Periódico Arte Al Límite | Edición 117, julio 2015

PERIÓDICO N° 117 Julio 2015 Santiago de Chile

14. DIRIGIENDO EL CUERPO

32. DAVID LACHAPELLE, FOTOGRAFÍAS 1984-2013

Internet, como plataforma, permite conocer, difundir y sí, comprar. El arte se apodera del ciber espacio para la compra/venta de obras.

La artista Evelyn Bencicova retrata rostros y cuerpos desnudos, con la intención de anular la identidad en una armoniosa composición.

El Museo de Arte Contemporáneo exhibirá la obra de David Lachapelle, donde se contemplan sus retratos del mundo hollywoodense, videos y últimas series.

www.arteallimite.com

/Arte_Al_Limite

3 2 . DAV I D L ACH A PE L L E , FOTOGRAFÍ AS 1 9 8 4-20 1 3

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06. ARTE A UN SOLO CLICK

D I S T R I B U C I Ó N G R AT U I TA

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Valor anual $60.0 0 0 / Renovación y estudiantes $45.0 0 0 suscripciones@arteallimite.com

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(56.2) 2955 3261

*Envío a regiones $18.000

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SUMARIO

SUMARIO 06 . R E P O RTAJE

Arte a Solo un Click 1 2. M I RAR L A HI STO RI A

La Balsa de la Medusa, de Théodore Géricault 1 6 . EN E L TAL L E R

Rosario Yáñez Ruíz-Tagle 1 8 . ART E J OVE N

Elliott Tupac

2 6. NOT I CI A

SACO4

1 4. REP O RTAJE R EVISTA AAL

Evelyn Bencicova

2 8 . REP O RTA JE

El Arte de la Conservación 3 2 . DESTACA DO DEL M ES

David LaChapelle, Fotografías 1984-2013 3 4. ACT UA L I DA D

La Arista del Tiempo 3 6. ENT REV I STA

2 0 . PANO RAM AS 2 4 . F E R I AS

José Darío Gutiérrez 3 8 . L I B RO S A L L Í M I T E

Arte y Glamour: Un Matrimonio Exitoso

REPRESENTANTE LEGAL Orlando Calderón F. | INFORMACIONES info@arteallimite.com SUSCRIPCIÓN suscripciones@arteallimite.com | FONO-FAX (56-2) 2955 3261 (56-9) 84195009 | VENTAS marketing@arteallimite.com WEB www.arteallimite.com | FACEBOOK facebook.com/arteallimite2 | TWITTER @Arte_Al_Limite | INSTAGRAM @arte_allimite | YOUTUBE www.youtube.com/allimiterevista PORTADA Gas 76, 2012. © David LaChapelle.

IMPRENTA Maval Editora e Imprenta, Santiago, Chile.

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E D I TO R I A L

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n esta edición, el reportaje principal, Arte a solo un click, muestra cómo funciona el mercado de obras de arte en internet, a lo cual AAL, como plataforma de difusión de artistas a nivel internacional, está entrando para posicionarse como líder latinoamericano.

Las artes visuales, hoy en día, están traspasando las fronteras nacionales para llegar a todo el mundo. Con la tecnología actual, tanto en computadores, tablets, celulares, más internet, transferencias bancarias, tarjetas de créditos y mercado en línea, parece posible que las obras de arte estén al alcance de la mano, para todos, independiente del lugar geográfico en el que se encuentren. Sin embargo, la ilusión del internet y la magia virtual se queda en la imaginación de los compradores, pues el arte sigue encasillado en una especie de burbuja difícil de alcanzar, por el eterno mito de lo inentendible que puede ser el arte visual. Por lo mismo podríamos preguntarnos: ¿Está Chile preparado para enfrentar un mercado de arte en línea?

DIRECTOR Ricardo Duch

PRÁCTICA María José Martínez

ASESOR COMERCIAL Cristóbal Duch

CRÍTICO Ernesto Muñoz

DIRECTORA DE ARTE Catalina Papic

ASESORES Benjamín Duch Jorge Azócar Ignacio del Solar Julio Sapollnik

PROYECTOS CULTURALES Camila Duch EDITORA GENERAL Kristell Pfeifer EDITORA Elisa Massardo DISEÑADORAS Javiera de la Fuente Lía Alvarado PERIODISTA Daniela Sánchez Moncada

COLABORADORES Lucía Rey Pía Cordero Leticia Abramec Francisca Castillo Francesco Scagliola Gonzalo Medina

Quizás en Santiago esta pregunta podría responderse con una afirmación rotunda, pero en regiones el escenario es distinto, tal como muestra el artículo Regionalizando el arte, que da a conocer la iniciativa de personas particulares que, a través de diversos fondos, logran sacar adelante la semana del arte en Antofagasta, SACO4. Desde Arica a Magallanes, las artes visuales tienen una forma heterogénea, no hay una línea de trabajo continua, ni siquiera suficientes espacios donde aprender técnicas de arte visual, o donde llevar exposiciones de calidad internacional.

Podemos comprender cómo el arte se diversifica, se expande y es capaz de llegar a cualquier parte del mundo tan solo con un click. Porque ya no necesitas recorrer el mundo para comprar una obra de arte, basta con mirar el computador, tener una tarjeta de crédito y la obra llegará en perfectas condiciones a tu casa. Sin embargo, ¿es esto válido para un país donde la capital es el centro de las artes visuales? ¿Qué pasa con el financiamiento en regiones?

Los más de cuatro mil kilómetros que recorren Chile mantienen una deuda: el compromiso firme con la cultura en todas partes, no solo con festivales un par de semanas, sino de manera permanente y sostenida. Un sistema educacional que impregne a los niños en creatividad y juicio crítico, estimulando la reflexión y la capacidad de análisis, para que el arte visual no sea una esfera elevada solo para algunos, sino una realidad para todos.

Ana María Matthei Directora

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R E P O R TA J E

ARTE A SOLO UN

CLICK Ya es un fenómeno consolidado en todo el mundo. Se ha invertido millones de dólares en obras de arte que vendidas online gracias a portales en que los artistas exponen sus trabajos sin necesidad de una galería, democratizando el mercado. Fácil y rápida, la compra de arte a través de internet ya se ha vuelto una realidad. Realidad a la que Arte Al Límite se incorporó con su nueva galería online.

Por Equipo Arte Al Límite / Chile, Ilustración Lía Alvarado.

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a forma de adquirir una obra ha cambiado radicalmente con el tiempo. Durante el siglo XIX fueron los grandes y ostentosos salones de la clase aristocrática los protagonistas de las transacciones de arte, mientras que en el siglo pasado se realizaban exclusivamente en galerías y salas de subastas. Pero, hoy en día, las cosas han cambiado radicalmente: ya no es necesario pertenecer a la elite e, incluso, ya no es un requisito estar presente físicamente en remates y ventas, para obtener una obra.

El ejercicio es simple: ingresa “online artwork sale” en el buscador e inmediatamente aparecerán 54 millones de resultados. Rápido y cómodo, así de fácil es comprar una obra de arte en el siglo XXI. Sin embargo, todas estas transformaciones dentro del mercado han generado cuestionamientos sobre la forma en que se está vendiendo el arte, también sobre el tipo de obras que están llamando la atención de los compradores online y, por

sobre todo, cuáles son las características de este nuevo público, que prefiere adquirir arte desde la comodidad de su hogar.

El arte, actualmente, es mucho más cercano y llega a todos los niveles socioculturales, lo que se refleja en el gran éxito que han tenido diversas exposiciones tanto mundiales como nacionales. Al respecto, la compra/venta por internet es un ejemplo concreto, pues el artista y su obra se hacen más

cercanos a través de estas plataformas, en las que el comprador elije directamente, clasificando según estilo, técnica o precio.

a preguntas nuevas, y adaptarse es un requisito indispensable. Hay que aceptarlo y hacerlo de forma profesional y seria”, señala Ratinoff.

La representante de Christie’s en Chile, Ecuador y Perú, Denise Ratinoff, considera que es necesario evaluar cómo se va modificando el mercado con los años. “Hay que estar con los cambios y las nuevas tecnologías, que es la herramienta de las jóvenes generaciones. Hay que saber dar respuestas nuevas

UN NUEVO ESPACIO EN CHILE Siguiendo las nuevas tendencias, en Arte Al Límite (AAL) comenzamos como editorial hace 14 años y ya incorporamos una plataforma en línea para venta de obras de arte. El objetivo de nuestra galería, según

Ana María Matthei, directora del grupo AAL, es abrir un nuevo espacio para los artistas latinoamericanos, en donde ellos sean los protagonistas, así como ocurre con los conglomerados extranjeros, ya que para un artista la exhibición de sus obras es fundamental, siendo internet esa plataforma que permite llegar a millones de personas en un segundo, entregando reconocimiento internacional. “De esta manera se logra una difusión de alcance global, y nuestra plataforma está hecha para ello”, señala Matthei.

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R E P O R TA J E

Al respecto, hemos implementado una vitrina online que presentamos en las ferias de arte más importantes del mundo, y un sistema de comunicación semanal con coleccionistas y curadores interesados en las nuevas tendencias artísticas.

Así, nuestra editorial, que se ha destacado por su rol en la difusión del arte contemporáneo a través de la revista, el periódico y los libros coleccionables –a cargo de Catalina Papic y Kristell Pfeifer–, ahora se posiciona en este nuevo desafío para mostrar el arte a través de un lenguaje cercano y atractivo.

Respecto a la compra/venta de obras, innovamos con un sistema de ranking latinoamericano el que, a través de un puntaje hecho en base a la

trayectoria, pretende orientar a los coleccionistas y amantes del arte a la hora de comprar y, además, ser una plataforma de difusión para los artistas emergentes que aún no cuentan con un espacio físico para exponer. De esta manera, bajo la línea curatorial de AAL, diversos artistas a nivel nacional e internacional encuentran un espacio en nuestra plataforma a través de simples pasos: ingresar a la web, registrarse, cargar sus obras y esperar el proceso aprobación, para disfrutar de los diversos beneficios de la web.

EL MUNDO HISPANO NO SE QUEDA ATRÁS Otra plataforma de venta es Artelista en España, fundada en 2004, la cual ya tiene más de un millón de

obras de 128 mil artistas, y que se enfoca en coleccionistas, inversionistas y personas, comunes y corrientes, que desean una pieza única para su hogar.

Moisés Fernández, asesor artístico de Artelista, señala: “La mayor ventaja de vender arte a través de internet es la posibilidad de poner en común la obra de miles de artistas, tanto consagrados como emergentes, con millones de amantes del arte sin necesitar de un espacio físico y sin tener en cuenta las fronteras. Internet permite que cualquier artista pueda exponer su obra, independientemente de si se ha logrado acceder al mercado, entendido como institución”. Y agrega: “En Artelista abogamos por la democratización, para que cualquier persona pueda subir sus obras y exponerlas independientemente

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"Hay que estar con las nuevas tecnologías, que es la herramienta de las jóvenes generaciones. Hay que saber dar respuestas nuevas a preguntas nuevas” Denise Ratinoff, representante de Christie’s.

de si se trata de un pintor amateur o de un artista dedicado exclusivamente a su creación artística”.

Según un estudio de Visa sobre el crecimiento del comercio electrónico en Latinoamérica de productos minoristas, viajes y turismo, las ventas por internet en el continente alcanzaron en 2013 los US$46.400 millones, de los cuales, US$3.500 millones correspondieron a las transacciones online realizadas en Chile.

Este estudio realizó un análisis del tipo de comercio electrónico que tienen ocho países de Latinoamérica, evaluando el nivel de E-Readiness –un índice que muestra el desarrollo de este tipo de comercio y cuán fácil es utilizarlo para los

consumidores–, el perfil de los usuarios y su proyección del mercado para 2018. En el caso de Latinoamérica, el estudio posiciona al continente, en su totalidad, en un lugar estable dentro del crecimiento económico electrónico y predice que, para 2018, este mercado crecerá en un 13%.

El país que mejor se posiciona es Brasil, un grande de la compra online, especialmente en productos electrónicos y videojuegos. Sin embargo, aunque el estudio no contempla la compra de obras de arte, es posible ver que sitios web como UrbanArts intentan posicionarse como una plataforma que capte la atención de estos expertos compradores brasileros. El sitió comenzó como galería online en 2009 –aunque existe desde 2006– y ya cuenta con

cerca de mil artistas exponiendo sus obras, las cuales están disponibles para la venta.

En 2013, Chile invirtió un total de US $3,5 millones y, según este estudio, se predice que el valor de las ventas de comercio electrónico crecerá un 21% anualmente hasta 2018. De esta forma, el fenómeno de la venta online de arte, que ya se ha hecho absolutamente masiva para otros productos, ha logrado tener su lugar en el país a través de diversas galerías como la de Cecilia Palma, Montecatini y Galería Bucci, entre otras. Palma, por ejemplo, cuenta con una gran cantidad de obras a la venta de los artistas que representa. “Internet permite un mayor acceso a la gente interesada en el arte, es un medio masivo y accesible, democratiza el arte. Además, nosotros

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R E P O R TA J E

“La ventaja de vender arte por internet es la posibilidad de poner en común la obra de miles de artistas, consagrados y emergentes, con millones de amantes del arte sin necesitar de un espacio físico” Moisés Fernández de Artelista.

publicamos los precios, lo que da transparencia al mercado”, señala la galerista.

EL EJEMPLO DE LOS GRANDES La evidencia más importante de que el mundo del arte ha traspasado las barreras de las galerías y las casas de subastas, es el espacio que le dio el gigante de las ventas por internet Amazon, lanzando en agosto de 2013 “Amazon Art”. Asociada a más de 150 galerías, en ese momento tenía 40 mil obras de 4.500 artistas. Hoy, “Amazon Art” cuenta con alrededor de 70 mil obras disponibles, cuyos precios pueden alcanzar incluso los US$70 mil dólares.

Por otro lado, Saatchi Art, sitio web líder en ventas online, tiene más de 500 mil obras originales,

entre pinturas, dibujos, esculturas y fotografías, de 50 mil artistas de diferentes países, donde la más accesible cuesta US$100, mientras que la más costosa puede llegar a alcanzar los US$75.000. Al igual que Artsy, Saatchi cuenta con una app para IPhones que facilita aún más la tarea de los compradores amantes del arte.

Así observamos diversas casas de subastas –físicas y online– que realizan ventas, como Sotheby’s y Christie’s, donde es posible ver remates de grandes artistas que se realizan en línea, como “Andy’s Randy Summer”, una colección de fotografías de Andy Warhol, las cuales no sólo se limitan al arte sino que también incluyen objetos de lujo como relojes, bolsos, joyas y vinos.

Paddle8 es un sitio de subastas por internet que comenzó en Inglaterra en 2011 —que ya tiene oficinas en Nueva York, Londres y Los Ángeles— y que rápidamente logró posicionarse como una de las plataformas más visitadas ya que, a diferencia de los productos que ofrece eBay, todas las obras de su sitio están autenticadas y bajo un criterio de selección. Según Sarah Goulet, jefa de comunicaciones de la empresa, ellos “llenan el espacio que hay entre los eBays no autenticados del mundo y los modelos de alto costo de Christies y Sothebys”.

Para Paddle 8 el mercado de arte online representa una evolución natural e inevitable. “El coleccionista de hoy es digital, inteligente, nómada, ansía un acceso instantáneo a sus pasiones y se siente cómodo realizando transacciones en línea”, explica Goulet.

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Así, el mercado especializado ha ido en rápido aumento, más de lo que se pensaba, y goza de muy buena salud: a pesar de que el arte representa alrededor del 2% del total de ventas en línea, en 2014 alcanzó su nivel más alto, recaudando US$54.900 millones, según el informe de la Fundación de Bellas Artes de los Países Bajos.

Junto a la tangibilidad de las galerías, encontramos el importante rol que ellas cumplen al hacer exposiciones constantes de diversos artistas, importando obras y diversas muestras del extranjero, lo que complementa el rol de museos y centros culturales, esenciales para el crecimiento cultural de un país.

línea. En este espacio, cada galería puede incluir a sus artistas para vender obras y el contacto se hace directamente con el representante, lo que mantiene el vínculo entre el representado y el galerista que es esencial. Un ejemplo de este formato es la galería Madhaus y Montecatini.

¿EL FIN DE LAS GALERÍAS?

“Las galerías son un proceso esencial para la carrera de los artistas. Es un lugar de exhibición permanente que permite a críticos, curadores, coleccionistas y amantes del arte disfrutar y conocer la obra para futuros estudios o compras, por lo que su fin es algo impensable en este momento”, señala Matthei, quien además explica cómo nuestra plataforma ha incorporado un sector especial para que las galerías latinoamericanas puedan vender en

El mundo se ha abierto a nuevos espacios. Nuevas tendencias y formas de acceder a ellas se han generado a través de los siglos, internet, es una de ellas y el mundo está consciente de esto a través de los nuevos portales web que acercan el arte, alejándolo de la esfera distante en la que se ha encontrado por mucho tiempo. Mostrándole al mundo que es posible encender la pantalla, elegir a gusto personal, y hacer un click para comprar.

Una de las preguntas que surgen al momento de pensar en la venta de arte a través de internet es si acaso la venta online suplantará eventualmente a las galerías y la forma tradicional de comprar obras. Para Fernández, esto es imposible ya que la gran mayoría de las obras son tangibles, por lo que muchas personas preferirán verla en primera persona antes de comprarla.

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M I R A R L A H I S TO R I A

La balsa de la Medusa, de Théodore Géricault

EL ROMANTICISMO POLÍTICO Géricault desplazó al realismo imperante del siglo XIX para imponer al romanticismo como una corriente pictórica de vanguardia. La obra se instala en el momento de convergencia entre el neoclasicismo y el romanticismo.

Por Gonzalo Medina / Chile.

Imagen cortesía de Wikicommons.

E

n junio de 1816 la fragata más moderna de aquel entonces, naufraga frente a la costa occidental de África. No existe antecedente histórico en la marina francesa hasta el día de hoy que se parezca, o se compare, a la tragedia social que conllevó el naufragio de la Medusa. 160 marineros abordaban la fragata que transportaba al nuevo gobernador de Francia, junto a numerosos miembros oficiales y la marina francesa. Su comandante no contaba con experiencia en este tipo de viajes, pero sí con los contactos necesarios para que, llegado a su destino, la Medusa y su tripulación tuviera éxito en sus gestiones en Senegal. Desde el atlántico hacia el sur, el viaje gozó de buenos vientos, pero una fallida maniobra del capitán conllevó a que la fragata se perdiera y que terminara encallada en bancos de arena en la costa de África. Tal como lo sucedido con el Titanic un siglo más tarde, la fragata no contaba con botes salvavidas suficientes para toda la tripulación. Entonces el capitán de la Medusa, y el nuevo Gobernador toman la decisión de embarcar únicamente a los miembros de la marina y la misión, dejando a los demás tripulantes.

Aquellos marinos y civiles, trataron de dibujar una esperanza para salvar sus vidas, y así, en la desesperación, construyeron una precaria balsa que simbolizó las grandes esperanzas por cruzar esos 60 kilómetros de distancia a tierra. En la mar, la balsa de la Medusa comenzó a presentar problemas de inmediato, fue imposible transportar a tantos tripulantes, y la promesa comenzó a desmoronarse, mientras algunos debían aferrarse a las bordas y navegar con

el cuerpo flotando en el océano. La tragedia y el desorden conllevaron rencillas y asesinatos en la balsa, lo que produjo la aplicación de la ley del más fuerte; e incluso acciones de canibalismo –hecho muy marcado en la historia de Francia.

La ruptura de la estructura neoclásica, pone a la obra de Géricault como un hito dentro de la vanguardia de aquellos años.

A pesar de la estructura –y dibujo– de los cuerpos que tienen una forma característica del neoclasisismo; el tema de la obra es una denuncia social a las condiciones de vida de los marinos y el bajo pueblo, junto a los sentimientos de muerte y desilusión que se observan en los personajes de la izquierda.

Mientras que en forma piramidal encontramos a tres personajes –de la derecha– con las esperanzas de ser descubiertos, observando y haciendo señas al barco que se encuentra a gran distancia y apenas visible. Todas estas, emociones que no habían sido retratadas hasta el momento. Así la obra refleja las problemáticas sociales que carecían de un testimonio sentimental y subjetivo, punto clave del romanticismo.

Théodore Géricault, pintor que influyó notablemente en las futuras generaciones, murió tras una enfermedad a los huesos y padeciendo un profundo dolor corporal, a los 33 años en 1824, dejando a la historia del arte un limitado número de obras, pero una inmensa pincelada de interpretación y visión del mundo desde los sentimientos, que tienen su materialidad en La Balsa de la Medusa, una obra política testimonial y romántica, que evoca una de las grandes catástrofes humanas, y que es, en sí, un romántico testimonio patrimonial.

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Théodore Géricault, La balsa de la Medusa, 1819, óleo sobre lienzo, 491 x 717 cm. Museo del Louvre, París, Francia.

CLOSE, 2014, impresi贸n en papel fotogr谩fico con base de resina y tintas pigmentadas, medidas variables.

reportaje re v ista aal 15

Evelyn Bencicova

DIGIRIENDO EL CUERPO La edición número 73, julio-agosto, de la revista Arte Al Límite, parte con la pintura y termina en el dibujo, pasando por diversas técnicas empleadas en las arte visuales. Así, diferentes artistas relatan sus motivaciones, intereses e historias de vida.

Por Equipo Arte Al Límite.

Imágenes cortesía de la artista.

Edición Nº 73, Julio-Agosto.

c

ada artículo de la revista pretende adentrarse tanto en la obra de los artistas como en ellos y sus razones de crear, permitiendo el recuerdo sobre sus inicios, ideales y metas. Muchos de ellos ya han tenido una trayectoria que los consagra en el mundo del arte, mientras otros recién están surgiendo y buscando la forma de lograr el éxito.

grabado o esculpido–, o bien a través de una obra que rompe barreras y pasa a la historia como ícono de su tiempo, como un clásico para las generaciones venideras. En esta edición, Drew Tal, Tomás Ochoa, Catalina Pérez, Titus Kaphar, Juana Gómez, Josue Castro, Fabián Ciraolo, Ana Negro, Silvina Resnik y Evelyn Bencicova trabajan el cuerpo, el ser humano, el rostro, como eje central de su obra.

Quizás uno de los más innovadores en cuanto a la forma en que realiza su obra es Trevor Paglen, quien a través de la tecnología logra captar imágenes de satélites, o bien se comunica con la NASA y el MIT para enviar fotografías al espacio y así permanezcan de manera perpetua en la atmósfera. Aunque el mundo se acabe, quedará el recuerdo de esta civilización para que otra especie la encuentre. Una forma de hacernos eternos que pareciera ser un clásico para los artistas que se inmortalizan a través de sus obras, pero que esta vez lo hacen mediante la comunidad y del mundo entero.

COMPONIENDO CON PIEL

Esta búsqueda por la inmortalidad es un sentido que los humanos hemos dado a nuestra existencia desde la época clásica, una forma de inventarnos y reinventarnos constantemente para atraer la mirada del otro, de ese ser que siglos más tarde se cuestionará por sus antepasados.

Y esta forma de preservarnos hacia el futuro es algo que muchos artistas trabajan, ya sea inmortalizando el cuerpo humano –que desde las cavernas se ha dibujado, pintado,

Del modelaje al arte pareciera haber una distancia que se acorta con el tiempo en la fotografía. Drew Tal y Evelyn Bencicova elijen a sus modelos para crear una obra de arte que impacta visualmente y, además, aborda temas difíciles de digerir.

En el caso de la eslovaca, lo primordial para seleccionar modelos es la personalidad. Un carácter fuerte es lo que busca para retratar. Eso sí, el retrato de rostro es algo con lo que comenzó, pero que actualmente solo hace con modelos que conoce, que se interesan por su obra y con las cuales siente la confianza necesaria para trabajar.

Pasando de lo específico a lo general, la fotógrafa evolucionó hacia el retrato corporal de diversas personas.

Todas ellas formando una armónica relación que se ve en el resultado final de una escena por ella imaginada y creada pieza a pieza. Esta composición se da

en la anulación del individuo, el que se compensa con la serialidad de las piernas, brazos o espaldas, donde la personalidad de las modelos queda de lado por el marco y encuadre general.

Pero el cuerpo no lo es todo en la obra de Evelyn. Destaca también el uso de la piel, “la textura más hermosa”, según señala la artista. El desnudo así, es parte de su imaginario, parte de la forma en que ella crea y recrea cada imagen, y los que atraen la mirada del espectador que entra a cuestionarse la textura, la forma, la suavidad y la palidez de los colores que parecen ser parte de un solo estilo, de un trabajo pulcro y continuo desde el boceto hasta la impresión.

Desde la pintura a la fotografía, incluyendo el dibujo y los grabados, la edición 73 de la revista Arte Al Límite presenta diversas obras, con colores llamativos y otros monocromos. Todos contemporáneos y en búsqueda de la innovación teórica, conceptual o técnica.

ADQUIRIR LA REVISTA AAL EN: Librerías Metales Pesados, Contrapunto, Qué Leo, y Museo Nacional de Bellas Artes.

Suscríbete en: suscripciones@arteallimite.com

www.arteallimite.com

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E N E L TA L L E R

ROSARIO YÁÑEZ RUÍZ-TAGLE Trozos de una mnesis retratada Por Lucía Rey / Chile.

Imágenes cortesía de la artista.

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l taller de Rosario está en San Bernardo –lejos y, a la vez, cerca del mundo urbano– en un contexto familiar, donde el espacio ha sido trazado en el mismo quehacer estético de la artista. En este, hay una ventana que muestra un mundo de árboles y animales que acompañan los momentos creativos de Rosario.

Su trabajo, siendo iniciático, deja ver en sí un recorrido misterioso, donde hay un pasado y un futuro comprimidos en escala de grises. El contexto atávico que rodea y contiene este taller también resulta ser un puente de apertura hacia fragmentos esbozados en escritos y en intervenciones fotográficas. Indaga dentro estas coordenadas en un inescrutable baúl de recuerdos de otro que ya no existe sino solamente en un registro anómalo, injusto, insuficiente desde este ojo observador de Rosario.

Así es como decide entrar en un proceso de acopio de imágenes que capturaron un fragmento del ser representativo de “enfermos siquiátricos” del siglo XIX, encontra-

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dos en libros y en sitios web que dan cuenta del proceso de la siquiatría humana. Esas facciones, que emergen de entre las anomalías subrayadas por la categorización que subyuga a los retratos, re-aparecen en el rostro de cualquiera, se reflejan en el ojo del observador. Apareciendo también una conexión espacial e intuitiva con esa sensación de encierro, un encierro que no es sino una categoría carcelaria que supedita a la imagen trabajada.

que categoriza y organiza de acuerdo a los parámetros epocales que corresponden a cada sociedad.

Rosario acompaña su trabajo de intervención fotográfica con textos que dan cuenta de una híper-empatía psico-emocional y con la cita estética de estos personajes dejados, aparentemente, en el olvido y resucitados en trazos artísticos que funcionan como un zoom mnémico de lo propio desconocido.

Así, el taller de Rosario Yáñez se centra en el acontecer constante de este numen que se activa como un trance invisible, silencioso, pero profundo. Lo que significa que el espacio ha emergido simultáneamente con el proceso de levantamiento estético de esta obra en proceso. Algunos de los fragmentos de los escritos que aparecen tanto en las instalaciones e intervenciones fotográficas como en el taller son: "doce pulsaciones por segundo, estoy muriendo", "un objeto endurecido y cortado en veintisiete", "cuando soñaba mi ojo no podía dormir", " uno no eran necesarios, cuando cerraba los ojos no podía verlos", " y eran suficientes para respirar y no sanar", "cuando tragas y no respiras".

El trabajo en el campo artístico no es lógico, ni necesariamente consciente para el realizador, porque el arte posibilita la emergencia de lo irracional e incomprensible en medio de la linealidad de la existencia humana,

En su horizonte estético existen artistas como Christian Bolstansky con su atención en temas en torno a la existencia humana: el olvido, la muerte, la pérdida; Gerhald Richter con sus dislocaciones fotográficas a través del

gesto anómalo y violento de la aplicación del pigmento por sobre sus propias fotografías, donde aparece una inquietud ante la cuestión de la belleza y su ruptura; y Maurizio Anzeri cuyas intervenciones con bordados a fotografías antiguas, parecen negar la narración de la imagen impresa y mostrar algún gesto tramado en el negativo estético de la imagen figurada.

Rosario va construyendo su obra con cuadernos tipo archivos, que dan cuenta del transcurso creativo que atraviesan sus trabajos. Estos registros están configurados por la precisión del acontecimiento: así como aparece, se registra, como una fotografía que atrapa exactamente lo que precisa. Esto en conjunto con sus creaciones en curso, con los fragmentos que aparecen como un asalto a la razón y con el espacio físico, cuya ubicación dota de una gran contención a la articulación de estos acontecimientos creativos, dibujan un mapa y un recorrido de un taller intangible y misterioso, que sugiere coordenadas extra temporales y espaciales.

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A R T E J OV E N

Elliott Tupac

EL COLOR DE LA MÚSICA Desde los atuendos hasta su melodía, la música popular tropical es una de las más coloridas del mundo. Elliot Tupac es un artista peruano que hace eco de este fenómeno, y lo traduce en los afiches de publicidad característicos de este género. Mientras el cartel callejero de papel podría parecer efímero, él se encarga de hacer de ello un arte de la tipografía, el color y el trabajo manual dedicado y llamativo. Un paseo por los colores detrás de la cumbia.

Por Leticia Abramec / Argentina.

Imagen cortesía del artista.

e

n el circuito del diseño gráfico, existe una dedicada y rigurosa regla de trabajo que se traduce en infinidad de programas para editar, colorear y corregir. Pero también podemos afirmar que esta actividad se remonta al primerísimo momento de la manualidad. En la creación a mano alzada, el diseño de cada una de las tipografías y colores comporta la realidad material del arte. Elliot era niño y compartía su infancia con el trabajo de su padre. Prácticamente vivía en un taller en el que se creaba una cantidad inmensa de afiches por día. Así, en un taller y rodeado de lápices y pinturas, descubrió que su destreza era su oficio, que su arte era realizar afiches en modo manual y con los colores más fluorescentes del mundo.

“Adquirí el rol de diseñador de una manera muy espontánea. Casi no fui consciente de ello. Empecé a diseñar carteles oficialmente para el taller de mi padre a los 10 años, y lo hacía por el simple disfrute de canalizar mi gusto por el dibujo, la pintura y el arte en general. Me regocijaba en el plano de esa inocencia que tienen todos los niños cuando juegan”, explica.

La experiencia artística de Elliot fue natural y cíclica, pasaban los años y seguía aprendiendo: “Mi proceso de aprendizaje fue relajado. Tuve como maestros a mi padre y a mi hermano mayor, y ellos solo trasladaron de manera simple y romántica su gusto por dibujar letras. Eso es la esencia del llamado ‘cartel chicha’.

Todo el diseño se genera a mano alzada para luego serigrafiarlo”, comenta sobre su experiencia inicial.

EL FOLCLORE TROPICAL Eso es exactamente lo que hace Tupac, diseña carteles chicha, una de las publicidades más artesanales y llamativas del mercado de difusión mundial. Es muy difícil no mirar esos afiches que se superponen con miles de otros en las paredes de la vía pública. Y, si bien pueden promocionar infinidad de mensajes o productos, siempre fueron la característica primordial de las bandas de cumbia tropical de todo Latinoamérica. Su origen se remonta a la década del 60 en la ciudad de Lima, y hoy son un éxito en el mundo de las tipografías. Pero, aunque a este artista peruano no le quede tan cómodo ser encasillado en esa categoría, asume que es una extensión de esa tradición y que parte de su trabajo representa lo chicha. “Mi estilo, por su prolijidad y pulcritud, se convirtió en un sello de lo que para muchos es ese tipo de trabajos populares. Pero lo que sucede en cada taller de carteles chicha de Perú, tiene un desarrollo y un perfil muy personal, sólo que a todos nos une la romántica paleta de colores vibrantes”, aclara.

Pero, más allá del componente estrictamente visual que tienen estos carteles, también se pone en juego la

dedicación del artista y su intensión social y cultural: “Siempre me interesó hacer un trabajo que tuviera un anclaje social, y todo nace del ejemplo de los valores aprendidos de mis padres. Cuando comencé a pintar en la calle, me convencí de que ese espacio no era sólo mío sino de todos, era público. Siempre sentí la necesidad de que mis contenidos fueran transversales socialmente, para cualquier estrato. Quizá no logre un cambio social total, pero hago mi aporte diario”, cuenta Elliot al respecto.

Según dice, “su trabajo le genera tanto estrés como felicidad” y esa es una de las razones por las piensa muy bien antes aceptar hacer una obra por encargo.

“Me gusta apuntar al costado emocional del oficio.

Eso es lo que trato de demostrar en mis workshops.

Cómo una actividad que parece ajena a la academia, puede también ser trasgresora e insertarse dentro del circuito del diseño más exigente del mercado.

A veces utilizo mi propia terminología para referirme a lo que la academia denomina de otro modo, y eso demuestra que no importa la nomenclatura del término sino el desarrollo de un buen diseño. Es necesario transmitir que la exigencia es tanto técnica como intuitiva”. Sin dudas, Elliot Tupac expresa un compromiso sólido de trabajo a través de afiches que no se cansan de difundir amor, ganas y energía a través del color y la música.

Equilibrio, 2014, spray y pintura vinĂ­lica, 1900 x 320 cm.

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PA N O R A M A S

EXPOSICIONES SANTIAGO

Son 60 esculturas que recorren la trayectoria de Sergio Castillo, Premio Nacional de Artes (1997) que profundiza en los vínculos del arista con el acontecer de los 60 y 70.

La exposición está dividida en cuatro momentos de la creación de Castillo: “Animales”, “Eróticas”, “Políticas” y “Abstractos”.

Sergio Castillo: Domador de metales, Sergio Castillo

Hasta el 6 de septiembre Museo Nacional de Bellas Artes Parque Forestal s/n, Santiago www.mnba.cl

Hasta el 27 de julio

Hasta el 31 de julio

Calle Ajena Claudio “Caiozzama” Caiozzi

Estética de la nada, fotografías de Julia Toro Julia Toro

Galería Espora

ECKHO Gallery

Esta exposición profundiza en el mundo del street art y su expresión actual en las

Durante 40 años, esta artista visual chilena ha retratado con elegante simpleza

calles santiaguinas, a través de 21 fotografías de sus obras más reconocidas y una

diferente personalidades, desde familiares hasta cuerpos en poses sensuales, las

intervención en la fachada de la galería.

cuales se expondrán de forma inédita.

Melchor Concha y Toro 153, Providencia www.galeriaespora.com

Merced 349, L. 12, Santiago www.ekho.cl

21

Hasta el 31 de julio

Hasta el 3 de agosto

Viva Verdi Christian Olivares

RETROVISIÓN, 33 Años de Pensamiento Visual (1981-2014) Julián Naranjo Donoso

Instituto Italiano de Cultura

Centro Cultural Palacio La Moneda

En esta exposición se da a conocer el vínculo del artista con la ópera a través de

Un total de 80 afiches conforman esta retrospectiva dedicada al trabajo del destacado

ilustraciones en blanco y negro, realizadas a pluma y tinta, sobre la vida y obra del

diseñador chileno Julián Naranjo Donoso, realizado entre 1981 a 2014, la cual estará

compositor italiano Giuseppe Verdi.

acompañada por una charla magistral el día de la inauguración.

Triana 843, Providencia www.iicsantiago.esteri.it

Plaza de la Ciudadanía nº 26, Santiago Centro www.ccplm.cl

Hasta el 23 de julio

Hasta el 14 de agosto

D Presente Robinson Mora

Ruina Felipe Cusicanqui

Galería D21

Centro de Extensión UC, Galería de Arte

La exposición cuenta con 15 pinturas que profundizan en la materialidad y el color en

Esta muestra de pinturas, esculturas y objetos hechos con cemento, yeso, gazas y tablas

la producción más reciente del artista, cuya línea de trabajo se basa en la autonomía

gira en torno al ballet clásico y a la figura de la bailarina como símbolo arquetípico, y

de la pintura, que se construye entre el artista, la materia pictórica y el espectador.

busca dar cuenta de las dicotomías que coexisten dentro de este universo.

Nueva de Lyon 19, depto. 21, Providencia www.d21.cl

Alameda 390, Santiago www.extension.uc.cl

El destacado del texto corresponde al autor de la imagen que acompaña. * Las imágenes de las obras publicadas son detalles de la original.

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PA N O R A M A S

EXPOSICIONES REGIONES Hasta el 7 de agosto

Hasta el 30 de agosto.

Generación Atómica Carlos Manuel Vergara Rivera

La isla Raul Goycolea

Galería Balmaceda Arte Joven Bío Bío

Parque Cultural de Valparaíso

Este artista visual presenta xilografías con gráfica de ilustración y cómic, desarrollando

Este ensayo fotográfico comenzó en 2013 y en él es posible ver cómo la mirada de

una serie de retratos futuristas, en los que la maquinaria se fusiona con la vida

forastero del artista determina las fotografías que toma de los habitantes de la ciudad:

humana y vegetal.

la de una isla encerrada entre el mar y los cerros.

Colo Colo 1855, Sector Remodelación Anibal Pinto, Concepción www.balmacedartejoven.cl/sedes/sede-bio-bio

Calle Cárcel 471, Cerro Cárcel, Valparaíso www.pcdv.cl

Hasta el 31 de julio

Hasta el 16 de agosto

El río Víctor Mahana

Selfie Walter Bee

Galería Bosque Nativo

Casa E

A partir de la reflexión sobre los cambios que sufre el paisaje de nuestro país,

En esta instalación el artista italiano, que expone por primera vez en el país, interviene

Víctor Mahana realizó una serie de pinturas de un río, un cauce visto desde distintas

dos espacios de la galería con trabajos realizados a partir de una experimentación con

miradas, exacerbando su biodiversiad.

pigmentos, que luego sometió a manipulaciones tecnológicas.

Avda. Vicente Perez Rosales 1305, Puerto Varas www.galeriabosquenativo.cl

Lautaro Rosas 344, Cerro Alegre, Valparaíso www.casae.cl

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TALLERES / WEB AAL Hasta el 17 de julio

Hasta el 31 de julio

Colectivo 4 VARIOS ARTISTAS

V Salón Internacional de Artes Plásticas Nicole Reiss Rendic

Galería Artemundo

Centro Cultural Mestre Assis

Con esta exposición se inaugura la nueva galería Artemundo, nombre ya conocido en el

Cerca de 100 artistas se presentarán durante julio, cada uno con una obra , en el que

ambiente artístico por proveer a los artistas de soportes para su creación. Las artistas

serán evaluados por os mejores profesionales del mercado del arte brasileña, quienes

del colectivo son Patricia Astorga, Pauline Cristi, Alejandra Delfeau y Liliana Iturriaga.

otorgarán premios a las diferentes categorías.

Antonia López de Bello 86, Santiago www.arteallimite.com/galeria/artistas/pauline-cristi www.arteallimite.com/galeria/artistas/patricia-astorga

Rua 21 de Abril, n°29. Embu das Artes, São Paulo www.arteallimite.com/galeria/artistas/nicole-reiss-127

Hasta el 26 de julio

Hasta el 22 de julio

Placer Colectivo ArsFactus

Saliendo a la luz Flavia Andrade

Galpón Santa Rosa

Galería Oops

Diez mujeres forman parte de este colectivo, quienes se inspiraron en la historia, el

Esta exposición colectiva es un encuentro en donde expondrán 17 artistas que

valor y la riqueza del Barrio Franklin, ocupando su propio lenguaje y técnicas, para

trabajan con las más diversas técnicas: pintura, dibujo, arte en estaño, intervención

crear las nueve obras que se exponen.

fotográfica, entre otras.

Santa Rosa 2260, esquina Placer, Galpón 2, Santiago www.arteallimite.com/galeria/artistas

Avenida Italia 1194, Barrio Italia www.arteallimite.com/galeria/artistas/flavia-andrade-zangheri

El destacado del texto corresponde al autor de la imagen que acompaña. * Las imágenes de las obras publicadas son detalles de la original.

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FERIAS

ARTE Y GLAMOUR: UN MATRIMONIO EXITOSO Art Monaco’15 y Art Ibiza’15, que tendrán lugar durante la primera mitad del mes de julio, quieren confirmarse como momentos imprescindibles dentro de la abundante malla de ferias internacionales de arte. Apostando, desde luego, a la exclusividad y al lujo de lugares como Montecarlo e Islas Baleares.

Por Francesco Scagliola / Italia.

Imágenes cortesía de Art Monaco.

q

ue hoy en día buena parte del mundo del arte –en particular el mercado del mismo, al igual que las ferias, entrecrucen a menudo sus caminos con aquella dimensión estrictamente relacionada con las elites, el lujo y el glamour, no es sorpresa. Pues comprar arte es, indudablemente, actividad reservada –en la mayoría de los casos– para aquellos con un poder adquisitivo, por así decirlo, influyente.

Sin embargo, el lujo no es lo único, ya que las ferias internacionales se configuran también como momento privilegiado para galerías y, sobre todo, artistas que, además de llevar a cabo un negocio, quieren finalmente dar a conocer sus propias obras. Muy sencillamente la que se crea, y paulatinamente va ensanchando, es una poderosa red comercial-cultural que tiene en los acontecimientos feriales sus nudos mejor apretados.

Exactamente por esta razón las dos grandes ferias internacionales que tendrán lugar durante este mes de julio parecen cumplir perfectamente con la doble tarea recién mencionada. Porque, tanto en Art Ibiza’15 como en Art Monaco’15 –ambas organizadas por Opus Eventi–, si la búsqueda de los artistas se ha orientado hacia profesionales procedentes de todo tipo de background es, sin embargo, inevitable fijarse en el llamativo slogan que unifica los dos eventos: Where art meets glamour.

Pues, efectivamente, ¿dónde esa confluencia podría ocurrir más fructuosamente que en la cristalina y noctámbula isla de Ibiza, y entre las burbujeantes copas

de champaña y las azoteas cortadas a plomo sobre el mar del Principado de Mónaco?

ART MONACO’15. GLAMOUR, MAESTROS DEL PASADO… Pues en orden cronológico el primer acontecimiento será la feria monegasca, que abrirá sus puertas al público durante cuatro días, desde el 9 de julio hasta el 12, en el Espace Fontvielle, conocido –subraya Opus Eventi– como el “patio de recreo de los ricos y famosos”.

Y es que Art Mónaco ’15, que llega este año a su sexta edición, además de ofrecerse como plataforma anfitriona para más de setenta galerías, cuidadosamente seleccionadas, procedentes desde los cuatro rincones del mundo, presentará una oferta artística de primer nivel enriquecida, sobre todo, por dos momentos exclusivos: por un lado serán presentadas unas cuantas pinturas inéditas –hasta ahora guardadas en una colección privada– del mismísimo Jackson Pollock; mientras que por otro se exhibirán con finalidades de venta nada menos que algunas esculturas broncíneas fruto del trabajo del artista que más encarna el espíritu renacentista italiano, Michelangelo Buonarroti. … Y GRANDES CREATIVOS DEL PRESENTE En el marco de un evento que plantea exhibir alrededor de 4.000 piezas pertenecientes a estilos y técnicas distintas (desde el óleo a la escultura, pasando por la fotografía y el mix-media), Art Mónaco’15 contará en particular con la presencia de algunos destacados artistas contemporáneos. Así, entre muchos, cabe citar

a la pintora mexicana Claudia Hecht, ganadora del International Artist of the Year award for 2014; o el belga Peter Terrin, renombrado artista que logra capturar en grandes lienzos, a través de una técnica de acrílicos y de una paleta de muchos colores, los rostros más llamativos que llenan su existencia cotidiana. ¿Acaso su obra Summer of Love –aquí representada– no parece compaginar mágicamente aquella mezcla de arte y glamour que caracteriza tanto Art Mónaco ’15 como Art Ibiza’15.

ART IBIZA’15. UNA EDICIÓN ESPECIAL PARA LA HERMANA GEMELA Desde el día 16 hasta el 19 de julio, exactamente al otro lado del Mediterráneo, en la más celebre de las islas que componen el archipiélago de las Baleares, abrirá Art Ibiza’15. Es decir: cuatro días más para disfrutar de un acontecimiento gemelo a aquel monegasco. Y, obviamente la apuesta es siempre la misma, como explica Johnessco Rodriguez, C.E.O. de Opus Eventi, y organizador de las dos ferias: “Nos centramos en atraer a quienes entre los coleccionistas de arte, los creadores y los amantes del arte tengan un poder adquisitivo superior. Hecho que ayudará a medir nuestra lista de invitados VIP año tras año".

Si aún no queda claro cómo la feria en Ibiza tratará de convertirse en un excelente escaparate para todo tipo de arte moderno y contemporáneo, podemos agregar que las selecciones terminarán solo unos días antes del comienzo de la feria, siempre dentro de un entorno imprescindiblemente glamuroso. Pues aquí también la palabra clave será “exclusividad”.

Art Monaco - Peter Terrin, Summer Of Love, acrĂ­lico sobre tela, 140 x 180 cm.

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26

N OT I C I A

Claudio Correa, 2014, Monumento a la Antofagasta boliviana, medidas variables. Realizada en SACO3.

SACO 4

REGIONALIZANDO EL ARTE Las artes visuales han encontrado un espacio clave en el norte de Chile a través de la Semana de Arte Contemporáneo (SACO), donde diversos artistas latinoamericanos se congregan en la ciudad de Antofagasta, cada año, con una motivación distinta. Esta vez, para trabajar con niños de liceos públicos para que aprendan de arte desde la práctica y con artistas visuales.

Por Elisa Massardo / Chile.

Imágenes cortesía de Saco 4.

h

ace once años llegó a Chile Dagmara Wyskiel desde Polonia, y hace tan solo cuatro decidió dar pie a este proyecto, al darse cuenta de que en el norte del país no existía la carrera de Artes Visuales en las universidades, solo

cursos y talleres de los mismos artistas. Sus cuestionamientos sobre la expansión del arte fueron radicales y, entonces, surgió el motivo: un evento que dé vida al arte en Antofagasta. "SACO surge desde la necesidad de instaurar un evento cíclico de Artes

Visuales en el norte. Tiene como objetivo establecer un núcleo permanente de reflexión, crítica y diálogo a través de la obra, en el territorio marcado por la inexistencia de instituciones”, explica Dagmara, directora del proyecto.

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Andrés Bedoya, 2014, Sin Título, medidas variables. Realizada en SACO3.

Durante estos cuatro años junto a Minera Escondida se han trabajado diversas temáticas, las cuales se eligen dependiendo de la presencia y relevancia local, considerando el contexto mundial. “De esta manera, hemos enfocado la flecha curatorial hacia la relación entre arte y medio ambiente; la autonomía de plataformas de gestión; la vecindad con los del otro lado [Perú, Bolivia, Argentina], este año, en la formación. Y puedo adelantarte que para nuestro quinto aniversario, en 2016, nos concentraremos en la emigración”, explica Dagmara. Estos temas son contingentes, provocativos y llaman la atención de una población que debe lidiar con estas realidades a diario. En una zona que ha sido el centro del debate producto de los glaciares destruidos por Pascua Lama, donde el apoyo económico lo prestan las mineras y la autogestión está rezagada a la fuerza de los ejecutores, donde las posibilidades de estudiar arte se encuentran a más de 1.300 kilómetros de distancia, donde los emigrantes muchas veces son considerados delincuentes, la propuesta de este evento adquiere gran relevancia.

ENTRE LA FORMA Y EL MOLDE Con este título se realizará SACO4, entre el 23 y 28 de agosto, en el Parque Cultural Huanchaca. Un encuentro entre docentes de artes visuales, representantes de formación alternativa a los sistemas oficiales de Ecuador, Cuba, México, Paraguay, Uruguay, Perú y Chile, y estudiantes de Enseñanza Media de cuatro regiones del país.

edades. “El primer paso para el desarrollo artístico en cualquier lugar comienza con la función pedagógica. En este caso no solo impartiremos talleres a futuros artistas e intelectuales, sino que también intercambiaremos nuestras experiencias y puntos de vistas”, señala Luis Gómez, artista y profesor de la Universidad de Las Artes de Cuba.

Además, entre el 29 de agosto y el 15 de septiembre, se mantendrá en siete domos independientes, la exposición de los trabajos realizados –durante esa semana– en los diversos talleres, los cuales abarcarán las siguientes metodologías: video-arte, fotografía, escultura, dibujo, intervenciones y trabajos con el territorio, entre otros.

Pero, sin duda, quienes más aprovecharán esta oportunidad son los actores principales del encuentro: 84 estudiantes seleccionados e invitados para cursar los diversos talleres. “Con esta experiencia en SACO4 espero lograr muchas cosas. Tener mayor conocimientos sobre el arte y sus distintas áreas, así aprender y experimentar nuevas cosas”, señala Nicole Gutiérrez, estudiante que participará en los talleres este año.

De este modo, tanto profesores como estudiantes esperan adquirir importante experiencia, a través de un innovador reto para ambos: la construcción en una semana de diversas obras de artes, que reúne diversos países y

Tanto estudiantes como artistas vivirán una experiencia única. Un desafío que se verá reflejado en la exposición que se hará posteriormente y que servirá de insumo para los próximos SACO.

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R E P O R TA J E

EL ARTE DE LA CONSERVACIÓN Mantener o cuidar algo, guardar con cuidado… recuperar o recobrar, intentar volver al estado o a una estimación de lo que fue, de lo que era y de lo que podrá ser. Se repara, dice el diccionario, pero ¿qué es realmente la conservación?, y ¿quiénes se dedican a ella?

Por Equipo Arte Al Límite.

Imágenes cortesía de Conservarts.

c

onservar y restaurar son dos cosas distintas. La primera, busca reducir los daños que pueda tener una obra por factores ambientales, una forma de “guardar con cuidado”, mientras que la restauración se aplica cuando la obra ya ha sido dañada y se debe intervenir directamente en ella. El objetivo de ambas es simple: inmortalizar una obra de arte para que pueda ser apreciada en su forma “original” en el presente y futuro.

La conservación se divide en dos tipos: preventiva indirecta, en el ambiente en que está inserto el objeto (climatización de salas, ambiente, luces, entre otros); y preventiva directa, medidas que se hacen sobre el objeto, sin implicancia en la estética de la obra, incluye limpiezas y diferentes cuidados para prevenir daños, que pueden ser producidos por elementos externos como la contaminación atmosférica, un factor importante en la protección de las obras de arte, ya que existen deterioros que son intrínsecos –que dependen de los componentes y materiales compone– y extrínsecos –parte del ambiente, ajenos a la obra. Además, “factores contaminantes como la temperatura, humedad y la radiación lumínica”, según explica la conservadora de Galería Artium, Luz Barros.

Respecto de la restauración, que se hace luego de que la obra ha sido dañada, los procedimientos a realizar son: primero se hace un diagnóstico, una documentación y un análisis fotográfico. Luego, un análisis técnico y material, dependiendo del tipo de soporte, pigmentos e intervenciones que se han hecho. Por último, se desarrolla una propuesta de tratamiento para la obra. “La idea es prevenir el deterioro antes de tener que revertirlo, que es lo que hace la restauración.

Es evitar que los objetos se dañen, ir un paso antes.

Y la conservación preventiva apunta directamente a medidas que uno puede hacer sobre el objeto sin tener que contacto con el mismo”, explica Barros.

Y es aquí donde entra uno de los factores más importantes, porque no cualquiera puede llegar e intervenir una obra, por lo que la ética es crucial. En palabras de Luz Barros, “no puedes interferir en la historia de la obra. No puedes agregar elementos nuevos, esto tiene una serie de regulaciones y normativas que da las pautas hasta dónde puede llegar tu intervención”.

CHILE: MANOS A LA OBRA En nuestro país, a pesar de haber profesionales en el área, existen muy pocos espacios para que un cuadro

sea restaurado. Algunos, como el Centro Cultural Palacio La Moneda (CCPLM), el Museo Nacional de Bellas Artes, el Centro Nacional de Conservación y Restauración y Conservarts, se dedican a la conservación y restauración; sin embargo, uno de los mayores problemas lo presenta la preocupación por la temática.

Florencia Achondo, encargada del área de conservación del CCPLM, afirma que en el centro no restauran obras, pero sí realizan esfuerzos para respetar los parámetros internacionales de la conservación preventiva en todas las obras que llegan para ser presentadas en diversas muestras durante el año. "Mi misión específica dentro del CCPLM es la de resguardar las obras de arte las cuales, por la naturaleza misma del centro que es un espacio de exhibición de colecciones itinerantes, requieren un manejo especializado de colecciones temporales”, señala.

El protocolo de manejo de estas colecciones es estricto y riguroso. Ante cualquier eventualidad, atentado o posibles daños, Achondo es la encargada de la activación del protocolo y de proceder de acuerdo al mismo. “El Centro Cultural cuenta con una sala de conservación y depósito de obras en tránsito que le permiten realizar intervenciones de menor escala cuando fuese necesario.

Antes y después de la restauración. Óleo sobre tela; autor no identificado; colección particular, 2011.

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El registro fotográfico es fundamental para la documentación de un tratamiento y una adecuada conservación de las obras.

Siempre con la previa autorización de la contraparte y respetando la integridad de la pieza, a la cual se le realiza un exhaustivo registro fotográfico e informe", cuenta.

La autorización es crucial, dado que en el CCPLM no cuentan con una colección permanente, lo que en la práctica significa un mayor desafío para la conservadora, quién afirma: “La conservación en periodos temporales, para mi gusto, es de las más difíciles porque cada colección tiene muchas materialidades, cada materialidad tiene diferentes necesidades y siempre están expuestas aquí dos o tres meses". Es así que cada una de estas piezas representa un desafío en sí misma. "La labor de conservación que se lleva a cabo en el Centro Cultural es precisa y puntal, y cambia constantemente, aumentando el desafío, porque lo más probables es que los elementos museográficos de una muestra no te sirvan para la siguiente exposición y deban ser adaptados”, confiesa Achondo.

No obstante, la conservadora explica que existe un desafío todavía más grande en este ámbito: la profe-

sionalización de la carrera. En Chile, los pocos conservadores y restauradores que existen se han educado y especializado en el extranjero, ya que no hay universidades que impartan esta disciplina.

clientes, a las instituciones y al público, para que den espacio al desarrollo de éstos.

Josefina López, fundadora de Conservarts, empresa dedicada a la conservación de obras de arte y colecciones, también expresa su preocupación por la limitada oferta de profesionales. “Hacen falta especialistas y profesionalismo en el sector cultural en general.

La oferta de formación académica que tenemos hoy es, en su mayoría, superficial y desactualizada en relación con lo que sucede a nivel internacional. Faltan programas sólidos y expertos en las distintas áreas, con la capacitación necesaria para los desafíos que presenta hoy la conservación del arte y sus materias asociadas, como la ciencia y la historia técnica del arte”, afirma. Además, señala que la tarea no es sólo de las universidades, hay un circuito completo que debe incentivar y valorar el trabajo del conservador y cada una de sus especialidades. No sólo se deben formar especialistas, sino que también educar a los

La Universidad Internacional SEK era la única institución que tenía la carrera profesional de Conservación y Restauración de Bienes Culturales. Ahora es solo una mención en el grado académico de Historia del Arte. También está la Escuela de Artes Aplicadas, un Centro de Formación Técnica (CFT) que imparte la carrera con el título de Técnico en Conservación y Restauración.

POCAS CASAS DE ESTUDIOS

Mónica Bahamondez, directora del Centro Nacional de Conservación y Restauración (CNCR), explica que, en conjunto con la DIBAM y la Universidad Católica, se logró la apertura de una especialidad en restauración en 1984, que duró alrededor de 10 años. Estas generaciones de alumnos salieron con el título de “Licenciados en Arte con Mención en Restauración”, según cuenta Bahamondez. Luego, la Universidad SEK abrió

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Restauración de una pintura europea, siglo XIX.

la carrera y el año pasado la transformó a Historia del Arte con mención en Conservación y Restauración.

Al respecto, Florencia Achondo agrega que “ya no existe la carrera de restauración en Chile. Hay diplomados y varios magíster, pero la carrera profesional como tal, ya no existe”. Efectivamente, la Universidad de Chile y la Pontificia Universidad Católica imparten diplomados y diferentes cursos de conservación y restauración, pero ninguno entrega un título profesional como carrera universitaria, lo más cercano a eso es la Universidad SEK. Para Josefina López, la formación fuera del país es la alternativa para quienes deciden dedicarse por completo a ambas disciplinas. “En mi caso ha sido crucial la instrucción que he recibido fuera de Chile y las oportunidades que he tenido de ver cómo funcionan las cosas en lugares donde la conservación está establecida e incorporada dentro de la estructura cultural”, explica la conservadora. Además, afirma: “Los recursos están, pero es necesario darle real importancia a esta profesión dentro y fuera del sistema en el cual está inserta”.

Por lo tanto, parece ser sumamente necesario que se profesionalice la carrera de conservación y restauración en el país, ya que, como señala Bahamondez, esta profesión es igual a cualquier otra y se necesitan bastantes años de estudio y preparación idónea.

“Esta no es una profesión de segundo nivel. Esta es una profesión donde nosotros necesitamos gente que intervenga el patrimonio con los estándares internacionales, y eso significa que sean capaces de pararse con una visión científica frente a las obras, sepan de química, sepan de materiales y puedan explicar los procesos de deterioro que están sufriendo los objetos, los edificios”, afirma.

“Nosotros, que somos una institución del Estado y que prestamos asesorías y servicios a todo el país, somos los más conscientes de la necesidad de tener profesiones preparados que respondan a los estándares actuales de la conservación”, dice Bahamondez, y enfatiza: “La restauración hoy es una disciplina que tiene una reglamentación clarísima y que está estipulada en todos los convenios y procedimientos internacionales”.

La conservación nunca ha sido un trabajo que se debe hacer solo. Todas estas expertas en el tema aseguran que la conservación siempre ha sido una labor multidisciplinaria y que se enfoca en cuidar el patrimonio, cuidar nuestra historia y cuidar nuestro legado como sociedad. “En la sociedad chilena, creo que aportamos a que el patrimonio siga vivo. Que el patrimonio uno lo pueda seguir viendo y lo sigan viviendo las nuevas generaciones. Es valorar el patrimonio, no tanto por su valor estético, sino que por la historia que tenemos”, afirma Florencia Achondo.

Mantener o cuidar, guardar… recuperar o recobrar… ¿cómo conservamos y prevenimos nuestro patrimonio?

La restauración y conservación luchan contra las dificultades técnicas y laborales. El conocimiento está a pesar de las pocas escuelas formadoras, y las obras han logrado sobrevivir y ser restauradas aún cuando vivimos en un país lleno de terremotos, incendios y que ha olvidado prevenir e incluso restaurar. Se debe ahondar más en este ámbito, se necesitan más recursos e investigación para poder preservar y perpetuar las obras que acá se crean, que acá llegan y que acá queremos mantener.

Detalle de American Jesus: Hold me, carry me boldly, 2009. Š David LaChapelle.

32 D E S TACA D O D E L M E S

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David LaChapelle, Fotografías 1984-2013

OPERACIONES COSMÉTICAS DESDE LA FOTOGRAFÍA A partir del 29 de julio, en el Museo de Arte Contemporáneo, se exhibirá la obra del artista norteamericano David LaChapelle. La retrospectiva, Fotografías 1983-2013, contempla sus célebres retratos del mundo de Hollywood, sus videos y últimas series Earth Laughs in Flowers y Land Scape.

Por Pía Cordero / Chile.

Imágenes cortesía de Museo de Arte Contemporáneo.

e

n la exposición será posible contemplar sus conocidas series de retratos de Amanda Lepore, ícono transexual estadounidense, My own Marilyn (2002); la recreación de la Pietá, American Jesus: Hold me, carry me boldly (2009), que refiere a la muerte de Michel Jackson; Seismic shift (2012), destrucción de íconos del arte contemporáneo, entre otras relevantes obras que son reflejo de su trabajo, el cual se caracteriza por la influencia del pop art y el kitsch, cuyas temáticas desbordan la belleza, la religión, el consumismo y las problemáticas de género.

La estrategia en la obra de LaChapelle pasa por una utilización y manejo de la visualidad y la cosmética publicitaria. Según Varinia Brodsky, coordinadora de producción del museo: “La utilización original e irreverente de personajes del Pop, para la construcción de un imaginario único y reconocido a nivel mundial, responden a una labor que habla sobre sociedad y sobre la representación de íconos populares. Así, también, toma elementos de prácticas sociales, factores de consumo o la sexualidad, que construyen la sociedad contemporánea. LaChapelle es parte de esto y no se excluye, la mira de frente y tuerce los cánones a los que estamos acostumbrados”.

En su objetivo de dar a conocer las últimas tendencias del arte internacional, Fundación AMA junto al

Museo de Arte Contemporáneo (MAC), presentan esta muestra de primera línea dentro de la producción del autor. “David LaChapelle es sin duda uno de los referentes de una visualidad contemporánea ineludible, por lo que tener la oportunidad de recibir su retrospectiva nos llena de orgullo y estamos convencidos que, además de enriquecer nuestros horizontes, aportará en la construcción del imaginario local”, afirma Varinia Brodsky.

La colaboración entre el MAC, institución perteneciente a la Universidad de Chile, y Fundación AMA de Juan Yarur, surge en el año 2013 con la destacada muestra de su colección: Colección Juan Yarur: un relato personal. La cual tuvo una gran recepción por parte del público y contribuyó a establecer lazos entre la institucionalidad pública y privada. Sobre los vínculos entre ambas instituciones comenta Bernadita Mandiola, directora de desarrollo de Fundación AMA: “No tenemos una relación permanente con el MAC, más bien, la idea de exhibir la obra de LaChapelle fue algo que surgió en forma bastante natural y se dio puntualmente. Se nos invitó a apoyar la muestra en el MAC a raíz de su exhibición en Lima”.

Dentro de una sociedad conservadora como es la sociedad chilena, aquellas obras de LaChapelle, marcadas por la sexualización de íconos religiosos y el

trabajo con íconos transexuales, se insertan dentro de las polémicas discusiones de género, que atraviesan nuestra sociedad involucrando desde los laicos hasta el estamento eclesiástico. Entendiendo que las obras de arte son portadoras de ideología, que no se desenmarcan de su autor, como es el caso de LaChapelle, se abre la interrogante al equipo de producción del museo ¿Esta exposición tiene contemplado una política comunicacional y educativa que explique el contexto de sus trabajos referidos, por ejemplo, a problemas de género? Varinia Brodsky responde: “En la muestra, es la museografía la que va a comunicar contextos. El tema de género aparece dentro de un contexto más amplio, entendiéndolo dentro de una sociedad estadounidense que funciona con un doble discurso: acepta y fomenta la cirugía plástica y la remodelación del cuerpo sobre la base de los códigos de la belleza, mientras que el lenguaje transexual y las operaciones de cambio de sexo son considerados extraños y terribles”.

DAVID LACHAPELLE, FOTOGRAFÍAS 1984-2013 FECHA: Del 29 de julio al 27 de septiembre LUGAR: MAC Parque Forestal DIRECCIÓN: Parque Forestal s/n, Santiago ENTRADA: Gratuita

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ACT U A L I DA D

Felipe Llona, de la serie Fachadas, 70 x 90 cm.

Fotografía peruana en Chile

LA ARISTA DEL TIEMPO Entre fotografía, ciudad y recuerdos, seis artistas peruanos llenan los pisos de Artespacio en el mes de julio. Usando la fantasía y la realidad, sus obras nos permiten vislumbrar un mundo lleno de diversos intereses.

Por Ernesto Muñoz / Chile.

Imágenes cortesía de galería Artespacio.

L

a importancia de la fotografía peruana tiene gran relevancia en el ámbito de la cultura visual, lo que se comprueba a través de la colección del Museo de San Marcos, del Museo de Arte Contemporáneo, y el prestigioso Museo de Lima, donde la fotografía ocupa importantes espacios. Es por esto que dentro de las actividades organizadas por la galería Artespacio, con motivo de sus 20 años, han decidido realizar esta muestra. En palabras de las directoras María Elena Comandari y Rosita Lira: “Dentro de las actividades que tenemos está esta interesante exposición de fotografía peruana. Son grandes artistas, fotógrafos de gran calidad, reunidos por el curador y crítico de arte Ernesto Muñoz. Este último presentó el proyecto y lo acogimos inmediatamente por la excelencia artística, la que podrán ver desde el 11 de julio en el segundo piso de Artespacio”.

Los artistas, que traen más de 15 obras visuales, son Luis Martín Bogdanovich, arquitecto que investiga

maestros del arte

Sonia Cunliffe, detalle de Sojo 1, 2014, fotografía digital, impresión digital, papel Baritta, 130 x 170 cm.

sobre los recuerdos de una ciudad llena de contrastes; Cristian Fuchs, que habla de la historia de sus vivencias llevándonos a recorrer costumbres casi centenarias, con un brillo inigualable; José Carlos Orrillo, luchador incansable de raíces precolombinas y de las investigaciones de conservación de nuestro planeta; Silvana Pestana, quien sorprende con su desarrollo de luces y sombras, y que junto a Sonia Cunliffe hacen un trabajo increíble sobre reforma agraria. Además, Sonia trae, por su parte, una fotografía llena de certezas en busca de recuerdos que se unen al tiempo actual, y Felipe Llona, quien como un vouyeur no va en búsqueda del detalle, sino de una lección de luces que se apoderan de diversos edificios.

“El principal objetivo de esta exposición colectiva es poder compartir con el espectador un poco más acerca de la imagen y la fotografía contemporánea peruana, junto a un grupo de talentosos artistas – señala Felipe Llona– En tal sentido, no existe nada

Luis Martín Bogdanovich, detalle de "Lomas de Lúcumo", de la serie Paisaje Sublime, 2013, fotografía digital.

que lograr, sino simplemente extender un puente visual entre artistas peruanos y espectador chileno que no es ajeno a la realidad Latinoamericana, ni al latido unísono de nuestros pensamientos y emociones”. Por su parte, Sonia Cunliffe, considera que esta exposición le servirá para “hacer trascender mi obra, tocando un tema común para Latinoamérica como es el de la Reforma Agraria y sus efectos en las distintas realidades”.

“Con esta exposición esperamos mucha audiencia, creemos que es muy importante e interesante mostrar obras de artistas extranjeros para conocer lo que pasa en fotografía en otros países y, conociendo el buen nivel que tienen los artistas peruanos, hicimos una buena selección. Esto tiene que ver con mantener una relación de intercambio cultural, abrirse al exterior para llevar artistas nuestros y al mismo tiempo traer artistas del extranjero”, señalan las directoras de la galería.

De esta forma, dentro de las actividades que tienen presupuestadas para celebrar sus 20 años, la galería también realizará un libro que “da cuenta de lo que ha pasado en el arte en Chile y en el extranjero en estas últimas décadas, además de estudios sobre diferentes temas que atañen al arte contemporáneo. También realizamos un concurso llamado: Artespacio Joven-BBVA, al que se han presentado más de 250 artistas (pintores, escultores, fotógrafos y grabadores) –señalan María Elena y Rosita– Además, tendremos a los escultores Luis Inostroza, Cristina Pizarro y Francisco Gazitúa, y algunas colectivas de varios artistas”.

LA ARISTA DEL TIEMPO FECHA: Del 11 de julio al 8 de agosto LUGAR: Galería Artespacio DIRECCIÓN: Alonso de Córdova 2.600, Vitacura

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E N T R E V I S TA

José Darío Gutiérrez, coleccionista y gestor cultural

“LA EXPRESIÓN ARTÍSTICA SIEMPRE ES CIRCUNSTANCIAL Y TIENE UNA INTENCIÓN POLÍTICA” Las mezclas culturales y su influencia en el mundo contemporáneo. Esa es la gran problemática que aborda Proyecto Bachué, una plataforma colombiana que juega con la tradición y las expresiones contemporáneas para generar una reflexión en torno a la identidad.

Por Daniela Sánchez M. / Chile.

Imagen cortesía de Antonio Castles.

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n Colombia existe la leyenda de La Bachué, diosa generatriz de los indios Chibchas, que inspiró la obra del escultor colombiano Rómulo Rozo, en 1925, y que se convirtió en la primera obra de arte moderno colombiano.

El Proyecto Bachué, bautizado en honor a este mito, surgió a partir de dos intereses: las artes plásticas y audiovisuales, y el rescate de los valores del pasado.

“La idea es promover la revisión de la historia del arte colombiano como un proceso complejo”, explica el impulsor de esta iniciativa, José Darío Gutiérrez, abogado y coleccionista por más de 30 años.

Esta plataforma se enfoca en los procesos históricos de Colombia y en las reflexiones que surgen de su estudio, además de plantearse como una vitrina para las expresiones artísticas contemporáneas, la investigación y la curaduría, pero también se configura como un espacio de acopio y conservación, con una colección de obras de los siglos XIX, XX y XXI. ¿Cómo concibe el coleccionismo hoy en día?

Entiendo el coleccionismo, particularmente el pri-

vado, como el cumplimiento de la responsabilidad de preservar aquellas trazas que las instituciones no alcanzan, o que no ven, o no quieren ver. Se trata de una labor necesaria y complementaria para la debida preservación de la memoria. Aún en circunstancias ideales en las que un museo nacional o unos museos de arte moderno o contemporáneo oficiales o institucionales, e incluso los sobrevinientes museos de la memoria, hagan cumplidamente su labor, es absolutamente necesario un coleccionismo privado independiente y, aún elemental, que asegure la conservación de rastros diversos no atados a ningún guion oficial.

De acuerdo a la propuesta del Proyecto Bachué, ¿cuál es su diagnóstico respecto del arte que se está produciendo en América Latina?

Creo que está cerca el día en el que abandonaremos esa preocupación, o esa necesidad, de circunscribir la producción artística a un lindero territorial y entraremos a valorar y validar las propuestas de los artistas en términos de equivalencias solo matizadas por las circunstancias de tiempo, modo y lugar. Yo no veo mayores diferencias entre lo que hoy se hace en Chile o en otros países. Así, en mayor o menor grado, la

respuesta del artista de hoy se da frente a inquietudes equivalentes y creo que esto explica el reciente interés por las producciones artísticas que se dan más allá de los grandes centros. Los artistas de hoy se han formado en un ambiente abierto y con acceso directo e inmediato a la información. Son artistas de la era cibernética que se mueven en un ecosistema total de modo que no tienen fronteras o límites. ¿Cree que el arte contemporáneo debe preguntarse por la identidad latinoamericana?

Definitivamente sí, pero no en términos de un nacionalismo moderno tipo años 20 o 30 del siglo XX, ni tampoco como una exaltación de raíces o arraigo territorial. No creo en el arte puro ni en la abstracción como concepto absoluto, toda manifestación tiene una intención expresiva. Y la idea de buscar una “identidad latinoamericana” invita a la identificación de conexiones y de sucesos históricos resultantes de nacer y vivir en un territorio que “apareció”, o se “descubrió” de pronto, y que cada país o “nación” ha resuelto de la mejor manera que ha podido, pero que en cada lugar aún denota la falta de soluciones que incluyan a la totalidad de sus habitantes. Eso me hace pensar que

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luego de más de 500 años no terminan los procesos de conquista y colonia, y esa es una cuestión que hay resolver si queremos llegar a un nivel de civilización. ¿De qué manera la historia de un país determina su producción artística?

El resultado de la labor del artista en general, así como el pensamiento del intelectual o de la persona corriente, es totalmente circunstancial. Tratándose de procesos elaborados o “conceptualizados”, lo que se intenta es establecer una distancia que permita un deslinde con el momento, o con lo local, y entonces marque los procesos y las direcciones de éstos, es decir, deje entrever hacia dónde vamos. Ese sería el aporte del arte, en cuanto manifestación material, en cuanto rastro de lo que está sucediendo, insumo decantado o documento útil para las lecturas o revisiones futuras. ¿Cree que el arte latinoamericano contemporáneo ha olvidado sus raíces?

En cuanto se trate de una práctica reflexiva y consciente es imposible que el arte, así, a secas, pierda sus raíces.

La expresión artística siempre es circunstancial y tiene una intención política, y eso la hace vernácula.

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LIBROS AL LÍMITE

RECOMENDADOS AAL Robert Doisneau es uno de los fotógrafos más reconocidos del siglo XX. Retrató a personas comunes, en situaciones cotidianas, con una mirada que les otorgaba una profundidad y belleza inigualables.

Jean Claude Gautrand, autor del libro, conoció y compartió personalmente con el fotógrafo, por lo que su aproximación, estudio y comprensión de la obra considera una relación más profunda con ella. Además, las hijas de Doisneau, le permitieron el ingreso al taller, en el que se descubrieron fotografías y negativos nunca antes vistos, lo que permitió que se les catalogara, construyendo así un panorama más completo y coherente de su trabajo.

El libro presenta una selección de fotografías en alta calidad y textos escritos por el propio Doisneau, que ayudan a contextualizar cada momento de sus procesos creativos. Junto a una revisión cronológica de la obra, que permite adentrarse en las diferentes temáticas exploradas durante su vida: desde sus primeros años, hasta su época

Los Mundos de Krahn es un libro monográfico dedicado a la obra de Fernando Krahn, uno de los caricaturistas más destacados de Chile, que falleció en febrero de 2010. Este artista colaboró y publicó en grandes medios de Estados Unidos y España, como New Yorker, Esquire, La Vanguardia y El País, entre muchos otros.

Fruto de un trabajo de investigación y recolección que comenzó en 2009, Los Mundos de Krahn quiere dar a conocer sus dibujos a las nuevas generaciones y mostrar su evolución artística, tanto en la técnica como en las temáticas que le gustaba trabajar. “El proyecto de preparar un libro con patrocinio estatal [Fernando Krahn] lo vio como un reconocimiento oficial que creía merecer, una oportunidad de atenuar su ausencia en su propio país”, señala en el prólogo Andrés Borlone.

Desde sus primeras publicaciones en la revista femenina Eva, los dibujos de Krahn evocan esa época en que la

sección de caricatura era la más codiciada: a través de las anécdotas y la ironía retrataba la idiosincrasia chilena, entregando esa necesaria dosis de humor diaria.

La selección de ilustraciones que entrega este libro hace un recorrido cronológico por sus distintas etapas, incluyendo textos de Miguel Rojas Mix y Armanado Uribe, entre otros testimonios, entrevistas y documentos que conforman una completa bibliografía, la que ayuda a entender y acceder a los múltiples mundos de lápiz grafito hechos por Krahn.

Daniela Sánchez M. / Chile LOS MUNDOS DE KRAHN AUTOR: Andrés Borlone (editor) EDITORIAL: LOM Ediciones AÑO: 2011 PRECIO: $ 24.000

de fotógrafo en Vogue donde retrató a diferentes artistas, así como la vida en París en la que encontraba personajes y lugares que no aparecen en las guías turísticas. Siempre con una mirada cómplice, un toque de humor y cercanía, sin perder la noción de la realidad circundante.

Este es libro, con más de 400 fotografías, representa uno de los corpus documentales y gráficos más completos sobre Robert Doisneau, en el que se puede revisar su obra más clásicas, junto a imágenes desconocidas y trabajos a color.

Francisca Castillo / Chile

ROBERT DOISNEAU AUTOR: Jean-Claude Gautrand EDITORIAL: Taschen AÑO: 2014 PRECIO: $ 59.800

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