Revista julio - agosto Ed. 73

ISSN 0719-2878

Portada: Eckart Hahn Drew Tal Sandra Cinto Titus Kaphar Tomรกs Ochoa Trevor Paglen

Editorial

El dominio de la técnica en la pintura es esencial para lograr una buena obra visual. Esto, junto al virtuosismo de cada pintor relativiza el tiempo para que el objeto final esté logrado, pero en cada obra hay algo más, una mirada, un mensaje o un lenguaje a descubrir.

Mastery of technique in painting is essential to achieving a good visual piece. This, along with the virtuosity of each painter plays down time in order to achieve the final object, but in each work there is something more, a gaze, a message or a language to be discovered.

En esta edición encontramos diversos artistas que han logrado un excelente dominio en uso de la pintura, que logran comunicar, expresar y hacer sentido a través de un trabajo arduo que a veces toma meses finalizar.

Entre ellos, Eckart Hahn, quien lejos de las sutilezas mezcla naturalezas muertas con colores llamativos para que el espectador se vea obligado a tomar postura frente a las realidades que representa.

This edition includes diverse artists who have attained an excellent grasp on how to use paint, who are able to communicate, express and make sense through arduous work that sometimes takes months finish. Among them, Eckart Hahn, not in a subtle way, mixes still lifes with bright colors so the viewer is forced to take a stance on the realities he depicts.

Y entre estas mezclas u oposiciones podemos leer al artista norteamericano Titus Kaphar, quien rompe literalmente con la Historia, con el arte clásico y las Bellas Artes para develar un fondo en el que hay otra realidad, esa historia no contada como la busca traer a colación Tomás Ochoa con el rescate de la vida de los mineros, la historia no oficial, la historia no contada.

And between those mixes or oppositions we can read about North American artist Titus Kaphar, who literally breaks away from history, classical art and fine arts to reveal a world that contains another reality; that untold story as Tomás Ochoa seeks to bring up through the rescue of the miners’ lives, the unofficial history, the untold history.

Al respecto, también atrayendo al pasado, Ana Negro juega con la imagen figurativa, con una realidad imaginaria que nos recuerda la tortura y el genocidio de la segunda guerra, transmitiendo un mensaje a las futuras generaciones para que los hechos no se repitan y la consciencia se genere de manera radical.

Regarding this, Ana Negro, who also draws from the past, plays with the figurative image, an imaginary reality that reminds us of torture and genocide from the Second World War by conveying a message to the future generations so the facts don’t repeat themselves and awareness is drastically created.

Pero revivir historias en el arte no lo es todo, así podemos ver otros artistas que crean verdades surreales como Marcelo Suaznabar, o como Jairo Robinson quien a través de la pintura geométrica, junto a Sara Carter logran mostrar el color y el juego de las formas mediante la superposición de ángulos, de cuadrados en los cuadros de pintura, que con la capa sobre capa crea un efecto visual difícil de encontrar.

However, reliving history from art isn’t everything. We can see other artists who create truly surreal work like Marcelo Suaznabar, or Jairo Robinson or Sara Carter, who, through geometric paintings, are able to show color and the play of shapes by superimposing angles and squares in paintings, where the many layers create a rarely seen visual effect.

La pintura se mueve por diversos rincones acaparando un sinfín de temáticas, revolviendo en la historia, explicando lo que no vemos o no quisimos ver al momento de tomar la pluma y el papel y retratar con la palabras lo que acontecía. La pintura, se mueve entre estas páginas gracias al dominio de los artistas que saben innovar, expresar y dominar la técnica pictórica.

Painting is driven by diverse reasons which hold an endless number of topics, stirring through history, explaining what we see or choose not to see when picking up pen and paper and writing down what was happening. Painting shifts between those pages thanks to the mastery of the artists, who know how to innovate, express and master pictorial techniques.

Ana MARÍA MATTHEI DIrectora | Director

Colaboradores / Contributors

demetrio paparoni

julio sapolnik

Crítico y Curador de Arte | Art Critic and Curator Italia | Italy

Licenciado en Historia de las Artes | Art History Graduate Argentina | Argentina

Nació en 1954, en Siracusa. Fundó la revista de arte Tema Celeste y la Casa Editorial Homónima. Es curador y crítico de arte. Ha realizado numerosos documentales para Rai Educational. Colabora con ArtChina (Shanghai) y Arte Al Límite.

Nació en Buenos Aires. Es Máster en Cultura Argentina, director del Palais de Glace y Curador de Arte. Crítico en los diarios Clarín, Página 12, y conduce el programa “Cultura al Día”, en Metro, Argentina.

Born in 1954, Siracusa. He founded the art magazine Tema Celeste and the homonymous publishing house. He has developed several documentaries for Rai Educational.

He is a contributor for ArtChina (Shanghai) and Arte Al Límite.

Born in Buenos Aires. He has an MA in Argentinian Culture, directs the Palais de Glace and is an art curator. He writes critics for the Clarín and Page 12 newspapers and hosts the show “Cultura al día” in Metro, Argentina.

laeticia mello

PÍA CORDERO

leticia abramec

natalia vidal toutin

Crítica de Arte | Art Critic Argentina | Argentina

Escritora e Investigadora | Writter and Researcher Chile | Chile

Lic. en Ciencias de la Comunicación Social | Social Communication Studies Graduate Argentina | Argentina

Periodista | Journalist Chile | Chile

Nació en 1983, en Buenos Aires, reside actualmente en Barcelona.

Ejerce como Curadora Independiente, Crítica de Arte y Profesora de Historia del Arte. Además, es colaboradora permanente de Arte Al Límite.

Nació en Buenos Aires, en 1982.

Actualmente reside en Santiago de Chile. Estudió en la Universidad de Chile y cursa estudios de Doctorado en Filosofía en la PUCV. Escribe e investiga sobre arte contemporáneo en diversos medios.

Nació en Buenos Aires, en 1985, ciudad donde reside. Sus estudios profesionales, los realizó en la Universidad de Buenos Aires. Es redactora, productora de arte y medios de comunicación. Además, colaboradora de Arte Al Límite.

Nació en Santiago de Chile en 1990, ciudad donde reside actualmente. Estudió en la Pontificia Universidad Católica, y es directora de La Plumería, Letras. Colabora permanentemente en la revista de Arte Al Límite.

Born in the year 1983, Buenos Aires, she currently lives in Ba rcelona. She works as a n independent curator, art critic and teacher of Art History. Also, she is a permanent contributor for Arte Al Límite.

Born in Buenos Aires, 1982. Currently, she lives in Santiago de Chile. She studied at Universidad de Chile and, at the present, she is studying for a PhD in Philosophy at PUCV. She does research and writing on contemporary art for several media.

Born in 1985, Buenos Aires, city where she currently lives. She received her professional education at the Universidad de Buenos Aires. She’s an editor, art and communication media producer.

Also, contributor for Arte Al Límite.

She was born in the year 1990, Santiago, city where she currently lives. She studied at the Pontificia Universidad Católica de Chile, and directs La Plumería Letras.

She’s a permanent contributor for Arte Al Límite magazine.

Nadia Paz

JAVIERA ROMERO m.

luciana acuña

Francesco Scagliola

Periodista | Journalist Italia | Italy

Periodista | Journalist Chile | Chile

Historiadora del Arte y Curadora | Art Historian and Curator Argentina | Argentina

Licenciado en Letras y Filosofía | Letters and Philosophy graduate Italia | Italy

Nació en 1986, en Buenos Aires donde actualmente reside.

Licenciada en Ciencias de la Comunicación de la Universidad de Buenos Aires y Artista Plástica, es discípula de Anna Rank y curadora de arte.

Nació en 1989 en la región de Coquimbo. Estudiante de Comunicaciones en la P. Universidad Católica de Chile. Cantante y guitarrista de la banda de rock experimental Va la paloma y artista autodidacta.

Nació en Buenos Aires, en 1977. Estudió Bellas Artes en la Universidad Nacional de La Plata, y luego en la Universidad del Museo Social Argentino. Es redactora de contenidos y docente de Arte Latinoamericano.

Nació en Bologna en 1985. Actualmente reside en Santiago de Chile. Estudió en la Universidad de Bologna, y Periodismo en la Universidad de Parma, posee un Master en Periodismo Cultural en la Universidad CEU San Pablo de Madrid.

She was born in 1986, Buenos Aires, where she currently lives in. She has a degree in Communication Studies at the Universidad de Buenos Aires.

She's a visual artist, disciple of Anna Rank, and an art curator.

She was born in 1989 in the Coq u i m bo Reg ion. St udent of C om mu n ic at ion s at t he Universidad Católica de Chile.

Singer and guitarist for the experimental rock band Va la Paloma and self-taught artist.

Born in Buenos Aires, 1977.

She studied Fine Arts at the Universidad Naciona l de La Plata, and afterwards, at the Universidad del Museo Social Argentino. She’s a copywriter and Latin American Art teacher.

Born in Bologna, 1985. He currently lives in Santiago, Chile. He studied at the Universidad de Bologna and Journalism at the Universidad de Parma. He has an MA in Cultural Journalism at the Universidad CEU San Pablo, Madrid.

sandra fernández

MACARENA MERIÑO

Constanza bellet

CAMILA LONDOÑO

Periodista | Journalist Colombia | Colombia

Licenciada en Arte | Art graduate Chile | Chile

Licenciada en Literatura | Literature graduate Chile | Chile

Periodista |Journalist Colombia | Colombia

Nació en Bogotá, desde donde se dedica a la escritura y al periodismo cultural, trabajó en la revista Cartel urbano, colaboradora de la revista Inkult Magazine y voluntaria en Espacio Odeón de Bogotá.

Fotógrafa y teórica. Licenciada de Arte de la Pontificia Universidad Católica de Chile. Se ha especializado en arte contemporáneo y crítica en la Universidad de Maastricht.

Ha trabajado para entidades relacionadas al arte en europa y Chile.

Nació en 1981. Estudió Literatura con Mención en Escritura Creativa en la Universidad Diego Portales.

Trabaja en el área de edición y corrección de textos. Ha publicado en medios literarios y vinculados al periodismo cultural.

Nació en 1989. Atraída por la cultura chilena, llegó a Santiago de Chile, donde trabaja como encargada de comunicaciones. Ha sido redactora, colaboradora y editora de varias revistas culturales.

Born in Bogotá, where she’s dedicated to writing and cultural journalism. She worked in the magazine Cartel Urbano, was a contributor to magazine Inkult Magazine and volunteer at center Espacio Odeón de Bogotá.

Photographer and Theorist.

Art Graduate from Pontificia Universidad Católica de Chile. She specialized in contemporary art and critique in Maastricht University; and has worked for art-related institutions in Chile and Europe.

Born in 1981, she studied Literature with a specialization in Creative Writing in Universidad Diego Portales. She works in the areas of textual correction and edition, and has published works in press related to literature and cultural journalism.

She was born in 1989. Attracted by the Chilean culture, came to Santiago of Chile, where she works as communications manager. She has been an editor, contributor and publisher of several cultures magazines.

CIUDAD DE MÉXICO MEXICO CITY CENTRO BANAMEX SALA D / HALL D www.zonamaco.com info@zonamaco.com

Sumario / Summary

DIRECTORES Ana María Matthei Ricardo Duch DIRECTOR COMERCIAL Cristóbal Duch DIRECTORA DE ARTE Catalina Papic PROYECTOS CULTURALES Camila Duch EDITORA GENERAL Kristell Pfeifer EDITORA Elisa Massardo DISEÑADORAS GRÁFICAS Javiera de la Fuente Lía Alvarado PERIODISTA Daniela Sánchez M. ASESORES Benjamín Duch Jorge Azócar Ignacio del Solar REPRESENTANTES INTERNACIONALES Alfredo Ginocchio (México) Julio Sapollnik (Argentina) jsapollnik@gmail.com Manuel Munive (Perú) manuelmunive@yahoo.es REPRESENTANTE LEGAL Orlando Calderón TRADUCCIÓN INGLÉS Jonathan Anthony SUSCRIPCIONES 56-2-2955 3261 suscripciones@arteallimite.com IMPRESIÓN Maval, Editora e Imprenta DIRECCIONES Chile / Camino Agua del Carrizal 9497.

Lo Barnechea, Santiago de Chile. www.arteallimite.com VENTA PUBLICIDAD 56-2-2955 3261 info@arteallimite.com ventas@arteallimite.com Derechos reservados Publicaciones Arte Al Límite Ltda.

PORTADA: ECKART HAHN Serenity, 2012, acrílico sobre tela, 200 x 140 cm.

Colección privada, Alemania.

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@arteallimiterevista

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92

Eckart Hahn

Guillermo Conte

Extrañeza del preciosismo

De la expedición al tango

22

98

Drew Tal

Jairo Robinson

La unión en el sujeto

Portales geométricos y tintes inverosímiles

30

104

Sara Carter

Jorge Castilla-Bambarénl

La potencia del color

Una obra contra la corriente

36

108

Trevor Paglen

Josué Castro

El arte por el arte, ingeniería por ingeniería

El claro-oscuro de hedonismos encarnados

44

114

Tomás Ochoa

Jerónimo Villa

Con el rostro hacia el pasado

Entre el sonido y el silencio

54

118

Sandra Cinto

Marcelo Suáznabar

Tempestad nocturna

El mundo real en su composición inversa

60

124

Titus Kaphar

Ana Steinnekker

The strangeness of preciosity

The union within the subject

The power of color

Art for Art’s Sake, Engineering for Engineering’s Sake

With the face against the past

Nocturnal turmoil

From expedition to tango

Geometric portals and unbelievable colors

Art against the mainstream

The chiaroscuro of embodied hedonism

Between sound and silence

The real world in his inverse composition

“Mis personajes están dictando la Historia”

Del punto a la creación

“My characters are telling History”

From the point to creation

66

130

Catalina Pérez W.

Fabián Ciraolo

Cara a cara

Fuera de juicios

72

136

Lorena Noblecilla

Ana Negro

Romanticismo racional

Sine materia: Opacidad del cuerpo

78

142

Juana Gómez

Silvina Resnik

La raíz de los múltiples cruces

El devenir de la frescura

Face to face

Rational Romanticism

The origin of multiple crossroads

86 Evelyn Bencicova Componiendo con piel Composing with skin

Outside of judgments

Sine materia: opacity of the body

The progression of the novelty

GASTON UGALDE TRABAJOS RECIENTES

JULIO 16 2015 19:00 PM SALAR GALERIA DE ARTE WWW.SALART.ORG

14 . 15

Alemania | Germany Pintura | Painting

Eckart Hahn Extrañeza del preciosismo The strangeness of preciosity Ya lo dijo Aby Warburg: “Dios está en los detalles”. Como una premisa al contemplar las obras de Eckart Hahn, se me vino inmediatamente a la mente esa frase paradigmática. Preciosista en su factura, ningún detalle queda librado al azar. En una yuxtaposición de elementos disímiles, que sin embargo no resultan incómodos a la mirada del espectador contemplativo, sólo una sensación de extrañeza.

Aby Warburg already said it: “God is in the details.” As a premise to study Eckart Hahn’s work, that paradigmatic phrase immediately came to mind. Precious in its construction, no detail is left to chance. In a juxtaposition of dissimilar elements, that are nonetheless comfortable to the contemplative viewer’s gaze, there is only a sensation of peculiarity.

Por Luciana Acuña. Historiadora del arte y curadora (Argentina).

Imágenes cortesía del artista y Galerie Wagner + Partner.

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Sin embargo la idea del gabinete de curiosidades ronda en mi cabeza cada vez que veo esos hermosos animales acompañados de teatrales contextos, pero desde una perspectiva contemporánea: ¿Cómo sería un artista victoriano adaptado a nuestra realidad? La imagen de otro tiempo es ineludible a la hora de intentar analizar el trabajo de Hahn, las citas a la historia del arte, su mirada ilustrada de la vida, la composición exquisita a la hora de elegir la paleta de colores, nada es casual ni azaroso, todo se supone rigurosamente pensado y estudiado.

However, the idea of the cabinet of curiosities lingers in my head every time that I see those beautify animals together with a theatrical context, but from a contemporary point of view: What would a Victorian artist adapted to our reality be like? The image of another time is inevitable when trying to analyze Hahn’s work, the references to art history, his enlightened stance on life, and the exquisite composition when choosing his color palette. Nothing is by chance or luck, everything is assumed to be meticulously thought out and studied.

on un corpus de obras fuertemente ligado a un universo personal, se hace complejo desentrañar significados o simbolismos. Lo que sugiere que la percepción del espectador queda sujeta a su propia subjetividad. En relación a esto el artista me comenta que no posee filiaciones artísticas que condicionen su trabajo a la hora de desarrollarlo ya que, en realidad, al ser una persona curiosa, son muchas las cosas que lo inspiran.

ith a body of works strongly tied to a personal universe, it is hard to figure out meanings or symbolism. It is that which suggests that the viewer’s perception is subject to his or her own subjectivity. In regards to this, the artists tells me that he doesn’t have artistic affiliations that condition his work at the time of executing it since actually being a curious person, there are many things that inspire him.

Owl and artichock, 2010, acr铆lico sobre tela, 60 x 50 cm. Colecci贸n privada, Londres.

Tale, 2011, acr铆lico sobre tela, 80 x 60 cm. Colecci贸n Halke.

Hypnotic (60°), 2013, acrílico sobre tela, 100 x 80 cm. Colección privada, Miami.

Nacido en Friburgo/Brisgovia, Alemania en 1971, Eckart Hahn posee una flamante carrera de artista que comienza a desarrollar casi a sus treinta años. Con una potente producción, sus primeros pasos en el ámbito artístico los ha hecho de manera contundente. En casos como este, la trayectoria no es lo importante ya que su trabajo habla por sí mismo de una pulsión creativa irrefrenable.

Born in Freiburg/Breisgau, Germany in 1971, Eckart Hahn has had a stunning career as an artist that began to take shape around his 30s. With a strong production, he boldly took his first steps in the artistic environment. In cases like this, the career path isn’t what is important since his work speaks for itself from an unstoppable creative drive.

Definiéndose casi autodidacta, cabe mencionar que en su formación académica se registran el estudio de la Fotografía y la Historia del arte. Cuestiones que por más que el artista no las asocie a la hora de desarrollar su obra, son ineludibles al contemplar su trabajo. Creo que sería acertado considerarlas como el punto de partida de sus indagaciones plásticas. En cuanto al rol de la fotografía, podría afirmar que la observación detallada sea quizás ese disparador y que para la historia del arte entraría en juego la resemantización de las temáticas tradicionales.

Defining himself as almost self-taught, it should be mentioned that in his academic education he studied photography and art history. Issues that even the artists doesn’t associate to the work when executing it, are unavoidable when seeing his work. I believe that it would be correct to consider them as a starting point for his artistic investigations. Regarding photography’s role, we could state that detailed observation is perhaps that trigger and for art history, the resemantization of traditional subject matter comes into play.

Es en este juego de yuxtaposición de perspectivas y curiosidades donde lo tradicional se vuelve contemporáneo en una nueva relectura, incluso de la pintura por la pintura misma. En su reciente obra Van Eyk, vemos en la esquina superior de la obra, el recorte de una parte del vestido que viste la figura de la dama en la conocida pintura El matrimonio Arnolfini, del pintor flamenco Van Eyck. Fechado en el año 1434, dicha pintura retrata el supuesto matrimonio llevado a cabo fuera del ámbito de la iglesia y en donde el artista oficia como testigo del mismo.

It is within this game of juxtaposition of perspectives and curiosities where the traditional becomes contemporary in a new reinterpretation, even of the painting by the painting itself. In his recent work Van Eyk, we see in the upper corner of the work, a cut out of a part of the dress that clothes the figure of the lady in famous painting The Arnolfini Portrait, by the Flemish painter Van Eyck. Dating back to 1434, said painting depicts the supposed marriage held outside of the realm of Church and where the artist acted as a witness.

En el ámbito de los estudios iconológicos, dicho vestido en su forma abultada y color, aludían a la fertilidad y el deseo de la maternidad como destino de la vida de la mujer. Lo paradójico fue que la retratada, Jeanne Cenami, nunca pudo ser madre. Sin embargo lo destacable de esta pintura, además de ser promisoriamente cargada de múltiples simbolismos, es que es uno de los mejores ejemplos de la majestuosidad de la pintura flamenca. No es casual que Eckart Hahn la utilice como punto de partida para una nueva reelaboración discursiva y plástica, ya que si bien los artistas flamencos se caracterizaban por el tratamiento minucioso de los detalles, el uso de la luz y cierto naturalismo que tenía como fin dar sensación de realidad, en esta pintura en particular, el hieratismo y solemnidad de los retratados lo hace inverosímil.

In the iconological area of studies, said dress in its bulky form and color, referred to the fertility and desire of maternity as the destiny of a woman’s life. The paradox was that the depicted woman, Jeanee Cenami, was never able to be a mother. Nonetheless, what stands out from this painting, in addition to being promisingly loaded with multiple symbolisms, is that it is one of the best examples of the majesty of Flemish painting. It’s not by chance that Eckart Hahn uses it as a starting point for a new discursive and artistic reworking, even though the Flemish artists were characterized by minute attention to detail, the use of light and a certain naturalism that was used to give the feeling of reality, in that painting in particular, the stateliness and solemnity of the portrayed people make it far-fetched.

En la obra de Hahn el vestido aparece colgado en la esquina superior derecha, manchado, abandonado; al frente, simultáneamente y en un despliegue de preciosismo pictórico, un molinillo de pimienta se muestra impecablemente brillante y realista. Si lo analizamos desde el punto de vista de la pintura por la pintura, se podría sostener que las búsquedas actuales de Hahn son la superación de las indagaciones de las búsquedas flamencas, ya que el hecho de centrarse en lo puramente teatral y detallado ha sido para ello una

In Hahn’s work, the dress seems to be hung in the upper right corner, stained and abandoned; in front of it, at the same time and in a show of pictorial preciosity, an impeccably bright and realistic pepper mill is shown. If we analyze this from the point of view of the painting by the painting, it could be argued that Hahn’s current investigations are the improvement of the investigations of the Flemish research, since the fact of focusing on what is purely theatrical and detailed has been for them a mistaken conclusion in

conclusión errónea en la búsqueda de retratar la naturalidad de los objetos.

Algo que Hahn en sus indagaciones fotográficas lo ha podido resolver de la mano de una observación generalizada y no desde lo particular.

the quest to depict the naturalness of the objects. This is something that Hahn, in his photographic investigations, has been able to solve through generalized observation and not from a personal point of view.

Con esto pienso que las construcciones plásticas de Hahn son la mejor representación del conceptualismo que detrás de ellas anidan. Esto plantea a un espectador reflexivo, pienso que también es importante que posea ciertos conocimientos sobre historia del arte y fotografía, ya que la obra de Hahn presenta rasgos muy definidos de simbolismos muy crípticos. Sin embargo, esa sobrecarga de información a la que accede el espectador entrenado puede transformarse en esa mirada flamenca de los detalles y no verlo y observarlo desde la generalidad que quizás un espectador no entrenado pueda ver, y lograr en ello la contemplación general y pragmática necesaria para develar lo que detrás de la obra de Hahn se esconde.

With this, I think that Hahn’s artistic constructions are the best representation of the conceptualism that dwells behind them. This suggests to a pensive viewer, I think that it is also important that he or she hold certain knowledge about art history and photography, since Hahn’s work exhibits very defined traces of very cryptic symbolism.

However, this overload of information that the trained eye accesses can turn into that Flemish viewpoint for details and miss it or not see it from the generality that perhaps an untrained eye may see, and with this, accomplish the general and pragmatic observation needed to reveal what is hidden behind Hahn’s work.

Desde esa mirada general se pueden observar ciertas constantes a la hora de componer visualmente cada imagen: fondos despejados y generalmente lisos o con plenos planos de color o gradientes; figuras principales centralizadas al modo de estudios académicos sobre bodegones o naturalezas muertas; superposición de diferentes texturas y de cómo la luz genera reflejos en ellas; y finalmente el uso de determinados colores primarios para lograr la pregnancia buscada a la hora de direccionar la mirada. Se puede apreciar un uso exacerbado de la representación de superficies brillantes, ya sean lisas y redondeadas, como arrugadas o tensionadas. Para ello el uso del polietileno se transforma en un elemento principal que compite con lo que podríamos considerar una imagen principal y donde lo accesorio ya no es lo que aparenta para tener otra entidad protagónica.

From that general viewpoint, we can see certain constants when visually forming each image: clear and generally even backgrounds or backgrounds full of flat or gradient color; main figures brought together in the manner of academic studies regarding still lifes; overlaps of different textures and how the light creates reflections on them; and finally, the use of certain primary colors in order to accomplish the meaning sought after when directing the gaze. We can see an exacerbated use of the representation of bright wrinkled or tense surfaces, whether smooth or rounded. For this, the use of polyethylene becomes an essential element that competes with what we could think of as the main image and where the secondary is no longer what looks to have another leading entity.

Incluso en el ámbito de la escultura Hahn es desconcertante, las formas puras se yuxtaponen en perfecta composición con aquellas figuras naturalistas como en el caso de los animales o aquellas referencias que sugieran la presencia de ellos. Ya sean plumajes, pelajes o simplemente la riqueza de una sencilla textura.

La obra de Hahn es disímil y ambivalente, algo así como una suerte de collages de imágenes con una factura extrañamente preciosista, que desde mi rol de espectadora vuelvo a repetir, sólo puedo rascar superficialmente en la pretensión de una posible interpretación que seguramente, no sea la más acertada.

Even in sculpture, Hahn is perplexing; the pure forms are juxtaposed in perfect composition with those naturalist figures like in the chaos of the animals or those references that suggest their presence, whether it is plumage, fur or simply the richness of a simple texture. Hahn’s work is dissimilar and ambivalent. It is something like a type of collage of images with an oddly precious construction, that from my role as a viewer I once again say, I can only scratch the surface of the aspiration of a possible interpretation that surely, wouldn’t be the most correct one.

Para finalizar Eckart Hahn señala que sus obras son una combinación e investigación de dos polaridades, lo artificial y lo natural. Esto claramente se ve en los objetos que elige para representar naturalezas muertas, como en la obra Between.

Pero también es visible en la forma en que trata las superficies y estructuras.

Al final, es un comentario sobre la pintura luego de la pregunta: ¿Qué tan real y natural puede ser algo artificial, algo que puede ser compuesto?

To conclude, Eckart Hahn states that his pieces are a combination and investigation of polarities, the artificial and the natural. This is clearly seen in the objects that he chooses to depict as still lifes, such as in the piece Between.

However, it can also be seen in the way in which he handles the surfaces and structures. In the end, it is a comment on the paint after asking: How real and natural can something artificial be, something that could be compound.

RedGreenBlue, 2014, acrílico sobre tela, 70 x 50 cm. Colección privada, Berlín.

Between, 2013, acr铆lico sobre tela, 50 x 40 cm. Colecci贸n privada, Alemania.

22 . 23

Israel | Israel Fotografía | Photography

Drew Tal La unión en el sujeto The union within the subject El medio oriente invoca y provoca a occidente. Una mirada latente y profunda se ha aproximado hasta esa región para develar lo que antiguamente eran misterios y que en la actualidad es simple realidad. Drew Tal, creció en este espacio y ahora –aún asombrado– la retrata en fotografía.

The Middle East invokes and provokes the Western world. A latent and profound view from that region is brought closer to reveal what was once mysterious and that is now, simply reality. Drew Tal, grew up in that reality and now –still amazed by it– photographs it.

Por Elisa Massardo. Licenciada en Historia y Estética (Chile).

Imágenes cortesía del artista.

"e

n aquella región hay multitud de bandidos (...) Son hechiceros, y cuando quieren saquear una región hacen con arte diabólica que se entenebrezca el aire de día en una extensión tan grande que nadie los pueda ver, y en algunas ocasiones mantienen esta oscuridad siete días”, así describía Marco Polo hace siglos atrás las tierras de Medio Oriente, una descripción basada en su mirada cristiana, en el temor, en el diablo y la perversión de una región desconocida.

En el siglo XXI, lo exótico de esta región sigue llamando la atención incluso para Drew Tal, quien creció Israel, y que a través de la fotografía refleja a personas de lugares que para él –extrañamente– resultan exóticas. Retrata y recrea, a través de la imagen, realidades que solo son perceptibles por

"i

n that region there are dozens of bandits (…) There are sorcerers, and when they want to plunder a region, they do it with diabolical art that clouds the air so much that no one is able to see, and on other occasions maintain this darkness for seven days,” is how Marco Polo described the lands of the Middle East centuries ago, a description based on his Christian view, fear, the devil and the perversion of an unknown region.

In the 21st century, what is exotic about this region still holds its appeal even to Drew Tal, who grew up in Israel, and who, through photography, reflects people from places that, for him –strangely– turn out exotic.

Through images, he photographs and recreates realities that are only visible

Three Pearl, 2012, impresi贸n de archivo fine art en duraflex, 76,2 x 110,5 cm.

Porcelain Promises (M+F), 2008, impresi贸n de archivo fine art en duraflex, 96,5 x 127 cm.

el juego lumínico, por el contraste y los colores que atrapan la mirada a primera vista. “Esta revelación me abrió los ojos hacia lo exótico, y me hizo extremadamente curioso acerca de la gente y sus costumbres e historias. Esa curiosidad está aún conmigo y es una fuerte motivación para mi fotografía y me refleja a través del arte”.

due to their play of light, their contrast and colors that capture the gaze at first glance. “This revelation opened my eyes to the exotic, and made me extremely curious about people and their customs, costumes and histories.

That curiosity is still with me to this day and it is a strong motivator for my photography and it reflects itself in my art.”

Rearmando espacios

Reconstructing spaces

Drew considera al ser humano como el tópico esencial en sus obras. Cada una de ellas cuentan con rostros, miradas o cuerpos. Junto a esto, lo exótico es su deleite. “El tema que une esta serie [Facing East], es el rostro étnico, particularmente los ojos étnicos, que han sido la principal fuente de inspiración para mi fotografía y arte”, señala el artista.

Drew considers the human being as the main subject in his work. Each one of them has faces, gazes or bodies. Along with this, the exotic is his pleasure. “The linking subject matter for this collection [Facing East] is the ethnic face, particularly the ethnic eyes, which has been the main source of inspiration for my photography and art,” states the artist.

¿Pero qué puede considerarse étnico o exótico? Para alguien que creció en un cosmopolita Israel en los 60, la cultura mundial se convierte en una provocación visual de una exquisitez tentadora, para Drew vivir en un país repleto de diferentes razas y personas fue la fuente de donde saca las ganas de fotografiar y de mostrar al mundo las realidades que acá observaba, cuando niño, cuando se encontraba “rodeado de un colorido collage de etnias, lenguas, nacionalidades y religiones, me di cuenta, a una temprana edad, de que el mundo, más allá de mí, era un lugar rico y complejo. Esta revelación me abrió los ojos a lo exótico, me hizo muy curioso sobre la gente y sus costumbres, trajes e historias”, señala mientras reflexiona sobre las cosas que lo llevan a su trabajo en general: “Me inspira la gente de tierras muy lejanas y mi arte prefiere fotografiar lo ‘exótico’ o el ‘look-étnico’, personas de la India, Pakistán, Arabia, China, entre otros”, explica el artista.

But, what can be considered ethnic or exotic? For someone who grew up in an Israeli cosmopolitan society in the ‘60s, world culture becomes a visual provocation of a tempting exquisiteness. For Drew, living in a country full of different races and people was the source from where he drew the desire to take pictures and show the world the realities that he observed here, as a child, when he was “surrounded with such a colorful collage of ethnicities, languages, nationalities and religions made me realize from an early age that the world beyond me was a rich and complex place. This revelation opened my eyes to the exotic, and made me extremely curious about people and their customs, costumes and histories,” he says while reminiscing about the things that bring him to do his work in general: “I am inspired by people from far-away lands and in my art I prefer to photograph ‘exotic’ or ‘ethnic-looking’ people such as Indian, Pakistani, Arab, Chinese, among other places,” explains the artist.

Pero, a su vez, el centro está en la imagen, en la belleza que representan los rostros a través de los ojos y en las miradas que intensamente provocan al espectador y lo llaman a ver qué hay más allá de la simple mirada. Es así como la memoria sale a flote –no solo a través de su infancia– y los recuerdos de la fotografía de moda que realizó durante años parecen resurgir en cada toma. “Ser fotógrafo de modas fue emocionante, glamoroso y muy lucrativo, pero no tan satisfactorio artísticamente. Sin embargo, tener acceso a todas las agencias de modelos, me hizo fácil seleccionar personajes y encontrar personas para mi pasión real: mi arte”, explica.

However, in turn, the centerpiece lies in the image, in the beauty that the faces depicts through the eyes and in the gazes that intensely provoke the viewer and lead them to see that there is something beyond the simple gaze. That is how memories come to the surface –not only through his childhood– and the memories of fashion photography which he did over the years, seem to resurface in each shot. “Photographing fashion was exciting, glamorous and very lucrative but not as satisfying artistically. However, having access to all the modeling agencies, I could easily select models and find subjects for my real passion: my art,” he explains.

La demora en la búsqueda

The delay in the search

De esta forma, a través de la selección de personajes con rostros étnicos, más las técnicas que le entregan los softwares digitales, Drew se dio cuenta de que su estilo fotográfico podía cambiar, moverse a un nuevo nivel, creando un medio que está entre la fotografía y la pintura. Una fotografía intervenida que parece de estudio o, mejor dicho, una buena pintura realista, al óleo, sobre una tela.

“Un simple retrato de la cara impregnada de capas de textura, profundidad y luz genera una nueva vida, un nuevo significado y los resultados me dan gran satisfacción. El proceso de edición digital de fotos es un largo y laborioso proceso, puede llevarme entre tres a nueve meses de trabajo para estar completamente

Through this, and through the selection of people with ethnic faces, plus the techniques that digital software provide him, Drew realized that his photographic style could change and shift to a new level, thus creating a medium that lies between photography and painting. Digitally altered photography that looks like it’s out of a studio or, better yet said, from a good realist oil painting on canvas. “A simple face portrait infused with layers of texture, depth and light gave it a new life, a new meaning and the results gave me much gratification. The process of digitally editing photographs is a long and laborious process, it may take me between three to nine months

contento, tan solo con una imagen, pero ese largo proceso me da una enorme satisfacción artística”, profundiza Drew. De esta manera, el tiempo que pasa desde las tomas hasta llegar al fin de la obra se convierte en un lento transitar.

of work to be fully content with a single image but that long process gives me the most artistic satisfaction,” says Drew. Through this, the time that passes from the shots to the finished work becomes a slow journey.

Este fotógrafo israelí es capaz de unificar sus tiempos con las pasiones, su vida con su arte, su profesión y su pasión a través de una obra pura, que invita a cuestionarse la realidad de medio oriente y nuestra visión sobre ellos. Y para esto, no solo se demora en la etapa digital de su obra, sino también en la elección de los actores, de los personajes. “Soy extremadamente selectivo con mis personajes y, casi siempre, me toma muchos meses encontrar a la modelo ideal que me provea de la expresión artística que estoy buscando.

Mis ojos están constantemente abiertos en la búsqueda de personajes para mi arte, en las calles de Nueva York, en el subterráneo, en los restaurantes llenos de gente y en los sitios web de nuevas modelos”, señala Drew Tal.

This Israeli photographer is able to unite his time with his passion, his life with his art, and his profession and his hobby, all through pure work that entices us to question the reality of the Middle East and our vision regarding it. And for this, not only does it take time in the digital stage of his work, but also in the choice of actors and people. “I am extremely selective about my subjects and oftentimes it has taken me many months to find the ideal model who can provide the artistic expression I am seeking.

My eyes are constantly open in search of subjects for my art, on the streets of New York, on the subway, in crowded restaurants and through amateur models' websites,” says Drew Tal.

Pero, ¿qué busca?, ¿qué tarda tanto en encontrar? Simplemente una mirada étnica, un rostro étnico. “Viviendo en la cosmopolita Nueva York, es como una bendición, sobre todo desde que los grupos étnicos, como árabes, pakistaníes, indonesios, persas y chinos, están aquí y en abundancia. Con cada cara exótica frente a mi lente surgen nuevas imágenes de arte en mi mente”, explica.

But, what does he look for? Why does it take him so long to find someone?

It’s just an ethnic look, an ethnic face. “Living in the melting-pot that is New York is a blessing for me since ethnic groups such as Arab, Pakistani, Indian, Persian and Chinese are all here, and in abundance. With each exotic face in front of my lens, a new art image emerges in my mind,” he explains.

Lo curioso, aparte de su historia que lo marca en la selección de caracteres y tiempos para crear, podría resultar de la composición de cada fotografía, del escenario y, sobre todo, de los personajes en los cuales lo exótico también se encuentra en el género. Mucho de los rostros o cuerpos que aparecen en sus obras parecen seres andróginos, aquellos descritos por Platón en El Banquete como: “Seres que pertenecían a esta última clase [andróginos] eran redondos, con cuatro brazos, cuatro piernas, dos caras en la cabeza y, por supuesto dos órganos sexuales”, dos órganos que los convertían en hombre-mujer al mismo tiempo, y que compartían con los otros dos géneros existentes: hombre-hombre y mujer-mujer.

What is curious, apart from his history that defines him in the selection of people and times to create, could turn out to be the composition of each photograph, scene and, above all, people where the exotic is also found in their gender. Many of the faces or bodies that appear in his work seem to be androgynous beings like those Plato described in The Banquet as: “Beings that belonged to this latter class [androgynous] are rounded, with four arms, four legs, two faces on their head and, of course two sexual organs,” two organs that made them man and woman at the same time, and that they shared with the others two existing genders: man-man and woman-woman.

Es así como la Historia pareciera ser un karma en Drew Tal. En los ´90, cuando él se convirtió en fotógrafo de modas, varias revistas se enfocaban en modelos andróginos y según cuenta: “Me intrigaban y era realmente desafiante difuminar o intensificar la línea entre hombre y mujer. Esto aún es parte del concepto de lo ‘exótico’”. Esta antigua historia griega se resignifica en el arte, en la fotografía, en el uso que le da la moda desde hace más de 30 años.

That is how history would seem to be karmic with Drew Tal. In the ‘90s, when he became a fashion photographer, several magazines were focused on androgynous models and according to what he says: “the subject intrigued me and it was truly challenging to try to blur, or enhance, the line between male and female. It is still a part of the “exotic” concept.” That ancient Greek history is given new meaning in art, photography and in the use it has given fashion for more than 30 years.

Worlds Apart

Worlds Apart

Una obra con mujeres vestidas de blanco, una resalta. Tiene la mirada fija en el espectador, y en sus manos, de manera aumentada sostiene un libro “I am”.

El mensaje es claro, una llamada. Y Drew Tal: “Es una reacción al lugar y a la condición de las mujeres musulmanas en el Islam y en las sociedades occidentales del mundo. En muchas de estas, la voz de las mujeres es silenciada o no escuchada y sus derechos básicos son arrancados de ellas. Diciendo 'I AM', la mujer en mi imagen está implorando al espectador a que la vea. El espectador es entonces libre de completar el resto de la oración y sus deseos".

A piece with women dressed in white stands out. One woman’s gaze is fixed on the viewer, and in her hands, she holds book reading “I am” as if to enlarge it. The message is clear, it is a call. And Drew Tal: “Is a reaction to the place and conditions of Muslim women in both Islamic and Western societies around the world. In many of these societies women’s voices are silenced or not heard and their basic rights are taken from them. By saying 'I AM', the woman in my image is imploring the viewer to notice her. The viewer is then free to complete the rest of the sentence as they desire.”

Arranged Marriage (M+F), 2013, impresi贸n de archivo fine art en duraflex, 89,9 x 127 cm.

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EE.UU. | USA Pintura | Painting

Sara Carter La potencia del color The power of color Esta artista originaria de Houston, vive y trabaja en San Francisco, y se ha inspirado en los grandes del expresionismo abstracto en la creación de sus obras. Sus lienzos están llenos de simetría y colores, expresando su más íntima búsqueda: la belleza y el orden.

This artist native to Houston, who lives and works in San Francisco, has been inspired by the greats of abstract expressionism to create her work, canvases full of symmetry and color, which express her most intimate quest: beauty and order.

Por Daniela Sánchez M. Licenciada en Lengua y Literatura Hispánica (Chile).

Imágenes cortesía de la artista.

Screen Door Eight, 2003, acrĂ­lico sobre tela, 15,2 x 15,2 cm.

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Inspirada en grandes artistas del expresionismo abstracto, como Mark Rothko, Joan Mitchell, Barnett Newman, e influida por artistas como Anne Appleby y Callum Innes, las obras de Sara Carter se centran en el color y en sus posibilidades expresivas, tal como lo hace la pintura de campos de color (color-field painting).

Inspired by the great abstract expressionist like Mark Rothko, Joan Mitchell, Barnett Newman, and influenced by artists such as Anne Appleby and Callum Innes, Sara Carter’s work focuses on color and its expressive possibilities, just as color-field paintings do.

En sus obras –que realiza durante casi 30 años– se pueden ver grandes manchas de colores que inundan y colman el lienzo. Pero no son manchas cualesquiera, puestas al azar: son líneas rectas, horizontales y verticales, que recorren la tela, creando una simetría de tonalidades, ya que, para Sara, el tono es un elemento fundamental en su pintura. “El color puede ser provocativo, seductor, elegante, amontonado, disonante, calmo, neutral. El color es importante para mi trabajo, pero el uso intencional de valor y contraste fortalecen su efecto”.

In her work –which she has made for almost 30 years– you can see huge patches of color that flood and fill the canvas. But they aren’t just any randomly placed smudge: they are straight, horizontal and vertical lines, which traverse the canvas, thus creating balanced portions of colorschemes, since for Sara, tone is a basic element in her paintings. “Color can be provocative, seductive, elegant, raking, dissonant, quieting and neutral. Color is important to my work, yet the intentional use of value and contrast empowers the effect of the color.”

En sus lienzos, de vez en cuando, las líneas rectas se intersectan, se entrelazan, y crean cruces que se superponen en el campo de color.

Sobre ellas, Sara explica: “Yo no diría que las líneas rectas en mis pinturas tengan un significado particular. Supongo que aportan estabilidad, dimensión, orden en la composición, que de otro modo podría verse como caótica. La tensión y la colaboración entre las líneas rectas y el movimiento más gestual y el color saturado en las obras es, para mí, una fuente de constante descubrimiento, fortalecimiento y alegría”.

In her canvases, sometimes the straight lines intersect, intertwine and create crosses that are superimposed in the colored field. Regarding this, Sara explains: “I wouldn't say the straight lines in my paintings have a particular meaning. I suppose they bring stability, dimension, and order to composition that could otherwise read as chaotic. The tension and collaboration between the straight lines and the more gestural movement and saturated color within my work is, for me, is a source of constant discovery, invigoration, and joy.”

Quizás, el trabajo de esta artista se puede describir a través de los conceptos de orden y caos. Su búsqueda se centra en la belleza y el orden, pero no en el sentido común de la palabra, sino que se trata, más bien, de un orden personal, casi espiritual, que logra expresar a través de la pintura abstracta. La obra terminada representa un momento que captura la belleza que se encuentra en el orden y el caos. Las obras de Sara abordan su búsqueda de la belleza, una búsqueda personal y espiritual que es capaz de expresar a través de la pintura abstracta, la que, según explica, le otorga una amplia gama de posibilidades.

Maybe, this artist’s work could be described through the concepts of order and chaos. Her search focuses on beauty and order, but not in the typical sense of the word, but rather it deals with a personal, almost spiritual order that she is able to express through abstract painting. The finished work represents a moment that captures the beauty to be found in both order and chaos. Carter's work deals with her search for beauty, a personal and spiritual quest that she is able to express through abstract painting, which, she says, grants her a wide range of possibility.

ara Carter recuerda su primer contacto con el arte no figurativo cuando tenía diez años. Fue gracias a su curiosidad infantil, durante un fin de semana de vacaciones, que su padre decidió hacer un concurso de arte para entretener a sus cinco hijos. Tenían diez minutos para crear algo –lo que fuera– en un pedazo de papel. Sara recuerda que ese día estaba segura de que iba ganar el concurso, porque siempre había sido “la creativa” de la familia. Pero no fue así. Una vez terminado el plazo, todos se reunieron en la sala para revisar los dibujos y, para su sorpresa, el ganador fue su hermano mayor, de 15 años. Su arte: una mancha de carbón y cenizas de una colilla de cigarrillo que creando una mancha amorfa negra y gris en el medio de su pedazo de papel blanco. “Al principio estaba incrédula. ‘¿Cómo esto puede ser arte?’, pensé. Hice espacio para mi curiosidad, que rápidamente se convirtió en intriga. Esta fue mi introducción a lo que se convirtió en mi amor por el arte abstracto”, recuerda la artista. Así, desde pequeña supo que su vida iba a estar vinculada al arte, de hecho, Sara siente que la creación ha sido y es su identidad esencial.

ara Carter remembers the first time she came in contact with nonfigurative art at the age of ten. It was thanks to her childish curiosity one weekend on vacation, when her father decided to hold an art contest to entertain his five kids. They had ten minutes to create something – whatever– on a piece of paper. Sara remembers being sure that day that she would win the contest because she had always been “the creative one” in the family. But that’s not how it went. Once the deadline was up, everyone got together in the living room to check the drawings and, to her surprise, the winner was her older brother, who was 15 years old at the time. His art: the smudging of the charcoal and ashes of a cigarette butt, creating a black and gray amorphous splotch in the middle of his white piece of paper. “At first I was incredulous; ‘How could this be art,’ I thought. I made room for my curiosity, which quickly turned to intrigue. This was my introduction to what became my love for abstract art,” recalls the artist. That is how she knew ever since she was little that her life would be connected to art.

In fact, Sara feels that creation has been and is her core identity.

Screen Door Six, 2003, acrĂ­cilo sobre tela, 10,2 x 10,2 cm.

Heat Seven, 2011, acrílico sobre tela, 40,6 x 40,6 cm.

“Mi trabajo es una articulación de la perspectiva, la percepción y la experiencia en lo que respecta a los estados de la mente, dentro y fuera de lo que se considera la realidad ordinaria”, dice Sara Carter al reflexionar sobre su trabajo, el cual considera totalmente autobiográfico, en un sentido literal, poético, e incluso místico.

“My work is an articulation of perspective, perception, and experience as it pertains to states of mind within and beyond what is considered ordinary reality.” says Sara Carter upon reflecting upon her work, which she considers to be completely autobiographical, in a literal, poetic and even mystic sense.

Son esas sensibilidades por las que se siente atraída y que la inspiran para realizar tan íntimo trabajo: crear un ambiente de belleza y orden.

“La manera en que la belleza y el orden se unen se pueden expresar a través de muchos canales, que se manifiestan en miles de formas, pero el flujo resultante de la energía es única, es una potente fuerza de vida”.

It is those feelings that she is attracted to and that inspire her to make such intimate work: creating an environment of beauty and order. “The manner in which beauty and order can come together can be expressed through many channels manifesting in a myriad of ways, yet the resulting flow of energy is singular in it powerful articulation. It is a potent life force.”

Y quizás porque su arte es tan personal y habla de momentos tan profundos y propios, Sara es rotunda cuando habla sobre la situación del mercado actual, siente la mercantilización del arte como una moneda ha contribuido a la realización de un arte vacío. “La dicotomía entre el arte como mercancía y el intento de hacer y apreciar el arte me parece una distracción del valor intrínseco del arte mismo. Y el otro lado de este desalentador mercado del arte es que es una base fundamental para la apreciación global y el conocimiento de todo el arte, histórico y contemporáneo”, sentencia la artista.

And perhaps since her art is so personal and speaks of such profound and inherent moments, Sara is clear when she talks about the situation of the current market, she feels the commoditization of art as currency has contributed to the making of empty art. “I find the dichotomy between art as commodity and the endeavor to make and appreciate art to be distracting from the intrinsic value of the art itself. The other side of this bleak art market posits is that the market aspect of art is a core base for the global appreciation and awareness of all art, historical to contemporary,” says the artist.

What makes this an object of value?

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EE.UU. | USA Artista Multidisciplinar | Multidisciplinary Artist

Keyhole impoved crystal, Glacier Point (reconocimiento 贸ptico de sat茅lite, USA 224), 2011, C-print, 76,2 x 109,2 cm.

Trevor Paglen El arte por el arte, ingeniería por ingeniería Art for Art’s Sake, Engineering for Engineering’s Sake Trevor Paglen es un artista distinto. Su función, más allá de la manifestación de lo sublime o de lo bello a través de la obra, busca hacernos tomar consciencia del momento histórico en que vivimos.

Mostrarnos lo secreto, aquellas cosas ocultas que ciertas instituciones luchan por esconder. Su obra utiliza diversos soportes y se genera a través de proyectos, colaboraciones y estudios permanentes.

Trevor Paglen is a distinct kind of artist. His role, beyond showing the sublime or beautiful through his work, seeks to make us aware of the historical moment in which we live. He shows us what is secret, those hidden things that certain institutions fight to hide. His work uses diverse mediums and is created through projects, collaborations and ongoing studies.

Por Elisa Massardo. Lic. en Historia y Estética (Chile).

Imágenes cortesía del artista y Metro Pictures Gallery.

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ué es la libertad? Para un niño puede ser una pregunta tan compleja o sencilla como ¿qué es el arte? Sin embargo, para un adulto la respuesta se adormece entre confusas ideas que involucran desde la Mona Lisa hasta el arte conceptual, pero para Trevor Paglen, el arte definitivamente no es nada de lo anterior. Para él, el arte involucra proyectos, proyectos que contienen una idea; que involucran pensar cómo llevar a cabo esa idea y sin pinceles ni óleos; sin cinceles ni mármol; mucho menos con una cámara fotográfica o un simple viaje.

hat is freedom? For a child that could be a very complex question or as simple as, what is art? However, for an adult, the answer is dulled between confusing ideas that involve things ranging from the Mona Lisa to conceptual art. However, for Trevor Paglen, art definitely is none of the above.

For him, art involves projects, projects that contain an idea; projects that involve thinking about how to carry out that idea without brushes or oils; without chisels or marble; let alone with a photographic camera or a simple journey.

A pesar de que ha ocupado todos estos instrumentos en algún momento, Trevor lo hace todo más complejo con la idea de resolver su inquietud inicial y vincularla al arte. “Una de las cosas que quiero del arte es ayudar a ver el momento histórico que estamos viviendo. Solo ayudar a ver el mundo, lo digo metafóricamente, pero también de manera literal. Así que supongo que lo que me motiva es mi curiosidad y querer entender cómo es el mundo. Quiero hacer cosas que me ayuden a verlo y que, idealmente, ayuden a otras personas también”, señala Trevor.

Despite he has used all of these instruments at some time, Trevor makes everything more complicated with the idea of solving his initial concern and linking it to art, “One of the things I want of the art is to help us to see the historical moment we are living. Just help us to see the world, I mean metaphorically, but it also literally. So I guess, what motivates me.

I´m a very curious person. And I want understand what the world looks like. I want to make things that helps me see it and that hopefully can make me help other people too,” says Trevor.

¿Pero cómo? Parte de lo rebuscado del arte es la comunicación, el mensaje y el medio por el cual una idea se hace patente, por el cual el mensaje viaja y llega a destino, debiendo ser –además–, comprensible, llamativo, atractivo y visual. En la serie The other night sky, Trevor busca hacer un seguimiento y fotografiar satélites norteamericanos clasificados, desechos espaciales y otros objetos oscuros en la órbita terrestre. De esta forma, a través de imágenes que son atractivas por los colores y efectos de luces, Trevor destaca la importancia de algo que aparece minúsculo a la vista del espectador que desde el planeta Tierra observa a la distancia, obviando ese pequeño objeto que en el espacio está causando movimiento, que está ahí ensuciando, viviendo, quizás… observándonos. Y su mensaje se transmite, el artista logra mostrarnos y realzar esa figura que a lo lejos parece desaparecer entre tantas estrellas, o al lado de la luna. Pero no es sencillo.

But how? Part of what is heavily sought after in art is communication, the message and the means by which an idea becomes clear. Through this, the message travels and arrives to its destination, thus having to be –additionally- understandable, striking, appealing and visual. In the The Other Night Sky series, Trevor seeks to track and photograph classified American satellites, space debris and other obscure objects in Earth’s orbit.

Through images that are appealing due to their colors and lighting effects, Trevor points out the importance of something that seems miniscule to the viewer’s eye who distantly observes from Earth, while ignoring that tiny object that is causing movement in space as well as soiling and living in space, and perhaps watching us. His message is conveyed, the artist is able to show us and point out that figure that seems to disappear among so many distant stars, or next to moon. However, it is not simple.

Para cada trabajo de Trevor Paglen, una serie de colaboradores que pueden ser ingenieros, aficionados o incluso el MIT y la NASA, ayudan a este artista a realizar sus proyectos, en los cuales puede pasar meses e inclusos años.

“Siempre estoy trabajando en 4 o 5 proyectos a la vez”, señala Trevor mientras se le pregunta por la importancia de los colaboradores: “Cuando estaba trabajando en The last pictures, proyecto que se hizo muy popular, conocí

For each of Trevor Paglen’s works, a series of collaborators that may be engineers, experts or even MIT and NASA, help this artist to carry out his projects, in which he can spend months and even years on. “I´m always working on four or five projects,” says Trevor while being asked about the importance of the collaborators: “When I was working on The last pictures, that project was very popular in that industry, and so I met a

Detalle de STSS-1 and Two Unidentified Spacecraft over Carson City, (seguimiento especial y Sistema de vigilancia, USA 205), 2010, C-print, 121,9

a mucha gente de la industria, incluso después de que hice el proyecto, porque la gente de esa industria lo conocía y les gustaba”.

lot of people in the industry, also after I made the project, because people on that industry knew about the project and like it.”

En esta serie, Trevor trabajó en un formato distinto pero no por eso sencillo.

Recolectó cientos de imágenes diferentes para colocarlas en el único lugar que no se acabará jamás, que podría sobrevivir incluso a la destrucción de nuestro planeta: el espacio. “¿Y cómo?”, es quizás la pregunta más frecuente al momento de afrontar su obra. “Durante los últimos cincuenta años, cientos de satélites se han lanzado en órbita geosincrónica, formando un anillo de máquinas a 36 mil kilómetros de la Tierra”, señala el sitio web oficial de The last pictures.

Para este proyecto, Trevor, junto a la organización de arte público Creative Time y a científicos del MIT, logró desarrollar un disco micrograbado con un centenar de fotografías, encerrado en una cáscara de oro chapado, diseñado para soportar las condiciones espaciales y capaz de durar miles de millones de años. Todo con la intención de perdurar, para mostrarle a otras generaciones, a otras especies, a otros seres, en un futuro lo que nosotros somos y fuimos: “Las imágenes elegidas para The last pictures cuentan una historia impresionista de la incertidumbre, de la paradoja, y la ansiedad sobre un futuro”, explica el sitio oficial de este proyecto que se llevó a cabo en noviembre de 2012.

In that series, Trevor worked on a different, but by no means easy, scale.

He gathered hundreds of different images in order to place them in a single place that would never end, that would survive even the destruction of our planet: space. “And how?” is maybe the most frequent question when facing his work. “Over the last fifty years, hundreds of satellites have been launched into geosynchronous orbit, forming a ring of machines 36,000 kilometers from Earth,” states the official website for The Last Pictures.

For this project, Trevor along with the public art organization, Creative Time, and MIT scientists, were able to develop a micro-etched disc with one hundred photographs encased in a gold-plated shell, designed to withstand the conditions of space and that is able to last for billions of years. All of this in order to endure, to show other generations, other species, other beings in the future what we are and were: “The images chosen for The Last Pictures tell an impressionistic story of uncertainty, paradox, and anxiety about the future,” explains the official website of this project that was carried out in November of 2012.

Las fotos fueron puestas en el satélite de comunicaciones EchoStar XVI, el cual pasará quince años emitiendo señales de televisión y de internet, luego será arrastrado a un cementerio convirtiéndose en un barco fantasma, en el que se alojarán nuestras fotografías, nuestro pasado y nuestro ideal de un futuro en el que sean descubiertas cuando ya se haya agotado el mundo que conocemos.

The photos were placed on the EchoStar XVI communications satellite, which will spend fifteen years broadcasting television and internet signals before maneuvering into a graveyard where it will become a ghost-ship, where our photographs and our past will be housed as well as our idea of a future where they will be discovered when the world as we know it is long exhausted.

Así, la fotografía para Trevor es una herramienta funcional que le sirve para su idea de mostrar el mundo y el contexto histórico que vivimos, esta herramienta la ocupa también en Limit Telephotography, en la cual se dedicó a fotografiar bases militares clasificadas que están en lugares inaccesibles o bien remotas partes de Estados Unidos. Para él: “estos aún son lugares, y como lo son, puedes ir ahí y puedes tratar de mirarlos”, afirma con una ingenuidad parecida a la de aquel niño al que interrogamos al comienzo preguntándole qué es la libertad y qué es el arte.

For Trevor, photography is a practical tool that aids his intention to show the world and the historical context we live in. He also uses this tool in Limit Telephotography, where he photographed classified military bases found in inaccessible places or in very remote parts of the United States. For him: “there are still places. And because they´re places you can go there, and you can try to look at them,” he states with a naivety similar to that of that child we questioned in the beginning by asking what freedom is and what art is.

Esta ingenuidad, estas ganas y motivaciones que llevan a Trevor a dedicar su vida por completo a sus proyectos con un arte diferente que no se ve en

That naivety, that will and motivation that leads Trevor to completely dedicate his life to his projects with a different kind of art that isn’t seen in fairs, or

PAN, (desconocido, USA-207), 2010-11, C-Print, 152.4 x 121.9 cm.

ferias, ni se transa en el mercado, logra un financiamiento muy difícil de conseguir, pero que se ha hecho permanente en sus creaciones: “Consigo dinero de comisiones, trabajo con museos y fundaciones, además trabajo con gente que desea financiar el proyecto y he encontrado instituciones que también están dispuestas a ello. Para The last pictures, por ejemplo, muchas compañías financiaron el proyecto, entre ellas el MIT”, explica Trevor.

traded on the market, attains funding that is very difficult to get, but that has become continuous in his creations: “I get money from commissions, I worked with museums, I worked with fundations, and work and find people who want to support the project, and find institutions who want to support the projects. For The last pictures, for examples it was supported by several companies it was supported by MIT University, for example,” explains Trevor.

Sin embargo, sus creaciones son tan complejas que no siempre el dinero juega a favor. Hace un par de años comenzó a trabajar en Nonfunctional Satellites, mediante lo cual creó cinco modelos de satélites o de prototipos que podían salir de la órbita terrestre y llegar hasta el espacio, solo con la finalidad de estar ahí, quemándose, durante dos o tres semanas para que podamos divisarlo desde cualquier parte del mundo, para que nos preguntemos por todos aquellos satélites y desechos que se lanzan al espacio, y luego, este prototipo que se verá como una estrella y se podrá rastrear por un sitio web, desaparecerá. “Lo que quería hacer era un satélite sin valor militar, que no sea comercial, que no tenga valor científico. Haciendo esto llegué a un satélite que era opuesto a todos los otros satélites que alguna vez se han hecho. Un satélite no funcional”, explica Trevor.

However, his creations are so complex that the money isn’t always in his favor. A couple of years ago he started to work on Nonfunctional Satellites, through which he created five models of satellites or prototypes that would leave Earth’s orbit and reach space, only with the purpose of being there, burning up, over two or three weeks so that we may see it from any part of the world. All of this so we ask ourselves about all those satellites and waste that are launched into space. Later, this prototype, which would look like a star and be able to be tracked by a website, would disappear.

“What I wanted to do, was make a satellite that had military value, that had not commercial value, that had not cientific value. And doing that was to make a satellite that was the opposite of every other satellite that´s have ever been made. A non-functional satellite,” explains Trevor.

El arte por el arte…

Art for art’s sake…

Para Trevor Paglen, esto era “una buena idea en el siglo XIX, cien años atrás, porque era una idea que implicaba libertad, y ahí estaba la idea de que se puedan hacer cosas que no tengan relación con el mercado, o con lo militar, que incluso no estuviesen atadas al lenguaje o al sentido común. Ahí hay una libertad que puede venir de todo tipo de prácticas. Sin embargo, no creo que esto sea verdad, no creo que en la vida real exista algo así como lo que dice el arte por el arte, esto no puede ser, no puede existir. No obstante hay una especie de libertad y de posibilidad en esa idea, así es con este proyecto [Nonfunctional Satellites], quiero tomar la idea y moverla a una industria diferente, y estará bien. ¿Qué pasaría si hacemos ingeniería por objetos ingenieriles? Ahí habría una especie de libertad que proviene desde insistir en un proyecto como este”.

For Trevor Paglen, this was “a good idea in the 19th century, a hundred years ago, because the idea was there´s a kind of freedom and there´s the idea that you can make things that are not attached to a market or there are not attached to a military or not even attached to language or even attached to a common sense so there´s a freedom that can come from that kind of practice.

However I don´t think is true, and I don´t think that in real life there´s no such things that art for art said, it can´t be it doesn´t exist, it can´t exist. But nonetheless there is some sort of freedom and possibility on that idea and so with this project [Nonfunctional Satellites] I want to take that idea and move it from one industry to different industry and will Ok. What´s about if we do engineering for engineering things? And is there be some kind of freedom than come out and from insisting on a project like that, and I think there is.”

Entonces, ¿al final de todo está la idea de la libertad?

“Sí”, responde Paglen.

So, at the end of all were left with the idea of freedom?

“Yes,” responds Paglen.

Keyhole 12-3 impoved crystal, (reconocimiento 贸ptico de cerca de sat茅lite Scorpio, USA 129), 2007, C-print, 121,9 x 152,4 cm.

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Ecuador | Ecuador Artista Multidisciplinar | Multidisciplinary Artist

Tomás Ochoa Con el rostro hacia el pasado WITH THE FACE AGAINST THE PAST El ecuatoriano Tomás Ochoa, con un lenguaje en vilo entre Benjamin y Galeano, trabaja sobre aquel imaginario artificialmente construido que los colonizadores dejaron de los pueblos amerindios: barbaros caníbales para cristianizar.

Su intención es la de de-construir estas historias ficticias que todavía afectan el continente sudamericano, para liberar finalmente los relatos de los derrotados.

Ecuadorian Tomás Ochoa, through an unsteady language between Benjamin and Galeano, works regarding that artificially constructed imagery that the colonist left of the indigenous peoples of the Americas: cannibal barbarians to Christianize.

His intention is to deconstruct those fictitious stories that still impact the South American continent in order to finally set the tales of the defeated free.

Por Francesco Scagliola. Periodista (Italia).

Imágenes cortesía del artista.

Libres de toda mala raza, 2013, p贸lvora sobre tela, 140 x 180 cm.

Libres de toda mala raza, 2013, p贸lvora sobre lienzo, pol铆ptico, 70 x 180 cm. c/u

p

or aquel entonces, Tomás Ochoa tenía cerca de un año de edad y aún vivía en Cuenca, Ecuador, que es una de estas increíbles ciudades andinas enclavadas en el medio de la Cordillera a una altura de 2.500 metros. Cielo de cristal, tanta arquitectura española y una historia milenaria.

a

t that time, Tomás Ochoa was about 1-year-old and he still lived in Cuenca, Ecuador, which is one of those incredible Andean cities nestled in the middle of the mountain range at 2,500 meters high. It has crystal clear skies, plenty of Spanish architecture and a thousand-year-old history.

Y por aquel entonces, en los ‘70, un ilustre representante de la cultura latinoamericana, el escritor uruguayo Eduardo Galeano cerraba con su firma uno de los relatos más estremecedores de la historia del continente: Las venas abiertas de América Latina. Afirmaba Galeano en el prólogo: “Este libro fue escrito con la intención de divulgar ciertos hechos que la historia oficial, historia contada por los vencedores, esconde o miente”.

And at that time, in the ‘70s, a distinguished representative of Latin American culture, the Uruguayan writer Eduardo Galeano, signed and finished one of the most heart-rending tales throughout the history of the continent: Las venas abiertas de América Latina. Galeano states in the prologue: “This book was written in order to divulge certain facts that the official history, the history told by the conquerors, hides or lies about.”

Bien, cuarenta y cinco años después, habiendo finalmente regresado a las alturas cuencanas tras una larga estadía europea, Tomás Ochoa sigue hoy desarrollando un arte figurativo (a través de diferentes técnicas como la pintura, la fotografía y el audiovisual), mediante el cual se propone el mismo objetivo que empujó a Galeano a escribir Las venas abiertas de América Latina: construir determinadas narraciones históricamente aceptadas aunque fraudulentas, para desenterrar la voz que deliberadamente fue sepultada debajo de ellas. “Aspiro develar aquello que la visualidad del poder ha hecho invisible. Revelar saberes marginales y discontinuos; visibilizar personas y registrar acontecimientos que de otro modo desaparecerían anónimos en el tiempo”, afirma galeaneamente el artista.

Well, forty-five years later, having finally returned to the heights of Cuenca after a long stay in Europe, Tomás Ochoa is still developing figurative art (through different techniques such as painting, photography and audiovisual), through which he poses the same objective that led Galeano to write Las venas abiertas de América Latina: constructing certain historically accepted stories even though they are fraudulent, in order to unearth the voice that was deliberately buried under them. “I hope to expose that which the visuality of power has made invisible. Revealing marginal and discontinuous knowledge; shedding light on people and recording events that would otherwise be lost in time,” the artist states in a Galeano-like tone.

Así, por ejemplo, ha ocurrido que previo a una investigación y a una recolección de retratos hechos por fotógrafos antioqueños a finales del siglo XIX, Tomás se clave en el medio de la plaza Botero de Medellín con una cámara fotográfica en la mano y retrate a unos cuantos transeúntes, inspirándose justamente en aquellos antiguos modelos que, ayer como hoy, parecen expresar una memoria muda. Y que ayer, como hoy, lucen miradas invisibles. Y que, ayer como hoy, cuentan relatos no relatados; sumergidos en el flujo de una historia, aquella dictada por los colonialistas, despiadadamente aplastadora.

This, for example, has been the case which prior to investigating and gathering portraits done by Antioquian photographers at the end of the 19th century, Tomás placed himself in the middle of the Botero Plaza in Medellin with a photographic camera in hand and he photographed a few passersby, thus getting inspiration right there in those old models that, both then and now, seem to express a voiceless memory. Also, both then and now tell untold stories; immersed in the flow of history, that relentlessly crushing story told by the colonist.

Cepillar la historia a contrapelo

Combing through history against the grain

“Recurro a imágenes del pasado como una forma de apelar a la memoria, pero siempre para relacionarlas dialógicamente con el presente –explica claramente Tomás–. Entiendo la Historia como una relación contingente, revisable y revocable entre el pasado y el presente. Las fuentes históricas oficiales no son más que ficciones narrativas que al haber sido asentadas como verdaderas por la historiografía han marcado de forma ignominiosa el presente”.

“I go through images from the past as a way to appeal to the memory, but always in order to connect them through dialogue with the present,” Tomás clearly explains. “I understand history as a contingent, revisable and revocable relationship between the past and present. The official historical sources are no more than narrative fiction that upon having been established as true by historiography has ignominiously left its mark on the present.”

Tarea del artista es, entonces, “cepillar la historia a contrapelo”, según decía Walter Benjamin; operando aquí en aquel nivel relacionado con las imágenes y con el imaginario narrativo que en ellas se sostiene. Un

Therefore, the artist’s task is, “combing through history against the grain,” according to what Walter Benjamin said; by operating here on that level related to the images and with the narrative imagery that they

“cepillar” dirigido a rescatarlas de su función originaria, y acompañarlas hacia una dimensión simbólica. Más bien alegórico, para purificarlas de toda aquella corrosiva “subalternidad”, de aquella deplorable “exclusión racial” y de aquella calumniadora “colonialidad” que en un principio conllevaban. Y, ojo, porque raras veces el término “purificar” ha adquirido un significado tan literal, pues Tomás Ochoa, en su taller y usando un lienzo como nuevo soporte adonde desplazar la fotografías –tanto las antiguas como las nuevas, concretamente, substituye el grano fotográfico con gránulos de pólvora y, sucesivamente, quema la imagen dejando que sea el mismo fuego a imprimirla nuevamente. En este sentido se entiende su particular relación con el medio fotográfico: la intención es efectivamente la de quitar por completo aquella condición de “referencia” y “objetividad” que los dominadores pretendían atribuir a su interpretación de la historia.

hold. “Combing” directed towards rescuing them from their original purpose, and accompanying them towards a symbolic dimension.

Rather allegorical, to purify them of all that corrosive “subordination”, that deplorable “racial exclusion” and that slanderous “coloniality” which they initially involved. Furthermore, be careful, because the term “purify” has rarely taken on such a literal meaning, since Tomás Ochoa on his workshop uses a canvas as a new medium to specifically show photography –both old and new. He substitutes the photographic grain with grains of gunpowder and, successively, burns the image by letting the same flame print it again. In this sense, his personal relationship with the photographic medium is understood: the purpose is really to completely remove that condition of “reference” and “objectivity” that domineers hoped to attribute to their interpretation of history.

“En otras series los pixeles equivalen a granos de pólvora que al ser quemados, impregnan la imagen sobre la tela. El resultado es realista, paradójicamente, sin haber usado una técnica fotográfica y a la vez pictórico sin haber usado pintura”, subraya el mismo artista. Parece entonces tratarse de algo muy semejante a una verdadera catarsis que hace que las imágenes y los relatos que a cada una de ellas se atan, en lugar de desaparecer alcancen, en cambio, más poder. Nace así la serie, aquí representada, Libres de toda mala raza.

“In other series, the pixels are equal to grains of gunpowder that upon being burned, fixes the image onto the canvas. Paradoxically, the results are realistic, without having used a photographic technique and, at the same time, a pictorial technique without using paint,” the artist points out. It seems that it involves something very similar to a true catharsis that makes the images and the stories that each one of them are tied to gain more power instead of disappearing.

That is how the series, represented here, Libres de toda mala raza, came to be.

Exactamente como el Angelus Novus de Paul Klee, en cuya mirada Walter Benjamin identificaba la del Ángel de la Historia que “ha vuelto el rostro hacia el pasado… y ve una única catástrofe que amontona incansablemente ruina tras ruina…”, Tomás Ochoa es el autor productor, que activa, antropológica y políticamente, observa de vuelta a aquel pasado trágico consciente de que este es el único camino existente para seguir progresándolo aquel mismo camino. El único sendero para recorrer hacia el futuro.

Just as Paul Klee’s Angelus Novus, where Walter Benjamin’s gaze identified the Angel of History which “has turned his face towards the past… and he sees a single catastrophe that tirelessly amasses ruin after ruin…”, Tomás Ochoa is the author/producer, who is anthropologically and politically active, looks back at that tragic past conscious that this is the only existing path to keep making progress on that same path. It’s the only path to take towards the future.

“Lo más interesante de la relación del arte y la antropología es la aproximación hacia la alteridad, al otro, fingiendo simultáneamente de etnógrafo, artista y participante. Estas estrategias ofrecen oportunidades de colaboración con comunidades o sujetos subalternos para recuperar historias suprimidas, proponer contra-memorias y socavar formas de representación… –cuenta Tomás–. Un arte conectado al pensamiento decolonial se ha de proponer, de releer y de de-construir la Historia para contribuir a su reescritura como punto de partida de un imaginario simbólico que produzca cohesión y que nos proyecte al futuro”.

“The most interesting thing about the relationship of art and anthropology is the approximation towards otherness, or the other, by simultaneously acting as an ethnographer, artist and participant. These strategies offer up opportunities to collaborate with communities or subordinate subjects to recover suppressed histories, propose counter-memories and undermine forms of representation…” says Tomás. “Art connected to decolonial thinking is proposing, reinterpreting and rebuilding history in order to contribute to its rewriting as a starting point for symbolic imagery that produces cohesion and that guides us into the future.”

Escribe Galeano en las últimas líneas de Las venas abiertas de América Latina: “Y porque en la historia de los hombres cada acto de destrucción encuentra su respuesta, tarde o temprano, en un acto de creación”. Y, entonces, ¿cómo no pensar en la pólvora que Tomás Ochoa esparce sobre el lienzo para rescatar los rostros de los derrotados del pasado y del presente?

El Fénix que renace de sus cenizas.

Galeano writes in the last lines of Las venas abiertas de América Latina: “And because in the history of humankind every act of destruction meets its response, sooner or later, in an act of creation.” So, how can we not think of the gunpowder that Tomás Ochoa spreads onto the canvas to save those defeated’s faces from the past and present? The phoenix that is reborn from its ashes.

Libres de toda mala raza, 2013, p贸lvora sobre lienzo, pol铆ptico, 70 x 180 cm. c/u

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Brasil | Brazil Artista Multidisciplinar | Multidisciplinary Artist

Sandra Cinto Tempestad Nocturna Nocturnal Turmoil Desde la absorción y digestión de la obra La Balsa de la Medusa, de Théodore Géricault, reflexiona sobre el imaginario del naufragio y de la deriva, representando la contingencia política y social.

From absorption and digestion of the work The Raft of Medusa, by de Théodore Géricault, she reflects upon the imagery of the shipwreck and drifting, by representing political and social contingency.

Por Pía Cordero. Licenciada en Filosofía (Chile).

Imágenes cortesía de Galería Casa Triángulo y Tanya Bonakdar Gallery.

e

l conjunto total de la obra de la artista brasilera Sandra Cinto (Santo André, 1968), puede ser resumido con las palabras: dibujo y espacio.

La bidimensionalidad del dibujo, vertido en cuadros de gran formato o murales con innumerables y alevosos oleajes, contrastan con la tridimensionalidad de la instalación, muchas veces compuesta de botes, miles de barquitos de papel, mesas u otro tipo de artefactos. La estrategia de la artista es tensionar el objeto espacial y dibujo, con el fin de problematizar la percepción total de la obra. De este modo, la experiencia de percibir no sólo es visual, sino también corporal o cenestésica.

Destaca su obra Tempestade noturna (2010), instalación de dimensiones variables, compuesta de dibujos de olas, cientos de barcos de papel blanco, agazapados en torno a una mesa de madera dispuesta en el suelo. La obra está inspirada en la pintura La balsa de la medusa (1819) del artista francés Théodore Géricault, que refiere al naufragio en las costas africanas de la fragata marina francesa Méduse con militares franceses, los que al

a

ll the work of the Brazilian artist Sandra Cinto (Santo André, 1968) could be summarized with the words: drawing and space. The two-dimensionality of the drawing, expressed in large-format pieces or murals with innumerable and treacherous swells, contrast with the three-dimensionality of the installation, which is often composed of boats, thousands of little paper ships, tables or other types of vessels.

The artist’s strategy is to put pressure on spatial object and drawing in order to problematize the overall perception of the work. Through this, the experience of seeing isn’t only visual, but also corporal or coenesthetic.

Standing out her work Tempestade noturna (2010), an installation of varying dimensions, made up of drawings of waves, hundreds of white paper boats, huddled around a wooden table placed on the floor. The work is inspired by the painting The Raft of Medusa (1819) by French artist Théodore Géricault, which refers to the shipwreck on the African coast of the French navy frigate Méduse with French soldiers, who upon

Untitled, 2010, papeles doblados y madera, medidas variables. Foto de Everton Ballardin.

quedar a la deriva, en una frágil balsa, sin agua ni alimento, comienzan a desquiciarse y comerse entre ellos. La instalación de Cinto puede entenderse como una relectura de este emblema del arte romántico, al consistir en una composición de tres elementos: el mar, graficado en las olas de los muros; las esculturas de papel, haciendo un nexo entre el muro y el suelo de la sala; y, la geometría de la mesa que recuerda en su superficie a la balsa misma, en la cual los únicos faltantes son los náufragos. Resulta interesante observar en el trabajo de la artista brasileña, como desde un referente del arte del siglo XIX, se reactualiza el imaginario del naufragio y de la deriva, es decir, se representa la contingencia política y social desde la absorción y digestión de la cultura patrimonial.

Para Sandra Cinto es fundamental la temática del naufragio, que refiere a los siniestros sociales y políticos del mundo actual. Por ejemplo, la artista explica que su obra Tempestade noturna se inspira en problemáticas sociales como la inmigración. Al respecto afirma: “En cada lugar donde realizo las instalaciones con la temática del naufragio, nuevas lecturas son agregadas de acuerdo con el contexto. La primera vez que realicé un trabajo con 8 mil barquitos de papel estaba en La Coruña, España, donde salían embarcaciones para América y donde actualmente hay muchos naufragios de embarcaciones provenientes de África”. La cantidad de barquitos de papel que contiene la instalación, hechos uno a uno, descubren su obsesión por dejar al descubierto el inconmensurable sometimiento de los inmigrantes o el calvario de los cuerpos sometidos a las actuales políticas neocoloniales.

Bajo un hacer cargado de simbolismos desea desplazar la subjetividad de los espectadores hacia aquel consternado espacio social.

El año 2014, en la ciudad española La Coruña, Sandra Cinto realizó la obra In silence, instalación site specific de dimensiones variables, compuesta de una mesa rectangular, un violonchelo blanco situado sobre libros de madera, un pentagrama y miles de papeles blancos dispuestos en grandes

drifting on a fragile raft, without water or food, start to go crazy and eat each other. Cinto’s installation can be understood as a reinterpretation of this emblem of romantic art, consisting of a composition of three elements: the sea, depicted in the waves of the walls; the paper sculptures, which create a link between the wall and the floor of the room; and, the geometry of the table that reminds in its surface to the raft itself, where the only thing missing are the castaways. It is interesting to see within the work of the Brazilian artist how, from a reference of 19th century art , the imagery of the shipwreck and the drift is updated, that is, political and social contingency is represented from the absorption and digestion of the inherited culture.

For Sandra Cinto, the theme of the shipwreck is essential, which refers to political and social claims of today’s world. For example, the artist explains that her work Tempestade noturna is inspired by social problems like as immigration. Regarding this she states: “In e place where I perform the installations with the theme of shipwreck, new interpretations are added according to the context. The first time that I made a work with 8 thousand paper boats was in La Coruña, Spain, where boats left to America and where there are currently many shipwrecks of ships coming from Africa.” The number of paper boats that the installation contains, made one by one, reveal her obsession for exposing the immeasurable subjugation of the immigrants or the calvary of bodies subjected to the current neocolonial policies. Under a task loaded with symbolism, she wishes to oust the viewer’s subjectivity towards that dismayed social space.

In 2014, in the Spanish city La Coruña, Sandra Cinto made the work In silence, a site specific installation of varying dimensions, made up of a rectangular table, a white cello placed on wooden books, a pentagram and thousands of papers placed in huge piles all over the

Imitação da Água, 2010, lápis permanente y acrílico sobre tela, papeles doblados y madera, medidas variables. Foto de Everton Ballardin.

rumas por toda la sala. Las hojas y los instrumentos en blanco no refieren a la clausura de la información, la borradura o la desaparición, sino buscan manifestar la necesidad de introspección y silencio frente a los excesos de información y estímulos de la sociedad contemporánea. Sobre el dibujo y la música comenta: “Pienso mucho en la relación entre el dibujo y la escritura musical. Ambos son códigos de representación. Pienso también en el vacío del dibujo como el silencio en la música. Las páginas en blanco están abiertas para que el observador proyecte en ellas su propio dibujo, sus imágenes”. Actualmente, su trabajo visual está orientado a investigar instrumentos musicales, particularmente, sus formas y sonoridad.

Las referencias a hitos de la historia del arte que se encuentran en el trabajo de Sandra Cinto, como La Balsa de la medusa de Théodore Géricault, las estampas de olas de Katsushika Hokusai o el silencio de las obras musicales de John Cage, nos acercan al concepto de antropofagismo cultural. En el año 1928, el intelectual brasileño Oswald de Andrade dio a conocer el Manifiesto antropófago, serie de estrategias estéticas para que los artistas de Brasil asimilasen la cultura de Europa, devorándola y digiriéndola, cuyo fin es la hibridez de una identidad renovada. Esta estrategia modernista influyó en el trabajo de connotados artistas brasileños, por ejemplo, Lygia Clark, Helio Oiticica y Cildo Meireles, entre otros. Hoy, bajo el fenómeno de la globalización, se asiste a la fragmentación y a la simultaneidad de los esquemas culturales. En el caso del arte, se asimilan las operaciones y estrategias creativas del primer mundo por los países en vías de desarrollo, y viceversa. En este contexto, siguiendo a de Andrade, se inicia la búsqueda de una identidad, que asimile los procesos transculturales –pues negarlos es un absurdo– en pos de la totalidad, es decir, de una idea unitaria de cultura tan dependiente de las partes como del todo o como indica el manifiesto de Andrade: “*Tupi or not tupi, that is the question” (*pueblo originario de América del Sur que habitaba las costas de Brasil antes de la llegada de los portugueses en el siglo XVI).

room. The white papers and instruments don’t refer to the closure of information, erasure or disappearance, but rather they seek to show the need of introspection and silence in face of the excesses of information and stimuli of contemporary society. Regarding the drawing and the music, she comments: “I think a lot about the relationship between the drawing and the musical notation. Both are codes of representation. I also think about the void from the drawing like the silence in the music.

Blank pages are open so the viewer can project his or her own drawing and images on them.” Currently, her visual work is geared towards investigating musical instruments, particularly, their shapes and sound.

References to milestones in the history of art, that are found in Sandra Cinto’s work, like Théodore Géricault’s The Raft of Medusa, Katsushika Hokusai’s prints of waves or the silence of John Cage’s musical compositions, brings us closer to the concept of cultural cannibalism. In 1928, the Brazilian intellectual Oswald de Andrade published Manifesto antropófago, a serie of aesthetic strategies so that Brazilian artists could asimilate European culture by consuming it and managing it. The purpose of this is the hybridity of a renovated identity. This modernist strategy influenced the work of famous Brazilian artists, such as, Lygia Clark, Helio Oiticica and Cildo Meireles, among others. Today, under the globalization phenomenon, the fragmentation and simultaneity of the cultural schemas is aided. In the case of art, operations and creative strategies the of first world are integrated by developing countries, and vice versa. In this context, following Andrade, the search for an identity begins , which takes in the cross-cultural processes –since denying them is absurd- in pursuit of totality, that is, a single idea of culture that is as dependent on the parts as it is of everything or as Andrade’s manifesto states: “*Tupi or not tupi, that is the question.” (*native town of South America that was situated on the Brazilian coast before the arrival of the Portuguese in the 16th century).

In Silence II, 2014, grafito sobre pared, papeles impresos arrugados, madera, latĂłn, lĂĄmpara incandescente y litografĂ­a, medidas variables.

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EE.UU. | USA Artista Multidisciplinar | Multidisciplinary Artist

Titus Kaphar “Mis personajes están dictando la Historia” “My characters are telling History” La historia, fragmentos de ella mezclados con la ficción y lo abstracto. El ojo de Titus Kaphar teje una narrativa que se posa visualmente sobre la historia y la deconstruye. Se exhiben ideas escondidas. Entonces se asoma el poder del presente, ese que puede incluso serpentear y escurrirse sobre una imagen heredada, una obra que trazó su último pincelazo cientos de años atrás.

History, fragments of it mixed with fiction and the abstract.

Titus Kaphar’s eye weaves a narrative that is visually perched on history and deconstruction. He exhibits hidden ideas. Therefore the power of the present appears; that which can even twist and drape over an inherited image, a piece that stroked its last brush-stroke hundreds of years ago.

Por Natalia Vidal Toutin. Periodista (Chile).

Cortesía del artista y Jack Shainman Gallery, Nueva York.

“Muchas de las pinturas, aunque se basan en los tropos visuales de la historia, son, de hecho, inventadas con el fin de tener un mayor control de la narración” Titus Kaphar

“Many of the paintings, though they rely on the visual tropes of history, are in fact invented in order to have more control of the narrative” Titus Kaphar

s

s

La misión que Titus Kaphar ha practicado, es despojar la historia de obras que el arte muestra prolijas y acabadas, como salidas de una perfección monárquica de edades de oro. De pronto, en su trabajo, emanan ciertas revelaciones, un extracto de la historia que no se ha contado en marcos de oro. Plantea un mensaje ignorado, una interpretación diferente que se hace espacio hoy, en aquel período de sublimidad artística.

The mission that Titus Kaphar has put into practice is removing the history from pieces where art shows neat and finished work, like extracts from a golden age monarchic utopia. All of a sudden, certain revelations emanate in his work, an extract from history that hasn’t been told with a golden frame.

He suggests an ignored message, a distinct interpretation that makes room for today, that time of artistic sublimity.

Son cortes o recortes exiliados de la cita con la cronología, allegados desde nuestros días para permear estos trabajos con una mirada más inclusiva, panorámica. Entonces resulta, por ejemplo, que se aparta a uno de los protagonistas de la escena pintada. Se intercambia por su silueta en color blanco, delator de ausencias. Se descontextualiza su existencia, legando en su puesto, un espacio para la reflexión, para cubrir con una interpretación, argumento, sentido o quizá lógica, lo que el vacío permite o representa.

They are cuttings or clippings exiled from the cited work along with the chronology, adopted from our time to pervade these works with a more inclusive, panoramic view. Therefore, for example, one of the protagonists is separated from the painted scene. It is replaced by its silhouette in white, a revelation of absence. Its existence is decontextualized, thus leaving behind, a space to reflect, to shroud with an interpretation, argument, feeling or perhaps logic, whatever the void allows or represents.

La mano de Titus produce una descomposición irreverente, abultada, llena de motivos y significantes, de ideas sobrepuestas e integradas, en las que intenta inmortalizar, más que a un personaje, el contexto, una idea integral.

Titus’s hand produces an irreverent, bulky decomposition, full of motives and meanings, superimposed and integrated ideas, where he tries to immortalize the context more than a person, a comprehensive idea. He ridicules, dismantles

e desmantela algo oculto al abrirse el telón o al descascarar una naranja.

El retrato de un burgués, el talante de una dama o la estricta composición familiar del renacimiento, se intercalan abruptamente en escena con el rostro de un personaje afroamericano. Entonces retratos de Copley, Eakins y Delacroix, parecen desplegar una nueva perspectiva, imágenes nunca antes vistas.

omething hidden is dismantled upon opening the curtain or peeling an orange. The portrait of a well-off man, the facial expression of a lady or the strict family composition of the Renaissance, are abruptly interspersed on the scene with the face of an African-American person. Then Copley, Eakins and Delacroix’s portraits appear spread out in a new perspective, images never before seen.

Tax Collector, 2011, 贸leo sobre tela y t茅cnica mixta que incluye basura y ropa, pintura 220,9 x 144,7 x 5 cm, overol dimensiones variables.

Stripes, 2014, 贸leo sobre tela y clavos, 147,8 x 129,5 x 2,5 cm.

Behind the Myth of Benevolence, 2014, 贸leo sobre tela, 149,8 x 86,3 x 17,7 cm.

Ironiza, desmantela y provoca, cubre y abre mantos a su antojo, compone sobre lo existente, utiliza lo trabajado y reconocido por el tiempo y el recuerdo colectivo y lo trae de vuelta con un ángulo adicional, o sin ángulo alguno.

La misión es exhibir y exponer esa interrogante que cuestiona el posicionamiento del afroamericano en la historia del arte, su anonimato vigente hasta el presente trabajo artístico. Una falencia, un descuido.

and provokes, covers and reveals layers on a whim; he composes on top of what already exists. He uses the painted surface and that recognized by time and collective memory and brings it back with an additional angle, or without any angle. The mission is to show and expose that unanswered question that challenges the positioning of African-Americans in art history, from their current anonymity to the current artwork. A shortcoming, an oversight.

Las obras del clasicismo y el renacimiento se mezclan con la contemporaneidad, se trenzan en un juego narrativo que descompone los patrones que conservaban las piezas históricas, para construir sobre él, nuevas realidades, reales o de ficción, con actores hasta ahora tras de escena. Ha dicho en entrevista a Times, “saco de todos los períodos de tiempo el canon de la historia del arte, con un énfasis en las tradiciones americanas y europeas de 1700 y 1900 para mis referencias de imagen, y sólo de 1.900 a lo más contemporáneo, para mis gestos intervencionistas”.

Classicism works of art and works from the Renaissance are blended with contemporaneity. They weave together in a narrative game that decomposes the masters that kept historic pieces, in order to build new realities upon him, real or fictional, with actors that have been behind the scenes until now.

He has said in an interview with Times, “I draw from all time periods in the canon of art history, with an emphasis on American and European traditions from 1700 and 1900, for my image references and 1900 to contemporary for my interventional gestures.”

Así, la materialidad y las terminaciones las producen el despojo de un fragmento, éste hace textura y provoca el movimiento en la pintura, produce sensación de desplazo.

En blanco quedan los personajes que colmaban la pintura hasta entonces, y allí queda sólo ese espacio, ese vacío de luz blanca que por su ausencia anuncia algo.

Thus, the materiality and details strip down a fragment; this creates texture and causes movement in the painting. It produces a feeling of motion. The people that filled the paintings until then are left white, and only space is left, that void of white light that proclaims something with its absence.

La forma en que ha perseguido la misión de crear consciencia e interrumpir el sentido absoluto de algunas obras, le han llevado a experimentar con un sinnúmero de materiales, un arrastre a diferentes técnicas artísticas visuales para hacer un trabajo integral y que no postergue ningún aspecto. Con ello, los cortes, la escultura, diversos materiales y la fusión, se unen en el trayecto de su carrera profesional. La proyección: un estilo híbrido, una mezcla desafiante, una mixtura imparcial, una crítica.

The way in which he has pursued the mission of creating consciousness and interrupting every single meaning of some pieces, have lead him to experiment with an endless number of materials, a push towards different visual art techniques to make comprehensive and uninhibited work. With it, cuts, sculpture, diverse materials and fusion, join together throughout his professional career. The result: a hybrid style, a challenging mix, an impartial mix, a critique.

Como consecuencia, los efectos que tiene este trabajo sobre las obras heredadas, la historia que cuenta el arte, hace temblar, de pronto, los cánones artísticos que se vuelven inestables y maleables, un objeto al que se puede cuestionar, una historia a la que se le pueden adicionar párrafos e ideas. “Sentir que mis personajes están dictando la historia y que son un escriba. Creo que esta es la manera más clara para describir el monólogo que tengo en mi cabeza”, señala. Así, pone en duda la autoridad del pintor para hacer historia a través de sus obras, y resulta que una memoria colectiva se construye y deconstruye con el tiempo y las voces que la alzan y proclaman. En este caso artísticamente, las réplicas de grandes pintores se vuelven vulnerables al presente, a la mano que lo narra, al espacio que lo recibe. Permeables al tiempo.

As a consequence, the effect that this work has on the inherited works is the history that the art tells. They suddenly shake the artistic models that become unstable and malleable, an object that could be questioned, a story that we could add paragraphs and ideas to. “I feel that my characters are dictating the story and that you are a scribe. I think this is the clearest way to describe the monologue I have in my head,” he says. Through this, the painter’s authority is questioned to make history through his pieces, and a collective memory is built and deconstructed over time and with the voices that erect and praise it. In this case artistically, the replicas of great painters become vulnerable to the present, to the hand that narrates it, to the space that receives it. Pervious to time.

El vacío, la sobre posición deja un destino no escrito finalmente, una duda. La historia contada pasa no sólo a desaparecer, sino a reinventarse. Titus Kaphar no le teme a descuartizar las presencias y poblar sus trabajos de otras. Denota y pone sobre el tapete la ausencia femenina y afroamericana de la pintura clásica y lo denuncia a través de su particular forma de crear nuevos escenarios: cortados, fragmentados, vendados. La imagen es violenta, la mujer afroamericana mira tras el retrato desmantelado, fijamente, hegemónica en defensa de su existencia, observa cómo la han mantenido oculta. En otro caso, un soporte de madera vacuo es lo que sustenta el sin fin de tiras que destrozan el talante de un caballero antiguo. Y se hace la propuesta, se manifiesta la tendencia que redunda en la crítica, lo social y la anhelada justicia.

The void and overlapping leave an unwritten destiny in the end. They leave doubt. The history told not only starts to disappear, but to reinvent itself. Titus Kaphar isn’t afraid to carve up the presences and fill his work from others.

He expresses and brings feminine and African-American absence in classic painting to the table and denounces it through his particular way of creating new scenes: cutting, separating, binding. The image is violent, the African-American woman gazes through the dismantled portrait, staring, hegemonic in defense of her existence, and she sees how they have kept her hidden. In another case, a hollow wooden frame is what holds the endless number of strips that destroy the facial expression of a former gentleman. And the proposal is made, the trend that redounds to critique, social affairs and a longed for justice appears.

Her Mother's Mother's Mother, 2014, 贸leo sobre tela, 182,8 x 91,4 x 4,4 cm.

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Chile | Chile Pintura | Painting

Catalina Pérez W. Cara a cara Face to face Con sólo 25 años, la pintora chilena ha definido su obra en torno al retrato. Con lienzos caracterizados por miradas realistas, expresiones interpretativas y sueltos trazos con óleo, Catalina Pérez crea rostros llenos de vida en una atmósfera quimérica, los que se realizan en la imaginación de cada observador.

At just 25 years old, the Chilean painter has set her work around portraiture. With canvases characterized by realistic gazes, interpretative expressions and loose brushstrokes in oil, Catalina Pérez creates faces full of life in a fanciful atmosphere, those that are made in the imagination of each viewer.

Por Javiera Romero M. Periodista (Chile).

Imágenes cortesía de la artista.

Mark, 2015, 贸leo sobre tela, 60 x 80 cm.

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Deambulando entre el realismo y el surrealismo, Catalina hace un reconocimiento propio de la vida en retratos que exageran la expresión. La artista quiere perturbar a quien se enfrenta a su obra a través de la interpretación.

La expresión lo es todo: es vida, es historia, es momento. Canalizar cada trazo en una experiencia que emula un encuentro entre dos personas es el fin último de la obra de esta artista.

Straying between realism and surrealism, Catalina makes her own acknowledgement of life with portraits that exaggerate expression. The artist wants to disorient whoever faces her work through interpretation. Expression is everything: it is life, it is history, it is now. Harnessing every feature of an experience that emulates an encounter between two people is the ultimate goal of this artist’s work.

Todo comenzó cuando era pequeña. Su madre artista y educada en artes visuales le enseñó desde la práctica, desde los cuentos y las historias lo que era la perseverancia y el trabajo metódico. Muchas veces, Catalina, siendo una niña, acompañó a su mamá al taller donde trabajaba y escuchó los libros que su madre le leía, siempre en torno a las artes visuales. Sin embargo, a pesar de haber sido criada entre la sensibilidad y la creatividad, en su etapa escolar se alejó de las artes visuales. Pero la realidad la atraería de nuevo hacia la pintura cuando tuvo que tomar una decisión sobre qué estudiar en la universidad, reencontrándose con algo perdido. En la universidad, se descubrió a sí misma como artista, como una pintora de retratos con un sello único.

Everything began when she was young. Her mother, an artist educated in visual arts, taught her through practice, tales and stories what perseverance and methodic work meant. Often as a child, Catalina accompanied her mother to the workshop where she worked and listened to the books her mother would read on visual arts. However, despite having been raised between sensitivity and creativity, she drifted away from the visual arts in her school years. However, reality would once again draw her towards painting when she had to choose what she would study in the university, thus she reencountered something lost. In college, she discovered herself as an artist, as a portrait painter with her own unique style.

Todo este proceso de aprendizaje, que se da en la pintora desde la infancia, la ha llevado a fijarse ambiciosas metas, en las que la perseverancia y el orden son esenciales cualidades que se dejan ver en su rapidez al trabajar. De hecho, en tan solo una semana, la artista puede realizar dos retratos perfectos en detalle y pulcritud. Pinturas que resaltan la esencia de lo humano a través del rostro.

This entire learning process, which started during childhood, has led her to set ambitious goals, where perseverance and order are essential qualities that are able to be seen in the quickness of her work. In fact, in just one week, the artist can make two shipshape portraits in perfect detail. Paintings that highlight the essence of man through the face.

Trabajar desde la foto

Working from photographs

Catalina recolecta imágenes de revistas y libros en que el único criterio de selección es lo inquietante, lo que convierte una foto en un objeto en movimiento a pesar de su quietud: la expresión. La artista edita cada fotografía digitalmente intentando crear personas nuevas, sus propios personajes en lienzos empapados de sueltos trazos de óleo. Sin embargo, ninguno de sus cuadros es literal, pues prefiere jugar con la imagen que

Catalina gathers images from magazines and books where the only selection criterion is being disturbing, that which turns a picture into a moving object despite its stillness: the expression. The artist edits each photograph digitally while trying to create new people, her own characters on canvas imbued with loose strokes in oil. Nonetheless, none of her paintings are literal, since she prefers to play with the image that she uses as a model, thus resulting in

l taller de Catalina es acogedor y muy pulcro. La gran casa que alberga el trabajo de varios otros artistas es el lugar en que la joven pintora ha desarrollado los inquietantes retratos que dan vida a su obra. Las paredes del espacio son blancas, atiborradas por fotografías, bosquejos y pequeños cuadros que a Catalina le sirven de modelos de inspiración mientras pinta.

Apoyadas en las paredes están algunas de sus pinturas; cada retrato es, en sí mismo, un vehículo hacia una sensación distinta, la que es movilizada a través de colores que parecen derramados sobre la tela y que, por un movimiento casi predestinado del pincel, elaboran una trama perfecta de emociones que cobra vida en las pinturas de Catalina.

atalina’s workshop is inviting and neat. The large house that houses the work of several other artists is the place where the young painter developed the disturbing portraits that give life to her work. The space’s walls are white and crammed with photos, sketches and small paintings that serve as models of inspiration while Catalina paints. Some of her paintings lean against the walls; each portrait is, in itself, a vehicle towards a different feeling, which is mobilized by colors that seem poured on to the canvas and that, through an almost predetermined movement of the brush, create a perfect scene of emotions that comes to life in Catalina’s paintings.

Mark, 2015, 贸leo sobre tela, 60 x 80 cm.

le sirve de modelo, llegando a un resultado que nace y se transforma con cada pasada del pincel. Con un fondo que asemeja a un paisaje de acuarela y mirada realista y fija, su obra camina entre un mundo imaginario y la realidad que se presenta en la fotografía.

a painting that emerges and transforms with each pass of the brush. With a background that resembles a landscape in watercolor and a realistic and fixed gaze, her work walks the line between an imaginary world and the reality seen in the photograph.

Su soporte predilecto es la pintura y su medio favorito es el óleo, el que le otorga una libertad que se deja ver en la soltura de sus cuadros. Sus primeras obras eran bosquejadas con carboncillo, sin embargo, hoy se deja llevar y dibuja en la tela directamente con el pincel impregnado de óleo. Catalina dice que le perdió el miedo al error, y esto se ve en el contraste de sus obras anteriores con las actuales. Si bien su sello e intención artística parecen intactos, sus retratos parecen más libres, más sueltos, más audaces.

Her favorite format is painting and her favorite medium is oil, which gives her freedom which can be seen in the looseness of her paintings. Her first pieces were charcoal sketches; however, today she lets herself go and draws on the canvas directly with brushes dripping with oil paint. Catalina says that she lost her fear to make mistakes, and this is seen upon comparing her previous work with her current work. While her signature style and artistic intent remain intact, her portraits seem freer, looser and bolder.

Al respecto, una de las cosas que remeció su carrera fue su estadía en Londres. Luego de terminar Licenciatura en Artes, Catalina decidió continuar sus estudios en la Central Saint Martins-University of the Arts y The Art Academy en Inglaterra. Decidida a seguir pintando retratos, realizó sus primeros encargos en torno a la visualización del rostro. Sin embargo, su profesora le pidió que buscara otras alternativas para abordar al ser humano lejos de un carácter literal. Así, Catalina desarrolló una serie de cuadros un tanto distintos a los que acostumbraba hacer, a través de la técnica mixta, incorporando tiras de papel y otros elementos, la pintora desarrolló el rostro desde una perspectiva conceptual, en la que desarma la imagen para volverla el resultado de una construcción mental. No obstante, para Catalina esto sólo significó un período de experimentación, y hoy vuelve a las raíces y formas que caracterizan su trabajo.

Regarding this, one of the things that shook up her career was her stay in London. After finishing her degree in art, Catalina decided to continue her studies in the Central Saint Martins – University of the Arts and The Art Academy in England. Determined to keep painting portraits, she made her first pieces about the visualization of the face. However, her professor asked her to seek other alternatives in order to address human being far from a literal character. So, Catalina developed a series of paintings somewhat different to those that she was used to doing, through mixed technique by incorporating strips of paper and other elements. The painter developed the face from a conceptual perspective, where she dismantles the image in order to turn it into a mental construction. However, for Catalina this only meant a period of experimentation, and today she has returned to her roots and forms that characterize her work.

La pintura tiene eso que le encanta: la exageración. Toda imagen es susceptible de ser resaltada, de ser llevada a otro foco. Las líneas de expresión, el color de la piel, las sombras y las miradas son la materia prima en el afán de la artista por provocar el destape de la imaginación del observador. Cada arruga tiene su historia, cada mancha tiene su origen y cada mirada tiene una intención, las que no son definidas por la artista. Su obra pretende ser interpretativa: Catalina le da las herramientas al espectador para que recree al personaje que está viendo. De esta forma, sus cuadros son un recurso activo, no obras que descansan impasibles en un muro.

Painting has that which she loves: exaggeration. All images are vulnerable to accentuation, to be led to another focal point. The lines of expression, the color of the skin, the shadows and gazes are the raw material in the artist’s effort to reveal the viewer’s imagination. Each wrinkle has its story, each smear of paint has its origin and each gaze has meaning, which are not defined by the artist. Her work is intended to be interpretive: Catalina gives the viewer the tools to recreate the person that they are seeing. Through this, her paintings are an active resource, not pieces that stolidly rest on the wall.

En cada uno de sus retratos, ella reconoce algo vivo, y si bien admite que su reacción ante la obra es distinta de la que puede llegar a tener otro observador, la creación de un nuevo personaje es una constante que se repite como resultado de su trabajo. La artista dice: “imagino a esta persona, medio inventada por mí, y le doy vida en mi cabeza”. Además, admite: “creo una presencia a partir de la nada, creo una persona nueva”.

In each of her portraits, she recognizes something living, although she admits that her reaction to the work is different than what the viewer may feel, the creation of a new character is a reoccurring theme that is repeated as a result of her work. The artist says: “I imagine that person, somewhat invented by me, and I give it life in my head.” She also admits: “I create a presence from nothing, I create a new person.”

Vic III, 2015, 贸leo sobre tela, 100 x 100 cm.

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Perú | Peru Fotografía | Photography

Lorena Noblecilla Romanticismo racional Rational Romanticism Donde el romanticismo buscaba exaltar las emociones y la subjetividad, de la mano de la representación de una naturaleza exuberante, Noblecilla equilibra ese sentido dionisíaco en la yuxtaposición de formas geométricas puras y racionales, al igual que una barrera limitante.

Where romanticism sought out to praise the deluge of emotions and subjectivity, accompanied by the hand of a lush nature, Noblecilla balances that Dynosian feeling by juxtaposing pure and rational geometric forms, just like a restricting barrier.

Por Luciana Acuña. Historia del arte y curadora (Argentina).

Imágenes cortesía de la artista.

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Paradojalmente sus paisajes puramente románticos, repletos de bosques y montañas, se encuentran intervenidos, “colonizados” es el término que utiliza la artista para representar una metáfora de la globalización (tengamos en cuenta que la artista retrata paisajes de diferentes latitudes) pero desde el sentido estético, ideológico y cultural según explica. Es en este punto donde entra en juego el conceptualismo antes que la composición estética, como una suerte de imposición, o bien de sincretismo de una cultura sobre otra. Es por esto que las formas euclidianas –presente en sus obras– son la representación de lo racional que contrarresta lo emocional, según Noblecilla: “lo matemático puro, lo utilizo como metáfora del control, de la conquista racional del espacio en oposición respecto de la naturaleza irracional, que a su vez está conteniendo, limitando sin dejar desbordar los distintos paisajes.

La geometría opone barreras a la parte emotiva excesiva, la limita”.

Paradoxically, her strictly romantic landscapes, full of forests and mountains, are intervened. “Colonized” is the term that the artist uses to represent a metaphor of globalization (keep in mind that the artist depicts landscapes at different latitudes) but from an aesthetic, ideological and cultural sense according to what she explains. It is here where conceptualism comes into play before the aesthetic composition, as a type of imposition, or rather syncretism of one culture on another. It is because of this that the Euclidean shapes –present in her work– represent what is rational which counteracts the emotional. As Noblecilla states, “I use the purely mathematical as a metaphor for control, the rational conquest of the space in opposition regarding an irrational nature, which in turn, contains the different landscapes, thus limiting them without letting them overflow.

The geometry opposes barriers to the excessive emotional part. It limits it.”

El uso del color en la composición destaca ambos roles como para no dar lugar otras interpretaciones de contenido, para ello, Noblecilla se vale de la escala de grises destinada a la imagen del paisaje y de zonas de color en donde las figuras geométricas tienen protagonismo. Es en la conjugación de contrastes donde se

The use of color in the composition points out both roles as to give place to other interpretations of content. For this, Noblecilla makes use of the gray scale set aside for the image of the landscape, and zones of color where the geometric figures are prominent. It is in the conjugation of

orena Noblecilla recibió formación plástica, aunque la fotografía es el medio elegido por excelencia dada la inmediatez del resultado, la artista me comenta: “esta forma me llega a los 17 años en un taller de laboratorio en blanco y negro, desde ese momento fue la manera de comunicar mis emociones”.

orena Noblecilla was trained in visual arts, however photography is her medium of choice due to its immediate results. She tells me, “I discovered this medium when I was 17 in a lab workshop in black and white and it has been my way of communicating my feelings ever since.”

Colonizaci贸n del espacio, 2015, impresi贸n digital sobre papel de algod贸n, 110 x 110 cm.

Colonizaci贸n del espacio, 2015, impresi贸n digital sobre papel de algod贸n, 110 x 110 cm.

Colonizaci贸n del espacio, 2015, impresi贸n digital sobre papel de algod贸n, 110 x 110 cm.

representa esta exacerbación de límites fronterizos, como nuevos territorios, esa suerte de colonización de otra forma de pensamiento. Aunque de algún modo, desde mi punto de vista, esta resemantización del paisaje la vincule con los jardines barrocos, en el que el dominio del ser humano por sobre la naturaleza se veía representado en esos espacios racionalizados que tanto inspiraron a los paisajistas de Versalles, en donde se encarnaba el sometimiento de la vegetación, como el arte de ordenar la naturaleza según principios arquitectónicos.

contrasts where this exacerbation of borders is represented, like new lands, that sort of other way of thinking colonization. However, somehow, from my perspective, that resemantization of the landscape links it with the baroque gardens, where man’s dominion over nature was depicted in those rationalized spaces that also inspired the landscape architects of Versailles; where the subjugation of vegetation is embodied as the art of arranging nature according to architectural principles.

En el caso de la obra de Noblecilla, la artista da un paso más allá utilizando estas formas racionalistas de manera metafórica, podría afirmar que desde una percepción superior en la que se mantienen las formas originarias, pero simultáneamente yuxtapuestas por estos nuevos espacios, no de sustitución ya que no se observa una “colonización” violenta, sino un afán de búsqueda de equilibrio entre ambas realidades. Como una representación idealista de las emociones pero equilibrada, ya que lo contrario sería un desajuste.

In the case of Noblecilla’s work, the artist takes it one step further by using these rationalistic forms metaphorically. You could say that from an overhead view, where the original forms are kept but simultaneously juxtaposed by these new spaces, isn’t the same since a violent “colonization” isn’t seen, but rather an attempt to find balance between both realities. It is like an idealistic, but balanced, representation of the emotions, since the contrary wouldn’t match.

En relación al paisaje cabe destacar que las formas euclidianas no forman parte de ellas, ya que particularmente son construcción de los seres humanos, lo que de alguna manera me genera la siguiente inquietud: ¿Es posible que Noblecilla logre, desde la metáfora visual, formular la necesidad de un equilibrio de las acciones de los humanos sobre la naturaleza agónica de nuestra contemporaneidad? No es una novedad que los desastres naturales de estos últimos años son el resultado del mal accionar de los humanos en la explotación de los recursos de la tierra, y esto sucede por una falta total del uso racional de las materias primas. La crisis ambientalista es la mejor expresión de la falta de equilibrio entre la explotación de recursos y el tiempo necesario para su restablecimiento.

In regards to the landscape, it pays to mention that the Euclidean forms do not make up part of it, since they are human constructions, which somehow brings the following concern to mind: Is it possible that Noblecilla, through the use of visual metaphor, is able to create the need for balance in human actions regarding the dying nature of our contemporaneity? It’s not a new thought that the natural disasters of the last few years are the result of bad human actions in the exploitation of the land’s resources. This happens due to a complete lack of rationale regarding the use of raw materials. The environmentalist crisis is the best expression of the lack of balance between the exploitation of resources and the time needed for them to be restored.

La historia siempre fue cíclica, desde lo equilibrado apolíneo hasta el desborde dionisíaco, desde el idealismo hasta las emociones románticas, siempre una postura generó su oposición pero difícilmente se logró un equilibrio. Equilibrio que no necesariamente busque la neutralidad sino el logro de lo sostenible, y que cuando hablamos de naturaleza y de nuestra contemporaneidad, se vuelve urgente. De alguna manera la artista nos muestra esa mirada necesaria de urgencia en el mundo y de lo implacable de nuestras acciones sobre la naturaleza. Ya no se trata de dominar, sino de racionalmente equilibrar este ecosistema colapsado y agónico. Ya lo dijo Walt Whitman: “Creo que una brizna de hierba no es inferior a la jornada de los astros y que la hormiga no es menos perfecta ni lo es un grano de arena...”.

History has always been cyclical; from the balanced Apollonian to the Dynosian overflow, from idealism to romantic emotions, one position always created its opposition but rarely was able to achieve balance; a type of balance that doesn’t necessarily seek neutrality, but rather achieves sustainability, and that when we speak of nature and our contemporaneity, becomes urgent. Somehow the artist shows us that necessary view of urgency in the world and the relentlessness of our actions regarding nature.

It is no longer about dominating, but rather reasonably balancing this collapsed and dying ecosystem. Walt Whitman said it best: “I believe a leaf of grass is no less than the journey-work of the stars, And the pismire is equally perfect, and a grain of sand….”

Colonizaci贸n del espacio, 2015, impresi贸n digital sobre papel de algod贸n, 110 x 110 cm.

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Chile | Chile Artista Multidisciplinar | Multidisciplinary Artist

Juana Gómez La raíz de los múltiples cruces The origin of multiple crossroads Bajo la fachada con la que se presenta el mundo existe una infinita red de canales. La naturaleza y el hombre funcionan por medio de flujos continuos. La chilena Juana Gómez ha estudiado las múltiples formas en que organismos y estructuras diferentes se tejen entre sí para formar algo mayor que los trasciende.

Y el resultado de su trabajo muestra, en sus piezas de arte, la complejidad que ha alcanzado su búsqueda.

Through the facade in which the world appears under, there is an infinite network of channels. Nature and man works through continuous flows. Chilean artist, Juan a Gómez, has studied the various forms in which organisms and different structures are weaved together to form something bigger that transcends them. The result of her artwork shows the complexity that her search has reached.

Por Natalia Vidal Toutin. Periodista (Chile).

Imágenes cortesía de la artista.

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“Empiezo a trabajar con libros de anatomía, varios a la vez, porque busco entender cómo se conecta nuestro organismo y eso, no está todo en un solo libro”, continúa la artista, bordando la narrativa y el perímetro de su trabajo. La intercomunicación, los vínculos, los nexos. La transmisión de información y la forma en que las funciones se complementan es su tema.

La dependencia que crea una comunidad. “Una vez que tengo los órganos, los dibujo directamente sobre la foto impresa en la tela. Luego, escojo la paleta de color y comienzo el bordado. Es un proceso lento y, a veces, lleno de errores”, describe, hablando de la composición del armatoste que conduce esta lectura a la culminación de una nueva pieza.

“I start to work with several anatomy books at a time, since I seek to understand how our organism is connected, and that isn’t found in one book alone,” adds the artist while embroidering the narrative and perimeter of her work. The intercommunication, the links, the nexus. The sharing of information and the form in which the roles are complemented is her subject.

The dependence that creates a community. “Once I have the organs, I draw directly on the photo printed on the canvas. Later, I choose the color palette and I start to embroider. It is a slow process and sometimes full of mistakes,” she describes, while speaking about the composition of the monstrosity that propels this interpretation to the completion of a new piece.

Es un fluir de información, un sistema de ayuda, de procesos correlacionados y dependientes de los que emerge la creación o un proceso continuo. Entonces todo redunda en que la naturaleza cobija estas respuestas. El origen de macro estructuras que componen todo lo orgánico. La constitución del todo y las partes que se unen para formarlo están bajo la superficialidad. “Si sacamos esa primera capa de piel que nos deja tan uniformes como seres humanos, aparece la complejidad y la riqueza de nuestra estructura interna.

Debajo de la piel es donde encontramos lo que nos hermana con los demás

It is a flow of information, a help system, a system of processes that are interrelated and depend on that which emerges from creation or an ongoing process. So everything results in nature giving shelter to these answers.

The origin of macrostructures that make up everything organic. The constitution of everything and the parts that are brought together to form it are underneath the superficiality. “If we remove that first layer of skin that makes us so uniform as human beings, the complexity and richness of our internal structure appears. Underneath the skin is where we find

na serie de dibujos y esquemas están dispersos sobre la mesa. Entonces todo empieza. “Al comienzo dibujo lo que visualizo, la escala en la que voy a trabajar, el órgano, el sistema o las estructuras que quiero bordar”, relata la artista chilena Juana Gómez de ese punto en donde brotan las primeras luces de una obra de arte que está por nacer. El concepto final se fotografía y se imprime en tela de algodón o lino, en la que está por surgir una red que busca respuestas, un canal que conecta argumentos y elementos que cohabitan en nuestro ecosistema y que guardan sigilosamente el secreto de la composición de los seres vitales que nos rodean.

series of drawings and diagrams lay about the table. Everything begins there. “In the beginning, I draw what I visualize, the scale in which I will work, the organ, the system or the structures that I want to embroider,” says Juana Gómez regarding this point where the first signs of an unborn work or art emerge. The final concept is photographed and printed on cotton or linen canvas, where a network that seeks answers is about to arise, a channel that connects arguments and elements that coexist in our ecosystem and that stealthily keep the secret of the composition of vital beings that surround us.

Constructual 8, 2015, bordado a mano sobre foto impresa en tela y bordado recortado superpuesto, 30 x 34,5 cm.

Constructual 4, 2015, bordado a mano sobre fotografĂ­a impresa en tela, dĂ­ptico, 160 x 55 cm.

fenómenos del mundo”, reflexiona Juana, quien dedica su trabajo a mostrar aquellos flujos y nexos que nos integran y hacen ser. “No estoy hablando de una idea abstracta, sino de una constatación física: estamos internamente construidos de manera similar a las raíces de una planta, las rutas de tránsito de Internet, las corrientes marinas, las vetas en los minerales”, concluye, enfatizando la idea de un mundo de conexiones homogéneas, de composiciones que se fabrican a nuestro alrededor.

that which links us to other phenomena in the world,” says Juana, who devotes her work to showing those flows and connections that join us and make us human. “I’m not talking about an abstract idea, but rather a physical verification: internally, we are built similarly to the roots of a plant, internet transit routes, sea currents, mineral seams,” she concludes while emphasizing the idea of a world of homogenous connections and compositions that’re fabricated our surroundings.

De la raíz a la rama

From root to branch

Tu trabajo parece mezclar lo orgánico y lo sensitivo. ¿Qué simbolizan y cómo nació la idea de crear este nexo?

La interconexión me parece el aspecto central de todas las cosas y su símbolo por antonomasia son las raíces y el árbol. Este diseño es el patrón que sostiene gran parte de lo que somos. Nuestro cuerpo está formado por la suma de estas filigranas que tienen su tronco central y se van haciendo cada vez más finas en la medida que llega a los extremos. Obedecemos a un diseño del que sólo somos una expresión más.

Your work seems to mix the organic and the sensitive. What do they symbolize and how did the idea of creating this link arise?

For me, interconnection is the central aspect of everything and the most typical symbols are roots and trees. This design is the pattern that largely supports what we are. Our body is made of the sum of these filigrees that have their main trunk and get finer and finer as they near their ends. We comply with a design from which we are only one more expression.

¿Cómo llegas a la conformación de las redes y a su término una vez que las has empezado?

Ninguna de mis obras está completa: el nivel de detalle al que se podría llegar es infinitamente mayor que el que puedo representar a través del bordado, pero hay un momento en que se alcanza a entrever esa complejidad. Es un punto justo, un momento donde la parte muestra el todo. Hay que dejar que la imagen vaya tomando su curso, que tenga su propia maduración y crecimiento. El modelo, de pronto, queda de lado y se empieza a ver a la obra en sí misma, como algo nuevo, con sus propios ritmos. A veces lo dejas de una noche a otra y es como si hubiera crecido en el intertanto, como si tuviera voluntad propia. Ahí sabes que no hay que volver a tocarlo.

How do you get the structure of the networks and how do you finish them once you have started?

None of my pieces are complete: the level of detail that could be reached is infinitely greater than that which I can represent through embroidery, but there is a moment in which you are able to catch a glimpse of that complexity.

It is an exact point, a moment where a part shows everything. You must let the image take its course and let it mature and grow on its own. The model, all of a sudden, is left aside and you start to see the work itself, like something new, with its own rhythm. Sometimes you leave it from one night to anther and it is as if it grows in the meantime, as if it has its own will. There you know that you don’t need to work on it again.

¿Tiene tu obra la misión de graficar cómo dar sentido a una estructura y su funcionamiento?

Creo que mi trabajo habla de cosas que están tan en la base, que pasan desapercibidas. Sin embargo, acarreamos toda esta historia en los huesos. Estas mismas estructuras orgánicas están cobrando vida en la tecnología y afectando el comportamiento social de los seres humanos. La máquina humana, lo qué nos constituye como seres humanos supera el cuerpo físico, se está lentamente exteriorizando como una segunda piel que hoy cubre el planeta entero. Creo que mi trabajo también busca poner foco en uno de nuestros mayores puntos ciegos: el hecho de que esta experiencia y este cuerpo es finito.

Does your work seek to show how to give meaning to a structure and its functioning?

I think that my work speaks of things that are so essential that they aren’t noticed. However, we bear this history in our bones. These same organic structures come to life in technology and we are affecting the social behavior of human beings. The human machine, which forms us as human beings goes beyond the physical body, it is slowly being revealed like a second skin that now covers the entire planet. I think that my work also seeks to put emphasis on one of our major blind spots: the fact that this experience and this body is finite.

Lo que exhibes en tus obras ¿es una réplica o reflejo de tu propio cuerpo?

He bordado casi la totalidad de esta serie sobre mi propio cuerpo. Trabajar con él me pareció más directo y sincero que trabajar con otra persona. Elegir una modelo implicaba una decisión, una discriminación, y no quería caer en juicios estéticos sino trabajar con lo que me tocó, con lo que soy. Enfrentar mi propia imagen ha sido un trabajo mucho más difícil, ya que me da un pudor enorme. Cuando empiezo a dibujar encima de mí, empiezo a verme como a un modelo de anatomía, algo muerto. Siempre había pensado que estaba lista para enfrentar la muerte, pero este trabajo me ha hecho sentir una mayor fragilidad. Ha hecho que mi propio cuerpo se haya hecho más presente, con sus fortalezas y fallas, y esa conciencia inevitablemente nos conecta con nuestro carácter finito y con el temor y la maravilla de la muerte.

Regarding what you exhibit in your work, is it a replica or a reflection of your own body?

I have embroidered almost this entire series about my own body. Working with my body seems to me more direct and honest than working with someone else.

Choosing a model implied a decision or discrimination, and I didn’t want have any aesthetic biases and would rather work with what I have, with what I am.

Challenging my own image has been a much more difficult task, since I am extremely modest. When I start to draw on top of me, I start to see myself as an anatomy model, something dead. I had always thought that I was ready to face death, but this work has made me feel more fragile. It has made my own body more present, with its strengths and weaknesses, and that unavoidable awareness connects us with our finite nature and with the fear and wonder of death.

Constructual 6, 2015, bordado a mano sobre foto impresa en tela, 55 x 55 cm.

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Eslovaquia | Slovakia Fotografía | Photography

Evelyn Bencicova Componiendo con piel Composing with skin Del cuerpo no podemos despegarnos, está siempre, desde la consciencia hasta el fin. Puede mutar, cambiar, crecer, engordar, adelgazar, mantenerse firme y ser un reflejo de nuestra personalidad, o no. El cuerpo es la base donde alojamos, es la morada platónica que nos limita a conocer la idea de Bien y aquel mundo superior del que filósofo hablaba.

We can’t leave our body, it’s always there, from the first moment of consciousness to the end. It can mutate, change, grow, gain weight, lose weight, keep in shape and be a reflection of our personality, or not. The body is the foundation where we reside; it is the Platonic dwelling that confines us to knowing the idea of Good. It is that higher world that the philosophers used to speak of.

Por Elisa Massardo. Lic. en Historia y Estética (Chile).

Imágenes cortesía de la artista.

CLOSE, 2014, impresi贸n en papel fotogr谩fico con base de resina y tintas pigmentadas, medidas variables.

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Así, desde la idea hasta el fin, el proceso creativo culmina en la mirada de la artista que dirige y selecciona los cuerpos a retratar. Porque del boceto a la obra final hay varios pasos, la idea, el diagrama, la forma, la selección de cuerpos, la puesta en escena y la edición para lograr la imagen final, en la cual los actores son fundamentales. Para esto, Evelyn debe seleccionar a las modelos, y lo hace en base a sus personalidades, no a su figura o a lo que representen. “Prefiero trabajar con personalidades fuertes, que tengan una historia interesante. Siempre es mejor cuando las modelos conocen mi fotografía –señala–. No es fácil acceder a personas que asuman roles de necesitados, para entender el papel que están haciendo y que sean capaces de vencer sus propios egos, pero creo que esta es una de mis fortalezas. La conexión y comunicación con las modelos es crucial en mis proyectos. Sin esta increíble gente, y su gran voluntad para ayudar y participar no podría tomar una sola fotografía” .

Therefore, from the idea to the end, the creative process culminates with the artist’s view that oversees and chooses the bodies to be photographed. Since from the sketch to the final work, there are several steps, the idea, the diagram, the way, the body´s selection, the staging, and the edition to have the final image, where actors are essentials.

To do this, Evelyn has to select models, and does so based on their personalities, not their figure or what they represent. “I really prefer to work with strong personalities who have an interesting story. It is always better when models know my photography,” she states. “It is not easy to get people to assume needed roles, to understand the character they are playing and to overcome their own ego, but I think this is one of my strengths. Communication and connection with the models is crucial in all of my projects. Without these amazing people and their endless will to help and participate, I wouldn’t take a single picture.”

Pero dentro de la composición viene la duda y la teoría, vienen las razones que motivan a los artistas para trabajar distintas temáticas y la evolución que toda persona tiene en su carrera. Evelyn partió trabajando con el rostro, con los retratos como eje central de su obra, porque “es el medio más fácil a trabajar para mostrar emociones, pero entonces se convierte en algo muy directo y conectado con la persona en particular. Así, busqué algo más y traté de usar el cuerpo, evitando el rostro”, señala. El cuerpo, entonces, se convirtió en su forma predilecta de comunicar, de expresar, llevándola a trabajar con dos conceptos diferentes en cuanto a la forma en que conjuga sus obras. “Uno es más personal, trabajar con retratos, donde tengo una comunicación mucho más personal con las modelos y su esfera íntima; la otra son las grandes escenas, que requieren un montaje mucho más intenso con todo el set y una atención mucho menor en los individuos. Me gusta moverme entre estos dos formatos, intentando lograr el equilibrio adecuado”, señala la artista.

However, within the composition, doubt and theory arise. Also, the reasons that motivate artists to work in different themes arise, and the evolution that every person has in their career. Evelyn started working with the face, with portraits as the principal focus in her work, because “it is the easiest medium to work with to show emotions, but then, it became something very direct and connected to the particular person.

Thus, I searched for something more and tried to use the body and avoid the face,” she states regarding her work. So, the body became her favorite way to communicate, to express, taking her to work with two different concepts regarding the way that she create her works.

“Either it is more personal work with portraits, where I have much more personal communication with the model and intimate atmosphere; or bigger scenes, which require more intense staging on the whole set and less attention on individuals. I like to switch between these two attitudes as often as possible to get the right balance,” states the artist.

sta cárcel es el motivo central para Evelyn Bencicova, pero desde la humanidad, desde la piel, desde la superficie. Una manera de desarrollar los conceptos que vienen desde la idea hasta llegar a la impresión de aquella fotografía que se origina a partir de una composición.

Como si los cuerpos fueran notas musicales y ella la directora de una bella orquesta, la armonía se hace presente en sus retratos, en sus imágenes y en sus borradores que son la esencia de su creación. “Debe haber una idea al comienzo, pero se debe desarrollar en todo el proceso de creación.

No me gusta empezar con la idea terminada y realmente prefiero ser más abierta y flexible” , comenta la fotógrafa.

his prison is the main focus for Evelyn Bencicova, but based on humanity, the skin, based on the surface. It is a way of carrying out the concepts that start as ideas and end up being prints of that kind of photography that originates from composition. It is as if the bodies were musical notes and she were the conductor of a beautiful orchestra, the harmony is present in her portraits, in her images and in her sketches which are the essence of her creation. “There must be an idea at the beginning, but it gets developed a lot in the process of creation. I don’t like to start with a finished idea and really prefer to be more open and flexible,” states the photographer.

CLOSE, 2014, impresi贸n en papel fotogr谩fico con base de resina y tintas pigmentadas, medidas variables.

La textura más hermosa

The most beautiful texture

Su fotografía destaca por los colores pálidos, por los cuerpos extremadamente blancos, delgados o gordos. Por las modelos con animales muertos encima y las miradas sin ojos, sin pupilas. Por aquellas composiciones donde el cuerpo pareciera ser uno solo, cuando en realidad son diez o veinte. El desnudo es parte del imaginario de la artista, pues la piel es la mejor textura para trabajar. La piel se ve en sus fotografías como si fuera de plástico, de loza, una superficie a desgarrar y a trabajar intensamente.

Her photography stands out for the pallid colors and the extremely white, thin or fat bodies. It stands out for the models with dead animals on top of them and the eyeless gazes, without pupils. Also, because of those compositions where the body seems like one body, when it is actually ten or twenty. Nudity is part of the artist’s imagery, since the skin is the best texture to work with. Skin is seen in her photographs as if it were plastic or ceramic, a surface to be torn apart and worked on intensely.

Como ella señala, su obra puede dividirse en dos, quizás en tres: los retratos, donde pequeñas figuras u ornamentos decoran el cuerpo y el pelo de las modelos que miran a la cámara, que miran el suelo, que no miran y que se pierden entre los pálidos colores de este antiguo arte que busca mostrar la primacía del individuo.

As she states, her work can be split in two, or maybe in three: the portraits, where small figures or ornaments decorate the body and the hair of the models that look at the camera, that looks at the ground, that don’t look and that are lost between the pale colors of this old-fashioned art that seeks to show the primacy of the individual.

Luego, las composiciones con pocos cuerpos y sin rostros. Dos cuerpos que se acompañan, que se abrazan, que recurren al otro como si fueran uno en un afán por romperse, por unirse, por no volver a separarse de la piel del compañero que está embalsamado o flotando, peleando o amando, da igual, pues para Evelyn “en lo natural, en la humanidad, en estos casos de desnudos no hay mensajes eróticos”.

Next, the compositions with few bodies and without faces. Two bodies that are joined, that embrace one another, that turn to one another as if they were one yearning to break apart, to unite, to never separate from their partner’s skin who is embalmed or floating, fighting or loving, it’s all the same, since for Evelyn “naturalness. Humanity. In this case nudity has no erotic message.”

Y un tercero, basado en la armonía de la composición, donde los cuerpos, como los instrumentos, se reúnen en una escena para armar la mejor melodía, para eliminar los rostros y la expresión corporal individual situando la serialidad, a las piernas y a los brazos como objetos a colocar en cualquier espacio. Cuerpos muertos que no requieren más compañía, en los cuales la vida pareciera haberse agotado, en los que la morada eterna que nos sigue y persigue hasta el final de los tiempos ya ha caducado sin mencionar cómo, sin un golpe, sin daños, en desolación. Es aquí donde la historia sale a flote recordando la muerte en serie por aquella brutalidad acontecida en el siglo XX, en todas partes. Es acá donde su obra adquiere una profundidad que se sale de la belleza para adentrarse en la crítica, en el reflejo, en el recuerdo de unos continentes y países que pudieron vivir distintos, quizás como aquellas modelos de los retratos individuales donde la expresión se compromete con el ser, donde la individualidad sin ser excesiva no anula a la persona y no la objetiviza para matarla.

And third, based on the harmony of the composition, where the bodies, like instruments, come together in a scene to construct the best melody, to remove the faces and the individual body language by placing seriality, in the legs and the arms like objects to be placed in any space. Dead bodies that don’t need more company, where life seems to have run out, where the eternal dwelling that stays with us and pursues us till the end of times has already lapsed without mentioning how, without fighting, without damage, in desolation. It is here where the story comes out by reminding us of the series of deaths by that brutality that occurred in the 20th century, everywhere. It is here where her work takes on a profoundness that comes from beauty in order to explore critique, reflection, and the memory of some continents and countries that could live differently, maybe like those models from the individual portraits where expression is engaged with the being, where modest individuality doesn’t void the person and doesn’t objectify them to kill them.

Desde el boceto hasta la piel de cada modelo, desde los retratos hasta las composiciones, Bencicova logra satisfacer la retina y, además, al teórico crítico que busca un cuestionamiento del mundo, a través de una fotografía compleja en su montaje y cruda en su término.

From the sketch to the skin of each model, from the portraits to the compositions, Bencicova is able to please the eye and, furthermore, the critical theorist that seeks to question the world, through complexly staged and raw photography.

CLOSE, 2014, impresi贸n en papel fotogr谩fico con base de resina y tintas pigmentadas, medidas variables.

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Argentina | Argentina Pintura | Painting

Guillermo Conte De la expedición al tango From expedition to tango Alguien dijo una vez. Que yo me fui de mi barrio. Cuándo? …pero cuándo? Si siempre estoy llegando! Y si una vez me olvidé. Las estrellas de la esquina de la casa de mi vieja. Titilando como si fueran manos amigas. Me dijeron: gordo, gordo, quedáte aquí. Quedáte aquí.

Alguien dijo una vez. Que yo me fui de mi barrio. Cuándo? …pero cuándo? Si siempre estoy llegando! Y si una vez me olvidé. Las estrellas de la esquina de la casa de mi vieja. Titilando como si fueran manos amigas. Me dijeron: gordo, gordo, quedáte aquí. Quedáte aquí.

Nocturno a mi barrio, Aníbal Troilo.

Nocturno a mi barrio, Aníbal Troilo.

Por Elisa Massardo. Licenciada en Historia y Estética (Chile).

Imágenes cortesía del artista.

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Era mediodía. Y así empieza el transitar

It was noon. And that is how the trip begins

Lo recuerdo como si fuera ayer, Guillermo diciendo: siempre he querido buscar algo más que hacer, algo más allá de la pintura. “Mi relación con la pintura empieza en Argentina, de muy niño, en una academia de barrio”, comenta Guillermo, quien luego ingresó a la Academia de Bellas Artes, fue parte del grupo Loc-son y viajó a Nueva York para, desde allá, recordar su patria. Luego, su vida continuó girando y recorriendo países, hasta llegar a Costa Rica, para asentarse sin cesar el viaje, pues su actual representación por la galería Ginocchio de México, lo obliga a este andar constante.

I remember it like it was yesterday, Guillermo says. I have always wanted to look for something else to do, something beyond painting. “My relationship with painting began in Argentina, as a young boy, in a neighborhood academy,” comments Guillermo, who after enrolling into the Fine Arts Academy, was part of the Locson group and traveled to New York in order to look back on his country from there. Later, his life continued changing and he traveled from country to country until reaching Costa Rica, to settle while constantly traveling, since his current representation by the Ginocchio Gallery in Mexico forced him to travel constantly.

Pero los comienzos fueron algo distintos, más osados, más aventureros. Eran tres amigos, cuyas novias eran hermanas, que se reunían todos los jueves en una pizzería, Conte, Majo Okner y Rafael Bueno, el Trío Loc-son. “Desplegábamos unos plásticos, sacábamos tarros de colores y empezaba un show de pintura en vivo que convivía con músicos, poetas y performers”, esto se hacía en discoteques, en esas noches que los jóvenes viven con pasión y soltura, bailando y disfrutando de las obras.

However, things were different in the beginning, more daring, more adventurous. There were three friends, whose girlfriends were sisters, which would meet every Thursday in a pizza parlor –Conte, Majo Okner and Rafael Bueno, the Loc-son Trio. “We used to spread out plastic and get out jars of color and start a live painting show together with musicians, poets and performers,” they did this in nightclubs, on those nights where youngsters live passionately and freely, dancing and enjoying the work.

l tango fue una mezcla de estilos, diferentes razas unidas en una composición que dio origen a un baile y música que son un clásico para los argentinos. Esta mezcla fue producto de una expedición a tierras desconocidas en una época en la que un descubrimiento significaba un cambio de paradigma para la cultura entera. Así fue como nuestro continente llegó a manos del imperio español que reconfiguró nuestra historia y dio paso a la conquista, la colonia, las mezclas y el tango. Así fue como, bailando y naufragando, Guillermo Conte, ha hecho su vida, conquistando con el arte y resignificando ciertos conceptos y materiales, moviéndose entre un sitio y otro como si las fronteras fueran una pequeña línea que se borra con sus pisadas. Y en estas aventuras, el artista argentino llega a Santiago de Chile un día martes en la tarde para recuperar un par de obras, almorzar en el mercado central y juntarse en el centro artístico de Vitacura para charlar sobre su historia, sus expediciones y su arte.

he tango was a mixture of styles, different races united in a composition that gave birth to a dance and music that are classics for Argentineans.

This mixture was a product of an expedition to unknown lands in a time when discovery meant a paradigm shift for the entire culture. That was how our continent came into possession of the Spanish empire that reconfigured our history and gave way to conquest, colonies, mixtures and tango. That is how, by dancing and foundering, Guillermo Conte has made his life, by conquering with art and giving new meaning to certain concepts and materials, by shifting between one site and another as if the borders were a tiny line that is erased with his footsteps. And in these adventures, the Argentinean artist arrives to Santiago, Chile on a Tuesday evening to get back a few pieces, have lunch in the central market and get together in the artistic center of Vitacura to talk about his history, his expeditions and his art.

Escalera Azul, 2012, 贸leo sobre tela, 178 x 167 cm.

Expedici贸n, 2012, 贸leo sobre tela, 178 x 167 cm.

El puente de Langlois, 2012, papel calco acrĂ­lico y tintas, 109 x 82 cm.

Luego, viajes a Nueva York y Alemania, para instalarse finalmente en Italia.

“Alquilé un taller en una antigua fábrica de pastas, compartiendo estudios con los artistas de la llamada ‘Nuova Scuola Romana’ como Piero Pizicanella, Marco Tirelli, Giusepe Falbo, Giani Desi y escritores como Alesandro Casin y Javier Barreiro”, momento decisivo para su pintura, en el conocimiento íntimo con la materia que deja sus huellas desde el Renacimiento.

Later, he took trips to New York and Germany to finally settle in Italy. “I rented a workshop in an old pasta factory and shared studios with artists from the so-called ‘Nuova Scuola Romana’ such as Piero Pizicanella, Marco Tirelli, Giusepe Falbo, Giani Desi and writers like Alesandro Casin and Javier Barreiro,” a critical time for his painting, in the intimate knowledge of material which has left its mark since the Renaissance.

Se acaba la hora y vienen las capas

Time is up and the layers are coming

La obra de Conte es borrosa, es nublada, tiene colores, gamas similares y formas cotidianas, y a la vez ha transitado por diversos soportes, estructuras e incluso ha realizado un par de instalaciones, como encerrar peluches en pequeñas cajas haciendo alusión a la claustrofobia –según cuenta, mientras reímos al pensar en los pobres muñequitos encerrados y aplanados.

Conte’s work is blurry and cloudy. It has similar colors, spectrums and everyday shapes, and at the same time, he has passed through different mediums, structures and he has even done a few installations, such as lock stuffed animals in small boxes thus alluding to claustrophobia –he recalls, as we laughed after thinking about the poor little confined and squished dolls.

Guillermo, además, siempre ha sentido admiración por artistas como Pollock, Keruak, aquellos amantes de los caminos, de las búsquedas, de la expedición como la manera mística de “encontrar el camino”, lo que se refleja en la obra Expediciones, donde se ve un hombre a lo lejos con una bandera y letras Kanji entre medio.

Furthermore, Guillermo has always admired artists like Pollock, Keruak, and those who loved paths, quests, and expeditions as a mystic way to “find the path”, which is reflected in the work Expediciones, where a man can be seen in the distance with a flag and Kanji in between.

El Kanji, es también un clásico en sus obras, una forma recurrente de decir e invocar al pasado que –como las hojas de calco– son puestas en valor a través de sus cuadros. “Recuerdo una pintura, se llamaba Miles, pero el diseño de la trompeta era la de Dizzy; mi hermano había escrito algo sobre ese icono que fue Miles Davis y le sugerí que, a modo de capa, volcara el escrito sobre la pintura, luego siguió escribiendo historias a modo de una bitácora sobre las telas. Con el tiempo se transformó en un ejercicio de escritura automática que incorporo en mis obras a modo de superposición de capas”, señala Conte.

Kanji is also typical in his work. It is a recurring way of saying and invoking the past that –like tracing paper– is enhanced through his pieces. “I remember a painting called Miles, but the design of the trumpet was Dizzy’s; my brother had wrote something about the icon that was Miles Davis and I told him that he should show the writing on the painting using layers. Later, he kept writing stories through a log on the canvases. Over time this became an automatic writing exercise that I incorporate in my work by superimposing layers,” says Conte.

Era la hora de almuerzo y el café seguía repleto. Una hora y media de conversación era el tiempo necesario para que ambos emprendiéramos nuevos rumbos, pero no sin antes aclarar una importante duda ¿de dónde vienen las capas?

Visualmente, se reconoce en la obra de Conte una superación del conceptualismo como categoría artística, con toques figurativos y una técnica increíble, sus cuadros gozan de un grosor especial, son hojas de calco sobre hojas de calco, pintadas o no, las que va sobreponiendo para lograr el efecto deseado.

It was lunch time and the cafe was still full. An hour and a half of talking was how long it took for both of us to set out on new paths, but not before answering an important question: Where do the layers come from? Visually, an improvement of conceptualism as an artistic category is acknowledged in Conte’s work, with a figurative touch and incredible technique. His paintings have a special thickness. They consist of overlapping tracing overlays, painted or not painted, which he adds one on top of another to achieve the desired effect.

Y en estas capas lo que hay, según Conte: “es un proceso de creación más complejo. Podría asemejarse a la expedición, al descubrir qué irá ocurriendo en el momento mientras ocurre. Hace un rato hablábamos de Italia; de su significado en términos de técnica, hablamos entonces de veladuras, de capas, de las búsquedas, de alguna manera de una expedición hacia el encuentro del color. Picasso decía ‘yo no busco, encuentro’”. Guillermo realiza una obra única en la forma y en el soporte, con innovaciones en la materialidad que permiten una acumulación constante en una especie de manía por encontrar algo. Un algo que lo ha llevado a incursionar como dueño de restaurantes, a viajar constantemente, a crear en base a letras kanji, a momentos de la vida diaria, a dar un espacio perfecto entre las capas para las diferencias del color, a cambiar de estilo tras una llamada de una vieja librería en la que le cuentan de unos cartones de principios de siglo, que fueron encontrados; a lo que él responde sin dudar: “las compré todas”, porque así funciona, así se crea, así es como el tango que lo invita a volver a asentarse en Argentina en un par de años más, lo invita también constantemente a la pintura.

And in these layers, what you get, according to Conte: “is a more complex creation process. It could simulate the expedition, discovering what will happen as it happens. We talked about Italy for a while; and its meaning in technical terms. Then we talked about glazes, layers, quests, and somehow an expedition towards finding color. Picasso said, ‘I don’t search, I find’”. Guillermo makes work that is unique in form and medium, with innovations in materials that allow for an ongoing accumulation in a type of obsession to find something. Something that has led him to dabble in being a restaurateur, traveling constantly, creating using kanji, moments in daily life, providing a perfect space between the layers to differentiate the colors, changing styles after a call from an old bookstore where they told him of some cardboard from the beginning of the century that they found; to which he undoubtedly responded: “I’ll buy them all,” because that’s how it works, that how he creates, that’s how the tango is which invites him to go back and set up shop in Argentina in a few more years, that also constantly motivates him to paint.

Escalera, 2012, papel calco acrĂ­lico y tintas, 117 x 121 cm.

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Perú | Peru Pintura | Painting

Jairo Robinson Portales geométricos y tintes inverosímiles Geometric portals and unbelievable colors A través de sus pinturas la construcción del mundo se refleja en diferentes significados, alusiones a verdades apropiadas de manera individual que el artista peruano las retoma en figuras geométricas, colores neutros que se transforman en tintes impactantes para dar como resultado un lenguaje de la abstracción.

Through his paintings, the construction of the world is reflected in different meanings, allusions to individually suitable truths, that the Peruvian artist takes up in geometric figures and neutral colors that are transformed into striking hues in order to yield a language of abstraction.

Por Sandra Fernández. Periodista (Colombia).

Imágenes cortesía del artista.

C.82.14, 2014, acrĂ­lico sobre tela, 150 x 150 cm.

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i pintura es un portal, una vista simplificada de la realidad, una verdad que no siempre concuerda con lo que estamos acostumbrados a ver. Lo resumiría como el patrón de todo lo existente”.

Así define el peruano, Jairo Robinson, su propio trabajo artístico, como una puerta que transporta al espectador a un lugar imaginario y que se confunde con los restos de memoria y realidad. Un paralelo que se detiene en cada derivación de la línea y a su vez se fija en los colores que en la misma obra se descubren. Para ser más específicos, es la propia búsqueda de un mundo geométrico con ciertos rastros y huellas en la que el artista plasma su obra, para que el individuo observador pueda definirlo.

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or me, painting is a portal, a simplified view of reality, a truth that doesn’t always agree with what we are used to see. I would summarize it as the standard of everything that exists.” That is how the Peruvian artist, Jairo Robinson, defines his own work, as a door that transports the viewer to an imaginary place and that is confused with other memories and reality. It is a parallel that pauses at each break of the line and simultaneously is defined in the colors that are discovered in the work itself. To be more specific, it is the search of a geometric world with certain traits and remnants that the artist places in his work, so that the individual viewer can define it.

Jairo Robinson se consolidó como artista por su particular técnica, el abstraccionismo geométrico. Su encuentro con el arte viene desde su familia, quienes lo involucraron en diferentes disciplinas desde la música hasta la danza. Sin embargo, más adelante, encontraría en la pintura una nueva manera de expresar, un espacio en el que cabía la observación y las nuevas experiencias dentro de su naturaleza permeable. “La pintura es la técnica que permite materializar mi pensamiento, hacer visible aquello que habita en mi cabeza.

El color y las formas sobre el plano siempre son un reto constante, encerrar un universo en un plano bidimensional”, señala.

Jairo Robinson grew stronger as an artist through his particular technique, geometric abstractionism. His relationship with art comes from his family, who got him involved in disciplines ranging from music to dance. However, in the future, he would find a new way of expressing himself through painting, a space where observation and new experiences fit inside of his permeable nature. “Painting is the technique that allows me to bring my thoughts to life, to turn what’s in my head into reality. Color and shapes on the flat background are always a constant challenge, enclosing a universe in a two-dimensional plane,” he says.

En 2008 comenzó su trabajo artístico con la fijación de captar lo que le rodea a través de formas geométricas y colores, así nacen las series Bosques (2008), Construcciones (2009) y El ojo del silencio (2014), inspirada en el cuadro del artista alemán Max Ernst la cual, a través de una realidad no objetiva, puede conllevar al observador a miles de posibilidades imaginarias que se pierden en apariencias amorfas que resaltan en tonalidad verdosa. “Al igual que la obra del pintor alemán Max Ernst, trato de conducir nuestras miradas a una realidad diferente que ante todo evoluciona en una progresiva y silenciosa construcción (…) Una mirada profunda, ya sin velos, frente a un emanar de figuras y texturas que confunde y seduce nuestra percepción haciendo de nuestra estancia dentro del mundo de la evasión un viaje sin retorno”, explica Jairo Robinson.

In 2008 he began working as an artist. He was fixated on capturing that which surrounded him through geometric forms and colors. That is how the Bosques (2008), Construcciones (2009) and El ojo del silencio (2014) series were born, which were inspired by the painting by German artist Max Ernst, which through non-objective reality can lead the viewer to thousands of imagery possibilities that are lost in amorphous guises which stand out in a greenish color. “Just like the work of German painter Max Ernst, above all, I try to lead our eyes to a different reality that evolves into a progressive and silent construction (…) A deep view, already unveiled, in front of a discharge of figures and textures that confuse and seduce our perception, thus making our stay in the world of evasion a one-way trip,” explains Jairo Robinson.

De esta manera, se consolida como un artista del abstraccionismo geométrico puro. El arte de la abstracción cuenta con la divinidad de no forzar al artista a definir su obra, sus trazos se remontan a una alusión que su instinto logra plasmar o transmitir en cualquier superficie. Al respecto el artista dice: “Siempre he visualizado el mundo que me rodea de una forma peculiar, a través de planos y colores, la geometría siempre ha estado presente desde el inicio (…) y tiempo después, la abstracción de todo lo visible llegó a reinar en su totalidad, el mundo reconocible ya no lo era más, por fin me había independizado de la representación convencional del mundo”.

Through this, he becomes stronger as a purely geometric abstractionism artist. Abstract art has the divinity of not forcing the artist to define his work, his strokes refer back to an allusion that his instinct is able to convey or communicate to any surface. Regarding this, the artist says: “I have always seen the world that surrounds me peculiarly, through planes and colors. Geometry has always been part of my work since the beginning (…) and sometime later, the abstraction of everything visible came to prevail completely. The recognizable world was no longer the same, I had finally broken free from the conventional representation of the world.”

C.66.13, 2013, acrĂ­lico sobre tela, 120 x 120 cm.

Su mundo visto desde la realidad se convierte en un conjunto de figuras geométricas, sus ojos ven separaciones rectas con tonalidades fijas que determinan el espacio que lo rodea. Esto se ve reflejado en su arte, con características que viajan desde sus líneas gruesas y negras hasta traspasar la visión bidimensional: “Persigo la decodificación del entorno, es por eso que los códigos al titular mis obras se ven iniciadas con la C de construcción.

Atomizo la realidad y la transformo en un cosmos geométrico”, señala.

His world seen from reality becomes an array of geometric figures; his eyes see straight separations with fixed colors that determine the space that surrounds him. This is seen in his art, with traits that travel from his thick and black lines until piercing two-dimensional vision: “I seek to decode the environment. That is why the codes, when I name my work, begin with the letter C, for construction. I break down reality and transform it into a geometric universe,” he says.

Líneas y formas componen la realidad en sus portales geométricos, esto da cavida para que sus emociones se simplifiquen en un todo, en cuadros de colores que incrementan la observación: “Mi obra es un caldo de cultivo sensible que siempre se encuentra vivo”, se refiere el artista sobre su representación geométrica.

Lines and shapes makes up reality in his geometric portals. This leaves space so that his emotions are simplified completely, into blocks of color that ramp up observation: “My work is a stew of profound cultivation that is always alive,” the artist says regarding his geometric representation.

Sus pinturas como portales geométricos logran traspasar una percepción para compartir caminos diferentes, que se representan en líneas, cuadros y tonos.

Esto se ve en su más reciente serie El ojo del silencio, en el que se refleja la evolución del artista. Los millones de significados abren las puertas a través de esta serie que se centra en colores oscuros y muchas sombras, que según el artista hacen a cada cuadro más hermético y algunas veces amenazante.

Ligado al presente que refleja un tiempo no placentero para él. El color va de la mano con las emociones que el artista quiere plasmar, le dan significado a ciertos sentimientos que captura Robinson, los verdes, rojos, amarillos y azules de su más reciente exposición, se decodifican como si se cobijaran con el blanco que deriva varios matices del color.

His paintings, like geometric portals, are able to go beyond perception to share different paths, which are represented by lines, squares and tones.

This is seen in his most recent series, El ojo del silencio, where the artist’s evolution is shown. Millions of meanings open the doors through this series that focuses on dark colors and a lot of shadows, which according to the artist, make each painting more hermetic and sometimes threatening. They are linked to the present which reflects an unpleasant time for him. The color goes hand in hand with the emotions that the artist wants to convey. It gives meaning to certain feelings that Robinson captures; the greens, reds, yellows and blues of his most recent exhibition are decoded as if they were wrapped with white which comes from various hues of colors.

Causan a primera instancia una visión mucho más profunda que, combinado con las formas cuadradas, abren la ventana a varias percepciones individuales.

“La carga simbólica del color va de la mano con la emoción que me embarga al enfrentar el trabajo, un rojo sanguinolento en un horizonte infinito, traducido en la multiplicidad de cuadrados concéntricos se ve cercenado por una filigrana negra que desciende de los cielos. En otras ocasiones, deseo que el cuadro tenga una sensación de paz, los turquesas y los azules van junto a líneas blancas que ligeras crean la sensación de luz”, dice Jairo Robinson al respecto.

At first glance, they cause a much deeper view that, together with the square forms, open the door to several individual perceptions. “The symbolic quality of the color goes hand in hand with the emotion that overwhelms me when facing the work; a bloody red in the infinite horizon, turned into the multiplicity of concentric squares are cut off by a black embellishment that descends from above. On other occasions, I want the painting to have a sense of peace, the turquoises and blues go along light white lines that create the feeling of light,” says Jairo Robinson.

La abstracción geométrica del peruano Jairo Robinson es pintura decodificada, la cual se termina de construir en los ojos del visitante. El factor de las emociones en los colores y los trazos rectos, adquieren un valor cuando logran transmitir esas sensaciones y que según el artista tienen mucho que ver con nuestra realidad, con la sobrepoblación y la multiplicidad de planos, con la oscuridad y la confusión, el caos y el orden radical, con la belleza en la oscuridad. El entorno ha producido sensaciones imborrables y estas sensaciones se ven impresas en su obra.

The geometric abstraction of the Peruvian artist Jairo Robinson is decoded painting, which is completed by the eyes of the visitor. The emotional factor in the colors and the straight lines, take on a value when they are able to convey those sensations and that, according to the artist, have a lot to do with our reality, overpopulation and the multiplicity of planes, with darkness and confusion, chaos and radical order, with beauty in the darkness. The environment has produced unforgettable feelings and these feelings are seen in his work.

C.81.14, 2014, acrĂ­lico sobre tela, 150 x 150 cm.

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Perú | Peru Pintura | Painting

Jorge Castilla-Bambarén UNA OBRA CONTRA LA CORRIENTE ART AGAINST THE MAINSTREAM La trayectoria de Jorge Castilla-Bambarén, desde que empezó a pintar, es un ir contra la corriente. Los resultados están a la vista, una obra original e intensa que no se aviene a las banalidades de la moda ni a los dictados de la mercadotecnia.

Jorge Castilla-Bambarén’s career, since he began painting, has been going against the mainstream. This has resulted in original and intense work that goes against the banalities of what’s fashionable and the dictates of marketing.

Por Lorenzo Osores. Escritor (Perú).

Imágenes cortesía del artista.

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Desde muy joven (1981), mostró particular interés por las pinturas de los alienados del Hospital Larco Herrera. Desde entonces, con espíritu selectivo, pudo apreciar la fuerza expresiva del llamado Arte Bruto, que bien comprendido abarca, también, las creaciones de todos aquellos artistas que no son considerados como tales, porque no se ubican en los estrechos confines de la academia.

From a young age (1981), he showed a particular interest in the paintings of the mentally-ill in the Larco Herrera Hospital. Since then, with a selective spirit, he was able to appreciate the expressive force of the so-called Outsider Art, which when understood well also includes the creations of all those artists who are not considered as such because they aren’t located within the tight confines of the academy.

Esta amplitud de miras no es ajena a su sólida formación pictórica. Hace veinticinco años, nuestro gran artista David Herkovitz, escribió: “Yo admiro las pinturas de Jorge Castilla-Bambarén, en primer lugar porque demuestran un obvio dominio sobre los distintos aspectos de lo pictórico: color, dibujo, expresión, espacio, línea y composición”. A las palabras del maestro Herkovitz, habría que añadir que Jorge es un hombre de

This broad vision isn’t foreign to his solid pictorial education. Twentyfive years ago, our great artist, David Herkovitz, wrote: “I admire Jorge Castilla-Bambarén’s paintings. First off, because they show an obvious empowerment over the different pictorial aspects: color, drawing, expression, space, line and composition.” In addition to Herkovitz’s words, we could add that Jorge is a cultured man, in the fullest sense of

sta distancia, que el propio Castilla-Bambarén marcó desde temprano, no le ha impedido ser reconocido como uno de los principales exponentes de la plástica peruana. Su participación en importantes bienales como las de Sao Paulo, de La Habana, la de Cuenca y la Iberoamericana de México, el cortometraje Serie Negra, del cineasta Nelson Garcia, de 1990, son pruebas más que suficientes de su innegable calidad y trascendencia.

his distance, which Castilla-Bambarén himself stated from early on, has not stopped him from being recognized as one of the main exponents in Peruvian art. His participation in important biennials like those in San Paulo, Havana, Cuenca and the Ibero-American Biennial in Mexico, along with the short film Serie Negra, from the filmmaker Nelson Garcia, in 1990, are more than enough proof of his undeniable quality and importance.

Sin Título, 2015, acrílico sobre tela, 50 x 70 cm.

cultura, en el sentido pleno de la palabra. Sus intereses y conocimientos no se limitan a las artes plásticas, se extienden con manifiesto placer a la música, literatura, fotografía, antropología, cine, teatro y danza. Una formación integral a la que todo artista debería aspirar.

the world. His interests and knowledge are not limited to the visual arts, but delightfully extend to music, literature, photography, anthropology, cinema, theater and dance. It’s a comprehensive education that all artists should aspire to.

La pintura de Castilla-Bambarén, ha permanecido fiel a sí misma, lo cual no quiere decir inmutable. Todo lo contrario, es una obra permeable a las corrientes innovadoras de la vanguardia y que además ha tenido la audacia y sensibilidad suficientes para incorporar, a su pintura, las manifestaciones creativas y singulares de los pueblos olvidados e ignorados por la cultura oficial. Respecto a esto último es útil recordar lo que escribió en el 2008 el gran crítico y artista argentino Luis Felipe Noé, sobre la pintura de Jorge: “Él nos revela las presencias que nacen de su mano de pintor, de las cuales es el primer contemplador. Vienen del caos creador –lo que Gilles Deleuze define como ‘caos–germen’– y quedan así fijadas, inmóviles ante nosotros (un nosotros que lo incluye a Castilla-Bambaren), como si fuesen eternas. Con fuerza y precisión, él las define como si viniesen de un cuento para niños, pero para esos infantes que lo somos todos, más allá de las edades. Estas presencias ominosas, amenazantes, él nos las presenta como si fuesen mascotas, ya que a lo largo de su vida ha ido tomando confianza con ellas. Su salvajismo es su dignidad de artista. Castilla-Bambaren, se ubica frente al mundo como

Castilla-Bambarén’s paintings have stayed true to him, which doesn’t mean they haven’t changed. On contrary, his work is pervious to the innovative trends of the avant-garde and has also been audacious and profound enough to incorporate the creative and singular manifestations of the towns that are forgotten and ignored by the official culture. In regards to the latter, it is important to remember what the great critic and Argentinian artist Luis Felipe Noé wrote in 2008 about Jorge’s paintings: “He shows us the presences that are born from his hand as a painter, which is the first observer. They come from creative chaos –which Gilles Deleuze defines as ‘the root of chaos’– and remain as such, unmoving to us (with ‘us’ including Catilla- Bambarén), as if they were eternal. Through force and precision, he defines them as if they came from a children’s tale that transcends age.

He introduces these ominous and threatening presences to us as if they were pets, since throughout his life he has progressively gained confidence with them. Their savagery is his artist’s honor. Castilla-Bambarén places himself opposite of the world as a primitive man, feeling that this goes

Sin Título, 2015, acrílico sobre tela, 50 x 70 cm.

un primitivo, sintiendo que este lo excede. Pero en este caso, el ‘exceso de objeto’, del que habla Levi Strauss, es más cultural que natural”.

too far. But in this case, the ‘excessiveness of the object’, from what Levi Strauss said, is more cultural than natural.”

Entre los que aprecian su obra, están los que encomian principalmente las tonalidades que van del negro al blanco, pasando por el gris. Incluso los partidarios de una paleta polícroma no dejan de sentir admiración por su mítica Serie Negra, o por su obra en blanco y negro de los finales de los ochenta y comienzos de los noventa. Cómo olvidar esas imágenes poderosas, esos demonios que algunos consideran como expresiones del horror o de lo trágico.

Among the imagery seen in his work, we find those that mainly pay tribute to the color schemes that range from black to white, moving through gray. Even the supporters of a polychromatic palette feel admiration for his mythic Serie Negra or for his work in black and white at the end of the eighties and the beginning of the nineties. How can you forget these powerful images, those demons that some consider to be expressions of horror or tragedy.

Por supuesto que no faltan los entusiastas de los colores encendidos, los que prefieren, con indisimulada excitación, su manejo desenfadado del color que hace más patente las alucinantes escenas de sus cuadros.

Of course, there are always the fans of lively colors, those that openly prefer color to be handled casually which makes the amazing scenes of his paintings more evident.

De ambas apreciaciones se colige un universo cromático lo suficientemente rico y variado para todos los gustos, y que él usa con pleno dominio de acuerdo a lo que desea expresar en cada una de sus pinturas.

Both assessments conclude that a chromatic universe is rich and varied enough for all tastes, and that he has a full command of its use in accordance with that he wishes to express in each of his paintings.

Por otro lado, el particular bestiario de Castilla-Bambarén está conformado por seres inquietantes que parecen emerger del fondo de la noche

On the other hand, the unusual bestiary of Castilla-Bambarén consists of disturbing beings that appear to emerge from the depths of the night

Sin Título, 2014, acrílico sobre tela, 50 x 70 cm.

o del subsuelo inmemorial para perturbar a las buenas conciencias. Sin embargo, no todas sus pinturas buscan la confrontación ni están destinadas a incomodar al burgués, ni a develar su doble moral. No todos sus personajes son seres desaforados con lenguas, como flechas que apuntan directamente al corazón. No todos son bestias insolentes que exhiben sin pudicia falos y vaginas que se unen en alegre bacanal. Hay otras pinturas de intenso colorido, con figuras totémicas o formas bellamente delineadas que evocan ritos ancestrales o escenas que recuerdan, en el sentido de Goya, los sueños de la razón.

or from the immemorial underground to disturb the good consciences.

Nonetheless, not all of his paintings seek confrontation nor are they intended to make the bourgeois uncomfortable or expose doublestandards. Not all of his characters are violent beings with arrows for tongues that point directly to the heart. Not all are insolent beasts that immodestly show phalli and vaginas that come together in a joyous orgy. There are other intensely colored paintings with totemic figures or beautifully drawn forms that invoke ancestral rites or scenes reminiscent of, in a Goyaesque sense, the dreams of reason.

La pintura de Castilla-Bambaren es más compleja y variada de lo que mucha gente supone. Tiene varios registros. Un lado lúdico que por temor al ridículo es ignorado por doctos y solemnes; una desbordante fuerza expresiva que a las almas cándidas les parece demencial o demoniaca; una serena inteligencia que asume como propias las formas más primitivas del arte de África, de Oceanía o de América con libertad, profundidad y originalidad.

Castilla-Bambarén’s paintings are more complex and varied than what many people think. They have several records. A playful side that due to fear of ridicule is ignored by the wise and solemn; a boundless expressive force that to naïve souls seems demented or demonic; a calm intelligence that takes on the more primitive forms of African, Oceanic or American art as its own freely, profoundly and with originality.

Cómo no coincidir una vez más con el maestro Luis Felipe Noé, cuando afirma que “Castilla Bambaren pertenece al grupo selecto de artistas que contribuyen a imaginar a América Latina”.

How could we not concur with the master Luis Felipe Nope once again when he said that “Castilla-Bambarén belongs to a select group of artists who contribute to imagine Latin America.”

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México | Mexico Artista Multidisciplinario | Multidisciplinary Artist

Josué Castro El claro-oscuro de hedonismos encarnados The chiaroscuro of embodied hedonism El multifacético artista Josué Castro se ha desempeñado desde distintos ámbitos de la creación. Vivió durante 25 años de la pintura, mientras que hoy lo vemos dirigiendo un espacio cultural y, a su vez, desarrollando una fotografía centrada en el individuo, donde los diálogos interpersonales surgen desde los contrastes de blancos y negros, un tanto enfocada al lado oscuro y sarcástico de la imagen.

The multifaceted artist Josué Castro has worked in many different areas of creation. He worked for 25 years as a painter, while today we see him running a cultural space and, at the same time, doing photography centered around the individual, where interpersonal dialogues emerge from the black and white contrast, mainly focused on the dark and sarcastic side of the image.

Por Macarena Meriño. Periodista (Chile).

Imágenes cortesía del artista.

PuroHedonismo.HedonismoPuro, 2014, fotografĂ­a digital, 120 x 210 cm.

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Nacido en el México Distrito Federal en 1956, Josué creció en un entorno de negocios. Sin embargo, el arte se presentó durante su infancia gracias a dos de sus tíos que eran pintores, lo cual le permitió desarrollar un interés por el arte desde corta edad. Josué cree que desde el primer momento en que pisó el taller de pintura de uno de ellos, su interés por ésta despertó. Atracción que se demostró cuando tomó la decisión de estudiar Artes Plásticas en La Esmeralda, la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado. Sin embargo, encontró, como muchos otros artistas, la oposición de su familia, por lo que se las ingenió para encontrar una carrera que le permitiera desarrollar su creatividad: diseño gráfico.

Born in Mexico, D.F. in 1956, Josué grew up in a business environment.

However, he was introduced to art during his childhood thanks to two of his uncles who were painters. This allowed him to develop an interest in art from a young age. Josué believes that the first moment he stepped into one of their painting studios, his interest in art awoke. This draw to the arts was proven when decided to study visual arts in La Esmeralda – National School of Painting, Sculpture and Printmaking. However, he found, like many other artists, opposition from his family, which is why he managed to find a career that would allow him to develop his creativity: graphic design.

Mientras terminaba su carrera en la Universidad Iberoamericana, trabajó en fábricas de ropa, como diseñador de modas, creando aparadores e interiores de tienda, vinculación que aún mantiene. Hoy en día, la fotografía forma parte primordial de sus proyectos y su carrera como pintor aun influye en su trabajo fotográfico. Castro explica que la edición, disposición y composición de sus imágenes se centra en principios pictóricos, los cuales combina con principios escultóricos permitiendo un dinamismo que dialoga con el sujeto y los elementos que lo acompañan.

While finishing his studies at Universidad Iberoamericana, he worked in a clothing factory as a fashion designer creating display windows and store interior designs, a link which he still holds. These days, photography makes up a fundamental part of his projects and his career as a painter still influences his photographic work. Castro explains that the edition, layout and composition of his images focus on pictorial principles, which combine with sculpting principles, thus allowing a dynamic that engages with the subject and elements that accompany them.

El uso de los blancos y negros se presenta como un elemento característico dentro de su trabajo. Josué señala, al hablar de su estilo fotográfico: “Manejo la fotografía en blanco y negro especialmente porque me gusta la magia que envuelve y cómo hace que el espectador utilice más su imaginación para crear los ambientes que se utilizaron para las mismas”. La forma en que utiliza la falta de color pareciera no afectar en el impacto que genera en cada una de las imágenes, es más, quizás es esta misma no utilización del color la que logra una tensión en la atmósfera que envuelve al sujeto retratado.

The use of black and white is presented as a typical element within his work. Josué says, when talking about his photographic style: “I specifically use black and white photography because I like the magic that it involves and how it makes the viewer use their imagination more in order to create environments that were used for the photos themselves.” The way in which he uses the lack of color seems to not affect the impact that is created in each one of the images. Moreover, perhaps it is not using color that creates tension in the atmosphere which envelops the depicted subject.

Al momento de hablar sobre cómo llegó a desarrollar su propio estilo fotográfico, hace referencia a dos fotógrafos cuyos trabajos observó por muchos años: el norteamericano Robert Mapplethorpe (1946 - 1989) y el japonés Nobuyoshi Araki (1940). Ambos artistas, al igual que Castro, no solo tienen en común el blanco y negro, sino que son conocidos por las temáticas que representan, todas ellas controversiales por la osadía con la que abordan motivos poco explorados, como facetas ocultas del ser humano y de la sociedad, el sadomasoquismo, el erotismo, el fetichismo.

When we talk about how he came to develop his own photographic style, he refers to two photographers whose work he saw for many years: the American artist Robert Mapplethorpe (1946 – 1989) and Japanese artist Nobuyoshi Araki (1940). Both artists, just like Castro, not only have black and white in common, but are known for the subject matter they depict. All of their subject matter is controversial for its boldness that tackles issues not often explored, like hidden facets of man and society, sadomasochism, eroticism, and fetishism.

istintas circunstancias, en la vida de Josué, han sido factores decisivos para su carrera artística, las que han derivado en diversas posibilidades para el avance de su trabajo visual. Sus obras parten como historias donde la experimentación es parte del proceso artístico, en ellas el desarrollo se inicia desde el juego, tal como él lo explica: “Comienzo por crear historias antes de empezar cualquier proyecto, siempre parto jugando y solo lo dejo crecer. Yo le llamo accidentes controlados”.

ifferent circumstances within Josué’s life have been deciding factors for his career in art, which have resulted in different chances to advance his visual work. His pieces start off as stories where experimentation is part of the artistic process. In these stories, development starts with the game. In the words of the artist: “I start creating stories before beginning any project. I always start off playing and I just let it grow. I call it controlled accidents.”

PuroHedonismo.HedonismoPuro, 2014, fotografĂ­a digital, 120 x 210 cm.

Ninguna de las imágenes de Josué pasa a ser completamente explícita. Sus obras permiten un diálogo que llama al espectador a terminar el relato, en el que se oculta y, a la vez, revela la identidad del sujeto, el que está latente entre la falta de entorno y la concentración visual en su imagen, en el juego de piezas que se presentan. Josué pareciera estar constantemente moviéndose entre distintos ámbitos y temáticas, las que se mantienen fiel a un aura particular que busca tener en sus imágenes. Al referirse a conceptos permanentes dentro de su obra, Castro dice: “Para mí lo más importante al fotografiar a un individuo es captar su lado interno y mostrar a los espectadores de mis imágenes un perfil antropológico, me gusta que mis proyectos siempre estén relacionados con el medio, entorno a sus virtudes y problemas”.

None of Josué’s images become entirely explicit. His pieces allow for a dialogue that entices the viewer to finish the tale, in which the subject’s identity is hidden and revealed at the same time and the subject is dormant between the lack of environment and the visual concentration in his image within the set of pieces that is presented. Josué seems to constantly shift between different fields and subject matter, which have remained true to a certain aura that he strives to have in his images. When referring to ongoing concepts within his work, Castro says: “For me, the most important thing when photographing an individual is capturing their internal side and showing the viewers an anthropological profile through my images. I like that my projects are always related to the setting, regarding its virtues and problems.”

Josué nos cuenta cómo las distintas cosas que ha hecho lo han llevado a incursionar en distintos ámbitos y no cerrarse solo en el espacio: “Desde hace 15 años abrí mi primera galería para promover mi trabajo y el de otros artistas, me ha ayudado mucho el haber trabajado en fábricas y tiendas de ropa pues estuve en contacto con comerciantes. Actualmente manejo un espacio alternativo en la ciudad de Tijuana, The Kitchen TJ#22000, en el cual mezclamos gastronomía, música y fotografía”.

Josué tells us how various things that he has done have led him to venture into different fields and not enclose himself in a space: “I opened my first gallery 15 years ago to promote my work and the work of other artists. Having worked in clothing factories and stores has helped me a lot since I was in touch with business people. Currently, I am running an alternative space in the city of Tijuana, The Kitchen TJ#22000, where we mix gastronomy, music and photography.”

Una de sus últimas exposiciones se presenta como un proyecto de intercambio cultural llamada Puro Hedonismo/Hedonismo Puro, y consiste en una serie de 45 fotografías de gran formato: retratos en blanco y negro de connotadas personas relacionadas a la gastronomía de Baja California, chefs afamados y emergentes, enólogos, artesanos culinarios, entre otros. Siendo fiel a su estilo, vemos a cada uno de estos individuos emergiendo desde un denso negro que los enmarca, donde existe una relación conceptual desde la creación como impulso, así como la relación con la materia. Envuelve tantos sentidos y sensaciones con cada elemento dispuesto en la imagen que simula de cierta forma la actividad creativa culinaria. Como la curadora de la muestra, Marisa Caichiolo, señala: "Castro nos deleita con este cuerpo de trabajo sobre el hedonismo/auto indulgencia, placer y satisfacción propia. Él hábilmente ilustra como sensual y decadente el acto creativo de la cocina puede ser, a través de la conexión con todos los aspectos de nuestras vidas.

Desde el nacimiento hasta la muerte a la mesa, que nos hace sentir la piel sobre la piel, la grasa en su fuego, la sal en la lengua".

One of my latest exhibitions is presented as a cultural exchange project called Puro Hedonismo/Hedonismo Puro, and it consists of a series of 45 large-format photographs: black and white portraits of well-known people related to the gastronomy in Baja California, famous and up-and-coming chefs, oenologists, culinary artisans, among others. Staying true to his style, we see each one of these individuals coming from a dense black that surrounds them, where there is a conceptual relationship based on creations as an impetus, as well as the relationship with material. He involves so many feelings and sensations with each element placed in the image which simulates, in some way, the creative culinary activity.

As the curator of the show, Marisa Caichiolo says: “Castro delights us with this body of work about hedonism/self-indulgence, pleasure and selfsatisfaction. He often illustrates how sensual and decadent the creative act of cooking can be through the connection of all the aspects of our lives. From its birth to its death at the table, it makes us feel skin on skin, the grease in his fire, the salt on the tongue.”

Dueño de un dinamismo indiscutible que no solo se aprecia en la distintas actividades que ha realizado a lo largo de su vida, la fortuna o el destino parecieran ser un factor esencial en cómo Josué ha formado su carrera artística, en donde las oportunidades son infinitas, tal como él cuenta: “Nunca espero nada en especial, me gusta ver cómo van fluyendo las cosas, yo solo trabajo muy duro en mis proyectos, sé que el trabajo constante tarde o temprano rinde éxito. Para mí es un juego que será siempre atractivo, en el momento que deja de ser un juego pierde su encanto”.

He possesses an indisputable dynamic that is apparent in the different activities that he has done throughout his life. Luck or destiny seem to be an essential factor in how Josué has created his artistic career, where the opportunities are infinite, and as he says: “I never expect anything special. I like to see how things flow. I just work very hard on my projects and I know that working steadily eventually yields success. For me it is a game that will always have its appeal. The moment that it stops being a game, it loses its charm.”

PuroHedonismo.HedonismoPuro, 2014, fotografĂ­a digital, 120 x 210 cm.

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Perú | Peru Instalación | Installation

Jerónimo Villa Entre el sonido y el silencio Between sound and silence Antes figurativo, volumétrico y minucioso. Ahora, altamente conceptual y espacial. El material en la obra de este artista se entreteje para narrar el tiempo y el movimiento. Como una obra musical que combina sonidos y silencios coherentes, el colombiano Jerónimo Villa combina múltiples elementos para crear historias.

Before it was figurative, volumetric and detailed. Now, it’s highly conceptual and spatial. The material in the work of this artist weaves together to narrate time and movement. Like a piece of music that combines sounds and coherent silence, Colombian artist Jerónimo Villa combines multiple elements to create stories.

Por Camila Londoño. Periodista (Colombia).

Imágenes cortesía del artista.

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Dichas esculturas se modificarían más adelante para trascender el tiempo y el movimiento, un movimiento que llegó en forma de secuencia y narraba un concepto entorno al espacio. Esta nueva obra, llamada Movimiento secuenciado, también en alambre, recreaba a través de la división de planos, movimientos parabólicos, lineales, armónicos simples, entre otros. Los objetos en esta obra se proyectaban para crear movimientos que se percibían sin estar presentes. Con hilos de nylon amarrando planos, Jerónimo Villa decidió acercarse a una rama de la física llamada Cinemática.

Said sculptures would be modified in the future to transcend in time and in a movement, that came in the form of sequence and narrated a concept regarding the space. This new work, called Movimiento secuenciado, which is also in wire, recreated parabolic, linear, harmonic, and simple movements among others by separating planes. The objects in these pieces are shown to be seen without being present. By building planes with nylon thread, Jerónimo Villa decided to take interest in a branch of physics called Kinematics.

ferrado a la misma técnica y material por muchos años (el alambre y el cobre), se catalogó “alambrista” antes que artista. Un disfraz de Marilyn Monroe y la experimentación del día a día, se encargaron de mostrarle las facultades físicas de este material maleable, transformable y obediente con el cual pudo jugar para llegar a crear desde retratos expresionistas y joyería, hasta instalaciones escultóricas de grandes dimensiones.

De ahí nacieron obras como La elegancia del alambre, donde el vacío y las ondas del alambre que trabajó, formaban volúmenes que flotaban en forma de atuendos que en un material sencillo, crudo y no muy fino, se volvían elegantes. Eran odas figurativas al tejido y a la estructura.

ticking with the same technique and material for many years (wire and copper), he was labeled the “wireworker” before artist. A Marilyn Monroe costume and day-to-day experimentation were in charge of showing him the physical properties of this malleable, transformable and obedient material with which he played with to eventually create things ranging from expressionist portraits and jewelry to large-scale sculpture installations.

From there, pieces like La elegancia del alambre were born, where the void and the waves of the wire he worked with formed masses that floated in the shape of dresses in a simple, crude and not very elegant material, which become elegant. They were figurative odes to tissue and structure.

Optimizaci贸n, 2015, madera, aluminio y pita, medidas variables.

AA, 2015, traperos, 80 x 145 x 35 cm.

Erhu, 2015, madera, erhu, 110 x 70 x 30 cm.

Estudio de estructura IV, 2015, mixto, 120 x 100 x 20 cm.

Su trabajo sigue transformándose, contando historias y proponiendo conceptos. Pero, yendo unos pasos atrás, ¿en qué momento logra entender las artes como un contenedor poderoso de expresión? Es probable que al ser niño y de forma poco consciente se viera influenciado por aspectos de su cotidianidad, que en ese momento, probablemente carecían de sentido. Por ejemplo, las obras y el taller de su padre escultor y la alegre conexión de este con su expresión artística, o su madre enseñandole a dibujar en sus tareas, además de tardes enteras dedicadas a la composición y al entendimiento de la música como otra forma de expresión poderosa.

His work keeps changing, telling stories and suggesting concepts. But, if we take a few steps back, at what point did he manage to understand art as a powerful vessel of expression? It’s probable that as a kid he obliviously was influenced by aspects of his daily life, which at that time, probably lacked meaning. For example, the pieces and workshop of his father, who was a sculptor, and the cheerful connection this has with his artistic expression, or his mother teaching him to draw on his homework, in addition to entire evenings dedicated to composition and understanding music as another form of powerful expression.

Desde muy joven, Jerónimo se enamoró de esta disciplina, y decidió estudiarla profesionalmente. Por convicciones personales se retiró de su carrera a muy poco tiempo de concluirla. La música se convirtió en un elemento inactivo pero con una fuerza latente y, simultáneamente, las artes plásticas fueron ganando un gran espacio en su vida. No por esto dejó de adorar la armonía, y de hecho, supo entenderla como un complemento esencial dentro de su expresión plástica. Al conocer las ventajas y desventajas de todos los dos medios, supo tomar lo mejor de su primera pasión e incluirla muy sutilmente dentro de su obra. Asegura que el sonido y el silencio han influenciado en su trabajo.

From a young age, Jerónimo fell in love of this discipline and decided to study it professionally. For personal reasons, he left school not long before finishing. Music became an inactive element but with a latent force and, at the same time, visual arts started to take up much of his life. It wasn’t because of this that he stopped loving harmony, and in fact, he learned to understand it as an important complement within his artistic expression. Upon learning the pros and cons of both mediums, he learned to take the best from his first passion and include it very subtly within his work. He claims that sound and silence, have influenced his work in a certain way.

Además de su estrecha relación con la música, su obra siempre ha estado altamente relacionada con la geometría y la estructura. Desde sus dibujos expresionistas hechos con alambres, hasta su obra actual, la línea, el espacio y la estructura, han permanecido fieles y estables a los conceptos detrás de sus propuestas. Y si bien cada una de sus obras es singular, todas llegan al mismo

In addition to his long relationship with music, his work has always been largely related to geometry and structure. From his expressionist drawings made with wire, to his current work, line, space and structure have remained a mainstay in the concepts behind his proposals. While each one of his pieces is singular, all take the same path. A path that

Empotramiento, 2015, madera, escuadra, medidas variables.

Estudio de estructura V, 2015, mixto, 120 x 100 x 30 cm.

camino. Un camino que se inicia sin buscar un tema, sino trabajando la obra como tal: cuestionando, construyendo y deconstruyendo. Sus obras surgen como una fuerza de la imaginación que nace de la intriga y la curiosidad y esto lo ha llevado a redescubrir sus propuestas y plantearse nuevas preguntas.

starts without looking for an issue, but rather by working the piece as it is: questioning, constructing and deconstructing. His pieces arise as a force of the imagination that emerges from intrigue and curiosity. This has led him to rediscover his proposals and pose new questions.

Su mundo se ha ampliado vastamente. Materiales, técnicas, espacio y conceptos siguen extendiéndose. Traperos, escobas, escuadras, monedas, madera, guayas de acero, rocas, entre otras, hacen parte de las dos narraciones que propone actualmente: la maravillosa eternidad de la imposibilidad y el concepto de arquitectura no habitable. La eternidad de lo imposible refleja la firmeza de la tierra a un lado y el abismo al otro, el tiempo congelado en un último paso “como el fósforo acariciando la lija o la pelota de baseball que nunca cae; la tragedia de la paranoia o el trastorno de ansiedad”, dice el artista. Por otro lado, el concepto de arquitectura no habitable es un poema a la estructura y la geometría, que como bien se aclaró, son elementos constantes en sus muestras. Plantea la restricción de habitar un espacio, hecho que amplía la variación de la estructura, las dimensiones e incluso los materiales.

His world has vastly expanded. Materials, techniques, space and concepts keep expanding. Rags, brooms, framing squares, coins, wood, steel cables, rocks, among other things make up the two stories that he currently proposes: the wonderful eternity of impossibility and concept of uninhabitable architecture. The eternity of impossibility reflects the conviction of the earth on one hand and the abyss on the other. Time frozen in the last step “like the match striking the matchbook or the baseball that never falls; the tragedy of paranoia or an anxiety disorder,” says the artist. On the other hand, the concept of uninhabitable architecture is a poem on structure and geometry, which he stated, are constant elements in his exhibitions. He suggests the restriction of habiting a space, a fact that broadens the variations of sculpture, dimensions and even materials.

Este ex “alambrista” continúa descubriendo y excavando ideas. El alejarse de su técnica inicial le permitió viajar por por la infinita variedad de técnicas existentes: “Quiero convertir mi taller en una ferretería, una herrería, una bodega de madera, un estudio de video y fotografía, una huerta, en todo”, explica Jerónimo. Hoy su trabajo narra el espacio, lo orgánico, la imposibilidad, la firmeza y el abismo; narra la cultura en sí misma, su cultura y lo que es casi inexpresable con palabras.

This ex “wireworker" continues discovering and finding ideas. Getting away from his initial technique allowed him to traverse the infinite variety of existing techniques: “I want to turn my workshop into a hardware store, a blacksmith’s, a wood warehouse, a video and photography studio, a garden, into anything,” explains Jerónimo. Today his work speaks of space, the organic, impossibility, conviction and the abyss; it speaks of the culture itself, his culture and that which can barely be explained with words.

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Bolivia | Bolivia Pintura | Painting

Marcelo Suáznabar El mundo real en su composición inversa The real world in his inverse composition De lo innombrable, de aquello que sólo parece funcionar en el plano de la imaginación o que no existe, pero está. Marcelo Suaznabar transita diálogos inconscientes, susurros que no deseamos oír pero apabullan nuestro entorno en evidencias de las que no podemos escapar. Nos propone historias contadas a la inversa, que traen consigo la carga de eso que podemos vivir aún sin darnos cuenta.

From the unmentionable, from that which only seems to work on an imaginary plane or that doesn’t exist, but it does. Marcelo Suaznabar directs unconscious dialogues, whispers that we wish not to hear but that swamp our environment in evidence of that which we cannot escape. He suggests stories told the other way around, that are charged with that which we can experience even without realizing.

Por Leticia Abramec. Periodista (Argentina).

Imágenes cortesía del artista.

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Marcelo compartió y absorbió grandes momentos de su infancia con su tío, un fotógrafo que le dejó enseñanzas y herramientas fundamentales para iniciarse como artista. “Cuando era niño me decía que los pintores tenían que trabajar constantemente, quizá todos los días, para poder mejorar. Una vez

Marcelo shared and took big moments of his childhood with his uncle, a photographer who left him with the basic teachings and tools to get started as an artist. “When I was a kid, he told me that painters had to constantly work, perhaps every day, in order to get better. Once he gave me a box of

n una lectura prejuiciosa podemos pensar que el autodidactismo carece de reglas o es falto de justificaciones teóricas que amparen las decisiones de un trazo. Pero el arte tiene la bondad de resguardar, de esas ideas, a las imágenes que van más allá de las reglas. Los resultados de la búsqueda personal de este artista boliviano nacido en Oruro, comprueban que el aprendizaje de técnicas artísticas se completa con la observación aguda del entorno en que vivimos.

n a biased interpretation we may think that the autodidactism lacks rules or is missing theoretical justifications that protect the decisions for a line.

However, art is kind enough to protect, of those ideas, the images that go beyond the rules. The results of the personal quest by this Bolivian artist born in Oruro prove that learning artistic techniques is accompanied by keen observation of the environment in which we live.

Naturaleza Muerta, 2008, 贸leo sobre tela, 150 x 130 cm. Colecci贸n privada, Montreal.

me regalo una caja de óleos que había comprado en Bélgica y me dijo que seguramente los iba a usar el día que estuviera listo. Creo que su mayor enseñanza fue ayudarme a observar lo que me rodeaba y no tener miedo de transferir al papel lo que viera allí. Me dejó claro que la perseverancia y la disciplina eran herramientas importantes para desarrollarme”, recuerda Marcelo de sus primeros aprendizajes en el ambiente familiar.

oil paints that he had bought in Belgium and he told me that I would surely use them whenever I was ready. I think that his greatest teaching was helping me to see that which surrounded me and not being afraid to transfer that which I seen to paper. He made it clear to me that perseverance and discipline were important tools to grow,” remembers Marcelo regarding his first lessons in the family setting.

En una mirada general de su obra, sorprende el nivel de imaginación que tiene en sus mensajes y las relaciones que establece entre la naturaleza y el ser humano. En una lectura integral, podemos ver una línea de diálogo continuo entre pensamientos conocidos y formas desconocidas. Los dibujos de Marcelo trazan líneas en lugares no tradicionales y entretienen a la mirada en busca de una lógica que parece no existir. El surrealismo que se advierte en sus trabajos descoloca y reubica en un nuevo modo de ver, invita a hurgar cada detalle para interpretar un mensaje tan lejano como obvio. “El surrealismo funciona como un pretexto para liberar los pensamientos y materializarlos por medio del arte. Es como un lenguaje provocado para crear escenarios irracionales e irreales. No pinto lo que sueño, el arte puede derivar en formas oníricas simplemente por el azar de la imaginación”, explica el artista.

In an overview of his work, the level of imagination contained in his messages is surprising as well as the relationships that he establishes between nature and human beings. In a broad interpretation, we can see a continuous line of dialogue between known thoughts and unknown forms.

Marcelo’s drawings sketch lines in unconventional places and amuse the gaze seeking a logic that seems to not exist. The surrealism, that is evident in his work, disorients and resettles in a new way of seeing. It invites us to rummage through every detail in order to interpret a message that is both distant and obvious. “Surrealism works as a pretext to set thoughts free and bring them to life through art. It is like a language produced to create irrational and unreal scenes. I don’t paint what I dream, art may derive in oneiric forms simply due to random imagination,” explains the artist.

Podríamos decir que el arte viene de la mano de la naturaleza y ella, en su perfecta imperfección, también es arte. Desde los grandes maestros de la historia hasta los novatos estudiantes de esta profesión, se han podido recopilar las más exóticas y bellas imágenes del ecosistema natural. Los inicios de Marcelo Suaznabar desprenden un sinfín de recuerdos decorados con insectos, plantas y colores tierra. Es imposible forzar el camino transitado y desligarlo de nuestra identidad. La paleta de colores de Marcelo trae consigo un bagaje que irrumpe y avanza: “Mi padre es ingeniero agrónomo. De chicos siempre nos llevaba, a mí y a mis hermanos, a Pasto Grande una finca que tenía a unos 30 km. fuera de la ciudad. Nos pasábamos veranos enteros jugando al fútbol, andando en bicicleta y respirando el aire puro de la naturaleza. Con el paso de los años noté que ese entorno había cambiado. Muchos animales se extinguieron paulatinamente y fue una experiencia que me hizo pensar fuertemente en la fugacidad del tiempo y el deterioro de la naturaleza”.

We could say that art comes from nature and it, in its perfect imperfection, is also art. From the great masters throughout history to beginning art students, we have been able to gather the most exotic and beautiful images of the natural ecosystem. Marcelo Suaznabar’s beginnings shed innumerable memories decorated with insects, plants and earth tones.

It is impossible to force the path taken and separate it from our identity.

Marcelo’s color palette brings experience with it that burst out and moves forward: “My father is an agricultural engineer. Ever since we were kids, he took my brothers and I to Pasto Grande, a house in the country he had 30 km outside of the city. We spent entire summers there playing football, riding bicycles and taking in the pure air of nature. Over the years I realized that the environment had changed. Many animals were gradually wiped out and it was an experience that made me think long and hard about the fleetingness of time and the decline of nature.”

Esas vivencias transitadas en la infancia dieron curso una fuerte intencionalidad en el mensaje de sus trabajos. Si bien el foco se agudiza en diferentes temas según las series, el trabajo de Marcelo Suaznabar recorre la complejidad del ser humano desde sus pensamientos naturalmente intrincados, hasta su evolución como especie en la Tierra. En Apocalipsis, por ejemplo, refleja cierto pesimismo contemporáneo y lo vincula con la destrucción del

Those childhood life lessons gave way to a strong deliberateness in the message of his work. Although the focus hones in on different themes according to the series. Marcelo Suaznabar’s work spans the complexity of the human being from its naturally complicated thoughts to its evolution as a species on Earth. In Apocalipsis, for example, he portrays a certain contemporary pessimism and links it to the destruction of the

El tiempo se termin贸, 2008, 贸leo sobre tela, 122 x 122 cm. Colecci贸n privada. Monterrey, Mexico.

medio ambiente. En Altiplano Mágico, en cambio, sueña con el mundo ideal sin intención de dañar a la naturaleza y que, sin prejuicios ni complicaciones, preponderan la tolerancia y la empatía.

environment. In Altiplano Mágico, in turn, he dreams of the ideal world with no intention of harming nature and where, without prejudice or complications, tolerance and empathy prevail.

Oruro y sus múltiples matices acompañaron a Marcelo desde niño. Luego, ya en la transformación del ocio en carrera profesional, se inspiró en el arte Barroco Colonial. Admiró artistas como Jonás Burgert (Alemania), Salvador Dalí (España), Frida Kahlo (México) o Hieronymus Bosch (Holanda) y en ellos encontró algo que hoy define como: “una exquisitez del lenguaje simbólico. Un viaje por el laberinto humano con sus miles de posibilidades que nos hacen imaginar mundos de locura producidos por mentes iluminadas.

Sus mensajes subliminales continúan vigentes en la realidad que vivimos hoy. En la actualidad hay nuevos conflictos que tranquilamente podrían formar parte de una tela del Bosco. Existe un panorama surrealista que está presente pero no queremos ver”.

Oruro and all its aspects have accompanied Marcelo since childhood.

Later, in the transformation from leisure activity to professional career, he was inspired by Colonial Baroque art. He admired artists like Jonas Burgert (Germany), Salvador Dalí (Spain), Frida Kahlo (Mexico) or Hieronymus Bosch (Holland) and in them he found something that he now defines as: “a delicacy of symbolic language. A journey through the human maze and its thousands of possibilities that make us imagine crazy worlds made by illuminated minds. Their subliminal messages are still valid in today’s reality. There are now new conflicts that could easily make up part of a Bosch canvas. There is a surrealist outlook that is present but we don’t want to see it.”

Marcelo utiliza la disponibilidad absoluta de la naturaleza para narrar algo más allá de lo visible. En sus dibujos logra cristalizar nuevas realidades.

Es por eso que este artista trasciende las propias conjeturas de la mente, juega con ellas y se atreve a desafiar la mirada rasa. “En mis pinturas existen recurrencias que narran mixturas frecuentes de la contemporaneidad. Las superficies planas y desérticas que recuerdan mis orígenes en el altiplano boliviano, y los fondos abstractos o las formas inventadas que podrían interpretarse como mutaciones. Animales transformados, relojes, cubos o huevos con códigos de barras. Todos ellos quieren transmitirle algo al subconsciente”, explica sobre Autorretrato, la pintura de una calavera con un código QR en el cráneo. “Estamos transitando una época impregnada de lo tecnológico y en la que cada producto o individuo tiene un código, un número que lo identifica. Eso nos afirma, simbólicamente, en una era digital de la que ya no podemos retroceder. Para leer un código QR necesitamos un Smartphone y eso ya nos dice mucho”, añade.

Marcelo uses nature’s full availability to narrate something beyond what is visible. In his drawings he is able to form new realities. Because of this, this artist transcends speculations of the mind, plays with them and dares to challenge the clear view. “There are recurrences in my paintings that narrate frequent mixtures of contemporaneity. The flat and barren surfaces which remind me of my origins in the Bolivian altiplano, and the abstract backgrounds or the invented shapes that could be interpreted as mutations. Transformed animals, watches, cubes or eggs with barcodes. All of them want to convey something to the subconscious,” he explains regarding Autorretrato, the painting of a skull with a QR code on the cranium. “We are living in a time that is imbued with technology and where every product or individual has a code, a number that identifies them. That tells us, symbolically, in a digital era that we can’t go back. In order to read a QR code we need a smart phone and that already tells us a lot,” he adds.

Libertad de trazos, direcciones indirectas y complejas, y una expresividad a corazón abierto es lo que ofrece este artista de Oruro que dialoga con el surrealismo puro. Cuando suponemos que se trata de dibujos divertidos y estrafalarios, agudizamos el foco y podemos ver una propuesta de un desafío mayor que la alteración de las formas. El arte de Marcelo Suaznabar funciona como un llamado de atención, un grito social en el cuerpo de seres que parecen inexistentes pero comportan una materialidad realista que habla de cómo somos los seres humanos. La ironía lúdica de su obra desorienta plácidamente e invita a observar con detenimiento cada detalle de sus dibujos.

Freedom of lines, indirect and complicated directions, and an openhearted expressiveness is what this artist from Oruro offers who speaks with pure surrealism. When we imagine that they deal with fun and outlandish drawings, we hone in on the focus and are able to see a proposal of a challenge bigger than altering the shapes. Marcelo Suaznabar’s art serves as a call to attention, a social outcry in the body of beings that seem nonexistent but involve realistic materiality that speaks on how we are human beings. The playful irony of his work is placidly disorienting and invites us to carefully observe each detail of his drawings.

Sin T铆tulo, 2009, 贸leo sobre tela, 150 x 130 cm.

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Argentina | Argentina Artista Multidisciplinar | Multidisciplinary Artist

Ana Steinnekker Del punto a la creación From the point to creation Ana Steinekker parte de un concepto concreto: el punto como comienzo de toda obra, y lo expande, lo desarrolla, lo investiga en su propia creación artística que, en la actualidad, se centra en el mundo femenino y sus particularidades.

Ana Steinekker starts with a solid concept: a point as the start of every piece, and she expands, develops, and investigates it in her own artistic creation that, currently, is focused on the feminine world and its peculiarities.

Por Nadia Paz. Curadora de arte (Argentina).

Imágenes cortesía de la artista.

A d贸nde van?, 2012, tinta china y permanente sobre tela, 40 x 50 cm.

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Indagando en lo femenino

Looking into what is feminine

En la serie Cabezas Locas hace un análisis exhaustivo de los pensamientos, trabas, cuestionamientos, dicotomías presentes en las mujeres.

Desarrolla las complejidades del mundo femenino recorriendo lugares comunes que parten del inconsciente; o que al mismo tiempo provocan la parte más instintiva del espectador, generando identificación y fascinación por las imágenes. Si bien el título de la serie refiere a lo excéntrico, lo obsesivo, lo neurótico de las estructuras que están detrás de cada pensamiento, a medida que su obra avanza en el tiempo, va mutando hacia cierta recomposición de la locura planteada y propone una última etapa llamada Acomodando Cajones.

In the series Cabezas Locas, she makes a thorough analysis of the thoughts, hindrances, questions, dichotomies present in women. She develops the complexities of the feminine world by traversing common places emanating from the subconscious; or that simultaneously provoke the most instinctive part of the viewer, thus generating identification and fascination with the images. Although the title of the series refers to the eccentric, obsessive, neurotic aspects of structures that are behind each thought so that her work advances in time, it’s shifting towards a certain rearranging of the posed madness and suggests a final stage called Acomodando Cajones.

En este sentido, si bien Cabezas locas convoca a todas las mujeres, el puntapié inicial es otorgado por sus propias imágenes, por su propia autoobservación del mundo. Expone, como la punta del iceberg, superficies que devienen de pesadillas de niña, relaciones humanas, viajes, deseos, frustraciones propias y relaciones tóxicas. Luego, en el avance y maduración de la serie culmina en la ya mencionada etapa Acomodando Cajones, donde cada gaveta identifica situaciones y sus innumerables temáticas. Es aquí, donde abandona la figuración y se enfoca en las figuras geométricas.

In this sense, although Cabezas locas summons all women, the impetus is granted due to her own images, her own self-observation of the world.

She exposes, as the tip of the iceberg, surfaces that transform into childhood nightmares, human relationships, trips, desires, her own frustrations and toxic relationships. Later, further into the series as it matures, it ends in the previously mentioned Acomodando Cajones stage, where each drawer identifies situations and her myriad of subject matter. It is here, where she abandons figuration and focuses on geometric figures.

Su objetivo como artista ha sido y es, hoy en día, lograr un impacto en el espectador. Concretar un vínculo que se manifieste en un interés mutuo, en una reflexión y observación profunda y prolongada en el tiempo.

No busca el efectismo, el impacto inmediato sino la contemplación e interpretación propia de cada subjetividad puesta en juego. Ana piensa

Her goal as an artist has been, and is today, to make an impact on the viewer. Forming a bond that is expressed in mutual interest, a profound reflection and observation prolonged over time. She doesn’t seek sensationalism or immediate impact, but rather the contemplation and interpretation itself of each subjectivity put into play. Ana thinks

na es arquitecta, especializada en forma y comunicación, y artista plástica. Durante años ha estudiado y realizado cursos explorando diversas técnicas de dibujo, pintura, escultura, y ha trabajado con metales y materiales no convencionales como papel, caramelos y madera. La influencia de su profesión ha enriquecido su campo artístico otorgándole una concepción integral y una mirada transversal sobre los espacios y los objetos. Para ella, la creación es la acción cotidiana de su vida, es una forma de estar en el mundo. Nació con ella y la pone a prueba constantemente, planteando desafíos que mantienen la vitalidad artística que exhiben sus obras.

na is an architect who specializes in form and communication, as well as an artist. Over the years she has studied and taken courses exploring diverse drawing, painting and sculpting techniques and has worked with metals and unconventional materials such as paper, candy and wood. The influence of her profession has enriched her artistic field thus granting her a comprehensive approach and a transversal gaze regarding spaces and objects. For her, creation is the daily action of her life. It is a way of being in the world. She was born with it and constantly tests this by posing challenges that adhere to the artistic vitality that her work exhibits.

De la serie Cabezas Locas, "Hojas en mi Cabeza", 2013, acrĂ­lico, permanente, papel, tela, 81 x 101 cm.

el arte como una forma de sanación mental, como un lenguaje universal que puede lograr unir todo tipo de fronteras.

of art as a form of mental healing like a universal language that can unite all types of borders.

Apasionada por la geometría, considera el punto como el comienzo de toda obra, de toda producción. Parte del punto para pensar en la línea (recta o curva), los planos de arquitectura que suele manipular, las partituras de música y la escritura en su complejidad. En este sentido, considera la sumatoria de puntos como la matriz infinita de repetición que puede formar las cosas, las percepciones, los espacios, la geometría, los planos, entre otros.

Impassioned by geometry, she considers the point as the start of all pieces, of every production. She starts with a point in order to think about line (straight or curved), planes of architecture that she usually works with, musical scores and writing in their complexity. In this sense, she considers the sum of points as the infinite repetition matrix that can form things, perceptions, spaces, geometry, and planes, among other things.

En esta sintonía, Kandinsky ya afirmaba que el punto geométrico es invisible. En la escritura es el puente esencial, único, entre palabra y silencio, es decir, el símbolo de la interrupción, de la no existencia. Sin embargo, en pintura el punto geométrico invisible deviene aquí material, adquiere cierto tamaño, requiere una determinada superficie. Si el punto es reposo, entonces la línea como tensión interna móvil será quien parta del movimiento de ese punto en el plano. En palabras de Kandisnky: “Ambos elementos = = (tendrán iguales) cruzamientos, combinaciones, que constituyen un lenguaje propio, intransmisible con palabras”.

In this symphony, Kandinksy already stated that the geometric point is invisible. In writings, it is the sole essential bridge between words and silence. That is to say, the symbol of interruption and that which doesn’t exist. However, in painting the invisible geometric point becomes material here and takes on a certain size that requires a determined surface. If the point is idle, then the line as a mobile internal tension will be what splits the movement of that point on the plane. In Kandinsky’s words: “Both elements = = (will equally have) crossings, combinations that make up their own language that is noncommunicable with words.”

El proceso productivo de las obras de Ana Steinekker inicia con imágenes internas que son representadas en bocetos iniciales. Luego, la artista comienza a pintar en acrílico generando transparencias hasta lograr el efecto proyectado. Al final, incorpora líneas blancas que forman los dibujos geométricos o figurativos.

The productive process of Ana Steinekker’s work starts with internal images that are represented in initial sketches. Later, the artist starts to paint in acrylic and creates glazes until achieving the projected effect. In the end, she incorporates white lines that form geometric or figurative drawings.

Su vasta obra ha llegado a distintos países y se ha exhibido en numerosas ferias y exposiciones nacionales e internacionales. Ha participado en New York, de la mano de la artista Anna Rank, en el marco del proyecto Paraguas por la Paz, en la que participaron más de cuarenta artistas.

Igualmente, una de sus obras fue seleccionada para convertirse en la imagen de un vestido de Art on fashion, y participó de la feria de Affordable en México, entre otras experiencias.

Her vast work has travelled to different countries and has been exhibited in numerous fairs and national and international expositions. She has participated in New York, with the artist Anna Rank, under the framework of Paraguas por la Paz project, where more than forty artists participated. Likewise, one of her works was selected to be turned into the image of a dress for Art on fashion, and she participated in the Affordable fair in Mexico, among other experiences.

La obra de Steinekker, profunda y compleja pero representada desde la simplicidad de una línea, nace de un punto, de una idea matriz, de una semilla que en su propia maduración ha logrado echar las raíces; de una obra que, si bien aún vive su contemporaneidad, permanecerá sin lugar a dudas a través del tiempo.

Steinekker’s work is profound and complex but is represented from the simplicity of a line, and arises from a point, a core idea, or a seed that in its own maturation has allowed to take roots; It is born of work that although it’s living its contemporaneity, it will remain, without a doubt, throughout time.

De la serie Cabezas Locas, "Collar naranja", 2013, acrĂ­lico, permanente, papel, 50 x 70 cm.

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Chile | Chile Artista Multidisciplinar | Multidisciplinary Artist

Fabián Ciraolo Fuera de juicios Outside of judgments El joven ilustrador chileno, Fabián Ciraolo, ha logrado el éxito mundial gracias a unas deslumbrantes representaciones de íconos re-imaginados en clave contemporáneas. El resultado es la creación de un universo en vilo entre el Pop Art y el Surrealismo que solo pide al espectador que se deje llevar por la imaginación.

Sin juicios y sin tabúes algunos.

The young Chilean illustrator, Fabián Ciraolo, has achieved worldwide success thanks to some dazzling representations of re-imagined icons with a contemporary twist. The result is the creation of a universe that’s falls on the border between pop art and surrealism, which only asks the viewer to let their imagination take over, without bias and without any taboos.

Por Francesco Scagliola. Periodista (Italia).

Imágenes cortesía del artista.

Chaplin, 2013, impresi贸n digital en tela y t茅cnica mixta, 100 x 100 cm.

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Actualmente, con poco más de treinta años, el chileno Fabián Ciraolo es internacionalmente conocido gracias a unas ilustraciones que, aprovechando su continua inquietud creativa y pescando en la cuenca de un personalísimo imaginario icónico tendente al Pop Art, desembocan en un universo a la vez post-moderno y surrealista, constelado de toda clase de personajes “legendarios” re-definidos en clave actual. “Llegó un punto en que tuve que ser bien honesto conmigo mismo. Ser mi propio juez, y felicitarme por cada idea estúpida que se me ocurriera. Pues el simple acto de dibujar –sigue– era lo único que se llevaba el 100% de mi atención. Fue la época cuando literalmente dibujaba todo lo que se me venía a la cabeza, y empezaron a salir todas estas imagines; que supongo ya estaban hace mucho ahí dando vueltas”.

Currently, at just a little over 30 years old, the Chilean artist Fabián Ciraolo is internationally known thanks to his illustrations that, by taking advantage of his ongoing creative concern and by fishing in a basin of very personal iconic imagery aimed at pop art, result in a universe that is both post-modern and surreal at the same time, full of every kind of “legendary” star redefined for current times. “It got to a point to where I had to be very honest with myself.

I had to be my own judge, and congratulate myself for each stupid idea that came to mind, since the simple act of drawing was the only thing that fully caught my attention,” he says. He adds, “It was a time when I literally drew everything that came to mind, and all these images started to emerge; I imagine they were there for some time.”

Y es que las “ideas estúpidas” que Fabián menciona no eran, nada más ni nada menos, que la sincera detonación de una tensión imaginativa increíblemente capaz de absorber –conscientemente o no– todas aquellas huellas socio-culturales características de la contemporaneidad. Desde el universo musical hasta los dibujos animados, pasando por la moda, el cinema, la política y la religión. Pues, sin querer anticipar nada, hay que subrayar cómo la novedad en los trabajos de Fabián es efectivamente este particular switch creativo absolutamente fuera de lo común.

Plus, it’s the “stupid ideas” that Fabian says weren’t anything more than the true detonation of an imaginative tension incredibly capable of absorbing –consciously or unconsciously– all those socio-cultural remnants typical to contemporary times. From the musical universe to animated drawing, passing through fashion, cinema, politics and religion, since, without wanting to foresee anything, we must point out the novelty of this particular creative switch of Fabián's work, completely outside of what’s common.

Sí, porque –por ejemplo– si para la gran mayoría de las personas un personaje como Ernesto “Che” Guevara seguiría siendo un revolucionario hasta en el año 2015, y habría por esto que ubicarlo gráficamente como tal sin dejar lugar a duda; para el artista chileno, en cambio, “si el Che estuviera hoy, me lo imagino bien sentadito en algún vip de algún concierto o festival de rock, con una entrada Vip en una mano y su celular en la otra manteniéndose al tanto de su Twitter”.

Yes, since –for example– for most people a character like Ernesto “Che” Guevara would still be revolutionary in 2015, and because of this we could place him graphically as he is, leaving no room for doubt; instead, for the Chilean artist, “if Che were here today, I imagine him sitting in the VIP section of some concert or rock festival, with a VIP ticket in one hand and his cell phone in the other keeping up with his Twitter.”

El hecho es que –y aquí viene otro punto fundamental para descifrar las obras de Fabián– el objetivo último no es establecer con certeza quien sería, o no sería, Guevara en la actualidad. Lo realmente significativo es, sencillamente, el simple acto de re-descubrir y re-inventar este personaje tan conocido según unos rasgos, declarada y verdaderamente, contemporáneos. No hay entonces provocación alguna. No hay crítica. Sino que se trata de un puro juego de la imaginación.

The fact is that –and here comes another important point to decipher Fabián’s work– the ultimate goal is to establish beyond a shadow of a doubt who Guevara would, or wouldn’t, be today. What’s really significant is, basically, the simple act of rediscovering and reinventing this well known person according to a few declared and truly contemporary features. Thus, there is no suggestiveness. There’s no critique. Instead it is only about a game of imagination.

Luego, está bastante claro que el joven artista chileno maneja con cierto cuidado los elementos y las referencias graficas que re-colocan los protagonistas de sus ilustraciones. Es, de hecho, un trabajo sofisticado, y no obligatoriamente consciente, gracias al cual logra vislumbrar la esencia peculiar de cada figura.

Later, it is quite evident that the young Chilean artist handles the elements and graphic references with a certain care that relocates the protagonist of his illustrations. It is, in fact, sophisticated work, and not necessarily conscious, through which he manages to envision the individual essence of each figure.

Pues Guevara, por seguir con este ejemplo, como todo buen revolucionario moderno tendrá que estar pendiente de las redes sociales, o por lo menos

Since Guevara, to continue with this example, like all good modern revolutionaries will have to be aware of the social networks, or at least wear

uando, ya hace unos años, Fabián Ciraolo terminó su carrera en diseño gráfico, tuvo que enfrentarse –exactamente como la mayoría de los jóvenes– con aquella mezcla de miedo al fracaso y ferviente impulso hacia el éxito que desde siempre caracteriza esta complicada etapa de la vida. Como es normal se tropezó. Hasta que finalmente pudo alcanzar la preciosa confianza necesaria para encontrar la senda correcta, y recorrerla. Pero ojo, porque en el caso de Fabián no se trató simplemente de perseguir sus propios sueños; sino que de hacer algo mucho más complejo, trabajar concretamente con ellos.

few years ago, when Fabián Ciraolo ended his career in graphic design, he had to confront –just like most young people– that combination of the fear of failure and burning drive towards success which has always been typical to this complicated stage in life. Like most people, he stumbled until finally gaining the precious confidence needed to find the correct path and traverse it. However, Fabián’s case wasn’t just about following his own dreams, but rather about doing something much more complex, specifically working with them.

Welcome to heaven, 2012, impresi贸n digital en tela y t茅cnica mixta, 100 x 100 cm.

llevar puesta una “rebelde” chaqueta de cuero. Fabián comenta: “Traigo mis personajes a nuestra realidad, pero sin que pierdan sus características. Sin que pierdan su esencia. Luego juego mucho con la ironía. Lo que me gusta es que las personas tengan una definición distinta de ellas, o que inventen una historia. La idea era re-convertirlas, re-imaginarlas y hacer un homenaje”.

a “rebel” leather jacket, Fabián comments: “I bring my characters to our reality, but in a way to where they don’t lose their characteristics; without losing their essence. Then I play around a lot with irony. I like for people to have a different definition of them, or for them to make up a story. The idea was to re-convert it, re-imagine it and pay tribute to it.”

Así, si por una lado Fabián re-inventa la iconografía Pop llevándola directamente al siglo XXI, transformándola en un actualísimo –por así definirlo– Tattoo-Pop donde cualquier ícono se vuelve un amigo cool con el cual acudir a un buen concierto, y donde cualquier amigo cool puede hacerse pasar por un ícono; por otro lado desarrolla unas atmósferas que, como ya he mencionado, sitúan los varios Dalí, Marilyn, Guevara, Frida, Cleopatra, Dorothy en un universo perteneciente a la dimensión surrealista. Un universo donde la combinación de elementos incongruos genera nuevos significados, y la copresencia de estímulos, figuras y símbolos de todo género que dan vida a unas representaciones que bordean lo fantástico. En fin, un universo mental visionario y soñador que estalla en una caótica Babel contemporánea de figuras y colores, alcanzando una condición de euforia que se configura como verdadera revelación de la modernidad.

On one hand, Fabián reinvents pop iconography by bringing them directly to the 21st century and by making them into a very current tattoo-pop –as a way to define it– where any icon becomes a cool friend to go to a good concert with, and where any cool friend can become an icon. On the other hand, he develops atmospheres that, as I mentioned before, put Dalí, Marilyn, Guevara, Frida, Cleopatra, Dorothy in a universe where everything belongs to the surrealist dimension. A universe where the combination of incongruent elements create new meanings, and the co-presence of stimuli, figures and symbols of all type that give life to representations that borderline fantasy. In summary, a mental visionary and dreamy universe that explodes into a chaotic contemporary Babel of figures and colors, thus reaching a euphoric condition that shapes itself as a true revelation of modernity.

Es una elegante y compleja superposición de niveles semánticos. Es, al fin y al cabo, como lo define el mismo Fabián, una especie de “Surrealismo Punk” gracias al cual cada espectador va generando su propio mundo y sus personales referencias, en sus palabras, “cada ilustración tiene una atmósfera o una tensión distinta. Me gusta situar a mis personajes en una atmósfera sencilla que permite al espectador crear su propio mundo y su propia realidad, haciendo suyo al personaje. Creo –especifica– que esta es mi manera de interactuar con el observador”.

It is an elegant and complex superimposition of semantic levels. When it is all said and done, it is as Fabián himself defines it, a kind of “Punk Surrealism” that causes each viewer to create their own world and personal references, in his own words, “each illustration possesses an atmosphere or a different kind of tension. I like to place my characters in a simple atmosphere that allows the viewer to create their own world and their own reality, by making the character their own. I believe that this is my way of interacting with the viewer.”

Es interesante ver también cómo hasta el nivel técnico se produce una cierta compaginación de métodos. Entonces, si por un lado Fabián queda fiel a las prácticas tradicionales y académicas del boceto a lápiz necesario para “armar y re-armar las figuras”, y al sucesivo uso de una mezcla de acrílicos, temperas, pastel seco y lápices a color; por otro, el proceso se finaliza a través de una digitalización que le permite armar aquellas perfectas atmosferas oníricas antes mencionadas. “El proceso digital –puntualiza Fabián– viene al final: retocar colores, agregar brillos y resaltar sombras. Luego el collage me permite darle soltura a mi trabajo, crear una suerte de caos hermoso que aporta a la atmósfera final de la obra. Básicamente –concluye– doy rienda suelta a las sensaciones que la misma obra me va mostrando...”.

It is also interesting to see how even the technical level can produce a certain combination of methods. Therefore, if on one hand Fabián remains true to the traditional and academic practices of the pencil sketch needed to “build and rebuild the figures”, and the successive use of a mixture of acrylics, tempera, soft pastels and colored pencils; on the other, the process is concluded through a digitalization that allows him to construct those aforementioned perfect dream-like environments. “The digital process comes at the end: retouching colors, adding brightness and making shadows stand out. Later, the collage allows me to give looseness to my work, creating a kind of beautiful chaos that adds to the final atmosphere of the work. Basically, I give free rein to the feelings that the work itself shows me…” he concludes.

Pues en definitiva se podría decir, que Fabián Ciraolo es un soñador. Un soñador que pertenece a aquel círculo de inquietos visionarios absolutamente hijos de sus tiempos. Sí, porque sus representaciones resultan ser tan exquisitas, justamente, porque reflejan con una sinceridad libre de cualquier clase de juicio la contemporaneidad que él mismo vive, camina, respira y escucha; y porque, a la vez, logra convertirlas en sueños en estado puro gracias a un arriesgado cruce tanto de técnicas como de expresiones artísticas.

We could definitely say that Fabián Ciraolo is a dreamer. A dreamer that belongs to that circle of restless visionaries who are absolutely children of their times. Since his representations turn out to be so exquisite, mainly because they reflect sincerity free from any kind of judgment, the contemporary times in which he himself lives, walks, breathes and hears; and since, at the same time, he succeeds in converting them into unadulterated dreams thanks to a dangerous cross of both techniques and artistic expressions.

Mejor dicho: Fabián Ciraolo y su obra encarnan una vivacidad compositiva hecha por toneladas de creatividad cristalina que goza de aquella franqueza que solo los sueños conllevan.

Better yet said: Fabián Ciraolo and his work embody a compositional liveliness made of tons of crystal clear creativity that enjoys that frankness that only dreams entail.

Dorothy, 2012, impresi贸n digital en tela y t茅cnica mixta, 100 x 100 cm.

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Argentina | Argentina Pintura | Painting

Ana Negro Sine materia: opacidad del cuerpo Sine materia: opacity of the body Siglos de historia de la representación, y la pregunta que surge y resurge es: cómo hacer aparecer a ese hombre que ya es otro. Parafraseando a Theodor Adorno, la pregunta es si la representación del cuerpo es posible después de Auschwitz, como comenta la artista. Aunque Auschwitz y Adorno, claro, son solo puntos de referencia de lo esperpéntico: el mundo.

Centuries of history of representation, and the question that arises time and time again is: how do we bring back that man that is no longer the same person. Paraphrasing Theodor Adorno, the question is if the body’s representation is possible after Auschwitz, like the artist comments. Even if Auschwitz and Adorno, surely, are only points of reference of the grotesque: the world.

Por Constanza Bellet. Licenciada en Literatura (Chile).

Imágenes cortesía de la artista.

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Negro trabaja con figuraciones de cuerpos desnudos. Eso resulta, entre otras cuestiones, en un desvalijamiento: substrae al ser de cualquier alusión salvo la de sí mismo. Y, con todo, tal alusión se cumple solo en cierta medida, dado que permanece en algún grado y continuamente desplazada.

Es decir, el hombre es y no es el hombre, es esa otredad inenarrable, sin precedentes, inaprensible. Es exterior a sí, indecible.

Negro works with figurations of nude bodies. That results in, among other matters, a theft: she removes the being from any allusion except that of itself. And, with all that, said allusion is fulfilled to some extent, since it belongs in some degree and is constantly displaced. It is to say that man is and isn’t man, he is that inexpressible otherness, without a background, elusive. He is outside of himself, unspeakable.

uerpos o fragmentos del cuerpo o formas del cuerpo prolongadas, anexadas o perdidas en otros cuerpos son los objetos estéticos –y éticos– de Ana Negro. De hecho, su obra consiste de modo exclusivo en dibujos y pinturas de tal obstinación. La artista argentina insiste, una y otra vez, en dar lugar a las formas y articulaciones de la especie humana y, en cuanto estructuras espaciales, derivarlas en arquitecturas per se. Ello lo hace con una propuesta sólida, de identidad inconfundible.

odies or fragments from the body or prolonged, appended forms from the body lost in other bodies are Ana Negro’s aesthetic –and ethical- objects. In fact, her work consists exclusively of drawings and paintings of such tenacity. The Argentine artist insist, time and again, on giving rise to the forms and articulations of the human species and, in regards to spatial structures, turning them into per se architectures. She does this with a solid unmistakable proposal.

De la serie De cuerpos y pliegues, “XIV”, 2008, acrílico sobre tela, 140 x 100 cm.

Sea como sea, en esos cuerpos está extraído lo anecdótico, lo accesorio.

Son personajes sin maquillajes, sin vestiduras, sin menciones. De ese modo somos remitidos al interior del ser, a lo metafísico, más que a su carnalidad. Es una operación entre líneas por medio de la cual accedemos a su universalidad.

Be that as it may, within those bodies the anecdotal and incidental are extracted. They are characters without make up, without clothing, without references. Thereby, we are referred to the interior of the being, to the metaphysical, or rather its carnality. It is an operation between lines through which we gain access to its universality.

Aun así, los cuerpos agrupados, acumulados, expresan, pese a aquella transversalidad y a su aglomeración, esa ausencia obligada que contienen. El académico francés, Jean-Paul Gavard-Perret, se refiere a esa dualidad: “Todo está en contacto, pero de manera solitaria. Existe el acercamiento de un contacto sensorial, aunque también una separación. Ello permite el florecimiento de un fenómeno de polinización espiritual”. En un rito, mancomunados, adyacentes, yuxtapuestos y, sin embargo, escindidos, incomunicados, encerrados en sí mismos.

Nonetheless, the piled up and grouped together bodies express, despite that transversality and its amassing, that forced absence they contain. The French academic, Jean-Paul Gavard-Perret, refers to that duality: “Everything is in contact, but on its own. There is a reconcillation of a sensorial contact, although there is also a separation. This allows the development of a spiritual pollination phenomenon.” In a ritual, united, adjacent, juxtaposed and, nonetheless, divided, isolated, and locked within themselves.

En aquella polinización, está, a la par, el asecho de la muerte. Trabajar con el cuerpo es, necesariamente, ocuparse de las cenizas, del óbito. Y, en efecto, los personajes de Negro parecieran a veces estar en un cortejo fúnebre. En tránsito a lanzarse al abismo; horror vacui. No obstante, no se trata –al menos no precisa y exclusivamente– solo de la condición humana, de la vaporosidad definitiva de la existencia. Apunta, todavía, a traslucir en imagen una evidencia: el hombre es el lobo del hombre, y de ello devienen cuerpos coaccionados, contorsionados por ese padecimiento indecible, de ojos ausentes, sustraídos.

Es un espectáculo sufriente, y su opacidad es irrevocable.

In that pollination, there is, on par, the trap for death. Working with the body is, necessarily, taking responsibility for the ashes, the death. And, in effect, Negro’s characters at times seem to be in a funeral procession.

On their way to plunge into the abyss; horror vacui. Nonetheless, it’s not only about –at least not exactly and exclusively– the human condition, the definitive airiness of existence. She still aims to show evidence through pictures: man’s wolf is the man, and from it comes the coerced bodies, contorted by that ineffable affliction of absent, removed eyes. It is a sufferable scene, and its lack of transparency is irrevocable.

Hay historia velada en ello. Sus cuerpos, a ratos, parecen víctimas del Zyklon B; hay algo de despojo en ellos que los hace ver en el marco de una cámara de gas. Al respecto, ante la pregunta por el Tercer Reich, Negro responde: “Tal vez, en el caso de la Shoa, el giro que transforma los campos de trabajo del stalinismo en campos de exterminio e industrialización de la muerte del nazismo marca un pasaje inédito (quien sabe si totalmente inédito, pues en el exterminio armenio ya hay pródromos de hornos crematorios y solución final), que nos pone como humanos más allá de los límites. Lo que torna absolutamente fuera de medida esto es el proceso de transformación de un humano en un no-humano antes de ser cadáver. Es la cuestión del pasaje la que interroga sobre los límites, aquello que media entre el ser y el cuerpo no solo despojado de vida, sino re-utilizado (cabellos, piel, grasa etc.) como elemento ‘industrial’”.

There is history hidden within it. Their bodies, at times, seem like Zyklon B victims; there is some offal in them that makes you see them through the setting of a gas chamber. In regards to this, in face of the question by the Third Reich, Negro responds: “Maybe, in the case of Shoa, the change that transforms the work camps of Stalinism into extinction camps and industrialization of the death of Nazism marks an unpublished passage (who knows if it is completely unpublished, since in the Armenian extinction there are already prodromes of crematory ovens and the final solution), which places us as humans beyond the limits. What makes this absolutely beyond measure is the transformation process of a human into a non-human before being a cadaver. It is the matter of passage that calls into question the limits; that which is in between the being and the body not only robbed of life, but also reused (hair, skin, fat, etc.) as ‘industrial’ elements.”

Eso es, precisamente, lo indecible, lo irrepresentable, esa otredad inenarrable de la que hablábamos. Ese nuevo estatuto del ser, en términos de Gavard-Perret, que se presenta en las obras de Ana Negro. Se deja a la

That is, precisely, the unspeakable, the unrepresentable, that inexpressible otherness that we speak of. That new status of being, in terms of GavardPerret, which is exhibited in Ana Negro’s work. It exposes what is not

De la serie De cuerpos y pliegues, “XIX”, 2008, acrílico sobre tela, 130 x 100 cm.

vista lo que no se ve y, en todo caso, continúa sin verse realmente. Esos cuerpos son impenetrables.

seen, and, in any case, continues without really being seen. Those bodies are impenetrable.

El espectador los observa con inquietud, ellos despiertan esa turbación, ese desasosiego. De todas formas, eso es nada más que una parte de la obra. La otra es la belleza de esos cuerpos. Sus proporciones, la armonía del espacio, de las formas, las curvas, lo atractivo de la naturaleza más cierta del hombre, el encanto de esos cuerpos y lo etéreo de sus claroscuros.

The viewer observes them with concern; they spark that discomfiture, that sense of unease. In any case, that is nothing more than a part of the work.

The other part is the beauty of those bodies. Their proportions, the harmony of the space, of the forms, the curves, the attractiveness of the truest nature of man, the allure of those bodies and the etherealness of their chiaroscuros.

Hay un truco que nos hace fijar la mirada en dos flancos, y en esa conjugación de todos los elementos, ya ocasionada la mixtura de los (en apariencia) opuestos, aparece la particularidad de la obra, su ilusión, sus chispazos, su luminiscencia.

There is a trick that makes us set our gaze on two sides, and in that conjugation of all the elements, now causing the mixture of opposites (in appearance), the peculiarity of the piece appears as well as its illusion, its sparks, its luminescence.

Este efecto se produce, en términos técnicos, y aunque no enteramente, a su práctica artística, por medio de los aspectos formales, del soporte: la tela muestra su trama, por lo que el contenido, lo que hay de contenido, de materia, queda de todos modos como partículas en suspensión, sin peso, cuerpos sin masa, sin sustancia, cuerpos sin cuerpo, inquietantemente ligeros, solo sombras de las sombras.

This effect is produced, in technical terms, and although not entirely to her artistic practice, through the formal aspects of the medium: the canvas shows its plot, which is why the content (what content and material there is) ends up as suspended particles, weightless, bodies without mass, without substance, bodies without body, restlessly light, only shadows of shadows.

Negro trabaja los cuerpos con colores translúcidos y, capa sobre capa, minuciosamente, va dando consistencia a las figuras. La ecuación formal es transparencia + transparencia = opacidad, dice la artista. El color, de hecho, es secundario en la obra de la artista, subsidiario de la forma. Más que otra cosa, las obras de Ana Negro son eso: formas, volúmenes y juegos de luces apagadas. Así, los cuerpos adquieren una suerte de insustancialidad, de volatilidad, y se escabullen, entran al terreno de lo velado, de lo que no es posible nombrar por completo.

Negro works the bodies with translucent colors and, layer by layer, meticulously gives consistency to the figures. The formal equation is transparency + transparency = opacity, says the artist. The color, in fact, is secondary in the artist’s work, subsidiary of the form. More than anything, the work of Ana Negro is this: forms, volumes and sets of turned off lights. Through this, the bodies acquire a kind of insubstantiality, volatility, and they break away and enter the terrain of the veiled, of what is not possible to name completely.

Por el anverso, los fondos monocromos, el telón de fondo de los cuerpos, pintados con acrílicos de más materia, refuerzan la intensidad del vacío, hacen relucir lo desértico de la zona de la existencia que habitan los cuerpos de los lienzos. Ellos no tienen escenario en el tiempo, están en otra dimensión. Es una dimensión indeterminada, en ello radica, en efecto, la imprecisión del sentido, la no contención de los cuerpos. El cuadro es una especie de agujero negro.

On the other side, the monochromatic backgrounds, the background of bodies, painted in acrylic plus material, strengthen the intensity of the void, make the barrenness of the zone of existence that the canvases’ bodies inhabit gleam. They don’t have a stage in time, they are in another dimension. It is an indefinite dimension where, in effect, the vagueness of feeling resides as well as the non-containment of the bodies. The piece is a kind of black hole.

En definitiva, hablamos de una proposición actual que reflexiona y se interroga acerca de la condición de posibilidad de la representación del hombre.

Ello conduce al espectador, también, a preguntarse: ¿será posible dar lugar, testimoniar, dar corporeidad a quienes han sido convertidos en despojos humanos? ¿Será alguna vez posible representar algo?

Ultimately, we speak of a current proposition that reflects and questions the condition of possibility of the representation of man. It drives the viewer to also ask him or herself: Would it be possible to cause, show, and give corporeality to those who have been changed into human waste? Would it ever be possible to represent something?

De la serie De cuerpos y pliegues, “VIII”, 2008, acrílico sobre tela, 110 x 90 cm.

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Argentina | Argentina Dibujo | Drawing

Entrevero, 2013, carbonilla sobre papel, 70x50 cm.

Entrevero, 2013, carbonilla sobre papel, 70x50 cm.

Silvina Resnik El devenir de la frescura The progression of the novelty Silvina Resnik dedica su tiempo a las artes visuales hace casi 30 años.

La creación artística es el eje de su vida; la atraviesa y esparce su color en todo el resto de sus cosas, lo que retorna como resultado son imágenes bellas, frescas y livianas de nuestra actualidad.

Silvina Resnik has devoted her time to visual arts for almost 30 years. Artistic creation is the axis of her life; she adds and spreads her color into all of her stuff, which results in beautiful, fresh and light images of our times.

Por Nadia Paz. Curadora de arte (Argentina).

Imágenes cortesía de la artista.

Entrevero, 2014, carbonilla sobre papel, 70x50 cm.

Entrevero, 2013, carbonilla sobre papel, 70x50 cm.

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Desde hace varios años, su obra se encuentra fuertemente ligada a la fotografía. Cuando una idea o imagen llega a su mente la inmortaliza en una foto fija que luego es utilizada como referente para una serie de obras. Las escenas fotografiadas al interior de los espacios son, en su mayoría, construidas con escenarios armados y personajes que posan en función de la idea inicial. Cuando se trata de escenas urbanas, de exterior, las fotos son rápidas, tomadas al azar, buscando capturar el instante y el movimiento.

For several years now, her work has been closely tied to photography.

When an idea or image comes to her mind, she immortalizes it in a still photo that is later used as a reference for a series of works. The scenes photographed inside spaces are mostly constructed with staged scenes and characters that pose in accordance to the initial idea. When they are outdoor urban scenes, the pictures are fast and taken at random in order to capture the moment and movement.

Resnik es una artista que se propone alcanzar la belleza, lo sublime en sus obras. Su proceso productivo está en permanente cambio y transformación.

Hay una búsqueda por llegar a un cierto éxtasis, una plenitud que muchas veces encuentra al finalizar una obra. Del mismo modo que también quiere

Resnik is an artist that seeks to obtain beauty; the sublime in her works.

Her production process is constantly changing and shifting. There is a search to reach a certain ecstasy, a fullness that is often found upon finishing a work. Similarly, she also wants to obtain free, stripped down,

u carrera como artista comenzó asistiendo a talleres de pintura mientras cursaba sus estudios de diseño en la Universidad de Buenos Aires. Discípula de Julio Racioppi, asistió a los talleres Guillermo Roux, Aurelio Macchi, Juan Doffo y Hermenegildo Sábat. Luego de terminar la carrera estudió en la Escuela Superior Ernesto de la Carcova donde realizó un estudio más sistemático. Si bien el hecho de ser artista ha enriquecido su profesión de diseñadora, no sucede lo mismo a la inversa.

El diseño, emparentado a la tecnología, funciona casi por oposición al trabajo manual, a las creaciones que realiza Resnik en cada obra realizada en carbonilla sobre papel o temple sobre tabla.

er career as an artist began by attending painting workshops while she studied design at Universidad de Buenos Aires. A disciple of Julio Racioppi, she attended the workshops of Guillermo Roux, Aurelio Macchi, Juan Doffo and Hermenegildo Sábat. After graduating she studied in the Ernesto de la Carcova School of Art, where she carried out a more systematic study. Although being an artist has enriched her profession as a designer, the same cannot be said the other way around.

Design, which is related to technology, almost works in opposition to manual work and the creations that Resnik makes in each piece done in charcoal on paper or tempera on board.

Entrevero, 2013, carbonilla sobre papel, 70x50 cm.

Entrevero, 2013, carbonilla sobre papel, 70x50 cm.

lograr imágenes libres, despojadas, ligeras, livianas, simples, con una frescura única, que esconden el esfuerzo interno que requiere su producción.

swift, light, simple and uniquely fresh images that hide the internal effort required to produce them.

Su serie de obras Entrevero, parte de la idea de realizar escenas de interior con adolescentes durmiendo o en situación de reposo o lectura. Su punto de partida es la pregunta existencial por la diferencia entre lo real. Se cuestiona si lo que vive es la realidad, o un sueño del que no acaba de despertar. Asimismo, se pregunta sobre el cambio que se produce en el sujeto luego de una lectura que lo conmueve. Una transformación, que del mismo modo puede producirse en los espectadores que contemplan sus obras. Al tratarse de imágenes con infinitas capas de lectura, se posibilita una conexión única y subjetiva de cada persona con la obra, el encuentro particular con lo que se observa.

Her series of work Intermingle sets off from the idea of making indoor scenes with teenagers sleeping, resting or reading. Her starting point is the existential question regarding the difference between what is real. She wonders if what she lives is reality or a dream which she can’t wake up from.

Likewise, she wonders about the change that is produced in the subject after reading something that moves him. It is a transformation, which could similarly occur in the viewers who look at her work. As they are images with infinite layers of interpretation, each person can make a unique and subjective connection with the work, a personal encounter with what is observed.

Siguiendo este modelo de trabajo, montó una escena en el interior de su casa tratando de respetar aquellas ideas que tenía inicialmente en su cabeza. Luego fotografió la escena y, a partir de las reproducciones en papel de las fotos, realizó obras en carbonilla sobre papel usando la fotografía como referente pero sin buscar un parecido con la foto.

By following this work model, she staged a scene inside her house trying to respect those ideas that she initially had in mind. Later, the scene was photographed, and based on the print outs on paper, she made works in charcoal on paper by using the photography as a reference, but without seeking a likeness with the photo.

Asimismo, desde hace varios años, se encuentra trabajando en series de obras en distintos espacios urbanos de Buenos Aires: un parque, el subte, un patio de comidas, una milonga. Está en la búsqueda de generar una especie de fresco de Buenos Aires, un retrato del lugar en el que nació y donde reside

Likewise, for several years now, she has been working on a series of works in different urban spaces in Buenos Aires: a park, the subway, a food court, a Tango Club. She is always on the lookout to create a sort of freshness in Buenos Aires, a portrait of the place where she was born

Entrevero, 2014, carbonilla sobre papel, 100x75 cm.

Entrevero, 2013, carbonilla sobre papel, 70x50 cm.

actualmente. Se trata de un cuerpo de obras que transcurren en lugares de fácil acceso, en los que puede encontrarse cualquier transeúnte.

and currently resides. It is a body of works set in easily accessible places where any passer-by can be.

Su obra ha ido evolucionando y transformándose con el paso del tiempo. En un comienzo, los materiales se centraban en las pinturas acrílicas, pasando luego a las tintas, óleos, pasteles, acuarelas hasta llegar en la actualidad al uso del temple y la carbonilla. Del mismo modo, la imagen que comenzó siendo abstracta, pasando por el privilegio de la luz y el claroscuro, hoy se centra en el plano; los contrastes acentuados, las tramas y estampas, y el respeto por el blanco del lienzo como soporte.

Her work has been evolving and transforming over time. In the beginning, the materials focused on acrylic paintings and later shifted to ink, oils, pastels and watercolors until finally reaching tempera and charcoal which she uses today. Along the same lines, the image which started out being abstract, which has had the benefit of going through light and chiaroscuro, now concentrates on the layout; the defined contrasts, the plot and figures, and the respect of the whiteness of the canvas as a foundation.

Resnik expuso en Miami, Washington D.C., Paris, Beirut y Singapur, con gran aceptación y repercusión artística, pudiendo al mismo tiempo enriquecer su trabajo en el contacto con otras culturas. Este año tendrá una muestra individual de dibujo en Buenos Aires y la participación en algunas ferias en Medio Oriente, así como proyectos en París y São Paulo.

Resnik exhibited in Miami, Washington D.C., Paris, Beirut and Singapore with great success and artistic impact, thus allowing her to simultaneously enrich her work through contact with other cultures. This year she will have a solo show of drawings in Buenos Aires and will also participate in some fairs in the Middle East, as well as projects in Paris and Sao Paulo.

El arte es el medio para conocer el mundo y para aprehenderlo, para explorar la propia realidad en la que vivimos. Silvina Resnik es una artista versátil, que se enfrenta a sus propios interrogantes y los resuelve mediante su quehacer artístico cotidiano. Se propone llegar a lo sublime, a aquello que transporta, moviliza, cambia la forma de ver el mundo, y lo logra con imágenes que impactan por su frescura y su actualidad.

Art is a means to know the world and to get it. It is a means to explore the reality we live in. Silvina Resnik is a versatile artist who confronts her own unanswered questions and solves them through her daily artistic work. She intends to reach the sublime, that which transports, frees, and changes the way we see the world, and she accomplishes this with images that are striking due to their freshness and topicality.

BARCELONA International Contemporary Art Fair

01-04 October 2015

www.swab.es

www.espacioodeon.com

ODEON FERIA DE ARTE CONTEMPORANEO 1A5 OCTUBRE 2015

5ta EDICIÓN BOGOTÁ COLOMBIA