Periódico Arte Al Límite | Edición 109, octubre 2014

N° 109

Octubre 2014 Santiago de Chile Distribución gratuita

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32. EL IMPERIO DE LA ILUSIÓN Las impresionantes obras de Erwin Olaf se exhiben en el segundo piso MAC de Quinta Normal. Videos y fotografías del holandés nos muestran su visión sobre la sociedad.

06.

EN EL FONDO

250 millones de pesos serán destinados a proyectos de artes visuales por el Fondart 2015.¿Qué tanarduoesesteproceso?¿Dónde están los ganadores de años pasados?

26.

PROTAGONISTAS DEL ARTE

Durante la sexta versión de Ch.ACO se llevarán a cabo 12 mesas de conversación con destacadas personalidades que dialogarán sobre el mercado del arte.

30.

ARTE PARA TODOS

En el mundo se ha consolidado la tendencia de vender arte a través de la web, así el arte se democratiza y el público puede adquirir piezas únicas con garantía y seguridad.

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editorial

E DIRECTORES Ana María Matthei Ricardo Duch ASESOR COMERCIAL Cristóbal Duch DIRECTORA DE ARTE Catalina Papic PROYECTOS CULTURALES Camila Duch EDITORA GENERAL Kristell Pfeifer EDITORA PERIODÍSTICA Emilia Benítez Silva DISEÑADORA Javiera de la Fuente PERIODISTA Fabio Neri MARKETING Josefa Del Río AUDIOVISUAL Nicole Ponce PRÁCTICA José Ignacio Cartagena CRÍTICOS Pedro Labowitz ASESORES Benjamín Duch Jorge Azócar Ignacio del Solar Julio Sapollnik COLABORADORES Lucía Rey Pía Cordero Carolina Bravo Natalia Vidal Toutin Bernardita Garib Soledad Cabello

l pasado 18 y 21 de septiembre se celebraron los dos aniversarios que el Museo Nacional de Bellas Artes contempla año a año. El primero de ellos conmemoró los 134 años desde que se instauró como institución, y el segundo los 104 desde que el actual edificio fuera construido. Durante los últimos dos años el MNBA ha recibido un promedio de 800 mil visitas, y ha demostrado cumplir con su deber de conservar la memoria artística de nuestra nación y de atraer al público con propuestas interesantes y novedosas.

También durante el mes pasado el arte chileno vivió otra fecha importante: se cerró la convocatoria a los Fondart 2015, éste en su formato de Artes de la Visualidad es el principal fondo económico que se entrega para proyectos artísticos: alrededor de 250 millones de pesos son entregados para potenciar la creación y/o producción. Pero diversas interrogantes surgen a partir de este concurso: ¿Es el proceso utilizado la mejor forma de aprovechar este dinero? ¿Son los mejores proyectos los que ganan estos fondos o ganan los que cumplen mejor con el papeleo? ¿Dónde encontramos las obras o los proyectos ganadores de otros años? En esta edición presentamos un reportaje que intenta resolver estas dudas –tarea no muy sencilla puesto que al ser el principal recurso económico público muchas fuentes no estuvieron dispuestas a dar su opinión–, pero que también plantea la pregunta sobre si este es o no el mejor sistema para potenciar las artes en nuestro país.

Uno de los ganadores del Fondart 2014 se llevará a cabo durante este mes de octubre: Chile Arte Contemporáneo –mejor conocido como Ch.ACO–, proyecto que se ha posicionado sin lugar a dudas como el hito de arte más importante en nuestro país. Este año la feria tiene como objetivo fidelizar a las audiencias profesionales, por lo que se dedicarán los primeros dos días al público especializado y durante los cinco días que dura la feria se realizarán mesas de conversación sobre el mercado del arte para que tanto el público experto como el aficionado puedan explorar este tema. Entrevistamos, para este periódico, a tres profesionales del arte que participarán en Ch.ACO entregando, entre otras cosas, su experiencia sobre el mercado internacional, dando luces sobre el actual panorama artístico chileno y opinando sobre cómo habría que avanzar para traer el mercado del arte a Chile.

Está a toda vista que el arte en nuestro país ha progresado enormemente desde aquel 18 de septiembre de 1880 cuando fue fundado el Museo Nacional de Bellas Artes. Pero todavía falta.

Faltan fondos, faltan inversionistas privados, falta seriedad y, a veces, falta compromiso. Arte Al Límite a través de sus medios asume ese desafío buscando entregar información de calidad relacionada al arte en nuestro país y en el extranjero.

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SUMARIO

06 | Reportaje: En el fondo

12 | Mirar la historia: Baile en el Moulin de la Galette, de Renoir 14

14 | En el taller: Amelia Errázuriz

16 | Artista emergente: José Juan Powditch

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18 | Bazart UC

19 | Artista destacado: Nieves Mac-Auliffe

20 | Panoramas 19 24 | Crítica

25 | Arte Público

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26 | Reportaje: Ch.ACO - Protagonistas del arte

30 | Artículo: Arte para todos

32 | Exposición destacada: Erwin Olaf - El imperio de la ilusión 32 34 | Perfiles

36 | Ferias 38

38 | Artista destacado: Valentina Mendiburo

REPRESENTANTE LEGAL Orlando Calderón F. | VENTAS info@arteallimite.com | SUSCRIPCIÓN suscripciones@arteallimite.com | FONO-FAX 2955 3261 WEB www.arteallimite.com | FACEBOOK facebook.com/arteallimite2 | TWITTER @Arte_Al_Limite | INSTAGRAM @arte_allimite PORTADA Erwin Olaf, "The Class Room", de la serie Hope, 2005, fotografía a color, 120 x 170 cm. | IMPRENTA Maval Editora e Imprenta, Santiago, Chile.

Las opiniones vertidas en este medio son de exclusiva responsabilidad de quienes las emiten.

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I N F I N I TA idioma universal

VIVAMOS BIEN

Proyecto acogido a la Ley de Donaciones Culturales (Ley Valdés)

REPORTAJE

Financiamiento de Artes Visuales

EN EL FONDO El pasado 16 de septiembre se cerró la convocatoria a los Fondart 2015, y muchos que están ligados de alguna manera a actividades artísticas, hicieron sus postulaciones. Pero, ¿qué tan pedregoso es el camino para hacerlo? ¿Dónde están los proyectos ganadores de años pasados? En este reportaje nuestro acercamiento será al Fondart Nacional formato Artes de la Visualidad, uno de los varios que componen esta iniciativa estatal.

Por Equipo Arte Al Límite.

Imágenes cortesía de Juan Castillo, Jorge González (SUB 30) y Paz Castañeda.

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l documento en el que están las bases del Fondart Nacional formato Artes de la Visualidad tiene 25 páginas. Si quisiéramos formular un proyecto y postularlo, tendríamos que partir por leer esa larga lista de instrucciones y aclaraciones que intentan delinear la ruta; luego, tratar de comprender objetivos, exigencias y condiciones; y finalmente, disponernos a llenar un extenso formulario en el cual quedará constancia de las características de nuestro proyecto, y sobre el cual todo lo leído anteriormente debe ser aplicado para no incurrir en errores –aunque basta uno solo– que nos descalifiquen. Todo un proceso que podría tardar semanas.

El objetivo de este formato es “otorgar financiamiento total o parcial para proyectos de creación y/o producción de obras artísticas de la visualidad que aporten al desarrollo artístico y cultural del país”, y engloba aquellos proyectos ligados a las artes visuales, a la fotografía y a los nuevos medios.

Como es lógico, el aporte está relacionado con la contribución que signifique el proyecto para Chile –más que mal el dinero utilizado, 250 millones de pesos, sale de las arcas nacionales–, de tal manera que además, se plantean exigencias a los postulantes. Son éstas las que, finalmente, por cantidad y complejidad, terminan por hacer desertar en el intento a varios de los que desean participar y son incapaces de hacerlo. De hecho, hay gente especializada en formulación de proyectos, la cual puede ser contratada como ayuda durante este proceso. Para verlo en cifras: el Observatorio de Políticas Culturales señala en su Informe de análisis de los Fondos de cultura del CNCA que, en 2013, de los 8.660 proyectos que participaron en el total de los fondos, sólo 1.473 fueron seleccionados. Pía Cordero, filósofa y académica de la UDP, sostiene la crítica sobre este sistema haciendo una observación macro. "Toda postulación en general es engorrosa y desagradable, en la medida en que los procesos creativos no están pensados desde la lógica de un formulario”. Carlos Navarrete, artista, curador y académico, sin embargo, no está de acuerdo: “El proceso no es engorroso ni complejo, el sistema de postulación es de la misma complejidad que las Becas Chile, o la Fundación Pollock Krasner en Nueva York o la Rijsakademie en Amsterdam”. Sebastián Urrutia, coordinador del Área de Fomento del CNCA, explica que: “Desde hace cuatro años que se ha trabajado

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Ritos de paso, 2014, fotografĂ­a, 100 x 60 cm.

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Tania González, Caja 4, técnica mixta y taxidermia.

en perfeccionar un sistema de postulación en línea que haga más expedito, transparente y que entregue trazabilidad al proceso de formulación de los proyectos”.

cierre fueron una locura”, recuerda. Islaysén contó con una buena recepción, de modo que Correa ya está pensando una reedición. Tiene sus resquemores, sobre todo cuando llega el momento de las evaluaciones, pues las considera de baja calidad. También al momento de dirigirse a las funcionarios a cargo del Fondart. “Es un muro”, afirma.

No obstante cualquier polémica, es indiscutible que, desde que fue creado en 1992, el Fondart ha logrado contribuir al impulso de más de 3.000 proyectos –una suma que ronda los 15 mil millones “Era la primera vez que postulaba No obstante cualquier problemática, es de pesos–, entre los cuales se han y encontré la plataforma digital destacado grandes iniciativas como indiscutible que, desde que fue creado en muy amigable”, asegura, por su Ch.ACO o la remodelación del 1992, el Fondart ha logrado contribuir al parte, Jorge Marzuca, fotógrafo Teatro Camilo Henríquez. El 2013 y acreedor de un fondo en 2013. impulso de más de 3.000 proyectos entre y el 2014 no fueron la excepción, “La parte más engorrosa después y 49 proyectos fueron beneficiados los cuales se han destacado grandes son los reajustes presupuestarios por los Fondart Nacional formato cuando un ítem te sale más plata o iniciativas como Ch.ACO. Artes de la Visualidad. Pero, ¿dónde quieres invertir más en una actividad están esos proyectos hoy? y menos en otra, hay que pasar por todo un aparato burocrático un poco engorroso, pero por el El trasfondo de los proyectos ganadores momento mi experiencia ha sido positiva”, agrega. Su proyecto, Las cuatro esquinas, nació como la continuación del corto La artista Catalina Correa postuló y obtuvo uno de los fondos en documental homónimo realizado en 2009, y que rescataría en 2013. Su proyecto, Islaysén, era una residencia independiente 2013 para transformarlo en una serie de fotografías que trataba en la cual varios artistas seleccionaban una locación y hacían la intimidad de un grupo de jóvenes chilenos que practicaban talleres a la gente del lugar. Su objetivo era abrir el territorio lucha libre. “Buscaba retratar esos aspectos de la lucha libre y las problemáticas de la Región de Aysén a través del arte. –aclara Marzuca–, no quedarse en el espectáculo, mostrar lo Para eso contó con la ayuda de Máximo Corvalán-Pincheira, que implica ser un luchador en Chile”. Agrega que dentro de Sebastián Preece y Catalina Bauer, quienes además participaron los ítems de postulación está el de impacto social, en el cual trabajando en terreno. “Estuve por lo menos dos o tres meses se debe declarar cómo va a influir en la comunidad el proyecto formulando el proyecto, y las dos últimas semanas antes del y quiénes se verán beneficiados con éste. Jorge González,

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Paz Castañeda, Cita a Millais, 2013, óleo sobre tela, 76 x 112 cms.

artista y también ganador de un fondo en 2014, continúa la idea explicando que, dentro de ese impacto, se deben aclarar la “generación de audiencias, la repercusión en el medio, para ello debes presentar un plan de difusión, un plan de medios y estrategias acorde a ello”. SUB 30 se titula su proyecto, un libro que recopila el trabajo de 60 creadores chilenos menores de 30 años, además de una muestra y 60 mini documentales. La exposición fue hecha entre marzo y mayo, en el MAC de Quinta Normal, y tras ésta, el artista decidió que se dará un tiempo antes de volver a postular a un fondo.

Bárbara Oettinger, que se expuso durante septiembre, en la Galería Sicart de Barcelona; La casa lobo, de Cristóbal León, un largometraje que está en producción; Circuito temporal (2013) y Desplazamiento temporal (2014), dos series de exposiciones organizadas por Ángela y Felipe Cura, de las cuales la segunda está siendo llevada a cabo en Galería Temporal; y Diagramas, de Hugo Rivera-Scott, montado en D21 Proyectos de Arte hasta agosto de este año, entre otros.

La posibilidad de que el proceso de postulación sea más simple debiese ser considerada, piensa el artista Juan Castillo.

“Lo mismo que la rendición posterior”, agrega. Su proyecto Ritos de paso estuvo financiado en su totalidad por un Fondart, y se trató de una serie de intervenciones y entrevistas en video realizadas en una travesía del autor, desde Atacama a Chiloé, que luego expuso en la Galería Dep. 21, el Museo de Arte Moderno de Chiloé y en Iquique. Asimismo, Paz Castañeda obtuvo un fondo para montar su muestra, Género Menor, una serie de trabajos en las que la autora intervino pinturas y fotografías famosísimas –desde 1599 al siglo XXI–, eliminando a los personajes para darle preponderancia al paisaje, exhibidas en la Sala Gasco de Arte Contemporáneo, este año.

Es importante recalcar que la mayoría de las fuentes consultadas prefirió no dar su opinión para este reportaje, y las que lo dieron, lo hicieron en forma de testimonio, como Carlos Navarrete. Él ha ganado cuatro Fondart, y tiene experiencia en el trajín que significa. Ha sido jurado y evaluador en varias ocasiones, además de ganador de fondos, como concursante. “El Estado chileno, de manera histórica, ha tenido en un abandono permanente a las artes, la cultura y el patrimonio en general”, explica, y agrega que por eso, con la vuelta a la democracia, se buscó revertir esa falencia.

Arguye que el Estado tiene los recursos suficientes para llevar a cabo esta tarea, y que en la Reforma Tributaria las artes, la cultura y el patrimonio debieran estar asociados a la educación. “El Estado de Chile debe hacerse responsable de que ello ocurra”, declara.

Algunos de los otros proyectos ganadores en 2013 y 2014 fueron el ciclo de residencias creativas Contexto y territorio de Leslie Fernández y Óscar Concha, el cual se está llevando a cabo en CasaPoli, Tomé; Punto ciego, de la artista chilena

El tema de fondo

Pía Cordero, en tanto, cree que la razón por la cual es solamente el Estado el que corre con gastos para el fomento

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José Pedro Godoy, El Triunfo del Amor, 2012, óleo sobre tela, 300 x 500 cm.

de la cultura, radica en que el mundo privado no se ha puesto Por eso también existe un conflicto en torno al jurado, las a la altura de las circunstancias. “Por eso no es suficiente el comisiones y sus criterios de selección. Sebastián Urrutia financiamiento que se da. Habría que poner en la balanza explica las razones: “Los jurados se repiten a causa del cuál es el gasto primordial dentro de un Estado que debe sistema de inhabilidades que rige tanto a ellos como a los promover la identidad y el bienestar de su pueblo”, dice. Sobre evaluadores y miembros de los órganos colegiados del CNCA, este punto, Navarrete va más allá: “Debiera también existir que por ley les impide desempeñar esta función”. También un fondo de asignación directo a agrega que las condiciones de los museos y centros culturales trabajo complican el escenario; la “El método está dado por la optimización de Chile, para que ellos puedan revisión colectiva de los proyectos hacer una programación de calidad se realiza en horarios de oficina y de los fines. Y los fines en el arte son en esas materias”. Pedro Pablo variados, por ende, el mejor método es paga 22.222 pesos por proyecto Bustos es Historiador del Arte, y revisado. Por esta razón son que existan variados tipos de fondos y pocas las personas interesadas, ha participado del Fondart como invitado y titular, con resultados con fechas abiertas de postulación”, dice considerando que además deben positivos y negativos. Al respecto, poseer perfiles determinados Pía Cordero. opina que el Estado podría que les permitan desempeñar propiciar nuevas alternativas adecuadamente su labor. de financiamiento. “Por ejemplo, a través de una ley que obligue a las grandes empresas que operan en Chile a destinar La conclusión de Pía Cordero es tajante: “El método está un porcentaje de sus utilidades al ámbito cultural, quizás dado por la optimización de los fines. Y los fines en el arte son obligarlas a que usen la ley de donaciones culturales”. A pesar variados, por ende, el mejor método es que existan variados de no tener una fórmula específica, propone que la gente tipos de fondos y con fechas abiertas de postulación”. que decide sea más autónoma al poder político. “Me gustaría Después de veinte años, Chile y sus habitantes han cambiado, que puntualmente la investigación fuera subsidiada sin los y muchas de las iniciativas que alguna vez significaron un sesgos e intereses estatales y universitarios. Me parece que paso más hacia el desarrollo, hoy están quedando obsoletas. los resultados son bastante monotemáticos, se desconoce la ¿Cuál será, en el fondo, la solución para espantar las críticas a riqueza y complejidad del fenómeno artístico, y la diversidad este sistema de financiamiento y lograr una optimización del de lugares desde los que se puede observar. Si hay un ámbito potencial cultural que tiene Chile? La discusión está latente, donde las verdades absolutas no operan, es este”, explica. pero aún no se ha convertido en prioridad.

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MIRAR LA HISTORIA

Baile en el Moulin de la Galette, de Renoir

ESPONTANEIDAD, RITMO Y COLOR Por Kristell Pfeifer.

Imágen Wikimedia Commons.

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s domingo en París. Cálidos rayos de sol bañan la ciudad por la tarde y acompañan la alegría que se vive en Montmartre a esas horas, donde obreros y bohemios comparten y bailan al son de la orquesta que acompaña sus pasos. Todo es júbilo y movimiento; pinceladas sueltas y espontáneas recrean un ambiente de distensión y gozo, mientras el uso del color transmite la calidez del momento.

La fiesta que el pintor interpretó no era un evento aislado en la agenda parisina. Cada domingo, el reconocido Moulin de la Galette ofrecía tardes de baile en las que participaban principalmente quienes vivían en el barrio.

Renoir, uno de los asistentes asiduos a estos encuentros, retrata una escena común y corriente, en consecuencia con los ideales que perseguía el movimiento impresionista. Atrás quedaron las dramáticas escenas de los románticos o la grandeza de la pintura neoclásica: los impresionistas encuentran la belleza en la vida moderna de cada día y en las cientos de “impresiones” que el paso de la luz va dejando en sus telas.

La pincelada suelta y espontánea de Renoir retrata a un grupo de jóvenes parejas bailando, mientras a su alrededor, sentados bajo la sombra de los árboles, se reúnen diferentes personajes que conversan y pasan amenamente la tarde. Al pintor le interesaba representar la alegría de los momentos y es precisamente lo que logra en este gran lienzo: la pintura transmite energía y movimiento en cada rincón, los personajes parecen moverse grácilmente por el espacio y casi podemos imaginarnos la música que acompaña esta cálida tarde dominical.

Pese al disgusto que para muchos significó en un principio la aparición de una pintura de trazos sueltos y rápidos -lo que se traducía en obras que parecían inacabadas y donde proporciones y puntos de fuga eran inexactos-, Baile en el Moulin de la Galette terminó por convertirse en una de las obras más reconocidas de Renoir. El pintor francés nos hace partícipes de una escena común de la vida parisina y logra transmitirnos el ambiente que se vive en Montmartre, descubriendo la belleza pictórica de la vida corriente y constituyendo así un enfoque muy contemporáneo para la época. Este hecho se ve reforzado por el encuadre elegido por el pintor, donde influenciado por la fotografía pone los límites en la mitad de las figuras y la escena, contribuyendo de esta forma a aumentar la sensación de movimiento.

La destreza de Renoir para retratar un instante fugaz y espontáneo cargado de alegría es lo que hace a esta pintura una de las grandes obras del impresionismo.

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ARTE PÚBLICO

AMELIA ERRÁZURIZ fuera y dentro del desborde arquitectónico

Por Lucía Rey. Imagen cortesía del artista.

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l taller de Amelia Errázuriz se encuentra en el pueblito de Lo Barnechea, donde trabaja inamovible hace diez años. Aquí desarrolla creaciones estéticas centradas en una mirada crítica al transcurso urbano que le permite experimentar con des-hechos que marcan ciertas coordenadas simbólicas de su lenguaje plástico.

Su taller exhibe la espacialidad rústica para un imaginario complejo y metafórico desde el que elabora sus composiciones.

Errázuriz se permite el desorden en el accionar de su trabajo plástico, porque esta mirada entramada con lo inesperado también resulta creativa para encontrar relaciones sígnicas en los objetos que pueden representar construcciones de mundos y derivas sociales, que aunque evidentes desde una panóptica aguda, permanecen ocultas en el cotidiano.

Una cuestión importante que emerge en esta visita al taller es su manera de construir estas pinturas-objetos que evidencia su formación profesional como arquitecto. Construye geométricamente figuras que, sin dejar de representarse a sí mismas, aluden a su contexto original y a su resultado, que es el estado de des-hecho en espacios de construcción de edificios. Con residuos proyecta formalidades que recuerdan el cubismo de George Braque y la veloz dinámica visual y gestual del futurismo de Umberto Boccioni, pensando en la construcción de plásticas críticas a la formalidad artística de la última parte del siglo XIX y principios del XX. Amelia en su discurso se resiste a la lógica galerística de la obra como fetiche mercantilizable, y lo realiza por medio de su propio trabajo, con experimentos plásticos cuyo aspecto es rudo y elaborado dentro de una simultaneidad estética que sugiere una perspectiva oblicua de las cosas y de la sociedad, una mezcla de texturas formales que no admiten traducción monetaria. Obstinada y libremente continúa con esta intención empírica, tal vez porque halla en ella un acercamiento hacia el mundo real, oculto entre los escombros del mercado.

Esta óptica le conduce además a la necesidad de que su obra sea participativa, o sea, que el espectador traduzca su apreciación en algún ejercicio que involucre la creación plástica, ya sea en el proceso de su realización o en la exhibición de la misma. En esta tónica, como resultado crítico de una estética experimental, encontramos en su taller diferentes trabajos que interpelan en la observación a la realización de algún segundo o tercer ejercicio visual abarcado desde fuera de la obra.

Amelia estudió pintura con el connotado artista Miguel Venegas Cifuentes, quien le acogió en su taller a muy temprana edad, reconociendo en sus habilidades una creatividad compositiva.

Le interesa mantenerse al tanto del acontecer estético artístico, por lo que organiza y participa en cursos grupales de arte contemporáneo, porque según indica es consciente de los tránsitos constantes de rupturas plásticas. Esta situación de lo contemporáneo decanta en un estado impreciso del “arte”, sin embargo Amelia busca sin cesar en la materialidad y en las formas propuestas una dislocación de la misma obra, pero contextualizada en la perspectiva analítica de la trama social de donde ha recogido la materia prima de su trabajo, en general: residuos de construcciones arquitectónicas, abarcando así su propia formación profesional desde una estética situada afuera de la misma.

Uno de los artistas que le ha interesado, por este similar gesto de recuperación estética del escombro, es el estadounidense Robert Rauschenberg, que incorporaba objetos desvalorizados en sus brochazos expresionistas en un intento de generar esta participación y ruptura de la obra tradicional desde el cotidiano invisible de espectadores alienados. Además, el pintor y escultor alemán neoexpresionista Anselm Kiefer, de donde se hermana en el trazo pastoso y veloz abarcado en la cromática material de paisajes abandonados.

Mira aquí el video de este taller

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ARTISTA EMERGENTE

josé juan powditch

SUTIL DESTRUCCIÓN Powditch toma dos ideas aparentemente incongruentes –la guerra y la alta costura– y logra convertirlas en una sola vertiente, A través de ésta se lanza y, pese a su corta edad, el descenso se ve más prometedor que accidentado.

Por Fabio Neri San Román.

Imágenes cortesía del artista.

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n enero de 1944, las fuerzas Aliadas soltaron toda su artillería sobre la abadía de Montecassino, donde se refugiaban, inclaudicables a la entrega del norte italiano, las tropas nazis del comandante Kesselring. Los bombardeos destruyeron casi por completo el monasterio, así como destruirían luego el Panteón, en Roma, y las playas normandas, en Francia. Estos ejemplos son los que usa José Juan Powditch (22) para explicar por qué su obra se cuela por los resquicios de la devastación, por qué busca llevar el material al límite y conducirlo hacia una autodestrucción bella, orgánica y estética. “Así es cómo la destrucción sublime hace engranar gran parte de mi obra”, asegura.

Se trata de trabajar con la materialidad, hacer para deshacer y volver la obra imperecedera. Eso es lo que lo inspira. Comenzó con el papel, cuando la artista Carolina Larrea lo instruyó en la forma de articular una hoja blanca desde cero, y fue discurriendo hasta manejar otras técnicas como el tejido a crochet y el bordado. “Mi trabajo, en general, es un rescate de los oficios que siempre me han llamado la atención, incluso aquellos que no son permitidos al hombre como tejer, bordar, etcétera”, explica. Es en la estética de guerra –los uniformes de la Gran Guerra y la Revolución francesa, principalmente– donde nace su interés por el tejido, además de la constante exposición al mundo de elementos textiles en su casa. “Poner los elementos matéricos en un dramático encuentro donde juntos conforman un total visual”, aclara. Todo por medio de un trabajo minucioso, cargado de paciencia y expectativa, siempre buscando la estilización a través del volumen. No se considera un artista creativo, aunque sí visionario; necesita ver para hacer, pero no le cuesta prever lo que su producto puede llegar a generar; tampoco anticipar hacia dónde va el mundo del arte.

Por eso, en definitiva, su trabajo está vinculado al mundo de la moda. “Lo mío está inspirado en las últimas colecciones de alta

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costura de Chanel y las temporadas de Menswear de Dolce & Gabbana, que a través del bordado y la configuración artesanal, crean piezas únicas que se articulan a la razón del cuerpo, parte por parte, hasta llegar a un todo”, explica.

A una puerta de su taller está el de su madre, artista también, y quien lo acercó a esos oficios que busca rescatar. Hay una diferencia generacional insalvable, sin embargo eso no impide que hagan cosas juntos –decorar la casa, por ejemplo–, ni que hagan comulgar sus modos de ver el arte, aunque ella sea restauradora y ocupe una bancada opuesta a esa destrucción natural que Powditch propone con su obra. “Me gusta decir que hueviamos, porque eso hacemos”, cuenta, resumiendo en una palabra una relación que trasciende las barreras que separan la esencia de la norma.

Powditch estudia Licenciatura en Arte, en la Universidad Católica, y pese a su corta edad tiene pretensiones de largo alcance. Su participación en la FAXXI 2014 le abrió puertas, y espera poder exponer solo a principios del próximo año, además de resolver un dilema conceptual que hace rato viene dándole vueltas en la cabeza. “En un futuro me gustaría concebir un concepto que en castellano no existe. Couture en francés engloba una idea gigante, una significación que reúne todo lo que implica crear. En castellano, sin embargo, su traducción, costura, sólo significa eso: costura”, explica. Así es cómo va enmarcando toda su concepción dentro de procesos que componen y destruyen, que crean y disuelven, siempre yendo y viniendo a través de fronteras tan diluidas como las que craquelaban el mapa europeo durante las guerras mundiales. Por eso siente que debe hacerse cargo; que los artistas, en general, deben hacerse cargo. "Nosotros los artistas somos como lentes que filtran y enfocan cosas que otros no ven; nosotros tenemos que hacernos cargo en todos los ámbitos en donde la visualidad es usada”, concluye.

Detalle de Honor y gloria, 2014, bordado a mano y pitt sobre tela.

De la serie Infancia entre soldados y crochet, pasta dorada sobre gofrado en papel reciclado de algod贸n.

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publireportaje

BAZART UC Las artes visuales se reúnen en una nueva versión del bazart uc.

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na nueva edición de Bazart UC se realizará el próximo 12 de octubre en el Centro de Extensión UC. Como en sus versiones anteriores, esta feria de artes visuales reunirá a más de 40 artistas consagrados y emergentes para ofrecer una variedad de creaciones en diferentes disciplinas, entre ellos Lorena Villablanca, Beatriz Leyton, Loreto Buttazzoni, Paula Dunner, Pía Lasa, Ximena Ducci y María José Romero. Pintura, ilustración, collage, dibujo, fotografía, escultura, cerámica y grabado, entre otras disciplinas, forman parte de esta muestra que convoca a lo más actual y diverso de las artes visuales nacionales.

Esta nueva presentación de Bazart UC se proyecta, una vez más, como una plataforma de difusión para creadores chilenos desde un espacio universitario, congregando a un variado público en torno al arte. Como feria pionera y ya un referente, Bazart UC ha convocado a más de 300 artistas en todas sus versiones.

Esta feria de artes visuales es una interesante ocasión para actualizarse en la escena artística y, también, para poder iniciarse en el coleccionismo de obras. Bazart UC cuenta con numerosos stands donde los artistas citados muestran ellos mismos sus obras, acercando su taller a los visitantes. Las obras de arte puestas en venta en esta feria están exentas de comisiones e intermediarios.

“Los valores de las piezas corresponden a precio de taller, para facilitar también la adquisición de piezas de artes

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visuales tanto para coleccionistas como para aquellos que desean comenzar o ampliar sus colecciones sin tener que pagar extra por ello”, comenta Daniela Rosenfeld, directora de Extensión Cultural de la UC. Durante 2014, Bazart UC se realiza tres veces al año: la primera en mayo y las siguientes versiones el 12 de octubre y el 14 de diciembre.

Cada Bazart UC dura solo un día y su horario ininterrumpido es de 11 a 19 hrs. con entrada totalmente liberada. En esta nueva versión habrá sorteo de una obra de arte y otros premios entre los asistentes, además de un DJ en vivo.

El público asistente también puede visitar las dependencias del Centro de Extensión UC y sus actividades culturales paralelas: funciones de teatro infantil (sábados a las 16 hrs., y domingos a las 12 hrs.), funciones de cine (miércoles a domingo a las 16, 19 y 21:30 hrs. y sábados a las 19 y 21:30 hrs.) y las dos galerías de arte.

BAZART UC LUGAR: Centro de Extensión UC DIRECCIÓN: Alameda 390, Santiago FECHA: 12 de octubre de 2014 HORARIOS: Continuado de 11 a 19 hrs. Entrada liberada. Estacionamiento gratuito en Lira 21, presentando el ticket timbrado por el personal de caja.

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Bio movil II, 2014, serigrafía, medio pliego.

Bio movil IV, 2014, serigrafía, medio pliego.

Artista destacado

Nieves Mac-Auliffe

TRAMANDO NUDOS Todo está compuesto por tramas, conjunto de cosas relacionadas entre sí, que forman un total.

Aquello que vemos, tocamos y sentimos en la naturaleza está dibujado por trenzas y nudos. Así lo ve Nieves, y sobre eso aterriza su trabajo.

Por Fabio Neri San Román.

Imágenes cortesía de la artista.

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l sábado 18 de octubre Nieves Mac-Auliffe inaugurará su exposición Proceso natural: detenerse o continuar, en la Galería Espora. Se trata de una intervención en la cual un árbol de la calle cuela sus ramas a través de una ventana interviniendo el espacio institucional de la exposición e interactuando entre las serigrafías exhibidas. Este es el resultado de un largo proceso de trabajo en el que Nieves ha conectado de tal manera con la naturaleza que ha logrado asumirla desde la trama, elemento medular de su obra. “Yo trabajo el entramado del entorno que nos rodea; ese enredo del medioambiente”, explica.

latín y así consolidaba su condición de extinta. Sin embargo, resultaba demasiado literal para ella. "Empecé a irme a la trama, a los nudos, a lo que se teje, a lo que está alrededor de uno, proyectando mi obra de una manera más abstracta y cromática”, comenta. Nieves lleva esta idea a la arcilla, trenzando cerámica, y a la serigrafía, grabando la arcilla terminada sobre el papel, e interviene también el espacio traspasando imágenes directamente al muro y trabajando con ramas recolectadas.

“Ocupo serigrafía como técnica porque me permite la repetición de la imagen, lo que apoya la idea del entramado”, asegura.

Convencida de que su trabajo entra en los márgenes del arte procesual, Nieves siempre ha dialogado con la naturaleza. Licenciada en Arte de la Universidad Finnis Terrae, empezó condensando su trabajo en torno al hábitat, y a cómo la naturaleza es anulada por la sociedad. Por eso su trabajo es traspasarla a la galería, o al espacio, o a su obra. Durante muchos años estuvo haciendo naturaleza muerta, trabajos con flores en peligro de extinción, les ponía su nombre en

Nieves trata de mostrar regularmente su trabajo, siempre con la intención de revelar algo: el nicho puro de la naturaleza. Actualmente participa en el Taller Bloc, en Santiago de Chile, dedicado a la producción, formación y difusión de artes visuales, donde produce sus recientes obras. “Esta es una buena oportunidad para compartir mi trabajo con más artistas, lo cual es muy enriquecedor y fuera de lo común”, asegura.

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panoramas

EXPOSICIONES SANTIAGO La exposición es una retrospectiva al trabajo pictórico del artista chileno Juan Francisco González, uno de los más destacados en la historia del país, y considerado el primero de los modernos vanguardistas.

Los cuadros son rosas silvestres y gladiolos que tiñen de irreverencia a González, proletario y ejemplo de aquellos que lograron imponerse a su condición a través del arte, rebelándose contra la tendencia del momento.

¿Qué es de ti, mi buen Juan?, Juan Francisco González

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Hasta el 26 de octubre Museo Nacional de Bellas Artes Parque Forestal s/n, Santiago www.mnba.cl

Hasta el 30 de octubre Galería Patricia Ready

Del 8 de octubre al 30 de noviembre Ekho Art Gallery

Museo Futuro, Nicolás Grum

2-AM, Gabriel Schkolnick

El artista recorre la historia de Chile a través de nueve esculturas en miniatura.

Cada fragmento obedece al formato de diorama.

Esta serie de fotografías, precisamente estructuradas, corresponde a una secuencia de ficción que retrata lo que ocurre en un minuto de los 60 que hay entre las 2.00 y las 2.59 de la madrugada.

Espoz 3125, Vitacura www.galeriapready.cl

Merced 349, Local 12, Santiago www.ekho.cl

El destacado del texto corresponde al autor de la imagen que acompaña. * Las imágenes de las obras publicadas son detalles de la original.

Del 10 al 22 de octubre Galería Madhaus

Hasta el 14 de noviembre Hotel W

1 + 1 = 1, Angélica del Sante y Tomás Reid

Reciclando con arte III, Muestra colectiva

Tomás Reid y Angélica del Sante muestran su trabajo en conjunto: una serie de fotografías, digitales y análogas, tomadas por él, e intervenidas con técnicas pictóricas por ella.

Los elementos que componen las obras de esta muestra son vidrios, latas, papeles y bolsas, y a través de la (re) utilización de ellos, varios artistas diseñan bicicletas que destacan por sus sustentabilidad.

Tegualda 1509, Barrio Italia, Providencia www.galeriamadhaus.com

Isidora Goyenechea 3000, Las Condes www.wsantiagohotel.com

Hasta el 26 de octubre Casas de lo Matta

Del 16 de octubre al 15 de noviembre Galería QUQU

Miradas de Luz, Isabel Lorca y Susana Pardo

Constelación, Matilde Huidobro y Carolina García Huidobro

El vínculo artístico de ambas pintoras se refleja en sus temáticas llenas de

Usando técnicas múltiples –entre ellas pintura, grabado y collage– las artistas

luz y color. En los dos casos es precisamente la luz la que parece ir fluyendo entre los objetos, dando sombra o reflejos.

diseñan una constelación de símbolos al tiempo que dan forma a temas que aluden a la mujer y su rol de contención y protección dentro de la familia y la sociedad.

Avenida Kennedy 9350, Vitacura

Albert Le Blanc 1764, Lo Barnechea www.ququ.cl

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panoramas

EXPOSICIONES REGIONES

Hasta el 23 de noviembre Centro de Extensión Cultural Palacio Astoreca de la UNAP

Hasta el 16 de noviembre Teatro del Lago

Imagen y devoción, Muestra colectiva

Fortíssimo, Natalia Méndez

Exposición de 45 obras de arte religioso de las colecciones Museo Nacional de Bellas Artes que propone una visualización de la transformación de los lenguajes plásticos con el paso del tiempo, a partir de temáticas fundamentales del Cristianismo.

La fuerza y el dinamismo de la música convergen en esta muestra que reúne libros, partituras y telas como soporte, de manera horizontal representando una alegoría del paisaje.

Bernardo O'Higgins 350, Iquique www.unap.cl

Av. Philippi 1000, Frutillar www.teatrodellago.cl

TALLERES / WEB

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DURANTE TODO EL AÑO Feria El Secreto, local b-14

Hasta el 21 de octubre Atelier 4

Xilópatas, el arte de la Xilografía, Varios artistas

Geometría interna, Lorena Olivares

Este espacio está dedicado a la técnica xilográfica: vende grabados e imparte

La muestra está compuesta por esculturas de pequeño formato y de distintas

clases. Entre los artistas que lo dirigen están Hernán Gallardo, Mauricio Zúñiga y Alejandro Silva.

materialidades que la artista expone junto a Alejandro Rojas.

San Lucas 230, Lo Barnechea http://www.arteallimite.com/artistas/hernan-gallardo

Av. Las Condes 14102, Lo Barnechea www.arteallimite.com/artistas/lorena-olivares

El destacado del texto corresponde al autor de la imagen que acompaña. * Las imágenes de las obras publicadas son detalles de la original.

Hasta el 2 de noviembre Bodegón Los Vilos

Hasta el 26 de octubre Parque Cultural de Valparaíso

Obras textiles en Shibori, Inge Dusi

Diagramas, Hugo Rivera-Scott

Inge Dusi trabaja sus obras con las técnicas de amarre y teñido shibori, técnica japonesa que que implica cierto grado de imprevisibilidad, logrando resultados siempre diferentes.

La muestra está compuesta por 21 dibujos abstractos que en los años setenta no pudieron ser exhibidos por la situación política que vivía Chile.

A ellos se les suman 23 obras nuevas que siguen la misma línea del autor.

Elicura 135, Lautaro 207, Los Vilos www.bodegonlosvilos.cl

Cárcel 471, Cerro Cárcel, Valparaíso www.pcdv.cl

Durante el segundo semestre Taller Erika Haardt

Del 14 al 26 de octubre Galería Arte Mundo Sur

Venta de taller, Erika Haardt

Por cielo, mar y tierra, Angélica Sáenz

Con cerca de 25 años de experiencia enseñando pintura, Erika Haardt abre

Angélica Sáenz, Adela Cuevas y Andrea Ringeling hacen una invitación a recorrer los tres escenarios que componen el paisaje: el cielo, el mar y la tierra. Es un recorrido a través de obras de distintas técnicas.

las puertas de su taller para sus clases de óleo y técnica mixta. Para más información, contactar al 9 8633738

Bartolomé de las Casas 2465, Vitacura www.arteallimite.com/artistas/erika-haardt clases-pintura.chile123.net

Alonso de Córdoba 2798, Vitacura www.arteallimite.com/artistas/angelica-saenz

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Alexandra Latini, Itaparica, 1988, óleo sobre tela e eucatex, 44 x 54 cm.

CRÍTICA

AL RITMO DE BRASIL Por Pedro Labowitz. Crítico de arte. Miembro de AICA. Imagen cortesía de Centro Cultural Palacio La Moneda.

E

l Centro Cultural Palacio La Moneda presenta esta muestra de casi 300 obras de artistas brasileños que se divide en dos partes: “rural y urbano” y “el paso a la modernidad”.

En la primera, en la Sala Andes, vemos muy bien dispuestos un gran número de artistas primitivos, de la pintura naif o insita. En sus telas, que se refieren siempre a temas cotidianos, cercanos al autor, abundan los detalles y los colores. Ninguna parte de la tela queda sin su detalle anecdótico: En 300 años y la lucha continúa de Zumbi, un ejército de guerreros de piel oscura está dispuesto uno al lado del otro, formando una masa compacta, con su jefe delante con una máscara roja y con abundante vegetación de jungla al fondo; o en la Cosecha de Magda Mitteralio, gente trabajando en el campo con los árboles prácticamente entrelazados y sus redondas frutas grandes y abundantes. Los autores de estas obras naifs ignoran toda técnica pictórica, y la reemplazan por una mirada directa, casi infantil, que generalmente deleita al espectador por su espontaneidad. Otro tanto se da en las esculturas: animales comunes para ellos –como tortugas, serpientes, reses, etc.–, todo lo que les es cercano, incluso también la figura humana, se juntan en una figura totalmente surrealista de un “hombre pájaro”, un varón elegante con cabeza de pájaro. El autor de esta pequeña obra ya es todo, menos “primitivo”. Las muestras de las pocas obras textiles se imponen muy favorablemente por la exuberancia de su colorido.

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En la Sala Pacífico se muestran obras modernas, también con un muy buen montaje que incluye muchas de las muy diversas maneras de los artistas modernos, incluso diversos no-figurativos. Llama la atención el número importante de pintores de apellido japonés –la colonia japonesa en Brasil es una de las más importes en el mundo. Se destaca aquí especialmente Vuelo Nocturno de E.S. Tamaka, un cuadro en que una impresionante composición de negros, blancos, grises y marrones, de pronunciada materialidad, se da como el principio de una explosión desde su centro. Son comparativamente pocas las esculturas y los grabados, pero se incluye un buen número de fotografías. R Okinaka es el autor de una obra escultórica negra de cuero sintético que se alza delgada en forma geométrica, cual farol.

La mayoría de las obras de esta excelente exposición proviene de museos y colecciones privadas. Es una buena oportunidad de ver algo más de las artes visuales poco conocidas en Chile de ese enorme y multifacético país que es Brasil.

AL RITMO DE BRASIL FECHA: Hasta el 31 de diciembre LUGAR: Centro Cultural Palacio La Moneda DIRECCIÓN: Plaza de la Ciudadanía nº 26, Santiago

ARTE PÚBLICO

GALERÍA TEMPORAL Desde la movilidad el proyecto de intervención urbana Galería Temporal articula tránsitos y desplazamientos a partir de pasajes comerciales en Santiago Centro.

Por Pía Cordero.

Imagen cortesía de Galería Temporal.

L

a historia de Galería Temporal comienza en el año 2011, a partir de exhibiciones en una vitrina del pasaje Alessandri, entre librerías, reparadoras de calzado, oficinas de abogados y de médicos, etc. A partir del año pasado el proyecto se extiende a las galerías comerciales San Antonio, Presidente y Huérfanos 1373 en Santiago Centro.

Con el afán de tomar distancia del modelo institucional de la tradicional galería y del museo, su quehacer se articula desde la movilidad, promoviendo recorridos e intervenciones públicas. El objetivo del proyecto es reivindicar el espacio urbano como lugar de creación artística y cultural.

La tercera temporada de exhibiciones, Desplazamiento temporal, hasta el año 2015 programa intervenciones a partir de los pasajes comerciales del circuito temporal. En agosto destacó la intervención Subsuelo del artista Raimundo Edwards.

Actualmente, el artista Mario Soro presenta: Sindicato de héroes. El des(plaza)miento de los desplazados, no es la excepción, registro de las acciones realizadas en la Plaza de Armas de Santiago, en el contexto de una protesta sindical por la recuperación de permisos de trabajadores discapacitados. Esta obra está en línea con el Siluetazo (1983) de la Plaza de Mayo en Argentina, acción colectiva que recordaba a los desaparecidos marcando las siluetas de los cuerpos en diversos lugares de la plaza en plena dictadura.

Uno de los objetivos de Galería Temporal es gestar un trabajo transversal que incluya, en sus recorridos y visitas guiadas, la participación de historiadores del arte, sociólogos y arquitectos. Considerando el entorno, los locatarios y el transeúnte común, la finalidad es incluir el contexto en el cual se desarrollan las intervenciones. Al respecto cometa Felipe Cura: “En un proyecto como este es complejo valorar o medir impactos, pues si bien nos interesa ampliar el público del arte contemporáneo, no creemos que eso implique dirigir toda nuestros esfuerzos a llamar la atención del espectador. De hecho, la estrategia de algunas de las obras que hemos exhibido ha sido camuflarse con el entorno y pasar desapercibidas, logrando ser observadas sólo por quienes tengan mayor curiosidad o atención”. Cabe destacar que otra arista del proyecto es su trabajo editorial, mediante publicaciones y registros de alta calidad, que temporalizan las intervenciones realizadas.

GALERÍA TEMPORAL Dirección: Galería Huérfanos, Huérfanos 1373, Santiago.

Galería San Antonio: Merced 820, Santiago.

Galería Presidente: Pasaje Phillips 459, Santiago.

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REPORTAJE

PROTAGONISTAS DEL ARTE La feria Chile Arte Contemporáneo, es el hito de arte más importante en nuestro país y este año se realizará entre el 1 y el 5 de octubre. En su sexta edición, los objetivos de Ch.ACO son acercar al público nacional al arte internacional, promover el interés por el coleccionismo de arte y posicionar el arte chileno al nivel del contexto regional y mundial.

Por Emilia Benítez Silva.

Imágenes cortesía de los entrevistados.

"E

l desafío de este año es fidelizar a las audiencias profesionales”, declaró Irene Abujatum, directora de Ch.ACO, durante el lanzamiento de la campaña Ch.ACO non stop. Por esta razón, este año la feria dedicará sus primeros dos días, el 1 y el 2 de octubre, al público profesional, siguiendo el ejemplo de las ferias más importantes del mundo. “Se convoca a prensa especializada, curadores, gestores del arte, coleccionistas, galeristas, invitados destacados internacionales y nacionales y se les ofrece un preview de la feria y charlas dirigidas a explorar los tres ámbitos principales que construyen el mercado del arte comercial”, revela Abujatum.

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La directora de la feria explica que el desafío actual: “Es profesionalizar el sistema de las artes, atribuir valor a los agentes especializados, instaurar diálogos, conversaciones y relaciones destinadas a fortalecer las redes de cooperación en el campo de las artes visuales”. Y es que el mercado del arte en Chile cada día crece más –según Abujatum, el año pasado las galerías nacionales vendieron durante Ch.ACO el 70% de las obras que llevaron–, pero la participación de nuestro país en el mercado mundial todavía no es muy significante, tanto desde el punto de vista de la inversión como de la contribución de chilenos en éste. Con el fin de incentivar el consumo y la difusión del arte en Chile y de trasladar la escena artística hacia el exterior, Ch.ACO realizará conversatorios

centrados en el mercado del arte. “Queremos enfrentar, por medio de nuestras 12 mesas de conversación, los lugares comunes que pueden existir acerca de esta temática tan conflictiva, generando una crítica constructiva que se basa en entender un lenguaje, un sistema, un funcionamiento que en muchos países del mundo es algo ya consolidado”, asegura Abujatum.

Desde el 1 de octubre se realizarán las mesas de conversación en las que intervendrán destacadas personalidades de la escena neoyorquina –donde se ubica el centro del arte por excelencia– como Vivian Pfeiffer, vice presidenta de Christies Américas en Nueva York; Pablo León de la Barra, curador del Guggenheim y Manuel Cirauquí, curador de la Dia Art Fondation. Estos expertos abordarán la temática del mercado del arte desde tres ejes: el mercado primario de las galerías, el mercado secundario o comercial en el cual participan las casas de subastas y el mercado privado, de los dealers independientes. A la feria también asistirán los curadores chilenos radicados en Nueva York, Florencia San Martín e Ian Cofré, quienes además de participar en Ch.ACO como jurados de los Pop_Up Spaces –plataforma para exhibir y vender obras de innovadores proyectos de arte independiente– visitarán Concepción, con una agenda de arte, elaborada en conjunto con Pro Chile aportando su experiencia y sus conocimientos para así acercar al público a las temáticas del arte contemporáneo.

¿Cómo ves el panorama artístico en Chile?

Florencia San Martín (FSM): Desde una perspectiva actual, paralelamente al advenimiento de la globalización y a la proliferación de ferias y bienales a nivel internacional, comenzaron a emerger, aunque tal vez en Chile con más énfasis durante la última década, una gran variedad de discursos y plataformas del arte que enriquecen su diversidad en el país.

La proliferación de espacios autogestionados a lo largo de todo Chile, los aportes curatoriales de galerías como AFA, D21 y Die Ecke, la gestión de Ch.ACO y de centros culturales, y el aporte medios digitales, son algunos dentro de otros muchos ejemplos que han activado constantemente esta diversidad, generando posibilidades de diferente índole que hasta hace poco tiempo eran más limitadas. Entonces el arte en Chile, me parece, opera cada vez más desde el deseo de diversificación e internacionalización de manera conjunta al deseo de lo propio, actuando desde una suerte de in between respecto a la particular geografía del país. Con todo, aunque esta relación esté recién empezando y se vea más fuerte o concientizada en algunos espacios y artistas que en otros, hace del panorama chileno algo muy interesante para el arte contemporáneo regional (lo Latinoamericano) y metropolitano (principalmente Estados Unidos y Europa).

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Ian Cofré (IC): Desde mi último viaje a Chile en 2011, creo que se ha diversificado mucho la escena de arte chilena y se presentan varias posibilidades nuevas. Se han abierto muchos espacios de exhibición y los mismos artistas están tomando la iniciativa de mostrarse como sea. Estoy muy optimista por lo que pueden rendir en los próximos cinco años.

Manuel Cirauquí (MC): Es difícil para mí hablar en términos de panorama, ya que todavía no he pasado suficiente tiempo en Chile. Admiro profundamente la obra de algunos artistas chilenos, muchos de ellos viven en el extranjero. Tengo muchos amigos chilenos que viven afuera, son artistas o curadores, y yo me identifico profundamente con muchas de sus preocupaciones.

Además, algunas de las figuras artísticas e intelectuales importantes de las últimas décadas han sido de Chile. No sé hasta qué punto los que han emigrado cuentan como miembros del panorama nacional. Estoy ansioso de estar ahí durante Ch.ACO y ver lo más posible de lo que está pasando en Santiago. ¿Cómo dirías que se ve Chile en comparación con otros países latinoamericanos?

FSM: Desde Nueva York, he podido notar dos cosas: una, que el de Chile es un caso de estudio dentro de la academia que genera bastantes debates en torno a la memoria reciente en América Latina; y dos, que dentro del mundo más amplio del arte, a diferencia de países como por ejemplo Brasil, Argentina o México, aún se sabe poco de lo que pasa dentro del país, aunque ahora con instancias como Ch.ACO esto ha ido poco a poco cambiando, y eso está relacionado con lo que te decía en la pregunta anterior. Comparto la idea de Pablo León de la Barra de que los países de América Latina deberían mirarse más entre sí, lo que me perece ayudaría bastante a la producción de arte chileno.

IC: Creo que Chile se reconoce más que sus vecinos por sus artistas críticos de la época de la dictadura y por individuales que contribuyeron a cambios paradigmáticos en el videoarte y cine, por ejemplo Juan Downey, Raúl Ruiz y Alejandro Jodorowsky. ¿Cómo describirías el mercado del arte en este momento?

MC: Como curador institucional y académico, no estoy comprometido de manera adecuada en el mercado del arte. Pero puedo hablar de qué despierta mi interés en el mercado. A nivel general, se ha producido un importante –y tal vez interminable– proceso de redefinición del valor de mercado en el arte contemporáneo de los últimos cien años. Las obras cuestionan el valor de mercado y el mercado se reajusta en sí mismo. Esto es un proceso muy interesante. Al mismo tiempo, las obras de arte redefinen la historia del arte y las narrativas históricas se reajustan; lo mismo pasa con el entorno institucional. Es importante para mí estar al tanto de todos estos procesos, ya que están estrechamente entrelazados.

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¿Quién crees que tiene el rol más importante para fomentar el mercado del arte en Chile?

FSM: Tanto el sector público como el privado, pero además los nuevos gestores del arte para que entusiasmen al sector privado y así éste se interese por los beneficios este tipo de mercado, que muchos desconocen.

IC: Hay varias instituciones que tienen interés en que haya un mercado dinámico: los museos, los coleccionistas, las galerías, el estado. Tienen que darse cuenta que el intercambio del objeto de arte mismo lo transmuta de ser un regalo creativo de la mente y el esfuerzo de un artista a un tipo de reemplazo a la moneda, y que la circulación de lo mismo debería siempre beneficiar al creador para que pueda vivir de su obra. ¿Qué consejo darías a los artistas chilenos para insertarse en el mercado internacional?

FSM: Primero que nada, ser consecuentes con sus obras.

Luego mantenerse informados sobre lo que pasa en el mundo del arte y aprovechar las oportunidades que conocen, investigando también sobre las nuevas posibilidades que se ofrecen tanto local como internacionalmente.

IC: No perder la voz propia. Creo que es muy fácil imitar lo exitoso o sobre intelectualizar lo poco interesante.

MC: Trabajar en lo que creen profundamente, el resto no tiene sentido a largo plazo. ¿Quiénes dirías que son los protagonistas del arte en Chile? ¿Por qué?

FSM: Todos y sin orden de prioridad: los museos, los artistas, los Centros Culturales, los coleccionistas, los gestores, las plataformas editoriales, los teóricos, los estudiantes, las ferias, los historiadores, las galerías consolidadas y emergentes, los docentes, los archivos, las conferencias, los fondos públicos y privados, las residencias, etc.

IC: Al momento creo que son los artistas. Tienen todas las posibilidades y los riesgos para correr por que no es todavía tan opresiva la presión del mercado en Chile. En mi experiencia, las limitaciones dan frutos más creativos.

Los días 3, 4 y 5 de octubre todo público puede visitar Ch.ACO y participar de las restantes 9 mesas de conversación –las que no son exclusivamente para los días de profesionales. Estos conversatorios se referirán al mercado de los contenidos (plataformas de información de arte, editoriales y critica) y el mercado de las instituciones (museos, bienales, colecciones y fundaciones) además de la charla magistral que va a dar, el domingo 5, el destacado artista visual chileno Iván Navarro quien relatará su práctica dentro de este sistema internacional, desde su experiencia en Nueva York.

Creo que las galerías chilenas, cada vez más, están haciendo un esfuerzo por asistir a eventos internacionales y así también se están equiparando con otras localidades en el mundo del arte. Pero lo más importante, me parece, es que el proceso de diversificación (en este caso regional) parece estar yendo de la mano de los temas de identidad, género, raza, etc”.

FLORENCIA SAN MARTÍN (Chile), curadora independiente en NY.

[Para integrarse al mercado de arte internacional] ayuda tener un mercado local fuerte, para promover el intercambio (de obras o artistas) con otras galerías. Para Chile creo que tiene sentido reforzar su posición en el resto de Latinoamérica, como hay ferias establecidas en Argentina, Colombia, México y Brasil, y de ahí poder amplificar al resto del mundo”.

IAN COFRÉ (Chile), curador independiente en NY.

El arte intensifica la vida, y creo que es una afirmación válida en cualquier contexto. Pero también abre nuevos caminos para la investigación, es un laboratorio político e intelectual. Yo diría que también es crucial, no promover el arte de ciertas maneras: como mero ‘lujo’, por ejemplo, o como una ‘buena inversión’ para los especuladores”.

MANUEL CIRAUQUÍ (España), curador de la Dia Art Foundation, NY.

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artículo

Mercado online

ARTE PARA TODOS La venta de arte a través de la web se ha consolidado en el mundo ofreciendo al público la posibilidad de encontrar piezas magníficas que pueden hacerlas suyas con un click y, además, brindando a los artistas una nueva ventana para participar del mercado internacional.

Por Emilia Benítez Silva.

Ilustración Clara García.

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u

na hora al doctor, un pasaje de avión, un libro, un auto, instituciones culturales de todo el mundo”, declaran en su página. unos zapatos, un masaje. Así de amplia es la gama de En Alemania, artnet.com se impuso como uno de los principales productos que se puede adquirir con un sólo click. Y es espacios de transacciones artísticas. Más de 18.000 compradores que Internet ha cambiado nuestras vidas de manera irreversible, y vendedores de diferentes países interactúan en este portal. Por se ha convertido en una herramienta que –si sabemos sacarle su parte, la galería inglesa Saatchi continua con su objetivo de promover nuevos talentos, vendiendo provecho– nos permite hacer cosas obras de una manera más fácil y con las que hace algunos años sólo Los portales que venden arte conveniente, tanto para artistas como para habríamos soñado. Prácticamente no es una opción quedarse abajo del tren por internet logran incentivar compradores. En Chile, arteallimite.com de la tecnología; de hecho, hay más de a la gente a involucrarse con el se suma a esta lista, ofreciendo al público excelentes obras de arte de destacados un trámite que sólo se puede realizar arte y, por supuesto, a comprar artistas que participan de la galería virtual de manera virtual, y otros claramente son más convenientes de hacer a través de manera segura, certificando de Arte Al Límite –como Tito Calderón, María Inés Rivera y Katarina Abovic– de una pantalla. autenticidad de las obras. certificando de esta forma autenticidad y calidad, además de la posibilidad de El arte no se queda atrás. La venta de obras plásticas se consolidó en agosto del año pasado cuando adquirir obras a precios alcanzables para todo el mundo.

Amazon lanzó su portal de ventas de arte con más de 40 mil piezas originales. El gigante de las ventas online se asoció con Es que Internet democratiza. La música, la literatura, el cine, 150 galerías de arte y entre las obras a la venta se pueden las comunicaciones y ahora el arte están al alcance de todos. encontrar trabajos de Joan Miró, Damien Hirst y Andy Warhol. “Una persona que desde su casa puede ver una exposición Pero la idea no es nueva y existen muchas páginas, previas a virtual y más encima la puede comprar por Internet, da una facilidad inmensa”, manifiesta Denise Ratinoff, Amazon, a través de las cuales se puede adquirir arte. representante en Chile de la importante casa de subastas Estas plataformas se plantean como excelentes posibilidades Christie’s. “Es un network, una red de comunicación que es para transmitir, comunicar e incentivar a la gente a involucrarse más rápida y eficiente.” La web permite abarcar diferentes con el arte y, por supuesto, a comprar. La web estadounidense públicos, atrayendo desde renombrados coleccionistas hasta artspace.com ofrece variadas alternativas de obras, con diferentes compradores primerizos, interesando a los expertos en arte precios. “Es nuestra misión hacer que sea fácil para usted descubrir y también a los principiantes, logrando así que el arte esté y recoger obras de arte de reconocidos artistas, galerías e cada día más presente en nuestras vidas.

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EXPOSICIÓN DESTACADA

erwin olaf

EL IMPERIO DE LA ILUSIÓN El MAC de Quinta Normal albergará hasta noviembre la exposición del fotógrafo holandés, basada en las grandes narrativas modernas y el fracaso de las estructuras que sostienen la sociedad actual. Según su curador, Paco Barragán: “Erwin Olaf es un rompedor”.

Por Fabio Neri San Román.

Imágenes cortesía del MAC.

l

a gente anda desorientada y las estructuras en las que antes se sostenía, hoy han fracasado. La sociedad vive bajo las órdenes de un imperio, un imperio consumido, un imperio abstracto y ubicuo, un imperio que ha dejado al sujeto en un estado de desolador abandono. El fotógrafo holandés, Erwin Olaf, trae a Chile su muestra Erwin Olaf: El imperio de la ilusión, la cual nos sitúa con explícita sutileza en un escenario distópico, en un aparente futuro en el que los miedos más terribles del ser humano se han hecho realidad. O peor aún: un escenario que, efectivamente, es más presente que futuro. “Esta sociedad te dice que si no logras algo es culpa tuya, no del sistema, con lo cual nos convertimos en los peores enemigos de nosotros mismos”, explica Paco Barragán, curador de la exhibición montada en el MAC de Quinta Normal, que estará abierta hasta el 9 de noviembre.

Una serie de fotografías y videos distribuidos en el segundo piso del museo van desplegando, como un mapa, los conceptos que Barragán concibió al momento de seleccionar las obras de Olaf.

De hecho, plantea el recorrido en función de esas estructuras que en algún momento fueron, indiscutiblemente, el sostén del hombre: la familia, la política y el sujeto, y la escuela. “Referencian las estructuras sociales, políticas, y morales que han vehiculado nuestro mundo desde la modernidad y que, en la actualidad, se hallan en pleno proceso de cuestionamiento y revisión”, explica.

Gracias a un trabajo plagado de detalles, en el que salta a la vista la extrema minuciosidad de Olaf, el espectador es capaz de entrometerse en la intimidad de los sujetos retratados, entrar en la habitación de la serie Hotel o espantarse con las cirugías estéticas del video Le Dernier Cri; ver, en definitiva, como si se tratara de un espejo, sus propias vidas reflejadas y atrapadas en ese imperio que envuelve a todos. “A mí me interesa más esta faceta de lo íntimo, porque lo íntimo, al final, es un reflejo de cómo la sociedad y los efectos se reflejan sobre nosotros”, dice Barragán.

Erwin Olaf ha cultivado una admirable trayectoria como publicista y fotógrafo, desarrollando series vinculadas, en su primera etapa, a aspectos más reivindicativos como la violencia, el sexo, la

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homosexualidad y la moda –correspondiente a obras hechas entre 1993 y 2003–, y luego, en su segunda etapa, al sujeto, la estética, las estructuras y las narrativas –cuyo resultado el curador español está montando hoy en Chile, correspondiente al periodo entre 2003 y 2014. En esta ocasión, sin embargo, la novedad son los videos: breves fragmentos audiovisuales a través de los cuales Olaf va contando historias. “Se puso a filmar porque todos los videos de arte los consideraba pésimos”, explica Barragán. Escenarios armados, en ambos casos –foto y video–, con personajes/actores puestos en situaciones construidas con deliberada maestría, van configurando una representación de la realidad actual: “Cual privilegiados voyeurs –escribe Barragán en la presentación de la exposición–, Olaf nos embarca en un fascinante viaje que nos lleva a espacios privados como el hogar (Separation, Rain, Annoyed, Keyhole, Grief, Dusk & Dawn) y la ducha (Wet), o semi–privados como el interior de la clase de un colegio (Hope), o la logia de unos francmasones (Berlin)”.

Pese a que el trabajo curatorial estuvo completamente en manos de Barragán –quien incluso contribuyó con textos de su autoría al ingreso de cada una de las salas–, Olaf siempre estuvo al tanto de las decisiones, pese a ratificar desde un principio que no vendría a Chile. “Esta es la primera parada de Erwin Olaf: el imperio de la ilusión, luego itinerará por Latinoamérica, y esperamos incluso llevarla a Europa. Tal vez Erwin asista a alguno de los lugares”, dice Barragán. Las expectativas son altas, sobre todo porque, según el curador, “aquí el espacio es fantástico, está quedando de miedo”, y porque también, e inexplicablemente, Chile es un país donde la aceptación de Olaf va en aumento. “Por lo que me han dicho, Erwin tiene un grupo de fans impresionantes acá, no sé de dónde vienen, pero es la verdad”, concluye.

EL IMPERIO DE LA ILUSIÓN FECHA: Hasta el 9 de noviembre LUGAR: MAC Quinta Normal DIRECCIÓN: Av. Matucana 464, Quinta Normal

"Agujero de cerradura 1", de la serie Keyhole, 2011, fotografĂ­a.

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perfil arte Pasan los años y Carolina Rodríguez tiene certeza absoluta de que eligió bien su oficio. A temprana edad ya estaba inmersa en el mundo del arte, siendo siempre para ella una forma de vida. Sus padres eran coleccionistas y la integraron a ese mundo, donde las visitas a anticuarios, remates y museos eran parte de su infancia.

carolina rodríguez RESCATE DE ANTAÑO Por Bernardita Garib.

• Ascendencia Nº3, 2013, encaustica sobre tela, 120 x 140 cm.

Estudió arte en la Finis Terrae, y a poco andar entendió que la pintura era la disciplina que más la identificaba. “El destino me hizo pintora”, confiesa. La obra de la artista muestra un marcado interés por entender y rescatar el pasado. Con el fin de innovar y en una incesante búsqueda de algún medio que la identifique, hace varios años descubrió el encausto, técnica usada por los griegos donde el aglutinante es la cera. Prácticamente la trabaja en exclusividad, aunque a ratos incorpora el acrílico. También es restauradora, y en contacto permanente con la historia detrás de las obras, logra rescatarlas y darles vida. En su trabajo pictórico, Carova está concentrada en la recolección de fotos de ella y sus antepasados. Las imágenes, intervenidas por medios gráficos, sirven de inspiración a sus pinturas, trabajadas principalmente a través del gesto espontáneo y la mancha. “El tema central ahora es una técnica que consiste en que, a través de las manchas, logras crear una imagen, si miras de lejos. De cerca no se entiende la imagen”, explica. Por ahora no hay exposiciones en proyecto e imparte clases en el taller Carova.

http://www.arteallimite.com/artistas/carova

pauline cristi DIÁLOGO CON EL COLOR Y LA TEXTURA Por Soledad Cabello.

De su padre arquitecto heredó su interés visual y estético tempranamente, con el uso de temperas, dibujos, manualidades e ilustraciones. Posteriormente estudió Diseño Gráfico, donde la marcó el aprendizaje del color. Se familiarizó con diferentes técnicas de pintura y se fascinó con el óleo, con el cual logró innovar y generar gran variedad de efectos, con notable fuerza expresiva de colores.

Su propuesta plástica se centra en reflejar la naturaleza, temática en la cual maneja notablemente el color, la luz, la textura, con la adición innovadora de diversos elementos naturales. En su búsqueda artística se encontró con diversas temáticas del mar, especialmente botes y pescadores y, al establecer un diálogo con ellos, pudo conocer sus sentimientos y su mundo interior, que los plasmó en diversas tomas fotográficas de las caletas, principalmente de Concepción y que están muy presentes en sus telas. Fue en esa ciudad donde vivió quince años.

La búsqueda central de su obra es la expresión de sensaciones y estados de ánimos, y le satisface utilizar elementos nuevos como arenas, tierras o restos orgánicos. Actualmente experimenta con resinas y temáticamente desarrolla las series denominadas Botes y Abstracción de la naturaleza, paisajes vivos.

Imponente, 2014, óleo sobre tela, 140 x 110 cm.

http://www.arteallimite.com/artistas/pauline-cristi 34

Acaba de terminar una exposición colectiva en Bellavista, y ha expuesto sus trabajos en galerías nacionales y también en Nueva York. Tiene un proyecto para salir nuevamente de Chile con sus obras. En su taller, ubicado en Lo Barnechea, prepara sus próximas exposiciones, coordina visitas y realiza sus ventas, además de talleres de óleo con distintos profesores.

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carolina busquets ENCONTRANDO LA FELICIDAD TRAS EL PINCEL Por Carolina Bravo.

La figura humana, la naturaleza y el movimiento son algunos de los elementos que componen la obra de esta artista. Su pintura es figurativa, aunque no realista y con algunos elementos de abstracción, en la que recrea universos que nos sacan del cotidiano.

Para Carolina el arte siempre ha sido un escape y un espacio para la espiritualidad. “Me interesa la dimensión terapéutica de la expresión artística y, en lo posible, intento transmitir algo del placer y la felicidad que me produce a mí el proceso de creación”, dice.

• El Despertar del Buho, 2014, técnica mixta sobre tela, 130 x 80 cm.

Toda esta aventura en las artes partió en su infancia. Hija de madre pintora y criada entre telas y pinceles no podía ser de otra manera, tomando además clases de acuarela y pastel en la Corporación Cultural de Las Condes. Y, aunque en un principio optó por el camino convencional, graduándose de Ingeniería Comercial, luego decidió hacer caso a su pasión y estudiar en la Escuela de Arte de la Universidad Católica, continuando más tarde estudios en Estados Unidos.

Su trabajo es parte de un proceso reflexivo sobre la vida y el mundo actual. “Siempre hace falta más belleza, tranquilidad y felicidad en este mundo en que vivimos, donde estamos siempre corriendo e intentando alcanzar metas y objetivos que, por su mera imposición, nos hacen alejarnos de la felicidad. La inspiración está en todas partes. La naturaleza, una buena canción, un poema, un libro o una coreografía de danza que me llama la atención, cualquiera de estas cosas me impulsa a pintar”, explica.

Tras cerrar en septiembre la muestra Heroicas, exhibida en el Museo Histórico y Militar de Chile, en la cual se presentó, además, una serie de biografías femeninas de 34 chilenas –siendo la suya una obra sobre la escritora Amanda Labarca–, hoy se prepara para participar, desde el 4 al 25 de octubre, con una proyección digital de su obra Travesía VIII en el proyecto internacional de arte postal y digital Pagine Visuali-Libro D’artist para el cual artistas de todo el mundo enviaron sus libros de arte y/o arte digital, para ser proyectados en edificios y arquitectura de la comuna de Quilano, en Italia.

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ferias

Arte en Colombia

BOGOTÁ: ¿NUEVA CAPITAL SUDAMERICANA DEL ARTE? Desde el 23 al 28 de octubre la capital de Colombia será la sede de tres importantes ferias de arte: la consagrada ArtBo celebrará su décima edición acompañada de la cuarta versión de Odeón y del debut de BARCU. Por Emilia Benítez Silva.

Imágenes cortesía de BARCU.

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as más importantes ferias de arte en el mundo –como Art Basel o The Armory Show– siempre son acompañadas de eventos paralelos relacionados con el arte, como las llamadas ferias satélite que se efectúan logrando atraer a miles de visitantes. Así es como Basilea, Miami, Nueva York y Hong Kong se han ido consolidando como las capitales del arte en el mundo, concentrando en determinadas fechas y lugares ferias y eventos de calibre internacional.

Este mes Arte Al Límite participará en las tres importantes ferias que se llevarán a cabo simultáneamente en Bogotá, posicionando a la ciudad colombiana como la capital del arte en Latinoamérica.

pretende resaltar el arte público y las intervenciones urbanas.

La feria reunirá 16 galerías de Colombia y el mundo con las asombrosas propuestas de arte contemporáneo, las muestras de las galerías serán acompañadas de dos project wall y tres intervenciones artísticas. “Con la feria impulsamos a galerías y proyectos independientes que están iniciando su trayectoria, para que puedan vincularse directamente en el circuito de mercado del arte latinoamericano. La feria es para este tipo de proyectos una de las primeras ventanas de proyección internacional”, explica Ximena Gama, Gerente de artes plásticas y curadora del Espacio Odeón BARCU

ArtBo La décima edición de la destacada feria ArtBo se llevará a cabo entre el 24 y el 27 de octubre. Artistas, coleccionistas, expertos y aficionados se reunirán en la feria más reconocida de Colombia que celebra su centenario, consolidándose como una plataforma cuyo objetivo es promover el talento, la creatividad, el intercambio y la apreciación artística. “ArtBo es reconocida como la feria de mejor calidad de América Latina, no solamente por su crecimiento, por su impacto, sino también por la manera en que cada vez más visitantes internacionales vienen a la feria.

Pero en particular, por su rigurosa selección y por reunir lo mejor del arte de Colombia, Latinoamérica y el mundo”, declaró María Paz Gaviria, directora de ArtBo, en la presentación oficial de la feria. Este año la propuesta promete una muestra de excelente calidad con 66 galerías que vienen de 29 países diferentes. Destacamos la participación de la galería argentina Del Infinito, la galería peruana Lucía de la Puente, el espacio colombiano LA Galería y la representante chilena Galería Isabel Aninat que llevará las obras de Pedro Tyler, Mónica Bengoa, Lotty Rosenfeld, Voluspa Jarpa y Paula de Solminihac.

Odeón Del 23 al 26 de octubre se realizará por cuarto año consecutivo la Feria de Arte Contemporáneo Odeón que en esta edición

El circuito de casas La Candelaria, en el centro histórico de Bogotá, hospedará la primera edición de Bogotá Arte y Cultura (BARCU) que nace con la intención de generar escenarios que entren en sintonía con las nuevas dinámicas del mundo contemporáneo, ofreciendo a sus visitantes una mirada cercana a expresiones de cultura tanto de artes plásticas como de cine, música, teatro y literatura. “La feria entrará en un proceso de reactivación como eje fundamental de cultura para la ciudad y sus visitantes”, asegura el director de la feria, Christopher Paschall. BARCU tendrá lugar entre el 23 y el 28 de octubre, atrayendo a un público diverso e internacional interesado en las actividades culturales y la compra de arte.

Además de asistir a las tres importantes ferias que se llevarán a cabo durante octubre en Bogotá, el publicó tendrá la posibilidad de participar de interesantes actividades artísticas como la Noche en Blanco, que invita al público a pasar la noche en vela para conocer nuevas propuestas artísticas; La Otra Bienal, que dispone intervenciones artísticas en espacios públicos acompañadas de talleres, conferencias y ciclos de arte; y el Premio Luis Caballero por el cual 8 destacados artistas intervendrán la ciudad para que así sus visitantes interactúen con el arte. Estos eventos se suman a la lista de razones de por qué Bogotá será el destino del mes durante octubre.

El artista Hugo Lugo estará en BARCU con la Galería Alfredo Ginocchio.

Atender una orden, 2014, óleo y acrílico sobre tela, 150 x 115 cm.

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Ciudad II, 2013, fotografía digital impresa en giclée, 60 x 32 cm.

ARTISTA DESTACADO

Valentina Mendiburo

Por aquí pasó el hombre En el ambiente y la cordillera, que resguarda y protege el perímetro del fin del mundo, se ha tejido una historia en la que se instala el hombre como narrador experimentado. Los efectos de la huella que deja su merodeo surgen entre imágenes: un montaje fotográfico e intervención pictórica. La obra de Valentina Mendiburo ha volteado su mirada hacia el entorno que habitamos desde un punto de vista crítico.

Por Natalia Vidal Toutin.

Imágenes cortesía de la artista.

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uego de su paso por el dibujo, esa hibridez entre humanos y animales que definió la primera parte de su pasión, la artista ha decidido mezclar en collages, la fotografía y la pintura para conseguir los efectos de su nueva serie Paisajes de la memoria. En ella, las capturas fotográficas exhiben los paisajes del norte y sur de nuestro país, de los que de pronto y de manera solapada, emerge la ciudad. “La serie relata de manera visual la relación de la sociedad con el paisaje otorgándole características políticas al relacionarlos con la producción y el sistema de intereses del país”, explica Valentina, remitiendo a cierta nostalgia que arraiga sus pensamientos a la defensa del origen natural de la tierra en que nació.

La búsqueda incansable de esta amalgama se centra en un efecto paradójico y de múltiples estímulos. Los colores resaltan sobre la superficie otorgando, a través de las manchas, un efecto que tiende a tintar la pulcritud de lo inhóspito. El reflejo de grandes edificios o construcciones de concreto emergen sobre reflejos y espejos de agua. La tierra

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y el aire se ocultan en una difusa segunda línea que hay que descubrir al contemplar.

Es la materialidad. Los elementos más clásicos y primitivos del arte matizando esa primera capa de impresiones agudas. “Si nuestros territorios son intervenidos por las empresas y la tecnología, yo puedo introducir algo realizado por un medio tecnológico de manera natural a través de la factura artística tradicional”, arguye la artista, que utiliza en los ribetes de su oficio, la misma trama que narran sus obras y que a ratos parecen gritar.

El resultado es un combate visual y poético. Un embrollo en el que se baten fuerzas opuestas que oprimen para tutelar la guía de los ojos del espectador. Esa disputa incansable y codiciosa se traslada hacia la realidad y hacia el sentido, consiguiendo poner sobre la mesa, la nítida imagen de una pugna presentada entre la verde esperanza de la foresta de sobrevivir al gentío y de ese colectivo que insiste con determinación en llegar hasta el último rincón del planeta anunciando su paso.

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