Periódico Arte Al Límite | Edición 108, septiembre 2014

N° 108

Septiembre 2014 Santiago de Chile Distribución gratuita

www.arteallimite.com

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Save the date 3 - 5 de octubre, 2014 Centro Cultural Estación Mapocho Santiago, Chile

12.

El juicio final, de Miguel Ángel

El monumental fresco creado por Miguel Ángel está compuesto por 400 figuras que destacan por la tridimensionalidad que le da movimiento y energía a la famosa obra.

16.

PRESENCIAS MATÉRICAS

AMS Marlborough exhibirá el trabajo del destacado artista nacional, Federico Assler. Relieves, obras de arena volcánica y bloques de hormigón componen la muestra.

28.

LA PLáSTICA DE PARRA

Voy & Vuelvo es la exposición que celebra un siglo de vida de Nicanor Parra con sus famosos trabajos. Analizamos la veta visual del antipoeta.

what makes this an object of value?

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editorial

Blanco, rojo, azul y miles de colores más

L

legó septiembre, el mes de la patria, mes en cual nuestras calles se tiñen de los colores de la bandera chilena pero en el que también comienzan a aparecer otras tonalidades.

Los nuevos aires que traerá la primavera serán acompañados de diferentes eventos y actividades relacionadas al mundo artístico y a los cuales estamos todos invitados.

DIRECTORES Ana María Matthei Ricardo Duch ASESOR COMERCIAL Cristóbal Duch DIRECTORA DE ARTE Catalina Papic PROYECTOS CULTURALES Camila Duch EDITORA GENERAL Kristell Pfeifer EDITORA PERIODÍSTICA Emilia Benítez Silva DISEÑADORA Javiera de la Fuente PERIODISTA Fabio Neri MARKETING Josefa Del Río AUDIOVISUAL Nicole Ponce PRÁCTICA José Ignacio Cartagena Valeria Andurandegui CRÍTICOS Pedro Labowitz ASESORES Benjamín Duch Jorge Azócar Ignacio del Solar Julio Sapollnik COLABORADORES Lucía Rey Pía Cordero Bárbara Fernández Natalia Vidal Toutin Bernardita Garib

Este mes comenzó con una celebración importantísima para todo Chile: Nicanor Parra, uno de los personajes vivos más trascendentes de nuestra historia, cumplió 100 años el 5 de septiembre pasado.

Como es lógico, miles de actividades diferentes se están realizando para festejar el siglo de vida del antipoeta. La muestra Voy & Vuelvo, en la Biblioteca Nicanor Parra de la Universidad Diego Portales, exhibirá parte de las obras de Parra, mostrando su área de artista visual. “El arte es un mecanismo de autorregulación del espíritu para recuperar el equilibrio”, declaró Nicanor a Arte Al Límite en julio del año 2006, y es que el físico es la prueba de quien vive el ideal de integrar arte y vida. Esta edición del periódico contiene un reportaje que busca analizar en profundidad la veta plástica de Parra y su influencia en el quehacer artístico nacional.

Durante septiembre tendremos que prepararnos para la feria internacional Chile Arte Contemporáneo (Ch.ACO), el hito de arte más importante en nuestro país y por el cual han trabajado durante todo el año para fomentar –de la manera más completa posible– la industria de las artes visuales chilena. Bajo el lema Ch.ACO non stop, Ch.ACO no se detiene se han realizado muchas gestiones para concursos, eventos y actividades que durante este mes de septiembre están completándose para recibir a la feria desde el 1 al 5 de octubre.

Tal como las gestiones de Ch.ACO o como las obras de Nicanor Parra, el arte chileno no se detiene. Pero, también como sucede con la feria y con la exhibición de los trabajos de Parra, la mayoría de los eventos que se llevarán a cabo durante septiembre –a los cuales estamos todos los chilenos invitados– se desarrollarán en Santiago. El arte es un elemento esencial para la sociedad y, a pesar de que los artistas trabajan sin fronteras, es claro que en regiones –principalmente en las zonas del extremo norte y sur– existen mayores dificultades para que el público pueda acceder a exposiciones y muestras artísticas de calidad.

Esperamos que este mes todo Chile celebre las fiestas patrias y que estas festividades a lo largo y ancho del país puedan dar una idea sobre cómo se debería vivir el arte. Aprovechemos este mes para homenajear a todos nuestros héroes y también a nuestros artistas y gestores culturales, para que así cada año tengamos más colores con los que adornar las calles del país, no sólo las de Santiago. ¡Viva Chile!

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SUMARIO

06 | Ch.ACO non stop

12 | Mirar la historia: El juicio final, de Miguel Ángel 06

14 | En el taller: Paulina Beyer

16 | Exposición destacada: Federico Assler

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18 | Arte Público

20 | Panoramas

24 | Artista destacado: Tito Calderón 24 26 | La plástica de Parra

32 | Perfilarte 26 35 | Crítica

36 | Artista Emergente: Mariángeles Vega

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38 | Exposición destacada internacional: Presente sin tiempo

REPRESENTANTE LEGAL Orlando Calderón F. | VENTAS info@arteallimite.com | SUSCRIPCIÓN suscripciones@arteallimite.com | FONO-FAX 2955 3261 WEB www.arteallimite.com | FACEBOOK facebook.com/arteallimite2 | TWITTER @Arte_Al_Limite | INSTAGRAM @arte_allimite PORTADA Panorámica Ch.ACO 2013 en Estación Mapocho, cortesía Ch.ACO | IMPRENTA Maval Editora e Imprenta, Santiago, Chile.

Las opiniones vertidas en este medio son de exclusiva responsabilidad de quienes las emiten.

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REPORTAJE

Feria de arte en Chile

Ch.ACO NON STOP Con 30 galerías nacionales e internacionales, 12 Pop_Up Spaces, 20 editoriales y una gran muestra de tres colecciones corporativas chilenas, por sexto año consecutivo Santiago se prepara para recibir a la feria de arte contemporáneo más importante del país. La cita es entre el 3 y 5 de octubre en el Centro Cultural Estación Mapocho.

Por Emilia Benítez Silva y Francisca Gabler.

Imágenes cortesía de Ch.ACO y Galería Salar.

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h.ACO, Chile Arte Contemporáneo, es una plataforma profesionales y posicionar el arte chileno al nivel del contexto que apuesta a ser un referente para Latinoamérica regional y mundial. “Ch.ACO, desde sus inicios, ha querido dentro del panorama de las ferias mundiales, un fomentar la industria para las artes visuales del país y explicitar las cadenas de producción del mundo proyecto que cada año crece y se artístico, que permite motivar y profesionaliza. “El lema de la feria este Ch.ACO es un evento inclusivo aumentar la importancia del mercado año es Ch.ACO no se detiene, Ch.ACO non stop, una manera corta para contar que pretende ofrecer un punto del arte”, comenta Fulton, y agrega un extenso trabajo de gestión que de encuentro y una ocasión de que Ch.ACO es un evento inclusivo, que no compite con ninguno de los desarrolla nuestra organización a lo difusión para los otros agentes otros agentes que trabajan para largo de todo el año que va mucho más profesionalizar la cadena del sistema allá del evento en sí”, explica Elodie que trabajan para profesionalizar de las artes en Chile, sino que al Fulton, directora general de Ch.ACO, las artes en Chile. contrario: la feria pretende ofrecerle sobre el trabajo que desde el año 2009 un marco, un punto de encuentro y una realiza para que este evento integre de ocasión de difusión que difícilmente solos podrían alcanzar. la manera más completa el quehacer artístico en el país.

Los objetivos de la feria son acercar al público nacional el arte internacional, promover el interés para el coleccionismo de arte en las nuevas generaciones, fidelizar a las audiencias

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Este año serán 30 las galerías que participarán del evento, que en total agrupan más de 800 obras que se estarán exhibiendo y vendiendo como una muestra de lo mejor del arte

La obra de Gastón Ugalde, de la galería Salar, estará presente en el stand de Arte Al Límite. Detalle de Sin título, 2014, C-Print, 110 x 160 cm.

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contemporáneo. Entre los espacios, están las más importantes galerías chilenas como AFA, Artespacio, Isabel Aninat, Patricia Ready, Co Galería y XS, además de galerías internacionales como Aldo de Sousa (Argentina), Gachi Prieto (Argentina), Cecilia Brunson Projects (Inglaterra), Henrique Faría (Estados Unidos) y Vemelho (Brasil). Cabe destacar que algunos espacios tendrán una sección dedicada al arte moderno chileno, con la muestra de obras de grandes maestros como Roberto Matta, Alfredo Jaar, Sergio Castillo y Cecilia Vicuña.

Asimismo, durante los días del evento se realizarán diferentes actividades como un programa infantil con talleres para la familia a cargo del Museo Artequin, y un programa de conversaciones –editado por Irene Abujatum, directora fundadora de la feria, y Claudio Iglesias, teórico y escritor argentino–, que estará enfocado en el mercado del arte con con énfasis en la escena neoyorkina, con el propósito de familiarizar al público local con el lenguaje y semántica propia del arte contemporáneo. “Estamos trabajando para crear un cruce real entre invitados internacionales, con los respectivos referentes en Chile, también por medio de dos días dedicados exclusivamente a los profesionales (el 1 y 2 de octubre), modelo que ya en otros países se aplica con éxito. Queremos crear información y discusión sobre estos temas, con el fin de generar opiniones más constructivas para la escena del arte y su funcionamiento”, explica Fulton.

Avivando el panorama artístico chileno Para incentivar el desarrollo y la profesionalización de espacios nacionales dedicados a la exhibición y venta de obras, Ch.ACO junto a la marca suiza de relojes Swatch llevaron a cabo la segunda versión del Programa Pop_Up Spaces, que busca destacar la gestión comercial y modelo de negocio de cada proyecto, facilitando así su inserción en el mercado nacional e internacional.

En esta oportunidad, fueron los curadores chilenos con residencia en Nueva York, Ian Cofré y Florencia San Martín, en conjunto con Carlo Giordanetti, director creativo de la firma, los encargados de escoger las mejores propuestas para la feria.

Los doce proyectos seleccionados, que estarán con un stand en el evento, fueron: A Y C Arte Contemporáneo,

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una plataforma que fomenta el coleccionismo a través de la venta de obras de arte, asesorando al cliente de una manera distinta, llevándolo a los talleres de los artistas para que puedan conocer su trabajo y experiencia de una forma más cercana. arMO, un colectivo que se instala como una plataforma de arte que pretende informar, guiar e incluso ayudar a artistas emergentes e independientes. BACO, un espacio auto-gestionado que pretende descentralizar el circuito artístico local invitando a artistas de reconocida trayectoria a trabajar desde la periferia en un proyecto site specific. El colectivo fotográfico de Concepción, Caja de Cartón, cuyo objetivo principal es producir, promover y relacionarse con la fotografía como medio de producción autoral. Departamento 44, un lugar de talleres y charlas teóricas, dirigido por el especialista en artes visuales y literatura Dr. Ricardo Loebell. Espacio Hache, destinado a la gestión, producción y difusión del arte contemporáneo local.

Espacio Opening, proyecto que busca generar un espacio de discusión y exposición dedicado a artistas contemporáneos que crecieron en los ‘90, ligándose a las escenas musicales emergentes y sus movimientos. Mutt, que con más de 10 años de experiencia trabaja por la difusión y el fomento tanto de la creación artística como del coleccionismo, a través de la venta de obras y la generación de nuevos espacios y experiencias. El espacio Oficina Barroca, que se presenta como un lugar para el desarrollo de propuestas de arte en diversos medios y disciplinas. Guerrilla, una plataforma de difusión de la fotografía contemporánea mundial a través de una publicación impresa en formato fotocopiable, descargable e imprimible bajo la premisa DIY (Do it yourself). El proyecto Museo de América que pretende formar una colección de arte contemporáneo con obras de artistas desconocidos inicialmente. Y, Espai Colona que se plantea como un lugar de exhibición de arte contemporáneo por quienes habitan el espacio geográfico entre Barcelona y Santiago.

Tres colecciones, una gran exposición A través de tres concursos de convocatoria pública realizados cada año, Feria Ch.ACO es el impulsor de la construcción de tres importantes colecciones de arte en Chile, que este año, por primera vez, estarán en exhibición en su conjunto.

Galería Prima, Tomás Munita, Isla Guano, 2008, fotografía, 90 x 120 cm.

Galería Artespacio, Amalia Valdés, Ping-pong, 2014, técnica mixta sobre tela, 120 x 160 cm.

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En primer lugar, estará la Colección Vodka Finlandia, una apuesta a largo plazo que cada año adquiere nuevas obras a través del Concurso Entre Ch.ACO & Finlandia. Su objetivo de identificar y reconocer a aquellos artistas chilenos, menores de 40 años, que hayan mantenido una constante en sus investigaciones visuales, y a partir de este año busca premiar a los autores que trabajan bajo la noción de realidad, contingencia y cuerpo social de Chile. Tras una convocatoria pública, desde 2010 un jurado de excelencia revisa el trabajo de los artistas postulantes y elige las mejores obras. Es así como actualmente, el acervo se compone de nueve piezas: Grilla Local de Carolina Illanes (Primer lugar 2010); Coreografía de Johanna Unzueta (Primer lugar 2011); Trepidatorio de Fabiola Hernández (Primer lugar 2012); Estudio de Geometría Bambusoideae III de Martín Kaulen (Primer lugar 2013); Nikkore x 35 (1960) –Fluo Yellow2 y New Music Media N2 In Tsumagol de Felipe Mujica (Primera Mención Honrosa 2013); De la Serie Panal de Julen Birke (Segunda Mención Honrosa 2013); Panaflex de Joaquín Luzoro (Primer lugar 2014); El Banquete de Cleopatra de Tomás Rivas (Primera Mención Honrosa 2014); y Mirador de Andrés Durán (Segunda Mención Honrosa 2014).

será reconocido por votación del público. Finalmente, las tres obras pasarán a formar parte de esta colección.

Por último, el tercer acervo en exposición, será la Colección TransparentArte, promovida por el Concurso TransparentArte, iniciativa que desde el año pasado realiza la Fundación de Artes Visuales Asociados (FAVA) – ente promovedor de Ch.ACO - en conjunto con el Consejo para la Transparencia. Su objetivo es invitar a todos los artistas visuales chilenos, a proponer desde su disciplina –dibujo, pintura, escultura, objeto, fotografía o gráfica– una reflexión sobre el sentido y el valor de la transparencia en la sociedad. Bajo esta premisa, la colección se compone en la actualidad de seis obras: Ilusión y certeza de Beatrice di Girolamo (Primer lugar 2013); La tierra prometida de Leonardo Guajardo Portus (Segundo lugar 2013); La eterna carrera de enfrentarse a tu imagen y nunca poder dejar de alzarla de Rodrigo Vergara (Tercer lugar 2013); Varias especies de Violeta Larraín (Primer lugar 2014); El desvelo de los elementos de Elvira Valenzuela (Segundo lugar 2014), y El Velo de Paula García (Tercer lugar 2014).

Arte en Mapocho y en redes sociales

En segundo lugar, se expondrá la Colección Nacional, impulsada por el Concurso Arte en Vivo gracias a Nacional Librería y Ch.ACO. Se trata de un histórico certamen que este año celebra su versión 25, cuyo objetivo es generar una gran vitrina e instancia de interacción entre la ciudadanía y artistas jóvenes, quienes durante algunos días trabajan bajo la modalidad de una residencia, en contacto directo con el público itinerante en un lugar de Santiago.

La colección, fundada este año, rescata algunas piezas claves provenientes de las pasadas ediciones del certamen –de los artistas Pablo Meyer, Viviana Bravo, Catalina Bauer, Pablo Jansana, Gonzalo Urrea y Pablo Rodríguez-, y por otro lado, por medio de un renovado proceso, dará vida a un acervo de obras de jóvenes artistas chilenos. Este año fueron seis artistas –Carola Ramírez, Cristián Lira, Matilde Benmayor, Raisa Bosich, Yisa y Fernando Andreo–, quienes durante nueve días participaron de una residencia pública en el Palacio Consistorial de Santiago.

Sus obras se estarán exponiendo en Feria Ch.ACO, y un jurado escogerá entre ellos a dos ganadores, mientras un tercer artista

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Este año Ch.ACO abrirá sus puertas al público el viernes 3 de octubre en el Centro Cultural Estación Mapocho de 12 a 21 horas, con visitas guiadas gratuitas todos los días. El valor de la entrada será de $ 6.000, los estudiantes y tercera edad tendrán un 50% de descuento y también hay convenios de 2x1 que se pueden revisar en www.feriachaco.cl.

Para quienes están ávidos de tener un adelanto del evento, como una manera inmediata y directa de fomentar la circulación del arte contemporáneo, la feria ha ideado la campaña Ch.ACO Preview en Instagram.com/feriachaco, que muestra las obras con las que el público se encontrará durante el evento. Se trata de una novedosa forma de ver algunas de las piezas que se estarán exhibiendo y vendiendo en la feria, como el trabajo de Cecilia Avendaño (Chile), Viviana Zargon (Argentina), Guillermo Lorca (Chile), Gastón Ugalde (Boliviano) y Nicolás Sánchez (Chile). Una visita virtual a las obras de creadores nacionales y extranjeros, que demuestra por qué Feria Ch.ACO será un evento imperdible.

Galería Gachi Prieto, Viviana Zargon, Objetos Inútiles, políptico, 25 x 35 cm. cada uno.

Galería Isabel Aninat, Paula De Solminihac, Acción-Atopos A-Z, 2013, hojas de arcilla, montaje listones de rauli, 200 x 100 cm.

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MIRAR LA HISTORIA

El juicio final, de Miguel Ángel

ESCULTURAS PICTÓRICAS Cerca de 400 figuras conforman el complejo y laberíntico Juicio Final de Miguel Ángel.

Convencido de que su destreza estaba en la escultura y no en la pintura, el artista italiano crea una obra donde las figuras adquieren tridimensionalidad mediante un acabado estudio del cuerpo humano.

Por Kristell Pfeifer.

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uatro años trabajando sin ayudantes y tendido incómodamente sobre un andamio tuvo que pasar Miguel Ángel para terminar una de sus más célebres obras, la bóveda de la Capilla Sixtina. Pero el genio renacentista no se conformó con las cerca de 300 figuras que le valieron ser reconocido como “il divino” y, veinticinco años más tarde, acepta el desafío de pintar el muro tras el altar de la misma capilla que le dio reconocimiento público en Italia y Europa.

El proyecto inicial fue encargado por el Papa Clemente VII y tras su muerte fue retomado por su sucesor, Pablo III, quien introdujo algunas modificaciones a la idea original. Miguel Ángel comenzó a trabajar en 1537 y en 1541 se dieron por fin a conocer las casi 400 figuras que componen este monumental fresco de más de 13 metros de alto.

Nada fue dejado al azar por Miguel Ángel. Lo que en un inicio puede verse como un conjunto de figuras de las que no comprendemos mucho su relación, adquiere sentido al ir desglosando parte por parte esta enorme obra.

La composición se despliega alrededor de Cristo, figura central de la escena que actúa como juez de quienes ascienden a los cielos o descienden al infierno. Con una postura intensa y severidad en su rostro, algo bastante inusual en las representaciones del Mesías, divide a justos de pecadores. A su lado la Virgen María se esconde, asustada o sorprendida por la enérgica actitud de su hijo. Ambas figuras centrales se encuentran sobre un claro de luz, rodeadas por un grupo de santos y apóstoles, forman un gran círculo que domina la escena general. Entre éstos podemos reconocer a San Pedro, que en sus manos tiene la llave del cielo, y a San Bartolomé, quien tiene una piel colgando de su mano, aludiendo al martírio al que fue sometido. Se cree que Miguel Ángel se autorretrató en el rostro de este pellejo como símbolo de su imposibilidad de alcanzar el cielo.

En los arcos superiores de la composición se encuentran dos grupos de ángeles que cargan los símbolos de la pasión: la cruz,

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la corona de espinas y la columna. Sus diferentes posturas y poses refuerzan la sensación de movimiento general que se percibe en toda la obra. Debajo de Cristo, a la izquierda del fresco, podemos ver a los personajes que, luego del juicio del Salvador, ascienden a los cielos, mientras a la derecha se encuentran descendiendo los condenados al infierno. En el centro, ángeles tocan las trompetas para despertar a los muertos que se encuentran en la esquina inferior izquierda e invitarlos a subir. Como contrapunto, en la esquina derecha, los muertos condenados a la oscuridad son llevados en una barca ante Minos, el juez del infierno, representado por un hombre enrollado en una serpiente.

La escena completa exhala movimiento y energía en cada rincón.

Al mismo tiempo, el intenso uso del color y la composición alejada del clásico orden renacentista convierten a El Juicio Final en una obra precursora del manierismo italiano que años más tarde desarrollarían pintores como El Greco y El Veronés.

A pesar de ser uno de los frescos más reconocidos en la actualidad por la genialidad de su composición y la exquisitez de sus formas, su autor no se consideraba a sí mismo un buen pintor. Para él, el arte superior estaba en la escultura, disciplina que le permitía estudiar aún más profundamente su constante obsesión: el cuerpo humano. Pese a esto, Miguel Ángel se las ingenia para amoldar sus intereses a los trabajos que recibía por encargo. El resultado son figuras con un excelente trabajo anatómico evidenciado en la diversidad de movimientos y escorzos, cuerpos trabajados tridimensionalmente para crear verdaderas esculturas pictóricas.

Pero el fresco no siempre gozó de la fama que recibe hoy en día. Las reacciones surgieron apenas la obra fue dada a conocer, catalogando sus desnudos como “obscenos” y siendo censurada por el Concilio de Trento en 1564, donde se cubrieron las partes consideradas ofensivas. El fresco fue más adelante intervenido en varias ocasiones más, hasta que en 1964 se inició un programa de restauración que recién en 1994 permitió apreciar a cabalidad esta gran y única obra maestra.

El Juicio Final es un fresco pintado por Miguel ﾃ］gel entre 1537 y 1541. Mide 13,7 x 2,2 mt. y se encuentra en 13 el ﾃ｡bside de la Capilla Sixtina, en los Museos Vaticanos, Roma.

en el taller

PAULINA E BEYER fragmentos de mundos y horizontes en fuga

Por Lucía Rey Imágenes cortesía del artista.

l taller de Paulina Beyer se ubica en la Casa: Taller Dos¹, en Lo Barnechea, donde cohabitan diferentes talleres de diversas disciplinas (cerámica, escultura, pintura, orfebrería). Trasladó acá su trabajo hace un año aproximadamente con el interés de relacionarse con otros en el quehacer estético, y buscando autonomía espacial, en donde su libertad productiva va de la mano con su apertura geográfica.

Al trabajar en un lugar diferente al terreno familiar, este espacio se establece síquico-cromáticamente independiente de factores que interfieren el campo de lo creativo.

Su taller, como su obra, se caracteriza por estar habitado por múltiples fragmentos pictóricos. En sus pinturas la cuestión formal del color aparece en la búsqueda inagotable de un horizonte propio en panópticas viajeras, como si las cuestiones vistas quedaran tatuadas cromáticamente, configurando en el movimiento veloz de la mirada, líneas que construyen múltiples perspectivas entre-alineadas. Algo similar ocurre con su taller, donde cada cuadro realizado es parte de esta búsqueda; aunque luego le parezca extraño o desagradable, no le borra de su horizonte biográfico, sino ¹ El taller dos pertecene al escultor Javier Stichtkin. Su dirección electrónica es: www.dosarte.cl

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que le integra, enriqueciendo así en un acto psicomágico, su imaginario estético.

En su formación pictórica destaca Augusto Barcia, pues habiendo creído en su propuesta le alentó para que siguiera con ella y la profundizara. Sin embargo, sus primeras aproximaciones a la pintura fueron por medio del llamado Arte Terapia. Diseñadora de profesión, ceramista y terapeuta, busca también el aspecto social de la práctica artística. Así como encontró este espacio reflexivo y creador, ha generado espacios para que otros vivan esta búsqueda personal, a través de talleres grupales y personales enfocados en la experiencia metafísica del existir. Su obra física, sus pinturas, las emplaza al mundo social desde el concepto de la circulación y la accesibilidad, por este motivo se preocupa que la venta, cuando es directa, evidencie su apertura social, su apertura a los otros, sin importarle demasiado los supuestos económicos que se imponen en el tráfico de obras.

La búsqueda de horizontes aparece no sólo en los fragmentos pictóricos, también en su propia introspección, porque de

alguna manera Paulina encuentra en el acto artístico un lugar de meditación, en donde la cuestión compositiva de la obra fluye en este devenir de imágenes que pasan y se abstraen.

Pinta (como ella misma indica) “respirando a través del color”. Esta artista ha buscado en la materia la representación de la visualidad inmaterial, el lugar que le permite mirarse y mirar el mundo distanciada pero emotivamente a la vez.

Presenta una postura clara, suave hacia el exterior pero con una fijeza mental (como dice el I Ching), que le permite trabajar con determinación y desprendimiento una visión aérea de sus recorridos geográficos y personales, por medio de una abstracción cromático-fragmentaria, resultando una especie de objetivación esotérica del mundo, o también una representación de viajes astrales, donde los colores en la superficie de la obra manifiestan una conexión de la creadora con otros colores invisibles e irrepresentables.

Mira aquí el video de este taller

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EXPOSICIÓN DESTACADA

FEDERICO ASSLER

PRESENCIAS MATÉRICAS Como si fueran rocas prehistóricas en cuyos lechos quedaron marcadas decenas de huellas, los relieves que Federico Assler expone en la Galería AMS Marlborough hasta el 22 de septiembre, comparten sala con cuadros hechos de arena volcánica y monumentales bloques de hormigón.

Por Fabio Neri San Román Imágenes cortesía de la galería Marlborough.

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a obra vale por sí misma, vale por ella misma”, dice último tiempo. “Lo fundamental para mí es mostrar ese afán Federico Assler, y agrega que por eso las que están de ordenar distintas materialidades para construir, y con ello, siendo exhibidas en la Galería AMS Marlborough no hacer aparecer un nuevo acontecimiento, es lo que me atrae, llevan nombre y sólo están numeradas. Entre las obras que lo que me interesa, lo que me emociona, lo que me motiva, el componen la muestra hay cuadros hechos con arena del Volcán acontecimiento de vivir para mí”, explica.

Villarrica –producidos en su taller de Pucón–, relieves hechos con Bajo la premisa “es la obra misma la “Lo fundamental para mí es mostrar ese que debe comunicar”, Assler muestra poliuretano expandido y grafito, y esculturas de dos toneladas hechas afán de ordenar distintas materialidades también fotografías de su Taller de hormigón, vinculadas a los Kawelluco, en Pucón, donde es posible para construir, y con ello, hacer aparecer apreciar los cuadros en proceso de relieves a través de la pigmentación. un nuevo acontecimiento”, comenta producción. Son las fotos, y las obras Assler define la muestra como: “Muy propia y personal. Nadie hace mismas, las que explican por qué para Federico Assler. un hormigón como ése”. el artista es interesante trabajar con las arenas del volcán.

Con una trayectoria pesada como hormigón a sus espaldas, Federico Assler fue parte de la llamada Generación del Cincuenta El 22 de septiembre será el último día de la exhibición, y uno de los junto a artistas de la talla de Raúl Valdivieso, Sergio Castillo objetivos que contempló Assler fue el de buscar apoyo para dos y Juan Egenau, y fue galardonado en 2009 con el Premio futuros proyectos que tiene contemplados, ambos enmarcados Nacional de Artes Plásticas. No le gusta buscar temáticas en su idea de monumentalidad, color y materialidad. “Buscan para sus exposiciones, de modo que ésta no está envuelta una realización a futuro con la colaboración de entidades por una en particular, es más bien la selección cuidadosa que públicas o privadas dado a su gran tamaño e incorporadas a un hizo de las piezas en las que ha estado trabajando durante el determinado paisaje”, señala.

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Encuentro, hormig贸n pigmentado, 320 x 50 x 200 cm.

Dos fragmentos de relieve en su taller.

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ARTE PÚBLI CO

Cubícula locanda, grupo ciudad abierta, 2008.

Hospedería del errante, grupo ciudad abierta, 1992.

LA CIUDAD ABIERTA DE RITOQUE Conjunto de construcciones arquitectónicas, instalaciones y esculturas, la Ciudad Abierta de Ritoque trabaja desde las poéticas del habitar, el paisaje y el diálogo.

Por Pía Cordero.

Imagen cortesía Corporación Amereida.

L

a Ciudad Abierta emplazada entre Concón y Quintero, en la región de Valparaíso, se constituye por una extensión de territorio que consagra el vasto océano Pacífico, el humedal Mantagua y los pequeños bosques que todavía habitan la zona. En este contexto, y bajo la amenazante expansión de las construcciones inmobiliarias de la región, la Ciudad Abierta contrasta bajo la plasticidad creativa que la constituye: arquitectura, instalación y escultura. Los hitos poéticos de la Ciudad Abierta se agrupan en: ágoras, esculturas, obras interiores (hospederías y vestales) y obras públicas. Entre las innumerables obras destacan la Hospedería de la rosa de los vientos o celdas (1997), estructura de cuatro celdas pensada para el retiro interior y el trabajo; Hospedería del errante (1980), proyecto de investigación cuyas formas orgánicas dialogan con la luminosidad y el viento del entorno.

Cabe mencionar las obras del escultor argentino Claudio Girola: Arpa eólica (1992), Pilares de hormigón (2003), y la intervención escultórica Pozo (1976), corredor de ladrillo y hormigón sutilmente incrustado en el suelo, cuyo extremo final es una cámara que desde la profundidad de la tierra permite contemplar el cielo.

A fines de la década de los años sesenta, bajo un espíritu de reformas y cambios, la ciudad comienza como búsqueda de un grupo de profesores y estudiantes de la Escuela de Arquitectura de la Universidad Católica de Valparaíso. En el año 1971, bajo el nombre de Cooperativa Amereida, se da inicio a la adquisición de

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los terrenos que formarían la Ciudad Abierta. Cada construcción es un hito poético, es decir, se constituye a partir del habitar, de la ocupación y del diálogo con el entorno. En oposición a una visión mercantil y tecnocrática de la ocupación del espacio. Según Victoria Jolly, presidenta de la corporación Amereida: “El hito más importante de la Ciudad Abierta es su fundación poética, realizada a través de actos poéticos. Su fundación es una construcción permanente, ya que darle cabida a la poiesis no se consuma de una vez y para siempre, es la construcción de su presente cada vez ahora y aquí”. Por este motivo, sus construcciones problematizan la temporalidad en una estética del devenir, lejos de una visión monumentalista del arte y la arquitectura.

En la ciudad destacan el respeto y el diálogo, como premisas principales de vida. Según Victoria Jolly: “La Ciudad Abierta tiene un modo poético de vincularse entre sus fundadores y con el mundo, y es a través de la hospitalidad”. Un modo que implica iniciar cualquier tipo de trabajo a partir de la consideración del otro, integrando: cielo, tierra, divinos y mortales.

LA CIUDAD ABIERTA DE RITOQUE UBICACIÓN: Km. 4 camino Concón-Quintero, Quinta de Valparaíso HORARIO: lunes y viernes, previa solicitud a secretaria@amereida.cl COLABORACIÓN: $1.500 por persona

María Inés Rivera

Camila Duch

Katarina Abovic

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panoramas

EXPOSICIONES SANTIAGO La muestra reúne una retrospectiva que el MNBA está haciendo sobre la obra del destacado fotógrafo chileno, Luis Poirot. Todo enmarcado en sus cincuenta años de trayectoria fotográfica.

Durante tres meses se exhibirá el trabajo que realizó entre 1998 y 2014, y estará acompañada por un catálogo con fragmentos de escritos del Premio Nacional de Literatura, Raúl Zurita.

Un Retrato, Fotografías 1998-2014, Luis Poirot

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Hasta el 16 de noviembre Museo Nacional de Bellas Artes Paque Forestal S/N, Santiago www.mnba.cl

Hasta el 11 de octubre Sala de arte Las Condes

Hasta el 11 de octubre Museo de la Memoria y los Derechos Humanos

Servir a la gente, Muestra colectiva

Las calles de las penas, Marcelo Montecino

Considerados como verdaderas obras de arte, algunos de los pósters

Una serie de 51 fotografías muestra los profundos cambios sociales y

y pinturas que sirvieron como modelo de láminas impresas durante la Revolución Cultural China (1949-1983) están siendo exhibidos en Chile, luego de su exitoso paso por Argentina.

políticos que experimentó Latinoamérica entre 1975 y 1988. Por primera vez en Chile, este trabajo es un llamado de atención sobre las violaciones a los DD.HH durante esos años.

Apoquindo 3300, piso 2, Las Condes

Matucana 501 www.museodelamemoria.cl

El destacado del texto corresponde al autor de la imagen que acompaña. * Las imágenes de las obras publicadas son detalles de la original.

Hasta el 25 de septiembre Galería XS

Hasta el 13 de octubre Galería Espora

Líneas, Sachiyo Nishimura

El secreto de Hugo, Pablo Llao

Cuatro años después de su última exposición en Chile, el chileno Sachiyo Nishimura vuelve con una muestra que explora las potenciales variaciones de la línea sobre un plano, a través de la fotografía.

Esta muestra está compuesta por 9 trabajos realizados en diversas técnicas, resultado de las recurrentes caminatas del artista por el cerro San Cristóbal. Forma parte de una obra general que será presentada el próximo año en Madrid.

Alonso de Monroy 2677, 1er piso, Vitacura www.xsgaleria.cl

Melchor Concha y Toro 153, Providencia www.galeríaespora.com

Hasta el 9 de noviembre Museo de Arte Contemporáneo

Hasta el 26 de septiembre Fundación Cultural de Providencia

El imperio de la ilusión, Erwin Olaf

Jorge Kuhn, 20 años de pintura en Chile

El fotógrafo holandés Erwin Olaf trae a Chile una exposición curada por Paco

La exposición es gratuita y traerá de vuelta, luego de una década, al artista

Barragan. A través de su serie busca transmitir la soledad, la incertidumbre y el malestar del sujeto contemporáneo.

chileno Jorge Kuhn. Producto de 20 años de trabajo, las obras se caracterizan por el uso del color, las formas barrocas y el manejo de la técnica mixta.

Parque Forestal S/N, Santiago www.mac.uchile.cl

Nueva Providencia 1995, Providencia

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panoramas

EXPOSICIONES REGIONES

Hasta el 21 de septiembre Pinacoteca de la Universidad de Concepción

Hasta el 26 de septiembre Centro de Óptica y Fotónica de la Universidad de Concepción

En la memoria, Pedro Millar

SatelitArte, Muestra Colectiva

Como homenaje al destacado grabadista Pedro Millar, la Universidad de Concepción exhibe sus obras destacando el valor pictórico de cada una.

Fotografías satelitales son intervenidas por un grupo de artistas logrando un vínculo entre ciencia y arte. La serie de obras pasarán a ser parte de la Colección de Pintura Chilena de la Pinacoteca de la Universidad de Concepción.

Paicaví esquina Chacabuco s/n, Concepción

Isabel Riquelme 479, Chillán

TALLERES / WEB

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Del 16 de septiembre al 7 de octubre Agora Gallery

Del 12 al 22 de septiembre Salón de los Pasos Perdidos de la Facultad de Derecho de la Universidad de Buenos Aires

Masters of the Imagination, Francisca Lohmann

Lanzamiento 18° Anuario Latinoamericano de las Artes Plásticas, Muestra colectiva

A través de pinturas abstractas y representativas, Francisca Lohmann expone escenas de la naturaleza, especialmente viñas. Sin embargo, los colores cambian, alteran, y le dan a la imagen un nuevo giro.

La muestra reunirá a varios artistas de distintos países latinoamericanos como Chile, Brasil, Argentina y Uruguay. En ésta se lanzará la 18° edición del Anuario Latino Americano de las Artes Plásticas, y participarán Francisca Correa, Pía Cortés, Macarena Fernández, Yuki Yamamoto, Roxana Werner e Isabel Lorca.

530 West 25th Street, New York, NY www.arteallimite.com/artistas/francisca-lohmann

Figueroa Alcorta 2263, Buenos Aires http://www.arteallimite.com/artistas

El destacado del texto corresponde al autor de la imagen que acompaña. * Las imágenes de las obras publicadas son detalles de la original.

Hasta el 27 de septiembre Sala de Arte del Edificio Comunitario de Fundación Minera Escondida

Hasta el 26 de septiembre Teatro del Lago

Reunión, MUESTRA COLECTIVA

Raíces, Muestra colectiva

La muestra reúne varias obras de Ximena Zomosa, incluso algunas inéditas.

Junto a ella, también expondrán otros artistas, entre los que se encuentra la fotógrafa Paz Errázuriz.

Una treintena de ilustraciones hechas por 16 artistas, exprime la narrativa oral y escrita de la cultura folclórica iberoamericana.

Av. O’Higgins 1280, Antofagasta

Av. Philippi 1000, Frutillar www.teatrodellago.cl

Hasta el 3 de octubre Sala Alcázar Museo Histórico y Militar

Hasta el 30 de septiembre Taller Pauline Cristi

Heroicas, Muestra colectiva

Venta de taller, Pauline Cristi

Un reconocimiento a importantes mujeres que lograron traspasar los límites patriarcales de la sociedad chilena, desde la Conquista hasta mediados del siglo XX. Entre las artistas que exponen, están Bernardita Garib, Carolina Busquets y Macarena Varela.

A precio de taller, Pauline Cristi estará vendiendo sus obras durante todo septiembre. Para coordinar visitas, comunicarse a su correo: pcristi@ manquehue.net. O a su celular: 6-2265680.

Blanco Encalada 1550. Santiago http://www.arteallimite.com/artistas

http://www.arteallimite.com/artistas/pauline-cristi

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ARTISTA DESTACADO

tITO CALDERÓN

“Paso a la inmortalidad” Luego de una exitosa exhibición a principio de año, dos de las obras de Tito Calderón formarán parte de la colección permanente del Museo Nacional de Bellas Artes.

Por Natalia Vidal Toutin.

Imagen cortesía del artista.

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ay días y noches en que llega su duende. Un ser iluminado que emerge de su interior repentinamente y empuja su mano sobre la tela. Entonces, ésta se desliza y danza sobre ella con una soltura inusitada. Tito Calderón confiesa que en esos días de fructífera creación, ha estado siempre acompañado por un toque celestial. “No es inspiración, es acción. Aún más, como diría Federico García Lorca, es un ‘duende’ que penetra en ti y permite que realices no meramente arte, sino ‘obras de arte’, claramente una condición superior”, reflexiona el artista chileno respecto de la magia que existe cuando su lápiz fluye sobre la tela.

Viene saliendo por la puerta ancha del Museo de Bellas Artes con sus obras bajo el brazo. Sin embargo, no todas ellas regresan al lugar de donde vinieron. “El museo, con el beneplácito de su Director, ha adquirido para su colección permanente, dos de mis obras, más una carpeta con 9 grabados”, comenta. Luego de la exhibición que lo tuvo en las paredes de la vitrina más importante del arte en Chile, manifiesta un regocijo especial y notoria satisfacción. “Era una sorpresa para los visitantes encontrarse conmigo y reconocer una obra realizada por un chileno”, dice recordando con especial cariño las experiencias que hoy guarda en el baúl de sus recuerdos.

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Amigos en Montreal, 2011, lápiz sobre tela, 77 x 64,8 cm.

Su lápiz sigue creando, tal como lo ha venido haciendo hace decenas de años. Su trayectoria y la complejidad que alcanzan sus trabajos, sumergidos en una infinidad de detalles y estímulos, que deparan largas horas de trabajo, han sido el input que le trae a pensar en que el suyo es un trabajo ya consolidado. “Mi obra se conserva intacta pues es una marca registrada, no tiene competidor”, afirma con convicción.

Meses –y aún más– tarda trabajando arduamente en cada composición artística. Es un aficionado y mago de la superposición de personajes, un creador de ambientes y multiplicador de significantes. Había estado deseando el momento en que su talento fuese visto por el público objetivo en su propio país y hoy, se refiere a ese evento en su vida con una sola frase: “Paso a la inmortalidad”.

Pronto, la universidad de St. Gallen en Suiza expondrá su obra en el contexto de un concurso que realiza a nivel internacional.

Además, el 5 de septiembre, acompañará el homenaje a Nicanor Parra en la Galería de Arte Contemporáneo "JO" de Concepción, con dos de sus grabados. Mientras tanto, ya está pensando y proyectando los lineamientos de su próxima exposición individual para el próximo año.

Feria de arte Contempor谩neo 3 al 5 de Octubre

_2014 Centro Cultural estaci贸n mapocho

Santiago, Chile

no se detiene

non stop

contemporary art fair october 3-5

_2014

w w w. f e r i a c h a c o . c l

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reportaje

Celebrando un siglo

LA PLÁSTICA DE PARRA Considerado el poeta hispanoparlante vivo más importante del planeta, Nicanor Parra tuvo la astucia de dar saltos recurrentes durante su carrera, entre la literatura y las artes visuales. Es difícil definir qué lugar ocupa en ambas disciplinas, porque, en ambos casos, se instaló en un espacio creado por él, un espacio sin precedentes. Aquí una aproximación a su trabajo visual.

Por Emilia Benítez Silva y Fabio Neri San Román.

Imágenes cortesía de Biblioteca Nicanor Parra.

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La cabeza de O’Higgins

genialidad, sino también su método. Rodrigo Rojas, ex director de la Escuela de Literatura de la UDP, insiste en la capacidad que tiene Parra de socavar la autoría de su propio trabajo para reinventarse. “Parra también quiere que nosotros seamos los autores. Su discurso es un discurso artístico subversivo a un nivel muy profundo, incluso al nivel del derecho de propiedad sobre el arte”. Quizás el origen de la antipoesía –o uno de los tantos que se le atribuyen–, dé más luces sobre esto. Cuenta Cristóbal “Tololo” Ugarte, nieto de Parra, que luego del terremoto de Chillán, en 1939, la soberbia estatua de Bernardo O’Higgins, erigida en la Plaza de Armas de la ciudad, esbelta y con un dedo apuntando hacia la tierra, perdió la cabeza: la magnitud del sismo sacó la cuajo y la hizo rodar hasta el suelo, justo sobre el lugar que apuntaba el dedo. Cuando Nicanor Parra la vio, alguien ya había dejado un mensaje a los pies de O’Higgins: “Devuélvanme mi cabeza”. “A él le impactó, le encantó –dice Tololo– y lo empezó a repetir, y es lo que hace: ocupar lo que ya existe para dar vuelta todo poniéndole una frase y dando un impacto”.

Sin embargo, Artefactos ha sido sólo una de las tantas manifestaciones visuales dentro de la vasta obra de Parra. Y el hecho de no haber sido ilustrados por él no sólo demuestra su

Los primeros trabajos visuales que expuso Parra fueron los tabloides paródicos Quebrantahuesos, en 1952. Junto a Enrique Lihn y Alejandro Jodorowsky armó, con recortes de diario,

a idea no fue de Nicanor Parra. A Juan Guillermo Tejeda, artista y diseñador, lo llamó Cristián Santa María, entonces director de Ediciones Nueva Universidad, y le dijo: “Tengo estas cuestiones y quiero que las ilustres”. Corría 1971, y como dice Tejeda: “Eran años en que a todo el mundo le daba todo igual, estaba todo permitido, era un ambiente muy estimulante”. Esas “cuestiones” a las que se refería Santa María eran fragmentos de texto escritos por Parra, sobre los cuales, Tejeda, de 23 años, comenzó a trabajar. El resultado fueron las 250 postales que componen la obra Artefactos (1972). Tejeda cuenta que Parra los vio justo antes de partir a Estados Unidos, le gustaron y, como si le diesen lo mismo, se fue. “Ni siquiera se hizo una presentación de la obra –recuerda Tejeda–. Nicanor era muy hostilizado en ese tiempo”. Luego vendría la censura, y muchos de los Artefactos de Nicanor Parra –y Juan Guillermo Tejeda– quedarían sepultados de polvo en las bodegas de la Universidad Católica.

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Bandejitas de la Reyna.

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portadas con noticias falsas e irónicas, exhibidas luego en las vitrinas de los kioscos. “Es el humor, la síntesis, el collage, y también la visualidad”, explica Rojas. Luego, en 1969, creó La mamadera mortífera, el primero de sus Trabajos prácticos. “Es una fecha relativamente tardía en el desarrollo de la antipoesía.

Pero el grueso de los trabajos de Parra con la visualidad, corresponde a los años ochenta y noventa. Se trata de un tipo de obra con la que Parra experimentó durante mucho tiempo sin pensar en absoluto en darla a conocer públicamente. La idea de hacerlo no surgió hasta comienzos de los noventa”, dice Ignacio Echevarría, curador de la exposición Voy & Vuelvo, montada en la Biblioteca de la UDP, en homenaje a los 100 años de Nicanor Parra. Según Tololo, ese fue el proceso de Parra al trabajar con objetos, el cual devino, finalmente, en lo que el antipoeta denominó Basurarte, es decir, basura rescatada como una obra de arte. “En la obra de mi abuelo es el concepto lo que importa, no la obra misma”, concluye Tololo.

Parra de un “amarillismo” que lo hostigaría durante años. Por eso sólo en 1990, en el marco del I Encuentro Nacional de Artes de Santiago, en la estación Mapocho, hizo la primera exposición de sus Trabajos prácticos. Luego vendrían Decir poesía/Mirar poesía, en 1992, junto al poeta visual catalán Joan Brossa; Artefactos visuales: dirección obligada, en 2001, organizada por la Fundación Telefónica, en Santiago y Madrid; Obras públicas, en 2006, en el Centro Cultural Palacio La Moneda –donde colgó a todos los presidentes en una obra llamada El pago de Chile–; hasta la ya mencionada exposición Voy & Vuelvo, la cual reúne obras de todas las muestras anteriores.

Al igual que en ésas, Parra no participó en la curatoría porque, según Echevarría, sabe que su sola intervención no tendría sentido; se sobrepondrían, como siempre, los escrúpulos a la hora de terminar un trabajo. “La suya es, por excelencia, una obra abierta, un work in progress –agrega–. De ahí que nunca le guste del todo verla circular como obra acabada”.

Work in progress

El poeta visual

El episodio de “la tacita de té”, con Patt Nixon, y su nula participación política durante el periodo de la UP, tiñeron a

Es difícil negar que Nicanor Parra es un artista en su totalidad –un genio, dirán algunos–, y que es una prueba viviente de

El pago de Chile

alguien que integra arte y vida. “El arte es un mecanismo de autorregulación del espíritu para recuperar el equilibrio”, explicó Parra a Arte Al Límite para un reportaje en la edición 20 de la revista, en 2006. En la misma entrevista, al referirse al poeta inglés John Keats, declaró: “Todo está en la capacidad negativa: la aptitud para vivir en contradicción sin conflicto”. Eso explica por qué es tan complicado definir o clasificar a Parra como artista visual: porque es imposible separar al artista del poeta. “Él pertenece a un espacio muy interesante: la hibridación del poeta que parte de la palabra y que toma al objeto con el trabajo de arte contemporáneo, una mezcla entre el concepto y el sentido, o la materialidad y el contexto. Hay una visión muy contemporánea, muy moderna y totalmente vanguardista, en el sentido de romper fronteras y de indagar desde la visualidad y de la objetualidad”, explica el director del Museo Nacional de Bellas Artes, Roberto Farriol. Además, la obra de Nicanor Parra es extremadamente conceptual, tiene su raíz en el lenguaje y se relaciona con el contexto popular. Utiliza el humor, la ironía y el sarcasmo, tanto en sus palabras como en sus imágenes, con una indiscutible referencia al mundo visual. Su trabajo, como el de otros poetas visuales –como Juan Luis Martínez o Guillermo

Deisler– juega y mezcla los medios. A los ojos de Farriol, este es el gran aporte de Parra. “Si hay algo importante en su obra es que recupera algo propio al mismo tiempo que busca que eso tenga una nueva forma de hacerlo visible”, manifiesta.

Ignacio Echevarría hace hincapié en que la obra de Parra se acerca siempre más a la literatura que al arte: “Trabaja siempre a partir de la palabra, nunca renuncia a ella, experimenta con las ´reacciones´ que suscita el encuentro de una frase hecha y un objeto dado: el estallido de significaciones que se produce a partir de ello. La importante veta conceptual del arte contemporáneo, el protagonismo que dentro del mismo tienen la palabra y la escritura, permiten postular ciertas afinidades con la antipoesía.” En la misma línea, Rodrigo Rojas comenta: “Se resiste a ser considerado un artista visual, porque él entiende que su obra es una extensión de la escritura”.

Parra rompe con la academia. Lo hace con la literatura, con la poesía y con el arte. Francisco Brugnoli, director del Museo de Arte Contemporáneo, dice que lo que hace es referirse a un mundo fuera del establishment. “Presenta una ruptura en relación a todo lo que son los modos de vida convencional, abriendo bordes,

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enseñando fronteras y mostrando el lado negado. ´Hagamos esto porsiaca’, diría Nicanor. En ese porsiaca miramos al mundo más allá del mundo”, explica. Entonces, el concepto de la obra de Parra es totalmente lógico con sus estudios de física teórica y matemática, ahí aparece esa genialidad propia del antipoeta de entender la realidad fáctica de otra manera, de una forma que sólo se puede abordar desde un acto poético.

exposición con el registro de sus trabajos y con elementos que den cuenta de esa búsqueda, de esa interrogante sobre el lenguaje. “Parra es un aporte para los poetas y para los artistas visuales porque en su visualidad rompe también con ciertos hermetismos y juega con un lenguaje más cercano, es lo que lo hace identitario”, explica Farriol sobre la muestra que planean para celebrar el centenario del consolidado artista.

Pero, ¿tendrían una buena recepción las obras de Parra en el ajetreado mercado del arte? “Sólo puedo decir algo que es un lugar común: el mercado ha demostrado una flexibilidad tan grande que puede absorber todo. Absolutamente podrían venderse, por ejemplo, las bandejitas”, opina Brugnoli. Por otro lado, Echevarría cree que no, porque los Trabajos Prácticos son ideas para ser armados y desarmados. “¿Quiere usted un trabajo práctico de Nicanor Parra en su casa? Muy bien. Hágase con un tomate. Clávele un clavo de buen tamaño. Ponga al lado un letrerito donde diga: Naturaleza muerta. ¡Tachán! Ya lo tiene”.

A pesar de estas opiniones, las obras de Parra todavía no se han puesto a la venta. Su nieto cuenta que han pensado vender algunas piezas –como las Bandejitas de la Reyna–, les han propuesto diferentes formas, pero todavía no lo han concretado ya que lo quieren hacer con cuidado. Tololo revela que de todas maneras se han vendido algunas, eso sí no saben de dónde las han conseguido. “Es muy raro que él las haya regalado, escasamente hace dedicatorias en los libros y ni siquiera a familiares he visto que le haya regalado una bandejita. No anda regalando sus cosas para no parecer creído, porque el que regala su bandejita es como: ‘toma aquí tenís para que te acordís de mi genialidad’. No. Él no hace eso. Entonces si se han vendido cosas es porque se las han robado”, especula.

Porsiaca

Sin importar si las obras de Nicanor Parra se venden –o se regalan o roban–, lo que está claro es que sus muestras son apreciadas por el público. “El MAC es el lugar apropiado para una exposición de Parra. Si llega la posibilidad de hacer ese proyecto nosotros felices de hacerlo. Él es un hombre increíble”, declara Brugnoli. El MNBA por su parte tiene contemplada una

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Fuimos a Las Cruces para hablar con Parra. Llegamos a su casa en la mañana. La reja estaba abierta y pasamos hasta la puerta de entrada, rayada con un graffiti que decía: “Anti poesía”.

Tocamos un rato, pensando en que, con toda seguridad, nos abriría su nana y nos despacharía en dos segundos. Sin embargo –y para nuestra perplejidad– nos abrió él mismo.

Nicanor Parra en persona. Nos saludó con gentileza, cruzamos un par palabras y le preguntamos si podíamos pasar. Su nana no estaba en casa, de modo que nos contestó guiñándonos un ojo, mientras cerraba la puerta: “Esperen a la Rosita y le preguntan a ella, yo no puedo dejarlos pasar por razones que caen de manga, como comprenderán”. Y cerró, dejándonos ahí sin saber muy bien qué hacer, quemándonos bajo el sol inesperado del litoral. Pasamos la tarde esperando a ver si salía y nos hablaba, queríamos preguntarle por su veta de artista visual. Sin embargo, sólo recibió a un par de invitados, amigos suyos que iban almorzar, entre ellos el editor de Ediciones UDP, Matías Rivas, quien, entrada la tarde, salió para decirnos que era inútil seguir esperando. “Nicanor ya no da entrevistas”, nos dijo, y remató explicando por qué: “Las entrevistas a medios interrumpen su trabajo”. Su work in progress. Y volvió a entrar a la casa.

VOY & VUELVO LUGAR: Biblioteca Nicanor Parra, Universidad Diego Portales DIRECCIÓN: Vergara 324, Santiago FECHA: Hasta el 7 de diciembre

Trabajdos prรกcticos.

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perfil arte

dominique salles Una versión propia Por José Ignacio Cartagena

“El arte es muchas cosas, en realidad es todo. Hay arte en todo el que realiza una labor que ama, por eso prefiero referirme a mí misma como pintora o accesorista”, dice Dominique Salles.

Esto es el arte en su mundo, un mundo en el que siempre faltan horas para crear.

• Desde Salles-thurler, 2013, técnica mixta Naudín, 140 x 120 cm.

Tras terminar la enseñanza media, Dominique decidió esperar dos años antes de embarcarse en lo que sería su pasión y profesión. Sin embargo, el acercamiento al arte vino muchos años antes de ingresar a la Universidad Finis Terrae. “Cuando tenía cinco años vendía mis dibujos a quien entrara a mi casa, claro está que me los compraban por humorada”, explica.

A través de la búsqueda constante de nuevos rumbos, esta puntarenense plasma en su obra un trabajo propio e íntimo, y a través de él, despliega un mensaje potente y, de cierto modo, oculto a simple vista. Su obra es el resultado de trazos de sentimentalidad y melancolía, en el cual crea su “versión de los hechos” que casi siempre es una con colores vivos que juega con las dimensiones y realidades, mezclando elementos figurativos y abstractos en un mismo espacio.

Actualmente, la artista se encuentra trabajando en sus próximos proyectos, siempre con la idea de acudir a alguna de las invitaciones que ha recibido al extranjero.

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perfil arte

Patricia schuler De mi tierra Por Bernardita Garib

El arte ha sido siempre parte importante de la vida de Patty Schuler. Buscando nuevos métodos, tuvo la posibilidad de estudiar en Estados Unidos donde conoció la técnica del repujado, experimentando a través de distintos metales como la plata y el estaño.

• En raices me converti, 2014, grabado xilografía, 60 x 50 cm.

Fue luego de un Diplomado en la Universidad Católica que la artista decidió dedicarse al grabado. “Elegí el grabado porque tiene un enorme mundo, y en donde primero que nada debes crear una matriz lo cual es un desafío enorme para luego en papel imprimir lo que quieres plasmar”, explica. Dentro de esta disciplina, la xilografía es hoy su medio de expresión. El contacto con la madera, al tallar cuidadosamente cada matriz, la transporta a sus raíces en el sur, donde vivió desde pequeña junto a la selva valdiviana y todo su entorno de flora y fauna.

La experiencia de crecer junto a una comunidad mapuche hizo que se afianzara en ella su conexión con la tierra, razón por la cual en sus obras conviven en perfecta armonía imágenes propias de la cultura mapuche y la naturaleza que vive en su memoria.

Aunque su estilo es más bien abstracto, las imágenes emanadas de la madera reflejan el inconsciente de la artista, aquello que formó parte de su propio lenguaje y crecimiento espiritual, seres mágicos, olores, texturas de una infancia que, sin lugar a dudas, estuvo marcada por aventuras.

Hoy, la artista se encuentra trabajando para su participación en octubre en la Segunda Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de Buenos Aires.

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perfil arte

MARÍA JOSÉ BENVENUTO Una ventana al caos

• Caída del caos, 2014, técnica mixta, 150 x 150 cm.

Por Bárbara Fernández

Dejarse sorprender por su obra es poco. Más que sorpresa, es una atracción frenética a sus colores. Las líneas que conviven en plena paz con las manchas, muestran un trabajo de armonía simétrica casi imposible que sólo ella puede lograr.

Con un trabajo abstracto, María José Benvenuto entrega una pauta a su espectador. Los ojos siguen las líneas como un camino que se va tropezando con los salpicones de pintura que no interrumpen, encantan.

Su interés por la pintura se remonta desde que era muy pequeña. Experimentaba con lo que encontraba en momentos libres, explorando materiales, pinturas y soportes. “Mi abuelo en ese entonces tenía una ferretería, y los tarros de pinturas industriales ordenados uno al lado del otro, con sus respectivos colores me cautivaban. La densidad de la pintura, los colores, prefabricados e intensos llamaban mi atención”, cuenta. Desde ese momento las pinturas industriales fueron su fascinación, material que sigue usando hasta hoy.

Utiliza técnica mixta. Mezcla pinturas industriales de distintos tipos como esmaltes sintéticos, spray, esmaltes al agua, pinturas fosforescentes y diferentes soportes como tela y plástico, entre otros. Es así como logra un acabado eléctrico y que llama la atención por el sinnúmero de colores que entrelaza en sus cuadros. Su obra pretende formar una imagen visual, hecho pictórico, producido por el caos en la

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pintura. “Me entusiasma descubrir nuevos procedimientos y a través de eso formar una imagen visual con sentido de color, materialidad y forma”, explica.

A los 22 años viajó a Italia a exponer en la Bienal de Florencia donde se le otorgó el premio Lorenzo, el magnífico en la categoría de obras sobre papel, donde conoció obras de artistas contemporáneos de todo el mundo y estilos artísticos distintos.

Su próxima exposición, llamada Pintura y hecho pictórico, se presentará en la Sala de la Municipalidad de Vitacura desde el 27 de octubre hasta el 29 de noviembre.

http://www.arteallimite.com/artistas/maria-jose-benvenuto

Crítica

JOSEPH BEUYS OBRAS 1955-1985 Por Pedro Labowitz. Crítico de arte. Miembro de AICA. Imagen cortesía del CCPLM.

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Felt Sui (Traje de fieltro), 1970, traje de fieltro de dos piezas, 170 x 100 cm. © VG Bild-Kunst, Bonn - SAVA, Buenos Aires, 2014.

ospeh Beuys fue sin duda una de los artistas más influyentes de su época, y no por razones netamente estéticas, sino que principalmente por razones sociológicas. Con su ideología anti-burguesa y cercana al Dadá, trabajó como escultor, dibujante, condujo happenings, hizo performances e instalaciones y fue miembro del grupo Fluxus. En definitiva, un gran artista conceptual.

Arte era vida para Beuys. Una de sus frases más conocidas fue “todo hombre es un artista”, pues según él, vida y arte son una y la misma cosa. Ejerció una enorme influencia como profesor de escultura de la Academia de Arte de Düsseldorf, posición que perdió cuando, en contra de todas las advertencias, aceptó como alumnos a todos los candidatos que habían sido rechazados por la Academia, lo cual condujo a un juicio legal de muchos años. Una de las acciones más conocidas que llevó a cabo con sus alumnos, fue la plantación de 1.000 árboles en Düsseldorf.

Sus ideas políticas sobre una constitución popular, cercana a la ciudadanía, se tradujeron en la creación de un grupo considerable y activo. Sano, pacífico y democrático, Beuys siempre quiso influenciar a su público para que viviera según sus ideales, todo lo que hizo lo hizo bajo esta idea. Así también sus happenings, en Cómo explicar cuadros a una liebre muerta iba o bailaba de un cuadro al otro, comentándolos en voz baja. Por supuesto que estaba activo también en el campo de la ecología. En EE.UU. se hizo encerrar en una jaula pequeña junto a un coyote. Y se dice que después de tres días se habían acostumbrado el uno al otro.

Materiales más bien pobres tenían un rol importante en sus happenings, particularmente la grasa y el fieltro. Beuys había afirmado haber sido abatido sobre Rusia como piloto de la Luftwaffe, y encontrado por nómades, quienes le mantuvieron con vida envuelto en grasa y fieltro. La anécdota resultó ser falsa, pero estos materiales se mantuvieron en su obra. En esta exposición un traje de fieltro cuelga en la gran sala de nuestro Museo de Arte Contemporáneo.

timbre "Hauptstrom", y gráficas de la serie Griffelkunst (Arte de la tiza): escritura y garabatos blancos sobre fondo negro, como tiza blanca sobre un pizarrón; también se exhibe un trineo o cajas de cartón vacías, aquí el nexo con Beuys parece ser su firma, hoy comercialmente valiosa.

La muestra aquí expuesta proviene de varias colecciones alemanas y está en un viaje por América del Sur. A Beuys hay que acercársele estrictamente bajo sus hipótesis y presuposiciones, si no es fácil caer en la tentación de dudar el valor de su obra.

JOSEPH BEUYS. OBRAS 1955-1985 LUGAR: Museo de Arte Contemporáneo

La mayoría de lo expuesto consta de gráficas o collages de pequeños cartones no-figurativos, y de fotografías que tienen relación directa con el artista. Hay papeles con un

DIRECCIÓN: Parque Forestal s/n FECHA: Hasta el 5 de octubre

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ARTISTA EMERGENTE

Bv3, óleo sobre tela, 90 x 125 cm.

Mariángeles Vega

LA VANIDAD DE LO BANAL Es su intención: reconocer la frivolidad de lo que la rodea y hacerla brillar en un cuadro. Cargada de influencia Pop y publicidad, Mariángeles Vega transmite el reflejo de una sociedad mundana, encandilada por símbolos manipulables y con fecha de vencimiento.

Por Fabio Neri San Román Imagen cortesía de la artista

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T

aco alto y mariposas de colores para una calavera de cristal, o de vidrio, aunque tal vez sea de fierro y esté cromada. Una alegoría a la banalidad; una parodia a las vanidades que llenan y rellenan esta sociedad; una sociedad que, al final, no es más que eso: una calavera cromada entre tacos aguja. “Hasta ahora pretendo encausar mis trabajos a abordar temas banales y vanidosos, ya que siento que le hace sentido a mi etapa de vida”, cuenta Mariángeles Vega (24).

Ella es la artista que despliega sobre el lienzo estas imágenes, aunque no le guste referirse a sí misma como tal. “Para ser artista creo que es un camino muy largo, que concluirá en el momento en que esté carreteando con Damien Hirst”, bromea.

Empezó a pintar a los nueve, y no se detuvo. El hecho de pertenecer a una familia no sólo carente de artistas, sino que alejada de lo que Mariángeles llama “carreras no tradicionales”, no impidió que sus aptitudes artísticas prosperaran. Sus padres la apoyaron en todo. “Me pusieron un profesor particular de pintura y más tarde me dieron todo el apoyo económico para seguir desarrollando mis investigaciones y pinturas en paralelo al colegio” recuerda. Sin embargo, considera que eso, en parte, le jugó en contra. Siente haber idealizado un oficio que, una vez en la universidad, descubrió muy distinto a lo que había imaginado.

Bv2, óleo sobre tela, 90 x 70 cm.

Pese a ello, asumió el proceso. Recuerda de esa época una jornada en que su profesora de pintura, Alejandra Wolff, invitó al artista José Pedro Godoy para que les hablara de sus metodologías de trabajo. “Dio a entrever su visión del medio artístico local y cómo él concebía la carrera, y me llamó la atención lo disciplinado que había sido hasta ese momento para lograr las metas que se había propuesto. Me dio un ejemplo a tener presente para el desarrollo de mi carrera: en un medio que pareciera ser que la mayoría son etéreos, hippies, y subjetivos, él me mostró lo ‘ejecutivo’ que también se puede llegar a ser”, cuenta. Tradujo esa experiencia y condujo su trabajo apuntando hacia esa área “ejecutiva” en el cual los artistas también pueden moverse, incluso con la misma naturalidad que en esos espacios “etéreos, hippies y subjetivos”.

Influenciada por la cultura POP y la publicidad, su obra busca significar imágenes que brinden una excusa pictórica que le permita representar superficies efectistas visualmente – como las mariposas de colores o las calaveras cromadas–, además de objetos vinculados, normalmente, con la vanidad, como los tacos brillantes. “Lo represento a través del óleo el cual me ayuda a simular distintas materialidades”, agrega.

Con respecto a la banalidad, su trabajo no tiene nada de banal.

Puede tardar hasta un mes en pintar un metro cuadrado de tela, dedicando jornadas completas durante la semana. Son tantos los detalles de cada cuadro que cada centímetro debe ser trabajado con esmero, considerando incluso el proceso creativo. “Recolecto imágenes de internet o de revistas, y con ellas hago collages en Photoshop para luego pintarlas”, explica. En ocasiones, incluso, ella misma ha producido sus modelos fotográficos, basándose siempre en la concepción alternativa de considerar la inspiración como el acto de sugerir ideas creadoras. Para eso lee, ve cine y jamás se cierra a los referentes visuales que puedan aportar a sus estudios.

“Me nutro, por lo general, de muchos que provienen de la publicidad o el mundo POP”, cuenta.

Está lejos de considerar su obra consolidada, y pese a su idea de vanidad banal, continúa buscándole sentido a las cosas que hace modificando sus procesos y estudiando la pintura. “Hoy me disputo el tiempo entre encargos, investigaciones pictóricas que me interesan, y una Pyme de servicio fotográfico”, declara. Algunos de sus trabajos son expuestos en la galería Madhaus, y este 12 de octubre estará presentándose en Bazart UC.

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exposición internacional / colombia - bogotá

Christian Fuchs, Eleonora, 2013, fotografía, 50 x 36 cm.

Katherinne Fiedler, Sin título, 2014, fotografía digital sobre papel baritado, 160 x 110 cm.

Fotografía histórica

Presente sin tiempo La fotografía tratada pictóricamente se plantea como una herramienta para recrear mundos lejanos en el tiempo. esta exposición reúne el trabajo de tres importantes artistas peruanos: Christian Fuchs, Katherinne Fiedler y Luis Martín Bogdanovich.

Por Emilia Benítez Silva.

Imágenes cortesía de los artistas.

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Luis Martín Bogdanovich, detalle de Atardecer sobre los Andes, 2013, fotografía, 81 x 120 cm.

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a fotografía fue inventada debido a la necesidad de capturar la realidad tal y como era, pero no fue considerada como arte hasta finales del siglo XIX. “Un selecto grupo de viejos fotógrafos academicistas y burgueses comenzaron a reunirse en pequeños círculos de salones privados e independientes (los Foto-Clubs), desde donde se discutían las tendencias estéticas que habrían de dominar en la práctica fotográfica, de conformidad siempre con los movimientos imperantes a la sazón en pintura. El primero de este círculo de fotógrafos de élite. Sería el Cámara-Club de Viena, donde tendría lugar en 1901 la primera muestra oficial de fotografía pictorialista. Surge así oficialmente el Pictorialismo como movimiento artístico fotográfico”¹. Así fue como, a través de diferentes técnicas y efectos, la fotografía fue avanzando en su camino artístico y consolidándose como disciplina.

novedosa y romántica sobre un tiempo diferente al actual, no necesariamente un pasado histórico o real, haciendo una reinterpretación llena de estética y profundidad. Las obras de Luis Martín Bogdanovich rescatan el trabajo de Caspar David Friedrich volviendo a situar al hombre frente a la naturaleza, frente a paisajes sublimes, devolviéndole así la mirada contemplativa que lo rodea. Por su parte, Christian Fuchs propone una búsqueda de la identidad a través de una serie de retratos y auto retratos en los cuales, gracias a una cuidadosa composición, el artista revive a sus antepasados. El trabajo de Katherinne Fiedler es el más cercano a la fotografía digital en cuanto a técnica. La artista utiliza dioramas, una maqueta del mundo que interpreta y escenifica una realidad, para componer situaciones impactantes donde animales salvajes en su hábitat natural interactúan con una niña.

La muestra Presente sin tiempo, que se presentará en la Galería Christopher Paschall en Bogotá hasta fines de octubre, exhibe los trabajos de tres fotógrafos peruanos que a través de sus imágenes representan una visión

Fiedler nos presenta un mundo irreal y utópico que, al igual que las obras de sus compatriotas, nos dejan un sentimiento de nostalgia por situaciones que no hemos ni vivido ni presenciado pero que –increíblemente- no se nos hacen ajenas.

¹ Arte, fotografía e ideología. El falso legado pictorialista. Diego Coronado e Hijón.

Profesor Titular de Teoría de la Fotografía. Departamento de Comunicación Audiovisual y Publicidad. Universidad de Sevilla.

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