Latinoamérica Al Límite

LATINOamerica al limite

Directora / Director Ana María Matthei

Director / Director Ricardo Duch

Edición / Editor Kristell Pfeifer

Textos / Texts Kristell Pfeifer Natalia Vidal

Producción y Dirección de arte / Production and Art direction Catalina Papic

Diseño / Design Johanna Rivas

Corrector de texto / Text corrector Paula Jaraquemada Elisa Massardo

Traducción / Translation Melanie Jones Jonathan Anthony Este libro se terminó de imprimir en noviembre de 2014.

Todos los derechos reservados. © Arte Al Límite www.arteallimite.com Impreso en Santiago de Chile, Imprenta Maval. Primera Edición. 2014.

Todos los derechos reservados ©Arte Al Límite, 2014.

LATINOamerica al limite

Beyond the borders

Latinoamérica Al Límite comes from the desire to recover the different tendencies that run through the region these days and unite them in one volume so that together they represent the different artists of current Latin art.

In this book we have selected who we believe mark tendency in the Latin American art field. Covering various themes and disciplines, we gave life to a volume that brings together views from the same region but, that are at the same time heterogenous, in an attempt to understand and decipher the borders of Latin American art. They are artists who have consolidated their careers through the strength of their proposals and their presence in the main artistic conferences, not only on a regional level but also worldwide.

The large variety of artists that there are today in Latin America and the great excellence of their proposals make this an arduous task for anyone. In our years of experience we have had the opportunity to come to know hundreds of artists, Latins and from around the world, who have openly shared their work, beliefs, doubts and dreams with us. In this coming and going in the art world we have learned there are no certainties and that ideas and interpretations are infinite.

In our path we have discovered that Latin America has a special view. Despite tha the variety of proposals and way in which each work is approached prevents us from talking about an identity of Latin Art, there is a seal that remains. It is an involved, inquisitive and direct art; an art that without a doubt has a lot to say and does not try to give us answers, but tries to question us.

They are works that invite us to reflect through a variety of approaches and it is in this reflection that we come to know ourselves better and also this work we inhabit.

In this book we have tried to give a fresh and different look at Latin American art, focusing on alternating already acclaimed artists with more emerging voices and mid-career, therefore to offer a true and up-to-date outlook of the regional art.

We know that there are no absolute truths and we believe that the true value of art does not reside in showing us a reality, but in interpreting it and wonder about what we see.

We hope that this book contributes to the current picture of the Latin Art and its implications.

Ana María Matthei Directora Arte Al Límite

Carta Editorial

Más allá de las fronteras

Latinoamérica Al Límite surge del deseo rescatar las diferentes tendencias que por estos días recorren la región y unirlas en un mismo tomo para que juntas representen las distintas aristas del arte latino actual.

En este libro hemos seleccionado a quienes creemos que marcan tendencia en el campo de las artes latinoamericanas. Abarcando diversas disciplinas y temáticas, dimos vida a un tomo que reúne miradas coterráneas pero heterogéneas, en un intento por comprender y descifrar las fronteras del arte latinoamericano. Son artistas que han consolidado sus carreras a través de la solidez de sus propuestas y su presencia en los principales encuentros artísticos, no sólo a nivel regional sino también mundial.

La enorme variedad de artistas que hay hoy en día en Latinoamérica y la gran excelencia de sus propuestas hacen de esta una tarea ardua para cualquiera. En nuestros años de experiencia hemos tenido la oportunidad de conocer a cientos de artistas, latinos y del mundo, que abiertamente han compartido con nosotros su trabajo, sus creencias, sus dudas y sus sueños. En este ir venir en el mundo del arte hemos aprendido que no hay certezas y que las ideas e interpretaciones son infinitas.

En nuestro recorrido hemos descubierto que Latinoamérica tiene una mirada especial.

Pese a que la variedad de propuestas y la forma en que se aborda cada trabajo impiden hablar de una identidad del arte latino, sí hay un sello que permanece. Es un arte comprometido, cuestionador y directo. Un arte que sin duda tiene mucho que decir y que no busca entregarnos respuestas, sino que intenta cuestionarnos. Son trabajos que nos invitan a reflexionar a través de diversos enfoques, y es en esta reflexión que nos conocemos más a nosotros mismos y conocemos también más de este mundo que habitamos.

En este libro hemos buscado dar una mirada fresca y diferente al arte latinoamericano, enfocándonos en alternar artistas ya consagrados con voces más emergentes y de mediana carrera, para ofrecer así un panorama real y actual del arte regional.

Sabemos que no hay verdades absolutas y creemos que el verdadero valor del arte no reside en mostrarnos una realidad, sino en interpretarla y cuestionarnos acerca de lo que vemos.

Esperamos que este libro contribuya a comprender el panorama actual del arte latino y sus implicancias.

Ana María Matthei Directora Arte Al Límite

Latinoamérica Al Límite: the strength of diversity

It doesn’t happen everyday that we open the pages of a book and we feel splattered by its content, leaving us stunned, surprised and with butterflies in our stomach. Freshness, originality, strength, excellence and vitality are some of the adjectives that come to mind when we open and browse "Latinoamérica Al Límite".

This book presents a selection of artists, which as a whole tell us that today’s LatinAmerican art cultivates its own way of seeing. It is also nurtured by both contemporary international trends and tradition, which has already been assimilated and overcome. This actual and own way of looking originates various strategies, not only to interpret and process reality and to offer us multiple ways to shape it, but it also shows a large variety of ways to express intimate and unique worlds.

It is striking how these artists have the capacity to develop personal and mature languages which speak about the individual but transcend the self, which while they reflect the reality that surrounds us, they are capable of discerning the unequivocal voice of the artist. The arduous selection of works stands out for managing to show contrasting visions, techniques and ways of doing that resonate altogether with the strength that characterizes diversity.

Latin-American art is booming, so we hear from auction results, the emergence of Latin art fairs and important international museum shows of acclaimed artists. This book functions as an answer and stance towards this situation; it also gives a voice to artists from different generations who don’t allow typecasting by the outsiders’ gaze. It could as well be the catalogue of an exhibition which purpose would be to explore the different artistic trends that have been developing during the past years in Latin America.

The present editorial line reflects a reality: it’s nearly impossible to talk about one trend or dominating discourse, which defines Latin identity. At the same time, internationally we are witnessing an explosion of styles, ways of doing and of looking which present contemporary art as a constant collective search to interpreting different realities. The 21st century entails such issues as the absence of truth, the construction and sale of invented narratives that have an apparent aspect of reality, the discredit of images as a source of authority and the challenge to live in peace with the planet. We have also witnessed the return of 19th-century romanticism, which embraces the past to construct its present in an act of timeless escapism, but at the same time we are confronted face to face with a kind of barbarism so brutal that it makes the present seem something very real and inescapable. LatinAmerican artists reflect this amalgam of realities; this book brings us closer to the wide rage of artistic trends, which very firmly place the art of the whole region within the international scene.

Curador

Latinoamérica Al Límite: La fuerza de la diversidad

No todos los días abrimos las páginas de un libro cuyo contenido nos salpica dejándonos atónitos, sorprendidos y con mariposas en el estómago por lo que acabamos de ver. Frescura, novedad, fuerza, excelencia y vitalidad son algunos de los adjetivos que vienen a la mente al abrir y ojear "Latinoamérica Al Límite".

Este libro presenta una selección de artistas que en su conjunto nos hablan de que el arte latinoamericano de hoy en día cultiva su propia mirada pero también se nutre de tendencias contemporáneas internacionales al igual que, en ocasiones, de la tradición asimilada y superada. Una mirada propia y actual que se desgrana en numerosas estrategias, no solo de procesar e interpretar la realidad y ofrecernos múltiples formas de moldearla, sino también de expresar mundos íntimos y únicos. Llama la atención justamente la capacidad de estos artistas para desarrollar lenguajes personales y maduros, que hablando del individuo trascienden el yo y que, reflejando la realidad que nos rodea, son capaces de discernir la mirada inequívoca del artista. Este arduo trabajo de selección destaca por haber conseguido mostrar un contraste de visiones, técnicas y formas de hacer que, en conjunto, resuenan con la fuerza que caracteriza a la diversidad.

El arte latinoamericano está en auge, eso nos cuentan los resultados de casas de subastas, la aparición de ferias de arte latinas y exposiciones de artistas consagrados en importantes museos internacionales. Este libro funciona como una respuesta y toma de posición ante esta situación, dando voz a artistas de varias generaciones que no se dejan encasillar desde la mirada exterior. Bien podría ser el catálogo de una exposición cuyo fin sería explorar las diferentes tendencias artísticas que se han venido dando en América Latina en los últimos años.

Esta línea editorial refleja una realidad: muy difícilmente podemos hablar de una tendencia o discurso dominante que defina la identidad latina, de la misma manera que internacionalmente asistimos a una explosión de estilos, formas de hacer y miradas que hacen del arte contemporáneo una incesante búsqueda colectiva de interpretar diferentes realidades. El siglo XXI supone la ausencia de verdad, la construcción y venta de narrativas inventadas con aspecto de realidad, el desprestigio de la imagen como fuente de autoridad, el reto de vivir en paz con el planeta y la vuelta al romanticismo decimonónico que abraza al pasado para definir su presente en un acto de escapismo atemporal, pero al mismo tiempo supone también la confrontación cara a cara con una barbarie tan brutal que hace del presente algo muy real e inescapable. Los artistas latinoamericanos reflejan esta amalgama de realidades; este libro nos acerca al gran abanico de tendencias que sitúa, con paso firme, al arte de toda la región en el panorama internacional.

Caridad Botella Lorenzo

Bogotá, octubre de 2014

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12 JOSÉ TOLA

162 CHRISTIAN FUCHS

18 FEDERICO URIBE

168 ADONIS FLORES

24 BRUNO NOVELLI

174 MARCOS LÓPEZ

30 CAROLINA PONTE

180 ANTUÁN

36 CATALINA ROJAS

186 FRANCISCO BUSTAMANTE

42 LUIS MARTÍN BOGDANOVICH

192 PAULA TOTO BLAKE

48 VERÓNICA IBÁÑEZ R.

198 ÁLVARO MONTAÑÉS

54 ALEXANDER APÓSTOL

204 MARÍA SILVIA CORCUERA

60 RODRIGO TORRES

210 FERNANDO OTERO

66 SONIA FALCONE

216 SILVANA KELM

72 MARGARITA DITTBORN

222 CARMEN MARISCAL

78 PEDRO VARELA

228 SILVANA PESTANA Y SONIA CUNLIFFE

84 FERNANDO BRYCE

238 MARIANA TOCORNAL

90 ARTUR LESCHER

244 PILAR OVALLE

96 PATRICIA CLARO

250 DELTA 9

102 THOMAS BACCARO

256 AMELIA ERRÁZURIZ

108 FLORIAN RAISS

262 HANS STOLL

114 SOL MATEO

268 CAROLINE VALANSI

120 SERGIO FERNÁNDEZ

274 SESPER

126 MANUEL ARCHAIN

280 MARÍA SOLEDAD CHADWICK

132 GASTÓN UGALDE

286 FLORIA GONZÁLEZ

138 TAN VARGAS

292 NIEVES MAC-AULIFFE

144 ALEJANDRA DELGADO

298 CECILIA AVENDAÑO

150 CRISTÓBAL ANWANDTER

304 ELEOMAR PUENTE

156 GAL OPPIDO

310 PABLI STEIN

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Perú · Peru | Artista multidisciplinar · Mutidisciplinary artist

José Tola Ciudadanos de la nada Citizens of nowhere

Cada obra deja a José Tola con más preguntas que respuestas. Su larga trayectoria le ha enseñado que el proceso es tan importante como el resultado, e incluso más aún, y lo ha llevado a estar en constante cuestionamiento. Sus pinturas y esculturas son la pasión que mueve su vida y le da sentido; cada línea está ahí por algo, cada pieza y color han sido puestos por un instinto indefinible que lo mueve día a día. José Tola desliza sus manos y su mente para crear un mundo fantástico en el que no hay certezas; lugares sugerentes donde todos pueden encontrar su propia verdad.

Each piece of art leaves Jose Tola with more questions than answers. His lengthy career has taught him that the process is as important as the result, and even more, and has driven him to be constantly questioning himself. His paintings and sculptures are the passion that moves his life and gives sense to it.; each line has a reason to be, each piece and color have been placed by an indefinable urge that moves him every day. José Tola slides his hands and his mind to create a fantastic world where there are no certainties; suggestive places where all can find their own truth.

Imágenes cortesía del artista. (14 izq.) Sin Título, 2009, esmalte sobre trupán, 65 x 125 x 44 cm. (15 der.) Herido así como estoy, no me dejes aquí, a este lado del paraíso, 2009, escultura esmalte sobretrupán, 115 x 70 x 80 cm. (16 izq.) Guardián de Dios, 2009, escultura esmalte sobre trupán, 215 x 90 x 15 cm. (17 der.)

Sin Título, 2009, escultura esmalte sobre trupán, 144 x 74 x 14 cm.

Images courtesy of artist. (14 left) Untitled, 2009, enamel on trupan, 25.5 x 49 x 17 in. (15 right) Herido así como estoy, no me dejes aquí, a este lado del paraíso, 2009, enamel sculpture on trupan, 45.2 x 27.5 x 31.4 in. (16 left) Guardián de Dios, 2009, enamel sculpture on trupan, 84.6 x 35.4 x 5.9 in. (17 right) Untitled, 2009, enamel sculpture on trupan, 56.6 x 29 x 5.5 in.

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Colombia · Colombia | Escultura · Sculpture

Federico Uribe Exuberante sencillez Lush simplicity

Nada se crea ni se destruye, sólo se transforma. Esta podría ser la premisa que define parte de la obra de Federico Uribe, donde los materiales más comunes y sencillos se unen para dar vida a un sinnúmero de formas. Color y textura se debaten la atención en un intrincado laberinto de lápices, zapatillas, balas y cuerdas.

De cerca, la delicadeza con la que las piezas son ordenadas se contrapone a la sencillez de su naturaleza. Metros más atrás, los miles de trozos se unen en la retina para dar paso a figuras mágicas, fruto de la imaginación y la distintiva creatividad del artista. Federico Uribe hace una invitación a dejarse llevar, alegremente, por el camino de la fantasía.

Nothing is created nor destroyed, only transformed. This could be the premise that defines part of the work of Federico Uribe, where the most common and simple materials come together to give life to countless forms. Color and texture compete for attention in an intricate maze of pencils, tennis shoes, bullets and ropes.

From up close, the delicacy with which the pieces are arranged is contrasted by the simplicity of its nature. From meters back, the thousands of pieces come together in the retina to make way for magical figures, the result of imagination and the distinctive creativity of the artist. Federico Uribe invites us to be happily swept along the path of fantasy.

Imágenes cortesía del artista. Fotografías de Moris Moreno. (20 izq.) Recelo, 2014, lápices de color, 128 x 175 x 9 cm. (21 der.) Obsesion, 2014, lápices de color y dibujo con lápiz, 175 x 122 x 13 cm. (22 izq.) Obediencia, 2013, lápices de color y dibujo con lápiz, 175 x 122 x 13 cm. (23 der.) Perjuicio, 2014, lápices de color y dibujo con lápiz, 175 x 122 x 13 cm.

Images courtesy of artist. Photography by Moris Moreno. (20 left) Skeptical, 2014, color pencils, 50 x 69 x 3 1/2 in. (21 right) Obsession, 2014, color pencils and pencil drawings, 69 x 48 x 5 in. (22 left) Obedience, 2013, color pencils and pencil drawings, 69 x 48 x 5 in. (23 right) Damage, 2014, color pencils and pencil drawings, 69 x 48 x 5 in.

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Brasil · Brazil | Pintura · Painting

Bruno Novelli Raíces Modernas Modern Roots

La robusta intensidad de la selva amazónica brota abundante en el trabajo pictórico de Bruno Novelli. A través de su propuesta poética visual, contornos y patrones propios de la naturaleza encuentran un vínculo armónico con la composición y el carácter de lo urbano. El mundo que el pintor construye nace de sus propias fotografías, una mixtura de imágenes digitales, el esbozo de un sinnúmero de figuras geométricas y trazos de intenso colorido. Sus paisajes sugieren los remitentes y semejanzas que emergen de la continuidad en la evolución, cuya matriz conserva la huella imborrable de una selva atrevida, primitiva e imponente.

The robust intensity of the Amazon rainforest appears in abundance in the pictorial work of Bruno Novelli. Through his poetic visual proposal, contours and patterns unique to nature are harmoniously tied to the composition and character of that which is urban. The world the painter builds arises from his own photographs, a mixture of digital images, the drafting of countless geometric figures and strokes of intense color.

His landscapes suggest the references and similarities that emerge from the continuity in the evolution, whose model conserves the permanent mark of a bold, primitive and stunning forest.

Imágenes cortesía del artista. (26 izq.) Nova Flora Radiante, 2014, acrílico sobre lienzo, 174 x 148 cm. (27 der.) Cachoeira Vibrante - Sol Chocante - Flor de Bananeira, 2014, acrílico sobre lienzo, 176 x 150 cm. (28 izq.) Pedra Aflora, 2014, acrílico sobre lino, 150 x 90 cm. (29 der.) A Matéria Vibra Numa Fluidez Radiante, 2014, acrílico sobre lienzo, 176 x 176 cm .

Images courtesy of artist (26 left) Nova Flora Radiante, 2014, acrylic on canvas, 68.5 x 58.3 in. (27 right) Cachoeira Vibrante - Sol Chocante - Flor de Bananeira, 2014, acrylic on canvas, 69.3 x 59.1 in. (28 left) Pedra Aflora, 2014, acrylic on linen, 59.1 x 35.4 in. (29 right) A Matéria Vibra Numa Fluidez Radiante, 2014, acrylic on canvas, 69.3 x 69.3 in.

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Brasil · Brazil | Artista multidisciplinar · Multidisciplinary artist

Carolina Ponte Tintes y prismas Colors and prisms

En el reino de la alegoría y la magia multicolor nacen las obras de Carolina Ponte; un conjunto de significantes que mezclan geométricamente la intensidad y el contraste en gamas de colores. El resultado es una atmósfera que sumerge al espectador en una dulce experiencia de visos y texturas. Reinos tridimensionales, reminiscencias que despegan de la pared y quizá cierto toque onírico ronda en el aire y se aloja en la intención del espectador que busca creer en el fantástico mundo que la artista proyecta.

In the realm of allegory and multicolor magic are born the works of Carolina Ponte; a set of meanings that geometrically mix the intensity and contrast in color spectrums. The result is an atmosphere that immerses the viewer in a sweet experience of overtones and textures. Three-dimensional realms, reminiscences that take off from the wall and perhaps a certain dreamlike touch goes around in the air and settles in the intention of the viewer who aims to believe in the fantasy world the artist projects.

Imágenes cortesía del artista. (32-33) Sin título, 2011, croche y marco de madera, 200 x 340 x 170 cm. (34 izq.) Sin título, 2013, croche y tapices, 240 x 160 cm. (35 der.) Sin título, 2013, acrílico, lápiz y tinta sobre papel, 195 x 135 cm.

Images courtesy of artist. (32-33) Sin título, 2011, crochet and wooden frame, 78.7 x 133.8 x 66.9 in. (34 left) Sin título, 2013, croche y tapices, 94.4 x 62.9 in.

(35 right) Sin título, 2013, acrílico, lápiz y tinta sobre papel, 76.7 x 53 in.

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Chile · Chile | Artista multidisciplinar · Mutidisciplinary artist

Catalina Rojas Y se hizo la luz And then there was light

Catalina Rojas ha replanteado el concepto de arte. Mediante la intervención del espacio urbano, la artista cuestiona y tensiona los soportes clásicos en búsqueda de un nuevo espacio de manifestación. Desde sus inicios, Catalina ha estado en una constante exploración de nuevas formas de expresión, buscando cambiar la tela como soporte tradicional de la obra pictórica por grandes espacios naturales y urbanos.

A través del “muralismo de luz”, término que ella misma acuñó, propone una nueva forma de hacer arte, volando más allá del cuadro de caballete, en un acto mágico que transporta al espectador a otra dimensión. El muralismo de luz permite a los espectadores presenciar creaciones artísticas de gran tamaño, proyectadas en diferentes espacios públicos que les otorgan un valor plástico distinto y espiritual, como si la ciudad y el entorno contemporáneo fueran las cavernas de ayer.

Catalina Rojas has redefined the concept of art. By intervening in urban places, the artist questions and puts pressure on the classic supports in search of a new place for expression. From her beginnings, Catalina has been continuously exploring new forms of expression, with the hopes of changing the traditional support of pictorial work from the canvas to large natural and urban places.

Through the “mural of light”, a term she herself coined, she proposes a new form of creating art, going beyond the easel painting in a magical act that transports the viewer to another dimension. The mural of light allows viewers to witness large artistic creations, projected in different public places that give them a distinct and spiritual plastic worth, as if the city and contemporary surroundings were the caves of yesterday.

Imágenes cortesía de la artista. (38 izq.) Museo Arte de Luz donde se proyecta sobre las aguas del rio Mapocho la historia de Chile, con el mural de Luz Bicentenario “Chile a la Luz”. Un kilometro de pinturas y dibujos flotando sobre el torrente del Río Mapocho de Santiago de Chile, 2011 (39 der) Museo Arte de Luz donde se proyecta sobre las aguas del rio Mapocho la historia de Chile, con el mural de Luz Bicentenario “Chile a la Luz”. Un kilometro de pinturas y dibujos flotando sobre el torrente del Río Mapocho de Santiago de Chile, 2011 (40-41) Circuito de muralismo de luz sobre los principales edificios patrimoniales de Santiago de Chile, “Huella del pasado huella presente”, Biblioteca Nacional, 2005.

Images courtesy of artist (38 left) Light Art Museum which is projected onto the waters of the Mapocho River Chilean history, the Bicentennial mural Light “Chile a la Luz”. A kilometer of paintings and drawings floating on the stream of the Mapocho River in Santiago de Chile, 2011 (39 right) Light Art Museum which is projected onto the waters of theMapocho River Chilean history, the Bicentennial mural Light “Chile a la Luz”. A kilometer of paintings and drawings floating on the stream of the Mapocho River in Santiago de Chile, 2011 (40-41) Circuit mural light on the main heritage buildings in Santiago de Chile, “Huella del pasado huella presente”, National Library, 2005.

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Perú · Peru | Fotografía · Photography

Luis Martín Bogdanovich Fragmentos del pasado Fragments of the past

Destruir la materia para conservar la esencia de ésta. Demoler un edificio histórico para, años más tarde, construir otro con el mismo lenguaje formal, pero adaptado a un imaginario formado de un pasado inexistente. Cambiar una edificación autentica y antigua para remplazarla por otra en apariencia similar, pero carente de la pátina del tiempo. Crear algo que parece ser antiguo pero que en realidad no lo es. Suena paradójico. Este fenómeno, desarrollado con particularidades distintas en Europa y Latinoamérica durante los siglos XIX y XX respectivamente, es la temática que aborda su serie Reflection. Imágenes de archivo se funden con las vistas reales, aunque también idealizadas, de diferentes estructuras de la actualidad, en un juego que conjuga presente y pasado.

Arquitecto-restaurador, historiador del arte, docente y fotógrafo. Bogdanovich ha relacionado su carrera con su trayectoria como artista para crear un cuerpo de obra íntimamente ligado a la nostalgia, la memoria y la reivindicación de lo patrimonial en su entorno.

Destroying the matter to conserve its essence. Demolishing a historical building in order to –years later- build another with the same formal language, but adapted to an imagination formed by a non-existent past. Changing an old, authentic building to replace it with another with a similar appearance, but lacking the wear of time. Creating something that seems old but in reality is not. It sounds paradoxical. This phenomenon, developed with different characteristics in Europe and Latin America during the XIX and XX centuries respectively, is the theme that his series Reflection addresses. Archive images merge with real views -though also idealized- of different modern structures, in a game that combines the past and present.

Architect-restorer, art historian, teacher and photographer; Bogdanovich has related his career with his experience as an artist in order to create a body of work closely linked to nostalgia, memory and recovery of the heritage of his surroundings.

Imágenes cortesía del artista. (44 izq.) Casa B, de la serie Reflection, 2014, fotografía digital, serie de 5, 200 x 100 cm. (45 der.) Casa de Pizarro, de la serie Reflection, 2012, fotografía digital, serie de 5, 200 x 100 cm. (46 izq.) Berliner Haus, de la serie Reflection, 2013, fotografía digital, serie de 5, 200 x 100 cm. (47 der.) Reichsbank, de la serie Reflection, 2013, fotografía digital, serie de 5, 200 x 100 cm.

Images courtesy of artist (44 left) Casa B, from the series Reflection, 2014, digital photography, series of 5, 78.7 x 39.3 in. (45 right) Casa de Pizarro, from the series Reflection, 2012, digital photography, series of 5, 78.7 x 39.3 in. (46 left) Berliner Haus, from the series Reflection, 2013, digital photography, series of 5, 78.7 x 39.3 in. (47 right) Reichsbank, from the series Reflection, 2013, digital photography, series of 5, 78.7 x 39.3 in.

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Chile · Chile | Fotografía · Photography

Verónica Ibáñez Romagnoli Reflejos Reflections

La luz entra en escena encuadrada por el marco de una ventana permitiendo que el sol caiga sobre las formas. Frente a nuestros ojos el espacio recibe, con distinta intensidad, los rayos que moldean los contornos y siluetas. La captura fotográfica secuencial evidencia el paso del tiempo a traves del movimiento de la luz que suele pasar inadvertido.

Todo se compone de cotidianeidad. Los objetos y espacios develados dibujan el esplendor y belleza de lo que nos rodea, haciendo visible lo desapercibido. Verónica se encuentra con la fotografía para dar permanencia a lo efímero.

Light enters the scene framed by a window allowing the sun to fall on the forms. Before our eyes the space receives the rays that shape the contours and silhouettes with different intensities. The sequential photographic image shows the passing of time through the movement of light that often goes unnoticed.

Everything is made up of everyday life. The objects and spaces revealed draw the beauty and splendor of that which surrounds us, making the unnoticed visible.

Verónica partners with photography to give permanence to the ephemeral.

Imágenes cortesía de la artista. (50 izq.) San Damian 316, (Dormitorio), 2013, diapositiva placa 4x5, digitalizada, impresión Lambda, 40 x 50 cm. (51 der.)

Three Cardinal Points, (300 Lenox Rd), 2010, fotografía digital, impresión sobre transparencia, caja de luz, madera, 43 x 56 x 33 cm. (52 izq.) 139 ­16 Rockaway Beach Blvd. (Red Room), 2009, diapositiva placa 4x5, digitalizada, impresión Lambda, 40 x 50 cm. (53 der.) Una Semana (Domingo), 2013, fotografía digital, impresión sobre transparencia, caja de luz, madera, 25 x 30 x 25 cm.

Images courtesy of artist (50 left) San Damian 316, (Dormitorio), 2013, slide plate 4x5, scanned, Lambda print, 15.7 x 19.6 in. (51 right) Three Cardinal Points, (300 Lenox Rd), 2010, digital photography, printing on transparency, light box, wood, 16.9 x 22 x 12.9 in. (52 left) 139 ­16 Rockaway Beach Blvd. (Red Room), 2009, slide plate 4x5, scanned, Lambda print, 15.7 x 19.6 in. (53 right) Una Semana (Domingo), 2013, digital photography, printing on transparency, light box, wood, 9.8 x 11.8 x 9.8 in.

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Venezuela · Venezuela | Artista multidisciplinar · Multidisciplinary artist

Alexander Apóstol Reflexiones identitarias Identity Reflections

Valiéndose de la historia de la arquitectura y del arte y de cómo éstas influencian cambios sociales, Alexander Apóstol ha venido desarrollando un cuerpo de obra que reflexiona sobre eventos históricos y políticos. Siempre con un toque de humor e ironía, el artista indaga en los procesos que configuran la identidad venezolana y latinoamericana.

Fotografía y video se alternan para cuestionar la cultura e iconografía regional, en un trabajo que evidencia las utopías que se viven a diario en suelo latino.

Using the history of art and architecture and how these influence social change, Alexander Apóstol has been developing a body of work that reflects on historic and political events. Always with a touch of irony and humor, the artist explores the processes that shape Latin American and Venezuelan identity. Photography and video are alternated to question regional iconography and culture in a work that shows the utopias that are experienced daily on Latin soil.

Imágenes cortesía del artista. (56 izq.) Ensayando la postura nacional, Simón Bolívar mirando a la izquierda y a la derecha, 2010, fotografía digital, díptico 120 x 120 c/u. (57 der.) Yamaikaleter # 2, 2009, fotografía digital, 90 x 135 cm. (58 izq.) Contrato colectivo cromosaturado, Capítulo IV. Still, 2012. (59 der.)

Ensayando la postura nacional, El Cacao, 2010, 144 x 226 cm.

Images courtesy of artist. (56 left) Ensayando la postura nacional, Simón Bolívar mirando a la izquierda y a la derecha, 2010, digital photography, diptych 47.2 x 47.2 in c/u. (57 right) Yamaikaleter # 2, 2009, digital photography, 35.4 x 53 in. (58 left) Contrato colectivo cromosaturado, Chapter IV. Still, 2012 (59 right) Ensayando la postura nacional, El Cacao, 2010, 56.6 x 88.9 in.

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Brasil · Brazil | Artista Multidisciplinar · Multidisciplinary artist

Rodrigo Torres Percepciones esmaltadas Enamelled perceptions

Las tonalidades hacen difusos los contornos sobre blanco. Es fosforescente la imagen que cala en la matriz del concepto que imprime Rodrigo en su trabajo. Todo es intuitivo y revela la existencia de un macro-sistema que el individuo debe descubrir, donde su participación debe ser activa. Collage y pintura se entrelazan de manera tal que en la apropiación y manipulación de un objeto, primero se encuentra la imagen recortada de reconocidos patrones y luego sobre ella, roseada hasta cubrirla, la mirada del artista, su pensamiento. Esa lata de aerosol actúa sobre la superficie, envuelve todo con el sello personal que Rodrigo imprime a su arte.

Tones make outlines fade out on white. Fluorescent is the image that penetrates the heart of the concept that Rodrigo prints in his work. Everything is intuitive and reveals the existence of a macro-system that the individual must discover, where he must actively participate. Painting and collage are intertwined in such a way that in the appropriation and manipulation of an object, the image is first seen cropped of recognized patterns and then the artist’s view and thoughts are sprayed on until covering it. This aerosol can act on the surface, covering everything with the personal seal that Rodrigo prints on his art.

Imágenes cortesía del artista. (62-63) Os donos da rua, 2013, corte y collage de billetes, 60 x 160 cm. (64 izq.) 2 tempos – extintor, 2012, spray en la pared y extintor, dimensiones variables. (65 der.) 2 tempos – vassoura e balde, 2010, acrílico sobre rodillo de pintura y cubo, una escoba y pared, dimensiones variables.

Images courtesy of artist. (62-63) Os donos da rua, 2013, cutting and banknotes collage, 23.6 x 62.9 in. (64 left) 2 tempos – extintor, 2012, spray on wall, extinguisher, variable dimensions. (65 rigth) 2 tempos – vassoura e balde, 2010, acrylic on paint roller and bucket, broom and wall, variable dimensions.

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Bolivia · Bolivia | Instalación · Installation

Sonia Falcone A todo color Full color

Coloridas piezas e instalaciones componen el trabajo de la artista boliviana Sonia Falcone. Arcoíris, montañas, llamas, mar y peces son algunos de los elementos que evidencian la fuerte raíz y vínculo espiritual que tiene su trabajo y, a fin de cuentas, toda su vida. Para Falcone, es esta espiritualidad la que nos entrega el poder divino de pensar, percibir y crear, y que la ha llevado a construir su propio imaginario de colores vibrantes. A través de la exploración de las formas y la geometría, la artista entrega una experiencia visual única al espectador.

Colorful pieces and installations form the work of Bolivian artist, Sonia Falcone. Rainbows, mountains, flames, the sea and fish are some of the elements that demonstrate the strong roots and spiritual bond that the work and ultimately his whole life have. To Falcone, it is this spirituality that gives us the divine power to think, perceive and believe, and that has led him to form his own imagination of vibrant colors. Through the exploration of shapes and geometry, the artist gives the viewer a unique visual experience.

Imágenes cortesía de la artista. (68-69) Color Field, 2013, instalación técnica mixta, dimensiones variables. (70-71) Windows of the Soul, 201,técnica mixta video instalación, dimensiones variables.

Images courtesy of artist (68-69) Color Field, 2013, mixed media installation, variable dimensions. (70-71) Windows of the Soul, 201, mixed media video installation, variable dimensions.

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Chile · Chile | Fotografía · Photography

Margarita Dittborn Tentaciones esponjosas Spongy temptations

El deseo, el placer y la tentación flirtean con el interés del espectador en un juego emotivo y sensual al mismo tiempo. Es delicada e instintiva esa técnica que Margarita plantea en sus obras y provoca a ratos hambre y, a ratos, ganas. Desde sus pasiones y la percepción que tiene de la esencia del ser humano, Dittborn pone en vitrina el desatado impulso que surge en el interior de un individuo cuando siente la necesidad de devorar. Un acto inherente al ser humano y un elemento impregnado en nuestra cultura desde el nacimiento, que a veces permanece agazapado, pero aflora inmediatamente al enfrentarse a los seductores y provocativos fotomontajes que propone la artista.

Temptation, pleasure and desire flirt with the viewer’s interest in an emotional and at the same time sensual game. The technique Margarita uses in her pieces is instinctive and delicate and at times provokes an appetite and at times hunger. From her passions and perception of the essence of human beings, Dittborn showcases the uncontrollable impulse that arises within an individual when he feels the need to devour.

An act inherent in human beings and an element infiltrated in our culture from birth that at times remains hidden, but immediately emerges to confront the provocative and seductive photomontages the artist proposes.

Imágenes cortesía de la artista. (74 izq.) Latente I, 2013, fotomontaje digital, medidas variables. (75 der) Ofrenda III, 2014, fotomontaje digital, medidas variables. (76 izq.) Latente II, 2013, fotomontaje digital, medidas variables. (77 der) Ofrenda I, 2014, fotomontaje digital, medidas variables.

Images courtesy of artist (74 left) Latente I, 2013, digital photomontage, variables measures. (75 right) Ofrenda III, 2014, digital photomontage, variables measures. (76 left) Latente II, 2013, digital photomontage, variables measures. (77 right) Ofrenda I, 2014, digital photomontage, variables measures.

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Brasil · Brazil | Pintura · Painting

Pedro Varela Junglas de ficción Jungles of fiction

Una tierra imaginaria, sustancialmente influida por la literatura de ficción, brota frondosa y colorida imponiendo su paisaje. La llamativa flora que presenta se desborda hasta cubrirlo todo y despierta un inusitado ánimo de sumergirse en ella. Pedro Varela construye escenas en las que lo onírico y la realidad se trenzan hasta hacer confusas las apariencias, donde todos los elementos arremeten sobre quien observa. Tardes enteras de afán e inspiración literaria dan origen a una fructuosa gama de entornos que reproduce mediante diferentes técnicas, trayendo al espectador una experiencia de magia, intensidad y fantasía.

An imaginary land, substantially influenced by fictional literature, arises colorful and lush imposing its landscape. The striking flora presented overflows until covering everything and awakens an unusual spirit of immersing in it. Pedro Varela constructs scenes in which the dreamlike and reality are twisted until confusing appearances, where all the elements jump out at the observer. Whole afternoons of literary inspiration and zeal give rise to a fruitful range of environments that reproduce through different techniques, bringing an experience of magic, intensity and fantasy to the viewer

Imágenes cortesía del artista. (78 izq.) Sin título, 2013, acrílico sobre lino, 90 x 120 cm. (79 der.) Sin título, 2012, acrílico sobre lienzo, 108 x 102 cm. (80 izq.)

Chica chica boom chic, 2012, acrílico sobre lienzo, 200 x 200 cm. (81 der.) Tropical, 2012, acrílico sobre lienzo, 200 x 200 cm.

Images courtesy of artist (78 left) Sin título, 2013, acrylic on linen , 35.4 x 39.3 in. (79 right) Sin título, 2012, acrylic on canvas, 42.5 x 40 in. (80 left) Chica chica boom chic, 2012, acrylic on canvas, 78.7 x 78.7 in (81 right) Tropical, 2012, acrylic on canvas, 78.7 x 78.7 in.

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Perú · Peru | Dibujo · Drawing

Fernando Bryce Dibujando memorias Drawing memories

Fernando Bryce ha recorrido cientos de archivos para dar con las imágenes y documentos que luego su ágil pluma reproduce. La memoria es la pieza central de un trabajo que, mediante dibujos, reconstruye una nueva visión de la historia que hace posible reinterpretar el presente.

Recortes de periódicos, mapas, revistas, anuncios y fotografías son el modelo que el artista peruano ha venido observando desde los años 90, conformando series con cientos de dibujos que rescatan historias olvidadas para situarlas indefinidamente en el presente. Fernando Bryce es un historiador cuya memoria es la tinta, y los dibujos, su más fiel arma de representación.

Fernando Bryce has gone over hundreds of files to come up with the images and documents that his agile pen later reproduces. Memory is the central part of a work that, through drawings, reconstructs a new point of view on the history that makes it possible to reinterpret the present.

Newspaper clippings, maps, magazines, advertisements and photographs are the model the Peruvian artist has been observing since the 90s, forming series with hundreds of drawings that recover forgotten stories to place them indefinitely in the present. Fernando Bryce is a historian whose memory is the color and the drawings his most faithful weapon of representation.

Imágenes cortesía Pablo and Tinta Henning Collection, Houston, TX (USA) and Galerie Barbara Thumm, Berlín. (86 izq.) De la serie Américas, 2005, dibujo, impresión sobre papel, 30 x 21.5 cm. Edición de 44. (87 der.) De la serie Américas, 2005, dibujo, impresión sobre papel, 30 x 21,5 cm. Edición de 44. (88 izq.)

De la serie Américas, 2005, dibujo, impresión sobre papel, 30 x 21,5 cm. Edición de 44. (89 der.) De la serie Américas, 2005, dibujo, impresión sobre papel, 30 x 21,5 cm. Edición de 44.

Images courtesy Pablo and Tinta Henning Collection, Houston, TX (USA) and Galerie Barbara Thumm, Berlin. (86 left) From the series Américas, 2005, drawing, ink on paper, 11.8 x 8.4 in. Series of 44. (87 right) From the series Américas, 2005, drawing, ink on paper, 11.8 x 8.4 in. Series of 44. (88 left) From the series Américas, 2005, drawing, ink on paper, 11.8 x 8.4 in. Series of 44. (89 right) From the series Américas, 2005, drawing, ink on paper, 11.8 x 8.4 in.

Series of 44.

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Brasil · Brazil | Instalación · Installation

Artur Lescher Geometría a gran escala Large-scale geometry

Enormes e imponentes figuras se apropian del espacio e invitan al espectador a un recorrido que transita entre la arquitectura, la escultura y el objeto. Experimentando con un amplia gama de materiales que van desde la madera hasta el aluminio o el plástico, Artur Lescher cuestiona la percepción a través del uso de la forma. La geometría se convierte en el medio para llevar a cabo una obra basada en la arquitectura que comparte vínculos con la escenografía y el dibujo, siendo este último el elemento central que permite al artista evocar e inventar al mismo tiempo.

La tridimensionalidad incita a recorrer y descubrir cómo las formas varían dependiendo del ángulo del que se las mire. Es el espectador quien finalmente completa la obra y la da sentido.

Gigantic imposing figures take over the space and invite the viewer on a journey that passes through objects, sculpture and architecture. Experimenting with a wide range of materials from wood to plastic or aluminum, Artur Lescher questions perception through the use of form. Geometry becomes the means of carrying out a work based on architecture that shares ties with scenography and drawing, the latter being the central element that allows the artist to evoke and invent at the same time.

The three-dimensionality incites one to explore and discover how the forms vary depending on the angle from which they are viewed. It is the viewer who ultimately completes the work and gives it meaning.

Imágenes cortesía del artista. (92-93) Machinestainless rio de acero, diferentes tamaños, Galería Anita Schwartz, Rio de Janeiro, Brasil 2009, Galería Nara Roesler, São Paulo, Brazil 2010. (94-95) Del Sr. Hombre RiverOffset monotipo, papel, acero, vidrio y fieltro, medidas variadas, Artur Leschiera, Instituto Tomie Ohtake, São Paulo, Brasil 2006, Paisagem Completa, Centro Cultural da Usiminas, Minas Gerais, Brasil 2010.

Images courtesy of artist. (92-93) River Machinestainless steel, varying sizes, Galeria Anita Schwartz, Rio de Janeiro, Brazil 2009, Galeria Nara Roesler, São Paulo, Brazil 2010 (94-95) Mr. Man RiverOffset monotype, paper, steel, glass and felt, varying sizes, Artur Lescher, Instituto Tomie Ohtake, São Paulo, Brazil 2006, Paisagem Completa, Centro Cultural da Usiminas, Minas Gerais, Brazil 2010.

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Chile · Chile | Pintura · Painting

Patricia Claro Reflejos ondulados Rippled reflections

Una gota de agua cae con ligereza e irrumpe la calma y el silencio. Ese efecto de resonancia provoca un reflejo que se expande y deforma en un espejo natural que fluye interminable. Justo ese instante revela el secreto del paso del tiempo. Todo cambia de un segundo a otro, sólo la luz y las miles de capturas fotográficas que Patricia inmortaliza en sus registros conservan el tenor de aquel preciso momento. Esa imagen pronto danzará sobre la tela para perpetuar el volátil efecto del agua, posándose con armonía y placidez en su obra.

A drop of water lightly falls and breaks the calm and silence. This resonant effect causes a reflection that expands and deforms in a natural reflection that flows endlessly. Just at that moment the secret of the passing of time is revealed. Everything changes from one second to the next; only the light and the thousands of photographic images Patricia immortalizes in her records preserve the tenor of that precise moment.

This image will soon dance on the canvas to perpetuate the volatile effect of the water, settling in her work with peacefulness and harmony.

Imágenes cortesía de la artista. (98 izq.) Reflejo Involuntario, 2013, óleo sobre lino, 100 x 170 cm. (99 der) Reflejo Voluntario, 2013, óleo sobre lino, 100 x 170 cm. (100 izq.) 17hr15m30seg, 2011, óleo sobre lino, 120 x 150 cm. (101 der) Oct 29th'11 instant at 17hr37m09s, 2011, óleo sobre lino, 130 x 180 cm..

Images courtesy of artist (98 left) Involuntary Reflection, 2013, oil on linen, 39.37 x 67 in. (99 right) Voluntary Reflection, 2013, oil on linen, 39.37 x 67 in. (100 left) 7hr15m30seg, 2011, oil on linen, 47.2 x 59 in. (101 right) Oct 29th'11 instant at 17hr37m09s, 2011, oil on linen, 51 x 70.8 in.

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Brasil · Brazil | Fotografía · Photography

Thomas Baccaro El mundo que habitamos The world we inhabit

Cansado de la rutina y de trabajar por más de 16 años conjugando la fotografía publicitaria con su pasión artística, Thomas Baccaro decidió dar un vuelco a su vida y dedicarse por entero al arte. Desde entonces, ha recorrido el mundo con su cámara en mano persiguiendo momentos únicos, en un viaje que lo llevó también a la búsqueda de sus propias raíces.

Sus imágenes recorren distintos lugares, donde diversas situaciones y personajes son capturados con una mirada especial que le ha valido ser reconocido con premios en varias ocasiones. La fotografía de Thomas Baccaro es directa y sincera. Sus imágenes se deslizan ante nuestros ojos de manera natural y captan nuestra atención desde el primer instante.

Tired of routine and working for over 16 years combining advertising photography with his artistic passion, Thomas Baccaro decided to make a change in his life and devote himself entirely to art. Since then, he has travelled the world with his camera in hand pursuing once in a lifetime moments, on a journey that also led him to search for his own roots.

His images travel through different places, where different situations and characters are captured with a special look that has earned him recognition with awards on several occasions. The photography of Thomas Baccaro is direct and honest. His pictures fall before our eyes naturally and capture our attention at first glance.

Imágenes cortesía del artista. (104 izq.) The girl - Nueva york , 2010, fotografía análoga, Rolleiflex, 15 x 15 cm. (105 der.) Red- Nueva york, 2011, fotografía análoga,Rolleiflex, 15 x 15 cm. (106 izq.) Transformer- Nueva york, 2011, fotografía análoga, Rolleiflex, 15 x 15 cm. (107 der.) Mr. Green - Nueva york, 2010, fotografía análoga, Rolleiflex, 15 x 15 cm.

Images courtesy of artist (104 left) The girl - Nueva york , 2010, analog photography, Rolleiflex, 6 x 6 in.(105 right) Red - Nueva york , 2010, analog photography, Rolleiflex, 6 x 6 in. (106 left) Transformer - Nueva york, 2011, analog photography, Rolleiflex, 6 x 6 in. (108 right) Mr. Green- Nueva york, 2010, analog photography, Rolleiflex, 6 x 6 in.

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Brasil · Brazil | Escultura · Sculpture

Florian Raiss Gajes de la infancia Part of childhood

Florian Raiss ha dicho que tiene espíritu de niño. Todo cuanto hay en su trabajo refleja e inunda esa realidad consciente. Allí en sus esculturas está él, un autorretrato.

Su imagen habita distintos contextos y adquiere formas que sólo la imaginación alcanza a contener. Su juego es con la figura humana y se presenta como la puerta de entrada a la interpretación de un universo que él ha definido misterioso y rebosante de belleza y complejidad. Las piezas de este íntimo encuentro artístico se unen en torno al conocimiento introspectivo, la intimidad, su secreto y aquello que lo lleva directamente hasta su esencia. Hay algo de teatralidad en sus terminaciones, ese algo que invita al espectador a la atenta contemplación.

Florian Raiss has said that he has the spirit of a child. Everything in his work reflects and exudes this conscious reality. There in his sculptures is himself, a self-portrait.

His image inhabits different contexts and acquires forms that only the imagination is able to contain. He plays with the human figure and it is presented as the gateway to interpreting a universe he has defined as mysterious and brimming with beauty and complexity. The parts of this intimate artistic encounter come together with regard to introspective knowledge, intimacy, its secret and that, which takes it directly to its essence. There is something theatrical about his finishes, that something that invites the viewer to attentive contemplation.

Imágenes cortesía del artista. (110 izq.) Variação sobre tema jano 3, 2010, escultura en bronce patinado, 68 x 12 x 26 cm. (111 der) Quadrúpede, 2009, escultura en bronce patinado, 43 x 32 x 23 cm. (112 izq.) Quadrúpede, 2002, escultura en bronce patinado, 34 x 31 x 18 cm. (113 der) Quadrúpede, 2006, escultura en bronce patinado, 35 x 22 x 21 cm.

Images courtesy of artist. (110 left) Variação sobre tema jano 3, 2010, patinated bronze sculpture, 26.7 x 4.7 x 10.2 in. (111 right) Quadrúpede, 2009, patinated bronze sculpture, 16.9 x 12.5 x 9 in. (112 left) Quadrúpede, 2002, patinated bronze sculpture, 13.3 x 12.2 x 7 in. (113 right) Quadrúpede, 2006, patinated bronze sculpture, 13.3 x 8.6 x 8.2 in.

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Bolivia · Bolivia | Fotografía · Photography

Sol Mateo El oficio de lo oscuro The trade of the dark

Un paso más allá de los tapujos y la convención se encuentra la cruda e irónica mirada de Sol Mateo. El boliviano ha dicho, en las fronteras de lo socialmente permitido, que su obra va más allá de la crítica y busca llevar la estética a un nivel ulterior. Por medio de la fotografía incursiona en temas como la muerte y lucha instintiva del ser humano en vida. Un vaivén de sensaciones transportan al espectador a ese sitio oscuro desde donde mira el mundo con agudeza, indulgencia y severidad. El trabajo de Sol Mateo transita por los límites de la sensualidad y la perversidad hurgando en los recovecos de lo impío. Lugares comunes en la iconografía de las supersticiones y de los miedos atávicos.

A step beyond convention and secrecy is the raw and ironic view of Sol Mateo.

The Bolivian has said, on the limits of what is socially permitted, that his work goes beyond criticism and tries to take the aesthetic to the next level. Through photography he delves into subjects like death and the instinctive struggle of humans in life. The ups and downs of emotions transport the spectator to that dark place from which he sees the world with sharpness, leniency and severity. The work of Sol Mateo goes by the limits of sensuality and perversity, exploring the ins and outs of the wicked. Common places in the iconography of superstitions and atravistic fears.

Imágenes cortesía del artista. (116 izq.) La Culpa, 2010, d print, dimensiones variables. (117 der) Trinidad, 2011, d print, dimensiones variables. (118 izq.) La Maja, 2010, d print, dimensiones variables. (119 der) Bad Religion, d print, dimensión variable.

Images courtesy of artist. (116 left) La Culpa, 2010, d print, variable dimensions. (118 right) Trinidad, 2011, d print, variable dimensions. (118 left) La Maja, 2010, d print, variable dimensions. (119 right) Bad Religion, d print, variable dimensions.

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Perú · Peru | Fotografía · Photography

Sergio Fernández Inversiones desérticas desertic reversals

El rastro de grandes paneles publicitarios abandonados en el desierto ha inspirado un argumento que a ratos se opone a la cultura y la naturaleza para reinterpretar un paisaje y devolverle, paradójicamente, su vitalidad. Son las palabras las que perduran al paso del tiempo y la corrosión del olvido. Aquellos murales, utilizados con el fin de plasmar un mensaje o dejar una huella, se erigen únicos en la nada, permitiendo a través de la holgura, el espacio, las perspectivas y el contenido, distanciar la mirada del espectador y cederle un lapso a la reflexión.

Fotografías intervenidas que transforman el entorno y lo revitalizan a través de una poética diferente. Por medio de pintura acrílica sobre los paneles, Sergio Fernández esboza una fotografía ampliada, un mensaje que trae esa desértica vista de su natal Perú de nuevo a la vida.

The trace of large billboards abandoned in the desert has inspired an argument that at times opposes culture and nature in order to reinterpret a landscape and -paradoxically- give back its vitality. It is words that endure the passing of time and the corrosion of oblivion. Those murals, used to express a message or leave a mark, are erected by themselves in the middle of nowhere, allowing -through the content, perspectives and space- for the spectator’s view to be distanced and giving him time to reflect.

Intervened photographs that transform the environment and revitalize it through a different poetic. Using acrylic paint on panels, Sergio Fernández outlines an enlarged photograph, a message that brings this deserted view of his native Peru to life again.

Imágenes cortesía del artista. (122 izq.) Elegance is our attitude, 2014, impresión a tinta sobre papel de algodón a partir de negativo análogo digitalizado, pintura acrílica, 120 x 144 cm. Edición: pieza única + PA. (123 der) Vista, 2014, impresión a tinta sobre papel de algodón a partir de negativo análogo digitalizado, pintura acrílica, 120 x 144 cm. Edición: pieza única + PA. (124 izq.) Propiedad, 2014, impresion a tinta sobre papel algodon a partir de negativo analogo digitalizado + pintura acrilica.100 x 120 cm.Edicion: Pieza unica + PA (125 der) Años, 2014, impresión a tinta sobre papel de algodón a partir de negativo análogo digitalizado, pintura acrílica, 140 x 170 cm. Edición: pieza única + PA. Images courtesy of artist (122 left) Elegance is our attitude, 2014, ink printing on cotton paper from analog digitized negative, acrylic paint, 47.2 x 56.6 in.

Edition: single piece+ PA. (123 right) Vista, 2014, ink printing on cotton paper fromanalog digitized negative, acrylic paint, 47.2 x 56.6 in. Edition: single piece+ PA. (124 left) Propiedad, 2014, ink printing on cotton paper from analog digitized negative, acrylic paint,.39.3 x 47.2 in. Edition: Pieza unica + PA (125 right) Años, 2014, ink printing on cotton paper from analog digitized negative, acrylic paint,55 x 66.9 in. Edition: single piece+ PA.

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Argentina · Argentina | Fotografía · Photography

Manuel Archain Mi mundo inventado My invented world

Escenas surrealistas son las que propone Manuel Archain en cada una de sus imágenes. Mezclando elementos de diferente naturaleza, el artista argentino crea situaciones inverosímiles, sorprendentes y atractivas, cuestionando de esta forma la noción de la fotografía como espejo de la realidad.

Su obra es un constante enfrentamiento entre realidad y ficción. Elementos del realismo mágico muestran de manera natural y espontánea un entorno imposible de observar directamente. La fotografía de Manuel Archain da vida a un mundo donde la imaginación toma las riendas para proponer lugares asombrosamente llamativos, donde la propia experiencia del espectador completa la historia que éstas narran.

Surreal scenes are those that Manuel Archain proposes in each of his pictures. Mixing elements of different natures, the Argentinian artist creates appealing, surprising and implausible situations, thus questioning the notion of photography as a reflection of reality.

His work is a continuous confrontation between reality and fiction. Elements of magical realism naturally and spontaneously show an environment that is impossible to observe directly. The photography of Manuel Archain gives life to a world where imagination takes the reigns to propose an astonishingly striking world where the viewer’s own experience completes the story they tell.

Imágenes cortesía del artista. (128 izq.) Alacena, 2014, fotomontaje digital, 75 x 60 cm, 114 x 90 cm, edición de 7, 160 x 125 cm, edición de 5 (129 der) Una mañana, 2013, fotomontaje digital, 75 x 60 cm, 114 x 90 cm, edición de 7, 160 x 125 cm, edición de 5 (130 izq.) Un día en la oficina, 2014, fotomontaje digital, 75 x 60 cm, 114 x 90 cm, edición de 7, 160 x 125 cm, edición de 5 (131 der) Estación Central, 2013, fotomontaje digital, 75 x 60 cm, 114 x 90 cm, edición de 7, 160 x 125 cm, edición de 5 Images courtesy of artist (128 left) Una mañana, 2013, digital photomontage, 29.5 x 23.6 in, 44.8 x 35.4 in, series of 7, 62.9 x 49 in, series of 5. (129 right) Alacena, 2014, digital photomontage, 29.5 x 23.6 in, 44.8 x 35.4 in, series of 7, 62.9 x 49 in, series of 5. (130 left) Un día en la oficina, 2014, digital photomontage, 29.5 x 23.6 in, 44.8 x 35.4 in, series of 7, 62.9 x 49 in, series of 5. (131 right) Estación central, 2013, digital photomontage, 29.5 x 23.6 in, 44.8 x 35.4 in, series of 7, 62.9 x 49 in, series of 5.

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Bolivia · Bolivia | Artista multidisciplinar · Multidisciplinary artist

Gastón Ugalde Misticismo andino Andean Mysticism

Gastón Ugalde tiene un profundo vínculo e interés en las raíces sudamericanas y son las mismas locaciones de las culturas andinas las que le han servido de escenario a sus registros. Fotografía, instalación y performance son los caminos que el destacado artista ha elegido para hablar de un hombre en constante búsqueda de su esencia.

Amparado bajo el misticismo y la filosofía andina, Ugalde crea potentes escenas que contrastan los paisajes de su Bolivia natal con el simbolismo de los hombres u objetos que sobre éstos se despliegan. Pasado y presente se unen en una obra que conecta raíces a 4 mil metros de altura.

Gastón Ugalde has a close bond and interest in South America and it is the same locations of the Andean cultures that have served as the backdrop for his creations.

Photography, installation and performance are the paths that the distinguished artist has chosen to speak of a man in constant search for his essence.

With the help of Andean philosophy and mysticism, Ugalde creates powerful scenes that contrast the landscapes of his native Bolivia with the symbolism of the men or objects displayed in these. The past and present unite in a work that connects man to his roots at a height of 4 thousand meters.

Imágenes cortesía del artista. (134 izq.) Sin titulo, 2014, impresión c-type, 80 x 120 cm (135 der.) Untitled, 2014, impresión c-type, 80 x 120 cm. (136-137) Untitled, 2014, impresión c-type, 80 x 120 cm.

Imágenes cortesía del artista. (134 izq.) Untitled, 2014, c-type print, 31.4 x 47.2 in. (135 der.) Untitled, 2014, c-type print, 31.4 x 47.2 in. (136-137) Untitled, 2014, c-type print, 31.4 x 47.2 in.

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Chile · Chile | Pintura · Painting

Tan Vargas Imágenes recurrentes Recurring images

Los guiños y estímulos de la contemporaneidad llegan, veloces y a la vez, al encuentro de esta experiencia visual. Una numerosa red de imágenes y asociaciones recurrentes en el inconsciente colectivo se conectan capa por capa construyendo un horizonte extenso y ficticio. Fotografías, gráficas, pintura e impresiones cautivan e invitan al espectador a entrar en un universo de múltiples significados. Esa composición neofigurativa, construida con atisbos publicitarios, responde a uno más de los antojos de Tan Vargas en el proceso de creación de su obra. Una búsqueda por divulgar y presentar ante la vista de las personas lo que sus ojos quieren ver.

The signs and stimuli of the contemporary come fast and at the same time, as we encounter a visual experience. A large network of recurring images and associations in the collective subconscious are connected layer by layer forming an extensive fictitious horizon. Photographs, graphics, painting and prints captivate and invite the viewer into a universe of multiple meanings. This neo-figurative composition, constructed with glimpses of advertisements, responds to one more of the whims of Tan Vargas in the process of creating his work. An attempt to present and spread before people what their eyes want to see.

Imágenes cortesía del artista. (140 izq.) Fotosintesis, 2014, pintura e impresión digital y análoga sobre papel, 128 x 160 cm. (141 der) Dactilar, 2014, acrílico sobre impresión digital, 128 x 160 cm. (142 izq.) Salto en orbita, 2014, fotoserigrafía, acrílico y aerosol sobre tela, 128 x 160 cm. (143 der) Aloe, 2014, pintura e impresión análoga y digital sobre papel, 128 x 160 cm.

Images courtesy of artist (140 left) Fotosintesis, 2014, painting and analog and digital printing on paper, 50.3 x 62,9 in. (141 right) Dactilar, 2014, acrylic on digital print, 50.3 x 62,9 in. (142 left) Salto en orbita, 2014, fotoerigrfía, acrylic and aerosol on canvas, 50.3 x 62,9 in. (143 right) Aloe, 2014, analog and digital painting and printing on paper, 50.3 x 62,9 in.

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Bolivia · Bolivia | Fotografía · Photography

Alejandra Delgado Segunda mirada Second look

Los contornos y siluetas fantasmas de una imagen en movimiento parecen desvanecerse. Un aparente ir y venir y la superposición de capas despojan la imagen de una identidad preconcebida y determinada. Tras ese proceso que fuerza al ojo a hacer una deconstrucción al momento de la observación, hay una intencionada maniobra fotográfica que persigue disipar ideas preconcebidas respecto de la identidad, la cultura y la arquitectura. El trabajo de la imagen en monocromo que lleva a cabo Alejandra Delgado desafía frontalmente la mirada convencional del espectador y lo invita a descubrir lo que una idea anticipada puede esconder.

The ghostly silhouettes and outlines of a moving image seem to fade away. A seemingly coming and going and the overlapping of layers do away with a preconceived and determined identity of the image. Behind this process that forces the eye to break the image apart at first sight is an intentional photographic trick that aims to dispel preconceived ideas regarding architecture, culture and identity. The work of the monochrome image that Alejandra Delgado carries out challenges the conventional views of the spectator head on and invites him to discover what a preconceived idea can hide.

Imágenes cortesía de la artista. (146 izq.) De la serie Fantasmagoria (1), 2013, fotografía digital, 70 x 100 cm. (147 der ) De la serie Fantasmagoria (2), 2013, fotografía digital, 70 x 100 cm. (148 izq.) De la serie Cholets (1), 2014, fotografía digital, 120 x 90 cm. (149 der ) De la serie Sur (1), 2014, fotografía digital, 100 x 70 cm.

Images courtesy of artist (146 left) De la serie Fantasmagoria (1), 2013, digital photography, 27.5 x 39.3 in. (147 right) De la serie Fantasmagoria (2), 2013, digital photography, 27.5 x 39.3 in. (148 left) De la serie Cholets (1), 2014, digital photography, 47.2 x 35.4 in. (149 right) De la serie Sur (1), 2014, digital photography, 39.3 x 27.5 in.

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Chile · Chile | Pintura · Painting

Cristóbal Anwandter El color de una semblanza The color of a portrait

Hombres, mujeres o animales forman un colectivo de imágenes que apuntan a estados psicológicos arquetípicos. Presentados a gran escala y en forma de closeup, el artista experimenta con diversas herramientas de construcción pictórica a modo de potenciar la ambigüedad del sujeto temático. En decisiones cromáticas vivas e irreverentes, diferentes lógicas pictóricas se acumulan unas sobre otras, a manera de cadáver exquisito superpuesto. La sintaxis pictórica es intencionadamente ambivalente, donde diversas gestualidades se van boicoteando sucesivamente, haciendo protagonista la tensión entre gestualidad y control figurativo.

Men, women or animals form a group of images that point to archetypal psychological states. Presented close-up and on a large scale, the artist experiments with various tools of pictorial assembly as a way of enhancing the ambiguity of thematic subject. In lively and irreverent chromatic decisions, different pictorial logics are accumulated some over others, like an exquisite superimposed corpse. The pictorial sintax is deliberately ambivalent, where various gestures successively boycot, making the tension between gestures and figurative control the main theme.

Imágenes cortesía del artista. (152 izq.) Man, 2013, óleo sobre tela, 120 x 105 cm. (153 der.)Ape, 2013, óleo sobre tela, 120 x 105 cm. (154 izq.) Woman, 2013, óleo sobre tela, 120 x 105 cm. (155 der.) Smiling man, 2014, óleo sobre tela, 160 x 140 cm.

Images courtesy of artist. (152 left) Man, 2013, oil on canvas, 47.2 x 41.3 in. (153 right) Ape, , 2013, oil on canvas, 47.2 x 41.3 in. (154 left) Woman, , 2013, oil on canvas, 47.2 x 41.3 in. (155 right) Smiling man, 2014, oil on canvas, 62.9 x 55 in.

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Brasil · Brazil | Fotografía · Photography

Gal Oppido La primera capa The first layer

El paso del tiempo deja huellas en la piel. Iniciada la existencia, el camino va dejando rastros de su paso y la superficie corporal las aloja y acurruca. Sin telas ni indumentaria, Gal Oppido muestra el cuerpo tal cual es y deja su fuero externo e interno al alcance de la vista, trabajando la relación entre la finitud del ser humano y su interacción con la materia. A través de ritos, sistemas y formas de actuar, el artista brasilero busca encontrar al espectador con el espejo de sus verdades más hondas y recordarle que su esencia es mezclarse con el medio.

The passage of time leaves marks on the skin. Having begun to exist, the path leaves traces of its passing and the bodily surface shelters and nestles them. Without clothing or fabrics, Gal Oppido shows the body as it is and leaves the inner and outer self in sight, working the relationship between the finitude of human beings and their interaction with matter. Through rites, systems and ways of acting, the Brazilian artist tries to find the viewer by reflecting his deepest truths and remind him that his essence is to be mixed with the medium.

Imágenes cortesía del artista. (158 izq.) Luciana e a Lei da Gravidade #21, 1991, fotografía, 40 x 40 cm. (159 der.)Luciana e a Lei da Gravidade #36, 1991, fotografía, 40 x 40 cm. (160 izq.) Luciana e a Lei da Gravidade #1, 1991, fotografía, 40 x 40 cm. (161 der.) Luciana e a Lei da Gravidade #3, 1991, fotografía, 40 x 40 cm.

Images courtesy of artist. (158 left) Luciana e a Lei da Gravidade #21, 1991, photography, 15.7 x 15.7 in. (159 right) Luciana e a Lei da Gravidade #36, 1991, photography, 15.7 x 15.7 in. (160 left) Luciana e a Lei da Gravidade #1, 1991, photography, 15.7 x 15.7 in. (161 right) Luciana e a Lei da Gravidade #3, 1991, photography, 15.7 x 15.7 in.

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Perú · Peru | Fotografía · Photography

Christian Fuchs El pasado recorrido the covered past

El legado de la historia y un trabajo de archivo que rescata la esencia de los viejos tiempos se exhiben distinguidos en la obra de Christian Fuchs. Como un árbol genealógico de donde emanan los más dispares recuerdos de tiempos no vividos, su fotografía nos remite con audacia a una época anterior, nos sitúa en los suelos que pisaron hace siglos atrás todos nuestros antecesores. El atuendo y la elegancia de los grandes personajes de la historia se reflejan en sus obras con definida y convencida determinación, haciendo aparecer entre líneas la magnífica posibilidad de rescatar lo perdido: el acto de revivir y conservar.

The legacy of history and archival work that restores the essence of old times are portrayed in a distinguished manner in the work of Christian Fuchs. Like a family tree from which the most disparate memories of times not lived emanate, his photograph boldly takes us back to an earlier time, placing us on the lands that all of our ancestors walked on centuries ago. The elegance and attire of great figures of history are reflected in his pieces with clear and precise determination, makiing the magnificent possibility of restoring what has been lost appear between the lines: the act to reviivng and preserving.

Imágenes cortesía del artista. (162 izq.) Eleonora (autorretrato), 2013, 50 x 36 cm. Edición 4/5. (163 der.)Gran Mariscal Don Juan Bautista Elespuru y Montes de Oca (autorretrato), 2014, 65 x 53 cm. Edición 2/5. (166 izq.) Doña Natividad Martínez de Pinillos Cacho y Lavalle (autorretrato), 2014, 65 x 53 cm. (167 der.)

Carl Schilling (El Patriarca), 2014, 70 x 60 cm. Edición 1/5.

Images courtesy of artist. (162 left) Eleonora (self portrait), 2013, 19.6 x 14 in. Edition 4/5. (163 right) Gran Mariscal Don Juan Bautista Elespuru y Montes de Oca (self portrait), 2014, 25.5 x 20.8 in. Edition 2/5. (166 left) Doña Natividad Martínez de Pinillos Cacho y Lavalle (self portrait), 2014, 25.5 x 20.8 in. (167 right) Carl Schilling (El Patriarca), 2014, 27.5 x 23.6 in. Edition 1/5.

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Cuba · Cuba | Artista multidisciplinar · Multidisciplinary artist

Adonis Flores CAMUFLAJES CAMOUFLAGES

El atentado del 11 de septiembre de 2001 al World Trade Center fue el punto de partida para gran parte del trabajo del artista Adonis Flores. El clima bélico presente, la amenaza de guerra y un ambiente cargado de violencia lo llevaron a revivir sus tiempos en el servicio militar y su paso por Angola en 1989. La experiencia se ve reflejada en Camuflajes, su más amplia serie, donde el cubano toma su antiguo uniforme y usa su propio cuerpo para recrear distintas situaciones que cuestionan el poder, la fragilidad y la inseguridad en que vive el hombre del siglo XXI. El trabajo de Adonis Flores enfrenta al soldado con el hombre común para hablar, siempre con un toque de humor, de la situación en que el artista ve inmerso el mundo actual.

The September 11, 2001 attack on the World Trade Center was the starting point for a large part of the work of artist, Adonis Flores. The hostile climate present, the threat of war and an atmosphere full of violence led him to relive his time in the military and his stay in Angola in 1989. The experience can be seen reflected in Camuflajes (Camouflages), his most extensive series, where the Cuban takes his old uniform and uses his own body to recreate different situations that question power, fragility and insecurity in which the twenty-first century man lives. The work of Adonis Flores places the soldier before everyday men to speak -always with a touch of humor- the situation in which the artist sees the world today immersed.

Imágenes cortesía del artista. (170 izq.) Granada, 2011-2013, acrílico, bronce, acero inoxidable, 11 x 8 x 7 cm. (171 der.) Lenguage, de la serie Camuflajes, 2005, impresión digital. (172 izq.) Pelotón, 2009-2013, cuero, cordones, hule natural, resina, fibra de vidrio, dimensión, 162 cm diámetro. (173 der.) Aliento, de la serie Camuflajes, 2006, impresión digital.

Images cortesy of artist. (170 left) Granada, 2011-2013, acrylic, bronze, stainless steel, 4.3 x 3 x 2.7 in. (171 right) Lenguage, from the series Camouflages, 2005, digital print. (172 left) Platoon, 2009-2013, leather, lace, natural rubber, resin, fiber glass, 63.7 in. diameter. (173 right) Breath, from the series Camouflages, 2006, digital print.

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Argentina · Argentina | Fotografía · Photography

Marcos López Escenas del subdesarrollo Scenes of underdevelopment

Marcos López es el director de las escenas que su imaginación construye.

Mezclando influencias del cine y la escenografía, sitúa en un mismo espacio a figuras tan llamativas como disímiles entre sí. Provocador, irónico y directo, el fotógrafo argentino mezcla sin temor los grandes acontecimientos que han marcado la historia con los rasgos e idiosincrasia de su continente natal. Los momentos que su lente captura son el instante detenido de una película extraña pero cautivante, donde cada elemento es una forma más de preguntarnos: ¿Quiénes somos los latinos?

Marcos López is the director of the scenes created by his imagination. Mixing influences from film and scenography, he places figures that are as striking as they are different from one another in the same place. Provocative, ironic and direct, the Argentinian photographer mixes the great events that have marked history with the traits and peculiarities of his native continent without fear. The moments his lens captures are the instant stopped of a strange but captivating movie, where every element is another way of wondering: Who are we Latinos?

Imágenes cortesía del artista. (176 izq.) Plaza de Mayo, Buenos Aires, 1996. (177 der.) En el Jardín Botánico, Buenos Aires, 1993. (178-179) Comida rápida, Buenos Aires, 2007.

Images courtesy of artist. (176 left) Plaza de Mayo, Buenos Aires, 1996. (177 right) En el Jardín Botánico, Buenos Aires, 1993. (178-179) Comida rápida, Buenos Aires, 2007.

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Cuba-EE.UU · Cuba-USA | Artista multidisciplinar · Multidisciplinary artist

Antuan palabras que matan words that kill

Los tópicos de una humanidad disuelta en asuntos de la inmediatez y la contemporaneidad llegan revolucionarios al festín de provocaciones de la obra de Antuan.

Las composiciones, envueltas en mensajes que pretenden poner al ser humano frente a un espejo que le muestra sus verdades más crudas, buscan motivar en el espectador un espíritu crítico. De la mano del misterio, su manufactura y las múltiples disciplinas que practica, describe aquellos matices que aúnan la conciencia y el inconsciente colectivo frente a un escenario global. No hay tapujos ni máscaras en la experiencia visual que el artista cubano nos invita a vivir.

The topics of a humanity divided on pressing contemporary issues become revolutionary in the feast of provocations of the work of Antuan. The compositions, covered in messages that try to place the human being before a mirror that shows his most raw truths, seek to inspire the viewer to think critically. Hand in hand with mystery, his manner of assembling and the multiple disciplines he practices set forth those aspects that bring the collective conscious and unconscious together on the global stage. There are no masks or secrecy in the visual experience the Cuban artist invites us to participate in.

Imágenes cortesía del artista. (182 izq.) Bailout, 2011, técnica mixta, 243.8 x 91.4 cm. (183 der.) Naturaleza de hombres, 2003, técnica mixta, 457 x 121.9 cm.

(184 izq.) Ambition, 2012, acrílico sobre tela, 172.7 x 116.8 cm. (185 der.) Be the voice, 2012, fundición en bronce, alfombra roja 1/6, 30.48 x 30.48, 15.2 cm.

Images courtesy of artist. (200 left) Bailout, 2011, mixed media, 96 x 84 x 36 in. (183 right) Natural of men, 2003, mixed media, 180 x 48 x 48 in. (184 left) e Ambition, 2012, acrilyc on canvas, 68 x 46 in. (185 right) Be the voice, 2012, bronze melting, red carpet 1/6, 12 x 12 x 6 in.

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Perú-Chile · Peru-Chile | Pintura · Painting

Francisco Bustamante Viaje a la partida trip from departure

Cual viento que arrastra un sinfín de elementos, las pinturas de Francisco Bustamante son ráfagas de una fuerza a ratos nostálgica. Un arraigado afecto por Perú, su país natal de donde debió partir, deriva en un trabajo cargado de memoria, recuerdos y potencia. La fluctuación de color viaja sobre la tela haciéndose a ratos poderosa y en otros difusa, retratando la confusión, desconcierto y nostalgia que le provoca recordar su partida. Láminas doradas iluminan y cargan su trabajo pictórico de una imponente hegemonía visual que, en una segunda lectura, se remite al oro, material noble que utilizaban las antiguas civilizaciones incaicas en la zona donde nació.

Like wind that an endless amount of elements, the paintings of Francisco Bustamante are gusts of an at times nostalgic force. A deep-rooted affection for Peru, his native country that he had to leave, results in a work full of memories and power.

The fluctuation of color travels on the fabric at times making it powerful and other times dim, portraying the confusion, bewilderment and nostalgia that causes him to remember his departure. Golden leaves light up and fill his pictorical works with a stunning visual hegemony that, looked at twice, refers to gold, a noble material that ancient Inca civilizations used in the area in which he was born.

Imágenes cortesía del artista. (188-189) S/T, 2013, láminas doradas y óleo osbre tela, 200 x 850 cm. (190 izq.) S/T, 2011, óleo osbre tela, 120 x 150 cm. (191 der.) S/T, 2013, políptico, láminas doradas y óleo sobre tela, 250 x 500 cm.

Images courtesy of artist. (188-189) S/T, 2013, gold leaf and oil on canvas, 78.7 x 334.6 in. (190 left) S/T, 2011, oil on canvas, 47.2 x 59 in. (191 right) S/T, 2013, polyptych, gold leaf and oil on canvas, 98.4 x 196.8 in.

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Argentina · Argentina | Fotografía-Instalación · Photography-Installation

Paula Toto Blake Fragilidad existencial Existential fragility

La lápida sigue ahí, ajena a los cambios y al pasar del tiempo. Su materialidad la hace resistir hasta la más helada de las tormentas con estoica actitud. Los días pasan a su lado y ella, imperturbable, continúa recordándonos que para nosotros no será igual. Será el hombre quien dejará este mundo y la lápida, el banco y los muros permanecerán, impertérritos.

A través de la fotografía y la intervención mediante una capa de acrílico aplicada sobre las lápidas que luego es martillada, transformándolas en foto-objetos, Paula Toto Blake nos recuerda la verdad que todos sabemos pero que no nos gusta recordar: la vida es frágil y pasajera. Nuestras lápidas se desgastarán, pero aun así permanecerán más tiempo en la tierra que el que nosotros estuvimos.

The tombstone is still there, unaware of changes and the passing of time. Its materiality makes it resist the coldest of storms with a stoic attitude. As the days pass by it and unwavering, it continues to remind us that for us it will not be the same. It will be man who will leave this world and the tombstone, the bench and the walls that will remain undeterred.

By means of photography and intervention with a layer of acrylic applied on the tombstones and later hammered, transforming them into photo-objects, Paula Toto Blake reminds us of the truth that we all know but do not want to remember: life is fleeting and fragile. Our tombstones will wear, but will thus remain longer in the land where we were.

Imágenes cortesía de la artista. (194 izq.) De la serie Fragilidad, 2013, fotografía intervenida y martillada, 200 x 125 cm. (195 der.) De la serie Fragilidad, 2013, fotografía intervenida y martillada, 200 x 125 cm (196-197) De la serie Fragilidad, 2013, fotografía intervenida y martillada, 100 x 70 cm.

Images courtesy of artist. (194 left) From the series Fragilidad, 2013, intervened and hammered photography, 78.7 x 49.2 in. (195 right) From the series Fragilidad, 2013, intervened and hammered photography, 78.7 x 49.2 in (196-197) From the series Fragilidad, 2013, intervened and hammered photography, 39.3 x 27.5 in

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Uruguay-Argentina · Uruguay-Argentina | Collage · Collage

Álvaro Montañés El papel de la belleza The paper of beauty

La carga temporal del segundo milenio filtra la honda tentación de Álvaro: emular las grandes obras del pasado. Trabaja día y noche tentando a la belleza a través del estudio de la imagen y la experimentación. En uno de sus innumerables intentos descubrió el papel, cuya plasticidad, fragilidad y sutileza intervinieron en su camino artístico dotando su trabajo de un sugerente y atractivo efecto. Por medio del color, la mixtura y los contrastes, el artista acerca sus resultados a una experiencia estética inédita, amable y deleitable.

The temporary burden of the second millennium filters Álvaro’s profound desire: to emulate the great works of the past. He works day and night searching for beauty by studying and experimenting with images. In one of his countless attempts he discovered paper, whose plasticity, fragility and subtlety intervened in his artistic path giving his work an attractive and suggestive effect. Through color, mixing and contrasting, the artist draws his results closer to a unique, friendly and delightful aesthetic.

Imágenes cortesía del artista. (200 izq.) De la serie Perfil de Mujer, 2014, técnica mixta sobre papel, 100 x 100 cm. (201 der.)De la serie Perfil de Mujer, 2014, técnica mixta sobre papel, 100 x 100 cm. (202 izq.) De la serie Perfil de Mujer, 2014, técnica mixta sobre papel, 100 x 100 cm. (203 der.) De la serie Perfil de Mujer, 2014, técnica mixta sobre papel, 100 x 100 cm.

Images courtesy of artist. (200 left) From the series Perfil de Mujer, 2014, mixed media on paper, 39.37 x 39.37 in. (201 right) From the series Perfil de Mujer, 2014, mixed media on paper, 39.37 x 39.37 in. (202 left) From the series Perfil de Mujer, 2014, mixed media on paper, 39.37 x 39.37 in. (203 right) From the series Perfil de Mujer, 2014, mixed media on paper, 39.37 x 39.37 in.

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Argentina · Argentina | Artista multidisciplinar · Multidisciplinary Artist

María Silvia Corcuera Cronista de la contemporaneidad Contemporary chronicler

Cada pieza compone un engranaje armonioso, limpio y conceptual. En la obra de María Silvia Corcuera la geometría y el contraste tejen una amalgama transcultural que aúna el pasado con el presente y define nuestros días. Lo popular delinea el camino.

Su acción defiende una memoria viva que va mutando y permeándose de nuevas transformaciones y patrones que conservan su vigencia a través de su capacidad de moldearse a la cultura.

Para la artista argentina lo objetos no pierden su vigencia: se trasforman y acomodan a nuestros tiempos. Las piezas más inmediatas y arraigadas a la cotidianeidad recuperan su protagonismo mostrando una flexible capacidad de adaptación. Así, el traspaso cultural permite la resignificación de un objeto que en su ADN, y por su perdurabilidad, permite múltiples lecturas.

Each piece consists of a conceptual, clean and harmonious inner working. In the work of María Silvia Corcuera geometry and contrast weave a transcultural amalgam that combines the past with the present and defines our days. What is popular outlines the course. Her action defends a living memory that mutates and is infiltrated with new patterns and transformations that conserve its validity by its ability to mold to culture.

To the Argentinian artist objects do not lose their validity: they are transformed and accommodated to our times. The objects that are most relevant and ingrained in everyday life recover their prominence showing their ability to adapt. Thus, the cultural transfer gives new meaning to an object that in its DNA, and due to its longevity, allows multiple interpretations.

Imágenes cortesía de la artista. (206 izq.) Lo Oculto y lo Manifiesto, de la serie Randas y Dones, 2012/14, acrílico sobre tela, cascabel de metal, 100 x 100 cm. (207 der.) La Gran custodia, 2008, collage sobre hardboard,fichas de santos, acrílico,150 x 110 cm. ( 208 izq.) Cielo, de la serie Randas y Dones, 2012-14, acrílico sobre papel, hilo de macramé, cascabeles de metal, 70 x 50 cm. (209 der.) El Acecho, de la serie Las Protegidas, 2009, acrilico sobre hardboard,sobres de papel sobre hardboard, 150 x 110 cm.

Images courtesy of artist. (206 left) L o Oculto y lo Manifiesto, from the series Randas y Dones, 2012/14, acrylic on canvas, metal bell, 39.3 x 39.3 in. (207 right) La Gran custodia, 2008, collage on hardboard, acrylic, saints files, 59 x 43.3 in. (208 left) Cielo, from the series Randas y Dones, 2012-14, acrylic on paper, macrame cord, metal bells, 27.5 x 19.6 in. (209 right) El Acecho, from the series Las Protegidas, 2009, acrylic on hardboard, paper envelopes on hardboard, 59 x 43.3 in.

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Perú · Peru |Artista Multidisciplinario · Multidisciplinary Artist

Fernando Otero Arquitectura del recuerdo Architecture of the memory

La intimidad del hogar tiene ese don arquitectónico y personal que envuelve el espacio de cobijo y resguardo. Allí se alojan los recuerdos, la caja fuerte de los afectos que, sin decir palabras, hablan de uno mismo. Fernando Otero ha decidido resignificar aquello que de por sí trae la carga de sus horas en el mundo y, a través de las colecciones, recupera elementos que pudieron ir inadvertidos directo al tacho de la basura. Su obra es un muestrario, un híbrido de significantes pasados y vigentes, una metáfora. La armonía y diversidad retratan en sus trabajos las piezas de una sociedad que comparte instantes en la ciudad.

The privacy of the home has that personal and architectural ability to envelop the space of shelter and refuge. There memories are protected; the safekeeping of affection that, without saying anything, speaks of oneself. Fernando Otero has decided to give new meaning to that which in itself carries the burden of its time in the world and, through collections, recover elements that may go inadvertently straight to the trash can. His work is a collection, a hybrid of past and present meanings; a metaphor.

The diversity and harmony portray in his works the pieces of a society that shares moments in the city.

Imágenes cortesía del artista. (212 izq.) Sin titulo, 2013, técnica mixta, dimensiones variables. (213 der.) Sin título, 2013, construcción, medidas variables. (214 izq.) Sin titulo, 2013, técnica mixta, dimensiones variables. (215 der.) Sin titulo, 2013, técnica mixta, dimensiones variables.

Images courtesy of artist (212 left) Untitled, 2013, mix media, variables measures. (213 right) Untitled, 2013, construction, variables measures.(214 left) Untitled, 2013, mix media, variables measures. (215 right) Untitled, 2013, mix media, variables measures.

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Argentina · Argentina | Escultura · Sculpture

Silvana Kelm Brincos ligeros Light jumping

Parece un vuelo. Cada pieza gira y danza con desplante y soltura en todas las direcciones. El oficio y la técnica de las obras de Silvana Kelm dejan entrever su afición por la textura, la forma y el arte: son siluetas gráciles y livianas suspendidas en el espacio y acabadas con elegancia. Cada escultura un momento; cada perspectiva, una dulce impresión. Gracias a la liviandad y fortaleza del acrílico, los contornos característicos de lo femenino se exhiben como despegando del suelo, lo que produce en sus terminaciones el ritmo, la armonía y delicadeza de un trabajo riguroso.

It seems like a flight. Every piece dances and turns strikingly and at ease in all directions. The craft and technique of Silvana Kelm’s pieces reveal her fondness for texture, form and art: they are light, graceful silhouettes suspended in the space and finished with elegance. Every sculpture a moment; every perspective, a sweet impression. Thanks to the lightness and strength of the acrylic, the contours characteristic of the woman are displayed as if they were taking off from the ground, which produces in their finishing touches the rhythm, harmony and delicacy of a rigorous work.

Imágenes cortesía de la artista. (218-219) Remero II, 2010, hierro y acrílico, 45 x 65 x 73 cm. (220 izq.) El equilibrista, 2012, acrilico y hierro, 175 x 92 x 50 cm.

(221 der.) Sin Control, 2007, hierro y acrilico, 190 x 120 x 110 cm.

Images courtesy of artist. (218-219) Remero II, 2010, iron and acrylic, 17.7 x 25.5 x 16.9 in. (220 left) El equilibrista, 2012, acrylic and iron, 68.8 x 36 x 19.6 in.

(221 right) Sin Control, 2007, acrylic and iron, 74.8 x 47 x 43 in.

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México · Mexico | Artista multidisciplinar · Multidisciplinary artist

Carmen Mariscal Vitrinas fronterizas Borders and showcases

Un antiguo vestido de novia y algunos objetos del pasado se hallan tras las sombras, los reflejos y el resplandor de un encierro. Legados de la memoria y el recuerdo, sostienen su vigencia en la memoria personal de Carmen Mariscal. Allí, en un lugar oscuro y aparentemente abandonado, se halla contenida la fragilidad del ser y su flexible capacidad de desbaratarse y volver a componerse.

Entre alambres y obstáculos, las miradas se deslizan desde la reclusión hacia la luz, jugando a la paradoja de la añoranza y la esperanza. La artista mexicana trabaja desde la fotografía y la instalación, ubicando al espectador en el justo punto en el que los escondites, los objetos que sobreviven al paso del tiempo y las historias que de ellos emanan, resguardan y defienden la fuerza que ejercen los recuerdos entre atisbos y vislumbres.

An old wedding dress and some objects from the past are found behind the glare, reflections and shadows of an imprisonment. Memories and recollections maintain their relevance in the personal memory of Carmen Mariscal. There, in a dark and seemingly abandoned place, is found contained the human being´s fragility and its flexible ability to unravel and be re-composed again.

Between wires and obstacles, the viewer's glance moves from confinement to light and is thus present in the paradox between hope and longing. The Mexican artist works in photography and installation. Her work places the viewer at just the right point in which the hiding places, the objects that survive the passage of time and history that emanate from them, protect and defend the force exercised by memories among glints and gleams.

Imágenes cortesía de la artista © Carmen Mariscal. Todos los derechos reservados. (224 izq.) Medusa 1/6, Serie Coiffes, 2013, fotografía, 60 x 50 cm.

(225 der.) Inmaculada 1/6 , serie Coiffes, 2013, fotografía, 60 x 50 cm. (226 izq.) Jaula 1/6, Serie Coiffes, 2013, fotografía, 60 x 50 cm. (227 der.) Jaula 1/6, Serie Coiffes, 2013, fotografía, 60 x 50 cm.

Images courtesy of Carmen Mariscal © All rights reserved. (224 left) Medusa 1/6, Coiffes series, 2013, photography, 23,6 x 19.6 in. (225 right) Inmaculada 1/6 , Coiffes series, 2013, photography, 23,6 x 19.6 in. (226 left) Jaula 1/6, Coiffes series, 2013, photography, 23,6 x 19.6 in. (227 right) Jaula 1/6, Coiffes series, 2013, photography, 23,6 x 19.6 in.

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Perú · Peru | Fotografía · Photography

Silvana Pestana y Sonia Cunliffe Las piedras del camino The stones of the path

La tristeza y el desconsuelo de niños libres y profundamente solos ha unido a estos dos talentos del arte peruano en un solo mensaje. El escenario es desolador, el libre albedrío invade la ingenuidad e inocencia de infantes que transitan descalzos por la tierra sin supervisión. Despojados del derecho de la infancia, se ocupan de sí mismos como si el paso del tiempo tuviese costumbre recorriendo su ser. Se hacen cargo de sus propias e inexpertas acciones con el semblante desesperanzado y el tiempo sobre sus hombros.

La agudeza visual intensifica el enfoque y la perspectiva. Los colores opacados y otoñales y las situaciones a la que los representados son expuestos agudizan el sentir de los ojos que los observan.

The sadness and despair of children who are free and profoundly alone has united these two talented Peruvian artists through a single message. The scene is bleak, free will invades the innocence and trusting nature of young people who go barefoot on the ground without supervision. Deprived of the right to a childhood, they carry themselves as if the passing of time were a custom going through their being.

They take control of their own inexperienced actions with a hopeless countenance and the burden of time on their shoulders.

The visual acuteness intensifies the focus and perspective. The darkened and autumnal colors and situations those portrayed are exposed to sharpen the feeling of the eyes that observe them.

Imágenes cortesía de las artistas. (230-231.) Proyecto Desarraigo, 2014, técnica mixta, madera, fotomontaje, pintura acrílica, 174 x 148 cm. (232 izq.) Proyecto Desarraigo, 2014, fotografia digital, impresión digital, papel baritado, 130 x 170 cm. (233 der.) Proyecto Desarraigo, 2014, fotografia digital, impresión digital, papel baritado, 130 x 170 cm. (234 izq.) Proyecto Desarraigo, 2014, técnica mixta, madera, fotomontaje, pintura acrílica, 174 x 148 cm. (235 der.) Proyecto Desarraigo, 2014, técnica mixta, madera, fotomontaje, pintura acrílica, 174 x 148 cm. (236-237) Proyecto Desarraigo, 2014, fotografia digital, impresión digital, papel baritado, 130 x 170 cm.

Images courtesy of artists. (230-231) Proyecto Desarraigo, 2014, mixed media, wood, photomontage, acrylic paint, 68,5 x 58.2 in. (232 left) Proyecto Desarraigo, 2014, digital photography, digital printing, fiber paper, 51 x 66.9 in. (233 right) Proyecto Desarraigo, 2014, digital photography, digital printing, fiber paper, 51 x 66.9 in. (234 left) Proyecto Desarraigo, 2014, mixed media, wood, photomontage, acrylic paint, 68,5 x 58.2 in. (235 right) Proyecto Desarraigo, 2014, mixed media, wood, photomontage, acrylic paint, 68,5 x 58.2 in. (236-237) Proyecto Desarraigo, 2014, digital photography, digital printing,fiber paper, 51 x 66.9 in.

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Chile · Chile | Artista multidisciplinar · Multidisciplinary Artist

Mariana Tocornal Ligero y frágil Light and fragile

La fragilidad de la porcelana conserva para cada curva y terminación el legado de historias vividas y el paso del tiempo. Mariana Tocornal trabaja este material deslizándose primorosamente por los límites de lo sutil, desafiando al mismo tiempo, las propiedades de su materialidad y la delicadeza con que el concepto de la memoria oscila en la existencia.

En sus obras se exhibe esa carga temporal. Son tazas, guardadas o producidas, que han sufrido un proceso de construcción y deconstrucción sostenida. Un paso que remite en forma y sentido a aquella permanencia en los años, a la capacidad de flexibilidad y vigencia que moldea ese mundo de lo femenino que perdura aun estando siempre al borde de caer.

The fragility of porcelain holds the legacy of history and the passing of time with each curve and finishing touch. Mariana Tocornal delicately navigates the material, pushing the limits of subtlety while at the same time challenging the properties of its physicality, playing with concept of memory.

This depiction of time is displayed in her work; tea cups, saved or produced, suffer a process of sustained construction and deconstruction. A step that through form and meaning refers to permanence over the years, the ability to be flexible and stay current. All this models a feminine world that resists even when it is always on the verge of falling.

Imágenes cortesía de la artista. Fotografías de Verónica Ibáñez Romagnoli. (240 izq.) Llenar el vacio IV, 2013, porcelana en acrílico, 35 x 35 x 6 cm. (241 der.)

Llenar el vacio VI, 2013, porcelana en acrílico, 35 x 35 x 6 cm. (242 izq.) Debajo de mi lengua, 2013, porcelana e insectos, 24 x 24 x 24 cm. (243 der.) Pequeño batallón, 2013,porcelana y figuras de plástico, 29 x 29 x 29 cm.

Images courtesy of artist. Photography de Verónica Ibáñez Romagnoli. (240 left) Llenar el vacio IV, 2013, porcelain on acrylic, 13.7 x 13.7 x 2.3 in. (241 right) Llenar el vacio VI, 2013, porcelain on acrylic, 13.7 x 13.7 x 2.3 in. (242 left) Debajo de mi lengua, 2013, porcelain and insects, 9.4 x 9.4 x 9.4 in. (243 right) Pequeño batallón, 2013, porcelain and plastic figures, 11.4 x 11.4 x 11.4 in.

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Chile · Chile | Escultura · Sculpture

Pilar Ovalle Poemas de madera Wooden poems

Trazos de madera se acomodan a gusto en la obra de Pilar Ovalle y crean formas escultóricas que adquieren sin dificultad un lenguaje propio. Figuras y fragmentos se adicionan -en oposición a lo sustractivo o desbaste- en distintas profundidades, dando vida a una atrapante conjunción de texturas y significantes que surgen desde la contemplación y la femineidad. Ante nuestros ojos se alza un volumen enérgico y equilibrado que transmite emoción en cada una de sus vetas y que ha sido construido, capa por capa, hasta dar con un consistente resultado. El espectador encuentra en la escultura de Pilar Ovalle un vínculo poético con lo intrínsecamente humano, expresado con gran oficio en la madera.

Traces of wood are placed at will in the work of Pilar Ovalle and create sculptural forms that acquire their own language without difficulty. Figures and fragments are added at different depths –as opposed to the withdrawn or smoothed down- giving life to a compelling combination of meanings and textures that arise from the contemplation and femininity. An energetic and balanced volume emerges before our eyes that conveys emotion in every one of its pores and has been constructed layer-by-layer until achieving a consistent result. The viewer finds a poetic link with what is intrinsically human in Pilar Ovalle’s sculpture, expressed with great skill in the wood.

Imágenes cortesía de la artista. (246 izq.) Impermanencia, 2011, madera de ciruelillo, 40 x 40 cm. (247 der.) Arbol, 2010, madera de ciprés ensamblada, 190 x 140 x 60 cm. (248 izq.) Eclosion, 2010, madera de alerce, 120 x 67 x 67 cm. (249 der.) Flexion, 2011, madera de coigüe y paquio, 90 x 200 x 90 cm.

Images courtesy of artist . (246 left) Impermanencia, 2011, ciruelillo wood, 15.7 x 15.7 in. (247 right) Arbol, 2010, assembled cypress wood, 74.8 x 55 x 23.6 in. (248 left) Eclosion, 2010, larch wood, 47.2 x 26.3 x 26.3 in. (249 right) Flexion, 2011, coigüe and paquio wood, 35.4 x 78.7 x 35.4 in.

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Bolivia · Bolivia | Artista multidisciplinar · Multidisciplinary artist

Delta 9 Equilibrio Balance

Delta 9 sabe hacer mucho con muy poco. Tomando materiales naturales y objetos reciclados, el joven artista ha logrado construir una obra simple y potente que funde perfectamente la naturaleza de los materiales que la construyen. Su trabajo transita en una delgada línea entre lo natural y lo artificial y es mediante la abstracción de la forma que encuentra su máximo potencial visual.

Virutas de madera pintadas con pintura sintética conversan en equilibrio y articulan la dualidad de su obra. Una reflexión acerca del medioambiente y la conservación de la naturaleza es lo que Delta 9 propone en las extensas superficies que trabaja.

Delta 9 knows how to do a lot with very little. Taking natural materials and recycled objects, the young artist has been able to construct a simple and powerful work that blends the nature of the materials it is made up of perfectly. His work walks a fine line between the natural and artificial and it is through the abstraction of the form that it finds its maximum visual potential.

Wood shavings painted with synthetic paint converse in balance and articulate the duality of his work. A reflection on the environment and the conservation of nature is what Delta 9 proposes on the extensive surfaces that he works.

Imágenes cortesía del artista. (252 izq.) Sawdust IV, 2012, técnica mixta, 150 x 300 cm (253 der.) Round sawdust, 2013, técnica mixta, 120 cm (254-255) Sawdust VII, 2013, técnica mixta, 120 x 240 cm.

Images cortesy of artist. (252 left) Sawdust IV, 2012, mixed media, 59 x 118 in. (253 right) Round sawdust, 2013, mixed media, 47.2 in. (254-255) Sawdust VII, 2013, mixed media, 47.2 x 94.4 in.

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Chile · Chile | Pintura · Painting

Amelia Errázuriz Paisajes contemporáneos Contemporary landscapes

El paisaje chileno adquiere un nuevo semblante en la obra de Amelia Errázuriz.

Arquitectura, teatro y dibujo son la base de una obra que resignifica los escenarios que hemos visto una y otra vez para dotarlos de una nueva naturaleza. Su trabajo gira en torno a la memoria colectiva y es así como piezas del mundo cotidiano encuentran su lugar en la tela, creando escenarios que reflexionan acerca del hombre y sus huellas. La obra de Amelia Errázuriz rescata la memoria del paisaje y entrega, a través de su pincelada, una lectura contemporánea de aquellos espacios que representan al ser humano.

The Chilean landscape takes on a new look in the work of Amelia Errázuriz.

Architecture, theater and drawing are the basis of a work that gives new meaning to the sceneries we have seen over and over again to give them a new nature. Her work revolves around the collective memory and this is how parts of the everyday world find their place on the fabric, creating scenes that reflect on mankind and its traces. The work of Amelia Errázuriz recovers the history of the landscape and through its brushstrokes provides a contemporary interpretation of those places that represent human beings.

Imágenes cortesía de la artista. (258-259) Paisaje pajas, técnica mixta sobre tela, 130 x 240 cm. (260 izq) Huellas 1, técnica mixta sobre tela, 139 x 190 cm.

(261 der.) Paisaje de atardecer, técnica mixta sobre tela, 80 x 130 cm.

Images courtesy of artist (258-259) Paisaje pajas, mixed media on canvas, 51 x 94.4 in.(260 left) Huellas 1, mixed media on canvas, 54.7 x 74.8 in. (261 right ) Paisaje de atardecer , mixed media on canvas, 31.4 x 51.9 in.

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Perú · Peru | Fotografía · Photography

Hans Stoll Ciudades duales Dual cities

Movido por la profusión y velocidad con que se desarrollan las grandes ciudades, Hans Stoll da vida a Hipertélico Urbano, una serie de fotografías compuestas por cientos de imágenes que en su conjunto desafían las leyes de proporción y arquitectura. Ante el espectador se despliegan imágenes colmadas de información y se evidencia el desenfreno de la urbe actual.

Elementos contrapuestos se superponen en espacios atiborrados de creaciones humanas, generando un vaivén entre la limpieza y el exceso, el orden y el caos, lo minimalista y lo abstracto. La fotografía de Hans Stoll cuestiona, a través de una propuesta original y atrevida, el desarrollo de las ciudades que habitamos, muchas veces más acelerado que la vida misma.

Moved by the speed and profusion with which large cities develop, Hans Stoll gives life to Hipertélico Urbano, a series of photographs made up of hundreds of images that collectively defy the laws of architecture and proportion. Images full of information are displayed before the viewer, showing the lack of moderation of the present-day city.

Opposing elements overlap in places crowded with human creations, creating a fluctuation between cleanliness and excess, order and chaos, minimalism and the abstract. Through a daring and original proposal Hans Stoll’s photography questions the development of the cities we inhabit, many times faster than life itself.

Imágenes cortesía del artista. (264 izq.) Hipertélico urbano, 2010,superposición de imagenes digitales, 110 x 110 cm. y 70 x 240 cm. Edición 5 copias. (264 der) Hipertélico urbano, 2010,superposición de imagenes digitales, 110 x 110 cm. y 70 x 240 cm. Edición 5 copias. (265 der.) Hipertélico urbano, 2010,uperposición de imagenes digitales, 110 x 110 cm. y 70 x 240 cm. Edición 5 copias. (266-267 ) Hipertélico urbano, 2010,superposición de imagenes digitales, 110 x 110 cm. y 70 x 240 cm. Edición 5 copias.

Images courtesy of artist (264 left) Hipertélico urbano, 2010, overlapped digital images, 43.3 x 43.3 in. & 27.5 x 94.4 in. Edition of 5. (264 right) Hipertélico urbano, 2010, overlapped digital images, 43.3 x 43.3 in. & 27.5 x 94.4 in. Edition of 5. (265 right) Hipertélico urbano, 2010, overlapped digital images, 43.3 x 43.3 in. & 27.5 x 94.4 in. Edition of 5. (266-267 ) Hipertélico urbano, 2010, overlapped digital images, 43.3 x 43.3 in. & 27.5 x 94.4 in.Edition of 5.

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Brasil · Brazil | Fotografía · photography

Caroline Valansi Fragmentos de una historia Fragments of a story

Una memoria corroída recibe los efectos del pasar del tiempo. De pronto, de antiguas fotografías brotan raíces de una naturaleza subterránea. Mareas y océanos de tinta que pese a que no alcanzan a borrar el legado y la inmortalización material de la memoria, la permean del hecho fáctico del deterioro temporal. Las imágenes anónimas de Caroline construyen ficciones de la imaginación y se vuelven difusas hasta desaparecer. Mediante la intervención con materiales brutos como la tierra o las piedras y el proceso químico de la fotografía, hace borrón y cuenta nueva de lo superfluo para situarse en la creación de la historia a partir de fragmentos.

A corroded memory receives the effects of the passing of time. Suddenly, roots of an underground nature emerge from old photographs. Oceans and tides of color that despite being unable to erase the legacy and immortalization material of memory, permeate it with the fact of the temporary deterioration. Caroline’s anonymous images construct figments of the imagination and fade until they disappear. By intervening with raw materials like stones or dirt and photograph processing, she makes a clean slate and starts over with the superfluous to settle in the creation of the story from fragments.

Imágenes cortesía de la artista. (270 izq.) De la série Lazos anónimos, 2010, fotografía, impresión de inyección de tinta sobre papel de algodón, 75 x 100 cm.

(271 der.) De la série Lazos anónimos, 2014, fotografía, caja de madera y tierra, 30 x 30 x 10cm. ( 272 izq.) De la série Lazos anónimo s, 2014, fotografía, tierra y madera, 30 x 40 cm. (273 der.) De la série Imágenes Submersas , 2014, técnica mixta, fotografía y tierra, 30 x 18 cm.

Images courtesy of artist (270 left) Form the series Anonymous ties, 2010, photography, inkjet print on cotton paper, 29.5 x 39.3 in. (271 right) From the series Anonymous ties, 2014, photography, wood box and soil, 11.8 x 11.8 x 3.9 in. (272 left) From the series Anonymous ties, 2014, photography, wood box and soil, 11.8 x 15.7 in. (273 right) From the series Imágenes Submersas , 2014, mixed media, photography and soil, 11.8 x 7 in.

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Brasil · Brazil | Collage · Collage

Sesper La vida en fragmentos Life in fragments

Parte por parte, fragmento por fragmento. La obra de Sesper va tomando cuerpo mientras acomoda los objetos que previamente ha recolectado, seleccionado y clasificado.

Metódico y perfeccionista, reúne en su obra una variedad de significados y colores, tanto por su forma como por el lugar al que pertenecen. Papeles, desechos, objetos personales se unen sin importar su origen para hablar sobre la cultura actual, evidenciando sus contradicciones. Sus obras de gran formato pueden recorrerse por partes, encontrando en cada fragmento parte de su vida y siempre también algo de la nuestra.

Part by part, fragment by fragment. The work of Sesper takes shape as he accommodates the objects he previously collected, chose and classified. Methodical and a perfectionist, he brings a variety of meanings and colors together in his work, as much by their form as the place they belong. Papers, trash and personal items come together regardless of their origin to speak on modern culture and demonstrate its contradictions.

His large-format pieces can be explored in parts, finding in each fragment part of his life and always something of ours as well.

Imágenes cortesía de la artista. (274 izq.) In my head, 2013, collage, acrílico, grafito y serigrafía sobre madera, 225 x 165 cm. (275 der) A cara da reprovação, 2013, collage, acrílico, grafito y serigrafía sobre madera, 225 x 165 cm.( 276 izq.) Sofa head, 2013, collage, acrílico, grafito y serigrafía sobre madera, 225 x 165 cm. (277 der) Deathtrip, 2013, collage, acrílico, grafito y serigrafía sobre madera, 225 x 165 cm.

Images courtesy of artist (274 left) In my head, 2013, collage, acrylic, graphite and silkscreen on wood, 88.5 x 64.9 in. (275 right) A cara da reprovação, 2013, collage, acrylic, graphite and silkscreen on wood, 88.5 x 64.9 in. (276 left) Sofa head, 2013, collage, acrylic, graphite and silkscreen on wood, 88.5 x 64.9 in. (273 right) Deathtrip, 2013, collage, acrylic, graphite and silkscreen on wood, 88.5 x 64.9 in.

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Chile · Chile | Escultura · Sculpture

María Soledad Chadwick Fuerzas confluyentes Confluent forces

El círculo como signo primigenio de lo femenino. Las esferas giran y nos remiten al movimiento del universo, la espiral nos conecta con la idea de la muerte y el renacer.

Nos introduce en el misterio de la matriz -útero- de la tierra, penetrando en su núcleo y retornando de nuevo por la misma ruta. Son los elementos que conforman, en parte, la propuesta visual y conceptual de la obra de Soledad Chadwick.

Todo parte del color, el brillo y las luces de la naturaleza. Una captura fotográfica moldea la forma de la próxima escultura en la mente de la artista y luego, a partir de una matriz inspirada en la realidad, la imagen deja su bidimensionalidad para adquirir un lugar en el mundo tridimensional.

The circle as a primal sign of that which is feminine. The spheres rotate and refer to the movement of the universe; the spiral connects us with the idea of death and rebirth. It places us in the mystery of the center –the womb- of Earth, penetrating its core and returning again by the same route. They are elements that in part make up the visual and conceptual proposal of the work of Soledad Chadwick.

Everything comes from the color, shine and lights of nature. A photographic image forms the shape of the next sculpture in the mind of the artist and then, from a mold inspired by reality, the picture leaves behind its two-dimensionality to acquire a place in a three-dimensional world.

Imágenes cortesía de la artista. (282 izq.) Anillo azul, 2012, resina y acrílico, 50 x 50 x18 cm. (283 der.) Centricidad III, 2012-2013, acero, resina y acrílico, 180 x 180 x 50 cm. (284 izq.) Esfera azul, 2011, acrílico, 41 x 41 x 36 cm. (285 der.) Esfera roja, 2011, acrílico, 41 x 41 x 36 cm.

Images courtesy of artist. (282 izq.) Anillo azul, 2012, acrylic and resin, 19.6 x 19.6 x 7 in. (283 der.) Centricidad III, 2012-2013, steel, resin and acrylic, 70.8 x 70.8 x 19.6 in. (284 izq.) Esfera azul, 2011, acrylic, 16 x 16 x 14 in. (285 der.) Esfera roja, 2011, acrylic, 16 x 16 x 14 in.

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México · Mexico | Fotografía · Photography

Floria González Realidades paralelas Parallel realities

Desde la imaginación de Floria González surge un mundo de personajes y situaciones que conforman una nueva realidad, un espacio construido con recuerdos y memorias donde el ser humano tiene el papel principal. A través de su lente, la artista mexicana captura figuras que navegan entre sus deseos, ideas, anhelos y miedos, conformando realidades paralelas donde lo posible y lo fantasioso se unen de manera indisoluble. El trabajo de Floria González es una invitación a dejarse llevar por la imaginación y a conocer los nuevos mundos que la artista propone.

From the imagination of Floria González emerges a world of characters and situations that shape a new reality, a place built with memories where humans have the leading role. Through his lens, the Mexican artist captures figures that navigate between his wishes, ideas, hopes and fears, forming parallel realities where what is possible and what is fantasy unite inseparably. The work of Floria González is an invitation to get carried away by imagination and come to know the new worlds the artist proposes.

Imágenes cortesía de la artista. (288 izq.) Severine, 2013, fotografía impresa en papel algodón, tamaño variable. 1/6 (289 der) Catarina, 2013, fotografía impresa en papel algodón, tamaño variable. 1/6 (290 izq.) Rita H, 2013, fotografía impresa en papel algodón, tamaño variable. 1/6 (291 der) Maria, 2013, fotografía impresa en papel algodón, tamaño variable. 1/6 Images courtesy of artist (288 left) Severine, 2013, photograph printed on cotton paper, resizable. 1/6. (289 right) Catarina, 2013, photograph printed on cotton paper, resizable. 1/6. (290 left) Rita H, 2013, photograph printed on cotton paper, resizable. 1/6. (291 right) Maria, 2013, photograph printed on cotton paper, resizable. 1/6.

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Chile · Chile | Grabado · Printmaking

Nieves Mac-Auliffe Rescate Natural Natural recovery

Los elementos que componen y rodean la naturaleza dan origen a un trabajo de intenciones con cierto aire de intimidad. Una genuina inspiración y un vivo tramado dota de sentido el archivo personal de la artista Nieves Mac-Auliffe, conservando la esencia de esa naturaleza que poco a poco se ennudece.

De un entramado sin fin emergen ramas y más ramas, vínculos que atan nuestra historia y despliegan, a través de la serigrafía, una textura que se conecta y vincula con la esencia constitutiva del ecosistema y del mundo. Nieves toma como punto de partida la trama presente en todo lo que nos rodea para crear una obra profundamente ligada a la naturaleza.

The elements that surround and make up nature give rise to a work of intent with a certain air of intimacy. Genuine inspiration and a living connection give the personal archive of artist Nieves Mac-Auliffe meaning, preserving the essence of this nature that little by little becomes bare.

From an endless framework more and more branches emerge, ties that bind our history and unfold a texture that connects and links with the constitutive essence of the world and ecosystem by means of screen-printing. Nieves takes the connection present in all that surrounds us as the starting point to create a work deeply linked to nature.

Imágenes cortesía de la artista. (294 izq) Bio movil III, 2014, serigrafía, 48 x 66 cm. (295 der) Bio movil IV, 2014, serigrafía, 48 x 66 cm. (296 izq.) Bio movil I, 2014, serigrafía, 48 x 66 cm. (297 izq.) Bio movil II, 2014, serigrafía, 48 x 66 cm.

Images courtesy of artist. (294 left) Bio movil III, 2014, serigraphy, 18,8 x 25,9 in. (295 right) Bio movil IV, 2014, serigraphy, 18,8 x 25,9 in. (296 left) Bio movil I, 2014, serigraphy, 18,8 x 25,9 in. (297 left) Bio movil II, 2014, serigraphy, 18,8 x 25,9 in.

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Chile · Chile | Fotografía · Photography

Cecilia Avendaño Lo que está por surgir What is to come

Para Cecilia Avendaño ningún rostro pasa inadvertido. Todos tienen algo único, cada uno contiene en sí mismo la compleja verdad de quiénes somos. Su expresión abarca la totalidad del ser humano y es este poder el que la ha llevado a transformar esta parte del cuerpo en la pieza central de su trabajo.

Manipulando digitalmente distintas fotografías, la artista construye diversos montajes que desafían los cánones de belleza y proponen imágenes que funden la realidad con la ficción. Lo bello y lo grotesco se dan la mano y se mezclan delicadamente en un juego que provoca extrañeza y atracción al mismo tiempo.

For Cecilia Avendaño no face goes unnoticed. They all have something unique; each one contains in itself the complex truth of who we are. Its expression encompasses the entirety of the person and it is this power that has led her to turn this part of the body into the central part of her work.

Digitally manipulating different photographs, the artist constructs various montages that challenge the standards of beauty and propose images that blend reality with fiction. The beautiful and the grotesque go hand in hand and are delicately mixed in a game that provokes surprise and attraction at the same time.

Imágenes cortesía de la artista. (300 izq.) E.1, 2013, fotografía y montaje digital, 100 x 130 cm. Impresión Giclee. (301 der) E.10, 2014, fotografía y montaje digital, 100 x 100 cm. Impresión Giclee. (302 izq.) E.10, 2014, fotografía y montaje digital, 100 x 150 cm. Impresión Giclee. (303 der) E.10, 2014, fotografía y montaje digital, 100 x 150 cm, 100 x 100 cm. Impresión Giclee.

Images courtesy of artist (300 left) E.1, 2013, digital photography and photomontage, 39.3 x 51 in. Giclee print. (301 right) E.10, 2014, digital photography and photomontage, 39.3 x 39.3 in. Giclee print. (302 left) E.5, 2014, digital photography and photomontage, 39.3 x 59 in. Giclee print. (303 right) E.2, 2014, digital photography and photomontage, 39.3 x 59 in, 39.3 x 39.3 in. Giclee print.

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Cuba · Cuba | Pintura · Painting

Eleomar Puente Ciudades perdidas Lost cities

La densidad de los elementos, el detalle. La pugna entre el hombre y la naturaleza da origen a la obra de Eleomar Puente y la invade. Una pintura que acude al atractivo de la ficción y que busca descubrir en ella los instintos de supervivencia y el poder, trenzándose sobre el lienzo. Allá atrás la ciudad expectante; los contrastes y la iteración de las partes de este trabajo plasman una imagen que resulta incitante y provocadora, evidenciando esta batalla desatada.

Todo parece en velocidad. Los puntos de fuga y la oblicuidad en las formas generan una tormenta perfecta en la que de pronto la pequeñez se hace presa de la inmensidad y todo parece perder perspectiva: un embrollo infinito de significantes y significados.

The density of the elements, the detail. The struggle between man and nature gives rise to the work of Eleomar Puente and invades it. A painting that uses the appeal of fiction and seeks to discover the power and survival in it, weaving itself on the canvas. There behind the expectant city; the contrasts and iteration of the parts of this work capture an image that is enticing and provocative, showing this raging battle.

Everything seems to be speeding by. The vanishing points and oblique nature of the forms cause a perfect storm in which suddenly smallness becomes prey to vastness and everything seems to lose perspective: an infinite jumble of connotations and meanings.

Imágenes cortesía del artista. (306-307) Pac man, 2011-2013, acrílico sobre lienzo, 127 x 345.3 cm. (308 izq.) Rolling city, 2013, acrílico sobre lienzo, 127 x 177.8 cm. (309 der ) Hunter horse, 2013, acrílico sobre lienzo, 106.6 x 157.4 cm.

Images courtesy of artist. (306-307) Pac man, 2011-2013, acrylic on canvas, 50 x 136 in. (308 left) Rolling city, 2013, acrylic on canvas, 50 x 70 in. (309 rigth) Hunter horse, 2013, acrylic on canvas, 42 x 62 in.

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Argentina · Argentina | Pintura · Painting

Pabli Stein El color de lo oculto The color of the unseen

Tras el luminoso destello de la contemporaneidad y sus estereotipos está la figura de mujer que retrata Pabli Stein. Ahí, justo tras una colorida primera capa de impresiones vanidosas, mira en silencio el rostro oculto de lo femenino.

Un trabajo introspectivo, reflexivo y personal retrata la imagen del ideario colectivo que encuentra la belleza tras cánones y estándares industrializados y comerciales. Las manchas gruesas y vehementes y el legado de una brocha pronunciada esconden una profunda valoración por la fragilidad y lo femenino, batiendo sobre la tela una batalla de protagonismos, apariencias y envolturas.

Behind the bright flash of modernity and its stereotypes is the female figure that Pali Stein portrays. There, just behind a colorful first layer of vain prints, the hidden face of the female looks on in silence.

A personal, reflective and introspective work portrays the image of the collective ideology that finds beauty behind commercial and industrialized norms and standards.

The thick and vehement blots and legacy of a pronounced brush hide a deep value for that which is fragile and feminine, whipping on the canvas a battle of envelopments, appearances and egos.

Imágenes cortesía del artista. (312 izq.) Pasarela, 2013, técnica mixta sobre lienzo, 200 x 130 cm. (313 der.) V, 2013, acrílico sobre lienzo, 200 x 130 cm .(314 izq.) Kate, 2013, acrílico sobre lienzo, 200 x 130 cm. (315 der.) Sudafrica, 2013, acrílico sobre lienzo, 200 x 130 cm.

Images courtesy of artist. (312 left) Pasarela, 2013,mixed media on canvas, 78.7 x 51 in. (313 rigth) V, 2013, acrylic on canvas, 78.7 x 51 in. (314 left) Kate, 2013, acrylic on canvas, 78.7 x 51 in. (315 rigth) Sudafrica, 2013, acrylic on canvas, 78.7 x 51 in.

Biografías

316

Fotografías/Photography: Fran Beaufrand)

BIOGRAFÍAS

Adonis Flores

Alejandra Delgado

Alexander Apóstol

Cuba, 1971.

Bolivia, 1977.

Venezuela, 1969

Vive y trabaja en La Habana, Cuba.

Vive y trabaja en Lima, Perú.

Vive y trabaja entre Madrid y Caracas.

Graduado de arquitectura en la Universidad Central de Las Villas.

Su obra ha sido individualmente exhibida en Cuba, Estados Unidos, México, Canadá, Colombia, Brasil e Inglaterra.

Ha participado en reiteradas ocasiones en la Bienal de La Habana y obtenido diversos reconocimientos entre los que destaca el Premio Nacional de Curaduría por la exposición personal Memorial en 2010. Su obra se encuentra en numerosas colecciones públicas y privadas alrededor del mundo, como la Colección JUMEX, A. BallagRothschild de Suiza, Ron Pizzuti de EE.UU., Museo de Bellas Artes de Montreal, Museo de Bellas Artes de Cuba, FNAC de Francia, entre otras.

Lives and works in Havana, Cuba.

Adonis Flores graduated from the Central University of Las Villas with a degree in architecture. His work has been exhibited in solo shows in Cuba, the United States, Mexico, Canada, Colombia, Brazil and England. He has participated in the Havana Biennial on various occasions and received several awards including the Premio de Curaduría for the “Memorial” exhibition in 2010.

His work is found in numerous public and private collections around the world, as the Jumex Collection, A. Ballag-Rothschild of Switzerland, Ron Pizzuti USA, the Montreal Museum of Fine Arts, Museum of Fine Arts of Cuba, FNAC France, among others.

P. 168

Egresada de la Academia Nacional de Bellas Artes Hernando Siles, Máster en fotografía de la Escuela de Fotografía Centro de Imagen EFTI, Madrid. Ha realizado residencias artísticas en Bolivia y España. Obtuvo el Primer Premio en el Concurso Nacional de Arte Joven en SIART 2005.

Premio Videoarte SIART 2009, Segundo Premio en el Concurso Migraciones y Remesas 2008 organizado por el Banco Mundial en Bolivia. Ha expuesto en Bolivia, Ecuador, España, Estados Unidos, Uruguay, Paraguay, Chile, Alemania y Perú.

Lives and works in Lima, Peru.

Alejandra Delgado is a graduate of the National Academy of Fine Arts Hernando Siles (Academia Nacional de Bellas Artes), a master’s degree in photography from the School of Photography and Imaging Center (Escuela de Fotografía Centro de Imagen), Madrid. She has participated in artistic residencies in Bolivia and Spain. She received first prize at the 2005 SIART National Young Art Competition, the SIART Video Art Award 2009, second prize in the 2008 Migration and Remittances Competition organized by the World Bank in Bolivia. She has exhibited in Bolivia, Ecuador, Spain, the United States, Uruguay, Paraguay, Chile, Germany and Peru.

P. 144

Estudió fotografía con Ricardo Armas e historia en la Universidad Central de Venezuela. Ha expuesto individualmente en Venezuela, España, Estados Unidos, Alemania, Francia, Puerto Rico, Argentina, México, y de forma colectiva en diversos países de América y Europa.

Su trabajo ha sido publicado en decenas de libros y revistas, tales como Vitamin Ph, 100 Artistas Latinoamericanos y Art & Photography Now, además de un libro monográfico titulado “Modernidad Tropical” editado por Musac y Actar en España. Su obra se encuentra en importantes colecciones públicas y privadas, como la Tate Gallery de Londres, Fundación Cisneros, DarosLatino América, Guggenheim NY, Centro Pompidou, Fundación ARCO y Museo del Barrio, entre otros.

Lives and works between Madrid and Caracas.

Alexander Apóstol studied photography with Ricardo Armas and history at the Central University of Venezuela. He has done solo shows in Venezuela, Spain, the United States, Germany, France, Puerto Rico, Argentina, Mexico, and collective exhibitions in several countries in America and Europe. His work has been published in dozens of books and magazines, such as Vitamin Ph, 100 Latin American Artists and Art & Photography Now, besides a monographic book entitled "Tropical Modernism” edited by Musac and Actar in Spain. His work can be found in important public and private collections, like the Tate Gallery of London, Cisneros Foundation, Daros Latinamerica, Guggenheim NY, Pompidou Center, ARCO Foundation and Museo del Barrio, among others.

P. 54

Fotografías/Photography: Pedrita Junckes.

Álvaro Montañés

Amelia Errázuriz

Antuan

Artur Lescher

Bruno Novelli

Uruguay, 1958.

Chile, 1955.

Cuba, 1972.

Brasil, 1962

Brasil, 1980.

Vive y trabaja en Buenos Aires, Argentina.

Estudió arquitectura y diseño, además fue alumno del maestro Guillermo Fernández en el Taller Torres García. Su obra se ha exhibido en distintos países de Latinoamérica como Argentina, Uruguay, Chile y Brasil. Ha obtenido diversos premios, como los entregados por las embajadas de Francia y España, así como también premios en la Bienal de Artes Plásticas de Uruguay en dos ocasiones, entre otros. Obtuvo una beca de la Bemis Foundation en Estados Unidos. Su obra se encuentra actualmente en colecciones privadas en Latinoamérica, Europa y Estados Unidos.

Vive y trabaja en Santiago de Chile.

Arquitecta de la Pontificia Universidad Católica de Chile.

Diploma en Artes Visuales de la misma casa de estudios.

Ha realizado estudios de pintura en Londres y ha sido alumna de Eugenio Dittborn, Juan Ibarra. Sergio Stitchkin y Miguel Venegas Cifuentes.

Su obra ha sido expuesta en Chile, Estados Unidos, Inglaterra, Perú, Brasil y Argentina. Ha sido premiada en dos oportunidades por la Sociedad Nacional de Bellas Artes de Chile.

Vive y trabaja en Miami, Estados Unidos.

Estudió Bellas Artes en Cuba y prosiguió con un máster en bronce en Francia. Ha participado en decenas de muestras entre las que destacan las expuestas en el Museo Mocca en Toronto, Canadá, el Cobra Museum en Ámsterdam, el Frost Art Museum y el MOLAA en Estados Unidos, la III Bienal del Fin del Mundo, Argentina, la Trienal Internacional del Caribe, República Dominicana, y la I Bienal del Sur de Panamá, entre otros. Ha obtenido diversos premios entre los que destacan el Premio Internacional de Escultura de Key West y el premio entregado por Cuban Artistic Foundation (CAF).

Su trabajo forma parte de la colección de los Museos Vaticanos en Italia, de la Fundación Bancaja en España y del Art Museum FIU, Estado

Vive y trabaja en Sao Paulo, Brasil.

Inició estudios de Filosofía en la Universidad Católica de Sao Paulo para luego desarrollar su formación artística en los talleres de Carlos Fajardo, Flávia Ribeiro y Boi, donde trabajó en torno a la escultura.

Su trabajo se ha exhibido en el Memorial de América Latina en Sao Paulo, la Bienal Internacional de São Paulo, el MALBA en Buenos Aires, la Bienal del Mercosur y el Ludwig Museum en Koblenz, Alemania, entre otros. En el año 2002 la editorial Cosac & Naify publicó un libro titulado “Artur Lescher” que recopila gran parte de su trabajo.

Vive y trabaja en Sao Paulo, Brasil.

Graduado de Diseño Gráfico de la ESPM en Sao Paulo.

Estudió escultura en la School of Visual Arts en Nueva York y dibujo en el Atelier Livre da Prefeitura de Porto Alegre. Su trabajo ha sido exhibido en Brasil, Inglaterra, Dinamarca, España, Japón y Estados Unidos. Sus últimas exposiciones han sido en la Fundación OSDE en Buenos Aires, el Centro Nacional de Las Artes en México y el Museo de la Imagen y el Sonido en Sao Paulo.

Lives and works in Buenos Aires, Argentina. Álvaro Montañés studied architecture and design, as well as a student of master Guillermo Fernandez in the Torres García Workshop. His work has been exhibited in different countries in Latin America like Argentina, Uruguay, Chile and Brazil.

He has received several awards, like those given out by the embassies of France and Spain as well as awards at the Fine Arts Biennial of Uruguay on two occasions, among others. He received a scholarship from the Bemis Foundation in the United States. His work is currently found in private collections in Latin America, Europe and the United States.

P. 198

Lives and works in Santiago de Chile.

Amelia Errázuriz is an architect from the Pontifical Catholic University of Chile; diploma in Visual Arts from the same educational institution. She studied painting in London and been a pupil of Eugenio Dittborn, Juan Ibarra, Sergio Stitchkin and Miguel Venegas Cifuentes. Her work has been exhibited in Chile, the United States, England, Peru, Brazil and Argentina, and has been awarded on two occasions by the National Fine Arts Society of Chile (Sociedad Nacional de Bellas Artes).

P. 256

Lives and works in Miami, United States.

Antuan Riguez studied Fine Arts in Cuba and continued with a master in bronze in France. He has participated in dozens of exhibitions, some of them in the Mocca Museum in Toronto, Canada, the Cobra Museum in Amsterdam, the Frost Art Museum and MOLAA in the United States, the III Biennial of the End of the World, Argentina, the International Caribbean Triennial, Dominican Republic, and the I Southern Panama Biennial, among others. He has received several awards including the International Sculpture Award of Key West and the award given by the Cuban Artistic Foundation (CAF). His work is part of the collection of the Vatican Museums in Italy, the Bancaja Foundation in Spain and the Art Museum FIU, United States.

P. 180

Lives and works in Sao Paulo, Brazil.

Artur Lescher began studies in philosophy at the Catholic University of Sao Paulo to later develop his artistic training in the workshops of Carlos Fajardo, Flávia Ribeiro and Boi, where he worked on sculpture.

His work has been exhibited at the Latin America Memorial in Sao Paulo, the São Paulo Art Biennial, MALBA in Buenos Aires, the Mercosul Biennial and the Ludwig Museum in Koblenz, Germany, among others. In 2002 the publishing house Cosac & Naify published a book titled “Artur Lescher” that compiled a large part of his work.

P. 90

Lives and works in Sao Paulo, Brazil.

Bruno Novelli graduated from the ESPM in Sao Paulo with a degree in Graphic Design.

He studied sculpture at the School of Visual Arts in New York and drawing at the Atelier Livre da Prefeitura of Porto Alegre. His work has been exhibited in Brazil, England, Denmark, Spain, Japan and the United States.

His last exhibitions have been at the OSDE Foundation in Buenos Aires, the National Center for the Arts (CENART) in Mexico and the Museum of Image and Sound in Sao Paulo.

P. 24

Fotografías/Photography: ©Arturo Zavala Haag.

BIOGRAFÍAS

Carmen Mariscal

Carolina Ponte

Caroline Valansi

Catalina Rojas

Cecilia Avendaño

E.E.U.U, 1968.

Brasil, 1981

Brasil, 1979.

Chile, 1971

Chile, 1980

Vive y trabaja en París, Francia.

Artista visual mexicana nacida en Palo Alto, California, Estados Unidos. Obtuvo una Maestría en Artes Visuales de la Winchester School of Art, Inglaterra, un Posgrado en pintura en la Central Saint Martins College of Art and Design, Londres, Inglaterra y una Licenciatura en historia del arte en la Universidad Iberoamericana, México.

Ha expuesto de manera individual y colectiva en México, Estados Unidos, España, Francia, Inglaterra, Alemania, Holanda, Luxemburgo, Malasia y Rusia

Vive y trabaja en Petrópolis, Brasil.

Graduada de la Universidad Federal de Río de Janeiro en 2005, con especialidad en grabado. Desde entonces ha expuesto su obra en distintas ciudades de Brasil como Sao Paulo, Río de Janeiro, Brasilia, Curitiba y Niterói.

Su más reciente exposición individual, “Dusk to dawn…

Threads of infinity” (con Pedro Varela), se llevó a cabo en Anima Gallery en Doha, Qatar. Previamente expuso de forma individual en Brasil, México y Estados Unidos. Ha participado también en una serie de muestras colectivas en Alemania, México y Portugal.

Vive y trabaja en Río de Janeiro, Brasil.

Estudió Fotografía con postgrado en Arte y Filosofía.

Complementó sus estudios de fotografía en el Atelier de la Imagen, Brasil. Su principal exhibición individual, “Memórias Inventadas em Costuras Simples” se llevó a cabo en 2009 en el Centro Cultural Justiça Eleitoral, Río de Janeiro. Además, ha expuesto colectivamente en Río de Janeiro, Sao Paulo y Bello Horizonte. Su obra forma parte de colecciones privadas en Brasil, Estados Unidos, Francia, Inglaterra y España. Este año hizo su residencia en el Espacio Fuente en Recife, Pernambuco.

Vive y trabaja en Santiago de Chile.

Estudió Publicidad con mención en Diseño Audiovisual y luego Artes Visuales con mención en Pintura.

Entre 2008 y 2009 vivió en Michigan, Estados Unidos, donde presentó sus trabajos en Expressiones Cultural Center y también en I-Park, donde fue invitada a realizar una residencia para desarrollar un proyecto de intervención del paisaje. A comienzos del 2011 inauguró el Museo Arte de Luz, una galería nocturna de arte al aire libre, abierta a todo público y gratuita, emplazada sobre la ribera del río Mapocho, convirtiéndolo en el único río iluminado del mundo con pintura y dibujos.

Ha participado en numerosas exposiciones individuales y colectivas en diferentes ciudades de Chile.

Vive y trabaja en Santiago de Chile.

Licenciada en Artes Visuales con mención Fotografía de la Universidad de Chile. Su trabajo ha sido exhibido desde el año 2002 en numerosas exposiciones colectivas en Chile y el extranjero. Destacan sus muestras individuales en Sala Cero de Galería Animal, Museo Nacional de Bellas Artes, sus participaciones en BAC! Festival en MACBA Barcelona, el Museo de Arte Contemporáneo de la Universidad de Chile y el Centro Cultural Borges en Buenos Aires Argentina.

Obtuvo el segundo lugar en el concurso “Artistas del Siglo XXI” organizado por la P. Universidad Católica y Banco Santander.

Lives and works in Paris, France.

Carmen Mariscal is a Mexican visual artist born in Palo Alto, California, United States. She obtained a Master of Visual Arts from the Winchester School of Art, England, completed postgraduate studies in painting at the Central Saint Martins College of Art and Design, London, England and a degree in art history at the Ibero-American University, Mexico. She has exhibited individually and collectively in Mexico, the United States, Spain, France, England, Germany, the Netherlands, Luxembourg, Malaysia and Russia.

P. 222

Lives and works in Petrópolis, Brazil.

Carolina Ponte graduated from the Federal University of Rio de Janeiro in 2005, specializing in engraving.

Since then she has exhibited her work in different cities in Brazil like Sao Paulo, Rio de Janeiro, Brasilia, Curitiba and Niterói. Her most recent solo show, “Dusk to dawn…

Threads of infinity” (with Pedro Varela), took place at the Anima Gallery in Doha, Qatar. She previously did solo shows in Brazil, Mexico and the United States. She has also participated in a series of group shows in Germany, Mexico and Portugal.

P. 30

Lives and works in Rio de Janeiro, Brazil.

Caroline Valansi studied photography with postgraduate studies in art and philosophy.

She complemented her studies in photography at the Atelier of the Image (Atalier de Imagem), Brazil. Her main solo show, “Memórias Inventadas em Costuras Simples” (Memories Invented in Simple Seams) was carried out in 2009 at the Electoral Justice Cultural Center (Centro Cultural da Justiça Eleitoral), Rio de Janeiro. In addition, she has done group exhibitions in Rio de Janeiro, Sao Paulo and Belo Horizonte. Her work is part of private collections in Brazil, the United States, France, England and Spain. This year she did her residency at the Source Space (Espaço Fonte) in Recife, Pernambuco.

P. 268

Lives and works in Santiago de Chile.

Catalina Rojas studied advertising with a major in audiovisual design and then visual arts with a major in painting. Between 2008 and 2009 she lived in Michigan, United States, where she presented her works at Expressiones Cultural Center and also at I-Park, where she was invited to carry out a residency to develop a landscape intervention project.

At the beginning of 2011 she inaugurated the Art of Light Museum (Museo Arte de Luz), an outdoor night gallery that is free and open to the public, located on the banks of the Mapocho River, making it the only illuminated river in the world with drawings and paintings. She has participated in numerous solo shows and group shows in different cities in Chile.

P. 36

Lives and works in Santiago de Chile.

Cecilia Avendaño has a degree in visual arts with a major in photography from the University of Chile. Her work has been exhibited since 2002 in numerous group shows in Chile and abroad. Some of these that stand out are her solo shows at the Sala Cero at Animal Gallery and the Chilean National Museum of Fine Arts, her participation in the BAC! Festival at MACBA Barcelona, the Museum of Contemporary Art of the University of Chile and the Borges Cultural Center in Buenos Aires, Argentina.

She won second place in the “XXI Century Artists” competition organized by the P. Catholic University and Banco Santander.

P. 298

Christian Fuchs

Cristóbal Anwandter

Delta9

Eleomar Puente

Federico Uribe

Perú, 1979

Chile, 1980

E.E.U.U. 1985.

Cuba, 1968.

Colombia, 1962

Vive y trabaja en Lima, Perú.

Luego de estudiar Fotografía en El Centro de la Imagen, inaugura en 2009 su primera individual, “Ahnensonne”, en la Galería 80m2 de Lima. En 2011 llevó a cabo su segunda individual en la Galería de la Escuela Corriente Alterna.

Ha participado también en numerosas exhibiciones colectivas incluyendo “Häuserträume für Kinder”, subasta realizada en Hamburgo en el 2012 para la fundación Ronald Mc Donald organizada por la casa de subastas Sotheby's y en “Spirit unlimited” en On&Off Gallery en la misma ciudad.

Su obra ha estado presente en las ferias de arte ArtBO, Scope Miami, Art Lima y Pulse Miami.

Vive y trabaja en Santiago de Chile.

A los 18 años, luego de estudiar un año Licenciatura en Artes, decide dejar la escuela para asesorarse con distintos pintores de su interés. En el año 2000 vive en Ciudad de México, trabajando con un grupo de artistas latinoamericanos y exponiendo finalmente en una muestra binacional. A su regreso, a los 21, obtiene la Beca Amigos del Arte, convirtiéndose en el artista más joven en recibir dicha distinción. A los 23, realizó su primera muestra individual en la galería A.M.S Marlborough. Desde entonces ha participado en numerosas muestras colectivas e individuales en galerías de Chile y el extranjero.

Vive y trabaja entre Nueva York y La Paz, Bolivia.

A los 22 años, Delta9 se convirtió en el artista más joven en ganar el Salón Nacional de Artistas en su Bolivia natal. Además de este reconocimiento, obtuvo el Primer premio de la Galería Nota en la categoría Pintura/ Dibujo y el Gran premio Pedro Domingo Murillo. Su obra ha sido expuesta en Bolivia, Colombia, Perú, Estados Unidos y Chile, donde fue en 2013 el artista invitado por Arte Al Límite para la feria Ch.ACO. Ha participado también en otras ferias de arte contemporáneo como ArtLima, Art Wynwood, ArtBo y (e) merge, en Washington DC.

Vive y trabaja en Miami, E.E.U.U. Graduado de Pintura y Dibujo de la Academia de Bellas Artes San Alejandro, en La Habana.

Ha expuesto en importantes galerías, museos, ferias y bienales, obteniendo diversos reconocimientos como la Medalla de Oro II Bienal de Centroamérica y el Caribe, Premio de Adquisición en la XXI Bienal de Artes Visuales de Santo Domingo y una mención honrosa en la Sexta Bienal Internacional de Pintura de Cuenca. Su obra se encuentra en colecciones públicas y privadas en Estados Unidos, el Caribe, Europa y Latinoamérica.

El Museum of Latin American Art en California, el Museo de Arte de Fort Lauderdale y el Museo de Arte Moderno de Santo Domingo son algunas de las instituciones que albergan su trabajo.

Vive y trabaja en Miami, E.E.U.U. Estudió arte en la Universidad de Los Andes en Bogotá y luego obtuvo un Master en Bellas Artes bajo la supervisión de Luis Camnitzer, en Nueva York.

Fue el comienzo de un viaje que incluyó años de estudios y de trabajo en Cuba, México, Rusia, Inglaterra y finalmente Miami. Desde entonces ha tenido una prolífica carrera que incluye exposiciones individuales y colectivas alrededor del mundo, presencia en las principales ferias de arte contemporáneo y decenas de publicaciones en revistas especializadas.

Lives and works in Lima, Peru.

After studying photography at the Imaging Center, Christian Fuchs held his first solo show, “Ahnensonne”, in 2009 at the 80m2 Gallery of Lima. In 2011 he carried out his second solo show at the Gallery of the Corriente Alterna School of Art. He has also participated in numerous group shows including “Häuserträume für Kinder”, an auction conducted in Hamburg in 2012 for the Ronald McDonald foundation organized by Sotheby’s auction house and in “Spirit Unlimited” at On&Off Gallery in the same city. His work has been present at the art fairs ArtBO, Scope Miami, Art Lima and Pulse Miami.

Lives and works in Santiago de Chile.

At 18 years old, after pursuing an art degree for a year, Cristóbal Anwandter decided to leave school to consult different painters of his interest. In 2000 he lived in Mexico City, working with a group of Latin American artists and ultimately exhibited at a bi-national exhibition. Upon his return, at 21, he obtained the Amigos del Arte scholarship, becoming the youngest artist to receive the distinction. At 23 years old, he carried out his first solo show at the A.M.S Marlborough gallery. Since then he has participated in numerous solo and group shows in galleries in Chile and abroad.

P. 162

P. 150

Lives and works between New York and La Paz, Bolivia.

At 22 years old, Delta9 became the youngest artist to win the National Salon of Artists in his native Bolivia.

In addition to this award, he received Nota Gallery’s first prize in the Painting/ Drawing category and the Pedro Domingo Murillo grand prize. His work has been exhibited in Bolivia, Colombia, Peru, the United States and Chile, where in 2013 he was the artist invited by Arte Al Límite to the Ch.ACO fair.

He has also participated in other contemporary art fairs as ArtLima, Art Wynwood, ArtBo and (e)merge, in Washington DC.

P. 250

Lives and works in Miami, USA. Eleomar Puente graduated with a degree in painting and design from the San Alejandro National Academy of Fine Arts, in Havana. He has exhibited in important galleries, museums, fairs and biennials, receiving several awards such as the Gold Medal II Biennial of Central America and the Caribbean, the Acquisition Award at the XXI Visual Arts Biennial of Santo Domingo and an honorable mention at the Sixth International Painting Biennial of Cuenca. His work is found in public and private collections in the United States, the Caribbean, Europe and Latin America. The Museum of Latin American Art in California, Museum of Art of Fort Lauderdale and the Santo Domingo Art Museum are some of the institutions that house his work.

P. 304

Lives and works in Miami, USA. Federico Uribe studied art at the University of The Andes in Bogotá and then obtained a Master of Fine Arts in New York under the supervision of Luis Camnitzer. It was the start of a journey that included years of work and studies in Cuba, Mexico, Russia, England and finally Miami. Since then he has had a prolific career that includes solo and group shows around the world, appearances at the main contemporary art fairs and dozens of publications in specialized magazines.

P. 18

BIOGRAFÍAS

Fernando Bryce

Fernando Otero

Floria González

Florian Raiss

Francisco Bustamante

Perú, 1965

España, 1972.

México, 1980.

Brasil, 1955.

Lima, 1972.

Vive y trabaja entre Lima y Berlín.

Estudió intermitentemente en Lima y París y aprendió las técnicas tradicionales de la pintura en el taller de Leslie Lee. Algunos de los lugares en que ha expuesto su trabajo son Manifesta 4 en Frankfurt, la 26a Bienal de Sao Paulo, la 54ª Carnegie International, Pittsburgh y la Galería Alexander and Bonin en Nueva York. En 2011 el Museo de Arte de Lima exhibió una retrospectiva de su obra que luego viajó al Museo Universitario de Arte Contemporáneo de Ciudad de México y al MALBA en Buenos Aires. Su obra forma parte de las colecciones de MoMA y Tate Gallery, entre otros.

Vive y trabaja en Lima, Perú.

Artista peruano nacido en España. Estudió Artes Plásticas con especialidad en Pintura en la Pontificia Universidad Católica del Perú.

Su carrera incluye nueve exposiciones individuales y numerosas exposiciones colectivas en Perú (Galeria Forum, Artlima, Parc, Lima Foto), Brasil (Art Rio), Estados Unidos (Scope, Mola, Pinta N.Y.), Venezuela (Fia), Inglaterra (Lamb Arts, Pinta Londres, London Art Fair), Chile (Mac, Bellas Artes).

En 2007 obtuvo el Premio Nacional al Diseño (PADIS), Lima, Perú.

Vive y trabaja en Ciudad de México.

Estudió Fotografía en la Escuela Activa de fotografía de Coyoacán, además de cursos en la Academia de las Artes Visuales (AAVI) y en San Antonio College, donde también estudió cine. Ha expuesto individualmente en Milán, Ámsterdam, Ciudad de México y Nueva York.

Además, ha participado en decenas de exposiciones colectivas en Argentina, Chile, Bolivia y Singapur, entre otros. Su obra ha formado parte de diversas publicaciones, como Zoom Magazine, Arte Al Día, Arte Al Límite, Inside Art y Tierra Adentro.

Vive y trabaja en Río de Janeiro, Brasil Estudios en la Accademia di Belle Arti di Firenze, Italia. Luego ingresó en la Accademia di Belle Arti di Roma y posteriormente se trasladó a México, donde estudió dibujo con Gilberto Aceves Navarro, en la Academia de San Carlos de la UNAM. Ha realizado más de diez exposiciones individuales en Sao Paulo, Río de Janeiro y Lisboa y participado en muestras colectivas en Brasil y en el extranjero (Alemania, Suecia, Venezuela, Países Bajos, Portugal y Estados Unidos), destacando “MAM” en la Colección de Arte Brasilero del Museo de Arte Moderno de São Paulo y “Modernos, Postmodernos, 80/90” en el Instituto Tomie Ohtake de Sao Paulo.

Vive y trabaja en Nueva York, E.E.U.U Licenciado en Artes Visuales, mención pintura, de la Universidad Finis Terrae, magister en Central St. Martins School of Arts and Design.

Residió en Inglaterra por tres años y en el 2005 vivió en Sudáfrica. En 2008 hace una residencia en Beijing por tres meses y en 2013 gana fondos de la Dirac para exponer en Nueva York en la “Sala de las Américas”. Ha participado en numerosas exposiciones individuales y colectivas en Inglaterra, Grecia, Estados Unidos, Perú, Chile y China, así como en ferias de arte en Santiago, Lima y Nueva York.

Lives and works between Lima and Berlin.

Fernando Bryce studied intermittently in Lima and Paris and learned the traditional techniques of painting in Leslie Lee’s workshop. Some of the places in which he has exhibited his work are Manifesta 4 in Frankfurt, the 26th Sao Paulo Biennial, the 54th Carnegie International, Pittsburgh and the Alexander and Bonin Gallery in New York. In 2011 the Lima Art Museum exhibited a retrospective of his work later moved to the University Museum of Contemporary Art of Mexico City and the MALBA in Buenos Aires. His work is part of the collections of MoMA and Tate Gallery, among others.

P. 84

Lives and works in Lima, Peru.

Fernando Otero is a Peruvian artist born in Spain. He studied fine art with a major in painting at the Pontifical Catholic University of Peru.

His career includes nine solo shows and numerous group shows in Peru (Galería Forum, Artlima, Parc, Lima Foto), Brazil (Art Rio), the United States (Scope, Mola, Pinta N.Y.), Venezuela (Fia), England (Lamb Arts, Pinta Londres, London Art Fair) and Chile (Mac, Bellas Artes). In 2007 he received the National Design Award (PADIS), Lima, Peru.

P. 210

Vive y trabaja en Ciudad de México.

Estudió fotografía en la Escuela Activa de fotografía de Coyoacán, además de cursos en la Academia de las Artes Visuales (AAVI) y en San Antonio College, donde también estudió cine. Ha expuesto individualmente en Milán, Ámsterdam, Ciudad de México y Nueva York.

Además, ha participado en decenas de exposiciones colectivas en Argentina, Chile, Bolivia y Singapur, entre otros. Su obra ha formado parte de diversas publicaciones, como Zoom Magazine, Arte Al Día, Arte Al Límite, Inside Art y Tierra Adentro.

P. 286

Lives and works in Rio de Janeiro, Brazil.

Florian Raiss studied at the Florence Academy of Fine Arts (Accademia di Belle Arti di Firenze), Italy. He then studied at the Fine Arts Academy of Rome (Accademia di Belle Arti di Roma) and later transferred to Mexico, where he studied drawing with Gilberto Aceves Navarro at the Academy of San Carlos of the UNAM. He has carried out over ten solo shows in Sao Paulo, Rio de Janeiro and Lisbon and participated in group shows in Brazil and abroad (Germany, Sweden, Venezuela, the Netherlands, Portugal and the United States), including “MAM” in the Brazilian Art Collection of the Museum of Modern Art of São Paulo and “80/90 Moderns, Postmoderns” at the Tomie Ohtake Institute of Sao Paulo.

P. 108

Lives and works in New York, USA. Francisco Bustamante holds a Visual Arts Degree, with a major in painting, from the Finis Terrae University, masters from the Central St. Martins School of Arts and Design. Resided in England for three years and lived in South Africa in 2005.

In 2008 he did a residency for three months in Beijing and in 2013 won funding from the Dirac to exhibit in New York in the “Hall of the Americas”. He has participated in numerous solo and group shows in England, Greece, the United States, Peru, Chile and China, as well as art fairs in Santiago, Lima and New York.

P. 186

Gal Oppido

Gastón Ugalde

Hans Stoll

José Tola

Luis Martín Bogdanovich

Brasil, 1952

Bolivia, 1946.

Perú, 1964.

Perú, 1943

Perú, 1985.

Vive y trabaja en Sao Paulo, Brasil.

Arquitecto de la Universidad de Sao Paulo. En 1976, comenzó su trabajo con la fotografía, relacionándola con el dibujo. En este campo, desarrolla un trabajo de lectura del espacio a partir de un plano y publica dos libros sobre arquitectura en la ciudad de Sao Paulo.

Desde 1981 ha participado en decenas de exposiciones colectivas en Brasil, Estados Unidos, Colombia, Francia y Cuba, así como también en dos muestra individuales en Brasilia y Sao Paulo. Su obra forma parte de la Colección de Fotografías Pirelli/Masp de Sao Paulo, el Banco de Datos Cultural de Itaú y diversas colecciones privadas.

Vive y trabaja en La Paz, Bolivia.

Estudió Arquitectura en la Universidad Mayor de San Andrés, Bolivia. Más tarde cursó estudios de Economía y Ciencias Políticas y también de Arte en Canadá. Su trabajo ha sido exhibido alrededor del mundo en diversas oportunidades, siendo considerado el artista boliviano vivo más reconocido en su país. Desde 1972 ha tenido más de 81 exposiciones individuales y más de 160 muestras colectivas. Ha sido reconocido con el “Gran Premio Fundación Konex MERCOSUR” junto a Óscar Niemeyer el 2003 y el 2008 recibió el Primer Premio Bienal Internacional de Santa Cruz-Bolivia, entre otros. Ha representado a Bolivia dos veces en la Bienal de Venecia (2003 y 2008).

Vive y trabaja en Lima, Perú.

Estudió Periodismo y Ciencias de la Comunicación en la Universidad San Martín y Universidad de Lima y Fotografía en el Instituto Kodak de la misma ciudad. Ha expuesto individualmente en diez ocasiones y ha participado en más de veinte proyectos colectivos. Su obra se ha exhibido en diversas ferias de arte contemporáneo como Lima Photo, Buenos Aires Photo, Pinta NY, ArtLima, ArtBO, Scope Miami y Fotofever-París. Fue finalista en el Premio Petrobras – Buenos Aires Photo y Repsol 2009- Lima Photo 2011. Sus fotografías forman parte de la colección del Deutsche Bank, además de otras importantes colecciones privadas.

Vive y trabaja en Lima, Perú.

Obtuvo el título de Profesor de Dibujo y pintura en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, Madrid, España.

Desde 1987 ha acumulado una larga lista de exposiciones individuales, la mayoría en Lima, y también en Estados Unidos, Ecuador, México, Brasil y Cuba. Su obra forma parte de la colección del Museo de Arte de Lima, el Museo de Arte Moderno de México y la Pinacoteca del Banco Central de Reserva del Perú, entre otros. En 1998 fue premiado en la Bienal Tecnoquímica, Lima, y en 1986 obtuvo el Primer Premio de Pintura en la Segunda Bienal de La Habana.

Vive y trabaja en Lima, Perú.

Arquitecto e Historiador del Arte de la Pontificia Universidad Católica del Perú, en donde es docente del Departamento de Arquitectura. Miembro del colectivo peruano "La Encomienda", con el cual ha expuesto en la muestra por los 30 años de la Galería Jacob Karpio, en la Galería Klaus Steinmetz, en San José de Costa Rica. Su trabajo también ha sido exhibido en ferias de arte contemporáneo como ArtBO, Scope Miami, LimaPhoto y ArtLima, además de otras exposiciones en Lima, Santiago, Bogotá, Centroamérica, Alemania e Irán.

Lives and works in Sao Paulo, Brazil.

Gal Oppido is an architect from the University of Sao Paulo. In 1976 he began his work with photography, relating it to drawing. In this field, he developed a work of interpreting space from a blueprint and published two books on architecture in the city of Sao Paulo. Since 1981 he has participated in dozens of group exhibitions in Brazil, the United States, Colombia, France and Cuba, as well as two solo shows in Brasilia and Sao Paulo. His work is part of the Pirelli/Masp Photography Collections in Sao Paulo, the Itaú Cultural Database and several private collections.

P. 156

Lives and works in La Paz, Bolivia.

Gastón Ugalde studied architecture at the Higher University of San Andrés, Bolivia. Later he studied Economics and Political Science and art in Canada.

His work has been exhibited around the world on several occasions, considered in his country the most well known living Bolivian artist. Since 1972 he has had over 81 solo shows and over 160 group shows. He has been awarded with the MERCOSUR Konex Foundation grand prize along with Óscar Niemeyer in 2003 and received first prize at the International Biennial of Santa Cruz-Bolivia in 2008, among others. He has represented Bolivia twice in the Venice Biennale (2003 and 2008).

P. 132

Lives and works in Lima, Peru.

Hans Stoll studied Journalism and Communication Sciences at the University of San Martín and the University of Lima, and Photography at the Kodak Institute in the same city. He has done solo shows on ten occasions and participated in over twenty collective projects.

His work has been exhibited in several contemporary art fairs like Lima Photo, Buenos Aires Photo, Pinta NY, ArtLima, ArtBO, Scope Miami and Fotofever-Paris. He was a finalist for the Petrobras award –Buenos Aires Photo and Repsol 2009- Lima Photo 2011.

His photographs are part of the Deutsche Bank Collection, besides other important private collections.

P. 262

Lives and works in Lima, Peru.

José Tola earned the title of professor of drawing and painting at the Royal Academy of Fine Arts of San Fernando (Real Academia de Bellas Artes de San Fernando), Madrid, Spain. Since 1987 he has accumulated a long list of solo shows, the majority in Lima, and also in the United States, Ecuador, Mexico, Brazil and Cuba. His work is part of the collection of the Lima Art Museum, the Museum of Modern Art of Mexico and the Pinacoteca of the Central Reserve Bank of Peru, among others. In 1998 he was awarded at the Tecnoquímica Biennial, Lima, and in 1986 received first prize in painting at the second Havana Biennial.

P. 12

Lives and works in Lima, Peru.

Luis Martín Bogdanovich is an architect and art historian from the Pontifical Catholic University of Peru, where he is a professor of the Department of Architecture.

Member of the Peruvian collective "La Encomienda", with which he has exhibited in the exhibition for the 30 years of the Jacob Karpio Gallery, the Klaus Steinmetz Gallery, in San José, Costa Rica. His work has also been exhibited at contemporary art fairs like ArtBO, Scope Miami, LimaPhoto and ArtLima, as well as other exhibitions in Lima, Santiago, Bogotá, Central America, Germany and Iran.

P. 42

BIOGRAFÍAS

Manuel Archain

Marcos López

Margarita Dittborn

María Soledad Chadwick

María Silvia Corcuera

Argentina, 1983.

Argentina, 1958.

Chile, 1981.

Chile, 1955.

Argentina, 1955.

Vive y trabaja en Buenos Aires, Argentina.

Inició sus estudios dibujando y pintando en el taller de su madre, la artista Silvina Viaggio, a los cinco años de edad. Luego profundizó sus estudios de dibujo e incorporó la historieta, estudiando con el profesor Carlos Pedrazzini y simultáneamente inició su trabajo como fotógrafo.

Desde los 17 años trabaja en cine, publicidad y video clips, en el departamento de Arte y como fotógrafo. Desde el 2004 trabaja como fotógrafo profesional en publicidad y cine. Sus fotografías han sido exhibidas en Argentina, Colombia, España, Francia, Estados Unidos, Perú, Puerto Rico, Chile, Suiza y Suecia

Vive y trabaja en Buenos Aires, Argentina.

Estudió Ingeniería en la Universidad Tecnológica Nacional Regional de Santa Fe. En 1978 comenzó a tomar fotografías y en 1982 abandonó los estudios universitarios para dedicarse por completo a la fotografía. Ha exhibido su trabajo en decenas de exposiciones individuales y colectivas en América y Europa principalmente.

Sus obra forma parte de las colecciones del Museo Nacional de Arte Reina Sofía y el Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León en España, la Fundación Daros-Latinamérica en Suiza, Quai Branly, entre otras.

Vive y trabaja en Santiago de Chile.

Estudió Fotografía en el Instituto Profesional Arcos, en Santiago. Su carrera en el terreno del arte contemporáneo ha sido de carácter autodidacta. Desde el 2002 ha sido destacada en numerosos concursos y también participado en varias exposiciones individuales y colectivas en Barcelona, Basel, Bogotá, Bolivia, Buenos Aires, Dubai, Florida, Guanajuato, Hong Kong, Korea del Sur, Lima, Monterrey, Panamá, París y Sao Paulo y en diversas galerías y centros culturales de Chile. En 2008 gana el Premio del Círculo de Críticos de Chile a la mejor exposición de Fotografía Nacional del año con su primera muestra individual, “Enfermas de Amor”.

Vive y trabaja en Santiago de Chile.

Estudió Licenciatura Artes Plásticas mención pintura en la Universidad de Chile y realizó un magíster en Artes Visuales en la misma casa de estudios. Su obra se encuentra en diversos espacios públicos de Santiago, como el Puente Padre Letelier, Parque Bicentenario y Ciudad Empresarial. Ha realizado varias exposiciones individuales de escultura en Galería Artespacio y participado en ferias internacionales como ArtLima, Sofa en Nueva York y Ch.ACO en Santiago de Chile, además de participar en una serie de muestras colectivas. El 2004 obtuvo el Primer Premio en el Concurso de Esculturas Costanera Norte S.A. y el 2009 el Primer Premio en el Concurso de Esculturas de la ACHS.

Vive y trabaja en Buenos Aires, Argentina.

Lives and works in Buenos Aires, Argentina.

Manuel Archain began his studies drawing and painting in the workshop of his mother, artist Silvina Viaggio, at five years old. He later furthered his studies in drawing and incorporated comics, studying with the professor Carlos Pedrazzini and at the same time began his work as a photographer.

From the time he was 17 years old he has worked in cinema, advertising and video clips, in the art department and as a photographer. Since 2004 he has worked as a professional photographer in advertising and cinema.

His photographs have been exhibited in Argentina, Colombia, Spain, France, the United States, Peru, Puerto Rico, Chile, Switzerland and Sweden.

P. 126

Lives and works in Buenos Aires, Argentina.

Marcos López studied engineering at the National Technological University of Santa Fe (Universidad Tecnológica Nacional Regional de Santa Fe). In 1978 he began to take photographs and in 1982 abandoned his university studies to devote himself entirely to photography. He has exhibited his work in dozens of solo and group shows principally in America and Europe. His work is part of the collections of the Queen Sofía National Museum (Museo Nacional de Arte Reina Sofía) and the Contemporary Art Museum of Castilla y León (Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León) in Spain, the Daros Latinamerica Foundation in Switzerland and Quai Branly, among others.

P. 174

Lives and works in Santiago de Chile.

Margarita Dittborn studied photography at the Arcos Professional Institute in Santiago. Her career in the field of contemporary art has been of a self-taught nature.

Since 2002 she has stood out in numerous competitions and also participated in several solo and group shows in Barcelona, Basel, Bogotá, Bolivia, Buenos Aires, Dubai, Florida, Guanajuato, Hong Kong, South Korea, Lima, Monterrey, Panama, Paris and Sao Paulo and in various galleries and cultural centers in Chile. In 2008 she won the Chile Critics Circle Award for best national photography exhibition of the year with her first solo show, “Enfermas de Amor” (Love Sick).

P. 72

Lives and works in Santiago de Chile.

María Soledad Chadwich studied for a Fine Arts Degree with a major in painting at the University of Chile and completed a Masters in Visual Arts at the same educational institution. Her work is found in various public places in Santiago like the Padre Letelier Bridge, Parque Bicentenario and Ciudad Empresarial. She has carried out several solo shows of sculpture at Artespacio Gallery and participated in international fairs like ArtLima, Sofa in New York and Ch.ACO in Santiago de Chile. She has also participated in a series of group shows. In 2004 she received the First Prize in the Sculpture Contest Costanera Norte S.A. and in 2009 she received the First Place in the ACHS Sculpture Competition.

P. 280

Estudió Letras e Historia del Arte en la UBA. Se formó en el taller de K .Kemble y V Chab. Ha hecho numerosas muestras individuales como "Juguetes, PEINETONES, Escudos, Ciudades, Memorias de una Extraviada Global". Participó en la muestra "Geometría sin Límites", Colección Jean y C. Cherqui, Maison L. Amerique Latine, París, Francia. Entre sus premios más importantes destaca el Premio Trabucco ANBA. Fue elegida para el proyecto de investigación "Intersección de Arte,Ciencia y Tecnología", Arquitecto CarniceroFornari, Arquitectura y Urbanismo UBA. Su obra y evolución es seguida por la Profesora Regina Root de la Universidad William and Mary, Virginia, USA bajo el título "Couture and Consensus: Fashion and Politics in Post Colonial Argentina", 2012.

Lives and works in Buenos Aires, Argentina.

Maria Silvia Corcuera studied Literature and Art History at the UBA.She trained in workshop of K. Kemble y V. Chab . She has exhibited his work in numerous solo shows as "Juguetes, PEINETONES, Escudos, Ciudades, Memorias de una Extraviada Global". She participated in "Geometría sin Límites", an exhibition from the Jean and C. Cherqui Collection, in Maison L. Amerique Latine, Paris, France.

Among her major awards highlights the Trabucco ANBA award. She was chosen for the research project "Intersection of Art, Science and Tecnology", Carnicero-Fornari Architect, Architecture and Urbanism UBA. Her work and evolution is followed by professor Regina Root from William and Mary University, Virginia, USA, under the title "Couture and Consensus: Fashion and Politics in Post Colonial Argentina", 2012.

P. 204

Fotografías/Photography: Verónica Ibáñez Romagnoli.

Mariana Tocornal

Nieves Mac-Auliffe

Pabli Stein

Patricia Claro

Paula Toto Blake

Chile, 1976.

Chile, 1981.

Argentina, 1986.

Chile, 1960.

Argentina, 1972.

Vive y trabaja en Santiago de Chile.

Licenciada en Artes Plásticas de la Pontificia Universidad Católica, magister en Artes Visuales en el California College of the Arts de San Francisco, California. Durante su estadía en el extranjero trabajó como profesora asistente en Oaxaza, México, con alumnos de la misma institución. Su trabajo ha sido expuesto en Santiago, Oaxaca, Milán, Londres, San Francisco, Sydney y Copenhague.Ha expuesto individualmente en numerosas ocasiones desde el año 2010. Fue seleccionada por el crítico Waldemar Sommer como artista del año para la exposición de la selección de Críticos "12x12 Nuevos Medios" en octubre de 2013.

Vive y trabaja en Santiago de Chile.

Estudió Bellas Artes en la Universidad Finis Terrae en Santiago de Chile y posteriormente un diplomado en litografía en la Escuela Superior de Diseño y Arte LLotja, en Barcelona, España. Ha expuesto individual y colectivamente en diversas ciudades chilenas así como también en el extranjero.

Destaca su participación en el III Concurso MAVI-Bicentenario de Arte Joven (2008), en la exposición “Sin Título” en Matucana 100, (2009), y en la Feria Ch.ACO, junto con la Galería Artespacio (2010), todo esto en Santiago de Chile. Su obra forma parte del Patrimonio Pictórico CCU, el Fondo de las artes Universidad Playa Ancha Valparaíso, Chile y la Universidad de Talca, Maule, Chile. Participó en el Taller BLOC, taller dedicado a la producción, formación y difusión de las artes visuales, Santiago, Chile (2014).

Vive y trabaja en Buenos Aires, Argentina.

Estudió Medios de la Comunicacion en O.R.T. Argentina. Posteriormente realizó talleres y clínicas con artistas donde estudió las técnicas de pintura y dibujo.

Entre 2010 y 2012 participó del Premio de Arte Joven 'Proyecto A' en Buenos Aires. Entre sus principales exhibiciones destaca su muestra individual 'La otra luz' en la apertura de la Galería Espacio Enso en 2014. Su obra ha sido expuesta en Estados Unidos, Inglaterra, Uruguay y Argentina.

Vive y trabaja en Santiago de Chile.

Estudió Artes Visuales y Diseño, ambas en la Pontificia Universidad Católica de Chile, obteniendo la Beca de Honor en ambas carreras. Obtiene la beca Fondart 2007, con el proyecto “Paisaje Final”; participa en “II Bienal del Fin del Mundo, Intemperie” en Ushuaia, curada por Alfons Hug, 2009; seleccionada para la publicación “Fresh Paint” -Charta Books, 2012-, por la curadora Selene Wendt, Stenersen Museum, Oslo. Se desempeña como profesora en la Escuela de Arte de la Universidad Católica, dirigiendo un diplomado de Proyectos de Pintura. Ha participado en diversas exposiciones individuales y colectivas en museos, galerías y ferias en Chile, Estados Unidos, China, Argentina, Bélgica, entre otros.

Vive y trabaja en Buenos Aires, Argentina.

Licenciada en Artes Plásticas por la Facultad de Bellas Artes, Universidad Nacional de La Plata. Realizó estudios de perfeccionamiento y clínicas de obra con Eduardo Medici, Sergio Bazán, Gumier Maier, Jorge López Anaya, Mónica Girón y Alan Pauls.

Ha realizado una decena de exposiciones individuales en Argentina, España y Estados Unidos, así como muestras colectivas en Italia, Brasil, Bélgica, Inglaterra y Perú, entre otros. Ha recibido becas y residencias artísticas en reiteradas ocasiones, como la Beca Artist in Residency Program Sculpture Space, Nueva York, National Endowment for the Arts (NEA) y el Subsidio a la Creación Artística de Fundación Antorchas.

Lives and works in Santiago de Chile.

Patricia Claro studied Visual Arts and Design, both at the Pontifical Catholic University of Chile, obtaining Honor Scholarship in both careers. In 2007 she won the Fondart scholarship with "Final Landscape" project; in 2009 she participates in the "II Bienal del Fin del Mundo, Intemperie" in Ushuaia, curated

by Alfons Hug, she was also selected for the publication "Fresh Paint" -Charta Books, 2012- by curator Selene Wendt, Stenersen Museum, Oslo.

She works as professor in the School of Arts of the Catholic University, directing a minor in Painting Projects. She has participated in several solo and group exhibitions in museums, galleries and art fairs in Chile, USA, China, Argentina and Belgium, among others.

Lives and works in Buenos Aires, Argentina.

Paula Toto Blake has a Fine Arts degree from the Faculty of Fine Arts, National University of La Plata. She completed specialization studies and art clinics with Eduardo Medici, Sergio Bazán, Gumier Maier, Jorge López Anaya, Mónica Girón and Alan Pauls. She has carried out dozens of solo shows in Argentina, Spain and the United States as well as group shows in Italy, Brazil, Belgium, England and Peru, among others. She has received scholarships and done artistic residencies on repeated occasions, like the Sculpture Space Artist in Residency Program Scholarship in New York, National Endowment for the Arts (NEA) and Artistic Creation Grant from the Antorchas Foundation.

P. 192

Lives and works in Santiago de Chile.

Mariana Tocornal has a Fine Arts Degree from the Pontifical Catholic University and a Masters Degree in Fine Arts from the California College of the Arts, San Francisco, California. During her stay abroad she worked as a teacher's assistant in Oaxaca, Mexico with students from the same institution. Her work has been exhibited in Oaxaca, Milan, London, San Francisco, Sydney and Copenhagen. She has had several solo shows since 2010. The critic Waldemar Sommer selected her as artist of the year for the the Critic's choice exhibition "12x12 Nuevos Medios" (12x12 New Mediums) in October of 2013.

P. 238

Lives and works in Santiago de Chile.

Nieves Mac-Auliffe studied fine arts at the Finis Terrae University in Santiago de Chile and later a certificate in lithography at the Llotja Advanced School of Art and Design, in Barcelona, Spain. She has done solo and group shows in several Chilean cities as well as abroad. She participated in the third MAVI-Young Art Bicentennial Competition (2008), the exhibition “Sin Título” (Without Title) at Matucana 100, (2009), and in Ch.ACO art fair with Artespacio Gallery, all this in Santiago de Chile. His work is part of the CCU Pictorial Heritage, the Fund for the Arts from the University of Playa Ancha, Valparaiso, Chile, and the University of Talca, Maule, Chile. He participated in the BLOC Workshop, focused in production, training and dissemination of visual arts, Santiago, Chile (2014).

P. 292

Lives and works in Buenos Aires.

Pabli Stein studied media at O.R.T. Argentina. Later he took part in workshops and clinics with artists where he studied the techniques of painting and drawing. Between 2010 and 2012 he participated in the Young Art Award 'Project A' in Buenos Aires. Among his principal exhibitions stands out his solo show “La otra luz” (The Other Light) at the opening of the Enso Artspace in 2014. His work has been exhibited in the United States, England, Uruguay and Argentina.

P. 310

P. 96

BIOGRAFÍAS

Pedro Varela

Pilar Ovalle

Rodrigo Torres

Sebastián Vargas (Tan Vargas)

Sergio Fernández

Brasil, 1981.

Chile, 1970.

Brasil, 1981.

Chile, 1980.

Perú, 1979.

Vive y trabaja en Petrópolis, Brasil.

Graduado de la Universidad Federal de Río de Janeiro en 2005, con especialidad en grabado. Sus últimas muestras individuales se presentaron en el Centro Cultural Jean-Cocteau en Francia y en Anima Gallery en Doha, Qatar, donde expuso junto a Carolina Ponte. Otras exposiciones individuales se han llevado a cabo en Argentina, Uruguay, Chile, México y Brasil. Ha participado en diversas muestras colectivas en diversas ciudades de Brasil y también en Estados Unidos, Suecia, México y España.

Vive y trabaja en Santiago de Chile.

Estudió Escultura en el Instituto de Arte Contemporáneo y luego realizó cursos de especialización en la Universidad Católica. Ha sido merecedora en dos ocasiones de la beca Fondart y nominada también al premio Altazor. Obtuvo el Primer Premio en el Concurso Internacional de Esculturas de países del MERCOSUR y Premio Críticos de Arte en Artes Visuales Mención Especial el año 2012. Ha expuesto individual y colectivamente en Chile, Argentina, Brasil y Estados Unidos.

Vive y trabaja en Río de Janeiro, Brasil.

Estudió Pintura en la Universidad Federal de Río de Janeiro y Fotografía en el Ateliê da Imagem. En 2012 presentó la exposición individual "Sensor" en la galería A Gentil Carioca y "Grana Extra" en el Palacio de las Artes. En 2011 presentó el proyecto "m2" en CCSP y en 2009 la muestra "Defecto" en A Gentil Carioca. Ha expuesto colectivamente en Brasil, Francia, Estados Unidos y México. Ha sido reconocido con el Premio Itamaraty de Arte Contemporáneo y el Premio de Adquisiciones en pequeños formato en el 16° Salón UNAMA.

Lives and works in Santiago de Chile.

Pilar Ovalle studied sculpture at the Contemporary Art Institute and later completed courses of specialization at the Catholic University.

She has been a recipient of the Fondart scholarship on two occasions and also nominated for the Altazor award. She received first prize at the International Contest of Sculpture for MERCOSUR countries and special mention for the Critics award for art in visual arts in 2012. She has done solo and group shows in Chile, Argentina, Brazil and the United States.

Lives and works in Rio de Janeiro, Brazil.

Rodrigo Torres studied painting at the Federal University of Rio de Janeiro and photography at the Image Studio (Ateliê da Imagem). In 2012 he presented the solo show "Sensor" at the A Gentil Carioca gallery and "Grana Extra" at the Palace of Fine Arts (Palacio de las Artes). In 2011 he presented the project "m2" at CCSP and in 2009 the showing "Defecto" (Defect) at A Gentil Carioca. He has done group shows in Brazil, France, the United States and Mexico. He has been awarded with the Itamaraty contemporary art prize and the acquisition prize of the 16th UNAMA small formats salon.

Vive y trabaja en Santiago de Chile.

Egresado de la Universidad Finis Terrae el año 2002. Ha participado en decenas de exposiciones colectivas y muestras individuales tanto en Chile como en el extranjero.

Ha realizado residencias artísticas y workshops en Chile, Nueva Zelanda, Tailandia y Nueva York, donde trabaja esporádicamente. Sus obras forman parte de grandes colecciones privadas en Chile y Nueva York. Ha sido acreedor de diversos reconocimientos, como el Premio Codelco de Pintura (2001) y el Premio de Pintura de la Municipalidad de Vitacura (2002). Sus pinturas forman parte de importantes publicaciones, tales como “Pintores Contemporáneos de Chile” y “Pintura Contemporánea Latinoamericana”, entre otros.

Vive y trabaja en Lima, Perú.

Estudió Arquitectura en la Universidad Peruana de Ciencias Aplicadas. Trabajó en el estudio–galería Rabih Hage Ltd. en Londres, haciendo una arquitectura a escala humana.

Aprendió el oficio del artista y se interesó en el espacio expositivo donde enfatiza su interés por la fotografía empezando una formación autodidacta.

Tiempo después viajó a Barcelona a estudiar Diseño de exhibición en el Instituto Europeo de Diseño. Dirige “La Encomienda”, proyecto de artistas peruanos creado en el 2012 que nace con la intención de crear una propuesta que manifieste un nuevo sentido de representación del arte peruano contemporáneo. Su obra ha sido expuesta individual y colectivamente en Perú, Chile, Colombia, Costa Rica, Francia y Estados Unidos.

Lives and works in Santiago de Chile.

Graduated from the Universidad Finis Terrae in 2002. He has participated in dozens of group exhibitions and solo shows, both in Chile and abroad. He has participated in workshops and artistic residences in Chile, New Zealand, Thailand and New York, where he works sporadically. His works are part of major private collections in Chile and New York. His work has been recognized with several awards, including Codelco Painting Prize (2001) and the Painting Prize of the Municipality of Vitacura (2002). His paintings are part of important publications, such as "Contemporary Painters of Chile" and "Contemporary American Painting", among others.

P. 244

P. 60

Lives and works in Lima, Peru.

Sergio Fernández studied architecture at the Peruvian University of Applied Sciences (UPC). He worked at the Rabih Hage Ltd. studio–gallery in London, creating a piece of human-sized architecture. He learned the trade of artists and was interested in the exhibition space where his interest in photography is emphasized, which began by him teaching himself. Later he traveled to Barcelona to study exhibition design at the European Institute of Design (IED). He directs "La Encomienda" Peruvian project artists created in 2012 with the intention to create a proposal that expresses a new sense of representation of contemporary Peruvian art. His work has been exhibited in solo and groups shows in Peru, Chile, Colombia, Costa Rica, France and the United States.

P. 120

Lives and works in Petrópolis, Brazil.

Pedro Varela graduated from the Federal University of Rio de Janeiro in 2005, with a major in engraving. His last solo shows were presented at the Jean-Cocteau Cultural Center (Centre Culturel Jean Cocteau) in France and Anima Gallery in Doha, Qatar, where he exhibited along with Carolina Ponte. Other solo shows have been carried out in Argentina, Uruguay, Chile, Mexico and Brazil. He has participated in several group shows in several cities in Brazil and also in the United States, Sweden, Mexico and Spain.

P. 78

P. 138

Sesper (Alexandre Cruz)

Silvana Kelm

Silvana Pestana

Sol Mateo

Sonia Cunliffe

Brasil, 1973.

Argentina, 1972

Lima, 1967.

Bolivia, 1956.

Perú, 1966.

Vive y trabaja en Sao Paulo, Brasil.

Sesper es un artista autodidacta que comenzó interviniendo la ciudad de Sao Paulo con stickers y posters, mientras se dedicada al skate y a la música. Ha expuesto individual y colectivamente en decenas de muestras en Brasil, Estados Unidos, Francia y Hawaii. Su obra forma parte de las colecciones Itaú Cultural e Instituto Figueiredo Ferraz. Su trabajo ha sido publicado en Bazaar Arte, Elephant, Juxtapoz, +Soma y Arte Al Límite.

Vive y trabaja en Oberá, Argentina.

Vive y trabaja en Lima, Perú.

Egresó del Instituto de Diseño Toulouse Lautrec como diseñadora gráfica. Siguió estudios como alumna libre en Parsons (Nueva York), en 1988, y en RISD (Rode Island) en 1993. En 2010 presentó su primera individual llamada “El Mensajero” en El Cubo Dorado, en el Parque de la Exposición de la ciudad de Lima. Desde 2011 ha participado en diversas exposiciones colectivas. Su última muestra, “Desarraigo”, bipersonal desarrollada junto a Sonia Cunliffe, ha sido expuesta en las ferias PARC, ArtLima, ArtBO, Scope Miami, Scope Basel, SP Foto Sao Paulo y ArtRio.

Vive y trabaja en Berlín, Alemania.

Vive y trabaja en Lima, Perú.

Estudió Artes Plásticas y Fotografía en la Escuela Panamericana de Sao Paulo, donde además siguió una maestría de Fotografía de moda. Estudió Historia del arte en el Instituto Tomie Othake e Historia de la fotografía en el MAM, ambos en Sao Paulo. En 2008 presentó su primera individual, “Mujeres/ Moldes, Moldes/Mujeres” en la Galería Vértice. Desde el 2005 ha participado en muestras colectivas en Brasil, Argentina y Chile. Junto a Silvana Pestana, exhibió el proyecto “Desarraigo” en PARC, ArtLima, ArtBO, Scope Miami, Scope Basel, SP Foto Sao Paulo y ArtRio.

Lives and works in Sao Paulo, Brazil.

Sesper is a self-taught artist who began intervening the city of Sao Paulo with posters and stickers, while dedicated to skate boarding and music.

He has exhibited in solo and group shows in dozens of showings in Brazil, the United States, France and Hawaii.

His work is part of the Itaú Cultural and Figueiredo Ferraz Institute collections. His work has been published in Bazaar Arte, Elephant, Juxtapoz, +Soma and Arte Al Límite.

P. 274

Estudió en la Escuela de Bellas Artes Pridiliano Pueyrredón, Buenos Aires. Desde 1991 hasta 2001 trabajó en el Taller del escultor Ernesto Levin, como ayudante y discípula.

Ha participado en numerosas exposiciones individuales y colectivas en Argentina, Chile y Uruguay, entre las que destacan Expotrastienda 2005 y 2006, Galería VYP Buenos Aires y Punta del Este, Museo Municipal de Bellas Artes Lucas Braulio Areco, Argentina Pinta Bien, Misiones, CC Recoleta, Centro Cultural Plaza Castelli, CABA 2013; “Vuelos” Centro del Conocimiento Misiones, 2014. Sus obras forman parte de colecciones privadas en Argentina, Chile, Brasil, Uruguay, Estados Unidos, España, Francia, Inglaterra, México y Canadá, entre otros.

Lives and works in Oberá, Argentina.

Silvana Kelm studied at the School of Fine Arts Pridiliano Pueyrredón (Escuela de Bellas Artes Pridiliano Pueyrredón), Buenos Aires. From 1991 until 2001 she worked in the workshop of sculptor Ernesto Levin as an assistant and pupil. She has participated in numerous solo and group shows in Argentina, Chile and Uruguay, including Expotrastienda 2005 and 2006, VYP Gallery Buenos Aires and Punta del Este, Lucas Braulio Areco Municipal Museum of Fine Arts (Museo Municipal de Bellas Artes Lucas Braulio Areco), Argentina Pinta Bien, Misiones, CC Recoleta, Centro Cultural Plaza Castelli, CABA 2013; “Vuelos” Centro del Conocimiento Misiones, 2014. Her works are part of private collections in Argentina, Chile, Brazil, Uruguay, the United States, Spain, France, England, Mexico and Canada, among others.

P. 216

Lives and works in Lima, Peru.

Silvana Pestana graduated from the Toulouse Lautrec Institute of Design as a graphic designer. She continued her studies as a free student at Parsons (New York) in 1988 and RISD (Rhode Island) in 1993. In 2010 she presented her first solo show called “El Mensajero” (The Messenger) in El Cubo Dorado (The Golden Cube) at the Park of the Exposition of the city of Lima. Since 2011 she has participated in several group shows. Her last showing, “Desarraigo” (Uprooting), a two-person show developed along with Sonia Cunliffe has been exhibited in the art fairs PARC, ArtLima, ArtBO, Scope Miami, Scope Basel, SP Foto Sao Paulo and ArtRio.

P. 228

Artista visual con énfasis en fotografía y videoarte. Ha participado en distintas muestras internacionales como la Bienal de Sao Paulo, III Bienal Fotográfica Bogotá, Bienal de Cuenca, Bienal Mercosur, Bienal de La Habana y Bienal de Venecia, entre otros.

Ha realizado exposiciones individuales en Bolivia, Perú, Alemania, Austria, Holanda y Portugal. Participó también en exposiciones colectivas en España, Holanda, Argentina, Paraguay, Chile, Uruguay y Brasil.

Recibió la Mención en Pintura y el Primer Premio en Técnicas no Tradicionales en el Salón P.D. Murillo, La Paz, el Premio Único en Pintura en la X Bienal de Arte, Santa Cruz, el Premio Único en la I Bienal Internacional del Cartel, La Paz, el Gran Premio III Bienal SIART, y el Premio en la XV y XIX Bienal de Arte, Santa Cruz, entre otros.

Lives and works in Berlin, Germany.

Visual artist with emphasis in photography and video art. He has participated in various international exhibitions such as the Sao Paulo Biennial, III Photographic Biennial in Bogotá, Cuenca Biennial, Mercosur Biennial, Havana Biennial and Venice Biennial, among others. He has had solo exhibitions in Bolivia, Peru, Germany, Austria, the Netherlands and Portugal. He also participated in group exhibitions in Spain, Holland, Argentina, Paraguay, Chile, Uruguay and Brazil. He received a Mention in Painting and First Prize in Non-Traditional Techniques in P.D. Murillo, La Paz, the Unique Prize in Painting at the X Biennial of Art, Santa Cruz, the first prize at the I International Poster Biennial, La Paz, the Grand Prix III Biennial SIART and the XV and XIX Biennial Prize, Santa Cruz, among others.

P. 114

Lives and works in Lima, Peru.

Sonia Cunliffe studied fine art and photography at the Pan-American School of Art of Sao Paulo, where she also pursued a master’s of fashion photography. She studied art history at the Tomie Othake Institute and history of photography at the MAM, both in Sao Paulo. In 2008 she presented her first solo show, “Mujeres/Moldes, Moldes/ Mujeres” (Women/Molds, Molds/Women) at the Vértice Gallery. Since 2005 she has participated in group shows in Brazil, Argentina and Chile.

She exhibited the project “Desarraigo” (Uprooting) along with Silvana Pestana at PARC, ArtLima, ArtBO, Scope Miami, Scope Basel, SP Foto Sao Paulo and ArtRio.

P. 228

Fotografías/Photography: Janete Longo

Sonia Falcone

Thomas Baccaro

Verónica Ibáñez R.

Bolivia, 1965.

Brasil, 1975.

Chile, 1975.

Vive y trabaja en Hong Kong, China.

De pequeña vivió en Estados Unidos, donde comenzó a pintar. Su obra se ha presentado en varias muestras colectivas, principalmente en Phoenix City Government Convention Center-Civic Plaza, invitada por The National Hispanic Woman Corporation.

Ha realizado exposiciones individuales en el Museo de Phoenix, en Calvin Charles Gallery de Scottsdale, Arizona, Londres, Nueva York, Moscú, Monaco y Beijing, entre otros.

En 2013 estuvo presente representando a su país en la 55 Bienal de Venecia con “Campos de color”, obra aplaudida por la crítica.

Vive y trabaja en Sao Paulo, Brasil.

Influenciado por una familia de artistas y personas ligadas al mundo del arte, Thomas Baccaro comenzó su interés por la fotografía. Recibió el premios “Colunista Norte/ Nordeste", así como el Primer Premio de Fotografía en el "Premio Joven para artista Revelación" del Museo de Arte Contemporáneo, Sao Paulo, el Primer Premio en Mostra Istituzionale Forte Sangallo di Nettuno Contemporary Art y el Segundo Premio en RezArte Premio Tricolore 2014, ambos en Italia. Ha presentado sus obras individualmente en Canadá, Nueva York, Sao Paulo, Recife, Pernambuco y Marsella, además de más de veinte exposiciones colectivas.

Vive y trabaja en Santiago de Chile.

Estudió Estética y Artes Visuales en la Universidad Católica de Chile y luego un Máster en Fotografía en Parsons The New School for Design, Nueva York, donde fue premiada con una beca.

Ha trabajado como docente titular y asistente en la Universidad Católica de Chile, la Universidad Diego Portales y en Parsons The New School for Design. Su trabajo ha sido expuesto en Chile, Argentina, Ecuador y Estados Unidos.

Su obra ha sido publicada en el libro Miradas Paralelas, revista MIRA, Arte Al Límite, y en la Memoria Anual de CGE y Larraín Vial S.A.

Lives and works in Hong Kong, China.

Since she was little, Sonia Falcone lived in the United States, where she began to paint. Her work has been presented in several group shows, mainly at the Phoenix City Government Convention Center-Civic Plaza, invited

by The National Hispanic Women’s Corporation. She has carried out solo shows at the Phoenix Museum, the Calvin Charles Gallery of Scottsdale, Arizona, London, New York, Moscu, Monaco and Beijing, among other. In 2013 she represented her country at the 55th Venice Biennial with “Campo de color” (Color Field), a work applauded by critics.

P. 66

Lives and works in Sao Paulo, Brazil.

Influenced by a family of artists and individuals linked to the art world, Thomas Baccaro’s interest in photography began. He received the North/Northeast Colunistas award, as well as first prize in photography for breakout artist from the Sao Paulo Museum of Modern Art, first prize at Mostra Istituzionale Forte Sangallo di Nettuno Contemporary Art and second prize at the 2014 RezArte Tricolor Awards, both in Italy. He has presented his works in solo shows in Canada, New York, Sao Paulo, Recife, Pernambuco and Marsella, as well as in more than twenty group shows.

P. 102

Lives and works in Santiago de Chile.

Verónica Ibáñez studied aesthetics and visual arts at the Catholic University of Chile and later a Masters of Photography at Parsons The New School for Design, New York, where she was awarded with a scholarship.

She has worked as assistant and senior lecturer at the Catholic University of Chile, Diego Portales University and Parsons The New School for Design. Her work has been exhibited in Chile, Argentina, Ecuador and the United States. It has been published in the book Miradas Paralelas, MIRA Magazine, Arte Al Límite, Miradas Paralelas and the annual reports of CGE and Larraín Vial S.A.

P. 48