Periódico Arte Al Límite | Edición 111, diciembre 2014 by Arte al Límite

N° 111

Diciembre 2014 Santiago de Chile Distribución gratuita

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32. Miami: ferias, playas y arte Más de 10 ferias de arte estarán presentes la primera semana de diciembre en Miami, en ellas se mostrará lo mejor del arte contemporáneo, incluyendo a curadores, artistas y miles de visitantes.

06.

El nuevo aliado del arte

Artistas, museos y galerías, se vinculan con la tecnología, convirtiéndola en una herramienta importante para el contacto con visitantes.

12.

El jardín de las delicias

El Bosco, en un cuadro, plasmó las conductas que condenarán al hombre para siempre: el jardín del edén, las delicias terrenales y el infierno.

18.

Absolutamente Warhol

En una de sus obras, Andy Warhol, plasmó una idea que, en la actualidad, ha logrado generar un vínculo entre el arte y las empresas.

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editorial

Reproducción y arte

as imágenes en serie son una forma de arte que se viene gestando desde la historia clásica, romanos y griegos ya sabían cómo crear copias, sin embargo, no fue hasta la Edad Media, y posteriormente con la creación de la imprenta que esta técnica se hace masiva.

DIRECTORES Ana María Matthei Ricardo Duch ASESOR COMERCIAL Cristóbal Duch DIRECTORA DE ARTE Catalina Papic PROYECTOS CULTURALES Camila Duch EDITORA GENERAL Kristell Pfeifer EDITORA Elisa Massardo DISEÑADORAS Javiera de la Fuente Ximena Paiva PERIODISTAS Fabio Neri MARKETING Josefa Del Río COMMUNITY MANAGER Camila Mellado AUDIOVISUAL Davide Mancini PRÁCTICA Simón Badilla CRÍTICO Ernesto Muñoz

No obstante, la crítica hacia la reproducción artística no se hace latente hasta la invención de la fotografía, del cine, de la televisión, momento en que el mundo se vio inmerso en una serie reproducciones que iban más allá de las obras de arte. Es aquí, cuando muchos teóricos se cuestionaron el rol de la reproducción, el rol del arte dentro de esta nueva forma y cómo ambos podían convivir. Quizás, una gran respuesta podríamos encontrarla en Andy Warhol, por ejemplo, quien utilizó la serialidad para gran parte de sus obras, y retomando la pintura fue capaz de irrumpir en el mundo del arte con imágenes repetidas tantas veces como fuera posible. Reflejando la sociedad de consumo que estaba recién comenzando, criticándola y haciendo tanto de ella, como del arte y la reproducción una sola forma de arte. Pero este artista no es el único, actualmente la tecnología se encarga de mostrarnos la reproducción una infinidad de veces, esta vez no solo vinculada al arte, sino a todo lo que tenemos acceso. La tecnología así se hace patente, toma fuerza y ampara al arte consigo, sin alejarla ni separarla de su rol. El reportaje central de esta edición nos muestra cómo han podido asociarse dos formas que un siglo atrás eran impensadas, y cómo se le puede dar valor. Sin embargo, hay un sentido que la tecnología no puede romper aún, y es que la mayor parte del mundo sigue valorando apreciar una obra en vivo. Es por eso que el arte viaja, las obras recorren el mundo, llegan a nuestro país por meses y luego retoman su curso. Es por esto, que grandes ferias reúnen a artistas, pues más allá del mercado y la necesidad de compra de algunos coleccionistas; hay críticos, curadores y expertos que aún gozan de conocer al pintor, al artista, que aún gozan de una buena conversación y de mirar el detalle de cada obra, de cerca, interiorizándose con cada pincelada, con cada error, con toda su perfección.

ASESORES Benjamín Duch Jorge Azócar Ignacio del Solar Julio Sapollnik

Definiciones contradictorias, cosas comunes. El arte y la tecnología, el arte y las reproducciones infinitas ya no han de ser un tema central en el debate, han logrado diálogos, mientras preservan lo esencial. El mundo puede dejar tranquilos a los teóricos que reaccionaron a mediado de siglo XX, exponiendo que para todo hay sitio y lugar.

COLABORADORES Emilia Benítez Lucía Rey Carolina Bravo Soledad Cabello

Ferias, celulares, aplicaciones y un mundo lleno de reproducciones, pero con arte que sigue siendo real, un arte que en diciembre repleta las calles de Miami para mostrarse al mundo, para re-presentarse a sí misma y lograr, que los críticos y teóricos actuales, la valoren. * Fe de erratas: En la edición pasada del periódico (N°110), el reportaje que por error fue publicado sin autor, “Street Art: el arte del futuro”, fue reporteado y escrito por el periodista Fabio Neri San Román.

SUMARIO

06 | Reportaje: El nuevo aliado del arte: El teléfono celular

12 | Mirar la historia 06 14 | Artista emergente: Elizabeth Cueto

16 | En el taller: Cecilia Fernández 14 18 | Reportaje: Absolutamente Warhol

22 | Actualidad: Latinoamérica al Límite 25

25 | Artista destacado: Paula Rubio

26 | Panoramas

30 | Crítica

32 | Ferias

38 | Perfilarte

REPRESENTANTE LEGAL Orlando Calderón F. | VENTAS info@arteallimite.com | SUSCRIPCIÓN suscripciones@arteallimite.com | FONO-FAX 2955 3261 WEB www.arteallimite.com | FACEBOOK facebook.com/arteallimite2 | TWITTER @Arte_Al_Limite | INSTAGRAM @arte_allimite PORTADA Allison Janae Hamilton - Rush Arts Gallery, Tell Me No Tales II, 2014, fotografía. Cortesía Scope Miami. IMPRENTA Maval Editora e Imprenta, Santiago, Chile.

Las opiniones vertidas en este medio son de exclusiva responsabilidad de quienes las emiten.

SALA DE ARTE CCU

PRESENTA BECA ARTE CCU 2013

FRENO Y ACELERACIÓN Raimundo Edwards

Una serie de objetos encontrados en el área urbana son intervenidos con materiales industriales, apropiándose del suelo y muros de la Sala de Arte CCU. 11 de diciembre al 30 de diciembre Av. Vitacura 2680 Lunes a viernes de 10:00 a 18:30 hrs. www.ccuenelarte.cl

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VIVAMOS BIEN

Proyecto acogido a la Ley de Donaciones Culturales (Ley Valdés)

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REPORTAJE

EL NUEVO ALIADO DEL ARTE: EL TELÉFONO CELULAR Los teléfonos inteligentes o Smartphones han venido a revolucionar nuestra vida, y el arte. La forma en que lo entendemos, realizamos y difundimos se ha visto alterada y a pesar de las reticencias que existen en algunos sectores, no son pocos los que han convertido a los celulares en la herramienta clave de su labor.

Por Camila Mellado. Colaborador Ian Coronado (Perú). Fotos cortesía de PlayOnTag y Ramiro Llona. Ilustración Ximena Paiva.

l siglo XXI es sin duda el siglo de la información y sus suerte de desestabilización del campo fotográfico. La fotografía tecnologías. Hoy más que nunca el flujo y la velocidad en parece convertirse un movimiento artístico híbrido, compuesto que esta se mueve es imparable, sobre todo desde que, tanto de amateurs como profesionales¹. prácticamente, cada ciudadano cuenta con Mientras algunos artistas y críticos una central portátil de emisión y acopio: los "En Instagram y de ahí al Facebook, insisten en separar y diferenciar los Smartphones. En ellos podemos encontrar si tú te interesas en alguien y eres márgenes entre estas dos categorías, desde aplicaciones para medir nuestro ritmo cardiaco, ver el clima o encontrar seguidor de alguien, es porque te en base a la técnica y las plataformas en que estos se mueven, otros abrazan pareja, hasta sofisticadas cámaras para interesa lo que esa persona ve, la las nuevas tecnologías explorando sus obtener fotografías instantáneas, o sensibles forma en que ve y ese concepto límites y posibilidades. Es el caso del programas para afinar instrumentos destacado pintor peruano Ramiro Llona, musicales. Pero, ¿cómo afectan e influyen me parece alucinante", quien a sus 67 años, se define a sí mismo estas pequeñas centrales tecnológicas al dice Ramiro Llona. como tech y fiel usuario de Apple. arte, a su ejercicio y difusión? La reinvención de la fotografía La fotografía es una de las áreas que ha cambiado con mayor rapidez, tanto en la forma en que las imágenes se registran, como en los nuevos usos que estas tienen. Todo parte con la combinación del teléfono portátil y la cámara fotográfica, para pasar luego a los programas de edición y las redes sociales, después a las aplicaciones especializadas en realizar ambas funciones, como Instagram. Esta nueva tecnología trae consigo nuevos paradigmas, que a su vez se sustentan en principios claramente difundidos, de los que podemos destacar dos: el uso de aplicaciones y un componente de intercambio, de exhibición implícito. Se suma a estos una

En el marco de este gusto por la tecnología, Llona realizó la exposición Barranco a pie, que reúne 600 fotografías tomadas con su IPhone en el barrio limeño de Barranco, y que incluyó la publicación de un libro homónimo. Ramiro Llona, quien siempre ha sido asiduo de los paseos a pie y la fotografía, llegó a este proyecto por casualidad. “Estaba la cosa del IPhone y la cosa del Instagram”, explica el artista. “Mientras iba caminando por Barranco, muy temprano, tomaba una foto, la colgaba de inmediato en Instagram y comenzaba a recibir respuestas. De pronto me di cuenta que había gente que iba siguiendo esto todos los días. En Instagram y de ahí al Facebook, si tú te interesas en alguien y eres seguidor de alguien, es porque te interesa lo que esa persona ve, la forma en que ve y ese concepto me parece alucinante”. ¹ La fotografía digital como una estética sociotécnica: el caso de la Iphonografía, de Edgar Cruz en AISTHESIS N 52.

Marilyn (1964) Andy Warhol, de Museo Artequín. Gentileza de PlayOnTag.

A partir de esta difusión y masificación espontánea de sus imágenes a través de la web y del buen recibimiento que estas tuvieron, Llona recibió el ofrecimiento de elaborar un libro con las capturas y, posteriormente, una exposición en el Museo de Arte Contemporáneo en Barranco, Lima, la que se concretó en 2013. Respecto al sentido y al porqué de la muestra, Ramiro se acerca mucho al sentir del usuario estándar de este tipo de tecnologías, quienes más que preservar un momento comparten instantes, un ahora y los que no conciben su accionar como una forma de dejar testimonio. Si la fotografía de Llona ha de diferenciarse por algo de la de un usuario amateur, es sin duda por el aporte que significa su ojo entrenado por años de práctica fotográfica y artística, no por las herramientas o la intencionalidad de esta. “Yo soy una persona a la que le gusta caminar mucho. He caminado toda mi vida y soy una persona muy observadora, todo el tiempo estoy mirando: la calle; las personas, como se visten; las ventanas abiertas, las ventanas cerradas; las texturas. Y de repente hay cosas que te llaman la atención más que otras, miras como si tu mirada estuviera encuadrada en un marco fotográfico”, afirma, explicando su forma de trabajar: “Y si tienes una cámara permanente en el bolsillo, como es el IPhone, vas a querer registrar eso, es como un segundo paso”, concluye.

A propósito del celo profesional que existe en torno a la IPhonografía, se lo toma con humor: “si me dijeran ‘han inventado una máquina que pinta cuadros’ no sé si tendría el mismo recelo que tienen los fotógrafos”, bromea. La IPhonografía y el uso de IPhones y tabletas, para el ejercicio artístico, es una tendencia en desarrollo. Hace unos años David Hockney, de 77 años, montó una exposición completa con obras pintadas con su IPhone y IPad. Además, existen destacados concursos de IPhonografía y galerías especializadas en difundir y comercializar este tipo de trabajo en la web, para un mercado creciente de consumidores. En Chile, mientras tanto, si bien ampliamente la IPhonografía no está validada como arte al nivel de la fotografía tradicional, ya se ven buenos signos al respecto. Uno de estos es el hecho de que en noviembre el Colectivo XII realizó la exposición “Ciudad iGnorada”, en la cual se expusieron fotografías tomadas de la cuenta de Instagram de 12 usuarios nacionales, muestra sin precedentes en nuestro país. En cuanto a las herramientas, una vez considerado el dispositivo móvil, los software y aplicaciones son mayoritariamente gratuitos y están disponibles para descarga inmediata desde Internet.

Parte de la exposición Barrando a Pie de Ramiro Llona.

Arte en tu teléfono Además del aporte que los Smartphones tienen en el ejercicio artístico, también son de mucha utilidad para los gestores culturales y los propios consumidores de arte, los que pueden descargar sin costo útiles aplicaciones. Galerías online; colecciones completas de artistas para revisar en el celular; guías para aprender a dibujar, realizar origami o collage; líneas del tiempo de artistas o movimientos artísticos y otras tantas se ofrecen en App Store y Google Play de manera gratuita. Los museos también han aprovechado esta contingencia y son decenas los que han puesto a disposición de sus visitantes guías interactivas para conocer sus colecciones, realizar visitas virtuales o recorrer el museo en compañía de guías virtuales o audioguías. De esta manera, la experiencia se personaliza y adapta a los ritmos e intereses de cada visitante. El Louvre, el Museo Thyssen, El Museo Reina Sofía, el MoMA, el Museo Guggenheim y la Galería Tate son algunos de los que cuentan con aplicaciones completas, que permiten desde comprar suvenires en las tiendas de regalos hasta armar recorridos y obtener más información sobre los cuadros en exposición.

En Chile este campo no está tan desarrollado, sobre todo en los museos de arte. En ese sentido, los creadores de PlayOnTag son pioneros. Esta es una aplicación (App), chilena de descarga e implementación gratuita, que permite acceder a audioguías, imágenes e información en general de las obras y museos, a través del escaneo de códigos QR (matriz de puntos que permite descargar información en un lector) con Smartphone. Daniel Basterrica, el director ejecutivo de PlayOnTag, cree que la ventaja de este tipo de software es que “una aplicación te permite entregar más información, a diferencia de una página web. Cuando tú estás en el museo quieres disfrutar la visita, las Apps de este tipo están diseñadas pensado en alguien que ya está en el museo o galería”, es decir, apuntan directamente a enriquecer la experiencia del usuario. Además, en el caso de PlayOnTag, la aplicación sirve para conocer otros museos, galerías y centros culturales, puesto que una vez en ella tienes la posibilidad de explorar distintas muestras, a través de su página principal. Actualmente, se pueden encontrar exposiciones y audioguías del Museo Fonck (Viña del Mar), del Centro Cultural La Moneda, el Museo Artequín, el Museo Ralli Santiago y el Espacio Fundación Telefónica, entre otros, aunque sus creadores ya

El Museo Ralli implementó recientemente los códigos QR en gran parte de sus esculturas.

se encuentran trabajando en nuevos acuerdos, tanto en Chile como en el extranjero.

colores, forma y estructura de la obra, si no que te haces partícipe de la obra. Descargas el código, lo pinchas y recibes información”.

Sobre el proceso de creación e implementación, Basterrica comenta Sin embargo, Francisca cree que una de las principales ventajas de la “partimos con un piloto para el museo Fonck, y luego vimos que App es su fin pedagógico: “es lo que tú puedes descargar directamente otros museos también lo necesitaban, desde la aplicación: puedes tener información del artista, hay imágenes pero tenían problemas de presupuesto. "No solo te metes en la obra en el sentido de las obras y además se entrega Entonces pensamos en una solución de lo que percibes, de lo que observas: información sobre las obras de ese estándar que pudieran usar”. Luego de eso se adjudicaron un Capital Semilla y mismo artista que están en otros museos colores, forma y estructura de la obra, comenzaron la difusión. Ralli: ubicados en España, en Israel y en si no que te haces partícipe de la obra. Uruguay”. De esta forma, la aplicación Descargas el código, lo pinchas y recibes Los encargados del Museo Ralli, permite a los usuarios conectarse con q u i e n e s h a n i m p l e m e n t ad o museos y obras en otros lugares del información", Fransisca Yaksic. mundo y acceder a la información de recientemente los códigos en parte de ellas con la misma facilidad con la que su obra, se muestran conformes con los resultados. “Hemos comprobado que descargando la aplicación acceden a la información de las obras expuestas en Chile. y haciendo uso de los códigos los niños se interesan mucho más. Hay mayor interacción, mayor participación”, relata Francisca Yaksic, “Es como en todo orden de cosas, si tú no te mantienes actualizado, encargada de comunicaciones del museo, y destaca la importancia y si no entregas las herramientas, al final te vas quedando atrás” del enriquecimiento de la experiencia de los visitantes: “Tienes una reflexiona, “si existen los celulares aprovechémoslo. La tecnología mayor interacción, no estás pasivamente recorriendo los pasillos y te da un abanico tan grande de posibilidades, que cuando uno lo mirando los cuadros. Tienes una interacción en la que tú no solo te usa bien, en su propio beneficio y en el del público, yo creo que es metes en la obra en el sentido de lo que percibes, de lo que observas: bienvenido siempre”, concluye.

uc Domingo 14 de diciembre 11 a 19 hrs. ENTRADA LIBERADA Centro de Extensi贸n UC. Alameda 390, Stgo. artesvisuales@uc.cl | bazart.uc.cl S铆guenos

Asociaci贸n de Ex Alumnos UC, funcionarios UC, socios Club de Lectores de El Mercurio

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MIRAR LA HISTORIA

EL JARDÍN DE LAS DELICIAS, DE EL BOSCO Dueño de una de las mentes más imaginativas de su era , el pintor nos traslada a un mundo colorido y atractivo que refleja las conductas que, ante sus ojos, condenarán al hombre para siempre. Por Kristell Pfeifer. Imágenes cortesía de Wikimedia Commons.

antásticas figuras surgen de la imaginación de Hieronymus Bosch, más conocido como El Bosco. Formas grotescas, situaciones increíbles y escenas incluso surrealistas pueblan los lienzos que, más de 500 años después, no dejan de sorprender y desconcertar a los espectadores. Poco se sabe de su vida y esta falta de certezas llevó en algún momento a relacionar su obra con la brujería, pese a que la historia reciente sugiere que El Bosco fue un cristiano devoto y respetado. Probablemente esa misma devoción es la que lo llevó a trabajar tan fervientemente en torno al pecado y las conductas que salvan o condenan a la humanidad. El jardín de las delicias es una de sus obras más reconocidas y también una de las más desconcertantes. Dividida en tres grandes piezas de madera articuladas por bisagras, muestra en su interior un paraíso repleto de personajes, que por sus conductas se dirigen directo al infierno. El lado izquierdo del tríptico representa el Jardín del Edén, el centro al Jardín de las delicias terrenales y el lado derecho representa el Infierno.

En el Edén podemos ver a Adán y Eva en el momento en que Dios los presenta, escena bastante atípica ya que comúnmente se priorizaba el momento de la creación de Eva a través de la costilla o la expulsión de ambos del Paraíso. Sobre sus figuras se encuentra la Fuente de la Vida, una estructura mezcla de arquitectura, planta y molusco, donde se posa una lechuza que contempla la escena inferior y que simboliza la sabiduría y la locura. A la derecha se encuentra una palmera con una serpiente, árbol que representa el bien y el mal, que funciona como preludio de lo que sucede en la escena central, cuando Adán y Eva han sido expulsados del Paraíso. La pieza central del tríptico es una sucesión de eventos lujuriosos que, según El Bosco, llevarán a sus protagonistas directo al infierno. La escena es una gran orgía que se descompone en decenas de micro historias, que muestran cómo el hombre ha sucumbido ante el pecado en el mundo terrenal. El pincel creativo y castigador de El Bosco despliega un abanico de personajes donde abunda la lascivia y el libertinaje, creando

El jardín de las delicias es un tríptico pintado por el Bosco hacia el año 1500. Mide 220 x 389 cm. y actualmente se encuentra en el Museo del Prado, Madrid.

escenas fantásticas que sorprenden al espectador. Pese a que la técnica pictórica de El Bosco es propia del Renacimiento, era en que el pintor desarrolló su trabajo, la constante amenaza del infierno y el Dios castigador es una temática que se había desarrollado algunos siglos antes, durante el medioevo. En la composición central son recurrentes las figuras humanas atrapadas en formas fantásticas, similares a frutas y la presencia de plantas, conchas y minerales, lo que podría sugerir cómo el pecado aprisiona al hombre. En la parte inferior se distingue un grupo de desnudos rodeados de cerezas, frambuesas, frutillas y uvas, en una directa alusión a los placeres sexuales. El mundo colorido y atractivo que presenta El Bosco refleja en realidad las conductas que, ante sus ojos, condenarán al hombre para siempre. Finalmente, al lado derecho se encuentra el Infierno, una tierra oscura y sombría que muestra un mundo de innumerables tormentos. Hay múltiples alusiones a instrumentos musicales,

aunque se desconoce por qué El Bosco asocia la música al pecado. La parte superior describe el lugar, un sitio lúgubre dominado por el fuego, mientras en el centro se despliega un mundo de criaturas fantásticas cuyo elemento central es un hombre-árbol, figura en la cual el pintor aprovechó de autorretratarse. La parte inferior es una aglomeración de los pecados en que ha caído el hombre. El lado izquierdo reúne a un grupo de jugadores atormentados, mientras al lado derecho destaca un ser híbrido que devora personas y luego las excreta en un pozo. Más abajo, un cerdo con toca de monja seduce a un hombre, mientras ante ellos se arrodilla una figura surrealista con armadura. Todo en la escena alude a pecados capitales como la lujuria, la gula y la pereza. A primera vista, El jardín de las delicias sorprende por su colorido, movimiento, infinidad de formas y aparente alegría. Una vez que la composición ha atrapado el ojo del observador, El Bosco despliega todo su abanico de metáforas para mostrarnos el pecado en las formas más imaginativas posibles.

ARTISTA EMERGENTE

elizabeth cueto

UNIVERSOS DESCONOCIDOS El trabajo de descubrir sugiere siempre la libertad de explorar, y ese ha sido el compromiso asumido por Elizabeth Cueto: entrar en escenarios desconocidos para luego, a través de su pintura y los personajes con los que ahí tropieza, conducir al espectador hacia su encuentro. Por Fabio Neri San Román. Imágenes cortesía de la artista.

os personajes estaban ahí, latentes, pululando el imaginario de Elizabeth Cueto, pero ella tenía la cabeza en otras cosas como el trabajo de la luz en las naturalezas muertas, o la explosión colorida de los collages. “Tuve una época realista – explica–, me gustaba trabajar la luz. Cuando esa etapa terminó, hice cuadros de gran formato con manchas y collages. De igual forma, y a pesar de estos distintos períodos, hubo algo transversal: siempre traía conmigo cuadernos donde dibujaba personajes inventados en cualquier momento del día”. Esos personajes son los que hoy despliega en sus grabados o a través de acrílico sobre tela: seres deformes, algunos con el tórax abierto, otros con cuerpo de ave, casi todos mirando al espectador como culpándolo de su condición lacerante. Pero no es esa la intención de Elizabeth. Por medio de estas figuras antropomorfas, ella busca el humor, el color, intenta conducir al espectador hacia universos desconocidos. Hacia la sorpresa. “Los personajes surgen de la exploración de la forma a través del dibujo –señala–. Me gusta crear ambientes y escenarios que partan de una base real, de un lugar determinado por el que transité. Allí es donde sitúo a los personajes en distintos conflictos universales: el amor, la muerte, el viaje, la vida, etcétera”. Estudió en la Escuela de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón, en Buenos Aires, y profundizó en diversas técnicas por medio de talleres de pintura y grabado, en Chile y Argentina. Asegura convencida que, durante toda esa marcha, fue el pintor y grabador trasandino Néstor Berllés quien más aportó en su desarrollo artístico y que, en definitiva, su propia trayectoria como proceso creativo se puede resumir en una sumatoria de experiencias. De chica dibujaba en todos los papeles que encontraba, donde fuera, luego encontró en la pintura la forma de responder interrogantes que luego ordenaría a través del grabado. El collage le proporcionaría el humor, el juego y la evocación. Sin embargo, destaca la presencia y la situación de sus personajes: “Siempre se siente en ellos la tensión de estar fuera de escena o frente a una no-pertenencia a ese determinado lugar”, explica.

Los personajes están ahí, presentes, compartiendo el imaginario de Elizabeth Cueto, y ella los va encontrando. Cuando uno le gusta, entonces lo dibuja muchas veces; es su modo de entenderlo, de brindarle una identidad que luego contrastará con el escenario natural en el cual se instale. Es una mezcla entre concepto y consciencia. “Por un lado, muchas imágenes son universales y están guardadas en nuestra consciencia colectiva. Algo del ambiente detona en ti esa imagen heredada y la trae a la luz. Entonces se teje una trama que genera una imagen simbólica y que, más allá de lo evidente, transmite un mensaje abierto y desconocido”, cuenta. Aquí no cabe la inspiración, no entra el azar, sólo la voluntad de desarrollar estos descubrimientos. “Todos los seres humanos tenemos la capacidad de crear, cuando alineas la mente, el corazón y la mano, en sintonía con la naturaleza que es de donde venimos, puedes conectarte con todo y captar ideas muy profundas”, explica. Cuando empieza una tela asume un compromiso y confiesa que trata de trabajar en ella como mínimo tres horas diarias. Cuando no puede hacerlo, prefiere esperar y ocupar su tiempo en trabajos que le demandan menos tiempo como collages que luego pueden servirle como matrices de grabados, o como elementos que secundan a sus personajes. Dependiendo de todo esto, puede demorarse entre un mes o más en terminar uno de sus cuadros. Es un trabajo lento, pero nutritivo. “En la tela se teje un mundo de asociaciones, símbolos, situaciones y, muchas veces, esa obra va revelándote información que te impacta y te sorprende”, dice. Aún no piensa exponer ninguna de sus pinturas. “Siento que no están preparadas”, explica, y agrega que todavía le faltan personajes para terminar la serie. Sin embargo, sus grabados –en cuyo imaginario también están presentes estos extraños seres– los ha mostrado de manera colectiva junto a Carolina Rosson, José María Ibáñez, Alejandro Silva y Carolina Mena. De modo que, por el momento, continuará dando clases de arte para cumplir un objetivo que, desde cierto punto de vista, más parece una causa: “Quiero seguir enseñando a otros lo necesario para recuperar el dibujo como un lenguaje importante al momento de querer expresarnos”.

Amalfitano y Padilla, 2012, acrĂlico, 120 x 150 cm.

FOTO: Tomás Quiroga

en el taller

CECILIA E FERNÁNDEZ Hilos y tramas de un camino interior

Por Lucía Rey Imágenes cortesía del artista.

l taller de Cecilia Fernández está dibujado por desplazamientos cotidianos que trazan un mapa invisible de su obra. Los sectores de su casa funcionan como laboratorios contemplativos de un habitar inmaterial. Existe un espacio dedicado a conservar más de cien tipos de lanas, que dispuestas en un muro cual mural textil, invita a la quietud de la contemplación. En el “espacio taller” dispone de una bodega para guardar materiales y pinturas. Hay también un espacio para obras y materiales que van en camino, con el fin de construir en ellas el sentido artístico buscado en el transcurso de esta ruta cotidiana. Fue formada en la Universidad de Chile, en los años ‘80, en medio de circunstancias históricas dramáticas para nuestro país. En medio del rigor de esa realidad, Fernández se entrega con fuerza al camino de la búsqueda artística. Posteriormente, se encuentra con Francisco González, quien le apoyó en la ruta del pigmento y la superficie, desarrollando la sensibilidad necesaria para vivir en el accionar pictórico como una extensión del propio cuerpo, que requiere de pausas y oxígeno. Cecilia Fernández es independiente en lo creativo, la circulación en el medio no es algo que le preocupe. Esto le facilita la construcción de una estética auténtica, impulsada por procesos y estados reales de creación. De hecho, es imposible ir más allá de un gesto estético

y entrar en el espacio pensativo que sugiere el arte, si el “artista” trabaja fuera de sí, o sea en un afuera que no contempla. Compone con gruesas capas de color, mezcladas con espacios reticulares achurados y dibujados con líneas de carboncillo y lápices de colores, hilos, lanas y elementos orgánicos recolectados en el transcurso. Elabora la veladura del color con empastes múltiples, que contrastan con otros trazos acuosos decantando como gotas transparentes. El motivo pictórico de Cecilia ha sido la figura humana, porque en ella ha encontrado un método para el auto-conocimiento. Trabaja la gestualidad corporal con trazos espatulados que recuerdan la impronta escultórica de Rodin. En estos trazos, dicho motivo artístico (como dijera Cezànne) aparece insinuado, ya que al presentarse la figura como incompleta, empuja al observador a involucrarse, completándola en el acto de la contemplación estética. Este logro es uno de los elementos que hacen que la obra de Fernández sea artística, yendo más allá de un objeto decorativo, pues luego de la inquietud inicial del encuentro con la pintura, emergen una serie de preguntas que van siendo articuladas, acabando la imagen desde un lugar introspectivo. Así, en la composición formal, la línea y el dibujo cobran protagonismo −en los términos del Art Nouveau−, donde su importancia tiene

que ver con el motivo más que con la delimitación tradicional de los cuerpos humanos. Es una herramienta para remarcar un flujo del movimiento que se pretende insinuar. Vale decir, no recalca sólidos rígidos, sino más bien evoca lógicas pensativas de la obra. Las temáticas de Fernández funcionan como señales de ruta de una auto-contemplación. La artista admira en este sentido el trabajo del pintor alemán Anselm Kiefer, quien desde esta contemporaneidad y enfocado inicialmente en el Fluxus, logra encontrarse pictóricamente con la composición artística desde un plano comprometido con los relatos del dolor humano. Cecilia, tiene en común con Kiefer que trabaja mezclando experimentalmente materiales diversos en la superficie, junto con la inquietud en torno a los registros estéticos de melancolías y soledades humanas. La estética de su obra es silenciosa y meditativa. Quien observa el cuadro, sin darse cuenta, queda inmerso en un adentro desconocido. Este ejercicio es el mismo que realiza Cecilia cuando pinta, lo que se ve reflejado en su taller por estar distribuido como un mapa de sí al interior de su casa.

Mira aquí el video de este taller

reportaje

ABSOLUTAMENTE WARHOL En 1986, meses antes de morir, Andy Warhol representó en un cuadro, a través de su particular estilo, una botella de Absolut negra con fondo claro y letras azules, violetas y amarillas. Este año, la marca decidió rendir homenaje al artista lanzando al mercado una edición limitada con el diseño de la obra, para distribuir alrededor del mundo. Chile no fue la excepción: la marca celebró en nuestro país pidiéndoles colaboración a Conty Ragal e Ignacio Cuevas, dos jóvenes artistas que desplegaron su talento con dos obras en homenaje a Warhol. Por Fabio Neri San Román. Imágenes gentileza ALTA.

ndy Warhol murió el 22 de febrero de 1987, a la edad de 58 botella. Hoy, como edición limitada, está en las estanterías de casi años. Su tumba se encuentra junto a la de sus padres en el todos los supermercados del mundo. cementerio San Juan Bautista, en Pensilvania, Estados Unidos, y dependiendo de la temporada, del frío, del calor o de la nostalgia "Andy Warhol fue cautivado por el diseño de la botella de Abde sus admiradores, tiene más o menos latas de sopas Campbell solut. La pintó y luego introdujo a Keith Haring, que hizo otra o botellas de Coca-Cola sobre ella. Seguramente, aquellos que las para Absolut. Warhol, infundió nuestra marca con la creativillevan, las compran en algún local asomado a la Library Road que dad y sentó las bases de nuestra fructífera colaboración con conduce al cementerio y las dejan ahí el mundo del arte. Nuestra colacomo ofrendas. ¿Pero ofrendas para boración con Warhol manifiesta ¿Pero ofrendas para quién? Para Andy quién? Para aquel que las convirtió en nuestra creencia en la creatividad y Warhol, el hombre que terminó por refuerza nuestro compromiso con arte; aquel que terminó por socavar la propiedad intelectual y que revolucionó socavar la propiedad intelectual y que el arte", señaló Nodjame Fouad, a un matrimonio que hacía tiempo Directora de Absolut Vodka. revolucionó a un matrimonio que hacía se debatía entre salir o no del clóset: tiempo se debatía entre salir o no del el arte y el consumismo. Por eso, al Warhol + Absolut + Chile margen de los restos que reposan bajo clóset: el arte y el consumismo. esa lápida sobria que lleva su nombre, Conty Ragal es artista y chilena. el legado de Warhol trasciende su Su vínculo con el Pop fue una de imagen, su cuerpo; y lo que dejó tras de sí –cuadros, videos, fiestas, un las razones por las cuales Absolut la contactó para ser parte del atentado en su contra incluido– no sólo se volvió de culto sino además lanzamiento de la botella en Chile. Su tarea era hacer una obra transfiguró la imagen del hombre frente al mercado. de gran formato a través de la cual relacionara a Warhol y al producto. Entonces comenzó a pintar. Lo que consiguió fue un Muchos años después, los tentáculos del Pop Art, de Warhol y, cuadro monumental en el cual Warhol mira con estoicismo desde naturalmente de su obra, se han desplegado por el mundo entero la tela, desde su plano americano, con un fondo cuadriculado lleno y han evolucionado hasta hacer mutar a las nuevas generaciones de colores, como los que abundan en la obra de Ragal y Warhol, de artistas. También, se han extendido sobre la publicidad misma, en cuyos interiores botellas de Absolut verdes, azules, amarillas, pese a que ésta y la obra de Warhol siempre compartieron una forman filas y lo escoltan. tangente reflejada no sólo en los ejemplos ya dados de CocaCola y Campbell, sino también en obras como la que hizo sobre Según la artista, su obra está compuesta por tres elementos: Absolut. En 1986, la estética de la botella de Absolut llamó la la botella como excusa pictórica; la serialización aplicada – atención de Warhol y lo inspiró para hacer un cuadro que, décadas apropiación de una estrategia típica de Warhol–; y su cuota después, la marca tomaría como diseño para un nuevo modelo de personal. “Combiné estos tres elementos, alteré digitalmente

19 El v铆nculo de Conty Ragal con el Pop fue una de las razones por las cuales Absolut la contact贸 para ser parte del lanzamiento de la botella en Chile.

la botella en variaciones de color como él solía hacerlo, sobre fondos planos, y en primer lugar el rostro de Warhol pintado a mi manera. Trabajé en base a dos estrategias técnicas: una más vinculada al diseño y la serigrafía, y la otra centrada en el realismo pictórico del retrato. Yo siento que Warhol fue un visionario sobre la etapa que estamos viviendo hoy: el híperconsumo. Sospechó desde temprano a lo que podía llegar el ser humano respecto del capitalismo y el consumo, y lo plasmó intuitivamente en su cuerpo de obra; su propuesta refleja la serialización que hoy se traduce en la numerosa oferta de productos”, explica Ragal.

siempre teniendo a internet como principal referencia –ha llegado a decir que su cultura Pop es, de hecho, el internet–, hasta volcarse también en lo análogo, creando circuitos que generan audio a través de fórmulas logarítmicas. “Se trata de un sistema de pequeños elementos o cajitas que van interactuando entre sí, y dentro de ese sistema es fácil empezar a estirarlo con otros pequeños sistemitas sin tener que hacer todo de nuevo”, cuenta. Pese a utilizar una técnica bastante alejada de las artes plásticas en general, Cuevas supo darle un giro que la vinculara a la obra de Warhol. “La obra o la parte gráfica ya está hecha, pero, ¿qué se puede hacer con eso una vez que lo metes dentro de esa cajita? ¿Qué pasa cuando metes la obra de un referente a esa cajita? ¿Qué sale del otro lado?”, plantea Hay una semejanza también entre el concepto de arte que concibió Cuevas. En este caso, reunió videos de Warhol trabajando en el Warhol, y el que fue constituyendo estudio, fiestas de la Factory, muchas Conty Ragal, pese a la diferencia de entrevistas, viajes, documentales, "Yo siento que Warhol fue un visionario películas e imágenes, para desarrollar periodos. Ella entiende el Pop como "lo popular" y desarrolla su trabajo de lo que estamos viviendo hoy: el su propio clip, pasado por estas bajo una estética contemporánea, cajitas, el cual fue proyectado durante híperconsumo. Era muy difícil en esa quizás más ligada al cine. Toma arla fiesta organizada por Absolut, para época sospechar a lo que podía llegar el quetipos actuales, principalmente el el lanzamiento de la botella. de la mujer. “Yo retrato mujeres que ser humano a nivel de consumo, y él lo son estereotipos contemporáneos “Son tres videos –explica Cuevas–: hizo intuitivamente en su obra", presentes en la publicidad y los mass dos que van proyectados en un loop dice Conty Ragal media, ya que actualmente estamos gigante, que duran como veinte invadidos de imágenes mediáticas”, minutos; y el otro es un video explica. Y aunque Warhol lo trabainteractivo que va en tiempo real, jaba a través de la serigrafía, ella se resistió. “Soy más romántica con una cámara emulando los screen test que hacía Warhol, –dice–, la pintura para mí es un medio único, un material noble”. eso de sentar a la gente en el sofá frente a la cámara y hacerle una breve entrevista, para que hablen de sí mismos”. Ese es el En la otra esquina está el artista chileno Ignacio Cuevas concepto: que los asistentes sean el contenido, que tengan sus (www.whitesample.com). Su trabajo se inclina más hacia los 15 minutos de fama –recordando la famosa frase que Warhol nuevos medios –especialmente intervenciones electrónicas y acuñó–, que jueguen con su imagen, pero a través de los mismos videoclips–, cosa que llamó la atención de Absolut. “Me mostraron filtros que usaba el norteamericano. “Me encanta jugar con el la versión gringa de la página de Absolut que tenía una imagen concepto del Pop Art, tomar elementos cotidianos que nadie de Warhol con un efecto medio glitcheado, como si se estuviera pesca y los usas todos los días, cualquier cosa, darle un mínimo rompiendo la imagen, entonces me dijeron que eso les recordó twist y transformarlo en una obra de arte, y la gente casi que se mi trabajo y les encantó la referencia, así que nos pusimos a sacaba fotos con la botella porque se hizo famosa. Entonces es trabajar al tiro”, cuenta. Necesitaban un artista “computacional”. entre una pequeña broma y crítica social, me gusta mucho eso”, Necesitaban a alguien que fuera contemporáneo y que pudiese concluye Cuevas. jugar con el mismo lenguaje de Warhol en cuanto a color, saturación y repetición. Necesitaban a Cuevas. Son cuatro millones las botellas que se están distribuyendo desde octubre alrededor del mundo, de las cuales sólo 1.200 La música es clave en su trayectoria. Partió tocando guitarra cajas están siendo vendidas en nuestro país. Además, a través de y paulatinamente fue acercándose a lo electrónico, a los la página absolut.com/artexchange, la gente podrá participar sintetizadores, a su funcionamiento. Lo hizo de manera autodidacta, en Andy Warhol Art Exchange by Absolut.

21 A Ignacio Cuevas lo invitaron a ser parte porque necesitaban a alguien que pudiese jugar con el mismo lenguaje de Warhol en cuanto a color, saturaci贸n y repetici贸n.

Actualidad

Arte Al Límite consolida su presencia en el sector editorial

LATINOAMÉRICA AL LÍMITE La revista , periódico y sitio web de artes visuales, Arte Al Límite, acaba de editar Latinoamérica Al Límite, libro que reúne a destacados artistas a nivel regional, en una edición de lujo de más de 300 páginas.

Kristell Pfeifer, editora general, y Catalina Papic, directora de arte. Encargadas de los proyectos editoriales de Arte Al Límite.

“No todos los días abrimos un libro cuyo contenido nos salpica dejándonos atónitos y sorprendidos. Frescura, novedad, fuerza, excelencia y vitalidad son algunos de los adjetivos que vienen a la mente con Latinoamérica Al Límite”. Caridad Botella, crítica de arte y curadora colombiana

100 Miradas al Arte Contemporáneo, 2014.

ernando Bryce, Alexander Apóstol, Federico Uribe, Artur Lescher, Marcos López y José Tola son algunos de los nombres que recorren las páginas de Latinoamérica Al Límite, libro editado por Arte Al Límite que reúne las principales tendencias que por estos días recorren la región. Una edición esperada y aplaudida en el mundo del arte, como señala la crítica y curadora española, Caridad Botella: “No todos los días abrimos las páginas de un libro cuyo contenido nos salpica dejándonos atónitos y sorprendidos. Frescura, novedad, fuerza, excelencia y vitalidad son algunos de los adjetivos que vienen a la mente al abrir y ojear Latinoamérica Al Límite”. Con una mirada fresca y contemporánea, el tomo reúne más de 50 destacados artistas a través de la variedad de disciplinas y temáticas. Desde los atractivos mundos imaginarios de Manuel Archain hasta los coloridos collages de Sesper, Latinoamérica Al Límite es un libro que respira diversidad en cada una de sus páginas. “Hemos creado un libro que muestra las principales tendencias del arte latino actual a través de los artistas que hoy están dando que hablar y que trascenderán en el campo de las artes visuales”, explican Catalina Papic y Kristell Pfeifer, creadoras del proyecto.

Latinoamérica Al Límite, 2014.

La publicación, que será lanzada oficialmente en Miami a principios de este mes, no podía llegar en mejor momento. Por estos días, Miami se prepara para la época más movida del año en lo que a artes visuales se refiere, cuando a principios de diciembre aterrice una nueva versión de la reconocida feria Art Basel, que trae consigo a una serie de ferias satélite que convierten a la soleada ciudad en un punto de encuentro del arte contemporáneo. Es esta fecha estratégica la elegida para presentar internacionalmente el libro y así poder llegar a los más destacados coleccionistas, galeristas, curadores y artistas.

Arte Al Límite: 10 años de arte contemporáneo, 2013.

No es la primera vez que el medio especializado incursiona en la es su constante presencia en las más destacadas ferias de arte creación de libro de este tipo. El año pasado editaron Arte Al Límite: contemporáneo, lo que asegura a cada una de sus publicaciones una circulación internacional por 10 años de arte contemporáneo en conjunto con Fundación los principales puntos de encuentro “Lo que nos diferencia como editorial es que Coca-Cola, en un tomo de más de de artistas, galeristas, curadores y coleccionistas. Art Basel, Scope, 500 páginas que reunía a artistas tenemos el contacto directo con los artistas, Pinta, Volta, ArteBA, ArtBO y Art de la talla de Yayoi Kusama, Robert además de la experiencia y la trayectoria, lo Longo, Ed Ruscha y Spencer Finch, Lima son algunas de las ferias en las que les permite a ellos confiar en nosotros ya entre otros. A éste, se suma 100 que están disponibles cada uno de Miradas al Arte Contemporáneo, los libros editados por Arte Al Límite. que saben que cada libro que editemos será libro que celebra el centenario de de lujo y con una curatoría impecable”. Ópticas Rotter & Krauss y cuya Además de los tomos antes portada corresponde a obras de mencionado, Arte Al Límite se Ana María Matthei, directora de AAL. encuentra en este momento en los destacados artistas Chuck Close etapa de desarrollo de diversos y Ellen Kooi. proyectos editoriales. “Agradecemos a las empresas que han confiado en nosotros al momento de financiar estos libros, así como a los Una editorial conectada con los artistas artistas que han formado parte de cada publicación y la han hecho “En el área de los libros hemos descubierto un sector muy interesante única y especial”, concluyen Catalina Papic y Kristell Pfeifer. para continuar nuestro desarrollo. Lo que nos diferencia como editorial es que tenemos el contacto directo con los artistas, además de la Latinoamérica Al Límite se encuentra disponible en librerías Metales experiencia y la trayectoria, lo que les permite a ellos confiar en Pesados, Contrapunto, Qué Leo y Tienda Museo Bellas Artes. Además, se nosotros ya que saben que cada libro que editemos será de lujo y distribuye en las principales ferias de arte contemporáneo a nivel mundial con una curatoría impecable”, explica la directora de Arte Al Límite, como Art Basel, Scope, Volta, Pinta, ArteBA y Art Lima, entre otras. Ana María Matthei. Otra de las grandes ventajas de la editorial

LANZAMIENTO INTERNACIONAL

LATINOAMERICA AL LIMITE en ferias de Miami

Con lanzamiento en Miami, el libro Latinoamérica Al Límite trasciende las fronteras locales y se inserta de lleno en el circuito artístico regional. 50 artistas, diversas disciplinas, nacionalidades, temáticas y conceptos recorren las páginas del tomo editado por Arte Al Límite que reúne las tendencias que por estos días marcan nuestro continente.

Viernes 5 de diciembre de 2014 18:30 hrs. Casa Elyx - Penthouse Edition Hotel 2901 Collins Ave, Miami Beach FL 33140

Artista destacado

Cubos luminicos: fragmentos de luz, 2012, acrilico grabado y sistema programado de luz led, 60 x 60 x 60 cm.

Paula Rubio

Abstracción referencial La realidad llevada al extremo es la base de la obra de Paula Rubio, la artista logra la abstracción en su trabajo pero transmite un mensaje fuerte y claro. Por Emilia Benítez Silva. Imagen cortesía de la artista.

l ver un Origami hecho en metal es imposible cuestionarse sobre la relación irónica de ambos conceptos: ¿Cómo es posible formar un Origami –que por definición es de papel, un elemento ligero y maleable–, de bronce –un material duro por excelencia–, que se vea y se sienta como las típicas figuritas japonesas? En una de sus últimas esculturas Paula Rubio logra transmitir este sentimiento de contradicción y de que no todo tiene que ser lo que parece: lo pesado puede ser liviano.

más tradicional–, pero además trabaja en paralelo investigaciones y experimentos plásticos. Especialmente, desde hace dos años que se encuentra en el Magister de Artes Visuales de la Universidad de Chile. A raíz de uno de sus talleres creo Las dueñas, obra de fotografía digital presenta fotos reales de misiones espaciales de la Nasa con sus respectivas fichas técnicas de la misión, pero con el giro de que los astronautas eran mujeres chilenas que se autodenominan dueñas de casa, como Aurora Ávila Fuentes o Sigrid Bustos Bustos.

Así es la obra de esta consagrada escultora. Rubio lleva sus temáticas al extremo: las texturas, las formas y los volúmenes adquieren un significado diferente en su trabajo. “Más que la materialidad es buscar el concepto que hay detrás de la escultura, problematizándola, cuestionándola, jugando con las bases de la escultura con ironía”, explica. El tema del peso ha surgido espontáneamente de la evolución de su obra durante su carrera, tanto en la escultura como en las disciplinas que ha trabajado paralelamente. “A través de diferentes operaciones visuales trato de llevar los materiales al extremo, camuflar el peso, en el sentido de que las cosas livianas puedan flotar y que los elementos pesados, como el plumavit, pueda tener peso”.

El trabajo de Rubio es conceptualmente muy profundo, trabaja temas políticos, sociales y existenciales desde una mirada filosófica que –a pesar de su abstracción plástica– son comunicados de manera muy referencial. “Más que querer entregar un mensaje, hay un concepto que para mí cobra mucho sentido”, comenta.

Paula Rubio, siempre ha continuado con su línea de esculturas abstractas en metales –que podrían clasificarse como un poco

En octubre, Paula, participó de un simposio de escultores organizado por la CAP para la cual hizo un cubo que tituló Círculo, reiterando la ironía en su obra. Por ahora se encuentra trabajando en su tesis, para la cual está realizando una investigación sobre la ciencia ficción en las artes, con el concepto de la distorsión radical de la realidad. “Se relaciona con el tema de extremar la realidad”, explica, sobre la memoria que pretende materializar más adelante.

panoramas

EXPOSICIONES SANTIAGO Hecha en 2006, esta obra ha sido una de las más reconocidas del artistas. Consiste en una gran estructura de metal con una sóla imagen dentro: la de Kevin Carter, fotógrafo que ganó el Pulitzer por la instantánea de un buitre observando a un niño famélico.

Bajo la premisa “Una foto no se toma, se hace”, Jaar plantea que “es indispensable reducir la velocidad, contextualizar y enmarcar cada imagen adecuadamente a fin de que adquiera sentido”.

The sound of silence, Alfredo Jaar

Hasta el 23 de enero Galería Patricia Ready Espoz 3125, Vitacura www.galeriapready.cl

Hasta el 30 de diciembre Galería Macchina

Hasta el 3 de enero Centro Cultural de España en Chile

Trabajos textiles, Mario Pfeifer

Instantáneas de viaje en tren, Isidoro Valcárcel Medina

A través de diversas investigaciones en la localidad de Camiña, Provincia

Más de 50 dibujos, expuesto en bloques de tres, buscan plasmar el

del Tamarugal, Pfeifer habla sobre estética, economía, sociedad y religión a partir de la producción textil aymara.

concepto de trayecto, de tiempo y percepción. La idea fue concebida por el artista español especialmente para el centro cultural.

Av. Jaime Guzmán Errázuriz 3300, Providencia www.galeriamacchina.cl

Providencia 927, Providencia www.ccespana.com

El destacado del texto corresponde al autor de la imagen que acompaña. * Las imágenes de las obras publicadas son detalles de la original.

Hasta el 28 de diciembre Museo de la Memoria y los Derechos Humanos

Hasta el 27 de diciembre Sala de arte Las Condes

Acumulación breve, Varios artistas

Ricordati di me, che son la Pia, Pía Subercaseaux

Cuatro investigaciones de cuatro artista jóvenes que utilizan el archivo como soporte de la memoria. Así ordenan el imaginario del tiempo: una acumulación material e inmaterial del pasado.

La autodidacta Pía Subercaseaux presenta sus obra a través de una exposición de nombre sugerente: Ricordati di me, che son la Pia, aludiendo al Canto V de El Purgatorio, de la Divina Comedia.

Matucana 501, Santiago www.museodelamemoria.cl

Av. Apoquindo 3300, Las Condes

Hasta el 27 de diciembre Galería XS

Hasta el 29 de marzo Museo Ralli

La montaña movediza, Magdalena Atria

Interpretaciones, Varios artistas

Son obras recientes hechas a través de distintos medios y sobre diversas

Exposición colectiva de diez artistas pertenecientes al Taller Arte

materialidades. Es una propuesta: acercarse a la inescrutabilidad de la naturaleza con una mirada singular.

Complementa de la Fundación Chilena para el Síndrome de Down. Son 20 obras realizadas como interpretación de 10 obras de la Colección Ralli.

Alonso de Monroy 2677, primer piso, Vitacura www.xsgaleria.cl

Alonso de Sotomayor 4110, Vitacura www.museoralli.cl

panoramas

EXPOSICIONES REGIONES

Hasta el 31 de diciembre Sala de Arte Universidad Mayor

Hasta el 30 de diciembre Galería Municipal de Arte Valparaíso

La figura eminente, Benjamín Lira

Exposición concurso de Artes Visuales Valparaíso 2014, Varios artistas

Se trata de uno de los máximos exponentes de la plástica nacional. Benjamín Lira muestra una nueva serie basada en su particular sello, a través, de la síntesis geométrica y el equilibrio de las formas.

La muestra exhibirá las obras que fueron seleccionadas en el Concurso de Artes Visuales Valparaíso 2014, incluida la ganadora: Sinfonía bicéfala, del artista Luis Martínez.

Av. Alemania 0281, Temuco

Condell 1550, Valparaíso

TALLERES / WEB

Hasta el 3 de enero Museo Benjamín Vicuña Mackenna

Hasta el 12 de diciembre Galería Mundo Sur

Proyecto calle, Felipe Bracelis e Iván Olivares

Materia y figuración, Alejandra Nef y otros artistas

La muestra instala su mirada sobre el espacio público, e indaga en los elementos que, pese a aparentar ser disímiles, coexisten y participan de una constante dinámica de aparición y abandono.

Junto a los artistas Diego Bunster y José Domingo Prado, Alejandra Nef

Vicuña Mackenna 94, Providencia, Santiago : www.arteallimite.com/artistas/felipe-bracelis

Alonso de Córdova 2798, Vitacura, Santiago www.arteallimite.com/artistas/alejandra-nef

El destacado del texto corresponde al autor de la imagen que acompaña. * Las imágenes de las obras publicadas son detalles de la original.

trae esta exposición con la cual dan a entender un lenguaje personal, fruto del desarrollo del estudio, del arduo trabajo, del intenso oficio y de sus diversas técnicas.

Hasta el 19 de diciembre Casa del Arte Diego Rivera

Del 9 al 31 de diciembre Parque cultural de Valparaíso

La línea del horizonte divide nuestra conciencia, Francisco Smythe

Presidentas de Latinoamérica, Andrés Ovalle

Como parte de la conmemoración que celebra los 50 años de la Casa del Arte Diego Rivera, se está llevando a cabo una retrospectiva de Francisco Smythe, destacado artista pop puertomontino, fallecido en 1998.

Los retratos de presidentas y expresidentas de Latinoamérica –entre ellas Michelle Bachelet y Dilma Rouseff– molden el pasaje simbólico de una región. Ovalle plasma en su pintura el liderazgo de la mujer en el Cono Sur.

Quillota 116, Puerto Montt www.culturapuertomontt.cl

Cárcel 471, Cerro Cárcel, Valparaíso

Hasta el 14 de diciembre Casas Lo Matta

Hasta el 30 de diciembre Hotel Casino Dreams de Puerto Varas

Instantes permanentes, Macarena Vicuña

Mar Eros, Pablo Quercia

La noción de instante es fundamental en esta muestra. De hecho, la serie

El amor por el mar y la Patagonia chilena inspiraron al artista para

de obras que Macaví presenta giran en torno a este concepto, y plasman aquellas permanencias ocurridas a través de su proceso de trabajo.

producir esta serie de más de 20 grabados que estará expuesta durante todo el mes.

Av. Kennedy 9350, Vitacura, Santiago www.arteallimite.com/artistas/macarena-vicuna-macavi

Del Salvador 21, Puerto Varas www.arteallimite.com/artistas/pablo-quercia

CRÍTICA

Lo bueno, rescatable y menos rescatable… Cada año está marcado por diversas eventualidades. Entre ella contamos las cosas buenas, no tan buenas, las rescatables y no tan rescatables. Las cosas excéntricas y decepcionantes, en definitiva, varias caracterizaciones de las que el mundo del arte se hace partícipe. A continuación una muestra de ellas. Por Ernesto Muñoz. Crítico de arte y curador. Miembro de AICA.

a partida de la maestra Matilde Perez, líder indiscutido de los cambios en el arte chileno. En el año 1960 se integró a la búsqueda de nuevos medios dejando atrás el plano bidimensional, así se convirtió en una pionera del arte reflexivo. Es, definitivamente, la perdida más sentida del arte latinoamericano, junto al fallecimiento del maestro argentino Rogelio Polesello. Lo más decepcionante fue la exposición de la escultora Lily Garafulic, en la cual se mostró un reducido número de obras, en estas celebraciones del centenario del nacimiento del orgullo de Chile, segun la revista Life. Igualmente, la lenta desaparición de los circuitos artísticos de la sala Telefónica, junto a las mediocres muestras de centros universitarios de provincia, en Santiago.

También las exposiciones que vienen desde Europa, producto de la crisis económica, y de esos países que, a veces, son bastante mediocres. Una excepción, por ejemplo, es la muestra de arte cinético italiano, donde se ve una coherencia que se lastima por su exhibición, en un edificio antiguo y adornado con una piñata. Lo más inesperado fue el desmayo de Francisco Brugnoli, director del Mac, el día que se inauguró de exposición de Duchamp.

Entre lo bueno está el merecido premio a Omar Gatica, por su importante mural colocado en el edificio Bicentenario, el cual se contrapone a la mediocre exposición del homenaje al poeta Raul Zurita, realizada en La Sebastiana, de Valparaiso, donde se salvaron Nancy Gewold y Alicia Larrain.

Lo más rescatable al patrimonio, fue la exhibición del maestro chileno nacido en 1813, Fernando Garcia Del Molino, que se exhibe en Buenos Aires. Y el alto costo de nuestra participación en la Bienal de Venecia, donde Chile arrienda un pabellón. Hay arrendatarios y subarrendatarios.

Bueno, también es la lenta reaparición de exposiciones en la Corporación de Providencia, donde destaca la muestra de Digital Gravura y Jorge Kuhn; la exposición de Christian Boltanski, maestro del arte mundial, con una instalación de gran aliento en el Museo Nacional de Bellas Artes, donde veremos el próximo año la muestra del maestro Oswaldo Vigas y la gran retrospectiva del pintor peruano Jose Gil de Castro.

Lo menos rescatable, es que los museos de Viña del Mar no volvieron a abrir después del terremoto, ni el Bellas Artes de Viña, ni el de la Rioja.

La aparición de un maestro chileno en una exposición en Buenos Aires, en el MACBA, de gran calidad, Ivan Contreras Brunet.

Lo más destacado es la presencia de galerías chilenas en ferias de arte internacionales, donde destacan ventas de artistas como Hernan Gana, Carlos Edwards, Francisco Pero, Pedro Tyler, y las galerías Arte Espacio, Tomás Andreu, Patricia Ready XS e Isabel Aninat.

Lo más ruptural es ver a Carlos Montés de Occa vestido de mujer, haciendo recuerdo a Duchamp. Lo más conflictivo fue el video de Ramón Castillo sobre los procesos de septiembre, sobre las dos balas que cayeron en el museo, y que ha encontrado fuertes retractores en Jorge Bassaure (restaurador).

Matilde P茅rez, artista chilena, falleci贸 el 1 de Octubre del 2014.

Lily Garafulic (1914-2012). Escultura, artista pl谩stica y curadora chilena

Christian Bolstanki, Exposici贸n Almas, Museo Nacional de Bellas Artes.

Carlos Montes de Occa, Bye Bye Duchamp.

ferias

MIAMI: FERIAS, PLAYAS Y ARTE Miami se rearma al término del año para invitar al mundo a una degustación radical de artes visuales. Con una mezcla de ferias, intereses, coleccionistas y galerías, presenta la nueva versión de Ferias Miami. Algunas en la playa, en hoteles y, otras, en pabellones. Esta ciudad despierta para revivir y contarnos qué es lo nuevo en el arte contemporáneo. Por Elisa Massardo Imágenes cortesía Art Basel Miami, Scope Miami y los artistas.

e acerca el término del año y en Miami parece renacer todo. Distintas ferias, distintas muestras, distintos artistas. Todo un acontecer para el arte que se mueve en los primeros días del mes.

Como una reunión familiar que reúne a distintos artistas, curadores, coleccionistas y editoriales, Miami se llena de arte por sus calles y playas. Con más de cinco ferias que concentran lo mejor del arte de este año, se espera a más de 100.000 visitantes, todos vinculados al mundo del arte. Un evento, dos eventos, tres y miles de galerías, charlas, programas de interés universal y juicios evaluativos por doquier. Todo para fomentar el arte, el mercado, para mover a los artistas de un sitio a otro, para internacionalizarlos y así también a sus manager y galerías. Definitivamente una de las mejores ideas que surgió de las ferias más importantes que estarán presente como todos los años: Art Miami y Art Basel. Otras de las ferias que se armarán este año son Pinta, Red Dot, Scope y Untitled, además de los eventos preparados por todas las galerías y museos de la ciudad, que centran en esta temporada las mejores colecciones y exposiciones para mostrar a toda la gente vinculada al mundo del arte que rondará las calles de Miami. Con más de cuarenta años atrayendo a gente de todo el mundo, Miami se sabe uno de los lugares imperdibles para todos los aficionados, profesionales e interesados en el arte visual, ya sea contemporáneo o moderno. Diversas categorías, estilos y diseños. Todos en una sola ciudad.

En esta oportunidad, contará con 250 galerías de todos los continentes, más de 2.000 artistas emergentes y maestros consolidados en su especialidad, incorporando desde pintura y performances hasta video, junto a distintas editoriales dedicadas al mundo de las artes, incluyendo a 2.800 medios comunicacionales, entre los que encontramos a Arte Al Límite. La explícita intención de mostrar arte, y de presentar a artistas, se hace latente ante la gran diversidad de temáticas y formas de artes visuales que tienen contemplada; se explicita, a través de los artistas modernos, contemporáneos y emergentes; a través de la sala principal de exposiciones, y la sección destinada a las obras de arte más ambiciosas que se hacen parte del bello paisaje de las playas cercanas a Collins Park y SoundScape Park. Scope

Art Basel Miami Beach

Ubicada en una de las hermosas playas de Miami, cerca de Art Basel, se encuentra Scope. Con su atractivo pabellón que logró millones de impresiones en difusión a través de prensa y crítica de arte, se espera esta gran feria que recibirá a más de cuarenta mil visitantes, quienes todos los años recorren los stands para informarse y enterarse de qué está ocurriendo con el arte actual.

La versión número 13, de una de las ferias más grandes y esperadas del mundo se llevará a cabo entre el 4 y 7 de Diciembre,

Así, durante seis días esperan mostrar las 120 exhibiciones de más de 27 países. Y en conjunto con el canal musical VH1, presentan

A continuación una mirada sobre las principales ferias:

llenando de fiesta, colores, pinturas y arte a la ciudad. En 1970 los galeristas de Basel comenzaron la ambiciosa idea de generar una feria internacional de arte. Cuarenta años más tarde se ha convertido en una de las más importantes, y de primera categoría, a nivel mundial. Llegó el año 2002 a Miami, como un nexo entre Norteamérica y Latinoamérica, reflejando a la multicultural ciudad que eligieron para posicionarse.

Salustiano, Kavachnina Contemporary - Art Miami. I am lucky, 贸leo, pigmentos naturales y resina acr铆lica sobre tela, 80 cm.

Christian Voight, Wanrooij Gallery - Scope

Katrin G端nther, Wichtendahl Galerie - Context

programas y patrocinios de integración, que incluyen música, diseño y moda, innovando y mezclando las artes visuales con otras formas artísticas. En su 14° edición, presentarán a las nuevas galerías del mercado contemporáneo, como: Johnn Connelly Presents, Galería Enrique Guerrero, Magical Artroom, y otras. Pinta A diferencia de las masivas ferias recién presentadas, Pinta, se identifica por lo exclusivo e íntimo del espacio, donde asisten selectos expositores invitados para presentar lo mejor del arte moderno y contemporáneo de América Latina, España y Portugal. Con siete años de trayectoria, y por primera vez en Miami, busca mostrar eventos para coleccionistas, museos y curadores. De esta forma, cuenta con un selecto grupo de curadores internacionales que dirigen cada una de las seis secciones de la feria. Así, podrá mostrar la línea de artes visuales que se diversifica entre lo abstracto, concreto, neo-concreto y arte conceptual, entre otros. Annemarie Busschers, Jacob Witzenhausen - Context

En palabras del director, gestor cultural y editor de Pinta, hay una necesidad de crecimiento en el mercado de arte de América Latina y la Península Ibérica, de esta manera, Miami se presenta como un lugar ideal para consolidar la feria y continuar con la promoción de los artistas americanos e ibéricos, en un contexto global. Red Dot Sesenta galerías se presentarán en esta oportunidad en Red Dot, quienes basándose en la diversidad ofrecen una selección que muestra pintura contemporánea, escultura, fotografía y second market. Su intención es específica: generar una feria de galerías emergentes, a mitad de carrera y artistas consagrados. Para esto, poseen un lujoso diseño, junto a un ambiente sofisticado y acogedor. Con un espacio más acotado que las grandes ferias mencionadas al comienzo, Red Dot, espera recibir al menos 25.000 visitantes este año. Untitled

Robert Heinecken, Rhona Hoffman Gallery - Art Basel

Untitled, es curatoriada por galerías internacionales y espacios de arte sin fines de lucro. El enfoque se dirige a artistas emergentes y en mitad de su carrera, dejando a un lado a los artistas consagrados, lo que sin duda permite abrir espacios para la muestra de lo que se consagrará a futuro.

Jeremy Dean, Aureus Contemporary Gallery - Scope

Gast贸n Ugalde, PSH Projects - Scope / Pinta

En su tercera versión, estarán situados directamente en la playa, con luz natural y vistas al mar, que acompañan tanto a las galerías como a la serie de presentaciones y eventos especiales para los visitantes. Pulse Miami

Luiza Prado, PSH Projects - Scope / Pinta

Con una nueva ubicación inicia la décima versión de Pulse Miami, en Indian Beach Park. Se caracteriza por su dedicación en el descubrimiento y adquisición de arte de vanguardia contemporánea, contemplando esculturas de gran escala, instalaciones y performances. Esta feria que se arma anualmente tanto en N.Y. como en Miami, posee un cálido ambiente de apoyo a la comunidad internacional de galerías y para el mercado del arte. Art Miami Siendo la feria de arte contemporáneo con más duración, ha sido elogiada reiteradas veces por la calidad y variedad de obras y galerías que posee. Con un decorado elegante, de gran calidad y extraordinaria variedad, cuentan con 125 galerías de arte internacionales y espera recibir a miles de coleccionistas, curadores, directores de museos y diseñadores de interiores.

Delta 9, PSH Projects - Scope / Pinta

De esta manera pretende recibir a tantos visitantes como el año anterior, cuya cifra bordea los 75.000, junto a 13.600 coleccionistas. Miami se viste de fiesta, fiesta de arte, de playa, de gente diversa con un claro interés en común: ver, vivir, disfrutar y revivir el arte. Conocer a los artistas emergentes de diversos lugares del planeta, artistas que han logrado trascender en sus carreras, y aquellos consagrados que de seguro pasarán a la historia dejando un gran legado. De este modo, recibirá con gusto a miles de interesados en conocer nuevas galerías, nuevas editoriales, revistas y propuestas. Poseerá charlas de gran calidad y programas de índole cultural vinculada al mundo de las artes, relacionándose con música, diseño, moda y entusiasmo por descubrir lo mejor del arte en el año 2014.

Bert Vredegoor, Wanrooij Gallery - Scope

Un panorama imperdible para cualquier coleccionista, curador, galerista, directores de museos y personas interesadas en el arte. Un panorama de una semana y más, que dará al mundo temas para abordar durante meses, y donde las obras se juegan la vida en base a las buenas críticas. Sin duda, un panorama impresionante.

perfil arte Se considera autodidacta, pero ha realizado talleres y diplomados con el objeto de direccionar su quehacer artístico, una inquietud que tuvo desde muy pequeña y que desde entonces ha estado presente en su vida de distintas maneras. Bernardita Garib, reconoce que los estudios en la Pontificia Universidad Católica, y con el pintor Bororo, la marcaron para expresar su realidad, “que contiene, en sí misma, parte de mi mundo interior y del exterior también, ambos en constante cambio”.

BERNARDITA GARIB PINTURA INTUITIVA, AGIL Y FLUIDA Por Soledad Cabello.

• La Bicicleta, mixta sobre tela, 80 x 80 cm.

En sus propuestas estéticas –que son muy intuitivas–, experiencias, sensaciones y sentimientos están plasmados en un lienzo o papel. “En momentos importantes en mi vida he logrado crear obras que me han marcado mucho. La vida está llena de ciclos y siento que con el arte los proyecto, y expreso”. Posee una técnica mixta dentro de un estilo abstracto. Utiliza el fluir rápido, liviano y accidental de la tinta, con un acrílico más programado. También, se siente cómoda al emplear la acuarela y el carboncillo, siendo el color la base de su trabajo. Desde ahí parte todo: la mancha, el rallado, dripping (chorrear la pintura). También le gusta incorporar fotografías de fachadas, edificios, calles y suelo, todos elementos que ella misma capta y que son un aporte en su desarrollo creativo.

http://arteallimite.com/artistas/bernardita-garib

María elena etchepare MONSTRUOSIDAD FEMENINA Por Carolina Bravo.

• Detalle de Bogdana, 2014, collage digital, 20 x 28 cm.

Al ser consultada sobre su biografía, de inmediato responde que es “algo mayorcita”, como si eso fuera un tema. No obstante, su autodefinición adquiere gran relevancia al descubrir que su trabajo se basa en la utilización de técnicas modernas de digitalización, demostrando que va al ritmo de los tiempos y la tecnología, las cuales aprendió gracias a su curiosidad. “Mis monstruos nacieron y viven en lo digital, pero se componen de collages reales míos. Yo recorto los papeles, compongo rostros o situaciones, que luego combino con mi gran archivo de fotos de viajes, exposiciones, curiosidades, papeles reciclados, ebru, etc. A veces, fotografío rinconcitos que son insignificantes para otros, pero para mí son mundos perfectos para mis monstruos”, explica.

http://arteallimite.com/artistas/maria-elena-etchepare 38

Excéntrica, rupturista y osada: la obra de María Elena definitivamente no pasa inadvertida. A través de ella es posible descubrir realidades femeninas plasmadas en collage de recortes o digital; mundos femeninos que surgen desde los medios publicitarios, que dan los parámetros de belleza actuales, y que en la obra de la artista se presentan desmembradas y desproporcionadas, sin una gota de azar, convirtiéndose en una sátira a dichos cánones de belleza.

María Elena, partió pintando en telas y cuando tomó “conciencia” de que necesitaba prepararse para poder expresar bien, tomó clases con Lea Kleiner, Bororo y cursos de papel reciclado y ebru en Nueva York. Entre sus últimas exposiciones destaca su participación en Italia, en la Toscana con Creaturas Misteriosas (abril, 2014), y en Perú, Arequipa, con Creaturas Misteriosas II (agosto, 2014). Pasados ya algunos meses de ambas presentaciones, recuerda con orgullo lo que fue el volver a casa con la sensación de ser aceptada y aplaudida. “Volví feliz a mi taller, agradeciendo la excentricidad rupturista que me alienta a seguir creando mis Creaturas Misteriosas”, concluye.

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