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L A V A L L E

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A I R E S

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EDITORIAL

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BeatHey Mag 8 nos encuentra en un momento de renacer como planeta.

La pandemia comienza a ceder y la “nueva normalidad” alumbra diversas oportunidades.

Está claro que la industria cultural ha sido una de las más perjudicadas los últimos 18 meses; esta complejidad ha dejado al descubierto grandes desigualdades al tiempo que brinda la oportunidad de construir un futuro más equilibrado y sustentable.

No podemos escapar a la vorágine del día a día, pero no debemos olvidar lo vivido. Entender cuáles son las problemáticas que aquejan a la comunidad de músicxs independientes, y resolverlas, es el principal objetivo de BeatHey. Trabajar en una meta común es primordial. Ha sido contundente el apoyo y la solidaridad de quienes forman parte de nuestra comunidad.

Hemos, y lo seguiremos haciendo, prestado atención a las problemáticas globales que aquejan a nuestra industria y es por ello que estamos trabajando en soluciones tecnológicas innovadoras para un mejor uso de las herramientas que ponemos a disposición.

NFTs y Wallet propia son dos de los pilares de nuestra visón en el mediano plazo. Estamos formando alianzas con jugadores de primer nivel en el área tecnológica y en la parte artística para desarrollar herramientas de monetización diferenciales.

Continuamos afianzando nuestra relación de trabajo con la UMI (Unión de Musicxs Independientes), así como con embajadores, universidades, escuelas y espacios culturales.

Por último, y no por ello menos importante, estamos trabajando muy fuerte en la experiencia de usuario. Nuevos features aparecerán en nuestra web mobile y el relanzamiento de las apps en Android & IOS está proyectado para diciembre de este año.

Todo lo expresado es una consecuencia del trabajo conjunto; del desarrollo de una visión común y superadora, donde la suma de cada individualidad es la clave.

Sabemos que queda mucho por hacer, somos conscientes de nuestros errores y limitaciones, así como consecuentes con nuestras virtudes, y sabemos que lo mejor esta por venir.

Gracias a todxs por el apoyo. Gracias a todxs por seguir construyendo.

Gracias a todxs por saber que es posible una escena musical independiente descentralizada y con mejores oportunidades.

Julián Sorsaburu CEO BeatHey

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DIRECCIÓN EDITOR Y PRODUCTOR DE CONTENIDOS DIRECCIÓN EDITORIAL DIRECCIÓN DE ARTE DISEÑO ESCRIBEN COMERCIAL AGRADECIMIENTOS Julián Sorsaburu

Nicolás Beldi

Darío Rosemblat

Gabriel Santana

Saint Design

Hernan Panessi, Mariano Del Aguila, Damian Levensohn, Nicolás Beldi, Juan Zolbarán, Juliana Urtica, Julián Sorsaburu, Miguel Warlies, Sebastián Da Vinn, Manu Barbeito, Rafael Sorol, San Kaiyer, Mauricio Figueroa, Camilo Gil.

contacto@beathey.com

Antonio Macadam - Edmundo Hiriart - Matías Rebecca - Florencia Vilar - A TODA LA COMUNIDAD BEATHEY

Suscribite y recibí BeatheyMag en tu casa hey@beathey.com Número 8. Edición física y digital. Las notas de la revista corren bajo exclusiva responsabilidad de sus autores y las publicidades bajo exclusiva responsabilidad de los respectivos anunciantes.

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SECCION

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Discover B

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Buenos Aires

+ marinaizu marinaizu.musica n/a

F EATU RE D TR ACK

Marina Izu

El trompo - Marina Izu - 03:14

Indie

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Willy Crook 1965-2021

Salud al Rey de los Piratas

La lógica de los piratas era juntar tesoros, para esconderlos o para solventar sus giras de pólvora y filo. En estos días con mi hijo Evo devoramos los capítulos de “One Piece”, el animé y el manga más vendido de la historia. Son las aventuras de Monkey D. Luffy, un joven con sombrero de paja que quiere ser el Rey de los Piratas y para eso, pone rumbo hacia La Gran Ruta Marítima en busca del One Piece: el tesoro que dejó oculto otro corsario hace 20 años, y que inició la Gran Era de los Piratas.

Una vez conocí a un pirata. A los veinte, en una ruta de San Juan, encontré un CD con portada muy psicodélica: Lions in Love. Todavía no sabía que era el acid house, pero quedé cautivo. Entre créditos el nombre de Willy Crook. ¿No era este un Redondito de Ricota? Claro, luego caería que fue un Abuelo de la Nada, que desembarcó en España y en ese formato con Melingo y Guadalupe, vivieron mil vidas y se anticiparon al tiempo. Que fue el mismísimo Daniel, otro trotamundos, quien alentó a Willy a editar su material.

Pronto me lo encontraría en reductos como El Imaginario. Siempre con una tripulación increíble, sus Funky Torinos, nos viajaban por los mares del funk, del soul, levantaba polvaredas, riffeaba joyas.

Ese verano que me tocó ser lavacopas en un bar de Villa Gesell, y en esas trasnoches, vi pasar formaciones con músicos de Memphis, de La Peluca, la leyenda local. Willy se acodaba en la barra y la indicación era: “No le den más de dos gintonics”, pero ¿quién era yo para negarle el trago a mi héroe? Así que contrabandeando licor tras la barra me gané su confianza. Una madrugada, que en realidad ya era la mañana, nos fuimos re acompañados en su Torino hasta un kiosco que estaba abierto a esa hora, sólo a conseguir más copas y a jugar a un bowling en miniatura. Pienso en su voz raspada, en el salitre que viajaba en el aire, en las canciones que sonaban en cassette.

Siempre le seguí el rastro en bonanza y desgracia, y la marea nos reencontró un par de veces, en alguna entrevista. Antes de la pandemia lo invité a poner sus vinilos en Niceto Bar, y aunque dijo sentirse oxidado, lo disfrutó y lo hizo con clase y gusto, tal que todos se lo agradecimos. Ese día me invitó a pasar por una disquería en avenida Corrientes donde estaban los flamantes vinilos de “Lotophagy”.

Esa referencia a una tribu imaginaria, que tenía afición por comer loto, para olvidarse de todo.

Por más loto que comamos, jamás deberíamos olvidar las andanzas y las máximas herméticas de Willy. Aún en la deriva, la hidalguía es lo último que debería perderse.

Como el surco de una Torino blanca, en el borde de la playa. Así portaré en mi memoria, un zig zag de encuentros con Willy Crook y su luz. Levo el ancla y a buscar el azul infinito.

MARIANO DEL AGUILA

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POR JUAN ZOLBARÁN

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T E C H

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CANALES RECOMENDADOS DE APRENDIZAJE PARA PRODUCTORES Antes conseguir datos sobre producción era una tarea casi imposible, esos tiempos quedaron atrás. Aún recuerdo mis primeros pasos hace 20 años cuando colegas guardaban bajo 7 llaves lo que hacían, o te tildaban de espionaje industrial si ibas a sus casas a ver como trabajaban. Lo que podés aprender en una buena academia en 2 años, a muchos les ha llevado 2 o 3 décadas recopilar. La masividad de la internet, sumado a la explosión de la música electrónica (y el nuevo fenómeno instalado de la música urbana), han disparado un ejército de nuevas mentes enfocadas en armar su home studio y darle rienda suelta a su creatividad. Lo que antes parecía algo de unos pocos, hoy se ha convertido en parte del día a día de cualquier joven que le gusta la música, y eso por supuesto como todo saben a mayor demanda llega la oferta, academias, profesores particulares, blogs, canales en YouTube o Twitch son algunos de los lugares donde se puede encontrar información de todo tipo, desde como usar un compresor hasta la explicación detallada de un hit. Es por eso que me pareció relevante hacer una recomendación de 5 canales de difusión de información indispensable para los amantes del beat.

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RONAN PORTELA (YouTube) Es un compositor y productor de música desde mediados de los 90’. Ha desarrollado diversos géneros musicales como Chill Out, Synth Pop, Soulful House, Minimal Tech, Deep House y Techno. También ingeniero de audio, mezcla y productor artístico de bandas. Hoy su canal en YouTube está dedicado a la producción musical, donde su misión es generar contenido que aporte valor creativo para músicos, tanto iniciales como avanzados. Cuenta con tutoriales sobre producción, técnicas de mezcla, tips creativos y plugins. https://youtube.com/c/RonanPortela

CYBERFUNKTV (Twitch) Es un colectivo artístico , productora de eventos y canal de divulgación cultural con base en Buenos Aires, donde se realizan diversas entrevistas, streamings, entre otras acciones. Con una estética de los 90’, es una propuesta que marca tendencia y siempre está a la vanguardia . https://www.twitch.tv/cyberfunktv

ALEXIS CABRERA (Web) Sin lugar a dudas uno de los productores argentinos mas prolíferos y con más reconocimiento a nivel mundial, que ha creado su propio sitio web. En el mismo podrás encontrar distintos cursos para introducirte en el mundo de la producción, ya seas principiante o avanzado a través de videos tutoriales, los packs vienen con masterclases + bundles, y por supuesto, contenidos extra .

También su programa en YouTube “Why this track is a bomb” es genial. https://alexiscabrera.podia.com/

KAME (SoundCloud) KAME es el nombre artístico de Javier Lorenzo, dj, productor y docente parte del staff Arjaus. Su carrera comenzó en el año 2009 y desde entonces ha pasado por los clubes más reconocidos de Buenos Aires siendo residente en alguno de ellos. Actualmente trabaja para la reconocida banda Miranda.

Su amor por la enseñanza y el compartir lo han llevado a crear su canal donde encontraras de manera súper sencilla entender desde como laburar el sampling hasta el funcionamiento del vocoder. http://www.soundcloud.com/kamesound

GUSTAVO MASSONE (YouTube) Con una larga trayectoria y reconocido ingeniero en mezcla y mastering, ha trabajado para artistas como Ricardo Villalobos, Chez Damier, Argenis Brito, Bizarrap, Jorge Savoretti o Franco Cinelli solo por nombrar algunos. Nos deja una data super interesante sobre distintas cadenas de mastering en su canal de youtube , ¡imperdible! https://youtube.com/user/Massonegustavo

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LABELS

POR MAURICIO FIGUEROA

Estamos Felices es un sello discográfico independiente, de “música emergente”, consultora musical y productora cultural de contenidos, con sede en Buenos Aires (Argentina) desde el 2004, cuya premisa es generar un aporte a la cultura de nuestro país. Fundado por Martín Mercado, sus estilos varían entre el indie y la electrónica. https://www.facebook.com/estamosfelices/ https://www.instagram.com/estamosfelices/ https://soundcloud.com/estamosfelices

Up & At’em Records es un sello discográfico Argentino con más de 10 años de existencia y gran cantidad de artistas argentinos. Sus primeros lanzamientos fueron publicados en el 2007, y desde 2019 su relanzamiento con nueva propuesta artística y sonidos sin interrupciones que invitan a disfrutar de buenos ritmos y mucho groove.

Sus fundadores Martín Miguez y Mauricio Figuero apuntan a un label de buen deep house, minimal y house preferencialmente. https://www.facebook.com/utemrecords/ https://soundcloud.com/upandatem https://upandatemrecords.bandcamp.com/

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Soulutions Records es un sello independiente de música electrónica con base en Buenos Aires. Fundado en el año 2019, sello joven que aporta calidad de artistas y producción, donde podremos encontrar sonidos bien marcados con excelentes sonidos.

Fundado por Hernán Marine mantiene sus estilos dentro del dub techno, el deep house y la electrónica. https://www.facebook.com/soulutionsrec https://soundcloud.com/soulutionsrecords https://www.instagram.com/soulutionsrecords/

Tangible Records es un sello Argentino, propuesta joven con mucha creatividad y sonidos frescos. Su primer lanzamiento fue publicado en el 2018, manteniendo su línea con sonidos con mucho groove y muy buena calidad de artistas. Curado por sus fundadores Gus Bonani y Germán Figueroa, mantienen los estilos deep house y minimal house como predilectoshttps://www.facebook.com/tangiblerecords/ https://soundcloud.com/tangible_records https://www.instagram.com/tangiblerec/

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LABELS

POR CAMILO GIL

La palabra “Cumpa” en Chile viene de Compadre, y en este sello convergen la simpleza, el apoyo fraterno y la magia del sur.

Bajo el buen y silencioso trabajo del gran Productor LARRY PETERS, desde el Sur profundo de Chile, mantiene un relato afincado en el minimal house de corte clásico, con groove y alma como si fuera la música disco.

Levantando grandes artistas chilenos, como próximamente un VA de alto calibre que aglutina grande baluartes de la música minimalista europea junto a lo más relevante de Chile.

Primera casa discográfica de vinilos chileno/española. Como labor es crear un puente iberoamericano con una visión tal como relatan sus dueños [ØNE+1] y nuestro conocido CAMILO GIL en un mood retrofuturista.

Ya que en el ámbito cultural rescatan lo mejor de los productores y leyendas, como los sonidos de la nueva cepa, creando un híbrido único en la región.

Baluartes como Mnark Ambrose, Sascha Dive y últimamente su segunda referencia en nada menos que 72 horas llegó al segundo lugar en DECKS.DE, casi agotado en el mundo en manos del ep de Camilo Gil y Rodrigo Valdivia, en su proyecto AREA51, y su ep ASTRAL & AUSTRAL, con remixes de Argenis Brito, y una leyenda como Tommy Vicari Jnr. La tercera referencia data otro golpe a la cátedra.

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Sello curado y manejado por el dj, productor y promotor Joaquin LLedo, que sigilosa y cuidadosamente ha realizado un trabajo de joyería para moverse dentro de la cultura musical. Muy depurado y grandes nombres podemos escuchar como, AUDIO WERNER, STEVE O`SULLIVAN, MOVE D, XANDRU, MIKE SHANNON, y NORKEN en su faceta como MATHEMATICS. Un sello que realmente hay que poner atención, ya que más que preferir likes, y followers en redes sociales, prefiere ampliar su discografía y apoyar a la cultura musical en Chile.

Que más vamos a decir del primer sello en vinilo de Chile. En lejanas épocas en donde a pulso, en primera instancia la dupla MARCELO ROSSELOT, FRANCISCO ALLENDES, le dieron vida mostrando Chile al mundo. Una generación dorada de mitades de siglo en manos de Felipe Valenzuela, Felipe Venegas , Dani casarano, Camilo Gil, y grandes números como ALEXI DELANO, y un procer como TERRY FRANCIS dentro del label, hoy gobernado por el versátil MARCELO ROSSELOT, y su socio desde Dinamarca OSCAR MENDOZA.

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HUDD TRAXX 15 AÑOS

POR DAMIAN LEVENSOHN

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El respetado sello inglés festeja 15 años de vida con un compilado plagado de buen house

En la escena actual donde los proyectos nacen y mueren de manera efímera, es más que destacable encontrar un sello discográfico que mantiene su vigencia por tanto tiempo. El caso de Hudd Traxx, label que tiene como responsable al dj y productor británico Eddie Leader.

Con motivo del aniversario, recientemente fue editado un compilado en el que nos encontramos a algunos de los máximos referentes del sonido house underground, muchos de ellos que ya habían sido parte de referencias de lanzamientos anteriores. Podemos mencionar artistas como Nightmares On Wax, Black Loops, Jovonn, Agnes y Mark Hawkins, además de los colombianos DFRA y No Different.

15 Years of Hudd Traxx se puede adquirir en 2 x 12”, así como en formato digital.

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BEATHEY FEATURED LABEL

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El sello con base en Buenos Aires completa su primer año de vida con una interesante discografía en su haber Indígena es un proyecto que vio la luz durante la cuarentena del 2020 con la curaduría musical de Juan Zolbaran y la distribución de BeatHey. Con salida en formato digital hace foco sonoro en diferentes vertientes del minimal y aledaños.

Los primeros siete lanzamientos tuvieron como protagonistas a Z51, Lautaro Scavuzzo, Guillermo De Caminos, Dellacasa, Cazaux & Xuacu, Furz y Jaun Zolbarán, mostrando un cuidado balance entre artistas consagrados y nuevos talentos.

Recomendamos estar atentos a los próximos releases del label.

INDÍGENA LLEGA A SU PRIMER AÑO

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JULIA ARBOS

Presentamos su nuevo disco Monstruos Perfectos, su primer álbum solista.

Miedos, inseguridades, procesos creativos, romper creencias y planes a futuro de la cantante, música y compositora, una artista de gran potencial y un presente atrapado en la nueva normalidad.

POR NICOLAS BELDI - PH: LAURA WOHLGEMUTH

¿Qué nos podés contar de Monstruos Perfectos?

Sí, aunque hay un álbum del 2012, vivo a Monstruos Perfectos como mi primer material. Ahí se condensó todo lo que estuve haciendo durante los últimos años, es un disco que paradójicamente no hubiera podido hacer sin haber tocado con HIja de Tigre, Marina Fages o Las Manifiestas, es muy loco cómo se acumulan y fusionan las experiencias. A diferencia de Los Arboles del Mundo, todas las canciones de Monstruos Perfectos tuvieron otra instrumentación antes de las versiones finales y varias de ellas fueron tocadas durante años así antes de grabarlas, eso le dio otra madurez al material. ¿Por qué el título Monstruos Perfectos?

Cuando estábamos produciendo el material con Gomez empecé a trabajar con Laura Wohgelmuth en la pata visual de todo esto. Charlando fue que empezó a ser más claro el concepto del álbum, se fueron poniendo en foco varias cosas. A mi siempre me había costado poner mi cara o mi cuerpo en gráficas y arte de tapa.

Me di cuenta que además de algo de timidez tenía un prejuicio patriarcal desde el cual un arte de tapa donde se ve una mujer como protagonista es menos interesante o profundo musicalmente que uno donde se ve un varón. Lo digo y es una boludez, pero esta creencia patriarcal antigua y absurda de que los varones son más talentosos, virtuosos, creativos, la tenemos muy implantada. Guiada por el título de la canción Monstruos Perfectos, empecé a leer sobre la idea de monstruosidad, y me encontré con Historia de la Fealdad de Umberto Eco. Ahí hubo algo que me partió la cabeza, porque en la retrospectiva inmensa que hace a lo largo del libro, documenta cómo las mujeres siempre fuimos musas, parte de la belleza natural que existía para deleitar a los varones, quienes eran los que estaban realmente habilitados para representarlas o sublimarlas en sus creaciones, como un paisaje de montañas en otoño o una flor. Y en varias ocasiones a lo largo de

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ENTREVISTA

la historia, a veces en tono de humor y a veces no tanto, aparece esto de que “hay que cuidarse” de las mujeres feas, de las mujeres que no obedecen, de las mujeres con ambición. Esas figuras se interpretan como siniestras, porque algo que desde la óptica patriarcal se pretende que sea inocuo y lindo de mirar, resulta que tiene carácter, punto de vista y una complejidad que los espanta: son monstruosas.

Asi que Monstruos Perfectos, originalmente estribillo y titulo de una canción que compuse hace mil años vino resignificándose, tanto que terminó siendo el nombre del álbum. ¿Qué significó para vos?

El álbum es una emancipación. Hacia Adentro porque las letras hablan de abrir los ojos sobre los mandatos y prejuicios que existen para las mujeres y sus amores (todo vínculo amoroso). Para afuera porque mientras avanzábamos con la producción del audio y la gráfica iba trabajando en mis propios prejuicios y mandatos; como lo de estar en la tapa. Sacar un álbum solista es un proceso bastante solitario, aunque tengas un equipo que te haga la segunda como yo tuve. Pero sacarlo durante el aislamiento social es lo más solitario que hice en mi vida. Me saturé de mi misma decidiendo todo, fue un montón.

Las canciones estaban por salir pero extrañaba horrores el escenario, miraba para afuera a ver qué hacían otras personas, y los shows por streaming que se daban en condiciones que no me interesaba imitar.

Empecé a hacer vivos en instagram hablando con artistas sobre sus voces internas, los prejuicios desvalorizantes de la trastienda de sus procesos creativos. Que también son Monstruos, porque pensando en eso de lo siniestro, otra gran mentira es que para quienes hacemos arte todo es felicidad y belleza líquida, pero la verdad es que detrás de algo tan bonito como componer una canción, se pueden esconder todo tipo de trabas, insomnios y peleas. Esas charlas mutaron primero en un podcast (Monstruos: el Podcast) y después en una columna de radio en el programa Tribulaciones (Julia vs Monstruos, por Radio con vos 89.9). Me encanta que una idea sea tan dúctil y clara que pueda admitir formas distintas e infinitas. No solo es la idea original la que se transforma, sino ella nutrida por su variación de la experiencia anterior y va ganando madurez en cada nuevo registro que hace. Un álbum, piezas gráficas, un podcast, performance, una columna de radio.

“Está la creencia patriarcal antigua y absurda de que los varones son más talentosos, la tenemos muy implantada.” ¿Cuáles son tus planes para el futuro?

En mayo salió el video de Monstruos Perfectos, grabado en vivo con Ivo Ferrer y Matias Tuki Arce de Nicoletta Films en un intenso plano secuencia por los pasillos de Saldías Polo Cultural. Tengo ganas de hacer más videos en ese código, mezclando show en vivo con performance, visuales y otros recursos del mundo audiovisual. Aunar mundos de distintas disciplinas, en este contexto es más necesario que nunca asociarnos para conseguir expandir nuestro mayor potencial. Ojalá lo podamos hacer.

Por otro lado hacer presentaciones en vivo. Me interesa generar una experiencia con el público, dinámica.. plantear una estética coherente a la que se estuvo desarrollando todo a lo largo del año pasado.

Aunque tengo muchas ganas de presentarlo en vivo creo que van a llegar otras cosas antes. Ando explorando algunas herramientas para hacer procesos digitales que no había usado antes, y las cruzo con técnicas expandidas de mi voz u otros instrumentos, por ahora es una instancia de laboratorio para aprender. Pronto tendrán novedades de algunas canciones nuevas.

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Hablamos con Juan Ignacio Hang, más conocido como J. Damur.

Un talento de exportación made in San Luis, Argentina.

Virtuosidad y buen gusto en un artista de gran presente y mejor futuro al que venimos siguiendo de cerca su carrera.

J. DAMUR

POR MANU BARBEITO

Tuvimos el gusto de tenerte en una de las ediciones de Beathey Vibes en Rea (la cuál recomendamos a los lectores), creo que tenés muchas historias que contar con tu música, ¿cómo empezó esta pasión? ¿Cómo te formaste inicialmente para llegar a este presente?

Esta pasión arranca de muy pequeño. A los doce años comencé con la guitarra eléctrica y no paré nunca, tocar es mi meditación absoluta. Pasé por bandas de metal y rock. Año 2011 comienzo a dar los primeros pasos en Ableton live extremadamente influenciado por el progressive house melódico de Deadmau5. forme Suonare hasta el 2019 y desde allí hasta ahora llevo editando Como J. damur que es un proyecto deep house, indie dance, nu disco, pero con dejos de progressive house y trance que seguramente también se cuelan en mis producciones.

Se escucha una gran calidad sonora, un uso increíble de recursos melódicos y armónicos ¿Cómo encaras el proceso? ¿Desde la teoría musical o desde la experimentación con los sonidos?

En el año 2013 curse la carrera de producción musical en la Universidad Nacional de San Luis. Allí desarrollé varios recursos teóricos que me ayudan a la hora de componer y expresarme musicalmente (armonía, solfeo, composición, lenguaje musical) como también el dominio de nuevos instrumentos como el piano, el canto, percusión, el bajo. La composición de varios estilos musicales como rock, pop, reggae y folclore. Todo esto que describí anteriormente me forjan para crear música, de todas maneras a la hora de sentarme a producir/componer, la intuición es mi guía máxima, dejo que todo lo teórico y/o intelectual actúe por detrás. ¿Sos de definirte en algún género musical?

J. Damur rebota en esos estilos, house y deep con toques progressive, así como también el uso de guitarras eléctricas que le dan su toque funk. Fuera de J. Damur he compuesto temas de varios estilos, pasando por el thrash metal, solos de guitarra en bandas de metal, colaboración con otros guitarristas, por lo tanto estoy abierto a muchas posibilidades musicales. ¿Cómo te manejas a la hora de lograr esas mezclas tan definidas? da la impresión al escucharte que tenés muy en claro el sonido que buscas. ¿Qué herramientas son tus mejores aliadas a la hora de lograr tu sonido?

Utilizo Ableton, vsts de synth (sylenth, spire , edirol, mini moog) vst de mastering (ozone) y samples de kicks, hats, etc. Casi siempre uso una misma fórmula, mis tracks siempre van a tener un pad que hace de colchón durante todo el track, un bajo bastante presente (a veces con varios layers) kick agresivo y desde ahí se le agregan plucks, guitarras (a veces la grabo yo, a veces sample), vocales, etc. Utilizo mucha compresión pero tratando de no matar el rango dinámico. Después el tema te va llevando para cada lado, algunos mixes salen más limpios, otros más potentes, otros a veces hay que descartarlos, la idea es que la energía no se corte y no frustrarse tanto en aspectos técnicos, siempre la música es lo más importante.

“A la hora de sentarme a producir y componer la intuición es mi guía máxima, dejo que todo lo teórico actúe por detrás.”

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ENTREVISTA

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“No creo que me tope con un techo, queda camino que recorrer, aprender y evolucionar, no solamente como productor, sino también como ser humano.”

A la hora de hablar de referentes, ¿A quién ponés en el poster? ¿Con quién te gustaría llegar a hacer una collab o remix?

Unos de los artistas más influyentes en mi etapa electrónica es sin duda Deadmau5, período 2007-2011, lo escuché mucho en mis comienzos y fue mi entrada al mundo electrónico. Dan Stone en el trance. En progressive Arty, Pryda, Sasha , Guy J. En nu-disco, deep house, Moe Turk, Medsound. En cuanto al collab o remix no tengo ningún tipo de requisito, estoy abierto a trabajar con quién tenga ganas e ideas interesantes. En el sello que edito (Deep Disco Records) salen muchas collab/remix que realmente me dejan muy contento. ¿Sentís que tenés un techo o es el comienzo de algo mucho más grande?

Es muy gratificante ver que se escucha tu material y que

de a poco se va moviendo lo que uno con tanta pasión crea. Me siento motivado y nunca pasé por una etapa de estancamiento asique no creo que me tope con un techo, queda mucho camino que recorrer, aprender y siempre evolucionar, no solamente como productor, sino también como ser humano. La grandeza, a mi manera de ver las cosas, es una manera de encarar la vida, y mientras disfrute siempre será esta mi elección. ¿Qué podemos esperar de J. Damur para lo que se viene?

Se vienen más eps y colaboraciones para todo lo que queda del año.Een BeatHey se viene un lanzamiento masterizado por Matías Parisi. Dos single y un ep muy pronto en Deep Disco Records. hay ideas de grabar un video/set con mis temas y artistas invitados sumándole instrumentos orgánicos.

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By Womans

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Hablamos con Ina, Camila Cheka, Jessica Bellomo, Manu Barcelo, Sunder y Debora Cunia, seis djs argentinas de música electrónica con la premisa de visualizar el trabajo de artistas mujeres, trans y no binarixs en la escena POR NICOLÁS BELDI PH @VIOLETA.SPK

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ENTREVISTA

¿Cómo nació la idea?

La idea original nace de Debora Cunia y Quimey Toro, ambas compartían mismas inquietudes, notaban la escasa o nula presencia de mujeres en cabina. Y a su vez, observaron un gran número de acosos y violencia en la escena.

Por tales motivos decidimos crear By Womans, bajo la premisa de que las mujeres y disidencias tenemos poco lugar, y por ende debemos unirnos y dar a conocer nuestro arte. Se formó el grupo como espacio de union y contención, hablando en primera persona, de problemas comunes y también, para ayudarnos entre todxs a generar mayor visibilidad. ¿Cómo definirían el colectivo By Womans?

El colectivo By Womans somos mujeres, personas trans y no binarixs de toda la Argentina, que fuimos sumando entre todxs y al dia de la fecha somos casi 100 djs, de diferentes géneros, de todas las provincias.

En el grupo tenemos como misión ayudarnos a difundir nuestro material, darnos apoyo cuando algunx lo necesita, aconsejarnos sobre temas referidos al mundo de la música como fuera de la música también.

Por otro lado, se tratan temas relacionados a la violencia de género y abusos en la escena. Nuestra principal premisa es que las mujeres no somos competencia. Somos aliadas aún en las diferencias.

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¿Pudieron realizar algún tipo de acción durante la cuarentena estricta?

Durante la cuarentena estricta, no hicimos eventos. Al comienzo hicimos una serie de streamings que se transmitían vía Twitch. Luego pasamos a las transmisiones en vivo desde los estudios de Barro. Y a medida que fueron haciéndose más flexibles las restricciones, comenzamos con los eventos con público presente. Este año incluso nos movilizamos en el día de la mujer en San Telmo, convocando a artistas femeninas de la escena, tanto djs como performers.

Históricamente hubo una invisibilidad a las artistas mujeres, y a pesar de que aún hay un largo recorrido por hacer, ¿sienten que esa tendencia está cambiando en la escena cultural?

Estamos transitando una década feminista y revolucionaria. Y nos atraviesa en todos los aspectos. En la música electrónica se está generando un cambio impulsado entre varios colectivos. No solo los feministas, exclusivos de mujeres o disidencias, sino también otros colectivos y productoras que se suman desde su lugar, por ejemplo cumpliendo con la ley de cupo femenino o escuchando y accionando en casos de violencia en alguno de sus eventos. Básicamente oyendo a las víctimas. Y sobre todo, no dando lugar a los violentos.

“Pueden ser parte todas las mujeres y disidencias de alrededor del país que compartan esta misma premisa. Unión. Apoyo. Solidaridad.

No somos competencia, sino compañeras.”

¿Quiénes pueden ser parte de la comunidad?

Todas las mujeres y disidencias de alrededor del país que compartan esta misma premisa. Unión. Apoyo. Solidaridad. Las mujeres no somos competencia, sino compañeras. ¿Cómo es la comunicación entre artistas? ¿cómo funciona y qué opinan del trabajo en comunidad?

Tenemos un grupo de whats app que fue creado con el fin de una ágil comunicación, mas íntima y personal.

Al estar en contacto directo, generamos un vínculo más cercano, a pesar de las distancias. De esta forma, nos conocemos, compartimos nuestras novedades como por ejemplo: fechas, producciones u otras noticias que quisiéramos compartir.

Trabajar en comunidad es sumamente enriquecedor. Nos nutrimos mutua y constantemente en completa armonía.

Siendo que la violencia aún existe dentro de la escena, y durante un tiempo las experiencias de muchas fueron expresadas, escuchadas y acompañadas por el grupo, Majo Nogueira, una de las djs de la comunidad, crea el proyecto Merma, donde actualmente derivamos este tipo de casos para ser tratados con mayor privacidad y brindarle a la víctima las herramientas para resolver su caso.

By Womans es comunitario y todxs somos un pedacito de la comunidad.

No obstante, queda un largo camino por recorrer. Los clubs y/o productoras mainstream parecen estar lejos de ejecutar la ley de cupo femenino, que exige un 30% de mujeres en cabina. Aún siendo promulgada dicha ley por el Instituto Nacional de la Música, sólo algunas veces la cumplen y suelen ser siempre las mismas artistas. Falta pluralidad de talentos. ¿Por qué no hay figuras femeninas ocupando más espacios?

El machismo en la escena. Históricamente en todos los aspectos de la vida, las mujeres hemos sido calladas, subestimadas, acosadas y hasta maltratadas. Y esto no excluye a la música electrónica. Desde acosos, solicitud de favores sexuales a cambio de espacios en cabina, maltratos psicológicos, hasta abusos o agresiones sexuales.

Situaciones por las cuales los hombres directamente no pasan, pero si son partícipes. Desde el encubrimiento, la inacción o hasta en la concreción de los hechos. A las mujeres no solo se les exige talento, una cosificación constante del cuerpo femenino. Pero no todo está tan mal, gracias a la unión de las pibas, el cúmulo de información al alcance de todxs, y la deconstrucción de muchos hombres y mujeres también, hoy la escena está cambiando.

Se ven lines más inclusivos, las chicas son tratadas con más respeto y se vive una atmósfera de compromiso y

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evolución. Eso nos da energías para seguir luchando por un ambiente más justo e igualitario para todxs. ¿Qué cosas les gustaría que cambien en la escena cuando vuelva a abrir?

Que se de mas lugar a las djs femeninas y disidencias.

Que se juzgue a lxs artistas por su arte y no por su género y/o aspecto físico. Que se protejan los derechos de las personas asistentes a lxs eventos. Que se cree un protocolo de protección a víctimas de abusos en la escena.

Al regreso de los eventos presenciales creemos que las productoras deberían unirse y trabajar en equipo en la creación e implementación real de un protocolo de prevención y acción en casos de acoso o violencia de género.

Por otro lado, los clubs, bares y fiestas, de la misma forma que contratan personal de seguridad para evitar desmanes,

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estaría bueno contar también con personal femenino atento a situaciones de vulnerabilidad en el lugar. Que prevenga y evite situaciones incómodas hasta abusivas por y para lxs asistentes al evento. Los tiempos cambiaron. Ya no nos callamos. Y trabajamos con el corazón por la toma de conciencia. Construyendo una escena mas plural, amorosa y unida. ¿Cuáles son sus planes a futuro?

Próximamente lanzaremos el canal de Youtube, donde invitaremos a participar tanto a djs de la comunidad como a djs que admiramos y nos gustaría que nos compartan su música.

Seguir sumando mujeres y disidencias a nuestra comunidad, seguir dándonos a conocer, acompañándonos entre todxs. Escuchando a nuestrxs compañerxs y teniéndolxs en cuenta a la hora de hacer eventos.

“La violencia aún existe.

Es necesario crear un protocolo de protección a víctimas de abusos en la escena.”

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ENTREVISTA

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MAG #7

Discover B

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Buenos Aires

+ fennafrei fennafrei n/a

F EATU RE D TR ACK

Fenna Frei

Frío - Fenna Frei - 04:34

Pop electrónico alternativo/ experimental

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MAG #8

BAR CARNAL POR JULIÁN SORSABURU

Palermo hace 20 años era otro barrio, las esquinas que se inundaban, casas bajas, lejos de la gastronomía y la movida cultural nocturna que es hoy en día.

En 2001 nacía Carnal Bar, pioneros en la coctelería del barrio junto a la moda de los bares escondidos, marcando tendencia y cultura en una de las zonas más emblemáticas de Buenos Aires.

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ENTREVISTA

MAG #8

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¿Cómo sentís que Carnal impactó en el barrio?

Fue el primer bar con terraza en un barrio donde era todo muy chato. Después fue famoso por la variedad de alcohol y botellas que teníamos. Después se fueron sumando las bandas y eso fue dando la identidad de donde queríamos apuntar el lugar. Cultural, musical donde pasaran diferentes cosas, un lugar de encuentro.

Con el tiempo la misma terraza fue tomando su impronta, y en lugar de ser el lugar de relaje, se sumó una cabina y se empezó a generar un lado electrónico y moderno, ya que la música electrónica es lo que más se escucha actualmente.

te. Días donde caen dos o tres veces en una misma noche. Tuve una carátula donde un inspector afirmaba que los matafuegos estaban bien y a la siguiente hora otro lo contradecía. Juicios así gané muchos. Las multas son imposibles de pagar, son acumulativas y te van agotando hasta que cerrás. Se nota toda esa persecución, esto es así desde hace 20 años que abrimos.

Además de polo cultural es reconocido por ser un antro rockero. ¿Nos querés contar alguna anécdota?

Charly García es una persona increíble, conocemos a sus allegados como el Zorrito Von Quintiero. A Charly le agarran las ganas y se quiere venir al bar. Un día se puso a tocar el piano abajo del escenario. Estuvo 3 veces. Una de esas fue con banda completa, uno de los momentos que más me marcaron dentro del bar, con LA BANDA, Los Enfermeros, todos. Tocaron también Fer Ruiz Díaz de Catupecu Machu.

Se va pasando boca a boca que van a tocar y la gente se va enterando. Joaquín Levinton de Turf viene todo el tiempo. Martín Luca de Memphis recién pidiéndonos que aguantemos, porque es un lugar donde la gente viene a descansar y a encontrarse con lo que hace. Siempre tenés momentos únicos. Marcelo Moura junto a Virus también tocaron, Los Tipitos, los Kuryaki. Todavía lo esperamos a Juanse un día que es un amigo de la casa (risas). Todos quieren volver y verlo explotar nuevamente a este lugar.

peor estábamos realmente guardados teníamos un permiso y grabamos para un programa de Canal 9 contenido.

Ese día la municipalidad nos acusó de fiesta clandestina cuando el escenario estaba saliendo en vivo por televisión, esa fue nuestra primera clausura en la pandemia. Este 2021 tuvimos la segunda, entraron en una situación rarísima media hora antes del cierre, bajaron las persianas, nos encerraron, nos pidieron que nos identifiquemos. Éramos 40 personas de las cuales 12 eran empleados, además estaba la banda esperando a cobrar el viático por el show. El escenario ahora es abierto a la calle, pueden ver lo que pasa dentro, no es el lugar que piensan. Las desiciones a nivel político fueron siempre malas, blanco o negro y no solucionando los problemas que tenemos. Todo extremo es malo, ya sea político o religioso. Si vos una pandemia la querés combatir blanco o negro es no querer meterse en el tema para resolverlo.Los gastronómicos casi no tuvimos apoyo.

No tenemos ayuda de nadie, y a su vez tenemos esta manera de aplicar las reglas que dependen del inspector que venga y su interpretación. Como por ejemplo con el baile y la interpretación del movimiento corporal de las personas.

¿Querés hacer un análisis de lo que pasó y dijeron los medios?

Hay una persecusión por algunos lugares, mismas situaciones en otros lugares nadie dice nada. Son cosas que nos tocó estar y hay que bancarlas. Hicimos una liga de bares e intentamos defendernos, esto que estamos hablando es sistemáticamente con todos, la misma manera de operar.

Es realmente dañino a la cultura y a la expresión. Con respecto a un análisis, es muy difícil en este momento adaptarte a una bajada de línea que todo el tiempo está cambiando.

Para mantener a 25 familias que trabajan en el bar, contando solamente el armado de Carnal, sin contar los artistas, al menos 30, 40 por semana de miércoles a domingo.

Vos como dueño de local, miembro de la escena cultural, gastronómico. ¿Cómo te sentís? ¿Se sienten perjudicados?

Sí, hay una persecusión, está clara en el simple hecho de agarrar el libro de actas y ver como caen continuamen-

Lo lógico sería pensar que en el contexto de pandemia esto fue más flexible, ¿fue así?

Uno se imaginaría que sí, pero no. El año pasado cuando

Teniendo 20 años de experiencia con el local ¿Qué le dirías o recomendarías a un grupo de personas que también tienen un bar o espacio cultural? ¡Que lo piensen bien! (risas) Para ser un lugar así primero tiene que ser un estilo de vida, no hay con que darle. Realmente es levantarte, esto es una casa y día a día tratamos de mejorarlo para el cliente. Nos asesoramos, aportamos ideas de amigos. La pasión que uno tiene y poder mostrarla en un lugar donde los artistas y la sociedad quieren acercarse y formar parte. Y el lugar siempre cambiando, siendo el mismo hogar pero a su vez evolucionando.

Es difícil porque las mismas reglas te llevan a golpearte, caerte y volverte a armar. Nadie se pone en el lugar del emprendedor que quiere generar trabajo y dar lugar a los artistas. Hay cosas que suceden en el lugar que de todas maneras son invalorables, nos quedamos con esos momentos.

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MAG #8

Con un proyecto que ha encontrado su propio camino dentro del reggae moderno, José Gahona tuvo que acomodar las ideas para volver a poner en acción a Zona Ganjah, la banda con la que viene impulsando sus canciones y su mensaje positivo desde hace 18 años.

El lanzamiento de (su séptimo disco de estudio) “La Búsqueda” (2019), los encontraba en un momento álgido: conciertos clave en México (Festival Vive Latino), Colombia (Rock al Parque), Chile. Cuando se disponían a cruzar el Atlántico para un tour europeo, la pandemia global sorprendió a la banda repartidos en distintas provincias.

POR MARIANO DEL AGUILA

ZONA GANJAH

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ENTREVISTA

Movido por sus propios tiempos interiores José hizo base en su estudio en Potrerillos, una zona montañosa, alucinante. Allí craneó los planes para expandir las canciones de ZG. Apenas se reacomodaron del parate coleccionaron una serie de episodios en su propio estudio, un tándem de videoclips de marco natural (“No existen fronteras”, con el Malaya y “Expandiendo fuera de mí”) y un acústico íntimo y fogonero para celebrar el reencuentro con sus compañeros.

Cuando Zona Ganjah logró reunirse en el estudio, ¿te resististe a la idea de transmitir un concierto sin público?

El vivo de ZG para nosotros es algo muy especial, muy atmosférico, es fuerte lo que se siente al estar ahí físicamente. Me preguntaba cómo nos van a ver a través de una pantalla, ¿cómo llegará la energía?, porque vi algunos, y como espectador, se sentía algo frío. Como músicos profesionales, que estamos acostumbrados a estar tan activos, pasar por una inactividad absoluta fue catastrófico, algo muy pesado. Entonces fue “hagamos algo por favor, me estoy volviendo loco”. Debo reconocer, que sí, que renegué un poco. Hubo factores, que me hicieron esperar, pero al final fue esa necesidad de hacer música. Luego también fue porque queríamos probar el formato, teníamos incertidumbre. Fue una experiencia y así la llamamos.

Al cierre de esta edición ZONA GANJAH se encontraba girando con localidades agotadas en Teatro Metro (La Plata), Teatro Broadway (CABA), Centro de Arte Radiocity Roxy Melany (Mar del Plata).

El reencuentro también quedó plasmado en una sesión bien fogonera, “Acústico en el Bosque”.

Fue el primer encuentro, y cómo faltaban algunos de los músicos de la banda, combinamos con invitados, amigos que sumamos en guitarras, en percusión. Fue una adaptación para hacer música con lo que pudimos. Como no estaba el baterista nos encaminamos a lo acústico.

Acá en la montaña, rodeado de naturaleza, lo hicimos lo más alejado posible, un poco para que no nos juzguen de nada. Fue una cuestión de adaptación.

Durante el 2021 vienen estrenando las “Sesiones CC Records”. La edición final incluye inserts: material fílmico, algunos efectos, ¿esta edición qué buscaba?

El material no fue tan planeado. Necesitábamos activar y nos juntamos para hacer la sesión. Pero al verla sentí que había que complementar con algo más. Esas letras, las quería ensalzar más con imágenes que fortalezcan el mensaje. Y también crearle una identidad a las sesiones, porque ya hay muchas y esto les daba un distintivo.

A futuro, es una manera de generar una marca o una plataforma relacionado a estas sesiones.

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Cuando empezaste a producir música, aún cuando trabajás con software, ¿buscabas que el sonido refiera a instrumentos o alguna vez seguiste una impronta más digital?

Cuando era niño me influenció mucho haber conocido la música con los instrumentos. Mi papá nos hizo un regalo a mis hermanos y a mí: se permitió comprarnos instrumentos a cada uno. Nunca se lo habíamos pedido, ni estábamos cerca de tocar, nada qué ver. Un flash de él que soñó con armarnos una banda, también para rescatarnos un poco de la calle porque éramos muy callejeros. Cuando fui a la computadora buscaba emular esos elementos.

Los sonidos eran hasta medio chistosos, pero tambien le daban un caracter. La computadora le daba una impronta.

El primer disco lo hice con un micrófono barato. Lo que sacó a flote esa limitación técnica fue el carácter, el sello, la impronta. No podés valorarlo por la calidad, sino más bien por lo diferente. Eso es importante.

No lo hacés muy seguido, pero quería que me cuentes ¿cómo es tu rol produciendo para otros artistas?

El primero fue Cerone en 2017, y también con Mama Gaia.

Aunque cuando era niño ya ejercía el rol de productor pero sin tomarle el peso a la palabra. Me buscaban músicos y me decían “tengo este tema, ayúdame a grabar”. Y yo conseguía el estudio, grababa todos los instrumentos (fui el único de mis hermanos que le prestó atención a todo lo que nos regaló mi papá). Para los cantantes eso era muy práctico. Todo el trabajo que había que hacer para que esos temas suenen lo resolvía. Algunos terminaron sonando en radio, la pegaron. Eran de otros géneros, principalmente de cumbia. Esos fueron mis primeros trabajos. Recientemente trabajé con una cantante de acá, Vicky Rey. Son como pruebas que me hago.

Laboralmente no significa algo que me haga diferencia, es un motivo más artístico, que uno se involucra en un trabajo tan monumental para hacer un disco.

En cuanto a lo inminente, ¿qué pueden avizorar en este panorama?

Es todo un desafío, y es hacerlo de manera independiente.

Empezábamos a pasar por festivales importantes, habíamos ganado un reconocimiento, una nueva dimensión y venían cosas importantes como girar por Europa. Y todo quedó pospuesto.

Ahora es todo muy incierto. Es vivir el día a día. No se puede planear, es un paso a la vez. El trabajo que estamos haciendo ahora es como CCRecords, una discográfica independiente. El desafío es adaptarse: intentar construir algo a largo plazo, sin ver el largo plazo. Hagamos canciones y ya fue. Las intenciones artísticas son terminar las sesiones, hacer un volumen 2 del acústico. Por otro lado, están las canciones nuevas en pleno desarrollo. Este proceso me arrinconó contra ese lugar, dónde te toca escribir. Donde hay sufrimiento y presión, mi manera de transmutarla es a través de la música. Y en este tiempo hubo mucho de ello. Hay que caminar con lo que hay.

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DJs DEL FIN DEL MUNDO POR NICOLÁS BELDI

MAG #8

Desde BeatHey Recordings, la parte editorial de música de BeatHey, siempre tuvimos la intención de acercar artistas al mundo. Más allá de los más de 50 discos editados en el sello, nos interesó formar acciones aisladas con lanzamientos de artistas destacados. Así fue el caso de BUTH (Buscate un trabajo honesto) de Rafael Sorol remixando clásicos del rock nacional. Recientemente con Come back, hello people de Nicolás Negrete, donde marcó su retorno a su Santa Fe natal regalándonos un EP de alto nivel compositivo.

En esta oportunidad les traemos un compilado de artistas de gran talento, algunos más consagrados y otros de gran potencial en la escena electrónica. Podrán conocer un poco más sobre ellos antes de entrar a nuestro portal para descargarlo gratuitamente en www.BeatHey.com Todos de la Patagonia Argentina, o el fin del mundo, como muchos le conocen, desde donde nos traen estos beats para toda la comunidad BeatHey y sus seguidores.

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LANZAMIENTO

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GONZALO RIOS USHUAIA, TIERRA DEL FUEGO

KÏNTO USHUAIA, TIERRA DEL FUEGO

BENO TRELEW, CHUBUT

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MAG #8

Actividades musicales: DJ y productor de música electrónica.

Géneros: House, Tech-House ¿Influencias? Gustavo Godoy, Pablo Montoya, Manuel Sahagun, Leonel Castillo, Loko, Barem, Federico Molinari, Gurtz, Alexis Cabrera. ¿Cómo afectó la pandemia tus planes? ¿Cómo los reinventaste? La pandemia dió fin a nuestra productora Ushuaia Búnker con la cual teníamos unas producciones importantes que por la pandemia no pudimos llevar adelante ya que eran al aire libre. Cómo a todos los colegas se nos vinieron abajo las fechas programadas, eso hizo que se abrieron algunas puertas en lo digital con los streams y no mucho más, de hecho la pandemia me dió la oportunidad de trabajar desde casa y poder pasar mucho más tiempo en familia. Al día de hoy vengo invirtiendo, con lo dificil que eso es en estos tiempos sobre todo en Argentina, en equipamiento para comenzar con los streams propios. ¿Qué tan importante era y es la virtualidad en tu vida artística? ¿Cambió?

La virtualidad era importante, tal vez por mi edad era algo del día a día, pero desde pandemia pasó de ser importante a ser completamente necesaria, en BeatHey encontre un espacio donde poder compartir mi música con el mundo y hasta obtener ingresos por ventas o escuchas, desde que soy productor jamás había recibido regalías por mi música. ¿Proyectos 2022? En 2022 seguramente ya tenga en marcha todo para poder dedicar el 100% a los stream con djs invitados, un ciclo virtual, y si la pandemia lo permite, me gustaría retomar el proyecto que se vino abajo al comienzo de la misma.

Actividades musicales: Deejay/Productor. Músico Géneros: Progressive ¿Influencias? Ezequiel Arias – Antrim Dj – Hernan Cattaneo ¿Cómo afectó la pandemia tus planes? ¿Cómo los reinventaste? La pandemia me afecto de una manera muy agresiva economicamente y con futuras presentaciones. A pesar de varias preocupaciones no deje de buscar la forma de crecer y usar ese tiempo para mejorarme como persona, y profesionalizarme como artista. ¿Que tan importante era y es la virtualidad en tu vida artística? ¿Cambió?

Realmente muy importante. Lo virtual facilita mucho a la hora de entregar demos, conectar con otros artistas y también para darme a conocer como dj y productor. Sí, cambiaron bastante mis presentaciones, ya no eran de forma presencial si no a través de distintas plataformas, eso realmente me costó aceptarlo un poco. Pero siempre mantuve mi mente clara en que pronto iba a volver a las pistas y con mas ganas que nunca. ¿Proyectos 2022? Son varios, tanto en mi vida personal como músico, pero relacionado a mi vida artistica, es entregar demos a SUDBEAT, ANJUNDEEP y MASSSIVE HARMONY. Realmente estaría encantado de colaborar con tan grandes sellos y conocer personalmente a sus talentosos artistas.

Actividades musicales: Músico, guitarrista, productor, Dj Géneros: Muy amplios, pero me siento muy cómodo con el tecno. ¿Influencias? No sé si hay alguno que me influencie por su estilo en particular.

Sí siento mucha admiración por todos los artistas nacionales que se comprometen con la escena. ¿Cómo afectó la pandemia tus planes? ¿Cómo los reinventaste? Tuve que suspender mis planes de tocar en vivo. El tiempo de estar encerrado también me permitió estar más presente en cursos, eventos, workshops, que suman una cantidad infinita de posibilidades respecto a recursos ¿Qué tan importante era y es la virtualidad en tu vida artística? Ya antes de la pandemia era muy importante la virtualidad asociada a lo artístico. El hecho de hacer música con Ableton te lleva a lo virtual directamente, haciendo que tengas que involucrarte. ¿Proyectos 2022? Seguir tocando y aprendiendo todo el tiempo. Creo que es el proyecto más importante que siempre mantengo, plasmarlo en grabaciones y editarlo.

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DANIEL IRIBARNE

LANZAMIENTO

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Actividades musicales: Dj, músico, productor Géneros: new soul - new disco - house - R&B ¿Influencias? Ottis Redding ¿Cómo afectó la pandemia tus planes? ¿Cómo los reinventaste? La pandemia afectó de manera positiva en mi trabajo ya que pude dedicarle más tiempo. ¿Qué tan importante era y es la virtualidad en tu vida artística? ¿Cambió?

La virtualidad es muy importante ya que mi música puede llegar a lugares impensados. Sí, cambió drásticamente la manera es que se distribuye mi arte. ¿Proyectos 2022?

Mis proyectos para el año 2022 son seguir produciendo y lanzar nuevos EP con nuevos sonidos.

RÍO GRANDE, TIERRA DEL FUEGO

LUIS D. AGUIAR

Actividades musicales: Dj, productor Géneros: Deep House, house, techno ¿Influencias? Diego Cid, Carlos Alfonsín, Hernan Cattaneo, Manuel Sahagun, Luis Nieva, entre otros. Respeto a todos. ¿Cómo afectó la pandemia tus planes? ¿Cómo los reinventaste? La verdad poco, tengo un trabajo fijo gracias a Dios. La música vive en mí. ¿Que tan importante era y es la virtualidad en tu vida artística? ¿Cambió?

En lo que respecta a lo virtual me ayudó a aprender a mejorar en Ableton Live y poder editar mis eps en varios sellos de diferentes lugares de América. ¿Proyectos 2022? Seguir poniendo música y perfeccionando en mis producciones.

USHUAIA, TIERRA DEL FUEGO

MARTÍN MOSQUERA

Actividades musicales: Dj, productor Géneros: Minimal / deep tech house / house ¿Influencias? Un referente: Barem ¿Cómo afectó la pandemia tus planes? ¿Cómo los reinventaste? Afectó sobre todo mis fechas nocturnas en lugares masivos, pero pude generar un producto para bares, pubs y de esta manera estar activo. ¿Qué tan importante era y es la virtualidad en tu vida artística? ¿Cambió?

La virtualidad siempre la consideré muy importante, es una gran herramienta de comunicación y en esta situación creo es fundamental generar más contenido que nunca. ¿Proyectos 2022? Tengo varias producciones musicales y colaboración con otros artistas que espero poder darle forma y lanzar en el próximo año.

USHUAIA, TIERRA DEL FUEGO

RAMIRO & GONZALO VERON USHUAIA, TIERRA DEL FUEGO

Actividades musicales: Djs, músicos, mezcla, producción musical.

Géneros: Nos inclinamos por el progressive house y el techno. ¿Influencias? Están más ligadas al rock que a la música electrónica. Artistas como Charly Garcia, L.A. Spinetta. Ambos nos hemos nutrido de todo tipo de música desde hip hop, reggae, jazz, etc. ¿Cómo afectó la pandemia sus planes? ¿Cómo los reinventaron?

Hubo que adaptarse. También fue una oportunidad para dar comienzo a nuevos proyectos. ¿Qué tan importante era y es la virtualidad en tu vida artística? ¿Cambió?

Es un espacio que permite crear, compartir, aprender, vincularse con artistas, darse a conocer. Por supuesto que es y seguirá siendo un aspecto importante a nivel artístico. ¿Proyectos 2022? Apuntamos a seguir produciendo a la par de seguir nuestra carrera como djs a nivel local y nacional.

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MAG #8

FACUNDO DÍAZ

POR MIGUEL WARLIES

NFT TOKENS NO FUNGIBLES

Vamos a enfocarnos en un tema que estamos escuchando cada día más, en los distintos medios y canales relacionados con la música: NFT (Tokens No Fungibles en español). Entrevistamos a Facundo Martin Diaz, emprendedor tecnológico e inversor.

“Lo que Blockchain te permite es eso, descentralizar y empoderar a los creadores.

Creo que la industria de la música es particularmente una industria que necesita mucho de eso.”

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ENTREVISTA

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Contanos un poco de vos Facundo.

Soy un fracasador serial en busca de siempre la próxima ola que se viene… que cada tanto tiene algún éxito. Hace mucho tiempo que trabajo en tecnología, desarrollé la primera gran parte de mi vida en el mundo corporativo como consultor en Accenture después dejé la compañía para invertir en diferentes proyectos.

Mi primera Startup fue una fábrica de tablas de Surf, deporte del que soy fan, y si me preguntas que soy, antes que nada, un fanático del Surf. A partir de ahí empecé a desarrollar diferentes startups tecnológicas. ¡En muchas me fue mal en algunas la emboqué!

Desde hace un tiempo viviendo en California, yendo y viniendo a Buenos Aires en el último año. Tratando de disfrutar y hacer cosas nuevas que hagan el mundo mejor y más divertido, con gente que tengan los mismos valores e ideales que yo.

Yendo al título de nuestra entrevista, si tuvieras que definirlo en forma didáctica ¿qué son los NFT? NFT o Non Fungible Token es básicamente la validación y registro de una creación digital única e irrepetible sobre un Blockchain que no deja de ser una tecnología de registro distribuido (Distributed Ledger Technology) descentralizado e inmutable, lo que hace que se ese activo o creación digital puede estar validada sobre el Blockchain que se esté usando para tal efecto.

Si esa es la definición didáctica, no me imagino la definición técnica. No es fácil explicarlo, pero sigamos entrando más en profundidad. ¿Cómo ves que va a impactar el NFT en la industria de la música?

Estoy seguro que va a impactar positivamente. Soy un romántico de la tecnología Blockchain, porque justamente lo que Blockchain te permite es eso, descentralizar y empoderar a los creadores. Creo que la industria de la música es particularmente una industria que necesita mucho de eso. ¿Como ves el mercado relacionado con la madurez para la aceptación y uso de este tipo de producto?

El mercado lo veo en crecimiento. Yo vengo trabajando con esta tecnología hace aproximadamente tres, cuatro años, particularmente con NFTs y me aluciné. No soy un fan de las cripto-monedas, pero sí de Blockchain como tecnología y creo que hubo un boom muy relacionado con las subastas y venta de este arte digital, pero creo que el potencial de NFT como concepto, como tecnología, va mucho más allá. El NFT permite validar identidad, validar el ownership (propiedad) y protegerlo, permite definir reglas de negocio que hagan más clara la distribución de regalías y las relaciones entre los diferentes actores, sin intermediarios. Con lo cual creo que recién estamos viendo los inicios del NFT como herramienta. Creo que va a seguir creciendo. Hay un boom que para mí va a pasar, pero va a quedar, creo y espero, el verdadero valor del NFT que tienen que ver con esos conceptos que te comentaba. ¿Cómo se ve beneficiado el artista?

Para el artista creo que el beneficio es enorme, bien utilizado. El artista va a tener la posibilidad de definir

reglas de negocios asociados al NFT que puede representar sus creaciones musicales digitales. Con lo cual creo que ahí está el valor y lo importante. El artista va a poder decidir quién, cómo, cuándo, de qué forma lo usa y que debe pagar por sus creaciones y va a poder llegar al usuario o al consumidor de su música sin intermediarios. Y eso es lo interesante. Y ahí es donde está el punto de valor que a mí más me emociona y me motiva para seguir adelante con esto y empujarlo.

Se habla de la burbuja detrás de toda esta tecnología. ¿Cuál es tu opinión al respecto?

Respecto de la burbuja, sí, creo que hay una burbuja, pero creo que tiene que ver con la aplicación del NFT, como te decía anteriormente. Creo que hoy está muy enfocado a temas especulativos sobre el potencial valor de una pieza digital y la reventa de ella. Pero yo celebro esta burbuja porque lo que hizo fue poner los NFTs en el tapete y como te decía, los NFTs como herramienta van mucho más allá de eso. Después de esta burbuja, que ya se está empezando a ver que se empieza a desinflar un poquito, lo que va a quedar es la tecnología intrínseca, las oportunidades que traen los NFTs. ¿Cómo te imaginás el futuro cercano en la industria de la música?

Yo siempre soy muy optimista y suelo creer que las cosas van a llegar antes de lo que realmente llegan. Creo que en los próximos dos años vamos a estar transitando un período de madurez en el cual vamos a estar entendiendo realmente, sobre todo en la industria de la música, el potencial de los NFTs y le vamos a estar encontrando el uso, las oportunidades y las posibilidades.

En los próximos dos años se va a consolidar la base para lo que sí va a ocurrir más adelante, que es realmente la posibilidad de, primero proteger la propiedad intelectual y las creaciones de los artistas de una manera sumamente eficiente, descentralizada y de manera online y digital.

Después va a servir para empoderar a los artistas en la manera en que distribuyan y manejen su negocio.

LAS 5 CARAS N 34

BEATHEY MAG

Como pasa en la mayoría de las disciplinas, el underground del freestyle también funciona como una usina que, sin pausa, abastece de talentos a las grandes ligas.

Aquí, un recorrido por algunas de las jóvenes promesas de la improvisación local.

POR HERNÁN PANESSI

MAG #8

FREE

Dentro de la cartografía del freestyle mundial, nuestro país siempre se distinguió por comprimir una gran cantidad de nuevas corrientes, nuevas olas, nuevas miradas. Renovación constante, que le dicen. Ya no asusta que grandes referentes de las rimas salten a la música (de Duki a Wos, pasando por Trueno, Acru o Lit Killah), emigren a Twitch (¿Dtoke? ¿Papo?), amaguen con el retiro (¿Cacha? ¿MKS?) o curtan la disciplina con intermitencia (¿Replik?). Con el grifo abierto, los márgenes siguen regando de talento al centro y las nuevas generaciones de raperos vienen cada vez con más skills, más cancha y más jerarquía.

JESSE PUNGAZ “Todo esto fue una sorpresa”, dice José Vine, conocido por todo el mundo como Jesse Pungaz, la aparición más sorpresiva, más a contrapelo y más marciana de la escena del freestyle argentino. Con 24 años, este rapero oriundo de Miramar se enfrentó dos veces en un mes contra Tata, el bicampeón nacional de la Red Bull: Batalla de los Gallos. Y en ambas ocasiones le ganó. ¿Quién es y, sobre todo, dónde estaba Jesse Pungaz?

Los memoriosos de las batallas seguro recordarán su paso por la edición 2019 de la BDM, en la que cayó contra Sony, y Cruce de Campeones del mismo año, donde fue vencido por Wolf. “Yo nunca había ido a un evento de esa magnitud. Perder esas dos batallas fue un golpe muy duro para mí”, se sincera.

Sin embargo, siguió viajando por Tandil, Ayacucho, Necochea y mucho, mucho más. Ganaba eventos por todos lados. “¿Por qué no se me da?”, se preguntó sobre el salto profesional.

Con la llegada de la pandemia, empezó a competir por Discord, pero tampoco ligaba. “Me di cuenta que no era lo mío y me dije: ‘Ya fue, voy a hacer música, que es de lo que aspiro vivir’”.

A partir de ahí, el silencio. Un silencio. La nada. Lo cuenta: “Tuve una ruptura de una relación muy caótica. Me fui a vivir a Mar del Sur, a la casa de un amigo. No teníamos wifi, ni nada. Lo único que había eran 10 pistas y un 25 prensado asqueroso. En esos días, mi amigo jugaba al LoL y yo rapeaba. Me había olvidado que era tan divertido”.

Durante enero de 2021, un amigo le sugirió viajar a Buenos Aires para competir en la Perros de Calle. No tenían un peso como para viajar en micro. “Terminamos viajando en tren y nos costó $600 mangos. Fui por ir y gané. Gané rapeando como nunca antes se me había ocurrido rapear”, revuelve.

Desde hace unas semanas que Jesse Pungaz está emplazado en Necochea grabando Wa8, su primer disco. “Queremos hacer algo diferente. Wa8’ es una forma de decir ‘guacho’. Y se le dice ‘guacho’ a los que no tienen padres. Yo tengo madre, pero me gusta pensar cómo los huérfanos buscan sus verdades”.

S NUEVAS DEL BEATHEY.COM

NOTA

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EESTYLE ARG ENT INO

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LARRIX “Cumplí un sueño”, asegura Lucas Larrazabal, desde chiquito bautizado cariñosamente como Larrix, flamante ascendido a la Freestyle Master Series Argentina, una de las ligas de improvisación más importantes del mundo. “Yo soy un payaso, un chiflado.

Cuando agarro un micrófono, me enloquezco”, se autodefine el joven MC de 21 años.

Nacido en Córdoba en el año 1999, Lucas emigró junto a su familia a España en 2002. “Mis papás son médicos y tenían una oportunidad de trabajo en Europa”, cuenta.

Allí vivió una década y, como extrañaban demasiado, volvieron ni bien encontraron una posibilidad de hacerlo.

Al toque, llegaron algunas competencias escolares, Larrix siguió haciendo su camino en el under. Hasta que, en 2016, ganó su primera Sinescritura en una reñida final contra Traka. “Fue un logro muy groso”, reconoce.

Rápidamente, Larrix supo que estaba para ganar cosas piolas. Se llevó La Roca Competición, en la que MCs cordobeses se midieron contra los pibes de El Quinto Escalón: Duki, Dani, Shecka, Wolf.

También, ganó la Ego Fest de Córdoba, con Papo, Wos y Ecko de jurados. Más tarde, llegaron unos meses de ausencia, algunos exámenes del colegio, una competencia nacional en Neuquén en la que venció a Ecko en la final y una constante en los raperos que no son de Buenos Aires: el salto a las grandes ligas tarda un poco más en llegar.

Durante 2020, con el primer puñado de puntos, Larrix comenzó a entrenar en la escuela de improvisación de Infranich, ex juez de la FMS. “La primera competencia en la que sumé muchos puntos y me vi como candidato, fue cuando perdí la final de Street Warriors. Muchos subcampeonatos me han dado alas para este ascenso”, bromea.

Por estos días, Larrix se dedica a leer y a mejorar su juego de ajedrez. “Estoy rankeando mucho en Chess.com. Cuando tengo cosas importantes en mi vida, vicio al ajedrez”, dice.

“Imagino que ahora, por FMS, voy a viciar más”.

MAG #8

NAISTA “Cuando estuve en la FMS me dijeron que había llegado. Pero no: llegamos todos los del interior.

Hay que descentralizar el freestyle y el interior tiene con qué hacerlo”, sacude Yamil Durán, alias Naista, el MC cordobés que se lució como invitado de la jornada 5 de la Freestyle Master Series.

Acumulando puntos y perfilando un estilo de corte callejero, se constituyó como el primer ascendido para la próxima temporada de la liga más importante del freestyle local. Nacido el 7 de septiembre de 1999, Yamil se crió entre Las Palmas y Quebrada de Las Rosas, en Córdoba.

Actualmente vive en el barrio Lomas del Suquía, al oeste de la provincia de Córdoba. “Es tranqui, todo chill”, asegura.

“Voy a decir algo que capaz es polémico, pero un rapero que es de derecha, avala a la yuta y a las opresiones, no es un rapero. Digamos que, entre comillas, rima. Podés ser apolítico, lo respeto y hasta lo entiendo. En mi batalla contra Nacho dije: ‘Soy como Cristina en el 2020: volví, para quedarme para siempre’. Pero no la pensé, no iba pensando en hablar de política. El inconsciente jugó solo”, se planta evidenciando su mirada sobre cómo ve el activismo del rap.

Naista arrancó el 2020 con energía positiva (“Me estaba yendo extremadamente bien”) y con muy buenas performances (“No bajaba de final o semis”). De esta manera, llegaron algunas competencias online. Y, si bien no reniega de todo lo que aprendió ni de la gente que conoció, no es lo que más disfrutó. “Prefiero viajar 8 horas con la cabeza torcida y perder en primera que competir con el celular”, cuenta.

A la sazón, presentarse en competencias online también le posibilitó juntar un buen número de puntos para enlistarse en la competencia por el ascenso de la Freestyle Master Series Argentina. ¿Qué le puede aportar a la liga? “Algo distinto. Tengo una picardía que es muy de plaza”.

FREES

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NOTA

NTC Como tantos jóvenes, Josefina Bolli simpatizaba con el rap. Tenía apenas unos 15 años cuando en sus playlist sonaban leyendas como Canserbero y SFDK. Pero su universo del rap se comenzó a expandir cuando un amigo la invitó a una compe de freestyle en Tecnópolis.

Allí vivió de primera mano la mítica batalla de 2015 entre Aczino, Kódigo y Sony vs. Invert, Khan y Kaiser. “Yo quiero hacer esto”, le dijo Josefina a su amigo. Algunos años después, ahora convertida en NTC, se erige como una de las 10 mejores mujeres freestylers del mundo.

Con una niñez enclavada en Versalles y un presente en Tres de Febrero, NTC pasó de soñar con ser socióloga a convertirse en MC profesional. En medio fue mamá y, en la proyección de su propia historia, su cabeza le digitaba otra cosa: “Mi vida iba a ser en pareja, cuidando de mi hijo y consiguiendo un trabajo”.

Después de algunas polémicas y de un tendal de hateo en redes sociales, Roma y NTC, dos competidoras mujeres que venían de plantar bandera en el under, estaban en las grandes ligas, representando a las freestylers del país participando de la Red Bull: Batalla de los Gallos 2019.

“Fue lo que más me marcó como persona y en toda mi carrera”, desliza.

Desde entonces, NTC no paró de ser convocada para distintas competencias. También protagonizó una publicidad de Rivadavia, la marca de hojas más popular del país. “Eso fue increíble porque me dijeron que no solo querían mi imagen, sino también querían que rapee”, apunta. Y hasta pudo juradear en una competencia a beneficio de Madygraf, una cooperativa gráfica recuperada por sus trabajadores. Allí mostró también su costado político: NTC no es solo una reconocida activista feminista, sino también una ferviente militante del Frente de Izquierda.

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SAGA Muchas veces, las grandes historias parten de pequeños hitos. Y acá vamos una vez más: apoyado en la mesa de la cocina de la familia Ibarra, se yergue estoico un CD con videos de rap norteamericano. Era 2013, era Guernica, en el conurbano del Gran Buenos Aires. Y la pequeña Aylén no identificaba quién corno eran Eminem ni 50 Cent, pero ahí andaba: contenta, imantada, dándole al “play” una y otra vez.

Hoy, a sus 21 años, bautizada bajo el alias de Saga, se convirtió en uno de los nombres más importantes de la nueva camada de freestylers locales. Compitió por primera vez a sus 14 años, en una plaza de Alejandro Korn. Con las incertidumbres habituales de cualquier principiante, Saga dudaba entre anotarse y no. Por eso, con el aval de su hermano y sus amigos, se anotó en un 2 vs. 2 junto a otra chica debutante.

Así las cosas, en el año 2019, DJ Sista la invitó a una competencia de pibas. Participó de una clasificatoria entre unas pocas y, aunque era en escenario, Saga ganó la regional femenina de Buenos Aires de la BDM venciendo en la final a Abby MC. “Había ido re insegura”, comenta.

Tras resaltar en la BDM femenina, Saga clasificó a la BDM Gold 2019 y se topó con Wolf. Perdió, pero se le paró firme de guantes. Desde esa época, Saga ya mostraba una perspectiva interesante: si seguía afinando su técnica, estaba para cosas realmente muy grandes.

Durante 2019, Saga se mostró muy activa compitiendo en plazas, en movidas nocturnas, en donde pintara. En 2020, con la llegada de la pandemia, Saga se bajoneó, tuvo un momento depresivo y, luego, se pudo acomodar emocionalmente. Y vinieron las buenas: firmó un contrato de representación con Urban Roosters, los responsables de la Freestyle Master Series. Y llegó el 2021, el año en que Saga empezó a mostrar de qué está hecha: va a formar parte del team argentino en la God Level Internacional.

STYLE

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SECCION

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Discover B

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F E AT U RE D T RACK

El Gallo Cantó a La Mañana

Buenos Aires

+ elgallo_canto n/a gallomanana

yo. (Feat Rodrigo Manigot) - E Gallo Cantó a La Mañana - 03:41

Indie Rock

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Quedándote o Yendo POR SAN KAIYER

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NOTA

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Comunidad, díganme ustedes, ¿ansiosos por tocar? ¿Extrañan las fiestas?

Por acaso, ¿ir a un recital? Hoy propongo jugar al futuro y descubrir: ¿cómo volverán los eventos presenciales?

Empresas como TestFrwd, que se dedican a los testeos en eventos (www. testfrwd.me), aseguran que el Sars-Cov-2 (más conocido como COVID-19) permanecerá con nosotros convirtiéndose en una enfermedad endémica.

Pensar en cómo, además de cuándo volverán los eventos sociales y culturales nos puede ayudar para estar mejor preparados, ¿listos? YA www.INTERNET.com, ¡qué maravilla! Para entender cómo es que volverán los eventos en vivo me propuse abrir mi navegador y mirar hacia el norte, en donde ya se han llevado a cabo diferentes fiestas, conciertos y festivales. Ciudades como Barcelona han realizado algunos “eventos test” para entender los posibles riesgos de la vuelta de los eventos masivos. Uno de estos fue el concierto de “Love of Lesbian” al que asistieron 5 mil espectadores que se realizaron una prueba de antígenos 24 horas previas al show, y los cuales estaban obligados a usar barbijo durante todo el concierto; ¿el resultado? solo 2 personas dieron positivo, lo que representó una tasa de contagio de 0.04%. Por su parte, la ciudad de Chicago tendrá su clásico festival Lollapalooza al cual podrán asistir unas 100 mil personas con su comprobante de vacunación o un test negativo de COVID-19, también con una vigencia de 24hs. Esto nos podría anticipar los requisitos de los próximos festivales y conciertos masivos en nuestro país en donde en el último verano también pudimos realizar nuestros propios ensayos, muchos de ellos al aire libre con un sistema de “burbujas” en donde si bien no era necesario presentar un test negativo, la circulación a través del predio estaba restringida.

Pero entonces, aquellos que no se quieran vacunar, ¿tendrán mayores dificultades para entrar a una fiesta? Será que además del D.N.I. ¿necesitaremos el certificado de vacunación para entrar al club, usar barbijo o se reducirá la capacidad de las salas para disminuir los riesgos?, pues, no todos los eventos son iguales. Aquellos al aire libre tal vez no presenten los mismos requisitos que los que son en espacios cerrados.

El ingreso a una sala de teatro o de cine no tendrá los mismos requisitos que una fiesta o festival y tal vez a partir de ahora ¿los pogos en los recitales sean respetando el distanciamiento social? (risas).

Como productores debemos barajar todas las posibilidades antes de tomar decisiones ya que a los eventos en vivo se les sumará un extra, los protocolos. Un nuevo escenario se presenta al igual que en el año 2004 luego de la fatídica noche de Cromañón. Algunos días atrás escuché una reflexión de Alejandro Dolina en donde, inspirado en una frase de Nietzsche, decía “cuando uno intenta la maniobra del regreso, uno no es el mismo. Y el lugar al que uno retorna tampoco es el mismo”. Y no quiero fomentar la nostalgia ni mucho menos.

Quiero invitarlos a pensar que el lugar al que volvamos sea aún mejor del que venimos, sin importar si la pandemia se está quedando o se está yendo. ¡Saludos comunidad!

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Universo Tarantino

En esta segunda entrega vamos abocarnos más a un estilo de reseña que un análisis en profundidad. Si nos ponemos minuciosos con los detalles de cada película de este gran director tendríamos que sacar un libro, cosa que no estaría nada mal pero que por ahora no se puede. Aclarado esto, se viene la munición pesada, comienzan a salir grandes títulos. En las siguientes obras de Quentin Tarantino veremos como el rol femenino toma el poder. (Contiene spoilers) POR SEBASTIÁN DA VINN

PULP FICTION (1994) Podríamos arrancar a tirar los grandes nombres que interpretan a los personajes de este largometraje, en donde las balas, la sangre, la muerte y el humor negro están presentes, y así poder entender la magnitud de estas interpretaciones en la pantalla, pero mejor vayamos al grano. Se dice que Tarantino tiene una mega colección de vinilos y que es un melómano empedernido, con solo ver 2 películas del director te vas a dar cuenta de cómo utiliza la música y el papel que tiene en sus obras. Una práctica que tiene el director es meterse en su estudio y buscar la música apropiada al film para comenzar a cerrar su idea. En este caso tendremos canciones que se volvieron íconos al día de hoy: John Travolta y Uma thurman bailando al ritmo de “You never can tell” de Chuck Berry, de por sí catalogada como una de las escenas de baile más recordadas y homenajeadas en la historia del cine. Otro clásico instantáneo es la versión que Urge hizo de “Girl, you´ll be a woman soon”. Dicen que mientras escribía el guión Tarantino entró en una tienda de discos de Ámsterdam y encontró esta versión, la escuchó repetidas veces y luego escribió la escena que vemos en la película. La banda sonora tiene temazos como “Son of a preacher man” de Dusty Springfield de los 60’, cabe destacar “Surfrider” de The Lively Ones. Y así como a Tarantino le encantan los relatos no lineales, podemos cerrar este párrafo con el tema principal de la película “Misirlou” de Dick Dale. El dato importante es que esta mítica canción es un clásico en la cultura griega que data del año 1927. Su título significa “mujer griega” y Dick Dale se encargó de llevarla al éxito en 1960. Lo mejor de todo es que en ningún momento del film vemos la cultura surf reflejada y eso es algo característico de este director y su forma de elegir y musicalizar sus films.

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NOTA

JACKIE BROWN (1997) Una película basada en la novela Rum Punch (1992) y que no espera mucho para presentarnos a Pam Grier. Mientras camina decidida portando el uniforme de su trabajo se la nota fuerte y segura mientras que suena la canción “Across 110th Street” de Bobby Womack ayudando y reforzando la construcción del personaje. El film comienza y termina con la misma canción, una elección que nos muestra como el uso de la misma melodía en situaciones diferentes funcionan muy bien y ayuda a transportar al espectador a un lugar diferente. Con un elenco increíble junto a Bridget Fonda y Michael Keaton no podía faltar Samuel Jackson a los gritos, Robert de Niro que le da duro al faso y Max un agente de fianzas interpretado por Robert Forster. Esta producción es un homenaje a las películas blaxsplotation, un cine policial con muchas persecuciones, realizado por la comunidad afroamericana, muy cargado con elementos y símbolos de su cultura, y un punto fundamental de este género era su música. El funk fue clave y algunos de los principales artistas del género fueron Curtis Mayfield, Isaac Hayes, Roy Ayers, Bobby Womack y James Brown. En el film vemos como la música sirve para expresar el amor que Max siente por Jackie, un sentimiento que nunca se expresa en palabras. La música también acompaña a Jackie durante el film teniendo canciones con un gran peso en sus letras, suenan los Delfonics, Johnny Cash, Randy Crawford con “Street Life” entre otros.

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DEATH PROOF (2007) Junto a su amigo Robert Rodríguez, Tarantino logra revivir una tradición en forma de homenaje al cine clase B de los años 70’, y en la cual se exhibían 2 películas en sesiones continuas conocidas como Grindhouse. Rodríguez filmó una de terror B con muertos vivos titulada ‘Planet Terror’ y Tarantino una de acción con coches y un psicópata detrás del volante titulada ‘Death Proof’. Acá se dividen las aguas ya que para muchos esta película representa un Tarantino que no logra explotar todos sus esperados recursos y en donde dicen retrocede un casillero. Zoë Bell, una doble de acción con la que Quentin trabajó en ‘Kill Bill’ y que se interpreta a sí misma, es la protagonista de este slasher junto a un par de chicas sexys al filo de la muerte. El film tiene grandes escenas y también momentos de buena música, literal Tarantino pone una rockola en su película, mucho soul, mucho rock y no falta el genio de Ennio Morricone musicalizando momentos claves. Kurt Russell se luce en esta historia como “Stuntman Mike” un antagonista que mata a sus víctimas chocando su auto construido y reforzado a “prueba de muerte”. La historia de ‘Death Proof’ tenía que ser muy sencilla y así es, un cine de acción que homenajea a las grandes persecuciones de coches en donde todo era real y no había forma de modificar la imagen digitalmente. Tarantino es un purista en este sentido y exige realizar todas sus escenas de acción sin recurrir a los efectos especiales por computadora. La escena clave de este film es el lapdance de una de las protagonistas mientras suena “Down in México” por The Coasters.

Recomendamos estas 3 bandas sonoras para escuchar de principio a fin. Cierro con una conocida declaración por parte de Tarantino en donde la música es tan importante que una vez llegó a decir que lo primero que hacía era buscar la secuencia musical de los créditos iniciales. “Encuentro la personalidad de la escena a través de la música que está en ella… ese es el ritmo de la película. Una vez que sé lo que quiero hacer, entonces simplemente es una cuestión de sumergirme en mi colección de discos y encontrar las canciones que dan el ritmo a mi película”.

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MAG #8

Cumbia Digital, Folktrónica y hasta World Music son algunas de las etiquetas que le han caído Chancha Vía Circuito a lo largo de su carrera. En conversación con BeatHey Mag, hablamos del pasado presente y futuro de este gran talento argentino que hace vibrar al mundo entero.

CHANCHA VÍA CIRCUITO POR GONZALO ARZÚA PH AMÉLIE CLICQOT

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NOTA DE TAPA

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“Muéstrese siempre sencillo sin gritar ni hacer alarde. La humildad no es ser cobarde, es muestra de educación” decía José Larralde en uno de sus versos, y así es Pedro Canale, también conocido como Chancha Vía Circuito. Por sus venas solo corre humildad y sencillez. Quizás esas sean las mismas cualidades que desde sus producciones lo han llevado a recorrer el mundo entero presentándose en algunas de las salas y festivales más reconocidos del mundo, ser fichado por sellos como Zizek y Wonderweel Recordings y hasta ser incluido como parte del soundtrack de la serie Breaking Bad. Su música es un viaje hacia las raíces de una cultura casi olvidada entre los jóvenes, pero que desde su reversión ha logrado llegar a oyentes del mundo entero. Mezclando sonidos tradicionales de la música electrónica con diferentes elementos del folklores latinoamericanos y cumbias regionales, algunos osaron llamar a este estilo “folktrónica”, generando una escena que alberga todo tipo de músicos, en su mayoría latinoamericanos, entre los cuales podemos nombrar a grandes referentes como Nicola Cruz, Uji, El Búho, Barrio Lindo, Tremor, y donde hasta el mismísimo Nicolas Jaar se atreve, de vez en cuando, a incursionar.

“Necesitaba parar y volver a encontrarme con las cosas cotidianas que me hacen bien.”

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El primer contacto que tuve con Pedro fue por el año 2007. Por aquel entonces él tocaba como DJ bajo el seudónimo de Universildo y los miércoles era el encargado de la feria de discos de Zizek, que en ese entonces era una fiesta underground semanal, principalmente de cumbia digital, dancehall y dubstep, y que recién daba sus primeros pasos con artistas como Villa Diamante, Faunaa, Daleduro y más. Con el boom de Zizek surgió el sello discográfico, y comenzaron a emerger grandes talentos entre los que se encontraba Chancha Vía Circuito. A partir de ese momento el crecimiento se dio a pasos agigantados hasta el día de hoy que, habiendo pasado más de una década y con varios discos en su haber, se posiciona como unos de los referentes más importantes de la cumbia digital y el folk electrónico en la actualidad. ¿Cómo ves ese crecimiento desde lo personal y de la escena a nivel global a lo largo de todos estos años?

Cuando veo la foto en perspectiva me doy cuenta de que se generó un movimiento con lo que hicimos, que aunque

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Ya hay tres ep que pueden escuchar en Bandcamp de mi nuevo alias “Azulina”. Las cosas nuevas para Chancha son muy deformes y todavía no les encuentro el rumbo, pero tampoco estoy muy preocupado de que lo tenga, porque así me pasó con cada disco y está bien. Necesito sentir que tengo la libertad de hacer lo que quiera. Seguramente lo tenga listo para fin de año, para que salga en el 2022.

En las producciones de Chancha Vía Circuito hay cierta exploración sonora donde pareciera que juega mucho la investigación de los distintos estilos como cumbias, folklores, etc. Pero al mismo tiempo, hay algo místico que se impone desde lo ancestral de las culturas que nutren estos estilos, algunas quizás más recientes, otras que quizás datan de culturas originarias de centro y sur del continente americano. Juega mucho la naturaleza y cierta energía, casi ritualística, que hacen de su música un viaje que supera lo sensorial que nos dan los oídos. ¿Cómo balanceas (o no) entre todos esos mundos a la hora de componer?

A mi me gusta que la música hipnotice, que de alguna

“Es lindo ver florecer el nicho desde donde uno participa con la música” fue y sigue siendo pequeño, sigue teniendo influencia en una buena cantidad de productores y bandas nuevas. Es lindo ver florecer el nicho desde donde uno participa con la música, y muy gratificante ver que sigue apareciendo buena música que lleva este gen de lo híbrido entre el folklore (ahora de distintas partes del mundo) con la música electrónica.

Tengo entendido que actualmente te encontrás en la localidad de Huacalera, Jujuy ¿qué representa esa región para Chancha Via Circuito?

Es un lugar que tiene mucho magnetismo para mí. Desde la primera vez que vine para acá en el 2005 no pude sacarme más estos paisajes, los rostros y la música de la cabeza. No sabría bien decir por qué, pero a partir de ese entonces empezó el romance y sigue con la misma intensidad que aquella primera vez.

Siendo un hombre “del mundo”, un viajero, contame un poco cómo viviste el año pasado con todo lo que implicó el coronavirus.

Lo viví con mucha plenitud la verdad. Necesitaba parar y volver a encontrarme con las cosas cotidianas que me hacen bien. Fueron muchos años de hacer giras y estar negociando constantemente con la salud física, psíquica y emocional.

Entonces la pandemia en ese sentido me ayudó a recuperar el balance que había perdido. En otro sentido también me deprimió y me tocó volver a atravesar las oscuridades. Pero es un proceso que también necesitaba que ocurra Entiendo que te encontrás trabajando en tu nuevo material. ¿Querés contarnos un poco de eso?

Recién hace poco que me reencontré con las ganas de hacer temas nuevos para Chancha y terminar los que ya tenía de antes, porque estuve muy de otro ánimo musical todo este tiempo de pandemia. Estuve mucho más copado componiendo música ambient, que me hizo muy bien.

manera altere mi estado de percepción para que en el momento de escucharla no haya otra cosa en la mente que eso. Tal vez por eso es que las melodías y ritmos ancestrales terminan apareciendo como una influencia fuerte, porque son y fueron concebidos para el trance, para el ritual.

Pero últimamente sí una composición no tiene nada de místico o ancestral, tampoco lo fuerzo para que lo tenga.

Si aparece bien, si no también.

En tus producciones, y principalmente en tus últimos dos discos, se nota una preponderancia de instrumentos tradicionales/acústicos (que en general son muy regionales) ¿cuáles no pueden faltar a la hora de componer un track de Chancha Vía Circuito?

Es cierto que en los últimos dos discos fueron ganando cada vez más terreno las flautas, y sobre todo en Bienaventuranza eso tuvo mucho lugar. Pero justamente como no me interesa quedar pegado a ninguna sonoridad en particular es que en todos los nuevos demos que van apareciendo no hay casi ninguna flauta, ni sikus, ni charango.

A la hora de hablar de referentes ¿Qué artistas/discos no pueden faltar en tu playlist?

Voy a tratar de nombrarte a los que pienso moldearon mi gusto estético: Dead Can Dance, Urubamba, Massive Attack, Deadbeat, Marcelo Fabián, Burial, Aphex Twin, Savia Andina, Tricky, Björk, Uakti, Gaby Kerpel, Victor Jara, Los Natas, etc.

Si bien en un principio se te relacionaba más con la cumbia digital, hoy en día tu música pareciera poner el foco más puesto en sonidos autóctonos de latinoamérica y distintas partes del mundo. En ese sentido, ¿cómo ves el futuro de Chancha Vía Circuito?

No lo sé muy bien, pero lo que va apareciendo no tiene casi nada de folklore andino, y suena bastante dubero. Dub latino podría ser (risas).

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Buenos Aires

+ lakimbofunk lakimbofunk n/a

F EATU R ED TR ACK

La Kimbo

Mangangá - La Kimbo - 03:27

Funk

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batea

POR MANU BARBEITO

escuchá acá nuestra batea

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Fede Donovan

MAG ESPECIAL CUARENTENA

Bautista Santos

Una Vuelta Más

Tropical Beach Empieza el calor y con él la necesidad de este tipo de tracks, tech perfecto para fiesta al aire libre, bien ejecutado, llevadero y efectivo.

Bienvenido el debut de Bautista Santos en BeatHey, con un tema bien producido, mezclado y masterizado. La canción combina guitarra y voz con arreglos de viento y percusivos contándonos una gran historia, digno de mate y ruta.

J. Damur

Automática

Some Kind Of Wave (Original Mix)

Animal

En algún lugar entre la música disco y el deep house se encuentra la obra de J.Damur. Un artista que da su carta de presentación en BeatHey con un ep de 3 tracks, a mi gusto, excelentes los 3.

Energía pura, Rock made in Uruguay for export, riffs demoledores, la caja de batería es un tiro como corresponde. Matices llenos de tensión y resueltos con la explosión de un estribillo que pide pogo.

Santos

DJ Scihacker

Lopes Mendes

Mars Xploration Crew Recruitment

En noviembre recibimos el agradable estreno de ver el primer EP de Santos en BeatHey. Dentro de este lanzamiento tenemos a Lopes Mendes, arreglos percusivos tribales, pads eternos y una voz con matices melancólicos dan la receta justa.

Industrial upbeat techno, todo eso es este tremendo track de DJ Scihacker, un artista que innova y sorprende en cada una de sus producciones, atentos al sample del launch, gran recurso.

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Pirdo

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ADICTA

Sir (Nattz Remix)

Amor Iluminado

Pirdo y Nattz unen fuerzas para traernos este gran remix de Sir, hipnótico, para disfrutarlo en pista de luces bajas y con un buen soundsystem.

¡Cómo suenan esos synthes y baterías por favor! El combo se completa con un bajo contundente, efectos, coros y arreglos en el momento y lugar justo. Una energía que necesito vivir en vivo.

Mirnha

Urban Groove

Donnerstag

Delete Soul (2002)

Hace un tiempo la dj y productora que comanda Analog Records dejó esta joyita por BeatHey, Donnerstag es un track hipnótico, techno de pura cepa como nos tiene acostumbrados. 5 Am en el sótano, no falla.

La Urban Groove hace honor a su nombre con Delete Soul, parte de su disco 005 del año 2002. Lleno de Groove y movimiento, con paneos de instrumentos que nos hacen viajar estando quietos, cuatro minutos y medio de un viaje al pasado que da gusto hacer.

Hernán Marine

DOMO

House School - The Jack’s Marines

Get By (Martin Minnucci Remix)

Tengo cierta debilidad por el House, pero más aún cuando logra sorprenderme de nuevas maneras. Es lo que logra Hernan Marine en este track, una evolución y un groove en sí mismo de manera impecable.

Para cerrar esta humilde selección les dejo este gran remix de Martin Minnucci, Deep tech perfecto para estos días de sol que venimos teniendo, ideal para acompañarlo con amigos y trago en mano. Capítulo aparte para el arreglo de saxo.

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Identidad sonora de proyectos musicales POR INTI RAYMI

En el marco del ciclo de charlas y podcast Transformación Musical, Mario Breuer, Martin Pomares y Julio Berta, tres reconocidos ingenieros de grabación y productores musicales brindaron una serie de apreciaciones en torno a la identidad sonora de proyectos musicales.

“A mi me pasa que el concepto sonoro va enganchado del concepto estético general” dice Julio Berta, ganador del Latin Grammy por su labor en “Porfiado”, disco del grupo uruguayo El Cuarteto de Nos, y completa “El álbum tiene un direccionamiento particular marcado por un productor, o no, pero siempre hay un lugar hacia donde vas, por eso es importante saber interpretar al artista o al productor, embarcarse en esa labor en equipo. Desde el lado del ingeniero la responsabilidad es entender y sumarse al viaje. Este trabajo tiene una mezcla de artístico y técnico, entonces vos tenés que brindar las herramientas que hay a disposición para eso”.

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ENTREVISTA

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Mario Breuer, quien trabajó con Charly García, Soda Stereo, Los Fabulosos Cadillacs, Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, entre muchos otros, agrega “Desde que empecé en este trabajo me baso en una huella sonora. Soy un creyente religioso de la importancia de respetar la identidad sonora que plantea el artista, pero también respetar mi huella sonora y ojalá haya un encuentro entre ambas”.

En esa búsqueda identitaria Martin Pomares, quien fue director musical de Chano y grabó y mezcló a artistas como Andrés Calamaro y Bersuit cree que “Hay artistas que a muy temprana edad lo tienen marcado naturalmente y está en uno detectarlo y darse cuenta. Hay otros que esa búsqueda lleva más tiempo.”

¿En donde se define la identidad sonora? ¿En la sala de ensayo, en el estudio o en el vivo?

Julio Berta: Si tenes una banda como Divididos se define en el vivo. “Momo Sampler” que trabajó Mario, ese disco tiene mucha programación. Ahí no es: vamos a la sala a tocar.

Mario Breuer: Es un fino coctel de cada una de las partes que mencionas. Para mi es importantísimo el sonido de una banda en la sala. Yo voy mucho a la sala de ensayo cuando estoy produciendo una banda, valoro esa referencia. Por supuesto que también está lo del vivo y lo que nosotros como profesionales vamos tallando, pintando y dibujando para ayudarlos y empujarlos a esa identidad. Es una alquimia, es una mezcla de gente trabajando junta. Me gusta que la identidad sea más de la banda que mía. ¿Qué tanto influye el tipo de equipamiento que tenga el artista en todo esto?

JB: Mucho, sobre todo en el rock. Una guitarra que no afina puede ser una tortura. En la búsqueda hay que encontrar algo único y genuino, que no sea repetitivo. La mayoría de las veces, es que esa huella se encuentra al final del trabajo cuando se van sumando las partes. Quizás en un comienzo era una ensoñación, una cosa que se imaginaba, pero al final es cuando se va cerrando el concepto.

Recién Julio mencionó el disco Momo Sampler de Los Redondos, que tiene mucho de estudio ¿Cómo se trabaja con un artista que tiene la trayectoria que tenían ellos en ese momento, que por ahí llegan al estudio con una serie de ideas que hay que transformar en una realidad tan compleja?

MB: Me sale la palabra “faraónico”. Meses y meses de trabajo. De ir detrás de una mirada. Si hay algo que aprecio es trabajar con artistas que saben lo que quieren. Muchas veces no saben explicar bien que es, pero prefiero eso que lo contrario. Al mismo tiempo, en este caso, había un espacio para la experimentación. Yo soy un fanático de grabar todo lo que sea lógicamente posible en la primera sesión y esto era totalmente distinto. Fue una gran aventura.

Mario, a vos te tocó grabar y en algún caso tal vez participar en la producción de algunos de los artistas mas emblemáticos de nuestro país, a verdaderas leyendas y eso conlleva también personalidades que uno presume difíciles ¿Cómo uno va lidiando con este tipo de personalidades en el estudio?

MB: Para mi siempre fue muy importante, como parte de mi trabajo y responsabilidad, estar al frente de la técnica de un disco y mantener el humor arriba. Nosotros grabamos discos todos los días, los músicos en esa época grababan uno por año y ahora es uno cada tres años. Es un momento muy importante e íntimo para ellos, y esta bueno sumar con la buena onda y no solamente con sacar un buen sonido, para que el artista también nos ofrezca lo mejor de él. Me ha pasado también de tener una entrevista con algunos artistas y darme cuenta que “no nos vamos a encontrar ni para navidad”, ahí hay un poquito de elección. Aunque mas de grande pude elegir.

En los primeros años uno se cargaba al hombro cada cosa… ¿Qué tanto influye el hecho de ser músico al momento de tener que sentarte en la consola a grabar a otros músicos?

Martin Pomares: No es algo que sea necesario.

Muchos de los que trabajamos de esto somos músicos porque empezamos tocando y después la inquietud por el sonido te termina llevando a estudiar esto y vas haciendo tu carrera. Yo creo que ayuda a resolver cosas en el momento de estar grabando, pero no se si es algo completamente necesario, en mi siempre fue natural y ambas cosas fueron a la par, aunque la de tocar más de hobby y la de ingeniero de hacer carrera. Después me fui encontrando en situaciones de tocar profesionalmente pero sin buscarlas como con Bersuit o con Andrés Calamaro, lo de Chano también, él me convocó cuando hacía dos años que yo no tocaba con nadie. Siempre fue más el disfrute que el hecho de tocar y pensé en la ingeniería por el lado de hacer carrera. Pero para ser ingeniero de grabación no es indispensable ser músico.

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MAG #8

“Cada ser tiene una historia diferente en su porvenir.

Todas las decisiones que tomemos son importantes a futuro.”

Es una de las artistas más destacadas de la escena nacional con un largo y rico recorrido en el underground local e internacional. Teniendo como contexto el particular período pandémico que vivimos, nos encontramos en una charla para hablar en profundidad sobre cómo se vive la actualidad desde lo profesional y lo humano.

POR DAMIAN LEVENSOHN

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ENTREVISTA

MAG #8

VIOLETT

¿Cómo estuviste viviendo profesionalmente el último año de la pandemia?

Soy una profesional multitasking. Vivo de otras actividades relacionadas al management de un proyecto orientado al bienestar de la salud con productos orgánicos, medicina natural, etc. También al diseño gráfico que me encanta.

O en presencia digital para clientes. Además, acabo de sacar una línea de slipmats pero no vivo de eso obviamente (risas). ¿Cómo imaginas la escena nacional cuando todo vuelva a una relativa normalidad?

Herida. Me duele muchísimo ver todos los espacios que cerraron sus puertas. Me angustia ver cómo luchan los que aún están abiertos, como Avant Garten o Espacio Ro. Lugares excelentes que dan trabajo a mucha gente, lugares coherentes abiertos a la cultura y el arte. Todo lo relacionado al espectáculo, entretenimiento, arte y cultura está herido. Será un renacer. Será un nuevo comienzo con mucho esfuerzo calculo. Espero que en la desesperación por resurgir no contaminemos al público con contenido errado. Sueño con la utopía de depurar un poco el producto de consumo musical.

Desde hace algunos años vivís en las sierras de Córdoba ¿Sentís que influenció en tu música el lugar?

Vivo en las sierras, lugar que influenció mi vida entera.

Mi mente, mi cuerpo, mi corazón, mi música, mi forma de alimentarme, de respirar, de ver los vínculos. TODO. La naturaleza es clave. Así y todo, es a veces muy difícil tener a seres queridos lejos, con una pandemia donde todos nos necesitamos más que nunca. Musicalmente estoy investigando mucho todo el tiempo, artistas nuevos, intercambio música con otras personas. La novedad de la residencia en Radio REA me despertó las ganas nuevamente de volar por el freestyle, algo maravilloso para la inspiración, la investigación. Jazz, ambient, hip hop, música clásica, experimental... La verdad que lo que es o podría ser de pista lo dejé bastante porque me da impotencia, por decirlo sutilmente. Aunque sigo guardando temones para la vuelta (risas).

Con pandemia o no ¿Cuán realista es pensar que en nuestro país se puede vivir de ser dj y/o productor?

Hay mucha responsabilidad en contestar esta pregunta.

“Es muy importante comprometerse con uno mismo a no faltar a tu propia verdad.”

Pero acá vamos con mi opinión. Dentro de las artes electrónicas existen miles de posibilidades. Sabemos que se volvió algo bastante grande mundialmente, pero cada ser tiene una historia diferente en su porvenir. Todas las decisiones que tomemos son importantes a futuro. A mí me costó mucho encontrar un equilibrio económico, años.

Sobre todo cuando estaba solamente involucrada con lo súper underground. Con el romance que muchas veces

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en esta parte del mundo la gente confunde con “lo atamo´ con alambre”. Pero no tenés porqué quedarte solamente ahí, podés expandirte. Podés compartir sesiones de días enteros con tus amigos y amigas, podés aceptar tocar en fiestas súper underground dónde pelas en carne viva lo que te da vuelta la cabeza, pero también podés disfrutar de eventos grandes con otro enfoque. Lo importante es que como buen o buena DJ vas a tener material para cada segundo de la noche, vas a poder leer las pistas, vas a poder brindar tu trabajo. Lo más hermoso de cuando aceptas ir a un club grande con mega producción (que te pueden decir vendido/a cómo me pasó), te encontrás con el sonido cómo corresponde, con un fee cómo corresponde, la gente que paga una entrada para ir a escuchar lo que tenés para compartir. Entonces podés hablar con el iluminador, contarle cómo te gustaría una pista más cálida, cómo hacer un buen equipo, sin necesidad de poner música que no te guste, sorprendiendo, además de llegar a gente que nunca te hubiera conocido.

Por otro lado, hacer música (siempre que lo sientas), es una buena manera de que te conozcan. Editando es un buen camino. Aunque podés ser excelente productor, pero no tener feeling para ser DJ, entonces podés armar un Live.

Después viene la parte de: dónde van a escuchar tu estilo de música, si vas con computadora o moves millones en equipos. Vamos desde Ernesto Romeo hasta Four Tet. Y si no te dan bola en los sellos, (porque no siempre tenés contactos, o estás en el lugar indicado), abrí un sello, subí un e, con buen diseño y lo mostrás.

Ahora, en el mundo del arte, siempre es más seguro estar acompañado/a de otras actividades. Entre mis conocidos existen maestros, diseñadores, dueños de disquerías, arquitectos, periodistas, emprendedoras, comunicadores y miles de cosas más. Hoy en dia no dejes todo. En paralelo buscá otras herramientas, el arte está siempre conectado entre sí. Fotografía, diseño, audiovisual. Si no tenés dinero podés aprender online.

Algo que nunca hice, y que me sirvió para estar siempre vigente, actualizada y fiel a mí misma es NO copiar. Nunca quise ser cómo alguien, sí admiré a alguien, me inspiré en alguien. Quería aportar mi parte a la escena, entonces armé mis propios eventos, que dejaron mucho a nivel contenido, pero a la vez perdí muchísimo dinero. A la vez, gracias a la música electrónica viajé por todo el mundo.

Compartiendo culturas, vivencias, creciendo, aprendiendo y amando. Pero es muy importante comprometerse con uno mismo a no faltar a tu propia verdad. Lo que te gusta es lo que vas a brindar a la gente. Tu historia en un set es algo que estás creando en el momento con diferentes herramientas, que a su vez te brindan otros artistas. Es crear en complemento. Están los que te dicen si no haces música, no vas a tener éxito como DJ. Pero podés hacer música, presentar tu live set y no obligarte a ser DJ. Por otro lado, llegado el momento, una mirada comercial, de alguien con experiencia que sepa cómo guiarte es una buena opción. Yo no sabía poner precio a mis sets. Y claro, siempre saber que vos tomás responsabilidad sobre aportar algo a la escena electrónica argentina con tus sets, tu propia música. Hacerlo con amor, con dedicación seguro ayuda. No es moda.

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MAG #8

Andy K es un artista que habla desde el urbanismo, empapelar las calles con pegatinas es una posición estética de la obra en relación al público en la ciudad y tiene en sí misma una culturización de los espacios comunes, fuera de las galerías.

En exclusiva para BeatHey hablamos con Andy K e Ivana Zafira acerca de la obra, la evocación provocativa pop art y su proceso creativo

ANDY K STUDIO POR JULIANA URTICA

“El arte para nosotros, no es sólo un objeto, sino un estilo de vida.”

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ARTES PLÁSTICAS

¿Cuál consideran que fue el disparador y posterior fórmula para generar el concepto de lo que es Andy K Studio?

Andy K: Como artista creo que uno tiene una gran limitación, la obra resulta ser un producto muy solitario. La idea del Studio es justamente que, si bien actualmente el principal producto es mi obra, también estamos comenzando a trabajar con sesiones de moda, dirección de arte, diseño, etc. Además me permite dejar de ser el único creativo responsable, algo que hace que todo sea más divertido y menos intenso como sucede con la obra propia.

Ivana Zafira: Hoy, en un entorno tan multidisciplinario, no es posible hablar de arte sin la convergencia de distintos lenguajes. “La fábrica” es un concepto que estimula aquello dentro de lo que hacemos como Studio. El arte para nosotros, no es sólo un objeto, sino un estilo de vida. Tiene que envolverte, hacerte vivir experiencias, permitirte visualizar el mundo desde otra perspectiva. Y acá debo aclarar

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¿Hay una sensación en común en las obras? ¿Cuál sería el sentimiento que evoca el trabajo de Andy k?

AK: Es un proceso de descubrimiento a lo largo de la creación de la obra, por un lado siempre tenemos una idea en general de qué queremos de la obra. Pero con Zafira nos desafiamos a que la misma no caiga en un lugar común, queremos que juegue con las contradicciones. Después de todo, uno puede saber lo que vale y ser fuerte luego de haber llorado en el baño del trabajo y salir espléndida.

Lo que sí espero, es que el mensaje sea para saber que el coraje lo tienen todos; incluso cuando estamos lastimados y necesitamos horas de terapia.

IZ: Es un balance entre lo roto que alguien puede estar, y aún así, ansiar devorarse al mundo. ¿De donde viene la inspiración en este momento donde el panorama surge pesimista e inclusive toma forma apocalíptica?

“Uno tiene una gran limitación, la obra resulta ser un producto muy solitario.”

que con “otra perspectiva” no me refiero al lado más positivo y bello, en realidad apunto a los distintos caminos en los que el arte permite pararse sea bello, feo, sassy, bueno o malo. En resumen, debe movilizarte, y eso es justo lo que Andy K Studio propone. ¿Cómo elige Andy K a sus protagonistas en las obras? ¿Hay una preferencia por las figuras femeninas?

AK: Mi madre sin duda es la mayor influencia artística de mi vida, y tengo la suerte de que fuera diseñadora de moda (mi abuela costurera), por lo que mi crianza estuvo muy ligada a su mundo visual. De todos modos, siento que en el arte los hombres son más bien un acompañamiento que no son siempre necesarios. O casi nunca para ser sinceros.

IZ: Andy tiene una sensibilidad particular. Junto a aquellas mujeres ha transitado un camino extenso y dedicado al arte, así es que se ha vuelto contemporáneo. Este tipo de personas tienen la posibilidad de separarse de la realidad para observar la en el momento justo en que ocurre. Él no documenta, absorbe y transmite lo que las mujeres del momento en el que crea sus obras realmente están transitando. Esto es parte de lo que empuja la elección de mujeres con tanta presencia y magnetismo.

AK: El mundo siempre sigue adelante, no es personal, es simplemente así. Y del mismo modo creo que el futuro tampoco lo es. Aproveché esta pandemia para reconectar con mis influencias más directas y, del mismo modo, el encierro me permitió volver a consumir no solo aquello que he amado, sino también lo nuevo en materia de todo el arte.

Y claro, con las horas y horas de colaboración con Zafira.

IZ: Creo que fue una etapa de refuerzo para lo que hablábamos arriba. Tenemos un mundo sumamente golpeado, y eso siempre fue el disparador del arte. Yo particularmente lo veo desde mi campo principal, la publicidad.

La situación pandémica sirvió para impulsar la creatividad desde un punto de partida terrible, empujando las mentes creadoras más allá de la zona de confort. ¿Cómo te imaginas que será el futuro del arte ilustrativo?

AK: ¿Acaso alguien tiene esa respuesta? No lo sé, lo que sí he notado es que el lenguaje se está expandiendo, y además, hay una mayor apertura para cosas que antes eran relegadas como entretenimiento y no arte. Por otra parte, habrá que prestar atención a cómo evoluciona el mercado del NFT y si sirve para democratizar el mercado del arte o no.

POR RAFAEL SOROL

Sanchez & Narvaez

Un artista es un todo, sabiendo que lo sustancial es la capacidad de arte creativo. Un dúo que maneja tan bien su imagen como la música y la empatía con la gente. Hablamos con Jonas de Narvaez y Gonzalo Sanchez sobre ser artistas hoy.

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“Las redes sociales se han vuelto una herramienta imprescindible para armar una estrategia de marketing, nos permite tener una comunicación directa e inmediata con nuestro público. Somos reales.”

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ENTREVISTA

Manejan muy bien sus redes, dando una forma de comunicar que logra empatía con la gente ¿Eso lo piensan o les sale natural? ¡Qué pregunta para arrancar la entrevista! (risas) Las redes sociales se han vuelto una herramienta imprescindible a la hora de armar una estrategia de marketing ya que nos permite tener una comunicación directa e inmediata con nuestro público, y eso es muy valorado por ambas partes porque genera una afinidad más cercana con nuestros seguidores, se puede sentir el apoyo del público y esto tambien genera un vínculo que se establece entre ambos. Somos reales.

Tambien hay algo muy importante, que por ahí uno no se da cuenta, se hizo más fácil alcanzar a nuevas audiencias para poder darnos a conocer, pudiendo llevar nuestras canciones a cualquier parte del mundo sin tener que salir de nuestro país. Entendemos también que a mayor popularidad, mayor número de seguidores en redes sociales, y viceversa.

Nosotros tratamos de manejar nuestras redes de la manera más natural posible, cuidando nuestra estética y manteniendo dinámica, tratando de estar en contactos con nuestros seguidores y ser claros con lo que queremos transmitir. Más que seguidores se podría decir amigos, gente que queremos mucho y que compartimos la misma pasión por la música.

Conociéndolos hace años, veo que nunca paran de prepararse, desde seguir estudiando, a mejorar cada vez más la calidad de sonido que quieren lograr. ¿Cómo es vivir con el inconformismo de querer sentirse cada vez mejor?

No se si la palabra es inconformismo… sino más bien crecer e intentar mejorar día a día nuestros tracks tanto a nivel técnico como a nivel musical.

Aprendimos a tocar teclado, bajo, batería, guitarra y flauta, eso ayudó muchísimo al proceso creativo, ya que no es la misma sensación a la hora de grabar. Hace poco tuvimos la oportunidad de trabajar con un músico de España (saxofonista) y también con el tío de Gonza, Lea Di Paolo que toca la viola y grabó una sesión para nuestro track “Bring The Funk”, disponible por nuestro sello discográfico 839 Street y el producto final para ambos casos fue increíble.

Claramente los instrumentos, a diferencia de trabajar de manera digital, nos dieron una apertura musical y elevaron nuestros tracks a un sonido más analógico y mucho más real. ¿Buscan un objetivo final del esfuerzo que hacen día a día, o solo disfrutar y sufrir del presente?

Siempre trabajamos con objetivos claros para poder avanzar y crecer en la escena, obvio se disfruta en el proceso creativo y se siente her-

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moso cuando el track finalmente está a la venta.

El presente sin eventos fue y será difícil por todo lo que genera, pero también estamos preparándonos para cuando todo vuelva a la normalidad poder salir a presentar material nuevo y disfrutar de eso. Se sufre cuando no se consigue lograr lo que uno quiere, pero se disfruta aún más cuando sale la magia. ¿Cuáles son sus objetivos a futuro?

Estamos trabajando con artistas internacionales en nuestros próximos tracks, por suerte tenemos firmados muchos lanzamientos para el futuro en sellos de España, Italia, Inglaterra, Francia y también trabajando y proyectando el año de nuestro Sello discográfico 839 Street fundado en este 2021.

Tenemos mucho material en camino y siempre apuntando a los sellos más importantes de la escena actual, y por sobre todo, manteniendo nuestra identidad para poder llevar nuestro sonido hacia los diferentes géneros. Hace mucho tiempo que venimos desarrollando nuestro sonido, ¡10 años produciendo música! (risas), y siempre fueron derivados del house, observamos las corrientes, nos adaptamos, pero hasta un punto.

Es clave ser original. Esperamos pronto poder volver a reencontrarnos en las pistas, conectar con el público que es lo más importante. Eso es algo que extrañamos mucho.

Somos imaginarios del futuro pero venimos del pasado, ¿cuáles fueron sus influencias para amar la música y ponerle tanto esfuerzo?

De chicos escuchamos mucha música, y por suerte de diferentes géneros. Pero nuestras mayores influencias fueron y serán la música Soul , Funky, Disco, House, Hip Hop sumado a lo que escuchábamos también en épocas donde no existía internet y era todo más en formato físico. Tuvimos la suerte de poder nutrirnos de esta música y a la hora de producir se pueden percibir esas raíces House en nuestros tracks.

De nuestro pasado te podemos decir 3 cosas que nos marcaron, Levitar, Plugit- Beathey y ZEF en nuestro último tiempo antes de la pandemia. ¿Cómo esperan verse dentro de 30 años?

Es difícil pensar de acá a 30 años, estamos contentos con lo que venimos haciendo y el recorrido que tenemos. Tuvimos la suerte de vivir una época hermosa, verdaderas raves. Fiestas sin fin, viajes por todo el país, conocimos mucha gente y pudimos pinchar junto a muchos referentes nacionales e internacionales. Ojalá el futuro nos encuentre de nuevo en los clubes. Hoy es momento de seguir puliendo y aprovechar para disfrutar del estudio.

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LUCAS JARA POR NICOLÁS BELDI PH PILL GUEVARA

Hablamos con un incansable compositor, autor y emprendedor de su propia música, además de ser el artista más escuchado en BeatHey. La importancia de trabajar y superarse a uno mismo. Técnicas y estrategias con una de las revelaciones de nuestra plataforma. Una combinación de beats bailables, armonías clásicas, arreglos experimentales y cyberpunk literario.

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ENTREVISTA

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“Necesito constantemente novedad y mixtura, me gusta que tengan una atmósfera conceptual y sonora que los una.”

¿Cómo estás llevando este 2021?

Muy bien y atento, podría decir. En un contexto especial puedo hacer lo que más me gusta y participar de una comunidad como BeatHey, no solo en la mía, también atento a lo que está pasando afuera. El encierro y la composición se llevaron muy bien, aunque a veces se pelean un poco, tengo muchas ganas de tocar en vivo y volver a disfrutar de los encuentros presenciales, pero sinceramente estoy muy enfocado en componer la música que más me gusta e interesa investigar.

Estuviste lanzando múltiples singles y material este año, ¿son temas que compusiste este tiempo o proyectos guardados?

Organicé toda mi vida en relación a la actividad de componer música en la compu. Por esto tengo muchas canciones que me gustaría mostrar todavía guardadas.

Desde el 2014 empecé a subir a la web un álbum por año y fui guardando canciones no seleccionadas a las que les faltaban detalles. Actualmente subo todo este material terminado a BeatHey exclusivamente. Y a través del sello Cassette Alternativo subo los singles que más me gustan a otras plataformas. Los álbumes que subo a BeatHey combinan temas muy recientes con algunos de estos trabajos. Subo a BeatHey el total de la producción. ¿Hubo estrategias en estos lanzamientos?

Suelo guiarme por las métricas que me devuelven las plataformas y relevo continuamente con colegas de la comunidad y amigos qué acciones de difusión pueden ser mejores. Soy de guiarme por mi criterio, pero también escucho al entorno para aprender, debatir sobre estos temas me estimula. Siento que lo que hago está enmarcado en la música alternativa y que por eso indago en rock, electrónica y hiphop buscando combinaciones y variedad aún dentro de un mismo track. Me siento versátil, me gusta lo multifacético, busco lograr el verosímil de un género y después mezclarlo. Siento que llevo formando un estilo propio. Mi estrategia sería la investigación y fusión, trabajo mucho produciendo música diversa y combinándola.

En BeatHey sos uno de los artistas más escuchados entre miles dentro de la plataforma, ¿qué consejo podés darle a otros artistas?

Componer mucho para elegir lo mejor de lo mejor que hayas hecho, la cantidad y calidad en la producción musical responde a una lógica similar a otras industrias, refinar la selección de tracks es muy importante. Es necesaria una disciplina y trabajo concreto como en otras áreas que producen otros bienes culturales o no. No atarse siempre a fórmulas informáticas logradas que ahorran tiempo. Sobre las opiniones, dar bola cuando es para crecer, y no dar bola cuando no hay fundamentos. Tomar la difusión de tus proyectos como un verdadero trabajo. No descuidar el desarrollo visual, tender a la interdisciplina, en lo posible generar imágenes y música a la vez, porque es demandante la difusión, sobre todo en la escena emergente, es muy ardua la labor real cotidiana para ver un resultado. También diría no apegarse al personaje del artista atormentado por la sociedad, pero tampoco perder completamente toda fantasía o magia ligada a las artes, sino todo es muy frío, racionalista y, la sustancia inspirada, en mi opinión, hay gente que la reconoce cuando la escucha. ¿Qué le dirías a un artista que aún no subió su música a BeatHey? Quiero empezar la respuesta contando qué es lo que hago. Subo todo lo que compongo y me gusta más a BeatHey, comparto todos los días el llamado a la acción de reproducir música en esta plataforma. Comunico a diario que tiene artistas que son una bomba. En mi casa suenan los temazos siderales de Baridi Baridi, Club Rayo, César Ascoy, La Kimbo, Diofaro, Luis D Aguiar, Monkey Porn, todo del carajo, todo re bien hecho, creatividad a ful y estilo. La plataforma se está expandiendo mucho, siempre realizando acciones que hacen crecer a la comunidad, es una plataforma hecha en argentina en la que creo, y por eso la difusión que le doy a mi música en otras plataformas está en segundo lugar, priorizo invertir tiempo en dar a conocer BeatHey. Creo que es por ahí, que las escenas del arte en la historia cambian con este tipo de proyectos colectivos.

Por esto, le respondería que no pierda más tiempo, le pasaría el link para que se registre en la plataforma de una.

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SANTO DOMINGO DEVIA

Productor, músico y Ableton Certified Trainer.

Además de su virtuosismo como artista, es un gran impulsor de la enseñanza y difusión de la producción musical a nivel local.

En conversación con BeatHey Mag, hablamos un poco de la comunidad @Argenlive, la cual comanda, los eventos que están realizando y sobre los nuevos desafíos que plantea el aprendizaje de estos temas en los tiempos que corren.

POR GONZALO ARZUA

Hablemos un poco de Argenlive. ¿Quiénes participan?

Argenlive es el grupo de usuarios de Ableton Live en español más grande del mundo. Estamos por llegar a los 8.000 usuarios y somos varios administradores que gestionamos y moderamos el grupo. Comenzó como un foro de consulta sobre el software e intercambio de equipos. Hoy por hoy es una comunidad con vida propia en sí, con el que hemos generado muchos proyectos, desde compilados musicales de los integrantes hasta un concurso de remixes de la banda Poncho, pasando por sorteos, entrevistas, workshops, encuentros presenciales y virtuales.

Contame un poco de los eventos que están realizando.

Hace poco produjimos el 2do Encuentro en Casa. Un evento virtual de dos días y 12 horas de duración, con un montón de live sets, entrevistas, charlas y workshops sobre producción musical. Una verdadera maratón donde productores locales e invitados internacionales vinieron a contar cómo producen y tocan en vivo, qué herramientas usan y cómo sienten la música. Tuve la oportunidad de poder entrevistar a Robert Henke desde Berlín, que es uno de los creadores de Ableton Live. Uno de mis héroes en todo este lío. Ahora estamos realizando una serie de

workshop sobre producción musical, arrancamos con el maestro Ernesto Romeo y seguimos con varios artistas más como Jorge Haro, Juan Hansen y más, y para fin de año tenemos pensado un evento grande pero presencial. ¿Cómo fue adaptarse a este nuevo contexto con todo lo que implicó el coronavirus?

El año pasado planeábamos hacer el Encuentro de Argenlive en un lugar que ya teníamos reservado. Con la pandemia tuvimos que pegar el volantazo y armamos lo que fue el primer Encuentro en Casa. En medio de la cuarentena nos mandamos a hacer un evento online, cosa que nunca habíamos hecho, donde superamos ampliamente nuestras expectativas. Salió mucho mejor de lo esperado y con gente conectada de todo el país y del mundo que pudo disfrutar. En un contexto donde todo era un bajón, con Argenlive le metimos mucha buena vibra a la gente.

En sintonía con lo anterior, y teniendo en cuenta que sos un referente dentro de la enseñanza. ¿Qué pros y contras le encontras a la enseñanza a distancia?

La primera ventaja es que ahora gente de todo el mundo puede acceder a una enorme oferta de educación a distancia y eventos online que antes no existía. En cuanto a la producción musical, hasta me atrevería a decir que

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ENTREVISTA

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“Para mí ver a un colega que estudió conmigo sacar su primer release, hacer su primer live set o editar su disco es una de las mayores satisfacciones que hay.” es mejor que la presencial. Se armaron grupos de trabajo de diferentes países, con mucha data muy diversa. Poder trabajar y colaborar con colegas y artistas de otros lugares es algo increíble, y que esta cuarentena aceleró a pleno.

Con respecto a la contra, creo que se perdió el mano a mano con los alumnos y colegas, eso de poder mirarlo a los ojos, poder reaccionar o ver como reaccionan. Aunque cuando pase todo el vendaval creo que va a llegar a un punto medio. La gente se va a seguir juntando pero va a seguir hablando y trabajando por Zoom.

Sos reconocido por ser de los pocos Ableton Certified Trainer ¿me podés contar un poco eso?

Ser un instructor certificado por Ableton fue una de mis metas, que con mucha alegría pude cumplir. Fue realmente una experiencia espectacular. Viajé a la Ciudad de México hace casi tres años, justo después del último terremoto. Conocí un montón de colegas muy zarpados y me hice amigo de muchos de ellos. ¡Son fanáticos de la

música o más que yo! Si te fijas en la web donde ves los requisitos para certificar, te dicen que tenés que ser un Ninja del Live. Y para ser un ninja tenés que tener disciplina y trabajar muy duro. Y eso es lo que he estado haciendo todo este tiempo. ¿Qué es lo más satisfactorio que encontrás al dar clases?

Hace más de 10 años que doy clases de Live. Y también de Tecnología en un secundario. Siempre me interesó la parte educativa. Con los años fui aprendiendo mucho.

No sólo sobre cómo crear música, sino también en cómo ayudar a que otros puedan crear su propio material. Es increíble lo que un músico tradicional puede hacer una vez que le agarra la vuelta a Ableton. O los chicos, que con un par de clases ya están haciendo sus beats y rapeando encima. Para mí ver a un colega que estudió conmigo sacar su primer release, hacer su primer live set o editar su disco es una de las mayores satisfacciones que hay.

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LUMINAZION POR INTI RAYMI - PH VANINA FRIAS

Próximos a lanzar su tercer disco producido por Juan Bruno y Pepe Cespedes de Bersuit, Luminazion se ubica como la renovación del reggae de nuestro país. Vito, el carismático frontman y cantante del grupo nos da algunas pistas sobre el pasado, presente y futuro del proyecto musical que nació en el oeste del Gran Buenos Aires. ¿Cuál fue el camino recorrido hasta aquí?

Los primeros años estábamos librados a la suerte de lo que aparecía en cuanto a eventos. En esos tiempos tuvimos aciertos y tropiezos. Tocábamos donde nos llamaban y donde podíamos. Luego con la llegada del primer disco “Mas Alla…” empezamos a ser nosotros los responsables de lo que sucedía empezando a producir nuestros conciertos. Fue una gran decisión que nos exigía planificar cada paso. Así logramos salir del país e ir a tocar a Uruguay en una minigira que contó con dos espectáculos, gracias a un ida y vuelta que organizamos con una banda de Montevideo. El siguiente momento bisagra en nuestra carrera fue la grabación de “En Espiral”, nuestro segundo álbum, producido por Hernan Millstein y German Alvarez (Todos Tus Muertos, Riddim, Blackdali, etc.) registrado en Estudios del Parral, donde grabaron Fito Páez, Vicentico y otros talentos. Una gran experiencia en todo sentido. Con ese disco editado salimos a la ruta para hacer shows en ciudades como Veronica, Mercedes, Campana, Olavarría, La Plata y Gualeguaychú. La búsqueda de las salas, al momento de producir, se volvía más ambiciosa y eso nos llevó a despedir el 2018 en La Trastienda, en el barrio de San Telmo. El 2019 fue muy próspero. Hicimos dos giras por México contabilizando un total de 16 shows y además recorrimos varios barrios del Gran Buenos Aires coronando en Auditorio Oeste, una sala de nuestro barrio donde siempre soñamos tocar y que hacía años veníamos visitando musicalmente. En esa ocasión fuimos la atracción principal de la noche. Fue un concierto inolvidable. En 2020 la Pandemia nos encontró por primera vez de gira por Perú, donde teníamos 4 shows que se tuvieron que cancelar. Durante las restricciones aprovechamos el tiempo para, con motivo de nuestra primera década de vida, armar un espectáculo online donde no solo tocamos, sino que preparamos un documental dirigido por Ezequiel Larrosa que tuvo gran aceptación por parte de nuestra audiencia nacional e internacional. En todos estos años nos dimos el lujo de compartir escenario con Zona Ganjah, La Missisippi, Daniela Herrero, C4, Leonchalon, Riddim, Manos de Filippi, Pablo Molina, etc. También de grabar colaboraciones para proyectos musicales de países como México, España y Holanda. ¿En qué momento los encuentra la llegada del tercer disco de la banda?

Creemos que estamos en nuestro mejor momento. La

realidad es que en un principio solo queríamos grabar un EP de pocas canciones y terminamos optando por un disco. Comenzamos a pre producirlo en la sala en 2019.

Si no hubiéramos arrancado en ese momento, luego con la pandemia hubiera sido muy difícil. La fecha de grabación se postergó y sirvió para trabajar muy duro cada uno desde su casa, preparando las últimas maquetas, siempre supervisados por los productores Juan Bruno y Pepe Cespedes.

“Si no hubiéramos arrancado a pre producir en 2019 luego con la pandemia hubiera sido muy difícil.” ¿Cómo se gestaron las canciones de este tercer disco?

Fue una tarea ardua. Queríamos hacer un disco de 10 canciones. Para eso, ellos nos pidieron mostrar 30 y de ahí elegir. Lo anecdótico, es que compusimos 33 canciones y que justamente la número 33 haya quedado para ser parte del disco. Cada sábado lo utilizamos para eso, para componer, pues al comenzar la pre producción teníamos la mitad de las canciones requeridas. De esa manera logramos terminar cada jornada con 3 o 4 canciones nuevas.

En uno de los temas participa Luis el cantante del grupo mexicano el Haragán & Cía., una de las bandas más populares de ese país. ¿Cuál es relación de Luminazion con México y como se da esa colaboración?

Luis llega de la mano de un amigo y colaborador nuestro, que sabiendo que íbamos a viajar a México para nuestro primer tour, nos brindó el contacto con su mánager para que lo invitáramos. Luis vino a uno de nuestros shows en CDMX como espectador, de esa manera comenzó el vínculo. Meses después, ya con la segunda gira armada, le propusimos que venga a cantar en un recital en el Zócalo de la ciudad. No solo vino a cantar, sino que hasta trajo su guitarra. Fue un momento único y emocionante. Para esa ocasión ya estábamos pre produciendo este tercer disco, así que cuando lo invitamos a que sea parte, automáticamente dijo que sí. Ya ansiamos el momento de volver a México y tocar juntos esta canción donde el grabó su voz.

A lo largo de 2021 Luminazion ha lanzado singles anticipando la salida de este álbum que finalmente será publicado en el mes de noviembre.

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EL NUEVO SONIDO DEL REGGAE ARGENTINO

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MAG ESPECIAL CUARENTENA

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Trago - Beldi - 03:21

Indie Beat

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Beldi

Buenos Aires

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