Periódico Arte Al Límite Nº 96, Septiembre de 2013

Nº 96 SEPTIEMBRE 2013

SANTIAGO DE CHILE

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COPIA FELIZ DEL EDÉN Septiembre, mes de la patria. Chile se adorna y prepara con días de anticipación para su aniversario.

El arte participa de esta fiesta y rescata lo que de las conductas urbanas del siglo XXI se aleja.

CHACO

EL ARTE DE HACERSE RICO

Entre el 26 y el 30 de este mes se lleva a cabo la feria, que celebra este año su quinto aniversario.

Ganan millones de dólares. Artistas maestros de la creación, manufactura, imaginación y el dinero.

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EQUIPO

Ana María Matthei directora • Ricardo Duch director • Cristóbal Duch asesor comercial • Catalina Papic directora de arte Camila Duch proyectos culturales • Kristell Pfeifer editora general • Paulina Sepúlveda encargada de prensa • Andrea Rodríguez marketing Francisca Wiegold diseñadora gráfica • Josefa Parada diseñadora gráfica • Javiera de la Fuente practicante de diseño Natalia Vidal practicante de periodismo • Camila Pantoja practicante de periodismo Ernesto Muñoz crítico y asesor de contenidos • Ennio Bucci crítico • Enrique Solanich crítico • Pedro Labowitz crítico Benjamín Duch asesor • Jorge Azócar asesor • Ignacio del Solar asesor • Julio Sapollnik asesor Lucía Rey profesora de artes plásticas, magíster en teoría del arte • Valeria Solís periodista y escritoria Soledad Cabello periodista • Claudia Montecinos estudiante de periodismo Maite Gallego Gestora Cultural • Bernardita Garib escritora y artista • Carolina Bravo periodista

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EDITORIAL

E

l robo y posterior recuperación de las dos litografías de

iniciativa sea una motivación para que otros coleccionistas privados

Damien Hirst de la muestra Juan Yarur: Un relato personal en

también den a conocer públicamente sus acervos, en vez de generar

el MAC no pasó para nadie desapercibido. Lamentablemente,

recelo y miedo a exhibiciones de esta envergadura.

ha sido una de las noticias relacionadas al mundo del arte más difundidas y comentadas durante el año. Un acontecimiento que

También en este número hemos querido ahondar en nuestras raíces y

opaca la movida agenda cultural del momento, con exposiciones

entender cómo el arte se relaciona con nuestra idiosincrasia, costumbres

de artistas de renombre en distintos museos de la capital y la

y cultura. En un mes donde todos celebramos ser chilenos y pertenecer

preparación de la quinta versión de Chaco.

a este recóndito rincón del mundo, afloran también nuestros más profundos sentimientos de pertenencia y amor por la tierra que nos

Afortunadamente la muestra fue abierta nuevamente a finales

vio nacer. Aquí el arte se manifiesta como reflejo de la identidad de

de agosto, pero el trago amargo continúa. No es la primera

nuestro pueblo. Artistas que abogan porque los rasgos característicos

vez que acontecimientos de este tipo opacan exhibiciones de

de nuestra cultura sean plasmados y permanezcan así en el tiempo.

envergadura que pocas veces tenemos la oportunidad de ver en Chile. Ya en 2005 hizo noticia el robo de una obra de Rodin

Contrario a esta visión romántica y altruista del arte, presentamos en

expuesta en el Bellas Artes. En otras ocasiones, hemos tenido

esta edición un artículo sobre artistas millonarios. Verdaderos reyes

la oportunidad de ver cómo compatriotas dan que hablar en

Midas que con su firma convierten cada una de sus creaciones en

el extranjero por motivos no más favorables.

artículos de valor con tantos ceros que cuesta contarlos. Creadores que se han convertido en verdaderas máquinas de producción y,

Chile es un país que en términos generales es percibido positivamente

en algunos casos, símbolo del merchandising.

en el extranjero, valoración que nos ha valido un arduo esfuerzo como nación. Sin embargo, acontecimientos como este son sin duda

Destacamos también en este número la quinta edición de Chaco

un retroceso completamente evitable, y el daño que generan es de

que en el mes de la patria se lleva a cabo como uno de los eventos

proporciones. Lo que ha sucedido en el Mac y anteriormente en el

destacados el año en el campo de las artes visuales y que espera

Bellas Artes no hace más que dificultar la llegada de muestras de

reunir a más de 45 mil personas en torno a diferentes creaciones.

relevancia internacional a nuestro país. Esperemos que la exhibición sea recordada por la calidad de sus piezas y no por el triste acontecimiento

Esperamos que disfruten esta edición tanto como nosotros.

que ha hecho noticia los últimos días. Es de esperar también que esta

¡Viva Chile!

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SUMARIO 6. La copia feliz de edén I 12. Artista Emergente: Antonio Alza 14. El arte de hacerse rico I 18. Cada espacio con su arte I 22. Críticas I 26. Panoramas 30. Exposición destacada: Juan Yarur I 32. En el taller: Andrés Hermosilla I 34. Perfilarte 38. Ferias: Chaco, Beijing y Chicago I 44. Artista destacado: Teresa Montero 46. Artista destacado: Antonio Cavagnaro I 47. Frente a frente: Cristóbal Anwandter

18.Cada espacio con su arte Museos que decidieron innovar y modernizarse en su rol, dando el puntapié inicial a la segmentación y especialización de este tradicional espacio.

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30.Juan Yarur: Un relato personal El joven coleccionista exhibe por primera vez en Chile gran parte de su acervo en el MAC.

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REPRESENTANTE LEGAL Orlando Calderón F. • VENTAS info@arteallimite.com, ventas@arteallimite.com SUSCRIPCIÓN marketing@arteallimite.com • FONO - FAX 2 955 32 61 • WEB www.arteallimite.com FACEBOOK facebook.com/arteallimite • TWITTER @Arte_Al_Limite PORTADA Guillermo Muñoz Vera, Cuernos del Paine, 2004, óleo sobre lienzo encolado a tabla, 80 x 100 cm.

IMPRENTA R.R. Donnelley, Santiago, Chile.

Las opiniones vertidas en este medio son de exclusiva responsabilidad de quienes las emiten.

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reportaje

LA COPIA FELIZ

DEL EDÉN Por estos días en el fin del mundo se recuerda ser chileno. Unidos pensamiento y espíritu, levantan la copa y brindan en honor a los cimientos y pilares que fundan el territorio que habitan y la proyección de su imagen: la copia feliz del edén. Con el paso de los años el arte ha hecho lo suyo y registra el afecto, ruptura y evolución de las raíces de nuestra identidad plasmada, guardada y retratada.

Por Natalia Vidal.

Imágenes cortesía de los artistas.

S

eptiembre, mes de la patria. Chile se adorna y prepara con días de anticipación para su aniversario. El asunto que convoca su atención y motiva el lucido brillo de sus días son las raíces del extenso árbol genealógico que cobija, hoy entregadas a un impostergable proceso de hibridez cultural propio de la globalización y el sincretismo identitario. La rudeza de la evolución ha arrinconado las conductas originarias que definen al chileno en esencia y a los países como entes apartados. Pero eso pasa el resto del año, no en septiembre. Hoy, con la historia en la maleta y los cimientos enraizados en el inconsciente colectivo, el arte participa de esta fiesta y rescata lo que de las conductas urbanas del siglo XXI se aleja.

Se celebran 203 años desde la primera junta de gobierno. Se escribe una historia en la que todos, indistintamente, aportan.

“Hay algo que nos une y que puede y debe ser la materia de la que se nutre la consolidación de cualquier nación. Surge aquí un

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• Guillermo Muñoz Vera, detalle de Mar de Antofagasta I, 2003, óleo sobre lienzo encolado a tabla, 122 x 200 cm.

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reportaje

concepto que a muchos resulta molesto, que es del bien público, el concepto de Patrimonio Nacional, que abarca desde lo más tangible y mensurable, hasta lo más efímero e inmaterial”, dice el reconocido pintor nacional Guillermo Muñoz Vera acerca del concepto que abarca el proyecto país.

Muñoz Vera junto a Manuel Ramón Espinosa y otros artistas nacionales participaron de uno de los proyectos emblema de la conservación de la cultura y el arte nacional: murales en las estaciones de Metro. Retrataron lo que supone o pretende ser la imagen del Chile de hoy, entendiendo por imagen al conjunto de conceptos que nos identifican, distinguen y caracterizan en la actualidad, pasando por un pasado que se rescata y que ha ido recibiendo nuevos guiños, incorporando cualidades hasta llegar al “Chile del Bicentenario”.

“Estando rodeados por mar y cordillera, es muy especial la forma en la que nosotros mismos nos vemos. No hay uniformidad, pero pese a eso, nos sentimos unidos por algo”, define el pintor de hinchadas Salvador López pensando en esta algarabía propia de la dinámica de conjunto que él encuentra también en las hinchadas de los estadios. “La gente del norte tiene costumbres distintas a las del sur, pero existen las ganas de participar de una fiesta colectiva”, continúa mientras observa con inevitable atisbo de orgullo su próxima hinchada de fantasía: anónimo y sobrecargado puño de energía popular.

La hinchada más grande del mundo es una melcocha de almas eufóricas y su obra sublime. En ésta, el retrato de un cuerpo compacto, integrado por miles de personas compartiendo una sola emoción, justifica sus palabras y el espíritu de estos días, una réplica de las conductas aisladas que por extensión de costumbre se repiten con gracia y sin intención ante los ojos de quien observa desde fuera el fenómeno conductual chileno.

Loro Coirón es grabador y es francés. No solo se encantó con Chile y se radicó a mitad de tiempo en el lugar, sino también se enamoró de su composición y paisajes confirmando la idea de López. “Luego de estar totalmente seducido por la población de un país, es evidente el querer consagrarle toda su energía. Los pintores de la historia del arte, desde el renacimiento italiano hasta Camilo Mori o Carlos Hermosilla, se han consagrado a su ciudad”, refiere respecto a su experiencia en Chile con gratitud.

El arte criollo retrata el fenómeno de estar en la mira, una sobreposición de representaciones pictóricas descriptivas que pesan sobre los hombros de nuestra imagen país. Los ojos de Loro deslizan el trazo que despierta la mañana de Valparaíso. “Lo que hago, antes que nada, es estar en la calle cada mañana. En general he elegido esta hora y he encontrado mi modelo: la actividad

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humana que abre las luces de una jornada”, cuenta desde la vereda del extranjero que observa con atención.

La percepción artística del proceso evolutivo de la identidad y desarrollo cultural es tanto un espejo como una necesidad narradora de la vida que llevamos. Para Chinchín, fundador de la Brigada Ramona Parra y muralista, la pintura es un vehículo que carga esperanza y positivismo a las masas. “Pintar es llevar color, dar gracias a la vida y transmitir un mensaje a la dueña de casa y al trabajador en general: poder seguir adelante”.

Montados en este transporte, soporte de energía viva, el artista se transforma en principal espectador del regocijo en la vida social y los códigos que rigen dentro de ella dependiendo del territorio en el que se emplace.

La percepción de Tito Calderón respecto del Chile de hoy rescata las imágenes que no se quieren ver. Luego de 33 años de trabajo, el dibujante y grabador, denota un proceso evolutivo que se conduce en sentido contrario: “Chile ha entrado en una etapa de congelamiento absoluto donde no hay un horizonte claro. Según mi percepción eso produce en el inconsciente colectivo un estado de catatonia moral, intelectual, física, psicológica y psiquiátrica que lo que está produciendo en este instante es la comercialización avasalladora producida por los medios”. El blanco y negro en sus trabajos manifiesta una sociedad malgastada y absorta, vivida y a ratos sobreexigida en suburbios, personajes-objeto inmersos en una tendencia que los absorbe y conduce, sin opción, a un destino impredecible sin tener ellos intención de armarlo ni culpa de padecerlo.

La identidad y cultura se construyen colectivamente. Dice Thomas C. Wolfe que la tarea del que escribe consiste en mostrar cómo el contexto social influye en la psicología personal. Visto así, el artista es quien lo plasma. “Creo que hay una cosa media neurótica dentro de las sociedades conservadoras de aferrarse a una noción específica de tradición. Hay que entender la tradición como una cuestión que se está construyendo”, explica el fotógrafo Demian Schopf respecto a la idea de evitar la fusión cultural y conservarlas puras. “En todo momento estamos haciendo historia o la historia está haciendo arte en nosotros. El arte se realiza en nosotros”, continúa el alemán, residente de Santiago.

Demian ha dedicado sus últimas series a fotografiar personajes de las festividades nortinas de nuestro continente entre las cuales se contempla “La Tirana”. La fiesta tradicional es un legado de la cultura Aymara que tiene diferentes expresiones en Perú, Bolivia y Chile. “La visión de tradición me parece bien engañosa. Si uno observa los trajes de esta gente, verá que les han puesto leds, los han transformado y adicionado máscaras que incluso tiran fuego. Algunos tienen bordados

• Manuel Ramón Espinosa, Retrato de Augusto Pinochet, óleo sobre tela, 140 x 90 cms.

• Manuel Ramón Espinosa, Retrato de Bernardo O'Higgins, óleo sobre tela, 140 x 90 cms.

• Manuel Ramón Espinosa, Retrato de Patricio Aylwin, óleo sobre tela, 140 x 90 cms.

• Manuel Ramón Espinosa, Retrato de Carlos Ibañez del Campo, óleo sobre tela, 140 x 90 cms.

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reportaje

de Dragon Ball Z y animación japonesa en los vestidos, una iconografía media asiática metida”, describe Schopf advirtiendo el carácter inevitablemente híbrido que adquieren las sociedades actuales. En esta misma línea, Tito Calderón piensa que en Chile esto ha dificultado conservar la cultura y ha hecho especialmente escaso lo que se retiene. “Chile es una mala copia de Europa”, esgrime comparando la forma esporádica en que Chile recuerda sus raíces a diferencia de países como Argentina, Brasil, Perú o Bolivia en donde el sentimiento patriótico le parece mucho más arraigado.

Un país colorido y en blanco y negro; vivo, intenso o deteriorado; y una arraigada costumbre de los que convivimos en esta época. Es lo más común en la expresión criolla, dueña de un pensamiento nostálgico a ratos y crítico en ocasiones, que habla de un Chile rico en multiplicidad de paisajes: largo, inconexo y por momentos desarticulado. Un Chile sin un eje común que defina los parámetros de una cultura íntegra y delineada. Un Chile estereotipado y arisco con sus orígenes indígenas, pero receptivo a la colonización extranjera en pensamiento.

“Chile, Chile lindo” La ilusión de un país integral se verbaliza desde distintas plazas de la expresión. El ideario colectivo y el sueño excitante de la concreción de frases como el “Chile del bicentenario”, los “chilenos de corazón” y el “más chileno que los porotos” aparece y desaparece gráficamente entre chilenos, extranjeros, inmigrantes y apátridas constituyéndose en un concepto complejo y progresivo a través de las obras que desafían abordar la temática desde la alabanza o la crítica.

“No podemos definir lo que es ser chileno, pero lo podemos intuir.

Eso decía Borges, pero de los argentinos”, dice Demian con una mirada que pese a describirse ajena suena personal y comprometida.

“Cuando llegué a Chile a los 12 años me sentí un poco raro, como alemán en Chile. Lo mismo me pasaba al ir a Alemania: me sentía como chileno en Alemania. Sin embargo, hay algo que no me abandona nunca de los dos lugares y la construcción personal se constituye en mí como una mezcla”. Es el fiel ejemplo de la forma en que Loro Coirón define nuestra patria: “El pueblo chileno es tan variado y amplio, que las riquezas propias de cada origen se mezclan y poco a poco se prepara una maravillosa cazuela”.

Manuel Ramón Espinosa es chileno, ha sufrido una transformación artística a lo largo de su carrera y luego de años retratando a su país, hoy pinta abstracto. El reconocido pintor nacional, autor de los retratos de los presidentes de Chile, lleva su experiencia a la tela. “Me inspiran mis raíces, las costumbres de mi país, poderlas plasmar en mis obras y aportar con ello al patrimonio; muchas veces rescatando

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algo ya perdido. Entonces así, puede ser conocido por la nuevas generaciones”, comenta con nostalgia.

Raíces, cultura e identidad La organización y la tarea de vivir en conjunto normando los espacios, hace dependiente el ser humano del proceder de otro, algo que pertenece a su naturaleza y por consiguiente le es inherente a la raza. Hay algo místico en esa potente razón que hace que cada individuo, dueño de su libertad, busque pertenecer a un todo, sometiéndose en algunos casos para emparentarse, conseguir afecto, aprobación y preocupación.

A lo largo de la historia, el arte se ha encargado de estudiar este fenómeno desde distintos ángulos. “Los primeros híbridos del mundo fueron todas las colonias. Quizá un poco más en Latinoamérica porque se produjo más mezcla. Los colonos españoles llegaron sin familia a diferencia de los ingleses que se trasladaban con sus parientes. Llegaron solos y se fueron mezclando”, explica Natalie Goffard autora del libro Imagen criolla. Es por este motivo que la cultura que conserva nuestro pueblo nace de la mezcla. “La patria es un concepto que para los que hemos vivido más años fuera del país que dentro, se nos va planteando como un sentimiento cada vez más difícil de materializar. Deja de ser un mapa físico y se transforma con los años en un Paraíso Perdido, en mi caso, siendo de la Araucanía, en mi Ciudad de los Césares personal, a veces envuelta en las verdes brumas de esa Patagonia lejana”, declara Guillermo Muñoz Vera en sentido inverso.

El lazo que une a la gente con su patria, raza o nación es un concepto cargado de connotaciones afectivas, no solo da cuenta del carácter gregario del ser humano, sino también de su afán de desarrollar en torno a su gente elementos distintivos que le reflejen y representen, le distingan de los otros y le hagan característico. Se forma cultura, unión y saber.

En parte, para Manuel Ramón es misión de la educación practicar este quehacer. “En las escuelas no se enseña ni practica nada relacionado con el arte, la música, etc. No hay clases especiales para talentos. En consecuencia, los alumnos salen de la universidad sin sensibilidad ninguna: ni para apreciarlo o practicarlo”, reprocha.

Al parecer en la compatibilización de tradición y globalidad está la clave. “Hablar de globalidad me hace pensar en un conjunto de islas y archipiélagos, unas más grandes que otras. Siempre hay una globalidad que tiende a comerse todo, pero también hay focos de resistencia local que incluso funcionan automáticamente”, comenta Demian respecto al tópico inconcluso que cierran estas líneas y contrapone los conceptos que construyen al chileno del siglo XXI.

• Demian Schopf, Diablo de Tropa, 2011, C-Print, 100 x 150 cm.

• Loro Coirón, Nuestro patrimonio del mundo animal presente en el Mercado Cardonal, Valparaíso, grabado con tinta al óleo.

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artista emergente

Un artista de una sola línea

antonio alza Por Maite Gallego Bretón.

Imágenes cortesía del artista.

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l trabajo de Antonio consiste en dibujar. Sus obras tienen un zanjado final de pintura muy determinado y esmaltado, con lo cual se evita la utilización de vidrio en el enmarcado. La técnica que maneja es una variante de la antiquísima “Creta” o “media Creta” y consiste en preparar la superficie para pintar al óleo con agregado de colas y lacas que endurecen. Estos productos se aplican en varias manos con lijados sucesivos entre aplicaciones. De esta forma se genera un grano que atrapa el carboncillo, el grafito y el pastel, pigmentos que el artista utiliza. El riesgo es grande, esta técnica no admite errores. Las superficies no se pueden borrar, cada trazo deja una incisión que permanece indeleble.

Tu obra es talentosa en general, sobre todo en términos de los detalles de los trajes que envuelven a los personajes. ¿Para lograr esta exquisitez te documentas con textos de la historia de la moda o son creaciones que vienen imaginación?

Existe un punto visual donde toda la información mía y del

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• Erostratizacion del Ángel Sustituto, 2013, grafito sobre media creta en madera, 106 X 80 cm.

entorno se reúne. Reconozco ser permeable a lo que ocurre con la moda en el mundo. Constantemente observo a artistas de épocas pasadas y contemporáneas. Admiro todo lo que pasó entre los años ´30 y ´50 en el diseño industrial. Sin ser ingenuo, me empeño día a día en agudizar mi capacidad para crear. Para mí es importante considerar en mi proceso creativo una impronta estética y una conceptual. La solidez del esqueleto ideológico que pretendo para mi obra es algo que me desvela. En general ha sido siempre así, pero sucede que la obra que finalmente se convirtió en mi última exposición me marcó bastante, porque tiene mucho de arquetipo visual, no en vano se llamó El Vestuario Fantástico. ¿Cómo definirías tu obra?

El espectador va a calificar la obra, lo quiera yo o no. También puede suceder que ni siquiera se sienta atraído a manifestarse sobre ella. Lo que sí es seguro, es que no puedo definirla yo porque me perdería en el intento. No sé si es lícito tener una definición de la propia obra, se corre el riesgo de que el ego empiece a operar y eso sí que es asunto

• Eucaristía, 2012, grafito y pastel seco sobre media creta en lienzo, 110 X 150 cm.

serio. Porque después cuesta mucho volver atrás. La labor de crear, al menos en mi caso, es un acto de extrema soledad y honestidad. En general mis esfuerzos en el arte, tienen que ver con que el concepto detrás de la obra sea complejo y admita una representación elaborada y rica técnicamente hablando. Por supuesto que no soy ajeno a lo estético, este es un factor determinante, pero también es una decisión personal y consciente, quiero que la estética sea funcional al contenido. Es necesario trascender al gesto primitivo, complejizarlo y elaborarlo, a los efectos de lograr una factura que esté en sintonía con lo conceptual.

Algunos críticos te describen como sociópata. Al ver tú obra, me da la sensación de que más que odiar a la sociedad, te esmeras en crear una nueva. ¿Puedes comentarme al respecto?

Con el tiempo me he ido acostumbrando a estos comentarios. Hay que ver si quienes los hacen tienen la capacidad de medir el alcance del término. En el caso particular de un crítico que no voy a nombrar, siento que lo hizo como una rebuscada forma de halago. Como sea, es

posible que mi obra de esa sensación y tengo que asumirlo, lo cierto es que mi odio, que es bien escaso, apunta en otra dirección. También es verdad que esta sociedad en la que vivimos no me gusta y si me esmerara en crear una nueva, además del arte, recurriría primero a aspectos como la educación y el incentivo del acto de pensar. Hace falta que la sociedad tenga más conciencia crítica en general.

Al contemplar tu trabajo, no sé si viajar al pasado o al futuro. ¿Hacia dónde debemos emprender camino para introducirnos en tu imaginario?

Definitivamente, al presente. Mi trabajo está atravesado por el aquí y el ahora. Felizmente mi imaginario está anclado al presente, y digo felizmente porque de no ser así estaría hablando de una cuestión patológica en el sentido Lacaniano del término. Indiscutiblemente lo que viene del pasado es fundamental. Para hablar de mi mundo imaginario, debo remitirme a la poesía, la magia, la mística y la música. Me gusta fantasear creyendo que alcanzo a crear un mundo de realismo mágico y personajes paridos en ese mundo.

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reportaje

EL ARTE DE HACERSE RICO Ganan millones de dólares. Son maestros de la creación, manufactura, imaginación y el dinero: repentinos expertos en la reproducción artística y monetaria. La fortuna es cosa de suerte y la que no, de dólares. Los verdaderos artesanos del arte visual y poder adquisitivo contemporáneo, hacen de sus nombres marcas y de sus obras, preciosas y avaluadas joyas del arte.

Por Natalia Vidal.

C

on treinta millones de dólares en el bolsillo el gasto y la inversión nunca son un problema. Por seguro cubre grandes deudas, costea una vuelta al mundo por más de ochenta días, concreta el sueño de la casa propia y consigue la solvencia económica necesaria para invertir y ahorrar asegurando el lujo de una buena vida. La mencionada suma de dinero − codicia de muchos − ha ido a los bolsillos de Koons, Hirst, Murakami y Richter en una sola venta. Todos ellos son artistas que han visto cómo su modesta firma de carnet se transforma en una marca que cuesta en dinero lo que muchos no consiguen en la vida.

Hay en la riqueza una doble connotación que emparenta la definición de solvencia económica y el “valor” inherente sin llegar a juntarlos.

Pensar en la belleza -emparejada con el fin supremo de lo estéticocomo un “valor” indispensable en una obra de arte suena lógico. Sólo en este sentido, ambas acepciones debiesen unirse: la belleza como valor, debiese ser el “grito y plata” del arte, la motivación del coleccionista, lo que adquiere el galerista para sus salones y la sublime aspiración del artista. Si así lo fuera, la producción de selectas obras redundaría en un fundamento razonable a la fortuna de los artistas más adinerados del círculo. Sus destellantes y deliciosos trazos o maquetas, progenitores de

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abundancia, poder adquisitivo y renombre mundial concluirían el círculo virtuoso de los billetes. Pero no siempre ocurre.

La producción masiva y a gran escala ha invadido espacios donde no se vislumbraba ni un asomo de tierra fértil para sus efectos. En 1972 Alexander Gottlieb Baumgarten se aventuró en una de sus publicaciones y definió por primera vez la estética como la “ciencia de lo bello, misma a la que se agrega un estudio de la esencia del arte, de las relaciones de ésta con la belleza y los demás valores”.

Aquí, el filósofo alemán inscribe la estética en la esencia del arte, su sustancia. Por silogismo podría concluirse que mientras más belleza haya en la obra, su adquisición o valor debiese acrecentarse. Esto es consecuente con la amistad que existe entre aquella connotación exclusiva del arte y lo precioso, pero no con la fluctuación de precios y las preferencias del público, parámetros que rigen en nuestros días y que omiten una definición formal al término.

El canal directo a la acumulación de grandes montos de dinero parece radicar en que todos han desechado la segregación elitista del arte, común en la cultura del siglo pasado y han pluralizado los cánones de belleza, incluyendo en ello lo exótico, diverso u original.

• Damien Hirst. Fotografía cortesía de Tate Modern. Publicada en la edición 84 del periódico Arte al Límite.

Se rompe el axioma que suscribe la disciplina solo a intelectuales, relegando al resto del mundo y se amplía el número de interesados.

Los exponentes de este artículo convierten la cultura popular, trabajan con ella, suman sus elementos y la comparten.

propicio para incentivar la producción cultural, sin embargo, termina con la exclusividad, autenticidad y trabajo artesanal y manual que no se ajusta a su implacable criterio de consumo popular.

Jeff Koons: la sonrisa publicitaria

La ruptura del muro que separa ambas esferas, produce acuerdos y negociaciones de artistas con instituciones financieras uniéndose el mundo del arte con el comercio, pues las grandes empresas están interesadas en atraer al público de la manera más atractiva y llamativa posible. La producción a escala y la sociedad de consumo consigue que la cantidad de espectadores aumente exponencialmente, los potenciales compradores se multiplican y el arte se acerca a sectores que antes lo desconocían.

Hoy en día se quiebra el paradigma que le otorga la autoría y confección de una obra a quien le da el nombre. Los grandes empresarios del arte han creado verdaderas marcas en las que se cobijan fábricas con cientos de empleados produciendo la idea que ellos después firman.

La autoría ya es un valor en sí mismo, independiente si cumple o no con los cánones de belleza o los parámetros de calidad que la sociedad ha determinado como propios. El mercado crea el territorio

Quien fuera corredor de bolsa en Wall Street, captador de socios para el MoMA y quizás el primer artista en contratar los servicios de una agencia de publicidad, hoy es una marca por derecho propio. Es común verlo fotografiado con alguna de sus obras de fondo, siempre esgrimiendo la misma sonrisa, recurso claramente meditado para transmitir un concepto de marca. En su fábrica trabajan 120 personas en la manufactura de obras que se configuran desde lo kitsch y la monumentalidad, haciendo hincapié en objetos que se asocian al consumo masivo. El año pasado Christie’s subastó su obra Tulips en $ 33,6 millones de dólares.

Damien Hirst: de lo impactante a lo comercial Una carrera que se enmarca en lo exótico: tiburones en formol, vitrinas con píldoras de colores y la intervención de

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• Retrato de Takashi Murakami con una pequeña escultura. Publicado en la edición 45 de la revista Arte al Límite.

animales y joyería. Hirst es el artista británico más rico de todos. Si bien nunca ha dicho una cifra exacta, su fortuna se calcula alrededor de los $705 millones de euros, cantidad que doblega el patrimonio de músicos como Mick Jagger o Elton John. Dado su historial de excesos y su amistad con el vocalista de The Clash, Joe Strummer, la prensa lo catalogó como el chico malo del arte, apodo que le reportó una prolífica exposición medial. Su empresa, Science Ltd., emplea alrededor de 150 personas que Hirst llama cariñosamente sus obreros. En la manufactura Hirst no toma parte: la ejecución, dice, es secundaria y es en la reproducción de una creación original donde radica el verdadero valor del artista. Su obra For the love of God, una calavera incrustada de diamantes, se vendió en más de $37 mil millones de pesos.

Gerard Richter: el vuelco hacia lo clásico Un caso atípico en esta lista, pues Richter no conoció la fama durante gran parte de su carrera y en tan solo dos décadas ha logrado cimentar un cuerpo de obra extenso y variado que en valor desbanca a Jeff Koons o Damien Hirst: en el

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presente es el artista vivo más cotizado del mundo. Pintor y fotógrafo, su trabajo recorre desde la pintura más clásica al hiperrealismo, pasando por la intervención fotográfica. Así, lo variado de su cuerpo de obra da para que haya un Richter para todos los gustos. Consultados por el motivo sobre la pasión que genera la obra de Richter, los expertos apuntan a que este artista viene a reflejar un vuelco en el mercado: las inversiones comienzan a regresar a lo clásico. Su cuadro Domplatz Mailand fue subastado en $37,1 millones de dólares por Sotheby’s.

Takashi Murakami: el fin comercial La obra de Murakami habla, esencialmente, de la cultura de masas. Su trabajo transita por lo infantil con un estrecho vínculo con la cultura del comic japonés. Su teoría super-falt postula que separar la alta de la baja cultura es una actitud obsoleta. En gran medida fue ese statement el que reforzó la apreciación de su trabajo ya que sus obras, las más vendidas a nivel japonés, se han posicionado en suficientes lugares como para que su presencia en el mercado no decaiga. De todos los artistas aquí expuestos, Murakami es el que más se asemeja

• Romero Britto junto a una de sus obras.

a un CEO de una empresa multinacional, pues su compañía KaiKai Kiki (con filiales en Tokio y Nueva York) tiene una plantilla de 300 trabajadores, la mitad a tiempo completo.

Debido a que su obra ha sido en su mayoría adquirida por coleccionistas, uno puede comprar juguetes de sus esculturas, poleras, chapitas y todo el merchandising de rigor. Sumado a lo anterior, su trabajo en conjunto con eminentes figuras del hip-hop norteamericano le reportan una fortuna que se estima alrededor de los $100 millones de dólares.

Romero Britto: paleta de formatos y abundancia Furia de color y contraste. Figuras cotidianas en las que se mezcla el cubismo y el pop art. Romero Britto ha conseguido hacer fortuna comercializando el arte y llevándolo a todos sus espacios. Su producción y marcado estilo se ha materializado tanto en cuadros como objetos cotidianos pudiendo encontrarlos hoy en galerías y tiendas comerciales sin representar grandes costos. Lo suyo es la producción a gran escala, vende una cantidad abismante de productos a nivel mundial y ha hecho de su marca y estilo una fábrica del éxito y el dinero.

Bruno Covas

Claudio Bravo: adicción por lo bello Se podría decir que Bravo fue de los pocos artistas chilenos, sino el único, en manifestar públicamente la relevancia de sus pinturas en base a su valor. Es más, un renombrado curador dijo sobre él: “No es que yo admire su trabajo, pero sí su actitud. Estuve en su casa en Marruecos y era la casa más bella que he visto en mi vida. Bravo sufría de una adicción por el lujo, por rodearse de cosas bellas”. Sin duda, Bravo fue un pintor de éxito y gran riqueza: cuatro villas en Marruecos y un departamento en Manhattan. Además, junto a Roberto Matta protagonizaron una millonaria subasta de arte latino en Christie’s. Su obra más cotizada es Angelis, la que se vendió por 1,2 millones de euros.

Por último, podríamos mencionar al artista y diseñador Sebastián Errázuriz, que si bien no es millonario -ya que invierte la mayoría de sus ganancias en su trabajo- sus propuestas que destacan por su arrojada naturaleza: ya sea una vaca sobre un tejado en un edificio en el Golf o una grúa pasando por arriba de un trabajador en la feria de arte Ch.ACO, su inclusión como el único sudamericano en la subasta de Sotheby’s Important 20th Century Design da para adelantarse a que pudiera seguir el camino de los artistas mencionados anteriormente.

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reportaje

cada espacio con su arte El museo es un espacio al servicio de todos. Adquiere, conserva, investiga, comunica y exhibe -con propósitos de estudio, educación y deleite- colecciones de toda índole.

Alrededor del mundo existen espacios que han decidido centrar sus muestras en torno a un único eje, dotándose de una sola línea argumentativa que los enmarca y les da coherencia, ya sea a través de la curatoría, la técnica o la temática.

Por Kristell Pfeifer y Natalia Vidal.

Imágenes cortesía de los museos.

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l rol del museo, apetecido y bien mirado para el desarrollo de la sociedad, que en honor a la sustancia, debía innovar o modernizarse. Hoy existen museos especializados en todos los ámbitos, también en las artes visuales, distinguiendo entre ellos un concepto para cada sitio. Cada unidad artística se separa del resto de las disciplinas construyendo una sola línea argumentativa que atiende esta vez a objetivos más concretos. La idea es profundizar: aglutinar y aunar componentes de una misma naturaleza. La inspiración y propósito es el orden y la estructura, madre fundadora de la armonía y coherencia que favorece la atención y la concentración de los asistentes. Museos que decidieron innovar y modernizarse en su rol, dando el puntapié inicial a la segmentación y especialización de este tradicional espacio. En estas líneas destacamos dos casos norteamericanos y uno chileno dignos de revisar y visitar.

National Museum of Women in the Arts Dedicado a la creación femenina Históricamente, las obras expuestas en museos alrededor del mundo provienen en su mayoría de artistas masculinos. Solo el 5% de lo exhibido en E.E.U.U. en muestras artísticas es creado por mujeres.

Todo un avance si se considera que hace 25 años esta cifra no superaba el 1%. El National Museum of Women in the Arts, en Washington, trabaja porque esta cifra sea cada vez mayor.

En 1981 Wilhelmina Holladay fundó el National Museum of Women in the Arts (NMWA) como una forma de reconocer el trabajo de mujeres artistas de distintas épocas y lugares del mundo. Hoy, el museo cuenta con una colección de 5 mil obras de autoría femenina y es el único

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espacio existente dedicado exclusivamente a exhibir los trabajos de este género. Chile es el primer país de Latinoamérica en formar parte del proyecto, a través de la próxima apretura de un capítulo de nuestro país, que tiene por objetivo promover la creación femenina nacional y apoyar su internacionalización. La ex presidenta y actual directora de finanzas del museo, Mary Mochary, conversó con Arte Al Límite sobre los avances y desafíos de la institución. ¿Por qué se hace necesario un museo dedicado específicamente a la producción artística femenina?

Había una tremenda desigualdad en el trato que se les daba a las artistas mujeres. Este museo nació porque su fundadora, Wilhelmina Holladay, estaba en el Museo del Prado y vio una pintura que le gustó mucho. Cuando volvió a Estados Unidos intentó buscar información sobre la artista, una pintora flamenca llamada Clara Peters, y no encontró nada escrito. Cuando murió, la gente se olvidó de ella. Si el rey de España compró sus pinturas, significa que era famosa en su época, pero después no hubo nada más de información. Nadie escribió sobre ella, mientras que sobre los hombres de esa época muchos escribieron. Otra artista, Judith Leyster, también fue muy reconocida en su época, pero luego por ser mujer su trabajo fue atribuido a Van Dyck y otros artistas. Las historias de estas mujeres son sorprendentes, y hay muchas de ellas. ¿Cuáles han sido los grandes logros del NWMA en estos años?

Cuando el museo abrió sus puertas, Janson's History of Art, que es usado en la mayoría de la universidades en E.E.U.U. como el texto base sobre historia del arte, no incluía a ninguna mujer en sus páginas. La señora Holladay habló con el editor e

• Vista de Museum of Latin American Art (Molaa).

incluyeron una mujer. Hoy el libro incluye a una mujer en cada uno de sus capítulos. También tuvimos la primera exhibición de mujeres de la colección del Museo Hermitage en Estados Unidos. Buscando en las bodegas del museo encontraron obras increíbles pero estaban en muy malas condiciones y hubo que restaurarlas. Cuando el director del Hermitage fue al museo preguntó: “¿Son estas nuestras pinturas? ¡Se ven tan hermosas!”. Nunca las había visto. Al año siguiente, fuimos al Hermitage y los cuadros que habíamos restaurado estaban en las paredes. Eso es exactamente lo que queríamos: sacarlos de la oscuridad hacia la luz. ¿Qué significa para el museo tener un capítulo chileno?

Es una alianza que va a apoyar a las mujeres chilenas. Ellas harán en Chile lo que el museo hace en Washington. Esto es, ayudar a promover a las artistas chilenas, generar instancias educativas al respecto y estar en el primer plano de lo que sucede en el mundo del arte hoy en día. ¿Cómo ves el desarrollo del museo en los próximos 10 años?

Uno de las más grandes innovaciones que introdujimos el año pasado fue crear un museo virtual, porque creemos que la mayoría de los visitantes de los museos estarán en Internet en el futuro. Queremos que la gente pueda entrar al sitio y buscar cualquier artista reconocida y saber todo acerca de ella. Hoy en día tenemos una base de 18 mil mujeres artistas contemporáneas de todo el mundo. Creo que esa es nuestra meta en lo próximo 10 años: continuar apoyando a las artistas y que toda la gente de Chile que vaya a Washington conozca el museo.

Molaa Espacio para el arte latinoamericano En 1996 fue inaugurado en Long Beach, California, un museo dedicado exclusivamente a exhibir arte latinoamericano. En uno de los estados con mayor presencia hispana del país, el Museum of Latin American Art (Molaa) busca igualar y abrir espacios de visibilidad para el arte de nuestra región. Idurre Alonso, curadora del museo, explica los lineamientos con que trabaja la institución. ¿Por qué un museo dedicado por completo al arte latinoamericano?

Creo que en nuestro caso especifico, localizados en los Estados Unidos, abre un espacio a un tipo de arte que aunque últimamente forma parte cada vez más de los circuitos internacionales, sigue sin estar en igualdad de condiciones que el arte occidental. Puede resultar problemático el hecho de usar una denominación de "arte latinoamericano" porque aglutina muchos países con historias y movimientos artísticos muy diferentes, pero para nosotros se convierte en una forma de poder dar visibilidad a una región específica. ¿Cuáles son las ventajas que vislumbras de sostener un museo temático?

La diversidad existente en el arte latinoamericano nos abre la posibilidad de realizar todo tipo de exposiciones, desde muestras tradicionales de artistas modernos a exposiciones de artistas jóvenes que investigan nuevas formas de expresión. Al estar enfocados a una sola región, tiene la ventaja de ser un espacio único de nuestro tipo en los Estados Unidos, siendo incluso en algunos casos generadores de exposiciones que aportan a la investigación de arte latinoamericano.

reportaje

• Vista del National Museum of Woman in the Arts (NMWA).

¿De qué manera contribuye el museo con la integración de las artes latinoamericanas?

Uno de los aspectos más importantes de la visión curatorial del museo es mostrar al público la diversidad del arte latinoamericano, rompiendo en muchos casos los estereotipos existentes en el público general de la región. Generalmente se tiende a pensar que está ligado al arte moderno más tradicional. Al mismo tiempo a través de algunas de nuestras exposiciones, queremos generar investigación sobre el arte latinoamericano, aportar al campo que sigue necesitando sumar investigaciones relevantes.

Museo de la Moda La historia desde otro ángulo Bajo la iniciativa de Jorge Yarur Bascuñán nace la Fundación Museo de la Moda, quien al morir sus padres quiso dejar un legado del trabajo de su familia. Nieto de Juan Yarur Lolas, presidente y fundador de Yarur Manufacturas Chilenas de Algodón, Jorge tuvo siempre una cercanía con el mundo textil. En julio del 2007 el museo abre sus puertas en Santiago con una colección de más de 10 mil piezas, acervo que ha ido ampliándose por medio de donaciones y adquisiciones en remates internacionales, llegando a poseer piezas significativas de vestuario, textiles y prendas deportivas, que abarcan desde el siglo V a.C. hasta nuestros días. El gerente general del museo, Gabriel Basso, cuenta sobre los logros y desafíos de la institución. ¿Cuáles son la ventajas de contar con un museo de una línea y temática específica por sobre los museos comunes?

Todos los museos tienen su orientación, lo que los hace igualmente valorables en su quehacer. Particularmente, el ser

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un museo temático nos ha facilitado poder cumplir nuestra misión de mostrar la moda como un elemento representativo de la sociedad y parte del patrimonio cultural. ¿Cuáles han sido los logros del Museo de la Moda?

El Museo de la Moda lleva abierto al público un poco más de 6 años. En esta corta trayectoria, estamos orgullosos de poder decir que albergamos una colección de más de 10 mil piezas, que van desde el siglo V a.c. hasta nuestros días, con prendas de un valor histórico incalculable, además de famosas prendas de personajes como Michael Jackson, Madonna y Arnold Schwarzenegger, entre otros. Hemos montado nueve exhibiciones, que dan cuenta de diferentes períodos y temáticas.

Podemos decir además que nuestro equipo de trabajo es del más alto nivel, con profesionales especializados en áreas de registro, restauración, curaduría, conservación, adquisiciones y documentación. Además, tenemos un área educativa y de extensión cuya finalidad es fomentar el acercamiento entre la comunidad y nuestra institución. ¿Cuáles son los próximos desafíos para el museo?

Estamos trabajando en nuestra próxima exhibición, las que siempre son un desafío en cuanto a mostrar el vestuarios desde una nueva perspectiva histórica y así poder encantar al público con una mirada diferente de la moda. A su vez, estamos trabajando en un proyecto de Museo del Fútbol, que esperamos que se concrete en el 2014. Pero no tenemos fecha específica, ya que depende de muchos factores, entre ellos, que estamos buscando socios estratégicos que quieran sumarse a esta iniciativa.

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Crí ti ca

Por Pedro Labowitz Crítico de Arte Miembro de AICA

GRABADOS DE RENÉ MAGRITTE (1898-1967) En el Museo Ralli » Imagen cortesía del Museo Ralli.

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l Museo Ralli –lamentablemente insuficientemente conocido por el público santiaguino– presenta una serie de litografías de su colección del famosísimo surrealista belga. Su obra mejor conocida es probablemente un pequeño óleo de una pipa con el texto incorporado “esto no es una pipa”, que llama la atención sobre la débiles conexiones entre la palabra, el lenguaje y la realidad. La muestra lleva por título El pintor del misterio.

En los grabados expuestos podemos admirar una vez más el extremo realismo del artista en los detalles de sus obras y sus conexiones irreales, fantásticas, lo que ha sido llamado “realismo mágico” y que comparte con artistas surrealistas como Giorgio de Chirico. Así se dan aquí Le chateau des Pyrrenées: una gran roca irregular con un diminuto castillo pétreo en su parte superior está a punto de caer al mar.

Todos los detalles están ejecutados de una manera nítida, absolutamente fehaciente, naturalista, pero que en su conjunto nos lleva al reino de la invención fantástica.

Lo mismo puede afirmarse de aquellas casas nocturnas, iluminadas apenas por un farol, con ventanas de las cuales surge la luz artificial del hogar. Sobre estas escenas se ciernen cielos claros diurnos, plenamente azulinos y con nubecillas blancas.

En diversas litografías la superficie de un objeto, tal como existe en la vida real, se repite -ahora artificialmente- en otro: por ejemplo, cuando las hojas de unos árboles se repiten exactamente en el cuerpo de un pájaro que los sobrevuela.

• Le Fils de l´homme, 1965, Litografía, 78 x 58 cms.

EXPOSICIÓN Magritte: El Pintor del Misterio.

En fin, el campo creativo de Magritte y su capacidad de sorprendernos parecen inagotables. Desde hombres impecablemente vestidos que caen cual gotas de agua a un patio urbano hasta aquel varón elegante con una manzana verde en lugar de su nariz. En cada hoja expuesta nos sorprende y al mismo tiempo nos divierte.

LUGAR: Museo Ralli.

DIRECCIÓN: Alonso de Sotomayor 4110, Vitacura.

FECHA: Hasta junio de 2014.

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Es una visita para gozar. En salas adyacentes se exponen, además, litografías de alta calidad de otros artistas surrealistas, entre ellos L. Carrington, W, Lam, R, Matta, G. de Chirico, Joao Miró o Man Ray.

Crí ti ca

Por Ernesto Muñoz Crítico de Arte Miembro de AICA

PAÍS SONHADO Artistas chilenos en Sao Paulo » Imagen cortesía de Fernando Balmaceda.

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l Memorial de América Latina ubicado en el Barrio Fundar de la ciudad de Sao Paulo, edificio emblemático de la urbe diseñado por Oscar Niemeyer, se realiza la exposición de artistas chilenos titulada País Sonhado.

Para realizar este proyecto de dos años de preparación, se convocó a 18 artistas que trabajan en torno a la fotografía, instalación, performance y pintura en un contexto contemporáneo que se establece en la invitación que el Memorial concretó.

Como curador de la muestra pongo en el tapete la idea de mescolanza latina, de cruces de posturas estéticas que están avaladas por un soporte de búsqueda de otra realidad de la circundante. La exposición se eleva a un plano de investigación, donde los discursos aluden a los cambios estéticos y sociales que vive nuestro país y su lugar en el Continente-Sur. El eje hombre-naturaleza se nutre con las fotografías de Fernando Balmaceda, poniendo en visibilidad la presencia de los nuevos ciudadanos frente al llamado de la naturaleza que presenta la obra de Rodrigo Bruna al hablar de las ondas sísmicas.

Hernán Gana nos presenta esas ciudades matrices impuestas alterando el paisaje. Lorenzo Moya, eximio pintor, aparece en esta muestra trabajando la fotografía en una obra donde se explaya su creatividad. El trabajo de Amelia Errazuriz recoge la deconstrucción grabada en cobre, soporte económico de Chile.

• Fernando Balmaceda, Sin título, 2011, fotografía digital, 20 x 30 cm.

La presencia de nuestras etnias y su eco real abandonado comparece con la performance de Francisco Ríos. La presencia de lo íntimo y de género lleva la obra de Catalina Mena, donde se une con Carolina Goltra, transgresora en transposición de materiales.

El juego plástico renovado con símbolos y cambio de lenguaje va con Pedro Tyler, Carlos Edwards se desliza con juegos revelando cruces donde acude. A mover lo inmóvil se avoca Denise Blanchard, dando relevancia a lo mínimo del terreno del mundo doméstico; mientras con sus recuerdos Cecilia Juilleart traspasa imágenes infantiles.

Nuestra memoria ciudadana sirve a Ángela Wilson para recorrerla con efectos de ilusión. Ahí, Catalina Prado nos lleva a nuestra idea de país con un recorrido histórico geográfico, haciendo obra inherente a lo nuestro. Cristian Velasco nos da un recorrido con una manta que une el campo de lo prehispánico con nuestra

actualidad. Aparece Mayte Izquierdo deslumbrando con color, donde por oposición trae el no-color de su discurso María José Mir. Un dúo lleno de poesía. Paula de Solhiminac trae en ese recorrido una definición de plástica de color en juegos visuales inesperados.

Ese es país soñado, una tarjeta diferente de nosotros.

EXPOSICIÓN PAÍS SONHADO • xxxxxxxx xxxxxxxxxxxx.

LUGAR:xxxxxxxxxxxxxx, Galería Marta Traba, Fundación Memorial de

América Latina.

DIRECCIÓN: Av. Auro Soares de Moura Andrade, 664, Barra Funda, São Paulo, Brasil.

FECHA: Del 1º al 30 de septiembre.

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Crí ti ca

Por Ennio Bucci Abalos Licenciado en Teoría e Historia del Arte y Estética Miembro de AICA

ARTISTAS CHILENOS EN NUEVA YORK » Imagen cortesía de la artista.

La promoción de artistas americanos será siempre un buen incentivo para la integración de las artes y el mundo. Nueva York aporta con este propósito cada año y este, 10 chilenas tendrán la oportunidad de lucir sus cuadros en el Ágora Gallery.

Levantando el vuelo, las artistas nacionales llegarán a difundir el resultado de su emergente trabajo a tierras extranjeras.

• Aqua, de Natalia Garretón, óleo sobre tela, 80 cm. de diámetro.

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a galería Ágora es un espacio destinado a promover y difundir la obrade artistas internacionales de Latinoamérica y Estados Unidos, cuyo propósito es ofrecer obras de arte a coleccionistas de cierta envergadura y a aquellas personas que tienen interés en el arte y están organizando su colección. De este modo, organiza una exposición anual titulada Masters of imaginations donde participan nuevos artistas.

Con esta actividad motiva e incentiva el interés por el arte. La labor que desempeña galería Ágora es significativa pues muestra valores jóvenes y artistas de carácter internacional; ejemplo de ello es la participación de diez artistas chilenas que participan en la muestra.

Señalaremos algunos nombres: Pauline Cristi, Natalia Garretón, Bernardita Garib, Magdalena Errázuriz, Constanza Villalba y junto a ellas, también están presentes artistas de toda Latinoamérica.

La artista Bernardita Garib señala lo que ha sido su experiencia en esta muestra: “Para mí es importante y decidí participar porque

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lo que propone la galería es abrir una ventana para poder difundir mi obra fuera de Chile; además, estar con mi obra en Nueva York es enriquecedor; me permite conocer nuevos circuitos de arte y tomar contacto con el trabajo de otros artistas, me potencia en futuras propuestas para enfocar mi obra”.

La propuesta de la Galería Ágora es fundamental y destacable, ya que con su actividad promueve el coleccionismo, organiza muestras de carácter internacional y permite que se generen nuevos circuitos de arte donde se difunda la obra de los artistas y se descubran nuevos valores artísticos.

EXPOSICIÓN MASTERS OF IMAGINATION: THE LATIN AMERICAN FINE ART EXHIBITION Lugar: Agora Gallery, NY, Manhattan, USA. Dirección: 530 West 25th Street, New York.

Fecha: Del 10 de septiembre al 1º de octubre.

Por Enrique Solanich S. Magíster en Teoría e Historia del Arte Miembro de AICA

Crí ti ca

SOBRE ANTON BIRKE ORAC » Imagen cortesía de Paul Birke.

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a fallecido en el mes julio pasado Anton Birke Orac (Santiago 1945- Ib.2013), diseñador gráfico, fotógrafo, publicista y coleccionista, con estudios en los años sesenta en la añorada Escuela de Artes Aplicadas de la Universidad de Chile, llegando a ser Presidente del Centro de Alumnos respectivo.

Su deceso es solo consignado dos días después, en escuetas líneas, por un matutino que dispone de extensas páginas para reseñar el cotidiano cultural. El resto ni una nota. Ni una mención. Ni una línea.

En la andadura del paso a paso de una producción de arte y la consiguiente puesta en valor, concurren un repertorio de oficios y funciones, todos roles que asoman en niveles de acotadas y claras responsabilidades. Las luces suelen iluminar a los que ocupan el primer plano, los protagonistas -en el caso de las exposiciones: los artistas visuales- y opacar a quienes laboran desde la trastienda, en la elaboración de lo que se llama papelería, que incluye como mínimo carteles, catálogos, invitaciones y, a veces, montajes. Esa es, en parte, la recatada faena que asume Anton Birke Orac.

Cabe hacer notar que en su desempeño profesional, extendido por cuarenta y cinco años, cumple una labor variada y fecunda, atendiendo la necesidades de empresas y clientes muy diversos, pero la tarea de resonancia, que lo estimula al máximo y le ofrece la ocasión de satisfacer su ansia generosa y colmar sus mejores inquietudes estéticas, es vertida para la comunidad de artistas visuales, palpable en la realización de innumerables diseños de catálogos y libros de arte de calidad y méritos indiscutidos, al punto de ser reconocidos por especialistas exigentes. En cada oportunidad que es requerida su colaboración, sea por los mismos artistas, galerías de arte y museos,

asume la tarea con afabilidad, esmero y diligencia sorprendentes.

Granjeado de la estima recíproca, puede, además, armar una colección de arte contemporáneo de primera categoría en la que priman las obras sobre papel en dibujo y grabado, conjunto de cifra invaluable.

Mas, sus trabajos superiores, de envergadura encomiástica, se concentran en la edición de los afamados Calendarios de Arte Philips, que por 20 años, en los 80’ y 90’ informan y divulgan en el Arte Chileno, devenido material educativo y de consulta sustantivo que, a posteriori, se incorpora al Portal del Arte, sitio en Internet que cuenta con variadas secciones y apartados, sobresaliendo como fuente documental las mismas publicaciones anteriores; cerca de 300 biografías actualizadas de artistas nacionales destacados; un vasto diccionario de términos de arte; una agenda cultural diaria, capitalina y regional; entrevistas consulares y, recorridos virtuales por esculturas y monumentos públicos significativos de la ciudad de Santiago.

El acopio mayúsculo de datos y conocimientos es dispuesto a miles de usuarios, de preferencia los alumnos del sistema escolar, amén de los estudiantes universitarios de artes visuales que lo visitan en número elevado y creciente.

Esa silenciosa labor pública, constante y anónima, financiada de su peculio, al servicio de la educación estética de la sociedad chilena, lo mantiene ocupado con entusiasmo rebosante y merece destacarse como aporte privado más rotundo y consistente habido en el medio local.

Tal esmero no debe ser silenciado por las páginas del periodismo y menos desechado por los organismos culturales estatales.

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Panoramas del mes EXPOSICIONES La muestra está compuesta por una serie de pinturas de acrílico sobre lino y una serie de dibujos, todas obras inéditas desarrolladas por la destacada artista entre el 2012 y 2013. En éstas, la mirada plástica es cada vez más concreta y decidida, estableciendo en su trabajo un testimonio biográfico.

A través de pintura, grabado y dibujos, la trayectoria artística de Roser Bru ha dejado una huella imborrable y testimonial.

Obra Reciente, de Roser Bru

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Hasta el 3 de octubre D21 Proyectos de Arte Nueva de Lyon 19, departamento 21, Providencia www.departamento21.cl

Del 7 de septiembre al 6 de octubre CASAS DE LO MATTA

Hasta el 28 de septiembre DIE ECKE

Hasta el 28 de septiembre GALERÍA ANIMAL

2 de la puente colgantes, de Francisco de la Puente Olckers y Nicolás de la Puente Polloni

Arquitectura y Amistad, de Felipe Mujica y Johanna Unzueta

Abril, de Emma Malig

Reuniendo las obras más representativas de ambos, el hijo hace un homenaje póstumo al padre. Pese a que compartían un parecido físico y la pasión por el arte, esta exposición refleja cómo se diferenciaron a través de su particular forma de representar el mundo en la tela.

Como delata el título, la exposición busca trabajar y unir dos conceptos rara vez contrapuestos: arquitectura y amistad. La muestra es parte de un proyecto mayor de colaboración entre ambos artistas, el cual se desarrollará casi todo el año 2013 y que se organiza entorno a cinco etapas.

La artista chilena, radicada fuera de Chile desde mediados de los ’80, presenta sus últimos trabajos relacionados con el mes de abril, la luna, los astros y luces del cielo.

Av. Kennedy 9350, Vitacura www.vitacura.cl/vitas/home/21/casas_ lomatta

José Manuel Infante 1208, Providencia www.dieecke.cl

Av. Nueva Costanera 3731, Vitacura www.galeriaanimal.cl

Santiago

El destacado del texto corresponde al autor de la imagen que acompaña. * Las imágenes de las obras publicadas son detalles de la original.

panoramas del mes

Hasta el 29 de septiembre CORPORACIÓN LAS CONDES

22 de agosto al 26 de septiembre GALERÍA MACCHINA

Hasta el 18 de septiembre GALERÍA PATRICIA READY

Sadhus, de Beatrice Velarde

Ensayo de materiales, de Mario Soro

Voces del Agua, de Ismael Frigerio

La reconocida fotógrafa peruana inaugura su muestra con una peculiar mirada a un grupo de ascetas hindúes, que han decidido dejar atrás las ataduras materiales para seguir el camino de penitencia y austeridad que los lleva a la iluminación.

Esta exposición del connotado artista y profesor Mario Soro revisa los últimos 10 años de su extenso trabajo visual, donde ha desarrollado una constante reflexión en torno a la modernidad, abordada desde un punto de vista histórico y sociológico. La muestra contempla también talleres y conversaciones con el artista.

Inspirada en la Amazonía peruana, la muestra es el resultado de dos viajes por esa zona y una larga investigación que Frigerio desarrolla desde hace varios años. Son 12 pinturas en gran formato, una serie de dibujos y una instalación donde se proyectarán imágenes que registró durante su travesía.

Av. Apoquindo 6570, Las Condes www.culturallascondes.cl

Campus Oriente UC, Av. Jaime Guzmán Errázuriz 3300, Providencia www.galeriamacchina.cl

Espoz 3125, Vitacura www.galeriapready.cl

Hasta el 13 de octubre MAVI

Hasta el 14 de septiembre SALA BLANCO UC

Hasta el 30 de septiembre MONTECATINI.CL

Love and Space, de Magdalena Atria

Series Recientes (2011-2013), de Klaudio Vidal

Folclórico, de Leonardo Sepúlveda

“Esta exposición está conformada por un conjunto de obras que, desde diferentes medios y materialidades, hablan de las múltiples y variadas formas en las que se entrelazan –en el arte y en la vida- las dimensiones de lo ideal y lo real. Las obras remiten al ámbito de los anhelos y los sueños, individuales y colectivos, etéreos y concretos, expresados”, señala la artista.

Esta muestra consiste en una selección de 20 grabados del destacado artista visual, donde se puede apreciar una suerte de paisaje mítico.

Espacios donde la figura humana generalmente es un “cuerpo silueta” que convive con bestias, elementos de la naturaleza o fuerzas invisibles.

En esta exposición Leonardo Sepúlveda presenta doce obras en tela de distintos formatos, que tratan sobre los lugares cotidianos, el lenguaje, los dichos, las comidas, el paisaje y las costumbres de nuestra “cultura campesina”. En estas pinturas llenas de color, atractivas y acogedoras, emplea un estilo popular, cálido, poético y emocional, por intermedio de una visión alegre, espontánea, cercana y familiar.

José Victorino Lastarria 307, Santiago www.mavi.cl

Av Libertador Bernardo O`Higgins 390, Santiago www.extensionuc.cl

Las Condes www.montecatini.cl

www.twitter.com/ARTE_AL_LIMITE

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panoramas del mes

Hasta el 24 de septiembre SWT

hasta el 4 de septiembre SALA DE CARGA

del 5 al 8 de septiembre ARTIUM

Process-Ando, de Marcos Cecchi y Sandra Rider

Colectiva “Límite y Territorio – Privado”

Arte y antigüedades

Marco Cecchi, con su ojo arquitectónico y poético a la vez, entrega su respuesta a este “process-ando” a través de telas plasmadas con vivos colores que sugieren caminos transitados y por transitar. Sandra Rider, por su lado, lo hace con formas escultóricas novedosas y delicadas, que dan cuenta de su recorrido desde la danza al dibujo y finalmente a la escultura.

Con obras de Catalina Tuca, Daniela Montenegro, Jacqueline Anastasov, Tomás Henriquez y videos de Magdalena Cernadas y Pablo Vergara, esta exposción es el producto de la mirada de estos artistas que trabajan en diversos formatos los márgenes de lo privado, en propuestas en las que se piensan y problematizan los espacios íntimos, la vida alrededor de ellos y los objetos.

La muestra, ideal para los coleccionistas de antigüedades y amantes del arte en general, conjugará en un mismo espacio, obras modernas de artistas como Yto Aranda, Carmen Aldunate, Alex Chellew, Gonzalo Cienfuegos, Edwin Rojas, entre otros, con piezas antiquísimas, tales como vitrinas de época Luis XV, libreros, secretaires, chifonieres, peinadores, arrimos y mesas de juego.

Alonso de Córdova 2798, Vitacura http://swtgallery.com

Paseo Cabildo de la comuna La Florida www.saladecarga.cl

Alonso de Córdova 3102, Vitacura www.artium.cl

EXPOSICIONES La artista Viviana Ratul presenta sus últimas creaciones en esta exposición, donde además el día de su inauguración presentará un video sobre telar y luego una charla "conversatorio" entre los asistentes y algunas artesanas donde se explica el proceso creativo de la obra.

obra, video y conversatorio en la muestra de viviana ratul.

Purranque, una historia contada en telar, de Viviana Ratul

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Regiones

3 al 22 de septiembre Av. Vicente Pérez Rosales 1305, Puerto Varas www.galeriabosquenativo.cl

El destacado del texto corresponde al autor de la imagen que acompaña. * Las imágenes de las obras publicadas son detalles de la original.

panoramas del mes

hasta el 22 de septiembre CASA VERDE

hasta el 2 de octubre Centro de Extensión Cultural Alfonso Lagos, Concepción

desde el 20 de septiembre INTEGRADOS / ARTE Y DISEÑO

Expo Colectiva de Invierno 2013

Grabados de Roberto matta, de la Colección MAVI

Colectiva de Artistas Chilenos

Exposición colectiva de invierno, la cual es una excelente oportunidad de ver a los mejores artistas chilenos contemporáneos en una muestra. Entre ellos podemos destacar a Samy Benmayor, Virginia Maluk, Pancha Nuñez, Roberto Matta, Mario Toral, Klaudio Vidal, Guillermo Nuñez, Roser Bru, entre otros.

Esta muestra aspira a redescubrir a Roberto Matta, acercarlo a la comunidad y a la construcción de procesos de aprendizaje, en concordancia con el estilo del prolífico artista chileno. La idea es motivar el interés por ampliar el conocimiento del artista chileno, tanto como experiencia estética como de pertenencia enriquecedora.

Con motivo de la inauguración de este nuevo espacio se llevará a cabo una exposición de pintura, grabado, escultura, decoración y diseño de autor, de artistas como Hugo Marín, Mauricio Guajardo, Paco León, Macarena Yrarrázaval, entre otros como una nueva opción de ver arte en regiones. Además habrá talleres de cerámica ancestral, escultura y otros.

Camino Real 1783, Recreo. Viña www.galeriacasaverde.cl

Isabel Riquelme 479, Chillán www.cecaludec.cl

Carretera E30F Maitencillo

TALLERES Y WEB

Desde el 23 de septiembre ARTCCO UDD Y EL MUSEO DE LA MEMORIA Y LOS DERECHOS HUMANOS

Del 26 de sept. al 19 de dic.

Casa Mora

Desde septiembre TALLER MACAVI DE MACARENA VICUÑA

DIPLOMADO EN ESTUDIOS CRÍTICOS Y curatoriales

Curso de Apreciación: Arte Textil en Chile Historia y Sociedad, II versión

Clases de pintura

ArtCCo-UDD y el Museo de la Memoria y los Derechos Humanos dan inicio al programa Diplomado en Estudios Críticos y Curatoriales, que busca formalizar y fomentar la profesionalización en Chile de los estudios curatoriales y aspira a formar especialistas en el diseño de exposiciones, tratamiento de sus contenidos y comunicaciones en áreas de artes visuales, moda, diseño, arqueología y arquitectura.

Los participantes conocerán la tradición textil de nuestro país, desde las culturas prehispánicas hasta la actualidad. Así incorporarán los conocimientos necesarios para entender el textil, desde sus aspectos formales hasta el significado simbólico de su iconografía.

Durante este segundo semestre, la artista Macarena Vicuña impartirá clases de pintura, veladuras, texturas, aguadas, traspasos fotográficos, color, dibujo, grabado verde, resina en cuadros, mesas, entre otros en su taller MACAVI. Para inscripciones e información al mail contacto@macaviart.cl

Matucana 501, Quinta Normal www.museodelamemoria.cl

Capellán Abarzúa 176, Bellavista santiagoartetextil@gmail.com

Francisco Bulnes Correa 699, Las Condes www.macaviart.cl

www.facebook.com/ar teallimite

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exposición destacada

Un relato personal

juan yarur Las obras están de vuelta al museo y la fiesta continúa. El joven coleccionista exhibe por primera vez en Chile el acervo que comenzó a los 19 años. Obras de Damien Hirst, Gerhard Richter, David LaChapelle y Alfredo Jaar, entre muchos otros, pueden ser vistas hasta el 29 de este mes en el Museo de Arte Contemporáneo. Una muestra que reúne a destacados referentes del arte contemporáneo nacional e internacional.

Por Kristell Pfeifer.

Imagen cortesía de Fundación AMA (FAMA).

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uchos piensan que las coincidencias no existen. Azar o no, fue una serie de eventos desencadenados lo que permitió que la colección de Juan Yarur (29) fuera a parar al MAC. Una muestra que no ha pasado desapercibida. Hace algunos días hizo noticia por un motivo lamentable: el robo y posterior recuperación de dos litografías del afamado artista británico Damien Hirst. Pero las piezas ya están de vuelta a su lugar y la muestra abierta al público.

¿Cómo comenzaste a coleccionar arte?

Partí básicamente gracias a Cecilia (Brunson). Empecé a comprar de a poco, a conocer el mundo del coleccionismo e involucrarme. Cecilia me mandó a un par de exhibiciones en el extranjero y algunas ferias de arte. Me empezó a gustar y comencé a enamorarme del arte.

La idea original era exponer parte del acervo en México, pero por distintos motivos fue imposible. Después se pensó exhibirla en el marco de Ch.ACO y luego se abrió la opción de exponer parte de la colección nacional en el Museo de Arte Contemporáneo; había una sala disponible en el segundo piso. Finalmente, la imprevista y repentina caída de la exposición de Marcel Duchamp en el museo abrió una oportunidad mucho más atractiva: la posibilidad de tomarse por entero los dos pisos del MAC. Juan Yarur y la curadora Cecilia Brunson no lo pensaron dos veces.

¿Alguna pieza favorita de tu colección No, no tengo piezas favoritas.

La exhibición, que resultó ser mucho más ambiciosa que el proyecto original, muestra alrededor del 70% de la colección privada de Juan Yarur. Son cerca de 80 obras que se apropian completamente del museo, divididas en torno a conceptos que las agrupan de forma muy coherente: geometrías, accionismos, pop art, naturalezas, cuerpos y erotismos.

Juan Yarur: Un relato personal reúne obras de destacados artistas nacionales como Alfredo Jaar, Matilde Pérez, Paz Errázuriz, Cristóbal Lehyt, Gerardo Pulido, Magdalena Atria y Catalina Bauer. A nivel internacional, destacan los nombres de Damien Hirst, Andy Warhol, Gerhard Richter, David LaChapelle y Nan Goldin. Una oportunidad para ver una de las colecciones privadas más importantes del país.

EXPOSICIÓN JUAN YARUR: UN RELATO PERSONAL Lugar: MAC Parque Forestal.

Dirección: Parque Forestal s/n, Santiago.

Fecha: Hasta el 29 de septiembre .

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¿Cuál fue la primera pieza de tu colección?

Una de Andy Warhol que me regaló mi papá a los 19 años.

¿En qué te fijas al momento de adquirir una obra?

Depende de cada obra, pero la verdad es que aparecen. Creo que cada obra tiene una historia propia.

Además del gusto por la obra y la atracción de “guata”, ¿qué otros factores están en juego?

Todo entra por guata, pero obviamente después tenemos que ver al artista, su obra, ver si es un artista consagrado o no, entre otras cosas. Investigamos su trayectoria y vemos cuáles son sus proyectos futuros. Tratamos de fijarnos bien en qué vamos a comprar. ¿Feria preferida?

Basel Suiza.

Países donde te gusta ver arte México e Inglaterra.

Galerías chilenas que llamen tu atención Todas, pero creo que AFA sería mi preferida.

El desarrollo del coleccionismo en Chile…

Creo que está empezando y hay harta gente interesada. Que haya una feria acá y que funcione es un gran valor. Última obra adquirida Una de Francisco Copello. ¿Qué estás mirando en este minuto?

En este minuto, nada. Estoy en un periodo de descanso y volviendo a tomar energías para retomar otros temas. No estoy con adquisiciones ahora.

โ ข Catalina Bauer, Columna (Segunda versiรณn; rojo y blanco), 2009, 80 kilos de bandas elรกsticas rojas y blancas, 400 x 60 cm.

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EN EL TALLER

Andrés hermosilla La Cuisine Hermosilla y su despensa museal Por Lucía Rey. Imágenes cortesía del artista.

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e

l taller de Andrés es un laboratorio de especias, en donde la mezcla de los múltiples detalles van configurando una sensación museal. Indica Hermosilla durante la visita, que su taller es la casa completa y no solo el lugar de ejecución, lo que provoca la reflexión en torno a las fases productoras de la obra, y por el carácter de quien las realiza. Una propuesta diferente en donde el creador no se define por un tipo de producto estético específico, sino que genera la idea tentacular de una obra compleja y en progreso, que se puede encontrar en distintos espacios y momentos del diario vivir.

Como si quisiera atrapar el mundo en este gran taller, conserva en su interior obras de arte de distintos artistas consagrados, sus propias realizaciones estéticas y objetos de diversa índole que dan cuenta de las culturas de aquellas tierras donde ha sido invitado a exponer su obra1. La estética de esta CasaTaller es tradicional (ubicada cerca de la estación de metro Los Domínicos), resaltan las alfombras de diferentes dimensiones

y bandejas con teteras marroquíes. Hermosilla presenta este espacio cual chef y va relatando una preparación gourmet que fuera su propia biografía estética. Tal vez, esta visión más abierta o miscelánea de lo que puede ser un artista proviene de su formación autodidacta, que le permite elegir sin prejuicios ni pre-condicionamientos las signaturas cromáticas y físicas de su trabajo. Lo anterior se ve aplicado también en su concepción de taller, como algo amplio en donde participan en la obra un conjunto de factores, como si cada uno de ellos fuera una especia delicada que colabora en la construcción del producto.

Esta visita-encuentro, parecido a un relato de viaje, expone a Hermosilla en su presentación más completa, en donde los objetos–obra explicados van develando el interés por el conocer el mundo a través del arte. Desde sus aspectos culturales y míticos hasta los más concretos o específicos, a los que accedería en el coleccionismo no solo de arte sino que también en el coleccionismo de costumbres, tradiciones y sobre todo en la voluntad de conservar/coleccionar desde

la mixtura el mundo culinario más exquisito de cada espacio que acoge su obra.

En el lugar de ejecución también existen alfombras variadas con algunas gotas de colores que registran el trabajo concreto de las pinturas. Aquí están varias de sus obras embaladas, quedando en suspenso si vienen de llegada o van saliendo a alguna exposición.

Otras, en cambio, están al descubierto, como si observaran o interrogaran a la visitante, logrando ser vistas desde su mundo cromático y su técnica experimental. La contemplación del color aquí provoca el recuerdo de las escenas anteriores, es inevitable relacionar los espacios–especias con el trabajo visual de Hermosilla: da la impresión que su taller de ejecución fuera una cocina, y el resto de la casa una gran y lujosa despensa.

1 MAMA - Museo de Arte Moderno de Argel, Argelia; MOLAA - Museo de Arte Latino Americano, California, Estados Unidos; Museo Flamenco de Sevilla, España; MAVI - Museo de Artes Visuales, Santiago, Chile; Colección para Museo Olympic Fine Arts, Beijing, China y Colección para Museo World Art Games, Croacia. Además Gallery Art North Space, Jakarta, Indonesia, en la Embajada de Chile en China y en la Embajada de Chile en Marruecos.

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• Detalle de Acopio Azul, 2013, técnica mixta sobre tela, 125 x 185 cm.

PERFIL A R T E

AMELIA ERRÁZURIZ BUSCANDO LA IMAGEN INSPIRADORA Por Soledad Cabello.

Imagen cortesía de la artista.

En su infancia, su interés artístico lo dejó de manifiesto en varios cuadernos donde registraba copia de todo lo que veía y hacía dibujos de temas que le interesaban. A los 16 años, fue discípula del maestro Miguel Venegas Cifuentes. Posteriormente, estudió arquitectura en las Universidades de Chile y Católica, donde tomó, en forma paralela, cursos de dibujo y pintura. En su propuesta artística también siente la influencia de sus profesores Sergio Stichskin, Juan Ibarra, Eugenio Dittborn y el restaurador Francisco González. Su técnica la define como aquella que le permite mayor expresividad: empastes de

textura de colores y el uso de materiales, objetos y nuevos soportes, para apoyar el tema que le motiva. En estos momentos, desechos constructivos y escombros. “Definitivamente soy figurativa, necesito la conexión con una imagen inspiradora”, señala Amelia.

Es una gran admiradora del trabajo plástico realizado por los pintores Robert Rauschenberg y Anselm Kiefer. Este año expondrá en el Memorial de Arte Latinoamericano de Sao Paulo en Brasil y en la sede de Santiago de la Universidad de Talca. Sus obras se pueden apreciar en www.ameliaerrazuriz.cl.

EXPOSICIÓN ACOPIO DE AMELIA ERRÁZURIZ Lugar: Sala de Exposiciones de U. Talca, Santiago.

Dirección: Quebec 415, Providencia.

Fecha: 5 de septiembre al 1º de octubre.

www.arteallimite.com/artistas/amelia-errazuriz

www.artistranking.com Brought to you by ArtFacts.net

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• Detalle de Fusión Palacio de Cristal, Ovejero y Más, 2013, arte digital sobre tela, dimensiones variables.

Desde la arquitectura se mudó a la pintura. Apenas recibió su titulo universitario, María Eugenia Akel no pudo dejar esperar su pasión por la pintura y comenzó a trabajar de forma independiente, para así poder dedicar tiempo a lo que le apasionaba: el arte. “Llegó un momento en que me dije: “este será el último proyecto arquitectónico.

Desde entonces estoy sumergida en las artes visuales”. Ha trabajado con el arte digital y la pintura sobre tela, hoy se inspira en los viajeros del tiempo, personas que transitan por los aeropuertos del mundo, especialmente se siente atraída por el de Madrid. María Eugenia Akel denomina sus trabajos como “pictografías”, termino que acuñó Enrique Zamudio, un artista que la ha inspirado. El trabajo de la artista consiste en mezclar, componer y fusionar computacionalmente fotografías que ella misma realiza, para luego imprimirlas sobre la tela e intervenirlas pictóricamente.

Su formación consistió en distintos seminarios y escuelas de arte en Alemania y España. En el taller de Concepción Balmes tuvo la

maría eugenia akel Fragmento superpuesto Por Camila Pantoja.

Imagen cortesía de la artista.

oportunidad de desarrollar la pintura en su forma más pura, aunque se considera una artista más bien autodidacta. Los materiales que abundan dentro de su obra son los acrílicos y el óleo, como médiums y barnices.

Sus grandes maestros y referentes son Eugenio Dittborn y Gerhard Richter. “Después de muchos años como pintora, participé dos años en el Taller de Crítica de Obra de Eugenio Dittborn, que marcó en mi carrera absolutamente, un antes y un después.”

www.arteallimite.com/artistas/maria-eugenia-akel-2

PERFIL A R T e

Paulina wagemann La dulzura del gres Por Paulina Sepúlveda A. Imagen cortesía de la artista.

Es en el gres donde Paulina encontró la mejor manera de expresión y concentración. Vive el momento puesto que se abstrae de todo y todos cuando sus manos toman contacto con el barro, lugar donde puede expresar sus sentimientos para plasmarlos en la obra, para que ésta logre conmover o asombrar al espectador. “Amo el proceso de quemar lo modelado, ver salir del horno las piezas ya esmaltadas…cada vez que lo hago hay un misterio por descubrir”, señala la artista, quien también ha utilizado la pintura como forma de expresión. En la bidimensionalidad siente el desafío de manejar el color, las formas, las perspectivas y el volumen.

Su imaginería proviene de su propia vida, de sus emociones y carencias, las que aparecen en un instante, en un sueño o visión que luego desarrolla en la mente para posteriormente dibujarlo y llevarlo a la escultura, donde la pasta es quien dirige. De esta forma logra una obra femenina a la vez simple y dulce. Una obra que busca encontrar puntos de encuentro y una armonía con el espectador, de crear sensaciones de paz, alegría o nostalgia; con una temática basada en la naturaleza, en la mujer que es el movimiento de la vida, la soledad, el amor y el desamor. Aunque últimamente ha integrado algunas obras inspiradas en la cultura mapuche, donde el significado de cada uno de los objetos con que se adornan, fue un descubrimiento para la artista.

Actualmente realiza clases de cerámica gres en su Taller Peumayen, además de prepararse para la exposición Paisaje Esteka. En cuanto a la pintura, participará de una convocatoria en homenaje a Picasso y en el VI Concurso de Artes Visuales, de la Fundación Fodeju. Además, una de sus obras fue seleccionada entre las obras finalistas del Florence Shanghai Price 2012.

• El Baile, vitrola alemana del siglo IX y cerámica gres quema en oxidación, 30 x 38 x 48 cm. Fotografía de Juan Sáez.

Francisco Camplá (55 años) es diseñador de profesión y decidió no darle más la espalda a su impulso creativo y pictórico que venía haciéndole guiños desde que era un niño.

Sintió que no había tiempo para esperar y dejó atrás años de carrera en importantes y destacadas agencias de publicidad para dedicarse por completo a la pintura. Hoy está feliz.

francisco camplá EL MISTERIO DEL INCONSCIENTE Por Valeria Solís T. Periodista y Escritora.

Imagen cortesía del artista.

Artista autodidacta, ha seguido estudios en sicología y la sicopatología de Freud en particular, ha integrado su fuente creativa. Cada vez que Camplá incentiva al inconsciente para que aflore en sus pinturas abstractas, se abren las compuertas de sus emociones y se dejan llevar por el pincel, viviendo la experiencia concreta de sentir y vivir el presente mientras pinta. Así, según cuenta, puede pasar “viviendo el pintar” unas ocho horas sin reparar siquiera si ha comido o no.

Si bien su propuesta pictórica se inicia en lo figurativo, nunca fue algo que lo hiciera sentir cómodo. Siguió buscando hasta llegar a la abstracción sobre todo basado en el pensamiento zen y la sicología freudiana. En este sentido, para el artista lo importante es dejar fluir la mano y darle espacio al espectador para que termine la obra a través de su propia reinterpretación de lo que observa.

Más información en www.campla.cl

www.arteallimite.com/artistas/francisco-campla-2 36

• Detalle de Trafalgar, acrílico sobre tela, 2013, 100 x 100 cm.

Bernardita GArib EL FLUIR DEL PINCEL Por Natalia Vidal.

Imagen cortesía de la artista.

Se debate entre lo real y lo abstracto. No describe ni enmarca los pasos que recorren las pinceladas de su obra. No hay etapas ni ordenamiento: Bernardita Garib goza de la libertad que le entrega la tela, disfruta profundamente un instante anhelado pero espontáneo.

Le place recibirlos desprovista y que de ellos surjan la obra.

Pinta abstracto, pero no suelta la realidad: la mantiene viva dentro y fuera sí. Sujeta a lo indefinido resuelve conservar la esencia y además dejar que fluya el accidente, lo inesperado. “Tener la tela en blanco te permite ser libre. No es una disciplina cuadrada, no hay reglas. Parto con manchas, tinta y dejo que se mezclen; hago trasferencias, lavo la pintura. El arte figurativo no te lo permite, te encierra”, explica.

Su trabajo ha recorrido etapas sin que ella haya forzado un proceso evolutivo. Uno de los sucesos de los que se puede desprender un cambio importante en la concreción de sus obras, surge del uso de su máquina fotográfica. “Me encanta. La pintura puede tardar dos semanas, pero la fotografía es solo un instante, un segundo que requiere toda una preparación para que salga tal como la querías”.

Plantea que de alguna u otra forma es posible que el hecho de haber aprendido a capturar un momento haya fomentado el orden y limpieza en su obra que, de por sí, siempre ha sido libre.

EXPOSICIÓN MASTERS OF IMAGINATION: THE LATION AMERICAN ART EXHIBITION Lugar: Agora Gallery, Manhattan, USA. Dirección: 530 West 25th Street, Nueva York.

Fecha: 10 de Septiembre al 1º de Octubre.

• El Baile II, 2013, técniva mixta sobre tela, 100 x 100 cm.

Para Isabel Lorca el arte siempre ha sido parte de su vida, nunca ha dudado de su vocación. A muy temprana edad la artista comenzó a dibujar y en su familia siempre ha sido muy valorado el quehacer artístico, razón que gatilló que este fuese su trabajo.

El proceso creativo de la artista parte en la experiencia diaria, en una aguda percepción del entorno y su mundo interior. De ahí comienzan a aparecer diversos modelos que hace suyos para comenzar a trabajar el lienzo. “Busco que mi interpretación del objeto fluya con autonomía a través de mi pintura. Necesito siempre seguir avanzando en este proceso”, cuenta.

www.arteallimite.com/artistas/bernardita-garib

isabel lorca La vida real y algo más Por Bernardita Garib.

Imagen cortesía de la artista.

Sus óleos interpretan situaciones cotidianas, miradas, expresiones, personas de la vida diaria que logra plasmar en la tela siendo la figura humana uno de los elementos centrales de su obra. Si bien la artista se identifica con un estilo más bien figurativo, el sentido que rige su trabajo no es el parecido que se logre con el objeto, sino buscar la interpretación personal e individual de cada situación. “Lo que busco es transmitir y expresar lo que siento, sin prejuicio de que sea interpretado libremente por cada espectador”, explica.

EXPOSICIÓN PINTURAS DE ISABEL LORCA Lugar: Espacio de Arte del Centro Cívico de Vitacura.

Dirección: Av. Bicentenario 3800, Vitacura.

Fecha: 2 al 27 de septiembre.

www.arteallimite.com/artistas/isabel-lorca

• Detalle de Flores sobre la mesa, óleo sobre tela, 60 x 100 cm.

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FERIAS

• Martin Parr, "Great Britain. England. New Brighton" de la serie The Last Resort, 1985, fotografía, dimensiones variables.

Chaco CHILE ARTE CONTEMPORÁNEO Entre el 26 y el 30 de este mes se llevará a cabo la 5ta versión de Chaco, feria chilena dedicada al arte contemporáneo. El evento espera superar los 43 mil visitantes del año pasado con la presencia de 31 galerías, una serie de actividades que incluyen invitados internacionales, conversatorios y charlas y un novedoso programa dedicado a espacios que se encuentran fuera de los círculos comerciales y destacan por su autogestión.

Por Kristell Pfeifer.

Imágenes cortesía de Chaco.

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M

ás de 800 obras de artistas nacionales e internacionales serán exhibidas en la quinta versión de Chaco, feria de arte que ya se ha consolidado como uno de los eventos culturales más destacados del ámbito nacional. El evento se llevará a cabo en Estación Mapocho, espacio que los recibe por tercer año consecutivo, y contará con la presencia de 31 galerías provenientes de Europa, Estados Unidos, Latinoamérica y Chile. Por primera vez su suma Portugal, país que estará presente a través de la galería Alecrim 50, mientras que la oferta de espacios españoles crece de la mano de 6mas1, Alba Cabrera, Ángeles Baños, Aural, Espacio Mínimo, Espacio Valverde y Fernando Pradilla. Así, este año la feria abre más espacio a la presencia extranjera, disminuyendo el número de galerías nacionales pero aumentando la oferta internacional.

Al espacio tradicional de galerías se sumará Pop_Up Spaces, una ventana creada para los espacios que se encuentran fuera de los círculos tradicionales del mercado del arte y funcionan en base a la autogestión. El objetivo es dar cabida a éstos para que puedan comercializar su trabajo en la feria y colaborar así con su profesionalización. Bajo Pop_Up Spaces se reúnen 10 proyectos de artes visuales, poesía, música, ilustración, cine y diseño. Una de las directoras de la feria, Irene Abujatum, explica que esta iniciativa abre una ventana de visibilidad a los proyectos nacionales: “Este año me pregunté qué había pasado con las galerías de arte, que en principio

• Marcos López, Terraza en Sao Paulo, 2012, impresión inkjet coloreada a mano, 110 x 205,5 cm.

eran veinte chilenas las que participaban y hoy día son diez. Ahí me di cuenta que OFF Chacoff el año pasado había tenido más de 50 espacios activos que hacían gestión cultural y comercialización. Ante esas peguntas nacía la posibilidad de hacer un programa de espacios más diversos, donde la parte audiovisual es lo más importante, pero que también trabajan performance, edición de libros, música, caratulas de disco y una serie de otras cosas”. Pop_Up Spaces contará con diez participantes entre los que se encuentran Mutt Art Dealers, galería Espora y Departamento 44.

Chile, un mercado en crecimiento El aumento de galerías internacionales en esta nueva versión de Chaco es muestra del creciente interés extranjero por el mercado del arte chileno. Pese a que Chaco es una feria nueva y pequeña comparada a las otras de la región, cómo ArteBA, ArtBO y Zona MACO, los resultados de venta han dejado contentos a sus organizadores. El año pasado se vendió cerca del 70% del total de obras expuestas y este año se espera que la cifra aumente. “Yo creo que las galerías vienen en la medida de la confianza que les puede dar el mercado. El mercado chileno todavía es muy joven, muy incipiente, y no genera una confianza tan fuerte en las galerías internacionales.

La tarea que le toca a Chaco es por una parte, hacer este evento masivo, participativo y transversal, y por otra hacer que el mercado

incipiente mejore, que haya mayor cantidad de compradores, generando grupos de coleccionistas”, explica Irene Abujatum. ¿Qué esperar de Chaco 2013?

En la feria habrá para todos los gustos y bolsillos. La oferta de obras va desde los 200 mil a los 20 millones de pesos. Además de las galerías y Pop_Up Spaces, Chaco contempla la realización de distintas actividades, entre éstas charlas y conversatorios, además de la presencia del destacado artista mexicano Carlos Amorales. También estará el ya tradicional espacio editorial –donde Arte Al Límite estará presente- y una serie de comodidades como restaurantes y estacionamientos. Los días viernes y lunes habrá un 50% de descuento en la entrada para estudiantes y quienes vayan en bicicleta al evento, mientras el fin de semana estará dedicado a la familia, con actividades en conjunto al Museo Artequín para los más chicos. ¿Por qué no perderse Chaco? “Creo que a Chaco hay que ir a pasarlo bien. Y el que tiene ganas y le gusta el arte, que vaya a mirar. La feria de arte es lo mejor que hay de oferta, cuando una galería va a una feria siempre lleva lo mejor”, señala su directora.

Este año además se celebró la cuarta versión del concurso Entre Chaco y Finlandia, instancia que busca contribuir a la internacionalización del

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FERIAS

• L. Chehere, detalle de "Caravane" de la serie Flying Houses, 2012, Fotografía, dimensiones variables.

arte chileno y que premia a su ganador con una residencia en Finlandia, un premio en efectivo y un espacio individual en la próxima edición de la feria. El primer lugar este año fue entregado a Martín Kaulen, quien fue seleccionado entre más de 250 postulaciones con su obra Estudio de geometría bambusoideae, una escultura en madera de caña, pegamento industrial y papel canson. Las dos menciones honrosas del certamen fueron para Felipe Mujica y Julen Birke.

AAL en Chaco Como ya es tradición, Arte Al Límite estará presente con un stand en el sector editorial de la feria. La novedad este año es la puesta en escena de una obra del destacado artista Delta 9, un trabajo que en su totalidad mide 3.6 x 1.3 metros y que el boliviano ha creado especialmente para este medio.

Ferias participantes:

Ch.ACO Santiago

40

Pop_Up Spaces ACG: Art Consulting Group AFA Isabel Aninat Isabel Croxatto LA SALA XS Yael Rosenblut Die Ecke Animal Artespacio Patricia Ready VALA Metales Pesados Visual

Madrid Lisboa

Espacio Mínimo Espacio Valverde 6mas1 Alecrim 50

Valencia

Alba Cabrera

Alicante

Aural

Badajoz Madrid y Bogotá Concepción

Ángeles Baños Fernando Pradilla / El Museo El Caballo Verde

Buenos Aires

C-Arte Nes Zona54 Gachi Prieto

· Co Galería de Arte · Espacio Hache

Sao Paulo

Lume Pilar

· Espora

New York

Henrique Faria Fine Art

· Mmmmm

Bogotá Montevideo San Juan

NueveOchentaArt

· Departamento 44

· Mutt Art Dealers · Oficina Barroca

Soa Arte Contemporáneo

· Proyecto Living

Walter Otero Contemporary Art

· Totoral Gallery.

· Se Vende

• SAwdust VII, 2013, técnica mixta, 240 x 120 cm.

Invitado especial de AAL

galería salart El artista Delta 9 trabaja en la creación de una obra inédita y exclusiva para presentar en el stand de Arte Al Límite en la feria.

Por Equipo Arte Al Límite.

Imagen cortesía de Galería Salart.

l

a galería boliviana Salart y el artista Delta9 estarán presentes en esta nueva versión de Chaco 2013, a través de Arte Al Límite y su stand en el sector editorial de la feria. El trabajo de Delta 9 se caracteriza por el uso de materiales reciclados y objetos encontrados. En la serie Sawdust/Viruta, que trabaja hace cuatro años y de la cual traerá una nueva pieza exclusivamente creada para la ocasión, el artista interviene y trata el desperdicio de la madera para crear un collage que luego es pintado y puesto sobre un soporte. En total, el trabajo mide 360 x 140 cm. y

está compuesto por dos paneles que se unen para crear una obra de gran formato.

“Tener un acercamiento a Chaco mediante Arte Al Límite es una mezcla ideal. Siempre he tenido ganas de participar pero no se había dado la oportunidad. Creo que la obra va a ser muy bien recibida en Chile”, afirma el galerista de Salart, Mariano Ugalde.

Esta iniciativa se suma a la innovación de Arte Al Límite en años anteriores, donde diferentes obras han sido exhibidas en el stand como parte de creaciones exclusivas de los artistas.

19º FERIA DE CERÁMICA GRES

Jorge Campos (Chile) *

SÉ PARTE DE ARTE AL LÍMITE Si eres artista ingresa y crea tu propia galería virtual en www.arteallimite.com marketing@arteallimite.com | (56.2) 2955 3261 *Las imágenes de las obras son detalles de la original.

FERIA DEL GRES 27, 28 y 29 de Septiembre CENTRO CULTURAL LAS CONDES produce duranceramista@hotmail.com

FERIAS internacionales

Beijing y Chicago

Arte de este a oeste Septiembre es un mes bien movido en cuanto a ferias internacionales de arte se refiere. A continuación, destacamos dos encuentros contemporáneos dignos de revisar y visitar.

Por Paulina Sepúlveda.

Imágenes cortesía de Expo Chicago.

Beijing International Art Expo Internacionalmente, las ferias asiáticas toman cada vez mayor relevancia. Este es el caso de Beijing International Art Expo, que se realizará en China entre el 13 y el 16 de septiembre.

Con más de 80 galerías participantes, entre ellas alrededor de 70 asiáticas, se llevará a cabo este mes la 16ª Beijing International Art Expo. La feria reúne galerías que ya han participado en versiones anteriores, como Ming Dian, de Taiwan, o la Sociedad de Investigación de China, Shi Oi Arte en Beijing, quienes además mostrarán las creaciones de Shi Oi en los últimos diez años. Éstas, incluyendo “Lotus Beauty, Buscando viento, necesitamos la paz”, están entre las obras más destacadas del encuentro. Shi Oi exploró una moderna tinta que expresa una manera de tensión importante y dinamismo. Su obra crea una concepción de la pintura artística china por el color intenso y vívido, un estilo que combina lo figurativo, abstracto e impresionismo. Shi Oi es el primer pintor que toma las pinturas chinas y las lleva a lo contemporáneo, personificando miles de años de pintura figurativa. Varias de sus mejores pinturas contemporáneas estarán en la feria.

• (arriba) Piotr Uklanski, Untitle (Sorry Seems To Be The Hardest Word), 2012, Cerámica sobre mortero y table de mampostería y aluminio, 137,8 x 118,1 x 61 cm.

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• Hannah van Bart, detalle de No longer distracted by anything external he was finally able to bask in his own existence. And found it splendid, 2013, óleo sobre tela, 104 x 80 cm.

• Alex Katz, detalle de Ada with Blue Scarf, 2012, óleo sobre tela, 127 x 102 cm.

También hay espacio para las novedades. La feria traerá cerca de 30 nuevas galerías a participar, como la Galería Steniner, de Viena, reconocida por su modernidad, diversidad e internacionalidad y que en la feria tendrá 36 obras de destacados pintores. Su participación será considerada como un alto valor en el mercado del arte en China, teniendo gran interés en la apertura del mercado artístico del país.

Expo Chicago, sin dejar de lado la importancia de las galerías tradicionales, presenta este año su sector EXPOSICIÓN, un espacio reservado para nuevas galerías, las que destacan a uno o dos artistas de su programa. Esta es una excelente oportunidad para que estas galerías emergentes ganen en visibilidad, tanto con la crítica como con los visitantes que quieren descubrir nuevos talentos. El requisito es que al 2013 todas las galerías participantes de esta sección deben de haber estado en funcionamiento durante al menos siete años.

Además, este año la Exposición Neo-realismo invitó a 16 artistas jóvenes chinos contemporáneos, como Leng Jun y Chao Ge; poniendo en marcha más de 30 obras que representan a la joven pintura china realista. Instituciones de arte de América Latina son especiales invitados a participar de la exposición, galerías de Estados Unidos, Venezuela, Colombia y Uruguay participarán de esta muestra.

Expo Chicago Este año se llevará a cabo entre el 19 y 22 de este mes y contará con más de 120 galerías internacionales, las que representan a 16 países y 35 ciudades diferentes; ofreciendo una amplia gama de obras de arte moderno y contemporáneo.

Dentro de la programación de Expo Chicago estará IN / IN SITU, un espacio que ya estuvo años anteriores y que cuenta con obras a gran escala, creadas específicamente para el lugar. El año pasado que contó con valiosas obras de Tony Feher y Robert Barry.

Este 2013 Expo Chicago seguirá siendo un gran escenario cultural en el mes de septiembre. La ciudad se llena de exposiciones y eventos especiales y cuenta con la colaboración de las principales instituciones de la ciudad como el Instituto de Arte, el Museo de Arte Contemporáneo, la Escuela del Instituto de Arte y una treintena más, que abren sus puertas con programaciones especiales.

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artista destacado

Luz y sombra líquida

teresa montero

• Detalle de Tríptico 2, 2012, pintura en tinta china sobre papel aplicado en tela, 60 x 180 cm.

Luego de tres años de investigación y trabajo, la última creación de la artista visual Teresa Montero al fin vio la luz. Le dio un descanso al grabado y ahora nos presenta El Mundo que Fluye, resultado de una prolija labor a mano que mezcla tinta china sobre papel en blanco y negro.

Por Carolina Bravo.

Imagen cortesía de la artista.

"L

a tinta con la que trabajo, que de hecho es elaborada en China, es diferente a las que conocemos. Para mí es sorprendente su capacidad de opacidad y transparencia a la vez”, confiesa la artista. La problemática inicial que tuvo que enfrentar esta diseñadora de profesión fue la posibilidad de ser expuesta fuera del vidrio. “Siempre he lamentado el hecho de ver el papel detrás de un vidrio, lo que es necesario para su conservación”, reconoce Teresa, quien halló la solución en la chine colle, técnica de encolado del papel sobre tela que aprendió en Francia.

La chine colle se usa en grabados, consiste en aplicar un papel muy delgado sobre el grueso para la impresión. “Lo que hago en trabajos en tinta china es aplicar un papel fabricado en China dibujado sobre una tela virgen por medio de varias capas de cola. Eso se denomina ‘marouflage', detalla respecto del procedimiento.

de proporciones inéditas a lo largo de su carrera. Contempla un panel de 7x3 metros, formado por más de 60 cuadros. El título es una metáfora plástica de El Mundo que Fluye.

El mundo que fluye es un concepto creado por la pintura japonesa y se refiere a la representación del mundo en devenir: lo que está sucediendo, lo transitorio y, al mismo tiempo, permanente en su repetida aparición. “Así se recogía el viento, la lluvia, una determinada luz o la actitud de un grupo de personas. En este caso, el intento es tomar un destello del mundo en su constante devenir”, finaliza Teresa.

EXPOSICIÓN EL MUNDO QUE FLUYE / TINTA CHINA Lugar: Centro Cultural Las Condes.

Dirección: Apoquindo 6570, Las Condes.

En cuanto a esta nueva exposición, Teresa está expectante sobre el efecto que va a producir en quienes la observen, pues se trata

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Fecha: Hasta el 29 de septiembre.

único intuitivo transformador reflexivo ecléctico activo Chaco es cómo lo sientes.

Chaco es arte contemporáneo.

Feria de Arte Contemporáneo Save the date!

26—30 septiembre Centro Cultural Estación Mapocho

twitter @feriaChaco #5añosChaco

� @feriaChaco #ChacoPreview

� Feria Chaco ¡Síguenos!

Más información y noticias de arte www.feriachaco.cl 45

artista destacado

Realismo y crítica

Antonio cavagnaro La realidad se plantea ante los ojos del artista, y éste, al ser cautivado por ella, la plasma bajo los límites de su propia subjetividad. Antonio Cavagnaro es un pintor realista que impregna con su propia visión cada cuadro, y en ellos deposita sus dudas y críticas.

Por Claudia Montecinos.

Imagen cortesía del artista.

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a pintura de Antonio Cavagnaro se mantiene en un proceso de “búsqueda agónica por una figuración más experimental”, como él mismo afirma. Es posible detectar en él un discurso realista que intenta alejarse de las obviedades tradicionales de esta técnica, pero también de los patrones hiperrealistas.

Entre los motivos reiterativos se encuentran las sensaciones amargas en cada instante, plasmadas sin excepción en el lienzo. La pintura de Cavagnaro parece por momentos pesimista. “Veo la vida gris, la entiendo gris, no triste ni con dolor, pero sí muchas veces angustiante. Es curioso, veo poesía en un contexto emocionalmente álgido y duro, y bajo esa perspectiva lo resultante es una apreciación y presentación de contenidos bastante particular y personal”, afirma el artista.

Forma parte de la generación de pintores chilenos que ha forjado su aprendizaje en la academia que dirige el Pintor Realista Guillermo Muñoz Vera (Fundación Arauco) en Chinchón, España, país donde vivió por seis años. A su regreso da cuenta de un cuestionamiento a la hegemonía que ha tenido el mercado el arte contemporáneo.

Asimismo, se reconoce muy crítico del arte actual en Chile, específicamente la pintura: “Existe una vanguardia bastante pobre en términos plásticos, con una impronta pictórica que raya en lo mediocre”. Estas falencias las atribuye a “un mercado ‘pequeño’ donde algunos agentes se han encargado de avalar propuestas de escasa sustancia pictórica y de absurda pretensión”.

Prontamente presentará su obra en la feria de arte contemporáneo de Beijing 2013, donde fue seleccionado por Latinoamerican Pavilion, ente encargado de promover el arte latinoamericano en Asia. Y en el mes de octubre se participará en Expressiones Cultural Gallery, Connecticut, en el cual mostrará una exhibición individual dentro del marco de una beca como artist in residence, otorgado por dicha institución a partir del tercer trimestre de este año.

ART EXPO BEIJING 2013, LATINAMERICA PAVILLION (LAP) Lugar: Beijing Exhibition Center.

Dirección: No.135, Xizimenwai Street, Beijing.

Fecha: Del 13 al 16 de septiembre.

• Mi soberbia, 2010, óleo sobre tabla, 80 x 60 cm.

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Cristóbal Anwandter Hace más de quince años el artista trabaja en relación a la figura humana a través de series, definiendo sus modelos o motivos como un hilo conductor relacionados conceptualmente al proceso de ejecución. Una figuración que se nutre de diversas corrientes de construcción pictórica.

“Estoy en busca de una figura humana que se esconde a sí misma, que miente y que solo muestra fragmentos de realidad e iusión”, señala el artista.

Por Equipo Arte Al Límite Imagen cortesía del artista.

El arte como trabajo es…

Perseverancia y tozudez, investigación. Un camino largo, difícil y al menos en mi caso, muy solitario.

El arte como pasión es…

Un espacio de encuentro con uno mismo, con los otros, pasión motivada por deseos, por metas. La necesidad de avanzar, de buscar el siguiente nivel. ¿Qué piensas cuando decimos memoria?

Para mi la memoria es un arma de doble filo, por un lado entrega identidad y por otro condiciona, por eso, en el proceso de crear como en el de apreciar, se necesita, en la medida de lo posible, prescindir de ésta.

El arte en Chile hace 30 años Existió un arte preocupado de problemáticas internas, con una motivación muy fuerte. Un arte contestatario, con un rol más definido.

El estado actual de las artes en Chile Me parece que el escenario global es bastante confuso y Chile es un pequeño reflejo de eso. Hoy el abanico está abierto en su máxima expresión y los límites entre arte o política son muy difusos. La velocidad de las comunicaciones es difícil de abordar y las posibilidades de hacer un arte más propio escasean. En Chile imitamos mucho y, lo queramos o no, dependemos de lo que afuera pase. Tal vez en la música existieron autores realmente “propios” con un arte Chileno.

El rol del artista en la sociedad actual Me carga rotular con “el rol del artista”. El arte refleja a la humanidad y a sus infinitos, ambiguos y contrapuestos anhelos. Existe un arte que impresiona, otro que desafía, otro que cuestiona, otro que da oda a antiguos artes, está el que escandaliza y es publicitario y otro que susurra y roza lo inefable. Yo los necesito a todos. ¿Cómo superar el hermetismo del arte chileno?

El arte en Chile, necesita más vitrina y eso significa recursos, en todas sus esferas: mayor coleccionismo, más fondos públicos, iniciativa y agilidad a fondos privados. Y por sobre todas las cosas: educacióoooooooooon.

La crítica de arte en Chile Hay buenos y malos críticos. Me encantaría que existieran (quizás los hay y no estoy al tanto) espacios de contra-crítica.

Hay críticos que ocupan plataformas importantes y a veces pueden ser muy torpes, y termina siendo la única impresión que llega a gente con poco acceso y conocimiento de arte. Tiene que haber más diálogo y debate, críticos criticando críticas. Sino ¿cuál es el verdadero sentido de ésta? ¿En qué puede aportar el arte nacional al campo artístico de otros países?

Tenemos por defecto una visión particular de las cosas, una cultura mestiza influenciada por muchas herencias. Somos una idiosincrasia introvertida con muchas ganas de expresarnos, creo que eso es una buena pólvora.

Profesionalización del arte Esta difícil, faltan recursos e instrumentos.

Iniciativas negativas para el campo del arte chileno.

Los fondos públicos tienden a subsidiar proyectos arbitra-riamente quedando afuera muchas propuestas interesantes que necesitan de un apoyo real. Muchos espacios culturales tienen buena infraestructura pero carecen de fondos o aporte monetario para los proyectos a exhibirse. Muchas galerías, dependen de un público que tiene poder adquisitivo, pero es sumamente conservador y muchas veces ignorante. Eso limita la agilidad y retroalimentación de nuevas propuestas. ¿Artistas emergentes que llamen tu atención?

Hay varios. En pintura Adolfo Bimer y Christiane Pooley. En fotografía Alejandro Gatta.

Exposición reciente e interesante La casa con el cielo en suelo, de Matias Movillo en Sala Gasco.

Me pareció una muestra muy completa: inteligente, con un exquisito planteamiento en la ejecución y por sobre todas las cosas, muy propia.

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