PERIÓDICO ARTE AL LIMITE_ABRIL 2013_ED. 91 by Arte al Límite

Nº 91 ABRIL 2013

SANTIAGO DE CHILE

distribución gratuita

Arte en Lima Dos nuevas ferias de arte contemporáneo, Art Lima y PArC, debutan este mes en la capital peruana y concentran las miradas del mundo artístico sudamericano.

Ai Weiwei en Chile

ser curador ¿Cómo se forman los curadores chilenos en un país donde no existen estudios específicos para serlo? Realidades en Chile y Latinoamérica.

El artista chino exhibe su obra por primera vez en Latinoamérica junto a destacados artistas, en una intervención a escala ciudad. PÁG. 6

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PÁG. 36

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EQUIPO

Ana María Matthei directora • Ricardo Duch director • Cristóbal Duch asesor comercial • Catalina Papic directora de arte Camila Duch proyectos culturales • Kristell Pfeifer editora general • Paulina Sepúlveda encargada de prensa Yael Vaisbuch diseñadora gráfica • Juan Yolin practicante de periodismo • Josefa Parada practicante de diseño Ernesto Muñoz crítico y asesor de contenidos • Ennio Bucci crítico • Enrique Solanich crítico • Pedro Labowitz crítico Jorge Azócar asesor • Ignacio del Solar asesor • Julio Sapollnik asesor • Soledad Cabello periodista Bernardita Garib escritora y artista • Maite Gallegos gestora cultural • Valeria Solís periodista y escritora Lucía Rey profesora de artes plásticas, magíster en teoría del arte • Lorna Toselli periodista • Javiera Calderón periodista

EDITORIAL

ese a la proliferación de universidades privadas y la

se refleja en su trabajo sino que está presente e impregnada

amplia oferta de carreras existentes hoy en el país,

en sus talleres. En el taller es donde se ve el lado desconocido

llama la atención el poco desarrollo que hay en campos

de los creadores, pero también donde se encuentran líneas de

específicos dentro de los estudios relacionados a las artes

coherencia entre el trabajo plástico y su proceso.

visuales. Si bien la oferta de casas de estudios que ofrecen esta licenciatura es cada vez mayor, seguimos sin contar con

Como siempre, queremos también en este número mirar

carreras específicas en torno a la gestión cultural. Muchos de

hacia afuera y mantenernos conectados al quehacer artístico

quienes se dedican a esta destacable labor se han formado de

internacional. Un artículo sobre la histórica visita del artista

manera autodidacta y han establecido su carrera y currículum

chino Ai Weiwei a Valparaíso, como parte de una serie de

en el camino, entre tropezones, en un país que está en vías

instalaciones a lo largo de la ciudad-puerto que lo traen por

del desarrollo cultural.

primera vez a Latinoamérica, da cuenta de esto. A lo anterior se suman críticas a destacadas exposiciones de artistas de

En esta edición quisimos ahondar en nuestros curadores y en

renombre mundial que por estos días visitan Santiago y nuestro

cómo lograron ser considerados como tal en un país donde no

habitual repaso por las ferias de arte internacional que se llevan

existe ninguna casa de estudios que ofrezca tal título. Qué es

a cabo este mes, donde quisimos poner el énfasis en lo que

ser curador, cómo se llega a serlo, cómo debiera enfocarse una

sucede en Lima, sede en abril de dos importantes encuentros

posible carrera y por qué no contamos con opciones para cursar

artísticos. Esperamos que disfruten de las novedades tanto

estudios profesionales al respecto.

como nosotros.

También presentamos en este número por segunda vez

Abril es un mes muy especial para nosotros ya que celebramos

nuestras nuevas secciones Frente a Frente y En el taller, con

oficialmente nuestros diez años de existencia como medio

entrevistas a los artistas Jorge Martínez y Alejandra Bisquertt

especializado en arte contemporáneo. Ha sido una década llena

respectivamente. La primera desafía a los artistas a definir

de desafíos, pero también de grandes satisfacciones, y estamos

en pocas palabras opiniones, posturas, ideas y nociones en lo

orgullosos de que Arte Al Límite, con nuestro periódico, revista

que a artes visuales y su trabajo se refiere. La segunda busca

y portal web, haya logrado posicionarse como un importante

conocer el otro lado de los artistas, esa intimidad que no solo

referente en el mundo del arte actual.

SUMARIO 6. Ser Curador I 12. Catalina Rojas I 13. Rosen: Sueños Ilustrados I 16. En el Taller I 18.Críticas I 22. Panoramas I 26. Perfil Arte I 28. Hernán Miranda I 30. Perfil Arte I 32. MAM Chiloé I 34. Perfil Arte I 36. Of Bridges & Borders I 40. Raquel Yuhaniak 42. Ferias Lima I 45. Perfil Arte I 46. Eliana Simonetti I 47. Frente a Frente

MAM Chiloé El Museo de Arte Moderno de Chiloé celebra 25 años de contribución y aporte al arte contemporáneo. 28

Hernán Miranda

El MNBA recibe al pintor chileno en una exposición antológica que cubre sus treinta años de trayectoria.

REPRESENTANTE LEGAL Orlando Calderón F. • VENTAS info@arteallimite.com, ventas@arteallimite.com SUSCRIPCIÓN marketing@arteallimite.com • FONO - FAX 2 955 32 61 • WEB www.arteallimite.com FACEBOOK facebook.com/arteallimite • TWITTER @Arte_Al_Limite PORTADA Gastón Ugalde, Meeting, 2013, C-Print, 120 x 80 cm. Imagen cortesía de Art Lima. IMPRENTA R.R. Donnelley, Santiago, Chile. Las opiniones vertidas en este medio son de exclusiva responsabilidad de quienes las emiten.

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REPORTAJE

SER CURADOR

Curatoría en Chile y Latinoamérica Mientras que en Chile los curadores se forman en base a la experiencia o recorrido, en otros países del continente se encuentran definiendo políticas educativas que buscan profesionalizar la práctica curatorial. Curadores de diferentes contextos hablan sobre su trabajo y el estado por el que atraviesa. Por Juan Yolin, periodista. Imágenes cortesía de Ángela Wilson, Julio Sapollnik, Curatoría Forense y del Museo de Antioquia, Colombia.

• Vista de la expocisión ORLAN: arte carnal o cuerpo obsoleto, curada por Ricardo Arcos-Palma, en el Museo de Antioquia, Medellín, Colombia, 2012.

n una conversación entre el curador suizo Harald Szeemann y el curador chileno Ernesto Muñoz, Szeemann describió su trabajo de la siguiente manera: “Cuando saco el último clavo, doy por terminada la exposición”. Esta frase encierra en qué consiste ser curador: idear una exposición, reunir obras y artistas, encontrar un lugar adecuado para montar la muestra y conseguir quien la financie. Así, la curaduría abarca diversas áreas del conocimiento, como lo es la teoría del arte, las disciplinas artísticas, su práctica y la gestión de proyectos.

Sin embargo, no siempre fue así. Décadas atrás, el curador era llamado comisario o cuidador y era el encargado de mantener la colección de un museo. Pero como el arte es un campo en expansión que se vuelve cada vez más complejo, también es el oficio/profesión de un sujeto que pasó de ser un administrador a una persona que genera ideas, que busca avanzar en un área de estudios.

¿Se puede hablar de un campo curatorial en Chile o de similitudes entre la práctica curatorial de nuestro país y otros casos del continente? Curadores de diferentes partes de Latinoamérica arrojan luz sobre un trabajo que está lejos de tener tan solo una definición.

Curador: profesión u oficio Este apartado es, por sí solo, una conceptualización problemática. Entre los curadores consultados se despliega un abanico diverso de posturas que desarrollan una figura que, al menos desde el discurso, no pareciera estar establecida. Mientras que para algunos es una profesión, para otros es un oficio. De la misma forma, donde unos ven la curaduría como un acto que implica creación en relación a la obra, otros ven el gesto de “crear” como una pretensión. Para Ricardo Arcos-Palma, curador franco-colombiano que

• Vista de la exposición Desplazamientos de la Crueldad, curada por Ernesto Muñoz en Santa Cruz, Bolivia, 2012.

recientemente llevó a cabo el montaje de la obra de la artista francesa ORLAN en el Museo de Antioquia, Medellín, ser curador es una actividad crítica que se enmarca dentro los dispositivos artísticos de exhibición, problematización, circulación y visibilidad de procesos creativos. “Este ejercicio curatorial tiende a generar nuevas miradas sobre las maneras de hacer visible el arte”, explica. Caso similar es el de Jorge Sepúlveda e Ilze Petroni, curadores independientes y coordinadores del grupo de trabajo Curatoría Forense, quienes ven la curaduría como una función dentro del sistema de arte que implica principalmente dos aspectos: “Establecer hipótesis de lectura y negociar políticamente su visibilidad. El primero de ellos supone conocer los contextos de producción y de significación de las obras y de las prácticas artísticas. El segundo se relaciona con el establecimiento de vínculos con agentes e instituciones que se encuentran interesados en que el arte ocurra”, cuentan. No obstante, la curaduría puede ser vista como una práctica que no mantiene una relación directa con la teoría, sino que consiste en algo visceral, que liga en principio lo visual por sobre lo discursivo. Edward Shaw, curador norteamericano que ha trabajado con artistas como Frank Stella y Antonio Seguí y que ha montado muestras en diversos lugares de Latinoamérica, se define como un hombre “de otro siglo”. Eran los años 70, las ramas del arte eran más acotadas y el ejercicio curatorial aún se encontraba en ciernes. Comenzó su carrera sin formación académica, coleccionando arte, yendo a exposiciones y escribiendo sobre pintura. “El curador de hoy es una especie de oficial de campo que va armando, deshaciendo, postulando, que trata de cambiar la dirección del arte hacia su mirada. Me es difícil sentirme en ese papel, pues lo mío siempre ha sido concebir una idea y transfor-

marla en algo visual, no convertir algo visual en una idea. Acá hay un término que se da mucho y da miedo: el marco teórico” dice Shaw. Desde una vereda más radical, podemos mencionar al Laboratorio curatorial 060, grupo multidisciplinario de México que busca explorar nuevas formas de pensar el arte contemporáneo. Javier Toscano, uno de sus fundadores, no ve en la curaduría una práctica en la que haya algo que defender: “Se ha colonizado por completo. No se trata de la simple relativización de las posturas, sino de una banalización extrema de la práctica. Nosotros hemos pasado de eso a prácticas más comprometidas, desde acciones artísticas directas hasta dirección de proyectos de investigación, funciones editoriales o gestión urbana”, explica Toscano. Academia v/s calle Muchos de los curadores que han hecho carrera en Latinoamérica no tuvieron estudios formales de teoría e historia del arte, museología o gestión. Si se les pregunta acerca de su formación, es usual que definan su recorrido desde la calle. Sin embargo, en el presente, diversas universidades han comenzado a incluir en sus planes de estudio la formación curatorial, entre los que destacan Argentina, Colombia, Brasil y México. Aún así, Ricardo Arcos-Palma señala que la institucionalización de esta figura es relativamente nueva. Es desde fines de los 90’ que se han ido creando licenciaturas y posgrados en relación a la curaduría e historia del arte. A modo de ejemplo, podemos mencionar la Licenciatura en Curaduría de la Universidad del Museo Social Argentino, o los programas de Museología de la Universidad Nacional de Colombia.

• Vista de la exposición Hacer visible lo invisible, curada por Julio Sapollnik en el Centro Cultural Borges, Argentina, 2012.

Diferente es el caso del desarrollo académico-curatorial en Chile. Los curadores chilenos se forman fuera del país o fuera de la universidad. Ernesto Muñóz, crítico y curador chileno que en 2012 co-curó la Bienal de Santa Cruz, Bolivia, critica la validez de los programas que acá se imparten. “La mayoría de las universidades (chilenas) hacen cursos de gestión cultural que muchas veces son impartidos por profesores que no han movido ni diez pesos. Lo que enseñan, lo aprenden de un manual que se repite. Pero en la práctica no existe un gestor que pueda ser un curador”, explica Muñoz. La mayoría de los curadores chilenos no tiene especialización académica en el campo. A juicio de Jorge Sepúlveda e Ilze Petronic, esto no es un problema en sí mismo. “La curatoría es un oficio y una capacidad, por lo que estos cursos solo otorgan herramientas más o menos eficientes que luego deben ser readaptadas a la realidad local”, consideran. El artista, académico de la Universidad de Chile y director del Museo de Arte Contemporáneo, Francisco Brugnoli, es enfático al señalar que la formación curatorial en Chile no existe. “Los curadores provenientes de escuelas de arte o de teoría e historia del arte deben autoformarse en cuestiones relativas a gestión que incluyen materias económicas, de generación de proyectos y comunicaciones. Además deben alcanzar, en un buen nivel, los conocimientos propios de la museografía”, explica. Curaduría y creación Parte del trabajo del curador consiste en teorizar el cuerpo de una obra para establecer un puente entre la muestra y la audiencia. Pero hay ocasiones en que esta teorización trae consigo una totalización

del significado de determinada obra, o la instauración de un discurso que, más que generar posibles puntos de lectura, busca insertar al artista en la escena o el mercado. El verbo “crear”, propuesto en relación al ejercicio del curador, es otra noción que trae de la mano diferentes perspectivas. Para Ernesto Muñoz, la curaduría es un acto de creación, en tanto establece una idea y de ahí se disponen los lineamientos por donde discurrirá la exposición. Javier Toscano, por su parte, percibe la creación en la curaduría como “la selección, interpretación y activación de ciertos procesos que crean sentido. Curar solo es una función dentro de un sistema determinado. En otro sistema esa actividad crea otros nombres: investigar, generar collages, sugerir palimpsestos, organizar arenas de discusión”, explica. Milagros Bello, curadora y directora de Curator’s Voice Art Projects, opina que el curador sirve de empuje y motivación para el artista: “Esa es mi meta cuando encuentro a un artista que está en sus comienzos, ayudarlo a que auto observe su obra y pueda continuar creciendo. Si es un artista de carrera se crea un diálogo entre el curador y el artista, en el proceso de encuentro de la obra, y desde esa plataforma se inician los proyectos interactivos con el artista”, cuenta. Diferente es la perspectiva que tiene Ricardo Arcos-Palma, quien considera que pensar el acto de curar como creación es pretencioso. “Precisamente esa visión ha hecho que se riña con el artista. La creación es de los artistas. El curador no puede asumir las funciones de creación, pues terminaría eliminando la función del artista”, argumenta. No obstante, señala que hay que separar la noción de creación del ejercicio teórico: “La teorización es parte fundamental

• Vista de la exposición Gran Enciclopedia Acémila. Tomo II. De indigencias y otras bestias, curada por Curatoría Forense, Andrés Jurado Uribe y Julio García Murillo en la Universidad Francisco José de Caldas, Bogotá, Colombia, 2011. Fotografía de Andrés Jurado Uribe.

del proceso curatorial. No tiene ningún sentido hacer exposiciones sin problematizarlas, sin darles un fundamento teórico, con el cual la obra adquiere nuevas perspectivas de interpretación y lecturas”. Edward Shaw, por su parte, no considera que el teórico sea una influencia sana para el artista. “Desde los años 80’ se usa mucho el lenguaje filosófico, rebuscado, y frente a eso el artista que solo quiere hacer arte queda desorientado. Hay veces que el curador quiere destacarse por encima del artista, o a la par del artista, pero nunca se aleja del artista. Eso es peligroso, porque el curador no es la estrella: la estrella es la obra”, explica.

nes, escriben catálogos y suman la experiencia a la teoría aprendida”. Por su parte, Ricardo Arcos-Palma estima que el campo curatorial colombiano aún carece de lineamientos sólidos para formar curadores, pero destaca el presente de las artes en su país. “Colombia pasa por un buen momento: hay una explosión de galerías y los museos de arte moderno y contemporáneo que no tienen una historia mayor de cincuenta años son un terreno ideal para el desempeño de esta profesión. Sin embargo, aún hace falta un mayor compromiso institucional para contar con estos profesionales que siguen llegando del exterior y se están formando en nuestros programas de historia y teoría de las artes y en museología”, cuenta.

El estado de los campos curatoriales en América Latina La realidad de los campos curatoriales en el continente es disímil entre sí, pero ciertamente va en franco desarrollo dada la expansión que muestran las artes y el mercado. Caso aparte es el de Chile, donde el crecimiento económico o el aumento de egresados de escuelas de arte no han dado pie para generar políticas educativas en torno a la práctica curatorial. “Para que exista un campo de trabajo se requiere un nivel de masa crítica que el país no tiene”, destaca Brugnoli. El curador y crítico argentino, Julio Sapollnik, cuenta que en su país no hay muchos espacios de exhibición autónomos que contraten curadores. “Las instituciones públicas tienen sus equipos estables, por lo que un curador independiente debe autogestionar su proyecto”, dice. Pero también destaca los avances en términos académicos: “Mientras que las facultades nacionales forman a los alumnos en historia del arte, las universidades privadas promueven títulos prácticos sobre curaduría y gestión cultural. Casi todas las casas de estudio tienen un lugar de exhibición donde los alumnos arman exposicio-

Mientras tanto, en nuestro país, la visión del curador es menos entusiasta. Ernesto Muñoz dirige una crítica específica. “Aunque está la sensación de que hay más labor curatorial, ésta no se ha ampliado mucho. Por ejemplo, el Museo Nacional de Bellas Artes no organiza exposiciones, sino que las recibe. Otros museos del planeta definen las exhibiciones. El museo tiene un concepto errado ya que recibe paquetes armados”, explica. Y por un camino similar discurren las observaciones que Jorge Sepúlveda e Ilze Petroni, de Curatoría Forense, hacen del estado del campo de arte nacional. “El sistema de arte contemporáneo en Chile es cerrado y excluyente para todos sus integrantes. La disputa por el sentido del arte se debate entre dos polos: la institucionalidad estatal y la academia. El resto de los agentes e instituciones se alinean y definen con o a partir de estos dos polos: de sus políticas de subvención y de sus sistemas de toma de decisiones. Es por ello que el campo curatorial está precarizado. Hay poco trabajo en Chile y se reparte de manera feudal y subordinante”, concluyen.

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entrevista

Catalina rojas

La obsesión por la búsqueda de la luz Por Paulina Sepúlveda, licenciada en arte y gestora cultural. Imagen cortesía de la artista.

• Cuerpos Pintados, fotografía de Mario Vivado.

La expresión artística utilizada por Catalina ha sido denominada “muralismo de luz”, resultado de la proyección de pinturas y dibujos sobre muros, edificiaciones de la ciudad y soportes naturales como el desierto, el mar, la nieve, entre otros. La artista busca generar emotividad y para esto relaciona el mensaje, los sentidos, las formas, las texturas y la música. Para el espectador el acto de conexión con la obra se transforma en un verdadero viaje para los sentidos. La obra de Catalina Rojas causa gran impacto visual. Sus intervenciones se ubican generalmente en estructuras de concurrencia pública y en un formato a gran escala que le permite representar el mundo onírico que hay en su inconsciente. El muralismo se transforma en el escenario ideal para contar historias a las masas y enriquecer los espacios públicos con arte. Esta destacada artista nacional fue la elegida para acompañar a Arte Al Límite en la celebración de su décimo aniversario. Cuéntanos acerca de la proyección que realizaste para esta celebración. Realicé un muralismo basado en mis pinturas y dibujos en comunión con las fotografías de Mario Vivado, un gran fotógrafo y amigo. Este trabajo es una serie de cuerpos pintados que hice hace varios años con un grupo de bailarinas, donde desarrollamos una performance en un

edificio. Este trabajo estaba guardado, esperando de salir a la luz en un momento especial, como este. ¿Qué significa para ti la luz? La luz es una fuente inagotable de creación para experimentar y retratar, con nuevas formas y herramientas, el mundo real en el arte visual. Descubrir el trabajo con la luz ha sido una experiencia única y mágica que me ha permitido el desarrollo de una nueva forma de expresión. Con la tecnología como gran aliado, comencé las intervenciones urbanas y la proyección de mi colección de dibujos y pinturas. ¿En qué proyectos estás trabajando actualmente? Actualmente estoy con la exposición Chile a la Luz en el Museo Arte de Luz en el rio Mapocho. Es un mural que tiene por propósito revivir historias y testimonios detrás de la creación de una de las obras artísticas más destacadas en el Bicentenario de nuestro país. Chile a la Luz es una colección de pinturas y dibujos, una retrospectiva que retrata de manera casi surrealista la flora, fauna, paisajes, personajes emblemáticos e hitos históricos patrios.

www.catalinarojas.com

REPORTAJE

SUEÑOS ILUSTRADOS La nueva colección Rosen Diseños de Autor Rosen vuelve a sorprender al mercado con el exclusivo e interesante concepto “Sueños Ilustrados”, una colección original de fundas de plumón y juegos de sábanas de edición limitada. Propuestas de autor, que buscarán cautivar distintos estilos, gustos y preferencias. Seis destacados ilustradores nacionales asumieron el desafío y nos presentan sus obras.

Por Antonio Gil. Fotografías de Álvaro Puente Matías Lucero.

Alberto Montt, Francisco Olea, Loly & Bernadilla, Cristina Arancibia y Alejandra Acosta, han sido invitados a ilustrar estas exclusivas creaciones, interpretando sus sueños para dar vida a originales obras de arte y diseño actual que Rosen ha enviado a confeccionar especialmente a Europa.

SUEÑOS ILUSTRADOS: Los Creadores Francisco Olea ZZZ “Dormir es despojarse de toda las apariencias, de los atuendos socializadores y quedar desnudos en la cama. Es dejar descansar al personaje público y recomponer al ser que amanece y se desdobla en la ciudad. Meterse a la cama es volver a lo esencial”. F.O. Francisco estudió Diseño en la Universidad la Católica de Chile, destacándose como director de arte e ilustrador de El Mercurio y como autor de su particular blog www.oleismos. blogspot.com. Ganador del premio Altazor 2012 con su obra Retratos El Mercurio, se ha consagrado como uno de los mejores comunicadores visuales de hoy en día.

Cristina Arancibia / Niktalope Hypnos Wald “Procesión de personajes que se encuentran en el sueño, un viaje en el espacio surreal, mágico y conectado con el mundo de fantasía que tenemos en la inconsciencia”. C.A. Cristina estudió Artes visuales en Universidad Arcis y realizó un diplomado de Arte en la Universidad Católica. Ha participado de diversas muestras individuales y colectivas, entre las que se destacan Comics Strip, Passion´s Trip, Locus Solus y Del otro lado, arte contemporáneo de mujeres en Chile, compartiendo escenario con grandes artistas nacionales.

Alberto Montt Pájaros en la Cabeza “Todo nace de mi actividad cerebral, de mi visión del mundo, desde la ironía, de las molestias cotidianas o problemas existenciales… dicen que tengo pájaros en mi cabeza, los que me hacen dibujar”. A.M. Alberto estudió diseño gráfico en Ecuador y se vino a Chile en 1998. Se inicia en nuestro país colaborando en El Mercurio y posteriormente trabajando para las revistas Qué Pasa, Capital y Blank. Con Dosis Diarias, su blog de reflexiones gráficas, se ha convertido en un importante personaje de la ilustración en Chile y Argentina.

Alejandra Acosta Entre Plumas “La calidez del nido para acoger los sueños donde poder volar”. A.A. Alejandra es diseñadora gráfica de la Universidad Santo Tomás. Se ha desempeñado como directora de arte en las revistas Elle y Lat.33. Ha publicado libros en Chile, España y México. Actualmente está dedicada a la docencia universitaria y se encuentra trabajando en dos libros en coautoría con el escritor argentino Jorge Luján.

Loly & Bernardilla Viaje en Tránsito “Viaja en el tiempo, recorre cada rincón de tu memoria y guarda cada recuerdo... cierra mil segundos los ojos y viaja ligero”. L&B. María Amenábar P. y Bernardita Romero G. estudiaron Arte y Pedagogía en la Universidad Católica de Chile. Loly tiene un Postítulo en diseño y Bernardilla, un diplomado de Ilustración realizado en Boston. Se complementan trabajando en collage digital. Han publicado cuatro libros como autoras y participan permanentemente en exposiciones y concursos de todas las latitudes.

La colección de ropa de cama Rosen, confeccionada 100% en algodón de 200 hilos, estará disponible próximamente en tiendas Rosen The Store y suenosilustrados.com

en el taller

Alejandra Bisquertt Una cápsula creativa Por Lucía Rey, profesora de artes plásticas, magíster en teoría del arte. Imágenes cortesía de Vinka Bravo.

l lugar físico de trabajo de Bisquertt funciona a modo de alegoría estética de una composición pictórica propia. Como si aplicara su geometrismo en el mundo tridimensional que opera aquí cual laboratorio compositivo. El aislamiento del mundo común resulta clave en la abstracción de Bisquertt, en donde traducido en el silencio visual logra concentrar lo mínimo necesario para el transporte interno creativo. Los colores, tanto en su obra como en su taller, están en la gama de los tonos traslúcidos, necesitando para esto el blanco que se activa cual soporte en la atmosfera creativa, cuyo fin es generar limpieza visual que se vuelve fundamental para la obra. Sin embargo, este aislamiento considera dentro del hermetismo a algunas pares mujeres que eligen el espacio para la creación estética. Se vuelve esta casa-taller, a la vez, un lugar de encuentro y de estímulo generador de sus propias realidades que, potenciadas entre sí, albergan otro mundo. Las actividades que se realizan en el lugar son diversas y están pensadas siempre como inducción a este motor estético. Hay espacios para el café, para comidas y también para bicicletas, ya que en ocasiones realizan salidas colectivas de relajo. Bisquertt comienza su obra en este taller (que aunque colectivo es compartimentado: cada cual tiene una puerta que permite el silencio en el trabajo) y cuando llega a la consolidación de la imagen traslada su obra al capullo personal (similar taller ubicado en su casa), que le permite ingresar en su particular poética y afinar los detalles. Según indica la artista, sus talleres a lo largo de su biografía pictórica han sido alrededor de cinco y siempre ha mantenido los mismos soportes técnicos como atriles metálicos móviles, estantes para libros, una mesa y un par de sillas. Existe una correspondencia estética entre taller y obra: el uso de los mismos muebles simétricos y geométricos a lo largo de su trabajo y el acallamiento de la urbe en el interior del taller, dan cuenta (como al principio notamos) de

esta obstinación y constancia manifiesta en su obra, como si esta implementación mueble y simbólica representara en alguna medida la técnica geométrica cual fuga del realismo, un abandono de la huella humana para componer un mundo perfecto hallado en la abstracción. Lo que la artista indicaría en la conversación como su mayor objetivo: no dejar nunca el geometrismo, convencida de que su estilo es único y trascendente. El trabajo diario desarrollado en este interior contiene una operación similar a la del ensimismamiento, la reflexión sobre una cuestión que llegaría a la tela por medio de la contemplación del plano y de la escritura recogida. Así, la obra aparecería paulatinamente, tomando vida propia y sorprendiendo a la autora, que configuraría frente al desarrollo de la obra una especie de danza abstracta, atávica y silenciosa de la mirada cual hipérbole, que se extendería por horas dentro del taller como dentro de la casa en las más diversas actividades, que servirían para potenciar sus movimientos cromáticos en cada bastidor. El hecho de que esta casa-taller se ubique geográficamente a menos de media cuadra de su casa no significaría un matrimonio entre el mundo familiar o social y su trabajo. Por el contrario, al taller solo llegan personas con cita previa y que se relacionen con su arte o el de su colectividad. Se subraya que constituye para Bisquertt el silencio y la no interrupción una clave para su concentración y producción estética, junto al desinterés por abandonar su estilo forjado a través de más de 20 años. Desde esta perspectiva es que Bisquertt se propone que el taller tenga el mínimo de movimiento exógeno, de manera que prefiere no impartir clases dentro del mismo y tampoco hacer reuniones que no se relacionen directamente con su obra (o con las obras de quienes también trabajan en la casa- taller), aunque en realidad el lugar resulte ideal para habitar allí por años.

www.arteallimite.com/alejandrabisquertt/

Crí ti ca

Por Pedro Labowitz. Crítico de arte . Miembro de AICA.

ASGER JORN En el Museo Nacional de Bellas Artes » Imagen cortesía del MNBA.

esta exposición los principales invitados, los Príncipes herederos de Dinamarca, llegaron con cuarenta minutos de retraso. Los discursos y sus traducciones demoraron otros treinta y cinco, y con la larga visita de las obras exclusiva para las autoridades, el público en general tuvo que esperar unas dos horas en el hall de entrada antes de poder acceder a las salas.

su gran mayoría de pequeño tamaño; abarcan especialmente las ejecuciones sobre y con papel: grabados en sus diversas técnicas, dibujos, décollages (en que se rompen papeles impresos como afiches pegados sobre otros), pinturas con acrílico…..En muchos dibujos en blanco y negro las delgadas líneas se juntan hasta hacerse espesas, y cuando aquí introduce el color, suele ser en tonalidades bajas.

¿Valía la pena esta espera? En un comunicado del MNBA, Jorn es caracterizado como “el artista escandinavo más influyente después de Edvard Munch”. Lo cual, ante la gran escasez de artistas visuales escandinavos influyentes, podría ser cierto.

Estilísticamente privilegia el no-figurativismo, pero hay ciertos dibujos con insinuada temática. Su manera de abstracción es altamente expresionista, en las mejores hojas como cargadas de energía que en algunas ocasiones parece explotar, como en algunos impresos en color en la tercera sala. También llaman la atención un acrílico más lírico o una fuerte cabeza gris sobre fondo rojo en la segunda sala.

Las aproximadamente cien obras que aquí podemos ver son en Asger Jorn es conocido de manera internacional especialmente como fundador en 1948 del grupo de artistas Cobra (COpenhaguen, BRuselas, Amsterdam, según los orígenes de sus primeros componentes), entre quienes figuran Appel, Corneille, Constant, Alechinsky y diversos otros, unidos por su estilo rupturista abstracto. Grupo importante a quien se deben diversas publicaciones, amén de algunas exposiciones en conjunto, pero que se disolvió a solo cuatro años de existencia por la disparidad de carácteres de sus socios. Curiosamente, el detallado catálogo que acompaña esta exposición solo lo menciona “de pasada”. En esta ocasión se hace mucho hincapié de la “amistad” entre Jorn y Roberto Matta. Ambos eran de ideas políticas y revolucionarias de izquierda (Jorn era miembro del partido comunista, pero individualista y anti-Stalin); se vieron de vez en cuando en sus trayectorias y colaboraron en unas pocas ocasiones. Pero no más que eso. Esta muestra de Jorn no deslumbra de modo alguno; pero nos sirve para conocer en más detalle a un artista europeo de renombre.

EXPOSICIÓN ASGER JORN EN CHILE: UN DESAFÍO A LA LUZ LUGAR: Museo Nacional de Bellas Artes DIRECCIÓN: Parque Forestal s/n FECHA: Hasta el 5 de mayo de 2013 •Sin título, 1970, litografía a color, 76 x 55 cm. Obra perteneciente al Museum Jorn, Silkeborg.

Crí ti ca

Por Enrique Solanich S. Magíster en Teoría e Historia del Arte. Miembro de AICA.

A fojas CERO

La arquitectura como base de propuestas visuales » Imagen cortesía de la artista.

liana Simonetti Borgheresi (Santiago, 1946) es un caso ejemplar en el medio local. Titulada de arquitecto por la facultad respectiva de la Pontificia Universidad Católica de Chile en 1972, pasado un tiempo y con 47 años de edad, principia en la misma institución los estudios que la conducen al grado de Licenciada en Arte con Mención Pintura, obteniéndolo en 1996. Sus comparecencias en muestras personales, colectivas y concursos son varias y exitosas. Comenzadas en 1994, dan cuenta de un trabajo que se ha mutado en válido cuerpo doctrinal, en el que caben la interdisciplinaridad y el uso de materiales diversos, sean nativos; piedras, maderas y metales desvencijados; artefactos en desuso y un largo etcétera, con los cuales elabora un programa de ensayes y experimentaciones plásticas que la transforman en una consumada y genuina operadora visual, ampliando los confines del arte. Cual recolectora y manipuladora de diversos soportes, apuesta por una estrategia que le permite ensamblar piezas en comunión con técnicas tradicionales del dibujo, el grabado, la escultura y la pintura, amasijo con los que articula series temáticas conocidas, de resonancia urbana. Así, su proyecto Arbolario es elaborado como un continuo icónico que centra en el árbol -como especie botánica genérica- una remozada metáfora del ciclo de vida, ese hado inescrutable que a toda materia acaece en su transcurso de germinación, existencia y finitud. En versiones y tiempos distintos, la propuesta se sella con el mural de la Estación Bellas Artes del Metro de Santiago. Armado con la participación de muchas personas de edades, actividades y oficios dispares, cada una contribuye con dibujos de formatos similares que, reunidos con antelación, Eliana Simonetti clasifica, ordena y somete a una intervención plástica, dotando

de tildes y contenidos comunitarios a la propuesta. Desplaza así, rotunda, la noción del yo creador y autárquico. A la vista del público, desde mayo de 2004, el recinto escogido y la oportunidad de su instalación son un acierto. Comentarios adicionales huelgan. Desde el 3 al 21 de este mes de abril presenta en la Galería Isabel Aninat A fojas cero, corolario de experimentos en nuevas materialidades. Son obras bidimensionales de mediano y gran formato que integran polípticos, más cuatro esculturas. La novedad radica -otra vez- en el empleo de soportes insólitos: papeles vinílicos sobre los cuales inscribe rayas, trazas o dibujos, resultas de la quema con cautín. Esta herramienta de amplio uso en la soldadura con estaño, que inspira el pirograbado en todos sus tópicos, le permite generar una urdimbre lineal que deviene -a la vez- escritura y gramática gráficas de amplias significaciones. Lo que pretende con este ejercicio es apartar y relevar el código de la inveterada práctica de taller: “poner sobre” por el “sacar desde” la materia, dejando huellas o rastros que, en palabras suyas, tal práctica no es más que un símil a lo que acontece con la piel. Dicho de otro modo, el período orgánico -si se quiere biológico- aflora como eje que sostiene su andadura plástica y revela esa predisposición curiosa por hurgar en los materiales más amplios y variados posibles, secuelas de los estudios de arquitectura. Bien sabe ella que la disciplina refleja, irremediablemente, los carácteres artísticos, económicos, intelectuales, políticos, religiosos y sociales de una época. Liga en su quehacer y con acierto los dos vocablos que la raíz etimología del término indica: arkhé: principal; tékton: artesano. Nada vano, entonces, su empeño estético.

• Detalle de Serie Silabario, 2013, políptico formado por treinta obras de 60 x 60 cm cada una, técnica mixta y calor aplicado con cautines sobre telas sintéticas, dimensión total 180 x 600 cm.

Crí ti ca

Por Ennio Bucci Abalos. Licenciado en Teoría e Historia del Arte y Estética . Miembro de AICA.

DE RUBENS A VAN DYCK Grandes maestros de la pintura flamenca en Chile »Imagen cortesía de la Corporación Cultural Las Condes.

a Municipalidad de Las Condes, Fundación Itaú y la Corporación Cultural Las Condes traen al país la colección Gerstenmaier, integrada por obras que van desde Pedro Pablo Rubens a Anton Van Dyck, significativos artistas de la pintura flamenca de los siglos XVI al XVIII. Una selección de 20 pinturas y 32 grabados del arte flamenco incluyendo obras de Hendrick, Goltzius, Jan Brueguel, Gaspar Pieter Verbruggen, Cornelius Huysmans y Martin de vos. El aporte de la Escuela Flamenca de Pintura es uno de los mayores legados europeos al arte Occidental. Se generó a partir del siglo XV y dentro de sus características está la utilización de la pintura al óleo, el desarrollo del claroscuro, la incorporación de temas cotidianos y el gusto por el detalle. Sus talleres formaron a los pintores más destacados de la región y muchos de ellos llegaron a ser demandados como pintores de corte en varios reinos europeos. Un aspecto a destacar en la pintura flamenca es la acuciosidad y la observación de estos artistas para captar los hechos de la realidad cotidiana, poniendo énfasis en los detalles de las composiciones de sus obras.

•Retrato de Jan Charles de Cordes de Anton Van Dyck, c. 1617, óleo sobre tabla, 21 x 15.5 cm.

EXPOSICIÓN DE RUBENS A VAN DYCK LUGAR: Centro Cultural Las Condes DIRECCIÓN: Apoquindo 6570, Las Condes FECHA: Hasta el 26 de mayo

Entre las pinturas significativas que se presentan en la exposición, destaca un óleo sobre tela muy bien trabajado desde el punto de vista plástico que se encuentra en la sala principal de la muestra. Se trata de La Virgen de Cumberland, realizado por Pedro Pablo Rubens (1577-1640), donde podemos apreciar el dominio del claroscuro y los detalles de los drapeados de las telas, los rojos intensos que le dan un sentido de humanidad y espiritualidad a la virgen y al niño en los brazos. Destacan también los dos pequeños retratos de Jean Charles de Cordes y su esposa Jacqueline Van Caestre realizados por Antonio Van Dyck (1599-1641). También se encuentra presente en esta muestra una de las piezas favoritas del propio coleccionista Gerstenmaier, el tríptico de La adoración de los reyes magos, correspondiente al círculo del maestro de la adoración van Groote. La presente muestra es una buena oportunidad de apreciar las obras de los pintores de la Escuela Flamenca y su aporte a la historia del arte donde se puede observar belleza, sentido del color y armonía en la concepción de la pintura.

Por Ernesto Muñoz. Crítico de Arte. Miembro de AICA.

Crí ti ca

Paula Lynch Y SUS HOMBRES » Imágenes cortesía del MNBA.

l éxito de una exposición transitoria se revela por sus resultados: una excelente presencia de público, buenas críticas en periódicos y revistas, ventas de obras a coleccionistas. Sin embargo, es importante que esta exhibición tenga relevancia en el medio artístico y marque rumbos, que tenga fermento de creación y se nutra de miradas emanadas de la sociología. La exposición de Paula Lynch cubre esos rubros y lo hace con creces. La obra sobre Claudio Bravo se basa en la fotografía de Miguel Sayago, quién pelea autoría con la autora del maravilloso dibujo del genio fallecido. Una muestra singular de excelente creación que se construye desde lo fortuito; no hay coherencia entre los elegidos, no todos son del mismo terreno creativo, algunos pertenecen a sectores más carentes de calidad y más de marketing, pero es bueno porque vemos la diversidad aplicada de manera real. Otro aspecto logrado por lo real de los dibujos enmarcados de registros estudiados son los gestos, miradas, rasgos de la vida marcados por sus años. Nacen los prejuicios denotados en la

mirada, la codicia, el desprecio en los labios, la belleza perdida con los años, transformándose en un mosaico del ser humano con todos sus dominios. Con esta muestra, Lynch se integra a Claudio Bravo, Guillermo Muñoz Vera, y Ricardo Maffei en plenitud. La escuela realista en América del Sur es la versión más pura de la creación chilena. Lynch figura en ella, donde la acompañan más de veinte nombres, como Cristóbal Abadie, entre otros.

EXPOSICIÓN LYNCH/22 LUGAR: Museo Nacional de Bellas Artes DIRECCIÓN: Parque Forestal s/n FECHA: Hasta el 28 de abril de 2013

• Retratos a tamaño real de los artistas Cristián Abeli, Benjamín Lira, Benito Rojo, Arturo Duclos y Hugo Marín, 2012, lápiz sobre papel, 73 x 193 cm. cada una.

Panoramas del mes EXPOSICIONES Exposición de la obra gráfica de los artistas españoles. La obra de Valdés es visualmente impactante, el volumen y la textura de sus expresiones plásticas confieren gran fuerza expresiva a sus trabajos. Y en la selección de grabados de Chillida puede verse cómo el artista vuelve su mirada hacia los clásicos para dar una nueva orientación estética.

Esta muestra está dedicada a la obra gráfica de dos grandes artistas contemporáneos españoles: Eduardo Chillida y Manolo Valdés.

Obra Gráfica, Eduardo Chillida y Manolo Valdés

Del 9 de marzo al 20 de abril Galería AMS Marlborough Av. Nueva Costanera 3723, Vitacura www.amsgaleria.cl

Del 12 de abril al 8 de mayo

Hasta el 29 de abril

Galería Trece

Galería Blanc

SNAPSHOTS; realismo abstracto, de Felipe Achondo

Esas mismas miles de veces, de Totoy Zamudio

En esta exposición se presentarán pinturas de diferentes formatos basadas en fotografías captadas por el artista e imágenes bajadas de internet. Pinturas cotidianas y momentos íntimos, en donde predomina la figura humana como elemento central de la obra.

En esta propuesta gráfica se ve una vez más la iconografía característica de la obra de Zamudio, mediante acuarelas que fueron dibujadas en un solo día, cargadas de color, humor, movimiento y un desborde de energía inminente.

Tegualda 1483 / Girardi 1480 – Providencia www.galeria13.cl

Av. Vitacura 4363, Vitacura www.galeriablanc.cl

Santiago

El destacado del texto corresponde al autor de la imagen que acompaña. * Las imágenes de las obras publicadas son detalles de la original.

panoramas del mes

Del 18 de abril al 29 de junio Sala de Arte CCU

Fragmentos Cosidos, de Rodrigo Vargas La obra que se presenta consiste en una instalación de 30 metros de largo, construida con módulos de madera terciada unidas con amarra cables, que abarca monumentalmente el espacio interior de la sala. Av. Vitacura 2680, Las Condes www.ccuenelarte.cl

Hasta el 15 de abril XS Galería

Falso, de Paula Dittborn Esta muestra consiste en la reproducción de imágenes tomadas de diferentes cintas de video mediante la adhesión de pequeños pedazos de plasticina a un soporte bidimensional, conformando una trama lineal que emula de cierta manera la trama propia del monitor televisivo. Nueva Costanera 3723, Vitacura www.xsgaleria.cl

marzo y abril de 2013 Corporación Cultural de Las Condes.

Al ocaso en el oasis, Colectiva de fotografía Registro fotográfico análogo en blanco y negro que persigue la huella de la luz del sol y de la luna desde que amanece hasta que la noche se cierra sobre el oasis de San Pedro de Atacama. Todo esto a través de tres miradas distintas: Pamela Fernández-Corujedo, Catalina Jaramillo y Belén Muguiro. Apoquindo 6570, Las Condes www.culturallascondes.cl

www.twitter.com/ARTE_AL_LIMITE

panoramas del mes

TALLERES Y WEB

Desde abril a junio

Universidad Nacional Andrés Bello Cursos de Fotografía con Alejandra Raffo Le Dantec El Programa de Artes Liberales de la UNAB invita a todos quienes deseen profundizar sus conocimientos y el gusto por saber. Cursos de fotografía digital para desarrollar la creatividad junto a la artista Alejandra Raffo Le Dantec. Campus Casona Las Condes, Fernández Concha 700, Las Condes www.pal.unab.cl www.arteallimite.com/alejandra-raffo

Hasta el 17 de junio

Art Fusion Galleries, Miami Wynwood Art District Subjects of splendor, de Ruby Yunis Colectiva donde se podrán apreciar las últimas creaciones de la artista nacional Ruby Yunis. 3550 North Miami Av., Miami, Florida, USA www.macaviart.cl www.arteallimite.com/ruby-yunis

En esta muestra, Rillón exhibe pinturas y objetos intervenidos, mediante los cuales busca generar un espacio de memoria en el que estos artefactos sean resignificados, valorándolos desde lo escultórico.

Muestra individual de la artista nacional Alejandra Rillón en la que exhibirá pinturas y objetos obsoletos intervenidos.

Hasta el 15 de abril

SWT Gallery

Dado de Baja, de Alejandra Rillón

Alonso de Córdova 2798, Vitacura www.swtgallery.com www.arteallimite.com/alejandra-rillon

El destacado del texto corresponde al autor de la imagen que acompaña. * Las imágenes de las obras publicadas son detalles de la original.

panoramas del mes

Desde el 1 de abril

Taller Lineal Talleres en Taller Lineal de Karin Wehrhahn Ya se abrieron las inscripciones a las clases de grabado, pintura, mosaico, batik, cerámica, arte terapia y talleres para niños. Av. Vitacura 10185, Vitacura www.tallerlineal.cl www.arteallimite.com/karin-wehrhahn

EXPOSICIONES

Hasta el 31 de mayo Museo de Arte y Artesanía de Linares

Zona interactiva Mustakis – ZIM Precolombino ZIM Precolombino es la primera plataforma interactiva, multimedial y sensorial dirigida a niños entre 7 y 12 años, que expone y permite interactuar con contenidos precolombinos chilenos y que además, integra herramientas de accesibilidad para niños ciegos. Av. Valentín Letelier 572, Linares www.museodelinares.cl

www.facebook.com/ar teallimite

Hasta el 4 de mayo Galería de Arte Caballo Verde

Mujeres en el grabado Esta exposición propone la obra de siete artistas grabadoras, las cuales conforman parte del Taller Puerta Verde, creado y dirigido en el año 2002 por la artista visual Javiera Moreira. Caupolicán 321, Local 5, Concepción www.elcaballoverde.cl

Regiones

PERFILARTE

Claudia Parodi La ciudad de la alegría Por equipo Arte Al Límite. Imagen cortesía de la artista.

• Detalle de La cuidad encantada, 2012, técnica mixta, óleo, acrílico sobre tela, 140 x 120 cm.

Sus inicios con la pintura fueron de forma autodidacta, pero luego de obtener una buena acogida por parte del público con sus primeros trabajos, decidió ingresar a la Pontificia Universidad Católica a realizar un diplomado en artes.

creando de una manera diferente. “Me encanta lo urbano, su gráfica, los edificios, los árboles y sus pájaros, pero lo más importante, es el alma que llena todos los espacios reflejados en mis corazones”, comenta Parodi.

Aquí descubrió diferentes técnicas que la llevaron a encontrar su temática actual, donde la ciudad tomó el papel protagónico y en la cual, por medio del uso del color, reconocemos características de la personalidad de Claudia; así como la alegría con la que ve la vida, lo que transmite y plasma a través de su obra.

En la obra de Parodi podemos ver ciudades alegres y coloridas y reconocer íconos ya característicos de su trabajo, como los corazones, las líneas negras que delinean algunas imágenes o el texto que acompaña a modo de fondo. Una paleta que da vida a sus imágenes a través de bermellones, azules, verdes y blancos.

Es así como sigue en búsqueda de nuevas técnicas, a la vez que mezcla las que ya conoce y domina las que le permiten seguir

www.arteallimite.com/claudia-parodi

P ERF IL AR T E

Claudia WÜnkhaus La magia de lo cotidiano Por Paulina Sepúlveda, licenciada en artes y gestora cultural. Imagen cortesía de la artista.

• Detalle de Sin Título (6), técnica mixta (óleo/carboncillo)100 x 120 cm.

Los pliegues y las texturas son las temáticas que llaman su atención, la mueven a crear y la hacen disfrutar de la pintura, oficio donde está constantemente ejercitándose en la búsqueda de mejorar. Dentro de estas temáticas relacionadas a lo textil, la ropa es un elemento que le interesa y en el que ha centrado gran parte de su trabajo. Para ella, la forma en que nos vestimos es algo cotidiano pero que muestra, muchas veces, la personalidad de quienes la utilizan. Es algo terrenal y que Claudia lo ubica dentro de espacios que no existen, pero que para ella son mágicos. Es aquí donde se mezcla lo objetivo y terrenal con lo subjetivo e irracional. Con un lenguaje plástico limpio y certero nos revela su propio mundo, su interior. De esta forma logra plasmar una idea o temática, la que va desarrollando a medida que fluye la obra, por eso prefiere que la inspiración “la pille trabajando”. Su idea es que sus pinturas no pasen desapercibidas, sino que a cada persona le provoquen algo diferente y único. Siempre con ideas y proyectos nuevos a realizar, Claudia se encuentra actualmente trabajando en una muestra pictórica que acompañará el lanzamiento de un libro sobre la cultura mapuche. A su vez, se encuentra en estos momentos concentrando su obra en la pintura de nubes, algo absolutamente nuevo para ella y muy distinto de lo que venía haciendo, pero que la tiene absolutamente entusiasmada.

www.arteallimite.com/claudiawunkhaus

SU SC RI B ETE 18º FERIA DE CERÁMICA GRES

FERIA DEL GRES 12, 13 y 14 de Abril CENTRO CULTURAL LAS CONDES produce duranceramista@hotmail.com

REVISTA ARTE AL LíMITE 6 E D I CI O N E S B IL ING Ü E S

Valor Suscripción Anual $ 60.000 | Artistas, estudiantes y renovación $45.000 suscripciones@arteallimite.com | +56 2 955 32 61

exposición destacada

• Máquina, 1987, óleo sobre lino, 120 x 138 cm.

• Detalle de Helicóptero, 1985, óleo sobre lino, 120 x 140 cm.

Hernán miranda Treinta años de trayectoria

El Museo de Bellas Artes recibe durante abril al pintor chileno Hernán Miranda, en quizás la más relevante de sus exposiciones individuales. Una muestra antológica que reúne los trabajos del actual director del MAC Valdivia desde 1979 hasta hoy y que incluye una selección personal de etapas, series y textos. Por Maite Gallego Bretón, gestora cultural. Imágenes cortesía del artista.

Cómo resumiría sus treinta años de trayectoria? Desde que egresé de la universidad he pasado por diversas etapas que tienen relación con el contenido, el color y la forma de mis obras. Desde ese entonces hasta ahora, he desarrollado aproximadamente catorce series distintas. Las primeras etapas fueron desarrolladas a partir del lenguaje pictórico, llevadas a cabo en series como: Paisajes Urbanos, Escenas de caza, Cita con la Historia del Arte, Cita con la Historia, Palimpsestos, Mimesis, entre otros. En el último tiempo comencé a utilizar nuevos medios de reproducción digital. Éstos me permiten plantear de otra manera mis ideas. La impresión sobre diversos soportes sintéticos (plástico y acrílicos) y nobles (madera, algodón y metales) es un nuevo

sistema de trabajo, que no me es ajeno, a pesar de mi formación académica tradicional. Las dos últimas propuestas se han desarrollado a partir del volumen, que es algo completamente nuevo para mí. La penúltima propuesta, Imagen latente, fue gracias al financiamiento del Fondart 2010 y correspondió a una serie de impresos digitales sobre planchas de acrílico transparente, cuyo contenido tenía relación con imágenes de aves silvestres del sur de Chile. ¿Cuáles son las dificultades con las que se ha encontrado como artista visual en un Chile centralizado? Está claro que Chile no es Santiago, pero sí concentra todo el poder,

• Detalle de Liebre con tanque, 1985, óleo sobre lino, 140 x 120 cm.

• Detalle de Hombre con tanque, 1990, óleo sobre lino, 165 x 207 cm.

tanto político, como económico, administrativo y cultural. Los demás subsistimos siempre mirando a la capital para poder solucionar nuestras aspiraciones y carencias en un Chile centralizado. Creo que la dificultad que más tiene el artista en la actualidad son los pocos espacios culturales o expositivos que existen a nivel país. No hay muchas instancias para hacer circular las obras, y si además los lugares son reducidos, sumado a los pocos recursos disponibles, los artistas emergentes sufren. Además, existen instituciones y espacios a los que les cuesta mantenerse en el tiempo… en el fondo hay más artistas que lugares de exhibición.

Universidad Austral de Chile, catalogada dentro de las cuatro más relevantes del país.

De todos los premios que ha recibido, ¿cuál ha sido el más significativo? Si bien todos los premios recibidos son importantes, lo que más destaco es haberme adjudicado un Metro Arte en la estación Baquedano. Lo considero relevante porque fueron convocados veinte artistas chilenos contemporáneos. Además, este fue un premio importante que me permitió utilizar tecnología nueva en mi desarrollo creativo. ¿Cómo definiría al sector artístico visual de la ciudad de Valdivia? Para mí Valdivia es una de las ciudades del sur que posee una cantidad importante de artistas, intelectuales y científicos de diversas disciplinas. Tiene una escuela de arte refundada, lo que la convierte en una ciudad interesante desde el punto artístico cultural. Posee escritores y músicos, así como también figuras en el teatro, cine y danza. Todo esto se ve reforzado por la

¿Cómo ha sido la experiencia de ser director del Museo de Arte Contemporáneo de Valdivia? ¿Cuáles han sido los desafíos más importantes? La idea nació como un proyecto en conjunto con unos ex compañeros de facultad. En ese entonces yo me encontraba en Santiago y queríamos proponer una forma de descentralizar el arte, volverlo más asequible a la comunidad, en especial traerlo al sur del país y para eso necesitábamos un lugar, que terminó siendo la ex cervecería Anwandter. Esto fue posible gracias a la voluntad del ex rector de la Universidad Austral, Sr. Manfred Max Neef, el apoyo sostenido de la universidad y también de la empresa privada. Todo esto sumado al apoyo de los artistas, ya que sin ellos no hubiese sido posible crear este espacio descentralizador. Más información del artista en www.hernan-miranda.cl

EXPOSICIÓN ANTOLÓGICA HERNÁN MIRANDA LUGAR: Museo Nacional de Bellas Artes DIRECCIÓN: Parque Forestal s/n FECHA: Del 9 de abril al 26 de mayo

PERFILARTE

Andrea Ringeling El origen del detalle Por Bernardita Garib, artista y escritora. Imagen cortesía de la artista.

• Detalle de Aitué, técnica mixta, 190 x 100 cm.

De formación autodidacta, esta artista nacional mostró desde pequeña interés por el arte. Hace más de diez años decidió dedicarse por completo a la pintura tomando talleres con maestros como Osvaldo Thiers y Jimena Lira. El trabajo de la artista es disciplinado y el taller, el refugio donde emerge su mundo interior. En él, da vida a sus lienzos vibrantes de color, donde las mantas de pueblos originarios son su tema principal. Vivir en el sur le dio la posibilidad de conocer al pueblo mapuche y el significado de sus objetos e iconografía, en especial las mantas y telares que con sus colores y texturas, la cautivaron. “Las mantas son de mi propia creación. No tengo modelos ni bosquejos. Desarrollo la tela a medida que la voy pintando”, explica. Así es como la artista

logra plasmar en detalle cada objeto y sus texturas donde el sisal, maderas y cordeles cobran un realismo sorprendente. Cabe destacar de su proceso creativo, el hecho de que Andrea da vida a las figuras y símbolos desde su propio imaginario. El detalle de cada objeto está en su mente como una fotografía y a través de diversos materiales como el óleo, acrílico, pastas y papel, les va dando vida en el lienzo. “Cada pintura me toma mucho tiempo ya que me cuesta encontrar el resultado que estaba buscando en mi mente”, nos cuenta. La artista acaba de exponer en París y actualmente está preparando su próxima participación en la feria de arte MAG, en Suiza, a fines de este año.

www.arteallimite.com/andrearingeling

P ERF IL AR T E

• Detalle de Rostro, técnica encáustica sobre tela, 40 x 50 cm.

Carolina Rodríguez LA CERA EN LA PLáSTICA CONTEMPORáNEA Por Soledad Cabello, periodista. Imágenes cortesía de la artista.

• Ascendencia Nº2, técnica encáustica sobre tela, 110 x 130 cm.

Después de cursar estudios universitarios de fotografía y arte, decidió que la pintura era su vida. Sin embargo, la vocación de Carolina Rodríguez (caRova) se despertó en su niñez, etapa que estuvo muy ligada a lo plástico, ya que su familia es coleccionista de antigüedades. Ese conocimiento lo complementó con lecturas, talleres de algunos artistas y restauradores, además de conversaciones con gente vinculada a las artes plásticas. Es ayudante del reconocido pintor Patricio de la O, con quien empezó a trabajar hace ocho años en su taller. Reconoce que las enseñanzas de su maestro, inconsciente y voluntariamente, han influido en su obra. La técnica que utiliza es encáustica, un trabajo artístico realizado con cera en caliente, aplicado sobre la tela. Su estilo lo define como expresionismo abstracto y se caracteriza, porque de cerca se ven solo manchas, pero al alejarse se forma el rostro o la figura. Sus fuentes de inspiración son generalmente sus propias fotografías. Actualmente está trabajando en unos retratos de sus antepasados, que encontró en los archivos de su familia. Además, se encuentra realizando una serie de obras denominadas Ascendencia, basadas en sus antepasados y en las grandes artistas chilenas contemporáneas.

http://www.arteallimite.com/carova

REPORTAJE

MAM Chiloé 25 años de independencia Lo que era una idea entre amigos, es hoy un museo que cumple 25 años desde su fundación. Quizás es así como debiera comenzar una buena historia: con cariño y fraternidad. Por Juan Yolin, periodista. Imágenes cortesía del MAM.

ines de los 80’, postrimerías de la dictadura militar: Coca González, Eduardo Feuerhake y Edward Rojas idean un proyecto orientado a la exposición de obras de gran tamaño, a tono con una vanguardia que buscaba generar canales de resistencia. Eduardo Feuerhake cuenta que en esos años que en esos años prácticamente no existían lugares donde se pudiera exhibir arte. “Esto era una idea loca, de amigos; pero asimismo, era una protesta que buscaba radicalizar las artes en Chile”, recuerda. Pero el hecho de que el museo terminara por construirse en Chiloé, en cuanto lugar físico, es casi irrelevante. Lo que importa es que el Museo de Arte Moderno de Chiloé se instala en una comunidad alejada, aislada de las políticas culturales, y con el tiempo se vuelve un espacio significativo tanto para la isla como para el extranjero.

instancias de financiamiento basadas en la confianza y el carácter comunitario. Las principales vías por las cuales se financia son la Sociedad de amigos del MAM (un grupo de personas e instituciones que aporta una cuota anual para su desarrollo) y los talleres de residencia, espacio donde colectivos y artistas de diferentes disciplinas usan las instalaciones para desarrollar su obra. Su directorio, al que se suman desde un principio Estanislao Jorquera y Luz María Vivar, trabaja en forma voluntaria. Es a través de estas dos directrices que el MAM se ha posicionado como uno de los principales referentes culturales a nivel regional. En sus instalaciones han expuesto tanto artistas destacados como emergentes: desde Nemesio Antúnez, Bruna Truffa y Arturo Duclos, hasta Felipe Santander, Gianfranco Foschino y Konstanza Scheihing, algunos de los cuales se encuentran expuestos en la muestra que celebra los 25 años de existencia de este museo.

Centro activo de arte contemporáneo Para Coca González, el espíritu de independencia es la clave del museo. “Eso es lo que nos caracteriza, pero mantener esa perspectiva no es fácil. Es una aventura y al mismo tiempo un riesgo”, dice. El MAM de Chiloé no cuenta con subvenciones permanentes, por lo que manejar un presupuesto consiste en desarrollar

Así, el MAM representa un caso atípico dentro del espectro de proyectos culturales. Desde 1988 hasta el presente, han expuesto más de 500 artistas, convocado alrededor de 100 mil asistentes y mantenido en bodega poco más de 400 obras, todo fruto de la voluntad mancomunada. Para Coca González, no obstante, la recompensa es otra: “La satisfacción más grande es cuando llega alguien y nos dice: ‘Yo soy artista, y lo soy gracias a ustedes’”.

â&#x20AC;˘ Vista externa del MAM

PERFILARTE

Daniela Ricciardi La fotografía como excusa para el desarrollo pictórico Por Valeria Solís T., periodista y escritora. Imagen cortesía de la artista.

• Detalle de Listas para la fiesta, 2011, batik, 90 x 65 cm.

Daniela Ricciardi tiene treinta años. Más de cinco los ha dedicado a la docencia, pero su pulsión interna está en sacar los secretos de las imágenes fotográficas. Lo que a primera vista pareciera ser una intervención fotográfica, para la artista no es más que un puente para llegar a plasmar en la pintura los ruidos de la imagen, lo borroso, lo sucio, lo que está velado. Es que esta joven licenciada en arte (U. de playa Ancha) disfruta y se moviliza experimentando, pero no a través de su propia imaginación, sino en una suerte de reciclaje de imágenes, donde conjuga la memoria personal y colectiva. “La pintura es mi trabajo y ésta se aleja de la fotografías como tal, mi experiencia en la obra es pictórica. Tomo y rescato imágenes fotográficas, las que utilizo de modelo para mi obra”, explica.

colectivas, obteniendo reconocimiento entre sus pares y críticos. Y si bien ha intentado desarrollar otras técnicas y experimentar distintas temáticas, siempre vuelve como un imán a ese pedazo de “papel viejo”. “La foto solo la ocupo de referencia. El resultado final es una pintura al óleo. La foto es una excusa”, aclara. Su referencia internacional es Gerhard Richter: “Me interesa la libertad con la que desarrolla su obra. Trabajó durante varios años con fotografías tomadas de periódicos o de su vida personal”. También destaca la versatilidad de Luc Tuymans y Do Ho Suh, que modifica la forma de mirar del espectador al presentar las obras colgadas desde los techos. Próximamente será parte de una colectiva en Casas de Lo Matta. Más información en www.tallerlineal.cl.

Sus trabajos han sido parte de una decena de exposiciones

www.arteallimite.com/danielaricciardi

P ERF IL AR T E

Pía Cortés Recorriendo la tela Por Javiera Calderón, periodista. Imagen cortesía de la artista.

Pía Cortés siempre sintió que su vida giraba en torno al arte, a lo estético. A los veinte años comenzó su carrera artística estudiando en talleres impartidos por Sergio Stitchkin e Isabel Lorca, entre otros. La artista exploró la figura humana y naturaleza muerta en óleo para después dedicarse a la técnica mixta ligada al expresionismo abstracto y al Batik, técnica milenaria de Indonesia de teñido por reserva. La transparencia, armonía y la inesperada creación de figuras es lo que le sorprende cada día de esta técnica, donde la búsqueda por nuevos colores aparece de forma mágica. “La conexión y la desconexión del mundo me apasiona, es expresar mi yo interior en la obra” explica la artista cuando se refiere a algunas de sus telas. El proceso creativo lo comparte en su taller, donde generalmente la acompañan sus hijos, quienes también tienen la misma inclinación hacia el arte. En febrero de este año expuso en Punta del Este y actualmente está preparando su participación en el lanzamiento del libro Anuario Latinoamericano de las Artes Plásticas, en Buenos Aires, el año 2014. Además, ha sido invitada a exponer sus obras en Nueva York y Londres.

• Detalle de Sin título, 2011, técnica batik, 130 x 115 cm.

www.arteallimite.com/piacortes

REPORTAJE

Of Bridges & Borders Intervención a escala ciudad Tanto por ser la primera vez que el artista chino Ai Weiwei expone en América Latina como por la instalación de obras de autores nacionales e internacionales, esta exposición establece un precedente en propuestas culturales de gran envergadura. Valparaíso, con su carga patrimonial y cultural, resulta el contexto ideal para recibir esta muestra.

Por Juan Yolin, periodista. Imágenes cortesía de Parque Cultural de Valparaíso y Rodrigo Arteaga. Agradecimientos especiales a Carmen Xu y Xu Ying.

i hubiera que definir Of Bridges & Borders habría que remitirse a la imagen de un puente que establece vínculos entre obra y audiencia. Esta iniciativa, ideada y curada por Sigismond de Vajay, es una exposición internacional marcada por la interacción de un diverso cuerpo de obras que comunica en tanto es más acontecimiento que discurso. Se trata de desconocer fronteras y levantar puentes de lectura para generar un espacio abierto, donde los asistentes se relacionen en forma intuitiva con obras que buscan suscitar actitudes de transformación en las condiciones de vida.

internacional, teniendo como eje nuestra preocupación primera: ciudad y territorio”, explica. Pero, ¿cómo se espera que la comunidad reaccione a una iniciativa de esta naturaleza? “Nosotros apuntamos a que estas obras produzcan una resonancia diferencial, donde cada una tiene autonomía para establecer las relaciones posibles. Todas tienen un grado inquietante, de extrañeza, que implica entrar en un lugar inesperado”, explica.

Para Justo Pastor Mellado, director general del Parque Cultural de Valparaíso, el objetivo de montar esta exposición en la ciudad-puerto es fortalecer la escena artística local. “Estamos poniendo obras de gran relevancia y significación

Sin duda, la carta fuerte de esta exposición es la obra To Pablo, primera participación del artista chino Ai Weiwei en Latinoamérica. Un gran lienzo desplegado en uno de los frontis de la ex galería de reos del Parque Cultural de Valparaíso que muestra un perfil de

Intervenciones urbanas

• Detalle de To Pablo, 2013, instalación de Ai Weiwei en el Parque Cultural de Valparaíso (ex cárcel).

• Vista de Spiral #3, 2013, de la dupla Lang/Baumann.

• Vista de El Coliseo de Valpo, 2013, de Séverine Hubard.

EXPOSICIÓN OF BRIDGES AND BORDERS LUGAR: Parque Cultural de Valparaíso y alrededores de la ciudad. DIRECCIÓN: Cumming s/n, Cerro Cárcel y calles de Valparaíso. FECHA: Hasta el 26 de mayo.

las islas Senkaku/Diaoyu de Valparaíso que muestra un perfil de las islas Senkaku/Diaoyu, acompañado de un verso que escribió su padre sobre Pablo Neruda. Desde China, Ai Weiwei cuenta que la amistad entre su padre y el poeta era muy profunda, relación que aparece en el libro Confieso que he vivido.

con la historia, con la decisión cercana al sacrificio. Entonces esa elección, de morir así, tiene que ver con atravesar esa frontera entre la vida y la muerte de una manera heroica. Es ahí cuando el mito es más fuerte que la propia vida”, dice. Muestra en sala

Ésta, su primera obra en nuestro continente, trabaja la disputa territorial entre China y Japón por estas islas deshabitadas, jugando con las nociones de identidad, soberanía, política y poesía. “La poesía implica un ritmo y un tiempo. Las artes visuales surgen de la imaginación que provoca en el artista un plano o un objeto físico. Esta obra es un plano bidimensional de unas islas situadas tierra adentro, y la contraposición entre el mar real y una reproducción en dos dimensiones tiene un efecto poético muy fuerte. Encima de las islas se pueden leer los versos de una antigua amistad. El conjunto ofrece muchas posibilidades a la imaginación”, dice Ai Weiwei. Sumado a la obra de Ai Weiwei, está la pieza Spiral #3 de la dupla suiza Lang/Baumann. Instalada en el Cerro Monjas, esta estructura blanca que sigue el eje de circulación del viejo ascensor ofrece a los espectadores lo que se podría considerar nuevos signos del paisaje y una modificación del mismo. Siguiendo esta línea, está la réplica del Coliseo Romano de la artista francesa Séverine Hubard, instalado en el estanque de agua frente al Parque Cultural de Valparaíso. Una obra irónica que traslada la carga simbólica de la antigüedad a un espacio actual y ajeno. Otra intervención a destacar es la obra Salvador del argentino Eduardo Basualdo: un sitio de excavación arqueológica situado en las afueras del parque cultural donde yacen los restos de un humano gigante. Para Basualdo, este es un homenaje a la ideología y generación de Salvador Allende. “Es una figura que se ve mucho más grande de lo que es; trasciende en el tiempo. Es un personaje que ha dialogado

Al interior del Parque Cultural de Valparaíso se encuentra en exhibición una muestra de sala que reúne a artistas de diversas nacionalidades, dentro de los cuales destacan las siguientes obras: Reacción, del argentino Jorge Macchi, es una delicada barrera colocada a la entrada de la sala. Fiel al estilo de Macchi, la barrera dista de resaltar en el espacio pero destaca por la sencillez de su composición y la carencia de iluminación. Similar a una “valla papal”, pone en entredicho la noción de frontera, al mostrarla como un objeto frágil para enunciar que, al menos las verdaderas barreras, no son físicas. Una de las obras más “emotivas” es la video instalación del alemán Till Roeskens, que trata sobre el conflicto israelí-palestino. Es una secuencia de mapas dibujados por palestinos y narradas por los mismos mientras delinean sus límites sobre un papel blanco. Listados, del artista español Ignasi Aballí, es la aparición de nombres de países en el diario El País, ordenado cronológica y alfabéticamente para mostrar las tipografías y manejo de información en cuanto a cuestiones territoriales. Al fondo de la sala se encuentra la instalación Mind Land, del artista chino Yuan Shun, que fue elaborada con la ayuda de cien niños de Valparaíso. Una reformulación de la Cordillera de los Andes compuesta por montañas de arena, que habla de la representación imaginaria de la frontera natural. Por último cabría destacar la torre de vigilancia incinerada del chileno Patrick Steeger, que aunque sea una versión a escala, se muestra imponente y lastimada: una autoridad territorial herida por la guerra.

Arte textil

Raquel Yuhaniak El arte de hacer vigente lo milenario Por Lorna Toselli, periodista. Imágenes cortesía de la artista.

Rescató de un baúl técnicas ancestrales, reactualizando en la línea del tiempo la sabiduría de siglos. Esta artista textil da origen a una obra contemporánea que ha estado presente en la VI Bienal de Arte Textil Contemporáneo de la WTA, en Europa, Estados Unidos, Latinoamérica, en el MNBA y en importantes galerías del país.

prendió a tejer cuando niña con clavos y pitilla que recogía en la mueblería de su padre. Raquel Yuhaniak o Rachi (58), hija de primera generación de inmigrantes judíos en Chile, escuchó desde entonces historias familiares sobre resiliencia, esfuerzo y emprendimiento. Es una exploradora innata e incansable. Sus inquietas manos la impulsaron a instalarse pacientemente a hilvanar movimientos internos en telares y a estampar sus dedos en la condescendiente cerámica gres. Con la técnica japonesa shibori, tiñe telas que, atadas o cosidas en algunas áreas denominadas “reservadas”, logran escabullirse de la tintura con que se aplica color al total del material. Desde hace una década que no ejerce su profesión, la arquitectura, ya que se volcó por completo al arte. “La gracia aquí es que imaginas algo, creas un sistema. Luego lo hago casi todo sola”, explica y convive perfectamente con esa soledad de su quehacer, porque si debe poner los clavos con que cuelga un telar, lo prefiere hacer con sus propias manos. Está siempre ávida de experimentar con múltiples materiales, entre ellos papel, seda, lino, fibras naturales, géneros, algodón, cáñamo y cobre, con el que se ha deslumbrado en el último tiempo. “Mi elección de los materiales tiene que ver con lo que deseo expresar y quiero generar, o con el interés que me produce un material específico”, afirma Yuhaniak. Y esta diversidad de materiales que utiliza es parte de su curiosidad, la que se confirma con la diversidad de talleres que ha tomado a lo largo del tiempo. Seis años en el taller de telar con Carolina Yrarrázaval le permitieron sentir, según sus palabras, que tenía en ese lugar un espacio propio y auténtico, donde estar consigo misma en la creación: “Ahí siento que soy capaz de todo lo que me proponga”. Luego, la ceramista de gres Joan Morrison le entregó una herramienta más para incorporar en su obra figuras arcillosas.

• Follaje, 2009, sobremesa tejida en telar vertical con lino, hilo de cobre y elementos de gres, 42 x 88 x 8 cm.

• Detalle de Caos, belleza y color, 2011, mural en base a papel, lino y arpillera, 80 x 180 cm.

• Detalle de Interacción, 2011, mural de lino con hilo y lamina de cobre, arpillera, seda y aplicaciones de gres, 80 x 180 cm.

El shibori lo descubrió con Inge Dussi y el artista textil Jorge Fredes, quien le mostró el camino del papel artesanal y la pintura en seda. Todas estas enseñanzas están al servicio de su proceso creativo. “Es algo misterioso. No es algo totalmente manejable, una parte la pones tú con tu intención, la otra con tu capacidad y otra, que me parece la más interesante, es como tú manejas tus limitaciones”, comenta Yuhaniak.

to “habla” la creación. Desde hace algunos años no solo “habla” su obra, sino que también es ella quien usa su voz y, como siempre, sus manos, para enseñar arte textil: “Me han llenado de satisfacción (mis alumnas). Muchas de ellas logran niveles muy importantes de desarrollo, lo que me llena de orgullo por sentir que he sido capaz de transmitir no solo el conocimiento, sino también el entusiasmo por este bello trabajo”.

Rachi, como la llaman desde pequeña, piensa que más allá de la belleza de una obra, le importa sobre todo su expresión, en cuan-

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ferias

lima de capital gastronómica a punto de encuentro de arte contemporáneo A la ya reconocida Lima Photo se suman este años dos nuevas apuestas de ferias de arte contemporáneo a la capital peruana. Art Lima y PArC preparan su debut para este mes y esperan sorprender a críticos, coleccionistas, público y artistas. Distintos chilenos estarán presentes durante abril en Lima a través de diversas galerías. Por Paulina Sepúlveda, licenciada en arte y gestora cultural. Imágenes cortesía de Art Lima, Galería Isabel Anitat y Galería Artespacio.

demás de ser reconocida por su excelente gastronomía, la ciudad de Lima está actualmente apostando por convertirse en un eje de arte contemporáneo sudamericano.Las novatas Art Lima y PArC (Perú arte contemporáneo) abrirán sus puertas durante abril y vienen a complementar Lima Photo, la más reconocida feria peruana, que se realizará en agosto de este año. Ambas novedades servirán para posicionar a Perú en el plano artístico internacional, entregándole identidad y plataforma de intercambio cultural. “En lo comercial, las ferias ayudan a formar mercado y a establecer precios”, comenta Gastón Deleau, gestor cultural y organizador de PArC. La ciudad ofrecerá a los visitantes peruanos y extranjeros una gama de oportunidades para celebrar el arte, entre éstas, diversas actividades gratuitas en espacios públicos, galerías, museos y otras instituciones culturales, públicas y privadas. De esta forma, la vida cultural limeña será intensa en el mes de abril para cualquier amante del arte. Arte al Límite no podía estar ausente y será partícipe de ambas ferias. Art Lima (25 al 28 de abril), es la primera feria internacional de arte de Lima. En ella participan galerías nacionales y extranjeras en torno a las que reúnen artistas plásticos y visuales, coleccionistas,

curadores, críticos, periodistas de todo el mundo y público en general. Art Lima será el catalizador de otras actividades culturales en la ciudad, lo que facilita el acceso y creación de nuevos públicos, no solo en lo que respecta a compradores y coleccionistas, sino también de espectadores atraídos por los programas educativos. Art Lima es una plataforma de intercambio entre propuestas de arte nacional e internacional y que propone establecer y posicionar a las prácticas y actividades artísticas de Perú dentro del activo mercado internacional del arte contemporáneo. De forma simultánea, se desarrollará la también nueva feria PArC (24 al 28 abril), la primera feria de arte actual que se desarrolla en Perú. Esta feria está creada por los mismos organizadores de la exitosa Lima Photo, quienes preparan esta feria mucho más ambiciosa en el Museo de Arte Contemporáneo de Barranco, y en donde participarán diez galerías peruanas y alrededor de treinta galerías extranjeras, siendo la Galería Isabel Aninat la representante de nuestro país. PArC es una plataforma importante de legitimación, donde los artistas tienen la oportunidad de mostrarse, así como la gente que a veces no tiene tiempo de ir a recorrer las galerías, aprovecha para ver una amplia oferta en los días que dura la feria.

• Harry Chávez, detalle de Sacerdote Chavín, 2013, fantasía sobre MDP, 120 x 200 cm.

• José Basso, Campo amarillo II, 2012, óleo sobre tela, 76 x 102 cm.

Durante este mes, nos encontramos en otras ciudades del globo con interesantes ferias internacionales, como Zona Maco (10 al 14 de abril), en Ciudad de México, la cual celebra su décima edición este 2013. Chile estará representado en este espacio, consolidado como la ventana al arte contemporáneo más importante de América Latina, por la Galería Patricia Ready. Con un crecimiento paulatino, la feria mantiene la presencia de expositores, coleccionistas y galeristas de diferentes partes del mundo, generando una presencia importante en el arte contemporáneo internacional. Cruzando el océano, nos topamos con Art Mónaco (25 al 28 de abril), reconocida por presentar una exquisita y variada selección de artistas. Entusiastas del mundo del arte y amantes del glamour y el lujo, se darán cita en una de las mejores y más cotizadas regiones del mundo. Con un enfoque a galerías, instituciones culturales y críticos de arte, Art Mónaco presentará una serie de eventos adicionales que harán de este evento único en su género. Y por último, pero no menos importante, se llevará acabo Art Brussels

(18 al 21 de abril), la cual trae a más de 180 galerías de arte contemporáneo de todo el mundo, más de dos mil artistas, internacionales y reconocidos, como a jóvenes promesas; treinta mil amantes del arte contemporáneo y famosos coleccionistas belgas. Art Brussels tiene la reputación de ser uno de los líderes europeos de las ferias de arte contemporáneo. Un evento imperdible para todos los amantes del arte. Como es costumbre, Arte Al Límite estará presente en todas estas ferias.

En Art Lima y PArC estarán presentes distintos artistas chilenos, entre ellos Manuela VieraGallo, José Basso, Catalina Mena, Pablo Jansana, Francisco Bustamente, entre otros. A la cita asisten las galerías Isabel Aninat, Animal, Patricia Ready, Artespacio y AFA. También estará presente con un stand en Art Lima la Asociación de Galerías de Arte Contemporáneo (AGAC).

P ERF IL AR T E

Teresa Haeussler El movimiento como expresión Por Equipo Arte Al Límite. Imagen cortesía de la artista.

Desde pequeña a Teresa le interesó el volumen. Le gustaba ver las sombras que proyectaban las cosas modeladas en greda y talladas en madera que ella misma realizaba. Siempre supo que quería ser escultora, por lo que decidió estudiar arte en la Universidad Católica, con mención escultura para luego perfeccionarse en Barcelona. Como soporte principal de su obra, la artista elige la madera por su característica de ser noble y cálida, algo esencial en sus esculturas. A su vez, utiliza el bronce, metal noble y firme, similar a la madera en ese aspecto, que le permite realizar trabajos de mayor libertad de movimiento. El cuerpo humano y sus formas siempre le han atraído, por ello recurre a la mujer y a las formas que tiene su cuerpo como protagonistas de su obra. Utiliza el cuerpo como medio de expresión para poder enseñar distintos sentimientos y sensaciones a través de éste. “He recurrido mucho al movimiento del cuerpo femenino, aprovechándome de él, estirándolo y desproporcionándolo para poder enseñar lo que busco, a través de sus formas redondas y cálidas”, señala la artista. Luego de utilizar el cuerpo desnudo comenzó a vestirlo, aprovechando el movimiento de sus ropas para potenciar su trabajo; lo que posteriormente llevó a que terminaran bailando. Así, solo con la expresión del movimiento, sus bailarinas revelan paz, tranquilidad y pureza.

•Detalle de En el cielo, bronce y concreto, 30 x 50 cm.

www.arteallimite.com/terehaeussler

Artfacts Data Series _ #132 _ Data generated: 21.3.2013

ArtFacts.Net : 25,912 exhibitors worldwide

494,663 exhibitions worldwide

300,158 ranked artists

The Artist Ranking is the leading research tool for tracking artist careers and trends in the art market.

Entrevista

eliana Simonetti El gesto como huella Por Paulina Sepúlveda, licenciada en artes y gestora cultural. Imágenes cortesía de la artista.

• Detalle de Grafía, 2013, calor aplicado con cautín sobre piantina, 135 x135 cm.

• Detalle de Cruz, 2013, calor aplicado con cautín sobre piantina, 135 x 135

Acaba de inaugurar A Fojas Cero en la Galería Isabel Aninat, una muestra que marca el retorno a sus inicios en el arte. En ésta busca revivir esa energía vital que comprometía su cuerpo físico y espiritual con la obra. Luego de Arbolario, su penúltima exposición, Eliana sintió que cumplió un ciclo y que era necesario hacer una revisión más profunda para volver a encontrarse con la obra y retomar esa interacción, ese diálogo donde el gesto fluía -a veces descontrolado, otras azaroso- provocando el cruce entre el cuerpo de la obra, el cuerpo de la pintura y el cuerpo humano.

¿Cómo llegaste a conocer el cautín y qué fue lo que te atrajo de éste? En mi condición de arquitecto, el cautín lo conocía desde siempre. Es una herramienta que emite calor y que se utiliza mucho en la construcción. Al darme cuenta que con calor podía derretir telas sintéticas, inmediatamente pensé en los pirógrafos, pero éstos me limitaban mucho, ya que eran para trabajos muy finos. El cautín me da una mayor amplitud de recursos, posee diferentes temperaturas y dimensiones, además del reto de domar una herramienta tosca que era como un caballo chúcaro. Esto me obligó a soltar mis gestos, a trabajar con el azar, a retomar esa informalidad propia de mis inicios en el arte.

En A Fojas Cero vemos cómo la técnica, por medio del cautín, toma el protagonismo de la obra, convirtiéndose en su escritura, en su grafía, en su huella. Cuéntanos sobre el gesto gráfico como escritura y el soporte. Es una vuelta al origen de mi escritura, donde la mano no logra dominar el lápiz, permitiendo que la grafía adquiera su propia identidad. La escritura como signo abstracto, como gesto gráfico y corporal de identidad personal, que se contrapone con la escritura mecánica y anónima de un computador. Desligada de su sentido previo, se transforma en un gesto abierto a nuevos significantes. ¿Qué significa para ti la huella? La huella es mi escritura, mi lenguaje, mi identidad. La que deja mi gesto, el cual aflora sea cual sea la herramienta a utilizar para trabajar; y que me remite al origen. A lo primigenio.

¿Qué es para ti la quema del cautín y la huella que éste va dejando? Es un nuevo aprendizaje, ya que sustituyo el método clásico de la pintura donde el soporte es mero receptor. Al aplicar calor, éste interactúa con él, lo derrite, agrieta, hiere y provoca, develando su ser más profundo y abriéndome un mundo de posibilidades. La temperatura, la presión que ejerzo, el tamaño de la herramienta, van penetrando el soporte, configurando una huella mediante el procedimiento de quema, que afecta directamente la tela, entendida para este efecto como un símil de piel. Tensiono materiales y herramientas que provienen de mundos ajenos al arte y que se enfrentan al interior de la obra.

www.arteallimite.com/elianasimonetti

Jorge Martínez Grabador, pintor y profesor de filosofía. Su obra la define como “una conjunción de caminos temáticos y expresivos en el límite entre la figuración y la no figuración, donde lo orgánico estructura una composición abigarrada”. Ha sido integrante de los talleres de grabado de La Casa de la Cultura Ecuatoriana (Quito, 1985), Taller Grafi-K (Quito 1986-1988) y Taller 99 (1992-1994).

Por Equipo Arte Al Límite. Imagen cortesía del artista.

El arte como trabajo es… Inmediación, percepción y acción directas. El arte como pasión es… Inevitable. Es la inevitabilidad del impulso creativo. La obra nos domina, se impone como evidencia. El arte en Chile hace 30 años ¿Más “natural”? ¿Más ingenuo, quizás? El estado actual de las artes en Chile Excelente. Lo que es “arte”, claro. Pero, ¿qué es arte en este momento y en este lugar? Es una pregunta que habría que responder primero. El rol del artista en la sociedad Es la creación de obras poderosas, auténticas y profundas. El artista contribuye al desarrollo de una sociedad que, como la nuestra, adolece de falta de autenticidad. Es una cuestión de identidad en un mundo cada vez más despersonalizado. La crítica de arte en Chile Para hablar sobre arte hay que conocer los ámbitos que le son propios: técnicas, lenguajes, procesos y problemáticas. En general, descontando las excepciones, nos falta una mediación más crítica y sabia. Iniciativas positivas para el campo del arte chileno Promover la enseñanza del dibujo artístico, eje central y fundamental del desarrollo de las artes visuales y plásticas.

Iniciativas negativas para el campo del arte chileno Mirar demasiado hacia afuera. Hay que estar abierto a la crítica foránea, hacia sus influencias renovadoras, pero, a la vez, saber contraponer la madurez de una propuesta propia. ¿Qué ideas foráneas traerías al campo del arte nacional? La disciplina del trabajo artístico y el desarrollo del oficio. Artistas emergentes que llamen tu atención Los nuevos exponentes de Europa del Este, quienes han conservado lo mejor del dibujo académico junto a una poderosa expresividad. Entre ellos: Beksinski, Dado y Lyuba, que ya son maestros. Exposición reciente que te haya parecido interesante La de grabados de Rembrandt. Su maestría reúne expresividad, soltura y depurado oficio. ¿Quiénes son tus referentes? Entre los clásicos: Grünewald, Leonardo y, obviamente, Rembrandt, pero también Goya, Turner y James Ensor. Entre los contemporáneos: Antonio López, Balthus, Zoran Music y Gerhard Altenbourg. ¿En qué proyecto estás trabajando en el presente? Estoy pintando y grabando a la vez, trabajando en torno a la misma temática: la saturación del espacio visual. Estoy llevando lo barroco hacia un límite expresivo, rompiendo con la noción de composición clásica, explorando los mundos que esta composición no utiliza o recubre de un orden aparente.

rosen.cl

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