Sudamerica Arte Contemporaneo by Arte al Límite

SUD AMÉRICA ARTE

CONTEMPORÁNEO

EQUIPO Directora AAL / AAL Director Ana María Matthei Edición / Editor Kristell Pfeifer Producción y Dirección de Arte / Production and Art Direction Catalina Papic Textos / Texts Ángela Basch Kristell Pfeifer Diseño y Diagramación / Design and Layout Carolina Gumucio Traducción / Translation Sofía Camus Corrección de Texto / Text Corrector Eric Caravacci Valentina Escobar Este libro se terminó de imprimir en octubre de 2016. Impreso en Santiago de Chile en A Impresores. Primera edición 2016. © Arte Al Límite, 2016.

ÍNDICE INDEX Editorial Rosen

Reymond Romero

Nani Cárdenas

Editorial AAL

Luciana Rondolini

Alejandra Delgado

Felipe Llona

Alejandra Alarcón

Iván Rojas

Eduard Moreno

Mateo Liébana

Catalina Sclabos

102

Liliana Zapata

Paula Otegui

110

Felipe Riesco

Mariana Villafañe

118

Sesper

126

Camilo Matiz

182

Roberto Lombana

238

Miguel Prypchan

134

Pablo Griss

190

Iris Helena

246

Katarina Abovic

142

Fabián Ciraolo

198

Andrea Moccio

254

Delta 9

150

Fernando Arias

206

Rodrigo Petrella

262

Carlos Alarcón

158

Luciano Denver

214

Jacinta Besa

270

Felipe Lavín

166

María Lynch

222

Éder Olivera

278

Maximiliano Siñani

174

Patricia Arena

230

Mateo Cabrera

286

En Rosen creemos que la calidad de vida está íntimamente ligada al desarrollo humano, cultural, artístico y social de los países. Por esto, nos parece importante apreciar, de manera sistemática y compartir los nuevos procesos creativos y búsquedas que se realizan en Chile y Sudamérica; sus experimentaciones y propuestas. Variadas formas de arte que, con sus sellos singulares y más allá de lo diverso de sus improntas y técnicas de expresión, hoy invitamos a conocer y apreciar en esta selección de jóvenes talentos. Son mirajes que vienen a generar un corpus que, leído en su conjunto, entrega pistas, dirección y sentido a la vida de quienes habitamos esta parte del mundo.

EDITORIAL

Como empresa especialista en el descanso y equipamiento del hogar, compartimos la búsqueda incansable de la creación de nuevas realidades, de nuevos conceptos que reconocen las formas de habitar nuestros espacios en el mundo de hoy. Ámbitos que cobran cada día mayor significancia para cada uno de nosotros y nuestro entorno. Por ello, en Rosen nos enorgullece colaborar en la promoción, difusión y valoración de aquellas expresiones de arte que dan cuenta, desde distintos ángulos y perspectivas, de la realidad que nos rodea. Es para nosotros un privilegio esta estrecha cercanía con talentosos creadores sudamericanos, la que profundiza un compromiso que hemos adquirido, con el mayor agrado, y refuerza de paso el desafío de contribuir, con humildad, a alcanzar un mayor bienestar y calidad de vida para los que amamos y para nosotros mismos.

At Rosen we believe that quality of life is closely linked to human, cultural, artistic and social development of countries. Therefore, it is important to appreciate systematically and share new creative processes and quests performed in Chile and South America. Their experiments and proposals, various forms of art, with their unique trademarks and beyond the diversity of their impressions and techniques of expression, today we invite you to know and appreciate this selection of young talents. They are mirages that come to generate a body that, read as a whole, deliver clues, direction and meaning to the lives of those who inhabit this part of the world. As a company specializing in home furnishings and relaxation, we share the tireless pursuit of creating new realities, new concepts that recognize our way of living spaces in the world today. Areas are becoming increasingly significant for each of us and our environment. Therefore, at Rosen we are proud to collaborate in the promotion, dissemination and appreciation of those expressions of art that reflect the reality around us from different angles and perspectives. It is a privilege for us to have this close connection with talented South American creators that deepens a commitment that we have acquired with great pleasure and strengthens the challenge of contributing, with humility, to achieve greater well-being and quality of life for those that we love and ourselves.

El libro Arte Sudamericano reúne las propuestas plásticas de 35 artistas que forman parte de la nueva generación de la región. Bajo sus miradas innovadoras, la pintura, fotografía, instalación y nuevos medios adquieren novedosos alcances, proponiendo sugestivos cruces entre las diversas disciplinas y los interesantes planteamientos conceptuales desarrollados por cada uno. El uso del color, la experimentación con nuevos materiales, la reinterpretación de las técnicas clásicas, todo se funde en una propuesta que tiene como resultado obras de gran atractivo visual, que capturan la mirada y atrapan al espectador en un deleite sensorial y emocional. Son trabajos que nos interpelan y nos cuestionan. Nos invitan a adentrarnos en un nuevo imaginario y salir de aquella zona segura para enfrentarnos sin miedo a mensajes enviados de forma directa.

EDITORIAL

Las propuestas presentes en este libro abordan temas tan diversos como los sueños y las utopías, las diferencias de género, el mundo material, la tecnología, el hombre y su cuerpo. Cada uno con su propio punto de vista y una disciplina en particular. Nos muestran su forma de ver y entender el mundo, compartiendo así, una pieza íntima del ser humano que el arte hace visible. Los artistas y las obras seleccionados para esta edición son la prueba fehaciente de que no existen límites en el mundo del arte. Son también la evidencia de una generación inmensamente creativa, que no teme en expresar sus ideales a través del trabajo plástico. Una generación marcada por un sentido profundo de experimentación, que los lleva a cuestionar realidades una y otra vez. Los invito a recorrer las páginas de este libro y sumergirse en la contemplación de las obras de estos artistas, que hemos seleccionado con la intención de dar un claro panorama del gran trabajo que realiza una nueva generación de artistas sudamericanos. Ana María Matthei Directora AAL

Arte Sudamericano gathers the fine art proposals of 35 artists that make up part of the new generation from the region. Under their innovative observation, painting, photography, installation and new media that acquire new reaches, to propose provocative crossings between different disciplines and the interesting conceptual approaches developed by each one of them. The use of color, experimenting with new materials, the reinterpretation of classic techniques, all blend together in a proposal that results in artworks with great visual appeal, that captures the feel and entraps the viewer in a sensorial, and emotional delight. They are works that question us. They invite us to penetrate into a new imagery and break free from our comfort zone, to fearlessly face direct messages. The proposals contained in this book address themes as varied as dreams and utopias, genre differences, the material world, technology, man and his body. Each one of them from a particular point of view, and through a particular discipline. They show us their own way of seeing and understanding the world, and in this way sharing an intimate piece of the human being that is made visible through art. The artists and their selected work for this edition are proof of the lack of limits that exist in the artistic world. They are also evidence of an immensely creative generation that is not afraid to express their ideals through art work. A generation marked by a deep sense of experimentation that makes us question realities once and again. I invite you to explore the pages of this book and submerge yourself in the contemplation of these artistÂ´s works, which we have selected with the intention of portraying a clear overview of the great work that is being developed by a new generation of South American artists. Ana MarĂa Matthei AAL Director

CL Katarina Abovic Jacinta Besa Fabián Ciraolo Felipe Riesco Catalina Sclabos Felipe Lavín CO Camilo Matiz Roberto Lombana Eduard Moreno Fernando Arias Carlos Alarcón PE Mateo Liébana Felipe Llona Nani Cárdenas Mateo Cabrera Patricia Arena VE Reymond Romero Pablo Griss Miguel Prypchan Iván Rojas AR Luciano Denver Luciana Rondolini Paula Otegui Mariana Villafañe Andrea Moccio BO Delta 9 Maximiliano Siñani Liliana Zapata Alejandra Delgado Alejandra Alarcón BR Iris Helena Sesper María Lynch Éder Olivera Rodrigo Petrella CL Katarina Abovic Jacinta Besa Fabián Ciraolo Felipe Riesco Catalina Sclabos Felipe Lavín CO Camilo Matiz Roberto Lombana Eduard Moreno Fernando Arias Carlos Alarcón PE Mateo Liébana Felipe Llona Nani Cárdenas Mateo Cabrera Patricia Arena VE Reymond Romero Pablo Griss Miguel Prypchan Iván Rojas AR Luciano Denver Luciana Rondolini Paula Otegui Mariana Villafañe Andrea Moccio BO Delta 9 Maximiliano Siñani Liliana Zapata Alejandra Delgado Alejandra Alarcón BR Iris Helena 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REYMOND ROMERO E

n la obra de Reymond Romero se fusionan de manera natural elementos propios de la tradición latinoamericana con la historia del arte moderno. La materia prima para sus elaboradas composiciones es el hilo, elemento estrechamente vinculado a la herencia cultural de América, cuyo ámbito textil es amplio y ha funcionado como marcada influencia para el desarrollo de la estética regional. En su propuesta, este material es trabajado en torno a una constante investigación sobre el volumen y el color, jugando entre los límites de la abstracción geométrica y el arte cinético. La multiplicidad de posibilidades cromáticas que le ofrece el hilo como punto de partida es la clave para una incesante exploración plástica, donde la construcción de espacios rigurosamente planificados da lugar a obras que generan ilusiones ópticas y transmiten movimiento. Su cadencia nos atrapa y desafía al mismo tiempo, invitándonos a recorrer ese espacio virtualmente tridimensional para llegar a la más pura contemplación.

Una impecable factura permite ir superponiendo uno a uno los hilos de color. Es la repetición de éstos la que luego toma forma y crea volúmenes que transitan entre lo pictórico y lo escultórico. Hay un ritmo propio en cada una de sus obras, una melodía que avanza a su propia velocidad y que sólo adquiere sentido al ser oída o, en este caso, recorrida por la mirada del observador. Es éste quien completa el momento; su interacción es la pieza clave que permite dotar de movimiento a aquello inerte, en un acto que cobra vida una y otra vez. _______________ In Reymond Romero´s work, typical elements from Latin American tradition blend naturally with modern art history. He uses thread as a raw material for his elaborate compositions; an element that is closely connected to America´s cultural heritage, whose textile sphere is wide and that has greatly influenced upon the development of regional aesthetics. In his proposal, this material is crafted towards a constant investigation of color and volume, playing between

the limits of geometrical abstraction and kinetic art. The multiplicity of chromatic possibilities offered by a thread as a starting point is the key for an unstoppable artistic exploration, where the construction of firmly planned spaces gives way to pieces that transmit movement and create optical illusions. His rhythm catches and defies the viewer at the same time, and invites us to wander through this virtually tri-dimensional space, until we reach pure contemplation. An impeccable construction allows the superimposing of threads, one by one. The repetition of these then acquires shape and creates volumes that move between pictorial and sculptural. Each one of his pieces has its own rhythm, a melody that moves forward at its own speed and is only meaningful when heard, and in this case, toured by the viewer´s glance. It is the viewer who completes the moment; his interaction is the key piece that endows movement to something lifeless, in an act that becomes alive time and again.

VE 15.06.1979 ARTE TEXTIL TEXTILE ART

ZUE

www.reymondromero.com

“Mi trabajo permanece en un estado de infinita continuidad”

Reymond Romero es licenciado en Artes Plásticas, mención Multimedia, del Instituto Superior de Artes Plásticas Armando Reverón, en Caracas, donde además se especializó en arte textil y moda. Desde sus inicios su investigación plástica se ha centrado en el arte textil, tomando como punto de partida el estudio de la volumetría del color. Es así como desarrolla un cuerpo de obra donde la superposición de contrastes y formas dan espacio a secuencias repletas de movimiento. Entre sus reconocimientos se encuentra el Premio Joven Artista y Medalla de Honor y el Premio Nacional de Artes Visuales “Armando Reverón”, ambos en el Salón Nacional de Artes Visuales Arturo Michelena. Su obra forma parte de importantes colecciones públicas y privadas, tanto en Venezuela como Estados Unidos.

Reymond Romero is a Fine Arts graduate, with a Multimedia mention, from the Instituto Superior de Artes Plásticas Armando Reverón, in Caracas. In this same institution, he specialized in textile art and fashion. From the beginning, his plastic investigation was focused on textile art, taking the study of color volumetric as a starting point. This is how he has developed a body of work where shapes and contrasts are overlapped, giving way to sequences full of movement. Amongst other recognitions, Romero obtained the Young Artist Award and Medal of Honor, and the “Armando Reverón” National Visual Arts Award, both from the Arturo Michelena National Visual Arts Hall. His work is part of important private and public collections, in Venezuela and United States.

“My work remains in a state of infinite continuity”

Policromía #17, 2015, textil y técnica mixta sobre lienzo, 60 x 60 x 8 cm / Policromía #17 (Polychromy #17), 2015, textiles and mixed media on canvas, 60 x 60 x 8 cms. - Conjunto de Pictografías, 2016, textil y técnica mixta sobre lienzo, 60 x 60 x 4 cm cada una, 190 x 190 x 4 cm medida total / Conjunto de Pictografías (Pictograms set), 2016, textiles and mixed media on canvas, 60 x 60 x 4 cm each one, total size 190 x 190 x 4 cm - Pictografía #225, 2015, textil y técnica mixta sobre lienzo, 60 x 60 x 4 cm / Pictografía #225 (Pictogram #225), 2015, textiles and mixed media on canvas, 60 x 60 x 4 cm - Monocromía #35, 2016, textil y técnica mixta sobre lienzo, 60 x 60 x 4 cm / Monocromía #35 (Monochrome #35), 2016, textiles and mixed media on canvas, 60 x 60 x 4 cm - Policromía #17 (detalle), 2015, textil y técnica mixta sobre lienzo, 60 x 60 x 8 cm / Policromía #17 (Polychromy #17, detail) 2015, textiles and mixed media on canvas, 60 x 60 x 8 cm.

LUCIANA RONDOLINI Y

a sea a través de imágenes de íconos del pop o de frutas descompuestas recubiertas por preciosas gemas, la artista Luciana Rondolini elabora su obra artística para reflexionar sobre la relación que tienen las personas con las cosas, como un vínculo que indudablemente se determina por la finitud. A partir de aquella cautivación indómita que producen las joyas -cual señuelo o trampa-, se dedica a estudiar el comportamiento comercial guiado por anhelos o deseos, ya sean ficticios, industrializados y producidos masivamente, aunque la escala de valores que plantea el consumismo no lo manifieste ni transparente de esta manera. En un plano concreto, Rondolini desarrolla por medio de un lenguaje casi publicitario -ya que las joyas que presentan sus instalaciones o dibujos de lápiz grafito sobre papel de por sí venden- obras que logran captar la atención del espectador. Tal y como ciertas celebridades del tipo de Justin Bieber, Lady Gaga o Miley Cyrus atraen a sus fans en un acto adormecido y rebozado de idolatría, del mismo modo, y en un afán que igualmente reconoce cierta adoración

propia, aunque con tintes de ironía, la artista decreta la necesidad de aceptar la pérdida, lo efímero y la irreversibilidad del tiempo, en vez de perpetuar pretensiones creadas intencionalmente por estándares económicos. De esta manera, su propuesta manifiesta una poderosa crítica sobre la sociedad capitalista y las modas fugaces, al burlarse de los ganchos comerciales. Representa el valor que el mercado le da a las cosas y ese estado de “congelamiento” próspero e irreal que no llegamos a digerir al estar inmersos en un sistema que avanza según prospectos materialistas. _______________ Either through images of pop icons or rotten fruits covered by precious gems, artist Luciana Rondolini creates her artistic work to reflect upon the relationship between people and things, as a bond that is undoubtedly determined by the never-ending. From that untamed captivation produced by jewels (as lure or trap), she dedicates herself to the study of commercial behavior guided by fictional, industrialized and massively

produced wishes and desires, even when the scale of values suggested by consumerism do not express this. On a particular scene, Rondolini develops artworks that catch the viewer´s attention through something similar to advertisement, since the jewels shown in her installations or pencil drawings sell by themselves. Just like Justin Bieber, Lady Gaga, Miley Cyrus and other celebrities capture their fans through a numb pose, soaked in idolatry. Therefore, in an effort to recognize some selfdevotion colored with irony, the artist decrees the need of accepting loss, and ephemeral and irreversible time, instead of perpetuating ambitions intentionally created by economic standards. As a result, her proposal expresses a powerful critique against capitalist society and fleeting fashion, by mocking commercial hooks. Her artwork represents the market value of things, and that state of unreal and prosperous “freezing”, which we are unable to digest since we are immersed in a system that moves forward according to materialistic prospectus.

GEN

AR 24.11.1976 DIBUJO DRAWING

www.lucianarondolini.com

“Mis personajes, como fantasmas, se hacen presentes para evidenciar una ausencia”

Formada profesionalmente en Artes Visuales y más adelante en varias clínicas guiadas por referentes como Hernán Marina, Fabián Burgos, Carlos Huffmann y Elsa Soibelman, la artista Luciana Rondolini encuentra su propio lenguaje visual tras diez años de egresada, y resulta ser el que surge, irónico, del valor que el mercado le otorga a los objetos y las personas. Es entonces cuando se convierte en una figura reconocida dentro del mercado argentino actual; descubre que su línea -similar a la que podría ser de Andy Warhol- desafía los límites del consumismo al poner en evidencia la contradicción comercial respecto a la temporalidad material. Ya sea a través de instalaciones, dibujos o esculturas, juega con los sentidos del espectador para concentrarse en lo que más le apasiona: estudiar el comportamiento humano de un modo lúdico y experimental.

Professionally educated in Visual Arts and later on in various clinics guided by mentors such as, Hernan Marina, Fabian Burgos, Carlos Huffmann and Elsa Soibelman, artist Luciana Rondolini found her own visual language after ten years, and it happens to be what ironically comes out of the value given by the market to objects and people. It is at that moment when she became a well-known figure inside the current Argentinian art market, and discovered that her line of work (similar to Andy Warhol´s), defies the limits of consumerism, while making economic contradiction regarding the material temporary nature, clear. Either through installations, drawings or sculptures, Luciana plays with the viewer´s senses to focus on what she is most passionate about: studying human behavior in a playful and experimental way.

“My characters, like ghosts, become present to show an absence”

Pop star (Estrella pop), 2013, lรกpiz grafito sobre papel, 25 x 35 cm / Pop star, 2013, graphite pencil on paper, 25 x 35 cm - Justin, 2013, lรกpiz grafito sobre papel 25 x 35 cm / Justin, 2013, graphite pencil on paper, 25 x 35 cm - Justin con anteojos, 2013, lรกpiz grafito sobre papel 25 x 35 cm / Justin con anteojos (Justin with glasses), 2013, graphite pencil on paper, 25 x 35 cm - Justin Bieber, 2013, lรกpiz grafito sobre papel, 25 x 35 cm / Justin Bieber, 2013, graphite pencil on paper, 25 x 35 cm - Justin, 2013, grafito sobre papel, 25 x 35 cm / Justin, 2013, graphite pencil on paper, 25 x 35 cm.

FELIPE LLONA L

a obra de Felipe Llona se encuentra fuertemente influenciada por la arquitectura y la fotografía, disciplinas que funde con corrientes de las artes visuales como el surrealismo, el neoplasticismo y el simbolismo. Con su lente, recorre ciudades en busca de determinados rincones que pueda transformar en agudas y atrayentes abstracciones. Y es que tanto el entorno urbano como su estética y geometría, motivan al artista a deslizar su pensamiento concreto hacia nuevas posibilidades imaginadas. A escenas que si bien se encuentran en la realidad, mediante la apreciación de determinados elementos y perspectivas, pueden llegar a transformarse en oníricas. Se concentra en retratar ciertas zonas de localidades con el objetivo de reducir sus elementos a lo esencial. A simples formas, colores y líneas que luego presenta en composiciones reticuladas y simétricas, con la intención de jugar con la percepción del espectador y ampliar su visión sobre el mundo que habita. Esto, como una exploración de los paisajes subyacentes a la realidad conocida, lo que propone un nuevo enfoque distorsionado, sugerente e inspirado en la belleza del equilibrio.

Si bien trabaja mediante la fotografía y diversas técnicas de producción que incluyen la máquina análoga y digital, en ocasiones considera la post edición como un alcance capaz de enriquecer su acercamiento hacia lo surreal. Es a través de un ejercicio selectivo y de contraste de texturas, matices y colores, lo que lleva a cuestionar la mirada, reevaluar proyecciones que yacen en estructuras mentales, y redescubrir las múltiples posibilidades respecto al espacio que nos rodea. _______________ Felipe Llona´s work is strongly influenced by photography and architecture, two disciplines that he blends with Visual Art currents like Surrealism, Neoplasticism and Symbolism. With his lens, he wanders through cities searching for corners that he can transform into sharp and appealing abstractions. His urban surroundings, as well as their geometry and aesthetics, motivate the artist to slide his concrete thinking towards new imagined possibilities. To scenes that even though they may be found in reality through the appreciation of certain elements and perspectives, also have the ability of becoming dreams.

He focuses on portraying certain zones in different towns with the objective of reducing its elements to essential. Simple shapes, colors and lines that he afterwards presents in symmetrical, net-like compositions, with the intention of playing with the viewer´s perception and broaden their vision of the world. This, as an exploration of the underlying sceneries of renowned reality, which propose a new, distorted point of view that is suggestive, and inspired in the beauty of balance. Even though he works through photomontage and different production techniques that include analogue and digital machines, he occasionally considers post-edition as a means to enrich his approach to surreal. It is through a selective exercise and the contrast of textures, colors and shades, that he makes us question our way of looking, makes us re-evaluate projections that are hidden inside mental structures, and re-discover the multiple possibilities of the space that surrounds us.

P 27.01.1979 FOTOGRAFÍA PHOTOGRAPHY

Ú www.felipellona.com

“A través del arte y la fotografía experimento y busco llevar al límite el sentido de lo real”

Desde su infancia, Felipe Llona ha sido capaz de visualizar y jugar con las diversas perspectivas del entorno a través de la fotografía. Esta idea pronto encuentra nuevas posibilidades en las máquinas digitales, lo que expande en gran medida su universo creativo en cuanto a la composición de la imagen. Pero sobre todo, se reconoce fascinado por los acercamientos que esta disciplina le permite hacia el mundo surreal. Por esto, realiza estudios en Fotografía y Arquitectura en la Universidad Peruana de Ciencias Aplicadas (UPC), ya que su ejercicio artístico también se basa en el interés que siente por los paisajes urbanos, su estética y geometría. Esto lo conduce a combinar de especial manera ambos campos, dando origen a resultados llamativos y perspicaces.

Since his childhood, Felipe Llona has been able to visualize and play with the different perspectives of his surroundings through photography. This idea soon encountered new possibilities in digital machines, which greatly expanded his creative universe regarding image composition. However, above all, he recognizes he is fascinated by the approaches that this discipline allows towards the surreal world. Because of this, he studied Photography and Architecture courses in the Universidad Peruana de Ciencias Aplicadas (UPC), since his artistic exercise is also based on the interest he feels towards urban landscapes, their aesthetics and geometry. This drives him to combine both fields in a special way, achieving keen and flashy results.

“I experiment through art and photography and I want to take the sense of realness to the limit”

Urban Sureal (Surrealidad Urbana), 2012, fotografía digital, fotomontaje e impresión en tinta sobre papel de algodón, 100 x 80 cm / Urban Sureal, 2012, digital photography, photomontage and printing ink on cotton paper, 100 x 80 cm - Urban Sureal (Surrealidad Urbana), 2012, fotografía digital, fotomontaje e impresión en tinta sobre papel de algodón, 150 x 100 cm / Urban Sureal, 2012, digital photography, photomontage and printing ink on cotton paper, 150 x 100 cm - Urban Sureal (Surrealidad Urbana), 2012, fotografía digital, fotomontaje e impresión en tinta sobre papel de algodón, 120 x 80 cm / Urban Sureal, 2012, digital photography, photomontage and printing ink on cotton paper, 120 x 80 cm - Urban Sureal (Surrealidad Urbana), 2012, fotografía digital, fotomontaje e impresión en tinta sobre papel de algodón, 80 x 70 cm / Urban Sureal, 2012, digital photography, photomontage and printing ink on cotton paper, 80 x 70 cm.

IVÁN ROJAS L

a obra de Iván Rojas es el resultado de un estudio riguroso de los conceptos, las formas e interpretaciones que demanda el arte contemporáneo. Bajo estos criterios, el artista desarrolla sus teorías perceptuales y explora con materiales y procedimientos para crear una serie de relieves y esculturas que, dentro de los límites de la abstracción geométrica, se vinculan con las prácticas del suprematismo, el arte cinético -considerando la dinámica espacial y móvil que utiliza- y, el concepto de “vacío” como parte fundamental de la relación dialógica entre la materia y el espacio. En estos términos, las ideas se traducen en estructuras tridimensionales estables y móviles (suspendidas en el aire) que atienden a la necesidad de considerar lo intangible como un rasgo imprescindible de la realidad. Así, la (des)ocupación del espacio que se origina en la obras se convierte en el leit motiv que dota de sentido a su propuesta plástica.

Esta actividad creativa genera una experiencia interesante: modelos simples compuestos de líneas rectas y colores planos que, al momento de ser presentados, la distribución modular ofrece una variedad de puntos de vista. El espectador puede rodear la obra, lo que produce un juego de percepciones que permite reconocer y analizar el “vacío”. Un razonamiento inspirado en la estética oriental que atribuye a las cosas y a la inmaterialidad el mismo valor. ___________ Ivan Rojas’ work results from a careful study of concepts, shapes and interpretations demanded by contemporary art. Under these criteria, the artist develops perceptual theories and explores materials and procedures to create a series of reliefs inside the limits of geometrical abstraction.

dynamics it uses, as well as the concept of “emptiness” as a fundamental part of the dialogue between matter and space. His ideas are translated into stable and mobile structures –suspended in airthat attend to the need of considering the intangible as an essential feature of reality. This way, the “space emptiness” he creates in his artwork becomes the leit motiv that gives sense to his plastic proposal. This creative activity generates an interesting experience: simple models made up of straight lines and flat colors that offer a wide variety of points of view due to their modular distribution when they are presented. The viewer is able to surround the work, which produces a game of perception that allows recognizing and analyzing “emptiness”. An exercise that fits with the oriental aesthetic reasoning that

His work binds with the principles of Supremacism and kinetic art, and considers the spatial and mobile

assigns the same value to things and to non-material nature, as complementary axles of a mutual existence.

VE 10.05.1965 ESCULTURA SCULPTURE

ZUE

www.artistivanrojas.com

“El arte es un camino HACIA EL conocimiento DE la ‘ultimidad’ de las cosas”

Iván Rojas realiza estudios de dibujo, pintura y escultura en Venezuela y México. En 1990 egresa como Diseñador Gráfico del Instituto de Diseño de Caracas. Durante la etapa inicial de su trayectoria artística se centra en la representación de la figura humana, de manera especial en los hombres y mujeres que pueblan los territorios caribeños. En este proceso de investigación aborda varios problemas formales y conceptuales del arte que derivan en la abstracción sintética de las formas, unas prácticas que proponen la geometría como recurso para la creación de su lenguaje plástico. En sus últimos trabajos el vacío, como metáfora de la ausencia y el silencio, se manifiesta a través de signos abstractos que activan un sistema de relaciones entre materia y espacio. Unos contenidos que, reforzados por una técnica depurada, plantean un discurso plástico dentro del orden y la “lógica constructiva” que define su obra.

Ivan Rojas studied drawing, painting and sculpture in Venezuela and Mexico. In 1990 he graduated as a Graphic Designer from the Instituto de Diseño de Caracas. During the starting phase of his artistic career he focused on the representation of the human figure, especially of men and women that inhabit Caribbean territories. During this process he addressed various formal and conceptual problems of art, that derive in the synthetic abstraction of shapes; practices that propose geometry as a resource for the creation of its plastic language. In his latest works, emptiness manifests through abstract signs that activate a relationship system between space and matter, as a metaphor about absence and silence. Contents that, reinforced by a polished technique, poses a plastic discourse in the reliefs and sculptures in the order of the “constructive logic” that defines his work

“Art is a road towards the knowledge of the ‘endness’ of things”

Signo-movil X, 2014, pintura acrílica, mdf, 95 x 85 x 85 cm / Signo-movil X (Mobile-sign X), 2014, acrylic paint, mdf, 95 x 85 x 85 cm - Códice de la Oquedad VI, 2014, pintura acrílica, mdf, 80 x 240 x 5 cm / Códice de la Oquedad VI (Hollowness Codex VI), 2014, acrylic paint, mdf, 80 x 240 x 5 cm - Signo-movil XII, 2014, pintura acrílica, mdf, 95 x 85 x 85 cm / Signo-movil XII (Mobile-sign XII), 2014, acrylic paint, mdf, 95 x 85 x 85 cm - Signico III, 2013, pintura acrílica, mdf, 187x 65 x 13 cm / Signico III (Signic III), 2013, acrylic paint, mdf, 187x 65 x 13 cm - En torno al vacío, 2014, pintura acrílica, mdf, 110 x 122 x 150 cm / En torno al vacío (Around vacuum), 2014, acrylic paint, mdf, 110 x 122 x 150 cm.

MATEO LIÉBANA E

l amor por el arte viene impreso en el ADN de Mateo Liébana. De padre y hermano artista, es miembro de una familia constantemente vinculada a la plástica y la creatividad. Este arquitecto de profesión comienza desde muy pequeño a representar su propia visión del mundo en dibujos y bosquejos. La figura humana es el núcleo de un trabajo que evoca recuerdos y emociones pasadas, una especie de rescate de aquellos momentos que vuelven a su mente de manera impulsiva e incontrolable. Grandes telas son el soporte para recibir esta desatada manifestación de forma y color, reflejando abiertamente lo más íntimo del corazón de este artista. La suya es una obra sumamente personal, un refugio donde puede construir con libertad su propio universo paralelo, un abanico nutrido de recuerdos de infancia y su vida de barrio en Barranco. Para Mateo la pintura es una necesidad. Es la consecuencia de algo que lo

desborda inexplicablemente y que siente la necesidad de traspasar a la tela, en un acto casi terapéutico. Ese mismo impulso imprevisible y casi descontrolado es lo que evidencia cada una de sus obras, cargadas de color y llamativas figuras exageradamente grandes. Lo que vemos son sus recuerdos, aquellas personas que marcaron su niñez y que siguen hoy presentes, a pesar del correr de los años. Al contemplarlas podemos entrar en su historia y comprender, de esta forma, su presente. _______________ The love for art is imprinted on Mateo Liébana´s DNA. Son and brother of artists, and a member of a family constantly connected to creativity and art, this architect began, from a young age, by portraying his own vision of the world in drawings and sketches. The human figure is the core of an artwork that evokes past memories and emotions; a kind of rescue of those moments that come back to his mind

in and impulsive and uncontrollable way. Big canvases are the means that receive this frenzied demonstration of shape and color, openly reflecting the intimacy of this artists´ heart. His work is extremely personal, a refuge where he can build his own parallel universe with freedom; a fan nourished by his childhood memories and his neighborhood in Barranco. For Mateo, painting is a necessity. It is the consequence of something that inexplicably overflows him, and that he feels the need to express on canvas, almost therapeutically. This same unpredictable and almost uncontrolled impulse is shown in each one of his canvases, loaded with color and excessively large and flashy figures. We see his memories; people that marked his childhood and that remain present in his life, in spite of the years that have gone by. By watching them, we can get inside his story and understand his present.

P 20.04.1974 PINTURA PAINTING

Ã&#x161;

liebanamateo@gmail.com

“Mi trabajo es como un peregrinaje por mis memorias y recuerdos”

Mateo Liébana estudió arquitectura en la Universidad Ricardo Palma de Lima. Luego de trabajar como arquitecto por doce años y desarrollar importantes proyectos en Perú, Nueva York y Londres, decidió dedicarse por entero a la pintura, pasión que constantemente había trabajado de manera paralela. Esta disciplina siempre lo había atraído, llegando incluso a tomar cursos de dibujo anatómico en la Escuela de Arte Corriente Alterna, mientras hacía una pausa en sus estudios universitarios. Entre los hitos importantes que han contribuido al acelerado posicionamiento de su carrera como artista, destacan las obras murales en el Hotel Westin y el Hotel Belmond Park Plaza, ambos en Lima.

Mateo Liébana studied architecture in the Universidad Ricardo Palma in Lima. After working as an architect and developing important projects in Peru, London and New York for twelve years, he decided to dedicate himself fully to painting, a passion that he had constantly developed in parallel. He was always drawn to this discipline; in fact, he even took anatomical drawing lessons in the Corriente Alterna School of Art while he made a pause in his University studies. The mural works of the Westin and the Belmond Park Plaza hotels, both in Lima, are milestones that contributed to the rapid ascent of his artistic career.

“My work is like a pilgrimage through my memories“

Meat market (Mercado de carne), 2016, acrílico sobre lienzo, 100 x 100 cm / Meat market, 2016, acrilyc on canvas, 100 x 100 cm - El amante fantasma, 2015, acrílico sobre lienzo, 100 x 240 cm / El amante fantasma (The phantom lover), 2015, acrilyc on canvas, 100 x 240 cm - Bodybuilder loves jazz music (Al Físicoculturista le gusta el Jazz), 2016, acrílico sobre lienzo, 90 x 70 cm / Body builder loves jazz music, 2016, acrilyc on canvas, 90 x 70 cm - Renoir, one minute later (Renoir, un minute después), 2016, acrílico sobre lienzo, 100 x 100 cm / Renoir, one minute later, 2016, acrilyc on canvas, 100 x 100 cm.

LILIANA ZAPATA T

odas las obras de la artista Liliana Zapata se conectan por medio de una misma temática: el valor intangible de lo que la naturaleza proporciona, como también el trabajo artesanal. Su interés surge por el espacio, el que interviene con ciertos soportes que capturan su atención, sobre todo por contar con cualidades sensibles que se conectan con lo efímero y lo frágil. A la hora de ejecutar, lo hace mediante un amplio abanico de acciones propias del arte contemporáneo; transita por la fotografía, intervenciones urbanas y performances. En su trabajo se evidencia una cercanía con elementos delicados. Elabora esculturas en papel blanco a pequeña y gran escala que naturalmente estimulan la contemplación del espectador, incitando a revisar su geometría y la construccióndeconstrucción que permite el material. La artista considera que el vacío es tan importante como la materia. Por eso realiza piezas plegadas, encajadas, con minuciosas incisiones que brindan volumen y engañan la mirada, logrando maquetas como si se tratase de un trabajo

arquitectónico, pero desarrollado a partir de un ejercicio silencioso, pulcro y, sobre todo, conceptual. Con extrema destreza y dominio técnico, su obra se convierte en el principio y el fin, un ciclo perfecto que encuentra su razón de ser en el proceso. El tiempo requerido para su ejecución y la búsqueda deliberada de lo manual, hacen que ante su obra no baste sólo con mirar. Sus creaciones exigen escrutinio, pausa, para luego reconocer los pliegues del terreno urbano, concreto y cotidiano. _______________ All the works of artist Liliana Zapata are connected by a same subject: the intangible value of what nature provides, as well as through handcrafted work. Her interest springs forth due to space, which she intervenes with certain formats that capture her attention, especially for having sensitive qualities that connect with fragility and ephemeral. When it comes to executing, she uses a broad range of actions of contemporary art, transit photography, urban interventions and performances.

Closeness to delicate elements can be appreciated in her work. She elaborates small and large size sculptures in white paper that naturally stimulate the viewer´s contemplation, and incite them to go through their geometry, and the construction-deconstruction that the material allows. The artist considers emptiness as important as matter. For this reason, she creates folded pieces, with meticulous incisions that give volume and cheat the viewer´s eye, achieving miniatures that look like architectural works, but are developed from a silent, clean, and above all, conceptual exercise. With extreme skill and technical domain, her work becomes the beginning and the end; a perfect cycle that finds its raison d´etre inside the process. The time required for its execution, and the deliberate search for the manual, makes her works more than observable. Her creations demand scrutiny followed by a pause, to furthermore recognize the creases of urban, concrete, and everyday areas.

BO 16.10.1985 ESCULTURA SCULPTURE

lili.zapata.zelada@gmail.com

“La pausa y lo frágil como resistencia necesaria”

Liliana Zapata es egresada de la Academia Nacional de Bellas Artes Hernando Siles, La Paz. Posteriormente es seleccionada para participar del Intercambio Internacional con la École Superiéure des Beaux-Arts Le Mans, de Francia. Desde entonces, su nombre resuena en el campo de las artes visuales a nivel local y en el extranjero, destacando especialmente por sus esculturas en papel y su extremo dominio técnico a la hora de manipular espacios. Participa en talleres con artistas bolivianos e internacionales, con el afán de entender y responder sus inquietudes sobre la escultura y el arte contemporáneo, y desde 2013 forma parte del AVISPERO, comunidad de artistas emergentes bolivianos que busca generar pensamiento y práctica a partir de su propio contexto.

Liliana Zapata is a graduate from the Academia Nacional de Bellas Artes Hernando Siles, in La Paz, Bolivia. Afterwards, she was chosen to participate in an International Exchange with the École Superiéure des Beaux-Arts Le Mans, in France. From then, her name has echoed in the Visual Arts field, on a local and foreign level; and she stands out especially because of her paper sculptures and her extreme technical domain when she manipulates spaces. She participates in workshops with Bolivian and international artists, with an eagerness to understand and answer their concerns about sculpture and contemporary art, and since 2013 she has been part of AVISPERO, a community of emerging Bolivian artists that want to generate thinking and practice from their own context.

“Pause and frailty as a necessary resistance”

P/T, 2015, escultura en papel, 150 x 1000 cm / P/T, 2015, sculpture on paper, 150 x 1000 cm - Sono, 2014, arcilla cruda, medidas variables / Sono, 2014, unbaked clay, variables dimensions. - 193908, 2013, plancha de acero con corte de plasma computarizado, 150 x 200 cm / 193908, 2013, steel plate with computerized plasma cutting, 150 x 200 cm - Metamorfosis Silenciosa, 2014, fotografĂas impresas en papel, 100 x 80 cm / Metamorfosis Silenciosa (Silent Metamorphosis), 2014, photographs printed on paper, 100 x 80 cm.

FELIPE RIESCO F

elipe Riesco, joven y talentoso artista chileno, busca generar sensaciones que le surgen de un ímpetu creativo que lleva en la sangre y que anhela provocación. Su pintura realista, vibrante y de tonalidades saturadas, combina el movimiento de oleosas pinceladas para conectar con el espectador y lograr que éste identifique su propio mundo y pueda escapar de su contexto. Una invitación a dejarse llevar por el poder de la imagen y experimentar ese reino onírico que traza su mano con sutileza. Los colores son sacados directamente del tubo y desplegados sobre el soporte con una exquisita técnica que desarrolló, inicialmente, copiando reconocidas obras y perfeccionando proporciones personales. Pero sus pinturas están lejos de ser reproducciones; más bien su inspiración se expande hacia los límites del subconsciente, al punto de crear verdaderos puntos de escape. Mundos paralelos que nacen de la mente humana, pero que se tornan tan mágicos como los sueños.

Con ciertos guiños impresionistas y surrealistas, el artista desarrolla historias complejas, iluminadas a partir de la amplia imaginación que se tiene durante la infancia y la vejez, como dos edades que permiten un flujo creativo sin causes obtusos. Sólo así siente que puede concebir esas sensaciones deseadas que, como ciertas melodías y tonadas, llegan a emocionar de manera profunda. _______________ Felipe Riesco, a young and talented Chilean artist, searches for the flow of sensations that arise from a creative impetus he carries in his blood and that craves for provocation. His realistic and vibrant paintings, saturated with tonality, combine movements of oil brush strokes to connect with the viewer and make him identify his own world and escape his context. An invitation to be carried away by the power of image and to experiment that dream-like kingdom that his hand subtly traces.

Colors are directly taken from the tube and displayed on the canvas with an exquisite technique that he developed, in the beginning, by copying well-known works and perfecting personal proportions. Nevertheless, his paintings are far from being reproductions; his inspiration expands towards the limits of subconscious, until it reaches the point of creating escaping points. Parallel worlds that are born from the human mind, but become as magical as dreams. With certain Impressionist and surrealist gestures, the artist develops complex stories, and obtains illumination from the broad imagination that we have during childhood and old age: like two ages that allow a creative flow with no obtuse causes. Only by this means can he conceive those sensations that can excite us deeply, like certain melodies and tunes.

CH 28.05.1991 PINTURA PAINTING

www.feliperiesco.com

“Anhelo que el espectador pueda escapar del mundo a través de la pintura”

Siempre inspirado por diferentes corrientes artísticas, Felipe Riesco comienza a desarrollar su veta plástica durante su etapa escolar. Por eso, en vez de ingresar a una carrera universitaria tradicional, decide dedicar su vida al arte y migrar al extranjero. Por esa época conoce al también artista, Guillermo Lorca, de quien fue estudiante y ayudante, mientras perfecciona su técnica a través de la copia de obras de famosos pintores como Diego Velázquez, Joaquín Sorolla y John Singer Sargent. También, se inspira en grandes maestros como Jackson Pollock y Mark Rothko. Más adelante, estudia en la Florence Academy of Arts, previo paso por la Russian Academy of Art, en donde adquiere sus actuales influencias impresionistas.

Always inspired by different artistic currents, Felipe Riesco began to develop his visual arts during his school age. This is why, instead of entering a traditional carreer at a University, he decided to dedicate his life to art, and migrated abroad. During that time he met Guillermo Lorca, also an artist, from whom he was a student and a helper, while he continued perfectioning his technique copying the works of famous painters like Jackson Pollock and Mark Rothko. After that, he studied in the Florence Academy of Arts, before passing through the Russian Academy of Art, where he acquired his current Impressionist influences.

“I desire THAT the viewer CAN escape from the world through painting”

Economía y negocios, 2015, óleo sobre tela, técnica con pincel y aerógrafo, 50 x 80 cm / Economía y negocios (Business and Economy), 2015, oil on canvas, paintbrush and airbrush technique, 50 x 80 cm - Cloud Atlas, 2015, óleo sobre tela, 200 x 120 cm / Cloud Atlas, 2015, oil on canvas, 200 x 120 cm - Tres Personajes (Sin Título), 2015, óleo sobre tela, técnica pincel y aerógrafo, 160 x 90 cm / Three Characters (Untitled), 2015, oil on canvas, paintbrush and airbrush technique, 160 x 90 cm.

NANI CÁRDENAS L

a artista visual Nani Cárdenas utiliza alambres y diversos materiales para tejer y dibujar esculturas que se transforman en verdaderos cuerpos tridimensionales trazados en el aire. Mediante hilos que se unen y conectan, representa diálogos y ritmos de interacción presentes tanto en la naturaleza como en la anatomía humana en su dinámica vital. A partir de nudos y ondas de cobre, bronce, plata o acero inoxidable, refleja los estímulos que encuentra, por ejemplo, en el acto de mirar la espuma del mar y ver en ella círculos que se repiten y que pueden ser asociados a encuentros celulares, tal como el tejido de membranas de nuestra propia piel. Sin embargo, mantiene abierta la interpretación de sus obras en un gesto lúdico, creativo y profundamente poético. En la serie El Otro Novio, abandona temporalmente los alambres para crear bordados de amores imposibles, donde el tul y sus veladuras generan un guiño al clásico retrato en carboncillo.

Mas, la mayoría de sus producciones presentan formas y figuras en las que prima una sensación de liviandad, a pesar de ser constituidas por elementos sólidos. Esto invita al espectador a reflexionar sobre el vacío y los espacios que quedan desocupados, lo que genera una interesante perspectiva al analizar los límites que demarca su trazo. Uno que se caracteriza por su extrema resistencia material y también por su plasticidad, lo que dota de bello movimiento al volumen de sus creaciones. _______________ Visual artist Nani Cardenas, uses wires and different materials to knit and draw sculptures that transform into real tri-dimensional bodies sketched in the air. Through threads that come together and connect, she portrays rhythms of interaction and dialogues that are present in nature, as well as in the vital dynamics of the human anatomy. From knots and copper waves, bronze, silver or stainless steel, she reflects the stimuli she finds, for example,

while looking at the sea´s foam and seeing repetitive circles in it, that can be associated to our cellular encounters, just like the membrane tissue of our own skin. However, she leaves the interpretation of her works open, in a playful, creative, and deeply poetic gesture. In the El Otro Novio (The Other Boyfriend) series, she temporarily abandons wires to create embroideries of impossible love, where tulle and its fine layers create a nod towards a classical charcoal portrait. Nevertheless, the majority of her productions show shapes and figures in which a light sensation prevails, in spite of being made up of solid elements. This invites the viewer to reflect upon emptiness and vacant spaces, which generate an interesting perspective while analyzing the limits that her stroke demarcates. A stroke characterized by its extreme resistance to material and its plasticity, which provides beautiful movement to the volume of her creations.

P 21.01.1969 ESCULTURA SCULPTURE

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www.nanicardenas.com

“En mis esculturas y dibujos está la vibración de la música y el ritmo”

Nani Cárdenas estudia dibujo y escultura en el taller de Cristina Gálvez en Perú. Tras su paso por la Facultad de Arte de la Pontificia Universidad Católica (Perú) -en donde obtuvo el primer puesto de su promociónresalta por sus dibujos y retratos, y explora diversos materiales logrando importantes tallas en madera, esculturas en resina y cera. Comienza a trabajar bocetos en alambre, lo que marca el inicio de su técnica basada en las posibilidades del dibujo con metales y la escultura aérea. Desde entonces, expone regularmente en diversas ciudades como Barcelona, Berlín, Sao Paulo, Düsseldorf, Santiago, Nueva York, Viena, Bogotá y Lima. Así, se ha dado a conocer en el espacio del arte contemporáneo internacional como una artista sólida y contundente.

Nani Cardenas studied drawing and sculpture in Cristina Galvez´s workshop, in Peru. After passing through the Art Faculty of Pontificia Universidad Catolica (Peru), where she obtained first place in her class, she stands out for her drawings and portraits, and explores different materials achieving important wood carvings, and resin and wax sculptures. She began working with wire sketches, which marks the beginnings of her technique based on the possibilities of metal drawings and aerial sculpture. Since then, she has exhibited regularly in different cities like Barcelona, Berlin, Sao Paulo, Düsseldorf, Santiago, New York, Vienna, Bogota and Lima. Because of this, she has become internationally recognized in the Contemporary Art scene as a solid and forceful artist.

“The vibration of music and rhythm is present in my sculptures and drawings”

Orson/Venecia, 2015, bordado en lino, tul y cobre en caja acrílica, 85 x 65 x 6.5 cm / Orson/Venecia (Orson/Venice), 2015, embroidery on linen, tulle and copper in acrylic box, 85 x 65x 6.5 cm Ejercicio de Integración, 2015, cobre, níquel, 60 x 40 x 30 cm / Ejercicio de Integración (Integration exercise), 2015, copper, nickel, 60 x 40 x 30 cm - Conejo, 2015, tejido en bronce en base de acero inoxidable, 80 x 45 x 30 cm / Conejo (Rabbit), 2015, bronze woven on stainless steel base, 80 x 45 x 30 cm - La Antorcha al Oído, 2015, tejido en hilo de cobre plastificado e hilo de cobre esmaltado en caja acrílica, 162 x 85 x 8.3 cm / La Antorcha al Oído (A Torch in the Ear), 2015, plasticized copper woven and enamelled copper wire in acrilyc box, 162 x 85 x 8.3 cm - Martín (detalle), 2014, tejido en hilos de cobre y bronce en caja acrílica, 48.5 x 33 x 13 cm/ Martín (detail), 2014, copper wires woven and bronce on acrylic box, 48.5 x 33 x 13 cm.

ALEJANDRA DELGADO V

incular su propuesta artística con sucesos históricos siempre ha sido una necesidad para Alejandra Delgado, tomando como referente hechos relacionados con su entorno y territorio más cercano. Su estilo transita por diversas disciplinas como la performance, el video arte y la fotografía, y es en parte esa versatilidad la que le ha permitido instalarse como una figura reconocida en el campo de las artes visuales de Bolivia, su país natal, y también de Latinoamérica. En cuanto a su aproximación fotográfica, elabora una intencionada maniobra de superposición de imágenes que disipa la atención de sus ideas centrales, precisamente para ahondar sobre temáticas difusas y cuestionadas de la sociedad. Las presenta en monocromo, lo que desafía al espectador a encontrar el real sentido del asunto, como un acto irónico e irreverente que, además, se vincula con un aspecto misterioso y lúgubre. Parte de su trabajo presenta retratos de edificaciones en negativo, construcciones que pertenecen a las clases más adineradas de su país. Quien

los enfrenta puede intentar identificar los edificios, tarea casi imposible debido a los vagos límites entre uno y otro y al montaje superpuesto de múltiples láminas. La artista entiende las construcciones como una expresión de la sociedad y sus determinadas prácticas. Este ejercicio lo mantiene a lo largo de su trayectoria mediante una obra que se aleja del carácter identificable de los objetos, los cuales, en representación de cuestiones colectivas y contingentes, crean una profunda interferencia. Un punto de quiebre que, más allá de cómo sea comprendida su lectura, alude a una profunda revisión de los hechos. _______________ Binding her artistic proposal together with historic events has always been a necessity for Alejandra Delgado. She has accomplished that by using references of related facts based on her surroundings and the territory closest to her. Her style moves through different disciplines like performance, video art and photography. It is that versatility which has allowed her to become a well-known figure in the Visual Arts field of Bolivia, her native

country, and also in Latin America. Her photographic approach elaborates an intended manipulation of image overlap that drives attention away from her main ideas, precisely to go deeper into vague and questioned themes of society. She presents them in monochrome, which defies the viewer to find the matters real sense, as an ironic and irreverent act that also connects to a mysterious and mournful aspect. Part of her work presents portraits of constructions in negative; buildings that belong to the wealthiest classes of her country. The viewer may try to identify buildings, an impossible task due to the vague limits between each other and the overlapped assembly of multiple layers. The artist conceives constructions as an expression of society and its determined practices. She has maintained this exercise throughout her artistic career in an artwork that moves away from the identifiable character of objects, which creates deep interference in representation of possible collective issues. A breaking point that alludes to a deep review of facts, that goes beyond the comprehension of its interpretation.

BO 14.12.1977

FOTOGRAFÍA PHOTOGRAPHY

www.seconalsodico.blogspot.com

“Elaboro propuestas incómodas que corren paralelas a las lecturas oficiales”

Alejandra Delgado egresa de la Academia Nacional de Bellas Artes Hernando Siles de Bolivia, y luego realiza un Master en la Escuela de Fotografía Centro de Imagen (EFTI), en Madrid, España. Durante un largo periodo ejerce la performance y el video arte, prácticas con las que gana reconocimiento en su país natal y con las que obtiene dos premios en la Bienal Internacional SIART. Luego, a la par de estas disciplinas, retoma la pintura de caballete y la fotografía, con la que elabora construcciones visuales representativas de temáticas vinculadas a su territorio y su historia. A través de la superposición de imágenes y siluetas difusas, cuestiona expresiones sociales y sus determinadas prácticas, ofreciendo dobles lecturas frente a dudosas fuentes.

Alejandra Delgado graduated from the Academia Nacional de Bellas Artes Fernando Siles of Bolivia, and then obtained a master’s degree in the Escuela de Fotografía Centro de Imagen (EFTI) in Madrid, Spain. She has practiced performance and video art for a long period of time, and because of that she has gained recognition in her native country and won two prizes in the SIART International Biennial. Alongside these disciplines, she picked up photography and easel painting, with which she elaborates visual constructions that represent themes linked to her territory and her history. Through image overlap and diffuse silhouettes, she questions social expressions and its determined practices, offering double readings of dubious sources.

“I elaborate awkward proposals that run parallel to official readings”

Estructura 1, 2015, fotografía digital / Estructura 1 (Structure 1), 2015, digital photography. - Estructura 2, 2015, fotografía digital / Estructura 2 (Structure 2), 2015, digital photography . - Puertas, 2015, fotografía digital / Puertas (Doors), 2015, digital photography. - Cabezas, 2016, fotografía digital / Cabezas (Heads), 2016, digital photography.

ALEJANDRA ALARCÓN L

a obra de Alejandra Alarcón gira en torno a una preocupación sobre la identidad femenina. Según sus reflexiones, extraídas de ramas estéticas, psicológicas y sociológicas, ésta se forma en base a una constante negociación con el otro, lo que resulta tremendamente cambiante. De los diversos roles y relaciones que pueda desarrollar una persona, existen múltiples facetas que pueden ser representadas mediante arquetipos. Por ejemplo, el de la niña inocente, la madre, o el de la bruja. Por eso, su método creativo surge de imaginarios establecidos que la artista encuentra en cuentos infantiles como imágenes estereotipadas y con intenciones moralistas en cuanto a demarcar el bien y el mal. Sus creaciones se sustentan en iconografías precisas que deconstruye para crear nuevos sentidos. Y aunque utiliza varios medios como el video, la instalación y la fotografía, considera la acuarela el material idóneo para su objetivo; su naturaleza fluida, diáfana y azarosa, congenia con la mutación constante de los límites personales, lo que genera un poderoso contraste a la hora de comprender que estos temas no son necesariamente suaves.

Más bien, su trabajo se caracteriza por revelar una psicología a veces perversa, peligrosa y seductora. Así, rompe con categorizaciones que validan sólo ciertos “modelos”, para mostrar que distintos aspectos -el lado salvaje y el domesticado, el femenino y el masculino- pueden convivir. Esto le sirve para reprogramar su propio universo iconográfico y metafórico, y así cuestionar conceptos que culturalmente han sido vinculados con la mujer. Algo que calza con la perspectiva deleuziana, que entiende la existencia como un devenir fluido y difuso. _______________ Alejandra Alarcon´s work centers on a concern about feminine identity. According to her reflections, taken from aesthetical, psychological and sociological branches, this identity is shaped according to constant negotiation with others, which turns out to be extremely volatile. There are multiple facets of the different roles and relationships that a person can develop, which can be represented through archetypes, such as an innocent girl, a mother or a witch. Because of this, her creative method springs forth from

established imaginaries that the artist finds in children´s books as stereotyped images with moral intentions regarding the demarcation of good and evil. Her creations are based on precise iconographies that she deconstructs to create new meanings. Even though she uses varied means like video, installation and photography, she considers watercolor an ideal material for her objective. Its fluid, clear and perilous nature gets along with the constant mutation of personal limits, which generates a powerful contrast when it comes to understanding that these themes are not necessarily soft. Moreover, her work is characterized by revealing a sometimes perverse, dangerous and seductive psychology. By doing this, she breaks free from categories that validate only certain “models”, to show that different aspects –the wild and domestic side, feminine and masculine- can coexist. This allows her to re-program her own iconographic and metaphorical universe to question concepts that have been culturally linked to women. Something that fits with the perspective of Gilles Deleuze, who conceived existence as a fluid and vague progression.

BO 04.07.1976 PINTURA PAINTING

www.alejandra-alarcon.com

“Muy a nuestro pesar, somos lo salvaje, lo incivilizado y sin domesticar”

Alejandra Alarcón es licenciada en Sociología de la Universidad Mayor de San Simón en Bolivia; licenciada en Artes Plásticas de la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado La Esmeralda; y diplomada en Arte Terapia de la Universidad Autónoma Metropolitana; éstas dos últimas en México. Debido a su transversal formación profesional, su ejercicio artístico adquiere un acercamiento teórico respecto a los temas que trabaja, lo cual la instala como una figura reconocida tanto en el campo de las artes visuales contemporáneas de su país natal, como en el extranjero. También es miembro del colectivo Arma Blanca, y destaca por haber ganado la XVIII Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de Santa Cruz en 2012.

Alejandra Alarcon graduated from the Universidad Mayor de San Simon in Bolivia with a degree in Sociology. She also graduated with degrees in Fine Arts from La Esmeralda National School of Painting, Sculpture and Engraving and in Therapy Art from the Universidad Autonoma Metropolitana. These last two institutions are from Mexico. Due to her transversal professional training her artistic exercise takes a theoretical approach to the themes she works with, which makes her as a well-known figure in the contemporary Visual Arts field of her native country and abroad. She is also a member of the Arma Blanca collective, and is distinguished for winning the XVIII International Biennial of Contemporary Art in Santa Cruz, Bolivia in 2012.

“We are wild, uncivilized and undomesticated, in spite of ourselves”

Río de Lobos, 2014, acuarela, 155 x 77 cm / Río de lobos (Wolves River), 2014, watercolor, 155 x 77 cm - Love Story (Historia de Amor), 2014, acuarela, 35.5 x 51 cm / Love story, 2014, watercolor, 35.5 x 51 cm - Domadora de animales muertos, 2014, acuarela, 120 x160 cm / Domadora de animales muertos (Dead animals tamer), 2014, watercolor, 120 x160 cm - A flor de piel, 2014, acuarela, 131 x 51 cm / A flor de piel (Under the Skin), 2014, watercolor, 131 x 51 cm - El corazón de Alicia, 2016, acuarela, 55 x 77cm / El corazón de Alicia (Alicia’s Heart), 2016, watercolor, 55 x 77 cm.

EDUARD MORENO E

duard Moreno basa su obra en el interés que siente por la realidad latinoamericana actual, que a su entender se ha desarrollado de manera condicionada debido a determinados cimientos coloniales. Se pregunta siempre por el origen, tanto en relación al individuo como a las activaciones colectivas y a las de sus creaciones, pues según su perspectiva, esta región cuenta con tradiciones tan allegadas como usurpadas, tan verdaderas como falsas. El principal tópico que aborda proviene del sincretismo entre diferentes culturas que se unen y se resisten a la par, lo que lleva a la construcción de un “nuevo mundo” fundado por lo propio y lo ajeno, lo que sustenta sus argumentos en torno a la dualidad de un concepto unívoco. Esto no sólo lo vincula con un sector geográfico, sino que adopta una visión heideggeriana en el sentido de entender la originalidad como in-auténtica, pues plantea que somos en relación a otros y a lo externo. Así, mediante la exploración de materiales y temáticas que no se concentran en una única verdad, manifiesta experiencias de sutiles canjes de identidad. Sus obras llevan imágenes y referentes religiosos, o

bien de comunidades indígenas, que él utiliza como base para mostrar la doble lectura de sus raíces. Opera mediante un equilibrado ejercicio técnico y conceptual que reacciona ante ideologías que fluctúan entre polos, lo que él representa a través de la espiritualidad y lo terrenal, la riqueza y la pobreza, la luz y la sombra, como un sello barroco presente en su trabajo. De este modo, denuncia la realidad que habita y propone reconocerla tal y como es, para reivindicar procesos que dignifiquen la condición humana más original. _______________ Eduard Moreno bases his work on the interest he feels towards current Latin American reality, which in his view, has developed in a conditioned way because of certain colonial foundations. He always asks himself about the origins in relationship to the individual as well as to collective activations and his creations, because from his perspective, this region features such rich traditions. The main theme he addresses comes from the union between different cultures that come together and resist

at the same time, which leads to the construction of a “new world” founded by oneself and others, which supports his arguments towards the dualism of an univocal concept. This does not only bind him to a geographical area, but he also adopts a heideggerian vision in the sense of understanding originality as non-authentic, since it suggests that we are related to others and to the external. Therefore, through the exploration of materials and themes that do not focus on a single truth, he expresses experiences of subtle identity exchange. His work contains images from religious models, as well as from indigenous communities, that he uses as a foundation to show the double reading of their roots. He operates through a balanced technical and conceptual exercise that reacts to ideologies that fluctuate between poles, which he represents through spirituality and worldly, wealth and poverty, light and shadow, as a baroque seal present in his work. Thereby, he denounces the reality he lives in and proposes to recognize it as it is, to vindicate processes that can dignify the most original human condition.

CO 21.02.1975 INSTALACIÃ&#x201C;N INSTALLATION

todaviapintor@hotmail.com

“El arte es para mí la constante búsqueda por una linda coincidencia”

Eduard Moreno estudia en la Universidad Nacional de Colombia, graduándose como maestro en Artes Plásticas. Luego obtiene la Beca de Excelencia Carolina Oramas-Icetex, con la que realiza estudios en Historia del Arte Contemporáneo en el Instituto de Artes de Madrid. Desde entonces, ha participado activamente en diversas exposiciones dentro y fuera de su país. Su obra se encuentra en importantes colecciones tales como The Saatchi Gallery en Londres, Fundación de Arte Latino Cisneros Fontanals en Miami y Fundación Misol, entre otras. En 2016 es invitado a intervenir la sala de la Galería Municipal Pancho Fierro en Lima, Perú, realizando la muestra «En-Reserva». También ha sido invitado a realizar exposiciones individuales en la Fundación NC-Arte y Espacio El Dorado en Bogotá.

Eduard Moreno studied in the Universidad Nacional de Colombia and graduated with a Master in Fine Arts. He then obtained the Carolina Oramas-Icetek Excellence Scholarship with which he carried out History of Contemporary Art studies in the Arts Institute of Madrid. Since then, he has actively participated in different exhibitions, inside and outside his country. His work can be found at important collections like the London Saatchi Gallery and the Cisneros Fontanals Latin Art Foundation in Miami, and Misol Foundation, among others. In 2016 he was invited to intervene the Pancho Fierro Municipal Gallery in Lima, Peru, through his exhibition “En-Reserva”. He has also been invited to carry out individual exhibitions in the NC-Arte foundation and Espacio El Dorado in Bogota.

“Art is for me a constant quest for a beautiful coincidence”

Falso Recuerdo, 2015, impresión de golpe sobre formas continuas de papel carbón, tinta azul y archivadores, 320 x 340 x 200 cm / Falso Recuerdo (False Memory), 2015, coup printing on continuous forms of carbon paper, blue ink and cabinets, 320 x 340 x 200 cm - Entrañamiento, 2015, gallinazo disecado, minipantalla LCD y formas continuas de papel carbón, 55 x 48 x 60 cm / Entrañamiento (Estrangement), 2015, stuffed buzzard, LCD miniscreen and continuous forms of carbon paper, 55 x 48 x 60 cm - In-hospitable. Mal de Archivo (San Pedro Claver, Santa Clara), 2011, huella de impresión de golpe sobre papel carbón en formas continuas, 300 x 86 x 70 cm / In-hospitable. Mal de Archivo (San Pedro Claver, Santa Clara), 2011, coup footprint impression on charcoal in continuous forms paper, 300 x 86 x 70 cm - Morti caciones de la Visión, 2016, dispositivo robótico, vitelas religiosas con citas sobre la visión, 10 x 14,5 x 10 cm / Morti caciones de la Visión (Vision Mortifications), 2016, robotic device, religious vellums with quotes over vision, 10 x 14.5 x 10 cm.

CATALINA SCLABOS C

on talento innato y extrema habilidad para dibujar, Catalina Sclabos persigue aquellas expresiones profundas del rostro, del que emergen gestos y miradas de poderoso carácter, sensibilidad y melancolía. A través de delicadas pinceladas y trazos de lápiz tinta sobre papel, la artista desarrolla un estudio detenido de la anatomía, hasta alcanzar esa belleza que se encuentra impregnada en ciertas actitudes e instantes. Todo comienza con una fotografía; alguien posa y, esa imagen que encarna con naturalidad el mundo real, permanece al costado de su atril hasta que su imaginación, de pronto, la deja ir. Su mano se arrastra por las texturas, por la geometría, al punto de transformar el retrato original en una versión perfectamente imperfecta: un nuevo ser plasmado sobre el soporte. Una de las características más llamativas de su obra es su arriesgado estilo.

Catalina esboza líneas, pero no las borra. Por lo mismo, la equivocación es parte de su trabajo, y con ella juega hasta conseguir los detalles: rugosidad en la piel, manchas, sombras, ángulos pronunciados y, finalmente, seres que surgen intuitivamente. Conoce el inicio de su proceso artístico, pero no cómo va a terminar. Así, deconstruye muecas hasta toparse con la emoción en su más puro estado. Esa que, enigmática, genera un estrecho vínculo con el espectador. _______________ With natural talent and extreme drawing skills, Catalina Sclabos pursues those deep facial expressions, from which gestures and looks of powerful character, melancholy and sensitivity arise. Through delicate brush and ink pen strokes over paper, the artist develops a thorough study of anatomy, until she reaches that beauty coated in certain moments and attitudes.

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It all begins with a picture: somebody poses, and that image, that nature embodies the real world, remains at the side of her easel until her imagination, suddenly, lets go. Her hand drags along textures and geometry, until it transforms the original portrait into a perfectly imperfect version: a new being is captured on its support. One of the most remarkable characteristics of her work is her daring style. Catalina sketches lines, but does not erase them. Consequently, mistakes are part of her work, and she plays with them until she achieves details: paper roughness, stains, shadows, pronounced angles, and finally, beings that intuitively emerge. She knows the beginning, but not the end, of her artistic process. This way, she deconstructs faces until she encounters emotion in its deepest state. An emotion that establishes a mysterious, tight bond with the viewer.

CH 21.10.1988 DIBUJO DRAWING

www.catalinasclabos.com

“Mi obra surge de la sensibilidad y complejidad del cuerpo humano”

Catalina Sclabos considera que su vínculo con el arte se da de manera natural, casi predeterminada; sus abuelos maternos eran arquitectos y artistas, lo que le genera un ímpetu creativo desde sus primeros años. Asimismo, desarrolla a temprana edad la habilidad para trabajar con el lápiz y la acuarela, marcada en parte por el artista Egon Schiele. Tras egresar de Artes Visuales de la Pontificia Universidad Católica de Chile, ingresa al Taller Bloc. También decide viajar a otros países para nutrir su perspectiva plástica de diferentes técnicas y culturas. Así, replica e incorpora nuevas luces a lo que vive en su proceso personal; en un comienzo se dedica a la abstracción, para luego desarrollar imágenes detalladas más cercanas a lo figurativo, lo somático y lo real.

Catalina Scablos considers her link to art as natural and almost predetermined: her maternal grandparents were artists and architects, which influenced her creative impulse during her first years. She also developed, at an early age, an ability to work with pencil and watercolor, partially influenced by the works of artist Egon Schiele. After graduating from Visual Arts from the Pontificia Universidad Católica de Chile, she entered Taller Bloc (Bloc Workshop). She also decided to travel to other countries to nurture her Art perspective with different cultures and techniques. Thus, she copies and incorporates new lights into her personal process; in the beginning, she was dedicated to abstraction, to further develop detailed images that are closer to reality, figuration and somatic.

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“My work arises from the complexity and sensibility of the human body”

Hombre Sentado, 2013, lรกpiz sobre papel, 112 x 76 cm / Hombre Sentado (Seated Man), 2013, pencil on paper, 112 x 76 cm - Descanso, 2014, lรกpiz sobre papel, 80 x 130 cm / Descanso (Rest), 2014, pencil on paper, 80 x 130 cm - Retrato al Cielo, 2012, lรกpiz sobre papel, 112 x 76 cm / Retrato al Cielo (Sky Portrait), 2012, pencil on paper,112 x 76 cm.

PAULA OTEGUI P

aula Otegui es pintora. La disciplina que la acompaña no es fruto del azar, sino de una profunda necesidad de explorar este medio en todas sus fuentes, desde el espacio al color y la forma. La pintura en sí misma es una experiencia inacabable, que permite sumergirse una y otra vez en un juego de experiencias infinitas. Color, capas superpuestas, fragmentos de formas que se unen y dispersan a la vez para dar paso a una amalgama intensa y evocadora. Paula Otegui construye su propia narración a través de fragmentos, pedazos que edifica por partes para dar con ese gran relato que no tiene ni principio ni final definido. La suya es una pintura en constante expansión; un ejercicio sin fin de eternas interpretaciones. El color y la forma nos llevan de un lugar a otro para ser testigos de las situaciones que la pintora ha decidido situar frente a nuestros ojos. Son enigmáticos laberintos que cada quien recorre a su manera. Libremente, nos adentramos en una senda circular y serpenteante donde las salidas pueden ser entradas, y los días, noches. Bajo

el pincel de Paula se reúnen verdades fantásticas, mundos nuevos por descubrir que la artista construye en su incesante investigación pictórica. Siempre entendiendo la pintura como un campo en constante expansión, Otegui continúa, dinámica, su exploración a torno al espacio. Una fuente infinita de posibilidades se le abre, una y otra vez, al enfrentarse a la tela en blanco. Y es ahí desde donde surgen sus pequeñas realidades fragmentadas; esos paisajes de multitudes caóticas que ella misma nos invita a recorrer. _______________ Paula Otegui is a painter. The discipline that accompanies her is not a product of chance, but of a deep need to explore this means in all of its sources: from space to shape and color. Painting in itself is an unstoppable practice, that allows her to immerse once and again in a game of infinite experiences. Color, overlapped layers, pieces of shapes that are joined together and that disperse at the same time, to give way to an intense and evocative blend. Paula Otegui builds her own story

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through fragments, pieces she puts together to give way to that great tale that has no beginning and no end. Her painting is one in constant expansion; and endless exercise of eternal interpretations. Shape and color take us from one place to another, to become witnesses of situations that the painter has decided to place in front of our eyes. Each viewer goes across their baffling labyrinths in their own way. We penetrate, freely, a circular and winding road where exits can be entrances, and days can be nights. Under Paula´s brush, fantastic truths come together: new undiscovered worlds, which the artist builds in her own continuous pictorial investigation. Otegui continues, her exploration of space, dynamic; always understanding art as a field in constant expansion. An infinite world of possibilities opens up to her when she faces the white canvas. It is there where her small, fragmented realities arise; those landscapes of chaotic crowds that she invites us to go through.

GEN

29.06.1974 PINTURA PAINTING

WWW.paulaotegui.tedeartistas.com.ar

“La pintura es mi gran tema, mi punto de partida”

Paula Otegui cursó estudios de grabado y pintura, pero fue en esta última disciplina donde encontró un espacio cómodo para desarrollar una constante investigación y exploración en torno al medio. A su larga lista de seminarios, talleres y estudios de formación complementaria le siguen también una serie de exposiciones, individuales y colectivas, en diversos puntos de Argentina y países como Perú, Inglaterra, España y Estados Unidos. Su carrera se caracteriza por el constante estudio de la pintura, donde destaca el uso del color y la apropiación del espacio, en un acto de inmutable diálogo entre lo gráfico y lo pictórico.

Paula Otegui studied engraving and painting, but it was in this last discipline where she found a comfortable space to develop constant research and exploration. Apart from the long list of seminars, workshops and complimentary formation studies she has taken, a series of individual and collective exhibitions followed, in several parts of Argentina, as well as in Peru, England, Spain, United States and other countries. Her career is characterized by the constant study of the pictorial genre, where the uses of color and space appropriation stand out, in an unchangeable dialogue between graphic and picture.

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“Painting is my big theme, my starting point”

Ensayo general, 2014, acrílico sobre tela, 200 x 150 cm / Ensayo general (General Essay),2014, acrilyc on canvas, 200 x 150 cm - ¿Qué parte no entendiste?, 2015, acrílico sobre tela, 200 x 150 cm / ¿Qué parte no entendiste? (What part did you not understand?), 2015, acrilyc on canvas, 200 x 150 cm - Tierra, 2015, acrílico sobre tela, 200 x 150 cm / Tierra (Land), 2015, acrilyc on canvas, 200 x 150 cm - Improvisación, 2015, acrílico sobre tela, 200 x 150 cm / Improvisación (Improvisation), 2015, acrilyc on canvas, 200 x 150 cm.

MARIANA VILLAFAÑE L

a artista visual Mariana Villafañe encuentra su inspiración en un proceso íntimo y personal que comienza con la revisión de su propio pasado, como una afanosa exploración en el espacio de la memoria. Exordio que culmina al hallar recuerdos, especialmente dolorosos o nostálgicos, que se mantienen en su inconsciente como trabas representantes de ciertos vacíos y que son el puntapié de su recorrido creativo. Su práctica se inicia con el hallazgo de objetos antiguos que pertenecieron a su familia o a ella misma. Testimonios mudos de un tiempo lejano, convertidos en el motor de una potente investigación estética. Como sucede, por ejemplo, con el viejo tocadiscos de su padre ausente, el que utiliza para elaborar construcciones conceptuales en las que destacan un conjunto de dibujos circulares, signos, ondas y la repetición de patrones. Su obra se despliega en pinturas geométricas, instalaciones y formas que reflejan el cruce de las disciplinas

con las cuales trabaja, marcadas por un estilo lúdico e inspirador. Y es que ese segundo paso que realiza tras el encuentro se caracteriza por la alteración, pues transforma sus recuerdos en una experiencia artística abstracta y sensible que, de una u otra manera, aligera su carga. Transmuta el dolor en movimiento y a través de la manipulación plástica se torna un bello ejercicio en el reino del arte. Es ahí donde la subjetividad se desenvuelve libre y es capaz de resignificar hasta el más profundo vestigio emocional, cual metamorfosis o verdadera terapia. _______________ Visual artist Mariana Villafañe finds inspiration in an intimate, personal process that begins with the review of her past, as an arduous exploration in the space of memory. A preface that ends when she finds especially painful or nostalgic memories that her unconscious keeps as obstacles that represent certain emptiness, and are the starting point of her creative development.

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Her practice begins with the discovery of antique objects that belonged to her or her family. Testimony of a distant time, which has become the engine of a powerful aesthetic research. This happens, for example, with the old record player of her absent father, which she uses to elaborate conceptual constructions in which circular drawings, signs, waves and the repetition of patterns, stand out. Villafañe´s artistic work unfolds into geometrical paintings, installations and shapes that reflect the crossroad of disciplines with which she works, and that are marked with an inspiring and playful style. She does a second phase after this encounter, which is characterized by alteration; she transforms her memories into an abstractive, sensitive and artistic experience and through plastic manipulation, it becomes a beautiful exercise in the artistic realm. It is here where subjectivity unfolds freely, and is able to give a new meaning even to the deepest emotional remains, as metamorphosis or real therapy.

GEN

AR 28.03.1972 DIBUJO DRAWING

www.marianavillafanie.com

“Investigo patrones geométricos y morfológicos extraídos de experiencias sensibles”

Mariana Villafañe se forma en Arquitectura y Artes Visuales, además de clínicas guiadas por referentes del medio como Ernesto Ballesteros y Pablo Siquier, entre otros. Su obra se inspira mayoritariamente en ciertos recuerdos que encuentra en su propia memoria y pasado. Es lo que utiliza para elaborar su trabajo artístico, uno que denota un estilo conceptual y emocional que cruza diversas disciplinas y que le ha valido el reconocimiento en su Argentina natal y también en el extranjero. Villafañe ha realizado investigaciones sobre arte contemporáneo y exhibido su obra en Argentina, Nueva York y Lima, lo que la instala como una figura consolidada en colecciones públicas y privadas de diferentes países.

Mariana Villafañe studied Architecture and Visual Arts, and also trained herself in clinics lead by important artistic models such as Ernesto Ballesteros and Pablo Siquier. Her work is mainly inspired by certain memories she finds in her own past. She uses these to produce her artwork, which expresses an emotional and conceptual style that crosses different disciplines, and has awarded her recognition in her native Argentina and the rest of the world. Villafañe has conducted research about contemporary art and displayed her work in Argentina, New York and Lima, which places her as an established figure in public and private collections of different countries.

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“I investigate geometrical and morphological patterns taken from sensitive experiences”

Cajas de Resonancia, 2015, dibujos de papel calados en caja de acrílico de 8 mm, 40 x 40 cm / Cajas de Resonancia (Soundboards), 2015, paper drawings in 8mm acrylic box , 40 x 40 cm - Entre dos mundos, 2015, díptico II, tinta sobre papel de algodón, 60 x 120 cm / Entre dos mundos (Between two worlds) 2015, diptych II, ink on cotton paper, 60 x 120 cm - Dibujos para púa y tinta, de la serie “Variaciones Continuas”, 2015, tinta sobre papel de algodón, 40 x 40 cm / Dibujos para púa y tinta (Drawing for tine and ink), from the series “Variaciones Continuas” (Continue Variations), 2015, ink on cotton paper, 40 x 40 cm - Dibujos para púa y tinta, de la serie “Variaciones Continuas”, 2015, tinta sobre papel de algodón, 40 x 40 cm / Dibujos para púa y tinta (Drawing for tine and ink), from the series “Variaciones Continuas” (Continue Variations), 2015, ink on cotton paper, 40 x 40 cm.

SESPER L

a obra de Sesper, artista brasileño que bien refleja la cultura urbana de su país, se articula como un discurso crítico y reflexivo sobre su entorno cotidiano. Si bien a primera vista parece un ejercicio desordenado y atiborrado de estímulos hecho a partir de fragmentos de múltiples materiales como papeles, desechos y objetos, de a poco sus creaciones se tornan perfeccionistas y las interrogantes que despliega sobre soportes de madera se perciben con empatía. Los objetos seleccionados para cada obra se relacionan con lo consumido por él a lo largo de su vida. Con influencias políticas, religiosas y diversas presiones que la ciudad transmite, logra generar debate a través de su despliegue plástico. Involucra aquellos elementos que encuentra en su espacio personal. Recuerdos del pasado y objetos que acumula obsesivamente para luego dotarlos de nuevos significados. Así, su proceso se basa en la selección de archivos que luego trabaja con la técnica del ensamblaje, hasta que su obra va tomando cuerpo mientras acomoda metódicamente lo reunido.

El lenguaje que se genera entre la pintura y sus demás condimentos habla sobre la actualidad y evidencia sus contradicciones, a la vez que se ajusta como un acto de desapego respecto a aquellas cosas que tienen un valor sentimental o han estado presentes en su vida. De igual manera, las intrincadas y llamativas composiciones que elabora son parte del colectivo, lo que transforma esas tantas piezas acopladas en razones y argumentos de juicio crítico respecto a la sociedad. _______________ The work of Sesper, a Brazilian artist who reflects the urban culture of his country, which is articulated as a critical and reflective statement about his everyday surroundings. If at first sight it looks like a messy exercise cluttered with stimulus that consists of fragments of different materials such as paper, objects and waste, little by little his creations become perfect and the questions he displays on wooden supports are perceived with empathy. The objects selected for each work relate to what has consumed him throughout his life. With political

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and religious influences, and those pressures transmitted by the city, he manages to generate debate through his art display. He gets involved with the elements he finds in his personal space. Memories of the past and objects he obsessively accumulates to give new meaning to. As a result, his process is based on the selection of archives that he works throughout the assembling technique, until his work takes shape, while he methodically fits together what he has collected. The language generated between painting and its seasonings speak about present times and makes its contradictions clear; at the same time, it adjusts through the detachment of those things that have a sentimental value or have been present in his life. The intricate and colorful compositions he elaborates are also part of the collective, which transforms them into arguments and reasons of critical judgment towards society.

BR 12.07.1973 COLLAGE COLLAGE

www.sesper.com

“El arte es el camino para mostrar lo que siento y pienso”

Sesper es el seudónimo utilizado por Alexandre Cruz, quien nace en Santos, ciudad portuaria de Brasil, en donde vive su niñez y adolescencia vinculado a la cultura urbana. Practica skate, graba cintas de cassette y ensaya con bandas independientes de música. También realiza intervenciones de arte en las calles de Sao Paulo -en donde asume su apodo- y experimenta con el video, la pintura y el collage, llegando a consolidarse como un verdadero artista autodidacta. Desde entonces ha trabajado con diversas galerías de arte, editoriales y en ferias internacionales, siempre con la intención de cuestionar su entorno social. Así, su trabajo ha adquirido cada vez mayor notoriedad tanto en Latinoamérica como en el resto del mundo.

Sesper is the nickname used by Alexandre Cruz, who was born in Santos, a port city of Brazil, where he spent his childhood and teenage years connected with the urban culture. He practices skating, records cassette tapes and rehearses with independent music bands. He also performs interventions on the streets of Sao Paulo –where he earned his nickname- and experiments with video, painting and collage, establishing himself as a real self-made artist.

“art IS The

Since then he has worked with various art galleries, editorials and international fairs, always with the intention of questioning his social surroundings. Because of this, his work has become notorious in Latin America, as well as the rest of the world.

what I think

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way of showing

and feel”

Sin Título, 2016, resina, collage, acrílico y marcador sobre madera, 77 x 57 cm / Untitled, 2016, resin, collage, acrylic and marker on wood, 77 x 57 cm - Sin Título, 2016, resina, collage, acrílico y marcador sobre madera, 162 x 112 cm / Untitled, 2016, resin, collage, acrylic and marker on wood, 162 x 112 cm - Sin Título, 2016, resina, collage, acrílico, serigrafía y marcador sobre madera, 162 x 112 cm / Untitled, 2016, resin, collage, acrylic, serigraphy and marker on wood, 162 x 112 cm - Detalles de Sin Título, 2016, resina, collage, acrílico, serigrafía y marcador sobre madera, 162 x 112 cm / Untitled (Detail), 2016, resin, collage, acrylic, serigraphy and marker on wood, 162 x 112 cm - Sin Título, 2016, resina, collage, acrílico y marcador sobre madera, 77 x 57 cm / Untitled, 2016, resin, collage, acrylic and marker on wood, 77 x 57 cm - Fotografía de perfil por: Dave Naz / Profile picture by: Dave Naz.

MIGUEL PRYPCHAN P

ara comprender la obra de Miguel Prypchan se debe acudir a la amplia gama de intereses que marcan su trayectoria: es abogado de profesión y también piloto, cuenta con estudios en comunicación social y museología, maneja una agencia publicitaria, es apasionado por la arquitectura, y se dice amante de la naturaleza, específicamente de El Ávila, formación montañosa declarada Parque Nacional en Venezuela, que se instala como un pulmón verde en plena ciudad de Caracas. Esta marcada actitud multifacética también se refleja en sus creaciones. A través del arte encuentra el lenguaje expresivo que requiere para trasmitir su percepción del mundo que, unida a sus otros gustos y conocimientos, lo lleva a desarrollar un prolijo y estudiado actuar creativo. En este sentido, se dedica a interpretar la naturaleza -aquella que lo inspira a plantear su propia lectura e imaginario geográfico-, a partir de ángulos y relieves que luego estructura mediante un diálogo abstracto y de estilo constructivista.

Así, mediante un cuidado ejercicio que comienza en el papel, sigue en maquetas de plástico y es reestudiado en visualizaciones digitales, construye esculturas de hierro policromado de mediano y gran formato, en representación de los panoramas naturales que lleva en su mente. Destacan de manera particular por sus cortes rectos y tonos verdes, azules y magentas, lo que provoca interesantes efectos visuales y móviles. Así, transmite su particular visión, una basada en la geometría y la cinética, como decodificadores válidos para explorar las montañas y los paisajes del mundo. _______________ In order to understand Miguel Prypchan´s work, we must turn to the wide range of interests present in his career: he is a lawyer and a pilot; he studied social communication and museology; he runs an advertising agency; he is passionate about architecture and considers himself a lover of nature, specifically of El Avila, a mountainous formation settled in the middle of Caracas as a green lung, that was declared a National Park in Venezuela.

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This multi-faceted attitude is also reflected upon his creations. He finds, in art, an expressive language that is suitable for transmitting his perception of the world and that, put together with other tastes and knowledge, inspires him to develop a prolix and studied creative behavior. He dedicates himself to the interpretation of naturewhich inspires him to suggest his own reading and geographical imaginary, from angles and reliefs that he puts together through a constructivist, abstract dialogue. As a result of this, through a careful exercise that begins on paper and continues on plastic miniatures and is re-studied in digital displays, he builds medium and large-sized sculptures of polychrome iron that portray the natural landscapes he carries inside his mind. These landscapes stand out because of their straight edges and green, blue and magenta tonalities, provoking interesting visual and mobile effects. He transmits his particular view, based on geometry and kinetics, as valuable decoders to explore mountains and landscapes of the world.

VE 03.04.1974 ESCULTURA SCULPTURE

ZUE

www.prypchan.com

“Transmito mi percepción de las cosas a través de volúmenes, color, luz y movimiento”

Miguel Prypchan es egresado de Derecho de la Universidad Central de Venezuela; ha estudiado comunicación social y museología; y tiene su propia agencia de publicidad, Propela Creativa. También es piloto, apasionado por la arquitectura y amante de la naturaleza y sus formas, las cuales trabaja desde su rol como artista mediante interpretaciones basadas en el paisaje y la fusión de sus múltiples gustos y conocimientos. La sierra montañosa del Parque Nacional El Ávila, ubicada al norte de Caracas, lo anima a ejecutar su ejercicio plástico a través de la abstracción, la geometría y la cinética. En 2007 inicia un estudio técnico basado en esta zona y a partir del año 2009 ya exhibe obras varias vinculadas a su representación.

Miguel Prypchan is a Law graduate from the Universidad Central of Venezuela; has studied social communication and museology, and has his own advertising agency: “Propela Creativa”. He is also a pilot, passionate for architecture and a lover of nature and its forms, with which he works from his artistic role, through interpretations of landscapes and the blend of his multiple tastes and knowledge. Parque Nacional El Ávila´s mountain range, located north from Caracas, encourages him to create his art projects through abstraction, geometry and kinetics. In 2007, he began a technical study of this area and since 2009, has exhibited various works connected to his representation.

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“I transmit my perception of things through volumes, color, light and movement”

Ávila Volumétrico, 2015, hierro policromado, 3 m. x 50 cm / Ávila Volumétrico (Volumetric Ávila), 2015, polychromed iron, 3 m. x 50 cm - Ávila Abstracto, 2015, hierro policromado, 3 m x 50 cm / Ávila Abstracto (Abstract Ávila), 2015, polychromed iron, 3 m. x 50 cm - Paseo por el Ávila, 2013, hierro policromado, 16 x 2.80 m. / Paseo por el Ávila (Walk around Ávila), 2013, polychromed iron, 16 x 2.80 m. - White Horse (Caballo Blanco), 2016, hierro policromado, 2.10 x 2.10 m. / White Horse, 2016, polychromed iron, 2.10 x 2.10 m. - Assymetric Horse (Caballo Asimétrico), 2015, hierro policromado, 90 x 90 cm / Assymetric Horse, 2015, polychromed iron, 90 x 90 cm.

KATARINA ABOVIC D

e la mano de Katarina Abovic surge un universo que mezcla indisolublemente la realidad y la ficción. Personajes extraídos del mundo concreto se sitúan en lugares inexistentes construidos mediante la imaginación, configurando atractivos escenarios repletos de detalles irreales. Aquella línea divisoria entre lo que existe físicamente y lo que sólo está en nuestra mente se vuelve un delgado hilo que entrecruza ambos mundos, haciendo difícil distinguir claramente sus límites. Son elementos tomados de la vida diaria, donde la naturaleza ocupa un espacio fundamental. Aquello que forma parte de nuestra cotidianeidad es sacado de su contexto habitual y dispuesto junto a objetos y personajes que tampoco están en su lugar usual, creando situaciones que sorprenden con humor, malicia e irreverencia. Como un rompecabezas que sólo adquiere sentido cuando todas sus piezas están encajadas, la obra de Katarina Abovic se compone de pequeñas escenas que pueden ser leídas por separado, pero que funcionan como un todo dentro de

cada una de sus pinturas y dibujos. Es así como el espectador puede recorrer, detalle a detalle, las decenas de historias que se manifiestan ante sus ojos. No hay un principio ni un final definido. Las lecturas son tantas como las miradas que observan. Es esa narratividad propia de su trabajo la que hace imposible pasar por alto sin siquiera reparar en alguno de sus personajes. Porque todos nos dicen algo. Cada uno, en su medida, se identifica con nuestro propio mundo inventado y adquiere un significado infinitamente real en un lugar que va más allá de las leyes de la ficción. _______________ From Katarina Abovich´s hand, a universe that mixes reality and fiction inextricably emerges. Characters taken from a particular world place themselves on inexistent places built by imagination, configuring attractive scenarios filled with unreal details. That dividing line between what physically exists and what is only inside our minds, becomes a thin thread that goes across both worlds, making it difficult to clearly tell their limits apart.

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They are elements of everyday life, where nature occupies a fundamental place. What is part of our daily nature is taken out of its usual context and arranged next to objects and characters that aren´t in their usual place either, creating situations that amaze us with humor, malice and irreverence. Katarina Abovic´s work is composed of small scenes that can be read separately, but work as a whole inside each one of her paintings and drawings, like a puzzle that only makes sense when all its pieces are fit together. This is how the viewer can go across the dozen stories revealed before their eyes, detail by detail. There is no definite beginning or end. The texts are as much looked at as they are observed. It is that narrative, so typical from her, what makes it impossible to ignore any of her characters. All of them say something. Each one of them, in their own measure, identifies with our own invented world and acquires an infinitely real meaning, in a place that goes beyond the laws of fiction.

CH 18.07.1988 DIBUJO DRAWING

www.katarina-abovic.com

“Mis imágenes son un intento de entender lo que veo o una proyección de aquello que me gustaría ver”

Desde sus primeros recuerdos, el arte ha sido parte de la vida de Katarina Abovic. Luego de estudiar Arte en la Universidad Católica de Chile, decidió partir un año a Croacia, país del que es originaria su familia. Una vez allá se abocó a la pintura, logrando presentar su primera exposición individual, en Zagreb. En los años posteriores ha continuado desarrollando un cuerpo de obra que destaca por el uso de referentes cotidianos como animales, películas y objetos de uso diario, los que toma y funde para construir sus propios mundos imaginarios. Sus trabajos más recientes se han enfocado en el uso del blanco y negro y la acumulación de personajes, recordando los trabajos de maestros como El Bosco y la gráfica japonesa, así como también referentes más contemporáneos como M. C. Escher o Loro Coirón.

Art has been a part of Karatina Abovic´s life since her first memories. After studying Art at the Universidad Católica de Chile, she decided to depart to Croatia for a year, a country her family is native to. During her stay, she focused on painting, achieving her first individual exhibition in Zagreb. Over the last several years, she has continued developing a body of work that stands out for the use of everyday references such as animals, movies and everyday objects, which she takes and blends to build her own imaginary worlds. Her recent works have focused on the use of black and white and the accumulation of characters, reminding us of the works of masters such as El Bosco and Japanese graphics, as well as more contemporary icons like M.C. Escher or Loro Coirón.

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“My images are an attempt to understand what I see, or sometimes the projection of what I would like to see”

Appareances & Festivity (Apariencias y Festividad), 2013, acrílico y plumón sobre tela, 80 x 150 cm / Appareances & Festivity, 2013, acrilyc and color pen on canvas, 80 x 150 cm - Sarajevo, 2013, óleo sobre tela, 130 x 130 cm / Sarajevo, 2013, oil on canvas, 130 x 130 cm - Granades (Granadas), 2014, rotulador y plumón sobre papel, 33 x 48 cm / Granades, 2014, highlighter and color pen on paper, 33 x 48 cm - Kid Kong, 2014, rotulador y plumón sobre papel, 20 x 30 cm / Kid Kong, 2014 highlighter and color pen on paper, 20 x 30 cm.

DELTA 9 S

ebastián Ugalde, conocido por su seudónimo Delta 9, presenta piezas de obra que destacan por su abstracción y simpleza cromática. Para su ejecución se deja llevar por el gusto que le provoca mezclar técnicas, materiales, soportes; a pesar de que sus resultados se alejen abismalmente de su intención, inicialmente, guiada por la sencillez. Y es que el efecto que termina por producir genera un poderoso diálogo que contrasta dos mundos tan opuestos como complementarios: el universo material y el de los elementos provenientes de la naturaleza. Mediante un ejercicio que no se ocupa por categorizar, ni menos calificar un estado por sobre el otro, juega con vibrantes tonos obtenidos de materiales reciclados y encontrados por él mismo. También lo hace con formas, texturas y contrastes que surgen de los expresivos colores de la pintura sintética, utilizada sobre fondos tapizados de blanco. De esta manera, logra elaborar una compleja composición determinada por absolutos y opuestos que se necesitan

de manera mutua como la vida y la muerte, lo artificioso y lo natural, el orden y el caos de las cosas. Las figuras que construye sobre planas superficies de madera consiguen capturar la atención del espectador al instante, el cual se ve seducido por una conversación que encuentra su máxima potencia visual, precisamente por una ambivalencia resuelta que a simple vista parece tremendamente armónica. Esto finalmente alude a la idea de la construcción y la destrucción, vinculándose con la conservación medioambiental, como un tópico presente e indirecto en su trabajo. _______________ Sebastián Ugalde, best known as Delta 9, presents pieces of work that stand out for their chromatic simplicity and abstraction. He gets carried away by the pleasure he finds in mixing materials, techniques and foundations; regardless of the fact that his results are vastly driven from his initial intention, guided by simplicity. The effect he finally produces generates a powerful dialogue that contrasts two worlds as opposite

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as complimentary: material universe and the elements provided by nature. Through an exercise that does not categorize or classify one state over the other, he plays with vibrant tones he finds and takes from recycled materials. He also does this with shapes, contrasts and textures that arise from the expressive colors of a synthetic painting spilled over backgrounds covered in white. As a result, he elaborates a complex composition made up of opposites and absolutes that complement each other, like life and death, natural and artificial, and the order and chaos of things. The viewer´s attention is instantly captured by the figures he builds over flat wooden surfaces, and is subsequently seduced by a conversation that encounters its highest visual power precisely due to an ambivalence that seems tremendously harmonious at first sight. This finally alludes to the ideas of construction and de-construction, linking the environment´s preservation, as an indirect and present subject in his work.

BO 30.08.1985 TÃ&#x2030;CNICA MIXTA MIXED MEDIA

deltaninestudio@gmail.com

“Mi trabajo tiene que ver con LO material, lo superficial, lo lujoso, lo natural, lo espiritual”

Delta 9 vive y trabaja entre su país natal, Bolivia, y la ciudad de Nueva York en Estados Unidos, lo que le ha servido para nutrir y ampliar sus perspectivas plásticas y conceptuales. Ha sido galardonado con el Primer Premio de la categoría Pintura/Dibujo de Galería Nota y el Gran Premio Pedro Domingo Murillo. A partir de su particular propuesta, que integra piezas absolutas y opuestas para articular un diálogo entre el mundo material y la naturaleza, se ha posicionado como un artista sólido en el medio internacional de las artes visuales, llegando incluso a participar de diversas ferias de arte contemporáneo como Scope Miami, PARTE en Sao Paulo, BARCU en Bogotá, Art Cartagena en Colombia y Ch.ACO Art Fair en Chile, entre otros espacios.

Delta 9 lives and works between Bolivia, his native country, and in New York City in the United States, which has allowed him to nurture and broaden his art and conceptual perspectives. He has been awarded with the First Prize from the Nota Gallery Painting/Drawing category and with the Pedro Domingo Murillo Gran Prize. From his particular proposal, he integrates absolute and opposed pieces to articulate a dialogue between nature and the material world. He has positioned himself as a solid artist in the international Visual Arts medium, even reaching participation in different contemporary art fairs such as Scope Miami, PARTE in Sao Paulo, BARCU in Bogota, Art Cartagena in Colombia and Ch.Aco Art Fair in Chile, among other places.

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“My work has to do with the material, the superficial, the luxurious, the natural, and the spiritual”

Round Red Sawdust (Aserrín Redondo Rojo) 2013, técnica mixta, 120 cm /Round Red Sawdust, 2013, mixed media, 120 cm - Sawdust IV (Aserrín IV), 2013, técnica mixta, 220 x 120 cm / Sawdust IV, 2013, mixed media, 220 x 120 cm - Escultura Pintura II, 2012, 300 x 200 cm / Escultura Pintura II (Painting Sculpture II), 2012, 300 x 200 cm.

CARLOS ALARCÓN A

partir de vivencias y observaciones críticas sobre su entorno social, el artista Carlos Alarcón elabora propuestas estéticas basadas en íconos, colores, sensaciones y diferentes técnicas que utiliza para representar problemáticas que encuentra en la humanidad. Sobre todo utiliza la fotografía, el dibujo y la pintura para abordar el tema de la violencia por medio de símbolos como el soldado de plomo. Mediante un irónico juego de contrastes que involucra piezas de colección para niños, estudia la cotidianidad armada y el sin sentido de la lucha colombiana. Así, pequeños sujetos de juguete vestidos con uniformes rojos y bandas cruzadas, reflejan un mundo de grandes en uno de niños, lo que plantea el conflicto desde una perspectiva ingenua y a ratos absurda. Además, genera una confrontación cromática que llama la atención del espectador y lo conduce a cuestionar las eternas disputas bélicas. De esta manera, su obra se sustenta de varias provocaciones plásticas que utiliza para manifestar una alerta colectiva. Su riqueza técnica

-caracterizada por un trazo claro y definido-, las conjugaciones de colores que presenta y el simbolismo con el que le da forma a la realidad, llevan a una reflexión sobre asuntos tan contingentes como es la guerra para Colombia, su país natal. Se muestra interesado por plasmar sentimientos y expresiones como la angustia a través del retrato en primer plano, por ser precisamente un estado difícil de personificar. Así es como, de una u otra manera, todas sus creaciones giran en torno a una suma de sensibilidades poco atendidas, o bien tan implicadas que a estas alturas ya pasan inadvertidas. _______________ Artist Carlos Alarcon produces aesthetical proposals based on icons, colors, sensations and different techniques that he draws from experiences and critical observations about his social surroundings, to represent issues he finds in humanity. Above all, he uses photography, drawing and painting to face the theme of violence through symbols, like tin soldiers. Through an ironic game of contrasts which involves collection pieces for

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children, he studies everyday armed life and the meaningless of Colombian struggle. This way, small toy individuals dressed in red uniforms and crossed sashes, reflect an adult world inside a child´s one, which points out conflict through a naïve, and sometimes absurd, perspective. He also generates a chromatic confrontation that calls the viewer´s attention and drives them to question eternal military disputes. His work is based on various plastic provocations that he uses to express a collective alert. His technical wealth (characterized by a defined and clear stroke), the color conjunction he presents, and the symbols through which he shapes reality, call reflection upon probable subjects like war in Colombia, his native country. He is interested in revealing feelings and expressions, like angst, through close-ups, because they are precisely a difficult condition to personify. This is how, one way or the other, all of his creations revolve around a sum of unattended or well-implied sensitivities that have gone unnoticed to this point.

CO 22.03.1979 PINTURA PAINTING

charliegasu@yahoo.com

“Busco plasmar historias que sean difíciles de olvidar”

Carlos Alarcón se encuentra interesado por el arte y la estética desde su infancia, cuando visitaba museos y tomaba clases de pintura. Esto lo lleva a seguir la carrera de Artes Visuales en la Pontificia Universidad Javeriana y más adelante a sustentar su obra a partir de observaciones sobre el entorno que lo rodea y trabajar con problemáticas típicas de la humanidad. Comienza por la ilustración, luego con medios audiovisuales, y más adelante se concentra en la fotografía, la gráfica, el dibujo y la pintura. Realiza estudios de postgrado en la Universidad Politécnica de Cataluña, en donde se especializa en Arquitectura Efímera. Vuelve a Colombia y se focaliza en la violencia y eterna situación de lucha que sufre la humanidad, como el leit motiv de su trabajo.

Carlos Alarcon has been interested in art and aesthetics since his childhood, when he visited museums and took painting classes. This led him to study Visual Arts in the Pontificia Universidad Javierana, and later support his work with observations about his surroundings and typical issues of society.

“I want to

He started with illustration, then with audiovisual media, and later he focused on photography, graphics, drawing and painting. He did postgraduate studies at the Universidad Politecnica de Cataluña, where he specialized in Ephemeral Architecture. He has gone back to Colombia and is focusing on violence and the eternal struggle of humanity, as the leit motiv of his work.

that are

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capture stories difficult to forget”

Angustias Mudas, 2012, lápiz grafito sobre papel, 10 x 10 cm cada una / Angustias mudas (Silent Anguish), 2012, graphite pencil on paper, 10 x 10 cm each one. - Pelotón, 2007, acrílico y grafito sobre tela, 40 x 140 cm / Pelotón (Platoon), 2007, acrilyc and graphite pencil on paper, 40 x 140 cm - Carne de tu carne es la que te mata, 2007, acrílico sobre lienzo, 155 x 360 cm / Carne de tu carne es la que te mata (Flesh of your flesh is what kills), 2007, acrilyc on canvas, 155 x 360 cm.

FELIPE LAVÍN E

l fo tó g r a fo y con s t r uc tor civil Felipe Lavín se inspira en ciudades que se extienden velozmente a través de múltiples y variadas edificaciones, como lo hace Nueva York, Montreal y también Santiago de Chile. Le atrae la geometría de las estructuras visibles, por lo que ha decidido capturar imágenes de rascacielos y fachadas en que la mayoría de las personas no se detiene, pero que tras pasar por el filtro de su lente se convierten en verdaderas obras de arte. Un ejercicio que no busca retratar la arquitectura que lo envuelve, sino desfigurarla en cuadros abstractos y patrones obsesivos que prescinden totalmente de su contexto. La contemplación es un acto que se torna complejo en medio de una cultura centrada en la inmediatez, pero que el artista alcanza de modo natural. Por ello, gran parte de su obra se sustenta en su alta capacidad de observación frente al paisaje cotidiano. En un constante vagabundear, se enfrenta a edificios que capturan su atención, lo que luego traduce

en composiciones simples aunque sumamente detallistas, en las que priman reflejos, líneas y simetrías.

the portrayal of architecture, but for the disfiguration of it through abstract scenes and obsessive patterns that completely disregard their context.

En paralelo, realiza fotomontajes digitales para crear series en base a matrices, generando nuevos y exagerados frentes urbanos que imitan la masividad de los tiempos actuales. Sus fotografías, incluso al exhibirse como fragmentos de un todo, despiertan cierta curiosidad. ¿De qué manera habitamos la ciudad? ¿Hasta qué punto afectan los espacios nuestras experiencias emocionales? Reflexiones que cuestionan el ritmo citadino mediante la repetición de formas. _______________

Contemplation is an act that becomes complex in the midst of a culture that focuses on immediacy, but the artist achieves it in a natural way. Due to this, a large amount of his work sustains on his ability of observing everyday landscapes. He wanders constantly and faces buildings that catch his attention, which he later traduces in simple, yet extremely detailed compositions in which reflections, lines and symmetries prevail.

Felipe Lavin, photographer and civil constructor, is inspired by cities like New York, Montreal and also Santiago, Chile that spread out rapidly through multiple and varied buildings. He is attracted to the geometry of visible structures, which is why he has decided to capture images of skyscrapers, and facades that most people do not stop and stare at, but become real works of art through his lens. An exercise that does not look for

He carries out photomontages in parallel to create series based in matrix, generating new and exaggerated urban fronts that imitate the immensity of current times. His photographs, even when they are exhibited as fragments of a whole, awake certain curiosity. How do we inhabit the city? Up to what point do spaces affect our emotional experiences? Reflections that question the rhythm of cities through the repetition of shapes.

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CH 12.06.1987 FOTOGRAFÍA PHOTOGRAPHY

www.pollolavin.com

“Me intereso en estructuras capaces de generar nuevas realidades”

Además de fotógrafo y artista, Felipe Lavín es constructor civil de profesión. Durante su infancia desarrolla un especial acercamiento hacia la fotografía, con tendencia a retratar paisajes y naturaleza. Eso, hasta que en un intercambio en la Universidad de Montreal, toma un curso de fotografía digital dictado por Marc Cramer, quien le transmite su visión con tendencia arquitectónica y urbana. Con el paso del tiempo desarrolla su capacidad de observación, como también su preocupación por los detalles. Esto le sirve para jugar con las percepciones de lugares cotidianos mediante la descontextualización de imágenes y la creación de patrones y abstracciones geométricas.

Felipe Lavin is a civil constructor and also a photographer and an artist. During his childhood he developed a special closeness towards photography and tended to portray nature and landscapes. That was until he took a digital photography course in the University of Montreal with Marc Cramer, who transmitted his architectural and urban tendency to him. As time passed, he developed his observation ability, as well as his concern about details. This allows him to play with the perception of everyday places by taking images out of their everyday context, through the creation of patterns and geometrical abstractions.

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“I am interested in structures that are able to generate new realities”

Cobre, 2016, fotomontaje digital, 70 x 70 cm / Cobre (Copper), 2016, digital photomontage, 70 x 70 cm - EstaĂąo, 2015, fotomontaje digital, 70 x 70 cm / EstaĂąo (Tin), 2015, digital photomontage, 70 x 70 cm - Naranjo, 2016, fotomontaje digital, 70 x 70 cm / Naranjo (Orange), 2016, digital photomontage, 70 x 70 cm - Cobalto, 2015, fotomontaje digital, 100 x 100 cm / Cobalto (Cobalt), 2015, digital photomontage, 100 x 100 cm - Hotel Ismael, 2015, fotomontaje digital, 35 x 35 cm / Hotel Ismael (Ismael Hotel) 2015, digital photomontage, 35 x 35 cm.

MAXIMILIANO SIÑANI E

l artista visual Maximiliano Siñani considera que de un obstáculo surgen siempre nuevos caminos y posibilidades. Al llevar este paradigma a terreno práctico, juega con objetos y sus significantes a través de la transformación y la recontextualización, consiguiendo dobles lecturas que resultan tan abstractas, como lúdicas y surrealistas. Por medio de la alteración objetual, busca entonces repensar verdades enunciadas y crear otras formas de entendimiento frente a una pieza material ya conocida. Algo que sólo se permite en el terreno del arte pues, además, desarrolla el “cambio” mediante un sentido estético. Así, de un objeto, e incluso de acciones o palabras -constantemente hace ejercicios de inversión como GOD es a DOG, y ART es a RAT-, logra pulverizar significados y reflexionar sobre hábitos cotidianos mediante una novedosa alternativa para experimentar el mundo exterior. De esta manera, lleva al límite el cuestionamiento de su entorno más cercano. Su obra transita entre la fotografía, el video, el diseño y la escultura como subjetividades que nacen de sutiles

modificaciones y giros interpretativos. Por ejemplo, reemplaza los números de camisetas de fútbol por letras del abecedario, modificando la dinámica deportiva por una lingüística; o bien relaciona el acto de hacer “masaco” (típico plato cruceño) con uno sexual, al entender los golpes del mazo como la acción masculina, mientras cubre el recipiente con pelo de mujer. Siñani plantea vuelcos que no sólo transforman estructuras físicas, sino también literales. _______________ Visual Artist Maximiliano Siñani believes that from obstacles new roads and possibilities always arise. When he takes this paradigm to a practical level, he plays with objects and their meaning through transformation and re-contextualization, achieving interpretations that turn out to be abstract, surreal and playful. Through object alteration he searches for a re-thinking of announced truths and the creation of other ways of understanding a well-known material piece. Something that is only allowed in the artistic field, since he

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also develops “change” through an aesthetic sense. Thus, from an object or even from actions or words (he constantly makes inverse exercises such as GOD is DOG or ART is RAT), he smashes meanings and reflects upon everyday habits through a new alternative to experiment with the outside world. In this way, he takes the questioning of his closest surroundings to the limit. His work moves between photography, video, design and sculpture as subjectivities that are born from subtle modifications and interpretative twists. For example, he replaces the numbers of soccer t-shirts with letters of the alphabet, and changes sports dynamics to linguistics; on the other hand, he relates the act of preparing “masaco” (a typical dish from Santa Cruz) with a sexual act, understanding the blows of the gavel as a masculine action, while he covers a container with women´s hair. Siñani suggests turns that do not only transform structures physical, but also literally.

BO 06.03.1989 ARTISTA MULTIDISCIPLINAR MULTIDISCIPLINARY ARTIST

www.maximilianosinani.com

“Trabajo en los significantes de la nada, de donde surgen nuevas funciones”

Maximiliano Siñani se reconoce seducido por la plástica desde sus años más tempranos. Por ello, de joven estudia en la Facultad de Arquitectura y Arte de la Universidad Mayor de San Andrés, en La Paz, Bolivia. Más adelante, decide especializar sus conocimientos en Estados Unidos, en la School of Visual Arts de Nueva York. Desde entonces, encuentra su lugar en el arte contemporáneo, con una obra que transita por diferentes disciplinas. Utiliza el video, la fotografía, el diseño y la escultura, lo que le permite desarrollar su ejercicio artístico de manera libre y adaptada a su cotidianeidad. La misma que utiliza creativamente para tratar los significantes de objetos que luego manipula y reinterpreta como una constante en su trayectoria.

Maximiliano Siñani recognizes the he has was seduced by art since his earliest years. This is why he studied in the Architecture and Art Faculty of the Universidad Mayor de San Andres in La Paz, Bolivia, during his youth. Afterwards, he decided to deepen his knowledge in the United States, in the School of Visual Arts of New York. Since then, he has found his place in contemporary art, with an artwork that walks through different disciplines. He uses video, photography, design and sculpture, which allows him to develop his artistic practice freely and adapt it to his everyday life. He uses the same process to trace the object´s meaning creatively, which he then manipulates and reinterprets constantly in his career.

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“I work with the signifiers of nothing, from which new functions arise”

Basketspeck, 2013, pelota de basketball de la NBA y confetti, 24 x 24 x 24 cm / Basketspeck, 2013, NBA Basketball and confetti, 24 x 24 x 24 cm - Skateboard (Patineta), 2011, skateboard y algodón, 76 x 20 x 7 cm / Skateboard, 2011, skateboard and cotton, 76 x 20 x 7 cm - Traffic Cones (Conos de tráfico), 2014, conos de tráfico y pelaje blanco, 25 x 80 x variable cm / Traffic Cones, 2014, traffic cones and white fur, 25 x 80 x variable cm - American Football (Fútbol Americano), 2015, acrílico sobre pelota de fútbol americano, 53 x 53 x 71cm / American Football, 2015, acrylic on NFL American Football ball, 53 x 53 x 71 cm.

CAMILO MATIZ L

a obra de Camilo Matiz surge como una expresión desbordante de los límites de su propia razón. Trabajando temáticas basadas en situaciones comunes y corrientes, el fotógrafo, artista y director audiovisual logra dotar su trabajo de un profundo significado que se evidencia al momento de enfrentarse al observador. La mayoría de las veces utiliza la fuerza de la palabra, la luz y la contradicción, como elementos recurrentes que exhibe a partir de experimentos ópticos. Por medio de este tipo de ejercicios busca alterar la percepción y generar una reflexión sobre la diferencia que existe entre la realidad y sus simulaciones. Es así como el espejo es usado como una herramienta cotidiana y de confrontación que logra hacer partícipe a quien se cruce, combinándolo con intervenciones escritas en neón que pueden leerse tanto de frente como en el reflejo, entregando así mensajes divergentes a la vez. De manera desafiante, juega con frases reconocibles que al ser analizadas detenidamente cuestionan lo verdadero de lo falso a partir de un proceso en base a opuestos. De esta forma, Matiz invita a repasar

las verdades y proyecciones ficticias que muchas personas manifiestan a diario, donde el alcance más rico de su propuesta artística se encuentra en la experiencia subjetiva del espectador. Las expresiones que presenta quedan abiertas a los miedos, pretensiones, deseos y frustraciones de quien llene los espacios en blanco con conclusiones personales. De esta manera, su obra pasa a ser tan suya como de quien se pose en frente. Quien lea y decida seguir con su juego, o bien quien se sumerja en una sincera y crítica introspección. _______________ Camilo Matiz´s work emerges as an overflowing expression of his reason´s limits. The photographer and visual director, through the work of everyday themes based on common situations, gives a deep meaning to his artwork, which becomes clear when it is confronted by the viewer. He uses the power of words, light and contradiction, most of the time as everyday elements he takes from optical experiments. Through these kinds of exercises he searches for the alteration of perception, and the

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generation of a reflection upon the differences between reality and their simulations. As a result, a mirror is used as an everyday tool and confrontation that manages to involve everybody who crosses it, and is combined with written neon interventions that can be read from the front and in the reflection, thus delivering divergent messages. In a defying way, he plays with recognizable phrases that when analyzed carefully question the true from the false through an opposite-based process. In this way, Matiz invites us to go through truths and fictional projections that are expressed by many people every day, where his artistic proposals richest reach is encountered by the viewer’s subjective experience. The expressions he introduces to us are left open to fears, wishes, frustrations and pretentions of whoever fills these blank spaces with personal conclusions. Because of this, his work becomes his own as well as the work of everyone that poses in front of him; anyone who reads his game and decides to continue with it or that is immersed into a sincere and critical introspection.

CO 16.04.1976 INSTALACIÃ&#x201C;N INSTALLATION

Camilomatiz@gmail.com

“Mi obra confronta nuestra naturaleza esculpida en luz y reflejos”

Camilo Matiz es fotógrafo, artista y director audiovisual. Realizador de la película 1989. Desde el comienzo de su carrera se la pasa entre cámaras, realidades y simulaciones. Comienza su trayectoria creativa en el campo de la fotografía en Suecia, en donde pronto incursiona en el cine y la producción. Más tarde en Colombia, su país natal, trabaja en televisión y en publicidad, llegando a ser catalogado como uno de los artistas más multifacéticos de Latinoamérica. Sus múltiples expresiones creativas, ya sean desarrolladas en la pantalla grande o en sus intervenciones lumínicas, sitúan a Matiz como una figura sólida y contundente del medio. Ha sido premiado con variados reconocimientos, por ejemplo en el Festival de Cine de Cannes, y ferias de arte contemporáneo como Art Basel Miami, entre otras.

Camilo Matiz is a photographer, visual director and artist. He produced the movie 1989. From the beginning of his career, he has spent time between cameras, realities and simulations. He began his creative path in the field of photography in Sweden, where he soon ventured into cinema and production. Later in Colombia, his native country, he worked in television and advertising, becoming one of the most multifaceted artists of Latin America. His multiple creative expressions developed on the big screen or on his luminous interventions, help position Matiz as a solid and convincing figure inside this means. He has been awarded with various acknowledgements, by the Cannes Cinema Festival and Contemporary art fairs like Art Basel in Miami for example, among others.

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“My work faces our nature sculpted in light and reflections”

I love you (Te amo), 2015, Instalación, 116 x 86 cm / I love you, 2015, Installation, 116 x 86 cm - You are a star (Eres una estrella), 2015, Instalación, 120 x 90 cm / You are a star, 2015, Installation, 120 x 90 cm - Here not here (Acá no acá) 2015, Instalación, 120 x 90 cm / Here not here, 2015, Installation, 120 x 90 cm - Believe you can (Creer que puedes), 2015, Instalación, 101 x 201 cm / Believe you can, 2015, Installation, 101 x 201 cm - Take a selfie (Toma una selfie), 2015, Instalación, 99 x 154 cm / Take a selfie, 2015, Installation, 99 x 154 cm Fotografías/ Photographies: Ramón Giovanni.

PABLO GRISS L

a teoría dice que la comunicación no se limita a lo verbal. Que todo acto, por esencia, comunica. Pablo Griss se vale de la pintura y la abstracción geométrica para transmitir aquellas ideas que no pueden ser verbalizadas, esos pensamientos que van más allá del goce estético y que surgen al momento de conectarse profundamente con su obra. Lo primero que vemos son grandes telas donde predomina el color y las formas geométricas, especialmente rombos. La factura es impecable y asombra por la precisión con que cada línea es llevada a cabo. La cadencia enigmática y móvil de sus composiciones atrapa e hipnotiza; comenzamos a entrar en un trance donde accedemos a las capas más profundas, aquel lugar donde se encuentra la verdadera esencia de su trabajo. Es ahí cuando somos conscientes de las narraciones inherentes en cada composición, de la energía que fluye, desbordante y calculada a la vez, en la obra de este venezolano radicado en Berlín. El mismo asombro inicial al

descubrir que no hay técnica digital de por medio, sino el solo trazo de un pincel y la materia contenida en la tela, toma ahora un matiz más profundo: somos nosotros, los espectadores enfrentados, quienes tenemos ahora el espacio para reflexionar sobre lo atemporal y lo trascendental.

flawless, and the accuracy with which each line is drawn is amazing. His composition´s baffling and mobile rhythm grabs and hypnotizes us: we enter into a trance, and through it we get inside its deepest layers, that place us where the real essence of his work is found.

Pablo Griss ha buscado reducir los elementos a lo esencial y fundirlos con una paleta inmensamente rica para crear obras con un arraigado sentido simbólico, que comunican un fluir constante de ideas que van más allá de la estética inicial de su obra. _______________

It is here where we become aware of the inherent narrative of each composition; of the energy that flows, boundless and calculated at the same time, from this Venezuelan artist based in Berlin. The same astonishment felt at the beginning, when we discovered there is no digital technique behind his work, but only the stroke of a paint brush and the material of the fabric, now acquires a deeper touch: it is us viewers, facing his work, who can now reflect upon what is timeless and transcendental.

Theory states that communication is not limited to words. That every act, essentially, communicates. Pablo Griss uses painting and geometrical abstraction to transmit those ideas that cannot be put into words; those thoughts that go beyond aesthetic pleasure and arise whilst deeply connecting with his work. At first, we see large fabrics where color and geometrical shapes, especially rhombus, prevail. Its execution is

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Pablo Griss has searched for the reduction of elements to essential, and blends them with an immensely rich palette to create works with a rooted symbolic sense, that communicate a constant flow of ideas that go beyond his work´s initial aesthetics.

VE 16.05.1971 PINTURA PAINTING

ZUE

www.pablogriss.com

“Mi trabajo puede ser un reflejo de lo que he sido, de lo que soy ahora y de lo que quisiera ser”

A los 19 años, Pablo Griss deja su Venezuela natal para instalarse en Nueva York. Es en esta ciudad donde comienza sus estudios de Ingeniería en la Universidad de Columbia, carrera que abandona para trasladarse a la Escuela de Artes Visuales de la misma universidad, donde obtiene su licenciatura. Desde esta época centra su investigación en la obra de artistas como Frank Stella, Brice Marden y Peter Halley, figuras claves con quienes tiene contacto directo; enseñanzas que se funden con el siempre presente cinetismo del arte venezolano, con figuras como Jesús Rafael Soto y Carlos Cruz-Diez. Su obra se desprende de sus predecesores para establecer su propio lenguaje abstracto, fruto de sus experiencias personales, con el fin de crear construcciones geométricas conceptuales.

Pablo Griss left his native country, Venezuela, at the age of nineteen and settled in New York. It is in this city where he began his Engineering studies at the University of Columbia; a career he abandoned and transferred to the Visual Arts School of the same university, and where he obtained his degree. Since then, he has focused his research on the works of artists like Frank Stella, Brice Marden and Peter Halley: key figures with which he has direct contact, whose lessons blend with the always present kinetics of Venezuelan art of figures of the like of Jesus Rafael Soto and Carlos Cruz-Diez. His work breaks free from his predecessor´s, and establishes its own abstract language, which results from his personal experiences, in order to create conceptual geometrical constructions.

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“My work can be a reflection of what I have been, what I am now, and what I would like to be”

Metallic Diablo. Magenta and Red (Diablo Metálico. Magenta y Rojo), 2016, acrílico y hojilla de oro de 6 quilates sobre lino, 82 x 106 cm / Metallic Diablo. Magenta and Red, 2016, acrylic and 6 carats gold leaf on linen , 82 x 106 cm - Metallic color magnetic continuum. Blue (Color metálico magnético continuo. Azul) 2016, acrílico y hojilla de paladio sobre lino, 72 x 288 cm / Metallic color magnetic continuum. Blue, 2016, acrylic and palladium leaf on linen, 72 x 288 cm - Color magnetic continuum. Doble blue and red (Color magnético continuo. Doble azul y rojo,) 2015, acrílico sobre lino, 160 x 145 cm / Color magnetic continuum. Doble blue and red, 2015, acrylic on linen, 160 x 145 cm - Superman.Triple Blue (Superman. Triple Azul), 2015, acrílico sobre lino, 190 x 260 cm/ Superman.Triple Blue, 2015, acrylic on linen, 190 x 260 cm.

FABIÁN CIRAOLO L

as ilustraciones de Fabián Ciraolo son llamativas y vibrantes. Además de su estética atractiva, capturan la atención por sus protagonistas; personajes reconocibles de la historia más reciente presentados en un contexto ajeno al original. Íconos de la música, del arte o superhéroes característicos de su propia generación son puestos en escenas descontextualizadas con fondos psicodélicos, intergalácticos y surrealistas. Sujetos que viven en el inconsciente colectivo de la mayoría de las personas, a quienes decide traer a su propio tiempo presente, aunque manteniendo sus estilos vintage. Sus trabajos son una novedosa representación de la cultura pop -invadida por tendencias modernas y a ratos irreverentes-, mezclada de buena manera con los rastros del pasado. Todo empezó cuando el artista viralizó sus creaciones a través de redes sociales y éstas pronto alcanzaron gran masividad. Y es que al apropiarse del imaginario social es posible conectar con el espectador

de un modo sumamente natural y generar profundo impacto a partir de la reinvención que caracteriza su propuesta creativa. Comienza con una estética basada en el uso del spray, témperas, acrílicos, lápices de colores y todo tipo de materiales y técnica mixta, para luego finalizar sus dibujos en un proceso digital. Así, logra modificar la manera de ver a ciertas figuras estereotipadas por medio de la combinación de la nostalgia con una mirada diferente y actual, jugando con lo remoto y lo moderno para dar vida a pinturas inéditas y totalmente atractivas. _______________ Fabian Ciraolo´s illustrations are vibrant and flashy. Besides their attractive aesthetics, they capture attention for their main characters: recognizable figures of recent history presented in a context unaffiliated to the original. Music and art icons or characteristic superheroes of his own generation are placed out of their context on scenes with psychedelic, intergalactic and surreal backgrounds. Characters that

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live in the collective unconscious of the majority of people, who he decides to bring to present times, although keeping their vintage style. His works are a novel representation of pop culture (invaded by modern and sometimes irreverent tendencies), blended in a good way with traces of the past. It all began when his creations turned viral through social networks and quickly caused a great impact. When he takes over social imaginary he is able to connect with the viewer in an extremely natural way, and generate deep effects through the reinvention that characterizes his artistic proposal. He begins with an aesthetic based on the use of spray, acrylics, tempera, color pencils and all kinds of materials and mixed techniques, to finish his drawings in a digital process. This way, he achieves the alteration of the way we see certain stereotyped figures by combining nostalgia with a different, contemporary look, playing with modern and remote to give life to unprecedented and totally attractive paintings.

CH 08.10.1980 ILUSTRACIÃ&#x201C;N ILLUSTRATION

www.fabciraolo.com

“Lo más importante es generar el ambiente adecuado”

Desde pequeño, Fabián Ciraolo encuentra en el dibujo un lenguaje expresivo que le es totalmente atractivo y natural. Utiliza todo tipo de materiales y desarrolla habilidades innatas que pronto dan frutos, vendiendo su primera pintura a los diez años. Decide estudiar Diseño Gráfico con mención en ilustración, destacándose continuamente por probar con nuevos elementos y técnicas. Pinta personajes que extrae del imaginario colectivo y transforma de acuerdo a una mirada distinta e irreverente. De esta manera, consigue efectos impactantes que combinan lo psicodélico, lo surrealista, lo punk y lo galáctico de modo totalmente innovador, lo que le ha permitido consolidarse como un reconocido artista tanto en Chile como en Latinoamérica.

From a young age, Fabian Ciraolo found an expressive language in drawing that is totally natural and attractive. He used all kinds of materials and developed innate abilities that soon gave fruits, selling his first painting at the age of 10. He decided to study Graphic Design with a mention in Illustration, continuously standing out for trying new elements and techniques. He paints characters that he takes out of the collective imaginary and changes them with different and irreverent looks. In this way, he achieves shocking effects that combine psychedelic, surrealist, punk, galactic and irreverent in a totally innovative way, all of which have allowed him to become established as a well-known artist in Chile and Latin America.

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“Creating a suitable environment is the most important”

Psycho, 2015, ilustraciรณn digital / Psycho, 2015, digital illustration. - Bella Lugosi, 2016, ilustraciรณn digital / Bella Lugosi, 2016, digital illustration. - Freddy Krueger, 2015, ilustraciรณn digital / Freddy Krueger, 2015, digital illustration. Frida del Rey, 2011, ilustraciรณn digital / Frida del Rey (Frida from the King), 2011, digital illustration. - Marylin, 2012, ilustraciรณn digital / Marylin, 2012, digital illustration.

FERNANDO ARIAS E

l ejercicio artístico de Fernando Arias no tiene que ver con un sentido estético. Más bien, se trata de una tarea comunicativa, pues se dedica a conectar determinadas ideas con el mundo exterior, al contar con inquietudes fundamentadas en temáticas de orden social y del medio ambiente, que finalmente convergen en la generación de conciencia y humanismo. El tema del cuerpo ha sido una preocupación constante. Por eso, en ocasiones lo “presta” como vehículo para elaborar su obra y tratar aspectos que se relacionan al individuo y también a grupos vulnerables en determinados espacios geográficos; personas que son golpeadas por la violencia, la guerra o situaciones de conflicto. Esto lo lleva a abordar cuestiones propias de la vida y la muerte. Ha trabajado el asunto del V.I.H. como un fluido mortal que provoca una poderosa estigmatización social; el uso del cuerpo como “mula” en el narcotráfico; los efectos de las guerrillas sobre la identidad personal, entre otros temas. Este es el motivo por el cual invitó a soldados, guerrilleros y oriundos de la zona de Chocó, Colombia, a desnudarse frente a su cámara, como un acto igualatorio a pesar de las problemáticas existentes.

A través de este tipo de acciones, desarrolladas en múltiples localidades, genera obras contundentes que dan pie a la reflexión. Éstas no necesariamente se articulan desde una misma línea disciplinaria. De hecho, cruzan sin problemas del video a la fotografía, la performance, la instalación y la escultura, aunque siempre dependen de una inquietud ética y crítica frente a condicionamientos sociales, políticos o religiosos. Por todo esto, a Arias lo llamamos artista. Pero también le nombramos “activista” en vista de su ardua labor informativa, que se fusiona con una especial y necesaria sensibilidad. _______________ Fernando Arias´ artistic participation has nothing to do with an aesthetical sense. It is, rather, a communicative task, since it focuses on connecting certain ideas with the outside world, and contemplates concerns based on themes of social order and environment, which in the end converge in the generation of humanism and conscience. The topic of the human body has been his constant concern. This is why he “lends” his figure as a vehicle to elaborate his work, and to deal with aspects that relate to individuals and vulnerable groups in

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certain geographical spaces: people that have been beaten by violence, war or situations of conflict. This makes him deal with matters of life and death. He has treated the subject of AIDS as a deadly fluid that provokes a powerful social stigma; the use of the human body as a “mule” for drug trafficking; the effects of guerrilla over personal identity, amongst other subjects. This is why he invited natives, soldiers and guerrillas from the Colombian zone of Chocó, to disrobe in front of his camera as an egalitarian act, in spite of the existing difficulties. Through these kinds of actions, which he develops in multiple locations, he generates convincing work that gives way to reflection. They are not necessarily articulated from a same disciplinary line. In fact, he jumps from video to photography, performance, installation and sculpture without problem, even though his work always sits upon an ethical and critical concern over social, political and religious conditions. For all these reasons, we call Arias an artist. But we also call him an “activist”, due to his difficult task of informing, that merges with a special and necessary sensitivity.

CO 30.09.1963

ARTISTA MULTIDISCIPLINAR MULTIDISCIPLINARY ARTIST

www.fernandoarias.org

“Exploro la ceguera/ sordera colectiva de la sociedad como error de concepto”

Fernando Arias, Premio Nacional de Arte en Colombia en 1994, nace en Armenia, estudia Publicidad en Colombia y se especializa en Diseño en el Reino Unido. Un recorrido similar hace con su obra, al emprender lo que llama un “viaje necesario” por zonas geográficas golpeadas por la violencia, la guerra o situaciones de conflicto. Cual nómada, descubre una amalgama de culturas y contextos que lo llevan a plantear su ejercicio artístico como uno enfocado en la condición humana y la generación de conciencia, mediante disciplinas variadas como el video, la fotografía, la performance y la instalación. A lo largo de su trayectoria genera proyectos y acciones que cuestionan temas sociales y del medio ambiente -como hace en su Fundación Más Arte Más Acción-, lo que lo convierte en uno de los artistas más prolíficos y comprometidos de Latinoamérica.

Fernando Arias, National Art Award winner in Colombia in 1994, was born in Armenia. He studied Advertising in Colombia and specialized in Design in the United Kingdom. He takes a similar journey with his work, as he undertakes what he calls a “necessary trip” to geographical sites beaten by violence, war and situations of conflict. Like a nomad, he discovers a wide range of cultures and contexts that make him outline his artistic exercise as one focused on the human condition and the generation of conscience, through assorted disciplines such as video, photography, installation and performance. Throughout his career, Arias has created actions and projects that question social and environmental themes –as he does in his Más Arte Más Accion (More Art More Action) Foundation- which makes him one of the most committed and prolific artists in Latin America.

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“I explore society´s collective blindness/ deafness as a conceptual error”

Soldado (del video Humanos Derechos), 2010, cuatro esculturas en bronce, 20 cm de altura / Soldado, (“Soldier”, from the Rights Humans Video) 2010, four bronce sculptures, 20 cm heigh. - Crisis, 2004, bronce, 30 cm diámetro, altura de letras 11 cm / Crisis, 2004, bronce, 30 cm diameter, letter height 11 cm - The Story of Arias (La Historia de Arias), 1998, metal, 45 x 17 x 21 cm / The Story of Arias, 1998, metal, 45 x 17 x 21 cm - Escudo Bala, 2009, bronce, 50 cm de alto / Escudo Bala (Shield Bullet), 2009, bronce, 50 cm heigh.- Paz, 2015, tubo de neón, dimensiones variables / Paz (Peace), 2015, neon tube, variable dimensions.

LUCIANO DENVER L

a obra de Luciano Denver reafirma el poder de la fotografía como una herramienta para crear realidades que van más allá de lo que está frente a nuestros ojos. El papel de esta disciplina como el fiel espejo del entorno humano es un canon obsoleto que da paso a una fuente infinita de oportunidades creativas. Al igual que una pintura y la ficción propia de ésta, nos encontramos frente a una representación que selecciona ciertos aspectos de la realidad para superponerlos en un nuevo y único universo, original e irrepetible. Denver logra traer a la vida estos e s p a c i o s i n e x i s te n te s , p e ro inquietantemente reales a la vez, mediante la cuidada selección de sitios arquitectónicos de diversos orígenes y latitudes. Unidos en un gran todo de manera casi indisoluble, el fotógrafo argentino configura realidades paralelas que cuestionan una y otra vez la veracidad de la imagen que absorbe nuestra retina. Y, al mismo tiempo, la noción de la fotografía como una representación fiel de la realidad. Surgen así lugares híbridos, fruto de la superposición de planos y estructuras; un colorido pastiche de contextos, culturas, experiencias, y de las propias fantasías del artista.

En el resultado se hace visible la singular forma en que cada latitud hace uso de la arquitectura. A veces usando literalmente una toma a la que sólo se le añaden algunos elementos, otras diseñando terrenos inexistentes a partir de cientos de detalles sacados de su contexto original. Cada imagen terminada evidencia la esencia de un lugar que ha construido su propia tipología espacial. A través de sus fotografías, Luciano Denver logra ser el arquitecto que hace real aquello existente sólo en su imaginación, construyendo sus propias utopías geográficas. _______________ Luciano Denver´s work confirms the power of photography as a tool to create realities that go beyond what we see. This discipline role as a faithful mirror of human surroundings has become obsolete, and has transformed into an infinite source of creative opportunities. We find ourselves facing, as in painting and its fiction, a representation that selects certain aspects of reality to overlap them in a new, original, unique and unrepeatable universe. Denver brings these inexistent, yet incredibly real spaces, to life through a careful selection of architectural sites

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from different origins and latitudes. The Argentinian photographer puts them together in a whole, in an almost unbreakable way, to configure parallel realities that question the truthfulness of the image absorbed by our retina, once and again. At the same time, he questions photography as a faithful representation of reality. This is how hybrid places spring forth, due to the overlap of levels and structures; a colorful pastiche of contexts, cultures, experiences and the artists’ own fantasies. As a result, his work becomes visible in the particular way in which each place uses architecture. Sometimes he literally uses only one shot, to which he only adds some elements; other times he designs inexistent fields from hundreds of details that he takes out of their original context. Each finished image portrays the essence of a place that has built its own spatial typology. Through his photographs, Luciano Denver has become the architect able to give life to what exists only in his imagination, by building his own geographical utopias.

GEN

23.05.1975 FOTOGRAFÍA PHOTOGRAPHY

www.lucianodenver.com.ar

“Tengo un interés por la naturaleza renovable de la arquitectura”

Su formación de arquitecto en la Universidad de Buenos Aires ha sido un elemento clave para el desarrollo del cuerpo de obra de Luciano Denver. Observando estructuras arquitectónicas y paisajes, y siempre ligado a la fotografía, comienza a trabajar la técnica del fotomontaje o ensamblaje digital, superponiendo diversas tomas fotográficas para unirlas en un todo que se transforma en una nueva realidad en sí misma. Es así como permite entrever contextos y situaciones con orígenes disímiles que encajan como piezas de un elaborado rompecabezas. Actualmente radicado en Colombia, el artista se vale de su formación inicial y de su pasión por la fotografía para crear collages conjugados en una técnica y factura impecable.

His architectural studies in the University of Buenos Aires have been a key element for the development of Luciano Denver´s body of work. By observing architectural structures and landscapes, and always connecting to photography, he has begun to work on the technique of photomontage or digital ensemble, overlapping different photographic shots and uniting them in a whole that transforms into a new, particular reality. Because of this, he allows us to catch a glimpse of different contexts and situations, from dissimilar origins, that fit like pieces in an elaborate puzzle. Currently based in Colombia, the artist makes use of his initial education and his passion for photography to create collages that blend impeccable technique and craft.

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“I am interested in the renewable architecture of nature”

Dos casas, 2016, fotomontaje digital impreso en papel de algod贸n, 110 x 110 cm / Dos casas (Two Houses) , 2016, digital photomontage printed on cotton paper, 110 x 110 cm - Motokar Eiffel, 2016, fotomontaje digital impreso en papel de algod贸n, 97 x 200 cm / Motokar Eiffel, 2016, digital photomontage printed on cotton paper, 97 x 200 cm - Iris Hostel, 2015, fotomontaje digital impreso en papel de algod贸n, 110 x 110 cm / Iris Hostel, 2015, digital photomontage printed on cotton paper, 110 x 110 cm - Mercado del Altiplano, 2014, fotomontaje digital impreso en papel de algod贸n, 87 x 87 cm / Mercado del Altiplano (Altiplano Market), 2014, digital photomontage printed on cotton paper, 87 x 87 cm.

MARIA LYNCH M

aria Lynch es lo que se llama una artista multidisciplinar. Trabaja una variedad de soportes, utilizando según sea el caso el que mejor se adapte a las ideas y objetivos que su desbordante imaginación propone. Pintura, dibujo, escultura, instalación, performance, video arte y fotografía son algunas de las formas de expresión que ha explorado, siempre con resultados que sorprenden en sus planteamientos y factura. La artista brasilera trabaja desafiando constantemente al espectador, proponiendo escenarios que rompen con la lógica tradicional y que nos sitúan constantemente fuera de nuestra “zona de confort”. Es en ese instante cuando surgen los cuestionamientos acerca de nuestras creencias, lo que conocemos, lo que somos, lo que vemos. A través del color, la acumulación de objetos e infinidad de recursos sensoriales, Lynch invita a dejarse llevar por las fuerzas punzantes que marcan cada uno de sus trabajos, para descubrir lo que hay más allá del imaginario que nos hemos autoconstruido.

Su obra nos invita a jugar, a sumergirnos en estos espacios creados donde todo es posible. Con humor, la artista explora lúdicamente aquello que detona nuestras fuerzas interiores, en un intento por llegar a esa esencia profunda que nosotros mismos desconocemos. Un atrevido uso del color es la puerta para proponer situaciones interactivas con una potente fuerza de atracción, tanto en sus atrapantes pinturas como en las inmersivas instalaciones que propone. _______________ Maria Lynch is a multidisciplinary artist. She works on a variety of formats, and in each case, she chooses the one that best adapts to the ideas and objectives that her boundless imagination suggests. Painting, drawing, sculpture, installation, performance, video-art and photography are some of the expressive forms she has explored, always obtaining surprising results in her craft and proposals. This Brazilian artist constantly challenges the viewer with her work, through the proposal of scenarios that

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break free from common sense and place us outside our “comfort zone”. It is in this instant where questions about our beliefs, about what we are, what we see and what we know, arise. Through color, object accumulation and an endless number of sensorial resources, Lynch invites us to be seized by the stabbing forces present in each one of her works, in order to discover what is beyond our selfconstructed imaginary. Her work invites us to play, to sink into those invented spaces where everything is possible. With humor, the artist playfully explores what detonates our inner forces, in an attempt to reach that deep essence we are ignorant of. Through a daring use of color in her captivating paintings and immersive installations, she opens the door to the proposal of interactive situations, with a powerful force of attraction.

13.07.1981 ARTISTA MULTIDISCIPLINAR MULTIDISCIPLINARY ARTIST

www.marialynch.com.br

“Es imposible definir mi trabajo, cuando eso pase ya no seré más artista”

Maria Lynch vive y trabaja en Nueva York, Estados Unidos, país al que decidió viajar luego de obtener su Máster en Fine Arts y un diploma de postgrado en el Chelsea College of Art & Design en Londres, Inglaterra. Su campo de actuar no se limita a una disciplina y la ha llevado a estar en constante búsqueda y experimentación, tanto de soportes como de materiales y medios, lo que le ha valido un rápido reconocimiento y la posibilidad de realizar una amplia serie de exhibiciones y residencias. Entre sus múltiples reconocimientos destacan le beca de la Embajada de Brasil en Nueva York para su muestra individual en Storefront For Art And Architecture, en la misma ciudad, y la presencia de su obra en las colecciones de reconocidos museos a lo largo de Brasil.

Maria Lynch lives and works in New York, the United States: the country she decided to travel to after obtaining her Masters in Fine Arts and a postgraduate diploma in the Chelsea College of Art and Design in London, England. Her field of work is not limited to one discipline, and has driven her to constant search and experimentation of foundations, materials and means, making her worthy of quick recognition and the possibility to create a large series of exhibitions and residences. Among her many awards, she has obtained the Brazilian Embassy of New York scholarship for her individual exhibition in the Storefront for Art and Architecture in New York, and her work is also present in the collections of famous museums throughout Brazil.

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“It is impossible to define my work; if that happens, I will no longer be an artist”

Portrait 7 (Retrato 7), 2012, 80 x 53 cm / Portrait 7, 2012, 80 x 53 cm - De la serie Abstração Sobre Mulheres 55 (Abstracción sobre las mujeres 55), 2012, 110 x 170 y 40 x 60 cm / From the series Abstração Sobre Mulheres 55 (Abstraction about Women 55), 2012, 110 x 170 y 40 x 60 cm - Ocupação Macia (Ocupación Macia), 2012, acrilonitrilo y tejido, 580 x 460 cm /Ocupação Macia (Macia Occupation), 2012, acrylonitrile and weave, 580 x 460 cm - Disjunção Espacial (Disyunción Espacial) 2013, acrilonitrilo y tejido, 1400 x 150 cm / Disjunção Espacial (Space Disjunction) 2013, acrylonitrile and weave, 1400 x 150 cm.

PATRICIA ARENA L

a búsqueda de Patricia Arena es un proceso íntimo guiado por una sensible intuición, cuyo fin es encontrarse con la belleza. Aquella esencia sublime, esa belleza intrínseca que está en y por todas partes. Es la naturaleza, el cuerpo humano, el arte, el mundo que nos rodea. Son también los silencios, el movimiento, el tiempo, la calma, la iluminación y la energía. Todo fluye y se conecta en un gran campo de fuerza que transita a través de la emoción y de los sentidos. La suya es una obra profundamente conectada con sus raíces y su mundo interior. Sensitiva y sagaz, la artista explora las relaciones entre espacios íntimos y su conexión espiritual con aquel mundo del que formamos parte. Esta intencionalidad se hace palpable en Arboretum Corporeus, una de sus más recientes series fotográficas, donde a través de imágenes en blanco y negro encuentra la forma de crear un diálogo sincero en el que plasma su intención de comunicar. En las imágenes de la serie se distingue un torso sensual, un ser en pose meditativo que, una y otra vez, es situado translúcidamente en distintos escenarios, tan diversos como disímiles

en sus orígenes. Son bosques, museos, estructuras arquitectónicas; distintos contextos que un cuerpo etéreo comparte y en el que siempre es capaz de encontrar la paz, el equilibrio. En palabras de la artista: “Donde te encuentres, nada ni nadie debe perturbarte. Estás adonde quieres estar energéticamente. Si serás o no serás percibido, no tiene relevancia”. Al otro lado, al lado nuestro, el silencio. Aquella quietud que permite la comunión profunda con la obra. Patricia Arena nos invita a meditar libremente en un viaje atemporal, donde cada uno será quien trace su propio camino espiritual. _______________ Patricia Arena´s quest is an intimate process guided by a sensitive intuition, with the purpose of encountering beauty. That sublime essence, that intricate beauty is everywhere, and in everything. It is nature, the human body, art, the surrounding world. It is also silence, movement, time, peace, illumination and energy. Everything flows and connects in a great force field that travels through senses and emotions. Her work is deeply connected to her roots and her internal world. The artist explores, the sharp and the

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sensitive, the relationship between intimate spaces and their spiritual connection with the world we live in. This intention becomes tangible in Arboretum Corporeus, one of her recent photographic series, were she finds the way to create a sincere dialogue in which she expresses her intention to communicate, through images in black and white. A sensual torso stands out in the images of the series; a being in a meditative pose that is placed translucent, once and again, in different scenarios that are diverse and dissimilar in their origins. Museums, woods, architectural structures: different contexts that an ethereal body inhabits, finding peace and harmony. In the artists´ own words: “Nobody and nothing shall disturb you, no matter where you are. You are where you want to be, energetically. It is irrelevant if you will or will not be perceived” On the other side (our side) is silence. A stillness that allows us to bond deeply with her work. Patricia Arena invites us to meditate freely on a timeless journey, where each one traces their own spiritual road.

P 19.12.1961 FOTOGRAFÍA PHOTOGRAPHY

www.patriciaarena.com

“Tú permaneces o te transportas espiritualmente, regresando siempre a tu propia fuente”

Patricia Arena ha enriquecido su carrera artística mediante cursos de historia del arte en el École du Musée du Louvre, y estudios de fotografía en el London School of Photography, entre otros. Además, obtuvo la certificación de profesora de yoga en The Chopra Center for Wellbeing, California. La práctica de esta disciplina ancestral marca un antes y un después en su trabajo. Es esta búsqueda por lograr un estado mental, emocional y espiritual, la que ha calado profundamente en su manera de caminar la vida. De esta forma, la artista busca conscientemente encontrar la armonía en donde la actividad diaria y su silencio interior estén equitativamente balanceados. Y lo logra a través de un cuerpo de obra sólido, comunicante y silencioso a la vez.

Patricia Arena has enriched her artistic career through Art History courses in the École du Musée du Louvre, and photography studies in the London School of Photography, amongst others. She also obtained a Yoga instructor certificate in The Chopra Center for Wellbeing, in California. Her practice of this ancient discipline marks a before and after in her work. It is this quest for the achievement of a mental, emotional and spiritual state that has deeply penetrated the way she walks through life. This way, the artist consciously seeks a harmonic state, where daily activity and her internal silence are fairly balanced. She has achieved this through a solid, communicative and silent body of work.

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“You remain or transport yourself spiritually, always returning to your own source”

Arboretum corporeus. Bosque de sentidos, 2016, fotografía impresa en papel de algodón 60 x 40 cm / Arboretum corporeus. Bosque de sentidos (Corporeus Arboretum. Forest of Senses), 2016, photograph printed on cotton paper, 60 x 40 cm - Arboretum corporeus. Reflejos de nuestra consciencia, 2016, fotografía impresa en papel de algodón, 60 x 40 cm / Arboretum corporeus. Reflejos de nuestra consciencia (Corporeus Arboretum. Reflections of our awareness), 2016, photograph printed on cotton paper, 60 x 40 cm - Arboretum corporeus. Unión cuerpo mente espíritu naturaleza, 2016, fotografía impresa en papel de algodón, 60 x 60 cm / Arboretum corporeus. Unión cuerpo mente espíritu naturaleza (Corporeus Arboretum. Union body mind spirit nature), 2016, photograph printed on cotton paper, 60 x 60 cm Arboretum corporeus. Cuerpo como instrumento de, 2016, fotografía impresa en papel de algodón, 60 x 60 cm / Arboretum corporeus. Cuerpo como instrumento de (Corporeus Arboretum. Body as an instrument of), 2016, photograph printed on cotton paper, 60 x 60 cm.

ROBERTO LOMBANA R

epetitivo, cíclico, hipnotizante. El mandala es un cúmulo de energía concentrada que atrapa nuestra mirada y es capaz de sumergirnos en un profundo transe de observación. Roberto Lombana ha elegido esta forma y sus símbolos para desarrollar su ágil ojo fotográfico a través de modelos perfectamente repetidos hasta alcanzar la perfección: el círculo total, sin principio ni fin, aquella forma divina que el artista repleta de siluetas terrenales. En un principio fue la arquitectura. Las ciudades, su constante movimiento, intensidad y el sello que cada gran urbe llevaba consigo fue lo que buscó rescatar en una serie de mandalas que tenían a Hong Kong, Nueva York y París como protagonistas. Ahora se ha atrevido a ir más lejos, y también más cerca al mismo tiempo. Y ha vuelto al origen. A la naturaleza primitiva que compone el mundo que habitamos. La serie Paisaje Amazonas continúa en la línea compositiva de aquello que

lo identifica: la forma del mandala, su componente energético, geométrico y óptico; la toma aérea, la manipulación digital, la unión de elementos. Pero en esta oportunidad, las calles y edificios han sido reemplazados por imperiosos verdes que dominan la composición. Es una naturaleza nueva, que surge de la repetición de los mismos patrones que la componen. Perfecta e inquietantemente real al mismo tiempo, nos hace volver a la raíz, al tiempo que nos conecta con un nuevo mundo. Un mundo sobrenatural. _______________ Repetitive, cyclical, hypnotizing. A mandala is a heap of concentrated energy that catches our gaze and is able to submerge us into a deep observation trance. Roberto Lombana has chosen this shape and its symbols to develop his agile photographic eye through perfectly repeated models until reaching perfection: the complete circle, without end or beginning; that divine form that the artist fills with earthly silhouettes.

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In the beginning, Lombana wanted to rescue architecture in a series of mandalas in which Hong Kong, New York and Paris, and their constant movement and intensity, as well as their particular seal, where the main characters: Now, he has dared to go further, and closer at the same time. He has gone back to the beginning. To the primitive nature from which the world we live in is made of; to what existed even before humanity. The series Paisaje Amazona (Amazon Landscape) continues with the composition line that identifies him: the shape of a Mandala and its geometrical, energetic and optical component; the aerial shot, digital manipulation, and joining of elements. However, in this opportunity, cities and buildings have been replaced by imperial greens that prevail in its composition. Perfect and disturbingly real at the same time, he makes us come back to the origins, and connects us with a new, supernatural world.

CO 08.03.1977 FOTOGRAFÍA PHOTOGRAPHY

www.robertolombana.com

“Me gusta que el observador capte la energía a través de la imagen”

Luego de obtener su Bachelor of Arts por la Arizona State University, Roberto Lombana ha recorrido el mundo con su cámara en mano. Desde siempre se ha sentido muy atraído por la ciudad, la arquitectura, el movimiento. Uniendo sus referentes con una búsqueda energética es que comenzó a desarrollar sus “mandalas”, formas que lo han acompañado a lo largo de su carrera como artista y que hoy son su sello personal. Ante esta técnica de fotografía panóptica y montaje digital han desfilado las grandes urbes del planeta, y ahora también lo hace la naturaleza, en un nuevo desafío por captar aquella energía desbordante que ninguna construcción humana puede imitar.

After obtaining his Bachelor of Arts degree from Arizona State University, Roberto Lombana wandered the world with his camera at hand. He has always felt very attracted to cities, architecture and movement. He began developing his “mandalas” after putting his models together with an energetic search. These shapes have accompanied him throughout his artistic career, and are now his personal seal. Large metropolises from the world have paraded his panoptical photographic technique and digital assembly, and now nature does too, in a new challenge to capture that boundless energy that no human construction can imitate.

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“I like that the viewer captures energy through the image”

Ser Totémico, 2015, foto sobre lienzo, Amazonas, 140 cm diámetro / Ser totémico (Totemic Being) 2015, photo on canvas, Amazonas, 140 cm diameter. - Hueso de Pájaro, 2015, foto sobre lienzo, Amazonas, 140 cm diámetro / Hueso de Pájaro (Bird Bone), 2015, photo on canvas, Amazonas, 140 cm diameter. - Araña, 2015, foto sobre lienzo, Amazonas, 140 cm diámetro / Araña (Spider), 2015, photo on canvas, Amazonas, 140 cm diameter. - El Río, 2015, foto sobre lienzo, Amazonas, 140 cm diámetro / El Río (The River), 2015, photo on canvas, Amazonas, 140 cm diameter. - Anillo de invierno, 2015, foto sobre lienzo, Amazonas, 140 cm diámetro / Anillo de invierno (Winter Ring), 2015, photo on canvas, Amazonas, 140 cm diameter.

IRIS HELENA L

a artista brasileña Iris Helena se inspira en la ciudad y el entorno urbano, espacios donde encuentra elementos que vincula con su propia identidad. Considera que ciertos detalles, a veces insignificantes frente a la mirada cotidiana, son los que contienen la historia de los lugares, como marcas y pruebas de lo vivido. Y son precisamente éstos los que utiliza para desarrollar su obra, conectándolos al paso del tiempo de un modo sumamente innovador y llamativo. Su modus operandi comienza con la fotografía digital, aunque luego traspasa esa frontera para conectar con otros lenguajes. Primero, captura imágenes de escenas citadinas y edificaciones que dejan ver el correr de los años, y luego se interesa por aquellos elementos que llevan implícitamente una carga simbólica. Es con éstos que luego interviene su proceso artístico, que incluye hojas de árboles, fragmentos de papel higiénico, recibos de compras y hasta pequeños post-it para explotar el contexto de sus locaciones desde una perspectiva personal. Se caracteriza por utilizar materiales sencillos que se relacionan con lo

efímero, tal como las circunstancias y construcciones que retrata y también como su propia obra, que al estar impresa sobre este tipo de láminas, tiende a deshacerse o a desaparecer. Evidenciando la importancia del recuerdo, la artista hace un llamado de atención respecto al abandono que sufren ciertas zonas. Mediante una cuidada selección de objetos busca materializar la visión que tiene de su entorno, a través de soportes que representan su propio consumo, lo que le añade un valor especial a la creación final en un sentido poético, filosófico y estético. _______________ Brazilian artist Iris Helena finds inspiration in the city and in urban surroundings: places in which she comes across elements that she links to her own identity. She considers that certain details, sometimes meaningless to an everyday glance, are what contain the history of places; like marks and evidence of lived experiences. These elements are precisely what she uses to develop her work, connecting them to the passing of time in an extremely innovative and remarkable way.

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Her modus operandi begins with digital photography, even though she later crosses that frontier to connect with other languages. First, she captures images of city scenes and buildings that portrait the passing of time, and then becomes interested in those elements that implicitly carry a symbolic load. Afterwards, she intervenes her artistic process (which includes tree leafs, fragments of toilet paper, recepits and even small post-its) with these, to explore her location’s context through a personal perspective. She is characterized for using simple materials that relate to ephemeral, just like the constructions and circumstances that she portrays, as well as her own work, that tends to disappear or come apart when it is imprinted on these type of prints. The artist, making the importance of memory clear, calls attention upon the abandonment suffered in certain zones. Through a careful selection of objects, she seeks the materialization of the vision she has of her surroundings, through supports that represent her own consumption, that add a special value to the final creation in a poetical, philosophical and aesthetical sense.

31.08.1987 ARTISTA MULTIDISCIPLINAR MULTIDISCIPLINARY ARTIST

www.irishelena.com

“La observación de la vida cotidiana me da temas para mi investigación artística”

Iris Helena nace en João Pessoa, Brasil, en donde desarrolla un especial acercamiento hacia el arte, sobre todo al desmontar objetos y rearmarlos. A los 18 años decide estudiar Bachiller en Artes Visuales en la Universidad Federal de Paraiba, y más adelante una Maestría en Poéticas Contemporáneas en la Universidad de Brasilia. En cuanto a su veta fotográfica, se ha visto influenciada por su maestra, Marta Penner. A su vez, adquiere conocimientos de Agnaldo Farías en el Instituto Tomie Ohtake, y de Fernando Cocchiarale en Usina Cultural Energisa. Todo esto la ha transformado en una artista contundente tanto en su país natal como en el extranjero, donde destaca su participación en la II Ural Bienal Industrial de Arte Contemporáneo, en Rusia.

Iris Helena was born in João Pessoa, Brazil, where she developed a special approach to Art, especially to dismantling and re-building objects. At 18, she decided to study Visual Arts in the Universidad Federal de Paraiba, and later a Masters in Contemporary Poetics in the Universidad de Brasilia. Her photographic style has been influenced by her teacher, Martha Penner. At the same time, she acquired knowledge from Agnaldo Farias in the Instituto Tomie Ohtake, and from Fernando Cocchiarale in the Usinia Cultural Energisa. Because of this, she has become a convincing artist in her native country and abroad, where her participation at the II Ural Industrial Biennal of Contemporary Art in Russia stands out.

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“The observation of everyday life provides new themes to my artistic investigation”

Notas públicas N°2, de la serie “Recordatorios”, 2010, impresión de inyección de tinta en notas amarillas, 210 x 297 cm / Notas públicas N°2 (Public Notes N° 2, from the “Reminders” series), 2010, inkjet printing on yellow notes, 210 x 297 cm - Mimos N°1, de la serie “Ruinas”, 2012, impresión doblefaz inyección de tinta en papel higiénico, 100 x 130 cm / Mimos N°1 (Spoils N°1, from the “Ruins” series), 2012, inkjet on double sided toilet paper, 100 x 130 cm - Mimos N°1, de la serie “Ruinas”, 2012, impresión doblefaz inyección de tinta en papel higiénico, 100 x 130 cm / Mimos N°1 (Spoils N°1, from the “Ruins” series), 2012, inkjet on double sided toilet paper, 100 x 130 cm - Reparto justo, de la serie “Ruinas”, 2015, impresión doblefaz inyección de tinta en papel higiénico, 120 x 162 cm / Reparto justo (Fair share, from the “Ruins” series), 2015, inkjet on double sided toilet paper, 120 x 162 cm.

ANDREA MOCCIO A

ndrea Moccio elabora su obra a partir de la experimentación con objetos que, con los años, han extendido las fronteras estéticas del arte contemporáneo al ser considerados parte activa de su reino. Siguiendo este patrón, los conjuga con diversas claves interpretativas, con lo cual asumen una doble lectura, una “poética objetual”. Como rasgo predominante en su obra, la artista argentina se interesa por materiales flexibles y maleables, que puedan ser reciclados y así evolucionar hacia nuevos conceptos, lejanos a los de su función original.

Su obra pareciera tener aires textiles. El papel, si bien es frágil, lo trabaja como una membrana entramada y resistente que brinda una apariencia geométrica y texturada, generando un interesante juego visual. Con extrema destreza, manipula los objetos seleccionados hasta que adquieren un sentido estético. Algo que su oficio artesanal -la serigrafía-, al tener la posibilidad de generar múltiples originales y producir de modo aleatorio, le permite trabajar con un sello profundamente lúdico. _______________

El papel es su medio protagonista; lo exhibe plegado, guillotinado, estampado o como guirnalda. Y es que si bien a primera vista su obra se camufla con esculturas abstractas que varían en su forma y color, la mayoría de sus propuestas se basan en guías telefónicas que han perdido su utilidad convencional. Hoy por hoy, se consideran casi obsoletas, por lo que Moccio las transforma en su principal vehículo para futuras creaciones. Así, finas hojas grabadas con nombres y direcciones dan vida a nuevas piezas que su autora deja abiertas a la interpretación, pues sus datos, en su nueva disposición, resultan ya incomprensibles.

Andrea Moccio produces her work from object experimentation that has stretched out the aesthetical frontiers of contemporary art through the years, since they are considered an active part of her kingdom. Following this pattern, she combines them with different interpretative codes, with which they assume a double lecture, an “object poetry”. As a prevailing feature in her work, the Argentinian artist is interested in flexible and malleable materials that can be recycled to evolve towards new concepts, distant from their original function.

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Paper plays the leading role; she displays it folded, stamped, paper-cut or like a garland. Even though at first sight her work camouflages with abstract sculptures that vary in shape and color, most of her proposals are based on telephone guides that have lost their conventional utility. Nowadays, they are considered almost obsolete; this is why Moccio transforms them into her main vehicle for future creations. Because of this, thin leaves engraved with names and addresses give life to new pieces that her author leaves open for interpretation, since their information, in their new disposition, turns out to be incomprehensible. Her artwork seems to have textile airs. She works paper like a resistant schemed membrane, even though it is fragile, which gives a geometrical and textured appearance, creating an interesting visual game. With extreme skill, she manipulates selected objects until they acquire an aesthetical sense. Something her handcrafted profession (serigraph) permits her to work with a deeply dream-like seal, since it allows the possibility of generating and producing original multiples in random ways.

GEN

AR 31.03.1964 ESCULTURA SCULPTURE

www.andreamoccio.com.ar

“La obra parece una flecha certera al corazón cuando el oficio y el concepto se alinean”

Andrea Moccio es artista visual de profesión, formación que complementa mediante una serie de talleres dictados por Matilde Marín, Alfredo Portillos y Diana Aisenberg. Viaja a Francia, donde participa del Taller de Instalaciones y Objetos que dicta Christian Boltanski en la Escuela Nacional de Bellas Artes de París. Más tarde se especializa en serigrafía, en Arteleku en San Sebastián, España, guiada por el impresor y editor Manuel Bello. Vuelve a Argentina, su país natal, con un bagaje diferente que utiliza como eje central en su práctica y producción artística, y también en la docencia. Desde entonces, realiza ediciones en papel y escoge materiales diversos que interviene -como goma, plástico y otros-, para construir una poética objetual cuestionando los límites de la gráfica.

Andrea Moccio is a Visual Artist, one that she has complemented through a series of workshops dictated by Matilde Marin, Alfredo Portillos and Diana Aisenberg. She travelled to France, where she participated in the Object and Installation workshop orated by Christian Boltanski in the National Fine Arts School of Paris. Later on, she specialized in silk-screen printing, in Arteleku in San Sebastian, Spain, guided by the editor and printer Manuel Bello. She returned to Argentina, her native country, with a different knowledge that she uses as the central concept of her practice and her artistic production, and also in teaching. Since then, she has created paper editions and choses different materials to intervene –like rubber and plastic, among others-, to build a poetry of objects that questions the limits of graphics.

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“When craft and concept are aligned, the work becomes an accurate arrow to the heart”

Sin Título, 2002, guías telefónicas guillotinadas, 60 x 50 cm / Untitled, 2002, guillotined phonebooks, 60 x 50 cm - Sin Título, 2002, guías telefónicas guillotinadas y serigrafiadas, 60 x 50 cm / Untitled, 2002, guillotined and silkscreened phonebooks, 60 x 50 cm*. - Plumas, 2002, guías telefónicas guillotinadas, 60 x 50 cm / Plumas (Feathers), 2002, guillotined phonebooks, 60 x 50 cm - Redonda, 2006, guías telefónicas guillotinadas, 60 x 50 cm / Redonda (Round), 2006, guillotined phonebooks, 60 x 50 cm - Redondas, 2004, guías telefónicas guillotinadas, medidas variables / Redondas (Round), 2004, guillotined phonebooks, variable dimensions.

RODRIGO PETRELLA P

ara el fotógrafo Rodrigo Petrella las imágenes siempre han significado una especial inspiración en su vida. Por gracia del destino creció con una cámara en la mano, lo que lo llevó a desarrollarse profesionalmente, primero enfocándose en moda y luego en el registro de comunidades y culturas que habitan la selva amazónica, lo que ha llegado a convertirse en el corazón de su propuesta artística. En su trabajo aborda el territorio y la identidad como testimonios que encaran la existencia de los pueblos tradicionales al margen del mundo globalizado, en tiempos en los que se vive una progresiva destrucción de su ecosistema.

Trabaja con una máquina análoga -una Rolleiflex en formato de 6x6-, ya que el negativo le brinda una amplia versatilidad. Además, al tener una lente fija, consigue que los resultados se asemejen a los de la mirada humana, lo que supone una apreciación familiar para el espectador. De esta manera, captura imágenes de cuerpos pintados, rituales y momentos de espontaneidad, que luego retoca digitalmente. Todo esto como un acto testimonial que se basa en un mundo amenazado por el desequilibrio de las acciones humanas y la falta de tolerancia, lo que se ha convertido en el leit motiv de su trabajo. _______________

Sus fotografías revelan la cotidianeidad de grupos étnicos desde una lectura diferente: su formación artística no contempla un pensamiento sistematizado, lo que se refleja en una relación entre el fotógrafo y el fotografiado sin órdenes jerárquicos. Es decir, logra crear una narrativa construida en conjunto. Sus imágenes muestran objetos de cultura material e inmaterial escogidos según lo que las personas que retrata estiman pertinente compartir. Así, genera un ejercicio inclusivo y enriquecido por diferentes miradas.

Images have always represented a special inspiration in Rodrigo Petrella´s life. By fate, he grew up with a camera in his hand, which drove him to develop himself professionally: first focusing on fashion, and later on recording cultures and communities that inhabit the Amazon jungle. The latter has become the core of his artistic proposal. His work undertakes identity and territory as a proof of the existence of traditional people that live apart from the globalized world, in times where a progressive destruction of their ecosystem is taking place.

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His photographs reveal the everyday life of ethnic groups from a different perspective: his artistic formation does not consider organized thinking, and this reflects in the non-hierarchical relationship between model and photographer. In other words, he creates a narrative that is constructed as a whole. His images reveal material and non-material cultural objects that are chosen according to what the people he photographs consider is relevant to share. This way, he carries out an inclusive exercise, which is enriched by different perspectives. Petrella works with an analogue camera -a 6x6 format Rolleiflex-, since the negatives allow him a wide versatility. Besides, by having a fixed lens, he achieves the resemblance of his results to the human gaze, allowing the viewer to carry out a familiar evaluation. As a result, he captures images of painted bodies, rituals and spontaneous moments, which he later retouches digitally. This process becomes a testimony of a world threatened by the instability of human actions and lack of tolerance, which has become his work´s leit motiv.

BR 06.03.1972 FOTOGRAFÍA PHOTOGRAPHY

www.rodrigopetrella.com

“Estar solo, en condición de extranjero, me conecta con el cuerpo del mundo”

Rodrigo Petrella nace en Sao Paulo, Brasil, y desde sus primeros años encuentra en la fotografía una especial fascinación. La ejerce profesionalmente desde 1994, primero en la industria de la moda, en Nueva York, en donde trabaja para la W Magazine, Vogue, e ID, entre otras revistas internacionales. Ya en 2001 vuelve su país natal para enfocarse en el registro fotográfico de la vida cotidiana de comunidades indígenas en el Amazonas. Esta decisión implica un cambio radical tanto para su estilo de vida como para su propuesta artística, la que pronto se convierte en un poderoso testimonio que encara la destrucción de ecosistemas y el desmantelamiento de ciertas formas de vida en favor del “progreso” de unos pocos.

Rodrigo Petrella was born in Sao Paulo, Brazil, and during his first years he developed a special fascination towards photography. He has practiced it professionally since 1994, first in the fashion industry in New York, where he worked for W Magazine, Vogue and ID, among other international magazines. In 2001, he returned to his native country to focus on the photographic record of the everyday life of indigenous communities in the Amazons. This decision implied a radical change in his lifestyle and his artistic proposal, which became powerful proof of the destruction of ecosystems and dismantling of certain forms of life in favor of the “progress” of a few.

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“Being alone, in the condition of a stranger, connects me with the world´s body”

Todas las imรกgenes de la serie Mekaron, 2010, pigmento mineral sobre papel de algodรณn, 150 x 110 cm / All photos from the Makaron series, 2010, mineral pigment on cotton paper, 150 x 110 cm.

JACINTA BESA J

acinta Besa ha encontrado en la plasticina el medio idóneo para trasmitir los temas que la inquietan, de una manera directa y sensorial. En sus obras, verdaderas pinturas hechas en base a una unión directa de la masa y el soporte, la artista explora conceptos relacionados a los roles de género y sus contrasentidos, como aquellos estereotipos sociales que indican la manera en que debemos comportarnos como seres humanos para encajar dentro de los estándares de lo “correcto”. Su trabajo contrasta la belleza de sus escenarios -y la delicada técnica con la que es llevado a cabo- con el crítico mensaje de sus planteamientos. Son obras sin miedo a ser políticas o controversiales en sus enunciados, piezas que nos hablan de la maternidad, la sexualidad y los roles de hombres y mujeres a través de metáforas y simbolismos, siempre sutiles pero directos a la vez.

Para lograr cada una de sus acabadas piezas hay un proceso previo de collage digital, donde une figuras que después traduce a pequeñas unidades de color. Es así como luego logra traspasarlo al soporte físico, prescindiendo del pincel como intermediario para construir con sus manos su propia superficie texturada. Así, se evidencia en cada obra un proceso íntimo y personal, un acto que imprime su huella digital en cada rincón de la obra en sí misma. _______________ Plasticine is the means Jacinta Besa has found the most suitable to transmit ideas that disturb her in a direct and sensorial manner. Through her work (real paintings based on the direct conection between mass and support), the artist explores notions related to the roles of men and women and their contradictions, as well as social stereotypes that point out how we should behave as human beings in order to fit in the “correct” standards.

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Jacinta´s work contrasts the beauty of her scenes and the delicate technique with which she constructs them, with the critical messages contained in her proposals. Her work´s statements do not fear being political or controversial. Her pieces talk about maternity, sexuality and the roles of men and women in society, through direct (but always subtle) metaphors and symbols. To achieve each one of her finished pieces, she first undergoes a digital collage process, where she puts figures together, and transforms them later into small color units. By doing this, she is able to transfer them onto a physical support, disregarding the use of brush as an intermediary, but using her hands instead, to build her own texturized surface. As a result, an intimate and personal process is made clear; an act in which she imprints her digital fingerprint onto each corner of the work itself.

CH 22.10.1987 DESPLAZAMIENTO PICTÃ&#x201C;RICO PICTORIAL DISPLACEMENT

www.jacintabesa.cl

“la plasticina Me parece un medio PICTÓRICO directo, sin intermediario”

Jacinta Besa trabaja la plasticina como medio pictórico desde que cursaba sus estudios de Arte en la Universidad Católica de Chile. Posteriormente profundizó en esta área en un curso de técnicas mixtas llevado a cabo en The Art Student League, Nueva York. El desarrollo de esta técnica se ha convertido en su sello y también la ha obligado a adentrarse profundamente en el dominio de la plasticina como material pictórico, llegando en el último tiempo al derretido como un potencial medio donde el material y lo representado se unen.

Jacinta Besa has worked with plasticine as a pictorial means since she was an Art student at the Universidad Católica de Chile. She then took a course in Mixed Techniques at the Art Student League in New York, which allowed her to deepen her studies in this area. The development of this technique has become her seal, and has also forced her to deeply penetrate into the field of plasticine as a pictorial material. She has found, lately, that melting is a potential means to put materials and its representations together.

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“plasticine seems like a direct pictorial means, without intermediary”

Tres Plantas, 2016, plasticina sobre aluminio, 100 x 100 cm / Tres Plantas (Three Plants), 2016, plasticine on aluminum, 100 x 100 cm - Ficus Lyrata, 2016, plasticina sobre aluminio, 74 x 50 cm / Ficus Lyrata, 2016, plasticine on aluminum, 74 x 50 cm - Gomero, 2016, plasticina sobre aluminio, 75 x 40 cm / Gomero, 2016, plasticine on aluminum, 75 x 40 cm - Jade, 2016, plasticina sobre alumino, 23.8 x 31.8 cm / Jade, 2016, plasticine on aluminum, 23.8 x 31.8 cm- Fotograma I, 2015, plasticina sobre aluminio, 35 x 55 cm / Fotograma I (Photogram I), 2015, plasticine on aluminum, 35 x 55 cm.

ÉDER OLIVEIRA É

der Oliveira, artista visual brasilero, se concentra en trabajar temáticas que tienen relación con la identidad cultural y la marginalidad. Su obra se vincula principalmente a situaciones que involucran sujetos de la zona del Amazonas, personas comúnmente rechazadas por una sociedad que se deja llevar con facilidad por las ideas de ciertos medios de comunicación de tendencia sensacionalista. Gran parte de su cuerpo de obra corresponde a la apropiación de imágenes de personas que han sido impresas y difundidas por diversos periódicos. Éder las reproduce en intervenciones callejeras que muestran rostros de gestos severos y miradas punzantes. Los murales que realiza son de gran tamaño -tónica predominante en su trabajo-, y se encuentran en espacios de tránsito cotidiano, lo que obliga al espectador a mirar. Y aunque no se indica que los retratados son delincuentes u hombres involucrados en determinados crímenes, la manera en que encaran al transeúnte se vincula al instante con el estilo gráfico de la prensa. De esta forma, el artista expresa

preocupaciones latentes y cuestiona los límites comunicacionales, sobre todo en cuanto a la violación de los derechos civiles. A partir del retrato, con el cual opera desde el año 2000, genera una discusión estética y social inspirada en el hombre amazónico, que históricamente ha sido invisibilizado y excluido de círculos sociales, para hablar de cómo éste es aceptado en una obra de arte que se encuentra tanto en la calle, como en museos y galerías del mundo. _______________ Éder Oliveira, Brazilian visual artist, focuses on working with topics that relate to cultural identity and marginalization. His work is mainly tied to situations that involve characters from the Amazon zone; people that are commonly rejected by a society that gets carried along easily by the ideas of certain means of communication with sensationalist tendencies. A great part of his body of work corresponds to the appropriation of images of people that have been

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imprinted and spread through different newspapers. Éder reproduces them in street interventions that show faces of severe gestures and stabbing looks. The murals he creates have a large size –a prevailing keynote in his work- and can be found in everyday transit spaces which force the viewer to look. Even though there is no indication that the portraits are delinquents or men involved in certain crimes, the way these images look at passersby instantly bonds them with the graphic style of the press. As a result, the artist expresses latent concerns and questions the limits of communication, especially related to the violation of civil rights. From portrait, with which he has worked since 2000, he creates an aesthetical and social discussion inspired on how the Amazonian man, who has been made invisible by history and excluded from social circles, is now accepted through a work of art that can be found in the streets, museums, and galleries of the world.

B 08.10.1983 PINTURA PAINTING

www.ederoliveira.net

“No tengo la intención de resolver problemas, sino sólo hablar de ellos”

Éder Oliveira nace en Timboteua, Brasil. Es Licenciado en Educación Artística y Bellas Artes de la Universidad Federal de Pará. Desde el año 2000, realiza trabajos relacionados con el retrato y la identidad social, sobre todo para cubrir el tema de la marginalidad de aquellas personas de la región del Amazonas. Así, se apropia de imágenes y perfiles publicados por la prensa de la ciudad de Belén, en donde vive y trabaja, para luego realizar murales urbanos que cuestionan tanto los límites comunicacionales -en cuanto a los derechos civiles violados-, y los del arte contemporáneo. Esto lo ha llevado a presentar su obra en varios espacios expositivos formales, como en la 31° Bienal de Arte en Matarazzo en 2014, y en diversos museos y galerías.

Éder Oliveira was born in Tomboteua, Brasil. He graduated with an Artistic Education and Fine Arts degree from the Universidad Federal de Pará. Since 2000, he has created works related to portrait and social identity, above all, to deal with the theme of marginality of those people from the Amazon region. Because of this, he appropriates images and profiles published by the press of Belen, the city where he works and lives, to then create urban murals that question the limits of communication (regarding violated civil rights) and contemporary art. This has driven him to present his work in many formal exhibition places, like the 31st Biennial of Art in Matarazzo in 2014, and different museums and galleries.

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“I do not intend to solve problems, but only talk about them”

Sin Título, 2014, intervencción urbana, Belém, Brasil. Fotografía: Ubirajara Bacelar / Untitled, 2014, urban intervention, Belém, Brasil. Photography: Ubirajara Bacelar. - Sin Título, 2016, óleo sobre tela, 71 x 110 cm Fotografía: Eduardo Eckenfels / Untitled, 2016, oil on canvas, 71 x 110 cm Photography: Eduardo Eckenfels. - Sin Título, 2014, site specific, 31° Bienal de Sao Paulo. Fotografía: Filipe Berndt / Untitled, 2014, site specific, 31° Bienal de Sao Paulo. Photography: Filipe Berndt.

MATEO CABRERA M

ateo Cabrera coge de la naturaleza aquello que lo inspira a descubrirse a sí mismo. La considera un medio espiritual para ojear el paraíso -el origen-, al que sólo logra conectarse a través del lenguaje sensible, como el arte o la poesía. Además de la presencia vegetal, animal y humana que encuentra en la contemplación de paisajes y que luego plasma sobre soportes de pintura limpios, también imprime un sello surrealista que manifiesta, desafiante, frente a la realidad. Algo que el artista ampara como lema y cruzada a la hora de afrontar reglas o esquemas impuestos.

pensamientos que anhela decapitar. Frases profundas y bellas se encuentran con el color y la forma, dando vida a historias que evidencian su rol como contador, ya sea desde las palabras o a través de su visión.

Cabrera conjuga sus dos verdades sobre el lienzo: el arte y las letras. En cualquiera de sus pinturas, la estocada final la da un verso escrito por él, como si se tratara de una catarsis punzante que remata el ciclo reflexivo y fantástico que emerge de la imagen. Así, entremezcla animales imaginados, a veces alados, con sublimes cuerpos sin cabeza, en representación de los

Mateo Cabrera takes from nature what inspires him to help discover himself. He considers it a spiritual means to look over paradise –the origin-to which he achieves to connect through sensitive languages, like poetry or art. Besides the animal, plant and human presence he finds whilst contemplating landscapes on his clean painting supports, and also prints a surrealist signature that

De esta manera despliega su imaginario personal a través de variadas técnicas, pero con un estilo constante elaborado con la intención de activar el mismo estado que lo inspiró a él. Ese momento lleno de íntimo silencio y placentero deslumbre. _______________

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defiantly protests against reality. It is something the artist protects like a motto on his crusade against rules or imposed diagrams. Cabrera blends his two truths, art and words, on canvas. The end, in all of his paintings, is made by a verse he has written; as if it were a sharp catharsis that concludes the reflexive and fantastic cycle that covers the image. As a result of this, he mixes imaginary, sometimes winged animals with sublime headless bodies, to portray those feelings he wishes to behead. Color and shape meet with deep, beautiful phrases, giving life to stories that show his role of storyteller, through his vision or through words. The artist displays his personal imaginary through varied techniques, but with a constant style elaborated with the intention of stimulating that same state that inspired him, on the viewer. A moment full of a pleasant dazzle and intimate silence.

P 09.06.1982 PINTURA PAINTING

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“No busco comunicar conceptos. Al contrario, ¡busco aniquilarlos!”

Mateo Cabrera se siente inspirado por el arte desde sus primeros años de vida, cuando también se aproxima a aquellos aprendizajes que tienen que ver con la libertad y los límites. Es cuando descubre que están hechos para ser transgredidos, y que la mejor manera de hacerlo es a través del desarrollo y búsqueda de la belleza. Desde entonces, la poesía y la pintura se transforman en sus principales manifestaciones sensibles, lo cual lo lleva a perfeccionar su técnica, no como un fin, sino como un camino para alcanzar la verdadera revolución estética que se nutre de la naturaleza, en un acto de auténtica exploración espiritual. Viaja a Londres a afinar sus habilidades y vuelve a Perú, su país natal, en donde se redescubre a diario a través del trabajo constante.

Mateo Cabrera has been inspired by art since his first years of life, while he was also learning about boundaries and freedom. It is then when he discovered that these exist to be violated, and that the best way to achieve it is through the search and development of beauty. Poetry and painting have become his main sensitive demonstrations ever since, driving him to improve his technique; not only as a purpose but also as a road to reach a real aesthetical revolution that is nurtured by nature, through an act of authentic spiritual exploration. He traveled to London to polish his skills and came back to Peru, his native country, where he rediscovers himself daily through constant work.

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“I do not intend to communicate concepts. On the contrary, I look for their annihilation!”

Del corazón de caballero no quedó ni el sombrero, óleo sobre tela, 160 x 150 cm / Del corazón de caballero no quedó ni el sombrero (From the gentleman’s heart there was not left the hat), oil on canvas, 160 x 150 cm - El Amor lo llevaba en las alas, óleo sobre tela, 240 x 140 cm / El Amor lo llevaba en las alas (He led love on his wings), oil on canvas, 240 x 140 cm - Soledad de Canario, óleo sobre tela, 35 x 50 cm / Soledad de Canario (Canary Solitude) oil on canvas, 35 x 50 cm - En tus caderas dejé mi sombra, como un ancla, para que la marea nunca me lleve lejos, óleo sobre tela, 130 x 100 cm / En tus caderas dejé mi sombra, como un ancla, para que la marea nunca me lleve lejos (I left my shadow on your hips, as an anchor, so that the tide never take me away), oil on canvas, 130 x 100 cm - El desierto de mi soledad magnífica, óleo sobre tela, 175 x 145 cm / El desierto de mi soledad magnífica (The desert of my great loneliness), oil on canvas, 175 x 145 cm.