Periódico Arte Al Límite | Edición 107, agosto 2014

N° 107

Agosto 2014 Santiago de Chile Distribución gratuita

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18. REPINTANDO UNA CULTURA La cultura mapuche tiene un sinfín de características que la hacen única. Su arte no se queda atrás. Planteamos un recorrido por su historia; su origen, común con la artesanía; su máximo exponente: Santos Chávez; y sus artistas contemporáneos.

06.

JÓVENES COLECCIONISTAS

Desde que existe el arte, existen los coleccionistas. Estos personajes son y han sido claves en el desarrollo de la historia del arte.

12.

lA lIBERTAD GUIANDO AL PUEBLO,DE DELACROIX

La fuerza, el movimiento y la energía del París de julio de 1830 se reflejan en esta obra, una de las más representativas del Romanticismo.

32.

MIRÓ INÉDITO EN CHILE

El nuevo Centro de las Artes 660 se inaugura con una exposición nunca antes vista en Latinoamérica: Joan Miró, La Fuerza de la Materia.

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Daniela Edburg México

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Cecilia Pareces Perú

María Angélica Echavarri Chile

* Las imágenes de las obras son detalles de la original.

En Arte Al Límite brindamos más que un excelente servicio de galería, ya que somos un prestigioso medio que incluye un periódico, una revista y una página web. Estamos presente en los eventos más importantes del mundo del arte, y llevamos nuestra marca y el nombre de nuestros artistas.

Nuestra página web y nuestras redes sociales son una ventana para que los artistas muestren su obra y sean vistos por miles de personas en todo el mundo. Además asesoramos a los artistas en su trabajo para que puedan consolidarse.

Ofrecemos una amplia gama de opciones para lograr reconocimiento tanto nacional como internacional. *Plan anual: $120.000.

BENEFICIOS GALERÍA ARTE AL LÍMITE: • Perfil personal en www.arteallimite.com/nombre-apellido.

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marketing@arteallimite.com (+56-2) 2955 32 61

editorial

PLASMANDO LA HISTORIA

E DIRECTORES Ana María Matthei Ricardo Duch ASESOR COMERCIAL Cristóbal Duch DIRECTORA DE ARTE Catalina Papic PROYECTOS CULTURALES Camila Duch EDITORA GENERAL Kristell Pfeifer EDITORA PERIODÍSTICA Emilia Benítez Silva DISEÑADORA Javiera de la Fuente PERIODISTA Fabio Neri MARKETING Francisca Henríquez PRÁCTICA José Ignacio Cartagena AUDIOVISUAL Juan Pablo Cáceres CRÍTICOS Ennio Bucci Pedro Labowitz ASESORES Benjamín Duch Jorge Azócar Ignacio del Solar Julio Sapollnik COLABORADORES Lucía Rey Pía Cordero Bernardita Garib Carolina Bravo Bárbara Fernández Soledad Cabello Soledad Acuña

l reconocido artista chino Cai Guo-Qiang volvió a sorprender al mundo con su obra. El 17 de julio en Shangai, por el río Huangpu, apareció un barco de pescadores lleno de animales fabricados con lana y otros materiales. Pandas, camellos, tigres y simios se descolgaban de la nave con aspecto enfermizo. De esta forma la instalación, que estará en el museo de arte contemporáneo The Power Station of Art desde el 8 de agosto al 26 de octubre, plantea una dura crítica al deterioro ambiental y ecológico de China y el mundo.

Así como el trabajo del artista chino nos habla del presente y del mundo en que vivimos, desde siempre el arte ha cumplido la importante misión de valorar un periodo histórico, de dejar vestigios e información necesaria para comprender el pasado y entender nuestras raíces. Es por eso que los artistas, a través de sus obras, representan y comunican la forma de sentir de una generación. Un excelente ejemplo de esto es La Libertad guiando al pueblo, obra de Eugène Delacroix que revisamos en esta edición, donde el artista representa ampliamente el sentir del pueblo francés en el siglo XIX durante la Revolución de julio. Las clases medias y populares se levantaron contra el Rey Carlos X, quien se vio forzado a exiliarse y fue sucedido por Luis Felipe I, conocido como “el último rey de Francia”. Delacroix capturó este momento a la perfección; su obra transporta al espectador a las calles de París y lo hace presenciar ese verano de 1830. A nivel local también encontramos ejemplos del arte como catalizador social, específicamente en relación al conflicto en la Araucanía, tema que por estos días no deja de ser portada. Investigamos sobre el arte mapuche, su concepto, sus orígenes y su desarrollo. Hace años que los mapuche plasman su historia y su cultura en diferentes soportes. La temática de los artistas contemporáneos de origen mapuche es más amplia que el conflicto, en sus obras comunican su visión de vida.

Esta es una de las razones por la cual no debería extrañarnos que algunas personas sientan la pasión por coleccionar obras de arte. Es una forma de poseer un pedazo de historia, de guardarlo y protegerlo, con el plus de que lo que se está adquiriendo es un objeto único, que tiene un “espíritu” especial. Algunos sienten fascinación por adquirir obras maestras, obras de otras épocas, obras controversiales u obras contemporáneas. En esta edición presentamos un reportaje sobre coleccionistas que comenzaron a comprar arte desde jóvenes, aportando con su afición a la conservación de la plástica y de la historia.

Es así como el arte cumple con su deber de comunicar, valorar, criticar y reflejar el mundo para quienes están viviendo el presente y para los que seguirán. Muchas veces, como le sucedió a Cai Cuo-Quiang, no es fácil para los artistas, curadores, críticos, galeristas y otros personajes relacionados al mundo del arte cumplir este deber de manera satisfactoria, puesto que a veces la verdad es difícil de aceptar. En Arte Al Límite trabajamos para que esta edición, al igual que las 106 que le antecedieron, cumpla con ser un reflejo de la sociedad y del mundo en el que vivimos.

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SUMARIO

06 | Reportaje: Jóvenes coleccionistas 12 | Mirar la historia: La Libertad guiando al pueblo de Eugène Delacroix 14

14 | En el taller: Daphne Anastassiou 16 | Artista Emergente: Laura Vernaza 18 | Reportaje: Arte mapuche

16 24 | Arte público 25 | Artista destacado: María Eugenia Akel 20

26 | Panoramas 30 | Críticas 32 | Exposición destacada: Miró inédito en Chile

32 36 | Artista destacado: Cecilia Avendaño 38 | Perfiles 44

44 | Ferias

REPRESENTANTE LEGAL Orlando Calderón F. | VENTAS info@arteallimite.com | SUSCRIPCIÓN suscripciones@arteallimite.com | FONO-FAX 2955 3261 WEB www.arteallimite.com | FACEBOOK facebook.com/arteallimite2 | TWITTER @Arte_Al_Limite | INSTAGRAM @arte_allimite PORTADA Santos Chávez, Homenaje a Delia del Carril, 1985, xilografía, 55 x 41,5 cm. | IMPRENTA Maval Editora e Imprenta, Santiago, Chile.

Las opiniones vertidas en este medio son de exclusiva responsabilidad de quienes las emiten.

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SALA DE ARTE CCU PRESENTA

Anamorfosis

Jorge Cabieses-Valdés La exposición presenta las deformaciones de un objeto de porcelana a través de la pintura, escultura y el video, alterando su uso habitual.

4 de julio al 29 de agosto Av. Vitacura 2680 Lunes a viernes de 10:00 a 18:30 hrs.

Visitas guiadas gratuitas Informaciones e inscripciones: (02) 22479297 / (09) 6 5966080 inscripcionesccu@gesto-cultura.cl www.ccuenelarte.cl

I N F I N I TA idioma universal

VIVAMOS BIEN

Proyecto acogido a la Ley de Donaciones Culturales (Ley Valdés)

REPORTAJE

Tendencia mundial

JÓVENES COLECCIONISTAS muchas veces vemos listas de los mayores coleccionistas de arte, quienes poseen las más grandes cantidades de obras, evaluadas en millones de dólares. Pero no hay que olvidar: toda colección parte con una primera compra. Aquí reunimos a siete coleccionistas menores de 50 años que comenzaron a coleccionar desde muy jóvenes. De distintas partes del mundo nos cuentan sobre su participación en esta actividad, una de las más llamativas dentro del mundo del arte.

Por Emilia Benítez Silva Imágenes cortesía de los coleccionistas.

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l arte y el hombre son indisociables. No hay arte sin hombre, pero quizá tampoco hombre sin arte”, declaró el escritor francés, René Huyghe, en su obra El arte y el hombre. La importancia de la plástica para el ser humano ha sido un tema de reflexión desde siempre; se ha tratado desde aspectos comunicacionales, sociales, filosóficos y religiosos pero no cabe duda de su carácter vital para la sociedad y sus miembros.

Prácticamente desde que existe el arte existen los coleccionistas, personas cuya pasión es poseer estas obras que cumplen con la importante misión de valorar y representar a un periodo histórico y a una generación. Estos personajes han sido claves en la historia del arte, apoyando el desarrollo tanto de movimientos como de referentes artísticos. Ellos cumplen con la labor de apreciar y de guardar las obras para la posteridad. “Los coleccionistas son los personajes centrales del mundo de las artes”, declaró el historiador del arte André Chastel. Cabe destacar que las colecciones a través del tiempo han estado relacionadas con el poder y al estatus, no

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es casual que los reyes y los importantes dirigentes de los países se preocuparan de cuidar y aumentar sus colecciones de obras de arte.

La historia ha reforzado la importancia y el valor de poseer piezas artísticas. Nuestro siglo no ha sido la excepción. Con el arte contemporáneo ha crecido el número de coleccionistas, puesto que no es necesario invertir millones en una obra para empezar a formar una colección. Cada vez más gente se interesa en adquirir piezas que le llaman la atención y que desean poseer. Aquí seleccionamos a siete coleccionistas menores de 50 años para que nos cuentan cómo partieron su colección, cuántas obras poseen y cuáles son sus lugares favoritos para comprar, entre otras cosas. Estos coleccionistas vienen de diferentes partes del planeta, tienen distintas profesiones y hablan múltiples idiomas, pero los une el haber comenzado a formar su colección desde jóvenes, estar constantemente buscando nuevos artistas para adquirir, preferir comprar en las ferias de arte más importantes de sus respectivos países y, claro está, el amor al arte.

A los coleccionistas les apasiona poseer obras de artes, piezas únicas que tienen un “espíritu” especial que les permite adquirir un pedazo de historia.

Imagen cortesía de la Galería de Taymour Grahne, en Nueva York.

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Dónde/cuándo has exhibido tu colección: Espero hacerlo en el futuro.

Cómo comenzaste a coleccionar arte: Empecé con un blog centrado en el arte de Medio Oriente, a través de esas indagaciones descubrí muchos artistas fantásticos. Empecé a coleccionarlos después de partir investigando para mi blog.

Primera pieza adquirida y edad en que la adquirió: Tenía 20 años y compré una obra del artista libanés Zena Assi.

Pieza preferida: Tengo muchas favoritas.

Lugar/feria favorita para comprar arte: Art Dubai, Paris Photo, Frieze, Art Basel, Armory, y Abu Dhabi Art. En qué estás interesado particularmente: En el pasado, he concentrado mi colección en arte contemporáneo de Medio Oriente, pero ahora estoy concentrado en artistas de Sudamérica, del Sudeste Asiático y del Sudeste de Europa. Me gusta el arte contemporáneo que principalmente se basa en la investigación y en las referencias históricas y políticas.

Taymour GRAHNE Edad: 25 años Nacionalidad: Libanés y finlandes Profesión: Galerista Número de piezas en colección: Más de 100

Dónde/cuándo has exhibido tu colección: En el Museo La Tertulia de Cali curada por Miguel Gonzalez y en talleres de Las Nieves, curada por Jaime Ceron y en el Instituto Colombo Americano curada por Lucas Ospina.

Cómo comenzaste a coleccionar arte: La mejor amiga de mi mamá era coleccionista y me contagió desde muy pequeño.

Primera pieza adquirida y edad en que la adquirió: Empecé coleccionando afiches de las exposiciones cuando estaba en el colegio.

Pieza preferida: No tengo ninguna obra preferida.

Artistas que está mirando por estos días: Guillermo Marconi, Camilo Bojaca, Nicolás Gomez, Adrián Gaitán.

Lugar/feria favorita para comprar arte: La feria ARTBO en Bogotá.

ALEJANDRO CASTAÑO Edad: 49 años Nacionalidad: Colombiano Profesión: Arquitecto Número de piezas en colección: 1300 aproximadamente

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Qué llama tu atención a primera vista: Yo pienso que lo más importante son los proyectos y al final uno termina interesado en los artistas más que en las obras. Última pieza adquirida: Una obra de los Toxicomanos.

Dónde/cuándo has exhibido tu colección: A través de medios de comunicación, la sobre exposición ha sido útil para incentivar el coleccionismo en las nuevas generaciones.

Cómo comenzaste a coleccionar arte: Siempre estuve rodeado de buenas piezas, pero tomé conciencia de la importancia del arte y cómo éste puede ayudar a abrir nuevas experiencias, desarrollar la creatividad, trascender y mejorar la calidad de vida cuando empecé a trabajar en CCU. Primera pieza adquirida y edad en que la adquirió: No me acuerdo qué compré primero, sí la obra que hizo explotar mi cabeza y que después de tenerla no hubo vuelta atrás: Mirando a Miró de Pamela Bozinovic.

Pieza preferida: Fotografía de la serie Gold in the Morning de Alfredo Jaar.

Artistas que está mirando por estos días: Tomás Fernández, Tere Aninat, Isidora Correa, Pablo Serra, Soledad Pinto, Alexis Mandujano, Camila Ramírez y muchos más. Chile no sólo es un semillero de futbolistas, también de artistas.

FELIPE FORTEZA Edad: 43 años Nacionalidad: Chileno Profesión: Estudié periodismo Número de piezas en colección: 200

Lugar/feria favorita para comprar arte: Ch.ACO en Santiago.

Un tremendo esfuerzo de un pequeño grupo de creyentes y emprendedores que hay que apoyar con la compra y difusión del arte.

Qué llama tu atención a primera vista: Como el arte contemporáneo necesita mediación para entender su fundamento, investigo bastante antes de comprar una obra que a simple vista me parece interesante. Última pieza adquirida: Jorge González Araya, en la Galería de Isabel Aninat.

Dónde/cuándo has exhibido tu colección: No he tenido oportunidad.

Cómo comenzaste a coleccionar arte: Cuando me mudé a mi departamento.

Primera pieza adquirida y edad en que la adquirió: A los 30 años, pero en ese momento no pensé que quería coleccionar.

Pieza preferida: Leonardo Pellegrini (primer obra), Pablo Zicarello, Charly Herrera, Fernando Brizuela.

Artistas que está mirando por estos días: Mariano Giraud, Ariel Cusnir y Enzo Palavecino.

Lugar/feria favorita para comprar arte: La feria ArteBA, en Buenos Aires.

Qué llama tu atención a primera vista: Lo urbano. Última pieza adquirida: De Mariano Giraud.

VÍCTOR Edad: 37 años Nacionalidad: Argentino Profesión: Estudie Ciencia Política pero dejé y con ganas de volver. Quién sabe...

Número de piezas en colección: 14, es lo que me gusta decir

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Dónde/cuándo has exhibido tu colección: Sólo privada y online en: www.independent-collectors.com/profile/tobias_f__m__ gombert/exhibitions/ Cómo comenzaste a coleccionar arte: Poniéndome en contacto con el arte y los museos en Basel. Conocí a Ernst Beyeler a los 16 años, ahí me adentré profundamente en el mundo del arte.

Primera pieza adquirida y edad en que la adquirió: Una impresión de Günter Ücker Print a los 19 y una pintura de Christian Awe a los 20 años.

Pieza preferida: Algunas piezas que no conseguí pero que todavía están en mi mente.

Artistas que está mirando por estos días: Johannes Wald, Karsten Födinger, Natalie Czech. Para el mercado Dahn Vo, David Ostrokwski, Oskar Murillio.

Lugar/feria favorita para comprar arte: Ponerse en contacto con el arte en las ferias (Art Basel y Liste en mi ciudad natal), viajando mucho a ver exposiciones y estudios de artistas, comprar en galerías y subastas.

En qué estás interesado particularmente: Coleccionar mis años y mi época, particularmente escultura y pintura abstracta. Todas las partes del arte que proponen un nuevo punto de vista de la vida diaria. Última pieza adquirida: Michael Sailstorfer, Dominik Sittig, Natalie Czech.

Tobias Gombert Edad: 28 años Nacionalidad: Alemán Profesión: Banca/ Bienes raíces Número de piezas en colección: Cerca de 50, además de muchas impresiones y libros de artistas

Dónde/cuándo has exhibido tu colección: He prestado piezas para diferentes exposiciones, nunca la he presentado en su conjunto.

Cómo comenzaste a coleccionar arte: Gracias a mi madre Rosa Elvira y mi abuela paterna, Amelia. Sus piezas eran espectaculares, las más bellas. Las habían heredado de sus familias. Con sus relatos, su cariño y respeto hacia ellas entendí la importancia de valor de las mismas.

Primera pieza adquirida y edad en que la adquirió: Ricardo Wiesse en 1998.

Pieza preferida: Ciudad, instalación de la escultora peruana Veronica Crousse.

Artistas que está mirando por estos días: Luis Martin Bogdanovich.

Lugar/feria favorita para comprar arte: ART LIMA.

Rochi del Castillo Edad: 42 años Nacionalidad: Peruano Profesión: Abogado Número de piezas en colección: 30 piezas

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Qué llama tu atención a primera vista: Los trazos, los colores... Última pieza adquirida: Fernando Gutierrez "Huanchaco" en arteBA.

KAI VAN HASSELT Edad: 33 años Nacionalidad: Holandés Profesión: Fundador de Shinsekai Analysis, una consultora de estrategia urbana.

Número de piezas en colección: Es una colección modesta

Dónde/cuándo has exhibido tu colección: Dos veces he prestado una obra para una exhibición, el resto del tiempo la colección ha permanecido privada.

Cómo comenzaste a coleccionar arte: He tenido interés en el arte contemporáneo desde joven. Cuando fui a Ámsterdam a estudiar, fui por primera vez a una galería de arte contemporáneo y a una feria de arte. Un poco después, junto a Amsterdam Art Space W139 comenzamos el primer curso de coleccionistas de Holanda, una ciclo de conferencias sobre coleccionismo de arte, donde varios coleccionistas de diferentes países del mundo fueron a hablar. Escuchar sus historias y puntos de vista fue la mejor aspiración.

París del artista rumano Mircea Cantor, llamada I’m still alive (Sigo vivo). Todavía tengo que pedirle que venga a mi casa y haga la pieza. Aunque físicamente no está, intelectualmente tiene su espacio importante en la colección.

Artistas que está mirando por estos días: Hay muchos activan mi mente con su forma de ver y de representar el mundo que nos rodea.

Lugar/feria favorita para comprar arte: La combinación de Art Basel con Liste y otros eventos no tiene precedente. La feria de arte joven NADA, en sus diferentes locaciones y formas, logra unir a las galerías. Sostiene un sentido de descubrimiento.

Primera pieza adquirida y edad en que la adquirió: Una de las primeras piezas adquiridas fue un collage de Marc Mulders y un dibujo en fotografía de Sebastián Bremer. En esa época tenía 19 años.

En qué estás interesado particularmente: Colecciono arte contemporáneo con una perspectiva intencional. El medio no importa, la aproximación al arte y la narrativa interna son lo relevante.

Pieza preferida: Difícil de decir; una serie de piezas se me vienen a la cabeza. Una pieza en especial, que estoy muy orgulloso de haber comprado, pero que no se puede colgar, es un graffiiti de

Última pieza adquirida: Un collage del artista Pablo Helguera a beneficio por el restablecimiento de una liberaría de habla español en Nueva York.

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MIRAR LA HISTORIA

Eugène Delacroix

LA LIBERTAD GUIANDO AL PUEBLO Fuerza, movimiento, dramatismo y expresividad hacen de ésta la obra más reconocida del pintor francés. Delacroix se sirve de los acontecimientos sociales que marcan el París de esos años para crear un lienzo que hoy es símbolo del Romanticismo.

Por Kristell Pfeifer.

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arís, 27 de julio de 1830. Cansado de las políticas abusivas del rey Carlos X, el pueblo francés sale a las calles a protestar y desencadena una serie de acontecimientos que luego de tres días terminarían derrocando al monarca. Las barricadas y disturbios iniciales se convirtieron en una revolución que no discriminaba clases sociales: Francia estaba unida y firme ante su propósito y aquel día quedó marcado en la historia como “La revolución de julio”, acontecimiento que el pintor Eugène Delacroix celebró con La Libertad guiando al pueblo, uno de sus más famosos lienzos.

En el centro de la composición una mujer simboliza la Libertad, demostrando que, más que un líder o un partido en particular, es ésta la verdadera cabecilla de la revuelta. Su presencia domina completamente la escena: se encuentra iluminada por una luz amarilla y con su torso desnudo, mientras en una mano sostiene la bandera de Francia y en la otra un rifle. Su figura es la punta superior de una composición triangular que en un segundo nivel muestra a revolucionarios de distintas clases sociales: un obrero con una espada, un burgués con sombrero y escopeta y un joven con dos pistolas. Bajo ellos, en la base de la pirámide y también iluminados, se encuentran los cadáveres que ya han caído en la lucha.

La composición transmite fuerza, energía y movimiento. Atrás, a lo lejos, se ve el humo de batalla que rodea París y es esta misma nube la que envuelve a los personajes que se encuentran tras la Libertad, otorgándole a ésta mayor protagonismo en la escena.

La Libertad guiando al pueblo es una de las obras más representativas del Romanticismo, movimiento que por esos días dejaba atrás la rigidez y rigurosidad del neoclasicismo para dar cabida a un estilo más libre, teatral, intenso y expresivo, donde el dramatismo y la acción son los ingredientes principales. La composición en forma de triángulo, el agudo uso del color y el contraste, la acción general de la escena y la fuerza del movimiento son algunos de los elementos que nos llevan a sobrecogernos y a sentirnos parte del turbulento momento que se vive al interior de la pintura.

Si bien Delacroix no participó activamente de la revuelta que ocupa el lienzo, pintar esta escena fue su manera de luchar por la patria y por los derechos que mantenían unidos al pueblo francés.

De esta forma, se autorretrata en el personaje del burgués con sombrero, aludiendo a sus orígenes de clase alta pero demostrándose igualmente comprometido que las demás clases sociales.

En 1831 la pintura fue presentada en el Salón de París, siendo incomprendida por muchos. Finalmente fue adquirida por el Estado Francés y hoy se encuentra en el Louvre.

La Libertad guiando al pueblo es hoy un ícono de la pintura política, un símbolo de lucha y una oda a la Libertad vigente hasta el día de hoy.

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La Libertad guiando al pueblo mide 260 x 325 cm. y se encuentra en el Louvre, en ParĂ­s.

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en el taller

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DAPHNE ANASTASSIOU amplitud y expansión del espacio

Por Lucía Rey. Imagen cortesía del artista.

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aphne Anastassiou, de origen griego, trae consigo una formación disciplinada que le ha permitido articular la cantidad de mundos que habita. Psicóloga de profesión y empresaria, ha desarrollado la capacidad de conectar su imaginación con el mundo concreto. Esta artista tiene la virtud de concretar sus sueños, logrando así llegar al ámbito internacional. De esta manera, ha expuesto en diferentes países, y se ha ganado diversos premios de pintura. Esta facilidad para trasladarse geográficamente la impulsa a desarrollar sus fantasías estéticas en diferentes talleres distanciados también geográficamente, uno cerca del Metro Escuela Militar (al oriente de Santiago) y el otro en Quinta Normal (en el sector poniente), distancias que connotan intereses ubicados en las antípodas de un mapa social. Lo que persiste, sin embargo, en ambos espacios es la extensión, la altura y la creatividad para trabajar desde un mundo síquico, optimista y enérgico.

Esto en la trama de un discurso auto-explorativo, centrado en una concepción del “amor” metafísico que busca la expansión constante de la conciencia, como también, la apertura a las infinitas posibilidades de la vida.

Su obra, en este contexto, aparece como una de sus máximas cristalizaciones en el desarrollo del potencial interno, y por lo tanto, un lugar de expresión del movimiento intangible de lo que llama “amor”. Aquí, no podemos dejar de mencionar su libro Somos Amor, producto de un intenso y extenso trabajo personal y profesional, que la llevaría a conocer al Dalai Lama, quien la acoge firmando su libro.

Así, uno de los conceptos más evidentes en los talleres de Anastassiou es el espacio visto desde la expansión. Daphne busca amplitud para pintar, amplitud no sólo en la superficie

pictórica (que queda expuesto en sus formatos de trabajo), también en el espacio tridimensional desde el que opera. Al parecer hay una correspondencia entre el ejercicio cromático que realiza multidimensionalmente con los movimientos y recorridos corporales, realizados como una danza dentro del taller durante el transcurso de estos tiempos lúdicos, de relajo y de auto-conocimiento. De esta forma, el producto sintético intangible de su mundo interno, genera en ella una acción concreta sobre la tela, expresando en su infinidad de colores lo que percibe espacialmente, inventando un lugar terapéutico des-cubridor que apunta hacia dentro, hacia la propia identidad en la búsqueda de un mundo mágico sin fronteras.

Sus pinturas se caracterizan por permanecer bastante tiempo en desarrollo, lo que implica que realiza varias a la vez y que se hacen parte del paisaje de cada taller. En su proceso, trabaja con capas cromáticas, cual brochazos libres, y entrega el tiempo necesario para su secado, con el fin de que al aplicar la siguiente capa los colores mantengan la misma independencia plástica que en la anterior. La etapa final se caracteriza por la insinuación gráfica de figuras humanas, que finalmente van componiendo y visualizando la temática de la imagen.

Da la impresión de que su obra, no es solamente su pintura como producto aislado, sino que, de la misma manera en que las compone, con movimientos expresivos y fluidos, espontáneos y sin límites técnicos, también psicomágicamente, con la misma gestualidad y fuerza creativa, va componiendo su vida.

Mira aquí el video de este taller

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ARTISTA EMERGENTE

Laura vernaza

LA SUMA DE LOS PAISAJES Toda ciudad, por muy única que sea, tiene algo en común con el resto. Eso es lo que busca Laura Vernaza: gracias a un trabajo de fotomontaje y pintura, mezcla paisajes de distintas urbes y despliega uno nuevo a partir de sus elementos comunes, construye una ficción que, a los ojos del espectador, siempre tendrá algún elemento real. “Esos paisajes que tú crees que son únicos de un lugar, siempre existen en otro lado”, asegura.

Por Fabio Neri.

Imágenes cortesía de la artista.

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a familia de Laura Vernaza no es una familia de artistas.

Lo más cercano a eso fue su padre cuyo pasatiempo era embadurnar telas con óleo y convertirlas en algo parecido a cuadros. “Él es ingeniero comercial y, cuando vivía conmigo, antes de irse a Colombia, trabajaba en un banco”, recuerda la artista. Tenía su taller y ahí experimentaba. Fue ese misterioso espacio de la casa el cual cautivó a Laura, y ahí se iba de cabeza cada vez que podía. Dentro de esas paredes conoció el óleo y, al mismo tiempo, la bujía que se convertiría en su profesión: el arte.

Han pasado más de quince años desde esas incursiones al taller de su padre, y hoy, Licenciada en Artes en la Universidad Católica, asegura que no heredó el arte como pasatiempo, sino como profesión. De hecho, durante este mes, estará presentando sus obras en la feria Arte Espacio 2014, en Buenos Aires. “Son fotografías de lugares separados geográficamente pero unidos por sus características esenciales. Al superponerlas genero una nueva imagen, con el fin de unificarlas por medio de la pintura creando un nuevo paisaje que mantenga las esencias comunes de cada una”, explica. Usa químicos con cuyas emulsiones va eliminando, lo que, según ella, sobra de esa yuxtaposición fotográfica, hasta lograr un paisaje nuevo, inexistente, pero con detalles de los reales. “Exploro el paisaje y su arquitectura a partir de la experiencia de permanecer como observador frente a los distintos sucesos que lo van conformando”.

La relación entre la arquitectura y su obra es evidente. Una de las fuentes de inspiración que ha encontrado Laura es, de hecho, salir a caminar por la ciudad. “Todas las fotos que uso las tomo yo”, asegura, “he estado en todos esos lugares”.

Dice que necesita sentir la fatiga que le produce ver una ciudad que muta, que va cambiando, que va abandonando su cáscara antigua para dar paso a una nueva, olvidándola

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a un costado de la historia. Por eso también decidió hacer un curso de restauración de tres meses en Florencia, Italia, poco después de egresar. “Ahora estoy haciendo una pasantía en el Museo de Arte Colonial, y mi sueño es trabajar en la restauración de la Catedral”, confiesa.

En Florencia vivía frente a la Academia y veía a la multitud de personas que, día a día, hacían fila para ver al David. Fue ese alboroto constante el que hizo que en Santiago buscara los momentos más tranquilos del día para trabajar. “Prefiero levantarme temprano, cuando sigue siendo de noche, a las seis, porque ahí es cuando tengo menos interrupción, estoy como sola”.

Sus cuadros, influenciados por la alemana Corinne Wasmuth, el fotógrafo japonés Katsuhiro Saiki y el chino Li Songsong, se destacan por su colorido, los juegos de formas y las apariciones fantasmales de personas y objetos en paisajes llenos de detalles. Una obra fuerte y con personalidad que, sin embargo, no considera terminante. “Estoy cien por ciento abierta a otras técnicas. De hecho, en noviembre tengo otra exposición que hago con mi amiga, Camila Lobos, y que es distinto a lo que he venido haciendo”, cuenta. Se refiere a una muestra en Valparaíso, mucho más conceptual, con la cual intentan apropiarse metafóricamente de la búsqueda del agua, conectándose con la planificación y constitución de la ciudad.

Con periodos de mucha lucidez y otros de desesperante sequía, Laura Vernaza se considera una “artista temporal”, cuyo mayor refugio es la disciplina de un trabajo constante y la templanza.

“Con los años vas viendo que tu trabajo va progresando, que no te estancas, que en verdad sabes mucho más”. A sus 25 años, y con pasajes a Buenos Aires para vender sus cuadros, parece que esa acertada filosofía ha dado resultados.

Edel, 2014, técnica mixta, 90 x 70 cm.

Conjunto de animales, 2014, técnica mixta, 55 x 70 cm.

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reportaje

arte mapuche

REPINTANDO UNA CULTURA El arte mapuche es un saco de interrogantes: su indefinible frontera con la artesanía, la ausencia de un análisis real sobre su manifestación contemporánea a manos de jóvenes artistas, incluso las razones de su origen, siguen siendo bruma que esconde y obstruye. Aquí algunas luces para disiparla.

Por Fabio Neri San Román.

Imágenes cortesía de Eva Chávez y de los artistas.

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uchos antes de convertirse en el máximo exponente sabe que visitaba regularmente la Sociedad de Bellas Artes de del arte mapuche contemporáneo en Chile, Santos Concepción para observar a los artistas y las obras que allí había.

Chávez pastoreaba cabras. A los siete años recorría “Ahí vendía dulces y a los de la sociedad les llamó la atención vastas extensiones de llanura y bosque tupido, acarreándolas este joven silencioso y observador”, recuerda. bajo el cielo gris y pesado del sur de Chile. Era huérfano, no tenía nada para comer y se alimentaba Le ofrecieron una beca cuando de lo que le daban los árboles. tenía 24 años, pero su mano Su viuda recuerda que Santos Chávez decía: acostumbrada a la rudeza del Hablaba con “sus animalitos” para sobrellevar la soledad y, sólo los “La gente que había estudiado en París o trabajo duro no le permitía la días de lluvia, cuando no podía sutileza del dibujo. Lo echaron Londres no podía aceptar la idea de que un pastorear, su patrón le permitía en un par de oportunidades, pero hombre con cara de indio como yo dibujara, siempre regresaba con el ímpetu asistir a una escuelita cuya entrada era un lodazal. Había nacido en la de quien sabe lo que debe hacer grabara, pintara”. pequeña comunidad mapuche de en la vida. Su viuda recuerda que el Canihual, Tirúa, en 1934, y serían artista decía: “La gente que había esos escenarios los que años después inspirarían los grabados estudiado en París o Londres no podía aceptar la idea de que un que hoy adornan las paredes de importantes museos, los pasillos hombre con cara de indio como yo dibujara, grabara, pintara”. de preciosas mansiones.

Hasta que Nemesio Antúnez lo descubrió en una visita que hizo a Concepción y lo invitó a ser parte de su Taller 99. Ahí disparó Eva Chávez, su viuda y presidenta de la Fundación Cultural su talento. Sus trabajos, destellos de la memoria de su infancia, Santos y Eva Chávez, no conoce la fecha exacta en que el artista son grabados que retratan los paisajes y la gente de su pueblo. El dejó Tirúa y partió a Concepción. Sabe que fue alrededor de los viento es parte fundamental, y es inevitable sentirlo sacudiendo 16 años, que trabajó en un hotel, que trabajó cortando madera árboles, refrescando a las cabritas que aparecen repartidas aquí y y que trabajó en un restaurante donde pintó murallas para allá, enarbolando las olas del mar alrededor de la Isla Mocha. Es una poder comer; sabe que lo hacía durante el día para estudiar en mezcla de artesanía y arte, una mezcla de mano e idea, aunque lo las noches todo lo que no había estudiado cuando era pastor; uno y lo otro hoy estén separados por una frontera indeterminable.

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Santos Chávez solía retratar los paisajes tranquilos del sur del Bío Bío. Reflejos, 2000, xilografía, 25 x 30 cm.

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¿Arte o artesanía?

¿Dónde está el arte mapuche contemporáneo?

“La línea es difusa”, dice Carlos Aldunate, director del Museo Como en otras disciplinas, existe la sensación de que el arte mapuche Chileno de Arte Precolombino. Primero, porque en mapudungún es más valorado afuera que en Chile. Carlos Aldunate cuenta que, la palabra arte no existe. Y segundo, porque en castellano la antes que Luisa Durán creara durante el gobierno de Ricardo Lagos palabra artesanía adquirió hace mucho tiempo una connotación la Fundación de Artesanías de Chile y se implementara la “Ley sobre peyorativa. “Hay algo que nosotros llamamos souvenirización protección, fomento y desarrollo de los indígenas” (N° 19.253), varios de la artesanía”, continúa Aldunate, “y es lo que distingue una museos extranjeros venían al país a buscar artefactos de manufactura prenda que hace una mapuche para vestir, que puede durar mapuche. “Un museo alemán venía todos los años hasta hace muy treinta años, de una reproducción de la misma prenda que poco y se llevaba todo”, recuerda Aldunate. Esta escasa valoración quizás explique la poca recepción hace la misma mapuche para vender a un turista extranjero”. Aunque La colonización y luego la modernización que ha tenido el arte contemporáneo mapuche, la escuálida relación con fines funcionales, la cultura hicieron que la manufactura mapuche entre el público y la obra, y sobre tradicional mapuche creó y comunicó pasara de una creación comunicadora a todo, el desconocimiento general –dos elementos fundamentales en el arte– a través de su platería y la reproducción, y de la reproducción a la sobre el tema. textilería. Basta con mirar la historia souvenirización.

Eduardo Rapimán nació en para descubrir en qué momento eso Santiago, en 1975. De origen deformó en artesanía souvenirizada: si bien los españoles nunca lograron doblegar al mapuche, sí lo mapuche, a temprana edad se trasladó a la Región de la Araucanía hizo la modernidad y la influencia de las leyes y del sistema, cuyo donde vivió y aprendió a pintar de manera autodidacta. peso hizo que el pueblo pasara de esa creación comunicadora Considera que su obra está contenida dentro de un algo que a la reproducción, y de la reproducción a la souvenirización. “Si puede denominarse arte mapuche contemporáneo, porque tú souvenirizas la artesanía, la misma artesanía va decayendo”, responde a lo que la gran mayoría de los creadores y artistas mapuche actuales hacen: sostener una fuerte filiación con los concluye Aldunate. procesos de reivindicación cultural y política. “Intento mostrar Por eso la irrupción de Santos Chávez marca un punto de los componentes de una memoria vigente y palabras antiguas en inflexión. Con su muerte en 2001, siete años después de haber imágenes para generar el encuentro de realidades, tan necesaria vuelto de un exilio de casi veinte años, se abrió un proceso a través en la actualidad”, explica, y reconoce su dificultad para lograrlo, del cual varios artistas mapuche –poetas y músicos incluidos– su precaria relación con las galerías: “Afuera mi obra ha sido comenzaron a hacer arte contemporáneo, siempre siguiendo mucho más valorada, porque aquí el circuito está establecido y una corriente en cuyo centro latía la cultura de su pueblo, sus muchos espectadores muestran prejuicios y segregación al arte costumbres y su lucha. Lo natural es pensar que Chávez abrió de los pueblos originarios por desconocimiento”. una brecha a través de la cual, años después, muchos artistas pudieron cruzar empapándose de las nuevas técnicas que Algo parecido piensa Ingrid Painemilla, que asegura: “Mucha gente proliferaban en el mundo. Sin embargo, no marcó una influencia que ve mi obra se molesta. Incluso han dejado de invitarme a ciertos real, sino más bien un precedente. Rodolfo Hlousek, periodista y lugares, y eso es sólo por desconocimiento sobre el tema”. Ella vive lingüista, investigador, escritor y autor de varios artículos sobre en Rauquenhue, Puerto Saavedra y pinta desde 1997. Ha expuesto arte mapuche, asegura que el proceso tiene su origen en una en España y otros lugares fuera de Chile, con una recepción mucho idea mucho más fundamental. “Aunque los jóvenes mapuche se mejor que la de su propio país. Sus cuadros, todos óleo sobre tela, hayan profesionalizado, el arte o el tejido del discurso estético o buscan difundir la problemática actual de su pueblo con imágenes sencillas de mujeres e individuos mapuche en diversas situaciones, artesanal es intrínseco a la cultura”, explica.

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El arte mapuche contemporáneo busca sostener una fuerte filiación con los procesos de reivindicación cultural y política. Parte de ésta es el trato con la naturaleza.

Eduardo Rapimán, ÜlMawida, 2008, acrílico sobre tela, 45 x 75 cm.

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casi todas cargadas de contingencia. En junio de 2013, mientras montaba uno de estos trabajos durante una exposición colectiva en la Universidad de la Frontera, Temuco, la organizadora se le acercó molesta para pedirle que se retirara y se llevara su cuadro. “La intervención del director regional de la Conadi zanjó la situación, y me pidió que me quedara”, dice Painemilla.

Pese a todo el brumoso panorama que envuelve actualmente a los artistas mapuche, Rafael Penroz opina: “En la medida que los jóvenes se apropien de la cultura mapuche y de su patrimonio, que es y debe ser de todos, el arte mapuche va ir definiéndose y cerrándose como estética, generando formas y mercados emergentes. Espero que en el futuro, a diferencia de lo que ya hemos visto en áreas como el turismo y la propiedad de la tierra, los primeros en explotar esta industria sean los herederos de la cultura mapuche. Los que viven en la Araucanía, los que hablan mapudungun, los que viven y defienden la cultura mapuche, tengan apellidos mapuches o no".

Sin embargo, también es posible encontrar un mensaje más sutil en otros artistas. Una docilidad que se acerca más a lo estético que a lo contingente, a un cuadro colorido, a una mujer sonriente trabajando la tierra.

“En la medida que los jóvenes se apropien Es el caso de Lorena Pérez Aros. “Yo muestro la cosmovisión de mi pueblo, de la cultura mapuche y de su patrimonio, El origen la manera en que toca su espíritu; a el arte mapuche va ir definiéndose y El malvado Caicai se inquietó la Madre Tierra, al nehuén, al cosmos, cerrándose como estética, generando y se presentó en la tierra todo como una sola cosa”, explica la personificado en una hermosa artista que, a sus 46 años, cuenta con formas y mercados emergentes”. mujer con cuerpo de caballo. una breve trayectoria. Vinculada al El sol salía por el oeste, el cubismo, sus pinturas hechas en acrílico sobre lienzo muestran a mujeres alegres representando su posición tripaweantu, y bañaba sus cabellos, los hacía refulgir, medular en la cultura mapuche. “Hay gente que todavía no es los convertía en oro con cada embiste de su galope. Los consciente de lo que es la energía, de la relación entre el hombre y hombres, asustados, pidieron ayuda a la serpiente Trentren el cosmos. La manifestación de la cultura mapuche a través del arte quien los acogió en el cerro sagrado que era su morada.

Ambas deidades se enfrentaron, y el mar inundó la tierra nos lleva a buscar nuestro origen”, concluye. y la tierra se elevó por sobre el mar. Durante la batalla, También hay artistas cuyo trabajo entra en la categoría, los hombres continuaron rogando a Trentren, y fue tan sin existir necesariamente un vínculo directo con el pueblo grande su súplica que el cerro comenzó a crecer y crecer sin mapuche. Rafael Penroz es chileno, pero vive en México desde detenerse, alejándolos del peligro. Ese ascenso vertiginoso hace casi una década. En enero de 2014 fue parte de la muestra los obligó a construir fuentes y platos de madera para Pewén, montada en París por su hija, la cineasta Joy Penroz, y ponerse en la cabeza y protegerse del choque directo con en compañía de su ex mujer, la telarista Luz María Yáñez. Sus el cielo. Así fue cómo la serpiente Trentren finalmente ganó obras son el resultado de una exhaustiva investigación, y desde aquella pelea; así fue cómo los hombres, llamados lletuches, una reflexión libre a partir de la pintura: íconos que mezclan volvieron cerro abajo, a sus tierras, para trabajarlas en paz imágenes extraídas de medios masivos, relacionadas con convirtiéndose en los primeros del linaje; así fue cómo esas fuentes y esos platos, hechos ante el agobio de la necesidad, problemáticas actuales, enmarcadas en motivos mapuche. se convirtieron en el origen del arte mapuche¹.

Joy Penroz considera que esta exposición responde a una contemporaneidad porque es “como un símbolo actual, desde Oswaldo Guayasamín y Santos Chávez en diálogo mi visión contemporánea (…) Hoy hay artistas mapuche y no LUGAR: Casa del Arte Diego Rivera mapuche que trabajan en la continuidad de esas tradiciones FECHA: Hasta el 31 de agosto pero con su propia visión contemporánea llevando nuevos DIRECCIÓN: Quillota 116, Puerto Montt mensajes y nuevas técnicas”, dice. ¹ Adaptación de la narración que el poeta de origen mapuche, Leonel Lienlaf, hizo sobre la creación de la isla de Chiloé, en 1989.

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Este fue el afiche de la exhibici贸n internacional itinerante del Museo Chileno de Arte Precolombino, sobre la cultura Mapuche.

Rafael Penroz, Semillas de Chile, acr铆lico sobre arpillera (tela de saco papero), 110 x 110 cm.

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ARTE PÚBLICO

Ruinas de Huanchaca.

BOLIVIA, PERÚ Y CHILE: ARTE Y TERRITORIO TRIPARTITO La tercera Semana de Arte Contemporáneo (SACO) convoca a artistas, curadores e investigadores en el Parque Cultural Huanchaca, en Antofagasta. Intervenciones in situ, exposiciones, debates y workshop tendrán lugar desde el 21 al 31 de agosto.

Por Pía Cordero.

Imagen cortesía de Cortesía Fundación Huanchaca.

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ajo el lema Mi vecino. El otro, se realiza la tercera versión de SACO (Semana de Arte Contemporáneo), que reúne a artistas, investigadores y curadores de Perú, Bolivia y Chile, para problematizar el diálogo con la historia, las fronteras y la identidad a partir de intervenciones en el territorio.

El Parque Cultural Huanchaca es el lugar que da pie a las intervenciones de los artistas: César Cornejo y Elliot Túpac Urcuhuanranca (Perú); Andrés Bedoya y Jaime Achocalla (Bolivia); Claudio Correa y Catalina González (Chile). Por ejemplo, Andrés Bedoya, propone una instalación de objetos hechos de plata, cuyas superficies tienen la capacidad de reflejar el entorno al igual que un espejo. Éstos son dispuestos en diversos lugares del parque, problematizando nociones como el poder y la belleza. También, el artista Claudio Correa presenta la instalación Monumento a la Antofagasta boliviana, que rememora al corsario boliviano Antofagasta (presente en la guerra del pacífico), mediante un velamen de gran

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formato, cuyos paños, mediante pigmentos fluorescentes, contrastan con la oscuridad del desierto.

Además, las actividades cuentan con el trabajo teórico de los curadores Gustavo Buntinx (Perú), Lucía Querejazu (Bolivia) y Rodolfo Andaur (Chile), y de los investigadores Harold Hernández (Perú), Juan Fabbri (Bolivia) y Damir GalazMandakovic (Chile). Quienes a partir de la línea curatorial y del registro de las intervenciones debatirán en torno a las posibilidades de reconstituir la imagen del otro, bajo una identidad geográfica y cultural todavía híbrida, aún marcada por pugnas fronterizas.

3º Semana de Arte Contemporáneo (SACO) LUGAR: Parque Cultural Huanchaca, Antofagasta FECHA: Del 21 al 31de agosto ENTRADA: Liberada

Madre Luna, 2014, pictografia sobre tela, díptico 160 x 160 cm.

ARTISTA DESTA CADO

María eugenia akel

secretos del alma Por Fabio Neri.

Imagen cortesía de la artista.

Amante de la naturaleza, los paisajes urbanos y Valparaíso han SIDO su mayor fuente de inspiración.

Con una vasta trayectoria, María Eugenia Akel ha cosechado importantes logros y ha consolidado una obra original y madura.

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usco proyectar imágenes de la mente en un momento determinado, sentimientos profundos del alma”, dice María Eugenia Akel, y cree que algunas veces lo ha logrado: “Al estar la obra terminada, ella se comunica con el espectador y le transmite lo que yo sentí al crearla”.

Sus cuadros son imágenes o pinturas superpuestas en capas transparentes, acentuadas y texturizadas dependiendo de la intención de la artista. “Busco poder representar en una obra bidimensional, un instante fugaz dentro de la mente, cuando se entrecruzan sentimientos, imágenes y sensaciones, todo al mismo tiempo”, explica.

Comenzó su carrera como artista en Valparaíso, y desde entonces esa ciudad ha sido una de sus fuentes de inspiración: sus paisajes, la fuerza del mar, la belleza de la naturaleza. Y eso se aprecia en sus obras, plasmándolo con distintos materiales: óleos, acrílicos, médiums y barnices; pasteles y grafitos; pastas, polvos minerales, incluso papeles de algodón. “Nace un tema, lo maduro y lo trabajo cuidadosamente. Luego, en un mes, más o menos, el trabajo se da por finalizado”, explica.

Su trayectoria ha estado nutrida de importantes influencias. Desde su regreso a Santiago –luego de participar en varias exposiciones en la Quinta región, y ganar diversos concursos– formó parte del taller de grabado de Pilar Domínguez y Concepción Balmes, y estuvo dos años en el taller de crítica de obra de Eugenio Dittborn.

Hasta el momento, quien más la ha marcado.

Basando su trabajo en toda esa experiencia, ha ido cosechando logros. El más importante, naturalmente, fue el galardón que recibió en la VII Bienal de Florencia: la medalla de oro y el cuarto lugar en fotografía, por su obra de arte digital sobre tela Mercado central y Valparaíso. “Yo me iba a ir, recuerdo, y un amigo crítico de arte me dijo: ‘tienes que quedarte, cómo te vas a ir’. Entonces me quedé, escuché cómo nombraban a los premiados y, de repente, escuché mi nombre. ¡No lo podía creer!”, rememora.

En la actualidad, María Eugenia Akel es presidenta de MUART, una asociación de mujeres artistas, y está organizando y participando en distintas presentaciones y exposiciones. Una de ellas es la muestra colectiva Colores desde una luna azul, en la Galería de Arte Municipal, en la ciudad Valparaíso.

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panoramas

EXPOSICIONES SANTIAGO Paz Castañeda interviene famosas pinturas y fotografías de la historia del arte, desde 1599 al siglo XXI. Elimina los personajes para brindarle preponderancia al paisaje, a sus colores y su intención.

en el trabajo de castañeda es posible reconocer obras de Jan Brueghel (1599), Jean Honoré Fragonard (1767), John Everett Millais (1851), y fotografías de artistas contemporáneos como Jeff Wall (1989 y 2000) y Gregory Crewdson.

Género menor. Borrar para ver, paz castañeda

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Hasta el 12 de septiembre Sala Gasco Arte Contemporáneo Santo Domingo 1061, Santiago www.salagasco.cl

Hasta el 30 de agosto Die Ecke Arte Contemporáneo

Hasta el 19 de agosto Galería de arte La Sala

7 ½, Grace Weinrib

Sumos, Gregorio Melnick

Weinrib se inspira en el piso 7 ½ de la película ¿Conoces a John Malkovich?

Con una particular estética, esta muestra sintetiza la mística especial

para plasmar –a través de sus archivos y escritorios– ese espacio surrealista en el cual los personajes transitaban en un aparente estado de limbo.

de la ceremonia del encuentro de los sumos. Audacia o errores tácticos resuelven una lucha exenta de violencia y que forma parte esencial de la tradición japonesa.

Av. José Manuel Infante 1208, Providencia www.dieecke.cl

Alonso de Cordova 2700, piso 1, Vitacura www.galerialasala.cl

El destacado del texto corresponde al autor de la imagen que acompaña. * Las imágenes de las obras publicadas son detalles de la original.

Hasta el 1 de septiembre Galería Espora

Hasta el 15 de agosto Ekho Art Gallery

Réplica, Loreto Carmona

Humberstone, el último hombre, Dorothy Shoes

La muestra está compuesta por 6 obras que despliegan la idea de la colonización hispánica, la idea de replicar en América la realidad europea.

Todo a partir de la reproducción de retratos que el pintor Diego Velázquez realizó a miembros de la realeza española, durante el siglo XVII.

La artista francesa Dorothy Shoes, trae a Chile una muestra de fotografías que reflotan la decadencia de la salitrera Humberstone y replantean una reflexión sobre el ser humano y la civilización occidental.

Melchor Concha y Toro 153, Providencia www.galeriaespora.com

Merced 349, Local 12, Santiago Ekho Art Gallery

del 9 de agosto al 30 de septiembre Galería QUQU

Del 9 al 29 de agosto Sala de Exposiciones de la Liga Chileno-Alemana (DCB)

Venta Especial de Arte, varios artistas

Paisajes al agua, Alfredo Recart

Veinticinco destacados artistas chilenos expondrán durante más de un

Pinturas de paisajes rurales chilenos, acuarelas del antiguo patrimonio

mes sus trabajos en Galería Ququ. Entre ellos estarán Ana María Benedetti, Carmen Gloria Caballero y Catalina Abbot, Paco León y Marcela Muñoz.

Las obras van desde acrílicos hasta esculturas.

arquitectónico europeo y dibujos de paisajes urbanos franceses hechos in situ forman parte de la muestra que Alfredo Recarte exhibirá durante agosto.

Albert Le Blanc 1764, Lo Barnechea www.ququ.cl

Av. Vitacura 5875, Vitacura www.dcb.cl/cultura/exposiciones

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panoramas

EXPOSICIONES REGIONES

Hasta el 5 de septiembre Biblioteca regional de Aysén

Hasta el 10 de agosto Casa del arte Diego Rivera

Los órganos vitales de unas obras con un cuerpo invisible

Navegantes del fin del mundo, claudio pino

La muestra reúne 13 obras de destacados artistas chilenos, entre ellos Bernardo Oyarzún y Alicia Villareal. Figuritas, grabados y fotografía son algunas de las técnicas que componen la exhibición.

Son 31 imágenes, todas de una regata chilota. Con ellas, el fotógrafo Claudio Pino pretende acercar al público a la cultura navegante de los chilotes, quienes durante siglos fueron los encargados de distribuir productos por los remotos mares del sur de Chile.

Cochrane 233, Coyhaique

Quillota 116, Puerto Montt

TALLERES / WEB

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Hasta enero Taller Paulina Wagemann

Del 14 de agosto al 30 de septiembre Galería de Arte Isabel Aninat

Taller Peumayen, Paulina Wagemann

Para-Dogma, Fernanda saldivia y Verónica Allamand

Las clases en este taller son personalizadas según las características de cada alumno, y tienen como objetivo desarrollar distintas formas de trabajar la arcilla. Además, incluyen las herramientas, esmaltes y quemas, necesarias para el desarrollo de cada una de ellas.

Para-Dogma es una exposición bipersonal de pintura y escultura a través de la cual las autoras buscan una nueva reflexión plástica sobre la mujer. Grabados irruptores y figuras en acrílico sobre tela son sus armas para enfrentar una sociedad que ha intentado constantemente “encasillarlas” coartando su versatilidad.

Berna 4596, casa R, Lo Barnechea www.arteallimite.com/artistas/paulina-wagemann

Av. Presidente Kennedy 5413, Las Condes www.galeriaisabelaninat.cl http://www.arteallimite.com/artistas/fernanda-saldivia

El destacado del texto corresponde al autor de la imagen que acompaña. * Las imágenes de las obras publicadas son detalles de la original.

Del 5 al 31 de agosto Castillo Wulff

Hasta el 14 de agosto Sala de Arte Municipal

La pulsión del inconsciente, Patricio Peña Oltra

Colores desde una luna azul

Con una importante trayectoria a cuestas, Peña Oltra expone sus paisajes y sus mujeres a través de una técnica libre tratada con gran dominio: tela y papel, lápices color, grafito y carboncillo, óleos, acrílicos y acuarelas, pinceles y espátulas, entre otros materiales.

Como homenaje al poeta mapuche Elicura Chihuailaf, la Asociación de Artistas Visuales inaugurará una exposición itinerante compuesta por 37 exponentes de distintas disciplinas: pintura, escultura, fotografía, entre otras.

Av. Marina 37, Viña del Mar

Condell 1550, Valparaíso www.artistasmujereschile.com

Hasta noviembre Taller Pablo Rivera

durante todo el año Taller María Inés Rivera

Venta de taller, pablo rivera

Venta de taller , maría inés rivera

Durante todo el segundo semestre, Pablo Rivera tendrá a la venta sus obras hechas en óleo sobre tela. Es una exposición de puertas, ventanas y fachadas de casas, las cuales podrán ser reservadas a través del correo pablo.rivera@vtr.net.

Una serie de grabados sobre dioses griegos expuestos el pasado junio en Nueva York, compone la venta de taller de María Inés Rivera. A través de su página web se puede acceder a las 13 obras, crítica y curatoría de la exposición.

http://www.arteallimite.com/artistas/pablo-rivera-cousino

www.mariainesrivera.cl www.arteallimite.com/artistas/maria-ines-rivera

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críticas

FERNANDO TORM EN EL MUSEO NACIONAL DE BELLAS ARTES Por Ennio Bucci Abalos. Licenciado en Teoría e Historia del Arte y Estética. Miembro de AICA. Imágenes cortesía del Museo Nacional de Bellas Artes.

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a obra de Fernando Torm (1944-2011) es poco conocida en nuestro medio artístico nacional, ya que como muchos artistas que desarrollaron su trabajo plástico fuera de Chile, Fernando Torm lo hizo en Nueva York.

La obra de este artista es interesante porque incursiona en diversos lenguajes de expresión como es el collage por un lado y a su vez las composiciones realizadas para piano como otro aspecto de su creación artística. Sus collages son de colores

muy vivos, trabaja con acierto la gráfica y la fotografía. Así lo podemos apreciar en las obras en técnica mixta, como Zigzag self III (2004), En el Nilo (2003), American etching (2001).

El profesor Gaspar Galaz, quien lo conociera a temprana edad, señala lo siguiente respecto a su obra: “Lo conocí joven, lo recuerdo enérgico, lleno de ideas e ideales, como a punto de explotar por su capacidad creativa. Fernando era un artista que quería hacerlo todo. La verdad me impactaron su dinamismo y creatividad, pero también su capacidad de ser humano”.

Sin Título, 2013, técnica mixta, 60 x 60 cm. NYC.

La obra plástica de Torm en los años 60 ya trabajaba con el universo de lo heterogéneo, utilizando muchos elementos disímiles y llevándolos a la técnica del collage. Es posible situar la obra de Fernando Torm en un Neo Pop Americano recibiendo la influencia de Robert Rauchemberg.

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De la curatoría de la muestra, a cargo del profesor Ricardo Loebell, podemos apreciar un criterio acertado en la selección de las obras y un montaje muy didáctico que permite al público espectador adentrarse en los universos creativos de Fernando Torm.

La muestra es interesante de visitar porque permite tomar contacto con la obra de un artista creativo y, a su vez, de una gran sensibilidad musical. Ambos lenguajes, la plástica y la música, fueron su vida.

"1001" Pasado, Presente y Quizás...

LUGAR: Museo Nacional de Bellas Artes DIRECCIÓN: Parque Forestal s/n, metro Bellas Artes, Santiago FECHA: Hasta el 31 de agosto

críticas

ENCONTRADO/ELEGIDO 17 miradas entorno al objeto Por Pedro Labowitz. Crítico de arte. Miembro de AICA. Imagen cortesía del Centro Cultural de Las Condes.

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Carlos Navarrete, A, 2000, Letra de acrílico, brocato, medios mixtos y objetos, medidas variables.

n su interesante introducción histórica, el objeto desde el ready-made hasta la instalación, el curador de la muestra Carlos Montes De Oca cita a Marcel Duchamp (1887- 1968) proclamando: “La libertad total y la noción de continuidad entre arte y vida concluyendo en una obra de arte creada, no ya por la mano o la habilidad del artista, sino por su cerebro y voluntad”. El curador es también el autor de los cortos comentarios que acompañan las obras de los 17 artistas locales que muestran objetos e instalaciones artísticas.

Desde el primer momento el visitante queda favorablemente impresionado por la excelente disposición de las obras en las salas, dándole la presencia y el aire necesarios a cada una.

Así, Maria Ignacia Edwards presenta con gracia y donaire una serie de piezas encontradas de madera y metal, que sin su disposición elegante no hubieran sido más que chatarra. Su belleza está en el ojo del contemplador. Por su parte, Carlos Navarrate se inclina hacia el minimalismo con su gran “A” negra sobre amarillo, posada sobre dos pies y cubierta por un plástico diáfano y texturizado. En la misma dirección minimalista va Rainer Krause con sus diseños geométricos, pero con ligeras incorrecciones y que además exhiben pequeñas protuberancias (con razón se llaman “pequeños errores”). Antonio Becerro ofrece un gran instalación ambientada en blanco: un perro que bebe de una chacra –una continuación de su reciente muestra en el Museo Nacional de Bellas Artes–, mientras que Karen Pazán muestra un maniquí rosado femenino acéfalo, “heme aquí en cuerpo y sin voz ni cabeza”.

Los demás exponentes presentan obras igualmente interesantes, de modo que la muestra convence plenamente en su afán de demostrarnos que un objeto correctamente presentado como tal puede ser arte conforme “al cerebro y la voluntad” de su autor.

Encontrado/Elegido LUGAR: Sala de Arte Las Condes DIRECCIÓN: Apoquindo 3340, Las Condes FECHA: Hasta el 23 de agosto

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EXPOSICIÓN DESTACADA

MIRÓ INÉDITO EN CHILE El Centro Cultural de Corpartes abre sus puertas al público el domingo 3 de agosto, y lo hace, nada más y nada menos, que con una muestra de uno de los maestros del surrealismo. Joan Miró, La Fuerza de la Materia contará con 112 obras del artista español pertenecientes a la Fundació Joan Miró de Barcelona y a la colección privada de la familia del artista.

Por Emilia Benítez Silva.

Imágenes cortesía de CorpArtes.

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ste 3 de agosto se inaugurará, con una de las muestras más es directa, sencilla y llena de mensajes que comunica de una forma grandes sobre Joan Miró que se haya hecho en Latinoamérica, el única e inconfundible donde es posible reconocer como el artista Centro de las Artes 660 (CA660) de la Fundación Corpates, en se entregó por completo al arte. Su estilo fue mutando durante los el sector de Nueva Las Condes. El año 2010 se comenzó a trabajar en años y pasando por diferentes corrientes pero, sorprendentemente, este proyecto que crearía uno de los espacios culturales más grandes siempre conservó ese lenguaje tan personal –lúdico, claro, irónico y colorido- sin importar el material que del país, con más de 14 mil metros trabajara. Miró llevó a la pintura más cuadrados. El CA660 nació de la intención Joan Miró, La Fuerza de la Materia allá de la pintura, y a su propio origen. de levantar un lugar de encuentro con la cultura y una plataforma para artistas busca reflejar la importancia que Miró La exposición Joan Miró, La nacionales y extranjeros. le otorgaba a la materia, como vía de Fuerza de la Materia reflejará experimentación y como fin en sí misma. la importancia que el artista le Dos expertos de la Fundació Joan Miró, otorgaba a la materia, como vía un especialista de la Successió Miró de de experimentación y como fin en Palma de Mallorca y un encargado de la museografía en Chile idearon especialmente el conjunto de obras y el sí misma. La exhibición inaugural del CA660 estará instalada diseño del recorrido de Joan Miró, La Fuerza de la Materia, una muestra en las dos galerías que posee el nuevo centro, equipadas con modernos sistemas de iluminación y climatización para llevar inédita puesto que estas piezas nunca se habían exhibido juntas. la experiencia visual al máximo y que juntas suman 850 metros donde se alojarán diferentes exposiciones transitorias.

Asesinando la pintura La genialidad de Joan Miró es indiscutible, pocas obras han tenido tanta fuerza y han llamado tanto la atención como las suyas. Su pintura

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El recorrido de la exhibición de Miró contará de cuatro etapas, la primera con piezas desarrolladas por el artista entre los años

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Mujer en la noche, 1973, acr铆lico sobre tela, 195 x 130 cm. 漏 Sucesi贸n Mir贸, ADAGP, Francia / CREAIMAGEN, Chile, 2014.

1931 y 1949, donde el público podrá apreciar el comienzo del artístico y la comprensión profunda del trabajo de Joan Miró, lenguaje simple y simbólico característico del maestro surrealista, se dictarán conferencias en relación a la obra del surrealista. quien buscó crear una forma de comunicación más pura donde la materia pudiese mostrar su potencia. Las dos siguientes secciones Un nuevo espacio para la cultura se referirán al trabajó de Miró durante los años 60 y 70. Estas obras, de temas clásicos que inspiraban al artista español como lo eran El CA660 tendrá, al lado de las galerías, una sala de teatro las mujeres, los pájaros y las constelaciones, están realizadas con multipropósito con capacidad para alrededor de 900 personas. diferentes técnicas y formatos demostrando la pasión que tenía el Además contará con un Jardín de Esculturas donde el público podrá gozar con piezas de Aguste surrealista por los materiales. La última Rodin, Salvador Dalí y Roberto sección incluye obras en diferentes La muestra de Miró en el CA660 Matta, entre otras obras de medios plásticos, como esculturas en bronce, a través de los cuales Joan Miró será sumamente completa con el fin destacados artistas que se lucirán al aire libre. Una de las principales buscó redefinir los límites de la materia de incentivar el conocimiento y la atracciones será un espacio de al intervenirla con componentes comprensión del trabajo del artista español.

100 metros cuadrados en honor innovadores, como el carborúndum a Roberto Matta, una de las que tuvo como resultado una mayor figuras más importantes de la definición de las texturas y los trazos. plástica nacional. En la Sala Matta se mostrará su obra de 1960 La muestra estará acompañada de gigantografías de Miró, en muchas Étre Atrou, un políptico de cinco telas de gran formato. de las cuales aparece trabajando en obras que se encontrarán en Rosario Norte. Además, durante los primeros días de la exposición Tanto las exposiciones transitorias, como las muestras estará presente Joan Punyet Miró, el nieto del artista que está a permanentes, serán gratuitas, además contarán con programas de extensión como charlas y visitas guiadas para que de cargo de velar por los derechos del trabajo de su abuelo. esta forma el Centro de las Artes 660 sea un espacio donde A lo largo de la exposición el público podrá participar estudiantes, académicos, universitarios y artistas puedan de diferentes actividades. Durante los días de semana desarrollarse y perfeccionarse. se realizarán visitas guiadas para escolares diseñadas especialmente para cada nivel educacional que incluyen Joan Miró, La Fuerza de la Materia talleres prácticos para los alumnos y fichas pedagógicas LUGAR: Centro de las Artes 660 para los profesores. Los fines de semana se realizarán las DIRECCIÓN: Rosario Norte 660, Las Condes visitas enfocadas a los universitarios, las familias, los adultos FECHA: Desde el 3 de agosto, de 10 a 19 horas mayores y las personas con capacidades diferentes. Con el ENTRADA: Liberada mismo propósito de las visitas, incentivar el conocimiento

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Femme III, 1965, óleo y acrílico sobre tela, 115,9 x 81 cm. Fundació Miró. © Sucesión Miró, ADAGP, Francia / CREAIMAGEN, Chile, 2014.

ARTISTA DESTACADO

e1, 2013, fotografía y montaje digital, 100 x 130 cm.

Cecilia avendaño

ni blanco, ni negro Por: Bárbara Fernández.

Imagen cortesía de la artista.

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us personajes habitan en la delgada línea entre la realidad y la ficción. Son un reflejo de la fusión de dualidades muy separadas y que, al unirse, dejan de tener una categoría impuesta. Sus creaciones se mueven en el cuadro como si tuvieran vida, engañando, seduciendo, fascinando, y así logran desarmar esa estructura mental que todos tenemos para llegar a admirar algo que cuestiona nuestros propios juicios.

manifestaciones de las artes visuales, la fotografía unía su vocación con la pasión. Un día, sacando fotografías en la calle, todo cambió. Paseando por Plaza Italia, en el centro de Santiago, la asaltaron y le robaron su cámara. “Después del asalto decidí trabajar en estudio, no quería volver a salir a la calle a sacar fotos, ahí me tuve que reinventar y empezó de a poco a aparecer este trabajo", explica.

Todo esto comenzó con una antigua cámara análoga, herencia de su madre. Cecilia Avendaño viene de una familia de artistas, y aunque ama la pintura, cuando entró a la Escuela de Arte de la Universidad de Chile se dio cuenta que, de todas las

Así comenzó a experimentar con los retratos fotográficos llevándolos a sus propios imaginarios. La operación de la deconstrucción de retratos que realiza está llena de detalles que entregan dinamismo a su obra. Desde esa óptica, Cecilia rompe con la mímesis de la

e5, 2014, fotografía y montaje digital, 100 x 150 cm.

Cecilia Avendaño cambió los cánones. Su obra brota de un mundo increíble e intangible, inimaginable hasta en los más recónditos espacios de la mente humana. Son personajes escondidos en el mundo onírico y que presentará, desde el 12 de agosto, en su nueva serie de obras E-MERGE en la galería Patricia Ready.

fotografía y crea un objeto totalmente nuevo, producto de la superposición de fotos en movimiento. “Llegué a este tipo de paradoja porque creo que en la vida y en la estética, las cosas no son blancas ni negras, me gustan los matices. No estoy de acuerdo con ciertos cánones sobre ‘qué es lo correcto’. Creo que lo ‘incorrecto’ en ciertos patrones genera belleza también”, asegura Cecilia.

Esta unión de polos, basada en elementos de la realidad, hace que su nuevo trabajo llamado E-MERGE revele un espacio imaginario donde la contradicción se encuentra y juega entre la realidad y la ficción. “Si se entiende sólo como ficción no sorprende, si se entiende sólo como realidad, asusta”, asevera.

Sus próximas exposiciones serán en Nueva York desde el 24 de octubre al 30 de noviembre en la galería Reverse, donde expondrá su serie Blow. Y en Chile, desde el 12 de agosto hasta el 17 de septiembre, expondrá individualmente su nueva serie E-MERGE en la Galería Patricia Ready.

E-MERGE LUGAR: Galería Patricia Ready FECHA: Del 12 de agosto al 17 de septiembre DIRECCIÓN: Espoz 3125, Vitacura

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perfil arte Su interés por el arte ha existido desde siempre, pues para ella los colores son vida y expresión. Pamela Awad partió con su propuesta plástica probando e interviniendo muebles y muros, posteriormente realizó estudios formales en la Pontificia Universidad Católica de Chile, donde obtuvo un diplomado en arte.

pAMELA AWAD HISTORIAS DE VIDA LLEVADAS A LA TELA Por Soledad Cabello.

Reconoce que sus obras están dotadas de mucho carácter, donde el color juega un rol importante, ya que es muy protagonista de sus telas. En su trabajo se puede visualizar el lenguaje de los sentimientos, en donde la mujer es una fuente inagotable de emociones, sentimientos, vivencias y sueños. Para esta artista, cada pintura es una historia completa, y así debe ser apreciada al momento de conocer sus temáticas estéticas.

En cuanto a la técnica empleada, admite que donde se encuentra más cómoda es utilizando el acrílico. “No sé si califico en algún estilo específico, pero yo lo definiría como figurativo”, indica.

• Encuentro, 2014, acrílico sobre tela, 70 x 90 cm.

Se inspira en la vida misma, en lo que va viendo y descubriendo en su entorno. “Me encanta conocer historias, al escucharlas siempre sale una idea que me atrapa y después tengo que llevarla a la tela”, dice. Tiene un reconocimiento especial por lo que realizan sus colegas artistas. “Hay muchos admirables, pero me mueve mucho el holandés Vincent van Gogh y el austríaco Gustav Klimt”, declara Pamela.

Sus lienzos se pueden apreciar en su blog pamelaawadart.com, y en el taller que mantiene en Chicureo. Entre sus planes futuros está participar en el Centro Cultural Colina, con una de sus pinturas en homenaje a Pablo Picasso, con motivo del centenario de la Primera Guerra Mundial; y en noviembre, exponer en la galería viñamarina Montemar.

Homenaje a Picasso. El Arte a 100 años de la Primera Guerra Mundial LUGAR: Corporación Cultural de Colina DIRECCIÓN: Av. Concepción 287, Colina FECHA: Hasta el 2 de septiembre

what makes this an object of value?

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http://www.arteallimite.com/artistas/pamela-awad

maría teresa haeussler Esculturas femeninas que danzan a la vida

• Su mundo, 2014, bronce fundido a la cera perdida sobre concreto, 55 cm de altura.

Por Carolina Bravo.

ENERO / 21 CMS. x 9 CMS.

El trabajo de esta artista es principalmente en madera, fierro y bronce, con la figura humana y la mujer como tema principal, usando su cuerpo o partes de éste como medio de expresión.

Utiliza la desproporción intencionada de partes del cuerpo, el movimiento y la composición para mostrar, a través de figuras estilizadas, un ambiente tranquilo. También utiliza grupos de personajes para crear atmósferas diferentes, los que tienen diversas actitudes frente a la vida, “formando con ellos mis mundos y mis semimundos”.

Con el paso del tiempo y con una delicadeza y maestría perfecta, logró que sus mujeres empezaran a moverse hasta bailar, con vestidos que se mueven al compás de la música, llenos de magia y feminidad. “Son mujeres bailándole a la vida, felices, tranquilas y en paz”, nos comenta María Teresa.

La escultora –Licenciada en Arte en la Universidad Católica, con estudios posteriores en Barcelona– pasó gran parte de su infancia en el campo, donde tuvo sus primeros acercamientos con el trabajo en volumen. Observando y siguiendo a su mamá, María Teresa aprendió a modelar la arcilla. También aprendió a hacer todo tipo de retablos y relieves con tejuelas de alerce y otras maderas nativas del sur: “Me gustaba mucho maestrear, martillar, aserruchar, clavar y construir, así como también pintar y dibujar. Nunca tuve dudas de que sería escultora cuando grande; la mezcla perfecta entre artista y maestro”.

http://www.arteallimite.com/artistas/tere-haeussler

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perfil arte

Hoy, con una trayectoria de casi dos décadas, ha expuesto en el Congreso Nacional y en la Galería Municipal de Valparaíso. Su trabajo está basado en una abstracción total: tierras de colores distribuidas sobre la tela blanca, mezcladas con sulfato de cobre o sulfato de fierro, forman mares, desiertos y mapas. Es la puerta de acceso a un universo imaginario y real; un universo envuelto en colores delirantes, pero vinculado sólidamente a la libertad.

“Estoy decidida a que la emoción deje atrás al concepto”, dice con empecinamiento, y se alegra de que jóvenes artistas se adhieran a esa libertad: “Los jóvenes se están atreviendo a la experimentación y están inventando nuevas maneras de pintar”.

loreto sanhueza AMOR POR EL SER HUMANO Y SU ENTORNO

• Fuerza Aymara, 2013, óleo sobre tela, 100 x 150cm.

Por Soledad Acuña.

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Patricia lagos UNA PUERTA A LA LIBERTAD Por Fabio Neri.

• A tajo abierto, 2007, técnica mixta sobre tela, 130 x 150 cm.

Rigor. Así empieza la obra de Patricia Lagos. Lo aprendió una vez, hace tiempo, luego de pintar cinco veces una palmera –enojada por la insistencia y la inconformidad de su profesor–, y lo convirtió en su mantra. “Fue la lección de pintura más completa que pude recibir porque jamás olvidé los conceptos básicos de pintura con esa palmera”, recuerda. Ya se había trasladado a la V región y comenzaba hacer sus primeras armas desde un taller en el cual la interacción con otros artistas contribuía al crecimiento individual. “Los concursos de pintura eran un aliciente a la hora de crear y saber cómo iba avanzando con mi aprendizaje pictórico”, comenta.

http://www.arteallimite.com/artistas/patricia-lagos

Lo primero que uno piensa al ver los cuadros de Loreto Sanhueza es que la artista busca una representación fiel a la realidad, lo cual sin duda logra gracias a su increíble técnica. Sin embargo, al preguntarle si lo que la identifica es el hiperrealismo, ella contesta que no. “Para mí la pintura hiperrealista es tan exacta como una foto. Mi pintura la definiría como figurativa y mis cuadros nacen de mi imaginación. En estos momentos estoy comenzando una serie precolombina abstracta lo que me tiene muy incentivada”, explica.

Tenía sólo 6 años cuando conoció la pintura. Ese momento, más su infancia en el campo, marcarían para siempre su futuro y su obra. Sus principales inspiraciones al momento de pintar son la naturaleza, los distintos pueblos originarios y el entorno en que éstos se desarrollan. Su obra está llena de imágenes y colores que evocan el Norte de Chile, lugar que le atrae especialmente.

“Siento un placer inmenso y un gozo increíble al ver los paisajes nortinos, con su colorido maravilloso y esa soledad que se siente en el desierto, me sugiere una conexión directa con Dios. Lo mismo siento con nuestros paisajes del sur. Nuestro país, su gente y nuestros ancestros precolombinos son algo que siempre he querido rescatar, mi obra así lo demuestra”, asegura.

Su camino profesional fue largo y lleno de logros, los cuales la llevaron a la Bienal de Florencia, donde recibió la medalla de Lorenzo el Magnífico, según ella, la culminación de una vida dedicada al arte, http://www.arteallimite.com/artistas/loreto-sanhueza-vergara representando nuestra cultura indígena.

Un todo. Un todo con sentido. Un todo para el ser humano y su desarrollo espiritual. Así es la obra de Jeannette Canale.

Ligada a la plástica desde pequeña, y con conocimientos en diversos temas de sanación, ha logrado, después de extensos estudios en gemoterapia, geocromoterapia, mandalas y psicoplástica, hacer de su trabajo un medio de introspección y armonía, sin dejar nada al azar.

jeannette canale De suma conciencia Por Bernardita Garib.

“El arte es un medio y el artista también lo es. El artista debe ser responsable. No basta con comunicar aquello que siente porque eso puede ser positivo o ser negativo y producir una carga nociva para los demás”, explica.

De la pintura realista, que por muchos años la tuvo buscando lo perfecto de la imagen, Jeannette dio un vuelco logrando encontrar la libertad para integrar en su obra distintos conocimientos adquiridos en disciplinas de terapia alternativa.

De esta forma mezcla y hace convivir en el lienzo diversos medios, siendo las piedras y cristales los protagonistas principales.

Basándose en los colores, formas y códigos que éstas trasmiten, la artista establece un orden apropiado logrando la armonía necesaria entre las gemas y la materialidad de la pintura. Así, la obra se vuelve en sí misma un objeto de sanación; da orden a la psiquis y lleva al espectador a conectarse con su espiritualidad, aportando el equilibrio necesario en la persona y en el espacio donde se encuentra.

Por estos días, la artista se encuentra exponiendo en Buenos Aires y preparando su próxima muestra individual en la Galería Lobby del Hotel NH de Santiago, del 7 de agosto al 7 de septiembre.

http://www.arteallimite.com/artistas/jeannette-canale

• Océano, 2014, técnica mixta con cristales Swarovski y piedras semipreciosas, 110 cm diámetro.

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Toronto • ART TORONTO

Los Ángeles

Nueva York • ARMORY SHOW • VOLTA • SCOPE • PULSE

• PHOTO LOS ANGELES • CONTEMPORARY ART

Miami • ART BASEL • SCOPE • PINTA

México DF • ZONA MACO

Bogotá

Curitiba

• ARTBO • ODEON

• BIENAL DE CURITIBA

Lima • ART LIMA • PARC • LIMA PHOTO

Punta del Este • ARTE PUNTA

Santiago • CHACO

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Buenos Aires • ARTEBA • MIRÁ • ARDI • BUENOS AIRES PHOTO

Basel

Londres

• SCOPE • VOLTA • LISTE • ART BASEL

• PINTA • VOLTA

Beijing • INTERNATIONAL ART EXPO

Mónaco • ART MONACO

Estambul • CONTEMPORARY ISTANBUL

Madrid • ARCO • ART MADRID • MADRID PHOTO

Italia • ROMA • ARTISSIMA

Shangai • ART SHANGAI

Hong Kong • ART BASEL

Barcelona • SWAB • LOOP

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FERIAS

Excelencia limeña Del 6 al 10 de agosto en la capital peruana se llevará a cabo, por quinto año consecutivo, Photo Lima, la gran feria especializada en fotografía.

En la feria, además, se entregará el prestigioso premio internacional Repsol a 12 fotógrafos, como muestra de apoyo a las nuevas manifestaciones fotográficas a nivel internacional.

Por Emilia Benítez Silva.

Imágenes cortesía de Lima Photo, Galería Salar y de PSH Projects.

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PSH Projects, Stand 22. Artista: Gast贸n Ugalde. Sin T铆tulo, 2014, C-Print, 110 x 160cm.

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l espacio del Centro de la Imagen de Lima será la sede de la Feria Internacional de Galerías de arte especializadas en fotografía que se realizará durante el mes de agosto. Hasta ese lugar llegarán los representantes de galerías de Argentina, Bolivia, Francia, Canadá, Cuba, Chile, España, Uruguay y Venezuela para mostrar lo mejor de la fotografía contemporánea.

Gastón Delau, director de la feria, cuenta que este año se incluirá además un nuevo programa llamado Foto x US$ 1000.

“Pretende acercar, con una oferta concreta y accesible, una selección de 15 obras en toda la feria que tendrán ese valor para el público visitante”, comenta Delau.

El primer día de la feria se entregará el premio Repsol, el más importante en el La feria contará con múltiples actividades Representantes de galerías de ámbito de la fotografía. Los ganadores que todos los aficionados al arte de la distintas partes del mundo llegan recibirán un galardón monetario y fotografía podrán disfrutar. Con el apoyo a Lima para mostrar lo mejor de la sus obras pasarán a formar parte de de Canon se realizará un programa de fotografía contemporánea. la colección Repsol de Fotografía revisión de portafolios, que será guiado por Contemporánea. También se entregará importantes exponentes internacionales como Roberto Huarcaya, Alejandro Castellote y el destacado el premio SURA, por segundo año consecutivo, al mejor montaje de la feria. La galería que resulte ganadora recibirá curador cubano, Juan Antonio Molina. dinero para adquirir obras en el marco de la feria.

Durante lo que dure la feria se realizarán conversatorios que buscarán un aproximación a algunas de las iniciativas recientes De los fotógrafos que serán parte de Lima Photo resaltamos de investigación, difusión y producción editorial en torno a la la presencia de grandes exponentes de la disciplina como fotografía. El día jueves se realizará un foro que promoverá son Christian Fuchs, Luis Martín Bogdanovich, Rafael el intercambio conceptual de múltiples aspectos sobre la Gómez Barros, Gastón Ugalde, Felipe Llona, Sonia Cunliffe, fotografía contemporánea y que presentará el trabajo de Daniel Kiblisky, Cecilia Paredes, Sergio Fernández, Hans fotógrafos, críticos y curadores. La fotógrafa peruana residente Stoll, Graciela Sacco, Ana Cecilia Farah, Jacques Custer, en Nueva York, Milagros de la Torre presentará sus dos últimos Katherinne Fiedler, Gabriela Henning, Leslie Searles, Viviana libros el sábado 9 de agosto. El trabajo de la destacada artista Zargon, Carolina Magnin. Por supuesto que destacamos la se caracteriza por la seriación, la descontextualización, participación de la galería chilena CO Galería de Arte que sin el desenfoque y la reclasificación de distintas imágenes, duda será un aporte importante para este gran panorama que reúne lo mejor de la fotografía internacional. demostrando así el poder de la foto en la sociedad.

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La Galería, Stand 11. Artista: Gabriela Henning. Tejido 1, impresión digital sobre papel fine art baryta, 110 x 82,5 cm.

Blanca Berlín, Stand 6. Artista: Cecilia Paredes. La Dorsal, 2014, Impresión fotográfica, 120 x 120 cm.

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