Periódico Nº 85 Septiembre 2012 by Arte al Límite

Nº 85 SEPTIEMBRE 2012

SANTIAGO DE CHILE

distribución gratuita

VIAJAR PARA CREAR Algunos de los artistas más reconocidos fuera de nuestras fronteras: Arte al Límite los vio despegar y hoy es testigo del éxito en su aterrizaje.

CH.ACO

Fondart

Conversamos con los invitados VIP de la feria que se realizará en Santiago entre el 28 de septiembre y el 1 de octubre.

A 20 años de la creación d e l o s Fo n d o s d e Cultura, analizamos los pros y los contras junto a las tareas pendientes del concurso. PÁG. 36

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EQUIPO

Ana María Matthei directora • Ricardo Duch director • Cristóbal Duch asesor comercial • Catalina Papic directora de arte Camila Duch proyectos culturales • Juan José Santos editor internacional • Antonella Galarce editora nacional Nathaly Pizarro diseñadora en comunicación visual • Paulina Loyola diseñadora en comunicación visual Ernesto Muñoz crítico y asesor de contenidos • Ennio Bucci crítico • Enrique Solanich crítico • Pedro Labowitz crítico Ignacio del Solar asesor • Jorge Azócar asesor • Julio Sapollnik asesor • Denise Madrid periodista • Bernardita Garib escritora y artista Javiera Calderón periodista • Natalia Figueroa periodista • Rocío Munizaga periodista • Lucía Rey historiadora del arte

EDITORIAL

¿Mucho mall y poco arte?

esulta evidente que en Chile las grandes fortunas económicas no parecen interesadas en tomar parte en la producción, diálogo o exhibición del arte local. Mientras algunos de los museos tradicionales yacen semi abandonados, torres y centros comerciales se multiplican por doquier, en lugares incluso alejados de las capitales regionales, como Chiloé. Si existen coleccionistas, no lo sabemos y la excepción a la regla estaría confirmada por Juan Yarur, que con la Beca AMA entrega la posibilidad a artistas jóvenes de realizar pasantías y exponer sus obras en el extranjero, estimulando así la producción y difusión de arte chileno. Las comparaciones no son prósperas, más aún si miramos al otro lado de Los Andes. En argentina, el 1 de septiembre se inaugura el Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires, el MACBA, iniciativa privada del apasionado coleccionista de arte Aldo Rubino. El espacio contará con tres plantas y 1.500 metros cuadrados. En nuestro país, la más reciente iniciativa de este tipo, el MAVI (Museo de Artes Visuales), fue fundado por Manuel Santa Cruz y Hugo Yaconi en 2001, hace más de 10 años. Tomando en cuenta el aún insuficiente apoyo estatal a las artes y la indiferencia de los coleccionistas locales, además de lo beneficioso que resulta para la empresa privada invertir en proyectos artísticos o culturales (algo que

no podríamos de ningún modo denominar filantropía), vemos que es muy difícil para los artistas profesionalizar su carrera dentro del territorio nacional: la única opción parece ser el autoexilio y la consagración en países europeos. En esta edición de nuestro periódico ARTE AL LÍMITE, presentamos algunas de las aristas del conflicto. Continuando con nuestros reportajes sobre políticas culturales, plasmamos la visión sobre el Fondart de diversos actores vinculados al mundo de las artes, quienes evalúan sus pros y contras. En el contexto de la Feria Ch.ACO, entrevistamos a algunos de sus curadores invitados, quienes destacan la importancia que está adquiriendo el arte latinoamericano en la escena internacional, aunque especifican algunas de sus deficiencias, como las recientemente mencionadas: falta de mecenazgos o el exilio como única condición del éxito. En tanto, desde el otro lado de la moneda, entrevistamos a algunos de los artistas chilenos con mayor notoriedad internacional, recopilando las entrevistas que ARTE AL LÍMITE les realizó con anterioridad, en sus 10 años de vida. Esperamos que estas fiestas patrias se conviertan en un espacio para reflexionar sobre los problemas que condicionan a nuestros creadores y sobre qué lugar tiene el arte local dentro de las prioridades de privados, del estado y del público.

SUMARIO 06. Viajar para crear I 12. FONDART: Las tareas pendientes I 16. DITEC Automóviles I 18.Críticas 22. Agenda Santiago I 24. Agenda Regiones I 26. Agenda Web I 28. Perfil Arte I 36. Feria Ch.ACO 2012 42. Barriovisión: Lastarria I 46. Feria KIAF

46. ARTE CHILENO EN la feria KIAF 28

Galería Isabel Aninat, StuArt y Arte al Límite se trasladan a esta feria de arte en Corea.

42. BARRIOVISIÓN Recorrimos Lastarria, barrio bohemio y cultural de gran riqueza arquitectónica.

REPRESENTANTE LEGAL Orlando Calderón F. • VENTAS info@arteallimite.com, ventas@arteallimite.com SUSCRIPCIÓN marketing@arteallimite.com • FONO - FAX 955 32 61 • WEB www.arteallimite.com FACEBOOK facebook.com/arteallimite • TWITTER @Arte_Al_Limite PORTADA Edición 85: Voluspa Jarpa, “L´Effet Charcot, Maison de l´Amerique Latine”, 2010. Fotografía: Christian Mac Manus. •IMPRENTA R.R. Donnelley, Santiago, Chile. Las opiniones vertidas en este medio son de exclusiva responsabilidad de quienes las emite.

REPORTAJE VIAJAR PARA CREAR

Artistas chilenos se profesionalizan en el extranjero

Viajar para crear El autoexilio es en muchos casos la única respuesta exitosa para artistas que buscan amplificar su carrera y mantener un nivel de producción abundante y estable. Arte al Límite ha difundido el trabajo de autores hoy reconocidos en el extranjero, por lo que buceamos en nuestras ediciones anteriores para recordar sus hitos y los entrevistamos para conocer sus impresiones sobre la internacionalización de sus carreras. Por Antonella Galarce, periodista.

anto para artistas emergentes como consagrados, la escena de arte chilena emerge como un espacio estrecho y poco viable para mantener sus propuestas a flote. Sin duda, en Chile es difícil ser artista: se le considera tradicionalmente como una carrera poco lucrativa y muy “hippie”, desconociendo la seriedad y rigurosidad que los artistas locales inyectan a su trabajo. Esto, sumado a algunas carencias a nivel institucional y de mercado, hace que en su mayoría los creadores comiencen a mirar más allá de las fronteras buscando financiamiento, formación, público y coleccionistas. Sin pretender entregar una fórmula del éxito, Alfonso Díaz, jefe de Artes Visuales, Arquitectura y Diseño de la Dirección de Asuntos Culturales del Ministerio de Relaciones Exteriores (Dirac), señala que para que una obra tenga resonancia en el extranjero necesita ser consistente; “debe tener un discurso que se pueda sostener y plantear en circuitos internacionales”.

El segundo ingrediente es enlistarse en una galería de arte; “un artista sin galerista no existe en el exterior, está todo definido de esa forma. Va a ser clave quién escriba sobre ti, los curadores que están detrás y te respaldan. Es clave quién te colecciona y en qué espacios has exhibido”, asegura. De acuerdo a la experiencia de Alfonso, el mercado europeo es el más interesado en mostrar y adquirir obras de chilenos; “la cultura europea es mucho más densa, mucho más reflexiva y analítica y el trabajo chileno por sus condiciones geográficas y políticas es un trabajo que se relaciona mucho con eso, con un discurso muy fuerte, que en Europa es muy bien comprendido”. Sin embargo, en EEUU es muy bien valorado el trabajo de Alfredo Jaar e Iván Navarro, probablemente “porque además de tener un trabajo discursivo tienen una imagen potente”,

REPORTAJE VIAJAR PARA CREAR

IVÁN NAVARRO Fotografías cortesía del artista.

“yA TENGO ARMADO UN SISTEMA DE PRODUCCIÓN EN MI TALLER DE BROOKLYN”

Iván Navarro nació en Santiago en 1972. Vive y trabaja en Nueva York hace más de 15 años. En nuestra edición Nº 32 de diciembre de 2007 del periódico Arte al Límite reseñamos su exposición “¿Dónde Están?”, por la que recibió el año 2009 el premio nacional Altazor. Ese mismo año es seleccionado para representar a Chile en la versión 53 de la Bienal de Venecia. Parte de su obra pertenece actualmente a la Colección británica SAATCHI. Su nombre fue incluido en el libro Temporary Architecture Now! de la editorial Taschen, junto al de figuras como Olafur Eliasson. Recientemente, el artista expuso en Roma una instalación que recrea la ocupación nazi en la capital italiana entre septiembre de 1943 y junio de 1944, estableciendo un paralelo entre la represión nazi y las dictaduras latinoamericanas. ¿Cuáles crees que son los elementos presentes en tu obra que atraen a público, curadores y galeristas extranjeros? ¿La luz? No lo sé, eso siempre es un misterio. Además trabajo con mucha gente que proviene de distintas partes del mundo y del arte, a cada uno le interesan cosas distintas. Es algo que ya no me pregunto. Bienvenidos los interesados en mi arte. ¿Crees que la Bienal de Venecia de 2009 marcó un hito en la internacionalización de tu carrera? Claro que sí, cambio mi vida. Ojalá todos los artistas pudieran disfrutar esa experiencia. ¿Volverías a vivir y trabajar en Chile? ¿Qué aporta el espacio neoyorkino a tu obra? Para mí es muy difícil trabajar en Chile porque no paso mucho tiempo ahí, siempre hago viajes rápidos y me demoro mucho en terminar una obra. Si hago algo tengo que adecuar mi sistema de producción a la realidad chilena, que es muy distinta a la neoyorquina. Ambas realidades tienen pros y contras para producir mi obra, pero ya tengo un sistema armado de producción en mi taller de Brooklyn. ¿La experiencia de alcanzar notoriedad internacional ha modificado de alguna manera tu obra? La obra se va modificando día a día en cualquier contexto. Y si hay notoriedad internacional, sirve para mostrar la obra en espacios que al inicio de mi carrera eran impensables. Además, el medio ambiente siempre modifica las obras en todo sentido; las obras no son autónomas ni neutrales a los contextos sociales.

• “The Armory Fence”, 2011, neón, aluminio y energía eléctrica, 200 m². Fotografía: David Cendros. Cortesía:Hueso Records.

¿Se contrapone de cierta forma tu obra -analítica y crítica-, con el mercado del arte internacional? En algún momento todo vende. El mercado regula mi trabajo. Hay muchos mercados del arte y son todos interesantes para mí, así como hay muchos circuitos artísticos con diversas reglas y políticas. ¿En qué proyectos estás trabajando actualmente? En varias exposiciones, en distintas ciudades (Estambul, Miami, Nueva York, París, Londres y Santiago) en museos y galerías. Pero lo que más me inspira es trabajar con mi sello de música www.hueso-records.com, de donde saco fuerzas para seguir adelante. La música funciona en otro estrato del pensamiento y eso me hace ver el arte que hago desde otro punto de vista al cotidiano de la producción en el taller.

REPORTAJE VIAJAR PARA CREAR

voluspa jarpa Fotografías cortesía de la artista.

“exponer fuera de chile me obliga a desarrollar mi cuerpo de obra".

• “L´Effet Charcot, Maison de l´Amerique Latine”, 2010. Fotografía: Christian Mac Manus.

Voluspa Jarpa nació en Rancagua en 1971. Sus obras pertenecen a varias colecciones holandesas como Rabobank y Canvas International Art. En febrero pasado recibió el premio illy Sustain Art en la Feria Internacional ARCO, Madrid, por su trabajo “Minimal Secret” que continúa su investigación en torno a los archivos sobre Chile desclasificados por la CIA. Entrevistamos a la artista en nuestra edición del periódico Nº 39 de agosto de 2008, donde reflexionaba sobre su trabajo entorno a la histeria femenina, expuesto en la sala Gasco por ese entonces. “La histeria, en el caso de las mujeres, se puede leer como un mecanismo de defensa”, nos contó, realizando una profunda reflexión crítica, que hoy es la marca registrada de su trabajo. ¿Cuál es la importancia de participar en instancias de exhibición internacionales? A través de las exhibiciones sistemáticas en el extranjero, he podido hacerme un panorama de los movimientos que ocurren en varias partes del mundo y esto me ha servido para comprender como opera la circulación de las obras, los discursos autorales y el mercado, en varios segmentos del arte contemporáneo. En mi caso una exhibición ha llevado a otra, lo que me permite contar con cierto interés y demanda que me obliga a desarrollar mi cuerpo de obra, profundizarlo y diversificarlo. En tanto, al exhibir en exposiciones colectivas, como lo son las Bienales por ejemplo, pones tu trabajo en competencia, es decir, puedes medir claramente cuáles son sus méritos y cuáles son sus límites, esto va acelerando el proceso de producción y va depurándolo, ya que te exige saber con mayor precisión qué estás haciendo y qué quieres seguir haciendo. ¿Por qué crees que tu obra genera atención en Europa? Europa es un territorio de mayor diversidad cultural, social y política que otros centros artísticos. Mi percepción y experiencia me per-

mite pensar que en Europa el artista tiene un rol, no solamente de hacer un producto, sino de ser autor de un pensamiento y discurso. Diría sencillamente que en Europa hay una práctica e interés por dialogar y en este sentido, el trabajo se entiende también como unas especies de preguntas que uno lanza al mundo. En el contexto de la internacionalización de tu trabajo ¿Cuál es la importancia de trabajar junto a la Galería Isabel Aninat? Bueno, yo llegué donde Isabel Aninat absolutamente agobiada por tener compromisos para exhibir en la Bienal de Mercosur y de Istanbul y no tener fondos para cumplir con esos compromisos después de haber golpeado varias puertas solicitando apoyo. Isabel entendió inmediatamente el dilema y decidió apoyarme encontrando patrocinadores y con su propia presencia en esos viajes. Creo que la experiencia de Isabel ha sido fundamental para mí y espero también ser un fenómeno de aprendizaje para ella, ya que tengo conciencia de que mi trabajo no es sencillo, a veces no es agradable sino más bien árido y ella ha aceptado el reto de representarlo. Creo que en Isabel reconozco esa habilidad de diálogo, que no es muy local, de poder estar y conversar con personas muy diversas y de asuntos artísticos en varios niveles. ¿Cuáles son tus próximos proyectos? Cierro este 2012 con dos muestras, una a fines de septiembre y la otra entre octubre y noviembre. La primera es la exposición curada por Paul Ardenne, para el Printemps de Toulouse, que se llama “¡La historia es mía!”, título que me encanta, donde invitó a 40 artistas a participar, entre ellos estarán Alselm Kiefer, Pierre & Gilles, Mona Hatum, Matt Collishaw, Grupo Atlas, Gianni Moti, entre otros y los latinoamericanos, Fernando Bryce, Fernando Prats y yo. La otra muestra será en Paris, en octubre-noviembre, en la Galería MorCharpentier y es una exposición individual de mi trabajo nuevo.

REPORTAJE VIAJAR PARA CREAR

Patrick Hamilton

“Tengo más trabajo fuera de Chile”

Fotografías cortesía del artista.

Patrick Hamilton nació en 1974 en Lovaina, Bélgica. Vive y trabaja en Santiago. Ha participado en las Bienales de La Habana (2003 y 2009) y Sao Paulo (2004). Se adjudicó la beca Guggenheim en 2007 y realizó una residencia en el ISCP (International Studio & Curatorial Program) en Nueva York en 2006. En 2010, le dedicamos la portada de agosto de nuestro periódico Nº 61, con su obra “Edificio #9”, en el contexto de su participación en “Proyecto Ideal”, muestra que reunió ese año en el Museo de Arte Contemporáneo a lo mejor de la creación latinoamericana. ¿Cuáles crees que son las características de tu obra que atraen al público extranjero? Primero habría que aclarar que no existe un público extranjero, sino que existe una multiplicidad de públicos y contextos. He tenido la suerte de entrar en diálogo con diversas personas que pertenecen al mundo del arte: curadores, galeristas, artistas y coleccionistas en diversos países y también con personas que pertenecen a otros ámbitos, pero honestamente no he sacado ninguna conclusión definitiva respecto a qué es lo que interesa de mi trabajo. Tiendo a pensar que se debe a que es un trabajo serio y riguroso tanto a nivel formal como temático y que además no es hermético, sino que tiene la capacidad de comunicar, sea a nivel intelectual o sensible. ¿Crees que tu obra es igualmente valorada en Chile como a nivel internacional? La relación entre la obra y sus receptores en el medio del arte en Chile esta insoportablemente mediada por los afectos y cuestiones personales. Es poca gente la que tiene altura de miras, conocimientos y capacidad para reconocer los méritos en el otro más allá de esta “microfísica de los afectos”. En mi caso, me consta que hay mucha gente que valora mi obra aquí, pero a nivel de proyectos y de trabajo concreto estoy más vinculado con personas fuera de Chile. Definitivamente, tengo más trabajo fuera de Chile. ¿La experiencia de exponer y tomar contacto con galeristas, curadores, artistas y críticos de otros países ha modificado de alguna manera tu obra o tus métodos de trabajo? En esencia, mi investigación de obra no ha variado mucho desde el taller Terminal de Arte en la Universidad de Chile. En ese momento esbocé ciertas cuestiones que luego, con el transcurso de los años, he ido desplegando y profundizando. En ese sentido, pienso que mi trabajo mantiene una cierta identidad, un cierto hilo conductor. En relación a los métodos de trabajo, claramente sí. Mantengo un taller al que voy todos los días, tengo asistentes, deadlines, cuenta en Fe-

• “Edificio # 8”, 2007, collage, fotografía blanco y negro y papel contacto, 158 x 110 cm. Colección Biederman, Alemania, Colección Jumex, México DF.

dex para enviar mis trabajos. Es decir, no puedo esperar a ganarme un Fondart para producir, sino que estoy constantemente trabajando, produciendo obra y respondiendo a distintos proyectos. ¿Cuál es la importancia de exponer fuera de Chile? Como yo vivo y produzco en Chile, pero trabajo mayoritariamente fuera, para mí el poder circular con mi obra es una cuestión vital. Pero no se trata sólo de exponer fuera de Chile, sino participar de un circuito, conocer gente y ser reconocido, establecer redes de amistad, confianza y trabajo, eso es lo fundamental. En este sentido no es lo mismo “circular” que “inscribirse” y las condiciones de inscripción de una obra son mucho más complejas que el simple hecho de exponer fuera.

REPORTAJE VIAJAR PARA CREAR

paz errázuriz

“Hay más interés por mi obra en el extranjero” recibió el premio del público en el evento. En la próxima edición de Ch.ACO que se realizará en septiembre, se lanzará el libro PhotoNo, un recorrido por las cuatro décadas de trayectoria de Paz Errázuriz, publicación editada por la Dirac y el CNCA.

Fotografías cortesía de la Dirac.

¿Cómo has experimentado la atención que generó tu obra en la edición de Photo España de este año? Fue una sorpresa para mí ser representante de PhotoEspaña 2012, yo pensé que mi obra solamente iba a estar en los afiches y en la portada de la guía; fue increíble ver mi foto en anuncios por todo Madrid, por el paseo del Prado, en La Castellana. Lo que más me interesó fue la exposición, con ese nivel de curatoría y convocatoria de fotógrafos. En este contexto me gustaría destacar el apoyo de la Dirac, hicieron un catálogo muy bueno de esa muestra. ¿Tus obras generan mayor interés en países europeos o también en Latinoamérica o países como EEUU? La primera gente que ha coleccionado mi fotografía ha sido extranjera, tanto europea como estadounidense, pero en Europa ha habido más divulgación, han habido invitaciones importantes. Lo que me extraña es que haya más interés en el extranjero que acá. Mi trabajo se ha demorado en caer en el sitio que tiene que caer; eso es interesante, porque mi foto fue bastante rechazada en un comienzo acá en Chile. Sin embargo, yo obtuve la beca Guggenheim el año 86, entonces siempre ha existido esa especie de contrapartida.

• Detalle de “El Infarto del alma”, 1994.

Paz Errázuriz nació en Santiago en 1944. De formación autodidacta, fue premiada con las becas Guggenheim y Fullbright, además de recibir el premio Altazor en 2005. Entrevistamos a Paz en 2006, en el contexto de su investigación visual “Exéresis”, donde por primera vez fotografiaba esculturas encontradas en museos y cementerios, a las que el tiempo sometió a un extraño proceso de castración. Sobre este trabajo, que otorgó un nuevo impulso a su labor como artista, comentaba: “Fue un excelente ejercicio porque yo estaba en una suerte de crisis con la fotografía, preguntándome qué sentido tenía seguir fotografiando”. Es una suerte para el arte nacional que la fotógrafa haya continuado con su carrera, ya que su obra fue portada del material de difusión de PhotoEspaña de este año y la muestra “Aquí estamos”, integrada por los trabajos de la creadora, de Richard Avedon, Richard Billingham y Lilla Szasz

¿Cuáles crees que son los elementos presentes en tu fotografía que atraen al público extranjero? Es una fotografía muy local, yo fotografío lo nuestro. Cuando tú trabajas sobre tu barrio, trabajas sobre un concepto universal. Tampoco es una fotografía pintoresca como para atraer atención desde ese punto de vista. Tiene que ver con la aceptación de lo diverso, de lo que no se quiere ver. ¿La internacionalización de tu carrera ha modificado de alguna forma tu propuesta estética? Yo hago siempre lo mismo, lo mío son variaciones sobre un mismo tema, y en ese sentido la variación podría ser entrar en lo digital o preocuparse por algunos asuntos técnicos, pero no necesariamente la mirada hacia mi propio trabajo. ¿En qué estás trabajando actualmente? En este momento estoy preparando la segunda edición de “La Manzana de Adán”, que es una edición revisitada, una versión que tiene otras fotos que no pudieron estar en su momento, fotos del trabajo de aquel entonces. También tengo entre mis proyectos algunos trabajos inéditos, que no he expuesto aún.

REPORTAJE VIAJAR PARA CREAR

Sebastián errázuriz Fotografías cortesía del artista.

“Estando fuera de chile, nadie puede pronunciar mi apellido”

Sebastián Errázuriz nació en Santiago en 1975. El artista y diseñador irrumpió en la escena nacional con sus proyectos de arte público, entre los que se cuentan plantar un árbol en medio del Estadio Nacional y subir una vaca rescatada del matadero a la azotea de un edificio. Esos proyectos fueron reseñados en la edición Nº 14 del periódico Arte al Límite de mayo del 2006. La teórica e historiadora del arte, Natalia Arcos, definía por ese entonces a “El Árbol” como “una fantasía hecha realidad, cuya carga significativa se potencia debido a que el Estadio Nacional no es como cualquier otro estadio del mundo, allí funcionó uno de los centros de tortura más grandes de Chile”. Actualmente, Sebastián está editando su primer libro monográfico con la editorial Gestalten y preparando una exposición para Miami Basel, además de su primera exhibición en solitario para el Carnegie Museum en EEUU. Avecindado desde hace tiempo en Nueva York, este trabajólico creador nacional está abordando además varios proyectos de arte público, como el que realizó en la pared exterior de su propio taller en Brooklyn en 2010, donde comparó la cifra de soldados estadounidenses muertos en combate con la de aquellos que se habían suicidado. El paralelo resultó impresionante, ya que el número de suicidios duplicó la de militares caídos. ¿Cuáles son los elementos en tu obra que atraen a críticos, curadores y coleccionistas extranjeros? Es mal visto ser artista y diseñador a la vez, porque se producen todas estas sospechas de tener demasiados códigos de branding y de marketing y demasiadas herramientas de comunicación. Yo veo arte y diseño como dos áreas diferentes, con lenguajes diferentes, las complemento como un atleta haciendo Decathlon. Por un lado, hago diseño puro, por otro, hago arte puro y entre medio hago este diseño/arte, donde incorporo elementos sicológicos, existenciales, conceptuales y culturales al diseño de objetos funcionales y a la vez incorporando en el arte estos elementos más prácticos del diseño. Quizás ese es un elemento que resulta atractivo para los críticos. ¿Cómo se pasa de ser un artista local a tener una trayectoria internacional? Es súper difícil. Yo tuve la suerte de hacerme un espacio en Chile de forma bastante rápida: tenía una columna en El Mercurio donde hablaba de diseño, un espacio en la radio donde hablaba de arte y diseño y un espacio en televisión. Hacía clases en tres universidades, tenía mi oficina que me daba recursos para realizar mis proyectos de arte público. Tenía este círculo virtuoso que me estaba funcionando: Adidas me regalaba zapatillas, era una burbuja perfecta. Y en algún

• Detalle de “An attempt to understand a statistic”, Brooklyn, New York, 2009.

momento me creí el cuento y en cuanto sentí eso decidí que era tiempo de salir. Pero ha sido duro, ha sido como una maratón. En Chile gané varios premios de diseño, salía en la Vivienda y Decoración, era el ‘niñito’ Sebastián Errázuriz que tenía apellido bien, entonces todo era fácil y funcionaba. El problema es que mucha gente decía ‘es que si es Errázuriz debe tener plata, se le abren todas las puertas y a la vez si es diseñador no puede ser artista’. Estando fuera, nadie puede pronunciar Errázuriz, lo peor que podría tener es mi apellido; mis galeristas llevaban tres meses representándome y todavía les costaba decir el apellido. Pero este no ser nadie, y que a nadie le importe nada más que lo que vales por tu trabajo, fue muy liberador y permitió que poco a poco la gente se fijara en mi trabajo ¿Crees que tu trabajo es mejor valorado en Chile o en el extranjero? Sin duda, mi trabajo tanto de diseñador como artista es mucho más valorado afuera que en Chile. Afuera estoy participando este año de 4 ó 5 museos más otras exposiciones y en Chile no estoy participando en ningún museo. Afuera estoy hablando con curadores importantes que me están ofreciendo todo tipo de proyectos y en Chile no hay nadie. Estoy viendo algunos proyectos con la galería Departamento 21 y con Patricia Ready, pero nunca me ha escrito un curador. Yo creo que en chile todavía me ven como el ‘niñito’ Errázuriz que se viste bien, que puso la vaca arriba del edificio y plantó el árbol en el nacional. Lo aprecio mucho, pero creo que sería bueno volver a sentarnos a conversar, volver a presentarles en qué estoy, que viéramos juntos la complejidad de los trabajos, los cuerpos de investigación desarrollados, porque me encantaría seguir haciendo cosas en Chile.

REPORTAJE FONDART

FONDART LAS TAREAS PENDIENTES Los Fondos de Cultura, Fondart, cumplen dos décadas este año. El concurso, creado en los albores del retorno a la democracia, no deja de estar exento de controversia año tras año. Pese a que es indiscutible que los fondos representan un aporte valioso al desarrollo de las artes, muchos creadores y gestores culturales se enfrentan al estrés de una postulación complicada y a la incertidumbre de no conocer los criterios de evaluación. Por Ernesto Muñoz, crítico de arte y miembro de la AICA Ilustraciones cortesía del artista Francisco Papa Fritas.

l proyecto bilateral “Transpacífico” (Ver crítica de Pedro Labowitz en la presente edición) ya es una realidad y se ha desarrollado con éxito tanto en Santiago como en Lima, pese a haber recibido la indiferencia de la línea de postulación Ventanilla Abierta del Fondart, destinada a la itinerancia. Al parecer, se prefiere entregar apoyo a un grupo de chinchineros que a una muestra de arte. En la Dirección de Asuntos Culturales del Ministerio del Exterior (Dirac), el Jefe Embajador Germán Guerrero Pavez -de raigambre militar- no oculta su indiferencia a las artes visuales, o quizás a ciertos proyectos o artistas, ya que por ejemplo se destinaron veinte millones de pesos al homenaje que se realizó a Matilde Pérez en la feria Pinta Londres 2012, pero se retiró el apoyo a esta publicación. (Ver editorial de edición Nº 84 de Arte al Límite). El Fondart sigue siendo un asunto complejo. Como hace 10 años, las nuevas generaciones de artistas continúan manifestando su desazón con respecto al concurso: quienes logran realizar la gran cantidad de trámites exigidos para que la propuesta pueda ser considerada “admisible” (declaraciones juradas ante notario, presupuestos, cartas de compromiso

y un cúmulo de fotocopias y otros documentos), postulan sin saber si alcanzarán el puntaje requerido. Muchos de los proyectos rechazados no obtienen una respuesta satisfactoria o constructiva que les permita a sus gestores mejorar la formulación. Asimismo, vemos que muchos proyectos que se han adjudicado el premio Fondart no logran mantenerse en el tiempo luego de que les sea retirado este apoyo. De este modo, publicaciones sobre arte e iniciativas curatoriales no adquieren la proyección necesaria para generar impacto y debate en el público. Es sabido también que muchos artistas donan voluntariamente obras al Consejo Nacional de la Cultura y las Artes (CNCA) y a la Dirac, sin conocer cuál será el destino final de esos trabajos: si permanecerán guardados en bodegas o si serán expuestos en las paredes de estas instituciones ¿Por qué no se exponen al público? Recopilamos algunas opiniones con respecto al tema, de personas afines al ámbito cultural. Haznos llegar también tu opinión a través de www.twitter.com/Arte_Al_Limite y www.facebook.com/arteallimite.

REPORTAJE FONDART: las tareas pendientes

ROXANA ALFARO Licenciada en arte Por Lucía Rey, magíster en arte.

¿Cuál es tu visión general de los fondos de cultura? Considero que el Fondart es una buena forma de financiar y potenciar las artes, pero creo que debieran existir más formas de financiamiento, no sólo ésta.

otro lado, si te preseleccionaran con la idea solamente, podría haber cabida para todos, para quienes sepan o no sepan postular al Fondart. Ganarse un Fondart es una fórmula; una vez aprendida te lo puedes ganar siempre.

¿Crees que es un buen mecanismo estatal para fomentar las artes? Como mecanismo me parece bien para filtrar, pero creo que se debería postular sólo con la idea: te preseleccionan, te prestan el apoyo para armar tu proyecto si lo necesitas y de ahí recién elegir a los ganadores.

¿Piensas que hay transparencia tanto en las bases de postulación como en la asignación de los fondos del concurso? El círculo es pequeño entonces la gente se conoce. Hay muchas probabilidades de que los jurados conozcan a los postulantes, sobre todo en regiones.

¿Crees que en el Fondart hay espacio para nuevos creadores o que pesa más el curriculum de quienes ya han sido beneficiados con los fondos en años anteriores? Creo que no hay mucha cabida para nuevos creadores, uno ya que por una parte si te dan puntaje por experiencias anteriores, difícilmente puede adjudicárselo alguien nuevo. Por

¿Crees que son suficientes los recursos asignados a este fondo, como único en su tipo para subvencionar proyectos artísticos y culturales? Los recursos nunca van a hacer suficientes, pero es tiempo de abrir más espacios y fomentar otros tipos de financiamiento para los artistas y no sólo depender de un fondo que te financia porque entregas tu trabajo gratis a espectadores.

REPORTAJE FONDART

MARÍA JOSÉ VILCHES Periodista y gestora cultural Por Antonella Galarce, periodista.

¿Cuál es tu visión general de los fondos de cultura? En la práctica, son un mal necesario. Resultaría altamente óptimo que Fondos Cultura traspasaran su límite natural de “administración de proyectos”- basado en el proceso burocrático- y que se enfocaran en garantizar su fin último, que es enriquecer el acervo cultural del país. Para eso, faltan estudios profundos, políticas bien diseñadas, evaluaciones a largo plazo, planificaciones de impacto, equipos multidisciplinarios y un largo etcétera. ¿Crees que es un buen mecanismo estatal para fomentar las artes? Es bueno, sólo en la medida que funcionen otras secciones del engranaje: como las franquicias tributarias a la producción y comercialización de bienes culturales, exenciones de pago de impuestos a donaciones privadas, la generación de audiencias desde la educación, el diálogo transcultural, entre otros. Contra pregunta: ¿está funcionando ese engranaje? Creo que falta algo más que aceite. ¿Piensas que hay transparencia tanto en las bases de postulación como en la asignación de los fondos del concurso? Existen temas pendientes tanto en la evaluación como en la selección. Al existir en algunas líneas criterios comparados de calidad, se esperaría mayor publicidad de las rúbricas. ¿Crees que son suficientes los recursos asignados a este fondo, como único en su tipo para subvencionar proyectos artísticos y culturales? Sólo sé dos cosas que justificarían la tesis de que los recursos son insuficientes. Una, la Ventanilla Abierta para proyectos de itinerancia internacional acabó sus fondos en julio, dejando a varios postulantes con el proyecto en las manos. Dos, existe una brecha entre los montos solicitados y los adjudicados es de 4 a 5 veces, que según el año puede llegar a 6 a7 veces. Según cifras del Estudio Diseño Línea de Base Fondart, desarrollado por privados para el CNCA, el 2010, la demanda de recursos fue de 34.227 millones de pesos mientras que los adjudicados efectivamente fueron 7.348 millones de pesos.

Constanza ragal Artista visual ¿Cuál es tu visión general de los fondos de cultura? Pienso que los fondos de cultura son recursos insuficientes. No puede suceder que se agote el presupuesto anual del Consejo de Cultura a mitad de año. Existe un evidente problema en el financiamiento de la cultura y las artes y una escasez en la difusión de la información. ¿Crees que es un buen mecanismo estatal para fomentar las artes? Creo que no es eficiente la gestión del Consejo de Cultura, es cuestionable la falta de recursos, se deberían establecer alianzas sólidas con apoyo privado mediante la Ley de Donaciones Culturales, o buscar financiamiento internacional y otras instituciones de la red pública de fomento. Pienso que el Consejo es la institución responsable del reconocimiento social de la función de la cultura. En Chile los proyectos culturales y artísticos tienen menos prioridad que otros sectores, como la educación y la salud. No contamos con ninguno de los ingredientes que a nivel internacional se requieren para validar el arte contemporáneo. ¿Crees que en el Fondart hay espacio para nuevos creadores o que pesa más el curriculum de quienes ya han sido beneficiados con los fondos en años anteriores? Si observamos el historial de los proyectos beneficiados por el Consejo de Cultura es evidente que se privilegia a los artistas con un currículum importante, por lo que me parece necesario que se apoyen a los nuevos creadores, falta perspectiva y riesgo.

REPORTAJE FONDART: las tareas pendientes

CRISTIAN ANToINE Académico de la Escuela de Periodismo Universidad de Santiago. Investigador asociado Libertad y Desarrollo. ¿Cuál es tu visión general de los fondos de cultura? Se asume tradicionalmente que el Estado tiene un papel importante que cumplir en la generación de este sistema de mecanismos y procedimientos legales y administrativos que a fin de cuentas permiten allegar recursos desde el Tesoro Público al desarrollo de actividades artísticas y culturales. Fondart es uno de esos mecanismos, pero no el único. Este compromiso proviene de lo reflejado en el artículo 19, Nº 10 de la Constitución Política de la República de Chile, así que no se trata de una concesión graciosa del Estado sino del cumplimiento de un deber que se tiene para con la cultura y las artes. ¿Cómo evalúas la gestión del actual gobierno en al ámbito con respecto a los anteriores? Las cifras en una perspectiva histórica dan cuenta de la inmensa innovación y desarrollo artístico que ha tenido la cultura en estos últimos años. Entre 2006 y 2010, por ejemplo, se triplicó el presupuesto asignado a este fondo, que pasó de 22 mil a 63 mil millones de pesos, mismos que permitieron financiar unos seis

mil proyectos. En ese mismo período, el CNCA realizó mejoras en el perfeccionamiento y mejoramiento de los procesos de concursabilidad y la asignación de los recursos que confirman una tendencia desde su creación a comienzos de los noventa. ¿Piensas que hay transparencia tanto en las bases de postulación como en la asignación de los fondos del concurso? Aún cuando los fondos concursables se han convertido en uno de los principales instrumentos de apoyo a la creación artísticocultural, carecemos de una mirada de conjunto que haga posible una evaluación más sistémica. Carecemos de investigaciones que evalúen tanto sus procedimientos como los resultados obtenidos a partir de su ejecución y, aunque actualmente el servicio maneja un restringido concepto de monitoreo, puesto que sólo lo entiende en términos de control administrativo, esto es, caracterizado por una fiscalización contable de los proyectos y una supervisión de las actividades declaradas, es más urgente que nunca generar mecanismos de supervisión pensados para evaluar los efectos y resultados obtenidos.

la “nueva oveja”

LA “NUEVA OVEJA” DE VOLVO ROMPE PARADIGMAS automÓviles

Carácter fuerte, conducción ágil, diseño escandinavo y excepcionales prestaciones de seguridad. Con todo esto y más, el nuevo V40 de Volvo promete revolucionar el segmento de los hatchback premium de 5 puertas, rompiendo el paradigma de lo conocido hasta ahora.

Cristóbal Muñoz, Paula Sepúlveda, Juan Eduardo Silva y Stefania Sacaan

la “nueva oveja”

El modelo viene a darle continuidad al fenómeno del compacto C30 y ya fue lanzado oficialmente en nuestro país como “la Nueva Oveja”, en un exclusivo evento en Centro Parque donde demostró todo su potencial ante más de 400 clientes, prensa y amigos de la marca, que quedaron verdaderamente sorprendidos. Sus líneas agresivas, elegantes y sus detalles inteligentes, acapararon todas las miradas.

Matías Hernández, María Jesus Daire y Felipe De Groote

Pamela Le Roy y Juan Manuel Astorga.

Cristián León y Santiago Russi

Francisco Labbé, Alfredo Gantz y Matías Hernández.

Críticas TRANSFERENCIAS ARTISTICAS ITALIANAS EN CHILE EN EL SIGLO XIX Por Ennio Bucci Abalos. Licenciado en Teoría e Historia del Arte y Estética. Miembro de la AICA. »Fotografía cortesía del Archivo Museo Histórico Nacional.

n el marco de las VI jornadas de historia del arte con la participación de la Universidad Adolfo Ibañez, el Museo Histórico Nacional y el Centro de Restauración Crea, se organizaron dos exposiciones de real significación para poner énfasis en las relaciones existentes entre la pintura chilena e italiana en el siglo XIX. Con este motivo, se celebraron dos importantes muestras: una exposición de pinturas con el tema de Venecia del pintor diplomático chileno Orrego Luco, presentando 20 obras de gran factura de este artista; en la galería de arte Jorge Carroza en el barrio de Vitacura. La segunda, titulada “Transferencias artísticas italianas en Chile en el siglo XIX”, se presenta en el Museo de artes Decorativas y permanecerá abierta al público hasta el 30 de septiembre. La exposición es un aporte, porque por primera vez podemos constatar la presencia de ambas culturas a través de las obras de artistas chilenos e italianos en el siglo XIX. La muestra, curada por Fernando Guzmán Schiappacasse, exhibe la mirada de los artistas de ambos países frente a su concepción del arte, junto a las tendencias y movimientos que enmarcaron el presente siglo. Ubicada en el segundo piso del museo de artes decorativas y recorriendo sus espacios con la directora Macarena Murúa, pudimos apreciar obras de los depósitos de museos estatales restauradas y presentadas en perfecto estado para la muestra. A juicio de la historiadora Macarena Murúa, lo significativo de la muestra es: “Poner en el tapete el acervo artístico que poseen los museos estatales, y visualizar la presencia italiana en el arte chileno; permitiendo exhibir una serie de obras que estaban en depósito, lo que genera una Instancia para preservar y restaurar obras y a su vez estudiarlas y catalogarlas para que formaran parte del arte chileno de la época”. Entre la diversidad de obras que se presentan podemos destacar la presencia del pintor italiano Alejandro Cicarelli, primer director de la Academia de Pintura fundada en 1849, con un retrato muy bien logrado de medio cuerpo siguiendo la línea clásica de un General San Martín en la plenitud de su juventud, obra muy bien logrado en cuanto a factura y detalles de la indumentaria del personaje; obra perteneciente al Museo Histórico que fue restaurada para esta exposición.

•Detalle de Dominica Festa (Firma como Madame Monvoisin) “Retrato de Eudocia Rodríguez Velasco”, 1861 Gouache sobre cerámica. 20 x 15 cm.

Otro artista italiano de significación histórica por su aporte al arte es Camilo Domeniconi, con un retrato Don Joaquín Toconal de 1856, basado en una obra del pintor Raymond Monvoisin, realizada en 1852. Se puede apreciar en la pintura el carácter y temple del hombre público muy bien logrado por el artista italiano. Destaca la presencia de un cuadro titulado “Una Vestal”, del año 1867. Siguiendo la tradición neoclásica de Giovanni Mochi -quien fuera el tercer director de la Academia de pintura-, nos presenta a una vestal de sacerdotisas que cuidaban el fuego sagrado de la diosa Vesta en la antigua Roma; una figura imponente y mística a la vez. Con un tocado blanco, nos presenta al personaje que constituye su figura. En la totalidad del cuadro, podemos advertir soltura en el color y precisión en el dibujo, rasgos característicos en la obra de este maestro de la Academia. También es significativo señalar la serie de retratos de Pío IX, uno de los artífices de la influencia del arte italiano en temas religiosos. Podemos apreciar la presencia de artistas chilenos que trataron temas italianos en las obras de Ernesto Molina “Interior de Iglesia Veneciana”, sin fecha, perteneciente al Museo Nacional de Bellas Artes. Miguel Campos aporta con dos autorretratos y obras como “La florentina “, que recrea posiblemente el interior de un taller y “Mercado de las Barracas “ que presenta gran realismo y colorido en la factura y en las formas; donde se aprecia su formación con maestros italianos. La presente exhibición es un valioso aporte por el contenido de las colecciones que nos presentan los museos e instituciones, quienes han realizado un enorme esfuerzo por presentarnos una muestra de gran valor artístico y cultural.

críticas

l pujante Barrio Italia que de continuo brinda sorpresas a sus moradores y crecientes visitantes, ofrece ahora un singular espacio de muestra para las artes visuales. Se trata de la Galería Oops, ubicada en Avenida Italia 1194, en medio de un patio con tiendas y despachos varios. Durante este mes de septiembre consulta la exhibición de los trabajos de Pablo Araya Cárdenas (Bogotá 1974), personalidad joven y emergente que, desde esmerados ejercicios oculares, liga finas manualidades con imágenes procesadas, postulando un repertorio de asociaciones visuales, de manera tan personal como taxativa. Con estudios de música en la Universidad Metropolitana de Ciencias de la Educación o, UMCE y en la Escuela Moderna de Música de Santiago, en paralelo a esa labor docente y creadora, se vuelca, además, en la expresión plástica.

PABLO ARAYA CÁRDENAS EN GALERÍA OOPS DEL BARRIO ITALIA Por Enrique Solanich S. Magíster en Teoría e Historia del Arte. Miembro de la AICA. »Fotografías cortesía del artista.

Esta última tarea queda hecha en silencio y, por sus procesos de confección, asoma bastante desusada en el panorama actual, sobre todo en los empleos de soportes y medios cromáticos. En efecto, su estrategia imaginaria se hinca en las múltiples posibilidades que otorga el collage, pegoteo de papeles de colores u otros materiales en un soporte, para complementarlos con partes pintadas de veras. Procedimiento radical e innovador, puesto en el tapete por los cubistas de los años finales de la primera década del siglo anterior, es una herramienta que avanza en los decenios inmediatos al conjuro de dadaístas, surrealistas y, todavía mejor, con los poetas visuales. Éstos últimos, de imparable incidencia en la producción imaginativa en el puente de los siglos XX y XXI. Derivada de la anterior maniobra -el collage-, surgen los papier collés, otro recurso que amplía el repertorio de los materiales, esta vez papeles de periódicos, usando la tipografía de sus titulares; las fotografías y avisos publicitarios que, unidos enseguida a estampas e impresos añosos, conceden rango de nueva poética a sus proposiciones. Con una experiencia nada desdeñable, el currículo de Pedro Araya Cárdenas señala que ha expuesto en la Green Room Gallery de Nueva York y, en la Fundación Santillana en Bogotá, ciudades en las que reside y labora. Empero, la lección mayor y relevante -dicho por él-, es la pasantía de copista en el Louvre, cumplida durante el primer semestre del año pasado. Todos los viajes y estadías provocan, -cómo no-, transferencias y maceraciones culturales en las que caben las filias y las fobias, atesorando un entramado de operaciones artísticas al que echa mano hoy sin tapujos. En la Posada del Corregidor de Santiago, exhibe en diciembre de 2011, la muestra que rotula “Re Visión de la historia de algunas pinturas nacionales”, reinterpretación libre en papeles pegados de algunas imágenes paradigmáticas y museísticas de la pintura chilena decimonónica, en las que se incluyen “Parroquino”, de Givanni Mochi Pinx y “La Fundación de Santiago”, de Pedro Lira Rencoret.

• Detalle de “Juego de cartas”, madame fémina, 2012, mixta sobre madera, 86 x 80 cm.

Para la ocasión que se comenta, las facturas y sugerencias que portan las piezas exhibidas, suponen un paso adelante en su curso que incita reflexiones. A partir de fotografías reporteriles, sacadas de revistas internacionales sosas, dispone sus traslados a superficies mayores –a veces en tamaños descomunales cotejados a la matriz-, otorgándole un aura que rompe con los tradicionales mecanismos de la representación figurativa. Ahora, con atildado apoyo de la herramienta déchirés –secuela aditiva de los collage-, que se la nombra “papeles desgarrados”, construye un lenguaje que suscita ambigüedades oculares provenientes de la puesta en escena de las nociones que signan la pintura de siempre, desde la complejidad de la copia y su andadura por la mímesis; las veleidades interpretativas que las percepciones personales imponen; las peripecias de las citas, sean elusiones, paráfrasis o recreaciones lúdicas, añadidos los recursos manuales e industriales para la reproductividad icónica. La apuesta glosada de Pablo Araya Cárdenas vale bien los esfuerzos dedicados. Su discurso llano abre nuevas compuertas en su investigación visual, revestido de méritos en cada etapa.

críticas

TRANSPACÍFICO ARTE CONTEMPORÁNEO PERUANO EN LA CASA MUSEO SANTA ROSA Por Pedro Labowitz. Crítico de arte . Miembro de la AICA. »Fotografías cortesía de Corporación Cultural de Las Condes.

a inmensa mayoría de los santiaguinos interesados en el arte (incluido el que escribe estas líneas) deben ignorar totalmente la pintura contemporánea peruana. Por lo tanto, es de alto interés acceder a una exposición colectiva de este tipo, especialmente cuando alcanza un nivel como la inaugurada en la Casa Museo Santa Rosa de Las Condes. El denominador común de estos artistas peruanos es el surrealismo, con el que todos ellos tienen afinidad. Benito Rosas, escultor, es quizás quien más distante se encuentra de esa escuela. Sus obras no-figurativas en bronce nos muestran bloques paralelepípedos, desde los cuales suelen desarrollarse pequeñas curvas u otras formas que confluyen en resultados siempre elegantes, a lo que contribuye poderosamente el fino acabado, un pulido liso y suave, siempre de un solo color. Hay también un fotógrafo: Roberto Huarcaya que muestra una serie de cuatro fotografías en blanco y negro. Se trata siempre del mismo cuarto con un diván y un personaje sentado en un sofá. Esa pieza varía de toma en toma, manteniéndose una atmósfera ambigua. Una clara referencia al psicoanálisis, tan emparentado con el surrealismo en su relación con el subconsciente humano. Por su parte, Jorge Vigil nos ofrece una serie de grabados en técnica mixta, que constan de conglomeraciones apretadas que nos refieren a planos científicos, frutas, círculos/caras, etc., todo dibujos de líneas delgadas y nítidas. Tres expositores muestran pinturas. En los trabajos de Hugo Salazar, las figuras humanas y animales se entremezclan en absurdas, y complicadas posiciones irreales, algo cercano a pesadillas a pesar de que los colores utilizados son claros y alegres. En cuadros pequeños flexa la tela hasta trabajar sobre un soporte tridimensional. Sin duda, un pintor que rechaza las soluciones fáciles. En la técnica de la acuarela de José Luis Carranza también predomina lo grotesco, pese a que sus caras y animales son las que más se alejan de surrealismo en esta muestra.

• José Luis Carranza, detalle de “Gorgona”, 2012, acuarela sobre papel, 65 x 50 cm.

“Last, but not least”, Francisco Vilches presenta “Sofá rojo” una cruel y erótica sátira de aproximaciones a personajes cuasi-desnudos sobre el sofá, una vista deprimente de seres casi humanos, todo bajo la réplica trucada de un cuadro clásico. Un cuadro excelente. O “El Club de piratas y corsarios”, obra de muchos detalles danzantes, en colores festivos y placenteros, que incluye detalles no-figurativos. Ante esta pléyade de buenos artistas peruanos hasta ahora prácticamente desconocidos en Santiago, es doblemente lamentable que hasta una semana después de la inauguración aun no hayan llegado los catálogos, prometidos para “los próximos días”.

AGENDA Santiago

•Detalle de ”Nece sito Vacaciones” ,Francisco Cintolesi, 2011, pintura esmalte sobre tela ,1.00 x 1.00 m.

DESTACADO DEL MES

MUESTRA COLECTIVA

Los artistas dan un giro a elementos

HASTA EL 30 DE SEPTIEMBRE

Galería Abraxas

Av. Italia 1152 www.galeriaabraxas.cl

“Muestra Colectiva” reúne a los jóvenes artistas Iván Melnick, Jacinta Reyes, Mauricio Lacrampette y Francisco Cintolesi, con trabajos que van desde el grabado en metal, acuarelas y óleos hasta técnicas mixtas, planteando nuevas direcciones en los métodos artísticos tradicionales.

tradicionales de las bellas artes, tanto en técnicas como en temáticas

* Hasta el 13 de octubre

Galería Artespacio

Alonso de Córdova 2600 www.artespacio.cl

Virginia Guilisasti A través de la recolección de objetos olvidados y materiales de desecho, Virginia Guilisasti crea “Testamento”, exposición basada de pinturas, obras mixtas y collage.

HASTA EL 5 DE OCTUBRE

Galería Bech

Alameda 123 www.culturalbancoestado.cl

VALENTINA SOTO L a m u e s t r a s e e n m a rc a dentro de una investigación de los últimos dos años de la artista, en torno a la creación de extrañas imágenes con plasticina.

El destacado del texto corresponde al autor de la imagen que acompaña. * Las imágenes de las obras publicadas en agenda son detalles de la original.

agenda santiago

* Hasta el 16 de septiembre

Centro Cultural Estación Mapocho

Cristóbal Olivares

Plaza de la Cultura s/n, Metro Cal y Canto www.estacionmapocho.cl

La muestra -42º reúne obras blanco y negro capturadas por el joven fotógrafo chileno Cristóbal Olivares en su un recorrido por una invernal Winnipeg, en Canadá.

Hasta el 22 de septiembre

Francisco Salas

HASTA EL 16 DE NOVIEMBRE

Galería 64

Constitución 30-70, Patio Bellavista www.galeria64.cl

dAVID ALAN HARVEY Harvey presenta un trabajo de más de 30 años, capturando la influencia y el legado de la península Ibérica en Cuba, América Central y América del Sur.

* Galería Isabel Aninat

Segundo nivel del Boulevard del Parque Arauco http://galeriaisabelaninat.cl

Hasta el 28 de octubre

Design for Life

En su muestra “Cordillera de Papel”, Francisco Salas exhibe más de una decena de trabajos realizados en acuarela durante 2012, configurando un mapa de viaje.

Condell 1050, Barrio Italia www.designforlife.cl

Llenar el Vacío La muestra, curada por Felipe Bracelis y que incluye trabajos de 18 creadores, busca promover a artistas dentro del interiorismo y diseño, estimulando el coleccionismo local.

* Hasta el 6 de octubre

Sala de Arte de Las Condes

Apoquindo 3300, metro El Golf www.lascondes.cl/cultura/sala

Señales, prodigios y milagros Los 17 artistas que integran la muestra se han dedicado a cultivar con vitalidad la tradición de las Bellas Artes y en particular, la práctica del dibujo y la escultura.

Hasta el 5 de octubre Sala Gasco Arte Contemporáneo

Santo Domingo 1061, metro Plaza de Armas www.salagasco.cl

Rosario Perriello Mediante de materiales de desecho, la artista busca plasmar cómo se comunica la sociedad chilena a través de la virtualidad en la exposición “Si yo fuera tú, me agregaría”.

www.twitter.com/ARTE_AL_LIMITE

AGENDA Regiones

• Detalle de “sin título” Macarena Matte, 2012, acrílico sobre tela, 80x120 cms.

DESTACADO DEL MES HASTA EL 15 DE OCTUBRE

Bahía Utópica

Hotel Sheraton Miramar Av. Marina 15, Viña del Mar

Aviso Choclo Allimite copia.pdf

EVOCACIONES Y MUNDOS ABSTRACTOS “Evocaciones y Mundos Abstractos” es el nombre de la exposición que presenta Bahía Utópica Galería en Viña del Mar. Se trata de una muestra conformada por más de 50 obras de destacados artistas nacionales como Macarena Matte, Gonzalo Ilabaca y la Agrupación de escultores, ex alumnos de Iván Cabezón.

17-03-11

15:46

La muestra está conformada por esculturas en madera, piedra, metales y materiales de desecho, además de pinturas en óleo y acrílico.

El destacado del texto corresponde al autor de la imagen que acompaña. * Las imágenes de las obras publicadas en agenda son detalles de la original.

agenda regiones

Hasta el 13 de octubre

Hasta el 6 de octubre

Pintura Colonial: Arte y Religiosidad Popular Galería Bosque Nativo Vicente Pérez Rosales 1305, Puerto Varas

Expo Colectiva Invierno 2012 Galería Casa Verde Camino Real 1783, Recreo, Viña del Mar

Muestra de 15 pinturas realizadas entre los siglos XVII y XVIII, obras pertenecientes a la Colección de Pintura de la Pinacoteca de la Universidad de Concepción.

Exposición y venta de obras con hasta un 50% de descuento de destacados artistas como Roberto Matta, Gonzalo Cienfuegos, Benjamín Lira y Roser Bru.

* www.galeriabosquenativo.cl

* http://galeriacasaverde.cl

Hasta el 9 de septiembre

Hasta el 29 de septiembre

Luis Ladrón de Guevara Casa del Arte Diego Rivera Quillota 116, Puerto Montt

Mapas y Radicaciones Galería de Arte UC Temuco Av. Alemania 0422, Temuco

Recopilación de obras del autor, quien registró el proceso de industrialización en Chile entre 1940 y 1980, a cargo del Centro Nacional de Patrimonio Fotográfico.

Video instalación de los artistas Gonzalo Cueto y Eduardo Rapimán.

www.corporacionculturalpuertomontt.cl

* www.uctemuco.cl/galeria

Hasta el 13 de octubre

Hasta el 23 de septiembre

Ars Memorandi Galería de Arte El Caballo Verde Caupolicán 321 Local 5, Concepción

Alzheimer Arte Contemporáneo Parque Cultural de Valparaíso Subida Cumming s/n, Cerro Cárcel, Valparaíso

La muestra es un homenaje al destacado artista nacional, Pedro Millar, en el marco de la retrospectiva que realizará el Museo Nacional de Bellas Artes a fines de 2012.

* www.elcaballoverde.cl

La exposición, curada por Patricio Vogel, propone abordar la memoria a partir del olvido, agrupando a artistas nacionales e internacionales de Europa, Asia y Oceanía.

* http://pcdv.cl

www.facebook.com/ar teallimite

AGENDA Web

Te presentamos las coordenadas de nuestros Artistas Al Límite.

Salustiano “Black.Absolut” Solo Show A partir de septiembre, Salustiano exhibe en la galería berlinesa Brockstedt sus últimos trabajos de fondo negro bajo el título “Black.Absolut” Algunas de estas obras serán expuestas posteriormente en Contemporary Istanbul, la prestigiosa feria de arte de Estambul, Turquía.

Hasta el 31 de octubre Galería Brockstedt Mommsenstr. 59 D-10629 Berlín, Alemania.

www.arteallimite.com/salustiano •Detalle “Bus stop in the rain”, pigmentos naturales y resina de acrílico sobre lienzo, 154 x185 cm.

María José Concha

ConTemplo La artista realiza una reflexión en torno al color, el paisaje y el sentido de trascendencia, a pa r t i r d e l a i m ag e n pictórica. Hasta el 30 de septiembre Corporación Cultural de Las Condes Apoquindo 6570, Las * Condes

www.arteallimite.com/mariajoseconcha

Montecatini Animalario Chilensis de Fernanda Saldivia Serie de grabados inspirados en animales chilenos de distintas regiones del país.

Hasta el 30 de octubre www.montecatini.cl y en persona concertando una cita en el teléfono * 09 8954135 www.arteallimite.com/galeriamontecatini

El destacado del texto corresponde al autor de la imagen que acompaña. * Las imágenes de las obras publicadas en agenda son detalles de la original.

agenda web

www.arteallimite.com Andrés Hermosilla 5ª Bienal Internacional de Arte de Bejing – BIAB 2012

Carolina Busquets Pares La artista, junto a Simona Gocan, participa en la muestra organizada por APECH.

El destacado artista Andrés Hermosilla representa a Chile en la Bienal.

Hasta el 22 de octubre

Hasta el 30 de septiembre

NAMOC, Museo Nacional de China 1 Wusi Dajie, East District, Beijing.

www.arteallimite.com/andreshermosilla

APECH Aiap Salvador Donoso 21, * Providencia. www.arteallimite.com/carolinabusquets

Javiera Moreira Bajo la Cama

Lluís Barba Houston Fine Art Fair

La creadora nacional expone una serie de sus grabados más recientes.

El artista expone sus obras más recientes en la prestigiosa feria de arte estadounidense.

Hasta el 16 de septiembre

Reliant Center One Reliant Park * Houston, EEUU.

Hasta el 2 de octubre Galería Blanc * Vitacura 4363, Vitacura. www.arteallimite.com/javieramoreira/

www.arteallimite.com/lluisbarba/

Grimanesa Amorós La Torre y Huanchaco

Bernardita Broughton

Muestra de su taller de pintura

La reconocida artista interviene la escultura “La Torre de los Vientos” en México.

La artista visual realizará una muestra colectiva con las alumnas de su taller de pintura.

Hasta el 15 de octubre Centro Cultural de San Fernando Valdivia 822, San * Fernando.

13 de septiembre La Torre de los Vientos, Ruta de la Amistad, * Ciudad de México www.arteallimite.com/grimanesaamoros/

www.arteallimite.com/bernarditabroughton/

www.ar teallimite.com

PERFIL ARTE

los + vistos En www.arteallimite.com durante agosto 2012

María Elvira Garcia /fernanda saldivia/ paula rubio marcela vicuña / leonardo garcia / alejandra bisquertt

Entrevistamos a nuestros

Artistas para conocer lo más reciente de su trabajo

PerfilArte

www.arteallimite.com/artistas Arte global I nacional e internacional I más de 400 artistas

PERFIL ARTE

FRANCISCO VILLALÓN EXPLOSIÓN DEL COLOR Por Denise Madrid, periodista.

Francisco Villalón estuvo desde pequeño ligado al arte. Su padre, un pintor aficionado, le regalaba pinceles en vez de juguetes. Tomó clases con Adolfo Couve y con el tiempo aprendió a conectarse con su lenguaje interno a partir de la tela. “Mi inspiración se basa en dejar fluir la tela. La dejo reposar y la voy retomando, por lo que cambia varias veces hasta llegar al momento en que siento que no hay más que hacer”, comenta. “Parto con manchas bien aguadas con colores previamente elegidos y los voy alimentando con pintura encima. Luego voy eliminando con color todo lo que considero que sobra y me aprovecho de cualquier irregularidad que quede para crear efectos de tercera dimensión, una perspectiva”. A través de la docencia, Villalón explora diferentes estilos y técnicas. El creador define este proceso como gratificante, porque logra “la satisfacción de sacar afuera el artista que lleva dentro cada alumno”. El artista se asoció recientemente a María Luisa Geisse para formar una academia de pintura que es también galería de arte, donde es posible tomar clases y visitar las exhibiciones. El lugar está ubicado en calle Chesterton 7718 en la comuna de Las Condes. • Detalle de “Sin título”, técnica mixta, 2010, 1,60 x 1,20 mt.

www.arteallimite.com/franciscovillalon

maría elena gana El árbol de la vida Por Bernardita Garib, escritora y artista.

Alguna vez, un artista francés dijo que el arte es más que una disciplina, es el estado propio de quien lo ejerce. Y el proceso creativo de María Elena Gana sin duda lo refleja. Con los árboles como protagonistas, sus obras son espejo de su ser. Kinesióloga de profesión, decidió dejar la ciencia y dedicarse a la pintura. Su proceso creativo se inició con los árboles como objeto principal de su trabajo, relacionados con sus procesos internos de búsqueda y autoconocimiento. En una primera etapa, la artista comenzó a trabajar raíces. Grandes, imponentes, pero difusas, expresaron la necesidad de encontrarse con sus orígenes. “El árbol tiene mucha sabiduría. Es sinónimo de crecimiento. Uno necesita saber de donde viene”, explica. El óleo ha ido transformando cautelosamente estas raíces fuertes en arboledas con ramas más claras y definidas. “Siento que puedo hacer cualquier cosa, que no tengo límites. Hay en mí mucha energía, alegría y luz”. Su primera muestra individual de quince obras de mediano y gran formato estará abierta al público en la Sala Cero de la Universidad de Los Andes (San Carlos de Apoquindo 2200, Las Condes) hasta el 7 de septiembre. www.arteallimite.com/mariaelenagana

• Detalle de “Luz verde amarilla”, 2012, óleo sobre lino, 100 x 150 cm.

PERFIL ARTE

Marcela VIcuña Encuentro con lo esencial Por Antonella Galarce, periodista.

Formada en el diseño y alumna de Matilde Pérez y Concepción Balmes, la artista visual Marcela Vicuña ha participado en la Bienal de Florencia y en muestras colectivas en Chile y el extranjero. La creadora dedica gran cantidad de su tiempo a la pintura, aunque se da un espacio para desarrollar otras disciplinas como la fotografía, la cerámica en gres y el baile, considerando que estas actividades “se potencian entre sí”. Marcela define su pintura como “mayoritariamente abstracción lírica. En algunos casos incorporo algo de abstracción geométrica, como elemento final que arma y pone equilibrio”. Su obra busca expresar, evocar y sugerir sentimientos y emociones, a través de “composiciones con movimiento, ritmo y armonía, para intentar lograr una conexión profunda con lo intangible”, asegura. El encuentro con lo más esencial es el motor de su creación. La artista se encuentra preparando su participación en “Effetto Biennale” en la Pinacoteca del Palazzo Vallemani, en Italia, del 22 al 30 de Septiembre y en la 2ª Conferencia Anual de World Art Games en Izmir, Turquía, del 21 al 24 de Septiembre. Marcela integra el comité chileno que participará en World Art Games 2013 en Croacia, por lo que espera contar con el patrocinio del Ministerio de Cultura y embajadas. www.arteallimite.com/marcelavicuna

• Detalle de “Nostalgia”, Serie Partida, 2012, xilografía, gofrado, traspaso, 80 x 70 cm.

paula VILLarroel Arte como oxígeno Por Javiera Calderón, periodista.

La artista plástica Paula Villarroel desarrolló su pasión por el arte durante su formación universitaria; “se generó en mí el ímpetu, el hambre, el cariño y la convicción en mi profesión, que hoy no sólo entiendo a partir de la creación de obras propias, sino también desde la gestión cultural”. Producto de este impulso, Paula fundó -junto a seis amigas- el Festival de Cine de Mujeres (Femcine). La artista, instruida en el grabado en el taller de Javiera Moreira, descubrió esta técnica explorando opciones elocuentes para plasmar ideas;“encontré el grabado como una técnica nostálgica, solidaria y tremendamente expresiva”. En lo audiovisual halló una segunda herramienta –la que describe como “atractiva e hipnótica- para contar historias. Por medio de su trabajo en video abordó el tema de la inmigración ilegal, entrevistando a una chilena que vive en EEUU; “pude trasmitir un testimonio que revela por un lado la forma de verse, reconocerse e identificarse como latinoamericano y por otro revela el origen, la necesidad de inventarse la patria y construir un universo paralelo desde el extrañamiento, mediante los recuerdos”. Paula –que define el arte en su vida como “oxígeno”- se encuentra en un proceso de silencio previo a la creación de nuevas obras. • Detalle de “Encuentro”, técnica mixta sobre tela, 110 x 220 cm., 2012.

www.arteallimite.com/paulavillarroel

PERFIL ARTE

ninoska herreros El registro de lo cotidiano Por Natalia Figueroa, periodista.

“Con el arte consigo transmitir lo cotidiano”, explica la artista visual Ninoska Herreros. Desde niña se interesó en la pintura probando distintas técnicas como acuarela y óleo. Luego, comenzó a estudiar la figura humana centrándose en la abstracción de la figura y el realismo. Su técnica se basa hoy en el acrílico sobre tela, donde construye texturas que le permiten destacar la silueta humana, su principal tópico artístico. Sin embargo, no excluye representar otros temas como figuras náuticas o caballos. Lo fundamental para ella es registrar momentos y situaciones armónicas. Su proceso creativo se concentra en investigar, fotografiar y dibujar registros que se traducen en un juego entre la tela y el tema. “Traspasar lo cotidiano, lo simple con el ojo de artista, jugar con la tela en blanco y plasmar algo que tiene volumen a una tela plana para lograr que sea vista en toda su dimensión, es lo primordial de este proceso”, comenta Ninoska. Luego de 15 años de trabajo, ha realizado distintas exposiciones en Santiago y forma parte de la Asociación de Pintores y Escultores de Chile. Actualmente está trabajando en una serie de caballos con planes de exponer en ferias de arte nacionales e internacionales. (www.ninoskaherreros.cl) • Detalle de “Registros”, técnica mixta en acrílico, 150 x 0,80 cm.

www.arteallimite.com/ninoskaherreros

Paula cifuentes Momentos íntimos Por Antonella Galarce, periodista.

Estudiando arte en la Universidad Católica, Paula Cifuentes descubrió el grabado; “esta disciplina abarcaba lo que yo necesitaba y me gustaba: mucha técnica, dibujo y mucha experimentación”. Paralelamente optó por la pedagogía: actualmente hace clases en un colegio y en el taller que montó en su casa, como una forma de mantener su vida muy cerca de su arte. “En mi obra están muy presentes mi vida, mi historia, mis objetos, hechos y personas que me rodean”. Centrándose constantemente en la figura femenina, Paula logra un trabajo simple, espontáneo, lineal, que da como resultado una obra que tiene mucho de infantil, sin correcciones. “A lo largo de mi obra se han ido plasmando momentos importantes de mi vida, matrimonio, embarazos, hijos, siempre con la figura humana femenina como eje central”. Con el tiempo, su obra comenzó a modificarse, al integrar figuras de distintas obras maestras como “Las Meninas” de Velázquez; “hubo un cambio en la técnica, empecé una búsqueda por la pintura (en papel), sin dejar de lado el grabado”. La artista establece así un juego entre lo real y lo ficticio, entre la historia del arte y su propia historia.

www.arteallimite.com/paulacifuentes

• Detalle de“Señora con sirvienta”, 2012, acrílico sobre tela, 115 x 58 cm.

PERFIL ARTE

Lorena gallegos El dinamismo del color Por Natalia Figueroa Sepúlveda, periodista.

Lorena Gallegos, artista autodidacta centrada en la pintura y la cerámica, demuestra gran dedicación en su carrera. Comenzó desde muy pequeña interesándose en el dibujo y la pintura, formándose en el taller de Gabriela Cruzat, en el de Félix Lazo y en el taller Huara Huara. Lorena prefiere trabajar con distintos materiales como la acuarela y la mezcla de metal con cerámica gres, aunque reconoce ser impredecible. “Quizás mañana se me ocurra otra cosa o vuelva a los lápices de colores como en mis inicios”. El arte nació de una necesidad creativa, aunque hoy siente un vínculo más esencial, una búsqueda constante que aún no logra descifrar. Siempre genera la instancia para su proceso creativo realizando otras actividades artísticas, como ir al cine o al teatro. Así, surgen nuevas ideas que son posibles de representar. “Estos procesos son cada vez más largos y me he vuelto muy inconformista con los resultados. Esto por un lado es bueno porque mi obra va adquiriendo cada vez más profundidad”. Actualmente está concentrada en su nuevo proyecto de crear personajes de ciencia ficción y, paralelamente, en una investigación sobre mujeres consagradas en el arte (www.lorenagallegos.com). •Detalle de “Sin título”, 2011, acuarela, 24 x 24 cm.

www.arteallimite.com/lorenagallegos

ángela saldías El don del color Por Antonella Galarce, periodista.

• Detalle de “Pixeles 02”, 2011, collage-pintura en acuarela, 78cm x 70cm con marco.

La artista visual Ángela Saldías comenzó sus estudios en el Museo de Bellas Artes, para luego trasladarse a España, a San Lorenzo del Escorial, para continuar con sus estudios en arte, tras el cierre de la academia dispuesta en el Museo. Luego de cinco años y tras la prematura muerte de su marido, regresa a Chile para dedicarse a la pedagogía, ampliando además sus intereses a la acuarela. “Cuando hago óleos me dejo llevar por un mezcla entre impresionista y naif, por el color. En la acuarela no soy colorista, busco la luz como centro de interés. Generalmente hago paisajes figurativos; soy del sur y tengo mucho ‘juego de cielo’ buscando la luz”. Para Ángela, el arte “lo es todo”. “Me fascina hacer clases, en el colegio, en talleres… el arte es una manera de entrar en tu interior y tener un contacto con un ser superior, lo veo como algo místico. Pintar me transporta”. Siempre concentrada en realizar obras de “ atmósfera y color limpio”, la creadora está actualmente realizando talleres para adultos mayores; “tengo alumnas de hasta 80 años que están recién pintando”, cuenta, asegurando que las incentiva a “disfrutar el proceso y explorar el color”. www.arteallimite.com/angelasaldias

PERFIL ARTE

cristina ananías Estética en la humanidad Por Javiera Calderón, periodista.

El arte siempre ha ocupado un lugar en la vida de Cristina. Desde pequeña instauró una nueva manera de plasmar su mirada en los retratos de personas y objetos a través de la fotografía. Diseñadora gráfica de profesión, amante del cine y el teatro, decidió dedicarse completamente a la fotografía digital, lo que la llevó el año 2009 a viajar por Europa e India. La fotografía para ella es una protección y una manera de conocer el mundo y su proceso creativo es instintivo, relacionado con el momento. La artista está convencida de que el arte salva al hombre de su desgracia, tedio y ajetreo: “si el arte está presente en ti, se puede extrapolar el mundo, permitiéndote escapar del momento, salir de la realidad por un instante”, señala. Practicante de Yoga, amante de la naturaleza y del trekking, Cristina encuentra el arte no sólo en campos estéticos, sino también en la propia humanidad. Últimamente está dedicada a fotografiar naturaleza muerta, aunque continúa interesada en la gente, considerando que cada ser tiene su historia, algo importante de saber y conversar previamente para enriquecer una fotografía. Cristina fue colaboradora en la redacción y diseño de las galerías fotográficas para el portal “Mundo Gráfico de Emol. • Detalle de Fotografía “India, ciudad: Varanasi”, 2009.

www.arteallimite.com/cristina-ananias

ruby yunis Encuentros con el grabado Por Rocío Munizaga, periodista.

Ruby Yunis ha transitado por distintas etapas de búsqueda en una amplia gama de técnicas artísticas. En 2009 conoce en Baltimore, EEUU, el grabado solar y a la cera encáustica. Desde entonces, viaja varias veces al año para continuar aprendiendo y difundir su trabajo a nivel internacional. La artista inició sus estudios en 1985 en el Instituto de Arte Contemporáneo, “después de recorrer varias otras opciones llegué a la conclusión de que mi camino era el arte”. Ruby explica que el grabado solar emplea una emulsión fotosensible donde las planchas vienen preparadas para trabajar mediante la luz del sol o a través de una “caja de luz”. “Este es un proceso más o menos largo, porque después de imprimir, incorporo varias otras cosas”. En tanto, la técnica de la cera encáustica (del griego enkáustikos, grabar a fuego) emplea cera caliente que cubre toda la obra, entregándole interesantes texturas. La artista mostrará en octubre tres grabados solares en la exposición “First Impressions” de la Stevenson University, en Baltimore y en diciembre próximo expondrá 12 grabados solares en la exposición internacional satélite de “Art Basel” en la galería R.G Zamora & Co. Fine Arts en Miami. (www.rubyunis.cl). www.arteallimite.com/rubyyunis

• Detalle de “Melancolía II”, grabado solar a la cera encáustica, 30 x 40 cm.

ÚNICO MEDIO ESPECIALIZADO EN ARTE

¡PUBLICA CON NOSOTROS! Wim de Schamphelaere “Nomads”, 2009, diasec, 80 x 226 cm.

marketing@arteallimite.com | www.arteallimite.com

Artfacts Data Series_#71_Data generated: 10.7.2012

Artist most exhibited in Latin America and the Caribbean: Rosângela Rennó

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REPORTAJE DE CH. ACO

Entre el 28 de septiembre y el 1 de octubre se realiza en el Centro Cultural Estación Mapocho, la cuarta edición de la Feria de Arte Contemporáneo Ch.ACO. Este año, el evento trae invitados internacionales de lujo y trabajos de artistas provenientes de 11 países. Por Juan José Santos, crítico de arte @andyjuanjol y Antonella Galarce, periodista. Fotografías cortesía de Feria Ch.ACO

in duda, Ch.ACO se consagra este año como la mayor plataforma de arte contemporáneo en Chile. Y es que entre sus invitados se encuentran Massimiliano Gioni, el curador más joven de la Bienal de Venecia y la estadounidense Apsara DiQuinzio, recientemente nombrada como curadora en jefe del Berkeley Art Museum, en California.

En tanto, 30 galerías de 11 países de América y Europa ya confirmaron su participación en el evento de 2012. Entre ellas, se cuentan las chilenas XS, Plop!, Patricia Ready, Metales Pesados Visual, L’Atelier, Galería Barros, Isabel Aninat, Bloc, Die Ecke, ArtEspacio y AFA y entre las extranjeras, se inscriben nombres como la española Art Nueve, las argentinas 713 Arte Contem-

poráneo y C-Arte, la brasileña Artur Fidalgo y la estadounidense LaMontagne Gallery, entre varios otros espacios destacados de exhibición de arte contemporáneo. Asimismo, este año la Feria tendrá una larga lista de galeristas, curadores y coleccionistas invitados de todo el mundo como Juan Carlos Verme (Peru); Pablo Leon de la Barra (Mexico/ Reino Unido); Horacio Fernández (España) y Laura Garbarino (Italia), entre muchos otros. Arte al Límite conversó con ellos para construir una visión sobre cómo se inserta el arte latinoamericano en el panorama mundial. Todos ellos participarán en el Programa Auditorio de Ch.ACO, ciclo de conversaciones abierto al público que se realizará en el contexto del evento y que cuenta con la curatoría de Isabel García Pérez de Arce.

REPORTAJE DE CH. ACO

“Perú es una cantera de artistas visuales” juan carlos verme

Juan Carlos Verme es uno de los mayores apoyos con los que cuentan los artistas contemporáneos de Perú. Empresario, coleccionista, educador, presidente del Patronato del Museo de Arte de Lima (MALI) y miembro de los comités de adquisiciones de arte africano y latinoamericano de Tate Modern, entre otras cosas. Su aporte a la feria Ch.ACO nos permite conocer su visión y sus motivaciones en el mundo del arte.

¿Cuál ha sido tu trayectoria ligada al mundo del arte, fue casual, vocacional? En mi casa de infancia, mis padres coleccionaban arte. Desde muy joven, me gustaron las artes visuales y comencé a ir a museos y a ver muestras en espacios públicos. En algún momento comencé a comprar arte yo mismo, ajeno a una idea de colección, sólo por el placer de rodearme de objetos que tenían una significación.

distintas. Y algo de suerte. Como miembro de los comités de adquisiciones de arte africano y latinoamericano de Tate Modern, ¿cuál es su valoración? ¿Qué nombres esta destacando de la escena Latinoamericana? ¿Algún nombre chileno? Me parece muy importante que Tate tenga un comité de arte africano, siendo África la última frontera. Respecto del arte latinoamericano, me siento muy contento de haber sido parte minúscula, pero parte al fin y al cabo, de un esfuerzo exitoso que cobra frutos de colocar al arte latinoamericano de “tú a tú” con artistas internacionales y que está permitiendo sacarlo del gueto en el que siempre estuvo. Algunos artistas chilenos pueden ser Juan Downey, Cristóbal Lehyt y Alfredo Jaar. También quiero mencionar que en Chile tienen proyectos muy interesantes que dan que hablar fuera del país. Por ejemplo, el encomiable proyecto de Juan Yarur y la beca AMA.

¿Qué motivaciones le hicieron acabar en el Museo MALI? Por un lado, mi pasión por los espacios públicos de arte, los museos. Por otro, la carencia y orfandad en la que se encontraba Lima, con respecto a plataformas de exhibición. Siempre me interesó del MALI que era una plataforma amplia, había exhibiciones itinerantes, había un programa de cine y un programa ocasional de charlas. Y el edificio…. el edificio del MALI siempre me pareció significativo. Además, un bisabuelo suizo estuvo encargado de parte de los acabados del mismo. En el contexto Latinoamericano el MALI maneja un gran presupuesto, con grandes exposiciones, ¿cómo lo ha logrado? Sangre, sudor y lágrimas. Mucho trabajo, un equipo multidisciplinario de talentos diversos, muy comprometido y de voces

¿Qué es lo que está ocurriendo en Perú en los últimos años? Muchos artistas están dando que hablar fuera de las fronteras del país. Es que hay una gran cantidad de buenos artistas y para mi sorpresa y deleite, inclusive los jóvenes entre los jóvenes tienen mucho potencial. El Perú es una cantera de artistas visuales.

REPORTAJE DE CH. ACO

horacio Fernandez Horacio Fernández es crítico y profesor de historia de la fotografía en la facultad de Bellas Artes de Cuenca, España, ha escrito sobre historia de la fotografía, fotolibros y artes visuales contemporáneas. ¿Cuál es su visión del arte latinoamericano contemporáneo? Creo que los artistas latinoamericanos están revitalizando la escena mundial. El mundo del arte europeo es muy poco estimulante: muchos museos, muchas galerías, muchas ferias, muchos críticos... Pero pocas obras de interés.

¿Cuáles son los artistas chilenos que más le han llamado la atención? Eugenio Dittborn, sobre todo. También fotógrafos como Paz Errázuriz o Luis Weinstein. Y otros más difíciles de clasificar, como Claudio Bertoni. Según su opinión, ¿cómo se encuentran posicionados los artistas chilenos en el contexto internacional? Quizás son menos conocidos de lo que merecen.

¿Cuál es su interés por venir a Chile a participar a Feria Ch.ACO? Vengo por curiosidad y para obtener más información sobre el arte contemporáneo de América Latina

¿Cuál es el papel de la feria, y del mercado en general, en el devenir del arte contemporáneo? El mercado del arte es un fragmento decisivo del mundo del arte. ¡Que sería de los artistas sin él!

“La condición para que los artistas tengan visibilidad sigue siendo el exilio”

RODRIGO ALONSO

¿Cuál es su visión del arte latinoamericano contemporáneo? En el ámbito internacional hay un cierto interés por saber qué está pasando fuera de los centros artísticos habituales. La multiplicación de bienales, residencias y exposiciones que pretenden ser globales, obliga a los curadores a estar informados sobre la creación artística en nuestros países. No obstante, ese interés es a veces engañoso. En la última Bienal de Venecia, había un gran número de artistas de América Latina pero casi todos ellos vivían en Londres, Ámsterdam, Berlín o París. Todavía los curadores se mueven por estos centros, y la condición para que un artista latinoamericano tenga visibilidad sigue siendo, muchas veces, la del exilio. Desde el punto de vista de la producción, creo que el arte latinoamericano contemporáneo posee una fuerza y una vitalidad singular. La extensa disponibilidad de información ha determinado que el diálogo con el mundo sea más real y fluido. Sin embargo, y en la medida en que la circulación de este arte está ligada a desarrollos económicos e institucionales precisos, no todos los países de la región están en las mismas condiciones de acción. Por eso tampoco se puede hablar de un arte latinoamericano aquí; los artistas de Paraguay o Bolivia no tienen las mismas oportunidades que los mexicanos, brasileños o colombianos.

“Los artistas latinoamericanos están revitalizando la escena mundial”

El argentino es especialista en arte contemporáneo y nuevos medios. En 2011 fue el curador del envío trasandino a la 54° Bienal de Venecia. ¿Cuál es su interés por venir a Chile a participar a Feria Ch.ACO? Me interesa conocer la producción chilena contemporánea con mayor profundidad. Tuve la oportunidad de echar un vistazo a la de los artistas jóvenes gracias al encargo de la Galería Gabriela Mistral, para la que estoy realizando una exposición de tres artistas menores de 35 años, pero quisiera seguir explorando. Tengo intenciones y una propuesta concreta para organizar una exposición de artistas argentinos y chilenos que se exhibiría en Buenos Aires en marzo de 2014, ahora busco una contraparte para llevar la exposición a Santiago. ¿Cuáles son los artistas chilenos que más le han llamado la atención? Creo que en Chile hay muy buenos artistas, es una pena que la mayoría sólo sean conocidos en el circuito local, o que consigan exposiciones en el exterior pero la ausencia de una política de promoción continuada o un sistema institucional fuerte no les permita consolidar esos logros.

REPORTAJE DE CH. ACO

pablo león de la barra

“Hay poca cultura de filantropía en Latinoamérica”

laura garbarino “Chile está creciendo en términos de colección” Laura Garbarino es la directora Italiana de la casa de subastas Phillips de Pury & Company y consultora de arte contemporáneo.

El destacado curador de origen mexicano es editor de ‘Pablo Internacional Magazine’ y doctorado en Teoría e Historia del Arte. Además, es gestor del ‘Novo Museo Tropical’ un museo que podría existir en cualquier lugar o en ningún lugar y que cuestiona las políticas de museos, exposiciones y colecciones.

¿Cuál es su interés por venir a Chile a participar a Feria Ch.ACO? Estoy muy interesada en conocer la atmosfera, ver cómo van saliendo las galerías y artistas, quienes son los coleccionistas apoyando el arte local y entender si el panorama es tan internacional como pensamos o aún vinculado a la forma local y tradicional del arte.

¿Cuál es su visión del arte latinoamericano contemporáneo? Aunque no se puede generalizar, en cuestión de artistas y trabajos hay una producción excelente, crítica e inteligente. Falta más apoyo de museos y crear nuevas instituciones que apoyen las propuestas contemporáneas. Hay dinero en Latinoamérica, pero hay muy poca cultura de filantropia (tanto personal como empresarial) o coleccionismo que apoye la producción artística. Tampoco hay apoyos suficientes del gobierno para que esto suceda. Digamos que el arte en Latinoamérica siempre a sucedido “a pesar de”.

Según su opinión, ¿Cómo se encuentran posicionados los artistas chilenos en el contexto Internacional? Tienen un gran potencial pero aún están vinculados a la idea de América Latina. Estoy trabajando actualmente para una casa internacional de subastas (Phillips de Pury & Company) y nuestro esfuerzo más grande está enfocado en construir un mercado global sin ghettizar una proveniencia geográfica específica, como ocurrió en un comienzo con el boom del arte chino. De todas formas, las ventas de arte Latinoamericano han ido creciendo año a año en lo que se refiere a presupuestos e intereses y nosotros tenemos la firme convicción de que se trata de un mercado emergente.

¿Cuál es el papel de la feria, y del mercado en general, en el devenir del arte contemporáneo? ¿Afecta a la manera de enfocar la obra de los artistas? Las ferias crean un contexto y una experiencia para el arte contemporáneo y en muchas ocasiones se vuelven substitutos de lo que debería suceder en museos y centros de arte. Aun así es importante que este contexto tenga una presencia curatorial para poder educar al publico general y al especializado sobre lo que está viendo; de otro modo la experiencia se vuelve algo no muy diferente a la de ir a un centro comercial, donde el publico se vuelve un consumidor pasivo y acrítico.

¿Cuál es el papel de la feria, y del mercado en general, en el devenir del arte contemporáneo? Tanto las ferias como las casas de subastas tienen la responsabilidad de representar a los artistas y abrirles el mercado hacia un panorama internacional, a la vez que a veces responden a las solicitudes del público. Ellas generan un público, lo agrandan y educan. Ambas son importantes para el crecimiento económico y la contribución del mercado del arte. Chile está creciendo en términos de colección y económicamente tambien, a la vez que muchos museos de arte y las instituciones asociadas, son tan aburridas como las escuelas de arte.

entrevista Edgardo Rodríguez

Edgardo rodríguez El artista trasandino, que ha estado presente en las dos ediciones anteriores de la Feria Ch.ACO, vuelve en esta oportunidad a Chile para presentar su colección de obras, mezcla de chamanes y animales de tierra que realiza por medio de materiales de desuso. Como señala la escritora Laura Isola, “Todo su trabajo tiene esa impronta: aquello que fue arrojado y forma parte de la última fase del sistema capitalista, el desperdicio, vuelve a ingresar de la mano de Rodríguez al circuito de arte”. Por Antonella Galarce, periodista Fotografías cortesía Galería C-de Arte, Buenos Aires, Argentina.

El artista se mantiene ocupado con sus talleres para niños y exhibiciones en países tan disímiles como Holanda, Italia, Irlanda, EEUU, Cuba, España y México. Con formación en la arquitectura, el artista argentino se dedica, además, a restaurar edificios de siglos pasados, buscando recuperar “el alma de quienes lo construyeron”. ¿Cuáles son los pilares de tu obra artística? Mi obra representa temas de América y América esta en la sangre de todo lo que hago. Conceptualmente la obra tiene dos grandes brazos. Por un lado todo lo que es tecnología: la que nos permite consumir, pero también nos consume y consume a la naturaleza. No existe “post consumo” para que se reincorpore el deshecho en el proceso constructivo. El arte no puede estar ajeno a esto. Si hubiera llegado Cristóbal Colon con una botella de plástico, aun no sería absorbida por la naturaleza. Por otra parte, mi obra plasma todo mi conocimiento sobre América, recorrí todo el continente, conocí mucho sobre civilizaciones precolombinas y sobre los guardianes de la tierra, que son los chamanes. Ellos respetan a tal punto la Tierra que fabrican tótemes para honrar a los animales que sacrifican para comer. ¿Cómo influyen los viajes que has realizado en tu obra? El hecho de que yo desciendo de trashumantes, de padre gitanos y abuelos sínganos sicilianos me llevó a viajar mucho, a ser una especie de nómade. Soy un gran viajero -no turistasaco fotos, escribo poesía. Todo es arte. ¿Y tu formación como arquitecto? Desde niño creaba construir casas para caracoles y empecé

a dibujar. La arquitectura salió como consecuencia, me per mitía hacer un arte aplicado. Fue un instrumento que me permitió no apartarme tanto del arte, considero que es una de las profesiones mas hermosas y universales. ¿Cómo logras las texturas que dan vida a tus obras? Trabajo con los cartoneros, la Cooperativa de Cartoneros me suministra los materiales. Si necesito envases de tal marca de gaseosa, ellos orientan la búsqueda hacia ese lado; yo los compro, se hace un proceso de limpieza y esas piezas van formando parte de las obras. El material se transforma, se le da color con barnices, se dibujan con marcadores, acrílicos en relieve, esmaltes sintéticos, aerosoles… La idea es conseguir color y mantener la transparencia de la materia. Hay que buscar y neo significar al material con su naturaleza: si trabajo el plástico, mantengo su brillo, para que la luz sea protagonista. Un artista crea un aura que queda energéticamente en el observador. ¿Qué es para ti ser artista? Ser artista es desarrollar un lenguaje propio; el artista plástico tiene concepto, lenguaje y oficio. Lo que impacta es el concepto, la investigación, le busco un significado a través del oficio, del uso de materiales. Lo que me llama poderosamente la atención y me llena de alegría es que los niños enloquecen, los padres prácticamente los tienen que arrancar de la vitrina de mi taller en Belgrano. El mejor publico para mi son los chicos, hago talleres para ellos. Me reencontré con los niños y con mi niño.

entrevista Edgardo rogríguez

• “Tortuga del origen del mundo”, 2010, botellas de plástico recicladas sobre armazón metálico, 180 x 125 x 43 cm

• “Ranas” , botella de plástico reciclado, 0,50 x 0,60 x 0,70 cm. cada una.

BARRIOVISIÓN

PRIMER LUGAR Bernardita Guerrero

Feria de antigüedades, plaza Mulato Gil de Castro

BARRIOVISIÓN

LASTARRIA Caminar por Lastarria cual flâneur¹ puede ser una experiencia estética si la recorremos anclados en alguna búsqueda. En sí, es una especie de pasarela urbana donde en medio de productos culturales el recorrido fuera indicado en los pequeños acontecimientos del momento, como si el sólo hecho de caminarla nos hiciera especiales. Tal vez, es real esa sensación cuando observamos los multiversos en movimiento. Adoquines, libros, antigüedades, cine, cafés, museos, instalaciones, artistas visuales y musicales instalados en esta calle nos transportan a los años 60, época en que había un creer y una mística que dotaban de vida a la urbanidad. Las fotografías que ilustran el reportaje fueron seleccionadas a través de un concurso realizado en nuestro perfil Facebook, que seguiremos realizando mes a mes. Por Lucía Rey, Historiadora del arte.

¹ “La calle lleva al flâneur a un tiempo desaparecido” W. Benjamin: Libro de los pasajes. Flâneur: (en Benjamin) una especie de vagabundo urbano.

BARRIOVISIÓN LASTARRIA

mención honrosa Mónica Barrios

detalle de casona en plaza Mulato Gil de Castro

astarria se consolida como barrio a principios del siglo XX con la construcción del Museo Nacional de Bellas Artes y el Parque Forestal, en tiempos donde era considerado como barrio alto. Durante ese siglo se construyeron atractivos edificios y casas diseñadas por arquitectos importantes, evocando la arquitectura francesa decimonónica. A fines del mismo, se trabajó con afán en la restauración de las fachadas, creándose también el conocido paseo peatonal entre Merced y Rosal, siendo con el tiempo parte vital de este barrio, que se declara como zona típica en 1997. Muchas veces nos encontramos con música clásica, blues, actividades organizadas por la Junta de Vecinos, cine al aire libre o personas

que entregan información para una vida ecológica, alternativa y autosustentable. El barrio Lastarria funciona como un imán, atrayendo a sí a personas inquietas y con perspectiva histórica, que de alguna manera están en la búsqueda de la riqueza cultural, la tolerancia y la diversidad de género. Si fueras con un escritorio y una silla podrías trabajar en horarios de punta para agendar un sinfín de alternativas y contactos culturales, o también puedes simplemente ir como deteniendo el tiempo a contemplar simultáneamente la multiplicidad de realidades circulando y cristalizar desde ahí una perspectiva propia.

www.facebook.com/artealllimite

BARRIOVISIÓN LAstarria

mención honrosa “Adoquín para descansar”, Alejandra Cofré

Restaurantes y cafés en la plaza Mulato Gil de Castro

Recuerdo a los vecinos (el año pasado) en medio de cortes eléctricos nocturnos, saliendo de sus casas y departamentos a las veredas a comunicarse con los otros, instalando luz para compartir, llevando termos, mate y música; discutiendo, disfrutando incluso la ausencia de la luz. Un lugar en movimiento, donde existe el tránsito cultural, cuyas coordenadas gozan de arquitectura patrimonial y de vecinos engranados en el sentido del patrimonio intangible. Hay momentos en que no se sabe exactamente dónde se está, cuando aparece mucha gente distinguida saliendo del Cine El Biógrafo, en donde cada cual se apercha con sus mejores pilchas, exponiéndolo todo, no escatimando en la apariencia. Son personas, en general, que visitan el barrio, por eso el engalanamiento. Situaciones similares se viven a momentos en torno al Museo

de Artes Visuales (MAVI) ubicado en la plaza Mulato Gil, pues la peripecia para llegar hasta él está dotada de los mejores espacios de comida y bebida. Antípoda inmediata de este escenario vemos, si tenemos suerte, al encontrarnos con el famoso y misterioso Divino Anticristo, que circula con su carro, sus escritos y su singular ritmo. Otros momentos curiosos de Lastarria es cuando se instalan los artesanos, que traen sus productos directo del taller, insertándose performáticamente, apareciendo, desapareciendo y volviendo a aparecer en medio de nuestro paseo lastárrico, adornando el recorrido con orfebrería, zapatos, ropa de diseño y también ofreciendo su alimento vegetariano por si en medio del trayecto nos apetece.

kiaf

el arte chileno

se traslada a Kiaf Corea 2012

Galería Isabel Aninat, Galería StuArt y Arte al Límite serán los representantes nacionales en la prestigiosa Feria Internacional de Arte Kiaf, que se realizará en Seúl entre el 13 y el 17 de septiembre.

Por equipo Arte al Límite Fotografías cortesía de Constanza Ragal y Cristóbal Anwandter

• Constanza Ragal, detalle de “Pareja en el supermercado”,2012, óleo sobre tela, 83 x 130 cm.

• Cristóbal Anwandter, detalle de “Think about”, 2012, óleo sobre tela, 120 x 105 cm.

atinoamérica es el invitado de honor en la edición de este año, por lo que se incluirán los trabajos de artistas contemporáneos de 17 galerías de la región. En 2012, Kiaf espera incluir cerca de 300 trabajos provenientes de 21 países, convocando gran expectación de parte de coleccionistas, críticos y público.

expuesto sus trabajos en México, Argentina y Alemania y en esta oportunidad, presentará sus enormes retratos, especie de close-up a la propia naturaleza de la pintura, donde mezcla arte pop y códigos neoexpresionistas e informalistas.

En 2012, Corea celebra 50 fructíferos años de relaciones diplomáticas con Latinoamérica, por lo que Kiaf ha querido presentar el arte contemporáneo de esta región, invitando a diversas galerías que representan los más altos estándares de talentos que América Latina tiene para ofrecer. En años anteriores, la revista Arte al Límite se ha distribuido en la feria Kiaf sólo como publicación impresa. Este año, fue además seleccionada por la Feria para representar como galerista a dos creadores jóvenes de amplia trayectoria: Constanza Ragal y Cristóbal Anwandter. Constanza nació en 1982. Además de su participación en Kiaf, prepara actualmente un proyecto individual para Hotel W Santiago y su asistencia a ArteEspacio en Argentina. La artista exhibirá parte de su obra más reciente, que según el pintor Gonzalo Cienfuegos, consiste en “un trabajo luminoso donde los arquetipos humanos son reflejados desde una estética del pop”. Cristóbal, por su parte, nació en Santiago en 1980 y a los 23 años se unió a la galería A.M.S Malborough, donde realizó su primera muestra. El artista ha

La Galería Isabel Aninat trasladará asimismo los trabajos de algunos de los creadores chilenos contemporáneos más destacados. Entre ellos se cuenta a Iván Contreras Brunet, artista cinético radicado en Francia, quien presentará algo de su obra reciente e histórica; Mónica Bengoa, que expondrá parte del proyecto que realizó para Louis Vuitton y otra iniciativa de investigación botánica que se relaciona con su última muestra en el MAVI. Además, participarán en la Feria Manuela Vieragallo, con sus esculturas de palomas, mezcla de manualidad y crítica social; Cecilia Paredes (Perú) que expondrá una serie de vestidos, mezcla de cultura occidental y precolombina, y el colectivo Aninat & Swinburn, que exhibirá burkas (vestimenta tradicional de las mujeres musulmanas) fabricados con dólares, como un símbolo del derrumbe del poder económico y religioso. Por su parte, la Galería StuArt Contemporary participará en la feria con pinturas al óleo de Felipe Oyarzún, las obras sobre tela y papel de Óscar Santis, además de óleos de Jorge Young y trabajos recientes de Alejandro Siña. La galería, que ha desarrollado su labor expositiva desde 2004, continúa así con su proyección internacional, la que comenzó en el año 2007.

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