ARTNOBEL Revista 14

Núm. 14 Fase Lunar: Creciente en Capricornio 2019

ISABEL MUÑOZ ENFOCADA EN LO HUMANO

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en este número

encontrarás...

I .Editorial Abate Bussoni: Pensar fuera de nuestros pensamientos II .Isabel Muñoz. Enfocada en lo humano III .Japón IV .Cosmos

David López Espada autor de la

V .Agua

fotografía que aparece en portada

VI .El arte es la esencia de Loewe VII .Daan Roosegaarde. Presence VIII .Broessía por los díez

XVII .Equipo Falso XVIII.Sensorial Eco·Art. The World Gate

VIII .Any Brossa 100

XIX .Hauser & Wirth convertirá a la isla del Rey en el foco artístico del Mediterraneo

IX .Ex Libris X .Apariencia desnuda XI .Si sois grandes empresarios, seréis grandes filántropos XII .TropeseMuseum

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XVI .Hacen realidad sus sueños

XX .Atena II Congreso Internacional Mujeres: Artistas. Tecnólogas XXI .Asomándose a la intimidad del estudio Ángel Alén

XIII .Luchita Hurtado y a los 98 años...

XXII .El Museo Hermitege de Toyo Ito echará el ancla en Barcelona

XIV .Soldaditos de Miralda

XXIII.Potencie su creatividad

XV .Solo Houses Summer Group Show

XXIV.La contraportada inspiradora: RadioArtnobel

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Maite Alonso Directora Todo le fascina.

Interesada en los detalles, las pequeñas cosas pasando delante de nuestras narices sin sentido ni razón.

Se abstrae en un instante durante horas llenas de trazos sobre papel.

eMe Alonso Reportera de Eventos Comunica, entretiene, disfruta, se evapora y vuelve a volar. Nada en la zona adulta sin soltar de la mano a una niña de cabellos claros y sonrisa perenne.

Incansable de apetitos exquisitos de una sola vez.

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Gregorio Alonso Redactor Saltando de un equilibrio a otro.

Descubriendo cosas en cada esquina. Subiendo y viajando por las ideas de otros que en algún momento hará suyas.

Corriendo tras la paloma en un campo repleto de amapolas.

Cristina Martínez-Sandoval Redactora de Opinión Atenta y contenta como la bondad.

Gira, da vueltas, se mira en el muro lo salta y se espanta.

Sonríe, lo aprecia, se asombra, se inquieta, se olvida y lo quiere recordar.

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El Sueño de Narel, Oviedo 2017. Dibujo a bolígrafo y rotulador, sobre papel, autora Máxima Romero

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“El arte, cualquier forma artística del mundo, no es más que una posibilidad continuamente recreada para pensar con imágenes, melodías y sentimientos y, de este modo, cerrar las grietas abismales que nos deja el pensamiento abstracto.”

Peter Von Matt, escritor suizo.

PENSAR FUERA DE NUESTROS PROPIOS PENSAMIENTOS Friedrich Schiller identificó el arte semejante al juego, sólo resultaba tolerable y útil a los niños. Y dice: “La vida es seria, el arte alegre”. Para Goethe: “La misión más elevada de cualquier arte es forjar la ilusión de una realidad superior a través de la apariencia. Sin embargo, es una pretensión errónea hacer realidad esta apariencia durante tanto tiempo que al final ya sólo quede una realidad común”.

Para el burgués del siglo XIX el artista era contemplado como un ocioso en un intento continuo de evitar el sufrimiento de la existencia. El arte era percibido como algo placentero, y todo creador de cosas placenteras era sospechoso de vivir en la felicidad. Este burgués comparaba el arte como la droga que permite evadirnos de la realidad.

Como hijos del pensamiento racional, nos podemos permitir otras estructuras de pensamiento adaptadas a la realidad percibida. Siempre y cuando seamos capaces de desvincularnos de nuestros hábitos aprehendidos. El pensamiento abstracto consiente asumir un espacio mental de manera voluntaria, implicando la posibilidad de realizar cambios entre diferentes situaciones. Ayuda a descomponer el todo en partes, para analizarlo simultáneamente y actuar simbólicamente.

No podemos pensar más allá de nuestros propios juicios, salvo si somos conscientes, en cada momento, de nuestro entendimiento. Algo complicado por el esfuerzo necesario y sensato requerido. Sin el alimento del pensamiento estamos abocados a las voluntades de otros, no siempre coincidente con la nuestra. Si acaso existe en nosotros voluntad alguna.

La labor del arte y, por extensión del artista, es la de provocar cambios trascendentales en los ciudadanos. No dirigiéndolos hacia una realidad preestablecida, sino acompañándoles hacia una visión compleja, crítica, cuidadosa. Es cierto, no todos se encuentran en ese camino, no todos sentimos ese peligro. Aunque todos lo necesitamos.

Abate Bussoni

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ISABEL MUÑOZ ENFOCADA EN LO HUMANO

Isabel Muñoz, es una fotógrafa que destaca den-

tro de la diversidad de propuestas que caracterizan el panorama fotográfico español contemporáneo, apostando por la técnica de la platinotipia y por el gran formato con el objetivo de reforzar su discurso: su pasión por el cuerpo como forma de aproximación al estudio del ser humano.

Una pasión que ya desde sus primeras series marca el inicio de un recorrido por numerosas culturas en las que busca capturar con su cámara la belleza del cuerpo humano, abarcando desde sus bailes y luchas tradicionales hasta ciertas realidades y problemáticas en las que Muñoz decide centrar la mirada estableciendo un compromiso social.

La fuerte presencia que Isabel Muñoz ha adquirido dentro de la realidad artística contemporánea queda reflejada en el reconocimiento a su trabajo a través de distintos premios y menciones: Premio Bartolomé Ros a toda su carrera en PHotoEspaña 2009, la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes 2009 y la obtención en dos ocasiones del World Press Photo y el Premio Nacional UNICEF España 2010 a la Sensibilización y Movilización Social.

Destaca también el Premio Nacional de Fotografía 2016. Con motivo de éste, se da forma a la exposición “La Antropología de los Sentimientos” en Tabacalera Promoción del Arte, Madrid. En esta muestra se construye un recorrido temático en torno a la representación obsesiva y heterogénea del cuerpo humano, desde los mismos orígenes de la humanidad, la espiritualidad, la locura, los límites y extremos del cuerpo, la dimensión social de lo corporal y, finalmente, la sexualidad y el deseo.

En 2018 es una de las personalidades invitadas por La Fundación Amigos del Museo del Prado a reflexionar sobre la riqueza artística e histórica del museo, creando dos piezas en exclusiva para éste.

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En Arco 2019, en el stand del periódico El Mundo presentó su último proyecto, “Cosmos”. Un intenso viaje a lo mas recóndito y desconocido de la cultura Japonesa con el que invita a recapacitar nuestro paso, de donde venimos, donde estamos y hacia donde nos dirigimos, con temas como el butoh y la contaminación de los mares nipones.

Isabel Muñoz está considerada como una de las grandes expertas internacionales de la platinotipia.

Aunque son difíciles de crear, y su coste es alto, las impresiones en platino constituyen una de las expresiones más ilustres del arte fotográfico. Su belleza y permanencia hacen que la platinotipia sea una pequeña joya para los amantes de la fotografía y, como no, para coleccionistas e inversores.

Las copias en platino se caracterizan por su amplia rendición de tonos, que parte del negro cálido y se expande en una amplia gama de matices grises, con una reproducción de luces especialmente sutil.

Tras más de una década de investigación, Isabel Muñoz ha logrado incluir el color en este proceso, lo que constituye un punto de inflexión en la historia de la fotografía.

Su reconocimiento profesional está igualmente materializado por la presencia de su obra en distintas y prestigiosas colecciones, tanto nacionales como internacionales, entre las cuales destacan el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, Foto Colectania de Barcelona, Fundación Canal de Madrid, Maison Européenne de la Photographie de París y New Museum of Contemporary Art de Nueva York.

Las imágenes, cortesía de la artista, corresponden a dos series del año 2017, una es Japón y la otra es Agua. Making of aquí.

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JAPÓN Japón, 2016 por François Cheval Los viajes de Isabel Muñoz a Japón la han llevado a concentrarse en el butō. El butō tiene tanto de actuación como de danza. El cuerpo de sus bailarines, tierra y fuego al mismo tiempo, intriga a la fotógrafa, que se deja llevar por esta «danza de cuerpos oscuros».

Más allá de la tensión y la urgencia de la gestualidad, es el grito, postraumático y primal, lo que también necesita captar Isabel Muñoz.

La transcripción carnal de un compromiso sociopolítico, un compendio de lucha y de libertad.

La armonía que se percibe a simple vista no es en absoluto una capitulación estética, sino el deslumbramiento de los primeros momentos, de los primeros seres; figuras hermafroditas, estas representaciones de la unidad original perdida ya para siempre por el hombre.

Los bailarines de butō son los únicos capaces de encarnar el carácter híbrido y la división.

Son el germen que no afirma un único principio masculino y femenino. La androginia primitiva es el fundamento mismo de la vida que se busca, que simboliza la perfección de un estado primordial, aún no establecido ni condicionado. La captura afirma un retroceso hacia el suceso en cuestión, en la búsqueda de la plenitud inicial. El profano se somete a la sensibilidad «mística».

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COSMOS Cosmos es el proyecto más reciente y experimental de Isabel Muñoz, presentado en la última edición de la feria ARCO, gravita en torno a la cultura japonesa, con un doble efoque: El Butoh, movimiento de rebeldía y transgresión que canaliza el dolor provocado en Japón tras la Segunda Guerra Mundial y que unifica sufrimiento y belleza, dolor y muerte como transcripción carnal de un compromiso sociopolítico surgido tras el horror de la bomba atómica.

Ante la profunda transformación de la sociedad nipona actual, el carácter filosófico del Butoh se ha ido desvirtuando paulatinamente, pareciéndose cada vez más a una mera expresión de danza contemporánea.

Isabel Muñoz nos situa en este proyecto ante una de las postreras representaciones del ritual, donde los actores simbolizan, con su puesta en escena, tres acontecimientos vitales:

DESASTRE, MUERTE Y RENACIMIENTO, aludiendo al cambio climático y a la interacción humana con el planeta.

En la misma línea de compromiso, las escenas de Japón bajo el agua constituyen una denuncia de la contaminación que afecta a nuestros océanos, que experimentan el vertido indiscriminado y masivo de plásticos y otros desechos.

Ai Funtaki, doble record Guiness de apnea, ha posado en este proyecto representando a Amaterasu, la diosa sintoista de la luz.

En Cosmos, Isabel Muñoz trata de romper con los iconos y con una determinada idea de la belleza, en una búsqueda global, la del ser humano, pero también la de un territorio, el mundo.

Donde algunos ven oscuridad, la barcelonesa libera fuerzas, una de las manifestaciones más originales de la crisis de la modernidad occidental.

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A G U A que pondrán fin a la biodiversidad marina?”.

Las imágenes que forman parte de la serie Agua han sido obtenidas por Isabel Muñoz en 2016 y 2017 bajo las aguas mediterráneas Durante más de cuarenta años, Isabel Muñoz ha recorrido el mundo con su cámara y en distintos mares del Japón. retratando los sentimientos del ser humano En sus propias palabras “Inicié este proyecto en su estado más puro, en su intimidad más recóndita. Desde la dignidad de las tribus atraída por la belleza de los entornos maprimitivas hasta el desconsuelo de las cárcerinos y como llamada de atención ante los les; desde la sensualidad de la danza hasta peligros que amenazan su supervivencia. la denuncia de la opresión; desde el éxtasis El mar nos lo da todo sin pedirnos nada a que supera el dolor lacerante hasta el dolor cambio. Damos por sentado que su riqueza que ya no podrá ser superado. es inagotable, que puede con nuestros descuidos, nuestra falta de previsión, nuestros La autora española ha fotografiado casi excesos. Pero las cosas no son así. ¿Qué vamos a dejar a nuestros hijos y nietos si no todos los sentimientos y emociones que alberga la especie humana, incluso aquellos somos capaces de cuidar de sus tesoros, si de nuestros ancestros, los primates, cuyos seguimos echando al mar plásticos que son trampas mortales para las especies que lo gestos forman parte de nuestros genes deshabitan, si continuamos vertiendo residuos de hace millones de años.

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el arte es la LOE Genta Ishizuka ha sido el ganador de la últi-

de Genta Ishizuka, pero no fue el único artista ma edición del Craft Prize, otorgado por la Fun- destacado de la ceremonia; el jurado hizo dos dación Loewe. El artista japonés ha sido elegido menciones especiales a dos artísticas británicos. entre los 29 finalistas que optaban al galardón, Por un lado, a Harry Morgan, por su obra Untitled de Dichotomy Series, 2018, de la cual el por su obra Surface Tactility #11, 2018. jurado destacó que “muestra un enfrentamienEn una ceremonia celebrada en Tokio el pasado to paradójico de materiales que no casan jun25 de junio, la reconocida actriz japonesa, Kyōka tos. Harry aplica el espíritu de la artesanía a los materiales comunes”.

Suzuki, fue la encargada de entregar el premio al ganador, consistente en un trofeo de plata y En segundo lugar, a Kazuhito Takadoi, por su una dotación de 50.000 euros. trabajo KADO (Ángulo), 2018. El jurado describió su trabajo como “artesanía desprovista de ”El arte es la esencia de Loewe, en esta casa nombre” y alabó a Takadoi por cuidar la concepsomos artesanía en el sentido más puro de la ción de la obra. El artista cultivó los materiales palabra, ahí es donde reside nuestra modernidad y siempre será relevante” esto lo declaraba en su propio jardín hasta crear un objeto de poderosa forma. el director creativo de Loewe, Jonathan Anderson quien dijo sobre el ganador: “El trabajo La exposición con la obra del ganador y del de Ishizuka prueba que la artesanía puede ser resto de finalistas se exhibió en el jardín de abierta y mostrar libertad creativa. Su empleo contemporáneo de la técnica ancestral del laca- piedra Heaven de Isamu Noguchi, en el Sogetsu do rompe con las convenciones y presenta una Kaikan in Tokyo, hasta el pasado 22 de Julio de nueva visión escultural dentro del mundo de la 2019. artesanía”.

Jennifer Lee, miembro del jurado y ganadora del Loewe Fundation Craft Prize 2018, manifestó: Un jurado que estaba integrado por algunas “los finalistas de este año demuestran que las de las más destacadas figuras del mundo del antiguas tradiciones aún pueden sorprendernos diseño, la arquitectura, el periodismo, la crítiy ser radicales y contemporáneas. Este premio ca y el comisariado de museos, como Anatxu alimenta la curiosidad y abre la mente hacia Zabalbeascoa, Jennifer Lee y Patricia Urquiola nuevas maneras de abordar la creación y de entre otros, reconoció la obra y trayectoria trabajar con los materiales”.

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a esencia de EWE

En la fotografía aparecen, de izquierda a derecha: Harry Morgan, Kyōka Suzuki, Genta Ishizuka, Jonathan Anderson y Kazuhito Takadoi.

Imágenes cortesía de Loewe Foundation.

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Gental Ishikuza, Japón, ‘Surface Tactility #11’, urushi, bolas de espuma de estireno, punto bidireccional, tejido de lino.

Ishizuka parte de un sencillo motivo, una bolsa de naranjas, y eleva esa humilde forma por medio de su excelente empleo de la laca. El fascinante brillo de este material provoca una atracción sensual e inmediata que resulta muy contemporánea, a pesar de que la técnica del lacado urushi surgió en Japón entre los siglos XVII y XVIII.

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Harry Morgan, Reino Unido, ‘Untitled’ from Dichotomy Series’, vidrio, hormigón.

El trabajo de Harry Morgan invierte las leyes de la gravedad con idea de crear objetos completamente contradictorios. En esta pieza, el artista alude a la brutalidad arquitectónica y a la artesanía veneciana del vidrio, presentando una densa masa de hormigón que se sostiene sobre un bloque de filamentos de vidrio independientes. El objeto plantea una poderosa relación entre dos materiales opuestos que se fusionan en una forma única.

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Kazuhito Takadoi, Reino Unido, ‘KADO (Angle)’, ramitas de espino, cuerda de lino encerada.

Takadoi trabaja exclusivamente con la materia orgánica que él mismo planta y cultiva.

Luego cose las ramas, hierbas y raíces para crear formas que se transforman a medida que el material evoluciona y madura: con el paso del tiempo, el proceso revela una paleta de colores más sutil. Esta obra muestra una severidad formal que plantea ideas sobre el vacío y la materia, la sombra y la luz.

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Henar Iglesias, España, ‘Confübius’, plumas, cera, papel, madera y pintura.

Iglesias ha sido la única española finalista y recurre a las técnicas tradicionales mejicanas para crear una forma abstracta, rigurosa en su geometría pero de expresión suave. Solo al observar con detenimiento es posible apreciar que el material empleado son plumas.

Esta inusitada materialidad transforma la experiencia estética, que trasciende el mero juego formal para proponer un encuentro orgánico con la maestría técnica.

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Jardín de piedra Heaven diseñado por Isam

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mu Noguchi, en el Sogetsu Kaikan en Tokyo

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PRESENCE, UN LLAMAMIENTO A LA ACCIÓN PARA SALVAR EL PLANETA En el Museo Groninger, el artista e innovador holandés Daan Roosegaarde ha inaugurado PRESENCE, una exposición que se activa con la presencia e interacción del público.

Ochocientos metros cuadrados de “paisaje de ensueño”, donde los visitantes son los que crean las obras de arte. Con estas palabras, Daan Roosegaarde, artista, arquitecto y genio inventivo con sede en Rotterdam, ha inaugurado PRESENCE, su primera exposición a gran escala que abrió sus puertas el pasado 22 de junio en Groningen, a 150 km al norte de Ámsterdam, y permanecerá abierta hasta el 12 de enero de 2020. “El mayor desafío fue dominar la tecnología de tal manera que resalte la poesía”, explicó. Por lo tanto no hay dimmers, cables, pantallas o proyecciones. Sin efectos especiales ni instalaciones espectaculares. La única fuente de asombro es un delgado rayo de luz en la oscuridad. Los materiales innovadores y los principios de la física son los únicos ingredientes de las instalaciones, el resultado de una estrecha colaboración entre el diseñador y los ingenieros.

La exposición es el resultado de tres años de trabajo, en el que el estudio de Daan Roosegaarde participó en el diseño, la investigación, las pruebas y los prototipos, y presenta un concepto que es radicalmente nuevo desde varios puntos de vista. La primera revolución con respecto a un diseño de exposición tradicional es que sin visitantes, la exposición no funciona. Se activa por la presencia de personas. Al moverse dentro de las cinco habitaciones y, sobre todo,

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al tener una actitud abierta, curiosa y activa, los visitantes se convierten en los autores de las obras.

PRESENCE tiene otro significado social no menos importante. La exposición, comisariada por Mark Wilson y Sue-an van der Zijpp, está inspirada en el concepto de huella ecológica y cambio climático. Cada habitación muestra el impacto que cada uno de nosotros tiene en el mundo que nos rodea, la marca que cada uno de nosotros deja atrás. Esta exposición, según explica Roosegaarde, “es un llamamiento a la acción”. El objetivo es revelar de manera tangible y absorbente el impacto de la presencia de seres humanos en el planeta. Durante la exposición, los visitantes son invitados repetidamente a dejar un rastro, pero también a reflexionar sobre esos rastros.

Hay libertad total. La única señal se encuentra al comienzo de la exposición, y fue diseñada por la firma holandesa: muestra una palma abierta, que indica: Por favor, toque. Acompañado por un breve texto introductorio, es la única indicación para la visita que sigue. Incluso las señales que marcan las salidas de emergencia han sido eliminadas. Eran demasiado brillantes para las habitaciones totalmente fotosensibles.

Desde la primera sala, donde un rayo de luz explora a las personas, los visitantes pasan a una especie de cámara oscura, donde son observados y fotografiados por el trabajo, y no, como suele ocurrir, a la inversa. La diversión comienza en la tercera sala. El piso está cubierto con miles de microesferas extremadamente livianas hechas de un polímero biodegradable cubierto

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con una sustancia fotoluminiscente, y sostenidas en su lugar por ventiladores colocados en las paredes. ¿Es un paisaje ajeno o un parque infantil? En ambos casos, su forma depende de nosotros.

Dicha exhibición táctil también motiva una serie de desafíos prácticos, ya que todo necesita ser limpiado continuamente. “Esto me recuerda a Gerrit Rietveld”, continúa Roosegaarde, “Cuando diseñó su casa en Utrecht, todo amarillo, rojo y azul, se dio cuenta de que la manija La cuarta sala está invadida por gigantescos amarilla de la puerta de la cocina se ensuciaba globos fotoluminiscentes que reaccionan al rápidamente, y por eso la pintó de azul. Pero al contacto y muestran nuestras huellas de mahacerlo, cambió toda la composición. Si uno es nos. Pero la última sala es el área de juego real; práctico, pero de una manera extrema, entonalrededor de treinta bolas luminosas, pateadas, ces la practicidad se convierte en poesía. empujadas y acompañadas, crean un hermoso paisaje de luz en un suelo completamente Una vez que finaliza la exposición, podemos fotosensible. crear nuevas salas basadas en lo que hemos aprendido de la reacción de los visitantes “.

“No hay pasajeros en la nave espacial tierra. Todos somos tripulación “. La famosa frase de “El Museo Groninger, debido a su posición Marshall McLuhan, utilizada por Daan Roosedescentralizada con respecto a Ámsterdam, gaarde en varias ocasiones en sus conferencias, necesita hacer declaraciones radicales. Tiene concluye y resume la esencia de la exposición. una larga historia de exposiciones atrevidas. La exposición de David Bowie, por ejemplo, se Es la primera vez que el artista, conocido por creó aquí, para luego trasladarse a V&A en sus audaces proyectos en el espacio público ur- Londres. Por eso siempre permiten una libertad bano -como la torre de smog (Smog Free Tower particular. Esta exposición nunca hubiera sido en Beijing), un ciclo luminoso (el camino de Van posible en ningún otro museo ”.

Gogh en Nuenen, el lugar de nacimiento del pintor), una instalación hecha de 60 edificios Junto con la exposición, el reconocido editor de retroiluminados que están iluminados por los libros de arte Phaidon lanzará la monografía en faros de los automóviles que pasan (Gates of inglés “Daan Roosegaarde”. Lecturis publicará Light, en la entrada a la ciudad de Afsluitdijk)-, simultáneamente una traducción al holanocupa un espacio interno. dés. El libro presenta contribuciones de Nico Daswani, del Foro Económico Mundial, Fumio “Algunas habitaciones parecen haber sido dise- Nanjo, de Mori Arts Museum en Tokio, Carol ñadas para la vida futura en otro planeta. Me Becker, de la Universidad de Columbia en Nueremonta a los años sesenta y setenta, cuando va York y Daan Roosegaarde. grupos como Archigram, Superstudio y SmithOrdene su libro aquí. son intentaron imaginar qué forma tomaría el futuro. Espero que esta exposición recree ese Imágenes cortesía de Studio Roosegaarde. deseo ”, explica Roosegaarde.

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BROESSÍA por los díez Recordamos perfectamente la primera obra que conocimos de Joan Brossa, siendo todavía estudiantes de diseño.

Se trataba de Burocracia (1982).

La visión de esta pieza simplemente nos impactó, pero no con un golpe seco en la cabeza o el corazón, sino con un fuego graneado que nos convulsionó de arriba a abajo.

Conocíamos por supuestos los juegos objetuales que habían materializado los surrealistas o los dadaistas, o los planteamientos del objet trouvé y los ready made, pero aquello era diferente, muy diferente, pero no sabíamos por aquel entonces por qué.

Acostumbrados como estábamos a analizar y valorar los objetos de nuestro entorno más inmediato, a estudiar los enseres cotidianos que nos acompañaban en nuestro día a día, a diseccionar lo más prosaico de la producción material del ser humano, la obra de Brossa nos impresionó.

Utilizaba dos simples elementos, un par de hojas secas de plátano y un clip metálico que las prendía como podía haber hecho con dos sencillos folios; nada más…, y nada menos.

El mensaje, la idea trasmitida, el concepto o como lo queramos llamar, estaba claro, huelga explicarlo.

Lo fundamental era que la carga de profundidad que trasmitía crítica e irónicamente Burocracia se nos mostraba con la desnudez de una actuación de estriptis y a la vez con la claridad de un juego de magia, donde, por supuesto, el truco era invisible.

Pero con el tiempo, después de ver muchos brossas, descubrimos ese truco, que ahora, modestamente, intentamos utilizar en nuestras propias obras.

En vez de emplear la retórica vocinglera del eslogan y el altavoz, Brossa utilizaba la sutileza y el susurro del verso, porque como también descubrimos, Brossa no es prosa, Brossa es BROESSÍA. 82

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ny Joan Brossa nació en Barcelona un 18 de

enero de 1919. A él le gustaba decir que la fecha era 19-1-1919, para crear otro poema, este visual. Entendía la creación poética más allá de convencionalismos, sin división de géneros, abierta, transversal, poliédrica.

Cien años despues, la fundación que lleva su nombre conmemora la efeméride declarando el 2019 Any Brossa, un reconocimiento a un creador transgresor.

Autodidacta, inclasificable e inalcanzable, Brossa se nutrió de las tendencias creativas europeas para inventar un lenguaje y un universo propio, convirtiéndose en uno de los máximos representantes de la vanguardia española del siglo XX. Con una producción ingente, Joan Brossa dio

cabida a formas poéticas clásicas, al igual que a poemas visuales, objetos, intervenciones urbanas, piezas teatrales, ballets y guiones cinematográficos.

Nada le gustaba más que emparejar elementos de contextos diversos para transformar la realidad. Prestidigitador de la palabra, mago que pone de manifiesto que nada es lo que parece. Extremadamente actual en su discurso, vitalista en la forma, Brossa concibió el acto poético como un ejercicio necesario para la condición humana.

El tándem formado por los díez han querido hacerle su particular homenaje creando para la ocasión una hermosa palabra: BROESSÍA que expresa la admiración que despertó en ellos el maestro.

____________________________________ En la página anterior Burocracia obra de Joan Brossa (1982) Poema-objeto Hoja seca y metal sobre madera 27,8 x 27,9 x 9,5 cm; 26,9 x 26,9 x 5 cm Colección MACBA. Consorcio MACBA. Fondo Joan Brossa. Depósito Fundación Joan Brossa ____________________________________ 84

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LA SINGULARIDAD ESTÁ CERCA El inicio del siglo XXI marca el comienzo del periodo más interesante y transformador que la humanidad haya conocido: la liberación del ser humano de sus cadenas biológicas y la consagración de la inteligencia como el fenómeno más importante de nuestro universo.

A medida que esta transformación se vaya convirtiendo en realidad, nuestra especie también se enfrentará a nuevos retos jamás antes planteados: un increíble aumento de la inteligencia no biológica, la inmortalidad y un progreso científico sin precedentes.

El reputado ingeniero, inventor y futurista Ray Kurzweil presenta en su libro La Singularidad está cerca, el mejor análisis que se ha realizado hasta la fecha sobre estos cambios, a los cuales ha dado en llamar Singularidad tecnológica. Las implicaciones filosóficas, sociales y científicas de esta obra son tan profundas y revolucionaras que harán que el lector se adentre en un mundo apasionante y todavía por descubrir, un mundo que no es otro que el nuestro.

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Kintsukuroi, El arte de curar heridas emocionales Si por algo se caracterizan los japoneses es por su facilidad a la hora de transformar un elemento viejo y estropeado en un objeto bello. Desde la filosofía wabi-sabi que convierte piezas desgastadas, en valiosos elementos decorativos, hasta el arte del kintsugi o Kintsukuroi que permite recomponer piezas de cerámica rotas, rellenando las grietas con oro o plata. Pese a que esta última técnica está ligada al mundo de la artesanía, el español Tomás Navarro ha trasladado este gesto de la cultura tradicional nipona al mundo de la psicología. ¿Su objetivo? Explicar cuál es el camino a seguir para alcanzar el bienestar emocional.

“El kintsugi es un ejemplo artístico de cómo es posible reconstruir tu vida después de una frustración emocional difícil y servirnos de la experiencia para avanzar en la vida”, explica el autor de Kintsukuroi, El arte de curar heridas emocionales (Ed.Planeta). Lo que en un primer momento podría suponer un problema, una adversidad o una señal de fragilidad termina convirtiéndose en un símbolo de superación y fortaleza. Las heridas no deben desaparecer, al revés, debes “poner oro” en ellas para hacerlas más valiosas.

Este libro es una guía inspiradora que nos plantea que la adversidad puede ser una oportunidad para transformarnos en personas más fuertes y bellas. En él, Tomás Navarro nos enseña a aplicar este arte a nuestras vidas, proporcionándonos las herramientas necesarias para poder superar la adversidad como un auténtico maestro kintsukuroi.

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My Art Book of Love por Shana Gozansky My Art Book of Love es la receta que propone la escritora Shana Gozansky, editada

por Phaidon, para que los niños se enganchen al arte y al amor: un libro lleno de ternura que recoge 35 obras imprescindibles en las que el afecto es el protagonista. Lo querrás sobre tu mesilla de noche.

Shana Gozansky es una directora independiente que actualmente reside en Boston, MA. Su trabajo ha sido producido en Trinity Repertory Company, The Hangar Theatre, Calderwood Arts Pavilion, The Factory Theatre, The Bowery Poetry Club, Dickinson College, Manhattan Theatre Source y The Red Room. Ha colaborado en producciones en Berkeley Rep, The Geffen, Manhattan Ensemble Theatre, Henry Miller’s Theatre y Trinity Rep.

el Consejo Cultural del Bajo Manhattan, es miembro del Laboratorio de Directores de Teatro del Lincoln Center, y es un miembro de dirección de la Liga de Drama.

___________________________________ Shana Gozansky is a freelance director currently based in Boston, MA. Her work has been produced at Trinity Repertory Company, The Hangar Theatre, The Calderwood Arts Pavilion, The Factory Theatre, The Bowery Poetry Club, Dickinson College, Manhattan Theatre Source, and The Red Room. She has assisted on productions at Berkeley Rep, The Geffen, Manhattan Ensemble Theatre, Henry Miller’s Theater, and Trinity Rep.

She has taught acting and directing at Brown University, College of the Holy Cross, and Ha enseñado actuación y dirección en la Uni- Trinity Rep. She has also served as an Artistic versidad de Brown, en el Colegio de la Santa Associate at The Hangar Theatre.

Cruz y en la Representante de la Trinidad.

Shana holds an MFA in Directing from the También se ha colaborado como Asociada Brown/Trinity MFA Programs and a BA Artística en el Teatro The Hangar. in Theater from Bard College, was an ArShana tiene un máster en administración de tist-in-Residence at chashama and The Lower los programas de maestría Brown / Trinity y Manhattan Cultural Council, is a member of the Lincoln Center Theater Directors Lab, una licenciatura en teatro de Bard College, and is a Drama League Directing Fellow. fue artista en residencia en Chashama y

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Hasta el 29 de septiembre de 2019, el Museo Jume EL DESEO Y EL OBJETO EN LA OBRA DE

Apariencia desnuda presenta más de 70 obras de Marcel Duchamp y de Jeff Koons, entre las que se encuentra la serie

completa de ready-mades de 1964 de Duchamp, que incluye Bicycle Wheel, Bottle Rack y Fountain, entre otras; así como una selección de las más reconocidas series de Koons como The New, Banality, Made in Heaven, Celebration, Antiquity y obras como Rabbit, Balloon Dog, Moon, Play-Doh, y Hulk. La exposición incluye préstamos de mas de 30 colecciones como: Astrup Fearnley Museum, Oslo; The Broad Art Foundation, Los Ángeles; Museu Coleção Berardo, Lisboa; Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea, Roma; The Israel Museum, Jerusalén; Moderna Museet, Estocolmo; Museum of Contemporary Art Chicago; National Gallery of Canada, Ottawa; Pinault Collection; Philadelphia Museum of Art; The Sonnabend Collection, Nueva York y Tate, Londres, entre otros.

este proyecto. En el Museo Jumex nos emociona poder ofrecer al público mexicano una muestra en la que disfrutarán la faceta lúdica de la obra de Jeff Koons —uno de los artistas más significativos y populares de este siglo— y, al mismo tiempo, serán parte del diálogo entre dos creadores aparentemente disímbolos, pero que invitan a los espectadores a pensar sobre la función del arte”.

Massimiliano Gioni es director artístico Edlis Neeson del New Museum de Nueva York y director de la Fundación Trussardi de Milán. Gioni ha organizado numerosas exposiciones internacionales, entre ellas la 55ª Bienal de Venecia (2013), la Bienal de Gwangju (2010), la Bienal de Berlín (2006) y Manifesta (2004). En el New Museum ha curado varias exposiciones colectivas incluyendo After Nature (2008), Ghosts in the Machine (2012), Here and Elsewhere (2014) y The Keeper (2016), así como exposiciones individuales de John Akomfrah, Pawel Althamer, Thomas Bayrle, Lynette Yiadom-Boakye, Eugenio López Alonso, presidente de la Tacita Dean, Nicole Eisenman, Urs Fischer, Fundación Jumex Arte Contemporáneo, Camille Henrot, Carsten Höller, Sarah Lucas, agradece a Jeff Koons “su entusiasmo y generosidad durante la organización de esta Albert Oehlen, Chris Ofili, Pipilotti Rist, y Anri exposición; al curador invitado, Massimiliano Sala, entre otros artistas.

Gioni, su novedosa propuesta, así como a los coleccionistas e instituciones internacionales Imágenes cortesía de Catalina Ramirez Saenz que prestaron sus obras para hacer posible

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ex presenta la exposición APARIENCIA DESNUDA: MARCEL DUCHAMP Y JEFF KOONS, AÚN.

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Si sois grandes empresarios, seréis grandes filántropos

Warren Buffet; Bill y Melinda Gates; Isidro Fainé; Michael Bloomberg; Mark Zuckerberg y Priscilla Chan; Sergey Brin; George Soros; Carlos Slim; Alice Walton; Charles y David Koch; Jeff Bezos; Chuck Fenney; Azim Premji; Li Ka-shing; y Aga Khan IV. Estos son los nombres que conforman el volumen Filantropía y progreso. Grandes filántropos del siglo XXI, impulsado por Forbes.

El libro “es un compromiso con la divulgación de todo aquello que esté ligado a la filantropía. Pero busca, además, alentar, animar a que crezca, a que mejore, a que se sepa comunicar, para que la sociedad sepa entenderla en su total dimensión. Es, también, una llamada de atención para que aprendamos a recibir, a entender los motivos del que da y, por tanto, ser humildes y respetuosos”, esto explica Andrés Rodríguez, editor de Forbes, en el prólogo, que lleva por título “Si sois grandes empresarios, seréis grandes filántropos”.

procedentes de diferentes países – Estados Unidos, India, China o México– y de ámbitos tan diversos como la tecnología, las finanzas, el comercio o las telecomunicaciones.

En el caso de Isidro Fainé, único representante español en el libro de Forbes, destaca su papel como presidente de ”la Caixa”, primera fundación privada de España y una de las más importantes del mundo, con un presupuesto de 545 millones de euros en 2019. La entidad focaliza sus esfuerzos en tres ámbitos: social, investigación y divulgación cultural.

En los últimos 10 años, “la Caixa” ha dedicado 5.030 millones de euros a sus programas de acción social, educativa, cultural y de apoyo a la investigación médica.

Isidro Fainé recibió el Premio Forbes a la Filantropía 2018, en la que fue la primera edición de este galardón en España.

El volumen incluye a grandes empresarios 102

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TropenMuseum Considerado uno de los edificios más hermosos de los Países Bajos, construido en 1926, en este impresionante monumento nacional, ubicado en Oosterpark, en el corazón de Amsterdam Este, se encuentra el TropenMuseum dedicado a las diferentes culturas del mundo.

te y exposiciones temporales que cambian regularmente donde cada objeto cuenta una historia humana, sobre temas universales como: el luto, la celebración, la decoración, la oración, o la lucha.

Si quieres saciar tu curiosidad por la enorme diversidad cultural que el mundo tiene para ofrecer, ven a visitar el TropenMuseum.

Su enorme atrio central, o Lichthal (literalmente salón de la luz) ofrece una magnifica Imagen cortesía TropenMuseum. vista de lo que el museo puede ofrecer al visitante. Una extensa exposición permanen-

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Tomen nota de este nombre: Luchita Hurtado nacida en Maiquetía, Venezuela, el 28 de octubre de 1920. Es posible que sea la primera vez que lo escuchen, aunque esta pintora, de 98 años de edad, nacida en el caribe y afincada en los Estados Unidos desde los ocho años, lleva trabajando durante siete décadas. ¿Y cómo puede ser esto? Pues como ha sucedido anteriormente con otras artistas mujeres su reconocimiento ha sido tardío.

Recuerden el de la cubano-estadounidense Carmen Herrera (La Habana, 1915), que permaneció en el olvido hasta que los renombrados museos MoMa de Nueva York y Tate Modern de Londres incorporaron obras suyas a sus colecciones.

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Hasta el año 2018, Luchita Hurtado, quien reside en Los Angeles desde 1951, no recibió el interés de la crítica especializada hasta su participación en la Bienal del Hammer Museum de Los Angeles. En esta muestra, titulada “Made in L. A. 2018”, llama la atención la vitalidad y actualidad de su trabajo, realizado sobre todo en la década de los años 70, donde su obra mezcla formas abstractas biomórficas, patrones indígenas y figuras totémicas más figurativas, en las que representa partes del cuerpo femenino.

Esta muestra ha marcado el despegue internacional de la artista venezolano-estadounidense, que a sus casi cien años, ha tenido este 2019 dos muestras individuales de forma casi consecutiva:

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Luchita Hurtado

y a los 98 años le llegó el reconocimiento La primera, titulada “Dark Years”, organizada por la galería Hauser & Wirth en su espacio neoyorquino del Upper East Side, desde el 31 de enero hasta el 6 de abril, donde se pudieron ver los primeros trabajos de la artista, definidos por la experimentación en las décadas de los años 40 y 50.

La mega galería suiza se apuntó un gran tanto con esta novedosa y primera presentación de la obra de Luchita Hurtado en Nueva York, la cual ya forma parte de los grandes artistas iberoamericanos representados por la firma, como son los activos Anna María Maiolino y Guillermo Kuitca, o los desaparecidos Lygia Pape, Mira Schendel y Eduardo Chillida. De estos dos últimos gestiona sus Estates.

Y la Serpentine Sackler Gallery le dedica la que será su primera gran muestra en una institución, en la que se “rastreará la trayectoria de la carrera expansiva de Hurtado, quien a sus 98 años, ha producido una obra rica con una relevancia continua para los temas ambientales y políticos contemporáneos”, como destacan desde la galería londinense. La exposición “Luchita Hurtado: I Live, I Die, I Will Be Reborn” se inauguró el pasado 23 de mayo y se clausurará el 20 de octubre.

Luchita Hurtado, trabaja en Santa Mónica (California), emigró a la ciudad de Nueva York en 1928, donde estudió en Washington Irving High School y en Art Students League -en esta última también lo hizo Carmen Herrera-.

Comenzó su carrera como ilustradora de mo-

das para Condé Nast y como muralista para las tiendas Lord & Taylor a principios de los años 40, y a mediados viajaba con frecuencia entre Nueva York y la Ciudad de México, donde trabajaba en un grupo internacional de artistas y escritores que formaban parte de la diáspora de la Segunda Guerra Mundial, como Remedios Varo, Leonora Carrington y Wolfgang Paalen, que se convirtió en su marido. Hurtado se mudó con él a Mill Valley, California, donde se asociaron con el Grupo Dynaton, un movimiento artístico de carácter post-surrealista, con influencias estéticas extraídas de la espiritualidad de las culturas precolombinas y nativo-americanas.

En este grupo se encontraba el pintor y profesor estadounidense Lee Mullican (Chickasha, 1919 - Santa Monica, 1998), tercer marido de Luchita Hurtado y padre de sus dos hijos: el célebre artista Matt Mullican y el director creativo John Mullican. En 1951 se mudó a Los Ángeles, donde ha residido desde entonces.

Entre sus exposiciones individuales recientes se incluyen la Annenberg Community Beach House, Santa Mónica (2017) y Park View Gallery, Los Ángeles (2016). Antes, su última exposición individual se llevó a cabo en el Edificio de Mujeres, Los Ángeles (1974). Hurtado ha exhibido esporádicamente desde los años 50 y algunas obras suyas se conservan en el MOMA de Nueva York y el LACMA de Los Angeles, pero bien seguro que esta lista pasará a incrementarse a partir de ahora.

Imágenes cortesía de Hauser & Wirth y Serpentine Sackler Gallery.

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SOLDADITOS

de MIRALDA

Antoni Miralda, galardonado con el premio período durante el que realizó el servicio

Velázquez de Artes Plásticas 2018, por una trayectoria artística sólida y transdisciplinar desde los años 60 a la actualidad, en la que ahonda en el concepto de ritual y fiesta, con un sentido lúdico y participativo que evidencia el carácter político y crítico de su obra, presentó en la pasada edición de ARCOmadrid, conjuntamente con la galería Senda de Barcelona, un grupo de fotografías inéditas hasta la fecha, de su famosa serie Soldats Soldés, todas copias vintage, impresas en gelatina de plata, tomadas por Miralda en Paris, reveladas en blanco y negro entre los años 1965 y 1970, totalmente olvidadas en el estudio del artista.

militar español y pudo comprobar, de primera mano, la atmósfera asfixiante y endogámica del mundo militar de la época. Alegato pacifista, exorcismo personal, parodia de las mitologías sobre la violencia y de los arquetipos del patriotismo, Soldats Soldés, conocido comunmente como Soldaditos, es una variación obsesiva sobre una misma imagen idéntica, repetida hasta el paroxismo y, en cierto modo, desactivada de su sentido original.

El soldado de juguete, acumulado sobre collages, ribeteando un objeto cotidiano, insertado en elementos encontrados (telas, mobiliario, réplicas de esculturas…), o en Este conjunto de trabajos que incorporaban monumentos públicos (Duomo di Milano y la cientos de soldados blancos unidos entre sí, Place de la Republique) constituía una prirealizados en soportes diferentes, expuestos mera aproximación a las ideas de serialidad, en lugares muy diversos, fueron, durante los acumulación y archivo, características de trabajos posteriores como Santa Comida (1984primeros años de la trayectoria de Miralda, una especie de divisa visual sobre su trabajo. 89), Honeymoon Project (1986-92) o el Food Pavilion (Hanover, 2000).

A pesar de la variedad de resoluciones, todos los proyectos arrancaban desde una misma situación biográfica, aquella vivida por el propio artista entre 1962 y 1966,

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Imágenes tomadas en la presentación de ARCOmadrid 2019 con Antoni Miralda.

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SOLO HOUSES SUMMER GROUP SHOW A 200 kilómetros de Barcelona y a 150 de Zaragoza, en el Parque Natural de los Puertos de Beceite, en la comarca montañosa de Matarraña, nos encontramos con Solo Houses, un estimulante proyecto, que ha despertado el interés de la BBC y de Netflix, dándole protagonismo en el capítulo dedicado a España de la serie documental The World’s Most Extraordinary Homes.

La prestigiosa productora española de arte contemporáneo Eva Albarrán y el arquitecto francés Christian Bourdais, propie-

mado Solo Houses Summer Group Show, que estará abierta hasta el 24 de octubre.

Arte y naturaleza, contraste y escala, lo que buscan sus artistas, provocar sensaciones fuera de las cuatro paredes de la galería de arte.

Por una senda circular de un kilómetro y medio se irá encontrando auténticas obras de arte que comparten espacio con la vegetación de este escondido y singular paraje, que le invitan a reflexionar.

tarios de Solo Galerie, en Paris desde 2015 y en Madrid desde el 2018, tienen la idea de reunir en Matarraña, una colección de 15 casas sin límites creativos, que intimen con el paisaje y cuestionen los convencionalismos asociados a la típica segunda residencia.

Cuando en 2012 Eva y Christian conocieron la comarca turolense de Matarraña, no se pudieron resistir: era el lugar donde dar cabida a toda esa creatividad arquitectónica mermada por la estandarización de las construcciones para viviendas.

De momento, únicamente hay dos casas terminadas, si bien la idea es tener listas las 15 antes de 2024 y dar la posibilidad de alojarse en todas ellas. Un lujo alcanzable, si alquila una de estas joyas arquitectónicas que cuesta alrededor de 800 euros al día. Tenga en cuenta que se pueden alojar entre seis y ocho personas.

Bourdais se pregunta: ”¿Cómo debe ser hoy una casa de fin de semana?¨” y se responde: “Queremos reinventar el concepto desde las necesidades contemporáneas, respetando la creatividad de los arquitectos que los constructores han reducido tanto”.

Lo que sí está lista y ya inaugurada es la muestra escultórica temporal, que han lla122

Una de las casas llamada Solo Office, es una joya de Kersten Geers y David van Severen, ambos arquitectos del estudio belga Office KGDVS.

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Solo Office (en la imagen inferior) es un gran anillo de hormigón completamente abierto al bosque, para conseguir una casa lo menos tradicional posible, que ha sido finalista en los premios de arquitectura Mies Van Der Rohe.

tumbados en una hamaca diseñada por Muller Van Severen, o darse un chapuzón en su piscina del jardín interior, diseñado por el paisajista Bas Smets.

Lo funcional como la ducha y el inodoro, se Con paredes abatibles, juegan con los concepencierran en un armario de acero espejado.

Las instalaciones de aire acondicionado, las tos de dentro-fuera. En una misma estancia podemos tomarnos un buen vino con el paisaje tuberías de agua, o la caldera de esta vivienda, como único muro, o por el contrario, aislarnos parecen no existir hasta que levanta la mirada junto al calor de la chimenea, si deseamos una a la cubierta y encuentra paneles fotovoltaicos, noche íntima. tanques de agua y generadores a modo de esculturas, obra del pintor Pieter Vermeersch.

Los amantes del interiorismo y la decoración minimalista, pueden contemplar el amanecer Creatividad en estado puro, por lo que Louis

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Vuitton ha elegido la Solo Office como espacio ideal para su línea exclusiva de muebles y objetos de decoración, Objetos nómadas, que puede verse en la web de la marca francesa.

Esta primera exposición temporal de nueve piezas, de nueve artistas nacionales e internacionales, convierten Matarraña en una galería al aire libre. Ugo Rondinone, Iván Argote, Barozzi Veiga, Christian Boltanski, Peter Downsbrough, Olivier Mosset, Fernando Sánchez Castillo, Pezo Von Ellrichshausen y Héctor Zamora son los artistas que exponen en esta galería que huye de las paredes blancas.

Para poder visitar la zona hay que llamar previamente y hacer una reserva. Allí le hacen entrega de un mapa en el que se indica la ubicación de las piezas con una breve explicación de cada una de ellas.

Su intención es invitar a diferentes galerías a participar en el proyecto. Juana de Aizpuru y Ángels Barcelona han sido las dos primeras, pero ya tienen otras en mente para futuras muestras.

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Solo Pezo Von Elrichshausen (en la imagen) es la segunda vivienda. Construida en

un punto con fabulosas vistas sobre la reserva natural y proyectada por Maurizio Pezo y Sofia Von Ellrichshausen.

Diseñada como una plataforma que brinda a sus ocupantes la sensación de flotar en el aire, completamente de hormigón, su diseño es perfectamente simétrico y homotético. Tiene un patio con piscina que ocupa

el centro de la casa, donde la búsqueda de frescura y sombra es una necesidad, proporcionando un lugar perfecto para compartir buenos momentos. Todas las habitaciones se abren al exterior a través de grandes ventanales que se pueden retraer por completo para que estos espacios se conviertan también en patios.

Imágenes cortesía de Solo Galerie y Solo Houses

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En el Nueva York de los años 80 con el objetivo de ayudar a las personas que por motivos de agenda o falta de tiempo necesitaban que alguien realizara sus compras, y a la vez, desempeñara funciones de asesor o consultor sobre las mismas, siempre en base a sus necesidades, preferencias y gustos, nació el Personal Shopper.

es una profesión que puede desgastar al tratar con personas de todo tipo y trabajar con el objeto más valioso para la mayoría de ellas, su casa o vivienda.

Una profesion cada vez más especializada por sectores, es tendencia contratar sus servicios en el terreno inmobiliario. Desde el 2010 esta figura se ha visto incrementada alrededor de un 50 %, según datos de la Asociación Española de Personal Shopper Inmobiliario o AEPSI.

1.Conocer a los clientes mediante una entrevista en profundidad para saber cuáles son sus gustos, necesidades y preferencias. No es igual tratar con una pareja joven con o sin hijos, un matrimonio mayor con nietos; las necesidades son totalmente distintas. La clave es conseguir una confianza inicial para valorar qué es lo que necesita el cliente.

Entender al cliente y centrarse en resolver sus necesidades para comprar la casa o el inmueble de sus sueños, son una de las grandes diferencias que ofrece un Personal Shopper Inmobiliario. La clave es que le ayuda a comprar una vivienda en base a sus preferencias, ya que trabaja exclusivamente para usted, y en consecuencia, siempre defenderá sus pensamientos y acciones.

No se trata sólo de asesoramiento, sino de dar consejos y resolución de problemas para los clientes que buscan comprar.

Un Personal Shopper Inmobiliario, como nos explica la promotora, Inmobiliaria Sueños y Pasiones, debe tener las siguientes características: Mucho tacto, buena presencia y actitud positiva. Capacidad de escucha, empatía y paciencia.

Conocer el mercado inmobiliario y estar formado en coaching. Tener buenas relaciones personales, saber identificar los deseos de los clientes, gestionar todos los trámites burocráticos.

Capacidad para gestionar el estrés y trabajar bien bajo presión.

Pero sobre todo, pasión por lo que hace ya que 128

En 6 pasos nos resume las acciones que realiza un Personal Shopper Inmobiliario para tratar con los clientes:

2.Definir las metas y objetivos en base a ciertas características que debe tener la vivienda o inmueble que se quiere comprar: zona, tamaño, antigüedad, estilo, nivel de conservación, precio, garaje y servicios comunitarios.

3.Ponerlo por escrito en una hoja de ruta; para ello se firma un contrato y se paga por los servicios mediante una provisión de fondos. Hay diferentes modalidades de pago, por fases u objetivos, a la hora de firmar, reservar una vivienda, firma de la escritura, etcétera.

4.Proceder a la localización, para ello se usan diferentes métodos de búsqueda y captación para la posterior selección.

5.Validación técnica y jurídica. El Personal Shopper Inmobiliario inicia el proceso de negociación con el vendedor y se ocupa de todo el proceso burocrático, reservas y escrituras en el notario.

6.Ya en posesión de las llaves asesora en todos los trámites posteriores a la venta, como cambios de titularidad, acciones a resolver, entrega de documentos, etcétera.

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HACEN REALIDAD SUS SUEÑOS Imagen de Conker Living, viviendas prefabricadas, cortesía de Inmobiliaria Sueños y Pasiones

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EQUIPO

FALSO

Formado por Alejando Bedoya y Alfonso Fábrega, quienes trabajan en tándem desde 1972, Equipo Falso es el resultado de una ardua labor en el campo del Diseño Textil.

bajo puede entenderse como una metáfora de cómo apreciar, valorar y re-interpretar la grandiosidad del mundo en que vivimos.

A través de su trabajo en gran formato, Equipo Falso presenta al público un cambio de paradigma en la percepción de la realidad y para ello se valen de la magnificación o cambio de la escala real a monumental o macro, redimensionando no sólo la escala sino nuestra percepción de objetos y figuras que forman parte de nuestra cotidianeidad, generando en ocasiones, tanto humor como sorpresa y encantamiento.

Paralelo a su trabajo artístico artesanal, han colaborado con numerosos grupos teatrales y musicales en maquillaje, atrezzo y vestuario, entre ellos Carles Santos, Ola&Tse, La Porta, Els Comediants.

También han trabajado con Arquitectos, estilistas, decoradores y paisajistas como Cristina Gabás, Juli Perez-Catalá, Clementina Liscano, Andrés Tábora en Barcelona, Alessandra Cesana en Venezia y Show-rooms: Quadrille, André Mantençot, I.D. InternaSu intención ornamental se apoya en un ma- tional en D&D building, Nueva York, Julio gistral dominio del dibujo, el color, la figura y Obel-Mejias, Alfredo Gonzalez-Rengifo, Carla síntesis gráfica. Se aproximan a cada lienzo los Almenar Bolívar, Jack Dornbush, Franco como un experimento que comprueba la ca- Bianchi, Bernardo Trías Sucre, en Caracas. pacidad de disección que con los ojos, podeEquipo Falso tiene instalaciones permanenmos hacer de cualquier elemento natural o artificial que nos rodee. Desde el superhéroe tes de sus telas en residencias y colecciones del cómic a la fauna y flora marina, de la es- tanto privadas como públicas en Caracas, Miami, Barcelona, Madrid, Venecia, Nueva cultura griega a el mar o los insectos, cualYork, Costa Rica y Mallorca. quier elemento que se proponen trabajar es tratado adecuadamente y describe una mirada amplificada al mundo que nos rodea. En este número presentamos su exclusiva nueva serie, compuesta por 22 piezas únicas, Profesando amor por el detalle y la minucio- dedicada a la gastronomia. Unos sobrios, sidad, su trabajo describe un modo particu- pero divertidos delantales que ellos convierten en auténticos objetos de deseo. lar de observar lo que nos rodea, creando Más delantales pinchando aquí. ficciones a partir de la realidad. Cada pieza es única, sin embargo, el conjunto de su tra- Imágenes cortesía de los artistas.

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SENSORIAL ECO·ART The World Gate

Como artistas productores de ideas, sensaciones y emociones, el doctor en arquitectura Orlando De Urrutia y el escultor Sánchez-Santiago han trabajado juntos para proyectar una escultura, The World Gate, diseñada desde un nuevo concepto creativo que han llamado Sensorial Eco·Art. “El artista, a través de la historia, creaba sus obras con materiales que tenia a mano y utilizaba las técnicas tradicionales de su tiempo. Sensorial Eco·Art se adapta a los nuevos tiempos, con materiales actuales reciclables, que no alteran el medio ambiente”, como nos explica Orlando De Urrutia.

Este tipo de escultura está concebida para integrarse en el medio ambiente natural y urbano en el que se emplace, utilizando las energías naturales como el sol, el viento, el agua y la tierra, para proporcionar múltiples

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sensaciones al espectador que la recorra.

The World Gate invita al espectador a interactuar con ella, cumpliendo además una función didáctica y pedagógica, para crear consciencia del respeto por el medio ambiente, la utilización de las energías renovables y de cómo, con la unión de todos estos conceptos, pueden experimentarse grandes sensaciones.

Las obras y esculturas Sensorial Eco·Art también están pensadas para hacer llegar estas sensaciones a personas con algún grado de discapacidad, pues además de que son cómodas de transitar, se pueden tocar, oler y escuchar.

Imágenes virtuales cortesía de Orlando De Urrutia

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Le escultura The World Gate implantada sobre un espejo de agua, dispone de un puente para cruzar este espacio sensorial interactivo, de micro clima, luz, color y sonido.

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HAUSER & WIRTH CONVERTIRÁ A LA ISLA DEL REY EN EL FOCO ARTÍSTICO DEL MEDITERRÁNEO La Isla del Rey, situada junto al puerto de Mahón, albergará un centro de arte en los edificios contiguos al antiguo hospital militar construido en el islote durante la dominación inglesa, que incluirá una sala de exposiciones, un programa educativo, jardines, tienda y cantina.

Un total de 1.500 metros cuadrados, van a ser restaurados por el arquitecto argentino Luis Laplace. El paisajista holandés Piet Oudolf será el responsable de crear los jardines alrededor

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del centro de arte, utilizando para ello especies y plantas autóctonas. Tanto Laplace como Oudolf fueron fundamentales en el desarrollo de Hauser & Wirth Somerset, centro rural de arte situado en el suroeste de Inglaterra, y para el proyecto de Menorca contarán con equipos locales como el grupo de arquitectos formado por Miquel Sintes, Minerva Sánchez y Bià Garriga, y el paisajista Álvaro de la Rosa.

La dirección de este nuevo espacio de arte estará en manos de Mar Rescalvo, que cuenta con un amplio bagaje artístico, una gran experiencia en proyectos culturales y educativos en las Islas Baleares, Barcelona y Ámsterdam.

Se trata de la segunda incursión de Hauser & Wirth en España. En 2017, la firma suiza llegó a un acuerdo con los herederos de Eduardo Chillida para asumir su representación mundial

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y pilotar la reapertura del museo Chillida Leku, en Hernani (Gipuzkoa), que volvió a abrir sus puertas el pasado abril.

Con el nombre Hauser & Wirth Menorca se prevé su inauguración para el 2020 y se desarrollará de acuerdo con el modelo que tienen establecido en Somerset, centrado en la comunidad que lo rodea y conecta la pasión por el arte con la educación, la conservación, la naturaleza, la sostenibilidad y los productos de origen local. Hauser & Wirth Somerset abrió en julio de 2014 y desde entonces ha conseguido fama internacional, recibiendo más de 650.000 visitantes, incluyendo 100 escuelas e instituciones educativas cada año.

Hauser & Wirth fue fundada en 1992 en Zúrich por la coleccionista suiza Ursula Hauser, su hija Manuela e Iwan Wirth, marido de esta última,

a quienes se unió en el año 2000 el socio y vicepresidente Marc Payot. Un negocio de perfil familiar con una mirada global, que durante 27 años se ha expandido a Hong Kong, Londres, Los Ángeles, Nueva York, Somerset, Gstaad y St. Moritz. La galería representa a más de 75 artistas y legados.

Iwan y Manuela Wirth residen en el condado británico de Somerset. Visitaron Menorca por primera vez hace dos décadas y llevan años pasando temporadas en la isla. Enamorados de su belleza salvaje, reconocen la naturaleza hospitalaria de sus habitantes y sus perseverantes esfuerzos por proteger el entorno natural y el patrimonio cultural. Actualmente también tienen una residencia en la isla.

Imagen cortesía de Hauser & Wirth

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ATENEA En esta segunda edición de ATENEA, el centro de innovación LAS NAVES en Valencia acogerá el evento en sus mismas instalaciones, y se celebrará el próximo mes de octubre, los días 24, 25 y 26.

Al igual que en el primer encuentro, este II Congreso Internacional Atenea Mujeres: Artistas. Tecnólogas, constará de charlas, presentaciones, mesas redondas, talleres, performances y una exposición de arte digital y ciencia, que estará formada por las obras seleccionadas a través de esta convocatoria, abierta hasta el 1 de septiembre, incluido.

También hay abierta otra convocatoria para propuestas de trabajos de investigación en formato de presentaciones dentro de las sesiones temáticas del evento.

II CONGRESO INTERNA

de este año abarcan: Bio Arte, biotecnología, artes digitales y electrónicas, arte y nuevos medios, artes escénicas y performativas, producción audiovisual y realización de video juegos, animación, robótica, inteligencia artificial, realidad virtual y visualización en 3D, moda, textiles y nuevas tecnologías.

Lucia Peiró artista valenciana interdisciplinar, centrada en el performance art, participará en este congreso con su intervención Las Portadoras.

Como en la edición anterior, en ATENEA 2019 contarán con una mesa especializada en educación y nuevas tecnologías aplicadas a la innovación pedagógica.

Aunque el evento se enmarca dentro proSe trata de ofrecer un espacio de encuentro, gramas culturales en la ciudad de Valencia, creación y colaboración para visibilizar y pro- el proyecto ATENEA tiene una proyección inmover el trabajo de mujeres de áreas artísti- ternacional, contando con el apoyo de otras cas y de áreas tecnológicas para fomentar la asociaciones de mujeres y redes feministas figura de mujeres profesionales que desarro- de arte, tecnología y ciencia a nivel nacional llen su obra e investigación en la intersección e internacional. de las artes, tecnología y ciencia.

Imagen cortesia de Lucia Peiró junto a una Las temáticas que englobarán las actividades de las piezas de Las Portadoras.

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ACIONAL MUJERES: ARTISTAS. TECNÓLOGAS

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ASOMÁNDOSE

A LA INTIMIDAD

DEL ESTUDIO

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Mi método de expresión es el dibujo.

El artista sevillano Ángel Alén lleva años trabajando en una serie de dibujos sobre papel Hahnemühle de gran formato, con la intención de asomarse a la intimidad del estudio del artista y analizar el momento del proceso creativo de una obra con todos los elementos que la rodean.

Representando estudios de diferentes artistas contemporáneos como: Carlos Aires, Luis Gordillo, Miki Leal, Rubén Guerrero, Abraham Lacalle, Manuel León o Juan del Junco, pone en el punto de mira todo aquello que tiene que ver con el objeto artístico en sí mismo. Ángel Alén nos explica sobre su proyecto en progreso: “estos dibujos ofrecen una visión del propio arte para adentrarse en sus lugares de intimidad, en esos espacios en los que se reconoce la estructura mental del que crea. En cada uno de ellos se ve el orden estructural de la mente de cada artista y se aprecia el resultado final en las obras acumuladas en cada estudio”.

Utilizando múltiples técnicas (lápiz, carbón, pastel, lápiz conté, lápices de colores acua-

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relables, bolígrafo, tinta...) se centra en el continente y el contenido cuestionando los límites de la representación y los asuntos que conciernen el lenguaje de la propia pintura.

Se trata de reflexionar sobre la actividad del dibujo o la pintura a través de su práctica, de la intimidad del espacio de trabajo diario, la cotidianidad, los elementos que rodean al artista en su lugar de trabajo.

Indagar y profundizar tanto en los fundamentos del dibujo y la pintura como en la propia actividad del pintor, son factores que determinan el resultado final y que forman parte de la producción de todos los artistas visuales, sea cual sea su disciplina.

En la imagen anterior y en esta: Estudio Carlos Aires Lápices sobre papel Hahnemühle. 110 x 148 cm. 2017.

Imágenes cortesía de Ángl Alén.

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Estudio Luis Gordillo Lápices sobre papel Hahnemühle. 110 x 148 cm.

2017 ARTNOBEL Inspiration Review of Contemporary Art

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Estudio Miki Leal Lápiz, pastel, acuarela y carbón sobre papel Hahnemüle. 88 x 60 cm.

2018 ARTNOBEL Inspiration Review of Contemporary Art

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Estudio Rubén Guerrero Lápices sobre Hahnemüle. 85 x 115 cm.

2017

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el Museo HERMITAGE de TOYO ITO echará el ancla en BARCELONA El Museo Hermitage de Barcelona diseñado por Toyo Ito por fin verá la luz. La obra proyectada por el Premio Pritzker de 2013 es una representación de su estilo, plasmado anteriormente por el arquitecto nipón en el recinto de Fira de Barcelona en L’Hospitalet de Llobregat.

Con una superficie de 16000 metros cuadrados, de los que 12000 serán efectivamente útiles, el edificio tendrá tres niveles. Se estima que alcanzará los 25 metros de alto, y ocupará unos 72 metros de largo por 48 metros de ancho, con un gran vestíbulo y una escalera en voladizo que se adaptará a los peculiares muros.

En su interior se ha previsto también un restaurante, un auditorio con capacidad para 300 personas y una terraza que podría albergar exposiciones temporales.

El futuro museo ruso proyectado en hormigón color blanco, será construido exactamente en la bocana norte del puerto de Barcelona. Por su cercanía al mar, los muros del edificio nos evocan las velas de un barco, anclado en la misma playa de la Barceloneta.

Este proyecto de 52 millones de euros, tiene prevista su inauguración en el año 2022.

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TENCIE

MINDFULNESS ¿Qué sabe de esta técnica?

El origen de esta expresión anglosajona, se fundamenta en la necesidad de utilizar un vocablo para hacer referencia a un concepto budista en el que se basa esta técnica de relajación/meditación, que consiste en prestar atención plena y desapasionada a nosotros mismos, a nuestros pensamientos, emociones y sensaciones corporales, así como también a lo que nos rodea, sin juzgar y sin analizar causas o consecuencias.

Es una forma de abstracción, de toma de conciencia de nuestros sentimientos y de ser conscientes de cómo sentimos y respondemos ante cada vivencia y momento de nuestra vida.

Relajación o meditación La relajación y la meditación son actividades terapéuticas muy parecidas, que se complementan y que en el Mindfulness se practican de forma conjunta y paralela. Si bien hay matices que las diferencian: La relajación tiene un componente físico más marcado, con participación decisiva de sistemas orgánicos como la respiración, el sistema muscular y articular, la vista…

La meditación tiene un componente más espiritual e intelectual, con participación decisiva de la actitud, las emociones y la mente.

El objetivo del Mindfulness es dotarnos de una técnica para aprender, mediante la práctica y el perfeccionamiento, a gestionar las emociones, reacciones, actitudes y pensamientos para afrontar las situaciones que nos La coach, reiki master, beauty and wellness advisor MAR 9 AZULES, practica esta técnica presenta la vida, desde la libertad, el conocidesde hace años y la aplica con gran éxito en miento de uno mismo y la aceptación. el tratamiento del estrés y de la ansiedad.

Beneficios

MAR nos explica: “poder aislarse por un breve espacio de tiempo, dentro o fuera de la actividad laboral, es una rutina diaria que nos proporciona un plus de descanso y relajación, es un incentivo para continuar la jornada y aliviar la ansiedad y el estrés”. Y añade: “La atención consciente es clave para el autoconocimiento, el aprendizaje para llegar a conectar con nuestro yo interior.

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1 Ayuda con el estrés y la ansiedad 2 Acaba con el insomnio 3 Aumenta el tamño de los Telómeros 4 Acrecienta la capacidad de concentración 5 Desarrolla la inteligencia emocional 6 Mejora las relaciones interpersonales 7 Favorece la creatividad 8 Mejora la memoria de trabajo

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SU

CREATIVIDAD 9 A Z

MAR

U L E S

Imagen cortesía de MAR 9 AZULES Teléfono +34 646 960 064

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un espacio de arte para inspirarte 158

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