아트타임즈다이제스트 201708 Part3

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ArtEyes. 2017년 상반기를 빛낸 작가들 Part3 유혜정, 문성원, 김병휘 아트타임즈퍼블리싱

No. 201708 Part3

ANDROMEDAN SAD GIRL Florence Peake & Tai Shani Preview: Saturday 7 October 2017, 6-8pm Exhibition: 8 October - 19 November 2017 Live performance event: 4 November Andromedan Sad Girl is the first major collaborative exhibition by artists Florence Peake and Tai Shani. Through ambitious new sculptural works and wall paintings, the artists will create an immersive and imaginary site of a lost pre-symbolic civilization. In creating these new works, Peake and Shani are interested in exploiting the fluidity and speculation of lost civilizations and their mythologies. They will take an archaeological excavation as a point of departure to imagine and represent a non-hierarchal pre-historical civilization.

The installation, which will transform Wysing’s gallery in its entirety, will privilege sensation; sculptures will be formed of voluptuous fabrics and will incorporate flocking techniques to create soft and sensuous objects that can be touched. Using multilayered elements, including sound, the exhibition will transport the visitor to an entirely coherent alternative reality. As the artists tell us: Deep times, in dark ages, much time ago, beyond the burning witch, silicone and engine, settlement and temple, beyond ape, beyond synthetic ape or flesh or smooth fin or scale or feather, before cell after networked cell and spangle of mica, then mica, then stardust in the lightheaded shock totality of a bloody dimension ruthlessly cut into the bleeding real, to where it grew sticky and sweet like you, past the slick and palpitating glaze, before echo echoes, where breathless together, we phosphoresce. There, where the black of end-times and the pure lux of in the beginning gently touch in an immutable, eternal hologramic kiss. I have lived a good, good life, we declare in our beautiful telepathic hive mind and we too kiss partly formed and spectral crystalline, nipples rock hard and dripping wet with peaked sentience in our girlhood beds. We are unformed, a relic of synchronised plume. An incalculable vertiginous skin, a vast responsive surface that extends beyond the horizon of our world, here we seeped choral frequencies; Boooooooooooo moooooeeeeeoooooo neeeeeeeeeeeeeeeeeeeee aaaaaeeeeeeeoooo (approximate). Florence Peake was an artist in residence at Wysing in 2016 and Tai Shani will be in residence at Wysing in the summer of 2017. This two-person exhibition Andromedan Sad Girl with Florence Peake and Tai Shani is situated in Wysing’s wider artistic programme for 2017, Wysing Polyphonic during which Wysing are exploring ‘many voices’.

Artists biographies Florence Peake’s practice encompasses visual art, dance and performance. As a trained dancer Florence Peake’s background in choreography and painting stimulates a studio practice that is both diverse and immersive. Peake is often working performatively to incorporate drawing, painting and sculptural materials. Florence Peake’s work has been shown nationally and internationally; she is a recipient of the Jerwood Choreographic Research project, 2016.Her solo performance piece, Voicings, has toured to Sara Zanin Gallery, Rome, 2017; the Serpentine Gallery, Mysterical day, 2016; Somerset House for Block Universe performance festival, 2016. Solo exhibitions include: WE perform I am in love with my body Bosse and Baum Gallery 2017, The Keeners Solo show at SPACE 2015; Hall of the swell, Gallery Lejeune, 2015; The BALTIC, Newcastle ensemble piece MAKE. Group exhibitions include: Walled Gardens in an Insane Eden, curated by Marcelle Joseph 2017, Hayward Gallery, a 3 month performance installation as part of Mirrorcity, 2015; National Portrait Gallery, performing group work Paper Portraits, 2015. She has done commissions from: Whitechapel Art Gallery; Yorkshire Sculpture Park; Modern Art, Oxford; Chapter Arts, Cardiff; Harris Museum, Preston; David Roberts Art Foundation, London. Tai Shani's multidisciplinary practice, comprising performance, film, photography and installation, revolves around experimental narrative texts. These alternate between familiar narrative tropes and structures and theoretical prose to explore the construction of subjectivity, excess and affect and the epic as the ground for a postpatriarchal realism. Shani's on-going project Dark Continent Productions that proposes an allegorical city of women is an experimental and expanded adaptation of Christine de Pizan's 1405 pioneering feminist book, The Book of the City of Ladies within which Christine builds an allegorical city for notable women drawn from a medieval conception of history, where fact, fiction and myth are blurred. This non-hierarchical approach also determines the construction of the characters and narrative of Dark Continent. Shani has presented her work extensively in the UK and abroad, recent exhibitions and commissions include, including Tensta Konsthall, Stockholm (2016); RADAR commission, Loughborough University, (2016), Serpentine Galleries (2016); Schirn Kunsthalle, Frankfurt (2015); Southbank Centre, London (2014-15); Arnolfini, Bristol (2013); Matt’s Gallery, London (2012) and FRAC NordPas de Calais and Loop Festival, Barcelona (2011); The Barbican, London (2011); ICA, London (2011) Commissioned by Wysing Arts Centre and supported using public funding by Arts Council England, with additional support from the Henry Moore Foundation and The Elephant Trust.

Wysing Arts Centre is just an hour from London. On the evening of the preview a coach will travel from Cambridge station. Please enquire for details if you are a member of the media. Wysing Arts Centre, established in 1989, develops new ways to support artists and enables art and ideas to engage a wide range of people in unexpected ways. Wysing’s large rural site near Cambridge comprises artists’ studios, a gallery and project spaces, a 17th century farmhouse and outdoor sculptures and structures. In 2017 a recording studio will be added to the site www.wysingartscentre.org. This year, Wysing are exploring Wysing Polyphonic, through which they will be exploring ‘many voices’ in all aspects of programming including exhibitions, events, study weeks and study days and artist residencies. Across the year Wysing will work with a range of artists to explore a diversity of contexts and positions to help better understand the role of art, artists, and arts organisations such as Wysing, at this moment of global political change. Artists who have worked at Wysing in residencies over recent years, developing and making new work, include Ed Atkins, Michael Dean, Cecile B Evans, Evan Ifekoya, Lawrence Lek, Gustav Metzger, Elizabeth Price, Laure Prouvost, James Richards and Cally Spooner.

Twitter @wysingartscentre I Facebook Wysing Arts Centre I Instagram @wysing_donna #wysingpolyphonic

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Celeste Prize 2017, 9th edition Applications open – until 18th July

Celeste Prize 2017, 9th edition The international art prize which rewards the work of emerging and mid-career artists, builds careers and brings recognition by art curators and gallerists.

Show your artwork directly to prize jurors led by Fatos Ăœstek, acclaimed curator of London's Art Night 2017. DEADLINE to enter is 18th July 2017.

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Fiat 500, Copyright.MOMA

The Museum of Modern Art Acquires an OriginalCondition 1968 Fiat 500

NEW YORK, July 3, 2017—The Museum of Modern Art has acquire d an original model of the Fiat 500F “Berlina,” commonly referred to as the Cinquecento. The most popular version of the 500—which wa s in production from 1965 through 1972—the Berlina exemplifies a c lear expression of form following function, a logical and economical use of materials, and a belief that quality design should be accessibl e to all. The development of inexpensive, reliable cars like the Fiat 5 00 was instrumental in knitting together communities and nations a nd fostering a feeling of freedom of movement throughout the post war European continent. Through its design and its centrality to the story of mid-century Italy, the 500 embodies many of the principles that typified mid-century modernist design and connects it to them es explored in works throughout the Museum’s collection.

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중요 지난전시

SALT

소금 : 인간다움을 위하여 우리에게 필요한 것

김태은, Preservation No. 10-120517_salt, oil, resin on metal canvas_104x104cm_2017

데이비드버드니 (David Burdeny) & 김태은 (KIM Tae Un) 2017. 6. 22 Thu - 7. 27 Thu 코로그램(KOROGRAM) Gallery ArtTimesDigest

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David Burdeny, Pink Pools,Hut Lagoon,Western Australia, Archival Pigment Print, 82x102cm, 2015

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David Burdeny, Saltern Study 09, Great Salt Lake, UT, Archival Pigment Print, 112x112cm, 2015

“레오나르도 다빈치(Leonardo da Vinci, 1452∼1519)의 명화 <최후의 만찬(The Last Supper)>에서 배신자 유다가 돈주머니를 움켜 쥐고 있고 그 앞에 소금 그릇이 엎어진 채 있는 것을 볼 수 있다. 유다가 예수와의 약속을 어기고 배신하리라는 것을 엎어져 있는 소금 으로 상징한 것이다."(홍익희, 『세상을 바꾼 다섯 가지 상품이야기』, 행성B잎새, 2015, p. 33) 다빈치가 쏟아진 소금으로 유다의 배신 을 표현한 이유는 부패와 변질 방지에 쓰이는 소금이 고대로부터 변함없는 우정·성실·맹세의 상징이었기 때문이다. 소금이 인간의 생 명을 유지하고 물건의 변질을 보호하는 데 핵심 역할을 해 왔기 때문일까? 소금은 그 중요성과 신비로움 덕분에 오랫동안 예술가가 다 양한 비유와 상징의 소재로 다루어 왔으며, ‘빛’과 더불어 종교적 상징물로도 인식되어 왔다. 이번 전시 <소금: 인간다움을 위하여 우 리에게 필요한 것>에서도 우리의 삶에 늘 가까이 있고 없어서도 안 되는 짠맛 나는 흰 결정체, 소금을 소재로 작업한 두 작가 데이비 드버드니(David Burdeny)와 김태은의 작품을 만날 수 있다.

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김태은, Preservation No. 9-270417_salt, oil, resin on metal canvas_104x104cm_2017

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아라리오갤러리 상하이 1F, 2879 Longteng Avenue, Xuhui District, Shanghai

Voice of Asia, VOA 2017.07.01~2017.08.27

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Subodh GUPTA Artist

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서울로에 조성된 네이버문화재단의 전시공간, 사진제공=네이버문화재단

헬로!아티스트는 온라인과 연계하여 작가들이 대중들과 직접 만날 수 있는 오프라인 전시도 지원하고 있다. 2014년부터 매년 헬로!아티스트 오프라인 전시를 열고 작가 도슨트, 아티스트 토크, 온스테이지 인디 뮤지션 라이브 공연도 함께 진행해 대중들에게 새로운 전시 경험을 선사하고 있다.

2016년부터는 작가 지원에서 공간 지원으로 확대해 젊은 작가와 소규모 전시공간이 함께 하는 ‘아트 어라운드(Art Around)’ 전시를 진행하고 있다. ‘아트 어라운드(Art Around)’는 오늘날 우리 사회에서 ‘작가와 공간의 공생’, ‘공간과 지역의 공존’에 관한 실험적인 전시로 새로운 현대미술의 경향을 제시하고 있다. 전시에 참여한 김상진 작가(설치)는 “대중성과의 간극이 큰 현대미술이라는 장르가 온라인 플랫폼 안에서 순기능을 발휘할 수 있을까 하는 의문”이 있었다면서 “소수의 전유물로 인식되던 순수미술이 헬로!아티스트를 통해 대중적인 접근성을 가지게 되었다”고 말한다. 백현주 작가(영상)는 “그동안 대외 활동이 많지 않았는데 전시를 통해 한 단계 성장하고 현재까지도 작업을 지속할 수 있게 한 많은 기회들이 생길 수 있었다"고 말했다. 네이버문화재단 오승환 이사장은 “앞으로 헬로!아티스트는 미술계 안과 밖을 오가며 다양한 방식으로 시각예술작가의 창작 활동을 꾸준히 지원할 계획”이라고 밝혔다. 한편 헬로!아티스트는 지난 11일부터 고가 보행길인 서울로7017에 헬로!아티스트 서울로 전시관을 개관하고 첫 번째 현대미술 전시를 진행 중이다. 시각예술작가들에게 색다른 전시 공간과 창작 기회를 제공하고 시민들과 함께 공감할 수 있는 전시 기획으로 현대미술을 즐기는 새로운 방법을 제시하고 있다. 헬로!아티스트 서울로 전시는 이우성 작가 전시를 시작으로 9월에 정혜련 설치미술가, 11월에 김종범 디자이너, 2018년 1월에 최윤석 작가 전시로 이어진다.

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VIVIAN CHOI GALLERY 결정적순간 Decisive Moment

비비안초이 갤러리는 작품 재료의 물성적 특성과 시각적 효과의 조합을 통해 예술의 영역을 확장하여 신선하고 새로운 개념의 작품을 선보여온 김지원과 최승윤의 2 인전 <결정적 순간> 展을 연다. 한 작품의 시작과 완성은 오롯이 작가의 결정의 순간이다. 작품의 창작자인 작가만이 작품의 시작과 완성의 순간을 결정하는 주체가 되며 이런 의미에서 작가는 창조주와 같은 신격으로 작품 완성의 결정적 순간을 직감한다. 평생 삶의 결정적 순간을 작품에 담았던 앙리 카르티에 브레송 Henri Cartier-Bresson 이 말한 ‘Decisive Moment’ 또한 작가가 예술의 결정적 찰나를 인지하는 창조의 순간과 다름 아니다.

비비안초이 갤러리는 국립 미술관 전시기획 및 세계적인 해외 화 랑의 국내 지점을 경 영했던 디렉터 비비안초이의 국제적인 경험 을 바탕으로 국내외 아트 페어 등 국제 예 술 행사에 적극적으로 참여하여 한국 미술이 국제적으로 호흡 할 수 있는 예술 공간을 마련한다는 목표로 2017년 3월에 설립되었다. 현대 미술의 경계 를 뛰어 넘는 가장 혁신적인 한국 및 해외 아티스트를 선보이며 특히 뉴미디어 아트에 중점을 두고 미술 관 및 기업 그리고 개인 컬렉터를 위한 전문 미술 컨설팅을 제공하고 있다. 비비 안초이 갤러리는 세계 여러 기업과 적극적으로 협력하고 공공 예술 프로 젝트를 기획하 여 한국 예술가가 다양한 국제 무대에서 활동하고 전시할 수 있는 기반을 마련하고 있다.

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2014년 영은미술관에서 개인전을 가졌던 최승윤의 회화는 순간 을 포착하는 선과 유기적으로 움직이는 역동적인 선이 만나 겹쳐 지는 면이 합일되는 순간을 담아내 는 화폭이다. 바닥에 수평으로 놓인 캔버스 위에서 다양한 색의 점들이 작가가 직접 제작한 도구 로 선이 되고 선과 면이 합일을 이루며 그 안에서 다양한 변주 로 조화되는 그 유기적 움직임의 한 순간을 포착한 인상을 주는데 마 치 공중에 분사된 물방울이 최고도에 이르러 다시 지상으로 떨어 지기 직전의 정지된 찰나를 보는 듯 하다.

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2015 년 김종영 미술관의 ‘오늘의 작가’로 선정되었던 김지원은 와인글라스를 소재로 하는 일련의 유리 작업을 통해 투명한 물질 의 특성을 부각시키면서 그로부터 발생하는 조형적인 변주를 추 구해왔다. 와인잔과 와인병을 집적하여 제작한 김지원의 유리 조 형 작업들은 고열에 녹아 내리는 유리가 가지고 있는 물질적인 특 성을 이용하여 본래적인 형태가 변형, 왜곡되는 상황을 조형의 원 리로 상정하는데 작가는 유리로 된 오브제의 물성에 주목한다.

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Contents ArtEyes. 2017년 상반기를 빛낸 작가들 Part1 예술계소식 작가소개 Artist #1 = 유혜정 Artist #2 = 문성원 Artist #3 = 김병휘

Editor Note. Constant Text

아트타임즈다이제스트는 국내, 국외 예술작업을 하는 작가들과 공간을 소개하는 포트폴리오식 미술연감매거진이다. 온라인디지털, 오프 라인페이퍼 등 다양한 매체를 통해서 궤적과 기록을 남겨놓는 미디어가 되고자 하며, 이것은 영원함, 미학적임, 믿음이라는 3가지 가치 에 집중하여, 사라지지 않을 사상의 아트DNA가 되었으면 한다. 그리고 공공, 상업, 예술과 문화에 대한 모든 움직임을 포착하는 미디어 를 추구하고자한다. 아트타임즈는 끊임없이 변화해 갈 것이다.

Editor Note. Variable Text 이번 8월달에는 3권의 책으로 나누어서 매거진을 구성해보았다. 파트1의 표지에는 김선주작가, 파트2의 표지에는 김미숙작가, 파트3의 표지에는 유혜정작가를 소개했다. 2017년 상반기에는 조용히 전시들이 많이 진행이 되었는데, 그 중에서 선택한 작가들중에서 기억에 남기는 것이 좋을 작가들을 선정했다. 한달에 한권씩 책자를 구성하는 기존방식과는 달리 3권으로 나누어서 작가들이 소개가 될때 나타 나게 될 현상은 무엇일까. 사뭇궁금하기도 했는데, 표지에서 소개하고 싶은 작가가 여럿이 등장했을 때 선택해볼 수 있는 새로운 방법론 이 될 수도 있을 것 같다는 생각이 든다. 당연히 해당 책자의 작가들모두 상반기에 발굴한 좋은 작가들이다. 아트타임즈다이제스트는 검 색엔진에서도 검색이 잘되는 매거진이며, 과거 존재했던 매체들중에서 독특하리만치 현대기술에 오픈마인드로 운영되기 때문에 앞으로 더욱 다양한 시도를 해보았으면 하는 마음이다.

8월에는 아시아호텔아트페어가 그랜드인터내셔널파르나스에서 진행이 된다. 호텔아트페어라는 개념을 국내에 알리며, 큰 영향력을 끼 치고 있는 행사인 만큼 2017년 예술계에 큰 매듭을 지어줄 것이라고 기대를 하게 된다. 본지가 공식적으로 홍보매체로 관계를 맺고 있는 영국 프리즈아트페어와 같이 아트페어를 넘는 아트페어가 될 퀄리티를 보여줄 것으로 생각된다.

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ArtEyes = 2017년 상반기를 빛낸 작가들 Part3 ArtEyes Info.

2017년 8월에는 파트를 3개로 나누고 여러작가들을 소개하는 형태로 제작되었다. 파트3의 표지는 유혜정작가는 홍익대학교미대를 졸업하고, 자신의 세계에 대해서 깊은 통찰을 한 이후에 작업을 진행한 작가라고 한다. 동양화전공자인데, 마치 천경자화백의 채색화작업을 떠올리게 하는 만큼의 다채로운 색상으로 작업을 진 행한다. 작품의 내용은 일상의 세게에서 만날 수 있는 감정과 감성의 세계를 하나씩 객체화와 이미지의 비구상적인 표현들 이 서로 섞여서 나타나도록 하고 있다. 디자인에서 볼 수 있는 동그란 원이나 사각형을 형태로 모아서 사람과 사물들을 표 현하는 것은 약간의 부자연스러운 듯한 해체이후의 결합된 이미지라는 것을 느끼게 해준다. 아마도 몸체와 감정들의 조각 조각들을 하나씩 개념화한 이후에 자신의 감정이 느끼는 형태의 색을 입혀서 사물을 구성시켰던 것이 아닐까 싶다. 상당히 적나라할 만큼 인간의 몸과 감성을 드러내면서도 약간의 동화적인, 혹은 우화적인 성격을 지니고 있는 것은 낙천적 인 시선으로 세상을 바라보는 작가의 관점을 엿볼 수 있다.

문성원작가는 집이라는 개념을 통해서 색과 깊이를 켜켜히 쌓아놓되, 위에서 바라본 것과같은 형태를 취하고 있다. 집과 관련된 가상의 공간, 이것은 이집에 대한 추억과 기억을 간직한 사람들만이 공유할 수 있는 무형무언의 기록물인 것이다. 작가는 이러한 기억들을 한면씩한면씩 헝겁조각을 연결하듯이 모아서 하나의 넓은 벽면을 만들었다. 입체적공간을 가상의 형태로 기록을 하고, 물리적인 면으로서 재현해내는 작품은 작가의 비구상적인 이미지를 다양한 형태의 흐름을 따라서 변 화시킬 수 있음을 보여준다. 김병휘작가는 시인이면서도, 화가이다. 시인의 감성을 작품속에 녹여넣는 형태를 취하고 있다. 부드러운 초록의 시적언어 가 회화의 얼굴로 감상자들에게 소통의 말을 걸고 있다. 실제로 가식이나 허례허식이 없는 작가의 개성답게 작품은 드러 내는 회화의 언어자체가 봄비가 내린 이후의 숲속과 같은 녹녹함이 있다. 다시금 햇살에의해서 빛을 머금은 나무의 가지는 물기를 털어내고 관람자들에게 자신의 보드라운 표면감을 드러내줄 것 같다는 생각이 들곤한다. 아트타임즈다이제스트 발행인겸편집장 김선곤

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#1 = Artist.유혜정 편집자노트 유혜정작가는 채색화의 기법을 활용하는 동양화작가이다. 다채로운 색상속에서 자신만의 회화언어를 녹여내고자 했 는데, 구상으로 보이지만 색상과 대상에서 비구상의 성격을 띄고 있다는 것을 볼 수가 있다. 특히 일상과 여성의 삶에 대해서 동물과 도형화된 인물들, 제목을 통해서 섬세하면서 도 신랄할만큼 가식없는 현실과 상황을 담아내고자 하는 시 도를 볼 수가 있었다. 프로필 Yoo, Hea-Chung -홍익대학교 미술대학 동양화과 졸업 -2005년. Enjoy! Brunch on weekdays.( 관훈갤러리) -2016년. 3.5평 독방展 (갤러리H) -2017년.무늬옷展(갤러리카페 델라비타) -2017년.순간이 특별하여야 그림이다.展(갤러리H) 단체전 1997~1999년 홍익대학교 동양학과 총동문전 (3회) 1998년 묵의형상회 "인간의 聖과 俗"展 (문예진흥원) 1999년 한국진경정신전 "북한산"展 (공평아트센터) 1999년 "건널 目"展 (삼정갤러리) 2017년 "문인화정신과 5월"展 (갤러리H)

2017년홍익여성한국화회展(갤러리H)

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유혜정_어디로_캔버스에아크릴_45.5x65.1cm_2016

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유혜정_잠못이루는자에게밤은길어라_캔버스에종이,아크릴_90.9x72.7cm_2007

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유혜정_유연한침묵_캔버스에아크릴_50x50cm_2015

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유혜정_무지개_캔버스에아크릴_65.1x53cm_2016

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2008.사과를,30호

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#2 = Artist.문성원 편집자노트 문성원작가는 집과 공간에 대해서 기억이라는 개념과의 결합을 시도한다. 작가의 작업을 시 간을 두어서 감상을 해보면, 입체와 같은 페인 팅, 실제로 구현된 조형물등을 보면 일관된 작 가만의 회화언어가 존재함을 느끼게 해준다. 무겁지도 그렇다고 가볍지도 않은 작품안의 집들은 작가가 걸어왔던 시간들, 주위에 있던 인물들이 전달했을 것으로 보이는 내러티브가 모여서 하나의 덩어리를 이루고 있는 것을 볼 수가 있다. 과거에 비해서 회화적인 요소들이 더욱 강화되는 작품들을 보면서 작가의 작품 세게에 대한 표현과 의미가 더욱 깊이를 더하 고 있다는 생각을 가지게 되었다. 작가노트 사람들은 자신의 주거공간에서 시간을 보내며, 가족이란 테두리 속에서 기억들을 만들며 각 자의 집에서 추억과 기억을 쌓아간다. “집”이 란 사람들의 주거를 위한 목적도 있지만, 또 다른 관점에서 보면 기억들을 쌓는 상자처럼, 삶의 기쁨, 행복, 불행, 희망 등을 기억으로 남 기고 있다. 그런 의미에서 집이란 기억의 공간 이다.(퇴적물들이 시간이 흐르면서 단층으로 쌓여 세월의 흔적을 남기는 것처럼) 집은 우리들의 기억이 쌓여 있는 공간이 아닐 까? “기억”말로는 이야기하기 쉽지만 형상이 없는 무형이라 사람들의 머릿속에 기억이란 무형의 형상으로 저장되어 있다. 우리가 음악을 들을 때 CD에서 곡을 찾아 7, 8, 9번 번호를 누르면 각각의 공간에 저장된 곡들이 스피커를 통해서 흘러나오듯이, 각각 의 집들에도 개인들의 기억들이 퇴적물처럼 쌓여 있는 것이다. 인간의 수명이 100세를 넘어가고 있다. 사람 들은 태어나서 죽을 때까지 생존하면서 그들 이 머물게 되는 공간은 이사를 하면서 자주 바 뀌게 되고, 사회의 발전으로 인해 주거의 형태 도 다양하게 변화되고 있다. 본인은 태어나서 지금까지 이사만 21회를 했 다. 그래서 본인의 집에 대한 생각은 남들과는 조금 차이가 있다. “이사”란 기억의 공간이 이 동하는 것이다. 사람들이 집에 살고 있듯이, 각개인의 기억도 무형의 형상으로 각자의 집에 살고 있는 것으 로 본다. 또한 기억은 형상이 없기 때문에 작가의 표현 의도가 중요시 된다. 그래서 본인은 개인들의 기억이 모인 장소를 하나의 마을 모습으로 그 려내고 있다. 그리고 기억의 형상을 오방색과 오간색을 사용하여 기억의 지층을 만들어 기 억을 형상화하고 있다. 그림 속에 그려진 마을 에는 본인의 집도 친구의 집도 이웃의 집도 자 세히 보면 모두 존재한다.

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개인전19회(서울-인사아트센타 4회, 중국, 일본 2회 등 14회) 수상- 대한민국미술대전 특선 및 입선(비구상, 구상부문) 6회, 목우회,부일, 부산미술대전 우수상1회, 특선 5회 수상, 1992년 바다미술제 초대전-2013 년초대전, 기획전, 해외전 ,260여회 아트페어- 아트아시아, SOAF(서울오픈아트페어), KIAF(한국국제아트페어), 화랑미술제, 서울아트쇼, 부산아트쇼, Pink Art Fair, 부산국제아트페어, 아 트햄튼(미국-뉴욕), 퀼른아트페어(독일), 홍콩아트페어(홍콩), 시애틀어포 터블 아트페어(미국), 아트 토론토(캐나다), 싱가폴어포터블 아트페어(싱가 폴), 마이애미 스콥(미국),Asia Contemporary Art Show(홍콩) 현; 한국미술협회, 부산미술협회, 씨올회, 혁동인, 한국 수채화협회, 신우회, 미술과 비평초대작가, 부산미술협회 서양화분과 이사, (사)서울미술협회회 원, 한국미술협회 미술시장활성화 위원회 부위원장. 그룹이노베이션 회장, 동서대학교 강사, 대한민국미술대전 심사위원및 운영위원 다수, 부산ㆍ함 부르크ㆍ상해 만남의 교류전 총전시감독 역임 작품소장 과천국립현대미술관내 미술은행 작품소장 1점, 과천국립현대미술관내 정 부미술은행 1점, BS금융그룹 작품소장 2점, 경기도 이천 자유컨츄리크럽 작품소장 4점

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기억의 공간 163cmx650cmAcrylic on canvas 2014작

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기억의 해체(72.7x50cm)Acrylic on canvas.2013작

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기억의 책장-72cmx53cm Acrylic on canvas.2013작

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136.기억의 반전(86.5cm x53cm)Acrylic on canvas.2013년작

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기억의 늪.1-90x180cmAcrylic on canvas.2013작

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108.기억의 늪.4-(90x90cm) Acrylic on canvas.2013작

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#3 = 김병휘작가 편집자노트 김병휘작가는 시인이면서, 동시에 화가로서 활동을 하고 있다. 시문학계에서도 인정을 받 는 디지털시론학파의 정통맥을 이어가고 있는 여류화가로서 문학계에서 많은 기대를 받고 있다. 화가로서의 김병휘작가는 자연과 어울리는 숲 속의 그림들이 편안하게 그려진다. 색과 선에 있어서도 기교를 덜어내고 싶다는 이야기를 들은 적이 있다. 그것은 아마도 수필이나 산문 이 아닌 짧은 형태의 글로서 많은 것을 표현해 내는 시를 짓는 작가이기에 짧은 표현으로 많 은 것을 담아내는 표현력을 보여주고 싶었던 것은 아닐까하는 생각을 해본다. 시를 대할때도 작품을 대할때도 겸손함이 묻 어나는 작가이며, 현재는 작가본인의 표현을 빌리자면, 숲과 풀이 많은 지역에서 지내고 있 다. 이제 꾸준히 자연에 관련된 작품들을 볼 수 있는 것일까하고 기대를 해보게 된다.

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김병휘작가_버드나무

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김병휘작가_꽃보다

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김병휘작가_노란나비

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김병휘작가_메밀밭

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김병휘작가_소원을건다

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김병휘작가_어머니의유산

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