Periódico Arte Al Límite | Edición 106, julio 2014 by Arte al Límite

N° 106

Julio 2014 Santiago de Chile Distribución gratuita

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06. Fútbol & Arte El Mundial de Brasil ha unido al fútbol con el arte: en diferentes países se han realizado exposiciones sobre “el deporte más lindo del mundo”. La transversalidad del fútbol y la riqueza del arte formaron al mejor equipo.

12.

La Última Cena de Da Vinci

Una obra que demuestra la maestría de Leonardo al momento de componer y su talento para romper esquemas con un dramatismo que muchos buscaron imitar.

14.

La Encomienda en Chile

Doce fotógrafos peruanos presentarán su trabajo en el MNBA. Cerca de 50 obras realizan una mirada crítica a los conceptos de historia, identidad y territorio.

43.

Museo a Cielo Abierto

En la población de San Miguel han introducido el arte en su vida con 40 murales de gran formato que le dan color a Avenida Departamental.

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a fiebre del fútbol deja a pocos incólumes por estos días. Por donde quiera que vayamos, diarios, pantallas y radios comentan el evento que domina la agenda global. La fiebre mundialera abarca todos los ámbitos y las artes visuales no son la excepción: a lo largo del mundo, distintos espacios han abierto sus puertas para presentar su propia versión de este deporte a través de la forma, la idea y el color. Chile no se queda atrás y se suma a la tendencia que recorre importantes museos. El ejemplo anterior es una muestra de cómo el arte se encuentra al servicio de los intereses del hombre. La plástica es una forma de plasmar y entender el mundo en que vivimos: nos interroga, nos sorprende, produce emociones en nosotros y nos entrega códigos para descifrar nuestro entorno. Al mismo tiempo, la creación artística en torno al deporte del balompié pone en evidencia la fuerza con la que esta disciplina puede llegar a las grandes masas y la posibilidad de abarcar una audiencia no siempre relacionada al mundo cultural. De esta forma, las manifestaciones que algunos conocedores ligados al mundo del arte podrían criticar por falta de contenidos o pobreza conceptual se convierten en un elemento de unión, comunicación y vinculación entre públicos disímiles y diversos. Para estar en sintonía con el evento que concentra las miradas de todo el mundo, presentamos en esta edición un reportaje en torno a la relación arte-fútbol como elemento de identificación cultural. Estas páginas recorren las diversas manifestaciones artísticas que se han desarrollado paralelo a la fiesta del mundial y nos entregan pistas sobre cómo el fútbol une, tanto en la cancha como fuera de ella. Que el arte se abra a la gente y las masas es el deseo de muchos quienes trabajan por la inclusión cultural, pues saben los enormes beneficios que ésta genera en el público y, a fin de cuentas, en la sociedad. El desafío en este tipo de escenarios es lograr el correcto equilibrio entre accesibilidad de los contenidos y calidad de éstos. Y aunque pueda haber críticas o detractores ante estas iniciativas, debemos mirar con positivismo toda intención de democratizar y abrir espacios de comunicación hacia las masas de parte de las artes visuales.

SUMARIO

06 | Reportaje: Fútbol & Arte, el mejor equipo 12 | Mirar la historia: La última cena de Leonardo da Vinci

14 | Exposición destacada: La encomienda en Chile 22 | En el taller: Constanza Ragal 24 | Panoramas

28 | Críticas 32 | Artista emergente: Pablo Tapia 34 | Perfilarte

32 38 | Reportaje: Usando el arte para sanar 42 | Artista destacado: Philippe Trillat

43 | Arte público 44 | Actualidad 45 | Artista destacado: Jorge Campos

46 | Ferias

REPRESENTANTE LEGAL Orlando Calderón F. | VENTAS info@arteallimite.com | SUSCRIPCIÓN suscripciones@arteallimite.com | FONO-FAX 2955 3261 WEB www.arteallimite.com | FACEBOOK facebook.com/arteallimite | TWITTER @Arte_Al_Limite | INSTAGRAM @arte_allimite PORTADA Salvador López, La Hinchada más grande del Mundo, 2011, acrílico sobre tela, 400 x 300 cm. | IMPRENTA R.R. Donnelley, Santiago, Chile.

Las opiniones vertidas en este medio son de exclusiva responsabilidad de quienes las emiten.

REPORTAJE

Mundial Brasil 2014

FÚTBOL & ARTE, EL MEJOR EQUIPO El arte no quedó afuera de la gran fiesta futbolera que ha acaparado durante un mes la atención del planeta. Tanto en Chile como en el extranjero artistas, curadores y museos han realizado muestras de arte sobre “el deporte más lindo del mundo”. Es así como, gracias a la transversalidad del fútbol y a la riqueza del arte, se ha generado una alianza imbatible.

Por Emilia Benítez y Catalina Martin Imágenes cortesía de la galería Artium y del MAC.

ada cuatro años durante un mes todo se detiene en pos de la Copa Mundial de Fútbol. Este año la fiesta fue en Brasil, pero en todas partes se realizaron diferentes eventos y actividades relacionadas al Mundial.

Monterrey, México. Una reflexión en torno al fútbol se realizó en el MAC de esta ciudad mexicana con la exposición Fútbol. Arte y pasión, una muestra que incita a lecturas más allá del aspecto lúdico y diseccionando este deporte, reuniendo una selección de obras de artistas modernos y contemporáneos.

California, EEUU. El Los Angeles El apoyo a la “roja de todos” County Museum of Art (LACMA) estuvo acompañado de diferentes Brasil. Por supuesto, en el país del estará hasta el 20 de julio exponiendo The Beautiful Game, una exhibición actividades y exposiciones en fútbol también se realizaron actividades de este tipo. Los artistas brasileños que examina el fútbol y el significado nuestro país. denominados “Los Gemelos”, pintaron que tiene en las sociedades alrededor con 1200 tarros de spray el avión que del mundo: cómo este deporte se introduce en el nacionalismo y la identidad de una nación, traslada a la selección nacional de fútbol brasileño hacia las y lo que significa la experiencia de ver fútbol por parte de distintas ciudades durante el mundial. Los artistas convirtieron los espectadores. Aproximadamente 30 artistas de todo a este avión en una impresionante pieza amarilla donde el mundo han trabajado en videos, fotografías, pinturas y aparecen pintados rostros de personas comunes y corrientes, una obra que definitivamente llamó la atención del público. esculturas ligadas al arte del balompié.

Omar Gatica, Sín título, 2010, serigrafía, 83 x 66 cm.

Oscar Barra, El Gran Juego II, 2014, acuarela sobre papel, 80 x 100 cm.

Chile no fue la excepción de esta tendencia y el tradicional apoyo a “la roja de todos” estuvo acompañado de muestras y exposiciones que atrajeron a los amantes del fútbol y a los que no lo son tanto.

tenemos ilustradores, muralistas, diseñadores; porque cada uno da un enfoque distinto, incluso tenemos contrataciones internacionales como Pablo del Cielo”.

El Bravo Portero, El Huaso, El Negro Bose, El Pitbul, El Príncipe, El Care Pato, El Niño Maravilla, El Rey Arturo, Visogol, El Mago y Turboman son los personajes a los que dieron vida los artistas, y es que ellos son El 11 de junio, un día antes de la “Los futbolistas son nuestras actores que forman parte del imaginario inauguración del Mundial, se estrenó La Nueva Selección Chilena en Puma Lab, celebridades”, dice el ilustrador colectivo de nuestra sociedad. Por esta razón esta exposición es una prueba de que ubicado en el Centro Cultural Gabriela Tomás Ives y explica que los tanto el arte como el fútbol se relacionan Mistral. La muestra de 20 metros, que personajes forman parte de la con la cultura y con la idiosincrasia de permanecerá hasta agosto expuesta en la una nación. “El fútbol es socialmente Alameda, tiene por objetivo homenajear cultura pop. transversal, eso es lo que refleja la muestra: a la selección chilena y sus jugadores. el mural del fondo es un barrio marginal, “Sampaoli hizo una curatoría de jugadores para formar la no pusimos un estadio porque elegimos un bloc, una pichanga de selección que jugaría durante el mundial”, cuenta Rodrigo barrio, porque de ahí vienen nuestros jugadores”, explica Dueñas. Dueñas, miembro del colectivo artístico La Nueva Gráfica Chilena, creadores de esta muestra que reúne 11 paper toys Plumas de colores tierra, en tonos verdes, rojos, amarillos ilustrados por diferentes artistas y ambientados en una cancha y azules, dan vida al ídolo: a Alexis Sánchez. El muralista e de fútbol de barrio. “Nosotros ocupamos la misma metodología ilustrador chileno Tomás Ives fue quien creó al Niño Maravilla, y de un equipo de fútbol, convocamos jugadores, buscamos lo hizo de una manera digna de su talento y creatividad. “Ocupé quienes podrían jugar mejor en ciertos puestos. Por ejemplo, diseños de la imaginería mapuche que hacen referencia a los Una curatoría de jugadores

Hernán Gana, Sin título, 2014, óleo sobre tela, 120 x 144 cm.

pájaros. Alexis es ultra talentoso, es rápido y muy hábil, es un pajarito que se mueve maravillosamente y que tiene capacidad de concreción, mete la pelota donde quiere”. Ives retrata al jugador tocopillano con un claro aire nortino, logrando un parecido a las máscaras de las diabladas, y lo hace de manera abstracta, siguiendo con la línea de su trabajo que siempre se ha mantenido alejado de lo figurativo. Alexis se irgue con una boca con dientes afilados que el ilustrador creó inspirado en los B52, bombarderos de la Segunda Guerra Mundial, para representar la ferocidad del delantero. Para Tomás el arte y el fútbol se encuentran en la cultura pop, en lo contemporáneo. “Los futbolistas son nuestras celebridades, la gente se ve reflejada en ellos, son modelos a seguir”, explica. La hinchada más grande del mundo El sentir sudamericano, los hinchas, y la pasión que se vive en la cancha es lo que retrata la exposición Hinchadas de Fantasía del artista chileno Salvador López, que a lo largo de toda su carrera artística ha trabajado el tema de la hinchada y sus múltiples expresiones. Para esta copa del mundo, no podía quedarse atrás. “Me llama la atención que a través de un juego, tan sencillo y elemental, se forme un mundo alrededor de eso, hay

organizaciones ficticias, hay liderazgo, hay color, el verdadero espectáculo está afuera”, comenta sobre su interés por plasmar lo que se vive en la cancha. Hinchadas que pregonan mensajes de optimismo, sosteniendo lienzos con mensajes como “te amo como el viernes” o “aire no te vendas”, son característicos de la obra de Salvador López. “Los lienzos que yo muestro llevan mensajes más trascendentales, cosas de la vida y la existencia que no tendrían lugar en un partido real”, explica. A partir de coloridas obras, repletas de detalles y personas que representan el sentir sudamericano frente a la fiesta del fútbol, el artista logra retratar la explosión, el movimiento y rescatar el barrio. “Esta es mi novena exposición en que la temática de mi obra ha sido la hinchada, pero en esta muestra terminé el relato de la hinchada y pude contar la historia completa, incluyendo sus personajes y los momentos “, comenta sobre su exposición que estará presente hasta el 13 de julio en el Espacio Fundación Telefónica. La entrada es liberada. Las pelotas se toman el MAC de Quinta Normal Los que alguna vez pensaron que el fútbol y el arte eran incompatibles, se equivocaron. Y la actual exposición

Lela Ahmadzai, Equipo femenino de Afganistán, 2012, fotografía.

en el MAC de Quinta Normal es la prueba fehaciente de que el leguaje rico en imágenes del fútbol se presta para transformarlo en arte, más que cualquier otro deporte.

vulgares hasta estudios complejos relacionados con el tema. “Me parece súper interesante la fotografía del artista cordobés Gabriel Orge, la cual retrata a dos dueñas de casa que cosen artesanalmente pelotas en un barrio marginal de Córdoba. Esta fotografía muestra una intimidad del deporte generalmente desconocida, la modesta acción de elaborar una pelota con las manos”, comenta el artista Giancarlo Foschino.

Fútbol, el juego sólo acaba cuando termina es el nombre de la muestra, inspirado en un famoso proverbio brasileño. En un recorrido por distintos formatos artísticos, la exposición presenta fotografías e instalaciones de video y sonido de artistas internacionales como Al artista chileno Salvador López Sebastián Gordín (Argentina), Muu Blanco (Venezuela) y Gianfranco Foschino, el único le llama la atención que a través artista chileno presente en la exhibición.

de un juego se forme un mundo totalmente independiente. “El verdadero espectáculo está afuera”, comenta.

Foschino realizó un video llamado The Kids and The Axe, una representación de 10 minutos de duración que retrata el patio trasero de una casa humilde a las afueras del Lago Panguipulli. "Aquí el futbol no es el protagonista de la obra, sino un elemento más dentro de todo el cuadro, el tema se presenta porque una pelota está colada en el paisaje cotidiano”, explica el artista.

El curador de la muestra Alfons Hug, logra abarcar el fútbol desde distintas miradas, desde situaciones cotidianas y

Así, entre las obras de la muestra se pueden encontrar desde fotografías de la selección de fútbol de Afganistán, un equipo que juega bajo peligro de muerte, hasta una “pelada nocturna” en una favela de Río de Janeiro. La exposición estará disponible hasta el 17 de agosto. Clasificatorias de artistas chilenos

“Chile es un país muy futbolero, con el fútbol llegas a todo el país”, asegura Luz Barros, directora de la galería Artium donde actualmente se realiza la exposición Jogo Bonito, que reúne alrededor de 40 obras inéditas de importantes artistas nacionales que se unieron a la celebración de la Copa del

Alejandro Balbontin, Sín título, 2014, acrílico sobre tela, 100 x 140 cm.

Mundo. La muestra exhibe como obra principal una litografía de cuatro metros de Roberto Matta. El artista chileno realizó Matta Calcio para el Mundial de Italia de 1990, la obra está conformada por seis planchas que representan un partido de fútbol que da espacio a un paisaje místico. El 2010, para el mundial de Sudáfrica, Artium organizó una muestra junto a la Asociación Nacional de Fútbol Profesional (ANFP) que fue un éxito rotundo. Para Brasil 2014 quisieron repetir el proyecto, pero esta vez incluyendo pelotas pintadas por los artistas. Esto presentaba un desafío porque las pelotas son un soporte radicalmente distinto a cualquier otro, además, su tecnología las hace impermeables a la pintura. La mayoría de los artistas aceptaron este reto y los resultados fueron magníficos. “Hubo artistas muy mateos, como Alejandro Robles que partió tempranito y le puso mucho esmero y profesionalismo a lo que hizo. También hicieron pelotas Carmen Aldunate, Lorenzo Moya, Alejandro Robles, Catalina Abott, Oscar Barra, Rodrigo Alvarado Patricio González, Marco Antonio Díaz, Vicente Rojas Ruggeri. La mayoría de estos artistas también hizo obras gráficas para la muestra”, explica Luz, y agrega que cada artista enfocó el tema de diferente manera. Por ejemplo, la artista chilena Sol Guillón realizó una construcción en planos para destacar

la forma y el color de la gráfica de la pelota oficial llamada “Brazuca”, en distintos niveles. El artista Alejandro Robles tomó como inspiración la relación entre los crack y el público, entendiéndolos como una masa anónima que durante 90 minutos deja de lado su propia individualidad motivado por un sentimiento y compañerismo común. “El fútbol es transversal, nos une, nos agrupa, nos hace ser patriotas”, cuenta Luz y explica que uno de los objetivos principales de Artium es llevar el arte a la gente, producir un encuentro entre el arte y el público, y que esta exposición cumplió ese objetivo con creces. El 10 de julio se realizó la inauguración en el mall Costanera Center bajo el nombre Arte Pasión y Fútbol que permaneció ahí durante una semana y fue visitada por miles de personas. Luego, la misma exposición cambió de nombre y se trasladó a la galería donde se quedará hasta el 12 de julio. El Mundial Brasil 2014 definirá a su campeón el 13 de julio en el Estadio Maracaná, en Rio de Janeiro. Durante este tiempo el fútbol ha probado ser materia de arte y las diferentes actividades artísticas que se han desarrollado han demostrado que arte y fútbol unidos son un equipo sinigual que logra unir y enaltecer a nuestra sociedad.

MIRAR LA HISTORIA

La última Cena representa el momento posterior a que Jesús anunciara la traición de parte de uno de sus apóstoles. Es una pintura al temple y óleo sobre yeso y mide 460 x 880 cm. Se encuentra en el convento dominico de Santa Maria delle Grazie en Milán.

n 1495 el duque de Milán, Ludovico Sforza, decidió encargarle a Leonardo una pintura para el refectorio del convento dominico de Santa María delle Grazie, donde se encontraba su capilla familiar. Sforza no contaba con que el pintor tardaría cerca de tres años en terminar el encargo del muro de 4,6 x 8,8 mt. y que habría momentos en que trabajaría de sol a sol para luego pasar días observando la obra sin dar una pincelada. La lentitud del trabajo se debía, como observan algunos escritores como Bandello, Vasari y Giraldi, a la perfección con que Leonardo buscaba retratar a cada uno de los personajes, dedicando mucho tiempo al estudio de las figuras y a cómo establecería la composición final. Para permitirse esto, el florentino desistió de usar la clásica técnica al fresco para la pintura de muros, donde los pigmentos se van aplicando sobre la cal húmeda, lo cual obliga a que el trabajo sea rápido y los trazos seguros. A cambio, pintó sobre dos capas de yeso con una mezcla similar al temple y óleo, lo que daba la opción para hacer arreglos y superponer capas de pintura.

Desde el punto de vista compositivo el resultado es sorprendente. Visto desde el lado de la conservación, un rotundo fracaso. La pintura comenzó a deteriorarse mientras Leonardo aún vivía, y ya en el siglo XVII se encontraba en tal estado que los monjes no dudaron en abrir una puerta en el centro del muro. Hasta el día de hoy la pared ha debido ser restaurada en diversas ocasiones, la última entre 1980 y 1999. Aun así, La Última Cena es una obra que demuestra la maestría de Leonardo al momento de componer escenas y el talento del pintor para romper esquemas y lograr un dramatismo que muchos buscaron imitar. La pintura representa el momento de tensión luego de que Jesús anunciara la futura traición que sufriría por parte de uno de ellos. Cada apóstol reacciona de forma diferente y entre todos logran conformar una unidad armónica a ambos costados de Cristo. En el centro de la composición, Jesús se alza en el punto de fuga y atrae la mirada. Leonardo elige representarlo sin halo o aureola y en vez de ésta sitúa por detrás una ventana que crea un claro

La última cena, de leonardo da vinci

ANUNCIANDO LA TRAICIÓN La pintura representa el momento de tensión luego de que Jesús anunciara la futura traición que sufriría por parte de uno de sus apóstoles. Cada uno de ellos reacciona de forma diferente y entre todos logran conformar una unidad armónica y dramática a ambos costados de Cristo. “Y mientras cenaban les dijo: Os aseguro que uno de vosotros me va a entregar. Muy entristecidos, se pusieron a decirle uno por uno: ¿Seré yo, Señor?” Evangelio de Mateo 26, 21-22 Por Kristell Pfeifer.

y resalta su condición humana. Con los brazos abiertos, su figura forma un triángulo al cual se dirigen todas las reacciones de los discípulos, agrupados a su alrededor en cuatro grupos de a tres y cuya tensión contrasta con la serenidad de Jesús. A diferencia de sus predecesores, Leonardo rompe esquemas y decide ubicar a Judas junto a los demás comensales, cuando la norma hasta el momento había sido sentarlo aparte al otro lado de la mesa. En el primer grupo de apóstoles, de izquierda a derecha, se encuentra Bartolomé, Santiago (el menor) y Andrés. Bartolomé está de perfil y cierra la composición, Andrés levanta sus manos como símbolo de inocencia y Santiago toca la espalda de Simón Pedro. A éste lo rodean Judas y Juan, el primero de barba y pelo negro y el segundo con facciones femeninas que algunos han asociado a María Magdalena. Pedro intenta ocultar un cuchillo en su mano y se inclina para decirle algo a Juan, mientras Judas, único apóstol con el rostro en sombra y expresión indefinida, derrama un salero, lo que podría entenderse como un mal presagio.

Al otro lado de Jesús, Tomás sorprendido, Santiago con expresión de desconcierto y Felipe angustiado, preguntan a su maestro si serán ellos quienes lo traicionarán. Más a la derecha, Mateo busca apoyo en Judas Tadeo y Simón Zelote, quien cierra la composición. Sutilmente, todos los movimientos y expresiones hacen dirigir la mirada hacia Jesús, quien permanece tranquilo en el centro de la escena con la mirada hacia abajo, en aceptación de su destino. Pese al deterioro del que ha sido víctima la obra, La última Cena demuestra la genialidad de Leonardo y evidencia la osadía del florentino al momento de recrear situaciones de una forma distinta a las que muchos otros pintores venían haciéndolo. Atrás quedaron las tranquilas escenas que compartían Jesús y sus apóstoles con un Judas notoriamente aparte que simbolizaba su traición. En esta pintura mural abunda el movimiento, el dramatismo y la conmoción luego de que Cristo anunciara la traición que inevitablemente sufriría.

EXPOSICIÓN DESTACADA

Fotografía peruana contemporánea

LA ENCOMIENDA EN CHILE Desde el 25 de julio hasta fines de agosto se exhibirá en el Museo Nacional de Bellas Artes una imperdible muestra que reúne a doce fotógrafos peruanos independientes en torno al tema de La encomienda en Chile. Alrededor de 50 obras constituyen esta exposición que contará con increíbles fotografías cuyo orden y disposición también será parte de la muestra.

Por Emilia Benítez Silva. Imágenes cortesía de los artistas.

l proyecto La Encomienda surge el 2012 como una plataforma internacional itinerante que reúne el trabajo de artistas plásticos peruanos con la intención de crear una propuesta que manifieste un nuevo sentido de representación del arte peruano contemporáneo. El proyecto ha expuesto en San José de Costa Rica, Bogotá, Lima, Miami y ahora lo hará en nuestra capital.

relaciones durante los últimos 200 años. “No sabemos tanto del Perú como deberíamos y esta exposición tiene el bonito gesto de demostrar las cosas en común que tenemos”, cuenta Navarrete.

El montaje de la muestra jugará con el concepto y la extensión de la imagen, estableciendo una lectura de la fotografía contemporánea. Doce fotógrafos se unen realizando una Por eso las obras estarán exhibidas mirada crítica desde la fotografía a los de diferentes maneras. Por La Encomienda en Chile es traída al país por el curador Ernesto Muñoz, conceptos de historia, identidad y territorio. ejemplo, la disposición de las fotos de Fernando Otero es tal que el en esta muestra doce fotógrafos se collage en realidad es un mensaje unen en un frente independiente del quehacer fotográfico del Perú contemporáneo, realizando en código morse; y las obras de Christian Fuchs estarán enmarcadas una mirada crítica desde la fotografía a los conceptos de historia, con marcos históricos que serán prestados por el MNBA. identidad y territorio. La idea es lograr una conexión con el espectador chileno: que se cuestione sobre su procedencia y su Identidad, historia y territorio futuro. “En el fondo ellos al venir a Chile nos muestran como es Perú, y ahí el público va a poder participar reconociéndose, lo Un nostálgico Perú criollo es revelado en la obra de Luis Martin que buscan es una especie de identificación y lo que proponen es Bogdanovich, cuyo trabajo da paso a la república de Gil de una mirada introvertida”, explica el curador Carlos Navarrete, que Castro, con la representación de Cristian Fuchs. Paisaje sublime conoce la exposición con profundidad. es la serie que Bogdanovich expondrá en Santiago, estas obras surgen de la indagación filosófica sobre el origen de la idea de Existe un vínculo latente entre Perú y Chile, que viene desde lo sublime, desarrollada por Kant en su Crítica de la facultad de nuestras raíces criollas. La Encomienda en Chile busca reflejar esas juzgar estética, en contraste con la producción de los pintores

Christian Fuchs, Gran Mariscal Don Juan Bautista Elespuru y Montes de Oca, autoretrato, 2014, fotograf铆a digital impresa en papel algod贸n, 51 x 62 cm.

El trabajo de Sergio Fernández, director del proyecto La Encomienda, es digno de un guion cinematográfico. El artista, arquitecto de formación, presenta Ocupa, una serie fotográfica donde registra arquitecturas abandonadas en los desiertos periféricos de Lima, mostrando una deteriorada visión de la urbe en escenarios rurales. “Mis obras se estructuran en base a una importante presencia geométrica y de elementos paisajistas y arquitectónicos. Estos elementos de identidad peruana construyen un matiz donde se “Quisiera que Guardianes sea recibido amplía el sentido estético, histórico por el público chileno como una invitación y antropológico del Perú”, explica.

del romanticismo alemán de principios del siglo XIX. “El paisaje sublime o romántico, sólo se pintó en Europa. Ahora yo quiero fotografiar la majestad del paisaje americano bajo la idea de lo sublime, tal cual lo hubiera podido concebir Caspar David Friedrich, por ejemplo”, cuenta el artista y revela que aprovechará la visita a Chile para fotografiar los lagos y las montañas del país.

Por su parte, el trabajo de Christian Fuchs, artista que se define como peruano-chileno, es una serie de autorretratos en los que se apropia de la identidad de sus antepasados a considerar el paisaje –la Tierra en José Carlos Orrillo descubre el para convertirse en ellos, tomando realidad– como un verdadero ser vivo, pasado con su trabajo Guardianes como referencia retratos originales que propone una visión interior del de diferentes épocas. Su obra está palpitante y consciente”, dice Orrillo. paisaje peruano, lleno de huacas íntimamente relacionada al tema de la (templos o sitios ceremoniales identidad, pues se mezcla él mismo con sus antepasados. “La memoria genética y familiar son los mayores prehispánicos), desde la nueva perspectiva de la fotografía responsables de quiénes somos pues no sólo heredamos el parecido peruana. El artista vive en Trujillo, en la costa norte de Perú, lugar físico de quienes nos precedieron sino también los gustos, intereses que fue cuna de las culturas Moche y Chimú. “A pesar del impacto negativo de la depredación y la contaminación urbana, es todavía y, en muchos casos, hasta las enfermedades”, comenta. un territorio cargado con muchísima energía ancestral”, cuenta el A los ojos de Fuchs, Chile y Perú comparten indiscutiblemente fotógrafo. Su trabajo puede entenderse como una galería de rostros una historia y una identidad al ser naciones hermanas y tener de los espíritus guardianes que custodian los espacios sagrados. “Mi vínculos familiares e históricos. “Muchas de las familias que intención entonces es revelar un universo vivo, oculto en el paisaje, existen hoy en Chile vivieron por generaciones en el Perú y un mundo poblado de seres que nos observan desde un territorio viceversa, tanto es así que la sociedad de principios del siglo enigmático situado más allá del tiempo”, agrega. XIX en ambos países fue retratada por Gil de Castro”, explica. Parte de su trabajo para esta muestra presenta dos retratos Guardianes incorpora a la muestra una visión espiritual del paisaje, que son reinterpretaciones de cuadros de sus antepasados, reivindicando la herencia ancestral de la cultura latinoamericana. ancestros comunes de muchas familias que existen en ambos “Es nuestra identidad y nuestra raíz más profunda, y eso es algo que compartimos en términos históricos y culturales”, cuenta países hasta el día de hoy.

Hans Stoll, de la serie HipertĂŠlico Urbano, 2010, collage digital de panorĂĄmicas de la ciudad de Lima, 110 x 110 cm.

Orrillo y agrega que para construir sus imágenes se inspiró en dos principios de construcción visual recurrentes en el arte prehispánico: la simetría y la frontalidad.

en el paisaje urbano”, declara Llona. Su trabajo es el reflejo de una sociedad global, de una identidad colectiva, de un mundo con el que todos nos identificamos: la ciudad. Es por eso que llama a la reflexión acerca de que las fronteras son imaginarias y la percepción de la realidad es difusa y subjetiva.

Todas las fotografías son el reflejo de una imagen original, capturada en el paisaje, que luego se vuelven dos -opuestos complementarios-, tal como sucede en el arte de las culturas Chavín, Moche o Paracas. La obra de Fernando Otero para La Encomienda en Chile es una “Quisiera que Guardianes sea recibido por el público chileno como colección de fotografías grupales de mediados del siglo XX en el Perú que dan una visión de distintas una invitación a considerar el paisaje –la facciones del pasado cercano de la Tierra en realidad– como un verdadero Al igual que sucede con la capital chilena: sociedad peruana. “Aquí hago de ser vivo, palpitante y consciente, que nos si bien Lima no es Perú, es en esta ciudad recolector patrimonial, de curador alberga a todos, nos contiene a todos y por supuesto, no conoce fronteras”, donde se representa y congrega gran de historias, tanto internas como externas. A diferencia de mis manifiesta José Carlos Orrillo. parte de la población peruana. compañeros fotógrafos quienes dan testimonio de su presente, yo Fernando Gutiérrez demuestra que la cultura peruana y chilena están unidas intrínsecamente desde reconstruyo una posible idea o la voz de una obsesión”, describe sus inicios, por sus sueños y sus heridas. “Esta idea hace que nos Otero sobre su trabajo. veamos reflejados, mucho más cercanos de lo que creíamos”, explica y agrega que no revelará mucho más sobre su obra pero El fotógrafo Hans Stoll investiga los comportamientos humanos frente al crecimiento desmedido de las ciudades que parte desde la pregunta: “¿Por qué no fuimos al mundial?”. latinoamericanas. Al igual que la capital chilena, Lima ha sido Por su parte, Felipe Llona juega con la urbe contemporánea a través en estos últimos años una protagonista importante de este de reflejos que se nutren entre ellos. Su obra busca visualizar el fenómeno y, si bien Lima no es el Perú, es en esta ciudad donde espacio contenido entre muros, encontrar la sustancia del vacío y se representa y congrega gran parte de la población peruana su relación con lo que lo delimita, logrando así situar al espectador conformándose como una urbe multicultural y diversa. “Mi registro está centrado en el paisaje urbano, su crecimiento y en el contexto de la ciudad y cómo esta dialoga con su entorno. transformación. Me parece un tema vigente que de alguna “Se ha llamado belleza al equilibrio entre dos partes, lo reconocible manera toca a todos los que vivimos en ellas”, opina Stoll. de una forma, la evidencia de la simetría. A pesar de estar de acuerdo en lo incuestionable de tal belleza, no estamos dotados Por supuesto que las mujeres también participan en La Encomienda para sacar esos atributos de la morfología que sólo se manifiestan en Chile, que contará con el trabajo de excelentes y reconocidas

Luis Martín Bogdanovich, "Caminante adentrándose en la tormenta", de la serie Paisaje Sublime, 2013, impresión de inyección sobre papel de algodón.

José Carlos Orrillo, "Cerro Oreja", de la serie Guardianes, 2007, impresión digital en papel fotográfico Premium sobre bastidor, 120 x 80 cm.

fotógrafas. El trabajo de Aisha Ascóniga realiza un estudio de identidad al tomar el discurso de la mujer peruana tratada como canon de perfección. La obra de Macarena Rojas hace alusión a los sentimientos que provocan en ella el paisaje de la costa peruano-chilena, específicamente del desierto que comparten. “Es a partir de mis fotografías que capturo las sensaciones que el paisaje me trae. Para mi es uno, donde los límites geográficos no están considerados”, comenta Rojas. Por su parte, Nicole Franchy presenta la serie Solo acceso a propiedad, un fotomontaje digital que parte de su archivo análogo del registro de Lima durante un año. La artista une en una fotografía lugares diferentes para que el espectador pueda visitarlos de una vez. “Esta es una segunda mirada al quiebre social debido a la migración interna hacia la ciudad de Lima y que me hizo volver a mirar y entender el espacio en el que habitamos”, explica Franchy. Cecilia Paredes sigue impresionando con su trabajo: fotoperformances, donde el cuerpo es el principal soporte. La artista trabaja el concepto de que nuestras diferencias también nos unen, idea clave para la exposición gestada por Ernesto Muñoz. En palabras del curador: “Paredes utiliza la astucia de la mujer para construir su imaginario y para proponer creativas ideas a problemas que nos afectan a todos”.

Pasado y futuro La cultura es el mejor embajador al momento de unir a grupos humanos. Peruanos y chilenos tenemos las mismas raíces, andinas y americanas. Esto se ha demostrado a lo largo de la historia especialmente en el ámbito de las letras, la música y el arte. Esta exposición llega a Chile para revalorizar esta unión entre países, produciendo en el público un cuestionamiento entre lo conocido y lo ajeno que llevará a una identificación con la realidad peruana. Probablemente los chilenos nos veremos reflejados en la visión propia del Perú. La muestra La Encomienda en Chile tendrá lugar en el MNBA, el principal centro artístico de Chile. Esto no es menor puesto que los artistas peruanos importarán una visión propia del hoy, que al instalarlo junto a otras salas del Museo permitirá al espectador apreciar el choque del presente con el pasado, de lo que somos con lo que fuimos y así quizá imaginar lo que seremos.

La Encomienda en Chile LUGAR: Museo Nacional de Bellas Artes DIRECCIÓN: Parque Foresta s/n, metro Bellas Artes, Santiago FECHA: Del 25 de julio al 31 de agosto

Para algunos el arte y la cultura son un lujo...

... para nosotros, una necesidad.

www.arteallimite.com 21

en el taller

CONSTANZA RAGAL Entre las luces y el silencio…

Por Lucía Rey Imágenes cortesía de la artista.

“…Quien usa la luz del mundo para retornar a su realidad interior, es por ella preservado de todo daño…” Tao Te King¹. Epigrama LII.

onstanza Ragal, cuyas próximas exposiciones son en Florencia (Italia) y New York (EE.UU.), habita su taller en el fondo de su casa, presentándose como un lugar iluminado que permite el ejercicio silencioso de la pintura múltiple, junto con la enseñanza de su técnica y motivo pictórico a otras personas. Ragal, contenida aquí, se desenvuelve de distintas formas en cada espacio, ya sea el interior del hogar o el interior del taller; en el hogar se puede observar su tendencia al coleccionismo de obras físicas, que encuentra su cristalización en la apertura reciente de la galería Madhaus (ubicada en el Barrio Italia). La autora trabaja desde su riqueza biográfica; habiendo viajado por distintas razones a Oriente, conserva de ellos una emoción en torno a la profundidad del misterio de las cosas. Su hogar

¹ Tao Te King en la versión castellana y comentarios de Gastón Soublette. Editorial Cuatro Vientos. Santiago de Chile: 1990.

está habitado por diversas piezas budistas, que funcionan como mapa de dichos recorridos, y que también mantienen latente en ella la inquietud sobre el vacío y la ausencia, ese vacío y ausencia que se ven figurados estéticamente en el taller. Éste contiene sólo los objetos necesarios para el trabajo creativo, y exhibe principalmente las obras en curso, siendo guardadas aquellas que mantiene en reposo o están terminadas. Sin grandes requerimientos materiales, trabaja pensativa y sencillamente, no espera decir nada. Más bien, como dijera Wittgenstein, muestra un lugar reflexivo y conflictivo, en donde se tensionan las luces del “mundo del glamour” y el “mundo no decible”, tensiona las “luces brillantes” y el vacío que ellas mismas generan al mostrarse como un lugar de reflejo de un “mundo otro” inaccesible al entendimiento. Así, entre dos alegorías, la autora vive en su “taller- hogar” y su “taller- pictórico” y, como si pudiéramos hacer expresables las cuestiones más indescriptibles a través de figuraciones concretas, elabora imágenes sensibles que dislocan, por la ambigüedad del existir entre dos mundos: uno físico,

inextricable, brillante; y otro metafísico, inexpresable y oscuro. Ahí donde hay oscuridad, porque hay inaccesibilidad, Ragal presenta la iluminación determinada entre la representación de lo superficial y la irrepresentabilidad de lo profundo. Todo esto no es casual, ya que en su trabajo por más de un lustro como asistente del artista visual Gonzalo Cienfuegos, se ha formado con referentes estéticos que adentran en el tratamiento poético de la imagen, y que citan de una u otra forma el misticismo oriental al cual ella había accedido visualmente en sus viajes. Su formación técnica en la pintura entramada con estos encuadres biográficos, han sido cercanos al artista Diego Velázquez, junto con el desarrollo sistemático de una visión hopperiana² de las escenas representadas y la melancolía fotográfica del cineasta Wong Kar Wai. Ya que, como dijera el poeta Jorge Leiva: “Sin embargo, la noche es honda…” ² Nos referimos aquí al artista Edward Hopper.

panoramas

EXPOSICIONES SANTIAGO El reconocido artista chileno radicado en Nueva York presenta una muestra que remite a la relación entre la víctima y el agresor, desde la dimensión más íntima a la global, aludiendo a la múltiple condición de la personalidad humana.

En la muestra se complementan obras con apuntes donde hay un registro de las conversaciones con un psiquiatra, filósofo y crítico.

Identidades ocultas, Jorge Tacla

hasta el 21 de septiembre Museo de la Memoria y los Derechos Humanos Matucana 501, Quinta Normal www.museodelamemoria.cl

hasta el 31 de julio Museo Benjamín Vicuña Mackenna

hasta el 1º de agosto Galería Patricia Ready

Latitud, Héctor Villarroel

Puertas, Sebastián Preece

La muestra es una serie de óleos de gran formato que representan la

La exposición es una instalación de 280 metros cuadrados donde el artista

ciudad, tomando su organización urbana y también la relación de elementos orgánicos esenciales que la conforman.

sustrajo 58 puertas de celdas abandonadas de la ex cárcel de Rancagua.

Av. Vicuña Mackenna 94, Providencia www.museovicunamackenna.cl

Espoz 3125, Vitacura www.pready.cl

El destacado del texto corresponde al autor de la imagen que acompaña. * Las imágenes de las obras publicadas son detalles de la original.

hasta el 2 de agosto Galería Artespacio

hasta el 27 de julio MAVI

10 años, Claudio Herrera

Heroica-Territorio de Resistencia, Caja Negra

La exposición presenta 15 obras que transitan desde elementos abstractoimpresionistas a otros más experimentales y figurativos. Es una pequeña retrospectiva de los últimos 10 años, donde predomina el uso de pigmentos como el óleo, el acrílico y el gouche.

La línea expositiva estará dada por propuestas individuales exhibidas bajo la lógica del montaje asociado, donde se mezclarán los trabajos de artistas consagrados junto con las nuevas apuestas que actualmente integran el taller de Caja Negra.

Alonso de Córdova 2600, Salas 1 y 2, Vitacura www.artespacio.cl

José Victorino Lastarria 307, Santiago www.mavi.cl

Hasta el 15 de julio Galería Isabel Aninat

hasta el 31de julio Taller siglo XX

grabados de joan miró

Cu4tro, Pauline Cristi, Marisol Rosas, Mercedes Cifuentes, Luz María Soriano

La muestra consta de litografías numeradas y firmadas por el artista en la plancha y corresponden a una selección que resume parte del lenguaje de la dilatada trayectoria de Miró.

La muestra Cu4tro ahonda en este número sagrado, y en los elementos de los cuales toda materia se compone. La representación al principio de la creación que son el fuego, el aire, el agua y la tierra.

Av. Pdte. Kennedy Nº5413, Las Condes www.galeriaisabelaninat.cl

Ernesto Pinto Lagarrigue 191, Recoleta www.tallersiglo20.cl

panoramas

EXPOSICIONES REGIONES

hasta el 20 de julio Centro de Extensión Pedro Olmos, Universidad de Talca

hasta el 31 de julio Universidad Católica de Temuco

Obras recientes, de Bernardita Broughton

Malgama, Andrea Gutés, Domínica Ortiz, Juan Reyes, Sebastián Robles, Victoria Bravo

Esta muestra se basa en la “mirada silenciosa” característica de la obra de la artista. Historias que hablan de la memoria y que reflejan una manera de ver y estar en lo cotidiano, abordando las horas y el desplazamiento de la luz.

Una exposición colectiva de jóvenes artistas que muestra una carga importante de significados, los artistas hacen surgir cosas, objetos e imágenes que actualizan dicha tensión.

2 norte 685, Talca www.utalca.cl

Av. Alemania 0422, esquina Dieciocho de Septiembre, Temuco www.uctemuco.cl/galeria

TALLERES / WEB

Hasta el 3 de Agosto Casas de Lo Matta

Hasta el 9 de julio Pueblo del Inglés

Paso Por, Andrea Rodríguez Garcés

Taller express acuarelas, Carolina Rodríguez

La muestra es una invitación a relfexionar a través de la mancha en torno a la interacción de personas en aquellos espacios de transitoriedad como el metro, la calle o el aeropuerto.

Esta artista dará clases a principiantes para aprender a manejar la técnica de la acuarela.

Av. Kennedy 9350, Vitacura www.arteallimite.com/artistas/andrea-rodriguez

Pueblo del Inglés, local 84, Vitacura www.artenostro.cl www.arteallimite.com/artistas/carova

El destacado del texto corresponde al autor de la imagen que acompaña. * Las imágenes de las obras publicadas son detalles de la original.

Hasta el 13 de julio Sala Pinacoteca Casa del Arte Diego Rivera

Hasta el 15 de julio Pinacoteca de la Universidad de Concepción

Post Tenebras Lux, Elvira López

Colección dal Bosco, de Alberto Durero

Esta muestra alude al proceso creativo en sí mismo, al ciclo. Es por esta razón que la exposición se relaciona con el solsticio de invierno y la celebración del mismo.

Una selección de 113 obras originales de la Colección Dal Bosco, una de las colecciones privadas de grabado más importantes de Europa, del reconocido artista alemán Alberto Durero.

Quillota 116, esquina Antonio Varas, Puerto Montt www.culturapuertomontt.cl

Chacabuco esquina Paicaví sin número, Concepción www.extension.udec.cl/casadelarte

Hasta el 24 de julio Galería Municipal de Valparaíso

Hasta el 3 de agosto Galería de Arte del Mirador de Yanahuara

Colores desde una Luna Azul

Arequipa Woman´s Week 2014, María Elena Etchepare

Muestra colectiva de arte y poesía basada en la obra del gran poeta y oralitor chileno Elicura Chihuailaf.

La artista chilena expondrá en este encuentro que busca visibilizar el trabajo de mujeres de distintas ciudades hermanas de Arequipa en el mundo del arte, la cultura y la empresa.

Condell 1550 www.arteallimite.com/artistas/carolina-busquets

Distrito de Yanahuara de Arequipa www.arteallimite.com/artistas/maria-elena-etchepare

críticas

AFINIDADES DEL CINE Y LA HISTORIA DEL ARTE Por Enrique Solanich S. Magíster en Teoría e Historia del arte y Miembro de AICA.

l film hispano El artista y la modelo (2012), narra los últimos soplos de un escultor residente al sur de Francia, cerca de la frontera con España, durante el año 1943, plena Segunda Guerra Mundial y cesada la Guerra Civil de la península. Dirigida por Fernando Trueba más el aporte de Jean-Claude Carriére como coguionista, el título remite a los tratos acaecidos en el seno del taller entre una modelo y el artista, aceptando que tal reservado espacio causa oleadas para la creación emanadas de los diálogos sobre arte, tanteos sobre facturas y manipulación de materias, sin olvidar la complicidad que brota entre ambos, revestida de connotaciones amatorias. Todo ello avala las indagaciones a los procesos síquicos e inventivos de autores, permitiendo mejoras a sus biografías y auxilios para el quehacer de los historiadores.

Hay varios ejemplos de las reciprocidades estéticas en la comunicación sin etiquetas que el dúo establece, sean con palabras, ademanes, gestos y poses, tanto como de los modos impuestos por el artista para afrontar, leer y releer a la modelo acorde a sus idearios. Acá se trata de un afamado que vive su ocaso desanimado por los horrores del momento, cavilando sobre la misión y contenido de la belleza y la perfección artística en tiempos de pesadumbre. La aparición de una muchacha española, escapada de un campo de refugiados y hecha musa por sugerencia de su propia esposa, le impulsa delinear una obra áulica, epítome de su inconclusa producción. Armado el relato, incitador de miradas a los entresijos cotidianos del estudio, rasgos doctrinales del protagonista calzan con la silueta de Aristide Maillol (1861-1944), versátil plástico y estatuario, cultor del arte griego y de la tradición mediterránea en medio de la eclosión vanguardista. Tras abandonar la pintura, en 1902 realiza su primera muestra individual que Auguste Rodin (1840-1917) alaba y, no obstante, mantener amistad y respeto, Maillol sigue una postura a contrapelo del modernismo. Volcado en el desnudo femenino pregona la escultura de bulto redondo y cerrado, de superficie lisa y pulimentada, exenta de textura artificiosa y distante de los desvíos literarios o historicista. Adscribe como regla a mujeres meditabundas que, en posturas contenidas, de sensuales morfologías, proporciones severas y grandiosas exultan un ideal femenino cual alegoría de la naturaleza. El hilo fílmico, de poético realismo, enseña la ejecución de la pieza de El Mediterráneo (1902-05) de Aristide Maillol, efigie temprana que incuba su reapropiación del cuerpo humano en geométrica arquitectura, sutil tesura y velado erotismo. Ella deviene, así, pretexto argumentante que media la fotografía y puesta en escena de un guión impecable rodado en blanco y negro, que logra cima por los coloquios alternados con silencios elocuentes, discurriendo, al mismo tiempo, sobre las seductoras faenas que el estudio entraña y comporta.

El Mediterráneo de Aristide Maillol.

Artshooter

críticas

LAURA QUEZADA Sala de Exposiciones Campus Santiago, Universidad de Talca Por Ernesto Muñoz. Crítico de arte y curador. Miembro de AICA. Imagen cortesía del Centro de Exposiciones Universidad de Talca.

Aves Navegantes, 2003, bronce, cobre y madera, 62 x 41 x 14 cm.

lgunos teóricos ven la escultura realizada por mujeres como una continuación de las ideas del eterno femenino, esa teoría introduce a las mujeres en temas como la maternidad. Sin embargo, vemos como esas dulces y débiles creadoras son capaces de emprender obras de gran envergadura y retrocedemos a Lily Garafulic, a Marta Colvin, creadoras de desempeños notables. Laura Quezada, la brillante escultora, que efectúa su muestra individual en la Sala de Exposiciones de la Universidad de Talca en la sede en Santiago, no es una excepción: crea a partir de la naturaleza, dando soluciones de fuerte originalidad, dejando atrás tabúes en el tema de la naturaleza, del Oriente, más bien esa actitud de vacío que nutre la cultura nipona en numerosas piezas que ella elabora con bastante rigor. La imaginación creadora es una búsqueda que interesa para descubrir la génesis inconsciente de la creación, espacio que al analizar nos permite estudiar una obra de arte desde varias aristas partiendo donde la repetición, simplificación y coordinación conducen a la contemplación de una obra, como dice Ribot. En Quezada descubrimos formas emanadas de una simplificación de formas cactáceas, pero ahí contemplamos un pretexto de donde se penetra a una simplificación de la naturaleza, terreno sinfín de la creación. El reproducir a la naturaleza busca un virtuosismo donde el artista elige una recreación, en el caso de esta escultora es alejarse para llegar al primigenio producto de ver y observar donde nada se escapa. La larga denominación de materiales ocupados por esta virtuosa es pasto de cruces donde el suspenso se entrega en códigos de gran aliento como esas flores, o reminiscencias de ellas, como el fin de la pareja y una mirada a la nueva vida, o esos barcos expresados como una necesidad de cambios o de partir a explorar nuevos caminos. Abandonando el aumento exagerado de objetos como el caso de la Aguja que se encuentra en el Parque de las Esculturas aparece esta nueva Laura que se establece como un nuevo asidero de la escultura chilena.

Orgánica, de Laura Quezada LUGAR: Centro de Exposiciones Universidad de Talca en Santiago DIRECCIÓN: Quebec 415, Providencia FECHA: Hasta el 6 de julio

críticas

PURO CHILE PAISAJES Y TERRITORIOS DE CHILE EN EL CCPLM Por Pedro Labowitz. Crítico de arte. Miembro de AICA. Imagen cortesía del CCPLM.

Demian Schopf, China Supay de la serie Los coros menores, 2011, fotografía, 100 x 150 cm.

sta no es, como podría pensarse, una exposición de cuadros de paisajes locales, sino un ensayo de captar todo Chile en distintas técnicas de las artes visuales. Por lo tanto la fotografía y el video ocupan aquí un lugar comparativamente grande, al lado de óleos y grabados. Como no podría ser de otra manera, el resultado es una mirada caleidoscópica a nuestra historia y geografía, que nos presenta desde pinturas realistas de ventisqueros y paisajes sureños de Voluspa Jarpa, hasta fotografías igualmente realistas que muestran inmigrantes peruanos que se deslizan por el muro norte de la Catedral de Santiago. Cronológicamente los testimonios van, prácticamente, desde la fundación de la República hasta hoy. Predomina, como es inevitable, un cierto aspecto sociológico. Correspondientemente la obra principal de la exposición, en cuanto a su tamaño, es un cuadro totalmente simétrico de La Moneda en llamas, un óleo en la sala occidental, que no tiene mayor interés artístico. La técnica moderna de la fotografía sirve, por supuesto, principalmente para captar aspectos modernos de nuestra vida como rascacielos, autopistas y otras construcciones contemporáneas. Al lado, por cierto, de aspectos de nuestra naturaleza: el conocido cuadro de una Palmera de Onofre Jarpa o un jardín de Ximena Cristi se destacan favorablemente al lado de una obra de Pablo Domínguez, en que sobre un fondo de azul

y verde dos delgados árboles se doblan en una tormenta en un ángulo recto. También vale la pena detenerse ante artistas como Celia, Laureano Guevara o Emma Jauch. La muestra nos lleva desde el romántico Antonio Smith hasta nuestros días, incluyendo fotografías que se refieren a los mapuches de hoy. Uno de los mejores óleos de la muestra es Los Patipelados de Jim Mendoza, proveniente de la pinacoteca de la U. de Concepción, que muestra un grupo de trabajadores maltrechos sentados en una plaza de Valparaíso. También esta obra, como casi todas las de la muestra, está cercana al realismo. Por supuesto que no faltan diversos ejemplos de pinturas de varios de nuestros más conocidos pintores, pero no se les hace destacar especialmente. A veces los objetos se exhiben en forma algo caprichosa; por ejemplo en la sala occidental un cuadro está colgado a tal altura que ya es imposible apreciarlo. Una exposición muy amplia que nos trae muchas insinuaciones y recuerdos. Puro Chile. Paisaje y territorio LUGAR: Centro Cultural Palacio La Moneda DIRECCIÓN: Plaza de la Ciudadanía 26, Santiago FECHA: Hasta el 17 de agosto

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“OCCHIO MOVILE” ARTE CINÉTICO ITALIANO EN EL INSTITUTO CULTURAL DE LAS CONDES Por Ennio Bucci Abalos. Licenciado en Teoría y Historia del Arte y Estética. Miembro de AICA. Imágenes cortesía de la Corporación Cultural de Las Condes.

l concepto de arte cinético plantea la introducción del movimiento real –espacial o no– como elemento plástico determinante. El arte cinético presenta dos modalidades de trabajo: la del movimiento espacial, generalmente denominada cinetismo y la lumínica espacial llamada luminismo. La primera remite a una modificación espacial perceptible y la segunda se acusa en el cambio perceptible del color; la luminosidad y la trama. La muestra Occhio Movile, que en español se traduce como el ojo en movimiento, presenta los lenguajes del arte cinético italiano que se da entre las décadas del 50 al 70. Está integrada por cincuenta pinturas, collages, videos, esculturas y otros objetos realizados por artistas claves del arte óptico y cinético italiano; desde Bruno Munari, precursor de las investigaciones sobre la percepción de arte óptico e indiscutido referente del diseño; hasta artistas que participaron de la escena local a través de agrupaciones o en forma individual, como Gianni Colombo y miembros del grupo T. Los artistas italianos desde aquella época producen objetos cinéticos que se pueden manipular con intervención manual o mecánica, o bien obras que se mueven según el punto de vista del espectador. Este movimiento traspasa las artes visuales e irrumpe en el cine, la moda, y otras disciplinas de creación visual. El artista alemán Joseph Albert y Victor Vasarely fueron iniciadores del movimiento óptico, este último fue quien escribiera Notas para un Manifiesto en la exposición “movimiento” presentada en la galería de arte Denis Rene en el año 1955. Estos son un referente histórico de cómo esta tendencia se fue desarrollando como movimiento artístico en el siglo XX. La muestra es presentada en conjunto por el Centro Cultural de Las Condes y el Espacio Arte Abierto de Fundación Itaú y cuenta con el patrocinio de la Embajada de Italia y del Instituto Italiano de Cultura. Una exposición valiosa e interesante de ser visitada, tanto por el nivel de los representantes de esta tendencia; como también la oportunidad del público de experimentar in situ la vivencia cinética.

Dinamica Circolare 6B, de la artista Marina Apollonio, 1967, esmalte sobre mecanismo giratorio, 50x50 cm - diámetro 40 cm.

Occhio Mobile, Arte Cinético Italiano LUGAR: Centro Cultural de Las Condes y Espacio Arte Abierto de Fundación Itaú DIRECCIÓN: Apoquindo 6570 y Apoquindo 3457 FECHA: Hasta el 27 de julio

ARTISTA EMERGENTE

PABLO TAPIA

FIGURAS SINESTÉSICAS La obra del artista se constituye como una interpretación visual de la música, su máximo y más antiguo referente. Mediante una técnica que se asemeja al collage, se articulan escenarios donde cada figura mantiene su autonomía e independencia, permitiendo que el espectador identifique cada uno de los elementos. Por Catalina Martin. Imagen cortesía del artista.

as pinturas figurativas de Pablo Tapia no tienen la intención de introducir al espectador en la tridimensionalidad sugerida, propia de la pintura realista e hiperrealista. Su propósito es que el público logre identificar cada uno de los elementos de su obra, aumentando el acercamiento entre la obra y el espectador. Al inspirarse netamente en la música, generalmente clásica, el artista extrapola la naturaleza genuina de las piezas musicales —donde varios instrumentos tocan al unísono manteniendo su independencia y permaneciendo identificables— a su pintura. Así, se configuran obras donde cada elemento se puede apreciar por separado, y que logran traspasar la emoción y el sentimiento que proyectan las piezas musicales de Gustav Mahler, compositor austríaco con el que el artista ha trabajado el último tiempo. “La inspiración parte de la música, me siento a escuchar y van surgiendo imágenes, hay un tema, tampoco se trata de un ejercicio de ilustración, no me dedico a ilustrar piezas musicales pero sí entiendo ese procedimiento, referente como un elemento que ayuda a mantener la unidad”, comenta sobre el proceso de creación de sus obras. Desde sus inicios en la facultad de Arte de la Universidad Católica, el artista supo que la pintura en base a óleo era el área que quería desarrollar. Tomar piezas musicales y darle una interpretación a través de lo visual mediante el óleo se transformó en un proceso sinestésico. Un trabajo arduo donde el artista no deja ningún detalle al azar. Para su examen de grado, estuvo durante 8 meses escuchando la misma sinfonía, para lograr la mimetización y que se viera reflejado el espíritu de la música en la pintura. Ha repetido la misma tónica de empaparse lo más posible en la pieza musical, para así posteriormente sacar las emociones y los sentimientos presentes en la composición. “La idea es que mis pinturas den el tono de las piezas musicales que estoy escuchando. Por ejemplo Mahler tiene ese componente oscuro, lúgubre, y al mismo tiempo elegante, mi paleta de colores

responde a eso, al final la música también puede ser respondida como un problema atmosférico”, comenta. El uso de grandes formatos responde al objetivo de la obra: incorporar múltiples elementos, trabajar libremente la pintura y permitir la soltura del gesto y dar cuenta de lo que significa. De una estética que se asemeja al barroco, los elementos presentes en sus pinturas responden a una crítica a esta sociedad donde existe una deshumanización del hombre, caracterizada por la competencia y el individualismo. Figuras independientes unas de otras que ejemplifican también la forma en la que nos relacionamos en la actualidad. “Mi pintura tiene matices que apuntan a los problemas de la sociedad, eso tengo que hacerlo con un tipo de imágenes que den ese motivo, tienen que remecer. El óleo sobre tela lleva siglos y siglos, algo tiene que pasar en las imágenes para que deje de considerarse como un elemento estático”, explica. El artista también experimenta en abordar el tema de la pintura como materialidad en sus retratos, aprovechar al máximo la textura, la cantidad de pintura que se utiliza y por sobre todo, el gesto. Como se pueden identificar la pincelada y la profundidad en una obra. “Cuando se justifica hacer imágenes muy reales, las hago; cuando quiero que el gesto y la expresión sea lo más importante, elimino los demás elementos de la imagen como, por ejemplo, el fondo”, dice. Recientemente, el artista estuvo exhibiendo Sinfonía sobre tela, una exposición individual que estuvo presente hasta el 2 de julio en el Club de la República ubicado en Marcoleta 659. Sus planes son ahora internacionalizar la exposición, además de preparar una muestra junto a los artistas Simón Farriol y Rodrigo Troncoso en el MAC de Valdivia ideada para abril de 2015. La temática, al igual que sus trabajos anteriores, abarcará la crítica social, abordado desde el paisaje, la noción histórica y una mirada íntima, a cargo del artista.

Sin T铆tulo, 贸leo sobre tela, 160 x 100 cm.

Sin T铆tulo, 贸leo sobre tela, 300 x 200 cm.

perfil arte

• Despues de la lluvia II, 2014, fotografia digital intervenida, monotono, 80 x 20 cm.

Carla Monforte Singular Captura Por Bernardita Garib.

Una vida en torno a la fotografía y la imagen marca la obra de Carla Monforte. A los 14 años recibió como regalo su primera máquina, y nunca más la dejó. El entorno en el cual creció, vinculado a la gráfica y las expresiones artísticas en general, contribuyó significativamente en su desarrollo profesional. Siempre fusionando distintas técnicas y conocimientos adquiridos en su carrera como diseñadora, y decidida a concentrar su trabajo en la fotografía, hoy experimenta y trabaja la imagen con soltura y libertad. “Mi ojo se ha ido afinando. Me he ido ajustando a la era digital, donde la fotografía es parte de la vida diaria de todas las personas”, explica. Vivir en Antofagasta le ha permitido a la artista capturar imágenes del desierto por muchos años. La ciudad nortina es para la artista

what makes this an object of value?

“una urbanización del desierto”, escenario que forma parte del proyecto en el que está trabajando junto a Correos de Chile para lograr tomas de la ciudad y sus rincones, que luego serán impresas como postales. Este proyecto está financiado por el Fondart Regional del Consejo Nacional de la Cultura y las Artes, fondo adjudicado por concurso público en 2014. Hoy día, el uso de internet y las redes sociales han hecho desaparecer esta práctica. Para este objetivo, la artista experimenta con imágenes sobrepuestas, algunas monocromáticas y otras llenas de color para que las personas tengan acceso a fotografías singulares y distintas, con el fin de que esas imágenes y sus mensajes viajen y rescaten la práctica de antaño.

http://www.arteallimite.com/artistas/carla-monforte

perfil arte

CAROLINA OLTRA Estudiando el contorno Por Viviana González.

Los límites, lo público y lo privado, el juego entre lo de adentro y lo de afuera son las temáticas que Carolina Oltra ha abordado a lo largo de su carrera. Tópicos que se vinculan a la forma en que esta creadora se relaciona con el entorno y su biografía. “Yo me apropio del mundo a través del paisaje”, afirma. De niña, vivió en diferentes lugares, a lo largo de Chile y en el extranjero. Estudió tres años de arquitectura antes de derivar a las artes visuales, experiencias que, según ella, marcaron su aproximación a las cosas y terminaron por posicionar al espacio como eje de su trabajo.

• Serie borde 1, 2014, fotografia digital y collage, 40 x 40 cm.

En la actualidad, la artista está construyendo fotocollages, los cuales concibe a partir de imágenes que ella captura y luego reorganiza. Se trata siempre de fotografías de paisajes generalmente desolados, pero “con la huella, el fantasma del ser humano”. Trabaja en varias cosas a la vez y en procesos intermitentes. Si bien necesita lo manual, el coser y pegar cada pieza, la parte del proceso que más disfruta es la reflexión previa que acompaña a cada proyecto. “No es como llegar y empezar a pintar, primero estudio lo que voy a hacer. Lo que a mí me gusta es el tema de la investigación”, explica.

http://www.arteallimite.com/artistas/carolina-oltra

Durante el próximo año Carolina participará con Ars Factus, un colectivo de 11 mujeres artistas, en una exposición en la Biblioteca Nacional. Con este mismo grupo está organizando muestras en Washington y Nueva York que todavía no tienen fecha. Paralelamente, la artista está desarrollando algunas ideas para crear una exhibición individual.

perfil arte Fanática del dibujo y la gráfica, la artista elabora grabados donde el tema fundamental es la representación de los árboles, interpretando la esencia y la música que la naturaleza lleva dentro. Su obra nos invita a hacer una pausa, y reflexionar detenidamente sobre los detalles que se presentan.

MARCELA CARVAJAL Grabados sustentables Por Catalina Martin.

Marcela goza con el grabado, lo que más le gusta es la incertidumbre del resultado final. “Me apasiona que no sea rutinario, el acto en sí puede serlo, pero el resultado jamás lo es, esa dualidad la encuentro fascinante”. De todas formas, la experimentación con materiales diversos es una constante en el trabajo de la artista, le encanta reinventarse y probar nuevas técnicas. En este momento, está incursionando con géneros, y comenzará a trabajar con la diseñadora Alejandra Bobadilla, dueña de la marca Surorigen, para realizar su colección primavera verano. La artista estará encargada de imprimir sus grabados en tela y la colección estará terminada en septiembre de 2014.

MARÍA IGNACIA FELL Movimientos de color Por Bárbara Fernández.

• Danza-bosque, 2014, grabado ecológico (tetrapack), 50 x 40 cm.

Para la artista, su arte es una extensión más de un estilo de vida determinado y consecuente. Vegetariana, amante del reciclaje y la naturaleza, Marcela vive en la zona alta del Arrayán, a las afueras de Santiago, y por lo mismo, su máxima inspiración es la naturaleza. “Miro hacia afuera y me inspiro, le saco fotos a los árboles de mi propia casa y he experimentado también con el fotograbado, que consiste en el traspaso de una imagen fotográfica hacia el metal por medio de un foto film”, comenta la artista.

http://www.arteallimite.com/artistas/marcela-carvajal

Satura una imagen, la ordena y descifra el lenguaje. Lenguaje que, con un aire caótico, invita al espectador a leer sus cuadros atiborrados de información. No entrega ninguna pista, ningún dejo de lo predecible, de lo probable o descifrable, la artista deja todo en manos del espectador de su obra que al verla vibra con sus formas y sus fuertes colores. María Ignacia Fell se siente inspirada por las ciudades repletas de movimientos y texturas, las diferentes visiones que obtiene de lo que ve, lo que se contrapone y lo que se asemeja. Trabaja sobre diferentes soportes; tela, papel, género y madera, realizando todas sus imágenes con acrílico, óleos eco, pigmentos, lápices y polímeros.

• Sin Título, 2013, técnica mixta, 40 x 40 cm.

Desde muy temprano se sintió atraída por intervenir soportes, y sin duda los estridentes colores la han seducido desde que tiene memoria. “Al tratar de expresarme verbalmente muchas veces me costaba y terminaba explicándolo con dibujos”, señala.

Utiliza los tipos de lenguaje para plasmar diferentes emociones. “Me atrae lo caótico de juntar muchas técnicas y colores al mismo tiempo. Me fascina cuando alguien ve mi obra y me dice que se lee mucha información, ya que ahí empieza mi proceso creativo de limpiar la imagen”, cuenta. Con un aire cubista de expresionismo abstracto y sin duda con una fuerte influencia de la pintura aborigen australiana, la artista ha sabido entregar una obra representativa de la sociedad actual donde repite patrones, satura, desordena y mezcla.

http://www.arteallimite.com/artistas/maria-ignacia-fell

“Mis obras son muy alegres y coloridas, cercanas por la presencia de la Mujer, atemporales, sin tiempo ni espacios determinados, marcan presencia”, revela la artista. Graduada de publicista en el 89’, y luego de trabajar en marketing y publicidad, viajó a Estados Unidos, donde estudió Marketing en la Universidad de Nueva York. Durante dicha estadía también aprovechó de participar en diversos cursos impartidos por el Metropolitan Museum, entre los que destacan los estudios del color, pintura costumbrista y étnica, con los que fue definiendo, sin darse cuenta, la senda hacia el arte. Así fue como tras su regreso a Chile se decidió por el arte, y específicamente el Batik, técnica que consiste en pintar telas mediante tintura, lo que se efectúa excluyendo, por medio de cera caliente aplicada con brochas, en las zonas que no se desean colorear y luego teñir hasta obtener los resultados deseados. Teresa lleva 17 años dedicados a esta técnica, ha tomado cursos de perfeccionamiento en Chile y Boston, participando en varias exposiciones colectivas e individuales.

http://www.arteallimite.com/artistas/maria-teresa-benavente

TOTOY ZAMUDIO Reinvención y descontextualización Por Natalia Vidal

MARÍA TERESA BENAVENTE Enamorada del Batik Por Carolina Bravo.

• Encuentro japonés, 2013, batik en lino, 100 x 100 cm.

La Mujer, su paso por la historia, sus amores, deseos y pasiones, sus obras, su trabajo, su maternidad, su trascendencia y su femineidad son los temas que se roban la escena en la obra de Tere Benavente, donde también abundan los colores cálidos, intensos en su máxima saturación y con gran fuerza.

“No quiero seguir pintando para colgar un cuadro sobre la pared. Ahora quiero un festival de sensaciones, busco conmover a través de la reinvención”, cuenta Totoy Zamudio desde la vereda de los que buscan encontrar su arte en nuevas plataformas y contextos. Hoy el artista está cambiando y sabe que eso redundará en una vuelta desconocida de su arte. Totoy Zamudio flirtea con el preciosismo y la acuarela desde hace un largo tiempo. Sin chorreo y con meticulosidad ha llevado a la tela la luminosidad de sus personajes característicos, transmitiendo múltiples mensajes en una sola obra. Eso está a punto de pasar a la historia. Hoy, con una serie de proyectos en mente, desdibuja las fronteras de la tela, para trasladarse a otros formatos. “Estoy en un periodo de reestructuración total en mi vida. Los cambios se están dando en todo nivel y estoy seguro que eso va a alterar mi pintura”, dice el artista contemporáneo con una contagiosa emoción. Definitivamente el proyecto plasmado en Apumanque lo trajo un paso más acá en su reestructuración artística. “Me gustó cómo quedó y el impacto que generó el proyecto. Pinté un cuadro de acuarela sobre tela y, de repente, se transformó en una imagen digital gigante. Sacaron de contexto mi obra, compraron el cuadro, le sacaron la foto y lo pusieron ahí en frente de todos. Me gusta sacarle provecho al material y ver cómo se puede transformar una obra”, confiesa anticipando el carácter de sus próximas apariciones en un mural en La Serena y en la colaboración con una inmobiliaria en la que trabajará con muebles, alfombras y juguetes.

• Cuadro de antilo, acuarela sobre tela, 60 cm de diámetro.

http://www.arteallimite.com/artistas/totoy-zamudio 37

reportaje

Arte Terapia en Chile

USANDO EL ARTE PARA SANAR Se trata de una disciplina dinámica, que no intenta enseñar técnicas artísticas, sino que se vale de la creación para explorar procesos personales y ayudar al bienestar. Si bien sus inicios se remontan a 50 años atrás, el área aún es desconocida para gran parte de los chilenos. El auge que ha tenido en el último tiempo da para pensar que la situación podría cambiar. Por Viviana González. Imágenes cortesía de Javiera Hauser y Fundación Teletón.

l color inunda el ambiente, éste se aprecia en los cuadros que atiborran las paredes del recinto, pero también en mesas, sillas y en algunas de las esculturas que se encuentran distribuidas por la sala. Entre plasticinas, papeles, pegamento, lápices y pinturas, un grupo de jóvenes y niños van dando rienda suelta a su imaginación y desarrollando diversos proyectos individuales, siempre acompañados por profesores y arte terapeutas. Ellos forman parte de los cerca de 600 pacientes que se atienden en la Unidad de Terapias Artísticas que tiene Fundación Teletón en Santiago. Aquí el arte es un descanso en un arduo proceso de rehabilitación, que acarrea, además de desgaste físico, una pesada carga emocional. La creación de las manualidades en este espacio, va más allá de generar piezas artísticas bajo supervisión, acá cada beneficiario se concentra en la realización de labores específicas que los van a ayudar en su rehabilitación. Se trata de una intervención terapéutica, gracias a la cual los pequeños desarrollan y potencian las habilidades blandas que tienen, trabajando en sus dificultades emocionales, su autoestima, sus habilidades sociales, su autonomía y sus canales expresivos, entre otras áreas. “Nuestros chicos desde temprana edad se tienen que enfrentar con situaciones muy frustrantes. Por lo que les

ha tocado vivir hay una cantidad de emociones que los invaden y que es importantísimo que sean capaces de expresar. Es difícil verbalizar los sentimientos y ponerles un nombre, pero si logran canalizar eso a través de objetos de arte pueden liberar todas estas emociones que podrían no ayudar a los procesos vinculados a una rehabilitación exitosa”, explica Macarena Rivas, coordinadora nacional de la Unidad de Terapias Artísticas Creativas, sección que utiliza diversas modalidades artísticas, como la danza el teatro y las artes visuales, a modo de terapia. La mayoría de los niños y jóvenes que se favorecen del arte en esta fundación se inscriben por motivación propia o de su familia, sólo una parte es derivado por psicólogos y fisiatras del centro con objetivos puntuales ya identificados. Cuando llega un usuario, primero se le hace una entrevista, donde se conocen sus intereses, y luego se elabora un proyecto que busca ampliar sus habilidades y donde los profesionales a cargo funcionan como mediadores. Pero el caso de Fundación Teletón es sólo uno de los tantos enfoques y aplicaciones que se pueden realizar de una especialidad creciente en nuestro país: el arte terapia. Esta profesión, que forma parte de la psicoterapia, utiliza las artes visuales en un contexto terapéutico, valiéndose, precisamente, de diferentes herramientas artísticas como medio de expresión de los usuarios o pacientes.

Ben Husmann.

El arte terapia tiene utilidad en diversos campos. En la fotografía, una sesión grupal realizada en España por la profesional Javiera Hauser con mujeres víctimas de violencia de género.

Cualquier persona puede ser un candidato para someterse al arte terapia, sin importar el nivel de conocimiento y las habilidades artísticas que se tenga. Javiera Hauser, presidenta de la Asociación Chilena de Arte Terapia (ACAT), cuenta que ésta se puede aplicar de manera individual o grupal y en diferentes ámbitos, que incluyen el área clínica, educacional, social e iniciativas empresariales. En Chile, se han realizado experiencias en personas con cáncer, autismo, abuso de sustancias, capacidades especiales, entre otros. Además, la disciplina se puede desarrollar desde distintas corrientes psicológicas. “Hay diferentes enfoques con los que se puede trabajar, eso va a depender de la profesión de origen del arte terapeuta y la universidad donde se haya formado, existe un enfoque psicodinámico, humanista, cognitivo, multimodal, etc.”, afirma Javiera. Por su parte, Mimí Marinovic, una de las pioneras de la profesión en Chile, explica: “El arte terapia te permite graficar tu problema en algo objetivo, que puedes mirarlo, esto supera la terapia por la palabra en cierto sentido. Llevas a la persona a un diálogo consigo misma, a descubrir casi sin la necesidad de interpretar nada, entonces la persona se va viendo como en un espejo”. Ninguna sesión va a ser igual a otra, la dinámica y los materiales a utilizar siempre cambian dependiendo de las necesidades y aspectos que se trabajen con el paciente, pero la idea es la misma: promover la salud y contribuir al bienestar. Se trata de una labor variable, donde interactúa el usuario, el terapeuta y el contexto. “No hay técnicas, no es que tú digas con tal persona trabajas con tal técnica, sino que es

ir adquiriendo la sensibilidad de este lenguaje y manejarlo desde tu creatividad”, explica el arte terapeuta Eduardo Torres. Una de las primeras experiencias de arte terapia en nuestro país se remonta a 1955, en la cual Mimí Marinovic estuvo involucrada. Durante ese año, esta profesional, egresada de Pedagogía en Artes Plásticas, se integró al Hospital El Salvador y comenzó a trabajar en el Servicio de Psiquiatría del recinto, donde recibían pacientes derivados desde variadas especialidades médicas. “[Al Servicio] le interesaba entender al ser humano desde el punto de vista de su expresión artística y contribuir a su tratamiento con métodos que formaban parte de su vida cotidiana”, cuenta sobre la experiencia en la que participó por más de 20 años. Además la profesional, que es miembro de la American Art Therapy Association y vicepresidenta de la Société Internationale de sychopathologie de l’ expression et d’art thérapie, tuvo un rol relevante en el área académica al generar la primera formación universitaria en el área a nivel nacional. Mimí desarrolló el programa de postítulo de Terapias de Arte de la Universidad de Chile, que incluye las menciones de músico terapia y arte terapia, la que se imparte desde 2002. En la actualidad, no sólo la Universidad de Chile ofrece formación en el rubro. La Universidad del Desarrollo (UDD) imparte un magíster, el primero en el país, desde 2009. En tanto, el único diplomado acreditado en el país es impartido por la Universidad de Chile en

Fundación Teletón ha implementado la disciplina con el fin de ayudar en los procesos de rehabilitación de sus pacientes.

Puerto Varas. Una de las explicaciones de por qué no existen cursos de pregrado se vincula a la dificultad de la materia, debido a que reúne contenidos tanto de la psicología como de las artes. “En general, a nivel mundial, es una experiencia de postgrado, porque es una formación donde necesitas un background de antes”, afirma Eduardo Torres, coordinador académico y uno de los creadores del magíster de la UDD, junto a la arte terapeuta Daniela Gloger, a través de Espaciocrea, Centro de Arte Terapia y Psicodrama. Hoy en día, los principales centros de formación del país son la Universidad de Chile y la del Desarrollo, los que poseen carreras que si bien tienen la misma duración y son impartidas en modalidades intensivas, tienen diferencias en los enfoques psicológicos que las sustentan. Con la intención de potenciar y fiscalizar el área para evitar malas prácticas se crea la ACAT, Asociación Chilena de Arte Terapia, que surge entre 2003 y 2004, como un colectivo vinculado a la primera generación de egresados de la Universidad de Chile, y que el año 2006 se materializa en términos legales. Hoy en día, el grupo cuenta con 35 afiliados y está enfocado en dar a conocer de qué se trata esta modalidad de terapia. Aspecto que resulta relevante si se tiene en consideración que es una especialidad emergente y muy variable según el contexto en que es aplicada. “El arte terapia tiene la contrapartida de que los límites de la profesión quedan difusos, no están muy definidos, entonces el papel de la ACAT es que exista una centralización en ese sentido“, explica Ana Gomez, vicepresidenta de la asociación.

Si bien el arte terapia ha ido creciendo en nuestro país, aún quedan tareas por realizar. Una de ellas es lograr el reconocimiento como profesión por parte del Ministerio de Educación y el de Salud, meta en la que están trabajando tanto la ACAT como las universidades. Sin embargo, en opinión de los especialistas en el área, el futuro se ve promisorio para el rubro. “Yo siento que cuando empezamos con esto no era fácil encontrar trabajo. Hoy hay lugares donde se piden y contratan arte terapeutas, pero aún falta y hay sitios donde no se sabe qué es”, cuenta Eduardo Torres. Mimí Marinovic cree que el avance en el área podría venir de su asociación con la práctica médica: “Hay que seguir el ejemplo de Inglaterra, donde las terapias de arte forman parte de las profesiones de colaboración médica, junto con enfermería, terapia ocupacional y kinesioterapia. Nos falta que las terapias artísticas, todas, puedan integrar este grupo de profesiones que colaboran en la recuperación y el mantenimiento de la salud y el bienestar”, considera. Pese a que no existe claridad sobre el rumbo que tomará el área, desde la ACAT creen que son una disciplina útil para el futuro. “Siento que para los cambios que estamos viviendo a nivel político, social y cultural, nosotros podemos aportar una mirada distinta, innovadora, y creativa que el país necesita”, afirma Javiera Hauser.

ARTISTA DESTACADO

World II, 2014, técnica mixta, 160 x 100 cms.

Philippe Trillat

Construcción de mundos Escenarios únicos que invitan a reflexionar sobre el tiempo y el espacio; la fusión de los colores, la geometría descriptiva y la presencia de símbolos se repiten constantemente en la obra de Philippe Thrilat. En sus pinturas el alcance que logra la profundidad y la tridimensionalidad juegan el rol más importante. Por Catalina Martin. Imagen cortesía de la artista.

ara Philippe Trillat, las artes no se conciben de manera separada, sino que todas las manifestaciones artísticas, independientes del origen, tienen un lenguaje común y es por eso que el artista agradece ser actor de profesión a la hora de pintar. “Para mí, cada mundo que desarrollo es un escenario, no me siento realizado haciendo un paisaje hiperrealista, me gusta lo abstracto porque invita a reflexionar más allá de lo que está a la vista”, comenta sobre su estilo. Cada vez que se observa una pintura del artista, se van descubriendo nuevos elementos. Nuevas lecturas que invitan al espectador a reflexionar sobre la experiencia, y analizar el lenguaje particular que logra articular. Hay un trabajo en el manejo de la luz y las sombras, el artista fusiona los colores de manera que acentúa la tridimensionalidad en su obra. Los colores flúor, el boom del graffiti y las consolas propias de la generación del 90, a la que pertenece el artista, son elementos que se vislumbran en su obra y corresponden a un aporte importante dentro de ella.

El artista potencia este juego con la profundidad, adhiriendo elementos propios de la geometría descriptiva. “Me llamó la atención que si yo tenía un trabajo tridimensional a través del color lo podía potenciar mucho más con las figuras, y hacer una puesta en escena con los elementos, realistas o no”, explica. En la obra hay una reflexión en torno al cosmos y todo lo que subyace en él, se construyen escenarios con un lenguaje y dinámicas propias, que se acentúan con el trabajo de semiótica que realiza el artista. “Me gusta todo lo que tiene que ver con signos, reforzar los símbolos en mi obra hace que mis pinturas se vuelvan más representativas y adquieran un discurso más profundo, hay signos que están en constante sintonía en mis cuadros”, dice. Actualmente el artista se dedica a hacer clases en su taller y a preparar su próxima exposición individual en la galería de la Universidad Católica de Concepción. La temática será el cosmos y el espacio, desarrollado en todos sus aspectos. “Voy a intervenir objetos como paraguas, presentar cuadros circulares, con ángulos de 90 grados”, comenta.

ARTE PÚBLICO

MUSEO A CIELO ABIERTO DE SAN MIGUEL Historia de autogestión y participación ciudadana, el Museo a Cielo Abierto de San Miguel, conjuga el trabajo de pobladores en un desafío común: introducir el arte en su espacio de vida. Por Pía Cordero. Imagen cortesía del Museo a Cielo Abierto de San Miguel

n la zona sur de Santiago se encuentra la población San Miguel, en avenida Departamental, entre la calle Gauss y la Autopista Central. Conjunto de blocks cuyos muros ciegos dan lugar en el año 2010 a los sueños de David Villarroel y Roberto Hernández: el Museo a Cielo Abierto de San Miguel. Conjunto de 40 murales de gran formato (80 metros cada uno), 17 de los cuales están ubicados en avenida Departamental y 23 al interior de la población. Modelo de autogestión y participación ciudadana, los vecinos son parte en la elección de los proyectos, cuya dirección está a cargo del muralista y artista visual chileno Alejandro “Mono” González (miembro fundador de la Brigada Ramona Parra). Esta iniciativa ha convocado a graffiteros y a muralistas chilenos e internacionales: Roa (Bélgica), Olfer (Perú), Seta Fuerte (Colombia), Académicos Universidad de la Plata (Argentina) y Seth (Francia).

La historia del los murales en Chile tiene sus principales hitos en el mural que Siqueiros realizó en Chillán en 1940. A fines de la década del 60 la Brigada Ramona Parra, irrumpe la ciudad con propaganda política, realizando en 1971, junto a Roberto Matta, el mural El primer pueblo chileno en la comuna de La Granja. Hoy, el arte urbano ha sufrido lo propio de la hibridación contemporánea conjugando manifestaciones como el muralismo, que se apropia de estéticas como el graffiti y el stencil. En la actualidad, el muralismo no responde particularmente a la militancia de una ideología política, sino a un tipo de quehacer autónomo centrado en lo cultural y en la búsqueda de acceso a la participación democrática. En el caso del Museo a Cielo Abierto de San Miguel, ¿continúa siendo parte de una estética del lo marginal o se ubica en las coordenadas de un arte ya institucionalizado? ¿Qué es lo esencial de la estética marginal el no pertenecer a un circuito comercial o no estar de acuerdo con las premisas del oficialismo político?

La obra Integración de Seth y Mono Gonzalez en el Museo a Cielo Abierto de San Miguel

Museo a Cielo Abierto de San Miguel DIRECCIÓN: Avenida Departamental, altura 1500, San Miguel.

actualidad

Imagen contra el terrorismo de Ai Wei Wei se viraliza

@aiww

Miles de personas han seguido la acción que comenzó Ai Wei Wei protestando contra el terrorismo y han replicado la imagen donde las personas sostienen sus extremidades como si fueran verdaderas armas de fuego.

Crean Instalación artística con ropa que iba a un vertedero Los artistas y profesores de la Escuela Municipal de Bellas Artes de Valparaíso Henry Serrano y Francisco Olivares crearon “DeSastre”, una obra a modo de instalación artística con ropa que originalmente iba a la basura. Inaugurada el 19 de junio en la sala Laboratorio del Parque Cultural de Valparaíso, la muestra se moverá por cerros afectados durante julio. “DeSastre” alude al actual sistema de ropa y vivienda, dos necesidades básicas que han sido puestas en tensión desde el incendio que arrasó con los cerros más pobres de Valparaíso. La ropa por exceso, y la vivienda, por carencia. El título de la obra apela a la función del sastre en las labores de corte y confección de la escritura sobre el arte, sobre todo porque el sastre dibuja.

El artista chino aclaró que su imagen original era una clara declaración sobre el abuso de poder que se produce en la lucha contra el terrorismo. China está en medio de una campaña antiterrorista provocada por atentados contra civiles este último año, atribuidos a milicianos musulmanes de la región occidental de Xinjang. Decenas de personas han sido detenidas en esa región, donde actualmente la policía transita armada.

Homenaje a Nicanor Parra, 2013, mosaico de vidrio sobre tela, 150 x 200 cm.

ARTISTA DESTACADO

Jorge Campos

Con ansias de calle El arte callejero es la primera motivación de este artista quien con el tiempo se atrevió a intervenir los muros de Santiago con sus mosaicos pixelados. Diseñador de profesión, artista autodidacta, Jorge Campos, también conocido como Pixel Art, se propuso "pixelar" la vía pública. Por Viviana González. Imágenes cortesía del artista.

orge Campos lleva un poco más de un año realizando intervenciones en los muros de nuestra capital. Fotografiar arte callejero durante dos años en París fue clave para que este artista incursionara en el rubro artístico y en los espacios públicos. "Esta experiencia me abrió los ojos. Me dieron ganas de hacer arte y de volver a Chile a hacerlo" cuenta Pixel Art. El Street Art francés, según su opinión, tiene una perspectiva visionaria del arte en la calle. Artistas como Invaders, Blek le Rat, Jeff Aérosol, C215, entre otros, se convirtieron en sus principales referentes. Tuvo sus primeros experimentos con el mosaico en 2011. Perfeccionó su técnica por ensayo y error, explorando diversos métodos de trabajo, tanto manuales como digitales, sacándole el máximo provecho a la técnica del pixel. La tecnología, según nos comenta, juega un rol clave en su obra. “Es necesaria la herramienta digital para realizar este trabajo, es imposible hacerlo al ojo” explica. La realización de cada pieza le toma alrededor de un mes. A partir de fotografías propias o seleccionadas de la web,

Jorge Campos realiza un detallado trabajo digital reduciendo los colores de la paleta cromática para lograr los efectos deseados. Con la fase digital lista, prepara una matriz que utiliza como base para realizar sus mosaicos, colocando una a una las teselas que dan forma a sus creaciones. Cada una de las intervenciones urbanas de este artista ha sido autofinanciada a partir de su trabajo como diseñador independiente. Para Jorge el financiamiento no es tema. "No hago arte pensando en venderlo, me da gusto invertir en mis obras mientras pueda pagar las cuentas", confiesa. Pixel Art es miembro del colectivo SUB que agrupa a 15 artistas de diversas áreas. Este colectivo, cuyo nombre hace referencia a la cultura suburbana, tiene por objetivo promover el trabajo de sus artistas principalmente con intervenciones en las calles de Santiago de forma permanente. Hoy SUB cuenta con personalidad jurídica y están concentrados en la creación de un museo al aire libre. El artista explica que la iniciativa busca no obligar a la gente a ir al museo, sino que llevar éste a la gente.

FERIAS

Arte y diseño en BaIRes Luego de un intenso mes de ferias en Europa el arte vuelve a Sudamérica, donde la capital Argentina estrenará la primera edición de ARDI, iniciativa orientada a la revalorización del arte y del diseño. Por Emilia Benítez Silva. Imágenes cortesía de ARDI.

esde el 31 de julio al 4 de agosto en el Hipódromo participación de Camila Duch y Andrea Rodríguez Vial. Esta Argentino de Palermo se llevará a cabo, por primera iniciativa busca revalorar el arte otorgando a los artistas y al público vez y con un novedoso concepto, la Feria de Arte y un contexto cómodo y atractivo para poder experimentar el arte Diseño (ARDI). La directora general de la feria, Ana D’Amato, moderno y contemporáneo. El diseño, por su parte, demostrará cuenta que la idea de crear esta feria surge a partir de conocer y porqué desde hace un tiempo que se encuentra presente en experimentar lo que otros países presentan en cuanto al arte. las galerías y museos del mundo. La feria se plantea como una ventana para mostrar que también en “Creemos que en Buenos Aires existe Sudamérica el diseño se ha consolidado un verdadero potencial de desarrollo Comprometidos con la calidad e innovación, como una forma de expresión que, con de una propuesta como ésta, donde el objetivo principal de ARDI es satisfacer sus fantásticas obras, llena de arte la el gran desafío es proponer un lugar la necesidad de artistas y diseñadores de vida cotidiana. que contribuya a la búsqueda y contar con un espacio donde exponer y pensamiento sobre el arte y el diseño ofrecer su trabajo de una manera directa. En el Hipódromo de Palermo, ARDI en nuestra época actual”. realizará además una subasta de arte a Más de 130 artistas y diseñadores serán los protagonistas de esta beneficio de la Fundación Sales que apoya la investigación científica feria que ofrecerá al público experiencias creativas y sensitivas. sobre el cáncer. La subasta contará con una gran variedad de obras Comprometidos con la calidad e innovación, el objetivo principal que se traducirá en una gran variedad de precios para que puedan de ARDI es satisfacer la necesidad de artistas y diseñadores de participar coleccionistas y amantes del arte. contar con un espacio donde exponer y ofrecer su trabajo de una manera directa a un público interesado en invertir en arte A fin de mes en Buenos Aires se reunirán los amantes del arte y diseño. “La idea es que tanto el público como los diferentes y el diseño. La directora de la feria no tiene dudas de que se expositores puedan vivenciar lenguajes contemporáneos cumplirán las expectativas con creces, logrando así que ARDI creando un interesante dialogo histórico y vivir una experiencia marque una tendencia y se convierta en un evento sostenible en los años y referencial para el encuentro entre estas disciplinas. sensorial innovadora”, explica D’Amato. “Que los artistas, diseñadores, art-dealers y galeristas, que son los ARDI contará con la participación de artistas de renombre, tanto principales protagonistas, elijan este espacio como lugar válido de argentinos como extranjeros, y de artistas emergentes con gran expresión y exposición artística”, agrega Ana D’Amato sobre lo potencial. De los artistas chilenos que asistirán destacamos la que seguro será una feria con resultados fascinantes.

ARDI reunirá a fin de mes en Buenos Aires a los amantes del arte y el diseño.Ana Negro, Sin título de la serie Fragmento del ser, 2006, acrílico sobre tela, 80 x 100 cms.

AV WS014 PALL (21X27,5).pdf

23-06-14

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