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A:
P R E S E N T A:
MUSEO DE ARTE MODERNO, CIUDAD DE MÉXICO. 26 DE OCTUBRE DE 2017.
Apadrinan esta edición de Arte Vivo: La Cantante y Actriz, Sasha Sökol, El Maestro, Eduardo Terrazas, El Poeta, Homero Aridjis. Padrino Fundador de Arte Vivo: Sr. Eugenio López Alonso País Invitado: República de Colombia. Estado Invitado: Oaxaca.
Informes: artevivo@mexicovivo.org · 01 800 FMX VIVO Consulte catálogo digital en: mexicovivo.org/artevivo2017 Portada: Maestro Eduardo Terrazas 1.1.284, de la serie Posibilidades de una estructura, subserie Cosmos, 2017 Hebra de lana sobre tabla de madera cubierta con cera de Campeche | 90 x 90 cm
AGRADECIMIENTOS A LAS Y LOS GENEROSOS EXPONENTES DE LAS ARTES PLÁSTICAS QUE A TRAVÉS DE SU TRABAJO CREAN VIDA PARA MÉXICO.
| Galería ECOH
Francisco Rodríguez Bermejo Gabriela Correa
Sra. María Cristina García Cepeda
Gina Jaramillo
| Promotor cultural
| Pormotora cultural
Gerardo Traeger
A nuestras anfitrionas:
| Galería Traeger & Pinto
| Promotora cultural
Secretaría de Cultura
Guadalupe Ramos Cárdenas
Dra. Lidia Camacho
Humberto Moro
Instituto Nacional de Bellas Artes
Jean Pierre Renucci
Mtra. Sylvia Navarrete Bouzard Museo de Arte Moderno
Karen Huber
Katrinka Wood
Lourdes Alcocer
A las y los miembros del Consejo Arte Vivo 2017: Luis Adelantado Arturo Mizrahi
| Coordinador, 2017
| Galería MAIA
Armando de la Garza Bernardo Saenger
| Artista plástico
| Coleccionista
| Arte para coleccionistas | Editora
Lucía García Noriega Luzma Moctezuma Manuel Contreras Marisol Argüelles Pablo Goebel
| Coordinadora, Consejo 2016
| Curadora
| Coleccionista
María Saladaña Julián
| Galería Quetzalli
| Secretaría de Cultura
| Galeria Pablo Goebel
Patrick Charpenel
| Museo del Barrio en N.Y.
Salomón Cohen
| Salomón Cohen Arte
Salvador Riestra
| Promotor cultural
Sebastián Vizcaíno Sol Vargas
| Salón ACME
| Museo de Arte Moderno
Carmen Parra
| Artista plástica
Sylvia Navarrete
Daniela Pérez
| Curadora
Tiago Pinto
Domitila Bedel
| Galería Corsica
| Galería Karen Huber
Amigos del Museo de Arte Moderno
Embajadora Patricia Cárdenas Santamaría Ministro Juan Pablo Hernández de Alba Consejera María Beatriz Umaña Sierra
| Museo de Arte Moderno
| Alumnos 47
| Galería Machete
Eduardo Mier y Terán Enrique Guerrero
| Galería Terreno Baldío
| Galería Enrique Guerrero
| Amigos del MAM
| Curador
Sra. Guadalupe Artigas de Ramos Cárdenas A las y los representantes de Colombia, país Invitado:
(4)
Emilia Cohen
A la participación musical de: Ricardo Garduño
A las y los impulsores institucionales, 2016-2017: Alejandra Smith y Miguel Basurto Alejandro Betancourt Álvaro Velarca Doris Shapiro y familia Familia Bojalil Moheno Gabriel André Nalda Isaac Sasson Isidro López Peñafiel y familia Jorge Alvarado Jorge de Lara José Manuel García Juan Carlos y Rogelio Paredes Luis Carlos Urzúa Manuel Contreras Marcos Tuachi y familia Mary Carmen y Jorge Ramos Mauricio Boy Michael Marczell Rodrigo de la Sierra Salomón Lupa Sasha Sökol A las amigas y amigos que gracias a su apoyo, tiempo, esfuerzo y dedicación, es posible realizar esta edición de Arte Vivo: Alejandro Soberón Alejandro Sordo Ana Luisa Pérez Andrea Bustillos
Andrea Leal Andrés Albo Arcadio Jaramillo Arely Flores Armando Calvillo Benjamín Cordero Beto Moheno Carlos de Anda Carmen Parra Claudia Garza Daniel García Danielle Goebel David Di Bona David Mustri David Osnaya Desirée Navarro Elías Calvillo Eloísa Arregui Enrique Sánchez Ernesto Sosa Eva Hughes Felipe Villada Flor Estrada Francesco Pinzón Francisco Reyes Retana Francisco Sarabia Gabriela Elizondo George González Gonzalo de Benito Gracia Zimet Gretta Villareal Guillermina Pilgram Héctor Mucharraz Héctor Pardo Hugo Wacogne Isaac Mustri
Israel Alvarado Izamna Crail Javier Orci Jonathan Guzmán José Antonio Carranza José Villavicencio Juan Planas Karen Landa Karina Fernández Lautaro Cárdenas Leticia Vega Lilia Casillas Liora Anderman Lorena Moreno Lourdes Skipsey Lucía Cuevas Mariana Gómez del Campo Mariana Quintero Marisol Villareal Martha Carrillo Martha Sánchez Matthew Hemerlein Memo Martínez Mercedes de Oteyza Nicolás Covacevich Olivier Janiky Paola Fernández Pedro González Ramón Popoca Santiago Argüelles Sebastián Castellanos Sofía Sánchez Navarro Sue Andrade Tannia Mercado Vanessa Castillo Viky James
(5)
AGRADECEMOS LA GENEROSIDAD DE LOS ANFITRIONES DE ARTE VIVO:
AGRADECEMOS A LOS AUSPICIANTES INSTITUCIONALES DE FUNDACIÓN MÉXICO VIVO:
AGRADECEMOS A LOS PATROCINADORES DE LA EDICIÓN 2017 DE ARTE VIVO:
AGRADECEMOS A LAS GALERÍAS DONANTES
AGRADECEMOS A LOS AUSPICIANTES QUE PARTICIPAN EN ESTA PUBLICACIÓN DE ARTE VIVO:
(8)
ÍNDICE 12 14
Editorial
Prólogo
47 63
16
Elige vivir tu sexualidad con salud
205
18
La realidad que estamos transformando
206
20 22 44
Sobre México Vivo
Sobre la Subasta
Índice alfabético de artistas
Obras participantes Subasta Arte Vivo 2017
País Invitado: República de Colombia
Ofertas en ausencia
Galerías donantes
232
Más sobre las y los artistas participantes
300
Servicios institucionales ¿Cómo puedes sumar?
301
Directorio Institucional
EDITORIAL
“¿Con qué he de irme? ¿Nada dejaré en pos de mí sobre la tierra? ¿Cómo ha de actuar mi corazón? ¿Acaso en vano venimos a vivir, a brotar sobre la tierra? Dejemos al menos flores Dejemos al menos cantos”. Nezahualcóyotl
Cada persona que hemos podido beneficiar a lo largo de estos años gracias a Arte Vivo, constituye, en sí, un canto a la vida, y también vidas que florecen en medio de dificultades, gracias al amor y al arte. El legado de esta sinergia florece año con año, transformando historias de vida, para que estas vidas sigan transformando la historia, presente y futuro de México. Tenemos la alegría y el honor de recibir en esta edición a Colombia, pueblo hermano, como país invitado en este coincidente año dual entre nuestras naciones. Agradecemos a sus exponentes artísticos y a su representación diplomática por tender puentes desde la cultura sumando a la causa que compartimos. Agradecemos desde el corazón las 346 propuestas artísticas recibidas, cada una con la intención de sumar a este esfuerzo. Agradecemos también el impulso y difícil trabajo del Consejo de Arte Vivo, para invitar a cada artista y hacer la selección de las obras presentadas. Nos honra y conmueve la generosidad solidaria del Museo de Arte Moderno, de cada artista donante, de las marcas y empresas auspiciantes, de las galerías donantes, de cada coleccionista; así como el honor conferido por lxs grandes exponentes, de la plástica, la música y la poesía que apadrinan esta edición. Queremos compartirles con alegría y gratitud algunos de los principales resultados generados conjuntamente en el último año, que son inspiración para llegar a más. En 2016, logramos alcanzar a 1,817,827 beneficiarixs en 17 estados de la república. Consolidamos el trabajo del nuevo centro de salud sexual y detección que atendió en su primer año 2,376 consultas. Nos sentimos honrados también al haber sido aceptados como miembros de la Asociación Mundial para la Salud Sexual (WAS) y de haber firmado un convenio de colaboración con RNW Media en Holanda para la continuidad del programa Hablemos de Sexo y Amor, que llega a más de 4 millones de jóvenes hispanohablantes para llevar a sus manos información y herramientas para su salud sexual.
En este último año, nos sumamos al compromiso de ONUSIDA y de la Primera Dama de Panamá, Vocera Global de la campaña #CeroDiscriminación para impulsar este vital mensaje y promoverlo en México. Gracias a la evolución de Arte Vivo, integrando ahora la poderosa expresión artística de la música, hemos dado vida al festival Diversa: Música+Inclusión+Unión, que en su primera edición logró llevar a 1,897,007 personas los mensajes de cero discriminación, inclusión y unión. Este continuo proceso de transformación social es fruto e inspiración de la colectividad solidaria, de las manos, corazones, mentes y pasión de cada artista que da vuelo a este esfuerzo que renovadamente nos reúne para construir juntxs un México capaz de cambiar y de mejorar en tiempos tan difíciles y violentos. Nadie quiere que en nuestro México, hogares, familias, comunidades y entorno se sigan embarazando niñas y adolescentes; que existan niñas y niños víctimas de violación; que jóvenes y adultxs padezcan infecciones prevenibles; que haya personas discriminadas por cualquier razón. No obstante en la realidad, millones de personas en nuestro país, sufren y padecen su sexualidad por estas razones, por ignorancia, estigmas, silencios e indiferencia. Hablemos constructivamente, de sexualidad y amor, con las parejas, familias y comunidades; abramos con conocimiento ese diálogo que sana, que alivia y posibilita vivir con salud esa complejísima característica humana, tan natural, que es la sexualidad. Todos los días recibimos de cientos de beneficiarixs por todo el país sinceros y amorosos “gracias”. Con esos latidos de gratitud, te decimos hoy gracias a ti, por darle vida y hacer posible este esfuerzo. Con mucho amor desde y para México, les presentamos la edición 2017 de la sinergia más grande del arte en nuestro país en beneficio de la salud de lxs mexicanxs: Arte Vivo. H. Rodrigo Moheno M. Secretario General y Cofundador
(12)
PRÓLOGO En la poesía y arte de la Grecia temprana, Eros es representado como un hombre que encarna el poder sexual. Nosotros lo ubicamos más ligado al amor y es que quizá el amor y el sexo siempre estarán íntimamente relacionados. Buscar el amor nos lleva a aventurarnos, pero esa búsqueda es más peligrosa desde que ella involucra no sólo las heridas del corazón sino las del cuerpo. Todos estamos expuestos al amor, a la atracción sexual y sus riesgos; de la misma manera, todos debemos tener la posibilidad de vivirlas con salud y amor. El arte nos invita a ser creativos no sólo en nuestra vida, sino en nuestra sexualidad y nuestros amores; pero por más que se ha escrito, cantado o hablado del tema, la definición de amor es vaga porque siempre es subjetiva. Ahora bien, aunque las definiciones varían y los conceptos cambian, la sensación de plenitud y exaltación que nos lleva a querer experimentarlo es y será siempre la misma. Es por eso que tiendo a creer que, en todas sus expresiones, lo que todos estamos buscando en una relación sexual es amor. Aplaudo el esfuerzo que desde hace años realiza México Vivo, que colabora con la educación y salud sexual. ¡Felicidades por un año más de arte! _ Sasha Sökol
(14)
ELIGE VIVIR TU SEXUALIDAD CON SALUD 1. I NFÓ RMATE saludsexualcdmx.mx
2. EJERCE tus derechos sexuales: blog.mexicovivo.org/derechossexuales
3. PRO TÉGETE siempre usa preservativo
4. CO NSULTA generacionviva.org/consulta
5. CHÉCATE dos veces al año: mexicovivo.org/detecta
6. ATÍENDETE oportunamente: generacionviva.org/directorio
7. SÚM ATE facebook.com/generacionviva
8. VIVE plenamente tu sexualidad
(16)
LA REALIDAD QUE ESTAMOS TRANSFORMANDO
45%
51.9%
De los infantes abusados o prostituidos tienen relación directa o cercana con su agresor. DIF
De las mujeres entre 12 y 19 años de edad que han tenido relaciones sexuales, ha estado alguna vez embarazada, lo que se traduce en 456,980 embarazos adolescentes al año, colocándonos en el primer lugar de países miembros de la OCDE con esta problemática. OCDE
1er.
100
Lugar a escala mundial en el abuso sexual, violencia física y homicidios de niñas y niños menores de 14 años. OCDE
Menores de edad, al mes, son víctimas de redes de pornografía infantil a través del internet, siendo nuestro país el primer lugar del mundo en difusión de pornografía infantil. UNICEF
30%
540,000
De lxs mexicanxs entre 18 y 30 años de edad han padecido alguna infección de transmisión sexual, incluido el VIH/sida. IMSS
Mujeres víctimas de delitos sexuales al año, lo que coloca a México en el primer lugar a escala mundial en este rubro. ONU
(18)
SOBRE MÉXICO VIVO ANTECEDENTES Fundación Unidos por un México Vivo, A.C., es un grupo de mexicanas y mexicanos unidos por lazos fraternales de amor a México, ocupadxs en buscar respuestas y soluciones a padecimientos de nuestra sociedad, con el objetivo de que la población viva una sexualidad con salud y poder de decisión. México Vivo nace el 1 de diciembre de 2003, cuando se conformó el primer Patronato y presentamos nuestro compromiso social en la sede de la ONU en México. Nos unimos inicialmente para hacer un frente a los estragos que causaba la epidemia del VIH/sida en México apoyando la investigación, el tratamiento a personas de escasos recursos y la generación de consciencia social a través de campañas sobre la epidemia para su prevención, detección oportuna y atención precisa. Después de 10 años de abanderar la respuesta ante el VIH/sida, nos dimos cuenta que para transformar los padecimientos vinculados a la sexualidad, necesitábamos trabajar desde la raíz de la problemática. Por lo que en el 2014 extendimos nuestro objeto social y compromiso a través de la consolidación de redes y alianzas para promover y alcanzar, a través de la educación y mejores servicios de salud, mayor bienestar para la población.
NUESTRA MISIÓN: Trabajamos y unimos esfuerzos para que la población viva su sexualidad con salud y con poder de decisión.
(20)
ASOCIACIÓN AVALADA POR:
ASOCIACIÓN MIEMBRO DE:
SOBRE LA SUBASTA REGISTRO: Para hacer una oferta en la subasta usted deberá registrarse, acudiendo a la mesa de registro.
1.
2.
3.
Como garantía para la Fundación México Vivo, por el o los lotes que le fueren adjudicados durante la subasta, deberá dejar un cheque o un comprobante de tarjeta de crédito bancario. Una vez registrado la licitadora o el licitador y otorgada la garantía correspondiente, se le hará entrega de una paleta numerada que le identificará con su hoja de registro y de la cual hará uso únicamente la licitadora o el licitador, ya que es individual e intransferible. Con la entrega del registro, el licitador queda obligado a pagar el precio del lote.
4.
5. 6.
Si el pago se efectúa con tarjeta de crédito American Express, se incrementará el 6.6% (seis punto seis por ciento) por concepto de comisión sobre el monto total del lote o lotes que se le hayan adjudicado. Para que las y los licitadores puedan hacer efectivas las pujas o aceptar una postura hecha por el martillero, bastará con levantar la paleta numerada. Las ofertas aumentan aproximadamente 10% en cada puja, y será la más alta quien haya adquirido el bien que integra el lote subastado, en el momento que no exista puja mayor y el martillero así lo manifieste. Los lotes serán subastados en el estado físico que se encuentren en el momento de celebrarse la subasta.
LAS PIEZAS A SUBASTARSE TIENEN UN PRECIO DE SALIDA ESPECIAL EN CONSIDERACIÓN A ESTA CAUSA POR DEBAJO DE SU VALOR COMERCIAL. Adquiera las obras a meses sin intereses.
SI QUIERE AGILIZAR SU ACCESO A LA SUBASTA PUEDE REGISTRAR SU PALETA PREVIAMENTE INGRESANDO A: _ mexicovivo.org/registrosubasta
(22)
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ÍNDICE ALFABÉTICO DE ARTISTAS ARTISTA
LOTE PAG.
ARTISTA
LOTE PAG.
ARTISTA
LOTE PAG.
Adam Wiseman
1
48
Carlos Agustín
55
108
Emmanuel García
75
128
Adrián Guerrero
4
51
Carlos García Noriega B.
110
163
Fabián Ugalde
59
112
Agustín Castro
2
49
Carmen Parra
34
86
Fernando Pacheco
72
125
Aldo Chaparro
53
106
Cathy Abitbol
25
76
Floria González
78
131
8
55
Cecilia Barreto
84
137
Francisco Esnayra
102
155
134
187
Chantale Mazín
109
162
Francisco Toledo
66
119
147 200
Alejandra Zermeño Alejandro Fuentes
89
142
Ciler
140
193
Galia Eibenschutz
Alex Dorfsman
107
160
Cisco Jiménez
100
153
Gonzalo García
38
90
Alexis de Chaunac
141
194
Coco Pérez
71
124
Gustavo Argüello P.
114
167
11
58
Cristina Rodríguez
24
75
Hans Giebeler
143
196
Héctor de Anda
62
115
Hernán Gana
39
91
87
140
3
50
Alejandro Pintado
Alfonso Zárate
123
176
Damián Suárez
77
130
Alicia Garavito
18
69
Daniel Santiago S.
19
70
Álvaro Ugarte
88
141
Daniela Córdova
82
135
Inés Cusi de Iturbide
Álvaro Verduzco
98
151
Daniela Libertad
144
197
Iñaki Bonillas
Ana Segovia
69
122
Darío Villalba
90
143
Irving Vera
80
133
Andrés Felipe Castaño
27
78
David Romero
74
127
Isauro Huizar
5
52
Andy Warhol
97
150
Dennis Miranda Z.
73
126
Iván Córdova
6
53
Ángel Ricardo Ricardo Ríos
79
132
Diego Berruecos
76
129
Jackie Jones
115
168
105
158
Diego Lúz
30
82
Jacobo Roa
48
101
Diego Matthai
139
192
Jacques Bedel
Armando de la Garza
106
159
Dulce Chacón
93
146
Jake y Dinos Chapman
Armando Vega-Gil
108
161
Dulce Pinzón
83
136
Artemio
Alfredo Cota
Antonio Gritón Ariel Orozco Rodríguez
7
54
120
173
+ Louis Vuitton
116
169
James Bonachea
138
191
9
56
136
189
Eduardo Terrazas
42
94
Arturo Hernández Alcázar 146
199
Emilia Sandoval
86
139
Beatriz Zamora
49
102
Emilio Chapela
43
96
Javier Hinojosa
10
57
Camilo Barboza
70
123
Emilio Rangel
37
89
Javiera da Fonseca
12
59
(44)
Javier Areán
ARTISTA
LOTE PAG.
ARTISTA
LOTE PAG.
Jesús Lugo
47
100
Marianna Dellekamp
131
184
Jimena Rincón
54
107
Mario E. Domínguez B.
45
98
Joan Miró
113
166
Mathias Goeritz
104
Jorge Brantmayer
111
164
Miguel Ángel Rojas
21
Jorge Tellaeche
112
165
Miguel Bolívar
José Ángel Santiago
58
111
ARTISTA
LOTE PAG.
Ricardo Guzmán
151
204
Ricardo Pinto
35
87
157
Ricardo Villasana
96
149
72
Roberto Cortázar
61
114
65
118
Rodrigo de la Sierra
99
152
Morten Slettemeås
145
198
Rodrigo González C.
41
93
José Clemente Orozco
68
121
Napoleón Aguilera
56
109
Rodrigo Sastre
51
104
José León Cerrillo
128
181
Omar Zurita
13
60
Rodrigo Suárez
121
174
José Luis Cuevas
46
99
Omero Leyva
50
103
Rogelio Manzo
118
171
José Luis Ramírez
91
144
Orlando Díaz
33
85
Rosa Alamán
124
177
Jovian
92
145
Orly Anan
26
77
Sandra Pani
94
147
Juan Pablo Gaviria
20
71
Pablo Boneu
125
178
Serge Barbeau
135
188
Juan Pablo Vidal
40
92
Patrick Pettersson
148
201
Tania Esponda
119
172
Kanako Namura
129
182
Paula Cortázar
29
81
Teresa Currea
17
68
Katherina Acevedo
133
186
Pedro Coronel
127
180
Teresa Margolles
95
148
57
110
Pedro Friedeberg
132
185
Tony Solís
117
170
137
190
Pedro Reyes
103
156
Valeria Contreras
122
175
16
66
31
83
Vida Yovanovich
149
202
Lorena Camarena Osorno 130
183
Perla Krauze
64
117
Virginia Colwell
126
179
Lucía Valencia
63
116
Pilar Goutas
44
97
Xóchitl Rivera
150
203
Luis Sebastián Sanabria
23
74
Prince Láuder
142
195
Yunior Mariño
101
154
Luz Ángela Lizarazo
22
73
Puyol Rose
36
88
Yuri Zatarain
15
62
Quirarte + Ornelas
Kodai Kita Lao Gabrielli Leo Matiz
Pedro Valtierra
Manuel B. León
32
84
60
113
Manuel Felguérez
67
120
Rafael Uriegas
14
61
Manuela Generali
52
105
Raúl Anguiano
81
134
Marcos Zegers
28
80
Ricardo Garduño
85
138
(45)
LOTE 1
ADAM WISEMAN Más información, página 232
Tlatelolco hoja Excel, selección de Bienal de foto XXVII, Del proyecto Tlatelolco desmentido 2014 – 2016, 2016 Impresión digital sobre papel vegetal e impresión sobre papel de algodón | 62 x 106 cm | Segunda Edición de 4+2 P/A
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LOTE 3
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LOTE 4
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(52)
LOTE 6
IVÁN CÓRDOVA Más información, página 249
A10043, 2017 Mixta, encáustica sobre madera | 122 x 90 cm
$20,000.00 M.N.
(53)
LOTE 7
JACOBO ROA Más información, página 250
Rino, 2017 Acrílico sobre tela | 90 x 200 cm
$25,000.00 M.N.
(54)
LOTE 8
ALEJANDRA ZERMEÑO Más información, página 233
Biología interna de un ave del paraíso, 2017 Life casting, modelado, vaciado en resina y pintura piroxilina 167 x 45 x 36 cm
$40,000.00 M.N.
(55)
LOTE 9
JAVIER AREÁN Más información, página 251
Coche de piedra, 2012 Litografía | 82 x 118 cm
$7,000.00 M.N.
(56)
LOTE 10
JAVIER HINOJOSA Más información, página 251
Tormenta, Varadero, Cuba, 2012 Giclée sobre papel de algodón | 50 x 80 cm
$25,000.00 M.N.
(57)
LOTE 11
ALFONSO Zร RATE Mรกs informaciรณn, pรกgina 234
El amor es un acto extremadamente violento, 2016 Fuego y carbรณn sobre tela | 187 x 220 cm
$60,000.00 M.N.
(58)
LOTE 12
JAVIERA DA FONSECA Más información, página 252
Boca Chica, 2017 Acrílico sobre tela | 100 x 120 cm
$17,500.00 M.N.
(59)
LOTE 13
OMAR ZURITA Más información, página 261
Machos, 2017 Fotografía digital impresa en papel algodón fine art | 43 x 60 cm
$15,000.00 M.N.
(60)
LOTE 14
RAFAEL URIEGAS Más información, página 266
Centla 2, 2016 Litografía sobre papel de algodón | 72 x 60 cm
$4,000.00 M.N.
(61)
LOTE 15
YURI ZATARAIN Mรกs informaciรณn, pรกgina 271
Lo prohibido, 2017 Mixta sobre cartรณn | 150 x 130 cm
$33,000.00 M.N.
(62)
COLOMBIA
PAÍS INVITADO
(63)
México y Colombia comparten desde hace casi dos siglos una estrecha relación bilateral que en el año 2015 se elevó a nivel de “Asociación Estratégica” con el propósito de impulsar un mayor diálogo político y promover mayores flujos de comercio, inversión y cooperación. Los vínculos construidos a lo largo de estos años se reflejan, no sólo en el diálogo entre sus gobiernos, sino también en más de 40 instrumentos y acuerdos en diversas áreas, en el creciente intercambio cultural y comercial, en el incremento sin precedentes en el número de turistas y en los avances en movilidad académica, por mencionar apenas algunos aspectos.
El Año Colombia – México / México–Colombia, 2017 – 2018, iniciativa adoptada por el Secretario de Relaciones Exteriores de México, Luis Videgaray Caso y la Ministra de Relaciones Exteriores de Colombia, María Ángela Holguín Cuéllar, es por lo tanto una excelente oportunidad para promover un mayor acercamiento entre las dos naciones, visibilizar sus riquezas y estrechar lazos en las diferentes áreas temáticas de la agenda bilateral mediante actividades en los ejes de cultura, educación y movilidad académica, comercio e inversión, emprendimiento e innovación, entre otras, que se celebrarán durante los próximos meses.
México ha sido también una segunda patria de ilustres colombianos y lo es hoy en día de miles de talentosos y comprometidos jóvenes artistas, estudiantes universitarios, profesionales en la dirección de importantes empresas mexicanas, académicos y científicos que en diferentes disciplinas representan lo mejor de Colombia.
Durante este segundo semestre del año 2017 se celebra la temporada Colombia en México, seguida de la temporada México en Colombia, en el primer semestre de 2018. Serán más de un centenar de actividades individuales que se desarrollarán para fortalecer aún más la integración entre ambos países.
#AñoColombiaMéxico
LOTE 16
LEO MATIZ Fotógrafo, dibujante, pintor, caricaturista, publicista, galerista y reportero gráfico de carácter internacional, Leo Matiz (1917-1998) fue un trotamundos colombiano poseedor de una estética excelsa que con su cámara capturó la diversidad de algunos momentos decisivos de la historia del siglo XX. Su estadía en el México posrevolucionario y su relación con los artistas e intelectuales del momento, enriquecieron el lenguaje visual de Matiz, lo que le significó un desarrollo en su discurso iconográfico y un refinamiento de las posibilidades expresivas de su arte. Entre 1941 y 1947, Matiz se relacionó con los muralistas mexicanos Diego Rivera, José Clemente Orozco (con quien entabló una profunda amistad) y David Alfaro Siqueiros. Retrató a los pintores Frida Kahlo, Manuel Rodríguez Lozano y Francisco Zúñiga. Se relacionó con un selecto grupo de
diplomáticos, fotógrafos y escritores; entre ellos Efraín Huerta, Pablo Neruda, Manuel Álvarez Bravo y Luis Spota. De igual forma, en ese período, convivió con las grandes personalidades de la época del Cine de Oro Mexicano como María Félix, Dolores del Río, Cantinflas, Gloria Marín, Lupe Vélez, Agustín Lara, los hermanos Soler, Emilio “El Indio” Fernández, Gabriel Figueroa, Julio Bracho y Luis Buñuel. En la actualidad, con motivo del Centenario de su natalicio, México le rinde tributo con una gran exposición titulada “Leo Matiz, el muralista de la lente”, situada en dos de los más importantes museos del país azteca: el Museo del Palacio de Bellas Artes y el Antiguo Colegio de San Ildefonso. Su obra ha sido publicada en más de 50 libros y en numerosas exposiciones en museos y galerías de los cinco continentes.
LEO MATIZ De la serie Nuestra imagen actual (México), 1945 Impresión Giclée | 60 x 60 cm
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LOTE 17
TERESA CURREA Más información, página 270
Nidos de pájaro, 2015 Mixta: dibujos en lápiz, tinta y acuarela sobre papel, estante de MDF, tapa en acrílico | 25 x 50 x 10 cm
$9,500.00 M.N.
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LOTE 18
ALICIA GARAVITO Más información, página 235
Discrepancias, 2014 Mixta: tinta y joyería en papel pergamino | 72 x 51 cm
$13,500.00 M.N.
(69)
LOTE 19
DANIEL SANTIAGO SALGUERO Más información, página 242
Manual de defensa personal, 2013 Fotografía intervenida con crayón, impresa con tintas a base de pigmentos orgánicos sobre papel de arroz libre de ácidos (p. 1); hoja de libro intervenida con lápiz de color (p. 2) 70 x 100 cm (p. 1); 18 x 15 x 3 (p. 2) | Primera edición de 3 + 1 PA
$11,000.00 M.N.
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LOTE 20
JUAN PABLO GAVIRIA Mรกs informaciรณn, pรกgina 255
Estadio observable, 2017 Tela impresa por medio de sublimaciรณn | 200 x 300 cm
$19,000.00 MN
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LOTE 21
MIGUEL ร NGEL ROJAS Mรกs informaciรณn, pรกgina 261
De reyes y piratas, 2011 Recortes de hoja de coca y billetes de un dรณlar | 50 x 50 cm c/u | (2 Piezas)
$150,000.00 M.N.
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LOTE 22
LUZ ร NGELA LIZARAZO Mรกs informaciรณn, pรกgina 258
De la serie Nuevos Cantos, 2017 Confeti metรกlico e hilo de bronce | 74 x 50 cm
$31,000.00 M.N.
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LOTE 23
LUIS SEBASTIÁN SANABRIA Más información, página 257
Inserción en circuitos, 2012 Impresión en vinilo adhesivo sobre cuadernos escolares, repisa en madera y tapa en acrílico | 23 x 19 cm c/u | (4 piezas) Primera Edición de 3
$6,000.00 M.N.
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LOTE 24
CRISTINA RODRÍGUEZ Más información, página 242
Ojo, 2017 Óleo sobre papel | 32 x 80 cm c/u | (6 Piezas)
$14,000.00 M.N.
(75)
LOTE 25
CATHY ABITBOL Más información, página 240
Fly me to the moon, 2015 Fotografía análoga en papel algodón | 125 x 95 cm
$89,000.00 M.N.
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LOTE 26
ORLY ANAN Mรกs informaciรณn, pรกgina 262
Walking on Gold, 2016 Readymade | 15 x 25 x 10 cm
$26,500.00 M.N.
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LOTE 27
ANDRÉS FELIPE CASTAÑO Más información, página 236
Sin título, 2016 Grafito sobre papel | 26 x 46 cm
$12,000.00 M.N.
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La Casa de Colombia en México, impulsada por el Nobel de Literatura Gabriel García Márquez, es el resultado del trabajo de un gran número de personas provenientes de los sectores público y privado de ambos países. Este espacio vivo, dedicado al arte, la cultura, el turismo, el conocimiento, las industrias creativas, entre otras, ubicado en el Centro Cultural y de Visitantes el Rule, en el Centro Histórico de la Ciudad de México, fue inaugurado el pasado 20 de julio y tiene como propósito convertirse en una maravillosa vitrina para mostrar lo mejor de Colombia. La Casa de Colombia constituye un punto de encuentro por excelencia entre colombianos, mexicanos y visitantes extranjeros y complementará la magnífica agenda cultural de esta ciudad.
CASA DE COLOMBIA EN MÉXICO
Centro Cultural y de Visitantes el Rule. Eje central N°6 4to Piso Col. Centro, Delegación Cuauhtémoc Ciudad de México, C.P. 06000
Martes – sábado: 10:00 am a 6:00 pm Domingo: 10:00 am y 4:00 pm http://casadecolombiaenmexico.org #AñoColombiaMéxico
LOTE 28
MARCOS ZEGERS Mรกs informaciรณn, pรกgina 259
Burro, 2017 Impresiรณn en papel fotogrรกfico Canson finearts | 76 x 87 cm | PA
$8,000.00 M.N.
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LOTE 29
PAULA CORTÁZAR Más información, página 263
Un día lluvioso Nº5, 2015 Piedra caliza | 38 x 24 x 25 cm
$13,000.00 M.N.
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LOTE 30
DIEGO LÚZ Más información, página 246
Tattoo, 2015 Óleo sobre tela | 180 x 140 cm
$60,000.00 M.N.
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LOTE 31
PEDRO VALTIERRA Más información, página 264
Mujeres de X´oyep. Chenalhó, Chiapas, 1998 Impresión digital | 19 x 27 cm
$10,000.00 M.N.
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LOTE 32
MANUEL B. LEÓN Más información, página 258
Vestigio Print, 2016 Grabado en aguafuerte y aguatinta, impreso en tricromía con pigmentos metálicos sobre papel de algodón | 74 x 100 cm
$3,000.00 M.N.
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LOTE 33
ORLANDO Dร AZ Mรกs informaciรณn, pรกgina 262
El cazador, 2017 Mixta sobre papel | 50 x 70 cm
$17,500.00 M.N.
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LOTE 34
CARMEN PARRA Más información, página 240
Arcángel San Rafael, 2010 Mixta: serigrafía, grabado, gofrado con hoja de oro | 73 x 58 cm
$11,500.00 M.N.
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LOTE 35
RICARDO PINTO Mรกs informaciรณn, pรกgina 268
Volumen de Sombra I, 2017 Mixta sobre madera | 80 x 100 cm
$23,000.00 M.N.
(87)
LOTE 36
PUYOL ROSE Mรกs informaciรณn, pรกgina 266
Reflection of pride, 2014 Impresiรณn sobre papel fotogrรกfico | 28 x 50 cm
$2,500.00 M.N.
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LOTE 37
EMILIO RANGEL Más información, página 245
Julio César Mondragón de cara a 101 dálmatas, 2017 Readymade con impresión digital | 3 x 3 cm
$20.00 M.N.
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LOTE 38
GONZALO GARCÍA Más información, página 247
La felicidad de nuestros tiempos III, de la serie Retratos al poder, 2016 Óleo sobre madera | 35 x 30 cm
$7,000.00 M.N.
(90)
LOTE 39
HERNÁN GANA Más información, página 248
Retroactiva III, 2017 Mixta: aguafuerte, aguatinta y serigrafía con intervención en acrílico y óleo en papel arches rives 110 x 75 cm | Edición 9 de 25
$10,500.00 M.N.
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LOTE 40
JUAN PABLO VIDAL Más información, página 255
They don’t look that cool when they stopped flying, 2017 Resina y acrílico | 20 x 20 x 40 cm c/u | (3 piezas)
$43,000.00 M.N.
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LOTE 41
RODRIGO GONZร LEZ CASTELLANOS Mรกs informaciรณn, pรกgina 268
Vaca Holstein pastando, 2017 Tierra roja de los Altos de Jalisco sobre papel algodรณn | 56 x 76 cm
$7,500.00 M.N.
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LOTE 42
EDUARDO TERRAZAS Arquitecto de formación (UNAM y Universidad de Cornell). Su quehacer profesional abarca: diseño, fotografía, arquitectura, planeación urbana/regional y artes visuales. Se ha interesado por mirar y pensar el mundo por el que camina; entender y refelexionar sobre la cambiante realidad y las problemáticas del mundo contemporáneo. Fue asistente del museógrafo Fernando Gamboa en la exposición “Obras Maestras del Arte Mexicano”, que se presentó en Leningrado (Museo Hermitage), Varsovia (Museo Narodowa) y París (Museo Petis Palais). Trabajó en las oficinas de los arquitectos Howell-Killick-Partridge & Amis en Londres y Candilis Jossic & Woods en París. Realizó la construcción del Pabellón de México en la Feria Mundial de Nueva York 1964-65, para Pedro Ramírez Vázquez y Rafael Mijares, Arquitectos. Impartió clases en la Universidad de Columbia y California. Fue Director Artístico y Coordinador del Programa de Identidad Olímpica para los Juegos de la XIX Olimpiada, México 1968 y diseñó—junto con Lance Wyman—el logotipo y cartel oficial. Ha sido conferencista en India, Pakistán, Canadá, Estados Unidos y Chile. Dirigió el equipo mexicano que estuvo a cargo del diseño urbano para la nueva capital de Tanzania, Dodoma. En 1975 presenta el Códice de la Solidaridad para la Paz y el Desarrollo y la exhibición Todo depende de todo, con
motivo de la reunión del Club de Roma, en México. Realiza el diseño urbano de la Macroplaza y Parque Fundidora en Monterrey; la Plaza de la Solidaridad y los Ejes Viales en la Ciudad de México. Proyecta los centros culturales de Ciudad Victoria, Tampico, Nuevo Laredo y Reynosa en el estado de Tamaulipas. En su amplia producción artística, se cuentan trabajos como: Posibilidades de una Estructura (1970-), investigación pictórica compuesta por 5 Subseries: Cosmos, Nueve Círculos, Diagonales, Retícula y Código de Barras, en la cual cada una de estas estructuras se establece y se va desarrollando en un sinfín de variaciones; Tablas (1972) que se presenta en el Palacio de Bellas Artes con obras realizadas bajo la técnica huichol de hebra de lana; Museo de lo Cotidiano (1987), en la que manifiesta su interés por cruzar las fronteras entre el arte y la cultura popular mexicana, a partir de recontextualizar objetos cotidianos. Entre otras de sus muchas series destacan: Cero, Orígenes, Crecimiento Orgánico y Exponencial, Constelaciones, Universo, Desafíos de la Humanidad y Ventanas. Actualmente su obra visual forma parte de importantes colecciones privadas, Instituciones y Museos, a nivel nacional e internacional. Es representado por las galerías Proyectos Monclova (México), Timothy Taylor (Londres) y Nils Stærk (Dinamarca).
EDUARDO TERRAZAS 1.1.284, de la serie Posibilidades de una estructura, subserie Cosmos, 2017 Hebra de lana sobre tabla de madera cubierta con cera de Campeche | 90 x 90 cm
$340,000.00 M.N.
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LOTE 43
EMILIO CHAPELA Más información, página 245
Gran telescopio milimétrico, 2017 Impresión digital sobre papel algodón | 100 x 150 cm | Primera edición de 3
$70,000.00 M.N.
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LOTE 44
PILAR GOUTAS Mรกs informaciรณn, pรกgina 265
Carta a un adiรณs desesperado, de la serie Limbo, 2017 Mixta: collage sobre impresiรณn | 60 x 40 cm
$17,000.00 M.N.
(97)
LOTE 45
MARIO E. DOMÍNGUEZ B. Más información, página 260
Leo, de la Serie Vuelos Aires (parkour en Buenos Aires), 2012 Impresión digital sobre papel Photo Slik Baryta de 310 gramos de Hahnemühle | 40 x 60 cm
$1,500.00 M.N.
(98)
LOTE 46
JOSÉ LUIS CUEVAS Más información, página 254
Sin título, 2010 Litografía | 22 x 15 cm | PA
$20,000.00 M.N.
(99)
LOTE 47
JESÚS LUGO Más información, página 252
El Cielo, de la serie De la Divina Comedia, 2017 Mixta: Óleo y collage sobre madera | 28 x 22 cm
$20,000.00 M.N.
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LOTE 48
ARIEL OROZCO RODRร GUEZ Mรกs informaciรณn, pรกgina 237
Bandera 2, 2011 Impresiรณn digital en sintra sobre plexiglas | 110 x 82 cm
$71,000.00 M.N.
(101)
LOTE 49
BEATRIZ ZAMORA Mรกs informaciรณn, pรกgina 239
El negro 2021, 2000 Mixta sobre tela | 120 x 100 cm
$90,000.00 M.N.
(102)
LOTE 50
OMERO LEYVA Más información, página 262
Sin título, 2014 Tinta sobre papel | 92 x 61 cm
$10,500.00 M.N.
(103)
LOTE 51
RODRIGO SASTRE Mรกs informaciรณn, pรกgina 269
Enamorรกndose, 2014 Mixta: collage, tinta y lรกpiz sobre papel | 62 x 48 cm
$26,600.00 M.N.
(104)
LOTE 52
MANUELA GENERALI Mรกs informaciรณn, pรกgina 259
Cuatro (5), 2016 Mixta | 23 x 56 cm
$3,000.00 M.N.
(105)
LOTE 53
ALDO CHAPARRO Más información, página 233
Sin título, 2017 Aluminio | 67 x 115 x 21 cm
$125,000.00 M.N.
(106)
LOTE 54
JIMENA RINCÓN Más información, página 252
Untitled/light, 2017 Acrílico sobre madera | 60 x 80 cm
$14,000.00 M.N.
(107)
LOTE 55
CARLOS AGUSTร N Mรกs informaciรณn, pรกgina 239
Icarus, 2017 Acero al carbรณn | 59 x 40 x 14 cm
$60,000.00 M.N.
(108)
LOTE 56
NAPOLEÓN AGUILERA Más información, página 261
Muralla vacía, 2016 Basalto | 32 x 21 x 12 cm
$6,000.00 M.N.
(109)
LOTE 57
KODAI KITA Más información, página 256
#2, de la serie Casa 2017 Tiza y conté sobre tiza de pizarrón | 30 x 30 cm
$9,000.00 M.N.
(110)
LOTE 58
JOSÉ ÁNGEL SANTIAGO Más información, página 254
Dos estudios para un conejo azul, 2017 Henna y tinta sobre papel | 79 x 119 cm
$10,000.00 M.N.
(111)
LOTE 59
FABIÁN UGALDE Más información, página 246
Óvalos controlados, 2014 Tintas vinil mate sobre tela plastificada | 130 x 130 cm
$60,000.00 M.N.
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LOTE 60
QUIRARTE + ORNELAS Más información, página 266
Progresión modular 29, 2017 Acuarela sobre papel | 15 x 87 cm (tríptico)
$25,000.00 M.N.
(113)
LOTE 61
ROBERTO CORTร ZAR Mรกs informaciรณn, pรกgina 268
A vivir, 2016 Bronce patinado | 32 x 10 x 10 cm
$15,000.00 M.N.
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LOTE 62
HÉCTOR DE ANDA Más información, página 248
Laberinto 7, 2009 Mixta: carbón, conté, grafito y pastel sobre papel guarro | 180 x 100 cm
$50,000.00 M.N.
(115)
LOTE 63
LUCÍA VALENCIA Más información, página 257
Sueña, 2017 Mixta sobre madera | 100 x 122 cm
$15,000.00 M.N.
(116)
LOTE 64
PERLA KRAUZE Más información, página 265
Sin título 2, 2016 Fotografía | 28 x 64 cm
$5,000.00 M.N.
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LOTE 65
MIGUEL BOLÍVAR Más información, página 261
Diversa, 2017 Escultura lumínica policromada | 280 x 150 x 150 cm
$8,000.00 M.N.
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LOTE 66
FRANCISCO TOLEDO Mรกs informaciรณn, pรกgina 247
El Devorador, s/f Mixta: tinta y sanguina | 22 x 20 cm
$150,000.00 M.N.
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LOTE 67
MANUEL FELGUÉREZ Más información, página 258
Sin título, 2017 Litografía sobre aluminio | 80 x 120 cm
$25,000.00 M.N.
(120)
LOTE 68
JOSÉ CLEMENTE OROZCO Más información, página 254
Mujer moliendo metate, de la serie La Perla, 1945 Tinta china sobre papel (reproducción serigráfica de un dibujo original del artista. No. de catálogo 2553) | 38 x 30 cm | Edición de 160
$26,000.00 M.N.
(121)
LOTE 69
ANA SEGOVIA Más información, página 236
“… circles and triangles, and now we’re hanging out with your new girlfriend …”, 2017 Óleo sobre tela | 53 x 41 cm
$9,000.00 M.N.
(122)
LOTE 70
CAMILO BARBOZA Mรกs informaciรณn, pรกgina 239
De la serie Mundo pintoresco, 2017 Collage sobre papel | 70 x 50 cm
$13,000.00 M.N.
(123)
LOTE 71
COCO PÉREZ Más información, página 241
Caballos y caballeros, 2016 Impresión digital sobre papel algodón | 60 x 50 cm
$6,000.00 M.N.
(124)
LOTE 72
FERNANDO PACHECO Mรกs informaciรณn, pรกgina 246
Duna 7, 2017 MDF, laca y aluminio | 46 x 18 x 18 cm
$40,000.00 M.N.
(125)
LOTE 73
DENNIS MIRANDA ZAMORANO Más información, página 243
Sin título, 2015 Acrílico sobre papel algodón | 80 x 55 cm c/u | (9 piezas)
$79,000.00 M.N.
(126)
LOTE 74
DAVID ROMERO Más información, página 243
Jesús de las mariposas, 2017 Óleo sobre tela | 137 x 138 cm
$15,000.00 M.N.
(127)
LOTE 75
EMMANUEL GARCÍA Más información, página 245
PV STA ANA TM1+, 2008 Mixta: acrílico, esmalte, tinta, grafito y pastel sobre canvas | 200 x 200 cm (políptico)
$24,000.00 M.N.
(128)
LOTE 76
DIEGO BERRUECOS Más información, página 244
Piedras flotantes 2, 2016 Serigrafía | 64 x 100 cm | Edición de 10
$9,000.00 M.N.
(129)
LOTE 77
DAMIÁN SUÁREZ Más información, página 242
Natura, 2016 Hilo sobre madera | 225 x 160 cm
$140,000.00 M.N.
(130)
LOTE 78
FLORIA GONZÁLEZ Más información, página 246
Terror nocturno, de la serie Sobreponerse, 2017 Inyección de tintas en papel algodón | 120 x 54 cm | Primera edición de 6
$40,000.00 M.N.
(131)
LOTE 79
ÁNGEL RICARDO RICARDO RÍOS Más información, página 237
Sin título, 2016 Óleo sobre tela | 190 x 185 cm
$265,000.00 M.N.
(132)
LOTE 80
IRVING VERA Más información, página 249
Noches de Belgrado, 2010 Acrílico sobre lienzo | 130 x 97 cm
$14,000.00 M.N.
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LOTE 81
RAÚL ANGUIANO Más información, página 266
Sin título, 1946 Lápiz sobre papel | 65 x 50 cm
$55,000.00 M.N.
(134)
LOTE 82
DANIELA CÓRDOVA Más información, página 242
The Arid Eden, 2017 Impresión digital sobre acrílico | 100 x 150 cm | Primera edición de 5 + 2 PA
$12,500.00 M.N.
(135)
LOTE 83
DULCE PINZÓN Más información, página 245
Natural Beauty, 2011 Fotografía a color | 40 x 50 cm | Edición limitada
$10,500.00 M.N.
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LOTE 84
CECILIA BARRETO Más información, página 241
Is never enough 36, 2017 Mixta: acrílico, resina de polímero, óleo sobre tela | 40 x 60 cm
$7,500.00 M.N.
(137)
LOTE 85
RICARDO GARDUร O Mรกs informaciรณn, pรกgina 267
Nave No. 32, 2017 Piano intervenido en poliuretano | 100 x 180 x 180 cm
$60,000.00 M.N.
(138)
LOTE 86
EMILIA SANDOVAL Más información, página 245
Paisaje recóndito III, 2017 Collage escaneado impreso en papel algodón | 28 x 22 cm | Segunda Edición de 3
$2,500.00 M.N.
(139)
LOTE 87
INร S CUSI DE ITURBIDE Mรกs informaciรณn, pรกgina 248
Orbe, 2017 Bronce cera perdida | 32 x 28 x 32 cm | Ediciรณn 4 de 7
$22,500.00 M.N.
(140)
LOTE 88
ÁLVARO UGARTE Más información, página 235
Found Magic, 2016 Fotografía digital impresa en papel algodón | 39 x 33 cm | Edición de 5
$14,000.00 M.N.
(141)
LOTE 89
ALEJANDRO PINTADO Mรกs informaciรณn, pรกgina 233
Volcรกn, 2015 Corte lรกser en espejo sobre grabado antiguo | 33 x 44 cm
$11,000.00 M.N.
(142)
LOTE 90
DARÍO VILLALBA Más información, página 243
Sin título, 1995 Mixta sobre papel photolinen | 27 x 22 cm
$35,500.00 M.N.
(143)
LOTE 91
JOSÉ LUIS RAMÍREZ Más información, página 255
Contigo, 2015 Mixta: lápiz y pastel sobre papel | 68 x 110 cm
$10,000.00 M.N.
(144)
LOTE 92
JOVIAN Más información, página 255
Louis, 2016 Resina, aluminio y bisutería | 125 x 104 x 35 cm
$45,000.00 M.N.
(145)
LOTE 93
DULCE CHACÓN Más información, página 244
Miami vista desde el lente de la cámara, 2017 Lápiz y tinta sobre papel | 20 x 50 cm (díptico)
$4,500.00 M.N.
(146)
LOTE 94
SANDRA PANI Mรกs informaciรณn, pรกgina 270
Rama, 2017 Grabado sobre metal | 80 x 60 cm | Ediciรณn 35 de 200
$7,000.00 M.N.
(147)
LOTE 95
TERESA MARGOLLES Más información, página 271
Chica transexual sobre las ruinas del Bar Amazona, Ciudad Juárez, México, 2016 Impresion Digital | 34 x 60 cm
$50,000.00 M.N.
(148)
LOTE 96
RICARDO VILLASANA Mรกs informaciรณn, pรกgina 267
Bar Fly, 2017 ร leo sobre tela | 150 x 150 cm
$40,000.00 M.N.
(149)
LOTE 97
ANDY WARHOL Más información, página 236
Campbell´s soup cans, 2017 Serigrafía | 89 x 59 cm | Con sello en la parte posterior “Fill in your own signature” publicada por Sunday B. Morning. Las gráficas editadas por Sunday B. Morning son redacciones autorizadas e incluidas en el catálogo razonado de Andy Warhol. La impresión serigráfica es similar a las primeras ediciones firmadas a mano por el autor.
$15,000.00 M.N.
(150)
LOTE 98
ร LVARO VERDUZCO Mรกs informaciรณn, pรกgina 235
Estudio Memoria II, 2016 Tinta sobre cartulina | 24 x 32 cm
$8,500.00 M.N.
(151)
LOTE 99
RODRIGO DE LA SIERRA Mรกs informaciรณn, pรกgina 268
La piedra, 2016 Bronce, piedra volcรกnica y acero inoxidable | 52 x 40 x 36 cm
$50,000.00 M.N.
(152)
LOTE 100
CISCO JIMร NEZ Mรกs informaciรณn, pรกgina 241
Radiograbadora con sol, 2017 Barro rojo y tierras de colores | 21 x 29 x 10 cm
$12,000.00 M.N.
(153)
LOTE 101
YUNIOR MARIÑO Más información, página 272
Mantra (partícula de Dios), 2015 Acrílico sobre lienzo | 200 x 278 cm
$130,000.00 M.N.
(154)
LOTE 102
FRANCISCO ESNAYRA Más información, página 246
Cápsula de autodestrucción 4, 2017 Resina | 47 x 19 x 17 cm | Quinta edición de 8
$43,000.00 M.N.
(155)
LOTE 103
PEDRO REYES Más información, página 264
Morfogénesis de capulas, 2004 Lápiz sobre papel | 38 x 29 cm
$26,500.00 M.N.
(156)
LOTE 104
MATHIAS GOERITZ Mรกs informaciรณn, pรกgina 260
Mensaje 6, 2017 Hoja de oro sobre madera | 35 x 46 cm
$620,000.00 M.N.
(157)
LOTE 105
ANTONIO GRITÓN Más información, página 237
Pasaje de la poesía contemporánea, 2016 Óleo sobre tela | 80 x 120 cm
$20,000.00 M.N.
(158)
LOTE 106
ARMANDO DE LA GARZA Mรกs informaciรณn, pรกgina 238
017, de la serie Hipertrofia, 2017 Porcelana alta temperatura y plata | 30 x 10 x 5 cm
$20,000.00 M.N.
(159)
LOTE 107
ALEX DORFSMAN Más información, página 234
Sin título 1, de la serie Plásticos, 2009 Impresión digital | 100 x 75 cm | Quinta Edición de 5 + PA
$26,000.00 M.N.
(160)
LOTE 108
ARMANDO VEGA-GIL Mรกs informaciรณn, pรกgina 238
El perro de Oventic, 2016 Impresiรณn digital sobre papel fotogrรกfico | 80 x 80 cm
$2,500.00 M.N.
(161)
LOTE 109
CHANTALE MAZÍN Más información, página 241
Déjalos Pasar, 2006 Gráfica | 28 x 38 cm
$2,500.00 M.N.
(162)
LOTE 110
CARLOS GARCÍA NORIEGA BUENO Más información, página 240
Decisión, 2017 Escultura de acero con pintura electrostática negra texturizada | 60 x 30 x 30 cm
$45,000.00 M.N.
(163)
LOTE 111
JORGE BRANTMAYER Más información, página 253
Sin título, 2017 Impresión en inyección de tinta Epson | 20 x 30 cm
$6,200.00 M.N.
(164)
LOTE 112
JORGE TELLAECHE Más información, página 253
In Peace, 2017 Acrílico y aerosol sobre lienzo | 125 x 55 cm
$30,000.00 M.N.
(165)
LOTE 113
JOAN MIRÓ Más información, página 253
Sin título, s/f Litografía | 61 x 51 cm | Con certificado de registro: National Fine Arts Title Registration
$45,000.00 M.N.
(166)
LOTE 114
GUSTAVO ARGร ELLO Mรกs informaciรณn, pรกgina 247
El ocaso de los dioses, 2017 Mixta: anilina, tinta, esmalte, barniz damar y polvo de oro | 145 x 170 cm
$15,000.00 M.N.
(167)
LOTE 115
JACKIE JONES Mรกs informaciรณn, pรกgina 250
Total Bombshell, 2015, 53487 cristales sobre madera | 80 x 47 cm
$45,000.00 M.N.
(168)
LOTE 116
JAKE CHAPMAN, DINOS CHAPMAN + LOUIS VUITTON Más información, página 250
Keepall Bandoulière 45 Savane ink, 2017 Lienzo recubierto y piel | 27 x 45 x 20 cm
$41,500.00 M.N.
(169)
LOTE 117
TONY SOLÍS Más información, página 241
Andrea, 2016 Impresión sobre papel algodón | 101 x 68 cm
$31,500.00 M.N.
(170)
LOTE 118
ROGELIO MANZO Mรกs informaciรณn, pรกgina 269
Victor II, 2015 ร leo y mixta sobre panel de resina | 31 x 31 cm
$18,000.00 M.N.
(171)
LOTE 119
TANIA ESPONDA Mรกs informaciรณn, pรกgina 270
Cรณdigo de barras 8/13, 2017 Acero | 70 x 90 x 50 cm
$22,500.00 M.N.
(172)
LOTE 120
JACQUES BEDEL Más información, página 250
Sin título, 2013 Impresión digital en plástico laminado | 100 x 100 cm
$45,000.00 M.N.
(173)
LOTE 121
RODRIGO SUร REZ Mรกs informaciรณn, pรกgina 269
Por la silla que todos optan, 2015 Dibujo digital impreso sobre papel, dibujo a tinta, grafito y acuarela | 70 x 100 cm | Ediciรณn especial 2 de 15
$5,000.00 M.N.
(174)
LOTE 122
VALERIA CONTRERAS Más información, página 271
There is, 2013 Impresión fotográfica digital sobre espejo | 78 x 117 cm | Primera edición de 3
$20,000.00 M.N.
(175)
LOTE 123
ALFREDO COTA Mรกs informaciรณn, pรกgina 235
Gorila, 2015 Resina | 60 x 35 x 26 cm
$20,000.00 M.N.
(176)
LOTE 124
ROSA ALAMร N Mรกs informaciรณn, pรกgina 269
Entre el alambre, 2017 Collage | 66 x 45 cm
$10,000.00 M.N.
(177)
LOTE 125
PABLO BONEU Más información, página 262
Quimera 89–Rasputín, 2009 Reproducción fotográfica de collage de billetes triturados, impreso sobre papel de algodón | 116 x 116 cm
$97,000.00 M.N.
(178)
LOTE 126
VIRGINIA COLWELL Más información, página 271
Untitled Ruin 15, 2014 Collage hecho a partir de “The Pleasure of Ruins” | 35 x 52 cm
$14,700.00 M.N.
(179)
LOTE 127
PEDRO CORONEL Más información, página 263
Sin título, 2017 Serigrafía | 90 x 55 cm
$15,000.00 M.N.
(180)
LOTE 128
JOSÉ LEÓN CERRILLO Más información, página 255
O.M.C, 2008 Serigrafía sobre papel de algodón | 61 x 51 cm | Cuarta edición de 10
$17,500.00 M.N.
(181)
LOTE 129
KANAKO NAMURA Mรกs informaciรณn, pรกgina 255
Confetti Residue 03.08, 2017 Confeti, hielo y lรกpiz sobre papel | 46 x 66 cm
$12,000.00 M.N.
(182)
LOTE 130
LORENA CAMARENA OSORNO Más información, página 257
Traslúcida, 2016 Acrílico sobre tela | 159 x 90 cm
$35,000.00 M.N.
(183)
LOTE 131
MARIANNA DELLEKAMP Mรกs informaciรณn, pรกgina 260
Eurail, 1997 Impresiรณn digital sobre papel de algodรณn | 70 x 90 cm
$26,000.00 M.N.
(184)
LOTE 132
PEDRO FRIEDEBERG Más información, página 265
Taprobane. Carpeta de 4 grabados: Amanecer desde el estudio de Vitruvio (1), Toltefiquización de la lotería de Zaratustra (2), El salón de Aldiborontifoscornio (3), Novedoso y útil sistema perforativo (4), 2016 Serigrafía | 33 x 46 cm c/u (4 piezas) | Edición 20 de 30
$35,000.00 M.N.
(185)
LOTE 133
KATHERINA ACEVEDO Más información, página 256
Sin título, 2017 Impresión sobre papel fotográfico | 90 x 55 cm
$9,000.00 M.N.
(186)
LOTE 134
ALEJANDRO FUENTES Mรกs informaciรณn, pรกgina 233
Amoeba, 2017 Acero inoxidable pulido, cortado con lรกser | 25 x 67 x 25 cm | Ediciรณn 2 de 9
$35,000.00 M.N.
(187)
LOTE 135
SERGE BARBEAU Más información, página 270
De la serie Últimos vestigios, 2017 Impresión con pigmento perdurable sobre papel Hahnemuhle fine art | 150 x 100 cm | Quinta edición de 50
$35,000.00 M.N.
(188)
LOTE 136
ARTEMIO Más información, página 238
Sin título, 2017 Pasta de sopa de letras sobre papel | 54 x 40 cm
$7,000.00 M.N.
(189)
LOTE 137
LAO GABRIELLI Más información, página 256
Geometría del universo, 2017 Pintura acrílica sobre placas acrílicas y espejo acrílico | 100 dm x 4 cm
$37,000.00 M.N.
(190)
LOTE 138
JAMES BONACHEA Mรกs informaciรณn, pรกgina 251
Estudio del espacio, 2016 Carboncillo sobre lienzo | 150 x 200 cm
$133,400.00 M.N.
(191)
LOTE 139
DIEGO MATTHAI Mรกs informaciรณn, pรกgina 244
Up!!!, 2015 Base de cerรกmica color azul y neรณn rojo | 31 x 9 x 34 cm
$9,000.00 M.N.
(192)
LOTE 140
CILER Más información, página 241
Sin título, 2017 Tinta china y acrílico sobre revista | 35 x 27 cm
$7,000.00 M.N.
(193)
LOTE 141
ALEXIS DE CHAUNAC Más información, página 234
Juana de Arco, 2017 Mixta: carboncillo, óleo, cera, acrílico y lápices de colores sobre papel | 76 x 57 cm
$20,000.00 M.N.
(194)
LOTE 142
PRINCE Lร UDER Mรกs informaciรณn, pรกgina 265
Unusual Genius, 2017 Mixta: collage sobre papel algodรณn | 140 x 105 cm
$46,000.00 M.N.
(195)
LOTE 143
HANS GIEBELER Más información, página 248
Hombre sepia, 2014 Acrílico sobre tela | 160 x 117 cm
$30,000.00 M.N.
(196)
LOTE 144
DANIELA LIBERTAD Mรกs informaciรณn, pรกgina 243
Diagrama 60, 2016 Mixta: Grafito y lรกpiz de color sobre papel | 98 x 70 cm
$17,800.00 M.N.
(197)
LOTE 145
MORTEN SLETTEMEÅS Más información, página 261
Rostro verde, 2010 Óleo sobre lienzo | 120 x 100 cm
$44,400.00 M.N.
(198)
LOTE 146
ARTURO HERNÁNDEZ ALCÁZAR Más información, página 238
Es el ruido de su mundo destruyéndose, 2013 Impresión risográfica sobre papel | 57 x 37 cm
$13,500.00 M.N.
(199)
LOTE 147
GALIA EIBENSCHUTZ Mรกs informaciรณn, pรกgina 247
Vibraciones I, 2016 Pastel sobre papel | 100 x 70 cm
$22,500.00 M.N.
(200)
LOTE 148
PATRICK PETTERSSON Mรกs informaciรณn, pรกgina 263
Boy in The Forest, 2017 ร leo sobre papel algodรณn | 135 x 100 cm
$15,000.00 M.N.
(201)
LOTE 149
VIDA YOVANOVICH Más información, página 271
De la serie Cárcel de los sueños, 1993 Plata sobre gelatina | 40 x 50 cm
$50,000.00 M.N.
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LOTE 150
Xร CHITL RIVERA Mรกs informaciรณn, pรกgina 272
Configuraciรณn IIII, 2013 Mixta: collage sobre tela | 96 x 104 cm
$30,000.00 M.N.
(203)
LOTE 151
RICARDO GUZMÁN Más información, página 267
Tiempo captutado/04, 2017 Impresión de archivos con tintas de pigmento sobre papel algodón | 110 x 110 cm
$18,000.00 M.N.
(204)
OFERTAS EN AUSENCIA EN CASO DE NO PODER ASISTIR A LA SUBASTA, CONTAMOS CON LA POSIBILIDAD DE RECIBIR OFERTAS EN AUSENCIA DE FORMA SENCILLA PARA USTED.
Usted llena un formato de ofertas en ausencia, que le será proporcionado solicitándolo al correo artevivo@mexicovivo.org o bien descargándolo desde el sitio: mexicovivo.org/ofertaenausencia En dicho formato nos indica el número de lote o lotes que desea, así como la oferta máxima que quiere hacer por cada uno de ellos. Así, uno de nuestros voluntarios estará haciendo las ofertas en su nombre y representación. La persona solicitante podrá hacer llegar su oferta en ausencia a México Vivo hasta un día antes de celebrarse la subasta, mediante la recepción en nuestras oficinas o por correo electrónico del formato correspondiente. Como garantía, la persona que desee hacer una oferta en ausencia deberá previamente proporcionar telefónicamente, una vez registrada su oferta, una tarjeta de crédito o un cheque a la orden de Fundación Unidos por un México Vivo, A.C. Los lotes se adjudicarán al precio más bajo que permitan las demás pujas o posturas aceptadas en la subasta. Ponemos a su disposición también la facilidad de hacer su oferta con las promociones disponibles a meses sin intereses con las tarjetas de crédito participantes.
(205)
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Alejandra Zermeño | Armando Juárez | Darío Salzman | Jorge Tellaeche | Kim Young Sun Martín Ferreyra | Michel Hurst arteriorismo.com arteriorismodf@gmail.com Atlanta 179 int. 13 +52 1 55 1476 6423 arteriorismocom
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2017- 2019 La Bienal FEMSA cambiará su formato. A partir de esta edición, estará constituida por un programa curatorial de 18 meses, que itinerará en cada edición por diferentes estados de la República Mexicana. La XIII edición de la Bienal FEMSA se llevará a cabo en la Ciudad de Zacatecas, México, de septiembre de 2017 a febrero de 2019. Desde hace cuatro ediciones, la Bienal ha experimentado con distintos formatos curatoriales. La XIII Bienal FEMSA se transforma de un certamen nacional en un programa curatorial internacional cuyo núcleo es el arte latinoamericano. A partir de ahora, la Bienal FEMSA se convierte en un modelo que propone ensayar nuevas metodologías museológicas, pedagógicas y editoriales. La XIII Bienal FEMSA Nunca fuimos contemporáneos apuesta por un modelo colaborativo para generar, junto con las instituciones culturales del estado de Zacatecas, un diálogo entre el contexto cultural local y el mundo del arte contemporáneo global. El programa de la Bienal consta de 5 ejes: Colaboraciones museológicas. Intervenciones en el espacio público. Programa pedagógico. Programa editorial. Programa público. Sigue a Bienal FEMSA en:
Aidee de León | Amador Montes | Antonio López | Boris Viskin | Carles | Emilio Said | Esmeralda Torres Gabriel Ramírez Aznar | Giovanni Troconi | Guillermo Olguín | Jordi Boldó | Juan Jaramillo | Luis Moro Miguel Castro Leñero| Omar Said | Ray Phillips | Ricardo Pinto| Samia Farah | Santiago Olguín| Siegrid Wiese
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MÁS SOBRE LAS Y LOS ARTISTAS ADAM WISEMAN (México, n. 1970). _
Egresado de la New York University con licenciatura en Cine Etnográfico y del programa de fotoperiodismo de la International Center of Photography (ICP) de Nueva York. El trabajo de Wiseman se ha publicado en revistas como the New York Times y National Geographic. Su trabajo explora el lenguaje fotográfico documental y los cambios que éste vive actualmente, enfocándose en temas de la intersubjetividad. El trabajo de Wiseman ha sido exhibido en Taiwán, España, EEUU, Francia, Japón, México, Argentina, Venezuela y Suiza, y su obra ha sido adquirida para la Colección Schöepflin Stiftung (Alemania) y la colección del Smithsonian Institute en Washington D.C. Sus fotos de paisajes urbanos fueron incluidas en la Bienal de Arquitectura de Venecia. Una selección de su trabajo forma parte del libro Endless City (Phaidon / London School of Economics). Tuvo una exhibición individual con su proyecto “Área Conurbada” en el Museo Archivo de la Fotografía (MAF) de la Ciudad de México. Su obra forma parte del Museo de Arte Contemporáneo de Caracas, Venezuela. La obra de Wiseman forma parte de la exhibición “Latinoamérica es un pueblo al sur de Estados Unidos”, edición XVIII de PhotoEspaña en Madrid. En 2016, “Tlatelolco desmentido” se incluye en la “XVII Bienal de Fotografía de México” y es nominado para el premio Prix Pictet. Cuenta con una exhibición colectiva en el VT Arts Salon de Taiwán. En Londres presenta los proyectos “Moving Portraits” y “Tlatelolco desmentido” en el Chalton Gallery. Durante los últimos años la obra de Wiseman se ha mostrado en las ferias de Paris Photo, LA Context Art y ZONA MACO, Ciudad de México.
(232)
ADRIÁN GUERRERO (México, n. 1975). _
Arquitecto por la universidad ITESO de Guadalajara. Sobresalen entre sus muestras: “Alles Kann Etwas Sein” y “Perceptio” del Museo Casa Taller José Clemente Orozco, “Disertaciones del punto” en la Galería Atelier, de San Miguel de Allende, “Altar de muertos contemporáneo” en el Museo de Arte de Zapopan, Jalisco. Algunas exposiciones colectivas de las cuales ha formado parte son “Shaped in Mexico” en la Oxo Tower, de Londres, “Arte Careyes”, de Careyes, Jalisco, “Construcciones Primeras” en el Palazzo Bembo, Bienale di Venezia, “Contemporary Alternatives II” en la Kavachnina Gallery de Miami, “Concurso Internacional de Cerámica de Arte contemporáneo”, convocado por el Museo MIC, de Faenza, Italia, “Gyeonggi Internacional Biennale 2011”, Corea, y en la “IX “Bienal Internacional de Cerámica de Manises”, en Valencia. Entre sus reconocimientos, ha sido merecedor de la Mención de Honor en la “Bienal Internacional de Cerámica Gyeonggi de Corea 2011”, seleccionado de CERCO 2011, Premio Internacional de Cerámica Contemporánea de Zaragoza, seleccionado en el 57 Faenza Prize de Italia, seleccionado de la “IV Bienal de Cerámica Utilitaria”, Museo Franz Mayer de La Ciudad de México, entre otros.
AGUSTÍN CASTRO (México, n. 1958). _
Artista visual egresado de la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda”, del INBA. Integrante del Sistema Nacional de Creadores del FONCA CONACULTA. Becario del Sistema Jóvenes Creadores de Arte del FONCA CONACULTA. Autor de dos murales, 37 exposiciones individuales y más de cien muestras colectivas en México y el extranjero. Se hizo acreedor al Premio de Adquisición de Pintura del Salón Nacional de Artes Plásticas sección Pintura; y mención Honorífica en la “VI Bienal Rufino Tamayo”. Su obra forma parte de colecciones privadas y acervo de museos, entre ellas, el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México; el Museo de Arte Carrillo Gil de la Ciudad de México; el Museo
de Arte Contemporáneo (MARCO) de Monterrey. Su trabajo se enmarca en el neo expresionismo figurativo; el dibujo en la propuesta de sus temas va de lo alegórico a lo neofigurativo.
ALDO CHAPARRO (Perú, n. 1965). _
Vive y trabaja en la Ciudad de México. Entre sus exposiciones individuales y colectivas destacan las de la Galería Nueveochenta: “Here We Are Now Entertain US, en Bogotá, Colombia (2010). White Cubicle Toilet Gallery, “Too drunk to fuck”, en Londres, Inglaterra (2009); “Fifi Projects Vanishing Acny”, EEUU (2009); Espacio experimental, “El Eco Two Black Monoliths”, en Ciudad de México (2009); Art Basel, de Miami (2008); “Torrejón”, de Buenos Aires, Argentina (2008); Galería Lucia de la Puente, “It must be nice to disappear”, en Lima, Perú (2008); “El 52, Putas”, en Buenos Aires, Brasil (2008); Casa del Lago Juan José Arreola, (2008); en el Museo de la Ciudad de México, “Plataform for urban investigation” (2007); en el Museo Carrillo Gil, “Limbo” (2006); “Group Show”, en la Haus der Kulturen der Welt, de Berlín, Alemania (2001); Centro Cultural de México, “Asamblea”, en París, Francia (2001), destacan entre muchas más.
ALEJANDRA ZERMEÑO (México, n. 1978). _
Culminó su licenciatura en Artes Visuales en la Academia de San Carlos, de la UNAM y, de 2006 a 2008, la maestría en la materia, en la que obtuvo con mención honorífica, en la misma institución. Recibió premios, becas y distinciones entre los que destacan: Invitada de honor al Congreso de Escultura Essarts, Montreal, Canadá (2013); invitada por el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes para realizar tres esculturas destinadas a la colección permanente de la Biblioteca, José Vasconcelos (2012); Premio de Adquisición de la “I Bienal de Arte Sacro Contemporáneo” de Monterrey, Nuevo León (2008). Ha montado doce exposiciones individuales en México y desde 1996 ha participado en más colectivas y bienales
de arte, y obtenido varios reconocimientos en México y el extranjero: Connecticut (2011); Premio Internacional de Tokio, Centro Diffusione Arte, Edizioni e Promozioni Artiche. Italia-Tokio; Calgary, Alberta y Quebec, Canadá, y en el XIV Encuentro Internacional X Iberoamericano de Mujeres en el Arte, Madrid-España (2011).
ALEJANDRO FUENTES (México, n. 1976) _
Cursó estudios de Arte y Gráfica en el Istituto perl’Arte e il Restauro del Palazzo Spinelli en Florencia, Italia, al igual que la licenciatura en Diseño Gráfico en la Universidad Autónoma del Noreste, México, y Animación 3D y Efectos Visuales Digitales en la Vancouver Film School, en Canadá. “Interferencias” es la más relevante exposición del artista, con presencia en el Museo de la Isla de Cozumel, en Cozumel, Q.R., y en el Senado de la República en la Ciudad de México. Algunas de las exposiciones que cuentan con la presencia del artista son “Sideways”, en el Centro Cultural Mizrahi, Puebla, Puebla, y “Semilla del Desierto”, Centro de Difusión Cultural Raúl Gamboa, San Luis Potosí, San Luis Potosí. Entre los premios con los que se le ha galardonado se encuentra la Selección oficial y adquisición de obra del Concurso Internacional de Escultura SUNMART Museo de Arte Contemporáneo, Ciudad Benito Juárez, Nuevo León, al igual que su colaboración en la restauración del conjunto escultórico de la fuente de la Plaza de Armas con el aval del Instituto Nacional de Bellas Artes y el Instituto Nacional de Antropología e Historia, Saltillo, Coahuila.
ALEJANDRO PINTADO (México, n. 1973). _
Cursó la licenciatura de Artes Plásticas en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda” de Ciudad de México. Destacan entre algunas de sus exposiciones relevantes: “Material/Ethereal”, en la Hamiltonian Gallery de Washington, DC; “The Clearest Skies”, en la Post Box Gallery de Londres, Inglaterra; “Trayectoria del conocimiento. Diálogo con José María Velasco”, en el
(233)
Museo Nacional de Arte, MUNAL, de la Ciudad de México. Ha participado también con “Planos convergentes”, en la Galería Ethra de Ciudad de México; “Crosslines”, en el Arts and Industries Museum Smithsonian de Washington DC.; Pabellón de México en la Feria Mundial Expo 2015 de Milán, Italia; “Messico circa 2000”, en la Scuderia del Castello Miramare de Turín, Italia; “Escape”, Sumarria Lunn Gallery, de Londres, Inglaterra “Landscape interventions”, Fundacion Arte sin límites, La Haya y Berlín. Pinto ha sido distinguido con galardones tales como el premio Bienal Miradas, de Tijuana; beca del Sistema Nacional de Creadores del FONCA, México; Premio Especial en Venecia, Italia; Beca Pollock-Krasner, de la Fundación Pollock-Krasner, de Nueva York; y Premio de Adquisición del XVIII Encuentro Nacional de Arte Joven, en Aguascalientes.
ALEX DORSFAMN (México, n. 1977). _
Cursó la licenciatura en Artes Plásticas en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda”, del INBA. Es miembro del Sistema Nacional de Creadores del FONCA CONACULTA. Becario del Programa de Fomento a Proyectos y Coinversiones Culturales del FONCA CONACULTA (2007-2008). Becario del programa Jóvenes Creadores del FONCA CONACULTA (2005-2006). Ha expuesto individual y colectivamente en México y el extranjero. Sus trabajos han sido publicados por editoriales de la Ciudad de México (2015) y en Barcelona (2006, 2008, 2012 y 2014). Su obra forma parte de colecciones públicas y privadas como el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México; el Centro de la Imagen de la Ciudad de México, el Museo de Arte Carrillo Gil de la Ciudad de México, el museo MARCO de Monterrey; y el Purificación García de España, el Museum of Photographic Arts de San Diego, Cal., y el Art Museum of the Americas de Washington D.C., entre otras.
ALEXIS DE CHAUNAC (EUA, n. 1991). _
Es un artista que muestra múltiples lenguajes, estudió en Sarah Lawrence College en Nueva York, Historia del Arte en la Universidad de Oxford. Vive y trabaja en Nueva York y París. Dentro de sus exposiciones individuales se encuentran: en (2017) “Rebelde con Causa”, en el XLV
(234)
Festival Internacional Cervantino, en la Universidad de Guanajuato; en (2015) “A Dance with Life and Death”,para la Art 3 Gallery de Brooklyn, NY y “Mala Sangre” y “Bestiario” para la Pinacoteca Diego Rivera, de Xalapa, México (2015); en 2014 también su “Mala Sangre”, para el Instituto Cultural de León tambien en Guanajuato, y para el Museo Iconográfico del Quijote, en Guanajuato. De sus exposiciones colectivas son de relevancia en 2017, su “Revolving”, en The New Contemporary Mexican Painting, 4w43 Gallery, de Nueva York; en 2014, para la Inaugural Exhibition, Art 3 Gallery, de Brooklyn, “Draw, the largest contemporary drawing exhibition”, curada por Erik Foss y Miguel Calderón, Museo de la Ciudad de México. (2010) Sus obras forman partes de colecciones privadas de Nueva York, Los Ángeles, Dallas, París y México.
ALFONSO ZÁRATE (México, n. 1976). _
Estudió Artes Visuales en la Escuela Nacional de Arte Plásticas (UNAM) y actualmente vive y trabaja en la Ciudad de México. Su obra la reconocemos por lo inquietante de su sentido antropológico-social, que subraya una constante investigación de campo, en contextos marginales de donde provienen los materiales y artefactos que el artista re utiliza para realizar sus obras y que nos convocan a reflexionar sobre las historias de un sector en específico de la Ciudad de México. Como propuesta y método de trabajo recorre las calles del Barrio de Tepito y de la Colonia Guerrero, zonas en donde labora y que habita, analizando el entorno que lo rodea. Ha participado en diversas exposiciones colectivas y proyectos individuales, por mencionar algunos: “Homo Sacer”, Galería Treager y Pinto; “3rd Glitch Bakehouse”, Art Complex, Miami, EE.UU (2017); “Ya no somos los mismos”, Galería Concreta, Santiago de Chile (2016); “Hágalo Usted Mismo”, Duodécima Bienal de la Habana, Cuba; “Intervención de comercios en Peralvillo”, Festival de la Ciudad de México (2015); “ArtBa”, Feria de Arte Contemporáneo, Buenos Aires, Argentina; “Karaoke Móvil”, Metro de Santiago de Chile (2014); “Revisando Edén”, Galería Pablo Goebel, Salón Acme (2013); “Prórroga Recuperada”, Ex Teresa Arte Actual; “Vox Populi”, Casa Vecina (2012);
“Una Identidad”, La Quiñonera; “Entijuanarte”, Tijuana (2011); “Open Art Zaragoza”, Zaragoza, España (2009); “De ambulante”, Galería José María Velasco; “White Warrior”, Reclusorio Varonil Oriente; “Estacionarte”, Muestra Itinerante de Arte Contemporáneo.
ALFREDO COTA (México, n. 1982). _
Radica en la Ciudad de México. Trabaja a partir del modelado con plastilina y posterior vaciado en materiales rígidos como la resina o el metal. Su propuesta escultórica analiza aspectos de socialización y migración de especies animales siempre dinámicas. Exposiciones colectivas en museos, galerías y espacios independientes de México.
ALICIA GARAVITO (Colombia, n. 1982). _
Realizó estudios en Artes Visuales con Énfasis Plástico en la Pontificia Universidad Javeriana en Bogotá y es Maestra en Artes Plásticas por la Universidad Nacional de Colombia. Su obra consiste en una serie de dibujos de varios tamaños y objetos en los que explora los recuerdos de la infancia por medio de materiales que acusan el paso del tiempo y que se relacionan con el diseño, la decoración y el trabajo manual. Su investigación artística forma una narrativa de la memoria y la imaginación. Entre las muestras en que ha participado destacan las exposiciones colectivas: “Pájaros en la cabeza”, Galería Casas Riegner, Bogotá, Colombia (2015); “El cosmos interior”, Galería Casas Riegner, Bogotá, Colombia (2014); “The ABC of Collecting, Contemporary Art from Argentina, Brazil and Colombia Suite 5”, Islington House, Londres , Reino Unido (2012); “45 años del Museo de Arte Contemporáneo”, Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá (2011); “Escenarios atípicos”, Centre for Recent Drawing, Londres, Inglaterra (2011); Proyecto Jóvenes Artistas ArtBo – Corferias, Colombia (2010). De manera individual ha presentado “Niños de oro” en la Sala de proyectos Bicentenario del Museo de Arte Contemporá-
neo en Bogotá (2012). En cuanto a publicaciones y reconocimientos cabe mencionar en 2011 el libro Cultura con significado social, 45 años MAC. Catálogo de la colección permanente del Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá y en 2010 la mención de la Tesis “Una novela de juventud” como uno de los mejores trabajos de grado por el Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá.
ÁLVARO UGARTE (México, n. 1984). _
Cursó estudios en Ciencias de la Comunicación en el ITESO de Guadalajara. Ha sido acreedor de premios y nominaciones. Destaca el haber formado parte de la selección oficial por el video “Plañideros”, del Festival Performanssi, Artists Association MUU, de Finlandia. Algunas de sus exhibiciones son: “Diy Fiction”, para la Careyes Art Foundation, Costa Careyes, México; y “Art Transactions Performance Piece, Indocumentados”, en Miami; “Map of the new art” para la Fondazione Giorgio Cini, de Italia; “The Mentalists”, para Delfina Foundation de Inglaterra, y para el Salon ACME (galería formada cada año en la Ciudad de México), de la cual es fundador y codirector.
ÁLVARO VERDUZCO. (México, n. 1977). _
Estudió la carrera y es licenciado en Artes Plásticas por la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM (19972001) y un posgrado de Teoría Práctica en Goldsmiths College de la Universidad de Londres del Inglaterra (2003- 2004). Ha participado en diversas exposiciones individuales y colectivas. En México, “Metal y Guadaña” en la Sala de Arte Público Siqueiros (2014) y “Estudio de Trazo” en el Museo de Arte Moderno (2014). Por su parte, en el extranjero participó en “Urban Legends” en LMAK Projects, Nueva York, EEUU (2006); “Belper International” en Inglaterra (2008) y “Sandarbh” en Rajastán, India (2009). Seleccionado para participar en diversas residencias artísticas alrededor del mundo, como “Hargyta Counsil”, Rumania (2008) y “Hybrid Art Projects”,
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El Salvador (2010). En 2005 y 2006 recibió la beca de Jóvenes Creadores del FONCA. Acreedor de premios de adquisición en concursos de dibujo en “Lunas del auditorio” (2008) y paralelamente ha desarrollado una sólida carrera como maestro de dibujo en el Centro de Diseño Cine y Televisión (2005- 2010), UNARTE (2007- 2009) y la Universidad Iberoamericana (2012- 2016). Su obra tiene como soporte tanto el más pequeño trozo de papel como grandes, utilizando los más variados medios (desde un lápiz, collage, video e instalación, entre otros) al problematizar una fenomenología del dibujo, utilizando los mecanismos de la memoria como el objeto de estudio principal.
ro, Brasil. Residencias artísticas en Colombia, Costa Rica y Noruega (2009-2013). Entre sus exposiciones colectivas sobresalen “Imago Mundi” en la Fundación Giorgio Cini, de Venecia, Italia; Salón de Arte Joven de la Fundación Gilberto Álzate Avendaño; “Bienal de las Fronteras“ en el Museo de Arte Contemporáneo de Tamaulipas (2015); “I Bienal de Arte Contemporáneo” de Cartagena, Colombia (2014); “VI Salón de Arte Bidimensional” de la Fundación Gilberto Álzate Avendaño (2013); “Melgart/ Arte de paseo” en el Museo de Arte Moderno de Bogotá, MAMBO (2013); 41 Salón Nacional de Artistas, en Cali, Colombia.
ANA SEGOVIA
ANDY WARHOL
Estudió la Licenciatura en Bellas Artes en la School of the Art Institute de Chicago, donde se especializó en pintura y dibujo. Ha participado de forma colectiva en distintas exposiciones como: “In the Company of Flowers en Kruger Gallery”, Chicago (2016); “Group Show en SAIC Sullivan Gallery”, Chicago (2016); “Advanced Pain”, en Cry Baby Gallery, Chicago (2015); “Model Town”, dentro del Pullman Festival, Chicago (2014). Dentro del marco de Gallery Weekend, Ana Segovia tendrá su primer solo show en México, ”A Boy Named Sue”, en Galería Karen Huber, Ciudad de México (2017). A través de figuras estereotipadas, como el vaquero, Segovia hace una reflexión sobre la masculinidad y las convenciones socioculturales que surgen alrededor. Sus pinturas, llenas de referencias cinematográficas y literarias, muestran su interés por el aspecto performático de la masculinidad, así como la influencia formal de pintores como Hockney, Schutz y Bacon.
Artista plástico estadounidense que llegó a ser el más conocido representante del pop art, corriente artística en boga durante las décadas de 1950 y 1960, inspirada en la cultura de masas. Inició sus estudios de Arte en el Instituto Carnegie de Tecnología, entre 1945 y 1949. En este último año, ya establecido en Nueva York, comenzó su carrera como dibujante publicitario para diversas revistas como Vogue y Harper’s Bazaar. Pronto comenzó a exponer en diversas galerías. Eliminó progresivamente de sus trabajos cualquier rasgo expresionista hasta reducir la obra a una repetición seriada de un elemento popular procedente de la cultura de masas, el mundo del consumo o los medios de comunicación. Faceta destacada de su obra es su potentísima fuerza visual, que en buena parte procede de sus conocimientos sobre los mecanismos del medio publicitario. En 1963 creó la Factory, taller en el que se reunieron en torno a él numerosos personajes de la cultura underground neoyorquina. La frivolidad y la extravagancia que marcaron su modo de vida establecieron a la postre una línea coherente entre obra y trayectoria vital. Fue uno de los primeros creadores en explotar conscientemente su imagen con objetivos auto promocionales; de ese modo, y mediante un proceso de identificación, adquirió a los ojos del público significaciones propias de un producto publicitario más.
(México, n. 1991). _
ANDRÉS FELIPE CASTAÑO (Colombia, n. 1985). _
Egresado de la Academia Superior de Artes de Bogotá (ASAB). Maestro en Artes Visuales por la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM). Integrante del programa educativo SOMA, generación 2014, y del programa de estudios CAPACETE, generación 2016, en Río de Janei-
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(Pittsburgh, n. 1928-1987). _
ÁNGEL RICARDO RICARDO RÍOS (Cuba, n. 1965). _
Estudió arte en la Escuela Nacional de Arte San Alejandro y en el Instituto Superior de Arte, ambos en La Habana, Cuba. Trabaja y reside en México desde el año 1991. Ha tenido exposiciones individuales desde la década de los ochenta. Sus exposiciones han sido realizadas en Biblioteca José Martí, Galería Habana y en el Centro Provincial de Arte Plásticas y Diseño, Cuba; en la Galería Ángel Romero, España; en Freites-Revilla Gallery, EEUU en la Galería Nina Menocal y en el Museo Universitario El Chopo, Ciudad de México. En los últimos años sus exposiciones han sido en el Museo de la Secretaría de Hacienda y Crédito Público, Ciudad de México; en la Galería Fernando Pradilla, Madrid; en Arteconsult (Alemán & Grimberg & Yaco García), Panamá; en la “Bienal de La Habana,” Cuba; en ART inc GALLERY, Ecuador; en la Galería SEVIL SERT, Turquía; en la Galería El Museo, Colombia; en la Galería Klaus Steinmetz y Galería Jacobo Carpio, Costa Rica; en Generator Gallery, Guanajuato; en la Galería Lucía de la Puentee, Perú; en la Galería ADHOC, España. Ha participado en exposiciones colectivas en la Galería Ángel Romero, España; en Freites-Revilla Gallery, EEUU; en “La fuente”, Torre de los Vientos, Ciudad de México; en la Galería Nina Menocal, Ciudad de México; y en el Centro Provincial de Arte Plásticas y Diseño, Cuba. Ha recibido varios reconocimientos entre los que destacan la mención honorífica en la “IV Bienal de Artes Visuales”, Yucatán (2009); la mención honorífica en la “I Bienal de Pintura Pedro Coronel” (2008); el Premio Salón Nacional de las Artes Plásticas de la Habana, Cuba, entre otros.
ANTONIO GRITÓN (México, n. 1953). _
Desde su obra, o desde proyectos colectivos autogestivos, ha logrado reflexionar en torno a temas de relevancia e interés comunitario y articular acciones ciudadanas encaminadas a construir infraestructura artística y social, más allá de
la oficial. Muestra de ello son los eventos como: la fundación de la revista Réplica21 (2002), la toma de Reforma (2004), la constitución del Museo Público de Arte Contemporáneo de Tlalpan (2005), los Seminarios y Parlamentos Alternos I y II (2005-2006), entre otros. Su producción artística es también extensa en cuanto a temática y experimentación en distintos medios y técnicas. En pintura y escultura utiliza e inserta elementos y objetos de la estética popular y del mercado de consumo masivo, para re-significarlos y articular con ellos una poética visual híbrida entre lo fantástico y lo real, mientras aborda temas vinculados a fenómenos sociales de la globalización como las migraciones, los derechos humanos y las preocupaciones por el medio ambiente en la instalación, el performance, el video y el arte público. Su trabajo ha merecido reconocimientos tales como ser miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte de las emisiones 2003, 2012 y 2016; menciones honoríficas en las Bienales de Monterrey I y VI; la selección de su trabajo en instalación para “PhotoEspaña” (2006); y recientemente se le otorgó el Premio en Pintura en la “VII Bienal Nacional de Artes Visuales”, Yucatán (2015). Su trabajo más reciente integra sus inquietudes acerca del cuerpo desnudo y una experimentación desbordada; e igualmente trabaja en diversos proyectos como lo es la divulgación del náhuatl o la redacción de libros de artesvisuales para niños de secundaria.
ARIEL OROZCO RODRÍGUEZ (Cuba, n. 1979). _
Realizó sus estudios en la Escuela Profesional de Artes Plásticas en Trinidad, Cuba, y posteriormente en el Instituto Superior de Arte de La Habana. Su obra ha sido expuesta de manera individual y colectiva tanto en el ámbito internacional como en la capital de su país, además de formar parte dentro de las colecciones del Museo de Arte Moderno, Teofilo Cohen Collection y la Colección Jumex en la Ciudad de México; la Daros-Latinamerica Collection en Zurich; la Tony Shafrazi Collection, Edgar Bronfman Collection, la Colección Patricia Phelps de Cisneros y Aby Rosen Collection, Nueva York; la Anita Sabludowitz Collection, Londres; la Celia Birbragher Collection, Miami
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y en Bruselas, la Colección familia Servais. De forma individual, destacan las exposiciones “Estática de gato que observa”, Licenciado Gallery, México (2015); “Presente continúo”, Spencer Brownstone Gallery, Nueva York (2015); “Zoom in”, Galería Servando, La Habana (2014); “Guajiro caminando entre gotas de asfalto”, Casa Rafael Galván de la UAM, México (2013); “Detrás del cristal” y “Loop” ambas en Federica Schiavo Gallery, Roma. (2012 y 2009) y “Ariel Orozco”, Suzanne Tarasieve Gallery, París (2007). En colectivo su obra ha sido parte de más de 30 muestras, entre las más recientes están: “Through windows, through curtains, call us: contemporary cuban art” en la Donna Beam fine art gallery de Las Vegas; “Imago Mundi: Map of the New Art” en la Giorgio Cini Foundation en Venecia, Italia y “Art as a verb” en Flinders University Art Museum & City Gallery, Australia.
ARMANDO DE LA GARZA (México, n. 1973). _
Estudió Arquitectura en la Universidad Autónoma de Nuevo León, y tomó cursos y talleres de artes. Cuenta con alrededor de 40 exposiciones colectivas en Estados Unidos, República Checa, Austria, Argentina, Chile, Hong Kong, Australia y México, además cuenta con 18 exposiciones individuales, entre otras en Monterrey (2003, 2010 y 2014) y Garza García, Nuevo León (2007 y 2009); Ginocchio, Galería de Ciudad de México (2012); destaca “Los Infortunios de la Virtud” para la Corporación Cultural Las Condes, de Santiago de Chile, y una más para la Galería Oblyon de Barcelona, España (2015). Su obra ha sido premiada y publicada en catálogos de México y Chile, y en las revistas Elle, Vogue y GQ, entre otras.
ARMANDO VEGA-GIL (México, n. 1955). _
Guionista cinematográfico por el Centro de Capacitación Cinematográfica. Fotógrafo autodidacta, ha tomado los talleres de “Iluminación Guerrilla” y “Fotografía Documental” con Eniac Martínez. Dentro de sus principales exposiciones Individuales, se encuentran: (2015), “retratos de lo invisible”, en el Centro Cultural Bicentenario Mexiquense; (2016), “Impresión” e “Impresión II” en Fonda Garufa Del Valle; (2016)
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De sus exposiciones colectivas sobresalen, la del X Espacio de Arte, con el grupo Permanencia Visual; en (2014), “Café Galería Dulce Oliva”, con el grupo Permanencia Visual, Casa Aktum”, igualmente con el grupo Permanencia Visual, (2015) Es Premio Nacional de Literatura por tres ocasiones (una de ellas, el San Luis Potosí de Cuento, convocado por el INBA) y dos de guion cinematográfico. Recibió una nominación al Ariel en 2013, por su corto animado “Como Perros y Gatos”.
ARTEMIO
(México, n. 1976). _ Ha expuesto de manera individual y colectiva en bienales, museos y galerías de diferentes ciudades del mundo como: Nueva York, Madrid, Lima, Los Ángeles, Amberes, Nueva Delhi, La Habana, Bogotá y Moscú. Es miembro del consejo y profesor de SOMA, fue director de La Panadería y miembro fundador del HCRH. Su obra está en colecciones como la de Diego Luna, Francis Ford Coppola, Colección COPPEL y en museos como el MUSAC (Castilla-Leon, España), Whitney Museum of American Art (Nueva York, EEUU) y el MUAC (México). Recientemente terminó su primer proyecto cinematográfico titulado “Me Quedo Contigo”.
ARTURO HERNÁNDEZ ALCÁZAR (México, n. 1978). _
Cursó sus estudios en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda” en Ciudad de México, y en la “Summer Akademie” en Suiza. Su obra es el resultado parcial de operaciones inacabadas que el artista desarrolla como dispositivos de activación que cruzan e intentan afectar diversos espacios de intercambio social, político y del espectro de la actividad económica. Así, sus piezas derivan en una serie encuentros que suceden en la ciudad, en la periferia y sus sedimentos donde el artista va recogiendo pedazos, restos, archivos y materiales para generar ensamblajes temporales, esculturas precarias y colecciones inacabadas que arrojan un enunciado crítico sobre el contexto actual y sus ecos pasados, estableciendo la idea de colapso como eje central de sus preocupaciones estéticas y discursivas. Trabaja entre Ciudad
de México, París, Madrid y Berlín. De sus exposiciones internacionales destacan los proyectos individuales “Present is a Burning Building”, para la Galerie Dukan, de París, Francia. (2013); “Balance/Collapse, Artissima”, para la Galerie en Turín, Italia (2012); y “No trabajes Nunca”, en el MuAC de la UNAM (2010). Entre sus proyectos en Ciudad de México, sobresale “En obras”, Galería Nuble (2013); “Resisting the Present”, en el Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, Francia. (2012), y el Museo Amparo, de Puebla (2011); “Disponible, a kind of Mexican show”, en el San Francisco Art Institute, de San Francisco y Museum of Fine Arts of Boston (2011).
BEATRIZ ZAMORA (México, n. 1935). _
Artista mexicana contemporánea de la llamada Generación de la Ruptura, conocida por realizar durante cuarenta años trabajos monocromáticos en negro. Su trabajo ha sido reconocido con el Premio Salón Nacional de las Artes Plásticas de 1978 del INBA, su afiliación a la Legión de Honor de la Academie des Beaux-Arts en Francia y al Sistema Nacional de Creadores de Arte en México. Desde 1962 ha exhibido en cerca de 80 exposiciones individuales en el “Museo de la Secretaría de Hacienda y Crédito Público, Museo de la Cancillería, Museo de la Ciudad de México”, Casa de Francia en Ciudad de México, el Instituto Politécnico Nacional, Museo Fernando García Ponce, “Galería Enrique Guerrero”, Galería Pecanins en la Universidad Autónoma Metropolitana, el “Museo Universitario del Chopo” y en la Universidad de Guanajuato. Ha realizado más de trescientas exposiciones colectivas a nivel internacional y nacional en diferentes museos, galerías, palacios, foros, fundaciones, centros culturales, instituciones públicas y privadas.
CAMILO BARBOZA (Venezuela, n. 1983). _
Cursó estudios de Arquitectura en la Universidad Rafael Urdaneta en Venezuela. Paralelo a esto ha desarrollado talleres libres de pintura, grabado, video arte, escultura, ensamblaje y Desde 2010 es fundador y co-director de Al Borde, un es-
pacio para la exposición y desarrollo del arte contemporáneo en la ciudad de Maracaibo. Exposiciones y reconocimientos: “Medios hábiles para una Combustión espontánea”, Al Borde, Maracaibo, Venezuela (2012); “Rayos y Claros”, Carmen Araujo Arte, Caracas, Venezuela (2011); “Raro”, Restaurant Mombo Costa Verde, Maracaibo, Venezuela (2010); “Oficina #1”, Centro de Arte Los Galpones, Caracas, Venezuela (2009); “Flotando”, Rosa Blanco Galería, Maracaibo, Venezuela (2008); “Esclavo Metropolitano”, Centro de Arte Lía Bermúdez, Maracaibo, Venezuela (2007). Reconocimientos: Beca otorgada por la Fundación Cisneros, Colección Patricia Phelps de Cisneros en su Programa de apoyo a organizaciones culturales (2012 2013); Primer Premio en el Salón Súper Cable Jóvenes con FIA “Utopizar la utopía” XIV edición, Centro Cultural Corp Banca, Venezuela (2011). Mención de Honor en “5 Salón Regional de Jóvenes Artistas”, Museo de Arte Contemporáneo, Edo Zulia, Venezuela (2009). Premio Fundación Buscadores de Tesoros, I8 Salón anual de artes visuales Héctor Rojas Mesa, Lara, Venezuela (2008). Orden Armando Reverón, Gobernación del Estado Zulia y Asamblea Regional, Maracaibo, Venezuela (2008). Reconocimiento Armando Reverón, Día del artista plástico, Gobernación del Estado Zulia, Maracaibo, Venezuela (2007). Mención de Honor, II Salón Regional de Jóvenes Artistas, Museo de Arte Contemporáneo, Edo Zulia, Venezuela (2006). Primer Premio de Pintura, 1er Concurso Municipal Maracaibo Costumbre y Tradiciones, Alcaldía de Maracaibo, Edo Zulia, Venezuela (2003).
CARLOS AGUSTÍN (México, n. 1952). _
Estudió en la Escuela de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda”, del INBA, y en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de San Carlos, de la UNAM. Artista visual multidisciplinario de amplia trayectoria: pintor, grabador, editor de libros de arte y fotógrafo. Se ha hecho acreedor a diferentes premios y menciones honoríficas en salones de artes plásticas. Es el creador de esculturas monumentales para el Hotel Presidente Intercontinental de Polanco Ciudad de México (2011); en el Jardín Zaragoza, Toluca, Estado de México (2010); autor de obras para el 70 aniversario del Instituto Politécnico Nacional (2006) y para el Instituto Nacional de Cancerología (2003), entre
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otras. Su obra es parte de colecciones y museos como el de Arte de Aguascalientes, el Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca, el Museo de Arte de Querétaro y el Kochi de Osaka, Japón.
CARLOS GARCÍA NORIEGA BUENO (México, n. 1983). _
Su formación académica la emprendió en RMIT en Melbourne, Australia, donde estudió licenciatura y maestría en Arquitectura. Algunos de sus principales trabajos son la serie “Vallejo”, para la Universidad CENTRO; la exposición individual “Tectónico” en la inauguración de la Gallery Weekend (2016-2017), en la Galería de Arte Mexicano. (2017), y la misma, en “Ñu,” en Torre Reforma. Expuso en el proyecto “Renacer” en la Casa del Tiempo, en la Ruta de Galerías en San Miguel Chapultepec entre los proyectos y exposiciones que integran su trayectoria estastá la serie “Mirror” para el ACME, en el Wythe Hotel de Brooklyn, NY. Es autor de la obra “Aura”, del booth de la Galería de Arte Mexicano en Zona Maco, y es autor de otras más para la exposición de Subject NYC, en la Galería Jimena Carranza, del Gallery Weekend, “Sombra de Luna” y “Alto y Bajo” en el booth de la Galería de Arte Mexicano en la mencionada Zona Maco.
CARMEN PARRA (México, n. 1944). _
Hija del arquitecto Manuel Parra y de María del Carmen Rodríguez Peña. Artista multidisciplinaria, polígrafa, de 1959 a 1964, comenzó su formación artística estudiando teatro en la Escuela Nacional Preparatoria número 5 de la UNAM. Inició sus estudios de Antropología Social en la Escuela Nacional de Antropología e Historia en la Ciudad de México. Ciudadana del mundo, ávida de conocer todas las expresiones artísticas, estudió diseño gráfico para el cine en el Royal College of Arts de Londres, Pintura en la Academia de Bellas Artes de Roma, en 1964, y
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Música en el Instituto Villalobos de Río de Janeiro. Finalmente regresa a México y concluye sus estudios en “La Esmeralda”. Estas experiencias fueron el parteaguas de su trayectoria creativa. A lo largo de su incesante actividad plástica, Carmen Parra ha generado una hermandad con los artistas novohispanos para rescatar su tiempo y su iconografía -altares, espacios arquitectónicos, ángeles, arcángeles, águilas, mariposas y flores cohabitan en su obra. El mundo de El Aire puebla sus sueños. A través de su pincel y de su inagotable imaginación transcribe su experiencia, creando un lenguaje propio. Para Carmen Parra, las raíces de México son sus propias alas: se declara “veedora de la Nación”.
CATHY ABITBOL (Colombia, n. 1976).
_ Se formó en Fotografía, la Escuela Activa de Fotografía en México; es Licenciada en Fotografía por el Art Institute of Fort Lauderdale en Florida, realizó prácticas profesionales en el Departamento de Fotografía del Christie’s Rockefeller Center en Nueva York; cuenta con una Maestría en History of Art and the Art Market: Modern and Contemporary Art por el Christie’s Education también en Nueva York. Ha tomado múltiples cursos en fotografía y pintura en México y Estados Unidos. Se hizo cargo en 2006 de la fotografía fija en la película The air I breathe y en 2003, en la película mexicana Matando cabos. Abitbol ha expuesto de manera individual predominantemente en México: “Fondo de Cristal”, Licenciado, Ciudad de México, México (2017); “Fly me to the moon”, Estudio Mexico DF, (2015); “Stardust”, Galería Daniel Liebsohn México DF, (2009); “99 c Dreams”, Cerrajería La Morena México DF, (2007); “Obra Negra”, Centro de Arquitectura y Diseño México DF, (2005) y “Color Latino”, Galería Casa Lamm México DF, (2004); aunque cabe destacar también “The Photography Exhibition”, en el Q-Lounge de Miami, en 2003. Ha participado en una docena de exposiciones colectivas, entre las que cabe mencionar: “South Hampton Art Fair”, Kavachnina Gallery South Hampton, New York (2013); “Bijoux”, en el Museo Franz Mayer en México (2011); “Esto
es México” en la Asociación de Derechos Humanos de la Ciudad de México (2008), “Abc por la discapacidad”, Galería Abierta de las Rejas de Chapultepec en México DF; y “Arte Objeto” en la Galería Emilia Cohen en México DF.
CECILIA BARRETO (México, n. 1985). _
Es maestra en Artes Visuales por la Facultad de Artes y Diseño de la Universidad Nacional Autónoma de México, En sus proyectos de investigación teórico artísticos desarrolla narrativas de eventos recientes. Es becaria del programa BBVA Bancomer-MACG. En 2016 obtuvo el primer lugar en Parámetro Arte Lumen 2ª edición. Fue becaria de la 3ª edición de la beca Adidas Border. En 2009 fue también becaria del programa Jóvenes Creadores del FONCA. Ha obtenido reconocimientos tales como la selección XVI Bienal de Pintura Rufino Tamayo y la mención honorífica en la 8ª Bienal Nacional de Pintura y Grabado Alfredo Zalce. Dentro de sus principales Exposiciones Individuales, esta “Happy markets” (Galería Luis Adelantado, México (2016); “Diagrama de la interferencia” Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda”, (2012) y “Visualidad simultánea” Galería José María Velasco, (2012). Ha participado en más de 50 exposiciones colectivas, entre las que destacan “El futuro no está escrito” Palazzo Cinni, program oficial de la 56 Esposizione Internazionale d’Arte de Venecia, (2015) y “Yo sé que tu padre no entiende mi lenguaje moderno” (MUAC-UNAM, (2014).
Petite Galerie de Río de Janeiro, Brasil.
CILER
(México, n. 1981). _ Ha incursionado en diversas técnicas que incluyen collages, dibujos, pinturas e instalaciones. En su inicio se enfocó al graffiti e intervenciones urbanas alusivas a la cultura popular contemporánea. Hoy en día sus intereses artísticos se enfocan en la gente que habita espacios cotidianos. Ha expuesto individualmente en México, EUA y Holanda.
CISCO JIMÉNEZ (México, n. 1969). _
Estudió Diseño Industrial en el Instituto Nacional de Bellas Artes, durante tres años en 1989, en su natal Cuernavaca, y en 1991cursó disciplinas artísticas en Nueva York, en la Art Students League. Ha expuesto en México, Canadá, Estados Unidos y Europa desde los 90. En (2001) fue invitado a colaborar con Jimmie Durham en la 49ª Bienal de Venecia. Comenzó como dibujante político en la prensa mexicana antes de estudiar arte en México y en la mencionada Art Students League de Nueva York. Basándose en la tradición del arte popular mexicano—que utiliza el texto como elemento educativo, político, religioso o comercial dentro de objetos estéticos y pinturas—crea sus propios iconos, nombrando sus pinturas con neologismos humorísticos.
CHANTALE MAZÍN (Brasil, n. 1950-2011). _
Estudió Sociología del Arte en la UNAM en 1979, aun cuando previamente había incursionado en la plástica, con un sinnúmero de exposiciones en México. Entre otras destacan las de 1974 para la Galería Pro-Arte, en Ciudad de México y Galería OM de Guadalajara, Jal. Su periodo de mayor actividad se sitúa en la década de los 90. “Homenaje a Robin Bond”, en Stouffer Presidente, de Cancún, “Creatividad en Libertad” en el Club Berimbao, Estado de México, e internacionalmente ha expuesto en el Palacio de Convenciones de La Habana y en la
COCO PÉREZ (México, n. 1993). _
Cursó estudios de fotografía profesional en Florencia, Italia, y las mismas disciplinas en Barcelona, España. Actualmente estudia Comunicación y Cine en la Universidad Iberoamericana. Ha trabajado para la fundación de migrantes jesuitas, en el contenido en video y fotografía. Su trabajo principal se centra en sesiones privadas y trabajos para la Fundación “Niños por la ciencia”, dedicada a la educación en ma-
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temáticas y ciencias.
CRISTINA RODRÍGUEZ (Colombia, n. 1980). _
Estudió Diseño Industrial en el Rhode Island School of Design en Estados Unidos y luego una Maestría de Artes Plásticas y Visuales en la Universidad Nacional de Colombia. Recientemente completó una residencia en FLORA ars+natura en Bogotá. Su trabajo abarca diferentes medios y técnicas pero se centra en el dibujo y el lenguaje como medio para observar, reflejar y comentar su cotidianidad. Dentro de sus principales exposiciones individuales se encuentra “La tremenda Vida”, Galería Sextante, Bogotá, Colombia (2016). Sus exposiciones colectivas son: “Sección Libros de Artista”, Arte Dos Gráfico, ArtBo, Bogotá (2016), Colombia; Serie Color Film para Edición 9: A Walk in the Forest, Lovely Daze, Printed Matter NY Art Book Fair, MoMA PS1, Nueva York, (2014), Serie Color Film para Issue 9: A Walk in the Forest, Lanzamiento de libro en el LA Art Book Fair, The Museum of Contemporary Art, Los Angeles (2013).
DAMIÁN SUÁREZ (Venezuela, n. 1988). _
Su obra es una propuesta de lenguaje pictórico desprovisto de pigmentos visibles. En contraste, la exploración de las posibilidades pictóricas que ofrece el relieve textil, sin que éste determine el carácter de la obra e incluso sin hacer del mismo arte textil un protagonista, sino una fuente de unidades individuales que, en la sumatoria, constituyen volúmenes masivos en los que cada hebra conforma una línea que, a su vez, deriva en un concepto mayor, como los llamados fenómenos emergentes propuestos por la cuánticas. Así, cada una de las cientos de miles de hebras conserva su heterogeneidad y el espectador llega a percibir las propuestas ópticas geométricas/simétricas. Se establece un proceso de diálogo entre el espectador y el discurso estético. En cada hebra de hilo se encuentra al propio artista, vía los residuos orgánicos transferidos al hilo en el proceso de elaboración manual. De sus exposiciones colectivas des-
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tacan “Artistas Andinos” (2016) en la Embajada de Colombia, España; “Exit”, en el Museo de Arte de Sinaloa. (2015), Recibió el Premio Nacional de Pintura Julio Castillo (2014), y de sus exposiciones individuales sobresale “Fenotipo de la Luz”, en Ciudad de México (2015).
DANIEL SANTIAGO SALGUERO (Colombia, n. 1985). _
Realizó estudios de Maestría en Artes Vivas en la Universidad Nacional, Bogotá (2011-2013). Se profesional en Medios Audiovisuales, énfasis en fotografía en el Politécnico Grancolombiano, Bogotá (2003-2008). Universidad FAAP, Sao Paulo, Brasil (2007-1). USP en la Universidad de Sao Paulo, Brasil (2007-2). Ha realizado residencias en Amsterdam, Medellín, Toronto y Nueva York. Exposiciones colectivas: “Fotográfica”, Bogotá (2010); “La Otra, Bogotá” (2011); “Artbo”, Bogotá (2011); “Fotografía Contemporánea”, Galería El Museo, Bogotá; “Zona MACO” (2011), Ciudad de México; “Imaginary Homelands”, Toronto (2012); “Horizontal”, Galería La Central, Bogotá (2013); “Recogiendo Suelo”, Sala Mendoza, Caracas (2013); “Novena Bienal do Mercosur”, Porto Alegre (2013); “ARTEBA” Buenos Aires (2014); “What is queer today is not queer today tomorrow”, NGBK, Berlin (2014); “The Peacock” - Graz, Austria (2014); “Sobre el Error” - Madrid, Barranquilla, Bogotá (2014 – 2015); “La cuarta dimensión”, Gallería IV, Bogotá (2015); “Video Tesoro”, Jewish Museum, Nueva York (2015); “Beat”, Art Bronx Space, Nueva York (2016 – 2017). Exposiciones individuales: “Historias de Amor”, Galería Valenzuela Klenner, Bogota (2010); “Contando día terrestres”, Galería AFA, Santiago de Chile (2011); “Manual de defensa personal”, Galería La Central, Bogotá (2013); “Alien, simetría del caos”, Galería Instituto de Visión, Bogotá (2017
DANIELA CÓRDOVA (México, n.1985).
_ Cursó sus estudios en el International Center of Photography New York, y en la New York Film Academy, ca-
racterizada por su instinto inmediato de transformar su experiencia de la vida cotidiana y los viajes en imagen. Su pasión por viajar, explorar y observar diferentes culturas ocupa en sus fotografías una gran importancia. Su trabajo recibió amplio reconocimiento en el Art Techo, Miami Art Basel del 2014.
DANIELA LIBERTAD (México, n. 1983). _
Se graduó de la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda”, cuenta con una Maestría en Artes Visuales por la Universidad de Nueva York. Radica y trabaja en la Ciudad de México. Sus más recientes exposiciones individuales incluyen “Estudio sobre triángulo”, en el Museum of Human Achievement, de Austin, Texas (2016); “Empujo puertas que debería jalar, jalo puertas que debería empujar” en MARSO, de Ciudad de México (2015); “Estudio Trasladado”, en el Cine Tonalá de Bogotá, Colombia, (2014); “Lo lleno se vacía, lo vacío se llena” (Das volle leert sich, das leere füllt sich) en POLY Produzentegalerie, en Karlsruhe, Alemania (2014). Aborda conceptos del ofrecer y el dar en su intención de atraer o complacer a los demás desde un inconsciente profundo. Esta exploración está conectada a su vez con el sincretismo de dos religiones en México: el catolicismo y la santería cubana. En contraposición con las acostumbradas ofrendas de animales vivos, frutas o comida, para Libertad, los videos y las acciones que documentan constituyen ofrendas en sí mismas. Sus proyectos incluyen instalaciones, videos, dibujos y fotografías.
DARÍO VILLALBA (España, n. 1939). _
Referencia ineludible para entender el arte después de la generación del informalismo, de los años 50 hasta la fecha. Su obra critica el medio artístico en donde él se desenvuelve, dejando claro que no es el estilo sino el artista el que define su obra. Siempre vigente y en constante diálogo con los artistas jóvenes, la obra de Darío Villalba explora la frontera entre la fotografía y la pintura. También explora las fronteras del objeto, la instalación y la escultura. Actualmente vive y trabaja en Madrid. En 1970, en la XXXV Bienal de Venecia, presentó
sus “encapsulados” que le dieron fama internacional y trascendencia artística. Por la constancia en la excelencia de su trabajo, ha sido galardonado con diversos reconocimientos, como la Medalla de Oro al Mérito en Bellas Artes, otorgada por el Rey de España (2002), y el Premio nacional de Bellas Artes (2003). Su obra ha sido expuesta en los principales museos del mundo como el MoMA, la Fundación Guggenheim, el Metropolitan Museum of Art de Nueva York y el Museo de Arte Moderno de París.
DAVID J. ROMERO LOPERENA. (México, n. 1984). _
Forjó su carrera artística entre Montreal, Berlín y París. Sus expresiones incluyen: dibujo, pintura, escultura, cine y fotografía. Interés transversal en su trabajo es la sexualidad, la vulnerabilidad del ser humano, lo sagrado y las mariposas monarca. Es egresado de la Universidad de Concordia de Montreal, Canadá, donde obtuvo una doble licenciatura en cine y fotografía. Entre los reconocimientos más destacados que ha recibido a lo largo de su trayectoria se encuentran la Beca Barrón-Maya en Nueva York; (2015), In-Camara Special Effects Award en Canadá (2012). Una de sus fotografías fue incluida en un transbordador espacial de la NASA puesto en órbita ese mismo año como parte del proyecto “Face in Space”. En 2013, su obra “De donde van las mariposas” fue parte del festival Art Souterrain junto con “La Nuit Blanche à Montréal”. Ese festival consiste en recrear santuarios de mariposas monarca hechas de acetato, en medio de paisajes urbanos. Su trabajo ha sido mostrado en instalaciones públicas, exhibiciones fotográficas, producciones cinematográficas, ponencias, performances, obras de teatro, videos musicales y campañas publicitarias en Canadá, Europa, Estados Unidos y México.
DENNIS MIRANDA ZAMORANO (México, n. 1993). _
Artista autodidacta. Ha participado en múltiples muestras a nivel internacional en espacios alternativos como
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“For here or to go?” en Los Ángeles. De manera colectiva ha expuesto en “Gallery weekend” y “Motor de impulso” en la galería Terreno Baldío; y en el proyecto 1/2 Estudio Galería con la muestra “Magdalena Contreras una exposición de pintura”. Es miembro y fundador del proyecto “Absurda’s”, así como de “Librería Informal”, una librería pública de consulta gratuita e interacción social, y del proyecto “1/2 Estudio Galería” proyecto provisional y sin sitio, que responde a necesidades de exhibición efímeras e inmediatas.
DIEGO BERRUECOS (México, n. 1979). _
Estudió Fotografía en la Escuela Activa de Fotografía y la Licenciatura en el London College of Printing, en Londres. Ha sido becario el programa Jóvenes Creadores del FONCA (2007-08) y en el Programa de Arte Actual de Bancomer y el Museo Carrillo Gil (2009-2010). Ha participado en varias exposiciones colectivas como “Localismos”, en Ciudad de México, y en la XII Bienal de Fotografía en el Centro de la Imagen. Es autor de “Espectrografías. Paradojas de la Historia”, en el MUAC. “Shattered Glass”, para The Americas Society, de Nueva York; “Resisting the Present”, para el Museo Amparo/ARC/ MAMVP, París. Sus exposiciones individuales incluyen “Ebb”, en Proyectos Monclova. “PRI: genealogía de un Partido”, y “El uso político del fenómeno solar”, en Gaga.
DIEGO LUZ. (México, n. 1970). _
Desde temprana edad mostró habilidades e interés por el dibujo y combinación de colores. Ha expuesto en más de veinte muestras individuales y otras colectivas tanto en México como en Cuba, Israel, Puerto Rico, Grecia y otros países. En la Escuela de San Carlos fortalece sus capacidades creativas para resolver la anatomía, gestos y personalidad que involucra el retrato humano. Su estilo transita del realismo a lo figurativo y llega finalmente a la abstracción, en la que explora las posibilidades tanto matéricas y los degradados tonales. Mezcla el grafiti y el carbón como constitución del
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cuadro y con ello obtiene resultados más lúdicos y urbanos.
DIEGO MATTHAI (México, n. 1942). _
Mexicano, hijo de emigrantes alemanes. Arquitecto por la Universidad Iberoamericana, graduado con mención honorífica. En los 60 crea una serie de figuras geométricas y cuadros de acero cromado y acero inoxidable, pero también integra en sus obras el neón. Diseña mobiliario y accesorios. Con el Dr. Mathias Goeritz, impartió la cátedra de Diseño Básico en la UNAM. Está involucrado en proyectos arquitectónicos y de interiores de gran diversidad para espacios habitacionales, restaurantes, hoteles, etc. Cuenta con 20 exposiciones individuales y 125 colectivas alrededor del mundo. Ha sido merecedor de premios, reconocimientos y homenajes nacionales e internacionales.
DULCE CHACÓN (México, n. 1976). _
Reside y trabaja en la Ciudad de México, donde estudió Artes Visuales en la Escuela Nacional de Artes Plásticas, UNAM. En 2001 cumple una residencia académica en la Academie Minerva Faculteit der Kunsten en Groningen, Holanda. De 2010 a 2012 forma parte del Programa Educativo SOMA. En México, ha expuesto en foros como Ex-Teresa, Museo Carrillo Gil, Casa del Lago, Centro Cultural de España, Museo de Arte Moderno, entre otros. De sus exposiciones más relevantes sobresalen “Matrix 175, Fallen Angels” (2016) y “Hand Painted Pop! Art and Appropriation 1961 to now” (2017), ambas en Wadsworth Atheneum Museum of Art, de Hartford, Connecticut, además de “Reclaimed by Nature” y “Blue Star”, en el Contemporay Art Museum de Austin, Texas (2016). Fue integrante del Colectivo Arte Atlético (1998-2003) y ha realizado residencias artísticas en el Ironbridge Gorge Museum Trust, de Shropshire, Reino Unido (2010) y en Temenggong Artist in Residence, de Singapur (2013). Becaria de la Fundación Lorena Alejandra Gallardo A.C. (1998) y del Programa Bancomer MACG Arte Actual 3ª edición (2012-2014). De 2012 a 2015 fue Coordinadora del Programa de Producción del Centro Cultural Border. De 2015 a 2017 realiza la Coordinación Académica de SOMA, ambos de Ciudad de México. En 2017 publica junto con s-ediciones los proyectos editoria-
les, “Zenith” y “Cuaderno de bocetos”.
también en Porto Alegre, curada por Gaudencio Fidelis.
DULCE PINZÓN
EMILIO CHAPELA
Estudió Ciencias de la Comunicación en la Universidad de Las Américas, en Puebla y Fotografía en la Universidad de Indiana, en Pennsylvania, así como en el International Center of Photography, de Nueva York (1995). Sus fotografias ilustraron la portada de la edición en español del libro de Howard Zinn, “A People’s History of the United States” (2001). Además de sendos premios por sus trabajos, fue becaria de la New York Foundation for The Arts (2006) y de la Fundación Ford (2008). Representó a México en el Festival Les Rencontres D’Artes Photographie en Francia (2012), donde obtuvo la nominación para el premio de fotografía Prix Pictet. La revista Forbes la consideró entre los 50 mexicanos más creativos del mundo (2015). Es integrante del Sistema Nacional de Creadores de Arte del FONCA. Reside y trabaja entre México y Nueva York. Algunas de sus exposiciones colectivas incluyen “Diorama”, en el Palais de Tokyo, de París.
Cursó la licenciatura en Comunicación por la Universidad Iberoamericana en la Ciudad de México y participó en el Programa Integral fotografía y Medios Alternativos en el Centro de la Imagen de la Ciudad de México, es además matemático por la UNAM. Ha montado exposiciones individuales y colectivas en galerías, museos, y otras instituciones culturales, entre ellas, el U.S. Geological Society of America y el Museum of Modern Art, de Nueva York. En 2010 publicó “Historia del mundo”. Se ha hecho acreedor a becas y reconocimientos públicos y privados.
(México, n. 1974). _
EMILIA SANDOVAL (México, n. 1975). _
Cursó la Licenciatura en Artes Visuales en el Instituto Allende, de San Miguel de Allende. Algunas de sus exposiciones individuales son “Polinización cruzada”, en la Biblioteca Henestrosa, de Oaxaca; en el Centro Universitario Quinta Gameros, de Chihuahua, “Botánica: nuevas especies, timbres postales intervenidos”; en el Museo del Palacio de Oaxaca (2015), “Ecos de una flor en el desierto” del Proyecto Vitrina, Arte Tal Cual, en Ciudad de México (2008); “Kitchen Gallery”, en Barcelona, España. De sus exposiciones colectivas destaca en (2016), “Simulacros”, en la Galería Ethra de Ciudad de México; en 2015, en la X Bienal de Mercosur, “Mensajes de una Nueva América, Antropofagia Neobarroca” para Santander Cultural, de Porto Alegre, Brasil, y “Maletas migrantes”, en el New Americans Museum, de San Diego, California. Ha recibido distintos reconocimientos, entre los que destacan su participación en la 10a Bienal de Mercosur,
(México, n. 1978). _
EMILIO RANGEL (México, n. 1984). _
Estudió la Licenciatura en Artes Visuales en “La Esmeralda”. Fue beneficiario del programa Jóvenes Creadores del FONCA (2013-2014). Ha participado en muestras nacionales e internacionales en donde ha mostrado algunos elementos que conforman el amplio cuerpo de obra que ha producido. Algunas sedes en las que ha exhibido su trabajo son: el Antiguo Colegio de San Ildefonso; Co-lab en Copenhague; Queens Nails Anex en San Francisco, California; Centro Nacional de las Artes en la Ciudad de México; el Centro Cultural Tijuana; Zona Maco México Arte Contemporáneo y Terreno Baldío Arte.
EMMANUEL GARCÍA (México, n. 1973). _
Comenzó su formación Artística en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda” obtuvo su licenciatura en Artes Plásticas en la Escuela Nacional de Artes Plásticas (UNAM) y su Licenciatura de Diseño Gráfico, algunas de sus principales exposiciones individuales son: “Un día fuimos al museo” para Vértigo Galería de Ciudad de México; (2017); “Secretos del corazón”, para el Sistema de Transporte Colectivo Metro Estación Zócalo, (2016); y “Yo deseaba jugar con fuego”, en el Polyforum Cultural Siqueiros, y en insti-
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tuciones como Galería Mercado Negro, de Cholula, Puebla; Salón ACME No. 4 de Ciudad de México; Museo Nacional de la Estampa; Casa Lamm y, con “En el centro del laberinto”, en el Instituto Cervantes de Pekín, además de “Dialogues avec Goya, Les Désastres de la guerre” en Alpilles, Francia. Ha recibido reconocimientos del Sistema Nacional de Creadores de Arte 2010-2013 y del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes.
FABIÁN UGALDE (México, n. 1976). _
Comenzó a exhibir su obra pictórica en diversos museos y espacios universitarios tanto en México como en Europa, Asia y Sudamérica. Entre sus exposiciones destacan “Art vs Art”, en el Museo de la Ciudad de Querétaro; “Comic Release: Negotiating Identity for a New Generation”, en el Pittsburgh Center for the Arts; “El Placer de lo Parecido. Signos y Metáforas”, para el Instituto de Cultura de México, en Washington, DC; “Pintura Latinoamericana Contemporánea”, en el Museo de Arte Contemporáneo de Guayaquil, Ecuador; “Mesoamérica: Oscilaciones y Artificios”, en el Centro Atlántico de Arte Moderno, en España; “Mexican Report, Blue Star Art Space”, en Texas. Entre algunos de sus colectivos destacan “El Punto y la Línea”, en la Galería de la Secretaría de Economía, Ciudad de México, la XI Bienal FEMSA 2012, la X Bienal FEMSA, y Museo de Arte Contemporáneo MARCO, de Monterrey. En 2011, participó en la Chic Art Fair, de la Camac Gallery, diversos Cité de la Mode et du Design, de París. Su obra ha merecido reconocimientos entre ellos, el primer lugar de adquisición en la X bienal de Pintura Rufino Tamayo (2000), un primer premio de adquisición en el 3er. Salón de Octubre, Gran Premio Omnilife (2001) y el segundo lugar en el 3er Concurso de Instalación Ex Teresa Arte Actual. En dos ocasiones ha recibido apoyo para proyectos de residencia y producción por parte de la Secretaría de Relaciones Exteriores y el Ministerio de Cultura Francés. En 2001 recibió la beca de la Pollock-Krasner Foundation en Nueva York.
FERNANDO PACHECO (México, n. 1959). _
Estudió Diseño de la Comunicación Gráfica en la Universidad Autónoma Metropolitana. Su inclinación por el dibujo, la pintura y la escultura lo llevaron una formación
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autodidacta. Algunas de sus exposiciones incluyen “Estructuras Infinitas”, para la Galería Aldama Fine Art, de Ciudad de México (2017), “Simetrías”, en el Museo Diego Rivera Anahuacalli (2008), “Transiciones”, para el Instituto Tecnológico de Monterrey (ITESM) sede Estado de México (2004), “Puertas”, Salón de la Plástica Mexicana (2004). Su trabajo ha estado presente en el concurso internacional de Arte Urbano, en el World Trade Center de la capital mexicana (2005). Fue uno de los 27 finalistas de pintura, entre 480 participantes de las catergorías de pintura, escultura e instalación. Seleccionado como uno de los cuatro nuevos miembros del Salón Premios y Reconocimientos de Art Fest 05.
FLORIA GONZÁLEZ (México, n. 1980). _
Estudió fotografía y cine en la ciudad de México y en San Antonio, Texas. En 2003 incursiona en dos caminos; uno dentro de la fotografía y video comercial y el otro, en el arte. Se avocó a construir minuciosamente los sets para su obra: colores, vestuario y personajes. Algunas de sus principales exposiciones individuales son “Photo independent Art Fair LA”, en Los Ángeles, Cal. (2016); ¨Postpartum¨ Espacio Arterial, en Ciudad de México (2016); “PINTA Latín American Art Fair”, de Nueva York (2012); “Smother, a confused multitude of things” (Ahogar) MAGROROCCA, Milán (2010). Algunos de los colectivos los que ha formado parte son “Shaped in Mexico”, en Venecia, y “Utupía-distopía”, de Bogotá, Colombia. Su trabajo fue reconocido en el 4th Biennial of Fine Art and Documentary Photgraphy III Biennial of Contemporary Art Buenos Aires. Obtuvo una mención honorífica en International Photo Awards.
FRANCISCO ESNAYRA (México, n. 1985). _
Licenciado en Artes Plásticas por la Universidad Autónoma de Chihuahua . Estudió también la Licenciatura en Artes Visuales de la Escuela Nacional de Artes Plásticas (ENAP) de la Universidad Autónoma de México (2009). Obtuvo el primer lugar en la categoría Escultura Contemporánea del Premio Nacional de Cerámi-
ca (2010) y, antes, mención honorífica en el Premio Chihuahua (2008). Le fue concedida la Beca del Programa Institucional de Formación de Investigadores (2019). Cuenta con cuatro exposiciones individuales: “Umbral” en la Galería Terminal Santorini de Chihuahua (2013); “Introspection S Cube Gallery”, de Laguna Beach, Cal. (2010); “Sin Referentes Externos”, en la Casa Siglo XIX de Chihuahua (2010); e “Índigo”, en la Galería Terminal Santorini de Chihuahua (2010). Asimismo, ha participado en numerosas exposiciones colectivas especialmente en San Miguel de Allende y el Distrito Federal.
FRANCISCO TOLEDO (México, n. 1940). _
Nadie lo cuestiona como uno de los creadores mexicanos más reconocidos en el mundo y el artista plástico vivo más importante del país. Su obra refleja una gran pasión por la naturaleza. Reconocidos críticos de arte han descrito su inusitado conocimiento de las texturas y, a su técnica, como “obsesiva”. El artista oaxaqueño trabaja lo mismo con arena, papel amate, óleo, acuarela... Toledo produce oscuras figuras híbridas de animales y humanos. Destaca su ingenioso trabajo con el color, elemento que ha atraído el gran interés y la admiración internacionales. El artista se ha dedicado a promover el arte y la cultura de Oaxaca y participa en causas sociales que también le han ganado un gran respeto. En su estado natal fundó Ediciones Toledo, el Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca, y el Centro de Artes San Agustín (CASA), donde se imparten disciplinas artísticas a distancia. El fomento de la cultura en Oaxaca en concreto se traduce en la creación de recintos culturales; mención especial merece la creación del Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca (MACO), la revista “El Alcaraván” (especializada en obras de grabado), el Centro Fotográfico Manuel Álvarez Bravo y el Museo de los Pintores.
GALIA EIBENSCHUTZ (México, n. 1970). _
Artista plástica, intérprete y coreógrafa. Después de estudiar ballet clásico y danza contemporánea en la Ciudad de México, realizó su licenciatura en Artes Visuales en la Universidad Nacional
Autónoma de México. En 2001 comenzó su educación de posgrado en Das Arts de Ámsterdam. Trabaja independientemente como artista, performer y coreógrafa, produciendo y presentando su propio trabajo en salas de exposiciones. Su conjunto de obras constituye una investigación sobre la técnica de dibujo, el movimiento y las artes escénicas. Ella está interesada en la relación entre los espacios arquitectónicos y el cuerpo humano. Sus más recientes producciones en rendimiento son: “Paisaje abstracto”, “Black Box”, “Zona de Penumbra” (2012, “Kinethic” (2011) dibujos mostrados en Rubin Art Center UTEP en el El Paso, Texas; “Punto de Fuga” (2010), y “Laboratorio Arte” en la Alameda de Ciudad de México. Ha colaborado como intérprete en proyectos del artista Carlos Amorales como: “Spider Galaxy” en Performa, de Nueva York (2007); “Mujer lobo” (2006), en el Museo Contemporáneo de Chicago, Miami, Basilea y el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México, además de muestras en la Bienal de Sidney y en la Bienal de Yokohama.
GONZALO GARCÍA (Puebla, n. 1985). _
Estudió la carrera de Artes Plásticas en San Miguel de Allende, Gto., en el Instituto Allende, concentrándose en grabado y dibujo. Posteriormente realiza una estancia artística en Suecia y regresa a enfrentarse pictóricamente con la más brutal realidad de nuestro país. Algunas exposiciones que podemos mencionar son “Retratos al poder”, Galeria Punto Central, de Monterrey (2015,) “Lo peor de nosotros”, en la Galería Libertad, de Querétaro (2014,) y “Entre flores y otros amores” de la Galería Arte Actual Mexicano, de Monterrey. En colectivo ha tenido presencia en Palacio de los Gurza, de Durango, en la XVII Bienal Rufino Tamayo, el Museo de Arte Contemporáneo, Oaxaca, “Shape of happiness”, en el Museo de la Acuarela de Skärham, Suecia. Fue seleccionado para la XVII Bienal de Pintura Rufino Tamayo. Merecedor de la beca FONCA para jóvenes creadores en la disciplina de pintura, 2o período.
GUSTAVO ARGÜELLO (México, n. 1991). _
Egresado de la Escuela Nacional de Escultura Pintura y Grabado “La Esmeralda” Ciudad de México. Sus princi-
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pales exposiciones son “Atmósferas espontáneas”, “Criptomnesia”, en sendas galerías de Ciudad de México, tanto en exposiciones colectivas como individuales, y fue asistente de Shinpei Takeda en la exhibición “Desierto sentido”, en el Pabellón Multimedia de la 31 muestra de la Feria Internacional del Libro 2011.
HANS GIEBELER (Alemania, n. 1944). _
Realizó sus estudios de Arte en Estrasburgo, Francia. Ha participado en exposiciones individuales y colectivas en diferentes ciudades del mundo, entre ellas: Galería Espace Cardin, París, Francia (1973); Galería Arvil de Ciudad de México (1981); Galería Chateau Giscours, Francia (1983; Galería Ettiene de Causans, Francia (1991); Galería Notices, Singapur (1995); y Galería de Casa Lamm de la Ciudad de México (1996).
HÉCTOR DE ANDA (México, n. 1950). _
Artista autodidacta. Estudió Teatro en la Facultad de Filosofía y Letras de la UNAM, Historia del Arte y Fotografía en la Academia Lorenzo di Medici en Florencia Italia curso el Taller de serigrafía en la Academia de San Carlos. Fue editor de Moda para la revista Vogue México. Ingresó a la Colección “Pago en Especie” en 1998. Miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte (2012-2014). Ha tenido más de 30 exposiciones en México, Londres, Francia, Berlín, Florencia, Colombia, Guatemala, Cartagena de Indias, Estados Unidos, Unión de Emiratos Árabes y Holanda. Se le ha distinguido en 14 ocasiones su carrera artística de 1987 a 2008.
HERNÁN GANA (Chile, n. 1969). _
Despues de estudia Arquitectura, viaja a Nueva York para formarse en Pintura y Grabado. Su obra testimonia la in-
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tervención del hombre en su entorno, su ocupación y huella tanto en el paisaje natural como urbano. Ha participado en numerosas exposiciones destacando en el segundo lugar del Concurso Pintura Joven Saint Louis, su participación en el Concurso de Cuentos Diario El Mercurio de Santiago, el primer lugar de la Bienal de Dibujo en República Dominicana, entre otros. Actualmente vive y trabaja en Santiago.
INÉS CUSI DE ITURBIDE (México, n. 1974). _
Realizó estudios en Arquitectura por la Universidad Iberoamericana y licenciatura en Economía por el Tecnológico de Monterrey, cuenta con un Diplomado en fotografía y laboratorio blanco y negro y uno sobre técnica en acuarela en París Francia. Su primera exposición se titula “Mariposas”, pintura en acuarela, en Valle de Bravo (1995). Participó en la Bienal de Florencia “Ethics DNA of Art”, Italia (2013). A la fecha cuenta con exposiciones Individuales y colectivas, entre otras, una exposición individual en el Museo Pedro Coronel Zacatecas (2011); “Genesis In Principio” para los 100 años del Museo Guadalupe (2017). Su obra ha sido reconocida con su montaje en espacios de arquitectos como López Guerra, Legorreta, Ogarrio Zapata, así como ser parte la colección FEMSA. Ha participado en la subasta de Arte Vivo en el Museo de Arte Contemporáneo de la Ciudad de México.
IÑAKI BONILLAS (México, n. 1981). _
Desde la década de los noventa ha establecido en su trabajo una relación muy puntual con la fotografía. Entre sus exposiciones individuales recientes se encuentran “Secretos”, Estancia Femsa, Casa Luis Barragán, Ciudad de México, y “Captain Oates”, Art Basel 44/Art Unlimited, Suiza. Su trabajo ha sido incluido en exposiciones e instituciones en lugares como México, Filadelfia, São Paulo, Barcelona, París y Venecia. En 2012 publica “j. r. archive”. Ha diseñado su propio espacio expositivo en La casa encendida, de
Madrid del 16 de junio al 10 de septiembre 2017.
IRVING VERA (Cuba, n. 1979). _
Se graduó de la Academia Nacional San Alejandro en 1998 y del Instituto Superior de Artes de Cuba en 2005. Vivió en Barcelona de 2009 a 2012, año en que se muda a Ciudad México, donde actualmente reside y cursa estudios de maestría por la FAD-UNAM. Se ha desempeñado como profesor de Dibujo para el Centro Morelense de las Artes y la Fundación Pedagógica Integritat. Entre sus exposiciones personales cabe destacar: “Algunos en Berlín”, Galería Marso, Ciudad México (2012); “Papelitos hablan lengua”, Espacio Abisal, Bilbao (2009) y “Gong”, Galería Luz y Oficio, La Habana, (2008). También ha tomado parte en proyectos colectivos como: “Handmade Twiting”, Galería Moderna, 12ma. Bienal de La Habana (2015); “Somewhere Else”, Galería Nogueras Blanchard, Barcelona (2011); “Ya sé leer”, Centro de Arte Contemporáneo Wilfredo Lam, La Habana (2011) y “Latido”, Stersenmuseet, Oslo (2005). Es ganador de la Bienal de Valls-premio Guasch/Coranty, España ( 2011).
ISAURO HUIZAR (México, n. 1985). _
Estudió Arquitectura en el Centro Roberto Garza Sada en Nuevo León México y posteriormente cursó el Programa Educativo SOMA y el programa académico PARAC, también en México. De manera individual ha presentado: “Recorridos sobre la superficie de un cuerpo”, CasaMaauad, Ciudad de México, (2016); “Sobran cosas”, Lugar Común, XII Bienal Femsa, Monterrey, México (2016); “Dodecilbencenosulfonato Sódico”, LADRÓNgalería, Ciudad de México, (2016); “Espacio - Objeto - Comportamiento”, Bikini Wax, Ciudad de México, (2015). Dentro de sus exhibiciones en colectivo destacan: “Vessel: Three Viewpoint from Contemporary Mexico”, SOIL Gallery, Seattle, EEUU. (2017); “25º 39’’ 43’ N 100’25’ 18’ O 670 m s. n. m.”, Centro Roberto Garza Sada, Monterrey, México (2017); “Puras cosas nuevas”, Pantalla Blanca, Ciudad de México (2017); “PDF-OBJECTS by Jason Lazarus & Sean
Ward”, El Espectro, Ciudad de México; (2017); “1st Meeting of Artistic Crime Investigation”, Bikini Wax, Ciudad de México, (2016); “El aire entre las cosas”, Casa Maauad, Ciudad de México, (2015); “Mexico: The Future is unwritten, Map of the new art”, Fondazione Giorgio Cini, Bienal de Venecia. (2015); “Mapping the city. Contemporary Cartographic Art”, New Wing, Sumerset House, Londres, (2015); “Continually revealing multiple routes of entry and exit”, FIFI Projects, SPGG, México (2014) Se encargó de la museografía en “Diseño en proceso” (en Colaboración con Mario Ballesteros), en Archivo Arquitectura y Diseño, Ciudad de México, (2016) y ha sido artista residente en F8 Residency Facebook page, Fundación Casa Wabi, Oaxaca, y en la XII Bienal Femsa. Obtuvo el First Prize XVII Antonio Lopez Saenz Biennal en 2012 y en 2007 el Premio de Arquitectura Luis Barragán.
IVÁN CÓRDOVA (México, n.1977). _
Es licenciado en Diseño Gráfico. Vive y trabaja en Ocotlán de Morelos, Oaxaca, México. Cuenta con una formación multidisciplinaria que incluye fotografía, grabado, intervención, escultura, diseño industrial y cine. En su obra combina las diversas áreas en las que ha incursionado generando piezas con un estilo propio. La tecnología juega un papel muy importante en su proceso creativo dando como resultado obras híbridas o mixtas, derivadas de una visión compleja y fascinante de la saturación de información, la naturaleza, el desgaste de diversos materiales, la yuxtaposición de formas y de la complejidad del ser humano. Su trabajo como creativo se ha aplicado en campañas publicitarias, vídeos musicales, cortometrajes, comerciales de televisión, documentales y proyectos de diseño gráfico, en países como Hungría, Canadá, India, Ámsterdam y México. Individualmente ha expuesto: “De la experimentación a la Vanguardia” en El Círculo Teatral en la Ciudad de México (2014) y “Corre y Sueña, Picota”, Fundación Cultural Rodolfo Morales en Ocotlán, Oaxaca (2013). De manera colectiva destacan las exposiciones “Oaxaca forma y color, 5 artistas contemporáneos”, Senado de la República, México (2017); “Arte vivo” Museo de Arte Moderno, México (2016); “Arte objeto”, Ágora
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Museo Universitario de Arte Contemporáneo (MUAC), México (2016); “Milpa Gráfica” Museo Amparo, Puebla, México (2015); “Milpa Gráfica“ Chalet, Centro de las Artes, México (2015) y “Nuestra Tierra”, Ex-convento de Santo Domingo, Ocotlán, Oaxaca; (2014).
JACKIE JONES (México, n. 1966). _
Marilyn Monroe, Madonna o James Dean pueblan las obras de esta artista plástica que ha participado en numerosas exposiciones individuales y colectivas en diferentes puntos de Europa, Asia y Norteamérica. De origen británico-mexicano, cursó estudios en la Royal Academy of Arts. Sus piezas,-rematadas con miles de cristales Swarovski o con piedras de colores y metales,-son elaboradas con gran delicadeza y detalle. En México es representada exclusivamente por Galería Córsica y desde 2009 hasta la fecha, cada año celebra exposiciones en Puerto Vallarta, Los Cabos y Punta Mita.
JACOBO ROA (México, n. 1972). _
Artista visual, zurdo, irreverente, policromático, intermediario de colores e imágenes, previo y sustituto de sí mismo. Autodidacta, principalmente de formación libre, estudio en los Talleres abiertos en la Escuela Rufino Tamayo en Oaxaca durante su etapa temprana con el Maestro. Juan Alcázar. En 2015 obtuvo el primer lugar del “Premio Municipal de Artes Visuales” en Playa del Carmen, Quintana Roo. Participa en la “VII Bienal Nacional de Artes Visuales de Yucatán” (2015). Selección oficial en la Feria de Arte Contemporáneo “Les Nouvelles Metamorphoses” en La Mothe Saint-Heray , Francia (2014). Participó en la exposición colectiva “Manos por México” un homenaje al Maestro Pedro Friedeberg en el Museo “Franz Mayer“ en la Ciudad de México (2014). Ha expuesto en la galería LULU+MAMI en Eindhoven, Holanda (2013). Cuenta con dos exposiciones individuales: “ROAKU” y “PSICOMAGO” en la Galería Farm Project Space
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en Wellfleet, EUA (2011 y 2012). Su obra se ha expuesto en la Embajada de México en Israel (2012). Realizó una residencia artística en Nueva York (2011) y es miembro fundador del colectivo “Caminarte” en Playa del Carmen. Su obra se ha presentado en múltiples exposiciones colectivas e individuales en México con 15 años de carrera profesional.tt
JACQUES BEDEL (Argentina, n. 1947). _
Egresado de la Licenciatura en Arquitectura por la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de la Universidad de Buenos Aires, Argentina, es Escultor, pintor y arquitecto. Ha participado en 14 Bienales Internacionales de Arte y en más de 450 exposiciones en Argentina y el extranjero. Ha obtenido más de 45 premios y distinciones nacionales e internacionales desde. 1968, incluyendo la medalla de bronce del Premio Branque del Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires, Argentina. El más reciente en 2013 como finalista en el concurso de escultura UNTREF, en la misma ciudad.
JAKE Y DINOS CHAPMAN (Londres, n. 1962), (Cheltenham, n. 1966). _
Hermanos y artistas conceptuales ingleses, vuelven la muerte, el sexo, el nazismo y la infancia sus temas preferidos para plasmarlos de manera desafiante y agresiva para los sentidos. Conocidos como los Chapman Brothers, ambos graduados del Royal College of Art en 1990, trabajaron como asistentes de Gilbert & George antes de comenzar a colaborar en 1992. Forman parte del movimiento Young British Artists. Los Chapman entrelazan una amplia gama de asociaciones en sus obras, utilizando materiales de todas las áreas del paisaje cultural, incluyendo teoría filosófica, historia del arte y cultura de consumo. El diálogo utilizado entre los artistas y el observador genera temas reflexivos, a pesar de la crudeza de su expresión.
JAMES BONACHEA (Cuba, n. 1977). _
James Bonachea realizó sus estudios en la Academia de Bellas Artes Oscar Fernández Morera en Trinidad, Cuba, y el Instituto Superior de Arte de La Habana, también en Cuba. De 1999 a 2001 fue miembro del equipo Galería DUPP, proyecto pedagógico coordinado por el profesor René Francisco Rodríguez y de 2000 a 2004 miembro del colectivo Enema, proyecto pedagógico coordinado por el profesor Lázaro Saavedra. También fue miembro del Taller Arte de Conducta, coordinado por la artista Tania Bruguera. Cuenta con casi una decena de exposiciones individuales, entre las que destacan: “Astronauta Maya haciendo malabares con meteoritos”, Licenciado, Ciudad de México (2015); “99942 Apophis. Un Mes Un Artista”, Artículo 123, Ciudad de México (2015); “Un elefante ocupa mucho espacio”, Galería Myto, Seminario XII. Ciudad de México (2012); “Apariencia perfecta”, Galería Myto, Ciudad de México (2008); “A imagen y semejanza”, Galería Myto, Ciudad de México y “Con mi cuerpo hago lo que me da la gana”, Sala Manuel Galich, Casa de Las Américas, La Habana, (2003). Ha sido merecedor de distinciones como el “UNESCO Award VII Havana Bienal”, Galería DUPP (2000); el “Triangle Arts Trust” por Tanera Mòr International Artists Workshop en Escocia (2000); el “Salón provincial award” en Santa Clara, Cuba (2007); el “Triangle Arts Trust” del Batiscafo Residency Havana, Cuba (2006). Su obra ha formado parte de más de 50 exhibiciones colectivas alrededor del mundo en países como México, Estados Unidos, Cuba, Brasil, Perú, Reino Unido, Suiza y Alemania.
JAVIER AREÁN (México, n. 1969).
_ Estudió en New School for Social Research de Nueva York, cursó una especialización en pintura y dibujo en la New York Studio School en la Universität der Künste, en Berlín. De manera complementaria ha estudiado litografía y serigrafía. Se le reconoce la fundación en 2013 del proyecto Diagrama, una plataforma dedicada al diálogo, la crítica y la reflexión de la pintura contemporánea en México. Fue Rosehill State Speaker en la Universidad Lewis Clark en Idaho, Estados Unidos y ha sido docente en la Universidad Iberoamericana de la Ciudad de Mé-
xico y actualmente en CENTRO de diseño, cine y televisión. En 2012 fue invitado a formar parte del Consejo Editorial de Cultura del periódico Reforma. En 2016 fue uno de los 10 artistas seleccionados en Batidores, una iniciativa privada para difundir la pintura contemporánea en México. En 2016 fue comisionado por el sello editorial Mirlo para realizar 31 ilustraciones sobre la novela de F. S. Fitzgerald, “El gran Gatsby”, para su publicación en una edición de lujo. Su obra forma parte de colecciones públicas en el Museo de la Estampa de la Ciudad de México, el Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca y el Museo de Cancillería de la Ciudad de México. De manera individual se ha presentado en México, Barcelona, España y Camboya. Ha participado colectivamente en Ferias de Arte como Zona Maco, Houston Fine Art Fair, y Chic Dessin, así como en bienales nacionales e internacionales.
JAVIER HINOJOSA (México, n. 1956). _
Estudió Cinematografía, en el Centro Universitario de Estudios Cinematográficos de la UNAM, y Enseñanza Artística, en el Instituto Nacional de Bellas Artes. Becario del Sistema Nacional de Creadores FONCA CONACULTA (2001-2007) y ha recibido en 2 ocasiones, del FONCA, el apoyo a proyectos. A principios de los años ochenta fundó con Lourdes Almeida y Gerardo Suter, el Taller de la Luz, espacio de experimentación que rompió con el canon de la época al apartarse de la fotografía documental. A partir de 1998 recorre México, a la manera de los antiguos expedicionarios, fotografiando la arquitectura prehispánica, fruto de lo cual ha conformado un extenso catálogo impreso en técnicas variadas, que ha viajado por el mundo. Definido por Juan Villoro como “fotógrafo de soledades”, y fiel a su ánimo conservacionista, desde hace quince años desarrolla el proyecto “Estaciones”, un registro de áreas naturales protegidas de América Latina. Además ha retratado la otra cara de la Ciudad de México: bosques, humedales, cimas y cañadas que se han mantenido al margen de los procesos de urbanización. Sus imágenes han ilustrado más de 100 publicaciones (libros de arte, catálogos) y siete libros se han editado sobre
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su trabajo. Se ha hecho acreedor a menciones honoríficas y premios de adquisición. Su obra ha sido expuesta en más de un centenar de exposiciones, individuales y colectivas, en museos y galerías de Latinoamérica, Estados Unidos, Europa, Asia, África y Oceanía. Su obra forma parte de colecciones públicas y privadas como la del Museo Universitario de Arte Contemporáneo, la de la Fundación Televisa y la del Museo de Arte Precolombino e Indígena de Montevideo.
JAVIERA DA FONSECA (Chile, n. 1982). _
Estudia la carrera de Artes Plásticas en la Universidad de Chile obteniendo el título de Licenciada en Artes Plásticas con mención en Pintura. Junto a Eugenio Dittborn (Premio nacional de artes plásticas, Chile, 2005) toma el taller “Crítica y apreciación del Arte”. En 2017 gana una residencia de arte en Residencia Gorila, Tulum-México. Gana el premio a mejor Pop Up Space de la Feria Ch.ACO junto a Totoral Gallery en 2015. Entre sus principales exposiciones individuales están: “Aura: A Mexican Experience”, Back Gallery Project, Vancouver, Canadá (2017); “La más silenciosa de todas las horas”, Garage Gallery, Ciudad de México (2016) y “El Nuevo Paisaje”, Totoral Gallery, Algarrobo, Chile (2014). Su obra ha participado en diversas exposiciones colectivas en México, Chile, Estados Unidos y Canadá.
JESÚS LUGO (México, n. 1963). _
Estudió en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La esmeralda” de Bellas Artes, licenciándose en Pintura, Entre sus principales exposiciones individuales se encuentran: “Jesus Lugo”, Galería Lourdes Sosa en el Four Seasons, Ciudad de México (2016); “Del Cielo y del Infierno”, Galería Quetzalli, Oaxaca, Oaxaca (2016); “Babel”, Galería Lourdes Sosa, Ciudad de México (2013); “Cada Cosa es Babel”, Museo José Luis Cuevas, Ciudad de México (2012); “Ciudad de Babel”, Galeriía Quetzalli., Oaxaca, Oaxaca (2010); “Ficciones”, Latin American Master, Los Angeles, California, (2009); “Proyectos”, Museo Diego Rivera, Guanajuato, Guanajuato (2006); “After Art”, Latin American Master, Los Ángeles, California (2005); “Proyecto para mover sombras”, Galería
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Lourdes Sosa, Ciudad de México (2003) y “Arquitecturas y círculos”, Museo Casa León Trotsky, Ciudad de México (1998) e Instituto Veracruzano de Cultura, México (1992). Entre sus premios y reconocimientos se cuentan: -1992 Enceunro de dos mundos, Mención honorífica, Alianza Francesa de México, Instituto Francés de America Latina, AirFrance y Telemecanique (1992); FONCA, Becario del programa Jóvenes creadores, 1997-1998; II Concurso Johnnie Walker, Premio de adquisición Museo de Arte Moderno, Ciudad de México (1999); Pertenece al Sistema Nacional de Creadores del FONCA (2001); XI Bienal de Pintura Rufino Tamayo, Premio de Adqusición, Museo de Arte Contemporáneo Internacional Rufino Tamayo, Ciudad de México (2002); Estancia en el Banff Center (2004); Mención honorífica en The 13th Annual MexAm/ Vermont Studio Center Artist Fellowship (2005-2006); Residencia en el Vermont Studio Center, Johnson, Vermont (2006).
JIMENA RINCÓN (México, n. 1979). _
Estudió la Licenciatura en Diseño Gráfico en la Universidad Iberoamericana de 1998 a 2003, donde se integra al subsistema de Artes Visuales. Cursó estudios de fotografía, dibujo y pintura de 1997 a 1998 en el Milwaukee Institute of Art and Design (MIAD). Entre sus exposiciones más recientes se encuentran la “XII Bienal FEMSA” en el Centro de las Artes en la ciudad de Monterrey, Nuevo León, así como “Red Star, Winter Orbit”, en Proyecto H, curada por Violeta Horcasitas, “Sur la Route” en GAMA galería autónoma de la FAD en 2016. Ha participado en la tercera y quinta edición de “Salón ACME”, Ciudad de México. Ha expuesto en la ciudad de Bogotá, Colombia, representando a México en la Feria del Millón, así como en la ciudad de Nueva York y en el Instituto de México en París con la exposición “Troisiéme Mexique, Peinture Contemporaine” en París, En 2012 participó en la Feria de Arte Contemporáneo “Art Revolution Taipei” en Taiwan. Su exposición Individual “World Without End” se llevó a cabo en abril de 2011 en el Centro Cultural Border en la Ciudad de México, y ha participado en diferentes exposiciones colectivas como “Colectivo 4” en la galería Traeger&Pinto entre otras. En 2010, las piezas “Born” y “Radio” formaron parte de la “Bienal Nacional Monterrey Artemergente” en Monterrey, N.L. Desde el 2013 imparte
el Taller de Producción de Arte en la Universidad Iberoamericana, así como el curso Apreciación de Arte Contemporáneo y coordina el diplomado Teorías y Prácticas del Arte en la misma Universidad. Su obra forma parte de diversos catálogos y libros como por ejemplo “Paramagnético” que fue publicada como portada para la compilación de cuentos “Liquidaciones” de Eduardo Sabugal editado por CONACULTA.
JOAN MIRÓ
(España, n. 1893 - España, m. 1983). _ Pintor, escultor, grabador y ceramista español, considerado uno de los máximos representantes del surrealismo. En su obra reflejó su interés en el subconsciente, en lo “infantil” y en la cultura y tradiciones de Cataluña. Aunque se le asocia al arte abstracto por su estilo maduro de formas estilizadas e imaginarias, en su juventud se inició en la figuración, con fuertes influencias fauvistas, cubistas y expresionistas, pasando a una pintura plana con cierto aire naïf, como lo es su conocido cuadro “La Masía” del año 1920. A partir de su estancia en París su obra se vuelve más fantasiosa y onírica, coincidiendo con los puntos del surrealismo e incorporándose a este movimiento. En numerosas entrevistas y escritos que datan de la década de 1930, Miró manifestó su deseo de abandonar los métodos convencionales de pintura, en sus propias palabras de “matarlos, asesinarlos o violarlos”, para poder favorecer una forma de expresión que fuese contemporánea, y no querer doblegarse a sus exigencias y a su estética ni siquiera con sus compromisos hacia los surrealistas. Uno de sus grandes proyectos fue la creación en 1975, de la Fundación Joan Miró, ubicada en Barcelona, centro cultural y artístico para difundir las nuevas tendencias del arte contemporáneo, que se constituyó con un gran fondo de obras donadas por el autor. Otros lugares con importantes fondos de sus obras son: la Fundación Pilar i Joan Miró, en Palma de Mallorca; el Museo Reina Sofía y el Espacio Miró en Madrid; el Centro Pompidou, en París; y el MOMA, en Nueva York.
JORGE BRANTMAYER (Chile, n. 1954). _
Licenciado en Artes Plásticas por la Universidad de Chile. Estudió fotografía profesional en la Escuela de Foto Arte de Santiago. Sus exposiciones individuales “La vida está en otra parte” (2001); “Cautivas” (2007) misma que ahora es parte de la colección permanente del Museo Nacional de Bellas Artes de Chile y “Cuerpo Presente” (2008), han obtenido el premio Altazor de las Artes Nacionales. Recibió la beca Amigos del Arte (1982), el financiamiento Fondart (2006); premios como Fundación Futuro, Círculo de Críticos de Arte (2007); y Bicentenario a la fotografía (2010), otorgado por el mismo Círculo. Su estudio es el más utilizado por artistas profesionales y galerías para la reproducción de obras y el registro de exposiciones. Ha expuesto su trabajo en su país de origen así como en España, Argentina, Unión Soviética, China, Bélgica, Brasil, Ecuador y Perú, entre otros. Su proyecto de investigación fotográfico “Muchedumbre” se expuso simultáneamente en cinco espacios en la ciudad de Bayona, Francia (2011) en el GAM de Santiago (2012); en el Instituto de Cervantes de EEUU (2016), en el AMA Museum en Washington (2016); y en la casa de las Américas en La Habana, Cuba. Obteniendo así en 2013 el premio Altazor. En octubre de 2016 su reciente proyecto “Geografía de la Piel” se expone en la sala CorpArtes de Santiago de Chile obteniendo el Premio de la Crítica en el año 2017.
JORGE TELLAECHE (México, n. 1982). _
Inicia su carrera artística a los 15 años con una exposición en Sony Art Walk en San Diego, California. Desde 2009 ha expuesto en diversas galerías de la capital de la república, y ha colaborado con marcas internacionales como Adidas, Comex, Durex, Hotel W, y El Palacio de Hierro, entre otros. Es autor de dos murales en Londres, para el Southbank y en la residencia mexicana en el Reino Unido como parte del Año Dual Inglaterra—México.
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JOSÉ ÁNGEL SANTIAGO (México, n. 1990). _
Egresado de la licenciatura en Artes Plásticas y Visuales por la escuela de Bellas Artes de la Universidad Autónoma Benito Juárez de Oaxaca. Tanto exposiciones individuales como colectivas han sido realizadas en Oaxaca, siendo las primordiales: “Bestiario”, en el Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca (IAGO) e “Incertidumbre vivencias urbanas”, Red cultural Calles y Sueños. De manera colectiva: “La imagen Infinita”, Galería Quetzalli; “Gritos y gestos”, Galería CulturArte Calles y Sueños; “Mani cubii”, Galería Xcaanda; “Erotómano de tiempo completo”, Casa de la Cultura de Juchitán; “Felipa Gabina”, San Blas Atempa; “Entre el alma y las raíces”, Galería la Nueva Babel y “La muerte chiquita”, Escuela de Bellas Artes, Oaxaca de Juárez. La Ciudad de México también ha sido sede de sus obres en Puntos de encuentro, como Galería los Insurgentes. Chicago Illinois también recibió a “Tu lanuu, tu lanu”, en la Galería Colibrí.
JOSÉ CLEMENTE OROZCO (México, n. 1889-1949). _
Cursó sus estudios en la Escuela Nacional Preparatoria y en la Escuela Nacional de Bellas Artes. Trabajó dibujando caricaturas para los periódicos firmando como “El hijo del Ahuizote” y “El Machete”. Conoció la obra del grabador José Guadalupe Posada, cuya influencia marcaría todo su trabajo. En el año 1922 se unió a Diego Rivera y David Alfaro Siqueiros en el Sindicato de pintores y escultores, intentando recuperar el arte de la pintura mural bajo el patrocinio del gobierno. Una de sus más destacadas obras fue la serie de murales que hizo para la Escuela Nacional Preparatoria sobre la conquista, la colonización y la Revolución Mexicana. De 1927 a 1934 trabajó en Estados Unidos. Allí realizó un grupo de murales para la New School for Social Research de Nueva York y en el Pomona College de California. Sus murales para la Biblioteca Baker en el Dartmouth College (1932-1934) escenifican la historia
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de América con la serie “La llegada de Quetzalcóatl”, “El retorno de Quetzalcóatl” y “Modern Industrial Man”. Cuando regresó a México realizó murales en el Palacio de Bellas Artes (1934) y la Suprema Corte de Justicia (1941) en la Ciudad de México, además de diversas series en importantes instituciones de la ciudad de Guadalajara, como el Palacio de Gobierno. Durante la década de 1940 pintó algunos lienzos. En 1946 se le otorgó el Premio Nacional de Artes.
JOSÉ LEÓN CERRILLO (México, n. 1976). _
Estudió en MFA Universidad de Columbia. Sus principales exposiciones son: “Continuum”, Galerie Mitterrand 2017, París, Francia; “La Nueva Gramática”, josegarcia, Ciudad de México, México; “The New Psychology”, Andréhn-Schiptjenko, Suecia (2014); “Oh My Cannibal”, Dispatch Bureau, Nueva York (2008). Dentro de sus exposiciones colectivas esta “Expo 1”, MoMA PS1, Nueva York; Okayma Art Summit, Okayama, Japón; Bienal de Gwangju, Corea; “Como te voy a olvidar”, Galerie Perrotin, Paris; The New Museum Triennial, Nueva York, EEUU; “Abstract Possible”, Museo Tamayo, Ciudad de México, México; Stockholm Synergies, TenstaKonsthall, Suecia; “Hotel Theory”, REDCAT, Los Angeles, EEUU; “REGISTRO 04”, MARCO, Monterrey, México.
JOSÉ LUIS CUEVAS
(México, n. 1934 - México, m. 2017). _ Pintor, dibujante, escritor, grabador, escultor e ilustrador mexicano. Retó al movimiento muralista mexicano que dominaba en ese tiempo y fue un prominente miembro de la Generación de la Ruptura. Fue un artista autodidacta, con muchos estilos e influencias muy marcados en el lado oscuro de su vida, frecuentemente distorsionando figuras y debatiéndolas en su humanidad. Recibió el Premio de Excelencia en Arte y Diseño en 1964, el Madeco en la II Bienal Iberoamericana de Grabado en 1965, en 1968 la Medalla de Oro en la I Trienal de Grabado de Nueva Delhi, y en 1970 el poeta
mexicano Octavio Paz, Premio Nobel de Literatura, le dedicó el poema “Totalidad y fragmento”. Para el año 1976 llevó su exposición “José Luis Cuevas. Su infierno terrenal” a Francia, donde se autoexilió. Tres años después volvió a México con la exhibición “José Luis Cuevas. El regreso de otro hijo pródigo” en el Museo de Arte Moderno.
JOSÉ LUIS RAMÍREZ (México, n. 1981). _
Define el lenguaje de su obra como el afán de “rescatar la idea original del destino final y antes de iniciar una pieza, acomodar los recuerdos del presente inmediato”. Su obra se caracteriza por elementos simbólicos y define “códigos que son pequeños homenajes al recuerdo instantáneo”. Las lecturas del momento y las relaciones afectivas son su efecto detonante para pintar: amigos, familia, amores y desamores, los recuerdos en agonía, melancolía, las letras y música. Concluye que su obra “es cínica, divertida y preguntona”.
JOVIAN
(México, n. 1965). _ Ha trabajado, vivido y exhibido su trabajo en Singapur, Hong Kong, Estados Unidos (Chicago y Los Ángeles) y Francia (Córcega). Desde 2002 vive y trabaja en Puerto Vallarta, México. Se inició en la experimentación artística de forma autodidacta desde los 18 años de edad. Participó en talleres de pintura, escultura y arte “povera” (2009-2015). Forma parte de organizaciones dedicadas a la defensa de los derechos de los animales; de ahí surge la serie “Fashion Victims” que representa una crítica a la sociedad de consumo y a los caprichos de la moda.
JUAN PABLO GAVIRIA (Colombia, n. 1992). _
Juan Pablo Gaviria realizó sus estudios universitarios en la Pontificia Universidad Javeriana en donde consigue el título de Ar-
tista Visual. Durante su pregrado se desempeñó como monitor de grabado I y II, y participó en la creación del colectivo gráfico “Taller trez” donde tuvo la oportunidad de mostrar proyectos en instituciones como el ISA en La Habana, Cuba y la Javeriana de Cali. En el 2013 forma parte del grupo de creación para la residencia de Mark Dion en Casa Deuxsoleils – Honda del espacio Flora ars+natura, en Bogotá. Durante el 2014 desarrolla actividades de gestión con el espacio Casa Común en Bogotá y entrega su proyecto de grado titulado “La casa”. En 2015 es seleccionado para la sección Artecámara que se lleva a cabo durante la Feria internacional de arte de Bogotá. Su proyecto titulado “Asociaciones para una libertad vigilada” lo realizó en Medellín por medio del estímulo Residencias Artísticas Nacionales, otorgado por el Ministerio de Cultura. En 2015, se le concede la Beca para la publicación de libro ilustrado -álbum, cómic y novela gráfica- a través del cual ilustra “Tanta sangre vista” de Editorial ReyNaranjo. Actualmente cursa una maestría en Artes Plásticas en la Universidad Jorge Tadeo Lozano en Bogotá.
JUAN PABLO VIDAL (México, n. 1989). _
Estudió Ingeniería Industrial en la Universidad Iberoamericana en donde se tituló con honores. Es escultor de tiempo completo, dedicado a la producción independiente. Ha cursado diplomados en Arte Contemporáneo, curaduría del arte, moldes vaciados, modelado figurativo, cerámica y art marketing. Ha participado en muestras individuales y colectivas en la Ciudad de México.
KANAKO NAMURA (México, n. 1967). _
Vive y trabaja en la Ciudad de México. Comenzó sus estudios de Diseño Gráfico en la Universidad de Artes de Osaka. En 1991 cursó una segunda licenciatura en Fiber Arts en el Instituto de Artes de Kansas y finalmente realizó una maestría en Artes en la Universidad de San Francisco, California, en 2012. Entre sus exposiciones individuales destacan “Acumulación”, en la Galería Karen Huber de la Ciudad de México (2015) y “Sendas” en la
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Yebisu Art Labo Gallery, de Nagoya, Japón (2005, 2006, 2007, 2008 y 2015). Colectivamente ha expuesto en la Ciudad de México, en los Estados Unidos y Japón.
KATHERINA ACEVEDO (México, n. 1988). _
Fotógrafa autodidacta, explora temas de feminidad en sus imágenes, indagando en distintas miradas y personajes con el objetivo de generar comprensión y empatía. En su lenguaje visual se descubre una búsqueda de identidad y crítica social de género. Es parte de un colectivo de artistas llamado Damarosa que celebra el papel de las mujeres en el arte, la literatura y la política. Selección de exposiciones: Elemental, Ciudad de México, México (2013); Yellow chair gallery, Nueva York, (2016); The Rose room, Los Ángeles, (2017) y en Casa Lu, Ciudad de México, (2017).
KODAI KITA (Japón, 1985). _
Vive y trabaja entre México y Japón. Es maestro en Artes Visuales por la Universidad de Artes de Tokio. A través de la pintura y la montaña busca hacerse consiente de donde está parado. y así explorar la relación entre el hombre y la naturaleza para, y entender el paisaje como un mapa. Cursó la Licenciatura (2008) y Maestría (2010) en Bellas Artes en la Universidad de Artes de Tokio. Exposiciónes individuales: “Longitud focal”, SUNDAY, Tokio (2016); “NAGAREYAMA –montaña fluido”, Galería PARC, Kyoto (2015); “FUGAKU HYAKKEI –cien vista de Monte Fuji”, Galería Caru, Fukushima, Japón (2014); “Perspectiva a vista de pájaro”, Galería PARC, Kyoto (2013). Exposiciónes colectivas: “Jardín de Selenita” Museo Franz Mayer, Ciudad de México (2017); “VOCA -la Visión del Arte Contemporáneo”, Museo Real de Ueno, Tokio (2017); “TERRITORIO CONTIGUO”, Oficina de Arte, Ciudad de Mexico (2016); “Takamatsu Arte Contemporáneo Anual vol.05 paisajes visibles / invisibles”, Museo de Arte Ciudad de Takamatsu, Kagawa, Japón (2016); “Más allá de la
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Perspectiva, Ubicación de la Mirada”, Galería Aube, Universidad de Arte y Diseño de Kyoto (2015); “En el camino hacia el futuro, y luego”, Museo y Archivos del Instituto de Tecnología de Kyoto (2015). Premios: “Fundación de NOMURA” (2017); “Fundación Arte de POLA”; “Premio Conmemorativo Sr. O, Universidad de Artes de Tokio” (2008). Proyecto: Trabajo abierto “Dibujo Popocatépetl” Azotea de Galería Karen Huber, Ciudad de Mexico (2017); Trabajo abierto y Warkshop “Convierte en un ojo de pájaro y dibuja un mapa” Museo de Arte Ciudad de Takamatsu, Kagawa, Japón (2016); Evento de archivo “almanac14 reunión de depositantes13” arte y banco de río”, Tokio, Japón (2015); Simposium “Cada desastre del terremoto” Hall de entrada en Universidad de Arte y Diseño de Kyoto (2012).
LAO GABRIELLI (Argentina, n. 1971). _
Artista visual y diseñadora gráfica. Estudió la carrera de Diseño Gráfico en la Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo de la Universidad de Buenos Aires. Estudió restauración en el taller de Mónica Tezanos Pinto en Argentina. Estudió pintura con el Maestro Guillermo Roux en Argentina. Asistió a seminarios con la pintora Anna Rank y con el Maestro Julio Alpuy de la escuela del Constructivismo de Torres García en la Ciudad de Nueva York. Asistió al Seminario de Museos y Patrimonio impartido en la lengua italiana con la Dra en Arte y Museografía Mercedes Auteri en la Ciudad de México. Algunas de sus principales exposiciones individuales son: “Más allá del cinetismo”, Alianza Francesa, Ciudad de México, (2017); “Miami Limited Edition”, Wynwood Art District, Miami, (2017); “Espressioni, Dante Alighieri”, Ciudad de México, (2016); “La muerte tiene permiso”, Galería Aguafuerte, Ciudad de México, (2012). Ha expuesto, además en importantes recintos como: el Centro Cultural Mizrahi, Ciudad de México, (2017); el Centro Cultural Periodista, Ciudad de México, (2016); la Casa de la Primera Imprenta de América, Universidad Autónoma Metropolitana, Ciudad de México, (2016); Gallery of the Modern Art. Ciudad de México, (2016); Contempo, Arte Contemporáneo, Exposición
Colectiva, Ciudad de México, México; Arte Laguna Prize 13.14, Painting, Sculpture and Installation. Venecia, Italia (2016); Arte Visual México, Corporativo Antara Polanco 1, Ciudad de México, México (2014); 5ta Exhibición Internacional de Señaladores de Artista, Galería Vuelvo al Sur. Ministerio de Cultura de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires, Argentina (2014); Arte Laguna Prize. Arsenale de Venecia, Italia (2013); Florence Shanghai Prize 2013, Present Contemporary Art, Italia y China (2013); México Actual, Galería Aguafuerte, Ciudad de México, México (2013); Umbrellas for Peace. Instalación colectiva. Central Park Bandshell, Nueva York, EEUU (2010); Muestra Anual Taller Guillermo Roux, Buenos Aires, Argentina (2008). Reconocida por la Bienal de Arte del Centro Mexicano Universitario de Ciencias y Humanidades de Puebla. Puebla, México, la XI Bienal de Pintura Joaquín Clausell, Universidad Autónoma de Campeche, Campeche, México y la Boston Biennial 3, Atlantic Works Gallery, Boston, EEUU.
LORENA CAMARENA (México, n. 1974) _
Cuenta con estudios en Psicología y a partir de 1994 comenzó su formación artística enfocándose en las bases del dibujo con modelo, guiada por el escultor tapatío Ignacio Garibay, posteriormente cursó la Licenciatura en Artes Visuales en la Universidad de Guadalajara. Lorena Camarena cuenta con más de 50 exposiciones y proyectos especiales para diferentes espacios, entre los que cabe destacar: “Vestigio de Sombra”, pintura formato mural, Fundación Sebastián, Ciudad de México (2016); “Luz Fósil”, Fundación Sebastián, Ciudad de México (2012); “Remedio Casero”, Café La Gloria, Ciudad de México (2011); “Silencio Habitado”, Centro Cultural Rosario Castellanos, Fondo de Cultura Económica, Ciudad de México (2011); “Cuerpo Ataviado, Mujeres, arte y reclusión”, Centro Femenil de Readaptación Social Santa Martha Acatitla, Ciudad de México (2010). En dos ocasiones (2007 y 2010) formó parte de la exposición “Mexique, Peinture contemporaine” en el Instituto Cultural México á ParÍs, recibiendo mención honorífica en 2010 por parte del jurado. También en 2010, dos obras de su autoría fueron seleccionadas para la “II Bienal Gómez Palacio” y en 2011 fue seleccionada para formar parte de la “III Bienal
Villa Gómez Chávez”, en la ciudad de Colima en México. En 2015 fue seleccionada para la “V Bienal de Pintura Pedro Coronel”. En 1997 formó parte del Salón de Octubre, Guadalajara, Jalisco. En 2003 fue distinguida para formar parte del XXIII Encuentro Nacional de Arte Joven, Aguascalientes. En 2008 participó en el Grabado del Bicentenario sobre Paseo de la Reforma, en la Ciudad de México.
LUCÍA VALENCIA (México, n. 1966) _
Sus estudios en diseño gráfico y pintura la llevan a trabajar como ilustradora, y más tarde a perfeccionar diversas técnicas. Se avoca a la experimentación con grafito y acrílico. En su obra, los objetos textiles adquieren un papel protagónico. Las prendas son artefactos que conviven en extrema cercanía con los cuerpos y representan muchas veces una extensión de las personas, aun cuando paradójicamente son un símbolo de un objeto despersonalizado por su status comercial, dada su producción en serie. El hiperrealismo que logra permite que el espectador establezca la cercanía pertinente con los objetos de uso cotidiano, de donde se desprende un momento nostálgico para que cada observador se relacione con sus propias memorias. Sus obras han sido expuestas en el Salón de la Acuarela (2002), Terreno Baldío Arte (2014) y en el Museo Nacional de Arte (2013), entre otros espacios.
LUIS SEBASTIÁN SANABRIA (Colombia, n. 1991) _
Maestro en Artes Visuales con énfasis en Producción Audiovisual de la Pontificia Universidad Javeriana y Especialista en Fotografía por la Universidad Nacional de Colombia. Sus principales exposiciones han sido: “Cabezas con carácter”, Fundación Gilberto Alzate Avendaño (FUGA), Bogotá, Colombia (2016) y “EGO”, Casa Tres Patios, Medellín, Colombia (2013). De igual manera ha participado en varias exposiciones como: “Visita Guiada: disidentes/indecentes”, CAMPO, Bogotá, Colombia
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(2016); “Salón de Arte Joven”, Fundación Gilberto Alzate Avendaño, Bogotá, Colombia (2015); Ángulos entrantes (Este: coordenadas itinerantes, 15 Salones Regionales Zona Oriente), Centro Colombo Americano, Bucaramanga, Colombia.
LUZ ÁNGELA LIZARAZO (Colombia, n. 1966). _
Estudió Arte en la Universidad de los Andes y en la Escuela de Bellas Artes de París. Ha sido invitada a presentar su trabajo en los principales espacios expositivos y eventos artísticos de su país, tales como la Biblioteca Luis Ángel Arango, la Alliance Française de Bogotá, La Cámara de Comercio de Bogotá y el MAMBO, Museo de Arte Moderno. Adicionalmente, las obras de Lizarazo han estado expuestas en otros espacios de arte contemporáneo en Madrid, Sao Paulo y París. Su obra se caracteriza por reflexionar sobre preocupaciones alrededor de la fragilidad, la dicotomía entre lo público y lo privado, y las interacciones con espacios urbanos y con los otros. Su trabajo encuentra su asiento entre dos mundos: el dominio de la intimidad y el mundo exterior. Actualmente vive y trabaja en Colombia. Sus principales exposiciones individuales incluyen “Pasar en silencio”, La Casita, Bogotá, Colombia; “Ornitografías”, Galería Jenny Vilá, Bogotá, Colombia; “Y”, Galería Eduardo Fernandes, Sao Paulo, Brasil; “Hexágono Irregular”, un proyecto de José Roca en Ho Chi Minh City, Vietnam y Ankara, Turquía; “Celosías, Estéticas de la paranoia”, Galería Magda Bellotti, Madrid, España (2010); “Xenogamia” en MCO Arte Contemporáneo, Oporto, Portugal y “Peinar a Piel”, Galería Rafael Ortiz, Sevilla, España. De sus colaboraciones en exposiciones colectivas destacan “Deconstrucción”, un proyecto de John Angel Rodríguez; “Galería de papel”, Galería El Museo, Bogotá, Colombia; “La novia del viento”, Museo Universidad de Antioquia, MUUA, Colombia; “Referencias expansivas. Siete murales efímeros”, Bogotá, Colombia; “Arte, mujer y migración”, Casa de la Cultura de Alcobendas, Madrid, España, (2003); “Migrations”, Galería Ruta-Correa, Friburgo, Alemania (2002). Sus distinciones y apoyos en el arte incluyen el Bienal de Arte en el Museo de Arte Moderno de Bogotá; fue
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elegida para el proyecto “Odas y Cantos de Pablo Neruda”; fue seleccionada para el Premio Luis Caballero en la Galería Santa Fé, Bogotá y la Residencia Magda Bellotti en Ifitry, Marruecos (2012).
MANUEL B. LEÓN (México, n. 1987). _
Licenciado en Artes plásticas y visuales por la Escuela Nacional de Pintura Escultura y Grabado, “La Esmeralda” (2011-2014); fue en esta institución donde fijó sus propensiones a la producción gráfica como base de su trabajo. En los últimos años ha trabajado para galerías en México (Pi, 2012-2016, Cultura Colectiva, 2015-presente) y Nueva York (Recession Art, 2012-2014). Asimismo, ha participado en exposiciones, ferias, subastas y bienales nacionales e internacionales, destacando la 15TH Latin American Bronx Biennal, Nueva York (2016); colaboración gráfica para la bienal de La Habana, Cuba (2015); Superfine, Nueva York (2017); Affordable Art Fair NY, Nueva York (2013) y México (2012, 2013, 2014). También ha participado en la subasta Arte vivo (MAM 2016) y en ESTAMPA Arte Múltiple Madrid (Matadero, Madrid 2013). Ha realizado exposiciones colectivas en México, destacando su participación en “VESTIGIOS INMARCESIBLES”, (C.C. 186) “A TIRO DE FUEGO” (MUNAE 2014). Además de otras, como la selección en el concurso “Rinoceronte de Cristal”, en España, “Big Future” (2013) y “Salonukah”, Recession Art Gallery, Nueva York (2014).
MANUEL FELGUÉREZ (México, n. 1928). _
Pintor, escultor, muralista, profesor e investigador. Estudió en la Academia de San Carlos de la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM (1948) y en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda” INBA (1951). Becario del Gobierno Francés en la Academia de la Grande Chaumier, París (1944 y 1959) y en la Academia Colarossi, París (1954-1955). Trabajó en los talleres escultóricos de Brancusi y Sadkine. A su regre-
so de Europa forma parte de la primera generación de artistas abstractos nacionales, abiertamente confrontados con la tradición de la Escuela Mexicana de Pintura encabezada por Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros y José Clemente Orozco, la llamada Generación de la Ruptura. Su Obra ha sido objeto de múltiples exposiciones individuales y colectivas, entre ellas, la retrospectiva de su obra, en su homenaje al cumplir 80 años, en el Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México. Obra pública de gran formato como la Fuente y escultura frente a la Lotería Nacional. Obra mural en el Museo Nacional de Antropología entre otras. Se ha hecho acreedor a múltiples distinciones como el Premio Nacional de Ciencias y Artes del Gobierno de México, en el área de Bellas Artes (1988); la Beca de la Fundación Guggenheim (1975); el Gran Premio de Honor en la XIII Bienal de Sao Paulo, Brasil (1975), por las obras producto de “El Espacio Múltiple” (1973), y el Segundo Premio de Pintura en la Primera Trienal de Nueva Delhi, India (1968). Maestro invitado en la Universidad de Cornell, Estados Unidos; investigador huésped en la Universidad de Harvard (1975); imparte la clase de Composición de la Estructura del Cuadro en la Escuela Nacional de Artes Plásticas; a partir de 1977 es miembro como investigador del Instituto de Investigaciones Estéticas de la UNAM.
MANUELA GENERALI (Suiza, n. 1948). _
Estudió en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM, en Wimbledon School of Arts y en St. John Cass College en Londres, Inglaterra. Sus principales exposiciones incluyen “Nocturnos”, Galería Drexel, Monterrey, México (2016); “Presencias”, Museo de Arte Querétaro, Querétaro, México (2008); “Vaiven”, Museo de Arte Moderno, Ciudad de México, México, (2005); “Paintings”, Naomi Silva Gallery, Atlanta, EEUU (2002); “Tangos”, Vorpal Gallery, Nueva York, EEUU (1988); “Del lado de allá, del lado de acá”, Museo de Arte Carrillo Gil, Ciudad de México, México (1985); “Metrópolis el mito de la gran ciudad”, Celda contemporánea, Universidad del Claustro de Sor Juana, Ciudad de México. México. Además parti-
cipó en “Universos Femeninos”, en el Museo de la SHCP, Antiguo Palacio del Arzobispado, Ciudad de México; “Artistas de Italia en México” en el Museo Diego Rivera; Cubic Art Center, Pekin, China; en la “XIII Muestra de Pintura y Escultura Latinoamericana” en Galería Espacio San Salvador; “Imágenes del tiempo”, en el Museo de la SHCP, Antiguo Palacio del Arzobispado, y en el taller Gorky, Landucciarte Galería de la Ciudad de México. Dentro de los apoyos y reconocimientos que ha obtenido se encuentra una residencia en Tlacotalpan, Veracruz; un residencia en el Taller K18 en París; una mención honorífica en el XI Bienal de Pintura Rufino Tamayo, Ciudad de México; mención en el Salón de Octubre del Gran Premio Omnilife; acreedora a la beca del Sistema Nacional de Creadores de Arte. Ciudad de México (2007-2010); premio de Adquisición en el Salón Nacional de Pintura, Museo del Palacio de Bellas Artes, INBA y fue seleccionada para una exposición colectiva en España y Francia.
MARCOS ZEGERS (Chile, n. 1987). _
En 2012 se graduó como Arquitecto en la Facultad de Arquitectura, Arte y Diseño de la Universidad Diego Portales en Santiago de Chile; un año antes participó en el taller “Fotografía Arquitectónica” dictado por Erieta Atali en la Facultad de Arquitectura, Diseño y Estudios Urbanos, de la Pontificia Universidad Católica de Chile. En su formación figuran también nombres como Helene Binete y Tomás Munita. De manera colectiva ha presentado su obra en “Young Art BBVA”, Galería Arte Espacio, Santiago, Chile (2016); “ARTSTGO Art Fair”, Centro Cultural Gabriela Mistral, Chile (2016); “FAXXI Art Fair”, Chile (2016); “Landscapes”, exhibición colaborativa con Sebastián Mejía, Ekho Gallery, Chile (2015); “Paris Photo” (OFF), Galerie -1 La Vespasienne, París, (2014); “Routes”, KM0 Colectivo, Centro Cívico Las Condes, Chile (2010). La obra de Zegers forma parte de la colección permanente de Galería Ekho y Galería Animal, ambas en Santiago, Chile. El trabajo de Marcos Zegers ha sido publicado en revistas como El Domingo, Qué Pasa, PLANEO, Travel y Time.
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MARIANNA DELLEKAMP (México, n. 1968) _
Actualmente vive y trabaja en la Ciudad de México. Su obra se desarrolla a partir de distintos fenómenos sociales, los cuales utiliza como materia prima. Estudió fotografía en la Escuela Activa de Fotografía, México y también en el International Center of Photography, Nueva York. Entre sus últimas exposiciones individuales destacan: “Coleccionar Pensar”, Galería Patricia Conde, Ciudad de México (2015); “Procesos abiertos”, Museo de Arte Moderno, Ciudad de México (2013); “Procesos”, Galería Nina Menocal, Ciudad de México (2010); “Se Renta”, Instituto de México en Madrid, Zaragoza, España (2007); “Antropología del Cuerpo Moderno”, Museo de Arte Contemporáneo Alfredo Zalce, Morelia (2002). Dentro de los apoyos y reconocimientos que ha obtenido se encuentran varias becas del Sistema Nacional de Creadores del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes FONCA, un premio de adquisición en Nuevo León, una Mención Honorífica en la Primera Bienal Internacional de Fotografía de Puerto Rico, el primer premio en el XVI Encuentro de Arte Joven, convocado por el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes (Aguascalientes) y una Mención Honorífica en el primer Salón Internacional de Guadalajara, Jalisco.
MARIO E. DOMÍNGUEZ B. (México, n. 1981). _
Estudió Fotografía en la Escuela Activa de Fotografía de la Ciudad de México y se especializó en Fotografía Documental en la Escuela de la Asociación de Reporteros Gráficos de la República de Argentina, además de diversos talleres y diplomados con fotógrafos como Ron Haviv, Mark Powell, Kurt Hollander, Humberto Ríos, Francisco Mata, Antonin Kratochvil, Eniac Martínez, Daniel Aguilar, Fernando Montiel Klint, Ataúlfo Pérez Aznar, Narciso Contreras, Eduardo Miranda y Marco Antonio Cruz. Cursó la Licenciatura en Estudios Latinoamericanos en la Facultad de Filosofía y Letras de la UNAM. Actualmente es fotógrafo independiente y colaborador de la World Wildlife Fund en México. Ha patrticipado
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en múltiples exposiciones incluyendo las exposiciones Inaugurales del Foto Museo Cuatro Caminos, “El Estado de las Cosas” y “Todo por Ver” curada por Gerardo Montiel Klint y Francisco Mata Rosas; también en “Enamorados de la mujer barbuda”, Los Ángeles, California, y muchas más en Roma, Italia; Copenhague, Dinamarca; Buenos Aires, Argentina y México. Ganador del Primer Lugar del Concurso de Fotografía de la Revista Cuartoscuro sobre Identidad Latinoamericana, acompañado de publicación en la Revista y una exposición en el Museo Archivo de la Fotografía y del Primer Lugar del “Second Inspiration APF Award” de Art Photo Feature. Fotógrafo para el Año Dual Alemania-México 2016-2017 y el Goethe Institut Mexiko. Su obra se ha publicado en diversos medios impresos y digitales como The Guardian, Life & Style, Revista Cuartoscuro, México Desconocido, Sobre Ruedas, Cultura Colectiva, La Zurda, Yaconic, Mexicanísimo, Revista Crisis (Argentina), Bex Magazine (Argentina), entre otros.
MATHIAS GOERITZ (Danzig, n. 1915). _
Pintor, escultor y arquitecto mexicano, asociado a la tendencia de la abstracción constructiva. Cursó estudios de Medicina en la Universidad de Berlín durante un año. Las inquietudes del joven estudiante eran de índole estética, por lo que se matriculó en la Escuela de Artes y Oficios de Berlín Charlottenburg, y estudió Filosofía e Historia de Arte, disciplina en la que se doctoró. Viajó por Francia, Suiza, Checoslovaquia, Polonia, Austria e Italia, entre otros países. En 1941 llegó a España y de ahí se trasladó a África del Norte. En España siguió su trabajo artístico al lado de importantes artistas de la vanguardia. Impartió conferencias y fundó la conocida Escuela de Altamira. En Guadalajara, México, el arquitecto Díaz Morales fundó en 1949 la Escuela de Arquitectura e invitó a Goeritz para que impartiera una cátedra. Vivió un tiempo en Guadalajara y posteriormente, en 1952, se le encargó la construcción de un edificio en la ciudad de México y otros proyectos que forman parte, hoy día, del paisaje urbano.
MIGUEL ÁNGEL ROJAS (Colombia, n. 1946). _
Obtuvo un Pregrado en Arte en la Universidad Nacional de Colombia en Bogotá. Es considerado como un artista pionero del arte contemporáneo en Colombia. Sus experimentos con fotografía de larga exposición a inicios de los años 70, de los que resulta su reconocida serie Faenza, capturaron los encuentros furtivos entre hombres gay en teatros de cine en decadencia. Estas imágenes fantasmagóricas no solo retratan las experiencias físicas y afectivas de una comunidad invisibilizada, sino también la primera exploración del artista en torno a la subjetividad en su obra. Desde entonces, su trabajo ha girado en torno a temas de identidad, problemáticas sociales, violencia y el tráfico de drogas. Su obra se encuentra en colecciones institucionales de renombre como las del Museo de Arte Moderno de Nueva York, la Tate Modern de Londres, El Museum of Fine Arts de Houston, el Instituto Nacional de Bellas Artes de la Ciudad de México, el Museo Nacional de Colombia, el Museo de Arte del Banco de la República en Colombia, entre otras. Dentro de las exposiciones individuales que resaltan: “Miguel Ángel Roja, unas de cal y otras de arena (Quimbaya)”, Museo Nacional de Artes Decorativas, España (2015) y “El camino corto” en el Museo de Arte de la Universidad Nacional, Bogotá (2007). Como participante en obras colectivas destacó con “Home” en Los Ángeles County Museum of Art (LACMA); “Biennale of Sidney” (2016); en la colección Daros Latinamerica para la Fundación Proa en Argentina (2015) y “Perder la forma humana. Una imagen sísmica de los años 80 en Latinoamérica” en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (2012). Recibió el premio Eco-Art en el Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro (1992), y el primer premio en el XXXII Salón Nacional de Artistas en Colombia.
MIGUEL BOLÍVAR (México, n. 1974). _
Miguel Bolívar es un arquitecto, diseñador y artista plástico originario de la ciudad de Durango. Realizó sus estudios en Durango, Zacatecas y el ESAM Design de París donde empezó a elaborar objetos en cartonería enfocados al diseño interior. Desde niño ha tenido inquietudes artísticas, amante del color, se inició en el mundo del arte popular con el desfile “La noche de los Alebrijes”. Antes de cualquier cosa se considera un creador que constantemente apren-
de nuevas técnicas, como la aplicada en la realización de alebrijes luminosos con gran aceptación del público. A la fecha ha expuesto en el Museo de Arte Popular, en espacios públicos como la Avenida Paseo de la Reforma y el Zócalo de la Ciudad de México, Guanajuato, Querétaro, París, Londres y el próximo año en Berlín.
MORTEN SLETTEMEÅS (Noruega, n. 1975). _
Radica y trabaja en Oslo. Artista perteneciente a la joven generación de pintores noruegos, sus pinturas son expresivas y orgánicas, con intensos brochazos de color, características que recuerdan la tendencia expresionista alemana de principios del siglo pasado y del periodo expresionista nórdico de la posguerra, pero también evocan, como si se tratase de un eco lejano, las pinturas decimonónicas de Edward Munch.
NAPOLEÓN AGUILERA (México, n. 1986). _
Nació en la ciudad de Zapopan, Jalisco. Sus últimos proyectos “Columna truncada para fiesta patronal”, “Texana pesada” y “Abigeo” afrontan temáticas sobre herencias y hábitos culturales. En 2015 formó parte del colectivo “Fiesta - Familia - Estado” el cual generó una exposición homónima en el Museo de la ciudad, Guadalajara, México. En 2016 mostró su primera exposición individual “Las ruinas circulares” en Artere-A, Guadalajara. Ese mismo año participó en un taller impartido por Cynthia Gutiérrez. Sus proyectos más recientes incluyen: “Salón ACME 5” en la Ciudad de México y “DIY Fiction” en Careyes, curada por Geovana Ibarra y Paulina Ascencio
OMAR ZURITA (México, n. 1975). _
Cursó la carrera de Arte Dramático en la Casa del Teatro en la Ciudad de México y tomó distintos talleres de pintura en La Metro en Madrid, Astillero en Valencia y Arte Comuna en Barcelona. De sus exposiciones Indivi-
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duales destacan: “Astillero, dibujos presentados”, Murcia (2005); “El mural Aquelarre”, Torre Vieja (2006); “Muertas en Juárez”, Ciudad de México (2007); “Daniel 69”, Ciudad de México (2010) y La Karamba, Reyjavik (2009). Dentro de su participación en exposiciones colectivas se encuentran “Morfeo”, en la Universidad de Juárez (Chihuahua, 2003); “Rostros”, Veracruz (2004); “Ni Unamás” en Ciudad Juárez (2005); “Calaveras y diablitos”, Circo Volador, Ciudad de México (2006); “Cholosy Tres Cruces”, Ciudad Nezahualcóyotl (2007); “Urbanos”, Torre Vieja (2008); “La Jaina”, Murcia (2008); “Affordable Arte Fair” (2013); “Figuraciones” en el Consulado de México en Florida, (2013) y “13 Artistas Mexicanos” en la Galería 3010 en Fort Lauderdale, Florida (2013).
OMERO LEYVA (México, n. 1975). _
Vive y trabaja en la Ciudad de México. Como pocos artistas de su edad, ha logrado afirmar un planteamiento muy original de orden estético y conceptual, que revalora a la pintura como medio idóneo para registrar su entorno identificador, su relación con el contexto de su crecimiento y formación, así como las alteraciones que ha sufrido dicho contexto rural-bucólico-periférico a partir de las injerencias de la globalización
ORLANDO DÍAZ (México, n. 1978). _
Cursó el bachillerato en Artes y Humanidades, CEDART Frida Kahlo (1994). Licenciatura en la Escuela de Diseño del INBA en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda” INBA. Asiste al taller de dibujo de figura humana en la Su obra a sido parte de la Academia de San Carlos (1999-2000). Exposiciones individuales, entre ellas, en la Galería Traeger & Pinto. Por concurso recibe el encargo del Monumento a los Soldados Caídos en Servicio, para el Campo Marte, por parte de la Secretaría de la Defensa Nacional (2009); Fúe finalista en el Concurso Takasaki International Art Competition, de Takasaki, Japón. Ha sido incluido en más de 100 medios impresos (revistas, libros, catálogos), prensa, radio y TV.
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ORLY ANAN (Colombia, n. 1986). _
Orly Anan es artista visual y performer interesada en el punto de fusión entre lo ritual y el arte contemporáneo. Su investigación la ha llevado a explorar las tradiciones de distintos países, desde la India hasta México, siendo estas culturas su principal inspiración. La obra de Orly Anan nace de lo espiritual en lo cotidiano, definiendo la espiritualidad como la conciencia de la energía que une y entrelaza todo. Descontextualiza los objetos como un acto de conciencia, de intercambio y retroalimentación, dando pie a una estética muy personal. Se enfoca principalmente en escenografía e intervención de espacios utilizando la tecnología como herramienta de exploración. Sus escenografías cinematográficas han sido vistas en festivales de cine como Cannes, Tribeca film festival y Rhode Island international film festival. Actualmente vive en Nueva York donde ha tenido la oportunidad de colaborar con artistas como Marina Abramovic, Kris Moran, Daniel Arsham y Juan Carlos Alom, entre otros. Su trabajo escenográfico ha sido publicado en revistas como: V Magazine, T Magazine, New York Times, Harpers Bazaar, Bullet Magazine, L´Officiel Mexico, L´Officiel Germany, Metal Magazine, Surface Magazine, Número Magazine y The Wild magazine.
PABLO BONEU (Argentina, n. 1969). _
Su actividad artística es heterogénea y, aunque su formación es autodidacta, durante algún tiempo cursó estudios de Astronomía y de Cine en la Universidad Nacional de su natal Córdoba. Ha realizado numerosas producciones no convencionales ligadas a la fotografía, el diseño y el video; ha escrito además textos de ficción. Varios de sus proyectos artísticos los ha mostrado en España, Estados Unidos, Argentina, Alemania y México. En 2001 fundó Kung Works, productora de contenidos, con la cual dio soporte a varios proyectos de arte, comunicación y tecnología de diferentes artistas, compañías privadas y entidades de Gobierno de México. Reside entre México y Argentina.
PATRICK PETTERSSON (Estados Unidos, n. 1970). _
Se licencia en Artes Visuales por la Universidad de Texas, Austin (1994) y estudia una Maestría en Artes Visuales en la Escuela Nacional de Artes Plásticas, UNAM (1997). Su trabajo fue premiado en la VIII Bienal de Monterrey FEMSA, con una residencia en la Ecole des Beaux Arts de St. Etienne, Francia, en dónde realizó la exposición individual “Utopías y Bacanales”. En 2014, su trabajo gana un premio de adquisición en la “Bienal Nacional de Artes Visuales” de Tijuana. Fue seleccionado, también, para formar parte de la “Bienal de Pintura Rufino Tamayo” (2016) y la “Bienal de Artes Visuales” de Yucatán (2015). Su trabajo ha sido expuesto en importantes instituciones culturales en México como el Museo Nacional de San Ildefonso, la Casa de Luis Barragán, el Museo Tamayo, el Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca, el Centro Nacional de las Artes, la Biblioteca Nacional José Vasconcelos y el Parque Fundidora de Monterrey. Ha tenido exposiciones individuales en el Polyforum Siqueiros de la Ciudad de México, el Museo de los Pintores Oaxaqueños, el Instituto de México en España (Madrid) y varias galerías como Nina Menocal (CDMX), Drexel Galería (Monterrey), Quetzalli (Oaxaca), Jennifer Kostuik (Vancouver) y Mercedes Urquijo (Madrid). Participó como gestor, curador y artista en la exposición “Pararrayos, Doce Pintores Contemporáneos de México”, presentada en la Embajada de México en Alemania, en la ciudad de Berlín (2015), a través de la Secretaría de Relaciones Exteriores de México. “The James Garden”, instalación artística y escenográfica del artista, fue comisionada por la Fundación Anglo Mexicana en 2013 y presentada en Casa del Lago (CDMX) y en los Festivales de Arte de Henley-on-Thames y Petworth en Reino Unido.
PAULA CORTÁZAR (México, n. 1991). _
En el 2014 se graduó con honores de la licenciatura en artes de la Universidad de Monterrey. Realizó una estancia en el 2012 en la Escuela Nacional Superior de Bellas Artes de Lyon en Francia. En el 2013 fue seleccionada para participar en el Programa de Fotografía Contemporánea (PFC), proyecto educativo de la Fototeca de Nuevo León. En 2015 expuso de manera individual en la galería Machete en la Ciudad
de México. Su obra también ha formado parte de varias exposiciones colectivas, entre ellas se encuentra la primera edición de “Proyectos Unidos Mexicanos” en Brooklyn (2015); “Al encuentro con lo sensible” en el Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey (2015); “Otro(s) Dibujo(s)” en la Pinacoteca de Nuevo León (2014); “PFC’13” en el Centro de las Artes (2014), entre otros. Su obra fue seleccionada en el certamen “Soporte / Papel 2015” Premio Bernardo Elosúa Farías. Ha sido reconocida con distintos honores, entre los cuales destacan la Beca Jóvenes Creadores 2015-2016, el primer premio del 5to Concurso de Fotografía de la biblioteca de la Universidad de Monterrey (2013) y la mención honorífica en la exposición Sin Categoría por parte de la Casa de la Cultura de San Pedro (2012). Actualmente es representada por la galería Machete en la Ciudad de México.
PEDRO CORONEL
(México, n. 1923- México m. 1985). _ Pintor, escultor, dibujante y grabador abstracto. Estudió pintura y escultura en “La Esmeralda”. Durante su estancia en Paris frecuenta los talleres del pintor Victor Brauner y del escultor Constantin Brâncuşi que influyeron en gran medida su proceso artístico (1946). Su primera exposición individual (1954) fue en la Galería Proteo, Ciudad de México, donde su exposición llamó la atención al Premio Nobel mexicano, Octavio Paz. Más tarde exhibió en Francia, Italia, Japón, Estados Unidos y Brasil. En su último periodo en París su arte mostró diferentes facetas subyugando en el erotismo de las formas naturales, de una apreciable madurez estética y artística. En 1984 recibió el “Premio Nacional de Ciencias y Artes en el área de Bellas Artes”. El día 23 de mayo de 1985 a las 18:00 horas. murió a causa de un derrame cerebral a la edad de 62 años. En la nave mayor del Palacio de Bellas Artes, de la Ciudad de México se le rindió homenaje póstumo, La dramatización de los colores de las antiguas culturas y la recuperación de sus formas y motivos son los elementos básicos del trabajo de Coronel. En sus obras se ve la fuerza de su pensamiento abstracto y su original colorido, que disfrazaban en cierto modo, el contenido dramático de sus obras. Sus esculturas son de formas simplificadas.
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PEDRO FRIEDEBERG (Italia, n. 1936). _
Pintor surrealista, grabador, diseñador, ilustrador, muralista y escultor. Estudio 3 años de Arquitectura en la Universidad Iberoamericana (1957). Sus mentores: Mathías Goeritz, José González Camarena y Gerry Morris. Entres sus Exposiciones individuales recientes: Gran retrospectiva 1953-2009, en el Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México; Galería Drexel, Monterrey, N.L..; Galerie im Gassla, Nuremberg, Alemania; (2001); Festival del Desierto, La Paz, S.L.P., (2002); Museo de Historia, Monterrey, N.L. (2002); Antiguo Palacio del Arzobispado, Cd. de México (2003); Studio DVO, Bruselas, Bélgica (2004); Galería Pecannins, Cd. de México (2004); Instituto Cultural Aguascalientes (2004). Entre sus exposiciones colectivas recientes: Escuela mexicana, de la Ruptura al Geometrismo, en el Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México (2000); De mi colección, exposición itinerante de CONACULTA (2000); Cajas en la Casa de la Primera Imprenta de la Ciudad de México (2001); Aparentemente Sublime en el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México (2003). Su obra forma parte de colecciones particulares y públicas, entre ellas: Museo de Arte Moderno, Museo José Luis Cuevas, Museo de Arte Moderno de Nueva York, Museo de Arte Contemporáneo de Chicago, Museo de Arte Contemporáneo de Nueva Orleans, Biblioteca del Congreso de Estados Unidos en Washington D.C., Consejo Nacional de Investigación de Canadá en Ottawa, Museo de Louvre de París, Museo de Israel en Jerusalem, el Museo Nacional de Arte Moderno en Bagdad, el Museo de Arte de Ponce en Puerto Rico, el Museo Franklin Rawson en Argentina, el Museo Omar Rayo en Colombia y el Museo Nacional de Historia Natural del Instituto Smithsoniano en Washington, DC. Su obra mural se encuentra en diversas instituciones de México y el extranjero. Ha ilustrado publicaciones, diseñado portadas de libros de texto y proyectado escenografías y vestuarios. Se ha hecho acreedor a diferentes premios, entre ellos: el 2° lugar de la Bienal de Córdoba, Argentina (1966); 1er lugar en la Exhibición Solar en la Ciudad de México (1967); en la Trienal de Grabado, Buenos Aires (1979); Premio especial en la XI Bienal de Artes Gráficos
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en Tokio (1984); nombrado Artista Creador por el Sistema Nacional de Creadores Mexicanos y Extranjeros (1993). Su trabajo y vida han sido presentados en 8 libros desde 1972. Su autobiografía “De vacaciones por la vida, Memorias no autorizadas”, fue editada por Trilce y CONACULTA.
PEDRO REYES (México, n. 1972). _
Formado como Arquitecto, Reyes estudia la capacidad de los espacios creados para convertirse en generador de ideas y adquirir funciones específicas. Alude por medio del espacio y su acotación a cuestiones de índole social, política, psicológica o cultural, Explora el poder de la organización individual y colectiva para incitar al cambio a través de la comunicación, la creatividad, la felicidad y el humor, a través de una práctica variada entre escultura, dibujo, performance, maquetas y video. Entre sus exposiciones individuales se destacan: “Creative Time” New York, USA (2016); “Dallas Contemporary, Texas”, USA (2016) DOCUMENTA (13), ICA, Miami, FL, USA (2014); Beijing Biennale, China (2014); Kassel, Germany (2012) Guggenheim Museum, New York, USA (2011); Lyon Biennale, France (2009) y the 50th Venice Biennale, Italy (2003).
PEDRO VALTIERRA (México, n. 1955). _
Pedro Valtierra (Fresnillo, Zacatecas, 1955) se inició en 1973 como auxiliar de laboratorio y dos años después se convirtió en fotógrafo de la Presidencia de la República. Ingresó a El Sol de México en 1977 y posteriormente se incorporó al diario Unomásuno. En 1984 organizó y dirigió la Agencia Imagenlatina. Fue fundador y jefe de fotografía de La Jornada (1984-86 y 1995-2000). De 1990 a 1992 dirigió al lado del periodista Miguel Ángel Granados Chapa la revista Mira. En 1986 creó la agencia de fotografía Cuartoscuro y en 1993 la revista del mismo nombre, las cuales dirige hasta la actualidad. Desde 1984 imparte talleres y conferencias de fotoperiodismo mexi-
cano contemporáneo a medios de comunicación y universidades. En 2006 promovió la fundación de la Fototeca de Zacatecas “Pedro Valtierra”, desde la cual ha impulsado diversos proyectos para el rescate de los archivos históricos y fotográficos de los estados del centro y norte de México. Su trabajo periodístico en los diarios nacionales más importantes y como parte de la agencia de fotografía Cuartoscuro incluye la cobertura de sucesos icónicos de la historia moderna de México y otros países. Fue corresponsal de guerra en Nicaragua durante la Revolución Sandinista (1979); durante el levantamiento del Frente Polisario de la República Árabe Saharaui Democrática en contra del gobierno de Marruecos (1982) y también cubrió los movimientos guerrilleros en Guatemala, el Salvador y México durante la década de los 80´s y 90´s. Su trayectoria le ha hecho merecedor de numerosos reconocimientos entre los que destacan el Premio Nacional de Periodismo en 1983; dos veces el premio de la Bienal de fotografía del INBA de 1980 y 1984; Medalla de plata de la Organización Internacional de Periodistas en Moscú en 1986; segundo lugar en el concurso México en la encrucijada, celebrado en Munich, Alemania en 1994 ;el Premio Rey de España a la mejor fotografía noticiosa internacional en 1998; el Premio Nacional de Periodismo por trayectoria en 2014 y en 2016 la Medalla al Mérito en Artes en la categoría de Artes Visuales que otorga la Asamblea Legislativa de la Ciudad de México. En su curriculum hay más de 350 exposiciones dentro y fuera de México, así como innumerables concursos nacionales e internacionales de los que ha sido jurado.
PERLA KRAUZE
Kunsthaus (Miami 2008); Trienal de Arte Echigo Tsumari (Japón) ; “Pino Suarez 30”, Intervención y Memoria en el Museo de la Ciudad de México (2012); “Flores de Asfalto” en la Fundación del Centro Histórico; Fosterat Gallery; Painting, Fosterart Gallery en Londres; su participación en “Hecho en México”, colectiva de video; la escultura “De la palabra a la mano” en el Centro Cultural España; “Huellas de la Santa Veracruz” en el Museo Nacional de la Estampa; y Bienal de Pintura Rufino Tamayo. Dentro de los apoyos reconocimientos que ha obtenido se encuentran la Red Gate Artist Residency (Beijing, China 2015); distintas becas del Sistema Nacional de Creadores de Arte (FONCA) en Artes Visuales; el Apoyo de Jumex para Stones and Flowers; una beca de British Council y UNAM para estudios en Chelsea College (Londres); Premio de Adquisición en INBA, México; el VI Bienal Iberoamericana de Pintura, y una mención en el encuentro de Arte Joven en Aguascalientes, México.
PILAR GOUTAS (México). _
Licenciatura en Diseño Gráfico por la Universidad Iberoamericana de la Cd. De México; Estudió diseño de moda en el Instituto Marangoni de Milán, Italia. Ha participado en exposiciones individuales: en el Sunshine International Art Museum, en el Beijing China Open; en el Zone Chelsea Center of the Arts de Nueva York y en el Sans Filtre, de México.
(México, n. 1953). _
PRINCE LÁUDER
Realizó estudios en Diseño Gráfico en la ENAP, UNAM y Obtuvo un diplomado en textiles por el Goldsmith’s College en Londres. También obtuvo la maestría en Artes Plásticas en el Chelsea College of Art. De sus principales exposiciones y colaboraciones artísticas destacan “Archipielagos” en Bodega Quetzali (Oaxaca 2016); “Suspended Blues” en Gal Sonja Roesch (Houston, EU 2013); Huellas y Trayectos en el Museo de Arte Moderno Ciudad de México, (2010); “Stones and Flowers” en la Howard Scott Gallery (Nueva York 2009); “Light and Time” en la Galeria
Artista Visual. nacido en México en 1992. Desde muy temprana edad, el trabajo de Prince se ha desarrollado a través de su gran gusto por las artes. De una manera muy autodidacta comenzó a experimentar con la pintura, el dibujo y la fotografía, creando obras únicas, llenas de color, formas y texturas, utilizando el collage como principal medio de montaje. Su trabajo se define como un juego entre la moda y el arte, que busca reinterpretar la belleza. Como
(México, n. 1992). _
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participante en exposiciones colectivas, destacó con “Joint Works” en Tokyo, Japón (2012); “Grafik14” para Visual Eyes, en Zürich (2014); “Fill your bottle with” en el Museo Soumaya, Ciudad de México (2016); exposición para “México Vivo” en el Museo de Arte Moderno (2016); “No Name” en el Museo Tamayo (2016) y “Fenomena” en Studio 91, Lomas de Chapultepec (2017). Sus exposiciones individuales incluyen “Firenze 4 Ever” en Florencia, Italia (2014); “Design Week Mexico” una intervención en vivo para Blend Design, Ciudad de México (2015) y “Icons” (2016). Fue galardonado como uno de los 100 mejores artistas del collage en el mundo en el libro “Making a Splash” en Hong Kong (2014) y actualmente es parte del programa “Las 30 Promesas del Arte y la Creatividad en México”, seleccionado por Cultura Colectiva.
PUYOL ROSE (México, n. 1987). _
Subasta MAM 2012. F. Urbana JAL 2011. F. The End, C. de Convenciones Satélite 2012. Subasta 2013 MACAY. Subasta GDL Arte Vivo 2013, Biblioteca J J Arreola. Subasta MAM 2013. S. GTO 2014. S MAM 2014. F 80 Años P de Bellas Artes 2014. S. MAM 2015. F. M Franz Mayer 2016. Luxe & Class y Matador 2017. Dentro de sus exposiciones individuales podemos encontrar, Retrospectiva, Fotografía en CDI (Centro Deportivo Israelita) 2016 y reconocimientos: MÉXICO VIVO, 2012, 2013, 2014 Y 2015.
QUIRARTE + ORNELAS (México, n. 1979) (México, n. 1980). _
Anabel Quirarte y Jorge Ornelas. Viven y trabajan en la Ciudad de México. De 1999 al 2004 estudiaron la Licenciatura en Artes Plásticas en la ENPEG “La Esmeralda”, en México, y fueron becarios del programa de intercambio otorgado por el Estado de Baden-Württemberg, en la Academia de Artes plásticas Karlsruhe, Alemania. Sus principales exposiciones individuales incluyen “Núcleo, obra en obra”, Ciudad de México (2017); “Extrapolación Sismo Arte Contemporáneo”, Ciudad de México (2016); “Through the Structure”, Galería Heart Ego, Monterrey; “Structure and Fragments”, One and J. Gallery, Seúl (2011), y “Destruir y Ensamblar”, Galería Ferenbalm-Gurbrü Station, Alemania. En exposiciones colectivas participaron en
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“UNFOLD”, Periferia Projects en K.A.S. Gallery, Budapest (2017); “Adicción+”, Sismo Arte Contemporáneo, Ciudad de México (2016); “Constructed Otherness”, Arts Projects en Chalton Gallery, Londres y “After”, The Object Gallery, Nueva York (2012). Dentro de los apoyos y reconocimientos que han obtenido se encuentra la beca del programa de intercambio Baden-Württemberg en la Academia de artes plásticas Karlsruhe; la Mención Honorífica en la XIII Bienal de Pintura Rufino Tamayo 2006. el primer lugar en el Premio Luna, una Expresión Artística (2009), y el apoyo Jóvenes Creadores otorgado por el FONCA (2006, 2013 y 2014).
RAFAEL URIEGAS (España, n. 1982). _
Realizó su licenciatura en Artes Plásticas en la ENPG “La Esmeralda” de 2003 a 2008 y de 2011 a 2013 la Maestría en Artes en la Universidad Autónoma del Estado de Morelos. También fue profesor de pintura en la Escuela Nacional de Artes Plásticas, ENAP, UNAM. Entre sus principales exposiciones individuales se encuentran: “Laguna”, Galería Karen Huber, Ciudad de México (2015); “Pintura Silva”, Galería Toca, Ciudad de México (2014) y “Santa María en Marte”, Galería Border, Ciudad de México (2009). Colectivamente, destaca su participación en las exposiciones: “¿Buscas lo real?”, Museo Nacional de San Carlos, Ciudad de México (2012); “X Bienal de Nicaragua”, Managua y León, Nicaragua (2016); “Bienal de Yucatán”, Museo de Arte Contemporáneo de Yucatán (2015); “Profil Perdu”, MC Gallery, Nueva York (2015); en Luciano Benetton Foundation, Bienal de Venecia (2015); “El Hombre ha Muerto”, Universidad de Grime, Holanda (2013) y “Justina”, Co-lab, Dinamarca (2009). En 2014 recibió el Premio de adquisición XVI Bienal de pintura Rufino Tamayo y de 2013 a 2014 fue becado por el Programa Jóvenes Creadores FONCA en México.
RAÚL ANGUIANO
(México, n. 1915 - México m. 2006). _
Pintor, muralista y grabador. A los 12 años se incorpora a la Escuela Libre de Pintura en Guadalajara y a los 19 llega a Ciudad de México, donde estudia en la Escuela
Nacional de Escultura, Pintura y Grabado “La Esmeralda” del INBA. Fue fundador en 1938 del taller de la Gráfica Popular, donde principalmente realizó grabados y litografías con la idea básica de solidaridad con los trabajadores y campesinos. El mismo año, presentó su primera exhibición individual en el Palacio de Bellas Artes. En 1941 fue a Estados Unidos donde estudió y enseñó pintura. Ejerció, junto con Guadalupe Posada, Leopoldo Méndez y los artistas del Taller de Gráfica Popular, una gran influencia sobre otros movimientos artísticos. Fue fundador del Salón de la Plástica Mexicana. Perteneció a la segunda generación de muralistas, integrada también por Jorge González Camarena, Federico Cantú Garza, Juan O’Gorman, entre otros. A lo largo de su vida pintó cerca de 50 murales entre los que destacan los de la Ciudad de México en el Museo de Antropología y el de la Secretaría de Educación Pública; y en Estados Unidos el del Museo Bowers en Santa Ana, California. Como ilustrador incluye libros de la Expedición a Bonampak y Mawarirra. Un viaje al mundo mágico de los huicholes (1972).Raúl Anguiano enfocó su obra en el México rural e indígena. Por su continuo viajar, también pintó varios países, le gustaba también dibujar mujeres y hombres desnudos. Merecedor del Premio Nacional de Ciencias y Artes en el área de Bellas Artes en 2000. Obtuvo en 1954 la primera distinción de Invierno del Salón de la Plástica Mexicana, y en 1956 el Congreso de Jalisco le impuso la Condecoración José Clemente Orozco. Otros reconocimientos son la Medalla de Oro del Salón Panamericana de Porto Alegre, Brasil (1958) y el Premio Jalisco, en 1988. Desde 1993 fue parte del Sistema Nacional de Creadores. Algunas de las obras del reconocido artista integran colecciones en Estados Unidos, Bélgica, Polonia, China, Suecia, Francia, Argentina, Italia y México.
RICARDO VILLASANA (México, n. 1969). _
Colectiva de aniversario Arte en Movimiento Galería Oscar Román Paralelas Contemporáneas VIII, Bellas Artes 43 + 11 Subasta Arte Vivo (MAM) 1310 Gallery Miami Florida Paráfrasis Colectiva de Invierno, Galería Oscar Román, Dead Hotel Matilda, San Miguel de Allende, Resonancias colección pago en especie SHCP. Instituto Cultural de México [sede brickell] 1399 sw 1 ave Miami Florida, El Circo II, Salón de exposiciones Fundación Alicia, Nayarit, Realidades Contemporáneas, ST Regis Nayarit Del Surrealismo a la Vanguardia, Fundación Nayarit Colectiva, Expo subasta arte contemporáneo, Grupo de los Dieciséis . Exposición colectiva de verano Galería Caja Blanca Grupo de los dieciséis, Art of the city, Chicago City Center, Naturaleza Lúcida, City art
Zhou B Art Center Gallery. Chicago, Illinois. Arte contemporáneo 2008, Paralelas Contemporáneas, Museo Metropolitano de Tampico Museo de Querétaro, Maco México Arte Contemporáneo, Arte-Madrid, Madrid España, Singapur, Museo Nacional de Historia, Seúl, Corea Centro Cultural SamsungRaemian, Hong Kong, China Sede Consular.
RICARDO GARDUÑO (México, n. 1988). _
Artista emergente nacido en México en 1988 y es egresado de Arquitectura en la Universidad Nacional Autónoma de México. En 2009 presentó su primera exposición colectiva titulada “14 individuales” en GB GALLERY, también en ese mismo año realizó su primera exposición individual en una casona sobre la calle de Reforma, en la cual se expusieron más de 40 de sus obras, inspiradas en las distintas personalidades del gremio artístico. Dentro de sus exposiciones más importantes resaltan “Gigantes”, que constó de siete retratos arrugados presentados en Barcelona (2012); “Agua y emociones” en el espacio galería de El Dorado on the Beach, Puerto Vallarta (2012) y nuevamente en el Centro Libanés (2013), y un trabajo colaborativo con Pedro Friedeberg en la obra “Silla-mano” para una subasta en la exposición “Manos por México” en el museo Franz Mayer para la Fundación “V. Ferrara”. En 2015 presentó para Max Mara la nueva colección de primavera con el diseño de un aparador en la boutique Masaryk en Polanco, además de la realización de obras hiperrealistas y un piano invertido con la textura de dicha temporada. Ese mismo año participó como conferencista para TEDx, presentado por la UNAM y realizó una obra inspirada en la “Whitney Bag”, misma que fue subastada para la Fundación Rebeca de Alba. En 2016 Trabajó para Calvin Klein con la intervención de un piano, una instalación y el arte musical de temporada.
RICARDO GUZMÁN (México, n. 1977). _
Estudió Artes Audiovisuales en el Centro de Medios Audiovisuales y Artes Visuales especializadas en Fotografía en la Universidad de Guadalajara; obtuvo la Residencia para Artistas Internacionales de la Academia de Artes Visuales y la School of Visual Arts. Participó en el programa de residencias de la American Fundation For The Cuban Development (2012 Fue seleccionado para
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el Premio Mexicano de Fotografía Contemporánea de la Fundación Mexicana de Cine y Artes; Selección de una fotografía para representar a México en el Festival Photo España (2015). Su obra ha sido expuesta en galerías y festivales dentro y fuera del país. Su obra forma parte de colecciones de varios estados de México, Cuba, Argentina y Estados Unidos.
RICARDO PINTO (México, n. 1973). _
Nació en México en 1973 y estudió arquitectura en la Universidad de Guadalajara Jalisco. También fomentó su educación artística con un taller de dibujo con el Mtro. Gilberto Aceves Navarro en Oaxaca, un taller de Fresco con el Mtro. José Galindo, un taller de cerámica ITESO en Guadalajara y un taller de grabado y otro de dibujo y acuarela en el Instituto Cultural Cabañas. Ha participado en más de 60 exposiciones colectivas en México, Canadá, Colombia, Estados Unidos, Marruecos, Egipto, Argelia, Sudáfrica y Brasil. De sus exposiciones individuales destacan “Cultura maya” en el Museo de Arte Contemporáneo de Yucatán (MACAY) en el 2011; un Open Studio en Leighton Artist Colony, Banff Centre, Canadá (2009); “Filo Profundo” en el Museo de Arte Abstracto Manuel Felguerez, Zacatecas (2006) y “Branched Path” en The Other Gallery, Canadá (2009). En proyectos colaborativos participó en Lost Horizon “Naonow” en el centro Xu Yuan en Beijing, China (2014); “CIMBRA” en el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México (2011) y “Things to watch” en Turner & Carroll Gallery, Santa Fe, Estados Unidos(2008). Su trabajo ha sido acreedor de distintos reconocimientos tales como la Beca Creador con trayectoria del Fondo Estatal para la Cultura y las Artes de Oaxaca (2010 y 2013), residencia en el Xu Yuan Center en Beijin y la Residencia en el Centro Banff Canadá a través del programa de intercambio para residencias artísticas 2006 y 2011 del FONCA.
ROBERTO CORTÁZAR (México, n. 1962). _
En 1976 comenzó sus estudios en la Escuela Nacional de Iniciación Artística no.2, INBA-SEP; en 1977 ingresó a la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado La Esmeralda (INBA), y en 1980 obtuvo su primera beca en Producción participando en diversos concursos, subrayando su presencia en el Segundo Salón Anual de Artes Plásticas del Museo del Palacio Nacional de Bellas Artes (1980) como finalista en la sección de Nueva figuración y Neoexpresionismo. Así mis-
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mo, en 1981 se presentó en el Segundo Encuentro Nacional de Arte Joven, y en 1982 obtuvo el premio especial en la Primera Bienal de Dibujo del Salón Nacional de Arte Plásticas del INBA, llamando la atención de la crítica especializada, particularmente la de la Maestra Raquel Tibol, y el legendario museógrafo mexicano Fernando Gamboa. Realiza entonces en 1983 su primera exposición individual en la Galería Sloanne Racotta, en la Ciudad de México. En 1984 presenta una exhibición individual en la Galería Reynold Kerr Soho (Nueva York) y en la Galería Misrachi (México). Participa en un sinfín de exposiciones colectivas en diversos museos y galerías, principalmente en México, Centroamérica y Estados Unidos. En 1988 presenta una exposición individual en el Museo de Arte Moderno de la ciudad de México titulada “Anatomías”, misma que se presentó posteriormente en otros recintos como el Museo de Monterrey (Monterrey, N.L), y en el Museo Regional de Guadalajara (Guadalajara, Jal).
RODRIGO DE LA SIERRA (México, n. 1971). _
Al finalizar la licenciatura en Arquitectura y un diplomado de Creatividad en la Universidad del Valle de México y desarrollar durante 12 años su profesión como arquitecto, el artista participó en los talleres; “Técnica de materiales y patinas” y “Taller de Escultura en Círculo de Arte y Escultura Pippal.” Realizó cursos de modelado, talla en madera, moldes y vaciado y escultura figurativa en la Universidad Iberoamericana. Continuó su desarrollo de forma autodidacta. Con 7 años de trayectoria como escultor De la Sierra ha logrado exponer en algunas de las ciudades más importantes del mundo en paises como Italia, Canadá, Corea, Estados Unidos y México, y ha sido seleccionado para participar en diferentes prestigiadas bienales en España y Japón.
RODRIGO GONZÁLEZ CASTELLANOS (México, n. 1987). _
Nacido en Tepatitlán, Jalisco, creció en un ambiente agropecuario y de campo, y en 2005 se mudó a la ciudad de Guadalajara para estudiar arquitectura. Posteriormente comenzó a interesarse en el arte realizando piezas que mostraran el trabajo físico y el desgaste vivido en el campo. Actualmente
cuenta con un despacho de arquitectura y realiza trabajos de arte contemporáneo siguiendo su misma línea de lo rural. Sus exposiciones individuales incluyen “Raíz rural”, en el Museo de la ciudad de Tepatitlán, Morelos (2012) y “Lana Amarilla” en el Museo de Arte Raúl Anguiano (2017). Como participante en exposiciones colectivas colaboró en la segunda edición de “Un metro cuadrado”, en el Hotel Demetria, curada por César García, Guadalajara (2014); “Prometeo” en el Museo de arte Raúl Anguiano, curada por Jorge Tejeda, Guadalajara (2016); y la exposición colectiva “DIY Fiction” curada por Paulina Ascencio en 2017. Fue seleccionado para la revisión de su trabajo en la Convocatoria de Crítica de Portafolios del Museo Universitario Arte Contemporáneo (MUAC) de la UNAM, y también ha sido criticado por Cuauhtémoc Medina (Curador en Jefe del MUAC ) y Daniel Montero (Doctor en Historia del Arte por la UNAM). También contó con una beca del Programa de Estímulo a la Creación y al Desarrollo Artístico.
RODRIGO SASTRE (Argentina, n. 1977). _
Rodrigo Sastre vive y trabaja en la Ciudad de México. Ha logrado pasar del pasatiempo a la verdadera apropiación, adoptando las narrativas, los temas, las soluciones y formas del cómic para narrar su propia historia. En sus obras podemos adivinar y deducir sus miedos, las complicaciones de su vida romántica, su manera de ver la vida y demás episodios de privacidad donde las razones de su circunstancia son representadas (y encubiertas) por monstruos, espectros, villanos, aliens, situaciones inverosímiles y superhéroes en algunos casos triunfantes pero generalmente fallidos. En las obras de Sastre, el cómic trata de narrar la vida de una persona normal. Al pasar por el filtro de la fantasía y la ciencia ficción, el acontecer cotidiano de este artista se convierte en un híbrido visual donde se deja de hablar de lo que se quisiera ser para exponer lo que se es.
RODRIGO SUÁREZ (México, n. 1979). _
Estudió Artes Visuales en la FAD de la UNAM (2000-2004). En el 2004 recibió el premio del Rector de la Universidad María Sklodowska Curie, en la ciudad de Lublin en la VII Trienal Internacional de Arte, Majdanek, Polonia y el Premio Nacional de la Juventud 2003 en el Área de Actividades Artísticas, en la de México. De 2009-2010 fue becario del programa de Jóvenes
Creadores del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (FONCA). Fue artista residente en el Centro de Artes San Agustín, Oaxaca. Su trabajo ha sido presentado en Bolivia, España, Austria, Holanda entre otros países, exposiciones colectivas como en la Feria internacional de Arte Vigo, España 2009 y 2010; en la Feria de Arte Contemporáneo, ARCO 2009, Madrid, España; (2009). Zona MACO, México Arte Contemporáneo, 2011; la IV Bienal de Artes Visuales de Yucatán 2009; el XXVI encuentro nacional de Arte Joven Aguascalientes (2016); SIART (Salón Internacional de Arte 2001), Museo Nacional de Arte, La paz, Bolivia, El futuro no está escrito, colección Luciano Benetton en la Fondazione Cini en Venecia. entre otras. Ha presentado diversas exposiciones individuales como “PUNTO mudo” en AM gallery, España (2008) y “La mierda que todos llevamos dentro” en Zollhaus gallery, Lucerna, Suiza (2013). Trabajó para la Fundación Jumex y Fundación Casa Proal en la producción de obras de distintos artistas como Jean-Luc Moulène, Jim Lambie, Sol Le Witt entre otros.
ROGELIO MANZO (México, n. 1975). _
Nació en Guadalajara pero creció junto con sus familiares en Reno, Nevada. Tiempo después regresó a México para estudiar arquitectura en el Instituto Tecnológico de Colima (1998-2000) y arte en la Escuela de Arte Juan Arrúe, bajo la instrucción del maestro Rafael Heredia (2001-2005). Fomentó el resto de su educación artística con diversos talleres de dibujo, escultura y pintura. Sus principales exposiciones individuales incluyen “El Nigromante” en San Miguel de Allende (2016); “Limbic” en la Galería Omar Alonso, Puerto Vallarta (2012); “Retratos hablados” en Jack Fischer Gallery, San Francisco (2011); y “New Portraits” en Skinner-Howard Contemporary Art, California (2010). En proyectos colectivos participó en “ASSAMBLAGE” en Clarinda Carnegie Art Museum, Nebraska(2016); “New 3” en White Space Contemporary, Ogden, Utah (2014) y “Emergent Art” en la sala internacional Goyart en Zaragoza, España (2009).
ROSA ALAMÁN (México, n. 1962). _
Estudió la carrera de fotografía en la Escuela Activa de Fotografía (1988-1990). Fomentó el resto de su formación artística con un curso fotográfico con Mariana Yampolsky en 1990, clases de pintura en el taller de Macarena Rive-
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ro y Catalina Qintero (1992-1996), clases de apreciación al arte con Robin Bond (1992-1994) y un taller de dibujo con Ana García (2015). Su primera exposición individual fotográfica fue en el Jockey Club donde presentó 56 fotografías digitales con distintos motivos a blanco y negro y color (2009); del resto de sus trabajos destacan “Decoupage” (2013) y “El rojo Tacubaya” (2017). Como colaboradora en exposiciones colectivas participó en la Galería Patricia Conde (2012), una exposición en Nina Torres Fine Art, Miami (2014) y la Galería Treager y Pinto (2014).
SANDRA PANI (México, n. 1964). _
Muestra un interés por la pintura y la música desde muy pequeña, estudiando piano desde los 9 años e ingresando en el conservatorio Nacional de Música como Silvia H. González, Teresa Cito, Perla Krauze y Eugenia Marcos. Ingresa en Studio Art Center´s International (SACI) en Florencia Italia en el año de 1987 y en 1988 al Chelsea School of Art de Londres. (1988). A su regreso a México, ingresa a la Escuela Nacional de Artes Plásticas (ENAP) y estudia en el taller de Hueco grabado con Jesús Martínez y María Eugenia Figueroa, (1989-1992). Recibió la Beca para Jóvenes Creadores del Fondo Nacional de la Cultura y las Artes (FONCA).(1991 y 1998). la distinguieron como Miembro del Sistema Nacional de Creadores, del mismo Fondo en el (2007 y 2011). Su obra fue seleccionada en la “V Bienal Femsa de Monterrey” en (2001), y en la “Bienal de Yucatán” en el Museo MACAY en el 2004. Tiene en su haber 20 exposiciones individuales, entre las que destacan: “Denudatio perfecta”, Palacio de Medicina de la UNAM, Ciudad de México (2015); “De ser árbol”, Embajada de México en Berlín, (2014); “My intangible self”, Galería Octavio Paz, Instituto de México en Nueva York, (2013); “XV años de la Revista Tinta Seca”, Galería del Seminario de Cultura, Ciudad de México (2012).
SERGE BARBEAU (Canadá, n. 1951). _
Se licenció en “Communication Arts” por la Universidad de Loyola en Montreal, (1972). Debut como fotógrafo de moda en Montreal y Nueva York. En 1976, cambió su lugar de residencia a Europa, viviendo en Milán y París hasta 2006. Su trabajo ha sido publicado en varias revistas internacionales de moda como Vogue, Elle, Marie Claire, Anna, Gala International, Madame Fígaro, Femme, Woman, por mencionar sólo algunas. Participó en
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el rodaje del documental “La guerra de los príncipes de la lluvia”, dirigido por Bernardo Pérez Soler (2010). Su proyecto “Últimos testigos” dio inicio en (2013). Museo de la Ciudad de Mérida, en Yucatán; Galería Lux Perpetua. Para junio de (2016), “Últimos testigos” se exhibía en el museo de antropología “Museum der Fünf Kontinente” en Munich. Serge Barbeau vive actualmente en la localidad de Francisco Uh May en el sureste de México. Viaja regularmente a Europa para desarrollar parte de su trabajo.
TANIA ESPONDA (México, n. 1980). _
Espíritu libre por naturaleza, artista mexicana impulsada por el deseo de encontrar grandes avenidas a sus ansias de expresión, descubrió en las artes plásticas un continente de amplio horizonte para plasmar sus inquietudes. Como artista trabaja para unir sus grandes pasiones: la escultura, la fotografía y la pintura para crear obras llenas de expresión propia, cada obra de arte es una forma única e irrepetible de mostrar su visión ante la vida. Su trabajo explora su fascinación con los símbolos, la geometría, los materiales y la habilidad de expresar nuestros mayores deseos, dando significado e historia a nuestras vidas. La abstracción y su posibilidad de expresar la inspiran a seguir creando obras que logren hablar sin necesidad de palabras, que reflejen aspectos de nuestra vida actual y que logren crear reflexiones más allá de la forma. Su trabajo ha sido expuesto en Ferias de Arte en EU, Europa y Asia. Así como en Galerías, Museos y Bienales de Arte en todo el mundo.
TERESA CURREA (Colombia, n. 1985). _
Pintora y artista visual, maestra en Artes plásticas de la Universidad Nacional de Colombia. Sus exposiciones individuales incluyen “Naturalezas Antónimas” en Aurora: espacio de arte y diseño, Bogotá (2017); “Tegumentos” en el Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá (2016) y un estudio abierto, proyecto Onishi Gunma, Japón, durante su residencia artística en 2015. Como participante en exposiciones colectivas colaboró en “Escenarios Atípicos”, Centre for Recent Drawing, Londres (2011); en Dallas Art Fair (2017); “Transitions” en Sicardi Gallery, Houston TX (2013) y “Las ciudades: del caos a la poesía” en la galería del club El Nogal, Bogotá (2016). También ganó el primer puesto en el Primer salón de arte en Anapoima en 2014 y fue finalista en la convocatoria “Estampilla de la Paz” en 2016.
TERESA MARGOLLES
VALERIA CONTRERAS
Vive y trabaja en Ciudad de México. Se diplomó en medicina forense y Ciencias de la Comunicación en la Universidad Nacional Autónoma de México. La obra de Margolles es conocida en el panorama del arte contemporáneo internacional desde los años 90 por su denuncia explícita de la violencia y especialmente a partir de mediados del 2000 por su investigación sobre las profundas huellas que ésta deja en familias, comunidades y ciudades. “Fue dentro de la morgue -explica Margolles- donde el cuerpo se convierte en un cuerpo social”. Desde sus inicios con el grupo SEMEFO (Servicio Médico Forense) Teresa Margolles ha elegido, a manera de taller, primero la morgue y las salas de disección, y más recientemente, las calles violentas de México. Estos son los lugares de la muerte, pero al mismo tiempo son los sitios que atestiguan la inquietud social de diferentes ciudades mexicanas. Margolles trabaja, más que directamente con los restos de los cuerpos, con los rastros de vida que se hacen evidentes en sudarios, en entierros, en la memoria, así como con la manera en que un acto violento destruye y afecta redes humanas en varios niveles. Las víctimas anónimas llaman la atención hacia lo inhumano de las relaciones en nuestras sobrepobladas sociedades.
Cursó talleres de Fotoperiodismo con Ignacio Urquiza. Ha participado en exposiciones colectivas en la Galeria Ethra, Seminario de la Cultura Mexicana, Azul Condesa y Art Basel. Se profesionalizó en Fotografía en el 2010, cuando pudo conectar su mundo interior con el exterior a través de la fotografía. Lo suyo es la calle, la gente, las paredes y los detalles no tan perfectos. Juega con lo conceptual y lo cotidiano. Con lo simple y no tan simple.
(México, n. 1963). _
TONY SOLÍS (México, n. 1979). _
La obra del fotógrafo Tony Solís habita entre la frontera del arte contemporáneo y la moda. Originario de Monterrey y actualmente vive en la Ciudad de México. Exposiciones Individuales: “Pretend you never went to school”, Galería Enrique Guerrero, México (2012); “After Panic”, MUNO Zacatecas (2010), México; “Dosis de Pánico”, Galería Enrique Guerrero, México (2009). Exposiciones Colectivas: “Friend request”, Galería Chapultepec, Guadalajara (2008); “Dios los cría”, ISAD, Chihuahua; “Fotografía Contemporánea”, Galería Enrique Guerrero. México; “Project WANTED” por parte de la revista inglesa DAZED & CONFUSED y WRANGLER, Barcelona, España. Expositor y jurado invitado para Expresion fest vol 2. Cancún, Quintana Roo.
(México, n. 1977). _
VIDA YOVANOVICH (México, n. 1949). _
Reside en México desde 1956. Mexicana por adopción, ha dedicado gran parte de su obra a explorar la vida e identidad de la mujer. Su trabajo es reflexivo e íntimo. Los cuestionamientos que plantea de su trabajo no sólo se refieren al deterioro corporal que sufren los seres humanos, sino también al emocional. Temas como la soledad, el abandono y el rechazo son una constante en su obra. De 1983 a la fecha ha participado en más de cien exposiciones colectivas alrededor del mundo, y ha expuesto individualmente en México, Cuba, Serbia, Francia, España, Sudáfrica y Estados Unidos. Su ensayo fotográfico “Cárcel de los sueños” es un sensible y fuerte acercamiento a la vejez y a la muerte. La exposición itineró por varias ciudades tanto en México como en Europa y el libro se editó en 1997 con prólogo de Elena Poniatowska. Actualmente su trabajo se concentra en la mujer en reclusión.
VIRGINIA COLWELL (EUA, n. 1980). _
La obra de Virginia Colwell examina el espacio entre las historias oficiales y no oficiales y las ambigüedades poéticas de la verdad y la ficción en las narrativas históricas. A menudo comienza sus piezas con historias que se encuentran en el archivo del FBI de su difunto padre, el cual contiene materiales que recogió durante su carrera como agente. Sus dibujos, esculturas y videos re-investigan varios casos en el archivo a través de visitas a sitios, entrevistas, investigación de archivos y documentos desclasificados. Colwell ha vivido y trabajado en la Ciudad de México desde el año 2011. Su investigación
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artística se centra en el Sur de América, el Caribe y México. Ha sido artista en residencia en Beta-Local con el programa La Práctica en San Juan, Puerto Rico; el programa de residencia Fountainhead de la feria de arte Untitled en Miami, Estados Unidos y el centro de arte multimedia Hangar en Barcelona, España. Sus obras han sido expuestas en el Centro de Arte Contemporáneo de Vilnius, Lituania; el Museo Hirschorn en Estados Unidos, el Centro de Arte Santa Mónica en Barcelona y más recientemente en el Centro Cultural Félix Varela durante la XII Bienal de La Habana. Colwell ha recibido numerosos premios como el Museo de Bellas Artes de Virginia, la Beca de la Fundación Pollock Krasner y la Fundación Jumex.
XOCHITL RIVERA (México, n. 1980). _
Maestría y Licenciatura y en Artes Visuales UNAM, México. En 2016 lleva a cabo la muestra individual “azelarutaNNaturaleza” y “Una Colectiva Distensión” en la Ciudad de México. En 2015 participa en la exposición itinerante “MESSICO CIRCA 2000” en Copenhague, Berlin, y Trieste, Italia,. En 2014 presenta una ponencia en el 4to. Encuentro internacional de Cuba Foto, con la ponencia “Nota roja construcción nacional” en La Habana. Participó en el coloquio “Erótica de la dominación. Gamas del acto” de l’Ecole lacanienne de psychanalyse en Montevideo; en 2013 en la exposición en “Territorios Múltiples” en la Galería Atea y en la exposición colectiva “Revisando Edén” en la Galería Pablo Goebel, Ciudad de México. En 2013 realizó la exposición individual “Configuraciones”, Galería Traeger&Pinto, Ciudad de México. En 2012 participo en la exposición “Liquid Archive” Museo MUMA, Melburne Australia. También en “19 PULMONES. Intervenciones oxigenantes el espacio público”, MUCA Roma, Ciudad de México. “Rastreos de la ausencia”, Galería El Burdel, Tlaxcala. En 2011 fue invitada a formar parte del festival de ArTfariti, en los campamentos de refugiados Saharauis en Argelia. Ha realizado intervenciones en espacio público como “liminares”, andador Regina centro histórico Cd. De México 2011.Ha participado en múltiples exposiciones colectivas: en 2011 “¿Hacia dónde vamos?”, 2008 “Los últimos pintores” en el Museo de Arte Moderno del Estado de México, “Copias al carbón” en el Museo de Bellas Artes, en la Habana Cuba (2003). En 2008 y 2010 su obra formó parte de la selección de arte joven XXVIII y XXX. En 2007 fue beneficiaria del Programa de Apoyos Creación Joven Secretaria de Cultura del Distrito Federal.
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YUNIOR MARIÑO (Cuba, n. 1976). _
Yunior Marino completó sus estudios en el Instituto Superior de Artes de Cuba antes de trasladarse a Miami. Marino, un artista en todos los sentidos de la palabra, trabaja no sólo como artista plástico sino también como músico y diseñador. Marino ha capturado a la audiencia con los detalles coloridos de su pintura, las melodías etéreas y cambiantes en su música y la franqueza en su fotografía. Dentro de sus exposiciones individuales están: “Yunior Marino, recents paintings”. Artane Gallery, Estambul (2007); “Seven doors and one exit”. Myto Gallery, Mexico (2006); “Nothing”, Myto Gallery, Mexico (2005); “En fin….el mar”. Myto Gallery, Mexico (2002); “Classified information”, Centro de Arte Contemporáneo Wilfredo Lam, La Habana, (2001). Ha participado en distintas exposiciones como: “Arte Sana”, Museo Nacional de Antropología, Myto Gallery, Basel, Switzerland. ZONAMACO. Myto Gallery. Mexico City. “NADA”, Myto Gallery. Miami. USA. FEMACO en 2008; “Alpha fundraising show” Toronto; MACO 04. Myto Gallery, en 2007; “Locus Solus”, Myto Gallery, Mexico City. En 2006 en MACO 03 y Myto Gallery, Mexico; “Tongues and tastes Miami”. Miami, USA. Reconocimientos o premios: “Raul Martinez”, Society of the advancement of the Latin American Arts. La Havana, Cuba. 2000 – Curatorial Award por “Con un pensar abstraido”. La Habana (2002); “Salon 2 de Diciembre Award”. Granma, Cuba (1997); “Salon 10 de Octubre”. Granma, Cuba “Salon Regino Boti Award”. Guantanamo, Cuba, “Salon de la Ciudad award”. Santiago de Cuba, Cuba (1996). Award from FBC; UNEAC and AHS en “Salon 30 de Noviembre”. Santiago de Cuba (1995); “Jornada Cientifica estudiantil Award”. Holguin, Cuba (1992).
YURI ZATARAIN (México, n. 1972). _
Desde temprana edad se sintió atraído por el arte y a los 6 años ganó su primer concurso de pintura, dando comienzo a una apasionada carrera internacional. Yuri es un ícono del arte a nivel mundial y ha participado en más de 250 exhibiciones alrededor del mundo: Nueva York, París, Londres, Milán, Moscú, Dubai, Atenas, Verona, San Francisco, Miami, Dallas, Washington, Los Ángeles, Las Vegas, Río de Janeiro, Bogotá, Santiago y Ciudad de México, entre otras ciudades. Actualmente maneja sus galerías en México, ubicadas en Guadalajara, donde tiene su estudio, San Miguel de Allende y Ciudad de México.
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· Programa Generación Viva. · Talleres en educación integral para la salud sexual (para adolescentes, jóvenes, madres y padres). · Programas de capacitación para personal docente, maestrxs y mentores. · Programa para empresas y empleados. · Desarrollo de herramientas educativas para la salud sexual. · Publicaciones educativas para la salud sexual.
· Consultorio en línea para la salud sexual. · Consejería personal, de pareja y familiar. · Asesoría en sexología. · Vinculación, asesoría y seguimiento de personas a servicios de salud. · Acompañamiento a servicios de salud. · Asesoría terapéutica y psicológica · Detección de VIH, sífilis, hepatitis B y hepatitis C. · Conteo de CD4. · Distribución de insumos para la prevención (preservativos para hombre y mujer, lubricantes y láminas espermicidas).
· Campañas informativas y de sensibilización. · Desarrollo de materiales impresos, audiovisuales y multimedia para la salud sexual. · Herramientas digitales y en línea para la salud sexual de la población. · Intervenciones para la salud en conciertos, eventos masivos y ferias. · Foros de diálogo, conferencias, seminarios y congresos. · Presencia en medios de comunicación para brindar información a la población. · Folletería en temas diversos de salud sexual.
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DIRECTORIO INSTITUCIONAL ASAMBLEA DE ASOCIADOS Charlie Cordero, Presidente H. Rodrigo Moheno, Vicepresidente Mariana Gibert, Secretaria David Cedeño, Tesorero Jorge Luis Macías, Pro-Secretario Beto Moheno, Vocal
CONSEJERAS Y CONSEJEROS Alejandro Soberón Anna Karina Rosales Carlos Salomón Cámara Dra. Andrea González Dr. Osmar Matsui Eduardo Sojo Erika Argándar Ernesto Mier Fernando Veytia Gabriel André Nalda Javier Cordero Lourdes Skipsey Lucía García Noriega Luis Adelantado Michael Marczell Mtra. Ofelia Reyes Nicolat Patrick Charpenel Rafael Heredia Raymundo Moreno
CONSEJO MX VIVO SUR Andrea Berenguer Claudia Navarro Elba García Villareal Elena de la Peña
Jorge Carlos Guillermo Loreto Villanueva Nelia Vázquez Paula Haro Poniatowska Paulina Merigo Pedro Gamboa Rodolfo Rosas Rossana Achach Zayuri Valle
CONSEJO MX VIVO NORTE Armando de la Garza Carlos Palma Rangel Daniela Brunet Naranjo David Hernández Gretta Villarreal Isa Castilla Janeth Hernández Karla Mayri Lalo Rodríguez Laura Pacheco Maya Cepeda Nancy Guzmán Óscar Flores Contreras Renata Lanfranchi Mirandez Rodrigo Morales Theo Galvez Cepeda Verónica Marilú Marcos Rodríguez
PATRONATO Adriana Pérez Cañedo Adriana Riveramelo Álvaro Velarca Ana Gabriela Peralta
Arleth Terán Armando Mafud Charlie Martínez Claudia Azpiri Desirée Navarro Edmundo Enciso Emmanuel Serra Eugenia Cauduro Gay de la Fontaine Gerardo Espinosa Frías Gerardo González Gloria Améndola Bush Guillermo González Harold May Hugo Wacogne Isaura Espinoza Ivonne Lara Favela Joffre de la Fontaine Jorge Marín José Antonio Martí Cotarelo Juan Carlos Paredes Juan José Origel Padilla Juan Pablo Manzanero Mariana Cuevas de Chaunac-Lanzac Mtro. Armando Manzanero Olivier Janiky Patricia Penagos Rebecca de Alba Ricardo Rocha Rodrigo Garza Rodrigo Rivero Lake Sasha Sökol $
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EQUIPO OPERATIVO Charlie Cordero, Fundador H. Rodrigo Moheno, Secretario General Ángel Candia Casarín, Secretario General Adjunto Claudia Arenas, Subsecretaria General de Programas y Servicios Paul Moheno, Subsecretario General de Proyectos Mtro. David Cedeño, Subsecretario General de Alianzas Institucionales Claudio Castellanos, Coordinador de Arte Vivo Paola Rodríguez, Coordinadora de Educación Akiko Bonilla, Coordinadora de Servicios de Salud Fabiola Bautista, Coordinadora de Comunicaciones Mtro. Irvin Guerrero, Responsable del Centro DETECTA Martha Rodríguez, Subcoordinadora de Arte Vivo Dr. Juan Antonio Rodríguez, Sexólogo Institucional Alejandra Romero, Diseño editorial Jorge Bernal, Consejería y Servicios de Consulta en Línea Miguel Ángel Paredes, Consejería y abordajes Manuel Chávez, Consejería y Acompañamiento Julio Sandoval, Comunicaciones Álvaro Ingalls, Auxiliar Administrativo
CRÉDITOS EDICIÓN 2017 DISEÑO EDITORIAL: Tomás Salazar López
CUIDADO DE LA EDICIÓN: Alejandra Romero Corral Claudia Contreras García
EDICIÓN: Andrea García Ángel Candia Casarín Benjamín Cordero Hernández Claudio Castellanos de Oteyza Fabiola Bautista Sierra José Ángel Del Valle Posse Martha Rodríguez Páez Sebastián Castellanos de Oteyza
SUBASTADOR:
MX VIVO SUR Mariana Manzanero, Coordinadora
Memo Martínez
MX VIVO NORTE
FOTOGRAFÍA:
José Pacheco, Coordinador Lucía de los Santos, Coordinadora Educación
Sofía Santillán Mozqueda
MENTORAS Y MENTORES
Arely Flores David Osnaya
Alma Rosado Azucena Hernández Gibray Hurtado Joel Torres José Luis González Juan Canto
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Karimme Reyes Leidy Montoya Néstor Quiroga Rocío Pedraza Sandra Casimiro Sandra Pérez
MUSEOGRAFÍA:
MONTAJE: Janice Alva
EPÍLOGO Cerramos la edición de esta publicación el 22 de septiembre de 2017. Dedicamos este libro -con dolor en nuestros corazonesa todas las personas afectadas por los sismos ocurridos los días 7 y 19. Con lágrimas desde el corazón y las manos ocupadas también en quienes más nos necesitan, cerramos la edición, pues debemos seguir, solidariamente por lxs que estamos. El arte nos ha enseñado siempre a evolucionar de las peores tragedias humanas. Con amor, maestría y artesanía. Inspiradxs por tanto amor y arte, reafirmamos más que nunca nuestro trabajo y esfuerzos por y para México. Para su reconstrucción, resurgimiento y prosperidad; para todas las vidas que lo habitamos. México puede y debe renacer. A todxs lxs que ya se han ido, a cada persona que en estas horas ha sumado y luchado por cada vida humana; en honor y memoria a cada vida, su legado y amor a México; dedicamos esta edición, de arte para la vida. Latimos fuerte por todxs y cada unx.
Ciudad de México, 22 de septiembre, 2017.
Se terminรณ de imprimir en octubre de 2017 en los talleres de Offset Rebosรกn, S.A. de C.V., Av. Acueducto 115, Col. Huipulco, C.P. 14370, CDMX. La presente ediciรณn consta de 2000 ejemplares.