Periódico AAL | Edición 101, febrero 2014 by Arte al Límite

N° 101

Febrero 2014 Santiago de Chile Distribución gratuita

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38. La parada austral del arte Dicen que no hay primera sin segunda y, en efecto, luego de un exitoso debut vuelve la feria de arte y diseño ArtePuertoVaras. Un recorrido por lo que podremos ver hasta el 9 de febrero a orillas del Lago Llanquihue.

06. Diseño Teatral en Chile

10. Arte en regiones

18.

Un oficio muy antiguo pero recientemente profesionalizado en nuestro país. La necesaria mano invisible para cada montaje teatral o escénico que se lleve a cabo.

Presentamos un recorrido a lo largo de nuestro país para descubrir que el arte se acopla a su público y en verano migra junto a ellos a los más diversos rincones de Chile.

Con sólo 14 y 18 años, las fotografías de Zev Hoover y Laura Williams han dado la vuelta al mundo, demostrando el poder que tiene la mezcla de talento e internet.

Pequeños-grandes talentos

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editorial

ías de sol bañan nuestro país de norte a sur. Las grandes ciudades ya se han ido desocupando y balnearios, campos, montañas y lagos son quienes ahora reciben a miles de veraneantes para unas merecidas vacaciones. El arte se acopla a su público y migra también junto a ellos a los más diversos rincones del país. Una serie de actividades recorren Chile mostrando que hay mucho que ver y estableciéndose como un panorama interesante y atractivo para toda la familia.

DIRECTORES Ana María Matthei Ricardo Duch ASESOR COMERCIAL Cristóbal Duch DIRECTORA DE ARTE Catalina Papic PROYECTOS CULTURALES Camila Duch EDITORA GENERAL Kristell Pfeifer DISEÑADORAS Francisca Wiegold Javiera de la Fuente PERIODISTA Natalia Vidal PRÁCTICA Catalina Martin CRÍTICOS Ernesto Muñoz Ennio Bucci Enrique Solanich Pedro Labowitz ASESORES Benjamín Duch Jorge Azócar Ignacio del Solar Julio Sapollnik COLABORADORES Bárbara Fernández Lucía Rey

Como todos los veranos, Arte Al Límite también se traslada a regiones para explorar qué es lo que ofrece el mundo del arte y la cultura a quienes por estos días descansan. Para este número recorrimos nuestra tierra y presentamos atractivas propuestas para todos los gustos y edades. Una mención aparte merece Arte Puerto Varas, feria que este año va por su segunda versión y en cuya corta experiencia ya podemos ver grandes avances y una interesante propuesta de artistas. Este año han definido un concepto que agrupa a todos sus expositores y es la geometría. Así, la hermosa ciudad sureña y el Lago Llanquihue son el escenario para recibir una feria que celebra el arte e invita a toda la familia a participar de sus distintas exhibiciones, actividades y concursos. La única feria de arte en regiones del país se ha convertido en la muestra patente de la sed de cultura que existe alejada de las grandes urbes. Pero los encuentros de arte no se reducen sólo a Chile y continúan su movimiento en el mundo. Aunque en el hemisferio norte están en pleno invierno y los días de sol escasean, galeristas y artista no se detienen y exhibirán lo mejor de su trabajo en España y México. Art Madrid, ARCOmadrid y Zona Maco concentran por estos días las miradas internacionales y ocupan un espacio importante en nuestro periódico, como en todas nuestras ediciones lo hacen las distintas ferias alrededor del globo. En este número también hemos querido ahondar en la carrera de Diseño Teatral y ver cuánto efectivamente tiene que ver con el arte. Descubrimos un oficio muy antiguo pero recientemente profesionalizado, necesaria mano invisible para cada montaje teatral o escénico que se lleve a cabo. Una carrera que mantiene a cada uno de sus pocos egresados muy ocupados y jamás sin proyectos bajo el brazo. Y como todo nuevo año, estrenamos novedades. Mirar la historia es nuestra nueva columna, un puente entre las obras maestras de la historia del arte y el público actual. Una forma atractiva y simple de entender lo que a veces por lejanía -geográfica y temporal- se percibe incomprensible. Comenzamos este recorrido con Miguel Ángel y su híper reproducido David, un acercamiento a una obra símbolo del Renacimiento que celebra este mes el aniversario número 450 de la muerte de su autor.

SUMARIO

06 | Diseño Teatral: Luces de un entorno bien vestido

10 | Pequeños-Grandes Talentos 24

14 | La ruta veraniega del arte

20 | Panoramas

24 | Edmundo Browne 42 26 | Venta de arte Emilia Mundt

27 | Artista destacado: Francisca Lohmann 10

28 | En el taller: Valentina Robledo

30 | Críticas

34 | Mirar la historia: El Davi de Miguel Ángel 06 36 | Artista emergente: María Fernanda Guzmán

38 | Arte Puerto Varas: La parada austral del arte 42

42 | Ferias: Arte en español

REPRESENTANTE LEGAL Orlando Calderón F. | VENTAS info@arteallimite.com | SUSCRIPCIÓN marketing@arteallimite.com | FONO-FAX 2955 3261 WEB www.arteallimite.com | FACEBOOK facebook.com/arteallimite | TWITTER @Arte_Al_Limite PORTADA Matilde Pérez, collage sobre papel, 1971. | IMPRENTA R.R. Donnelley, Santiago, Chile.

Las opiniones vertidas en este medio son de exclusiva responsabilidad de quienes las emiten.

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REPORTAJE

DISEÑO TEATRAL:

Luces de un entorno bien vestido La carrera Diseño teatral tiene solo 60 años de vida en nuestro país. Iniciada por la Facultad de Artes de la Universidad de Chile, prepara anualmente a quienes tengan la vocación de interpretar un texto y abrirle espacio en un escenario o pantalla. Guiones y dramaturgia impregnan la confección de escenografía, ambientes y vestuario.

Por Natalia Vidal. Imágenes cortesía de Germán Droghetti y Francisca Román.

Los espejos se emplean para verse la cara, el arte para verse el alma. George Bernard Shaw

asta crear una historia para traerla a la realidad. Esa idea concebida se abrirá espacio en un escenario que la espera en silencio: luces, micrófonos, tablones, fondos, pintura y telas están dispuestos, desordenados y dispersos, sin hallar el sentido que los une. Lo buscan para participar de forma activa en la historia que está por empezar, pero no llegarán a encontrarse sin un guía. El relato que surge sobre las tablas de un teatro o en una pantalla de televisión se ha construido tras bambalinas, en el encuentro anónimo de diseñadores teatrales y dramaturgos. Allí camuflados, haciendo magia, trabajan por varios meses trenzando ideas y entornos los diseñadores teatrales. Tienen la misión de ambientar un relato escrito, un paisaje imaginario, líneas sin visualidad para traerlas a la realidad. Obras de teatro, programas de televisión, películas, óperas, ballets, representaciones infantiles e incluso eventos masivos contienen en su confección su mano invisible. “La base es el teatro y la tarea, formar diseñadores para que

hagan vestuario, escenografía e iluminación para hacerlo posible. Es una carrera que busca el diseño integral. La práctica permite la especialización en áreas específicas, aunque siempre permanecen inevitablemente unidas”, dice Rocío Troc, directora de la carrera de Diseño Teatral en la Universidad de Chile. Basta ubicar un espacio y una experiencia. Concreta u abstracta, dará el vamos a un proceso creativo de meses basado minuciosamente en la narración. Técnica y creación se harán una en la cabeza del escenógrafo y condicionarán el fluir de la historia: le darán un contexto, movilidad, la permearán de sentido y la enmarcarán en un tiempo. Le darán vida. “Este trabajo, que la gente no conoce ni advierte a simple vista, es un trabajo de mesa”, explica Germán Droghetti, quien lleva 30 años dedicándose al diseño teatral. Ha pasado por escenarios como el Teatro Municipal y ha desarrollado una infinidad de proyectos que lo tienen ocupado dictando cátedras universitarias y moviendo sus pensamientos de un lado a otro. Dice que la demora aproximada de la preparación visual de un espectáculo es de seis meses. En trabajo conjunto,

• Obra Casa Butterfly

el “regiser” o director en escena de un espectáculo teatral, el director de arte y el de foto (sólo en audiovisual) desarrollan los personajes, combinan ideas y conceptos y obtienen la materia prima. “Cuando presento una propuesta fluye un proceso de adaptación: ir viendo cómo funciona frente al director con todas las cartas sobre la mesa”, continúa. La propuesta siempre es una y siempre muta. “Tanto el regiser, director musical, vestuarista e iluminador deben quedar conformes”, afirma el diseñador. La carrera en nuestro país fue iniciada profesionalmente por la Universidad de Chile hace 60 años. Hoy en día existen dos institutos más que la imparten, pero desde una perspectiva técnica. Anualmente la Universidad admite 22 alumnos y en el mismo período se titulan aproximadamente 5. La inserción laboral alcanza el 90%, teniendo los alumnos recién egresados altas probabilidades de encontrar trabajo, no sólo por el reducido número que egresa, sino también, porque el campo es tan amplio como su malla curricular. “Salir asegura trabajo. Este año se hizo un estudio-encuesta en donde se les preguntó a diseñadores que egresaron desde 10 años atrás hasta hoy y están todos trabajando dentro del área que les compete: teatro, cine, danza, ópera, clases”, asegura Rocío Troc.

Antes del “érase una vez” “El punto de inicio siempre es un texto, de ahí nace la dramaturgia”, dice Francisca Román, diseñadora teatral especializada en vestuario, mientras piensa en sus próximos personajes. “El valor que he encontrado en esta disciplina es que nos entrega herramientas para poder hallar la tridimensionalidad en una obra sin quedarse en la mera descripción. Hay que cruzar ideas, enlazar conceptos”, continúa. Loreto Monsalve, quien también se ha especializado en vestuario, complementa esta línea: “Puedo hacer lo que quiero dentro de lo que me pida el director y me permita el texto base. Eso es fantástico y por eso me gusta mucho”. Mientras, Germán Droghetti no repara en inhibir el fluir de su libertad creativa que sabe pronto tendrá modificaciones: “Trabajo con el regiser, yo hago vestuario y escenografía, es una de las ventajas de ser diseñador teatral”. La mirada más amplia que abarca mejor la historia lo adentra mucho más en ella: ha estudiado todas las áreas y las complementa con conocimientos. Una vez concluida la idea en bocetos comienza el despiece, un trabajo técnico que implica la manufactura y acaba el proceso previo a la realización.

Entre los días de Marichi Palacios nace una película del terremoto en mamotretos de hojas escritas. Todo sucede en una noche, no hay cambio de vestuario en la producción final. “Por personaje se trabaja 16 veces el mismo vestuario, pero distinto: en 16 momentos diferentes en la película. En audiovisual nunca se filma linealmente ni en la secuencia correcta. Si partes por el final, tienes que tener claro qué tan cochino tiene que estar el actor si le cortaron un brazo, salvó a un amigo y entre medio se cayó al agua. Está mojado, ensangrentado, con barro: así tiene que estar uno de los 16 vestuarios”, relata la diseñadora especializada en el área audiovisual. Así es la tarea que Rocío Troc denomina como una ambientación integral, una propuesta crítica y propia: “Se busca formar diseñadores autores, no artesanos del teatro. Un diseñador debe buscar desde el principio una autoría, una política, un sello personal”. Tras las bambalinas del tiempo El teatro existe siglos antes de la llegada de Cristo, la escenografía como tal, desde los tiempos de la antigua Grecia y la carrera de Diseño Teatral en nuestro país sólo hace 60 años. Es de saber que durante mucho tiempo la labor que aquí se detalla

fue simplemente llamada “pintura de escena”. La tarea estuvo estrechamente vinculada con el arte: la ambientación de una obra en aquella época era hecha en su totalidad por un pintor. En grandes bastidores dispuestos con tres telas pintadas en distintos espacios, la obra de teatro llegaba al público, cambiando de escenografía dentro de un mismo período de tiempo. Marichi Palacios considera que la ventaja del diseñador teatral por sobre otros profesionales que podían desempeñar perfectamente el rubro, como muchos lo hicieron durante siglos, es el conocimiento dramático: “La previsualización de la forma en cómo contar una historia es un aspecto que un artista no tiene. Al tener el guión es fundamental saber interpretarlo, descifrar sus puntos más importantes y entender cómo poder potenciar la historia”. La ambientación hoy está mucho más trabajada y elaborada. Las ventajas de ser escenógrafo actualmente son la tridimensionalidad, la oportunidad de crear espacios multidireccionales y la preocupación por cada toma o perspectiva. El rubro hoy permite tanto a la utilería como a la tecnología intervenir en el proceso. La tridimensionalidad y luego la era digital vinieron a transformar el panorama ambiental de una producción dramática y ampliaron las

• Obra El burgués gentilhombre, Teatro UC.

opciones para quienes se desarrollan en este rubro. Hoy, un diseñador teatral está formado para hacer compatibles y armónicos los aspectos de iluminación, vestuario y escenografía de una producción dramática a partir de la herramienta que se les indique u ocurra. Dónde trabajan Francisca Román es diseñadora teatral y se ha especializado en vestuario de época. Actualmente está desarrollando la vestimenta de los personajes de Pulseras Rojas, próxima serie de TVN. “Lo importante es que el producto tenga un rasgo antropológico. No es esta cosa o esta ropa, hay un trasfondo en la fotografía. Es pintura, otros diseñadores, otras disciplinas, otras obras de teatro las que se arrean para llegar a un producto final”. Marichi Palacios es diseñadora teatral y sucumbió ante el área audiovisual. Ha trabajado en teatro, series, películas y una teleserie. “El nivel de detalle y la fragmentación hacen del diseño en audiovisual diferente al resto. En teatro surge una narración lineal. En audiovisual se trabaja con edición, entonces la manera de trabajar es por espacio, locación, tiempo de los actores u otro tipo de situaciones que hacen necesario que por la variabilidad

el panorama deba estar mucho más claro en la cabeza”. Germán Droghetti es diseñador gráfico, lleva 30 años en el diseño teatral y se dedica a las óperas, espectáculos, teatro y a dictar clases. “Al recibir el proyecto no existe nada, solamente está el texto y la música. Hay que entender que de alguna manera estas son óperas normalmente del siglo pasado. Siempre he hecho óperas bien convencionales con sus espacios, pero yo abro la posibilidad de ir más allá”. Loreto Monsalve es diseñadora teatral y lo suyo es el teatro independiente y la danza. “Decidí que no quería hacer otra cosa más que vestuario y especializarme. Quise apostar y me gané una beca para hacer un máster de especialización de vestuario en teatro, ópera y cine en Barcelona. Cuando volví me dediqué al vestuario de teatro, danza y ópera”. Rocío Troc es diseñadora teatral y ha decidido dedicarse a la docencia. Hoy es la directora de carrera de la profesión que le dio el título en la U. de Chile. “La idea es formar artistas críticos que propongan, porque hay directores que los contactan sin ideas preconcebidas. Es allí donde el diseñador teatral debe iniciar su despliegue de ideas”.

entrevista

Pequeños-grandes talentos Son muy jóvenes pero sus imágenes ya han dado la vuelta al mundo. Zev Hoover (14) y Laura Williams (18) son dos adolescentes que se han tomado la fotografía muy en serio y el resultado ha dado qué hablar. Una muestra de la gran mezcla que puede resultar si juntamos talento e Internet. Por Kristell Pfeifer. Imágenes cortesía de los artistas.

ha desarrollado todos sus conocimientos de manera completamente autodidacta y sin más escuela que el ensayo y error y los cientos de tutoriales de Photoshop que se ha devorado. En varias de las escenas trabaja en conjunto con su hermana, quien lo ayuda en el proseo creativo y en la realización de las tomas. “Nos llevamos maravillosamente y colaboramos en casi todo lo que hacemos. Yo siempre disparo y edito, pero muchas veces ella tiene una idea para una imagen, y por lo general ayuda de alguna manera en la realización de la Algunas semanas atrás, lo mismo le sucedió a la imagen de una niña misma”, explica. Por su parte, Laura tomó cursos de fotografía en el colegio durante dos años, trabaja cada sosteniendo un espejo tomada por Laura Williams. La fotografía rápidamente se difundió a través de la Con sólo 14 y 18 años una de sus imágenes completamente sola y ahora pretende desarrollar su carrera red y su nombre sonó en todo el mundo. El mismo respectivamente, las fotoasombro sobrevino al enterarse de que la autora del grafías de Zev Hoover y profesionalmente. Dos jóvenes que han construido mundos donde la imaginación y los retrato era a una joven de Reino Unido que acababa Laura Williams ya han de cumplir la mayoría de edad. “Todo comenzó dado la vuelta al mundo a sueños tienen un rol fundamental y que pese a su corta edad ya han dado que hablar. con la publicación de mis imágenes en sitios web través de internet. de intercambio de arte (Flickr, Deviantart, Tumblr, Kristell: ¿Cuál fue tu primer acercamiento a la etc.) y una imagen en particular, Invisible, se hizo viral. Fue muy inesperado y, literalmente, ocurrió de la noche a la fotografía? mañana”, explica desde su natal Cambridgeshire. Zev coincide con Zev: Mi primer proyecto fotográfico serio fue un proyecto de 365 Laura y confiesa que Internet, al ser el único medio donde comparte días que hice de fotos de mi perro de peluche, Snugg, cuando su trabajo, ha sido decisivo para la difusión de éste. “La web me ayuda tenía 8 años. No me perdí un día del año para fotografiarlo. enormemente”, asegura. Laura: Simplemente comenzó. Tenía una cámara que me Zev y Laura demuestran que el talento va más allá de los dieron como regalo de Navidad un año y comencé a tomar estudios o el conocimiento técnico y que para la creación fotografías más creativas y un día me di cuenta de que había no existen límites de ningún tipo. El joven estadounidense encontrado algo que me encantaba. ace algunos meses, las oníricas fotografías de Zev Hoover se viralizaron mundialmente a través de internet y redes sociales. Un mundo de pequeños personajes en situaciones increíbles daba la vuelta al globo pero poco se sabía de la identidad de su autor. La sorpresa fue aún mayor cuando se supo que el creador de estas imágenes de ensueño era un joven de 14 años, oriundo de Massachusetts, que se autorretrataba y luego post producía cada una de las tomas.

â&#x20AC;˘ Laura Williams, Invisible.

K: Cuéntame sobre el proceso y la forma de construir las imágenes. Z: Para tomar las imágenes, comienzo con la imagen 'de fondo', la escena sin ningún tipo de gente dentro. A veces es solo una macro simple y otras se trata de muchas pequeñas cosas suspendidas con hilo. La mayoría de las veces uso más de una imagen (por lo general entre dos y cinco) compuestas en una especie de panorama para hacer una gran imagen con un campo de visión más amplio. Luego tomo la foto de la persona que quiero en la escena, tratando de igualar la iluminación lo más posible entre la persona y el fondo. Ambas imágenes son luego pasadas a Photoshop, donde recorto el fondo de la imagen de la persona, dibujo sombras y ajusto todos los colores para que calcen. ¡Tada!

K: ¿Usas Photoshop o cualquier otra forma para post producir las imágenes? L: Sí, uso Photoshop. En algunas imágenes sólo modifico los colores un poco y juego con el contraste y ya está. Pero en otras fotos uso Photoshop como una herramienta, como una manera de complementar el surrealismo de la imagen que estoy tratando de lograr, mediante la manipulación de ciertos elementos y aspectos de la fotografía en un intento de cuestionar al espectador.

K: ¿En qué estás trabajando actualmente? ¿Cuáles son tus próximos proyectos? Z: En este momento estoy trabajando en un proyecto muy emocionante de vídeo que probablemente saldrá a principios de este año. Después de eso, me interesaría hacer un libro alguna vez. Zev y Laura han logrado

L: Esto varía de una imagen a otra. Para algunas imágenes el proceso es bastante simple, sólo tengo una idea en mi cabeza y salgo y tomo la dar vida a su imaginario L: Estoy trabajando es una serie de retratos fotografía. Para otras imágenes la planificación en base al estudio (probablemente autorretratos) donde voy de una toma puede ser más complicada, por autodidacta y el uso de a usar diferentes máscaras de disfraces. ejemplo, conseguir que los accesorios calcen Photoshop para post Creo que serían unos retratos interesantes. y encontrar el momento justo para disparar. producir sus imágenes. La idea es acerca de cómo algunas personas Muchas de mis imágenes han sido inspiradas pueden tener un frente y esconden detrás por mis propios sueños, y trabajo/construyo otra persona, haciéndolos difícil de leer. Está inspirado en estas ideas y pensamientos para una toma, pero siento que la un fotógrafo llamado Ralph Eugene Meatyard que también naturaleza siempre va a influir en gran medida mi trabajo. hizo tomas con uso de máscaras como accesorios. Estoy muy K: ¿Qué te llama a construir un mundo imaginario? ¿De dónde entusiasmada con este proyecto y no veo la hora de empezar a disparar. Tengo otros proyectos en marcha, pero supongo proviene esta idea? Z: Las ideas individuales para las imágenes vienen a menudo de solo que tendrán que esperar y ver sobre aquellos! ver un lugar y decir ‘Oh, eso sería un lugar perfecto para alguien de tres pulgadas de alto’. Por otro lado, algunas de las imágenes están Las fotografías de Laura y Zev se imprimen en distintos inspiradas cuando pienso, por ejemplo, en lo divertido que sería volar formatos y están a la venta. Laura vende sus trabajos a través en un avión de papel o caminar a la altura de un musgo. Me encanta de Society6 (www.society6.com) y Zev lo hace a través de su poner mi vista cerca del suelo e imaginar la experiencia de algo más Flickr, donde se puede contactar directamente (www.flickr. pequeño que tú mismo y lo diferente que esta experiencia debe ser. com/people/fiddleoak/).

• Zev Hoover, detalle de The Melody.

• Zev Hoover, detalle de Shortcut to mushroom.

• Zev Hoover, detalle de Air.

• Zev Hoover, detalle de Winter is here.

reportaje

la ruta veraniega del arte Como otros años, todas las regiones de nuestro país se preparan para recibir turistas, pero también para copar tiempos libres: dejar las rutinas y renovar la mente. Aquí los panoramas imperdibles del arte en regiones para que no pueda decir ningún día que no tiene nada qué hacer. Por Natalia Vidal Toutin. Imágenes cortesía de los artistas, Galería Orfebre, Pinacoteca U. de Concepción, MAC Valdivia y Galería Casa Verde.

a escapada es el lema de los calurosos veranos de Chile. Playa, campo, lago o bosques llaman a todos los chilenos a trasladarse de un lado a otro para pasar unos días disfrutando de un aire y paisaje distinto. El arte tiene lo suyo y no se mantiene ajeno a estos tiempos de distracción y relajo, se esparce a lo largo y ancho de nuestro país marcando huella y se muestra para aquellos que gustan de un verano al que se sume la cultura y el arte. De norte a sur el índice de actividades es amplio, diverso y para todos los gustos. NORTE Hasta el norte de nuestro país llega el evento multicultural Arte Cubano que recorre las ciudades de Iquique, Antofagasta, La Serena y Valparaíso gracias a Havana Club, quien no precisamente quiere mostrar sus rones. El nuestro es el primer país de esta gira que pretende llevar a todos los rincones y culturas, exposiciones y muestras itinerantes de arte cubano. “Buscamos un lugar donde se consuma harto ron, ciudades vinculadas a la cultura como

Valparaíso y esta vez el norte nos abrió sus puertas”, dice Giselle Monzón, una de las principales artistas del evento, que después de Chile llegará a París, Japón y Londres. Organizada por categorías, las distintas manifestaciones artísticas están agrupadas en 10 temas diferentes: ritmo, sensualidad, solidaridad, humor, creatividad, orgullo, originalidad, patriotismo, inspiración y optimismo, elementos que caracterizan la cultura de la isla. Piezas relacionadas entre ellas a través de la temática transitarán por el cine, teatro, pintura, escultura y mucho más. Son alrededor de 30 artistas cubanos los que llegaron para quedarse desde el 23 al 25 de enero en Antofagasta, del 30 al 1 de febrero en La Serena y del 6 al 8 de febrero en Valparaíso. Los Vilos, por su parte, sorprende este verano con una muestra del pintor Christian Olivares y el ceramista Francisco Olivares titulada 2 Olivares. Dos artistas, el mismo apellido y distintas disciplinas.

• Trayectoria del polvo, Cecilia Carrasco, Galería Orfebre Valparaíso.

Pintura y escultura se entrelazan jugando entre la dualidad y la unión. La exposición promete un espacio de contemplación en el Bodegón Cultural de Los Vilos en Elicura 135, hasta el sábado 1 de marzo. CENTRO Avanzando hacia el centro, dueño de las playas más concurridas del país en estas fechas, las propuestas son amplias, variadas y compatibles con el descanso y el sol. Zapallar reúne a las artistas nacionales Pilar Correa, Patricia Ossa, Ximena Velasco y Teresa Ortúzar desde el 15 al 18 de febrero en el Teatro de Zapallar. Escultura y pintura se trenzarán en una exposición que aúna técnicas, carácteres y resultados muy diferentes en un mismo espacio. Galería Casa Verde no queda fuera de esta lista, pues durante este mes presenta su exposición Colectiva de Verano con lo mejor del arte chileno contemporáneo en una sola exhibición.

La calidad y el número de artistas que exponen la hacen un panorama impostergable. La muestra también contempla la venta de obras y estará abierta hasta el 15 de marzo, en Camino Real 1783, Recreo, Viña del Mar. La exposición demuestra una preocupación por llevar grandes artistas a provincia, por lo que se proyecta como una oportunidad para turistas y locales de tener acceso a lo mejor del arte chileno. Hablamos de artistas como Roberto Matta, Roser Bru, Guillermo Nuñez, Gonzalo Cienfuegos, Benjamín Lira, Adriana Asenjo, Jaime Cruz, Pancha Nuñez, Samy Benmayor, Klaudio Vidal, Teresa Razeto, Raúl Eberhard y Virginia Maluk entre otros. Siguiendo hacia el sur, Valparaíso ofrece una gama de opciones que no puedes dejar de visitar. Una de ellas se realizará en la Galería Orfebre, que mostrará una selección de obras escultóricas fruto de un taller que parte su recorrido en ferias persas y casas de antigüedades. La recolección de máquinas de escribir es el material que reutilizan para devolverle valor a un artículo en total desuso. La muestra cristaliza una

reportaje

• Teresa Ortúzar es una de las artistas que expondrá en el Teatro de Zapallar. Pájaro Lunar, escultura, 70 x 30 x 90 cm.

• Las fotografías de Tina Mondotti se podrán ver en la Pinacoteca de la Universidad de Concepción Mujer con bandera, 1928.

poética derivada de la máquina de escribir y sus infinitas posibilidades de significado y sentido. Se presentan 25 piezas vinculadas al origen del lenguaje escrito, con segmentos de las partes de la máquina en su manufactura. Cada pieza indica el siguiente paso, transformándose así en un signo, articulando un texto en sí misma.

Santo Domingo 2014, una muestra que cumple 25 años de trayectoria y reúne lo mejor del arte contemporáneo chileno en un solo espacio, haciendo posible compatibilizar el día soleado con una tarde cultural. Quince días dura esta exposición múltiple que combina distintas disciplinas del arte y que se instaura con el objetivo de ser una alternativa atractiva para la reflexión, contemplación y conocimientos estéticos que abren los ojos y traen calma a la mente. Hasta el 9 de febrero, varios de los artistas que ya conoces de nuestra web estarán exponiendo en esta muestra que se realizará en el Colegio People Help People ubicado en Av. del Litoral 299. Es el caso de Eduardo Garcés, María Elvira García y Julita Luco, entre otros.

El Parque Cultural de Valparaíso expondrá La medida 29, grabados y obras de arte que “reconstruyen la memoria de un sitio borrado”. En la muestra, Ritoque y Puchuncaví se presentan como balnearios que pasaron de populares centros vacacionales a campos de prisioneros. La exposición recoge testimonios de quienes estuvieron presos en ambos lugares, para tratar de dibujar la historia de estos sitios borrada por militares. La exhibición es necesaria y pertinente sobre todo para los balnearios, que quedan como señal de un período de nuestra historia. El balneario de Santo Domingo ofrecerá dos exposiciones de arte durante el mes. Una de ellas son los 25 años Expo Arte

Por otra parte, la Casa de la Cultura de Santo Domingo no quiso quedarse atrás y realizará una exposición de arte que contempla pintura, escultura y grabado. Desde el sábado 2 de febrero y hasta el 2 de marzo las artistas Carolina García Huidobro, Sol Guillón, Claudia Parodi y Fernanda Saldivia estarán mostrando su trabajo en Los Jazmines 29.

• Germán Tagle expondrá en el MAC de Valdivia.

Frente a las costas chilenas, como destino favorito, afrodisíaco y tropical de nuestro país se encuentra Isla de Pascua, donde se está llevando a cabo Hopu Manu-Guerreros Ancestrales de Rapa Nui, una exposición del escultor Tevo Pakarati en la Sala Alemana del museo de la Isla. La muestra originaria estará abierta al público hasta el 30 de marzo. SUR Iniciando la ruta sur de Chile no encontramos con la programación de la Universidad de Talca. Dos de sus exposiciones muestran parte de una rica y diversa colección como la de Giulio Di Girolamo, que hoy expone Óleos y dibujos hasta el 9 de marzo en la sala que lleva su nombre. Ésta se convierte en una muestra de obras pictóricas compuestas principalmente por paisajes, naturaleza muerta y retratos, que podrá encontrar en 2 norte 685. Además, en la misma dirección se encontrarán con la obra de

Pedro Olmos que devuelve al público los orígenes de nuestro territorio a través de su serie El color de la chilenidad, dibujos que nos llevan a tiempos pasados. La diversidad temática de su obra abre el espectro de oportunidades para sorprender al espectador, pues incluye retratos, naturalezas muertas, temas populares, de costumbres, folklore, religiosidad popular, paisajes, grupos de gente y personajes nacionales. Hasta el 9 de marzo las puertas de la Sala Abate Molina estarán abiertas para todos sus visitantes. Adentrados en el clima y paisaje sureño se encuentra Concepción, que alberga entre sus calles y centros de arte exposiciones que traen a la agenda vacacional alternativas difíciles de rechazar y obviar. La Pinacoteca de Concepción ha dispuesto sus salas para presentar lo mejor de su material artístico a los visitantes de la VIII Región. Una de las más esperadas estará abierta hasta el 14 de marzo, es la destacada artista Tina Modotti, fotógrafa y revolucionaria italo-mexicana que presenta una muestra que recorre su agitada vida, elocuentemente representada. Hay

reportaje

• La obra de Tatiana Lastarria podrá verse en Galería Casa Verde en Valparaíso.

aquí una fotografía vanguardista y nacionalista que ofrece un retrato fiel de la realidad de la sociedad mexicana que en base a sólidos principios políticos, le permitieron denunciar y fijar la mirada sobre la discriminación o las prácticas abusivas, labor que la convierte hoy en parte fundamental de la memoria cultural de México. Valdivia, ciudad de turistas, brisa, el Río Calle-Calle y el Museo de Arte Contemporáneo. En él, destaca para todo febrero la exposición del destacado artista nacional Germán Tagle, Entre la Ruina & la Euforia en la Sala Francisco Smythe hasta el 28 de marzo. El artista nacional trabajó bajo la premisa del palimpsesto y/o acumulación de capas y selecciona sus telas con patrones decorativos, sobre las cuales propone la recirculación de imágenes rescatadas de libros y fuentes diversas, imágenes que perderán su origen de referencia para aparecer en un contexto inesperado. Se aprecian flores y figuras pastoriles que descansan en el estampado y al fondo se incorpora en esténcil la presencia

de ciertos edificios simbólicos, la grandeza de estadios y grandes construcciones públicas, así como variados elementos urbanos mimetizados entre trazos de pinturas. La Corporación Cultural de Puerto Montt se ha preocupado sostenidamente y durante todo el año de mantener un flujo constante de actividad cultural en la región y en verano ha intensificado sus esfuerzos. Durante febrero expondrá quince trabajos de artistas visuales de la Región de Los Lagos que fueron seleccionados en el marco del Tercer Salón de Arte Sur-Austral “SurMundo” en la sala Hardy Wistuba de la Casa del Arte Diego Rivera. La selección se efectuó sobre 64 obras enviadas desde toda la Región de Los Lagos evaluadas por un jurado de expertos y están en exhibición desde ya, mientras la ceremonia oficial de entrega de reconocimiento y catálogos se hará el 14 de febrero. También en Puerto Montt, la Biblioteca Regional de Los Lagos

• Pauline Cristi es una de las artistas que expondrá en el Teatro de Zapallar. Sin título C, óleo sobre tela, 40 x 40 cm.

ha traído a su segundo piso a Macarena Perich y su expo Conflicta, que presenta un trabajo experimental con su propio cuerpo. Abriendo a la comunidad ejercicios performáticos, fue configurando una red y audiencia de personas que luego de un primer encuentro, comprendieron que habían códigos comunes, un mutuo aislamiento y una fuerza en el paisaje remoto donde artista y espectador habitan. Producto de estas experimentaciones (y de las sucesivas participaciones que tuvo en diversos festivales y bienales en Alemania, Venecia y China) se constituye CONFLICTA como proyecto en cuatro ejes: investigación, residencias, educación y publicaciones. Puedes verlo en Quillota #113. La isla de Chiloé no se queda atrás, pues hasta el domingo 16 de marzo en el Parque Municipal de Castro se expondrá la instalación Ritos de Paso de Juan Castillo. Una pasadita bastará para nutrirse de una intervención que nace en la avenida Américo Vespucio Sur en 1981 titulada Te devuelvo tu imagen. El artista Juan Castillo ha

desarrollado a lo largo de su trayectoria diferentes intervenciones y obras, que hoy dan pie a este proyecto. Castillo vuelca sus preocupaciones sobre la experiencia estética en letreros que serán el comienzo de una investigación artística. En gran formato, a modo de obras site-specific, los letreros dan cabida a investigaciones visuales y verbales con matices de fieldwork etnográfico. Llegando al final del recorrido nos encontramos con la región de Aysén, en donde el Consejo de la Cultura de la Región, la Universidad Austral de Chile, Campus Patagonia, y Goethe Institut han seleccionado las localidades de Puyuhuapi, Puerto Chacabuco y Caleta Tortel para que artistas nacionales e internacionales monten sus trabajos en un proyecto titulado Trapananda que lleva destacadas obras de arte contemporáneo a localidades que se transformarán por primera vez en el escenario de novedosas propuestas artístico-culturales. Las exposiciones estarán disponibles al público hasta el 20 de febrero.

panoramas

EXPOSICIONES SANTIAGO La presente retrospectiva presenta obras del artista nacional desde 1984 a 2013. Son 25 obras realizadas con lápiz sobre tela donde los tiempos de realización alcanzan hasta los 12 años de trabajo. La muestra de carácter único, reúne el trabajo del artista a lo largo de toda su carrera e incluye obras inéditas.

Hasta el 30 de marzo Museo Nacional de Bellas Artes Parque Forestal s/n - Santiago www.mnba.cl

Retrospectiva de la muerte a la locura de Tito Calderón

Hasta el 30 de marzo Museo Nacional de Bellas Artes

hasta el 28 de febrero Biblioteca Pública de Santiago

Encontraron cielo, Antonio Becerro

Retrospectáculo, Jorge Pato Toro

Se presenta una intervención aérea en la fachada del edificio consistente en la instalación de un container del cual se despliegan una serie de esculturas con forma de perros que simulan estar volando. Algo así como una parvada de perros cuervos suspendidos en una hermosa trama de cable.

La exhibición consta de 100 obras gráficas que dan cuenta de tres décadas de creación y que se enmarcan en los géneros dark y surrealismo pop, aludiendo a la poesía visual, con elementos de cartoon, graffiti y cómic.

Parque Forestal s/n, Santiago www.mnba.cl

Av. Presidente Balmaceda 1215, Santiago www.bibliotecasantiago.cl

El destacado del texto corresponde al autor de la imagen que acompaña. * Las imágenes de las obras publicadas son detalles de la original.

HASTA EL 16 DE FEBRERO MAVI

Hasta el 3 de marzo Sala de Exposiciones, Centro de Extensión de la U. de Talca

Para Mirar de Cerca. MAVI La Colección

Prisión para la sombra, Ramón Vergara Grez

Selección de obras de pequeño formato que forman parte de la colección MAVI realizadas por artistas de diversas generaciones y tendencias. La exposición procura mantener sus paradojas, debilidades, contradicciones y sorpresas.

La exposición muestra la correspondencia que existe entre la organicidad del Cosmos y el método ideado por la razón. La muestra plástica va desde el plano representativo o naturalista, al plano abstracto plástico absoluto.

José Victorino Lastarria 307, Plaza Mulato Gil de Castro, Santiago www.mavi.cl

Quebec 415, Providencia www.utalca.cl/link.cgi//Extension/

Hasta el 17 de marzo GALERÍA ESPORA

Hasta el 8 de marzo Galería Artespacio

Espacio, Juan Pablo Koljatic, Juan Pablo Fuentealba y Sergio Belmar

Objeto Material, Colectiva Finis Terrae

A través de medianos formatos en blanco y negro y color, los tres artistas exponen de cinco a seis fotografías cada uno, donde revisan desde diferentes lugares las lecturas que se puede hacer con respecto a un espacio.

Exposición colectiva formada por seis destacados artistas graduados de la Universidad Finis Terrae: Camila Alegría, Matías Osorio, Trinidad Rojas, Catalina Díaz, Fiorella Angelini y Marcela Undurraga. Manifiesta objetos que el individuo observa de manera sensible y objetiva, percibiendo la riqueza de la materia.

Melchor Concha y Toro 153, Providencia www.galeriaespora.com

Alonso de Córdova 2600, Vitacura www.galeriaartespacio.com

panoramas

Hasta el 14 de febrero Sala Pepo, Galería Plop

Hasta el 30 de marzo Centro Cultural Palacio La Moneda

Ni en vivo ni en Directo. Guía televisiva ilustrada de los 80`s - 90`s.

El Nuevo Diseño Italiano, Gestión de Diseño UDD y Triennale Design Museum de Milán

Exposición y venta de obras de los ilustradores Alfredo Cáceres, Óscar Chávez, La muestra reúne el trabajo de 133 diseñadores italianos contemporáneos Sol Díaz, Hernán Kirsten, Sergio Lantadilla, María José Puyol y Verónica Rodríguez con 288 proyectos que dan una visión general del diseño italiano que retratan en sus obras una guía televisiva que recuerda los 80 y los 90’s. contemporáneo y sus vínculos con la economía, política y tecnología.

Merced 349 nº7, Barrio Lastarria, Santiago www.plopgaleria.com

Plaza de la ciudadanía nº 26, Santiago Centro www.centroculturallamoneda.cl

HASTA EL 14 DE FEBRERO Sala Coré, Galería Plop!

Hasta el 12 de marzo Galería Casas de Lo Matta

Duplex, Patricio Otniel y Vicente Martí

Mukat: Calor Etíope, Magdalena Hurtado

Una dupla de ilustradores chilenos que funcionan en conjunto y se han consolidado. Dúos dinámicos armados de pinceles que se juntan en una muestra que además tendrá sus obras en venta.

El término calor -o mukat en etíope- alude a una comunidad que se esconde tras simples titulares de hambruna y guerrilla. Esta exposición busca reunir fondos para Amigos de Silva, ONG que está construyendo un hospital en Etiopía.

Merced 349, nº 7. Barrio Lastarria, Santiago www.plopgaleria.com

Av. Kennedy 9350, Vitacura www.vitacura.cl/vitas/home/21/casas_lomatta

El destacado del texto corresponde al autor de la imagen que acompaña. * Las imágenes de las obras publicadas son detalles de la original.

Hasta el 1 de marzo Espacio Hall de Las Condes

HASTA EL 2 DE MARZO Galería Casas de Lo Matta

Sujeto a la Distancia, María José Fuentes, Paula Valenzuela y Camila Vivanco

Reflexiones Amorosas, Daphne Anastassiou

La muestra exhibe la ausencia del sujeto en las obras de María José, la relación el paisaje en el caso de Camila. Las tres perspectivas reflejan la variedad de reflexiones en torno a una misma situación.

La artista nos hace una invitación: parar por un segundo y mirarnos a nosotros mismos, dando espacio para la autorreflexión. Tanto su pinturas como su libro Somos Amor, recuerdan al espectador lo sagrado del ser humano, su virtud creadora y su esencia, el amor.

Av. Apoquindo 3400, Las Condes www.lascondes.cl/cultura/hall.html

Av. Kennedy 9350, Vitacura www.vitacura.cl/vitas/home/21/casas_lomatta

Hasta el 28 de febrero Galería Montecatini.cl

Hasta el 8 de febrero Galería Ququ

Muestra colectiva Pintura Contemporánea Chilena

Arte en Verano

Fernando Toledo, Ignacio Lobo, Paulina Beyer, entre otros llegan a la galería virtual Montecatini a mostrar lo mejor de sus trabajos a todo quien tenga computador. Nada más un click y estarás revisando las obras de estos destacados artistas.

Venta especial en la que se exhibirán y pondrán a la venta más de 300 obras en pintura, grabado, dibujo y acuarela en variedad de formatos, con descuentos desde un 10% hasta un 30%. Algunos de los artistas que participan son Gonzalo Cienfuegos, Totoy Zamudio y Margarita Garcés, entre otros.

Galería Montecatini.cl www.montecatini.cl

Albert Le Blanc 1764, Lo Barnechea www.ququ.cl

entre el sujeto y espacio en el caso de Paula y el sujeto como ser que re-ordena

libro

Las casas de las ovejas

edmundo browne Edmundo Browne es arquitecto y su primer libro ganó un Fondart. Las ilustraciones que se entrelazan en estilo cómic, narran los avatares que tuvo que pasar mientras las placas tectónicas decidieron remecer Chile en febrero de 2010. Dos de las mujeres que perdieron su casa para entonces, recibieron un techo que surge de su frustración e iniciativa.

Por Natalia Vidal. imágenes cortesía del artista.

ste “érase una vez” relata una catástrofe inédita en la historia de un país llamado Chile. Frente a los ojos de ciudadanos y vecinos se desconciertan corazones e ilusiones una madrugada de verano. Las líneas tan reales como consecuentes las habitan personajes que caminan nuestras calles hoy en día y configuran el entorno del joven arquitecto. Había una vez cuatro animales: una oveja, un conejo, un oso y un chancho. Entre las 500 mil viviendas destruidas y los 2 millones de damnificados, María y Gladys perdieron su casa con el terremoto del 27 de febrero de 2010. En ellas, los recuerdos de una vida construida, la impresión de las manos de sus esposos que trabajaron en cada pliegue del adobe de sus paredes cayeron a tiempo de su entusiasmo. Edmundo no pudo tolerar lo que sucedía, no aguantaba estar en pie sin hacer nada y perdió la orientación: lo rodeó el desconcierto. Narra la historia que en marzo de 2010 los animales del campo, ahora destruido por la catástrofe, se organizan para ayudar a la señora María, una oveja que vivía a 15 km. de la ciudad de Quirihue. Al derrumbarse su casa, se destrozaron los recuerdos materiales de su vida de esfuerzo. La oveja María personifica a María y Gladys y es la decisión editorial que tomó Edmundo Browne para narrar en un cuento ilustrado la historia que recupera su experiencia con ambas señoras. Son dos formatos, un libro y una fábula, trabajados con rápido graf, lápiz mina azul y acuarela, donde en tres etapas divide lo que vivió y fundió su huella en los últimos años. Con más de ochenta años, ambas mujeres vieron caer sus casas de Quirihue y Cauquenes respectivamente, donde tiempo después llegó Edmundo y su familia con la intención de comprometerse

• Algunas de las ilustraciones del libro Dibujos por madera, de Edmundo Browne.

con la reconstrucción. “Una era mi vecina y la otra, la mamá de la nana que trabaja con mis papás”, cuenta Edmundo, quien diseñó un programa en el que conseguía dinero para financiar dos viviendas permanentes, mejores a las mediaguas, a través de la venta de tablas. Así “dibujos por madera”, “croquis & xocolata” y otra serie de iniciativas, se desplegaron en nuestro país y otros para conseguir dinero: Edmundo estaba viviendo en Barcelona antes del terremoto. La historia continúa: los animalitos ponen manos a la obra y cargan en sus hombros los materiales necesarios para construirle una casa nueva a la oveja María. Cada uno aporta con sus conocimientos y saberes en este emprendimiento. Sin embargo, la oveja María se mantiene al margen del proceso sin ser consultada, ni pronunciarse. Una vez en pie el nuevo hogar, los animales satisfechos se van felices por haber contribuido con la oveja. Narra la historia, al igual que Edmundo, que al comenzar la segunda parte del libro “queda la escoba” y toda la ilustración pasa de un coloreado cómic a un boceto en lápiz azul: “La señora no participaba mucho porque era muy difícil. Vino el invierno y no quería vivir en la casa; el terremoto se le olvidó a todo el mundo y no teníamos más materiales. En algún minuto tuvimos a las dos señoras sin querer habitar lo que les habíamos construido. A dos manos me tomaba la cabeza… ¿qué pasó?”. Un día los animalitos decidieron volver a ver a la oveja María en su nuevo hogar y la encontraron durmiendo debajo de un pino con la casa intacta a su lado. “Yo creo que estaban en shock: en ambos casos las casas derrumbadas habían sido construidas por sus maridos. Había desconfianza. La llegada de dos personas desconocidas era extraña y en el fondo, me da la impresión de que había un poco de

miedo y que no la sentían propia”, explica Edmundo del fenómeno que más lo contrarió e hizo pasar malos ratos. Los animalitos, estupefactos de la consecuencia, le preguntan a María: “¡¿qué pasó?!”, y entonces la oveja habla por primera vez. Habla y se desahoga. Explica que en la entrada que diseñó el conejo se tenía que agachar siempre, luego tropezó con los palos dispuestos por la gallina en la sala, se cayó en el piso de barro que había construido el chancho. Dice que las ovejas no pueden vivir en casas así. “No se acostumbraba porque entraba el sol en la mañana o la lluvia sonaba en el zinc. Una dijo que era fría”, recuerda Edmundo de los reclamos que las mantuvieron sin pisar el hogar. Quizá por frustración, quizá por nostalgia. Los animales, compungidos y de manos caídas, le preguntan: “¿Cómo son las casas de las ovejas?”. La oveja explica que cuando ellas se sacan la lana, necesitan espacio para dejar sus cosas y todo el proceso de tejido requiere de otras instalaciones. Para ello propone construir todos juntos. Una vez entregados los títulos de las casas naturalmente sobrevino la calma, las señoras podían hacer con ellas lo que quisieran y eso les trajo seguridad. La secuencia de ilustraciones que continuaban la historia se llenó de color en acuarela. La oveja María le regaló una bufanda a cada animalito, mientras que la artista Voluspa Jarpa instó a Edmundo a compartir esta historia dibujándola. Edmundo diseña el proyecto, lo presenta al Fondart y publica Dibujos por madera.

Dibujos por madera, de Edmundo Browne Disponible en Librerías Antártica y en Plop Galería.

VENTA DE ARTE

Intuición y sentimiento

emilia mundt Interpretar impresiones y expresar miradas más allá de lo visible. Ése es el sello de esta artista que en sus pinturas investiga el misterio de los sentimientos en sí mismos, en relación a los otros y a la naturaleza. Sus obras estarán disponibles próximamente en una venta especial este 8 de febrero en Viña del Mar. Por Catalina Martin. imagen cortesía de la artista.

os contrastes, la unión de sombras y el manejo del color en las pinturas de Emilia crean seres etéreos sin contornos definidos. Sus obras permiten interiorizarnos con la expresión de estos niños incorpóreos, jóvenes que proyectan un conjunto de sentimientos -muchas veces ambiguos- representados a partir de la construcción intuitiva de la artista. “Lo que trato de revelar es el misterio del sentimiento, si un niño está mirando a otra persona mientras está sintiendo algo, yo interpreto eso a través de mi pintura”, comenta. Hay un estudio persistente de los afectos y el ser. Lo emocional se proyecta mediante el trazado de las líneas, fondos más iluminados y contornos difusos. Una búsqueda constante por interpretar lo intangible. “Me siento asombrada con la vida, me gusta enfocarme en lo emocional y me conmueven mucho los sentimientos, de dónde vienen y por qué sentimos”, cuenta. A partir de las fotografías que toma y que utiliza como referente, traza el lino donde plasma las emociones que sienten sus retratos e intenta descubrir el porqué de ellas. Más que una representación pictórica, la artista busca alejarse del realismo y traducir la pintura mediante la mancha. “Yo espero que las personas se interioricen con la expresión de los niños que yo

represento”, cuenta. Muchas veces, la fusión entre retrato y fondo y los tocados que realiza en el pelo de los niños -que hacen que representen más edad de la que tienen- producen ambigüedad en la transmisión de estas emociones infantiles. Su obra alcanza la confirmación cuando los espectadores son capaces de encontrarse con ella y experimentar las sensaciones que ésta proyecta. “Yo me inspiro con otras cosas, me maravillo con estas cosas simples que son hermosas, y eso es lo que trato de proyectar”, comenta. Le interesa muchísimo manejar la técnica del óleo y la acuarela lo mejor posible, trabaja constantemente para perfeccionarlo, pero no descuida el proceso de inspiración y trabajo. “Un verdadero artista es el que puede armar un todo”, concluye.

Venta de Arte de Emilia Mundt DIRECCIÓN: Los Sargazos 255, Jardín del Mar, Reñaca. FECHA: 8 de Febrero de 11:00 a 20:00

artista destacado

Caminando por el campo

FRANCISCA LOHMANN Francisca Lohmann refleja en su pintura los paisajes y recuerdos de su amado Sarmiento, localidad ubicada en Curicó, donde pasó 30 años de su vida contemplando un escenario que ahora pinta y muestra alrededor del mundo. Por Bárbara Fernández. imágenes cortesía de la artista.

as parras son la musa que inspira gran parte de su creación. Mira detenida, en invierno y primavera, la gran fuerza que tiene ese tronco enmarañado, delgado y confuso que florece con fuerza y que se mantiene firme en la más cruda de las heladas. Francisca es más que perceptiva, ella lo siente y lo vive. Como nadie, tiene la capacidad de absorber la esencia de una de las figuras más representativas del campo chileno y la columna vertebral del alargado y variado Chile: la parra. Y es su don. Pasaba mirando desde pequeña los campos chilenos y se atrevió a detener su mirada en un árbol que se aferra a sus pares en millones de hectáreas para producir el vino. “Caminé por los viñedos, conozco los colores del otoño, a ojos cerrados me ponen las diferentes variedades de uva y puedo decir esta es tintorera, esta es carmenere. Así me empapé de las parras”, explica. Ha trabajado bodegones, flores, paisajes, caballos, entre muchos, pero la parra ha captado su atención al punto logra transmitir la energía que siente al ver esta planta de hojas verde eléctrico que se mantiene estoica aunque llueva, tiemble y el sol la mire fijo.

• Detalle de Tintorera Otoño

La técnica ha ido variando. Óleo, carboncillo, pasta, tierra, arena, ocupa todos los elementos. “Ahora me doy la libertad de usar de todo. Antes seguía mucho a la Academia y era súper estructurada, pero ahora voy a hacer mi arte, lo que yo sienta, lo que me salga del alma”, explica. Puerto Rico, Estados Unidos y Francia han recibido su obra, y actualmente trabaja con una galería en Nueva York. “He conocido y me he interiorizado con muchas técnicas para tener mi estilo. Me acompañó mucho exponer afuera, viajar a las ferias internacionales”, explica. Así se fue renovando e incorporando nuevas técnicas y estilos. Trabaja y deja chorreado de colores todo su taller, pintando en la noche cuando siente inspiración, tomando su enorme paleta repleta de todos los colores imaginables porque “todos los colores están en la naturaleza”. Su evolución como artista se basa en un conocerse, amarse y contemplarse. Aunque la naturaleza siempre es parte de ella, ahora juega más, se libera y expresa eso en cada uno de sus trazos. “Uno siempre va evolucionando en la vida, la experiencia que uno va teniendo, las alegrías, dolores, todo lo que se junta. Ahora me voy al hueso, al alma de lo que estoy trabajando”, dice. • Detalle de Parra Otoño.

en el taller

VALENTINA ROBLEDO Arquitectura en ruina; un laberinto de espejos en fragmentos

Por Lucía Rey Imágenes cortesía de la artista.

Hay un altar en cada una de las casas del ser humano. Que no lo olviden los hombres cuando derriben a la ligera sus casas y arrojen lejos sus pedazos. Ruskin¹

alentina aparece en medio de ruinas, y éstas hacen un guiño a la melancolía. Ruinas vividas como recuerdos imaginados y reales, una mezcla cromática que permite su emergencia biográfica desde el detalle brillante que aparece y desaparece entre la oscuridad de lo incomprensible. Su taller está en medio de este habitar, que se ha ido construyendo entre los espacios universitarios, lugares arrendados y su propia casa en donde ha contado siempre con la presencia de Tony (su perro de 11 años) contemplándola e interrogándola acerca de lo irrepresentable. La ruina es abordada como un resguardo de la frágil y efímera belleza de un atardecer, como la manifestación de la fuerza de lo histórico que se cristaliza en un registro arquitectónico pronto a fundirse con la naturaleza en el afán de desaparecer ante la mirada desatenta de quien, sin darse cuenta, violenta y rompe todo a su paso. Lo intacto permanece porque se funde con el paisaje, apareciendo únicamente ante los ojos del RUSKIN, Jhon (s/f): Las siete lámparas de la arquitectura (1849). Biblioteca de Arte y Artistas. Valencia: Editorial Prometeo, p. 212

investigador que se acerca con respeto como ante un tesoro. Así es que Robledo captura esta figuración en la búsqueda fotográfica con la delicadeza de un monje Shaolin caminando sobre papel de arroz, plasmándolo experimentalmente sobre la tela en función de la exploración de las capas cromáticas, que van intuyendo capas mnémicas del lugar evocado en el acto creativo. De aquí que el romanticismo sea su taller, realmente el espacio físico puede variar, pero su laboratorio se ubica en el mundo romántico de Friedrich y Turner… como un laberinto interior que le permite encontrarse en los espejos de la ruina entre los destellos del fetiche erótico. Se presenta la oscuridad en su obra como canal hacia la iluminación del pensarse a sí misma, y encontrarse por fragmentos de momentos que aparecen en el gesto romántico de la recuperación de lo devastado. La imagen del retrato fragmentado es elaborada desde la representación y el detalle fotográfico en medio de un ambiente visual más bien pastoso y abstracto que va abarcando este cuerpo contemporáneo como una cobertura melancólica del tiempo “sido” por sobre el tiempo en curso. Se dedica a elaborar

con detención los detalles del fetiche, como si estos aludieran a algún recuerdo erótico específico que sólo se esboza en un ademán que encierra un secreto y que se transparenta en la mirada representada. Este “taller” para Robledo existe en su interior durante el día como un pulso constante, lo que le obliga a encontrar en lo abandonado y destruido un lugar espejo de recogimiento, de manera que camina y habita la ruina en la melancolía romántica de lo perfecto. La fuerza viva contenida en una construcción debilitada por la muerte; la destrucción de lo histórico amenazando constantemente la fragilidad de lo contemporáneo en un vaivén de deseos que se insinúan como peligro y añoranza. Valentina trabaja con acrílico, óleo, pinceles, brochas, paletas, espátulas y materiales reciclados y prepara las superficies (que pueden ser madera o lona) con gesso. Para instalarse a trabajar y constituir un espacio físico como taller sólo necesita “un mueble para poner las pinturas y paleta, atriles y buena luz”. Esto es (posiblemente) porque su taller inmaterial, en definitiva, es el lugar mítico de la fuerza de la ruina. La única influencia que puede reemplazar la de los árboles y la de los prados es la fuerza de la antigua arquitectura². 2

Op. Cit., p. 231.

críticas

COCO GONZALEZ, CARLOS ARAYA “CARLANGA” Y MAURO JOFRE EN EL MUSEO NACIONAL DE BELLAS ARTES.

LA RUTA TRASNOCHADA Por Ennio Bucci, Licenciado en Teoría e Historia del Arte y Estética, Miembro de AICA Imagen cortesía del MNBA.

i bien la propuesta artística de los under de los 80 es conocida en la historia del arte chileno, lo que plantean los artistas en esta muestra es un homenaje a los maestros de la Generación del 13, lo que me parece un hecho significativo de destacar. Si bien es cierto que hay hechos de similitud histórica, los artistas de la Generación del 13 plantearon una mirada nueva en cuanto al quehacer de la pintura. Buscaban rescatar lo propiamente chileno pintando temas vernaculares como “el velorio del angelito” o la “zamacueca”, ambas pinturas de Arturo Gordon, importante artista de dicha generación. Los del 13 plasmaron en sus telas las costumbres de nuestra chilenidad. A su vez, este grupo de artistas de los 80 también quisieron mostrar lo que sucedía a nivel de la contingencia histórica de esa época y lo hicieron desde su mirada plástica, asumiendo un lugar de precariedad y marginalidad. Comenzaron a realizar una mirada crítica desde el acontecer de la época pero lo hicieron con humor y creatividad. Al visitar la muestra La Ruta trasnochada nos encontramos con obras de diversos formatos trabajadas en óleo sobre tela, donde en muchas de ellas se puede apreciar un expresionismo y fauvismo latente. También llama la atención un conjunto de objetos tomados de la industria de juguetes y unos balones de gas pintados de intensos amarillos e intervenidos por los artistas. Podemos hacer en este momento de la exposición a un acercamiento al pop internacional, pero por la manera en que están intervenidos los objetos hay claras referencias a un pop criollo. Como se definen ellos a sí mismos: “Ambas generaciones, las del 13 y la del 80, somos generaciones de transición. Ellos entre el campo y la ciudad y nosotros entre la ciudad y la tecnología. Ellos fueron la primera generación de pintores en el siglo XX. Nosotros la última de un periodo o tradición que estudiamos artes plásticas y no artes visuales”. Los artistas de La Ruta trasnochada pertenecen a una generación donde se plantea la estética del cuadro como soporte de reflexión frente al quehacer histórico. La presente muestra es una exposición interesante de visitar porque plantea, en cuanto a la concepción de la pintura, un vínculo con la Generación del 13 que permite formularse interrogantes tanto de índole estética como historiográfica, siendo válido a nivel de propuesta plástica establecer estos vasos comunicantes de reflexión estética.

• Paysage bucolique 1, 2006, óleo sobre tela, 200 x 150 cm.

Exposición La Ruta Trasnochada LUGAR: Museo Nacional de Bellas Artes DIRECCIÓN: Parque Forestal s/n, Santiago FECHA: Hasta el 15 de marzo

LECTURAS DE VERANO Por Ernesto Muñoz, Crítico de Arte, Miembro de AICA

El Maestro del Prado Javier Serra Editorial Planeta. Disponible en Feria Chilena del Libro, Librería Antártica, iBooks y Amazon. Febrero es un mes ideal de ponerse al día en lecturas y en especial lo que atañe a los del mundo del arte. El Maestro del Prado, del celebrado Javier Sierra (nacido en Teruel en 1971 y autor de La Cena Secreta) ha sido un boom de ventas con ocho ediciones desde su aparición en España en julio del año pasado. El protagonista acude al Museo del Prado y en sus visitas comienza a descubrir los secretos y lecturas ocultas de las obras de Tiziano, El Bosco, Rafael Sanzio y Leonardo. Puedo asegurar que después de leer este libro será difícil mirar las obras citadas de la misma forma que antes. Los personajes se mueven entre Madrid y El Escorial, entregando información sobre textos llenos de enseñanzas. Las pinturas traen mensajes repletos de anuncios proféticos y visiones místicas, donde la visita al Museo de Ángeles de Lucia Bose pone más a esta narración que cambia a la pétrea historia del arte.

¿Qué estás mirando? 150 años de arte moderno

Génesis

Will Gompertz

Sebastião Salgado

Editorial Taurus. Disponible en Librería Antártica, Metales Pesados, iBooks y Amazon.

Editorial Taschen. Disponible en Librerías Contrapunto y a través de Amazon.

El libro ¿Que estas mirando? 150 años de arte moderno es obra de Will Gompertz (director de Arte de la BBC y ex director de la Tate Gallery de Londres) que se emparenta con El Maestro del Prado por su intención de extender el conocimiento del arte, entregando detalles que permiten comprender el porqué se producen los cambios. Alejándose de las tediosas clasificaciones, comprendemos a París, esa urbe diseñada por Haussmann y ciudad eje del impresionismo, frente a un Nueva York ansioso de novedades que sirve al expresionismo abstracto y el Pop Art. Gompertz además abarca un arte nacido en América Latina como es el cinético y también el geométrico, de origen precolombino. Un libro de consulta diaria.

Génesis es el nombre del proyecto de fotógrafo brasileño Sebastião Salgado que fue lanzado el año pasado a nivel mundial. Compuesto por 245 fotos en blanco y negro, presenta una visión a nivel mundial de todos esos lugares que aún hoy permanecen alejados de nuestra civilización. Para complementar la exhibición en la cual trabajó ocho años, se lanzo un libro que lleva un atril diseñado por el arquitecto japonés Ando que tiene un valor de diez mil dólares.La versión masiva es un auténtico tesoro, testimonio de un trabajo clave.

críticas

Pedraza Inédito

UNA REFELEXIÓN SOBRE LA PINTURA Por Enrique Solanich, Magíster en Teoría e Historia del Arte, Miembro de AICA. Imagen cortesía del artista.

n diciembre y enero pasados se realizó en las salas de la Casa Santa Rosa de Apoquindo, dependencia de la Corporación Cultural de Las Condes, la muestra Pedraza Inédito, tributo al centenario del nacimiento del artista, que repone en la escena cultural los pergaminos de su obra ejecutada en el transcurso de las décadas corridas entre 1940 a 1980. Nacido en Taltal en 1913 y fallecido en Santiago en 2000, Carlos Pedraza Olguín es un genuino miembro de la Generación del 40, rótulo didáctico que engloba a los artistas formados en los años finales del decenio del treinta y primeros del siguiente, en la Escuela de Bellas Artes y de Artes Aplicadas de la Universidad de Chile.

Más allá de los aprendizajes básicos con sus profesores chilenos, cabe deducir influencias capitales de maestros pos impresionistas, de los que coge la práctica de la pintura directa, su inmediatez ejecutoria y refinamientos cromáticos, hecha con pinceladas sueltas, menudas y medianas y, a veces, enrevesadas con brochazos extendidos y generosos empastes, efluvios, a no dudar, llegados de Pierre-Auguste Renoir (Limoges 1841-Cagnes 1919). Otro patrón proviene de la lección de Pierre Bonnard (Fontenayaux-Roses 1867-La Cannet 1947), pintor, dibujante y litógrafo, de vida apacible y retraída, volcado en una pintura de interiores domésticos, rincones y jardines, guiado más por la contemplación de los entornos que el vuelo individual de la fantasía.

pueblan su iconografía, siempre intuitiva, suntuosa y sorprendente, cautelan los valores de la pintura en su radical esencia: sugestión visual ubicua. De gesticulosa escritura, nunca es explícita ni unívoca, sostenida siempre en la convergencia certera del boceto con el acabado austero y discreto, favorece así la espontaneidad de la factura, clave permanente de su maniobra plástica.

Con todo este amasijo de estelas, fusiones y herencias, Pedraza adhiere a la postura que acepta el escenario ante sus ojos. Ello significa que desplaza su pintura entre la aprehensión de sus argumentos -naturalezas muertas de flores, frutas, porcelanas, cristales y los paisajes sacados de parques, jardines o bordes costeros-, y su abreviaturía por el acto de pintar imágenes que, admitidas por sus presencias reales operan en el plano, cual paradoja estética, como autónomas virtualidades.

Se puede afirmar que la alternativa escogida -la tradición en la modernidad-, revela el pacto de Carlos Pedraza Olguín con la naturaleza, la que le otorga un sentido eficaz a su faena, al rescatar de ella, sin arredrarse, modelos plásticos preferidos en el tiempo, asentando un corpus sincrónico. Tras desarticular el discurso académico de la copia y la fatua imitación, construye una gramática óptica que es, ni más ni menos, su reflexión misma sobre la práctica de la pintura.

Sin proponérselo las muta en verdaderas suites. Esas escenas que

Todo ello queda evidenciado en la muestra de gabinete que se comenta.

• Árboles rojos, óleo sobre tela, 48 x 65 cm.

UNA MIRADA A NUESTRO MUSEO NACIONAL DE BELLAS ARTES Por Pedro Labowitz, Crítico de Arte, Miembro de AICA Imagen cortesía del MNBA.

esde hace (comparativamente) corto tiempo nuestro principal museo está bajo la batuta de su nuevo director, Roberto Farriol, ex académico de la U. Católica. Un hombre muy simpático, altamente inteligente y conocedor de las artes plásticas, quien ya dispuso de varios cambios administrativos pendientes desde hace mucho tiempo: proporcionar al público gavetas para sus paquetes -medida estándar en todo los museos europeos-; reabrir una pequeñita sala a ras de suelo después de muchos años; retretes accesibles para los discapacitados; nuevos uniformes para los guardias; el orden y limpieza del patio trasero. Sin solución -quizás no la hay- queda el problema del eco en la gran sala de entrada, que hace que los discursos que allí se pronuncian (siempre atrasados) sean prácticamente incomprensibles, mientras que los a veces muchos visitantes charlan desahogados entre sí, constituyendo una adicional fuente de ruido. En su política de exposiciones, Farriol se muestra claramente de avanzada y eso levanta algunas preguntas. Muchos recordamos, no sin fuerte displacer, exposiciones como aquella de Los Jaivas (amén totalmente de las toneladas de basura que su concierto dejó en el Parque Forestal); de las fotos y videos sobre la Antártica; de la Bienal de Artes Mediales donde parecía bienvenido cualquiera que alguna vez haya hecho un video; o en diciembre, de la Ruta Trasnochada en que tres artista que comenzaron su carrera bajo el régimen militar y unos cien de sus amigos mostraron trabajos políticamente, y por supuesto, fuertemente “anti”. La mayoría de ellos, con sus adjuntos, parecen haber asistido (mal vestidos) a la inauguración. Era imposible entrar a las salas repletas, en que además se ofreció música de alto volumen. Una mirada corta mostró muros tapizados de trabajos que en su mayoría no se esmeraron en cuanto a calidad artística. En otra sala se mostró el video (a) propósito: una junta nada coherente de escenas de cuerpos tatuados, marihuana, lesbianas, vistas de paisajes nocturnos y lunas llenas. Aparentemente un experimentos en surrealismo y el subconsciente. Pero, claro, la mayoría de los experimentos fracasa. Por supuesto que el Museo bajo Roberto Farriol nos trae también exposiciones de alto interés, como recientemente

• Vista del Hall Central del MNBA.

aquella de Carlos Faz. Pero queda abierta la pregunta: ¿Debe nuestra primera pinacoteca mostrar “todo” lo que se da en la escena artística, con lo cual sin duda atrae a una generación joven que de otro modo a lo mejor no acudiría? ¿O debería restringirse -en cuanto a arte contemporáneo- principalmente a artistas reconocidos y con pergaminos sabidos? ¿Y exponerse a ser acusado de elitismo? ¡No hay duda que todavía una exposición individual en nuestro Museo Nacional de Bellas Artes sigue siendo la gran meta de todos nuestros artistas locales! Todo eso sin poner en discusión que el MNBA ha de servir también a mostrar la pintura chilena desde sus principios, rol que de hecho cumple de la mejor manera.

mirar la historia

El David de Miguel Ángel

La tensión previa a la acción Además de sus constantes inquietudes religiosas, que lo llevaron a centrar gran parte de su trabajo en torno a esta temática, cada una de las obras de Miguel Ángel es una investigación en torno a la figura del hombre en todas sus poses y actitudes. Por Kristell Pfeifer.

hí está David. Grande, fuerte e imponente, espera el momento preciso para enfrentarse a Goliat. El cuerpo está calmo pero todo en sus detalles denota la tensión previa a la acción que vendrá. La honda en una mano y la piedra en la otra esperan la orden para ponerse en marcha; la mirada fija en su objetivo y los músculos de cada rincón del cuerpo en alerta de ataque. La obra que Miguel Ángel esculpió entre 1501 y 1504, con solo 26 años de edad, ha pasado a la historia como una de las esculturas más celebres del Renacimiento. Y razones hay de sobra. Acostumbrados a verla en fotografías limpias y con escasos puntos de referencia, asombra notar lo extremadamente grande que es la escultura en realidad. Con 5.17 metros de alto y más de 5 toneladas de peso, la obra realizada a partir de un solo gran bloque de mármol comenzó en manos de otro escultor a quien la tarea le resultó demasiado difícil. De ahí que se llamara a concurso para ver quién proseguía con la labor y Miguel Ángel fuera el elegido. La gran pieza llama la atención apenas se comienza a recorrer el pasillo que lleva a ella, en la Galería de La Academia, Florencia. A los costados de ésta, muchas veces pasando desapercibidas por la urgencia de ir a ver al gran guerrero, descansan los esclavos, una serie posterior de piezas de mármol esculpidas por la mano del florentino que el Papa Julio II le había pedido para su sepulcro, pero que por razones económicas terminaron inacabadas. La obra completa de Miguel Ángel es una continua exploración en torno al cuerpo humano. Además de sus constantes inquietudes religiosas, que lo llevaron a centrar gran parte de su trabajo en torno a esta temática, sus esculturas de motivos cristianos y pinturas de fragmentos bíblicos son además una excusa para desarrollar una intensa investigación en torno a la figura del hombre en todas sus poses y actitudes. Cada músculo estudiado, cada posición analizada. El resultado son figuras fornidas y fuertes que demuestran la belleza de sus cuerpos en

• El David, de Miguel Ángel se encuentra en la Galería de la Academia, Florencia.

todas sus posiciones. El David muestra una tensión expresiva: las venas sobresalen, el ceño fruncido entrega una pista sobre la transición entre el Renacimiento y el Barroco que este artista representa; la perfección del cuerpo y la representación de este fornido gigante y no un joven lo hacen distanciarse de las creaciones homónimas de Donatello y Verrocchio. Pero más allá de la acabada perfección de cada centímetro de esta monumental escultura, Miguel Ángel se diferencia además por concentrar su atención en un instante diferente al de sus predecesores: el momento previo. No es el durante ni el después de la acción, no es el hombre en la batalla ni el victorioso ganador. La gran diferencia reside en el minuto que el florentino elige representar y cómo usa la tensión previa a la acción para trabajar un cuerpo en actitud atenta en el que se lucen cada uno de sus acabados músculos. Una obra que no pierde su vigencia pese a los 510 años que han trascurrido desde su realización. Un imperdible para quien visita Florencia.

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Los tejidos de la casa de mi abuela

maría fernanda guzmán María Fernanda Guzmán ha rescatado la estima por los objetos y el cuidado que se les daba años atrás. Trabajó durante un mes en la confección de un televisor antiguo hecho en cerámica virgen cubierto por un paño a crochet que hace unas semanas obtuvo el primer lugar del Premio de Arte Joven MAVI.

Por Natalia Vidal Toutin. Imágenes cortesía de la artista.

n día cualquiera Fernanda Guzmán y su pareja se encontraron contemplando el baño de la madre de él. Sobre el WC y en la tapa, dos cobertores lo abrigaban sin sentido aparente. Fernanda había estado pensando cómo poner en marcha un proyecto que tenía a su vocación y la cerámica, su material, pendiendo de un hilo. La idea del revestimiento cerámico estaba dando vueltas en su cabeza, pero esa imagen en aquella casa dio con el concepto que pronto echaría a andar el horno y la imaginación de la joven artista porteña. “Estábamos mirando el baño de mi suegra y tenía una especie de pañito tapando la parte de arriba del WC, los dos pensamos ¡¿Por qué a las señoras les gusta revestir todo con pañitos?! Unos segundos más tarde dije ‘tate’ ahí está la idea de mi trabajo”, cuenta Fernanda sobre el chispazo y comienzo de la serie que la trajo al Museo de Artes Visuales. Vivió cuatro años en Noruega. Estimuló sus sentidos, su beta artística y se nutrió de otras culturas. A su retorno tenía claro que lo suyo era la cerámica, pero buscaba la excusa para empezar una serie. La descubrió acompañada. Su pareja, un diseñador a quien ella ha definido como “su editor”, la acompañó durante todo el proceso, un trabajó sostenido e incansable: “Estuve encerrada todo el año trabajando, trabajando y trabajando. Estaba toda la semana dentro del taller, comía allí, me volví hasta un poco loquita, pero de ahí salió una serie de obras que pensé postular a concursos”. El concepto o la idea de conservar ya no está acorde a nuestros

• Revestir 2, escultura de cerámica, 26 x 36 x 30 cm.

tiempos. Mucho ha cambiado y mucho se ha transformado. El paso de la perdurabilidad a la era de lo desechable titula el trabajo artístico de la escultora: “Ahora los objetos se suceden con más rapidez, antes no. La señora compraba la tele y ese era el único televisor que había en la casa, había que protegerlo. Entonces, encima ponían un pañito para que no se ensuciara o le cayera polvo. Había más cariño y cuidado, era otra la vinculación”. La costumbre olvidada está esculpida en sus trabajos y le devuelve un respiro a la estima por el simbolismo de lo material. Del puerto a la ciudad, todo funcionó de viento en popa, sus obras fueron bien recibidas. El primer reconocimiento lo obtuvo en el concurso de Arte Joven de Valparaíso con una mención honrosa. Entonces fue por el Premio de Arte Joven del MAVI. Desde Valparaíso hizo varios viajes para gestionar, de aquí a allá hasta quedar postulada. “La experiencia había sido grata desde un principio. Luego, quedar seleccionada y poder exponer en el MAVI ya era mi premio. Pero cuando me informaron que gané, fue una sorpresa del tamaño de una casa. La exposición individual es lo que le hacía falta a mi carrera”, cuenta Fernanda con notoria alegría y satisfacción. El televisor “Cuando vi la tele pensé: está listo, no necesita nada más, ningún tipo de esmalte. La textura estaba perfecta y el color también”, recuerda. Revestir 2 es una escultura hecha en cerámica: un televisor antiguo en forma de caja, similar a los de los años 80.

Sin antena ni botones para cambiar de canal, está dotado sólo de una manija giratoria para encontrar el canal y calibrar el volumen. Sobre él, esculpida, la textura de una manta. Una simulación de tejido a crochet que cubre la parte superior y alcanza a resbalar por el sector posterior derecho de la pantalla sin alcanzarla. Instalada sobre un soporte blanco, la escultura ganadora brilla en tonos beige. “El paño que tiene la tele era de mi abuela y en el fondo lo rescaté. El hecho de llevarlo a un museo es lo máximo”, confiesa la joven mientras se contempla en su situación. Forma parte de una serie que está cobijada bajo la búsqueda del lenguaje plástico que tiene un antiguo paño y el significado que legó. “Resignificar este acto frecuente en las costumbres de nuestras abuelas, es un acto súper doméstico y sin sentido en el fondo. ¿Para qué le vas a poner un paño a la tele? ¿Para que no tenga frío? Suena absurdo y a través del absurdo decidí resignificar ese acto”, explica la artista respecto de su trabajo. Cerca de un mes tardó la realización de la escultura, la cerámica tiene sus tiempos. Partió de un molde, con herramientas le dio la forma y en la medida que se secaba fue hidratándola para que no se agrietara y terminara rota. “Si se deja una semana botada puede caer un pedazo, es necesario estar atento y trabajar harto”, explica. El secado toma su tiempo: “Siempre a la sombra y tapado, mientras más lento se seque mejor”, cuenta. Una vez en el horno, esperó la temperatura adecuada. Luego vino la espera. Al otro día fue a ver qué pasó: pasó un premio.

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2da Feria de Arte y Diseño en Puerto Varas

La parada austral del arte Dicen que no hay primera sin segunda y, en efecto, luego de un exitoso debut, la repetición de la Feria de arte y diseño ArtePuertoVaras era inminente. Su regreso se carga de un esfuerzo que pretende rescatar la experiencia adquirida el año pasado para la mejora, innovación y posicionamiento del evento a nivel nacional. Hoy tiene concepto y es la transversalidad de la geometría. Por Natalia Vidal Toutin. Imágenes cortesía de los artistas y de feria ArtePuertoVaras.

de enero en Puerto Varas, Chile. El jardín de las artes, Kuntsgarten, comienza a ver sus caminos considerablemente más transitados de lo común y no es precisamente por la época del año. Sus espacios se han inundado de arte geométrico. Desde su restauración, a cargo de la Galería Bosque Nativo, el parque histórico es uno de los focos culturales de la zona durante todo el año. Sin embargo, el recién dispuesto armatoste desmontable indica el comienzo de un evento importante: ArtePuertoVaras se ha instalado con camas y petacas hasta el 9 de febrero.

Pérez) y por otro, la geometría propia del arte precolombino. La idea es generar un diálogo, poniendo en cuestión dos geometrías, la que nace de la tradición moderna europea y la geometría mágicoreligiosa, heredera de una cosmogonía ancestral propia de nuestras tierras”, explica Beatriz Huidobro, curadora principal de la feria, en torno a los conceptos que motivan el encuentro. Arte Geométrico

La influencia de esta ciencia tiene su legado en el arte como concepto desde las más antiguas culturas, que la utilizaron La solvencia del proyecto que tuvo su inicio en 2012 se trabaja como expresión y decoración. Cerámica, textil y mosaico, este año. El concepto y las ideas que pretende reflejar para su fueron algunas de sus primeras insinuaciones estéticas ante el ojo humano y tuvieron lugar tanto en el arte promoción están notoriamente más claras. La feria trabaja este año en torno a un concepto y La segunda versión de la islámico como en Grecia y Roma. No es raro deja de ser una amalgama de muestras aisladas, Feria tiene como temática que la línea cronológica que dibuja este arte tomando en cuenta de esto modo lo que central la relación entre en la historia no se interrumpa y tenga sus consideraron debiesen mejorar de la edición arte precolombino y la representaciones de la forma más diversa en todas las épocas. Recuperando este concepto pasada. No obstante, esta misma decisión abstracción geométrica. y con el afán de mostrar su transversalidad, ha enmarcado los cupos para expositores, ArtePuertoVaras toma el arte precolombino curadores y participantes y ha puesto límite a las oportunidades de diversidad temática. Se inaugura un ciclo y muestra cómo el espiral y las trayectorias circulares de las que titulará temáticamente todas sus ediciones venideras. tendencias y conceptos hacen que la geometría manifieste una La propuesta conceptual de hoy se colorea y enaltece en evolución en el arte sin perder su esencia hasta nuestros días. pancartas. Es la geometría. Son más de 40 los artistas y expertos reunidos en este espacio. Lo textil Con dicho motivo conceptual de transversalidad se busca reflejar la y las artes plásticas convierten la muestra en una presentación que forma en que la geometría puede advertirse tendenciosamente desde recolecta parte de la historia y la conecta con las tendencias actuales. aquellos tiempos. La contemporaneidad y la historia se estrechan Prácticamente se hace un recorrido narrativo a través del arte visual trenzando una seguidilla de locales que pueden complementarse y por el concepto de la geometría, se ahonda en sus características entenderse entre sí y que muestran lo que sus organizadores han esenciales, conservadas por el tiempo en las representaciones y se denominado como un diálogo entre el arte geométrico occidental hurga en sus estilos, transformación y renovación. y la geometría del arte precolombino. “Por un lado, la tradición geométrica heredera de las vanguardias modernas del siglo recién El encuentro se plantea como una alternativa para toda pasado (representada principalmente por la artista chilena Matilde la familia. Un panorama que se adorna y llena de ventas,

• Matilde Pérez

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concursos, charlas e intervenciones que lo hacen un espacio multidisciplinario para todos los gustos. La misión planteada desde un principio es abandonar la idea de que sea una instancia de nicho, propia de la exclusividad del arte. La extensión de invitación a grandes y chicos a participar, según sus organizadores, fomenta el aporte a la cultura y el desarrollo de habilidades contemplativas para toda la población.

se trenzan en un resultado que esta representado por tres piezas en la feria. “El tejido a telar es de por sí un trabajo que se basa en la geometría para construir a través de las líneas verticales de la urdimbre y las horizontales de la trama. En mi obra siempre ha estado presente la geometría como base para las composiciones en donde busco un equilibrio y armonía”, argumenta Carolina enlazando el concepto de la feria con los motivos y orígenes de su obra. Camila Alegría fue invitada a participar del evento también. La estrecha relación que los organizadores de la feria vieron entre su trabajo y la geometría la trajeron compartiendo stand con la Universidad Finis Terrae. “Voy a pintar un mural en el centro de la ciudad. Además estaré en un stand de ex alumnos de la Finis Terrae junto a Alessia Inoccenti y Josefina Cruzat mostrando nuestro trabajo”, cuenta la artista.

Por lo mismo, los esfuerzos están concentrados en la interacción con el público. Los concursos “Pintura in situ: el color del sur” (sábado 8 de febrero) y el “Interescolar de Arte Geométrico” rellenan una parrilla programática paralela al paseo visual. Dentro de esta seguidilla de actividades adicionales se contempla la realización de dos talleres: uno de textiles y otro de collages. Si quieres participar en “Pintura in situ: El Color del Sur”, debes acudir a la feria el día sábado 8 de febrero. Adultos y niños podrán inscribirse el mismo día en la mañana, justo en la calle techada junto a la plaza. Se les La pintora y escultora chilena Matilde Pérez es el ícono central entregará el material y se les timbrará el soporte. El concurso de la feria y la artista homenajeada en esta oportunidad. De una trayectoria de varias decenas de años, su Interescolar de Arte Geométrico ya fue realizado y las obras estarán en exhibición en la Calle Techada ArtePuertoVaras estará arte contrasta colores, formas y hace convivir del 3 al 9 de febrero. abierta a todo público con gracia la abstracción de la que en un desde el miércoles 29 principio no estuvo acostumbrada. Artistas y trabajos de enero al domingo 9 Se establecen las directrices de un evento de febrero en el Parque imperdible, primero en esta calidad en regiones. Entre los artistas invitados está Amalia Valdés, Kunstgarten. Se trazan líneas rectas que buscan fomentar quien participa con un trabajo modular. Su el desarrollo cultural regional, aportar con la intención es reorganizar sus piezas en el espacio para aplicar formas distintas: “La idea es armar una descentralización de la cultura, abrir un espacio didáctico y figura geométrica diferente (puede ser un rombo, hexágono, agradable para toda la familia. Las formas que constituyen esta una escalera, etc). De este modo quiero relacionarlo a algunas feria curiosa y geométricamente circular, volverán el próximo formas que se encuentran en telares y arte precolombino”, año. Con una mirada distinta, arrastrando la calidad artística comenta de la semejanza que extiende su obra con el antiguo hacia el sur de nuestro país, podrán seguir consolidándose en textil. Martín Kaulen, por su parte, intervendrá un espacio el escenario nacional. público basado en el concepto de lo precolombino. “Es una imagen microscópica (obtenida mediante un microscopio electrónico), principalmente de agua de mar evaporada, Feria de Arte y Diseño ArtePuertoVaras donde se pueden ver distintas conformaciones de cristales que LUGAR: Parque Kunstgarten se relacionan con elementos geométricos de manifestaciones DIRECCIÓN: Pasaje Ricke s/n, Puerto Varas artísticas precolombinas tales como las líneas de Nazca, entre FECHA: Del 29 de enero al 9 de febrero otras”, comenta Kaulen a cerca de la gigantografía que cubrirá HORARIO: De 11:00 a 22:00 horas el acceso sur de la feria. WEB: www.galeriabosquenativo.cl/category/feria-arte-y-diseno

Las obras de Carolina Yrarrázaval son en su mayoría tapices tejidos en telar vertical. Materiales como lino, yute y seda

Entrada Liberada

• Algunos diseños presentes en la feria.

• Ramón Vergara Grez, óleo sobre tela, 110 x 130.

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Arte en español Tres grandes ferias del mundo hispano se desarrollan durante febrero. Aunque los principales invitados hablan esta lengua, los encuentros también destacan por ser una fuente variada y heterogénea que muestra tendencias artísticas de todo el mundo.

Por Kristell Pfeifer. imágenes cortesía de Galería MPA, Galería Isabel Croxatto y ArtMadrid.

• El artista mexicano Héctor Velázquez estará en Art Madrid con sus retratos hechos de yeso e hilo de algodón.

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ona Maco, Art Madrid y ARCOmadrid son las tres ferias que por estos días abren sus puertas a los amantes del arte. Una oferta amplia donde destacan creaciones de artistas hispanos, pero donde también se podrán ver interesantes propuestas de creadores provenientes de todas partes del mundo. Zona Maco La feria mexicana presenta este año una renovada imagen y promete ser el punto de encuentro y la justa combinación entre arte contemporáneo, moderno y emergente.

internacional de la primera mitad del siglo XX. Por su parte, Diseño es una sección de postulación abierta, curada este año por Cecilia León de la Barra y que realiza su segunda edición después del éxito de la temporada anterior. Además de la feria, Ciudad de México recibe por estos días una serie de exposiciones y actividades gratuitas en distintos puntos de interés. Museos, galerías, espacios públicos e instituciones culturales hacen que febrero sea viva intensamente en la ciudad, tanto para sus habitantes como para quienes se encuentran de visita. Art Madrid

Del 5 al 9 de febrero se llevará a cabo la 11ª versión de Zona Maco en el Centro Banamex en la Ciudad de México. La feria latinoamericana más prestigiosa -y también la que genera mayor nivel de ventas en la región- estrena como todos los años una nueva versión de la calavera, ícono que la representa y que se ha convertido en su marca registrada.

Una renovada versión presenta este año Art Madrid. Nuevo equipo y una cuidada selección de arte joven esperan sorprender este 2014.

Con un especial foco en arte emergente se desarrollará entre el 19 y 23 de febrero la Las galerías chilenas Isabel Aninat e novena versión de Art Madrid. La sede que Isabel Croxatto estarán presentes en Para ésta edición Zona Maco estará estrenan y que los recibe este año es la Galería ARCOmadrid y Zona Maco durante distribuida en cinco secciones: Principal, de Cristal del céntrico Palacio de Cibeles, un febrero respectivamente. Nuevas Propuestas, ZM Sur, Arte Moderno edificio histórico al servicio del arte inaugurado y Diseño. La sección Principal es donde en 1919 y que se encuentra en pleno Paseo tradicionalmente se recibe a galerías nacionales e internaciones del Arte de Madrid, junto a los museos del Prado y Thyssen-Bornemisza. seleccionadas por un comité curatorial compuesto por José García, La feria contará con 2.800 m2, un espacio expositivo diseñado por el Patricia Ortiz Monasterio y Ben Loveless. Como su nombre indica, arquitecto Alberto Martín Lucio y una cúpula de hierro y cristal para es la sección central de la feria y donde se encuentran en primera recorrer los espacios de las galerías con luz natural. instancia los ojos de posibles compradores. Son 71 galerías que concentran principalmente oferta mexicana, pero donde 43 galerías de España y el resto del mundo se darán cita en este también hay espacio para España, EE.UU. Inglaterra, Alemania e encuentro que tiene como foco el arte contemporáneo y emergente. Italia, entre otros. Chile estará representado por la Galería Isabel Paralelamente habrá una exhibición de solo shows en la sección One Croxatto, quien llevará los collages de Mauricio Garrido, pinturas Project, espacio que reúne ocho proyectos de galerías jóvenes curado de Víctor Castillo y las esculturas de Armando de la Garza. por Javier Rubio Nomblot y Carlos Delgado Mayordomo y que tiene como fin ampliar el concepto poco definido de “arte emergente”. Nuevas propuestas está dedicada a descubrir las últimas tendencias del arte actual y apostar por el talento de jóvenes emergentes, con La lista de exponentes proviene principalmente de España, artistas que en promedio rondan los 35 años, donde la mirada se concentrándose en la oferta de Madrid y Barcelona, pero también concentra en creadores latinoamericanos o que aborden la temática abriendo espacios para que otras ciudades ibéricas y también regional. ZM Sur está a cargo del curador Juan Andrés Gaitán, distintos países se sumen con sus propuestas. Es así como Art Madrid responsable de invitar directamente a los expositores que participan recibe también a galerías del país anfitrión que vienen desde Coruña, en esta sección, mientras Arte Moderno estrena este año su segunda Cuenca, Palma de Mallorca y Valencia, entre otras, mientras la oferta versión, esta vez con una interesante presentación sobre arte internacional proviene de Alemania, Portugal y Shanghái.

• El artista chileno Mauricio Garrido estará junto a la Galería Isabel Croxatto en Zona Maco. El Trono, 2013 , collage, 80 x 120 cm.

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• Galería MPA estará presente en ARCOmadrid con al artista Juan Ugalde. Doméstico industrial, 2012, técnica mixta sobre lienzo, 200 x 230 cm.

Art Madrid es, en comparación a ARCO, una feria pequeña que concentra su mirada en las propuestas contemporáneas de la península ibérica.

ARCOmadrid Una feria de trayectoria y amplia variedad que destaca entre los acontecimientos artísticos de invierno en el viejo continente.ARCOmadrid prepara su trigésimo tercera edición con cientos de galerías, una serie de ciclos de charlas y actividades paralelas. Un total de 217 galerías se podrán ver en la próxima edición de ARCOmadrid a realizarse entre el 19 y el 23 de febrero. La nueva propuesta para este año es SOLO/DUO, un espacio donde 60 galerías presentarán obras de solo uno o dos artistas, sumándose así a #SoloProjects y #FocusFinland, que en esta edición también presenta un único artista en cada stand. ARCOmadrid celebra el regreso de una serie de reconocidas galerías a nivel internacional al Programa general, compuesto por 163 participantes, entre los que destacan Nicolai Wallner, quien se hará presente con una presentación especial del norteamericano

Dan Graham; la galería argentina Del Infinito Arte, que traerá el trabajo de Julio Le Parc; o Bob van Orsouw, que exhibirá la obra de Anton Henning, entre otros. Representando a nuestro país estará presente Galería Isabel Aninat, con un stand completamente dedicado a la obra de Mónica Bengoa. El país protagonista de esta nueva versión es Finlandia y en la sección #FocusFinland se exhibirá una selección de 13 galerías finlandesas, mientras otras 21 galerías conformarán el programa #SoloProjects donde artistas latinoamericanos presentarán proyectos específicamente realizados para la feria. Por su parte, #Opening reunirá a 27 galerías cuyos artistas han desarrollado contenidos en conjunto a los curadores de la sección, Manuel Segade y Luiza Teixeira de Freitas. Artists’ Talks es una iniciativa que debuta este año con el objetivo de indagar en los procesos de creación y presentación de las obras en el espacio de una feria y que tiene como punto de partida el trabajo de 150 comisarios y profesionales invitados. Artists’ Talks comprenderá una serie de diálogos con los artistas y espacios de reflexión, entre los que destaca una conversación con Dan Graham, artista, escritor y curador americano.

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