Billboard AR Julio 2021 by Billboard AR

AIRBAG · CLAUDIA BRANT · DREFQUILA · GIRL IN RED · JUSTIN LEE SCHULTZ · LAS PELOTAS · LENNY TAVAREZ · MIKE AMIGORENA · NOEL SCHAJRIS

Voces DAMN Power Players Lyor Cohen ISSN 2344-9276 · Año 7 · Nº 96 Julio 2021 · Argentina: $500 Recargo interior: $10

NEO PISTEA

Adrián Barilari Charlie Freeman Mati Fernández Pili Pascual Snow Tha Product

BILLBOARD AR | JULIO, 2021

Bizarrap & Nicky Jam

↑

Bandido, Duki, Rei, Tiago PZK

↑

J Balvin & María Becerra

-2

Esta semana

Artista

Semana pasada

BILLBOARD ARGENTINA HOT 100: LAS CANCIONES ACTUALES MÁS POPULARES DE LA SEMANA EN TODOS LOS GÉNEROS, RANKEADAS POR LA ACTIVIDAD EN LOS SERVICIOS LÍDERES DE STREAMING, ASÍ COMO TAMBIÉN EN LAS EMISORAS DE RADIO Y EN LAS CADENAS DE TELEVISIÓN. DATOS PROPORCIONADOS, ENTRE OTRAS FUENTES, POR BMAT Y NIELSEN MUSIC.

Bizarrap y Nicky Jam llegan al 1º

variación

Semana del 19 de julio

Nicky Jam || BZRP Music Sessions #41

La “Nicky Jam || BZRP Music Sessions #41” encabeza el chart y Rusherking y Duki debutan en el puesto 31º con “Bailando Te Conocí ”

No Me Conocen (Remix)

Qué Más Pues?

na semana después de su debut, la sesión de bizarrap y nicky Jam sube del 2º puesto a lo más alto del Billboard Argentina Hot 100. Bandido, Duki y Rei llegan al 2º con “No Me Conocen” (Remix) y “Qué Más Pues?” de J Balvin y Maria Becerra descienden al 3º. “2:50” (Remix) de MYA, Tini y Duki cae del 3º al 4º. Bad Bunny escala del 10º al 8º con “Yonaguni” y “Cazame” de María Becerra y Tiago PZK ingresa al Top 10 después de un ascenso de 11º al 10º. Por otra parte, “Bailando Te Conocí” de Rusherking y Duki se une en el 31º y marca el Hot Shot Debut de la semana. Cuatro pasos atrás, “Prende La Cámara” de FMK y Tiago PZK debuta en el 35º. Hay más buenas noticias para Tiago PZK: “Entre Nosotros” junto a Lit Killah comienza en el 44º. Los artistas españoles Marc Seguí y Pol Granch hacen su primer debut con “Tiroteo” en el 54°. “Permission To Dance” de BTS se inclina en el 84° y “ME PASE” de Enrique Iglesias y Farruko ingresa en el 87°. Finalmente, Lola Indigo, TINI y Belinda llegan con “Niña De La Escuela” al 94º. La canción forma parte del último disco de Indigo, La Niña.

2:50 (Remix)

Mya, Tini y Duki

↓

Todo De Ti

Rauw Alejandro

Miénteme

TINI y María Becerra

AM (Remix)

Nio García, J Balvin, Bad Bunny

Yonaguni

Bad Bunny

↑

Pareja Del Año

Sebastián Yatra & Myke Towers

Cázame

María Becerra & Tiago Pzk

↑

•

Título

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A R

S E M A N A

D E L

1 9

D E

J U L I O

Artista

variación

1 0 0

Khea & María Becerra

↓

Fmk,Tiago Pzk, Lit Killah, Rusherking

↑

L-Gante, Dt.Bilardo, El Más Ladrón

↑

Rauw Alejandro

Rusherking

↑

Esta semana

H OT

Semana pasada

Te Necesito

Yo Sé Que Tú

Pistola (Remix)

2/Catorce

Loba

Chano

Mecha

Beggin

Maneskin

↑

Eladio Carrión: Bzrp Music Sessions, Vol. 40 Bizarrap y Eladio Carrión

↓

Canción Bonita

Carlos Vives & Ricky Martin

↓

911

Sech

↑

Bailando Te Conocí

Panamá

Wacha

Bandido

Prende La Cámara

Perfecta

No Toque Mi Naik

good 4 u

Baila Conmigo

Millones

Título

Rusherking & Duki

NEW

Trueno & Duki

↓

Khea & Duki

↓

Myke Towers & Juhn

↓

Fmk & Tiago Pzk

NEW

TI A G O P ZK & LI T KI LLA H

Natti Natasha & Becky G

↑

Bad Habits

Los Legendarios, Wisin & Jhay Cortez

↑

3 De La Mañana

J.Balvin, Karol G, Nicky Jam, Crissin, Totoy El Frio, Natan & Shander

↑

Leave The Door Open

Entre Nosotros

Esta semana

Semana pasada

variación

Entre nosotros

Título

Ram Pam Pam

Fiel

Poblado (Remix)

Save Your Tears (Remix)

El Makinón

Perrito Malvado

Además De Mí (Remix)

Artista

The Weeknd & Ariana Grande

↓

Karol G & Mariah Angeliq

↓

Levitating

Damas Gratis FT. L-Gante & Marita

↑

512

Rusherking, Tiago Pzk, Khea, LIT Killah, Duki, María Becerra

↓

Peaches

L-Gante: Bzrp Music Sessions, Vol.38 L-Gante, Bizarrap

↑

Problema

Acaramelao

Maria Becerra

La Noche De Anoche

Butter

BTS

↑

Blunted 5

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Reik & Maluma

↓

Nicki Nicole & Lunay

↓

Olivia Rodrigo

↓

Selena Gomez & Rauw Alejandro

↓

Camilo

↓

Ed Sheeran

↑

Mau Y Ricky, Sebastin Yatra & Mora

↑

Bruno Mars, Anderson .Paak, Silk Sonic

↓

Tiago Pzk & Lit Killah

NEW

Dua Lipa Feat. Dababy

↑

Mora & Jhay Cortéz

↓

Justin Bieber Feat. Daniel Caesar & Giveon

↓

Daddy Yankee

↓

Bad Bunny & Rosalía

↓

Mesita, Bruno Lc, Blunted Vato

↑

NEW

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A R

S E M A N A

↓

Kaleb Di Masi y Locura Mix

↑

Lit Killah

↓

Love Again

Turraka (Remix)

California

Tiroteo (Remix)

Marc Seguí ft. Rauw Alejandro y Pol Granch

Ella No Es Tuya

Rochy Rd, Myke Towers & Nicki Nicole

↓

Snow Tha Product: Bzrp Music Sessions #39 Bizarrap & Snow Tha Product

↓

Perreito Salvaje

Emilia & Boza

↓

Dime Donde

Cazzu & Justin Quiles

↓

International Love 420

L-Gante, Fidel Nadal, Dt.Bilardo

↓

Tan Enamorados

CNCO

↓

Esta semana

Dua Lipa

Semana pasada

Artista

Esta semana

Explícito

Myke Towers

↓

Blinding Lights

Malbec

Duki (Prod. Bizarrap, Yesan, Asan)

↓

Sal Y Perrea

Golden

Harry Styles

↓

Dákiti

High

María Becerra, Tini & Lola Indigo

↓

Permission To Dance

Tinty Nasty

Dt.Bilardo, L-Gante, Omar Varela

↓

Animal

Amor En Coma

Manuel Turizo & Maluma

↓

Nathy Peluso: Bzrp Music Sessions, Vol. 36

Una Locura

Ozuna, J Balvin & Chencho Corleone

↑

Me Pasé

Bebé

Camilo & El Alfa

↓

Bésame

Te Mentiría

Luck Ra

↓

Flaca

Casamiento

Juan Ingaramo

↑

Combi Nueva

Dynamite

BTS

↑

Que A Pasao

Ropa Cara

Camilo

↓

Confiésalo

De Mí, Contigo

Abel Pintos & Camila

↓

Higher Power

Miedito O Qué?

Ovy On The Drums, Karol G & Danny Ocean

↓

La Niña De La Escuela

Montero (Call Me By Your Name)

Lil Nas X

↓

Malianteo 420

Que Rico Fuera

Ricky Martin & Paloma Mami

↓

Bobo

Kiss Me More

Doja Cat Feat. Sza

↓

L-Gante Rkt

Chica Ideal

Guaynaa & Sebastián Yatra

↓

Bichota

Vida De Rico

Camilo

↑

Telepatía

Hawái (Remix)

Maluma & The Weeknd

↓

100

Dónde Están Los Guachos Me Dicen Fideo, L-Gante, Dt.Bilardo

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NEW

BTS Permission To Dance

1 9

D E

J U L I O

NEW

↓

Título

Artista

variación

Título

D E L

The Weeknd

↓

Sech

↓

Bad Bunny & Jhay Cortez

↑

BTS

NEW

María Becerra & Cazzu

↓

Nathy Peluso & Bizarrap

↑

Enrique Iglesias Feat. Farruko

NEW

Luis Fonsi & Myke Towers

↓

Andrés Calamaro

↓

Papichamp, Ecko, Blunted Vato, L-Gante

↓

Big Apple,Omar Varela

↓

María Becerra & Rusher King

↓

Coldplay

↓

Lola Indigo, Tini & Belinda

L-Gante & DT.Bilardo

NEW RE

Mariah Angeliq, María Becerra & Bad Gyal

↑

Papu Dj Ft. L-Gante

↓

Karol G

↓

Kali Uchis

↓ RE

1 0 0

Semana pasada

H OT

variación

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R E D E S

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Jorge R. Arias CEO

Juan Pedro Dondo DIRECTOR

Santiago Torres CONTENIDOS

Santiago Torres Gustavo Serna Julián Mastrángelo Josefina Armendáriz COMERCIALIZACIÓN Y MARKETING

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administracion@grupoabc1.com CONTACTO

info@grupoabc1.com Dardo Rocha 2188 (1640) Martínez, Buenos Aires COLABORADORES DISEÑO

Juan Angel Maldonado FOTOGRAFÍA

Tute Delacroix VIDEO

Popi Graña COLABORAN EN ESTA EDICIÓN

Alfredo Rosso, Flor Mauro y Benjamín García. DISTRIBUCIÓN

Brihet e Hijos S.A. / Agustín Magaldi 1448 (C1286AFH) 011 4301 3601 (líneas rotativas) DISTRIBUCIÓN EN EL INTERIOR

D.G. P. (Distribuidora General de Publicaciones S.A.) Alvarado 2118 / C.A.B.A. Billboard Argentina es una licencia de ABC1 Sociedad de Editores Dardo Rocha 2188, Martínez. Tel: 0810 444 ABC1 (2221) info@billboard.com.ar · www.billboard.com.ar

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Contenidos CHARTS 3 La “Bizarrap Music Sessions, vol. 41” encabeza el chart y Rusherking y Duki debutan en el puesto 31º con “Bailando Te Conocí ” en el Billboard Argentina Hot 100. INTRO 13 MTV MIAW 2021, Tini y Rauw Alejandro entre los ganadores. ENTREVISTAS Y PERFILES 20 DAMN! 24 YouTube / Lyor Cohen 26 Mike Amigorena 28 María Peluffo 30 Kally´s Mashup 32 Neo Pistea 42 Justin Lee Schultz 44 Airbag 46 Girl in Red 47 Mando 48 Noel Schajris 50 Claudia Brant 54 Las Pelotas 56 MYA 58 Nobeat 60 Silvestre y la Naranja 62 Sofía Valdés 64 Lenny Tavárez 66 DrefQuila LIVES 68 Snow Tha Product 70 Matías Fernández Burzaco 72 Charlie Freeman 73 Adrián Barilari 74 Pilar Pascual 76 Bodas de Oro – 50 Años de Álbumes Clave: Fireball, Deep Purple. 78 Emergentes: Federico Yuyo, Axel Noguera, Fly Fly Caroline y Joaquín Plada. ESPECIALES 41 Premios Juventud 52 Movistar Fristyle y su noche de campeones

EN LA TAPA Neo Pistea por Mikeila Borgia -

10 B I L L B O A R D A R | J U L I O , 2 0 2 1

FOTOGRAFÍA POR TUTE DEL ACROIX

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Intro

Tini y Lunay.

EL SEMÁFORO

MTV MIAW 2021

Tini y Rauw Alejandro entre los ganadores

Después de un año y medio, la vuelta de los festivales en Estados Unidos como el Lollapalooza en Chicago o en España (Canet Rock y Cruilla), y en Argentina con L-Gante en el Movistar Arena o Luciano Pereyra en el Luna Park, traen una luz de esperanza.

Ambos artistas, junto a Christian Nodal, Bad Bunny y Sebastián Yatra, entre otros, se llevaron los premios más importantes de la noche. la octava edición de los premios mtv miaw, después de un año de ausencia, fueron conducidos por dos famosas estrellas femeninas: la cantante colombiana Kali Uchis y la influencer mexicana Kenia Os. Por supuesto tuvo presentaciones musicales especiales con Danna Paola, Christian Nodal, C. Tangana, Rauw Alejandro, Justin Quiles y Gera Mx y se entregarán 32 premios a las personalidades más hot de la cultura pop de este año —TikTokers, Influencers, artistas y hasta protagonistas de momentos virales, como el ‘Niño del Oxxo’ o López Gatell en la playa—. La primera presentación estuvo a cargo de la anfitriona Kali Uchis, quien entregó una presentación en vivo de “Telepatía”. Su actuación musical incluyó un avión privado, autos deportivos y llevó al clímax en su fiesta de pirotecnia y

fuegos artificiales. Christian Nodal hizo su debut en el escenario de los MIAW entre autos y fuego con la presentación de “Botella tras botella”, tema que también le valió a Nodal y Gera MX su primer premio por “Hit del año”. Desde su inicio en el 2013, los MTV MIAW se han caracterizado por ser dinámicos: ninguna edición es igual a otra, pues los fans son los que deciden qué categorías premiar y a quiénes otorgar el galardón. Pero este año se añadió la categoría “Transforma MIAW”, otorgada a agentes de cambio en sus comunidades en materia de género y derechos LGBTQ+. De esta forma, se entregaron 32 estatuillas, entre ellas: Artista MIAW: Bad Bunny; Artista + duro Colombia, Sebastián Yatra; Artista + Ido Argentina: Tinim y Hit global del año: Harry Styles – Golden.

Britney Spears anunció que se retira de la música hasta que su padre deje de ser su tutor.

Tras sufrir un ACV, murió a los 55 años Willy Crook, músico que formó parte de bandas como Patricio Rey y los Redonditos de Ricota, y tocó junto a Charly García, Los Fabulosos Cadillacs, Sumo o Andrés Calamaro, entre muchos otros. BILLBOARD.COM.AR

I N D U S T R I A

Vinilos

Hora de imprimir velocidad SE CONVIRTIÓ EN EL FORMATO DE ÁLBUM MÁS VENDIDO EN ESTADOS UNIDOS JUSTO CUANDO LA PANDEMIA RETRASÓ LA FABRICACIÓN. ¿CÓMO VAN AHORA LAS PLANTAS DE PRENSADO? POR ED CHRISTMAN

principios de 2020, justo antes de que la pandemia interrumpiera la cadena de suministro de vinilo y retrasara los tiempos de respuesta, la industria manufacturera ya miraba un futuro difícil. En enero, Rainbo Records, uno de los fabricantes de vinilo más grandes y antiguos de la industria, cerró después de perder su contrato de arrendamiento (sus máquinas de prensado se vendieron y ahora están en uso en otros lugares), y en febrero, la única planta de lacas de EE. UU., Apollo Masters, se quemó. abajo. Fue uno de los dos lugares del mundo, junto con MDC en Japón, que produce los discos de laca que se convierten en moldes maestros de metal que se utilizan para sellar discos de vinilo. Meses antes, en 2019, las principales discográficas comenzaron a despedir al personal que trabajaba con productos físicos. “Estas eran las personas que entendían el negocio del vinilo: su empaque, diseño y precio”, dice un ejecutivo minorista, y sus reemplazos estaban luchando con problemas de entrega, y mucho menos con lo que vendría después. “Todas las malas noticias llegaban al mismo tiempo”, dice el ejecutivo. Luego, en marzo, cuando llegó el COVID-19, las cosas realmente se volvieron locas. Inicialmente, el cierre económico pareció empañar las perspectivas en toda la economía. Pero en la industria de la música, el sector del vinilo pareció ser el más afectado de inmediato, ya que los sellos retuvieron los lanzamientos en todos los formatos físicos debido a la incertidumbre sobre cuándo reabrirían las tiendas.

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Una vez que lo hicieron, el verano pasado, luego de las restricciones de seguridad y capacidad impuestas por el gobierno, las etiquetas comenzaron a abrir sus programas de lanzamiento, lo que provocó un retraso instantáneo en la fabricación. Debido a una combinación de cierres de almacenes, escasez de conductores de camiones y la interrupción de los vuelos comerciales, lo que resultó en el envío de materiales y productos terminados por barco, lo que podría más del doble de los tiempos de llegada, los envíos se atrasaron. Además, un brote de COVID-19 en un punto determinado de la cadena de suministro podría interrumpir o retrasar todo el proceso. En Furnace Record Pressing en Alexandria, Va., La empresa tuvo que “analizar cómo hacemos el trabajo”, dice el presidente y director ejecutivo Eric Astor. La pandemia “literalmente nos hizo repensar y reconfigurar toda nuestra operación, no solo desde el punto de vista de las ventas, sino también desde el punto de vista logístico, físicamente en la planta. Para nuestras líneas de montaje, solíamos poder acomodar de 12 a 15 personas, pero si tenemos que separarlas por seis pies, solo podríamos caber tal vez seis u ocho. Entonces, de repente, tenemos un retraso en la asamblea, porque no tenemos ningún lugar donde poner a todos “. Además de eso, la cadena de suministro de vinilo es complicada y vulnerable incluso fuera de una pandemia. “Hay un número limitado de personas que enchapados, hay un número limitado de personas que hacen cortes”, dice Astor, refiriéndose a las placas de estampación que se utilizan

para presionar el vinilo y el corte del master en una laca. “Pone mucha presión sobre esas industrias para que den un paso al frente, y eso no es algo que pueda cambiar de la noche a la mañana. Toma mucho tiempo.” Otro tema que surgió en los últimos dos meses es el aumento del costo de la mano de obra. “Aquí en Nueva Jersey, es muy competitivo para la mano de obra porque estamos ubicados en un área de almacenamiento realmente pesada”, dice Sean Rutkowski, sello de GM / vp y relaciones con los clientes de Independent Record Pressing, quien agrega que el estado está aumentando su salario mínimo. “Eso aumenta los salarios de todos los empleados en el mercado”, dice. Don MacInnes, propietario de Record Technologies, agrega que no es el único precio en alza, apuntando a aumentos en los costos del combustible y, a partir de abril, un aumento del 17% en el costo de las pastillas de vinilo. Desde 2020, la demanda de vinilo se ha fortalecido a medida que los consumidores de repente tenían más tiempo en casa. Rutkowski dice que “la gente no gastaba dinero en entradas para espectáculos, no salía a comer tanto, por lo que había más ingresos disponibles en el mercado” para el vinilo. Brandon Seavers, cofundador y director ejecutivo de Memphis Records, agrega: “El vinilo es la mejor manera de experimentar la música cuando no estás en movimiento”. Aun así, Seavers señala que “ninguna de las plantas de prensado estaba preparada para la demanda de vinilo que provocó la pandemia. Nadie pensó que estarían casi completamente reservados hasta fines de 2021 en abril “.

El año pasado, el formato subió un 46% con respecto a 2018, según la RIAA. En lo que va del año, está aumentando a un ritmo del 97,5%, o duplicando el crecimiento del año pasado, y lo está ayudando a convertirse en el formato de álbum más vendido del año hasta la fecha, superando las ventas de CD y descarga. (Sin embargo, en las últimas cuatro semanas, cuando las plantas de vinilo comenzaron a atascarse en preparación para el Record Store Day, que seguirá el calendario del año pasado y tendrá dos fechas de lanzamiento, el CD superó al vinilo en un recuento hasta la fecha de 14.37 millones a 14.2 millones) Con el aumento de la demanda de los consumidores, se produjo un aumento correspondiente en los tamaños de los pedidos, que se han duplicado, según varios ejecutivos de etiquetas y plantas de vinilo. “Los sellos que solían hacer un par de miles de copias de un título ahora están haciendo 5.000, y los sellos que estaban haciendo 5.000 copias ahora están haciendo 10.000”, dice Matt Earley, cofundador / vicepresidente de ventas y marketing de Gotta Grooves Records en Cleveland. Esa demanda de profundidad (más copias de un solo título) también está afectando la variedad o la extensión de la disponibilidad del catálogo, dice Laura Provenzano, vicepresidenta senior de compras y marketing de Alliance Entertainment. “Actualmente, tenemos 37.000 títulos de vinilo en stock”, dice. “En esta época del año pasado, teníamos 45.000 títulos de vinilo en stock. Así que ahí es donde empiezas a sentir la escasez “.

Las plantas también lo sienten. “Las discográficas quieren que sus nuevos lanzamientos salgan antes de reprimir el catálogo”, dice Chad Kassem, propietario de Quality Records Pressings en Salina, Kansas. “No puedo obtener el catálogo en las prensas debido a los nuevos lanzamientos con una fecha en la calle”. La creciente acumulación de títulos de catálogo y la demanda de más

unidades en títulos de primera línea han impulsado a algunas plantas a agregar turnos o invertir en más máquinas de prensado. “Al final del verano, recibimos tantos pedidos que no podíamos mantener el ritmo”, dice Rutkowski, “por lo que ahora tenemos turnos los siete días de la semana”. Es difícil decir si toda esta capacidad adicional seguirá siendo

necesaria después de la pandemia. Por ahora, sin embargo, Astor dice que Furnace está “rechazando más trabajo del que estamos aportando. Puede llamar a 10 plantas y ocho de ellas ni siquiera aceptarán su negocio; están demasiado ocupadas”. Satisfacer la demanda es un “dilema que todo el mundo está tratando de resolver, y es un problema increíblemente bueno”, dice Kas-

sem, que fabrica vinilo desde 1986. Desde entonces, dice: “He invertido como si supiera esto Se acercaba el día: Tenemos masterización, chapado, prensado y una imprenta, pero todavía no puedo satisfacer la demanda actual. Sabía que nunca moriría, pero nunca pensé que volvería a ser tan bueno “. Información adicional de Lyndsey Havens. BILLBOARD.COM.AR

Tiago PZK/ LIT Killah “Entre nosotros” tiago pzk y lit killah, dos figuras de la escena trap y urbana local, presentan el single “Entre nosotros”. Esta canción habla de la ruptura de una relación, de cuando a veces eso que cuidamos tanto se va desgastando, del vacío que se siente y de lo mal que hace que esa persona que amas deje de ser demostrativa. La canción se posicionó en el top 10 de las canciones más escuchadas de Argentina en Spotify, entrando además en el ranking Mundial en cuestión de días. En la región, ingresó a los charts de Uruguay, Bolivia, Costa Rica, Chile, Perú, Paraguay, Ecuador, El Salvador, España, Panamá, Honduras, México y Colombia. Este nuevo single fue producido por Big One (María Becerra, Cazzu, J Quiles, LIT killah) y es un R&B. “El track, con tempo de blues, permite seguir disfrutando del despliegue vocal de ambos artistas en sus múltiples facetas”, destacan. Además de sus singles solistas, ambos artistas vienen participando en colaboraciones conjuntas como “Además de mí (Remix)” que alcanzó 71M de streams en Spotify y 150M de reproducciones en YouTube y “Yo Sé Que Tu”, con 20M de streams Spotify y 24M de reproducciones en YouTube. A su vez, Tiago lanzó recientemente colaboraciones con María Becerra -”Cázame”- y con Bandido, Duki y Rei -”No me conocen (Remix)”-, ambas canciones en el Top 10 del chart de Spotify Argentina. Además, durante julio Tiago forma parte de la campaña “Only You” de Spotify con su mini documental “La Plaza Me llama”

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Manuel Medrano “Nenita”

Dua Lipa “Love again”

el artista presentó su segundo adelanto de su próximo álbum de estudio, trabajo que estará disponible en septiembre. “Nenita” es el título de este nuevo sencillo que bien puede convertirse en una declaración de amor más allá del tiempo y la distancia. Una canción compuesta por el mismo Manuel y dedicada a un gran amor. Este nuevo single, producido junto a Juan Pablo Vega, cuyo videoclip oficial, rodado en tres ciudades de Colombia (Bogotá, Medellín y Cartagena), fue dirigido por Film by DAVE y su productora Smile not Smile. El video desarrolla la historia creada por el mismo Medrano en la que la protagonista quiere ver a su artista favorito cantando en la Isla del Pirata. Es así como decide embarcarse en este sueño junto a su novio, y emprenden un mágico viaje dentro de una maleta hacia esta isla ubicada en Islas del Rosario (Cartagena, Colombia). Su travesía tiene el mejor final cuando logran vivir a plenitud su amor al tiempo que comparten esta experiencia de ver a Manuel Medrano en vivo. “Manuel Medrano, uno de los artistas más auténticos del pop en español”, destacan.

dua lipa sigue batiendo récords: su último single y video “Love Again” ya acumula más de 41 millones de views en YouTube y Dua conserva su posición como la artista femenina más escuchada a nivel global en Spotify. Con un sampleo del clásico de culto de los 90 “Your Woman” de White Town, “Love Again” es el single más reciente extraído del álbum de Platino y ganador del premio Grammy y el BRIT, Future Nostalgia, que también fue el disco más reproducido en Spotify en 2020 e incluye los singles ‘Don’t Start Now’, ‘Physical’, ‘Break My Heart’ y ‘Levitating’. Desde el lanzamiento de su primera canción en 2015, Lipa se convirtió en una de las artistas jóvenes más importantes del mundo. Su álbum debut homónimo pasó los 6 millones de ventas en todo el mundo, con más de 80 millones de ventas en singles y con el video de su éxito “New Rules” (“la canción que cambió mi vida”, dice ella) que la convirtió en la artista femenina más joven en llegar a los 1.500 millones de reproducciones en YouTube. Dua hizo historia en los Premios BRIT en 2018 al conseguir cinco nominaciones y dos premios: como Artista Británica Revelación y Solista Femenina Británica. Luego recibió dos premios Grammy como Mejor Artista Nueva y Mejor Grabación Dance por “Electricity”, en colaboración con Silk City. Dua es la artista británica más escuchada en Spotify en todo el mundo y la artista femenina más escuchada en la plataforma. Future Nostalgia es oficialmente el álbum más vendedor en Reino Unido de 2021, después de permanecer 37 semanas en el Top 10 desde su lanzamiento. En la edición 2021 de los premios Grammy Dua obtuvo 8 nominaciones ganando en la categoría “Mejor Álbum Vocal Pop” con Future Nostalgia.

Tones and I “Welcome To The Madhouse” la artista australiana presenta su esperado álbum debut el 16 de julio. Acerca de la importancia de Welcome To The Madhouse explicó: “Este álbum para mí es muy fluctuante y refleja mis siempre cambiantes emociones. Hay canciones en el álbum que fueron escritas antes de ‘Dance Monkey’, en donde me pregunto si el arte callejero fue bueno para mí. Hay canciones sobre el fallecimiento de mi amigo T y sobre no querer enfrentar esas emociones. También están los altos y bajos de la vida en confinamiento y las luchas y desafíos mentales. Algunos temas me hacen reír y otros, llorar, pero no hay un tema o una vibra constante en todo el álbum: las canciones son el reflejo de cómo me sentía en el día en que las compuse”. Acerca de “Cloudy Day” su último single, Tones And I reflexionó en sus orígenes: “Después de la muerte de mi amigo T, no quería escribir canciones alegres o que incluso me gustaran. Me encontré con un amigo que me hizo un comentario de su madre fallecida: ‘en un día nublado, levanta la vista hacia el cielo y busca el sol’. Quise utilizar esa frase y la siguiente vez que entré a un estudio escribí ‘Cloudy Day.’” Tones And I sentó las bases de Welcome To The Madhouse el año pasado, con el lanzamiento de “Fly Away”, una composición poética y potente que acumuló más de 190 millones de reproducciones y que Tones and I presentó en los programas Jimmy Kimmel Live! y The Ellen DeGeneres Show. En 2021 siguió con “Won’t Sleep”, junto al video oficial dirigido por Tones And I, Nick Kozakis y Liam Kelly, que continuó lo que ya es una tradición de videos imprevistos e inolvidables. “Ambas canciones reflejan la idiosincrasia y el estilo inimitable de Tones And I, destacando su talento impredecible y su indiscutida habilidad para los ganchos musicales”, señalaron.

Su nuevo éxito global

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Doja Cat

Bienvenidos al planeta Doja

el disco compuesto por 14 canciones, entre las que se cuentan colaboraciones con SZA y Ariana Grande, acompañó su lanzamiento con el estreno del video clip de la canción “You Right” junto a The Weeknd, dirigido por Quentin Deronzier. Este video sigue a una dupla de videos futuristas lanzados en los últimos meses por la joven artista: “Need To Know” y “Kiss Me More” con SZA. Desde su lanzamiento “Kiss Me More” integra las listas de éxitos: acaba de obtener la certificación Platino de la RIAA, alcanzó el número 1 en la radio Rhythm, se encuentra en el número 4 del Billboard Hot 100 y cuenta con más de 678 millones de reproducciones en todo el mundo. El mes pasado, Doja Cat junto con SZA se unieron para la primera presentación de “Kiss Me More” en los Billboard Music Awards. Además, esa noche se llevó a casa el BBMA a la Mejor Artista Femenina de R&B. También actuó en los iHeart Radio Music Awards, donde ganó el premio a Mejor Nuevo Artista Pop. 18

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“La creatividad y el talento para el espectáculo de Doja como intérprete han sido elogiados una y otra vez, ha ofrecido actuaciones únicas y espectaculares en casi todos los principales escenarios de entregas de premios, incluidos los premios GRAMMY, los premios American Music Awards, los premios Billboard y los MTV VMA y EMA. Su última gira se agotó en 10 minutos y ha tocado en numerosos festivales, incluidos Rap Caviar Live Miami, Posty Fest, Day n Vegas y Rolling Loud LA”, destacan. Nacida y criada en Los Ángeles, la tres veces nominada al Grammy hizo su primera subida a Soundcloud en 2013 con solo 16 años. De niña estudió piano y danza, y en la adolescencia aprendió sola cómo componer en un controlador midi. Firmó su primer contrato en 2014, lanzó su Purrr! EP y siguió con su álbum debut Amala en la primavera de 2018, pero fue el lanzamiento de “Mooo!”, en agosto de 2018, lo que la catapultó y le valió elogios de la crítica. Su segundo álbum Hot Pink, lanzado a fines de 2019, fue recibido

con gran éxito por la crítica, y recibió la certificación de platino con más de 10,3 mil millones de reproducciones en todo el mundo. Hot Pink cuenta con “Juicy”, que alcanzó el número 1 en la radio Rhythm, “Say So”, su disco de gran éxito nominado al Grammy, y “Streets”, la sensación viral que puso la banda sonora al “Silhouette Challenge”, una de las mayores tendencias de TikTok hasta la fecha. El éxito de “Say So”, que alcanzó el número 1 en el Billboard Hot 100 y fue certificado por la RIAA 3x platino y streameado más de 5.400 millones de veces, catapultó a Doja al estrellato mundial. En 2020 se llevó a casa el premio a la Mejor Artista Revelación en los MTV VMA, los MTV EMA y los AMA (donde también ganó el premio a la Mejor Artista de Soul / R & B femenina). Ha sido nominada a innumerables premios, incluidos 3 premios Grammy, 4 premios estadounidenses Premios de la música, 4 premios MTV VMA, 2 premios BET y 2 premios People’s Choice Award.

DAVID LACHAPELLE

Planet Her es el nombre del tercer y nuevo álbum de la artista.

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VO C E S

DAMN!

“Un espacio hecho por raperos para raperos” COMENZÓ COMO UN PROGRAMA DE RADIO Y LUEGO MUTÓ A UN CANAL QUE HABLA DE LA CULTURA HIP HOP CON TRANSMISIONES EN VIVO A TRAVÉS DE TWITCH Y SESIONES DE FREESTYLE. PLUZITO Y VEEYAM, JUNTO A JULO, SON SUS PROTAGONISTAS.

egún cuentan sus protagonistas, DAMN! nace como un programa de radio tradicional. La historia dice que de a poco comenzó a sumar algunos recortes del programa a YouTube, y casi sin darse cuenta, se estaba creando contenido pensando en ser consumido on-demand, pero grabado en vivo desde una radio. El canal comenzó a crecer muy rápidamente, y fue lo que sentó las bases para lo que significó la siguiente etapa del proyecto. “Lo que comenzó como una mala noticia con la desvinculación de la radio, resultó ser una oportunidad de crear un nuevo espacio”, destacan. Hoy, en su espacio los lunes, miércoles y viernes de 18 a 20hs en Twitch representa uno de los medios de hip hop más relevantes de habla hispana. “Y probablemente uno de los más elegidos por los referentes del género para ir a charlar sobre sus lanzamientos, freestylear, debatir, etcétera. Y si bien pasaron muchos integrantes, y hubo diferentes enfoques en el transcurso de las temporadas, hoy estamos cubriendo la actualidad de la escena del rap, del freestyle, del trap, y de todos los elementos que incluyen la cultura hip hop a nivel global”.

¿Qué objetivos se marcaron? - Pluzito: DAMN! es una misión y un compromiso responsable con los valores esenciales sobre los que se construyó la cultura del hip hop. El objetivo principal es informar, compartir conocimiento, y generar una plataforma de exposición para todos los artistas de este género y otros relacionados. Acercamos información sobre los nueve elementos, tutoriales, debates, informes detallados, entrevistas, sesiones de freestyle, análisis, lanzamientos, noticias y un sinfín de contenido 20 B I L L B O A R D A R | J U L I O , 2 0 2 1

de valor que no existía en nuestro idioma. Siempre atentos a nuestra comunidad y en sintonía con los artistas, ya que, a diferencia de la mayoría de los medios de comunicación, más allá de periodistas, primero, nosotros somos raperos. Veeyam: Es un espacio de toda la comunidad de hip hop en habla hispana. Un universo para todos los amantes de la cultura como también el hogar de todos los artistas del género. Hecho por raperos para raperos. ¿Cómo se compone el equipo? - Julo: Al independizarnos tuvimos que ir armando de a poco un enorme equipo de trabajo. De los cuatro que éramos haciendo un programa de radio, pasamos a ser 15 personas entre operadores del streaming, pre y post producción, conductores y columnistas, equipo de marketing, redes, etc. Y como si fuera poco, esta temporada se sumaron Taty Santa Ana para continuar cubriendo el campo del freestyle, Facu Loz que aparte de ser un genuino “rapólogo” es uno de los melómanos que mejor conoce la escena del trap en Latinoamérica, seguimos difundiendo la sabiduría sin límite de Mr Linch (Tomás Linch) tanto literaria, como musical, cultural, gastronómica o canábica, y con Nico de Eleven Games empezamos a jugar un poco con la mezcla de los universos del rap y el gamming. ¿Quiénes son sus referentes en la industria? - Pluzito: Respeto a gente que pavimentó el camino que nosotros transitamos, como Stretch & Bobito, Sway, Big Boi, Angie Martínez, entre otras leyendas radiales del hip hop. Hablando de medios de comunicación Complex Network es un mo-

delo a seguir, y como plataforma no puedo dejar de mencionar a Apple Music y Beats Radio. Por suerte, y a diferencia de hace 20 años atrás cuando empezaba a sumergirme en este mundo, hay cada vez más y mejores contenidos, donde podría sumar a Genius, Tiny Desk, Colors, Revolt TV, This is 50 o Shade45. Veeyam: Sinceramente no estoy mirando otros contenidos periodísticos del género, creo que justamente DAMN! tiene como característica que los que estamos en la mesa somos raperos antes que comunicadores. Mi tiempo lo paso produciendo tanto mi música como para otros artistas, haciendo y escuchando música nueva, y luego toda esa experiencia la vuelco en la mesa durante las dos horas del programa. Mis referentes no son comunicadores, sino músicos, desde productores como J Dilla hasta artistas de otros géneros como D’angelo o Isaac Hayes. ¿Cuáles son las claves para crecer en este ámbito? - Veeyam: Creo que jamás tuvimos tanto poder en nuestras manos como hoy. Y no hablo solo de DAMN!, sino de cualquier persona que pueda acceder a una computadora con internet. La independencia que nos dan las nuevas plataformas de streaming y de difusión de contenido nos otorgan una total libertad a la hora de expresarnos, y eso siempre es beneficioso. DAMN! luego de haber sido un programa de radio convencional con tangibles límites de crecimiento, pasó a ser un pequeño medio de entretenimiento con una enorme proyección, total libertad de contenido, generando puestos de trabajo, con infinitas posibilidades de crecimiento. Es indudablemente nuestro mejor momento. - Pluzito: Considero que los me-

dios tradicionales están imitando y sumándose cada vez más rápido a las nuevas tendencias y modalidades de comunicación y generación de contenidos. Con vista al futuro considero que el contenido audiovisual seguirá predominando, en sus distintas duraciones (vLogs, TikToks, Reels, Stories, Episodios, Series), pero la clave será más que nunca la calidad. Hay que prestarle atención a los formatos de audio como los podcast y ver qué tanto de revolucionario sucede con Clubhouse y plataformas similares. ¿Qué evaluación hacen del hip hop en la Argentina de hoy? - Veeyam: Si bien el hip hop en Argentina se encuentra en su mejor momento, creo firmemente que el punto más elevado aún no llegó. Como productor musical vengo trabajando junto a muchos colegas (y hermanos) en impulsar y dar lo mejor de nosotros. Y puedo ver también que muchos otros colegas o invitados que pasan por el programa también están dejándolo todo y rompiendo sus propios límites día a día. Soy un fiel creyente de la música como estilo de vida y elevación espiritual, y creo en la idea que si todos continuamos con el mismo “mindset”, el futuro sin dudas será mejor que el ayer. ¿Qué momento en esta carrera de DAMN! Recuerdan especialmente? - Pluzito: Sin dudas entrevistar a Havoc de Mobb Deep, compartiendo un Hennessy y brindando por Prodigy fue más que épico. Una charla entre amigos, muy distendida y cómoda que culminó con esta leyenda del rap soltando unas barras clásicas sobre un beat de Veeyam. - Veeyam: No hay dudas, estar charlando con Havoc y que luego

Pluzito y Veeyam.

IRISH SUAREZ

que se tire las barras de “Survival of the Fittest” arriba de un beat mío fue uno de los momentos más increíbles que me dio DAMN!. ¿Qué hace falta para que esta cultura forme parte de la identidad argentina? - Pluzito: El que sabe, sabe, y el que no, critica. Lo mejor que le puede pasar al hip hop es tomar el

control de todos los mercados, medios de comunicación, géneros, noticias, de todo. Que se vuelva parte del ADN de nuestra cultura, como sucedió hace años en Estados Unidos. Generar puestos de trabajo, riqueza, identidad propia, productos de exportación. Y cuando hablo de tomar el control no hablo de likes, plays y followers solamente, hablo de ser dueños, hablo de mentalida-

des como las de Jay-Zs, Dr. Dres, 50 Cents. Hablo de crear compañías, tener altos puestos dentro de multinacionales, y tomar decisiones importantes respecto al curso y futuro de este movimiento y cultura. Hablo de jefes. Hablo de tener el control de lo que tantos años nos llevó crear, de cosechar los frutos del esfuerzo y dedicación que le pusimos a esto. Que nos pertene-

ce. Que no tenemos que regalarlo, ni regalarnos, ni dejar en mano de buitres lo que construimos con tanto amor y respeto. - Veeyam: La música es una y no entiende de fronteras ni etiquetas, me parece importantísimo que los géneros se mezclen y la música evolucione. Si es hecha con amor esa luz va a prevalecer ante cualquier título. BILLBOARD.COM.AR

¿Los avatares matarán a las estrellas de la radio? LOS NUEVOS “SELLOS DISCOGRÁFICOS DE ARTISTAS VIRTUALES” ESTÁN APOSTANDO A QUE LA PRÓXIMA GENERACIÓN DE ARTISTAS SE HARÁ, NO NACERÁ

ace dos años, la hija adolescente de Anthony Martini le mostró un perfil de Instagram de un rapero de cabello verde con brazos tatuados, estilo hypebeast que consiguieron cientos de miles de reproducciones en SoundCloud. Martini, un ex gerente de artistas que ayudó a desarrollar artistas como Lil Dicky y MadeinTYO, y en marzo se convirtió en CEO de Royalty Exchange, firmó al rapero, que ahora se

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conoce como FN Meka, con su sello discográfico, Factory New. Desde entonces, FN Meka ha lanzado tres sencillos oficiales y adquirió 9,7 millones de seguidores en TikTok. Es una historia típica sobre el desarrollo de artistas en línea, pero con un giro: FN Meka no es real y Factory New no es para artistas humanos. FN Meka es un avatar virtual, diseñado por el socio comercial de Martini, Brandon Le, que interpreta música creada con algoritmos de in-

teligencia artificial. Martini y Le ejecutan Factory New para desarrollar actos virtuales y “firmar” los creados por otros desarrolladores. “Estamos siguiendo las señales de una empresa como Marvel en lugar de un sello discográfico”, dice Martini. “Hay una manera de permitir una carrera mucho más larga si construyes una franquicia, y vamos a empezar a crear un universo de personajes musicales”. Como los héroes de Marvel, estos artistas no envejecerán, ni si-

quiera pedirán un aumento. Los artistas virtuales no son nuevos: la banda animada Gorillaz, creada por el músico Damon Albarn y el artista visual Jamie Hewlett, vendió el equivalente a más de 24 millones de álbumes en todo el mundo (según su sello, Parlophone) y ganó un premio Grammy por su éxito “Feel Good C ª.”; Hatsune Miku, un personaje de estrella del pop japonés que vende las entradas en los estadios en su país de origen,

RYAN INZANA

P O R TAT I A N A C I R I S A N O

estaba programado para actuar como un holograma en Coachella el año pasado. Ahora, el negocio de la música está emergiendo de una pandemia que cerró las giras, en un momento en que la realidad virtual y la tecnología de inteligencia artificial están dando pasos importantes, y la inversión fluye hacia compañías como Spirit Bomb, un sello discográfico de artistas virtuales respaldado por Warner Music Group. Studio Strangeloop Studios y Authentic Artists, una startup lanzada en abril con fondos del cofundador de Linkin Park, Mike Shinoda. Una estrella a seguir es Lil Miquela, una modelo / estrella pop brasileña-estadounidense de 19 años perpetua con 250.000 oyentes mensuales en Spotify y acuerdos de patrocinio con Calvin Klein y Prada. Fue creada por el estudio Brud, que se especializa en personalidades de redes sociales virtuales y ha recau-

dado $ 6.1 millones, según Crunchbase. (Lil Miquela genera más de $ 10 millones al año, según el mercado en línea del Reino Unido OnBuy). Cuando el cofundador Trevor McFedries lanzó el perfil de Instagram de Lil Miquela en 2016, donde ahora tiene 3 millones de seguidores (con el mismo número en TikTok), dice que sus compañeros “no podían entender” la idea de una celebridad virtual. Pero pensó que los adolescentes de hoy consumen tanta cultura pop en línea que ya no importa mucho si las personas a las que siguen ni siquiera existen fuera de línea. “Se hizo realmente evidente que los jóvenes no diferenciaban entre Miquela y otras celebridades a las que seguían”, dice McFedries, quien ha realizado giras como DJ con Katy Perry y ha producido música para Azealia Banks bajo el nombre de Yung Skeeter. “Si tienes 11 o 12 años, algunos de tus primeros amigos probablemente

sean jugadores de Roblox o Minecraft” de las interacciones virtuales. “Y la relación entre Miquela y un fan [versus] entre Rihanna y un fan, interactuando a través de estos dispositivos móviles, se siente bastante similar”. Al igual que los artistas humanos, los virtuales necesitan una narrativa que los fans puedan seguir, ya sea que se pueda relacionar con ellos o sea futurista. Las publicaciones de Instagram de Lil Miquela son una mezcla de la estética femenina de la Generación Z “It” (piense en los bolsos Telfar y los sombreros de pescador) y la defensa política (como una publicación sobre cómo quitarle fondos a la policía); FN Meka es básicamente un personaje de videojuego cyborg que juega a los bolos y usa una velocidad inhumana para preparar comidas en videos de TikTok; Los artistas futuristas y extraterrestres de la lista de Spirit Bomb han sido enviados atrás en el tiempo para salvar el mundo. “Lo que permite que las personas se conecten es ver su historia y su personalidad y querer seguir el siguiente paso en su viaje”, dice Ian Simon, cofundador de Spirit Bomb y Strangeloop, con sede en Los Ángeles, que ha creado imágenes de gira para artistas como Kendrick. Lamar y SZA, y comenzaron a trabajar más seriamente en artistas virtuales cuando la pandemia detuvo las giras. La música también importa, por supuesto. Mientras que las canciones para actos como FN Meka se crean con IA, otros artistas virtuales confían en colaboradores humanos. La voz de Lil Miquela combina voces de cantantes reales con sonidos generados por computadora, y McFedries recurre a talentos como el productor Jasper Harris, la compositora Sarah Aarons y la cantante Teyana Taylor para crear su música. El grupo de chicas de K-pop virtual de League of Legends, Riot Games, K / DA, que tiene 2.8 millones de oyentes mensuales en Spotify, cuenta con un equipo de música interno de 20, así como con las voces de artistas como Kim Petras, Becky. G y el grupo femenino de K-pop de la vida real (G) -IDLE. Trabajar para un avatar puede tener sus ventajas. Simon dice que sin un artista real que gane regalías por la música grabada, Spirit Bomb puede ofrecer a los productores de música “ofertas considerablemente más favorables”. Y los artistas virtuales están en una posición ideal para aprovechar las nuevas fuentes de

ingresos digitales, como tokens no fungibles y bienes digitales para jugadores de videojuegos. En marzo, FN Meka vendió una animación NFT de un “súper inodoro” por $ 6,400, y la primera “tarjeta de personaje” de Spirit Bomb, con el artista virtual XEN, se vendió por $ 4,000 en abril. Por unos pocos dólares cada uno, League of Legends vende “máscaras” que permiten a los jugadores aparecer en el juego como miembros de K / DA. Ese dinero podría sumar: los jugadores gastaron alrededor de $ 50 mil millones en todo el mundo en tales elementos del juego en 2020, según MIDiA Research, más de lo que ganó el negocio de la música. Los siguientes pasos incluyen experiencias interactivas que podrían permitir a los fanáticos influir en la música y las historias de los artistas virtuales. Authentic Artists, una startup en etapa inicial lanzada en abril por Chris McGarry, un ex estratega musical de Oculus de Facebook, permite a los fanáticos influir en cómo se desempeñan estos artistas durante los espectáculos virtuales en Twitch, que ya tienen tiempos de reproducción promedio de más de 30 minutos. Y McFedries de Brud pronto permitirá que los fanáticos voten esencialmente sobre las acciones que toman los personajes virtuales como Lil Miquela. “Puedes imaginar un mundo en el que los artistas [virtuales] vayan o no a los Grammy es un voto que los fanáticos pueden tomar”, dice, refiriéndose a la decisión de The Weeknd de no asistir este año. “Si los fans dicen, ‘No, nos solidarizaremos con The Weeknd’, entonces el artista no irá”. ¿Qué significa esto para los artistas del mundo real? Existe el temor de que lo virtual pueda reemplazar lo real, así como el escepticismo de que la música creada por la IA pueda estar a la altura de lo real, como cuando un algoritmo “entrenado” en la música de Nirvana creó una canción al estilo de la banda. Por otra parte, ¿qué tan diferente es la idea de que los ejecutivos creen una estrella virtual de los consejos y la dirección creativa dados por los gerentes, directores de sellos, ejecutivos de A&R y varios consultores que ayudan a los artistas de la vida real? “Estaba hablando con alguien y me decía: ‘Estás haciendo artistas virtuales. ¿Qué les hace eso a los artistas humanos? ‘”, Recuerda McGarry. “Mi respuesta fue:‘ ¿Por qué debería ser Scooter Braun la única persona a la que se le permite fabricar artistas?

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YOUTUBE / LYOR COHEN

“Los artistas latinos están empujando los límites con locura” Desde Capri, Italia, el ex CEO de Warner Music Group, legendario creador de Def Jam Records -posteriormente Atlantic- y actual Director Global de Música de YouTube, YouTube Music y Google, supervisa las asociaciones globales entre artistas y sellos. Mientras tanto, a los 61 años, disfruta de su reciente paternidad y recuerda sus aventuras por Argentina junto a los Beastie Boys.

esde su ingreso a Google en 2016, Lyor Cohen une a la industria de la música con YouTube para difundir música. “El mundo está al revés, la gente está polarizada y el mundo entró en pandemia. Tenemos que acercar la música a la gente”, exclama. Desde sus inicios, la plataforma asegura contribuir a la democratización del arte aunque como Cohen indica, no se lleva todo el crédito. “Mirá a L-Gante. Amo a ese tipo, es increíble. ¿Creés que una gran estación de radio hubiera reproducido a L-Gante hace 20 años?”. Antes de llegar al cargo actual, Cohen creó el sello Def Jam Recordings, que evolucionó a The Island Def Jam. Luego fue reclutado para ser Chief Creative Officer de Warner Music Group (WMG) donde llegó a ser su CEO y Chairman. En ese espacio se involucró en las carreras de The Killers, fun., Ed Sheeran, Bruno Mars, The Black Keys, Jay-Z, Kanye West, Elvis Costello, Bon Jovi, Mariah Carey, entre otras. Tiempo después, comenzó 300 Entertainment: una compañía que descubre, cultiva y promueve artistas emergentes con un enfoque boutique. Maria Becerra es una de las artistas que se sumaron a su familia: “Ella es increíble. Acabo de ver su video, qué talento. Creo que hay algo muy especial en las aguas de Argentina, hay mucha creatividad sucediendo allá”, destaca. ¿Cómo manejás este proceso global? - Estoy rodeado por gente significativamente mejor que yo. Hay mucha coordinación, delegación. Intentamos traer claridad a la organización, tener un objetivo claro y comunicarlo y comunicarlo y comu24 B I L L B O A R D A R | J U L I O , 2 0 2 1

nicarlo de nuevo. Me gustó mucho la idea de trabajar desde donde sea. Pasé cinco meses y medio en St. Barths, desafortunadamente quedé atrapado en la guerra en Israel y después de eso vine acá a Capri. Trabajo por la tarde y tengo las mañanas libres para mi bebé, es muy hermoso. ¿La cantidad de dinero que los artistas reciben de YouTube seguirá creciendo? - Sí, creo que va a seguir creciendo. Tenemos un nuevo producto con nuestro negocio de suscripción. El negocio de la publicidad está creciendo y creciendo. La buena noticia es que verdaderamente creemos en el “twin-engine growth story” (historia del crecimiento a dos motores). Las industrias creativas más sanas van a tener dos motores: los avisos (advertising) y las suscripciones. Creo que un joven de 15 años sin trabajo no puede pagar una suscripción, pero está muy comprometido con la música, por ende lo considero muy valioso. Una de las fortalezas de la compañía es que llega a los fans donde están. Si no pueden pagar por una suscripción y quieren pagar con sus pestañas, estaremos ahí para ellos. Lo que quiero decir es que todos los consumidores que aman la música son y los consideramos valiosos para nosotros. ¿Qué pensás de la música en español respecto a YouTube Music? - La razón por la que la música latina tiene semejante lugar en la mesa, diría que el lugar dominante en la mesa es una: la música es realmente buena. Mucha gente quiere hablar de muchas otras cosas, pero empieza en la música, en la canción. Para mí no hay mucho más alrededor, hay una creatividad increíble

sucediendo en Latinoamérica. Por encima de eso, diría que las comunidades de artistas se volvieron PHDs de YouTube y las plataformas. Las entienden. Si vas a Inglaterra hay una industria radial bien establecida, hay muchas revistas dedicadas a la música, muchas formas diferentes de que un artista entre al juego. En Latinoamérica, YouTube es la primera alfombra para montar para conectar con todos los consumidores que aman la música latina. Es muy hermoso de ver. A mí me emociona mucho ver que hay muchos nuevos en lo que está sucediendo y es emocionante ver los diferentes estilos de música que están surgiendo y cómo los artistas están moviéndose… No siento que los artistas latinos están aislados en la caja de la creatividad. Creo que están empujando los límites con locura y es hermoso de ver. ¿Cuánto influyen las plataformas en este proceso? - El fan no tenía voto. Alguien decidía qué iba a ser popular, qué iba a alimentar al consumidor, qué iba a funcionar. Hoy creo que se democratizó: puede venir del barrio, de Argentina o de donde venga, pero está disponible la opción de ser subido. Mirá a L-Gante. Amo a este tipo, es increíble. ¿Creés que una gran estación de radio hubiera reproducido a L-Gante hace 20 años? ¿Se está democratizando la música globalmente? - Creo que las plataformas dieron la oportunidad, pero no les daría el crédito, porque para mí la puerta estaba abierta pero los artistas tenían que entrar, la industria tenía que atravesarla. Tenías que tener el coraje para decir “Yo represento la música latina, no es la tradicional, o la que entendés, pero igual es im-

portante para mí”. La creatividad, su poder y el coraje para tomar riesgos está ocurriendo en Latinoamérica es lo que me emociona. ¿Cómo describirías la relación YouTube y YouTube Music como marcas? - YouTube, la plataforma YouTube tiene una enorme cantidad de música siendo consumida ahí. Para mí es muy emocionante para la industria porque nosotros nos estamos volviendo muy sofisticados al entender cuándo un consumidor que está en YouTube, viendo avisos, decide abonar la suscripción. YouTube es un embudo para nosotros, la idea es traer los fans al embudo y llevarlos al servicio de YouTube Music, el servicio premium. ¿Pretenden una relación directa entre los fans y YouTube? - Correcto, y sabemos sofisticadamente cuándo están listos para suscribirse. Y ahí empezamos a mostrar las oportunidades de suscripción. ¿Cómo trabajan con el algoritmo? - Digamos que la compañía más sofisticada, que pasó más tiempo, que tiene los mejores ingenieros es Google, YouTube. Son sofisticados, ayudan al consumidor, a más lo usa, mejor es para él. Responde mejor. Y es muy bueno, mejora cada día. ¿Creés que la pandemia aceleró el crecimiento en el consumo de bienes culturales? - Creo que la pandemia… la gente en su casa, pero creo que fue una tendencia general en la que la gente está cortando la cuerda de su forma tradicional de consumir medios. Están usando los teléfonos, el living, el living es nuestro crecimiento más rápido, la pantalla. Creo que la gente, particularmente los chicos, quieren desentenderse de los medios tradicionales. Estuvo creciendo dramáticamente con la gente en casa. Le damos la oportunidad de digerir y consumir medios de todo el mundo. Tenemos una plataforma global y muy rica en contenido. ¿Cuál creés que es el futuro de los medios tradicionales? - Creo que seguirá habiendo cierta programación más basada en eventos en los medios, pero será fragmentada. Sospecho que las compañías de medios tradicionales están empezando a reconocer la fragmentación que viene y tienen que empezar a pensar en segundas y terceras ventanas. Los

videos ondemand… con la gente viviendo vidas ocupadas, quiere digerir su programación favorita cuando le conviene. Así que creo que los medios tradicionales van a atravesar un montón de realineaciones. Creo que va a haber más razones, pero la fragmentación está pasando y la gente está haciendo contenido muy rico sin ser de los medios tradicionales, e igual es muy entretenido. ¿YouTube tendrá su propio canal de TV, premios o sello discográfico? - No sé si sellos, pero sí estamos pensando en el futuro de los shows de premiación. Como sabés, la mayoría de las galas de premiación perdió su rating, es muy difícil y creo que los consumidores y los fans no los consideran la “fuente real de la verdad”. Tienen que recuperar la credibilidad, así que estamos pensando en cómo debería verse un show de premiación en un mundo digital. Nos estamos divirtiendo. ¿Cuál es tu desafío personal hoy? - Aunque no parezca, siempre tuve un jefe. (Muestra a su bebé) Hoy este es el gran jefe. Todos los emprendedores saben que son responsables. Responsables de sus empleados, de su banco. Esta idea de libertad como emprendedor no es precisa. El emprendedor es responsable del banco, de la gente que le dio dinero, de los empleados que confían en él, de los artistas que firmaron, ellos son sus jefes. La idea de la libertad está sobrevalorada. Me gusta poner un pie, otro pie, otro pie, con el norte de que mis esfuerzos y mi acción ayudará a tener más artistas y compositores viviendo de eso y eso es un trabajo glorioso. Dejé Nueva York, pero vas a conferencias de padres y estás con los padres y te preguntan: “¿Quién sos? ¿Quién es tu hijo?” y digo. Mi vida es ayudar artistas y compositores a vivir de eso, de hacer música. Arrojo el micrófono. Eso hago para vivir. Aún lleno de burocracia, hay una escala: hay dos mil millones de personas y estoy preparado para sufrir lo que suceda: una criatura musical, una era musical. Verdaderamente creo que estoy haciendo un trabajo de Dios. Porque apagás el soundtrack y el mundo apesta hoy. Es un lugar tenebroso, la gente no se está oyendo, está polarizada, pero si ponés un gran hit... podés ser republicano, demócrata, pero todos están bailando y sonriendo. La música es la fuerza que une por excelencia, deberían sacar a los políticos de las calles y poner DJ’s en los espacios públicos. BILLBOARD.COM.AR

MIKE AMIGORENA

“Me queda mucho por descubrir” El artista lanzó “La Pelu”, tercer corte de su próximo disco, acompañado de un videoclip dirigido por Matias Sinay y Vicky Dragonetti. POR JOSEFINA ARMENDÁRIZ

saliendo del electropop que propone daä, su disco más reciente, “La Pelu” es un hip hop con sello personal y sonoro aventurero con letras llenas de imágenes y un ritmo que invita a bailar. La canción llega con un videoclip rodado enteramente en una de las peluquerías más lindas del momento. El single marca un nuevo camino musical para el artista. Daä, el último disco de Mike, cuenta con 8 canciones, producido por Dante Saulino. Sonidos inéditos pop y electrónicos con melodías bailables, lenguaje propio y beats urbanos. ¿Cómo fue trabajar con un nuevo sonido en “La Pelu”? ¿Hasta dónde te gustaría llevar tu música? - Trabajar con el sonido de “La Pelu” fue muy enriquecedor, me metí por primera vez en el mundo del hip hop y la verdad es que fue un crecimiento trabajar con ese sonido, con las letras, con el universo de la peluquería, el sonido que me propuso mi productor Dante Saulino. Me gustaría llevarlo a toda Latinoamérica para que vibre, que baile con mi sonido y que 26 B I L L B O A R D A R | J U L I O , 2 0 2 1

llegue a todo al mercado, a todo el mundo.

¿Qué te inspira? - “La Pelu” me inspira buena vida, un pre-dance, un sonido muy fresco y compañero que te permite disfrutar un trago, un viaje, etc.

¿Algo que nos puedas adelantar sobre tu participación en la serie de María Marta García Belsunce? - Este año está atravesado por la obra de teatro Art con dirección de Ricardo Darín y la próxima semana empiezo con las grabaciones de la nueva miniserie de María Marta García Belsunce, a interpretar el personaje del fiscal Molina Pico, un personaje muy interesante, que me tiene muy atrapado junto con la gastronomía que no tiene nada que ver, pero el proyecto es Mike-Poccard es un proyecto que cocinamos con Carolina Poccard y disfruto muchísimo.

Cantás, actuás, cocinás, emprendés… ¿Qué te falta hacer? - Soy multifacético por lo inquieto que soy, por la necesidad de descubrir, por la curiosidad y eso me hace investigar diferentes disciplinas, claro que siento que me queda mucho por descubrir, por ejemplo, el desenvolvimiento de la paternidad, que es una incógnita teniendo una hija tan pequeña, que es algo que me enorgullece día a día.

¿Qué te gustaría que ocurra este año en el mundo y con tus proyectos? - Me gustaría que nos relajemos, es una utopía, pero me gustaría que nos relajemos a cuanto a nuestra ambición ciega a la obsesión de tener y tener, y que mis proyectos acompañen a la gente en este año, entretener, cambiar la cabeza por lo menos un rato, eso es lo que generan mis proyectos.

¿Pensás hacer nuevos lanzamientos en lo que queda del año? - “La Pelu” es el tercer corte de mi nuevo disco que aún no tiene nombre y va a salir antes de fin de año y antes de eso estimo sacar dos lanzamientos más.

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I N D U S T R I A

nicación es uno de los factores más importantes en nuestro vínculo con nuestros clientes, además de los años de experiencia viajando con artistas por todos los países para poder enriquecernos en cada área y generar lazos potenciales para que los artistas de MP puedan expandirse mucho más fácilmente. El año pasado nos puso a todos a prueba, y fue sumamente importante poder adaptarnos y recrearnos. Desde shows en streaming, IG Lives, presentaciones digitales, comunicación directa con la audiencia, generar un ida y vuelta genuino con los medios de comunicación, etc. fueron algunas de las piedras fundamentales para forjar vínculos más fuertes en la industria de la música en Latinoamérica.

MUJERES EN LA MÚSICA :: María Peluffo

“Es un placer trabajar con artistas y potenciar su poder creativo” CON MÁS DE 17 AÑOS TRABAJANDO EN EL ENTRETENIMIENTO, HOY COMANDA SU AGENCIA MP MARKETING Y COMUNICACIÓN CON LA CUAL EXPORTA TALENTO ARGENTINO A LATINOAMÉRICA.

¿Cómo fue tu experiencia en la industria? - Comenzó en medios y luego con MTS Producciones me especialicé en la producción de shows, prensa y comunicación. También trabajé en discográficas, en productoras grandes de Argentina y directamente con artistas. Actualmente dirijo mi agencia MP Marketing y Comunicación, donde trabajo con artistas locales e internacionales en distintos territorios. Los últimos años aumentó notoriamente la necesidad de un desarrollo global de distintos artistas. Por eso mismo, la búsqueda es potenciar los proyectos en diferentes mercados. Para eso realizamos un trabajo integral para Latinoamérica y Europa. Además, contamos con un área ligada a managers asociados donde trabajamos en sincronía para cada artista y asesoramos, que fue lo más solicitado el año pasado. 28 B I L L B O A R D A R | J U L I O , 2 0 2 1

¿Por qué elegiste esta carrera? - La música tiene un eje central en la vida de las personas. Y por eso es un placer trabajar con los artistas y potenciar todo su poder creativo. Además, resulta importante destacar el rol preponderante que tiene la música en el español a nivel mundial actualmente y el intercambio y apoyo que se genera entre los artistas de diferentes regiones. Las fronteras no son un limitante para la música y la integración enriquece muchísimo las ideas y las potencialidades de los artistas. ¿Qué acciones son las que definen a tu agencia? - La flexibilidad, integración y pasión nos definen sin lugar a duda. Si bien las acciones creativas nos distinguen, el trabajo integral de la comu-

También estuviste dando capacitaciones en la pandemia, ¿cuán importante es el hecho de dar un servicio comunitario? - Nos sentimos súper halagados en la agencia de poder realizar las capacitaciones y más aún que varias sean gratuitas. De esta forma pudimos demostrar que la unión hace la fuerza. Pertenezco a la Asociación Argentina de Agentes de Prensa del Arte y la Cultura (AAAPyC) y a la Asociación Civil de Managers Argentinos (ACMMA) y en la Asociación Latinoamericana de Managers y agentes musicales (MMF LATAM) donde siempre trabajamos en conjunto para lograr fortalecer a la industria tanto a nivel nacional como regional y potenciar las posibilidades para cada uno de los partícipes. Por último, tengo el honor de ser parte de Unidxs por la música, que realizó durante todo el año pasado, junto a la colaboración de “Fundación Sí”, la venta de artículos donados por músicos y artistas para juntar fondos y con ellos comprar cajas de alimentos para ayudar a muchos miembros de la industria como técnicos, agentes de prensa, carga y descarga, entre otros. que no estaban pudiendo trabajar. Este año Unidxs por la Música realizará otra colecta que esperamos sea todavía más exitosa. ¿Qué es lo que más disfrutas de tu trabajo? - El hecho de poder tener ideas específicas para cada uno de los proyectos y poder realizarlas para potenciar el desarrollo musical de los artistas es algo que me llena de felicidad. Siempre buscamos potenciar la identidad de cada uno y fortalecer todos los aspectos que sean necesarios. Armar en conjunto esa estrategia es para nosotros sumamente importante. ¿Qué cosas crees que tiene que tener un artista para crecer? - En primer lugar, tiene que tener fe en lo que está haciendo y trabajar mucho. Es necesario que se rodee de un buen equipo que lo asesore, donde pueda plantear sus deseos y dudas. Creo que es vital que no se deje engañar por espejitos de colores que la industria suele mostrar. Si no existe un diálogo sincero con el artista, se pierde tiempo. Es importante establecer un plan de marketing y comunicación, con objetivos claros a corto y largo plazo. Con el talento y el trabajo, todo lo demás llega.

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KALLY’S MASHUP/ MAIA REFICCO Y ALEX HOYER

aspiramos a un montón de cosas tanto en la música como en la actuación. Personalmente, siempre dije que mi sueño es hacer la película del musical Despertar De Primavera, pero también estoy muy agradecida y disfruto lo que estoy viviendo, el estar acá, hacer esta película y tener la posibilidad de trabajar de lo que amo. A mí me cuesta hacerlo, pero estoy intentando disfrutar el hoy, intento estar bien presente porque es muy zarpado lo que estamos viviendo con la película. - Alex: Creo que el sueño de los que nos dedicamos a esto es estar en Hollywood y trabajar en esas producciones enormes, pero para nosotros esto es aprender y en mi caso esta es mi primera experiencia en este formato de cine y ha sido súper linda. En las dos temporadas de Kally todo era mucho más acelerado, pero acá tenemos la oportunidad de bajar un poco las revoluciones y encontrarnos un poco más como actores, le dimos más profundidad a los personajes. - Maia: Yo tampoco había hecho cine antes y noté que nos entablamos desde un lugar más maduro, profundo y verdadero, fue muy especial. ¿Cuándo sale tu EP, Maia? - Maia: El próximo mes, ya está saliendo todo de a poco así que estoy muy emocionada, además, el próximo tema lo producimos con Andrés y Mauricio, fue una locura haber trabajado con ellos y estoy muy manija de que ya lo escuchen. - Alex: Yo ya lo escuché y está muy bueno, es una bomba. Mai es una genia y me encanta ver su evolución de la Mai que conocí hace 4 años a la que es ahora y que se todo el potencial que tiene.

Luego de dos temporadas en la pantalla de Nickelodeon, Maia como Kally y Alex como Dante vuelven a co-protagonizar el film “Kally’s Mashup: ¡Un cumpleaños muy Kally!”

con un elenco que se completa con saraí Meza (Tina), Celeste Sanazi (Stefi), Tom CL (Kevin), Johann Vera (Storm), Danielle Arciniegas (Wintir) y Carolina Ribon (Lisa). la tira infanto juvenil llega a la pantalla grande. El guión escrito por Peter Barsocchini, creador de High School Musical y High School Musical 3, Senior Year - cuenta además con el aporte de Adam Ander, - conocido por Glee y el musical de Netflix The Prom -. El estreno será el 30 de julio a través de Nickelodeon Latinoamérica y Paramount+. ¿Cómo es trabajar en Colombia en este momento? - Maia: Es un privilegio muy grande tener la tranquilidad de poder ir a trabajar todos los días en este contexto, estamos muy conscientes 30 B I L L B O A R D A R | J U L I O , 2 0 2 1

de eso y muy agradecidos porque es una locura. En Argentina se vive y se siente la urgencia de volver a trabajar, desde el equipo técnico hasta nosotros los actores así que demostrar que con protocolo se puede trabajar nos hace muy felices. La película se estrenará muy rápido… - Maia: Sí, a fines de julio, cercano a nuestros cumpleaños. - Alex: La verdad es que se ha hecho un gran trabajo, no tienes idea del esfuerzo y de los profesionales que son aquí en Colombia. Nos ha tocado un equipo de producción muy bueno y estamos contentos, esperamos que les guste mucho. ¿Se imaginan trabajando en Hollywood? - Maia: Sin duda creo que los dos soñamos y

¿Alex, además de la película en qué estás trabajando? - Alex: El año pasado me dediqué 100% a componer y a producir, empecé a producir también para otras personas lo que fue todo un mundo nuevo porque es una responsabilidad, pero me lancé a hacerlo. - Maia: Quiero aclarar que es un capo, hay temas que entiendo cómo los hace, es un desquiciado de talento. Imagino que ya armaron algo juntos… - Maia: Total, aparte nos conocemos hace muchos años como artistas y como personas. Alex: Además creo que es el momento perfecto porque yo me desarrollé mucho como compositor y Maia también, ambos encontramos nuestra identidad como artista y estamos planeando algo que esperemos que se dé. Es muy lindo salir de esa zona de pensar solamente en hacer algo para mí y sentarme a pensar en qué puedo aportar para la carrera de otra persona y buscarle el hit. Es un honor increíble que me lo permitan y confíen en mí.

JUAN MANUEL GARCIA

“Es muy zarpado lo que estamos viviendo con la película”

¿Pensaron alguna vez que iban a llegar al cine con este proyecto cuando comenzaron? - Maia: No, nunca me atreví siquiera a soñar con esto, me pone muy sensible porque para mí es un sueño. Realmente me siento muy afortunada y me moviliza mucho porque esto es una locura y sé que hay mucha gente que confía en mí más de lo que yo confío en mi misma.

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L- Gante MIKEILA BORGIA

A los 21 años, el artista oriundo de General Rodríguez, Provincia de Buenos Aires, irrumpió en la escena gracias a su combinación de cumbia con elementos urbanos y letras que describen las vivencias y costumbres de los barrios más humildes de Argentina. Los roles claves de su productor Kevin Rojas a.k.a. DT Bilardo y su mánager Maxi “El Brother”, la normalización del cannabis y cómo la música refleja una verdadera opción de vida para los talentos aún sin descubrir.

Neo Pistea "AMO EL TRAP"

POR SANTIAGO TORRES

FOTOGRAFIADO POR ZEPE

Sebastián Chinellato comenzó su carrera en 2014, cuando se convertiría en uno de los primeros en realizar producciones de trap, género no tan popular por esos días. POR SANTIAGO TORRES

El barrio se apodera de los charts FOTOGRAFIADO POR MIKEILA BORGIA Y TUTE DELACROIX

y Químico Ultramega; “Dame Dinero”, con Ysy A; “TNT”, con ObieWanshot o el single homónimo “PUNKDEMIA”, son algunos de los trece tracks que conforman el disco con el que el propio cantante asegura haber buscado un sonido más “oscuro, serio y maduro”, consolidando una carrera marcada por el reconocimiento de sus pares. Tus colegas te consideran como uno de los padres del movimiento, ¿lo sentís así? - Siento mucho cariño por todos mis compañeros y mis compañeras, siempre me tienen en cuenta para todo, siento un amor especial. Además, es mutuo, los respeto y admiro un montón a cada uno de ellos. Con el tiempo la gente empieza a valorar lo auténtico y personal.

neo pistea también conocido como Tony The Kid, escribe la historia del trap local a base de singles propios como “Messi”, “Criminal” o “Mario”, y colaboraciones como “Tumbando El Club Remix”, “Tu Cintura” o el más reciente “Teca Remix”, todos ellos acompañado de colegas y amigos como Cazzu, Ysy A, Rei o Duki, entre otros. Después de su EP en 2017 “Oro y Perfume”, en el que participaron C.R.O, Lara91K y Mike Southside y una seguidilla de singles junto a Khea, Bhavi, Quan, Eladio Carrión o Dante Spinetta, el artista oriundo de Merlo - casa del Club de Fútbol Argentino de Merlo, lugar donde nos recibió - presentó su primer álbum “PUNKDEMIA”, bajo Sony Music Argentina. En este trabajo, él mismo afirma haber buscado la expresión de su infancia, su familia y su lugar de origen. “Uno de chiquito guarda los mejores recuerdos, tenga la vida que tenga. Todos tus amigos están bien, están todos vivos, nadie está preso… Ya de grande uno se va adaptando a las cosas que le pasan y siento que lo que te pase de “wachín” te va a quedar para siempre”, dice. El inicial “Gracias a Dios”; “Tengo”, con C.R.O y Kaydy Cain; “Keloke”, con De La Ghetto y Fuego; “Tonythekid”; “Veneno”, junto a Neutro Shorty, Pablo Chill-E 34 B I L L B O A R D A R | J U L I O , 2 0 2 1

Decidiste quedarte en el barrio… - Me cuesta adaptarme. Me mudé a Caballito un año y me costaba muchísimo, siempre termino volviendo. Estoy cómodo, aparte está mi vieja y no la puedo sacar de acá ni “a palos”, ya tiene sus amigas y su vida acá. ¿Te considerás un representante del barrio? - A pleno. De las raíces más que nada, siento que las personas tienen que respetar sus raíces. Si venís del barrio, respetar el barrio y si venís de un country o de cualquier lado, también respetarlo, no ir en contra. Hay que reforzar las raíces y no mentir o “caretearla”. El 19 de mayo de 2014 en el canal de YouTube de PowerLine Shop se estaba realizando una serie de sesiones en vivo llamada “Powerline Sessions”. Ese sería el comienzo de una vida dentro de una escena en formación que estaba repartida entre artistas y cantantes underground y los freestylers y MC´s que se presentaban a competencias de batallas de rap como “Halabalusa” - siendo ésta una de las más recordadas de aquellos tiempos - donde figuras nacionales como Dtoke comenzaban a mostrar su nivel. “Tony The Kid”, recuerda esa época como uno de los pocos que, junto a Obiewanshot, MalaJunta o Marciano, entre otros, no termi-

naron de interesarse 100% por las batallas, sino que prefirieron dedicarse por completo a la producción de canciones que terminarían convirtiéndose en éxitos años más tarde. A mediados de 2015, ya como NEO PISTEA presentó su primer mixtape, White Chocolate, junto a Lil Baby, con canciones como “Me Mira”, “No Se Acuerda De Mí” o “No Cree En Nada”, entre otras. “Nadie escuchaba trap, eras el raro. Me tocó vivir las tres cosas: el freestyle, el rap underground y el trap underground”, recuerda. ¿Cómo se origina el movimiento del trap en Argentina? - Viene del rap. Del 2010 en adelante se generó una unión muy zarpada por el rap, la zona norte de Buenos Aires se juntaba con la sur, este con oeste, todos con todos… Se generó algo enorme con el género: el beatbox, los grafitis y el break. En un momento se volvió muy fuerte, había eventos antes del Quinto donde iban freestylers de todos lados. Por ejemplo, Alejo organizaba “Quién Habló De División”, y ahí se volvió más grande todavía, había freestylers batallando y luego los raperos tocaban, creo que esa fue la primera vez. Mientras tanto, del otro lado ya habían algunos artistas como Obi, MalaJunta, Marciano, Los Pibes de la Triple Flow o el Coqee que ya empezaban con el trap. Algunos mezclaban con R&B pero no se sabía bien qué era, solo se sabía que no era el Boom Bap clásico. ¿Quién manejaba ese sonido? - Era medio no saber qué era y que te llevara a conocer cada vez más. Estabas escuchando y haciendo trap pero sin saber cómo decirle. Hacer trap era mucho más underground que hacer rap, que ya metían 1000 personas por show con gente como Nach, The Phsyco Realm o cualquier otra banda. Nadie escuchaba trap, eras el raro. Me tocó vivir las tres cosas: el freestyle, el rap underground y el trap underground. El 21 de septiembre de 2017 llegaría la canción que posicionaría la escena del trap nacional como una de las más promete-

doras: “Tumbando El Club”. La versión original fue lanzada por Neo junto a C.R.O, Mike Southside y Coqeéin Montana y producida por 0-600. A hoy, ese trabajo cuenta con más de siete millones de reproducciones en su canal de YouTube, siendo de los más vistos por aquel entonces - hasta el momento de la llegada del remix, conocido como “El Himno Del Trap Argentino” -. Meses más tarde y ya afianzado en la escena, Neo uniría fuerzas y conocimiento con dos grandes amigos, Duki e Ysy A, en Modo Diablo. Gracias a singles como “Quavo”, “UH” o “Trap N’ Export”, el trío es considerado actualmente como una de las agrupaciones más importantes de la historia del trap nacional, sumando cientos de millones de reproducciones entre todas las plataformas digitales - siendo “Quavo” la más popular, con más de 100 millones solo en YouTube -.“Mi mamá es evangelista y mi abuela súper religiosa, imagínate cómo se puso cuando se enteró que nos llamábamos ‘Modo Diablo’. Me quiso matar”, ríe. Finalmente, el 27 de marzo de 2019 llegó el momento de presentar “Tumbando El Club Remix”, trabajo que Neo recuerda como la “representación de la unión de la escena nacional”. Todos los artistas que formaron parte de esa producción estaban dedicados a sus respectivas carreras individuales, por lo que ese remix marcó un antes y un después en las relaciones que tendrían entre cada uno de ellos. Ysy A, Cazzu, Khea, Lucho SSJ, Marcianos Crew & Duki fueron los artistas que se sumaron a Neo, C.R.O. y Coqeéin Montana en este exitoso trabajo, que cuenta a día de hoy con más de 239 millones de reproducciones tan solo en YouTube. ¿Qué te genera hoy “Tumbando El Club”? - Lo de “Tumbando El Club” fue una locura, representa el momento donde se unió todo. Porque antes de eso capaz no había guerras, quilombos ni nada por el estilo pero cada uno estaba apostando a lo suyo y a la individualidad. En “Tumbando…” había mucha buena onda y todos queríamos lo mismo, eso hizo que fluyera como lo hizo.

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TUTE DEL ACROIX

Qué piensa Neo de

C A Z Z U La amo y la respeto mucho. Me parece una figura muy fuerte e imponente. Para mí es un placer compartir con ella y ser amigos. Estoy muy agradecido de poder haberla visto crecer de forma tan zarpada. La gente no sabe lo difícil que es llegar y mantenerse.

M A R Í A B E C E R R A Me acuerdo que escuché uno de sus primeros temas y lo compartí o se lo comenté. Me re gustó y todo lo que pasó después fue una locura. El salto que pegó tan rápido... Es muy talentosa y tiene una energía muy linda.

P A U L O L O N D R A Realmente no lo conozco en persona. En su momento era un polo opuesto a lo nuestro, pero siempre súper respetable y respetado. Es una pieza fundamental de lo que fue el crecimiento en la Argentina. De lo que estoy seguro es que es un gran pibe, por eso también me duele lo que le está pasando.

¿Por qué surgió? - Era una visión, quería hacerlo. Soy una persona que respeta mucho el talento de los artistas. Amo compartir momentos con mis amigos y cuando de verdad hacemos algo que nos gusta, disfruto mucho el resultado. Siempre tuve la visión de hacer algo así, pero era medio un sueño, estoy súper agradecido con todos y es importante que haya quedado en la mente como algo que hicimos juntos. ¿En qué momento dijiste “estoy donde tengo que estar”? - Cuando tenía 18 o 19 años. Vivía en una casa en Ramos Mejía y no teníamos nada. En ese momento fue cuando empecé a grabar en serio, teníamos una compu y un micrófono barato, pero servía. Hacíamos mucha, pero mucha música. Si bien venía hace años haciendo música, ahí dije “quiero hacer esto de verdad, tengo que profesionalizarme”. Me acuerdo de que tuve que abrirle un show a Marciano solo como “Neo Pistea” por primera vez y fue el show más zarpado de mi vida. Su relación con el fútbol habla de que intentó jugar profesionalmente cuando era más joven. A lo largo de su carrera se acercó en varias ocasiones, sobre todo con el lanzamiento

L - G A N T E

T I N I

Es un capo, estoy re contento con que pase eso con él. Es el ejemplo de todo lo que realmente quiero ver que pase acá hace mucho. Siento que se lo merece, me gusta mucho lo que hace y que había un lugar que alguien tenía que ocupar. La gente lo ve y le gusta, se siente representada y eso me encanta.

No es mi palo. La respeto y sé que es una mina que viene hace muchos años trabajando duro. La ves y canta bien, es una diosa… Es una de esas mega estrellas que surgen de la Argentina cada cierto tiempo.

de “Messi” a mediados de 2018, su single homenaje al astro argentino que ha sabido llegar a las cercanías del club del “10” en Barcelona. En sus redes sociales siempre se lo puede ver con una pelota al lado, haciendo jueguitos o formando parte de su vida de alguna forma u otra. Su abuela fue la que, cuando él era joven, convenció a sus padres para que fuera a un colegio artístico, porque a pesar de que la pasión por el deporte siempre estuvo presente, su lado musical nunca se apagó. ¿Tenés algo de futbolista? - Me encanta el fútbol, a veces incluso me domina, tuve que dejarlo de lado porque a veces me ponía loco. De chiquito quise ser jugador pero también estaba muy presente mi lado artista. Totalmente que uno puede relacionar la música con el fútbol: hay que ser constante, darlo todo siempre y a veces tener un poco de suerte. ¿Qué le dirías a Messi si lo tuvieras enfrente? - Nada… ¿qué le voy a decir? Lo miraría y ya sabría que lo quiero. Siento que no debe querer ver a nadie

¿Te pasa algo similar? - Lo que me puede llegar a molestar es cuando estoy en mi casa o con mi familia pero al contrario, estoy siempre agradecido y con la mejor cara. Son cosas normales, uno escoge esto. ¿Hay algo que no te guste de la industria? - Me molesta que el que tiene plata puede hacer lo que quiera, es algo del siglo XXI. Tiene que haber otros valores, más hablando de música. Veo que hay una especie de dictadura, igualmente a la música buena no le gana nada, ni la plata. Sebastián comenzó a presentarse en vivo desde que tenía 17 o 18 años, él mismo recuerda preparar y organizar los shows con los mánagers diciéndoles que tenía la agenda apretada, para así asegurarse de que lo quisieran y no lo rechazaran, incluso teniendo que formar parte de cuatro o cinco eventos por noche. “Era muy gitano por aquel entonces, lo único que quería hacer era tocar y que la gente me escuchara. Me acuerdo de que mi primer show lo di ante más de 200 personas, lo recuerdo como el mejor de mi vida, lejos”. BILLBOARD.COM.AR

La línea de tiempo 1994 Nace el 5 de octubre en Merlo, zona oeste del Gran Buenos Aires. 2010 - 2014 Forma parte de la escena underground del trap en la Argentina.

2014 Se presenta en las “PowerLine Sessions”, una de las primeras publicaciones en que se lo conocería como “Neo Pistea”.

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2015 Se une como miembro de agrupaciones de la escena urbana como Stúpida Ambición, King Team o Vasuras Crew. Lanzó los temas “Tony The Kid” o “White

Chocolate”, nombre también de su primer Mixtape presentado este mismo año.

2016 Publica “Medusa”, el primer track que uno puede encontrar hoy en su canal de YouTube. 2017 El año más productivo para Neo. Lanzó temas

como “Rivotril”, “La Calor” o “Tumbando el Club”. Comienza a presentar tracks junto a Duki e Ysy A, con quienes formarían “Modo Diablo”. En este año se

MIKEILA BORGIA

que pasa es que no creo que me pueda llegar a servir para lo que estoy buscando hoy en día. Quiero encontrar un sonido más oscuro y subir el rango de edad de mi público. Me está costando porque tenemos un público muy chico y siempre voy a querer nutrirlos con material y nuevas canciones.

Dejando de lado los eventos underground y las presentaciones callejeras o en pequeños venues, en estos últimos años, Neo ha estado presente en algunos de los shows más importantes a nivel nacional, como pueden ser el “Buenos Aires Trap” o “Lollapalooza”. Además, durante la época de cuarentena el año pasado fue el encargado de inaugurar la serie de shows en vivo online de Suena En Vivo - realizando su primera presentación durante el mes de septiembre -.

TUTE DELACROIX

¿Cómo te estás preparando para el regreso de los shows en vivo? - Estoy empezando a ensayar. Estuve muy activo durante este tiempo, pero sin presentarme en ningún lado, cuando vuelva quiero hacerlo con todo. Personalmente estoy muy ansioso, tengo muchas ganas de tocar y sé que estamos todos igual. Si bien siempre valoré los shows y estuve muy agradecido, creo que ahora vamos a empezar a verlos como lo que son, todo para nosotros.

¿Ahora tenés la mirada puesta en grandes festivales? - Ojalá, a eso estamos apostando, siempre estamos viendo qué hacer para poder crecer y cómo hacerlo de la mejor manera. En el disco sumaste instrumentos como violines y muchos invitados… - Quedó mejor. Le tenía muchas ganas hace tiempo. En un momento dije: “Quiero volcar todas las ideas que tengo hace tiempo”, y sabía que era el tiempo justo. Llamé a Lean y nos encargamos de todo. Lo elegí a él porque me llevo muy bien y principalmente porque me parece que tiene un talento musical espectacular. Amo el trap pero también amo la música en general, poder volcar todo lo que tenía en mi cabeza en forma de trap es una manera difícil, y creo que solo él podía hacerlo. ¿Cuándo eras chico en tu casa se escuchaba rock, tango, folklore…?

- Mucha música, mi abuelo era músico y mi mamá lo es a día de hoy, toca la guitarra y canta. ¿Te bancaron con la música? - Al contrario, diría. Tuve el apoyo necesario, pero muchas veces les he sacado canas verdes. Hicieron que me haga hombre y pudiera crecer. La que siempre me apoyó en el sentido musical fue mi abuela Lía. Recuerdo que me iban a llevar a una escuela industrial y ella convenció a mi mamá para que me mande a una artística. ¿Tu desafío es perdurar en el tiempo? - Perdurar para siempre, hasta cuando no estemos. Los artistas pasan de moda en algún momento, por eso lo más importante es intentar mantenerse durante los años. Solo el tiempo puede decir qué pasará con nosotros ¿Qué dirías si te llaman para trabajar con alguna de las chicas de la escena? - Las chicas son unas genias, lo

¿Ayuda que haya polos opuestos en la industria? - Creo que es como el Ying y el Yang, tiene que haber dos polos porque eso forma un círculo. Durante todos estos años, las colaboraciones también han sido un papel fundamental en la carrera de Neo, quien no solamente ha unido sus fuerzas y sus letras con colegas, sino también con amigos. “Muchas de las canciones que hemos hecho han sido entre amigos y disfrutando de lo que estábamos haciendo. Se nota un montón cuando un trabajo sale orgánicamente y no estamos presionados por ningún lado. No solamente “Tumbando El Club”, sino que también hay algunas canciones más nuevas o más viejas que surgen del cariño mutuo que nos tenemos. El tiempo de encierro también le sirvió al artista para pensar en su futuro como artista acompañado de una banda, algo a lo que no tiene muy acostumbrado a su público. “Estoy trabajando y ensayando con una banda para presentarnos juntos cuando todo vuelva a la normalidad. Quiero apuntar a un sonido más oscuro y serio”, afirmó.

de Neo Pistea presenta “Wanda Nara” y “Me Dejaste Así”. 2018 Llega “Messi”, su videoclip y canción homenaje a Lionel.

2019 27 de marzo, lanzamiento de “Tumbando El Club Remix”, el “Himno del Trap Argentino”. Se presenta en vivo en el Buenos Aires Trap. -

2020 Año de lanzamientos como “Coroné”, “Duro”, “Hotel” o “Mario”. Inauguró las sesiones de presentación online de Suena En Vivo en formato streaming.

2021 Llega su primer álbum de estudio, PUNKDEMIA, junto a Sony Music y compuesto por trece canciones.

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Premios Juventud

Camilo y Karol G, los más nominados para la edición 2021 La ceremonia organizada por Univision desde 2004, se realizará el 22 de julio en el Wastco Center de la Universidad de Miami, con público en vivo y nuevas categorías.

la ceremonia organizada por univision desde 2004, se realizará el 22 de julio en el Wastco Center de la Universidad de Miami, con público en vivo y nuevas categorías. Tras haber ganado un Grammy Latino 2020, Cazzu vuelve a ser destacada y cuenta con cinco nominaciones para estos galardones como “Álbum Del Año”, “Girl Power” (dos veces nomina40 B I L L B O A R D A R | J U L I O , 2 0 2 1

do en esta categoría) y “Artista De La Juventud Femenino”, en esta categoría al igual que Nathy Peluso, la otra revelación argentina. Ambas compiten con Becky G, Rosalía y Mariah Angeliq, entre otras. Por otro lado, se adelantó que ya está todo listo para que los artistas brillen en el escenario de Premios Juventud 2021 que transmitirá Univision.

Los chicos de CNCO serán parte de la fiesta y el ritmo de Karol G pondrá a todos a bailar: la cantante colombiana deleitará a los asistentes con su más reciente éxito “200 Copas”. Sebastián Yatra pisará el escenario para cantar en vivo junto a Myke Towers el éxito mundial “Pareja del Año”. Con dos nominaciones en las categorías “La Mezcla Perfecta” (canción con la mejor colaboración) y” La Más Pegajosa” (canción que no puedes dejar de cantar) con el tema “Chica Ideal” al lado de Guaynaa, el colombiano estará presente en esta fiesta. Además de estar nominado en la categoría “La Mezcla Perfecta” junto a Feid, J Balvin Ft. Maluma, Nicky Jam y Sech, el cantante y compositor estadounidense Justin Quiles también dirá presente interpretando por primera vez en TV su nuevo tema “Loco” junto con el dúo reguetonero Zion y Lennox y el dominicano rapero urbano Chimbala. La cantante dominicana Natti Natasha se encuentra entre los artistas con más nominaciones de la noche, y también desplegará su música con el estreno mundial de su último simple.

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JUSTIN LEE SCHULTZ

“Amo la música latina porque es muy divertida de tocar” El músico sudafricano de 14 años es considerado un niño prodigio. Confeso admirador de Stevie Wonder, lanzó su álbum debut “Gruv Kid” con el que llamó la atención de la industria por su virtuosismo. POR SANTIAGO TORRES

KINDALE GODBEE

acido en sudáfrica, se mudó a Estados Unidos en 2015 y allí estuvo hasta el año pasado cuando su familia decidió irse a Durham, Inglaterra. A los cinco años ya dominaba el piano. Poco después, tomó la guitarra. En Sudáfrica, su padre, Julius, tuvo una carrera como guitarrista de jazz profesional y lanzó tres álbumes como solista. Cuando sus hijos comenzaron a mostrar interés por la música, los alentó aunque al principio se resistió, recordando sus propias experiencias en lo que él describe como una industria inestable. Esa fue la razón principal por la que se mudaron a Estados Unidos, señala el padre que en sus conciertos a veces presentaba a su hija Jamie-Leigh para tocar la batería. A diferencia de su hermana mayor, el joven Justin-Lee inicialmente mostró poco interés por la música. Luego eso cambió. Pronto, Schultz y su hermana se unían regularmente a su padre en el escenario, y su perfil creció en Sudáfrica. Cuando Julius consiguió un trabajo como director musical en una iglesia en Michigan y la familia se mudó a Estados Unidos. La influencia de Stevie Wonder en su música es notable: su álbum Gruv Kid incluye una versión de “Do I Do” de Wonder. Grabado y producido de forma remota desde el estudio casero de Schultz en Durham, presenta colaboraciones con el teclista Bob James y el grupo de

fusión de jazz con sede en Filadelfia Pieces of a Dream. Julius compuso siete de los temas, reinventando algunos de sus lanzamientos anteriores como guitarrista. Estás dándole vida nuevamente a los instrumentos... - Muchas gracias, lo estoy intentando de verdad. ¿Qué pensás de los charts y la música popular? Trato de mantener mis oídos abiertos a todo tipo de música. Me gustan las estrellas de pop como Bruno Mars, Michael Jackson. Personas y artistas como ellos me encantan. ¿Te sentís diferente a los chicos de tu misma edad? - No realmente, no lo creo. Pienso que escucho muchos géneros de música diferente e intento estar al tanto de todas las novedades en diferentes ámbitos. ¿Pensás mucho en el futuro de tu carrera o preferís vivir el momento? - Sí, estoy constantemente pensando en el futuro. Ya sabes, preparándome para diferentes situaciones y eventos de ese estilo. ¿Preferirías tocar en el Madison Square Garden o en Lollapalooza? - Madison Square Garden. Es un lugar icónico, me encantaría tocar

en frente de tanta gente en un recinto con una historia como la suya.

para mí desarrollarla y ver en qué se convierte desde cero.

¿Qué opinión tenés del Autotune? - Es una buena herramienta para buscar un nuevo sonido. Creo que depende de lo que sea que estés buscando.

¿Qué valor le das a la popularidad? - No estoy realmente seguro. Creo que la fama llega de la mano de oportunidades. Tocar en muchos escenarios, conocer diferentes países, reunirse con más gente… Diría que la parte mala sería la falta de privacidad, pero creo que puede estar bueno, no soy tan famoso aún.

¿Autotune y la producción es otro tipo de instrumento? - Claro, me gusta experimentar con todo tipo de efectos diferentes y explorar, sobre todo explorar. ¿Cuál es el instrumento más difícil de tocar? - Todos son difíciles. Hay que practicar muchísimo para llegar a una cierta comodidad con ellos. ¿Qué es más importante, el talento o la práctica? - Ambas cosas son importantes y una se relaciona con la otra. Uno puede ser talentoso, pero tiene que trabajar para moldearlo a la forma a la que lo quiere llevar. ¿Qué es para vos la composición? ¿Cuál es la diferencia entre tocar un instrumento o empezar la música desde cero? - Amo hacer las dos. Soy algo nuevo en la composición, hace solo tres años que escribo y más de nueve que toco así que es más fácil eso para mí. Sigo practicando para hacerlo mejor y si me surge una nueva idea, es súper divertido

¿Qué les dirías a chicos de tu edad que no cuentan con el apoyo de su familia? - Dirían que sigan trabajando duro y siguiendo sus sueños. El trabajo duro paga al final. Lo más importante es disfrutar lo que uno está haciendo, si lo pasan bien, ve por ello. ¿Tuviste la oportunidad de conocer música en español? - Sí, amo ese tipo de música, es muy divertida de tocar. El ritmo latino se maneja mucho sobre el beat así que creo que es muy bueno, me gusta. ¿Cuál es tu relación con la escritura en la música? - Generalmente toco de oído porque aún no puedo leer del todo bien. Es bueno tener ambos, si estás en un escenario donde no podés leer es buenísimo poder tocar de oído. Y si estás en una orquesta o en un club de jazz y no te dan la música antes, es genial poder leer y seguirlos. BILLBOARD.COM.AR

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AIRBAG / PATRICIO SARDELLI

“Hicimos un tributo a una canción legendaria” Su nueva versión de “La Balada del diablo y la muerte” tuvo muy buena repercusión. El material forma parte de una celebración especial del álbum “Despedazado por mil partes” de La Renga, del que se cumplen 25 años de su edición. P O R WA LT E R G A R R É

fuerza de guitarras distorsionadas y potencia familiar, Airbag mantiene su popularidad sin abandonar el espíritu hard rockero. La banda fundada por los hermanos Gastón, Patricio y Guido Sardelli tiene en su haber seis discos de estudio y actualmente se encuentran preparando el nuevo álbum, el cual aún no tiene fecha de salida pero que Patricio confirmó será este año. Ahora en este nuevo cover están celebrando a “La Renga”, cuya trayectoria los inspira.

DIEGO ROLDAN

¿Cómo están transitando estos tiempos de pandemia? - Ya es parte de nosotros, nos amoldamos. Ya somos una especie de arena que se acomoda. Así es el ser humano y su capacidad de adaptación. Por suerte se empieza a ver como una luz, la gente se empieza a vacunar y ves en otros países que hay una vuelta a la vida anterior, entonces aparece esta esperanza de volver a ese tiempo que fue mejor. ¿En qué momento estabas en tu vida en 1996 cuando salió “La Balada del Diablo y la muerte”? - Todavía no tocábamos ningún instrumento, éramos muy chicos. Así que estábamos en otra, jugando al fútbol y videojuegos con amigos. La música en casa siempre estuvo presente: siempre se cantó en los cumpleaños, las navidades… en las reuniones. Siempre la postal era una guitarra, algún tío y todos cantaban. De más chico aún escuchaba tango en casa, y yo cantaba. Era una fija que cantaba un tango o dos. Así que hasta ese momento nuestras inquietudes pasaban más por el futbol, los videojuegos y también la mecánica, la electricidad. A fines del año siguiente, tomo la guitarra.

¿Qué te motivó a inclinarte hacia el rock? - Cuando empezamos a descubrir cosas que quizás veníamos escuchando accidentalmente. Nosotros vivíamos en Don Torcuato y había muchas obras de construcción con albañiles y se escuchaban dos cosas: mucho Creedence [Clearwater Revival] y cumbia. Estaban las dos ramas. Entonces cuando empezamos a tocar por primera vez fue por Creedence, Chuck Berry -por cosas como “Johnny B. Goode” en Volver al Futuro-, Deep Purple y Los Beatles, la conexión era muy fuerte con esas bandas que son como una escuela, es como ir a un curso avanzado de cómo tocar. Lo nacional apreció después para nosotros. ¿Cuál fue el primer acercamiento que tuvieron con La Renga? - En principio, cuando empezamos a tocar allá por el 99´ siempre venían amigos a la sala de ensayo que también tenían inquietudes respecto a tocar, y una vez vino un amigo de Gastón y trajo esta canción: “La balada del diablo y la muerte”. Todos la empezamos a tocar y nos pareció increíble y era uno de los covers que hacíamos, que los nacionales eran pocos, un tanto colgados, como “Popitos” y “Perro Dinamita”. Entonces el primer acercamiento fue como fan, como algo que te gusta y no podés que exista, como era el caso de esta banda. La música en ese momento no tenía la inmediatez de ahora que en un año ya es vieja, entonces un disco tenía como tres años de locura, nosotros la descubrimos como algo nuevo unos años después que salió el disco. Después nos conocimos con Chizzo [Gustavo Nápoli] y tocamos en un concierto de otra banda. Después surge la invitación

a tocar, tuvimos mucha conexión, son unos genios totales. Y ahora la vida nos encuentra grabando una versión como en aquella sala de Don Torcuato pero con un poco más de experiencia y pudiendo llegar al sonido que buscábamos. Así que es muy lindo y estamos muy entusiasmados con la repercusión que tuvo la canción. ¿Por qué eligieron esa canción y no otra? - La elegimos porque creemos que representa ese disco de La Renga, y tiene en su letra y melodía una cosa mística. Un mensaje muy profundo y la parte de instrumentación siempre me hizo acordar a esas canciones que existen en el folclore mundial y que no tienen autor. Está agarrada a las raíces argentinas de una manera increíble. Me encanta. Con este cover volvieron las guitarras a estar dentro de las tendencias ¿Qué opinas

de este tipo de referencias? - Milagro. El rock nunca va morir porque tiene una cosa muy visceral con el cuerpo a través de los conciertos, que otros géneros no tienen. Pero por supuesto que hoy no es el tipo de música más escuchado ni está pasando por el gran momento. La audiencia está más predispuesta a escuchar otro tipo de música, por una cuestión de que la música pasó a ser puro entretenimiento para bailar y no ese compromiso que requiere sentarse a escuchar un disco, de descubrir nuevos instrumentos o de asociarte a una banda o a un músico para siempre, cosa que nos pasó a todos. Pero bueno, uno no es quien para decir que está bien o mal, así están las cosas hoy, pero eso a nosotros no nos va a hacer cambiar nuestro estilo. Siempre vamos a hacer lo que a nosotros nos gusta, si en algún momento coqueteamos con otros estilos lo haremos como siempre. Airbag siempre sumó estilos sin prejuicios, sin pensar que es lo que va a decir el otro.

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GIRL IN RED

“Quiero hacer algo que perdure” En su debut discográfico “If I could make it go quiet”, que fue co-producido por Matias Tellez y FINNEAS, la artista cuenta sus vivencias desde Noruega para el mundo. POR JOSEFINA ARMENDÁRIZ

¿Cómo te sentís con el lanzamiento del álbum? - Ahora estoy en mi departamento, al lado del piano y me siento muy emocionada, esperanzada y hay mucho sucediendo en mi vida personal, en mis relaciones, mi carrera. Mi disco ya salió hace más o menos tres meses y medio. Soy muy afortunada de ser yo y estar en esta vida. ¿No dejás de hacer música? - Obviamente quiero hablar de este disco y darle la vida que merece porque creo que es un gran álbum. Dejé de hacer algunas cosas por este álbum y quiero volver a eso. En una entrevista mencionaste que nunca hablaste de tu salud mental como lo hiciste en tu álbum, ¿qué sentís ahora que se hizo público? 46 B I L L B O A R D A R | J U L I O , 2 0 2 1

- Siento que es una buena experiencia. Creo que la gente está muy “abierta a la apertura” y a la honestidad en estos días. No me arrepiento de nada de lo que dije en ninguna canción y honestamente siento que es cool decir exactamente lo que sentís. Es muy válido escribir de eso. Tuve una buena experiencia, se sintió bien y no me asusta ser honesta en lo próximo que haga tampoco. Si algo me da el coraje para continuar siendo honesta en mi música, lo seguiré siendo. ¿Para quién escribís? - Creo que lo saco por otros, pero lo escribo por mi propio bien. Está bueno escribir cuando funciona, no tanto cuando estoy bloqueada y nada sale, pero siempre intento hacer música que me interesa a mí y se relaciona conmigo. Eso me emociona a mí, al igual que crear algo que no escuché en ninguna canción. No escribo para que todos se relacionen, creo que no es un punto de partida válido para hacer música. Pero definitivamente la saco para compartirla y que la gente la escucha. Eso me hace muy feliz, compartir música. ¿Qué descubriste de vos en este proceso del álbum? - Aprendí que ser un músico profesional lleva mucho trabajo. Dar a diario en el estudio, aunque a veces no sepas qué hacer o decir, tenés que dar tu mejor esfuerzo y hacerlo. También aprendí a darle tiempo a lo que hacés. Sobre todo, hoy, que salen singles todo el tiempo. Quiero tomarme el tiempo para hacer algo que perdure y esté bueno. Obvia-

mente, aprendí muchas cosas que no sé aún. Se viene World in Red tour con más de veinte fechas por Estados Unidos, ¿qué se siente? - Estoy muy nerviosa y emocionada. Nerviosa porque estoy fuera de estado, no recuerdo cuánto, pero ir de gira fue muy duro para mí. Es como una carrera, una experiencia muy rara. Recuerdo tener una idea de ir de gira por lo que oía o miraba en las películas – rock and roll, drogas, emoción – pero en verdad no es así. Es despertarse en un lugar y saber que vas a hacer lo mismo que hiciste el día anterior, pero la gente que te va a ver no te vio, entonces tenés que darlo todo para divertirte y hacer una experiencia especial. No me considero música profesional, pero estoy en el proceso. Estoy tan emocionada de tirarme encima de la gente y gritar los amo. ¿Qué querés que pase este año? - Me quiero inspirar musicalmente, más de lo que estoy. Como dije, estoy cambiando quién soy y quiero que eso entre en la música. También quiero alimentar las amistades que comencé, seguir leyendo y creciendo. Tener mi propio hogar, ahora estoy alquilando, pero quiero mi propia casa. Quiero encontrar una linda silla, muebles. Me siento una persona nueva y muy diferente y me emociona. Quiero ver buen arte, encontrar un lindo cuadro para mi cuarto, pasear mi perro, encontrarme con amigos.

JONATHAN KISE

la cantautora y productora noruega -cuyo verdadero nombre es Marie Ulven Ringheimlanzó su ópera prima con once canciones que condensan aventuras diarias del crecimiento: amor, sexo, relaciones y más, todo eso combinado en la sensibilidad de su música. Detrás de los millones de reproducciones que tienen sus canciones, la artista, que cumplió 22 años el febrero, revela que atravesó un cambio y que ahora trabaja en construirse una nueva vida: juntarse con amigos, buscar un hogar, decorarlo, leer más e inspirarse musicalmente.

MANDO

“Tengo una verdadera conexión con mis canciones”

Con su tercer álbum “Hasta Que Llegaste” marca una nueva etapa en su camino y busca llevar el pop regional mexicano a todo el mundo. POR JULIÁN MASTRÁNGELO

con el single que le da nombre a su último trabajo en colaboración con el grupo español Lérica, el artista independiente de 24 años, superó el millón de reproducciones en YouTube reivindicando su cultura local.-. En su nuevo álbum, Mando participa como compositor, además de co-productor. “Este álbum representa el sonido que yo estaba buscando en estos siete años de carrera en el cual presento mis influencias”, dice.

encontramos con Lérica, nos conocimos y surgió este tema que a los dos nos gustó muchísimo. Estamos realmente contentos con el recibimiento que tuvo el tema.

¿Estás en tu estudio? - Así es, estoy en mi cuevita en Monterrey. Aquí sale toda la magia y todos los trucos.

¿Escribiste las canciones por experiencias propias? - Claro que sí, para mí siempre ha sido súper importante que todas las canciones que cante tengan una verdadera conexión conmigo. La interpretación es muchísimo más potente si sientes de verdad lo que estás cantando. Muchos de los sucesos que me han tocado vivir o ver han sido ejemplo y fuente de inspiración para mis temas

¿La canción mexicana está traspasando fronteras? - Es impresionante lo que el regional mexicano y el folklore está logrando internacionalmente. Hay varios exponentes que están dejando a México en lo más alto y es muy bueno para toda la cultura de nuestro país.

¿Cuál es tu canción favorita? - Todas son bien diferentes… Diría que “Hasta Que Llegaste” es una de mis favoritas. Me gusta mucho también “Ni Que Fueras Quien”, es algo mucho más tradicional musicalmente hablando. “Distinta” es otra que también me gusta mucho, difícil elegir una.

¿Cómo surge la relación con Lérica? - La conexión fue algo que surgió súper natural. Nunca había tenido el placer de conocerlos y recuerdo que mi mánager me dijo “necesito que vueles a Ciudad de México porque mañana tenemos una nueva sesión”. Volé a primera hora y nos

¿Cómo es conectar con tu público a través de Tik Tok? - Le estoy agarrando la onda últimamente, son tantas redes sociales que ya uno no sabe qué hacer. Hay públicos diferentes al igual que puede pasar con las plataformas de música, creo que es

súper importante estar en Tik Tok y redes de ese estilo. Es una manera de poder estar en contacto con todo el público que ha estado escuchándome de una forma natural, no tanto como Instagram o Facebook, que son fotos mejor tomadas. ¿Cuál es tu opinión sobre hacer una canción pensando en su repercusión en las redes sociales? - Hay mucha gente que no le gusta esa onda, pero en lo personal no me molesta. Al final del día creo que todos somos creativos y no hay límites para la creatividad. Si haces una canción específica para redes, seguramente va a durar lo que lo soporte esa red. Pienso que definitivamente tenemos que estar activos y pensar en cómo la gente va a conectar con nuestras canciones. ¿Qué te genera la recepción que tenés en el norte de Argentina? - Lo primero que se me pasa por la cabeza es agradecimiento. El poder lograr esto toma mucha disciplina y ver que el público lo recibe de esa manera y aprecia el trabajo que haces es realmente gratificante. Que digan “escuché tu rola y no puedo dejar de cantarla”, ahí ya gané. Como artista, sé que el público argentino es súper emocionante, cantan, gritan, saltan… Tengo muchas ganas de viajar y disfrutarlos. BILLBOARD.COM.AR

Noel Schajris 2.0 El cantautor latino celebra 20 años en la industria con el lanzamiento de su carrera independiente y su propio modelo de suscripción. POR LEILA COBO

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lo abrió a nuevas empresas creativas. “Fue un despertar”, dice. En 2020, lanzó una plataforma multimedia en su sitio web (noelschajris.fan) que brinda acceso exclusivo a contenido, mercadería, boletos, transmisión y venta de álbumes a más de 500 suscriptores mensuales. “La pandemia me hizo darme cuenta de dónde estaba parado y dije: ‘Es hora de mudarse’”, dice. “Mi objetivo era estar muy cerca de los aficionados; para llevar todo de la cocina directamente a ellos. Para hacer eso, necesitaba tener mi propio negocio “. Schajris todavía graba y realiza giras con Sin Bandera, que es administrado y reservado por Westwood Entertainment y firmado bajo la bandera de Sony. Durante los últimos dos años, ha sido totalmente independiente en su propio sello Dynamo Productions, que se distribuye a través de Altafonte, con sede en España; y está dirigido por Diana Rodríguez de Criteria Entertainment, cuyos clientes incluyen a Moby y Draco Rosa. “Noel tiene un rango vocal espectacular, y su dominio del piano, así como su habilidad para componer, crece día a día”, dice García. “A través de los años, hemos llegado a comprender la importancia sentimental y musical que tiene este proyecto, tanto para nosotros como para nuestros fans. Nuestras carreras en solitario le han permitido a Sin Bandera alimentarse de nuestras experiencias individuales”. En octubre, Schajris comenzará una gira por 15 ciudades por América del Norte, promovida por Sound Talent Group, en apoyo de Mi Presente (My Present), un nuevo álbum con 20 pistas. Mientras celebra el vigésimo aniversario de su debut en solitario, el compositor de 46 años habla sobre su fandom de Elon Musk y por qué dejar atrás las Grandes Ligas le permitió apostar por sí mismo.

Has tenido éxito tanto como solista como con Sin Bandera. ¿Cómo sucedió eso por primera vez? - Me estaba preparando para componer mi segundo disco en solitario y Leo [García] me dijo: “¿Quieres probar algunas canciones? Sonamos bien juntos “. Mucha gente pensó que estaba loco por formar parte de un dúo. Pero tuve conciertos por toda la Ciudad de México, y cada vez que invitaba a Leo a cantar conmigo, recibíamos la mayor ovación de la noche, tocando canciones que nadie conocía. Sin Bandera fue diferente. Al principio, la gente pensaba que era aburrido: las canciones eran demasiado largas, demasiado lentas; no tenían un gran coro. Tomó un tiempo, pero cuando explotamos, realmente explotamos. El éxito es mucho trabajo y es agotador, y Leo necesitaba un descanso. No había lanzado un álbum en solitario y necesitaba explorar su identidad. Y ahora, cuando miro hacia atrás en mis 20 años, celebrando tantas cosas, veo el crecimiento de nuestras carreras en solitario y Sin Bandera, y ambos brillan. Es un momento hermoso para celebrar la música. ¿Cuál es la mayor diferencia entre los discos de Noel Schajris y Sin Bandera? - Es una exploración musical diferente. Sin Bandera es balada y R&B y un poco de hip-hop. Es una tercera energía sónica que Leo y yo solo generamos cuando nos juntamos. Es imposible de explicar. Pero es como el yin y el yang. Soy un poco la sonrisa, Leo el ceño fruncido. Históricamente, soy el tipo de la melodía. Soy como Elton John y él es Bernie Taupin. Pero cada vez más, quizás no me estoy volviendo “un pequeño Taupin” sino quizás un “pequeño ‘Pin’”. (Risas.) Estoy aprendiendo y adquiriendo más

confianza en mi composición, que tiene que ver con la libertad de tener mi propia etiqueta y tomando mis propias decisiones. ¿Cuál es tu mayor activo como compositor? - Cuando se trata de escribir canciones, soy un poco de la vieja escuela. No entiendo esas canciones que tienen 10 escritores. Una canción es algo muy personal, muy del corazón. Yo diría [que] como máximo, cuatro personas pueden coescribir. De lo contrario, es demasiado. Es un proceso que debe tratarse con mucho respeto. Tienes tanto una carrera independiente como una de las grandes discográficas. Eso es muy inusual en este negocio, ¿no? - Sí, y muy original, porque los que rompemos con las mayores solemos hacerlo al 100%. Quería hacer lo mejor para mí. Quería explorar mi carrera en solitario a través de mi propia plataforma, pero con Sin Bandera, todavía estamos con una especialización. Tengo un pie en los canales convencionales y no estoy luchando contra lo que funciona. Sony administra mi publicación y estoy muy contento con eso. El catálogo que he creado es importante; es mi legado. Simplemente miro la realidad y decido cómo puedo administrar mejor mi carrera en solitario, que es lo que controlo al 100%. ¿Estabas preocupado por dejar un contrato con una gran discográfica? - Lo pensé durante mucho tiempo. No busqué otro acuerdo de sello porque todos tienen la misma estructura y filosofía. Lo que llegué a comprender poco a poco, y especialmente durante la pandemia, que nos obligó a quedarnos en casa, es que

MARVIN

n el verano de 1997, Noel Schajris llegó a México desde Argentina con 600 dólares en el bolsillo, las ganancias de la venta de su piano vertical. Había dejado atrás a su madre enferma y una incipiente carrera musical por la promesa del estrellato como cantante de una banda de funk mexicana. El grupo no llegó a ninguna parte, pero Schajris firmó como solista con Sony México y lanzó su álbum debut, Cita en las Nubes (Fecha en las nubes), en 1999. Marcó el comienzo de una carrera que ha durado dos décadas y siete en solitario. álbumes, así como cinco más como la mitad del dúo Sin Bandera, nominado al premio Grammy. El sonido de Schajris, tanto solo como con Sin Bandera, toma prestado de diferentes épocas, tradiciones y géneros, trazando un futuro que cruza fronteras y generaciones en la música latina. Sin Bandera, que se traduce como “Without a Flag”, se formó apenas un año después del lanzamiento del debut en solitario de Schajris. Junto al cantautor y guitarrista mexicano Leonel García, Schajris creó una forma única de balada latina, con toques de jazz y R&B, que muestra su tenor conmovedor y lastimero. Comenzando con De Viaje (2003), el dúo colocó tres títulos en el top 10 en la lista de Top Latin Albums de Billboard, incluido el campeón de una semana Una Ultima Vez en 2016. El acto también obtuvo cinco top 10 en la lista Hot Latin Songs, liderado por el éxito número uno “Mientes Tan Bien”, que gobernó durante ocho semanas en 2003. Schajris también consiguió un top 10 en solitario en álbumes de pop latino con Uno Es Uno en 2009. Si bien la pandemia de COVID-19 retrasó los planes del vigésimo aniversario de Schajris, también

los programas representan entre el 70% y el 80% de mis ingresos. Y ahí fue cuando me di cuenta de cuánto genera mi música [para mí], y no genera mucho. Estaba tratando de hacer crecer esas métricas, pero si no eres dueño de tus masters y tu música, no obtienes mucho. ¿Cómo están tus ingresos ahora? - Sin Bandera genera entre ocho y diez veces más ingresos. Después de todo, he sido artista de grabación durante 20 años, pero he sido dueño de mis masters durante solo dos. Como puede imaginar, existe un catálogo importante de álbumes y canciones exitosos que todavía son administrados y pertenecen a Sony. Pero si mi catálogo genera una gran cantidad por mes, es posible que solo obtenga el 10% de eso. Pero en mi propia plataforma, lanzada hace solo seis meses, Consigo el 100%. La belleza será cuando hablemos en un par de años, podré decir que soy dueño de mi catálogo y tengo más de 10,000 suscriptores, y podemos tomarnos unas excelentes vacaciones. Para ir solo, también tenías que construir un nuevo equipo. ¿Cómo te acercaste a eso? - Algo que he aprendido en los últimos años es que necesitas un gerente que esté a tu lado y, si quiere estar contigo, un apretón de manos es suficiente. Si quieres hacer algo, lo harás tanto si tienes un papel firmado como si no. Cuando tienes ese impulso y esa fe en un proyecto, eso es todo lo que importa. Tengo a Diana Rodríguez; Manuel Vera, mi publicista, que anteriormente fue mi gerente; y Altafonte me distribuye. Todo es un gran trabajo en equipo. Todas mis relaciones en este momento se basan en apretones de manos. Su nuevo orgullo y alegría es su sitio web, que funciona como una plataforma multimedia que ofrece un modelo de suscripción. ¿Como funciona? - Nuestro equipo de ingenieros lo construyó desde cero. Ricardo Arjona tenía algo similar, pero en realidad, construimos una plataforma completamente nueva. En mi caso, mi objetivo era estar muy cerca de la afición y llevarles todo directamente. Esa cercanía e interacción ha sido fundamental. Ofrezco clases magistrales de canto. Vendemos camisetas. Si compra su CD, lo fir-

mo y se lo envío por correo. Es una experiencia que nunca antes había tenido. Hemos enviado unos 500 CD y unos 600 álbumes de vinilo. Definitivamente hay nostalgia por los formatos físicos y presto mucha atención a los créditos. ¿Ha invertido mucho en esta nueva empresa? - Si. No puedo dejar de ver videos de Elon Musk donde habla de sus inversiones. Obviamente, no me estoy comparando con Elon Musk, pero seis meses después del lanzamiento, las señales indican que vamos en la dirección correcta. En mi opinión, aquí es hacia donde se dirige la industria. La cuota de mercado de las indies está creciendo. Puedes controlar tu contenido, conectarte con tus fans y obtener un retorno de lo que genera tu música.

Tienes cerca de 800.000 seguidores en Spotify y más de 500.000 suscriptores en YouTube. ¿Está aprovechando esas audiencias para hacer crecer la nueva plataforma? - Sí, pero también se trata de volver a la realidad. Ya sea que tengas 500, 600 o 1,000 personas que te siguen, es un logro increíble como artista. Y esos 1,000 suscriptores en su plataforma son iguales o mejores a un millón en otros lugares. Puedes vender millones de álbumes, como hicimos nosotros [con Sin Bandera], pero lo que obtienes después de avances y devoluciones es mínimo. Lo que genero con mi plataforma, mi producto y mi tienda puede ser pequeño por ahora, pero es mucho más gratificante porque me acerca a mis fans y a mi arte.

¿Por qué este modelo de negocio tiene sentido para ti? - Como solista, me di cuenta de que algunas personas estaban interesadas en grandes cantidades de dinero y no en desarrollar conceptos. Hay una audiencia, y me voy a conectar con ellos y voy a generar números reales, no esos números inflados que te hacen pensar que cualquier video que tenga menos de 200 millones de vistas es un fracaso. Es una locura. Que cualquier número de personas vea y aprecie lo que haces es algo increíble. Noel Schajris, el guerito [chico rubio] de Sin Bandera es un artista en desarrollo. A mi modo de ver, me encanta la música en cualquier formato o estilo, y tengo la suerte de vivir de ello. Gracias a Dios, lo he hecho durante más de 20 años. BILLBOARD.COM.AR

¿Por qué decidiste incluir un dibujo como arte de tapa? - Yo tengo una relación muy cercana y particular con Sergio Arauz. Él hizo la tapa de mi álbum Por Capricho, lo admiro un montón, y cuando decidí hacer la versión nueva de Manuscrito no quería poner una foto mía, así que lo llamé, le conté mi idea, le mandé algunas canciones y le dije que haga lo que quiera. La primera tapa que me mandó fue la de Manuscrito, la cabeza con los jeroglíficos, y no hubo discusión de nada, me pareció espectacular. Luego de eso hizo la tapa de “Juntos”, “Hojas del Viento” y “No Me Doy Por Vencido”, todos son dibujos diferentes y hermosos que además los usamos para hacer el video de “Hojas del Viento“, supongo que eso le habrá llamado mucho la atención a la gente porque llevamos una semana de que salió el video y tiene algo de 70.000 views.

CLAUDIA BRANT

“Escribir una canción es algo muy íntimo” Presentó Manuscrito Delux, trabajo que cuenta con nuevas grabaciones de sus éxitos más reconocidos como “Quién te dijo eso”, “Ni rosas ni juguetes”, “Invierno” y “No me doy por vencido”. argentina, radicada en estados unidos hace 23 años, ha logrado diversos premios a lo largo de su extensa carrea – Premio Grammy y Grammy Latino, entre otros -, y se ha caracterizado por formar parte en la composición de canciones de álbum de grandes artistas. Ahora, regresó para presentar Manuscrito Deluxe, una nueva versión de su álbum de 2011. “Estoy muy contenta con la salida del disco nuevo y con el sencillo con Nahuel. Estoy trabajando, como siempre, haciendo entrevistas y sesiones de composición”, señala. ¿Cómo fue trabajar con Nahuel en “Hojas del Viento”? - Soy fan de Nahuel, yo lo conocía hace muchos años, un amigo me había mostrado un video de él y me voló la cabeza. Fui a Buenos Aires a visitar a mis amigos y le mandé un mensaje por Facebook diciéndole que lo quería conocer, me contestó enseguida, arreglamos y vino para mi casa en Buenos Aires, estuvimos toda una tarde juntos y pegamos muy buena onda. Después de eso me lo encontré varias veces en los Latin Grammy, siempre nos quedábamos

charlando y hablábamos sobre hacer algo juntos, pero por diferentes circunstancias no se había dado. Hace como seis meses la gente de mi editorial me comentó que Nahuel iba a ir a componer un disco y me dijeron si no me gustaría juntarme con él a componer por Zoom, a lo que dije que sí, obviamente, nos conectamos e hicimos una sesión junto a León Cuye, donde hablamos sobre de qué sería la canción. Nahuel dijo que le gustaría hablar de cómo extraña a sus amigos y a toda la gente que quiere. Me puse a llorar porque no solo era Nahuel con su sensibilidad y su arte diciéndolo, sino también era yo en Los Ángeles con esta rutina de que dos veces por año me iba a Buenos Aires a ver a la gente que más quiero y ya llevaba un año sin poder hacerlo. Eso me pegó en un lugar muy particular, así que escribimos esta canción hablando sobre las cosas que nunca se van, sobre los lazos que uno tiene aunque pase el tiempo. Hicimos la canción y terminó no quedando en el disco de Nahuel, pero yo la quería grabar igual así que se lo plantee y la grabamos a la distancia, la producción se hizo en Rio de Janeiro y finalmente se dio, la amo profundamente.

¿Cómo llevás ser tan sincera en esta industria? - No es una tarea fácil porque hay muchísima política y trastienda, decir siempre lo que uno piensa y mantener la ética y la verdad no resulta a veces el mejor condimento en la adecuación, yo te diría que he sobrevivido casi 3 décadas de seguir reciclándome y trabajando en la industria, hablando a veces más y a veces menos, pero siempre manteniendo mi lugar. Es algo altamente complicado sobre todo en los tiempos que corren en los cuales hay managers, abogados y otros integrantes de la industria que a veces tienen ciertas prácticas no tan convencionales, a los que uno tiene que adaptarse pero cuando algo no le gusta, al menos en lo personal, no te podes callar la boca, entonces a veces se complica, pero he sobrevivido. ¿Fue fácil adaptarse a hacer colaboraciones entre compositores? - Vengo de una escuela en la que las canciones se hacían de a uno, dos o tres, entonces para mí que diez personas escriban una canción, que ni siquiera tiene el nivel de una obra maestra en la que se requería que haya tantas personas escribiéndola, me parece absurdo. Trato de estar en sesiones en las que no hay más de cuatro personas, cuando hay uno que está sirviendo café y otro que está en WhatsApp no entiendo la relación de esa persona con lo que se está haciendo. Creo que una canción no se puede hacer con disez personas, ahí hay alguno que no está haciendo nada, escribir una canción es una cosa de artesano, yo no necesito sentarme con Soledad o Diego Torres y veinte personas alrededor y tampoco necesitaría sentarme con CNCO y otras diez. Lo que pasa es que algunas sesiones en particular, en especial en el género urbano, hay mucha gente, yo hago algunas de ellas, pero trato de que el grupo sea más reducido. Si te fijas en las canciones de Manuscrito, que son todas conocidas y estuvieron en los charts, no hay ninguna que tenga más de tres autores y yo tengo un catálogo entero de 60 canciones de Luis Fonsi y todas son mitad y mitad. Escribir una canción es algo muy íntimo, uno debe tener un contacto muy estrecho con el artista y se necesita hablar casi como si se hiciera un psicoanálisis para poder escribir la canción, eso habiendo diez personas no se puede hacer.

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NOCHE DE CAMPEONES

Papo, Stuart y Dtoke deslumbraron en el evento transmitido en vivo a través del canal oficial de YouTube de Movistar Argentina.

n la quinta edición del movistar Fristyle, el público disfrutó de la destreza y habilidad de los traperos más importantes de nuestro país: Stuart, Papo y Dtoke, juntos lograron una explosión de rap deslumbrando la atención de miles de personas que lo vieron desde todos los puntos del país. Por primera vez en el rol de host en un FriStyle, Dtoke se lució atrevido y dinámico. Fue el encargado de presentar a sus amigos, juntos se divirtieron y rieron sin parar durante toda la velada, y recordaron anécdotas de los distintos freestyle de los que han participado. Se lo vio cómodo sorteando el desafío de animar esta edición con rapidez para que cada momento fuera una fiesta repleta de emociones. La presentación inicial fue para PAPO, que es parte de la elite consagrada del freestyle competitivo hispanohablante, además de ser un reconocido influencer digital creador de contenido rapero para YouTube y Twitch con millones de reproducciones y vistas. Como si esto fuera poco, participó junto a Trueno en la segunda edición del Movistar FriStyle que fue un verdadero éxito. Luego fue el turno de darle la bienvenida a STUART, campeón en la última edición de la FMS Argentina. Es uno de los mejores freestylers y raperos de la Argentina, y su destreza se caracteriza por el ingenio en sus respuestas. El show se inició en el momento que Dtoke les propuso que comiencen con una improvisación

compuesta de palabras que los fans compartían y la temperatura del Movistar FriStyle comenzó a subir sin escala. Luego con el “Piedra papel o tijera”, fue la antesala para ver quien daba comienzo al trapeo usando 12 palabras extraídas del ping pong. Luego, la transmisión tuvo su toque mágico y emocionante cuando poco a poco se fueron develando videos y fotos retro de los artistas generando un clima ideal para charlar de recuerdos cargados de anécdotas divertidas. Pasado este momento, Dtoke propuso cortar y tirar más leña al fuego y hacer que el ambiente cambie por completo con el juego “Adivinar el personaje” y cada uno de los participantes rapeó utilizando 12 palabras hasta que adivinaron de quién se trataba. Para cerrar la quinta edición del Movistar FriStyle, Stuart y Papo fueron sorprendidos por 2 videos de amigos de ellos, donde los saludan y les dejan a cada uno, una pregunta picante para que respondieran. Si querés ver como terminó, no te lo pierdas ingresando en Movistar Fristyle 2021. Este es el comienzo de más ediciones del Movistar FriStyle que se irán dando a lo largo del año para traer entretenimiento y música al público joven. Con este tipo de acciones, la marca acerca de manera gratuita entretenimiento y diversión llegando así a los jóvenes de todo el territorio argentino, logrando una mayor identificación, afinidad y acercamiento y confirmando al freestyle como un movimiento musical que convoca multitudes en todo el mundo.

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LAS PELOTAS / GERMÁN DAFFUNCHIO- GABRIELA MARTÍNEZ

“El álbum es una forma de mantenernos vivos” “Versiones Desde Casa” es un trabajo compuesto de ocho canciones propias en formato acústico y grabadas a la distancia, que la banda realizó durante los meses de cuarentena. POR SANTIAGO TORRES

lo largo de sus más de 30 años de carrera, Las Pelotas ha llegado a presentar 18 álbumes entre grabaciones de estudio, shows en vivo y recopilaciones. A principios del 2020, antes de que el confinamiento llegara a la Argentina, presentaron Es Así, álbum compuesto por 10 tracks entre los que se encuentran “Mira”, “Ya Lo Sabes” o “Díselo”, entre otras, que aún no pudieron presentar formalmente en un show. A lo largo del año, afectado por el confinamiento, el grupo estuvo trabajando desde sus casas para traer un nuevo disco: “Versiones…”. Sobre esto hablamos con la voz y guitarra, Germán Daffunchio ,y con la bajista de Las Pelotas, Gabriela Martínez.

no podía grabar la batería con muchos micrófonos. Que el audio esté bien, también quiere decir que algo aprendimos con los años. - G.M.: Somos bastante obsesivos con el sonido. Y como decía Germán, a través de los años y de los discos hemos ido aprendiendo a identificar qué es lo que queremos buscar, y tenemos más claro cómo llegar a ese objetivo, que antes quizás perdíamos mucho tiempo en eso… o bueno, quizás tampoco teníamos una buena guitarra acústica. También escuchamos otros sonidos como arpas… - G.D.: En “Víctimas del cielo” el arpa la grabó Soni en su casa y nada más, es todo magia lo nuestro (ríe).

¿Grabar es la mejor manera de estar activos en este contexto? - Germán Daffunchio: Claro que sí. Es una forma de mantenerse activo y vivo, si no te aplasta la realidad. - Gabriela Martínez: Es una forma de atravesar esta pandemia tan compleja, en la que habíamos quedado todos tan aislados y de poder compartir, estar cerca y despejar la cabeza de todo lo que pasó.

¿Qué opinás Germán de esta generación nueva que hace música con elementos tecnológicos? - G.D.: Cuando éramos chicos con Ale [Alejandro Sokol], usábamos grabadores: tocábamos y grabábamos arriba de lo anterior. Ahora es mucho más fácil poder hacerlo. Hoy ser artista, dedicarte a ser músico, es otra cosa, de todas maneras, podés tocar sobre bases pero tenés que tener talento y un gran espíritu de lucha y sacrificio.

¿Se ha emparejado el nivel de audio que se puede lograr desde las casas a un estudio profesional? - G.D.: Que el disco sea acústico es una consecuencia de los desafíos que teníamos que enfrentar para hacer el proyecto. Gustavo

¿Qué tan presente lo sintieron a Sokol durante el armado del álbum? - G.D.: ¿Por qué pensás que está presente? En realidad, una persona que se fue de este mundo te aparece en cualquier momento no solo cuando estás grabando. Si la pre-

gunta refiere a la selección de temas, fue una cuestión más emocional y espontánea que otra cosa. Buscamos a ver qué temas nos caían mejor para reversionarlos por una cuestión netamente de gustos. Hay temas más fáciles de elegir porque son más fáciles de reversionarlos y otros que no. El único tema que agarramos de la época de Ale es “Bombachitas rosas”, que en una época hacíamos una versión parecida a la que sacamos pero la hacíamos cargando al mismo tema, imitando a Julio Iglesias. A esa canción le hacíamos cualquier cosa, según el estado de ánimo. La que presentamos ahora, es una versión te diría de cuarentena, porque si algo representa “Bombachitas…” en los shows es un momento en que la gente explota y salta y se crea toda esa cosa. Entonces, esta versión es para escucharlas entado, tiene más melancolía y con otro fondo de la original. - G.M.: Respecto a la elección de los temas, creo que lo único que teníamos claro es que no fuesen canciones del último disco porque no había ni llegado a presentarse; es como que estábamos compitiendo con nosotros mismos, de hecho, ya es extraño lanzar un disco cuando todavía no se presentó el otro. ¿Cómo se vinculan este y su álbum anterior a la hora de armar lo que será su show en vivo? - G.M.: En realidad, teníamos preparado un set acústico para el show de abril, estábamos en el armado de hacer una parte acústica. G.D.: Igualmente es una visión muy optimista pensar en presentar el

disco, porque me parece que todavía falta mucho tiempo para poder pensar en un mundo más o menos parecido al que teníamos, al menos al nivel de un show con gente pudiendo saltar delante nuestro. ¿Los shows que ya se hacen en España o Estados Unidos son la antesala de lo que sucederá pronto en Argentina? - G.D.: Ojalá, esperamos algún día volver a tocar, después veremos cómo armamos. Hay muchas ganas acumuladas, imagínate: cuando estuviste toda tu vida tocando y de golpe nos encontramos recluidos sin poder hacer nada. Por eso el disco es una gran terapia que hicimos como banda en la que nos entretuvimos desafiándonos a nosotros mismos. Además, de la misma manera que fue una terapia para nosotros, buscamos que fuera una terapia para los que están encerrados en sus casas. Sobre el show, seguramente la parte acústica que teníamos pensada para tocar en el Hipódromo ahora es mucho más grande, y ahora… va a ser más difícil elegir los temas (ríe). ¿Como banda le encontraron algún aspecto positivo a este parate? - G.D.: Lo de descansar y bajar un cambio puede ser que te haga bien los primeros tiempos para no deprimirte. El viaje interno de cada uno lo tuvimos los primeros meses pero después llegó un momento que la realidad te aplasta. Te empieza a trabajar la cabeza, porque ¿de qué vivimos? Necesitamos tocar, es la fuente de alimento de un montón de familias.

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dándonos canciones. Le mandamos la versión, le re gustó y se sumó también. Pasó todo muy rápido, pero estamos muy felices de cómo se dio.

MYA

¿Se siguen sorprendiendo? - Maxi: Por supuesto, sí. Nunca habíamos tenido una sorpresa tan grande como la de “2:50” (remix) y todas las sorpresas, sean del tamaño que sea, si simplemente un artista nos dice “Qué buena canción”, todo. Vivimos con mucha alegría todos los pasos que damos. Si bien tenemos cuatro años en la industria – para mí poco tiempo – todavía estamos por lanzar nuestro segundo álbum y tener reconocimiento con alguna canción o generar esta conexión con gente es muy importante para nosotros. ¿Se imaginaban compartir un tema con Duki? - Agus: Uno sueña muchísimo con seguir compartiendo la música y hacer canciones con otros artistas. Admiramos una banda a Duki, es el abanderado del trap, un movimiento muy grande que puso a Argentina en otro lugar. Este es un caso más de que no hay que encasillarse en un estilo, se pueden combinar tranquilamente. Hoy en día estamos viviendo una época muy linda con las colaboraciones, con canciones que se comparten entre tres, cuatro artistas que se unen y hacen crecer mucho la canción, por el estilo y la cultura de cada uno. Estamos muy felices de habernos unido a TINI y Duki y creo que nos combinamos muy bien los tres.

“Vivimos con mucha alegría los pasos que damos” A un año de su versión original, el dúo convocó a TINI y Duki para el remix de “2:50” logrando su mejor ubicación histórica en los charts. POR JOSEFINA ARMENDÁRIZ

una fórmula explosiva: de eso se trata “2:50 (Remix)”, la nueva canción del grupo. A un año del lanzamiento que posicionó a Maxi Espíndola y Agustín Bernasconi como una de las propuestas más sólidas del género urbano en Argentina, llega la nueva versión, que ya se encuentra en el 5º del Billboard Argentina Hot 100. Para esta nueva entrega, MYA reclutó una vez más a sus productores aliados Mapache & Mosty y además sumó a Big One, productor y amigo que también colaboró en otras canciones de su segundo álbum, próximo a salir. Ya hablamos de 2:50, hoy llega el remix… - Maxi: Hace un año que sacamos “2:50” original. Nos marcó muchísimo y no esperábamos el remix, se dio de forma orgánica y lo estamos disfrutando a pleno. 56 B I L L B O A R D A R | J U L I O , 2 0 2 1

¿Cómo se dio este remix? - Agustín: No lo podemos creer todavía, TINI y Duki son dos grandes artistas, los admiramos mucho. Se dio cuando menos lo esperábamos. Una noche nos juntamos con amigos a comer algo y tocar la guitarra. Estaban Enzo, FMK, estaba el Duki también. Como siempre, post mesa sale la guitarra y nos ponemos a tocar temas acústicos de fogón, nos escanta ese plan. Ahí Duki se re copó con lo que hicimos, tocamos “2.50”, le re gustó y tiró un freestyle. Después de eso pensamos en hacer el remix, había pasado un año de la original y nos pareció bueno que tome vida de nuevo, con condimentos nuevos. A los dos días nos metimos al estudio con Duki, que la rompió toda y grabó sus partes. Con eso grabado se lo mandamos a TINI, que tenemos una relación de muchos años de amistad, de compartir escenarios y estar pendientes man-

¿Qué es lo que más les gusta de hacer música hoy? - Maxi: Elegiría siempre la actualidad. Hay un nivel de globalización, de compañerismo y de fusión increíble. Hoy en día las colaboraciones y la actitud de los artistas de querer hacer música juntos, reunirse en el estudio, buscar cosas nuevas y mezclar estilos es muy enriquecedor para la música en sí. Hace unos años se hablaba de que en el género urbano “era todo igual”, pero siento que hay muchísimas inyecciones de otros estilos combinándose ahí y crece cada vez más. ¿Qué le aportó esta canción a MYA? - Agustín: Siempre decimos que es de nuestras canciones preferidas. Creo que es la preferida. Justamente porque sentimos que apareció en un momento clave del grupo, a aportar algo que necesitábamos, una canción que nos defina 100% como somos: cantantes de música romántica, melódica, del género urbano. Estábamos buscando esa combinación, tener una canción con una linda letra, que podamos defender tocando con la guitarra, pero que tenga esa inyección de lo urbano que te haga bailar un poquito… y apareció en un momento clave. ¿Qué sigue? - Agustín: Obviamente ahora estamos a full disfrutando “2:50” (remix), haciendo la promo, muy agradecidos con todos los medios que nos están abriendo las puertas para que la canción siga creciendo; pero ya estamos pensando en lo que sigue: se vienen nuevas canciones, se viene el álbum, los shows. Vamos a estar en Buenos Aires, Córdoba, Rosario y Tucumán. Quizá agreguemos fechas en otras provincias, pero estamos con nuevas cosas que se vienen.

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mos una relación bastante real. Fuera del estudio también compartimos mucho tiempo, vamos juntos “molestando” por las calles de Miami (risas)

NOBEAT

Los imagino en el mismo peluquero… - Totalmente, él me dijo “tienes que hacerte trenzas, si no, no grabo contigo” (risas). No, mentira, no me dijo eso pero sí me dijo que me haga las trenzas para combinar en el videoclip. ¿Qué tiene Colombia que surgen tantos artistas de estilo urbano? - Creo que Colombia tiene mucho folklore, mucha música y mucha diversidad. Uno crece con eso inconscientemente y desde pequeño ya se le van pegando los diferentes estilos y los diversos géneros musicales. En mi caso, que soy de la costa, tenemos una vibra más de playa y relajada, más extrovertida. ¿Cómo es tu proceso de creación tanto como cantante como productor? - Siempre estoy pendiente de todos los puntos de la canción. Algunas veces empiezo desde la composición, otras desde la melodía… Como conozco tanto el programa y las notas musicales, a veces armo la canción entera en mi cabeza y después solamente lo bajo a la realidad. Mi cabeza está muy programada a siempre ser parte de las dos cosas, igualmente estoy completamente abierto a trabajar con otros productores. El proceso es chévere, ser parte de todo, qué mejor que uno mismo para elevar lo que tenemos pensado en un principio.

¿Estás contento con la recepción de “Medio Crazy”? - Claro que sí, va súper bien. La gente la ha apoyado bastante y los comentarios son realmente positivos. Es el comienzo de una nueva etapa, desde aquí darle las gracias a Khea por unirse. Lo que viene también está durísimo.

¿Cuán importante es estudiar la teoría? - Hoy no es tan necesario gracias a la tecnología. La mayoría de los programas te ayudan a armar una melodía o secuencias de nota sin la necesidad de saber mucho. Sí tengo que ser sincero con que la música es música, uno necesita saber qué son las notas, una melodía, un acorde… Sobre todo si son productores importantes. Saber de música es un bonus enorme, a mí por lo menos me acelera el proceso de una forma increíble. El día de mañana, voy a hacer una pista para mí o para otra persona y puedo estar seguro de lo que está sonando, un “do”, un “re”, tenemos un bajo por ahí, meto eso por el otro lado… Me gusta saber dónde voy a pisar y cómo voy a pisar, como si fuera un chef, no voy a ponerme a probar todos los ingredientes antes de mezclaros, ya hay que conocerlos. Si uno va a una sesión, la canción tiene que estar en cuatro o cinco horas, como productor no podemos estar ese tiempo solo haciendo un beat. Cuando voy al estudio en Miami y me cruzo con otros productores que la están rompiendo pienso: “Tengo que sacar un beat en 20 minutos, no puedo tardar más”. Imagínate no saber de música y tener que probar nota por nota con esa presión de tiempo, es imposible.

¿Cuál fue la primera vez que escuchaste a Khea? - La primera vez creo que fue cuando salió “Loca”, hace años ya. Personalmente, hace más de un año en Miami, la química entre los dos es muy buena. Tenemos canciones guardadas incluso, “Medio Crazy” surgió de todo ese proceso, tene-

¿Tenés algo en mente con otro artista argentino? - Soy fanático de todo lo pasa en Argentina, si fuera por mí haría colaboraciones sin parar. Tengo un par en mente pero no están pisadas ni concretadas, pero hay varias cositas pensadas que quisiera seguir haciendo con artistas argentinos.

“Soy fanático de todo lo pasa en Argentina, haría colaboraciones sin parar” El artista colombiano presentó “Medio Crazy” junto a Khea, compañero en Interscope Records. POR JULIÁN MASTRÁNGELO

ganador de una beca otorgada por los Grammy en 2015, estudioso de la música clásica, productor y cantante. Estas características han hecho que Nobeat sea uno de los nombres más relevantes dentro de la música urbana en estos últimos años, habiéndose sumado a Interscope Records y producido canciones como “Ayer Me Llamó Mi Ex”, de Khea. En esta ocasión, el colombiano volvió a reunirse con Ivo para presentar “Medio Crazy”, su último lanzamiento y que ya cuenta con más de 2.8 millones de reproducciones en su canal de YouTube. “La química entre los dos es muy buena. Tenemos canciones guardadas incluso, surgió de todo ese proceso, tenemos una relación bastante real”, afirmó. 58 B I L L B O A R D A R | J U L I O , 2 0 2 1

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SILVESTRE Y LA NARANJA

“Nos motiva que esté renaciendo una nueva escena”

la pre pandemia? - Estamos acostumbrados a tocar los temas que venimos ensayando cuando salen los discos. Históricamente era así. Ahora medio que se nos está juntando un poco todo, porque el disco anterior tampoco lo pudimos tocar mucho. ANIM4LES es de 2019, no tuvieron muchas chances de tocarlo - Justo: ¡No! Tuvimos un verano nada más para moverlo que ni siquiera. Tuvimos un show de fin de año, una girita sureña y después estábamos arrancando el 2020 con toda la intención de tocarlo con toda y bue… A dos semanas de que arranque la cuarentena teníamos dos shows y ahí quedaron. ¿Cómo suelen componer?, ¿primero música y después letras? - Fran: En general se nos va dando la música antes que la letra. La letra siempre es lo que más trabajo nos llevó, cada vez le estamos dando más bola y las trabajamos a la par. Pero históricamente siempre es así. Este disco fue maqueteado antes de ser grabado, no pudimos ni ensayarlo, fue pandémico, a los bifes. Recién ahora estamos ensayándolo. Estamos en ese proceso, trabajando la letra lo antes posible, darle la importancia que merece desde el principio, aunque después la tiene. Pero a veces uno después se ve forzado a encajar la letra en la melodía, quizá si uno la lleva a la par fluye más naturalmente.

Después de preparar el terreno con cuatro singles lanzaron “Supersticiones”, un álbum de diez canciones donde colaboran Goyo Degano de Bandalos Chinos y Esmeralda Escalante de AINDA. P O R WA LT E R G A R R É

supersticiones está compuesto por canciones producidas por ellos mismos, grabadas durante 2020 en Estudios Aguaribay, NN y NAK, mezclado por Nicolás Kalwill y masterizado por Carlos Laurenz. Si bien aguardan con ansiedad al momento de salir a los escenarios, la banda es consciente de que está en un contexto único para hacer música. “Nos motiva que esté renaciendo una nueva escena en manos de una nueva generación”, confiesa vocalista del grupo nacido en Pacheco, Provincia de Buenos Aires durante el 2011. 60 B I L L B O A R D A R | J U L I O , 2 0 2 1

¿Cómo se sienten con el lanzamiento de este nuevo álbum? - Justo: Estamos ahí en el post disco, recontentos. Tuvo buena respuesta, estamos con muchas ganas de tocarlo. Así que mostrándolo de todas las formas que podemos, pero re-manijas. Por un lado, el post disco es una sensación de alivio, de que el trabajo más fuerte ya se terminó; y por otro hay una ansiedad de moverlo para que la gente lo escuche. Estamos en eso. ¿Qué cosas cambiaron con respecto a

¿Cómo eligieron los feats? - Fran: La participación de Goyo pintaba para este tema, nos debíamos una colaboración con él, medio tácitamente porque nunca lo habíamos hablado, pero estamos bastante hermanados con los Bándalos. El tema pedía que se sume Goyo, es bailable y el Goyo nos hace bailar. La grabamos en plena pandemia, en agosto del año pasado, vernos en ese contexto fue hermoso. Ponernos al día, tener esa energía. Lo de Esme fue lo último que grabamos en el disco, faltaba ese toque femenino, el disco lo necesitaba. Quisimos un color que salga de la paleta de una banda de pibes. Creo que la escuchamos en un registro más grave al que solemos escuchar, muchos no la reconocían. Es la primera vez que hicimos feats y quisimos que sean lo más orgánicos posibles. Abrimos la puerta a las colaboraciones y nos gustó. ¿Qué tienen pensado para cuando puedan tocar en vivo? - Justo: Estamos súper atentos a ir al acecho cuando se abra la ventana. Es muy distinto todo, los shows, todo. Pero estamos dispuestos a mover el disco con los medios que tenemos, todos los espacios, redes, esta charla. Tenemos muchas ganas de salir a tocar apenas podamos, estamos aprovechando el tiempo que tenemos para ensayar y para componer el próximo disco. - Fran: Yendo a la teoría de la fácil cancelación, queremos arreglar y anunciar fechas cuando sepamos que va a poder ser. Pero somos optimistas con la primavera y cuando sea, pero creo que van a ser shows divertidos, así que estamos a la espera.

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SOFÍA VALDÉS

“Me siento vulnerable cuando canto en español” Luego de presentar su EP debut, la artista panameña presentó una versión de “Amsterdam” en español. POR JOSEFINA ARMENDÁRIZ

Si te decían hace cinco años que ibas a estar preparándote para el Lollapalooza, el Austin City Limits, el tour de Omar Apollo… ¿Te lo creías? - Hace cinco años tenía 15, 16 y juraba que iba a ser Hannah Montana. No tenía el sense of reality de lo que era estar en la industria. Recuerdo que a mis 11 años hice un cuaderno con cada año y las cosas que iba a hacer por año. Lo tengo hasta los 22. Todo lo que puse, pasó en el tiempo que definí. Sofía a los 11 años era mucho más segura que Sofía a los 21. En cambio, a los 19 yo 62 B I L L B O A R D A R | J U L I O , 2 0 2 1

iba a dejar de hacer música. Estaba en un momento muy difícil, estaba en Inglaterra y nada funcionaba. Iba a dejar la música y volverme profesora de yoga. Puse mis papeles para dejar la escuela y al día siguiente estaba cantando mis canciones en un lugar y alguien de la industria me reconoció e invitó a quedarme. Pasó de la nada. He tenido mucha suerte, de verdad me iba a hacer profesora de yoga. ¿Qué aprendiste de cantar en español? ¿Es un primer paso o algo de una vez? - Me siento mucho más vulnerable cuando canto en español. Por eso me gusta más cantar en inglés porque siento que hay un character más que yo. Cuando estaba cantando en español siento que es demasiado, muestro mucho. La traducción la hice porque no tenía una canción en español en el EP y porque en Panamá “Amsterdam” era la favorita y yo quería darles algo de vuelta. La sacamos bien, estoy muy contenta; pero para el futuro… siento que el idioma español es tan rico y para algo tan simple hay muchas formas de decir. Mis dos artistas escritores latinos favoritos son Jorge Drexler y Natalia Lafourcade. Es poderoso cómo escriben. Es algo que quiero hacer, pero lo tomo a tiempos. Es un craft, lo quiero hacer y lo quiero hacer bien. La canción comienza con un poema de Borges, ¿de dónde salió la idea? - Mi mamá me recitaba ese poema de chica y en la escuela también lo hacían. Ese poema del mar me recordó mucho al primer amor: la primera vez

que ves algo, el cielo, el mar. Conecté mucho con el poema y quise ponerlo en la canción. Le planteé al productor poner un poema y al otro día el productor me preguntó por “El Mar” de Borges. Los dos pensamos el poema aparte, fue súper cósmico. Lo pusimos y quedó súper bien. Era una idea extraña sumada a los aplausos de la canción. ¿Te gusta trabajar en equipo? - Me gusta mucho. A veces me cuesta en ciertas cosas porque el business de música es completamente diferente al arte de música. A veces a un artista, tan sensible y “loco”, que vive en su mundo, alguien emocional; choca con alguien más racional, más business. La gente con la que trabajo ha sido súper paciente conmigo, tengo la suerte de trabajar con gente abierta a mis ideas. ¿Qué cambió en vos? - Creo que me da menos miedo pisar firme. Creo que me siento más cómoda con guiar mi trabajo. Creo más en mi visión, en los sonidos que me gustan, en la música que estoy creando y en mí misma también. Suena súper cliché, pero eso de que nunca sabes qué puede pasar es la cosa más real que escuché en mi vida entera. Todavía me siento esa niña de 11 años escribiendo sus deseos en un papel y hoy en día me parece algo muy loco que cosas así puedan pasar. Obviamente hubo mucho esfuerzo y perdí muchas cosas intentando llegar a esto, pero sí se puede y es una locura pero en verdad hay formas de llegar a los sueños tan grandes y extraños que tenemos.

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GENTILEZA WARNER

sofía se conecta a la videollamada desde la calidez de su hogar en Panamá. Es una de esas artistas beneficiadas por la pausa global que trajo la pandemia. Luego de una reconexión con su familia y amigos después de un largo tiempo, dejará su país para subirse a los escenarios. Además de sus futuras presentaciones en el Lollapalooza y el Austin City Limits, Valdés fue invitada por el también latino Omar Apollo para abrir su tour por Estados Unidos. Durante 2020 comenzó a mostrar su música: dio a conocer los adelantos “Little Did I Know”, “Handful of Water” y el cover “The Sweet Escape” (Gwen Stefani). En 2021, adelantó “So Lonely” y finalmente presentó su EP debut, Ventura. Ahora Valdés rinde homenaje a sus orígenes hispanos y presenta una versión en español de “Amsterdam”, canción parte del EP. “En Panamá “Amsterdam” era la favorita y yo quería darles algo de vuelta”, relata. “Me siento mucho más vulnerable cuando canto en español”, confiesa.

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LENNY TAVÁREZ

“Hacer colaboraciones es mi universidad” Luego de anticiparlo en tres entregas o “seasons”, el cantante, compositor, bailarín y productor discográfico puertorriqueño presentó “Krack Season 4”, culminando así su nuevo álbum Krack. POR JOSEFINA ARMENDÁRIZ

tavarez define al título de la obra como un modo de pensar, como una forma de cristalizar su experiencia como artista: “Cuando buscas ser lo mejor de ti todos los días. Estás todo el tiempo tratando de perseguir eso, luchas todos los días y te conviertes en la mejor versión de ti, en un crack”. Krack consiste en 14 canciones: 10 de ellas son colaboraciones junto a artistas de América Latina. La primera temporada trajo los éxitos “La Pared 360” junto a Justin Quiles; “La Mujer Traiciona” con Beéle; “Acerola” con Cauty y Rafa Pabón y “La Neta”. Para la segunda temporada, lanzó “Discípulo” con Dalex; el video musical “A 100”; “TBT” con Brytiago y “Enfermo de Riqueza”, con Natanael Cano y Ovi. Más adelante, la temporada tres de Krack incluyó la colaboración con Zion & Lennox “Me Enamora”, “Sorpresa” y “Rutina” junto a Alexis y Fido y Kevvo. En esta última entrega, Tavárez presentó “Lo Tengo Todo”, “Kush” y el junte con Nicky Jam, “Imagínate”. ¿Por qué Krack? - Krack para mí se convirtió en una manera de pensar. Creo que es como una mentalidad, una forma de ser. Cuando buscas ser lo mejor de ti todos los días. Estás todo el tiempo tratando de perseguir eso, luchas todos los días y te conviertes en la mejor versión de ti, en un crack. Le puse así también porque para un puertorriqueño es algo muy negativo y oscuro, el estanca64 B I L L B O A R D A R | J U L I O , 2 0 2 1

miento en drogas. Para mí, como puertorriqueño, que me empezaran a decir crack luego de viajar para empezar a perseguir mi sueño, por una razón totalmente distinta, era ilógico. ¿Cómo puede representar algo tan negativo cuando yo soy lo opuesto? Lucho, trabajo, me esfuerzo: representa lo mejor de mí. Descubrí que luchando y dando lo mejor de ti puedes transformarte de algo totalmente oscuro a algo totalmente brillante. ¿Qué le dirías al Lenny de los comienzos? - A lo largo de mi carrera y mis dificultades, a pesar de tener mi familia o pareja no me sentía solo, no tenía razones para sentirme solo. Perseguir la fama te va a costar, porque tienes que entender a dónde vas, tu propósito, tienes que buscar algo que te llene más allá del dinero. Está probado que el éxito no tiene nada que ver con eso. Le digo a todos que empiecen a tratar de crecer espiritualmente lo más que puedan, que busquen conectar, perseguir su sueño de una forma no material. Cuando mueres haciendo algo que te gusta no se hace un trabajo. Buscándome internamente me encontré con Cristo, con Dios. No hago nada sin ponérselo en las manos, siento que ha sido la fuente de energía más positiva que he encontrado en mi vida. ¿Qué se siente hacer música con colegas, amigos? - Colaborar es, para alguien como yo, enten-

der que no me las sé todas. Hacer colaboraciones es mi universidad, es la única manera que tengo de crecer, de entender otra música, otra cultura, otras vivencias. De donde yo vengo, no viene Rauw Alejandro, no viene Nicky Jam, a pesar de que somos boricuas. Imaginemos con Cazzu, Paulo Londra. Estas colaboraciones son mi universidad dentro del género, me gusta más colaborar que hacer canciones solo. Cuando me invitan a colaborar, siempre quiero hacer que la canción conecte más con más gente. Digo “¿qué falta decir?, ¿qué puedo decir?, ¿le falta sexualidad?, ¿le falta picardía?, ¿le hace falta seriedad?”. Busco complementar lo que había. Es una lotería, nunca sabes bien cómo lo tomará el público. ¿Qué es lo que te motiva a seguir? - El hecho de que estoy vivo. Que respiro. El mundo no para de girar y yo tampoco. Tengo mucha hambre, qué más puedo hacer, en qué me puedo convertir. Es una lucha inalcanzable por seguir experimentando de qué estoy hecho, cuántas cosas positivas más puedo aportarle al mundo, más allá de música o el entretenimiento. La música es solo el carrito que me permite conectar con la gente, pero creo que detrás de eso vienen muchas cosas para hacer. Falta mucha música, colaboraciones, juntes que mis seguidores están esperando. Yo vivo para eso, vivo para vivir experiencias diferentes toda mi vida, componer y tratar de dejar un mundo mejor que el que encontré.

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DREFQUILA

“Este álbum me sanó” Su nuevo trabajo “Aunque Estén Todos Mirando”, es un EP con seis canciones que incluyen “Buenos Días” con el artista argentino Bhavi. POR JULIÁN MASTRÁNGELO

drefquila comenzó su carrera musical en la escena del freestyle chileno hace ya cinco años – momento de sus primeros videos en YouTube -. A lo largo de estos años, ha colaborado con artistas como Duki, en “Sin Culpa”, hoy en día con más de 130 millones de reproducciones en YouTube, Bhavi o Polimá WestCoast, entre muchos otros.

la mente activa explorando. Nace de querer innovar y querer hacer algo nuevo, quería romper barreras. Ya rompimos la barrera del freestyle a la música, así que ahora quiero romper la barrera dentro de la propia música. Este álbum me sanó musicalmente, fue el mejor tiempo invertido de toda la pandemia.

¿Qué significa “Sin Culpa” para ti? - Para mí “Sin Culpa” es la consagración de la amistad con Duki, de decir “lo logramos”. De haber hecho cosas en la calle batallando a un Spotify Camp en Miami, sabíamos que era un hitazo, es una locura completamente. Es el lanzamiento más explosivo que he tenido en toda mi vida, estoy muy agradecido con Duki.

“Agüita de Horchata” sorprende… - Tal cual, quise traer un poco más de música a la música. El trap tiende a ser muy digital así que quise pasar por ese filtro de llamar a músicos y hacer que la arreglen como corresponde.

¿Te consideras un puente entre Chile y Argentina? - Siento que tengo muchas historias con Argentina, una de mis batallas más conocidas es con Kodigo, de mis mejores amigos del freestyle es MKS… Con Paulo estuvimos de gira… Los conozco a todos desde antes de la fama. Disfruto mucho de su trabajo porque viví la transición del freestyle a los escenarios. ¿Se hizo difícil grabar el años pasado? - Es un disco muy necesario, me mantuvo con 66 B I L L B O A R D A R | J U L I O , 2 0 2 1

Se te ve activo en Tik Tok - ¡Sí! Me lo armé por una cierta presión social porque si no estás activo en todas las plataformas te quedaste en el pasado ¿Vives con esa presión? - Alto punto hermano. En el freestyle uno se pone nervioso el día del evento pero va, batalla y listo. Ahora no, todo depende de ti y de lo que puedas hacer. Creo que la mayor presión que vivimos es superar lo que ya hicimos. Un hit es fácil pero es muy difícil mantenerte y seguir superándote. La colaboración con Bhavi fue de lo me-

jor en cuanto a recibimiento, los comentarios fueron: “Necesitábamos esto”. - Se volvió loca la gente. Con Bhavi nos mandábamos cosas desde 2018, hasta salí en su último álbum. Calzaba mucho con el proyecto, era el mensaje de “ser tú mismo aunque estén todos mirando”. ¿Qué diferencia encuentras con el DrefQuila batallero? - Es una diferencia abismal hasta en actitud. Aquel Dref era tranquilo, reservado, no se metía en nada… Ahora no, es totalmente distinto, tengo que estar, soy metódico, más serio… Al Dref antiguo no le cambiaría nada, ojo, fue necesario para poder vivir este arco de personaje, como si fuera un animé. ¿Por qué seis temas en este EP? - La verdad es que tenía 30 hechos. El filtro fue decir “esta canción es increíblemente buena”, y eso fue tan fuerte que solo nos dejó con seis. No nos quisimos dar el lujo de hacer doce canciones y que solo cuatro sean buenas. Quisimos ir con lo mejor desde el principio. Por último, ¿volverías a las batallas? - Uff… Es muy difícil, están todos en un máximo nivel, me llevan años de entrenamiento, me demolerían.

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Snow Tha Product

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“Siempre quise ser muy como soy” Después de presentar “Te Va A Gustar”, con Alemán y ser la primera artista en cantar en inglés y español con Bizarrap en su Music Session #39, volvió a escena con el lanzamiento de “Qué Oso”, una vuelta a sus raíces mexicanas. POR SANTIAGO TORRES

omenzó su carrera artística hace más de una década, fecha en la que comienzan a aparecer sus producciones a través de plataformas digitales como YouTube. “La mexicana” se ha caracterizado por ser una representante del rap hispano pero con la particularidad de poder rapear y escribir en inglés, como deja claro en su tema “Bilingue”, por ejemplo, uno de los más populares de su recorrido. El pasado 28 de abril, Claudia Feliciano - su nombre completo - formó parte de la serie de producciones a cargo de Bizarrap, las “Bizarrap Music Session”, y se convirtió automáticamente en un éxito tanto en la Argentina como en el resto de países hispanohablantes - hoy día con más de 97 millones de reproducciones en YouTube -. Fue la primera sesión en la que algún artista cantó en inglés por lo que también marcó tendencia para sesiones siguientes, como la de Nicky Jam. Además de sus producciones musicales, Snow también cuenta con un podcast junto a su novia y su madre llamado “Everynightnights”, que se transmite los martes y jueves y dónde cuenta aspectos de su vida cotidiana y la relación de su familia con su carrera artística, entre muchos otros temas. “Me encanta poder hablar tan libremente de ser lesbiana, mexicana y rapera. Fue muy difícil al principio, sobre todo en la comu-

nidad anglosajona. Pienso que lo agradecida que estoy con los fans me hace querer seguir haciendo más cosas sin parar. Se están pegando algunas de mis canciones así que estoy agradecida con todo”, cuenta. ¿Cómo es ser “la mexicana” y también cantar en inglés? - Todo lo que he estado haciendo durante todos estos años es lo mismo. Mucha gente piensa que tienes que cambiar, pero justamente lo que lo está pegando ahora es lo que hacía al principio. Siempre quise ser muy como soy, por eso estoy contenta de que lo honesto sea lo que me está llevando a donde estoy ahora. ¿Por qué elegiste el rap y no el pop? - Estoy contenta de que mi carrera ha sido siempre muy influenciada por el rap agresivo. Me gusta ser muy técnica y mis líricas con mis letras. Ahora estamos cantando un poco más y agregando el español así que me alegro de que por fin le guste a la gente. ¿Cómo manejás la explosión que tuviste en Sudamérica? - Pienso que siendo la persona que soy necesitaba que mi carrera fuera paso a paso. Fue muy bueno que no haya sido una explosión de repente porque eso trae muchos haters y muchas críticas de la mano. Tengo mucha ansiedad y depresión por lo que no me gustaría tener una ola repentina de haters porque no sé

cómo podría manejar la situación. Qué difícil es para una mujer mexicana LGBT estar en esta carrera además, me ha llevado mucho tiempo porque me parece que soy única. ¿Qué sabés de las chicas argentinas? - No conozco a muchas realmente. He hablado con Cazzu, Nicki Nicole y algunas mujeres con las que pienso colaborar próximamente. Estoy trabajando con mucha gente y si ellos de verdad quieren trabajar conmigo, no soy difícil de encontrar. ¿Te manejás con la vibra del artista? - Exacto. Que tenga buena vibra, buena energía… No puedo estar pensando en que quizás este artista tenga beef con otro o haya tenido algún problema, tengo un hijo, mi familia… No necesito más que eso. ¿Sentís que el mundo en español está más unido en estos últimos años? - La cuarentena ayudó a colaborar. Puerto Rico y República Dominicana nos han enseñado al resto de los latinos a colaborar mucho más entre nosotros. Durante este último año nos hemos dado cuenta de que todos estamos en el mismo planeta y de que todos hemos sufrido el mismo lío de shows parados o cancelados. Pudimos ver qué fácil es mandar un mensaje directo a alguien y empezar a tener una relación.

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ALEJANDRO GUYOT

Matías Fernández Burzaco

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“Trabajamos con la palabra y tenemos que hacernos cargo” Es periodista y rapero, tiene 23 años y acaba de publicar “En Formas Propias”, el libro donde describe su enfermedad: fibromatosis hialina juvenil. POR SANTIAGO TORRES

l libro debut de matías fue editado por Tusquets en la colección Mirada Crónica, dirigida por la escritora y editora Leila

Guerriero. Si bien cuenta su dolorosa historia, hace foco en el humor, lo que oxigena el clima del relato. “Soy periodista e intenté hacer esta fusión entre escribir letras improvisando y mezclarlo con el periodismo y la literatura, el humor negro. Agarro mi enfermedad y trato de descansar a medio planeta”, cuenta.

Eva de Dominici nos recomendó tu música… - La empecé a seguir por Instagram, le mandé un corazón a ver qué onda y me contó que había leído una nota sobre mí, de una profesora que había dicho que yo era producto de incestos y venéreas. Me contó que había flasheado un montón con mi manera de contarlo, empezamos a hablar, hicimos un par de videollamadas y quedamos en hacer un videoclip juntos cuando venga a capital. ¿Dicen cualquier barbaridad? - Cualquier barbaridad. De todo, mucho está en el libro “Formas Propias”, que acaba de salir por Tusquets, de Planeta. ¿Cómo armaste el libro? - Lo hice todo yo. Me lo propuso un profesor de la facultad el último día de clases de segundo año de Periodismo Deportivo. En primer año había publicado notas en La Nación, Perfil y Página 12, escribía notas largas, yendo bien hasta el fondo sobre otros personajes, deportistas. Venía siguiendo a un profesor que escribía crónicas, perfiles, de esta fusión de periodismo y literatura y quería escribir sobre mí. Me dio un poco de miedo…

Si bien me había ido del todo bien con mis primeros pasos, un libro es otra cosa. Pensarlo, trabajarlo… La idea es que hayan un montón de conceptos y que el lector pase por varios estados al leer. En ese momento, no me sentía capacitado o animado, venía de la secundaria, fumar fasito con los pibes, rapear, tener ataques de pánico, estar en una. De golpe era mirar la enfermedad de frente. Era parte de mí y ya está. Tenía que estacionar en el espejo, mirarme, hacerme preguntas y mostrar la mirada de los otros. Eso es muy loco. ¿Sos lector? - Leo mucho: con el celu, novelas, crónicas, cuentos. Soy periodista e intenté hacer esta fusión entre escribir letras improvisando y mezclarlo con el periodismo y la literatura, el humor negro. Agarro mi enfermedad y trato de descansar a medio planeta. ¿Escribirías un guion para cine? - ¡Re estoy! Hace poco participé en un corto que estuvo en BAFICI y va circulando por varios festivales internacionales como Toronto, Ámsterdam, Cannes. Todo lo que tenga que ver con la escritura y el rap está conmigo. Duermo y sueño rapeando, estoy despierto escuchando historias de enfermeros vertiginosas y sangrientas. Me encanta estar quieto pero tener los ojos para retratar a los demás. En el libro me tocó retratarme a mí pero lo hice con todo el placer y las ganas de poder contarle a mis amigos. ¿Por qué rap y no rock, pop? - Estoy viendo si saco un disco o un tema, otro tema, otro tema. Pero sí, no hago trap, sino rap. Hay algo de rap, rock, punk, hay una mezcla de géneros y no pienso cuál es. Lo

que sé es que rapeo, no soy un gran cantante: sé hacer rimas y escribir, manejo ese terreno. ¿Con quién trabajás? - Con Bruno, un amigo de mi hermano de la UNTREF. Es músico, sabe de armonía, piensa e intenta hacer un trabajo complejo, no ir por las bases de rap predecibles. No interesa el hit, sino lo poético… - Sí, soy medio anti trap. O anti hegemonía. Me gusta demostrar que aunque esté todo roto físicamente la puedo pulir igual. Nos manejamos en términos de conceptos, le paso la letra, él me sugiere cambiar cosas, hace la base, freestyleo. Todo en mi pieza, que es mi propio estudio. ¿Por qué lo hacés? - Porque amo hacerlo y es mi trabajo. Y porque creo totalmente que en algún momento voy a vivir de esto. Estoy convencido. Creo mucho en la ley de atracción, me pasó con el libro. Lo tomó una editorial súper grande en menos de 10 días. Por cómo me estoy manejando, tengo 16 temas, creo que te pasé 4. Me estoy volviendo loco, quiero sacarlos todos y que se pudra. ¿Por qué dejaste la carrera de periodismo? - Siento que me aporta más hacer talleres de escritura con Juan Sklar, Leila Guerriero, Leila Suker, con escritores piolas que saben editar textos. Leila es la editora de mi libro, la number one de la crónica. Hice el libro solo, acompañado de otra Leila y después pensé en ella como editora porque es “la” cronista de Latinoamérica. Además de ser buena escritora es buena editora, no es lo mismo escribir bien que saber editar. Hay que saber editar a otro y decirle las cosas de una ma-

nera honesta, directa, ser tajante si es necesario. ¿Qué tiene que tener un artista que te interese? - No me interesa que ostente, que sea híper hegemónico y que hable del amor, a favor de la vida y la reproducción: lease putas, drogas, etc. No me representa. Tampoco me representa esto de colgarse de los lunfardos de otros países, de ser argentino y hablar como puertorriqueño. “Estoy en la “caie” chico quién eres tú”, teniendo un lenguaje argentino tan rico y estupendo, me parece un despropósito usar o copiar otras culturas, sabiendo que es algo nuestro. Respeto un montón de artistas que lo hacen, pero no me representa. Uno tiene que ser uno y no tiene que cambiar su vocabulario o forma de hablar para que los otros te escuchen o sigan. Prefiero ser yo mismo. Para mí es súper valioso lo argentino, el folklore. L-Gante me cae súper bien, por ejemplo. Dicen que inventó un lenguaje, pero no, habla como es él. Eso me representa a mí, la crudeza del barrio, los pensamientos introspectivos, las descripciones de los personajes que uno crea en sus letras o sobre uno mismo cuando canta, escribe, improvisa. Estamos trabajando con la palabra y tenemos que hacernos cargo de eso. ¿Cómo te llevás con los cuatro acuerdos? - Creo que la ironía y el humor negro es súper importante. Ser verdadero, uno mismo. En mi caso mezclo imágenes, pensamientos, escenas de barrio, hospital, sangre, enfermeros, con palabras. Con flow. ¿De qué barrio es Mati? - Flores, cien por ciento. La Plaza de Los Periodistas está a tres cuadras de casa.

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¿Hay algo que no sea positivo dentro del álbum? - Para ser sincero, hay algunas canciones que son un tanto depresivas, pero quería representar las dos caras de la moneda. Quiero que la gente sea feliz cuando escucha mi música y también que la disfrute en compañía para poder sentir la conexión completa y entender que todo se trata del amor. Uno no puede conocer el verdadero amor sin conocer primero su parte mala… - Exactamente. Si no conoces lo que es sentir celos, no podés saber lo que significa la verdadera libertad. Uno tiene que saber cómo es tanto la luz como la oscuridad, pero al final siento que se vuelven una sola. El público en la Argentina se quedó con ganas de verte. - ¡Yo también! Tenemos planes para viajar a Buenos Aires en diciembre. Quiero grabar música allá, pero la principal razón es poder volver a tocar en vivo junto con la banda. ¿Cómo fue el proceso de creación del álbum? - El álbum que grabamos en pandemia saldrá el año que viene. Love fue grabado justo antes de que todo explotara. Estábamos a punto de viajar para China a una gira de 26 fechas, estábamos muy emocionados por eso, y tres días antes todo se canceló. Cuando empezamos a grabar durante la pandemia tuvimos mucha suerte porque ya habíamos preparado un estudio casero en Portobello Road. Cuando no había mucho más que hacer, pasamos mucho tiempo creando música, por lo que diría que realmente fue un salvavidas.

Charlie Freeman

Todo lo que necesitas es amor Love, es el nombre del segundo álbum solista del artista británico que planea venir a tocar a Sudamérica a fin de año. P O R WA LT E R G A R R É

este álbum es para quienes “nos rodean y, sobre todo, para nosotros mismos”. Su nuevo trabajo fue grabado en JBJ Recording Studio, en Londres, y producido por Jamie Brown. “Me encuentro en España. Es una pena que todavía tengamos que usar mascarilla porque ya quiero que termine todo esto, pero amo este país y me encanta tocar acá. Mañana estaré viajando para Ibiza para la ronda de fiesta”, abre la charla con Billboard AR. Te vemos con un look distinto Charlie… - Estoy con un estilo a lo Billy Idol. ¿Estás viviendo un buen año? 72 B I L L B O A R D A R | J U L I O , 2 0 2 1

- Por suerte está siendo un año de trabajo. El 15 de febrero salí de Londres y viajé a Costa Rica, México y ahora España. Espero poder viajar pronto a Sudamérica, ojalá para fin de año. ¿Por qué decidiste llamarlo Love? - Es una gran temática. Es un álbum que trata sobre todos los aspectos del amor en la vida: amarse a uno mismo, que creo que es lo más importante de tener antes de poder amar a otra persona, amor hacia la gente, los altibajos de una relación y todo tipo de complicaciones. Siento que es un álbum súper positivo, está hecho para ser tomado como una celebración del amor.

¿Por qué decís que la música te salvó durante 2020? - Creo que cuando uno está atrapado de cierta manera debe manifestar su creatividad en alguna parte. El nuevo álbum es el más creativo y el más interesante musicalmente hablando. Todas las energías que tenía las manifesté en ese trabajo así que en cierto punto le doy las gracias a la pandemia por eso, me hizo hacer un disco muy bueno en mi opinión. ¿Vamos a poder escuchar algo de ese álbum este año? - El álbum en sí saldrá el año que viene, pero al menos dos singles los presentaré este año, alrededor de septiembre. Mi equipo está en Londres trabajando ahora mismo con ellos y dándole los toques finales. ¿Cómo ves el rock and roll actual? - Para mí siempre lo fue todo y siempre lo será. Haremos todo lo posible para mantener el rock vivo porque hay géneros hoy en día que están muy fuertes. Siento que es lo mejor de la música y hay muchos artistas que están dando todo lo mejor para que se mantenga como lo que es.

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abrir el paso había que remar, invertir, trabajar. Se trabajó mucho para eso y yo fui parte de eso: invertir, dormir poco, ensayar mucho, viajar, no ganar y perder, ganar poco. Es un trabajo, una inversión lo que se hace. Con los años te das cuenta que es la única forma, al menos en Argentina. Ir para adelante, lograr el sueño, ponerle pasión, hacer buena música, buenas canciones, respetar al público, mostrarse como uno es. Es un aprendizaje de muchos años: todos los días tenés que hacer un poco y cada vez mejor. Heavy metal, hard rock, punk… son géneros que siempre la tuvieron difícil, ¿pero una vez que llegan se ganan el corazón de la gente? - Eso es real, porque uno va cosechando lo que siembra. Todo lo que hicimos hasta hoy es para ganar más público, Empezamos por Argentina, seguimos por Latinoamérica, después nos fuimos para Europa, más allá, Estados Unidos, se fueron abriendo puertas. Pero eso es el trabajo, si uno no pone el lomo y el tiempo, morís en el intento.

Adrián Barilari

“Se ensayó, se enchufaron 24 canales y salimos” El vocalista presentó como solista su EP, Barilari X3. Volumen 1, que contiene la reversión del clásico de U2, “Todavía no encontré lo que estoy buscando”; “Sur”, de Aníbal Troilo y Homero Manzi; y su canción “Egoman”. P O R WA LT E R G A R R É

el cantante de rata blanca, banda con la cual grabó un total de ocho álbumes lanzó su nuevo trabajo: “Un pack de canciones que ahora hay que seguir por las plataformas. Es lindo sacar algo para la gente en estos tiempos de pandemia loca, con todos asustados en nuestras casas”. ¿Es conocido que cantás tango desde chico? - Sí, lo primero que empecé a cantar fue tango. En la vida fui aprendiendo de rubros y aristas musicales, pero de chico cantaba tango porque en casa se consumía mucho tango y para mí era un juego. Mi tío, que tocaba el bandoneón, me fue guiando y enseñando y con el tiempo fui aprendiendo de qué se trataba y que realmente es algo que nos identificó a los argentinos y a los porteños toda la vida. Hoy está devaluado, desvalorizado, y de alguna manera, con el tiempo quiero darme el lujo de cumplir lo que le prometí a él cuando era pibe: grabar un disco de tangos. Se dio la oportunidad, no la quería dejar pasar, me

siento con autoridad para hacerlo - no sé si bien o mal, el público dirá - pero hicimos un trabajo digno. Canto tangos clásicos, de aquella época: Gardel, Julio Sosa, Cobián, Cadícamo. Me di el gusto, uno de ellos va a salir en este pack junto a una canción dorada de las que hice en 2007 y junto a uno de mis temas de los cuatro discos solistas de hard rock. Feliz porque están hechos en vivo, los grabamos así. Se ensayó, se enchufó, 24 canales y salimos. Es en vivo. Se mezcló en el momento y todas las fallas son para darle a la gente una calidad de audio de esa época. Y también se filmó. Está bueno porque son distintas bandas: una de rock, una de rock/pop y una de tango. Hubo que ensayar y laburar bastante para hacerlo, pero sabíamos que íbamos a darle ese uso y la gente de Pelomusic dio la oportunidad de presentarlo así. ¿Sos un laburante de la música? - Vengo de un rubro difícil. El metal nacional siempre fue complicado, más en los 80s. Para

¿En qué momento te diste cuenta de tu talento en la voz? - Mi mamá es la fan número uno. Ella incentivó mi carrera desde muy chico, me llevó a la televisión, insistía. Mi hermano, mi viejo, mi familia: si estoy acá es por ellos. Es muy importante que la familia apoye un sueño. Al principio era un juego, no un sueño. Después sí se convirtió en algo que quería hacer: grabar discos, tener bandas. Si no era por ellos, no me daba cuenta, quizá abandonaba. De adolescente me di cuenta que quería cantar un poco más, hice de todo, canté folklore, canté melódico, todo lo que se me puso adelante que yo me animaba a cantar, yo lo hacía: era un aprendizaje. Fue un aprendizaje de 30 años de tocar, rodar, meterse en bares, pegar afiches para que vayan 20 personas como mucho. Es un laburo, ahí me di cuenta que era lo que me gustaba. Qué importante el apoyo de la familia... - Fui un privilegiado. En esa época, los padres que veían a sus hijos con una banda no les gustaba, decían que vayan a estudiar. Había que invertir plata y tiempo. Mis viejos me apoyaron, yo nunca dejé de estudiar, pero en los tiempos libres invertía tiempo en la música. El fruto lo fui viendo de a poco. ¿Cuánto laburo hay en la voz? - Lo mío es un don. Creo que tuve la suerte de nacer con el oído afinado y una voz privilegiada. Esto vino puesto y agradezco que haya sucedido. Hay gente con buena voz y sin oído y gente con oído y sin buena voz. Yo vine con el combo y esa fue la posibilidad que me dio de hacer esto. Es un don, por eso tuve la suerte. Podría haber sido cualquier otra cosa, pero tengo que reconocer que los que me rodearon vieron en mí la posibilidad y me apoyaron: familia, amigos. Todos me apoyaban. “Seguí, seguí, seguí”, quizá no pasó nada, pero seguí. Esa insistencia hizo que yo esté en el lugar indicado por el 89’ con Rata Blanca, donde me di cuenta que a los sueños hay que perseguirlos.

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Pilar Pascual

“Me gusta mucho la historia que cuenta la canción” Así se refirió a su nuevo single “Guardaré”, que completa una trilogía junto a sus canciones anteriores “Si lo hacemos los dos” y “Sólo me importa”. POR JULIÁN MASTRÁNGELO

la artista neuquina que presentó la última pieza de un trabajo que refleja una gran historia de amor: se trata de una balada a la que llamó “Guardaré”. A su vez, la artista se encuentra en plena preparación de Cielo grande, nueva serie de Netflix en la que tiene un papel protagónico y que está enfocada en el público adolescente. Se trata de una serie musical que combina acción, misterio y romance. Un grupo de adolescentes trabajan para salvar un viejo hotel especializado en deportes acuáticos y perdido en medio del delta argentino. ¿Cuándo comenzaste a sentir el apoyo de la gente? - Creo que ese momento podría ser cuando empezó Go! Vive a tu manera; fue un boom de un día para el otro. Hay gente que empezó en ese momento y me sigue apoyando hasta el día de hoy con otros proyectos. Son un amor y estoy siempre súper agradecida. ¿Cómo se vive esa nueva popularidad? - Es una locura, muchas veces me escriben diciéndome que lo que hago los inspiró a meterse 74 B I L L B O A R D A R | J U L I O , 2 0 2 1

en clases de canto o de baile. Y la verdad es que es hermoso poder inspirar a alguien a que se dedique a lo que le gusta y cumpla sus sueños. ¿Cuándo eras más chica a quien admirabas como ellos te admiran a vos? - En su momento me gustaba mucho Patito Feo: era súper fan, fui a ver el show en vivo y me encantaba. En ese momento recuerdo que me dije: “Quiero hacer una serie así con temas musicales”.

despertarse en la mañana para ir a grabar… son cosas que disfruto mucho.

¿De que se trata tu nuevo proyecto? - Bueno, estamos en el proceso de grabación de “Cielo grande”, así que estoy muy emocionada porque está quedando todo muy lindo y sé que les va a encantar. Ya quiero saber cuando se estrena para poder decirlo.

¿Cómo fue el proceso de creación de “Guardaré” ? - Justo Damián y Ezequiel que son los que me habían ayudado con “Sólo me importa” y “Si lo hacemos los dos” me muestran poco de esta canción, y yo les digo que bueno, y si le metemos un poco de esto… y así empezamos a crear esta historia y así se dio que fue la última de la trilogía. Me gusta mucho la letra y la historia y encaja perfecto con las anteriores. Fue un buen trabajo en equipo. Y en el videoclip en casi todas las tomas lloré, y me preguntaban por qué. Bueno es una canción en la que la letra es un poco fuerte y habla del amor a distancia, de la separación, y lo que duele cuando terminas con la persona que amas.

¿Qué sentiste tener la posibilidad de volver a grabar después de la cuarentena? - Fue hermoso y emocionante volver a la grabación y volver a trabajar después de tanto tiempo. Obviamente con todos los protocolos que, por ejemplo, nos obliga hisoparnos todas las semanas, pero volver a trabajar es hermoso y somos afortunados los que los estamos haciendo. Volver al set,

¿Cómo se conecta la actriz con la cantante? - Creo que siempre que actué de un personaje ese personaje tendrá algo de Pili, y en la música todavía más porque muchas veces refleja algo que hice, o una historia mía. Así que en la música hay más de Pili todavía.

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Una bola de fuego de rock El segundo álbum grabado por la formación clásica de Gillan, Blackmore, Glover, Lord y Paice, Fireball, afirmó definitivamente a Deep Purple en la senda del hard-rock progresivo, con una energía y una química musical únicas. Por Alfredo Rosso

a reputación de deep Purple se edificó, sin duda, en tres álbumes que la banda grabó entre 1969 y 1971: Deep Purple In Rock, Fireball y Machine Head fueron piezas fundamentales en la historia del hard-rock progresivo. Hacia mediados de 1970, Deep Purple había pasado de ser prácticamente desconocido en su país natal, Inglaterra, con un par de hits del otro costado del Atlántico, a convertirse en una de las bandas de mayor éxito comercial de la década que comenzaba. El álbum In Rock había permanecido más de un año en los charts del Reino Unido y Deep Purple era ya un punto de referencia obligado entre las nuevas corrientes del rock inglés. Este logro, sin embargo, tuvo su precio. Ritchie Blackmore se sentía reivindicado por haber sugerido el curso más duro y progresivo que adoptó la música de Purple y que les dio aceptación masiva. Junto con el cantante Ian Gillan, el guitarrista era ahora el foco de atención de la banda, y es factible que una eventual incompatibilidad de personalidades pueda haber encendido la chispa inicial de futuros roces. Las giras constantes también le habían pasado a Purple su factura en términos de deterioro físico: el organista Jon Lord se quejaba de molestias en la espalda y el bajista Roger Glover debió ser atendido por agudos dolores estomacales que resultaron ser producto del stress. Así y todo, el éxito servía por el momento como panacea para esos males y la prensa especulaba sobre la futura dirección de la banda. A fines de 1970, esa incógnita

quedó develada: en una movida típica de la época: los músicos, con sus novias, esposas y asistentes, se habían ido al campo, a Devon, para trabajar en nuevas canciones en un entorno más natural y armonioso. No faltaron las distracciones, pero la banda se las arregló para componer la base del que sería su próximo single, “Strange kind of woman”, y en enero de 1971 aprovecharon una pausa en su febril ritmo de actuaciones para empezar a grabar Fireball en los estudios De Lane Lea y en Olympic, que ya tenía dieciséis canales. Allí Deep Purple grabó “The mule”, que tenía uno de los riffs más memorables del álbum. A los fans más perspicaces puede haberles llamado la atención la diferencia en el sonido de la batería de Paice al principio y al final del tema. Eso se debe a un error del ingeniero de grabación, quien por descuido borró parte del canal de la batería al experimentar con efectos de cintas pasadas al revés. A esa altura, el instrumento de Ian Paice ya había sido despachado a Europa para las próximas actuaciones de la banda, por lo cual la única forma de salvar la grabación era utilizar otra batería, pero no lograron que sonara exactamente igual, de allí la diferencia. En esas sesiones se grabó también “Freedom”, una canción pensada para los bises de la banda –en reemplazo de “Lucille”- que luego fue descartada, hasta que se incluyó en la edición expandida de Fireball, editada en CD en 1996. Otro tema registrado en enero del 71 fue “I’m alone”, designado para ser el lado B del simple “Strange kind of woman” La última canción grabada ese mes se

llamó “Slow Train”. Había sido compuesta en el campo de Devon y por alguna razón no sólo no integró la edición en vinilo de Fireball, sino que también permaneció inédita hasta la citada reedición expandida del ’96. Deep Purple tocó en el Royal Albert Hall en febrero de 1971 y luego aprovechó otra pausa entre actuaciones para volver al estudio. El tema que grabaron esta vez fue “No one came”, otro de los puntos altos de Fireball. Un tema extenso, con muy buenos solos de Lord y Blackmore y un curioso falso final. El grupo no estaba satisfecho con la manera en que concluía, por eso decidieron añadirle de vuelta el riff principal al final y mezclar unos cuantos compases del teclado de Jon Lord sonando al revés. Ese mes de febrero del 71, en medio de una gira por Escocia, Purple volvió al estudio para grabar el tema que no sólo iba a abrir el álbum sino que, además, le iba a dar su título. El efecto del principio de “Fireball” es el sonido del aire acondicionado del estudio al encenderse. Las sesiones de marzo de 1971 en Olympic dieron como resultado “No no no”, un tema original de Ritchie Blackmore de ritmo sostenido y dinámica cambiante, y también “Fools”, con sus pasajes sinuosos y etéreos, acordes con la temática de su letra, que habla de una persona que muere y su espíritu contempla al mundo que dejó y lo ve gobernado por tontos y locos, de allí el título. Otra de las canciones fundamentales de Fireball es “Demon’s eye”, con un riff irresistible y un toque de diabólico misterio, sumado a la tradicional impronta heavy de la banda. El tema debutó

en vivo en los recitales que Purple realizó en Birmingham y Newcas tle en junio de 1971. Si bien no todos los miembros de Deep Purple lo consideran un clásico, el cantante Ian Gillan ha tenido cálidas palabras para el álbum: “La razón por la que me gusta tanto”, declaró, “es porque, desde mi punto de vista de compositor, fue el comienzo de grandes posibilidades de expresión y varias canciones son verdaderamente ingeniosas.” Asimismo, es interesante comprobar el efecto que Fireball tuvo en futuras generaciones de músicos. El guitarrista Yngwie Malmsteen su hermana mayor se lo regaló cuando tenía ocho años y que “cambió todo para mí”. Por su parte, Lars Ulrich, baterista de Metallica, afirmó que después de haber visto a Deep Purple en un recital de Copenhage con su padre, al día siguiente se compró Fireball y que tanto el show como el disco dispararon su interés por la música de hard rock. Fireball salió en septiembre de 1971 y alcanzó el primer lugar en Inglaterra y un alentador puesto 32 en Estados Unidos. La prensa, en aquel momento, estuvo dividida entre los que saludaron el nuevo rumbo musical, más diverso y expansivo, y los que lamentaron que no hubiese quizás una unidad de concepto tan sólida como la de In Rock. Como fuere, el público consagró a Fireball y, visto a la distancia, fue otro de los peldaños en el suceso descomunal que conseguiría la banda en años sucesivos, sobre todo con la aparición del siguiente álbum, Machine Head, que le brindaría a Deep Purple una popularidad masiva sin precedentes, a escala mundial.

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E M E R G E N T E S

Fede Yuyo “Parque Camet”

Axel Noguera “La fuente de tu voz”

se trata de ocho canciones agrupadas en forma de disco que lleva el nombre del parque marplatense, icónico para el músico. Fede Yuyo, músico y compositor argentino, tecladista de la banda Pancita, lanzaó su primer disco solista titulado Parque Camet, producido integralmente por Carli Arístide -músico, productor musical y además guitarrista de Lisandro Aristimuño-. El álbum es un viaje simbólico a un lugar muy significativo para el músico. A lo largo de las canciones invita a transitar sus experiencias, pensamientos y sensaciones íntimas y personales. “Un cruce entre nostalgia, expectativas, reflexión y acción, conforman la imagen completa del disco, que se abre paso en una sonoridad con gran presencia de ambientes y climas, que el piano, los sintetizadores y las sutiles guitarras proponen contemplar”, señala. En el corte “Camet” – último track del disco- se concentra gran parte de la conceptualidad y sonidos que tiene este trabajo: “Un lugar donde suceden muchas cosas y atemporal a su vez. Cerca del mar pero con los pies en la tierra. Hay recuerdos y deseos, sueños y realidades. Sensaciones que resumen muchos de mis procesos artísticos y personales en uno mismo: el crecimiento”, sintetiza Fede. “Una de las cosas más lindas que tiene Parque Camet es todo el trabajo que hay puesto en la obra, no solo en lo musical sino también en lo conceptual y visual”, agrega. El arte de tapa es obra de Fernando Claps, y la foto de tapa es de Brenda Sofía Molina.

se trata del primer adelanto del lp del músico, compositor y productor oriundo del oeste del Gran Buenos Aires. Axel Noguera presenta así “La fuente de tu voz”, una canción compuesta luego de un sueño. Movilizado por el alivio que sintió después de un sueño, escribió este single que adelanta parte del concepto y estética que atravesará su primer disco solista. La canción -también basada en una novela que el artista está escribiendo- mezcla rock progresivo, electrónica experimental, pop y una estética lo-fi. Axel Noguera -de la mano de Tertulia, su alter ego desde el que crea esta nueva obrada vida a “La fuente de tu voz”. El sencillo abre un universo poético, cálido e introspectivo que invita a la liberación de emociones y al entendimiento de la naturaleza humana. Axel revela que la canción surgió en 2009. Tanto la melodía como la letra cayeron después de un sueño del que se despertó triste, pero aliviado. “Era un momento de quiebre en mi vida y, habiendo pasado tantos años con la regla absurda de no llorar ni manifestar angustia en público por miedo al rechazo y la burla de otros, esta canción surge desde mis adentros como una necesidad de hacerme notar”, revela. Agrega que la novela, que aún no está concluida, es la excusa conceptual de todo el álbum. Compuesta y producida por el mismo Noguera, la canción cuenta con la participación de la cantante Lara Ferreiros y fue presentado junto a un videoclip de animación realizado por Candela Robles en conjunto con el compositor.

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Fly Fly Caroline “La Tristeza”

Joaquín Plada “Cabito”

se trata del lanzamiento más reciente de la banda cordobesa, ecléctico proyecto musical que nace de la vocación creativa de Carolina Merlo quien, en búsqueda de un sonido propio, comenzó a fusionar diferentes géneros musicales y expresiones artísticas. Fly Fly Caroline presentó así el video de “La Tristeza”. La canción fue compuesta por Carolina Merlo grabada durante el 2020 en Arcadia (Córdoba Capital) y producida junto a José Gabriel Gentile. El video de “La Tristeza” (Kanashimi) fue dirigido por Pibito Pupa, la cámara y montaje de “La Tristeza (Mahou)” estuvo a cargo de Maru Aparicio. Carolina Merlo, compositora de la banda explica la doble narrativa: “Los videos son muy opuestos al igual que las versiones. Pareciera que son de dos mundos diferentes y a la vez no, porque la canción y el mensaje es el mismo, pero están narrados desde dos ángulos muy distintos. El primero es la explosión, el vínculo con los demás. Y el segundo es muchísimo más íntimo, donde quisimos mostrar lo que sucede luego de la explosión: ese momento de reflexión, de vacío interno que vivimos les artistas cuando retornamos al momento donde no estamos haciendo arte.” José Gabriel Gentile, productor de ambas versiones, describe cada una de las versiones: “La Tristeza I (Kanashimi) es permitirnos llevar la emoción y las palabras a un contexto de alta energía, usando timbres no reales, guitarras fuera de lo común, mucho sound-designing para crear un ambiente inusual. Queríamos tener nosotros y darle al oyente una experiencia sonora intrigante, poderosa, diferente, una pincelada de animé musical. La Tristeza II (Mahou) “es la bajada del mensaje a tierra. Es una versión más cercana al alma original de la canción, sin embargo, no queríamos que sea solo una versión al piano. Por eso es una orquestación del arreglo original de piano y voz, desmembrando las melodías internas del piano con diferentes timbres, como una orquesta de sintetizadores y voces”.

el compositor y productor uruguayo sorprende con su nuevo simple, tercer y último corte de lo que será su próximo disco. Esta nueva canción, compuesta por él y escrita en colaboración con su pareja (Bárbara Abbott), describe con ternura, profundidad y humor la cotidianidad de su perro Cabito. “Cabito” homenajea el rock nacional de Charly y Fito en las melodías y el Groove, y en la armonía se nota la influencia de Donald Fagen, Prince y el funk de los 90. Así como los demás temas de este álbum, “Cabito” fue producida por el mismo y cuenta con la participación de músicos como Guille Salort, Fran Azorai, Brian Vainberg, Ushi cerviño y Fito Nicolau. El mix, una vez más, a cargo de Guido “El dog” Ruggiero (Lo Pibitos) y fue masterizada por Mariano Bilinkis (Las Pelotas, Catupecu Machu, Estelares, Diego Frenkel y muchos más). “El videoclip fue dirigido por Juan Martin Cambariere (De Cambas) quien logró captar el amor y la intimidad de la relación entre Plada y Cabito con frescura y diversión. Por supuesto, el perro es el protagonista del clip”, destacan. Joaquín Plada es compositor, arreglador musical y productor nacido en San Carlos, Uruguay en 1990. En 2009 graba su primer LP Cómo Llegar a Ser Humano producido por Waldo Madera y grabado en Buenos Aires. Luego en 2017 lanza el EP Gurí Corcundo y en 2020 los primeros dos adelantos de lo que será su próximo disco: “Los Días” ft Julian Kartun y “Al Pie Del Cañón”. A lo largo de su carrera ha trabajado como productor de una infinidad de proyectos y ha compartido festivales con artistas y bandas como Chambao, Drexler y Fito Páez entre otros.

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BILLBOARD GLOBAL 200 JUN. 26 2021

3 WKS

GOOD 4 U

BUTTER

SAVE YOUR TEARS

YONAGUNI

MOOD

HEARTBREAK ANNIVERSARY Giveon 10 18

BODY

Olivia Rodrigo

BTS

The Weeknd

45 46 48

Bad Bunny

La canción en español y japonés de la estrella puertorriqueña (que lleva el nombre de la más occidental isla de Japón) se mantiene entre los cinco primeros con 80,3 millones de transmisiones y 2100 vendidas en todo el mundo.

TODO DE TI

LEVITATING

24kGoldn Feat. iann dior

Tion Wayne X Russ Millions 11

2/CATORCE Rauw Alejandro X Mr. Naisgai 45 6

GOOSEBUMPS

22 22

ZITTI E BUONI

BOTELLA TRAS BOTELLA

Travis Scott & HVME 15 25 Maneskin 22

Nio Garcia X Flow La Movie 24 10

DANCE MONKEY

EL MAKINON

Gera MX + Christian Nodal

Tones And I 16 41

Karol G & Mariah Angeliq 39 12

ENOUGH FOR YOU

LATE AT NIGHT

Olivia Rodrigo 13

Roddy Ricch 27

Rauw Alejandro

DON’T START NOW

Dua Lipa Feat. DaBaby

RAM PAM PAM Natti Natasha & Becky G 52 5

Doja Cat Feat. SZA

86 147 60

Justin Bieber Feat. Daniel Caesar & Giveon

Olivia Rodrigo

KISS ME MORE

MONTERO (CALL ME BY YOUR NAME)

Lil Nas X

Dua Lipa 30 41 4

Polo G & Lil Wayne 44

Cardi B

GANG GANG

PEACHES

PERFECT

DEJA VU

SOMEONE YOU LOVED

Ed Sheeran 30 41 Lewis Capaldi 24 41

ASTRONAUT IN THE OCEAN Masked Wolf 3 21

TELEPATIA

Kali Uchis 10 17

LEAVE THE DOOR OPEN Silk Sonic (Bruno Mars & Anderson .Paak)

1 STEP FORWARD, 3 STEPS BACK

Olivia Rodrigo 17

Olivia Rodrigo

BLACK HEARTED

Olivia Rodrigo

WELLERMAN

Polo G

YOUR LOVE (9PM)

The Weeknd

FOREVER AFTER ALL

TRAITOR

DRIVERS LICENSE

RAPSTAR

HOT SHOT DEBUT

BLINDING LIGHTS

HAVING OUR WAY

HAPPIER

NEW

COVER ME IN SUNSHINE

BED

BTS

BEST FRIEND

Los Legendarios, Wisin & Jhay Cortez

NEW

MODERN DAY

NEW

MALIBU

STREETS Doja Cat HATS OFF Lil Baby, Lil Durk & Travis Scott 23 2

Olivia Rodrigo

DYNAMITE FIEL

I WANNA BE YOUR SLAVE Maneskin 21 4

38 24

FAVORITE CRIME Olivia Rodrigo FRIDAY Riton X Nightcrawlers Feat. Mufasa & Hypeman 18 17

BEAUTIFUL MISTAKES Maroon 5 Feat. Megan Thee Stallion 24 15

90 76

BUILD A BITCH

Bella Poarch 20

NEW

SOLAR POWER

Lorde 26

NEW

THOT SHIT

Megan Thee Stallion 27

72 72

PAREJA DEL ANO Sebastian Yatra X Myke Towers

NEW

NEED TO KNOW

Doja Cat 29

88 57

QUE MAS PUES? J Balvin & Maria Becerra 30 3

BRUTAL

HEAT WAVES

ARCADE

NEW

LOST

NEW

DINERO

CALLING MY PHONE

SHAPE OF YOU

80 83

MIENTEME

AVALANCHE

GG STRAIGHTENIN

Polo G 78

Majestic X Boney M. 72

Maroon 5 81

Trinidad Cardona 82

Moneybagg Yo 58 8 Justin Bieber

Lil Tjay Feat. 6LACK

Ed Sheeran 68 41

Billie Eilish 15

SUNFLOWER

Maneskin 37

101 101 99

LEAVE BEFORE YOU LOVE ME Marshmello X Jonas Brothers 89 4

NEW

TOXIC

BANDIDO Myke Towers & Juhn TRANSPARENTSOUL Willow Feat. Travis Barker 92 2

Post Malone & Swae Lee 47 41 Polo G 90

Migos 40

TWICE 41

107 108 94

HEARTBREAK ANTHEM Galantis, David Guetta & Little Mix 83 4

134 134 52

PALE BLUE

Kenshi Yonezu 52

SAVAGE LOVE (LAXED - SIREN BEAT)

Jawsh 685 x Jason Derulo

Harry Styles

TINI X Maria Becerra 80

Bad Bunny & Jhay Cortez

WATERMELON SUGAR

Coldplay 24

Polo G Feat. The Kid LAROI & Lil Durk 38

ALCOHOL-FREE

Tiesto

BEGGIN

Duncan Laurence 36 20

WITHOUT YOU The Kid LAROI WANTS AND NEEDS Drake Feat. Lil Baby 2 15

DAKITI

80 B I L L B O A R D A R | J U L I O , 2 0 2 1

RASPUTIN

HOLD ON

79 80

NO RETURN

77 73

148 190 43

PAINTING PICTURES

SAINt JHN 14 41

Olivia Rodrigo Glass Animals 31 24 10 30

176 176 41

ROSES

WOCKESHA

LOST CAUSE

77 78

NEW

HIGHER POWER

125 125 15

Migos Feat. Polo G 73

THE BUSINESS

NEW

Migos 72

Saweetie Feat. Doja Cat 31 23

P!nk + Willow Sage Hart 49 15

Joel Corry X RAYE X David Guetta 48 15

106 37

Luke Combs

Nathan Evans ATB x Topic x A7S 37 19

50 48 34

Polo G 65

Migos Feat. Drake 17

28 28

Migos 42

JEALOUSY, JEALOUSY Olivia Rodrigo 19 4

129 129 92 87

HEAD & HEART

Joel Corry X MNEK 17 41

3 41

www.prensariomusica.com

Restricciones y cierres con la segunda ola

Buenas noticias desde el exterior La segunda ola de Covid llegó antes de lo esperado a nuestros países. Si bien permitió algunas aperturas durante el verano, las nuevas variantes del virus le están ganando en velocidad a la vacunación y los gobiernos recurren nuevamente a las restricciones. En Argentina el mensaje es confuso para la cultura y el entretenimiento. Si bien se mantiene el compromiso de no suspender las actividades, las restricciones en la circulación (0 a 6 horas) y en los aforos (30% de público habilitado para lugares cerrados), condiciona aun más las posibilidades de trabajar. De todas formas hay consenso en que la actividades con protocolo no son un foco de contagio y la industria trabajó muy fuerte con la autoridades para garantizar la seguridad del público y los artistas. Las restricciones rigen para todas las regiones del país declaradas con alto riesgo epidemiológico.

Stream live de Ricardo Arjona, visto por 1.000.000 personas en todo el muindo

Sin embargo, al cierre de esta edición el Presidente Alberto Fernández anunció nuevas medidas para el AMBA, donde se concentra un tercio de la población y gran parte de las actividades. Hasta el 30 de abril quedaron suspendidas las actividades recreativas, sociales, culturales, deportivas y religiosas en lugares cerrados y se restringió la circulación nocturna entre las 20 y las 6 de la mañana. Un punto de vista optimista es que no hay marcha atrás en muchos de los aprendizajes y logros que se obtuvieron durante la pandemia, como que también empieza a verse de a poco la industria musical futura. En ese sentido, los mejores mensajes que mostramos

Grandes shows para el segundo semestre

Love of Lesbian en Barcelona para 5000 personas sin distancia social

en esta edición de Prensario son principalmente internacionales. Por un lado está el show de Love of Lesbian para 5.000 personas sin distancia social en el PalauSt. Jordi de Barcelona, realizado exitosamente, y también la proyección de los jugadores de la industria de Miami como Felipe Pimiento, mánager de Marc Anthony de Magnus en su primer reportaje, que trabajan certeramente con el regreso de todas las giras este segundo semestre en Estados Unidos. Por el otro, está la realización de dos grandes live streams internacionales promocionados a nivel regional como si fueran presenciales: por un lado el de Ricardo Arjona de Metamorfosis, visto por 1.000.000 personas en todo el mundo, que protagoniza Fénix EntertainmentGroup en su regreso masivo mientras avanza con el Parque de la Costa y el Teatro Niní Marshal. Y además, el del propio Marc Anthony con Loud&Live, también reporteado en esta edición, que hace valer su red de alianzas internacionales entre las que se destaca MoveConcerts en nuestros países. Según nos dijo su CEO Nelson Albareda, el proyecto del streaming a este nivel estaba pensado para 2023 pero lo adelantaron.

Kevin Johansen en el Gran Rex, Pimpinela en el Luna Park y Axel en el Movistar Arena

Los shows nacionales siguen mientras tanto apostando a la repetición de conciertos para equilibrar los números. El Movistar Arena sigue con su agenda para 3.000 y anunció el show de Axel para el 8 de mayo, mientras el Luna Park ya parte con shows para 2000 personas, por ahora con Pimpinela el 7 y 8 de mayo y J Mena para el 24 de septiembre. Ticketek sigue trabajando con el Gran Rex donde se presentó Kevin Johansen el 10 de abril. Y el TeatroOpera stuvo a Luciano Pereyra con espectaculares 13 fechas, Ciro y Los Persas a principios de abril, y La Beriso.

Si bien depende de muchos factores políticos sociales y económicos, para el segundo semestre también en nuestros países hay grandes shows programados. Move mantienen programados Aha en agosto, Kiss en octubre, Michael Bublé en noviembre y BruceDickinsonpara fin de año, mientras sigue siendo uno de los líderes de streaming con LivePassPlay. PopArt por su parte, ya confirmó a Gracias Totales el 18 y 19 de diciembre para el Campo Argentino de Polo, otro venue que se va a usar mucho más.

Luciano Pereyra

SPONSORS DESTACADOS 2021

Banco Patagonia

Plataforma Ticketek y Ticketek Live

BBVA

Plataforma Live Pass

Movistar

Se Siente desde Casa en el Movistar Arena

Fiat

AutoShow Buenos Aires – Matías Lynch

Renault

Renaul Drive In –PopArt

YPF

Estadio Obras - FOH

AxionEnergy

Plataforma – TicketeckLive

Banco Ciudad

Suena en vivo - Foggia BILLBOARD.COM.AR

82 TRINIDAD CARDONA “Dinero”

Al alternar entre inglés y español, la canción debuta en el n. ° 82 en Global 200 y en el n. ° 69 en Billboard Global Excl. EE. UU. La innovadora pista del nativo de Phoenix ingresa a las listas con aumentos del 121% en las transmisiones a 14.6 millones y del 180% en las ventas a 1,000 en todo el mundo en la semana que termina el 17 de junio. en 2017.

110 JUSTIN WELLINGTON FEAT. SMALL JAM “Iko Iko (My Bestie)”

El equipo de Wellington, de Papúa Nueva Guinea, y Small Jam, de las Islas Salomón, obtuvo 12 millones de transmisiones (un 22% más) y vendió 6.000 descargas (un 2% más) a nivel mundial en la semana de seguimiento. Es la última versión cartografiada de la composición, cuyos orígenes se remontan a 1953 en Nueva Orleans. The Dixie Cups llevó la canción por primera vez al Billboard Hot 100 en 1965, alcanzando el puesto 20, mientras que The Belle Stars la envió a su mejor posición número 14 en 1989, ayudada por su inclusión en la exitosa película Rain Man de 1988.

34+35

Ariana Grande

BABY SHARK

100 104 99

CIRCLES

103 92 100

144 142 149

NEW

LIGHT IT UP

117 140 151

FOR THE NIGHT

Pinkfong 38 40 Post Malone 49 41

SENORITA Shawn Mendes & Camila Cabello 67 41

150

POSITIONS

Ariana Grande

58 101

HOPE UR OK

Olivia Rodrigo 22

132 136 153

WHATS POPPIN

61 102

YOUR POWER

Billie Eilish

73 109 154

MISS THE RAGE

88 103

LA NOCHE DE ANOCHE

Bad Bunny & Rosalia

135 148 155

YORU NI KAKERU

127 146 156

ANOTHER LOVE

Imagine Dragons 70 41

123 123 151 157

LITTLE BIT OF LOVE

104

TYPE SHIT

95 105

BELIEVER

80 106

WE’RE GOOD

98 107

ROCKSTAR

NEW

109

157 110

111

MONSTER

MY.LIFE BAD GUY

94 105 113

HAWAI

101 114

RUNAWAY

116 115

DREAMS

105 85 116

FOLLOW YOU

156 131 117

GO PART 1 SAL Y PERREA

Sech 113 4

111 126 160

911

Sech 48 16

Justin Wellington Feat. Small Jam 110

Polo G Feat. G Herbo 158 1

RE-ENTRY 161 WILLOW NEW 162 BZRP MUSIC SESSIONS, VOL. 40

MY EX’S BEST FRIEND Machine Gun Kelly X blackbear 25 41 SAY SO

Doja Cat 50 40

158 162 165

LA CURIOSIDAD DJ Nelson Presenta Jay Wheeler & Myke Towers 40 41

AURORA 22

128 150 166

MY HEAD AND MY HEART

Fleetwood Mac 10 38

120 149 167

WHOOPTY

159 168

157 173 169

NEW

170

LOVE AGAIN

Dua Lipa 159 2

SOMETHING JUST LIKE THIS The Chainsmokers & Coldplay 133 28 SO REAL

Polo G 170 1

102 119

EVERY CHANCE I GET DJ Khaled Feat. Lil Baby & Lil Durk 27 7

140 169 171

GOOSEBUMPS

76 120

PRIDE.IS.THE.DEVIL

119 158 172

NEXT LEVEL

182 182 121

PETROUCHKA

J. Cole & Lil Baby

Travis Scott 102 38

141 160 173

WHAT YOU KNOW BOUT LOVE

Internet Money & Gunna Feat. Don Toliver & NAV

138 138 152 174

512

Cardi B Feat. Megan Thee Stallion

178 179 175

COUNTING STARS

121 127 124

MEMORIES

106 123 125

YOU BROKE ME FIRST.

Maroon 5

PARTY LYFE

Tate McRae 16 41

Polo G Feat. DaBaby 126

114 124 127

SWEATER WEATHER

115 120 128

BOHEMIAN RHAPSODY PICASSO

NEW

176

BLOODY CANVAS DON’T STOP BELIEVIN’ OUR SONG

Anne-Marie & Niall Horan 93 4

NEW

179

FOR THE LOVE OF NEW YORK

Polo G 179 1

NEW

180

BIRTHDAY

Migos 180 1

SWEET CHILD O’ MINE HOTEL CALIFORNIA

Polo G 56 4

161 180 183

I DON’T CARE

Migos 132

155 187 184

BREAKING ME

87 134 185

PHANTOM THIEF

Lil Nas X Feat. Billy Ray Cyrus 70 41

165 184 186

SMELLS LIKE TEEN SPIRIT

Luis Fonsi & Daddy Yankee Feat. Justin Bieber 120 37

91 155 187

TELL EM

Regard x Troye Sivan x Tate McRae 113 8

163 181 188

ALL OF ME

TALKING TO THE MOON

BY YOUR SIDE

Calvin Harris Feat. Tom Grennan 89

110 133 134

OLD TOWN ROAD

130 137 135

DESPACITO

133 133 161 136

YOU

154 139 137

RAIN ON ME

Lady Gaga & Ariana Grande 22 41

35 189

Guns N’ Roses 162 24 Eagles 149 35

Ed Sheeran & Justin Bieber 105 37 Topic & A7S 21 41 back number 87

VOICE OF THE HEROES Lil Baby & Lil Durk 35 2

114 138

BEAT BOX SpotemGottem Feat. Pooh Shiesty Or DaBaby 38 20

183 186 190

TAKE ME TO CHURCH

121 139

GOOD DAYS

180 193 191

SAY YOU WON’T LET GO

NEW

140

ANTISOCIAL

SZA

Migos Feat. Juice WRLD 140 1

129 141 141

CLOSER

136 143 142

BEFORE YOU GO

NEW

143

The Chainsmokers Feat. Halsey 100 37

HEART OF A GIANT

Lewis Capaldi 32 41 Polo G Feat. Rod Wave 143

John Legend 97 39

Nirvana 165 24

Cochise & $NOT 91

Journey 145 35

152 188 182

Pop Smoke 11

Polo G 176 1

162 178 181

Bruno Mars 57

OneRepublic 143 19

139 145 178

Queen 107 37

aespa 65

Mora & Jhay Cortez 138 4

145 177 177

The Neighbourhood 62 38 Migos & Future 129 1

RE-ENTRY 131 EPIDEMIC NEW 132 VACCINE -

Soso Maness Feat. PLK 121 2

WAP

89 133

Ava Max 32 20 CJ 10 34

LEMONADE

126 156 163

112 135 123

150 174 164

Imagine Dragons 66 14

109 113 122

Bizarrap & Eladio Carrion 162

SHALLOW

115 130

Taylor Swift

Billie Eilish 54 41

Lady Gaga & Bradley Cooper 59 41

Tom Grennan 123 7

113 113 125 159

Nelly & Florida Georgia Line 117 7

129

Tom Odell 99 10

LIL BIT

NEW

YOASOBI 16 41

111 118

126

OneRepublic 102 6

NEW

Trippie Redd & Playboi Carti 13

DaBaby Feat. Roddy Ricch

Maluma

Jack Harlow Feat. DaBaby, Tory Lanez & Lil Wayne 17 41

Dua Lipa

J. Cole, 21 Savage & Morray

92 100 112

158

Polo G Feat. Pop Smoke & Fivio Foreign 109 1

IKO IKO (MY BESTIE)

NEW

YOASOBI 87 22

RUN CLUELESS

131 154 152

Migos & Cardi B 104

102 102 110 108

Pop Smoke Feat. Lil Baby & DaBaby

NEW

Migos Feat. Pop Smoke 150 1

153 166 192

KIRARI

164 189 193

INTENTIONS

104 163 194

DICK

170 191 195

THUNDERSTRUCK

Hozier 129 23 James Arthur 96 37 Fujii Kaze 135 6

Justin Bieber Feat. Quavo 65 40 StarBoi3 + Doja Cat 94

AC/DC 170 13

124 144 144

RIDE IT.

Regard 86 40

147 172 196

RELOJ

122 132 145

LOVELY

Billie Eilish & Khalid 70 41

168 185 197

ADORE YOU

Harry Styles 68 40

98 119 146

BIPOLAR

MC Don Juan, MC Davi & MC Pedrinho 98 6

142 167 198

BAILA CONMIGO

Selena Gomez With Rauw Alejandro 22 20

118 164 199

BACK IN BLOOD Pooh Shiesty Feat. Lil Durk 29 22

NEW 89

147

112 148

82 B I L L B O A R D A R | J U L I O , 2 0 2 1

BOOM

Polo G 147

POBLADO Crissin X Totoy El Frio X Natan & Shander 86 5

NEW

200

Rauw Alejandro & Anuel AA 41 33

BROKEN GUITARS Polo G Feat. Scorey 200 1

BILLBOARD.COM.AR

Billboard AR Julio 2021

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Adrián Barilari

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Charlie Freeman

DrefQuila

Matías Fernández Burzaco

Lenny Tavárez

Sofía Valdés

Silvestre y la Naranja

MYA

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Claudia Brant

Movistar Fristyle y su noche de campeones

Las Pelotas

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María Peluffo

Airbag

Kally´s Mashup

DAMN

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