started. His entire body of work has been constructed as a continuous line for more than 20 years. It is noteworthy that, as an artist interested in social problems and enormously cathartic politics, his work branches out in several directions as far as genres go. In effect, he works with interventionism, performance, action art, as well as painting, photography and video. Existing within that expression there is a reaffirmation of his commitment to the arts as a platform to inform and disagree. He uses art as an effective mechanism for change.

Entre sus trabajos más recientes se encuentra Razor Wire, una serie que se traslada al universo de la obsesión humana por los límites y exclusiones. Esta propuesta parte de una experiencia personal del artista a su regreso a Perú en el año 2011, cuando intentó reencontrase con el mar Pacífico desde La Costa Verde: “Para mi sorpresa descubrí que en el distrito de Barranco, una sección estaba cercenada por una alambrada razor wire. A primera impresión semejaba un parapeto, a su alrededor las características plantas trepadoras de flores lila habían muerto. Se construía ahí un exclusivo edificio ‘con vista al mar’, parte del ‘boom de la construcción’, y consecuente pérdida de espacios públicos, que ocurre actualmente en Lima”, señala el artista.

Among his most recent pieces, we find Razor Wire, a series that explores the universe of mankind’s obsession with limits and exclusion. That proposal began as one of the artist’s personal experiences when he returned to Peru in 2011 and tried to reunite himself with the Pacific Ocean from Costa Verde: “To my surprise, I discovered that in the Barranco district, there was a section cut off by razor wire. My first impression was that it looked like a parapet surrounded by typical climbing plants like lilac which had died. An exclusive building ‘with an ocean view’ was built there. It was part of the ‘construction boom’ and the resulting loss of public spaces, currently taking place in Lima,” says the artist.

El cambio radical en el paisaje, otrora abierto y diáfano, y ahora agreste, restrictivo y excluyente, le llevó a reparar en el razor wire como divisa física de las barreras contemporáneas. Baste decir que esta modalidad de alambre de púas fue diseñada de modo exclusivo para impedir el paso humano de un espacio a otro. Por ello se ubica en las áreas fronterizas y las prisiones. Partiendo de este elemento de naturaleza agresiva, metáfora de los límites que se ensanchan entre los hombres de nuestro tiempo, Eduardo decidió convertir el alambre en maíz, cultivo autóctono de la región americana. Así, a través del trabajo escultórico, aquello que es causa de muerte y amputación, hubo de tornarse en alimento y vida. Una vez más el peso de la obra se ubicaría en el gesto. La pieza final será sólo una parte del proceso, lo fundamental, no obstante, será la carga discursiva de la acción.

The profound change in the landscape, which was once open and clear but is now rural, restrictive and exclusive, led him to see the razor wire as a physical emblem for contemporary barriers. It suffices to say that that kind of barbed wire was exclusively designed to prevent people from going from one space to another and, it is placed on border areas and prisons. Based on this aggressive element, which is a metaphor for the expanding barriers between people of our time, Eduardo decided to convert the wire to corn, an indigenous crop in the Americas. Thus, through sculpture, that which is the cause of death and amputation was turned into food and life. Once more, the weight of the piece would be located in the gesture. The final piece will only be a part of the process, what is the essential. However, it will be the discursive charge of the action.

Eduardo Villanes ejecutando el grafiti B-Agua en un quiosco en la Carretera Central. Lima, 3 de agosto del 2013. Fotogramas de video. Cรกmara: Luis Ramos, derechos cedidos a Eduardo Villanes.

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Chile | Chile Pintura | Painting

Loreto Carmona Revisiones de un pasado latente A look into a latent past El relato histórico de Chile y Latinoamérica se forja a partir del Descubrimiento y Conquista europea; hecho que, sin duda, nos ha definido como sociedad y cultura, trascendiendo los siglos y marcando nuestra identidad desde el mestizaje. Estos tópicos son revisados y cuestionados por la artista chilena Loreto Carmona, principalmente a través de la pintura y la técnica mixta.

The history of Chile and Latin America is formed based on the Discovery and European Conquest; Indeed, there is no doubt, that this has defined us as a society and culture, transcending centuries and defining our identity through miscegenation. These issues are looked into and questioned by the Chilean artist, Loreto Carmona, mainly through painting and mixed technique.

Por Constanza Navarrete. Lic. en Arte y Estética (Chile).

Imágenes cortesía de la artista.

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Estos temas, Carmona los ha tomado desde distintos puntos de vista, analizando diferentes objetos y por medio de variadas técnicas. Por ejemplo, en la serie Réplica podemos ver pinturas de acrílico sobre tela, en donde se toman como íconos imágenes del Rey Felipe IV de España y su pequeño hijo, pintados por el célebre pintor barroco Diego Velázquez –pintor oficial de la corte española. Estas imágenes son pintadas de forma duplicada simétricamente, creando un efecto espejo que nos habla, por un lado, de nuestra colonización e influencia española, y por otro lado del concepto fallido de réplica o imitación hacia los colonos; aspecto evidenciado sobre todo en aquellos cuadros en que los objetos pintados a un lado no son exactamente iguales a los opuestos.

Carmona has approached these issues from different points of view, analyzing different objects and using assorted techniques. For example, in the Réplica series, we can see acrylic on canvas paintings, where images of King Phillip IV of Spain and his young son, painted by the famous Baroque painter Diego Velázquez (the official painter of the Spanish court), are used as icons. These images are symmetrically duplicated, creating a mirrored effect that speaks to us, on one hand, about our colonization and Spanish influence, and on the other hand, the failed concept of replicating or imitating the colonists; this aspect is especially shown in the paintings where the objects painted on one side aren’t exactly the same as the objects on the opposite side.

a inquietud frente al pasado es uno de los elementos transversales en la obra de Loreto Carmona. Su investigación gira en torno a nuestra construcción identitaria local (tanto de Chile como de América Latina), a los estereotipos, íconos, creencias y costumbres que nos han conformado –en primera instancia de manera impuesta, y con los siglos ya de forma más adaptada. Su interés parte de muy niña, señala, “cuando me cuestionaba la idea de Chile como un país formado, casi en su mayoría, por grupos que llegaron en algún tiempo desde lugares ajenos. Me interesaba relacionar los acontecimientos históricos de Europa con las repercusiones que generaban en este continente, desde el descubrimiento y conquista en adelante. Para mí, el punto inicial de la era de la globalización. El mestizaje, la evangelización a través del arte, el sometimiento ideológico, etcétera”.

Por otra parte, las series Conducta de la fascinación, Composición frontal y Circunstancias Acéfalas, fueron realizadas durante el año 2014-2015, tomando como base objetos sacados de la historia del arte así como de las artes decorativas, según cuenta la artista: “característicos de una época que mostraba

oreto Carmona’s concern towards the past is one of the key elements throughout her work. Her research spin around our local identity construction (both Chilean and Latin American), stereotypes, icons, beliefs and customs which form us –at first in an imposed way, and centuries later, now in a more adapted way. Her interest started at a young age, “when I used to question the idea of Chile as a country mainly made up of groups that arrived at some point in time from faraway places,” she says. “I was interested in connecting the historical events of Europe to the repercussions that were created on this continent from the discovery and conquest and from now on.

For me, the starting point was globalization; miscegenation, evangelization through art, ideological subjugation, etcetera,” she adds.

Moreover, the Conducta de la fascinación, Composición frontal and Circunstancias Acéfalas series were made during 2014-2015, building upon objects taken from art history such as the decorative arts. Regarding this, the artist states, “characteristics from a time that displayed a strong tendency held in Chile and the rest of Latin America to imitate European

De la serie Adoctrinados, 2015, acr铆lico, hilo dorado y hoja de libro sobre papel, 20 x 26 cm.

Bouquet Hist贸rico, 2015, collage digital, 49 x 69 cm.

formatos sociales europeos, siglo XIX aproximadamente”. Para llevar a cabo el proceso de creación pictórica, Carmona investiga primero ciertos conceptos relevantes que serán abordados en su obra, para derivar en elementos claves en la construcción de la imagen. Luego, registra objetos que encuentra en diversos lugares, o bien sacados de la web. Después de eso vendría una etapa de postproducción digital, siendo finalmente traspasados a la tela. Es por eso que sus pinturas tienen un tratamiento visual tan fotográfico: en monocromo y con una diferenciación tonal bien delimitada por planos, de un modo casi gráfico. Esa manera de pintar, en general poco convencional, la podremos ver como un sello propio en todas sus pinturas.

looks into certain important concepts that will be addressed in her work in order to give rise to key elements in the construction of the image.

Later, she chooses objects that she finds in different places or gets off the internet. After this, there is a digital post-production stage, and then they are finally transferred to the canvas. Because of this, her paintings have a very photographic visual quality: monochromatic with a tonal difference well defined by planes in an almost graphic way. We can view this, generally unconventional, way of painting as her own signature style in all of her paintings.

Tanto en ésas series previas como en las últimas del 2015, creadas en técnica mixta (entre ellas Adoctrinados e Intervene/interrupt), se percibe un rescate de archivo, tomando imágenes de pinturas u objetos de siglos pasados como referencia de creación o intervención, en los últimos casos. Sus obras actuales tienen la particularidad de utilizar imágenes no para ser representadas –y por tanto reinterpretadas– a través de la pintura con acrílico, sino que son impresas e intervenidas directamente con diferentes materiales como hilo de oro, plumón negro, lápiz, Scotch y chinches, por mencionar algunos. Lo interesante de trabajar con las impresiones o páginas de libros es que aparece la información del autor de la obra, fecha y a veces también descripción o contexto histórico, lo cual brinda mayor referencialidad y comprensión sobre la imagen. Loreto comenta al respecto que, “es en parte la misma línea [de las obras anteriores] pero enfocada desde otros materiales que hace tiempo quería experimentar, porque necesitaba basarme en elementos más de archivo y que pudieran ser más reconocibles por otros. La pintura como única técnica, en este caso, me alejaba del diálogo que intento generar en composiciones donde ahora participa más de un factor”.

In her previous series, as well as her latest series from 2015, which were created using mixed technique (such as Adoctrinados and Intervene/interrupt), we can see a reutilization of archival images, where she takes images of paintings or objects from past centuries as a reference to creation or intervention, in the latest series. Her current work doesn’t use acrylic paint to depict –and therefore reinterpret– images. Instead, the images are printed and directly modified with different materials such as golden thread, black marker, pencil, adhesive tape and push pins, just to mention a few. What it interesting about working with printed material or pages from books is that information about the author of the work, date and sometimes a description or historical context appears, which grants us better referentiality and understanding of the image. In regards to this, Loreto comments that, “in part, it is the same line [as previous pieces], but focused on other materials that I had wanted to try out, since I needed to base my work on more archival elements and elements that could be easily recognized by others. In this case, by only using paint, I get away from the dialogue that I try to create in compositions where more than one factor now participates.”

En ese sentido, la mirada y cita hacia la historia del arte –y objetos decorativos– es otra constante en la obra de la artista chilena, en parte para poder dar cuenta de aquel pasado colonial que nos continúa repercutiendo de diferentes modos a nivel sociocultural, pero que nos hemos apropiado y tergiversado con las generaciones. Explica: “tengo referentes [de artistas], especialmente ahora que estoy investigando sobre la relevancia del arte como forma de evangelización y conversión de la población local, y cómo se fue estructurando un ‘gusto pictórico’ en Chile. Por esto miro mucho el barroco español, la pintura flamenca, tenebristas, etc”.

In this sense, the stance and references towards art history –and decorative objects– is another reoccurring theme in the work of this Chilean artist. Partly, this is to be able to account for that colonial past which continues to have an effect on us in different sociocultural ways, but that we have appropriated and distorted over generations. She explains, “I have [artistic] references, especially now that I am looking into the relevance of art as a way to evangelize and convert the local population, and how it gradually puts together a ‘pictorial taste’ in Chile. Because of this, I look at a lot of Spanish baroque art, Flemish paintings, tenebrist paintings, etc.”

Personalmente, me parece muy interesante la obra de Loreto Carmona por intentar retomar y desmembrar un origen cultural que, por evidente que parezca, nos determina y lo ha hecho por cientos de años; una historia que se traduce en visualidades, objetos, obras y también en prácticas. Esa pregunta por la construcción de lo “local” es algo que cada vez se difumina más, acaso porque pocos se interesan o quizás porque ya casi nada haya de local en la cultura posmoderna. Si bien el mestizaje ocurrió en el siglo XV, aún hoy se genera y de forma más diversificada con la globalización y comunicaciones.

Tal como afirma Loreto: “hoy en día, con una generación de artistas jóvenes que cada vez se ve más distante del pasado reciente y que está pendiente de lo que pasa afuera, yo diría que se está dando un arte más amplio tanto en técnicas como discursos”.

Personally, I find Loreto Carmona’s work very interesting since it attempts to return to and dismember a cultural background which, no matter how obvious it seems, it defines us and it has done for many years; it is a history that translates into visual pieces, objects, works of art and also practices. That question regarding the construction of what is “local” is something that is increasingly harder to distinguish since, perhaps, few people are interested or maybe because there is hardly anything local in postmodern culture. Although miscegenation happened in the 15th century, it still happens today in a more diversified way thanks to globalization and communications. As Loreto states: “Today, with a generation of young artists which seems increasingly more distant from the recent past and that is aware of what’s happening outside, I would say that art is broader in both terms of technique and discourses.”

De la serie Adoctrinados, 2015, acr铆lico, hilo dorado y hoja de libro sobre papel, 20 x 26 cm.

Bouquet Hist贸rico, 2015, collage digital, 49 x 69 cm.

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Argentina | Argentina Artista Multidisciplinar | Multidisciplinary Artist

Marisa Caichiolo La piel, territorio de descubrimientos Skin: A Land of Discovery Desde la institución hasta la obra, Marisa Caichiolo sorprende tanto en persona como en su capacidad creativa, a través del uso del cuerpo, de la piel, de la fotografía, del vestuario, entre otras múltiples formas de expresar.

From the beginning to end, Marisa Caichiolo is as surprising as her creative capacity using human body, skin, photography, and clothing, amongst other multiple means of expression.

Daniel G. Alfonso. Teórico del arte (Cuba).

Imágenes cortesía de la artista.

Artista del programa internacional de Building Bridges Art Foundation.

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u trabajo visual ha transitado y visitado diversas inquietudes, sin embargo, en la actualidad, su obra está enfocada al trabajo e investigación de la piel como metáfora que le posibilita crear un discurso poético sobre las complejidades y los diferentes problemas de la identidad; todo a través de una exploración minuciosa de las diversas manifestaciones artísticas de las que se vale la autora para expresarse. La piel es parte del cuerpo, a todos nos pertenece no obstante son diferentes; cada piel tiene su historia, su pasado, presente y futuro. Penetrar la epidermis y ver más allá, no es tarea fácil, las interpretaciones y sus connotaciones son muy variables. Caichiolo aprecia este órgano como envoltura, como un mapa cartográfico que separa nuestro mundo interior y el exterior.

Luego de haber realizado la restauración de la Catedral Santa Vibiana ubicada en el centro de Los Ángeles, la artista encontró y sintió fuertes conexiones con la espiritualidad del entorno en el que se encontraba inserta. Entonces inició su interés por trabajar una temática muy compleja y cargada de misticismo,

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er visual work has travelled through a variety of concerns; however, it is currently focused on working and investigating the skin as a metaphor that allows her to create a poetical speech about the different problems and complexities related to identity. All this through a thorough exploration of the different artistic forms the author uses to express herself.

Skin is a part of the body; it is a part of all of us even though it differs from one person to another. Every skin has its own story, past, present, and future. Penetrating the epidermis and looking beyond is not an easy task: its interpretations and undertones are very fluctuating. Caichiolo appreciates this organ as a wrapper, as a map that separates our inner and outer worlds.

After restoring the Santa Vibiana Cathedral in center Los Angeles, the artist felt and found strong connections with the spirituality of her surroundings.

She became interested in working on a very complex and mystical theme, expressed in the creation of dresses that work as an allegory to garments

De la serie Underneath the Skin, Emptiness, “Residency Ifitry l”, 2015, fotografía en aluminio, 50.8 x 40.6 cm.

De la serie Underneath the Skin, Emptiness, “Residency Ifitry ll” , 2015, fotografía en aluminio, 50.8 x 40.6 cm.

todo vinculado a la creación de vestidos que funcionan como alegorías al atuendo que nos cubre y nos protege (semejante a la función de la piel). Así, nace la instalación Vestidos Sagrados (2006-2008), título de una serie de obras que consisten en siete grandes lienzos que hacen al receptor pensar y reflexionar sobre las diferentes creencias y prácticas religiosas. En cada vestido encontramos representaciones figurativas y abstractas que narran una historia relacionada con la cosmogonía de cada religión –desde su surgimiento– y la influencia que tienen en el contexto actual; texturas, colores y tonalidades nos posibilita la lectura de la pieza, las que actúan como puertas que trasladan al paraíso y que logran comunicarnos con nuestros más íntimos deseos.

that cover and protect us (similar to the skins´ function). This way, the Sacred dresses (2006-2011) installation was born: a title to a series of works that consist on seven large canvases that make the spectator wonder and reflect about different beliefs and religious practices. In every dress we find figurative and abstract representations that tell a story about the emergence of religious cosmogonies and the way they have influenced our current social context. Textures, tones, and colors allow the reading of each piece, and work as gateways that transfer us to heaven and communicate us with our deepest wishes.

Durante nuestra conversación, la duodécima Bienal de La Habana, me llamó poderosamente la atención, las nuevas instalaciones y videos que realizó para las muestras Realidades paralelas y Bajo la piel, el vacío, presentadas en la Bienal de Qingdao (China) y en la Fundación de Arte Contemporáneo HEART (Italia), respectivamente. En la región asiática exhibió el video del mismo nombre en el que se aprecia a una mujer latina (Rachel Robles) que se coloca y retira el vestido (burka) utilizado en las culturas del medio oriente, atavío que a su vez se convierte en un ícono que comienza a reiterarse en su producción. En lo audiovisual, el público familiarizado con las costum-

During our conversation on the 12th. Art Biennial of La Habana, my attention was powerfully drawn to the new videos and installations that she made for the Realidades Paralelas and Underneath the skin, EMPTINESS exhibitions shown on the Qingdao Art Biennial (China) and the HEART Contemporary Art Foundation (Italy). On the Asian region she displayed a video, with the same name, were a Latin woman (Rachel Robles) puts on and takes off a burka (dress) used by Middle-East cultures, an attire that becomes an icon that she will repeat, from now on, on her production. The audiences acquainted with Arabic costumes can visually perceive the issue Marisa Caichiolo points out.

De la serie Underneath the Skin, Emptiness, “Residency Ifitry lll”, 2015, fotografía en aluminio, 50.8 x 40.6 cm.

bres árabes, puede percatarse de la problemática que trae a colación Marisa Caichiolo. Sutilmente, la creadora, nos traslada a la compleja condición que sufren los emigrantes para poder encajar en una cultura que no les pertenece; un aspecto que experimentó de cerca cuando llegó a un país, Estados Unidos, con hábitos y prácticas muy diferentes a la suya propia, comenta la artista. El vestido, piel que nos cubre, se convierte en un símbolo o huella que es imposible borrar, es una marca que nos acompaña por nuestro viaje en el universo. Esto se evidencia en la obra in situ que ejecutó en las playas de Qingdao, en la que dos largos vestidos –uno negro, alegoría de la mujer, y otro blanco, metáfora del hombre– eran trasladados por todo el espacio por las corrientes creadas por las olas. El mar nos separa y nos une, es una barrera invisible entre los diferentes sistemas de creencias.

She subtly transports us to the complex situation that migrants experience trying to fit in a culture that does not belong to them; a position she closely experimented when she arrived to the United States,” a country with habits and practices very different from her own”, the artist comments. Apparel, skin that covers us, becomes a symbol or footprint which is hard to erase, it is a mark that accompanies us in our trip through the universe. This is evidenced through the in situ work she carried out on the beaches of Qingdao, in which two large dresses- a black one, symbolizing women and a white one, symbolizing men- were shifted by wave currents through the whole space. The sea separates and unites us; it is an invisible barrier between the different systems of belief.

De un modo muy similar, Marisa sigue explorando e indagando en su propio territorio y amplía su serie Bajo la misma piel, el vacio con nuevas producciones que hacen que nuestro pensamiento se active. Su más reciente pieza, catalogada por la propia autora como performance-instalación, fue realizada durante su estancia en la residencia Ifitry, Marruecos. De un modo muy inteligente y acertado, trabaja con una modelo local (SanaeArraqas) que le posibilita dialogar con el contexto en el que se encuentra y a su vez hacer

Marisa keeps inquiring and exploring her own territory in a very similar way, and broadens her series Bajo la Piel, el Vacio with new creations that stimulate our thinking. Her most recent piece, classified as a performanceinstallation by the artist, was executed during her stay at the Ifitry residence in Morocco. She works with a local model (SanaeArragas) in a both accurate and intelligent way that allows her to dialogue with her context and nod at the rest of the world. Black and white are once again present on the symbolic

De la serie Underneath the Skin, Emptiness, “Residency Ifitry lV”, 2015, fotografía en aluminio, 50.8 x 40.6 cm.

“señas” de carácter universal. Blanco y negro vuelven a estar presentes en un mundo simbólico que construye Marisa Caichiolo con cada producción, escribe Dermis León. La solución, elegante y sobria, versa sobre una mujer que porta un vestido largo que cumple la función de piel, coraza y defensa; desplazada lentamente nada en las aguas de una piscina, alegoría del mar que nos une y nos convierte en iguales. Su vacío nos inquieta, sus mensajes generan más preguntas que respuestas. De eso se trata su obra y el arte contemporáneo, tener dudas, reflexionar y acercarnos a cada objeto o acción artística que ejecuta.

world that Marisa Caichiolo builds with every work, Dermis León describes.

The elegant and sober result consists on a woman that is wearing a long dress that works as skin, shield and defense; she is slowly hovered through the waters of a swimming pool, a metaphor of the sea that unites us and makes us equal. Her emptiness disturbs us; her messages produce more questions than answers. That is what her work and contemporary art are about: having doubts, reflecting on and approaching every object or artistic action.

Marisa Caichiolo, con su producción toda, logra contagiarte hasta el más mínimo detalle. Su pensamiento filosófico, estético, religioso y artístico le ha permitido crear piezas de un simbolismo místico que lleva en su interior vibraciones energéticas únicas que facilitan establecer emociones diversas frente a cada una de sus obras. Desde su colaboración como diseñadora en los animados Rugrats “Go Wild Movie” y The Wild Thornberrys Movies hasta su más reciente video No more blood in your clothes que habla de los abusos que se acometen en las industrias textiles, Marisa ha trascendido a la historia del arte como una mujer capaz de vincular fenómenos universales a partir de imágenes extraídas de su subconsciente combinadas con sus diversas técnicas y estilos.

Marisa Caichiolo´s complete production manages to transmit even the smallest detail. Her philosophical, aesthetical, religious and artistic thinking have allowed her to create pieces full of mystical symbolism that contain a unique energetic vibration that allows the audience to experience different emotions with every piece. From her collaboration as a designer in “The Rugrats go Wild”and “The Wild Thornberrys” movies to her most recent video No more blood in your clothes that points out the abuse committed by the textile industry, Marisa has transcended art history as a woman who is able to link universal phenomena through images taken from her subconscious mind combining them with her different styles and techniques.

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Perú | Peru Artista Multidisciplinar | Multidisciplinary Artist

Augusta Barreda Jardines mágicos Magical Gardens Al teléfono resuenan voces con acento peruano, en una casa que se adivina inmensa. Augusta Barreda, grabadora y escultora, se alista para entrar a su taller en Lima, ubicado en su propia casa.

Pero antes concede esta entrevista.

Over the phone, voices with Peruvian accents echo throughout a house that seems huge. Augusta Barreda, engraver and sculptor, gets ready to enter in her studio in Lima, which is located in her own home, but first she grants us this interview.

Por Elisa Montesinos. Periodista (Chile).

Imágenes cortesía de la artista.

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o siempre acostumbraba a tener mis talleres fuera”, relata la fundadora y maestra de grabado en El Taller, en el cual se formaron varios artistas gráficos del Perú bajo su tutela en la década de los 80’. Posteriormente viajó a especializarse a Nueva York y vivió 15 años en Venezuela. Al volver a Lima en el 2001 encontró su actual vivienda frente al mar, en San Isidro. “Y me dije, hay que tener todo en un mismo sitio. Me ha tomado 15 años unir todo en un mismo edificio”. Con eso se refiere a su obra individual, su vida personal y su parte más social y colectiva.

En el primer piso está la Fundación Centro Cultural El Taller, “más que nada para ayudar a los artistas –explica–; tenemos un gobierno nada participativo, y creo que las entidades privadas y las personas que estamos involucradas con el arte tenemos una responsabilidad. Hay colegas que están enfermos, deprimidos o solos. Es una cosa bien delicada por lo sensibles que son, más el hecho de no tener plata”, al respecto la fundación los ayuda con lo que han denominado “canastas culturales”, víveres y materiales. En el segundo piso está su casa y en el tercero su taller. Subiendo al cuarto piso se encuentra la compañía Full Art Perú, cuyo objetivo es difundir el

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was always used to have my studios outside of my home,” says the founder and engraving instructor of El Taller, where several graphic artists in Peru were taught under her tutelage in the ‘80s. Later, she traveled to New York to specialize in sculpture and then lived 15 years in Venezuela. Upon returning to Lima in 2001, she found her current oceanfront home, in San Isidro. “I told myself that I need to have everything in one place. It has taken me 15 years to bring everything together under a single roof.” By that she is referring to her individual work, her personal life and her more social and collective aspects.

On the first floor we find Fundación Centro Cultural El Taller, “more than anything, it’s to help artists,” she explains. “We don’t have an administration or anything participatory, and I believe that the private entities and people that are involved in art have a responsibility. We have colleagues that are sick, depressed or alone. It is a very delicate situation due to how sensitive they are, plus the fact that they don’t have money,” she says. Regarding this, the foundation helps them with what they call “cultural baskets”, supplies and materials. On the second floor we find her home and on the third, her studio.

On the fourth floor we find the Full Art Peru company, whose goal is to spread

Puyuda, 2003, madera de cedro tallada te単ida y laqueada, 3.10 X 30 X 9 cm, 2.40 X 30 X 9 cm, 1.78 X 26 X 9 cm, 1.50 X 22 X 7 cm. Foto por Augusta Barreda.

arte peruano en el contexto internacional a través de objetos cotidianos con diseño de artistas contemporáneos locales.

Peruvian art internationally through everyday objects with designs by local contemporary artists on them.

Obra de obra

Artwork of artv

Una energía movilizadora que irradia y envuelve. Eso han dicho sus colaboradores sobre Augusta Barreda, lo que podría aplicarse también a su obra. Se entusiasma hablando de los proyectos y hay que hacerla volver a su propio trabajo creativo, recorrido por una marcada influencia de la astronomía, la espiritualidad, la naturaleza y, desde el comienzo, un especial interés por el arte precolombino de su país. “Durante mis 61 años he viajado mucho por el Perú”, dice a modo de explicación. Obviamente esos viajes debían dejar huella en su obra, que se nutrió de los motivos del antiguo arte peruano. La impactó la cultura de Sechín, al norte de Lima. “Aún no han descifrado su misterio. Hice un homenaje por los 500 años del descubrimiento de América con grabados directamente de Sechín y una interpretación en esculturas de mediano formato”, cuenta Augusta.

A mobilizing energy that radiates and envelopes you. That is what her fellow artists have said about Augusta Barreda, which could also be applied to her work.

She fills with delight when talking about projects and you have to make her get back to working on her own creative work, which contains noticeable influences from astronomy, spirituality, nature and a special interest in pre-Colombian art from her country, which has always been part of her work. “Throughout my 61 years alive, I have traveled through many parts of Peru,” she explains. Obviously, those trips must have left their mark on her work, which was inspired by the motifs of ancient Peruvian art. She was affected by the culture in Sechín, which lies to the north of Lima. “They still haven’t deciphered its mysteries. I made a homage for the 500th anniversary of the discovery of the Americas with engravings directly from Sechín and an interpretation in medium format sculptures,” says Augusta.

Esa fue su despedida de la etapa precolombina y se fue a Venezuela, donde comenzó a transitar desde el grabado hacia la escultura y a explorar en la espiritualidad, en la que insistió en diferentes series. Luego derivó al tema botánico –que ha venido desarrollando en los últimos años– con esculturas que interpretan, a su manera, las formas de la naturaleza: árboles, pájaros y flores. Las exhibió al volver a Lima y una curadora de Nueva York se las llevó todas. “Siempre he vivido con una cámara y he hecho fotos en blanco y negro, pero me dediqué más al grabado: hice fotograbado”, explica. Fue entonces que comenzó a fotografiar sus esculturas; primero para no perderlas por completo, luego como una experimentación libre, casi un juego. La estimulaba saber que no eran para exhibir. “Cuando vi las reproducciones me encantaron. Ahí salió hacer obra de obra. Si Cindy Sherman se toma fotos a ella misma y es una obra, por qué las fotos de una obra no podían ser obra”.

That was her farewell to the pre-Colombian stage and she left to Venezuela, where she began to shift from engraving towards sculpture and exploring spirituality, in which she continued to work with in different series. Later, she rerouted towards botanical themes –which she has been developing over the last few years– with sculptures that interpret, in their own way, forms found in nature: trees, birds and flowers. She exhibited them upon returning to Lima and a curator in New York took them all. “I have always lived with a camera and I have taken black and white photos, but mostly I worked with engraving: I did photoengraving,” she explains. That was when she started to photograph her sculptures; first, in order to not lose them completely, and later as a form of free experimentation, almost a game. She was roused by knowing that they weren’t for display. “When I saw the reproductions, I loved them.

That’s where doing artwork of artwork emerged. If Cindy Sherman can take pictures of herself and it is art, why pictures of a piece of artwork can’t be art?”

Los secretos de las flores

Secrets of the flowers

En esa línea ha seguido hasta hoy, realizando fotos de las esculturas que imprime en papel fotográfico o lona, para incorporarlas luego en el montaje.

Las fotografías rodean a las esculturas y dialogan con ellas en lo que define

She continues to work with this even today, taking photos of sculptures which she prints on photographic paper or canvas, in order to later incorporate them to a montage. The photographs surround the sculptures and engage in a

Pompon, 2003, madera cedro tallada te単ida y laqueada, 2.50 X 22 X 10 cm, 2.22 X 22 X 10 cm, 2.00 X 22 X 10 cm, 1.80 X 22 X 10 cm. Foto por Augusta Barreda.

como jardines o bosques escultóricos. “Entras como si fueras un enanito o del tamaño de un ratón. Son grupos de esculturas de flores como un jardín mágico, porque hay como 10 o 12 grupos de flores con sus fotografías atrás.

Esta serie ha sido creada una detrás de la otra, durante más de 15 años”, dice la artista al teléfono.

dialogue with them in what she defines as sculptural gardens or forests. “You enter as if you were a dwarf or the size of a mouse. They consists of groups of flower sculptures like a magical garden, since there are 10 or 12 groups of flowers with their photographs behind them. This series has been created one after another over more than 15 years,” says the artist on the phone.

Son las series Naturaleza interior, en las que ha venido insistiendo hasta conformar familias de una misma especie y características, en madera teñida y laqueada. Algunas se asemejan a las calas, otras a palmeras chasconas y de distintos colores, otras buscan descifrar la parte más interna y secreta de las flores, o la textura de los helechos. Formas que se repiten y parecen sacadas de algún sueño, revelando la interioridad de la propia autora. Augusta las ha bautizado, están las Puyudas, los Pompones, las Negricias y las Rojicias.

Nada le parece desdeñable. También utiliza el neón y el pasto natural en unas casitas de dos metros que son parte de la instalación. Actualmente se encuentra en el proceso de pensar cómo montar estos jardines en un gran espacio que permita al espectador recorrerlos e interactuar con ellos en forma lúdica y libre. Las instalaciones irán acompañadas de montículos de arena, piedras, luz, sonido, y lo que se le vaya ocurriendo en el camino, tal como ha venido desde sus inicios en los años 70´.

She has continued to work on the Naturaleza interior series until creating families of a single species and with similar traits in stained and lacquered wood. Some resemble calla lilies, other shaggy and differently colored palm trees, others seek to decipher the innermost and secret part of the flowers, or the texture of ferns.

The forms are repeated and seem to be taken from a dream. They reveal the inner being of the artist herself. Augusta has given them all nicknames such as las Puyudas, los Pompones, las Negricias and las Rojicias (the pointy ones, pompoms, the black ones and the red ones). To her, nothing is negligible. She also uses neon and natural grass in some small two-meter houses which are part of the installation. Currently, she is contemplating how to assemble these gardens in a large space that would allow the viewer to go through them and interact with them freely in a playful manner. The installations will be accompanied by mounds of sand, rocks, light, sound and whatever comes to her along the way, just has she has done since her beginnings in the ‘70s.

Hoy no hace grabado, pero sigue prefiriendo el gesto de lo manual y por eso copia ella misma sus propias fotografías. “El grabado fue una etapa bastante fuerte en mi carrera; el taller estaba lleno de artistas”, recuerda. No lo dejó del todo; en Venezuela usó las planchas para hacer esculturas, las expuso colgando. Las usó como transición para pasar de una disciplina a la otra.

Allá comenzó también la serie de Energías: cósmicas, silenciosas, tropicales y ancestrales, que fueron parte de “unas investigaciones internas, digamos espirituales”, resume. Trabajó con distintos materiales, con lo que saliera de su creatividad. “Soy muy fresca, me paro en el taller y cuando me llama un material voy y creo según lo que estoy viviendo. La parte espiritual es lo que me ayuda a tener contacto con los materiales y con lo que está en mi interior y en los procesos. Con la sensiblidad voy buscando dentro de mí. Escarbar aunque no me guste, hacer ayahuasca si es posible –dice riendo– soy muy bromista, pero lo que busco es crecer como persona y ser en el arte lo mejor posible, seres de luz”.

She no longer does engraving, but she still prefers manual techniques, which is why she copies her own photographs. “The engraving was a big part of my career; the workshop was full of artists,” she recalls. However, she didn’t leave it completely; in Venezuela she used sheets of metal to make sculptures, which she exhibited hanging. She used them as a transition in order to go from one discipline to another. There, she also began the Energías series: Cosmic, Silent, Tropical and Ancestral, which were part of “internal investigations, that is to say, spiritual,” she continues. She worked with different materials and whatever emerged from her creativity. “I am very bold, I’ll stop by the studio and when a material grabs my attention, I go and create according to what I am experiencing. The spiritual part is what helps me keep in touch with the materials and that which is within me and the processes. Through feeling, I look within myself. I pried and search even though I don’t like it. I take ayahuasca if it’s possible,” she says laughing.

“I’m full of jokes, but what I seek is to grow as a person and be the best that I can in art, a being of light.”

Riqui Riqui, 2011, madera cedro tallada te単ida y laqueada, medidas variables. Foto por Augusta Barreda.

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Venezuela | Venezuela Artista Multidisciplinar | Multidisciplinary Artist

María Fernanda Lairet Manchas de política y naturaleza Stains of politics and nature

Detalle de Salar de Uyuni, Bolivia, 2013, impresión digital gráfico textile bidimensional cinético, 94 x 175 x 7 cm.

La fotografía y la pintura son dos de las pasiones de esta multifacética artista que trabaja con temáticas tan controversiales como la política-económica y la belleza del salar Uyuni.

Photography and painting are two of the passions of this multitalented artist who works with subjects as controversial as economic policy and the beauty of the Uyuni salt flat.

Por Elisa Massardo. Lic. en Historia y Estética (Chile).

Imágenes cortesía de la artista.

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Pero la fotografía, aunque pareciera ser el inicio, se ha transformado en una actividad paralela a la que realiza junto a la pintura. Una pintura que comenzó abstracta como manchas de diferentes colores que se mezclan en el lienzo, de los que María Fernanda comenta: “Mis obras pictóricas tienen fuertes elementos y evidencias en mi proceso de manchar, en estas obras abstractas”. Así como con la pintura, también incursionó en un motivo que retomó años más tarde, Simón Bolívar, banderas y caballos, todo con la intención de “darle presencia a la historia orgullosa de mi país”.

But even though photography seems to be the beginning, it has become an activity that she does jointly with painting. Her abstract paintings started off as differently colored patches of paint that are blended together on the canvas. Regarding this, María Fernanda comments: “My pictorial work has strong elements and signs of my painting process in these abstract pieces.”

She also dabbled in a motif that she returned to years later, Simon Bolivar, flags and horses, all with the aim of: “giving presence to the proud history of my country”.

La temática de los países se hace recurrente en su obra y es quizás acá donde los hechos acontecidos en Caracas durante los ’80 –como el famoso Viernes Negro del ’83, que sentaría los antecedentes de la devaluación del dólar y la inestabilidad económica del país y cinco años más tarde, el Caracazo, el incremento en el precio de la gasolina y del transporte público, lo cual desató una increíble masacre por las protestas originadas en diversos sectores de la capital y luego en diversas partes del país– mientras ella estudiaba, se hace presente en su obra, la que hecha en base a billetes de diversas naciones y a las nuevas crisis económicas que asolan al mundo cada ciertos años, se relacionan.

The subject matter of countries has become a recurring theme in her work, and perhaps it is here where the events in Caracas during the ‘80s –like the famous Black Friday of ’83, which would establish the precedents for the depreciation of the dollar and the country’s economic instability; and five years later, the Caracazo, the increase in the price of gas and public transportation, which triggered an unbelievable massacre due to the protests originating from different sectors of the capital and later in different parts of the country– while she was a student, are present in her work. Here, she creates based on different bills from different nations and the new economic crises that devastate the world every few years.

En 2008, cuando comenzó la crisis financiera global, María Fernanda comenzó a investigar sobre la simbología y el valor espiritual de los billetes y monedas, a través de un trabajo en el que combina la fotografía, el collage y la impresión digital. “Me apropié de la simbología que tienen diferentes íconos monetarios y los confronté: la pirámide del dólar, con la figura de Mao; el perfil de Bolívar, con figuras del franco suizo y con los colores del dólar australiano”, de esta manera logró un trabajo colorido, donde los billetes y las imágenes se mezclan, retorciéndose unas con otras como si la simbiosis fuera posible en el papel y, así lograr, como ella dice: “un collage con importante carga visual, que busca conectar al público con los múltiples significados que esconde un billete de diferentes denominaciones y nacionalidades”.

In 2008, when the global financial crisis began, María Fernanda started to look into the symbology and spiritual value of bills and coins through work that combined photography, collage and digital printing. “I appropriated the symbology that different monetary icons have and I confronted them: the pyramid on the dollar with the figure of Mao; Bolivar’s profile with Swiss franc figures and the colors of the Australian dollar,” and through this she obtained colorful work where the bills and the images are mixed, thus distorting some with others as if the symbiosis were possible on paper. Through this, she says that she obtains: “a collage with a significant visual weight that seeks to connect the public to the multiple meanings that a bill of different denominations and nationalities hides.”

Y en esta serie también ha ocupado importantes personajes mundiales, como Gandhi y Mao, personas absolutamente distintas, con mensajes y formas

She has also used important people from around the world in this series, such as Gandhi and Mao, who are completely different and that have messages

ran los ’80 y María Fernanda Lairet cursaba la carrera de Diseño en Caracas cuando su padre le obsequió una cámara Nikon FE2, con la que participó en los dos únicos concursos de fotografía a los que ha asistido.

“En esa época, la fotografía era lo que captabas en el momento. No podías ver la imagen previamente y borrarla si no te gustaba para volver a tomarla.

La fotografía proporcionaba un placer adicional, que constituía el esperar al revelado para ver las tomas, los momentos que ya habían pasado y que no volverías a ver”, explica la artista.

t was the '80s and María Fernanda Lairet was a design major in Caracas when her father gave her a Nikon FE2 camera, which she used to participate in the only two photography contests that she has attended.

“At that time, photography was whatever you captured in the moment. You couldn’t see the image beforehand and erase it and retake it if you didn’t like it. Photography used to provide an add pleasure that consisted of waiting for the developed picture to see the shots, the moments that had already happened and that you wouldn’t see again,” explains the artist.

Sin título, 2013. Impresión gráfica sobre acrílico transparente sin láser, 40 x 40 cm.

de comunicar o acciones a realizar que se contraponen de manera radical.

Mientras el primero de ellos predicó con la paz y mantuvo una lucha constante de resistencia no violenta; Mao pareciera haber hecho todo lo contrario desde que se convirtió en máximo dirigente del Partido Comunista en China y máximo líder del país hasta su muerte, periodo en el cual se vivieron numerosas ejecuciones y persecuciones como el “Movimiento de las Cien Flores”.

and means of communicating, or actions to be taken, that radically conflict.

Meanwhile, the first of these men preached peace and always fought with non-violent resistance; Mao seems to have done the exact opposite from the time he became the leader of the Communist Party in China and the leader of the country until his death, a time of many deaths and persecutions such as “Hundred Flowers Campaign.”

De las economía a Uyuni

From economy to Uyuni

El salar de Uyuni es la fascinación de Gastón Ugalde, quien gestó un viaje para 11 personas donde iban 3 fotógrafos y, entre ellos, María Fernanda Lairet. “Fuimos invitados a vivir una especial aventura llena de inquietudes, pasiones, sentimientos y emociones –explica la artista– la mezcla perfecta de la sal, reflejos, horizonte y cielo, que parecen una sola superficie, permiten romper la delgada línea imaginaria que te mantiene separado del paisaje. Como un acto de magia, la gravedad desaparece, el ser se hace leve, liviano y, entonces, percibes que fuiste creado para trascender, concebido para extender las alas de tu mundo interior y elevarte”, y es en este espacio donde la artista desarrolló su última serie, una mezcla de performance y fotografía, una muestra cuyo escenario e instalaciones creadas en el lugar son una forma de creatividad y un reflejo de las posibilidades que el género, la tela, le permiten.

The Uyuni salt flat is a fascination of Gastón Ugalde, who coordinated a trip for 11 people and 3 photographers, including, María Fernanda Lairet. She says, “We were invited to experience a special adventure full of concerns, passions, feelings and emotions. The perfect mixture of salt, reflections, the horizon and the sky, which looked like one single surface, allowed us to break the thin imaginary line that keeps you separate from the landscape. Like an act of magic, gravity disappears, beings become light, and then you see that you were created to transcend, you were conceived to spread the wings of your inner world and soar.” It is in this space where the artist developed her latest series, a mix of performance and photography, an exhibition whose setting and installations created on site are an example of creativity and a reflection of the possibilities that the material and the canvas allows.

Mi Espejo es el nombre de la serie, en la que el género se apodera de la imagen, donde el aire y el paisaje se mezclan en el contraste de colores, en el contraste con las asombrosas formaciones geológicas, vertientes térmicas y lagunas salitrosas. Y ahí, las fotografías de mujeres cubiertas por géneros transparentes, donde se aprecia la silueta de cada una de ellas, en palabras de la artista, “podrá ser una metáfora de la realidad de un contexto artístico sublime, sensual, donde el amor, el sexo, la paz interior está presente y están todas entrelazadas”, donde el ser, la materia y la naturaleza se reúnen ante la cámara para quedar plasmadas en una imagen imperecedera, que recordará a la artista todos aquellos increíbles momentos vividos antes de llegar al salar; para invitar a quien vea las fotos a este mágico espacio, para preguntarnos qué pasa o cómo se logra captar estos movimientos, estas formas y este sitio.

Mi Espejo is the name of the serie in which a fabric takes over the image and the air and landscape are merged together in a contrast of colors as well as in a contrast of geological formations, thermal springs and salty lagoons.

Here we find photographs of women covered by a transparent fabric, where you can see the silhouette of each woman. In the words of the artist: “It could be a metaphor for the reality of a sublime, sensual artistic context, where love, sex, inner peace are all present and intertwined.” It is where the being, the material, and nature are brought together before the camera in order to reflect an everlasting image that will remind the artist of all those incredible moments she experienced before getting to the salt flat; to invite whoever may see the pictures to this magical space, to ask us what’s going on or how do we capture these movements, theses shapes and this site.

A veces los años parecieran ser circulares, como si el tiempo pudiera volver atrás y recordarnos aquellos momentos que fueron cruciales para la actualidad. María Fernanda Lairet aún conserva esa Nikon FE2, regalada por su padre, esa cámara semi-profesional de lentes intercambiables, aquella que le proporcionaba el placer de recordar los momentos como fueron, sin un arreglo previo a la impresión, sin poder borrar lo que no que no queremos ver.

Sometimes time seems to be circular, as if it could go back and remind us of those moments that were crucial for the present. María Fernanda Lairet still has that Nikon FE2 that her father gave her; that same semi-professional camera with an interchangeable lens that has given her the joy of remembering moments as they were, without tampering with them before printing them, without being able to erase that which we don’t want to see.

Sin título, 2013, Impresión gráfica sobre acrílico transparente sin láser, 40 x 40 cm.

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España | Spain Collage | Collage

Nahuel Tupac Losada La mirada del jaguar Through the jaguar’s eyes Por Andrés Isaac Santana. Crítico de arte (España).

Imágenes cortesía del artista.

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xiste una extraña coincidencia entre la obra, su nombre y la piel del jaguar. Coincidencia, quizás antojada, que resulta escalofriante o un tanto inquietante. A veces el azar tiene mucho que ver en nuestras vidas y, sobre todo, en sus prefiguraciones metafóricas, en su acento de tango y también de bolero. Lo que hace que nadie se halle excento del peligro y la amenaza de sus emboscadas y malabares. Sin saberlo, claro está, su nombre anunciaba lo que supondría un trayecto por los mundos de la iconografía y su uso desobediente, irreverente, orgiástico. Su nombre, insisto, fue el anuncio primero de esa irreverencia (mal)educada, de ese canibalismo predatorio, de esa postura reaccionaria ante la posibilidad de una sola –y única– lectura del signo.

here is a strange coincidence between his work, name and the fur of the jaguar. Coincidence, perhaps a whim, which is hair-raising or at the least disturbing. Sometimes, chance has a lot to do with the context of our lives and, above all, with its metaphoric preconceptions, its touch of tango and bolero. That which endangers us all and the threat of its traps and jugglery. Without knowing it, of course, his name has already announced what would represent a journey through worlds of iconography and its disobedient, irreverent, orgiastic use. His name, I insist, was the first announcement of that (ill)mannered irreverence, that predatory cannibalism, that reactionary position facing the possibility of one –and only one– interpretation of the sign.

Nahuel Tupac Losada, es su nombre. Un nombre que señala su origen en la tribu de los mapuches, también denominados “araucanos” por los españoles en los tiempos falocéntricos y expansivos de la conquista. Y significa, según algunas traducciones, “jaguar”. El jaguar es símbolo de travestismo, de ocultación, de mímesis, de “camuflaje”, de astucia. Es ese gran felino que observa con sigilo, que se oculta entre la maleza haciendo alarde de paciencia para asestar el ataque mortal. Un felino, dentro de los de su tipo, que realiza un ataque limpio, quirúrgico, desafiante siempre. Lo mismo que realiza este artista respecto del mundo visual que le rodea, de su capital iconográfico.

Un mundo que el advierte –cual felino al cabo– como presa, como alimento, como desafío constante.

Nahuel Tupac Losada is his name. A name that shows his roots to the Mapuche tribe, also called the “Araucanos” by the Spanish in the phallocentric and expansive days of the Conquistadors. According to some translations, it means “jaguar.” The jaguar is a symbol for transvestism, concealment, mimesis, “camouflage”, and astuteness. The jaguar is that big cat which stealthily observes, which is hidden among the weeds while flaunting the patience to deliver a deadly attack. A cat, among other big cats, which always executes a difficult, surgical, and clean strike. The same strike that this artist executes in regards to the visual world that surrounds him, his iconographic capital. A world that he –the cat– sees as prey, as food, as an ongoing challenge.

La obra de Nahuel resulta un testimonio de la crisis del modelo moderno y certifica la defunción de esos ideales de vanguardia abducidos por la tiranía narcisista de la obra original y única. De ahí, en parte, que se declare (sin decirlo apenas) un defensor de las estrategias discursivas de acento posmoderno y de la operatoria caníbal tan propia dentro de ese nuevo dominio.

Nahuel’s work is a testament to the crisis of the modern model and validates the demise of those avant-garde ideals hijacked by the narcissistic tyranny of the original and unique piece. From there, in part, it is expressed (without really saying it) in a defense on post-modern discursive strategies and the very typical cannibal operations within that new knowledge.

No por gusto, y en el espacio tan promiscuo de Facebook, el joven crítico cubano Rubens Riol, comentaba que “definitivamente, el repertorio de obras de Nahuel es palimpséstico y de una altísima densidad cultural. Las referencias viven allí con la fuerza y la promiscuidad de una orgía. Nahuel simpatiza con todas las estrategias discursivas del arte posmoderno. Ama el reciclaje, el pastiche, la cita, el homenaje, la parodia, la ambigüedad, el juego. Apuesta además por un camino muy personal, susceptible de marcas y síntomas que desnudan su subjetividad”, a lo que yo añadiría su rabiosa capacidad

In the very promiscuous space of Facebook, the young Cuban critic, Rubens Riol, commented that, “hands down, Nahuel’s repertoire of work is palimpsestic and highly dense culturally speaking. The references live there with the force and promiscuity of an orgy. Nahuel sympathizes with the discursive strategies of post-modern art. He loves recycling, pastiche, quotes, homage, parodies, ambiguity, and the game. He also supports a very personal change, susceptible to brands and symptoms that strip away their subjectivity.” I might add his furious relational and irregular capacity to get

Rancio Abolengo, 2015, estampa digital mĂşltiple, 100 x 120 cm.

Troika, 2015, estampa digital mĂşltiple, 100 x 100 cm.

American Lie (¡Ché, Madonna!), 2015, estampa digital múltiple, 100 x 120 cm.

relacional y aleatoria para hacer convivir en un mismo epicentro un ejército multitudinario de iconos que, al mezclarse en esa superposición delirante, advierten de una saturación de su horizonte hermenéutico.

a mass army of icons to coexist in a single epicenter. Icons, which when jumbled together in that insane overlapping, warn us of a clear saturation of their hermeneutical limits.

Sin duda, Nahuel deviene en un avisado exégeta de su tiempo. Puede incluso que a un nivel del que él mismo no sea consciente. Su propuesta no supone solo, o no únicamente como podría pensarse, un acto de “apropiación” y “usurpación” del legado anterior; sino, y más importante que ello, entraña un claro gesto de “interpretación”. En la medida en que sus retablos, incómodos muchas veces, desvelan la silueta de un modelo cultural atravesado por el principio de saturación y los recursos paliativos del reciclaje. Ellos se convierten –entonces– en una especie de resguardo, de certificado, de prueba testifical de su tiempo. La contemporaneidad ha desarrollado los síntomas de una metástasis irreversible en la que el original, la copia de éste y la puesta en escena de ambos, hacen reverberar cualquier noción de autoridad poniendo a prueba la configuración de su preciso repertorio de motivos y estilemas.

Nahuel es consciente de esto por lo que se anticipa a la idea misma de que muchos consideren su producción como una aportación de obras concretas, según su sentido tradicional, para validarla, en su defecto, como narrativa ficcional de un estado, de un momento, de un sistema de cosas.

Undoubtedly, Nahuel comes from a wise exegete of his time. It could even be at a level that he isn’t aware of. His proposal doesn’t just represent, or at least as you might think, an act of “appropriation” and “usurpation” of the previous legacy; but rather, and most importantly, it involves a clear act of “interpretation.” Inasmuch as his, often uncomfortable, altarpieces reveal the silhouette of a cultural model affected by the principle of saturation and the palliative resources from recycling.

Therefore, these turn into a type of proof, certificate or evidence of his time. Contemporaneity has developed symptoms of an irreversible metastasis in which the original, its copy and the staging of both reflect the notion of authority which tests the configuration of his exact repertoire of motives and writing styles. Nahuel is aware of this, which is why he anticipates the very idea that many people consider his work to be a contribution of solid pieces, according to their traditional meaning, in order to validate it, alternatively, as a fictional narrative of a state of mind, a moment or a system of things.

Sobre la metástasis irreversible… …de eso quiero hablar: de HOY. De un hoy que refrenda la fuerza y el valor del pasado. Un espacio específico sin el cual mi trabajo extraviaría mucho de su sentido. ‘Hoy’, esa ansiedad por el tiempo presente, es el opio de la cultura, se traduce en su vicio y en su adicción juvenil. ‘Hoy’ es la promesa nihilista, de la apoteosis antes de la obliteración de mañana. Lo que hoy es relevante, mañana dejará de serlo, indefectiblemente. Sin remedio, sin significado, sin autoridad.

In regards to the irreversible metastasis… …I would like to talk about that: about TODAY. A ‘today’ that supports –in its warped and narcissistic logic– the strength and bravery of the past. Without a specific place, my work would lose much of its meaning. ‘Today’, that anxiety regarding the present, is the opium of culture, it is seen in its vice and its childish addiction. ‘Today’ is the nihilistic promise, the apotheosis before the obliteration of tomorrow. What is important today, it won’t be tomorrow, inevitably. Hopeless, without meaning, without authority.

¿Por qué NiNi Arte?

Mis trabajos son fruto de mi relación obsesiva con la cultura pop, la noción aceptada y expandida de canon artístico, el flujo constante de información de actualidad, y mi necesidad de concederles una forma semiológica propia, al menos una forma que yo entiendo ajena al razonamiento común. Trabajo con imágenes encontradas en internet, fotografías propias y las herramientas de postproducción a mi alcance, que me permiten la fundación y especulación de realidades paralelas: especie de simulacros orquestados sobre la arquitectura de la ilusión. Celebrando de este modo esa sensibilidad posmoderna, tan gustosa de los re-ajustes de sentido y la perversa manera de re-leer, disentir, desautorizar y recuperar. Llamo a mis trabajos NiNi Arte en homenaje a la generación de jóvenes españoles injustamente definidos por el sintomático neologismo ‘Generación NiNi’ (Ni estudian, Ni trabajan). Mis NiNis son, a su manera, crudos e indómitos, fruto del capricho; también beben del conocimiento adquirido y disfrutan de ser concebidos con herramientas tecnológicas avanzadas y democráticamente disponibles. Mi intención es establecer una complicidad entre la obra, el espectador y yo mismo que conduzca al placer estético, la conversación semiológica y el diálogo enfático, en el sentido de interpelación, de provocación y roce. NiNi Arte es, por tanto, una ilusión, un sortilegio, una alquimia, un reducto utópico, una complacencia estética, también política, que mira hacia un lugar: el ahora; la vida. Mira hacia mí mismo y mis circunstancias. Pero es, por encima de todo, la manifestación de un deseo, su confesión y búsqueda.

Why NiNi Art? The pieces that I present here are the fruit of my obsessive relationship with pop culture, the accepted and broadened notion of artistic standards, and my need to give them their own semiotic form, or at least a form that I understand outside of common reasoning. I work with images that I find on the internet, my own pictures, and the postproduction tools that I have at my disposal, which allow me to build and contemplate parallel realities: a kind of simulation orchestrated on the architecture of an illusion. Through this, I celebrate that post-modern sensitivity, so pleasing from the refocusing of meaning and the perverse way of re-interpreting, disagreeing, undermining and recovering. I call my pieces NiNi Art as a tribute to the generation of young Spaniards unjustly defined by the symptomatic neologism ‘NiNi Generation’ (For ‘Ni estudian, Ni trabajan’ in Spanish with means ‘They don’t study or work’). My NiNis are, in their own way, crude and untamed, fruits of a whim; they also drink from accumulated knowledge and enjoy being created with technologically advanced and democratically available tools.

My aim is to establish a mutual understanding between the work, viewer and myself which leads to aesthetic pleasure, semiotic conversation and emphatic dialogue, in the sense of question, provocation and bonds. NiNi Art is, therefore, an illusion, a spell, alchemy, a Utopian stronghold, an aesthetic (and also political) pleasure which looks in one direction: the present; life. It looks at me and my circumstances. However, it is, above all, the manifestation of a wish, its confession and quest.

Circus!, 2015, estampa digital mĂşltiple, 100 x 120 cm.

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EE.UU. | USA Artista Multidisciplinar | Multidisciplinary Artist

Johnston Foster Cosechador de alquimias Cosechador de alquimias Collector of alchemy Collector of alchemy

Johnston Foster cuenta historias de conclusiones implícitas y orígenes misteriosos. Habla a través de objetos y narraciones que nacen de una infinidad de mitos urbanos, cultura popular e incluso violencia. Sus esculturas son una una crítica reflexiva pero optimista a la vez. Meditan en torno a la supervivencia humana física, mental y emocional a partir del humor y la fatalidad.

Johnston Foster tells stories with implicit endings and mysterious beginnings. He speaks through objects and tales that are born from a myriad of urban myths, pop cultural and even violence.

His sculptures are a pensive critique, while simultaneously being optimistic. They ponder the physical, mental and emotional survival of humans through humor and doom.

Por Camila Londoño. Periodista (Colombia).

Imágenes cortesía del artista.

Mob Deep, 2008, materiales encontrados incluyendo madera, botes de basura de plástico, tejidos, espuma de poliestireno, espuma aislante, pegamento para madera, escobas, trapeadores, tacos de billar, cañas, polos, mármles, 107 x 660 x 427 cm.

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l poder de la imaginación le intrigó desde que era niño, una imaginación que alimentada por sus padres fue creciendo inmensamente.

Crear cosas a partir de cualquier material era un tipo de experiencia que de una u otra forma lo empoderaba. Aunque no supo que sería artista hasta llegar a la escuela de arte, la dosis de arte impartida por sus padres a través de los museos y el prestigio de instituciones como la Smithsonian, tuvo una inmensa influencia en su decisión de desplegar ideas.

Los objetos e imágenes dentro de iglesias, templos y espacios sagrados, generaron algo –no sabía muy bien que en ese momento– en la cabeza de este artista, algo que estaba ligado a la espiritualidad más que a las instituciones como tal. Todo esto amplificó la palabra imaginación en su mente, lo cual, de cierta manera, lo llevó a querer ser parte contribuyente de la cultura, los artistas y sus legados.

ohnston Foster has been intrigued by the power of imagination since he was a boy. His imagination, which was fed by his parents, grew immensely. Creating things from any kind of material was the type of experience that, in some way or another, empowered him. Even though he didn’t know he would be an artist until he got to art school, the amount of art imparted to him by his parents through museums and prestigious institutions like the Smithsonian, had a great influence on his decision to execute his ideas. Objects and images in churches, temples and holy spaces, created something in the artist’s head (at that time he didn’t know what). It was something that was more closely related to spirituality, rather than the institutions themselves. All of this made the word ‘imagination’ resonate in his mind louder, which, in a certain way, led him to want to be a contributing part of culture, an artist and their legacies.

Pero no solo la experiencia ligada a estos espacios lo guiaron por un amplio camino creativo. Su obsesión por la televisión, el cine y la literatura fueron medios de inspiración para crear sus propios objetos, imágenes y mundos exclusivos para su satisfacción. Al fusionar una serie de intereses “adolescentes” como el skate y las casas de árbol, junto con la música, la cultura pop y las bellas artes, los límites de sus esfuerzos creativos se desdibujaron para llegar aún más lejos de lo que podía pensar.

However, it wasn’t just the experience linked to those spaces that guided him through a broad creative path. His obsession with television, cinema and literature were also means of inspiration that led him to create his own exclusive objects, images, and worlds for his own satisfaction. Upon merging several “teen-age” interests like skateboarding and tree houses with music, pop culture, and fine art, the limits of his creative efforts were blurred in order to reach even further than he could imagine.

Pero, ¿de qué trata su obra? Las esculturas de este artista estadounidense son un conjunto de personajes unificados en constante expansión. Son la creación de un mundo físico y conceptual. Los espectadores en su obra tienen la libertad de crear espacios entre los objetos para adaptarlos en su propia interpretación del mundo. Son entonces, historias abiertas, sin un final específico. Dice Foster que sus esculturas son la búsqueda permanente por trascender a través de la creación de una alquimia cosechada, utilizando materiales que encuentra y recolecta como cazador de un mundo urbano en expansión. Dicha condición de cazador surgió mucho antes de consolidarse como artista. Desde niño se consideró una rata, una urraca, una barracuda atraída por cosas brillantes y coloridas que recogía compulsivamente; cosas que le llamaban la atención, objetos que creía se podían ver bien y con los cuales podía llegar a hacer algo en un futuro.

But, what is his work about? The sculptures by this American artist are an ensemble of united characters that are steadily growing. They are the product of a physical and conceptual world. In his work, the viewer has the freedom to create spaces among the objects in order to adapt them into their own interpretation of the world. Therefore, they are open stories with no particular ending. Foster says that his sculptures are the constant search to transcend by creating a gathered alchemy by using materials that he finds and gathers as a hunter in a constantly growing urban world.

This hunter quality came about long before he became established as an artist. Since he was a child he has seen himself as a rat, magpie, or barracuda drawn to shiny and colorful things that he would compulsively collect; things that caught his eye, objects that he thought could look good and one day be used to make something in the future.

Aunque dicha recolección era un sin sentido en ese momento, como artista descubrió potencial en estos objetos. Hoy, Johnston, recoge constantemente basura y detritus que encuentra en carreteras y contenedores de basura. Lo que le llama la atención, lo pone en la parte trasera de su camión y lo almacena todo en su estudio donde realiza una rigurosa organización y un minucioso inventario. La recogida de materiales puede ser aleatoria o específica. A veces tiene suerte de encontrar lo que busca y otras veces simplemente aparecen otras cosas que funcionan y no esperaba en absoluto. El azar y la casualidad son parte de su proceso.

Although collecting objects was meaningless at that time, as an artist he discovered potential in those objects. Today, Johnston is constantly picking up trash and odds and ends that he finds along highways and in waste containers. He puts everything that grabs his attention in the back of his truck and stores it all in his studio where he meticulously organizes it and takes inventory. The choice of materials can be random or specific.

Sometimes he is fortunate enough to find what he is looking for and sometimes, other things, completely unexpected things, that work simply show up. Chance and coincidence are part of his process.

Always Lost, Never Alone, 2014, ensamblaje, neum谩ticos, muebles de madera, chatarra de madera, autom贸viles y camiones, PVC, canicas de vidrio, pegamento caliente, 168 x 137 x 64 cm.

Pony Up, 2015, madera, vidrio, mangueras de jardín, cables telefónicos, lata, PVC, tornillos para yeso, pisos de vinilo, plástico, 91 x 191 x 41 cm.

Ahora, en ocasiones puede utilizar un material de inmediato y en otras, pueden pasar años antes de saber dónde y cómo utilizarlo. Lo que definitivamente es un hecho, es que todos estos objetos encontrados son el motor generador de la aventura y la satisfacción en su trabajo; la compra de materiales, asegura él, nunca podrán ofrecerle la historia y el bagaje que hay detrás de un material que al haber tenido otros usos y propietarios, ofrecen una carga física y conceptual que no existe en una tienda de materiales.

Pero no solo eso, la mitad de su trabajo es precisamente eso: encontrar, recoger y crear un inventario que le permitirá durante días, meses e incluso años, bocetar, retocar, experimentar, inventar, editar y resolver obras que solo pueden surgir al tener los materiales indicados.

Now, he sometimes uses a material immediately and other times, years can go by before he knows where and how to use it. What is certainly true is that it is all of these found objects that create adventure and satisfaction in his work; buying materials, he says, can never provide you with the story and baggage that comes with a material that, despite having other uses and properties, offers a physical and conceptual weight that doesn’t exist at a store. But it’s not just that, half of his work is precisely that: find, pick up and create an inventory that will allow him to work for days, months and even years sketching, touching up, experimenting, inventing, editing and fixing work that can only emerge when having the right materials.

Paradójicamente, al entrar a la escuela de arte, Johnston tuvo el reto de enfrentarse a la artesanía y la pulcritud de los resultados en el trabajo, sin embargo, este reto terminó siempre en decepción. Decidió aceptar su “falta de habilidad” para las artesanías y permitió que aquellos objetos que recogía compulsivamente fueran los encargados de dirigir el resultado de su obra de arte. En otras palabras, se liberó de toda expectativa e idea preconcebida, lo cual permitió que la exploración, la sorpresa y el juego hicieran parte del proceso y, de esta forma, su trabajo fluyó de manera extraordinaria, lo que desembocó en la creación de ready-mades canibalizados que poseen un contenido inherente por las historias previas y las cualidades formales de los materiales. No es de extrañar entonces que grandes artistas como Duchamp, Damian Hirst y Robert Rauschenberg, entre muchos otros, sean parte de su lista de ídolos inspiradores.

Ironically, when he got to art school, Johnston’s challenge was to deal with craftsmanship and the pulchritude of the finished product in his work; however, this challenge always ended in disappointment. He decided to accept his “lack of ability” in craftsmanship and he gave reign to those objects that he compulsively collected to lead him to the finished art work. In other words, he freed himself from all expectations and preconceived ideas, which allowed exploration, surprise and play to become part of the process and, through that, his work remarkably flowed. The result of this is the creation of cannibalized ready-mades whose contents are inherit thanks to the past and formal qualities of the materials. It is no wonder then, how famous artists like Duchamp, Damian Hirst and Robert Rauschenberg, among many others, are part of Johnston’s lists of inspirational idols.

En la creación de sus esculturas, Johnston Foster ha buscado aventuras, giros en las tramas, pistas falsas que al final sorprenden a través de la forma física y la interpretación. Ha meditado con su obra sobre la supervivencia humana, la relación de la humanidad consigo misma y con los demás pero, sobre todo, en cómo dichas relaciones afectan el entorno y el ambiente. Existe entonces fatalidad y violencia en sus imagenes, fatalidad equilibrada por una dosis de humor y un optimismo que surge de la reutilización y el renacimiento de los materiales encontrados por este cazador de historias que cree fielmente en la idea del “hágalo usted mismo”; que cree y se inspira en aquellos visionarios que con poco hacen mucho, como los niños de África que construyen un balón y los mapaches que construyen elaboradas estructuras solo para cortejar.

While creating his sculptures, Johnston Foster has sought out adventure, plot twists, and red herrings that end up amazing us through their physical shape and interpretation. He has thought about his work regarding human survival, mankind’s relationship with itself and with others, but above all, regarding how said relationships affect the surroundings and environment.

Therefore, there is doom and violence in his images. The doom is balanced by a dose of humor and optimism that arises from reusing and giving new life to the materials found by this hunter of stories that faithfully believes in the idea of “do it yourself” that believes in and is inspired by those visionaries who do a lot with a little like the kids in Africa that make a ball and the bowerbird that build elaborate structures just to attract a mate.

Su juego creativo se ha inspirado en la verdad y la libertad que surge de estos modos de supervivencia y expresión, en aquellos artistas que crean exclusivamente para satisfacer su deseo ardiente de crear, en su también talentosa esposa y en el espíritu, la energía y la imaginación sin filtro de sus tres “salvajes” hijos. Johnston Foster ha creído en el arte, su arte, pues esta le ha dado propósitos y libertad. Libertad de explorar, criticar, confirmar y expresar aquello que de otra forma no es posible.

His creative game has been inspired by truth and the freedom that comes from those means of survival and expression. It is also inspired by those artists who create only to satisfy their burning desire to create, his talented wife and the unfiltered spirit, energy and imagination of his three “wild” children. Johnston Foster has believed in art, his art, since it has given him purpose and freedom. Freedom to explore, critique, support, and express that which is otherwise impossible.

Lucky Dog, 2014, ensamblaje, residuos de madera, flecos de alfombra, cable de extensi贸n, limpiador de alfombras, vinilo, canicas de vidrio, tubos de neum谩ticos de bicicleta, lonas para lluvia, textiles y manguera, 94 x 122 x 91 cm.

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Perú | Peru Fotografía | Photography

Patricia Arena La fotografía más allá de lo aparente Photography that goes beyond the obvious Desde Perú, Patricia Arena ha compuesto una fotografía que aborda el espacio desde una perspectiva étnica y, también, arquitectónica. Alejada del artificio, la propuesta de Arena nos remonta hacia cierto paradigma donde todo se transforma en vivir un ver constante.

From Peru, Patricia Arena has created photography that deals with space from an ethnic and also architectural perspective. Far from craft, Arena’s proposal takes us back to a certain paradigm where everything turns into experiencing a continuous act of seeing.

Por Gonzalo Medina. Periodista (Chile).

Imágenes cortesía de la artista.

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“Lo que vemos es diferente a lo que sabemos, entendemos o sentimos, y a su vez, lo que aprendemos, creemos y confiamos afecta cómo vemos,y cómo percibimos. En ese sentido vemos lo que nos dicen nuestras convicciones. En un nivel más profundo no miro una sola cosa, sino la relación entre esa cosa y yo”, señala la artista. Como un manifiesto de la mirada, la fotografía de Arena se sumerge en lo étnico para hablar tanto de aquella riqueza visual como de eso invisible, a veces punzante a primera vista y otras maquillado por las creencias o significaciones occidentales que la globalización ha enmarcado en un debate entre la ética y la estética. La conservación y registro del aquel momento entre el ojo y la luz es la licencia un tanto técnica y también milagrosa de detener el tiempo. Un acto poético entre el acontecer de ese momento y el proceso que lo hace inmortal, plasmando ciertas percepciones y sentidos en un momento y lugar. La fotografía de Patricia Arena es un acto discursivo que juega con el valor de lo acontecido y el rol de rescatar esa memoria en la mirada actual.

“What we see is different from what we know, understand or feel, and in turn, what we learn, believe and trust affects how we see, how we perceive. In that sense, we see what our convictions tell us. On a deeper level, I don’t look at just one thing, but rather the relationship between that thing and me,” says the artist. Like a manifest for the gaze, Arena’s photography is immersed in what is ethnic in order to speak about both visual richness and what’s invisible, or at times piercing at first glance, meeting Western meanings beliefs with ethnic and aesthetic.

The preservation and record of that moment between the eye and light is somewhat a technical and also miraculous license to stop time. It is a poetic act between what’s happening in that moment and the process which makes it immortal, thus showing certain perceptions and feelings in a moment and place. Patricia Arena’s photography is a discursive act that plays with the value of what happened and the role of recovering that memory in the present viewpoint.

u fotografía, que tensiona lo étnico desde una problemática contemporánea, discursea con texturas, miradas y formas con la figura humana, incluyendo no sólo lo humano, sino el producto de lo que a veces emerge como paisaje, arquitectura, animales o cuerpos que anteceden a cierta forma de ver la vida, que Patricia visualiza trascendental en su obra.

er photography, which stresses ethnic aspects through contemporary outlook, speaks with textures, gazes and forms of the human figure, which not only include humans, but also landscapes, architecture, animals or bodies which somehow lead up to seeing life, which Patricia sees as an important part of her work.

Pergaminos de Silencio III, Tanzania, 2014, fotografía digital impresa en papel de algodón, pergaminos orgánicos de Nepal (18 pliegos), partituras de música de Vivaldi, suspendidos en dos tablas de madera de nogal natural con corteza expuesta, tuercas de cobre, 90 x 80 cm.

En esta serie, realizada en Tanzania, Patricia Arena plantea dos conceptos claves, en lo que ella denomina: “una escultura de luz bidimensional entre tiempo y espacio. La fotografía –prosigue– es un lenguaje que transcribo sobre un pergamino, es un continuum tiempo-espacio plasmado a través de ciertas pulsaciones de textura y de luz, que son muy importantes en mi trabajo”. El contenido de su obra, que si bien se sitúa desde una problemática o perspectiva contemporánea y pone en diálogo ciertos conceptos cruciales para lo actual: “más que el cuerpo (…) porque pudiese ser el cuerpo, es la esencia de ese cuerpo lo que está en mi búsqueda. Su inmanencia. Su presencia. Y su ausencia. Su desnudez interior. La que se revela muchas veces a través de los ojos, de las manos, de los pliegues de la piel, de mi intuición por observar esa riqueza más allá de lo evidente”, comenta Patricia Arena.

In this series, made in Tanzania, Patricia Arena poses two key concepts, in what she calls: “a two-dimensional sculpture of light between time and space. Photography is a language that I write on parchment. It is a space-time continuum shown through certain pulses of texture and light, which are very important in my work.” Although the content of her work is anchored in a contemporary point of view, it brings critical concepts into dialogue: “other than the body (…) because it may be the body, it is the essence of that body that I search for. It is its immanence, its presence and its absence. Its inner nakedness. It is that which is often revealed through the eyes, the hands, the folds of the skin, through my intuition feeling for observing that richness beyond what is evident,” comments Patricia Arena.

Parte de su viaje a Tanzania pernoctó en una cabaña en la copa de un baobab milenario desde donde subía con sogas para que los leones no se trepen de noche. Patricia estuvo en el Cráter de Ngorongoro, una de las calderas volcánicas más grandes del mundo, lugar predilecto por los fotógrafos que buscan ciertos atisbos mágicos que la naturaleza y el paisaje le pueda brindar a la mirada. Allí, Patricia convivió con el rosa de los flamencos, los imponentes rinocerontes blancos y negros en vía de extinción y la sensualidad de los leopardos, en una simbiosis estética y experiencial que devino en la fotografía: “Al estar allá percibí un equilibrio ecológico más allá de la voluntad humana. En la Garganta de Olduvai estuve en un yacimiento paleontológico con restos primitivos de homo sapiens; asimismo, en el Serengueti con su sinfín de planicies, acacias maravillosas y el nacimiento del silencio bajo sus ramas”, explica.

During part of her journey to Tanzania, she spent the night in a cabin in the canopy of a thousand-year-old baobab which she climbed up using ropes so that the lions wouldn’t climb up during the night. Patricia was in the Ngorongoro Crater, one of the world’s largest volcanic craters, a preferred spot for photographers who are seeking certain magical views that nature and landscapes offer to the act of “seeing”. There, Patricia spent time alongside the pink of the flamencos, the magnificent and almost extinct white and black rhinoceroses and the sensuality of the leopards, in an aesthetic and experiential symbiosis which evolved into photography: “By being there, I saw an ecological balance that surpassed human will. In the Olduvai Gorge, I was on an archeological site with primitive remains of homo sapiens; likewise, on the Serengeti, I experienced an endless number of plains, wonderful thorntrees and the birth of silence under their branches,” she explains.

Pero su interés iba más allá. Una tribu noble, llamada Maasai, cautivó una investigación visual que transitaba por el paisaje y el espacio pero que tenía su punto de fuga vivencial en el cuerpo y en la lengua Maa, en las prácticas con el fuego, en la fauna, en los encuentros y en las miradas. “Esos cuerpos ágiles, valientes, y balanceados, se conjugaban con una acción nómade, con un vivir en armonía con aquel mundo salvaje, entre la carne y la sangre, cazando, pastoreando, o en un gesto calmo como testigo del momento. No tenía otra forma de comunicarme con ellos, sino a través de los ojos”, comenta

However, her interest went even further. A noble tribe called the Maasai, inspired her to carry out a visual investigation that involved the landscape and space, but whose existential vanishing point was on the body and on the Maa language, as well as practices with fire, fauna, encounters and gazes.

“Those agile, brave, balanced bodies were combined with nomadic action, living in harmony with the wild world, among flesh and blood, hunting, herding, or a calm gesture as witness to the moment. I didn’t have any other way to communicate with them except through the eyes,” comments

Pergaminos de Silencio I, Tanzania, 2014, fotografía digital impresa en papel de algodón, pergaminos orgánicos de Nepal (18 pliegos), partituras de música de Vivaldi, suspendidos en dos tablas de madera de nogal natural con corteza expuesta, tuercas de cobre, 90 x 80 cm.

la fotógrafa. Lo que Patricia realizó –a través de la luz y la textura que fue entrelazando– fue una fotografía con esa historia en desarrollo, guardando un testimonio de aquel momento que fue, y que ya no es en el aquí y el ahora.

the photographer. What Patricia made –by mixing light and texture– was photography that includes that ongoing story, while leaving a testimony of that moment that passed, and that is no long part of the here and now.

Es aquí donde se entrecruza la imagen con lo etnográfico, porque Patricia busca hablar de cierta realidad invisibilizada ante lo que creemos es la mirada. De esta forma, con esta serie fotográfica, y tras su paso por Lima Photo, la artista aborda tanto lo etnográfico en su contenido y la fotografía como técnica de registro; sin ser ninguna por sí sola, sino la sinergia de estos conceptos que ella plasma como un descubrimiento entre lo oculto de la mirada y la memoria de lo ya acontecido. Pero hay algo particular en esta serie que aborda el discurso de lo monocromático para componer su obra, pues como ella señala: “El viaje provocó un descubrimiento interior donde se tornó esencial despojarme de lo aparente y abrazar lo orgánico, lo natural, la tierra, la humildad,y la sencillez, ahí surgió mi necesidad de despojarme de lo fabricado, de los colores fuertes, y así crear un libro abierto de fotografías en pergaminos, con texturas diversas en tonos de tierra, entrelazándolos con partituras de violines de Vivaldi, suspendiéndolos en madera natural, dejando su corteza expuesta. Mi sensibilidad expuesta.

Permitiendo así, que el polvo, la humedad, el asombro, la mirada y la ternura escribieran su propia historia”.

It is here where the image is intertwined with ethnography, since Patricia seeks to speak about a certain reality that is hidden behind what we believe is the glance. Through this, with this photographic series, and after being in Lima Photo, the artist tackles both ethnography and photography as a means of record in her content. She does this without only relying on one alone, but rather the synergy of these concepts which she portrays as a discovery between what’s hidden from the eye and the memory of what has already happened.

However, there is something special in this series that deals with the discourse of the monochromatic in order to compose her work, since as she puts it: “The trip caused an inner discovery where it became absolutely necessary to strip myself from the obvious and embrace the organic, the natural, the earth, humility, and simplicity. That is where my need to strip myself of manufactured things and strong colors emerged in order to create an open book of photographs on parchment, with diverse textures in earth tones, while combining them with violin scores by Vivaldi, while suspending them on natural word, while leaving their tree bark exposed. While leaving my sensibility exposed. Thus allowing dust, humidity, astonishment, the gaze and tenderness write their own history.”

La obra de Patricia Arena nos remonta a la pregunta que a mediados del siglo XX se hizo Berger y Luckmann sobre la mirada, sobre la construcción de realidades y sobre el sujeto que observa. ¿Qué es lo que observamos, lo que vemos o lo que creemos ver? Es la misma interrogante con que Patricia dialoga con el público en su obra, donde lo trascendental es el sitio de la mirada. En este sentido, su obra no es sólo una revisión sobre lo étnico a través de la fotografía, sino que trabaja ciertas problemáticas de la mirada que tensionan estos conceptos entre el valor humano y la memoria como ejercicio cultural. “La fotografía trata sobre la mirada. Entre ese todo y mi percepción intrínseca de la belleza. Así aparto la superficie y me sumerjo en las capas interiores. Despertando la inconsciencia. Realizando el mismo ejercicio de escribir las ideas como al plasmar la fotografía en un pergamino”, finaliza la artista.

Patricia Arena’s work brings us back to the question that Berger and Luckmann made regarding the gaze, the construction of realities and the observed subject in the middle of the 20th century. What is it that we are observing, what we see or what we think we see? It is the same question that Patricia used to create a dialogue with the public in her work, where the transcendental is the site of the gaze. In this sense, her work is not only an inspection regarding what is ethnic through photography, but rather she works out certain problems of the gaze which stress these concepts between human value and memory as a cultural exercise. “Photography deals with the gaze along with everything and my intrinsic perception of beauty. That is how I break the surface and submerge myself in the inner layers. By waking the subconscious. By doing the same exercise of writing out ideas and showing photography on parchment,” concludes the artist.

Pergaminos de Silencio, Tanzania, 2014, fotografía digital impresa en papel de algodón, pergaminos orgánicos de Nepal (18 pliegos), partituras de música de Vivaldi, suspendidos en dos tablas de madera de nogal natural con corteza expuesta, tuercas de cobre, 90 x 80 cm.

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Chile | Chile Street Art | Street Art

Caiozzama Lo efímero transformado en eterno The ephemeral becomes eternal Bajo el seudónimo de Caiozzama, Claudio Caiozzi crea una cronología sociocultural de sus obras a través de la técnica del paste-up, una mixtura entre la producción de capturas y el afiche callejero. En la fotografía y el Street art descubrió su pasión por lo inmediato, por el despliegue de lo cotidiano, y comprendió que la calle es el lugar perfecto.

Under the pseudonym Caiozzama, Claudio Caiozzi creates a sociocultural chronology for his work through the paste-up technique, a mixture between snapshots and street posters.

Within photography and street art, he found his passion for the immediate, for showing everyday things, and he learned that the street is the perfect place.

Por Leticia Abramec. Periodista (Argentina).

Imágenes cortesía del artista.

Rebelde, 2015, paste up: papel sobre muralla, 1,70 x 1,50 cm.

Sin plata, no glory, 2014, paste up: papel sobre muralla , 80 x 60 cm.

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ás de una vez nos hemos preguntado si los artistas callejeros esmerados sufren cuando les pintan un trabajo realizado, cuando alguien les raya, o rompe el muro sobre el que tanto se han esforzado.

La realidad es que no siempre podemos alcanzar esa información.

ore than once, we have asked if conscientious street artists suffer when someone paints over their work, draws on it, or destroys the wall that they have spent so much effort on. The reality is that we cannot always get that information.

El trabajo de Caiozzama, tiene una minuciosidad y compromiso más que interesante. La técnica que utiliza se llama Paste-Up y consiste en realizar la imagen que desee en un papel, para luego pegarla en la pared como si fuera un dibujo pintado a mano. Según cuenta, esta técnica se origina en París en la época en que no estaban permitidos los grafitis pero sí se podían pegar afiches.

Caiozzama’s work has a very interesting attention to detail and commitment. The technique he uses is called paste-up and it consists of creating a desired image on paper in order to later paste it to a wall as if it were a drawing done by hand. According to the artist, this technique is originated in Paris when graffiti wasn’t allowed but posters could be put up.

Ahora bien, su obra tiene una conceptualización bastante particular y personal de lo efímero, y sorprende ver su reencuentro permanente con sus obras, a las cuales sigue de cerca para poder ver los cambios o permanencias respecto de su estado inicial. Fanático de los procesos, de las expresiones espontáneas y las respuestas contestatarias, disfruta de volver a ver sus trabajos luego de un tiempo transcurrido. “De dos a tres veces por semana voy a chequear y llevar el registro del estado de mis trabajos. Me interesa saber qué fue pasando, si le escriben un

With that said, his work has a very particular and personal conceptualization of the ephemeral, and it is surprising to see his continuous reunion with his pieces, which he closely follows in order to be able to see what changes or doesn’t change in regards to the piece’s initial state. A fan of processes, spontaneous expressions and controversial responses, he enjoys going back to see his work after time has passed. “I go and check the state of my pieces two to three times a week and I keep a record of it. I am interested in knowing what happens to them over time and if someone has written a message on them or if they remain intact. There are pieces that are destroyed and others

Cuba libre, 2015, paste up: papel sobre muralla, 1,70 1,30 cm.

mensaje encima o continúan intactos. Hay obras que directamente veo rotas y otras que quizá ya ni siquiera están. Me gusta seguir el proceso de mis obras, saber todo. No hay ninguna que haya abandonado o que me dé lo mismo si la pintan o no. Necesito saber qué les paso, cómo están. En mi Tumblr posteo cuánto duraron o si todavía se pueden ir a ver”, cuenta el artista.

that perhaps aren’t even there anymore. I like to follow the process of my pieces and to know everything. There’s not one piece that I have abandoned or lacked concern regarding whether it was painted over or not. I need to know what is happening to them and how they are. In my Tumblr page, I posted how long each piece lasted or if it is still able to be seen,” says the artist.

El proceso de producción de Caiozzama se eleva a un nivel de precisión y detalle que excede nuestra imaginación al momento de ver alguno de sus trabajos; sobretodo porque sabe de antemano si una pared no es adecuada para pegar su obra, dado que conoce las texturas como la palma de su mano.

Ahora bien, su jornada laboral es también mucho más que un par de horas pegando papeles: “Las ideas pueden venir a mi mente en cualquier momento, lugar y horario. Suelo estar siempre con mi libreta para anotar todo en el ítem de ‘Ideas’. Cuando comienzo a desarrollarla, me fijo si tengo fotos que haya tomado que me puedan servir y si no encuentro ninguna, me organizo para hacer la foto. Consigo el modelo que necesito, busco la locación y hago la foto.

Ya en Photoshop voy viendo qué deseo retocar y juego hasta que ya me doy por satisfecho. Luego lo dimensiono y siempre hago todo lo posible para que sea en tamaño original. Imprimo, recorto, enumero y me voy a la calle.

Caiozzama’s production process rises to a level of precision and detail that exceeds our imagination when we see some of his pieces, above all, because he knows beforehand if a wall isn’t suitable to paste his work, since he knows the textures like the back of his hand. However, the time spent on his work is a lot more than a few hours pasting up papers: “Ideas can come to my mind at any moment, place and time. I tend to always have my notebook to write everything down under the category of ‘Ideas’. When I start to work on them, I check to see if I have photos that I have taken that can be used and if I don’t find any, I set everything up to make the photograph. I get the model that I need, I look for the location and I take the photo. Once it is in Photoshop, I see what I want to retouch and I play around until I am satisfied. Later, I resize it and always try to do everything possible to make it in its original size. I print it, cut it out, number it and I go to the streets.

Detalle de Chinese BigMac, 2014, paste up: papel sobre muralla, 28 x 20 cm.

A veces elijo la pared con tiempo y otras las decido en el momento.

Una vez que la decido, voy a la noche a pegarla y a la madrugada voy nuevamente para fotografiar la obra y tener un registro de cómo la dejé yo. Si después lo rompen, pintan o rayan es parte de la evolución de la obra”, explica sobre su proceso.

Sometimes I choose the wall before hand and other times I decide at the moment. Once I decide, I go out at night and stick it up and I go back early in the morning to photograph the piece to have a record of how I left it. If it is later destroyed, painted over or written on, it is part of the work’s evolution,” he explains regarding his process.

Caiozzama solía hacer trabajos con superhéroes, hasta que un día comenzó a manifestar su manera de ver el sistema capitalista con una capa artística satírica, ácida y de mensaje directo. Dejó de avocarse al fanatismo adolescente rebelde, para convertirse un comunicador en diálogo directo con el minuto a minuto del mundo y el compromiso social a través del arte. Él es un convencido de que en la calle sucede la vida, que es el lugar en el que todo puede suceder. “La calle da para todo, es pública. Si te encuentras con un billete en el piso, es tuyo a partir del momento en que lo encontraste. Si ves algo que no te gusta en una pared, lo sacas. La gente se apropia del espacio público y hace lo que quiere. Mi obra del monje Louis Vuitton, por ejemplo, está hace un año y aunque el edificio fue pintado nuevamente, el monje quedo intacto a pedido del administrador”, cuenta. Sobre el giro conceptual de su obra explica: “fue un día en que usé la imagen de una china con una bandeja llena de frutas, típica de la propaganda de la abundancia de Mao. Llegué

Caiozzama used to make work with superheroes, until one day he started to reveal his way of seeing the capitalist system with a satirical, harsh and straightforward artistic veneer. I stopped focusing on rebellious adolescent fantasies in order to become someone who engages in direct dialogue with what’s currently happening in the world and social commitment through art. He is convinced that life happens in the street. It is the place where anything can happen. “The streets are for everyone, they are public. If you find a banknote on the ground, it’s yours from the moment you find it. If you see something that you don’t like on a wall, you take it down. People rule public spaces and do what they want. My Louis Vuitton monk piece, for example, has been there for a year, and even though the building was repainted, the monk remains intact by the administrator’s request,” he says. Regarding his works conceptual shift, he explains that, “it was one day when I used the image of a Chinese woman with a tray full of fruits, which is typical in the abundance of Mao propaganda. I came along and replaced the fruits with

McMao, 2014, paste up: papel sobre muralla, 50 x50 cm.

y reemplacé la fruta por un Big Mac. Ahí pensé en porqué no darle mi punto de vista a los problemas que tenemos a nivel mundial. Así empecé a combinar el humor con sentido, con la crítica y el intelecto, con la capacidad de reflexión”.

a Big Mac. That is when I thought about why I didn’t express my point of view about the problems existing throughout the world. That’s how I started to combine humor with feeling, critique and intellect as well as the abilityof reflection.”

Desde su trabajo social, Caiozzama, se permite jugar en los dos lados de la cancha. Del lado del productor de sentido crítico, a través del arte y la provocación, como también desde la mirada del transeúnte, al que permite completar su obra para integrarlo en su transcursho y maduración. Si bien se toma el trabajo de visitar sus obras para realizar un seguimiento de su evolución, no lo hace desde un lugar de control sino de registro, de estudio y hasta de análisis de recepción. Le divierte, enriquece su obra y le permite aprender a desprenderse de una manera diferente. Su obra no se vende, se regala, se comparte.

Through his social work, Caiozzama, allows himself to play both sides of the field. He plays the side of a creator of critical sense through art and provocation, and also through the point of view of the passer-by, which allows him to complete his work to incorporate it in his journey and maturation. Although he takes the time to visit his pieces to keep track of their evolution, he doesn’t do it as a means of control but rather as a record, study and analysis of how it is received. This enjoys, enriches, and learns him to release himself in different ways. His work isn’t sold, it is a gift and it is shared.

Aun desde el paste-up, las paredes absorben sus trabajos en la recepción popular. Por afinidad o rechazo, integran el circuito del día a día y son una invitación al pensamiento, la identificación y el diálogo. La obra de Caiozzama comienza en la fotografía para mezclarla con el arte callejero, pero no hay dudas de que su trabajo clasifica en la categoría de arte comunitario, dado que concluye en las manos de quien decide darle su toque final.

Ever since paste-up, walls have incorporated his pieces as what is commonly accepted. Because of affinity or rejection, they fit in the day-to-day circuit and are an invitation to think, identify and converse. Caiozzama’s work starts with photography in order to mix it with street art, but there is no doubt that his work belongs in the category of community art, since it ends up in hands of whoever decides to give it its final touches.

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Colombia | Colombia Artista Multidisciplinar | Multidisciplinary Artist

Evelyn Tovar Los otros significados de lo cotidiano The other meanings of everyday things Cuando Evelyn Tovar captura los procesos antropológicos de una ciudad, lo cotidiano, lo tradicional y lo popular se conjugan inexorablemente para entregar resignificaciones de aquellas cosas que se ven en el día a día.

When Evelyn Tovar captures the anthropologic processes of a city, daily life, tradition, and what’s popular are inexorably brought together to give new meanings to those things which are seen on a daily basis.

Por Lía Alvear. Periodista (Chile).

Imágenes cortesía de la artista.

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epetir una palabra, una y otra vez, hasta que ésta pierde su sentido, es un ejercicio psicológico conocido como “saciedad semántica”, algo que si se extrapola a la vida cotidiana sucede mucho más de lo que alguien se puede percatar. Pasar a diario por los mismos espacios sin notar el movimiento, asimilar las clásicas decoraciones de un hogar e incluso ser indiferente a problemas sociales, son sólo algunos de los síntomas que indican saciedad, inercia, pérdida de significado.

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epeating a word over and over again, until it loses its meaning is a psychological exercise known as “semantic satiation.” If this is extrapolated to day-to-day life, a lot more happens than what we can notice.

Passing through the same spaces everyday without noticing movement, integrating the classic decorations of a home and even being indifferent to social problems are just some of the symptoms that indicate satiety, inertia and loss of meaning.

Desplazar la manera en que usualmente se ven las cosas para comprender su entorno inmediato, es una de las principales misiones que la artista Evelyn Tovar (1985) propone en su trabajo. De este modo, en la obra “Bloque” de la serie Tectónica por ejemplo, la artista recolecta el polvo de ladrillo que sobra de las incesantes construcciones que agobian la ciudad. Con este residuo, fabrica el material con el cual construye pequeños módulos que gracias a los diferentes cortes, configuran un vacío que representa el impacto que genera al entorno la desmedida explotación de los recursos naturales y el desarrollo urbanístico.

Shifting the way in which we usually see things in order to understand their immediate environment, is one of the main missions that the artist Evelyn Tovar (1985) proposes in her work. Thus, in the piece “Block” from the Tectónica series, for example, the artist gathers dust from bricks that are left over from continuous construction which stifles the city. With this waste, she makes the material that she uses to construct small pieces which, thanks to different cuts, create an empty space representing the impact that the excessive exploitation of natural resources and urban development have on the environment.

A partir de una serie de inquietudes que intentan y necesitan tener conciencia de todas las situaciones o ideas representadas, la artista trabaja desde una serie de conceptos u objetos que siempre han estado a su alrededor, o bien, desde aquellas preocupaciones que surgen en su habitual tránsito por la ciudad. De este modo, tanto la transformación del espacio público, la sustentabilidad o el bienestar económico de las personas, como los tejidos, plantas y decoraciones con las que Evelyn Tovar convivió en su niñez, son motivo de reflexión para su obra. “Mi trabajo está enfocado en un proceso de comprensión de mi entorno, de memorias y recorridos propios por la ciudad

Starting with a series of concerns that try and need to be aware of all the situations or represented ideas, the artist works based on a series of concepts or objects which have always been around her, or, based on those concerns that spring forth as she regularly strolls through the city. Thus, the transformation of a public space, sustainability or the economic welfare of people, in addition to the tissues, plants and decorations that Evelyn Tovar lived with during her childhood, are the reflection cause for her work. “My work focuses on a process of understanding my environment, memories and my own trips through the city from such private places, like my home, and

Reserva, 2015, serigraf铆a con polvo de carb贸n sobre papel y pvc expandido, 160 x 160 x 20 cm.

Detalle de Bloque, 2015, serigrafĂ­a con polvo de ladrillo sobre papel y pvc expandido, 180 x 120 x 20 cm.

desde lugares tan privados como el hogar y la manera como este se emplaza en ella, hasta lugares públicos que poseen una resonancia en la manera en que comprendemos el espacio que habitamos, situaciones que considero de encuentro común con otras personas”, señala la artista.

the way this is placed in the city. It is also focuses on public places that have resonance in the way in which we understand the space that we inhabit, situations which I consider to have in common with other people,” says the artist.

Evelyn Tovar, por primera vez, en febrero de 2015, presentó su trabajo fuera de las fronteras de Colombia. La ocasión fue la feria madrileña JustMad6, espacio donde su obra Terraplén –un paisaje hecho a partir de dinero colombiano– no cobraba el mismo sentido en sus observadores. “Fue interesante ver la interacción de personas que no tienen como referente político e histórico el billete de mil pesos colombianos que se usó en esta obra como concepto y materia principal”, afirma Evelyn Tovar.

In February of 2015, Evelyn Tovar exhibited her work outside of Colombia for the first time. This was for the JustMad6 art fair in Madrid, a space where her piece Terraplén, a landscape made of Columbian money, didn’t have the same meaning for its viewers. “It was interesting to see the interaction of the people who didn’t have a political and historical reference of the Colombian one thousand peso bill that was used in the work as a concept and primary material,” states Evelyn Tovar.

Sin embargo, no solo por abordar temáticas o eventos de índole cotidiano o local se caracteriza el trabajo de la artista, sino que también, por utilizar objetos comunes para materializarlo. Evelyn Tovar asegura que: “Los materiales me ayudan a que la obra sea más cercana al público. Gracias a que tienen una información previa, estos elementos se convierten en habitantes permanentes de una memoria colectiva, y al ser utilizados dentro de la obra detonan además de ciertos significados, una serie de recuerdos que podrían enmarcarse dentro de lo popular”.

However, what sets this artist’s work apart from others isn’t just the fact that she tackles issues or events of an everyday or local nature, but also the fact that she uses common objects to do so. Evelyn Tovar says that: “The materials help me to bring the piece closer to the public. Since they have prior information, these elements are turned into permanent inhabitants of a collective memory, and upon being used within the piece, they also spark certain meanings, a series of memories that could be defined within what’s popular.”

Lo dominante y lo dominado

The dominating and the dominated

De acuerdo a Evelyn Tovar, su trabajo se centra en develar un conjunto de circunstancias de un lugar en desarrollo, el país y –más específicamente– la ciudad en constante construcción en la que vive, incluyendo una serie de tramas que van desde el interés por el bienestar común, hasta una preocupación por el uso del espacio público y cómo este afecta a quien lo habita. La artista siente un fuerte interés por abordar las relaciones de poder, asegurando que se dan en todo momento y situación. “Es una relación tácita que busco evidenciar de alguna manera en mi trabajo; la relación entre lo dominante y lo dominado, entre uno y otro, que denotan jerarquías que se inscriben implícitamente en una serie de procesos sociales, políticos o económicos”, afirma. Para esto recurre a diferentes estrategias formales, como el uso de materiales que evidencian estas situaciones.

According to Evelyn Tovar, her work focuses on revealing a set of circumstances of a developing place, country and –more specifically– the city under constant construction in which she lives, including a series of connections that range from interests in common welfare, to a concern for the use of public space and how this affects the people that inhabit it. The artist is strongly interested in tackling power relations, while ensuring that they exist in any given moment or situation. “Somehow, I seek to show a tacit relationship in my work; the relationship between those that dominate and those who are dominated, between one and the other which denote hierarchies which implicitly fall within a series of social, political or economic processes,” she states. For this, she turns to different formal strategies such as the use of materials that show those situations.

En la obra Superposición II, por ejemplo, la artista superpone un bloque de mármol a uno de concreto y, entre medio de ambos las palabras “pueblo” y “república” escritos en código binario con los ceros y unos de los billetes de mil. La artista se ayuda de elementos por su capacidad de yuxtaponer ciertas definiciones o contenidos.

In the piece, Superposición II, for example, the artist puts a block of marble on top of a concrete one and between both them the words “nation” and “republic” are written in binary code with the zeros and ones from the one thousand peso bills. The artist uses these materials due to their ability to juxtapose certain definitions or contents.

De esta forma, las obras de Evelyn Tovar abordan problemáticas que son el reflejo del momento y el lugar en el que vive, y al escoger cualquier tipo de problemática social como fuente de investigación artística, o al tratar de entender un proceso o suceso social por medio del arte, busca generar una nueva manera de mostrar algo que es común a todos, y poder concebir así una imagen que se convierta en el testigo de su tiempo, como una manera de conocer, registrar, reflejar o retratar el espíritu de un momento histórico específico, para que por más que se repita, no pierda su sentido.

In this way, Evelyn Tovar’s work addresses problems that are a reflection of the moment and place she is living. When she chooses any type of social problem as her source of artistic research, or when she tries to understand a social event or process through art, she seeks to create a new way of showing something that is common to all. She also wants to be able to create an image that becomes the witness of her time, like a way of getting to know, recording, reflecting or depicting the spirit of a specific historical moment, so that even if it is repeated, it doesn’t lose its meaning.

Superposici贸n II, 2014, m谩rmol, concreto y papel moneda, 12 x 16 x 12 cm.

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Argentina | Argentina Artista Multidisciplinar | Multidisciplinary Artist

Paula Diringer Puntadas gestuales Gestural stitches En un mundo adverso y duro Diringer opone una suave nube lúdica como refugio de lo imaginario.

In an adverse and tough world, Diringer provides a soft playful cloud as a haven for the imagination.

Por Luciana Acuña. Crítica y curadora de arte (Argentina).

Imágenes cortesía de la artista.

Detalle de Nimbus, 2013, ensamblaje de piezas de polietileno expandido, 160 x 250 x 40 cm.

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Diringer recuerda de sus primeros años de vida, los tesoros de su madre modista, cajas que contenían botones e hilos y esa posibilidad de un imaginario de colores, texturas y brillos. También recuerda que las enseñanzas aprendidas de madres y tías la nutrieron de técnicas, en costura, bordado y tejido, fueron para ella como un legado familiar precioso que asumió como un tiempo compartido con ellas y que luego ella misma al haber superado sus enseñanzas, les compartió sus nuevas indagaciones revirtiendo los roles, colocándose Diringer en el lugar de la enseñanza.

Diringer remembers her first years of life and the treasures of her mother, a fashion designer, which consisted of boxes containing buttons and spools of thread along with the possibility of an imaginary world of colors, textures and splendors. She also remembers that the lessons learned from mothers and aunts, who provided her with techniques in sewing, embroidery and knitting, were, for her, like a precious family legacy that she saw as time shared with them. Later, upon surpassing their teachings, she shared her new discoveries with them, thus reversing the roles, and placing Diringer in the position of teacher.

Si bien, al crecer, ese imaginario se derribó por la aceptación de una realidad que nada tenía de mágica, Diringer tomó la decisión de construir un mundo posible como contraposición y refugio lúdico. Este refugio se ve reflejado en un hacer íntimo, dado por el contacto intrínseco de los materiales que la artista elige hasta el día de hoy. En muchos casos los disparadores surgen desde los orígenes más diversos, muchas veces la fotografía, la literatura misma, la cotidianeidad e incluso la circunstancia del hallazgo de material en contextos de descarte, logrando en ello una resignificación.

Even though, upon growing, that imagery was demolished by the acceptation of a reality where nothing was magical, Diringer decided to build a possible world as a ludic haven and comparison. This haven is reflected in intimate work due to the inherent contact of the materials that the artist still chooses to work with to this day. In many cases, the triggers emerge from more diverse origins, often consisting of photography, sometimes consisting of literature, everyday life and even the situation of finding abandoned material and giving it a new meaning.

El eje temático que más predomina en sus búsquedas plásticas, según Diringer, es la naturaleza. Esto no es casual, ya que formalmente predominan lo orgánico, lo curvo y enroscado, la blandura visual y la ley de gravedad.

The predominant central theme in her artistic endeavors, according to Diringer, is nature. This isn’t by chance, since formally the organic, curved and coiled take precedence, as well as visual blandness and the law of gravity.

En cuanto a filiaciones artísticas, la artista manifiesta sentir una estrecha identificación con la figura de Louise Bourgeois, dado que considera su origen artístico a partir de su legado familiar “salvando las distancias”, según explica; y también desde su imagen estética tan femenina y expresiva, además de su herencia discursiva que plantea la posibilidad de un acto de reparación, que lo sintetiza con la aguja.

In regards to artistic relationships, the artist closely identifies with Louise Bourgeois’ figure, since she considers her artistic background on the basis of her family legacy “relatively speaking”, as she explains; she also identifies with her through her ever so feminine and expressive aesthetic images, as well as her discursive heritage that poses the possibility of an act of reparation, which she encapsulates with a needle.

En cuanto a filiaciones locales –concretamente de Latinoamérica–, la figura de Ernesto Neto es más que relevante por la idea de lo lúdico de sus obras que posibilitan al espectador interactuar con su trabajo. En cuanto a sus

In regards to local relationships –specifically in Latin America–, the figure of Ernesto Neto is important due to his work’s idea of playfulness which allows the viewer to interact with it. In regards to her references, as a guide, the

aula Diringer se forma de manera autodidacta e independiente de las formalidades académicas. Es quizás este punto el que destaca en el corpus de sus obras inasibles de definir. Sus indagaciones plásticas surgen en distintos ámbitos, ya sea la fotografía, la escultura objetual, la instalación, los site specific, u otros. Pero siempre hay una constante: la materialidad manipulada desde la puntada en ese hacer tan dedicado. El hilo, la madera, el cartón corrugado, los bastidores entelados e incluso la pintura, son los soportes elegidos de ser atravesados por estas decididas puntadas.

aula Diringer is self-taught artist who learned without the formalities of the academia. Perhaps this is what stands out in her hard-to-define body of work. Her visual investigations arise from different fields such as photography, sculpture, installation, site-specific pieces, among others.

However, one thing is always constant: the material used is based on stitches in her devoted work. Thread, wood, corrugated cardboard, stretched canvases and even paint are the mediums of choice that she purposefully stitches through.

L谩grimas grises, 2013, costura y bordado con relieve y aplicaci贸n de cuentas, 35 x 35 x 60 cm.

referentes, como guía, la artista Berta Teglio tiene un especial lugar, ya que ella ha sido la persona más cercana a la hora de transitar su camino en el arte textil contemporáneo.

artist Berta Teglio holds a special place, since she has been the person who is closest when it comes to going down her path in contemporary textile art.

Difícil de definir, la obra de Diringer es fiel reflejo del espacio ganado y consolidado del arte textil contemporáneo. No es una novedad que los límites del arte son cada vez más difusos, es por esto y mucho más que el arte textil incluye y posibilita una multiplicidad ilimitada de materiales elegidos. Sin embargo, el saber más ancestral es constitutivo y permanente: la puntada.

Estas puntadas que lo atraviesan todo como un saber antiguo y perdurable, se vinculan irremediablemente con la construcción de un mundo femenino –independientemente de los temas de género.

Though hard to define, Diringer’s work is a faithful reflection of how contemporary textile art has grown. It’s not new that the limits of art are increasingly vaguer. Because of this and many other reasons, textile art includes and allows for an endless number of materials to choose from.

However, the most ancient knowledge is constitutive and permanent: the stitch. These stitches which pass through everything as an ancient and enduring wisdom, are inevitably linked to the construction of a feminine world –regardless of gender issues.

Ante esto, Diringer otorga una nueva y singular mirada, cargada de resemantizaciones con formas suaves y recorribles que se insertan en el espacio. Es lo tangible de lo inmaterial, lo cual esta artista vuelve realidad, y en este punto posibilita un espacio utópico en una realidad que abruma, es el refugio de lo imaginado y soñado en donde la posibilidad de transitar lo etéreo se vuelve posible. De esta forma, al contemplar sus construcciones “nubosas” no dejo de pensar en la niñez y en esa creencia donde todo era posible, incluso la de tocar las nubes con las manos. En un mundo en donde la injusticia y el Estado de excepción son graves a nivel mundial, la obra de Diringer resiste a esa mirada de resignación que desiste de creer que hay esperanza y es, en este punto, en donde la concepción de lo utópico se hace presente.

In face of this, Diringer provides us with a new and singular point of view, loaded with new meanings with soft and accessible forms that are placed in the space. This artist turns the tangibility of immateriality into a reality, and at this point she makes it possible to have a Utopian space in an overwhelming reality. The haven of what is imagined and dreamed is where it is possible to roam through ethereality. In this way, upon thinking about her “cloudlike” constructions, I can’t stop thinking of childhood and that belief where everything was possible, even touching the clouds with your hands. In a world where injustice and states of emergency are a serious issue worldwide, Diringer’s work opposes that mindset of resignation that stops believing that there is hope. It is here where the concept of Utopia is made present.

Por otro lado es maravilloso cómo la artista construye desde un modo de ver los materiales mas allá de la función para lo cual fueron creados. Es así que todos aquellos desechos de la industria textil se transforman en tesoros de belleza.

Diringer se presenta como una esteta que puede ver más allá de nuestras limitaciones y nos brinda esa posibilidad de abrirnos como espectadores, de ser partícipes de una nueva percepción del mundo que nos rodea. Nos invita a detenernos y mirar detalladamente, nos invita a tocar y sentir, la obra de arte tiene un sentido lúdico y participativo, sin esa predisposición no es posible asimilar este mundo utópico y esperanzador.

On the other hand, it is amazing how the artist creates based on a way of seeing the materials beyond the purpose they were created for. This is how all that waste from the textile industry is transformed into beautiful treasures.

Diringer presents herself as an art lover who can see beyond our limitations and she gives us the opportunity to open up as viewers and take part in a new perception of the world surrounding us. She invites us to stop and carefully look. She invites us to touch and feel the work. It has a playful and participative quality to it, and without that predisposition, it isn’t possible to recognize this Utopian and hopeful world.

Actualmente, donde el arte contemporáneo se vuelve incomprensible para aquellos espectadores “no formados”, la obra de Diringer interpela naturalmente a lo que es reconocible de nuestro mundo perceptivo. Lo vivencial posibilita una nueva comprensión, y es en cada una de nuestras subjetividades donde ese imaginario encuentra lo tangible y la esperanza de nuestra niñez se vuelve presente.

Currently, where contemporary art becomes incomprehensible for those “untrained” viewers, Diringer’s work naturally questions what is recognizable of our perceptive world. The existential enables a new understanding, and it is within all of our biases where that imagery finds tangibility and the hope from our childhood become present.

V贸rtice 3.14, 2012, ensamblaje de piezas de polietileno expandido, 160 x 160 x 250 cm.

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Brasil | Brazil FotografĂ­a | Photography

Julio Bittencourt Sudor fotográfico, impacto latino Photographic sweat, Latin American impact

Cuando Brasil significa colores traducidos en alegría, pasión y fuerza, el trabajo de este artista genera un territorio que desnuda un nuevo mundo visual, desgaja su sonrisa y nos plasma la realidad corporal de esta sociedad para combinarla con el espacio en el que todo sucede. Con impronta latina, cambia el foco de diferentes países y, con impensados puntos de vista, nos muestra fotos donde parecía que nada pasaba.

When we think of Brazil as colors translated into joy, passion and strength, the work of this artist creates a land that peels away a new visual world. His smile is stripped away and he reveals the physical reality of this society in order to combine it with the space in which it all takes place. He changes the focal point of different countries with typical Latin American attributes, and with unimaginable perspectives, he shows us photos where it would seem as if nothing was happening.

Por Leticia Abramec. Periodista (Argentina).

Imágenes cortesía del artista.

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ulio nació en San Pablo, pero como su padre era periodista de un diario financiero lo derivaron como corresponsal a Nueva York. En 2002, comenzó su carrera como fotógrafo, luego de estudiar diseño industrial, rápidamente comprendió que si bien la estaba disfrutando, no era algo que realmente lo apasionara. Mágicamente, y casi de casualidad, apareció la fotografía como un accidente que acomodó sus pasos hacia otro foco. Sin dudas, las dos ciudades que formaron su cultura de vida, son potencias que impulsan desde raíces disímiles. Él logra mezclarlas en un diálogo común y las expone en un negativo revelado que narra y desarma la lógica, para comunicar entre brillos y sombras un mundo más.

Cada una de sus series cuenta un relato diferente, donde la identidad se mantiene a través de cada imagen y se confirma por medio de sus paletas de color, de sus miradas precisas. “Creo que todos tenemos nuestros backgrounds, nuestras historias

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ulio was born in São Paulo, but his father was a journalist for a financial newspaper who was sent to New York as a correspondent. In 2002, he began his career as a photographer after studying industrial design and he learned quickly that if he wasn’t enjoying what he was doing, he didn’t really passionate it anyway. Magically and almost by chance, photography entered the scene as a happy accident that later put this artist on the path towards another focus.

Undoubtedly, the two cities that made up his cultural experiences are forces driven by disparate roots. He manages to mix them together in a common dialogue and he exhibits them in a developed negative that narrates and dismantles logic in order to convey another world between light and shadows.

Each one of his series tells a different story, where identity endures through each image and is confirmed through his color palette and his precise viewpoints. “I think that we all have our own backgrounds, our own stories about family, friends and De la serie Kamado, “Daidokoro 06”, 2013, C-Print, 80 x 120 cm.

de familia, de amigos e intereses personales que van modificando nuestras vidas.

Como fotógrafo sucede lo mismo, uno va cambiando según las propias experiencias.

Siento que ser un fotógrafo siempre será un permanente work in progress, como en la vida misma”, cuenta Julio. Y a la hora de recordar sus experiencias más movilizantes, comparte: “Desde mi primer proyecto, Las ventanas de Prestes Maia, fui fotografiando aquello que me resultaba más familiar: la sociedad y su entorno, los ambientes que rodean a cada persona, el contexto de las ciudades”.

Lo que cuenta, se evidencia en sus imágenes. Quizá, si no supiéramos su país de origen, lo estaríamos intuyendo. La serie de las ventanas a la que hace referencia, es una de las pruebas de todo aquello que hace la personalidad de sus obras: colores tierra, grises en potencia y un manejo de luz, sombra y brillo que parece de otro planeta, pero que inevitablemente hablan de Latinoamérica, de la fuerza desgarradora y sublime de miradas directas, de risas espontáneas y de un zoom que se direcciona casi naturalmente al foco del suceso.

Además de sus ventanas pobladas de vida y de esa cotidianidad infinita que se reinicia en cada prenda colgada para secarse, también existe el mundo silencioso de Kamado. Despoblado y sin risas, toma el lugar de recuperación del espacio y resignifica el vacío rescatando el espíritu de sitios en los que sucedió más de lo que inmediatamente vemos. "Kamado fue realizada en Japón. Es un trabajo que intenta comunicar el paso del tiempo, aquello que llevamos con nosotros para toda la vida, como también lo que dejamos atrás. La idea de retratar fábricas abandonadas también está presente en la serie Some things are lost never to be found again. Me fascina ese contexto de trabajo que tiene un fuerte anclaje en el período industrial y lo vinculo directamente con la ansiedad y la curiosidad que nos lleva a preguntarnos todos los días lo mismo: ¿hacia dónde vamos?”, reflexiona.

En Kamado, además indaga sobre las superpoblaciones, las cuales exceden la presencia de un protagonista en su imagen, y aquí reside la magia de su obra. Aún cuando el espacio parece vacío y desolado, oscuro y apagado,

individual interests that change along the course of our lives. As a photographer, the same thing happens. You gradually change according to your own experiences.

I feel that being a photographer will always be a continuous work in progress, like life itself,” says Julio. When it comes to recalling his most moving experiences, he shares: “Since my first project, Las ventanas de Prestes Maia, I was photographing things that I am familiar with: society and its surroundings, the environments that surround each person, the context of the cities.”

The story he tells is shown in his images. Perhaps, if we didn’t know his home country, we would sensing it. The series of windows that he alludes to is proof of that which gives his work personality: earth tones, shades of gray and the ability to use light, dark and value which seems other-worldly, but that inevitably speaks about Latin America, heartbreaking strength and the sublime direct gazes, spontaneous laughter and the zoom that is almost naturally directed towards the center of the occurrence.

In addition to his windows full of life and that infinite everydayness which is reactivated in every article of clothing hung to dry, the silent world of Kamado also exists. Deserted and not a smile in sight, he takes the place space’s reclamation and gives the empty space a new meaning by retrieving the spirit of sites where there is more than meets the eye. “Kamado was made in Japan. It is a piece that tries to communicate the passage of time, the things that we carry with us throughout our lives, as well as things that we leave behind. The idea of photographing abandoned factories is also present in the series Some Things Are Lost Never to Be Found Again. I am fascinated by that work context which is strongly tied to the industrial period and I directly link it to the anxiety and curiosity that lead us to wonder about the same thing every day: “Where are we going?” he asks.

In Kamado, he also inquires about overpopulation, which surpasses the presence of a protagonist in his image, and it is here where the magic of his work resides. Despite the space seems empty and deserted, dark and dull, it De la serie Kamado, “Daidokoro 07”, 2013, C-Print, 80 x 120 cm.

capacidad de transmitir un sinfín de sensaciones que transportan a un mundo de recuerdos, e invitan a imaginar todas las historias posibles, poniendo en juego un desafío sensorial que, indefectiblemente, moviliza las interpretaciones básicas de cualquier espectador. Lo solitario puede tener un carácter de firmeza, aún cuando el mito de la soledad está rodeado de tristeza.

Las obras de Julio Bittencourt no pasan desapercibidas en el circuito de fotógrafos del mundo, sus trabajos fueron publicados en medios como Time, Le Monde, The Wall Street Journal, The Guardian, Stern y The New Yorker, entre tantos otros que representan la prensa internacional más importante, no sólo del nicho de aficionados, sino también en cultura. Esto solo nos confirma que estamos ante una obra que explora la materialidad de la imagen más allá de lo que puede narrar una situación naturalmente. Julio es un entusiasta, ávido de atravesar las posibilidades de la estética y jugar con la imagen para satirizarla con respeto y cuidado visual. Aunque la fotografía esté expuesta a la naturalidad de lo espontáneo, es muy difícil que algo quede ligado a la desprolijidad del azar o a la desatención al entorno.

Las idiosincrasias de San Pablo y Nueva York son inevitables. La presencia de una multiculturalidad de lenguajes visuales se expresa de manera libre en una comunión de brillos y sombras. Esto se presenta como la mejor manera de cruzar esencias y hacerse cargo de la actualidad de las comunidades. Sin dudas, Bittencourt realiza un trabajo social a través de la fotografía y se compromete con su visión personal: “Capturar el tiempo significa hacer que esa energía siga manteniendo su propia luz”.

La unidad de sentido y paletas de color, son dos condiciones de sus obras completas. Va por más y sigue comprometiendo la esencia de su arte, dejando en claro que su hilo conductor es aquello que nos une más allá de nuestro origen o historia personal. Allí donde exista una imagen de Bittencourt, habrá una expresión de cuerpo y esencia, de materialidad y tiempo. Su obra es la presencia infinita del ser en una fotografía iluminada por la potencia humana.

is able to convey an endless number of sensations that transport us to a world of memories and invite us to imagine all the possible narratives, thus bringing a sensorial challenge that inevitably drives the viewer’s basic interpretations.

Solitude may have a character of firmness, even though the myth of solitude is surrounded by sadness.

Julio Bittencourt’s work hasn’t gone unnoticed in the circuit of photographers worldwide.

His work has been published in media outlets such as Time, Le Monde, The Wall Street Journal, The Guardian, Stern and The New Yorker, among so many others that represent the most important international media outlets, not only pertaining to aficionados, but also in culture. This only confirms to us that we are standing before a work that explores the materiality of the image beyond to what a situation can naturally narrate. Julio is an enthusiast and is eager to dive into aesthetic possibilities and play with the image in order to satirize it with visual regard and care. Although the photograph is exposed to the naturalness of spontaneity, it isn’t likely that something remains linked to random carelessness or to the neglect of the environment.

The idiosyncrasies between São Paolo and New York are unavoidable. The presence of multiculturalism among visual languages is freely expressed in a symbiosis of light and shadow. This is exhibited as the best way to blend essences and take responsibility for the communities’ current situations. Without a shadow of a doubt, Bittencourt makes social pieces through photography and is committed to his individual vision: “Capturing time means making sure that energy maintains its own light,” he explains.

The sense of unity and the color palettes are two conditions of his finished pieces.

He goes for more and continues to use the essence of his art, making it clear that his central theme is that which unites us beyond our origin or individual background.

There, where Bittencourt’s image exists, we will find and expression of body and essence, an expression of materiality and time. His work is the infinite presence of the being in a photograph illuminated by human potential.

De la serie Kamado, “Daidokoro 23”, 2013, C-Print, 80 x 120 cm.

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Brasil | Brazil Pintura | Painting

Patricia Salamonde EL ARTE ES Concreto es el arte y fluidO como el tiempo Art is concrete and fluent as the time La obra de Patricia Salamonde tiene una clave de lectura: borrar los subtítulos, dejar que la obra alimente el alma y llene de placer la mirada.

There’s a key to interpreting Patricia Salamonde’s work: get rid of the subtitles, let the piece feed your soul and fill your eyes with pleasure.

Por Daniele Butturini. Periodista (Italia) Imágenes cortesía de la artista.

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La realidad como un revoltijo de idiomas

Reality as a hodgepodge of languages

Idiomas orgánicos y portadores de un significado, dentro de una realidad definida, que son capaces de codificarse, pero son, a la vez, ilegibles al exterior. Diferentes culturas y diferentes formas de pensar componen un imaginativo completo de las posibilidades.

Una realidad medible y que se circunscribe de manera diferente, dependiendo del ojo que la observa. El espacio elimina el tiempo y se convierte en un lugar de posibilidades. Lugar de éxtasis y movimiento, de elección. El hombre está llamado a componer la realidad. Y en sus obras, en efecto, parece encontrarse el elemento del juego, como habilidad de imaginar y “del hacer”, cual fuerza del cambio. El mensaje: librarse de las superestructuras, del yugo del conocimiento que canaliza el pensamiento para abrazar una liberación de las ideas que se traduce en formas nuevas.

Organic languages and bearers of a meaning within a defined reality which is able to encrypt them, but isn’t legible from outside. Different cultures and ways of thinking make up an imaginative “totality” of the possibilities. A measurable reality that is limited in a different way, depending on the eye that observes it. The space eliminates time and it is turned into a place of possibilities. It is a place of bliss and movement, of choice. Man is called upon to compose reality. And in her pieces, in fact, we can find part of the game, like the ability to imagine and “create”, like forces of the change. The message: free yourself rom the superstructures, from the bonds of awareness which channel thought to embrace the release of ideas that are translated into new forms.

atricia Salamonde aborda su obra desde la visual, desde la no interpretación y desde la satisfacción de quien se enfrenta a sus cuadros: “mientras muchas obras de arte conceptual exigen un pensamiento complejo por detrás del objeto, yo destaco la importancia de un arte plástico, sin demanda por interpretación. No quiero que el espectador se sienta fracasado delante de mi obra”, explica la artista. Su obra por ende, se sale de lo hermético; se aleja de la búsqueda incesante de explicaciones, de metáforas, debates, discusiones o angustias. De esta forma crea de una obra abierta, explícita, clara, transparente, en sus palabras: “simple de ser amada u odiada; un arte sin abismos”, señala.

atricia Salamonde approaches her work from visuality, noninterpretation and the satisfaction of those who come face to face with her work: “while many works of conceptual art demand complex thinking in regards to the piece, I emphasize the importance of visual arts without requiring interpretation. I don’t want the viewers to feel like they failed when viewing my work,” explains the artist. Her work, therefore, emerges from the inscrutable; it breaks away from the incessant search for explanations, metaphors, debates, discussions or concerns. Through this, she creates open, explicit, clear, transparent pieces that she describes as: “easy to be loved or hated; art without barriers,” she states.

Concreto 14, 2013, acrĂ­lico sobre tela, 40 x 50 cm.

“Después de 10 años trabajando como periodista, al lidiar cotidianamente con la realidad, el arte me permitió un escape. Creo que lo que tanto me atrae en la abstracción geométrica es justamente esa capacidad de desconexión del arte con la realidad de hoy”. El color y las líneas modeladas por la artista, se convierten en forma e intención, en un proceso de estratificación y de sublimación de la experiencia, que se distancia de un discurso de mimetismo superficial y aparente. En este sentido el arte vuelve a ser espejo de la realidad, una realidad que nunca es la exterior de las imágenes y que se re-ensambla siempre dentro del marco de sentido, en el cual el creador y el espectador son incluidos. En este “pacto” no explícito con el observador, este es llamado a participar y completar lo que sugiere el artista.

“After working 10 years as a journalist, dealing with reality on a daily basis, art gave me an escape. I think what draws me to geometric abstraction so strongly is its capacity for disconnection regarding art and today’s reality.” Color and lines formed by the artist change shapes and meaning in a process of layering and sublimation of the experience, which is distanced from a statement of superficial and feigned mimicry.

In this sense, the art becomes a mirror of reality, a reality which is never the exterior of the images and which is always reassembled within the same meaning, in which the creator and the viewer are included. In this non-explicit “pact” with the viewer, he or she is called upon to participate and complete what the artist suggests.

“Creo que mi obra logra la conexión con los años en que la creé, y la estoy creando, a través de la paleta y de las combinaciones de color, mucho más intensa y arriesgada que lo que se solía utilizar en los años 50. La mayor carga de elementos, que puede ser vista en los primeros trabajos de la serie, también puede ser un reflejo de la sociedad actual desbordada de información.

Es el inconsciente el que comprueba al arte como espejo. Sin embargo, el arte también es fluida, como el tiempo, y no tan objetiva como el espejo de la realidad”, señala Patricia, quien en su obra juega con la fluidez del tiempo, con materiales tan tradicionales como la pintura acrílica, donde el soporte y la técnica tienen fuerte influencia en los años 50, con la plástica que refleja en series como Concreto, donde la abstracción geométrica adquiere gran relieve.

“I believe that my work manages the connection with the years in which I created it. Now, I create work using a much brighter and bolder palette of colors and combinations than what I used to use in the ‘50s. The brunt of my pieces, which can be seen in the first pieces of the series, also can be a reflection of today’s society overflowing with information. It is the unconscious that proves art as a mirror. However, art is also fluent like time, and not as objective as the mirror of reality,” says Patricia, who, in her work, plays with the fluidity of time. She also plays with traditional materials such as acrylic paint, where medium and technique had a strong influence in the ‘50s, and visual arts which she reflects in series like Concreto, where geometric abstraction takes on a great importance.

En la pintura de Salamonde, son tangibles las influencias de artistas e intelectuales como Hélio Oiticica y Lygia Clark. Si no es posible encontrar una única fuente de inspiración para sus creaciones, sin duda se puede detectar una innegable consonancia con los movimientos culturales y artísticos de finales de los años sesenta y, quizás, en mayor medida con el concretismo de los cincuenta. Sus telas reflejan el recorrido formativo del artista en esta dirección, quitando gradualmente la mirada figurativa en las cosas a favor de una elaboración más abstracto. “Mi serie Blocos, creada en el 2014, tiene fuerte influencia de esos artistas y otros concretistas, neoconcretistas y maestros de la abstracción geométrica, tales como Ivan Serpa, Amilcar de Castro, Rubem Ludolf, Decio Vieira, Aloisio Carvao, Volpi. Fue mi primer trabajo tridimensional dentro de la serie Concreto, mis primeros objetos de arte. Los Blocos son estructuras de madera, cada uno con 7 bloques, pintados de los dos costados, y que se mueven con la intervención del publico, que cambia las combinaciones de dibujos y colores”, finaliza la artista.

Salamonde’s paintings contain tangible influences from artists and intellectuals such as Hélio Oiticica and Lygia Clark. If we can’t find a single source of inspiration for her creations, surely we can detect an undeniable accordance with the cultural and artistic movements at the end of the ‘60s and, perhaps, to a large extent with the concretism in the ‘50s. Her canvases reflect the artist’s educational journey in that direction, while gradually taking away the figurative stance on the things in favor of more abstract creation. My series Blocos, created in 2014, is strongly influenced by those artists and other concretists, neo-concretists and masters of geometric abstraction such as Ivan Serpa, Amilcar de Castro, Rubem Ludolf, Decio Vieira, Aloisio Carvao, and Volpi. My first three-dimensional piece was part of the Concreto series, which made up my first works of art. Blocos are wooden structures, each made of 7 blocks painted on two sides, and that can be moved by the public, which changes the combinations of drawings and colors,” concludes the artist.

Concreto 4, 2012, acrĂ­lico sobre tela, 40 x 50 cm.

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Ucrania | Ukraine Pintura | Painting

Bohdan Burenko La máscara herida The wounded mask Como una llaga imposible de cicatrizar, la obra de Bohdan exprime la oscuridad latente de las angustias humanas.

Invocando los sentimientos de la naturaleza ontológica, irrumpe en el retrato para desentrañar la superficialidad de lo cotidiano en miradas imposibles. Sus fotografías, intervenidas con trazos vertiginosos, exploran lo más intrínsecos de cada personaje, sin dejarnos saber quién es quién, invitándonos al behind the scenes de la belleza común y corriente.

Like a wound that never heals, Bohdan’s work exploits the latent darkness of mankind’s distress. By conjuring up feelings of an ontological nature, he invades the portrait to unravel the superficiality of everyday life through impossible outlooks. His photographs, which are intervened by dramatic lines, explore the most intrinsic aspects of each character, without letting us know who is who, while inviting us behind the scenes of common and ordinary beauty.

Por Leticia Abramec. Periodista (Argentina).

Imágenes cortesía del artista.

gman 4.3 ,acrĂ­lico sobre tela, 90 x 90 cm.

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ara transitar la obra de Burenko, no hace falta más que contemplar la interioridad personal con la que convivimos a diario. Ese silencio de temor, tristeza o congoja que transitamos subjetivamente sin casi darnos cuenta. Indagar en sus conceptos e ideas es confirmar el aura de sus retratos, es adentrarse en las palabras que narran lo que sus pinceles trazan, es acompañar la imagen con un cuento.

o explore Burenko’s work, all that needs to be done is to think about the inner being that we live with on a daily basis. It is that silence from fear, sadness or worry that we subjectively move through almost without realizing it. Inquiring about his concepts and ideas is a way of validating the aura of his portraits, it is a way to explore the words that narrate of what his brushes paint; it is accompanying a story to the image.

La trama que atraviesa cada personaje de Bohdan es un viaje inquietante hacia las sombras del ser humano. Sorprende saber que este artista tiene apenas 28 años, pero acercándonos a su historia comprendemos su experiencia transformadora y algunos caminos que, elegidos o no, determinan la manera de ver el mundo. “Era muy pequeño cuando fui al entierro de mi hermano mayor. Allí experimenté esa sensación existencial de desesperación y me transformé en un adulto con tan sólo ocho años. Desde ese momento, mis pensamientos sobre la muerte nunca me abandonaron. Creo que el tema de la muerte y el sentimiento de la finitud de la existencia están bastante presentes en varias de mis series”, explica el artista. En una de las etapas más fuertes de la vida, Bohdan entendió y comprendió lo que significa desaparecer, no estar más, partir, según cuenta: “Incluso una de mis series se titula Funeral, y una de las características principales fue ese sentimiento de desesperación.

El hombre es el único ser viviente consciente de que tarde o temprano su fin va a llegar y morirá. Esa sensación vive con él y nadie lo puede ayudar”.

The connection that each of Bohdan’s characters share is an unsettling journey towards man’s shadows. It is surprising to find out that this artist is just barely 28 years old, but as we get to know his story, we understand his transformative experience and some paths that, whether chosen or not, determine how we see the world. “At a very early age, I experienced this existential feeling of despair when we buried my older brother. I was eight.

I became an adult then and ever since thoughts about death have never left me. I think that the subject of death and the feeling of the finitude of existence are also present in my other series,” explains the artist. In one of life’s hardest stages, Bohdan experienced and understood what it meant to disappear, to no longer be there anymore, to pass away. According to him: “Even one of my series is entitled Funeral. One of the key features of this series is human despair. Man is the only living thing that is aware that sooner or later his end will come, that he will die; this feeling of despair is always with him. No one can help him.”

El punto de fuga de las imágenes de este artista fue, sin dudas, uno de los misterios más intrigantes de la humanidad y, en vez de negarlo, decidió trabajar y dialogar con él desde la imagen más desgarradora de la cara humana.

Bohdan se nutre, incluso, de la etimología rusa para comenzar a narrar sus retratos: “El rostro, es la parte más individual y personal del cuerpo humano. Si la percibimos como una totalidad, seremos capaces de determinar la identidad de una persona. La palabra rusa que se usa para decir identidad o personalidad (личность) nace de la palabra cara (лицо). Si no tuviéramos rostro, si se perdiera o no hubiera nada allí, ¿perderíamos nuestra identidad o ganaríamos una nueva? Mi desafío como artista es crear una representación expresiva y poderosa de los rostros”.

The vanishing point of this artist’s images was, undoubtedly, one of humanity’s most intriguing mysteries and, instead of denying it, he decided to work and speak with it through the most heartbreaking images of the human face. Bohdan is even inspired by etymology in Russian in order to begin to narrate his portraits. He states, “The face is the most individual and personal part of the human body. By perceiving it as a whole we are able to determine someone’s identity. In Russian the word for identity/personality (личность) comes from the word face (лицо). If there is no face, or nothing is left of it, or it is has been messed up, do we lose our old identity or do we gain a new one? My goal as an artist is to create a more powerful, more expressive representation.”

La etapa exploratoria previa a la realización de una obra, es una condición sine qua non del mundo artístico. Si se omite ese momento, tanto la búsqueda como el hallazgo comprenderían algo diferente y quizá, sin demasiado corazón. Este artista, como muchos otros en la historia, se alimenta de cada imagen vista, cada libro leído o disco escuchado. Pero su experiencia de vida e intriga personal, le permitieron descubrir una vena particular que decidió explotar en sus trazos: “Me gusta mirar y coleccionar diferentes fotografías e ilustraciones científicas o médicas, por ejemplo. Un día me

The exploratory stage prior to making a piece is a sine qua non condition of the artistic world. If we leave out that moment, both the search and findings would be comprised of something different and perhaps, without much heart. This artist, like many others throughout history, feeds on each image that he sees, each book he reads or album he hears. However, his life experiences and personal intrigue allowed him to discover a particular path that he decided to exploit in his brushstrokes. “I like to see different pictures and scientific or illustrations or from medicine, for example. One day I came

gman 4.2, acrĂ­lico sobre tela, 100 x 100 cm.

Untilted diptych 1, acrĂ­lico sobre tela, 100 x 120 cm. c/u.

Untilted diptych 1, acrĂ­lico sobre tela, 100 x 120 cm. c/u.

encontré con fotos de soldados heridos durante la Primera y Segunda Guerra Mundial. Sus rostros estaban completamente mutilados por heridas o, simplemente, sin algunas de sus partes. Seguramente, el cirujano debe haber hecho todo lo posible para restaurar esos rostros, pero nunca había visto imágenes tan grotescas y turbias. Me sentí con miedo y un terrible vacío.

Esas imágenes quedaron latentes en mí, durante mucho tiempo, y más tarde comprendí qué poderoso catalizador de emociones es la destrucción de la forma. Así fue como llegué a la idea de crear retratos destruidos”, cuenta.

across pictures of the soldiers injured during the First and Second World Wars, their faces were completely mutilated by wounds. Some parts of their faces were just absent. The surgeon made everything possible in order to restore the faces of soldiers, but I have never seen more grotesque and disturbing images. The image of these poor fellows landed down in my head for a long time. Later I realized what a powerful catalyst of emotions the destruction of the form is. I merged the idea of creating destructive portraits with my style,” he says.

Sin dudas, el trabajo de investigación de Bohdan transita esos caminos que muchos evitan para no adentrarse en la oscuridad natural de la vida.

Dejarse llevar por la presencia ausente de la fotografía de un soldado de guerra es, en este artista, una inspiración creativa que deja de lado al arte naif sin una trayectoria exploratoria detrás. “Me esfuerzo mucho para evitar las metáforas y significados simples. Es algo muy primitivo y superficial y sólo refleja la punta del iceberg. Mi tarea como artista es crear representaciones emocionales en las que el espectador juegue un rol de co-autor. Por este motivo, no me gusta el arte conceptual, en el que la obra en sí misma queda bajo un puñado de palabras. Yo quiero que la representación en sí misma sea el medio de las emociones y no el texto que cuelga al lado del cuadro”, explica. La representación correcta y prolija del hiperrealismo moderno no es para este artista: “Muchos dicen que pinto ‘el horror’, pero me parece que no es la expresión más precisa.

Nunca pinté el terror ni tampoco traté de evocarlo en mi público. Prefiero referirme más al complejo sentimiento de desasosiego”, añade.

Without a shadow of a doubt, Bohdan’s work investigation moves along those paths that many avoid in order to not falling deeper into the natural darkness of life. Allowing you to get carried away by the absent presence of a soldier war’s photography, for this artist, a creative inspiration that ignores Naïve art without an underlying explanatory trajectory. “I try hard to avoid the simple metaphors and meanings. It’s something very primitive and superficial that only reflects the tip of the iceberg. My task is to create emotional representations where the viewer plays the role of co-author. For this reason I do not like conceptual art, where the work itself is concealed under a heap of words. I would like the representation itself to be the catalyst for feelings and emotions, and not the text that is hanging below it,” he explains. The precise and tedious depiction of modern hyperrealism isn’t for this artist. Regarding this he adds, “Many say that I paint ‘horrors’, but it's not really accurate. I never painted horrors and never tried to evoke horror in my viewers. I prefer the more complex feeling of uneasiness,” he said.

Su última serie, titulada Heads, Love, Bodies, se concentra en la figura humana, la plasticidad y la corporalidad del amor y la sexualidad. Hace un tiempo que se encuentra trabajando en esta dirección, y eso le permitió encontrar nuevas formas y significados para representarlo. “Es una serie extensa en la que, como en trabajos anteriores, materializo abstracciones en pintura figurativa. Se conserva la línea narrativa del tema, pero al mismo tiempo se pierde la función representativa, una de las funciones del arte abstracto”, anuncia.

His latest series, titled Heads, Love, Bodies, focuses on the human figure, plasticity and the corporeality of love and sexuality. He has been working in this direction for some time now, and that has allowed him to find meanings and ways to represent it. “It will be an extensive series. As in previous series, I try to realize some abstract ideas in figurative painting. The work maintains in some ways similarities with the real subject that inspired it and at the same time loses its representative function as is the case in abstract art.”, he states.

Como un poeta del dolor que trazo a trazo navega solemnemente en sus pensamientos, Bohdan Burenko trabaja inspirado en una tragedia silenciosa e inevitable para el humano. Sin dudas, es un joven artista a quién prestarle atención y comenzar a seguir su carrera. Tanto para atender a las sutilezas de su paleta de color, como para indagar en las miradas que encuentra o desenfoca con una pincelada, en las sonrisas que borra o desnuda como una cicatriz. Su obra es un análisis disruptivo de la anatomía natural del cuerpo, de la incomodidad visual ante la herida y el cambio que puede generar en la mirada como para brindar una nueva identidad.

Like a poet of pain that solemnly sails through his thoughts brushstroke by brushstroke, Bohdan Burenko’s work is inspired by a silent and inevitable tragedy for mankind. Undoubtedly, he is a young artist that we should keep a close eye on him and starting to follow his career. We should do this to both address the subtleties of his color palette and to look into the gazes that he creates or brings out of focus with a brushstroke, the smiles that are blotted out or stripped away like a scar. His work is a disruptive analysis of the body’s natural anatomy, the visual discomfort in sight of the wound and the change that can bring about a stance to provide a new identity.

gman 4.1B, x acrĂ­lico sobre tela, 80 x 80 cm.

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Cuba | Cuba Artista Multidisciplinar | Multidisciplinary Artist

De la serie Calados capitales en lugares de paso, “Serie #1: Cuba (3 CUC)”, 2012-2013, fotografías sobre papel moneda y billetes (dinero), medidas variables. Colección Galila Barzilaï Hollander', Bélgica.

Jesús Hdez-Güero Políticamente imperfecto Politically Imperfect Hace del arte un fenómeno social. A través del dibujo, la fotografía, la instalación y la performance, este artista cubano replantea y reestructura los patrones culturales y las relaciones sociales. De la realidad histórica, política y social, nace su crítica propuesta.

He turns art into a social phenomenon. Through drawing, photography, installation and performance art, this Cuban artist reassesses and restructures cultural patterns and social relationships. His critical proposal emerges from historical, political and social reality.

Por Camila Londoño. Periodista (Colombia).

Imágenes cortesía del artista.

De la serie Calados capitales en lugares de paso, “Serie #1: Cuba (5 CUC), 2012-2013, fotografías sobre papel moneda y billetes (dinero), medidas variables. Colección Galila Barzilaï Hollander', Bélgica.

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La sensibilidad del artista por el poder, la violencia y la memoria, asegura, está ligada al hecho de haber nacido en un país víctima de la politización, de las memorias sumergidas en el tiempo y de la violencia psicológica como ejes de un discurso de poder del cual es difícil desvincularse a la hora de reestructurar, por medio del arte, patrones de una realidad social. Paradójicamente, el país que hoy lo acoge como artista, Venezuela, es precisamente una extensión y prolongación de las vivencias que lo han vuelto sensible al ejecutar procesos creativos conceptuales con los cuales busca, en sus palabras, “historizar lo que nos historiza”. Es decir, conceptualizar el cómo se ha narrado en el tiempo, la realidad y la historia de los contextos que vive.

The artist’s awareness of power, violence and memory, he states, is linked to the fact that he was born in a country that was a victim of politicization, memories immersed in time and psychological violence as the main concepts of a discourse of power which is difficult to break away from when it comes to restructuring patterns of a social reality through art. Paradoxically, the country that now embraces him as an artist, Venezuela, is an extension and continuation of experiences that have made him sensitive when he carries out conceptual creative processes which he uses to try to, in his words, “historicize what historicizes us.” This means conceptualizing how time, reality and the history of living contexts have been narrated.

o escogió el arte como medio de expresión, el arte lo escogió a él y desde que tiene uso de razón ha estado sumergido en ese mundo creativo que ahora es su vida. Jesús Hdez Güero nació en La Habana, Cuba, en 1983, pero desde el 2011 vive y trabaja entre Venezuela y Cuba. Estudió artes visuales en la Academia de San Alejandro y en el Instituto Superior de Arte (ISA), ambas, instituciones de su país natal. Hoy hace parte del Taller de Artistas Gráficos Asociados (TAGA) en Caracas. Su proceso de construcción como artista nació de la intuición conceptual, la fluidez y la precisión de las técnicas pero, poco a poco, esa intuición se fue transformando en una práctica mucho más consciente, racional y crítica. Sus preocupaciones artísticas dejaron de ser menos técnicas para convertirse en hechos muy conceptuales, cargados de representaciones sociales y políticas.

e didn’t choose art as a means of expression, the art chose him and for as long as he can remember, he has been immersed in that creative world that is now his life. Jesús Hdez Güero was born in Havana, Cuba in 1983, but since 2011 he has lived and worked between Venezuela and Cuba. He studied visual arts in the Academy of San Alejandro and also in the University of Arts of Cuba (Instituto Superior de Arte, ISA), which are both institutions in his home country. Today, he is part of the Taller de Artistas Gráficos Asociados, TAGA, in Caracas. His creation process as an artist arose from conceptual intuition, fluidity and precision in regards to technique; however, little by little, that intuition gradually turned into a much more conscious, rational and critical practice. His artistic concerns stopped being as technical in order to become very conceptual facts, loaded with social and political representations.

De la serie Calados capitales en lugares de paso, “Serie #1: Cuba (10 CUC)”, 2012-2013, fotografías sobre papel moneda y billetes (dinero), medidas variables. Colección Galila Barzilaï Hollander', Bélgica.

Y esos contextos son de hecho los catalizadores en su obra. Son el centro de todas sus inquietudes artísticas y los soportes de todos sus discursos visuales. El trabajo de este artista no sería posible sin esa dosis de realidad que se consume a diario en los medios sociales y políticos de los cuales hace parte. Obras como Las armas no matan, Capital sin nombre, Mil noticias y un performance, son el ejemplo perfecto de ejecuciones visuales que parten de contextos socio-políticos que sin duda tocan las fibras humanas más sensibles. Al menos en algunos espectadores, la narrativa en sus muestras generan diversas reacciones; incomodidad, cuestionamientos, inconformidad, repudio y desestabilidad; y en otros casos generan diálogos, reflexión, intriga, anécdotas y –paradójicamente en los niños–, algo de goce y diversión causada por los elementos que frente a la ingenuidad de un niño, no representan nada más que un juego.

Those contexts are, in fact, the catalysts in his work. They are the center of all his artistic concerns and the foundation of all his visual discourses. This artist’s work wouldn’t be possible without that dose of reality that we consume on a daily basis in social and political media which are part of it. Pieces like Las armas no matan, Capital sin nombre, Mil noticias y un performance, are perfect examples of visual pieces that start from socio-political contexts which undoubtedly touch the most sensitive fibers of humanity. At least in some viewers, the narrative in his exhibitions create diverse reactions; discomfort, questions, non-conformity, repudiation and instability; and in other cases, they create dialogues, reflection, intrigue, anecdotes and –paradoxically in children– a little bit of joy and fun (particularly in the piece Las armas no matan) which due to the materials (bullet casings) when facing a child’s innocence, don’t represent anything more than a game.

Y todo esto es precisamente el propósito central de este creativo agitador de convenciones establecidas e ideas potentes, que nacen de los medios y los materiales que utiliza. Dichos materiales son de hecho los portadores de su contenido; traen consigo una carga psicológica, cultural, social y política que mueve a sus espectadores. Un billete, por ejemplo, en la obra de Jesús no es tan sólo un billete, un periódico no es sólo un periódico, un casquillo de bala no es sólo un casquillo de bala, la imagen de un arma (creada con pólvora sobre lienzo) no es sólo la imagen de un arma. Todos los elementos presentes son

This is precisely the main objective of this creative agitator of established conventions and powerful ideas which are born from the mediums and materials that he uses. Said materials are, in fact, the bearers of his content; they bear a psychological, cultural, social and political charge that moves his viewers. A banknote, for example, in Jesús’ work isn’t just a banknote, a newspaper isn’t just a newspaper, a bullet casing isn’t just a bullet casing, the image of a gun (made with gun powder on canvas), isn’t just the image of a gun. All the elements present in his work are feelings, they are issues, they

De la serie Calados capitales en lugares de paso, “Serie #1: Cuba (20 CUC)”, 2012-2013, fotografías sobre papel moneda y billetes (dinero), medidas variables. Colección Galila Barzilaï Hollander', Bélgica.

sensaciones, son problemáticas, son violencia, son expresiones, símbolos de naciones y escombros de historias enterradas. Sus medios de expresión son entonces plataformas de comunicación y evidencias de las contradicciones y los mensajes ocultos de una sociedad poco transparente.

are violence, they are expressions, symbols of nations and debris of forgotten stories. His means of expression are therefore platforms of communication and evidence of the contradictions and hidden messages in a not so transparent society.

Inspirado en la simplicidad de las cosas, en las complejidades humanas, las dificultades, las contradicciones y las incomodidades sociales, Jesús Hdz Güero ha logrado impactar dentro y fuera de su contexto nacional. Venezuela ha resultado ser, curiosamente, un escenario idóneo para tratar y poner en evidencia temas tan complejos como los derechos civiles y el control de la información, temas y obras que en algunas ocasiones fueron censuradas en su propio país; mientras que en espectador venezolano, sus obras han activado reacciones que paradójicamente nacen del interés y la sensibilidad por “lo cubano”, creándose así una experiencia artística relacional entre dos naciones que, de una u otra forma, comparten caminos.

Inspired by the simplicity of things, mankind’s complexities, difficulties, contradictions and social discomforts, Jesús Hdez Güero has managed to make an impact both within and outside his national context. Curiously, Venezuela has turned out to be an ideal stage to try and show issues as complicated as civil rights and the control of information, which are subjects and pieces that, at times, were censored in his own country; meanwhile, to Venezuelan viewers, his work has spurred reactions that paradoxically arise from interest and sensitivity for “everything Cuban”, thus creating a relational artistic experience between two nations which, in one way or another, share the same paths.

Este cubano en tierra lejanas ha sabido cómo sintetizar, sin ser obvio, los temas que nadie se atreve a abordar. Ha sabido conmover e incluso molestar con propuestas que están en constante movimiento, tal como lo está la sociedad. Dejándose llevar, Güero cumple con las exigencias de sus ideas, ideas constructoras de un trabajo artístico que según él, es “políticamente imperfecto”. Pero, ¿no es más bien políticamente perfecto?

In faraway lands, this Cuban artist has succeeded in encapsulating issues that no one dares to tackle without being obvious. He has succeeded in moving and even upsetting viewers with proposals that are constantly changing, just like society does. By letting himself be swept away, Hdez Güero complies with the demands of his ideas, constructive ideas for artistic work which, according to him, is “politically imperfect.” But wouldn’t politically perfect be more accurate?

Organised by EASYFAIRS

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Photo: Ottomura

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lCHANTAL CROUSEL París lCHRISTOPHER GRIMES Santa Mónica CONTINUA San Gimignano CRÈVECOEUR París lCRISTINA GUERRA Lisboa CRONE Berlín lD21 PROYECTOS DE ARTE Santiago de Chile DAN GALERIA São Paulo DANIEL FARIA Toronto lDANIEL MARZONA Berlín lDEL INFINITO ARTE Buenos Aires DENISE RENÉ París DEWEER Otegem lDOCUMENT ART Buenos Aires lDOHYANG LEE París EL MUSEO Bogotá ELBA BENÍTEZ Madrid ELVIRA GONZÁLEZ Madrid lEMMANUEL HERVÉ París ESPACIO MÍNIMO Madrid ESPAIVISOR Valencia

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lJOSEPH TANG París JUAN SILIÓ Santander lJUANA DE AIZPURU Madrid KEWENIG Berlín KLEMM’S Berlín lKRINZINGER Viena KROBATH WIEN I BERLIN Viena lKUBIK Oporto KUCKEI + KUCKEI Berlín lKURIMANZUTTO México DF lL21 Palma de Mallorca LA CAJA NEGRA Madrid LEANDRO NAVARRO Madrid lLELONG París LEME São Paulo LEON TOVAR Neva York LEVY Hamburgo LEYENDECKER Santa Cruz de Tenerife lLISSON Londres lLUCIANA BRITO São Paulo LUIS ADELANTADO Valencia lLUISA STRINA São Paulo lMAI 36 Zúrich MAISTERRAVALBUENA Madrid MALONEY FINE ART Los Ángeles MARC DOMÈNECH Barcelona lMARIAN GOODMAN Londres MARILIA RAZUK São Paulo MARIO SEQUEIRA Braga MARLBOROUGH Madrid MARTA CERVERA Madrid MARTIN ASBAEK Copenhague lMARTIN JANDA Viena MAX ESTRELLA Madrid MAX WEBER SIX FRIEDRICH Múnich MEHDI CHOUAKRI Berlín lMICHAEL JON Miami MICHEL SOSKINE INC Madrid MIGUEL MARCOS Barcelona lMIRTA DEMARE Róterdam MOISÉS PÉREZ DE ALBÉNIZ Madrid MOR CHARPENTIER París MURIAS CENTENO Lisboa lNÄCHST ST. STEPHAN ROSEMARIE SCHWARZWÄLDER Viena NADJA VILENNE Lieja NATHALIE OBADIA París lNEUGERRIEMSCHNEIDER Berlín NF GALERÍA Madrid NICOLAI WALLNER Copenhague NILS STAERK Copenhague NOGUERAS BLANCHARD Madrid l NoMÍNIMO Guayaquil l NORA FISCH Buenos Aires l NORDENHAKE Berlín NOSBAUM REDING Luxemburgo lOFICINA 1 Caracas lOMR México DF P420 Bolonia P74 Liubliana lPARQUE México DF PARRA & ROMERO Madrid lPATRICIA READY Santiago de Chile PEDRO CERA Lisboa PELAIRES Palma de Mallorca PEPE COBO Madrid PILAR SERRA Madrid PM8 Vigo POLÍGRAFA OBRA GRÁFICA Barcelona PONCE + ROBLES Madrid PRAZ-DELAVALLADE París PROJECTESD Barcelona PROMETEOGALLERY DI IDA PISANI Milán PROYECTO PARALELO México DF PROYECTOS MONCLOVA México DF lPROYECTOS ULTRAVIOLETA Guatemala QUADRADO AZUL Oporto RAFAEL ORTIZ Sevilla RAFAEL PÉREZ HERNANDO Madrid RAFFAELLA CORTESE Milán lREVOLVER Lima RICHARD SALTOUN Londres lROBERTO PARADISE San Juan ROLF ART Buenos Aires ROSA.SANTOS Valencia lRUTH BENZACAR Buenos Aires lSABOT Cluj SABRINA AMRANI Madrid lSAMY ABRAHAM París SELMA FERIANI Túnez SENDA Barcelona lSLYZMUD Buenos Aires lSPRUTH MAGERS Berlín lSTEPHEN FRIEDMAN Londres STUDIO TRISORIO Nápoles SULTANA París T20 Murcia TAIK PERSONS Helsinki

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Actualizado el 13/11/2015.