ARTNOBEL Revista 6 by ARTNOBEL

Yoann Ximenes La palabra se hizo luz

NĂşm.6 marzo-abril 2016

Inspiration Review of Contemporary Art

En este número encontrarás… Yoann Ximenes

A propósito de la libertad de errar

ii.

El peso de un gesto obra de Julião Sarmento

iii.

Los 39 artistas y su colección de procedencia

iv. La dialéctica entre ortodoxia y heterodoxia, en Gestos iconoclastas, imágenes heterodoxas v.

El arte como provocación y revulsivo

vi. Artistas y obras presentes en la exposición vii. Una mirada al Comisart Carlos Martín

viii. Premios en el 35 aniversario de ARCOmadrid ix. Norbert Bisky crónica de un acontecimiento x.

Truck Art Project, arte sobre ruedas

xi. Miguel Sbastida. Way of understanding xii. Emerging Illinois Artists xiii. Yoann Ximenes. La palabra se hizo luz xiv. Mantras, Le Big Bang de Louise y Speechscape - 31° 47' N / 35° 13' E 2

Redacción

Maite Alonso Directora

Todo le fascina. Interesada en los detalles, las pequeñas cosas pasando delante de nuestras narices sin sentido ni razón. Se abstrae en un instante durante horas llenas de trazos sobre papel.

Gregorio Alonso Redactor

Saltando de un equilibrio a otro. Descubriendo cosas en cada esquina. Subiendo y viajando por las ideas de otros que en algún momento hará suyas. Corriendo tras la paloma en un campo repleto de amapolas.

Cristina Martínez-Sandoval Redactora de Opinión

Atenta y contenta como la bondad. Gira, da vueltas, se mira en el muro lo salta y se espanta. Sonríe, lo aprecia, se asombra, se inquieta, se olvida y lo quiere recordar.

eMe Alonso Reportera de Eventos

Comunica, entretiene, disfruta, se evapora y vuelve a volar. Nada en la zona adulta sin soltar de la mano a una niña de cabellos claros y sonrisa perenne. Incansable de apetitos exquisitos de una sola vez.

S/T 4 SERIEUNIVERSOMAX, 2012. Bolígrafo sobre papel. Máxima Romero

A PROPÓSITO DE LA LIBERTAD DE ERRAR Hubo un momento en el tiempo donde la pasión de los hombres y el pensamiento aprendieron a desconfiar de sí mismos. Lo que les entregaba a la experiencia. Criticaban el pensamiento que se elevaba sobre la realidad empírica y se convertía con ello en fuente de errores. Probablemente por no entender su complejidad. Por lo general el pensamiento depende de opiniones en uso, de los creadores de opinión conduciendo a falsificar la experiencia. La fuente básica del error no son los sentidos, sino el entendimiento generalizado. Todo aquello que damos por verdadero sin disponer de suficiente información. En consecuencia, nuestra tarea es sacar al entendimiento del laberinto de sus errores mediante experimentos intuitivos. El escepticismo no se dirige contra la experiencia sensible, sino contra el entendimiento. Es el rostro del miedo de las desilusiones. Por lo que, en cualquier caso, es el entendimiento el que ha de destruir su propio engaño para que la experiencia sensible pueda imponer toda su rotundidad. Acaso, ¿no es la razón la que hace el ridículo al topar con una emoción?

¿En qué medida el conocimiento nos hace libres? El conocimiento es libre, por lo menos para errar. Pero entonces lo único que queda de la libertad es el hecho de alejarnos del conocimiento de la realidad. Lo que nos lleva a la paradoja de sentirnos libres sólo allí donde erramos. A propósito, ¿sabes dónde se encuentra la libertad?

Abate Bussoni

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EL PESO DE UN GESTO OBRA DE JULIÄO SARMENTO Julião Sarmento “El peso de un gesto es como un romance, como una novela, y cada obra es como una frase de una novela. Pero si las pones todas juntas, tienes una novela larga”. En El peso de un gesto, se ha querido dar continuidad a la apuesta pionera en nuestro país de la Obra Social ”la Caixa” de invitar a artistas a comisariar proyectos expositivos. ¿Por qué los artistas? Porque ofrecen una visión del arte de nuestro tiempo menos vinculada a grandes discursos y teorías, menos programática y más libre. Tras las experiencias previas con algunos destacados artistas -Jorge Pardo, Soledad Sevilla, Juan Uslé y Luis Gordillo-, ahora se da continuidad a esta línea invitando a Sarmento que ha podido elegir obras de tres grandes colecciones: la de ”la Caixa” y la del MACBA, centradas en el arte internacional, y la Fundaçao Calouste Gulbenkian, especializada

en arte portugués contemporáneo. A lo largo de su carrera, que se inició en los años setenta, Julião Sarmento ha utilizado distintos lenguajes: del arte conceptual a la abstracción, del cine en formato super-8 a la pintura. La libertad con la que desarrolla su trabajo se proyecta en su forma de entender la creación, que se fija más en el gesto artístico que en materiales, soportes o lenguajes. De ahí el título de la exposición, que subraya la importancia del gesto del artista: un gesto que pesa. Julião Sarmento rehúye la cronología, las escuelas, los estilos y las asociaciones temáticas y estilísticas, y abre nuevas perspectivas desde la sensibilidad y la creatividad. El artista ha desempeñado un papel decisivo en el montaje de la muestra, que invita al espectador a detenerse ante las piezas, a contradecir las ideas recibidas y a seguir su propio camino.

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La exposición reúne sesenta y siete piezas, desde dibujos y pinturas hasta fotografías, vídeos o instalaciones. Están representados en ella los artistas portugueses más importantes. Algunos, como João Onofre o Rui Chafes, con una larga trayectoria internacional y conocidos desde hace tiempo en nuestro país. Otros forman parte de los fondos de la colección Gulbenkian y representan una novedad para el público no especializado: Fernando Calhau, Alexandre Estrela, Gabriel Abrantes, Eduardo Batarda, Ângelo de Sousa, Augusto Alves da Silva i Luísa Cunha. Junto a ellos, cuatro clásicos de la modernidad en Portugal: Henrique Pousão, que representa el realismo del siglo XIX en contacto con las vanguardias de la época, y Jorge Barradas, José de Almada Negreiros y Joaquim Rodrigo, vinculados respectivamente a los nuevos realismos de los años treinta, a la abstracción geométrica y al arte pop. Uno de los atractivos de la exposición es ver las obras de estos artistas junto a los trabajos de Juan Muñoz, Alejandro Cesarco, Sigmar Polke, Miroslaw Balka, Bridget Riley, Rodney Graham, Gerhard Richter, Robert Rauschenberg, Rita McBride, Robert Morris, Donald Judd, Robert Ryman, Rachel Whiteread, Giuseppe Penone, Richard Serra, Robert Gober, Carl Andre, Marcel Broodthaers, Ignasi Aballí, Francis Alÿs, Philip Guston

o Christopher Williams. Una de las piezas más sorprendentes incluidas en la exposición es el Retrato de Henri Michel-Lévy de Edgar Degas, procedente de la colección de la Fundação Calouste Gulbenkian. Es un óleo de 1878 donde se ve al artista con sus modelos y con los materiales que usa para trabajar. Sarmento ha elegido esta pintura no solamente porque es una de las obras más interesantes de Degas y del museo Gulbenkian, sino especialmente porque alude al acto creativo, a su reflexión y sus referencias, unas referencias que en esta exposición son los cuadros de los demás creadores. La selección no sigue otro dictado que la sensibilidad de Sarmento. Existe un juego de asociaciones y contrastes que no se detiene nunca: cuerpos, formas, texturas, palabras. La construcción, el equilibrio, el paso del tiempo, la paradoja visual y, por encima de todo, un deseo de simplicidad y de pureza. Colgadas o instaladas en la sala, las obras forman sutiles transiciones que llevan de un concepto a otro, de una idea a otra. Es un recorrido conceptual, formal y, a la vez, sensitivo. Sarmento no establece ningún itinerario concreto, por lo que el recorrido, para el visitante, es completamente libre. La obra de arte, cercana o enigmática, se aborda desde todos los aspectos, como un todo que se dirige al hombre de nuestro tiempo.

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LOS 39 ARTISTAS Y SU COLECCIÓN DE PROCEDENCIA Colección ”la Caixa” Robert Gober Robert Ryman Gerhard Richter Christopher Williams Carl Andre Juan Muñoz Rodney Graham Donald Judd Sigmar Polke Richard Serra Miroslaw Balka Francis Alÿs Giuseppe Penone Alejandro Cesarco

Colección MACBA Robert Rauschenberg Robert Morris Ignasi Aballí Brassaï Rita McBride Marcel Broodthaers Philip Guston Rodney Graham

Colección CAM (Centro Arte Moderna) - FundaçãoCalousteGulbenkian Gabriel Abrantes José de Almada Negreiros Augusto Alves da Silva Ângelo de Sousa Jorge Barradas Eduardo Batarda Michael Biberstein Fernando Calhau Edgar Degas (Fundação CalousteGulbenkian / Museu) Rui Chafes Luísa Cunha Alexandre Estrela João Onofre Henrique Pousão Bridget Riley Joaquim Rodrigo Rachel Whiteread

LA DIALÉCTICA ENTRE ORTODOXIA Y HETERODOXIA, EN GESTOS ICONOCLASTAS, IMÁGENES HETERODOXAS

¿Por qué se ataca a ciertas imágenes? ¿Cómo se puede representar aquello que se venera? ¿Y denigrar aquello que se rechaza? ¿Podría decirse que existe una imagen «ortodoxa»? ¿Qué papel ha jugado la iconoclasia en los giros de la modernidad? ¿Qué paisaje se dibuja ahora, en la era de la guerra de las imágenes? Estas cuestiones actualizan un debate antiguo, y la exposición ofrece distintas respuestas o aproximaciones a partir del trabajo de artistas contemporáneos para los que la iconoclasia es herramienta u objeto: la tradición, lo consuetudinario, los linajes culturales o las figuras y los símbolos de autoridad son los destinatarios de gestos situados en

tierra de nadie, entre la invectiva y el homenaje. La muestra incluye a aquellos que han apostado por la destrucción o el desvanecimiento y a aquellos que defienden la reflexión sobre este hecho y su violencia explícita, pero también a aquellos que han optado por la «resignificación» de símbolos y obras de arte precedentes a través de distintos medios, desde la cita irónica hasta la parodia desde la desmitificación hasta formas alternativas de observancia y veneración. Asimismo, la exposición se propone como un instrumento parcial para pensar la iconoclasia en sentido laxo, pero también en un momento en que el gesto iconoclasta ha entrado en el ámbito cotidiano.

EL ARTE COMO PROVOCACIÓN Y REVULSIVO

La exposición invita a los espectadores a reflexionar sobre el fenómeno de la destrucción y el reaprovechamiento de las imágenes, con manipulaciones que cambian radicalmente su sentido. Y lo hace a partir de una selección de obras de la Colección ”la Caixa” y la Colección MACBA, complementadas con piezas de otras procedencias, como por ejemplo una película de Pere Portabella cedida en préstamo por el propio cineasta o una madera del siglo XVII procedente del MNAC de un santo que muestra los efectos de una agresión, sufrida seguramente en alguno de los episodios de violencia iconoclasta que se han producido en nuestro país: la figura representa a un mártir y es, al mismo tiempo, una

imagen martirizada. Esta referencia histórica deja paso a las obras de Equipo Crónica, Manuel Millares y Lucio Fontana, de los años cincuenta y sesenta, que introducen una reflexión sobre la conversión de la experiencia en reliquia y sobre el aura del objeto artístico. Son piezas precursoras del trabajo de artistas posteriores como Valeska Soares, Pedro G. Romero, Txomin Badiola, Sherrie Levine, Rodney Graham, Katharina Fritsch, Vanessa Beecroft, Raymond Hains, Miroslaw Balka, Pere Portabella, Rogelio López Cuenca, Enzo Cucchi y Javier Peñafiel, quienes, en su producción, han tratado la dialéctica entre creación y destrucción.

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ARTISTAS Y OBRAS PRESENTES EN LA EXPOSICIÓN Valeska Soares, Belo Horizonte, Brasil, 1957 Sin título, 1995 Cera y aceite perfumado Colección ”la Caixa” de Arte Contemporáneo. Anónimo Santo mártir Siglo XVII Madera MNAC Museu Nacional d’Art de Catalunya. Pedro G. Romero, Aracena, 1964 Tesaurus Anarquitecturas. Antagonismos. Casos de estudio. Archivo F.X., 2001. Proyección de diapositivas Colección MACBA. Fundación MACBA. Txomin Badiola, Bilbao, 1957 Coup de dés [Tirada de dados], 1986. Yeso, madera, alambre, acero y esmalte Colección ”la Caixa” de Arte Contemporáneo Sherrie Levine, Hazleton, Pensilvania, Estados Unidos, 1947 The Bachelors (After Marcel Duchamp) [Los solteros (según Marcel Duchamp)], 1990. Hierro y vitrinas de cristal y madera Colección ”la Caixa” de Arte Contemporáneo. Rodney Graham, Abbotsford, Canadá, 1949 Collected Papers [Papeles recopilados], 1988. Cobre y libros (5 unidades) Colección ”la Caixa” de Arte Contemporáneo. Katharina Fritsch, Essen, Alemania, 1956 Warengestell mit Madonnen [Soporte con vírgenes], 1987-1989. Aluminio y escayola Colección ”la Caixa” de Arte Contemporáneo. Vanessa Beecroft, Génova, Italia, 1969 Black Madonna with Twins [Virgen negra con gemelos], 2006 Fotografía: CPrint digital Colección ”la Caixa” de Arte Contemporáneo. Pere Portabella, Figueres, 1929 Mudanza, 2008 Videoproyección: color, sonido, 20 min. Cortesía de Pere Portabella – Films 59.

Rogelio López Cuenca, Málaga, 1959 Seven Up, 1996 y Dior , 1997. Óleo sobre lienzo Colección ”la Caixa” de Arte Contemporáneo. Equipo Crónica, Valencia, 1964-1981 El embalaje, 1969 Acrílico sobre lienzo Colección ”la Caixa” de Arte Contemporáneo. Lucio Fontana, Rosario, Argentina, 1899 – Comabbio, Italia, 1968 Concetto Spaziale C 58 I 38 [Concepto Espacial C 58 I 38], 1956. Acrílico, óleo, tinta china y oro sobre lienzo Colección ”la Caixa” de Arte Contemporáneo. Pedro G. Romero, Aracena, 1964 Espejo de tinta, 1988 Tinta, laca y barniz sobre lienzo (díptico) Colección ”la Caixa” de Arte Contemporáneo. Raymond Hains, Saint-Brieuc, 1926 – París, 2005 Sin título, 1998 Papel sobre metal Colección MACBA. Fundación MACBA. Donación del artista Manuel Millares, Las Palmas de Gran Canaria, 1926 – Madrid, 1972 Cuadro 61, 1959. Técnica mixta sobre arpillera Colección ”la Caixa” Arte Contemporáneo. Enzo Cucchi, Morro d’Alba, Italia, 1949 Sin título (Rue Rimbaud) 1985. Óleo sobre lienzo con plancha de hierro Colección ”la Caixa” de Arte Contemporáneo. Miroslaw Balka, Varsovia, Polonia, 1958 Good God [Buen Dios], 1990. Madera, cemento, ceniza, almohadilla eléctrica, clavos y agujas de pino Colección ”la Caixa” de Arte Contemporáneo. Javier Peñafiel, Zaragoza, 1964 Maltrato, 1999 Videoproyección: color, sonido, 16 min. Colección ”la Caixa” de Arte Contemporáneo.

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UNA MIRADA AL COMISART CARLOS MARTÍN Carlos Martín nace en Granada en 1979. Vive y trabaja entre Barcelona y Madrid. Es historiador del arte, escritor y comisario independiente. Formado entre España e Italia, en 2001 inició su relación con el ámbito de las exposiciones trabajando en instituciones como el Centro José Guerrero, la Peggy Guggenheim Collection y la Bienal de Venecia. Entre 2003 y 2014 ejerció de profesor en la Universidad de Granada y en la Fundación IES Abroad, en sus sedes de Barcelona, Granada y Rabat. Entre otras asignaturas, impartió Historia del Cine, Vanguardias Históricas, Iconografía Clásica y Arte Hispanomusulmán. Compatibiliza su especialización en arte contemporáneo y cine con un interés personal por la huella de la civilización islámica y por los fenómenos de hibridación cultural, en los que profundiza en viajes formativos por España, Marruecos, Turquía, Egipto, Irán, Jordania e India. Es responsable del proyecto Nota de prensa 7 de investigación Memoria audiovisual de la Alhambra del Patronato de la Alhambra y el

Generalife (2006-2010), y del Departamento de Publicaciones del Festival de Granada – Cines del Sur (2007-2011). En los últimos años ha llevado a cabo una actividad profesional como escritor, documentalista, editor y traductor para varias instituciones, tales como el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, la Fundación Mapfre, el Museo del Prado, el Museo Picasso Málaga y la Fundación Bancaria ”la Caixa”. Ha comisariado las exposiciones siguientes: Basilio Martín Patino. Paraísos (Centro José Guerrero, 2006); Nuri Bilge Ceylan. Turkey Cinemascope (Festival de Granada – Cines del Sur, 2007) y Vanessa Winship (Fundación Mapfre y Fondazione Stelline, Milán, 20142015). Actualmente trabaja como conservador en la colección de arte del Banco de España. El proyecto premiado por Comisart, Gestos iconoclastas, imágenes heterodoxas, plasma sus intereses personales y profesionales por el potencial conflictivo y por la polisemia consustanciales a la imagen artística.

Créditos de las imágnes

7. Vista general de la sala con la obra de Juan Muñoz y Edgar Degas. 8. Juan Muñoz, Waste Land, 1986.. 9. Edgar Degas, Retrato de Henri Michel-Lévy, Francia, 1878. 11. Vista general de tres salas distintas de la exposición. 12. Rui Chafes, Durante o sono, 2002. 13. Rachel Whiteread, Yellow leaf, 1989. 14.15. Rodney Graham, Schoolyard tree, Vancouver, 2002. 16.17. Sigmar Polke, Tríptico, 1989. 18.19. Robert Rauschenberg, Sin título, 1972. 21. Fernando Calhau, Timeless, 1994. 23. Anónimo Santo mártir Siglo XVII. 25. Vanessa Beecroft, Black Madonna with Twins [Virgen negra con gemelos], 2006. 27. Equipo Crónica, El embalaje, 1969. 28. Valeska Soares, Sin título, 1995. 29. Katharina Fritsch, Warengestell mit Madonnen [Soporte con vírgenes], 1987-1989. 30. Rogelio López Cuenca, Seven Up, 1996. 31. Rogelio López Cuenca, Dior, 1997. 35. Enzo Cucchi, Sin título (Rue Rimbaud) 1985. 37. Rodney Graham, Collected Papers [Papeles recopilados], 1988.

PREMIOS EN EL 35 ANIVERSARIO DE ARCOmadrid Como cada año, ARCOmadrid es escenario de la entrega de diversos premios que reconocen la creación artística, el coleccionismo y la trayectoria tanto de jóvenes artistas como de otros más consolidados. IV Premio Audemars Piguet a la producción de una obra de arte La cuarta edición del Premio Audemars Piguet a la producción de una obra de arte reconoció el proyecto del artista africano Joël Andrianomearisoa, de la galería Sabrina Amrani. Su trabajo, The Laberynth of Passions, fue expuesto en la Sala VIP de ARCOmadrid 2016, dentro del espacio Audemars Piguet. El jurado, formado por Miguel Zugaza, director del Museo El Prado, Oliva Arauna, coleccionista y ex galerista, Rubén Fernández-Costa, periodista, Winka Angelrath, Audemars Piguet, Eloy Martínez de la Pera, gestor cultural, Carmen Sáenz, Audemars Piguet Madrid y Carlos Urroz, director de ARCOmadrid, quiso también destacar la gran calidad de los 44 proyectos presentados por galerías y artistas de todo el mundo.

Premios “A” al Coleccionismo La Fundación ARCO otorgó en ARCOmadrid 2016 los Premios “A” al Coleccionismo. La vigésima edición de estos galardones, que reconocen la labor de coleccionistas tanto nacionales como internacionales, premió a la Colección H. E. Sheikh Hassan Bin Mohammed Bin Ali Al Thani (QatarFoundation); Colección Jorge M. Pérez (PAMM Museum Miami); Colección Patrizia Sandretto Re Rebaudengo (Fondazione Sandretto Re Rebaudengo); Colección Inelcom; Colección Banco Sabadell; Colección Antonio Cachola, y RTVE que recibió el premio especial “A” 2016. En la imagen Joël Andrianomearisoa posa junto a una parte de su obra. En la página siguiente los coleccionistas premiados.

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Premio illy SustainArt Felipe Cohen, artista participante en la sección Solo Projects con la galería Kubik, se proclamó ganador de la novena edición del Premio illy SustainArt por su trabajo Tiempo Perdido, reconocido con 15.000 euros por la empresa illycaffè. Carlo Bach, director de artístico de illycaffè, destacó el trabajo de Felipe Cohen como un ejemplo perfecto de ironía. El artista se sirve de collages y esculturas para jugar con trampantojos. Su estilo se caracteriza por crear ilusiones materiales y ópticas que engatusan al espectador, invitándole juguetonamente a reírse cuando se las encuentra. El Premio illy SustainArt nace con el objetivo de difundir el enfoque de la compañía hacia el crecimiento sostenible en la comunidad artística internacional, ofreciendo oportunidades de visibilidad e intercambio dentro del mercado de los artistas procedentes de países emergentes.

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Premio Opening La galería puertorriqueña Agustina Ferreyra resultó ganadora de la segunda edición del Premio Opening. Este galardón premia al mejor stand de la sección con la devolución del precio de su espacio en la Feria. El jurado, compuesto por Laura Batkins, comisaria independiente y crítico de arte;Lucía Casani, directora de La Casa Encendida; Albertine de Galbert, comisaria independiente y fundadora de www.arte-sur.org; Joseph del Pesco, director-fundador de Kadist Art Foundation – San Francisco; Lucía Sanromán, directora de Artes Visuales de Yerba Buena Center for the Arts y co-directora de Solo Projects en ARCOmadrid; Alexia Tala, comisaria independiente; Javier Villa, comisario del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, reconoció así el trabajo de los artistas Irma ÁlvarezLaviada y Adriana Minoliti, representados por la galería ganadora.

Premio Solán de Cabras Leonor Serrano Rivas, de la galería Marta Cervera fue la galardonada con el Premio Solán de Cabras de Arte Joven, dirigido a artistas entre 18 y 35 años representados por alguna de las galerías participantes de la Feria. Solán de Cabras, nuevamente patrocinador de ARCOmadrid, convocó este premio con el ánimo de apoyar e impulsar los nuevos talentos del mundo artístico, mediante el cual adquirió y presentó en su espacio de ARCOmadrid la obra ganadora, ‘Movimiento armónico’. El jurado, formado por Carlos Urroz, director de ARCOmadrid; Tania Pardo, comisaria y responsable del departamento de exposiciones de La Casa Encendida; Beatriz Espejo, responsable de arte de la revista El Cultural de El Mundo y dos representantes de Solán de Cabras valoró un lenguaje artístico innovador

que consigue transmitir valores de la marca como: innovación, historia, pureza, salud, minimalismo y naturaleza. Premio BEEP de Arte Electrónico El Premio BEEP de Arte Electrónico celebraró su décimo primera edición en ARCOmadrid 2016. Este galardón, que busca promover la investigación, producción y exhibición del arte vinculado a las nuevas tecnologías o arte electrónico, premió la obra “Portrait on the fly” de los artistas Christa Sommerer & Laurent Mignonneau, de la galería Anita Beckers. Fallado por un jurado de especialistas de reconocido prestigio y con un premio de 15.000 euros, su finalidad es potenciar la creación artística vinculada a la tecnología, favorecer la comunicación entre los fabricantes y creadores de tecnología y los artistas creadores.

Premio Land Rover Land Rover, coche oficial de ARCOmadrid, entregó el premio `El arte no tiene techo´ de Land Rover al artista Enrique Radigales. La obra del artista estuvo expuesta en el espacio “LAND ROVER GALLERY” junto a la del resto de los otros 4 finalistas, Irma Laviada, Santiago Giralda, Raúl Díez Reyes y José Díaz, que también han interpretado la capota del nuevo Evoque Convertible. El jurado, formado por Carlos Urroz, director de ARCOmadrid, Cristina Anglada, comisaria en arte moderno,Javier Díaz Guardiola, crítico

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de arte de ABC Cultural, y Manuel Segade, director de CA2M Centro de Arte Dos de Mayo, destacó sus características formales, el elemento performático y la adecuación a la fisionomía del coche cuya capota interviene. Premio NH Collection NH Hotel Group organizó en ARCOmadrid 2016 el II Premio NH Collection de Arte Contemporáneo, mediante el cual se premió la obra del artista David Magán, de la galería Cayón, cuya obra se incorpora a la colección privada de NH Hotel Group.

NORBERT BISKY CRÓNICA DE UN ACONTECIMIENTO

Nacido en Lipsia, Alemania en 1970, Norbert Bisky vive y trabaja en Berlín. Estudió en la Universidad de Artes de Berlín; otros lugares de estudio incluyeron Madrid y Salzburgo. Sus obras han sido mostradas en numerosas exposiciones en Alemania y en el extranjero, y están representadas en colecciones tales como el MoMA de Nueva York. Usa colores intensos con los que reformula las experiencias personales de terror, viajes a Brasil y las influencias del mundo de los medios de comunicación en las escenas de la

belleza, la sexualidad, la violencia y la destrucción. Del 2008 al 2010 Norbert Bisky fue profesor invitado en la Universidad de Arte y Diseño (HEAD) en la ciudad de Ginebra. En 2013 diseñó el escenario montado para la realización de Masse en el Ballet Estatal de Berlín. En 2015 pintó para unos pocos meses en Tel Aviv y realizó dos exposiciones relacionadas directamente con esta estancia: "Balagan" en Berlín y Boetzow, "Levinsky Street" en Givon Galería en Tel Aviv. http://www.norbertbisky.com

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12.53 h Al convertirse en un testigo presencial de los ataques terrorista cometidos en Bombay en el año 2009, Norbert Bisky se dio cuenta de que hay momentos que pueden cambiar todo en un instante. En “12.53 h” Bisky pinta una multitud anónima de personas que podrían estar bailando, de fiesta o simplemente huyendo. Ninguna cara, ninguna individualidad son visibles, los colores de la ropa de la gente forman el diseño de un cuadro que casi se mueve hacia la abstracción. La obra nos recuerda cualquier paisaje de multitudes urbanas anónimas corriendo, donde un solo momento podría convertir la rutina diaria en una pesadilla. El título de la obra, “12.53 h” sugiere este preciso instante, sin darnos cualquier otra especificación del escenario. Imagen en página 45.

Diáspora En el año 2015 Norbert Bisky vivió y pintó durante unos meses en Tel Aviv. En su reciente obra “Diaspora” de 2016, vemos un encuentro entre una ceremonia de oración judía y un grupo de personas que pueden ser refugiados tratando de no ahogarse en el mar. En primer plano una figura cubierta con un talit, chal de oración judio que en ocasiones, también se usa en los funerales. El cuadro representa el reto más grande de la política Europea en este momento: miles de inmigrantes tratando de escapar de la guerra y la miseria arriesgando sus vidas cruzando el Mediterráneo. Con su alusión directa a la religión judía, la obra de Bisky nos recuerda la situación de Europa no hace mucho tiempo, cuando miles de judíos tuvieron que escapar hacia su diáspora. Los brillantes colores “mediterráneos” contrastan fuertemente con el contenido de la pintura. Imagen en página 47.

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TRUCK ART PROJECT ARTE EN MOVIMIENTO

Truck Art Project es un proyecto cultural que transforma camiones de rutas comerciales en los protagonistas de la escena artística actual al convertirlos en lienzos por algunos de los más reputados artistas de la escena contemporánea española. Los artistas retados a sumarse a esta iniciativa forman parte destacada de diferentes disciplinas como el arte urbano, pintura y dibujo implicando igualmente otras disciplinas artísticas como el cine, la fotografía y la música. Artistas de la talla de Suso 33, Javier Arce, Javier Calleja, Chiqui Carabante, Abraham Lacalle, Nacho Mastretta, Daniel Muñoz, Okuda San Miguel y Marina Vargas ya han superado el reto de convertir este inusual formato en obra de arte y pudimos disfrutarlos durante la pasada feria ARCO en su 35 aniversario. A estos nombres se les sumarán en los próximos meses, nuevos artistas como Carlos Aires, Kepa Garraza, Celia Macías, Felipe Pantone, Sixe Paredes y Matías

Sánchez. Todos estos nombres contribuirán a crear una flota de cien camiones que recorrerá España siguiendo sus rutas comerciales habituales. Este proyecto nace gracias al mecenazgo del empresario y coleccionista Jaime Colsa, propietario de la empresa de Palibex, empresa que proporciona los camiones (www.palibex.com), es gestionado por iam (Ink and Movement) (www.iamgallerymadrid.com) y comisariado en el área del arte contemporáneo por Fer Francés y en la del arte urbano por Oscar Sanz, quienes se han unido en esta apuesta de difusión del arte de vanguardia de una forma accesible e innovadora. En esta línea, algunos de los camiones albergarán en su interior exposiciones que los convertirán en galerías itinerantes desplazándose por diferentes puntos de la geografía española. http://truck-art-project.com/el-proyecto

Imágenes de las dos caras del camión intervenido por el artista malagueño Javier Calleja

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MIGUEL SBASTIDA WAYS OF UNDERSTANDING Ways of Understanding es un estudio obra de Miguel Sbastida sobre la materialidad de las rocas, que aborda temas relacionados con la percepción, la autenticidad y el valor, iniciado por el artista tras un proyecto realizado en 2013 llamado Find Your Stone, que exploraba las vivencias personales y los procesos de mineralización de la persona. Ways of Understanding investiga las cuestiones e ideas fundamentales que construyen a un objeto, desde sus propiedades más visibles a su estructura molecular, sonido, peso, localización, composición, índice... y lo hace por medio de un estudio sistemático de todas sus posibles variaciones. El resultado de este proceso es una instalación que presenta diferentes niveles de

contenido, que el visitante ha de navegar para descubrir y atar cada uno de los componentes en un nuevo concepto del objeto. Durante el proceso de exploración de este nuevo entendimiento, el original -en su significado más amplio- punto de partida de todas y cada una de las variaciones se encuentra ausente o modificado, llevando al visitante a cuestionar su autenticidad. Sin embargo, esta vez el objeto no podrá ser comprendido por su materialidad, sino en relación con sus otras realidades circundantes. Miguel Sbastida y su instalación Ways of Understanding han sido seleccionados para el premio expositivo de la 5ª edición de la Emerging Illinois Artists. www.miguelsbastida.com

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EMERGING ILLINOIS ARTISTS

Emerging Illinois Artists es una exposición comisariada que se celebra desde el 2004 cada tres años y recoge obra de estudiantes de máster o graduados a lo largo del último año, que hayan cursado estudios en universidades o instituciones de Illinois. Todo el material gráfico presentado debe haberse realizado en los años 2015-16. La comisaria y miembro del jurado de esta quinta muestra ha sido Kelly Shindler, comisaria asociada del Museo de Arte Contemporáneo de St. Louis. La exposición permanecerá abierta en McLean County Arts Center’s Brandt Gallery desde el 29 de Abril hasta el 11 de Junio de 2016. El premio es de $ 500 más una exposición individual en la MCAC en la primavera de 2019.

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YOANN XIMENES LA PALABRA SE HIZO LUZ

Dios dijo « ¡que haya luz ! y se hizo la luz. ». Reconocemos aquí la famosa « Fiat Lux », uno de los ejemplos más ilustres de enunciado performativo/performatividad (“Speech acts”). Según la leyenda, esta fórmula refleja a la vez lo que puede generar una palabra sobre el mundo, y en paralelo, ilustra el fenómeno vibratorio relativo a la creación del mundo, desde un punto de vista más racional. El objetivo de mi enfoque es repensar el proceso performativo a través de la creación artística. Se trata de intentar criticar la noción de performatividad, desarrollada por el filosofo John Langshaw Austin quien limitó su tesis a un lenguaje ordinario de lo cotidiano,

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pero sobretodo de extraerlo de su concepción únicamente lingüística para responder a la hipótesis que estoy explorando. A partir de los estudios de Austin, reunidos en su libro “Como hacer cosas con palabras” (How to do things with words) conocemos la materia muy particular en la cual el lenguaje se incorpora a la acción cuando él no se aleja de su función de representación. En este sentido, el lenguaje no es solo un medio para describir la realidad, una manera de rendir cuentas de las cosas y de los eventos, como si fuera un espejo discursivo del mundo.

Desde la definición de la noción de performatividad, sabemos que el lenguaje tiene el poder de intervenir en la realidad para modificarla. Ya no es solamente la herramienta usada para expresar o describir la realidad tal cual. En el performativo el leguaje pierde su neutralidad y, del mismo modo, su supuesta voluntad a deslindar lo verdadero de lo falso. Entonces se vuelve en modo de actuar en el mundo. Cuando es constatativo el lenguaje pasa y la realidad queda. Al revés, cuando es performativo el lenguaje pasa y la realidad sobrepasa; ya no es la que existía antes que de la influencia del lenguaje. El proyecto artístico que conduzco se basa en esta hipótesis : el mundo sonoro realiza una acción por el propio hecho de su realización. Según la fuerza significativa que brinda en el seno de las civilizaciones, una palabra

es susceptible de modificar la realidad El campo científico nos enseña que un sonido, sabiamente afinado, es en capacidad de actuar en la materia. Acordando a este postulado, mi búsqueda artística consiste en explorar y evaluar las realidades performadas por el acto sonoro y vocal. ¿De qué modo el universo sonoro moldea el mundo e influye nuestra aprensión de la realidad ? Vinculado a entender el “poder de las palabras”, formidable herramienta que trata de performar/cambiar nuestra realidad, exploro el desafío político relacionado a su manipulación. Al cruce de los mundos sonoros y visuales, estudio la transposición plástica de elementos audio que provienen de la actualidad político-social en formas escultóricas y trazados gráficos. Mi obra es un prolongamiento físico del trabajo ligado al lenguaje.

Mantras, Le Big Bang de Louise y Speechscape 31° 47' N / 35° 13' E Mantras Las palabras, sabiamente dominadas, encierran un poder que controla la realidad. Este fenómeno se expresa plenamente en la esfera político social que se dedica a imprimir verdades en el mundo. Como respuesta a los mitos creacionistas, reconocemos el demiurgo en la parola de las personas importantes. Mantras tiende justamente a explorar este propósito. Al origen es un concepto hinduista que significa “sílaba o frase sagrada dotada de un poder espiritual”, cada uno de los “Mantras” aquí presentados – esculturas aéreas construidas en el modelo de un ecualizador de frecuencias – represente un “retrato sonoro” basado en varios extractos de discursos de Hombres que forjaron la historia moderna por el poder de las palabras. Barack Obama, Nelson Mandela,

Martin Luther King... son convocados Hombres que forjaron la historia moderna por el poder de las palabras Barack Obama, Nelson Mandela, Martin Luther King... son convocados por la performatividad de su palabra. Inspirándose de la performatividad del Verbo, la obra en cuestión actualiza esta concepción de una palabra genésica del mundo en el propio mundo del poder político. Las palabras, estrictamente seleccionadas para representar la realidad, son tantos signos que marcan nuevas certezas, de colores que tintan las verdades, cicatrices dejadas en los cuerpos por impresión. Presentan al mundo, prefigurado por algunas autoridades que lo usan para confirmar ciertas “verdades”, aquellas que son variables según una coyuntura de índices temporales, geográficos y culturales.

(â&#x20AC;Ś) las palabras tienen este prodigioso poder de acercar y confrontar lo que, sin ellos, quedarĂa dispersado en el tiempo de los relojes y del espacio medible. Claude Simon, Album d'un amateur, Ed. Remagen-Rolandseck, 1988, p. 31

El sonido es volumen, ocupa el espacio de manera inestable, breve; la escultura, ella también, es volumen y ocupa el espacio de manera más durable. Los dos volumen se pierden, el sonido propagándose en el espacio, la escultura huye en polvo; es una cuestión de tiempo no mas, El conjunto de sonidos producidos haciendo la escultura forma parte del volumen. Giuseppe Penone, Respirer l'ombre, Ed. Beaux-arts de Paris, p.215

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Le Big Bang de Louise Aquí, pasamos en el sonido del nacimiento y simultáneamente el nacimiento del sonido. El Big Bang, primer grito del universo. No se puede ni verlo, ni observarlo concretamente, pero los científicos modernos y contemporáneos, con sus herramientas revolucionarias, nos permiten cada vez de entender mejor el funcionamiento del Universo. La expresión usada para designar la extraordinaria « explosión » inicial, funciona en el presupuesto de la onomatopeya, la palabra “Bang” evoca por imitación sonora esta cosa que queremos designar como : nuestro origen. ¿Una fuente sonora que proviene del caos primordial hubiera construido el espacio ? Hoy, no podemos responder afirmándolo, pero, de manera asombrosa, debemos negarlo todavía más. Lo que vemos en Le Big Bang de Louise es el primer grito de Louise

Brown (primera bebé probeta del mundo). Este grito de 2 segundos, dividido en seis partes, genera las seis figuras acústicas de Le Big Bang de Louise gracias a la cimática. Estas oscilaciones se propagan y entrenan con ellas la materia en un proceso de expansión y de formalización. Las ondas sonoras organizan la materia en formas geométricas. La arena es usada después como esténcil para gravar las figuras; las ondas del grito son entonces inscritas en distintas placas que constituyen la obra final. Dispuesta siguiendo una línea recta, esta obra funciona como una traza cronológica del grito de Louise. Le Big Bang de Louise es una imagen sonora; el primer grito. Desde la izquierda hacia la derecha pueden observar la evolución de su primer grito cada 1/3 de segundo. La placa de izquierda (n°1) representa el grito desde el inicio, hacia la de derecha (n°6) que ilustra el fin del grito.

Por fin, la formo ovoide de las placas que constituyen la obra no es aleatoria. Es fiel a la representación del « Radiação Cósmica de Fundo de Microondas » (RCFM) ; la forma de la imagen más antigua del Universo (foto desde el satélite COBE lanzado por la NASA). El RCFM es el nombre dado a la radiación electromagnética que existe en todo el Universo desde el Big Bang. La cosmología moderna, esta ciencia de las leyes que rigen el universo físico, nos enseñan que las ondas acústicas, generadas durante el poderoso Big Bang, recorrieron el universo durante su juventud y hubieran podido, entre otras cosas, contribuir a la organización de la materia. 300 000 anos después del nacimiento del Universo, esas vibraciones serian, por parte, responsables de fluctuaciones de densidad que podemos observar en

el plasma primitivo, la radiación fósil : radiación radio que abarca el Universo entero. Las marcas rojas y azules que pueden observar en la ilustración adjunta ilustran esas variaciones de densidad cuando nuestro universo era todavía al estado de plasma. Curiosamente, la imagen de la radiación fósil parece a las figuras de Chladni. Entonces, no es imposible soñar e imaginar que el Universo primitivo (300 000 años después del Big Bang) ha sido un plasma acústico, tal como un tambor tridimensional. En la nada, negra y silenciosa, se baña un espíritu creador que de repente descargo sus ondas sonoras, luminosas, y genero la vida. El Big Bang de Louise es una síntesis de esta reflexión.

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Speechscape – 31° 47' N / 35° 13' E La palabra, el receptáculo divino que cierra el poder del “Creador”, manifiesta irremediablemente su carácter instrumental de una prodigiosa docilidad para el que lo manipula y de una influencia ascendiente torrencial sobre el que la recibe. El aparato vocal humano, el sistema de dominación por excelencia, vierte su flujo de sílabas sobre un mundo perpetuamente interpretable. La palabra selecciona, designa y genera así realidades comunes, las verdades "innegables", las ideas versátiles, los conceptos inconstantes y conflictivos: la guerra de las palabras es declarada.

Sustituir una palabra por otra, entonar el sempiterno mensaje que cierra, imprimirlo en una realidad, los contornos vueltos a definir, permite generar un fenómeno que será percibido como auténtico; si la impostura de este sucedáneo es terminada con éxito Esta permutación, vuelve siempre a "corregir" la mirada apoyada sobre un fenómeno, una población, un territorio, un objeto, … El lenguaje no es una herramienta(instrumento) que solamente refleja la realidad o la designa. Por la palabra(voz), en las bocas de hombres de influencia, el lenguaje genera la realidad, orienta los comportamientos y formatea el pensamiento.

Si las palabras son importantes, las palabras políticas y sociales lo son todavía más. Su ensayo y su interconexión orientan el pensamiento y modulan las formas de aparición de la realidad. Speechscape - 31° 47' N / 35° 13' E aborda este fenómeno presentando bajo el aspecto de un paisaje discursivo diversas denominaciones del mismo territorio. Así, David Ben Gourion, hombre político y militante sionista y Primer ministro de Israel, nombró este territorio " Estado de Israel " o todavía " madre patria " cuando leyó la Declaración de independencia del Estado de Israel el 14 de mayo de 1948. Una denominación muy diferente es propuesta en el discurso de Yasser Arafat que proclama la independencia del Estado de Palestina el 15 de noviembre de 1988: "Palestina". Dos pueblos, dos culturas, dos visiones,

dos reivindicaciones, dos denominaciones de la misma tierra que, después de todo, generan dos realidades antagonistas. La guerra de las palabras es proclamada con el fin de vencer a su adversario en el territorio. Finalmente, queda no más, un paisaje indefinido, en el cual los montes y los valles son construidos por las calificaciones que le son atribuidas, otorgadas. Si una imagen vale mil palabras, una palabra puede cambiar el mundo. Disfrazando su sentido(dirección) ordinario y colonizando las mentalidades, las palabras tienen un poder real de creación. " ¿ El mundo jamás ha sido transformado de otro modo que solo por el pensamiento y su soporte mágico: la palabra ? " Thomas Mann

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La contraportada inspiradora