Latinoamérica Circuitos del Arte by Arte al Límite

naranja

sum SUMARIO | SUMMARY Directora Ana María Matthei Ricardo Duch Edición Elisa Massardo

Dirección de Arte Catalina Papic

Diseño y diagramación Wilder Rios Textos Daniel G. Alfonso Elisa Massardo Andrés Isaac Santana Traducción | Adriana Cruz

Corrección de Textos | Adriana Cruz

Este libro se terminó de imprimir en Noviembre del 2018

AAL

Latinoamérica Circuitos del Arte es un libro que surge de la necesidad de difundir, mostrar y exponer al mundo, el arte del continente a mano de artistas jóvenes, con una carrera que está desarrollándose cada vez más y con una calidad de obra con potencial para alcanzar fronteras lejanas. Cada uno de ellos presenta una realidad distinta, tanto por su lugar de origen como las realidades sociales de cada país. Artistas de Argentina, Bolivia, Chile, Colombia, Cuba, México, Venezuela y Perú se reúnen en estas páginas para exponer una microhistoria de la región, una mirada sobre aquello que sus ojos ven necesario de trabajar, reflexionar y plasmar en obras con técnicas y conceptos diferentes. Entre las temáticas que abordan destacan los gritos de un continente oprimido ya sea a través del género como en la obra de Érika Ordozgoitti, Aisha Ascóniga y Osiris Cisneros; o con la opresión del cuerpo como en el trabajo de Genietta Varsi y los cuestionamientos en el trabajo de María Villanueva. Por su parte, son también obras que elogian a la técnica, al color y a la forma de crear, las de Pabli Stein y Fernanda Avendaño. Son una pincelada de lo que se puede ver en la región y que está organizada para poner en valor la diversidad, son –además– artistas que participan en ferias de arte, con exposiciones en instituciones a nivel internacional.

Y es el arte latinoamericano el que está entrando con cada vez más potencia en el mercado internacional, con poderosas exposiciones en museos de Europa y de Asia, es por esto que Latinoamérica Circuitos del Arte entra a llenar espacios, hacer presencia en sectores donde recién están comenzando a conocer el trabajo de la región. Iniciativas como las de Ella Fontanals-Cisneros, Andrés Blaisten, Patricia P. Cisneros, Yaconi-Santa Cruz, Juan Yarur y otros coleccionistas que trabajan en vincular a artistas del continente con el primer mundo, y viceversa, ya sea a través de residencias o museos ayudan a reforzar la educación artística y a que los artistas de la región puedan introducirse en el competitivo mundo del arte. Son ventanas de posibilidades que surgen de la experiencia, de los viajes, de ver cómo estos espacios y gestiones funcionan en los otros continentes y una manera de incentivar la creación.

AAL

The motivation to publish the book Latinoamérica Circuitos del Arte stemmed from the need to disseminate, showcase and reveal the art from our continent to the world, which is in the hands of young artists who are increasingly developing their career with quality pieces that have the potential to reach distant frontiers.

Every one of these artists presents a different reality, both due to their origin and the social context of each country. Artists from Argentina, Bolivia, Chile, Colombia, Cuba, Mexico, Venezuela y Peru are compiled in these pages to display the micro-history of the region, a perspective on every aspect they deem necessary to address, think about and capture in their pieces with a wide array of techniques and concepts. Some of the addressed issues include the clamor of an oppressed continent, whether through gender vindications as in the work of Érika Ordozgoitti and Osiris Cisneros, or the oppression of the body as is the case of Genietta Varsi’s and María Villanueva’s. The featured pieces also praise technique, color and creation method, like the artwork by Pabli Stein and Fernanda Avendaño. These artists, who also participate in art fairs and institutional exhibitions throughout the world, provide an inkling of all the things the region has to offer.

Latin American art is making its way and gaining strength in the international market, with poignant exhibitions in museums in Europe and Asia. For this reason, Latinoamérica Circuitos del Arte comes in to fill a gap, to make the work being produced in the region more visible in areas where it is just starting to become known. Whether it is through art residencies or museums, initiatives by collectors such as Ella Fontanals-Cisneros, Andrés Blaisten, Patricia P. Cisneros, Yaconi-Santa Cruz and Juan Yarur among the people who are trying to bring Latin American art to the first world and vice versa, contribute to strengthen art education and make it easier for artists to penetrate the competitive art world. These people promote the act of creating, they open up possibilities to artists through celebrating their experience, their journeys, seeing how these spaces and creations work in other continents.

ANA MARÍA MATTHEI DIRECTORA

RICARDO DUCH DIRECTOR

DG ¿Cómo hablar de una generación de artistas? ¿Qué los aúna a todos? ¿Cuáles son sus intereses y/o características? Pueden ser algunas interrogantes que nos hacemos, en el universo de las artes visuales, cuando deseamos agrupar a un conjunto de artistas. En el contexto latinoamericano, las nuevas generaciones de creadores están dando de qué hablar. Al sentir la música electrónica, se mueven sin detenerse, buscan reconocimiento y espacios que les permitan mostrar su territorio estético y poético. Los noveles, versátiles, se imponen y se les debe abrir el camino. Presentan posturas, en algunas ocasiones, radicales; sus modos operatorios pueden llegar a ser novedosos hasta el punto de construir desde sus praxis personales una hornada con voz y accionar único y diferente.

Más allá de los localismos establecidos por los cánones de la sociedad cultural, vemos a un grupo de creadores que poseen en sus obras un lenguajes formal y conceptual universal. Todos están con su mira en su expansión territorial, donde los paradigmas estéticos van evolucionando en la mejoría de sus resultados finales.

Periodizar una generación se convierte en una necesidad imperiosa, por lo tanto, tomemos como punto de partida a artistas que nacieron a finales de los setenta hasta los noventa aproximadamente; versa sobre la existencia de una visualidad temporal que sienta las bases de un arte establecido en el nuevo milenio. Este texto, dedicado a esta nuevo grupo de artistas que florece y con los que logro identificarme (por cuestiones epocales) y con los que establezco un diálogo bien directo. Sus problemáticas y planteamientos como creadores, son las mismas pero desde mi punto de vista como crítico de arte y curador. Esta producción emergente en América Latina, está bajo el signo lingüístico del pluralismo estético que exige la postmodernidad, momento en el que encontramos de todo en la viña del Señor: pintura, dibujo, instalaciones, performances, fotografía, entre otros. Cada

How can we begin to describe this generation of artists? What unites them? What are their main features and interests? These are some of the questions we ask ourselves in the world of visual arts when we want to group artists together. In the Latin American context, this new generation of creators has a lot of people talking. They are compelled to move when they hear electronic music and the seek to be acknowledged in spaces that allow them to showcase their aesthetic and poetic skill. The innovative and versatile prevail, and we must make way for them. Many of these artists sometimes present radical points of view; their methods are original to such an extent that their personal practices voice a very unique and different perspective. Beyond the localisms established by cultural and societal ideals, we encounter a group of creators that employ formal, conceptual and universal languages in their work. All of them are focused on transgressing boundaries, where aesthetic models evolve to improve the final result. Establishing the period this generation belong to has become an urgent need. So, for now, we will consider artists who were born somewhere around the late 60s and the 90s. They represent a temporary existence that lays the foundation for the artwork for the new millennium. This book is dedicated to this new blossoming group of artists. I can engage in a very direct conversation with them because, being part of the same generation, I can relate to them completely. The issues and proposals they bring to the table are the same ones I have as an art critic and curator. This rising production in Latin America subscribes to the pluralist symbolism demanded by post-modernity, an era where all sorts of representations are being used: painting, drawing, installation, performance, and photography, among others. Each

DG modo de expresión que le facilitan a cada uno de ellos exteriorizar su nueva sensibilidad, al mismo tiempo que son capacer de mostrar que su paradigma estético-conceptual ha cambiado, sus miradas ahora se concentran hacia artistas internacionales e icónicos de la Historia del Arte; se inspiran y toman los elementos que más les interesa explotar en sus producciones. Nada es igual a nada, no existen parecidos. Latinoamérica deja de lado su concepto postcolonialista, somos independientes. Tenemos un arte original. Son artistas que se caracterizan por estabelcer un lenguaje basado en sus problema internos, como una tendencia que se asume desde mútiples estrategias. A su vez, vemos en sus repertorios visuales historias reales contadas sin compromiso alguno; eso si, unos son más sutiles y otros más agudos y radicales. Son ciudadanos del mundo, que identifican incertidumbres importantes de la vida social, política o económica y, como entes creadores todo lo traducen desde sus más personales experiencias. Siendo así que nos ayudan como espectadores a pensar en otra dimensión de la teoría de la recepción y la sensorialidad. Ellos, además, son hijos, de la “era digital”, por lo que en sus códigos de representación aparecen nuevos materiales, convirtiéndose la técnica y la tecnología en un factor primordial; también, se interesan más y cuidan el resultado final de sus trabajos, trasladando hacia un primer plano el valor estético de la obra de arte. Su repertorio de códigos se mueven hacía una conciencia más crítica de la realidad que les rodea y, como plantea la crítico de arte cubana Gabriela García Azcuy, pertenecen “a la era de la globalización cultural, no pueden entenderse como un arte de lo local separado de los escenarios y modos internacionales”. El camino escogido por esta nueva hornada está trazado por una nueva realidad. Su contexto y las circunstancias son otras, es un capítulo escrito por ellos mismos. Somos cambiantes, estamos aquí y tambien allá. Somos hipsters “postmodernos” que bailamos al ritmo de la electrónica.

means of expression helps them to externalized their unique sensitivity. Similarly, they are able to demonstrate that their aesthetic-conceptual model has shifted: their eyes are now set on international and iconic artists in art history, becoming inspired by them and borrowing the elements they want to explore in their productions. Yet nothing is the same, there is no resemblance. Latin America has casted aside its post-colonial ways. We are independent now. We produce original art.

These artists are known for the use of a language based on their inner problems, a trend that they all follow in their own particular way. Moreover, their visual repertoires present real stories told without any strings attached, though some are subtler and others more radical and sharp. They are citizens of the world who pinpoint important social, economic or political uncertainties. As creators, they translate all of this using their most intimate experiences. This way, they help us as an audience to think about another dimension of the theory on sensory perception.

They are also the children of the “digital era”, which is why their representational codes involve new materials, technique and technology thus becoming crucial factors. They are very mindful about their work’s final result, highlighting the aesthetic value of artwork. Their repertoire of codes is leaning towards a more critical awareness about the reality that surrounds them. As Cuban the art critic, Gabriela García Azcuy, said, they belong to “the era of cultural globalization, so their work cannot be interpreted a being just local and isolated from the international scene and methods.” The path this generation has chosen is tracing a new reality. Their context and circumstances are different; they have written their own chapters. We are ever changing. Sometimes we’re here, sometimes we’re there. We are “post-modern” hipsters dancing along to our electronic music.

DANIEL G. ALFONSO CURADOR

índ. 22

´ villar rojas Adrian Escultura Sculpture

indice

index

´ jose ´ benvenuto maria

Nieves Mac-Auliffe

Pintura Painting

Collage Collage

. 28

´ Cristobal ochoa

Jorge Otero

philip klawitter

Claudia Caffarena

´ Aisha asconiga

Multidisciplinar Multidisciplinary

Instalación Installation

Escultura Sculpture

Multidisciplinar Multidisciplinary

osiris cisneros

´ maikel dominguez

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Entes

Alejandro urrutia

Fotografía Photography

Pintura Painting

Multidisciplinar Multidisciplinary

Arte urbano Street art

Escultura Sculpture

Ănd. 100

Onay rosquet

Multidisciplinar Multidisciplinary

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Pintura Painting

Dibujo Drawing

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luis enrique

pabli stein

Dibujo Drawing

Escultura Sculpture

Pintura Painting

Multidisciplinar Multidisciplinary

Pintura Painting

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d iana medina

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ignacio urrutia

´ villanueva maria

´erika ordosgoitti

Arte Sonoro Sound Art

Pintura Painting

Multidisciplinar Multidisciplinary

Escultura Sculpture

Performance Performance

AVR 22

ADRIAN VILLAR ROJAS ARGENTINA

Imagínate crear un mundo en base a las nociones arqueológicas que se encuentran de la Tierra. Imagínate tomar seres figurativos y moldearlos en base a lo que, como alienígena que conoce este mundo, pudieras crear. Imagínate, ser el artista detrás de creaciones monumentales, temporales, site specific, conceptuales en la forma y en el fondo. Ese artista es Adrián Villar Rojas y su equipo “teatral” con el que recorre el mundo como si fueran nómades, con quienes se apropia de la idiosincrasia del lugar para –desde lo más profundo de las sociedades– crear obras que sean representativas.

escul tura . sculpture

Es ahí donde se pone en juego el manejo de los conceptos, es ahí donde la monumentalidad atrae al espectador para dejarlo atónito. Sobre todo, cuando se toma consciencia de que las obras desaparece-

Imagine creating a world based on the archaeological notions that are found on Earth. Imagine taking figurative beings and shaping them as if we were aliens that are familiar with our world. Imagine being the artist behind monumental, temporary, site specific, and conceptual pieces in both form and content. Such an artist is Adrián Villar Rojas and his “theatric” team whom he travels the world with as nomads. They take over the idiosyncrasy of the places they visit to create representative pieces from the very depths of those societies. Here, the mastery over the concepts comes into the table, where the monumental quality of the pieces draws in and astonishes the viewers. This is particularly true when they realize the pieces will soon dis-

The Most Beautiful of All Mothers, 2015, instalación site specific, materiales orgánicos e inorgánicos, medidas variables. Expuesto en la 14a Bienal de Estambul, Isla Büyükada en la Casa de León Trotsky, Turquía. Producido con el apoyo de Galería Marian Goodman, Kurimanzutto y Fondazione Giuliani. Imágenes cortesía de Galería Marian Goodman, Nueva York / Londres / París y Kurimanzutto, Ciudad de México.

AVR rán, se reconvertirán y pasarán al ciclo de lo interminable como la energía y la materia del mundo. Es quizás la visualidad de la obra la que desaparece –aunque se mantiene el registro fotográfico–, pues lo demás sigue su ciclo eterno para ser reconvertido en nuevos elementos. La temporalidad de sus trabajos es inevitable. Adrián Villar Rojas trabaja de esta forma porque, en sus palabras “no destruimos lo que hacemos, sino las huellas materiales de nuestra práctica se desintegran, mutan, cambian, se transforman, sufren deformaciones, se alteran, están totalmente sometidas a su dimensión temporal, no menos que al espacio físico y situacional”, desde ahí es importante aclarar que su trabajo tiene esta intención porque es una decisión ético-política del artista, que busca limitar de manera constante la posibilidad de transformación de obra a commodity. Es así como la industria cultural se aleja y ve como se retrae la obra del artista argentino.

De todos, los que como Trotsky tuvieron que huir ya sea por política, ideología o sociedad. En este mundo cosmopolita, ¿quién no conoce de los viajes furtivos?

The Most Beautiful of All Mothers, instalado en la mansión Yanaros en Büyükada, Islas de los Príncipes, costa del mar Màrmara, Turquía, donde León Trotsky permaneció entre 1929-33, al final de su exilio de cuatro años (lo que no es menor en el análisis), presenta 22 esculturas de animales sobre 18 plataformas de concreto. Están todas inmersas en el agua, justo donde limita con la orilla, donde se repliega el oleaje y logra recordar inminentemente la llegada marítima de todos que tienen raíces migrantes.

Sus obras, por lo demás, son creadas en arcilla, tierra refinada. Es la superficie que cubre el planeta tierra y que junto al agua (con la que dialoga esta obra en particular, de manera constante) dan vida a todos los seres. Es quizás por eso que el nombre de la madre se hace patente en el título del trabajo. De ahí venimos, del polvo, del agua, de la naturaleza como fuente de energía primaria, y es también, la que como la madre en la infancia, nos alimenta de manera perpetua.

appear, to be transformed and go down in the endless cycle of life, much like the energy and matter in the world. Perhaps it just the visuals of the piece that disappear –they live on through photographic record–, because the rest repeats its endless cycle to be transformed into new elements. The temporary nature of his work is inevitable. Adrián Villar Rojas works this way because, in his own words, “we don’t destroy what we do, we take the material traces of our practice and disintegrate, mutate, change, transform and deform them. They are completely subjected to their temporal dimension as much as the physical and situational space.” His work aims to do this due to an ethical-political decision the artist made, trying to ceaselessly prevent the pieces from becoming commodities. The culture industry can do nothing other than step aside and see how the work of this Argentinian artist vanishes.

who had to run away due to politics, ideology or societal issues. In this cosmopolitan world, who is a stranger to furtive travels?

The sample represents a universe that was particularly conceived for the site. It covers over 2,40 m in length and its name reminds us of birth. In fact, Venus was born in the water to birth spring, to deliver flowers and beauty. The Most Beautiful of All Mothers recreates this moment through animals, using the fauna on Earth as if they were disembarking Noah’s Ark. It represents the rebirth of the world through a sculptural work, since as the artist states: “Like Borges said: ‘There won’t be anything that is not a cloud’. Similarly, there won’t be anything that isn’t a sculpture.”

The Most Beautiful of All Mothers, presents 22 sculptures on 18 concrete platforms. The piece installed at the Yanaros mansion in Büyükada, Prince Islands, in the cost of Màrmara, Turkey, where Leon Trotsky stayed between 1929-1933 in his last days of his 4-year exile, a fact that the artist addresses in his analysis. The sculptures were all immersed in water, just were the sea becomes the shore and waves remind us of the arrival of all the immigrants through the ocean. It is a reminder of all those like Trotsky

As a matter of fact, his pieces are made from clay, finely-grained soil. It is the surface that covers the Earth and, alongside water, (which this piece constantly engages with) they breathe life into all beings. Perhaps for this reason the title of the piece alludes to a mother. That is where we come from, from dust, from water, from nature as the source of primary energy. It is also like a mother who constantly nurtures us during our childhood.

Es un mundo creado en especial para el lugar donde se encuentra. Una obra que abarca más de 2.40 mts. de largo, con un nombre que recuerda, además, el nacimiento. Fue Venus quien nació en el agua para dar al mundo la Primavera, para entregar las flores y la belleza; es The Most Beautiful of All Mothers una obra que rememora ese instante a través de animales, de la fauna que está en la tierra como si fuera un arca de Noé salida de la barca. El renacer del mundo en un trabajo escultórico, porque tal como señala el artista: “así como decía Borges ‘No habrá una sola cosa que no sea una nube’. De igual forma, no hay una sola cosa que no sea escultura”.

CO 22

cristobal ochoa VENEZUELA

La cultura en Latinoamérica, versátil, vulnerable y frágil, se define por su condición de resistencia ante los modelos europeos a seguir; es una condición que paradójicamente recrea un nuevo universo que se distingue por la originalidad. En este rubro podemos insertar el quehacer multidisciplinar del artista Cristóbal Ochoa, quién presenta una vitalidad creativa a través de diferentes manifestaciones como la pintura, el dibujo, las intervenciones corporales / urbanas y la cerámica.

escurlcutra . sculpture

Esta última será el centro de atención y el resto de sus trabajos girarán en torno a ella (la cerámica); Ochoa, entonces, aborda temas con una gran libertad compositiva, donde recrea nuevas relaciones con el espacio. A su vez, inevitablemente cada artista – incluyendo a Cristóbal-, expresa todas sus experiencias existenciales, sentimientos, estados de ánimos, etc.

Latin American culture, which is very versatile, yet vulnerable and fragile, is defined by its resistance to conform to European models, a condition that has paradoxically created a new universe of great originality. In this sense, the work of the multidisciplinary artist Cristóbal Ochoa perfectly fits into this definition. His creative vitality is presented through diverse representations such as painting, drawing, body or urban interventions and ceramics. The latter discipline, ceramics, would become his main focus and the rest of his work would revolve around it. This way, Ochoa addresses issues with a great compositional freedom, establishing new ways to relate to the space. In the same way most artists unavoidably express all of their existential experiences, feelings, moods, etc., so does Cristóbal.

In-defense, 2012, gres, madera, pintura en aerosol, 80 x 65 x 55 cm.

La elasticidad del ser, 2013, gres, madera, pintura en aerosol, 45 x 25 x 15 cm.

CO En todo el desempeño y desarrollo de Cristóbal Ochoa se aprecia como la cerámica es su manifestación predilecta. Eso nos queda bien claro. Esta especialidad, representa para el autor un espacio creativo de gran importancia, en el que recrea elementos del ambiente para obtener como resultado final piezas de altos valores estéticos y conceptuales. En el panorama artístico actual, el acto creativo nos remite inmediatamente a la belleza más íntima de las formas y el color; ambos elementos sustentado por el carácter simbólico no solo por el propio concepto de la obra sino también por el empleo adecuado de las tonalidades. Él presenta una sensibilidad que viene a simbolizar el espíritu de un romanticismo tardío, contextualizado en el siglo XXI.

Sus imágenes o representaciones de la cerámica escultórica son ejecutadas con una precisión que no da margen al error, es un perfeccionista de pies a cabeza. El conjunto de obras que forman parte de todo su inventario parece como si tuvieran vida propia, Everything about of Cristóbal Ochoa’s performance and development evinces how ceramics is his favorite manifestation. That is undeniable. This, his specialty, represents for him an extremely important creative space where he recreates elements from the environment to accomplish a body of work of a great aesthetic and conceptual value. In the current art scene, the act of creating immediately alludes to the most intimate beauty of colors and shapes. Both of these elements are sustained by the symbolic nature of both the piece’s concept and the right use of the color palette. He displays a sensitivity that incarnates the spirit of a late romanticism, inserted in the context of the 21st century.

His images or representations of sculptural ceramics are executed with great precision, leaving no room for error. Certainly, Ochoa is a perfectionist from head to toe. The ensemble of pieces that make up his body of work seems to have a life of its own. He manages to create a parallel universe where everything is trans-

recrea así un mundo paralelo donde todo es transformable; cualidad que nos lleva a reflexionar sobre la capacidad de adaptación y equilibrio que Cristóbal presenta.

Le interesa, asimismo, explorar diversas propuestas que le provee de un repertorio visual diferente, distinto, único. Su estética se nutre de la diversidad, donde formas, colores y texturas resumen un amplio caudal creativo de este propio autor. Cristóbal Ochoa tiene un diapasón de posibilidades expresivas con estas piezas muy amplias, limpias y todas sus ideas desarrolladas es lo que logra la interacción directa entre el individuo y la propia creación. Sus propuestas destacan por la destreza que tiene para confeccionar sorprendentes obras con materiales convencionales. Se trata, en esencia, de un creador con un discurso formal muy personal que lo singulariza dentro del panorama de las artes visuales en la Venezuela contemporánea. Por eso afirmo que su capacidad imaginativa no tiene límites en el momento de la creación. formative, a quality that urges us to think about Cristóbal’s ability to adapt and find his balance.

Furthermore, he is interested in exploring several proposals that provide him with a unique and distinguishable visual repertoire. His style is nurtured by diversity: shapes, colors and textures summarize the vast creative abilities of this artist.

Cristóbal Ochoa has a wide array of expressive possibilities at his disposal, resulting in great and clean pieces with well though-out ideas. This allows for a straight-forward interaction between the viewer and his creations. His proposals showcase his great skill to construct astonishing pieces with conventional materials. Essentially, this creator is all about a formal yet very personal language that distinguishes him in the contemporary visual art scene in Venezuela. For this reason, I dare say his imagination knows no boundaries when it comes to creating.

Simbiosis II, 2013, gres, madera, pintura en aerosol, 50 x 30 x 30 cm.

JO 22

JORGE OTERO

mul tidisciplinar . mul tidisciplinar y

CUBA

Nuevos tiempos corren para la fotografía cubana, convivimos con modos de hacer diferentes en los que apreciamos experimentación con códigos contemporáneos y cierta renovación en el tratamiento de la imagen. Los ejes temáticos, diversos, van desde la migración, la insularidad, el desnudo, la identidad, los imaginarios sociales, el tratamiento del cuerpo y la tradición.

En las producciones de Jorge Otero encontramos algunos de los tópicos antes mencionados, él ha encontrado una zona fotográfica de confort en la que registra momentos de nuestra realidad más inmediata. Su obra ha evolucionado desde grabados a la fotografía, con piezas que a través de lo digital y el universo virtual poseen elementos discursivos importantes.Aquí se insertan sus primeras series It’s a new era for photography in Cuba. We are experiencing new methods that experiment with contemporary codes and a renewing of the way we treat images. Otero’s diverse thematic axes range from migration, isolation, nudity, identity, social imaginaries, and how we treat bodies and traditions. Jorge Otero’s productions feature some of these interesting topics. He has found a comfort zone in photography with which he captures moments of our most immediate reality. His work has evolved from prints from the afterlife into the world of photography. His pieces, inscribed in the digital universe, hold important discursive elements within them. Some of his first photoseries fall into this category,

título De la serie War Hero, “Cáscara”, 2013, impresión digital, 120 x 111 cm.

De la serie War Hero, “Pensamiento Histórico”, 2013, impresión digital tejida a mano, 132 x 87 cm.

Espaldar, 2014, impresiรณn digital tejida a mano, 60 x 62 cm.

fotográficas, títulos como La ejecución de la cera (2007) y Epidermis (2008) centran su atención en el tratamiento del cuerpo; en ellas, el artista indaga y establece una relación muy cercana entre el par cuerpo-moda para develar al receptor desde el culto a lo corporal una postura social casi contestataria. Inspirado en la moda de los Emos como un fenómeno global que afectó la sociedad cubana, “parto de un acontecimiento que nos llega como tantas otras modas de Europa, en donde se imitan patrones que nada tienen que ver con el concepto de macho latino”, nos dice; para ello Otero retrata modelos femeninos por el ser sector más sensible en este momento. “Desnaturalizo las figuras tratando de crear un estereotipo de individuo anulando partes de su cuerpo”, continua.

Su creación siempre está en constante cambio, hecho que quedó evidenciado en la exposición War Hero realizada en Galería Habana. Período en el que, con un discurso totalmente renovado, construye composiciones a partir de la figura masculina que se convierte en un protagonista devenido en un héroe de guerra desconocido. En la muestra llama poderosamente la atención la excelente articulación entre las piezas, que por sí solas logran expresar su significado y consiguen proyectar una realidad que nos es ajena y que al mismo tiempo forma parte de nuestros tiempos actuales. Asimismo, cada obra posee la propia visión que tiene Jorge Otero sobre el testimonio de acontecimientos bélicos de nuestro pasado histórico en el que los insurrectos cubanos (llamados por los estadounidenses war heroes) participaron en las guerras por la independencia del territorio nacional. with titles such as La ejecución de la cera (2007) and Epidermis, where he turns attention to the treatment of the body. In them, the artist establishes and explores the very close relationship between body and fashion to reveal an almost protesting point of view by worshiping the body. Inspired by emo fashion, a global phenomenon that affected Cuban society, the artist starts from “an event that arrived much like other European trends, where we mimicked patterns that have little to do with the traditional concept of the Latin ‘macho’,” he says. Otero portrays female models because they are currently subject to the most sensitive issues. “I alter shapes trying to create a stereotype of an individual, erasing parts of their body,” he adds. His creations are constantly changing, a fact that became evident in the exhibition entitled War Hero, which was held at Galería Habana. During this stage of his career and with a completely renewed language, he built his compositions using the male figure as a protagonist turned unknown war hero. The sample draws the viewer’s full attention to the outstanding interaction between the pieces, which in turn express their own meaning and manage to project a reality that seem foreign to us, yet that is somehow a part of our present era. Moreover, each piece incarnates Jorge Otero’s vision about all the armed conflicts in our history, where Cuban rebels (coined war heroes by Americans) participated in wars to claim independence over the national territory.

War Hero, expresa el creador, “reúne obras que permiten que el espectador se percate que el discurso no gira solamente en torno al cuerpo, es solo una herramienta que empleo para reflexionar sobre un sujeto que se enfrenta a temas como la identidad, la nación y las tradiciones”. Imágenes como Cáscara y Lomo dialogan sobre los acontecimientos actuales, el devenir de nuestra sociedad y lo que implica ser hoy cubano. La nacionalidad está representada, en la primera, a través del sombrero de yarey y por la segunda a partir del tejido a mano sobre el cuerpo impreso. Piezas de Otero se han utilizado como imagen de la feria Scope Miami en Art Basel Miami, asimismo, ha participado en muestras como Art/xiomas, Nuevos Colores, entre otros. Jorge Otero, con un lente franco y provocador, capta y relata una zona poco usual en la historia de Cuba y de la fotografía. Maestros de la llamada “épica revolucionaria” enaltecieron al campesino, al héroe de guerra, sin embargo, en esta ocasión nuestro creador aborda el tema desde el camuflaje, aspecto que diversifica las lecturas y los significados. La búsqueda en el pasado le facilita construir imágenes íntimas de un sujeto desconocido con el objetivo de lograr un intercambio de información con el presente. Según Rigoberto Otaño, para este creador, “el cuerpo humano es su materia prima, porción esencial de su arte. Es el alfa y el omega: el paisaje sobre el que ha decidido representar sus juicios. El torso masculino, suspendido casi siempre sobre blanco impoluto que lo aísla de toda contaminación ajena, se hibrida al yarey, a sus planos y niveles lingüísticos, para así conformar un nuevo signo.”

According to the artist, War Hero “compiles pieces that allow the viewer to realize that language not only revolves around the body, the body is merely a tool that I use to reflect on issue such as identity, nation and traditions.” Images such as Cáscara and Lomo address current events, the evolution of our society and everything being a Cuban implies nowadays. Nationality is represented on the first pieces through a straw hat, and through a hand-woven texture on the captured body. Some of Otero’s pieces have been used as promo pictures for Scope Miami in Art Basel Miami and he has participated in different samples such as Art/xiomas, Nuevos Colores, among others. With an honest and alluring lens, Jorge Otero captures and narrates stories about an unusual area of Cuban history and photography. Masters from the “epic” Cuban Revolution highlighted countrymen and war heroes. However, on this occasion the artist addresses the subject from the perspective of camouflage, an element that broadens interpretations and meanings. Seeking out elements from the past makes it easier from him to construct intimate images of an unknown subject, aiming to achieve an exchange of information with the present. In Rigoberto Otaño’s words, “the human body is this artist’s raw material, an essential part of his art. It’s the alpha and omega: the landscape on which he has decided to present his opinions. The male torso, usually suspended on an immaculate white that isolates it from all external pollution, is merged with stray, its dimensions and linguistic codes to build a new sign.”

Pellejo, 2017, impresiรณn digital sobre polipiel tejida a mano, 130 x 135 cm.

PK 22

Philip Klawitter CHILE

instalación . art installation

¿Podemos estar seguro de que lo vemos y vivimos es real? ¿Cuánta información se pierde entre el mundo y nuestros sentidos? Lo que percibimos del mundo natural es solo una parte de un infinito, de un macro, de un universo interminable que se integra por partes de diversos tamaños, de lo cual solo logramos percibir aquello que está en nuestra escala. El trabajo de Philip Klawitter propone una simulación de lo macro a nivel micro según las teorías medievales. En este caso, el artista plantea una obra que no posee puntos de referencia de la escala utilizada y que se genera a través de un complejo sistema de tecnología donde se observa un lugar –o espacio determinado– en distancias infinitas. Como si fuera una réplica del mundo real, que habitamos cotidia-

Can we be certain that what we see and experience is real? How much information about the world is missed by our senses? What we perceive about the natural world is only part of its infinity, a part of a bigger picture, of an endless universe made up of pieces of different sizes. We only grasp what is on our own scale. Philip Klawitter’s work is a simulation of the macro on a micro level in compliance with medieval theories. The artist proposes a body of work that contains no reference points to the scale he uses. His pieces are created through a complex technological system, where the place –or given space– can be seen from infinite distances. As if they were replicas of the real world that we inhabit daily, Klawitter

De la serie BiogĂŠnesis, 2018, fotografĂa, focus stacking, 40 x 40 cm.

Composición Biogénesis, 2018, fotografía, focus stacking, 120 x 40 cm.

PK namente, Klawitter ha logrado generar un grupo de microorganismos, musgo y moho que aparecen de manera espontánea y habitan –realmente– el espacio donde el artista juega a ser un dios, que tan solo controla ciertos elementos atmosféricos para crear vida.

Colonias enteras poblan estas tierras, nacidos desde esporas que habitan en el aire que respiramos, teoría que el artista recoge del concepto de Panspermia defendido por el biólogo Alex Vincio Zambrano. Por otro lado, “Como es arriba, es abajo; como es abajo, es arriba”, señala el principio de correspondencia usado en el hermetismo, que identifica al trabajo de Klawitter.

El proceso se realiza a través de una mezcla entre ingeniería, arquitectura y arte. La tecnología aplicada, diseñada y construida por el mismo artista a lo largo de años de investigación le permite controlar su creación a distancia, para mantener la cantidad de luz, controlar el nivel de humedad y revisar a nivel macroscópico el desenlace de la vida. Así, a través de internet logra externalizar su cerebro con microcontroladores arduino mediante un equipos hackeados y un proceso heurístico basado en el ensayo

has managed to construct an ensemble of microorganisms, moss and mold that suddenly appear and truly inhabit the space where the artist plays God, as he controls the environmental elements to create life. Entire hills populate these lands, birthed from the spores that in the air that we breathe, a theory that the artist picked up from the concept of panspermia defended by the biologist Alex Vinicio Zambrano. On the other hand, the principle of correspondence in hermetic philosophy, “As above, so below; as below, so above” distinguishes Klawitter’s work.

The process is carried out by using a combination of engineering, architecture and art. The technology used, designed and built by the artist after years of research allows him to control his creations remotely to maintain the light quality, control the humidity levels and check the end of their life on a macroscopic level. Thus, he manages to externalize his brain via the Internet with Arduino micro-controllers using hacked equipment and a heuristic process based on trail and error. If we think play-

y error. Cuando pensamos que el juego de ser dios puede ser posible, hablamos de su trabajo y de esta forma logramos observar más allá de lo que ven nuestros sentidos. “Cultivo estos mundos dentro de un sistema automatizado para controlar las condiciones de su entorno, así potenciar las cualidades necesarias para que aparezca la vida de manera espontánea. El resultado son imágenes compuestas en superposición usando un método en donde cada cuadro es extraído desde el sistema de microscopia, para lograr una extensión de la profundidad de campo. Parecido al método de escaneo de una resonancia magnética o de un microscopio SEM. Las cuatro imágenes son acompañadas por un video formato timelapse. En donde el observador gira a modo de orbita alrededor de este astro. En él se pueden apreciar los distintos sistemas de vida conviviendo sobre la superficie de este planeta”, explica Philip. De lejos parecen esferas de pequeño tamaño forradas en un musgo o pasto verde que las recubre, de cerca guardan mundos con habitantes ¿seremos iguales vistos desde otras galaxias? ¿dónde quedan los límites de la humanidad en el trabajo de Klawitter? ing God could be possible, we can speak about his work and look beyond what our senses can perceive. “I build these worlds on an automatic system to control the environmental conditions and foster the necessary requirements for life to appear spontaneously. The result are images consisting of juxtapositions, using a technique where each frame is extracted from the microscopy system to achieve an extension of the depth of field. It resembles the scanning method of an MRI or a SEM microscope. The four images go alongside a timelapse video where the viewer orbits the celestial body. In it, the different coexisting life systems can be appreciated on the surface of the planet,” Philip explains. From afar, they seem like small-scale spheres covered in a green moss or grass. From up close, they shelter inhabited worlds. Is that how we are seen from other galaxies?, what happens to the boundaries of humanity in Klawitter’s work?

Composición Biogénesis, zoom, 2018, fotografía, focus stacking. Recorte original 40 x 120 cm.

CC 22

claudia caffarena PERÚ

En la actualidad, el contexto artístico de América Latina está creciendo, la mirada que se hace hacia este nuevo panorama visual cobra más fuerza en comparación con años anteriores. Disímiles son los factores que han hecho que los creadores del continente se conviertan en un foco de atención para especialistas, críticos de arte, curadores, coleccionistas, entre otros. Cada producción analizada es un punto de reflexión en torno a procesos sociales, históricos y culturales;, además, podemos apreciar como en cada quehacer existe mixtura de estilos, lenguajes y estéticas.

escul tura . sculpture

Hablar, analizar y problematizar sobre arte latinoamericano se ha convertido parte imprescindible de mi vida diaria, por ello, siempre manifiesto gran interés en ver propuestas que no piensen en

The art scene is currently growing in Latin America. Attention is being turned to this new visual scenario and it is gaining more strength than in past years. Many are the factors have contributed to put the continent’s artists on the spotlight for experts, art critics, curators, collectors, among others. Each analyzed production provides a perspective on social, historic and cultural processes. A combination of styles, languages and aesthetics can also be appreciated. Discussing, analyzing and questioning Latin American art has become an essential part of my daily life. For this reason, I always express my great interest in seeing proposals that don’t limit

XXXXXXXXXXXXX, XXXXXXXXXXXX, XXXX, XXXXX x XXXX xx. Animal de poder, 2018, gres, porcelana, acero, bronce, 55 x 65 cm.

Mi cambio â&#x20AC;&#x153;YOâ&#x20AC;?, 2018, gres, porcelana, acero, bronce, 70 x 42 cm.

Mi cambio â&#x20AC;&#x153;Elâ&#x20AC;?, 2018, gres, porcelana, acero, bronce, 56 x 38 cm.

CC localismos, sino que profundicen en aspectos más universales; que las lecturas no se anquilosen en el pretexto de su cotidianidad, al contrario, que la pieza pueda lograr un diálogo directo en cualquier galería o museo del mundo.

La artista peruana, Claudia Caffarena desde sus comienzos hasta la actualidad, ha seguido una línea estética, –en relación de las artes visuales– basando su conceptual en la exploración de la cerámica; producción muy personal e íntima que reflexiona en torno a la identidad, al pasado y presente, a la tradición y a su historia. Cada creador es un universo, sus horizontes de expectativas son disímiles y capaces de dejar su huella más allá de las fronteras vitales de su existencia. Huellas que deja la obra de Claudia con cada paso y en cada espacio en el que presenta su trabajo. Su mirada, desde la contemporaneidad, nos traslada hacia un mundo antropológico y mágico-religioso, es un nuevo imaginario construido para dialogar y hablar sobre el ser latino, lo que somos y nos hace únicos y diferentes. En su trabajo, ya sean murales o piezas individuales, Claudia logra una unificación entre los materiales empleados y el entorno en el que se inserta la obra; todo vinculado themselves to localisms, but rather focus on more universal aspects. I don’t wish to see interpretations stagnate on pretexts of our routine. On the contrary, I want pieces to manage to spark up conversations in any gallery or museum in the world.

Peruvian artist Claudia Caffarena has, since the start of her career and up to this point, followed a single aesthetic line related to visual arts, founding her pieces in the exploration or ceramics. Her production is highly intimate and reflects on identity, past and present, tradition and its history. Every artist is a universe, their expectation horizons are different and capable of leaving a trace beyond the vital limits of their existence. Claudia most certainly leaves a trace behind with every step she takes in the places that showcase her work. Her contemporary perspective transports us to an anthropological, magical and religious world. Her innovative imaginary is built to speak about what it means to be Latin American, about what makes us different and unique. In her work, whether it be murals or individual pieces, Claudia manages to connect the materials and the environment to the pieces, evincing her interest in

a un interés que existe por rescatar la visualidad de las culturas precolombinas. Por ello, se puede apreciar la representación de elementos de la naturaleza en resina, tejidas y enlazadas unas con otras; la presencia en ocasiones del cuerpo y espíritu femenino como homenaje a la madre naturaleza, la sensualidad, la fertilidad y la prosperidad.

Cafferena, desarrolla y establece juegos con los diferentes materiales que emplea, permitiéndole construir estructuras frágiles y resistentes al mismo tiempo, como ejemplo, su última producción titulada Jardín Chancay. Una instalación de gran formato a modo de mural que presenta su sello muy personal y la hace inconfundible en el contexto del arte peruano, su modo de trabajar, de colocar cada pieza y elemento en el lugar que le corresponde y el empleo de una iconografía típica del continente latinoamericano adaptada a sus necesidades creativas. Entonces, apreciamos como grandes paredes se convierten en su lienzo en blanco, un espacio en el que Caffarena interviene, cuenta una historia y genera un rico intercambio con el espectador que circulará a diario. Son enunciaciones de nuestras raíces que nos marcan como diferentes y que constituyen una prueba fehaciente de una nación capaz de tener voz propia a través del arte. s alvaging the visuals of pre-Columbian cultures. For this reason, she represents nature elements using resin, which she weaves and intertwines. The presence of the female body and spirit in her work pays tribute to mother nature, sensuality, fertility and prosperity.

Caffarena plays and experiments with the different materials she uses, which allows her to build fragile yet resistant structures, as is the case of her latest production entitled Jardín Chancay. The large-scale installation presented as a mural bears the very personal signature that distinguishes her work in the Peruvian art scene: her way of working, of placing each piece and element where it belongs and the use of traditional Latin American icons adapted to her creative needs. Therefore, we can see how the large walls become her blank canvas, a space that Caffarena intervenes, uses to tell a story and create a rich exchange with the viewer that will pass by her murals on a daily basis. Her observations about the roots that define and distinguish us are the definite proof of the voice a nation can make heard through art.

Animal, de poder, 2018, gres, porcelana, bronce, 55 x 65 xx. cm. XXXXXXXXXXXXX XXXXXXXXXXXX, XXXX,acero, XXXXX x XXXX

AA 22

AISHA AScoNIGA

mul tidisciplinar . mul tidisciplinar y

PERÚ

La artista Aisha Ascóniga, en el panorama contemporáneo del Perú, se caracteriza por construir su propio imaginario visual; una producción que se ha distinguido por una evolución continua y consistente. Cada exposición marca un giro en su pensamiento y en toda su creatividad, dejando al espectador siempre involucrado de un modo muy directo con las obras que la artista presenta. En estos momentos, según sigo su trayectoria, Aisha posee un conjunto de piezas que consolidan su lenguaje maduro y muy personal, con una poética visual diferente que afirma su presencia en la escena local e internacional. Asimismo, ha logrado establecer claros indicios de pasar a la historia del arte peruano, como una de las creadoras jóvenes más prometedoras en el contexto de su país.

Artist Aisha Ascóniga is distinguished for constructing her own visual imaginary in the Peruvian contemporary art world. Her production is constantly and consistently evolving. Every exhibition represents a turn in her perspective and creativity, always directly involving the viewer with the pieces that the artist brings forward. Right now, as I am navigating her body of work, I dare say Aisha has a series of pieces that evince a mature and very personal language, with a different visual poetry that announces its presence on the local and international scene. More over, she has managed to establish clear signs that her work will go down in history in the Peruvian art world, where she’ll be remembered as one of the most promising artists in the country.

Deliciosamente enferma, 2018, dĂptico, tĂŠcnica mixta sobre tela, 60 x 80 cm. cada uno.

La soledad es una azaña, 2018, políptico, técnica mixta sobre tela, 120 x 90 cm.

Ritual de belleza, 2017, tĂŠcnica mixta sobre tela, 110 x 90 cm.

AA Debo confesar que tengo la suerte de acompañarla en esta aventura de toda su creación, compartiendo así una retroalimentación inigualable en la que siempre comentamos sobre sus preocupaciones y sus intereses disímiles, inquietudes que son el resultado final de su producción. Ahora, debo resaltar que, Aisha está expandiendo su visualidad, encontrando nuevas fronteras artísticas. Ascóniga, ha cambiado el cordón umbilical que la ataba a la pintura, - manifestación que defiende pero que se ha roto- una cisura que le ha permitido aunar otro sistema de saberes vinculado con la relación existente entre la tradición pictórica, la escultura, lo instalativo, el grabado, entre otros. Su paradigma artístico se ha transformado.

comunican al espectador sus experiencias más íntimas y con los que logra establecer diálogos con problemáticas como el consumismo, la rebelión, el tiempo, entre otras. Asimismo, debemos tener presente cómo los medios de comunicación, en este caso la televisión, la prensa y las revistas han construido imágenes que circulan en la dimensión de lo simbólico, de códigos visuales y culturales que marcan el deseo de los jóvenes hacia estética femenina de la “mujer perfecta”. En ocasiones he afirmado que “ella prefiere encarnar estos modelos creados por el consumismo para llegar al éxito, al poder o a la visibilidad social. Aisha, en sus obras, coloca su dedo en este tipo de problemáticas para que el espectador reflexione sobre estos aspectos que son ajenos pero que al mismo tiempo nos compete”.

Su vocabulario sigue siendo distintivo, la originalidad de sus piezas radica en el argumento que despliega (imaginario vinculado al universo de la era del consumo y la constante búsqueda del ser) y en el modo en que logra resolverlo (desde una perspectiva crítica y reflexiva). Es entonces que, sus investigaciones giran alrededor de la representación de un grupo social del que ella forma parte o, si pensamos en este fenómeno de manera global, al que todos pertenecemos. Sus personajes están resueltos a partir de los préstamos que realiza de la iconografía extraída de la pop culture y del diseño publicitario. El público, por lo tanto, puede apreciar en sus telas un excelente uso del collage, empleo de tonalidades pasteles, poder de síntesis visual y depuración formal; elementos de apoyo que

En esta nueva etapa de su trayectoria, en la que el grabado (residencia realizada en el Taller Arte Dos Gráfico de Luis Ángel Parra en Colombia) comienza a formar parte de su vida artística, vemos como le interesa compartir con el espectador parte de la época superficial en la que vivimos, sus actividades más personales y sus conocimientos con la historia universal y del arte. De igual manera, nuestra creadora está evadiendo que su trabajo quede catalogado en algún movimiento o tendencia específica; por eso, se mueve por diversos lenguajes sin miedo, la rigidez le molesta. Sus planteamientos pictóricos han logrado que su producción posea un sello particular e inconfundible, elementos que le posibilitan en estos momentos ampliar sus horizontes exploratorios.

I must confess I am lucky enough to walk with her through the adventure of all her creation, sharing an incomparable feedback with her where we always talk about her worries, varied interests, and anxieties, all of which result in her production. I must also highlight that Aisha is expanding her visuals, discovering new artistic frontiers. Ascóniga has changed the umbilical chord that previously constrained painting. Though this representation is fighting, it has been broken, a fissure that has allowed her to establish another knowledge system by relating the existing pictorial tradition to sculpture, installation, engraving, among other disciplines. Her artistic paradigm has been transformed.

her most intimate experiences to the viewer, with whom she engages in a conversation about issues such as consumerism, rebellion, time, among others. Moreover, we must consider how the media, in this particular case TV, the press and magazines has built images that navigate a symbolic dimension of visual and cultural codes that shape the desire of young people to attain the “perfect woman” aesthetic. On occasion, I have stated that “she would rather incarnate these models created by consumerism to achieve success, power or social relevance. In her pieces, Aisha addresses these issues so that the viewer can think about the aspects that seem foreign, but that actually pertain to all of us.”

Her language is still her signature, the uniqueness of her pieces lies on the argument she deploys (an imaginary linked to the universe of our consumerist society and constantly seeking out the self), and in the way she manages to decode it (with a critical and thoughtful perspective). This way, her explorations revolve the representation of the social group she is part of, or if we regard this as a global phenomenon, a group that we are all part of. Her characters are made up of all the iconography she borrows from pop culture and advertising.

In this new stage in her career path, where engraving has become a part of her artistic life (stemming from a residency in Taller Artes Dos Gráfico with Luis Ángel Parra in Colombia), we can see how she is interested in sharing her most personal experiences and knowledge of world history and art with the viewer, in this superficial era we live in. In any case, the creator is currently trying to avoid her work being pushed into the label of a specific movement or trend. For this reason, she fearlessly navigates different languages, as stiffness annoys her. Her pictorial proposals have managed to imprint her incomparable and unique signature in her production, which has nowadays allowed her to broaden the horizons to explore.

In turn, the audience can appreciate her excellent use of collage, the use of pastels, her ability to visually synthesize and formally purify. All of these elements convey

Esperando un bien mayor, 2018, tĂŠcnica mixta sobre tela, 80 x 70 cm.

MJB 22

MARIA JOSE BENVENUTO CHILE

Centrada en el estudio del gesto pictórico y su relación con el soporte al accionar en él, el trabajo de María José Benvenuto se presenta como una manifestación de la mancha, un dominio de la pintura y la potencia del negro como color que absorbe y evidencia una presencia inconfundible.

pintura . painting

El cuerpo es el centro del gesto pictórico en el trabajo María José, es por eso que “la investigación, al comienzo, se centró en observar cómo la gestualidad de mi cuerpo incidía en las formas y, al mismo tiempo, en las intensidades que se visualizaban sobre el lienzo o papel, ello tomando como punto de partida el trabajo del pintor norteamericano Jackson Pollock”, explica la artista. Y al respecto señala que el action painting, ha sido esencial en su investigación que ha derivado en otros caminos, pero

Focused on the study of the pictorial gesture and its relationship with the support she uses, María José Benvenuto’s work is presented as a manifestation of staining, mastery of technique and the power of black, a color that absorbs everything and reveals an unmistakable presence. The body is the center of María José’s production, which is why: “in the beginning, my research was focused on seeing how my body movements had an influence on the shapes and, at the same time, on the intensity reflected on the canvas or paper, taking Jackson Pollock’s work as a starting point”, the artist explains. In this regard, the artist states that action painting has been crucial in her research. Though this exploration has branched out

The Hole, 2018, acrĂlico sobre tela, 140 x 180 cm.

ComposiciĂłn nĂşmero 2, 2018, acrĂlico, maskingtape y alambre sobre tela, 80 x 250 cm.

MJB siempre con inclusión del accionar y la abstracción para la creación de imágenes reales o virtuales.

Fue así como descubrió otros elementos en la técnica del norteamericano, la inclusión de escritos o caligrafías orientales antiguas pero con sentido estético pasaron a formar parte de su trabajo. De esta forma, y a través de indagaciones sobre antiguas caligrafías chinas y pintores europeos de mediados del siglo XX, vieron en el gesto y la mancha, una posibilidad para re-imaginar la abstracción desde la pureza de la forma y belleza del color. Antoni Tapies, Hans Hartung, Zao Wou Ki, son referentes a las que su obra rinde, más allá que homenajes, una verdadera investigación sobre el gesto y la mancha pero con conceptos de género, con descubrimientos sobre el espectador para que sea parte de las marcas, de los ritmos, tal como si fuera a conectar con las sensaciones del rito. “En ese orden de lectura, la serie de pinturas más recientes obedecen a una idea de explorar en los distintos tipos de gestos, con los cuales construir una imagen into new directions, she always involves abstraction and her movements to create real or virtual images.

This way, she discovered other elements within the American artist’s technique: the use of ancient eastern writing or calligraphy for aesthetic purposes, which later became part of her work. Through the study of ancient Chinese calligraphy and mid20th century European artists, she discovered a possibility to re-imagine abstraction in their gestures and staining through the purity of shapes and the beauty of color. Antoni Tapies, Hans Hartung and Zao Wou Ki are some of her influences. Her work, besides paying tribute to these artists, explores their gestures and staining, but incorporating gender roles. This leads the viewer to make new discoveries and to become part of the piece’s shapes and rhythm, as if they were connecting to the feeling of the ritual.

“Following that same line, my most recent series explores the different types of gestures that can make up a pictorial image. In other words, through this

pictórica. Vale decir, a través de esta muestra deseo dar a conocer una cierta historia del gesto y la mancha, centrada en la noción de pintura como memoria testimonial, para de esta manera explorar en la capacidad que tiene la pintura no figurativa tanto como oficio como de un rito, cual reflejo del cuerpo y sus movimientos”, señala María José. Y esto, claramente se observa al vincular su trabajo al de los artistas mencionados anteriormente, la fuerza de la brocha impregnándose en la tela, como si procediera de lo masculino, de la virilidad al momento de pintar; se reúne con el trabajo de María José, en una investigación sobre la misma capacidad del gesto como escritura pero desde el ser femenino, desde el ser mujer y realizar un trabajo corporal natural, estableciendo vínculos con el relato. “Este aspecto me parece muy importante –explica–, ya que se establece un juego de lecturas en donde la mancha y el color en cada trabajo, actúa como una entidad totémica y rectora; o, más bien, ordenadora del modo en el cual comparecen en el soporte. Señalando la presencia de la mujer como un reflejo del gesto y de paso, como ese deseo de la propia identidad femenina, de establecerse como una presencia en el espacio del arte, a partir de la transformación del gesto y la mancha en el espacio del cuadro”.

s ample I want tell a story about gesture and staining, focused on painting as a testimonial memory. This way, I wish to explore the ability of non-figurative paintings of being a both craft and a ritual, as a reflection of the body and its movements,” María José says. This becomes clearly evident when you compare her work with the aforementioned artists’. The purposefulness of the brush permeating the fabric, as if it came from a masculine energy, a sort of virility while painting, is reflected on María José’s work. This goes hand in hand with the research on this gesture’s ability to function as writing, but stemming from a female energy, of being a woman and working with natural body movements to tell a story. “I find this aspect to be very important –she comments– because it establishes a play on interpretations where stains and colors serve as a totemic or guiding entity, or rather as a way to organize how these elements appear on the support. This aspect also highlights the presence of women as a reflection of the gesture, as the desire for female identity, the desire to become a presence in the art world through transforming the gesture and staining within a painting.”

Composición número 1, 2018, esmalte sintético y figuras plásticas sobre tela, 140 x 180 cm.

NM 22

NIeves mac-auliffe CHILE

“La vida de un artista es parte de una gran obra”, esta frase describe el pensamiento de Nieves Mac-Auliffe sobre el arte visual, sobre sus procesos y forma de crear, donde todo aquello que la rodea es una constante fuente de inspiración. Con esta base, la artista señala que el entorno genera una “naturaleza propia en ella”, que se puede apreciar a lo largo de toda su trayectoria artística.

collage . collage

Su proceso creativo se basa en el registro fotográfico de aquello que llama su atención, creando “Habitats”. Concepto que la artista trabaja con elementos, como géneros, objetos recolectados o encontrados al azar, también participan –en esta parte del ejercicio– con movimientos poéticos, repeticiones, líneas gruesas, delgadas y sueltas, llegando así a la serigrafía y al collage. Con un actuar intuitivo, mágico

“An artist’s life is part of a great piece,” Nieves Mac-Auliffe says. This phrase describes her perspective on visual arts, her creative process and way of creating, everything that surrounds her being a constant source of inspiration. Bearing this in mind, the artist states that the environment creates a “nature within itself ”, which can be appreciated throughout her artistic career path. Her creative process is based on the photographic register of everything that catches her attention. As a result, she creates “Habitats”, a concept of the artist that allows her to work with elements as genres, with objects she gathers or randomly found objects. This exercise also involves poetic movements, repetitions, thick fine or loose lines, which have landed her on serigraphy and collage. Through intuitive,

Banana VII, 2018, collage, serigrafía y fotografía, 53.5 x 40 cm.

Cactus, 2018, medio pliego, collage, serigrafĂa, 53.5 x 40 cm.

Banana IV, 2018, collage, serigrafĂa y fotografĂa, 53.5 x 40 cm.

NM y artesanal, sin uso de programas computacionales ni aplicaciones digitales, con un trabajo limpio y manual.

Uno de los referentes más importantes de su obra es Henri Matisse, quien incursionó durante varios años en el papel de una forma libre y espontánea. La vinculación se observa directamente en los colores, el trazo y la creación de espacios inexistentes en la realidad, pero que tienen una base en los bodegones del siglo XIX, desde una perspectiva actual.

que hice fue tomar un curso para hacer papeles… Me metí al mundo del papel y nunca más salí”, explica Nieves. Y junto a esto, el dominio del color entrega el sustento visual a su obra, donde el equilibrio se realiza a través de la saturación, a través de un estilo único donde la naturaleza muerta se apropia del espacio matizándose con colores y formas orgánicas. La creación de espacios irreales que solamente son posibles en nuestra imaginación, es uno de los elementos más fuertes en el trabajo de la artista chilena. Plantas, objetos, identidad, paisaje y líneas se enfrentan a maceteros, sin intenciones de definir el de dónde provienen, cómo o dónde existen, quizás son parte de nuestra cotidianeidad.

La técnica que emplea Nieves, se debe –en parte– a su fascinación por el papel, “cuando me fui a estudiar a Barcelona, había un japonés en el curso que llevaba papel hecho por él para hacer grabados. Me volví loca, me fascinó el tema y cuando volví a Chile, lo primero

Entre los conceptos que aborda la artista, están: la belleza, atmósfera, color, equilibrio, imaginación, movimiento, orden, repetición, tonalidades y vibraciones. Todo esto sirve a Nieves para crear.

magical and handcrafted acts, devoid of all computer programs and digital apps, she manages to create manual and clean works.

One of her work’s most important influences is Henri Matisse, who ventured into paper very freely and spontaneously for several years. Such a connection is clearly evinced through her use of colors, traces and the creation of nonexistent spaces in reality, that somehow stem from 19th century still lives, with a very contemporary perspective.

thing I did was take a paper-making course... I delved into the world of paper and I never went back,” Nieves explains. Along with this, her mastery of color provides the visual support for her work, where balance is achieved through saturation with a unique style. Still lives take over the space and become tinged with colors and organic shapes. Creating unreal spaces that are only possible in our imagination is one of the strongest features of this Chilean artist’s body of work. Plants, objects, identity, landscape and lines are merged with planters. Her intention is not to pin point where these come from, how or where they exist, because they are perhaps just part of out daily life.

Nieves’ technique partly derives from her fascination with paper. “When I went to study in Barcelona, there was a Japanese man in the course that took paper we had made to engrave it. I went crazy for it. I was so fascinated that when I came back to Chile the first

Some of the concepts the artist addresses through her work include: beauty, atmosphere, color, balance, imagination, movement, order, repetitions, hues and vibes. All of these elements are what Nieves uses to create.

Banana VIII, 2018, collage, serigrafía y fotografía, 53.5 x 40 cm.

OC 22

osiris cisneros CUBA

fotografía . photography

Hoy día hablar sobre la fotografía contemporánea se torna un tanto difícil, en la actualidad podemos definir o dibujar una línea bien visible en un camino en el que se trazan nuevas estrategias estéticas y discursivas; apreciamos como se trabajan conceptos que nos hacen reflexionar, códigos postmodernos y cierta renovación en el tratamiento de la imagen. El dominio visual múltiple; la recreación de la realidad más inmediata, la búsqueda e investigación de temáticas poco usual o colocadas en un segundo plano en la historia, el rompimiento de los límites para manejar las imágenes, el trabajo con el sujeto y la primacía otorgada al objeto fotográfico, pueden ser algunos de los rasgos que persisten en el universo de la fotografía.

Nowadays, talking about contemporary photography is becoming increasingly complex. We can draw a very visible line to pierce the entire path of the new discursive and aesthetic strategies. Concepts that make us wonder, post modern codes and a certain renewal of how we treat images are also part of this new tradition. A mastery of multiple visuals, recreating the most immediate reality, the search and research on unusual or historically forgotten subjects, breaking the rules for image management, the work with the subject matter and the important role of photography objects are some of the features that still remain in the universe of photography.

De la serie All we have, 2017, impresiรณn digital, 40.64 x 60.96 cm.

De la serie Read, 2018, impresiรณn digital, 76.2 x 152.4 cm.

OC Osiris Cisneros, joven creador, explora y se acerca desde el retrato fotográfico (colectivo e individual) a un universo diferente en el que maneja su experiencia para transformar una realidad -que le rodea y que le es muy próxima- a través de la subjetividad. Sus obras, entonces, devienen actos de manipulación y de poder, elementos que nos comunican como su práctica artística es aceptación y cuestionamiento, al mismo tiempo, de una tradición estilística.

Cada fotografía habla por sí sola. Solo debemos adentrarnos en cada escena, pues en cada composición (de gran formato) el artista deja caer guiños visuales que guían al espectador por los caminos íntimos de las representadas. Cada toma es única e irrepetible, el resultado final nos muestra imágenes irresistibles que reflejan la comunión -duradera y momentánea- entre autor y la soledad o el enajenamiento de las fotografiadas.

Son imágenes con altos valores simbólicos que apresan componentes de una realidad visible nos permite apreciar elementos que hacen que el público, detenga su mirada en zonas que el artista le otorga un mayor poder expresivo. Todo bajo la mirada crítica y aguda de Cisneros, quién con este conjunto de fotografías nos enseña un capítulo -novedoso y diferente- con un discurso escritural que se presenta coherente sobre las representadas y sus circunstancias. Osirirs Cisneros, a young creator, explores and approaches a different universe through photographic portraits (both collective and individual). He employs his experience to transform the reality that surrounds him and that he feels close through subjectivity. His pieces thus become acts of manipulation and power, elements that evince his practice is about acceptance and questioning, while at the same time honoring an aesthetic tradition. Each photograph speaks for itself. We only need to venture into each scene because, in each large-scale composition, the artist drops visual clues that guide the viewers through the intimate paths of the women portrayed. Every shot is unique and unrepeatable, the final result being irresistible images that depict the lasting and fleeting communion between the artist and the subjects’ loneliness or isolation.

His images are rich in symbolism and foster the components of a visible reality that allows us to appreciate elements that make the audience stop to look at certain areas the artist bestows with a greater expressive force. With a critical and acute perspective, Cisneros shows us an innovative and different chapter in his career through this set of photographs, using a language that perfectly fits with the represented women and their circumstances.

La narración nos devela que cada escena es un reto, que la imagen observada explica más que la estampa en sí misma. Es un cambio en la mirada, son nuevas intenciones expresivas en la práctica creativa, más individualizadas (la unicidad de la obra de arte y la del propio creador) y reflexivas (amplia libertad compositiva sin perder el valor estético y simbólico). Osiris Cisneros convierte la imagen performática del artista en un ambiente congelado, en un escenario surreal, en una verdadera puesta en escena. Sus actores dialogan en torno a la belleza, al paso del tiempo, a la nostalgia, al constructo de una utopía o de un ideal; todo un universo de lecturas que puede leerse a través las posturas (simulan maniquíes), estatismo, las que a su vez manifiestan fetiches sexuales o como objetos de deseo y placer.

En el arte fotográfico de Osiris Cisneros, el asistente puede verificar como con un lenguaje muy personal cada composición nos sorprende desde su concepción hasta el resultado final. Él ha sabido otorgarle el valor que merece esta manifestación dentro de las artes visuales, un modo de hacer al que no se le agota su horizonte de acción y de expectativas. Cisneros continúa -con sus conocimientos- el camino de la experimentación formal y conceptual dentro de la fotografía cubana contemporánea. The narrative reveals that each scene is challenge, that every image is so much more more that what meets the eye. This represents a change in perspective, a new expressive purpose in his creative practices. His work is more individualized (hence the uniqueness of the artwork and the creator himself) and more critical (with a great compositional freedom that is still highly worthy in terms of aesthetics and symbolism). Osiris Cisneros turns artistic performance images into an environment frozen in time, a surreal scene of great presence. His characters engage in a conversation about beauty, the passing of time, nostalgia, constructing a utopia or ideal. This whole universe can be read in their mannequin-like postures and static nature, which alludes to sexual fetishes and being regarded as objects of desire and pleasure.

In Osiris Cisnero’s photographic artwork, the viewers can bear witness to how every composition surprises them from their conception to end result through the use of a very personal language. He has managed to celebrate a manifestation that hasn’t ceased to provide everything he needs for performing his work and meeting her expectations. Cisneros -with his knowledge- walks along the path of formal and conceptual experimentation in the universe of contemporary Cuban photography.

De la serie Lipstick, 2017, impresiรณn digital, 101.6 x 152.4 cm.

MD 22

maikel dominguez CUBA

Las pinturas de Maikel desbordan cualquier noción restrictiva de temáticas o de tendencias. Ellas, en su real y más profusa autonomía, arrecian una modelización —real o ficticia— del sujeto que habita detrás de cada superficie.

pintura . painting

“Mi trabajo es un proceso mediante el cual alcanzo la felicidad”. Esta afirmación suya subraya, tal vez sin presumirlo él, la densidad psicológica que su obra respalda. Al relegar su felicidad al proceso y a la obra, en tanto que receptáculos enfáticos de ésta, el artista confiesa su profunda generosidad contraria a la bulimia narcisista de este mundo nuestro. Su belleza, su extraña mirada, nerviosa y esquiva, su piel blanca y fría, lo confunden con un ser deseado y deseante. Yo, por el contrario, lo advierto como una isla donde

Maikel’s paintings go beyond all constraining notions for trends or themes. With both a real and profoundly autonomous nature, his work hoists a representation —whether it be real or fictional—of the subject that inhabits every one of his pieces. “My work is a process through which I attain happiness,” he says. This statement highlights, perhaps without bragging, the psychological dimension of his work. By surrendering his happiness to the process and pieces, as if they were the vessels for his artistic creation, the artist proclaims to have a profound generosity that contrasts with the narcissistic bulimia of our world. His beauty, his strange, nervous and elusive gaze, his cold and pale skin make him both desire and be desirable. On the contrary, I regard him

De la serie Full of Pollen, “Snowing a Lot”, 2017, acrílico sobre tela, 228.6 x 203.2 cm.

De la serie Full of Pollen, “Insest”, 2018, acrílico sobre tela, 228.6 x 203.2 cm.

De la serie Full of Pollen, “Marcy”, 2018, acrílico sobre tela, 228.6 x 203.2 cm.

MD la obsesión torturada de un hacer “pulcro” y “sucio”, dibujan la silueta de un Robinson Crusoe preso en su propia piel. Los dioses se burlan de aquellos que no se conocen a sí mismo. Maikel, por suerte, se sabe maestro de su grandeza y de su humana estrechez. Los poderes de la creación han sido benévolos con él, le han dispensado el dominio de un oficio en el que se maneja con gracilidad y espesura. Y sabe, sabe bien, lo mismo que sabía Oscar Wilde que “el vicio supremo es la limitación del espíritu”. Tal vez por ello sus piezas abundan en detalles en una suerte de mapa minimalista y barroco que tiende a un mismo punto de fuga y de tensión: su propio yo. La obra se traduce entonces en un escenario para el ejercicio persuasivo de la alquimia. Esa derivación de la práctica lo lleva a afirmar: “entiendo el arte como una herramienta con la que puedo hacer magia, generar realidad y establecer una conexión directa entre lo divino y lo interior. La pintura me ofrece la posibilidad de experimentar un acto único, donde la acción física y mental se unifican creando una energía capaz de sanar mi cuerpo y mi mente”. Todo indica que la consagración de la obra, como hecho en sí mismo, se asienta sobre los afluentes propiciatorios de una retórica de la sanación y de la exaltación

as an island where the tortured obsession of a “clean” or “dirty” work traces the outline of a Robinson Crusoe who is a prisoner in his own skin. The Gods mock those who don’t know themselves. Luckily, Maikel recognizes he is the master of his own greatness and his human hardship. The powers of creation have been kind to him, bestowing a mastery of this craft upon him, which he manages gracefully and skillfully. He knows the same thing that Oscar Wilde did when he said the “supreme vice” was limiting the spirit. And he knows this well. Perhaps for this reason his pieces feature a lot of details in a sort of minimalist and baroque map with the same vanishing and tension point: his own self. His work is translated into a stage for a persuasive exercise of alchemy. This interpretation of the practice leads him to state: “I understand art as a tool that allows me to create magic, creating a reality and establishing a direct link between divinity and the inner world. Painting offers me the possibility to experience a unique act, where the physical and mental are merged to create an energy that is capable of healing both my mind and body.” Everything indicates that establishing the piece as an action in itself sets the foundations for a healing rhetoric that elevates the soul. The worldly arbitrariness that

del alma. La arbitrariedad mundanal que asecha y maltrata la existencia se alivia en el centro mismo de una operatoria estética en la que distingue el movimiento y la pulsión como ejes centrales de una visual que gusta del sosiego elocuente de lo amanerado y manierista. Es desde su centro enfático donde se desnuda el artista, tendiendo puentes casi siempre invisibles, entre la superficie especulada/especulante y el mundo real. Salta a la evidencia que son vitales y prolijos los acertijos que le asisten en la cadena de prefiguraciones visuales y de determinaciones narrativas. La dureza reactiva y doliente de algunas de sus representaciones y hallazgos pasa por la impostación y la edulcoración de apariencias apasteladas y dulzonas, alegato ficticio que soporta una trampa retiniana de ligera presunción. Las atmósferas líneas o geométricas se desvanecen en el afán de cobijar el ánima de esos extraños personajes suyos que parecen habitar entre el dolor silencio y la complacencia escamoteada. Los grandes soportes se convierten, al cabo, en amplias pasarelas del equilibrio imperfecto, avenidas peligrosas en las que el sujeto de la representación (también del escrutinio) juega a ser feliz.

haunts and batters our existence is appeased in the core of his operatic aesthetic. Movement and drive are the central axes of a visual work that eloquently calms down the mannered and mannerist. In the core of his production, the artist bares himself, building often invisible bridges between the speculated/ speculating surface and the real world. The riddles that serve him are vital and exhaustive for the determination of his narrative and visual configuration. The painful and reactive harshness of some of his representations and findings is subjected to the use and sweetening of a pastel and candy-like look. This fictional tirade tricks the eye with a slight tinge of presumption. The linear or geometric atmosphere disappear in an attempt to shelter the soul from his strange characters that live between a painful silence and a restrained complacency. The large-scale supports eventually become broad walkways for an imperfect balance, dangerous avenues where the subject of the representation (and also of scrutiny) plays a game of happiness.

De la serie Full of Pollen, “Together Forever”, 2017, acrílico sobre tela, 228.6 x 203.2 cm.

MR 22

mareo rodriguez

mul tidisciplinar . mul tidisciplinar y

MÉXICO-COLOMBIA

El espacio terrestre, aquella capa de tierra que nos sostiene y amarra como si fuéramos inseparables. Lo que nos da la vida y sustenta nuestro andar, es la base del trabajo de Mareo Rodríguez. En sus obras, realiza una fuerte exploración de la topografía y del territorio natural, espacios concebidos como un manto energético, vivo, latente y en movimiento constante. En palabras de Mareo, es una “estratificación epidérmica labrada por el tiempo, con un lenguaje telúrico que emerge, pulsa y genera diferentes tensiones revelándose a través del paisaje”. La pintura, aquella vieja técnica que ha incentivado al hombre a crear desde las cavernas, es también una de las herramientas que tiene para crear Mareo Rodríguez. En ella se observan obras monocro-

The Earth, a layer of soil that sustains us and binds us as if we were inseparable. It is what gives us life and supports us in our journey, and it is also the basis of Mareo Rodríguez’s work. In his pieces, he thoroughly explores the topography and the natural territory, spaces that are conceived as a mantle of energy that is alive and constantly moving. In Mareo’s own words, it is a “superficial stratification sculpted through time, with a terrestrial language that emerges, beats and creates different tensions revealed in the landscape.”

Painting, that old technique that had led men to create since the dawn of time, is also one of the tools Mareo Rodríguez uses to create. His work brings forwards monochromatic pieces with a roughness so

TopografĂas Emergentes, 2018, proyecto de instalaciĂłn en cilindros de luz led, medidas variables.

XXXXXXXXXXXXX, XXXXXXXXXXXX, XXXX, XXXXX x XXXX xx.

De la serie Mantos, Sin tÃtulo, 2018,Poliestireno termoformado blanco, 190 x 70 x 30 cm.

De la serie Mantos, Sin tĂtulo, 2018,Poliestireno termoformado negro, 100 x 50 x 20 cm.

MR máticas, con una rugosidad tan natural que parecieran ser fotografías del paisaje, el juego de sombras y luces da vida a la bidimensionalidad y refuerza el mensaje sobre la superficie terrestre. Negros, grises, dorados y blancos llenan el espacio de la tela en cada una de sus obras.

Y es, probablemente, este juego en dos dimensiones lo que lleva a experimentar en escultura. Crear con volumen los relieves y depresiones naturales de la tierra. En la misma escala cromática que sus pinturas, Mareo es capaz de sintetizar la forma de la naturaleza, agarrar solamente las proyecciones de altura, lo geométrico y complejo de la superficie para hacer de ello un trabajo pulcro, elegante y basto en sí mismo. Como si fuera poco, como si la escultura no bastara, su homenaje a la tierra es tan latente que de la escultura pasa a la instalación. Su identidad, como si fuera un sello tatuado en la visualidad de la obra, se repite a través de la paleta cromática. Instalaciones effortless that they resemble landscape photographs. The interplay between light and shadows breathes life to their two-dimensional nature and strengthens the message about the Earth’s surface. Black, gray, gold and white hues fill the space of the canvas in each of his pieces.

Perhaps this interplay of the two dimensions is what led the artist to explore with sculpture, recreating the reliefs and depressions in the Earth’s surface with volume. With the same color spectrum as his paintings, Mareo is capable of capturing the shapes in nature, grasping only the projections of height, the geometric shapes and complexity of the surface to create clean, elegant and self-sufficient pieces.

As if this were but a small feat, the tribute he pays to the Earth is so lively that his sculptures later became installations. His identity, as if the pieces had his signature visually tattooed, is repeated through his color palette. Large scale installations com-

de gran formato entran a completar los trabajos de Mareo, salones de completos llenos de esculturas alargadas que dan vida a valles, lomas, espacios reales a los que la vista alude innegablemente. Esculturas complejas que nos recuerdan el entorno, las rocas y espacios de convergencia entre elevaciones y hendiduras. Incluso, la bastedad es tal que hace un giño al romanticismo por la grandiosidad de la naturaleza frente al ser humano, ¿cómo no recordar las pinturas de Caspar Friedrich y ese mar inmenso frente al hombre, si tenemos una gran estructura encima de nosotros como una metáfora de las montañas, rocas y toda la naturaleza que nos rodea? “Busco abarcar diferentes escalas dentro de mi aproximación artística, desde la masividad de las montañas y rocas, su proceso de decantación y fragmentación hasta llegar a la piedra como unidad básica”, explica Mareo, quien además contempla en su trabajo la condensación de la luz en la materia y su proceso de fragmentación como elementos fundamentales de su obra, sobre todo por la transformación y expansión de la energía en el tiempo.

plete Mareo’s body of work. Halls are completely filled with elongated sculptures that represent valleys, hills and the real spaces his work undeniable alludes to. Complex sculptures remind us of the environment, of the rocks and spaces were elevations and depressions meet. The vastness of his work is such that it is nod to romanticism in the sense it alludes to the grandeur of nature in comparison to the individual. How could we not remember Caspar Friedrich’s work and the vast sea in front of a single man? How could we not, when we are faced with a large structure as a metaphor to mountains, rocks and all the nature that surrounds us? “I aim to encompass different scales in my artistic proposal, from the massiveness of mountains and rocks, their decantation and fragmentation process until arriving at a single rock as a basic unit,” Mareo explains. He also addresses the condensation of light into matter, as well as its fragmentation process as fundamental elements in his work, especially due to the transformation and expansion of energy in time.

MELTS- Materia Energia Luz Tiempo Espacio-, 2018, Proyecto de IntalacioĚ n en tela plegada y cilindros de luz led, medidas variables.

E 22

ENTES PERÚ

Joan Jiménez (Entes), artista multidisciplinar, siempre ha tenido bien clara su visión. Sus postulaciones en el universo del graffiti siguen un rumbo fijo, en el que su estética ha pasado de ser regional para convertirse en lenguaje universal ¿Qué historias se encuentran detrás de cada espacio intervenido?, ¿qué tipo de personajes son representados? Pueden ser algunas interrogantes que nos viene a la mente cuando estamos frente a sus creaciones; sin embargo, para hacer más fácil la comprensión de su práctica artística podemos dividir o establecer límites utilizando algunos parámetros o patrones: del grafiti a la tela, del presente al pasado y sus experiencias cotidianas.

arte urbano . street art

Varios son los soportes (díganse, muros, containers, fachadas) que se encuentran intervenidos por Entes, no solo en Lima -su país natal- sino en diversas partes del mundo, podemos descubrir murales realizados por Joan Jiménez (Entes), a multidisciplinary artist, has always had a very clear vision. His proposals about the graffiti universe follow a fixed path where his style has ceased to be regional to become a universal language. What stories hide behind each intervened space? What types of characters are represented? These are some of the questions that come to mind when we contemplate his creations. However, to make the understanding of his artistic practices easier, we can divide or establish limits if we resort to parameters or patterns: from graffiti to canvases, from the present to the past and his daily experiences. Many are the supports Entes has intervened -namely walls, containers, and facades. His murals can be found in Lima, his native land, and in several other parts of the world. Despite having his own style, which is very linked to South American art traditions, his modus operandi surprises us with each

La espera en San Juan de Lurigancho, 2018, collage, acuarela sobre papel, 140 x 140 cm.

Abstracto Chicha, 2018, grafiti, collage sobre pared, 115 x 100 cm.

Contemplaciรณn en San Juan de Lurigancho, 2018, collage, acuarela sobre papel, 130 x 235 cm.

él. Su modus operandi, a pesar de poseer un estilo propio, nos sorprende con cada representación; su estilo está muy apegado a las tradiciones del arte suramericano, tanto así que podemos observar como los colores como el marrón, verde y azul tienen su protagonismo al igual que las figuras con influencia del arte indígena.

Todo un glosario de personajes que en la actualidad se están trasladando hacia la tela, un espacio en el que Joan Jiménez sigue demostrando al público su versatilidad en el universo de las artes visuales. Sus escenas costumbristas reflejan las tradiciones y hablan del contexto en el que se desenvuelve, son representaciones de su cotidianidad, de sus visiones, de sus recuerdos, de su pasado y presente. Asimismo, sus obras se están adentrando en un universo dejado de lado por la tradición pictórica peruana: el indigenismo. Joan Jiménez, en su búsqueda por lo nacional, está rescatando un legado cultural creado por grandes maestros. Sus telas, entonces, se insertan en la corriente del neoindigenismo, un estilo que sin darse cuenta lo ha marcado desde sus inicios hasta nuestros días. Óleo, acrílico, spray, lápiz, luces neón son algunos materiales que emplea para la confección de sus cuadros y, en ocasiones, instalaciones; un medio que le permite llevar a gran formato experiencias y situaciones contemporáneas. Reconocido a nivel internacional, Entes llegó para quedarse. Sus representaciones son únicas e inconfundibles, sus exploraciones a través del grafiti y la pintura poseen grandes

representation. This link to South American representation becomes evident in his color palette: colors like brown, green and blue have the same leading role as the figures inspired in indigenous art. His whole ensemble of characters is currently migrating towards canvases, a support that has led Joan Jiménez to continue demonstrating his versatility in the visual arts universe. His costumbrist scenes reflect his traditions and speak about the context they are inserted in. They are representations of his daily life, his visions and memories, his past and his present. Moreover, his pieces venture into a forgotten universe in the Peruvian visual tradition: indigenism.

Seeking out national elements, Joan Jiménez salvages the cultural legacy of great masters. His canvases are thus inserted into the trend of neo-indigenism, a style that has shaped him since the beginning of his career, whether he knew it or not. Oils, acrylics, spray paint, pencils and neon lights are some of the materials he uses to create his paintings and occasional installations, a support that allows him to take contemporary experiences and situations to a larger scale. Now a celebrated artist worldwide, Entes is here to stay. His representations are unique and unmistakable, his explorations through graffiti and painting have amazing results. With him, neo-indigenism will continue to live and grow.

resultados. Con él, la corriente neoindigenista seguirá viva y continuará desarrollándose. Entes que no se queda quieto en un solo lugar. Nada más hay que verlo en su estudio o cuando está interviniendo algún espacio público; su mente, está en constante exploración de su contexto y de las tendencias contemporáneas universales. Su pasado está presente en sus composiciones, el neoindigenismo rescatado a través de su visión personal y su estética y, en estos momentos, con un proyecto muy ambicioso Joan Jiménez se ha propuesto intervenir espacios privados y públicos, para luego llevarse con él el fragmento de muro trabajado. Este nuevo camino, es otro modo de interpretar, leer y entender su producción. Ahora, sale a las calles de Lima y selecciona paredes en edificios abandonados; entra de forma ilegal (gesto de la estética del grafiti) e interviene el espacio seleccionado; usa sus sprays y le otorga una visualidad diferente al muro, sin embargo, la obra no queda para decorar el inmueble en deterioro, sino que mediante la técnica del strappo él retira un fragmento (lo que le interesa rescatar) de la superficie creada. Con ello, Entes, le está otorgando nuevos significados y significantes al arte urbano. Estas extracciones -como él las denomina- se muestran en galerías y museos como parte de una memoria personal y colectiva de un pasado que les pertenece a todos. Acciones que lo ha llevado, también, a construir muros a partir de pancartas y propagandas encontradas en las calles de su ciudad, las que unifica y logra armar una nueva historia de su nación. Historias que son acompañadas de personajes populares de Lima en diversas acciones.

Entes doesn’t stand still in one place. It only takes one look at him while he is in his studio or intervening a public space to know: he is constantly exploring his environment and universal contemporary trends. His past is represented in all his compositions and he salvages neo-indigenism through his personal vision and style. At present, he is working on an ambitious project where he plans to intervene public and private places and to take a fragment of the wall he worked on with him. This new path is another way of interpreting and understanding his production. Now, he goes onto the streets of Lima and selects walls in abandoned buildings. He enters illegally (which is a common gesture in the world of graffiti) and he intervenes the selected space using spray paint to make the wall look completely different. However, the piece doesn’t just simply stay there to decorate the neglected building, because he extracts a fragment of it using the strappo technique. That way, he takes what he wants to salvage from the piece. Through his gesture, Entes is providing a new meaning to urban art. These extractions -as he calls them- are shown in galleries and museums as part of a personal and collective memory of a past that belongs to everyone. This has also led him to build walls with billboards and advertisements found on the streets of the city, which he merges to narrate a new story about his nation. Stories that are filled with popular characters in Lima performing different actions.

Ojo 1, 2018, grafiti, collage sobre pared, 80 x 80 cm.

Salsa, 2018, grafiti, collage sobre pared, 124 x 90 cm.

AU 22

alejandro urrutia CHILE

La arquitectura y la escultura se entrecruzan y mezclan como en una oscura danza de cuerpos y formas en las creaciones de Alejandro Urrutia Lorenzini, en las que el minimalismo y el color son elementos cruciales. “Me interesan las relaciones que surgen entre la obra y su contexto físico y social. En particular, ver cómo estas se posicionan en el espacio, las tensiones y recorridos visuales generados por su forma y propiedades materiales”, explica el artista.

escul tura . sculpture

Atraído por la esencia de las cosas, Urrutia busca reducir la expresión a elementos mínimos y básicos que generen estímulos en el espectador. Lo que se respalda en sus estudios de arquitectura y en principios de abstracción geométrica con raíces en la Escuela de la Bauhaus (Walter Gropius), junto a

In Alejandro Urrutia Lorenzini’s work, architecture and sculpture are merged and intertwined as if they were engaged in a dark dance of bodies and shapes. His pieces highlight color and minimalism as their crucial elements. “I’m interested in the relationship between the piece and its physical and social context. Particularly, I like seeing how the pieces are positioned in the space, the tension and visual journey that stem from their shape and materials,” the artist explains. Drawn by the essence of things, Urrutia seeks to reduce expression to minimal and basic elements that stimulate the viewer. This comes as the result of his architecture studies and his beginnings in geometric abstraction while at the Bauhaus School (Walter Gropius), alongside architects such

De la serie Moción Circular, “Movimiento Circular”, 2018, acero electropintado, 90 x 135 cm. Foto: Sebastián Mejia.

De la serie Balance, “Desahogo”, 2017, acero electropintado, 34 x 25 x 50 cm. Foto: Sebastián Mejia.

De la serie Balance, “Equilibrium”, 2017, acero inoxidable pulido, 65 x 90 x 55 cm. Foto: Sebastián Mejia.

AU arquitectos como Mies van der Rohe y Theo van Doesburg, sumado a su admiración por artistas como Katarzyna Kobro y Wladyslaw Strzeminski.

Es así como las prácticas arquitectónicas son la base del trabajo de Alejandro Urrutia, la ruptura de las normas consensuadas sobre la arquitectura se reflejan en su trabajo de manera innata, ampliando el significado de estas formas, con libertad formal y conceptual. “Así, desaté una pasión por los materiales y su aplicación a modelos arquitectónicos –explica el artista y continúa diciendo–.Es a partir de esta experiencia que las láminas de acero se vuelven el centro de mi indagación. Como un elemento básico y esencial presente en mi bagaje como arquitecto, que dada su dureza y maleabilidad, permite generar abstracciones geométricas de diversos modelos, para dar como resultado la transformación del elemento lámina a un cuerpo definido por su nueva fisonomía”, señala Urrutia. La serie Balance, por ejemplo, profundiza y explora la materia, las láminas de acero se convierten en el pie forzado para el desarrollo de diferentes piezas que compar-

as Mies van der Rohe and Theo van Doesburg, as well as his admiration for artists like Katarzyna Kobro and Wladyslaw Strzenminski.

Much like architectural practices are the basis of Alejandro Urrutia’s work, breaking pre-established architectural rules is inherently reflected in his pieces, freeing the meaning of the shapes formally and conceptually. “This way, I discovered a passion for the materials and their applications in architectural models,” the artist explains. He adds: “From this experience, steel sheets became the center of my explorations. As a basic element in my background as an architect, the material’s hardness and malleability allows me to create different geometric abstractions to transform the sheets into a body that is defined by new features.” The series Balance, for instance, ventures into the material and explores steel sheets, transforming them into the starting point for different pieces that

ten un solo lenguaje en común: el equilibro. Por otro lado, la serie Moción Circular, forma parte de una investigación que Alejandro Urrutia desarrolla desde hace un par de años, sobre la continuidad presente en las formas circulares y su relación con los espacios que ocupan. Ambas series representadas con colores primarios, blancos, rojos y negros que se apropian de cada escultura para entrar en diálogo con las demás y mostrar al espectador el valor de la simpleza, de la sutileza y del equilibrio del cuerpo.

El trabajo de Alejandro ha ido evolucionando y encontrando respuestas en nuevos materiales. Es así como su obra pone en valor la interacción entre personas y culturas nuevas, entre el mundo cosmopolita que el siglo XXI se ha lucido demostrando, un mundo donde las barreras son cada vez más difusas y traspasables, formas que se irán abordando en su trabajo, como por ejemplo a través del sentido de la masa y el peso de la piedra, como nuevo material que interactúa con la levedad de las piezas metálicas.

s hare a common language: balance. On the other hand, his series Moción Circular is part of a new concept Alejandro Urrutia has been exploring for a couple of years: the continuity of circular shapes and their relationship with the places they inhabit. Both series are presented in primary colors: white, reds and blacks take over each sculpture to engage in a conversation with the other pieces and show the viewer the value of simplicity and the subtlety and balance of bodies.

Alejandro’s work has been evolving and finding new answers by using new materials. Therefore, his work highlights the value of interaction, both between new people and cultures in our 21st century cosmopolitan world, a world were frontiers are increasingly blurred and penetrable. This notions are addressed in his work, namely using the weight and mass of stone, a new material that interacts with the lightness of the metallic pieces.

De la serie Moción Circular, “Movimiento Circular”, 2018, acero pintado, 45 x 45 x 68 cm., cada una. Foto: Sebastián Mejia.

OR 100

onay rosquet CUBA

mul tidisciplinar . mul tidisciplinar y

Coloca objetos uno al lado del otro. Los agrupa hasta formar pequeños o grandes conjuntos que guardan relación entre sí pero que en ocasiones son ubicados para crear un escenario determinado. Cada caja, resuelta mediante un dibujo excelente y delicado, es portadora de memorias, de un pasado que nunca se quiere borrar, de una identidad propia que comparte con quien la observa y de un imaginario individual que se torna colectivo.

Cada espectador queda asombrado, sus ojos deben detenerse dos y tres veces. Los objetos situados forman parte de la realidad del artista, que nos presenta para que reflexionemos sobre el paso del tiempo y la evolución de la sociedad contemporánea. Nada sobra, todo está en el lugar que le corresponde. Su quehacer, a pesar de ser muy joven, es muy prolífico. Ha transitado desde obras con influencia Beaux Arts hasta un

He places objects laying side by side, assembling them to create small or large ensembles that relate to one another, but that he occasionally distributes to create a specific scene. Each box, featuring a skillful and delicate drawing, is a vessel for memories, for a past that resists oblivion, for an his own identity that he shares with the viewers and for an individual imaginary turned collective.

The viewers are amazed. Their eyes need to scan the pieces two or three times. These objects are part of the artist’s reality, which he presents before us so we can reflect about the passing of time and the evolution of contemporary society. Nothing is superfluous, everything is right where it needs to be.

El inconsciente, 2016, รณleo sobre lienzo, 80 x 80 cm.

Sin título, 2018, óleo sobre lienzo, 100 x 100 cm.

Pacas, 2018, รณleo sobre lienzo, 100 x 100 cm.

OR hiperrealismo de voz propia. Esta última tendencia es algo que lo caracteriza desde sus inicios; sus óleos me recuerdan las piezas de Tomás Sánchez por su exquisitez técnica, gran detallismo y los puntos de contacto con la producción actual o las acumulaciones en gran formato de Jairo Alfonso. El espacio pictórico, entonces, queda inundado a modo de horror vacui por objetos de la vida cotidiana que todos llegamos a identificar y con los que nos relacionamos a diario. Cada tela refleja y nos convida a involucrarnos directamente con lo representado, donde el color marca el ritmo y la visual de la composición. Según la crítica de arte Virginia Alberdi, en su texto Pintar las cosas, “el artista ha dibujado con sumo rigor cada una de las piezas, que al engarzarse en el conjunto dejan de ser fragmento para integrar una especie de suite poética de resonancias familiares. Más que una lectura del pasado, Onay se aventura a tejer las coordenadas de un presente que no puede desligarse, de un sentido de pertenencia raigal”. Así, nos encontramos en su haber con la obra Neceser, exhibida por vez primera en la XII Bienal de La Habana en la muestra No le temas a lo colores estridentes; allí, el artista recreó todo un universo que habla de la mujer y sus circunstancias. Lo cromático es el elemento principal al interior del cuadro, el rojo -color que asociamos directamente con lo femeninopredomina para acentuar el discurso que nuestro creador quiere transmitir. Asimismo, no debemos dejar de mencionar sus dibujos que, en ocasiones le valen a Onay como bocetos para sus futuras telas y, a su vez, funcionan para que el espectador se percate de la alta calidad estética formal, conceptual y técnica que posee el artista. Resulta intereDespite being very young, he is a highly prolific artist. He has worked with influences ranging from Beaux Arts to using hyper-realism, but with his own voice. The latter is a trend that has distinguished his work from the start. His paintings remind me Jairo Alfonso’s large-scale work or pieces by Tomás Sánchez for their exquisite technique, astonishing detail and their relevance within current artistic productions. Thus, the pictorial space is submerged like a horror vacui using daily-life objects we can all relate to and that we encounter on a daily basis. Every canvas urges us to become directly engaged with everything he depicts, where color sets the stage for the visuals of the composition.

According to the art critic Virginia Alberdi, in her article Pintar las cosas, “the artist has very rigorously drawn every part of the composition, which as a whole cease to be a mere fragment to become a poetic ensemble that we regard as familiar. Beyond merely analyzing the past, Onay dares to weave the fabric of a present that cannot be detached from an inherent sense of belonging.” In his piece Neceser, for instance, exhibited for the first time in the 12th Havana Biennial, the artist recreated a whole universe that speaks about women and their circumstances in the frame of the sample No le temas a los colores estridentes. The color palette is the main element inside the painting. The red hues we normally relate to femininity are featured to highlight the message the creator wanted to convey.

Moreover, his drawings are also noteworthy, as they often serve Onay as the sketches for future canvases, yet they make the viewers realize the great formal, conceptual and aesthetic quality the artist showcases. The piece El pozo is worth mentioning here. It’s an ink drawing

sante hablar de la obra El pozo, un dibujo de tinta sobre cartulina en la que aparece la representación continua de relojes de modelos diferentes; una apología al tiempo, al pasado, al olvido y a la memoria que se pierden en un gran vacío existencial. Esta pieza tiene su homónimo en el lienzo El inconsciente que, con un formato circular, otorga movimiento, ritmo a la composición y acentúa la evolución del tiempo.

Onay Rosquet, cuenta, en la actualidad, con varias exposiciones personales que le siguen aportando a su producción; él, se interesa en explorar y explotar todos los aspectos que le brinda la postmodernidad. Su pintura, es llevada ahora a la instalación. Solo tienen que otorgarle una pared y Onay se encarga de dotarla de vida propia. Es así que hemos presenciado el mapa de Cuba confeccionado con llaves, signo visual que habla de apertura, pero al mismo de lo cerrado y aislados que estamos a nivel mundial. Todo va girando en torno a las preocupaciones más íntimas que posee este creador. Y, su última instalación escultórica (también un mapa de Cuba) comienza a insertar objetos de la vida cotidiana; por ello, la pieza adquirió más impacto que su predecesora. El público ya se ve identificado con cada uno de los elementos que el artista colocó para conformar toda la pieza. Onay Rosquet, se supera a sí mismo en cada intervención, su trabajo ha evolucionado en un contexto plástico donde casi nada sorprende. Sus obras, siempre llaman la atención de todos. Su originalidad acompañada de sencillez y una fuerte metodología convierten a Onay en un artífice a (re)visitar en el panorama del arte cubano contemporáneo.

on paper where he presents a series of clocks, all in different models, as a sort of homage to time, to the past, oblivion and the memories that are lost in a vast existential void. This piece holds some similarity to El inconsciente, a large piece that was conceived to be round in order to provide movement and a certain rhythm to the composition, whilst highlighting the evolution of time.

Currently, Onay Rosquet, is showing several solo exhibitions that continue to enrich his production. He is interested in exploring and exploiting all the aspects that post-modernity has to offer. Now, his painting is taken into the world of installations. He only needs to be provided with a wall and Onay manages to give it a life of its own. In this sense, for instance, he has presented a map of Cuba crafted with keys, a visual symbol that speaks about openness, and, likewise, how closed-up and isolated we are from the rest of the world. All his creation surrounds the artist’s most intimate concerns. His latest sculptural piece (also a map of Cuba) starts to incorporate daily-life objects, which is perhaps why it achieved a greater response than the previous piece. The audience can relate to every one of the elements the artist used to construct the entire piece. Onay Rosquet truly outdoes himself with every intervention. His work has evolved within visual arts, a world where nothing surprises us anymore. His pieces always manage to catch our attention. His originality and unparalleled humbleness and methodological nature make Onay a creator that we must (re)visit in the contemporary Cuban art scene.

Vajilla de verano, 2016, รณleo sobre lienzo, 100 x 100 cm.

JB 106

jose ballivian BOLIVIA

En el contexto visual en el que estamos inmersos, los creadores se valen de todo tipo de recursos para la realización de una obra de arte; la época postmoderna permite apropiarnos de todo hecho o acción artística. Muchos son los que experimentan hasta el cansancio con las diferentes tendencias, en las que podemos apreciar una mixtura entre ellas o, encontramos a algunos que optan por explorar diversos modos de operar hasta que encuentran el que les funciona o donde se sienten más cómodos.

dibujo . drawing

En este caso, nos vamos a concentrar en la figura de José Ballivián y su mirada hacia el dibujo, una manifestación en la que pretende incorporar signos y símbolos que pertenecen a la contemporaneidad. Él es un hombre de su tiempo, por lo tanto, debe seguir los patrones dictados por una sociedad en el que

In our current visual art world, creators employ all sorts of tools to produce works of art, the post-modern era allowing us to take over every event or artistic action. Many of them experiment over and over again with different trends, often resulting in a combination of them, while others prefer to explore different methods until they find a niche or something they feel comfortable with. On this occasion, we are focusing on the artist José Ballivián and his perspective on drawing, a manifestation that he uses to include symbols of a contemporary nature. Being a man inserted in his own era, he must follow the patterns that have been dictated in a society where anything goes,

Duelo, 2017, lรกpiz y pan de oro sobre papel, 45 x 63 cm.

Sin tĂtulo, 2014, lĂĄpiz sobre papel, 21 x 28 cm.

CĂclope, 2017, lĂĄpiz y pan de oro sobre papel, 45 x 63 cm.

JB todo vale, en el que lo que escupe un artista es arte (M. Duchamp) y que la fama solo dura quince minutos (A. Warhol). Esos minutos de fama Ballivián los tuvo, los tiene y los seguirá teniendo. Su obra dibujística es diferente, son propuestas novedosas en el panorama latinoamericano y poseen una calidad estética única.

Sus dibujos son especies de ejercicios dadaístas y surrealistas, cada uno de ellos forma parte de la biografía del creador; construida basada en los imaginarios del estilo muy personal de Ballivián. El doble juego conceptual, la imprecisión y la ambigüedad son condiciones puestas a nuestra apreciación, ¿son obras para colgar en una galería o para decorar el interior de cualquier residencia?

Asimismo, cada representación es un universo de paratextos con toda la producción anterior del artista, son indicaciones o ideas sueltas que juegan con lo irracional y con los límites entre representación de dibujo y un boceto representado por paisaje «incongruente». Abierta las puertas para el debate, este creador se enfrenta a cada papel con su natural inconformidad; improvisa, estimula nuestro pensamiento y percepción ante lo representado. Su conjunto de obras son un nuevo camino en el contexto emergente del arte en Latinoamérica y una de las propuestas mejores logradas del artista. Las obras hacen guiños visuales con una etapa que experimenta nuestra sociedad, a través de mensajes ocultos en cada una de las piezas el espectador tiene que en su men-

where anything an artist spits out is art (M. Duchamp) and where fame only lasts 15 minutes (A. Warhol). However, Ballivián has had those 15 minutes, he still has them and we will continue to have them. His illustration work is different, his proposals are ground-breaking in the Latin American art scene and they have a unique aesthetic quality.

His drawings are a sort of surrealist and dadaist exercise, each of them is a part of the creator’s life and constructed by taking Ballivián’s very personal imaginary as the basis. A dual conceptual game, imprecision and ambiguity are the conditions that are left to our imagination. Are the pieces meant to be hung in a gallery or to embellish the inside of a house? Every representation is a universe of references to all of the artist’s previous production. They are isolated hints or ideas that play on irrationality and the limits between the representation of drawing and a sketch represented by an “illogical” landscape. Having opened up the door for debate, the creator tackles each blank paper with his inherent inconformity by improvising, tickling our mind and perception with the representation. His this compilation of his work represents a new path in the rising Latin American art world and one of his most accomplished proposals thus far.

te revisitar “hechos reales” de la historia de nuestras naciones. Una historia contada de disímiles maneras, a veces completa y en ocasiones fragmentada. José, investiga y analiza determinados sucesos de la realidad, con el objetivo de colocar al público frente a signos de una fácil lectura pero que deben ser deconstruidos para encontrar las respuestas correctas. El artista se renueva a sí mismo con cada propuesta que realiza, sus símbolos conceptuales y estéticos están mediados por una estrategia simulacionista que funciona como un recurso descriptivo de nuestras experiencias cotidianas. Asimismo, poder apreciar en algunas obras que conforman esta propuesta ideas como el poder, la utopía, los límites entre lo que es y no es. De igual modo, sus dibujos describen costumbres vigentes con grandes contenidos tropológicos del acervo cultural postcolonialista. Las piezas en su esencia son expresiones regionales y autóctonas plagadas de una iconografía representacional de nuestro universo. En la obra de José Ballivián, podemos afirmar, que no existen leyes ni reglas. La libertad es una palabra que lo define todo, esa es su firma más auténtica. El caos reina en todo soporte que una vez fue blanco, ahora como si trabajara con sus manos en un acto performático crea formas, figuras, traza líneas, círculos… ¿es abstracción? ¿es figuración? ¿es una ilusión? ¿son errores visuales?

The pieces are visul references to the phase our society is going through.With hidden messages in each piece, the viewer has to revisit the “real facts” of the history of our nations in their mind. This history has been told in very different ways, sometimes in full and often fragmented. José researches and analyzes several real events, aiming to confront the audience with easily interpreted symbols that need to be deconstructed to find the right answers. He renews himself with every new proposal, his conceptual and aesthetic symbols are intervened by a simulation strategy that work as a description of our own day to day experiences. Some other concepts that make up this proposal include ideas such as power, utopia and the limits of between what it is and what it is not. In any case, his drawings describe current trends with contents of our post-colonial cultural heritage. Essentially, the pieces are regional and autonomous expressions filled with a representative iconography of our universe. If there is one thing to say about José Ballivián’s work it is that it doesn’t follow any codes or rules. Freedom is a word that completely represents him, it’s his most authentic signature. Chaos rules in supports that were once blank, as if his hands engaged in a performance piece to create shapes, figures, lines and circles. Is his work abstract? Is it figurative? Is it an illusion? Are the pieces visual mistakes?

Sin tĂtulo, 2017, lĂĄpiz y pan de oro sobre papel, 30 x 40 cm.

GV 112

genietta varsi PERÚ

instalación . art installation

Quizás la obra de Genietta Varsi se pueda pensar más fácilmente si se escribiera una oda sobre el cuerpo, ¿cuál cuerpo? Aquél torturado; castrado, atado, reprimido por la sociedad de consumo, por el capitalismo, y todo lo que agobia cotidianamente al cuerpo al impedir que – nosotros mismos– lo escuchemos, obedezcamos y rechacemos a cada segundo. Si al final ¿quién es realmente feliz con su cuerpo y por qué no?

“Al cuerpo, mutilarlo, abrirlo, fragmentarlo, desintegrarlo, revolverlo, recomponerlo y reformarlo: crear nuevos cuerpos, nuevos signficados”, sintetiza la artista. Y para ello, sus obras trabajan con la carne, la mente y lo que somos., ¿pero cómo? “Cuerpos son también los objetos y espacios que usamos. E incluso cuerpos con la política, la sociedad, las ideologías, las tecnologías y las costumbres”, por eso

Perhaps it would be easier to interpret Genietta Varsi’s work if we wrote an ode about the body. But what body? A body that has been tortured, emasculated, tied up and repressed by our consumerist society, by capitalism and by everything that oppresses the body on a daily basis, preventing us to hear our bodies, obey or reject them at any given second. Because, in the end, who is really happy with their body, or why aren’t we? “I mutilate, open up, fragment, disintegrate, stir, mend and reshape the body, creating new ones and new meanings,” the artist summarizes. To do so, her pieces work with the flesh, the mind and who we are. But how does she do it? “Objects and the space that we use are also bodies. Politics, society, ideologies, technologies and traditions are bodies as well,” she explains. For this reason, her work is

Diagnóstico de Corporeidad Reprimida (Corpus Inane), 2016, investigación artística con el público realizada entre el 23 y 28 de julio. Se realizó el diagnóstico de Corporeidad Reprimida a 47 pacientes. Para esto los pacientes llenaban un formulario sobre su historia corporal, el cual era evaluado por la artista, quien definía el resultado. Los dos possibles resultados eran: Corporeidad Revelada (sano) y Corporeidad Reprimida (enfermo). Los pacientes enfermos eran curados en el momento a través de la mutilación (molde de alginato) y reproducción (vaciado en yeso) de la parte del cuerpo infectada. Cada paciente se retiró del consultorio con una certificado médico y un documento explicando la enfermedad (origen, transmisión, síntomas, diagnósticos y tratamientos). De los 47 pacientes diagnosticados en 2 días, 36 sufrían Corporeidad Reprimida.

Detalle de Todos mamamos la misma mama, 2017, Ensamblaje de silla para comer de bebé de madera, bomba de agua, transformador de corriente, cable, enchufe, tubo serpentín refrigerante, embudo de vidrio, embudo de separación, gotero de vidrio, chupón de látex, manguera de látex, manguera de metal, platina de metal, rejilla de metal, muletas, tubo de plástico, tachuelas, tornillos, ángulo de metal, alambre, pelo humano, dientes de resina, vértebra y leche preparada (leche en polvo y agua), 45 x 45 x 115 cm. (imagen completa a la izquierda).

GV que sus trabajos se presentan a través de la escultura, con una visualidad impresionante, perturbadora y directa, como si fueran ejercicios de creación constante que agarran un significado y lo engulle, tritura y recompone.

Todos mamamos la misma mama (2018), es el nombre de uno de sus trabajos. En él la artista abstrae el hecho de la absorción para basarse en la generalidad del mamar. “Nuestros cuerpos son productores, productos y consumidores. Como cuerpo-productor producimos desechos, objetos, ideas, placer, dinero y producimos leche. Como cuerpo-producto, somos belleza y placer, imagen, objeto, medida, somos leche y nos maman. Como cuerpo-consumidor nos consumimos y a todo lo que producimos, mamamos mamas”, explica Genietta. Y es por eso que el trabajo se tradujo en una simbiosis de lo orgánico y lo artificial mediante el ensamblaje de residuos del cuerpo humano. Cada pieza de laboratorio o instrumento del hogar, está modificada y reubicada para que este sistema (de creación personal) pueda funcionar, trasladando el líquido por conductos y recipientes movilizado por el placer de la excitación mecánica, dependiente –como el mundo entero– de la energía eléctrica.

En Tricofilia (2017), por otro lado, realiza una instalación in situ en la parrilla de un restaurante de carnes abandonado. Ahí recrea un laboratorio clínico donde se analizan restos mortuorios de un cuerpo humano. Así, con la piel cubierta de pelos gruesos,

presented through sculptures, with impressive, unsettling and straight-forward visuals, as if the pieces were constant creative exercises that grasp meaning to only swallow it, grind it, and then mend it.

One of her pieces is called Todos mamamos la misma mama (We all suck on the same breast), (2018). In it, the artist abstracts the idea of consumption by basing the piece on breastfeeding. “Our bodies are producers, products and consumers. As producer-body, we produce waste, objects, ideas, pleasure, money and milk. As a product-body, we are beauty and pleasure, image, object and measure. We are milk and we are sucked. As a consumer-body, we consume everything we produce and ourselves, we suck on breasts,” Genietta explains. Her work thus translates into a symbiosis of the organic and artificial through assembling waste the human body produces. Each lab or home equipment in the piece is modified and re-imagined so the system (which she developed herself) can function, making the liquid go through different containers and tubes, moved by the pleasure of mechanical excitement. Much like the rest of the world, the system depends on electricity.

In turn, Tricofilia (2017) is an in-situ installation on the grill of an abandoned steakhouse. There, she recreated a medical laboratory where corpses are analyzed. With flesh covered in thick hair, she challenges the western ideals of female beau-

desafía los ideales occidentales de belleza femenina. Justo cuando el momento empezó a tomar consciencia del acoso, cuando la reinvindicación de los derechos de la mujer llega a un límite nunca antes visto, cuando el cuerpo es tratado como objeto al cuestionarse temas tan potentes como el aborto y la libertad.

En Diagnóstico de Corporeidad Reprimida (Corpus Inane) (2016), Genietta analiza la enfermedad producida por un virus que se aloja entre el lóbulo frontal (encargado de razonar) y el lóbulo parietal (encargado de los sentidos), atacando lentamente a ambos, haciendo que el individuo rechace su corporalidad. A través de la infección los sentidos comienzan a ser suprimidos, dejando solamente la vista funcional. El individuo, por tanto, se convierte en un ser exclusivamente exterior, vacío, tal como su nombre, corpus inane, explícita. Para ello realizó una investigación a 47 pacientes, que explicaban su historia corporal. “Los dos posibles resultados eran: Corporeidad Revelada (sano) y Corporeidad Reprimida (enfermo). Los pacientes enfermos eran curados en el momento a través de la mutilación (molde de alginato) y reproducción (vaciado en yeso) de la parte del cuerpo infectada. Cada paciente se retiró del consultorio con una certificado médico y un documento explicando la enfermedad (origen, transmisión, síntomas, diagnósticos y tratamientos). De los 47 pacientes diagnosticados en 2 días, 36 sufrían Corporeidad Reprimida”, explica la artista. ty. Her work comes in a moment when society has just began to become aware of harassment, when fighting for women’s rights is reaching an unprecedented limit, when the body is regarded as an object whilst questioning issues as urgent as abortion and freedom.

In Diagnóstico de Corporeidad Reprimida (Corpus Inane) (2016), Genietta analyzes the disease caused by a virus found on the frontal lobe (responsible for reasoning) and the parietal lobe (responsible for the sense). This virus slowly attacks both lobes, making people reject their own body. When it spreads, the senses begin to be inhibited, leaving only sight. People thus become an exclusively outer being, empty, much like the name corpus inane describes. For this, she conducted a research study with 47 patients that revealed their corporal history. “The two possible diagnosis were: Revealed corporeality (healthy) and Repressed corporeality (sick). The patients were cured on the spot, using mutilation (with an alginate mold) and reproduction (plaster molding) of the infected body part. Each patient left the doctor’s office with a medical certificate explaining the disease (origin, contagion, symptoms, diagnosis and treatments). Of the 47 patients that were diagnosed over the course of 2 days, 36 suffered from Repressed corporeality,” the artist explains.

Nuevos cuerpos: Auto reconfiguraciĂłn, 2014, pelo sintĂŠtico, yeso y parafina, 90 x 30 x 70 cm.

FA 118

fernanda avendano CHILE

La ciudad, aquello que nos rodea e integra en su espacio como si fuéramos parte de ella. Se hace invisible ante nuestros ojos en su inmensidad de detalles y no genera preguntas, sino cotidianeidades. La inminente vinculacion entre la ciudad y la identidad lleva a Fernanda Avendaño a cuestionarse esta relación bajo el concepto de heterotopia (Espacio contenedor de contradicciones), a través de “lo otro”, “lo errado” y lo inquietante de dualismos como belleza/fealdad y rechazo/atracción.

pintura . painting

Dualidades, conceptos complementarios se conjugan en el trabajo de esta artista chilena. En sus obras observamos lo latente de las ciudades que se hace invisible en lo cotidiano, aquellas murallas que

The City, that which surrounds us and integrates us into its space as if we were part of it, becomes invisible to our eyes in its vast details and does not generate questions, but everydayness. The inherent link between the city and identity, led Fernanda Avendaño to question the relationship under the concept of heterotopia (Space which contains contradictions) through the “otherness”, the “erroneous” and the unsettling nature of dualisms such as attraction/rejection and beauty/ugliness.

Dualities, complementary concepts are blended into the work of this Chilean artist. In her artworks, we can see the dormant aspect of the cities that becomes invisible in our everyday, those walls that

Modernidad Concreta II, 2017, dos mรณdulos, pintura con concreto sobre madera, 150 x 90 cm. Total: 240 x 1400 cm.

La máquina de habitar, 2016, díptico, dibujo con marcadores libres de ácido, 77 x 110 cm., cada uno.

FA ocultan historias y verdades que no queremos ver, que no queremos oír. Preguntas, cuestionamientos sobre el espacio que habitamos y que preferimos ignorar, ¿es acaso hermosa la ciudad, o sencillamente una perdición para el ser humano?

La geometría característica de sus pinturas surge de la observación de dibujos y de arquitectura moderna. Desde ahí, Fernanda destaca la forma como una manera de concebir un mundo higienico, puro, preciso, multifuncional y productivo, pero solitario y enrarecido como contradicción del espacio público real. “El mapa mental de la ciudad cotidiana se constituye de relaciones entre las cosas, entre el espacio y el habitante. Uno está tan inmerso en estos lugares comunes que se debe tomar distancia y tiempo para realmente analizarlos”, explica Fernanda.

hide stories and truths, that we don’t want to see or hear. Pondering, questions about the space we inhabit that we would rather ignore, emerge: Is the city beautiful or is it humans doom?

The geometry, which distinguish her paintings, emerge from the observation of modern architecture and drawings. In this way, Fernanda shapes an higienic, pure, precise, multifuntional and productive world, but solitary and also rarefied. “The mental map of the city we inhabit daily is shaped by the relationship between things, between the space and its inhabitants. We are so immerse in these common places that we must step aside and take some time to really analyze them”, Fernanda explains.

Cada serie de Fernanda Avendaño comienza con un impulso diferente “Lo que más me interesa son las búsquedas visuales que impulsa cada uno de mis trabajos, a veces vinculado al color, a la temperatura, profundidad o forma. También la materialidad o manualidad, donde la herramienta deja huella y la técnica es visible”, explica la artista. Esto se observa claramente en sus trabajos caracterizados por la prolijidad En cuanto a la técnica, ha trabajado con pinturas de gran formato hechas de concreto sobre materiales de construcción, lo que le permite generar una estética basada en la geometría y una paleta acotada de colores. Siguiendo esa línea también ha realizado dibujos con marcadores sobre papel, “en ellos me interesaba la repetición necesaria para generar planos de colores complejos, donde la huella repetida del marcador permitía reconocer una hechura manual, pero al mismo tiempo un movimiento maquinal de trabajo”, señala la artista.

Each of Fernanda Avendaños series starts with different motivation “What interests me most are the visual quest that impulses each of my works, sometimes linked to color, temperature, depth or shape. The material and hand made, where the tools leave a trace and the technique is visible”, explains the artist. This is clearly evident in her pieces defined by their neatness. In regards to technique, she has worked with large scale paintings made with concrete over construction materials, which allowed her to establish a geometrical aesthetic and a limited color palette. In that same line, she has made drawings with alcohol based markers on paper, “In these drawings, I was interested in necessary repetitions to create complex colour planes, where the trace of the marker allowed to recognized the manual work, but at the same time a machine like movement” the artist highlights.

Vista parcial de Modernidad Concreta II, 2017, pintura con concreto sobre madera, 240 x 1400 cm.

LE 124

luis enrrique

mul tidisciplinar . mul tidisciplinar y

PERÚ

Desde que conocí la obra de Luis Enrique Zela-Koort siempre quise escribir sobre ella. Lo tomo como un gran reto para mí poder analizar el nexo que él logra establecer entre arte y ciencia, aunque debo aclarar desde este comienzo que él, como creador, es muy versátil; en su haber, además, podemos hallar obras pictóricas, esculturas, dibujos, instalaciones, etc. Hacer una radiografía de su trabajo es contemplar parte del proceso, contemplar con detalle cada paso, y asimilar su mirada romántica de la creación artística. Estamos entonces en presencia de un tipo de producción ecléctica que posee su propia coherencia espacial y temporal que son bien pensadas y definidas desde el comienzo. Zela-Koort le interesa reflexionar sobre los avances que ha tenido la tecnología y como esta se puede emplear para la creación de grandes

Ever since I became familiar with Luis Enrique Zela-Koort’s work, I’ve always wanted to write about it. I regard analyzing the link he draws between art and science as a great personal challenge, though I must make it perfectly clear from the start that as a creator he is extremely versatile. His work encompasses pictorial pieces, sculptures, drawings, installations, etc. Thus, an in-depth study of his work would take his process into account, every step, and take in his romantic perspective on artistic creation. His work is an eclectic sort of production that has its own well thought out spatial and temporal coherence, which he establishes from the very beginning. Zela-Koort is interested in reflecting on technological advances and how they can be used to create great works of art. After all, through out history,

Rosa del Antropoceno, 2018, Impresión 3D, modelado generativo a partir de la información genética de una rosa, acero, pintura fototérmica, 80 x 20 x 20 cm.

Monumento al Virus, 2018, IModelado de bacteriรณfago, resina, fibra de vidrio, marmolina, 110 x 110 x 180 cm

Rosa del Antropoceno, 2018, Impresión 3D, modelado generativo a partir de la información genética de una rosa, acero, pintura fototérmica, 80 x 20 x 20 cm.

LE obras de arte. Y es que a lo largo de la historia, el medio tecnológico ha ofrecido herramientas novedosas a los artistas que han encontrado nuevos modos de expresión.

Hoy, es difícil separarse de la tecnología, ella llegó para cambiar nuestra forma de pensar, de ver el mundo, de relacionarnos e incluso como nos vemos día a día. Muchos son los creadores que se cuestionan los límites que se establecen entre arte y tecnología, en Perú, por ejemplo, además de nuestro creador podemos mencionar nombres como Umberto Roncoroni, Paola Torres Núñez del Prado, entre otros. Luis Enrique, nos acerca a un nuevo mundo de posibilidades; él, logra construir sus bases en un arte que -cada vez más- ocupan las salas galerísticas de su país. Intenta moverse por diferentes disciplinas para no anquilosarse en un medio determinado y concreto. Siempre está en la búsqueda de nuevos retos conceptuales y así poder poco a poco ir ampliando sus horizontes de expectativas, sin percatarse se ha convertido en un postmoderno empedernido. Todo le funciona, todo lo que piensa lo hace realidad. No existe la negación en su vocabulario visual. Según nos comenta, “mi trabajo relaciona sensaciones de naturalidad, artificialidad y cambio, explorando las tensiones de la materia en el contexto de la revolución virtual. Empleo los nuevos medios como la programación, impresión 3D y realidad virtual, conjugando procesos experimentales con materiales tradicionales e industriales, estudiando los matices conceptuales que surgen de estas interacciones” afirmó.

technological means have provided novel tools for artists who have found new ways to express themselves through them.

Nowadays, it is difficult to separate from technology. It has come to change the way we think, how we see the world, and how we relate to one another on a daily basis. Many are the creators who question the limits that divide art and technology. In Peru, for instance, besides Zela-Koort, other artists such as Umberto Roncoroni, and Paola Torres Núñez del Prado, come to mind, among others. Luis Enrique, brings us closer to a new world of possibilities. He manages to lay the foundations for an art form that is increasingly taking over the exhibition halls in his country. He tries to navigate different disciplines to avoid becoming constrained to a single medium. Always seeking out new conceptual challenges, he slowly broadens his horizons and expectations, without noticing that he has become an incurable post-modernist. Everything works for him, all his thoughts become real. His visual language does not encompass the word “no”. As he told us: “My work relates feelings of change, naturalness and unnaturalness, exploring the tension of matter in the context of the virtual revolution. I use new media such as programming, 3D printing and virtual reality, fusing experimental processes with traditional and industrial materials, studying the conceptual nuances that emerge from these interactions,” he stated.

De la pluralidad que profesa en su quehacer, nuestro artista se va reajustando a los encargos curatoriales y a su vez va transgrediendo formal y conceptualmente cada pieza; acción que sin dudas le tributa a ir tomando madurez en su praxis artística. Me gusta cuando converso con él y me dice que “su intención es generar un tipo de arte para cada sujeto, quién a su vez se ubica en un punto de quiebre con la historia”. Una de las primeras piezas que observo es PoweredbySadness (2017-2018), de la que quedo enamorado desde el primer segundo. La pieza, una web en tiempo real, utiliza leguaje procesual que analiza el contenido de nuestras interacciones en redes sociales como Facebook, Twitter, entre otras; eso sí, se enfoca como ya nos anuncia el título en la depresión y la tristeza. A través de la obra el artista trata de decodificar nuestros estados emocionales, tan llevados y traídos en la contemporaneidad. Otras de sus intervenciones es Erótico Histórico (2017) en la que juega el papel de rescatar su pasado precolombino con la realización de huacos, pero en esta ocasión vinculados con la historia queer; y es que su impulso suscita cuando su nación está inmersa en protestas contra la inclusión de la educación sexual en las escuelas e institutos peruanos. Pero más allá de estas problemáticas política-educacional, le interesa el medio seleccionado (impresión en 3D) por su fácil reproducción para hacerla más accesibles; recordar que es un regreso a su historia, una historia por desgracia olvidada. Luis Enrique Zela-Koort es uno de los jóvenes artistas más activos en la escena emergente del Perú, su inquietud es contagiosa; asimismo, coquetea con un arte futurista y transformable y, que apuesta por el progreso en el arte.

Through the versatility of his work, the artist adapts to curatorial concepts, yet still he manages to conceptually and formally transgress with every piece, a feat that undoubtedly has led him to grow in his artistic practices. I enjoyed speaking with him as he told me that his aim is to “create a type of art for every subject, which is inserted in a breaking point in history.” One of the first pieces I noticed was PoweredbySadness (2017-2018), which completely fascinated me at first glance. The piece, a real-time web, uses processing language that analyzes the content of our interactions on social media, namely Facebook, Twitter, among others. As the title suggests, the piece focuses on depression and sadness. The artist tries to decode our emotional state through the piece, which can be so fluctuating in our modern day and age. Another one of his interventions is entitled Erótico Histórico (2017), where he takes on the role of salvaging his pre-Columbian past by creating huacos. However, on this occasion, this traditional pottery is linked to queer history, right in a moment where his country is in the midst of protests for sexual education to be included in the Peruvian study program. Beyond these political and educational issues, he is interested in means he selected to portray them: 3D printing. Its easy reproduction makes the huacos more accessible, reminding us that it’s all about history, and an unfortunately forgotten history at that. Luis Enrique Zela-Koort is one of the most active young artists in the rising art scene in Peru. His restlessness is contagious and he flirts with a very futuristic and transformative art form that bets on art progressing.

Singularidades, 2018, Mapping de videoarte procesado con Deep Dream sobre esfera de poliuretano, audio del poema The Hollow Men de T.S Eliot, 205 (circ.) x 60 cm.

PS 130

PABLI STeIN ARGENTINA

“Mi lenguaje es siempre el de la pintura y el color”, explica resumidamente Pabli Stein sobre sus obras que poseen una mezcla de figuración y abstracción, donde lo radical es el trabajo con la pintura como forma y como fondo, más allá de los conceptos que pueda abordar, el artista hace un rescate constante sobre la visualidad y la técnica. Lo demás parecieran ser casualidades de la imagen y la asociación natural de la mente hacia ver en todo lo que observa como algo conocido.

pintura . painting

La mezcla entre las tonalidades que rodean a las formas figurativas emergen de su trabajo para dar rienda suelta a la inverosimilitud de sus obras, a la vez que pequeñas manchas de color se impregnan en cada trabajo dándole calidad a un mundo imaginario que se aleja de la monocromía a través del

“My language always pertains to paint and color,” Pabli Stein comments about his work. His pieces are a combination of figurativism and abstraction, where the essence is working with paint both as the form and substance. Beyond the concepts concepts the pieces might address, the artist constantly salvages the visuals and technique. The rest seems to be all about the image and how the mind naturally tries to relate everything we see to something familiar. The combination of hues surrounding the figurative shapes emerge from his work to unleash the unlikeliness of his work. Small color brush strokes permeate each piece, making them seem like they belong in an imaginary world that withdraws from monochromes through his compositions in soft

Chica Sweater, 2018, AcrĂlico sobre lienzo, 160 x 120 cm.

Chica Camel, 2018, AcrĂlico sobre lienzo, 160 x 120 cm.

Entre dos Lunas, 2018, AcrĂlico sobre lienzo, 160 x 120 cm.

PS proceso de composición con leves tonalidades verdes, azules o rojas. En las imágenes de moda busca la paleta cromática perfecta, una textura, un material, un halo de brillo, el detalle. No intenta representar, construir o manipular sino identificar, detectar, pero sobre todo sugerir. Es ahí donde el color entra a ser un puente entre el trabajo del artista y el espectador. “Soy muy meticuloso y preparo todos los colores que utilizo, eso es muy importante en mi proceso de creación”, explica Pabli. Estos colores empiezan a generar formas, figuras de cuerpos femeninos que emergen de la nada, donde el fondo y la superficie se funden y difuminan dejando lo demás a la imaginación de quien observa. Entre sus referentes se encuentran David Salle, Julian Schnabel, y los alemanes: Baselitz, Kiefer, Richter, Ohelen. Sin olvidar a figuras más contemporáneas como Marlene Dumas, Cecily Brown, Neo Rauch y Johnathan Meese.

green, blue or red hues. In fashion images, he focuses on finding the perfect color palette, texture, material, glow, and detail. Rather than trying to represent, construct or manipulate, he tries to identify, detect and, above all else, suggest. Color thus becomes a bridge between the artist’s work and the viewer. “I’m very thorough and I prepare all the colors I use beforehand. That is very important for my creation process,” Pabli explains. These colors start to create shapes, female bodies that appear out of nowhere, where the background and the surface melt together and become blurred, leaving everything else to the viewer’s imagination. His influences include David Salle, Julian Schnabel and German artists such as Baselitz, Kiefer, Richter, Ohelen. Other more contemporary influences like Marlene Dumas, Cecily Brown, Neo Rauch and Johnathan Messe are also noteworthy.

A veces con base en modelos reales y otras improvisando las figuras, Pabli admite que no busca representar ni referenciar a una mujer en sí, sino que es un punto de arranque para moverse sobre el lienzo, y luego dominar el espacio a través del color. Para cada una de sus obras, el artista hace una clasificación de material entre recursos pictóricos y recortes de revistas que se traducen en una composición de imágenes que luego pasan a la tela. Una vez frente al lienzo, con plena libertad, traza las pinceladas de forma autónoma, como si fuera un fluir de la consciencia. Pero la pintura no es el único elemento de las obras de Pabli Stein, están también los collage y la variedad de soportes como vidrios y telas sobre los que trabaja de manera incesante. Estas diferencias van haciendo de cada serie una colección única de obras, que tienen sellos y características propias de la agudeza de su creador. S ometimes based on real models and other times improvising the figures, Pabli admits he doesn’t seek to represent or reference women themselves, they are rather the starting point for him to move along the canvas, which he later dominates through color. For every piece, the artist divides the materials into categories: pictorial resources and magazine clippings. These are later translated into an image composition and transferred onto the canvas. When in front of the canvas, he traces the brush strokes autonomously and freely, as if he were flowing with his consciousness. However, paint is not the only element featured in Pabli Stein’s pieces. He also uses collage and several supports such as glass and fabric, which he works with incessantly. These differences make each series a unique collection of pieces that have more of the artist’s distinguishing signature and wit.

Chica con Hojas, 2018, AcrĂlico sobre lienzo, 160 x 120 cm.

AR 136

andres DE ROSe ARGENTINA

pintura . painting

Desde los 9 años de edad, Andrés de Rose se ha dedicado al dibujo figurativo, modelando y experimentando diversas formas de abordarlo, sobre todo a través de la piedra negra de obsidiana en la cual encontró una herramienta que le permitió simbolizar el potente negro que caracteriza sus obras. Esta incursión hacia la figura se ha basado también en sueños con los que trabaja a modo de análisis, de ellos ha logrado identificar a dos personajes: Mujer Pra y Muchacho Pra, ambos asexuados o hermafroditas. Por otro lado, se basa en la representación de la flora, insectos, animales o seres que mutan se camuflan en el follaje o en geometrías abstractas inspiradas en la desolación de la ciudad durante la vigilia.

Since he was 9 years old, Andrés de Rose has been devoted to figurative drawing, shaping and experimenting with different approaches. To do this, he particularly experimented with black obsidian, a tool that allowed him to represent the powerful black hue that distinguishes his pieces. This incursion into shapes has also been based on his dreams. They have served as a means for analysis and allowed him to identify two characters: Mujer Pra and Muchacho Pra, both asexual or hermaphrodite beings. Moreover, he bases his representations on flora, insects, animals or beings that mutate, hidden in the foliage or in abstract geometries inspired in the emptiness of the city at late hours of the night.

MUTA, 2015, lapicera sobre papel, 29 x21 cm.

Luna del nacimiento, 2018, acrilico y lapiz sobre tabla, 65 x 50 cm.

Mujer Pra, 2016, acrilico y lapiz sobre tela, 210 x 80 cm.

DISOLUCION 2, 2016, acrílico, esmalte sintético y grafito sobre tela, 120 x 70 cm.

AR “A partir del silencio, de observar detenidamente la naturaleza, las pequeñas hojas de lavanda que hay en mi jardín, por poco percibo su crecimiento visualmente, esperando el tren miro las palomas en contraste con el cielo, la luna y cuando miro las estrellas veo un espejo, espejismo. Pienso que somos un reflejo de los astros y mucho más, pero eso no es solo hacia el profundo del cosmos, sino que hay muchas más cosas que aprender, cosas que están a la vista de cada uno, incluso observando una planta, analizándola como si fuera un planeta ¿por qué no?”, profundiza el artista que a modo de poesía describe su proceso creativo y base conceptual, solo para continuar diciendo: “Todo puede remitirse a experiencias, en todos los planos que arremolinan la mente en un primer momento, ya que considero vivimos en un mundo que aspira, aun inmerso, a lo mental, y la mente en su estado más débil busca o necesita la energía ajena, el poder sobre otro, que paradigma el dinero, ¿un manantial en la mente recalentada? Pienso que somos más consumidores de energía que productores, sigo sin entender por qué y retorno a los astros o al fondo del océano, nuestro opuesto en este planeta, como sumergirse en uno mismo con los ojos cerrados. La isla de Peano, significa en matemática, una isla entre la dimensión topológica y la dimensión fractal, o en mis palabras una isla entre lo fantástico y lo real. En esta isla es donde surge mi obra”.

Y esa naturaleza, que colma las reflexiones de Andrés de Rose, es considerada por el artista como un sinónimo de Dios, “desde un átomo hasta el retorno del infinito”, explica. Al respecto, sus análisis se centran en la transición entre los diferentes estados de la materia, por medio de variadas texturas que conviven en un plano y en objetos escultóricos, desde ellos interpreta los porqués o las lógicas que cruzan la naturaleza, partiendo del ser humano como un microorganismo en el universo. Es así como aquella antigua teoría sobre lo micro y lo macro se replica en su trabajo a través del consciente y el inconsciente mediante sus investigaciones sobre el sueño, la piedra obsidiana y la metafísica. “Me preguntó el cómo y para qué de todos y cada uno de los seres vivos, de la flora, los minerales, los elementos químicos, la energía, la luz y la sombra. Las respuesta, creo que están en la sombra de los sueños, mis obras responden a esas preguntas”.

“Through silence and thorough observations of nature, of the small lavender leaves in my garden, I can almost visually perceive how they grow. When I’m waiting for the train I watch the pigeons against the sky, I see a mirror or mirage when I look up to the sky and see the stars. I feel as though we are a reflection of stars themselves and even what lies beyond, not only in the vastness of the cosmos, but of all things we have yet to learn. In things that are within our sight, even when we see a plant and analyze it as if it were a planet, and why should we?,” the artist comments as he poetically describes the conceptual foundation of his creative process. He adds: “Everything traces back to experiences in all the elements surround our minds in the beginning. I think that we live in a world that, immersed, aspires to commend the mind, yet the mind seeks or needs external energy in its weakest state, it seeks dominion over others. Money is such a paradigm, is it a fresh spring for an overheated mind? I believe we are energy consumers rather that producers. I still don’t understand why and I go back to celestial bodies or the depths of the ocean, the opposite side of our planet, because I feel it’s like diving into yourself with your eyes closed. In an island of Peano curves, which in math refers to an island between a topological and fractal dimension, or in my own worlds an island

between fantasy and reality. My work rises from this island.” This nature that fills the mind of Andrés de Rose is regarded by the artist as a synonym of God “from an atom to a return to infinity,” he explains. In this regard, his analyses are focused on the transition of matter’s different states through the many textures that coexist in a same plane and in sculptural objects. Through these, he interprets nature’s reasoning or logics, starting from human beings seen as microorganisms in the universe. This is how the ancient theory on the micro and macro perspectives is replicated in his work through explorations of the conscious and unconscious mind in dreams, using obsidian and metaphysics. “I wonder about the how and why of everything: human beings, flora, minerals, chemical elements, energy, light and shadow. I believe the answers are hidden in the shadows of my dreams, my pieces are the answers to those questions.”

La paleta de colores en el trabajo de Andrés de Rose se basa en la monocromía, el negro con su intensidad característica se inunda de blanco y extrañamente de algún color como verde o turquesa. La ausencia de color está en directa relación con la frecuencia que el artista considera en armonía con lo que siente y piensa al componer cada una de sus obras.

Andrés de Rose’s color palette is monochromatic: black with its distinguishing intensity is flooded with white and, strangely, of some other color like green or turquoise. The absence of color is intimately linked to the frequency the artist considers to be in harmony with his feelings and thoughts when creating each piece.

EMUNĂ , 2016, objeto de madera vidrio masilla epoxy y piedra de obsidiana, 90 x 50 x 50 x 50 cm. cmsprof

MA 142

Mandy anselmo VENEZUELA

La serpiente muda su piel, se renueva cada período de tiempo. La oruga realiza su capullo, luego se transforma en una mariposa. La naturaleza está en constante cambio. Asimismo, en evolución, se encuentra la creación de la artista Mandy Anselmo. Todo está en su mente, no se comunica verbalmente sino a través de sus manos. Manos que son las que articulan su lenguaje visual.

dibujo . drawing

Según, la propia artista plantea, “me mantengo en movimiento, aunque provengo de un ambiente estacionario. Mi búsqueda radica en la apertura, la fluidez, dejar de ser uno. Mi trabajo no siempre parte de tema definidos, al igual que yo, es indefinido. Son solo sentimientos que difícilmente puedo catalogar. En este momento el viaje, el movimiento, la evolución hacia el

Snakes shed their skin, they renew themselves from time to time. Caterpillars make a cocoon and morph into butterflies. Nature is constantly changing. Similarly, the creations of the artist Mandy Anselmo are also evolving. Everything is in her mind; she doesn’t communicate through words, but through her hands. These hand construct her visual language.

According to the artist: “I try to always keep moving, even though I come from an unchanging background. My search is about openness, fluidity, ceasing to be a single unit. My work doesn’t always address a concrete subject; much like me, it is undefined. It’s about feelings that are difficult for me to pinpoint. Currently, the journey, movement, evolving towards

Remoto, 2017, acuarelas y tinta sobre papel canson 100% algodรณn, 6 segmentos de 18 x 18 cm. cada uno.

Inconexo, 2017, acuarelas y tinta sobre papel canson 100% algodรณn, 6 segmentos de 18 x 18 cm. cada uno.

segmento de Simbiosis, 2017, acuarelas y tinta sobre papel canson 100% algodรณn, 6 segmentos de 18 x 18 cm. cada uno.

MA autoconocimiento, la relación con el otro y lo externo, hacen constantes apariciones en mi obra”.

En sus obras, sus actores, reales e imaginarios, dialogan en torno a la belleza, el sacrificio, el paso del tiempo; toda una vida puede leerse a través de sus rostros, los que expresan la mayor parte de las veces sus alegrías, sus tristezas y sus miedos.

Y, es que encasillar a esta creadora se torna bien complejo; se mueve en diferentes campos de acción en los que siempre se siente cómoda. Su técnica, la acuarela, el bolígrafo, la tinta, entre otros son los predominantes en todo su quehacer. En el ámbito visual Mandy es conocida por sus excelentes dibujos realizados con las diversas técnicas que ella emplea, su soporte (papel, cartulina) podemos encontrar algunos retratos, ejercicios formales, conceptuales y, algunas intensiones de representar el movimiento que la define. Sus dibujos son expresivos, en ocasiones me recuerdan ese expresionismo violento de Egon Schiele; todos hablan por sí solos y le transmiten al espectador parte de la personalidad (irreal/real) del retratado.

Mandy Anselmo, es una gran dibujante, bien entregada, por cierto, que documenta a través de una antropología visual cada paso y el trascurso de la vida a partir de la expresividad de los rostros que cotidianamente plasma en los soportes seleccionados. Cada detalle cuenta, las muecas, sus huellas, luces y sombras, cicatrices; códigos y leyendas que se fueron construyendo alrededor de sus representaciones. Su discurso valida fórmulas que estaban a punto de desaparecer, debemos recordar que el dibujo -una de las primeras formas de manifestarse en el arte- se está durmiendo y creadores como ella, en pleno siglo XXI siguen apostando por su validación y por convertir esta técnica en génesis primaria de los diferentes hechos visuales.

El retrato a lo largo de la Historia del Arte, se ha caracterizado por ser un género utilizado con una función muy específica, el representar y consagrar a las grandes y principales personalidades de una sociedad determinada. En esta ocasión, sus modelos son extraídos de diferentes medios: sus amigos cercanos o los de su imaginario. Como resultado, demuestra la habilidad que posee con el material empleado y la destreza en el manejo de la línea, nos indica un lenguaje gestual muy particular que le posibilita crear imágenes figurativas con una gran carga emocional y estética con un virtuosismo excelente en el dibujo.

De su mano junto a su bolígrafo, salen seres intensos, expresivos y sobre todo realistas; nada que ver ni que envidiarle a los creadores que pertenecen o se adscriben a la corriente hiperrealista. La artista trata de dotar a sus ilustraciones de cierta humanidad y sensibilidad que permite dejar como resultado piezas en las que obligatoriamente debemos contemplar cada trazo y detalle, hasta el punto de hacernos la interrogante de cómo pudo haberlo hecho. Ella ha sabido otorgarle el valor que merece una manifestación a la que no se le agota su horizonte de acción y de expectativas.

self-awareness, how we relate to others and the environment, are all recurring elements in my work.”

In her pieces, her subjects, whether they be real or imaginary, engage in a conversation about beauty, sacrifice and the passing of time. All of life can be read through her faces, which often depict her joy, sadness and fears.

Trying to label this creator becomes very complex. She navigates different fields of actions and she is always feel comfortable within them. Watercolors, pens, ink, etc., are predominant techniques she uses throughout her body of work. In the field of visual arts, Mandy is known for her great drawings made with her different techniques and the support (paper, cardboard). Her work encompasses portraits, formal and conceptual exercises and some attempts to represent the movement that distinguishes her. Her expressive drawings often remind me of the violent expressionism by Egon Schiele, where the subjects speak for themselves and convey a great part of their personality (real or otherwise) to the viewer.

Mandy Anselmo is a great draftswoman, she is committed and she documents every step she takes in life through a visual anthropology and the expression on the faces she captures in the selected support on a daily basis. Every detail counts: the grimaces, the traces, lights and shadows, and scars, as well as the canons and legends that were built around her representations. Her language validates formulas that were falling into oblivion, as drawing is one of the earliest art forms. As of late it was being cast aside, but creators such as her have managed to revitalize it a bet on the technique in the 21st century as a primary genesis of different visual representations.

Throughout art history, portraits have been a genre used for very specific purposes: representing and celebrating the greatest and most celebrated figures of a given society. On this occasion, her models are extracted from different places: her close friends or people she imagines. As a result, she demonstrates her great mastery of the used materials and her skillfulness to manage lines. With her excellent virtuosity in drawing, she brings forward a very peculiar gesture language that allows her to create figurative images with a great emotional and aesthetic charge.

Her hand and her pen produce intense characters who are expressive and realistic above all else. She is second to none within the creators that belong in or subscribe to this hyper-realistic art trend. The artist tries to bring a certain humanity and sensitivity to her illustrations, resulting in pieces that compel us to analyze every trace and detail, to a point where we ask ourselves how such a feat was accomplished. She has managed to celebrate a manifestation that hasn’t ceased to provide everything she needs for performing her work and meeting her expectations.

XXXXXXXXXXXXX, XXXXXXXXXXXX, XXXX, XXXXX x XXXX xx.

Simbiosis, 2017, acuarelas y tinta sobre papel canson 100% algodรณn, 6 segmentos de 18 x 18 cm. cada uno.

DM 148

diana medina

mul tidisciplinar . mul tidisciplinar y

COLOMBIA

Durante la Edad Media, la iglesia Católica se caracterizó por la conversión de los bárbaros hacia el cristianismo. Para ello usaron diversas estrategias que generó fe en el individuo, haciéndoles perder el temor o la duda, que los iluminaría respecto a la “verdad” religiosa. En ese momento, comenzaron a embelesar los sentidos de las personas, todos y cada uno para que la visita a la iglesia se convirtiera en una experiencia divina, se disiparan las dudas y la gente creyera sin cuestionar. Así, el oro llenaba a través del brillo y la calidez a la vista; el olor a mirra inundaba al olfato; el terciopelo y la seda saciaba al tacto; el coro satisfacía al oído y el cuerpo quedaba extasiado con esa extraña sensación de divinidad.

In the Middle Ages, the Catholic Church took on the role of converting Barbarians into Christianity. Several strategies were used to this end, giving raise to faith for many individuals, making them loose fear or doubt and enlightening them about the religious “truth”. As of then, they started to bewitch everyone’s senses, every last bit of them, in order to make visiting the Church a divine experience, to dispel doubts and to make people believe without questioning. Thus, gold filled through all the shimmer and warmth in sight, myrrh flooded the sense of smell, velvet and silk sated the sense of touch, the choir satisfied hearing and the body became captivated in that strange sense of divinity.

Fotogramas de PZP00, 2015, instalación inmersiva a técnica mixta, sonido multifocal y caramelo carbonatado, medidas variables. Colaboración en video Carlos Serrano.

Fotogramas de À la conquête d› Eris, 2016, instalación sonora inmersiva, sonido multifocal en escaleras, vendas para los ojos, medidas variables.

Fotogramas de The Noise Cube, 2016, instalación inmersiva, video programado, sonido multifocal, arena, semilla de Sichuan o flor eléctrica, medidas variables. Colaboración en video Diego Suárez.

DM Hoy, es extraño que los sentidos se colmen de manera radical. La vista se ha llevado el triunfo en la batalla sobre qué sentido predomina sobre los otros, la audición podría estar en segundo lugar o el tacto, el olfato definitivamente pareciera perder. Sin embargo, artistas como Diana Medina, basan su investigación en el cruce de estos sentidos, en la sinestesia, proceso mediante el cual se perciben frecuencias de manera involuntaria a través de sentidos que no han recibido estímulos directos, como por ejemplo sentir un olor al ver un color; ver colores al escuchar un sonido. Esta misma sinestesia, es la base del trabajo de Diana Medina, artista que a través del sonido ha realizado estudios sobre la consciencia, las percepciones y el aparato sensorial.

estallan en sensaciones múltiples, todo un proceso de inmersión hacia la experiencia sensorial.

En sus obras, los sentidos son estimulados de diversas formas. Cada uno a través de una experiencia distinta. Es así como la instalación The Noise Cube, por ejemplo, sumerge al asistente en la sensación completa del ruido. Las paredes son proyectadas con ruido blanco, mientras que por los altavoces se entrelaza una textura similar .El piso se cubre de arena para que los espectadores entren descalzos, mientras se aduerme la boca a través de una semilla de pimienta de Sichuan o por una Flor Eléctrica. De un momento a otro, el cuerpo se adormece y los sentidos

Por otro lado, en obras como Poema Fonético para Bouba, o para una burbuja, Diana, después de realizar un estudio sobre protolenguajes, en donde busca las relaciones entre grafo, sonido y forma, decide jugar con la palabra “burbuja”. El ejercicio permite recorrer las etapas de la formación del protolenguaje de la forma a la grafía, al sonido. Cualquier persona puede explorar esta correlación por medio de las instrucciones dadas para formar cada poema. El resultado es leído por la o las personas que hagan parte del ejercicio para crear un ambiente de burbujas, nuevamente sonoras.

Nowadays, deluging the senses in such a radical way is rare. Sight has been victorious in the battle of the predominance of the senses. Hearing would perhaps take the second place or maybe touch, but smell definitely seems to be the looser. However, artists like Diana Medina, base her research on the crossing between these senses, in synesthesia, a process through which frequencies are perceived involuntarily through senses that haven’t received direct stimuli. For instance, feeling a smell upon seeing a color, seeing colors upon hearing a sound. This synesthesia is the basis of Diana Medina’s work, an artist who has conducted studies on consciousness, our perceptions and senses through sound.

w ith different feelings. The installation is truly an immersion process in a sensory experience.

In her pieces, the senses are stimulated in several ways. Each one is a different experience. The installation The Noise Cube , for example, submerges the viewer in a complete noise experience. The walls are projected with white noise, while the speakers weave together a similar texture. The floor is covered in sand so the viewers can enter barefoot, and their mouths are numbed by using a Sichuan pepper seed or an electric daisy. From one moment to the next, the body is numbed and the senses explode

Visualmente, sus obras parecen textos que pueden ser tocados. Auditivamente, sus trabajos recrean texturas particulares en las cuales sumerge al espectador hasta erizar el vello de los brazos. Gustativamente, se pueden sentir explosiones suaves que acompañan a la vista y a la audición, como ocurre en la pieza PZP00; compuesta de síntesis granular audiovisual + caramelo carbonatado. Confunde al cuerpo que se siente inmerso en una actividad completa, bloquea el pensar para dejar fluir el sentir y complejiza la forma en que se percibe.

Visually, her pieces resemble texts that can be touched. In terms of hearing, her work recreates specific textures where she submerges the viewers until they get goose bumps. In regards to taste, soft explosions join the sense of sight and hearing, as is the case of PZP00 . This piece is made of an audiovisual granular synthesis and popping candy. It confuses the body, which feels immersed in a full activity, blocking thoughts and surrendering to flow with the senses, making the perceived shapes more complex. On the other hand, in pieces such as Poema Fonético para Bouba, Diana plays with the word “bubble” after researching proto-languages in search of the relationship between graphical symbols, sounds and forms. The exercise allows her to navigate the stages of creation of a proto-language from the form to the symbol to the sound. Anyone can explore this correlation by using the given instructions and create each poem. The result is read aloud by the person or the people who take part in the exercise to create an environment of sound bubbles.

Fotogramas de PZP00, 2015, instalación inmersiva a técnica mixta, sonido multifocal y caramelo carbonatado, medidas variables. Colaboración en video Carlos Serrano.

LR 154

Lisyanet Rodriguez CUBA

Hágase la voluntad de lectura, allí donde a luz lo mismo ciega que ilumina.

dibujo . drawing

Lisyanet Rodríguez es una suerte de hada, de personaje raro extraído de la literatura y no de la vida real. Es una hacedora de metáforas y de rizomas. Su obra, a sus anchas, goza de una doble condición: por una parte la centralización de la belleza confesada en tanto que pulsión manifiesta, y por otra, el encumbramiento de la extrañeza convertida en el espacio en el que se produce la fruición de lo inquietante. Sus piezas se revelan como auténticas metáforas, tejidos alegóricos que no remiten precisamente a la ficción, como pudiera pensarse, sino que, por el contrario, se acercan a su propia vida a modo de biografía visual de lo que fue su

Let there be a will to read, for light blinds as well as enlightens.

Lisyanet Rodríguez is a sort of fairy, a bizarre character from literature and not real life. She is crafter of metaphors and connections. With complete freedom, her work has a double nature: on one hand the centralization of beauty revealed as an implicit motivation, and on the other hand, the rise of weirdness transformed into the space where unsettling things happen. Her pieces are presented as true metaphors, allegoric tissues that don’t necessarily allude to fiction, as one might think, but that, on the contrary, are closer to life as a sort of visual biography of her childhood memories. These

The Giraffe’s Fable, 2018, carboncillo y acrílico sobre tela, 198.12 x 243.84 cm.

Elastic III, 2017, carboncillo y acrĂlico sobre tela, 193.04 x 111.76 cm.

Quiet Singing, 2018, carboncillo y acrĂlico sobre tela, 198.12 x 198.12 cm.

infancia. Estas obras no deberían ser leídas solo, o no únicamente, como formalizaciones estéticas relatoras de un gran virtuosismo técnico. Deberían ser leídas, por el contrario, como revelaciones simbólicas de su historia personal y familiar, como el tratado enfático en el que se registran las pistas e indicios de una particular existencia, la radiografía de un presente que procura el cruce con el pasado. En la misma medida en que yo idolatro las palabras y las invito a formar parte sustancial de mi mundo; Lisyanet, a su manera, convierte la ficción del arte en esencia de vida, se forja una mitología privada que habita a su voluntad y a su antojo. Los personajes que, junto a ella, pueblan ese mundo, parecen liberados de una tierra extraña, una isla tal vez. El silencio de sus espacios y su ceguera, les revelan desprovistos de sus atributos y de sus prerrogativas. Esos personajes, en apariencia, se manifiestan contra los mundos estereotipados, anuncian su felicidad al mismo tiempo que cantan sus amarguras confusas, sus vidas oscilan entre lo fútil y lo fúnebre, entre la densidad verbal y la epifanía.

pieces mustn’t be assessed on their own, or perhaps not only as narrating aesthetic formalizations of great technical mastery. They should rather be interpreted as symbolic revelations of her personal and family history, as the emphatic record of all the hints and elements of a specific life, an X ray of a present that brings the past forward. Much in the same way I idolize words and urge them to be a substantial part of my world, Lisyanet transforms art fiction into life essence in her own way. She builds a private mythology that she populates at her own will and wish. The characters that populate this world alongside her seem to be liberated in that strange land, an island perhaps. The silent spaces and the blindness of the characters strip them from all attributes and prerogatives. The characters’ appearance is presented as being against stereotypes, announcing their joy and singing their confusing sorrows. Their lives fluctuate amongst futility and gloominess, amongst verbal density and epiphany.

De ahí, tal vez, ese particular magnetismo que atraviesa su imaginario y lo convierte en aliado de la recordación. Lisyanet, que pertenece a una generación de acento epigonal con cierta recurrencia citacionista, ha logrado algo que es esencial para la consolidación y permanencia de una obra: la fundación de un estilo propio basado en la postulación de una voz personal y única.

Ella ha conseguido generar, per se , una poética. Y nada de ello viene dado por la grandilocuencia de las búsquedas antropológicas, o los pseudoconceptualismos de moda que a ratos resultan estridentes caricaturas de la banalidad (y de la vanidad). Ese hallazgo, en ella se produce precisamente, por medio de una indagación en los pasajes de su propia vida.

Hence, the peculiar magnetism that distinguishes her imaginary and turns it into an ally for reminiscence. Lisyanet, who belongs to an epigonic generation with a certain tendency to quote things, has accomplished something that is essential to the consolidation and persistent relevance of artwork: the establishment of a distinguishing style based on a unique proposal and personal voice. She has managed to create a poetic, per se. Yet nothing of her poetic stems from the grandiosity of an anthropological search or the trendy pseudoco nceptualism that is so often a gaudy caricature of banality (and vanity). What she has found and managed to create is nothing sheer of the result of exploring the landscapes in her own life.

Orchids Forest, 2018, carboncillo y acrĂlico sobre tela, 198.12 x 243.84 cm.

IU 160

ignacio urrutia

mul tidisciplinar . mul tidisciplinar y

CHILE

Seré muy sincero en el inicio de este texto. Hasta el momento no conocía el trabajo del artista Ignacio Urrutia, todo llegó, como arriba todo a mi vida: una especie de suerte que a veces no me explico. Me hablan de su obra y automáticamente busco en su cuenta de Instagram; para mi sorpresa, es un artista muy joven y con un gran talento. Su producción es muy variada, él se mueve sin ningún problema por diferentes tendencias y estilos artísticos. Es todo un popurrí de ideas estéticas, conceptuales y formales que giran en torno al tratamiento del cuerpo, la inmersión en la naturaleza, el análisis del tiempo y las transformaciones que hacemos en nuestra vida. En su trabajo se ha concentrado en la búsqueda de nuevas formas, acercarse a lo postmoderno y alejarse un poco de los academicismos establecidos. Él rompe con todo y su obra es la copia de este resquebrajamiento

Let me be completely honest from the beginning. I wasn’t familiar with Ignacio Urrutia’s work up until now. It all came to me as many other things in my life: in a stroke of luck I can barely even explain. When I was told about his work, I immediately looked up his Instagram account and rather shockingly discovered he is a very young and talented artist. His production is diverse; he navigates different art trends and styles with ease. I found an assortment of aesthetic, conceptual and formal ideas surrounding the treatment of the body, immersing in nature, analyzing time and the transformations we undergo in our lives. His work has been focused in seeking out new approaches, embracing post-modernism and leaving the predominant academicism behind. He breaks all rules and his work represents a parting with clas-

Luna Roja, 2018, cartรณn impermeabilizado, esmalte en aerosol, 130 x 125 cm.

Detalle de Madre Luna, 2018, cartรณn impermeabilizado, esmalte en aerosol, 110 x 130 cm.

Madre Luna, 2018, cartรณn impermeabilizado, esmalte en aerosol, 110 x 130 cm.

IU con el arte clásico; se enfoca en querer conectar con la naturaleza y que cada material utilizado puede hablar por sí solo. Entonces, estamos frente a obras de corte abstracto (sus obras realizadas con cartón) y en algunas ocasiones vemos rasgos figurativos (su fotografía). Es importante mencionar que Ignacio Urrutia es arquitecto de formación, por eso, su gusto por lo geométrico y todas sus variantes. Su especialidad la ha llevado y la ha explotado en todos los sentidos. Su cuerpo como boceto del hombre de Vitrubio se expone y se inserta en cada paisaje que él ha transitado y en el que le ha interesado formar parte del mismo. Todo es una simbiosis espiritual que se crea entre los elementos que nos brinda el medio ambiente, es una mixtura que tal parece Ignacio nació para estar en contacto con la madre tierra. Sus formas orgánicas (relación cuerpo/naturaleza) también las podemos encontrar en sus piezas bidimensionales, en las que utiliza el cartón como medio y material de expresión. Esta materialidad le ha posibilitado a Ignacio cierta volumetría en sus creaciones pictórica-escultóricas; un término que crea una sensación de planimetría y tridimensio-

sic art, he rather connects with nature and each material speaks on its own. Therefore, we encounter abstract pieces (namely his work with cardboard) and we occasionally appreciate figurative features (in his photographs).

A professional architect, Ignacio Urrutia is thus attracted to geometry and all its variations. His specialty has led him to exploit geometry in all its aspects. His body, much like the Vitruvian Man, is presented and inserted into each landscape he has visited and that he has been interested in being part of. Everything is a spiritual symbiosis among the elements the environment provides. Such is his treatment of it that Ignacio seems to have been born to be in touch with Mother Earth.

His organic shapes (stemming from the body/nature relationship) can also be found in his two-dimensional pieces, where he uses cardboard as the means and materials for expression. This material has allowed Ignacio to achieve a certain volume in his pictorial-sculptural creations; a term that arouses a feeling of both visual flatness and

nalidad visual. Las encontramos de varias formas y tonalidades, eso sí, cuando estamos a una distancia prudente el ojo humano lo que aprecia son estructuras arquitectónicas. Y, es que la construcción para este creador es algo innato que está en su pensamiento diario; por ello, la riqueza estética y conceptual de cada una de sus intervenciones.

Como creador él se siente atraído por las formas y las líneas, lo perfecto, lo impoluto; son vínculos que logra establecer con los espacios, los siente, los vive. Estamos en una sociedad donde nuestras redes sociales están por delante de todo, sin embargo, Urrutia se aleja de esto (aunque está bien actualizado con las redes como buen millennial) pero él busca y, lo ha logrado, reconectarse con su entorno. Su quehacer evoluciona y se posiciona dentro del panorama visual joven de Chile con propuestas que debemos analizar con más detenimiento. Su cuenta de Instagram, por el momento, es su base de datos de todo lo que ha realizado hasta el momento. Ya tendrá su website, los millennials vamos a nuestro ritmo; no nos pueden apurar. Ignacio Urrutia, esto es el comienzo. Ya vendrán más textos sobre tu producción. Ya te sigo y de muy cerca.

three-dimensionality. His pieces are presented in different shapes and hues, but in any case, the human eye can perceive at a moderate distance that they are architectural sculptures. For this creator, construction is an inseparable element from daily thoughts, hence the aesthetic and conceptual richness of each installment.

As an artist, he interested in shapes, lines and perfection, flawlessness. These are what allows him to create bonds with the spaces, how he feels and experiences them. In our society, social networks are predominant. However, although Urrutia is a millennial and he keeps his social media up to date, he has sought out to and managed to reconnect with the environment. His work is evolving and it is positioning as a proposal worthy of a thorough analysis in the Chilean visual art work. His Instagram account is, as of now, a database of everything he has created thus far. Soon he’ll have a website, but not just yet. We millennial work at our own pace, we can’t be rushed. For Ignacio Urrutia this is just the beginning. More people will write about his production. I’m already following you, and very closely at that.

Luna Negra Nueva, 2018, cartรณn impermeabilizado, esmalte en aerosol, 110 x 127 cm.

MV 166

maria villanueva ARGENTINA

El espacio se configura de maneras diversas, puede ser interno o externo, puede ser una dualidad o una réplica de lo uno en lo otro. El terreno, las depresiones, los valles, los relieves, los límites y las fronteras ¿lo son únicamente de la tierra, o es también el cuerpo humano un espacio en el que se replican estos conceptos? El trabajo de María Villanueva entra a hacer sentido en una combinación entre cuerpo y territorio, conceptos entre los que sus obras deambulan, vinculándolos, trazándolos, manejándolos.

escul tura . sculpture

Sus inicios en la pintura la hicieron derivar lentamente hacia la performances y luego hacia los objetos escultóricos. De este modo, empezó a trabajar con elementos propios del chamanismo como las máscaras y los muñecos vudú, cargando los objetos de valores, más allá del significado en sí mismo que

Space can be configured in different ways. It can be internal or external, it can be a duality or a replica of something else. The terrain, depressions, valleys, reliefs, boundaries and frontiers... Are they only related to land or to the human body as well, a space that mimics these concepts? María Villanueva’s work makes sense out of the combination of body and land, two concepts her work addresses, linking the two, intertwining and controlling them.

Her early beginnings in painting led her to slowly divert towards performance pieces and then sculptural objects. Subsequently, she started to work with traditional shamanic elements such as masks and voodoo dolls, bestowing the objects with a new meaning beyond what they might already

Animal de poder, 2017, muĂąeca de tela, 20 x 10 cm.

Corazรณn, 2018, cerรกmica esmaltada, 16 x 13 cm.

Cartografías del cuerpo, 2018, estómago, páncreas, riñones, hígado, intestino, instalación de cerámicas esmaltadas, 120 x 25 cm.

MV puedan tener. Así, genera obras performáticas que dan cuenta de su mirada latinoamericana sobre el cuerpo como metáfora de la existencia. La corporalidad es vista como un espacio físico, con recorridos y volúmenes, con espacios internos que se conectan –de manera conceptual– a su trabajo cartográfico.

El territorio y las cartografías son parte de su obra como una manera de analizar los recorridos, los trayectos, una forma de relatar a la civilización con realidades que pudieron ser. Es así como las grietas y divisiones que se observan en la visualidad de sus trabajos cartográficos, son una reflexión crítica sobre la realidad social, política y nuestra propia tierra.

Y son estos recorridos las que dan a María la unión, en el análisis, sobre lo que son las formas. Formas sinuosas que luego encuentra en el cuerpo humano a modo de réplica y de visualidad. Es así como creó la serie Cartografías del Cuerpo, la que, en sus palabras: “es más bien una acción que va más allá del resultado final. Son investigaciones have by themselves. As a result, she creates performance pieces that evince her Latin American perspective on the body as a metaphor for existence. Bodies are regarded as physical spaces, with journeys, volumes and inner spaces that she conceptually links to her cartographic work. Terrain and cartography are part of her work as a way of analyzing paths, journeys, a way of portraying civilization through the realities that could have been. All the cracks and divisions in her visual cartographic work represent a critical reflection on the social and political reality, as well as a critique about our own land. These paths are what reveal to María the connection between the shapes, they allow her to analyze them. Afterwards, she also finds these curved shapes in the human body as visual replicas. Such a process is what led to the creation of her series Cartografías del Cuerpo, which in her own words: “It’s more about performing an action

que hago en relación a mi propio cuerpo, en un ejercicio de observación. Pensar el organismo interno y cómo el funcionamiento del mismo se ve también en los organismos externos, haciendo comparaciones con lo que es el territorio y el cómo funciona la sociedad, la naturaleza, en relación al propio cuerpo. Esto es una forma de hacer arte/ transformación, arte/salud”.

En relación a los recorridos, cabe mencionar las acciones de circulación de estas obras en coolers visitando diferentes exposiciones bajo el lema tráfico de órganos. En esta serie, María recrea en cerámica los órganos más importantes del aparato digestivo. Genera sensaciones encontradas rechazo, aceptación, asco en el espectador que observa su obra en los espacios expositivos, pero además cuestionamientos sobre el cuerpo y las motivaciones de la artista para crear, de un modo armonioso y delicado, el corazón, intestino, páncreas, riñones, hígado y estómago. Como principio de este recorrido que pretende extenderse a todos los sistemas el cuerpo humano.

that goes beyond the final result. The pieces are explorations of my own body, an observation exercise. Thinking about the inner body and how its activity also affects external organisms; I compare this with the essence of the land and how society works, with nature, how all of this relates to the body itself. It’s truly a way of creating art/transformation, art/health.” In regards to the journey, it is also noteworthy that these pieces are transported by using coolers, hoping from exhibit to exhibit the same way organs do in trafficking. In this series, María recreates the most important organs of the digestive system in ceramics. The sample rouses conflicting emotions: rejection, acceptance, the disgust the viewer feels upon seeing her work in exhibition spaces, but how it also makes them question the body and the artist’s motivation to recreate, in a harmonious and delicate way, the heart, intestine, pancreas, kidneys, liver and stomach. These pieces are the beginning of a journey that she will extend onto all bodily systems.

Vudu doll, 2018, muĂąeca de tela bordada con pelo natural, 20 x 10 cm.

EO 172

erika ordosgoitti VENEZUELA

performance . performance

Desnudo. Imagina ir a la calle desnuda para que el mundo vea tu cuerpo como si fuera parte de la ciudad, entrar a un museo, subirte a esculturas públicas, que el pudor se apodere de la mente del espectador de manera innata. El cuerpo desnudo pareciera ser una anomalía para la sociedad en la que vivimos ¿qué cuestiona el trabajo de Erika Ordosgoitti? La pregunta pareciera ser innecesaria ante un mundo que reconoce como ajeno lo más natural que existe, nuestros propios cuerpos. Su obra se fundamenta a través de declaraciones de libertad, donde entrega testimonios de actos de autonomía. Es así como procura generar situaciones incomodidad que cuestionen la moralidad del

Naked. Imagine walking down the street naked for everyone to see you body as if it were a part of the city, climbing on top of public sculptures and that the audience immediately feel a sense of modesty. Naked bodies seem to be an anomaly in the society we live in. What does Erika Ordosgoitti’s work really question? This question would seem unnecessary in a world that regards the most natural thing in existence as something foreign: our own bodies. Her work is founded upon statements of freedom, accommodating acts of true autonomy within it. Therefore, she is able to create uncomfortable situations that question our mor-

Intervenciรณn al Museo de Arte Contemporรกneo de Caracas, fotoasalto, 2011, impresiรณn de tinta sobre papel semisatinado, 60 x

Alegue performance, fotoasalto, 2015, impresiรณn de tinta sobre papel semisatinado, 150 x 76 cm. Colaboraciรณn: Rosa Chรกvez.

Misi贸n Le贸n, 2013, impresi贸n de tinta sobre papel semisatinado, 70 x 140 cm. Colaboraci贸n: Jaime de Sousa.

EO ser, desde el cuerpo ¿Es este cuerpo un espacio social en pugna, un lugar de resistencia? Para la artista venezolana sí lo es. Y ¿qué puede ser entendido como moral desde su trabajo?, “’según Nietzsche la moral es la idiosincrasia del decadente con el fin oculto de vengarse de la vida’, esta idea representa mi noción de moral, porque considero que nuestras relaciones del bien y del mal están totalmente mediatizadas por factores externos y ancestrales. Creo que hay cierta inconsciencia en las personas, ya que no hemos logrado tomar noción de que nuestros actos no dependen solo de nosotros mismos, claramente están influenciados, predeterminados, preacuñados por factores genéticos y, de manera súper contundente, por factores culturales”, explica Erika. Y desde ahí, busca que su trabajo desconfigure al gesto, a la conducta, que genere reflexiones intrínsecas sobre ¿por qué no?, ¿dónde está el límite entre lo correcto y lo incorrecto?, ¿de qué manera, incluso la vestimenta que es tan ajena al cuerpo, ha pasado a ser parte de él?, ¿por qué osamos a responsabilizar a las fuerzas externas de nuestros propios actos? Al respecto, Erika señala: “los prejuicios, por ejemplo, son cosas abstractas que no existen, solamente existen cuando tu prestas o

donas tu cuerpo para que ellos se encarnen, este es el asunto moral que ahondo en mi trabajo”.

als using the body. Is the body a conflicting social space, a place of resistance? For the Venezuelan artist it truly is. What can we conceive as moral through her work? “According to Nietzsche, ‘morality is the idiosyncrasy of decadents having the hidden desire to revenge themselves upon life’. This idea represents my conception of morals, since I believe our ideas about good and evil are completely obstructed by ancient and external factors. I think people are somewhat unaware of this, because we haven’t realized that our actions don’t solely depend on us, and that they are clearly influenced, predetermined and preestablished by genetic factors and, more importantly, cultural factors,” Erika explains. For this reason, her work aims to deconstruct our actions and behavior to make people wonder: Why not? Where does the limit between right or wrong lay? How can even clothing, which is so alien to the body, has become part of it? Why do we dare to make external forces responsible for our own actions? In this regard, Erika comments: “Prejudice, for example, is an abstract, non-existing thing. It only exists

when you surrender your body for these judgments to be made. This is the moral issue that I address in my work.”

La performance, herramienta para generar su obra, se basa en la poesía que ella construye y determina como un elemento políglota ya que al realizarse a través del cuerpo, es leído de igual forma en todas partes del mundo. Su obra, así se hace cosmopolita y a la vez situada a cada localidad en la que es vista. “La poesía, para mí, es fundamental porque es el arte más pobre. No necesita de ningún soporte, de ningún artefacto. Es un arte que me ha permitido eventos de libertad en momentos de absoluta opresión, en circunstancias en las que mi cuerpo está oprimido, sobre todo por lo económico o político, es una compañera y genera exhortación. Ayuda a recordar la angustia que es muy importante en el arte, ya que sale de circunstancias adversas, malestares, problemas… no hay arte desde la felicidad. Creo que esa lucidez es absolutamente necesaria para los espíritus libres, para quienes buscan y anhelan estar en libertad. La libertad es un evento fugaz y es así porque el poder es omnipresente, uno está sitiado frente a él”, finaliza Erika.

Her performance, the representation she uses to produce her work, is based on the poetry she has constructed. Since her work is accomplished through the use of her body, this poetry becomes a multilingual element that has the same interpretation throughout the world. This way, her work becomes both universal and specific to every place that she visits. For me, poetry is fundamental because its the most precarious art form. It doesn’t need any support nor any devices. It’s a representation that has allowed me to have moments of freedom in the context of total oppression where my body is subjugated, particularly by economical and political aspects. Poetry is my partner and it liberates me. It helps me remember that angst is important in art, because it comes from tough circumstances, grievances, issues... Art doesn’t come from happiness. I think that clarity is absolutely necessary for free spirits, for those who seek out and crave freedom. Freedom is a fleeting thing, and it is thus because power is omnipresent, we are subjected to it,” Erika concludes.

Escarela de Caracol de Macarao, fotoperformance, 2011, impresiรณn de tinta sobre papel semisatinado, 60 x 40 cm. Colaboraciรณn: Nancy Urosa.

bio. biografias

biographies

bio. FERNANDA AVENDanO

JOse´ BALLIVIAN

1993 | Santiago, Chile

1975 | La Paz, Bolivia

Estudió Licenciatura en Artes Visuales en la Pontificia Universidad Católica de Chile y realizó un intercambio académico a la Universidade do Porto en Portugal. Entre sus principales exposiciones se encuentran el Museo FBAUP, Portugal; Feria del Millón, Colombia; Concurso Arte Joven del Museo de Arte Contemporáneo, Chile; Sala CCU, Chile, entre otras. Su obra se encuentra en diversas colecciones privadas.

Estudió en la Academia Nacional de Bellas Artes, Hernando Siles, La Paz, Bolivia y Ciencias de la Comunicación Social, Universidad Mayor de San Andrés, La Paz, Bolivia. José Ballivián, es un artista de la primera generación de neoconceptuales, que se formó enteramente en Bolivia. Su cuerpo de obra gira entorno a los fenómenos híbridos de su contexto social para referirse a los origines antropológicos del arte y la cultura popular en Bolivia. Expone individual y colectivamente desde 1999. Entre sus participaciones: 57a Bienal de Venecia, “Viva Arte Viva”, Pabellón de Bolivia, Venecia, Italia 2018, 200 años de Arte Argentino, congreso de Tucumán, Argentina, Museo Municipal de Bellas Artes Juan B. Castagnino + Macro, Rosario, Museo de Arte Contemporáneo (MAR) Buenos Aires, Argentina 2016, Museo Nacional de Arte, Bolivia 2010.

She has a Bachelor’s degree in visual arts from the Pontifical Catholic University of Chile and she did a student exchange at the Universidade do Porto in Portugal. Her main exhibitions are shown at the FBAUP Museum in Portugal, Feria del Millón in Colombia, Concurso Arte Joven in Chile’s Museum of Contemporary Art, Sala CCU, also in Chile, among others. Her work is also part of several private collections.

He studied at Academia Nacional de Bellas Artes, Hernando Siles in La Paz, Bolivia. He also studied social communication science at Universidad Mayor de San Andrés, La Paz, Bolivia. José Ballivián belongs to the first generation of neoconceptual artists in Bolivia. His work took a turn towards hybrid phenomena in his social context to refer to the anthropological origins of Bolivian popular art and culture. His work has been featured in solo and collective exhibitions since 1999. His exhibits include: The 57th Venice Biennial, “Viva Arte Viva”, at the Bolivian pavilion, Venice, Italy (2018), 200 años de Arte Argentino, at the Tucumán Congress in Argentina, Museo Municipal de Bellas Artes Juan B. Castagnino + Macro, Rosario, Museo de Arte Contemporáneo (MAR) Buenos Aires, Argentina 2016, Museo Nacional de Arte, Bolivia 2010.

www.fernandaavendano.cl m ail @ fe rnan da a v e n dan o.c l

w w w . j o s e b a l li v i a n . c o m j o s e b a l li v i á n . 0 @ g m a i l . c o m

mandy anselmo

´ AISHA AScoNIGA

1990 | Maracay, Venezuela

1989 | Lima, Perú

Arquitecto egresada de la Universidad Central de Venezuela, Cursó en el Instituto Armando Reverón, introducción a las artes. Ilustradora del libro “One day at a Time” en USA y de proyectos en países como Alemania y Singapur. Sus obras han sido expuestas en diferentes partes del mundo, la más importante, en Venezuela, en el Museo de las Bellas Artes; cruzando las fronteras latinoamericanas con exposiciones en Bogotá, Colombia; Quito, Ecuador en el Centro de Cultural Carlos fuentes, Perú y Chile. She is an architect from UCV in Venezuela. She studied introduction to visual arts at Instituto Armando Reverón. She illustrated the book “One day at a time” in the US, as well as several other projects in countries such as Germany and Singapore. Her work has been exhibited all over the world, namely Venezuela at the Museum of Fine Arts, and then crossing the frontiers in Latin America with exhibitions in Bogotá, Colombia; Quito, Ecuador at Centro Cultural Carlos Fuentes; Peru and Chile. m a n d y a n s e l m o . a r t s t a t i o n . c o m /m a n d y a n s e l m o @ g m ail .c o m

´ JOSeÉ´ BENVENUTO MAriA

Realizó un bachillerato complementario en arte en la Universidad Mayor de San Marcos de Lima. Concretó cursos de pintura y acuarela en la escuela The Art Student League Of New York en Manhattan. Ha participado en diversas ferias de arte como Pinta, Miami; Artbo, Bogotá; Singapore Contemporary Art Fair, Singapure; Tokio Art Fair, Tokio; Asia Contemporary Art Show, Hong Kong; PARC, Lima, entre otras. Ha realizado 5 exposiciones individuales en Santiago, Lima y Madrid. Cuenta con exposiciones colectivas en el Museo Memorial de America Latina en Sao Pablo, Brasil; Museo de Bellas artes de She has a BA Degree in art from the Universidad Mayor de San Marcos in Lima. She has also coursed studies in painting and watercolors at the Art Student League of New York in Manhattan. She has participated in several art fairs such as Pinta, Miami; Artbo, Bogotá, Singapore Contemporary Art Fair, Singapore; Tokyo Art Fair, Tokyo; Asia Contemporary Art Show, Hong Kong; PARC, Lima, among others. She has held 5 solo exhibitions in Santiago, Lima and Madrid. Collectively, she has exhibited her work at the Latin American Memorial Museum in Sao Paulo, Brazil; Santiago’s Museum of Contemporary Art, Chile; Pabellón de las Artes in Puerto Madero, Buenos Aires; ICPNA in Lima, among others. w w w . b e h a n c e . n e t /a i s h a a s c o n i g a aish a a s c o nig a @ h o t m ail .c o m

CLAUDIA CAFFARENA

1990 | Santiago, Chile

1978 | Lima, Perú

Licenciada en Artes Visuales de la Pontificia Universidad Católica de Chile. Ha expuesto de manera individual en Galería Madhaus, CV Galería y Casas de lo Matta en Santiago. Además, de forma colectiva e internacional cuenta con exposiciones en Galería Macchina, Santiago; Fundación Telefónica, Santiago; The New Florence Bienale, Florencia; Red Dot y Aqua, Miami; y Scope, Basel.

Desde sus comienzos en el panorama de las artes visuales, sus inquietudes encontraron en la cerámica y la escultura su forma de expresión. Para aumentar sus conocimientos sobre ambas manifestaciones, cursa estudios en el Taller de Escultura de Nani Cárdenas (2012-2016) y el Taller de Cerámica de Sonia Céspedes Rossel (2013-2017); ambos espacios fueron grandes experiencias para ella, donde aprendió las técnicas que hoy aplica en su producción. Su más reciente pesquisa estuvo enfocada a los Shicras, una antigua técnica de la civilización que habitó en la zona de Caral, como resultado final ha expuesto en su muestra personal “Shicras, Tiempo de Renovación” en el Museo Amano y “Puntos de Vista” en la Galería Ginsberg, ambas en el 2018.

She has a Bachelor’s Degree in Visual Arts from the Pontifical Catholic University in Chile. She has held solo exhibitions at Galería Madhaus, CV Galería and Casas de lo Matta in Santiago. Collective exhibits featuring her work have also been held at Galería Macchina and Fundación Telefónica in Santiago; and overseas at The New Florence Bienale in Florence, Red Dot and Aqua in Miami; Scope and Basel.

Since the start of her career in the visual art world, her angst found an outlet for her expression through sculpture and ceramics. To increase her mastery of these two techniques, she studied at Nani Cárdenas sculpture workshop (2012-2016) and Sonia Céspedes Rossel’s ceramic workshop (2013-2017). Both of these experiences taught her all the techniques she currently uses for her production. Her latest proposal focused on Shicras, an ancient technique of the civilization that lived in Caral. The final result, two samples entitled “Shicras, Tiempo de Renovación” and “Puntos de Vista” were exhibited at the Ginsberg Gallery in 2018.

www.mariajoseb envenuto.cl m ariajo s e b e n v e nu to @ g m ail .c o m

w w w .c la u dia c af fa r e n a .c o m c la u dia c af fa r e n a @ g m ail .c o m

bio.

Osiris Cisneros

´ DE ROSE ANDreS

1985 | La Habana, Cuba

1986 | Buenos Aires, Argentina

Estudió en la Academia Nacional de Bellas Artes, Hernando Siles y Ciencias de la Comunicación Social, Universidad Mayor de San Andrés, ambas en La Paz, Bolivia. José Ballivián. Expone individual y colectivamente desde 1999. Entre sus participaciones: 57a Bienal de Venecia, “Viva Arte Viva”, Pabellón de Bolivia, Venecia, Italia 2018, 200 años de Arte Argentino, congreso de Tucumán, Argentina, Museo Municipal de Bellas Artes Juan B. Castagnino + Macro, Rosario, Museo de Arte Contemporáneo (MAR) Buenos Aires, Argentina 2016, Museo Nacional de Arte, Bolivia 2010.

Desde la infancia estudió dibujo y pintura. Posteriormente ingresó a la Escuela terciara de Bellas Artes Manuel Belgrano, en Argentina. Ha participado de la residencia Curatoria Forense en Valparaíso, y fue seleccionado para el Proyecto PAC, programa anual de clínica y confrontación de obra. Además colaboró en la producción de arte del Menashe Forest Festival en 2017, Israel. Sus principales exposiciones han sido en Argentina en las galerías Gachi Prieto, Praxis y Quadro. Su obra se encuentra en colecciones privadas.

He studied at Academia Nacional de Bellas Artes, Hernando Siles in La Paz, Bolivia. He also studied social communication science at Universidad Mayor de San Andrés, La Paz, Bolivia. His work has been featured in solo and collective exhibitions since 1999. His exhibits include: The 57th Venice Biennial, “Viva Arte Viva”, at the Bolivian pavilion, Venice, Italy (2018), 200 años de Arte Argentino, at the Tucumán Congress in Argentina, Museo Municipal de Bellas Artes Juan B. Castagnino + Macro, Rosario, Museo de Arte Contemporáneo (MAR) Buenos Aires, Argentina 2016, Museo Nacional de Arte, Bolivia 2010.

He has been studying drawing and painting since he was a child. Later in his life, he entered the Escuela Superior de Bellas Artes Manuel Belgrano in Argentina. He has participated in the residency Curatoría Forense in Valparaíso and was selected for Proyecto PAC, an annual training program and art confrontation. He also collaborated with the art production at the 2017 Menashe Forest Festival in Israel. His main exhibitions have been held in Argentina at the Gachi Prieto, Praxis and Quadro galleries. His work is also part of several private collections.

w w w . o s ir i s c i s n e r o s . c o m illog ic ar t 7 7 7 @ g m ail .c o m

w w w . an dr e s de r o s e.c o m an dr e s de r o s e @ y a h o o .c o m. ar

Maikel DomÍnguez

Entes

1989 | Holguin, Cuba

1982 | Lima, Perú

Licenciado en Bellas Artes de la Universidad de las Artes (ISA), en Cuba. Cuenta con estudios en Royal Insititute of Art, Suecia y en la Academia de Bellas Artes El Alba de Cuba. Ha realizado exposiciones individuales y colectivas en Estados Unidos, Suecia y Cuba.

Joan Jiménez, conocido como Entes, es un reconocido graffitero -siendo uno de los pioneros- de la escena artística nacional e internacional, destaca por su versatilidad y talento, por lo que podemos encontrar disímiles intervenciones en diversas partes del mundo; cabe mencionar países como Japón, Estados Unidos, México, Alemania, Holanda, Colombia, entre otros espacios donde el spray hace su presencia. Su principal representación está dirigida al rescate de la tradición de su país, por lo que en cada una de sus intervenciones vemos personajes típicos de su contexto actual. Asimismo, en la actualidad ha llevado sus grafitis hacia la tela priorizando su lado más pictórico, es uno de los organizadores del Festival Latido Americano y, posee un cúmulo de exposiciones personales y colectivas que avalan su extensa trayectoria en los diferentes contextos en los que se mueve.

He has a Bachelor’s Degree in Fine Arts from ISA in Cuba. He studied at the Royal Institute of Art, Sweden, and the El Alba Academy of Fine Arts, Cuba. He has had solo exhibitions in the US, Sweden and Cuba.

Joan Jiménez, better known as Entes, is a celebrated graffiti artist. A pioneer in the national and international art scene, he is known for his versatility and talent, which is why he has developed very different interventions throughout the world, in countries such as Japan, the US, Mexico, Germany, the Netherlands, Colombia, among the many other places where his spray bottles have left a mark. The main goal of his representation is to salvage his country’s tradition. For this reason, each of his pieces feature a current and traditional character. Moreover, his graffiti work is now being translated into the canvas, prioritizing his pictorial side. He is one of the organizers of the festival Latido Americano and he has held several solo and collective exhibitions that validate his vast career path in the different contexts he navigates.

w w w . maike ldoming ue z .c om do ming u e z b a ste r @ g m ail .c o m

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bio. Nieves Mac-auliffe

Diana Medina

1981 | Santiago, Chile

1988 | Bogotá, Colombia

Licenciada en Arte con mención en Pintura en la Universidad Finis Terrae, Santiago. Cuenta con una especialización en grabado en la Escuela Superior de Diseño y Arte Llotja, España. Ha trabajado en el taller de arte Complementa, con jóvenes con Síndrome de Down. Entre sus exposiciones nacionales, ha participado en el Centro Cultural de Las Condes; III Concurso MAVI; Matucana 100; Galería Artespacio, Galeria Espora, Feria Ch.ACO, entre otros. En el extranjero a expuesto en Barcelona, España y Buenos Aires, Argentina. Su obra pertenece al Patrimonio Pictórico CCU, Fondo de las Artes Universidad Playa Ancha, Colección de la Universidad de Talca, entre otras.

Estudió Música con énfasis en Canto Lírico en la Universidad de Los Andes, Bogotá, lugar donde también realizó la especialización en Medios Electrónicos y Artes del Tiempo. Posteriormente estudió en Dubspot, Nueva York, donde se especializó en producción musical y medios digitales. Realizó una maestría en Arte Sonoro en la Universidad de Barcelona. Ha expuesto en el Convento de Sant Augustí Agustí , Barcelona; Festival BCN, Impro Fest, ( BCN impro Fest 2017) Festival Zeppelin, entre otros de Barcelona. Participó de Artbo, Bogotá.

She has a Bachelor’s Degree in art specializing in painting from the Finis Terrae University, Santiago. She also has a specialization in engraving from the Escola Superior de Disseny i Art Llotja, Spain. She was worked with Down syndrome students at the studio Complementa. Her national exhibitions were showcased in Centro Cultural de Las Condes, the 3rd MAVI contest, Matucana 100, Galería Artespacio, Galeria Espora, the Ch.ACO fair, among others. Overseas, she has exhibited her work in Barcelona, Spain and Buenos Aires, Argentina. Her work is part of the CCU Pictorial Heritage, Fondo de las Artes Universidad Playa Ancha and the collection of Universidad de Talca, among others.

She studied music, specializing in lyrical singing at Universidad de Los Andes, Bogotá, where she also specialized in electronic media and time arts. Later, she studied at Dubspot, New York, where she specialized in music production and digital media. She obtained her Master›s Degree in sound art from the University of Barcelona. She has exhibited at the Sant Agustí Convent, Barcelona; BCN Festival, Impro Fest, (BCN Impro Fest 2017), Zeppelin Festival, among other places in Barcelona. She participated in ArtBo, Bogotá.

n i e v e s m a c a u li f f e @ g m a i l . c o m @ n i e v e s m a c a u li f f e

unb o t .e s @ g m ail .c o m dc . m e din a 1 5 4 @ g m ail .c o m

Philip Klawitter

Luis Enrique

1985 | Santiago, Chile

19994 | Virginia, EE.UU.

Estudió Arquitectura, Arte y Cultura Contemporánea en la Universidad del Desarrollo, Chile. Su obra ha sido expuesta en diversas instituciones culturales de Chile y el mundo, entre las más importantes están el Museo de Arte Contemporáneo de Santiago y el Museo de Arte Contemporáneo de Valdivia. A nivel internacional expuso en la Galería Bonington en Nottingham, Inglaterra.

He studied contemporary architecture, art and culture at UDD, Chile. His work has been exhibited in several cultural institutions in Chile and the world, including the Museum of Contemporary Art in Santiago and the Museum of Contemporary Art in Valdivia. On an international scale, he has held exhibitions at the Bonington Gallery in Nottingham, England. w w w . mi c r oinf ini t o .c o m pkla wit te r @ g m ail .c o m

Cursa estudios de Artes Visuales en el Newton College siendo éstos sus primeros pasos en el universo de las artes plásticas. Luego, durante tres años transita por la Universidad de Lima en donde estudia Derecho. Se graduó de la Escuela de Artes Visuales Corriente Alterna. Ha realizado exposiciones personales, de Singularidades en Espacio Tomado con la galería IK Projects y La Virgen en Marte en el Garaje, ambas en Lima, Perú. Fue invitado a algunas exhibiciones colectivas: Self en el Centro Cultural El Olivar, Lima; Confluencia Histórica. Visualidad Contemporánea en San Isidro, Lima; Qulla Raymi Killa en el Museo Amano, Lima; Sinergía en la UCAL, Lima; #millennials en el ICPNA, Lima, entre otras. Ha participado en feria como PArC, ArtLima, Gallery Weekend de ArtLima y SWAB en Barcelona y. Ha recibido Mejor propuesta de arte joven en Espacio Tomado con la galería IK Projects y fue finalista en XX Concurso Nacional Pasaporte para un Artista, Lima. He studied Visual Arts at Newton College, venturing his first steps into the visual art world. Then, he studied at the University of Lima, where he studied Law. He graduated from Corriente Alterna, a visual arts school. He has held several solo exhibits like Singularidades en Espacio Tomado at the IK Projects Gallery and La Virgen en Marte en el Garaje, both in Lima, Peru. He has also been invited to participate in some collective exhibitions: Self at Centro Cultural El Olivar, Lima; Confluencia Histórica. Visualidad Contemporánea in San Isidro, Lima; Qulla Raymi Killa at the Amano Museum in Lima; Sinergia at UCAL, Lima; #millennials at ICPNA, Lima, among others. He has participated in art fairs such as PArC, ArtLima, Gallery Weekend in ArtLima, and SWAB in Barcelona. He has been awarded Best Young Art Proposal at Espacio Tomado with the IK Projects Gellery and he was a finalist in the 20th Passport for an Artist contest, Lima. w w w . luisen riqu e z k .c om luis e n riqu e z k @ g m ail .c o m

´ CrISTOBAL Ochoa

´ erika Ordosgoitti

1986 | Caracas, Venezuela

1980 | Caracas, Venezuela

Estudió Escultura en la Escuela de Bellas Artes UNEARTE. Ha tenido 7 exposiciones individuales y ha estado en muchas exposiciones colectivas, sus obras han sido exhibidas en China, Corea del Sur, Inglaterra, España, Colombia, Miami, México, Perú, y Francia. La primera exposición individual en la que participó fue en junio de 2012 en Bogotá, Colombia. Su trabajo es más amplio que la escultura en cerámica, es conocido también en Venezuela por sus intervenciones artísticas callejeras y sus perfomances. En su recorrido artístico también destaca el compromiso con su país, las instalaciones de videos del artista denuncian y evidencian la crisis que atraviesa Venezuela, así como sus fotografías, y acciones de calle (políticas). Ochoa dejó su país en el 2017 por persecución política, actualmente vive y trabaja en París, Francia.

Licenciada en Artes Plásticas con mención en medios mixtos del Instituto Universitario de Artes Plásticas Armando Reverón, Venezuela. Es coproductora y curadora de la Bienal Internacional de Performance de Caracas, directora de P2 Plataforma para Performances, entre otras cosas. Ha expuesto su trabajo en el Museo de Arte Contemporáneo de Caracas y el Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá, además de espacios institucionales y galerías privadas. Recibió el Premio Artista Joven de la Asociación Internacional de Críticos de Arte AICA, 2016, Premio Artista Joven, Fundación MISOL para las Artes, 2014.

He studied sculpture at UNEARTE Fine Arts School. He has held over 7 solo exhibitions and many other collective ones. His work has been showcased in China, South Korea, England, Spain, Colombia, Miami, Mexico, Peru, and France. Hid first solo exhibit has held in June 2012 in Bogotá, Colombia. His work goes beyond ceramic sculptures. In Venezuela, he is also known for his street interventions and performances. He has shown a great commitment to his country through his career: his video installations, photographs and his political street performances denounce and display the crisis in Venezuela. Ochoa left his country in 2017 for political persecution. Nowadays he lives and works in Paris, France.

She has a Bachelor’s Degree in Visual Arts, specializing in mixed media from Instituto Universitario de Artes Plásticas Armando Reverón, Venezuela. She is the head and founder of El Avispero Artist Residency, as well as the director of performance at Plataforma P3, among others. She has exhibited her work at Bogotá’s Museum of Contemporary Art and the Museum of Contemporary Art in Oaxaca, as well as is institutional and private galleries. She was awarded the AICA Prize for Young Artists in 2016, and the MISOL Prize for Young Artists in 2014.

Ins t a g r a m : @ c ris t ob a l o c h o a s t u dio c ris t ob a l o c h o a s t u dio @ g m ail .c o m

w w w .e rik a or do s.c o m solo e sto y sie n do @ g m ail .c o m

bio.

Jorge Otero

Lisyanet Rodriguez

1982 | Ciudad de La Habana, Cuba

1987 | Sancti Spiritus, Cuba

Estudió en la Academia Nacional de Bellas Artes en San Alejandro y en la Universidad de Las Artes (ISA) en La Habana. Ha realizado las siguientes exposiciones personales: Nido en NG Gallery en Ciudad de Panamá, Cáscara durante la XII Bienal de La Habana y War Hero en Galería Habana, Habana. Ha sido invitado a exhibiciones colectivas, entre las que destacan: Nuevo Colores en Galería Robert Miller en New York, (Art)xiomas en el Centro Cultural Español de Miami y en el Museo de las América en Washington, En la piel del otro en la Galería Villa Manuela, Kuba Libre en el Museo de Rostock, Alemania, Rostros, Momentos, Identidad en NG Gallery en Ciudad Panamá. Su obra se encuentra en colecciones como: Fundación Lluís Coromina en Barcelona, Brownstone Foundation en París, Fondazione Benetto en Treviso, Colección Ca.Sa en Santiago de Chile, entre otras.

Posee una licenciatura en Bellas Artes del Instituto Superior de Artes (ISA) de Cuba. Además cursó estudios en la Academia de Bellas Artes de Trinidad en el mismo país. Cuenta con exposiciones individuales en Estados Unidos y Cuba. En forma colectiva a expuesto en Estados Unidos, Cuba, Portugal y Alemania. Ganó el premio UNESCOAschberg Bursaries en 2014, Djerassi Resident Artists Program. Woodside, y The Helen L. and Peter S. Bing Fellowship. Su obra se encuentra en colecciones privadas de Cuba, Estados Unidos, España, Chile, Alemania y Portugal.

He studied at Academia Nacional de Bellas Artes in San Alejandro and at Universidad de Las Artes (ISA) in Havana. His exhibitions include: Nido at the NG Gallery in Panama City, Cáscara during the 12th Havana Biennial and War Hero at Galería Habana, Havana. He has been invited to participate in several collective exhibits, namely: Nuevos Colores at Galería Robert Miller in New York, (Art)xiomas at the Spanish Culture Center in Miami and the Art Museum of the Americas in Washington, En la piel del otro at Galería Villa Manuela, Kuba Libre at the Rostock Museum in Germany, and Rostros, Momentos, Identidad at the NG Gallery in Panama City. His work is also part of several private collections such as: the Lluís Coromina Foundation in Barcelona, the Brownstone Foundation in Paris, Fondazione Benetto in Treviso, Colección Ca.Sa in Santiago de Chile, among others.

She has a Bachelor’s Degree in Fine Arts from ISA in Cuba. She also has studies from the Trinidad Academy of Fine Arts in the same country. She has had solo exhibitions in the US and Cuba. Collectively, she has exhibited in the US, Cuba, Portugal and Germany. In 2014, she was awarded the UNESCO-Aschberg Bursaries prize, Djerassi Resident Artists Program. She has received the Woodside, the Helen L. and Peter S. Bing Fellowship. Her work is featured in private collections in Cuba, USA, Spain, Chile, Germany and Portugal.

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Mareo Rodriguez

Onay Rosquet

1981 | Ciudad de México, México

1987 | La Habana

Arquitecto de la U.P.B. de Medellín, con estudios en Fine Arts en Bournemouth Arts Institute, Reino Unido, Master en Diseño en ELISAVA, Barcelona y Master en Fine Arts en UNA, Buenos Aires. Cuenta con exposiciones individuales en México, España, Alemania, Colombia, Argentina, Italia y Reino Unido. Además ha expuesto de manera colectiva en Francia, Italia, México, Alemania, Estados Unidos, Canadá, Colombia, España y Reino Unido.

Su trabajo se mueve bajo la influencia de las Bellas Artes con un estilo personal basado en el hiperrealismo. Del 2000 al 2001 participó en un taller conducido por José Pérez Olivares en el Estudio Antonia Eiriz y desde 2010 al 2014 trabajó en el Taller de la Gráfica Contemporánea. Ha realizado varias exposiciones personales entre las que destacan las más recientes: Como el que no quiere las cosas en la Galería Galiano, Habana, Cuba y Unboxing en ArteMorfosis en Zúrich, Suiza. Asimismo, ha formado parte de exhibiciones colectivas, tales como: Post-It 3 en la Galería Collage Habana, Habana; No le temas a los colores estridentes, durante la XII Bienal de La Habana; Senderos de deseos en la Fábrica de Artes Cubano, Habana; ACuba, Un nuevo amanacer en Godel Gallery, New York, entre otras.

He’s an architect from UPB in Medellín, and he studied fine arts at the Bournemouth Arts Institute in the UK. He has a Master’s Degree in design from ELISAVA, Barcelona and another from UNA, Buenos Aires. His work has been featured in solo exhibitions in Mexico, Spain, Germany, Colombia, Argentina, Italy and the UK. Furthermore, he has had collective exhibits in Mexico, Spain, Germany, Colombia, Argentina, Italy and the UK. Furthermore, he has had collective exhibits in France, Italy, Mexico, Germany, the US, Canada, Colombia, Spain and the UK.

His work is influenced by fine arts with a very personal style based on hyperrealism. From 2000 to 2001, he participated in a workshop conducted by José Pérez Olivares at the Antonia Eiriz studio. From 2010 to 2014 he worked at Taller de la Gráfica Contemporánea. He has held several solo exhibitions including: Como el que no quiere las cosas at the Galiano gallery in Havana, Cuba and Unboxing at ArteMorfosis in Zürich, Switzerland. His collective exhibitions include: Post-It 3 at the Collage gallery in Havana, Cuba; No le temas a los colores estridentes, in the 12th Havana Biennial; Senderos de deseos at Fábrica de Arte Cubano, Habana; ACuba, Un nuevo amancer at the Godel Gallery in New York, among others.

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bio. Ignacio Urrutia

Genietta Varsi

1992 | Santiago, Chile

1991 | Lima, Perú

Graduado de Arquitectura en la Universidad del Desarrollo de Santiago de Chile licenciándose en el 2017, año en el que también cursó un diplomado de fotografía; interés que comienza a despertar sus ansias como artista visual. Asimismo, ha recibido clases de pintura a cargo de Cristóbal Anwandter, tutorías de arte y de crítica junto a Matías Movillo, entre otras. Además fue finalista en el Concurso de Arte Joven en la Galería Arte Espacio.

Licenciada en Escultura en la Pontificia Universidad Católica del Perú, posee un diplomado en Artes Visuales del Bachillerato Internacional en el Colegio Peruano Británico. Ha realizado residencias en Brasil, Alemania, Chile y Estados Unidos. Entre sus exposiciones más destacadas se encuentra Galería Rottenslat, Lima; Galería de libros de artista Estante, Praga; ICPNA, Lima; Espacio Fundación Teléfonica y Museo de Arte Contemporáneo, Santiago. Su obra se encuentra en la colección de Eduardo Hochschild, Lima; Elodie Fulton, Chile; Arte Al límite, Chile y Carlos Marsano, Lima.

In 2017, he received his diploma in architecture from UDD in Santiago de Chile. During the same year, he studied photography, which ultimately sparked an interst in visual arts. He has been mentored in painting by Cristóbal Anwandter, and in art and art critique by Matías Movillo. He was also a finalist in the Young Artist Contest at Galería Arte Espacio.

She has a Bachelor’s Degree in Sculpture from the Pontifical Catholic University of Peru and completed and IB program on Visual Arts at Colegio Británico Peruano. She has also participated in residency programs in Brazil, Germany, Chile and the US. Her most important exhibitions were held at Galería Rottenslat, Lima; Galería de libros de artista Estante, Prague; ICPNA, Lima; Espacio Fundación Teléfonica and Museo de Arte Contemporáneo, Santiago. Her work is part of several private collections, namely the collections of Eduardo Hochschild, Lima; Elodie Fulton, Chile; Arte Al Límite, Chile and Carlos Marsano, Lima.

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Pabli Stein

Alejandro Urrutia

1986 | Buenos Aires, Argentina

1979 | Los Ángeles, Chile

Estudió Medios de la Comunicación en ORT, Argentina. Además ha realizado talleres y clínicas con artistas para perfeccionarse en técnicas de pintura y dibujo. Entre sus exposiciones nacionales más importantes se encuentran las realizadas en la Galería OTTO, Quimera Galería y Espacio ENSO en Buenos Aires. Internacionalmente ha expuesto en el Frost Art Museum de Miami. Su obra está en colecciones privadas en Argentina, Inglaterra y Estados Unidos.

Estudió arquitectura en la Pontificia Universidad Católica de Chile. Además realizó cursos de teoría, estética, escultura y artes. Realizó talleres de escultura en fierro en la Universidad de Chile, y otro con Eugenio Dittborn. Ha expuesto en Galería NAC, Santiago y en Betafactory de Copenhague, además participó en London Sculpture Workshop en Londres. Su obra se encuentra en colecciones privadas.

He studied Communication Media at ORT in Argentina. He has participated in several workshops and clinics to polish his painting and drawing techniques. His most important exhibits on a local scale were held at Galería OTTO, Quimera Galería and Espacio ENSO in Buenos Aires. Other of his exhibits have been held overseas, like at the Frost Art Museum in Miami. His work is part of private collections in Argentina, England and the US.

He studied architecture at the Pontifical Catholic University in Chile. He also attended theory, aesthetics, sculpture and art courses. He did iron sculpture workshops at the University of Chile and another one with Eugenio Dittborn. He has exhibited his work at Galería NAC, Santiago and at the Betafactory in Copenhagen. In the UK, he participated in the London Sculpture Workshop. His work is also part of several private collections.

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´ VILLANUEVA MAriA

´ Villar Rojas ADriaN

1984 | Buenos Aires, Argentina

1980 | Rosario, Argentina

Estudió diseño de imagen y sonido en la Universidad de Buenos Aires, luego Licenciatura en Artes Visuales y realizó un taller de escenografía en el Teatro Colón. Ha expuesto de manera individual en Galería Ambos Mundos, Buenos Aires; Estilo Rivera y Centro Cultural El Árbol, en la misma ciudad. Colectivamente cuenta con exposiciones en Brasil, Chile y Argentina. Participó en la Residencia Epecuén, Buenos Aires y La Macina de San Cresci, Italia, 2017. Cuenta con una mención en la Bienal de Bahía Blanca en 2016 y en el Salón de arte contemporáneo de San Isidro, 2014 y 2015.

Entre el año 1998 y 2002 estudió Bellas Artes en la Universidad Nacional de Rosario, Cuenta con exposiciones en The Geffen Contemporary en MOCA, Los Ángeles; Fundación NEON en Observatorio Nacional de Atenas, Atenas; Kunsthaus Bregenz, Bregenz; The Metropolitan Museum of Art, Nueva York; 14° Bienal de Estambul, Estambul; 12° Bienal de La Habana, La Habana; Bienal de Sharjah 12, Kalba; Documenta Kassel y Kabul; 54° Exposición Internacional de Arte, Bienal de Venecia, Pabellón Nacional de Argentina, Venecia. Además, ha sido premiado por Sharjah Biennial Prize, de Sharjah Art Foundation; The Zurich Art Prize en Museum HAus Konstruktiv; The 9th Benesse Prize, en 54° Bienal de Venecia, entre otros.

He studied Fine Arts at Universidad Nacional de Rosario from 1998 to 2002. He has held exhibitions at the Geffen Contemporary at MOCA, Los Angeles; the NEON Foundation at the National Observatory of Athens, Athens; Kunsthaus Bregenz, Bregenz; the Metropolitan Museum of Art, New York; the 14th Istambul Biennial; the 12th Havana Biennial, Havana; the Sharjah Biennial 12, Kalba; Documenta Kassel and Kabul; the 54th International Art Exhibition of the Venice Biennial, Argentina Pavilion, Venecia. He has also been awarded the Sharjah Biennial Prize by the Sharjah Art Foundation; the Zurich Art Prize at the Museum Haus Konstruktiv; bthe 9th Benesse Prize at the 54th Venice Biennial, among others.

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