Periódico Arte Al Límite Edición 84 Agosto 2012 by Arte al Límite

Nº 84 Agosto 2012 SANTIAGO DE CHILE

distribución

gratuita

Junto a la fiesta deportiva que se celebra en Londres, se desarrollan en la capital británica una serie de actividades artísticas, entre las que destacan las muestras de Yoko Ono, Olafur Eliasson y Damien Hirst.

Politicas Culturales Entrevistamos a expertos y autoridades para examinar cuánto se ha avanzado en las iniciativas gubernamentales sobre arte y cultura. Encuéntranos en

Coleccionismo

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La colección Daros –pronta a inaugurar una gran casona restaurada en Río de Janeiro- busca generar conexión entre artistas latinoamericanos.

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Pág. 34

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EQUIPO

Ana María Matthei directora / Ricardo Duch director / Cristóbal Duch asesor comercial / Catalina Papic directora de arte / Camila Duch proyectos culturales / Juan José Santos editor internacional / Antonella Galarce editora nacional / Consuelo Pivcevic diseñadora gráfica / Paulina Loyola diseñadora / Alejandra Torres periodista / Marcela Catalan periodista / Francisca Medina historiadora de arte / Diego Alfaro Licenciado en letras / Yuriko Takahashi periodista /Ernesto Muñoz crítico y asesor de contenidos / Ennio Bucci crítico / Enrique Solanich crítico Pedro Labowitz crítico / Ignacio del Solar asesor / Carla Vásquez licenciada en estética / Pierina Cavallo periodista / Jorge Azocar asesor / Julio Sapollnik asesor / Manuel Munive asesor / Bernardita Garib escritora y artista/ Valentina Acuña periodista / Rocío Munizaga periodista

EDITORIAL

ras la suspensión por parte de la Dirección de Asuntos Culturales del Ministerio del Exterior del apoyo a Arte al Límite para poder dar a conocer la obra de creadores nacionales fuera de nuestras fronteras, pocas opciones nos quedaban para fomentar la cultura chilena. Sin embargo una ventana se abría; el concurso Ventanilla Abierta del Consejo Nacional de la Cultura y Las Artes (CNCA) que destinaría fondos a empresas culturales para facilitar su difusión. Concertamos diversas reuniones personales y estuvimos constantemente en comunicación para no cometer ningún error, ya que se cambiaron las normas del concurso a última hora y la documentación requerida, que incluía realización de videos, sellos notariales, presencia de artistas, apoyo expreso de galeristas, cartas de embajadores, traducción de textos, etc... Acudimos a dicha “ventanilla” para entregar lo pedido en los plazos estipulados. “Ya se han entregado los recursos, vuelva usted en el 2013”, fue la respuesta. No solo el trabajo de semanas, la involucración de otros profesionales ni los recursos económicos destinados a la postulación fueron en balde; también el de muchos otros postulantes que recibieron la misma respuesta, entre los que se encuentran importantes difusores del arte nacional. Esta situación, con la que quizás algunos de nuestros lectores podrían identificarse, supone un ataque no solo a nuestro trabajo, sino al de los artistas chilenos.

Queríamos conseguir esos fondos para mostrar la revista Arte al Límite y también la obra de dos creadores en una feria internacional de arte. Envío de revistas y cuadros tendrán que financiarse por otros medios (ya que nuestra participación en la feria estaba ya acordada y que lo último que queremos es perjudicar a los artistas), víctimas de unas prácticas defectuosas, muy poco transparentes y engañosas. Pongamos algunos ejemplos; tras mandar la documentación nos comentan que la asignación de fondos es por orden de llegada, cuando no nos habían informado nada de eso. Correos electrónicos con respuestas poco precisas. La valoración de las postulaciones la realizaba un comité de expertos que se juntaba dependiendo del volumen de proyectos y de las fechas de sus viajes… ¿es esto serio? ¿No es lo lógico reunir a ese comité una vez recopiladas todas las postulaciones en una fecha previamente establecida? Un proceder poco digno de una instancia gubernamental. Con esta determinación en mente, les presentamos en esta edición un reportaje con las voces de expertos, autoridades y directores de museos, donde enfrentamos esa interrogante. Los invitamos a debatir y opinar sobre este tema a través de nuestras redes sociales o comunicándose con nosotros a prensa@arteallimite.com. Lo que piensan al respecto los amantes del arte nos importa. Nuestra ventanilla está abierta.

SUMARIO 06 .Arte Olimpico

12 .Politicas Culturales

16 .Marcela Krause

20 . Agenda Regiones

40 .Amelia Errazuriz

41 .En el taller: Los Balmes

22 . Agenda Web

24 . Perfil Arte

17 .Macarena Illanes

30 .Críticas

18 . Agenda Santiago

34 .Coleccionismo

43 .Reseña de libros de arte

38 .Jacob Karpio

44 .Barriovisión Barrio Italia

41.Los Balmes

Visitamos el estudio que comparten Gracia Barrios y José Balmes. A pocos metros se ubica el taller de su hija, Concepción, un lugar que mezcla familia y arte.

22.Agenda web

María Elena Etchepare expone su obra en Arequipa, Perú, en una muestra binacional que se inserta en la celebración de la semana de la mujer.

REPRESENTANTE LEGAL Orlando Calderón F., VENTAS info@arteallimite.com, ventas@arteallimite.com, SUSCRIPCIÓN: marketing@arteallimite.com, FONO-FAX 955 32 61, WEB www.arteallimite.com, Facebook facebook.com/arteallimite, twitter @ARTE_AL_LIMITE ,PORTADA Edición Nº 84 /Juegos olimpicos, Londres 2012., IMPRENTA R.R. Donnelley, Santiago, Chile. Las opiniones vertidas en este medio son de exclusiva responsabilidad de quienes las emiten.

reportaje jjoo

ARTE OLÍMPICO

Los juegos olímpicos que se celebran en Londres, no sólo están integrados por el deporte: un colorido festival se ha apoderado de calles y museos de la capital inglesa, donde artistas como Anish Kapoor, Damien Hirst, Olafur Eliasson y Jeremy Deller han aportado con sus obras. Les presentamos en esta edición una completa selección de lo más destacado de estas olimpiadas del arte.

Por Antonella Galarce, periodista Fotos cortesía London 2012 Festival Press Office

uede resultar sorpresivo el hecho de por largo de tiempo existió una categoría de competencia sobre artes en las Olimpiadas. No se trataba de festivales o exhibiciones: era un certamen específico donde los contrincantes recibían medallas por sus méritos en arquitectura, literatura, música, pintura y escultura.

semanas con actividades en toda Gran Bretaña tienen su broche de oro en el festival que se realiza desde el 21 de junio al 9 de septiembre. Las cifras son asombrosas: un visitante cualquiera en el país británico puede acceder a 10 millones de panoramas gratuitos. En total, participan 25 mil artistas de los 204 países incluidos en los Juegos Olímpicos, con 137 inauguraciones de creadores internacionales y 85 de autores británicos.

El pentatlón moderno es idea del Barón Pierre de Coubertine, hijo de padre artista y madre música, que Entre las actividades más decidió integrar el arte en la El pentatlón moderno es idea del Barón destacadas se encuentra competencia. El pedagogo e “The World in London” (“El Pierre de Coubertine, hijo de padre historiador francés proponía Mundo en Londres”), muestra que el ser humano completo construida a partir retratos en artista y madre música, que decidió necesita tanto del arte como gran formato de londinenses, integrar el arte en la competencia. del deporte para aventajar encargados a fotógrafos de el cuerpo y la mente. Largo los 204 países que participan tiempo le costó convencer en las Olimpiadas. En tanto, a los organizadores del certamen, pero lo consiguió en la instalación llamada “Peace Camp” (“Campamento 1912. De Coubertine sabía que los Olimpiadas griegas de de Paz”), busca batir el récord de carpas instaladas en antaño incluían competencias de trompeta y heráldica. toda la costa británica. El proyecto de la artista Deborah Warner pretende celebrar la poesía y el paisaje. Hoy, Londres retoma parte de esa tradición con una variada cartelera que incluye a artistas ingleses e internacionales. El artista Damien Hirst presenta además la muestra más Las Olimpiadas Culturales, celebración que duró 12 grande de sus obras que se haya realizado jamás en

reportaje JJOO

â&#x20AC;˘ "La orbita" de Anish Kapoor. Fotografo: Gautier Deblond

• "imagine peace", Yoko Ono.

el Reino Unido. 70 piezas de arte se exhiben en el Tate Modern hasta el 9 de septiembre. El escultor indio Anish kapoor aterrizó en Londres con “AcelorMittal Orbit” (en la foto), monumental obra emplazada en el corazón del parque olímpico cercano al estadio. El monumento mide 114,5 metros, es más grande que la Estatua de la Libertad en Nueva York y tiene el récord de ser la escultura más grande en Inglaterra.

otro de los artistas convocados, adornó el English flower garden (Jardín de flores inglés) con 15 mil flores individuales de cerámica.

Sobresale asimismo el proyecto de la artista Yoko Ono, la instalación “Imagine Peace” (“Imagina Paz”), iniciativa mundial anti-violencia, donde el mensaje será traducido a 24 lenguas. La creadora presenta además Sobresale el proyecto de la artista Yoko una amplia exhibición de sus obras en la galería Serpentine, Ono, la instalación “Imagine Peace” en el contexto del festival de (“Imagina Paz”), iniciativa mundial artes olímpicas.

El británico Martin Creed también rompió un record con su trabajo “All the Bells, work no. 1197” (“Todas anti-violencia, donde el mensaje será las Campanas, trabajo Nº Sin duda, nuestro favorito traducido a 24 lenguas. 1197”), por lograr aunar el es Olafur Eliasson. Para mayor número de campanillas su altruista proyecto “Little sonando simultáneamente. El Sun” (“Pequeño Sol”) que artista incentivó a los londinenses a tocar timbres, dejar se presenta desde el 28 de julio al 9 de septiembre en sonar sus alarmas de celular y bocinas de bicicleta el Tate Modern, el artista desarrolló junto al ingeniero durante tres minutos en la inauguración de la competencia Frederik Ottesen una serie de lámparas solares de deportiva. pequeño formato que pueden ser adquiridas por 16,50 euros (unos 13 mil pesos chilenos). La idea de Eliasson En nuestra selección destaca el “Unlimited programme” es contribuir a la calidad de vida de los 1,6 mil millones (“Programa sin límites”), vinculado al trabajo de artistas de habitantes en el mundo que no tienen acceso a la discapacitados y la mayor iniciativa de este tipo que se ha energía eléctrica. desarrollado en el Reino Unido hasta la fecha. La artista Sue Austin participa en este proyecto con una performance “Little Sun” produce 5 horas de luz cuando se carga al donde bucea en silla de ruedas (en la foto). Paul Cummins, sol durante el mismo periodo de tiempo. La iniciativa

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Damien Hirst. FotografĂa cortesĂa de Tate Modern

Creando el espectaculo, Sue Austin.

Little Sun, Work by Olafur Eliasson. Photographer: Merklit Mersha

tiene como objetivo promover el crecimiento económico en las regiones del mundo donde la electricidad no está disponible, es cara, poco confiable o poco sostenible. En estas zonas las pequeñas lámparas se venden a mitad de precio, facilitando el trabajo, reduciendo el gasto en energía y elevando la calidad de vida de sus habitantes.

techo de un edificio en Londres, para recrear la escena final de la cinta de 1969 “The Italian Job”, película británica de culto que se ha transformado en una institución en el Reino Unido. El proyecto titulado “Hang On A Minute Lads, I’ve Got A Great Idea” (“Esperen un minuto, muchahos, tengo una gran idea”), no es sólo la escultura de un momento cinematográfico, sino que es también una metáfora sobre los límites y un desafío a las concepciones tradicionales Los visitantes de la exhibición en el Tate Modern –que de la arquitectura y la ingeniería al plantear la pregunta abrirá sus puertas y apagará “¿Qué pasaría si…?” sus luces los sábados por la noche fuera del horario de Por su parte, el colectivo El escultor británico Richard Wilson museo para promover la de performance STREB (en instaló un bus sobre el techo de un obra de Eliasson- podrán portada), sorprende a los aproximarse a información londinenses con fugaces y edificio en Londres, para recrear la sobre la energía solar, los acrobáticas intervenciones escena final de la cinta de 1969 “The desafíos de la energía global en sitios emblemáticos de y la importancia de la luz. Londres, como la plaza de Italian Job” Cabe recordar que el exitoso Trafalgar, la fachada del artista danés repletó el Tate Tate Modern y del National Modern en 2003 con su “Weather Project”, que congregó Theatre, entre otras. En una de las exhibiciones, “Speed a 2 millones de visitantes durante los 5 meses que duró Angels” (“Ángeles de Velocidad), tres artistas performáticos la exposición. se lanzan en caída libre a 9.7536 metros por segundo, la velocidad de la gravedad. Tras caer por 31 metros, También en el contexto de las Olimpiadas Culturales, el desafían la gravedad y vuelven a subir a la misma velocidad, escultor británico Richard Wilson instaló un bus sobre el creando un vocabulario físico de giros y caídas.

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reportaje politicas culturales

politicas culturales

¿Hacia donde vamos? Por Alejandra Torres y Antonella Galarce, periodistas

Durante la actual administración de Sebastián Piñera, han sido varios los proyectos anunciados en el ámbito del fomento a la cultura y las artes que aún no poseen iniciativas legales en el Parlamento. Uno de ellos es la creación de un Ministerio que de alguna manera modifique o reemplace al actual Consejo Nacional de la Cultura y Las Artes (CNCA). Conversamos con expertos, directores de museos y es l ra el propio ministro Luciano Cruzu lt Coke, para intentar dilucidar el u c futuro de las instituciones y la gestión cultural en Chile.

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Claudia Zaldívar, directora del Museo de la Memoria ¿Qué opinión tiene sobre la creación de un Ministerio de Cultura? importante crear políticas de fomento dirigidas al sector Creo que el problema no está en el modelo desde privado, de manera que se éste tome conciencia de la el cual se llevan las políticas gubernamentales y sus importancia del desarrollo cultural del país, para que sus programas. El problema está en la falta de participación aportes sean sustentables en el tiempo y que no surjan que se le ha dado a los distintos sectores de la cultura, solamente de sus intereses de marketing. ya que esta discusión se está llevando internamente, a nivel ¿Qué necesita el país de gobierno. Las autoridades no con urgencia en temas Es importante crear políticas de han convocado a los distintos culturales? sectores para escuchar sus fomento dirigidas al sector privado, Es importante que los distintos necesidades y posiciones. ámbitos de la cultura sean de manera que se éste tome Durante el periodo de discusión integrados en una misma para la formación de un institucionalidad cultural, conciencia de la importancia del nuevo modelo, que culminó cuente con una planta desarrollo cultural del país, para que que en la creación del Consejo de personal y presupuesto sus aportes sean sustentables en el adecuados, reconociendo el Nacional Cultura, el año 2004, éste fue sumamente saber histórico de las distintas tiempo. integrador. El problema es entidades culturales que que áreas culturales y por funcionan en el país. En el marco tanto sectores institucionalesactual de mi interés: las políticas gubernamentales no fueron incluidos en esta ley. de museos, creo que se están haciendo esfuerzos, pero es un ámbito de mucha precariedad y con poca conciencia ¿Qué opina respecto al proyecto de ley de donaciones respecto de la importancia del patrimonio nacional y culturales, y a la urgencia que le dio a este el el rol educativo y de comunicación de los museos hoy. presidente en el último mensaje presidencial del Hay problemas graves: la conservación y difusión del 21 de mayo? patrimonio y la creación de conciencia respecto de su Creo que cualquier proyecto de ley de donaciones culturales importancia; las políticas de adquisición de obras; la debe propiciar que el mundo privado se haga cargo del formación de públicos con estrategias que apunten a la estímulo y parte del financiamiento del desarrollo de la creación de opinión, de conciencia crítica y reflexiva; la cultura. Ese es el punto mínimo que se puede pedir. Es inserción internacional, entre otros.

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Arturo Navarro, director del Centro Cultural Estación Mapocho ¿Qué opinión tiene respecto a la creación de un Ministerio de donantes privados. La respaldo, apruebo y espero que el Senado, donde está ahora, la termine por aprobar antes de de Cultura? La opción que a mi juicio es la más indicada, es asemejar las fin de año. instituciones del patrimonio al CNCA e introducir la variable de la gestión, autofinanciamiento y participación en la Dirección Tomando en cuenta el último mensaje presidencial, donde de Bibliotecas, Archivos y Museos (Dibam) y en el Consejo de prácticamente no se hicieron anuncios nuevos para el Monumentos. Así, las políticas sector cultural, ¿qué opinión culturales se seguirían gestionando tiene del manejo sectorial por de manera colectiva y participativa. El manejo legislativo del gobierno, parte del gobierno? El otro camino, negativo a mi juicio, Hay que distinguir y decir que salvo la ley de donaciones, ha sido el gobierno tiene muy poca sería introducir las características de la Dibam al Consejo. Sería preocupación e interés por el malo. una vuelta atrás, retornar a la terreno cultural, pero el Ministro autoridad unipersonal, volver a tiene una gran sensibilidad que le la dictación de políticas por parte ha permitido captar ese desinterés de una persona, que sería el Presidente de la República y no e ir avanzando de todas formas en las tareas de su sector, un Directorio Nacional, como ocurre ahora. particularmente en el área de infraestructura. Básicamente, en la medida de la continuidad y siguiendo antiguas políticas, ¿Qué opina respecto al proyecto de ley de donaciones ha tenido logros como la ley de donaciones y el desarrollo culturales, y a la urgencia que le dio a este el presidente de teatros regionales. Ahora, el manejo legislativo del en el último mensaje presidencial del 21 de mayo? gobierno, salvo la ley de donaciones, ha sido malo. No Esta ley cuenta con el respaldo unánime del parlamento y lo hay hasta ahora un gobierno fundacional en cultura, no que hace justamente es complementar al CNCA en el sentido hay un rastro que vaya a quedar. Ha sido un gobierno de que introduce estímulos tributarios, aumentando la cantidad continuidad, sin ningún aporte hasta le fecha.

Roberto Farriol, director del Museo Nacional de Bellas Artes ¿Qué opinión tiene sobre la creación de un Ministerio tamaño o empleados dependientes puedan tener participación de Cultura? a través de este mecanismo legal. Sin duda se extienden los En rigor se anunció la creación de un Ministerio de Cultura y mecanismos para que el sector privado pueda aportar y donar del Patrimonio. Toda iniciativa tendiente a organizar con eficacia a la sociedad civil y al sector público. los esfuerzos estatales por preservar, rescatar, difundir y poner en valor el patrimonio cultural ¿Qué necesita el país chileno, obviamente es bienvenida. con urgencia en temas Un tema distinto es cómo esta culturales? Se necesitan más fondos para iniciativa será llevada a cabo y Si bien se ha avanzado mucho en investigar, conservar, ampliar cómo se reorientarán los esfuerzos estos últimos 20 años, son muchas que se replican en este ámbito, las iniciativas que son necesarias depósitos, catalogar y poner en para lo que se debe considerar de fortalecer en este ámbito. Entre valor nuestro patrimonio. no sólo las estrategias y nuevas otras, tomar consciencia del valor políticas culturales, sino también de nuestro patrimonio cultural cómo se reorganizará la labor de y natural, por cierto, los textos los funcionarios que trabajan en la escolares se deberían enfocar aún DIBAM y para el CNCA. La creación de este Ministerio, siendo más en ello. Por ejemplo, si hiciéramos un estudio exhaustivo una buena iniciativa, conlleva enormes desafíos. de cómo se alude a nuestros pueblos originarios, a nuestras tradiciones y bienes patrimoniales nos daríamos cuenta de ¿Qué opina respecto al proyecto de ley de donaciones que falta mucho por avanzar. A la vez, en el contexto de las culturales, y a la urgencia que le dio a este el presidente nuevas tecnologías de la información existen nuevos y urgentes en el último mensaje presidencial del 21 de mayo? desafíos referentes a cómo resguardar el inmenso patrimonio Es un gran avance que la DIBAM y que los propietarios de digital que se genera a diario. Para ello, se necesitan más inmuebles declarados monumento nacional puedan ser fondos para investigar, conservar, ampliar depósitos, catalogar beneficiados. Considero muy positivo que empresas de menor y poner en valor nuestro patrimonio.

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Bárbara Negrón, directora del Observatorio de Políticas Culturales ¿Qué opinión tiene respecto a la creación de un Ministerio en el último mensaje presidencial del 21 de mayo? de Cultura? Es plausible pensar que al ser un gobierno de derecha se priorizó Creo que efectivamente podría ayudar a resolver problemas una ley que promueve la participación del sector privado en que se arrastran desde hace muchos años, como por ejemplo, cultura. Pero esta modificación era muy necesaria, está bien la falta de coordinación entre los organismos públicos planteada y, de aprobarse el proyecto, mejorará mucho una dedicados a la cultura y las precarias condiciones de las herramienta que ha sido importante. Me preguntaría mejor instituciones dedicadas al patrimonio. Pero también podría por qué razón no se ha avanzado en otros compromisos que implicar una pérdida importante. también parecían ser importantes El actual Consejo Nacional de para este gobierno como la ley de la Cultura y las Artes, CNCA, es La Cultura ha estado muy lejos de las monumentos nacionales. un tipo de organismo único, muy prioridades políticas del Estado. interesante. La máxima autoridad ¿Crees que existe poca voluntad no es una figura única, sino un política en general para abordar órgano colegiado, en el que el tema cultural? dialogan diversas miradas relevantes para el sector. Es este Lamentablemente hay demasiadas evidencias que permiten órgano directivo el que define las políticas públicas. En este afirmar que sí. La Cultura ha estado muy lejos de las prioridades caso, la participación de la sociedad civil es vinculante. Si se políticas del Estado, aunque se acostumbre a decir lo contrario. La logra crear un nuevo organismo que conserve la riqueza del Concertación demoró 13 años en concretar una institucionalidad CNCA y mejore la eficiencia en la aplicación de las políticas, cultural muy anhelada y en este gobierno hemos visto recortes importantes al presupuesto de cultura como sucedió con el será efectivamente un avance. fondo de apoyo a programas culturales del Consejo Nacional ¿Qué opina respecto al proyecto de ley de donaciones de Televisión, CNTV, e incumplimientos como el anuncio de la culturales, y a la urgencia que le dio a este el presidente reforma a la Ley de Monumentos Nacionales.

Luciano Cruz-Coke, ministro de Cultura Desde un punto de vista práctico ¿cuál sería el aporte de la creación de un Ministerio de Cultura? Un Ministerio de Cultura y Patrimonio permitirá terminar con las duplicidades y la dispersión de la institucionalidad cultural actual. Como lo ha señalado el Presidente Sebastián Piñera, esta nueva institucionalidad -a diferencia de otros ministerios del aparato público- incorporará de manera permanente y vinculante a la sociedad civil en las políticas públicas. Así reforzamos los contrapesos de la autoridad de turno y los servicios ejecutores y administradores de fondos para el desarrollo de las artes y el patrimonio. Proponemos un ministerio participativo y no vertical; un ministerio horizontal y del siglo XXI, que contará con un Consejo de la Cultura y el Patrimonio que será el que renueve las políticas culturales con un horizonte de mediano plazo. Hemos trabajado en conjunto con la Dibam y el Consejo de Monumentos en elaborar una propuesta que permita incorporar bajo un mismo alero a los tres servicios principales que hoy componen la institucionalidad cultural pública. ¿Por qué en la gestión de la actual administración se ha hecho énfasis en modificar y ampliar la Ley de Donaciones Culturales? La ley ya tiene más de 21 años y lo que se busca es destrabarla y hacerla más amigable. Hoy, en la práctica, funciona bien para grandes empresas donantes y grandes proyectos y, precisamente, la incorporación de nuevos donantes y más beneficiarios busca hacerla más fácil y asequible a personas naturales y Pymes. Es una

señal de apertura que la ley considere a los pequeños y medianos, no sólo a los grandes. En la misma línea, la secretaría ejecutiva no sólo será un órgano que califique los proyectos, los apruebe y haga su seguimiento, sino que también contará con un banco digitalizado de proyectos atractivos para los donantes. ¿Cómo califican el avance en cuanto a políticas públicas en el ámbito cultural desde el año 2010? En materia de políticas públicas culturales hemos trabajado sobre tres ejes: primero, la modernización de la institucionalidad cultural que crea el Ministerio de Cultura y Patrimonio. Adicionalmente se ha hecho un trabajo de ordenamiento general al interior del servicio, mejorando la ejecución presupuestaria de un 86% en 2009 al actual 98% en 2011, de saneamiento administrativo y pago de deudas a proveedores que han convertido al CNCA en el mejor pagador de la administración pública actualmente. En segundo término, con el objeto de romper la enorme brecha de acceso que existe entre Región Metropolitana y las Regiones, hemos generado una inversión de 75 mil millones de pesos para el período en infraestructura cultural que incluye la creación de 3 grandes Teatros Regionales (Bíobio, La Serena y O`Higgins) y la recuperación de 2 espacios emblemáticos como son el Teatro Municipal de Iquique y Punta Arenas, además de 50 centros culturales de escala comunal de los cuales ya hay 22 inaugurados. Y en tercer lugar, llevamos a cabo una agenda pro desarrollo cultural que busca mejorar problemas históricos del sector en materias de financiamiento cultural, patrimonio y circulación de bienes culturales por el país, principalmente.

Entrevista

Los procesos de la pintura

Marcela Krause Por Alejandra Torres, periodista Fotografía cortesía del artista

Pinta a partir de lo que ha vivido, aunque en el momento mismo en que lo está haciendo, no se da cuenta. La iluminación viene después. Al ver su obra montada algo le hace click y entiende todo. “Mi vida afecta mi obra y mi obra afecta mi vida”, señala convencida.

• Detalle de la obra, "Cosmos", Técnica Mixta, 280 x 210 cm..

ara la artista visual Marcela Krause sus procesos algunas creencias antiguas y rígidas que tenía arraigadas en mí, personales tienen directa relación con sus obras. “Me así como el cambio de algunos dogmas sociales y familiares que interesa el crecimiento personal, el conocerme de manera en ese tiempo estaba trabajando por verlos y liberarlos.Cuando cada vez más profunda y con ello ir liberándose de creencias y estaba desarrollando esta expo, estaba viviendo el proceso de dogmas que nos atan. Mi obra crece conmigo, y cada etapa limpiar y profundizar en ciertos patrones que ataban mi forma de pictórica tiene justamente una estrecha relación con la etapa ser y de expresarme. Luego se me ocurrió el nombre, y pensé le personal en la que me encuentro”, nos cuenta desde su taller, había puesto Espíritu Salvaje ya que la mayoría de las obras eran ese espacio personal y único donde no entran teléfonos y de caballos. Pero lo cierto es que me interesaron los caballos donde medita un poco antes de por lo que yo estaba viviendo y empezar a trabajar. Es ahí donde “Una vez establecidas las reglas del el nombre era la culminación de Marcela deja que los materiales esa etapa”. juego, dejo que la obra hable por fluyan y actúen libremente sin sí misma y al observarla, veo hacia Ahí fue cuando Marcela entendió mayor intervención ni control; “una vez establecidas las reglas lo que significaba: “me di cuenta dónde va” del juego, dejo que la obra hable que yo me había transformado en por sí misma y al observarla, veo hacia dónde va”. un espíritu salvaje, un espíritu libre tanto en el pensar como actuar, me había librado de los juicios, las viejas creencias, En su camino como artista ha aprendido que los procesos de la necesidad de ser aceptada y el hacer lo que pensaba que la vida se pueden apreciar cuando ya pasaron. Por lo mismo la sociedad u otros esperaban de mí”. cree que la obra o la investigación de una determinada serie le habla del proceso que está viviendo aún cuando no logre Por estos días está trabajando e investigando acerca de las transparencias en la pintura, buscando nuevos soportes, tintas entenderla completamente cuando la está realizando. Su última exposición se llamó Espíritu Salvaje y “justamente y pigmentos. La experimentación de diferentes materiales y tuvo que ver con un proceso interno y muy profundo de liberar soportes es uno de los pilares de su obra.

Entrevista

Colorida presencia

Macarena Illanes Por Bernardita Garib, escritora y artista Fotografía cortesía del artista

La obra de Macarena Illanes refleja su personalidad. Espontáneo y audaz, de colores intensos y una delicadeza en la imagen, su trabajo nos invita a entrar en un mundo visual marcado por la búsqueda incesante de técnicas vanguardistas.

• Detalle de la obra, serie Pájaros, "Pajarínes celestes", año 2012, técnica mixta, 210 x 80 cm.

on mucha energía, Macarena Illanes expresa la logra incorporarse de manera única para lograr espacios importancia del arte en su vida. Desde pequeña, destacados por su color y fuerza, que envuelven al espectador siempre supo que ésta era su vocación. Amante de en una atmósfera llena de energía y vitalidad. la gráfica y las imágenes pensó estudiar diseño, pero su intuición y destacada vocación la llevó a estudiar arte. Luego La manera de incorporar el diseño a través de la impresión de aprender diversas disciplinas comprendió que la pintura de perros, chanchos, pájaros entre otros animales, nos era el modo de expresión que mas la identificaba. “Yo quería muestra que éste se ha vuelto una buen aliado en su trabajo pintar, y también hice grabado. Dos años después entendí plástico; “yo repito, ornamento la tela, la decoro. Las que el dibujo no era mi fuerte; imágenes son gráficas, limpias Luego de aprender diversas era mas feliz expresándome y por eso quise plasmarlas”. En con materias, con colores”, este punto, Illanes hace especial disciplinas, comprendió que la nos cuenta. hincapié en no encasillar su pintura era el modo de expresión que obra con ninguna imagen en Las obras de Macarena destacan particular y eso se refleja en mas la identificaba. por la mezcla de materiales y la gran cantidad de mallas técnicas que las componen. El y bastidores serigráficos que acrílico es el elemento base de su trabajo, pero hace un guarda como bitácora de un recorrido a través del color tiempo la serigrafía cobró un rol protagónico que ha ido y la imagen, en el que el destacado artista y profesor incorporando poco a poco en su obra y que nació de la Eugenio Dittborn ha sido un gran soporte y del que dice, necesidad de lograr secuencias repetidas de imágenes, como ha aprendido muchísimo. los pájaros que destacan en sus más recientes trabajos. Podemos decir que su proceso creativo resulta bastante Para el próximo año, la artista espera exhibir sus últimos versátil. No hay límite de tamaño en sus lienzos, tampoco trabajos en los que ha estado trabajando desde hace de soporte. Las diversas técnicas se entremezclan y todo bastante tiempo.

AGENDA santiago destacado del mes Hasta el 8 de septiembre Claudia Hidalgo Sala de Arte CCU

Av. Vitacura 2670 w w w.ccuenelar te.cl

Luego de varios años de un arduo trabajo de taller e investigación pictórica, llega la primera muestra en solitario de la pintora Claudia Hidalgo a la sala de arte CCU. “Pintura”, como se titula la muestra, busca enfatizar la idea de una búsqueda en la materia misma, su interacción con el soporte, las tensiones internas, su capacidad y sus posibilidades.

• Claudia Hidalgo, "Sin Título", 2010-2013, PVC sobre PVC, 200 x 1260 cm.

La muestra cuenta con la curatoría de la experta en coleccionismo y consultora de arte contemporáneo Pabla Ugarte. 18

El destacado del texto corresponde al autor de la imagen que acompaña * Las imágenes de las obras publicadas en agenda son detalles de la original

Hasta el 3 de octubre Museo de la Solidaridad Salvador Allende

Av. República 475 Santiago w w w.mssa.cl

Hasta el 11 de agosto LOCAL Arte Contemporáneo

En Medio / Arte y Sociedad La muestra crea un espacio de diálogo entre distintas generaciones, al contar con artistas de trayectoria como Alfredo Jaar y artistas jóvenes como Alejandra Prieto y María Gabler.

Av. Italia 1129, Providencia

www.localartecontemporaneo.com

Colectiva de 7 artistas jóvenes LOCAL escogió a siete estudiantes de para presentar sus obras en una muestra colectiva que se volverá a realizar dentro de 10 años, con los mismos participantes

Hasta el 1 de septiembre D21 Galería de Arte

Nueva de Lyon 19, departamento 21, Metro Los Leones, Providencia www.departamento21.cl

Jorge Brantmayer El destacado fotógrafo Jorge Brantmayer muestra un trabajo inédito y muy representativo de su rutina cotidiana en este oficio, que desarrolla desde hace tres décadas.

Hasta el 11 de agosto Sala de Arte Las Condes

Chilogo, íconos nacionales

Av. Apoquindo 3300 Segundo piso. Metro El Golf w w w.lascondes.cl

La exposición reúne 80 obras de 20 diseñadores jóvenes, quienes conceptualizaron nuestra identidad, creando íconos de lo más esencial de nuestra idiosincrasia.

Hasta el 15 de agosto Galería de Arte Contemporáneo SOFA S anta Isabel 0151 w w w.sofa.cl

Exposición colectiva Expo/Venta de pintura contemporánea integrada por: Josefina González, Francisco Aballay Verdugo, Paula Ferrer y Natalia Álvarez, entre otros.

Hasta el 24 de agosto Galería de Arte Chimkowe

Av. Grecia 8787 Peñalolén www.cultura.penalolen.cl

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Exposición colectiva La recientemente inaugurada galería exhibe 50 pinturas de grandes autores chilenos, colección itinerante de la Universidad Metropolitana de las Ciencias de la Educación (UMCE)

AGENDA regiones

• Fabián Nonino y Diego Alberti, "Residual", 2010, perfomance danza interactiva.

destacado del mes Hasta el 31 de agosto Exposición Internacional: Arte Política y Medio Ambiente Centro Cultural Estación Antofagasta

Bolívar 280, Antofagasta w w w.facebook .com/Centro.Cultural. Estacion.Antofagasta

Centro Cultural Estación Antofagasta (CCEA) presenta una exhibición que conjuga video arte, objetos, caligrafía y fotografía, con sonidos y luces en las creaciones de cinco artistas: Arcángel Constantini y Karen Perry, de México; Mohamed Abou El Naga, de Egipto; Andrea Juan, de Argentina y Dagmara Wyskiel, de Polonia.

El destacado del texto corresponde al autor de la imagen que acompaña

El destacado del texto corresponde al autor de la imagen que acompaña * Las imágenes de las obras publicadas en agenda son detalles de la original * Las imágenes de las obras publicadas en agenda son detalles de la original

Hasta el 11 de agosto

Hasta el 31 de agosto

Los Atletas del Saber

Guárdame el secreto

La destacada artista nacional Tatiana Álamos presenta su exposición individual “Los Atletas del Saber”, donde realiza una reconstrucción visual del mundo alejandrino, inspirada en la novela de Jean François Luminet.

La artista nacional Loreto Sapiain presenta la muestra Guárdame el secreto, una invitación a revisar desde el collage, las problemáticas de los medios de comunicación escritos, evocando el inconsciente colectivo.

Bosque Nativo Av. Vicente Pérez Rosales 1305, Puerto Varas

Bodegón cultural Los Vilos Elicura 135, Los Vilos

w w w. b o d e g o n l o s vi l os.c l

Hasta el 16 de agosto

Hasta el 26 de agosto

Graffiti de Salón

Patio Trasero

La exposición reúne a 10 destacados artistas del graffiti de Chillán, que trasladaron sus obras al formato canvas, utilizando técnicas mixtas de pintura urbana, connotando la expresión simbólica de la manifestación del arte urbano.

Con objetos cotidianos, escombros y el uso del espacio, la artista Noelia Araya recrea una escena encontrada en el puerto, reflexionando sobre modos de vivir donde se tensionan decadencia y belleza, pobreza y modernidad.

CECAL Isabel Riquelme 479, Chillán

www.cecal.udec.cl

Casa E Lautaro Rosas N° 344, Cerro Alegre, Valparaíso

b lo gc asae.wo rdp ress.com

Hasta el 1 de septiembre

Hasta el 12 de agosto

Index / Culinaria

Fotoconciencia

En Index / Culinaria, el artista Felipe Carrión rescata gráficamente -a través de las técnicas del grabado en metal- una serie de artefactos de cocina estrechamente ligados a nuestra memoria e identidad local.

Imágenes que conjugan la belleza con el interés científico de las investigaciones que se desarrollan en la Región de Los Lagos dan vida a la muestra “Fotoconciencia”, imágenes seleccionadas del concurso organizado por el Centro de Investigación y Desarrollo Austral.

Galería Modigliani Calle 5 norte 168, Viña del Mar

w w w.galer iab o squenativo.cl

http://www.galeriamodigliani.cl

CC Puerto Montt Casa del Arte Diego Rivera Quillota 116, Puerto Montt

www.corporacionculturalpuertomontt.cl

www.facebook.com/arteallimite.com

AGENDA web Te presentamos las coordenadas de nuestros Artistas Al Límite.

Andrés Hermosilla International Art Flag Exhibition La muestra está integrada por las obras de artistas de 40 países

Hasta el 30 de agosto Paseo frente al mar Mediterráneo, distrito central, Beirut, El Líbano

w w w. a n d r e s h e r m o s i l l a . c l /

Carmen Aldunate Muestra individual Muestra de óleos, grabados y pinturas en nueva sala de exposición

Hasta el 20 de agosto Universidad Autónoma de Talca 5 Poniente 1670, Talca

w w w. a r t e a l l i m i t e . c o m / c a r m e n a l d u n a t e

Geraldina Ahumada

Santiago Mon Amour La artista devela las rutinas de la metrópolis, los sueños y pesadillas de sus transeúntes.

María Elena Etchepare Mujeres por el Arte

En la exhibición también participan las artistas nacionales Muriel Gallardo, María Eugenia Akel y Lídice Morales, entre otras.

Hasta el 20 de agosto Museo Nacional Benjamin Vicuña Mackenna Av. Vicuña Mackenna 94, Providencia

w w w. a r t e a l l i m i t e . c o m / g e r a l d i n a a h u m a d a

Convocada por la Galería de la Municipalidad Provincial de Arequipa, Perú, la artista visual chilena María Elena Etchepare participa en una muestra que se inserta en la Semana de la Mujer y una exhibición de arte binacional, compuesta por arte postal y afiches.

Maria Elena gana

Árboles La artista expone una serie de sus pinturas que abordan la naturaleza y sus bosques.

Hasta el 5 de agosto

Galería de Arte Vinatea Reinoso Palacio Municial de Arequipa Plaza de armas s/n

w w w. a r t e a l l i m i t e . c o m / M a r í a E l e n a E t c h e p a r e

Hasta el 31 de agosto Sala Cero de la Universidad de Los Andes San Carlos de Apoquindo 2200. Las Condes, Santiago

w w w. b e r n a r d i t a g a r i b . c o m

www.arteallimite.com Cynthia Marinkovic

Tere Ortuzar

Mi jardín interior Muestra colectiva de 70 artistas, quienes recrean su mundo interior.

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Hasta el 11 de septiembre Club de Jardines Parque Bicentenario Avda Bicentenario 3800, Vitacura

Lectura de obra Educa MAC ofrece un encuentro con la artista expositora

10 de agosto Museo de Arte Contemporáneo Parque Forestal s/n

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Bruna truffa

Francisca Lohmann

4 y 5 de Agosto Galería de Arte Kunst Av. Santa María 0316 # 610, Providencia

Hasta octubre Hotel Villa el Descanso Longitudinal Sur Km 186, Curicó

Caballos chilenos La artista expone y vende óleos de pequeño, mediano y gran formato

Venta de Taller La muestra y venta de obras incluye grabados, pinturas y trabajos en técnica mixta de la destacada artista chilena.

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Raquel Yuhaniak

Carolina Barros Obra Grabada: Las estaciones del Taller 99 Muestra de grabado y xilografía de 33 artistas pertenecientes al Taller 99

Talleres Clases y Venta Arte Textil

Hasta marzo de 2013 Museo Andino de Viña Santa Rita Camino Padre Hurtado 0695, Alto Jahuel, Buin

Durante todo agosto Durante todo agosto 09-2297378 rachi.yuhaniak@gmail.com

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Sebastián Utreras

Francisco villalón

Masonería, misterio revelado El fotógrafo refleja el mundo de la masonería por dentro, en 25 contundentes imágenes

Clases de pintura Cursos de pintura, técnica mixta para adultos y niños

Hasta el 5 de octubre Sala de Exposiciones del Instituto ARCOS Santo Domingo 789, Santiago Centro

Durante todo agosto Chesterton 7718, Las Condes 027924357 - 96821342 academiadepinturafvillalon@ gmail.com

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Perfil arte

Artistas julio 2012 artistas mĂĄs vistos en nuestro sitio web / Julio 2012 www.arteallimite.com

isabel barros

marcela vicuĂąa

claudia parodi

sebastian utreras

carmen Aldunate

PerfilArte A continuaciĂłn te presentamos los siguientes artistas

arte global Nacional e

Internacional

+ 400 de

Comunidad artistas

virtual

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Perfil arte: Geraldi na ah umada I Dominique salles

geraldina Ahumada

Esculpiendo historias Por Valentina Acuña, periodista.

Con un pequeño caballo al estilo “Botero” en su mano que esculpió cuando tenía cinco años, Geraldina Ahumada

• Detalle obra "Conversaciones de Saloon", esculturas en gres, quema a gas, año 2011, 33x39x20 cm.

cuenta cómo empezó su camino en la escultura. Durante su época escolar siempre supo que tenía talento para moldear la greda, el equino fue primera obra. Desde los 14 a los 18 años estudió cerámica en el taller de Bladis Monardes. Sin embargo, el material la desencantó ya que “no encontraba su lenguaje propio, como el de un escritor”, comenta la artista. Estudió arquitectura en la Universidad de Chile, se casó y formó una familia, pero siempre sintió un vacío.; "cuando mi hija cumplió dos años volví a tener la necesidad de esculpir y contar historias, vi que mis niños eran un poco más independientes y tuve el tiempo de retomar mis cuenta-cuentos”. En la bajada de la escalera se observa una de sus obras más representativas, una escultura de color claro, dos figuras humanas, un molino y una silla. La autora explica que la obra "plasma la vida de mis padres, en un lado se ve la silla favorita de mi papá, donde se sentaba siempre." Su última exposición “Santiago Mon Amour” es un recorrido por Santiago, que invita a ver la ciudad desde sus experiencias personales. Con muchas ganas de seguir creando y mostrar sus obras en Chile y el extranjero, la artista espera seguir creciendo y que la greda siga contando sus historias. w w w. a r t e a l l i m i t e . c o m / g e r a l d i n a a h u m a d a

Dominique Salles

Lenguaje íntimo y versátil Por Rocío Munizaga, periodista.

La pintora Dominique Salles dejó su casa en Punta Arenas para estudiar arte en la Universidad Finis Terrae, donde egresó en 2007. Desde entonces desarrolla diferentes estilos y trabajos artísticos paralelos, que dan cuenta de su versatilidad. No sólo se dedica a la pintura sino que también trabaja en Magallanes con un colectivo de diseño independiente llamado “Inmensidad”, y hoy postulan a un Fondart con el proyecto: “Inmensidad, Diseño, Pampa y Coirón”, nombre inspirado en el paisaje patagónico y el coirón, una maleza dura característica de la zona. En 2008 empezó una serie de cuadros que tratan sobre “las propias herencias familiares” y su interés por los años 20-30 y la Belle Époque europea; “siempre me he sentido como alguien que pertenece a otra época. Mis gustos y mi forma de ser son más antiguos”. Comenzó los primeros cuadros mientras estudiaba, pero luego ocupa otras técnicas, como antiguas fotos familiares, cartas, papel floreado, diferentes desgastes y, por último, borda sobre sus pinturas, lo que le resulta cómodo pues cose y borda desde niña. Dominique también participa en el proyecto “Huellas” de la Fundación Arturo López Pérez, que se mostrará hasta el 25 de agosto en la Galería de Arte CCU (Vitacura

• Detalle "Agustina, 2011, óleo sobre tela, 140 x 120 cm.

2680). Son cuadros diseñados por diferentes artistas que trabajaron con pacientes, familiares y funcionarios de la fundación para que los pintaran usando sólo su huella digital. w w w. a r t e a l l i m i t e . c o m / d o m i n i q u e s a l l e s

Perfil arte: María Alicia Urea I María José edwards

María Alicia Urrea Experimentación sobre el paisaje urbano Por Francisca Medina, historiadora del arte

La artista Alicia Urrea se autodefine como una persona “muy urbana”. “Me encanta la ciudad, su dinámica, la rapidez con que ocurre todo, el movimiento, las luces, y cada detalle que se aprecia en ella”. Este interés la llevó a apropiarse de las imágenes citadinas, recomponiendo un imaginario urbano donde abstrae las formas “simplificándolas hasta obtener imágenes donde prima la geometría y el color”. Desde temprana edad, Urrea desarrolló su talento en diversos talleres de pintura y hoy continúa mezclando técnicas y materiales, en un afán de investigación constante; “la experimentación surge a través de la exploración de los materiales. Es interesante ver como a través de diferentes materiales se puede llegar a plasmar una misma intención”. Como inspiración, la artista toma la ciudad. La recorre caminando y observando cada detalle de edificios y avenidas; “voy armando un imaginario que luego me sirve de experiencia y referencia para hacer mis obras”, trabajos plásticos a menudo plasmados alternativamente mediante acrílico, óleo, esmaltes sintéticos y barnices sobre tela o diferentes tipos de lápiz pastel y tinta sobre papel. La artista tiene agendadas dos exposiciones para lo que resta del año. Una de ellas es “Arte Ayuda”, evento que se realiza desde el año 2006 y en el que participan varios artistas chilenos con el fin de apoyar a Fundación Paréntesis. La segunda, “Art Freedom” tendrá lugar en Francia como exposición colectiva patrocinada por de la Asociación Cultural Colombiartística, que se dedica a difundir el trabajo de artistas latinoamericanos en Europa. w w w. a r t e a l l i m i t e . c o m / m a r i a a l i c i a u r r e a

• Detalle de la obra, "Sin Titulo ", 2012, acrílico, óleo, pastel graso y tinta sobre papel, 105 x 75 cm.

• "Renacer",2011, acrílico, 81x100 cm.

María José Edwards Trazos espontáneos Por Antonella Galarce, periodista

En 2004, escapando de la monotonía del trabajo, María José Edwards encontró un refugio en la pintura. “Integré el taller de Concepción Balmes, quien me ayudó a pintar sin miedo con trazos sueltos y espontáneos, llegando a crear una identidad en mi pintura”, recuerda. Su técnica le permite expresarse sin limitaciones, soñar y transmitir emociones por medio del color y el trazo, formando corazones, símbolo que ha acompañado por varios años su pintura.. “el arte es para mí un complemento, una forma de ver la vida disfrutando de los colores que nos entrega”. El proceso creativo de la artista es espontáneo, comienza por la elección de una paleta de colores, para luego trabajar las texturas sobre tela con espátulas y brochas. En la actualidad, Edwards se encuentra trabajando en la obra que donará a Arte Ayuda 2012, evento en beneficio de la Fundación Paréntesis, y preparando una serie de “Corazones”, para una exposición colectiva que realizará en Noviembre. Sus obras pueden visitarse en la Galería de Arte Wenteche, (Cerro Alegro, Valparaíso) y en su sitio web www.mjedwards.cl. w w w. a r t e a l l i m i t e . c o m / m a r i a j o s e e d w a r d s

Perfil arte: Gonzalo riscal I Carolina oltra

Gonzalo Riscal Búsqueda estética Por Antonella Galarce, periodista.

El pintor Gonzalo Riscal decidió abocarse por completo a la pintura en 2007, luego de una larga temporada trabajando como diseñador industrial. En una búsqueda incesante de colores

• "Sin título", 2012, óleo sobre acrílico,100 x150 cm.

y texturas, descubrió el Taller K, espacio dedicado al grabado en Ñuñoa. “Hemos hecho varias exposiciones, tenemos un colectivo bien potente y estamos con múltiples proyectos”, cuenta. Previo a ese proceso e intuyendo su natural talento para las artes, tomó clases con el pintor Sergio Stitchkin, quien lo guió en el camino de encontrar un estilo propio. “Comencé con óleo, ahora utilizo acrílico según la necesidad. Me integré también el mundo del grabado, que es el fuerte del Taller K”, señala. Con el colectivo liderado por el grabadista Klaudio Vidal, ha montado diversas muestras en Santiago y regiones, entre las que destacan las exhibiciones en Valparaíso, en el Palacio Cousiño; en Viña, en el castillo Wulff y a principio de año en el Hotel Dreams de Valdivia. Para Riscal, el arte es un trabajo que aborda con un ánimo investigativo, buscando trasladar el realismo de su obra previa a un concepto de figuración y aspectos de abstracción, conjugando los medios como la pintura, el grabado y otros tantos por profundizar. La figura humana le atrae, pese a que intenta romper con sus propios moldes pictóricos, buscando generar cosas estéticamente bellas y que emocionen al espectador. Con cinco años dedicados al estudio de la pintura, el creador se encuentra actualmente buscando nuevos horizontes y espacios de exhibición, sin perder de vista sus orígenes, tal como se observa en una antigua curiosa fotografía familiar que retrata a militares y mapuches y que el artista traspasó a la tela. w w w. a r t e a l l i m i t e . c o m / g o n z a l o r i s c a l

Carolina oltra Arte como bitácora Por Antonella Galarce, periodista.

La curiosidad por la naturaleza y la contemplación de su entorno, se despertó a muy temprana edad en la artista visual Carolina Oltra. Esto, debido a los constantes viajes con su familia dentro de Chile y su temporada viviendo en Brasil; “tenía la costumbre de contemplar y dibujar minuciosamente los detalles de mi entorno, era mi vínculo con el lugar”. Sus estudios en arquitectura la llevaron a desarrollar la investigación del hombre y su ambiente. Oltra indaga en el paisaje desde un registro naturalista, utilizando en sus obras la fotografía, el collage y técnicas mixtas. “Los temas centrales en mi trabajo son el uso del registro fotográfico, aunque desde la experiencia de los apuntes de viaje, la problemática de la representación del paisaje-jardín y la apropiación de residuos del paisaje. La idea es acumular notas sobre el paisaje y luego condensarlas como un todo en la obra”. Oltra concibe el arte como un punto de vista, una manera de mirar, vivir la vida y apropiarse de ella. “El arte para mi es tan imprescindible como respirar”, admite. La artista comienza observando un paisaje o una fotografía, alcanzando un estado de abstracción que le permite rescatar

• Detalle, "Jardín privado",2012, Fotografía intervenida, collage, 48cm x70cm

la esencia del paisaje observado; “en ese estado doy rienda suelta a la experimentación, pinto, corto, pego, rompo y uso la fotografía análoga, libretas de apuntes y materiales diversos”. Actualmente, la artista está realizando una serie de trabajos entorno al jardín privado y la territorialidad, en cajas de luz o papel, intervenidos a la manera del collage. Su exposición más reciente, “Ensambles al Cubo”, ya fue exhibida en la Galería Artium en Santiago, Bosque Nativo de Puerto Varas, Hotel Dreams de Punta Arenas y se presentará en octubre en Iquique. www.arteallimite.com/carolinaoltra

Perfil arte: francisco silva I magdalena errázuriz

Magdalena Errázuriz Reivindicando el pasado Por Yuriko Takahashi, periodista.

• Detalle, "Sin título", óleo sobre tela, año 2010, 180 x 60 cm.(tríptico)

Francisco Silva Torrealba La apertura de la tela Por Carla Vásquez, licenciada en estética.

Una habilidad para las matemáticas y destreza para dibujar, llevaron a Francisco Silva Torrealba a transformarse en arquitecto. En cambio, la pasión por las artes lo incitó a ser pintor, diseñador, realizador audiovisual, y un amante de la música. La obra visual de Silva se inició con el cambio de milenio cuando llegó a sus manos un libro del pintor austríaco Egon Schiele “el cual gatilló en mí esa necesidad de dibujar, y posteriormente pintar”. En un comienzo fue la mímesis, luego las figuras. Hoy desarrolla obras más abstractas y bosques. "Mi arte es un reflejo formal de mis estados anímicos en relación a todo lo que me rodea”, explica, agregando que la autocrítica le permite ir perfeccionándose. Sus obras actuales concentran un punto de apertura en la tela. El corte, tajo, abismo de colores se abre para cubrir los espacios, dinámica acompañada de líneas rectas que se cruzan y entrecruzan, reminiscencias de los estudios arquitectónicos de Silva. Su actual trabajo son los bosques, producto de sus recuerdos de infancia, cuando muchas veces se perdió entre los árboles tupidos del sur; “es una visión recurrente que tengo y que me ha hecho pintar sólo a partir de mi memoria”. Son infinidad de troncos apreciados desde la altura de los ojos de un niño que no nos permite ver donde terminan ni donde comienzan. www.arteallimite.com/franciscosilva

Mujeres de épocas pasadas conviviendo con esa marca de jabón tan famosa, con el agua mineral que alguna vez bebimos. Es ahí donde se mueve el último trabajo de Magdalena Errázuriz, quien a partir de recuerdos va construyendo una obra llena de símbolos y una fuerte carga emocional. “Se trata de devolver el valor que tiene la imagen respecto a las experiencias que vivimos, a los lugares que transitamos”, afirma Magdalena. A partir del collage, óleo, acrílicos, grafitos, tintas y una amplia gama de colores, la artista va recreando épocas pasadas dando un importante valor a la figura femenina, rescatando la delicadeza propia del género a partir de una serie de detalles. De manera paralela, Magdalena utiliza el arte y los sentimientos que evoca para sanar. Siempre tuvo una vocación social, es por eso que comenzó con el arte terapia, donde la disciplina artística adquiere fines terapéuticos, educativos y de rehabilitación. Actualmente trabaja en la Corporación Esperanza y Alter Ego; “en el taller de arte terapia se encuentra un espacio donde los pacientes pueden expresarse de otra manera y les provee una contención emocional muy importante en su proceso”. Actualmente, la artista también trabaja en su primera exposición individual en Santiago, que abrirá el 9 de agosto en la Scuola Italiana. Asimismo se prepara para presentar su trabajo en la galería Agora de Nueva York en septiembre de 2013. w w w. a r t e a l l i m i t e . c o m / m a g d a l e n a e r r a z u r i z

• Detalle, "Una casa", 2012, técnica mixta, 100 x 170 cm..

Perfil arte: javiera moreira I Monica paz

Javiera Moreira

Con una larga trayectoria en el grabado, Javiera Moreira despliega su creación en la temática de la figura humana, la soledad, las multitudes, las sombras y el silencio. Su escuela fue el Taller 99, donde Rafael Munita fue su maestro y la incentivó a investigar técnicas, tintas y metales. De ahí su incursión en el aluminio, lo que le abrió un nuevo espacio de experimentación; “la técnica pasa a ser parte de tu lenguaje, trabajándola para que ella esté al servicio tuyo y no tú al servicio de la técnica, el aluminio es un material más blando que el cobre y da otros resultados gráficos, se trabaja con otros ácidos y al ser más blando puedes usar técnicas directas, lijas, punta seca”. También fue alumna de Nemesio Antúnez a quien recuerda como “un gran maestro del dar, de mostrarte y enseñarte todo sin egoísmos, y sin ego”. Su trabajo en este taller ha sido una enseñanza fundamental, donde ha aprendido cuestiones propias del trabajo colectivo, “siempre dispuesta a ayudar, y enseñar al de al lado, a escuchar y aceptar críticas, consejos, saber ver y saber escuchar”. Moreira acaba de participar en un emotivo homenaje al fallecido Francisco de la Puente en Puerto Varas, con una exposición junto a otros artistas como Robinson Mora, Lise Moller, Ismael Frigerio y Andrés Vio. En septiembre estará con una exposición individual en la Galería Blanc y continúa dando clases en su taller Puerta Verde.

MULTITUDES EN SOMBRAS Por Denise Madrid, periodista.

• Detalle, serie " Bajo la mesa", grabados aguatinta, 112 x 76cm.

w w w. a r t e a l l i m i t e . c o m / j a v i e r a m o r e i r a

Monica Paz Imaginario propio Por Antonella Galarce, periodista.

Liberándose de lo establecido y derrumbando los convencionalismos, la artista Mónica Paz crea un lenguaje único, que le permite sumergirse en su propio imaginario “y desde ahí ilustrar mi fantasía”, dice; “este estado de inspiración íntima y personal, es bastante frecuente. Lo difícil es dar el paso posterior, es decir expresarlo tangiblemente. Se requiere de disciplina y un trabajo riguroso para poder apreciar los resultados. Si tu trabajas constantemente serás aún mas creativo”. Por medio de la calcografía, Paz se sumerge en un mundo mágico: “algunos amigos dicen que es como 'cocinar', tienes muchas alternativas a estudiar dependiendo de lo que quieras lograr”. La experimentación constante y la posibilidad de concebir un resultado contrario al esperado, es precisamente lo que atrae a la artista a esta técnica. Paz toma su inspiración de la música y del imaginario y las creencias de los pueblos “afortunadamente vivo en un lugar cerca de la isla de Chiloé”. Actualmente, la artista dicta cursos de grabado en el taller Agualluvia en Osorno y en el taller de la Casa Richter del Teatro Del Lago en Frutillar.

• Detalle de la obra, "Sin título" , prueba de la artista, 2012, aguafuerte y aguatinta sobre papel arches, 30 x 45 cm.

Además, se encuentra preparando una muestra para octubre de este año en el Centro Cultural Sofía Hott de Osorno. w w w. a r t e a l l i m i t e . c o m / m o n i c a p a z

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Criticas BELLEZA Y ARTE EN OBJETOS PRECOLOMBINOS PRESENTA

EXPOSICIÓN “CHILE 15 MIL AÑOS: COLECCIÓN MUSEO CHILENO DE ARTE PRECOLOMBINO” En Centro Cultural Palacio la Moneda.

Por Ennio Bucci, Licenciado en Teoría e Historia del Arte y Estética, miembro de la AICA

Fotografía cortesía del Centro Cultural Palacio la Moneda.

na interesante y valiosa muestra de arte precolombino inaugurada recientemente se está presentando en el Centro Cultural Palacio de la Moneda. Ésta hace un recorrido por 15 mil años de historia donde podemos apreciar piezas de gran valor artístico y estético, realizadas por nuestros originarios pueblos indígenas. La exposición rescata su valor artístico y cultural, donde a través de sus objetos nos dan su visión de mundo, de la sociedad, las costumbres, los rituales religiosos, las jerarquías y formas de organización comunitaria. La muestra cuenta con un montaje de las piezas donde se aprecia una concepción museográfica de nivel. La exhibición se divide en las dos salas del centro cultural. En la primera sala se puede hacer un recorrido desde los primeros cazadores y recolectores nómades que se asentaron en las costas del norte en nuestro territorio nacional. Los aborígenes se dedicaban a la pesca y fabricaban sus instrumentos de caza donde destaca el arte en la confección de arpones para cazar peces grandes y mamíferos marinos. Es así que los antiguos cazadores usaron el “arpón de cabezal“, fabricado en huesos de diversos tamaños, donde se puede apreciar un alto nivel de ejecución técnica en la manufactura.

• Bolsa (wayuna) lana. Pica, Tarapacá norte arido colección.

Otro aspecto sobresaliente en la muestra es la presencia de pequeñas embarcaciones para navegar en el mar, realizadas en madera con decoración de pinturas rojas en su superficie. Cabe destacar la representación de una réplica de una balsa de cuero de lobos estilo diaguita-Inca realizada en piedra de una gran belleza estética (1400 a 1535 dc.) Como en la mayoría de los pueblos antiguos, el culto a los muertos está representado por la presencia de cuatros nichos muy bien montados donde nos encontramos con las momias de chinchorro. La intención de esta cultura era mantener un vínculo con sus muertos a través de la ilusión que las personas seguían vivas. Por ello, ejecutaban rituales funerarios donde la persona iba al más allá con un rico ajuar de modo que no le faltase nada en su camino al otro mundo. Un aspecto importante de la muestra es la presencia de la colección de tejidos prehispánicos del norte de Chile. Estos desempeñaron múltiples roles sociales y políticos, en especial comunicaban el rango social y la identidad de quienes lo portaban. Los primeros tejidos eran realizados con fibras vegetales y datan de 3000 años ac. El visitante podrá encontrar bellos textiles finamente confeccionados, desde camisas trapezoidales, faldellines de cordeles, gorros de 4 puntas con decoraciones geométricas donde queda manifiesto el alto sentido estético que poseían nuestros antepasados. También destacan los complejos de alucinógenos que tenían funciones medicinales. También servían para que los sacerdotes y chamanes entraran en transe y se comunicaran con la divinidad. En la muestra destaca una tableta de rape (nombre dado por los europeos), donde se aprecia la figura de un chaman danzando en un ritual de adoración. En la segunda sala, podemos apreciar la presencia y contacto de invasiones foráneas que se asentaron en el territorio, la presencia de la civilización inca y posteriormente la española. Destaca aquí el montaje sobre el “espíritu de los antepasados” con la presencia de los Guardianes del bosque, los ritos de Kurikawin, y el de las artes textiles del pueblo mapuche, que muestran los Ukus (poncho) hasta llegar a la manta de nuestros hombres de campo. La muestra que se presenta en el CCPLM hasta el 18 de octubre es especialmente valiosa por su contenido cultural, didáctico y educativo, al apreciar el gran aporte que realizaron al arte nuestros pueblos precolombinos.

“En la forma de la dulce infelicidad de ocho meses de trabajo o de cómo volver auspiciosamente a la pintura”, muestra de Álvaro Oyarzún S en la Galería AFA Por Ernesto Muñoz, crítico de arte y miembro de la AICA Fotos cortesía del artista.

os parámetros en los cuales se desarrolla el excelente trabajo de Álvaro Oyarzún son incontables. Su exposición lo coloca en un espacio de reflexión y en ella vemos cómo los grandes temas de la pintura entran en juego, concediéndonos una visión donde la elaboración crítica empalma con el soporte donde transitan las capas de pigmentos. En palabras de la historiadora del arte Lise Martinot: “La pintura fue la gran exiliada del postmodernismo. Ahora bien, Álvaro Oyarzún, avezado en los trabajos gráficos que nuestros tiempos prefieren, presenta aquí una serie de cuadros al óleo como bonitas imágenes pintadas a partir de clichés fotográficos tomados durante sus escapadas por tierras chilenas.

complacientes? Ciertamente estos ocho cuadros son derivados de clichés, pero modificados, adaptados, penetrados por el ojo discriminante del artista, donde los primeros planos cortados y los ángulos de vista invertidos vuelven extranjero lo ordinario, sumergiendo al mismo tiempo la mirada en un baño de óleos pigmentados. El paseo que nos ofrece Oyarzún no es el de los operadores turísticos, sino una invitación en la que debe descubrirse las nuevas comarcas que vive la pintura de hoy, dónde coexisten, sin complejo, figuración y abstracción. La incompatibilidad de estos dos modos parece haber desaparecido, resolviéndose así la aporía que se imponía a las generaciones anteriores”.

La exposición estará abierta al público hasta el 31 ¿Tendremos entonces ante nuestros ojos cartas postales de agosto en la Galería AFA, ubicada en Phillips 16 pintadas, recuerdos de vacaciones, decorativos y departamento 16, Santiago.

• “La forma en la dulce infelicidad de ocho meses de trabajo o de como volver auspiciosamente a la pintura”, 2012, óleo sobre tela, 120 x120 cm.

criticas

BORIS GRIGORIEV (1886-1939) en el Instituto Cultural de Providencia Por Pedro Labowitz, crítico de arte y miembro de la AICA Fotografías cortesía del Instituto Cultural de Providencia.

ste pintor ruso, cuyas obras se han cotizado hasta en millones de dólares en remates en Nueva York, estuvo en Chile en dos ocasiones y por muy poco tiempo; pero su importancia y su influencia en el desarrollo de la historia de nuestra pintura han sido fuera de toda proporción a esa estadía en el país.

en esa época en Chile. Grigoriev era un expresionista moderado, cuyos antecedentes debemos buscar en Cézanne o en Van Gogh; y sus ideas significaron en el Chile de fines de la década del los ´20 una renovación total. Posteriormente, Grigoriev volvió a nuestro país en 1936, pero por un lapso igualmente corto de unos seis meses.

Ante la revolución bolchevique en Rusia, Grigoriev se auto-exilió a París, donde fue contratado en 1928 por Carlos Isamitt, entonces Director del Museo de Bellas Artes, para ejercer las funciones de Profesor de Pintura a los cursos superiores de la Academia de Bellas Artes de la Universidad de Chile. Sin embargo, dificultades burocráticas bajo el régimen del Presidente Carlos Ibáñez del Campo le impidieron ejercer este cargo en debida forma y volvió a Europa a sólo seis meses, en 1929.

La presente exposición en el Instituto Cultural de Providencia consta de casi un centenar de obras de diversas épocas del quehacer pictórico de Boris Grigoriev, provenientes en gran parte de Rusia, especialmente del Museo de San Petersburgo. Se trata de retratos, paisajes, flores y algunas naturalezas muertas, pero sin duda alguna son los retratos al óleo que más llaman la atención al visitante. Destacan el vigor, la naturalidad y la expresividad de sus personajes siempre serios por una parte, y la densidad y fuerza de los colores por la otra. Soluciona sus fondos en forma variada, a veces no-figurativa de campos de color, siempre de una manera adecuada y grata al ojo de quien los contemple. Así tenemos el excelente “Tocador de Acordeón” o ese retrato de un personaje masculino en múltiples gamas de rojo que armonizan plenamente entre sí. O bien el “Bebedor”, más quieto en su pose, en su chaqueta amarillenta que contrasta suavemente con los tonos rojizos de las manos y la cara. Es muy original el concepto de “Venecia” en que las góndolas se ven cual aletas de tiburones. Aquí, como siempre en sus pinturas, Grogoriev dibuja con feliz libertad, como puede apreciarse también en algunas fachadas de casas.

Pero este corto tiempo le permitió contribuir a innovar radicalmente en las ideas artísticas de muchos de sus alumnos de Bellas Artes, imbuyéndoles de las ideas del Modernismo, que fueron entusiasmadamente aceptadas por ellos y que contribuyeron para cambiar para siempre el clima de conservadurismo en las artes visuales que reinó

En los dibujos a grafito el artista se inclina más a versiones realistas, especialmente en los bocetos preparatorios de retratos. Una exposición de verdadero valor histórico, que puede visitarse hasta el 24 de agosto en Av. 11 de septiembre 1195.

• "Retrato de Nikolai Rémizov y su esposa", 1926 o 1933, Óleo sobre lienzo. 76 x 94 cm. Museo Ruso, San Petersburgo, Rusia.

Y sin embargo se mueve, Instalación de Constanza Alarcón Tennen

Die Ecke Arte Contemporáneo/ 20 de julio al 25 de agosto de 2012.

Por Enrique Solanich S., Magíster en Teoría e Historia del Arte, miembro de la AICA Fotografías cortesía de la Galería Die Eccke

a frase Y sin embargo se mueve, se atribuye, sin mucho asidero histórico, a Galileo Galilei (Pisa 1564 - Florencia 1642), astrónomo, filósofo, físico, matemático y, músico. A todas luces, un genuino exponente del aliento habido durante renacimiento italiano. Tal locución habría sido pronunciada por él, sotto voce, tras abjurar ante el Santo Oficio u Inquisición, de sus divagaciones en torno al movimiento de los astros, sumándose a las teorías del polaco y clérigo católico Nicolás Copernico (Torún 1473 – Frombork 1743), de la quietud del Sol como centro del universo y, al contrario, de la circulación de la Tierra y otros cuerpos celestes a su alrededor. Considerados sus pensares “necios, absurdos y heréticos,” hoy la glosa se la estima paradigma y lema de todas las confrontaciones victoriosas de la ciencia y sus rigorosos conocimientos ante los mitos o las supercherías. Constanza Alarcón Tennen, Licenciada en Artes Visuales de la Pontificia Universidad Católica de Chile, ostenta a la fecha y pese a su juventud, participaciones en muestras tales como Umbrales, en el Centro de Extensión de la Universidad Católica (2009); Tierra Baldía, Sala de Arte CCU (2011), y Concurso Universitario de Arte Joven, Museo de Arte Contemporáneo de la Universidad de Chile en la Quinta Normal (2011).

El sincopado y rítmico juego de -ensamble y escisión-, programado para un tiempo breve entre los dos volúmenes, encarna una fisura geológica real y perceptible, experiencia cinética que en los espectadores incita una reflexión honda sobre la fuerza telúrica de la naturaleza y, además, de modelos diversos hoy para su representación imaginaria, más aún sí de parajes naturales se trata. El abierto contenido de la cuidada instalación, concreta la aspiración para que la escultura atienda el paisaje como opción temática. Las premisas básicas orientadoras subrayan que es el territorio geográfico la variante prima que confiere e incuba valores de identidades y pertenencias, no obstante, acaecerle -y en Chile cuánto más-, abruptas mutaciones o hecatombes sísmicas. De amplias lecturas y polisemias varias, la propuesta asume las complicidades que hoy tienen las expresiones artísticas con las disciplinas científicas y duras, así de las transferencias y auxilios que se prestan. Son ejemplos consumados de los empeños de la creación visual para enfrascarse de los conflictos que sobrelleva la existencia humana en el siglo XXI. La muestra es un acierto de habilidades, facturas y sustancia estética. Pertinente y en contexto local.

Hoy comparece en la movida Die Ecke del Barrio Italia, galería adelantada que se apresta recia para la versión Ch.aco de la Estación Mapocho, en septiembre venidero. El proyecto Y sin embargo se mueve, es una proposición escultórica sin par. Integrada por dos masas enormes construidas con madera que, montadas en rieles metálicos, se desplazan en sincronía, sea acercándose o bien, distanciándose. El diseño de las piezas opera como una descomunal maqueta que simula un levantamiento topográfico marcando con nitidez las cotas de nivel y sus sinuosas morfologías. • Constanza Alarcón, "Y sin embargo se mueve", 2012, Madera terciada, pintura blanca y dispositivo electromecánico, medidas variables.

reportaje Coleccionismo

La voz de los artistas

Casa

Daros Por Antonella Galarce, periodista Fotos cortesía Colección Latinoamericana Daros.

En 1980, los suizos Thomas Ammann and Alexander Schmidheiny -amigos desde la adolescenciadeciden aunar criterios en su pasión por el arte y comienzan a formar Daros. La colección es hoy la más extensa de arte latinoamericano en Europa, integrada en parte por los trabajos de Luis Camnitzer, Guillermo Kuitca, Nicola Constantini y los chilenos Paz Errázuriz y Gonzalo Díaz. Arte al Límite conversó con Eugenio Valdés Figueroa, Director de Arte y Educación de Daros, quien explica en profundidad el dinamismo y las interconexiones entre artistas que genera la colección.

Cuál es la línea curatorial de la colección? El foco está en el arte contemporaneo latinoamericano, fundamentalmente desde los años '80 en adelante, pero en cierto momento ingresaron obras a partir de los '50. La mayoría de los artistas en la colección son artistas vivos; Daros se preocupa siempre de acompañar sus procesos creativos. La línea curatorial es amplia y durante los ultimos años la idea que ha acompañado la colección es que sea un lugar de encuentro y reflexión de ese universo bien diverso que es América Latina. No se trata de crear un gueto, si no más bien de plantear el concepto latinoamericano como espacio polémico, donde hay mundos individuales y locales que impactan la producción artística. Entre sí mismos, los países no tienen una comunicación tan fluida como se piensa. Rara vez una colección toma como punto de partida el proponer un lugar de encuentro, tratando de recuperar la voz de los artistas, en un tiempo donde todos hablan por el artista: el critico, el curador. Con el foco en entender la producción artistica como campo de conocimiento, un espacio de laboratorio, nace 2001 la idea de hacer la Casa Daros. ¿Qué significa para Daros la inauguración de la nueva Casa en Río de Janeiro? ¿Nos puedes contar detalles sobre el proceso de remodelación del edificio? Esperamos inaugurarla durante el último trimestre de

2012. Es una obra completa, un edificio del siglo XIX que fue intervenido en su remodelación. Este tipo de proyectos siempre viene acompañados de miles de sorpresas, tenemos la convicción de inaugurar cuanto antes, queremos que el primer semestre sea dedicado al arte comtemporaneo colombiano, generando talleres, seminarios. Para nosotros involucra la posibilidad de desarrollar una alternativa de trabajo para el arte contemporaneo, donde el artista realmente participe y tenga una opinión. También implica la posibilidad de crear un espacio de discusión de las principales problemáticas que inquietan a la intelectualidad latinoamericana. ¿Cómo se elige a los artistas que pasarán a integrar la colección? Todos los artistas tienen una presencia en la colección que esta respaldada por un criterio investigativo. Por ejemplo, para la inclusión de un artista de la estatura de Gonzalo Díaz (Chile, 1947) es natural que se considerase la importancia de Gonzalo en su contexto de origen pero también importa la relación que se puede establecer entre su trabajo y la historia del arte universal. La historia del arte latinoamericano está aún por escribirse y siempre que se revisa la llamada historia universal, todavía son poco contemplados los nombres de artistas latinoamericanos.

• Ariel Orozco, Perro Balón, 2004, C-Print, 88 x 66 cm, Daros Latinamerica Collection, Zürich

• Guillermo Kuitca, L’Encyclopédie, 2001, técnica mixta sobre lienzo, 238 x 197.5 x 4.7 cm, Daros Latinamerica Collection, Zürich

Otro ejemplo: el lugar que tiene Julio Le Parc (Argentina, 1928) en la colección indica el foco en una etapa importantísima de su obra artistica, de fondo existe una investigación técnica en un proceso de recuperación de más de 40 obras cinéticas. Todo eso trae a la luz un momento fundamental de la producción de Julio y de la historia del arte latinoamericano. ¿Cómo se une el arte y la educación en Daros? Desde el año 2001 empezamos a concebir un espacio de encuentro entre arte y educación a través del diálogo entre artistas. En esencia, el trabajo de Daros trata de dar continuidad a la colección. Hay un porcentaje importante de propuestas pedagógicas experimentales, cursos y talleres conducidos por los propios artistas. Para nombrar algunos, existen proyectos de interacción: en el programa de formación de jóvenes artistas, durante un semestre los 24 jóvenes seleccionados participaron en debates y

talleres propuestos por artistas de diferentes latitudes, disciplinas y generaciones como Ernesto Neto, Luis Camnitzer, Rosangela Rennó, Vik Muniz y Los Carpinteros, entre otros. En colaboración con el proyecto "Imagens do Povo", del Observatorio de Favelas, en 2007 Casa Daros inició una serie de talleres experimentales y ejercicios pedagógicos para niños a partir de la técnica fotográfica de Pinhole (reciclando latas de leche en polvo y envases diversos para construir cámaras artesanales, y usando una cámara oscura de gran formato que servía a su vez como laboratorio de revelado). Con el título "Meridianos", en mayo del 2011, Casa Daros inició en Río un programa de encuentros entre diferentes generaciones de artistas de origen latinoamericano, procedentes de disímiles latitudes y contextos socio-culturales. Nuestro criterio pedagogico esta inspirado en la pedagogia de Paulo Freire: enseñar es saber escuchar; sobre la base de la escucha se articulan las propuestas de investigación.

entrevista jacob karpio

• Jacob Karpio.

temprana edad comienza su interés por el arte, influenciado por su abuelo paterno. A fines de la década de los '80, se conecta con la escena creativa de Río de Janeiro y toma contacto con personalidades como Lygia Clark, Rubens Gerchman y Helio Oiticica. Al mismo tiempo se relaciona con Argentina, con la herencia del Instituto Di Tella, donde asiste a charlas de Jorge Romero Brest. “A pesar de ser una época políticamente muy dura para Sudamérica, había un interés por lo contemporáneo”, recuerda. Por esa época también se encuentra con los artistas indigenistas en Ecuador, con Eduardo Kitman y Oswaldo Guayasamín. “Las galerías eran los centros donde sucedía todo; pero se respiraba cierto adormecimiento. Los museos sólo mostraban la tradición y las galerías tenían una función más contemporánea, pero siempre se satisfacía al poder, que en ese momento eran los militares”, explica. ¿Cómo surge tu primera galería en Ecuador? Empiezo a desligarme del indigenismo y a sentirme atraído por la nueva figuración que era una propuesta más contestataria. Esta es una época de rupturas en el arte latinoamericano, el arte más ‘nuevo’ era un arte de resistencia. En 1982 en esa ‘mezcolanza’ estética abro ATMA en Ecuador, porque la galería siempre fue un negocio paralelo para mantener la vida espiritual. De esos añoshicimos con mi socio Franco Ponticelli, sin tener conciencia de que fuese un gesto avant garde en el mundo del arte, nuestra primera acción pictórica que es la famosa historia del Baby Cóndor. Se trataba de un gesto que nos permitiría refinanciarnos. Tomábamos aves de rapiñas pequeñas (zopilotes,

buitres, gallinazos, en cada lugar tienen un nombre diferente) y los pintábamos y vendíamos como cóndores bebés. Teníamos un slogan: Twenty Dollar Baby Condor. Eso ha quedado en mi historia como una metáfora: cuando tomo un artista nuevo y empiezo a trabajar en su proyección, mientras que espero que pase algo con su carrera me encuentro en la incertidumbre de saber si en efecto es un Baby Cóndor u otro artista ‘fake’. ¿Y cómo trasladas tu propuesta a Costa Rica? Costa Rica era un desierto, ahora lo es menos. Toca empezar a hacerse de un camino, acostumbrar a un público más amplio a un arte más ‘complejo’. Costa Rica siempre tuvo fama de estabilidad política en el continente, por lo que fue un lugar atractivo para montar un centro de operaciones y dedicarme, como buen trotamundos, a moverme desde acá con un rollo de pintura debajo del brazo. Las cosas no han cambiado mucho, hasta hay una obra paródica del artista chileno Francisco Valdés en la que muestra fotográficamente un bulto de fotografías gigantes de alfombras, porque así se me visualizó en una época, como un vendedor de alfombras. En Costa Rica la historia se complejiza, son los años en que conozco a Kuitca, en que descubro la nueva transvanguardia en Latinoamérica de la mano de Glusberg. El arte argentino y el colombiano son los que más me despiertan una empatía estética. Este interés por el arte de otros países me diferencia del modelo de galería latinoamericana que era hasta ese entonces muy regional. ¿Cómo llegas a desarrollar el “ojo” para descubrir a los

Entrevista jacob karpio

JACOb KARPIO El arte como lo más cercano y subjetivo que toca el alma El galerista costarricense nació en 1959 y es una de las figuras más controversiales en el contexto del arte latinoamericano. Es extravagante y encantador. Vegetariano y seguidor de Krishna. Con 30 años de carrera, su espacio de arte en San José, es considerado como una de las 75 galerías más importantes del mundo. Por Antonella Galarce, periodista Fotografía cortesía de Jacob Karpio

que se consagrarían como los mayores talentos del arte contemporáneo actual? Hay algo que es muy intuitivo, pero son 30 años leyendo, buscando, observando, siendo educado. Mi formación es empírica y quizás poco ortodoxa, pero me ha permitido desarrollar una sensibilidad estética particular. Tengo la capacidad ahora de reconocer una copia o mal epígono de un artista o movimiento, diferenciándolo del que elabora su propuesta como un continuo dentro de la historia del arte. Pero ciertamente hay algo subjetivo, que intelectualmente no puedo explicar. Pero es muy ingenuo y pretencioso también creer que sólo es una cuestión de dones. ¿Qué es lo que te atrae a primera vista de una obra? El diseño de la obra misma. No importa si no estoy entendiendo, es una cuestión de seducción. Lo otro que me interesa es el ‘diseño mental’ del artista. Esas veces que no entiendo y que el artista me habla y me dice de qué universo estético o conceptual está bebiendo y me abre un campo infinito de posibilidades. Ese momento es una comunión con él y su obra. Pero en general tengo debilidad instantánea por la factura. ¿Cuales son tus obras favoritas? Bacon, Cardenal, Vermeer. El Descendimiento de Piero della Francesca, en la Catedral de Amberes. Hay video instalaciones que me vuelven loco, la magia de Bill Viola, por ejemplo. Toda la obra de Marina Abramovic, me llama la atención su propia experiencia de lo espiritual. Para mí el arte es lo más cercano y subjetivo que toca el alma

¿Crees que el arte de hoy tiene la incidencia cultural o en los procesos sociales que tenía en el pasado? No creo. Ahora lo que pasa es que hay más sociología que arte. El arte se olvidó de que su primera función es el arte mismo. Sin embargo, veo que hay grandes preocupaciones como el medio ambiente o el reconocimiento de una identidad temporal –ser negro, ser migrante, ser gay-, pero la mayoría de las veces son llamadas de atención y el tratamiento de los temas en la obra es superficial. Amor y arte son palabras que hoy están vacías de sentido. A veces el terrorismo es más puntual y eficaz porque al menos tiene ideales auténticos. ¿Qué traerá la celebración de tus 30 años de carrera? ¿Nos das detalles del evento? Pienso que trae solidaridad. Solidaridad de parte de los artistas que siempre han tenido una relación de "toma y saca" conmigo. Las actividades comienzan el lunes 27 de agosto y culminan el domingo 2 de septiembre. En mi galería tendremos a Manuel Esnoz y Francisco Valdés. Adán Vallecillo está exponiendo en el MADC con apoyo de la galería y esto se suma al conjunto de actividades. Vamos a tener un show de fotografía peruana contemporánea de parte de TKProjects, que es un proyecto de mi hija Tulsi Karpio. Y exposiciones en la Galería Klaus Steinmetz Arte Contemporáneo, Galería Andrómeda y otros tres sitios de la ciudad. Habrá conciertos, degustación de comida vegetariana, fiestas alternativas y contaremos con la presencia del excelente perfomer y músico Dani Umpi. Vienen amigos artistas, coleccionistas, de los medios. Será una auténtica fiesta.

ENTREVISTA

amelia errazuriz

Con una sólida formación en arquitectura, a la artista Amelia Errázuriz le apasiona todo lo relacionado con la construcción del espacio en el que vivimos, re contextualizando el material de deshecho sin olvidar sus orígenes.

La imaginería del deshecho constructivo Por Antonella Galarce, periodista. Fotografía cortesía de la artista.

• Detalle de la obra, Díptico Paisaje, 2011, técnica mixta sobre tela, 140 x 150 cm.

Recojo lo que está olvidado y botado y lo re contextualizo generando una mezcla de lenguajes, símbolos potentes que transforman su precario origen. Quiero romper este uso literal de materiales y objetos y encontrar un rasgo individual, subjetivo y único en la obra artística”, explica Errázuriz.

del ser humano; “son cotidianos y conocidos, por lo tanto, no necesitan de metáforas, solo hablan de nuestra precariedad”.

Actualmente Amelia prepara su participación en la 18° Bienal de Santa Cruz en Bolivia, que se realizará entre el 14 de septiembre y el 30 de octubre de este año y gira entorno al “El camino que ha mostrado el arte se cruza con todas las concepto de la “Crueldad”. La autora presentará dos obras corrientes y avances del mundo moderno, desde la tecnología sobre el soporte cotidiano de una cortina de palitos; “abordo hasta los grandes avances en el la crueldad desde el punto de conocimiento de la biología y “La imaginería del desecho constructivo' es algo vista femenino, la discriminación la física”. Dicha transversalidad y olvido de la sociedad del real inspira a la creadora a retomar a lo que nuestra sociedad, camino al desarrollo, valor de la mujer en muchos el deshecho, conceptualizando países en pleno siglo XXI”. (construcciones) y habituado a los continuos su rechazo en el mundo de hoy. movimientos sísmicos (destrucciones) tiene en su “Al igual que el desecho que “'la imaginería del desecho inconsciente colectivo”. constructivo es algo a lo que explicaba antes, la mujer, nuestra sociedad, camino muchas veces, tiene el mismo al desarrollo, (construcciones) y habituado a los continuos tratamiento, la no inclusión. Aquí lo hago visible con una movimientos sísmicos (destrucciones) tiene en su inconsciente imagen fuerte de tablas botadas y en desuso, que dialogan colectivo. Esto es, desde mi punto de vista chileno, una con objetos a los que debe recurrir la mujer para hacerse imagen identitaria de nuestra cultura -algo humilde que 'visible': aquellos de belleza y cosméticos”, explica sobre la obra. lo visibilizo para dignificarlo- , como otro símbolo más”. Algunas de sus obras se encuentran en su taller de Lo Para la artista, esos materiales de construcción y sus respectivos Barnechea y otras se encuentran en Perú, en proceso de deshechos poseen significados históricos y culturales y se han selección para un proyecto turístico-hotelero, que incluye a ido construyendo en el día a día, cargados con la presencia artistas peruanos y nacionales cerca de la frontera con Chile.

Sección en el taller

LOS BALMES Por Juan José Santos, crítico de arte @andyjuanjol Fotografías cortesía de Juan José Santos

José Balmes y su mujer Gracia Barrios comparten taller, y a unos pocos metros está el de su hija Concepción Balmes. Un caso excepcional en el que la vida se desarrolla entre óleos, lienzos y cafés.

• Taller de Los Balmes.

oncepción Balmes Barrios; ¿Qué significa el taller para ti? El taller es un espacio que está en mi historia personal desde muy niña, yo soy hija de pintores, gran parte de mi vida se desarrolló cerca, adentro o alrededor de los talleres de los artistas. Para mí es como un espacio sagrado pero también muy cotidiano, muy hogareño.

tengas capacidad de ver, lo que te puede sugerir. Todo tiene posibilidades de convertirse en obra.

¿Cómo te influencia el tener tu taller al lado del de tus padres? Uno busca sus propias maneras saludables de hacer las cosas. Yo no entro al taller de ellos porque son lugares de trabajo, la obra la vemos más bien cuando ya estamos retirados de ella. Ellos dos sí trabajan mucho juntos, pero es un proceso que necesita de mucha privacidad. El taller es como la cama matrimonial, tú no puedes meterte ahí.

De todos los talleres que ha conocido de otros artistas, ¿cuál es el que más le ha sorprendido, el que más le ha impactado? Concepción: el taller de Guinovart era muy entretenido, era como una fábrica, el de Julio Le Parc era como de cirujano... José: tomaba un litro de café para dormir porque decía que si no, no podía dormir. Era un tipo de una generosidad enorme…

En su caso José, ¿qué es para usted el taller? Tuvimos taller en Barcelona, en París…en el que estoy más cómodo es en esta cosa loca en la que estamos ahora. De repente imagínate tú, miro ahí y veo este plato con pintura, que es mezcla de trabajo, de pintura, este guante aquí que ni me acuerdo para qué está, y dan ganas de inmediatamente pegarlo y convertirlo en obra. Al final como que el arte es todo, es todo lo que tú

Gracia; ustedes viven juntos pero también trabajan juntos en el taller… ¿cómo se lleva eso? Nosotros pensamos: desde allá Balmes desde acá yo. Hablamos, conversamos, a veces me acerco y le digo, Balmes, me gustaría haberte sacado eso, robado eso, pero no te puedo pedir ese color que tú lo tienes, porque tu lo pusiste, pero luego pienso, no puede ser, ¡sería un asco que yo le robara!

“El taller es como la cama matrimonial, tú no puedes meterte ahí”. (Concepción Balmes)

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Los cuentos de la cometa, 2012, 42 págs. Por Diego Alfaro, Licenciado en letras. Ni para tan grandes ni para tan chicos, Álbum Ilustrado supone una obra un tanto más compleja que un mero libro infantil como hoy se los cataloga. Su creadora, Hannah Hoch (1889-1978), sobrepasa cualquier calificativo al mezclar la técnica dadaísta con breves retratos en verso sobre personajes que representan distintos tipos de seres urbanos: el inmigrante, la mujer moderna, un oficinista, un devoto, una madre conservadora, una amante destrozada. Todos ellos son animales novedosos, hechos mediante la técnica del collage, ambientados en parajes coloridos compuestos por distintas texturas orgánicas. El resultado es un mundo de alegorías de la selva citadina y una edición que saca aplausos al reproducir los originales de este trabajo, que Hoch solo lo pensó como una forma de llevar pan a su casa en una Alemania asolada tras la Segunda Guerra Mundial. Compendio de vidas imperfectas y una forma de colorear el pavimento con pedacitos de papel.

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La primera publicación de la recién creada editorial Adrede (un homenaje a la difunta “Las ediciones del ornitorrinco”) es este compendio de textos críticos sobre exposiciones y eventos relativos al arte contemporáneo en Chile. Con una intención de revisión y de reflexión, se establece una evaluación acerca de las principales exposiciones acaecidas en el país (como la VI Bienal de Arte Triatlón, Handle with care o Dislocación). Además incluye entrevistas a teóricos como Gerardo Mosquera, revisando su trabajo en “Copiar el Edén”. “Sobre entendidos” es una oportunidad que permite manejar herramientas adicionales acerca del devenir del arte contemporáneo chileno, una brújula para orientarnos desde el pasado y proyectarnos hacía el futuro. Una reflexión necesaria para críticos, teóricos, curadores y espectadores.

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El Filo fotográfico de la historia

Walter Benjamin y el olvido de lo inolvidable Elizabeth Collingwood-Selby Metales Pesados, 2012, 280 págs. Por Diego Alfaro, licenciado en letras.

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Metales pesados lleva un buen tiempo liderando la publicación de ensayos sobre estética y en especial revitalizando las lecturas benjaminianas en Chile. El filo fotográfico de la historia de la académica Collingwood-Selby no solo ahonda en el margen que puede dibujar su título; desde su partida la triada de Ricouer historia-registro-olvido produce una dialéctica pertinente para indagar las concepciones de Walter Benjamin sobre el arte de la instantánea, sino que también para hacer un repaso a la crudeza y desmemoria del siglo XX. Esta estética de la recuperación, que puede ser rastreada desde sus Tesis para una filosofía de la historia hasta el proyecto de las Iluminaciones, conduce a la autora a dar un análisis que contextualiza el nacimiento de la técnica fotográfica hasta situarlo en su función estética. Un arte que llama “por vez primera, a ofrecerle a la naturaleza la posibilidad de registrarse, de representarse y reproducirse a sí misma” generando un acto de conservación: la creación de un lugar inmemorial.

BARRIOVISIÓN

Matucana 520 Santiago, Región Metropolitana

Parque Quinta Normal

BARRIOVISIÓN

Matucana Quinta Normal y Estación Central, dos comunas colindantes que en sus zonas límites conforman un recorrido a descubrir por la ruta de Matucana y Villa Portales, han establecido una oferta cultural especialmente atractiva para todos quienes aprecian las maravillas que ofrecen los espacios públicos con valor patrimonial. Por Marcela Catalán periodista Fotografías cortesía de Antonella Galarce “Parque Quinta Normal” de Alejandra Suazo Olguín fue la fotografía ganadora del Concurso “Buscamos el mejor ángulo de Matucana”

BARRIOVISIÓN Barrio matucana

Matucana 520 Santiago, Región Metropolitana

Laguna del Parque Quinta Normal

on diversos los espacios a conocer en esta parte del recorrido, pero es el Museo de la Memoria y los Derechos Humanos la obra con menor tiempo en esta zona de la comuna. La construcción, inaugurada en 2010, aporta luminosidad a la avenida. Como intentando apelar a un futuro más radiante. Lo anterior no es antojadizo, si consideramos que su edificación tiene el objetivo de reconocer oficialmente las sensibles consecuencias de 1973 en la historia nacional, dando espacio a un porvenir más claro. Algunos metros más adelante y en plena calle, los visitantes pueden apreciar diversos mosaicos. Es arte al paso.

Cruzando la calle nos encontramos con el Parque Quinta Normal, pulmón verde para la capital que alberga el Museo de Arte Contemporáneo (MAC), el Nacional de Historia Natural, de Ciencia y Tecnología, el Infantil y el Centro de Extensión Balmaceda Arte Joven. Mención aparte merece el Museo Ferroviario, que se sitúa en un espacio propio, aunque en preciosa relación con el Parque Quinta Normal. Allí se encuentran vagones y carros de hace más de cien años. Por su carácter de parque, la Quinta Normal le ofrece al visitante amplias áreas verdes que contienen zonas de diversión como la Laguna de Botes. Éste punto dota al lugar de particular

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BARRIOVISIÓN Barrio matucana

Matucana 501 esquina Catedral

Museo de la memoria

encanto, evocando un apacible muelle a su alrededor con bancas desde donde observar la actividad en el agua y una serie de elementos que permiten disfrutan del panorama. Matucana 100 es otro de los hitos del recorrido. El espacio, inaugurado en 2001, posee una amplia cartelera de artes visuales y escénicas, contando con un teatro con capacidad para 550 personas, y una galería de arte de 300 m². A pasos de la Quinta Normal se emplaza la Unidad Vecinal Diego Portales, concebida entre 1954 y 1966 por Bresciani, Valdés, Castillo y Huidobro. Ubicada en las vísceras de Estación Central, el complejo habitacional es un símbolo de la arquitectura moderna en Chile. Esto, pues a través de su edificación se generaron nuevas formas de imaginar el espacio público, tendientes a robustecer la actualmente soñada vida en comunidad. Los mosaicos que cubren parte de la fachada de los edificios -trabajo de Ricardo Yrarrázaval- sorprenden y estimulan el goce estético en los vecinos y transeúntes.

Comuna estación central.

villa portales

Probablemente el empleo de estos recursos refleja la idea primigenia de los arquitectos y del mismo Yrarrázaval, en tanto hacer de la Unidad Vecinal un espacio comunitario exitoso a lo largo del tiempo. Pese al paso de los años, de los deterioros y complicaciones por las que atraviesa este sector, el valor patrimonial de Villa Portales es admirable en virtud de cómo se entendió a las y los sujetos que habitan la vivienda social: sujetos que necesitan del encuentro con el otro, también hambrientos de recorrer y vivir en lugares “poéticos”. Suerte que esté libre a la mirada del transeúnte, encontrándose todavía a tiempo de ser cuidada y apreciada su riqueza. Los lugares a conocer en Quinta Normal y Estación Central son múltiples. Sólo resta darse el tiempo de salir a caminar y admirar la riqueza patrimonial que se encuentra en nuestras calles.

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