Periódico Arte Al Límite Nº 97, Octubre de 2013 by Arte al Límite

nº 97 octubre 2013

SANTIAGO DE CHILE

DISTRIBUCIÓN GRATUITA

PáG. 7

CAMPAÑAS Y PROMESAS PRESIDENCIALES En solo un mes se bajarán los lienzos. Las calles volverán a estar despejadas y llegará la hora de la verdad y los hechos. Entre agudas confrontaciones, el sillón presidencial espera a quien, entre otros tópicos, responda: ¿qué planes hay para la cultura?

METRO ARTE

BIENAL DE ARTES MEDIALES

20 años celebra la iniciativa que acompaña y da vida a los espacios subterráneos de la capital.

Un espacio de convergencia interdisciplinar que reflexiona sobre el uso de la tecnología en la escena artística actual. PáG. 16

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Ana María Matthei directora • ricardo duch director • cristóbal duch asesor comercial • catalina Papic directora de arte camila duch proyectos culturales • Kristell Pfeifer editora general • Paulina sepúlveda encargada de prensa • Andrea rodríguez marketing Francisca Wiegold diseñadora gráﬁca • Josefa Parada diseñadora gráﬁca • Javiera de la Fuente practicante de diseño natalia Vidal practicante de periodismo • camila Pantoja practicante de periodismo ernesto Muñoz crítico y asesor de contenidos • ennio bucci crítico • enrique solanich crítico • Pedro Labowitz crítico benjamín duch asesor • Jorge Azócar asesor • ignacio del solar asesor • Julio sapollnik asesor Lucía rey profesora de artes plásticas, magíster en teoría del arte • soledad cabello periodista Maite Gallego Gestora Cultural • carolina schmidt licenciada en arte y pedagogía • carolina bravo periodista

EDITORIAL

a elección a la que los chilenos nos veremos enfrentados el

Como es tradición, a la cultura le toca seguir esperando su turno.

próximo mes es histórica: un record de nueve candidatos se

Solo una vez que hayamos resuelto las insuficiencias en las áreas

disputan el sillón presidencial, algunos con claras posibilidades

más básicas de nuestra sociedad es que podremos dar espacio

por sobre otros, pero todos dispuestos a llegar hasta el final de

e invertir mayores recursos para nuestro desarrollo artístico.

esta carrera para mostrar las ideas del Chile que buscan construir. En este número quisimos entregar el espacio y la oportunidad a los Siguiendo la tónica recurrente en nuestro sistema político, la

nueve candidatos para dar a conocer sus propuestas relacionadas a

tendencia va más por el lado de la crítica y la confrontación

la cultura. La tarea no fue fácil: para la mayoría no es este el tema

entre competidores que el trabajo en base a propuestas claras y

prioritario ni donde sus planes y propuestas se encuentran mayormente

sólidas. Y en lo que respecta al ámbito cultural, lamentablemente,

desarrolladas. Pero lo logramos, y acá presentamos los principales ejes

no hay excepción. Ideas inconcretas y planes pocos definidos

temáticos, propuestas y visiones de la situación actual de cada uno.

son la base de los planteamientos de los candidatos. En algo, eso sí, están de acuerdo los nueve aspirantes a La Moneda: la

Quienes sí tienen muy claro dónde estás las falencias, cuáles son

cultura está en deuda, de eso no hay duda. Hacen falta más

las necesidades y cómo se deben repartir los recursos del área son

recursos y un plan que aproveche y saque partido al tremendo

los expertos entrevistados como contraparte a los presidenciables.

potencial artístico de nuestro país.

Las áreas de docencia, crítica, investigación, instituciones museales y espacios artísticos independientes, entre otros, destacaron en la

Esta semana el Presidente Sebastián Piñera presentó la Ley de

enumeración de necesidades concretas y peticiones claras.

Presupuesto 2014 con un aumento del 3,9% respecto al año anterior, menor en la tasa de crecimiento comparado a los

Esperamos que, en nuestro afán de medio de comunicación,

años anteriores de su gobierno. El énfasis de la planificación

nuestros esfuerzos tengan frutos y que las opiniones expresadas

presupuestaria se encuentra en las áreas de educación, salud

en esta edición contribuyan a tener una idea más clara y

y reconstrucción, lo que no sorprende dadas las grandes

acabada de nuestros lectores sobre las visiones de cada uno

falencias y necesidades en estas áreas.

de los candidatos en relación al ámbito cultural.

SUMARIO 7. Reportaje: Campaña y Promesas Culturales I 16. Reportaje: Encuentros Subterráneos 20. Teresa Ortúzar I 22. Críticas I 26. Martín Sastre I 28. Artista Emergente: Raimundo Edwards 30. Panoramas I 34. Exposición destacada: Bienal de Artes Mediales I 36. PerfilArte 40. En el taller: Muriel Gallardo I 42. Tito Calderón I 44. Ferias: ArtBo - Odeon 46. Sara Modiano I 47. Frente a Frente: Omar Gatica

26.MARTÍN SASTRE El artista uruguayo visitó Chile y lideró una charla sobre cómo consolidar una carrera artística emergente.

44.FERIAS Bogotá concentra este mes las miradas del mundo del arte contemporáneo. ArtBO y Odeon se preparan para mostrar sus mejores apuestas.

rePresentAnte LeGAL Orlando Calderón F. • VentAs info@arteallimite.com, ventas@arteallimite.com suscriPción marketing@arteallimite.com • Fono - FAX 2 955 32 61 • Web www.arteallimite.com FAcebooK facebook.com/arteallimite • tWitter @Arte_Al_Limite PortAdA Ilustración de Josefa Parada, @_jopii iMPrentA R.R. Donnelley, Santiago, Chile. Las opiniones vertidas en este medio son de exclusiva responsabilidad de quienes las emiten.

REPORTAJE

Candidaturas Presidenciales

CAMPAÑAS Y PROMESAS CULTURALES En solo un mes se bajarán los lienzos. Las calles volverán a estar despejadas y llegará la hora de la verdad y los hechos. Entre agudas confrontaciones, reiterados debates y amplificados eslóganes con megáfono, el sillón presidencial espera a quien, entre otros tópicos, responda: ¿qué planes hay para la cultura?

Por Natalia Vidal. Ilustraciones de Josefa Parada.

esatada la contienda electoral en cada esquina y rincón de nuestro país, entre todos los temas no suena ni se luce la cultura. No lo hace con concreción ni se gesta de manera prioritaria en la planificación de campaña de ningún candidato. El mensaje es común en todos los sectores políticos: la crítica sostenida a los gobiernos que pasaron y los que vendrán y la visualización de una abultada lista de deficiencias. El extenso discurso que reconoce a la cultura como pilar fundamental del desarrollo de un país y la sociedad que lo habita suena al unísono en las nueve candidaturas, sin embargo, las medidas concretas escasean.

Ante un Chile con una Ley de Donaciones Culturales recientemente modificada, una bullada Ley de Monumentos Nacionales que reformar, un Ministerio de la Cultura en tramitación y vacíos legales que generan quejas en temas tributarios, asignación de presupuestos y entrega de recursos, los aspirantes a la presidencia repiten principalmente en sus discursos el aumento en la asignación del porcentaje al área respecto del presupuesto nacional, la relevancia política y legislativa que debe asumir el tema idealmente materializándola como cartera, la revisión en la entrega de fondos concursables y la importancia de incluir las culturas originarias en todas las plazas de expresión. Ahora, ojo y atención con las diferencias.

REPORTAJE

MIChELLE BAChELET NUEVA MAYORÍA

“se deben recuperar Los cuatro aÑos perdidos para eL sector. en Mi gobierno eL presupuesto deL cnca creció un 137% reaL y en eL gobierno de piÑera soLo un 4%”

ejes temáticos: Acceso y cultura como derecho social; educación y cultura; patrimonio; financiamiento a la creación y mecanismos de distribución; comercialización de la creación. Principales medidas: • Diseño e implementación de un plan nacional de lectura para la primera infancia • Creación de una Ley del Patrimonio Cultural y Natural de Chile • Creación de un Fondo Nacional de Patrimonio Cultural deficiencias de hoy y visión a futuro: Michelle Bachelet apunta sus medidas a exigir como derecho social el acceso a los bienes culturales. Considera que para que ellos puedan ser debidamente aprovechados hay que generar hábitos y gusto por el arte y la cultura desde la infancia. “El talento es

de las pocas cosas que se distribuye democráticamente en la sociedad entre ricos y pobres, no es posible que solo lo puedan desarrollar aquellos cuyas familias tienen recursos. El Estado se debe comprometer con todos”, completa la ex presidenta en relación al apoyo estatal a artistas nacionales. Los fondos concursables no parecen suficientes en sus postulados. Se pretende crear programas de fomento de las industrias creativas y otras instituciones públicas, como Corfo, para complementar los mecanismos de financiamiento.

EVELYN MATThEI ALIANZA POR CHILE

“¿debe eL estado ser La fuente de financiaMiento excLusiva de todas Las Manifestaciones artísticas? ¿debe financiar, adeMás, a cada una por iguaL?”

ejes temáticos: Política nacional del libro y la lectura; televisión de calidad; propiedad intelectual y políticas de la información; fomento a las industrias creativas; énfasis en el desarrollo de audiencias; protección del patrimonio cultural de Chile. Principales medidas: • Impulso a la interacción entre el sector público y privado para agregar valor artístico a las obras y productos nacionales • Integración deﬁnitiva de la arquitectura y el diseño a la noción de "mundo de la cultura y las artes" • Refuerzo del apoyo estatal para el artista emergente deﬁciencias de hoy y visión a futuro: Es pilar fundamental de esta candidatura darle continuidad a los proyectos del actual gobierno en términos institucionales y de infraestructura. “Pasamos a una siguiente etapa: promover la belleza y el saber como algo necesario e irrenunciable. Una etapa de la nutrición cultural”, dice Carlos Kubick, encargado de cultura del comando. De todos los aspirantes, esta percepción panorámica cultural es la más optimista. Entre las principales falencias del sistema considera insuficiente el actual 1,8% de programación

cultural en TV abierta e insostenible que el 84% de los chilenos no entienda bien lo que lee. Es allí donde quiere enfocar sus esfuerzos. Además, advierte la falta de integración y asimilación del conocimiento en las personas: “Hace falta generar una masa crítica de chilenos y chilenas que viva el arte con mayor naturalidad que las generaciones actuales”, dice la candidata. Para ello propone no solo financiar a quienes producen las obras de arte, sino también a mecanismos que estimulen la apreciación artística entre la población chilena.

REPORTAJE

ROXANA MIRANDA PARTIDO IGUALDAD (PI)

“con este estado, esta autoridad y estos gobiernos, no puede haber continuidad de proyectos en cuLtura ¿continuidad para quiÉn? excLusiva para La eLite. Muchos recursos se están yendo ¿para quÉ?” ejes temáticos: Incentivo a la profesión artística; reforma profunda al sistema; proceso de reencantamiento con el arte y entendimiento como valor; recursos estatales para artistas que lo necesitan; cultura en las poblaciones. Principales medidas: •Actualmente la candidata está recibiendo propuestas de organizaciones sociales que luego pasarán a un consenso y se armará el listado de propuestas detallado. deﬁciencias de hoy y visión a futuro: El programa cultural está poco definido puesto que se encuentra en un plan similar a los propósitos que persigue un censo. “En una asamblea se presentan propuestas de distinta índole, se plantean y se descubre que hay mucho desconocimiento en cuanto a preferencias y realidades”, describe la

candidata respecto de la tarea en tramitación que pretende detectar las principales falencias del sistema para poder desarrollar un programa afín a los propósitos resultantes. La visión es mayoritariamente estatista: “Los recursos deben venir directamente del Estado, es éste quien debe preocuparse de tener una política pública que garantice que la cultura va a llegar a todas las regiones de Chile”, concluye.

ALFREDO SFEIR PARTIDO ECOLOGISTA VERDE (PEV)

“hay una reLación estrecha entre cuLtura y nuestro Medio aMbiente huMano y naturaL”

ejes temáticos: Currículo escolar, regionalización de la cultura, rol televisivo. Principales medidas: • Fusión del Consejo de Cultura actual con la DIBAM • Aumento al 2% del Fondo Nacional de Desarrollo Regional de cultura • Aumento de la circulación de contenidos artísticos nacionales dentro del país y beneficios para las comunidades regionales y locales deﬁciencias de hoy y Visión: Sfeir presenta ideas principalmente de continuidad, fortalecimiento y mejoramiento. No se vislumbra

en este comando la necesidad de un cambio profundo en la práctica, sino en lo valórico. “Hoy más que nunca hay que poblar el imaginario de nuestra cultura con lo nuestro: imágenes propias, que nos representen en lo que somos, hacemos y queremos construir como sociedad”, opina Rossella Cominetti, directora de campaña del candidato. Las apuesta es mejorar lo que existe hoy en día. “Pretendemos apostar por una Red Nacional de Cultura con un fuerte componente regional y local, activando fuertemente la preservación de nuestro capital cultural a nivel de las regiones y con una fuerte intensidad en la circulación de contenidos nacionales”, indica.

RICARDO ISRAEL PARTIDO REGIONALISTA INDEPENDIENTE (PRI)

“seguiríaMos con fondos concursabLes, pero con especiaL preocupación de Las situaciones poco Éticas, taLes coMo La repetición de noMbres y donde quienes reciben en un aÑo fondos pasan a ser despuÉs parte de Las coMisiones que Los distribuyen”

ejes temáticos: Descentralización cultural; cobertura a todas las culturas; promoción de culturas locales. Principales medidas: • Creación de impuesto especíﬁco para descentralizar la producción cultural • Preservación y promoción de la diversidad étnica a través de encuentros • Establecimiento de obligaciones temáticas para la televisión abierta deﬁciencias de hoy y visión a futuro: El concepto que ronda esta propuesta es la regionalización. Si hay una falencia que se

repite en todos los ámbitos de la cultura para Ricardo Israel, es la centralización. La cobertura cultural en los extremos de nuestro país la describe nula: “Lo que distingue mi candidatura de otras, es el rol central que le damos a una reforma del Estado que lo descentralice y lo transforme en un Estado regionalizado”. Para ello propone una serie de medidas entre las que se encuentran abrir escenarios y presentar las voces de artistas regionales. “Llamaríamos a encuentros nacionales de creadores para fijar los criterios”, enfatiza convencido.

MARCO ENRÍQUEZ-OMINAMI PARTIDO PROGRESISTA (PRO)

“hay una Mirada Muy utiLitarista y MercantiLista de La estÉtica. eL estado debiese financiar proyectos incLuso experiMentaLes que fracasen y fracasen hasta que funcione” ejes temáticos: Acceso, equidad, difusión y calidad de las artes y cultura; líneas de financiamiento; sistema de evaluación; identidad e industria creativa; política nacional de museos; ampliar política de donaciones y proyectos en torno a libros y televisión. Principales medidas: • Catastro de museos a nivel país con condiciones, infraestructura y colección • Reducción del IVA al libro al 6-7% y creación de una Editorial Nacional • Creación de un canal de arte estatal en televisión abierta

deﬁciencias de hoy y visión a futuro: En la primera línea de sus proyectos, ME-O plantea que el porcentaje del presupuesto nacional destinado a cultura llegue al 1%, hoy ubicado en menos de 0,4% según el OPC. Postula una forma de abordar la realidad basada en los valores de igualdad, justicia y libertad a través de la cultura y las artes y dictar una política Nacional de los Museos. “Definirá líneas de financiamiento permanente con la obligación de que haciendo uno de ellas no solo se expongan colecciones internacionales o por antigüedad, sino también obras de jóvenes artistas chilenos”, dice Patricia Morales, jefa de campaña de MEO. Entre algunas singularidades proponen, además, crear la tarjeta del profesor, que le da acceso al docente a tres libros gratuitos al año.

REPORTAJE

MARCEL CLAUDE PARTIDO HUMANISTA (PH)

“La adquisición de obras de artes pLásticas podría adornar nuestros espacios pÚbLicos y Mejorar La feaLdad sisteMática que eMpapa todo nuestro entorno urbano”

ejes temáticos: Redistribución de presupuestos; intervención de espacios urbanos; conservación del patrimonio arquitectónico, pictórico y escultural; formación y dotación de requisitos a docentes y alumnos; revalorización del libro y reformas en torno a éste. Principales medidas: • Disminución de los recursos para las artes escénicas y adición a las plásticas • Incorporación del arte como requisito en la PSU • Eliminación del impuesto al libro, papel, tinta e imprentas deficiencias de hoy y visión a futuro: Se presenta una mirada

que se asume oscura. La postura es crítica frente a un panorama que urge cambiar fundacionalmente. “Ningún país moderno puede dejar la educación, salud y cultura (entendiendo la palabra en el sentido lato) en manos de los privados”, debate el candidato, quien además propone una política extensa de ayuda a muchos rubros de la cultura, como la música, artes plásticas, artes escénicas, cine y literatura. “Estoy dispuesto a crear un Cuerpo de Conservadores del Patrimonio con el estatuto de funcionarios públicos de planta, que puedan dar una verdadera continuidad a los cuidados que emprendan hoy o mañana”, destaca, además de sus principales ejes de trabajo, respecto a la conservación de las obras de arte visual.

TOMÁS jOCELYN-hOLT INDEPENDIENTE

“tÚ tienes que producir e iMponerte a niveL de estado: toMar una decisión de anteMano y decir 'sabes quÉ Más, yo quiero una generación de draMaturgos” ejes temáticos: Continuidad y permanencia en proyectos culturales; integración de las artes en una sola gran área; calidad de contenidos y diversidad cultural; desechar la posición de un Estado neutro, proyección de la imagen de Chile. Principales medidas: • Creación de un Centro de Producción de las Artes • Convertir el GAM en un Centro Nacional de las Artes • Creación de un Fondo Nacional de la Pintura deﬁciencias de hoy y visión a futuro: Para el candidato independiente es una necesidad que el Estado se responsabilice en un alto porcentaje del esfuerzo por el desarrollo cultural de nuestro país. Una de las propuestas mencionadas, el Fondo Nacional de la Pintura, pretende extender nuestro patrimonio artístico: “Hay que

generar rentas estables a las viudas de artistas a cambio de que ellas donen el patrimonio que haya quedado después de la muerte de sus maridos. Es una medida económica que cede un patrimonio artístico de primer nivel a nuestro país”. Se describe que por el carácter insular de nuestro país, una de las mayores deficiencias es salir al extranjero con un producto de identidad definida, separando la política de la producción cultural que como candidato pretende sea completamente independiente.

FRANCO PARISI INDEPENDIENTE

“eL consejo nacionaL de Las artes está MaL entendido. si se invierten MiLLones y MiLLones de pesos en traer a La MuÑeca infLabLe, cLaraMente está desviado eL concepto de arte”

ejes temáticos: Fondos públicos; incorporación de artistas en las políticas culturales; fomento de culturas de pueblos originarios; acceso y educación cultural; democratización del arte; fomentar cultura a través de gobiernos regionales Principales medidas: • Modificación de la parrilla televisiva y aumento de programación cultural • Mecanismos de fiscalización ciudadana a través de estudios periódicos de la entrega de fondos • Creación de consejos participativos, plebiscitos para la toma de decisiones

deﬁciencias de hoy y visión a futuro: Su programa advierte una amplia gama de vicios en el área que sugiere solucionar a través de mecanismos de fiscalización ciudadana y mayor participación de artistas. Ordenar y denunciar la corrupción tiene un rol esencial: “Siempre son los mismos los que se ganan los fondos y se quedan con los recursos públicos. El pituto y el amiguismo no permite que se abra el sentido y destino de los fondos”, explican en su comando. Más presencia de los pueblos originarios, proyectos como el ajedrez en los colegios para fomentar el pensamiento crítico y una televisión que priorice el desarrollo artístico y cultural son sus metas más próximas.

20º FERIA DE CERÁMICA GRES

José Luis Serzo

FERIA DEL GRES 26 y 27 OCTUBRE

CENTRO CULTURAL LAS CONDES

marketing@arteallimite.com *La imagen es detalle de la original.

REPORTAJE

LA OTRA CARA DE LA MONEDA Las necesidades que engendra el espectro cultural de las artes visuales de nuestro país se hacen patentes desde distintos ángulos y sectores, derivando en un amplio listado de vacíos o deficiencias que impiden que el desarrollo se explaye y desplace de viento en popa en dirección a los países que tutelan la materia. Los expertos en cada área dibujan el boceto del panorama actual y redactan una lista tentativa de algunos elementos indispensables para dirigir la cultura hacia un plano de calidad.

CLARA CÁRDENAS DECANA DE FACULTAD DE ARTES U. DE CHILE

“en chiLe no soLo no se entiende Lo que se Lee, sino taMpoco Lo que se siente, percibe, escucha y Mira: así eL arte va a seguir reLegado a un pLano Muy por debajo aL que debería estar” “¿Cómo queremos concebir el arte? ¿Como entretención, medio de expresión, medio de desarrollo social o qué?”, pregunta la docente, cuya principal preocupación en este aspecto parte por los recortes de las horas de enseñanza artística producidos en la etapa escolar. “Lo más importante

tiene que ver con el desarrollo humano en su forma más integral: medio para desarrollar mente, cuerpo y alma y para entender la vida desde distintos puntos de vista”, opina. Para Cárdenas, el CNCA ha desempeñado un rol de administración de fondos públicos incompatible con la que vislumbra como la mejor solución: la creación de políticas a largo plazo. “Por ejemplo, no hay una mirada a veinte años, con un trabajo sistemático con estudiantes de básica en materias artístico-culturales y con miras a un trabajo vinculante con instituciones culturales, donde los estudiantes más pequeños ocupen espacios a temprana edad en sintonía con un proyecto educativo de formación de públicos”, arguye con preocupación. El rediseño del sistema de impuestos le parece clave. “No para que haya un aumento, sino que una redirección que permita una continuidad en las directrices que emerjan desde el Estado”.

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ESPACIOS DE AUTOGESTIÓN INDEPENDIENTES OFICINA BARROCA Y GALERÍA ESPORA “eL financiaMiento son fuegos artificiaLes que no te perMiten sobrevivir en eL tieMpo” Los principales vicios que advierten en esta área de productores culturales tienen que ver con la dificultad de sostener un proyecto en el tiempo por falta de financiamiento. Galería Espora advierte dos medidas que en un inicio partieron siendo buenas y hoy en día han revertido sus resultados. La campaña de expropiación de au-

diencias a través de la gratuidad en cultura, dificulta el funcionamiento de espacios de auto gestión independientes porque la gente que se dedica a la cultura debe a su vez generar adquisición. “Se genera un circulo vicioso, porque si tú quieres vivir de esto, tienes que depender del Estado”, explica su directora, Paula Cortés, aludiendo a que quienes no tienen financiamiento de un Fondart no tienen cómo sostenerse, pues no pueden competir con la gratuidad. La solución que surge es contar con fondos concursables que hagan posible un proyecto cultural sostenible en el tiempo, también a través de los recursos. Catalina Tuca, una de las directoras de Oficina Barroca, defiende la existencia de los espacios independientes, pues contribuyen a dar una valorización real al arte, ya que las galerías independientes generalmente ofrecen algo distinto al circuito convencional, por lo que la convivencia es posible, incluso enriquecedora. Para ello propone ayuda del Estado: “Sería interesante su ayuda para crear alianzas con privados que pudieran aumentar la posibilidad de fondos o apoyos mediales y/o materiales”.

ROBERTO FARRIOL DIRECTOR MUSEO DE BELLAS ARTES

“La cosa que más refuerza la exposición de un artista en un museo o galería, lo digo por experiencia propia, es la publicación. Es extremadamente cara y los recursos se van volando, se necesita un incentivo”

“No hay solamente que ver cómo funciona la institución, sino también el sistema de la formación y educación en las artes en general”, reflexiona Roberto mientras da cuenta de un proceso que ha ido decreciendo en el tiempo, volviéndose prácticamente desechable. Para él, el presupuesto no está a la altura de las circunstancias y es necesario incrementar los espacios comunes públicos. Respecto a los fondos concursables, describe que hace falta continuidad y por ende, consecuencias o resultados: “Una cosa es producir y generar un producto artístico y otra es cómo el resultado se instala en el contexto”, explica a propósito de la forma en que la sociedad recibe el concepto artístico planteado, se relaciona e identifica con éste y entonces empieza a tener presencia a nivel nacional e incluso internacional. Con todo ello, considera que es de vital importancia que exista un incentivo para la difusión de obras.

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ÓSCAR AGÜERO SECRETARIO EJECUTIVO DEL COMITÉ CALIFICADOR DE DONACIONES CULTURALES

“¿Cómo obtienes una retribución frente a estas iniciativas de inversión? Con obras que vuelvan al Estado y entren en un Museo como forma de pago”

Uno de los actuales temas de debate en el sector cultural es la selección y asignación de fondos a los artistas que acuden a las bienales. Respecto a privilegiar a un artista o bien a varios para este tipo de eventos, Agüero opina que hay que darle la posibilidad a un número mayor. “Si no, estás posicionando a Chile a través de un artista”, comenta agregando que existe la necesidad de seguir estudiando cómo posicionarse en otro tipo de actividades y eventos. “Me gustaría que hubiera una participación mayor. Me interesa darle más oportunidades a otras personas, no únicamente a un artista. No es fácil tomar la determinación y es difícil evaluarlo”, opina, asumiendo que en el mundo del arte hay muchas luchas y posiciones que se debaten en pugnas de poder y repartija.

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BÁRBARA NEGRÓN DIRECTORA OBSERVATORIO DE POLÍTICAS CULTURALES

“La cultura no es un Ministerio, es un Consejo. Eso tiene una razón de fondo, independiente de si unos están de acuerdo con que se cree un Ministerio o no” Bárbara Negrón distingue un vacío universal al momento de definir indicadores que pongan en evidencia numérica los beneficios y costos de las políticas culturales y su balance. “Es difícil encontrar un correlato de ese impacto sobre la sociedad.

¿Cómo lo haces para medir la imagen de Chile fuera?”, explica a propósito del impacto económico imposible de rastrear dentro del ámbito por falta de herramientas. “Lo que sí se puede evaluar es si esa inversión tiene un correlato con una política. Si Chile está en un plan de internacionalización que lo ha definido así, tiene bastante sentido en ese contexto (…) Yo entiendo que sí, por lo menos en este período, el tema de la internacionalización ha sido fuerte” opina. La modificación a la Ley de Donaciones Culturales le parece un avance, pero descubre una pérdida sustancial: que las Pymes no puedan ser las beneficiarias de donaciones. “Me preocupa que la discusión derive en una ley única de donaciones, porque estoy convencida de que la cultura tiene particularidades, el Estado lo ha refrendado en muchas ocasiones. Tú no puedes meter a la cultura en el mismo saco que otras áreas porque el trabajo del artista es particular”, advierte.

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ERNESTO MUÑOZ CRÍTICO Y CURADOR

“En arte hoy se trata de repartir una torta que no existe” Muñoz distingue un escenario sobre el cual no existe un interés específico por gestionar una buena política de museos. “Nunca

he visto, bajo ningún gobierno, que se pongan con una cantidad apreciable de dinero para arreglar los museos”, dice mientras advierte que los espacios para las artes visuales nacionales están lejos de pertenecer a los circuitos internacionales por falta de preservación, conservación y sistema de custodia: “Nuestros museos terminan siendo caricaturas de lo que es un Museo”. Respecto al panorama curatorial, define un explosivo y expansivo número de artistas, curadores y lugares donde debiese exponerse hoy inutilizados, lo que impide un rodaje de artistas expedito y apertura del sistema. “Debería haber un museo de arte contemporáneo en cada región”, propone como medida de solución.

20 AÑOS METRO ARTE

ENCUENTROS

subterráneos se estima que 2,3 millones de personas transitan por el Metro de santiago diariamente cargando sus historias. el proyecto Metroarte lleva 20 años buscando tocar sus hombros, conseguir su atención unos minutos y provocar un encuentro subterráneo. Por Natalia Vidal. Imágenes cortesía de Metro Santiago

REPORTAJE

lgo pasa bajo la ciudad. Algo vibra bajo las calles de Santiago sin esconderse, sin secretos. Son miles los testigos. Todos los días se mueven masas, se trasladan mimetizadas conservando intimidad o exhibiendo sus verdades. Y resulta que se miran sin llegar a conocerse; se reconocen sin llegar a relacionarse y se topan. “Nosotros transportamos personas, mundos distintos. Cuando tú tomas conciencia de que cada persona hace un viaje psicológico paralelo al viaje físico cuando se transporta, te das cuenta que existen miles de oportunidades de tocar a esa gente”, relata con entusiasmo Javier Pinto, Director de la Corporación Cultural MetroArte. El transporte público y el diario de vivir provocan cientos de encuentros y están, por lo mismo, tan compenetrados como el arte con los conceptos que tutelan el trabajo de Javier: provocar, convocar y participar. En un mes como este, hace 20 años, la empresa Metro decidió salirle al paso al transeúnte subterráneo: tocarle el hombro, darle palmaditas en la espalda y forzarle un gesto. Entonces nació el Comité Metro Arte. Hoy está de cumpleaños y celebra con regocijo la satisfacción de estar sobre el tren que transita hacia la humanización del servicio con espejos de belleza. “Las pinturas entonces, los diseños, murales y azulejos que vemos emerger desde las ventanas de los vagones o que nos salen al encuentro cuando descendemos por las escaleras mecánicas son una lección de humanidad, un gran recordatorio del infinito que contiene cada segundo de nuestra existencia”, escribió Raúl Zurita en el libro Las nuevas catedrales a propósito de este emprendimiento. Ya van 20 años, 33 obras de arte visual instaladas a permanencia, más de 20 actividades culturales anuales, 7 proyectos nuevos aprobados y decenas por revisar. No es la imitación de un museo ni aspira serlo, sus características lo contornean por sí solas. Es arte público, instalaciones de gran envergadura que plantean un desafío para cualquier artista y una instrucción indiscutible a cualquier ojo de parar: deténgase y disfrute, no se lo pierda, es gratis. “La gracia del Metro es que al ser un lugar subterráneo uno diría que es la antítesis del arte, sin embargo, resulta que esa misma característica le da la cosa íntima que tienen las galerías, las iglesias… están protegidas”, aprecia la artista eliana simonetti, creadora de un espacio privilegiado en la entrada al metro Bellas Artes. trazos plasmados a la orilla del vagón En 1993 baja por primera vez las escaleras de la estación Universidad de Chile el pasajero de Interior Urbano, primera instalación de arte en el Metro. La pintura muestra a un hombre que se sumerge en una inmensa incertidumbre mientras el resto sube, baja o cambia de andén. Mirándolo de cerca y contemplando este suceso, su creador y progenitor, Hernán Miranda, lo ve partir hacia quién sabe dónde. El sinfín es siempre una invitación atractiva, él lo sabía, Metro también y hoy los pasajeros lo han ido asumiendo. Allá abajo, las líneas

• Vista de la estación Parque Bustamante y la obra Vida y trabajo, de Alejandro "Mono" González.

REPORTAJE

• Vista de la estación Universidad de Chile y el mural Memoria visual de una nación, I Parte, de Mario Toral, acrílico y óleo sobre tela, 600 mts².

subterráneas con transcursos definidos y amplia gama de destinos, enmarcan en 600 m² de óleo y acrílico la historia que antecede y da origen al mundo que viven los que se trasladan, nómades ciudadanos de la rutina. Al igual que Miranda, Mario toral registra en la profundidad a la que se inmiscuye el viajero en su Memoria visual de una nación, obra emblema de MatroArte que cubre las paredes de la estación Universidad de Chile. Pero aún aquí en frente, al viajero de Interior Urbano, se le ve bajar a la nada si uno para unos segundos. “Un hombre va de espaldas, baja una escalera como ilusión y se dirige al infinito en medio de una atmósfera”, cuenta Hernán de aquella primera instalación de MetroArte que es, además, la auto referencia que relata imaginándose a sí mismo bajando, eterno en la estación. Justo junto al Parque Forestal y en medio del banquete de nuestros mejores museos tiene su entrada y salida la estación Bellas Artes. En uno de sus accesos principales, una multitud de árboles dibujados en hojas blancas anteceden el panorama que chocará de frente con el caminante si es que va de salida. Cual bosque mágico, instalado en un gran inventario se asoman aproximadamente 800 de 1000 dibujos de árboles que eliana simonetti recolectó en sus croqueras durante tres años y que intentaban redactar la diversidad en trazos y colores de una misma forma. “Qué entretenido sería saber cómo es el árbol de cualquier persona. Dibújame un árbol”. Así nació Arbolario I, el mural que inaugura la trilogía que agotó su afán y gusto por la naturaleza. “Me gustó la idea de inmediatez. Era como quien dice la firma: este es mi árbol”, explica a propósito de la idea basal.

Transitando los parques de la gran capital se encuentra también la estación Parque Bustamante, hoy hogar de uno de los trabajos más llamativos de MetroArte. Por su intensidad y color, el enmarcado del riel que carga miles de individuos que instaló Alejandro “Mono” González transmite un enérgico y alegórico tributo a la vida, colmado de rostros de colores que canalizan sensaciones que estimulan al viajero y al que nombró Vida y Trabajo. “Próxima estación: Baquedano, lugar de combinación con Línea 5”. Bajan decenas de personas con apremio y sin espacio. Pasan entre las que esperan subir mientras duran los segundos de la luz en rojo. Caminan de memoria decididamente hasta subir las escaleras. Entonces están ahí: sus rasgos, su cansancio y la misma rutina; su reflejo en otro cuerpo. “Son seis santiaguinos que pasan por Baquedano posando dignos. Este tipo de retrato siempre ha estado destinado a la aristocracia y yo quise ponerlos posando como grandes señores”, describe Guillermo Lorca, autor de los seis retratos sin protección instalados en 2010 en Estación Baquedano. Han fundado una dulce y sorprendente simpatía que genera el respeto de los viajantes. “Milagro es que la gente no les ha hecho nada nunca. Nosotros calculamos que por ahí han pasado casi 50 millones de personas desde que está instalado hasta ahora (3 años), y no tienen ni una raya”, expone Javier Pinto como prueba de lo anterior. “Es un retrato gigante que representa a un grupo de personas. Pierde esa individualidad exacta del retrato de la persona con nombre y apellido”, explica Guillermo a propósito de lo que dota a Rostros del Bicentenario de identidad.

• Vista de la estación Parque Bustamante y la serie "Rostros del Bicentenario", de Guillermo Lorca.

Justo frente a nuestra casa de gobierno, unos metros más abajo, se Existen gran cantidad de proyectos previstos. La búsqueda aloja frente a los rieles del metro tren, parte del proyecto Chile del de financiación de las instalaciones corre por parte del Bicentenario de Guillermo Muñoz Vera. “Ya en 2002, cuando comencé artista y sus colaboradores. Metro pone el espacio y la a trabajar en el proyecto de pinturas murales para la estación La coordinación y el resto es a través de donaciones privadas Moneda, tenía en mente ese concepto. Para entonces nadie pensaba gestionadas por el interesado. No es necesario contar con el que esa emblemática fecha fuese una buena razón para esas pinturas. presupuesto antes de obtener la aprobación, sin embargo, Para mí sí lo fue”, recuerda el pintor nacional, quien dejó plasmada a en los últimos meses implementaron una norma que exige orillas del andén nuestro Chile de norte a sur en extensos murales de que la reserva del espacio no escape a la duración de un año. pintura al óleo. Las olas bañan de calma las veredas con guardias de Presión a los artistas para conseguir el dinero y alternancia gorra fosforescente y la luz tenue invita a unos minutos de intimidad para los que piden y ya cuentan con él. que anticipan el deber de responder al vigor de Conseguir un taller adecuado y de buen tamaño, la ciudad que espera en las afueras. Los botes de Revisa el reportaje bastidores, herramientas y traslados son las principales Chiloé, la portada de Antofagasta y la Cordillera audiovisual de los 20 necesidades que presentan los postores. Los espacios de los Andes del otro lado: la misma paz, la misma años de MetroArte de las futuras líneas del metro aún no están licitados, armonía, el mismo abrazo. Sin ser invasivo, inunda en nuestro canal de pues no están listos los planes finales. Una vez que eso todo y quiéranlo o no, quienes frecuentan este Youtube ocurra pasarán a la palestra de los disponibles. medio de transporte notan la diferencia. Arteallimite Revista Arte por y para todos El arte habita y puebla con calor de hogar cada estación y es por eso que hoy se conmemora el inicio y se celebra la continuidad de la iniciativa. Para los que osan inmortalizarse no existen requisitos ni exigencias. Todos pueden participar, todos pueden postular a los espacios disponibles que pronto, con la inauguración de las nuevas líneas 3 y 6, serán más. De todas las edades, de profesión o no, chilenos u extranjeros, la idea es que haya un motivo, un proyecto definido, el cumplimiento de unas bases y el presupuesto.

De sol a sol transporta, sin interrupciones ni desvíos. Cuando se apagan las luces de los trenes, se encienden la de los espacios y se voltea el reloj de arena: “Tenemos solamente cuatro horas y media en la noche para instalar”, indica Pinto. Una noche, un gran equipo y manos a la obra, a la mañana siguiente no debe quedar rastro, ni una sola huella. Volverán a entrar los pasajeros, soltarán miradas aleatorias mientras combaten la rutina y se entenderán frente a frente con la nueva propuesta de algún osado que colgó de las paredes, imprimió sobre los suelos o soldó sobre baldosas, su regalo: legado de cultura; color, belleza y pasión; respiro y vida.

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ARTISTA DESTACADO

Teresa Ortúzar

sujetos de Magia y diversión La artista, exponente del realismo mágico, pone a la mujer al centro de su obra. Con un sutil toque de humor consigue robarnos una sonrisa, todo en medio del gran colorido que llena cada rincón de sus pinturas. Por Carolina Bravo. Imagen cortesía de la artista.

eresa es la segunda hija de siete hermanos que crecieron alrededor de una familia “tribal”, donde la poesía, la ópera y la plástica eran parte del cotidiano. A sus 69 años aún se declara “en camino a ser artista”, pues dicho concepto le queda muy grande, como ella misma dice. Tela, papel y trupán son algunos de sus materiales predilectos, confesándose enamorada de éste último: “Con este material puedo romper las líneas rectas. La obra puede no ser rectangular o cuadrada y puedo volar con las formas”.

• El descanso, 2013 fierro y madera pintado con acrílico.

Actualmente se encuentra incursionando en la madera como volumen, exploración que se materializa en la muestra SujetoObjeto, donde un pájaro de madera masisa y de diferentes formas es el “objeto”: “Uso la forma de pájaro como un guiño a la libertad que para mí encarnan ellos, pero solo la forma habla de pájaros, ya que pinté la madera como si fuera una tela. Los cubrí de imágenes que guardan relación con la obra a la que acompañan y después de cubrirlos, los raspé en algunas partes para que se viera la materialidad de la obra”.

Con una profunda cuota de sensibilidad, el llamado de Teresa es a la reflexión, no desde la trinchera de la denuncia, sino desde el amor. De ahí que la primera obra de esta muestra fuera La Compasión, la que revela su preocupación por el trastoque exitista de los valores de la sociedad actual: “Es tan hermosa la solidaridad, desde dar la pasada a otro o dar la mano al hermano. Por eso la diosa de la compasión fue la primera”.

EXPOSICIÓN OBJETO – SUJETO de Teresa Ortúzar e Isabel Viviani Lugar: Casas de Lo Matta. Dirección: Av. Pdte. Kennedy 9350, Vitacura Fecha: Del 17 de octubre al 15 de noviembre

Teresa tiene como motores de búsqueda a Dios y luego a Carl Gustav Jung: “Él me dio alas, los sueños y el inconsciente. También destaco a Joseph Campbell, gran antropólogo junguiano, cuya obra magna, Las Máscaras de Dios, retrata la humanidad, que converge en la búsqueda de lo divino. Es tan maravilloso sumergirse en un mundo de acuerdos, donde lo importante es lo que compartimos, no lo que nos divide”.

Hoy domingo 6 de octubre

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en todas las obras

Contacta y compra directamente a los artistas. Artistas participantes: Laura Maturana - Ninoska Herreros - Alfred Exss - Andrea Rodríguez - Andrés Rakos - Daniela Ponce Andrés Hermosilla - Macarena Salinas - Eduardo Garcés - Roxana Werner - Marcela Carvajal Ruby Yunis - Teresa Benavente - Pauline Cristi - Fernanda Saldivia - María Paz Contreras - Nicole Reiss María Elvira García - Elizabeth Cueto - María Teresa Haussler - Rubén Fernández - Ignacio Lobo Catalina Sclabos - Pedro Fermín - Francisco Camplá - Francisca Lohmann - Huwaida Alarja - Tania Díaz Macarena Fernández - Luz María Vial - Soledad Reyes - Coco Pierat - Josefa Cordua - Francisca Correa Emilia Mundt - Miguel de Lanú - Paulina Wagemann - Valeska Rojas - Marisol Grisanti

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Por Pedro Labowitz Crítico de Arte Miembro de AICA

ARTE EN ÁFRICA En el CCPLM » Imagen cortesía del CCPLM.

l Museo Etnológico de Berlín nos envíó una mínima parte –unos 180 piezas– de sus existencias, pero bastan para llenar las salas del Centro Cultural de La Moneda. Se trata de obras de la “África Negra” – no incluyendo aquí a Egipto. Ha sido dicho con cierta mofa, pero no sin cierta razón, que el “Arte Africano” fue inventado en Europa a comienzos del siglo pasado por Pablo Picasso; y es cierto que el artista español estaba entre los primeros que consideraba a estas máscaras, relieves de lata y tallados de madera, como “arte”. Hasta entonces había sido considerados algo despectivamente como “arte popular” o “arte “folklórico”. Hoy –y esto seguramente refleja también nuestras modernas teorías políticas sobre nacionalismos– hablamos de “arte africano”. Así, por ejemplo, el museo etnográfico de París, el Musée de l´homme, cambió hace unos decenios su nombre y es considerado hoy un museo de arte. La fuerza de expresión es hoy decisiva para definir una obra de arte, y no la belleza o la armonía. Las obras más antiguas en esta exposición datan de hace unos 400 años. En los reinos africanos de entonces existían “artistas de la corte” que traspasaron sin cambios sus tradiciones anónimamente de padre a hijo, lo que es típico para el arte popular (lo tenemos en Chile en la escultura de los araucanos) y hasta se organizaron en sindicatos. Sus obras sirvieron para la glorificación de los correspondientes potentados, pero al mismo tiempo estaban también al servicio de sus deidades (y fueron destruidos correspondientemente por lo misioneros católicos).

EXPOSICIÓN ÁFRICA: Obras de arte del Museo Etnológico de Berlín LUGAR: Centro Cultural Palacio La Moneda. DIRECCIÓN: Plaza de la Ciudadanía 26, Santiago. FECHA: Hasta el 30 de noviembre

La madera era y es su material preferido; pero también hay altorrelieves de lata y obras con el uso de fibras, conchas o perlas de vidrio. Consecuentemente los tonos de colores pasan por marrón, negro y grises. En la sala La ﬁgura humana hay tres figuras cubiertas totalmente con partes de éstos y otros materiales, incluyendo cáscaras de nuez. La figura humana o partes de la misma, como cabezas, forman de una u otra manera el tema favorito: figuras talladas en madera en formas complicadas y los altorrelieves de lata subrayan el carácter altamente expresionistas de estas piezas. Los pocos ejemplos de obras de perlas de vidrio o de fibras, por su parte, son planos y estrictamente simétricos. En nuestros días no faltan ejemplos de la masificación del arte africano, debido a la mayor demanda. Nosotros los latinoamericanos recordamos las obras de “airport-art” que se ofrecían en el aeropuerto de Dakar, cuando los aviones a Europa tenían que parar y reabastecer gasolina allí antes de llegar a Chile. Pero por supuesto que en esta exposición no existen ejemplos de esa producción para turistas.

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Por Ernesto Muñoz Crítico de Arte Miembro de AICA

COLECTIVO MEMORIA (A&S) En Galería Isabel Aninat » Imagen cortesía de Galería Isabel Aninat.

• Arqueología Anticipada II, mármol y fotografía impresa.

n los albores del siglo XXI el arte latinoamericano ha recibido un colectivo que escapa a un desarrollo que se estableció en el arte de la región, la búsqueda de lo precario y lo social. Nacidos para romper fronteras, los colectivos han creado espacios donde se cuestiona el sentido de creación individual, logrando importantes aportes. En este discurso aparece el colectivo Memoria, compuesto por Teresa Aninat y Catalina Swinburn, dos artistas que unidas han desarrollado una obra que se despliega en el sentido de la producción más intensa, ya que no solo crean la obra sino que la realizan plásticamente, es decir, son protagonistas de sus propios guiones. Éstos se colocan en los mecanismos propios de la época, donde la fotografía es el soporte ideal con sus aportes técnicos y a ella acuden ante el lente las artistas, en ambientaciones donde el color y la forma son aportes de los temas desarrollados. Para comprender estas obras miramos varias capas o grosores donde se desarrolla: el registro fotográfico enfrentando a la

ambientación donde las artistas generan su desplazamiento que es el lazo creador–espectador, en el cual se explaya el discurso del cual infligen. Su formación -de un rigor donde se colude la historia con la realidad, donde el relato se expande desde la letra impresa a un desarrollo visual- nos presenta que los cruces del arte que pasan por la filosofía, literatura y sociología logran resultados primordiales en el campo del arte. Memoria, función del cerebro y a la vez un proceso que permite codificar, almacenar y recuperar información, es una definición de diccionario. La memoria o aprendizaje aquí se alza con su bagaje a perpetrar un acto insólito, recompone los tejidos que toma y se expresa con un aporte cultural para lo cual el arte precisa explayarse.

EXPOSICIÓN ARQUEOLOGIA ANTICIPADA LUGAR: Galería Isabel Aninat. DIRECCIÓN: Espoz 3100, Vitacura. FECHA: Hasta el 15 de octubre.

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Por Ennio Bucci Abalos Licenciado en Teoría e Historia del Arte y Estética Miembro de AICA

LOVE AND SPACE • Detalle de Ni contigo ni sin ti, 2011, volantines y engrudo, 201 x 350 cm.

» Imagen cortesía del MAVI.

agdalena Atria, formada en la escuela de Artes de la Universidad Católica, con estudios en la Parsons School of Design de Nueva York, es una artista inquieta y reflexiva que ha trabajado la materialidad como soporte de su obra plástica. Primeramente se inició en la búsqueda del color, lo que se puede apreciar en sus obras iníciales de gran formato. Ahora en su última muestra, Love and Space, incursiona en nuevos materiales, entre éstos la totora. La muestra que se presenta en el museo Mavi reúne un conjunto amplio y variado de trabajos realizados con cierta intención de recolectar imágenes, objetos y materiales que provienen del entorno social que la artista asocia a diferentes ámbitos de la expresión de nuestra cultura. Según lo plantea la artista, su obra apunta a trabajar con diferentes medios de expresión. “El uso de materiales diversos habla de cómo éstos se vinculan con el arte; con las vivencias de la vida; cómo nos vinculamos con el entorno; nuestra relación con los objetos; cómo éstos nos sugieren imágenes, vivencias y recuerdos en la dimensión de lo ideal y lo real. Las obras remiten al ámbito de los anhelos y los sueños individuales y colectivos”. Centrándonos en la muestra, en el segundo piso el espectador se encuentra con una composición ejecutada en plasticina que cubre un amplio perímetro del suelo; lo sugerente de ella son sus formas abstractas y los diversos matices y colores que logra con el uso del material. A su vez, en las paredes presenta cuatro obras de pinturas de poliuretano sobre aluminio, haciendo referencia a los

elementos de la tierra, el aire, el fuego y el éter, sugiriendo formas abstractas. En el piso superior de museo presenta una obra titulada Sólidos platónicos, un conjunto de objetos que evocan formas geométricas como rectángulos, triángulos y cuadrados trabajados en totora, su dimensión cósmica y su relación geométrica con culturas ancestrales. Sugerente, creativa y dinámica -tanto por las formas geométricas como por el alegre colorido dado por el papel de volantín de variados tonos cromáticos- es su obra Ni contigo ni sin ti, una intervención en el muro del museo que funciona como una evocación al tiempo y al cambio. Otro aspecto que se relaciona con su propuesta de objetos y el vínculo de éstos con vivencias, sueños, pensamientos y toma de conciencia de la existencia, es la intervención que hace de las vitrinas del Museo Arqueológico. Pequeñas formas abstractas en plasticina que se mimetizan con los objetos arqueológicos de quero, madera, la alfarería de San Miguel de Azapa; la cerámica negro-pulida de San Pedro de Atacama y las intervenciones en las cerámicas diaguitas y Aconcagua, creando contraste y realismo cromático. La muestra de Magdalena Atria es interesante de visitar ya que es una invitación a viajar en el tiempo y el espacio a través de los sentidos.

EXPOSICIÓN LOVE AND SPACE, DE MAGDALENA ATRIA Lugar: Museo de Artes Visuales. Dirección: José Victorino Lastarria 307, Santiago. Fecha: Hasta el 13 de octubre.

Por Enrique Solanich S. Magíster en Teoría e Historia del Arte Miembro de AICA

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LA MIRADA REFRACTARIA DE PIERRE-AUGUSTE RENOIR » Imagen cortesía de Sanﬁc.

El film Renoir (2012), estrenado en el Santiago Festival Internacional de Cine 9 (Sanfic), cuya dirección es de Gilles Bourdos, suscita evocaciones.

El relato fílmico que privilegia la cámara subjetiva, transcurre en 1915, en la Primera Guerra Mundial, revistando los últimos años de Pierre-Auguste Renoir (Limoges 1841-Cagnes 1919), pintor y escultor imbricado en el impresionismo y preciado por las iconografías atendidas, donde caben paisajes, retratos, niños juguetones, ramilletes de flores, grupos humanos y desnudos femeninos exultantes de hechizos carnales, apostados entre las hierbas, significantes que visibilizan una estética signada por la alegría y el placer de vivir. El argumento atiende la convalecencia de su hijo Jean, licenciado del frente y que restaña heridas en la finca familiar Les Collettes, pues desde fines de los ochenta el pintor padece reumatismo que lo relega, en 1903, a una clausura y ensimismamiento en el soleado sur de Francia, en Cagnes-sur-Mer, de cara al Mediterráneo. El aporte juvenil de Renoir al impresionismo en las décadas sesenta y setenta, de la mano con Claude Monet (París 1840-Giverny 1926) y la cohorte de alumnos del taller de Charles Gleyre (1808-74), es consabido e indubitable. Empero, la distancia posterior con el grupo germinal de los intransigentes es corolario de sus búsquedas personales, sazonadas por los viajes -motu proprio- hacia Argelia, Inglaterra, Italia y España. Son aprendizajes y refracciones visuales terminantes que asientan un lenguaje que macera la tradición clásica con una explosiva modernidad. Añádase la satisfacción que le ocasionan los envíos acomodadizos para los Salones Oficiales, los aplausos derivados de ello como las crecientes ventas de retratos y pinturas complacientes, amasijo que lo constriñe en un lato eclecticismo. Jean Renoir (París 1894-Beverly Hills, California 1979), cineasta de envergadura, es autor del ensayo Renoir, mi padre (1959) devenido trama clave en la documentación y trazado del guión de la película comentada. Su lectura aporta datos del pintor, ahondando en su familia, formación y ámbitos sociales y culturales en los que se desenvuelve, trasluciendo por sobre los sucedidos, las reglas estéticas que lo movilizan en las etapas de su ingente vocación. Resalta sus modestos orígenes, las penurias pasadas y la austeridad espartana de su existencia cuanto de los predicados icónicos por él absorbidos. Dos episodios refieren su salud quebrantada. Vale citarlos. Uno: “… ese día de lluvia del año 1897 Renoir fue en bicicleta a Servigny.

• Escena de la película Renoir.

Patinó en un charco, cayó sobre un montón de guijarros y al levantarse comprobó que se había quebrado el brazo derecho”. Otro: “Sus manos contraídas ya no podían asir nada. Se ha dicho y escrito que se le ataba el pincel en la mano. No es totalmente exacto. La verdad es que su piel se había vuelto tan delicada que el contacto con el mago del pincel lo lastimaba. Para evitar ese inconveniente, se hacía poner un pequeño trozo de tela delgada en la palma de la mano. Sus dedos deformes, antes que tomar el pincel, lo atrapaban”. Auscultar ambos relatos, complementarios antes que opuestos, fija el perfil adecuado de uno de los protagonistas fulgurantes del impresionismo, el 15 de abril 1874, fecha de la primera y sonada comparecencia protocolar del grupo.

RENOIR Director: Gilles Bourdos Duración: 111 min. Año: 2012 Disponible en Amazon.com

ACTUALIDAD

Martín Sastre

“de deLiriuM treMens en deLiriuM treMens” SI LOS SUEÑOS NO VIENEN A ÉL, ÉL VA A LOS SUEÑOS. CON LA SOLA INTENCIÓN Y OSADÍA, MARTÍN SASTRE SE HA INSTALADO EN LOS OJOS DE URUGUAY Y EL MUNDO. VISITÓ CHILE EN EL MARCO DEL CONCURSO PREMIO ARTE JOVEN MAVI VIII, LIDERANDO UNA CHARLA INSTRUCTIVA DE CÓMO CONSOLIDAR LA CARRERA DE UN ARTISTA EMERGENTE. PRÓXIMAMENTE TRAERÁ SUS TRABAJOS A NUESTRO PAÍS. Por Natalia Vidal. Imagen cortesía del artista.

Actitud es lo que lo trajo a Chile. El concepto titula su instructivo Actitud: manual para artistas emergentes y define su personalidad. “Un artista es alguien que produce cosas que la gente no necesita tener pero que él, por alguna razón, piensa que sería buena idea darles”, dijo Andy Warhol en vida y a Martín siempre le llamó poderosamente la atención el norteamericano. Atraído por su concepto, tomó inconscientemente esta idea y aterrizó en Chile para compartirla a través de una charla con los concursantes del certamen, un encuentro que trató la inserción de los artistas latinoamericanos en el campo del arte. “Es una especie de manual de autoayuda y, tomando ese formato, la redacción de diez pasos que explican cómo un artista emergente puede despegar”, describe de la esencia de la charla y el texto. “Realmente no hay un método; no es algo que puedan enseñarte en la universidad, allí te dan herramientas”. Al público le gustó, miles de copias vendidas y el agradecimiento de los alumnos que tantas veces le manifestaron la inquietud. “La verdad es que es muy irónico. Partamos de la base de que es un manual, como si se pudiera resumir la clave del éxito, pero por algún motivo a la gente le resultó muy inspirador”, confiesa entre risas. El manual aún no está a la venta en ningún país ni circuito, sin embargo, ha circulado de forma espontánea vía internet, repartido en fragmentos. El ejemplar completo será publicado el próximo año por la editorial chilena Metales Pesados. • Martín Sastre.

iste de street: jeans oscuros y polerón fosforescente en tonos rosado resaltan en el día soleado que cobija el Museo de Artes Visuales una mañana de agosto. Con fluidez y desplante saluda y acepta un café sin azúcar. Viene a abrir los fuegos del Premio Arte Joven VIII del Mavi y ha planeado llevarse amigos y una vista panorámica del espacio del que dispondrá para su siguiente exhibición en nuestro país el próximo año.

A sus 37 años y con una corta pero intensa carrera artística, Martín Sastre consiguió concretar su primer largometraje, Miss Tacuarembó, tal como lo ideó en su mente: con Natalia Oreiro de protagonista y, sin más que insistencia y confianza, llegó a la Bienal de Venecia con U from Uruguay, perfume que él mismo diseñó y cuyo aroma emergió directamente de las flores del jardín del presidente José Mujica, con quien pudo compartir en tres oportunidades únicamente a punta de esfuerzo y atrevimiento: “Mi carrera es una locura, pero bueno, así estoy: de delirium tremens en delirium tremens.

ARTISTA EMERGENTE

Raimundo Edwards

triunfo de RESIDUOS Recoge piezas perdidas y abandonadas, piezas que suelen ir a dar a un basural. Interviene objetos, los moldea y transforma en instalaciones merecedoras de distinciones y reconocimientos a nivel nacional e internacional. Raimundo Edwards es el último ganador de la Beca Arte CCU y en febrero próximo inicia una travesía que promete insertarlo en la escena internacional. Por Natalia Vidal. Imagen cortesía de Beca Arte CCU.

amina por Santiago con un triunfo en la mochila: un inventario de objetos recolectados en Brooklyn con los que ganó la Beca Arte CCU 2013. Son fragmentos gastados y talvez roídos, cuya finalidad ambiciona reconstituir la esencia de la ciudad en cuestión. "La gracia es saber qué diferencias pueden haber entre una ciudad de Estados Unidos como Nueva York y Santiago", comenta Raimundo, dando forma a los conceptos que cimentaron el proyecto ganador. Febrero llegará a su vida sin sol, pero con un largo viaje: cuatro meses en Nueva York que prometen ser una nueva etapa en su carrera de artista emergente. “El proyecto contempla acompañarlo en un proceso de conciencia. En la estadía el artista trabaja en la materialización del cuerpo de su obra, que luego irá a exhibición en Nueva York y en Chile”, describe la directora Y Gallery NY, Cecilia Jurado, quien además lo acompañará en todo su trayecto. Desde la contradicción intrínseca del todo y nada surge esta creación. Los elementos se confabulan y relacionan dando origen a una instalación compacta y pragmática a partir del vacío propio de elementos que ya tuvieron su utilidad. "Lo más importante es trabajar

la dicotomía entre los objetos que son orgánicos y contraponerlos con algunos de carácter industrial", confiesa el joven galardonado, quien inicialmente aborda la parte material y luego plantea las directrices del proyecto: “La base es la materia prima y va a depender del carácter del pedido que reciba, la envergadura, forma y tenor de su resultado”. Unos cuantos ensamblajes y un poco de pintura bastan para unir cabos sueltos y hacer sentido, todos estos pasos haciendo uso de lo que para muchos quedó en el olvido de un basural. Instalaciones que reconstruyen los espacios mentales que le intrigan y encienden el motor de sus ideas en permanente proceso activo. ¿A dónde marcha el amigo? A Nueva York; ¿cuándo? En febrero; ¿qué busca el forastero? Contactos y consolidación; ¿Ha descrito la misión? Progreso y posición. 12 de agosto de 2013. Apertura de postulaciones, carpeta lista en mano: siempre a tiempo y con más rigurosidad que páginas. “Presenté, tal como indicaban las bases, un portafolio con 10 imágenes, una reseña de mi trabajo, dos cartas de apoyo y el

• 1 y caída libre, 2012, acrílico sobre M/F, 80 cm. de diámetro c/u.

currículum”, detalla. Leídas y cumplidas todas las normas, los requisitos simplemente quedaban en sus bolsillos. El reloj de arena se volteó. Entre tanto y tanto, pensar es lo de menos si se trata de resultados y concreción. Las cartas están echadas y hay proyectos por delante: muchos, suficientes. La espera materializó la intriga, mas los nervios se quedaron en su sitio. “Me llamaron por teléfono un día antes de la publicación de los resultados y me dieron la noticia”, recordó satisfecho. Empezaron los meses de apremio, atareados. Movimiento y gestión artística. Raimundo ganó y entendió que justo en la previa del premio se aproximaba una avalancha progresiva a la que tenía que ganar con holgura. ArtRIO, Chaco, Escuela de Arte y Gestión del AIEP, muestra colectiva con Taller BLOC y los preparativos del patente viaje copan hoy su agenda sin dejarle respiro. Ajetreada vida de ganador forastero con ansias de experticia. Su mente distraída en los horarios no perturba el sentido inicial ni la esencia que mueve sus instintos. “Mi trabajo tiene que ver con

deambular o recorrer la ciudad; recolectar elementos. Recojo en las calles y las cunetas pedazos de auto, objetos en autopistas y carreteras, huesos de animales y plantas, que pasan a integrar una especie de inventario de residuos orgánicos y artificiales", enumera consciente de su proceso creativo. Su relato independiente, separado del camino que transita lo puntual de cada objeto, lo dirige a un solo horizonte: “Más que un lugar específico en la escena nacional, me interesa poder estar en constante diálogo con el contexto local y aportar con mis investigaciones.” Sin perjuicio de ello ha de someterse a los cambios. Cambios que se han dicho, se saben y se esperan. “Justamente una de las cosas que uno esperaría de un proyecto como Beca Arte CCU es brindar la oportunidad de dar un paso, que la beca genere un click y algo cambie en la cabeza del artista. Que se renueve o evolucione el sentido del discurso en su obra”, explica Macarena Goldenberg, Licenciada en Historia del Arte, representante y participante de la convocatoria. Ha decidido querer. Ha concluido una conquista, embarcado ya en otras más. Ha iniciado la cadena interminable de un afán apasionado, una imagen clavada en la proyección y un incentivo creado e incluso tatuado.

Panoramas del mes EXPOSICIONES La exposición está compuesta por más de 30 obras de destacados creadores que formaron parte del taller y que realizaron sus obras durante el período en que éste operó, entre los que destacan: Nemesio Antúnez (fundador), Roser Bru, Santos Chávez, Lea Kleiner, Gonzalo Cienfuegos, Irene Domínguez y Eduardo Garrreaud, entre otros.

La muEStra SE prESENta EN La miSma CaSONa QuE aLBErgÓ HaCE dOS dÉCadaS aL taLLEr 99, CONSidEradO uN rEFErENtE dE La tÉCNiCa dEL graBadO. “HECHO aQuí, graBadO y taLLEr 99”

deL 5 de octubre AL 4 de noVieMbre Galería espora Melchor Concha y Toro 153, Barrio Bellavista www.galeriaespora.com

11 de octubre AL 14 de noVieMbre d21 Proyectos de Arte

17 de octubre AL 10 de noVieMbre cAsAs de Lo MAttA

3 de octubre AL 16 de noVieMbre sala de Arte ccu

artiSta / EditOr de FrAncisco zeGers

rEFugiOS de AndreA borrero

dEtOur/dESVíO de soLedAd Pinto

La exhibición reúne obra inédita y conocida del artista: una serie de retratos y autorretratos en diferentes formatos, fotografías, dibujos, carboncillos sobre papel y pinturas. Su obra intenta descubrir la individualidad de cada persona, rescatando aquello tan particular que define a cada ser.

La obra de Borrero habla sobre el refugio y la contención. El que se busca y el que se entrega. “Nos refugiamos para protegernos, para amar, para llorar, para trabajar, para descansar, para soñar, para encontrarnos con nosotros mismos…”, comenta el artista.

La obra, un laberinto traslúcido, propone una reflexión sobre lo que significa desviarse y tomar un rodeo, en el contexto de una cultura que exige apartarnos de lo que nos distrae del camino más directo.

Nueva de Lyon 19, departamento 21, Providencia www.departamento21.cl

Av. Kennedy 9350, Vitacura www.vitacura.cl/vitas/home/21/casas_lomatta

Av. Vitacura 2680, Las Condes www.ccuenelarte.cl

Santiago

El destacado del texto corresponde al autor de la imagen que acompaña. * Las imágenes de las obras publicadas son detalles de la original.H

panoramas del mes

10 octubre al 9 noviembre Galería QUQU

4 octubre al 9 de noviembre Galería Die Ecke

8 al 30 de octubre AMS Marlborough

Cuántas preguntas tiene un gato? De Carolina Gasic

OCEÁNO 33°02'47"S / 51°04'00"N de Enrique Ramirez

Obra Reciente de Patricio Court

Esta exposición se basa en el Libro de las Preguntas de Pablo Neruda, del cual recoge su título y donde vemos la obra de Carolina llena de calidez, gran sentido del color y una iconografía en base a la abstracción de la figura humana y su contexto. Seres espigados que transmiten alegría y vida a través de su colorido vestuario, pero a la vez silencio, paz y complicidad.

En esta exposición Ramírez contextualiza la travesía realizada por él mismo, a bordo del Pacific Breeze, un barco porta contenedores, en el que filmó un plano secuencia sin cortes que registra todo el viaje desde el puerto de Valparaíso, Chile hasta Dunkerque, Francia, dando como resultado una película que dura más de tres semanas. La muestra es parte de la 11 Bienal de Artes Mediales que se desarrolla actualmente en Santiago.

Su puesta en escena es a partir de materiales toscos y crudos, que en sus manos adquieren la capacidad de transmitir el pulso creativo de una obra siempre en el límite de su expresión. Es como si estuviese trabajando con barro que, modelado, adquiriese forma y contenido.

Albert Le Blanc 1764, Lo Barnechea www.ququ.cl

José Manuel Infante 1208, Providencia www.dieecke.cl

Nueva Costanera http://www.amsgaleria.cl

1º al 31 de octubre Montecatini.cl

2 al 21 de octubre Galería XS

3 de octubre al 1º de noviembre Taller Blanco

Colectiva de Pintura Contemporánea

Territorios Fragmentados de Soledad Urzúa

Colectiva Ideal /desleal

Los artistas invitados a esta exposición colectiva son Ignacio Lobo, Carmen Gloria Machuca, Alejandro Arrepol, Fernando Toledo (artista cubano residente en Chile) y Claudia Penroz, entre otros. Los artistas exponen obras en tela, óleos, acrílicos y técnica mixta, donde el tema y eje principal es la figura humana, el paisaje y la abstracción dentro de un marco contemporáneo.

Soledad reúne 20 collages que nacen de papeles pintados previamente, de manera individual y a mano, para imprimir en ellos el color. Al hacerlo sobre papeles -superficies descartables- conlleva a un acto de libertad, prescindiendo de la tela como un territorio absoluto y cerrado.

Esta exposición está a cargo de los artistas Jaime Silva, Andrés Espinoza y Faiz Mashini, quienes esta vez se han reunido para abordar una problemática en común, el ideal. “El ideal lo vemos como un motor que moviliza la sociedad una vez que esta ha llegado a un acuerdo, el cual es originado desde un problema humano y estipulado desde un poder. El ideal que obliga a ser algo, consciente o no”, señalan los artistas.

Las Condes www.montecatini.cl

Av. Nueva Costanera 3723, Vitacura www.xsgaleria.cl

Echeñique #4844, Ñuñoa www.eltallerblanco.cl

www.twitter.com/ARTE_AL_LIMITE

PANORAMAS DEL MES

9 de octubre AL 2 de noVieMbre Galería Artespacio

HAstA eL 29 de octubre espacio Vilches uc

HAstA eL 27 octubre Museo solidaridad salvador Allende

SEda y grÁFiCa, de VerónicA GonzáLez

rEaCCiÓN EN CadENa, de JAVier otero

mEmOria iNCaNdESCENtE, de corVALán-PincHeirA

Verónica González presenta 46 trabajos de grabado sobre lino, seda y papel, en variadas técnicas como grabado en metal, xilografía y barniz blanco. “La seda representa el carácter efímero y sutil que recorre la muestra. Por otro lado, la gráfica habla del uso de narrativas seriales y múltiples, propios del proceso de grabado”, explica la artista.

Con materiales simples, Javier Otero crea un nuevo instrumento de proyección que emite una imagen en movimiento al refractar el haz de luz que pasa por el agua. Las dos salas de Espacio Vilches y el pasillo se activan como un proyector en el cual el espectador transita por un espacio transformado por la relación de luz y oscuridad.

Una invitación a reflexionar sobre la dictadura en su peor forma: la del dolor. Son los recuerdos y mensajes de quienes participaron en Memorias Colectivas, una acción realizada entre el 11 y el 15 de septiembre que llamó a hacer un ejercicio de la memoria de los últimos 40 años.

Alonso de Córdova 2.600, Vitacura www.galeriaartespacio.com

Av. Jaime Guzmán Errázuriz 3300, Providencia www.puc.cl

Av. República 475 www.mssa.cl

EXPOSICIONES Esta muestra reúne catorce pinturas de paisaje realizadas por el artista entre 2011 y 2013. Son dos series: El espejo de Agua, exhibida en Sala Gasco, y Mitad mentira/mitad verdad. Aquí presenta 9 pinturas de diferentes formatos, ordenadas por acumulación o como un montaje fragmentado.

dOS dE SuS rECiENtES SEriES EStarÁ EXpONiENdO EL artiSta aLEJaNdrO QuirOga EN VaLparaíSO.

MitAd MentirA / MitAd VerdAd, de ALeJAndro quiroGA

Regiones

14 sePtieMbre AL 10 de noVieMbre casa e, Valparíso Calle Lautaro Rosas N° 344, Cerro Alegre, Valparaíso www.casae.cl

El destacado del texto corresponde al autor de la imagen que acompaña. * Las imágenes de las obras publicadas son detalles de la original.

panoramas del mes

HASTA El 31 de octubre Instituto Chileno Norteamericano de Cultura de Valparaíso

HASTA EL 30 de octubre Galería de Arte Universidad Católica de Temuco

Estampas Oníricas II, de Hernán Gallardo

AGUA DE TEMU: Frontera y rito, de Francisco Ríos Araya

Las estampas de Hernán Gallardo se basan en la reestructuración de imágenes provenientes de sus sueños, las que dan a sus grabados un carácter personal rico en símbolos y situaciones diversas.

El escultor se centra en los conceptos de frontera y rito, interpretados a partir de una experiencia personal en la comunidad de Temulemu en 1990 y de su propia visión y representación del mito huilliche del Camahueto, rescatando el acervo ancestral mapuche. Una exposición cargada de simbolismo que convoca al visitante para que interactúe con la obra.

Sala Lucrecia Acuña Esmeralda 1069, Valparaíso www.chilenonorteamericano.cl

Av. Alemania 0422, esquina Dieciocho de Septiembre. www.uctemuco.cl/galeria

TALLERES Y WEB

hasta el31 de octubre Embajada de Chile en Shanghai

hasta el 26 de octubre Espacio Hall, Municipalidad de Las Condes

7 de octubre hasta el 8 de octubre Alemania

THE UNDERGROUND SYMPHONY, de María Paz Contreras

Viento a un Largo, de Ximena Gumucio

Performance-Instalación Las Horas Blancas, de Janet Toro

La muestra es un llamado al ser humano a reencontrarse con lo profundo de su esencia, volver a los orígenes y recomenzar desde lo real. Desde ese momento, las estrellas se hacen presentes y la luz vuelve a brillar.

La muestra reúne pinturas y esculturas de la artista, quien utiliza los veleros como el sujeto principal de su obra. En su trabajo, realizado con acrílico y carbón, vemos navegar estas estructuras por aguas agitadas y de intenso tono azul, mezcladas con una sensación poética y romántica, pero a la vez fuertes y decidida.

Este trabajo investiga en los sutiles límites corporales, sociales y psicológicos. La artista ha dibujado largas horas sin pausa, bajo esfuerzo corporal, en distintos contextos y con diversos materiales. En esta última performance este límite será transgredido, en una presentación de 24 horas de duración.

Suite 2501, Shanghaimart Office Tower , 2299 Yan An West Road. Shanghai 200336. www.arteallimite.com/artistas/maria-pazcontreras-buzeta

Av. Apoquindo 3.400, Las Condes www.arteallimite.com/artistas/ximena-gumucio

Colonia, Alemania www.arteallimite.com/artistas/janet-toro

www.facebook.com/ar teallimite

EXPOSICI ÓN DESTACADA

11ª Bienal de Artes Mediales

¡baM! Videoarte, animaciones, instalaciones audiovisuales, videojuegos y aplicaciones interactivas se podrán experimentar hasta el 16 de noviembre como parte de la 11ª versión de la Bienal de Artes Mediales (BAM). Un encuentro repleto de actividades que acaba de estallar.

Por Kristell Pfeifer. Imagen cortesía de BAM, Fotografías de Enrique Ramírez.

ntre el 3 de octubre y el 16 de noviembre se lleva a cabo la 11ª Bienal de Artes Mediales (BAM), encuentro que será por primera vez realizado íntegramente en el Museo de Bellas Artes, en conjunto con una serie de Espacios Satélite que complementan la muestra. El evento contará con la presencia de artistas nacionales e internacionales que abordarán su obra desde el punto de vista de la artes de avanzada, además de la presencia de científicos, ingenieros y teóricos. Un espacio de convergencia interdisciplinar que reflexiona sobre el uso de la tecnología en la escena artística actual y que invita a describir y experimentar cómo las artes, las ciencias y la tecnología dialogan entre sí. Una agenda de 44 días cargada de actividades para todos los gustos. 150 participantes en total presentarán exhibiciones y performances, convocatorias, conciertos visuales, talleres, charlas y experiencias creativas con el fin de acercar a la gente a este tipo de disciplinas a través del contacto directo con los artistas. En esta versión la curaduría gira en torno al concepto de Autonomía, aludiendo a la fuerza que está presente en las comunidades de producción de las artes audiovisuales experimentales, donde el hacktivismo y la permacultura, representantes de esta vanguardia, practican la invención y gestión de poderosas herramientas de emancipación. Puestas en escena de interesantes artistas internacionales podrán

ser visitadas y recorridas. La española Regina de Miguel presenta un documental filmado en el norte de Chile que reflexiona sobre la producción de objetos y conocimientos híbridos, mientras que el húngaro Yona Friedman se hará presente a través de Nube, instalación espacial desarrollada por artistas locales. La reconocida Vera Molnar trae Paseo (casi) aleatorio, una de sus últimas experimentaciones, programada por el matemático y artista Erwin Steller, y el inglés Neal Beggs llega con Metz Starmap, un mapa topográfico realizado a partir del plano de la ciudad francesa. En el plano local destaca la video instalación Océan, 33°02’47’’ S / 52°04’00’’N, de Enríquez Ramírez, un plano secuencia de 23 días sobre un barco frigorífico que recorre Valparaíso hasta Dunkerque, Francia; las instalaciones El Planetario Indeﬁnido, de Rodrigo Araya, y La Papita de Matthew Neary. Interesante de presenciar será Cyberfolk, un video de Cristián Lira cuyo contenido es modificado según la aprobación del público. Otros eventos imperdibles son la reconstrucción del Abstractoscopio Cromático, objeto considerado como uno de los hitos de la relación arte y ciencia en Chile y la presentación en vivo del músico electroacústico Jose Vicente Asuar. Entre los invitados destacados se encuentran los curadores internacionales Margit Rosen, Marie-Thérèse Champesme y Gerfried Stocker, quienes harán presentaciones en una serie de coloquios.

• Algunas de las obras que podrán ser vistas en la bienal.

Además de esta bomba de actividades, el Concurso Juan Downey -una de las actividades emblemáticas de la bienal- ya ha definido al ganador de la residencia: Demian Schopf partirá por dos meses al Centro de Arte y Medios de Karlsruhe, Alemania. El mismo tiempo estará en Austria Ignacio Cuevas, otro ganador en esta línea del concurso, premiado con una residencia en ARS Electrónica. La convocatoria es un homenaje a Downey, considerado uno de los precursores del videoarte y artes electrónicas en Chile y el mundo. El director de BAM, Enrique Rivera, explica el contexto y desarrollo en el que se da un evento con estas características. ¿Por qué se hace necesaria una bienal de artes mediales en Chile hoy? Chile ha sido históricamente desconfiado de las prácticas culturales experimentales, pero al mismo tiempo ha incubado a una serie de potentes artistas y colectivos. Hace tiempo pasamos el momento de cuestionarnos si las obras producidas con tecnologías análogo/digitales son instrumento pasajeros o determinantes para la construcción cultural o de los procesos sociales. La emergencia de adaptación provocada principalmente por la masificación de internet, las redes sociales y la participación ciudadana, necesita de una contraparte cultural para integrar imaginarios que no solo acompañen, sino que contribuyan a profundizar el significado de los cambios de paradigma sociales inscritos en la tercera revolución industrial o

científica. La Bienal de Artes Mediales es un contexto profesional para difundir las investigaciones y creaciones de una generación determinada por su relación con las tecnologías análogas y digitales, poniendo en perspectiva factores que han dejado hace mucho tiempo de ser ajenos a nuestra cotidianidad. ¿Cómo has visto el crecimiento y desarrollo de estas disciplinas en nuestro país? Hace algunas décadas el uso de la tecnología digital estaba limitado al campo militar, las universidades, centros científicos, y otros lugares donde el acceso era limitado y muy complejo. Actualmente las tecnologías no están alejadas del núcleo social masivo, sino en casi cada uno de los intersticios de nuestra vida. En Chile existe una generación de artistas que viene desde los años 80 utilizando primero el video y luego diversas técnicas que permiten una expansión de los lenguajes y las narrativas. Después de 20 años de vida, podríamos pensar que la Bienal de Artes Mediales ha provocado una reflexión sobre el significado de las socio tecnologías, creando una contraparte cultural a esta evolución, desde un espacio muy humilde y periférico, manteniéndose a pesar de las precariedades y desconfianzas que puede generar un encuentro como este tanto desde campos internos y externos del arte y la cultura.

La programación completa puede revisarse en el sitio web www.bienaldeartesmediales.cl

PERFIL A RTE

FRANCISCA LOhMANN Magia y fideLidad Por Soledad Cabello. Imagen cortesía de la artista.

Su interés artístico quedó de manifiesto a los catorce años, en sus visitas a museos europeos, especialmente en Florencia, donde se fascinó con las obras de los grandes maestros y tomó conciencia de su pasión por la expresión plástica. A pesar de esta marcada atracción, Francisca Lohmann decidió estudiar enfermería y obstetricia mientras paralelamente realizaba algunos cursos de arte en la escuela de arquitectura en la universidad. Luego abandonó la carrera y se trasladó a vivir a un pueblo de Sarmiento, en Curicó, donde optó por los pinceles para siempre.

• Detalle de Parras Nobles Parras Otoño, 2012, óleo sobre tela, 100 x 120 cm.

www.arteallimite.com/artistas/francisca-lohmann

Gran parte de la obra de Paula ha surgido bajo el concepto de “peso material o visual”, donde éste domina lo ligero otorgándole otro orden y equilibrio, ya sea a través de combinaciones del metal con plumavit, de roca granito con luz proyectada o de piezas de fundición en plomo que penden en el aire.

Asistió a talleres dictados por Ramón Espinosa, Pancho Fernández, Augusto Barcia y Concepción Balmes. Se expresa a través del óleo con una técnica mixta, donde sus fuentes de inspiración son la naturaleza, lo que transgrede, lo que le llega al alma. “Trato de ser lo más honesta posible con mis obras, y prefiero que sea mágico el minuto en que enfrento la tela o madera. Me dejo llevar por el minuto. Siempre fiel a lo mío”, explica la artista. Expuso su trabajo Nobles Parras en Uruguay y ahora viajará con dicha muestra a Beijing, China. Además, continuará trabajando con una galería neoyorkina y también presentará su trabajo en la Municipalidad de Las Condes. Sus obras se pueden ver en www.franciscalohmann.cl

PAULA RUBIO equiLibrio precario Por Paulina Sepúlveda Imagen cortesía de la artista.

De esta forma están presentes los conceptos de lo absurdo y de la fragilidad como equilibrio precario de la pieza escultórica, el que surge por medio del camuflaje del “peso material-concreto”, denominado así por la artista. “Trato de escapar de la materia y su peso correspondiente. Mi premisa es, dentro de lo posible, lograr lo imposible”, señala. Actualmente Paula se encuentra gestionando un trabajo donde se cruza la puesta en escena de una obra de teatro y una exposición o intervención escultórica en las butacas del teatro Cousiño, titulada Ornamental. Esto se concretaría como la obra de teatro o escenificación de una pieza teatral ejecutada en una sola función y en donde simultáneamente se realizaría la inauguración de la intervención con 200 molduras decorativas de yeso sobre cada una de las butacas. Las molduras que se colocarían individualmente y que se donarían a cada uno de los asistentes, hacen alusión al trabajo decorativo en yeso de los muros del teatro Cousiño que data de principio de los años 30.

www.arteallimite.com/artistas/paula-rubio 36

• Saco de Plomo, Intervención en distintos lugares de transacción comercial o financiera de Stgo. con sacos péndulos colgantes con nylon transparente, 12 mm. de alto c/u.

julita luco VISOS, MATICES Y COLOR Por Natalia Vidal. Imagen cortesía de la artista.

“En algún minuto dije que lo único que tenía claro de mi futuro, era que quería vivir en colores”, confiesa Julita Luco desde la vereda de los que consiguen lo que se proponen. La temática y las formas de su obra varían y penden de un dulce vaivén, pero el color permanece, la recorre y atraviesa. Dubita entre la magia, el imaginario y la intensidad. Pese al carácter intenso, provocativo y patente de sus cuadros, el resultado gesta el respiro a través de los paisajes, comúnmente lejanos al concepto ajetreado de la urbe y en contacto con la naturaleza y el brillo que encuentra en todas partes: “Todo tiene que ver con mi entorno y lo que me rodea: el callejeo, las conversaciones, contemplar; los árboles de la plaza, personajes; mar, playa y botes”. Fluye en la libertad. “Me gusta pintar sin paredes que me limiten. Pinto al aire libre, llena de luz, entre medio de árboles, flores y pájaros. Pinto en mi jardín, sobre un suelo chorreado de distintos colores, rodeada de todos mis materiales y me gusta poder mirarlos para sentir y elegir cuál es el que quiero usar”, explica transmitiendo en su discurso el tenor de su obra. Actualmente está exponiendo una muestra en La Gárgola, en pleno barrio Yungay. Además participará en el evento Pintando una banca para Ñuñoa y en un proyecto mural de un colegio fuera de Santiago. Al mismo tiempo, se prepara para el verano, pues estará exponiendo en ExpoArte en Santo Domingo.

Autodidacta, Loreto comenzó a dedicarse al arte por completo a temprana edad. Su trabajo se caracteriza por abarcar todo lo relacionado al arte precolombino. Textiles, vasijas, orfebrería y retratos son parte de su obra. Las imágenes que pinta provienen de su imaginación, sus recuerdos o memorias, las que apoya ocasionalmente en libros, fuente inagotable de información visual. A lo largo de su carrera ha pintado una gran variedad de chamantos, textiles que con sus desgarros representan la vida de aquel ser que los creó en largas horas de trabajo, dejando en ellos una gran carga emotiva que, inevitablemente, traspasa a su obra. Su pincelada es fuerte y trabaja con mucho pigmento, usando varias técnicas a la vez dentro de la misma obra, tratando de transmitir todas esas emociones. Loreto va tejiendo punto por punto, pincelada por pincelada, varias veces, hasta lograr dar vida a la imagen. “En cada uno de mis cuadros, he querido dejar reseñas de una historia de vida y dar un testimonio de admiración por nuestros antepasados, que han sabido mantener y traspasar su cultura y sus tradiciones de generación en generación a través de los siglos”, explica. Actualmente tiene varios proyectos, el primero es una exposición colectiva junto a Carolina Busquets, su hija, y el segundo es una muestra que tiene planificada junto a un grupo de tejedoras del sur.

www.arteallimite.com/artistas/loreto-sanhueza

www.arteallimite.com/artistas/julita-luco

loreto sanhueza Fibras, tramas y colores Por Carolina Schmidt. Imagen cortesía de la artista.

• Detalle de la serie Precolombina IV, 100 x 100 cm.

• De la serie Árboles, 2013, técnica mixta sobre papel, 28,5 x 21 cm.

• Detalle de La Regata VIII.

PERFIL A RTE

CAROLINA BUSQUETS conexión con Lo MaraviLLoso Por Camila Pantoja Imagen cortesía de la artista

Desde la felicidad, el dolor y sobre todo desde la disciplina, fue que Carolina Busquets aprendió a pintar. Para la artista la pintura es una conexión con los más importante y maravilloso de la existencia, tanto así que dedicarse al arte fue un camino de vida. Su obra es una técnica mixta que involucra pastel, carboncillos y acuarelas trabajados sobre papel, mientras que su trabajo sobre tela se caracteriza por la mezcla de acrílicos y óleos en distintas etapas del proceso, siempre siguiendo la línea del dibujo.

Su formación profesional la inició en la Universidad Católica, para luego seguir estudios en Estados Unidos con distintos profesores de Carrboro Arts Center, Dallas Visual Arts Center y Dallas Museum of Arts. Pero su formación artística había comenzado mucho antes, mientras miraba a su madre, la pintora Loreto Sanhueza, dedicarse al arte entre pinceles y telas. Gustav Klimt y Picasso en sus períodos azul y rosa son sus grandes referentes, mientras que en la escena local se reconoce influenciada por Camilo Mori y Roberto Matta. “El arte es un catalizador de las emociones más profundas”, comenta la artista, quien además encuentra en la danza y la música elementos que inspiran su producción visual.

www.arteallimite.com/artistas/carolina-busquets

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ENER

CINE • Johannes Vermeer, Mujer Sentada ante el virgfinal, c. 1675, óleo soobre tela, 51,5 x 45,5 cm.

VERMEER Y LA MÚSICA aMor y pLacer en aLta definición Por Kristell Pfeifer. Imagen cortesía de Teatro Nescafé de las Artes.

durante este mes, en más de mil espacios alrededor del mundo, se exhibirá el documental Vermeer y la música: el arte del amor y el placer. en chile la cinta viene a parar el teatro nescafé de las Artes, en un encuentro que promete mostrar las mejores obras del pintor neerlandés capturadas con un sistema digital único de alta deﬁnición. La joven de la perla es quizás la obra más conocida de Johannes Vermeer (Delft, 1632-1675), un óleo de 44,5 x 39 cm. que el artista barroco pintó a los 33 años y que muestra a una mujer con turbante mirando al espectador, mientras en su oreja izquierda brilla un aro de perlas. La obra alcanzó aún mayor renombre cuando en 2003 se estrenó la película homónima con Scarlet Johansson como protagonista y un Vermeer interpretado por Colin Firth que introducía a la joven sirvienta en los misterios de la luz y de su pintura. Pero este pequeño óleo es solo una parte de la rica obra de este artista. Gran parte de su trabajo podrá ser vista este 13 de octubre en el Teatro Nescafé de las Artes, cuando se presente la cinta Vermeer y la música: el arte del amor y el placer, desarrollada por el documentalista Phil Grabsky como parte de una serie de filmes que también incluyen investigaciones en torno a la obra de Manet y Munch. En sus 90 minutos de duración, el documental aborda la especial relación de Vermeer con la música –uno de los temas más populares de la pintura

holandesa- a través de la opinión de destacados críticos y curadores. Todo filmado con la más alta tecnología digital, lo que permite ver las obras del pintor con gran detalle y precisión. La Lechera, La Encajera, Lección de Música, La Guitarrista y tres versiones de Mujer sentada ante el Virginal son parte de los óleos que ahonda la cinta.

VERMEER Y LA MÚSICA: EL ARTE DEL AMOR Y EL PLACER Lugar: Teatro Nescafé de las Artes . Dirección: Manuel Montt 032, Providencia. Fecha: Domingo 13 de octubre, 12:00 horas. Precio: Entradas desde $7.000

ENERO / 21 CMS. x 9 CMS.

EN EL TALLER

MurieL GALLARDO EL SENTIDO DEL OCULTAMIENTO EN LA METÁFORA Por Lucía Rey. Imágenes cortesía de la artista.

L’ armoire est pleine de linge Il y a même des rayons de lune que je peux déplier André Bretón El armario está lleno de ropa Hay incluso rayos de luna que puedo desplegar

na casa o taller gigante que mantiene en su fachada el registro de su uso anterior: un colegio llamado Talinay, recordando Los Altos de Talinay (Coquimbo). Este nombre que permanece como un grabado o tatuaje arriba en la parte alta de la casona, suena como anticipo de lo que podría encontrarse tentativamente en su interior: un espacio de recogimiento creativo. En esta casona coexisten laberínticamente variados talleres en torno al arte. Gallardo escoge la habitación con acceso al jardín, de alguna manera buscando una constante entre los espacios recorridos como taller: lo orgánico en resistencia entre lo inorgánico. Una vez dentro, se encuentra un espacio aparentemente deshabitado, como dijera Marc Augé, un no–lugar que recibe algunos objetos en tránsito. Esta impresión inicial obliga al espectador a descascarar la escena en el relato y la

observación. Hay en su interior obras en progreso que realiza en el lugar específico de la confrontación con la realidad (pinturas “in situ”), confrontación que abarca la obra en su aspecto físico- orgánico en la superficie del cuadro. Se observa una mesa de madera que acompaña a Muriel desde su primer taller, en un gesto mnémico genealógico. Por una u otra circunstancia, Gallardo ha tenido que trasladarse cada tiempos breves de taller en taller, lo que seguramente genera una complicidad mayor con el ambiente espacial que pueda citar un lugar específico de creación (resguardado en algún lugar) más que con el espacio físico visible. El hecho de que sea un espacio compartido permite, aparentemente, una circulación de interrogantes, un vaciamiento e intercambio de cuestiones estéticas propias del espacio. Su trabajo abarcado en la visita se presenta en la metáfora del corte epidérmico, que atraparía formalmente una cierta iconografía popular, una gesticulación en torno a una cotidianeidad vinculante buscada desenfrenadamente. La escena recuerda al etnólogo, quien hurga en los espacios algún habitar, algún sentido. Así, el ojo se desplaza en medio de la conversación en una búsqueda del registro creador. Se impacta en este descascaramiento con un lugar, determinado por su metáfora y su ocultamiento. Una puerta que se abre,

resulta un armario. Como dijera Gastón Bachelard un verdadero órgano de la vida sicológica secreta, situados en una posible vida psicológica de la obra de Gallardo, que bosqueja un secreto delineado/esbozado en los cortes precisos realizados a las pieles de animales. El armario físicamente guarda infinidad de tipos de lápices, pinceles, pinturas, aglutinantes, corta cartón, bisturí, pieles, superficies diversas para cortar y soportes varios. Como un espacio de trabajo quirúrgico de algún objeto no manifiesto, un objeto imperceptible, se percibe el amago de una poética en la metáfora de ocultamiento y sus apariciones gestuales mediante la exhibición de cortes. La protección de una sustancia semoviente de trabajo queda en el interior de un armario que conserva elaboraciones estéticas como documentos psíquicos y múltiples herramientas de ejercicios plásticos articuladas en la forma simbólica de un gigante bisturí, pero de cortes quirúrgicos de pensamientos y de un mundo interior protegido. Aquí, el ejercicio de la metáfora cubre la sensación de no-lugar real, generando un ambiente misterioso, donde las preguntas por el sentido se suspenden en el vacío. “Cuando se da a los objetos la intimidad que les corresponde, no se abre el armario sin estremecerse un poco”¹.

Gastón Bachelard: La Poética del Espacio.

ENTREVISTA

Tito Calderón

"soy eL Mejor dibujante de chiLe" SE DEBATE ENTRE LA TRIBULACIÓN Y LA CALMA Y HA BUSCADO EL RESPIRO. ENCUENTRA EN LA PINTURA UN ESPACIO ALTERNATIVO QUE LE CONECTA CON SU INTERIORIDAD. HOY COMPRENDE Y CONOCE EL VALOR QUE LE ASIGNA A SUS OBRAS Y EL PRÓXIMO AÑO ESTARÁ FINALMENTE EXHIBIENDO EN EL MUSEO NACIONAL DE BELLAS ARTES.

• Detalle de Mi soberbia, 2010, óleo sobre tabla, 80 x 60 cm.

Por Natalia Vidal. Imagen cortesía del artista.

Hay solo dos países: el de los sanos y el de los enfermos por un tiempo se puede gozar de doble nacionalidad pero, a la larga, eso no tiene sentido (Enrique Lihn)

i usted pintó un cuadro, su obligación es transformarlo en una obra de arte”, cita Tito Calderón a Rafael Sanzio mientras reflexiona desde la poesía, el arte y la filosofía los preceptos de su obra. Hoy intenta descifrar si aún conserva aquel duende del que habló Federico García Lorca y que ha regido la exigencia y perfeccionismo que caracteriza su trabajo. “Un artista no requiere solo de inspiración para crear una obra de arte. La obra de arte es imperecedera, infinita y atemporal. Para lograr eso se requiere un duende, un espíritu que te transporta a un estado sobrenatural que permite desarrollar, crear, configurar o construir una obra de arte y no una superficial”, explica. El desprendimiento gobierna sus días, ya no tiene las expectativas que dominaron décadas pasadas y se ocupa de reconciliarse con su interior a través de la búsqueda de la belleza. El respiro vendrá y la espera acabará. El año que viene estará finalmente en las paredes del Museo de Bellas Artes exponiendo una colección que define como inédita, pasmante y de verdadera calidad, que recorre parte de su trayectoria: “Mi exposición va a ser una de las más importantes del próximo año, porque entiendo egocéntricamente, que soy el mejor dibujante de Chile”.

EN POCAS PALABRAS La riqueza del dibujo… Es la concentración mental conectada con el Zen por su rigor, exactitud y contención. El dibujo complace y se complace a sí mismo con la precisión de los rastros que deja sobre la tela, con un alto grado de complicación geométrica y matemática. el valor del cuerpo humano, el desnudo, la sexualidad… La liberación final del cuerpo femenino. Por lo extraño e inquietante solo conduzco hacia la rotura del cuerpo erótico y por lo tanto, a lo sagrado que residía en él. La monocromía… Economía de medios y la condición y conexión geográfica de Santiago, tan purulenta, derivada de la contaminación ambiental, gesta esta obra que resulta, de atmósfera gris, casi negra. tu obra, el ser humano, su entorno y la crítica social… Me pregunto si mis personajes provienen de otras pinturas mentales o algunas zonas más obscuras de mi ser: un ser intensificado en su despilfarro y violencia inminente que transita hacia un horizonte de aniquilación suspendida. La frialdad exteriorizada de mis personajes los aleja del yo, hoy como abismal anonimia colectiva. Mi obra es crítica social.

ARTE AL LIMITE

27,5 x 21 CM CV.pdf

10/1/13

5:15 PM

FERIAS

ARTE CONTEMPORÁNEO EN

BOGOTÁ Bogotá concentra este mes las miradas del mundo del arte contemporáneo. ArtBo y Odeon se preparan para mostrar sus mejores apuestas. Por Paulina Sepúlveda. Imagen cortesía de Galería Alfredo Ginocchio.

Artbo

odeon

La novena versión de artbo, feria internacional de arte de bogotá, se llevará a cabo entre el 25 y el 28 de ocubre, en más de 13.000 m2.

Por tercer año consecutivo, la feria odeón se toma la escena cultural de bogotá. entre el 25 y 29 de octubre, 17 galerías nacionales e internacionales apoyan las propuestas creativas de artistas distintos artistas contemporáneos.

Este año artBO seguirá difundiendo una oferta equilibrada entre las mejores propuestas del arte nacional e internacional, manteniendo el tamaño mediano de la feria y garantizando así una alta calidad que permite un recorrido ameno por las galerías. En esta nueva versión, acoge por primera vez a 26 expositores de una oferta de 20 países. 65 Galerías y 14 proyectos individuales curados José Roca, 23 artistas emergentes colombianos en el Pabellón Artecámara, foro académico que aborda la temática de la colección de Arte Contemporáneo desde distintos ámbitos, curado por María Inés Rodríguez; y el Pabellon Articularte que busca acercar a los jóvenes y al público en general al arte y a los conceptos curatoriales de la feria. Desde sus inicios la feria ha sido organizada por la Cámara de Comercio de Bogotá y hoy en día es el evento de las artes plásticas de más alto impacto nacional y una de las más importantes ferias a nivel latinoamericano. “En su novena versión, el reto es seguir posicionando la feria como un encuentro por excelencia para el mercado del arte en Latinoamérica, a través de un crecimiento paulatino que mantenga la calidad creciente de la feria y aumentando el posicionamiento internacional, mediante la adición de expositores internacionales de peso”, señala la directora de la feria, María Paz Gaviria.

Las 17 galerías asistentes (8 nacionales y 9 internacionales) exhibirán trabajos de artistas vanguardistas como Reyner Leyva Novo (Cuba), Luciano Denver y Adriana Cora (Argentina), Kahn & Selesnick (Suiza), Marina Abramovic (Serbia), Pedro Ruiz y Máximo Flórez (Colombia) y Carola Bravo (Venezuela), entre muchos otros. El objetivo es acercar a todo tipo de público al mundo artístico y dejar a un lado la idea preconcebida de que para ver arte hay que ser entendido en la materia.

El evento se ha consolidado como un punto de encuentro por excelencia y cita imprescindible para el mercado del arte local y regional. Por lo anterior, hay expectativas de una repercusión internacional significativa. “Este año nos vamos a triplicar en número de visitantes internacionales, posicionándonos cada vez más como un punto de encuentro por excelencia para el mercado del arte en Latinoamerica”, concluye su directora.

Este año Odeon ha realizado alianzas con distintas empresas del sector privado que buscan apoyar el arte. Junto con Club Colombia se diseñó un espacio estilo “lounge” para los visitantes y también a través de sus apoyo se logró convocar a los artistas Camilo Bojacá e Iván Chaparro (especialista en arte sonoro), para llevar a cabo instalaciones in situ en el jardín y edificio donde se lleva a cabo la feria. Además, habrá una exposición de artistas urbanos convocados por la plataforma Mi Ciudad Ideal y se darán a conocer los ganadores del Premio Sara Modiano que busca impulsar el arte joven.

La única galería chilena que estará en artBO es la Galería Isabel Aninat, la cual participa junto a los artistas Pedro tyler, Mónica bengoa, Lotty rosenfeld, iván contreras brunet y Paula de solminihac. Como ya es tradición en esta feria, Arte Al Límite estará presente con un stand en el sector editorial, donde se podrán adquirir las últimas ediciones de nuestro periódico y revista.

El enfoque de Odeon siempre ha sido el de formar nuevos públicos y atraer a la gente a las últimas tendencias del arte contemporáneo. “Incluir otras disciplinas, como por ejemplo la música, ayuda a convocar un público más amplio”, señala Tatiana Rais, directora del espacio Odeon. “Buscamos construir una feria que sirva de plataforma para espacios emergentes y sea reconocida internacionalmente por sus propuestas innovadoras. Todos los años trabajamos para convocar nuevos espacios y traer artistas innovadores”.

Arte Al Límite no se queda fuera de esta fiesta de arte contemporáneo y estará presente con un stand en el sector editorial de la feria, donde se podrán adquirir las últimas ediciones de nuestro periódico y revista.

• Galería Alfredo Ginocchio: Hugo Lugo, Concluir una búsqueda, 2013, óleo y acrílico sobre tela 150 x 115 cm.

ARTISTA DESTACADA

SARA MODIANO (1951-2010) UN APORTE INDISCUTIBLE PARA COLOMBIA • Detalle de Fragmented, 2006, malla metálica, fotografía y plexiglass.

Multifacética y fértil en su producción, disciplinada, meticulosa y enfocada. Su carrera artística duró cuatro décadas. Pinturas, instalaciones, esculturas y performances hicieron que su país la reconociera como una artista que ha dejado un legado para las futuras generaciones de Colombia. Por lo mismo, nace en 2011 una Fundación que lleva su nombre. Por Maite Gallego Bretón. Imagen cortesía de Fundación Sara Modiano para las Artes.

a indagación de Modiano, aunque a primera vista parece ser geométrica, fue una búsqueda metafísica humanista. Utilizó el arte para auto conocerse y así conocer más acerca de la existencia humana y para poder crear bienestar a su alrededor. Su elección de materiales, y en general medios de expresión, alimentaba de manera cuidadosa su búsqueda, que se extendió hasta su último día de vida. Considerando el tremendo potencial que dejó Sara, sus tres hijos, Katherine, Simón y Silvana, decidieron preservar y divulgar el legado artístico de su madre, tanto físico como filosófico, a través de una fundación. Uno de los últimos trabajos que ha desarrollado la Fundación ha sido la publicación de un libro que recopila 40 años de obra de la artista. La edición contiene más de 150 fotos y un texto principal del renombrado crítico Eduardo Serrano. El tratado está siendo utilizado por universidades, museos y coleccionistas. Cabe mencionar también que la Fundación, desde sus inicios, ha buscado participar con la obra de Modiano en exposiciones itinerantes y ferias de arte alrededor del mundo.

La institución ha creado además el “Premio Sara Modiano”, que desde octubre del presente año otorgará anualmente una bolsa de trabajo a un proyecto artístico especifico, concederá acceso a un panel mixto de mentores y a un espacio de exhibición, como una forma de fomentar las artes en general en Colombia. Modiano usó el arte para despertar consciencia y actuar como catalítico en la humanidad. Como escribió la critica Claire Breukel: “Con una mezcla de coraje y seguridad en sí misma, la obra de Modiano se yergue como símbolo, no solo de sus convicciones respecto a la búsqueda de una mayor conciencia humana, sino también como estandarte de fuerza e independencia. Su aspiración era que las ideas expresadas por su trabajo artístico resultaran positivas y que confirieran poder, que alentaran a su público a trascender las limitaciones de lugar y condición, que ampliaran nuestra visión de conjunto. La filosofía de Modiano era sinónimo de la búsqueda de una existencia más libre, más compasiva y más plena y su obra fue capaz de hablarle a la gente de manera universal e indiscriminada, por eso la obra de Modiano pasará la prueba del tiempo”.

OMAR GATICA La obra abstracta de omar gatica, se desarrolla a partir del gesto y la mancha, mostrando de este modo una irreverencia en el dibujo y una fuerte expresión en la materia. gatica es un ser místico que encuentra su iconografía en la abstracción, la ﬁgura humana y el paisaje; en la música y en la poesía, y en general en toda la historia de la pintura. actualmente comparte su intenso trabajo de taller con las clases que imparte en la universidad finis terrae. a la vez, se encuentra viajando dentro de su querida américa, viviendo un proceso de renovación espirutal que se ve reﬂejado en sus últimas pinturas. Por Equipo Arte al Límite. Imagen cortesía del artista.

el arte como trabajo es… Realización.

La crítica de arte en chile Ausente.

el arte como pasión es… Compromiso.

¿en qué puede aportar el arte nacional al campo artístico de otros países? Diversidad.

¿qué piensas cuando decimos memoria? Ancestro. el arte en chile hace 30 años Neoexpresionismo. el estado actual de las artes en chile Exceso de conceptualización. el rol del artista en la sociedad actual Es como un chamán, el que conecta lo espiritual con lo terrenal. ¿cómo superar el hermetismo del arte chileno? Dándole libertad al artista de hacer, exponer y relatar.

Profesionalización del arte Cuando es demasiado, genera artistas fríos, calculadores y sin espiritualidad. iniciativas negativas para el campo del arte chileno. La burocracia curatorial. ¿Artistas emergentes que llamen tu atención? Michael Edwards, Federico Infante y Paula Valenzuela. exposición reciente e interesante Ismael Frigerio con Voces del Agua.

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CMY

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