Periódico Arte Al Límite Nr. 98 Noviembre 2013 by Arte al Límite

Nº 98 NOVIEMBRE 2013

SANTIAGO DE CHILE

DISTRIBUCIÓN GRATUITA

PÁG. 24 PÁG. XX

GEORGES ROUSSE Georges Rousse explora los límites del espacio y la memoria a través de la reproducción de lugares destinados a desaparecer. Por segunda vez en Chile, el artista muestra una obra que investiga la relación entre fotografía, pintura y espacio. Un imperdible de este mes en el MAC.

la BIENAL TRAS BAMBALINAS

10 MUSEOS IMPERDIBLES

El encuentro de arte contemporáneo más antiguo e importante del mundo. Un espacio dinámico donde convergen ideas, creatividad y expresión.

Seleccionamos 10 visitas obligatorias e imperdibles para recorrer la historia del arte y sus ciclos consecutivos.

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EDITORIAL

unque en apariencia las bienales de arte son encuentros

internacional obtenido por cada país participante no es gratis. Además

no comerciales, existe en realidad una amplia gama de

de financiar su propio pabellón, cada nación financia además la obra -o

trabajos que se pueden adquirir en estas instancias. Museos

parte de ésta- del artista que ha elegido para representarlo. Muchas veces

y grandes colecciones privadas compran acá lo que no ven en las

los fondos estatales no alcanzan y privados invierten voluntariamente en

ferias tradicionales, obras generalmente diversas en cuanto a los

la consolidación de la presencia nacional, como sucede en nuestro país.

medios con que han sido creadas y las temáticas que abordan. La Bienal de Venecia es el ejemplo más claro y representativo de lo

Alfredo Jaar, el artista que representó a Chile en la 55 Bienal de

anterior: un espacio que permite posicionar a cada uno de los países

Venecia y que obtuvo el Premio Nacional de Arte luego de esta

participantes en el terreno artístico internacional, así como también

participación, se hizo presente con Venezia Venezia, para muchos

a los artistas seleccionados para participar. Durante este año, en su

su obra maestra. Miles de dólares, públicos y privados, fueron

última versión, hay quienes aseguran que incluso superó en ventas a

necesarios para cimentar nuestra presencia en este importante

Art Basel –la feria de arte más reconocida del mundo- y que muchos

encuentro internacional. El retorno de esta inversión es difícil

de quienes invierten en obras de arte han cambiado Suiza por Italia.

de rentabilizar y las opiniones van por diversas líneas. En esta edición presentamos un completo análisis a la Bienal, nuestra

Pero los alcances económicos de este tipo de instancias van mucho más

participación como país y los alcances que ésta tiene en el

allá de lo recaudado en la venta de obras de arte. El posicionamiento

posicionamiento chileno en la escena artística internacional.

EQUIPO

Ana María Matthei directora • Ricardo Duch director • Cristóbal Duch asesor comercial • Catalina Papic directora de arte Camila Duch proyectos culturales • Kristell Pfeifer editora general • Andrea Rodríguez marketing Francisca Wiegold diseñadora gráfica • Josefa Parada diseñadora gráfica • Javiera de la Fuente diseñadora gráfica Natalia Vidal periodista • Camila Pantoja practicante de periodismo Ernesto Muñoz crítico y asesor de contenidos • Ennio Bucci crítico • Enrique Solanich crítico • Pedro Labowitz crítico Benjamín Duch asesor • Jorge Azócar asesor • Ignacio del Solar asesor • Julio Sapollnik asesor Lucía Rey profesora de artes plásticas, magíster en teoría del arte • Soledad Cabello periodista • Bernardita Garib artista visual Francisca Medina historiadora de arte y profesora de artes visuales • Valeria Solís periodista de cultura y escritora • Carolina Bravo periodista

SUMARIO 6. La Bienal tras bambalinas I 12. Galería Montecatini.cl I 14. La historia del arte en 10 museos 22. Artista emergente: María José Concha I 24. Exposición destacada: Georges Rousse I 26. Críticas 28. En el taller: Macarena Salinas I 30. Panoramas I 34. Campo de Interferencia 36. Perfilarte I 40. Ferias: Sudamérica, Europa y Asia I 44. AAL en Florencia 46. Artista destacada: Raquel Yuhaniak I 47. Frente a frente: Mario Toral

22.MARÍA JOSÉ CONCHA La dimensión metafísica del paisaje en la pintura va más allá de la figuración.

44.DESTINO: FLORENCIA

Artistas toman sus maletas y parten a Italia para participar en la IX Bienal de Florencia.

REPRESENTANTE LEGAL Orlando Calderón F. • VENTAS info@arteallimite.com, ventas@arteallimite.com SUSCRIPCIÓN marketing@arteallimite.com • FONO - FAX 2 955 32 61 • WEB www.arteallimite.com FACEBOOK facebook.com/arteallimite • TWITTER @Arte_Al_Limite PORTADA Georges Rousse, Durham, 2006. IMPRENTA R.R. Donnelley, Santiago, Chile. Las opiniones vertidas en este medio son de exclusiva responsabilidad de quienes las emiten.

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reportaje

LA BIENAL TRAS

BAMBALINAS

Venecia, el encuentro de arte contemporáneo más antiguo e importante del mundo. Un espacio dinámico donde convergen ideas y personajes que inundan el espacio de creatividad y expresión. Una fiesta donde se invierten miles de dólares que buscan cimentar la presencia cultural internacional de cada país participante.

Por Camila Pantoja. Imágenes cortesía de la Biennale di Venezia.

as bienales de arte son por excelencia los encuentros artísticos que ofrecen una mayor oportunidad de posicionamiento a nivel mundial. Cada país participante planea cuidadosamente su presencia, sabiendo que el artista elegido para representarlo y su obra pueden favorecer enormemente la presencia y reconocimiento en el circuito internacional del arte. Los artistas también saben que esta participación puede llegar a duplicar los precios de sus obras y contribuir enormemente a la valoración de su trabajo, porque aunque en esencia las bienales son eventos no comerciales, sí se transforman en una oportunidad para generar importantes lazos con coleccionistas y grandes inversores de arte. Una presencia en la que, pese a ser difícil de rentabilizar concretamente, están dispuestos a invertir tanto el ámbito público como el privado. La 55 Bienal de Venecia -encuentro que, como su nombre indica, se realiza cada dos años-, es la bienal de arte más antigua y prestigiosa del mundo. En su sección dedicada a las artes visuales participan 28 países de forma permanente, cada uno con un pabellón en el sector central o Giardini. Además, la bienal ofrece a otros países la posibilidad de arrendar espacios fuera de los lugares centrales, como es el caso de Chile, entre muchos otros. Por otro lado, decenas de artistas participan de forma independiente en el edificio Arsenale, un espacio que abre la oportunidad a los más jóvenes a mostrar su trabajo.

โ ข Venezia, Venezia, obra de Alfredo Jaar en el pabellรณn nacional, 2013, Biennale di Venezia.

reportaje

Venezia, Venezia

La Bienal y las cifras

Como todos los países, Chile también eligió a su representante. Alfredo Jaar, artista radicado en Nueva York y considerado como un crítico de las discriminaciones políticas, económicas y sociales, llevó su obra maestra: Venezia, Venezia. Del pabellón nacional emerge del agua cada tres minutos una réplica perfecta del Giardini, espacio central de la Bienal. Una obra arquitectónica que al sumergirse busca reflejar la decadencia de un encuentro que intenta permanecer inmaculado. Su creación llegó a Italia con una idea: la Bienal es un orden viejo, obsoleto y ajeno a la realidad. Con solo 28 pabellones nacionales de forma permanente, el Giardini cierra la posibilidad a que decenas de países puedan presentarse y deban arrendar sus espacios en el Arsenale, conocido como la ciudad-bienal, donde exponen curadorías independientes o fundaciones de algunas marcas de lujo. El dinero, sin duda, es el factor principal.

La contemplación del arte. Una mirada, una idea o un pensamiento. Dicen que el arte va moldeando al mundo y al ser humano, a través de su expresión y de la exposición de nuevos paradigmas. Pero, ¿cómo medir este impacto? La directora del Observatorio de Políticas Culturales, Bárbara Negrón, ve la dificultad en este proceso, que se aleja mucho de las herramientas con las que cuenta Chile hoy en día. “En el arte hay cosas que tienen un costo muy alto, y si mides su impacto con los tradicionales indicadores, por ejemplo cantidad de beneficiarios, no obtienes un resultado que es real para el impacto que el arte puede tener. En la política cultural es muy precario demostrar el impacto que esa inversión pública tiene. No tenemos las herramientas para hacerlo”, explica.

Paneles, muros, soportes especiales, iluminación y una larga lista de elementos fueron los necesarios para montar la obra arquitectónica de Jaar, todo eso reunido en los cerca de 650 mil dólares que invirtió el Consejo de la Cultura y las Artes, junto al Ministerio de Relaciones Exteriores, para realizar su propia obra maestra: la diplomacia blanda, como señala uno de los directores de Mutt Art Dealers, Nicolás Mardini: “La bienal es una gran plataforma diplomática y de negocios. Hay un concepto que se llama la ‘diplomacia blanda’ y eso tiene que ver con que en una bienal, ir con Alfredo Jaar es una forma de hacer presencia internacional. Si bien hay muchos artistas, es como un sello de Cancillería ir con el de mayor visibilidad”, comenta. El dinero invertido está ahí, al encuentro del espectador con la obra. Entre iluminaria y folletos se traslucen los miles de dólares utilizados para pre y post producir la instalación que representa a Chile en Venecia. Para el director del Museo de Bellas Artes, Roberto Farriol, la Bienal es una inversión atemporal. “En la Bienal se está invirtiendo a corto y largo plazo. Muchas veces se invierte sin retorno, pero se mejora la calidad, la imagen. Mejorar la calidad de vida a través de la cultura. Si se propaga se difunde. Esa obra ya se instala en la historia. Es una cosa que trasciende cualquier beneficio económico”, señala. Así, el dinero queda plasmado en un espacio determinado, contribuyendo al posicionamiento de una imagen-país difícil de rentabilizar concretamente.

La participación de Chile en Venecia no fue responsabilidad exclusiva del Estado. Más de siete galerías, desde Johannesburgo a Nueva York, formaron parte del grupo de colaboradores privados que apoyaron financieramente la participación de Alfredo Jaar en el pabellón nacional. Patricia Ready, directora de la galería que lleva su nombre, fue una de las galeristas chilenas que decidió apoyar “la obra maestra”, como ella misma señala, de Alfredo Jaar. “Él habló conmigo y después de saber lo que el Gobierno de Chile iba a colaborar, me dijo que tenía un déficit para hacer la obra que él quería realizar, la obra que él tenía en mente, una obra maravillosa de ingeniera. Y decidí apoyarla. Fue fantástico porque todas las galerías hicieron lo mismo”, comenta y explica, sin detallar las cifras, que cerca de un cuarto del dinero que utilizó el artista para su participación en la Bienal proviene de las distintas galerías que lo apoyan temporalmente. Si bien era esperable que el aporte de privados se realizara a través de la Ley de Donaciones Culturales, la inversión se realizó de forma particular, debido a la dificultad para demostrar los gastos desde el país europeo, señala Patricia Ready. La galerista además advierte que las inversiones en el ámbito de las artes deben carecer de un proceso de devolución: “El gobierno chileno no tiene por qué esperar que se le devuelva el dinero, porque lo eligieron como la persona más idónea para representar a Chile. Estoy feliz de haber colaborado para que él haga su obra maestra allá”, explica. Un artista, un proyecto. Alfredo Jaar, al igual que cada artista que se instala en un pabellón nacional, se presenta con las expectativas de representar a su país de la forma más

• Ornamention, Pabellón de Azerbaiyán, Biennale di Venezia 2013.

• Luanda, Encyclopedic City, Pabellón de Angola, Biennale di Venezia 2013.

reportaje

brillante posible. Y los colaboradores lo saben. “Yo creo que cada caso es distinto. Jaar nos comentaba que buena parte del financiamiento obtenido por las instituciones y también por privados los logró gracias a un nivel de intercambio de trueque. Quienes invierten en la obra invierten en un espacio ya situado, están invirtiendo en algo con un valor artístico”, explica Roberto Farriol. Por eso el pabellón nacional no es un juego; es también una competencia. Hay participantes y colaboradores, pero solo un ganador. El León de Oro se lo llevó este año Angola y su obra Luanda, Ciudad Enciclopédica, del fotógrafo Edson Chagas. Un buen debut para el país africano en este gran encuentro del arte contemporáneo, pese a no haber contado con un pabellón en el sector central de la bienal. Para Ernesto Muñoz, crítico de arte, la participación del pabellón chileno tenía expectativas de llegar mucho más lejos: “Yo creo que Jaar es una operación del gobierno. Él quería participar y puso sus condiciones, había sido invitado por la Bienal. Los sectores de los países participantes llevan premio, él quiso postular a ese premio y no le resultó”, señala. Angola triunfó en su estreno y lo hizo con un estilo diferente. Queriendo criticar de igual modo a la Bienal y al proceso artístico, contrastó el lujo del evento con su instalación: 23 fotografías de gran formato ubicadas encima de tablas de madera, dispuestas a interactuar con el público. “La Bienal no es comercial” Son seis meses sin interrupción en que Venecia se transforma en un lugar de encuentros, diálogos y experiencias. Una ocasión que desea ser sagrada, que intenta alejarse de todo lo que la pueda dañar. La mercantilización es uno de ellos, un tema que hace que los organizadores arruguen las cejas enojados diciendo que “la Bienal no es comercial”. Porque llegar a ocupar un espacio dentro de la Bienal no es gratis. Chile invirtió cerca de 185 millones de pesos en el arriendo del pabellón nacional. Sin embargo, curadores y coleccionistas se siguen ateniendo a la norma y señalan que la Bienal es totalmente distinta a una feria de arte. Mariano Ugalde, coleccionista y galerista boliviano, nota la diferencia: “Todas las ventas se dan por fuera ya que el principio de una Bienal es un evento no comercial, pero al final del día, si bien no son las piezas la que se venden, se dan muchos otros negocios que salen a raíz de la participación de un artista en una Bienal. Es muy común que luego de una Bienal como Venecia los precios de un artista se

dupliquen”, señala. Por otra parte, el crítico de arte Juan José Santos no cree que estas realidades estén tan distantes, aunque niega su fusión: “Sí, hay relación. Incluso en la propia Bienal se realizan transacciones, algo que es normal y entendible. Hay artistas, hay arte, hay coleccionistas... lo importante es que la Bienal no realice movimientos para favorecer el comercio, y que mantenga su calidad. Creo que Venecia respetó ambas premisas”, precisa. Para algunos, la relación entre comercio y arte está perfectamente zanjada entre participantes. Para otros, el comercio debería separarse del proceso artístico. La curadora asociada de la Bienal de Curitiba, Maria Tereza Arruda, lo explica así: “Hoy en día hay una gran presión del mercado del arte porque muchas obras expuestas en la Bienal de Venecia no podrían ser realizadas sin el apoyo financiero y estructural de las galerías que representan a los artistas. Entonces, a partir de ahí los artistas ya van a la Bienal comprometidos con sus galerías, que claro tienen un gran interés de mercado”, explica. Para el crítico y artista, Carlos Navarrete, la historia es distinta. La Bienal sería tan solo un espacio de poder y distracción, que se pierde en la fuerza centrífuga de la exhibición: “Las bienales en el mundo de hoy no pasan de ser un "show" en un espacio determinado, el cual siempre se inserta en la idea de la ciudad como un parque de entretenciones. Venecia es un ejemplo de ello, porque el buen arte está precisamente en donde no está la Bienal”, expone. Para el Secretario Ejecutivo del Comité Calificador de Donaciones Culturales, Óscar Agüero, el comercio y la venta de arte sigue siendo un tema sensible. “Yo sé que es una cuestión obscura, el mercado del arte es complejo porque tú no tienes cifras. Lo mismo sucede en distintas ferias chilenas, la misma gente que tiene los stands no le da información a nadie”, explica, y agrega: “Yo creo que hay un mercado mucho más grande de lo que uno se imagina, pero es muy informal y prácticamente no se paga impuesto, es un tema obscuro”. El dinero se invierte sin resultados tangibles, pero posiblemente con un impacto en el imaginario colectivo y en el posicionamiento de nuestro país en las más altas esferas del arte. En un abrir y cerrar de ojos la Bienal habrá desaparecido de nuestro radar, y Chile se estará preparando para otro proyecto, con otro dinero y con otros inversionistas. Se cerrarán los catálogos, desaparecerán los pabellones y será otro al que le toque transformar el pabellón nacional en un éxito, tal vez finalmente alcanzando el preciado León de Oro.

โ ข Poperomia/ Golden Teardrop, Pabellรณn de Tailandia, Biennale di Venezia 2013.

galería virtual

Galería Montecatini.cl

Promotora virtual del arte made in Chile Por Carolina Bravo. Imagen cortesía de Galería Montecatini.

• xxxxxxxxxxx xxxxxxxxxx xxx.

• Carmen Gloria Machuca.

Con 17 años de vida, la galería virtual Montecatini.cl se ha consolidado como un espacio para la promoción de la pintura contemporánea chilena. Creada en 1996 por Carmen Gloria Matthei a petición de los artistas penquistas, funciona como un vehículo de transmisión del arte de la Octava Región, Santiago y otras regiones al resto de Chile y el mundo. Precios accesibles y un trato personalizado son el sello que marca la diferencia.

eriódicamente actualizada, www.montecatini.cl presenta exposiciones permanentes en formato virtual de 10 artistas chilenos, promoviendo y comercializando su trabajo tanto en Chile como en el extranjero. La oferta es variada y hay para todos los gustos. Obras que van de lo figurativo a lo abstracto y que abarcan principalmente la figura humana, el paisaje urbano y el rural. “Una temática contemporánea, chilena y latinoamericana”, afirma Carmen Gloria, su creadora y directora. Pionera en Chile en atreverse a levantar una galería virtual online, hoy, pese a la competencia, Montecatini.cl mantiene una fiel clientela nacional e internacional que sigue a los artistas en sus distintas etapas pictóricas y que suma cada vez más seguidores. Entre las principales ventajas de esta galería virtual se encuentra el trato personalizado que Carmen Gloria entrega a cada uno de sus clientes, asesorándolos sobre las mejores alternativas y orientándolos en su decisión. El formato virtual permite además que los precios sean accesibles y que haya una excelente relación entre el precio de la obra y la calidad del artista. En la selección de las obras lo principal para Carmen Gloria es su propuesta plástica. “Me interesan artistas profesionales, que tengan un lenguaje único y diferente. Además, trabajamos mucho las exposiciones temáticas, por lo tanto los artistas deben estudiar e investigar el tema, para luego plasmarlo en la tela bajo su propia mirada y estilo”, explica. Aunque el formato por excelencia es la pintura sobre tela –y donde la

exportación resulta más sencilla- en el marco de proyectos culturales también se presentan esculturas y otras disciplinas. Tal es el caso de la muestra Pueblos Fantasmas, proyecto itinerante de pintura y escultura iniciado en 2011 que rescata lugares patrimoniales chilenos, como los palafitos, las salitreras y las iglesias nortinas y chilotas. En la exhibición participan los pintores Paulina Beyer e Ignacio Lobo, además de cuatro escultores invitados: Sol Guillón, Laura Quezada, Francisco Ríos Araya y Mauricio Carrasco. Otro proyecto de la galería es Todas queríamos ser Princesas. Inspirados en musas, mitos y leyendas de Chile, los artistas Teresa Ortúzar, Alejandro Arrepol y Fernando Toledo crean su propio imaginario. Por último existe el proyecto Folclórico de Leonardo Sepúlveda, que trata las costumbres populares, comidas típicas y dichos chilenos. Esta muestra itinerante partió en 2011 y ya fue expuesta en Montecatini.cl, en Sala de Arte de Collahuasi en Iquique y en Sala Arte Los Domínicos. El plan para el 2014 es obtener los recursos para salir al extranjero. Montecatini.cl hace envíos dentro y fuera de Chile y se ocupa de todos los trámites de exportación. Para mayor comodidad de los clientes extranjeros, los precios se encuentran también en dólares y euros. A quienes estén interesados, Carmen Gloria recomienda entrar primero a la página web para tener una idea general de la oferta de obras disponibles y luego agendar una visita con ella al 9895 4135.

Las obras se pueden ver en www.montecatini.cl y previa cita al 9895 4135.

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reportaje

la historia de las artes visuales en 10 museos Nadie recupera el paso de la historia, imposible retomar siquiera el minuto que está ocurriendo. El correr abstracto del tiempo se vuela entre las horas y la creación del hombre se modifica y evoluciona. Nada queda sino los templos del recuerdo. Los museos se encargan de albergar colecciones que rescatan los vestigios de una historia práctica ya vivida, la huella que deja en la tierra inmune al paso del tiempo, el individuo temporal. Quien quiera acercarse al origen de las épocas debe hacer este tour consciente, caminar por lo que queda. En las artes visuales éste se cobija y habita en grandes espacios, muestrarios de la cultura que sostienen su evolución y contexto. Aquí 10 visitas obligatorias e imperdibles para recorrer la historia del arte y sus ciclos consecutivos. Por Natalia Vidal.

State Hermitage Museum San Petersburgo, Rusia.

a historia se encarga de poner todo en su lugar y de guardar en aquellos lugares, protagonistas de grandes hitos del hilo conductual humano, los vestigios de tiempos turbulentos y de gloria. La colección del Hermitage está expuesta en pleno San Petersburgo, Rusia. El complejo está formado por cinco edificios situados a la orilla del río Neva. Zares y realeza habitaron esos salones en otros tiempos, dándole la apariencia y carácter de hogar a lo que habita la historia de sus pueblos, iniciando la colección artística la emperatriz Catalina La Grande. El Palacio de Invierno fue testigo de los secretos reales, de sus pasos y su residencia oficial. Son cinco edificios unidos, el Palacio de Invierno, el Teatro de Hermitage, el Hermitage Pequeño, el Hermitage Viejo y el Nuevo Hermitage, que juntos forman un extenso, abultado, clásico e imponente conjunto arquitectónico en el que se representan las distintas épocas por medio de objetos y artes visuales de todo el mundo, principalmente del viejo continente y Oriente. Abunda el arte español e italiano. La Anunciación de Martini,

La visión de San Agustín de Lippi, La virgen y el niño de Fra Angélico, El tañedor de laúd de Caravaggio y El niño en Cuclillas de Miguel Ángel, se pelean las visitas en los pasillos del edificio nuevo, abierto al público hace 150 años. Del siglo XIII al XVIII, el Hermitage es de los museos que tiene mejores colecciones españolas e italianas fuera de su país de origen. El Greco, Velázquez, Ribera, Zurbarán, Murillo y Goya llegaron a San Petersburgo gracias a la acumulación de obras de Coesvelt, un millonario banquero con afición por el arte. En 1814, mientras se libraban batallas napoleónicas, el acaudalado burgués entregó su propiedad al museo. Rusia se ha quedado con parte importante de las pertenencias de los grandes artistas del viejo continente. No es extraño escuchar que el Hermitage posea la segunda mejor colección de arte francés después del Museo de Louvre. Poussin, Watteau y Chardin se alojan en las paredes y decoran con elegancia, carácter y calidad, valores que bien aprecia el público. Escultura, arte aplicado y pintura se debaten en una ventolera de libertad, belleza y estética, dibujada en los pasillos como marea que arrasa con los sentidos y el deleite. El impresionismo y post-impresionismo es un valor regalón y los más destacados artistas franceses de estas corrientes están bien puestos en sus paredes.

reportaje

moma Nueva York, EE.UU.

Uno de los museos más populares y visitados de la ciudad de Nueva York es el MoMA, hogar de una de las colecciones de arte moderno y contemporáneo más prestigiosas del mundo. Comprende diversas formas de expresión de los últimos siglos: pintura, escultura, fotografía, ilustraciones, diseño, arquitectura y cine, e incluye obras de los más renombrados artistas del siglo XIX, XX y XXI: Picasso, Van Gogh, Matisse, Klee, Mondrian, Magritte, Kandinsky, Munch, Miró, Dalí y Chagall, y de los locales norteamericanos como Warhol, Pollock, Lichtenstein, Serra, Basquiat, LeWitt, Hopper, Koons y muchos más. Hoy en el MoMA se respira modernidad y tiempos nuevos, el museo es una imagen viva del país que lo aloja y refleja una cultura proclive a la contemporaneidad, los cambios y la evolución sostenida y continua. No duda en exponer la irreverencia y lo que por tendencia se ha hecho un valor incalculable. Los artistas más reconocidos de nuestros tiempos y que viven para contarlo, exponen sus colecciones de manera itinerante en este lugar que es uno de los imperdibles de la visita a la Gran Manzana. Abierto en 1929, fue el primero en su especie y hoy cuenta con 150 mil obras, entre pinturas, esculturas y objetos. En pintura destacan las obras La noche estrellada de Van Gogh, Broadway Boogie Wogie de Piet Mondrian, Las señoritas de Avignon de Pablo Picasso y La persistencia de la memoria de Salvador Dalí. Además, sus continuas exposiciones temporales marcan la pauta en cuanto a las últimas tendencias del arte contemporáneo.

malba Buenos Aires, Argentina. Fue fundado en 2001 bajo la idea del pueblo argentino de representar el afán por conservar las raíces Latinoamericanas en nuestro continente. Cuenta con 400 obras de carácter moderno de artistas de la región, contemplando dentro de su lista a los mejores exponentes actuales de este lado del mundo. En noviembre de 2008, el museo recibió el Premio Konex de Platino como Mejor entidad cultural de la última década, gracias a la calidad de sus exposiciones, sus iniciativas y el novedoso plan de imponer y plantear sus espacios como un lugar de cobijo identitario y de idiosincrasia. Son 160 artistas que van desde los inicios de la modernidad hasta las producciones más recientes del arte contemporáneo, incluyendo trabajos de Argentina, Uruguay, Brasil, México, Ecuador, Cuba, Colombia, Venezuela, Chile y Latinoamérica en general. Pinturas, esculturas, dibujos, collages, fotografía, video, instalaciones y objetos muestran la variedad y complejidad del arte de la región. El Malba está dividido en cuatro sectores, no por orden cronológico, sino por movimientos artísticos, desde los años 20 en adelante. Vanguardismo, modernismo y surrealismo, entre otras corrientes, dejan su huella en el lugar. Un arte politizado, sugerente y reflexivo, de tendencias abstractas, concretas y modernas invade el centro de Buenos Aires.

louvre París, Francia.

1793, París. El museo más visitado del mundo y el más importante de Francia abre sus puertas emplazado en el Palacio de Louvre. La familia real lo deshabitó y quedó legislativamente destinado a la producción creativa y artística. Sus dueños se mudaron al Palacio de Versalles. El hobbie que dio pie a la conformación del Museo fue el de Carlos V, quien dejó su pasión por el coleccionismo a vista y paciencia de los visitantes al Palacio, antes real. Los reyes Francisco I y Enrique II que le siguieron en mandato tomaron esta misión como propia. Planearon atraer más personas, a la gran construcción que ha evolucionado en etapas desde el siglo XVI, a través del aumento de patrimonio. El palacio había sido diseñado por Catalina de Médicis tiempo antes. Ella nunca pudo prever en lo que pronto se convertirían sus planos de construcción. 2013, París. Son 160 mil metros cuadrados acompañados y resguardados por una rupturista construcción en forma de pirámide de cristal, diseñada por Leoh Ming Pei, que custodia el lugar desde 1989. Ocho millones de visitantes dejan sus huellas marcadas en el gran palacio al año. El patrimonio asciende a las 445 mil piezas, de las cuales solo 35 mil adornan su exposición permanente, ordenadas por períodos cronológicos en todos sus edificios. Acompañando con gracia, soberbia y elegancia las orillas del Río Sena, el Louvre aloja en sus salones algunas de las obras más preciadas de la historia del arte: la célebre escultura griega Venus de Milo, Las bodas de Caná de Veronés, La Gioconda de

Leonardo Da Vinci, La Libertad guiando al pueblo de Delacroix, entre muchas más. Los mejores creadores de todas las épocas tienen cabida en sus espaciosos circuitos temáticos, sin contar con que sus mejoras y restauraciones arquitectónicas fueron hechas por artistas como Vouet, Le Brun y Perrault y sus cielos están pintados por Delacroix, Georges Braque y otros más. La construcción, diseño y fachada lo hacen, más que un museo, un recorrido vivo y reconstructivo de la historia. Por medio de las obras y la ambientación, la experiencia del Louvre se convierte en una visita transportada que hace transitar por épocas pasadas. Nada pudo hacerse sin los Borbón y Napoleón Bonaparte. Nada hubiese ocurrido sin sus afanosos poderes y posesiones, que junto a campañas arqueológicas y algunas otras adquisiciones, hayan logrado hacer una fiel reconstrucción de nuestro pasado conjunto. No solo europeo, sino universal. Hoy el Louvre se ha integrado a los nuevos mecanismos y las herramientas que facilita Internet para mantener sus obras restauradas y en buen estado y ha pedido al público en general, enfatizando el llamado a los amantes del arte, que contribuyan con el financiamiento de la restauración de la Victoria de Samotracia (c. 190 a.C) a través de Crowdfounding. El museo pretende recaudar un millón de euros que, sumado a los más de tres millones que ya tiene en su poder, harán posible que durante 2014 el esplendor vuelva y sane esta obra maestra de la escultura clásica.

reportaje

MUSeos vaticanos Roma, Italia. Ocho museos, una Pinacoteca y más de 1.400 salas se abren espacio en la cuna del mundo occidental. Junto a las grandes construcciones de la civilización más exitosa y perdurable de la historia de la humanidad se gesta el rescate de tiempos de gloria. En pleno Vaticano, los objetos y pinturas de propiedad rescatada y conservada por la Iglesia Católica, permiten exponer una colección que crece, se consolida y se visita anualmente por cuatro millones y medio de personas aproximadamente. Todo comenzó a partir de la colección privada de Julio II, Papa a partir del año 1503. Quienes le siguieron en el cargo, tomaron esta misión y la ampliaron, desarrollando una colección que creció y creció hasta hospedarse en los museos que rigen hoy en día. Visitarlos es revivir un pasado lejano pero trascendental para la historia del arte y del hombre. La ventaja adicional es su ubicación, insertos en un ambiente de edificios pontificios, jardines, monumentos y galerías. Se construyó lo necesario para montar el escenario propicio para esta gran exposición, se unieron algunas de estas edificaciones y con el paso del tiempo y el acceso al poder de nuevos papas, se desarrollaron y ampliaron hasta formar los actuales museos.

No siempre pudieron estar ahí. Varias de sus obras salieron literalmente de paseo por un tiempo al Museo de Louvre en París durante la invasión de Napoleón. Pero pronto estuvieron de vuelta, luego de que el papa Pío VII exigiera su retorno legalmente para exponerlas al público general de forma permanente. La Pinacoteca guarda cerca de 500 obras expuestas en 18 salas y ordenadas cronológicamente del siglo XII hasta finales del siglo XIX. Las escuelas italianas encontraron su espacio propicio allí; las representaciones vienen como anillo al dedo al entorno, la historia de la ciudad y el pasado compartido entre los hechos, la historia y sus protagonistas. Imperdibles son los diferentes murales de Las estancias de Rafael y La capilla Sixtina de Miguel Ángel. A éstos se suman el Tríptico Stefaneschi de Giotto, San Jerónimo de Leonardo da Vinci, El Descendimiento de la Cruz de Caravaggio y el Martirio de San Erasmo de Poussin. Los Museos Vaticanos cuentan además con una interesante colección de arte religioso moderno que abarca trabajos de Auguste Rodin, Vincent van Gogh, Paul Gaugin, Vasili Kandinski, Marc Chagall y Paul Klee, entre otros. El lugar es un verdadero oasis en el tiempo, la condensación de una época perdida pero rescatada por cada individuo de nuestra sociedad, firme muestra de la evolución humana y la cultura de entonces. Un lugar donde se cruza la mirada de nuestro siglo con el pensamiento romano.

MUSEO DEL PRADO Madrid, España.

El Siglo de Oro español se quedó en su país y no lo ha dejado hasta estos días. El imperio colonial ibérico no suelta sus gracias y talentos. A cargo de la pintura, el trabajo de conservación ha sido hasta hoy desarrollado, conservado y mantenido por el Museo del Prado. Es el primer museo de arte en España y guarda en sus salones la cantidad más grande de obras de Goya, Velásquez y Rubens. Fue fundado por Fernando VII en 1819 y posee una colección de pintura que abarca desde el siglo XII hasta principios del siglo XX. Guarda algunas de las más excelsas obras maestras de la pintura

europea. Las Meninas de Velázquez, El Jardín de las Delicias de El Bosco, El Descendimiento de Roger Van de Weyden, El caballero de la mano en el pecho de El Greco y Los fusilamientos del tres de mayo de Goya son solo un ejemplo de la extensa colección de obras clave en la historia de la pintura. Desde enero de 2012 abre sus puertas a turistas, aficionados y público en general los siete días de la semana. El lunes se suma a los días hábiles y El Prado se convierte así en el museo público europeo con mayor horario de apertura.

tate modern Londres, Inglaterra. Situado en pleno centro de Londres, el Museo Nacional Británico de Arte Moderno no tardó en convertirse en el segundo destino turístico más visitado de la ciudad. Siendo de los museos recientes más exitosos, abre sus puertas el 12 de mayo de 2000 y siete años más tarde logra hacer historia consiguiendo ser el museo de arte moderno más visitado del mundo. Solo el Louvre y el Museo Británico superan sus 5,2 millones de visitas anuales. La cifra se ha mantenido y el prestigio se acrecienta con los años, sin detenerse el aumento de personas atraídas por sus representaciones. En arte contemporáneo el museo londinense supera en popularidad al MoMa y al Reina Sofía, consiguiendo más visitas y mejores críticas. El número siempre aumenta, lo que sugiere que su popularidad -además de estar sumamente consolidada- crece con el tiempo sin temor a pertenecer a las grandes ligas. Una de sus ventajas y el motivo por el que se ha hecho favorito rápidamente, es que su entrada es gratuita, pese a tener colgadas en sus paredes obras de artistas de calidad y reconocimiento como Pablo Picasso, Andy Warhol, Salvador Dalí y Mark Rothko. Su colección permanente está ubicada en el tercer y quinto piso del complejo y es una de las más completas en torno a los artistas del siglo XX. Los estudios demuestran que por lo demás es un centro muy proclive a recibir público joven. Atrae las miradas del sector más esquivo y difícil de la población, consiguiendo que un 60% de sus visitantes tengan menos de treinta y cinco años.

reportaje

THE METROPOLITAN MUSEUM Nueva York, EE.UU. Nueva York: edificios, modernidad y comercio. El entorno del Metropolitan Museum of Art lo convierte en el segundo museo más visitado del mundo luego del Louvre de París y el más importante centro de colección de Norteamérica. Más de tres millones de obras de arte y objetos procedentes de todas las partes del planeta repletan sus salones y han conseguido que, hasta la fecha, el edificio se haya remodelado, ampliado y rediseñado en varias oportunidades. Hoy resulta un espacio sin igual, dueño de una amalgama de edificios contiguos, híbridos en estilo y cómodos espacios. El lugar contempla 248 galerías y una superficie de 186 mil metros cuadrados, se siente una visita de varios museos en un mismo sitio y a la vez. Abarca desde el arte grecorromano hasta el impresionismo, pasando por los clásicos del barroco como Velázquez y Goya. Cuenta con un amplio repertorio de escultura, pintura y objetos que hacen que sean más de cinco millones las personas que recorren sus galerías al año, intentando condensar en sus memorias aunque sea parte de los períodos históricos que colman sus pasillos. Monet, Renoir, Van Gogh, Tiziano, Rembrandt, Goya, Velázquez y El Greco tienen tribuna y vitrina en el MET, sin embargo, la pieza más importante del museo en tamaño y relevancia es el Templo de Dendur (15 a.C), regalo del gobierno egipcio a Norteamérica.

POMPIDOU París, Francia. Rompiendo con la vista panorámica y estética de la ciudad de París e ignorando la línea temática que lo rodea, el Centro Pompidou parece un capricho contemporáneo de rebeldía. Se posicionó irrumpiendo con arte contemporáneo y los mejores artistas visuales de nuestra época, en pleno centro histórico de la ciudad del romance, dándole una nueva mirada y una interrupción obligatoria al ojo. Fue inaugurado en 1977 y hoy posee más 76 mil obras de arte moderno y contemporáneo, alcanzando una de las colecciones más completas del mundo. Solo igualable a las colecciones de la Tate Modern y el Museum of Modern Art (MoMA), el Pompidou contiene en su esencia la insurrección de nuestros tiempos y la abstracción de las nuevas ideas. Desde su fachada y esqueleto proyecta la era industrial. Su construcción es una muestra expuesta de tuberías, sistemas y mecánicas que son la base e inicio del estilo high-tech. Con aproximadamente 180 mil metros cuadrados totales -90 mil construidos y el resto formando una gran plaza pública- recibió a Picasso, Miró, Brancusi, Modigliani, Matisse, Bacon y Dubuffet, entre otros. El ofertorio es atractivo para quienes están interesados en las tendencias más recientes y la exposición de los mayores talentos de los últimos siglos.

rijksmuseum Amsterdam, Holanda.

La Edad Media y los Países Bajos ambientan el Museo Nacional de Amsterdam. Los prados, la belleza y el medioevo están representados en cuatro pisos con más de un millón de objetos de arte dentro de él. Posee la más famosa colección de pinturas del Siglo de Oro holandés y una no menos sorprendente colección de arte asiático y egipcio. Hals, Rembrandt y Vermeer atraen a la mayor parte de los visitantes del museo. La ronda nocturna, La novia judía, El árbol de Jesé, La muerte de los inocentes y varios paisajes de la antigua Holanda son un atractivo imperdible para quien visita esas tierras. El barroco continúa su trayectoria por los salones. Los

La lista es más larga de lo que los ojos pueden percibir. Muchos de estos espacios alcanzan un número de obras tan inimaginable y sus espacios son tan grandes, que el completo recorrido y goce implica visitarlos más de un día. Son experiencias que reducen el espacio del ser humano en la actualidad a una efímera presencia -a ratos inmensamente pequeña- en el contexto histórico que rodea al hombre. El registro narrativo de una historia transitada en la que a la luz de los talentos se consigue un encuentro cercano con la belleza, la estética y el asombro. Priorizar unos por sobre otros no es tarea fácil. Fuera de esta lista quedan grandes e importantísimos museos como el Reina Sofía en Madrid, el Museo Británico y la National Gallery en Londres, el Museo de Orsay en París, el Guggenheim en sus distintas ubicaciones, entre muchos más, todos considerados grandes

holandeses se robaron la película en ese entonces y también el protagonismo de esta etapa del museo. Esta es la colección más famosa e importante del arte de ese periodo. Ante la necesidad de hacerle grandes remodelaciones y reformar la forma en que funcionaba, el Rijksmuseum debió permanecer cerrado diez años. Durante ese tiempo, se invirtieron más de 375 millones de euros en reparaciones, ampliaciones y rediseño del lugar. En abril de este año vuelve a abrirse en gloria y majestad con una calidad sorprendentemente superior a la anterior, igualándose a los más grandes museos del mundo.

espacios conservadores de cultura, gracia y don. Se privilegia en la selección presentada, la diversidad temática en cuanto a épocas y corrientes artísticas, la representatividad de los continentes, además de la popularidad y el número de visitas. Lo cierto es que con este recorrido es fácil hacerse una idea de los movimientos artísticos, los grandes exponentes del arte de todos los tiempos, la evolución del camino histórico y artístico y las diferencias en la forma de plantear y exponer lo que los sentidos expresan. Las grandes galerías de estos edificios guardan el trabajo de una vida recorrida y resguardada del hombre para la posteridad. La ilustración narrada para la vista y paciencia de los visitantes que buscan unir etapas separadas, transiciones claras, explicaciones lógicas e historias que contar. Vidas vividas que dejaron su huella como la dejan hoy nuestros pasos, vidas que hay que ir a ver antes de morir.

ARTISTA EMERGENTE

MARÍA JOSÉ CONCHA

LA DIMENSIÓN METAFÍSICA DEL PAISAJE EN LA PINTURA La experiencia del paisaje es lo que trasmite María José Concha a través de su obra. La artista tiene la capacidad de transformar su propia vivencia en representación, abordando esa dimensión metafísica del paisaje en la pintura que va más allá de una mera figuración. Por Francisca Medina. Imagen cortesía de la artista. Fotografía de Diego Elgueta.

l poco tiempo de casada, María José se traslada al sur. Junto a esta migración, una serie de imágenes y cuestionamientos respecto al paisaje y a la percepción la invadieron. “Quizás para acostumbrarme a este cambio de vida (solo en un primer momento) necesitaba hacerlo parte de mí. Venía de la Escuela de Arte y del encargo para hacer obra y de pronto no tuve encargo para trabajar…todavía estaba en la búsqueda de qué y cómo hacer. Y así un día mirando por la ventana vi un cerro que estaba frente a mí, cambiando constantemente por la luz… en ese momento fui consciente de que al tomar este paisaje austral como motivo de mi obra, mi experiencia de vida sureña sería completa. Me empapé de esa experiencia de paisaje y éste se tomó mis lienzos, acompañándome hasta el día de hoy” señala la artista. Sus temáticas hablan de colores, texturas y paisajes casi inabordables del sur de Chile, específicamente de la Patagonia. Por medio del lenguaje pictórico traspasa su experiencia del paisaje, para así entender aquellas preguntas que surgen del mirar y experimentar un lugar. De esta manera, su observación se hace obra tangible tanto para ella como artista, como para el espectador: “Mi búsqueda está en lograr representar, transmitir, expresar -quizás para conmoveresa esencia del paisaje que nos comunica con nuestros propios paisajes/lugares. Si ese proceso concluye, según pretendo, habré capturado a través de la pintura y sus propias características esa presencia o alma que está detrás de lo observado, estableciendo un vínculo con el espacio/tiempo/lugar con el que observa”. El proceso creativo de María José se divide en tres etapas: mirar, procesar y hacer. La primera es quizás la más importante y tiene que ver con la observación in situ y la recolección de registros, es decir, de aquellos fenómenos que se dan en la naturaleza y definen al paisaje. La segunda es el proceso de decantar las ideas,

tomar decisiones respecto a qué hacer, para luego ejecutar. La tercera, que es el hacer, está determinada por el proceso. Su pintura nace del proceso pictórico. Son paisajes de pintura (no representaciones de paisajes capturados previamente). Es la misma pintura la que estructura la obra y se convierte en paisaje. Cada obra tiene procesos y requerimientos distintos. Así, su técnica deambula entre materiales como el acrílico y el óleo o bien técnicas mixtas sobre tela. María José admira a muchos artistas de la historia del arte, entre ellos Giotto, la pintura romántica de Caspar Friedrich y la obra más abstracta de Turner y Monet. Ya más contemporáneo, otro de sus referentes es el maestro de la espiritualidad y la abstracción en la pintura, Mark Rothko. La obra prolífica de Gerhard Richter, la materia y emotividad en la obra de Anselm Kiefer, la perfección técnica de Vija Celmins, la atmósfera de Michael Biberstein, la ilusión y emoción del color y la luz de James Turrell también son parte de sus influencias. El año pasado la artista expuso en la Corporación Cultural de Las Condes una muestra individual titulada ConTemplo y en junio de este año estuvo presente en la feria de arte Affordable Art Fair Hampstead, en Londres, donde llevó parte de sus últimos trabajos. “Tienen en común el ser parte de una investigación de las horas del día, la luz y el color. El paisaje no solo nace del gesto o la mancha, sino del color y la luz/color como experiencia mística”, comenta María José. Sus próximos pasos son participar en la Affordable Art Fair de Singapur, que se desarrollará entre el 21 y el 24 de este mes, donde estará presente a través de Decorazon Gallery.

www.mariajoseconcha.com

• Nocturno I, 2012, técnica mixta sobre tela, 190 x 150 cm.

EX POSICIÓN DESTACADA

GEORGES ROUSSE UN SOLO PUNTO DE VISTA

El trabajo de Georges Rousse explora los límites del espacio y la memoria a través de la reproducción de lugares destinados a desaparecer. Por segunda vez en Chile, el artista muestra una obra que investiga la relación entre fotografía, pintura y espacio. Un imperdible de este mes en el MAC. Por Kristell Pfeifer. Imágenes cortesía del artista y del MAC.

a trompe-l'oeil o “trampa al ojo” es un término que tiene su origen en el Renacimiento y que se usa para describir la ilusión de tridimensionalidad que algunas pinturas bidimensionales logran a través del uso de la perspectiva en su composición. Una forma de mostrar profundidad donde no la hay. El trabajo del francés Georges Rousse (París, 1947) funciona bajo la misma dinámica, pero de manera opuesta. Cada uno de sus proyectos supone una intervención física del espacio –pictórica o material- para luego captarlo fotográficamente desde un único punto específico. Al superponer los distintos planos, da la impresión de que la figura creada es bidimensional. El resultado y la obra: una fotografía que crea un nuevo espacio, esta vez virtual. Pero Rousse es mucho más que un ilusionista que usa el espacio como soporte; su trabajo es una herramienta de memoria para recordar lugares destinados a desaparecer. Una obra que nos habla sobre la naturaleza de la creación humana y su fragilidad. “No trato de seducir al público haciendo ilusiones, sino demostrar el interés de conservar las huellas del pasado, mostrando que estos lugares que desaparecerán pueden convertirse en otro espacio”, declara el artista. A los nueve años, Rousse recibió su primera cámara fotográfica de regalo y nunca más se despegó de ella. Luego de abandonar la escuela de medicina para estudiar fotografía y montar su propio estudio, comenzó un proceso de exploración en torno a la pintura, el espacio y la representación de éste en la imagen muy marcado por el Land Art, la fotografía de Ansel Adams y la reconocida obra de Malevich, Black Square against a white field. Tres ingredientes que en la obra de Rousse parecen combinarse de manera perfecta. La primera vez que pisó Chile fue en 1989 y prometió volver. Luego de una serie de intentos fallidos, logró cumplir su palabra gracias al apoyo del MAC, Fundación Itaú y el Instituto Francés de Chile. La muestra reúne

EXPOSICIÓN GEORGES ROUSSE LUGAR: MAC Parque Forestal y Espacio ArteAbierto DIRECCIÓN: Parque Forestal s/n y Apoquindo 3457 FECHA: Hasta el 19 de enero de 2014

una serie de fotografías en gran formato, una obra multimedia y una gran instalación en el primer nivel del MAC basada en una emblemática construcción de la Ciudad Abierta de Ritoque, donde Rousse intervino el museo con pintura e incluso tuvo que modificar una de sus partes. La exploración El trabajo es lento y riguroso: mucho estudio previo, litros de pintura o kilos de material y la disposición a modificar el espacio -ampliándolo o reduciéndolo- si el proyecto así lo requiere. Cientos de horas para dar con el resultado final: una fotografía que cuestiona nuestros mecanismos de percepción al tiempo que nos invita a reflexionar sobre pasado y presente. En principio ligado a lo figurativo, Rousse comenzó luego a hacer intervenciones geométricas y observar así el espacio de una manera diferente. En una época donde la tecnología digital y la manipulación de imágenes no eran parte de la cotidianeidad, el trabajo del francés era percibido automática y evidentemente como una exploración sobre el espacio. A mediados de los ‘90 Rousse se ve obligado a insertar al espectador en la obra para que comprendiera su naturaleza. “Si quieres cortar y pegar en el computador es simple, pero no me aporta nada. Con la llegada del computador y de Photoshop tuve que llamar a la gente al lugar para que comprendieran que esto se trata de un trabajo sobre el espacio, porque me di cuenta que para muchos era una cosa difícil de entender. Se preguntan: ‘¿por qué tienes que pintar mil metros para luego sacar una foto si con el computador esto requiere cinco minutos?’. Lo importante para mí es estar en un espacio pictórico. Por eso permití a la gente entrar, para que probaran esa experiencia y sintieran lo mismo que yo”, explica el artista. La instalación hecha en el primer piso del MAC es un ejemplo patente de lo anterior, una oportunidad que permite a los espectadores presenciar en vivo y comprender el proceso de creación del destacado artista. Los lugares elegidos por Rousse para cada proyecto son generalmente espacios cercanos al lugar donde vive. Además, está constantemente recibiendo invitaciones –como el caso del MAC ahora- para intervenir espacios en distintas latitudes del mundo. Hace poco expuso en Seúl y ahora Santiago tiene el privilegio de recibirlo, en probablemente una de las muestras más destacadas del año. Imposible perdérselo.

• Casablanca, 2003.

• Chambord, 2011 180 x 230 cm.

Crí ti ca

Por Ennio Bucci Abalos Licenciado en Teoría e Historia del Arte y Estética Miembro de AICA

ESTUDIOS PLÁSTICOS DE RUPERTO CÁDIZ EN LA SALA DE ARTE DE LA UNIVERSIDAD DE TALCA » Imagen cortesía del artista.

• Atmósfera en amarillo, 2012-2013, acrílico sobre papel, 50 x 70 cm.

sta reciente muestra de obra inédita presenta los últimos trabajos de gran, mediano y pequeño formato realizados por el artista entre los años 2010 y 2013. En esta nueva etapa de su producción artística su búsqueda está centrada en temas relacionados con el espacio y la concepción del universo, planteando una composición dinámica donde los objetos se ubican en una espacialidad de atmosferas diáfanas y a veces saturadas de colores intensos. Como podemos apreciar en obras como Hechicero, Cádiz nos introduce en la representación de personajes fantásticos que surgen de su inconsciente. Ruptura espacial es un cuadro de gran formato trabajado con figuras antropomórficas que dan fuerza a la composición. En esta obra devela sus concepciones espaciales, donde los tonos anaranjados y amarillos se hacen presentes creando intensas atmosferas. Apertura Dimensional es otra obra interesante de la exposición. En ella podemos apreciar un imaginario que Cádiz venía trabajando en etapas anteriores con vectores y carreteras flotantes. En su obra El pájaro de fuego, inspirada en la pieza musical de Igor Stravinsky, trabaja la espacialidad con veladuras de tonos azules y esfumados

en amarillo, logrando un contraste entre figura y fondo. En viaje es una obra tratada con una gama de colores cálidos donde surgen imágenes en el espacio; barcos que surcan los mares, sugiriendo los viajes y búsquedas interiores del artista. También está presente en esta muestra su obra grafica, un conjunto cuya temática se centra en una mirada introspectiva del ser humano. Trabajados en técnicas mixtas y acrílico sobre papel, resalta en ellos su paleta de colores alegres y vitales, donde predominan las gamas de azules, amarillos, verdes y anaranjados. Interesante de visitar es esta muestra del artista Ruperto Cádiz, donde se nos muestra un pintor maduro y sólido en su oficio, entregándonos una visión diferente que aborda nuevas temáticas.

EXPOSICIÓN ESTUDIOS PLÁSTICOS LUGAR: Sala de Exposiciones Centro de Extensión Universidad de Talca DIRECCIÓN: Quebec 415, Providencia FECHA: Del 7 de noviembre al 5 de diciembre

Crí ti ca

Por Enrique Solanich S. Magíster en Teoría e Historia del Arte Miembro de AICA

INTERVALO OTRO PASO DE ÁNGELA WILSON SEARLE

» Imagen cortesía de la artista

ngela Wilson Searle suma a su formación como artista y pedagoga en la Pontificia Universidad Católica (1977-83), estudios de postgrado en historia del arte en la Universidad Adolfo Ibáñez (2009-10), macerando una cultura estética de la que sobresalen una educada percepción y las eficaces maniobras que el ojo escrutador recoge y adapta en concordancia a su sensibilidad. Ostenta, pues, una libertad para revistar a discreción momentos, escuelas y personalidades del pasado reciente y lejano.

La faena metódica emprendida, es expuesta en tres muestras individuales de títulos tan clarividentes y asertivos que resumen, cual biografía ilustrada, hondas cavilaciones en la práctica de la pintura. Así, Desatar (2009), Desvelo (2010) y Phantasma (2011), dan cuenta de una meditación acuciosa por denegar, paso a paso y en estrategia gradual, la figuración y la forma cerrada, atendiendo el paradigma que suponen las lecciones desprendidas de la escuela expresionista abstracta norteamericana que, con todo el abanico de opciones, diversidad de procedimientos y contrapuntos icónicos desplegados, hoy es capaz -aggorniadade estimular citas y referencias, cuando no replicas evocadoras. Dos tácticas casi opuestas se incuban en la postura neoyorquina. Una queda determinada por el gesto, la acción y las texturas convulsivas y untuosas sobre las cuales se impregna el chorreo gráfico azaroso, el dripping, y otra es la aplicación de amplias y controladas zonas de color raso y plano puesto en veladuras, el color-field o campo de color. Ambas maniobras las adopta y adapta Ángela Wilson en una ilación de congruencia teórica y lírica, respetando la cuna plástica comunitaria. En la serie mostrada en 2011, en el Castillo Wulff de Viña de Mar, coexisten las vertientes descritas, sea como obras separadas e independientes. Pero ahora, con Intervalo, en el Instituto Cultural de Las Condes, solo comparecen telas de lino con formatos cuadrados de 150 x 150 cm., dispuestos envolventes respecto a los espectadores y hechos con singular factura: baldeos de tintas de óleo diluidas al soporte, seguidas por una faena de desgaste con cera de abeja, restregones y raspados, para instaurar manchas y veladuras de sutiles imprimaciones, marcando -hasta donde el azar lo permite-, planos de color castigados, casi uniformes, pero de riqueza cromática resonante en sus opacidades y continencias. Estos desplazamientos connotan la marcha de un programa lúcido que simplifica el lenguaje de la pintura y ansía su plena autenticidad

• Azul uno, 2013, acrílico, óleo y cera sobre tela, 150 x 150 cm.

o, si se quiere, la radical e inveterada puesta en cuestión de los significantes y significados. Cabe añadir que en la elaboración de estas pinturas subyacen las ideas y los escritos de Wassily Kandinsky (1866-1944), en lo que se refiere a la prosecución de lo puramente artístico y hallar el acorde interior, tanto cuánto las de Gastón Bachelard (1884-1962), en torno de la imaginación poética y sus aproximaciones psicológicas a los elementos agua, aire, fuego y tierra. Son referentes devenidos, sostenes teoréticos válidos y vigentes en los que Ángela Wilson recalza sus indagaciones.

EXPOSICIÓN INTERVALO, DE ÁNGELA WILSON LUGAR: Corporación Culturas Las Condes DIRECCIÓN: Av. Apoquindo 6570, Las Condes FECHA: Del 7 de noviembre al 1 de diciembre

en EL TALLER

macarena salinas Detenimiento, fuego y contemplación (auto) modelación y (co) creación Por Lucía Rey. Imágenes cortesía de la artista.

acarena Salinas se acerca a un espacio diferente al taller que le había caracterizado hasta el año pasado. Decide expandir su qué-hacer técnico, ya que en medio de la observación de su trabajo pictórico va encontrando relieves constantes que harían evidente la demanda de lo tridimensional. En su trabajo bidimensional se enfocaba conceptualmente en el “origen” como temática y enfoque de materia prima, y esta misma palabra se expande hacia el mundo de la experimentación estética tridimensional. Es en esta búsqueda del origen como llega a la tierra, que en la cerámica se encuentra como arcilla. Desde una perspectiva del accionar performático, su trabajo pictórico resultaba para Salinas un ejercicio inmediato de creación, donde el trabajo que realizaba mostraba en el acto mismo la construcción visual. En este aspecto, su búsqueda hacia lo tridimensional ubica a Macarena en un lugar antípoda, demandando de ella una actitud de detenimiento, luego de encontrar un espacio externo al usual, en donde se declara aprendiz y donde comulga en esta actitud con al menos dos decenas de personas que comparten el taller. Sin duda que esta situación genera un movimiento no solo exterior o físico; sino también un movimiento interior para la creación, como un necesario volverse hacia fuera para mirar hacia dentro y viceversa. Humildad para detenerse, contemplar, aprender y esperar los tiempos del fuego y del material, y para aprender de la destrucción del mismo cuando la materia no soporta la temperatura entregada. El taller Huara Huara se ubica en Las Condes, en la casa de Ruth Krauskopf (connotada ceramista en Chile), quien en el interior de su terreno -en lo que normalmente llamamos “patio”- construyó un espacio taller para ceramistas. Hay una entrada lateral dibujada por esculturas de Krauskopf ubicadas en medio de innumerables bambúes que generan un ambiente fresco (anticipo de lo que hay en su interior) y que a la vez van guiando al visitante hacia el espacio de trabajo. En la entrada interna hay decenas de tarros de plástico en donde cada cual guarda la materia prima de trabajo, la cantidad de depósitos indica el número de participantes en el taller. Luego, mucho pasto y árboles en torno a una construcción

que resguarda el fuego del lugar. Encontramos así el horno a gas que funciona a 1.300 ° C, hay también un horno eléctrico, una máquina para esmaltar, una extrusora con bomba de vacío que sirve para quitar las burbujas de aire a la arcilla una vez mezclada y amasada. Cada paso en el proceso demanda gran quietud interna, un ejercicio para controlar la ansiedad de ver el producto del trabajo inmediatamente. Si hubo un error en el proceso, éste será exhibido durante el cocimiento de la pieza en el horno, momento de expectación para varias personas que en conjunto dejan las piezas en su interior. Si algo en la preparación de la masa falla, en el horno explosiona, involucrando la totalidad de las piezas. Una vez apagado el horno, es necesario entregarle a éste dos días para que naturalmente se enfríe. No es posible aquí acelerar procesos. Y esta condición de trabajo genera en Salinas la posibilidad de acercarse a una concepción del origen más mística, donde “el moldeamiento y la transformación” es mutua, tanto para la autora como para la materia. En la medida que la persona aprende a transformar, la materia demanda una transformación interior de parte de quien está creando. Mientras va dando forma, Salinas va identificándose con el material, asumiendo su condición, sus tiempos, generando una conexión diferente con la tierra y el entorno del taller. Hay lugares de sombra entregada por paltos, bajo los cuales se ubican mesas de trabajo. En época de maduración las paltas van cayendo sobre las personas y sobre los trabajos (en algunos casos rompiéndolos), en este gesto hay una persistencia a un someterse a tiempos y movimientos naturales. Además, un gato negro llamado Neutrón, está siempre contemplando todos los movimientos con su ritmo impredecible. Este flujo constante en el interior-exterior del espacio, donde todo circula, es alimentado por la energía del fuego, que se materializa no solo dentro del horno. Constantemente existen seminarios extensos especiales para ir alimentando este deseo de comprender el material y la técnica. Salinas llega a este taller (cual templo del tiempo) en marzo del año en curso, y en estos meses se siente ya transformada por él, como si la verdadera obra fuera ella misma en la búsqueda de su propio origen de lo creativo.

Panoramas del mes EXPOSICIONES La muestra reúne una selección de 22 imágenes del foto-reportero norteamericano, Steve McCurry, autor de la famosa imagen de La Niña Afgana que dio la vuelta al mundo en una de las portadas más sonadas de la revista National Geographic, en 1984.

La exposición exhibe impactantes imágenes de personas alrededor del mundo sobre sus bicicletas.

Un mundo en bicicleta, de Steve McCurry

Hasta el 17 de enero Sala Fundación Itaú Suecia 26, Providencia www.fundacionitau.cl

Del 7 de noviembre al 5 de diciembre Galería Arte Espacio

Hasta el 5 de enero Museo Nacional de Bellas Artes

Hasta el 22 de diciembre Museo de Artes Visuales

Inventario, de Sebastián Valenzuela

Retrospectiva de Carlos Faz (1931-1953)

Laboratorio Rojo, de Mario Navarro

En Inventario, su segunda exposición individual en Artespacio, Valenzuela presenta 25 obras de mediano y gran formato. Pinturas de seres antiguos y románticos salidos de una máquina del tiempo.

La muestra reúne cerca de 90 obras del pintor chileno a 60 años de su temprana muerte. Son 50 óleos, 25 grabados, 15 acuarelas, témperas y dibujos que componen una de las retrospectivas más completas que se han realizado de él.

El trabajo se basa en la biografía del cantante, actor y activista norteamericano Dean Reed (1938-1986). Su historia es valiosa por sí sola, sin embargo, la exposición tiene un valor adicional: la ilustración del vínculo que existe entre los vaivenes de su carrera con los desplazamientos que el arte hace habitualmente.

Alonso de Córdova 2600, Piso I, Vitacura www.galeriaartespacio.com

Parque Forestal s/n www.mnba.cl

José Victorino Lastarria 307, Santiago www.mavi.cl

Santiago

El destacado del texto corresponde al autor de la imagen que acompaña. * Las imágenes de las obras publicadas son detalles de la original.H

Del 7 al 10 de noviembre Factoría de Arte Santa Rosa

Hasta el 19 de noviembre XS Galería

Del 15 de noviembre al 21 de diciembre Galería Die Ecke

Persa del arte

Still life, de Adrián Gouet

Memorias del subsuelo, de Rodrigo Lobos

Más de 50 artistas de primer nivel, con obras en pequeño y mediano formato en el rango de 100 mil a 300 mil pesos. La feria se ha convertido en un clásico de este bullente barrio de Santiago.

Still life reúne un conjunto de obras que exploran el rendimiento de la mímesis pictórica en forma transversal a la figuración y la abstracción. El pretendido naturalismo del lenguaje en la imagen explorado aquí es confrontado con su propia artificialidad.

La muestra, en dos palabras, habla de “interioridad” y “localización”. Los dos conceptos comparecen dentro del espacio de la galería en distintos modos de imagen (pintura, fotografía y escultura). Las imágenes que resultan conectan estos conceptos de manera abstracta y literal.

Santa Rosa 2260, Santiago persadelarte.wordpress.com

Nueva Costanera 3723, Vitacura www.xsgaleria.cl

Av. José Manuel Infante 1208, Providencia www.dieecke.cl

Hasta el 11 de noviembre Galería de Arte Isabel Aninat

22, 23 y 24 de noviembre Espacio oOps!

Hasta el 24 de noviembre MAC Parque Forestal

El vuelo del colibrí, de Loreto Buttazzoni

Revélate, exposición de fotografía contemporánea chilena

2ª Antología de Fotografía Joven, Chile 2012-2013

Múltiples técnicas disímiles se unen entre sí y todo se complementa al final. El pop up y la porcelana se baten en un intento de dar forma a la permanencia dentro de lo fugaz como una metáfora del ciclo de la vida y la muerte.

Revélate es una gran venta y exposición de fotografía chilena contemporánea. Ofrece obras de autores reconocidos y de nuevas generaciones, integrando incluso, vínculos con regiones. La muestra da cuenta de preocupaciones que van desde el interés por la belleza y el contexto político o social, hasta las imágenes abstractas y conceptuales.

Esta exposición es el resultado de una convocatoria en agosto del 2012 a todos los fotógrafos jóvenes de Chile y chilenos residentes en el extranjero. El resultado es una muestra que refleja el estado actual de la fotografía en general.

Espoz 3100, Vitacura www.galeriaisabelaninat.com

Avenida Italia 1194, Providencia www.oopsbarrioitalia.cl

Parque Forestal s/n www.mac.uchile.cl

www.twitter.com/ARTE_AL_LIMITE

panoramas del mes

EXPOSICIONES

Hasta el 30 de noviembre Galería de Arte Casa Verde

Hasta el 24 de noviembre Castillo Wullf

Del 8 al 29 de noviembre Corporación Cultural de Puerto Montt

Expo Grabados Teresa Razeto, de Teresa Razeto

Júbilo Ancestral, de Lautaro Valenzuela Arqueros

La Intimidad de la Ficción, de Cristo Riffo

La artista ha expuesto en lugares como el Museo Nacional de Bellas Artes, el de Arte Contemporáneo y la Pinacoteca de la U. de Concepción, además del extranjero. Los grabados que presenta en Casa Verde trabajan una temática íntima: la mujer en su mundo cotidiano.

El ceramista Lautaro Valenzuela interpreta los más antiguos testimonios del hombre y sus inquietudes. Esta es una recopilación del trabajo que atraviesa su carrera de principio a fin.

En la intimidad de la ficción, Riffo modifica y reinventa artefactos de proyección, prótesis mecánicas de la memoria, tensionando desde la luz las ideas de intimidad, ficción, historia y documento.

Camino Real 1783, Recreo, Viña del Mar www.galeriacasaverde.cl

Av. Marina 37, Viña del Mar www.patrimoniovina.cl

Quillota 116, Corporación Cultural de Puerto Montt, Sala Hardy-Wistuba www.corporacionculturalpuertomontt.cl

TALLERES Y WEB Colores Cobre es una muestra colectiva que contempla la exposición de trabajos de más de 20 artistas. Entre las exponentes destacadas se encuentran Francisca Lekanda, Bernardita Garib, María Eugenia Akel, Carolina Busquets, Marcela Vicuña, entre otras.

Muart y la Asociación de Mujeres Artistas Visuales de la región metropolitana traen una colorida exposición de arte contemporáneo.

COLORES COBRE, EXPOSICIÓN COLECTIVA

Hasta el 30 de diciembre Museo Histórico Militar Av. Blanco Encalada 1550, Santiago www.mhm.cl

Regiones

El destacado del texto corresponde al autor de la imagen que acompaña. * Las imágenes de las obras publicadas son detalles de la original.

DEL 7 AL 9 DE NOVIEMBRE Sala Arte Dos

Hasta 16 de noviembre Galeria Coletee Dubois

Exposición Taller Macaví

DAPHNE, de Daphne Annatasiuou

Muestra colectiva que dentro de sus expositoras tiene a la artista Macarena Vicuña (Macaví) junto a sus alumnas de mayor trayectoria. Exponen obras en técnica mixta, dibujos a carboncillo, veladuras, texturas y traspasos fotográficos.

El León 13879, Lo Barnechea www.arteallimite.com/artistas/macarena-vicuna-macavi

La pintura de esta artista chilena refleja toda la energía y el optimismo que la habitan. A menudo al límite de lo abstracto, sus composiciones -armoniosas como una sinfonía musical- son alegres y ricas en colorido.

420, Rue Saint Honore 75008, París, Francia www.arteallimite.com/artistas/daphne-anastassiou

Hasta 15 de noviembre Galería Isabel Aninat

9 de noviembre, 12:30 horas Plaza Ñuñoa

Del 14 al 20 de noviembre Galería Oops

Jardines Parcelados, de Carolina Oltra

BANCAS PINTADAS: Ñuñoa y el reciclaje una relación de respeto, de Francisca Lohmann

Automata, exposición colectiva con Nicole Reiss

Esta destacada artista presentará sus trabajos producto de una evolución a lo abstracto, mostrando la percepción del paisaje en distintos soportes y técnicas.

El colorido resultado de bancas intervenidas por 19 artistas plásticos pretende generar mejores espacios para la comuna, fomentar la visita de plazas y parques y darle estilo de modernidad a la vista panorámica de los espacios públicos.

Expo Automata es una muestra colectiva en la que participan alrededor de 40 artistas. Cada expositor propone dos obras con un mismo lenguaje y formato. Todos comparten el mismo espacio, pero la interacción entre ellos permite que propongan un lenguaje propio.

Boulevard del Parque Arauco, Av. Pdte Kennedy 5413, Las Condes www.galeriaisabelaninat.cl www.arteallimite.com/artistas/carolina-oltra

Calle Humberto Trucco 65, Ñuñoa www.arteallimite.com/artistas/franciscalohmann

Av. Italia 1194, Barrio Italia www.arteallimite.com/artistas/nicole-reiss

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actua lidad

Arte emergente en Galería Arte Trece

campo de interferencia Diez alumnos en proceso de egreso de artes visuales comienzan su carrera con el pie derecho y mostrarán su trabajo en una exposición bajo la curaduría de Alicia Villareal. Un proyecto que abre un interesante campo de interacción y colaboración entre artistas emergentes y espacios de exposición. Galería de Arte Trece creyó en la propuesta y decidió apostar por el talento de estos jóvenes. Por Kristell Pfeifer. Imágenes cortesía de los artistas.

ideo, escultura, objetos, fotografías e instalaciones se entremezclan en una muestra que lleva al espectador a un terreno movedizo donde no hay certezas sino solo interrogantes. El riguroso trabajo y estudio de diez estudiantes de arte de la UDD en proceso de egreso da como resultado Campo de Interferencia, una propuesta que, mediante distintos lenguajes, reflexiona en torno al espacio, el cuerpo, los códigos de comunicación, los sistemas de medición y la tradición. En el corazón del Barrio Italia se llevará a cabo la muestra, abierta entre el 26 de noviembre y el 2 de diciembre. Galería Trece será el lugar que reciba a los jóvenes artistas y les de un espacio para mostrar el resultado de sus procesos investigativos. Obras donde lo simple, lo próximo y lo conocido se tensionan a través de operaciones que agitan el estado habitual de las cosas y nos muestran que el cuerpo es un campo de exploración constante.

Siguiendo el plano escultórico y espacial se encuentran las propuestas de María Paz García Cave, Olivia Pearson y María Ignacia Vergara. La primera trabaja la contraposición entre realidad y apariencia. Mediante la ironía, María Paz cuestiona lo que suponemos verdadero creando objetos a primera vista lujosos, pero que en una segunda mirada notamos que están hechos de materiales artesanales. Por su parte, la instalación de Olivia lleva al espectador a reflexionar sobre la lingüística. Reduciendo los objetos a palabras, la artista crea imaginarios propios, inaccesibles y sumamente personales. Una interesante metáfora sobre cómo el lenguaje no es más que una representación abstracta del mundo real. María Ignacia presenta una instalación que toma el engaño como punto de partida. El Trompe L’oeil o “trampa al ojo”, herramienta por excelencia de los pintores renacentistas, es aquí usada para confundir al espectador mediante el uso de la perspectiva en un diorama que es llevado al plano tridimensional. Espacios para arte joven

Propuestas interconectadas El video es abordado por Nicolás Del Solar, Valentina Hiriart, Cristián Zabalaga, Catalina Torres y Philip Klawitter. Los dos últimos ven en este medio una fuente para reflexionar en torno a la percepción del tiempo y el espacio. Mediante el conteo de arroz, Catalina reinterpreta la forma en que se mide el tiempo para hablar del valor que el hombre occidental confiere al paso de éste. Philip fusiona lo micro y lo macro a través de encuadres cercanos a elementos naturales, mostrándonos que cuando percibimos el mundo solo captamos una fracción, y que lo más interesante puede estar incluso fuera de nuestro encuadre. Por su parte, Cristián presenta un video laberíntico de estímulos inciertos, reflejando la propia fragilidad del hombre y contrastándola con la aparente fuerza y poder que en muchas situaciones aparenta. Valentina reflexiona en torno a las imposiciones y exigencias a nivel social, usando su cuerpo para proyectar textos que hablan de la presión a la que está sometido el hombre. Nicolas, por su parte, expone su propio rostro a la deformación para hablar de dolor, miedo, incertidumbre y agobio, padecimientos comunes e inherentes al hombre. En la misma línea se encuentra la experimentación que propone María Jesús Manterola, quien jugando con los límites del cuerpo fotografía su rostro distorsionado mediante hilos, reflexionando así sobre el ideal de belleza actual y sus exigencias. Josefa Palazuelos lleva la deformación corporal al plano escultórico, cuestionando las nociones de lo que entendemos por cuerpo humano y sacándolo de contexto a tal punto que manos y pies pueden ser confundidos con meros objetos.

Galería Trece, en su afán por difundir las últimas tendencias de arte contemporáneo y abrir un lugar a las nuevas propuestas, apostó por el talento de estos jóvenes y dispuso del espacio para albergar la muestra. Su director, Rodrigo Fernández, explica la importancia de apoyar a los artistas emergentes en su consolidación. “Dar la opción a alumnos de arte para exponer antes de egresar en un espacio formal es un gran aporte para el desarrollo artístico y personal (…) Si las galerías o espacios de arte establecidos aportáramos un par de exposiciones al año a los talentos nuevos, se vería más enriquecido el panorama cultural y a la vez se le daría más tribuna a los artistas de las nuevas generaciones”, opina. Los jóvenes artistas valoran el soporte y la profesora y curadora de la exposición, Alicia Villarreal, destaca la oportunidad de exhibir públicamente: “Es una experiencia tremendamente productiva que los acerca al mundo real. A veces el interior del taller es muy protegido, entonces exponer significa entender que la obra tiene que tener un acabado y una dimensión más publica. En ese sentido aporta mucho”. Una unión donde todos ganan y que abre un interesante espacio de interacción entre artistas emergentes y espacios de exhibición.

EXPOSICIÓN CAMPO DE INTERFERENCIA LUGAR: Galería de Arte Trece DIRECCIÓN: Girardi 1480, Providencia FECHA: Del 26 de noviembre al 2 de diciembre

• María Jesús Manterola, Habla para que yo te vea, 2013, fotografía digital, 100 x 90 cm.

• Catalina Torres, Tiempo Redondo, 2013, video 1 hr.

• Nicolás Del Solar, Radicales cautivos, 2013, video digital 60 segundos.

PERFIL A R T e

XIMENA GUMUCIO VIENTO EN LA POPA Por Natalia Vidal. Imagen cortesía de la artista.

• Detalle de Sin título, 2013, técnica mixta, 100 x 200 cm.

Hay en el mar tanta vida como en la urbe; hay en la brisa cambio e inspiración. El trazo que Ximena desliza sobre la tela en blanco dibuja tormentas de pensamiento o sostenida calma tendida al sol. Emerge la sombra o el furioso color del día, visto siempre desde una vela alta: la que dibuja sus preceptos y empapa su existencia. Fluye el viento con la fuerza de la libertad por las costas de Chile y las velas se baten en una disputa intensa sobre el agua que se entusiasma con el ímpetu. Mientras, y en medio del torbellino de energía, Ximena conecta con su centro en la espiritualidad que le inunda y dibuja en su mente los trazos de su próximo cuadro. El flujo del mar es el concepto que mueve sus pigmentos y carboncillo.

El meticuloso y arbitrario trabajo del mar: mecer, carcomer, abatir o simplemente bañar las embarcaciones que lo abordan. La regata y la competencia le apasionan. Dan movimiento, velocidad y proyectan las fuerzas en pugna que se asoman en sus creaciones. “Me gusta la naturaleza, la amplitud y siempre he querido al mar. Me cautiva, me llama y me dan ganas de escribir y dejarme llevar. Hasta su ruido me cautiva y así cada cuadro es una historia o un sueño de mi experiencia sensitiva con él”, confiesa inspirada. En sus veinte años de trabajo, las capas, croquis, profundidad y la fotografía se mezclan en un juego que transparenta el entorno y la presencia del yate en la obra resaltando su intensidad.

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santiago caradeux “Nunca en mi vida había tomado un pincel” Por Camila Pantoja. Imagen cortesía de la artista.

Santiago Caradeux nació como artista hace un año, luego de que un set de pinturas hiciera que su vida pasara de la milicia al arte. Tras 33 años en el Ejército, recibió sus primeros materiales y desde ese momento no ha dejado de pintar. “Ha sido increíble lo feliz que me siento pintando y expresándome. Hoy estoy tranquilo y pleno con lo que hago”, explica sobre las más de 80 obras que ha creado en este corto plazo, haciendo su primera exposición en julio de este año en el Estadio Croata. Tras vivir quince meses en Ecuador y observar cómo pintaba su amigo y gran maestro, el chileno Carlos Tapia, conocido como Catasse, Santiago sintió una gran admiración por la pintura y por la forma en que Carlos transformaba las cosas difíciles en simples. Por medio de la observación y la práctica logró congeniar los intereses que se encuentran en su pintura. Completamente autodidacta, su temática pictórica se centra en la cultura latinoamericana y sus personajes. Colores intensos se mezclan para crear una obra llamativa, alegre y expresiva. “¿Por qué pintar cosas tristes? Basta con la cotidianeidad de la vida, que ya es bastante compleja”, reflexiona. Su mayor fuente de apoyo y crítica ha sido su pareja, quien lo ha empujado a continuar por el camino del arte. Esta nueva etapa ha sido una satisfacción para Santiago, teniendo la oportunidad de reinventar su retiro laboral por un mundo de creación y de expresión. Colores fuertes, llamativos y abundantes que nos invitan a abandonarnos en la contemplación.

www.arteallimite.com/artistas/santiago-caradeux • Coqueta, óleo sobre tela, 80 x 60 cm.

La artista entiende el arte como parte de su lenguaje; una forma de expresión para lograr conectarse con lo simple de la existencia, en donde el proceso creativo comienza desde la intuición. No existen conceptos preconcebidos, por lo que el día a día define la temática y contenido de su trabajo. “El arte en mi vida es como una necesidad para relajarme y al mismo tiempo de concentrarme y llegar a lo mas profundo de mi ser”, cuenta. En su taller el paso del tiempo y el mundo exterior se detienen para sumergirse en la arcilla, material que utiliza en todas sus obras. Diversas técnicas se entremezclan en el gres y cada pieza resulta ser un acertijo de rincones irregulares, curvas y texturas que atraen por su versatilidad y movimiento. “Decidí ser escultora porque siento que me hace sentir plena cuando meto las manos en la arcilla”, comenta la artista. De esta forma, y luego de un delicado proceso de secado, cada objeto se convierte en un espacio que llama al espectador a mirar, tocar e interactuar con la obra.

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FRANCISCA LEKANDA De forma irregular Por Bernardita Garib. Imagen cortesía de la artista.

• Pie de Lámpara, placa de cerámica Gres, 31 x 25 cm.

Francisca Lekanda vive el arte desde su infancia. De madre artista, siempre compartió con ella en su taller. Su formación profesional fue más bien autodidacta, integrando distintos talleres. Después de diversos estudios, decidió finalmente dedicarse por completo a la escultura.

PERFIL A R T e

CAROLINA URCELAY MÉTODOS Y MATERIALES Por Soledad Cabello. Imagen cortesía de la artista.

María Carolina Urcelay reconoce que siempre se ha interesado por la expresión artística y ha tenido cercanía con el trabajo manual y visual, realizando patchwork, cerámica, diseño y decoración. Es autodidacta y a la pintura llegó tras haber tomado clases con diferentes profesoras, mientras en la actualidad asiste al taller de Josefa Cordua. Se identifica con la obra de Paul Klee y con su concepto de pintura, abstracción, el manejo de las formas y el color. Le interesa la manera de utilizar estos elementos de los clásicos Paul Gaugin y Miró, y de los artistas contemporáneos Yellena James y Tiel Seivl-Keevers. Su técnica pictórica se basa en la mezcla de diferentes métodos y materiales. Usa acrílico, lápices, papeles y spray. Trabaja por capa, sumando elementos, borrando y raspando. “Creo que la imagen que surge está en el límite entre lo abstracto y lo figurativo. Tiene relación con elementos naturales y con lo orgánico, pero no busca representar algo específico, sino que es una mezcla de cosas, de observaciones”, indica. Por el momento la artista está concentrada en la investigación y en el desarrollo de un cuerpo de obra. Sus trabajos los exhibe en su casa: carolinaurecelay@gmail.com.

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• Sin nombre, 2013, acrílico sobre tela, 60 x 70 cm.

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• Sin Título, 2012, lana sobre malla metálica, 190 x 140 cm. (tríptico).

CECILIA FERNÁNDEZ de relaciones humanas Por Valeria Solís. Imagen cortesía de la artista.

Cecilia Fernández es licenciada en Artes Plásticas con mención en escultura de la Universidad de Chile. Al poco andar decidió perfeccionarse e investigó el universo de la pintura, integrando diversos talleres como el del restaurador Francisco González. Cautivada por el óleo y el cuerpo humano, la pintora ha buscado diversas formas de representarlo, con el espíritu de inventar e intervenirla si fuera necesario con lápiz, carboncillo y lanas. Sus pinturas han sido reconocidas en la Bienal de Florencia (2003), donde obtuvo un quinto lugar y en la I Bienal de Rumania (2006). “Al principio trabajé con

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mi propio cuerpo, fue una especie de autobiografía; ya que mi temática tiene que ver con cómo nos relacionamos, cómo influye el entorno en el desarrollo de cada individuo y para eso el cuerpo es mi herramienta principal, pero es un trabajo de investigación permanente”, cuenta. Pero su trabajo no se remite solo a la pintura; ha incursionado también en el arte textil, según dice, como una forma de acercarse a lo bidimensional y de ahí al volumen. Actualmente trabaja en una obra con la cual postulará en la VII Bienal Textil de Colombia y en febrero próximo expondrá algunas pinturas en el “Taller nosotras” ubicado en las Rocas de Santo Domingo. www.ceciliafernandez.cl.

FERIAS

Sudamérica, Europa y Asia

La vuelta al mundo en cuatro ferias Noviembre reúne cuatro grandes eventos de arte contemporáneo que se desarrollan sucesivamente y conectan al mundo en puntos estratégicos para recorrerlo: Buenos Aires, Estambul, Nueva York y Seúl. Por Kristell Pfeifer. Imágenes cortesía de BA Photo, Doors Art Fair y Contemporary Istanbul.

urante este mes el arte recorre el mundo. América, Europa y Asia son los continentes que recibirán las últimas tendencias de la plástica contemporánea en una fiesta en la que Arte Al Límite también está presente. BA Photo, Contemporary Istanbul, Pinta NY y Doors Art Fair son los eventos que marcan la pauta durante noviembre.

Buenos Aires Photo A partir del 31 de octubre se lleva a cabo en el Centro Cultural Recoleta una nueva versión de Buenos Aires Photo; una de las ferias de arte especializada en fotografía más importante en Latinoamérica. Esta nueva edición reúne a más de 30 galerías de arte enfocadas en esta disciplina y ofrece además una serie de actividades para todos los gustos. En lo que ya es un clásico de la feria se encuentra la Muestra Paralela Paseo de las Artes, donde la artista Andrea Juan exhibirá una exposición que permanecerá abierta día y noche durante los siete días de la semana. El Espacio Joven OSDE NEO, curado nuevamente por el crítico Julio Sánchez, presentará una selección de jóvenes fotógrafos emergentes, mientras que el Espacio de

Video Arte Rabobank (sala 6 del Centro Cultural Recoleta) recibirá videoarte de parte de cinco galerías internacionales. Una de las propuestas esperadas de este espacio es la del peruano Diego Lama de la galería Lucía de la Puente, quien representó a su país en la última edición de la Bienal de La Habana. Una de las novedades que tendrá este año BA Photo se llevará a cabo en una de las terrazas del predio, donde reconocidos fotógrafos argentinos presentarán sus obras menos conocidas. Esta performance en vivo permitirá conocer el trabajo de 24 artistas, durante tres jornadas de presentación, los días 1, 2 y 3 de noviembre de 18 a 21 hrs.

Contemporary Istanbul La octava versión de la feria más reconocida de Turquía se llevará a cabo entre el 7 y el 10 de noviembre en The Istanbul Convention and Exhibition Centre (ICEC). Como siempre, el evento mantendrá su foco en las principales tendencias nacionales e internacionales y en el dinámico mundo del arte contemporáneo. La oferta este año es amplia: 92 galerías, 21 países y más de 650 obras esperan conectar lo mejor del arte

• La fotografía de Álvaro Ras Fine Art estará en Buenos Aires Photo .

• Weiyu Lai estará en Doors Art Fair con Cars, 2013, acrílico y carboncillo sobre tela, 100 × 72 cm.

del medio oriente, Europa del Este y el norte de África. Un punto a destacar de la feria es Plug-In New Media Section, un sector dedicado a mostrar videoarte y nuevos medios que traerá una fresca perspectiva sobre el trabajo artístico en estas disciplinas. Plugin abarcará además instalaciones de luz y sonido, diseño interactivo, proyectos de mapping en interiores y diseño robótico. Otra sección interesante será New Horizons, espacio que selecciona anualmente un foco de arte contemporáneo de la región y que este año ha puesto sus ojos en Rusia. Galerías de San Petersburgo y Moscú mostrarán las últimas tendencias del arte ruso en un evento que espera reunir a coleccionistas, curadores y críticos de todo el globo.

Pinta NY Continuando con la tradición de coincidir con las subastas de arte contemporáneo y latinoamericano en Nueva York, la séptima versión

de Pinta en “la gran manzana” se llevará a cabo entre 14 y el 17 de noviembre. La feria estrena este año nueva locación, en 82MERCER, un edificio estilo loft situado en el corazón del bohemio SoHo. Para continuar posicionándose como líder en la exhibición y promoción de arte latinoamericano, español y portugués en el exterior, Pinta NY actualizará su formato y presentará una plataforma completamente renovada, con un equipo internacional de prestigiosos curadores a cargo de cada una de las cinco nuevas secciones de la feria. El programa general de ésta innovadora edición parte con las galerías de arte del sector Pinta Galleries divididas en dos secciones: moderna y contemporánea. Pinta Emerge será curada por el colombiano José Roca, quien seleccionó e invitó a diez artistas a este sector de arte joven. Pinta Centro, el proyecto de la feria que reúne su mirada en una región, concentrará esta vez sus ojos en América Central. Otras

• Murat Kösemen estará en Contemporary Istanbul representado por Gallery Linart. A20, plasticina sobre madera, 110 x 150 cm.

secciones destacadas son las de videos y foros, ambas con una selección de proyectos y actividades abiertos al público.

exhibiciones especiales, mostrarán el trabajo de más de 200 artistas.

Proclamándose como una nueva dirección en el mercado del Este año Pinta NY continúa con su Programa de Adquisición de Museos, arte coreano, esta joven feria hizo su lanzamiento en 2010 con el eslogan "¡Abran las puertas!" (“Open the que tiene como fin invitar a curadores y directores de instituciones asociadas para que enriquezcan Arte Al Límite y sus doors!” en inglés, de ahí su nombre). La frase va sus colecciones de arte latinoamericano a través últimas ediciones de pe- de acuerdo a su objetivo: promover la diversidad de la compra de obras con fondos de Subvenciones riódico y revista estarán en el mercado del arte y descubrir artistas, presentes en cuatro fe- buscando nuevos nombres y dando un espacio a Compartidas otorgadas por la feria. rias de arte contemporá- los que alguna vez fueron subvalorados.

Doors Art Fair

neo durante noviembre: BA Photo, Contemporary Istanbul, Pinta NY y Doors Art Fair.

Es la feria más joven de las cuatro pero en pocos años ha logrado consolidar su nombre. La cuarta versión de Doors Art Fair será entre el 22 y 24 de noviembre y tendrá lugar en el Imperial Palace Hotel de Seúl. Cerca de 30 galerías de Corea, Japón, Taiwán, Hong Kong, Singapur y Myanmar, además de

Doors Art Fair ofrece el trabajo de artistas emergentes y de mediana carrera de buena calidad a precios accesibles. Esto la ha convertido en un evento importante para coleccionistas y aficionados, dándoles la oportunidad de experimentar en sus adquisiciones y apostando por obras que aumentarán su valor en el futuro.

actua lidad

De Chile para el mundo

destino: florencia 11 artistas pertenecientes a la plataforma web de Arte Al Límite toman sus maletas y parten a Italia para participar en la IX Bienal de Florencia. El evento, que se realizará entre el 30 de noviembre y el 8 de diciembre, selecciona propuestas artísticas destacadas alrededor del mundo para reunirlas en la cuna del arte renacentista. Por Kristell Pfeifer. Imágenes cortesía de los artistas.

• Jacinta Besa

a Fortezza da Basso será desde fines de este mes el lugar que reciba a cientos de artistas de todo el planeta que viajan a Florencia con una fuerte convicción: darse a conocer al mundo y dejar el nombre de su país en alto. Once artistas pertenecientes a la plataforma online de artistas de Arte Al Límite fueron seleccionados para participar y ya cuentan los días para partir a un encuentro que promete expandir las fronteras de su trabajo. Andrea Rodríguez, Josefa Cordua, Jacinta Besa, Marco Bizzarri, Pilar Elorriaga, Luisa Granifo, Dominique Schwarzhaupt, María José Benvenuto, Constanza Ragal, Philippe Trillat y Macarena Vicuña ya están listos para representar a Arte Al Límite y a Chile en este encuentro que promete mostrar las últimas tendencias del arte actual. Las obras ya están terminadas y ahora solo queda esperar. La cuenta regresiva se acabará este 30 de noviembre y dará paso a un calendario de nueve intensos días donde el aire renacentista de Florencia convivirá con los últimos vientos de arte contemporáneo. Una mezcla que sin duda atraerá la mirada de curadores, críticos y coleccionistas de todo el globo y que es una importante oportunidad para que los artistas internacionalicen su trabajo.

• Andrea Rodríguez

La selección de artistas estuvo a cargo de la curadora Lilia Lamas y unequipodeprofesionalesqueevaluaroncadaunadelaspostulaciones y además eligieron a artistas que, pese a no haber postulado, tenían un cuerpo de obra sólido y valioso para la Bienal. Tal es el caso de Macarena Vicuña y Josefa Cordua, para quienes el hecho de haber tenidosupropiagaleríavirtualenArteAlLímiteparamostrarsutrabajo fue determinante para recibir la invitación. “No postulé a la Bienal, sino que me llegó un mail contándome que habían visto mi obra en la web de Arte Al límite y que estaba seleccionada para participar. Encontré que era una muy buena oportunidad, así que mandé mis cosas”, explica Josefa. La posibilidad de visibilidad internacional fue también lo que atrajo a Andrea Rodríguez a postular. “Es una oportunidad para presentar mi trabajo fuera de Chile, poder conocer otros artistas y generar nuevos contactos. Es importante para nosotrosestaraldíaconloqueestápasandofuerayactualizadosconlas nuevastécnicasyproblemáticas”,afirma,altiempoqueaseguraquees un proceso que requiere de mucha dedicación. María José Benvenuto asegura que el haber pertenecido a esta plataforma web fue decisivo paraquefueraseleccionada:“CreoquelawebdeArteAlLímitefueclave enmipostulación,porqueeslarevistadeartechilenamejorreconocida en el mundo y eso hace que los coleccionistas y curadores de otros países visiten esta página y no otra”.

• Philippe Trillat

Buscando el ADN del arte Bajo el tema Ética: el ADN del arte se desarrolla esta nueva versión, y es este el concepto en torno al cual los once artistas reflexionaron para crear una obra única e inédita que cada uno expondrá en un espacio de 150 x 100 cm. Entre las propuestas prima por sobre todo la pintura en sus diferentes ramas, aunque también hay espacio para la fotografía, el dibujo y la exploración con diferentes materiales. Luisa Granifo trabaja la tela por ambos lados, tensionando con su pintura elementos materiales y conceptuales de la obra. Mediante acuarela y acrílico, el artista Marco Bizzarri crea un colorido sistema de engranajes, que funciona como canal de encuentro con la esencia misma de los elementos que conforman su obra. Por otra parte, las pinturas de María José Benvenuto se caracterizan por investigar el aspecto material y técnico de esta disciplina, enfatizando en el color como medio de significación visual. Por la misma línea va el trabajo de Andrea Rodríguez, quien explora la diversidad del ser humano a través de vistas macroscópicas aéreas de ciudades, logrando una figura abstracta repleta de

• Dominique Schwarzhaupt

interpretaciones. Una “sumatoria” de instantes configuran la obra de Macarena Vicuña, explorando así el límite entre la figuración y la abstracción pictórica. Un curso similar siguen las pinturas de Philippe Trillat, quien autodefine su obra como pintura “abstracta científico-contemporánea”, dejando en el espectador la tarea final de análisis y lectura. Las pinturas de Josefa Cordua contraponen la idea de realidad y ficción, uniendo imágenes de diferentes orígenes para crear un mundo único y diferente. Mediante pintura, Constanza Ragal "maquilla" a sus modelos para cuestionar el exigente ideal de belleza femenina actual. Explorando otras disciplinas se encuentran Pilar Eliorriaga, Dominique Schwarzhaupt y Jacinta Besa. Pilar explora la composición a partir del color y el enfoque/desenfoque fotográfico para mostrar lo que no siempre se ve a simple vista. Por otra parte, Dominique confronta el realismo y la obsesión del detalle en un dibujo que contrapone la mímesis de la figura humana con la ficción de sus personajes. El material de Jacinta es la plasticina. La artista crea escenarios oníricos que bordean lo tétrico y lo fabulesco al mismo tiempo. Once propuestas que esperan dejar el nombre de nuestro país en alto en este importante encuentro internacional.

artista DESTACADO

RAQUEL YUHANIAK ENCUENTROS CERCANOS Por Natalia Vidal. Imagen cortesía del artista.

La experiencia de mezclar materiales trae consigo una evolución. Raquel Yuhaniak trabaja el arte de la mixtura. Más que componer, cruzar y transformar con distintos elementos el encuadre de un proceso evolutivo, la artista gesta una relación. Su trabajo de investigación la ha llevado a sentir que el cobre es uno de los materiales que más la representan en esta etapa de creación.

• Fusión, Tejida en telar de clavosHilo de lino , hilo de CU, lámina de CU,tela de algodon y seda, cerámica gress y cañería de CU, 80 x 180 cm.

obre y lino, cobre y algodón, cobre y cerámica. El producto de exportación más importante de nuestro país ha instaurado su imperio y dominio en el trabajo de Raquel Yuhaniak con gracia, elegancia y plasticidad. Resulta ser que en el territorio de la hibridez material el cobre moldea su espacio y establece sus redes, consiguiendo la elaboración preconcebida de un encuentro cercano. Textiles entrelazados narran una historia que se gesta al instante en que los materiales se unen y se comunican. “Mi trabajo es una búsqueda. No es la técnica lo que más me importa, sino cómo los materiales conversan entre sí”, cuenta la artista. Raquel encontró en su rutina de trabajo la forma de redactar lazos, construir vínculos y mezclar texturas, dejando que los materiales experimenten y cuenten una historia sugerente, atractiva y sutilmente bella, atando cabos sueltos o resolviendo con fluidez. Confiesa una debilidad y pasión por su trabajo. Nunca ha cambiado la línea de acción, consiguiendo aún en el mismo formato resultados siempre distintos que provocan una amplia gama de emociones y reacciones. “Hago una investigación del comportamiento de los materiales, cómo se relacionan unos con otros”, cuenta acerca de su premisa a la hora de trabajar. “Se puede describir el inicio de una obra de dos formas: definir el nombre y forzar lo que suceda, provocar el mensaje que se quiere transmitir o dejar libre el material en su soporte, ir viendo cómo se expande y usa su libertad”, continúa, aludiendo a la forma en que recaen los nombres en las piezas terminadas. No hay un afán purista ni de pulcritud técnica. El juego que entablan cobre, lino, algodones, cerámica gres, telas teñidas y otros más, incentiva la tarea de mantenerse vigente e innovar en soporte y herramienta. Nunca deja de experimentar, es parte del desafío que le plantea la misión que escogió. “La cantidad de materiales me ofrece múltiples formas de expresar. He buscado la forma de imprimir mi firma en el textil”, confiesa la artista. Busca su libertad y la encuentra en el arte. Intenta fluir entre sus sentidos y pensamientos al igual como lo hacen sus instrumentos en el tapiz. Plantea esta conversación íntima con la obra y la manera en que se presentan las aplicaciones que va sumando como una armónica amalgama en su trabajo. Busca el sentido: “Que mi trabajo tenga una expresión, que no sea un insípido”.

Mario Toral Su iconografía e imaginería provienen de su propia vida, así como de la historia del arte de todos los pueblos. Historia donde el artista se debe inspirar, basándose en la tradición, para no terminar copiando a sus contemporáneos, como él mismo comenta. Observa por los ojos, por el corazón y el sexo; para luego plasmarlo en la pintura. Actualmente se encuentra trabajando en las imágenes para un libro sobre Isla de Pascua. Para Toral, Rapa Nui es la inspiración perfecta para un artista del siglo XXI. Al mismo tiempo, trabajan en la creación y concretización del proyecto “Fundación Mario Toral”. Por Equipo Arte al Límite. Imagen cortesía del artista.

El arte como trabajo es… Para mí no es un trabajo. Es otra vida, tan intensa y maravillosa como la real. El arte como pasión es… Un orgasmo contínuo.

comunicar, sino es solo masturbación. La crítica de arte en Chile “Hay de todo en la viña del señor”. BIS.

¿Qué piensas cuando decimos memoria? Pienso en un contador con el pelo a lo “parrón”.

¿En qué puede aportar el arte nacional al campo artístico de otros países? El arte solo se exporta hacia el interior del propio ser que lo crea.

El arte en Chile hace 30 años El arte no responde a las fechas; le quitaría su actualidad permanente.

Profesionalización del arte En mi tarjeta de visita dice que soy un “soñador profesional”.

El estado actual de las artes en Chile “Hay de todo en la viña del señor”.

Iniciativas negativas para el campo del arte chileno. El arte "baratieri", comercial, que debería estar en Patronato.

El rol del artista en la sociedad actual Como siempre, un parásito fundamental que muestra la alegría y el dolor.

¿Artistas emergentes que llamen tu atención? Todos somos emergentes.

¿Cómo superar el hermetismo del arte chileno? El arte hermético no puede ser arte. El arte es un modo de

Exposición reciente e interesante Hace años que no expongo en Chile…acumulo obras para la posteridad.