BeatHey Mag 2

Año 1 N° 2 Octubre-Noviembre 2018 Buenos Aires. Prohibida su venta. Distribución gratuita.

BeatHey Mag - 1

BERLÍN: CAPITAL DE LA MÚSICA ELECTRÓNICA

TANO VERON ¨ EL ARTE CALLEJERO NO ES DELITO ¨

BATEA BEATHEY: LO MEJOR DE LA ESCENA LOCAL

MUJERES QUE MARCARON TERRITORIO

BEAT&DRINKS: LEVITAR BAR

CIRCUITO BEAT DE FIESTAS ELECTRÓNICAS ENTREVISTA EXCLUSIVA

CHEZ DAMIER

DETRÁS DE LA LEYENDA

2 - BeatHey Mag

BeatHey Mag - 3

Hacer una revista, editar música, ser un sello, e intentar construir una compañía discográfica va mucho más allá de géneros o convenciones. Está atado a una necesidad del hecho artístico, a una necesidad de mostrar un ángulo auténtico.

Somos nosotros, quienes consumimos ciertos productos los que los llevamos a un determinado lugar. Somos nosotros quienes definimos en qué lugar queremos estar.

Nosotros elegimos estar del lado de la oportunidad, el talento, el amor, la dedicacion, el compromiso con el arte.

Arte es una palabra que parece o suena casi Santa; asimismo al decidir qué queremos representar con las palabras que escribimos y la música que editamos queremos corrernos del lugar convencional y ponernos en un lugar de visiones complementarias. Es por eso que hablaremos de todos aquellos artistas que al hacer música estén comprometidos con sus sentimientos, sus pensamientos y el arte que esto genera, los estados de ánimo que SU arte genera.

Gracias a todos los que creen que hay una oportunidad de hacer algo diferente y lo apoyan, lo sostienen y lo hacen crecer. Gracias a todos los que aún no se dan cuenta del todo que tenemos la posibilidad en nuestras manos de realmente generar un cambio basado en la música ya que nos motivan mucho más a seguir mejorando.

Los invitamos a sumarse y ser parte de esta comunidad que crece día a día #JoinUs www.beathey.com

2 - BeatHey Mag

BeatHey Mag - 3

Hacer una revista, editar música, ser un sello, e intentar construir una compañía discográfica va mucho más allá de géneros o convenciones. Está atado a una necesidad del hecho artístico, a una necesidad de mostrar un ángulo auténtico.

Somos nosotros, quienes consumimos ciertos productos los que los llevamos a un determinado lugar. Somos nosotros quienes definimos en qué lugar queremos estar.

Nosotros elegimos estar del lado de la oportunidad, el talento, el amor, la dedicacion, el compromiso con el arte.

Arte es una palabra que parece o suena casi Santa; asimismo al decidir qué queremos representar con las palabras que escribimos y la música que editamos queremos corrernos del lugar convencional y ponernos en un lugar de visiones complementarias. Es por eso que hablaremos de todos aquellos artistas que al hacer música estén comprometidos con sus sentimientos, sus pensamientos y el arte que esto genera, los estados de ánimo que SU arte genera.

Gracias a todos los que creen que hay una oportunidad de hacer algo diferente y lo apoyan, lo sostienen y lo hacen crecer. Gracias a todos los que aún no se dan cuenta del todo que tenemos la posibilidad en nuestras manos de realmente generar un cambio basado en la música ya que nos motivan mucho más a seguir mejorando.

Los invitamos a sumarse y ser parte de esta comunidad que crece día a día #JoinUs www.beathey.com

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BOKURA.C OM.AR / BOKURADENIM

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BOKURA.C OM.AR / BOKURADENIM

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STAFF 2018 DIRECCIÓN

Julián Sorsaburu EDITOR Y PRODUCTOR DE CONTENIDOS

Nicolás Beldi DIRECCIÓN EDITORIAL

Darío Rosemblat DIRECCIÓN DE ARTE

Alicia Sliwkin ESCRIBEN

Agustín Stoler Juan Pablo Niemes Damian Levensohn Julián Sorsaburu Gonzalo Arzua Sebastián Da Vinn Nicolás Beldi Lic. Mag. Roberto H. Aramburu Manuel Oubiña FOTOS BEATDRINKS

Ligeia AGRADECIMIENTOS

Florencia Vilar Gabriel Santana Miguel Warliers Antonio Macadam Edmundo Hiriart TODA LA COMUNIDAD BEATHEY CONTACTO COMERCIAL

Julian Sorsaburu 1160579992 PRENSA

julian@beathey.com

Suscribite y recibí BeatheyMag en tu casa: contacto@beathey.com

Imprenta Galt SA. Ayolas 496. Las notas de la revista corren bajo exclusiva responsabilidad de sus autores y las publicidades bajo exclusiva responsabilidad de los respectivos anunciantes.

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STAFF 2018 DIRECCIÓN

Julián Sorsaburu EDITOR Y PRODUCTOR DE CONTENIDOS

Nicolás Beldi DIRECCIÓN EDITORIAL

Darío Rosemblat DIRECCIÓN DE ARTE

Alicia Sliwkin ESCRIBEN

Agustín Stoler Juan Pablo Niemes Damian Levensohn Julián Sorsaburu Gonzalo Arzua Sebastián Da Vinn Nicolás Beldi Lic. Mag. Roberto H. Aramburu Manuel Oubiña FOTOS BEATDRINKS

Ligeia AGRADECIMIENTOS

Florencia Vilar Gabriel Santana Miguel Warliers Antonio Macadam Edmundo Hiriart TODA LA COMUNIDAD BEATHEY CONTACTO COMERCIAL

Julian Sorsaburu 1160579992 PRENSA

julian@beathey.com

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Imprenta Galt SA. Ayolas 496. Las notas de la revista corren bajo exclusiva responsabilidad de sus autores y las publicidades bajo exclusiva responsabilidad de los respectivos anunciantes.

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TECH POR EL LIC. MAG. ROBERTO H. ARAMBURU

MIRA (CYCLING ’74) Es una app para iPad que automáticamente se conecta con Max via WiFi o ad-hoc network espejando su interfaz y dándote control sobre los objetos y patches de Max, expandiendo la interactividad y el horizonte creativo.

IMINI (ARTURIA) Es un sintetizador para iPad con 3 osciladores, filtros por octava, XY pads asignables, y efectos de chorus y delay, modo polifónico y mucho más.

DESCUBRIENDO MAX FOR LIVE Max for Live es una plataforma que te permite construir tus propios instrumentos, efectos y herramientas especiales para tocar en vivo y crear un entorno audiovisual único, dentro de Ableton.

Te posibilita interactuar con periféricos externos como controladores, sintetizadores, enviar la señal a múltiples monitores y controlar objetos físicos como motores y luces a través de Arduino, OSC y otras tecnologías avanzadas.

Además, la comunidad internacional de Max for Live crece constantemente brindando nuevos instrumentos y efectos que te permiten expandir tu paleta sonora, por eso te invito a explorar las siguientes herramientas creativas: Bengal combina la síntesis FM con un enfoque modular, e incluye 4 operadores, 8 voces de polifonía, 6 efectos y una arquitectura modular abierta basada en un panel de conexiones virtuales interactivos.

Lota es un instrumento que emplea síntesis granular y te permite hacer loops interesantísimos a través de una interfaz muy intuitiva.

Outer Spaces es un procesador de audio y herramienta multipropósito que te permite posicionar tus sonidos en diversos espacios, modificarlos tímbricamente y obtener sonidos frescos y ricos texturalmente hablando.

Oscillot brinda más de 100 módulos y docenas de sintetizadores y efectos pre-ruteados sumando infinitas posibilidades creativas a Ableton, a través de su poderosa síntesis modular.

Bueno, espero escuchar algunos timbres y paisajes sonoros nuevos en las próximas composiciones de la comunidad creativa de BeatHey.

TIDAL (JAY Z) Es un nuevo servicio de streaming de audio y video de alta fidelidad y definición para Android.

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TECH POR EL LIC. MAG. ROBERTO H. ARAMBURU

MIRA (CYCLING ’74) Es una app para iPad que automáticamente se conecta con Max via WiFi o ad-hoc network espejando su interfaz y dándote control sobre los objetos y patches de Max, expandiendo la interactividad y el horizonte creativo.

IMINI (ARTURIA) Es un sintetizador para iPad con 3 osciladores, filtros por octava, XY pads asignables, y efectos de chorus y delay, modo polifónico y mucho más.

DESCUBRIENDO MAX FOR LIVE Max for Live es una plataforma que te permite construir tus propios instrumentos, efectos y herramientas especiales para tocar en vivo y crear un entorno audiovisual único, dentro de Ableton.

Te posibilita interactuar con periféricos externos como controladores, sintetizadores, enviar la señal a múltiples monitores y controlar objetos físicos como motores y luces a través de Arduino, OSC y otras tecnologías avanzadas.

Además, la comunidad internacional de Max for Live crece constantemente brindando nuevos instrumentos y efectos que te permiten expandir tu paleta sonora, por eso te invito a explorar las siguientes herramientas creativas: Bengal combina la síntesis FM con un enfoque modular, e incluye 4 operadores, 8 voces de polifonía, 6 efectos y una arquitectura modular abierta basada en un panel de conexiones virtuales interactivos.

Lota es un instrumento que emplea síntesis granular y te permite hacer loops interesantísimos a través de una interfaz muy intuitiva.

Outer Spaces es un procesador de audio y herramienta multipropósito que te permite posicionar tus sonidos en diversos espacios, modificarlos tímbricamente y obtener sonidos frescos y ricos texturalmente hablando.

Oscillot brinda más de 100 módulos y docenas de sintetizadores y efectos pre-ruteados sumando infinitas posibilidades creativas a Ableton, a través de su poderosa síntesis modular.

Bueno, espero escuchar algunos timbres y paisajes sonoros nuevos en las próximas composiciones de la comunidad creativa de BeatHey.

TIDAL (JAY Z) Es un nuevo servicio de streaming de audio y video de alta fidelidad y definición para Android.

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APHEX TWIN - COLLAPSE EP

VINILOS

ENCONTRÁ ESTOS DISCOS EN: VINYLS ARE COOL (THAMES 1919. CABA)

POR GONZALO ARZUA

(WARP RECORDS)

Pareciera que todo volvió a la normalidad desde que Richard D. James está de vuelta en el ruedo. Es que la música electrónica necesitaba este sonido áspero y agresivo que solo Aphex Twin puede darnos. Y el nuevo EP “Collapse” no se queda atrás. Con cuatro tracks de puro Electro e IDM oscilan entre ritmos tipo “drill n bass” salvajes con líneas melódicas. Aphex nos deja esta nueva placa bajo el sello Warp que lanzó el single en dos versiones: una normal para los “mortales” y otra edición limitada con un arte bellísimo para los más osados.

KLAUSS & CARL CRAIG - MOMENTUM (E PLANET)

El sello Planet E presenta ‘Momentum’, una colaboración entre Carl Craig y el colectivo de electrónica en vivo argentino Klauss. El EP es el resultado de una sesión de producción no improvisada en el estudio La Siesta De Fauno en Buenos Aires en febrero del año pasado. Cada una tiene una duración de más de diez minutos de rebosada tensión. Ambas pistas utilizan grooves analógicos para formar una conexión a tierra, oscuros loops y procesos sónicos alucinantes para deambular con la mente.

AUTECHRE - NTS SESSIONS (WARP RECORDS)

En abril de este año, Autechre dio un show en vivo de alrededor de 8 hs en la radio londinense NTS mostrando más de 30 tracks nuevos los cuales fueron compilados por el sello Warp en cuatro packs de tres vinilos cada uno con un packaging minimalista y un arte super fino.

El disco hace honor al trabajo musical del grupo con líneas de sonido abstractas y esa música experimental que los puso a la cabeza del IDM desde principios de los 90s

JUSTICE WOMAN WORLDWIDE Es un hecho que los discos en vivo de Justice fueron cruciales a lo largo de su carrera. Woman Worldwide es el tercer álbum en este formato de Xavier De Rosnay y Gaspard Augé, pero este es ligeramente diferente: los primeros dos tienen un sonido deliberadamente de bootlegs, mientras que Woman Worldwise está diseñado como un disco de estudio.

Justice comenzó a organizar la gira de Woman Worldwide en junio de 2016, y los ensayos duraron

durante los siguientes seis meses. En este caso, el dúo revisó las grabaciones de cada una de las actuaciones en la gira y compiló a conciencia sus momentos favoritos, que ascendieron a 15 pistas donde expresan de manera coherente la visión musical del conjunto: música disco, rock, metal y electrónica mezclada, cortada, pegada, distorsionada y comprimida en una poderosa maquinaria de pista de baile.

MODESELEKTOR - MODESELEKTION VOL 4 (MONKEYTOWN RECORDS)

La cuarta edición de Modeselektion compila grandes nombres de la escena internacional junto a una serie de artistas emergentes: FJAAK, Rødhâd, Peder Mannerfelt, rRoxymore, Sarah Farina y más.

Variando entre ese techno de bajos gordos que los caracteriza y breakbeats cósmicos producen un clima impactante.

El formato vinilo viene en cuatro 12” de 17 temas en total que muestran las armas más letales términos de música de baile sofisticada.

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APHEX TWIN - COLLAPSE EP

VINILOS

ENCONTRÁ ESTOS DISCOS EN: VINYLS ARE COOL (THAMES 1919. CABA)

POR GONZALO ARZUA

(WARP RECORDS)

Pareciera que todo volvió a la normalidad desde que Richard D. James está de vuelta en el ruedo. Es que la música electrónica necesitaba este sonido áspero y agresivo que solo Aphex Twin puede darnos. Y el nuevo EP “Collapse” no se queda atrás. Con cuatro tracks de puro Electro e IDM oscilan entre ritmos tipo “drill n bass” salvajes con líneas melódicas. Aphex nos deja esta nueva placa bajo el sello Warp que lanzó el single en dos versiones: una normal para los “mortales” y otra edición limitada con un arte bellísimo para los más osados.

KLAUSS & CARL CRAIG - MOMENTUM (E PLANET)

El sello Planet E presenta ‘Momentum’, una colaboración entre Carl Craig y el colectivo de electrónica en vivo argentino Klauss. El EP es el resultado de una sesión de producción no improvisada en el estudio La Siesta De Fauno en Buenos Aires en febrero del año pasado. Cada una tiene una duración de más de diez minutos de rebosada tensión. Ambas pistas utilizan grooves analógicos para formar una conexión a tierra, oscuros loops y procesos sónicos alucinantes para deambular con la mente.

AUTECHRE - NTS SESSIONS (WARP RECORDS)

En abril de este año, Autechre dio un show en vivo de alrededor de 8 hs en la radio londinense NTS mostrando más de 30 tracks nuevos los cuales fueron compilados por el sello Warp en cuatro packs de tres vinilos cada uno con un packaging minimalista y un arte super fino.

El disco hace honor al trabajo musical del grupo con líneas de sonido abstractas y esa música experimental que los puso a la cabeza del IDM desde principios de los 90s

JUSTICE WOMAN WORLDWIDE Es un hecho que los discos en vivo de Justice fueron cruciales a lo largo de su carrera. Woman Worldwide es el tercer álbum en este formato de Xavier De Rosnay y Gaspard Augé, pero este es ligeramente diferente: los primeros dos tienen un sonido deliberadamente de bootlegs, mientras que Woman Worldwise está diseñado como un disco de estudio.

Justice comenzó a organizar la gira de Woman Worldwide en junio de 2016, y los ensayos duraron

durante los siguientes seis meses. En este caso, el dúo revisó las grabaciones de cada una de las actuaciones en la gira y compiló a conciencia sus momentos favoritos, que ascendieron a 15 pistas donde expresan de manera coherente la visión musical del conjunto: música disco, rock, metal y electrónica mezclada, cortada, pegada, distorsionada y comprimida en una poderosa maquinaria de pista de baile.

MODESELEKTOR - MODESELEKTION VOL 4 (MONKEYTOWN RECORDS)

La cuarta edición de Modeselektion compila grandes nombres de la escena internacional junto a una serie de artistas emergentes: FJAAK, Rødhâd, Peder Mannerfelt, rRoxymore, Sarah Farina y más.

Variando entre ese techno de bajos gordos que los caracteriza y breakbeats cósmicos producen un clima impactante.

El formato vinilo viene en cuatro 12” de 17 temas en total que muestran las armas más letales términos de música de baile sofisticada.

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FEST

WAVE ELECTRONIC MUSIC (SALTA) Wave Electronic Music es un ciclo de fiestas electronicas que nace en Agosto del 2016 en la ciudad de Salta buscando recrear un ambiente relajado, sofisticado y divertido. En sus inicios trabajó con djs del medio local y a medida que se popularizó tuvo la oportunidad de disfrutar artistas de primera linea a nivel nacional e internacional como Hector Couto, Fosky, Fede Gomez, Knowbru y muchos más.

HOUSE NATION

A puro Groove de concepto house donde el color y la diversión toman forma de fiesta ! House Nation es una agrupación itinerante de djs considerados entre los que defienden la bandera del groove.

Brindar un producto de pura calidad al público en una fiesta que lleva muchos años en Club Bahrein y vuelve a tomar fuerza en la noche porteña con artistas como Pesce’s, Gina Conde, UMO, Federico Bell, Matias Sumblad y Le Frack entre otros. También encontramos en este evento la participación de go go dancers y diferentes performances de artistas y muchas sorpresas más.

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FEST

WAVE ELECTRONIC MUSIC (SALTA) Wave Electronic Music es un ciclo de fiestas electronicas que nace en Agosto del 2016 en la ciudad de Salta buscando recrear un ambiente relajado, sofisticado y divertido. En sus inicios trabajó con djs del medio local y a medida que se popularizó tuvo la oportunidad de disfrutar artistas de primera linea a nivel nacional e internacional como Hector Couto, Fosky, Fede Gomez, Knowbru y muchos más.

HOUSE NATION

A puro Groove de concepto house donde el color y la diversión toman forma de fiesta ! House Nation es una agrupación itinerante de djs considerados entre los que defienden la bandera del groove.

Brindar un producto de pura calidad al público en una fiesta que lleva muchos años en Club Bahrein y vuelve a tomar fuerza en la noche porteña con artistas como Pesce’s, Gina Conde, UMO, Federico Bell, Matias Sumblad y Le Frack entre otros. También encontramos en este evento la participación de go go dancers y diferentes performances de artistas y muchas sorpresas más.

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FEST

DER TANZ

(Posadas, Misiones) Un club de música electrónica, recitales, intervenciones, fotografía, pintura, visuales y diferentes performances. Residente Tato Piatti.

EL DORADO

Por Juan Pryor (Residente de El Dorado) Difícil describir “Eldorado” (1991-2007) con pocas palabras...

Veamos: barroco, bizarro, disruptivo, revulsivo, irreverente, avant garde, transgresor, experimental... Un lugar fundacional que rompió con todo lo establecido y que, sin dudas “puso de moda” al underground porteño. En sus distintas épocas y estéticas siempre fue vanguardia pura con sus eclécticas propuestas artísticas, desde la música hasta la plástica entre muchas otras artes. Un auténtico “Club” donde se respiraba cultura under en su máxima expresión... Aún perdura su legado.

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FEST

DER TANZ

(Posadas, Misiones) Un club de música electrónica, recitales, intervenciones, fotografía, pintura, visuales y diferentes performances. Residente Tato Piatti.

EL DORADO

Por Juan Pryor (Residente de El Dorado) Difícil describir “Eldorado” (1991-2007) con pocas palabras...

Veamos: barroco, bizarro, disruptivo, revulsivo, irreverente, avant garde, transgresor, experimental... Un lugar fundacional que rompió con todo lo establecido y que, sin dudas “puso de moda” al underground porteño. En sus distintas épocas y estéticas siempre fue vanguardia pura con sus eclécticas propuestas artísticas, desde la música hasta la plástica entre muchas otras artes. Un auténtico “Club” donde se respiraba cultura under en su máxima expresión... Aún perdura su legado.

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FEST

TECHNO SERIO

Una fiesta con concepto centrado en la música techno. La libertad como bandera y honestidad musical como sello permiten jugar con todos los estilos que los influencian como el acid, house, industrial, off beat, new beat, electro.

No es una línea de marketing ni una pose embustera, sino el resultado natural tomada por los organizadores. Desde el año 2015 pasaron por varias atípicas locaciones rompiendo un poco el molde de lo que venía pasando en la escena en general. Supieron ganarse su lugar en una de las mejores pistas del país, Cocoliche, donde desde hace un tiempo tienen su edición mensual. También tienen su propio sello que está en todas las tiendas digitales. Djs Residentes: Diego Cid, Ornella Go, Diego Rok y Kurt RK

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FEST

TECHNO SERIO

Una fiesta con concepto centrado en la música techno. La libertad como bandera y honestidad musical como sello permiten jugar con todos los estilos que los influencian como el acid, house, industrial, off beat, new beat, electro.

No es una línea de marketing ni una pose embustera, sino el resultado natural tomada por los organizadores. Desde el año 2015 pasaron por varias atípicas locaciones rompiendo un poco el molde de lo que venía pasando en la escena en general. Supieron ganarse su lugar en una de las mejores pistas del país, Cocoliche, donde desde hace un tiempo tienen su edición mensual. También tienen su propio sello que está en todas las tiendas digitales. Djs Residentes: Diego Cid, Ornella Go, Diego Rok y Kurt RK

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DRINKS POR MANUEL OUBIÑA

JAMES BROWN

Ingredientes: -Jugo de limón -Jugo de manzana -Pepino -Azucar -Absolut Pears

MICK JAGGER

Ingredientes: -Jagermeister -Lima -Azúcar -Jugo de pomelo

KERRI CHANDLER

Ingredientes: En esta presentación mostramos a Levitar, un bar con más de 11 años de historia dedicado a difundir la cultura house en Buenos Aires.

Ubicado en Godoy Cruz 1715, a pocos metros de Plaza Serrano, este spot es un sitio ideal para todo aquel que quiera compartir buena música amenizado con tragos de autor y finger foods.

Los hermanos Rubén y Fabrizzio Alarcón son los encargados de la curaduría musical, dándole un lugar primordial al formato 12 pulgadas.

Con el correr de los años Levitar se ha convertido en una parada obligatoria para los que desean recorrer el circuito underground de Buenos Aires.

Un sinfín de nombres de la escena local han compartido sus bateas en el bar como también artistas internacionales de la talla de Joss Moog (Robsoul – Ondulé). De jueves a sábado, a partir de las 20hs, Levitar es una excelente opción para disfrutar de música en vinilo, tragos de autor y buenos amigos.

-Mandarina -Vodka -Frutos del bosque -Agua tónica

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DRINKS POR MANUEL OUBIÑA

JAMES BROWN

Ingredientes: -Jugo de limón -Jugo de manzana -Pepino -Azucar -Absolut Pears

MICK JAGGER

Ingredientes: -Jagermeister -Lima -Azúcar -Jugo de pomelo

KERRI CHANDLER

Ingredientes: En esta presentación mostramos a Levitar, un bar con más de 11 años de historia dedicado a difundir la cultura house en Buenos Aires.

Ubicado en Godoy Cruz 1715, a pocos metros de Plaza Serrano, este spot es un sitio ideal para todo aquel que quiera compartir buena música amenizado con tragos de autor y finger foods.

Los hermanos Rubén y Fabrizzio Alarcón son los encargados de la curaduría musical, dándole un lugar primordial al formato 12 pulgadas.

Con el correr de los años Levitar se ha convertido en una parada obligatoria para los que desean recorrer el circuito underground de Buenos Aires.

Un sinfín de nombres de la escena local han compartido sus bateas en el bar como también artistas internacionales de la talla de Joss Moog (Robsoul – Ondulé). De jueves a sábado, a partir de las 20hs, Levitar es una excelente opción para disfrutar de música en vinilo, tragos de autor y buenos amigos.

-Mandarina -Vodka -Frutos del bosque -Agua tónica

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BeatHey Mag - 23

MUJERES QUE MARCARON TERRITORIO EN LA MÚSICA DETRÁS DE LOS CONTROLES EN UNA DISCOTECA, EN UNA ESTACIÓN DE RADIO O CREANDO SONIDOS ELECTRÓNICOS Y EXPERIMENTALES, HABÍA FIGURAS MASCULINAS QUE ACAPARABAN RELATOS E HISTORIAS DE LA CREACIÓN Y DIFUSIÓN DE GÉNEROS COMO HOUSE, TECHNO, ETC., INCLUSIVE SCORES Y SOUNDTRACKS DE PELÍCULAS. PERO NO ESTABAN SOLOS. HUBO MUJERES QUE SE NEGARON A OCUPAR UN PAPEL SECUNDARIO Y DIERON LA BATALLA. EN LA MÚSICA ELECTRÓNICA ENCONTRARON UNO DE LOS LUGARES DE INTEGRACIÓN, OCUPANDO EL ESPACIO QUE EL PASADO LES PROHIBIÓ. HAY CASOS EMBLEMÁTICOS QUE MERECEN UN LUGAR ESPECIAL EN LA HISTORIA.

POR JUAN PABLO NIEMES

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MUJERES QUE MARCARON TERRITORIO EN LA MÚSICA DETRÁS DE LOS CONTROLES EN UNA DISCOTECA, EN UNA ESTACIÓN DE RADIO O CREANDO SONIDOS ELECTRÓNICOS Y EXPERIMENTALES, HABÍA FIGURAS MASCULINAS QUE ACAPARABAN RELATOS E HISTORIAS DE LA CREACIÓN Y DIFUSIÓN DE GÉNEROS COMO HOUSE, TECHNO, ETC., INCLUSIVE SCORES Y SOUNDTRACKS DE PELÍCULAS. PERO NO ESTABAN SOLOS. HUBO MUJERES QUE SE NEGARON A OCUPAR UN PAPEL SECUNDARIO Y DIERON LA BATALLA. EN LA MÚSICA ELECTRÓNICA ENCONTRARON UNO DE LOS LUGARES DE INTEGRACIÓN, OCUPANDO EL ESPACIO QUE EL PASADO LES PROHIBIÓ. HAY CASOS EMBLEMÁTICOS QUE MERECEN UN LUGAR ESPECIAL EN LA HISTORIA.

POR JUAN PABLO NIEMES

24 - BeatHey Mag

Pocos conocen a la británica Daphne Oram, nacida en 1925, un período agitado por guerras.

Supo desde un principio lo que buscaba a pesar de que, según el periodista ingles Robert Worby (en un artículo de The Guardian en 2008), las autoridades de la BBC, donde trabajaba como ecualizadora de los programas de radio, no le tenían demasiada estima. Oram prolongaba su horario laboral experimentando grabaciones de cinta electromagnéticas con sonidos creados por ella. El resultado de esos ensayos fue Oramics, una técnica registrada de diseño sonoro muy innovador que se expande en la década del ‘50.

Algo más conocida es la historia de Walter Carlos, luego conocida como Wendy Carlos. Nació en 1939 en Rhode Island, Estados Unidos. Su pasión por la música comenzó desde pequeña. Se pueden destacar obras como el clásico Switched On Bach (1968), que sobresalió entre las producciones de vanguardia de los ‘60. De sus experimentos surgieron composiciones ambientales electrónicas que fueron soundtrack de películas como La Naranja Mecánica (1971) y El Resplandor (1980), dirigidas por el icónico Stanley Kubrick. Hasta ese momento las producciones ambientales, psicodélicas y experimentales eran acaparadas por un grupo reducido de artistas masculinos: Kim Crimson, Alan Parsons, Aphrodite’s Child.

Entre las impulsoras de nuevos ritmos se destacó la británica Charissa Saverio, más conocida como Dj Rap. Su interés por los broken beats, la convirtieron en una de las primeras detrás de producciones de Drum ‘n Bass. Fue una de las pocas que en los comienzos colaboró para esculpir un género que, si bien en los ‘90 no tenía tantos adeptos, poco a poco llegó a convertirse en uno de los más escuchados.

En la Argentina, desde los inicios (antes de la gran expansión de la cultura clubber) hubo mujeres involucradas en varios frentes. Demostraron una posición frente a una cultura machista. Fueron una declaración de principios en una escena predominantemente masculina. Carla Tintoré es un emblema. Desde fines de los ‘80 fue agigantando su capital cultural de vinilos a partir de la Dj UNION (junto a Dr. Trincado y Diego Ro-k). Este frente cultural fue el puntapié en la Argentina del

BeatHey Mag - 25

movimiento house y techno. Entre los innovadores proyectos y fiestas se destacaron las Underground Park, icónicas raves organizadas a mediados de los 90’ en Parque Sarmiento.

Otras figuras destacadas que también siguen vigentes al igual que Carla son Dj Mina, Romina Cohn y Violett, entre muchas djs y productoras.

En la actualidad, se vislumbran grandes nombres asociados a uno o varios estilos (Nina Kraviz, Dana Ruh, Monika Kruse, Black Madonna), cuyas producciones y djs sets hacen reflexionar que el talento y la pasión no tienen género.

La actual generación de productores y músicos, deberían incorporar estos aportes a sus bibliotecas o colecciones de discos.

Suelen repetirse con insistencia a las grandes figuras como Stockhausen, Johnny Cage, y de manera más popular a Kraftwerk. Todos han contribuido de una manera incalculable pero no se debe dejar de reconocer a las mujeres que, a partir de la desigualdad social, aportaron de manera significativa a la historia que siempre es universal porque está basada en seres sin distinción de credos, sexo, raza o religión.

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Pocos conocen a la británica Daphne Oram, nacida en 1925, un período agitado por guerras.

Supo desde un principio lo que buscaba a pesar de que, según el periodista ingles Robert Worby (en un artículo de The Guardian en 2008), las autoridades de la BBC, donde trabajaba como ecualizadora de los programas de radio, no le tenían demasiada estima. Oram prolongaba su horario laboral experimentando grabaciones de cinta electromagnéticas con sonidos creados por ella. El resultado de esos ensayos fue Oramics, una técnica registrada de diseño sonoro muy innovador que se expande en la década del ‘50.

Algo más conocida es la historia de Walter Carlos, luego conocida como Wendy Carlos. Nació en 1939 en Rhode Island, Estados Unidos. Su pasión por la música comenzó desde pequeña. Se pueden destacar obras como el clásico Switched On Bach (1968), que sobresalió entre las producciones de vanguardia de los ‘60. De sus experimentos surgieron composiciones ambientales electrónicas que fueron soundtrack de películas como La Naranja Mecánica (1971) y El Resplandor (1980), dirigidas por el icónico Stanley Kubrick. Hasta ese momento las producciones ambientales, psicodélicas y experimentales eran acaparadas por un grupo reducido de artistas masculinos: Kim Crimson, Alan Parsons, Aphrodite’s Child.

Entre las impulsoras de nuevos ritmos se destacó la británica Charissa Saverio, más conocida como Dj Rap. Su interés por los broken beats, la convirtieron en una de las primeras detrás de producciones de Drum ‘n Bass. Fue una de las pocas que en los comienzos colaboró para esculpir un género que, si bien en los ‘90 no tenía tantos adeptos, poco a poco llegó a convertirse en uno de los más escuchados.

En la Argentina, desde los inicios (antes de la gran expansión de la cultura clubber) hubo mujeres involucradas en varios frentes. Demostraron una posición frente a una cultura machista. Fueron una declaración de principios en una escena predominantemente masculina. Carla Tintoré es un emblema. Desde fines de los ‘80 fue agigantando su capital cultural de vinilos a partir de la Dj UNION (junto a Dr. Trincado y Diego Ro-k). Este frente cultural fue el puntapié en la Argentina del

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movimiento house y techno. Entre los innovadores proyectos y fiestas se destacaron las Underground Park, icónicas raves organizadas a mediados de los 90’ en Parque Sarmiento.

Otras figuras destacadas que también siguen vigentes al igual que Carla son Dj Mina, Romina Cohn y Violett, entre muchas djs y productoras.

En la actualidad, se vislumbran grandes nombres asociados a uno o varios estilos (Nina Kraviz, Dana Ruh, Monika Kruse, Black Madonna), cuyas producciones y djs sets hacen reflexionar que el talento y la pasión no tienen género.

La actual generación de productores y músicos, deberían incorporar estos aportes a sus bibliotecas o colecciones de discos.

Suelen repetirse con insistencia a las grandes figuras como Stockhausen, Johnny Cage, y de manera más popular a Kraftwerk. Todos han contribuido de una manera incalculable pero no se debe dejar de reconocer a las mujeres que, a partir de la desigualdad social, aportaron de manera significativa a la historia que siempre es universal porque está basada en seres sin distinción de credos, sexo, raza o religión.

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BERLIN CAPITAL DE LA CULTURA ELECTRÓNICA GUERRAS, NAZISMO, COMUNISMO, EL MURO, SON HECHOS CONTUNDENTES QUE MARCARON A BERLÍN DURANTE EL ÚLTIMO SIGLO. DESPUÉS DE ESE LASTRE PESADO Y OSCURO, DESDE HACE ALGUNAS DÉCADAS LA CIUDAD ES SINÓNIMO DE COMUNIDAD ELECTRÓNICA. EN EL PRIMER NÚMERO HABLAMOS DE LONDRES Y SU CARGA CULTURAL HISTÓRICA; EN ESTE CASO, VAMOS A CENTRARNOS EN UN LUGAR QUE SE HIZO EPICENTRO DE UNA DE LAS PRINCIPALES MANIFESTACIONES ARTÍSTICAS MODERNAS. POR DAMIAN LEVENSOHN

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BERLIN CAPITAL DE LA CULTURA ELECTRÓNICA GUERRAS, NAZISMO, COMUNISMO, EL MURO, SON HECHOS CONTUNDENTES QUE MARCARON A BERLÍN DURANTE EL ÚLTIMO SIGLO. DESPUÉS DE ESE LASTRE PESADO Y OSCURO, DESDE HACE ALGUNAS DÉCADAS LA CIUDAD ES SINÓNIMO DE COMUNIDAD ELECTRÓNICA. EN EL PRIMER NÚMERO HABLAMOS DE LONDRES Y SU CARGA CULTURAL HISTÓRICA; EN ESTE CASO, VAMOS A CENTRARNOS EN UN LUGAR QUE SE HIZO EPICENTRO DE UNA DE LAS PRINCIPALES MANIFESTACIONES ARTÍSTICAS MODERNAS. POR DAMIAN LEVENSOHN

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LA CAÍDA DEL MURO Y EL CONTEXTO SOCIAL Noviembre de 1989 marcó un antes y un después en la historia del mundo. El muro cayó hacia el oeste y unió a Berlín, que había estado cercada separando a amigos y familias. Los jóvenes fueron los protagonistas. Influidos por la televisación de los juegos olímpicos de Seúl en 1988, sus ojos no miraban las pistas ni los atletas, sino las tribunas donde la gente vestía jeans y zapatillas, miraban hacia occidente. Comprendían que se estaban perdiendo demasiadas novedades. Que vivían aislados. Que su ropa era antigua y monótona, al igual que su música.

En ese clima de ansiedad por cruzar al otro lado a ver lo que el mundo les tenía reservado, los jóvenes ocuparon un lugar central. Una de las formas que eligieron para expresarse, fue el baile.

El sonido techno de Detroit ya comenzaba a difundirse entre los seguidores de la música electrónica. Fue la principal influencia para los primeros productores de beats de Berlín porque con su elevado BPM, con tintes industriales y de importante intensidad, era la música que se ajustaba al tiempo y espacio de la nueva escena.

El proceso por el que atravesó la sociedad tiene poco ver con los de otras grandes urbes. Las heridas y traumas que traían eran profundos. Los antecedentes de vivir divididos, los estimuló a unirse alrededor de la música techno y las fiestas interminables que comenzaban a sucederse. La atracción por esta música potente y por la libertad de expresión corporal, era una fuerza avasalladora que no dejaba adivinar sus pasados tan diferentes.

La arquitectura fue clave para darle forma a la mística. Estaciones de subte, bóvedas de edificios gubernamentales y warehouse deshabitados, hicieron que los movimientos ocupas se apropiaran de una buena parte de ese espacio que luego se transformaron en el escenario ideal para las fiestas que ese grupo de jóvenes alimentó con su imaginación. Esas fiestas fueron el laboratorio para experimentar los cambios.

Una de las primeras “grandes marcas” fue el Berlin

BeatHey Mag - 29

de Berlín mirara de buena manera a la escena electrónica. Pocas restricciones, otorgación de permisos y demás facilidades se pusieron a disposición de los clubs establecidos. Después de todo, ellos fueron los creadores de la nueva Berlín.

Love Parade, evento callejero que tuvo su bautismo en 1989 y que, en la década siguiente, fue creciendo exponencialmente hasta atraer a un millón de personas hacia fines de los ‘90.

Esa década fue la de la evolución y crecimiento de un movimiento que, sin abandonar su espíritu radical, empezó a insinuar la profesionalización en sus diferentes aspectos. Los clubs más tradicionales empezaron a despegar. Los djs dejaron de ser anónimos para convertirse en nombres propios que funcionaron como marcas. Así se inició la conexión con otros focos incipientes en ciudades centrales como Frankfurt o Hamburgo.

EL TURISMO Los años más oscuros fueron quedando más lejos y Berlín se ubicó como una capital ineludible para artistas de toda rama. La migración tomaba cada vez más fuerza; la ciudad dejó de ser un misterio. Como toda masificación trajo opiniones a favor y en contra,

porque la identidad parecía aplastada por el rótulo de “ciudad de moda”.

De ser una de las metrópolis más económicas de Europa, el hype hizo que Berlín se transformara en una ciudad más cara para sus habitantes. Uno de los factores del drástico cambio fueron la proliferación de edificios. No quedaron espacios deshabitados, como los que dieron origen a la revolución de los ocupas.

Hoy es difícil conseguir una simple habitación para dormir. El metro cuadrado cotiza en miles de euros. Las cifras que se piden por alquiler son inalcanzables.

Más allá de la creciente inmigración de artistas de todo el mundo, se vive una invasión del turismo.

Hay que bucear en la oferta nocturna para no caer en un lugar preparado para los turistas. Pero los refugios de la cultura siempre están, es cuestión de buscarlos.

El turismo fue la llave para que el poder político

CLUBS Y SONIDOS Desde los inicios, la mutación sonora fue por diversos caminos, manteniendo como estandarte al techno. Dos grandes Clubs vieron la oportunidad y se posicionaron en lo más alto: Tresor y Berghain.

El primero, con una larga historia, es uno de los pioneros de la ciudad. De la mano de Tresor se desarrolló el sello discográfico y fue la sede de todo ícono del género. Jeff Mills, Robert Hood, Blake Baxter, Moritz Von Oswald, fueron algunos de ellos.

La aparición argentina más notoria, tanto en el label como en el club, fue la de Jonas Kopp, quien editó algunos discos en los últimos años, además de ser habitué de la emblemática cabina.

Berghain, en cambio, es un fenómeno distinto.

Catalogado por algunos como “el mejor club del mundo”, lo cierto es que se convirtió en uno de los más nombrados. Lo mejor del techno tiene espacio en la pista principal, en tanto que, la secundaria conocida como Panorama Bar hace foco en diferentes vertientes del house. Los line ups idílicos se suceden semana tras semana. El sello, que hace base en el club, es Ostgut Ton, por donde desfilan artistas identificados a la marca, como Marcel Dettmann, Ben Klock y Len Faki. Lejos de ser inclusivos, una de las características que hizo popular al club, es la estricta admisión. Largas filas de jóvenes se exponen al filtro discriminativo que maneja el doorman de turno. Esa es otra de las caras del Berlín actual.

La cantidad de clubs activos en la ciudad es considerable y para todos los gustos. Si tenemos que mencionar otros dos clubs populares, allí están KaterBlau y Sisyphos. Ambos ofrecen una programación bastante amplia, con tendencia hacia el tech y house, y son conocidos por sus épicas

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LA CAÍDA DEL MURO Y EL CONTEXTO SOCIAL Noviembre de 1989 marcó un antes y un después en la historia del mundo. El muro cayó hacia el oeste y unió a Berlín, que había estado cercada separando a amigos y familias. Los jóvenes fueron los protagonistas. Influidos por la televisación de los juegos olímpicos de Seúl en 1988, sus ojos no miraban las pistas ni los atletas, sino las tribunas donde la gente vestía jeans y zapatillas, miraban hacia occidente. Comprendían que se estaban perdiendo demasiadas novedades. Que vivían aislados. Que su ropa era antigua y monótona, al igual que su música.

En ese clima de ansiedad por cruzar al otro lado a ver lo que el mundo les tenía reservado, los jóvenes ocuparon un lugar central. Una de las formas que eligieron para expresarse, fue el baile.

El sonido techno de Detroit ya comenzaba a difundirse entre los seguidores de la música electrónica. Fue la principal influencia para los primeros productores de beats de Berlín porque con su elevado BPM, con tintes industriales y de importante intensidad, era la música que se ajustaba al tiempo y espacio de la nueva escena.

El proceso por el que atravesó la sociedad tiene poco ver con los de otras grandes urbes. Las heridas y traumas que traían eran profundos. Los antecedentes de vivir divididos, los estimuló a unirse alrededor de la música techno y las fiestas interminables que comenzaban a sucederse. La atracción por esta música potente y por la libertad de expresión corporal, era una fuerza avasalladora que no dejaba adivinar sus pasados tan diferentes.

La arquitectura fue clave para darle forma a la mística. Estaciones de subte, bóvedas de edificios gubernamentales y warehouse deshabitados, hicieron que los movimientos ocupas se apropiaran de una buena parte de ese espacio que luego se transformaron en el escenario ideal para las fiestas que ese grupo de jóvenes alimentó con su imaginación. Esas fiestas fueron el laboratorio para experimentar los cambios.

Una de las primeras “grandes marcas” fue el Berlin

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de Berlín mirara de buena manera a la escena electrónica. Pocas restricciones, otorgación de permisos y demás facilidades se pusieron a disposición de los clubs establecidos. Después de todo, ellos fueron los creadores de la nueva Berlín.

Love Parade, evento callejero que tuvo su bautismo en 1989 y que, en la década siguiente, fue creciendo exponencialmente hasta atraer a un millón de personas hacia fines de los ‘90.

Esa década fue la de la evolución y crecimiento de un movimiento que, sin abandonar su espíritu radical, empezó a insinuar la profesionalización en sus diferentes aspectos. Los clubs más tradicionales empezaron a despegar. Los djs dejaron de ser anónimos para convertirse en nombres propios que funcionaron como marcas. Así se inició la conexión con otros focos incipientes en ciudades centrales como Frankfurt o Hamburgo.

EL TURISMO Los años más oscuros fueron quedando más lejos y Berlín se ubicó como una capital ineludible para artistas de toda rama. La migración tomaba cada vez más fuerza; la ciudad dejó de ser un misterio. Como toda masificación trajo opiniones a favor y en contra,

porque la identidad parecía aplastada por el rótulo de “ciudad de moda”.

De ser una de las metrópolis más económicas de Europa, el hype hizo que Berlín se transformara en una ciudad más cara para sus habitantes. Uno de los factores del drástico cambio fueron la proliferación de edificios. No quedaron espacios deshabitados, como los que dieron origen a la revolución de los ocupas.

Hoy es difícil conseguir una simple habitación para dormir. El metro cuadrado cotiza en miles de euros. Las cifras que se piden por alquiler son inalcanzables.

Más allá de la creciente inmigración de artistas de todo el mundo, se vive una invasión del turismo.

Hay que bucear en la oferta nocturna para no caer en un lugar preparado para los turistas. Pero los refugios de la cultura siempre están, es cuestión de buscarlos.

El turismo fue la llave para que el poder político

CLUBS Y SONIDOS Desde los inicios, la mutación sonora fue por diversos caminos, manteniendo como estandarte al techno. Dos grandes Clubs vieron la oportunidad y se posicionaron en lo más alto: Tresor y Berghain.

El primero, con una larga historia, es uno de los pioneros de la ciudad. De la mano de Tresor se desarrolló el sello discográfico y fue la sede de todo ícono del género. Jeff Mills, Robert Hood, Blake Baxter, Moritz Von Oswald, fueron algunos de ellos.

La aparición argentina más notoria, tanto en el label como en el club, fue la de Jonas Kopp, quien editó algunos discos en los últimos años, además de ser habitué de la emblemática cabina.

Berghain, en cambio, es un fenómeno distinto.

Catalogado por algunos como “el mejor club del mundo”, lo cierto es que se convirtió en uno de los más nombrados. Lo mejor del techno tiene espacio en la pista principal, en tanto que, la secundaria conocida como Panorama Bar hace foco en diferentes vertientes del house. Los line ups idílicos se suceden semana tras semana. El sello, que hace base en el club, es Ostgut Ton, por donde desfilan artistas identificados a la marca, como Marcel Dettmann, Ben Klock y Len Faki. Lejos de ser inclusivos, una de las características que hizo popular al club, es la estricta admisión. Largas filas de jóvenes se exponen al filtro discriminativo que maneja el doorman de turno. Esa es otra de las caras del Berlín actual.

La cantidad de clubs activos en la ciudad es considerable y para todos los gustos. Si tenemos que mencionar otros dos clubs populares, allí están KaterBlau y Sisyphos. Ambos ofrecen una programación bastante amplia, con tendencia hacia el tech y house, y son conocidos por sus épicas

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Las heridas y traumas que traían eran profundos. Los antecedentes de vivir divididos, los estimuló a unirse alrededor de la música techno y las fiestas interminables que comenzaban a sucederse.

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jornadas de domingo que se extienden durante todo el día y congregan a buena parte de la comunidad clubber.

Si lo que se busca es algo más de culto, se destacan About Blank y Ohm. Con cuidadísimas líneas artísticas, respeto a los clientes y una relajada actitud, estos espacios son lugares de visita obligada para los que estén interesados en la investigación musical.

Superado el crudo invierno, todos están a la espera de las temperaturas más elevadas y parte de la actividad de club se traslada a los denominados open air, eventos al aire libre que ocupan los diferentes espacios verdes de la ciudad. Además de los legales, es muy habitual encontrarse con productores independientes que organizan sus eventos outdoor sin autorización oficial: montan cabina, sonido y dejan que todo pase. Claro, a veces llega la policía y la fiesta termina abruptamente.

LOS DOCUMENTALES Lo vivido fue registrado en varios documentales para suerte de los que no pudieron vivir la experiencia del nacimiento y desarrollo de la escena alemana.

En este panorama se destaca un director que pudo graficar como pocos a Berlín electrónico: Romuald Karmakar.

Nació en Munich y tiene una filmografía iniciada en los ‘80, que muestra de manera cruda y

poco pretensiosa las distintas realidades. En 2003, Karmakar empezó a materializar una de sus obsesiones: la escena cultural de Berlín. Su primer trabajo fue “196 BPM”, un documental sin testimonios que muestra en tres diferentes tomas, momentos del Berlin Love Parade 2002. Una de ellas corresponde al mismísimo DJ Hell en acción.

En 2009, Romuald sorprende con “Villalobos”.

En el 2017 estrenó su documental con más repercusión al momento: “If I Think of Germany at Night”. Esta pieza fue clave para entender a Berlín y a sus artistas. Karmakar entrevistó durante los 100 minutos del film a personajes esenciales. El elenco incluye a Roman Flugel, Sonja Moonear, Move D, Ata y Ricardo Villalobos –quien a esta altura se había convertido en su protagonista fetiche.

Más allá de Karmakar, surgieron otros títulos como “Berlin Calling” (2008), una película ficcional que atrapó a un interesante número de espectadores.

Fue protagonizada por el dj y productor, Paul Kalkbrenner, en el papel de Ickarus, un perturbado artista que padece las peripecias de la carrera, las drogas y obviamente, Berlín. Con su estreno en 2008, “We Call It Techno” da luz a lo que pasaba post-muro en Berlín, Frankfurt y Colonia. Entre los entrevistados está Sven Vath. Los interesados en el tema, pueden chequear, además, “Feiern” y “Dont Forget To go Home” ambas de Maja Classen y “Sub Berlin: The Story of Tresor”.

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Las heridas y traumas que traían eran profundos. Los antecedentes de vivir divididos, los estimuló a unirse alrededor de la música techno y las fiestas interminables que comenzaban a sucederse.

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jornadas de domingo que se extienden durante todo el día y congregan a buena parte de la comunidad clubber.

Si lo que se busca es algo más de culto, se destacan About Blank y Ohm. Con cuidadísimas líneas artísticas, respeto a los clientes y una relajada actitud, estos espacios son lugares de visita obligada para los que estén interesados en la investigación musical.

Superado el crudo invierno, todos están a la espera de las temperaturas más elevadas y parte de la actividad de club se traslada a los denominados open air, eventos al aire libre que ocupan los diferentes espacios verdes de la ciudad. Además de los legales, es muy habitual encontrarse con productores independientes que organizan sus eventos outdoor sin autorización oficial: montan cabina, sonido y dejan que todo pase. Claro, a veces llega la policía y la fiesta termina abruptamente.

LOS DOCUMENTALES Lo vivido fue registrado en varios documentales para suerte de los que no pudieron vivir la experiencia del nacimiento y desarrollo de la escena alemana.

En este panorama se destaca un director que pudo graficar como pocos a Berlín electrónico: Romuald Karmakar.

Nació en Munich y tiene una filmografía iniciada en los ‘80, que muestra de manera cruda y

poco pretensiosa las distintas realidades. En 2003, Karmakar empezó a materializar una de sus obsesiones: la escena cultural de Berlín. Su primer trabajo fue “196 BPM”, un documental sin testimonios que muestra en tres diferentes tomas, momentos del Berlin Love Parade 2002. Una de ellas corresponde al mismísimo DJ Hell en acción.

En 2009, Romuald sorprende con “Villalobos”.

En el 2017 estrenó su documental con más repercusión al momento: “If I Think of Germany at Night”. Esta pieza fue clave para entender a Berlín y a sus artistas. Karmakar entrevistó durante los 100 minutos del film a personajes esenciales. El elenco incluye a Roman Flugel, Sonja Moonear, Move D, Ata y Ricardo Villalobos –quien a esta altura se había convertido en su protagonista fetiche.

Más allá de Karmakar, surgieron otros títulos como “Berlin Calling” (2008), una película ficcional que atrapó a un interesante número de espectadores.

Fue protagonizada por el dj y productor, Paul Kalkbrenner, en el papel de Ickarus, un perturbado artista que padece las peripecias de la carrera, las drogas y obviamente, Berlín. Con su estreno en 2008, “We Call It Techno” da luz a lo que pasaba post-muro en Berlín, Frankfurt y Colonia. Entre los entrevistados está Sven Vath. Los interesados en el tema, pueden chequear, además, “Feiern” y “Dont Forget To go Home” ambas de Maja Classen y “Sub Berlin: The Story of Tresor”.

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FIGHT CLUB

Una película de David Fincher POR SEBASTIÁN DA VINN

Dicen las malas lenguas que las reglas están hechas para romperse y hoy vamos arrancar esta nota rompiendo la mas importante, la primera.

“Nadie habla del club de la pelea”, así comienzan las reglas de este club que hoy ya es parte de una película que se considera de culto. Dirigida por David Fincher, basada en la novela homónima de Chuck Palahniuk y protagonizada por Edward Norton y Brad Pitt. Su estreno fue en 1999 y a pesar de lo que uno podría creer, el numero no fue el esperado en la taquilla, el éxito llegó recién cuando la película fue lanzada en DVD. Una de las razones puede deberse a las primeras criticas divididas que cuestionaban su violencia y su mensaje pero que a la vez elogiaban la estética, las actuaciones y la música. Y aquí llegamos a lo nuestro amigos melómanos porque este club además de tener una gran historia tiene una gran banda sonora, por un lado suena Tom Waits cantando “Going Out West” con un estilo blues-rock y por otro lado tenemos a The Pixies musicalizando el final del film con su tema inoxidable y que nos hace preguntar a todos “Where Is My Mind”. Pero si vamos a referirnos al “soundtrack oficial” tenemos que hablar de The Dust Brothers (Jhon King & Michael Simpson) ya que la producción completa del mismo estuvo a cargo de ellos. Una pista del disco titulada “This is your Life” contiene diálogos de la película y partes del monólogo de “Tyler Durden” personaje que encarna Brad Pitt y es una de las composiciones que identifica de una manera concreta el sonido electrónico y experimental que decidieron llevar a cabo para musicalizar esta historia bastante peculiar. El origen del duo se vio influenciado mayormente en sus comienzos por el “Hip-Hop” y el “Breakbeat” y en su trayectoria trabajaron con artistas reconocidos entre ellos los Beastie Boys, Beck, Korn, The Rolling Stones y hasta fueron responsables de la producción del hit “MMMBop” de los Hanson´s.

En este caso particular fueron contactados especialmente por Fincher, director de la película, quien confiesa haber pensando previamente en Radiohead pero que finalmente se decidió por este dúo ya que iba a ser algo nuevo y experimental para ellos. Es por eso que podemos disfrutar de un suspenso sonoro teñido de ambientes oscuros con baterías saturadas, rítmos eclécticos que rozan el “Drum and bass”, sintetizadores con mucho filtro, bajos eléctricos, scratchs y samples al estilo The Chemical Brothers o The Crystal Method. Indudablemente “The Fight Club” es una película única en su estilo, en su narrativa y en su composición sonora y es mas que recomendable verla nuevamente y escuchar el disco completo. Pero recuerden amigos, cualquier cosa yo nunca les hable del club de la pelea.

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FIGHT CLUB

Una película de David Fincher POR SEBASTIÁN DA VINN

Dicen las malas lenguas que las reglas están hechas para romperse y hoy vamos arrancar esta nota rompiendo la mas importante, la primera.

“Nadie habla del club de la pelea”, así comienzan las reglas de este club que hoy ya es parte de una película que se considera de culto. Dirigida por David Fincher, basada en la novela homónima de Chuck Palahniuk y protagonizada por Edward Norton y Brad Pitt. Su estreno fue en 1999 y a pesar de lo que uno podría creer, el numero no fue el esperado en la taquilla, el éxito llegó recién cuando la película fue lanzada en DVD. Una de las razones puede deberse a las primeras criticas divididas que cuestionaban su violencia y su mensaje pero que a la vez elogiaban la estética, las actuaciones y la música. Y aquí llegamos a lo nuestro amigos melómanos porque este club además de tener una gran historia tiene una gran banda sonora, por un lado suena Tom Waits cantando “Going Out West” con un estilo blues-rock y por otro lado tenemos a The Pixies musicalizando el final del film con su tema inoxidable y que nos hace preguntar a todos “Where Is My Mind”. Pero si vamos a referirnos al “soundtrack oficial” tenemos que hablar de The Dust Brothers (Jhon King & Michael Simpson) ya que la producción completa del mismo estuvo a cargo de ellos. Una pista del disco titulada “This is your Life” contiene diálogos de la película y partes del monólogo de “Tyler Durden” personaje que encarna Brad Pitt y es una de las composiciones que identifica de una manera concreta el sonido electrónico y experimental que decidieron llevar a cabo para musicalizar esta historia bastante peculiar. El origen del duo se vio influenciado mayormente en sus comienzos por el “Hip-Hop” y el “Breakbeat” y en su trayectoria trabajaron con artistas reconocidos entre ellos los Beastie Boys, Beck, Korn, The Rolling Stones y hasta fueron responsables de la producción del hit “MMMBop” de los Hanson´s.

En este caso particular fueron contactados especialmente por Fincher, director de la película, quien confiesa haber pensando previamente en Radiohead pero que finalmente se decidió por este dúo ya que iba a ser algo nuevo y experimental para ellos. Es por eso que podemos disfrutar de un suspenso sonoro teñido de ambientes oscuros con baterías saturadas, rítmos eclécticos que rozan el “Drum and bass”, sintetizadores con mucho filtro, bajos eléctricos, scratchs y samples al estilo The Chemical Brothers o The Crystal Method. Indudablemente “The Fight Club” es una película única en su estilo, en su narrativa y en su composición sonora y es mas que recomendable verla nuevamente y escuchar el disco completo. Pero recuerden amigos, cualquier cosa yo nunca les hable del club de la pelea.

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UMO

PILAR MOLINERO Y DAMIAN DEEDS, MÁS CONOCIDOS COMO UMO, VIENEN MARCANDO LAS PISTAS DEL MOMENTO.

¿Como nace UMO? Nació en el ciclo JuevesLike que se realizaba en Piola de Palermo.

Luego de un par de veces que nos vimos empezamos a compartir tracks, mezclar y mostrar música que solíamos escuchar. Creo que podríamos decir con total certeza que ambos admirábamos las selecciones del otro. Fue una especie de encanto del uno con el otro.

Luego de compartir cabinas en algunas ocasiones, comenzamos a empatizar con sonidos más específicos, y sin buscarlo, aparecimos en un mundo retro con bajos bpm.

En cuanto al significado de UMO, aún no lo encontramos (risas).

Lamentablemente eso es algo que no estamos listos para compartir, suponemos que es una especie de juego, abierto a la imaginación.

Su sonido tiene una influencia clara del funk y la música disco ¿cómo es al momento tocar en un club? ¿Son de adaptarse o mantener la ideología funky disco?

Cuando nos presentamos en clubs es realmente un desafío enorme.

Nuestro sonido es bastante particular. No es lo más común en la escena y menos en el underground que solemos movernos. Si bien ahora ese sonido empezó a crecer y tener presencia nuevamente, cuando subimos a la cabina de un club tenemos una incertidumbre enorme de cómo va a responder el público.

Una presentación en un club es diferente a lo que puede ofrecer

un bar u otro escenario.

La premisa principal para un DJ es divertir al público, y si bien podemos tocar en un bar con bajo bpm, siempre buscamos que disfruten y bailen. Frente a un club buscamos acelerar, siendo fieles a los sonidos de la música negra.

Podemos ir desde el hip hop, funk, soul, jazz, nü disco y house.

Tenemos varias formas, nos adaptamos al lugar que nos toca, pero siempre manteniendo nuestra esencia sobre el género al cual nos encanta maquillar con un poco de breaks & acid.

Actualmente son residentes del ciclo Jueves de Culto Los Jueves de Culto son una fija para nuestro calendario de salidas, sobre todo cuando empieza la primavera y el verano. Es una propuesta que nació en el ciclo JuevesLike y que fue mutando a lo que es hoy en Niceto Bar. Nuestras mejores experiencias fueron en las noches de jueves.

A nivel musical nos permite probar la música nueva y manejarnos con total libertad por diversos estilos o géneros. ¿Que es Fullhouse? ¿Como nace?

Es un ciclo creado hace 3 años junto a Leandro Gitelman.

Tuvo grandes cambios en sus propuestas, estilos, etc, pero siendo honestos fueron los mismos que atravesamos nosotros como personas hasta

que conocimos a la mayoría de los que hoy integran y acompañan desde Beathey.

Lo que sigue igual desde el día uno es el amor que depositamos, y el respeto por la música, los artistas y el público que convocamos.

Creemos con mucha firmeza que la música y las personas tienen una simbiosis única, como organizadores debemos asumir la completa responsabilidad para que eso suceda.

Generalmente intentamos esquivar el marco del club, buscamos bares en los que predomine la elegancia, un ambiente distendido acompañado de buenos tragos, sonido ameno para que se generen ricas charlas y momentos cálidos.

También están en Uruguay.

Uruguay, lo vamos a decir siempre: ¡Es el mejor país!

Estamos realmente muy agradecidos.

Hasta ahora la mayoría de nuestras presentaciones fueron en Bar Lola, casa de nuestro querido amigo y hermano Sebastian Pirez, quien nos brindó su apoyo desde el primer día. El sueño de cualquier porteño amante del house y la vida nocturna. Las primeras presentaciones se dieron gracias a Seba Rodriguez.

Fue amor a primera pista, una experiencia que tenemos la oportunidad de compartir con nuestros colegas, ya que esta historia recién comienza.

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PILAR MOLINERO Y DAMIAN DEEDS, MÁS CONOCIDOS COMO UMO, VIENEN MARCANDO LAS PISTAS DEL MOMENTO.

¿Como nace UMO? Nació en el ciclo JuevesLike que se realizaba en Piola de Palermo.

Luego de un par de veces que nos vimos empezamos a compartir tracks, mezclar y mostrar música que solíamos escuchar. Creo que podríamos decir con total certeza que ambos admirábamos las selecciones del otro. Fue una especie de encanto del uno con el otro.

Luego de compartir cabinas en algunas ocasiones, comenzamos a empatizar con sonidos más específicos, y sin buscarlo, aparecimos en un mundo retro con bajos bpm.

En cuanto al significado de UMO, aún no lo encontramos (risas).

Lamentablemente eso es algo que no estamos listos para compartir, suponemos que es una especie de juego, abierto a la imaginación.

Su sonido tiene una influencia clara del funk y la música disco ¿cómo es al momento tocar en un club? ¿Son de adaptarse o mantener la ideología funky disco?

Cuando nos presentamos en clubs es realmente un desafío enorme.

Nuestro sonido es bastante particular. No es lo más común en la escena y menos en el underground que solemos movernos. Si bien ahora ese sonido empezó a crecer y tener presencia nuevamente, cuando subimos a la cabina de un club tenemos una incertidumbre enorme de cómo va a responder el público.

Una presentación en un club es diferente a lo que puede ofrecer

un bar u otro escenario.

La premisa principal para un DJ es divertir al público, y si bien podemos tocar en un bar con bajo bpm, siempre buscamos que disfruten y bailen. Frente a un club buscamos acelerar, siendo fieles a los sonidos de la música negra.

Podemos ir desde el hip hop, funk, soul, jazz, nü disco y house.

Tenemos varias formas, nos adaptamos al lugar que nos toca, pero siempre manteniendo nuestra esencia sobre el género al cual nos encanta maquillar con un poco de breaks & acid.

Actualmente son residentes del ciclo Jueves de Culto Los Jueves de Culto son una fija para nuestro calendario de salidas, sobre todo cuando empieza la primavera y el verano. Es una propuesta que nació en el ciclo JuevesLike y que fue mutando a lo que es hoy en Niceto Bar. Nuestras mejores experiencias fueron en las noches de jueves.

A nivel musical nos permite probar la música nueva y manejarnos con total libertad por diversos estilos o géneros. ¿Que es Fullhouse? ¿Como nace?

Es un ciclo creado hace 3 años junto a Leandro Gitelman.

Tuvo grandes cambios en sus propuestas, estilos, etc, pero siendo honestos fueron los mismos que atravesamos nosotros como personas hasta

que conocimos a la mayoría de los que hoy integran y acompañan desde Beathey.

Lo que sigue igual desde el día uno es el amor que depositamos, y el respeto por la música, los artistas y el público que convocamos.

Creemos con mucha firmeza que la música y las personas tienen una simbiosis única, como organizadores debemos asumir la completa responsabilidad para que eso suceda.

Generalmente intentamos esquivar el marco del club, buscamos bares en los que predomine la elegancia, un ambiente distendido acompañado de buenos tragos, sonido ameno para que se generen ricas charlas y momentos cálidos.

También están en Uruguay.

Uruguay, lo vamos a decir siempre: ¡Es el mejor país!

Estamos realmente muy agradecidos.

Hasta ahora la mayoría de nuestras presentaciones fueron en Bar Lola, casa de nuestro querido amigo y hermano Sebastian Pirez, quien nos brindó su apoyo desde el primer día. El sueño de cualquier porteño amante del house y la vida nocturna. Las primeras presentaciones se dieron gracias a Seba Rodriguez.

Fue amor a primera pista, una experiencia que tenemos la oportunidad de compartir con nuestros colegas, ya que esta historia recién comienza.

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LAU FRANK

DEL JAZZ AL HOUSE TODAS LAS ESCALAS

Hoy por hoy no sós solamente un productor de house, te convertiste en un artista completo. ¿Cómo fue ese proceso?

Fueron determinantes varios factores que aún están en una etapa de proceso y probablemente nunca dejen de serlo. Apuesto a una mejora y perfeccionamiento constante. Uno de los elementos principales, es mi inquietud y el deseo de producir “algo diferente”, que no sea ordinario en el sentido de que no abunde. Por eso he decidido, más allá de mis producciones de Deep House y Tech-House, orientar mis últimos trabajos a la fusión de house con su típico four-on-the-floor y matices del Jazz. La versatilidad es una característica que está muy presente en mi vida, a la hora de entrar al estudio trato que no sea la excepción.

Contanos como fueron los mejores momentos de carrera hasta el momento.

Fue sin dudas el EP Body Count que hice para el sello Gruuv, de Audiojack, en 2015. Me llevó a tener una exposición alta a nivel mundial y el reconocimiento de importantes DJs de la escena global. Este EP junto a la que tuve por It’s a jazz thing, y otros lanzamientos como Mood Indigo para el sello de Kink y Mano Le Tough, fueron clave para conseguir mi primer DJ tour por Reino Unido y Europa. Entre las fechas más relevantes hice warm up a Steve Lawler en el famoso festival de UK Made in Leeds y a Claude Von Stroke en el after party. Con Audiojack, Dale Howard, A Guy Called Gerald en Bristol. También tuve la posibilidad de presentarme con grandes nombres en Ibiza. Mi participación

en la edición del Festival Ciudad Emergente 2017 ha sido otro punto alto en mi carrera. ¿De dónde nacen las influencias del jazz tan marcadas en tus producciones?

De una marcada predilección por la música Jazz y el Trip Hop de los 90’, además de escuchar (y estudiar) obras de pioneros como St. Germain.

A partir de allí decidí que tenía que usar estas influencias a la hora de producir. ¿Qué es lo que se viene de Lau Frank?

Un nuevo álbum en estilo Jazz fusión y aunque no tiene fecha de lanzamiento estoy muy ansioso por este disco. También estoy comenzando a diseñar un set en formato live con músicos en escena para su presentación.

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LAU FRANK

DEL JAZZ AL HOUSE TODAS LAS ESCALAS

Hoy por hoy no sós solamente un productor de house, te convertiste en un artista completo. ¿Cómo fue ese proceso?

Fueron determinantes varios factores que aún están en una etapa de proceso y probablemente nunca dejen de serlo. Apuesto a una mejora y perfeccionamiento constante. Uno de los elementos principales, es mi inquietud y el deseo de producir “algo diferente”, que no sea ordinario en el sentido de que no abunde. Por eso he decidido, más allá de mis producciones de Deep House y Tech-House, orientar mis últimos trabajos a la fusión de house con su típico four-on-the-floor y matices del Jazz. La versatilidad es una característica que está muy presente en mi vida, a la hora de entrar al estudio trato que no sea la excepción.

Contanos como fueron los mejores momentos de carrera hasta el momento.

Fue sin dudas el EP Body Count que hice para el sello Gruuv, de Audiojack, en 2015. Me llevó a tener una exposición alta a nivel mundial y el reconocimiento de importantes DJs de la escena global. Este EP junto a la que tuve por It’s a jazz thing, y otros lanzamientos como Mood Indigo para el sello de Kink y Mano Le Tough, fueron clave para conseguir mi primer DJ tour por Reino Unido y Europa. Entre las fechas más relevantes hice warm up a Steve Lawler en el famoso festival de UK Made in Leeds y a Claude Von Stroke en el after party. Con Audiojack, Dale Howard, A Guy Called Gerald en Bristol. También tuve la posibilidad de presentarme con grandes nombres en Ibiza. Mi participación

en la edición del Festival Ciudad Emergente 2017 ha sido otro punto alto en mi carrera. ¿De dónde nacen las influencias del jazz tan marcadas en tus producciones?

De una marcada predilección por la música Jazz y el Trip Hop de los 90’, además de escuchar (y estudiar) obras de pioneros como St. Germain.

A partir de allí decidí que tenía que usar estas influencias a la hora de producir. ¿Qué es lo que se viene de Lau Frank?

Un nuevo álbum en estilo Jazz fusión y aunque no tiene fecha de lanzamiento estoy muy ansioso por este disco. También estoy comenzando a diseñar un set en formato live con músicos en escena para su presentación.

38 - BeatHey Mag

BeatHey Mag - 39

MIRNHA

LA DJ TIENE UNA PARTICULAR VISIÓN DE LA ESCENA LOCAL. LA ARTISTA, REPRESENTANTE DE ANALOG RECORDS, ES UNA DEFENSORA DEL CULTO UNDERGROUND.

Sos una dj con trayectoria, pero aún así vas por experiencias nuevas como Analog Records ¿Como nació?

En 2015 comenzó como un evento de vinyl sets en el circuito de bares de Buenos Aires en un clima íntimo. El nombre nació de la necesidad de tener una experiencia sonora protagonizando lo analógico. Esa pasión mutó hasta el deseo de tener su propio disco. Así nació Analog Records como sello con su primer vinilo impreso en Berlín.

En 2018 salió el segundo: Pills, que incluye tracks de Omar Amo (Magoo) y del germano Felix Bernhardt, dos artistas de gran experiencia musical. El sello fue creciendo de a poco y con mucho esfuerzo sumando más de diez EP digitales vendiéndose en las tiendas online. Se creó pensando en un movimiento independiente, no solo para artistas locales sino también para artistas del mundo que se identifiquen con su estilo.

Estuviste en Europa ¿Como fue la experiencia?

Viajar con mi música fue un sueño.

Lo disfruté más en Europa que en otros lugares del mundo. Quizás por la gran cultura musical y la historia que encierra. Me acuerdo mi primera vez en Inglaterra poniendo discos en Manchester en el Soup Kitchen, un restaurante

con un subsuelo donde en aquel tiempo se hacían fiestas de bass.

También puse vinilos aquel año en el Plastic People de Londres, un miniclub de Shoredithc, que por aquel entonces era el barrio joven cultural más underground de la ciudad. Iba siempre a comprar vinilos ahí. También me presenté con Analog en Paris y en Leipzig.

Esa aventura siguió en Berlin. ¿Por qué la conexión Berlín por sobre otras ciudades?

Es una ciudad con la que me identifiqué musicalmente. Tiene una gran historia y vi varios shows que me marcaron. Aprendí mucho y sigo aprendiendo cada vez que voy. Consigo vinilos increíbles y también produje uno de mis tracks con el nombre de un barrio que me impactó en ese momento: Moabit. Es una ciudad donde encontré espacios para mi música, que me invitó a participar de su cultura con la gran experiencia de haber podido tocar en un gran festival de diseño en el hall del Kraftwerk. En Berlín descubrí a colegas interesantes y tuve la suerte de editar sus tracks en el sello, como Mr. Down (Rainer Scheffelt) y Lucas Vazz.

Este año me dio la oportunidad del segundo disco y ubicarlo en disquerías como Oye Records y Space Hall. Tuve la emoción de poder cerrar este viaje poniendo

ese mismo disco en el Arena Club. ¿Como ves la escena de Buenos Aires?

Me alegra mucho que, a pesar de los contratiempos que padecimos, existan fiestas o lugares que hayan podido permanecer con su propuesta, que empujan con nuevas ideas para que todo siga sucediendo. Apostar, es lo que mantiene fuerte la escena local; eso lo valoro mucho. También pienso que sería interesante que desde el gobierno se tomen medidas que no limiten las posibilidades musicales de la noche, sino que las enriquezcan, no solo para que todos los artistas y fiestas puedan tener su espacio, sino también para crear o mantener fuentes de trabajo. Podríamos aprender mucho de Nueva York, Ámsterdam, Berlín y Londres que ya tienen un alcalde nocturno, alguien que supervisa, preserva y defiende la vida nocturna. ¿Qué ciclos tuviste a cargo este año?

Por un lado Omm Sessions, junto a Dany Nijensohn, donde nos damos el gusto de hacer algo experimental.

Por otro lado, me encanta despuntar mi costado rockero, que es como empecé, como dj de rock. Desde ahí salió Omm The Rocks, que es como un viaje por la música de todos los tiempos.

38 - BeatHey Mag

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MIRNHA

LA DJ TIENE UNA PARTICULAR VISIÓN DE LA ESCENA LOCAL. LA ARTISTA, REPRESENTANTE DE ANALOG RECORDS, ES UNA DEFENSORA DEL CULTO UNDERGROUND.

Sos una dj con trayectoria, pero aún así vas por experiencias nuevas como Analog Records ¿Como nació?

En 2015 comenzó como un evento de vinyl sets en el circuito de bares de Buenos Aires en un clima íntimo. El nombre nació de la necesidad de tener una experiencia sonora protagonizando lo analógico. Esa pasión mutó hasta el deseo de tener su propio disco. Así nació Analog Records como sello con su primer vinilo impreso en Berlín.

En 2018 salió el segundo: Pills, que incluye tracks de Omar Amo (Magoo) y del germano Felix Bernhardt, dos artistas de gran experiencia musical. El sello fue creciendo de a poco y con mucho esfuerzo sumando más de diez EP digitales vendiéndose en las tiendas online. Se creó pensando en un movimiento independiente, no solo para artistas locales sino también para artistas del mundo que se identifiquen con su estilo.

Estuviste en Europa ¿Como fue la experiencia?

Viajar con mi música fue un sueño.

Lo disfruté más en Europa que en otros lugares del mundo. Quizás por la gran cultura musical y la historia que encierra. Me acuerdo mi primera vez en Inglaterra poniendo discos en Manchester en el Soup Kitchen, un restaurante

con un subsuelo donde en aquel tiempo se hacían fiestas de bass.

También puse vinilos aquel año en el Plastic People de Londres, un miniclub de Shoredithc, que por aquel entonces era el barrio joven cultural más underground de la ciudad. Iba siempre a comprar vinilos ahí. También me presenté con Analog en Paris y en Leipzig.

Esa aventura siguió en Berlin. ¿Por qué la conexión Berlín por sobre otras ciudades?

Es una ciudad con la que me identifiqué musicalmente. Tiene una gran historia y vi varios shows que me marcaron. Aprendí mucho y sigo aprendiendo cada vez que voy. Consigo vinilos increíbles y también produje uno de mis tracks con el nombre de un barrio que me impactó en ese momento: Moabit. Es una ciudad donde encontré espacios para mi música, que me invitó a participar de su cultura con la gran experiencia de haber podido tocar en un gran festival de diseño en el hall del Kraftwerk. En Berlín descubrí a colegas interesantes y tuve la suerte de editar sus tracks en el sello, como Mr. Down (Rainer Scheffelt) y Lucas Vazz.

Este año me dio la oportunidad del segundo disco y ubicarlo en disquerías como Oye Records y Space Hall. Tuve la emoción de poder cerrar este viaje poniendo

ese mismo disco en el Arena Club. ¿Como ves la escena de Buenos Aires?

Me alegra mucho que, a pesar de los contratiempos que padecimos, existan fiestas o lugares que hayan podido permanecer con su propuesta, que empujan con nuevas ideas para que todo siga sucediendo. Apostar, es lo que mantiene fuerte la escena local; eso lo valoro mucho. También pienso que sería interesante que desde el gobierno se tomen medidas que no limiten las posibilidades musicales de la noche, sino que las enriquezcan, no solo para que todos los artistas y fiestas puedan tener su espacio, sino también para crear o mantener fuentes de trabajo. Podríamos aprender mucho de Nueva York, Ámsterdam, Berlín y Londres que ya tienen un alcalde nocturno, alguien que supervisa, preserva y defiende la vida nocturna. ¿Qué ciclos tuviste a cargo este año?

Por un lado Omm Sessions, junto a Dany Nijensohn, donde nos damos el gusto de hacer algo experimental.

Por otro lado, me encanta despuntar mi costado rockero, que es como empecé, como dj de rock. Desde ahí salió Omm The Rocks, que es como un viaje por la música de todos los tiempos.

40 - BeatHey Mag

BeatHey Mag - 41

TANO VERON

“EL ARTE CALLEJERO NO ES UN DELITO” ES UNA HISTORIA SIMPLE. LA DE UN ARTISTA. TIENE ALGO MÁS DE 30 AÑOS, NACIÓ EN MERCEDES A 100 KILÓMETROS DE BUENOS AIRES Y CUANDO TERMINÓ LA SECUNDARIA VINO A ESTUDIAR DISEÑO GRÁFICO A LA UBA Y SE RECIBIÓ DE PROFESOR. PERO SU ROL DE DISEÑADOR GRÁFICO LO LLEVO AL STREET ART DE LA MANO DE PASTE UPS PRIMERO. DESPUÉS VINIERON MURALES, GRAFITIS, STENCILS. TANO VERÓN INTENTA DEJAR UN MENSAJE A LA SOCIEDAD. EL BUSCA LO QUE BUSCAN TODOS LOS ARTISTAS, QUE ESE MENSAJE SEA DISTINTO. POR NICOLÁS BELDI Y JULIÁN SORSABURU

40 - BeatHey Mag

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TANO VERON

“EL ARTE CALLEJERO NO ES UN DELITO” ES UNA HISTORIA SIMPLE. LA DE UN ARTISTA. TIENE ALGO MÁS DE 30 AÑOS, NACIÓ EN MERCEDES A 100 KILÓMETROS DE BUENOS AIRES Y CUANDO TERMINÓ LA SECUNDARIA VINO A ESTUDIAR DISEÑO GRÁFICO A LA UBA Y SE RECIBIÓ DE PROFESOR. PERO SU ROL DE DISEÑADOR GRÁFICO LO LLEVO AL STREET ART DE LA MANO DE PASTE UPS PRIMERO. DESPUÉS VINIERON MURALES, GRAFITIS, STENCILS. TANO VERÓN INTENTA DEJAR UN MENSAJE A LA SOCIEDAD. EL BUSCA LO QUE BUSCAN TODOS LOS ARTISTAS, QUE ESE MENSAJE SEA DISTINTO. POR NICOLÁS BELDI Y JULIÁN SORSABURU

42 - BeatHey Mag

¿Qué es el arte para vos? ¿Quiénes son tus influencias artísticas?

El arte es el motor más sincero y poderoso que existe para que las personas se expresen, tanto la música la pintura como el teatro. En mí, particularmente, está lo que es la pintura, el arte callejero, el diseño, por eso me encanta expresarme en las calles.

Mis influencias artísticas dentro del arte en general son Miró, Kandinski, las primeras vanguardias futuristas y dadaístas de los diseños. Son mis grandes guías. ¿Porque elegiste los afiches como expresión artística?

Me parece que fue el mejor soporte para dar un mensaje. Primero por la posibilidad de hacer algo masivo, algo que todo el mundo pueda ver pegado en cantidades en muchas zonas. Lograr de esa manera que un montón de personas, sin la necesidad de muchos recursos, sin importar su clase o condición social, si es un empresario o el que pasea al perro; tengan una reflexión al enfrentarse a un afiche mío.

El cartel, al ser en grandes cantidades, aunque está hecho artesanalmente. no impreso digital, obliga a que cualquier persona democráticamente pueda ver un mensaje mío en la calle.

Al ser diseñador gráfico y ser comunicador visual puedo manejar esa información, el impacto de un afiche, la velocidad, la contundencia. Es el mejor soporte para atrapar la atención al observador.

Estamos viviendo tiempos de negativismo ¿De dónde nace ese mensaje optimista?

Creo que siempre hay momento de negativismo.

Algo que me parece interesante destacar es que quizás yo soy una persona reflexiva o también optimista si se quiere. Pero también una persona que tiene los pies sobre la tierra, que sabe como están las cosas, que todo está cada vez más caro, que la gente se desespera por que los sueldos no alcanzan por la inflación. Sé que no es mundo color rosa, hay más violencia, más inseguridad, pero me parece que aportar más negatividad no ayuda a salir. Un mensaje un poco más reflexivo, mirando hacia adelante y arriba es bueno, ayuda y la gente lo agradece. A veces hace bien una palabra de aliento o una reflexión positiva o superadora. ¿Nace desde adentro de uno o mismo o es algo que vas recolectando en el contexto de la realidad?

Las frases son escritas por mi pero también tienen

BeatHey Mag - 43

mucho del vox populi o de la jerga argenta, de la cuestión del día a día. Frases como “enseguida vuelvo, fui a jugármela” es tomar una frase conocida, masticada por la gente, y darle el giro filosófico. Creo que ahí es donde nace el éxito de esto. Consignas como “por favor” “gracias”, evitan la involución, es eso, tratar de que la gente se acuerde de que hay que decir por favor y gracias. Hay que ser agradecido y respetuoso, es una cosa mínima y cívica pero mucha gente se la va olvidando con la vorágine de la ciudad. ¿Por cuales ciudades estuviste compartiendo lo que hacés?

Pegué, intervine, pinté en Bolivia, Perú, Ecuador, Colombia, Argentina. Ahora estoy viendo la posibilidad de volver a Colombia. En las provincias estuve también, en Mercedes mi ciudad… ¿Cambia el mensaje según la ciudad?

Son los mismos mensajes, son universales las cosas que digo. Mensajes en abstracto, cosas simples y que pasan en cualquier ciudad. Siempre llegan en las ciudades que estuve. ¿Quién pega los carteles? ¿Hay un equipo? ¿Como fue al principio? ¿Como es ahora?

Esto empezó a fines de 2014. En un principio salí solo, con un poco de incertidumbre y mucha adrenalina, pero feliz de poder expresarme en la calle. Con el tiempo casi inmediatamente empecé a contactar con otros artistas, a salir mucho. Hace casi dos años que hago dupla con Yakareva.

Después de manera muy orgánica se fue dando llamar a artistas para hacer paredes más diversas y variadas, y empezamos a formar lo que ahora es La Fernando Street Art, un grupo colectivo. Somos siete artistas que programamos paredes y vamos a hacer intervenciones, pintamos, hay una fusión entre stencil, collage, pintura, muralismo y pegatina.

También busco mi espacio privado como artista con los carteles, los sigo pegando, a veces solo o acompañado por mi novia o amigos.

Hace dos años sentí que me quedaba chico el formato así que empecé a pintarlos. Si bien hay muchas personas que pegan carteles con frases soy uno de los pocos que los pinta en gran formato, tratando de emular los carteles de cumbia, pero en formato mural.

A veces también hacemos intercambio entre artistas, ellos pegan material mío y yo de ellos. Lo importante es que siempre el que los pega es un artista amigo, no hay una empresa detrás. El artista

sabe, hay cierto código en la calle, que no debe no tapar a nadie, no pegar en una casa de familia, sino en una pared donde se pueda pegar. ¿Alguna vez te trajo problemas que la forma de expresar tu arte sea por carteles en la calle?

Nunca tuve problemas poniendo o pintando un cartel. La mayoría de las veces siempre fue con permiso o en terrenos baldíos, zonas donde no había conflictos. Tampoco tuve problemas con otros artistas, creo que pego con código. Vengo con suerte en ese aspecto. ¿Lo que haces es un estilo propio? ¿Nace de algún lado?

Lo que hago al principio subió como una emulación, me camuflé en la estética cumbiera aprovechando el letter press, que es una técnica muy vieja, de la que tomé y modifiqué su mensaje.

Sos un artista influyente, con más de 50 mil seguidores en Instagram por ejemplo. ¿Apuntas a algún público en particular? ¿En qué segmento tenés mayor impacto?

Creo que es el de 20 años en adelante. De veinte a treinta y cinco, te diría, que son mis contemporáneos; tengo 32 años.

Me pasa también que me habla gente de que sus hijos de diez, doce años les encanta mi obra.

Me llaman de escuelas que hacen trabajos de plástica inspirados en lo hago, me mandan sus frases, sus fondos, como se ven influenciado por mí. Gente grande me escribe contando que tienen obras mías en su casa o que las vieron y se sorprendieron. En ese aspecto lo que hago es muy global y hacer arte pop es blando, es fácil de ver, de recordarlo. ¿Sentís algún tipo de responsabilidad por la cantidad de gente que te sigue al transmitir tu mensaje?

Siento responsabilidad, esa es la razón por la que firmo los carteles. Tengo que ponerle la cara a una afirmación como la que hago. La repercusión en la gente es la que me volvió tan adicto a este arte.

Siempre tengo devoluciones positivas. Es muy loco el efecto que nace desde algo tan frío como es un cartel en la calle o pintado, pensado en nadie en particular y que un montón de gente lo vea como algo personal. Que sientan que les estoy hablando a ellos. Es potente que la gente se lo apropie; es muy movilizante del arte.

¿Es lo mismo hablarle a una que a cien mil?

Hay una cita que me encanta que es de Piet Mondrain: “El arte no es para nadie pero a la vez es para todos”. Es espectacular como lo resume.

El momento en el que el espectador se enfrenta a esa pieza en la calle o en un ámbito privado, le estoy hablando a ella solamente. Pero si después al lado hay otras cien personas más, no importa. Yo lo estoy interpelando a cada uno. Eso es lo que genera el vínculo.

Estuviste colaborando en la última misión solidaria que organiza Perros de la Calle ¿Qué mirada tenés del trabajo cooperativo y colaborativo?

Cooperativo y colaborativo es lo más poderoso de todo. La solidaridad, la empatía, son palabras que a veces suenan tan trilladas o que se escuchan tanto bastardeadas por cuestiones políticas. Pero cuando es algo verdaderamente en pos de ayudar a alguien o de acompañarlo pasan cosas importantes, como lo fue con Perros de la Calle. Con La Fernando Street Art nos tocó intervenir. ¿Qué mensajes te ves dando en el futuro?

No sé lo que voy a colgar, ni que va a pasar con mi arte. Solo sé que voy a seguir generando cosas.

Quizás mutar o pasar a otro soporte. No es lo central.

Lo importante es seguir comunicándome con la gente, que haya un feedback con un arte superador. ¿Cuál es la receta para mantener el mensaje positivo?

Para el mensaje positivo, primero hay que ser consciente de lo que está pasando, no obviar como nos estamos complicando, como los pobres son cada vez más pobres, como los ricos son cada vez más ricos. La gente lo está padeciendo enla salud, la educación. En base a eso cada uno debe dar la lucha necesaria de manera personal, pero también de manera colectiva como las cuestiones cívicas que hay que modificarlas con la persona de al lado. Cuando entendés que con tus palabras o tus acciones podés ayudar a quien tenés al lado, no podés abandonarlo o dejar de hacerlo.

Dejanos una reflexión.

Me parece que es importante que todas las personas que lean esto entiendan que el arte es para todos, que no se puede prohibir, que las calles están para expresarse. El arte es libertad y todo el mundo tiene derecho a expresarse. La calle es el soporte para todos. El arte callejero no es un delito.

42 - BeatHey Mag

¿Qué es el arte para vos? ¿Quiénes son tus influencias artísticas?

El arte es el motor más sincero y poderoso que existe para que las personas se expresen, tanto la música la pintura como el teatro. En mí, particularmente, está lo que es la pintura, el arte callejero, el diseño, por eso me encanta expresarme en las calles.

Mis influencias artísticas dentro del arte en general son Miró, Kandinski, las primeras vanguardias futuristas y dadaístas de los diseños. Son mis grandes guías. ¿Porque elegiste los afiches como expresión artística?

Me parece que fue el mejor soporte para dar un mensaje. Primero por la posibilidad de hacer algo masivo, algo que todo el mundo pueda ver pegado en cantidades en muchas zonas. Lograr de esa manera que un montón de personas, sin la necesidad de muchos recursos, sin importar su clase o condición social, si es un empresario o el que pasea al perro; tengan una reflexión al enfrentarse a un afiche mío.

El cartel, al ser en grandes cantidades, aunque está hecho artesanalmente. no impreso digital, obliga a que cualquier persona democráticamente pueda ver un mensaje mío en la calle.

Al ser diseñador gráfico y ser comunicador visual puedo manejar esa información, el impacto de un afiche, la velocidad, la contundencia. Es el mejor soporte para atrapar la atención al observador.

Estamos viviendo tiempos de negativismo ¿De dónde nace ese mensaje optimista?

Creo que siempre hay momento de negativismo.

Algo que me parece interesante destacar es que quizás yo soy una persona reflexiva o también optimista si se quiere. Pero también una persona que tiene los pies sobre la tierra, que sabe como están las cosas, que todo está cada vez más caro, que la gente se desespera por que los sueldos no alcanzan por la inflación. Sé que no es mundo color rosa, hay más violencia, más inseguridad, pero me parece que aportar más negatividad no ayuda a salir. Un mensaje un poco más reflexivo, mirando hacia adelante y arriba es bueno, ayuda y la gente lo agradece. A veces hace bien una palabra de aliento o una reflexión positiva o superadora. ¿Nace desde adentro de uno o mismo o es algo que vas recolectando en el contexto de la realidad?

Las frases son escritas por mi pero también tienen

BeatHey Mag - 43

mucho del vox populi o de la jerga argenta, de la cuestión del día a día. Frases como “enseguida vuelvo, fui a jugármela” es tomar una frase conocida, masticada por la gente, y darle el giro filosófico. Creo que ahí es donde nace el éxito de esto. Consignas como “por favor” “gracias”, evitan la involución, es eso, tratar de que la gente se acuerde de que hay que decir por favor y gracias. Hay que ser agradecido y respetuoso, es una cosa mínima y cívica pero mucha gente se la va olvidando con la vorágine de la ciudad. ¿Por cuales ciudades estuviste compartiendo lo que hacés?

Pegué, intervine, pinté en Bolivia, Perú, Ecuador, Colombia, Argentina. Ahora estoy viendo la posibilidad de volver a Colombia. En las provincias estuve también, en Mercedes mi ciudad… ¿Cambia el mensaje según la ciudad?

Son los mismos mensajes, son universales las cosas que digo. Mensajes en abstracto, cosas simples y que pasan en cualquier ciudad. Siempre llegan en las ciudades que estuve. ¿Quién pega los carteles? ¿Hay un equipo? ¿Como fue al principio? ¿Como es ahora?

Esto empezó a fines de 2014. En un principio salí solo, con un poco de incertidumbre y mucha adrenalina, pero feliz de poder expresarme en la calle. Con el tiempo casi inmediatamente empecé a contactar con otros artistas, a salir mucho. Hace casi dos años que hago dupla con Yakareva.

Después de manera muy orgánica se fue dando llamar a artistas para hacer paredes más diversas y variadas, y empezamos a formar lo que ahora es La Fernando Street Art, un grupo colectivo. Somos siete artistas que programamos paredes y vamos a hacer intervenciones, pintamos, hay una fusión entre stencil, collage, pintura, muralismo y pegatina.

También busco mi espacio privado como artista con los carteles, los sigo pegando, a veces solo o acompañado por mi novia o amigos.

Hace dos años sentí que me quedaba chico el formato así que empecé a pintarlos. Si bien hay muchas personas que pegan carteles con frases soy uno de los pocos que los pinta en gran formato, tratando de emular los carteles de cumbia, pero en formato mural.

A veces también hacemos intercambio entre artistas, ellos pegan material mío y yo de ellos. Lo importante es que siempre el que los pega es un artista amigo, no hay una empresa detrás. El artista

sabe, hay cierto código en la calle, que no debe no tapar a nadie, no pegar en una casa de familia, sino en una pared donde se pueda pegar. ¿Alguna vez te trajo problemas que la forma de expresar tu arte sea por carteles en la calle?

Nunca tuve problemas poniendo o pintando un cartel. La mayoría de las veces siempre fue con permiso o en terrenos baldíos, zonas donde no había conflictos. Tampoco tuve problemas con otros artistas, creo que pego con código. Vengo con suerte en ese aspecto. ¿Lo que haces es un estilo propio? ¿Nace de algún lado?

Lo que hago al principio subió como una emulación, me camuflé en la estética cumbiera aprovechando el letter press, que es una técnica muy vieja, de la que tomé y modifiqué su mensaje.

Sos un artista influyente, con más de 50 mil seguidores en Instagram por ejemplo. ¿Apuntas a algún público en particular? ¿En qué segmento tenés mayor impacto?

Creo que es el de 20 años en adelante. De veinte a treinta y cinco, te diría, que son mis contemporáneos; tengo 32 años.

Me pasa también que me habla gente de que sus hijos de diez, doce años les encanta mi obra.

Me llaman de escuelas que hacen trabajos de plástica inspirados en lo hago, me mandan sus frases, sus fondos, como se ven influenciado por mí. Gente grande me escribe contando que tienen obras mías en su casa o que las vieron y se sorprendieron. En ese aspecto lo que hago es muy global y hacer arte pop es blando, es fácil de ver, de recordarlo. ¿Sentís algún tipo de responsabilidad por la cantidad de gente que te sigue al transmitir tu mensaje?

Siento responsabilidad, esa es la razón por la que firmo los carteles. Tengo que ponerle la cara a una afirmación como la que hago. La repercusión en la gente es la que me volvió tan adicto a este arte.

Siempre tengo devoluciones positivas. Es muy loco el efecto que nace desde algo tan frío como es un cartel en la calle o pintado, pensado en nadie en particular y que un montón de gente lo vea como algo personal. Que sientan que les estoy hablando a ellos. Es potente que la gente se lo apropie; es muy movilizante del arte.

¿Es lo mismo hablarle a una que a cien mil?

Hay una cita que me encanta que es de Piet Mondrain: “El arte no es para nadie pero a la vez es para todos”. Es espectacular como lo resume.

El momento en el que el espectador se enfrenta a esa pieza en la calle o en un ámbito privado, le estoy hablando a ella solamente. Pero si después al lado hay otras cien personas más, no importa. Yo lo estoy interpelando a cada uno. Eso es lo que genera el vínculo.

Estuviste colaborando en la última misión solidaria que organiza Perros de la Calle ¿Qué mirada tenés del trabajo cooperativo y colaborativo?

Cooperativo y colaborativo es lo más poderoso de todo. La solidaridad, la empatía, son palabras que a veces suenan tan trilladas o que se escuchan tanto bastardeadas por cuestiones políticas. Pero cuando es algo verdaderamente en pos de ayudar a alguien o de acompañarlo pasan cosas importantes, como lo fue con Perros de la Calle. Con La Fernando Street Art nos tocó intervenir. ¿Qué mensajes te ves dando en el futuro?

No sé lo que voy a colgar, ni que va a pasar con mi arte. Solo sé que voy a seguir generando cosas.

Quizás mutar o pasar a otro soporte. No es lo central.

Lo importante es seguir comunicándome con la gente, que haya un feedback con un arte superador. ¿Cuál es la receta para mantener el mensaje positivo?

Para el mensaje positivo, primero hay que ser consciente de lo que está pasando, no obviar como nos estamos complicando, como los pobres son cada vez más pobres, como los ricos son cada vez más ricos. La gente lo está padeciendo enla salud, la educación. En base a eso cada uno debe dar la lucha necesaria de manera personal, pero también de manera colectiva como las cuestiones cívicas que hay que modificarlas con la persona de al lado. Cuando entendés que con tus palabras o tus acciones podés ayudar a quien tenés al lado, no podés abandonarlo o dejar de hacerlo.

Dejanos una reflexión.

Me parece que es importante que todas las personas que lean esto entiendan que el arte es para todos, que no se puede prohibir, que las calles están para expresarse. El arte es libertad y todo el mundo tiene derecho a expresarse. La calle es el soporte para todos. El arte callejero no es un delito.

44 - BeatHey Mag

BeatHey Mag - 45

ANTIQUES

SU FÓRMULA BASADA EN UNA PERSONALIDAD AUTÉNTICA Y LLENA DE MELODÍAS CON CONTRASTES CLÁSICOS DEL TECHNO, LOS HA LLEVADO A SER UNA DE LAS REVELACIONES DE 2018.

En el último tiempo seguramente mucha gente supo de Antiques pero aún no los escuchó ¿Que les quieren contar?

Somos un dúo enfocado al sonido techno con una carrera relativamente corta, pero gracias a Dios, llena de momentos en los cuales pudimos demostrar quienes somos y que es lo que hacemos en base a nuestra personalidad musical.

Su estilo tiene un fuerte marcado en las melodías. ¿En qué se inspiran? ¿En qué basan su estilo?

Nuestro sonido melódico surgió de un gran amor por el género y se basa principalmente en

la necesidad de expresar sentimientos propios y poder transmitirlos de la misma forma en que los vivimos. ¿Cómo es el momento de llevarlo a la pista de los clubes?

Es el momento donde nos damos cuenta del resultado que da el trabajo, el sacrificio y la dedicación. Es el camino que elegimos para el resto de nuestras vidas.

Una de esas pistas es ByVanguard en Studio Crobar. ¿Como nació la propuesta?

Surgió de un evento que hizo nuestra productora Vander.

Gracias a eso, y al gran trabajo

que mantuvimos en la agencia, la gente de Crobar vio el potencial y nos dieron la posibilidad de coproducir junto con ellos lo que hoy es Byvanguard Además Uds. son una de las caras más visibles de Vander.

Vander es mucho más que una productora, es también una comunidad de artistas y por sobre todo un estilo de vida en el cual nos retroalimentamos del apoyo constante entre los que somos parte de esto. Y por último queremos mencionar a alguien importante dentro de lo que somos como Antiques y como Vander: Eduardo Gasalla, nuestro manager, socio, guía y soporte fundamental.

44 - BeatHey Mag

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ANTIQUES

SU FÓRMULA BASADA EN UNA PERSONALIDAD AUTÉNTICA Y LLENA DE MELODÍAS CON CONTRASTES CLÁSICOS DEL TECHNO, LOS HA LLEVADO A SER UNA DE LAS REVELACIONES DE 2018.

En el último tiempo seguramente mucha gente supo de Antiques pero aún no los escuchó ¿Que les quieren contar?

Somos un dúo enfocado al sonido techno con una carrera relativamente corta, pero gracias a Dios, llena de momentos en los cuales pudimos demostrar quienes somos y que es lo que hacemos en base a nuestra personalidad musical.

Su estilo tiene un fuerte marcado en las melodías. ¿En qué se inspiran? ¿En qué basan su estilo?

Nuestro sonido melódico surgió de un gran amor por el género y se basa principalmente en

la necesidad de expresar sentimientos propios y poder transmitirlos de la misma forma en que los vivimos. ¿Cómo es el momento de llevarlo a la pista de los clubes?

Es el momento donde nos damos cuenta del resultado que da el trabajo, el sacrificio y la dedicación. Es el camino que elegimos para el resto de nuestras vidas.

Una de esas pistas es ByVanguard en Studio Crobar. ¿Como nació la propuesta?

Surgió de un evento que hizo nuestra productora Vander.

Gracias a eso, y al gran trabajo

que mantuvimos en la agencia, la gente de Crobar vio el potencial y nos dieron la posibilidad de coproducir junto con ellos lo que hoy es Byvanguard Además Uds. son una de las caras más visibles de Vander.

Vander es mucho más que una productora, es también una comunidad de artistas y por sobre todo un estilo de vida en el cual nos retroalimentamos del apoyo constante entre los que somos parte de esto. Y por último queremos mencionar a alguien importante dentro de lo que somos como Antiques y como Vander: Eduardo Gasalla, nuestro manager, socio, guía y soporte fundamental.

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CHEZ DAMIER

“LA MÚSICA NO ES MI VIDA, ES MI AMOR” ENTREVISTA A UNO DE LOS PIONEROS DEL HOUSE.

UN PERSONAJE INDISPENSABLE EN LA HISTORIA DE LA MÚSICA ELECTRÓNICA DE CHICAGO QUE SE PROYECTÓ AL MUNDO. POR NICOLÁS BELDI

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CHEZ DAMIER

“LA MÚSICA NO ES MI VIDA, ES MI AMOR” ENTREVISTA A UNO DE LOS PIONEROS DEL HOUSE.

UN PERSONAJE INDISPENSABLE EN LA HISTORIA DE LA MÚSICA ELECTRÓNICA DE CHICAGO QUE SE PROYECTÓ AL MUNDO. POR NICOLÁS BELDI

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Chez Damier, está de vuelta en su casa de Chicago, después de cinco semanas agitadas en Paris, donde sentó su base para tocar en otras partes del mundo los fines de semana. Ahora está terminando un álbum en el que trabajó dos años.

Dos años es mucho tiempo para un álbum Cuatro o cinco sesiones de cuatro o cinco días en dos años... No es mucho tiempo si lo ves de esa manera, en realidad, fueron cuarenta días de trabajo en dos años solamente cuando estaba en Paris. Quería hacer algo nuevo y como estoy mucho tiempo en la ciudad tenía sentido que el proyecto sea ahí.

Cuando hablás de este álbum, te noto más entusiasmado que cuando abordamos otros temas.

Es una de las cosas más diferentes que hice en mi vida. No puedo esperar a que lo escuchen. Tiene diferentes vibras, momentos, ambientaciones, es completamente diferente a mis otros trabajos.

Paris tuvo su influencia, pero no es “sobre” la ciudad, es acerca de mi vida “en” la ciudad, mi vida en general. En ese sentido Paris me inspira, me conocen con un nombre artístico francés, ¿cierto?

Hay una conexión obvia (risas). Pero no podés negar influencias de muchos lugares del mundo.

Viví en Detroit y estuve siete años en New York. Mi maquillaje es una combinación de muchas ciudades, no solamente de Chicago. ¿Como se llama el álbum?

El proyecto se llama Road Trip. Entonces es Road Trip Paris y después será Road Trip Grecia y con suerte también en diferentes lugares. Porque es lo que queremos hacer, diferentes proyectos en diferentes lugares del mundo. ¿De cuántos tracks estamos hablando? ¿Hay fecha de lanzamiento?

En realidad solo pudimos terminar la mitad del álbum. Teníamos diecisiete, veinte tracks y en el último mes solo pudimos completar alrededor de ocho, todo el tiempo están cambiando,

BeatHey Mag - 49

evolucionando. Estamos trabajando para terminarlo a fines de 2018, aún sin fecha de lanzamiento. ¿Te sentís incómodo cuando la gente te denomina “leyenda”?

Si, me siento incómodo (risas). Siento que no soy tan valioso como una leyenda. ¿Porque la gente lo dice?

No lo sé. Veo que la gente lo repite y no lo sé.

Tal vez la música sea leyenda, no yo.

Estuviste viajando por lugares nuevos últimamente e hiciste dos visitas a la Argentina en dos años consecutivos (en la fiesta Coup). Parece que quisieras venir todos los años. ¡Sí, así es! ¡Me encantaría! Pienso que el movimiento artístico se conecta con cada nueva relación, y cada nueva relación hay que construirla.

Estuve treinta años construyendo en Francia y Europa, estuve dos veces en Brasil y Argentina, ¡obviamente quiero construir esta relación!; no sé si voy a tener otros treinta años de mi vida, pero ok, igual quiero intentarlo.

Los años pasaron, la escena electrónica mundial fue cambiando, lo viviste en primera persona en 30 años de carrera ¿Cómo hacés para mantenerte vigente? ¿Cómo mantenés esa energía para evitar la rutina?

No lo puedo explicar… no lo sé. Uno simplemente se sigue moviendo. Amás lo que hacés, solamente te seguís moviendo para adelante, eso es todo.

Los cambios es lo que suceden mientras tanto. ¿Cómo hago para seguir? Solamente pienso en ir hacia adelante, nunca mirar atrás. Cuando lo haces así no te comparas con lo que eras antes, te sigues desafiando sobre quien quieres ser y hay una gran diferencia en eso. ¿Hay algún momento al que no quieras regresar?

No, no hay ningún lugar al que no quiera regresar.

Sin embargo nunca dejas tu esencia cuando compones. ¿cómo es al momento de los sets? ¿preparás algo antes de ir a tocar?

Lo construyo en el momento. Supongamos que voy a ir a tu país. Las canciones las elijo pensando en dejar un recuerdo en tu país, quiero que dejen una impresión.

¿Qué piensas cuando ves a un dj ir a un club preocupado por tocar sus tracks en determinado orden? ¡No hagas eso! Yo no lo hago. Es como si fuera un chef y la música fuera la comida. Si fuera a cocinar traería todos mis ingredientes para esparcir… usaría la carne, serían tus vegetales (risas), pero serían mis ingredientes, mi receta y hay que cocinarla en el momento. ¿Y cual es la receta de Chez Damier? ¿Queres saber la receta? Es reir, bailar, llorar, cualquier emoción. Es el pasado, la cámara lenta… La pasión, los sentimientos encontrados, el amor…. un montón de amor. Querer dar tu amor, querer que la gente lo sienta, esa es la receta. ¿Alguna vez sentiste que la escena era injusta? ¿Qué dabas más amor del que recibías?

No, eso es una sociedad con tu ego.

Mi maquillaje es una combinación de muchas ciudades, no solamente de Chicago.

48 - BeatHey Mag

Chez Damier, está de vuelta en su casa de Chicago, después de cinco semanas agitadas en Paris, donde sentó su base para tocar en otras partes del mundo los fines de semana. Ahora está terminando un álbum en el que trabajó dos años.

Dos años es mucho tiempo para un álbum Cuatro o cinco sesiones de cuatro o cinco días en dos años... No es mucho tiempo si lo ves de esa manera, en realidad, fueron cuarenta días de trabajo en dos años solamente cuando estaba en Paris. Quería hacer algo nuevo y como estoy mucho tiempo en la ciudad tenía sentido que el proyecto sea ahí.

Cuando hablás de este álbum, te noto más entusiasmado que cuando abordamos otros temas.

Es una de las cosas más diferentes que hice en mi vida. No puedo esperar a que lo escuchen. Tiene diferentes vibras, momentos, ambientaciones, es completamente diferente a mis otros trabajos.

Paris tuvo su influencia, pero no es “sobre” la ciudad, es acerca de mi vida “en” la ciudad, mi vida en general. En ese sentido Paris me inspira, me conocen con un nombre artístico francés, ¿cierto?

Hay una conexión obvia (risas). Pero no podés negar influencias de muchos lugares del mundo.

Viví en Detroit y estuve siete años en New York. Mi maquillaje es una combinación de muchas ciudades, no solamente de Chicago. ¿Como se llama el álbum?

El proyecto se llama Road Trip. Entonces es Road Trip Paris y después será Road Trip Grecia y con suerte también en diferentes lugares. Porque es lo que queremos hacer, diferentes proyectos en diferentes lugares del mundo. ¿De cuántos tracks estamos hablando? ¿Hay fecha de lanzamiento?

En realidad solo pudimos terminar la mitad del álbum. Teníamos diecisiete, veinte tracks y en el último mes solo pudimos completar alrededor de ocho, todo el tiempo están cambiando,

BeatHey Mag - 49

evolucionando. Estamos trabajando para terminarlo a fines de 2018, aún sin fecha de lanzamiento. ¿Te sentís incómodo cuando la gente te denomina “leyenda”?

Si, me siento incómodo (risas). Siento que no soy tan valioso como una leyenda. ¿Porque la gente lo dice?

No lo sé. Veo que la gente lo repite y no lo sé.

Tal vez la música sea leyenda, no yo.

Estuviste viajando por lugares nuevos últimamente e hiciste dos visitas a la Argentina en dos años consecutivos (en la fiesta Coup). Parece que quisieras venir todos los años. ¡Sí, así es! ¡Me encantaría! Pienso que el movimiento artístico se conecta con cada nueva relación, y cada nueva relación hay que construirla.

Estuve treinta años construyendo en Francia y Europa, estuve dos veces en Brasil y Argentina, ¡obviamente quiero construir esta relación!; no sé si voy a tener otros treinta años de mi vida, pero ok, igual quiero intentarlo.

Los años pasaron, la escena electrónica mundial fue cambiando, lo viviste en primera persona en 30 años de carrera ¿Cómo hacés para mantenerte vigente? ¿Cómo mantenés esa energía para evitar la rutina?

No lo puedo explicar… no lo sé. Uno simplemente se sigue moviendo. Amás lo que hacés, solamente te seguís moviendo para adelante, eso es todo.

Los cambios es lo que suceden mientras tanto. ¿Cómo hago para seguir? Solamente pienso en ir hacia adelante, nunca mirar atrás. Cuando lo haces así no te comparas con lo que eras antes, te sigues desafiando sobre quien quieres ser y hay una gran diferencia en eso. ¿Hay algún momento al que no quieras regresar?

No, no hay ningún lugar al que no quiera regresar.

Sin embargo nunca dejas tu esencia cuando compones. ¿cómo es al momento de los sets? ¿preparás algo antes de ir a tocar?

Lo construyo en el momento. Supongamos que voy a ir a tu país. Las canciones las elijo pensando en dejar un recuerdo en tu país, quiero que dejen una impresión.

¿Qué piensas cuando ves a un dj ir a un club preocupado por tocar sus tracks en determinado orden? ¡No hagas eso! Yo no lo hago. Es como si fuera un chef y la música fuera la comida. Si fuera a cocinar traería todos mis ingredientes para esparcir… usaría la carne, serían tus vegetales (risas), pero serían mis ingredientes, mi receta y hay que cocinarla en el momento. ¿Y cual es la receta de Chez Damier? ¿Queres saber la receta? Es reir, bailar, llorar, cualquier emoción. Es el pasado, la cámara lenta… La pasión, los sentimientos encontrados, el amor…. un montón de amor. Querer dar tu amor, querer que la gente lo sienta, esa es la receta. ¿Alguna vez sentiste que la escena era injusta? ¿Qué dabas más amor del que recibías?

No, eso es una sociedad con tu ego.

Mi maquillaje es una combinación de muchas ciudades, no solamente de Chicago.

50 - BeatHey Mag

¿Porque pensás que la gente siente eso a veces?

No lo sé. Un auto es un auto, ¿cierto? Pero un auto no se mueve sin un humano y sus emociones. Entonces el carro es hermoso, pero no puede ir a ningún lado a menos que alguien lo maneje. La música es lo mismo.

Puede ser grandiosa, pero si no hay un humano detrás no va a tener ningún sentido.

La música es la manera, el vehículo, pero solamente eso. No lo es todo, hay cosas en el camino, pero cuando llego hasta vos es solamente a través de la música. ¿Por eso la música es un boleto para viajar?

La música es como cuando te subís a un avión y el piloto lo va a volar. Nunca ves al piloto, nunca le preguntas o le pides de aterrizar bien, cuando subís al avión vas a tu asiento, te pones tu cinturón de seguridad y esperas que aterrices bien. Es lo mismo conmigo, voy a un club y créeme, voy a llevarte a algún sitio.

La esperanza está en nunca estrellarse (risas) y lo importante es tener la cabeza y corazón en el lugar correcto. ¿Estás viviendo la música todo el tiempo?

No estoy escuchando música todo el tiempo.

Cuando estoy haciendo música, no escucho música. Cuando no estoy escuchando música definitivamente no estoy hablando de música.

Disfruto la gente, familia, amigos, diseño gráfico, ser mentor de otros artistas. Hay montones de cosas que disfruto. Andar en mi bicicleta con el swing de las cosas sucediendo, disfruto mi vida y también disfruto viajar. La vida no es solamente música, es el vehículo es el camino, pero no es lo único que hago. Las cosas que hago están referidas a la música. ¿Pero sabés? Tomamos algo y pasamos el tiempo, hablamos de política, de la vida, del mundo, hablamos un poco de música, sí; no es lo único. Esas son cosas que disfruto demasiado, la vida misma. ¿La música no es tu vida?

Escucho algunos artistas decir “la música es mi vida”, ¡la música no es mi vida!, no es mi vida para

BeatHey Mag - 51

nada, es mi amor, pero no es mi vida. Soy una parte de ella, pero no es mi vida, mi vida es mi vida y es ser quien soy realmente.

Amo otros países, amo conocer gente nueva y sobre todas las cosas amo motivar a la gente. Eso es lo que amo, compartir el amor.

Entonces ahora sabemos que cuando escuchamos tu música no es tu vida, pero sin embargo tu vida está en la música.

Sí, lo pienso así también, o al menos lo espero (risas). Porque la música une los elementos de la vida. Entonces te encuentras agregando cosas, no es que haces música. Pones la emoción, la felicidad, la tristeza, los condimentos de como te sientes. Como artista querés que la gente sienta lo mismo que vos sentís. Lo más grandioso que existe es cuando alguien puede sentir lo que siento y al mismo tiempo yo sentirlo, eso me hace feliz. No importa si tiene estilo, si es bueno, si está de moda, no me importa nada de eso. Lo único que importa es si tu puedes relacionarte a ese momento en tu vida, es como vivir el momento en el momento.

Vivir el momento en el momento, pero debe haber algo de esos momentos que querés guardar.

Sí, ¿pero sabés? Cuando se trata de música ponés todos los momentos en ella, eso es lo que lo hace tan grandiosa. Recuerda cuando escuches mis canciones, son cosas que viví, las viví al 100%. ¿Tuviste otros trabajos en tu vida?

No siempre viví exclusivamente de mi arte.

Solamente hace diez años. Trabajé casi de cualquier cosa dentro de la comunicación; ventas, dirección, ¡tuve tantos trabajos! Lo amaba, porque había un balance en mi vida.

Esta revista la van a leer un montón de artistas.

Muchos pueden sentirse desanimados en algún momento de sus carreras. ¿Crees que la frustración es parte del proceso?

Creo que la frustración nace cuando haces de la música tu vida. Pienso si tienes otro trabajo la puedes apreciar más, sos capaz de escapar del negocio de la música y simplemente ser libre.

Si estuvieras haciendo música todo el día estarías frustrado porque solo estarías intentando satisfacerte a ti mismo, algo que es muy difícil de hacer. Cuando tenés otro trabajo otras actividades, empezás a desarrollarte, y a medida que te desarrollás podes apreciar mejor el momento en el que estás en la música.

No hay una respuesta adecuada, pero la respuesta que te voy a dar es esta, podes mirar adentro tuyo y encontrar lo que podés aportar, si lo que tenés es lo mismo que tienen todos los demás entonces no tenés nada de especial.

Eso funciona cuando hablamos en términos de producción o composición. ¿Pero que sucede cuando hablamos de promotores, sellos discográficos, dueños de clubes? ¿No crees que pueden ser parte de la frustración también? ¿Sabés qué? Pensé mucho en lo que dijiste. Primero, nunca he tenido esa experiencia. Segundo, te digo lo que le digo a todo el mundo: Tienes que saber qué es lo que te hace especial. Si no lo encuentras siempre vas a competir con un montón de otras personas en el mismo nivel.

Dependés mucho de tu parte dj, producís demasiado y de repente no ves los resultados, pensás que no se te devuelve. Te empezás a frustrar mucho. Quizás lo llevas haciendo por alrededor de ocho años, tus fechas empiezan a ser menos, los promotores no te llaman porque quieren artistas que vendan tickets, quieren que lleves tu propio público.

Lo puedo entender, pero tienes que decidir si lo estás haciendo por el público o por los promotores.

Nosotros, los artistas, vamos por la gente.

Entiendo lo que estás diciendo y es verdaderamente triste, son vagos. Los promotores ya no promocionan a nadie, solo esperan que lleves tu propio público, eso es aburrido.

Entonces en términos de dueños de club, promotores y djs creo que las mejores lecciones las obtienes aprendiendo a ser un dj de verdad;

Los promotores ya no promocionan a nadie, solo esperan que lleves tu propio público, eso es aburrido. diferentes estilos, público, pistas. Creo que si aprendes a tocar para veinte personas y también para un club con miles de personas entregas experiencia. Entonces eso es lo que ofreces, experiencia aprendiendo a leer a la gente. ¿Qué consejo les podés dar?

No dependas de tu trabajo de DJ al 100%, ve y obtiene una educación, un trabajo, siempre pensar en el futuro para cuando envejezcas. Cuando eres viejo la vida cambia, el juego cambia … pero sabes, uno quiere ganar y cuando quieres apuntar todos los huevos a una sola cesta te empiezas a frustrar.

Imagínate, cuanto más das, más recibes… entonces sigues dando y luego regresa, son las fuerzas de la naturaleza. Lo que sea que hagas para el disfrute de otro, para que pueda leer, mirar, escuchar, le tenés que dar todo lo que sea necesario para que sea especial, como te dije antes. ¿La clave está en ser uno mismo?

Piénsalo. Cada dj conocido hoy en día tiene algo especial, los otros djs quieren ser como ellos o quieren copiarlos. Entonces… ya encontraron lo que los hace especiales. ¿Ahora tenés que averiguar qué te hace especial a vos? ¿Ok? La pregunta se resume a cuándo y cómo debés usarlo.

También depende de lo que querés a cambio. ¿Qué esperás que te devuelvan? Lo que digo es que si no haces nada no recibís nada a cambio, debés saber eso. Es como si no trabajaras no recibís tu paga, si no recibís tu paga no comés. ¿Cuál es la diferencia? Creo que no existe dar demasiado. No creo que exista eso de dar demasiado… en todo lo que doy. Nunca podría decir “es suficiente”, es muy importante para mí siempre dar más como persona, estar positivo, es lo que me mantiene vivo, es lo que me mantiene en el juego. Mantenerte humilde sabiendo que habrá ascensos como también artistas que son mejores que vos. Pero yo no compito con eso, compito conmigo, compite contigo mismo.

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¿Porque pensás que la gente siente eso a veces?

No lo sé. Un auto es un auto, ¿cierto? Pero un auto no se mueve sin un humano y sus emociones. Entonces el carro es hermoso, pero no puede ir a ningún lado a menos que alguien lo maneje. La música es lo mismo.

Puede ser grandiosa, pero si no hay un humano detrás no va a tener ningún sentido.

La música es la manera, el vehículo, pero solamente eso. No lo es todo, hay cosas en el camino, pero cuando llego hasta vos es solamente a través de la música. ¿Por eso la música es un boleto para viajar?

La música es como cuando te subís a un avión y el piloto lo va a volar. Nunca ves al piloto, nunca le preguntas o le pides de aterrizar bien, cuando subís al avión vas a tu asiento, te pones tu cinturón de seguridad y esperas que aterrices bien. Es lo mismo conmigo, voy a un club y créeme, voy a llevarte a algún sitio.

La esperanza está en nunca estrellarse (risas) y lo importante es tener la cabeza y corazón en el lugar correcto. ¿Estás viviendo la música todo el tiempo?

No estoy escuchando música todo el tiempo.

Cuando estoy haciendo música, no escucho música. Cuando no estoy escuchando música definitivamente no estoy hablando de música.

Disfruto la gente, familia, amigos, diseño gráfico, ser mentor de otros artistas. Hay montones de cosas que disfruto. Andar en mi bicicleta con el swing de las cosas sucediendo, disfruto mi vida y también disfruto viajar. La vida no es solamente música, es el vehículo es el camino, pero no es lo único que hago. Las cosas que hago están referidas a la música. ¿Pero sabés? Tomamos algo y pasamos el tiempo, hablamos de política, de la vida, del mundo, hablamos un poco de música, sí; no es lo único. Esas son cosas que disfruto demasiado, la vida misma. ¿La música no es tu vida?

Escucho algunos artistas decir “la música es mi vida”, ¡la música no es mi vida!, no es mi vida para

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nada, es mi amor, pero no es mi vida. Soy una parte de ella, pero no es mi vida, mi vida es mi vida y es ser quien soy realmente.

Amo otros países, amo conocer gente nueva y sobre todas las cosas amo motivar a la gente. Eso es lo que amo, compartir el amor.

Entonces ahora sabemos que cuando escuchamos tu música no es tu vida, pero sin embargo tu vida está en la música.

Sí, lo pienso así también, o al menos lo espero (risas). Porque la música une los elementos de la vida. Entonces te encuentras agregando cosas, no es que haces música. Pones la emoción, la felicidad, la tristeza, los condimentos de como te sientes. Como artista querés que la gente sienta lo mismo que vos sentís. Lo más grandioso que existe es cuando alguien puede sentir lo que siento y al mismo tiempo yo sentirlo, eso me hace feliz. No importa si tiene estilo, si es bueno, si está de moda, no me importa nada de eso. Lo único que importa es si tu puedes relacionarte a ese momento en tu vida, es como vivir el momento en el momento.

Vivir el momento en el momento, pero debe haber algo de esos momentos que querés guardar.

Sí, ¿pero sabés? Cuando se trata de música ponés todos los momentos en ella, eso es lo que lo hace tan grandiosa. Recuerda cuando escuches mis canciones, son cosas que viví, las viví al 100%. ¿Tuviste otros trabajos en tu vida?

No siempre viví exclusivamente de mi arte.

Solamente hace diez años. Trabajé casi de cualquier cosa dentro de la comunicación; ventas, dirección, ¡tuve tantos trabajos! Lo amaba, porque había un balance en mi vida.

Esta revista la van a leer un montón de artistas.

Muchos pueden sentirse desanimados en algún momento de sus carreras. ¿Crees que la frustración es parte del proceso?

Creo que la frustración nace cuando haces de la música tu vida. Pienso si tienes otro trabajo la puedes apreciar más, sos capaz de escapar del negocio de la música y simplemente ser libre.

Si estuvieras haciendo música todo el día estarías frustrado porque solo estarías intentando satisfacerte a ti mismo, algo que es muy difícil de hacer. Cuando tenés otro trabajo otras actividades, empezás a desarrollarte, y a medida que te desarrollás podes apreciar mejor el momento en el que estás en la música.

No hay una respuesta adecuada, pero la respuesta que te voy a dar es esta, podes mirar adentro tuyo y encontrar lo que podés aportar, si lo que tenés es lo mismo que tienen todos los demás entonces no tenés nada de especial.

Eso funciona cuando hablamos en términos de producción o composición. ¿Pero que sucede cuando hablamos de promotores, sellos discográficos, dueños de clubes? ¿No crees que pueden ser parte de la frustración también? ¿Sabés qué? Pensé mucho en lo que dijiste. Primero, nunca he tenido esa experiencia. Segundo, te digo lo que le digo a todo el mundo: Tienes que saber qué es lo que te hace especial. Si no lo encuentras siempre vas a competir con un montón de otras personas en el mismo nivel.

Dependés mucho de tu parte dj, producís demasiado y de repente no ves los resultados, pensás que no se te devuelve. Te empezás a frustrar mucho. Quizás lo llevas haciendo por alrededor de ocho años, tus fechas empiezan a ser menos, los promotores no te llaman porque quieren artistas que vendan tickets, quieren que lleves tu propio público.

Lo puedo entender, pero tienes que decidir si lo estás haciendo por el público o por los promotores.

Nosotros, los artistas, vamos por la gente.

Entiendo lo que estás diciendo y es verdaderamente triste, son vagos. Los promotores ya no promocionan a nadie, solo esperan que lleves tu propio público, eso es aburrido.

Entonces en términos de dueños de club, promotores y djs creo que las mejores lecciones las obtienes aprendiendo a ser un dj de verdad;

Los promotores ya no promocionan a nadie, solo esperan que lleves tu propio público, eso es aburrido. diferentes estilos, público, pistas. Creo que si aprendes a tocar para veinte personas y también para un club con miles de personas entregas experiencia. Entonces eso es lo que ofreces, experiencia aprendiendo a leer a la gente. ¿Qué consejo les podés dar?

No dependas de tu trabajo de DJ al 100%, ve y obtiene una educación, un trabajo, siempre pensar en el futuro para cuando envejezcas. Cuando eres viejo la vida cambia, el juego cambia … pero sabes, uno quiere ganar y cuando quieres apuntar todos los huevos a una sola cesta te empiezas a frustrar.

Imagínate, cuanto más das, más recibes… entonces sigues dando y luego regresa, son las fuerzas de la naturaleza. Lo que sea que hagas para el disfrute de otro, para que pueda leer, mirar, escuchar, le tenés que dar todo lo que sea necesario para que sea especial, como te dije antes. ¿La clave está en ser uno mismo?

Piénsalo. Cada dj conocido hoy en día tiene algo especial, los otros djs quieren ser como ellos o quieren copiarlos. Entonces… ya encontraron lo que los hace especiales. ¿Ahora tenés que averiguar qué te hace especial a vos? ¿Ok? La pregunta se resume a cuándo y cómo debés usarlo.

También depende de lo que querés a cambio. ¿Qué esperás que te devuelvan? Lo que digo es que si no haces nada no recibís nada a cambio, debés saber eso. Es como si no trabajaras no recibís tu paga, si no recibís tu paga no comés. ¿Cuál es la diferencia? Creo que no existe dar demasiado. No creo que exista eso de dar demasiado… en todo lo que doy. Nunca podría decir “es suficiente”, es muy importante para mí siempre dar más como persona, estar positivo, es lo que me mantiene vivo, es lo que me mantiene en el juego. Mantenerte humilde sabiendo que habrá ascensos como también artistas que son mejores que vos. Pero yo no compito con eso, compito conmigo, compite contigo mismo.

52 - BeatHey Mag

BATEA POR AGUSTÍN STOLER

BeatHey Mag - 53

LU NOSIGLIA FUEGO Bailable, sensual, transgresor y oportuno para cualquiera momento del día. Esta pieza compuesta por Lucia se consolida luego de una amplia carrera musical como trompetista para mostrarnos una producción de enorme calidad y madurez sonora.

GLASIDUM

El crecimiento exponencial de la escena electrónica nacional, tanto en público como en material para escuchar, despierta en nosotros los que hacemos Beathey la responsabilidad de actuar sobre los hechos que se suceden día a día.

Por esto seguimos persiguiendo nuestra premisa principal, federalizando los sonidos desde el Norte al Sur, desde el Chaco hasta Tierra Del Fuego y desde Beathey a tus oídos.

Número a número proponemos una columna curada específicamente para introducir los lanzamientos, talentos, novedades y todo lo que vaya sucediendo con el desarrollo de la música en nuestro país. Es muy importante descentralizar la Capital Federal como el núcleo principal para poder llegar a todos los rincones, donde haya beats en busca de un oyente y sacuda su cuerpo al unísono.

Encontraran una inmersión a los sentidos, lo intuitivo y predominante en el gusto musical de los escuchas, diez elegidos apareciendo con el correr de nuestras páginas, haciendo lo que nos gusta hacer desde la función que nos toca, exponiendo y acercando una variante de calidad a lo que estamos acostumbrados a escuchar diariamente.

Recuerden: esto no es un ranking ni pretende posicionar a ninguno de los artistas mencionados sino más bien un menú musical para que degusten las nuevas propuestas. ¡Abran sus oídos, el banquete musical esta servido!

HOUSE TOOL #3 La ciudad de Mar del Plata nos sigue trayendo sorpresas, una joya del house nos transporta por las diferentes matices que el ritmo nos presenta. No asombra que sea uno de los más escuchados de la batea. Recomendamos escuchar también el House Tool #2

LEO GITELMAN CHANGE THE BASS (Ganador del último Vinyl contest de Beathey) Destacado por su sonido fresco y percusiones ajustadas al sentir de la pista. Vientos y pads nos transmiten armonía y fidelidad que aplasta cualquier mezcla. House que merece sonar con el cuerpo de un 12´.

FACU LACOGNATA FAXER DUBZ 01 Uno de los sus tres tracks realizados exclusivamente para la comunidad Beathey. Facu, que cuenta con una enorme trayectoria y experiencia en la escena nacional, nos propone un viaje sensitivo por el house y el dub llenando de colores nuestros oídos al darle play. No se pierdan el 02 y 03!

52 - BeatHey Mag

BATEA POR AGUSTÍN STOLER

BeatHey Mag - 53

LU NOSIGLIA FUEGO Bailable, sensual, transgresor y oportuno para cualquiera momento del día. Esta pieza compuesta por Lucia se consolida luego de una amplia carrera musical como trompetista para mostrarnos una producción de enorme calidad y madurez sonora.

GLASIDUM

El crecimiento exponencial de la escena electrónica nacional, tanto en público como en material para escuchar, despierta en nosotros los que hacemos Beathey la responsabilidad de actuar sobre los hechos que se suceden día a día.

Por esto seguimos persiguiendo nuestra premisa principal, federalizando los sonidos desde el Norte al Sur, desde el Chaco hasta Tierra Del Fuego y desde Beathey a tus oídos.

Número a número proponemos una columna curada específicamente para introducir los lanzamientos, talentos, novedades y todo lo que vaya sucediendo con el desarrollo de la música en nuestro país. Es muy importante descentralizar la Capital Federal como el núcleo principal para poder llegar a todos los rincones, donde haya beats en busca de un oyente y sacuda su cuerpo al unísono.

Encontraran una inmersión a los sentidos, lo intuitivo y predominante en el gusto musical de los escuchas, diez elegidos apareciendo con el correr de nuestras páginas, haciendo lo que nos gusta hacer desde la función que nos toca, exponiendo y acercando una variante de calidad a lo que estamos acostumbrados a escuchar diariamente.

Recuerden: esto no es un ranking ni pretende posicionar a ninguno de los artistas mencionados sino más bien un menú musical para que degusten las nuevas propuestas. ¡Abran sus oídos, el banquete musical esta servido!

HOUSE TOOL #3 La ciudad de Mar del Plata nos sigue trayendo sorpresas, una joya del house nos transporta por las diferentes matices que el ritmo nos presenta. No asombra que sea uno de los más escuchados de la batea. Recomendamos escuchar también el House Tool #2

LEO GITELMAN CHANGE THE BASS (Ganador del último Vinyl contest de Beathey) Destacado por su sonido fresco y percusiones ajustadas al sentir de la pista. Vientos y pads nos transmiten armonía y fidelidad que aplasta cualquier mezcla. House que merece sonar con el cuerpo de un 12´.

FACU LACOGNATA FAXER DUBZ 01 Uno de los sus tres tracks realizados exclusivamente para la comunidad Beathey. Facu, que cuenta con una enorme trayectoria y experiencia en la escena nacional, nos propone un viaje sensitivo por el house y el dub llenando de colores nuestros oídos al darle play. No se pierdan el 02 y 03!

54 - BeatHey Mag

BeatHey Mag - 55

FACU AVENALI MICROCLUB 002 De Córdoba al mundo Facu es uno de los hijos pródigos de la escena y lo demuestra con este track lleno de breakbeats en conjunto con melodías deep que provocan una sensación amigable a la hora de bailar o simplemente sentarse a escuchar.

MANU OUBIÑA MURMULLOS (EDIT) Este edit, incluido en uno de los vinilos de Beathey es un re-work de una de sus primeras producciones ajorando a los sonidos que hoy lo caracterizan: el dub techno y el micro house.

LAU FRANK ITS A JAZZ THING Excéntrico y movedizo productor que nos trae una composición que maneja a la perfección el ensamble del house con el jazz, mostrando la calidad del manejo de diferentes ritmos a la hora de conjugarlos en un track. El mismo logró conquistar al duo británico “Audiojack”.

HEERZ LOOP LOOSE Este joven productor oriundo de Puerto Madryn nos deleita con una producción cargada de construcciones hipnóticas, nos conducen por un túnel de sensaciones de miminal y dub techno.

54 - BeatHey Mag

BeatHey Mag - 55

FACU AVENALI MICROCLUB 002 De Córdoba al mundo Facu es uno de los hijos pródigos de la escena y lo demuestra con este track lleno de breakbeats en conjunto con melodías deep que provocan una sensación amigable a la hora de bailar o simplemente sentarse a escuchar.

MANU OUBIÑA MURMULLOS (EDIT) Este edit, incluido en uno de los vinilos de Beathey es un re-work de una de sus primeras producciones ajorando a los sonidos que hoy lo caracterizan: el dub techno y el micro house.

LAU FRANK ITS A JAZZ THING Excéntrico y movedizo productor que nos trae una composición que maneja a la perfección el ensamble del house con el jazz, mostrando la calidad del manejo de diferentes ritmos a la hora de conjugarlos en un track. El mismo logró conquistar al duo británico “Audiojack”.

HEERZ LOOP LOOSE Este joven productor oriundo de Puerto Madryn nos deleita con una producción cargada de construcciones hipnóticas, nos conducen por un túnel de sensaciones de miminal y dub techno.

56 - BeatHey Mag

BeatHey Mag - 57

THINKAUDIO MUSIC & AUDIO EDUCATION

BREVE ENTREVISTA A SU DIRECTOR Y FUNDADOR: LIC. MAG. ROBERTO H. ARAMBURU

¿Cómo estas Roberto? contanos acerca de ThinkAudio Muy bien, gracias. ThinkAudio es una empresa que se especializa en la Industria de la Música y el Audio. Hace más de 25 años que brindamos Servicios Educativos y Creativos para empresas e instituciones de renombre internacional, como University of Cambridge (UK), Miami University y FIU (USA), Concordia University (Canadá), Microsoft, Sony, Amazon, YouTube, Spotify, MTV, Discovery Channel, TNT, Chevrolet, Epson, y firmamos varios acuerdos de distribución de contenido con compañías de USA, Canadá, Francia, Inglaterra, México, Panamá, Brasil, Israel, Romania y Australia. ¡Qué background! Ok, en el ámbito educativo, ¿Qué servicios ofrecen?

Ofrecemos Programas, Cursos y Clases sobre diversas temáticas como Audio para Videojuegos, Post-Producción de Audio, Diseño de Sonido, Composición para Cine y TV, Música Electrónica, DJ/

Producer, Producción Musical y Música y Tecnología. Además, brindamos Seminarios Intensivos y Clases Magistrales en todo el país.

Me imagino que tenés un tremendo equipo ¿no es así?

Si, (risas), tengo el orgullo y el placer de contar con un staff de primer nivel. Nuestro equipo está integrado por productores, ingenieros, sonidistas, dj’s, diseñadores de sonido, compositores, arregladores, educadores y consultores de trayectoria internacional, y lo más importante: muy buena gente que ama lo que hace y quiere compartir lo que les funcionó en sus carreras.

Voy más picante… ¿En qué se diferencian de la competencia?

En varios aspectos como por ejemplo la idoneidad académica del staff, diseños curriculares alineados a los estándares internacionales, red de contactos dentro de la industria, etc.

Además contamos con el talento creativo y la infraestructura tecnológica necesaria para

brindar servicios de calidad, ofrecemos un excelente servicio al cliente y métodos de pagos flexibles. Realmente nos interesa que los alumnos puedan abrirse camino, pero para lograr ese objetivo se necesita un gran set de habilidades que va desde lo artístico, técnico hasta la inteligencia emocional… y por supuesto, compromiso, idoneidad y pasión por lo que se hace. Por eso nuestro slogan es ¨Convertí tu pasión en Profesión¨…

Tiene sentido. ¿En dónde están ubicados actualmente?

Tenemos dos Sedes en la Costa Atlántica (Mar del Plata) y estamos abriendo dos más en Bs.As (una en Saavedra y la otra en Palermo), otra en el NOA y estamos analizando algunos países limítrofes también.

Estamos creciendo.

Ok, felicitaciones y gracias por tu tiempo.

Gracias a vos por darnos la oportunidad de ser parte de la Comunidad de BeatHey.

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THINKAUDIO MUSIC & AUDIO EDUCATION

BREVE ENTREVISTA A SU DIRECTOR Y FUNDADOR: LIC. MAG. ROBERTO H. ARAMBURU

¿Cómo estas Roberto? contanos acerca de ThinkAudio Muy bien, gracias. ThinkAudio es una empresa que se especializa en la Industria de la Música y el Audio. Hace más de 25 años que brindamos Servicios Educativos y Creativos para empresas e instituciones de renombre internacional, como University of Cambridge (UK), Miami University y FIU (USA), Concordia University (Canadá), Microsoft, Sony, Amazon, YouTube, Spotify, MTV, Discovery Channel, TNT, Chevrolet, Epson, y firmamos varios acuerdos de distribución de contenido con compañías de USA, Canadá, Francia, Inglaterra, México, Panamá, Brasil, Israel, Romania y Australia. ¡Qué background! Ok, en el ámbito educativo, ¿Qué servicios ofrecen?

Ofrecemos Programas, Cursos y Clases sobre diversas temáticas como Audio para Videojuegos, Post-Producción de Audio, Diseño de Sonido, Composición para Cine y TV, Música Electrónica, DJ/

Producer, Producción Musical y Música y Tecnología. Además, brindamos Seminarios Intensivos y Clases Magistrales en todo el país.

Me imagino que tenés un tremendo equipo ¿no es así?

Si, (risas), tengo el orgullo y el placer de contar con un staff de primer nivel. Nuestro equipo está integrado por productores, ingenieros, sonidistas, dj’s, diseñadores de sonido, compositores, arregladores, educadores y consultores de trayectoria internacional, y lo más importante: muy buena gente que ama lo que hace y quiere compartir lo que les funcionó en sus carreras.

Voy más picante… ¿En qué se diferencian de la competencia?

En varios aspectos como por ejemplo la idoneidad académica del staff, diseños curriculares alineados a los estándares internacionales, red de contactos dentro de la industria, etc.

Además contamos con el talento creativo y la infraestructura tecnológica necesaria para

brindar servicios de calidad, ofrecemos un excelente servicio al cliente y métodos de pagos flexibles. Realmente nos interesa que los alumnos puedan abrirse camino, pero para lograr ese objetivo se necesita un gran set de habilidades que va desde lo artístico, técnico hasta la inteligencia emocional… y por supuesto, compromiso, idoneidad y pasión por lo que se hace. Por eso nuestro slogan es ¨Convertí tu pasión en Profesión¨…

Tiene sentido. ¿En dónde están ubicados actualmente?

Tenemos dos Sedes en la Costa Atlántica (Mar del Plata) y estamos abriendo dos más en Bs.As (una en Saavedra y la otra en Palermo), otra en el NOA y estamos analizando algunos países limítrofes también.

Estamos creciendo.

Ok, felicitaciones y gracias por tu tiempo.

Gracias a vos por darnos la oportunidad de ser parte de la Comunidad de BeatHey.

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BeatHey Mag - 59

ENTREVISTA A BUENOS AIRES FRENTE JUNGLE

DRUM N BASS EN LAS VENAS PASADO PRESENTE Y FUTURO DE LOS PIONEROS DE LA ESCENA JUNGLISTA DE BUENOS AIRES. POR GONZALO ARZUA

58 - BeatHey Mag

BeatHey Mag - 59

ENTREVISTA A BUENOS AIRES FRENTE JUNGLE

DRUM N BASS EN LAS VENAS PASADO PRESENTE Y FUTURO DE LOS PIONEROS DE LA ESCENA JUNGLISTA DE BUENOS AIRES. POR GONZALO ARZUA

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“A mi me gusta Megadeath, por eso no puedo hacer las cosas mal en el escenario” dice DJ Buey mientras espera su almuerzo en un bar de Palermo. Le pido que me explique mejor y aclara que sería faltarle el respeto al público mezclar mal, por eso trata de hacer las cosas bien.

Junto a Bad Boy Orange son dos de los referentes más importantes del Drum N Bass local desde hace más de dos décadas. Estar cara a cara con ellos da la sensación de tener delante de los ojos a una buena parte de la historia de la música electrónica ”alternativa” en Argentina. Por su ciclo +160 han pasado algunos de los artistas más representativos a nivel internacional como Goldie, Dj Marky, Dillinja y Bryan Gee entre tantos otros y sin lugar a dudas ha sido la cuna de nuevos talentos en materia de ritmos quebrados.

Cuéntenme un poco de los principios de Buenos Aires Frente Jungle BUEY: Nos conocimos en el año 1994 en recitales hardcore, yo había arrancado a poner música en el Gran Omi, un boliche increíble que quedaba por Belgrano. De golpe, como me llevaba muy bien con Carla Tintoré, me invitaron a tocar a la Underground Park que fue la primera rave que hubo en Parque Sarmiento. Si no me equivoco fue en mayo o junio de 1997, yo tenía 19 años y en ese momento me compre unos compilados donde había algo de Jungle / Drum N Bass. Ahi es donde apareció Orange con quien nos veníamos cruzando ya hace 5 años mas o menos y me dijo de hacer algo.

Conseguimos unas fechas y bueno... ahí surgió todo.

BAD BOY ORANGE: Yo había descubierto el DnB y quedé impactado. Pensaba que había que hacer algo. En es época iba mucho a la casa de Miguel Silver donde practicaba con algunos discos que tenía de ese estilo. A su vez trabajaba en el Oval como promotor y tenía disponibilidad a usar los equipos, asi que iba temprano antes que abra el boliche y practicaba. De golpe una noche lo veo a Buey tirar unos temas de jungle y me dejó flasheando. Antes el único que ponía ese estilo de música era Carlos Alfonsín, que ponía un DnB medio espacial mechado con algo de trip hop. Pero no mucho más que eso.

Podría decirse que aquel fue un momento de quiebre en el que se les ocurrió hacer un paralelismo con lo que era en ese entonces la Urban Groove: una

BeatHey Mag - 61

conjunción de fuerzas con artistas de un mismo estilo. Es así como surgió Buenos Aires Frente Jungle.

De algún modo, sin darse cuenta, a su vez estaban fundando la escena Drum N Bass en Argentina.

“Al principio la gente no entendía muy bien que era lo que estaba pasando” recuerda Orange, aceptando de algún modo que este estilo no es para cualquiera.

Ambos aseguran sentirse muy afortunados por haber vivido ese momento de ebullición cultural de finales de los 90s rodeados por artistas como Luis Nieva, Dee Jason, Carla Tintoré. En ese sentido Buey remarca que estaban “inmersos en un hábitat con muy buena data”. ¿Eran épocas donde la escena electrónica era un poco más abierta, no?

BUEY: Buenos Aires era mucho más abierta en general. No había fiestas donde solo suene un de un estilo musical. Uno iba a un evento y se encontraba con djs de house, techno, drum n bass, hasta trance en la misma noche.

BBO: En esa época éramos como mucho 2000 personas las que íbamos a todas las fiestas. De golpe llegabas y estaba Buey arrancando la fiesta con drum n bass y terminaba tocando Carla Tintoré, Diego Ro-K, Trincado, Luis Nieva.

“Nosotros no teníamos a quien ir a escuchar en un principio” comenta Buey, quien recuerda que los únicos referentes que pinchaban algo parecido eran Carlos Alfonsín y Planetaria, uno de los primeros proyectos de Oliverio Sofía.

Luego con el transcurso de los años el estilo fue encontrando su lugar, y llegó a tener su espacio en festivales, clubes y fiestas.

Es así como en el 2002 nace +160 de la mano de Bad Boy Orange, que durante más de una década y media mantuvo el ciclo todos los martes y hoy por hoy tiene su cita mensual en La Tangente.

Hubo un cambio con respecto al contenido artístico de +160 este año, principalmente desde que se mudaron a la tangente.

BBO: Es que hubo que parar la bocha después de 15 años haciendo el ciclo de manera ininterrumpida y tuvimos un parate de más o menos 7 meses.

Básicamente lo que me había planteado era que cuando aparezca un lugar bueno, con las facilidades que queremos y se dé la oportunidad le iba a dar para adelante. Ya no quería tranzar con nadie. Es un

esfuerzo enorme mover gente a ese nivel. Ahí es donde apareció La Tangente que fue como una luz en el camino. ¿Cómo ven el futuro de +160?

BBO: Nosotros con +160 seguimos apostando a que haya un peso musical fuerte, que todo gire entorno a eso y tratar de no perder la calidad y mantener la riqueza. Quizás suena un poco retro la idea. Hoy hay un recambio generacional que aprecia mucho eso. Se da cuenta que nosotros estamos tratando de hacer un aporte cualitativo sonoro, eso es lo más importante. A nuestra fiesta podés ir solo. Si se llena, todo bien, y si va uno solo, baila solo y la va a pasar bien... nosotros igual vamos a seguir estando.

Hablando del recambio generacional ¿que artistas nuevos les parecen interesantes?

BBO: Darmah Kaya me parece uno que tiene muchísimo talento por explotar. Después hay artistas muy buenos como KilldaBrain, CCX, Chamal, que es un poco más de la vieja escuela y hace muy buen Juke.

También hay muy buenos Djs como Erco y Lithium.

Haciendo un poco de retrospectiva, que responsabilidades creen tuvieron que enfrentar habiendo llevado a cabo el ciclo más importante de Drum N Bass durante los últimos 16 años.

BBO: La responsabilidad de hacer las cosas bien y a consciencia. Yo soy una persona que trata de

estar informado sobre que es lo que sucede. Soy muy desesperado en ese sentido, por eso me surgió lo del DnB, de esa necesidad de mostrar algo que nunca escuchaste. Cuando voy a poner música siempre tengo que ir con algo nuevo. Armar buenos line up para que sea algo atractivo y a su vez novedoso para la gente. Todo con un concepto vieja escuela. A su vez sumar gente que entienda también cual es nuestro compromiso.

BUEY: A mi me pasa que ya tengo 40 años. Así que, si voy a hacer una fiesta tengo que pasarla bien.

Cuando hacemos una fiesta tenemos que hacer algo adonde nos gustaría ir a nosotros.

Para ir cerrando, Bad Boy Orange vez me dijo que en este estilo lo que más importa es la perseverancia ¿seguís pensando esto?

BBO: Y si, nosotros si una virtud tenemos para destacar, y algo que nos representa, es el concepto de resistencia. Nosotros queremos ampliar el espectro musical general. No somos de ninguna bandera dominante, ni techno ni house, ni rock ni cumbia, ni trap ni dubstep, siempre estamos en la resistencia. El camino que seguimos, y que hasta ahora nos funcionó, es resistiendo. La elección popular sigue legitimando a los géneros más poderosos, nosotros seguimos adelante con nuestras convicciones. Somos la resistencia y sabemos que hay mucha gente que se siente identificada con esto. No estamos solos.

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“A mi me gusta Megadeath, por eso no puedo hacer las cosas mal en el escenario” dice DJ Buey mientras espera su almuerzo en un bar de Palermo. Le pido que me explique mejor y aclara que sería faltarle el respeto al público mezclar mal, por eso trata de hacer las cosas bien.

Junto a Bad Boy Orange son dos de los referentes más importantes del Drum N Bass local desde hace más de dos décadas. Estar cara a cara con ellos da la sensación de tener delante de los ojos a una buena parte de la historia de la música electrónica ”alternativa” en Argentina. Por su ciclo +160 han pasado algunos de los artistas más representativos a nivel internacional como Goldie, Dj Marky, Dillinja y Bryan Gee entre tantos otros y sin lugar a dudas ha sido la cuna de nuevos talentos en materia de ritmos quebrados.

Cuéntenme un poco de los principios de Buenos Aires Frente Jungle BUEY: Nos conocimos en el año 1994 en recitales hardcore, yo había arrancado a poner música en el Gran Omi, un boliche increíble que quedaba por Belgrano. De golpe, como me llevaba muy bien con Carla Tintoré, me invitaron a tocar a la Underground Park que fue la primera rave que hubo en Parque Sarmiento. Si no me equivoco fue en mayo o junio de 1997, yo tenía 19 años y en ese momento me compre unos compilados donde había algo de Jungle / Drum N Bass. Ahi es donde apareció Orange con quien nos veníamos cruzando ya hace 5 años mas o menos y me dijo de hacer algo.

Conseguimos unas fechas y bueno... ahí surgió todo.

BAD BOY ORANGE: Yo había descubierto el DnB y quedé impactado. Pensaba que había que hacer algo. En es época iba mucho a la casa de Miguel Silver donde practicaba con algunos discos que tenía de ese estilo. A su vez trabajaba en el Oval como promotor y tenía disponibilidad a usar los equipos, asi que iba temprano antes que abra el boliche y practicaba. De golpe una noche lo veo a Buey tirar unos temas de jungle y me dejó flasheando. Antes el único que ponía ese estilo de música era Carlos Alfonsín, que ponía un DnB medio espacial mechado con algo de trip hop. Pero no mucho más que eso.

Podría decirse que aquel fue un momento de quiebre en el que se les ocurrió hacer un paralelismo con lo que era en ese entonces la Urban Groove: una

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conjunción de fuerzas con artistas de un mismo estilo. Es así como surgió Buenos Aires Frente Jungle.

De algún modo, sin darse cuenta, a su vez estaban fundando la escena Drum N Bass en Argentina.

“Al principio la gente no entendía muy bien que era lo que estaba pasando” recuerda Orange, aceptando de algún modo que este estilo no es para cualquiera.

Ambos aseguran sentirse muy afortunados por haber vivido ese momento de ebullición cultural de finales de los 90s rodeados por artistas como Luis Nieva, Dee Jason, Carla Tintoré. En ese sentido Buey remarca que estaban “inmersos en un hábitat con muy buena data”. ¿Eran épocas donde la escena electrónica era un poco más abierta, no?

BUEY: Buenos Aires era mucho más abierta en general. No había fiestas donde solo suene un de un estilo musical. Uno iba a un evento y se encontraba con djs de house, techno, drum n bass, hasta trance en la misma noche.

BBO: En esa época éramos como mucho 2000 personas las que íbamos a todas las fiestas. De golpe llegabas y estaba Buey arrancando la fiesta con drum n bass y terminaba tocando Carla Tintoré, Diego Ro-K, Trincado, Luis Nieva.

“Nosotros no teníamos a quien ir a escuchar en un principio” comenta Buey, quien recuerda que los únicos referentes que pinchaban algo parecido eran Carlos Alfonsín y Planetaria, uno de los primeros proyectos de Oliverio Sofía.

Luego con el transcurso de los años el estilo fue encontrando su lugar, y llegó a tener su espacio en festivales, clubes y fiestas.

Es así como en el 2002 nace +160 de la mano de Bad Boy Orange, que durante más de una década y media mantuvo el ciclo todos los martes y hoy por hoy tiene su cita mensual en La Tangente.

Hubo un cambio con respecto al contenido artístico de +160 este año, principalmente desde que se mudaron a la tangente.

BBO: Es que hubo que parar la bocha después de 15 años haciendo el ciclo de manera ininterrumpida y tuvimos un parate de más o menos 7 meses.

Básicamente lo que me había planteado era que cuando aparezca un lugar bueno, con las facilidades que queremos y se dé la oportunidad le iba a dar para adelante. Ya no quería tranzar con nadie. Es un

esfuerzo enorme mover gente a ese nivel. Ahí es donde apareció La Tangente que fue como una luz en el camino. ¿Cómo ven el futuro de +160?

BBO: Nosotros con +160 seguimos apostando a que haya un peso musical fuerte, que todo gire entorno a eso y tratar de no perder la calidad y mantener la riqueza. Quizás suena un poco retro la idea. Hoy hay un recambio generacional que aprecia mucho eso. Se da cuenta que nosotros estamos tratando de hacer un aporte cualitativo sonoro, eso es lo más importante. A nuestra fiesta podés ir solo. Si se llena, todo bien, y si va uno solo, baila solo y la va a pasar bien... nosotros igual vamos a seguir estando.

Hablando del recambio generacional ¿que artistas nuevos les parecen interesantes?

BBO: Darmah Kaya me parece uno que tiene muchísimo talento por explotar. Después hay artistas muy buenos como KilldaBrain, CCX, Chamal, que es un poco más de la vieja escuela y hace muy buen Juke.

También hay muy buenos Djs como Erco y Lithium.

Haciendo un poco de retrospectiva, que responsabilidades creen tuvieron que enfrentar habiendo llevado a cabo el ciclo más importante de Drum N Bass durante los últimos 16 años.

BBO: La responsabilidad de hacer las cosas bien y a consciencia. Yo soy una persona que trata de

estar informado sobre que es lo que sucede. Soy muy desesperado en ese sentido, por eso me surgió lo del DnB, de esa necesidad de mostrar algo que nunca escuchaste. Cuando voy a poner música siempre tengo que ir con algo nuevo. Armar buenos line up para que sea algo atractivo y a su vez novedoso para la gente. Todo con un concepto vieja escuela. A su vez sumar gente que entienda también cual es nuestro compromiso.

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