BeatHey Mag #11

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EDITORIAL

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“Dios debe ser un poeta, a pesar de todo; aunque yo no lo escuche, Él me escucha” Jules Supervielle Que haces mas allá de vos. Que haces sin pensarte como beneficiario primario de tus actos. Que cosas dejas de lado en pos de un bien común.

Cuantas cosas podes NO pasarlas por un filtro que no sea el de tu escasa experiencia. Cuan REAL sos.

Cuanto de todo lo que decís lo aplicas en tu vida diaria, en tu empresa, con tu familia y amigxs.

Cuantas de las soluciones que propones empiezan desde el amor. Amor por amor a la humanidad de la que somos parte. Verdadero amor. No una palabra banal.

Cuanto de lo que decís es para lograr algo que no tiene un sustento verdadero. Algo que aprendiste de uno que aprendió de otro y así. En que momento te convertiste en una copia de vos. En que momento comenzó a pesar más el que dirán, el miedo a no encajar, que tu ser interior siendo silenciado.

Existe una fuerza que no puede nombrarse, tampoco verse y sin embargo contiene toda la energía concentrada del universo. Existe una fuerza que puede sentirse. La del movimiento verdadero, original, infinito.

Esta fuerza no puede comprarse. Tampoco invocarse. No es un deseo.

Es una acción consiente.

Para poder sentir la unión inequívoca con todo lo que me rodea, tengo que dejar de creer que todo es pensamiento, que todo es copiable, que la vida se construye a través del miedo.

Sentir la vida a través del arte, de la poesía, de la música puede llevarnos, quizás, a construir un mundo consciente, amoroso, inclusivo, plural.

Un mundo en el cual se hacen negocios; pero con la búsqueda de la utopía como finalidad. Donde quedar en la historia como parte de la solución y no del problema sea el norte diario.

Te invito a escuchar música en @beathey.

Te invito a ser parte de la solución sin dejar de vivir aquí, en esta distopía, te invito a sentipensar un mundo HUMANX. #joinus

Julián Sorsaburu CEO BeatHey

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DIRECCIÓN EDITOR Y PRODUCTOR DE CONTENIDOS DIRECCIÓN EDITORIAL DIRECCIÓN DE ARTE DISEÑO ESCRIBEN COMERCIAL AGRADECIMIENTOS Julián Sorsaburu, Nicolás Beldi

Nicolás Beldi

Darío Rosemblat

Gabriel Santana

Saint Design

Hernan Panessi, Damian Levensohn, Sofia Artismuño, Nicolás Beldi, Alejandro Simionati, Camila Cheka, Juliana Urtica, Gonzalo Arzua, Silvia Arcidiacono, Julián Sorsaburu, Santiago Kaiyer, Miguel Warlies, Fede Viola, Sebba Gualda

contacto@beathey.com

Antonio Macadam - Edmundo Hiriart - Matías Rebecca - Florencia Vilar - A TODA LA COMUNIDAD BEATHEY

Suscribite y recibí BeatheyMag en tu casa hey@beathey.com Número 11. Edición física y digital. Las notas de la revista corren bajo exclusiva responsabilidad de sus autores y las publicidades bajo exclusiva responsabilidad de los respectivos anunciantes.

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SECCION

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Excellence in Sound

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Mar del Plata

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The Boat - Nevenka Siberia - 04:28

Nevenka Siberia

F EATU RE D T RAC K

PH_nombre del fotografo

Rock Heavy Punk

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Gonzalo Arzúa

Por Damian Levensohn

En esta nota espacial, nos tomamos un tiempo para recordar a Gonzalo Arzua, colaborador de Beathey que falleció el pasado cinco de abril de 2023. También conocido como Gone, desarrolló durante las últimas dos décadas un camino que lo tuvo al mismo tiempo como DJ y promotor de eventos, y como periodista, habiéndose recibido en la carrera de Comunicación Social.

Nacido y con base en la ciudad de Buenos Aires, fue el propulsor de eventos como Break Da Rules en Cocoliche, tuvo su propia disquería -Vinyls Are Cool-, y durante los últimos años escribió para Beathey Mag y La Nación. La última nota realizada para nuestra revista había sido la entrevista a la agrupación Los Brujos.

Aprovechamos la ocasión para repasar algunos de los contenidos de Gone en Beathey Mag y mantener su recuerdo con nosotros a través de sus palabras.

Gone

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POR MIGUEL WARLIES

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T E C H

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Hablamos con una compañía productora de audio inmersivo que ofrece servicios especializados para música, post-producción audiovisual y transmisiones en vivo, desde sus instalaciones, actualmente con su estudio principal en Mar del Plata y con sede en Buenos Aires.

Se origina en Blind Sound, una empresa fundada en 2017 para la generación de contenido envolvente que en 2020 instaló el primer estudio Dolby ATMOS de Argentina. Hasta ahora, lleva más de 1500 canciones mezcladas en este formato de los artistas más destacado de la región.

“Creemos que es fundamental acercar esta tecnología y experiencia a todos.

Que no sea algo exclusivo de las grandes discográficas”

¿Qué es el sonido Dolby?

El desarrollo de la empresa Dolby ha estado con nosotros desde que tenemos memoria. Desde su fundación en 1965 y el lanzamiento de su primer producto que reducía el ruido analógico hasta ahora con la implementación de Dolby Atmos en los dispositivos, siempre estuvo presente. ¿Qué es el Dolby Atmos?

Dolby Atmos es una tecnología de sonido inmersivo que propone una nueva experiencia de escucha en los oyentes. Si bien su aplicación inicial fue llevada a cabo en el cine, hoy en día ya está disponible en millones de dispositivos (celulares, barras de sonido, televisores, incluso en sonidos de autos).

Con la implementación del concepto de objeto sonoro, logra representar un espacio tridimensional completo que nos da la sensación de estar en el centro de la escena.

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BEATHEY TECH

¿Qué experiencias se buscan transmitir a través de esta tecnología?

Sin dudas, una conexión más íntima y profunda con el mensaje sonoro. Ya sea a través de la música o el cine, la sensación de formar parte de lo que está pasando es impresionante. Poder distinguir cada sonido a tu alrededor en una nueva dimensión es algo que antes ni siquiera hubiésemos imaginado que era posible. ¿Cómo hacemos para escucharla?

En la música hoy en día existen 3 plataformas que distribuyen en ATMOS. Apple Music con su Audio Espacial, Tidal y Amazon Music con la utilización del espacio binaural.

A su vez necesitamos un dispositivo que admita el formato como puede ser un celular con auriculares. Hoy en día todos los modelos de Iphone y Samsung ya disponen del formato.

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¿Con qué artistas trabajaron?

Llevamos más de 1500 canciones mezcladas en el formato para diferentes discográficas y distribuidoras, entre ellos realizamos las mezclas Atmos de Lit Killah, Tiago PZK, Anitta, Sofia Reyes, Zion & Lennox, Justin Quiles, Kidd Keo y muchos más. ¿Qué nos pueden contar de la alianza con BeatHey? Creemos que es fundamental acercar esta tecnología y experiencia a todos. Que no sea algo exclusivo de las grandes discográficas. Desde el punto de vista creativo la herramienta presenta un mundo de posibilidades expresivas ilimitadas. El formato ya se está convirtiendo en un estándar en la industria y los socios de BeatHey ahora tendrán la oportunidad de que sus canciones formen parte del sonido de la nueva generación.

https://www.youtube.com/watch?v=ksHzyJtwDbU&abchannel=Immersoundxyz

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LABELS

Melancolía, minimalismo, introspección, poesía, complejidad y a la vez simpleza; así es como interpreto mi encuentro con la sonoridad de Anomalía.

Anomalía comenzó en 2015 como un ciclo de recitales, al mando de las bandas Archipiélagos, Hungría y Diente de Oro (en ese momento llamados O).

La sonoridad abarca géneros como el math rock, post rock, emo, midwest emo... Entre sus ediciones pueden encontrar bandas como Fin del Mundo, Puerto Austral, Las Mañanas.

Es difícil elegir un solo disco para recomendar. Con esfuerzo diría, el Split entre Archipiélagos, Hungría y Dislexia Free, el EP de Las Mañanas “Tristeza” y el álbum de Forestar - “recuerdos y eso”.

Volviendo a la música electrónica, diría que con reconocimiento especial menciono a Danza Nativa.

Danza es un sello orientado al sonido Deep Techno, fundado por los artistas Alderaan, Forest On Stasys y Kyntral. Su estética sonora es profunda, dinámica e hipnotizante; con percusiones tribales, melodías repetitivas y ritmos psicodélicos.

Artistas como Oscar Mulero, Luigi Tozzi, Architectural y Claudio PRC entre otros, han sido parte en algunas de sus ediciones.

Recientemente ZEMÖG -dj/productor colombiano- lanzó en Danza Nativa su primer álbum llamado “Daxita”. Si hablábamos de ritmos psicodélicos, definitivamente este es un álbum que deberíamos escuchar.

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BEATHEY LABELS

Ucker es un sello argentino orientado al sonido techno. Los fundadores del mismo son Sebastían Morales aka Samsara y Federico Gallo aka Vikingo.

Luego se completa el equipo con la incorporación de Agustín del Bosco aka Boske y Javier Danieli aka Hubbler. Fue en el año 2017 que comenzaron a insertarse en la escena, con una serie de Podcast con referentes del género. Respecto al sello, han editado a artistas como Arnaud Le Texier, Ricardo Garduno, Lakej, Michel Lauriola, entre otros. Si te gusta o intriga el techno hipnótico, contundente y texturizado, este sello es para vos.

Techno, Breakbeat, D&B, Psy-Trance, Dubstep, Electro e IDM. Es muy amplio el espectro sonoro que propone Xelima, aun así el reconocimiento de este sello cordobés cada vez se amplía más. Fundado por el dj/productor Franco Rossi, desde el año 2020 proponiendo música orientada 100% al sonido de pista. Editando a artistas tanto locales como internacionales, lograron establecerse rápidamente en la escena nacional.

El último álbum llamado “Exodus VA” está compuesto por varios de los artistas que empezaron en el sello tales como Franco Rossi, Centeno, Dhalgren, entre otros.

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Re lea ses Lanzamientos, nuevas subidas, lo nuevo en BeatHey POR ALEJANDRO SIMIONATI

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¿Qué te hace pensar que somos distintos?

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Colorartura

Cabaret

Santiago Guarco

“Seguir siendo el mismo” es el tema que abre este puñado de canciones con un adrenalínico rock. “Cruzando la ciudad” es el viaje musical de pop y balada perfecta con unos versos dignos de la mejor poesía “Arde en llamas la ciudad pero el fuego no se ve”. “Sonreir” se encuentra dentro de la tradición Funk. Iván Gramático, su guitarrista y cantante, se destaca en “Amor Robot” por la hipnótica interpretación. En su segunda producción bajo el comando de Martín Méndez (guitarrista de los Caballeros de Quema), ofrecen una propuesta que me hace pensar que sí, son distintos.

La música de Guarco tiene referencias en Daft Punk y Jamiroquai pero también en Willy Crook and The Funky Torinos y los Illya Kuryaki and the Valderramas. En esta Coloratura despliega sus inquietudes musicales con soltura. Desde “Aterrizar” con su funk pegadizo hasta el “La pregunta es la respuesta” las canciones van tomando color. “Tres acordes (Arteria, vena y corazón)” es el tema que desentona por la sencilla razón de tener una identidad propia. La pregunta a sí Guarco es lo más interesante de la música Funk en la argentina, la respuesta es sí. Tan sólo debes dejar aterrizar estas canciones en tu celular y dejarte llevar.

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BEATHEY RELEASES

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Próxima estación ASTEROIGOLLO B.B. Marte

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Detrás de la puerta

Gurí Ramos

BELDI

Alegoría de la cueva

Es muy difícil encasillar a Gurí Ramos.

Ya que se mueve con comodidad en cualquier género que enfrente ya sea folkrock, reggae, funk y la música indie, entre otros. En el caso del folkrock de En el Carnaval, para luego pasar Parlante al cielo de una forma de reggae contestatario. Hasta llegar al emotivo Puedo Volver, con unos versos cargados de emoción. Con letras de contenido social, muestran una preocupación por la realidad desde un lugar muy interesante. “En cada Paso” se animan al dub (un género musical muy afín al reggae).

Quiero destacar la presencia de Carla Reales, su rol femenino le da el contrapunto perfecto, a estas melodías que surgen de las calles que va transitando Gurí. Desde su Entre Ríos natal anda pintando el mundo a su paso.

Estación Marte es el tema de apertura y lo hace con una guitarra bien noise para luego abrirse a una canción punk por medio de unos versos: “Así quedas queriendo dibujar/ pinceladas en el aire/ así quedas gritando no escuchas/ sin quererlo que feo es ser vos”. Para subir la apuesta con “QTP”. Beldi es un trío, conformado por Nicolás Beldi (composición, guitarra y voz), Mariana Beldi (bajo, diseño y arte) y Barbi D’Alessandro (batería y percusión) producido por Rodrigo Cursach. Si no los escuchaste, sus influencias se encuentran entre Pavement y Pixies.

BELDI ofrece Grunge con buenas guitarras y melodías por demás certeras. Canciones que demarcan urgencia como “QTP”, “Caída libre” “Soltemos” con versos para destacar: “Así me enredo y me redacto en tu relato/ acomodando vas rompiendo entre esos tratos/ Mejor soltemos ya”; son temas para escuchar en el próximo viaje por el universo. La gran promesa del Indie argentino se llama: “BELDI”.

La alegoría de la cueva que se desprende de la teoría de Platón al referirse sobre la situación en que se encuentra el ser humano respecto del conocimiento. Es aplicable a este “Detrás de la puerta” el primer disco de Alegoría de la cueva con letras que hablan de crítica social en el caso de “Otro Lugar”, la manipulación en “Títere”, pero también de la alienación social en “Soledad”, todo acompañado de una banda rockera que se banca el peso de tanta Filosofía callejera. Te propongo que escuches lo que está detrás de la puerta y no dejes de salir de la cueva.

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CIRCUITO BEAT ¡Volvió Funksta Club!

El ciclo éxito de los jueves producido por BeatHey volvió en formato mensual, un jueves por mes en Moscú Espacio Cultural, Av. Córdoba 4335.

Como siempre música de los mundos, shows en vivo de bandas, feria y nuestro resident Dj Kaiyer en los controles y mucho más.

Podés consultar cuando es la próxima edición en nuestra agenda BeatHey

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CIRCUITO BEAT

CIRCUITO BEAT

BeatHey Music

El ciclo itinerante de la comunidad en la que participan diferentes artistas de nuestra plataforma, tratando de dar lugar y visibilizar el talento dentro de BeatHey. Tiene ediciones realizadas en Humboldt (ex Niceto Lado B), Niceto Bar, Moscú Espacio Cultural y un cierre de lujo en un evento en el Teatro Colón.

Estate atento a la próxima edición en nuestra agenda BeatHey

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Discover A T H

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Rap Rock duro Funk Alternativo

Malditos Perros Secuaces Buenos Aires

+ mpsecuaces n/a n/a

Contratado - Malditos Perros Secuaces - 03:58

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velvet_in_lab

@velvetinlab5371

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Mujer al Sur, un proyecto feminista de profesionalización de mujeres músicas creadoras y de carácter netamente autogestivo, fue concebido y dirigido -como no podría haber sido de otro modo- por una mujer música y sureña: la cantautora rionegrina Maca Montovi. En diálogo con BeatHey Mag, recorremos con la artista los inicios, la actualidad y el futuro de lo que ella misma define como “un viaje emocionante, de crecimiento, enseñanzas e inspiración” POR SILVIA ARCIDIACONO @SYLARCI

El punto de partida Cuenta Maca que el proyecto “nació como idea en pleno aislamiento, a partir de varias experiencias personales y por la necesidad de reinventarnos que nos propuso la pandemia, sobre todo a les artistas”. Lo cierto es que la cantautora venía de grabar Despierta, su primer disco en diciembre de 2019: “Una de las cosas que vivencié en ese tránsito fue que las mujeres, como artistas, tenemos mayores obstáculos que los colegas varones, como sucede en todos los ámbitos; y, por otro lado, noté que me faltó información que me hubiera permitido tomar mejores decisiones, y ese desconocimiento tuvo como consecuencia, además del impacto emocional, desaciertos en lo económico, y dilaciones”, explica. “Como todes, en 2020, ante la pandemia, debí cambiar los planes y tuve tiempo de reflexionar sobre lo vivido en ese

proceso de grabar, en el que aún me encontraba inmersa porque estábamos en plena posproducción y planeando el lanzamiento en un mundo que había cambiado por completo”, recuerda. Y no sólo ese mundo exterior: puertas adentro, la vida de Macarena también había dado un vuelco a partir de su decisión de renunciar al trabajo que tenía como abogada y funcionaria del Poder Judicial para dedicarse por completo a la música. De su circunstancia personal en ese contexto global nació como respuesta política “Mujer al Sur”, para “compartir lo aprendido en ese camino y alivianar el de las compañeras emergentes que aún no lo habían recorrido. Y la manera que encontré fue replicar mi experiencia, no como receta infalible, sino como una forma posible que genere preguntas y el propio descubrimiento de parte de las colegas”.

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ENTREVISTA

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Dar el paso Para ello, contó con la colaboración de Marcos Archetti (productor musical de su primer y segundo disco), “un profesional super didáctico, generoso y creativo, que me alentó inmediatamente y juntes iniciamos el proceso de poner en marcha este proyecto” El objetivo era reunir a un grupo de cantautoras emergentes y transitar junto a ellas el proceso desde la preproducción de la obra hasta la presentación de un disco profesional, con distintos abordajes: la capacitación, la profesionalización, la visibilización de las artistas y la producción de material audiovisual a modo de documental. Finalmente, las cantautoras convocadas fueron Andrea Gomez, Rut Magog, Lotus, Awka Liwen y Mel Miska, todas oriundas de la provincia de Neuquén y dos de ellas, Awka y Mel, también integrantes de la comunidad Mapuche.

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premiadas en el Concurso Federal Canciones por una Argentina sin violencias de género 2022.

Por su parte, Mujer al Sur accedió a becas y fomentos para completar las etapas de preproducción del proyecto; sin embargo, a fines de 2022, no lograban financiar la parte más compleja: la grabación en el estudio profesional.

La recta final En noviembre de 2022, Julián Sorsaburu, fundador y CEO de BeatHey, se interesó en la propuesta por su faceta artística y militancia cultural con perspectiva de género.

Con su apoyo, en mayo de 2023, se grabó el disco en el Estudio La Toma Records de la ciudad de Neuquén.

“Resulta gratificante ver que a lo largo de todo el recorrido hemos podido encontrar el aprendizaje en cada desafío que se presentó”, concluye. Y agrega: “Nos propusimos

“Mujer al Sur nace para compartir lo aprendido en ese camino. La manera para replicar mi experiencia, no como receta infalible, sino como una forma posible que genere el propio descubrimiento de parte de las colegas”

En marcha Mujer al Sur, que iba a durar ocho meses, ya va por su tercer año. Durante los primeros dos, se realizaron encuentros virtuales grupales e individuales con las artistas. Cada etapa virtual finalizó con un encuentro grupal de laboratorios intensivos de cuatro jornadas extendidas donde se trabajó el ensamble de cada obra.

Allí surgió una dinámica muy interesante: cada obra tiene su banda conformada por las propias cantautoras, que cambian oportunamente de roles, algo que impactó en las dos presentaciones en vivo brindadas hasta el momento.

“Como parte de la capacitación, montamos un home studio en el que grabamos las maquetas de cada obra, para planificar cómo sería en un estudio profesional”.

Con estas maquetas, Awka Liwen y Mel Miska resultaron

utilizar las herramientas existentes en el ámbito público y privado para la financiación del proyecto y pudimos concretar cada etapa hasta la grabación del disco” Nuevos caminos “Desde lo humano, Mujer Al Sur es un viaje emocionante, de crecimiento, enseñanzas e inspiración. La entrega de las artistas, y la creatividad de les profesionales de producción expandieron el proyecto más allá de lo que soñamos. Esta experiencia nos alienta a generar nuevas ediciones en distintas regiones del país que nos permitan impulsar más redes de apoyo entre las músicas emergentes”, como lo serán las futuras ediciones en Buenos Aires y la Patagonia.

Mujer al Sur será lanzado en exclusiva por la plataforma digital BeatHey

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LaS DENSaS

POR NICOLÁS BELDI

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ENTREVISTA

Nacen como proyecto solista en 2019 en la ciudad de Neuquén (Argentina) que luego, ante la necesidad de cerrar proyectos musicales que tenían archivados, se convirtió en una banda. Guitarras crudas, melodías que contrastan con sus letras y un sonido fresco con aroma a post punk describen un proyecto con un mundo de sentimientos enérgicos que se explaya en su disco NOT y su ep homónimo. Las Densas es una banda que no podés dejar de escuchar dentro de BeatHey.

“Las canciones que nos encontramos trabajando están pensadas, compuestas y direccionadas a vivos bailables”

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¿Cómo fue chocar con el 2020 con el proyecto fresco?

La banda comenzo muy enérgica, formandose en poco tiempo, para salir de gira hacia Rio Negro y Chile.

Así que despedimos el 2019 y recibimos el 2020 tocando, algo que era bastante inesperado, ya que el proyecto musical no estaba pensado para salir de una habitación. En febrero de 2020, aterrizamos en Argentina y la pandemia.

Al comienzo, éramos personas que nos conocíamos muy poco y salimos a tocar. Así que el 2020 nos sirvió para conocernos, redibujar el proyecto y grabar un ep, que se publicó en el 2021. Fueron meses de trabajo interno que reforzó mucho al proyecto. ¿Las Densas hace referencia a su sonido rockero crudo? ¿Por qué el nombre?

Las densas hace referencia a una sensación.

En el momento donde se comienzan a grabar los temas de los primeros dos discos importaba más desprenderme de un montón de emociones pesadas antes que del sonido. Hoy, después de 4 años de proyecto, todo se modificó y “Las Densas” adoptó un significado más “fiestero”. Mucho es gracias a lo que sucede en los shows en vivo. ¿Cómo fue la etapa del disco NOT de la banda?

El disco NOT es el que nos abrió las puertas e invitó a conectar con los shows.

Gracias a ese disco es que nos conformamos como banda para salir a girar y creo, que es el material que sin querer forma al proyecto. ¿Cómo fue la experiencia en otros países al momento de girar con NOT? Tocar siempre es hermoso. Suceden cosas muy divertidas en los vivos de Las Densas. Y cuando viajamos, eso se disfruta y es muy sorprendente, nos encontramos con personas que estando muy lejos conocen y disfrutan la banda.

Pudimos presentar el disco en Chile, Uruguay y diferentes provincias de Argentina.

En todos los lugares nos recibieron muy bien. Las Densas tiene una energía que llega al público. ¿Qué podemos esperar de la siguiente etapa de la banda?

Hoy somos una banda de 6 personas, mirándolo solo desde ese punto, se puede esperar un cambio y crecimiento en el sonido.

También hace ya varios meses hemos comenzado a incorporar mucho más del pop, disco y otros géneros, a limpiar y ordenar nuestro sonido.

Las canciones que nos encontramos trabajando y que van a conformar el próximo álbum de Las Densas están pensadas, compuestas y direccionadas a vivos bailables. Esperamos lograr un material que genere alegría y movimiento. Queremos continuar disfrutando y viendo cómo las personas se alegran en cada show.

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DESMONTA POR SAN KAIYER

Cuenten un poco sobre Desmontaje y cómo se iniciaron en el mundo de la música.

Desmontaje nace en el año 2012 con la idea de conformar una banda acorde a los mismos pensamientos de todos sus integrantes. Es de ahí su nombre, los tres integrantes de ese momento deciden “desmontar”, irse de las bandas en las que estaban para crear -Desmontaje-. En esa búsqueda de profesionalismo y dedicación el proyecto fue “cambiando de piel” para ser el dúo que es hoy en día. ¿Cómo describirían su estilo musical y las influencias que le han dado forma a su sonido?

Hoy en día la banda se describe dentro del género rock; con la incorporación de la tecnología para fusionar lo vintage con lo moderno. Dentro de las influencias hay muchas, tanto nacionales como internaciones. Inicialmente, al ser un trío, se pueden mencionar bandas como La Renga, Divididos, Red Hot, Foo Fighters, entre otras. Una vez conformado el dúo, nos vimos influenciados con bandas como Babasónicos, Soda Stereo, Cerati, etc.

Hoy en día creemos que la búsqueda está en mostrar un rock con potencia sumado a la aplicación de la tecnología como el dúo Twenty One Pilots. ¿Cómo es el proceso creativo y compositivo?

Podemos hablar de distintas etapas. Nuestro primer disco “Horizonte de Sucesos” surge en la pandemia, lo cual llevó a trabajar a distancia cada una de las canciones.

Lo que estamos trabajando actualmente surge de ideas de melodías/armonías del Pata. Luego Javi arma las baterías.

Todo esto lo volcamos en una maqueta grabada en casa, de ahí la búsqueda de sonidos, de modificaciones de estructuras, tempos, etc.

Finalmente trabajamos más minuciosamente la letra; a la cual le damos mucha importancia. Se parte de un boceto inicial; una idea. Para llegar al resultado final.

De sus canciones, ¿tienen alguna preferida? ¿Por qué?

El hecho de haber tenido feat con grandes artistas, podemos mencionar a las tres como las más motivadoras para nosotros, principalmente por la experiencia que nos dejó cada una de ellas. Ay Amor, con el Pájaro Gómez de Vilma Palma, Agonizando con Gaspar Benegas de La Mono y los

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AJE

ENTREVISTA

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El proyecto nace en el año 2012 como efecto de “desmontar” sus antiguas bandas por parte de cada uno de sus integrantes.

Años más tarde, el nombre volvería a cobrar sentido cuando en el 2019 dejan de ser un trío para conformar el dúo que actualmente componen Javier Destito y Sebastián Patané.

Con influencias de bandas como Babasónicos, Foo Fighters y Divididos, Desmontaje combate al antiguo mito del power trío, para demostrar que para rockear bastan voluntades y dos integrantes.

Fundamentalistas (también productor de nuestro EP y disco), Calma, con Nico Alfieri de Todo Aparenta Normal.

“El hecho de haber tenido feat con grandes artistas nos dejó una gran experiencia en cada una de ellas”

¿De qué temas les gusta hablar en sus canciones?

Nuestras canciones tienen variados temas, pueden ser situaciones vividas, amoríos, ideas psicológicas, etc.

A nuestro disco le dimos un concepto, donde relacionamos las canciones con la Astrología. Seis de ellas, representan los signos opuestos, mientras que las otras tres, representan el sol, la Luna y el Ascendente. Aún así, la idea es que las letras sean abiertas a la interpretación de cada oyente. Que la gente se sienta identificada. Que cada oyente pueda darle un significado propio a las canciones, de alguna manera, ser parte de ellas. ¿Qué creen que es lo más virtuoso que tienen como banda y lo que aún precisan mejorar?

Actualmente nos quedamos con la potencia de las canciones, principalmente en el vivo.

A nivel mejoras, siempre hay cosas. Hoy en día estamos enfocados en toda la parte visual para el show. ¿Cómo evolucionó su música y qué cosas han ganado y perdido con esta nueva formación?

Como dúo encontramos una forma de trabajo muy dinámica.

Ambos vamos por el mismo camino, lo cual facilita muchas cosas. Por otro lado, encontramos una nueva experiencia al trabajar con máquinas.

Lo negativo es que al haber pistas en vivo, se pierde un poco lo humano a nivel improvisación. ¿Qué mensaje les gustaría transmitir a aquellos que están comenzando en la música o persiguiendo sus sueños artísticos?

El mensaje que podríamos darle es que encuentren aquellas personas con quienes trabajar de manera cómoda, sencilla y honesta. Y que tengan presente que es un camino largo y en donde es importante la perseverancia. ¿Cómo podemos encontrarlos en redes sociales?

Nos encuentran en Instagram como @desmontaje_ok.

En Facebook, TikTok, YouTube, Spotify, como “desmontaje”

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Discover A T H

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PH_Pablo Scavino

Rock

María Florencia Silva Buenos Aires

+ mariaflorenciasilvaok MariaFlorenciaSilvaOk n/a

Pocas Palabras - María Florencia Silva - 03:07

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Diego Colacioppo, poeta, amante de la gastronomía y de los buenos sabores y sobre todas las cosas, una persona excepcional, nos conocemos hace mucho tiempo. Este año conocí gracias a las redes sociales la existencia del ciclo WAF (Wine & Forno), me agarró curiosidad. Descubrí que es su nuevo emprendimiento junto con Maxi Hotastegui. En esta entrevista quiero compartirles sobre la experiencia WAF, by Diego & Maxi.

POR MIGUEL WARLIES

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ENTREVISTA

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¿Cómo describirías WAF en una frase?

Wine and Forno (WAF) se trata de unir y reunir. Maxi Hotasegui y yo unimos su técnica de amasado con mi fascinación por capturar historias de vinos hechos en nuestro país. Desde esa unión se alcanza la reunión de otras personas que demuestran interés por descubrir junto a nosotros un modo descontracturado de coquetear con lo epicúreo. ¿Qué particularidad tiene el ciclo WAF? Cada ciclo WAF consta en la presentación de 4 o 5 etiquetas de vinos argentinos ante un grupo de 20 a 25 personas. A cada vino se lo marida con entrantes y variedad de pizzas, todo ello realizado con masa madre.

Se abona un ticket de único importe que integra bebida, hidratación, comida y postre para pasar una velada de 3 hs a puro disfrute. WAF es un ciclo itinerante que pulula por diferentes espacios no convencionales del AMBA. ¿Quiénes llevan adelante la iniciativa?

Desde febrero de 2023 junto a Maxi Hotasegui llevamos adelante los ciclos WAF. Maxi experto en masa madre y desde el horno napolitanos y las diferentes panificaciones italianas, y yo pinchando diferentes vinos argentinos, en su mayoría de viñedos sin tanto renombre comercial. ¿Cómo tomaron la decisión de realizar el primer encuentro y cuando fue?

La decisión se tomó desde un eje emocional, no hubo una estratificación ni un plan a corto o largo plazo. La base madre de WAF es nuestra intención de compartir nuestro idilio por el buen beber y el buen comer. Dicha intención determina al unísono la autenticidad de nuestras acciones sobre los comensales que participan de cada ciclo WAF. Fue después de ser campeones mundiales, el último verano.

Para nosotros emprender es revolucionar, generar nuevas alternativas que aporten valor a la comunidad. ¿Coinciden? ¿Cuál es su revolución?

Coincidimos plenamente, en tanto desde WAF tenemos como propósito la resignificación de plenitud en cada una de las personas que ingieren nuestros platillos y beben los vinos que seleccionamos con absoluta delicadeza y el poder de las historias que se acumulan en la creación de vinos y en la tertulia de cada reunión.

Si tuvieras que explicar en palabras la esencia que los motiva, ¿cómo sería?

La esencia que nos motiva trafica sensibilidad en cada intercambio, en el rol de anfitriones: nuestra tendencia es valorar la percepción diferente a la nuestra y no caerles con ningún dogma al momento de descorchar botella o servir un sabor con textura distinta a las habituales.

“Wine and Forno se trata de unir y reunir.

Con Maxi unimos su técnica de amasado con mis historias de vinos hechos en nuestro país”

Pensando a futuro, ¿cómo les gustaría que evolucione WAF? El faro de WAF es nuestra alegría, si nos reímos y no de nervios, estamos evolucionando. El nervio se activa cuando sos presa de la totalidad social (de donde sos, cuál prepaga tenés, etc) ¿Cuál les gustaría que sea la emoción que despierte en la gente cuando escuchen el nombre WAF? Sí se dejan alumbrar por nuestro faro (la alegría) estamos más que satisfechos.

La música y la gastronomía generalmente comparten caminos. Los invitamos a que dejen en este espacio un mensaje directo a los lectores de BeatHey Mag. Somos 2 padres de más de 40 años, ya reversionamos recetas de abuelas propias y madres ajenas para alimentar a nuestros hijos, y en cada una de esas reversiones prima el respeto a la identidad y amor propio por nuestras capacidades (confianza). Respeto y confianza para convivir y celebrar la vida: lo que pasa cada vez que alguien elige qué comer y qué escuchar, casi un boceto de nuestra cultura.

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Un artista que trabaja con sonidos que fluctúan entre el rock y la electrónica, sus letras son futuristas, cargadas con frases en tonos proféticos que parecen ser parte de una historieta de ciencia ficción y un futuro distópico. Recientemente lanzó su séptimo trabajo de estudio El Final de las Máquinas, y hablamos de nuevas tecnologías y nuevas herramientas creativas de AI. POR JULIANA URTICA

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ENTREVISTA

Si tuvieras que medir el porcentaje entre teoría musical e improvisación a la hora de componer y producir ¿cómo quedaría tu balanza?

Un equilibrio, veo la improvisación como táctica y la composición como estrategia. No podemos pensar que se tenga más táctica qué estrategia, sería desaprovechar el potencial.

Me gusta el camino de practicar todo lo posible ambas porque tenés más control del resultado final. Sin embargo, también estoy convencido de que sin estudiar música podés componer temas geniales, la teoría siempre está presente, aunque no la conozcas, tu oído te la va a ir revelando, como Paco de Lucía, aunque la haya descubierto por el camino autodidacta. Busco aprovechar las dos fuentes y los dos caminos.

“Las artes tienen un sentido y hasta una función espiritual que viene desde los orígenes” Al escuchar tu música diría que el contenido de las letras tiende a ser místico ¿Considerás que la música es de carácter espiritual?

Considero que las artes tienen un sentido y hasta una función espiritual que viene desde los orígenes. Es liberador para quien lo realiza y para quien participa de ellas, la música tiene la particularidad de ser invisible y flotar en el aire, esas vibraciones organizadas en alturas y sincronías tienen bastante de milagroso de por sí.

No creo en las instituciones religiosas, creo que la vida mística es personal. No me considero practicante de ninguna religión, sólo creo que una música que habla del espíritu es tan válida como una que habla de lo material. ¡Yo prefiero la primera, pero si también habla de la realidad!

Sinceramente, casi todas mis letras hablan de la realidad social, me resulta más variado poéticamente combinarlo con percepciones de lo místico, pero nunca escribiré solo temas místicos, lo que importa es la realidad, y el rock es un aliado de la realidad, nunca deberá perder esa esencia. Un equilibrio diría nuevamente, entre la realidad de la calle y lo místico, entre el rock y la electrónica experimental, creo que es la era de los cruces, les invito a escuchar “Ver el Cruce” de mi álbum debut en Beathey “Spoiler” (2019).

Hay una impronta fuerte de ciencia ficción dentro de tu obra, ¿cuál es el origen de esta filiación y cuáles son los dos referentes más importantes para ti dentro de este género?

Empecé a producir canciones con arreglos

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multipista a los 14 años en cassette, cuando descubrí a los 20 lo que es el MIDI, Ableton Live, Reaper y la posibilidad de un homestudio me voló la mente y hasta ahora no paré de investigar.

La tecnología y el arte están unidos desde su origen y de esa combinación la Ciencia Ficción es uno de los resultados más interesantes, además soy un millenial nacido en el ‘87, es un tipo de arte que es casi identitario para mí. El punto de partida de mi familia es humilde, somos del Partido de Moreno, Cuartel V, Barrio “Don Sancho”, madre sola con dos hijos empleada doméstica, partí sin recursos y la tecnología siempre me parecía inalcanzable. Cuando me formé profesionalmente en tecnología y pude acceder a ella fruto de muchísimo trabajo, me di cuenta de que “no es la flecha, es el indio”.

Referentes diría “Dune” (1965) de Frank Herbert y obviamente, “1984” (1949) de George Orwell.

Invito a escuchar el tema “1984” que también está en el álbum “Spoiler”.

Viendo las tapas y el contenido digital que acompaña tu música noto alusión a las nuevas tecnologías creativas. ¿Qué opinión tienes de las herramientas de inteligencia artificial y su posible competencia con los artistas en un futuro cercano?

Me parecen espectaculares y al mismo tiempo peligrosas. Pienso que el camino es aprender a usarlas y en lo posible crearlas. ¡Es la única manera de ser parte de una pronta regulación inclusiva! Estoy completamente en contra de los despidos masivos o que se usen para reemplazar a artistas y trabajadores. Sin embargo, es bastante sabido hoy en día en el ambiente de las Artes tecnológicas que dentro de lo creativo no se trata de una competencia sino de aprender a usarlas bien y desarrollarlas.

Son herramientas para aprovechar de otra forma el tiempo, no para “tirarse a chantas” y hacer menos, sino más y mejor.

Hay que informarse mucho sobre el tema, es una realidad que avanza muy rápido, ya está instalada y la capacidad de adaptarse siempre fue la clave en la historia.

Para hacer videoclips trabajo con artistas que usan AI, por ejemplo, mi amigo Federico Cueto realizó el video de “Ver el cruce”. Y en la música, estoy desarrollando gramáticas para composición generativa, lo uso para generar samples únicos muy flasheros y fusiones de estilos.

En resumen, banco la AI y creo que la competencia se está dando entre personas que saben usarla y quienes no. Les invito a escuchar “IA EQ” del EP “Del dolor la fuerza”, lanzado en Beathey en el 2022.

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ARTISTS FROM NOWHERE Artists From Nowhere (AFN) es un sello con base en Argentina que logró durante los últimos años generar una discografía marcada por el sonido minimal y aledaños.

Con lanzamientos físicos y digitales, la mayoría de los releases son publicados sin el nombre del autor.

Para hablar sobre el concepto detrás y la actualidad del label, nos encontramos con uno de sus responsables.

¿Cómo nace el sello?

AFN nace en mayo del 2020 en plena cuarentena. Durante ese tiempo estábamos escuchando algunos edits de Furz y Brandub que nos parecieron muy interesantes.

Inspirados por la calidad y la recepción positiva en pista de estos edits, nos dimos cuenta de que tenían el potencial de llegar a un público más amplio. Fue entonces cuando decidimos lanzarlos a través de Bandcamp.

POR DAMIÁN LEVENSOHN

¿Cuáles son los criterios en los que se basa la curaduría musical?

Nuestro universo musical es narrado a través de bajos sólidos, percusiones hiperquinéticas

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ENTREVISTA

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romper con ese paradigma y enfocarnos en que las personas se conecten con la música de manera pura y sin prejuicios. Creemos que la música debe ser apreciada por su calidad, su creatividad y su capacidad de transmitir emociones, más allá de quién esté detrás de ella. Así que, en nuestros lanzamientos, nos centramos en la música como la verdadera protagonista.

El primer lanzamiento en vinilo de FLUSS (Cinelli, Mariano, Savoretti) fue en su sello ¿cómo fue el POR NICOLÁS BELDI acercamiento con ellos?

Durante la creación de nuestro primer disco, AFNLTD001, mientras trabajamos junto a Lega, surgió la idea de incluir un remix de un artista argentino. Ambos coincidimos en que Franco Cinelli era el artista ideal para llevar a cabo esta tarea. Lo contactamos, y con su característica buena energía, se sumó al proyecto de inmediato. Su aporte fue fundamental y enriqueció enormemente el resultado final.

Tiempo después, mientras planificamos nuestro segundo lanzamiento, nos pusimos en contacto con Mariano y Jorge. Conversamos sobre el estilo y la visión de nuestro sello, nos revelaron que tenían unos tracks unreleased de Fluss que se alineaban perfectamente con lo que buscábamos. Nos entusiasmamos mucho con esta coincidencia y decidimos que sería bomba lanzarlos en 12”.

y en ocasiones, atmósferas oscuras. Cada lanzamiento que presentamos está cuidadosamente diseñado para ser disfrutado en la pista de baile o para ser escuchado en casa. Nuestro criterio se basa en seleccionar artistas con producciones que capturen la esencia y la energía del minimal. ¿Cómo se dio la decisión de no publicar el nombre de los artistas en la mayoría de los lanzamientos?

Nuestra decisión de no incluir los nombres de los artistas en nuestros lanzamientos se basa en la creencia de que lo verdaderamente importante es la música en sí misma, no quién la hace. A veces, el nombre de un artista puede condicionar a la gente a comprar o a formarse una opinión antes de escuchar realmente la música. Queremos

¿Cómo es la dinámica por la que le hacen llegar la música a artistas referentes?

Como sello nos enfocamos en compartir nuestra música de una manera personalizada, estableciendo conexiones directas con ellos. Esta estrategia nos ha permitido obtener el apoyo de reconocidos artistas como Villalobos, Priku, Enzo Siragusa, S.A.M, Janeret y Arapu, solo por mencionar algunos.

Valoramos la autenticidad y la cercanía en nuestras relaciones, lo cual se refleja en la forma en que promovemos y presentamos nuestra música al mundo. Nos esforzamos por establecer una comunidad sólida en la que tanto los artistas como los oyentes se sientan conectados e involucrados en cada lanzamiento.

Es un honor contar con el respaldo de estos talentosos y reconocidos artistas, ya que su apoyo no solo valida nuestro enfoque musical, sino que también nos impulsa a seguir creciendo y explorando nuevas fronteras. ¿Qué nos podes contar sobre los showcase del sello?

Hemos realizado ya tres showcases donde artistas como Bodeler, Nacho Bolognani, Rei y Brandub, tocaron aproximadamente para 1000 personas. Ya estamos trabajando para nuevos eventos en los próximos meses. ¿Planes próximos?

Estamos terminando nuestro tercer disco AFNLTD003 junto a un artista mexicano que viene haciendo una música increíble, vamos a sumar un remix de un reconocido productor inglés.

También vamos a continuar con los lanzamientos digitales en bandcamp y los showcase por Argentina.

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EL CHASKY PUM

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POR SOFÍA ARISTIMUÑO

META BIZCOCHO, MATE Y REPOSERA

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SECCION ENTREVISTA

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Conversamos con el músico, compositor, performer y productor conocido como El Chasky Pum. Un artista que combina ritmos latinoamericanos con beats electrónicos, proponiendo un show performático acompañado de artes visuales que lo convierten en una fiesta de baile y ritmo.

A lo largo de su carrera editó tres álbumes, “El Chasky Pum presenta Alto Guiso” (2014), “Pan y Circo” (2017) y su último trabajo “Achalay” (2022), el cual contiene featurings con Leo García, Anahí Arias y Sonido San Francisco. ¿Cómo definirías a El Chasky Pum? El proyecto Chasky Pum existe hace 9 años. Nació con la idea de hacer cumbia electrónica a partir de la fusión de estilos musicales. Es música para divertirse, para bailar y pasar el rato. Al principio fue sólo una propuesta musical, pero no terminaba de sentirme cómodo. A partir de esa incomodidad empezó mi búsqueda por lo performático, y dije “okey, poncho, sombrero, baile y todo”. En el show te encontrás conmigo tocando sintetizadores, percusión electrónica y guitarra, mientras canto y bailo. Además, forman parte Martín Sosa, que también toca la percusión electrónica y Euge Choque, que es la encargada de hacer las visuales en vivo, coros y percusión. Hacemos una fusión de estilos que va desde cumbia electrónica hasta latin funk, un poco de pop, y siempre con una veta alegre o divertida.

Cada vez que vamos a tocar la gente termina contenta y eso es un montón. También conectan con las letras, que cuentan cosas cotidianas. Hay un tema que se llama “Alto Guiso” y nació a partir del famoso video viral. Yo pensaba ¡qué bueno! Qué feliz seríamos con 15 pesos haciéndonos un guiso. Entonces armé una historia de amor donde yo invitaba a comer a alguien y le decía lo feliz que podíamos ser con dos tomates, enamorándonos con poco. Fue algo inspirada en mí, que vivía en Ciudadela y cada vez que viajaba en colectivo a Liniers, veía lo barato que estaba el tomate.

Yo lo recomiendo como la música ideal para cuando termina la semana, un viernes a la tarde-noche, cuando volvés del trabajo y decís “uffff ya fue todo, me voy a casa a tomar un vaso de vino o un mate. Ya está, besitos y a disfrutar.

Bye, bye”. ¿De dónde se desprende la estética y el concepto del proyecto?

Tiene mucho que ver con mi historia. Mi papá es boliviano, músico también. Nací y me crié con toda esa impronta folklórica, de charango, bombo, guitarras, huaynos, chacareras, zamba, con los aguayos y toda la cultura andina en general.

De ahí surge el nombre del proyecto, también. El “chasqui” fue una figura del Imperio Inca hace más de cinco siglos.

Era el mensajero del emperador, que llevaba cartas u objetos desde Ecuador, hasta Perú y Bolivia, como un correo postal. Entonces, me gustó jugar con esa frase, y pensar en El Chasky Pum como un mensajero de la música, de la alegría, de un universo ficticio creado. Y ése sería el mensaje que llevamos a la gente que nos escucha.

“El Chasky Pum nació con la idea de hacer cumbia electrónica a partir de la fusión de estilos musicales” ¿Cómo se dio el remix entre la música popular latinoamericana y la música electrónica?

En mi infancia le pedía a mi papá quedarme a escuchar los ensayos que hacía en casa, y ya desde chico empecé a tocar la guitarra y el piano. Después fui creciendo y haciendo mi camino musical escuchando distintas cosas.

Desde siempre me encantaron los Beatles, el rock nacional como Charly Garcia, Fito Páez, Andrés Calamaro.

También he flasheado mucho con Bruno Mars y Michael Jackson, que me inspiraron en cuanto a lo performático y el baile. Otros de mis referentes fueron Rolando Bruno y su Orquesta Midi, Zizek y FAAUNA, que los escuché y dije ¡mirá qué copado esto!, como que abrieron una puerta que me ha gustado mucho y después lo llevé para el lado más popular.

Hace unos años viví un tiempo en México. Allá tenía una banda con la que hacíamos una especie de funk electrónico y yo tocaba la guitarra. De a poco me hice amigo de DJ’s y empecé a vincularme con los instrumentos electrónicos. A partir de eso disfruté más la música electrónica, que la fui absorbiendo y se manifestó a la hora de crear el proyecto.

Así se fue dando naturalmente la mezcla de los estilos.

Creo que tiene que ver también con conocer y crecer en Buenos Aires, o en cualquier ciudad de Latinoamérica, y tener ese contacto entre la cultura de los pueblos originarios y la cultura urbana. Entonces, en ese punto se deja entrever esa cuestión del remix.

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Facu Rossi

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Facu Rossi es el resultado de un sueño de niño: ser como Brian May. Dejó Mendoza y a sus dos bandas para venir a Buenos Aires a encontrar su lugar. En una industria que parece cada vez más competitiva y estimulada por el “Copy/Paste”, Facu elige seguir apostando a hacer música sincera y conectar con lo más profundo de su esencia.

POR SAN KAIYER

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ENTREVISTA

Contanos un poco sobre vos, ¿cómo te iniciaste en el mundo de la música y por qué elegiste a la música como forma de expresión?

Bueno creo que el momento en que empezó todo fue un día que vi a Queen tocando en la tele. Debo haber tenido 9 o 10 años, vi a Brian May y dije “yo quiero hacer eso, quiero ser como él”. Por eso creo que no elegí a la música como forma de expresión, sino que fue algo que se dio de forma natural. Es un poco cliché decirlo así pero la música me eligió a mí.

No fue hasta unos años después que me mudé a Mendoza y pude armar realmente mis dos bandas serias que fueron Espejo y Pimienta de Neptuno. Nos movimos bastante, pero la realidad es que en ese momento en Mendoza estaba explotando el manso indie y nunca terminamos de encontrar nuestro lugar, esa escena no nos representaba. Me di cuenta que si quería hacer música en serio y transmitir el concepto que tenía en la cabeza me tenía que ir. Fue ahí cuando decidí venir a Buenos Aires. ¿Cómo describirías tu estilo musical y las influencias de tu sonido?

El proyecto fue por varios lados pero ahora lo que estoy haciendo creo que se puede encuadrar dentro de lo que es el rock sónico. Estoy muy a full con bandas como Soda Stereo (después de canción animal), Babasónicos, Juana la Loca, Los Brujos o Martes Menta. También estoy escuchando muchas bandas de La Movida Madchester y shoegaze como The Stone Roses, My Bloody Valentine, Ride, Happy Mondays... hay muchas.

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Es difícil hablar de LA escena musical porque hay muchas escenas. Gracias a los nuevos medios de comunicación y sobre todo los medios alternativos, hoy ya no hay una sola escena que englobe y monopolice todo. Existen muchos nichos de distintos tamaños que dan la posibilidad de que existan un montón de propuestas distintas y que no se tengan que regir por la industria musical. Un poco odio el término industria musical porque es meter al arte y a la música en particular en una lógica mercantilista que nada tiene que ver con el arte. En una industria vos buscas la producción masiva y maximizar beneficios.

Gastar lo menos posible y ganar lo máximo posible, eso a la música le hace mal. Y por eso en la escena mainstream se escucha en su mayoría música que parece hecha con copy paste que dura una semana hasta que aparece un nuevo copy paste y así en un loop infinito en el que el arte se ve degradada a ser una hamburguesa de McDonald’s y la gente a consumirla y deshumanizarse cada vez un poco más. Eso es nocivo, y aún más en estos tiempos que están pasando un montón de cosas. No estoy diciendo que tengamos que estar todos todo el día escuchando Artaud, pero sí que el arte es demasiado grande y tiene demasiadas facetas para explorar, desde lo profundo hasta lo banal. La lógica de mercado puede ser útil en muchos ámbitos, en el arte no. El tema es que cuando estás en los nichos fuera de esa lógica se hace todo mucho más difícil, pero por lo menos ahora hay herramientas para plantarse. Y la gente es consciente de esto, de a poco va buscando otras alternativas.

Hablanos sobre tu proceso creativo, ¿cómo surge una ¿Cómo crees que tu música se destaca en un canción desde la idea inicial hasta la canción final? mundo saturado de sonidos y artistas?

Las canciones vienen de varias formas, pero por lo general No sé cómo se destaca la verdad, creo que tampoco es me siento con la guitarra y empiezo a descubrir alguna mi mi rol decirlo, eso se lo dejo a los periodistas, jaja. Lo secuencia. A medida que va saliendo va apareciendo que sí puedo decir es que mi música es sincera y que alguna melodía, algunas palabras balbuceadas y de ahí está muy buena. va saliendo la canción. Siempre pongo la metáfora de que es como si hubiera una “En una industria vos buscas la producción masiva piedra y uno fuera un arqueólogo que y maximizar beneficios. Gastar lo menos posible y tiene que ir picando y descubriendo qué ganar lo máximo posible, eso a la música le hace mal” es lo que está dentro. De todas formas como decía no siempre es así. A veces me ha pasado de sentarme y que salga una canción de ¿Qué planes tienes para el futuro? ¿Hay algún un solo saque con la letra y todo. Lo loco del arte es que proyecto en el horizonte que te gustaría compartir? supera a lo intelectual. Más allá del momento particular En este momento estamos estrenando los sencillos en que la canción empieza a aparecer, la composición de mi próximo álbum “Propaganda”, que seguramente empieza desde el momento que uno tiene una idea o salga a la luz a principios de 2024. Aparte de eso un concepto o un sentimiento muy fuerte sobre algo. estamos preparando un gran cierre de año en Niceto Cuando logras conectar con eso las cosas simplemente Humboldt que va a ser una fiesta. Se vienen muchos aparecen casi como si fuese magia o como si lo hubiese toques y mucha música nueva. hecho otro. Es conectar con lo más profundo nuestro, con nuestra esencia. ¿Cómo te podemos encontrar en redes sociales?

Me pueden encontrar como @_facurossi en todas las ¿Cómo te sentís respecto a la escena musical redes y como Facu Rossi en todas las plataformas de actual, y a la industria musical propiamente? streaming.

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¿Por qué Tino y Los Grabetas?

El nombre viene de mi apodo Tino, y Los Grabetas es la banda, en un comienzo fue imaginaria, pero siempre contó con gente amiga y conocida del ambiente musical, fueron poniéndole su toque a las canciones, también lo “Grabeta” viene de secuencias del disco que disparamos en los shows en vivo. ¿Cómo es el formato 2023 de un show de Tino y Los Grabetas?

Actualmente estamos tocando en formato dúo set con Matias Muke Santos, amigo y baterista del proyecto, dispara las secuencias de bajo, guitarra y fx en vivo, y en shows que no se permite batería acústica sale a la cancha octapad. Sumado a synthe y voz intentamos que las canciones suenen más cercanas al disco.

En su último disco Transgénico ¿hay un mensaje de consciencia en sus letras, y una fuerte crítica al consumismo moderno?

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Si, de consciencia en relación a tener el conocimiento de que nos alimentamos, consumimos y el impacto que tienen ciertos hábitos, no solo en nosotros, sino en el planeta, y de ahí en adelante cada cual decida, pero sabiendo que ciertas cosas nos hacen mal, a nosotros o al planeta, país, ciudad, barrio. Consciencia acerca de que no siempre lo que nos cuentan instituciones, libros e historias es verdad. Y criticamos como manifestación a quienes fabrican alimentos y ponen cientos de conservantes y químicos en sus recetas para que el producto se mantenga en buen estado mientras nos envenenan, a quienes destruyen el planeta a cambio de dinero, más que criticar al consumidor. ¿Sienten que en la música y el arte también necesitamos cambiar nuestros hábitos de consumo?

Sí ese consumo nos genera algún tipo de daño o algo negativo a raíz de eso claro que sí, habría que cambiar algo, pero no solo en el consumo, sino en la vida misma.

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ENTREVISTA

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TINO & LOS GRABETAS Proyecto nacido en 2018 con la intención de dejar plasmado en el tiempo un mensaje con sentido de evolución, un despertar. Tino y Los Grabetas podría ser una banda consciente y es un despabilar acerca de lo que consumimos y el estilo de vida al que el mundo moderno nos somete. La música de este proyecto es un escape y también el lugar a donde nos gustaría llegar.

POR NICOLÁS BELDI

“Consciencia en relación a tener el conocimiento de que nos alimentamos, consumimos y el impacto que tienen ciertos hábitos” Son una banda que no para de viajar, tocar y generar ¿Qué fue lo más loco que les sucedió en estos años viajando? ¡Nos han pasado varias! por suerte siempre algo lindo y loco pasa, una vez llegamos a Tilcara y hacía 6 meses que no llovía, ¡y el día de nuestro primer recital al aire libre llovió!. Como estar en el medio de un show y que se corte la luz totalmente y seguir cantando y agitando con la gente, hermoso. ¿Qué proyectos se vienen a en lo inmediato y a futuro?

Estamos por iniciar un viaje por Mendoza y San Luis en el marco de una gira que comenzamos a principio de año

llamada Triádica, presentando nuestros 3 discos, y en plena producción y grabación del 4to disco a estrenarse en 2024. Además hasta diciembre tenemos fechas en Capital y La Plata con las cuales cerramos la gira para dar comienzo a la próxima junto al nuevo disco. ¿Cómo fue su experiencia trabajando en BeatHey Loud?

La experiencia fue muy linda y gratificante, conocimos gente muy copada y seria a la hora de trabajar y hemos aprendido y podido afianzar el proyecto mucho más.

También conocimos excelentes artistas que están en la misma metiéndole a full a la música y esa fue otra cosa muy linda que nos dejó.

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K-WAVE POR HERNÁN PANESSI

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¡Annyeonghaseyo! En poco tiempo, occidente bailará al compás de la República de Corea: se sabe acá, allá y en todos lados. Su avanzada cultural –paulatina, silenciosa, consecuente- viene marcando el ritmo desde hace unos años. Y no se trata de un fenómeno pasajero, tampoco de un invento de periodistas, ni de youtubers, ni de generadores de opinión. Ni mucho menos de un envión canchero para sacar algún tipo de rédito. Tampoco es una moda. No y no. En su reverso, el futuro es indefectiblemente coreano.

Desde hace un tiempo los surcoreanos son punta de lanza en el desarrollo de tecnología, telecomunicaciones y automóviles pero, ahora, también destacan en mercados como la música, el cine, los videojuegos, la gastronomía, el lifestyle y el beauty. Si “Gangnam Style” fue la canción que abrió la puerta a un consumo singular (¿quién no hizo el pasito de PSY?), la “BTS Week” en The Tonight Show con Jimmy Fallon fue la materialización de una idea (el corazón del show business norteamericano rendido a sus pies) y el Oscar a “Mejor Película” de Parasite fue el broche de oro (por primera vez, Hollywood premió a una película de habla “no inglesa”): la k-wave viene pisando fuerte.

Un repaso rápido dirá que el género k-pop maneja el 1% de todo el PBI de la República de Corea, que Netflix está cada vez más poblado por productos coreanos (desde k-dramas a El Juego del Calamar, de lo más visto en la historia de la plataforma), que Faker es el único jugador en la historia de los e-sports en haber ganado el Campeonato Mundial de League of Legends en tres ocasiones, que Jungkook fue el artista principal en la inauguración de Qatar 2022 y que se convirtieron en el país “más innovador del mundo” (según Bloomberg, a propósito del aumento de registros de patentes, además de su desempeño en I+D y manufactura).

Y hay más: que son un cluster importantísimo en la moda global, que en deportes vienen levantando medallas olímpicas (destacándose los patinadores de velocidad en Sochi 2014), que convirtieron al delantero del Tottenham Hotspur Son Heung-Min en héroe nacional, que sus artistas de música clásica se destacan en las máximas competencias mundiales (en 2015, Seong-Jin Cho se llevó el Concurso Internacional de Piano Frédéric Chopin) y que representan un enorme porcentaje del mercado mundial del beauty. Y que esto, y que lo otro.

Y por Argentina, incluso, en este lado del charco, la media sanción del “Día Nacional del Kimchi”, el trabajo de divulgación permanente del Centro Cultural Coreano (con sus concursos, festivales, cursos, libros, talleres y más), el desarrollo de restaurantes temáticos en Capital Federal (Fa Song Song, Mr. Ho, Koi Dumplings, Bi Won, Una Canción Coreana, Café Seúl y siguen las firmas), la proliferación bestial de clubes de fans de k-pop, los karaokes del barrio de Flores y hasta la aparición pública de Fabiola Yañez, la primera dama criolla, vestida en un hanbok, un típico vestido coreano.

“La cultura coreana genera gran interés en el mundo entero, sobre todo en el público joven. Por eso Corea

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también lleva adelante una política de presentación e intercambio cultural con muchos países. Hubo un crecimiento exponencial en los últimos años. Hace una década, Corea era un país desconocido para la mayoría de occidentales y, ahora, ya forma parte de los consumos culturales cotidianos”, señala Bowha Han, directora del Centro Cultural Coreano en Argentina.

Por allá, en Seúl, en la patria de Samsung y Hyundai divisan que su “marca país” ya no tiene que ver estrictamente con una producción concreta (ni celus, ni coches, ni nada de eso) sino que se mueven a paso firme sobre el desarrollo estratégico de una penetración cultural, de una producción de artefactos artísticos con sabor local y proyección for export y de un sentimiento de confianza ungido en un cambio completo de mindset: Corea quiere, Corea puede.

Y entre los mil tentáculos que se expanden de este monstruo asiático que no para de crecer, la industrialización del k-pop, un género musical que aporta a su economía unos u$s 10.000 millones de dólares, que se yergue como uno de los bastiones de ese “trademark” y que tiene a BTS, Blackpink, SEVENTEEN, Super Junior y EXO como a sus principales mascarones de proa.

Algunos motivos: la democracia de las redes sociales, la militancia activa de sus fans y el hype de los medios masivos, que primero encontraron “novedad” y, después, a un “hit indestructible”. La República de Corea es, esencialmente, una fábrica de estrellas. De hecho, según registros del Instituto de Investigación de Hyundai, sólo BTS, corazón de la k-wave, factura anualmente unos u$s 5.000 millones de dólares y, por caso, la cifra araña casi el 0,5% del PBI de Corea del Sur. “La música ahora es ‘más rápida’, sí, pero en 10 años ese ciclo puede ser más rápido aún. Es un ciclo que se repite: hace 10 o 20 años salía menos música que ahora, pero lo bueno va a durar para siempre y va a seguir siendo popular”, advierte el productor Ki-joon Seo, desde adentro del negocio del k-pop. Por lo demás, Ki-joon Seo es responsable del sello Gangnam Indie Records, compuso más de 80 hits para artistas de diversos estilos y mantiene una prestigiosa carrera dentro de la composición de original soundtracks para k-dramas.

A la sazón, el caso de Cherry Bullet es otro de los ejemplos exitosos dentro de la k-wave. En apenas cuatro años, este convoy de chicas ya se convirtió en una de las bandas más pujantes de la movida.

“El nuestro es un trabajo en el que siempre tenemos que demostrar. Tenemos que practicar mucho para nuestros shows en vivo”, reconoce Haeyoon, líder de la banda, secreteando algún misterio dentro de la cosmogonía de los idols coreanos. El imaginario del k-pop es uno de los más coloridos, más sexys y más populares del momento.

En esa misma sintonía, los jóvenes miembros de DKZ se mueven milimétricamente coreografiados. “Podemos tener el amor de muchas personas y el cariño de muchos países”, cuenta Jong Hyeong sobre el oficio de

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ser un popstar a tiempo completo. “Nos cuesta tener una vida privada, pero de todas maneras sentimos mucho amor”, suma Jae Chan. Ellos, entre otros miles de artistas nacidos en los últimos años, son parte de esta embajada musical y permanente que es el k-pop.

Haciendo un close-up sobre beauty, otro de sus hits, Myeong-Dong se erige como la calle más repleta de tiendas de cosméticos del mundo, pero es el modernísimo DDP el que comprime el core del negocio con la presencia de aceleradoras, especialistas en brand y creativos detrás del segmento. Allí, además, se emplaza regularmente la Seúl Fashion Week, uno de los eventos más importantes de la moda a nivel internacional.

“Este lugar es una oportunidad para pequeñas y medianas empresas”, cuentan desde el DDP. “Antes nos enfocábamos en el producto, ahora nos enfocamos en la experiencia”, devela Ki Jung-Gu, manager general del Seoul Business Agency (SBA), uno de los principales colaboradores del DDP y uno de los players más importantes dentro del k-beauty.

“Los datos de cosméticos y fashion que tenemos van a llevarnos a lo más alto del mundo”.

Sin ir más lejos, sólo en la República de Corea, el mercado de la belleza factura unos u$s 3.5 millones de dólares mensuales. Aquí, entre las inmarcesibles musas de piel, flota una perfección ascética. ¿El punto de su éxito? “La calidad de los productos y el contenido en expansión de la cultura coreana. Eso ayudó a darle centralidad al k-beauty”, sigue el hombre de la SBA sentado en un salón del DDP, este fuerte futurista ubicado en el petitero barrio de Dongdaemun.

En cuanto al cine, la República de Corea está viviendo el momento más álgido de su historia. Lo que

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NOTA

comenzó como una rareza dentro de festivales (mención aparte para el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata y el BAFICI, que siempre apostaron por contenido surcoreano), hoy se ensancha como uno de los países más prolíficos dentro de la producción audiovisual internacional. Y se le para de guantes al mercado internacional de Hollywood, ya que su cine comercial está ganando cada vez más presencia. Lo mismo sucede con las producciones diseñadas para las plataformas on demand: el público occidental ya está familiarizado con las “caras asiáticas”.

Entre esas historias, la de A Taxi Driver, que tuvo un box office doméstico de u$s 12.000.000 de dólares, es una de las más elegidas en la plataforma Netflix y, a nivel mundial, lleva recaudados alrededor de u$s 90 millones de dólares. “Para vender una película necesitamos definir regiones, distribución y categorías para maximizar la venta”, dice Ahn Jung-won, directora de negocios exteriores de Showbox, la principal productora de cine, k-dramas y webtoons de la República de Corea y responsable de A Taxi Driver.

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Por estos días, expandieron su negocio con el remake de productos originales: A Hard Day a Filipinas, Peace Breaker a China, The Restless a Francia, Memoirs of Murders y Your Eyes Tell a Japón. Y se vienen más: Greta a Estados Unidos, The Medium a Tailandia y Moon Man a China. “En América Latina, la popularidad de la k-wave ayudó a que la gente se interese en los k-dramas”, explica Ahn Jung-won. “Ahora estamos filmando 2 k-dramas y desarrollando otros 40. Nuestro deseo es diversificar nuestro contenido”, cierra.

Así las cosas, el hallyu -esta polifacética y pop ola coreana- encuentra en la actualidad su punto más extraordinario. En ese sentido, artistas, marcas y estado se entrelazan, comparten todo lo que pueden compartir y ensamblan todo lo que pueden ensamblar: son engranajes simétricos de un plan de expansión cultural, de una capitalización efectiva de las flamantes formas de consumo y de la consolidación de una nueva cosmogonía, la coreana, que en brevísimo quedará sentadita en la mesa de los grandes. ¡Gamsahamnida!

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Descentralizar el Arte: El Poder de la Imaginación Popular en la Era de la Web3 POR FEDE VIOLA IMAGEN DE KOHJI ASAKAWA EN PIXABAY

Quien no se ha preguntado alguna vez por qué la música de muchos cantantes de moda suena tan similar; o por qué las películas de Hollywood parecen seguir la misma fórmula todo el tiempo. Si te planteaste alguna vez la pregunta entonces habrás notado que las expresiones artísticas actuales parecen estar en un ciclo interminable de repetición y reciclaje. ¿por qué ocurre esto? ¿Y qué se puede hacer al respecto?

Para responder a estas preguntas, necesitamos retroceder un poco en el tiempo, hasta la antigua Atenas en el siglo IV a.C., para ver que en aquel entonces, el arte era una actividad eminentemente comunitaria. Las tragedias, en efecto, se presentaban durante festivales religiosos, eran vistas y participadas por gran parte de la ciudadanía. Eran una forma de expresión religiosa, una forma de explorar y debatir cuestiones éticas y políticas, y una forma de enseñar a los ciudadanos sobre su historia y su cultura. El arte era auténtico, personal y, sobre todo, accesible a todos, independientemente de su estatus social o económico.

Esto contrasta fuertemente con la forma de hacer arte en nuestra época actual. Hoy en día, en efecto, el arte se produce mayoritariamente en serie, con el objetivo principal de generar ganancias puramente económicas. Si bien hay artistas que logran expresar sus convicciones personales, a menudo tienen que lidiar con las presiones comerciales y las expectativas del mercado. Además, el arte, las más de las veces, es accesible sólo para aquellos que pueden permitirse comprarlo o consumirlo, creando una brecha

cada vez mayor entre los que pueden y los que no pueden acceder a los bienes culturales.

Si uno buscara una manera para cambiar esto, creo que la respuesta más atinada a esta situación es la descentralización. La descentralización implica desplazar el poder y la influencia de las grandes corporaciones y distribuirlo entre los artistas y el público. Esto podría permitir que el arte vuelva a ser una expresión auténticamente popular, de la gente, en lugar de ser un producto meramente diseñado para maximizar ganancias. Esto podría fomentar, sin dudas, una mayor diversidad en el arte, permitiendo que se escuchen una variedad de voces y estilos innovadores y mucho más heterogéneos. Haciendo del arte una actividad mucho más accesible y, sobre todo más democrática, en la que todos tendrían voz (isegoría, decían los antiguos atenienses).

Pero la descentralización no consiste solo en cambiar quién tiene el poder en la industria del arte. También se trata de cambiar cómo pensamos la creatividad. En un sistema descentralizado, la creatividad no se limita a un pequeño grupo de artistas firmados por grandes sellos discográficos o galerías de arte, sino que se extiende a una multitud de artistas independientes y autónomos que tienen la libertad de explorar y expresar su propia visión artística. Esto puede dar lugar a una forma de creatividad mucho más auténtica y popular, que refleje las experiencias, emociones y perspectivas de una gama mucho más amplia y plural de personas.

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NOTA

La época actual nos desafía y sitúa en este cruce de caminos entre el arte industrializado y la creatividad popular.

El camino a elegir depende, sin dudas, de todos y cada uno de nosotros. Pero no se trata, sin embargo, de afirmar simplemente que todo el arte industrializado sea malo y que todo el arte popular sea bueno. Basura hay en todos lados… y joyas también. Lo que se necesita recobrar es un arte que no sea meramente redituable, sino también, y más que nada, significativo.

“Lo que se necesita recobrar es un arte que no sea meramente redituable, sino también, y más que nada, significativo.”

Para esto es necesario que el arte sea mucho más que una mercancía de consumo de masas, es decir que sea ante todo un ámbito de participación plural y popular.

Necesitamos, en último término, una forma de arte que no solo sea producido por unos pocos, sino también por todos los que se lo propongan.

Y aquí es donde entra la Web3. Es decir el Internet que está naciendo en este momento de la mano de la tecnología blockchain, la cual ofrece la infraestructura necesaria para descentralizar efectivamente la música y el arte en general. Con la Web3, los artistas pueden publicar su mú-

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sica directamente en la web, sin necesidad de intermediarios como las grandes discográficas. Los fans, asimismo, pueden apoyar directamente a sus artistas favoritos, sin que la mayor parte de su dinero vaya a los intermediarios.

Y todos podemos participar en la creación y disfrute de la música, en lugar de ser meros consumidores pasivos.

Es por esto que nos animamos a afirmar que la Web3 no representa un mero progreso tecnológico, sino que representa una forma innovadora de pensar el arte y la creatividad misma. Es asimismo una forma de resistir la visión del mundo puramente utilitaria y mercantil que a menudo domina nuestra sociedad. Y por eso es una manera de recordarnos a nosotros mismos que somos más que simples productores y consumidores, que somos seres humanos capaces de crear y apreciar la belleza, de expresar y experimentar emociones, de vivir una vida que va más allá de lo meramente útil y rentable.

He ahí la invitación. Una invitación a participar, a crear, a resistir. Porque el arte no es solo algo que consumimos.

Es algo que vivimos. Y en un mundo donde el arte se ve reducido principalmente a un producto para el consumo masivo, es esencial recordar que, en tanto actividad humana, el arte es mucho más que eso. Es una forma de resistencia, una expresión de nuestra humanidad y una vía para la construcción comunitaria y colectiva.

Nietzsche, dijo una vez: la vida sin música sería un error.

Entonces, en un mundo lleno de errores,¿no sería maravilloso hacer algo bien?

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Jua “Los releases que editamos en BeatHey te hacen sentir parte de una comunidad, algo más cercano.

Lazos que pueden llegar a trascender la virtualidad”

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ENTREVISTA

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an Hang

Hablamos con Juan Ignacio Hang, más conocido como J. Damur dentro de la escena electrónica nacional, proyecto que se ha destacado en base a producciones y composiciones nítidas y con fuertes valores melódicos, haciendo de él uno de los artistas más sobresalientes dentro de la comunidad BeatHey. Desde San Luis charlamos sobre Yellow Room, su nuevo proyecto enfocado en la improvisación musical donde atiende su costado instrumentista construyendo lazos con otros artistas.

POR NICOLÁS BELDI

Fuiste parte de compilados de BeatHey, además de ser un miembro activo de la comunidad ¿cómo es el momento de tu proyecto J. Damur? ¡Exactamente! Fui parte de compilados de BeatHey junto a muchísimos artistas de todo el país. Gran experiencia para poder conocer nuevos sonidos y tendencias dentro de la escena del país (nred: en el VA BeatHey Argentina).

También pude sacar un ep junto a remixers de la comunidad BeatHey. J. Damur, como proyecto puramente electrónico, sigue en actividad experimentando deep house progresivo y melódico. Pronto saldrán nuevos singles en el sello Road Story Records de California. ¿Cómo fueron las repercusiones que tuviste con los lanzamientos?

Muy positivas, estoy acostumbrado a lanzar en sellos internacionales. Los releases que editamos en BeatHey te hacen sentir parte de una comunidad, algo más cercano.

Lazos que pueden llegar a trascender la virtualidad. ¿Cómo es tu costado como músico y guitarrista?

Aparte de mi proyecto electrónico, siempre fui un fanático absoluto de la guitarra, en especial de la guitarra eléctrica. Me parece un instrumento fascinante, con una capacidad sonora brutal y muy práctico para la composición. Siempre estoy creando e improvisando solos que comparto en las redes, algunos nacen desde la improvisación y otros son bases más rockeras con solos y composiciones originales. la idea es comenzar a sacar singles como lo hago con la música electrónica, pero claramente con otro formato, más analógico por decirlo de alguna manera.

¿Qué es el proyecto Yellow Room?

Yellow room es un estudio de música privado orientado a la improvisación musical. Nace con el deseo y la idea de compartir la música de manera cruda y real, en donde las personas sientan que pueden expresarse musicalmente lo más libre posible. Hoy la tecnología permite atomizar el proceso de ejecutar, componer y grabar piezas musicales a velocidades increíbles. Si lo comparamos con lo que sucedía décadas atrás, hoy un individuo puede ser compositor, productor y masterizador por ejemplo, lo que es algo maravilloso pero a la vez, genera aislamiento e individualidad.

Desde mi perspectiva, la música ejecutada en tiempo real junto a otras personas tiene un poder incalculable, es un aprendizaje muy grande, ese fue el motivo principal por el cual se generó el espacio. ¿Con qué proyectos estás tocando o haciendo música?

J. Damur es el alias para mis producciones de música puramente electrónica. Y estamos comenzando a grabar bajo Yellow Room formato banda, y mis incursiones formato guitarra solista simplemente mi nombre. ¿En dónde o quiénes encontrás tus influencias al momento de componer para este nuevo proyecto musical?

Mis influencias son amplias y variadas a la hora de encarar este nuevo proyecto. Me gustan mucho los guitarristas italianos como Marco Sfogli, que hizo algunas colaboraciones con el cantante de Dream theater. También el ultra analítico Troy Grady, que gracias a sus minuciosos estudios sobre la técnica de púa permitió descifrar y esclarecer muchos mitos que se venían acarreando durante décadas en el mundo de la guitarra eléctrica.

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Hay pocas bandas con un background y contenido tan interesante como el de Las Manos de Filippi. Con 30 años de recorrido y una vigencia total, la agrupación porteña logró generar desde la independencia un camino propio que los posicionó como artistas de culto. La lucha social y su expresión en la música son marca registrada de Las Manos plasmando a lo largo de su discografía una mirada crítica al sistema y a los gobiernos de turno.

El 2023 los encuentra encarando una gira europea, grabando nuevo material y tocando con distintas formaciones. Para conocer un poco más de su actualidad, pero también de su trayectoria, nos encontramos en una charla con El Cabra –cantante y fundador de la banda-, en la que nos comparte su visión de la realidad.

PORDAMIÁN YUMBER VERA ROJAS POR LEVENSOHN

¿Creés que una banda como Las Manos podría existir en un país estable donde la crisis social no es lo habitual como en nuestro país?

Habría que ver cómo es nacer en un país como Suiza, para nosotros es inimaginable. Igual, si tenés un poquito de conciencia social más allá de tus fronteras, creo que por más que estés en Suiza, tenés que ser consciente que en un país lejano como Argentina pasan cosas terribles.

Durante los 30 años de recorrido, mayormente han elegido el camino de la independencia ¿Cómo fueron llevando ese proceso?

Nunca fuimos fundamentalistas de la independencia, siempre tratamos de trabajar de la mejor forma que se pudo en cada momento. Cuando arrancamos tuvimos ofertas para firmar con compañías, lo hicimos y fueron malas experiencias. Con el correr del tiempo fuimos armando nuestro camino desde el lado independiente, después fue todo más natural.

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NOTA DE TAPA

“Si tenés conciencia social más allá de tus fronteras podés entender que pasan cosas terribles”

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No es un fin para nosotros ser independientes, el fin es seguir adelante con el proyecto. En ese sentido estamos muy contentos con los logros obtenidos en este camino. ¿Cuál es la actualidad de la banda en cuanto a formación y en lo sonoro?

Estamos con un par de formaciones. La banda completa es super power, este año incorporamos dos guitarras -Karim Benegas y Gabi Kerman, que son los más jóvenes-, es un formato re contra

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LAS MANOS rockero. También tenemos “Susbsiten” que es con el que vamos a Europa, sin guitarras, más electrónico.

En el estudio grabando nuevo material, queremos sacar un EP de cumbia. Karim produce trap así que también queremos hacer algo de eso. Hace un tiempo trabajamos con El Doctor, es una forma de apoyar a las nuevas generaciones de músicos, nos gusta. Yo estoy más cerca de Jovanotti que del Doctor (risas). Nos gusta investigar…

Están a punto de encarar una nueva gira por Europa ¿Cómo fueron las experiencias anteriores allá?

Esta va a ser la séptima gira en Europa, cada vez se van fortaleciendo más los contactos y el público también.

Es la primera que hacemos post pandemia -antes hicimos 5 giras consecutivas-, la pandemia nos paró un poco el envión, así que esta gira viene cargada de más expectativas, es como un regreso.

Alemania es donde más hemos tocado en las giras anteriores, las primeras veces teníamos nuestras dudas, pensando que nuestro público se engancha más que nada por las letras, pero era una fantasía nuestra. Nos dimos cuenta que la gente disfrutaba igual con la música y la energía de la banda.

¿Tienen público mayormente hispanohablante en los shows europeos?

En Alemania hay pocos latinos, pero los alemanes que van son gente que ya fue a vernos. También está el caso de los que vienen por primera vez, después de investigar por Internet de qué se trata la banda. Es bastante nerd…

Hace poco presencié un show de Las Manos y es muy notoria la energía que generan ¿Cómo vivís en lo personal la performance del vivo?

El escenario para mí es como cuando te paras frente al espejo del baño y haces todo lo que no harías, esa sensación me la da el escenario. Trato de expresar no solo con la palabra sino también con el cuerpo, es una especie de diálogo total, imagino que eso en un país donde no saben que estamos diciendo debe tomar más importancia. ¿Cómo van encontrando nuevas motivaciones con el paso del tiempo?

Vamos creciendo y adaptándonos. Una forma de no aburrirnos es encontrando cosas nuevas todo el tiempo.

Personalmente siento que hay algo que aprendí en cada show. Además, nunca estudié música, todavía siento que tengo mucho por aprender y me tomo los shows como un momento para encontrar cosas nuevas de las que disfrutar.

LAS MANOS

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NOTA DE TAPA

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S DE FILIPPI Entre otras cosas, la obra de Las Manos se caracteriza por tener cierto tono de humor ¿Qué consumís vos en cuanto a humor?

Me gusta mucho Leo Masliah, de chico me gustaba Les Luthiers, Los Twist. Me gusta el humor irónico, esas cosas que algunos no se dan cuenta que son humorísticas.

Flashie cuando aparecieron Chachacha y Todo x $2, que la gente grande no los entendía muy bien.

En el año 2009 tocaron en Honduras para cien mil personas en contexto de Estado de Sitio ¿Cómo fue esa experiencia?

Fue una experiencia muy fuerte. Fuimos invitados a tocar en un festival contra el golpe de Estado en Honduras.

Había estado de sitio, llegar fue toda una aventura. El festival era dentro de una universidad, por eso había esa cantidad de gente, en la calle no se podía juntar nadie.

Hemos tocado en festivales con mucha gente, pero la diferencia ese día, es que las cien mil personas eran un bloque, todos unidos contra el golpe. En un festival normal cada uno está en su mundo. En la previa al viaje nos trataban de explicar lo que sucedía, pero costaba entender. Fue cuestión de llegar, hablar con un par de personas que lo estaban viviendo y entendimos a fondo la situación que nos rodeaba.

Más allá de la conexión global, pasa mucho de creer que entendemos lo que pasa en otro lado, pero no es tan así…

Uno puede hablar por lo que escucha, pero es muy diferente vivirlo, creo que te soltas, podes sacar conclusiones, intercambiar ideas. Sino dependes de lo que te contaron.

Desde tu visión ¿qué marcarías como identitario del ser argentino?

Veo algo muy positivo que sucede acá y no veo en otros países de Latinoamérica, hay una historia de lucha y organización sindical sobre los derechos de los trabajadores. Si bien muy pocos trabajadores tienen esos derechos en la actualidad, hay una conciencia de que eso es algo por lo que hay que luchar. Hay países que no tienen ni idea de eso.

Por otro lado, acá todavía no está tan naturalizada la muerte, hemos estado en países donde todos los días matan a un joven, y si bien acá pasa, la gente reacciona.

Le encantaría a los que nos gobiernan que sea de otra forma, pero la experiencia acá es otra, lo dejó claro cuando asesinaron a Mariano Ferreira o la reacción hace poco con la nena en Lanús. Es algo que a la gente todavía le asombra, sale a la calle y se pronuncia.

S DE FILIPPI

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Lady Ant es una actriz, cantante y compositora argentina nacida en Ushuaia, Tierra del Fuego. Multifacética y apasionada, estrenó su segundo álbum de estudio llamado “El Momento” (2023).

Un disco pop conceptual donde la vida, la muerte, el amor y la salud mental cobran vida a través de un repertorio de nueve canciones que nos invitan a enfrentarnos a nuestra propia oscuridad.

POR SOFÍA ARISTIMUÑO PH. RONA RANGEL

“Siento que la vida es así, un plan perfecto donde se te presentan situaciones para que tengas que aprender cómo pasar al siguiente nivel”

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ENTREVISTA

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¿De dónde viene tu pasión por la música, y el arte en general?

El núcleo fue mi casa. Mi primer contacto fue a través de mis padres, que eran unos melómanos empedernidos. Si bien no se dedicaban al arte, en casa había muchísima música constantemente. Cuando tenía 8 años mi mamá tenía una banda de rock, así que me tocó verla con todos los jeans rotos, acompañándola a sus ensayos desde muy chiquita. Mi papá tocaba la guitarra en la iglesia y solíamos cantar en casa. Creo que aprendí a cantar a la par que empecé a hablar (risas). A los 9 me regalaron un diario íntimo, donde escribí mis primeras historias, que luego toqué con la guitarra y muchas se volvieron canciones. A los 16 empecé con las clases de canto y actuación. A lo largo de mi carrera actué en obras de teatro y series, también compuse para otros proyectos. Siempre tuve un vínculo muy fuerte con todas las formas del arte. Tengo una necesidad imperiosa de escribir y canalizar a través de eso. ¿Cómo fue componer para otros proyectos?

Muy desafiante. Me sacó de mi zona de confort y me dio mucha experiencia. Yo componía desde muy chica, ese es mi estado natural. Me enseñó un montón poder salir de mi propia historia pensando en cómo se expresaría otro intérprete. De repente empiezo a pensar las letras y las melodías en base a la personalidad de alguien y no tanto para mí. Quizás es algo que yo no escribiría ni cantaría, pero sí le queda mejor al otro.

Son procesos totalmente distintos, porque componer para mí va ligado a mi estado de ánimo, o lo que tenga para expresar.

Hay una canción de mi primer disco que se llama “Soltar” y la compuse a partir de una vivencia muy íntima. En su momento la presenté a una producción y me propusieron que la interprete otro artista. Yo no quería soltarla. Por suerte, tuvo un final feliz y el proyecto no avanzó. La canción volvió a mí, y ahora forma parte del disco homónimo.

Cuando compongo para otros no me sucede lo mismo, porque encaro la composición sabiendo que es para otra persona, es mucho más divertido.

Tu último álbum “El Momento” tiene un concepto marcado, ¿qué podrías contarnos al respecto?

Hay una cuestión totalmente existencialista del disco, por eso se llama así. Está marcado por un momento de mi vida que me dio un giro de 180° y cambió mi perspectiva de muchas cosas.

El concepto se comprende muy bien en el videoclip de “El Momento”. Por un lado tiene una artística inspirada en el Renacimiento, que transmite cierto romanticismo y femineidad, hasta que se ponen los ojos negros y da un poco de miedo. Esto tiene un sentido y me fascina. Porque además de enfrentarme a tabúes como la muerte, también es la mirada hacia adentro, que muchas veces implica descubrir la oscuridad que es parte de uno. Los momentos de introspección son difíciles, no todo el mundo lo puede sobrellevar y es totalmente entendible. Hay que amigarse un poco y si no, abrazar a esa sombra, porque no todo lo oscuro es malo. Creo que eso también va formando el proyecto y terminó de darme a mí mi estructura final. Hoy me siento muy auténtica y cómoda conmigo misma, a pesar de haber vivido momentos muy duros. Me siento muy fuerte. ¿Cómo definirías tu búsqueda como artista?

Me encanta pensar que mi arte tenga la capacidad de transformar. Me conmueve muchísimo imaginarme siendo la banda sonora de las personas, porque la música te hace sentir mejor, o te acompaña en la tristeza. Le pone un marco a un período de tu vida.

Pero por sobretodo, quisiera que las personas conecten con las historias de las canciones. Por ejemplo, la canción “El Plan Perfecto” dice “como un boss que no resuelvo, vuelvo a repetir”. Esta letra habla de la muerte y de la autosuperación, porque como en los videojuegos, derribar al boss villano será lo único que te hará avanzar. Siento que la vida es así, un plan perfecto donde se te presentan situaciones para que tengas que aprender cómo pasar al siguiente nivel. A medida que crecés, el boss es más complejo, pero también vas adquiriendo herramientas para derribarlo y no quedarte estancado repitiendo una y otra vez. Mis canciones quizás no le cambien la vida a alguien, que a veces es intensa y dura, pero sí su mirada sobre algunas cuestiones. Nada está bien ni está mal. Estamos en un viaje, entonces cada quien va a hacer uno diferente.

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PATO LANGE Con una trayectoria notable dentro de la escena cultural se encuentra por lanzar su cuarto disco de estudio, del cual estamos disfrutando sus singles adelanto.

Pato, además de tener un camino laborioso dentro de la música, también supo ser gestor cultural como dueño de La Confiteria CC. Charlamos sobre su mirada en la escena actual, en un presente que lo encuentra enfocado exclusivamente en sus canciones, las cuales recomendamos escuches.

Charlamos con uno de los artistas más destacados dentro de la comunidad BeatHey. POR NICOLÁS BELDI PH: IONI EPELBAUM

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ENTREVISTA

¿En qué momento de tu vida te encontrás con la música?

Estoy por lanzar mi cuarto solista y eso me da mucha alegría. Es en realidad el séptimo disco con canciones mías y cuando pienso en el derrotero que ha sido dedicarme a la música, y al mismo tiempo llevar una vida de trabajo para vivir y no haberme perdido, definitivamente me alegro de cómo están las cosas. La música es mi trabajo y mi vida y se hace con dinero, sin dinero, sea que esté o no viviendo de la música. Hoy me encuentro muy bien componiendo, produciendo, con las herramientas afiladas y con la energía muy acostumbrada a ese ejercicio. ¿Este momento se ve reflejado en tus canciones?

Muchas veces mis canciones tienen una letra un poco más dura o reflexiva pero la música en general siempre tiene su toque alegre, su atmósfera optimista. Este disco creo que en general tiene una energía bastante up, pero así es mi carácter también. Puedo quejarme un poco, graznar, pero siempre estoy entusiasmado con algo.

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solo factor, entra en juego la política, la economía, la cultura local, el deseo de la gente de emprender. ¿Te imaginás en ese lugar de nuevo en el futuro?

No tanto. Creo que no volvería a dirigir artísticamente un centro cultural y al mismo tiempo ser el responsable legal. Tuve problemas de dinero, problemas con vecinos, con agencias del municipio, problemas legales por ruidos molestos, y toda una bola de cosas que no imaginé que iban a ocurrir, pero estábamos al frente y lo hicimos realmente con un amor difícil de repetir, por eso el lugar fue único e inolvidable. Fue una epopeya hermosa La Confitería. Preguntás por ahí, en la Ciudad, a artistas mainstream, under, a la gente, y aman ese lugar que hicimos. Me pasa todo el tiempo, me encuentro con gente hablando de eso. Y la pasamos bomba, y también quedamos en una semi ruina. La gente entraba al local, hermoso, lleno de magia, con todo lo mejor de la escena ocurriendo ahí y pensaba que estábamos haciendo dinero. No teníamos cobre. Ahora no lo haría de nuevo porque estoy dedicado a la música. Pero ojalá alguien quiera hacerlo porque esos espacios cambian la escena.

“Se viene un disco de canciones rock y pop con ADN de rock argentino” ¿Qué podemos esperar como público de tu próximo disco?

Es un disco de canciones rock y pop con ADN de rock argentino. Siento que estoy mejorando como letrista, cómo arreglador y como productor. A mi tiempo, voy avanzando y noto el efecto en la música. Las canciones hablan de cosas cotidianas algunas, y otras son más ficción o pensamientos.

Fuiste dueño de La Confitería y gestor de fechas de muchos artistas de la escena ¿Cuál es tu visión sobre la escena actual?

Creo que hay una cantidad enorme de artistas con muchísimo talento y haciendo música muy buena.

Y la mayoría de las cosas que escucho y me gustan prácticamente no tienen ningún tipo de difusión. No tienen equipos de trabajo, no pueden costearlos. Otros sí, y logran un desarrollo más rápido. Pero sin duda que artistas de talento sobran. Aquí hay mucha cultura musical, gente muy profesional, muy grosa haciendo lo suyo contra viento y marea. Respecto de la escena de clubes siento que no hay tantas opciones de lugares para tocar en los distintos estadíos que puede atravesar un artista en su convocatoria. Salas pequeñas de primer nivel hay pocas. Entonces muchas veces hay artistas empezando a forjar un público y necesitan tocar en salas pequeñas, pero al mismo tiempo ya tienen un show con requerimientos técnicos altos y ahí a veces se acota un poco el circuito. Imagino que en otros lugares debe ser peor, pero siento que acá todavía se pueden mejorar muchas cosas a nivel circuito, eso no depende de un

¿Qué inspiración buscás al momento de componer actualmente?

No pretendo encontrar inspiración de golpe, sino que normalmente me siento horas y horas a componer y a hacer maquetas y van apareciendo las canciones. A veces me sale más rápido y otras más lento. Pero logré atravesar esa ansiedad o esa frustración que supone tener la hoja en blanco y el peso de la historia de la música ya hecha. Con esto quiero decir, si uno se pone a pensar seriamente en la cantidad de música genial e increíble que ya fue escrita, es muy difícil sentarse con dignidad a intentar algo nuevo. Pero aprendí que no tiene sentido eso. Podría preguntarme, con razón, ¿para qué hacer tanto esfuerzo? Pero al final no se trata de competir, ni intentar estar a la altura de otro. Sólo ser lo mejor que yo pueda y encontrar mi propio gesto.

Contanos de alguna anécdota tocando inolvidable.

Una vez, a los 18, con mi banda de la adolescencia, que éramos de Castelar, toqué por primera vez en CABA, y vino Charly García y se subió al escenario con nosotros.

Me acuerdo que me dijo algo al oído, un piropo, y nunca me olvidé la sensación de ilusión que eso me provocó.

Fue un sí. ¿Qué podemos esperar de un show full banda de Pato Lange?

Una linda fiesta para quien gusta de las canciones y una banda de lujo.

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Aye Ortiz

Charlas Cannábicas

Locutora, oriunda de la zona sur del conurbano bonaerense, actualm viviendo en Mar del Plata, ciudad donde encontró su profesión y luga desarrollar su carrera de la mano de la comunicación. Actualmente p la radio rockera de MDQ, y donde desarrolla su amor por los medios trabajo de forma cooperativa además de tener su propio programa Z de Nadie. Dentro de BeatHey podés encontrar diferente tipo de conte en formato podcast que abarcan diferentes temáticas que van por el cannábico, la música y otras yerbas. Te invitamos a escuchar a Aye O POR NICOLÁS BELDI

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mente ar para parte KLA, s realizando Zona enido cultivo Ortiz.

BEATHEY PODCASTS

¿Cómo es tu vida en MDQ? Mar del Plata no solo me dió una profesión, y muchas oportunidades de trabajo y aprendizaje, también amigos y un entorno ideal para bucear el mundo que me fascina, el rock, la radio, el under. ¡Dentro de un estudio de radio siento que puedo hacer cualquier cosa! Pase por muchos, haciendo todo lo que podía, columnas, conducción, producción, móvil, operación, de todo. Soy independiente, grabo y edito freelance, pero mi corazón está en KLA, la radio rockera de la ciudad, donde hago varias cosas, entre ellas asistir técnicamente a mis compañeros cuando lo necesiten. Opero, me encanta la puesta al aire. Pero básicamente KLA es nuestro centro de operaciones. Digo nuestro porque es una comunidad. Un espacio donde crear, no solo contenido radial, la radio es la excusa para generar música en vivo en la radio o en una plaza. En KLA hago mi programa, Zona de nadie, salgo los sábados de 12 a 15 hs, aunque también participo en otros proyectos, como Punto Surf, los domingos por Vorterix Mar del Plata. Así generando entré al mundo audiovisual y quedé fascinada, así que también hago contenido en este formato de podcast. Me tomé muy en serio el lema punk de hazlo tu mismo (risas) ¿Cómo nace la idea del podcast de cultivo cannábico?

Nació de mi propia curiosidad. Soy consumidora de cannabis, y si bien siempre me interesó, hay cada vez más información. Indagando me di cuenta de lo poco que sabía, y que mucha gente estaría en mi misma situación, así que me propuse empezar esta búsqueda de respuestas y compartirla. Busque gente que supiera de los temas sobre los que quería indagar, de cultivo, medicina, historia y los invite a participar a hacerles preguntas básicas, para que cualquiera pueda aprender, o por lo menos echarle un poco de luz a este tema del que está bueno hablar. Y así va creciendo, cada vez más espacio en el programa, antes era bloque de rolar y ahora es hora de rolar. ¿Cuál es la importancia de que las personas en estos tiempos, donde la prohibición parece ser del pasado, aprendan a cultivar? ¿Es parte del replanteamiento de lo que consumimos?

Mientras más me meto en el tema, más creo que tener información te da libertad. Muchos pensábamos que era super difícil. De hecho yo misma me anime a empezar a aprender a la par del bloque y no solo es muy gratificante en varios niveles, sino que saber cultivar te da libertad de elegir qué cultivar, como hacerlo, desde espacio o tiempo hasta si queres usar aditivos o no. Obvio libertad de generar tu propio cannabis para lo que lo uses, pero es más que eso.

Tiene todo que ver con replantearnos lo que consumimos, en cuanto a cepas, o calidad, pero también como, comprando o generando. ¿El aceite lo compro o me lo hago? Y si elegiste comprar también te sirve saber, porque sabes que lo querés.

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Si bien el futuro parece estar llegando ¿Qué cosas se podrán mejorar o cambiar en cuanto a la legalidad del cannabis?

Por todo lo que vengo aprendiendo, las mejoras podrían ser la charla sobre la legalidad del uso adulto responsable y que se siga bancando la investigación científica e industrial. La existencia del Reprocann ya es una mejora gigante. Por las charlas que fuimos teniendo con actores de diferentes ramas del cannabis, hay un camino que apunta a que cada vez se sepa más y se apoye más la libertad individual. Desde las universidades y la comunidad científica hay mucho trabajo de calidad, de tiempo y de seriedad, lo mismo veo en el plano industrial, y por supuesto en el de la salud. Creo que las mejoras se van a ir dando a medida que se siga investigando y avanzando pero es inminente, ¡cruzamos los dedos!

“Mientras más conozco sobre cultivo, más creo que tener información te da libertad” Contanos de Zona de Nadie, tu programa en radio KLA Zona es un programa de música y entrevistas, de distensión y difusión, suena rock argentino, somos más bien noventeros, no te voy a mentir. Me gusta la variedad así que en un mismo programa puede sonar Hermética, Doble fuerza, Los redondos y La Whillington. Zona de nadie es una experiencia… la tienen que vivir (risas). Salgo los sábados de 12 a 15 hs por www.radiokla.com.ar o si tienen la suerte de estar en Mardel en el 91.7 del dial. Es mi mundito Zona, donde les comparto cosas que me gustan.

Dentro de tus podcasts se destacan muchas temáticas, ¿cómo es tu manera de encarar cada episodio o programa?

Todo el tiempo estoy absorbiendo información, trato de mantenerme informada y cuando un tema me interesa, intensifico la búsqueda de alguien que esté empapado en ese tema. Dejo a mi curiosidad libre, pregunto todo lo que puedo, trato de estar al tanto para ayudar a contextualizar al entrevistado, y si no puedo aprender previamente porque no llego a la info, pregunto desde cero. Siempre estudio todo lo que puedo al entrevistado. ¿Qué personajes te gustaría tener en tu podcast Zona de Charlas?

Mmmmm… es difícil. A muchos personajes. Pienso que todas se pueden dar, solo hay que tener la oportunidad o la excusa. Ahora tengo una banda en la mira, hacen reggae instrumental con instrumentos andinos, todavía no tengo excusa para escribirles, pero ya la voy a tener. Así me pasó con Spaguetti Western, me encantan, y hace poco vi que lanzaban una sesión por YouTube y dije esta es la mía. Hay muchos, soy medio cabulera con eso, me da miedo quemar. Pero si hablamos de sueños ponele, sueño algún día tener la suficiente data y coraje para entrevistar a Charly.

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¿Cuál es la actualidad de la escena electrónica en Corrientes?

La escena de Corrientes está en crecimiento, si bien la capital como toda ciudad central tiene sus espacios y su movida under, todavía se trata de un periodo de aprendizaje. En las demás ciudades es totalmente nulo.

Se puede decir que sos parte del desarrollo de la escena electrónica en tu ciudad, Mercedes Quiero creer que si, desde el año 2012, como dj sólo me dedique a la música electrónica gracias al sello Club Rayo Disquets y uno de sus fundadores, Rafael Sorol, quien me dió la oportunidad de presentarme en varias cabinas de Buenos Aires, presentándome artistas y así nutriendome de conocimientos artísticos y musicales, compartiendo cabina con artistas que admiraba desde la pista de baile. Así que traté de traer esa cultura, ese movimiento y fraternidad que genera el ambiente de la música a mi ciudad. Gracias a Walter Chávez, quien me dió un espacio en su programa de radio Set Movida Electrónica, pude mostrar y compartir ese conocimiento hasta lograr en conjunto hacer 5 fiestas electrónicas en la ciudad, como todo comienzo costó mucho, y sin el apoyo de BeatHey y los artistas Nico Beldi, Alejo Rivero, y Rafael Sorol no lo hubiésemos logrado, así que creo que sí soy parte del desarrollo y espero seguir siéndolo. ¿Cómo viviste el momento post pandemia luego de años de desarrollo de la escena en tu ciudad?

Creo que como a todos en el rubro, la pandemia nos golpeó duro, pero no bajamos los brazos, como ya veníamos con el streaming desde hace tiempo comenzamos a hacer Living Room. Creo que eso en pandemia nos ayudó a conectar con productoras y artistas que compartían música e historias con nosotros proyectando cosas a futuro Eso ayudó a que post pandemia solo teníamos que llevar a cabo lo planeado durante ese tiempo, así que para mi punto de vista evolucionó muy rápido y como lo esperábamos logrando no solo tocar en bares y eventos de la ciudad sino también en las localidades y provincias vecinas como Goya, Monte Caseros, Misiones, Bella Vista, etc. Además de quedar año a año en la pista electrónica del golf club 3 años consecutivos, también la posibilidad de tener nuestra carpa propia en la FDDM (Fiesta de Disfraces Mercedes) un evento con más de seis mil personas, eventos donde se hizo un trabajo arduo para que incluyan la música electrónica dentro de sus propuestas. ¿Qué nos podes contar sobre la última edición de la FDDM? La FDDM (fiesta de disfraces Mercedes) es uno de los eventos más populares de la ciudad y alrededores. En la edición 2022 por primera vez dieron espacio al movimiento creando la carpa electrónica, con presencia de artistas de Buenos Aires junto a djs locales.

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Max D ¿En qué proyectos estás trabajando actualmente?

Este año estoy trabajando en Proyecto Groove, un movimiento cultural de house donde buscamos dar espacio a djs locales que no tienen lugar donde ser escuchados, además contamos con algunas productoras de eventos dando lugar a una pista electrónica donde poder conectar con el público. Gracias a BeatHey contamos con el soporte y asesoramiento de artistas de la escena nacional, haciendo que la localidad de Mercedes forme parte de la escena electrónica argentina.

Antes de Proyecto Groove en principio tenía un movimiento llamado SET con un grupo de amigos donde buscábamos crear un lugar en las noches de la ciudad, tras un arduo trabajo de 4 años logramos construir después de muchas noches increíbles.

“Estoy trabajando en Proyecto Groove, un movimiento cultural de house donde buscamos dar espacio a djs locales que no tienen lugar donde ser escuchados” Para quienes nunca te escucharon ¿Cómo podrías describir tus dj sets?

Mi set en este último tiempo no sigue una línea de género, siempre depende del momento, lugar y horario que me toque. Trato de tener buen groove, mucha melodía y una que otra vocal. Me siento cómodo entre 120 y 125 bpm. ¡Los invito a escucharme!

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ENTREVISTA

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Dalmazzo

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Nos encontramos en una charla con Max, dj y productor oriundo de la provincia de Corrientes. Hablamos sobre la actualidad de su carrera, pero también nos grafica sobre la escena en su lugar de residencia, Mercedes, ciudad que lo supo poner como referente electrónico luego de años de trabajo y desarrollo de una escena local.

POR DAMIÁN LEVENSOHN

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Discover B

E A T H

E Y . C

O M

Alta Gracia - Córdoba

+ surikataki surikataki n/a

Portak - Surikata Ki - 02:36

Surikata Ki

FE ATURE D TR AC K

PH_Luciano Gualda

Indie Rock Rock Alternativo

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SECCION

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¿Cómo definirías tu propuesta artística?

Se trata de un proyecto solista, soy cantautora, mi proyecto lleva mi nombre.

Empecé a hacer canciones porque me generaba un estado de purificación y bienestar y de repente me empecé a meter en el mundo mágico de la composición donde encontré un universo súper grande. ¿Y en qué formato te movés en vivo?

A veces voy sola, guitarra y voz. Otras en forma de quinteto, donde la puesta en escena se enriquece mucho más, no sólo musicalmente sino también por lo visual porque me gusta acompañar la puesta con bailarines. Soy profe de danza contemporánea entonces todo lo que es la puesta escénica corporal significa un montón para mi y es algo que en mis shows está súper presente.

Tu último sencillo “No me contestan”, llama la atención por el tono sarcástico, distinto al resto de tu trabajo y ensaya una crítica a las dinámicas excluyentes de los espacios donde lxs musicxs exponen su arte…

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Es una respuesta a ese sistema que ni siquiera se toma el laburo de intentar conectar con tu arte, sobre todo si venís del under, sos mujer y solista.

La canción - cuyo video estrenó recientemente- nació accidentalmente el año pasado, una tarde de invierno, donde por algún motivo los lugares donde quería tocar, donde necesitaba tocar, porque también es mi trabajo, no me contestaban. Surgió medio en chiste, lo compartí en redes sociales y tuvo una respuesta muy grande, entonces dije, bueno, acá hay algo. Siento que un montón nos sentimos identificadas con eso. Lanzar esta canción se me hizo un poco raro porque nunca había compuesto desde el humor, la crudeza y desde una letra tan real, tan carente de metáfora. Me gusta tener estos dos mundos, a veces escribo cosas que son muy existenciales y que tienen una poesía muy profunda y otras no, no me enrosco y lo que tengo que decir es como súper crudo.

Teniendo en cuenta estas formas que suele tener el sistema con lxs artistas emergentes, ¿qué cosas te planteas para hacerte un lugar en la industria?

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“No me contestan es una respuesta a ese sistema que ni siquiera se toma el laburo de intentar conectar con tu arte, sobre todo si venís del under, sos mujer y solista.”

LAILA FARINOLA

Desde Villa Gesell, Laila canta con frescura sobre paisajes melancólicos y una lírica suave e introspectiva de magia particular. Tiene 3 albumes en su haber y en vivo ha compartido escenario con músicxs como Iván Noble, Loli Molina, Palo Pandolfo.

Próxima a presentarse en su primer gran teatro, hablamos de su proyecto y los caminos para hacerse un lugar en la industria sin traicionarse.

POR SEBBA GUALDA

La verdad es que me gustaría tener reciprocidad. Me gustaría que la industria tenga lugar para la diversidad. Siento que estamos transitando una crisis de ruido constante y no hay mucho espacio para estos proyectos que tal vez son más silenciosos o introspectivos que requieren de un público silencioso, de una escucha un poco más activa y atenta. Siento que la industria va más para las luces, estallidos y baile, ruido. Tal vez estaría bueno que haya un poquito de lugar para lo más sensible. Creo que no soy capaz de negociar y vender mi esencia con tal de encajar. Prefiero seguir siendo una chica del interior, aunque me encantaría poder encontrar un lugar un poquito más popular. ¿Estás atenta a la obra de otrxs artistas como referencia para construir tu propuesta?

La verdad es que siempre soy autorreferencial, o sea, no me gusta construir en base a la obra de otros. Soy una gran consumidora de artistas y de música nueva, de cantautores, de cantautoras, de libros de poesía, mi vida siempre estuvo rodeada y nutrida de arte en sus distintas

disciplinas y eso me influye un montón, pero a la hora de componer siempre estoy mirando para adentro. ¿Qué música estuviste escuchando esta semana?

Es un momento de muchxs cantautorxs. Estoy escuchando mucho a Nana Arguen, que es una gran cantautora, Loli Molina, Rodrigo Carazo y acabo de descubrir a un cantautor que se llama Lautaro Matute, que me gustó mucho. Después siempre están los semidioses ahí: Spinetta, Charly, Björk y demás.

El próximo 30 de septiembre te presentás en el Teatro Municipal de Pinamar.

Si!, voy a hacer por primera vez un show en un teatro de estas dimensiones, con una capacidad para 300 personas y una puesta en escena con músicos invitados, bailarines y escenografía. ¿Cómo te imaginás media hora después de terminar el show?

Agotada y comiendo pizza con gente que quiero.

LOBEL 62

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El proyecto solista de Facundo Bugallo comienza luego de dividir caminos con su anterior banda Conexionistas con la cual supo ganar un lugar dentro de la escena argentina.

Lobel es su alterego musical cantautor con el cual viene desarrollando una carrera consolidada a base de features destacadas, como con Los Tipitos, y con canciones que te hacen querer escucharlas miles de veces. Uno de los artistas más completos que podés escuchar en BeatHey, charlamos con Facu en exclusiva para nuestra revista.

POR NICOLÁS BELDI

¿En qué etapa te encontras?

Estoy presentando mi nuevo EP que conforma una trilogía bautizada con el nombre de “El muchacho de los ojos tristes”.

La misma comprende los tracks “Lo que me hacía bien”, “Verano en Buenos Aires” y “El muchacho de los ojos tristes (Ft. Vale Acevedo)”. Me gusta porque las canciones conforman un universo en el que transcurren las andanzas y reflexiones de un personaje.

En este caso, una versión libre y moderna del muchacho de los ojos tristes. “Lo que me hacía bien” y “Verano en Buenos Aires” son optimistas en la moraleja que nos dejan, pero indudablemente nostálgicas y personales. Ambas funcionan como visiones en primera persona y, a su vez, dibujan el arco que se completa con “El muchacho de los ojos tristes”, que interpretada junto a Vale Acevedo, nos entrega una visión externa de nuestro personaje. ¿Qué podemos esperar de tu nuevo disco? ¿Cómo se va a llamar?

Espero buenas canciones. Siempre busco superarme y mejorar el estándar de calidad. En esta ocasión estaremos muy metidos en el sonido, la orquestación, y tratando de conectar más con

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la gente a nivel lírico. Si bien casi siempre las canciones vienen de alguna parte personal del autor, en esta oportunidad quisiera abstraerme un poco de ese origen habitual y dar más con el inconsciente colectivo.

El nombre no tengo la menor idea aún. Siempre aparecen opciones, pero hasta que no esté el concepto encontrado sería imposible definirlo. ¿Dónde estás instalado actualmente?

Estoy instalado en Perú, pero no me faltan ganas de viajar más a menudo a Argentina. Divido mis viajes entre Argentina y México, porque amo a los dos y en los dos pasan cosas. Como artista independiente es más complejo estar todo el tiempo viajando.

Por suerte ahora me toca viajar a Buenos Aires para grabar mi próximo disco y eso me entusiasma. ¿Cómo fue el dejar Argentina y radicarse en Perú?

Difícil. Creo que es difícil en cualquier caso, aspecto y en cualquier lado, cuando se trata de dejar un lugar en el que tenés cierta estabilidad y arrancas de nuevo en otro punto. La verdad es que al comienzo estaba tan embalado tocando y golpeando puertas que no me percaté de las condiciones en las que estaba viviendo, o de lo mucho que extrañaba mi casa. Pero el tiempo te acomoda, y además, tuve ayuda. Por suerte no tardé en rodearme de gente y equipo increíbles que me han ayudado a crecer y a estabilizarme aquí, incluso a conocer más, como México.

El porqué del autoexilio no lo se aún muy bien. Podría dar respuestas lógicas, técnicas y coherentes en relación a lo profesional, pero creo que solamente necesitaba lanzarme a la aventura y conocer nuevos escenarios.

“Estamos muy metidos en el sonido, la orquestación, y tratando de conectar más con la gente a nivel lírico, dar más con el inconsciente colectivo” ¿Como proyecto solista sentís una construcción más completa como artista que como lo fue con Conexionistas? ¿Qué es lo que más te gusta de Lobel como proyecto?

Es distinto. De todas maneras, me hallo más en este formato.

Me encantaba Conexionistas, pero como banda chocan muchas ideas, y al no tener definido un método para ponerse de acuerdo se puede complicar, y eso lo termina pagando un poco el arte.

Como solista el plan se vuelve siempre más ordenado en cualquier aspecto. Y como artista siempre trato de evolucionar, esté en el formato en que esté, porque de alguna forma u otra, nunca dejás de laburar en equipo. Lo importante es aprender a llevarse bien y entender y aceptar los roles de cada parte. Creo que lo más me gusta de esto es la libertad creativa de principio a fin.

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Me da una sensación de caminata en la neblina y vienen a mí pecho sentimientos bohemios al escuchar la música que hacen, creo que esta percepción se debe al origen de la banda ¿Cómo influye la geografía y las cosas que pasan en Mar del Plata en su música?

Totalmente, hay un dejo de nostalgia que se puede sentir en las canciones. Creo que tiene mucho que ver el invierno largo y frío de la ciudad (risas). Muchas de las melodías de las canciones han sido creadas en caminatas frente al mar, en procesos personales de amor, desamor y otras. Creo que eso influye mucho en ese sentimiento que tienen.

Es interesante ver cómo confluyen el pop, el baile y la melancolía en las canciones.

Estuve pensando mucho en el nombre de la banda y quisiera saber ¿qué es eso que consideran les hace distintos frente a una sociedad que mira raro?

Más que sentirnos raros, el nombre alude a esa idea de una propuesta distinta, ya sea en el vestuario de los shows, en los videos o incluso en la manera de componer las canciones. No tenemos miedo a meternos en el pop, en el rock, en hacer baladas, etc. En hablar de todos los tipos de amores que existen. Nos gusta hacer canciones y la misma va pidiendo su estilo al momento de crear y la idea es no cerrarse e ir cambiando a medida que pasa el tiempo. Investigar texturas, colores y tipos de vestuario nos encanta y la idea es que la gente vea y sienta que pasa algo además de la música.

Creo que es importante conocer su opinión y tener un breve panorama de la escena musical en Mar del Plata ¿Cómo se mueve Nos Miran Raro en ese ecosistema?

Después de la pandemia hubo un resurgimiento de la música en vivo. La gente está disfrutando mucho de los shows y Mar del Plata no es la excepción. Hay un crecimiento de las bandas under tremendo y nosotros lo sentimos al tocar en la ciudad. Gente que nos empieza a seguir y a cantar nuestras canciones. En la ciudad siempre fue complicado que la gente vaya a ver bandas que hacen sus propias canciones y de a poco la cosa va cambiando porque se empiezan a dar cuenta que no es necesario que venga una banda de capital para que se trabaje con profesionalismo y calidad. ¡Mar del Plata tiene excelentes bandas!

Hay una tendencia expresiva, respaldada en libertades conquistadas en algunos lugares del mundo, que tiene que ver con no binarismo, género y lenguaje inclusivo entre otras, de alguna manera siento que su música está conectada con un mensaje de libertad y me gustaría saber ¿qué opinión tienen frente a este tema?

Totalmente de acuerdo. Estamos orgullosos de ser parte de esta camada de la música que no huye de la diversidad y que abraza las libertades que de a poco se van conquistando. Lo intentamos destacar en las canciones, en el vestuario, en la estética como para dejar en claro que cada cual puede disfrutar de su libertad al escuchar Nos miran raro y que la música es una sola.

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“Estamos orgullosos de ser parte de esta camada de la música que no huye de la diversidad y que abraza las libertades que de a poco se van conquistando”

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NOS MIRAn RARO POR JULIANA URTICA

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MAG ESPECIAL CUARENTENA

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