Periódico Arte Al Límite | Edición 104, mayo 2014 by Arte al Límite

N° 104

Mayo 2014 Santiago de Chile Distribución gratuita

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12. El valor del arte Récord en ventas, precios nunca antes vistos y ampliación de las fronteras fueron algunas de las características que marcaron al mundo del arte el año pasado. ¿Qué factores inciden en este crecimiento? ¿Es Chile parte de esta tendencia?

06.

Alejandra Serrano

Desde 2007 dirige el CCPLM, donde trabaja para lograr el equilibrio entre calidad de contenidos y cercanía con el público.

10.

Manet, símbolo del rechazo

El pintor no respeta las prácticas artísticas aceptadas durante la época. Por el contrario, las confronta de manera directa y descarnada.

22.

Guillermo Lorca

Impresionante e hipnótica es la exposición del pintor chileno, quien, a sus 30 años, cumple el anhelo de todo artista nacional.

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editorial

Un mercado en crecimiento

urante los próximos días de mayo tendrán lugar dos importantes subastas de arte contemporáneo de Christie’s y Sotheby’s, las dos principales casas dedicadas al remate en el mercado artístico. Lo que se verá el próximo 13 y 14 de mayo en Nueva York no es una sorpresa; ambas instituciones han publicado de manera online las obras que serán subastadas e incluso es posible ir a verlas los días previos a la gran venta. Toda esta preparación parece bastante obvia si consideramos que algunas de las piezas disponibles tienen precios que superan los 20 millones de dólares.

DIRECTORES Ana María Matthei Ricardo Duch ASESOR COMERCIAL Cristóbal Duch DIRECTORA DE ARTE Catalina Papic PROYECTOS CULTURALES Camila Duch EDITORA GENERAL Kristell Pfeifer DISEÑADORA Javiera de la Fuente PERIODISTA Emilia Benítez PRÁCTICA Viviana González Pilar Figueroa Camilo Jara CRÍTICOS Ernesto Muñoz Ennio Bucci Enrique Solanich Pedro Labowitz ASESORES Benjamín Duch Jorge Azócar Ignacio del Solar Julio Sapollnik COLABORADORES Lucía Rey Pía Cordero Bernardita Garib Carolina Bravo Claudia Montecinos Bárbara Fernández

Los nombres que esperan al mejor postor no son nuevos. Las casas de subastas venden a artistas consolidados en sus carreras y, por lo tanto, también consolidados en el mercado del arte. La gran apuesta de Sotheby’s esta vez es Jeff Koons, uno de los artistas vivos más caros en la actualidad, que espera vender su Popeye (2009-2011), una pieza de casi dos metros de alto, entre los 25 y 30 millones de dólares. Christie’s, por su parte, se juega sus cartas con una pintura de Jean-Michel Basquiat, el artista afroamericano más exitoso de la historia, que ha ido ganando fama y espacio en el mercado luego de su temprana muerte en 1988, a los 28 años de edad. En los últimos años, la obra de Basquiat se ha convertido en el blanco preferido de coleccionistas, y Christie’s apuesta por vender Untitled a un precio estimado entre los 20 y 30 millones de dólares. ¿Quién está dispuesto a pagar semejantes cantidades de dinero por una obra de arte? Como en todo mercado, la ley de oferta y demanda es la que rige el comportamiento y regula los valores. Si hay obras que se venden a esos precios es porque hay compradores dispuestos a pagarlas. Artistas, subasteros, galeristas y coleccionistas se han dado cuenta que el mercado del arte es un mercado más, con características compartidas como la especulación, el crecimiento y decrecimiento, pero que también tiene sus particularidades, como el interés y gusto por lo que se está adquiriendo. Siempre hay una valoración y apreciación personal por lo que se invierte en arte. De alguna manera, “gusta” a quien lo compra. El mercado del arte ha demostrado ser bastante estable. Aunque las variaciones y crisis económicas que ha habido en los últimos años alrededor del mundo sí han influido en su crecimiento, los precios y ventas han estado en alza en los últimos años, potenciando a Asia, y específicamente a China, como el gran boom a nivel mundial. Así, el periodo 2012/2013 ha sido catalogado como el más exitoso de la historia, llegando a un record de crecimiento de un 13%. Las cifras estratosféricas con tantos ceros que se hace difícil contar parecen un mundo lejano a nuestra realidad nacional. Si bien el mercado en Chile ha crecido y se ha profesionalizado en los últimos años, todavía falta para que el público se atreva a pensar el arte como una inversión ligada al gusto e interés personal. Los chilenos preferimos tener otro tipo de activos, tal vez porque aún no comprendemos o valoramos el arte tal como éste merece.

SUMARIO

32 | Críticas 35 | Artista destacado: Sol Guillon 36 | Artista emergente: Norka Lepileo

38 | Perfilarte 42 | Bazart UC 43 | Actualidad

44 | Ferias

REPRESENTANTE LEGAL Orlando Calderón F. | VENTAS info@arteallimite.com | SUSCRIPCIÓN suscripciones@arteallimite.com | FONO-FAX 2955 3261 WEB www.arteallimite.com | FACEBOOK facebook.com/arteallimite | TWITTER @Arte_Al_Limite | INSTAGRAM @arte_allimite PORTADA Love, de Robert Indiana, 1966-1997 3/6’, policromado de aluminio, 182.8 x 182.8 x 91.4 cm. © R INDIANA. Imagen cortesía de Christie’s. IMPRENTA R.R. Donnelley, Santiago, Chile.

Las opiniones vertidas en este medio son de exclusiva responsabilidad de quienes las emiten.

ENTREVISTA

ALEJANDRA SERRANO Directora Centro Cultural Palacio La Moneda

“Invertir en cultura ES la inversión más relevante que se puede hacer” Desde el 2007 dirige el que el año pasado fue el Centro Cultural más visitado del país. Con una línea programática volcada al patrimonio y la formación de audiencias, Alejandra Serrano se mantiene firme en sus propósitos y trabaja PARA lograr el equilibrio entre calidad de contenidos y cercanía con el público. Por Kristell Pfeifer. Imágenes cortesía del CCPLM.

ada hace sospechar el movimiento y la efervescencia cultural que se vive en el subsuelo de la Plaza de la Ciudadanía frente a La Moneda. Las discretas y elegantes entradas en los extremos de la plaza esconden un espacio de más de 7.200 mt² distribuidos en tres niveles subterráneos que albergan dos grandes salas de exposiciones, una cineteca y un Centro de Documentación de las Artes Visuales, además de cafés, restaurantes, tiendas y un enorme hall que recibe en promedio a más de mil visitantes diarios.

una compañía permanente. Pero también ha estado muy asociada a la satisfacción, al sentimiento de logro. Al inicio me salieron canas. Me envejecí los dos primeros años de tanta intensidad y trabajo, de tantas necesidades de ajustar las cosas y sintonizarlas en un proyecto distinto, con un sello particular. Ha sido un tremendo desafío y un gran aprendizaje. Hoy me siento con muchos más elementos y con una visión más enriquecida de cómo hacer gestión cultural de lo que tenía antes de llegar. Además, trabajo con un equipo que quiero mucho en términos personales y eso es muy rico.

Hace siete años, Alejandra Serrano llegó a las oficinas del Centro Cultural Palacio la Moneda con muchos proyectos bajo el brazo y la cabeza ¿Crees que el CCPLM, pese a ser bastante reciente, ha impactado de forma notoria la vida cultural de Santiago? llena de ideas. Luego de la inauguración del Yo creo que sí. La afluencia de público centro en 2006 bajo el gobierno del entonces “Nos interesan mucho las exposiciones que tenemos es súper grande, con Presidente Lagos y la posterior polémica que que nos permitan aproximarnos a algunas exposiciones ha sido enorme y hubo con la salida de su primera directora, otras culturas. Cada exposición la no es majadero decir, porque las cifras lo Alejandra tomó el control y desde ahí se ha escogemos en virtud de lo que creemos avalan, que somos el espacio expositivo mantenido, ajena a los cambios de gobierno. que va a significar para el público, y más visitado. Cuando llegué el centro era visitado por muy poca gente y hoy día Sus años a cargo de este enorme barco la desarrollamos de la manera más podemos recibir hasta 2.500 personas no han pasado desapercibidos. Grandes empática y bella que podamos”. diarias. Tenemos días del Patrimonio exposiciones, como la colección de Peggy Cultural donde han entrado 16 mil Guggemheim que trajo el año pasado obras de arte moderno nunca antes vistas en Chile, la muestra África, una personas. Eso tiene que ver con el efecto directo y la convocatoria enorme recopilación de piezas provenientes del Museo Etnólogico que genera la exposición que tenemos, pero claramente lo más de Berlín, o la gran compilación del trabajo de Diego Rivera y Frida bonito no es la cantidad de gente -aunque eso ya es relevante- sino Kahlo años atrás, han atraído a miles de chilenos a sus salas. Ella la diversidad que esa gente representa, y eso para mí constituye la misma se ha dejado la vara alta y el objetivo para los próximos años máxima de las satisfacciones. No hay nada que me guste más de es mantener la calidad de las muestras, siempre con un lenguaje este Centro Cultural que ver cómo en una sala cohabitan personas que representan el abanico socioeconómico nuestro. Gente que ha cercano y atractivo para el heterogéneo público que visita el lugar. estado en los museos más importantes del mundo y que viene aquí y encuentra algo que está a esa altura, y gente que viene de comunas ¿Cómo ha sido tu experiencia dirigiendo el CCPLM? Ha sido intensa. Aunque ha variado, la intensidad ha estado como con menos recursos, donde es menos evidente su consumo cultural. Todas las exposiciones del CCPLM pueden ser visitadas de manera digital a través de su sitio web. Además, la Cineteca Nacional cuenta con más de 200 películas y material fílmico de nuestro patrimonio de acceso gratuito y universal a través de la web www.ccplm.cl.

La exposición Frida y Diego: Vidas Compartidas se presentó del 17 de noviembre del 2008 al 28 de febrero del 2009, atrayendo una gran cantidad de público al Centro Cultural.

¿Cómo generar una línea programática que pueda llegar a un del centro y que ha permitido generar una audiencia fiel y sostenida. “Quisimos hacernos cargo de un nicho que estaba más desocupado espectro de público tan amplio? Creo que la porfía más salvaje con que he abordado la gestión del y que no competía. Nos interesan mucho las exposiciones que Centro Cultural tiene que ver con una cosa que es bien poco usual, y es nos permitan aproximarnos a otras culturas. Cada exposición la que la constante ha sido trabajar para la gente. Para el chileno que no escogemos en virtud de lo que creemos que va a significar para el entiende las instrucciones para preparar el remedio o el chileno que público, y la desarrollamos físicamente de la manera más empática y anda a pie. Si hay algo que hacemos en serio es rompernos la cabeza bella que podamos. Gastamos mucho en hacer esto bien. Queremos pensando qué cosa de valor, de patrimonio nacional o universal, que cuenten un cuento, que tengan un relato, porque en la medida en que el visitante comprende, disfruta más". le puede resultar atractivo y un aporte a ese chileno. Dónde está, cómo lo traemos, “Finalmente la precariedad Con respecto a las exposiciones cómo conseguimos financiarlo y cómo se lo económica la encuentro virtuosa, internacionales que se traen ¿es el factor mostramos. Yo los obligo a centrarse en la porque te obliga a estar abierto, económico la principal barrera? gente, no para simplificar de manera burda y Yo creo que sí, pero finalmente esta precariedad entorpecer, sino para que la apropiación y la atento, expectante y proactivo”. económica la encuentro virtuosa, porque te compresión permita el disfrute, el compromiso obliga a estar abierto, atento, expectante emocional con lo que está al frente. y proactivo. Obliga a una actitud asociativa, y la asociatividad construye país, porque hace que la empresa, el embajador o varias La “Ventana al mundo” instituciones que trabajan en el proyecto se entusiasmen. No me Milenarias figuras chinas, grandes artistas modernos, tradición gustan las instituciones que trabajan solas. africana y diseño italiano son algunos de los contenidos que han tenido cabida en el CCPLM y que integran una programación diversa ¿Qué rol tienen los privados en el financiamiento del centro? y variada. ¿El desafío? Abrir una “ventana al mundo” para los chilenos La programación entera es con fondos privados. No podríamos y al mismo tiempo trabajar también con nuestras propias raíces. hacer lo que hacemos si no duplicáramos los aportes públicos que Patrimonio universal y local es la consigna que orienta las directrices recibimos. Muchas empresas nos han dado fondos, aunque es bien

El Centro Cultural recibe un promedio de público de más de mil personas diarias. Ofrece entrada liberada a todas sus exposiciones de lunes a viernes hasta las 12 pm. El Área Educativa realiza diariamente visitas guiadas a colegios, además de talleres, funciones de cine y programas de formación y apoyo para profesores.

Vista del hall principal del CCPML durante la exposición La Antigua China y el Ejército de Terracota. La muestra batió el récord histórico de público a exposiciones, con 365 mil visitas. El 30 de mayo de 2010, Día del Patrimonio Cultural, recibió a más de 18 mil personas en un solo día.

difícil que lo hagan. Ahora con la crisis del sistema educativo todos ¿Cuál crees que ha sido el mayor aporte del Centro Cultural? creen que las RSE deben ir dirigidas hacia allá y han abandonado Hemos podido traer cosas que no se habían podido traer a este a la cultura, entonces hay una discontinuad en las políticas de las país. Y créeme que el esfuerzo, no solamente por generar los empresas que fragiliza este sector. Yo personalmente pienso que recursos -que ya es megalómano- sino que por dar credibilidad y por invertir en cultura es lejos la inversión más relevante que se puede garantizar los estándares, es enorme y ha requerido mucho trabajo, hacer en el país. Nada produce la satisfacción que produce el acceso porfía, convicción y entusiasmo. a la cultura en términos de política pública. Genera algo en el alma ¿Qué planes y lineamientos tienen a futuro? que no genera ninguna otra cosa y no ver la Si sostenemos el nivel de exposiciones que importancia que eso tiene en el desarrollo de “Si sostenemos el nivel de hemos logrado sería extraordinario, porque las personas es una ceguera enorme. exposiciones que hemos lo que hemos tenido es magnífico. El desafío tiene que ver con la audiencia. Hacer que A ustedes les ha tocado de manera forzada logrado sería extraordinario, muchas más personas disfruten de este trabajar en la formación de audiencias. ¿Qué porque lo que hemos tenido es espacio, hacerlos participar de manera más deuda crees que tiene el sistema educacional magnífico”. frecuente y acompañar con más diversidad en la formación cultural? de oferta el aparataje de extensión con Creo que el primero que tendría que hacer formación de audiencias es el sistema educativo. Pienso que en la que acompañamos las exposiciones actualmente. Tenemos una educación temprana, preescolar y básica, cuando permites que un propuesta programática de extensión cultural ligada al ámbito niño juegue con materiales y colores sin grandes gastos sino como en que está la exposición de turno. Cuando estuvo África una actividad creativa, esa persona está más sensibilizada para dar tuvimos danza africana, percusiones, taller de máscaras. Eso un segundo paso que tiene que ver con consumir arte. La educación quisiera expandirlo mucho más porque es una manera de hacer artística es muy pobre en el sistema escolar. No creo que haya que una plaza ciudadana. Nosotros hemos sido súper rigurosos y enseñarles a todos los niños a pintar, si no todos tienen aptitudes. ordenados, y quisiera que ocurrieran más cosas desordenadas, Lo que hay que hacer es enseñarles a disfrutar. Nosotros hacemos sin perjudicar este rigor y excelencia. No para desordenarlo, sino que para hacerlo con más vida. un esfuerzo muy grande por trabajar con el sistema escolar. El Centro de Documentación de las Artes Visuales alberga el primer archivo especializado en la producción chilena contemporánea de artes visuales, desde la década del 70 hasta la actualidad. Su material puede ser consultado gratuitamente por cualquier visitante del CCPLM.

MIRAR LA HISTORIA

Almuerzo sobre la hierba

MANET, SÍMBOLO DEL RECHAZO La pintura no respeta ninguna de las prácticas artísticas promovidas y aceptadas durante la época. Por el contrario, las confronta de una manera directa y descarnada, haciendo que la espontaneidad, la agilidad y la libertad se transformen en las premisas principales a la hora de enfrentarse a la tela. Por Kristell Pfeifer. Imagen con licencia Creative Commons.

arís, 1863. La capital francesa es el epicentro de las artes y el punto de encuentro de una burbujeante actividad cultural. Los artistas preparan ansiosos las obras que presentarán para el Salón Oficial, esperando obtener la aprobación de la crítica y el público. Como cada año, no todos podrán estar dentro y deberán exponer su trabajo en lugares alternativos. El veredicto del jurado es drástico: más de 2 mil obras son rechazadas por no pertenecer a lo que la academia considera como “correcto”. Entre ellos, Édouard Manet y su Almuerzo sobre la hierba (originalmente Le Bain, El Baño), una pintura a gran escala que muestra a cuatro personajes en un picnic y que toma como referencia obras de Tiziano y Rafael. El debate se torna público y por primera vez se crea un salón paralelo, el Salón de los Rechazados o Salon des Refusés, donde va a parar la obra de Manet. La pintura se convierte inmediatamente en el centro de atracción, burlas y escándalo. Ahí, con toda la naturalidad posible, se encuentra una mujer

desnuda en medio de la hierba, acompañada de dos hombres vestidos que comparten con ella una merienda. ¿Qué es lo que molestó tanto a los jueces y al público de esta pintura, hoy considerada el símbolo del rechazo al arte neoclásico imperante y para muchos la obra que dio pie al impresionismo? Prácticamente, todo. Si bien el desnudo no era motivo de escándalo en la época, sí lo era la forma directa y el desparpajo con que Manet lo retrataba. La mujer desnuda mira directamente al público, atrevida, mientras uno de los hombres la señala. Abajo, la ropa arrugada que hace poco se quitó y una cesta con la comida que pronto degustarán. La composición general de la escena no fue interpretada por los jueces como una “cita a la era de los maestros”, como el mismo artista aseguraba. Poco entendían de la temática que citaba al Concierto Campestre de Tiziano o cómo la disposición de los personajes había sido tomada de Rafael y El juicio de París. Antes que eso, fue simplemente catalogada como una “mala copia”.

Almuerzo sobre la hierba fue pintado en 1863 por Édouard Manet. Mide 208 x 264,5 cm. y se encuentra actualmente en el Museo de Orsay de París.

Además de la temática y la forma de representarla, la ejecución tampoco fue aceptada. El paisaje parece poco elaborado, más un telón de fondo que una acabada naturaleza comparado a lo que varios de sus coetáneos venían trabajando. La pintura tiene en general un carácter abocetado e inacabado, características que para la moral de la época son inaceptables. La mujer que se baña atrás en el río es desproporcionalmente grande en comparación al resto de la escena, haciendo que se pierda la perspectiva y la profundidad. Abajo a la izquierda, un sapo representa la impureza y podría aludir a la prostitución. Además, Manet decide usar un gran formato para retratar un asunto alejado de la pintura histórica o mitológica, temáticas reservadas para las telas de amplias dimensiones. Si bien Manet es naturalista, su trabajo influyó mucho a quienes posteriormente serían reconocidos como los impresionistas. Su obra es considerada el símbolo de la entrada en conflicto con la tradición, y valientemente siguió adelante con trabajos tan

joanaziller

destacados como Olimpia o el Retrato de Émile Zola. Pese a tener importantes referentes como Velázquez, Tiziano y Rafael, Manet se interesa en pintar su mundo actual y desligarse del pasado, presentando personajes sin idealizar en un encuadre fotográfico acorde a los descubrimientos de la época, que luego seguirían utilizando los impresionistas. De Velázquez también toma la pincelada suelta, que exagera hasta hacer que sus pinturas parezcan inacabadas. Esa misma pincelada es la que poco años más adelante distinguirá a artistas como Monet o Renoir. Almuerzo sobre la hierba no respeta ninguna de las prácticas artísticas promovidas y aceptadas durante la época. Por el contrario, las confronta de una manera directa y descarnada, haciendo que la espontaneidad, la agilidad y la libertad se transformen en las premisas principales a la hora de enfrentarse a la temática y el modo de representarla. Una obra a la que se le debe gran parte del curso que tomó el arte desde la segunda mitad del siglo XIX hasta hoy.

reportaje

EL VALOR DEL ARTE Récord en ventas, precios nunca antes vistos y ampliación de las fronteras fueron algunas de las características que marcaron al mundo del arte el año pasado, consolidándolo como mercado y proyectando su desarrollo. ¿Qué factores inciden en este crecimiento? ¿Es Chile parte de esta tendencia? Por Emilia Benítez Silva. Imágenes cortesía de Christie’s y Sotheby’s.

ueva York, noviembre 2013. 127 millones de dólares fueron se consolidan y profesionalizan. “El rol de la galería es académico, pagados por el tríptico Tres estudios de Lucian Freud del debe mostrar el talento y es definitorio. Una vez que la obra está artista irlandés Francis Bacon, rompiendo así un récord adquirida en mercados públicos el artista ya está consagrado”, de subasta y convirtiéndose en una de las diez pinturas más caras indica la representante de Christie’s. de la historia. Cifras como ésta hicieron que el año pasado fuera el mejor de la historia para las ventas del arte, logrando un crecimiento El mercado secundario es el de las subastas, lugares donde se venden de más del 13% y sumando ventas totales por 66 mil millones de los ya consagrados. “Ahí es donde suben los precios y donde se ve dólares. La casa internacional de subastas Christie’s declaró que lo que vale un artista”, explica Cecilia Miquel, colaboradora de la las cifras seguirán aumentando, dando paso a una nueva era para casa de subastas Sotheby's. Luego el artista y su trabajo adquieren el mercado del arte. Denise Ratinoff, representante en Chile de la un gran valor, porque los precios de sus obras se respaldarán en el precio pagado en la última subasta. multinacional, afirma que el mercado artistico depende definitivamente de la El periodo 2012/2013 fue el mejor “Hay más realismo, más respeto por el estabilidad económica de los países, lo que de la historia para las ventas del arte, arte”, explica Denise. En esto influye explica que haya tenido esta alza luego de logrando un crecimiento de más del enérgicamente el hecho de que el arte haber caído un 9% el año 2012 debido a la ha probado ser una inversión rentable, crisis financiera. 13% y sumando ventas totales por mientras que mercados “clásicos”, como 66 mil millones de dólares. el inmobiliario, han perdido su solidez. Este gran crecimiento se debe netamente Si bien dicen que en gustos no hay nada al incremento de los mercados de Asía, Oriente Medio y Rusia, donde se movieron más de 12 mil millones escrito, los expertos coinciden en que siempre es necesario de dólares en ventas al año pasado. “El crecimiento económico asesorarse si se planea invertir. “Un buen asesor no sólo debe ha hecho que cada país quiera recuperar su patrimonio, entonces entregar información sobre el artista y su mercado, sino que cuando ven que en subastas aparecen cosas que tanto anhelaban también debe conseguir el mejor precio posible para que su pueden llegar a pagar cinco o diez veces más, porque tienen el inversión tenga mejores opciones de crecimiento”, destaca Bernardita Mandiola, historiadora de arte y directora ejecutiva de dinero”, explica Ratinoff. la Fundación AMA (FAMA). El artista contemporáneo más rentable del 2013 fue Jean-Michel Basquiat, seguido por Jeff Koons y Christopher Wool. Los dos últimos Poder y Valor son muestra de un fenómeno que se está produciendo y que pocas veces se ha visto por el mundo del arte: artistas que venden en vida El mundo ha comprendido que el arte es una inversión a precios astronómicos. Esto se debe a que están participando del rentable, pero además ha aprehendido la importancia del arte mercado personas jóvenes con mucho poder adquisitivo y que se per se y este punto definitivamente incide en el crecimiento del mercado. En febrero de este año se observó con atención sienten representados por el arte contemporáneo. el descubrimiento de más de 1.400 obras que habían sido En este boom las galerías, art dealers y curadores tienen un papel saqueadas por los Nazis durante la Segunda Guerra Mundial. fundamental. Ellos forman los mercados primarios, encargados La censura totalitaria se habría producido por la amenaza que de promover a los artistas en vías de consagración, llevándolos a representa el arte por su condición cultural. El arte es cultura, ferias, bienales y poniéndolos en vitrina. De esta forma los artistas es expresión, es vanguardia, es poder.

Popeye de Jeff Koons ser谩 subastado el 14 de mayo por Sotheby's con un precio base de 25 millones de d贸lares. 13

Para Ratinoff, una obra de arte tiene una misión importantísima de validar un periodo y un artista, convirtiendo su trabajo en un ítem único. “Es un ser vivo porque está hecho por un ser vivo”, explica. Así surge una ambición que lo hace único en el mercado y que se refleja en su precio. “Las obras están hechas para instruir, informar, inspirar y gozar, y si nosotros como sociedad no podemos ver esos valores, estamos destinados a perder y a ignorar a los grandes artistas”, opina Mandiola, y aclara que a pesar de eso está de acuerdo en el arte como una inversión, siempre y cuando la obra se compre por razones que hacen que la inversión sea un plus y no la única razón para adquirir una obra, importando el gusto y el interés personal por lo que se adquiere.

cultural tendríamos una sociedad más ilustrada. “Una vez que empieza el interés por el arte, no termina más”, asegura.

Para Mardini, más que el reconocimiento académico, la visibilidad internacional o la proyección de la obra, lo que se valida en Chile tiene que ver con el mundo de la decoración o con la sociedad chilena. “Muchas veces sucede que hay artistas que no tienen mucha resonancia afuera pero que aquí valen mucho. Ahí se vicia o se debilita la estructura del mercado del arte, porque esas obras las sacas de Chile y no valen nada”, explica. La representante de Christie’s agrega a este punto que los chilenos no reconocemos el talento de nuestros propios artistas emergentes hasta que tienen éxito en el extranjero. Para Cecilia Miquel el crecimiento económico nacional se ve en los malls, los autos, las casas, pero no en el arte, lo que se debe a una falta de conocimiento, de cultura y de aprendizaje. Para ella esta es una carencia de nuestro sistema educacional, ya que si se motivara a los niños a aprender sobre arte y su importancia

Para Carmen Momberg, directora de la plataforma de arte Kunst.cl, en nuestro país todavía falta mucho oficio de parte de la gente que trabaja en el mundo del arte. “No hay una visión a largo plazo, es falta de profesionalismo y seriedad: ese amiguismo propio de nuestra cultura, de cuidar al protegido y no valorar a lo nuevo”, comenta Momberg, para quien el mundo artístico no ha comprendido la responsabilidad que conlleva la profesión. “El arte cumple una función social y debe adaptarse al mercado, por eso hay que pensar cómo llevar el arte a la gente, no al revés”, explica.

Aunque en los últimos 15 años ha habido un claro incremento en el coleccionismo de arte contemporáneo en Chile, todavía hay camino por recorrer. “Nos gustaría que el objeto inanimado más valioso en una casa se encuentre colgado en las paredes y no en el garaje”, declara Bernardita Mandiola.

Diferentes instancias demuestran que en Chile hay interés y fondos para profesionalizar el mercado del arte y que el mundo del arte chileno está realizando un esfuerzo por sumarse a la tendencia mundial. Chaco, feria chilena dedicada al arte contemporáneo, es El mercado chileno un evento que atrae a posibles compradores y al mismo tiempo tiene programas de formación de coleccionistas. FAMA, por su “Chile es una isla, participa de una manera parte, apoya a los artistas contemporáneos extremadamente tangencial del mercado de nuestro país a través de becas, “Chile es una isla, participa de una otorgándoles la posibilidad de realizar del arte mundial”, declara Nicolas Mardini, manera extremadamente tangencial una residencia en el extranjero para socio de Mutt Art Dealers, plataforma dedicada a difundir el mercado del arte en consolidarse. Por otro lado, las distintas del mercado del arte mundial”, Chile, y su opinión es de consenso. “Acá declara Nicolas Mardini, socio de galerías chilenas posicionan a sus artistas está en pañales, hay más interés que antes en encuentros artísticos nacionales e Mutt Art Dealers. pero todavía no miran el arte como inversión internacionales. “Yo veo que las galerías y tampoco se entiende su importancia”, han hecho un enorme y reconocido manifiesta Cecilia Miquel. Por su parte, Denise Ratinoff dice que en esfuerzo, pero aún así no se ve localmente un boom como se ha nuestro país definitivamente no existe ese mercado que en 2013 visto en Brasil, Colombia o Perú donde ciertos artistas locales han creció un 13%. “No hay un deseo de estudio profundo sobre los subido sus precios localmente”, explica Ratinoff. En la misma línea, artistas nacionales para entender la línea, para entender el valor de lo Nicolas Mardini cree que en existe un esfuerzo para sacar a Chile que quieren expresar y visualizar que algunos son destacados y que se de la isla y reconoce que se invierte mucha energía en esto, pero van a destacar acá y afuera”, expone. asegura que todavía falta bastante por hacer.

A pesar de que las opiniones divergen al minuto de encontrar los porqués de la situación del mercado del arte chileno, los personajes del mundo artístico concuerdan en una fórmula que está probando ser efectiva al minuto de atraer mayor cantidad de público: Internet.

Las diez piezas que componen la serie Marilyn Monroe (Marilyn) de Andy Warhol serán subastadas este 14 de mayo por Christie’s con un precio base de 1 millón 200 mil dólares. La serie fue hecha en 1967 y cada una de sus piezas mide 91.4 x 91.4 cm. Imagen cortesía de Christie’s.

Jean-Michel Basquiat (1960-1988) es uno de los artistas más cotizados por el mercado internacional en estos momentos. Su obra Untitled, pintada en 1981, será subastada por Christie’s este 13 de mayo con un precio base de 20 millones de dólares. Imagen cortesía de Christie’s.

La democratización del arte Rápido, eficiente, de fácil acceso, masivo, popular, son algunas de las ventajas que hacen a Internet una herramienta sin igual. Este instrumento ha revolucionando las comunicaciones, las ventas y las relaciones interpersonales, teniendo un enorme impacto en la sociedad. “Uno tiene que ir evolucionando de acuerdo a los tiempos, es importante tener capacidad de cambio y adaptación”, asegura Cecilia Palma, quien luego de 14 años decidió trasladar su galería de arte de Vitacura a la web. A nivel mundial esta tendencia se consolidó el año pasado, cuando Amazon lanzó su portal de ventas de arte. “Una persona que desde su casa puede ver una exposición virtual y más encima la puede comprar por Internet le da una facilidad inmensa”, declara Denise Ratinoff, pero asegura que las grandes compras se hacen en persona. Nicolás Mardini concuerda con esto y opina que las ventas importantes no se cierran en el mundo virtual. “Desde el punto de vista de Mutt las plataformas online son muy buenas, en cuanto a la posibilidad de transmitir, comunicar e incentivar a la gente a involucrarse en asuntos que tengan que ver con el arte. El contacto físico con la obra, poder darla vuelta y mirarla detenidamente y con calma es lo que hace que la gente se enamore y compre”, afirma. A pesar de esta realidad, en la web hay más cabida para los pequeños compradores y para aquellos que no son expertos en arte, ya que el soporte permite vender más barato, además que obliga a publicar los precios y es una excelente oportunidad para que el mercado del arte

abarque diferentes públicos, atrayendo desde coleccionistas hasta compradores primerizos. “Para eso sirve Internet: va mucho más allá de un espacio, da más alcance, te miran de todos lados, de todas las edades, de todos los bolsillos”, manifiesta Carmen Momberg. A esto se suma que las redes sociales logran llegar a mucha gente, muy diversa por lo demás, permitiendo así que personas que quizá nunca se habían interesado en el arte ahora lo hagan. Plataformas como Instagram o Facebook son la mejor vía para conectar a la gente con los artistas y sus obras. Carmen Gloria Matthei abrió hace 12 años la primera galería virtual chilena bajo el nombre Montecatini.cl. “La verdad es que fue un boom porque la gente tenía la posibilidad de comprar pinturas contemporáneas de artistas chilenos a precios razonables y con todas las facilidades del mundo. Ahora Internet se masificó por lo que el tema de online ya no es tema, todos los artistas y todas las galerías tienen, o deberían tener, su página web”, asegura y agrega que en un comienzo la web fue clave para el crecimiento del mercado del arte, pero que ya es una base para cualquier tipo de propósito. Carmen Momberg insiste en la importancia de la responsabilidad social que tiene el mundo del arte, por lo que, a pesar de concordar en que Internet es una herramienta poderosa, no puede aprovecharse completamente si eso no está claro. “Independiente del soporte, si se ve el arte como un tema de responsabilidad social y hay un trabajo dedicado a convocar a la gente, el mercado del arte logrará expandir sus fronteras”, afirma con seguridad.

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Tierras del Ártico, 2014, óleo y pigmento de lapislázuli, 100 x 70 cm.

ARTISTA DESTACADO

CECILIA FLATEN

Hechizo nórdico En Leipzig la nombraron “la pintora de las luces mágicas”, y es que el arte y la luz la rodean de una manera maravillosa. Cecilia armó su propio cuento fantástico que refleja tanto en sus obras como en su vida. Por Emilia Benítez Silva. Imagen cortesía de la artista.

l arte está presente en cada ámbito de la vida de Cecilia Flaten, puesto que para la artista es importante abrazar cada minuto. Fabrica su propia ropa, saluda todos los días a la pachamama, ha convertido su casa en su templo normando y la ha rodeado de un jardín que trabaja con sus propias manos para conectarse con la tierra. La inspiración le sale del alma y del estómago, y viene de su filosofía de vida. “Yo no puedo decir: ‘ya, pinto hoy’”, explica. Para ella la mancha prima, ese primer trazo de la obra, es mágico y nace de su parte más rústica. Cuando eso sucede, cuenta, no hay tiempo, no hay hambre, no hay frío, sólo hay espacio para crear. “Yo creo que ahí salen los dioses, siempre me pregunto quién mueve mi mano”, dice Cecilia. La artista descendiente de noruegos proyecta el mundo que ha creado en su trabajo a través de sus asombrosos parajes nórdicos, fiordos, ensenadas y cielos increíbles que quitan el aliento. Cecilia pinta con un solo ojo, manteniendo el otro cerrado, simulando el fuelle de la cámara. Trabaja con óleo y con pigmento de lapislázuli que, junto a su técnica de dejar los blancos puros, sin pintura, produce un juego mágico en el cual la luz y la sombra, protagonistas en su obra, mutan creando diferentes atmósferas según la luminosidad de la sala. Flaten explica que la energía de un lugar pasa a través de ella como un filtro y llega a la tela. Su obra es limpia, no choca. Fluye gracias a su capacidad de contemplación y asimilación, que trabaja todos los días de su vida. “Es súper sutil, y está todo entre acá y acá”, revela señalando su cabeza y su estómago.

Fue un viaje que hizo en 2011 a Oslo lo que la condujo a realizar la muestra Tránsitos Polares. Desde la capital de Noruega partió a Kirkenes, la ciudad más al norte del círculo polar ártico, para ahí tomar un barco vikingo durante siete días hacia Bergen, el puerto más importante de Noruega. “Es impactante la fuerza que tiene la naturaleza y la gente para vivir tan lejos, es gente muy soñadora, tienen la idea de los cuentos. Por eso sobrevivieron, porque le pelearon a la geografía”, cuenta Cecilia. El 15 de mayo presenta la exposición, patrocinada por la embajada de Noruega, en la que irá acompañada del fotógrafo Daniel Casado, que vive y trabaja en la Patagonia chilena, y por Martín Urrutia, que presentará su colección de filatelia. Los tres expositores mostrarán la relación existente entre el paisaje noruego y el de nuestra Patagonia, además de otros aspectos similares. La magia está del lado de Cecilia, quien muestra con merecido orgullo una estampilla con su obra que el correo francés incorporó recientemente a su colección postal. El próximo año será uno con muchos proyectos para la artista, puesto que, entre otras muestras que tiene planeadas, expondrá individualmente en Artifact en Nueva York. Tránsitos Polares LUGAR: Sociedad Filatélica de Chile. DIRECCIÓN: Almirante Simpson 75, Providencia. FECHA: Hasta el 25 de mayo.

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EXPOSICIÓN DESTACADA

Guillermo Lorca

FANTASÍA HIPERRREALISTA Impresionante e hipnótica es la exposición La Vida Eterna del artista chileno Guillermo Lorca. Veinticuatro óleos reflejan el talento del pintor que, a sus 30 años, cumple el anhelo de todo artista nacional: exponer individualmente en el Museo Nacional de Bellas Artes. Por Emilia Benítez Silva. Imagen cortesía del artista.

iñas y animales, tan perfectamente retratados que seducen de manera sobrecogedora, son los protagonistas de la obra de Guillermo Lorca. Y es que en La Vida Eterna la estética predomina a favor del relato literario, cuya narrativa se une gracias a personajes que interpretan los estímulos más primitivos de la vida.

las escuelas de arte no enseñan a pintar. A Lorca le gusta rodearse de belleza y cree que el arte contemporáneo está academizado, por lo tanto le parece lógico que su pintura realista impacte. “Actualmente romper la academia es esto”, afirma y agrega: “Podríamos decir que yo soy más pintor que artista”.

“Mis cuadros siempre rayan en lo mágico pero no es una magia literal, son escenas que podrían pasar pero que están configuradas de manera mágica, como se configura la realidad de los niños”, manifiesta el pintor. Las obras, que van de pequeños hasta grandes formatos, llegando casi a los tres metros, contienen elementos que confluyen con armonía de manera suelta y provocadora, tensionando temas como la muerte, el juego y el erotismo.

En su obra se puede apreciar la influencia de grandes figuras barrocas como Rembrandt o Caravaggio, y al mismo tiempo algunos toques de Claudio Bravo, pero el pintor asegura que también se nutre de imágenes contemporáneas, entre ellas, el animé. “De ahí vienen un poco las niñitas. El animé tiene esa cosa que los protagonistas son niñas-mujeres, con ojos muy grandes y extremadamente lindos, una belleza exagerada que pone énfasis en los ojos, en la nariz respingadita y la boquita chica”.

Lorca venía trabajando desde el 2011 esta atrevida muestra de realismo formal, con notable influencia barroca, que plasma lo pasional de la naturaleza a través de imágenes violentas y sensuales. Y el resultado de la exposición es un reconocimiento a su talento, que supera con creces a su juventud. “Estoy muy agradecido de Roberto Farriol, director del MNBA, porque podría haberse fijado que mi edad fuera un problema, pero prefirió jugársela preocupándose por la obra. Creo que es muy valioso tomar esos riesgos y poder impulsar ciertos discursos de arte”, declara el artista.

La composición pictórica destaca por su narrativa y por la creatividad y originalidad en la fabricación de mundos fantásticos que evidencian el gran trabajo detrás de cada una. Para gestar la obra el pintor comienza recopilando imágenes de libros, de Internet y sacando fotos de modelos. “Tengo un background visual en la cabeza enorme. Hay cierto tipo de imágenes que me llaman la atención y de ahí saco una idea y una composición, lo anoto en un papel y a partir de eso voy armando modelos”, explica. Una vez compuesta la obra la modifica en Photoshop, creando imágenes fantásticas que luego lleva a la tela. Con óleo empieza a interpretar una imagen que va mutando a través de cada pincelada. Es un proceso largo bajo el cual trabaja tres o cuatro pinturas simultáneamente.

La vida eterna se desliga del trabajo anterior de Lorca, donde destacan sus obras para el proyecto Rostros del Bicentenario, una serie de seis retratos a gran escala que adornan la Estación Baquedano del Metro de Santiago. “Esta exposición es mucho más cercana a lo que he querido pintar hace tiempo, es más complicado de hacer y fui agarrando las habilidades y los recursos necesarios para hacerla con el tiempo”, explica Lorca. Luego de abandonar sus estudios de arte en la Universidad Católica, Guillermo pasó una temporada aprendiendo con el prestigioso artista noruego Odd Nerdum y otra con Sergio Montero, sin embargo su formación pictórica la ha desarrollado a través de un proceso más que nada autodidacta y muy riguroso. “Es una cuestión de habilidad pero de mucho trabajo también, aprender a hacer esto implicó estar encerrado diez o doce horas en el taller obsesivamente hasta que la cosa funcionara bien”, cuenta el artista, para quien hoy en día en Chile

Alcanzada ya la gran meta para la mayoría de los artistas nacionales, los planes de Lorca miran ahora más allá de las fronteras nacionales. Mientras tanto, el ala sur del MNBA aloja La vida eterna, su cuarta exposición individual, curada por Yael Rosenblut, que es sin duda un imperdible durante este mes de mayo.

La Vida Eterna Lugar: Museo Nacional de Bellas Artes. Dirección: Parque Foresta s/n, metro Bellas Artes, Santiago Fecha: Hasta el 25 de mayo

Ni帽a y perros, 贸leo sobre tela, 140 x 95 cm.

panoramas

EXPOSICIONES SANTIAGO Visiones Energéticas enfrenta colores en vibrantes composiciones, invitando a los espectadores a entregarse a sensaciones ópticas de intensidad cromática, que van desde abstractas explosiones de energía a complejos filigranas geométricos.

En la muestra se exhibirán obras realizadas durante el año 2012 y 2013 en las cuales el autor he realizado un trabajo de experimentación con distintas técnicas.

Visiones Energéticas, José Cárcamo

Hasta el 17 de mayo Centro Cultural Estación Mapocho Plaza de la Cultura, ex Estación de Trenes, Metro Cal y Canto, Santiago www.estacionmapocho.cl

Hasta 18 de mayo MAVI

Hasta el 28 de mayo Centro Cívico Cultural El Bosque

Cortado en pedazos, Nicolás Franco

Retrospectiva de Fernando Daza

Nicolás Franco continua desarrollando ideas relacionadas con la producción, construcción y consecuente deconstrucción de la imagen a través de diversos procedimientos técnicos.

El destacado muralista y dibujante de 83 años, autor del mural a “Homenaje a Gabriela Mistral” del Cerro Santa Lucía, exhibirá cerca de un centenar de obras, que abarcan siete décadas de creación.

José Victorino Lastarria 70, plaza Mulato Gil de Castro, Santiago www.mavi.cl

Eleuterio Ramírez 10264, Paradero 31 de Gran Avenida, El Bosque www.imelbosque.cl

El destacado del texto corresponde al autor de la imagen que acompaña. * Las imágenes de las obras publicadas son detalles de la original.

Del 8 de mayo al 2 de junio Galería Artespacio

Hasta el 31 de mayo Galería Gabriela Mistral

Retina, Margarita Garcés

Temperas, Francisco Valdés

La muestra se compone de 16 pinturas de gran formato, con un trazo fuerte y una mirada más tranquila y reflexiva sobre los paisajes y las visiones del mar.

El artista chileno residente en Reino Unido refleja en esta exposición la orientación que ha tomado su trabajo en el último tiempo, con pinturas de gran formato, cuya visualidad conjuga figuración y abstracción simultáneamente.

Alonso de Córdova 2.600, Pisos 1 y 2, Vitacura www.galeriaartespacio.com

Alameda 1381, Santiago galeriagm.cultura.gob.cl

Hasta el 15 de mayo Galería BECH

Hasta el 22 de mayo D21

Esto no es publicidad, Iván Olivares

Gen, Klaudia Kemper

La muestra hace patente una particular transformación de los objetos a través del tiempo, yendo desde su origen práctico hasta su condición de residuo, de recuerdo, en el que pierden su razón de ser.

La muestra es una selección de trabajos pictóricos y de video-retratos

Alameda 123, Santiago, Chile

Nueva de Lyon 19, departamento 21, Metro Los Leones, Providencia www.departamento21.cl

realizados entre los años 2012 y 2014, desde la óptica de lo autobiográfico y del contexto de la noción de “familia nuclear”.

panoramas

EXPOSICIONES REGIONES

Hasta el 18 de mayo Casa de Arte Diego Rivera

Hasta el 20 de mayo Municipalidad de Valparaíso

En Memoria, Zaida González – Mauricio Toro Goya

La ruta de Meiggs, 150 años de red ferroviaria Valparaíso y Santiago, FELIPE URQUIETA

La muestra consta de imágenes irónicas que presentan una parodia sobre la persona en su rol social frente a temas poco asumidos.

Muestra fotográfica compuesta por una treintena de imágenes realizadas en técnica análoga, en blanco y negro que muestran el tramo férreo entre Valparaíso y Santiago.

Quillota 116, Puerto Montt www.culturapuertomontt.cl

Esmeralda 1051, Valparaíso www.munivalpo.cl

TALLERES / WEB

Hasta el 15 de mayo Galería APECH

11 de mayo Hotel W Santiago

Procesos de Simulación, Daniela ponce

Noche de AyudArte 2014

La artista Daniela Ponce participa de esta muestra colectiva de ocho artistas bajo la tutoría de Arturo Duclos en la que se exhibe un año de proceso en torno a un taller de reflexión sobre sus producciones artísticas.

Las obras de Pauline Cristi y Lorena Olviares, entre otros artistas, estarán a la venta con fines benéficos para la Noche De AyudArte de este año organizado por la Asociación Internacional de Chile (IAC).

Salvador Donoso 21, Providencia www.arteallimite.com/artistas/daniela-ponce-2

Av. Isidora Goyenechea 3000, Las Condes www.arteallimite.com/artistas/pauline-cristi www.arteallimite.com/artistas/lorena-olivares

El destacado del texto corresponde al autor de la imagen que acompaña. * Las imágenes de las obras publicadas son detalles de la original.

Hasta el 30 de mayo Galería de Balmaceda Arte Joven

Hasta el 24 de mayo Centro Cultural Coyhaique

Histeria de Chile, Yayo

Campamento Puerto Cristal: Expresión de un proceso minero en Aysén

Una serie de ilustraciones del artista de Concepción muestra los principales hitos que han configurado el desarrollo del territorio nacional, permitiendo descubrir una mirada al pasado a través de las artes visuales.

La primera exposición itinerante sobre Puerto Cristal tiene por objetivo el rescate del patrimonio abandonado en Puerto Cristal. La muestra contribuye a la valorización del Campamento Minero de Aysén como hito patrimonial único.

Colo-Colo 1855, Concepción www.balmacedartejoven.cl

Eusebio Lillo 23, Coyhaique www.culturalcoyhaique.cl

Hasta el 20 de junio Galería Santiago Corral

Hasta el 23 de mayo Corporación Cultural de La Reina

Un desafiante diálogo entre escultores

Mujeres en el arte 2014

La artista mexicana Claire Becker participa en la exposición de escultura de la galería de arte contemporáneo Santiago Corral.

La muestra colectiva, en la que participa la artista Carolina Busquets, tiene como objetivo difundir el trabajo de artistas desde su perspectiva de mujer. La exposición incluirá distintas técnicas como acuarela, óleo, grabado, xilografía y fotografía.

Av. de los Rosales esquina con Vega del Campo s/n, Valle de Bravo, Edo. de México www.arteallimite.com/artistas/claire-becker

Santa Rita 1153, La Reina www.arteallimite.com/artistas/carolina-busquets

ARTE PÚBLI CO

Vista de la Galería Tajamar. El vidrio de las paredes permite a cualquiera observar su interior las 24 horas del día.

PROYECTO GALERÍA TAJAMAR Bajo la idea de ser un espacio de exhibición transparente y continúo ubicado en la ciudad, Galería Tajamar se define a partir de su emplazamiento y arquitectura en una zona de tránsito y de carácter principalmente habitacional. Por Pía Cordero. Imagen cortesía de Galería Tajamar.

esde el 16 de abril hasta el 2 de mayo se presenta la interesante obra de María Jesús Schultz, Plan Bélico, aparato performático y video que registra el trabajo de ensamblaje entre un sistema respiratorio artificial y uno animal que, conectados entre sí, simulan la idea de intercambio vital. Esta muestra se compone por dos esculturas de ensamble y un video registro en el que ambas esculturas interactúan cinéticamente. La exhibición es parte de la línea curatorial de Galería Tajamar, que pretende vincular el arte contemporáneo al espacio público. Tajamar funciona desde marzo del año 2011 en avenida Providencia 1100, local 56. La propuesta de la galería independiente es entregar a la comunidad un espacio continúo de exhibición a través de una vitrina hexagonal de vidrios transparentes que funciona al interior de las Torres de Tajamar. En este contexto, el alcance social de la galería se define a partir de su emplazamiento y arquitectura, en el centro de un espacio de carácter principalmente habitacional. Según su director, Nicolás Azócar, la galería cuenta con un público fijo, los vecinos de la comunidad; un público casual, los transeúntes; y un público específico, el del arte.

La galería se desenmarca de la supuesta autonomía de los espacios circunscritos a la exposición de arte, al ser un espacio que se plantea desde la lógica del tránsito: para contemplar no es necesario un acceso, una entrada al ámbito de lo otro, ya que al ser vidriado se puede contemplar las 24 horas del día desde sus 360º. Este proyecto, en su autodenominación de arte público, inicia su búsqueda en las coordenadas de ofrecer una panóptica, es decir, ser un continuo de observación desde los distintos ángulos que posibilita su emplazamiento. Al ser parte del paisaje urbano, problematiza los siguientes asuntos: ¿Bastará que un proyecto de arte esté inserto dentro del espacio urbano para ser entendido como arte público? ¿Será capaz de romper el distanciamiento que supone el lenguaje hermético del arte contemporáneo, al “público no entendido”? Galería Tajamar LUGAR: Torres de Tajamar DIRECCIÓN: Avenida Providencia 1100, local 56

en el taller

MARÍA ANGÉLICA ECHAVARRI Prospectiva estética: hacia una forma monumental

Por Lucía Rey Imágenes cortesía de la artista.

a escultora María Angélica Echavarri trabaja en grandes formatos para monumentos públicos, aunque esto no excluye la realización habitual de ejercicios plásticos con diversos materiales y tamaños. Su taller, ubicado en el barrio Bellavista, tiene el aspecto externo de una casa habitacional de dos pisos, sin embargo, quien le habita no es una familia sino Echavarri y sus obras en proceso. Fundamental para ella es contar con un patio en donde desarrollar el trabajo, que requiere el uso de materiales y maquinarias específicas, además de un aislamiento interior, que opera como una suspensión de las coordenadas espacio-temporales para un posterior vaciamiento buscado por Echavarri con el fin de trabajar en base a lo que ella llama la “honestidad de la obra”, sin presiones de tiempo: la entrega a la experiencia del material. Una vez que ingresa a la casa y cierra la puerta, se entrega a la divagación creadora abarcada desde la experimentación material. Tal vez por esto es blanco y silencioso el interior del taller, compuesto por habitaciones y espacios varios como si tuvieran por objeto ser un lugar de tránsito y divagaciones estéticas. En el primer piso hay una habitación con parte

de sus obras terminadas y otras en proceso, más algunas fotografías de esculturas. Otros espacios de descanso y de conversación, más una sala que conecta con el patio y el trabajo directo con el material allí realizado. En su segundo piso, como si fuera una especie de panóptica, se ubican las oficinas destinadas a contener el ejercicio de proyección bidimensional de sus trabajos, además de disponer de un espacio de clases que se activa intermitentemente. Echavarri menciona al escultor argentino Aurelio Macchi como su maestro, ya que fue quien le ayudó a comprender aspectos conceptuales fundamentales en su trabajo, que luego serían clave en el paso de lo figurativo a la abstracción. Echavarri parte desde una escena figurativa que simboliza la dualidad humana, para luego comenzar un proceso de abstracción de las temáticas, mediante la resta de detalles y la profundización de ciertos aspectos de su trabajo dados por aquellas características que le va permitiendo el mismo material. Si abstraemos también esto, podemos decir que, siendo su obra una sustancia, la causa formal de la misma está en relación directa con la causa material. Entonces, desde el punto de vista aristotélico, Echevarri cumple, es eficiente en el

trabajo, cual agente que produce el movimiento en la escultura, otorga sentido y fin último a la sustancia de su obra. El fin de su trabajo se ubica en la oscilación que va desde el vacío de la pregunta sobre sí hacia una realidad racional y operativa que se desarrolla en un mundo social, económico y político, cuya ubicación aparece bastante clara en sus trabajos con la temáticas, por ejemplo, de “homenajes”, no sólo al conocido Jaime Guzmán (2008), también a Edmundo Pérez Zújovich (2011), Ofrenda, la escultura encargada para ubicar en el Parque Araucano a propósito de la cosmovisión mapuche o La Chilena, que se inaugurará este mes en las afueras del estadio El Morro en Talcahuano. Estos trabajos de dimensiones para monumentos públicos son lo que precede a su próxima obra, Emprendimiento, pronta a ser instalada frente al Costanera Center con no menos de 4 metros de altura. Así, vemos que la Casa taller funciona en (estos casos) como un lugar de maquetas de obra, ya que en la construcción de las mismas participan bastante personas por la evidente exigencia dimensional y por la complejidad de los materiales escogidos; además, su ejecución se desplaza a lugares idóneos para esta actividad.

críticas

GREGORIO DE LA FUENTE SOBRE TELA Y MUROS Por Enrique Solanich. Magíster en Teoría e Historia del Arte. Miembro de AICA. Imagen cortesía del MAVI.

La familia, 1984, óleo sobre tela, 107 x 155 cm.

na muestra del trabajo de taller de Gregorio de la Fuente (Santiago 1910-99), entre los años 1939 y 1994, en pequeño y mediano formato, permite apreciar dibujos, cerámicas, mosaicos, óleos y pastel. Se trata de una faena de gabinete íntima, como todas las prácticas visuales que en estos refugios acometen los creadores, enhebrando el ejercicio con la reflexión. Caben en esta faena autorretratos, retratos colectivos familiares, paisajes, marinas, bodegones y, ensayes abstractos de acentos cubistas y surrealistas, complejo entramado de temas y técnicas reveladoras de su acomodo con discursos y procedimientos distintos de los que sale airoso, enriqueciendo su repertorio iconográfico. Su nombre en la historia local se entronca a la Generación del 40, taxonomía didáctica convenida para designar a la cohorte de artistas surgidos en el decenio de los treinta desde las Escuelas de Bellas Artes y Artes Aplicadas de la Universidad de Chile y que, comparecen en concursos, colectivas y salones en la década siguiente. Tras su proceso formativo y labores docentes, clave para su crecimiento plástico y creativo es su asistencia para la confección de los murales de la Escuela México de Chillán, a la vera de David Alfaro Siqueiros (1896-1974) en los años 1941-42, del que recibe los principios doctrinales que lo entusiasman con la estética histórica, política y social que fluye desde México. Huelga decir que el muralismo mexicano iniciado hacia 1910, en su momento es el medio visual más locuaz y didáctico para relatar a grandes públicos los episodios de la conquista, de las épicas gestas indigenistas y el curso independentista. De ahí en adelante, ampliados sus referentes y cultura visual con viajes y becas en Europa, añadida la docencia superior, se vuelca en la pintura mural, ocupación en la que lega significativos proyectos, despuntando los muros de la Estación Ferroviaria de Concepción (1942-46), en los

que narra la historia y vicisitudes de la ciudad colonial hasta la fecha de ejecución así como aquellos de La Serena (1952). Por cierto suma otras obras diversas en paños arquitecturales innecesarios de detallar acá, que lo elevan a figura consular de la pintura parietal. Tres óleos, de décadas diferentes, resumen su andadura y logros en la pintura de caballete. Desnudo (1940), El circo (1950) y, La espera (1975) importan estadios que enseñan en cronología sus especulaciones: primero, el sedimento y contenido propios de la manera académica; luego la paradoja existencial del espectáculo circense, incluidos actores y público y, por último, la desesperante burocracia que fluye por doquier en la vida actual. La tríada de telas vocean su yo emotivo, señalan modos de mirar y guiños a las vanguardias, deviniendo epítome de una metódica creadora, susceptible de confrontarla con su tarea de muralista y advertir parentescos. Sobre telas y muros / Antología LUGAR: Salas de exposición Casa Museo Santa Rosa de Apoquindo DIRECCIÓN: Padre Hurtado 1195, Las Condes FECHA: Hasta el 25 de mayo

Trafalgar Square, Londres, Gran Bretaña 1958-1959. © Sergio Larrain, Magnum Photos.

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SERGIO LARRAÍN (1931-2012) En el Museo Nacional de Bellas Artes Por Pedro Labowitz. Crítico de arte. Miembro de AICA. Imagen cortesía del MNBA.

a Sala Matta de nuestro Museo Nacional de Bellas Artes está llena y más que llena de una muestra retrospectiva de este fotógrafo, uno de los más conocidos y reconocidos de nuestro ambiente. Larraín dejó todavía joven a Chile y a su casa paterna e hizo carrera en Europa. Pero en un momento volvió a su patria, donde se dedicó entre otras cosas al yoga y a la meditación, y donde murió en el norte, en Ovalle. Tempranamente en su carrera profesional fue nombrado miembro de “Magnum Photos”, grupo de renombre internacional, lo que significó una distinción muy bien merecida. Su obra fotográfica es exclusivamente en blanco y negro; no entra el color. Siempre está severamente enfocada y suele referirse a cosas del diario vivir. Tiene un ojo privilegiado para los detalles y su manera de reproducirlos en composiciones recortadas es magistral. Sólo muy pocas veces juega con efectos lumínicos; casi siempre permite que la luz del día o de una lámpara se imponga por sí misma.

La exposición es de alto nivel y esto incluye a todas las fotografías, de manera que cada visitante encontrará sus propias tomas favoritas: escenas de calle de la ciudad de Londres de 1958/9 en que deambulan caballeros con sombreros de copa; o la mirada sobre dos muchachas jóvenes que bajan una calle inclinada de Valparaíso (Pasaje Bavestrello). Niños y jóvenes eran una temática favorita de Sergio Larraín. Generalmente en Santiago, sucios y en harapos, pero captados siempre de manera honesta y sin prejuicios. Del mismo modo se interesaba en la empobrecida población originaria de Chile. A pesar de contar con el apoyo de la firma financiera Larraín Vial y de más de 15 otras instituciones, no existe catálogo para el público visitante. Sergio Larraín, Retrospectiva LUGAR: Museo Nacional de Bellas Artes DIRECCIÓN: Parque Forestal s/n, Santiago FECHA: Hasta el 15 de julio

críticas

DURERO, MAESTRO DEL RENACIMIENTO EN EL INSTITUTO CULTURAL DE LAS CONDES Y FUNDACION ITAÚ Por Ennio Bucci Abalos. Licenciado en Teoría y Historia del Arte y Estética. Miembro del AICA. Imagen cortesía del Centro Cultural Las Condes

na selección de 113 grabados de Alberto Durero (14711528) se está presentando en el Centro Cultural Las Condes y Espacio Arte Abierto Fundación Itaú. Alberto Durero, pintor y grabador del Renacimiento, seguidor de Leonardo en las concepción de sus retratos; célebre por obras como su Autorretrato de Joven y la Adoración de los Magos; quien fuese pintor de las cortes de los emperadores Maximiliano y Carlos V de Alemania, fue artista de constante búsqueda, viajero incansable y agudo observador de la realidad. Esta vez nos presenta una magnífica exposición de su obra grafica, en la primera muestra del genio alemán que recorre América latina, mostrando su trayectoria vital, artística e intelectual, e invitando al espectador a un viaje al periodo Renacentista a través de sus grabados. En su estilo encierra su rico y complejo mundo. Sus creencias, sus pensamientos y su ser como artista. Con sus grabados se puede seguir toda una secuencia de técnicas: xilografía, buril, punta seca y agua fuerte.

La exposición Durero, Maestro del Renacimiento está integrada por obras originales de la colección del Bosco, unas de las colecciones de grabado más importantes de Europa. La muestra, que representa un tercio de la producción reconocida del artista, incluye desde los primeros grabados de su taller de Nüremberg anteriores al 1.500, donde destacan obras de la talla de La Sagrada Familia, La lucha entre Hércules y Caco, Carro triunfal y Nativida. En éstas es posible apreciar una técnica depurada y un dibujo acabado de gran realismo, elementos esenciales en la obra del artista. El montaje de las obras en las salas está muy bien logrado, sacando el máximo partido a cada uno de los grabados y dando una armoniosa unidad al conjunto. La presente muestra es un deleite a los sentidos y nos permite tomar contacto con la obra de uno de los grandes exponentes del Renacimiento alemán.

El caballo grande, 1505, grabado a buril.

Durero, Maestro del Renacimiento LUGAR: Centro Cultural Las Condes y Espacio Arte Abierto Fundación Itaú DIRECCIÓN: Apoquindo 6570 y Apoquindo 3457, Las Condes FECHA: Hasta el 25 de mayo

ARTISTA DESTACADO

Leo, 2013, madera, 50 x 33 x 18 cm.

sol guillOn

Mixturas técnicas Tomar un objeto cualquiera y darle un giro, observar e imaginar múltiples y nuevas caras de su estado físico, para luego transformarlo en un producto nuevo. Cuando la artista plástica Sol Guillón comienza a trabajar en sus esculturas, plasma su energía en figuras que constituyen un todo fabricado bajo su propia óptica. Por Claudia Montecinos. Imagen cortesía de la artista.

oy el típico ejemplo entre disciplinas, para los artistas soy diseñadora y para los diseñadores soy artista”, reconoce Sol Guillon. Estudió Diseño en la Universidad Católica de Chile, pero no tardó en definir un camino hacia las expresiones artísticas. En la casa de estudios le fue posible complementar su formación con cursos de arte y arquitectura. Este antecedente es una característica fundamental en la que se sostiene su proceso creativo y hace posible entender el marco académico de su obra, en la que se distingue una mixtura de técnicas.

duda, una preocupación permanente”. A esto se le agrega la forma como un aspecto primordial, pero también está la necesidad de transmitir algo reconocible e identificable según las propias experiencias de cada espectador. Para la creación de cada pieza, Sol Guillon comienza con una etapa previa de croquis, dibujo o fotografía, que luego es vectorizada para convertirla en archivo de corte. Con la matriz diseñada, la madera se corta, lija, pinta y vitrifica para, posteriormente, ensamblar las piezas y concretar el volumen final.

Por medio de configuraciones sobre madera pintada, Guillon busca realizar un trabajo creativo, silencioso, contemplativo y meditativo con sus manos. “Es mi manera de conectarme con lo mejor de mí, y transmitirlo, con amor, a los demás”, señala. Asimismo, define su trabajo como una necesidad personal de crear y transmitir, combinada con un ejercicio de abstracción hacia lo más figurativo y un uso predominante de la geometría.

Las fuentes de inspiración no se pueden cuantificar, están en todos lados, aunque Sol admite encontrar sentido en manchas y formas desde que era pequeña. Los objetos seleccionados son trabajados en series para abarcar la mayor variedad posible en la representación de un mismo tema. “Trato de llegar a muchas maneras de interpretarlo y que hagan sentido en todo tipo de espectador”, enfatiza Guillon.

Como elementos centrales en su obra se encuentra el color, el cual ella misma reconoce como “una búsqueda constante y, sin

Actualmente se encuentra mostrando su trabajo en su taller de Vitacura y en las galerías Artium, Trece e Isabel Aninat Parque Arauco.

ARTISTA EMERGENTE

NORKA LEPILEO

EMOCIONES EN EL MUNDO IMAGINARIO Al más puro estilo de Tim Burton, las ilustraciones de Norka Lepileo no pasan desapercibidas. Sus personajes representan fuertes emociones, las cuales se avivan gracias al ambiente del mundo imaginario creado por la artista. Por Emilia Benítez Silva. Imágenes cortesía de la artista.

ada uno de los trabajos de Norka Lepileo la representa a ella misma, en las ilustraciones se puede identificar su carácter y reconocer su personalidad. “Amo cada uno de mis trabajos, ya que cada uno es mi mundo y son yo misma”, cuenta la artista. Se ha sentido influenciada por muchos artistas durante su carrera pero su trabajo, al ser en cierta forma autobiográfico, se separa y busca destacarse por su cuenta. La ilustradora se basa en todos los elementos que la rodean y sus dibujos reflejan su visión de la vida y del mundo. “Desde la naturaleza hasta las posturas de mis personajes nacen de los estímulos que provocan en mi todo lo que veo a diario”, explica. Sus dibujos y sus personajes parecen a veces tristes, espeluznantes e incluso perturbadores. Otras veces divierten, producen ternura y simpatía. “Para mi es verdaderamente gratificante, francamente espero que todos se adentren en el mundo de los personajes y tengan aventuras con ellos”, revela Norka. Su obra es potente Wally, 2014, ilustración sobre papel, 21 x 29 cm.

Amaro, 2014, ilustración sobre papel, 21 x 29 cm.

y transmite sentimientos a todo el que la observe, logrando retener al espectador y transportarlo a su colorido mundo fantástico. Una gran gama de emociones está presente en esta obra donde es posible reconocer desde la más profunda pena hasta la más loca felicidad. “Intentar controlar mis propias emociones, dirigiéndolas a un trabajo de creación, es el primer paso en el que las sentimientos están presentes”, cuenta Lepileo. La artista trata de que todo lo que se refiere a la obra, desde el proceso hasta el resultado sea en relación al control y descontrol de las emociones logrando así que sus personajes tengan rasgos de su propia personalidad. Norka es licenciada en artes visuales de la Universidad Católica de Temuco, pero ya desde pequeña el dibujo había estado presente en su vida. “Todo lo que englobaba las formas y el espacio en mis obras, desde mis fotografías hasta mis ilustraciones, parten del dibujo, y éste asociado a las emociones tiene resultados mágicos”,

manifiesta la artista. Hace un poco más de un año que se ha dedicado a crear mundos inexistentes y personajes histriónicos, lo que ha sido un verdadero e importante descubrimiento para su carrera, convirtiéndose, además, en una prueba de su creatividad y talento. Para comenzar a trabajar primero hay una idea, algunas veces un boceto, pero en general las líneas fluyen desde su cabeza al papel gracias a una exuberante imaginación que tiene como resultado dibujos asombrosos. Para Norka es clave sentirse cómoda a la hora de crear. Su compañero ideal es el papel, que trabaja con lápices policromos, acuarela o acrílicos. A sus 23 años sabe que no ha alcanzado su máximo potencial y espera, gracias a su trabajo constante, convertirse en una gran artista. Sueña con que la gente conozca su obra, su estilo, y pueda disfrutarla y adentrarse en su mundo imaginario. Acompañada de sus personajes ilustrados, a Norka no le faltan planes para llevar a cabo, entre ellos, la publicación un libro con sus ilustraciones.

pERFIL ARTE

• 1, 2013, técnica mixta sobre tela, 125 x 46 cms.

Marcela iglesias Carácter místico Por Viviana González.

Para Marcela Iglesias la relación del hombre con su entorno natural es fundamental. La idea la conmueve y es transversal a su trabajo. “Yo tengo una historia basada en la relación entre el hombre y la naturaleza, en la naturaleza virgen. Ese es mi tema y esto ha ido evolucionando de distintas formas”, afirma la artista. Y es que, en su opinión, el vínculo del ser humano con su primer cobijo arroja cuantiosas respuestas sobre cómo somos.

eso. Hasta ahora ha estado enfocada en la pintura, aunque no se cierra a otras posibilidades. “La pintura es mi proceso ahora, no sé qué va a pasar mañana… es el hoy de mi trabajo y lo que siento”, dice la artífice oriunda de Valparaíso. El interés por este material pasa por su concepción del arte como algo espiritual. En ese sentido, la pintura, con su preparación de colores, constituye un ritual que vincula a lo sacro.

Matrona de profesión, su llegada a la pintura fue emocional y ya de adulta, pese a tener sus primeros acercamientos al arte durante su niñez. Comenzó con retratos a sus hijos en un estilo figurativo, pero sólo se dedicó de lleno al rubro luego de tomar cursos con Concepción Balmes.

Durante el segundo semestre de 2013 realizó Chile, Fragmentos de un Continuo. La serie, de corte abstracto, se centra en la Patagonia y busca ir de más a menos, para terminar con lo más puro o esencial. Se trata de ocho telas independientes y de formato apaisado que refuerzan la idea de un paisaje marcado por la división.

Interesada en la experimentación, afirma que su trabajo siempre está cambiando y que su estilo se caracteriza, precisamente, por

When human beings are involved, statistics become a frightful game. Antoine

SAint-exupéry, A Sense Of Life

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PERFIL ARTE

ALEJANDRA RAFFO Obturar al ritmo de la luz Por Viviana González.

La artista plástica, diseñadora y fotógrafa Alejandra Raffo se encuentra totalmente volcada a su trabajo con la cámara y en específico, a su productora Salamandra, mediante la cual organiza sorprendentes excursiones fotográficas. Si bien inició su carrera ligada a la pintura, el tiempo y la docencia la hicieron derivar a los medios digitales y al lente. De hecho, fue su trabajo como profesora, el que la hizo darse cuenta de la experiencia en terreno y preparó el camino para su actual proyecto. “Me di cuenta de que las clases en la sala, si bien eran interesantes, lo que más dejaba era el terreno. Puedes hablar horas del diafragma y el concepto puede no entenderse igual”, cuenta. Las excursiones, que comenzaron en 2011, son gestionadas en su totalidad por ella con la colaboración de sus hijas. La experiencia dura entre 3 a 5 días y es en grupos que varían en cantidad de participantes, dependiendo del lugar. Los destinos se eligen en base a oferta y demanda, pero siempre deben cumplir ciertos requisitos: ser sitios variados, que ofrezcan locaciones interesantes e impliquen cierta dosis de adrenalina. Hasta ahora, se han organizado recorridos a San Pedro de Atacama, La Araucanía, Patagonia, Rapa Nui y Perú. Su próximo viaje va a ser a la Patagonia, desde el 9 al 13 de octubre, actividad que está abierta a cualquier interesado. Puedes ver más de la iniciativa en www.excursionesfotograficas.cl. Además, desde el 6 de mayo, Alejandra dictará el curso Fotografía Digital Nivel 1, los días martes de 19:00 a 22:00 horas, en la sede Casona de Las Condes de la Universidad Andrés Bello. Para obtener mayor información, escribe a aocana@unab.cl o llama al 56-2 26618981.

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• Excursión a Rapa Nui en 2014.

perfil arte Siempre supo que experimentar con colores, texturas y distintos elementos que puedan tener resultados interesantes fue lo suyo, y así justamente lo hace. Mezcla tonos creando composiciones abstractas que recuerdan paisajes: un desierto, arena roja, casi amarilla. Busca expresar, sugerir y provocar sentimientos y emociones a través del movimiento, creando transparencia y armonía.

MARÍA PÍA CORTÉS La energía Por Bárbara Fernández.

• Sin Título, tecnica mixta, 110 x 200 cm.

A María Pía siempre le gustó todo lo relacionado con el arte y la estética. Aprendió diferentes técnicas en el taller de Sergio Stitchkin. Es por eso que a lo largo de su vida como artista ha estado en constante experimentación, abarcando técnicas como batik, técnica mixta, óleo, acrílico y sulfatos. Siempre buscando y estudiando nuevas formas de expresión, experimentando y logrando diferentes acabados, adquirió la capacidad para conseguir el efecto de volumen. Su experiencia en el color ha ido variando con el tiempo. Trabajó mucho con los rojos y ahora ha incursionado con tonos más fríos como los azules, con los que se ha sentido muy cómoda, dándole tranquilidad y paz. Aun así, su obra no deja de emocionar con su energía, pasión y equilibrio, elementos que forman parte importante en el proceso de creación que se ve reflejado en sus cuadros. Este año la artista participará en una exposición en Buenos Aires que se realizará al alero del lanzamiento del libro Anuario Latinoamericano de las Artes Plásticas.

ERIKA HAARDT CREACIÓN Versátil

• Atardecer, 2013, técnica mixta sobre tela 100 x 140 cm.

Por Bernardita Garib D.

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“Desde siempre me he sentido motivada a expresar mis fantasías y canalizar mi búsqueda; una suerte de denuncia al establishment”. Con estas palabras esta artista chilena, licenciada en arte de la Universidad Católica, describe el punto de partida de su trabajo. Impulsada por su innata inquietud en torno a la psicología e interacción entre los seres humanos, Erika Haardt creo a Coteluis, una caricatura a través de la cual logra expresar en libertad lo más humano y simple de los sentimientos y de su propia existencia, un “registro de mi propio yo”, como ella lo llama. Aunque este personaje no está presente en todos sus trabajos, es un elemento importante a la hora de entender el significado y punto de partida de su expresión plástica. A lo largo de los años y bajo la influencia de grandes maestros como Cienfuegos y Balmes, la artista ha logrado trabajar simultáneamente el óleo figurativo y el acrílico, con obras que podrían enmarcarse en el expresionismo abstracto. Esta dinámica en su proceso creativo en técnica y temática resulta interesante por la flexibilidad a la hora de trabajar. “Como madre, mi temática se vuelve más contemplativa. Luego vuelvo a temáticas más introspectivas y fantasiosas, creando personajes en ambientes oníricos, en ciudades y situaciones surrealistas”, cuenta. Hoy la artista se encuentra trabajando en un proyecto para el 2015 y dedicada a la docencia en su taller.

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HUWAIDA ALARJA PLASMANDO LA EXPRESIÓN Por Emilia Benítez Silva • Abstracto, 2014, técnica mixta, 190 x 80 cm.

Huwaida llegó a Chile a los 28 años desde Palestina, y hace 15 años que se dedica al arte. “Desde el primer minuto que agarré el pincel descubrí que soy artista y no lo solté nunca más”, cuenta. La artista partió con el hiperrealismo y luego pasó por todas las técnicas y los estilos hasta que descubrió que lo suyo era el arte abstracto. “Me gusta lo abstracto porque uno puede expresarse”, explica Alarja.

Esta decoradora de interiores de profesión encontró su camino en el arte, donde de manera autodidacta recorrió diversas técnicas artísticas. Nunca quiso dedicarse a un solo tipo de material y de la pintura pasó a la cerámica y de ahí a la acuarela, técnica que le fascinó desde el primer día. “Que el agua tuviera tanto que ver con el trabajo era genial”, cuenta y revela que cuando comenzó el formato máximo del papel que se vendía era de 100 x 70 cm. Esto la llevó a hacer un curso de papel hecho a mano para poder tener los tamaños que necesitaba. “Cuando hice mi primera hoja no la quise ocupar, porque era un trabajo increíble para llegar a ella”, señala. La combinación perfecta que se da entre las fibras y el color ha guiado su carrera hasta hoy, mezclando pulpas con pigmentos y variados elementos. En 2004 marcó su carrera con una Exposición en Galería AMS Marlborough, donde Roberto Edwards descubrió su trabajo y la invitó a participar en Cuerpos Pintados para hacer cuerpos con materiales. “Es el trabajo más emocionante que he hecho, trabajamos casi dos años e hicimos un libro precioso”, recuerda. Sus últimas exposiciones han incluido bastante collage. Superhéroes coloridos; papeles triturados que después une con pulpas y también trabajos hechos con papel volantín. Este año aún seguirá con los collages y el colorido. “Estoy abierta a que cada vez que entro a mi taller se abra mi mente y entre la creatividad”, concluye.

Sus obras en acrílico y técnica mixta reflejan la personalidad de la artista, son acogedoras y alegres. Trabaja con colores cálidos, muchos rojos y a veces con tonalidades de grises que, de manera extraordinaria y debido a la composición, también proyectan paz y alegría. A Huwaida le fascina que cada una de sus obras sea interpretada de manera diferente por cada espectador. “Me gusta que mis cuadros den energías, eso es lo que necesita el ser humano: algo que te de entusiasmo”, expresa. La artista elige una gama de colores y comienza a trabajar. “Me gusta sentirme en la pintura, en los colores, en las texturas”, dice. Huwaida está constantemente trabajando y ya tiene preparadas las obras para una muestra que planea exponer este año.

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MARCELA YACONI El arte de mezclar texturas Por Carolina Bravo.

• Sin Título, radio intervenida, 50 x 40 x 30 cm.

“La inspiración existe, pero tiene que encontrarte trabajando”. La famosa cita de Pablo Picasso refleja exactamente el pensamiento de Huwaida Alarja, para quien la inspiración fluye, maneja su mano y crea en la tela. “Lo más importante para el pintor es estar tranquilo por dentro y siempre estar trabajando porque la inspiración no llega sola”, explica.

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publireportaje

BAZART UC La feria de artes visuales ofrece al público una vitrina actual y variada. Más de 40 artistas nacionales, emergentes y consagrados, exhiben pintura, dibujo, collage, fotografía, escultura y grabado en un entretenido panorama familiar.

ste 21 de mayo se realizará una nueva versión de BazartUC, feria de artes visuales que ofrece una plataforma de difusión a artistas chilenos en un espacio universitario, dinámico y con gran flujo de público. BazartUC se constituye como un “paseo” por las artes, donde la gente puede “vitrinear” lo más actual del arte de hoy y también adquirir obras de arte sin comisiones ni intermediarios. El objetivo de BazartUC es convocar a aquellas personas que tienen interés en las artes visuales pero que generalmente no tienen tiempo para asistir con regularidad a museos o galerías. Asimismo, la UC busca ofrecer una plataforma de difusión amplia, abierta y gratuita a artistas para que muestren su quehacer como si estuvieran en su taller, ya que son ellos mismos los que reciben a los visitantes en sus respectivos stands. Lo que diferencia a la feria de otras iniciativas de este tipo es que no cobra comisión a los artistas ni entrada a los visitantes. Hasta el momento, más de 300 artistas han sido parte de esta gran iniciativa que se ha posicionado como una oportunidad para iniciarse en el coleccionismo y para actualizar la mirada. “Los

valores de las piezas corresponden a precio de taller, para facilitar también la adquisición de piezas de artes visuales tanto para coleccionistas como para aquellos que desean comenzar o ampliar sus colecciones sin tener que pagar extra por ello”, explica Daniela Rosenfeld, directora de Extensión Cultural de la universidad. Este 21 de mayo se realizará la primera versión del año, mientras el 12 de octubre y el 14 de diciembre se llevarán a cabo la segunda y tercera versión respectivamente. Actualmente se están recibiendo las postulaciones para participar en las versiones de octubre y diciembre. Todas las condiciones en www.bazart.uc.cl. Bazart UC LUGAR: Centro de Extensión UC DIRECCIÓN: Alameda 390, Santiago FECHA: 21 de mayo HORARIOS: De 11 a 19 hrs. Entrada liberada. Estacionamiento gratuito en Lira 21, presentando el ticket timbrado por nuestro personal en la caja.

El público también puede visitar las dependencias del Centro de Extensión UC y sus actividades culturales paralelas a la feria: Funciones de teatro infantil (Sábados a las 16 hrs., y domingos a las 12 hrs.), funciones de cine (miércoles a domingo a las 16, 19 y 21:30 hrs.), y sábados a las 19 y 21:30 hrs.) y galerías de arte.

actualidad

NUEVO MURAL EN TEATRO MUNICIPAL DE ANTOFAGASTA Más de mil metros cuadrados en el exterior del Teatro Municipal de Antofagasta ocupa la monumental intervención pictórica de Luis Núñez, reconocido artista de la zona que ha creado una serie de murales de valor patrimonial en la ciudad. Entre lo simbólico y realista, el trabajo retrata episodios de la historia regional, deteniéndose en los primeros habitantes, en inmigrantes y mineros de principios del siglo XX. El mural acaba de ser inaugurado a fines de abril, luego de que el artista comenzara a trabajar en el proyecto en 2008. Con un lenguaje realista, la obra representa parte de la historia local, deteniéndose en rostros de inmigrantes, trabajadores e indígenas.

EL ARTE AYUDA A VALPARAÍSO Distintas fueron las iniciativas que surgieron luego del devastador incendio que afectó a Valparaíso, dejando miles de damnificados. El arte tampoco se quedó atrás y la ayuda se canalizó a través de diferentes formas. El CNCA abrió una cuenta bancaria para ayudar a los damnificados del área cultural, a lo que se sumó la organización de programación cultural con artistas voluntarios a modo de distracción y apoyo a las víctimas. Las iniciativas privadas tampoco tardaron en aparecer. Galería Patricia Ready, en conjunto con la Fundación Desafío Levantemos Chile, se sumaron al esfuerzo de miles de chilenos y organizaron el pasado 24 de abril una subasta de fotografía que incluía obras de Alfredo Jaar, Cecilia Avendaño, Demian Schopf y Eugenia Vargas, entre otros, y que estuvo a cargo de Denise Ratinoff, representante de Christie’s en nuestro país.

FERIAS

FERIAS EN MAYO:

LO MEJOR DE ORIENTE Y OCCIDENTE Hong Kong y Buenos Aires esperan ansiosos recibir a los miles de visitantes que por estas fechas llegan a ambas ciudades para conocer las últimas tendencias del arte contemporáneo. Por Kristell Pfeifer. Imágenes cortesía de Art Basel Hong Kong y arteBA.

e este a oeste se encuentran las coordenadas artísticas durante este mes. Le segunda versión de Art Basel Hong Kong viene recargada, mientras Buenos Aires recibe una vez más a la consolidada y esperada arteBA. Ambas ferias prometen exhibir lo más destacado del arte contemporáneo de oriente y occidente, en dos encuentros La reconocida Art imperdibles para los amantes del arte.

no se queda atrás y entre el 15 y el 18 de este mes abrirá sus puertas la segunda versión de Art Basel Hong Kong.

245 galerías provenientes de 39 países exhibirán lo mejor de sus colecciones en un continente donde el mercado del arte crece a pasos agigantados. La mitad de los exponentes cuentan Basel estrena por con espacios de exhibición en Asia segundo año su versión asiática. Art y la región Asia-Pacífico, lo que Basel Hong Kong se prepara para asegura una amplia variedad y oferta de arte de oriente. ofrecer una vez más lo más destacado

Art Basel Hong Kong Art Basel, el gigante de las ferias más reconocido a nivel mundial, inaugura este mes la segunda versión de su filial en Hong Kong.

del arte oriental.

Primero Basilea en Suiza, de ahí su nombre. Luego Miami y, desde el año pasado, Hong Kong. La gran Art Basel no para de crecer y aumentar su reconocimiento, posicionando a su versión europea como la mayor feria de arte del mundo. Asia

La novedad este año es Film Sector, una sección dedicada a lo audiovisual curada por Li Zhenhua y llevada a cabo en colaboración con el Hong Kong Arts Centre. Por otro lado, Galleries, el sector principal de la feria, contará con la presencia de 171 galerías especializadas en arte moderno y contemporáneo. Insights es un sector dedicado a los proyectos curatoriales de 47 galerías y Discoveries presentará trabajos de uno o

La artista estadounidense Melora Kuhn estará presente en Art Basel Hong Kong a través de la galería alemana EIGEN+ART . Her permanent mark on him, 2014. Cortesía del artista y galería.

La obra de la artista argentina Gachi Hasper podrá verse en arteBA en la Galería Óscar Cruz. Sin Título, 2013, acrílico sobre tela, 140 x 200 cm.

dos artistas emergentes representados por 27 galerías. Paralelo a la feria se llevará a cabo una nueva versión de Conversations, una serie de charlas, paneles y discusiones a cargo de especialistas y expertos de las distintas esferas del mundo del arte.

Cerca de 100 mil personas visitarán las galerías de arte contemporáneo -grandes protagonistas de la feriaademás del OPEN FORUM de entrada gratuita, uno de los destacados de arteBA. El punto fuerte del encuentro es la Sección Principal, donde participan galerías establecidas y con trayectoria, convirtiéndose en el sector de principal atención. De nuestro país estarán representándonos las galerías XS e Isabel Aninat.

Artistas, galeristas, curadores, coleccionistas y amantes del arte en general esperan ansiosos esta nueva versión. Una oportunidad para conocer las propuestas más destacadas del arte al Las galerias XS e Isabel Aninat estarán otro lado del mundo.

Cabinet LAN está dentro de la sección principal y mostrará el representando a nuestro país en la trabajo de reconocidos artistas, vigésima tercera versión de arteBA. como Fernando Bryce y Vik Muniz. arteBA Otros sectores para no perderse son Solo Show Arcos Dorados de Pintura Más de 500 artistas se reúnen en una nueva versión de la feria más esperada de Sudamérica. Una Latinoamericana, donde seis artistas invitados harán una oportunidad para estar al día de las últimas tendencias del exhibición individual junto a sus galerías, y Barrio Joven Chandon, un espacio dedicado al arte emergente y la arte de la región. galerías jóvenes, aportando así proyectos alternativos y Buenos Aires se prepara para recibir una vez más uno de diferentes al encuentro. los eventos artísticos más destacados de su calendario. La vigésima tercera edición de arteBA, feria de arte La feria es grande y tiene para todos los gustos. No hay que contemporáneo enfocada principalmente en la producción dejar tampoco de visitar el sector editorial, donde se podrán artística latinoamericana, se llevará a cabo una vez más en adquirir libros y revistas de arte, y donde por supuesto Arte Al Límite estará presente con un stand. La Rural entre el 23 y el 26 de mayo.

Las galerias nacionales Isabel Aninat y XS estarán representando a nuestro país en la vigésima tercera versión de arteBA. Izquierda: Martín Eluchans. Derecha: Nicolás Radic.

La obra de Paulo Burgos estará presente en arteBA a través de la galería Militantes. Hada, 2013, fotografía digital.