BeatHey Mag 7 by BeatHey

Año 3 N°7 Buenos Aires - Argentina. Prohibida su venta. Distribución gratuita para subscritos a BeatHey

UNA HISTORIA DE LA PROHIBICIÓN ¡AHÍ VAMOS!

ETERNA MIGRACIÓN

EL RADAR DE LA COMUNIDAD LATINOAMERICANA Y SUS ARTISTAS

LA INDUSTRIA 4.0

FEDE CABRAL: CASA DE PIEDRA

RUDIE MARTINEZ:

UN DESAFÍO SIN ELECTRICIDAD

ADICTA, SAN MARTÍN VAMPIRE Y MÁS

JAKOB DIEHL DE DARK PRESENTA TAUMEL RICHTER: 20 AÑOS DE AUTOGESTIÓN

"LA MÚSICA LA HAGO PORQUE ME SALE, NO LE PIDO NADA. QUIERO MÚSICA."

UNIVERSO TARANTINO

WILLY CROOK LEO PORTELA ”NO CONSIDERAR LA ELECTRONICA ES NO CONSIDERAR LA EVOLUCION DE LA MUSICA” BEATLABELS

SELLOS MUSICALES PARA DESCUBRIR EN CASA

BATEA BEATHEY

LO MEJOR DE LA ESCENA LOCAL

BEATTECH

TECNOLOGIA APLICADA A LA PRODUCCIÓN

EN BETTO SOSA (PRANA) JOEY G II SOULTRIP TRE LAGUNA VIS NICOLÁS NEGRETE DANNY VERON ESTEBAN WOZNIUK TAS

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L A V A L L E

3 4 5 ,

B U E N O S

MAG #7

A I R E S

B A H R E I N B A . C O M

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EDITORIAL

MAG #7

Intentar escribir lo vivido el último año es muy difícil. Podría hablar de las complejidades que trajo la pandemia a la industria, algo que hemos expuesto en más de una ocasión, sin embargo elijo mirar con el prisma de la oportunidad en esta ocasión. El siglo XXI, la pandemia lo ha dejado bien claro, será el siglo de la economía digital y la descentralización. Será el siglo que nos permita tener mayor alcance, generar mayor impacto positivo y reducir los daños al ambiente en que vivimos. El año 2020 ha sido un gran maestro de templanza y constancia. Es tan difícil describirlo que deseo sumar algunos números: +800% Crecimiento de audiencia en BeatHey. +50 Países desde los cuales se escuchó BeatHey. 3 Revistas editadas. 2 Festivales DESORDEN 1 Festival Aniversario Bahrein +50 Artistxs +$500.000 Pagos a artistxs. Ha sido un año de alianzas, un año de trabajar continuamente en la generación de cultura independiente y de herramientas para monetizar más allá del vivo. Hay una escena en formación que busca llegar al mundo con una mirada y una voz diferente a la que hoy ofrece el mercado. 2021 nos encontrará invirtiendo cada vez más recursos en la generación de contenido de calidad para music lovers, así como en la tecnología necesaria para ofrecer mayor cantidad de soluciones, herramientas e información a medida a lxs artistxs. Deseo que este nuevo año, aunque sabemos complejo, nos encuentre creciendo, evolucionado y trabajando juntos por una escena independiente mucho mejor que la actual.

Julián Sorsaburu CEO BeatHey

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MAG #7

DIRECCIÓN EDITOR Y PRODUCTOR DE CONTENIDOS DIRECCIÓN EDITORIAL DIRECCIÓN DE ARTE DISEÑO ESCRIBEN COMERCIAL AGRADECIMIENTOS Julián Sorsaburu

Nicolás Beldi

Darío Rosemblat

Gabriel Santana

Saint Design

Hernan Panessi - Gonzalo Arzua - Damian Levensohn - Juan Zolbaran Nicolás Beldi - Julian Sorsaburu - Sebastián Da Vinn - Manu Barbeito Pedro Apcho - San Kaiyer - Mauricio Figueroa - Tito Del Águila - Rafa Sorol

Florencia Vilar contacto@beathey.com

Florencia Vilar - Antonio Macadam - Edmundo Hiriart Matías Rebecca - Alejo Rivero - A TODA LA COMUNIDAD BEATHEY

Suscribite y recibí BeatheyMag en tu casa hey@beathey.com Número 7. Edición física y digital. Las notas de la revista corren bajo exclusiva responsabilidad de sus autores y las publicidades bajo exclusiva responsabilidad de los respectivos anunciantes.

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MAG #7

POR JUAN ZOLBARÁN

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MAG #7

T INFALTABLES E PARA TU CADENA C DE MASTERING DIGITAL H PRO Q3 (FAB FILTER) Un buen ecualizador paramétrico transparente para corregir o controlar algunos detalles en nuestro master, es sin lugar a dudas, la herramienta número 1 en nuestra lista. El Pro Q3 es simplemente el mejor en su rubro. Con la capacidad de trabajar infinitos nodos de eq en diferentes modos en simultáneo (mid /side – left /right o stereo) más el plus de una interfaz gráfica potente y la posibilidad de usar sus distintos parámetros en forma dinámica lo hacen una herramienta super completa.

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BEATHEY TECH

MAG #7

Antes de comenzar esta review, me gustaría aclarar ciertas dudas que hay en cuanto al mastering para los que aún están dando sus primeros pasos. Primero entender que el master no hace milagros, si nuestro mix es de mala calidad a duras penas podrá mejorarlo. Si los elementos de nuestra canción están mal grabados también difícilmente podrán lograr que estos sean los sonidos ideales. Básicamente el mastering resalta o enaltece todo lo bueno de nuestra canción y corrige algunas fallas menores que podemos tener en general. Para ser aún más claro les pondré un ejemplo simple: supongamos que entregamos nuestro mix y el bassline se encuentra demasiado fuerte en la zona de los 100hz, si nosotros desde el mastering le bajamos el volumen a esas frecuencias con un ecualizador Shelbin, o quizá un Bell, afectaríamos parte del kick (en este ejemplo ambos comparten frecuencias). Lo correcto es que el mix se volviera a trabajar y se bajara el volumen del bass. Por eso siempre debemos tratar de entregar nuestra mejor versión en el premaster.

DYNAMICS (OZONE 8) Los que estamos en esto hace un tiempo entendemos lo complejo que es de entender y usar la compresión multibanda (ya usar un compresor clásico es una ardua tarea), cuando saltamos al próximo paso muchas veces es un gran dolor de cabeza, así que cuando necesitamos acomodar ciertas cosas en nuestra dinámica debemos recurrir a un multibanda. Creo en el doble valor de este plug por su forma clara de abordar todo los parámetros, ya sea al visualizar una banda o todas en simultáneo. Lo simple de usar teniendo modos de trabajo para limitador o compresión, con una interfaz gráfica super clara. Hoy en día siempre lo uso en mis cadenas de mastering y lo súper recomiendo.

L2 o L3 (WAVES) Al final de la cadena siempre vamos a querer darle la apretada final para lograr volumen. Pasa el tiempo y creo que todos los productores han pasado por el L2 o L3 por su contundencia, sonido cálido y simple uso. Threshold, out celing, release, atenuación y listos para salir a la cancha.

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LABELS

POR MAURICIO FIGUEROA

Sello Argentino con mucha trayectoria con gran cantidad de artistas nacionales e internacionales, más de 10 años con excelente material sin interrupciones hasta la fecha, en formato Vinilo y Digital sonidos bien marcados como el Deep Tech y Minimal. Fundado por Martín Bellomo. https://soundcloud.com/rationalism http://rationalismrecords.com/ https://rnlsm.bandcamp.com/music Contacto: info@rationalismrecords.com

Sello Argentino fundado por Agus Ferreyra, una propuesta joven con mucha creatividad. Su primer lanzamiento fue publicado en Diciembre del 2018 manteniendo su línea con sonidos con mucho groove, estilos predominantes como Deep House, Minimal House y Tech House. https://soundcloud.com/ladeepmusic https://ladeep.bandcamp.com/ Contacto: demos@ladeep.net

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Sello Internacional con mucha energía joven y grandes artistas. Sello peruano con mucho groove fundado por Paul Haro y Kaiser Athens. https://www.facebook.com/irregularmusik https://soundcloud.com/irregularmusik https://www.beatport.com/label/irregular-musik/78623 Contacto: irregularmusik@gmail.com

Sello internacional de Drum & Bass lanzado en 2005, con una gran trayectoria, calidad y excelentes artistas podemos encontrar sus lanzamiento en formato Vinilo y Digital. Desde Brasil y sus muchos ritmos, Leandro Henrique y Dj Rusty nos entregan un label mayormente influenciado por el Drum & Bass. Fundador: Leandro Henrique y Dj Rusty Estilos: Drum & Bass Music https://www.facebook.com/promoaudiorecordings https://soundcloud.com/promoaudiorecordings https://www.beatport.com/label/promo-audio-recordings/17983 Contacto: promoaudiorecordings@gmail.com

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LABELS

POR PEDRO APCHO

Fine Music nació el 2015 en Lima, Perú, fundado por José Antonio eMe y Lucho Zeballos, y cuenta con la participación de Carlos Call como A&R. El 17 de Noviembre estrenaron “Peruvian Cuts – Various Artists”, una selección de 13 tracks con mucho sabor y energía local que van del Minimal / Deep Tech al Tech House. Con la música de: Pedro Apcho, Alez, Ander P, Aritmic, Jay Caesar, Daka Graykeep, DJ Maro Perú, Jose Antonio Jaen, Krisber Aguilar, Macassi, Mattienz, Shuu-T, Vazdra, Volum1k y Vronx.

Peruvian Sound es un sello y comunidad musical con sede en Lima que promueve un espacio colectivo-vanguardista con la intención de impulsar y revelar la escena electrónica peruana en su mejor forma. Cuentan con 3 lanzamientos de varios artistas nacionales en su formato “VA Sonido Peruano Vol.3”. Aquí podemos encontrar música de Arivi, Jull, He did, Soulbot entre otros. https://soundcloud.com/peruviansound https://prvnsrecords.bandcamp.com/album/various-artist-ltd-part-3

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Astral Music es un sello que se enfoca en promocionar la belleza del sonido en beats electrónicos. Fundado por Illalluk cuenta con más de 10 lanzamientos y una fuerte presencia en la escena minimal de Perú. Con música de Sarria, Bryce, Ezaqui, Illalluk y más artistas firmados en su cuarta edición. https://astralmusicperu.bandcamp.com/album/various-artists-part-4

Fundado en la ciudad de Cajamarca, este label busca fomentar y apoyar la cultura de la música electrónica en el país con su estilo minimal en toques de house y techno. Hace poco lanzaron el album “Moonsound - Varios Artistas II” disponible en Bandcamp con música de Bryce, DJ Casanova, Jota Haya, Flop, entre otros. Fundado por Iván Medina con sede en la ciudad de Cajamarca. https://moonsoundlabel.bandcamp.com/album/varios-artistas-ii-mnsnd002

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BAHREIN RECORDS

POR DAMIAN LEVENSOHN

El club Bahrein es uno de los históricos reductos de la escena electrónica argentina. En marco de este 2020 sin actividad de clubes, los responsables del spot porteño decidieron poner el foco en su proyecto discográfico: Bahrein Records. La referencia editada en el mes de septiembre, muestra un compilado que incluye a destacados exponentes del sonido house y minimal. Con un enfoque federal, se hacen protagonistas los artistas porteños Manuel Sahagún, Leo Portela, Juan Zolbaran y Lud Folie, los cordobeses Nadia Popoff y Brandub, el puntano Gus Arancibia, el rosarino Lautaro Scavuzzo. También hay participación sudamericana con los chilenos Area 51. En lo sonoro, el release recorre de una manera orgánica, matices como el deep, acid y elaboradas percusiones. Los tracks se convierten en piezas utilizables en la hora central de un dancefloor. El camino de Bahrein Records tiene como próximo paso un compilado orientado al sonido techno, en consonancia con la variada amplitud sonora que caracteriza al club. Los artistas seleccionados para este nuevo release son Diego Cid, Gabriel Ferreira, Happy707, Matías Sapag, Milka, Bian Rugilo y Zymbolo.

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Discover B

A T H

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happy707

Tortura y Exterminio - happy707 - 06:47

Techno EBM

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POR RAFAEL SOROL PH: @FERDOLINSKYPH

NEGRETE

A punto de lanzar su EP Back Home, Hola People exclusivo en BeatHey, charlamos con el dj y productor, establecido nuevamente en Santa Fe luego de atravesar el continente. Residente de Azopardo Club, mano a mano con un artista de gran presente y potencial incalculable. Te conozco desde que eras un estudiante de derecho con 18 años amante de la música.... ¿Qué te hizo evolucionar tanto hasta ahora que sos tremendo artista? ¡Como pasa el tiempo! (risas)... Aún recuerdo el día que llamaron por teléfono para decirme que mi primer EP había gustado y me iban a editar en Club Rayo Disquets, estaba caminando por la calle, comencé a gritar y saltar, escuchaba las palabras y no lograba terminar de creérmelo… Si bien estoy en la música desde más pequeño, comencé a jugar a ser Dj en casa soñando con sonar en alguna radio de mi ciudad (con mis 12 años). Creo que el cambio es resultado de la vida en sí, en mi caso particular suelo reconocerme como alguien muy afortunado. Cuando salis del secundario te invade lo “normal”, lo que todos dan por algo bien… Primero pensé en la carrera de ciencias políticas, luego derecho.. Hasta quise estudiar profesorado de música, e incluso Chef… Pero tras varios intentos me di cuenta que, no era lo que iba a estudiar, sino que no quería atravesar ese proceso que suele hacer la mayoría, mejor intentar la acción con la música desde el DJ Productor. Todo iba bien pero pasaron cosas. Sucedió a los 20 años, cuando en un bar de mi ciudad en el que era residente me ofrecieron irme a vivir a Centro América, ya que estaban pensando abrir una sucursal en aquellos lares, más precisamente en Ecuador, Montañita. Desde ese momento palpe, la chance de hacer que mi vida se convierta en trabajar pu-

ramente de ser Dj, de viajar por primera vez fuera de mi país, conocer América Latina y gracias a la música… mi cabeza volvió a explotar, y me subí un mes después de cumplir 21, a una camioneta con 5 personas en búsqueda de lo que sería la aventura más grande que viví. Creo entonces, que lo que me hizo cambiar tanto fue defenderme, darme valor como artista/como hombre y animarme a todo. Te gusta la música entera, y sabemos que no tenés temor en poner cualquier estilo pero, ¿con que música te identifica más? Me identifico más en la Música House, pero como base total de cada performance. Digo House en el sentido más amplio que pueda darle a la palabra, hasta donde la situación y la pista lo pida y lo permita. Actualmente estoy alucinando con géneros como el Afrobeat, el LatinBeat, Folktronica, el Afrocubano, siempre el Jazz, el Funk y la Samba, la Bossa, el Disco forman parte de pilares en los cuales construyo diferentes situaciones, pero la verdad es que siento la música como la expresión más pura, y hermosa que tenemos los humanos para expresarnos. Es el desprejuicio de todo, no solo darle valor al arte sino al sentimiento del artista (y me emociona/me enseña). ¿A qué renunciaste para entregarte a la música y a ponerle tanto valor artístico? Uf… a una forma de vida standard (esa

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ENTREVISTA

MAG#7

“Renuncie a muchos prejuicios personales, a relaciones y varios miedos. Siempre que tomamos un camino dejamos otros atrás.”

que a todos les parece bien), a muchos prejuicios personales, a relaciones con personas que guardo amor (pero se ve que no era el momento o la forma), a varios miedos. Siempre que tomamos un camino dejamos otros atrás. Creo que lo más fuerte que atravesé en mi interior sucedió cuando estuve en Ecuador. Para contextualizar, estuve viviendo en

Montañita casi tres años, pueblo turístico, Centroamérica, turismo internacional. Yo fui como Dj de música House y de repente la situación en el pueblo donde vivíamos y trabajamos se complicó. La electrónica no iba a tener el lugar que pensábamos para construir la discoteca con tanto trabajo y esfuerzo. Si venís desde Europa, Rusia o Estados Unidos a Centroamérica, quieren conocer y

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escuchar música Latina… Empecé un proceso de rela- Y después… tengo un recuerdo, una de las veces que ción con la música que detesté, donde llegué al punto de regrese a argentina, un amigo que tenía una productono querer escuchar ra en mi ciudad ormúsica. No aceptar ganizó un evento en ser Dj de Reggaetón, el que tocaba como Cumbia, para mi era Dj principal, era una como “bajar escalocarpa grande, habría nes”, todos los días, quizá unas 700 perno lo soportaba, fue sonas, y hacía mucho una época muy dura que no ponía música hasta que me solté. , sentir la gente, sentir Fue dejar de renegaresa energía que me me a mi realidad. De mandaban, sus mirapensar que estaba das, sus aplausos, su tirando por la borda cuerpos moviéndose, mi trabajo previo (la temblé todo el set, cabeza genera ideas ¡temblé!, las manos raras) a empezar a esme temblaban, me cuchar música latina sentí como cuando que no conocía, arpuse música por pritistas independientes, mera vez. Terminé de pequeñas y grandes tocar y me senté a bandas, de todos los llorar… nunca me voy géneros que puedas a olvidar de eso. Era imaginar. Me volví a como si mi cuerpo construir musicalmenestuviera contento, Arte de tapa: @ferdolinskyph te desde adentro, y mi cuerpo necesitaba mi cabeza explotó… eso, y desde el lugar todo se retroalimento con todo, y ese proceso no se de- más animal que tiene, me lo hizo saber… fue una de las tiene hasta hoy, deseo que nunca pare. sensaciones más fuertes que tuve que sentir. No puedo encerrarme en un género, tengo amigos y colegas que lo hacen, y son excelentes, les admiro mucho ¿Qué nos podés contar de Back Home, Hola People? por la capacidad de transmitir lo que tienen, pero para mi Fue todo un proceso viste... al que todavía me cuesta ines como ir a la heladería y pedir siempre el mismo gusto cluso haber soltado. de helado (risas). Cuando hago música abro todas las puertas posibles en mi cabeza, me abstraigo completamente de todo lo ¿Qué dice tu familia de toda esta aventura que venís que sucede alrededor, aveces por días. Deposito muchas viviendo? emociones, es el medio por el cual doy cauce a todo lo Es una aventura que venimos viviendo juntos, pero te digo que a no encuentro forma de sacar, lo bueno y lo malo. que después de muchos años se siente bien saber que Soy yo desde el lugar más sensible , sincero y desnudo están ahí. No entienden lo que hago pero me acompañan. que puedo mostrarme y entregarme. Este trabajo me acompañó por casi un año, de idas y La vida artística es compleja, relatame dos momen- vueltas. Es raro encontrarme en esta etapa. Estoy muy tos, uno malo de algo que no salió o te sentiste mal, contento, y sobre todo ansioso de saber que todo ese tray el otro un recuerdo que te llene de felicidad, esos bajo va a estar disponible para el mundo entero y a través momentos únicos que da el arte. de una plataforma tan bella como lo es BeatHey, es algo Siempre es una de cal y una de arena. Creo que des- groso para mi. Claramente es un punto de quiebre en mi pués de Ecuador, me tome un tiempo de descanso con carrera como productor, muchas cosas nuevas afloraron la música, me dedique a viajar, ya en otro formato, más y están comenzando a aparecer después de este disco. mochilero digamos, y fue una decisión que llegado su mo- Intente construir una experiencia que te introduzca en lo mento, tuve que cambiar, fue muy duro para mi, siempre que estés escuchando, sinceramente me cuesta explicar estuve en contacto con la música, de hecho la guitarra a a qué suena, porque no escuché música así, y creo que espaldas y la curiosidad de bandera, pero me empecé a eso es lo que más conmovido me trae. Estamos pensanapagar, ¿sabés? Es un mal necesario para mi vida y mi do videos para cada tema con Fer, quien se encarga de estabilidad emocional poder crear música, es mi canal de todo el trabajo visual que acompaña mi música. desahogo, si no lo hago me comienzo a desarmar, y me A quien lo escuche, y lea la nota, desde ya , gracias, y por encontré en un momento tan lejos de todo eso que me favor no duden en enviarme sus opiniones , contarme sus desmorone, poéticamente hablando. Necesito darle co- experiencias y trasmitir lo que sintieron, es un disco hecho mida a mi creatividad, si no tengo música agarro un papel desde muchas partes de mi, pero sobre todo con mucho y dibujo, escribo, canto, lo que sea. esfuerzo y amor.

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Techno

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Anitamoon

The Doubt - Anitamoon - 06:39

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RICHTER

“Compromiso con su música. Ahí está la clave. El compromiso tiene que ver en disfrutar lo que se hace.”

MAG #7

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ENTREVISTA

MAG#7

Cumplen 20 años de carrera una de las bandas referentes al momento de hablar de la autogestión, casualmente el nombre de su último álbum. Artistas referentes de UMI (Unión de Musicxs Independientes) nos cuentan su visión de como ir trabajando en los diferentes aspectos de su carrera. Presente y pasado de una banda del futuro.

20 POR NICOLÁS BELDI

¿Cuál es la clave para que un proyecto perdure por tantos años? No sé si tenemos la clave, pero lo que a nosotros nos ha resultado es disfrutar lo que hacemos con los otros miembros de RICHTER. Nos gusta ensayar, tocar, estar de gira, viajar, componer juntos. Hemos hecho mucho juntos, y entonces se da un vínculo que trasciende lo musical, pero justamente tiene a lo musical como su columna vertebral. Pero no fue algo pensado, sino que surgió espontáneamente.

¿Cómo fue volver a ensayar en este contexto y tocar en Festival Desorden Online? Fue muy raro. De golpe fue cortar los ensayos, las giras, los recitales, las pruebas de sonido, las grabaciones, todo lo que hacemos todo el tiempo. Nunca habíamos estado tanto tiempo sin hacer nada. Y ahí apareció el Festival Desorden Online que estuvo buenísimo! Lxs artistas que se presentaron fueron muy buenos y volvimos a formar parte de un cartel con Adicta, que es una gran banda argentina. Una transmisión impecable donde nos sentimos muy cómodos.

Recientemente sacaron un álbum compilado “AUTOGESTION” es un compilado que hicimos en el festejo de los 20 años y que está conformado por los cortes de nuestros discos. Cortes que tuvieron sus videos que están subidos a las plataformas y que también sonaron en canales de televisión de gran parte de Latinoamérica. El disco surgió en verdad en una charla con CFA, que es nuestro sello en Chile, que quería editar un material nuevo allá. Ahí fue, que como justo cumplíamos 20 años, podíamos hacer un disco compilatorio. Salió editado en Chile, y poco después lo fuimos a presentar a un lugar hermoso e histórico de Santiago que es “La Batuta”.

¿Cambió la creatividad de la banda durante la cuarentena? Creemos que aumentó. O por lo menos eso nos pasó a nosotros. Es por eso que en breve entraremos a grabar nuevo material.

¿Cómo sienten que fue cambiando la autogestión en este nuevo siglo? La autogestión fue creciendo. Cada vez mas el/la músicx se autogestiona. Trabaja por todos los aspectos de la carrera. El músico es quien elige cuándo editar un disco, hacer una gira, etc. Ahí nos encontramos muy cómodos, porque recibimos apoyo de CFA en Chile y Loshe en México, pero sin embargo seguimos manteniendo la independencia en nuestras decisiones.

¿Que iniciativas hubo desde UMI en este contexto? Hubo empuje para ayudar a músicxs que tenían una situación económica mas complicada, a través de distintas acciones que hicimos y que en breve volveremos a realizar shows en vivo para reactivar la música en vivo.

Como artistas referentes de UMI ¿Que pueden recomendar a una banda o solista independiente? Podemos recomendarle que se comprometa con su música. Que ahí está la clave. Si se tiene compromiso con lo que se hace el resto surge solo. El compromiso tiene que ver en disfrutar lo que se hace.

Cuenten la alianza que se está forjando entre UMI y BeatHey Es una alianza muy valiosa. La UMI trabaja para los músicxs independientes. Y vimos que BeatHey hace lo mismo desde una plataforma digital en la música. Así que era lógico que pudiera hacerse un acuerdo que mejorara las condiciones de los músicxs independientes

¿Qué planes a futuro tienen? Estamos componiendo nuevas canciones para un disco. La idea es tenerlas editadas en el 2021. Son canciones que nacieron antes de la pandemia y durante ella. Y en cuanto se pueda volveremos a girar por Argentina, Uruguay, Chile y México presentando el nuevo material como hemos hecho con los discos anteriores.

“La autogestión fue creciendo. El músico es quien elige cuándo editar un disco, hacer una gira, etc.”

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SOULTRIP

Proyecto jóven creado por artistas de zona sur de Buenos Aires, donde la propuesta es el Techno y sus valores. En entrevista exclusiva hablamos con Murphy, artista de la comunidad BeatHey. POR JULIÁN SORSABURU

“Lo que nosotros buscamos siempre fue el crecimiento de todos los integrantes que conformaron esta crew.”

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ENTREVISTA

¿Cómo comenzó el proyecto? ¿Qué buscan y proponen como conjunto? Soultrip nació en algún lugar de zona sur hace años, donde artistas y amigos se juntaban a compartir el amor por la música y las raves. Con el pasar del tiempo el concepto que hoy en día nos representa fue creciendo tanto que decidimos encararlo de manera profesional. Lo que nosotros buscamos siempre fue el crecimiento de todos los integrantes que conformaron esta crew, incluyendo djs, fotógrafos, artistas visuales, relaciones públicas. Ser parte, mentores y alumnos del crecimiento de cada uno tanto de manera individual como grupal. Nuestra propuesta es compartir una experiencia, tanto para el clubber, como para el artista, donde la música Techno y nuestros valores son los protagonistas, creando así una atmósfera de unión, alegría y fiesta que no se encuentre en cualquier lado. ¿Cuáles son sus influencias musicales? Nuestras raíces musicales son muy amplias: compartimos el amor por la música en general, somos un grupo que se ve influenciado por diferentes géneros tanto en la electrónica (House, Techno, Electro) como en el rock o el rap. Creemos que la música es atemporal, lo que nos hace estar pendientes y receptivos a conocer sonidos tanto actuales como viejos (u olvidados).

“No podemos dejar de hablar sobre los hechos lamentables que han ido sucediendo y saliendo a la luz en el último tiempo, confiamos y apostamos a una escena más educada, y respetuosa.” Comenzaron produciendo eventos y ahora han sumado su propio sello discográfico. Cuéntennos acerca de los releases. La idea de nuestro sello discográfico fue un objetivo logrado, y estamos muy contentos con lo que queremos mostrar. SLTRP Records nace con la idea de ofrecer un espacio al artista para poder expresarse libremente, en sencillos o álbumes, sin estar aferrado a una línea sonora. Nuestro primer release estuvo a cargo de Julian Longobardi, conocido artísticamente como Longobardi. Julián es uno de nuestros residentes, quien tiene un estilo muy marcado, tanto a la hora de mezclar música, como al momento de producir. Su lanzamiento compuesto por 2 tracks,“Compadrito” y ”Timba Fulera”, hacen una clara referencia a su manera de sentir y transmitir la música. Actualmente estamos lanzando nuestra segunda referencia titulada DHARMA a mi cargo -Murphy (ARG)-, siendo este mi primer álbum, compuesto por cinco tracks originales que representan todo el camino

MAG #7

recorrido por el artista hasta el día de hoy. “Dharma” representa la combinación del propósito y el talento único que cada persona tiene para ofrecer a los demás. ¿Cómo vivieron este 2020? ¿Lo utilizaron para crear más, para proyectar, para descansar? ¿Cuáles son los planes 2021? Bueno el 2020 fue un año complicado para todos. Nos vimos obligados a tener que poner el foco en otros asuntos. Tuvimos un 2019 con muchas fechas, para luego despedirlo en Blow con grandes artistas como Le Martz, Acid-D, Cuervo, Mariano RMS y Romphy fueron protagonistas de una noche única que nunca olvidaremos. Este año tan atípico y determinante, nos dejó sin fiestas, pero no sin ganas. Creemos que esta situación nos impulsó a lo desconocido, y esto fue determinante para tomar la decisión de lanzar SLTRP Records. Nos permitió también darle el espacio y la importancia a nuestro programa radial de podcasts, un espacio que brinda a artistas de todo el mundo la posibilidad de poder expresar su visión y amor sobre la música techno, el cual está cerca de llegar a los 100 programas. Nuestro objetivo para 2021 es seguir llevando el mensaje que nos trajo hasta acá. ¿Cómo ven la escena independiente local? ¿Qué piensan que debería mejorar? En pleno crecimiento, en el último tiempo la cantidad de artistas de calidad que han surgido del underground ha sido notable. Música sólida, ciclos y sellos, estamos contentos de sentirnos parte de una generación de artistas y productores que han puesto a la escena argentina en la posición que se encuentra hoy a nivel musical. Creemos que los artistas que vienen trabajando hace mucho tiempo por conseguir la posición que hoy en día tienen, han fusionado y compartido conocimientos con la nueva generación emergente, lo que solidificó y ayudó al crecimiento de la misma tanto de manera nacional como de manera internacional, influyendo así en la cantidad y calidad de propuestas que abundan cada fin de semana. Por otro lado no podemos dejar de hablar sobre los hechos lamentables que han ido sucediendo y saliendo a la luz en el último tiempo, si bien confiamos y apostamos a una escena más educada, descontracturada y respetuosa, en nuestro espacio no toleramos ni compartimos la falta de respeto hacia el otro/a. Creemos que lo más importante es cuidar la integridad física y emocional de cada participante de los eventos. Es por eso que nuestro mensaje es el respeto, el respeto hacia el artista, hacia el clubber, hacia las mujeres, hacia la gente tras el arte visual, la gente que trabaja en el club,y todos los factores que hacen de la experiencia Soultrip, un todo. ¿Cómo es su postura respecto al trabajo colaborativo? Nos ha ido muy bien trabajando por nuestra cuenta, hemos apostado al trabajo colectivo varias veces. Nos gusta seguir lo que pasa alrededor nuestro, nos inspira nos motiva y nos ayuda a crecer, es por eso que decidimos trabajar en conjunto con productoras que promuevan los mismos valores que nosotros promovemos en cada presentación. Trabajamos con productoras como Dripping Traxx y Detekted. Dos que han crecido mucho en los últimos años y han logrado posicionarse debido a sus valores, y sus propuestas. Respeto y profesionalismo, para y con todos los asistentes a un evento.

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DANNY VERON

MAG #7

Danny, el gusto de saludarte, ¿cómo estás? ¿Cómo viene todo en Misiones? Todo súper amigos, sobreviviendo a la Pandemia aquí donde se dió que no tenemos muchos contagios por suerte. En Misiones venimos bien, gracias a la unión de algunos artistas hemos llegado al Ministerio de Cultura de la Provincia, con el logro de ser reconocidos como artistas y trabajadores de la Cultura y el Arte, con ello también todos los beneficios que puede tener un trabajador (monotributo social, obra social, descuento en compras y turismo etc.). A esta unión la llamamos Djs Unidos Misiones, donde logramos armar una página web y canal de streaming propio, donde presentamos cada 14 días a djs emergentes y consagrados de la escena Misionera, sin discriminar los estilos musicales de cada dj (retro, electrónica, etc.)

Hablamos con el DJ y productor sobre el resurgimiento de la escena en Misiones y lo que se viene en lo inmediato en su carrera. El house como ritmo de vida, su camino como artista, y su faceta como wine influencer

POR MANU BARBEITO

“El house significa todo para mí, haber conocido esta música me cambió la vida y pude conocer gran parte de América gracias a ella, me hizo crecer mucho como persona.”

¿Cómo se viene dando el reactivamiento de la escena? contame un poco de los proyectos a corto plazo. Estamos saliendo de a poco gracias a los protocolos creados por AMPROE (Asociación Misionera de Proveedores y Organizadores de Eventos) en los cuales los djs ya están musicalizando a modo de bar los lugares donde antes estaba habilitada una pista de baile. En mi caso en particular pude formar parte de un evento con el modo de autocine en el Parque del Conocimiento, el cual contó con la presencia de 80 autos y una puesta en escena simil a la de un festival o recital de rock. La verdad una muy buena experiencia que se asemeja a lo que estábamos acostumbrados solo que el público disfruta desde adentro o desde la ventana del auto.

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ENTREVISTA

MAG #7

“Gracias a Djs Unidos Misiones hemos llegado al Ministerio de Cultura de la Provincia, con el logro de ser reconocidos como artistas y trabajadores de la Cultura y el Arte.”

Tengo el agrado de conocer tu música a través de tus lanzamientos en Club Rayo Disquets principalmente, en tus producciones se ve un estilo definido entre el house de Chicago y el deep new school, ¿cómo te definirías vos actualmente? ¿Qué diferencias encontramos entre el Danny Productor y el Danny Dj? Muy poca diferencia realmente esos son los estilos que adopte hace unos años y los cuales me dan lugar para poder tocar en cualquier tipo de eventos, como un sunset o así mismo un festival de Música Electrónica. Me defino como un dj con una base muy marcada del House de Chicago, como productor te puedo decir que me marca mucho el estilo del sello Club Rayo Disquets del cual formo parte y admiro a todos sus artistas.

fícil, pero con la ayuda de amigos productores pude ir evolucionando. El house significa todo para mí, haber conocido esta música me cambió la vida y con la suerte de poder haber conocido gran parte de América gracias a giras y festivales me hizo crecer mucho como persona.

En tu lanzamiento de Chardonay Render en marzo (el cual incluye un gran remix de Max Dalmazzo) usas el mítico sample de “my House”, con esto como premisa me gustaría preguntarte 2 cosas, una como definirías tu proceso creativo? Y dos, ¿qué significa el House en tu vida? Mi proceso creativo se incentiva mucho cuando salgo de gira, en los hoteles o en los estudios de djs amigos cuando estoy de visita, siempre aprendo algún truco o tip de producción y eso me lleva a cerrar los tracks más rápido. Cuando comenzé a producir todo me parecía di-

Me gustaría apelar a tu faceta de Wine Influencer y que nos recomiendes un buen vino para acompañar un set tuyo. Es un trabajo que vengo haciendo hace unos 7 años trabajando con las mejores bodegas de Mendoza para que el Misionero tenga acceso a excelentes vinos, por suerte con resultados. Para todos los djs les recomiendo los vinos del enólogo Alejandro Vigil (Enemigo Wines) pueden ser “el enemigo “o “gran enemigo “, y para salir un poco del Malbec, les recomiendo la cepa Cabernet Franc, que viene creciendo a pasos agigantados en la producción.

¿Qué podemos esperar a nivel releases en 2021? Se vienen nuevos EP, y también un poco de fusión con artistas misioneros de gran talla como Gervasio Malagrida, La Corte del Señor Manga, donde produciremos un álbum muy similar a BUTH (Nicolás Castro & Rafael Sorol), remixando clásicos de la música regional y el rock de Misiones.

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AYER, HOY Y MAÑANA

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Argentina: Corvalán 1847. Ciudad Autonama de Buenos Aires - Idaventas@grupolaserdisc.com

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Rouge fue el primer grupo femenino de Jazz y Soul en Argentina

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MUJERES EN EL ROCK HISTORIAS SIN CONTAR POR NICOLÁS BELDI

La historia de las mujeres en la música siempre se vió opacada por relatos totalmente parciales. Ya sea por destrato u omisión la trama se construyó principalmente alrededor de artistas masculinos dejando de lado injustamente biografías de mujeres que marcaron y fueron dando forma a la verdadera historia del rock. Hablamos con Gabriela Cei, Carolina Santos y Silvia Arcidiacono, autoras del libro Mujeres en el rock argentino: Historias sin contar. ¿De dónde se conocen? ¿Cómo nace la idea de llevar adelante el proyecto? ¿Qué años intentan abarcar en el libro y por qué? Carolina Santos: Nos conocemos de la escuela. Somos compañeras desde los 12 años. A las tres siempre nos gustó escribir, la historia y el rock. Seguimos cada una diferentes carreras (una Letras, otra Comunicación Social, otra Traductorado Público de Inglés); pero las tres siempre seguimos vinculadas al rock por diferentes vías. El feminismo hizo lo demás: que viéramos que en el rock faltaba hablar con mayor desarrollo y profundidad sobre las artistas mujeres. Así nació la idea de este libro, abarca de 1955 hasta la actualidad en dos tomos, el primero es el que va a salir este año, y va de 1955 al 2000. Es una investigación que comenzamos en el 2017, colaboraron junto a nosotras lxs periodistas Veronica Tossounian y Victor Tapia, y la antropóloga Florencia Lopez. Una investigación que por momentos parece infinita porque son muchísimas las historias y las artistas para destacar, es una historia en permanente construcción y no puede ser pensada como definitiva.

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“La mujer en el rock hasta mediados de los 90’ es vista como algo contra natura. Ocupando un espacio en el que no encaja. Eso ni siquiera lo perciben los propios artistas. La industria sigue cerrando contratos masculinos por donde se los mire y las mujeres pierden por goleada.”

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La historia del rock nacional se suele contar a partir de mediados de los 60’, pero en los 50’ ya existían artistas femeninas de rock. ¿Qué nos pueden contar de esa época tan poco relatada? CS: Nosotras creemos (junto a otros autores) que hay un primer rock argentino que se puede situar de 1955 hasta mediados de la década de los sesenta, que efectivamente, está poco explorado. Allí vamos a encontrar a muchas cantantes mujeres grabando rock and roll y twist, y que además, en muchas de las letras de esas canciones podemos ver reflejadas las transformaciones que experimenta la sociedad de la época en cuanto a la situación de las mujeres. Pensamos que vale la pena explorar esta primera década, este primer rock argentino y sus cantantes mujeres, quienes le pusieron voz y personalidad al nuevo género que había llegado a Argentina, un género que vino a ensamblarse con la juventud de nuestro país, y construyó un sentido de pertenencia generacional. ¿Qué artistas/historias no contadas consideran indispensables para lo que fue el inicio y la explosión del rock nacional? CS: Creemos que todas son indispensables: las que se subieron a un escenario a rockear en los 50’, cuando la normativa familiar veía conveniente otra cosa para los miembros del género femenino, como la vida hogareña, las actividades parroquiales y de los centros barriales; las cantantes de los 60’ que hicieron bailar a toda una generación; las artistas que surgen en los 70’ cuando ya estamos dentro del “rock nacional” y una escena ocupada mayormente por varones; y nuestras cantantes, cantautoras, e instrumentistas de los 80’, allí donde explota la industria del rock nacional y vemos que el aporte de ellas es fundamental para que eso haya sucedido.

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Recientemente Gene Simmons de Kiss quiso registrar el famoso símbolo con la mano cornuda del rock ¿cómo es que la historia original de ese símbolo? Silvia Arcidiacono: Esa historia sale a la luz en 2017 cuando se publica la noticia en The Hollywood Reporter el 14 de junio. Ese mismo día muchísimos fans escriben en la página de Facebook de Coven, la banda liderada por la cantante norteamericana Esther (Jinx) Dawson, para avisarle a ella lo que estaba por suceder. Ella respondió de inmediato advirtiéndole al ex Kiss que si presentaba esa solicitud de patentamiento le iba a iniciar una demanda porque el gesto era de ella para el uso libre de toda la comunidad del Rock. Con ello nos da referencias: la primera vez que lo hizo fue cuando Coven comenzó a fines de 1967, y que esos cuernitos aparecen en el primer álbum de 1969 y también en sus álbumes de 1971, 1974, 2013. Toda la estética de Coven, sus puestas en escena, sus letras están impregnadas de satanismo porque, la propia Dawson abiertamente confesó ser una bruja proveniente de una familia que había practicado el ocultismo por generaciones. En el primer disco de Coven ‘Witchcraft Destroys Minds & Reaps Souls’ se la ve a la cantante tendida en un altar de sacrificio desnuda y apenas cubierta por una calavera y rodeada de candelabros y cruces invertidas, en plena misa satánica. Lo de Gene Simmons fue la

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gota que rebasó el vaso para ella porque no era la primera vez que le “hacían tributo”, por decirlo de algún modo. Hay una entrevista al guitarrista de Black Sabbath, Tony Lommi, que le hace en 1996 la VJ de MTV Martha Quinn donde le muestra aquel álbum de Coven para señalarle algunas “coincidencias”: El nombre del bajista era Greg “Oz” Osborn, y la canción que abría el álbum se llamaba “Black Sabbath”. La carita de Lommi no tiene desperdicio. La nota se puede ver en youtube. Lommi dice que no conocía la banda. Resulta que el tipo no tenía idea. Pero los antecedentes no le daban la razón. Coven teloneaba a bandas muy conocidas como Alice Cooper, Vanilla Fudge o Yardbirds de Jimmi Page cuando los Black Sabbath todavía se llamaban Earth. Las dos bandas estaban en sellos discográficos afiliados como Vertigo/Fontana y Mercury. El legendario crítico de rock Lester Bangs los llamó “algo así como la respuesta de Inglaterra a Coven” en su despiadada reseña de septiembre de 1970 para la revista Rolling Stone y, para rematarla, habían programado juntos una semana completa de presentaciones en The Whiskey, L. A. ese mismo año. Por otro lado, Google nos dice que quien popularizó los cuernitos rockeros fue James Dio, uno de los grandes vocalistas que dio el Heavy Metal (también ex Sabbath). Sin embargo, él mismo aclaró que lo había tomado de su abuela italiana que lo usaba para combatir el mal de ojo. Como sea, esos cuernitos vienen de la mano de una mujer. ¡Ah! Y como se imaginarán, Gene desistió de presentar la solicitud. Nunca sabremos si por temor a una demanda o a una bruja. ¿Por qué creen que en los 90’ las discográficas importantes no daban la relevancia que merecían a las mujeres en el rock? Gabriela Cei: Para hablar de los 90’ primero que todo debemos entender dos cosas: el negocio de la música estalló a nivel mundial en gran parte gracias a los avances tecnológicos, y segundo, la concentración de recursos quedó en pocas manos. La TV por cable, el CD, internet, todo ayudó para un avance rapidísimo de la transnacionalización de la cultura y la globalización de consumos. Ahora bien, todo eso estaba manejado casi en su totalidad por varones. Muchos, por más nuevos que fueran en la industria, venían aferrados a preconceptos arcaicos que no cambiarían demasiado en esa década, sobre todo si una fórmula resulta exitosa y se pueden ganar millones de dólares en ventas de discos y todos sus derivados. Esa fórmula básicamente

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fue que el rock es cosa de hombres. Lo que vende es la banda de varones, no pasa ya tanto por si se ofrece algo de excelente calidad sino del poder de convocatoria. Es la década de los grandes recitales, festivales en canchas y mega estadios. Los empresarios de las discográficas, asociados con canales de TV, radios y todo tipo de entretenimiento tienen el ojo puesto en las bandas nuevas, en los nuevos sonidos y no quieren arriesgarse a perder lo que ya les está dando resultado. Las mujeres que en nuestro país logran cierta masividad y éxito comercial aquellas que entran en el “mainstream” son las que ya venían de la década anterior y habían alcanzado aceptación del público y de sus pares, como Fabi Cantilo, Hilda Lizarazu y Celeste Carballo. En los 90’ algunas pocas excepciones son las que fueron atractivas para la industria en cuanto a propuesta novedosa y decidieron apostar a ellas. En esa categoría entrarían como ejemplo Erica García, que hace rock, compone, toca la guitarra y canta, Las Blancanblus que se meten desde otro género musical (el blues) pero que tiene muchos fans en el país y las Actitud María Marta que logran desde el rap entrar al campo de lo masivo y sonar en todas las radios poniendo en palabras una furia existente sobre muchas temáticas de la época: discriminación, superficialidad, indulto a los genocidas argentinos, la política acompañando un concepto de sociedad que se tornaba cada vez más desigual y consumista. Pero en general es una época donde las mujeres que hacen música si bien no forman una cofradía, algo que se va a comenzar a ver en el nuevo milenio, tienen lugares de encuentro y de creación, de búsqueda artística en el under. Y allí está el semillero de mujeres que hacen punk, rock, heavy metal, pop, funk, música electrónica, pop y performances que combinan varias artes. De ahí salen figuras fundamentales como Rosario Bléfari, Flopa Lestani, Pat pietrafesa, Carina Alfie y María Fernanda Aldana o las que tienen carreras solistas super independientes siendo instrumentistas ultra reconocidas que juegan en primera por formar parte de una banda que toca con cantantes que venden millones de discos, como María Gabriela Epumer o Andrea Alvarez. Estos dos territorios tan bien delimitados existen, conviven y se entrecruzan. Pero la industria apuesta un poco de su presupuesto a mujeres músicas como para “cumplir” con un cupo no dicho pero las sigue ninguneando. La mujer en el rock, podríamos decir que hasta mediados de los 90’, es vista como algo contra natura. La mujer quiere ocupar un espacio en el que no encaja. Y eso ni siquiera lo perciben los propios músicos ni las músicas, algunos

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no reflexionan sobre esa desigualdad. La industria sigue cerrando contratos masculinos por donde se los mire y las mujeres pierden por goleada. ¿Creen que con la explosión del rock independiente a partir del año 2000 y la autogestión rompió ese viejo establishment y dió oportunidades más equitativas entre artistas? GC: La autogestión existe desde los 70’. A partir del 2000 se masificaron los modos de producción y de circulación de materiales que ya comenzaron a experimentar varios artistas en los 90’. Una banda chica con un poco de dinero lograba hacer una tirada de 500 CDs que podía vender en sus recitales, o en algún lugar pequeño. Después pudo subir su material a la web, tener su página, comunicarse con los fans por redes sociales, hacer que cualquier persona de cualquier parte del planeta se enterara de la existencia de un artista. Pero el viejo establishment no se rompe ni se romperá por mucho tiempo. Hay más oferta, sí, es verdad. Pero las grandes inversiones en artistas y en sus carreras se siguen manejando de manera similar a las que conocemos. Sólo que, tardísimo, los productores se dan cuenta que las mujeres también convocan, también venden, y en general, son artistas super talentosas. Uno piensa en documentales recientes de la historia del rock en Latinoamérica y es notable la omisión de

artistas mujeres en general ¿creen que esa omisión es intencionada o es un sesgo de información de quienes lo relatan? GC: Es una postura clara de quienes cuentan. Qué se elige contar y cómo. Qué es importante para la historia. Pero es una visión absolutamente incompleta. Es como si las artistas mujeres del rock no existieran, y eso es tremendo. Pero lo más preocupante, para mí al menos, es convocar a las artistas para que participen en documentales opinando sobre los colegas varones, pero nada se les pregunta sobre su obra. Es demencial. Y hasta en cierto punto, una falta de respeto. ¿Cómo se imaginan que contarán la historia del rock actual en el futuro? GC: Como una época en la que las mujeres se agruparon, consiguieron muchas cosas y que fue también un momento de lucha. Y una época en la que la radio comenzó a pasar mucha más música en clave femenina. Aunque falta. CS: Con las artistas mujeres como protagonistas. SA: Pienso que será contada como un paso más en el camino de lucha que vienen transitando las mujeres desde hace muchísimo tiempo. Me gustaría que para entonces haya nuevas conquistas dentro de la industria musical, con mayor acceso a la difusión, y con ello, a los dividendos que genera el negocio de la música. Una redistribución de las riquezas musicales.

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TAUMEL Dúo conformado por Sven Pollkötter and Jakob Diehl, artistas alemanes con un importante background musical y compositivo. Por estos días, se encuentran presentando “There is no Time to Run Away From Here”, primer álbum del proyecto, con el que exploran sonidos electrónicos en un contexto experimental e introspectivo. Para conocer más detalles de su actualidad, nos encontramos en una charla con ellos. POR DAMIÁN LEVENSOHN

Han pasado algunos años desde que Taumel comenzó. ¿Cómo empezó el proyecto? Jakob: Todo viene del caos. Sven, esta vez lo dirás... Sven: Después de trabajar juntos varias veces en una relación de ‘compositor-músico’, descubrimos que de alguna manera pensamos y sentimos lo mismo sobre la música. Así que obviamente fue algo bueno formar una banda para emprender juntos el viaje de hacer música. Cuando nos conocimos por primera vez en nuestro estudio teníamos la idea de que todo lo que teníamos cada uno de nosotros, en términos de ideas y antecedentes musicales debería incluirse, ¡simplemente no queríamos límites! En There is no Time to Run Away From Here se puede percibir un trasfondo musical enorme que ambos tienen ¿Cómo fue el proceso creativo y la grabación per se? Jakob: Nuestro primer álbum “There is no Time to Run Away From Here” es solo el primer episodio de una serie

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musical más grande, llamada “TRAUM” (en alemán, que significa “SUEÑO”); otros episodios llegarán pronto. Independientemente de esto, pronto comenzaremos a publicar otras series (musicales) y tendrá un estilo de música muy diferente al de TRAUM, aunque siempre es el sonido de ‘Taumel’. Sven: Como dije, todo estaba permitido, el proceso creativo consistía en clasificar toda esa música diferente y juntarlo en esas diferentes series de las que habla Jakob. ¡Una manera de darle estructura al caos! ¿Cuál sería el set up ideal para presentar el disco en vivo? Jakob: el montaje es como en el disco un cuarteto: batería, teclados, fliscorno y guitarra. Sven está en la batería, por supuesto, yo toco las teclas y tenemos dos maravillosos músicos como socios: Manuel Viehmann tocando el fliscorno y Boris Noicolai, que toca la guitarra. Todo como en el álbum.

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Taumel ‘tendrá diferentes colaboraciones con músicos y diferentes configuraciones de instrumentación (en vivo y en los álbumes) en las diferentes series musicales. Los resultados hablan de una amplitud musical muy importante, pero nos gustaría poner el foco en la parte electrónica. ¿Quiénes son sus influencias? Jakob: Para mí fue principalmente la música que escuché en diferentes fiestas clandestinas y jams electrónicas en Berlín en los 90’, cuando se trata de música electrónica. Por supuesto Tricky, Massive Attack, Aphex Twin y también Autechre. Pero sobre todo cosas de Inglaterra ... Sven: Sí, todos esos músicos fueron definitivamente una influencia, pero me abrió la mente en la electrónica la música fue el encuentro con el compositor Pierre Schaeffer! Escuchar a Taumel es imposible no asociar ciertos ambientes musicales con Dark en los que Jakob es actor. ¿Estar involucrado en la serie tiene alguna relación con la música o es una coincidencia? jakob: No hay conexión. Acabamos de utilizar la atención de Dark para nuestra banda ‚ eso es todo. Nuestro álbum fue terminado antes de que yo tomara el papel de actor en Dark. Hombre, tocamos juntos más de 5 años como ‘Taumel’, Sven y yo ... ¡¿no son tres meses de rodaje lo que hace nuestro primer álbum?! jajaja ¿Qué planes tienes para el 2021? ¿Cómo imaginan el futuro? Jakob: Queremos tocar en vivo tanto como sea posible, en todas partes, pequeños y grandes! Y saldremos con varios álbumes nuevos y series musicales. Sven: Espero que haya oportunidades de volver a tocar en conciertos en 2021, ya que todo está cancelado en este momento. Pero sería un sueño en el futuro combinar todas las diferentes salidas musicales que tenemos en una sola cosa para tocar en vivo.

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UNA HISTORIA DE LA PROHIBICIÓN POR HERNÁN PANESSI

Una Historia de la Prohibición es un documental que comprime ideas a propósito de los prejuicios, el debate y las tensiones que surgen de la compleja, sinuosa y problemática Guerra a las Drogas. “El documental pretende desnaturalizar la prohibición para entender qué hay detrás”, dice Martín Rieznik, uno de sus directores. Basada en el libro La Prohibición, de Juan Manuel Suppa Altman, la película parte con Eric Sepúlveda, un joven detenido por poseer aceite de cannabis medicinal. “El caso de Sepúlveda nos despega del libro dándole actualidad al tema de la prohibición. Eric estuvo dos veces preso y tiene un proceso abierto. Además de historizar la prohibición, la ubicamos como un tema actual. No es como una historia sobre la esclavitud o el Imperio Romano, sino que en la actualidad nos afecta mucho”, explica. Y, desde ahí, va identificando algunos símbolos: la construcción de la otredad, las políticas represivas, el rol de Estados Unidos, la agudización de la violencia, la aparición de las dictaduras militares, el surgimiento de una economía clandestina, la idea inseparable de la droga y el delito. “Si bien tenemos una postura clara, no es una peli militante. No tiene una bajada de línea. Me encanta el cine de Pino Solanas, pero este documental intenta presentar temas y dar la mayor cantidad de herramientas posibles para que el espectador saque sus propias conclusiones”. Con narración precisa del periodista y poeta Martín Armada, Una Historia de la Prohibición regala imágenes surrealistas, como la intimidad de un allanamiento de la Fuerza Policial Antinarcóticos o la labor de un perro entrenado

para conseguir lo que tenga que conseguir. “Ellos querían demostrar su fuerza. Es muy lindo el contraste. El victimario es el que nos abre las puertas de su casa y la policía, que imparte justicia, no quiso dar declaraciones, solo nos demostró el uso de la fuerza bruta”, cuenta. Como un secreto develado, con la posibilidad de espiar sobre la mirilla, resulta impresionante ponerle imagen a la lucha contra las drogas y a los millones de pesos destinados a esa causa. “Se pone mucha plata en una fuerza ultratecnologizada que patea puertas y se lleva presos a pibes como Eric”, sostiene el realizador. El dato que circula entre los argumentos: cada 5 minutos la policía detiene a alguien por infringir la Ley de Drogas. Cada 5 minutos hay un Eric Sepúlveda en Argentina. Entretanto, devela cómo se pierden recursos en un ciclo infinito, repasa la fábula de cómo Argentina se hizo eco de algunas definiciones norteamericanas y de cómo las fuerzas de seguridad le imponen una agenda a la justicia. En boca de Rieznik: “La peli demuestra que la prohibición es doblemente injusta. Persigue a consumidores, que es un delito sin víctimas, porque ataca libertades individuales y, además, es clasista porque estas leyes no se aplican igual en todo el país”.

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¿Cómo fue esa negociación con la policía? “Fue muy bizarro”, reconoce. En realidad, el primer intento de diálogo fue con un juez, que los atendió amablemente pero se negó a dar declaraciones. “Hablo a través de mis fallos”, les dijo. Por su parte, el fiscal de la causa de Sepúlveda también se negó a hablar porque “la causa está abierta”. Luego fueron por la policía, quienes tampoco quisieron dar su testimonio pero, al tratarse de un documental filmado vía el INCAA, decidieron hacer –según sus propias palabras- “una demostración operativa”. “Fue muy impactante ver que Eric y sus verdugos estaban muy cerquita. Que él esté en su casilla humilde y que, del otro lado, a pocos kilómetros, estén entrenando para patear puertas”, señala. “Todo eso te hace reflexionar sobre lo importante que es cambiar las normativas. Dejar de pensar que el porro está normalizado. Bueno, no: no lo está”, continúa. Con un delicado criterio periodístico y un relato que va al punto, se alzan realidades como el brote de sangre en México y Colombia, el presente de Uruguay y la incertidumbre doméstica. De pronto, con tanta evidencia, ¿por qué sigue la prohibición? “¿Y por qué sigue habiendo reyes en España?”, responde Rieznik, buscando un punto igual de anacrónico. “El origen de la prohibición tiene que ver con muchas cosas. Por ejemplo, con el poder. Y con entender que la única espiritualidad que se propone es a través de la religión. También es un tema económico. La prohibición es un estado de la cultura. No es que hay alguien malo detrás que lo está decidiendo. Hay que desnaturalizar la idea de que las

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drogas son malas. Está cambiando el paradigma. No es lo mismo que hace 20 años”, advierte. Por caso, Oregon se convirtió en el primer estado de Estados Unidos en despenalizar las drogas duras. Al respecto, el cineasta comenta: “Que el país que empezó la Guerra a las Drogas sea el que está avanzando en la despenalización es un súper dato a tener en cuenta”. A la sazón, en Argentina, el 25 de agosto de 2009, el Fallo Arriola, Sentencia de la Corte Suprema de Justicia de la Nación Argentina, declaró inconstitucional procesar a alguien por tenencia. “No imagino una sociedad más democrática donde la norma sea la prohibición”, suma. Con más de 10.000 espectadores en Cine.Ar y con altísimo puntaje positivo (está entre las mejores rankeadas de la plataforma), el documental desentraña lo que opera detrás de la prohibición. Y ayuda a pensar alternativas: “Por eso fuimos a Uruguay, que tiene media década adentro”. Asimismo, dice: “No se trata solo de cambiar la Ley de Drogas. De hecho, dejar las drogas sueltas ante el capitalismo no es una opción hermosa”. Rieznik propone la búsqueda de mejores formas de regularlas y, también, de desalentar los consumos problemáticos. “Hay que hablar del tema, sacarlo de la esfera del tabú y de la prohibición”. En lo concreto, por una cruel confusión, el joven Eric Sepúlveda todavía puede ser condenado a prisión. Por eso, entonces, la discusión queda mejor sobre la mesa que guardadita en un cajón: cannabis medicinal no es sinónimo de crimen ni de delincuencia. “No se trata solo de libertades individuales. Es un problema que tenemos como sociedad”, concluye.

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¡Ahí vamos! La industria 4.0 POR SAN KAIYER

“En 6 meses pudimos ver a Charlie Watts tocando una batería imaginaria en el living de su casa, así como un avatar de Travis Scott cantando dentro de un videojuego para 12 millones de personas, y esto es sólo el comienzo.”

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Mientras Europa vive su segunda ola del COVID-19, Buenos Aires y São Paulo, ciudad en la que vivo hace algunos años, se animan poco a poco a recuperar su vida social y nocturna. Con protocolos, mascarillas, distanciamiento social y mucho alcohol (también en gel), nos volvemos a ver las caras después de una larga cuarentena. ¿Pero es este acaso el fin de la pandemia? ¿Será la última cuarentena que nos toque vivir? ¿El 2020 fue un año perdido? Abro mi navegador, tipeo: www.INTERNET.com y la primera noticia del día viene hacia mí: un tercio de los músicos del Reino Unido piensa en abandonar sus carreras, mientras que una buena parte de los dos tercios restantes viene luchando contra problemas mentales, por cierto, ¿ustedes bien? Esta encuesta realizada a más de 2.500 músicos británicos por el sitio “The Guardian” revela en parte el impacto que tuvo, que tiene y que tendrá la pandemia en les artistas. El 2020 no sólo será conocido como el año AC/DC (Antes del COVID / Después del COVID), sino como el año que impulsó a la industria 4.0 dentro del entretenimiento. Según el sitio RockContent la Industria 4.0, también conocida como cuarta revolución industrial, es la aplicación de nuevas tecnologías en la industria de producción. ¿Se acuerdan del mes de marzo cuando los países de occidente entramos en cuarentena y pudimos ver a Paul McCartney, los Rolling Stones y otros artistas cantando desde sus casas en el festival “One Together: Stay At Home”? Este evento organizado por la ONG Global Citizen, y con la curaduría de Lady Gaga, fue la primera gran transmisión de muchas que vendrían después. Inmediatamente otras grandes, y no tan grandes, producciones entendieron que internet era la única herramienta que permitiría mantener artistas conectados con su público, al menos, mientras durara la pandemia. Pudimos ver a Travis Scott romper todos los récords de asistencia (12 millones de personas) con su show “Astronomical” en el videojuego Fortnite (experiencia que revisamos en la edición anterior de la revista). También Gorillaz, la banda creada por Deamon Albarn y el dibujante Jamie Hewlett, junto al artista norteamericano Beck, hicieron su aporte a la industria 4.0, presentándose en el videojuego “Animal Crossing” desarrollado por Nintendo. Festivales como Tomorrowland y Burning Man crearon sus propios escenarios virtuales para continuar con su programación habitual; y así podría seguir gastando caracteres con infinitos ejemplos de artistas que se debieron adaptar a este “nuevo escenario” (sic).

“Según el sitio RockContent la Industria 4.0, también conocida como cuarta revolución industrial, es la aplicación de nuevas tecnologías en la industria de producción.” Hay quienes piensan que los lives son aburridos, que se van a poner en desuso y que nunca superarán a la experiencia real, pero esto no es suficiente para torcer el rumbo de esta nueva era. Somos contemporáneos al nacimiento de esta industria, la industria 4.0. Una máquina en constante movimiento e innovación alimentada por big data e inteligencia artificial. En 6 meses pudimos ver a Charlie Watts tocando una batería imaginaria en el living de su casa, así como a un avatar de Travis Scott cantando dentro de un videojuego para 12 millones de personas, y esto es sólo el comienzo. Kairos, el dios del tiempo oportuno, más conocido como el dios de la experiencia, del aprendizaje, de lo no cuantitativo, es quien nos guía a todos aquellos que ejecutamos nuevas prácticas para continuar desarrollando nuestra música. No se trata de errores, ni de aciertos, de mejores, ni peores. El mundo nos invita a cambiar y cada uno tiene la llave, o el avatar, para tomar posición dentro de esta nueva industria. No teman camaradas, ni se resistan, porque... ¡Ahí vamos! ¡Salud Comunidad! • Mención especial para minha namorada Anna Castro y para la comunidad OCLB por inspirarme a escribir este breve artículo.

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Universo Tarantino Perros de la Calle

Al momento de hablar de directores consagrados en la historia del cine es de esperar que la charla tenga innumerables referencias, profundos análisis en el tratamiento de la imagen y en su arte, búsquedas en la composición en la narrativa, en la inspiración del autor entre muchas otras cosas y además música, mucha música. POR SEBASTIÁN DA VINN

Me atrevo a opinar que dentro de este público lector se encuentran muchos seguidores de Quentin Tarantino y su carrera y no podemos dejar pasar por alto el llamado TCU (Tarantino Cinematic Universe), algo oficial explicado y aclarado por el mismo director. La mención de este universo es a razón de ver las películas en un orden específico para comprender mejor los detalles, la historia y la relación de las diferentes películas entre sí. Decidí ir por el camino natural del orden cronológico y así enfocarnos en sus películas y la música más allá de todo lo que pueda suponer dentro de este universo, el cual explayaremos en las próximas entregas aquí mismo. Desde su amado Spaghetti Western pasando por La Nouvelle Vague, del cine clase B y las artes marciales al cine de Blaxploitation, Quentin Tarantino es reconocido por su estilo cinematográfico y por sus referencias a la cultura pop. El director es muy meticuloso al momento de elegir la música de sus películas y el uso justo a la hora de contar una escena es una de sus múltiples virtudes. Logrando muchas veces usarla como una poderosa herramienta narrativa y no simplemente cumplir con un contrato que dicte

una playlist de temas comerciales para poder vender en un futuro como parte del merchandising. Reservoir Dogs (1992) CONTIENE SPOILERS Estamos ante uno de los mejores ejemplos del cine independiente llevados a la pantalla grande. Con apenas 100 minutos que logran reformular una típica premisa, y que da como resultado una apasionante trama, con apenas una pequeña dosis de acción. Siendo que Tarantino aprendió sobre el séptimo arte viendo películas mientras trabajaba en un videoclub (y sin formación académica de cine alguna), dejó a los críticos más que sorprendidos cuando esta película estrenó en los cines. La historia básicamente relata un robo frustrado a una joyería, un infiltrado y un grupo de ladrones que, en vez de llamarse por sus verdaderos nombres se los bautiza por diferentes colores. Y aquí es donde justamente el film marca la diferencia, ya que esta historia por más simple y pequeña que suene contiene uno de los mejores relatos cinematográficos en la historia. Se hace presente el gran trabajo de los personajes en el guion, las actuaciones se ponen al frente y mantienen nu-

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NOTA

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PE LI CU LAS

merosas escenas sin cortes, algo que con el paso del tiempo se volvería característico en las películas de Tarantino, los diálogos inteligentes y sus famosos planos secuencia. “Reservoir Dogs”, también conocida como “Perros de la calle”, es el primer film del director, dejó una marca en cuanto a la musicalización de sus films. Alejándose del uso común y más formal de la música en el cine, utilizando canciones de manera aislada y dándole un gran protagonismo al dialogo, siendo que la película carece de la típica la típica banda sonora, y esto es muy importante, ya que muchos directores por diferentes motivos deciden musicalizar algunas de sus escenas con grandes bandas sonoras, a veces porque amerita y otras veces para reforzar el momento dramático, algo que regularmente se cuestiona por parte de los críticos. Tiene un rol tan importante la música para este director que las primeras líneas de su primer largometraje hablan de una canción de Madonna, y creo más de uno recordara esa charla con los protagonistas de la película en donde la canción de Madonna “like a virgin” parece tener un sentido totalmente diferente a lo que se pensaba o al menos lo que se pensaba hasta ese momento. “Les diré de que trata like a virgin” Más tarde los protagonistas hablan sobre el programa de radio “Los supersonidos de los 70 de K-Billy” y de las canciones que suenan en dicha estación. Lo particular de esta escena es como Tarantino nos presenta un grupo de extraños que ni siquiera saben sus nombres pero se sienten conectados por la música y como estas mismas melodías los transporta a todos por igual a lugares comunes que conocemos y que nos definen. Tras esa maravillosa primera escena y luego de una hermosa discusión sobre si dar o no dar propina, Tarantino da paso a los créditos, convertidos hoy en una de las secuencias iniciales más icónicas del cine, replicada y homenajeada por muchos. La canción que suena es “Little green bag” de George Baker Selection, un clásico de 1970. No quedan dudas que el gran ritmo de esta canción y la poderosa imagen de 8 hombres de traje caminando en cámara lenta funcionan a la perfección y tiene un poder visual increíble y que también podemos encontrar en la letra cierta conexión con lo que está a punto de suceder. Justamente esta imagen sería fuente de inspiración para el logo de lo que hoy se conoce como “A Band Apart” la productora de Quentin.

Durante el transcurso de esta historia (personalmente una de mis favoritas) habrá varias escenas en las que la letra de la canción y la narrativa visual se complementan, aportando de una forma sutil información que aún no conocemos. Por ejemplo, cuando capturan y agreden a un policía suena “I Gotcha”, temazo de Joe Tex de 1972, resulta bastante evidente la relación de la letra con lo que sucede. Otra de las canciones elegidas en este film es “fool for

love” de Sandy Rogers quien la escribió para la banda sonora de “Fool for Love” (1985), y que en este caso suena cuando Mr.Orange interpretado por Tim Roth, un policía infiltrado decide preparase para su misión ¿Ama su oficio de policía y está cometiendo una locura por ese amor al aceptar la misión encubierta? Otro momento inolvidable, es la célebre escena de Mr. Blonde torturando a un policía mientras suena de fondo “Stuck in the middle with you” de Stealers Wheel (1972), y en donde además de la letra, se hace presente el famoso contraste entre la violencia explícita en pantalla y el ritmo alegre de la canción, provocando cierta incomodidad y reflejando la locura y el sadismo de este personaje interpretado por Michael Madsen. Imaginate que hasta el mismísimo Wes Craven, un capo del terror responsable de clásicos como Freddy Krueger o Scream, tuvo que huir despavorido de la sala del cine done se estaba proyectando la película cuando sucedía esta mítica escena y quedó como una anécdota entre los dos directores. Entre torturas, risas y entretenidos pasos de bailes, el policía que minutos atrás estaba cautivo en el baúl de un auto, se queda sin una oreja mientras suena en la radio la alegre melodía de fondo. Tarantino utiliza este recurso de contraste de una manera brillante y nos obliga a experimentar la violencia extrema sólo por diversión. Para quienes dicen que el uso de este recurso puede romantizar la violencia, aquí Tarantino lo utiliza de forma diegética (el sonido sale de una radio que está en el taller abandonado) cuando este torturador sale al exterior a buscar gasolina la música queda detrás para llenar la escena de silencio y sonidos ambientales de un barrio tranquilo. Se logra el contraste y ejerce un peso increíble, ese momento de calma lleva al espectador a reflexionar sobre lo que está sucediendo y a percibir lo que viene a continuación de una manera aún más cruda. En repetidas ocasiones el director ha mencionado el poder de la música como contrapunto a la violencia que presentan sus películas. Contrario a lo que comúnmente estamos acostumbrados en donde la composición musical se mezcla con la acción como si fuese todo un solo organismo. Esto también se suma al relato alterado de la trama que está plagado de flashbacks, toda la obra se presenta de manera fraccionada. Volviendo a la selección musical, otro de los temazos que se pueden escuchar en la película es “Hooked On A Feeling” de Blue Swede y su famoso y entrañable intro con el “uka chaka uka uka”, y por último, a modo de cierre suena “Coconut” de Harry Nilsson que habla de cómo preparar un trago que lleva lima y coco para calmar un dolor de estómago, aunque otros dicen que la letra va por otro camino. No quiero dejar de mencionar el gran reparto, con Tim Roth y Harvey Keitel a la cabeza unidos por la desgracia durante todo el film, Chris Penn y Michael Madsen como los amigos más cancheros, peligrosos y loquitos que podrías tener, y Steve Buscemi como el paranoico de ojos saltones, y que podríamos decir, el más profesional. Con esta anécdota concluimos la primera entrega de este gran director. A Madonna le gustó mucho la película, tanto que le envío a Tarantino una copia de su disco ‘Erótica’ (1992). Este disco venía con una dedicatoria especial: “Para Quentin. No se trata de penes grandes, sino de amor”.

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MAG #7

A uno, el término “rockstar” le queda chico. El otro es un “next level” a nivel productor. Hace muy poco se presentaron juntos en festival Desorden Online, en el marco del 4to aniversario de BeatHey y tuvimos la oportunidad de entrevistarlos.

WILLY CROOK LEO PORTELA POR GONZALO ARZÚA PH MIGUEL WARLIES

El calor de diciembre se hace notar. Quinientos grados bajo la sombra. Me encuentro en la previa de Festival Desorden (el segundo en modalidad streaming) organizado por BeatHey en el Centro Cultural Otra Historia, uno de los tantos “points” nocturnos que durante la pandemia tuvo que hacer mil malabares para poder sobrevivir. La particularidad de este festival es que es federal, estarán compartiendo line up con artistas de otras provincias. De Golpe suena el timbre. Willy Crook se hace presente con sus dos anvils. Uno claramente es una guitarra, el otro no dudo que sea algún instrumento de viento. Inmediatamente se hace notar. Su humor filoso y esa merecida presencia de rockstar pone todas las miradas en él. Llega Leo Portela. Luego de dejar sus equipos, ellos piden un trago. Yo los sigo con una cerveza. La primera pregunta es para Willy. Tocaste con artistas de la talla de Los Abuelos de la Nada, Riff, Los Redondos, James Brown, hasta con la Mona Gimenez y claramente con los Funky Torinos. ¿Qué encontrás tocando con Leo Portela? WC: Puedo decir que he pateado entre gigantes. Pero en este hermoso cretino encuentro profesionalismo. Tiene ese “nosequé”, que realmente no se que es, pero es algo que algunos músicos lo tienen y muchísimos no lo tienen. Hay mucha gente que le gusta la música, pero en el caso de Leo, la

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“La falta de inspiración se siente más cuando estás alejado de tus seres queridos.”

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“A este año lo deberíamos llamar “el año que no sucedió”. Es muy difícil encontrar inspiración entre todo eso.”

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música gusta de él. Si no tenés ese contacto con la música, aunque te pongas la remera del Che Guevara tocando el charango arriba de la tumba de Atahualpa Yupanqui, probablemente no pase nada. Leo es de esas personas que tienen un diamante. Un tesoro. Aclaro, no se lo voy a robar. ¿Cómo se conocieron? LP: Con Willy tenemos una amistad de años. Creo que nos conocimos en el 2009/2010. Yo tenía que tocar en un bar en Las Cañitas. Estaba musicalizando con tracks míos de Downtempo, Nu Jazz, y Acid Jazz. De golpe él se subió al escenario y se puso a tocar el saxo soprano encima de los temas. Me encantó porque nunca había escuchado un saxo tan bien tocado, con tan buen gusto. Estuvo muy bueno, hubo muy buena vibra. Al final de la noche le regalé el CD con el que había estado tocando. Cuando me acerco a la barra a cobrar le pregunto al encargado como se llamaba el saxofonista. Cuando me contestó que era Willy Crook casi se me caen los pantalones. Resulta que años después, una productora de radio de Córdoba se acordó que Willy le había hablado maravillas de mi y nos puso en contacto nuevamente. A pesar de que Leo Portela asegura “nunca me gustó como suena el saxo encima de una base house”, resalta que lo que hace Willy Crook lo inspira. Su show en vivo es la clara demostración de ello. Juntos logran un sonido que nada tiene que envidiarle al mismísimo “So Flute” de St Germain. Hoy se están por presentar en modo streaming. Una palabra que hace un año era casi desconocida para algunos. ¿Cómo pasaron este año tan particular? LP: Yo aproveché para componer y para hacer laburos para otra gente. Pero la falta de inspiración se siente más cuando estás alejado de tus seres queridos y de tus amigos mas que nada. WC: A este año lo deberíamos llamar “el año que no sucedió”. La verdad que lo recordaré con muchísimo rencor. Porque fue una situación muy extraña y perversa. Es muy difícil encontrar inspiración entre todo eso. Lo mas copado que hice fue, con un control remoto en una mano, y un teléfono en la otra, se me ocurrió la idea de hacer el disco de remixes

MAG #7

“Reworked” donde Leo hizo una magia con un track mio en vivo. “Reworked” es una recopilación de algunos trabajos de de Willy Crook. Es una deconstrucción muy formal y fina por parte de artistas y colegas entre los que podemos encontrar a Remove, T.S.R.O., Tito Losavio, y Guillermo Picollini, y donde las atmósferas juegan entre el dub, soul, funk, funky breaks, nu jazz, house y hasta algunas pizcas de ghetto funk que literalmente llegan hasta el alma. El remix de Leo es una belleza... LP: Un día Willy vino con la computadora y me trajo un par de rarezas, cosas viejas, grabaciones en vivo, incluso fotos con James Brown. Agarré una toma en vivo en mono que había grabado algún un sonidista que laburó con él y tuve que reconstruir muchas cosas que no captaba el micrófono. Tuve que reconstruirlo con las máquinas. Asi salió If You. Hablemos del proyecto que van a presentar hoy. ¿En donde encuentran referencias? LP: A Willy le gusta mucho todo el mambo del sello warp. Así medio IDM. Y me insiste mucho en hacer algo del estilo de Thundercat. Pero bueno, en lo que hacemos hay un poco de todo, principalmente house con cositas muy del estilo St Germain. WC: Aca el compositor es Leo. El hace una música muy buena y yo le tengo una confianza tremenda a lo que él hace. Igual le insisto con algunas cosas por ejemplo de este género… ¿Cómo es que le dicen? ¡¡VAPORWAVE!! (risas) Cuentenme un poco cómo es el formato de live que hacen LP: No nos complicamos mucho. Willy toca instrumentos acústicos, la viola y el saxo y yo le pongo las pistas que grabamos. WC: Y básicamente el resultado es algo que se llama MÚSICA. LP: Exacto, Willy es el Pappo, yo soy el DJ Deró (risas) Ya que lo mencionaron. Que opinan sobre aquel dicho de Norberto Pappo Napolitano sobre los DJs. WC: Un poco ya lo hablamos antes. Para hacer música tenés que tener alma. No considerar que la electrónica es una herramienta, es no considerar la evolución de la música. Lo importante es tener buen gusto, y oído.

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MAG #7

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POR MANU BARBEITO

MAG #7

El día de hoy me gustaría hablar un poco acerca de lo que me gusta denominar como “recorrido musical”. Básicamente sería el camino que cada uno recorre con su oído, desde canciones de cuna hasta el último track que escuchaste, como para contextualizar un poco les cuento un poco el mío. En la casa donde crecí se escuchaba poco y nada de música, capaz a mi vieja el finde mientras limpiaba le gustaba poner Habanera (Carmen), Serrat, la negra Sosa, de ahí no pasaba mucho. Muy distinto era en la casa de mi viejo, pilas y pilas de discos, me acuerdo de pasar tardes enteras viendo tapas, escuchando de todo, desde los Stones y los Beatles, pasando por Marley, Peter Framptom, Charly, Pink Floyd, hasta Willie Nelson, Norah Jones etc. Pero esta panzada musical solo la tenía cada 15 días, y si bien me gustaba, en esa época no me volaba la cabeza, a todo esto, a mis 7/8 años, mi vieja me compra mi primera compu, y por fin tenía la posibilidad de pedirle en un papelito que por favor me compre mp3 con discografías de bandas que me gustaban (god bless old Mtv) para podes pasarlos a mi compu y así ir generando mi colección virtual de música, como seguro a muchos también les paso. Lo primero fue la discografía entera de Green day, y ahí empecé, y no pare, cuando aparecieron los usb flash, me acuerdo que esperaba con ansias ir a la casa de mi primo Nacho que tenía internet, con un papelito y pedirle que me baje todo lo que se podía, y que además me pase lo que venía escuchando él. Y un día llego la tan esperada banda ancha (128 kbps de 19 a 00) a mi amado pueblito de Jauregui. Me cebé, de repente el disco de 20 gb con el que venía mi compu era demasiado poco, asique pedí un upgrade, y otro y así, mi mayor hobbie era (y es) buscar, escuchar, descargar y ordenar música. Pase por todo, rock y metal en todas sus variantes, punk, indie, pop, soul, reggae, hip hop. Pero no fue hasta mis 15/16 que me encontré con artistas como Daft Punk, The Chemical Brothers y Deadmau5 que me abrieron las puertas a un universo nuevo, un universo que ignoraba totalmente y en el cual redescubrí mi amor por la música, y ahí arranqué de nuevo en un frenesí de consumo que paso por el Techno, House, Deep, Micro, en fin, ustedes me entienden. A lo que voy con todo esto, es que hay mucha, mucha, MUCHA, música por descubrir ahí fuera, cada artista es una puerta de entrada a un nuevo universo, y depende de nosotros enteramente ir a por esas experiencias y profundizar nuestro recorrido musical. Hoy en día no hay excusa, tenemos herramientas al alcance de (casi) todos, para descubrir nuevos artistas, y volver al pasado es tan sencillo como buscar ese disco que escuchabas cuando tenías 15, cerrar los ojos y volar. En fin, creo que para bien o mal, todo lo que elegimos escuchar nos va formando nuestro oído, y es lo que hace que hoy en día escuchemos lo que escuchamos, pero hay tanto ahí afuera, que a veces me gustaría tener 2 vidas para poder conocer todo. Por suerte hoy en día tengo la oportunidad de seleccionar, a mi criterio, lo mejor de Beathey para ustedes, por lo cual, sin más, aquí van los elegidos para la batea de esta edición.

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Fede Donovan

MAG ESPECIAL CUARENTENA

Bautista Santos

Una Vuelta Mas

Tropical Beach Empieza el calor y con él la necesidad de este tipo de tracks, tech perfecto para fiesta al aire libre, bien ejecutado, llevadero y efectivo.

Bienvenido el debut de Bautista Santos en BeatHey, con un tema bien producido, mezclado y masterizado. La canción combina guitarra y voz con arreglos de viento y percusivos contándonos una gran historia, digno de mate y ruta.

J. Damur

Automática

Some Kind Of Wave (Original Mix)

Animal

En algún lugar entre la música disco y el deep house se encuentra la obra de J.Damur. Un artista que da su carta de presentación en BeatHey con un ep de 3 tracks, a mi gusto, excelentes los 3.

Energía pura, Rock made in Uruguay for export, riffs demoledores, la caja de batería es un tiro como corresponde. Matices llenos de tensión y resueltos con la explosión de un estribillo que pide pogo.

Santos

DJ Scihacker

Lopes Mendes

Mars Xploration Crew Recruitment

En noviembre recibimos el agradable estreno de ver el primer EP de Santos en BeatHey. Dentro de este lanzamiento tenemos a Lopes Mendes, arreglos percusivos tribales, pads eternos y una voz con matices melancólicos dan la receta justa.

Industrial upbeat techno, todo eso es este tremendo track de DJ Scihacker, un artista que innova y sorprende en cada una de sus producciones, atentos al sample del launch, gran recurso.

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Pirdo

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ADICTA

Sir (Nattz Remix)

Amor Iluminado

Pirdo y Nattz unen fuerzas para traernos este gran remix de Sir, hipnótico, para disfrutarlo en pista de luces bajas y con un buen soundsystem.

¡Cómo suenan esos synthes y baterías por favor! El combo se completa con un bajo contundente, efectos, coros y arreglos en el momento y lugar justo. Una energía que necesito vivir en vivo.

Mirnha

Urban Groove

Donnerstag

Delete Soul (2002)

Hace un tiempo la dj y productora que comanda Analog Records dejó esta joyita por BeatHey, Donnerstag es un track hipnótico, techno de pura cepa como nos tiene acostumbrados. 5 Am en el sótano, no falla.

La Urban Groove hace honor a su nombre con Delete Soul, parte de su disco 005 del año 2002. Lleno de Groove y movimiento, con paneos de instrumentos que nos hacen viajar estando quietos, cuatro minutos y medio de un viaje al pasado que da gusto hacer.

Hernán Marine

DOMO

House School - The Jack’s Marines

Get By (Martin Minnucci Remix)

Tengo cierta debilidad por el House, pero más aún cuando logra sorprenderme de nuevas maneras. Es lo que logra Hernan Marine en este track, una evolución y un groove en sí mismo de manera impecable.

Para cerrar esta humilde selección les dejo este gran remix de Martin Minnucci, Deep tech perfecto para estos días de sol que venimos teniendo, ideal para acompañarlo con amigos y trago en mano. Capítulo aparte para el arreglo de saxo.

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Se iban los segundos del 2020 y daba miedo respirar, que se abriera un vórtice y nos llevara. Para la mayoría de las personas, ese año será recordado más por lo que sufrimos y no hicimos, que por lo que vivimos. Pero, como en la mismísima caja de Pandora, también quedó algo de alegría entre tanta desazón. Después de 21 años, después de un fugaz y veloz recorrido de seis meses, que dejó un disco increíble (“Debut y Despedida”) y un mito, volvió San Martín Vampire. Aquel trío experimento que armaron Rudie Martínez, Sergio Pángaro y Fabio Rey Pastrello con un sonido vanguardista y un imaginario recargado, estuvo guardado durante dos décadas. Hasta que surgió, en medio de la pandemia, estrenó material nuevo y continuó aquella idea que combina sonoridades electrónicas, riffs melancólicos y una extraña poesía, como viñeta en blanco y negro. De este comeback, nos habla Rudie Martínez: “Nos volvimos a juntar después de 21 años, pero no queremos tocar nuestras canciones, canciones nuevas, para una cámara. Así que, si esperamos 21 años, podemos esperar 22”. “Tenemos el disco entero, nueve canciones, y pasamos bastante tiempo escuchando los detalles. Sergio es muy puntual con algunas cosas y yo soy medio hinchapelotas. El arte de portada es de Joso (Josué Cereceda)”. A partir del 12/2 lo pueden encontrar en Spotify. -¿El nombre? “Aspic”, es una gelatina de la nouvelle cocina francesa de los años 50. Como estamos en esa onda retrofuturista y yo soy adicto a la comida... El verdadero aspic se hacía con colágeno de res: es casi desagradable. ¡Cómo un caracú sofisticado! Sí, es un plato de diseño, totalmente rococó. Todo lo anacrónico nos queda bien y, además, en SMV el humor es lo más importante. Hoy, la gente se ríe del meme, se ríe de tonteras. El humor inteligente no está de moda y a mí me parece que juega en un nivel superior al drama. Me gusta eso de que se rían sólo diez, pero que se rían mucho. Mientras, estrenaron varios videoclips, lo que implica reunir un equipo para la producción. - Son colaboraciones de gente muy cariñosa, a quienes les gusta la banda incluso más que a nosotros. Así es siempre en mi vida: tiro una idea y tengo colaboradores muy copados. También está el hecho de que somos una banda bastante rara. Sergio está muy metido con el cine, pero a mí no me gusta hacer videos. Los videos viejos de Adicta son horribles, los detesto. ¡Que me perdonen los directores! De hecho, en los nuevos de Adicta solo sale Haien (Qiu). El videoclip ya me parece antiguo, me gusta que aparezcan otros puntos de vista. Rudie Martínez tiene que lidiar con ese título casi nobiliario, que es la idea de encarnar vanguardia, estar adelantado en su tiempo a las escenas musicales. En la ciudad de La Plata, con su prolífica y reconocida tradición musical, fue pionero con Víctimas del Baile (junto a Daniel García) y por donde pasaron Francisco Bochatón (Peligrosos Gorriones) y el mismísimo Pángaro. En esa dirección, Rudie también encarnaría a Audioperú. Hace poco subió a Youtube, el registro de “Zombie Jesus” (del disco “I am Your Mother”, cuando sumó a Julián Gómez al en vivo. “Eran unos sets

que hacíamos en la casa de Juli. Sólo para 50 personas, invitadas por Facebook. Y a la gorra para pagar el sonido, que era fabuloso. Hicimos dos, y fueron un éxito total. Como instalaciones musicales”. Esa actitud DIY que lo acerca tanto a un espíritu punk, es el que guía sus movimientos. Aún con Adicta, un proyecto más amplio, en el que él componía y Toto Nievas interpretaba sus canciones. “Estoy tan fuera del sistema, me interesa tan poco lo que me ofrezcan... Aunque, voy a ser sincero, tampoco no me ofrecen nada. La música la hago porque me sale, no le pido nada, no quiero nada de ella. Quiero música. Es un poco romántico, o estúpido, pero creo mis propios lugares, la comparto con mis amigos. Para mí es fácil hacerla y trabajo y vivo de otra cosa. No ocupa mis ganas de trascender.” Entendiste hace rato las formas del sistema. Sí, aunque nunca estuve muy adentro del sistema, siempre lo bordeé. El sistema se me acercó, pero soy demasiado punk para el establishment musical. No es que me vinieron a rogar, pero creo que la industria coqueteó con nosotros. No fue al revés. Es Adicta, su modelo 2020, que también motoriza a Rudie. “Es que es un equipo espectacular, de amigos y trabajo. No los cambio por nada. Los adoro. Me siento más cómodo que nunca. Ya no hago la producción de los temas nuevos, sólo compongo las canciones, hago los arreglos. Me siento más cómodo que nunca. Ahora estamos terminando un disco de covers”. ¿Un disco de covers? Sí, son seis temas de los 80s que me gustan. Estamos grabando el cuarto. Los traduzco al español, y me entusiasma mucho lo de la traducción. Meter la sintaxis en la melodía y que sea creíble es un desafío. Es como una adaptación teatral. Justo quería preguntarte por eso: ¿cuánto talla lo anglo, en tu música? El mapa era así. Cuando canté en UK, fue porque cantaba en inglés. Hoy ya no es así, el español y lo latino está muy fuerte. Antes, tenías los instructivos para leer, venían en inglés. Hoy defiendo mucho al español. Y con la corriente de música urbana, la gente está estudiando el español. Pero también me gusta el lenguaje, trato de ser elegante, y no

estoy tan de acuerdo con algunas líricas modernas. Pero eso quizás es porque soy un viejo choto. La última vez que nos vimos, fue cuando tocó Peces Raros (una banda platense de techno con una impronta rockera) en Niceto Club. Ellos te habían invitado, casi que querían tu bendición. ¿Cómo es tu relación con la música nueva? Los chicos de La Plata la rompen toda. También está muy bueno el proyecto paralelo del cantante de Mostruo. Me van llegando cosas, me resulta muy interesante todo lo que saca Casadelpuente, siempre le presto una oída. Mi principal red con las cosas nuevas es Cecilia (Amenábar), ella escucha muchas cosas. A mí, algunas cosas se me escapan. Ahora me volví fanático de El Chakal. Me gusta que haya vuelto la armonía, los buenos cantantes, que haya una buena generación de cantantes. Estoy agradecido de compartir música nueva.

ENTREVISTA

MAG #7

RUDIE MARTÍNEZ

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“Me gusta el lenguaje, trato de ser elegante, y no estoy tan de acuerdo con algunas líricas modernas.”

POR TITO DEL AGUILA PH JOSUÉ CERECEDA

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¿Cómo fue que conociste tu vocación? Fue a través de ver los looks de los músicos, hacérmelos y copiárselos a mis amigos; y al no gustarme ninguna carrera universitaria, decidí dedicarme a ser estilista. ¿Cómo empezó Prana, y qué significa? Prana comenzó con el entusiasmo de dos jóvenes soñadores que querían revolucionar el mercado de la peluquería antigua, es decir, generar dependencia a través del asesoramiento y profesionalismo, soñando que haya mucho arte en todas sus facetas. Prana significa “Energía Vital” en sánscrito (que es una lengua indoeuropea que se conserva en los textos sagrados y cultos del brahmanismo escritos entre los siglos XV y X a. C. en la India.). Existe una conexión muy fuerte entre la música y Prana. ¿Cómo se inició? Por amar la música y haber vivido la cultura de rock de chico. Sabía que los músicos nunca quedaban conformes con los peluqueros y se cortaban el pelo entre ellos. Yo al tener ese tipo de looks los entendía y sabía cuál era su necesidad. Luego de la tragedia de Cromañón, al no haber lugares para que los músicos puedan tocar, Prana fue un nicho para esos músicos nacionales y hasta extranjeros, dando lugar a ciclos de música en vivo: Pop, rock, electrónica, y hasta poetas/performances. ¿Qué fue lo más loco que te pasó? Haber entrado a los camarines del Luna Park, Lollapalooza, Personal Fest, Movistar Free Music, Pepsi Music, haber conocido músicos que admiraba y me parecían inaccesibles, sólo los veía por MTV o en las redes. Y por supuesto lo más loco es que músicos internacionales se comuniquen para que me encargue de su look. ¿Qué necesita alguien para ser parte del Staff? Responsable, eficaz, transgresor, trabajar en equipo, y sobre todo que tenga “Prana”. En este contexto ¿Cómo afectó al negocio? ¿Cómo se tuvieron que adaptar? Esta pandemia afectó al negocio, estuvimos 7 meses sin ingreso alguno y por ende deudas de impuestos y alquileres de todo tipo, pero lo que nos salvó es que al tener una trayectoria de 16 años, las inmobiliarias y proveedores nos dieron su confianza para acomodar nuestras deudas y salir adelante. Nos adaptamos a esta nueva modalidad de trabajo, con barbijo, sin aires acondicionados y con turnos de estricto cumplimiento. ¿Qué ideas tenes para Prana en el corto y mediano plazo? En el corto y mediano plazo, vamos a abrir escuelas solidarias en barrios humildes para aportar nuestro granito de arena a la sociedad y así ayudar a chicos que quieran ser estilistas y no tengan la posibilidad de pagar un curso. También así proveer de estilistas a nuestras futuras franquicias que también estamos por internacionalizar.

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BETTO Estilista profesional, creador de Prana Peluquería de Diseño, un artista del corte y el look. La historia de un joven soñador y emprendedor al que muchos artistas confían su imagen. Hablamos sobre la conexión especial que existe entre Prana y el mundo de la música en exclusiva para BeatHey Mag.

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ENTREVISTA

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“Prana comenzó con el entusiasmo de dos jóvenes soñadores que querían revolucionar el mercado de la peluquería antigua”

SOSA

POR NICOLÁS BELDI

“Prana fue un nicho para músicos nacionales, dando lugar a ciclos de música en vivo: pop, rock, electrónica, y hasta poetas/performances”

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Con la danza como vocación llegó al Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín de Buenos Aires, y siendo primer figura bailando recorrió escenarios por Europa, Rusia y Latinoamérica, incluso, acompañando a grandes como Julio Bocca en el Luna Park. Hoy dedicado 100% al arte plástico como expresión artística, entrevistamos al autor del libro Arte Destilación Humana Esteban Wozniuk. Ser artista en 2020. POR NICOLÁS BELDI

ESTEBAN WOZNIUK “La creatividad está en mi esencia, lo que cambió es la sensibilidad social ante esta pandemia.” ¿Como definís tu estilo? ¿Cuáles fueron tus influencias? Mi estilo es muy versátil, manejo tanto el color como el relieve, ingreso en todas las expresiones tanto dibujo, carbonillas, óleo, acrílico, texturas, bastidores, cartón, madera y otros materiales. Una de mis pasiones es la escultura donde trabajo con masilla epoxi y las vitrifico. ¿Cómo fue el traspaso de la danza al arte plástico? ¿Fue algo que fue creciendo dentro tuyo o siempre conviviste con ambas pasiones? La danza fue una de las experiencias sensoriales más importante de mi vida, el movimiento y la música enseñaron a mi cuerpo el todo, pasé por el clásico, seguí con la comedia musical y luego la danza contemporánea, y no debo olvidar el tango. Tuve la maravillosa experiencia de estar en el Teatro San Martín y con él, recorrer el mundo, donde obtuve grandes críticas al igual que en Argentina. Siempre conviví con ambas pasiones, solo que la danza tuvo su tiempo y ahora me dedico a full a la plástica. ¿Cómo se vieron afectados los proyectos que venías desarrollando en 2020? ¿Surgieron nuevos? La pandemia de este 2020 llevó a cancelar muchos proyectos, entre ellos la exhibición en el Centro Cultural Borges, la Galería de Liliana Rodríguez con dibujos y otras tantas, lo importante es el reciclarse, y actual-

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ARTES PLÁSTICAS

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mente estoy en el Grupo de la Galería, Bar de Fondo donde junto a algunos colegas estaré presentando obra de forma presencial en los próximos días. Y además de producir todos los días en mi taller me estoy encargando de actualizar mi página web (www.estebanwozniuk.com) y día a día me muestro en las redes sociales, Facebook, Instagram, Youtube y algo en Twitter (estebanwozniukarte).

“Jamás bajar los brazos y seguir creando.” ¿Cambió de alguna manera tu creatividad durante estos meses? ¿Qué tan importante es el arte en estos tiempos? La creatividad está en mi esencia, lo que cambio de alguna manera es la sensibilidad social ante esta pandemia. El arte en todos sus movimientos enriquece el alma y la ayuda a sanar. ¿Qué consejo podés darle a artistas en un año donde seguro hubo varios replanteos? No suelo dar consejos, tan solo jamás bajar los brazos y seguir creando. Tan solo vivir el instante, de esta manera me aseguro un futuro Feliz.

Joey G ii

POR NICOLÁS BELDI

Entre dos continentes. Un artista autogestivo que nos sorprende con su nuevo álbum Pub Talk. Hablamos de las contradicciones de editar música en este contexto, las distancias de la nueva normalidad y deconstruir el pasado para mirar el futuro.

58 BEATHEY MAG MAG #7

“Pensé que tal vez mi álbum podría ser un poco de escapismo para alguien y eso podría ser genial.”

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ENTREVISTA

¿Qué opinas sobre lanzar nueva música en este contexto mundial? ¿Cómo te sientes al respecto? Hay una cierta banalidad en pedirle a la gente que escuche algo que uno creó durante una pandemia global y en unos Estados Unidos moralmente divididos (donde vivo actualmente). Ciertamente me ha obligado a reevaluar mis expectativas con respecto al éxito, pero también es bastante liberador. Con la banalidad viene una actitud liberadora. Además, durante este año, he consumido tanta cultura de videojuegos que me ha ayudado a superar períodos difíciles. Pensé que tal vez mi álbum podría ser un poco de escapismo para alguien y eso podría ser genial. Felicitaciones por tu nuevo álbum Pub Talk. ¿Cómo fue el proceso? He estado trabajando en las canciones durante unos cinco años. Algunas de las canciones se escribieron ya en 2015. La mayoría de las veces escribo canciones en mi guitarra, luego transpongo esas ideas al equipo de Elektron y programo secuencias y sonidos que me atraen, luego grabo un esqueleto. Luego vuelvo a grabar partes de sintetizador para abrir filtros y activar retrasos, etc., en momentos impactantes. Grabé en Londres (Brockley) de 2015 a 2016, Seattle (Capitol Hill) de 2016 a 2018 y Nueva York (Queens) en 2019 y principios de 2020. Los componentes clave del equipo que dieron forma al sonido fueron Elektron Analog Keys, Rickenbacker 620, JHS Colorbox, Elektron Machinedrum y M-Audio Sputnik. Después de terminar las pistas, mi compañero (Klein Zage) generalmente me ayuda con los ajustes finales y comentarios, pero esta vez le pedí una mano a mi amigo Reckonwrong. Necesitaba un oído externo ya que había estado trabajando en ellos durante demasiado tiempo y Sage (KZ) también estaba demasiado cerca de las canciones. Alex (Reckonwrong) fue increíblemente alentador con comentarios increíblemente reflexivos y un amor genuino por la música. Me enviaba notas semanales y yo trabajaba en ellas. En The Ghost EP se mezclaron diferentes ritmos (break, house, jazz, incluso reggaeton). ¿De dónde sacas la inspiración? Creo que la inspiración proviene de dirigir una estación de radio en Seattle. Tuvimos invitados como Equiknoxx, DJ Python, Octo Octa, DJ Manny, DJ Firmeza, Shanti Celeste, etc. Creo que es inevitable ingerir un poco de eso a través de la ósmosis. Mucho de eso también proviene de mi papá, que solía dirigir una estación de radio en Canadá y tenía invitados como Buddy Guy e Ike y Tina Turner, y luego también mis estudios de guitarra en jazz, funk, metal, incluso (risas).

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Los dos primeros sencillos de Pub Talk fueron My Fathers Version Of A Man y Kindness of Youth ¿Estás intentando deconstruir algo del pasado hacia el futuro en tu música? Es el cliché más grande, pero sí (risas). Siempre estaba tratando de poner una bravuconería a la que mi conciencia se oponía directamente. ‘My Fathers Version of A Man’ es solo pensar en todas las peleas sin sentido y las drogas del sur de Londres, que fueron exacerbadas por una pseudo-masculinidad. No éramos parte de la cultura de los chicos, no éramos ricos, apenas teníamos dinero, no teníamos las calificaciones para la universidad y simplemente pasábamos nuestro tiempo en horribles clubes de dubstep que dejaban entrar a la gente gratis antes de cierto tiempo. Kindness of Youth fue un momento muy específico para mí en la escuela. Solo bondad descarada de dos niñas frente a la violencia hacia mí. ¿Sigues viviendo en Estados Unidos? ¿Cómo es mantener proyectos en Estados Unidos y Reino Unido al mismo tiempo? Vivo en Queens, Nueva York en este momento. No he vuelto al Reino Unido desde hace un par de años. Es raro, porque cuando regreso me siento como un extraño, pero también me siento como un extraño aquí en los Estados Unidos. Creo que finalmente estoy empezando a asimilarme, pero muchas cosas sobre Estados Unidos todavía me molestan. Cuando llegué a Seattle, trabajé ayudando a los pacientes de Medicaid durante 2 años y aprendí sobre la política de Medicaid y Medicare Healthcare que es exasperante. ¿Pudieron continuar los eventos de tu sello Orphan este año? ¿Cómo te adaptaste? No lo hicimos. Estoy haciendo aparatos de radio en este momento para promocionar el álbum, pero no hemos hecho eventos desde nuestro último en Brooklyn con Reckonwrong en 2019. Me concentré mucho más en crear que en actuar, y finalmente busqué el escapismo fuera de la música y la interpretación para ayudarme a adaptarme. ¿Cuáles son tus planes para el futuro? Por el momento he estado haciendo un videojuego de rol de acción en 2d ambientado en un futuro cercano en Londres usando Unity. Es un proyecto largo, así que probablemente lo haré hasta 2026 :) Con la música estoy trabajando con mi socio Klein Zage en algo que lanzaremos para la subsidiaria de 4AD, b4, a principios de 2021, y luego tenemos un EP de un artista relativamente desconocido en Sacramento listo para su lanzamiento en el sello Orphan.

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Casa de Piedra es un disco grabado con energía solar en medio de las sierras buscando la sutileza y paciencia que solo la naturaleza puede dar. Una experiencia que fue registrada en documental atravesando cada una de las canciones por paisajes sonoros que se mezclan con los propios del lugar. Entrevista exclusiva con un artista autogestivo y un proyecto de lo más destacado este año, desconectar para volver a conectar.

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¿Cómo fue el proceso de pasar de un disco electrónico como Wu a uno más orgánico como Casa de Piedra? Claramente son muy diferentes, pero me encanta el contraste. En Casa de Piedra, el contexto definió el proceso y la estética, lo que quería resaltar era el sonido que podíamos lograr grabando en esta casa rústica hecha 100 por ciento de piedra, perdidos en las sierras con el viento soplando afuera y la chimenea prendida. Todo eso se escucha en el disco. Y grabando un instrumento tan particular como es el charangón, que es un charango grave. Para lograr todo eso necesitábamos pocos elementos, si hubiese beats se hubieran perdido esas sutilezas sonoras. ¿De donde surgió la idea? Surgió de la casa en sí. Conocí el lugar hace unos años y apenas entré pensé (y dije) “¡Quiero grabar un disco acá!”, el lugar suena realmente muy particular, y repre-

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sentaba un desafío ya que esto es a una hora en camioneta del pueblo más cercano, literalmente en medio de la nada. Sin electricidad, sin señal de celular, sin internet ni ningún tipo de comodidad. Por eso llevamos un estudio móvil y paneles de energía solar. ¿Como fue el proceso de grabación? Fué mágico, pero también muy ordenado. Creamos un dogma para la grabación. Nos propusimos que todos los sonidos iban a ser generados en la montaña, o sea que no íbamos a usar ningún sample en post producción. Todos los sonidos de la percusión sutil que hay en el disco están hechos con piedras, maderas, chapas, hasta vegetación. Por otro lado no usamos metrónomo en la grabación , no queríamos que tuviera la dureza ni la perfección de un tiempo perfecto, sino la dinámica del tempo orgánico que surgía. Y por ultimo, no usamos auriculares para grabar, queríamos escuchar lo que sonaba en el ambiente, no en los auriculares.

FEDE CABRAL POR NICOLÁS BELDI

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“Un desafío sin electricidad, sin señal, ni ningún tipo de comodidad. Llevamos un estudio móvil y paneles de energía solar.” ¿Los temas nuevos fueron compuestos ahí? La canción “Casa de Piedra” está prácticamente compuesta ahí, luego está “Regalo” que ya la tenía de antes pero la versión la encontré ahí. Luego hay muchas versiones de temas de otros discos míos solistas, que me encantan, siento casi que son canciones nuevas. ¿Qué fue de ese lugar luego de los incendios? Este año fue un desastre el tema de los incendios en Argentina. El peor año a nivel registro de incendios, es un problema enorme que tenemos y que no podemos solucionar. Lamentablemente toda la zona fué afectada. Todo lo que se ve verde y paradisíaco en los videos de “Casa de Piedra” en YouTube, está todo quemado ahora. Mágicamente, la casa quedó en perfectas condiciones. ¿Que percepción tuviste al sacar un disco en este contexto? Por un lado, todos estamos más conectados a las pantallas, pero también hay tanta oferta que es imposible ver y escuchar todo y se genera un efecto agobiante. Es difícil destacarse en todo ese universo. Sin embargo, creo que por la belleza del lugar y por lo peculiar de la propuesta, mucha gente pareció conectar profundamente con el disco y el documental, me lo hicieron saber. Fué un salvavidas en este año tan duro para todos los músicos, que no pudimos salir de gira. ¿Sentís un paralelismo entre Cancionero para niños sin fe de Sancamaleon (2004) post Cromagnon y sacar música en 2020 con los shows casi prohibidos? Hay algo parecido en las situaciones. En ese momento,

no había lugar para una banda de rock tocando, ahora no hay lugar para… nadie. Pero siempre las limitaciones abren nuevos caminos y potencian la creatividad. No tengo dudas de que vienen nuevas y hermosas maneras de comunicar la música en directo. Recientemente fuiste ganador del contest, entre los más votados por la comunidad BeatHey ¿Qué nos podés contar del remix de Regalo? Disfruté muchísimo haciéndolo y creo que quedó increíble. Es lo que me gusta de un remix, que no moleste, que no me cambie el tema, pero que me haga bailar. Es simple y beatero, casi house. Todo hecho en el Live. El tema es eso, un regalo, y el remix siento que tiene el mismo espíritu. ¡Epico pero pequeño! ¿Que tan importante fue la música para vos en este año tan extraño? Super. Todos los días me levantaba y chequeaba el disco nuevo, el tracklist, las mezclas, dibujaba las tapas. Muchos meses de trabajo. Y a la vez comencé a trabajar en material para el año que viene. También siento que fue re importante escuchar mísica, ser fan de la música. Acordarse que uno antes de ser músico es fan. ¿Cómo te imaginas el futuro? Diferente a todo lo que vimos. Siento que no sé si quiero ir a un festival gigante ahora. Siento que hay que comenzar a resembrar el camino. Siento que vamos a ser más humanos también, que la música va a ser más real. Es en definitiva, lo único que importa para los que realmente la amamos.

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NOTA

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LAGUNA POR NICOLÁS BELDI PH SANTIAGO OTERO

“Siento que la producción de arte en Buenos Aires está mucho más democratizada, así mismo encuentro en el público personas con gran capacidad crítica y un bagaje musical bastante diverso.”

¿Hace cuanto te radicaste en Buenos Aires? Vine de vacaciones en diciembre de 2017 y terminé quedándome cuatro meses que fueron muy productivos, en ese tiempo me dedique a conocer la cultura de la ciudad y la movida de la música, conocí artistas con los que pegué muy buena onda y empecé a trabajar en producción con un par de personas de acá que se abrieron muy rápido a compartir conmigo. Después me fui a Colombia, estuve en Bogotá tocando y trabajando montando el Electric Slide, un evento que hice con Alexander Robotnick, dentro de mí sentía que era como mi despedida de Bogotá, fue el final de un proceso allá y lo dí todo en ese último show. Tenía una semana para decidir si quedarme en Bogotá o volver a Buenos Aires y bueno... El 9 de Julio del 2018 ya estaba en Argentina de vuelta decidida a radicarme y continuar mi carrera acá, acabo de caer en cuenta que llegue el día de la independencia.

¿Qué diferencias notaste entre la escena de Bogotá y Buenos Aires? ¿De qué cosas te fuiste dando cuenta? Lo inmediato y más evidente es el funcionamiento nocturno de las ciudades, Buenos Aires es una metrópolis que tiene muy bien resueltos los temas de movilidad y seguridad nocturnos, Bogotá es una ciudad que aún no cuenta con transporte público en la noche, si quieres salir debes moverte en auto, taxi o hacer uso de las aplicaciones de vehículos, y eso la verdad es que segmenta muchísimo la asistencia y el acceso al entretenimiento nocturno. He notado diferencias que obedecen a políticas públicas de cada país, creo que el acceso a la educación gratuita en la Argentina hace que el arte sea mucho más prolífico y diverso, hay una gran cantidad de personas informadas sobre corrientes y estilos creando. Siento que la producción de arte en Buenos Aires está mucho más democratizada, así mismo encuentro en el público personas con gran

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capacidad crítica y un bagaje musical bastante diverso. Bogotá es muy de nichos, hay una oferta reducida de clubes, y ahora con la pandemia se redujo aún más. Si quieres fiesta electrónica hay que aplicar la de fiestas privadas donde los valores de las entradas son algo elevados para el ciudadano promedio. Hablando de las propuestas electrónicas, al margen de los clubes, es loable la pasión de los colectivos, pues es muy difícil mantenerse al aire porque además la policía hostiga la movida independiente buscando lucro. Tenemos por suerte muchas personas talentosas en Colombia que se dan la pelea en su vida por educarse, por hacer arte de calidad y por darle al público sensaciones que los inspiren a pesar de que las oportunidades son reducidas. ¿Cómo fue iniciar en un lugar nuevo tu carrera? ¿En qué te ayudó BeatHey? Primero fue abrirme en el espectro musical, asistir a muchos eventos de diferentes estilos para entender y apreciar la música de una forma más global. Tuve que darle prioridad a mi carrera por encima de afectos personales y familiares e intentar mantener voluntad en la música y el arte que fue el objetivo que me trajo a vivir a Buenos Aires... Me sentí súper acogida en la escena y en los diferentes círculos que empecé a frecuentar. BeatHey fue primero un lugar de encuentro muy libre, a los eventos asisten muchos productores y artistas de diferentes estilos lo que genera un intercambio super rico, aprendes mucho apreciando la música desde diferentes perspectivas de creación. Con el transcurso del tiempo la relación con Beathey se profundizó y empecé a hacer parte de la comunidad desde la plataforma, conociendo música increíble, después tocando en los eventos, poco a poco me dieron espacios para mostrar lo que hago y además me hicieron parte del

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y resultó un producto muy ácido que se podrá escuchar pronto, también viene un álbum en camino. ¿Cómo se sintió el streaming desde club Bahrein? Tocar en Bahrein era algo que tenía como objetivo para este año, en vísperas de mi cumpleaños se dió la oportunidad y la verdad que me sentí genial, es un club con mucha trayectoria, el equipo de Bahrein muy amable, me hicieron sentir super cómoda, el streaming tuvo más de mil reproducciones y recibí muy buenos comentarios del set esa noche, así que feliz de compartir música desde ese emblema bonaerense, y satisfecha de haber logrado ese objetivo. Participaste además de la producción del Festival Desorden Online y Bahrein Aniversario Virtual ¿cómo fue hacer dos festivales en este contexto? Es super positivo desde cualquier punto de vista que el arte siga surgiendo pese a el contexto, lo más interesante es descubrir e implementar las herramientas que tenemos disponibles en este momento para expresarnos y para conectarnos con el público, los retos en este contexto al hacer un festival son diferentes a los que nos enfrentamos antes, entonces hay mucho aprendizaje durante el proceso de producción, muchos retos, lo que nos obliga a resolver imprevistos de forma eficiente y oportuna para poder cumplirle a la audiencia, creo que en este momento el compromiso de los agentes de la industria es fundamental para mantener la escena a flote y estas iniciativas dan cuenta de eso. ¿Cómo te imaginas los eventos en el mediano plazo? Creo que se van a implementar más propuestas al aire libre, también que los contenidos On Demand van a incrementar mucho. Los eventos, así tenga público en vivo, van a estar pensados ahora para transmitirse por alguna plataforma, descubrimos con el stream una forma de

“BeatHey es una raíz muy importante en mi presente y me parece increíble que un proyecto tan ambicioso y vanguardista tenga lugar en Latinoamérica.” equipo de producción el año pasado, lo que significó para mí encontrar una casa, un lugar de expresión y de creación para lo que amo. BeatHey es una raíz muy importante en mi presente y me parece increíble que un proyecto tan ambicioso y vanguardista tenga lugar en Latinoamérica, aguante. Contános de Tordo Negro y de lo que se viene. Tordo Negro es mi primer Ep, algo que venía buscando hace un tiempo y bueno por fin voló este año, para mí fue muy gratificante que saliera editado por BeatHey Recordings, por lo que significa Beathey en esta nueva etapa de mi carrera, creo que logré sintetizar en ese proyecto parte de mi intención musical y un carácter que tal vez antes la gente no percibía, me encanta ir enviando mensajes con los tracks y sentirme más libre ahora como productora. Lo que viene es un sencillo con un colega de Cartagena que conocí acá, con él logramos trabajar de forma fluida

aligerar las giras. El arte y la música se han transformado a través de la historia debido a las herramientas que surgen con el paso del tiempo, a los conflictos de las naciones, o las limitaciones que presenta cada lugar y este momento que estamos atravesando lo veo como algo similar. ¿Cuales son tus planes a futuro como artista? Conectar muy profundo con el público, quiero hacerles sentir, quiero hacerles viajar con mi música… eso es lo que me motiva cada día. Actualmente estoy trabajando en el nuevo álbum que tiene algunas colaboraciones y una esencia un poco diferente a la de la pista pero muy enérgica también, quiero armar pronto mi live session, algo que he venido desarrollando a la par de la producción musical y que con música propia va estar mucho más completa. Me gustaría en el futuro pisar escenarios en el extranjero y colaborar con personas de otros lugares fuera de Latinoamérica.

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