BELA Biennial Brazil 2019

MAGAZINE BELA Biennial Rio de Janeiro 2019

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BELA - Bienal EuropÊia e Latino Americana de Arte Contemporânea

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www.belabiennial.org

Casa Franca Brasil

Centro Cultural Correios

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Participação especial dos artistas brasileiros: Special participation of Brazilian artists:

Gugu Liberato

Ivald Granato

Vera Goulart

Neville de Almeida Sanagê

Gê Orthof

José Antônio de Lima

Helena Manzan

Osvaldo Gaia Parabéns aos vencedores: Congratulations to the winners: O primeiro prêmio: Maija Närhinen da Finlândia The first prize: Maija Närhinen from Finland O segundo prêmio: Marcus Amaral do Brasil The second prize: Marcus Amaral from Brazil O terceiro prêmio: Rosa de Jesus do Brasil The third prize: Rosa de Jesus from Brazil

Artistas - Artists Brasil - Brazil

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Arvin Widder Avi Neto Ana Clara Guinle Bete Esteves Carla Senna Carmen Thompson Cesar Gomes Claudiah Arantes Cristiane Maschietto Cristiano Preas Cuscua Daniel Laucas Deca Torres Deborah Netto Diego Mendonça Dorys Daher Du Flausino Eda Miranda Eduarda Clark Eliana Carvalho Elis Taves O’Sullivan Ewerton Domingos Favoretto Franklin Carreiro Gabriel Matheus Gabriel Omepp Glaucia Cupertino Gê Orthof Gisa Nogueira Goretti Gomide Gustavo Kuklinski Glória Chan Helena Manzan

Henrique Piantino Isabella Cesar Joseph Figorelle J. Vasconcellos Jefferson Carvalhaes João Duarte Kaiuca Waddington Juliana Tortorelli Juliana Bernabó Klaus Reis Lenice Pitanguy Lila Hamdan Lilian Reinhardt Lucas Ururahy Lu de Paula Luciana Abduche Malu Perlingeiro Marcelo Duprat Marcio Goldzweig Marcos Esteves Marco Rocha Marcus Ferrer Marcus Amaral Mario Ferrer Mariana Costa Marilou Andrasan Marlus Padovan Marcos Queiroz Marcos Rocha Miguel Sereno Milalonso Natalia Lage Nelma Camargo Osvaldo Gaia Patricia Figueiredo Paulette Gerecht Paulinho Marques Rachel Roscoe Rafael Agostin Rafael Meggetto Regina Moraes Raquel Signorelli Renato Rodyner Rodrigo Cid Rogerio Mariano Rosa de Jesus Rossana Cordeiro Rosi Araujo Ricardo Lemos Senagê Sérgio Barcellos Sonia Lima Teresa Asmar Teresa dos Anjos Thiago Tavares Tiago Cruz Umberto Nigi Vanessa Gerbelli Vera Goulart Vitor Fio Vitor Matos Wesley Monteiro Will Penavilla

Finlândia - Finland

Portugal

Aarne Kyröläinen Aino Ulmanen Anna Wilhemus Anna-Maija Rissanen Antti Raitala Angela Oker-Blom Anu Osva Eeva-Liisa Isomaa Eija Keskinen Helena Vaari Henry Wuorela-Stenberg Iria Čiekča Schmidt Kaisa Koljonen Leena Mäki-Patola Maija Närhinen Maj-Lis Tanner Mari Blomroos-Heininen Martti Vartia Nonna-Nina Mäki Raija Kuisma Saila Seppo Sirpa Heikkinen Timo Ala-Vähälä Ulla Karttunen

Alemanha - Germany

Daniel Schlemme Michael Müller Marta von Zeidler Jens Hanke Lilly Grote

Kamy Martins

Argentina - Argentina

Jantus

Suiça - Switzerland

Serge Gauya

França - France

Jacques Stemer

Holanda - Netherlands

Adriano Antoine

Dinamarca - Denmark Suécia - Sweden

Bo Alström Kerstin Svanberg Margareta Gelles Sackarias Luhanko

Ole Skovsmose

Irlanda - Ireland

Elis Taves O’Sullivan

Itália - Italy

Umberto Nigi

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Aarne Kyröläinen I´m a longtime artist from Finland. My studio is in my yard in Loviisa, a small town by the sea, which gives me the opportunity to work around my favorite theme - water and the beach.

My paintings are expressionist natural observations of its visual abundance helping a coloristic vision that inspires thoughts and mind landscapes. I enjoy being on the beaches, there I thrill my mind in creative intuition.

Eu sou artista de longa data da Finlândia. Meu estúdio fica no meu quintal em Loviisa, uma pequena cidade à beira-mar, o que me dá a oportunidade de trabalhar em torno do meu tema favorito - o mar e as praias.

Minhas pinturas são observações naturais expressionistas de sua abundância visual, ajudando uma visão colorista que inspira pensamentos e paisagens. Eu gosto de estar nas praias, lá eu estremeço minha mente em intuição criativa.

Photo by Touko Yrttimaa

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Kainuu I 100 x 100 cm acrylic /oil on canvas 2018

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Aino Ulmanen I am Aino Ulmanen and I live in Myrskylä, Finland. My painting process is intuitive and expressive. Weather events, tornadoes and other phenomena caused by climate change are the subjects of my paintings.

My painting material, ash, is authentic, passionate and firm. The procecc of making the paint out of ash is a comprehensive one. I burn different species of trees separately from each other so that their tones remain pure. To me, ash is more than a pigment with which to mix my colours: it is like the stream of life that carries one along with it. During afternoon hours, emotion explodes on the canvas.

In ash paintings, the colour is swirling, storming, dripping and giving off smoke.

Shades of grey, brown and black diffuse into bluish and reddish tones, translucently shimmering through one another, fiercely crashing into each other.

Eu sou Aino Ulmanen e moro em Myrskylä, na Finlândia. Meu processo de pintura é intuitivo e expressivo. Eventos climáticos, tornados e outros fenômenos causados pelas mudanças climáticas são os temas de minhas pinturas.

Meu material de pintura, cinzas, é autêntico, apaixonante e firme. O processo de fazer a tinta das cinzas é abrangente. Eu queimo diferentes espécies de árvores separadamente umas das outras para que seus tons permaneçam puros. Para mim, a cinza é mais do que um pigmento com o qual misturar minhas cores: é como a corrente da vida que carrega uma junto com ela. Durante as horas da tarde, a emoção explode na tela.

Em pinturas de cinzas, a cor está girando, atacando, gotejando e emitindo fumaça.

Tons de cinza, marrom e preto se difundiam em tons azulados e avermelhados, translucidamente cintilando entre si, ferozmente colidindo uns com os outros.

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Untitled 102 x 106 cm akryyli kankaalle pigmenttinä tuhka ja noki 2014

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Ana Clara Guinle Janela Submersa (Submerged Window) The paint “Janela Submersa” ( Submerged Window), belongs to the series ”Jardim dos Sonhos Drásticos" (Garden of Drastic Dreams), a set that presents a surreal dreamlike universe, fulfilled with symbolisms.

In “Janela Submersa” elements related to the female sexuality appear attached to flowers and other plants from the garden. Through the round window, hands pluck petals and fingers drill the eyes of those who only see flowers. On an empty tea cup, the wait. It appears as a reflexive element, hanging as a pendulum that mark the time. On a punitive movement, arms are pruned just as the petals are extracted. The female body is connected, completely interlaced with that environment, which seems to us under lock and key.

A pintura ''Janela Submersa" pertence a série "Jardim dos Sonhos Drásticos", conjunto que apresenta um universo onírico, surreal e cheio de simbolismos.

Na "Janela Submersa" elementos relacionados à sexualidade feminina estão atrelados as flores e plantas do jardim. Através da janela redonda, mãos arrancam pétalas e dedos perfuram os olhos de quem só vê flores.

Na xícara vazia, a espera. Ela aparece como elemento reflexivo, pendurada como um pêndulo que marca o tempo. Num movimento punitivo, braços são podados assim como as pétalas extraídas. O corpo feminino está conectado, completamente entrelaçado a esse meio ambiente que nos parece trancado a sete chaves.

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Janela Submersa / Submerged Window (painel políptico, 4 módulos / polyphonic panel, 4 modules) 105 x 105 cm acrylic on wood / acrílica sobre madeira 2018 17

Angela Oker-Blom I live and work in Helsinki, Finland. I received my education as an artist at the Accademia di Belle Arti in Rome, Italy. The academy instilled in me a passion for drawing, anatomy, and the three dimensional form. This has provided me with a strong foundation throughout my life. By making art I try to understand the mysteries of life and my own place in this amazing universe. Through manipulating the clay with my hands I try to give tangible form to abstract thoughts and feelings. As a material clay provides a connection to past times and cultures while at the same time opening doors into the future. Our vulnerable environment, our fragile world, and the need to protect and preserve its beauty are recurrent themes in my artwork.

The defenders of natural diversity are the heroes of our time. I want to pay tribute to the bravery of people that have inspired me by eternalizing them and their achievements. By protecting irreplaceable natural resources against pillage and destruction and preserving them for the future we are securing the means of survival for future generations of plants, animals, and humans on this planet. I want to strengthen and spread the knowledge that every individual will have an influence on the web of life. Having armed people with this knowledge I would like my art to help people choose to be a positive, rather than a negative, influence in the world. Every person is a part of humanity and closely connected to all living things. Each of us is responsible for the future we create. Every act has a consequence. Every sculpture has a story.

Angela Oker-Blom

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Intertwined 37 x 25 x 18 cm burn patinated, fired clay 2018

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Anna-Maija Rissanen is a Belgian-Finnish painter who finds her inspiration in nature. She focuses mainly on painting poetic inner meditative landscapes of water and rock, between western and eastern representation, between abstract and figurative. In her works she concentrates on searching a balance between fragility and power through mixed perspectives and layers. She uses mainly mixed media that includes among others watercolour, acrylics, ink, print and collage. She poses thin layers of colours and creates different kinds of textures to give depth to the works. Her works vary in sizes and in colours.

She was born 1983, in Järvenpää, Finland. She lived from 1995 to 2009 in Brussels, Belgium. She graduated in 2009 with an MA in Fine Arts from the Royal Fine-Arts Academy of Brussels and also qualified as an art teacher. In 2009 she won the first prize of Godecharle of 5,000 € awarded by the Godecharle foundation that gave her the opportunity to continue her studies in China. During 2012-2013 she studied techniques of traditional Chinese painting at the China Art Academy in Hangzhou.

Between 2009 and 2019 she has had 19 solo exhibitions and taken part in more than 40 group shows that include art fairs and competitions both international than Finnish.

Anna-Maija Rissanen é uma artista plástica belga-finlandesa que se inspira na natureza. Ela se concentra principalmente na pintura de paisagens meditativas internas da água e da pedra, entre a representação ocidental e oriental, entre abstrato e figurativo. Em seus trabalhos, ela se concentra em buscar um equilíbrio entre fragilidade e poder através de perspectivas e camadas misturadas. Ela usa principalmente mídias mistas que incluem, entre outras, aquarela, acrílicos, tinta, impressão e colagem. Ela coloca finas camadas de cores e cria diferentes tipos de texturas para dar profundidade aos trabalhos. Seus trabalhos variam em tamanhos e cores.

Ela nasceu em 1983, em Järvenpää, na Finlândia. Ela viveu de 1995 a 2009 em Bruxelas, na Bélgica. Ela se formou em 2009 com um mestrado em Belas Artes pela Royal Fine-Arts Academy de Bruxelas e também qualificada como professora de arte. Em 2009, ela ganhou o primeiro prêmio de Godecharle de 5.000 € concedido pela fundação Godecharle, que lhe deu a oportunidade de continuar seus estudos na China.

Durante 2012-2013, ela estudou técnicas de pintura tradicional chinesa na Academia de Arte da China, em Hangzhou.

Entre 2009 e 2019, ela realizou 19 exposições individuais e participou de mais de 40 exposições coletivas que incluem feiras de arte e competições internacionais além do finlandês.

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Mahdollisuus 60 x 120 cm sekatekniikka kankaalle; vesiväri, akryyli, tussi, vahaliitu 2019

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Anu Osva https://anuosva.wordpress.com

https://kuvataiteilijamatrikkeli.fi/taiteilija/anu-osva Artist, based in Helsinki, painting, video, art & science Anu Osva is a Finnish artist with scientific background in domestic animal genetics. She worked ten years as a researcher in this field, but chose to pursue an artistic career in 1990.

In 1999 she began to combine scientific observations and thinking into her artistic work. Layers of genetic information were mixed with random layers of colours. Also natural, historical and cultural observations are present in her works.

Later, working with researchers during their field work has been an important part of her artistic process.

Her focus has been in endangered cattle breeds as well as in different lifeforms of plankton. Guardians of Waters is a series of works where she is showing how beautiful and precious plankton is - every minute half of the oxygen we breath is coming from plankton.

Osva has had several exhibitions in Finland and she has also displayed her works in international venues in Iceland, Sweden, Croatia and Belgium.

Artista multi-disciplinar, baseado em Helsinki, pintura, vídeo, arte e ciência Anu Osva é um artista finlandês com formação científica em genética de animais domésticos. Ela trabalhou dez anos como pesquisadora nesse campo, mas optou por seguir uma carreira artística em 1990.

Em 1999, ela começou a combinar observações científicas e pensar em seu trabalho artístico. Camadas de informação genética foram misturadas com camadas aleatórias de cores. Também observações naturais, históricas e culturais estão presentes em seus trabalhos. Mais tarde, trabalhar com pesquisadores durante o trabalho de campo tem sido uma parte importante de seu processo artístico.

Seu foco tem sido em raças de gado ameaçadas, bem como em diferentes formas de vida do plâncton.

Guardians of Waters é uma série de trabalhos em que ela mostra como o plâncton é lindo e precioso - a cada minuto, metade do oxigênio que respiramos vem do plâncton.

Osva teve várias exposições na Finlândia e também exibiu seus trabalhos em locais internacionais na Islândia, Suécia, Croácia e Bélgica.

Guardians of the Waters V pertence a uma série de pinturas. Pérolas azuis, que vão de uma tela a outra, carregam código genético - pérolas azuis de quatro tamanhos que se referem à ATCG. A informação genética é do gene petJ da família das algas azuis-verdes Anabaena, codificando uma pequena proteína envolvida na fotossíntese.

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Guardians of the Waters V belong to a series of paintings. Blue pearls, which run from one canvas to another, carry genetic code - blue pearls of four size refering to ATCG. Genetic information is from petJ gene of Anabaena blue-green algae family, it is coding a small protein involved in photosyntesis. ref. genetic information of petJ gene in Anabaena sp. http://genome.microbedb.jp/cyanobase/Anabaena#resources, Anabaena sp. PCC 7120 genome project (26.6.2013 osat I-V) (21.1.2015 osat VI->)

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Arvin Timon Widder Arvin Timon Widder brings a new series and the name is Doors. Doors brings new textures and formats. The use of colors under the different textures shows peculiar nuances and a new look of the artist towards new possibilities. Arvin has explored his perspectives and understandings of what he sees. Arvin has been living in Rio and his art is a reaction to his insights of this hectic city. In this new series the artist explores dark colors in some of his paintings but he also brings different shades of brown. Arvin bring this contemporary reaction by using different techniques which leaves a unique signature to his work.

Arvin Timon Widder trás uma nova série chamada Doors (Portas). Doors tráz novas texturas e formatos. O uso de cores sob diferentes texturas mostra nuances peculiares e um novo olhar do artista em face de novas possibilidades. Arvin tem explorado suas perspectivas e entendimentos de seus olhares. Arvin está morando no Rio e sua arte é uma reação aos insights que tem dessa cidade louca. Nessa nova série o artista explora cores escuras e em algumas de suas telas, mas também trás diferentes tons de marrons. Arvin trás sua reação contemporânea através do uso de diferentes técnicas deixando uma assinatura única para o seu trabalho.

Doors 130 x 90 cm acrylic 201 24

Eduarda Clark A arte sempre esteve presente na minha vida, minha avó materna era colecionadora de arte moderna e desde cedo tive contato com pinturas de Di Cavalcanti, Volpi, Ianelli e outros.

Aos sete anos fui morar em Paris e visitei todos os grandes museus e que na época foi muito impactante. Em 2012 comecei a desenhar com a técnica do pastel oleoso sobre papel e fiz cursos no Parque Lage. Busco harmonizar formas orgânicas e coresem sobreposições de composições inusitadas.

Participei de duas exposições coletivas sobre São Jorge, uma no Centro Cultural Laurinda Santos Lobo e a outra no Galpão da Ação da Cidadania com curadoria de Raimundo Rodriguez.

Minhas maiores referências são Karel Appel, Paul Klee e Helen Frankenthaler.

Atenciosamente, Eduarda.

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Avi Neto Avi Neto is an artist who looks for what has not yet been created. Incessant researcher of form through light, shadow, and colors, he gets satisfaction when his work reveals a new discovery. This constant research in his technique, which has guaranteed him a vertical growth in his works and his subjects. This mature artist has dared to take his own limit to new frontiers of art, sometimes through surrealism or fantastic reality. The artist carefully chooses his traits, forms, and colors to present the chosen theme elegantly that jumps to the viewer's eyes.

Graduated in architecture and Urban Planning, the artist borrows the mature notion of perspective and depth to create truly realistic and at the same time, the magical reality in his work. The approach to his themes is challenging in itself. However, the union of an accurate technique with frighteningly realistic details causes on the spectator an immediate and passionate attraction. Avi Neto is known in his hometown as "the artist of the clouds" for the realistic perfection of this element. It is impossible to go unnoticed in the eyes of those who appreciate art.

The quality of his work has earned him praise from collectors and the media in general. His work has translated this search for beauty, dedication to technique and such reality that transits between the real and the imaginary.

Rouge O quadro representa a característica feminina da natureza em sua beleza, sabedoria e poder de criação e reprodução. O artista preocupado com a rápida devastação do planeta, evoca o espectador a contemplar a beleza da natureza e a fazer uma reflexão sobre o que a natureza proporciona para existência da vida de todos os seres em nosso habitat chamado Terra.

The picture represents the feminine characteristic of nature in its beauty, wisdom and power of creation and reproduction. The artist concerned about the rapid devastation of the planet evokes the viewer to contemplate the beauty of nature and to reflect on what nature provides for the existence of the life of all beings in our habitat called Earth.

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Rouge 110 x 120 cm acrylic on canvas 2018 27

BERE A 3x4 photography is needed in official documents such as the Identity Card. It is as if this photo represents everything that this individual is.

It attests and materializes the birth of the human being for humanity.

I'm a graduated architect and also a self-taught visual artist. I started painting as if by chance and along the years I started to create characters always in a rigid pose, as if they were posing for a 3x4 photograph.

The characters are like us: they have a name and personal characteristics that are expressed through color, traits and details inserted in each canvas. It is as if the painted image was the profile photograph of each character, creating a connection with the world today, where people get to know each other through the network and only reveal what is convenient. Illusory masks of an unreal life are created, where the worlds are mixed and self-deceived.

My paintings are like my children. They were born through me and are part of my history and my passage through this world. So after being conceived they will be presented to society and will be judged. I like the reaction of people when they see my canvas; each person identifies more with a particular canvas, just as in personal relationships, we create an empathy with certain people and sometimes we also do not like them, for many and sometimes unexplainable reasons.

The spectator feels the power of the strong features and delicacy exposed, creating immediately a relationship between the being and the canvas. In this way, the figures portray a mixture of feelings and masks used in our human nature, they portray life and personal relationships.

A fotografia 3x4 é necessária em documentos oficiais, como a carteira de identidade. É como se esta foto representasse tudo o que este indivíduo é; ela atesta e materializa o nascimento do ser humano para a humanidade.

Sou arquiteto por formação e Artista visual autodidata por inclinação. Comecei na pintura como que por acaso, e ao longo do percurso comecei a criar personagens sempre numa pose rígida, como se estivessem posando para uma fotografia 3x4.

Os personagens são como nós: eles possuem nomes e características de personalidade que são expressas através dos traços, cores e detalhes inseridos em cada obra. É como se a imagem pintada fosse a fotografia do perfil de cada personagem, criando uma ligação com o mundo de hoje; onde as pessoas se conhecem através da rede e só deixam transparecer o que lhe é conveniente. São criadas máscaras ilusórias de uma vida não real, onde os mundos se misturam e se auto iludem.

Minhas pinturas são como meus filhos: eles nasceram através de mim e fazem parte da minha história e da minha passagem por este mundo. Assim, depois de criados, serão apresentados a sociedade e julgados. Gosto da reação das pessoas ao se depararem com minha obra; cada pessoa se identifica mais com determinada obra. Assim como nas relações pessoais, criamos uma empatia com determinadas pessoas e às vezes também não gostamos, por motivos diversos e por hora inexplicáveis.

O espectador sente o poder dos fortes traços e delicadeza exposta, criando imediatamente uma relação entre o ser e a obra. Desta forma, as figuras retratam uma mistura de sentimentos e máscaras usadas em nossa natureza humana. Retratam a vida e as relações pessoais.

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Bo Alström Bo Alström is a history painter, a uniquely modern representative of an age-old tradition. At the same time, he is a philosophical and profoundly intuitive modern artist.

He empathizes with the experiences of people in distant times and places while maintaining a highly-calibrated sensitivity to color, form, and composition. Alström’s curiosity about human character and motivation, about past events, and about the world in which he lives finds expression in exhilerating images where abstraction and representation and description and imagination collide, interact, and harmonize.

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Machbeth II

NĂĽgonstans mot norr

Sub Luna 31

Carla Senna Carla Senna is Brazilian, born in Araxรก, Minas Gerais state. She is a self-taught painter that works with mixed technique, mainly with acrylic. Since her adolescence she is a lover of painting, but it was after she moved to Tiradentes, a historical city of Minas Gerais, that she started working exclusively with this kind of art.

She enjoys painting canvases, but sometimes also uses demolition wood, material available in the region of Tiradentes that she transforms into decorative panels and gives new life to the wood that was once discarded.

Carla does not cling to a single style, but prefers figurative art using multicolored palette, because it is in vibrant colors that she expresses the joy of living, painting and being able to color the world with her art.

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Dragonfly acrylic on canvas

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Carmen Thompson www.carmenthompson.com The artist Carmen Thompson lives in Rio de Janeiro where she investigates a variety of materials for the production of masks, sculptures, paintings, watercolors and drawings.

Since 2008, she has experimented with etching, where she interferes subtly in the process of printing and through the use of color, in search for an alchemic opulence.

Born in Minas Gerais, by the time she was 10 she was already living in Rio de Janeiro and had started her classical ballet studies. Later she has attended modern and contemporary dance courses. So, the artist arms herself with her dance experience as an instrument of her action, in the space and on the paper. She opens the eye to possibility, unique and unexpected, at the same time continuous like the movement and poetic like the drawing.

Nowadays, the artist is in a new phase of works, whereby she handles photography as a starting point for development leading to a creative work on the captured images using digital art resources.

A artista Carmen Thompson mora no Rio de Janeiro onde investiga uma variedade de materiais na produção de máscaras, esculturas, pinturas, aquarelas e desenhos. Desde 2008 ela tem trabalhado com gravuras sobre metal, onde interfere sutilmente no processo de impressão e através do uso da cor, na procura de uma riqueza alquímica.

Nascida em Minas Gerais, aos 10 anos já morava no Rio de Janeiro e iniciou seus estudos de ballet clássico.

Mais tarde frequentou cursos de dança moderna e contemporânea. A artista se mune de sua experiência da dança como instrumento de sua ação no espaço e sobre o papel. Ela nos oferece uma possibilidade única e inesperada para o olhar, ao mesmo tempo incessante como o movimento e poética como o desenho.

Hoje em dia a artista está numa nova fase, na qual ela usa a fotografia como ponto de partida para o desenvolvimento de um trabalho criativo com as imagens capturadas, usando os recursos digitais.

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Iauareté n. 1 100 x 50 cm print on photographic paper - digital art / impressão sobre papel fotográfico 2019

Iauareté n. 2 100 x 50 cm print on photographic paper - digital art / impressão sobre papel fotográfico 2019 35

Claudiah Arantes claudia.mea@globo.com http://claudiah-arantes.com

Claudiah Arantes - Rio de Janeiro - born 1956 Graduated in Architecture from Santa Ursula University in 1980 and post-graduated in Urbanism from University of Estate of Rio de Janeiro in 1982. She entered the art world quite early through drawings and different types of materials, always having the use of color as the foundation of her work. Going to several known artists studios, has improved her techiniques which contribuited in the search of new journeys. She is currently attending group and individual exhibitions, exploring the figurative combined with abstract, making use of collages with recycle materials and textures.

Claudiah Arantes - Rio de Janeiro, RJ - 1956 Arquiteta graduada pela Universidade Santa Úrsula (1980), pós-graduada em Urbanismo (UERJ, 1982). Sua incursão nas artes deu-se bem cedo através do desenho e das experimentações com materiais diversos, tendo a cor sempre como alicerce de suas obras. Tendo frequentado vários ateliers de artistas renomados, aprimorou técnicas que contribuíram na sua busca por novos caminhos. Participa de exposições coletivas e individuais, atualmente, explora o figurativo aliado ao abstrato, fazendo uso de colagens com materiais por vezes reciclados e de texturas.

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O Olhar 95 x 150 cm acrylic on canvas, with mixed techniques of texture and collage on canvas 2017

Retrato em Vermelho 95 x 150 cm acrylic on canvas, with mixed techniques of texture and collage on canvas 2017 37

Cristiane Maschietto The work of the artist aims to draw attention to the preservation of the environment. Developing and putting into practice ideas for the development of society, in a way that does not harm nature, through sustainability, without compromising future generations.

O trabalho da artista tem o intuito de chamar atenção para a preservação do meio ambiente.

Elaborando e colocando em prática ideias para o desenvolvimento da sociedade, de forma que não prejudique a natureza, através da sustentabilidade, sem comprometer as gerações futuras.

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Cristiano Preas Sustainability can be defined as the ability of humans to interact with the world, preserving the environment so as not to compromise the natural resources of future generations. The concept of sustainability is complex because it addresses a set of interdependent variables, but we can say that it must have the capacity to integrate social, energy, economic and environmental issues.

In this context Cristiano Preas presents his pictorial dialogue of the theme of the exhibition on a reusable medium, the crate of fair, which begins its marking in space-time in a living form of tree, essential to human existence, but forced by this very existence to be transformed into transport support, acquiring ephemeral property until its disposal.

From that moment, through the artist's selection, the crate element resumes its transport purpose, but now to be part of a concept: that of appropriating and shifting from its non-artistic situation to the art context.

Resigned by the artist's imagination, there is a selection of forms and colors that are made explicit in his current production of paintings on the Street, a space where, at all times, these forms and colors interact with the transformations of the ephemeral to a more lasting materiality: work of art.

A sustentabilidade pode ser definida como a capacidade de o ser humano interagir com o mundo, preservando o meio ambiente para não comprometer os recursos naturais das gerações futuras. O conceito de sustentabilidade é complexo, pois atende a um conjunto de variáveis interdependentes, mas podemos dizer que deve ter a capacidade de integrar as questões sociais, energéticas, econômicas e ambientais.

Neste contexto Cristiano Preas apresenta seu diálogo pictórico do tema da exposição sobre um suporte de reaproveitamento, o caixote de feira, que inicia sua marcação no Espaço-Tempo sob forma viva de árvore, essencial à existência humana, mas que é forçado por essa própria existência a ser transformado em suporte para transporte, adquirindo propriedade efêmera até o seu descarte.

A partir desse momento, através da seleção do artista, o elemento caixote retoma sua finalidade de transporte, mas agora para ser parte de um conceito: o da apropriação e deslocamento de sua situação não artística para o contexto de arte. Ressignificado, pelo imaginário do artista, surge uma seleção de formas e cores que se explicitam em sua atual produção de pinturas na Rua, espaço onde, a todo tempo, tais formas e cores interagem com as transformações do efêmero para uma materialidade mais duradoura: a obra de arte.

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A partir deste momento 51,5 x 48,5 cm Spray, acrĂ­lica e colagem sobre madeira 41

Cuscua Artista plástica Cris Costa nasceu na cidade de São Paulo e desde criança demonstrava interesse pela arte. Grande parte de sua vida adulta foi vivida na Itália. Em Roma residiu ao lado do Museu de Arte Moderna e pôde enriquecer ainda mais sua bagagem cultural, com as influências artísticas do país. Autodidata e artista de personalidade inspiradora, Cris identifica-se artisticamente como Cuscua. A artista pinta “de alma” e sua arte questiona os padrões e injustiças. Principalmente, as injustiças às mulheres. Não se considera feminista, apenas defensora da justiça ao ser humano, em especial às mulheres. Quanto aos padrões, suas obras não seguem repetições.

Cada tela é uma arte única, genuína e desprogramada, que exibe ritmo e gestualismo, convidando o observador a olhar para dentro de si mesmo. Assim, questiona e rompe os padrões. Busca mexer mentalmente e emocionalmente com as pessoas, levando sua energia da alma. Sua arte busca transmitir a mensagem que as pessoas devam ser elas mesmas, assumindo o próprio eu e alcançando a liberdade.

Seu estilo artístico é o expressionismo abstrato, tendo como base o action painting e dripping. Utiliza técnica mista com tinta acrílica e grafite. Suas primeiras telas surgiram em 2005, mas escondia suas obras, até serem descobertas pelo seu então companheiro, em 2014. Daí em diante, volta a pintar com mais dedicação. Cuscua encontra em suas telas o espaço ideal para despir sua alma e transbordar seus mais profundos sentimentos.

Cuscua, além da paixão pela arte, dedica a educação e criação de seus três filhos. Sua vida é um conjunto de emoções, onde a artista se entrega de alma na arte, em uma eterna montanha russa de emoções artísticas e familiares. Sempre buscando questionamentos e mudanças. Cuscua alimenta sua própria existência, como assinatura de seu alter ego espiritual.

A artista realizou sua primeira exposição individual, em São Paulo, no ano de 2016. Desde então participou de mais nove exposições, sendo cinco no Brasil e quatro no exterior (USA e Europa). Além das exposições tem participação em livro publicado e doações de obras para leilões beneficentes. Suas telas emocionam colecionadores de diversos lugares do mundo, pois tem obras vendidas em São Paulo, Rio de Janeiro, Roma, New York, Miami, Lisboa, Helsinki e Montevidéu. Para 2019, a artista tem programada diversas exposições em São Paulo, Rio de Janeiro, New York, Helsinki, Paris, Berlim e Osaka.

Sua identidade artística está no improviso da alma, estimulando o questionamento, justiça e a criatividade espiritualizada. Enxerga a arte como expressão da essência e estimula o olhar para dentro de si. Por fim, outra característica marcante na sua identidade artística está a sinergia da afirmação 1+1>2. Acredita que a conta é crescente e infinita. Assim como tem sido sua carreira e reconhecimento artístico.

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Soul

Play 43

Daniel Laucas

Daniel Laucas is a new artist born and raised in Rio de Janeiro. His fresh look over geometric abstracionism brings to light a brand new style called Conscientism, where the metric and conscious canvas' soul is assumed to be no longer a simple media and becomes co-creator of art. From this dialogue between the artist and the raw canvas rose the first collection entitled "Quantum Feelings", representations of particles of feelings in second dimension that emerge from other dimensions.

Daniel Laucas é um novo artista nascido e criado no Rio de Janeiro. Seu olhar sobre o abstracionismo geométrico traz à luz um novo estilo chamado Conscientismo, onde a alma métrica consciente da tela é assumida para não ser mais considerada apenas como um mero objeto veículo e se torna co-criadora da arte. A partir desse diálogo entre o artista e a tela em branco surgiu a primeira coleção intitulada "Sentimentos Quânticos", que nos mostra representações de partículas de sentimentos em segunda dimensão emergindo de outras dimensões.

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It was an honor to be part of Bela 2019 with the Tauro Gravion, TAURO2 ASTRA2 canvases and / QUANTUM FEELINGS particles from the collection.

Foi uma honra participar da Bela 2019 com as telas/partículas TAURO, GRAVION, TAURO2 e ASTRA2 da coleção SENTIMENTOS QUÂNTICOS. 45

Deborah Netto Nascida no Brasil, Rio de Janeiro, em 01 de março de 1962, formada em Pintura pela Universidade Federal do Rio de Janeiro. Pintora e Autora de jóias artísticas, desenvolve trabalhos em Acrílica sobre tela, aquarela, tempera guache e nanquim entre outros materiais sobre papel. Participou de diversas exposições individuais e coletivas, tanto em pintura quanto em joalheria, em alguns obtendo menção honrosa. Possui trabalhos em coleções particulares em diversos países, incluindo Japão, Estados Unidos, Portugal entre outros.

Representou o Brasil na Art Expo Malaysia através da embaixada do Brasil em Kuala Lumpur. É representada pela Ava Galleria e vem participando de inúmeras exposições através do mundo.

"Born in Brazil, Rio de Janeiro, on March 1, 1962, graduated in Painting from the Federal University of Rio de Janeiro. Painter and Author of artistic jewelry, develops works in Acrylic on canvas, watercolor, tempera gouache and ink among other materials on paper. He participated in several individual and collective exhibitions, both in painting and in jewelry, in some obtaining honorable mention. He has works in private collections in several countries, including Japan, the United States, Portugal and others. He represented Brazil at Art Expo Malaysia through the Brazilian embassy in Kuala Lumpur. She is represented by Ava Galleria and has participated in various exhibitions throughout the world."

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Deca Torres The work of Artista Deca Torres, who will be present at the Bella Bienal, with the title "Evoluir I", is a reflection and an alert. The black screen symbolizes the situation of the World, with a blood red line, dripping and a pencil with a rubber on the blood and just behind a plant root being born and on the same scene a canvas sewn on the pencil. All this, represents the Planet in the middle of bleeding chaos, but we have the solution the pencil makes us write our history and the eraser erases the mistakes, the same canvas has holes or exit, and the root is born, symbolizes a new life! Note the material used in the production of the work: the painted canvas is made of synthetic material made from pet bottles, the wooden pencil of reforestation, the hollow tulle type canvas was also produced from synthetic material of pet bottles.

A obra de Artista Deca Torres, que estará presente na Bella Bienal, com o Título "Evoluir I",é uma reflexão e um alerta. A tela preta simboliza a situação do Mundo , com uma linha vermelha sangue, escorrendo e um lápis com uma borracha sobre o sangue e logo atrás uma raiz de planta nascendo e sobre a mesma cena uma tela costurada sobre o lápis. Tudo isso, representa que o Planeta no meio do caos sangrando, mas que temos a solução o lápis nos faz escrever a nossa história e a borracha apaga os erros, a tela mesmo costurada tem buracos ou saída, e a raiz nascendo, simboliza uma nova vida! Observação o material utilizado na produção da obra: a tela pintada é de material de tecido sintético feito a partir de garrafas pet, o lápis de madeira de reflorestamento, a tela vazada tipo tule também foi produzida de material sintético de garrafas pet.

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Evoluir I 80 x 60 cm acrylic painting on canvas and incorporated materials, mixed technique pintura acrĂ­lica sobre tela e materiais incorporados, tĂŠcnica mista 2017 - 2019

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Diego Mendonça Diego Mendonça, nasceu no ano de 1982, em São João del Rei/MG. Advogado que largou a profissão para dedicar-se às artes, sua grande paixão, atualmente é mestrando em Artes pela Universidade Federal de São João del Rei. Foi aluno do grande pintor Quaglia e atualmente é discípulo de Yara Tupynambá.

O artista já foi premiado em diversos salões de arte. Entre as premiações recebeu Ouro na Bienal Européia Latino Americana de Arte Contemporânea, no Centro Cultural dos Correios – Rio de Janeiro, que foi promovida pela AVA Galerie – da Finlândia. Também Ouro no 42º Salon Premier of International Association of Artists, realizado em Portugal, em junho deste ano; Medalha de Bronze no Triatlon das Artes do Principado de Liechtenstein, Bronze no voto popular no Salão de Arte Contemporânea realizado no Carrousel Du Louvre Museum em outubro de 2015, entre outros com medalhas de ouro, prata, bronze e Menção Especial do Júri.

Com várias exposições individuais e coletivas, já expôs seus trabalhos na sede da ONU (Organização das Nações Unidas) e no Consulado do Brasil em New York e também em Hight Point (EUA). Foi selecionado e participou da VII Bienal de Pequenos Formatos em Moita (Portugal). Teve seus trabalhos expostos no Salon International d’Art Contemporain no Carrousel Du Louvre em Paris (França) e na Galerie Koko em Viena (Áustria), em Figueira da Foz e Cidade do Porto (Portugal), Miami (EUA), Vaduz (Principado de Liechtenstein), Florença (Itália), Osaka (Japão), Roma (Itália), além de várias capitais brasileiras como Rio de Janeiro, São Paulo, Belo Horizonte, Recife, Belém e Brasília.

Entre os trabalhos do artista, recentemente fez ilustrações e capas de livros para editoras importantes, como as capas dos livros “Mulheres de Aço e de Flores” e também “Mulheres cheias de graça” do Pe Fábio de Melo.

Seus quadros já foram catalogados e fazem parte de coleções de renome e de celebridades.

O artista traz em seu currículo mais de 50 exposições (individuais e coletivas), além de salões de arte.

Inspiradas em cenas do cotidiano, na natureza, na música e na literatura, suas obras levam o espectador a refletir sobre a vida, sobre a necessidade humana e sobretudo faz com que o admirador entre em seu mundo pictórico.

Segundo Carlos Perktold (2012), “Diego Mendonça, tão jovem e já humanista (...) Bom de desenho, bem orientado e influenciado pelo mestre Guaglia, de quem foi discípulo, Diego faz de seu oficio sua paixão pessoal, mostrando que se seu presente é bom, seu futuro é brilhante.. Sua pintura tem o claro-escuro desenvolvida pelos grandes mestres e com o qual ele começa a lidar. O resultado é surpreendentemente bom para quem é tão jovem. Diego Mendonça não pode ficar restrito à sua bela cidade. Merece um lugar à sombra nas grandes cidades e galerias de Minas e do Brasil (...)”. Perktold é analista e crítico de arte, mora em Belo Horizonte / MG (integra a ABCA e AICA).

Para Yara Tupynambá “(...) Diego Mendonça, que foca seu olhar especialmente nos músicos, captando seus gestos característicos, transportados para suas telas, construídas em composições sintéticas e emprego sutil de cores, que nos lembram a herança técnica que recebeu do grande pintor Quaglia, que foi seu mestre.

Entre quadros e música Diego caminha, em um crescendo, com calma, como o próprio clima da cidade, em busca de seu estilo próprio, que o colocará, certamente, entre os bons artistas mineiros.” Yara Tupynambá, pintora, foi aluna de Guignard e Goeldi, estudou no Pratt Institute de New York. Foi tema de uma Sala Especial na Bienal de São Paulo. Foi professora e diretora da Escola de Belas Artes da UFMG. (integra a ABCA e AICA).

Já Fernando Pacheco afirma “... essas pinturas de Diego Mendonça. Recheadas de belezas do cotidiano e de mistérios que despertam nossa sensibilidade. Secretas cartas impressas sobre consistente estrutura plástico - construtiva, além de técnica irrepreensível (apreendida através do convívio com o saudoso Quaglia), com que trata o realismo das figuras centrais, nos coloca em diálogo vivo (apesar desse mundo globalizado e computadorizado) com a mais fundamental cereja da vida: ARTE!” Fernando Pacheco, artista plástico, em sua

trajetória constam os principais museus de todo o país (MAM, MAC e Pinacoteca – São Paulo; MAM e Museu Nacional de Belas Artes – Rio de Janeiro; MAP – Belo Horizonte; etc.).

Morgan Motta afima que “ (...) Diego Mendonça, artista contemporâneo que vive e cria em São João Del Rei (...) demonstra antes de tudo, desdobrar coerente e maturidade ainda jovem. (...)”

Morgan Motta (2014), é jornalista, cineasta, crítico de arte, membro da ABCA e da AICA.

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Dorys Daher "Exército" Os materiais industrializados estão sempre presentes nos trabalhos de Dorys Daher. Isto marca com clareza o desejo que a artista tem em valorizá-los fora do seu contexto original. Afirma que muitos deles são responsáveis por importantes desempenhos na construção civil, mas por não estarem à vista, ficam renegados a um segundo plano. Em “EXÉRCITO”, a artista elegeu a "dobradiça", como destaque, exibindo-as em sequência e as transformando em textura.

Metaforicamente, a artista faz relaciona às aberturas e às articulações das nossas vidas. Em sua concepção, as dobradiças devem ser vistas e admiradas. Quanto ao nome, “Exército”, faz referência ao perfilhamento, à disciplina, à ordem, à repetição e à impessoalidade. Pode-se chamar de uma escultura minimalista.

The industrialized materials are always present in the works of Dorys Daher. This clearly marks the artist's desire to value them outside their original context. He states that many of them are responsible for important civil construction performances, but because they are not in sight, they are renegade in the background. In ARM, the artist chose the hinges as a highlight, showing them in sequence and transforming them into texture. Metaphorically, the artist relates to the openings and joints of our lives. In its conception, the hinges should be seen and admired. As for the name, Army refers to tillering, discipline, order, repetition and impersonality. It can be called a minimalist sculpture.

"Rota de navegação" O trabalho faz referencia a caminhos e trajetos. Há conciliações no uso de materiais do universo da construção civil, combinados com fios do universo do armarinho. Os contrastes estão presentes nesta composição, evidenciando o rígido e o mole. As combinações destes materiais acentuam as oposições, ao mesmo tempo em que lhes conferem estabilidade.

The work refers to paths. There are reconciliations in the use of materials from the civil construction universe, combined with threads from the universe of the embroydery. The contrasts are present in this composition, evidencing the rigid and soft. The combinations of these materials accentuate oppositions, while at the same time giving them stability.

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Du Flausino English Sky I Under the Ice of the states of Massachusetts and New York I find traces of contemporary civilization, which frantically seeks the American dream. The ice covers the memory of a civilization formed by a great network of globalized souls, it hides its past of human fights, social, economic, of territorial extension, exploration of man and land, as well as its values and misfortunes. And is inough a ray of sun pierce the horizon for all this to be unfold. The work "English Sky I" is part of the photographic assay "Under the Ice" of 2015.

Céu inglês I Sob o gelo dos estados de Massachusetts e Nova York, encontro vestígios da civilização contemporânea, que busca freneticamente o sonho americano. O gelo cobre a memória de uma civilização formada por uma grande rede de almas globalizadas, esconde seu passado de lutas humanas, sociais, econômicas, de extensão territorial, exploração do homem e da terra, assim como seus valores e infortúnios. E é apenas um raio de sol perfurar o horizonte para que tudo isso se desdobre. O trabalho "English Sky I" faz parte do ensaio fotográfico "Under the Ice" de 2015.

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Céu Inglês I / English Sky I 50 x 86 cm Fotografia Fine Art / Photography 2015

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Eda Miranda A obra apresentada nesta exposiçao, ao mesmo tempo, alude a um cenário delicado, romântico e lúdico - um devaneio mas também remete a suplica por um mundo mais consciente. As camadas de tinta aquareladas sobrepostas com transparências. permitem ao fluidor um mergulho nas entranhas da obra, e as pinceladas mais espessas perpassam sensações de movimentos.

The art presented in this exposition, at the same time, alludes to a fragile, romantic and ludic scenery, to a daydreaming, but also imply in a supplication for a more conscious world. Layers of watercolor ink overlaid with transparency, allowed the observer diving in the painting guts, and those thicker brushstroke pass through a motion sensation.

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Eija Keskinen Eija Keskinen works mostly on drawings, or on entities combining drawing and other elements. As important as the line itself is the included, often sparingly sensitive, color. Keskinen draws on honeycombed aquarelle paper which gives a lively accentuation to both plain and colored pencil.

The themes in Eija Keskinen's work are often connected to love and goodness. The inspiration for the recent sketches depicting holy women came from the legendary and often imaginary biographies of female Saints.

Keskinen's sketches also pay homage to different female fates, also to those that have lacked the special revered features such as exceptional talent, courage or beauty.

* Eija Keskinen (1968, Tampere) lives and works in Helsinki. She has studied in The Academy of Fine Arts (Helsinki), The Free Art School (Helsinki) and The University of Art and Design (Helsinki). She has arranged several private exhibitions and participated in group and community exhibitions since 1988.

Keskinen has created four public works of art, the most recent of which are wall paintings in a children's day care center in Ruskeasuo commissioned by the Helsinki Art Museum (HAM).

You can find her works of art in both Finnish and overseas collections among other places in the Finnish state collections and cities of Helsinki, Vantaa, Espoo and Tampere art museum collections.

In her leisure time Eija Keskinen likes to make carpets on a loom, enjoy forests, look at the 3-handed God Birther icon and the saint card of St. Expedite. She also believes in miracles.

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Three sketches for Saints Series (from left: St. Fausta, Blessed Johanna of Cáceres, St. Bibiana) 18 x 25 cm each, pencil on aquarelle paper 2018

Eija Keskinen trabalha principalmente em desenhos, ou em alternativas que combinam desenho e outros elementos. Tão importante quanto a linha em si é a cor incluída, geralmente pouco sensível. Keskinen desenha em papel aquarela de favo de mel que dá uma acentuação animada para lápis liso e colorido.

Os temas do trabalho de Eija Keskinen estão frequentemente ligados ao amor e à bondade. A inspiração para os recentes esboços retratam mulheres santas que vieram das biografias lendárias e muitas vezes imaginárias.

Os esboços de Keskinen também prestam homenagem aos diferentes destinos femininos, também àqueles que faltam as características especiais reverenciadas, como talento excepcional, coragem ou beleza. * Eija Keskinen (1968, Tampere) vive e trabalha em Helsinque. Ela estudou na Academia de Belas Artes (Helsinque), A Free Art School (Helsinque) e a Universidade de Arte e Design (Helsinque). Ela organizou várias exposições individuais e participou de exposições coletivas e comunitárias desde 1988.

Keskinen criou quatro obras de arte públicas, das quais as mais recentes são pinturas de parede em uma creche infantil em Ruskeasuo encomendado pelo Helsinki Art Museum (HAM).

Você pode encontrar suas obras de arte em coleções finlandesas e estrangeiras, entre outros lugares nas coleções estaduais finlandesas. e cidades das colecções de museus de arte de Helsinque, Vantaa, Espoo e Tampere.

Em seu tempo de lazer Eija Keskinen gosta de fazer tapetes em um tear, desfrutar de florestas, olhar para o Deus de 3 mãos Birther ícone e o cartão de Santo de St. Expedito. Ela também acredita em milagres.

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Eliana Carvalho The plastic artist Eliana Carvalho with her aesthetic, ecological and social commitment creates a unique artistic language.

Self-taught, she gets carried away by her anxieties, seeking inspiration in bucolic lyricism, in the dialogues of the birds and in personal dreams. In her works the essence of nature and mutation merge into a combination of curves, rhythms and forms giving life to a dead trunk, to an abandoned window or door. With her tool in hand turns the log into art giving him back his life.

Animals and birds are a recurring theme in the work of the artist who also uses her works as a form of alertness and protest.

A artista plástica Eliana Carvalho com seu engajamento estético, ecológico e social cria uma linguagem artística única.

Autodidata, deixa-se levar pelas suas inquietações, buscando inspiração no lirismo bucólico, nos diálogos dos pássaros e em sonhos pessoais. Em suas obras a essência da natureza e da mutação fundem-se em uma combinação de curvas, ritmos, formas dando vida à um falecido tronco, à uma janela ou porta abandonada. Com o torques em mãos transforma a tora em arte lhe devolvendo a vida.

Animais e pássaros são um tema recorrente no trabalho da artista que também utiliza suas obras como forma de alerta e protesto.

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Pรกssaro Azul 31 x 55 cm madeira e ferro

Revoada 40 x 60 cm madeira e ferro

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Elis Taves O’Sullivan Fotógrafa Ter o olhar flagrante diretamente conectado ao movimento reflexo do dedo, sem interferência do raciocínio.

Enxergar a poesia onde a visão humana vê apenas formas, movimento, cores, texturas, luz, sombra. Captar detalhes enquadrados em molduras não perceptíveis a olho nu e foi assim que a imagem “Luz Dourada” foi criada.

Esses foram talentos diferenciais que moveram Elis em direção à sua carreira de fotógrafa. O aprimoramento técnico veio com prática no Brasil e estudo na Irlanda que se seguiram, aprofundando e elaborando sua sensibilidade técnica e estética.

A paixão pelo ato de mirar/clicar - momentos, pessoas, natureza, interiores, detalhes, p&b, colorido...

- levou-a a revelar-se admiravelmente versátil na escolha do objeto: o olho troca de lente para obter diferentes prazeres, traduzidos em arte em diversas formas.

Arte que transforma cenas triviais da vida cotidiana de pessoas comuns em imagens inesquecíveis de beleza especial; ou cenas especiais de um dia único da vida em imagens de simples beleza trivial.

Elis Taves O’Sullivan - Fotógrafa brasileira radicada na Irlanda. Muito do seu trabalho é influenciado pelo artista Man Ray. Elis ampliou seu conhecimento fotográfico na Irlanda e expandiu suas habilidades para a área de Artes com gestão de negócios. Elis expôs seu trabalho extensivamente por toda a Europa, especificamente Dublin, Bruxelas, Paris e internacionalmente em Nova York e no Brasil.

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Golden Light 110 x 74 cm, 1/1 photo printed on canvas, fine art 2015

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Ewerton Domingos Cardozo HISTORICO ARTÍSTICO Nascido no Rio de Janeiro, com a infância passada na cidade de Petrópolis, onde até os seis anos de idade, minha memória afetiva ficou ligada às pinturas e objetos do Museu Imperial. Já com o resto da infância na cidade do Rio, sempre estive ligado às artes onde dava mais preferência as aulas de artes plásticas no ensino fundamental, tendo o incentivo de professores e colegas. Aos 19 anos ingressei no curso de pintura da Sociedade Brasileira de Belas Artes, tendo um ensino de desenho e pintura com a técnica mais realista, com referência à artistas clássicos, paralelamente já trabalhando no carnaval carioca montando adereços e alegorias, onde eu creio que foi um grande aprendizado como em uma universidade. Aos 25 anos, ingressei na Escola de Belas Artes da UFRJ, onde passei a ter o conhecimento aprofundado na técnica de pintura, com base teórica muito mais enriquecida, investigando e estudando a cromaticidade, a composição e os movimentos estilísticos das pinturas de El Grecco, Klimt, Muchá, Redon, Gustav Moureau. Posso dizer que foi a melhor época da minha vida, onde fiz amigos, aprendi e vivenciei a arte com mais intensidade. Depois de formado continuei a trabalhar com carnaval, onde tinha a possibilidade de pintar esculturas, painéis, montando cenários, elaborando figurinos. Em 2005 passei a trabalhar como arte educador da Secretaria de Meio Ambiente onde montei um grupo de alunos de pintura com o qual trabalho até 2010. Em 2009 montei um atelier no bairro de Santa Tereza onde minha pintura passou a ter uma aparência mais decorativa usando como referencias elementos do carnaval e da Arte Popular, tendo um colorido mais saturado e dinâmico.

Atualmente trabalho como arte educador sem nunca deixar a pintura de lado, nunca deixando de produzir pois a minha essência é estar sempre ligado ao universo artístico, seja ensinando, pesquisando ou elaborando arte.

Ewerton Domingos Cardozo

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Carnival Head Phase This pictorial phase is more linked to the representation of the props present in the fantasies and characters that inhabit the fantastic and multicolored universe of the Carioca Carnival, which has always been part of my imaginary and in a certain way of my professional life. There was am strong desire of honoring the carnival, but I did not know how it would happen. I believe that the costume design helped me to visualize how the painting of this stage would take place as such. It occurs in a more graphical way, with a mix of cartoons plastic, because the color occurs arbitrarily and in some moments with volume, sometimes flat plated or decorative, with patterns. Sometimes Cubist-inspired. The work itself may be a diptych if placed in a way where the figures are faced and completed, although the background chromaticity is distinct, some lines, and the positioning of the figures fit together and form a conversation between aquatic character beings.

Fase Cabeça Carnaval Esta fase pictórica está mais ligada a representação dos adereços presentes nas fantasias e personagens que habitam no universo fantástico e multicolorido do carnaval carioca, que sempre fez parte do meu imaginário e de certa forma da minha vida profissional. Existia de maneira latente a vontade de homenagear o carnaval, mas não sabia como isso iria ocorrer. Creio que a elaboração do desenho de figurino me ajudou a visualizar de como a pintura desta fase se daria como tal. Ela se dá de maneira mais gráfica, com um misto de desenho animado, pois a cor ocorre de maneira arbitrária e em alguns momentos com volume, ora planos chapados e decorativos com padronagens. Algumas vezes de inspiração cubista. A obra em si pode ser um díptico se colocada de modo onde as figuras se encaram e se completam, embora a cromaticidade do fundo seja distinta, algumas linhas, e o posicionamento das figuras se encaixam e formam uma conversa entre os seres de caráter aquático.

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Franklin Carreiro A pintura de Franklin Carreiro se caracteriza pela intensidade de suas cores vivas, multicamadas, e a total ausência de idéias e esboços pré concebidos na criação de suas obras. O artista, como em catarse, começa e termina suas obras de uma só vez,compulsivamente. Não usa títulos ou denominações, pois, na sua percepção, cada olhar verá uma imagem diferente.

The painting of Franklin Carreiro is characterized by the intensity of their vivid colors, multilayered and the total absence of ideas and preconceived sketches on the creation of his works of arts. The artist, as in catharsis, begins and ends his works at once, compulsively. Do not use titles or designations, because, in his perception, each eye sees a diffrent image.

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Gabriel David Omepp "CALIGRAFIA ABSTRATA E SEUS MISTÉRIOS" TRAZ CONSIGO TODOS OS ENIGMAS E PERCEPÇÕES DE UM RACIOCÍNIO IRREAL E CONTEMPORÂNEO QUE PERMEIAM O IMAGINÁRIO DO ARTISTA GABRIEL OMEPP. ATUANTE DAS RUAS DESDE JOVEM, FLERTANDO COM A PICHAÇÃO E POSTERIORMENTE COM O GRAFFITI, O ARTISTA ENGENDROU UM JEITO TÍPICO DE CONCEBER E COMPOR SUA ESTRUTURA CALIGRÁFICA. NESTE TRABALHO, OMEPP CONVIDA O PÚBLICO A MERGULHAR EM SEU INFINITO PARTICULAR E EM SEU UNIVERSO PICTÓRICO, REPLETO DE TEXTURAS, CAMADAS E MENSAGENS. O RESULTADO SÃO INGREDIENTES SUBSTANCIAIS QUE POSSIBILITAM O ESPECTADOR ERUPÇÕES DE SENSAÇÕES ÚNICAS. ABSTRACT CALLIGRAPHY AND ITS MYSTERIES THE WORK PRESENTS THE ENIGMAS AND PERCEPETIONS OF AN IRREAL AND CONTEMPORARY REALM THAT PERMEATE THE MIND OF THE ARTIST, GABRIEL OMEPP. ACTING ON THE STREETS SINCE HIS YOUTH, FLIRTING WITH GRAFFITI, THE ARTIST FOUND A TYPICAL WAY OF CONCEIVING AND COMPOSING HIS CALLIGRAPHIC STRUCTURE. IN THIS WORK, OMEPP INVITES THE SPECTATOR TO DIVE IN HIS PARTICULAR INFINITY AND IN HIS PICTUREIC UNIVERSE, FILLED WITH TEXTURES, LAYERS AND MESSAGES. THE RESULT ARE SUBSTANTIAL INGREDIENTS THAT ENABLE THE VIEWER TO ERUPT FROM UNIQUE SENSATIONS.

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Título: "Caligrafia abstrata e seus mistérios" Dimensão: 150 cm Técnica " Técnica mista sobre madeira de reflorestamento ( Baixo impacto ao meio ambiente e apresenta diversos benefícios, como durabilidade, resistência e estabilidade.

Ano: 2019 Assinatura: Verso.

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Gabriel Matheus Essa pintura é sobre como a natureza pode ser linda e assustadora ao mesmo tempo, como apesar de em uma mão nos dar calor na outra dá frieza, como nela há luz e escuridão ao mesmo tempo, como se ela fosse nos dar um abraço, mas se fechasse suas mão para nos, e como nada é perfeito, porém é mágico ao mesmo tempo e como há diversos detalhes na natureza que deixamos passar todo dia e como ela nos enxerga de volta. tentei faze-la ela nua e crua. This painting is about how nature can be beautiful and frightening at the same time, as though in one hand giving us warmth in the other it gives coldness, as in it there is light and darkness at the same time, as if it would give us a hug, but if it closes its hand for us, and as nothing is perfect, but it is magical at the same time and as there are several details in nature that we let pass every day and how it sees us back. I tried to make her naked truth.

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Nature 94 x 100 cm Acrylic on canvas / AcrĂ­lico sobre tela 2018 71

Goretti Gomide Metamorphosis in the cocoon, deals with symbologies to create a reflexive awareness about the importance of water in the construction of new ways of living, developing a consciousness that performs acts (perceiving, remembering, imagining, speaking, reflecting, thinking) and aims at contents or meanings (the perceived, the remembered, the imagined, the spoken, the reflected, the thought). The subject of knowledge is the one who reflects on the relations between acts and meanings and knows the structure formed by them (perception, imagination, memory, language, thought). The palette of blue tones, symbolizes the water, the sky and the infinite. Being a cold color is associated to the unit, corresponding attitudes of introspection, seriousness and reflection. The butterfly is linked to the mystical meaning of transformation, due to its great process of metamorphosis. It also represents the process of evolution of the human being, that is, the transformation and evolution of beings, through their experiences.

Metamorfose no casulo, lida com simbologias para criar uma consciência reflexiva sobre a importância da água na construção de novos modos de viver, desenvolvendo uma consciência que realiza atos (perceber, lembrar, imaginar, falar, refletir, pensar) e visa a conteúdos ou significações (o percebido, o lembrado, o imaginado, o falado, o refletido, o pensado). O sujeito do conhecimento é aquele que reflete sobre as relações entre atos e significações e conhece a estrutura formada por eles (a percepção, a imaginação, a memória, a linguagem, o pensamento). A palheta de tons azuis, simboliza a água, o céu e o infinito. Por ser uma cor fria está associada à unidade, correspondendo as atitudes de introspecção, seriedade e reflexão. A borboleta está ligada ao significado místico da transformação, devido ao seu grande processo de metamorfose. . Representa ainda, o processo de evolução do ser humano, ou seja, a transformação e a evolução dos seres, através de suas experiências.

Goretti Gomide 2018

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Metamorfose no casulo 70 x 63 cm Mista 2018

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Gustavo Kuklinski Gustavo Kuklinski was born in 1991, in Rio de Janeiro. He started his artistic life when eight years old, with encouragement and support from his entire family.

In these early years, the artist worked an absolutely fluent language with his watercolor brushes. A few years later, math reasoning of programming codes began to occupy his mind. Gustavo started his undergraduate studies as Systems Analyst until he began to understand that art and mathematics at some point would merge.

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Helena Manzan Helena Manzan Was Born in Brazill in 1960, from Italian father and Brazilian mother. She got a degree in fine arts from Federal University Uberlandia (Brazil). Since the nineties she started exhibitions of herpersonal works in the USA and Europe. From 2002 Helena Manzan lives and works in Italy-Castel San Vincenzo (IS) her works can be seen at: Maci Her exhibitions have been held in Brazil, in New York, London, Lisbon, Italy, Belfast e Novosibirsk. Present at the 54 edition of the Venice Biennale, Italy.

Helena mazan is one of the few artists capable of extracting the secret spirit of the planet and making it live in her works. The healed instinct and the contemplative disposition act as a call of love for each divinity 'guardian of the (revealing) archetypes of a sublime art that goes beyond common perceptions and rationalities and takes solitary form in the proper spirit to receive it through the work of artist. A secret mantra, a prayer to save the world. A.P.

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The work "Amazonia" made of jiboa ecdysis, representing a veil that covers the world in it's protective glaze, therefore it is up to us to preserve it.

Amazonia

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Helena Vaari www.helenavaari.fi

Textile Artist Helena Vaari designs and sews works of textile art for both private residence and public premises. Textiles for Churches are her specialities. Vaari takes part on group exhibitions and has ones of her own.

The artist´s techniques are application, free machine embroidery and textile collage. Vaari calls it painting by sewing machine. The yarns are her colours and the needle is her brush. The tiny yarns have special power. The yarn is threedimensional, it has the twist and the beautiful shine. When Vaari sews hundreds of tiny twisted yarns together, the power and the threedimensional effect of the yarns will strengthen.

The picture is very lively, when the light reflects from the yarns and gives power to the whole works.

Helena Vaari is very interested in folds of the clothes, shadows and lights. She wants to represent fabric by fabric; to sew pictures where human is wearing shirts and coats and to see the three-dimensional movement of the fabrics by painting sewing machine.

A artista têxtil Helena Vaari projeta e costura obras de arte têxtil tanto para residências particulares quanto para instalações públicas. Têxteis para igrejas são suas especialidades. Vaari participa de exposições coletivas e individuais.

As técnicas do artista são aplicação, bordado livre de máquinas e colagem de têxteis. Vaari chama de pintura por máquina de costura. Os fios são as cores e a agulha é o pincel. Os minúsculos fios têm poder especial. O fio é tridimensional, tem a torção e o lindo brilho. Quando Vaari costura centenas de minúsculos fios torcidos juntos, o poder e o tridimensional faz o efeito dos fios se fortalecer. A imagem é muito animada, quando a luz reflete os fios e dá poder a toda a obra.

Helena Vaari está muito interessada em dobras das roupas, sombras e luzes. Ela quer representar tecido por tecido; costurar quadros onde o humano está vestindo camisas e casacos e ver o movimento tridimensional dos tecidos pintando a máquina de costura.

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White Shirt 72 x 65 cm Textile Art. Embroidery Art. 2012 79

Henrique Piantino Since 2006, Henrique Piantino painter and sculptor, has been conducting research using wood leftovers from his carpentry workshop and studio in the neighbourhood of Jardim Canada, in Nova Lima. He seeks inspiration for his sculptures sometimes in the orthogonal shapes of the designs of indigenous art, some other times in the organic shapes of the split leaf philodendron (monstera), or in the mirroring effects resulting from the wood the cut with a band saw. Once the wood is cut, the steel panels are chemically treated (oxidized and coated with varnish) to receive to wood part.

Desde 2006, Henrique Piantino, pintor e escultor, vem pesquisando com sobras de madeira de sua marcenaria e atelier no Jardim Canada, Nova Lima. Fazendo seus trabalhos de escultura inspirados ora na ortogonalidade dos traços da arte indígena, nas formas orgânicas da planta«Costela de Adão», ora nos efeitos do espelhamento que se produz à partir do «Desdobro» da madeira na Serra Fita. Após recortadas as madeiras, são preparados quimicamente (oxidação e envernizamento) os painéis de aço para depois receberem a madeira.

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Kataloka 72 40 x 40 cm wood carving on oxidized steel / escultura em madeira sobre ferro

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Isabella Cesar A artista plástica Isabella Cesar, explora os acidentes do tempo para extrair o belo. Suas referências vêm do inacabado, vêm da vida, do tempo. As pesquisas da artista estão focadas na “pintura a calce“ encontrada nas paredes toscanas, no stucco veneziano, na rusticidade das paredes antigas. Outras referências vêm da pintura caiada, que viu por onde passou e conviveu. Presente na rusticidade da ruínas, dos monumentos, vêm do inverno, da neve. A inspiração vem dos países nórdicos, da elegância e simplicidade dessa atmosfera. Vêm do estilo Hygge de ser e de viver.

Visual artist Isabella Cesar, explores the accidents of time to extract the beautiful. Her references come from the unfinished, from life and the passage of time. The artist's researches are focused on "painting chalk" found in Tuscan villa walls, Venetian stucco, and the general rusticity of old walls. Other references come from whitewashed paint, from places she passed by and lived. Present in the rusticity of ruins and monuments, it comes from winter and snow. Her inspiration comes from the Nordic countries, with its atmosphere of elegance and simplicity. They come from the “Hygge” way of being and living.

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Jantus Jantus is an artist from Argentina that right now lives in Barcelona. He has exhibited in Buenos Aires, Barcelona, Tokyo and London. The paintings he has created for BELA Biennial have been produced with acrylic paintings that are not harmful for human health or environment. These means that the materials he uses respect norms of security such as REACH or Proposition 65 (California), in between others. At the same time, the paintings have been produced with very little use of water (water was only used for cleaning brushes but not for mixing color). Moreover, Jantus has decided to paint over linen - linen also being an ecofriendly material.

Finally, the artworks are exhibited without any kind of wooden frame.

Jantus began painting with this materials after asking himself a very contemporary question: "How do you paint more sustainably?". He and his team are still looking forward to discovering a more sustainable way of painting.

Jantus es un artista de Argentina que vive en Barcelona. Ha expuesto en Buenos Aires, Barcelona, Tokyo y London. Las pinturas que ha creado para la BELA Bienal fueron producidas con pinturas acrílicas que no son peligrosas ni para el humano ni para su ecosistema. Esto significa que dichos materiales respetan las normas de seguridad tales como REACH o la Proposición 65 de California, entre otras. Al mismo tiempo, las pinturas fueron realizadas con muy poco uso de agua (el agua fue solo utilizada para limpiar los pinceles pero no para mezclar colores). Además, Jantus ha decidido pintar sobre lino - un material ecofriendly. Finalmente, las obras están expuestas sin ningún tipo de marco de madera.

Jantus comenzó a pintar con éstos materiales después de preguntarse a sí mismo: "Cómo puedes pintar de manera sustentable". Él y su equipo continúan buscando una manera de pintar más sustentable."

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Toxiconderon 144 x 208 cm acrylic on linen 2018

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Joao Waddington "Without Titles" Monotype: 2017-2018 In the process of the series titled “Untitled” Monotypes: 2017-2018, banal objects that normally are used on a day by day basis, by almost everyone and which would normally be discarded after a single use, have been selected, such as: plastic bags, nylon nets, potato sacks, among others. Those objects that would have as a probable end the nearest dump, have become the basic elements of a research about plans, textures and forms. Above all, these objects were transformed into matrices for those monotypes.

The impressions of these materials on paper also make us reflect on the importance and potency of recycling.

Care with the environment, with the natural system of which we belong, presents itself in the bowels of these monotypes. Images that originate from vestiges of objects despised by us, that after being reused, become here blots of colour to be reassigned.

No processo da série intitulada "Sem Títulos" Monotipias: 2017-2018, objetos banais, presentes no dia a dia de quase todos nós e que normalmente seriam descartados logo após um único uso foram selecionados, como: sacos plásticos, redes de nylon, sacos de batata, entre outros. Esses objetos que teriam como fim provável o lixão, tornaram-se elementos base de uma pesquisa de planos, texturas e formas. Sobretudo, foram transformados em matrizes para monotipias.

As impressões desses materiais sobre papel nos fazem refletir também sobre a importância e a potência da reciclagem. O cuidado com o meio ambiente, com o sistema natural do qual pertencemos, se apresenta nas entranhas dessas monotipias. Imagens que se originam de vestígios de objetos desprezados por nós, que após serem reutilizados, tornam-se manchas de cor a serem ressignificadas.

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Cidade das Artes / City of Arts Painel com 4 quadros de acrĂ­lico / Panel with 4 acrylic frames 87

Joseph Figorelle Passages Beyond presenting us a sculptural set of intense density and greatness, the artist Joseph Figorelle leads us to consider that in such circunstances between the organic material and the artistic project the human existence is also registered, which is related to the time finity. The time aspect has a strong paradox that we should consider, it means, the humanes produce dates objects beyond their own time and, in this case, the objects replace their desappearance.

Percursos " ... Para além de nos apresentar um conjunto escultório de intensa densidade e grandeza, o artista Joseph Figorelle nos conduz ao raciocínio de que nessas circunstâncias entre o material orgânico e o fazer artístico está registrado, também, a fragilidade da existência humana que se relaciona com a finitude no tempo. O aspecto temporal possui um forte paradoxo que devemos considerar, isto é, o de que o homem produz objetos datados para além do seu próprio tempo e, nesse caso, os objetos suprem o seu desaparecimento."

João Bosco Millen

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Juliana Tortoreli As vezes abro a janela de meu tempo Fico a olhar no horizonte, mas não á vejo Talvez não consiga definir a distancia Mas sei que esta La... Em algum lugar...

Técnica mista elaborada com as mãos, aplicação em resina imagem pasta de modelagem com acabamentos em spray criação própria.

Mixed technique, elaborated with functions of application in resin and image, modeling mass with finishes spray, own creation 90

Vera Goulart

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José Vasconcellos www.josevasconcellos.com JOSE VASCONCELLOS is one of the most important Brazilian painter live in Brazil, Denmark and Spain.

After the international art critic opinion JOSE VASCONCELLOS is part of the Fantastic Realism and the Modern Symbolism. His color and his exceptional teknic give VASCONCELLOS one place in the most important group of artist use the spatula and a very special use of pigments and several resine. His universe of symbols result from his dreams and from the memory of his children's time. VASCONCELLOS have his work in many Art Galleries (Helsinki, Madrid, Switzerland, Berlin, Mexico City, Brazil, Buenos Aires, Dublin, etc) and Art Fairs and Museums. And he received importants prices included the Queen Ingrid Rejse Legat, the Jyllands Post Kunst Legat and the Gold Medal of the Bienal das Artes in Brasilia.

JOSE VASCONCELLOS é um dos mais importantes artistas brasileiros. Vive no Brasil, na Dinamarca e na Espanha. Segundo a opinião da crítica internacional VASCONCELLOS integra o grupo do Realismo Fantástico e do Simbolismo Moderno. Seu universo pictórico e sua técnica excepcional coloca VASCONCELLOS como parte do grupo de artistas que trabalham o uso da espátula e o emprego de pigmentos misturados à resina vegetal. Seu universo de símbolos resulta de seus sonhos essa memória de seus tempos de criança.

Mas também dos sonhos de cada um nos tempos atuais.VASCONCELLOS tem sua obras em permanente exibição em várias galerias de arte em todo o mundo (Helsinki, Madrid, Barcelona, México City, Suissa, Dublin, Berlim e outras)além de Internarional Artfair e Museus. E já foi agraciado com vários prêmios internacionais entre eles o Rainha Ingrid Rejselegat, o Jyllands Post Kunstfond e a Medalha de Ouro da Bienal das Artes em Brasília.

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SERIE MUSAS / El embrujo Pigmentos e resina vegetal s tela 93

Kamy Martins The PHOTOGRAPHER Cláudia Marina Figueiredo Martins (KAMY MARTINS) was born in the city, by the sea, of Lobito, of the district of Benguela, in the Portuguese Colony, ANGOLA, the 8th of February of 1968.

Graduated in Mathematic and with a Course of Photography and Cinema at the University of Coimbra (PT), Master´s degree in English Language by the University of Cambridge (UK) and Cinema Critic, she belonged to the newspaper "IMPROP" of Science Faculty of University of Lisbon, among others. Published a book of Photography entitled "Cascais by Kamy´s Lens" where we can see a litle of her work as a photographer and Artist that is part of Artistic Expressionism movement. Kamy lives in Cascais since 1996.

A FOTÓGRAFA Cláudia Marina Figueiredo Martins (KAMY MARTINS) nasceu na cidade do Lobito, à beira-mar, do distrito de Benguela, na Província Portuguesa Ultramarina, Angola, em 8 de Fevereiro de 1968. Graduada em Matemática com formação em Fotografia e Cinema na Universidade de Coimbra (PT), Mestre em Língua Inglesa pela Universidade de Cambridge (UK) e Crítica de Cinema, escreveu para o Jornal "IMPROP" da Associação dos Estudantes da Faculdade de Ciências da Universidade de Lisboa, entre outros. Publicou em 2016 o livro de Fotografia intitulado "Cascais pela Lente da Kamy" onde apresenta um pouco do seu trabalho como fotógrafa e artista. Ela desenvolve a sua arte através do seu "olhar fotográfico". Kamy vive em Cascais, desde 1996.

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Kerstin Svanberg www.kerstinsvanberg.se

www.enkopingskonstforening.com/Bildspel/kerstin%20svanberg www.jpartmuseum.com/jam_live/hinoki127/ PAPER ART based on the use of natural plant fibres is regarded as SUSTAINABLE art. The long and time consuming process to make paper has been my expression. It provides enormous possibilities for variation. During the last decade my many solo exhibitions have been presented thematically as “FROZEN FLOW”. This due to the process of paper drying which implies a gradual ceasing of the free movement of the tiny cellulose fibres – a frozen flow is created. It is the short course of events, “the freezing”, that primarily fascinates me giving me workspace. I strive to master and control the strong forces that make paper shrink and wrinkle. My objects in handmade paper are frozen moments of dynamic events.

PAPER ART baseado no uso de fibras vegetais naturais é considerado como arte sustentável. o processo longo e demorado para fazer papel tem sido minha expressão. Fornece enormes possibilidades de variação. Durante a última década, minhas muitas exposições individuais foram apresentados tematicamente como “FLUXO CONGELADO”. Isso devido ao processo de papel secagem que implica uma cessação gradual da livre circulação das minúsculas fibras de celulose - Um fluxo congelado é criado. É o curto curso dos acontecimentos, “o congelamento”, que primariamente fascina-me dando-me espaço de trabalho. Eu me esforço para dominar e controlar as forças fortes que faça o papel encolher e enrugar.

Meus objetos em papel artesanal são momentos congelados de eventos dinâmicos.

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Shield 97

Klaus Reis Uma vez que se trata de uma série, devo começar por apresentar o conjunto de conceitos compartilhados pelas duas obras aqui apresentadas.

Ambas têm como ponto de partida a ideia de que as abelhas são usadas pelos cientistas como termômetros do deterioramento do meio ambiente devido à sua importância fecundação de diversas plantas, nelas incluídas fonte de alimentação de várias espécies de animais – incluindo o ser humano – além da sua relevância para dispersão do pólen e consequente cruzamento entre espécies.

Nesta série, ao ampliar a escala da abelha, pretendo apresentá-las como observadoras da realidade e, de certo modo, uma figura ameaçadora que está a postos para reagir aos ataques a ela infligidos. Dessa forma coloco a natureza como elemento reativo ao processo atual de degradação da natureza Ambas as imagens são desenhos que darão origem, posteriormente a gravuras. Esta ideia faz parte do conceito de dispersão de pólen anteriormente mencionado. A série trabalha com os atributos do desenho como a linha e o ponto, dispensando a representação naturalista e exagerando a forma da abelha para provocar a percepçãode uma máquina, ou mesmo um quase robô.

Klaus Reis é ilustrador e professor das cadeiras de Ilustração e Pintura na Universidade Federal Rural do Rio de Janeiro (UFRRJ). Atualmente é também doutorando da Faculdade de Belas Artes da Universidade de Lisboa (FBAUL) na especialidade “Desenho”, tendo concluído o mestrado em Ciências da Arte na Universidade Federal Fluminense (UFF) e o bacharelado em Pintura na Universidade Federal do Rio de Janeiro (UFRJ).

Since it is a series of drawings, I must first present the set of concepts shared by the two works presented here.

Both have as their starting point the idea that bees are used by scientists as instruments of mesurements of environment deterioration due to its importance in the fecundation of several plants, including the source of feeding of several animal species - such the human being. It is evident its relevance for pollen dispersal and consequent species crossover.

In this series, by enlarging the scale of the bee, I intend to present them as observers of reality and, in a sense, a threatening figure who stands ready to react to the attacks inflicted upon it. In this way I place nature as a reactive element to the current process of nature's degradation by mankind.

Both images are drawings that will devellop later to engravings. This idea is part of the concept of pollen dispersal mentioned above. The series works with the attributes of the drawing, as the line and the point, giving up the naturalistic representation and exaggerating the form of the bee to provoke the perception of a machine, or even an robot.

Klaus Reis is an illustrator and professor of Illustration and Painting at the Federal Rural University of Rio de Janeiro (UFRRJ). He is currently a PhD candidate in Drawing at the Faculty of Fine Arts of the University of Lisbon (FBAUL), having completed his master's degree in Sciences of Art at the Federal Fluminense University (UFF) and a Bachelor's Degree in Painting at the Federal University of Rio de Janeiro (UFRJ).

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The Queen Watches 22 x 21 cm indian ink 2018 99

Leena Mäki-Patola I am a visual artist living in Varkaus, Finland. I graduated from the University of Art and Design Helsinki, UIAH (now Aalto University) in 1983. My main material is ceramic. Depending on the subject, I experiment with different techniques to gain the results what I want. Today my installations are combinations of ceramic parts, readymade objects, video and sound.

The overarching theme of my practice over the past ten years has involved the elements of earth, air, blood and water, through which I have explored ecological and ethical questions. The underlying theme in my latest works is luck and misfortune. Form of the works is a cupboard. A cupboard is a prosaic starting point for art.

But a closed space bears a secret. Opening the door leads one to something unexpected. Cupboard also offers good possibilities for combining different elements.

I find the inspiration for my work from daily life and news itsems which have lodged themselves in my mind.

Art for me is one way of taking part in social and political discussion.

Eu sou artista visual e vivo em Varkaus, na Finlândia. Me formei na Universidade de Arte e Design de Helsinque, UIAH (agora Universidade de Aalto) em 1983. Meu material principal é cerâmica. Dependendo do assunto, eu experimento com diferentes técnicas para obter os resultados que eu quero. Hoje minhas instalações são combinações de peças de cerâmica, objetos prontos, vídeo e som.

O tema geral da minha prática nos últimos dez anos envolveu os elementos da terra, do ar, do sangue e da água, através dos quais eu explorei questões ecológicas e éticas. O tema subjacente em meus últimos trabalhos é sorte e infelicidade. Forma das obras é um armário. Um armário é um ponto de partida prosaico para a arte. Mas um espaço fechado tem um segredo. Abrindo a porta leva alguém a algo inesperado. O armário também oferece boas possibilidades para combinar diferentes elementos.

Eu acho a inspiração para o meu trabalho da vida cotidiana e novidades que se alojaram em minha mente.

Arte para mim é uma maneira de participar da discussão social e política.

Photo: Liina Mäki-Patola

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Heijastumia / Reflections 35 x 28 x 13,5 cm vanha metallinen kaappi, hologrammipaperi / old metal cupboard, holographic paper 2018 101

10 de março de 2019 Petrópolis, RJ

Lícius Bossolan Threshold of madness - Anomie Series The painting "Threshold of madness" results from a research that combines painting and photography. The painter explored the technique of painting composed by many pictorial layers, developed by Caravaggio.

The pose of model Martha Werneck, the artist's wife and painter, indicates a subtle and indeterminate gesture with her hand, as if she were waiting for something. This piece of art is part of the Anomie Series, based on the concept developed by sociologists Durkheim (1858-1917) and Duvignaud (1921-2007), which corresponds to a "state of esrecibility" of great agitation and imbalance experienced by societies in periods of transformation and restructuring of its moral limits. In this painting this concept is revealed through the pose of the individual, as a reaction to the contemporary socioeconomic system.

Limiar da loucura – Série Anomia A pintura “Limiar da loucura” resulta de uma pesquisa que conjuga pintura e fotografia. O pintor explorou a técnica da pintura composta por muitas camadas pictóricas, desenvolvida por Caravaggio. A pose da modelo Martha Werneck, pintora e esposa do artista, indica um gesto sutil e indeterminado com a mão, como se ela estivesse aguardando algo. Essa peça de arte é parte da Série Anomia, com base no conceito desenvolvido pelos sociólogos Durkheim (1858-1917) e Duvignaud (1921-2007), que corresponde a um “estado de desregramento”, de grande agitação e desequilíbrio vivenciado pelas sociedades em períodos de transformação e de reestruturação dos seus limites morais. Nessa pintura esse conceito se revela através da pose do indivíduo, como uma reação ao sistema socioeconômico contemporâneo.

Limiar - série Melancolia 100 x 66 cm 2016 - 2017 102

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Lila Hamdan www.lilahamdan.com

lilaceha@gmail.com www.facebook.com/lilaartistaplastica "I often say that I know when really a work is shocking, when I leave an inspiring exhibition and I want to produce, create, do something I do not even know what it is or how, but I know it's there, somewhere. And that's when I had the pleasure of visiting the exhibition "Dimensions" by talented Lila Hamdan. An exhibition as vibrant as the artist herself, who from actress to filmmaker, found the deepest vocation in the plastic arts.

Between disquieting sculptures that convey to us the sensation of a parallel world, infinite universes, and a painting that, even with a color-restricted palette, can reach dozens of tones, both styles are loaded with incredible cosmic energy, from sensory worlds to be discovered.

As you walk through the exhibition, looking at the interwoven bodies of the Lila characters, and the vivid colors that can range from a deep yellow to a compact coffee ... The path becomes infinite.

You go from one side to another, return to the beginning, do not know if you are at the end, come back again ... And so the cycle repeats itself for hours.

Until that, at the end, we only have to ask ourselves: "Who are we, where do we come from, where are we going?"

Each one in search of his discovery, of his Dimension!"

Words by Gedeon Messias, artist, art teacher and artistic columnist, about the exhibition by Lila Hamdan.

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"Costumo dizer que sei quando realmente uma obra foi impactante, quando saio de uma inspiradora exposição e tenho vontade de produzir, criar. Fazer algo que nem sei o que é, nem como, mas sei que está lá, em algum lugar.

E assim foi quando tive o prazer de visitar a exposição "Dimensões", da talentosíssima Lila Hamdan. Uma exposição tão vibrante quanto a própria artista, que de atriz a cineasta, encontrou nas artes plásticas a sua mais profunda vocação.

Entre esculturas inquietantes que nos transmitem a sensação de um mundo paralelo, universos infinitos, e uma pintura que, mesmo com uma paleta restrita em cores, consegue alcançar dezenas de tons, ambos os estilos são carregados de uma energia cósmica incrível, de mundos sensoriais a serem descobertos.

Ao transitar pela exposição, olhando os corpos entrelaçados dos personagens da Lila, e as cores vivas que podem variar de um amarelo intenso a um café compacto... O caminho se torna infinito.

Você vai de um lado para outro, retorna ao início, não sabe se está no fim, volta novamente... E assim o ciclo se repete por horas.

Até que no final só resta nos perguntarmos: "Quem somos, de onde viemos, para onde vamos? Cada um em busca da sua descoberta, da sua Dimensão!"

Palavras de Gedeon Messias, artista plástico, professor de arte e colunista artístico, sobre a última exposição, “Dimensões”, de Lila Hamdan

Crepúsculo II – Twilight II Acrílico sobre tela / Acrylic on canvas 150 x 150 cm 105

Lilian Reinhardt Nature in all its kingdoms is life in potentiality – to recall Aristotle – everything is in motion, and the seed is the symbol of this potentiality, this stream that creates and formats all things.

The seed keeps the mistery of creation. Nature stores itself in a seed. Think nature for me, is thinking about seed as the life provider womb on this planet, in the semen that explodes all forms created and reavels the world.

This work has un interior encounter with this metaphor of creation. The human being, enigma of the seed. Nature, enigma for the human being and a mirror of a higher intelligence.

Nature, life, always hatching from seed. Knitting together the idea and the feeling and using the instrumento of digital technology in the pictorial plan, I do my apoloy to the seed as the creator of all forms of the nature, as creator of the world of the Nature. My honor to the seed as generator and provider of life in Earth.

A natureza em todos os seus reinos é vida em potencialidade – rememorando Aristóteles – tudo está em movimento e a semente é o símbolo dessa potencialidade, desse fluxo que cria e formata todas as coisas. A semente guarda o mistério da criação. A natureza guarda-se numa semente. Pensar a Natureza para mim é pensar na semente como útero provedor da vida neste planeta, no sêmen que explode todas as formas criadas e revela o mundo.

Este trabalho tem um encontro interior com esta metáfora da criação. O homem, enigma da própria semente. A natureza enigma para o homem e espelho de uma inteligência maior. A natureza, a vida sempre eclodindo da semente. Alinhavando a ideia e o sentimento e utilizando o instrumento da tecnologia digital no plano pictórico faço minha apologia à semente como criadora de todas as formas da natureza, como criadora do mundo, da Natureza. Minha reverência à semente como geradora e provedora da vida na Terra.

Lilian Reinhardt

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Movimento Vida 62 x 30 cm Digital Art, HahnemĂźhle Art Canvas Smooth, 370g 107

Lucas Ururah 30 anos Artista contemporâneo, periférico de Sepetiba, zona oeste do Rio de janeiro, iniciou sua trajetória como artista urbano, passando por diversas experimentações e aplicações visuais, em diferentes suportes. Em seu trabalho Ururah exprime referências de elementos da natureza e vivências territoriais, através da simplicidade das formas para expressar a sua ancestralidade em busca por autoconhecimento e pertencimento, utilizando técnicas e elementos visuais que permeiam a arte primitiva, design gráfico, arte urbana, gravura, escultura, música e poesia entendendo a arte como ferramenta de comunicação e transformação.

30 years Contemporary artist, peripheral of Sepetiba, west of Rio de Janeiro, began his career as an urban artist, undergoing various experiments and visual applications, in different media. In his work Ururah expresses references of elements of nature and territorial experiences through the simplicity of forms to express their ancestry in search of self-knowledge and belonging, using techniques and visual elements that permeate primitive art, graphic design, urban art, engraving, sculpture, installations, music and poetry, understanding art as a tool of communication and transformation.

O Retorno do Guará Se enxergue, se coloque como o outro, tem sempre um irmão aqui nadando no esgoto. O sofrimento é opcional, a dor é consequência, passa como um trem quem viaja na essência dos mares calmos, mas aqui com águas turvas. A melhora da visão só acontece pela luta, lute por estar aqui, voe como um gavião, para prosseguir. A vitória vem com os ventos fortes, leva o viajante, firme e confiante, que desafiou o seu medo de fronte.Seguindo o destino observando o horizonte, a água é salobra, mas a criação bebe na fonte de quem não tem medo de amar É preciso se entregar para não se afogar, mesmo o barco afundando a gente volta a navegar, a alvorada oferece mais um dia pra tentar, o grande astro trás as cores e o retorno no Guará, em solo de Tupinamba, o retorno do Guará.

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Santa Tolerância

O retorno do Guará 109

Lu de Paula

São Paulo - SP - Brasil, 1973 Vive e trabalha em Florianópolis - SC – Brasil / Lives and works in Florianópolis - SC - Brazil www.ludepaula.com Gosto da mistura de cores, texturas e ritmo no trabalho. Uma pintura que se descobre por intuição e, ao mesmo tempo, por uma ordem interna, com uma marca pessoal e estilo próprio que criei após arriscar inúmeras e diferentes elaborações. A inspiração vem da música, da dança, da arquitetura, das viagens que vivencio. Cidade e praia, construção das linhas e fluidez das águas. Movimentos geométricos e orgânicos.

O círculo é o ir e vir da vida, provando a não linearidade do tempo e do espaço. Força e leveza. Contrastes.

Formada em Artes Plásticas pela UDESC ( Universidade do Estado de Santa Catarina), Florianópolis, SC. Estudou: Criação e Ilustração na Escola Panamericana de Arte, São Paulo, SP. Oficinas de Grafite em Mural na Escola São Paulo, São Paulo, SP. Oficinas de Colagem no Instituto Tomie Ohtake, São Paulo, SP. Oficinas de Estamparia no Orbitato Instituto, em Pomerode, SC. Exposições e Feiras de Arte: São Paulo, Florianópolis, Los Angeles, Miami, Dubai e Nova York.

I like combining colors and rhythm in my work. A painting that is gradually revealed by intuition and, at the same time, by an internal order, with a personal signature and a style that I have developed after trying different possibilities. My inspiration comes from music, dance, architecture and traveling experiences. City and beach, organic and geometric movements, construction of lines and the fluidity of waters. The circle is the coming and going of life, showing the non-linear nature of time and space. Strength and lightness. Contrasts.

Graduated from UDESC ( Santa Catarina State University ) with a degree in Fine Arts. Studied Creation and Illustration at Escola Panamericana de Arte, São Paulo. Studied street art at Escola São Paulo. Studied collage at Tomie Ohtake Institute, São Paulo. Studied surface design at Orbitato Institute, Santa Catarina - Brazil.

Exhibitions and Art Fairs: São Paulo, Florianópolis, Los Angeles, Miami, Dubai and New York.

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Neclace One

80 x 80 cm

mixed media on canvas

Neclace Two

80 x 80 cm

mixed media on canvas

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Maija Närhinen

www.maijanarhinen.fi

I create three-dimensional pieces and installations. In my artistic work I often combine different methods of depiction, for example both three- and two-dimensional elements, in one piece. I am interested in for instance how to use one material to make an illusion of another material.

In the Bela Biennial there will be my work called Luggage. It consists of easily movable stones: the stones packed in a suitcase have been made of water colour paintings on paper. Some of them are in a form of a paper roll and some of them have been formed to resemble real stones.

I live and work in Helsinki, Finland. I hold an MA‐degree from the Academy of Fine Arts in Helsinki and am currently a doctoral candidate there. My latest solo exhibitions have been 2018 in Helsinki Gallery Sculptor and 2017 in Helsinki Gallery Hippolyte, 2015 at the Kouvola Art Museum and in Helsinki at MUU-gallery. My works have been seen in group exhibitions in 2015 e.g. in London at the Royal British Society of Sculptors Gallery as a part of Skulptur – a show presenting Nordic sculpture, as a part of Turku Biennial at the Aboa Vetus & Ars Nova Museum and the University of Arts’ Research Pavilion in connection to the Venice Biennale. My works are a part of the collections of Helsinki Art Museum, The Museum of Contemporary Art Kiasma, Espoo Museum of Modern Art, Rovaniemi Art Museum, University of Helsinki, Nordiska Akvarellmuseet, Sweden and Finnish Art Society.

Eu crio peças e instalações tridimensionais. Em meu trabalho artístico, eu sempre combino diferentes métodos de representação, por exemplo, elementos tridimensionais e bidimensionais, em uma única peça.

Estou interessado, em usar um material para fazer uma ilusão de outro material, por exemplo.

Na Bela Bienal haverá meu trabalho chamado Luggage(Bagagem). Consiste em pedras facilmente móveis: as pedras embaladas em uma mala foram feitas de pinturas de aquarela sobre papel. Alguns deles estão na forma de um rolo de papel e alguns deles foram formados para se assemelham a pedras reais.

Eu moro e trabalho em Helsinque, Finlândia. Eu possuo um diploma de mestrado pela Academia de Belas Artes de Helsinque e atualmente sou doutorando. As minhas últimas exposições individuais foram 2018 em Helsinki Gallery Sculptor e 2017 em Helsinki Gallery Hippolyte, 2015 no Kouvola Art Museum e em Helsinki na MUU-gallery. Meus trabalhos foram vistos em exposições coletivas em 2015, por exemplo em Londres na Royal British Society of Sculptors Gallery como parte do Skulptur - um show apresentando escultura nórdica, como parte da Bienal de Turku no Museu Aboa Vetus & Ars Nova e no Pavilhão de Pesquisa da Universidade de Artes em conexão com a Bienal de Veneza. As minhas obras fazem parte das colecções do Museu de Arte de Helsínquia, do Museu de Arte Contemporânea de Kiasma, do Museu de Arte Moderna de Espoo, do Museu de Arte de Rovaniemi, da Universidade de Helsínquia, da Nordiska Akvarellmuseet, da Suécia e da Sociedade de Arte Finlandesa.

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Luggage 50 x 60 x 45 cm mixed media (watercolour on paper, case) 2018 113

Maj-Lis Tanner maj-lis@tanner.fi I am a Finnish visual artist living in Espoo near Helsinki. My last works of art have been painted with expressionist style on plexiglass because in this way I can reach the most of the colors I love.

This method of painting and acrylics give me a sense of photographing, too.

In my paintings I wage a battle on behalf of nature. My love of nature can be seen in colors that occur in nature. The four seasons of Finland seem to guide my color spectrum so much that sometimes resistance is futile. During the last years my paintings have described memories of my wanderings high in the North of Finland. Still I can see reindeers walking slowly on hills, eating lichen and teasing wanderers they meet. Some memories remind me of heavy and menacing morning mist.

With acrylics I can also be playful and mix reality with imagination.

Minha natureza Nas minhas pinturas, travo uma batalha em nome da natureza. Meu amor pela natureza pode ser visto nas cores que ocorrem na natureza. As quatro estações da Finlândia parecem guiar tanto meu espectro de cores que às vezes a resistência é fútil. A mais bela variedade de cores está relacionada às cores outonais da Lapônia, na Finlândia, quando o solo brilha com marrons e vermelhos, e todos os tipos de sombras escuras, no meio das quais se destacam a laranja e a turquesa.

Eu sou uma artista finlandesa que vive em Espoo, perto da Helsínquia, a capital da Finlândia. Durante os últimos anos, minhas pinturas descreveram a Lapônia e as lembranças de minhas peregrinações por lá, no norte da Finlândia. Ainda consigo ver renas andando devagar nas colinas, comendo líquens e provocando andarilhos que encontram. Às vezes, eles podem ficar bastante enfurecidos e defender seu território. Às vezes eles ignoram os errantes, inclusive eu. Eles vão me deixar fazer esboços para minhas pinturas futuras.

Durante as noites eu posso ouvi-los andando na minha tenda, me aceitando, me deixando sozinha.

Minhas últimas obras de arte foram pintadas com acrílico em plexiglass. O resultado desse método de pintura me dá uma sensação de fotografia.

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Photo by Matti Hyynynen

Northern Swamps are Waiting for me 75 x 100 cm Acrylic on plexiglass 2018 115

Malu Perlingeiro MALU PERLINGEIRO – FINE ARTS

maluperlingeiro@gmail.com www.maluperlingeiro.com www.facebook.com/malu.perlingeiro Instagram: @maluperlingeiro

Janelas Os trabalhos da artista plástica carioca Malu Perlingeiro, radicada em Brasília desde 1994, possuem uma abordagem pouco convencional da arquitetura colonial brasileira, que sempre exerceu grande influência em suas obras. Utilizando elementos reais além da pintura ou apenas a tinta acrílica sobre a tela, a artista busca a interação entre suas lembranças e as dos espectadores. Para isso, Malu oferece mais do que o simples passear dos olhos sobre as obras. Ao apresentar, além das cores e formas, sua ótica de grande significado psicológico, desperta os sentidos e as emoções, fragmentando, desconstruindo e reconstruindo à sua maneira, as janelas constantes em seu imaginário, desnudando sua arte e sua alma a quem delas se aproximar."

Malu Perlingeiro was born and raised in Rio de Janeiro, but ever since 1994 has been living in Brasilia. Her art works have a unique unconventional approach of the Brazilian colonial architecture, theme that has always had a great influence on her paintings. Utilizing real elements, besides acrylic paint on canvas, Malu seeks interactions of her memories with those of the observers. To achieve this purpose, the artist offers more than the simple sight of her works. By presenting more than just colors and shapes, her view of significant psychological meaning awakes senses and emotions, fragmenting, demolishing and reconstructing, in her own way, windows that remain in her imagination, which reveals her art and soul to everyone who looks at them.

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DESCONSTRUÇÃO XIX Díptico 30 x 30 cm e 80 x 60 cm Acrílica sobra tela 117

Marcelo Duprat Born in Rio de Janeiro, professor of painting at the Federal University of Rio de Janeiro, Master in history and criticism of art. He is currently attending a PhD in painting at Fine Arts Ulisboa, Portugal. His research line, which bases his current works, is based on the central theme of his doctoral thesis, which deals with the "plastic pattern", a plastic foundation that is complemented by the suggestion of mythical figures. Marcelo Duprat seeks to keep in the painted way the experience of discovery experienced during the process of image formation, without stopping in a pre-established idea. His paintings seek to involve the spectator in his genesis, showing that the transformations during the process, provide a wide opening of readings.

Nascido no Rio de Janeiro, professor de Pintura na Universidade Federal do Rio de Janeiro, mestre em história e crítica da arte. Atualmente está cursando doutoramento em Pintura na Belas Artes ULisboa, Portugal. Sua linha de pesquisa, que embasam suas obras atuais, tem por base o tema central de sua tese de Doutoramento, que versa sobre o “Padrão Plástico”, fundamento plástico que é complementado pela sugestão de figuras míticas.

Marcelo Duprat busca manter na forma pintada a experiência de descoberta vivenciada durante o processo de formação da imagem, sem se deter em uma ideia pré-estabelecida. Seus quadros procuram envolver o espectador em sua gênese, mostrando que as transformações durante o processo, propiciam uma ampla abertura de leituras.

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Nilo 81 x 65 cm Ă“leo sobre tela 2019

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Marcio Goldzweig

http://marciogoldzweig.com http://fb.com/xilogravuras.woodcuts http://fb.com/marcio.goldzweig http://fb.com/figurinhas.carimbadas Marcio Goldzweig simboliza em seu trabalho um agregado de culturas. Um brasileiro de ascendência judaica, palestina, americana e do leste europeu, ele é atraído por formas que nos trazem de volta ao Oriente.

Especialmente através do uso de antigas técnicas de caligrafia que evocam, à primeira vista, os estilos hebraico, islâmico e japonês que ligam essas culturas ao mundo contemporâneo, fabricando suas próprias ferramentas de escrita - os Qalames Orientais ou as canetas de bambu que revelaram ao mundo a escrita.

O Qalam foi descrito como o símbolo da sabedoria e com ele o artista transforma elementos da caligrafia em arte abstrata -, ou como o artista define, “Abstrações Caligráficas”.

Tomando algum tipo de ascetismo de sua herança judaica, referências islâmicas, com fortes conexões com a arte japonesa do Shodō e uma vida no Brasil, Goldzweig cria imagens que transcendem as ideologias culturais, agregando um meticuloso trabalho de xilogravura em suas criações.

Marcio Goldzweig symbolizes in his work an aggregate of cultures. A Brazilian of Jewish, Palestinian, American, and Eastern European descent, he is drawn to ways that bring us back to the East.

Especially through the use of ancient calligraphy techniques that evoke, at first glance, the Hebrew, Islamic, and Japanese styles that link these cultures to the contemporary world, making his own writing tools - the Oriental Qalams or the bamboo pens that have revealed to the world the writing.

Qalam has been described as the symbol of wisdom and with it, the artist transforms elements of calligraphy into abstract art - or as the artist defines, "Calligraphic Abstractions."

Taking some kind of asceticism from his Jewish heritage, Islamic references, with strong connections to Shodō's Japanese art and a life in Brazil, Goldzweig creates images that transcend cultural ideologies, adding meticulous woodcut work to his creations.

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Kane 30 x 42 cm Fineart Print on Rives Tradition 270g/m2 2018 121

MarQo Rocha

Marco Antonio Rocha Pimentel

Biografia Carioca, jornalista, artista visual e fotógrafo, cursou a Escola de Comunicação da UFRJ, a Escola de Artes Visuais do Parque Lage e o Ateliê da Imagem. Transitando entre a fotografia, a serigrafia e a pintura, e muitas vezes apagando as fronteiras entre essas técnicas, o interesse do artista está centrado na captura e na gestação de imagens que reflitam o momento sociocultural e político.

Biography From Rio de Janeiro, artist, journalist and photographer, attended the School of Communication of the Federal University of Rio de Janeiro, the School of Visual Arts of Parque Lage and Ateliê da Imagem. The conceptual and theoretical foundations of this background add up to experimentation, seeking links with the contemporary. In this sense, the incorporation of techniques and procedures from photography and printmaking, as the manipulation of perspective, impressive effects and image overlay, contribute to blur the boundaries between these different forms of art, producing at the same time estrangement and identification with the everyday urban experience.

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Abs 130 x 175 cm acrylic on canvas

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Marcos Esteves As casas.

Moradas onde se educa. Constroem ações, reações. Separam o lixo, reciclam corações. Economizam lágrimas água do mundo.

As casas. Comunidades favelas esgotos a céu aberto.

Em casa tudo começa, a consciência o valor o calor evidência do sofrimento da terra.

Casas. Ricas ou pobres, educação gera ação. A esperança da sustentabilidade, o exemplo para a próxima geração.

The houses.

Addresses where there is education . They build actions, reactions. They separate the garbage, they recycle hearts. They save tears water of the world.

The houses. Communities favelas sewers in the open.

At home everything begins, awareness courage warmth evidence of human suffering on earth.

Houses. Rich or poor, education generates action. The hope of sustainability, the example for the next generation.

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Works on canvas support on wooden chassis / Obras em suporte lona sobre chassi em madeira acrylic ink, ink, acrylic pen on canvas / tinta acrĂ­lica, nanquim, caneta acrĂ­lica sobre lona (2 screens / 2 telas) 80 x 80 cm 125

Marcos Queiroz A arte de Queiroz caminha por uma linguagem simbólica de conceito e estética primitivistas, mas sem desconsiderar a linha contemporânea, onde as formas e a combinação de cores pretendem gerar movimento e despertar os sentidos para as questões da atualidade.

O artista prioriza o processo criativo, muitas vezes em detrimento do produto final, simplificando a temática, as linhas, formas e cores, desafiando, assim, as idéias convencionais da composição.

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Flame II 60 x 40 cm óleo e acrílico em canvas

Flame II 60 x 40 cm óleo e acrílico em canvas 127

Marcus Amaral In the wake of my youth I realized a need to produce something that could express my emotions and feelings. Life was demanding answers to the feelings it caused on me. My involvement with art happened in a pragmatic way when in 1982 I started the course of Fine Arts at the University. Even without completing the course, it gave me the exact dimension of what it meant to embrace an artistic career. The two years I spent in College were very important, but my work was done outside school, experimenting and developing non academic techniques.

Over the years this process has gone through several phases. Today I could say that my work consists in extracting of materials and objects their hidden essence. I have the need to expose the reverse, I'm always looking for the unfinished perfection. This proposal is a constant challenge, bringing close to me the possibility of error and frustration, demanding always a fresh start. My work is like mining, always trying to find the unlikely beauty, something that will allow me to call it Art. These findings, which were the fruit of work and debugging, produced from mashed matter, kneaded as bread and brewed by intimate feelings are like food to me. Show my work is like exposing myself and through the eyes and interpretation of others seek a better understanding of the universe of creation.

No despertar de minha juventude percebi uma grande necessidade de produzir algo que pudesse externar as minhas emoções e sentimentos. Era a vida me cobrando respostas das sensações que ela própria me causava.

Meu envolvimento com a arte aconteceu de uma forma pragmática quando em 1982 iniciei o curso de Belas Artes na UFMG. Mesmo sem concluir o curso, esse fato me deu a dimensão exata do que significava buscar uma carreira artística. Os dois anos que permaneci na escola foram muito importantes, mas o meu trabalho foi desenvolvido fora da escola, fazendo experimentos e desenvolvendo técnicas não acadêmicas. Ao longo desses anos esse processo já passou por várias fases.

Hoje posso dizer que o meu trabalho consiste em extrair de materiais e objetos uma essência oculta. Tenho a necessidade de expor o avesso, estou sempre à procura do inacabado perfeito.

Essa proposta é um desafio constante, trazendo para perto de mim a possibilidade do erro e da frustração, exigindo sempre um recomeço. Esse trabalho é um garimpo, sempre acreditando na possibilidade de encontrar o improvável sutilmente belo, algo que me classifique como artista, me permitindo chamar de arte as minhas descobertas. Essas descobertas trabalhadas e depuradas são para mim alimento, produzida de matéria amassada e esmurrada como se faz o pão. Fermentada por sentimentos íntimos às vezes desconhecidos e organizada por uma razão vacilante. Mostrar o meu trabalho é de certa forma me expor, busco através do olhar e interpretação do outro melhor entendimento desse universo da criação.

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Marcus Ferrer Compositor e Artista Plástico. Mestre em Composição Musical (UFRJ); doutor em Teoria e Prática da Interpretação Musical (UNIRIO).

Professor da Escola de Música da Universidade Federal do Rio de Janeiro/UFRJ. Composer and Plastic Artist. Master in Music Composition (UFRJ); doctor in Theory and Practice of Musical Interpretation (UNIRIO).

Professor of the School of Music of the Federal University of Rio de Janeiro / UFRJ.

Escultura Sonora 1 / Sound Sculpture 1 Barra rosqueada, arruelas, porcas, parafusos, tubos de alumínio, cobre, ferro, plástico e PVC, madeira.

Threaded rod, washers, nuts, bolts, tubes of aluminum, copper, iron, plastic and PVC, wood.

120 x 150 x 100 cm 130

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Margareta Gelles http://gelles.se

Born in Trosa 1958, living in Eskilstuna and working full time artist. I work mostly in oil, acrylic, collage or sculpture. In my constant exploration of painting and sculpting, I express feelings and thoughts with elements of both seriousness and playfulness.

I have a great curiosity about the creative process and where it takes me. I never know where I end up when I start, what form the work takes or what the outcome will be. I would not want to place my work in a certain field, it would just limit myself. Through the years I have exhibited in Sweden, Germany, France, Portugal, Brazil and USA. Membership in Konstnärernas Riksorganisation (The National Organisation of Artists), KRO.KIF. KC-mitt, BUS, KHVC. Svenska konstgalleriet (The Swedish Art Gallery).

Technique: Oil and acrylic on cannvas,collage,sculptures in mixed technique. Educations: Arts Programme Eskilstuna folkhögskola (Folk University) for 2 years. Mission: Painting, Eskilstuna Marknadsföring AB 2005.

Public purchase: Eskilstuna kommun (Eskilstuna county), Vattenfall Stockholm, Torshälla stadsförvaltning (civic authority), amongst others.

Other:The 1998 opening of Mälarbanan, promotor Eskilstuna kommun. 2001 Stiftelsen Astrid Lindgrens Barnsjukhus (childrens hospital),promotor Christina Scollin. 2004 culture exchange Riete,Italy. Artwork: Familjecenter Torshälla Eskilstuna kommun (family center). BUP Barn och ungdomspsykiatrin (child psychiatry), Landstinget Sörmland.

Represented: Vattenfall Stockholm, Eskilstuna kommun Torshälla förvaltning, Södermanlands Landsting, ART Director Laguna Gallery of Contemporary Art, Californien.

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Exposure 120 x 120 cm oil 2018

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Mari Blomroos-Heininen Life is - Art - is Life!

The nordic nature is a dialog between contrasting elements. These processes and phenomena repeat all over the living world and other contexts. It's not irrevelant which question do you ask and which answer do you accept. Is light's journey into darkness long or short? Is the wind blowing, or is it just the movement of my mind? What is this Is it cold or am I just lonely? I have the surging mind of sea and wind, like the heart and soul of seagrass. I swim deep in life holding on to my dreams. Beauty is allowed in art, too.

"Mari Blomroos-Heininen's oil paintings portray flowers as objects of creation, like human beings, expressing their feelings and demonstrating the infinite vitality of life. Everything is presented with a keen touch of a female artist. The works raise a question about the perception of the existence of life. They take us into a soft and floating imaginary world with relaxed brush strokes, lively tones and fantastic picture atmosphere. The paintings reflect the Nordic human feelings and experience, and are made with a heartily expressed artistic character."

Vida é - Arte - é Vida!

A natureza nórdica é um diálogo entre elementos contrastantes. Estes processos e fenômenos repetem todo o mundo vivo e outros contextos. Não é irrelevante qual pergunta você realiza e qual resposta você aceita.

A jornada da luz na escuridão é longa ou curta? O vento está soprando ou é apenas o movimento da minha mente? O que é isso? Está frio ou estou sozinho? Eu tenho a mente crescente do mar e do vento, como o coração e a alma das ervas marinhas. Eu nado profundamente na vida segurando meus sonhos. A beleza é permitida na arte também.

"As pinturas a óleo de Mari Blomroos-Heininen retratam as flores como objetos de criação, como os seres humanos, expressando seus sentimentos e demonstrando a vitalidade infinita da vida. Tudo é apresentado com um toque aguçado de uma artista feminina. Os trabalhos levantam uma questão sobre a percepção da existência da vida. Eles nos levam a um imaginário suave e flutuante mundo com pinceladas descontraídas, tons vivos e atmosfera fantástica. As pinturas refletem o nórdico sentimentos humanos e experiência, e são feitos com um carácter artístico expressado cordialmente ".

—by / por: Dr. Guohui Chen Associate Professor of Art History in Guangzhou Academy of Fine Arts Professor Associado de História da Arte na Academia de Belas Artes de Guangzhou

Photo by Matti Hyyrynen 134

Orchestra of Nature 120 x 90 cm oil on canvas 2018 135

Marilú Andrasan www.artmarilu.com

Titulo: O Ponto Do Nó Material: Corda de sisal natural Release: Quando tentamos modificar a Mãe Natureza manipulando alternativas a ela alheia, criamos um emaranhado que acaba por se transformar nosso Planeta num novelo de nós sobre nós.

Medidas: O objeto tem 18 cm de diâmetro, posicionado na altura dos olhos humanos, ocupando um espaço aéreo de +/- 3 metros de altura, e um cubo imaginário 2 x 2 metros nas laterais, com a sobra da corda presa nestas laterais paredes Data: 2008/2009

Title: The Point Of The Knot Material: Natural sisal rope Release: When we try to modify Mother Nature by manipulating alternatives to her that are alien to her, we create a tangle that transforms our Planet into a ball of knots on top of knots.

Measurements: The object is 18 cm in diameter, positioned at the height of human eyes, occupying an air space of +/- 3 meters in height, and an imaginary cube 2 x 2 meters on the sides, with the remaining rope held in these lateral walls 136

Date: 2008/2009

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Mário Ferrer Mario Ferrer is na architect and a lover of Brazilian music and visual arts. He has Always been concerned about the impacto of waste on the environment, hence his usage of primarily waste or recycled materials in his Works. These materials reflect in his art’s diversity, always extremely creative. His passion for music also makes Mario a creator of new percussion instruments.

Mario Ferrer é um arquiteto e amante da música brasileira e das artes visuais. Ele sempre se preocupou com o impacto do lixo no meio ambiente, daí a utlização desses materiais principalmente lixo ou reciclados em suas Obras. Esses materiais refletem na diversidade de sua arte, sempre extremamente criativa. Sua paixão pela música também faz de Mario um criador de novos instrumentos de percussão.

60 x 60 ESMALTE SOBRE TIRAS DE PERSIANA VERTICAL SOBRE MDF / PAINT STRP OF VERTICAL BLIND ON MDF 2018 70 x 25 ESMALTE SOBRE MADEIRA E FERRO SOBRE MDF / PAINT ON WOOD AND IRON ON MDF 2015 60 x 60 ESMALTE E PEDACOS DE PAPEL AMASSADO SOBRE MDF / PAINT AND MIXED PAPER ON MDF. Coleqao particular 2015 138

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Miguel Sereno Miguel Sereno invites us to explore an unknown orb, inhabited by organic structures that moves in its atmosphere in a dance of transparencies, connecting surface and firmament.

That experience allows us to think about the diversity of existences and leads us to imagine the very material composition of what is capable of surviving in an alien nature.

Miguel Sereno nos convida a explorar um orbe desconhecido, habitado por estruturas orgânicas que transitam em sua atmosfera numa dança de transparências, conectando superfície e firmamento. A experiência permite refletir sobre a diversidade das existências e nos leva a imaginar a própria composição material do que é capaz de sobreviver numa natureza alienígena.

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Alien Nature 1 90 x 90 cm acrylic on canvas / acrilica sobre tela 141

Milalonso Born in Rio de Janeiro, Milalonso revealed her passion for colors and the art world as a child, starting to draw at the age of 7 and painting at age 11. Her keen curiosity led her to perfect traditional techniques and develop new forms of artistic expression, valuing the infinite possibilities that the recycling and the reutilization of materials allow.

Graduated in Fine Arts from Bennet Methodist University and former resident of the Bhering Factory cultural center, she participated in several projects and collective exhibitions. With the series "Shards," Milalonso seeks to express the process of self-discovery of those who have overcome a serious illness and is reborn in art, contemplating each trait of life and reinventing each piece of himself as a reflection of the beautiful imperfection of the human trajectory on Earth.

Using the acrylic technique on canvas with mirrors and glass shards, appropriates recycling as one of the main tools of expression, showing that everything that apparently loses its beauty due to the action of time or wear from usage can return to the singularity of the beautiful when it returns to our hands to be reborn as sustainable art. The apparent fragility of the glass and the reflection of the mirror bring the force of colors as a representation of the fruit and gall of nature refracted on each one.

“We are all broken, that’s how the light gets in” (Schopenhauer).

Natural do Rio de Janeiro, Milalonso revelou sua paixão pelas cores e pelo mundo da arte já na infância, começando a desenhar aos 7 anos e a pintar aos 11. Sua curiosidade aguçada levou-a a aperfeiçoar técnicas tradicionais e a desenvolver novas formas de expressão artística, valorizando as infinitas possibilidades que a reciclagem e o reaproveitamento de materiais permitem. Formada em Belas Artes pela Universidade Metodista Bennet e ex-residente do pólo cultural Fábrica Bhering, participou de diversos projetos e exposições coletivas. Com a série “Estilhaços”, Milalonso procura expressar o processo de autodescobrimento de quem venceu uma grave doença e renasceu na arte, contemplando cada traço de vivência e reinventando cada pedaço de si mesmo como um reflexo da bela imperfeição da trajetória humana na Terra. Utilizando a técnica de acrílico sobre tela com espelhos e estilhaços de vidro, apropria-se da reciclagem como uma das principais ferramentas de expressão, mostrando que tudo que aparentemente perde a beleza pela ação do tempo ou desgaste do uso pode retornar à singularidade do belo quando retorna a nossas mãos para renascer como arte sustentável. A fragilidade aparente do vidro e o reflexo do espelho trazem a força das cores como uma representação do fruto e do fel da natureza refratada cada um.

“We are all broken, that’s how the light gets in” (Schopenhauer).

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A mente que grita 44 x 34 cm tinta acrilica e vidro sobre tela 2017 143

Nelma Aires Camargo http://nelmacamargo.com "Sou uma artista brasileira e minha inspiração é a própria natureza para onde meu olhar me leva sempre.

Sinto-me atraída por linhas orgânicas e sinuosas, e deixo minha mão dançar no papel me expressando através de meu lápis ou pincel, criando desenhos que pairam em minha mente. Quando inicio um trabalho meus sentidos ficam completamente envolvidos e uma história é criada a partir daquela imagem, trazendo-a à vida.

Trabalho com variados tipos de ferramentas que nosso tempo fornece, criando, em tela, com tinta acrílica, óleo e aquarela. Muitas vezes também outras espécies não convencionais têm entrado em meus trabalhos, como renda, fita e papel. Também sou completamente atraída pela tecnologia e o que ela oferece. Assim, muitos de meus trabalhos foram criados e depois, melhorados por meio de computação gráfica, ou viceversa, para novamente ganharem vida em tela e trabalhados artesanalmente. Ou, apenas, são texturas para mundos virtuais e ali ficam. Adoro o que faço e espero passar para quem vê um outro olhar para outros cantos. Afinal, criar é sair da realidade e entrar em outros mundos.

I am a brasilian artist and my inspiration is nature itself where my eyes always takes me. I'm attracted to organic, winding lines, and I let my hand dance on paper expressing myself through my pencil or brush, creating drawings that hover in my mind. When I start a job my senses are completely involved and a story is created from that image, bringing it to life.

I work with various types of tools that our time provides, creating, on canvas, with acrylic paint, oil and watercolor. Often also other unconventional species have entered my work, such as lace, tape and paper.

I'm also completely attracted to technology and what it offers. Thus, many of my visual works and digital textures were created manually, improved through computer graphics, to again gain screen life and crafted handicrafts. Or, just, they are textures to virtual worlds and there they stay.

I love what I do and I hope to pass to those who see my works another look at other corners. After all, creating is getting out of reality and getting into other worlds."

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A Grande Escapada

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Nonna-Nina Mäki https://kuvataiteilijamatrikkeli.fi/taiteilija/nonna-nina-maki Nonna-Nina Mäki is an artist from Tampere, Finland. She has graduated from the Lahti Fine Art Institution.

Her paintings have been shown throughout the world. She also writes and makes art for children's books.

Her book A Foamy Sea was released in April 2018. A Foamy Sea has been translated to English, while a Tamili translation is still in the works.

Nonna-Nina paints symbolic, naivistic and very colorful paintings with intuition, where she covers life's different phenomenona with multiple levels of meaning. She has got inspiration from the nature, different cultures and from the worlds of subconsciousness.

Nonna-Nina Mäki é uma artista de Tampere, na Finlândia. Ela se formou na Instituição de Belas Artes de Lahti. Suas pinturas foram mostradas em todo o mundo. Ela também escreve e faz arte para livros infantis.

Seu livro A Foamy Sea foi lançado em abril de 2018. A Foamy Sea foi traduzido para o inglês, enquanto uma tradução de Tamili ainda está em andamento.

Nonna-Nina pinta com intuição a pintura simbólica, ingênua e muito colorida, onde ela cobre diferentes fenomenos da vida com múltiplos níveis de significado. Ela tem inspiração da natureza, culturas diferentes e dos mundos do subconsciente.

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Portinvartija / Gatekeeper

190 x 123 cm

acryl / mixed media

2017

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Patricia Figueiredo Patrícia Figueiredo lives and works in Rio de Janeiro. Initially, her creative process found a place in her training in architecture, a place that served as a trigger for the development of a creative-artistic vision that would emerge in other media. With collage, she found a possibility of enunciation of her language, where images and words subscribe to each other and resurrect motivating issues of painting and sculpture. Starting from this, Patricia begins an exhaustive and obsessive process searching for the word that will unfold in its original form, such as the link of chain that somatizes an incessant search for a proper word or by a proper name, which always results in something new.

Patrícia Figueiredo vive e trabalha no Rio de Janeiro. Inicialmente, seu processo criativo encontrou lugar em sua formação em Arquitetura, lugar este que serviu como disparador para desenvolvimento de um olhar criativoartístico que surgiria em outros suportes. Descobriu na colagem uma possibilidade de enunciação de sua linguagem, onde imagens e palavras se inscrevem umas nas outras e ressurgem motivando questões da pintura e da escultura. Partindo disto, Patrícia compreende um processo exaustivo e obsessivo em busca da palavra que se desdobrará em sua forma bruta”

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Transborda 22,68 m Tecnica mista, Papier mache e colagem 2018 / 2019 149

Paulette Gerecht Burning Memories series Born in São Paulo-Brazil, where she lives and works, Paulette Gerecht holds a degree in Architeture and Urbanism from the University Center of Fine Arts - SP. From 2000 she started to work with visual arts, participating, since then, in numerous exhibitions, having won several prizes. Currently, her interests are focused on the study of symbologies and archetypes, by seeking self-knowledge through the art.

The work here exposed belongs to the acrylic series Memórias Ardentes (Burning Memories). In the combustion of oxygen, there is the impermanence of matter. In the intense liberation of energy in the form of light and heat, one perceives the fragility and the impotence of the human being before the force of the elements of nature.

Série Memórias Ardentes Natural se São Paulo, onde vive e trabalha, Paulette Gerecht graduou-se em arquitetura e Urbanismo pelo Centro Universitário Belas Artes - SP. A partir de 2000 ela começou a trabalhar com Artes Visuais, participando desde então de inúmeras exposições, tendo recebido diversos prêmios. Atualmente seus interesses estão voltados para o estudo das simbologias e dos arquétipos, numa visão da arte direcionada ao autoconhecimento.

A obra aqui exposta pertence à série de acrílicas Memórias ardentes. Na combustão do oxigênio há a impermanência da matéria. Na intensa liberação de energia em forma de luz e calor, percebe-se a fragilidade e a impotência do ser humano diante da força dos elementos da natureza.

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Memória Ardente VI 60 x 80 cm Acrílica s/ Tela 2017

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Rachel Roscoe My technique, which I named ‘’Circumscribed’’ intends to ‘’re-signify’’ those things that with time and acquaintance wears off —our relation with what surrounds us. The familiarity with something and the intimacy that comes with it makes us gradually insensible, unfeeling to what surrounds us and that was once object of affection. The painting is built through the juxtaposition of circles that conjure up the very perpetual motion of our memories and relations. Through the juxtaposition of circles with chromatic and tonal variations I build the image diluting it, as in memories. The image is now built by the sight, in the eye of the beholder. The beholder stabilises a spatial relation with the painting, so that he can comprehend it visually. Kindled to unveil the image, the observer instinctively adjusts his sight. The affections are brought to life by the curious look of who sees what is familiar, but represented in a new and original form.

Minha técnica, à qual dei o nome de “Circunscritos”, visa reavivar o que com o tempo e a própria familiaridade se desgasta – A relação. A convivência com algo e a intimidade daí advinda nos torna gradualmente insensíveis virtualmente ao que nos cerca e ao que nos foi, uma vez, motivo de afeto. A pintura é construída pela junção de círculos que evocam o próprio moto-perpétuo de nossas memórias e relações. Através da junção de círculos com variações cromáticas e tonais, construo a imagem diluindo-a como em memórias.

A imagem, agora, é construída no exercício do olhar. O observador estabelece uma relação espacial com a obra, de forma que possa compreendê-la visualmente. Instigado a desvendar a imagem, o observador instintivamente ajusta seu olhar. Os afetos então são reavivados pelo olhar curioso de quem vê o que lhe é familiar, porém representado agora de uma forma original e singular.

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Bougainvillea 100 x 100 cm acrylic on canvas / acrĂ­lica sobre tela 153

Rafael Agostini Voice of forest When if listen the song’s uirapuru bird, where the sun light no penetrate fully still, but only where the forest consents, there’s hope of the Amazon forest purity. The multicolored jungle, of rich biodiversity, that’s science and wisdom can bring studies about medicines and vaccines for diseases that ravage humanity, can not prevent the greedness, that devastes and exchange forest for ground and pasture fields. The life listen to the imperor’s song, but can not prevent the greed of chaser.

Like the cacique in indigenous legend, in ambush melindres, waiting the moment for get down your devastation light in the mysterious world. And uirapuru, before protected for shadows of forest, sing sadly, but resign against the threatening light.

And your song is the forest voice as the voice of resistance.

Voz da Floresta Quando se ouve o canto do uirapuru, onde a luz ainda não penetra completamente, mas somente onde a floresta consente, há esperança da pureza da mata amazônica. A selva multicolorida, de sua rica biodiversidade, que é ciência e sabedoria, pode trazer estudos sobre medicamentos e vacinas e tratar doenças que assolam a humanidade. Não pode evitar a ganância, que devasta e troca florestas por campos de terra e pastagens. A vida ouve a música do imperador, mas não pode impedir a cobiça do caçador, como a do cacique na lenda indígena, que à espreita maliciosa aguarda o momento propício para descer a sua luz ao mundo misterioso. E o uirapuru, antes protegido pelas sombras da floresta, ecoa um canto triste, mas resigna-se contra a luz ameaçadora. E sua música é a voz da floresta, a voz da resistência.

Territories The young woman outside society, that listen a seductive song of uirapuru bird, from the distant Amazon, and your people, see in reflexes of modern buildings, your destiny like how to see yourself in the mirror.

The orange walls in yours improvides bricks, contrast with Carioca’s blue summer. The empires ride up like a pyramids that touch the sky to be noticed. The possession of suburbs without social and environmental commitments, grow a damages consequences to both sides interests. There’s irregular trash discard, sewer and lifes. Recycling is necessary! Make people aware about sustainable use of resources. A people put society margin, retired of your origen, removed from his environment is as an abortation and grow more segregation and tend to be discarded on asphalt.

Territórios A jovem à margem, que ouve o canto sedutor, do uirapuru, da Amazônia distante, e de seu povo, vê nos reflexos do prédio moderno o seu destino como a se olhar no espelho. As paredes alaranjadas dos tijolos improvisados, contrastam com o azul do verão carioca. Os impérios crescem como pirâmides que tocam o céu para serem notadas. A ocupação dos morros, sem compromissos sociais ou ambientais, gerou uma série de consequências danosas em ambos os aspectos. O descarte irregular do lixo, do esgoto, de vidas .Reciclar é preciso, a conscientização do uso sustentável e a sustentabilidade consciente dos recursos deve ser investida.

Um povo posto à margem, retirado de seu meio, como das entranhas um feto, gera mais segregação e tende a ser lançado no asfalto.

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Territories

Voice of Forest

Lenda indĂ­gena O Canto do uirapuru Territorios

Voz da Floresta

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Raija Kuisma www.raijakuisma.fi

https://kuvataiteilijamatrikkeli.fi/taiteilija/raija-kuisma www.finnishdesigners.fi/portfolio/raija.kuisma www.findartglobally.com/fi/taiteilijat/art/228 https://taiko.fi/artists/raijakuisma?lang=fi Raija Kuisma lives and works in Pori, on the western coast of Finland. Closeness of the Baltic Sea, the four seasons in Finland, the diversity of flora and fauna are essential to Kuisma’s art. Raija Kuisma´s art is based on the photos she has taken around the world. She combines and layers her photos, transforming colors and textures in order to approach a visually pleasing result.

Kuisma´s art is printed directly on glass, acrylic, metal or fabric using uv-printing technique. Kuisma also uses recycled materials, metal or clay in her art. Her works have been displayed vastly in museums and galleries around the world.

Raija Kuisma vive e trabalha em Pori, na costa ocidental da Finlândia. Proximidade do Mar Báltico, as quatro estações na Finlândia, a diversidade da flora e fauna são essenciais para a arte de Kuisma. A arte de Raija Kuisma é baseada nas fotos que ela tirou em todo o mundo. Ela combina e divide suas fotos, transformando cores e texturas para se aproximar de um resultado visualmente agradável.

A arte de Kuisma é impressa diretamente em vidro, acrílico, metal ou tecido usando a técnica de impressão uv. Kuisma também usa materiais reciclados, metal ou argila em sua arte. Seus trabalhos foram exibidos amplamente em museus e galerias ao redor do mundo.

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Portti/Gate 50 x 50 cm UV-tasotulostus Alu-Dibondille editio 1/1 2018 157

Raquel Signorelli Abundância / Abundance 60 x 40 cm acrilia s/ tela / acrylic on canvas 2018 "Abundância" integra a série "Não existe Pecado do lado de baixo do Equador", apresentada em 2018 na Casa França Brasil e em 2019 no Museu da Fazenda Federal, no Rio de Janeiro. Participou da BELA - Bienal Européia e Latino Americana de Arte Contemporânea no Centro Cultural dos Correios também em 2019.

O quadro "Abundância" complementa outra tela da artista, denominada "Escassez". A composição desses trabalhos representa o paradoxo do Brasil sob o aspecto da natureza, tão diversificada. Em ambos os trabalhos o barco surge como elemento principal. Na exuberância do pantanal, o barco é um personagem em sua funcionalidade plena e assim repousa sereno sobre as águas.

Abundance is part of the "There is no Sin Below the Equator" series presented in 2018 at the Casa França Brasil and in 2019 at the Museu da Fazenda Federal in Rio de Janeiro. Also in 2019 it was exhibited at BELA European and Latin American Biennial of Contemporary Art held at the Centro Cultural dos Correios.

The “Abundance" painting complements another canvas by the artist called Scarcity. The composition of both works represents the paradox of Brazil's nature, so diversified. In both the boat appears as the main element. In the exuberance of pantanal`s wetland, the boat is a character in its full functionality and thus rests serenely on the waters.

Escassez / Scarcity 60 x 40 cm acrílica s/ tela / acrylic on canvas 2018 "Escassez" integra a série "Não existe Pecado do lado de baixo do Equador", apresentada em 2018 na Casa França Brasil e em 2019 no Museu da Fazenda Federal, no Rio de Janeiro. Participou da exibição na BELA - Bienal Européia e Latino Americana de Arte Contemporânea no Centro Cultural dos Correios também em 2019. A obra retrata a realidade árida de parte do territorio brasileiro, evidenciando uma das muitas contradições do país: a abundância e a míngua. Na obra, o barco, outrora instrumento de transporte e atividade de sustento, não passa de um esqueleto que aos poucos se funde ao solo sem vida.

Scarcity is part of the "There is no Sin Below the Equator" series presented in 2018 at the Casa França Brasil and in 2019 at the Museu da Fazenda Federal in Rio de Janeiro. Also in 2019 it was exhibited at BELA European and Latin American Biennial of Contemporary Art held at the Centro Cultural dos Correios. The work portrays the arid reality of part of the Brazilian territory raising awareness on one of the country`s many contradictions: the abundance and the scarcity. On the painting, the boat, once an instrument of transport and sustenance activity, is nothing more than a skeleton that merges itself to the lifeless soil.

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Regina Moraes The screen Jandira portrays nature in the eyes of Regina Moraes. The title is an homage to an artist's indigenous ascendant. Jandira, from Tupi, "that runs like honey", inspired the production of the screen from its project, bringing to the canvas the forest with its elements, colors, sounds and movements, with its whole life. The screen Jandira was produced especially for the third edition of the BELA Bienal and is part of a series entitled Renew, in which Regina Moraes portrays a feminine nature, unlimited, blooming in a new harmony of discoveries, revealing unexpected shades, nuances, reflections and colors.

A obra Jandira retrata a natureza aos olhos de Regina Moraes. O título é uma homenagem a uma ascendente indígena da artista. Jandira, do Tupi, "que corre como mel", inspirou a produção da obra desde seu projeto, trazendo para a tela a mata com seus elementos, cores, sons e movimentos, com toda sua vida. A obra Jandira foi produzida especialmente para a terceira edição da BELA Bienal e faz parte de uma série intitulada Renovar, em que Regina Moraes retrata uma natureza feminina, ilimitada, florescendo em uma nova harmonia de descobertas, revelando tons, nuances, reflexos e cores inesperados.

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Jandira 100 x 100 cm mixed media 161

Ricardo Lemos

Instagram: ricardolemosarte ricardolemosbh@gmail.com www.facebook.com/RICARDOLEMOSARTE Ricardo Oliveira Lemos, known as Ricardo Lemos in the art community, was born in Belo Horizonte, State of Minas Gerais, Brazil, on 23 September 1976. He has completed a undergraduate Visual Arts degree in 2001 from UNIVERSIDADE DO ESTADO DE MINAS GERAIS – ESCOLA GUIGNARD. Ricardo Lemos has developed a unique, pioneer visual art technique whose first experiments date back to 2001. With OXI-ARTE (Oxy-Art), as he calls it, different colors are obtained from chemical reactions on sheet metal surfaces. Without using paints or pigments, his color palette is the result of chemical reactions between mixtures of reactive compounds and sheet metal. Sheet metal is the support base on whose surface the artist will work and make images appear using the oxidation-reduction process.

With regard to the content of his work and the themes to which he discusses, his work points among others to a political-environmental critique such as "San Francisco of plastic animals asking for us, Raízes and Agonia of the Doce River" as well as the perception of landscape that surrounds it as in "Rio. The bells that watch us, Pampulha´s Little Church. There is also in his work the iconographic religious rhetoric observed in "Shroud and Merciful Jesus" and appreciation of Human interactions and nature as in: "Elo, Tropical, Hummingbirds and Brazilian Landscape I" and The Look.

Ricardo Oliveira Lemos cujo nome artístico é Ricardo Lemos é natural de Belo Horizonte, Minas Gerais, Brasil; Nasceu em 23 de setembro de 1976. Graduou-se em Artes Plásticas em 2001 pela UNIVERSIDADE DO ESTADO DE MINAS GERAIS – ESCOLA GUIGNARD. Ricardo Lemos é detentor de técnica própria e pioneira nas artes plásticas; Batiza de OXI-ARTE sua técnica desenvolvida desde 2001 na qual se obtém a cor através de reações químicas de ácidos sobre chapas de metal; Sem utilização de tintas ou pigmentos obtém sua paleta de cores das interações químicas surgidas entre as misturas dos compostos reativos e a chapa metálica.

Com relação ao conteúdo de sua obra e aos temas aos quais discute, seu trabalho aponta dentre outros para uma crítica político-ambiental como em “São Francisco dos bichos de plástico rogai por nós, Raízes e Agonia do rio Doce” como também à percepção da paisagem que o cerca como em “Rio, Os sinos nos observam, Igrejinha da Pampulha; Há também em sua obra a retórica iconográfica religiosa observadas em “Sudário e Misericordioso Jesus” e de apreciação das interações humanas e da natureza como em “Elo, Tropical, Colibris e Paisagem brasileira I” e Olhar.

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Olhar Ă cido sobre metal 56 x 119 cm setembro 2018

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Rodrigo Cid Rodrigo Cid (34 years old), is a Carioca plastic artist, PhD in philosophy and professor at the Federal University of Amapá. His works in art have been exhibited since 2017 in Galleries and Cultural Centers of several cities, such as Belo Horizonte, Ouro Preto, Rio de Janeiro and Helsinki, and is currently represented by AVA Galleria and Galeria Meu BB. His art always has a reflexive, emotional or conceptual bias, and it is divided into series or investigations. His research on color field painting led him to research on the interpretive possibilities of metallic colors. And his series of collages, which use only colored paper cutouts, led him to work with assemblages made from the repetition of some simple object or some combination of significant elements.

By integrating this research into the one on metallic colors, such assemblages express Cid's more recent critiques; and one of them, "Praying for Mariana and Brumadinho," is being presented at BELA Biennial, ocurring at the Centro Cultural dos Correios, in Rio de Janeiro. Come enjoy and reflect on the concept of this artwork and many others in the Biennial of European and Latin American Contemporary Art.

Rodrigo Cid (34 anos), é um artista plástico carioca, PhD em filosofia e professor na Universidade Federal do Amapá. Seus trabalhos em arte vêm sendo expostos desde 2017, em Galerias e Centros Culturais de diversas cidades, como Belo Horizonte, Ouro Preto, Rio de Janeiro e Helsinque, e é atualmente representado pela AVA Galleria e pela Galeria Meu BB. Sua arte tem sempre um viés reflexivo, emocional ou conceitual, e é dividida em séries ou investigações. Sua investigação sobre a pintura de campo de cor o levou à pesquisa com relação às possibilidades interpretativas das cores metálicas. E suas séries de colagens, que se utilizam apenas de recortes de papel colorido, o levaram a trabalhar com assemblagens feitas da repetição de algum objeto simples ou de alguma combinação de elementos significativos. Integrando a investigação sobre as cores metálicas, tais assemblagens expressam as críticas mais recentes de Cid; e uma delas, "Rezando por Mariana e por Brumadinho", está sendo apresentada na Bela Bienal, no Centro Cultural dos Correios, no Rio de Janeiro. Venha fruir e refletir sobre o conceito dessa obra e de muitas outras na Bienal of European and Latin American Contemporary Art.

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Rezando por Mariana e Brumadinho / Praying for Marina and Brumadinho 100 x 69 cm assemblage with ready-made objects, pigment powder, enamel, real promise melted candle and glue Assemblagem com objetos ready-made, pigmento em pĂł, esmalte sintĂŠtico, vela de promessa real derretida e cola 2019 165

Rogério Mariano One of the artist's skills is to propose encounters, to think about different perspectives, to make the “accustomed eye” stick to broadness again. A river flowing in contrast to a riverside forest, generating a unique combination of colors, the shadow of a tree that moves because of the sunbeams. What is learned and apprehended in nature is that its intense plasticity of colors is movement, encounter and intense happening.

When nature and art break frontiers and blend into each other, they break into new ways of thinking about our existence and belonging to the world. There is poetry in the temporary vertex of this contact, a horizon yet to be discovered (“poetically man dwells” F. Holderlin).

This might be Rogerio Mariano's goal, to capture from the intense contact of colors, new sensibility towards new contrasts and renewed perceptions and sensations. To highlight from this plastic resonance, with beauty woven by the meaning of the artist, the importance of recovering the sensation that our presence can only be in the world, allied to this essential natural that is the flow of life as well as the flow of art.

Um dos ofícios do artista é propor encontros, pensar outras perspectivas, fazer a visão viciada ater-se ao amplo novamente. Um fluxo de rio que contrasta com uma mata ribeirinha gerando uma combinação única de cor, a sombra da árvore que se movimenta por conta dos feixes de luz solar. O que se aprende e apreende na natureza é que sua plasticidade intensa de cores é movimento, encontro e acontecimento intenso.

Quando a natureza e arte perdem suas fronteiras e se misturam, irrompem novos modos de pensar a existência e nosso pertencimento no mundo. Há uma poética no vértice provisório deste contato, um horizonte ainda não descoberto (“poeticamente o homem habita” F. Holderlin).

Talvez esse seja o objetivo de Rogério Mariano, ao apresentar estes trabalhos para a Bela Bienal, captar desses contágios intensos de cor, sensibilidades novas para novos contrastes e renovadas percepções e sensações.

Destacar desta ressonância plástica, com a beleza enovelada pelo sentido do artista, a importância de se resgatar a sensação de que nossa presença só pode ser no mundo, aliada a esse essencial natural que é fluxo de vida e também fluxo de arte.

Texto: Marcelo Mariano 166

-03°39'12",-058°50'30" Rio Madeira e Lagoa Araçá Amazônia

50 x 88 cm

Fotoarte sobre tela

2019

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Rosa de Jesus Rosa de Jesus nasceu em Portugal, na cidade do Porto, no ano de 1929, formou-se em designer de moda, e imigrou com a família para o Brasil em 1957, fixando residência no estado do Rio de Janeiro. Em 1981 mudou-se para a cidade de Niterói, também no RJ. Na juventude dedicou-se ao desenho de moda, até que sua inquietude e sensibilidade levaram-na aos caminhos da pintura como forma de expressar seus sentimentos.

São muitas as referencias, e ao mesmo tempo nenhuma. Tece estruturas sobre as quais se expande a imaginação. Ponto de encontro e tensão são ambos compatíveis com a atitude solitária e reflexiva da artista.

Mas Rosa não se detém na atitude formalista, e expressa a vontade de pôr sua pintura como afirmação inequívoca da simbiose entre arte e vida, justamente por promover aproximação sensível com experiências vividas por quem ultrapassou obstáculos.

Suas obras têm a dimensão do sentimento que as cores expressam, ora cinza, opacas e indeterminadas, sinais claros de opressão e angustia, ora o sentido lírico é reforçado pelo uso do vermelho, do preto, do amarelo, do azul, enfim, da alegria e da presença afetiva da amorozidade, pondo em evidencia o que o teor simbólico pode resgatar de uma realidade.

Rosa de Jesus was born in Portugal, in the city of Porto, in the year 1929, graduated in fashion designer, and immigrated with the family to Brazil in 1957, establishing residence in the state of Rio de Janeiro. In 1981 she moved to the city of Niterói, also in RJ. In her youth she devoted herself to fashion design, until her restlessness and sensitivity led her to the ways of painting as a way of expressing her feelings.

There are many references, and at the same time none. She weaves structures on which the imagination expands. Meeting point and tension are both compatible with the solitary and reflective attitude of the artist.

But Rosa does not stop at the formalistic attitude and expresses the desire to put her painting as an unequivocal affirmation of the symbiosis between art and life, precisely because it promotes a sensitive approach to experiences lived by those who have overcome obstacles.

Her works have the dimension of the feeling that colors express, sometimes gray, opaque and indeterminate, clear signs of oppression and anguish, sometimes the lyrical sense is reinforced by the use of red, black, yellow, blue, finally, joy and the affective presence of amorousness, highlighting what the symbolic content can rescue from a reality.

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Rosi Araujo Meu kariri , faz parte de uma colação de 20 obras, entre quadros, telas, arte sustentável, também poemas e fotos, que estão sendo desenvolvidos desde 2009, durante uma viagem aos territórios ancestrais dos Kariri, no Sertão do CEARÁ e Pernambuco.

A coleção "SER tão em CANTADO" inspirada nas paisagens do sertão nordestino, nas culturas nativas, e interações da fauna e flora regional, para divulgar a importância da preservação ambiental do Bioma Caatinga e a resistência dos Povos Indígenas.

Meu Kariri 33 x 54 cm óleo em tela. Oil paint 2016

A dança do Vento SOLAR- ARGILA MINERAIS, URUCUM, CARVÃO 15 x 15 cm Sentir a energia e o tom das cores vibrando nos raios solares

A CERIMONIAL CELESTIAL Quando o Céu se pintou para o ritual das cores, foi a vez da canto do pássaro marrom ecoar entre as nuvens, tinha de tudo até os encantados saíram das gotas e dançaram.

ARGILA MINERAIS, URUCUM, CARVÃO , Carimbo de folhas de mamão papaya, e guache, A revelação da textura das vidas que pulsam no encantado mundo das plantas e do céu . 45 X 33 cm

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Rossana Cordeiro Akuanduba This work seeks to represent chaos and human disorder. It was inspired by the mythology of Indians called Araras, which inhabit the Iriri River, in the State of Para, Brazil. According to legend, there were only the sky and the water in the beginning. A rind separated the sky from the water. Akuanduba was the deity of human beings, which lived only to do good and simple things. When human beings exceeded, Akuanduba used to play his flute to bring order to the world. However, one day, human beings were thrown into the water because of their disobedience. The few human beings who survived had to learn to live again. The deity became a terrible black jaguar that came to live in the woods.

Akuanduba

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A obra busca representar o caos e a desordem humana. Ela foi inspirada na mitologia dos índios Araras, que habitam o rio Iriri, no estado do Pará, Brasil.

Segundo a lenda, no princípio só havia o céu e a água. Uma casca separava o céu da água. Akuanduba é a divindade dos seres humanos, que viviam apenas para fazerem coisas boas e simples. Quando os seres humanos se excediam, Akuanduba tocava sua flauta para trazer ordem ao mundo. Entretanto, um dia os seres humanos foram jogados na água devido às suas desobediências.

Os poucos seres humanos que sobreviveram tiveram que aprender a viver novamente. A divindade se transformou na terrível onça preta e vivia nas matas.

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Sackarias Luhanko I have in recent years explored the weather's impact on the color and where had nature as a clear starting point in my painting. The paintings have been emerging for several weeks outdoors while I tried to control the chaos process that occurred when the rain has mixed color and sun dried motives.

In my abstract landscape paintings I assume sky, forest, clouds, fog, rivers or just a feeling of being close these things.

The paintings have not arisen easily or naturally. It's often failure to failure in the end still has landed in the final image and where I found the language and expressions that I was looking for. Painting can be therapeutic and relaxing, but sometimes painting and creation be a curse and a perpetual war with the materials and the expression that I seek. But the need of the creative will always cold, no matter how difficult it is for the moment.

Zacharias Luhanko

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Nature Study 120 x 100 cm acrylic, rain, oilpaint and wood stain

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Sanagê Boneco (Sanagê Doll) Neoclipes Cristalizando Formas Neoclipes é uma abordagem identificada com o neoconcretismo, movimento que tem como fundamento conceitual a simplificação e objetividade. Está obra é um suposto meteorito, um cristal, um bloco de gelo? não importa! Sua relevância está na abordagem conceitual, na possibilidade da junção distinta com o propósito de discutir os mecanismos da escultura na contemporaneidade. Sua ousadia se interpõe no próprio avanço conceitual, cujos aspectos estéticos agregam possibilidades que nos levam a outro campo – o imaginário.

Sanagê é um artista ousado que está sempre em busca do aprimoramento e desenvolvimento da linguagem escultórica.

Neoclipes Crystallizing Forms Neoclipes is an approach identified with neoconcretism, a movement that has as its conceptual basis simplification and objectivity. Is this piece of work supposedly a meteorite, a crystal, a block of ice? It doesn't matter! Its relevance is in the conceptual approach, in the possibility of a unique junction, aiming to discuss the today's sculpting mechanisms. Its boldness interposes itself in the conceptual advance, whose aesthetic aspects add possibilities that take us to another level – the imaginary. Sanagê is a daring artist who is always in search of the improvement and development of a sculptural language.

80 x 45 x 30 cm sculpture in carbon steel 176

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Serge Gauya Serge Gauya is a Swiss artist who from a young age has always been attracted to the arts, especially music and painting. Until 2012 Serge focuses its work mainly on music and he won two Awards in the US in 2008 in Miami and in 2014 in Houston.

Throughout his musical career Serge always felt the need to paint and draw.

In recent years, Serge's work is exhibited by prestigious galleries and presented in several shows around the world in particular: Miami, Tokyo, Paris (Louvre Museum), Naples, Helsinki, Berlin, Rome, Stockholm, Munich, Cairo, Kuwait City, Pisa, Vienna (MAMAG Museum), Cannes, San Diego, Montreux, Asunciรณn (Paraguay), Leukerbad, Oxford, New York (United Nations Headquarters) Serge Gauya has officially represented several times Swiss contemporary art in particular in Kuwait (2012), in Asunciรณn (Paraguay 2014) and in Cairo (Egypt) in 2016.

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Baby Cat, 80 x 80 cm, acrylic on canvas

Jungle impresion 80 x 80 cm acrylic on canvas

ART AWARDS: 2008 - Premio Estrella Music Awards - Miami - Florida - USA 2014 - Fox Music USA Awards - Houston Texas 2016 - International Fine Art Biennial - Prize for Expressive Ideas - Cannes - France 2016 - International Prize Colosseo - Brancaccio Palace - Rome - Italy 2016 - Segnalati Naples - Castel dell'Ovo - Naples - Italy 2017 - International Award Galileo Galilei Palazzo dei congressi - Pisa - Italy 179

Sirpa Heikkinen Independent artist living in Oulu, Northern Finland.

In my works I combine several methods.

My background is in journalism and critics. http://ots.artoulu.fi/taiteilija/heikkinen-sirpa LinkedIn Sirpa Heikkinen

I was born in the country of thousand lakes, in Finland, Northern Europe. I have lived both by the sea and by lakes. Like other people, I am mostly water. Water is not an endless source of nature. And even now, not every person on earth has access to clean water. I want a future were clean water is secured for everyone. The face in my photographic aquarelle ”The later thirst of Maria Bethânia’s singer friend” is Hanna Schygulla’s, a German actress. My camera captured Schygulla and the water pitcher in June of 2017 when she was visiting the Midnight Sun Film Festival created by Aki and Mika Kaurismäki, Anssi Mänttäri and the municipality of Sodankylä. So I originally captured her and the water pitcher as a photograph in the Finnish Lapland, on the northern side of the polar circle. In addition, Schygulla has indeed sung together with Maria Bethânia in Sao Paulo, Brazil, in 2002.

Artista independente de Oulu, norte da Finlândia.

Nos meus trabalhos eu combino vários métodos. Minha formação é em jornalismo e crítica.

Eu nasci no país de mil lagos, na Finlândia, no norte da Europa. Eu vivi tanto pelo mar como pelos lagos.

Como outras pessoas, sou principalmente água. A água não é uma fonte infinita da natureza. E mesmo agora, nem toda pessoa na terra tem acesso a água limpa. Eu quero um futuro onde a água limpa esteja garantida para todos. O rosto da minha aquarela fotográfica "A última sede da cantora amiga de Maria Bethânia" é a atriz alemã Hanna Schygulla. Minha câmera capturou Schygulla e o jarro de água em junho de 2017, quando ela estava visitando o Midnight Sun Film Festival, criado por Aki e Mika Kaurismäki, Anssi Mänttäri e o município de Sodankylä. Então eu originalmente capturei ela e o jarro de água como uma fotografia na Lapônia Finlandesa, no lado norte do círculo polar. Além disso, Schygulla de fato cantou junto com Maria Bethânia em São Paulo, Brasil, em 2002.

Title: The later thirst of Maria Bethânia’s singer friend / Maria Bethânian laulajakaverin myöhempi jano Technique: photographic aquarelle – monotype. Printed with a manually operated press.

Size: 97,5 x 200 cm (paper), image area aprox. 90 x 169 cm Paper: Chinese wenzhou 30 g/m² Year: 2018 Signature: Artist’s stamp 180

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Teresa Asmar teresa.asmar@gmail.com

http://teresaasmar.blogspot.com.br Contemporary artist, with expressionist language. Her focus in painting are abstract figures and colours. She has received many prizes for her work which The Premium of Travel’s painter to Paris, France in 1985, gave the Roberto Marinho’s Foundation. She has taken part on collective and individual exhibitions. Among them, for the National Museum of Fine Arts /MNBA in Rio de Janeiro, which possesses two of her works on painter and engrave at XX century at them permanent Collection. She also has many paintings at Public and Private Collections in Brazil and abroad as well. She’s also the author of very important masterpiece entitled “Ecological Mural -Homage to Chico Mendes”, about the world famous ecologist from the Amazon Forest, shown at State Library on the Rio de Janeiro at the Exhibition Rio Eco-92, it was catalogue and published at the United Nation’s Cultural Agenda - ONU. Exhibitons in New York, Paris/Louvre, Finland, MNBA/RJ/Brazil, MNH/RJ/Brazil

Artista contemporânea com linguagem expressionista. Enfocando em sua pintura figuras abstratas e coloridas. Possui muitos prêmios em seu trabalho, como o Prêmio de Viagem à Paris-Fr em 1985, dado pela Fundação Roberto Marinho. E participações em exposições coletivas e individuais. Acervo no Museu Nacional de Belas Artes – MNBA com duas obras em sua coleção permanente na pintura e gravura do século XX. Acervos em privadas e coleções públicas no Brasil e exterior. Autora da obra prima entitulada “Ecológico Mural – Homenagem à Chico mendes para a RIO Eco -92 com acervo na Biblioteca Pública do Estado –BPERJ sobre o famoso ecologista da região Amazônica, cujo Mural foi catalogado na Agenda Cultural da Conferência das Nações Unidas – ONU.

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Thiago Tavares

facebook.com/thiagotavaresarte/ www.morfos.com.br

In a dreamlike environment in which we do not visualize detail, but experience the presence of figure, body, situation, pure sensation. A moment that precedes the construction of the concept, of our own image, of our own figure - a moment of openness. In this sense, painting, in pointing to impossibility, for the mistake that can occur during the construction of impressions, promotes and demonstrates the need for an opening to the act of meaning, creating a place to multiple interpretations, similar to the space of dream.

Em um ambiente onírico, em que não visualizamos o detalhe, mas experimentamos a presença de figura, de corpo, de situação, de pura sensação. Um momento que antecede à construção do conceito, de nossa própria imagem, de nossa própria figura – um momento de abertura. A pintura, nesse sentido, ao apontar para a impossibilidade, para o engano que pode ocorrer durante a construção de impressões, promove e demonstra a necessidade de uma abertura para o ato de significação, criando um lugar propício a múltiplas interpretações, semelhante ao espaço do sonho.

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Feto 1 metro de diâmetro pintura, acrílica sobre tela colada sobre madeira

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Tiago Cruz Sustainability comes from the latin, Sustentare, which means to sustain, support, conserve and care. From this meaning, the images presented intend to awaken in people the thought about the importance of their attitudes - even small and individual ones - in the maintenance of sustainability tripods: Social> encompassing people and living conditions; Environmental> the planet's natural resources and how they are used by society; Economic> related to the production, distribution and consumption of services.

Sustentabilidade vem do latim, Sustentare, que significa sustentar, apoiar, conservar e cuidar.

A partir desse significado, as imagens apresentadas pretendem despertar nas pessoas o pensamento sobre a importância de suas atitudes - mesmo que pequenas e individuais - na manutenção dos tripés da sustentabilidade: Social > englobando pessoas e condições de vida; Ambiental > os recursos naturais do planeta e a forma como são utilizados pela sociedade; Econômico > relacionado à produção, distribuição e consumo de serviços.

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Resistindo 1 - 2 / Resisting 1 - 2 60 x 80 cm Fotografia pรณs-processada / Post-processed photography

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Timo Ala-Vähälä Timo Ala-Vähälä (b. 1958) is a writer and visual artist. He has given solo exhibitions and participated in group exhibitions since 2015. His main medium is drawing but he has also done installations and makes photographs. In addition to his own art, he has given drawing classes since 2016.

“Drawing is a part of my ordinary life like moving, eating, sleeping. I do not eat healthy, sleep randomly and my artistic goals are looming. Nevertheless, each day leaves some traces to my body, mind and to the storage of my calligraphic drawings.”

Timo Ala-Vähälä (nascido em 1958) é escritor e artista visual. Ele já participou de exposições individuais e coletivas desde 2015. Sua principal mídia é o desenho, mas ele também fez instalações e fotografias. Além de sua própria arte, ele ministrou aulas de desenho desde 2016.

"Desenhar é uma parte da minha vida cotidiana como se mover, comer, dormir. Eu não como saudável, durmo aleatoriamente e meus objetivos artísticos estão se aproximando. No entanto, cada dia deixa alguns traços para o meu corpo, mente e para o armazenamento dos meus desenhos caligráficos."

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Drawings / Desenhos A3 2019 189

Ulla Karttunen www.ullakarttunen.com

https://ullakarttunen.wordpress.com https://kuvataiteilijamatrikkeli.fi/taiteilija/ulla-karttunen

Ulla Karttunen is a Finland-based, internationally acclaimed contemporary artist who has focused on digital images and installations. Her art has been seen recently in eg. Los Angeles, London, Miami, Rome, New York, Paris, Algiers, Florence, and Berlin. She has received several grants, eg. a 5-year artist’s grant, and international awards.

Karttunen is a multidisciplinary philosopher-artist who has combined visual and conceptual experiments, pushed boundaries of art by showing it in everyday environments, published approximately 200 essays on philosophical questions in art and society, or used banal, antiheroic materials like toilet paper, media junk, ketchup, or nail polish in her art.

Karttunen’s digital, new media art could be called neosymbolist, in its search of unveiling the invisible. Her art, intended to deconstruct oppositions like the sacred and the profane, is linked with issues of equality, truthfulness, and meaning of being. Art, like philosophy, begins in wonder - art means a fleshly approach to the ever unanswerable question: why do we exist?

Ulla Karttunen é uma artista contemporânea Finlândesa e aclamada internacionalmente. Se concentrou em imagens e instalações digitais. Sua arte foi vista recentemente em: Los Angeles, Londres, Miami, Roma, Nova York, Paris, Argel, Florença e Berlim. Ela recebeu vários prêmios como uma concessão de artista de 5 anos e prêmios internacionais.

Karttunen é um filósofo-artista multidisciplinar que combinou experiências visuais e conceituais, empurrou os limites da arte ao mostrá-lo em ambientes cotidianos, publicou aproximadamente 200 ensaios sobre questões filosóficas na arte e na sociedade, ou usou materiais banais anti-heróicos, como papel higiênico, lixo de mídia, ketchup ou esmalte de unha em sua arte.

A arte digital de novas mídias de Karttunen poderia ser chamada de neo-simbolista, em sua busca de desvendar o invisível. Sua arte, destinada a desconstruir oposições como o sagrado e o profano estão ligadas a questões de igualdade, veracidade e significado de ser. Arte, como filosofia, começa em maravilha - arte significa uma abordagem carnal para a sempre irrespondível pergunta: por que existimos?

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The Eye of the Letter 120 x 120 cm pigment print on aluminium and acrylic 2019 191

Umberto Nigi Umberto Nigi was born on May 13, 1945, on the island of Gorgona in the Tuscan region of Italy. It grows in the city of Livorno, home to the painter Amedeo Modigliani and composer Pietro Mascagni. In that city, he began his painting studies. In 1963, he was attracted to Van Gogh's Impressionist painting, which influenced his early works.

In 1976, he participated in the Second International Biennial of Naif Art and drew the attention of critics to his work. He participates in exhibitions in Paris and New York, as well as traveling through various Italian cities, such as Turin, Milan and Florence. In 1986, he moved to Egypt, where he also exhibited his paintings. In this country, it receives a strong influence from Egyptian and Arab art. Afterwards it lives in the Arab Emirates, South Africa and the former Yugoslavia.

From there he leaves for visits and studies in countries like Sudan, Libya, Turkey and Greece. He returns to Italy in the 1990s, where he resizes his work abandoning the figurative style. Part for works with recycled material, such as construction wood, sand, plaster, metal net and glue. She performs several expositions with this new technique. The dramaticity of her brushstrokes, the bold style, elegant sensuality and the use of colors in their different shades attract the attention of the specialized critic and the public. Diverse and intense colors that mix blacks, browns, yellow reds, oranges, blues and greens, cause chromatic explosions of impressive visual effect, revealing the excellence of his technique and the mastery of the mysteries of the art of expressing feelings through colors and In 1998, he visited Brazil and moved to Rio de Janeiro and, later, to Belo Horizonte. The landscapes and the customs of the native land and the pilgrimages by several countries, including by Brazil, were fundamental to lapidate his style.

“[...] As pinturas de Umberto Nigi fundem as cores do universo, alimentando-se de amarelos, vermelhos e de azuis que absorvem a energia solar; as cores misturam-se umas às outras – obedecendo às principais regras da criação – e direcionam-se ao êxtase final, filtrando a obscuridade e demonstrando uma mensagem de pureza, de harmonia, de elegância. Seu método é fascinante. A ausência de representação figurativa absorve o drama humano para resumir medos, ansiedades e horrores, reduzindo os dramas terrenos a uma sofisticada multidão de sublimes arranhões, instintivos, espontâneos e viscerais. As pinceladas decisivas, mas compostas, não sobrepõem simplesmente cores, mas criam outra dimensão, um novo complexo arquitetônico, uma linguagem moderníssima que não observa o homem, mas explora-o, em todos os seus segredos e mistérios. Nigi medita sobre a eternidade e dialoga sobre o claro e o escuro da alma, junto com o excelente Goethe, para o qual ‘onde há muita luz, há também muita sombra’. Refinado.”

Andrea Baldocchi Museólogo italiano. Em 2007, foi selecionado pelo Metropolitan Museum of Art, de Nova York, e docente de História da Arte, na Universidade de Harvard e na Universidade de Princeton.

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Wesley Monteiro The soul of Brazil Thank you The forest is our place!

What is our resistance?

The struggle for the preservation of nature.

Inheritance of indigenous peoples ...

It's not just a movement painting on canvas ...

It's a slow one!

To be free like a macaw, to perch on the trees of hope ... To be a child!

Hunt, fish, get food!

Curumin Indian Woman .... free Bird! Just looking for peace!

Free, india, curumim, girl woman

.... thought to be free.

He dreams of running through the woods ... free from malicious glances.

Once ... Time that is gone. ____________ * ____________ "In thy bosom, O freedom!

I challenge our hearts to death itself!

Of the children of this, you are a gentle mother! beloved homeland Brazil! "

A alma do Brasil

text: Déia Sineiro

Obrigado A floresta é nosso lugar!

Qual é a nossa resistência.

A luta pela preservação da natureza.

Herança de povos indígenas …

Não é só um movimento pintando em tela... É uma lento!

Ser livre como arara, pousar nas árvores da esperança... Ser criança!

Caçar, pescar, buscar o alimento!

Curumim,... Mulher índia…. pássaro livre! Só buscam encontrar a paz!

Livre, índia, curumim, menina mulher…. pensou ser livre.

Sonha correr pelas matas….livre de olhares maliciosos.

Outrora...Tempo que já se foi. ____________*____________ “Em teu seio ó liberdade!

Desafio nosso peito à própria morte!

Dos filhos deste, solo és mãe gentil! pátria amada Brasil!” texto: Déia Sineiro

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Vitor Fio Born in São Paulo in January 1996, Vitor Almeida is a humble family. At age 13 he began in Urban Art. At that time the parents work and the children of the neighborhood meet in the street to play. One of the games was to take the rest of the house paints and make art on the walls of the streets. Just as it all began. As the years went by, Fio continued to make his arts with the letters on the sheets, where he recorded, recognizing Graffiti. He realized that it was what he liked. That way he created the dream of being Graffiteiro.

Today is published with letters in 3D, where he studies light and shadow.

Nascido em São Paulo em Janeiro de 1996, Vitor Almeida é de uma família humilde.

Aos 13 anos começou na Arte Urbana. Nessa época os pais trabalhavam e as crianças do bairro se reuniam na rua para brincar. Uma das brincadeiras era pegar o resto de tintas de casa e fazer arte nos muros das ruas. Assim que tudo começou. Os anos foram passando, Fio continuava a fazer as suas artes com letras nas folhas, onde se descobriu, reconhecendo o Graffiti. Percebeu que era aquilo que ele gostava. Dessa forma que ele criou o sonho de ser Graffiteiro. Hoje Fio se expressa com letras em 3D, onde estuda luz e sombra.

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Grumari 50 x 40 cm AcrĂ­lica sobre tela / Acrylic on canvas

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G A L L E R I A

Pohjoinen Rautatiekatu 17 B 8 FI-00100 Helsinki Finland Tel: +358 400 765 576 ava@avagalleria.com www.avagalleria.com 198