a bachata” de manuel turizo logra su octava semana en el N°1 del Billboard Argentina Hot 100. La canción empata a Bizarrap y Que vedo con “Bzrp Music Sessions, Vol. 52” (que permaneció ocho sema nas) y llega detrás de “Entre Nosotros” de Tiago PZK, con LIT Killah, Nicki Nicole y Maria Becerra (que reinó nueve semanas). Hay poco movimiento en la parte superior de la lista, hasta el 6°, donde “Perfecta” de Rusherking y Dread Mar I llega desde el 10°. Shakira y Ozuna comienzan en el 7° con “Monotonía”. En consecuencia, la canción marca el Hot Shot Debut de la semana. “Besos moja2” de Wisin y Yandel y Rosalía se suma al Top 10 con ascenso 11°-8°.
En otra parte de la lista, Dj Tao y Callejero Fino debutan en el puesto 21° con “Turreo Sessions #723”. Taylor Swift anota seis debuts, todos son parte de su último álbum, Midnights. El primero llega en el 40°: “Anti-Hero”. Dos pasos por detrás, en el 43°, Negro Dub, L-Gante y Dt. Bilardo se suman a la lista con “El último románti co”. Maluma logra el mayor ganador de la semana con “Junio”, por segunda semana consecutiva. La canción reúne 18 posiciones del 67° al 49°. “Nxde” del grupo surco reano (G)i-Dle se inclina en el 52°.
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CHARTS 3 M ientras Manuel Turizo suma su octava semana en la cima, Swift anota seis debuts tras la salida de su álbum "Midnights” en el Billboard Argentina Hot 100.
Especiales 26 Spotify for Artists lanzó Marquee una herramienta de marketing para artistas, representantes y sellos discográficos. 48 3ra. edición del Festival Bandera en Rosario. 52 Un fin de año a pura música y baile con Gonna Go. 61 El Movistar Arena fue sede de una nueva Final Nacional de Red Bull Batalla.
C. Tangana por Javier Ruíz
Ya está todo listo para que el jueves 17 de noviembre la Academia Latina de la Gra bación efectúe su reunión anual, esta vez en el Michelob ULTRA Are na, Mandalay Bay, ubicado en Las Vegas.
La ganadora y nominada este año al Latin GRAMMY® Anitta; Luis Fonsi, tam bién ganador y nominado al premio; Laura Pausini, ganadora del Latin GRAMMY® y el GRAMMY®; y Thalia, nominada al Latin GRAMMY® y ganadora del Premio de la
Presidencia de La Academia Latina de la Grabación, conducirán el evento.
Después de ser nominada ocho veces durante su carrera, Anitta es candidata a ganar en la categoría de Grabación del Año y en la de Mejor Interpretación Reg gaetón de este 2022. Asimismo, la exito sa trayectoria de Luis Fonsi le valió cinco Latin GRAMMY®s y cinco nominaciones al GRAMMY®, mientras que Laura Pausini tiene cuatro Latin GRAMMY®s, además de un GRAMMY®, y Thalia fue nominada al
Latin GRAMMY® un total de seis veces du rante su carrera.
Esta 23.a Entrega Anual promete home najear el legado de la música latina, celebrar su presente y recibir su futuro con los bra zos abiertos, además de promover delibe radamente a las próximas generaciones de creadores de música.
Por su parte, en la Premiere, en la que se anuncian los ganadores en la mayoría de las categorías, como es habitual será antes de la ceremonia.
“Estamos muy emocionados de contar con la participación de Anitta, Luis Fonsi, Laura Pausini, y Thalia como los conduc tores de la 23.a Entrega Anual del Latin GRAMMY®, ya que estos multifacéticos y telentosos artistas personifican el dinamis mo y la diversidad de la música Latina”, des tacó Manuel Abud, CEO de La Academia Latina de la Grabación. “No tengo la menor duda que harán un gran equipo que nos permitirá celebrar en grande la noche más importante de la música Latina”, agregó.
Estos discos han pasado 20 semanas o más a la cabeza de la lista de Billboard.
POR JESSICA ROIZ- BILLBOARD ESPAÑOLLa distribución de música ha cambiado con los años, al igual que la forma en que se consume, pero algo sigue siendo cierto: ya sea metiendo un disco en tu reproductor de CD o descargando una lista completa de canciones en tu teléfono, a los amantes de la música les encantan los álbumes.
Con motivo del Mes de la Herencia Hispa na (que se celebra en Estados Unidos del 15 de septiembre al 15 de octubre), Billboard ha reunido los álbumes que más tiempo han ocu pado el No. 1 en la historia de la lista Top Latin Albums, todos los cuales pasaron 20 semanas o más en la cumbre. La lista incluye desde discos que nos fascinaron en los 90, como Dreaming of You de Selena, y Segundo Romance de Luis Miguel, hasta casi todos los de Bad Bunny en la última década, incluidos X100PRE y Un ve rano sin ti.
MI TIERRA GLORIA ESTEFAN
La encabeza YHLQMDLG de Bunny, lanzado apenas unas semanas antes del confinamiento mundial por la pandemia en 2020. El álbum, que incluye temas como “Safaera” y “Yo perreo sola”, alcanzó el No. 1 el 14 de marzo de 2020 y reinó en la lista durante 70 semanas. A esta producción de ultraperreo le sigue el ultraper sonal Mi Tierra de Gloria Estefan, que alcanzó el primer lugar el 10 de julio de 1993, perma neciendo en la cumbre 58 semanas.
La recopilación de los álbumes que más tiempo han estado a la cabeza de la Top Latin Albums de Billboard se basa en el número de semanas que ocuparon el primer lugar, desde la primera semana de ese ranking semanal, el 10 de julio de 1993, hasta la lista con fecha del 8 de octubre de 2022. En el caso de los álbumes con la misma cantidad de semanas en el No.1, el empate se rompió tomando en cuenta la ma yor cantidad total de semanas en la lista.
El tercer álbum de estudio del “Conejo Malo” logró un debut histórico en la lista Billboard 200 (a la fecha del 14 de marzo de 2020), convirtiéndose en el álbum en español con el ranking más alto de la historia, la semana de mayor streaming para un álbum latino y la mejor semana para un título latino desde que Billboard comenzó a rastrear los álbumes según unidades equivalentes a discos en diciembre de 2014.
58
El cuarto álbum de estudio de la cantante cubana no solo fue su primero en español, sino también un homenaje a sus raíces cubanas, con temas como “Hablemos el mismo idioma”, “Tradición” y la canción que da título al disco. Mi Tierra alcanzó el No. 1 en la lista del 10 de julio de 1993.
Semanas en el Nº1: 46
Ozuna hizo historia en 2017 con su álbum de estudio debut, que entonces se convirtió en el No. 1 más duradero para un artista masculino en la lista Top Latin Albums. “Trabajé en este álbum con todo mi corazón y para el disfrute de todos. Nunca esperé romper récords ni que pasara tantas semanas en el primer puesto”, le dijo a Billboard. Odisea se mantuvo en la lista Top Latin Albums un total de 267 semanas.
Semanas en el Nº1: 46
Discográfica: Rimas Entertainment
Esta colección, que incluye las canciones con las que despegó la carrera de Bad Bunny, como “La Romana”, “Si estuvimos juntos” y “MIA” (con Drake), es el primer álbum de estudio del artista puertorriqueño y llegó al No. 1 de Top Latin Albums el 5 de enero de 2019.
X100Pre permaneció en la lista un total de 198 semanas.
Semanas en el Nº1: 23
Discográfica: The Orchard/Sony Music Latin
Lanzado póstumamente, el álbum bilingüe de Selena, que abarca canciones tan emblemáticas como “I Could Fall in Love”, “Missing My Baby” y “Tú solo tú”, además de la canción que da título al disco, alcanzó el No. 1 el 5 de agosto de 1995, pasando a coronar la lista más de 40 semanas.
VUELVE RICKY MARTIN
Semanas en el Nº1: 26
Discográfica: Sony Discos
El emotivo álbum de Ricky Martin, que incluye canciones pop inolvidables como “La bomba”, “Vuelve” y “La Copa de la Vida”, alcanzó el No. 1 de la lista el 28 de febrero de 1998 y reinó en Top Latin Albums por más de veinte semanas.
Semanas en el Nº1: 29
Discográfica: Warner Latin
El álbum del llamado Sol de México alcanzó el primer lugar en la lista del 17 de septiembre de 1994, aferrándose a él casi 30 semanas. Segundo Romance incluye baladas románticas como “Somos novios”, “La media vuelta” y “El día que me quieras”.
Semanas en el Nº1: 27
Discográfica: Rimas Entertainment
El lanzamiento, hecho de sorpresa, le valió al “Conejo Malo” su quinto No. 1 consecutivo en Top Latin Albums, así como su primer No. 1 en el Billboard 200, haciendo historia como el primer álbum en español en alcanzar el No. 1 en los 64 años de historia de la lista que abarca todos los géneros. “Este es un álbum más sentimental, más relajado, el tipo de cosa que puedes escuchar en tu habitación”, le dijo Bad Bunny a Billboard.
BARRIO FINO DADDY YANKEESemanas en el Nº1: 24
Discográfica: El Cartel
Daddy Yankee llevó el reggaetón a la vanguardia del mainstream con este álbum que alcanzó el No. 1 el 31 de julio de 2004 para permanecer en la cumbre 24 semanas. Barrio fino incluye los clásicos del reggaetón “Gasolina”, “Lo que pasó, pasó”, “Tu Príncipe” y “King Daddy”, por nombrar algunos.
Semanas en el Nº1: 23
Discográfica:
Con emblemáticas canciones de bachata como “Dile al amor”, “Por un segundo” y “El malo”, el grupo dominicano Aventura, liderado por Romeo Santos, revolucionó el género con el álbum The Last, que alcanzó el No. 1 en la lista del 27 de junio de 2009, reinando 23 semanas.
Las colaboraciones con expo nentes del género urbano, así como figuras del pop y balada son parte importante de su nueva producción. Por caso, en “Mar Chikita” junto a Pedro Capó, se incluyen ritmos autóctonos de Puerto Rico, como también su canción a dúo con Tini, “Reel”. Por ese estilo romántico, también sobre salen “Hey Ma” con Feid, “Vida” y “Te Pienso”.
Asimismo, la temática de fiesta está presente con canciones como el sencillo en promoción “La Copa”, cuyo video fue filmado en Madrid y donde apostó a una divertida letra que busca su lugar en todas las discotecas del mundo. De igual manera, “Kotodama” ft. El Lío y Omega es la canción que da inicio al álbum, con uno de los ritmos más bailables de este nuevo tra
bajo gracias a su base de merengue que invita a bailar. Con el sello de Ozuna, “Mañana” también se encuentra en su quinto disco de es tudio, y “El Cel” es otro de los temas que brilla en el álbum, ya que une a grandes exponentes del género urbano como Chencho Corleone, Arcángel, J Balvin y Randy.
Durante la Semana Billboard de la Música Latina 2022, Ozuna charló de manera exclusi va con nosotros sobre su nuevo álbum, la es perada colaboración con TINI y mucho más: Prometí que iba a venir personalmente a conocer tu “Aura”, ¿cómo está hoy? Siempre positiva, con las ideas claras y agrade ciéndole a Dios que podemos seguir haciendo música y tenemos los recursos.
¿Tu vida es una “Odisea”?
Te puedo decir que es una buena odisea, es como una universidad donde se aprende todos los días algo nuevo, donde ayudas a muchas personas y donde muchas personas comen y viven de ti. Eso te hace sentir un patrón, un líder, hay muchas familias detrás de mí y me enorgullece que sea así.
De la mano de “Somos Iguales”, tu nuevo single, salió este disco que es un popurrí de artistas latinos, ¿alguien te dice que no?
Realmente no, soy bien selectivo y me encantó colaborar con la nueva generación, traen una energía diferente, algo positivo, algo nuevo… Tienen un sonido distinto que me encanta y quiero apostar por eso, por Tokisha, Danny Ocean, Pedro Capó… es un orgullo para mí.
¿Sos de pensar en el “Mañana”?
Sí, mucho. Realmente “Mañana” es un sonido distinto, tiene mucha producción el tema y es un trabajo que hicimos con mucha respon sabilidad que valió la pena porque a todo aquel al que le poníamos el álbum este tema le causaba una energía diferente, una buena vibra, por eso mismo esta canción me encanta y es una de mis favoritas del disco.
Tu “Reel” con Tini seguramente será viral…
El tema con Tini es el que todo el mundo está esperando, todos los días me llegan mensajes de fanáticos argentinos preguntando por esa canción. Tini es una artista súper especial, súper talentosa, me encanta lo que hace y más porque es de Argentina, mi segunda casa.
¿De qué habla “El Cel”?
Es una pelea, creo que todos peleamos y tene mos esas ganas de tirar contra el piso el celular cuando eso sucede, cuando estás harto de que las cosas hayan acabado y todo siga en la nube del celular. Esta canción tiene versos increíbles de Chencho, Balvin y Randy, lo hicimos a la perfección y creo que es algo cultural de nues tro género el colaborar con varios artistas.
¿Por qué te atrevés a hacer un álbum con tantas canciones?
Realmente creo que es para darle a la gente lo que quiere, para darle algo completo, no sé si en 10 canciones la gente podría haber hecho algo completo luego de dos años. No sé si podría haberme expresado limitándome así.
Sos una persona que expresa mucho lo que desea, ¿te da miedo eso?
No, eso es para los miedosos. Hay que expre sar lo que deseas para que llegue la comuni cación, si no demuestras lo quieras la gente no va a saberlo, si no digo: ‘’Quiero colaborar con Shakira’’, ella nunca va a saberlo. Cuando colaboré con Romeo fue porque él se enteró que yo había dicho que me encantaría hacer una canción con él. ¿Si no convocamos como va a suceder?
Con una selección de trece canciones, el artista viaja del freestyle a la canción, donde explora distintos géneros desde
La melodía representa un estado entre la vigilia y el sueño con el que Dani Ribba invita a viajar por distin tas emociones y cuenta con invita dos como Duki en “Lo Olvidaste”, Tiago PZK en "Cuando me Ves", y Trueno en “Sin Drama”.
“La Melodía para mí representa el crecimiento y el desafío. Es mi primer álbum y crecí un mon tón en el proceso de hacerlo, de crearlo. Fueron experiencias nuevas y procesos creativos que no había experimentado”, cuenta Dani.
Producido por Brian Taylor y Tatool, el álbum
navega por géneros como el hip hop/rap, r&b, pop y reggaetón.
"Mi Estilo" es una de las canciones más especia les del álbum donde habla sobre lo que significó para él pasar del freestyle a la creación de cancio nes propias y cuenta que, sin importar lo que pien sen los demás, su yo del futuro le agradece al del hoy. "Es el principio del álbum y lo que te lleva a lo que también soy hoy. Un resumen de lo que pasé para llegar a ser hoy en día lo que soy musicalmen te”, sostiene el artista.
Dani Ribba es un artista argentino que comenzó
su carrera a través del freestyle en míticas batallas como la Halabalusa. Gracias a su talento innato para la rima, rápidamente se convirtió en uno de los máximos referentes del circuito, destacando por su gran nivel en ediciones históricas de El Quinto Escalón y más tarde en batallas memorables de la primera temporada de la FMS Argentina.
Entre sus temas se destacan “Mil Puertas”, “A Mi Lado” y su primer single “21334”.
También cuenta con colaboraciones con C.R.O en “Normal” y con Lit Killah en “Dime”, canción que forma parte del disco Desde el Espacio de FMK
el neo soul y el reggaetón hasta llegar al pop.
> NATALIE PÉREZ <
A poco más de tres décadas del lanzamiento del clásico del dúo sueco Roxette, “Listen to Your Heart”, y reivindicando el mensaje de su lírica, la artista tomó el icónico tema y presentó “Escucha Tu Cora” su versión en español.
Más bailable, con una buena dosis de modernidad pero con servando su espíritu nostálgico, (producida por Mariano Otero y Benjamín López Barrios) con esta reversión Natalie muestra un nuevo concepto estético y musical, que comienza a delinear lo que será su tercer álbum de estudio, el que editará en 2023 acompañada por Warner Music.
“Cuando nos juntamos con Mariano Otero para hacer versiones de temas clásicos empe
zamos a tirar nombres, épocas, un montón de posibilidades, pero por sobre todas las cosas que ríamos encontrar una canción que dijera algo im portante. Cuando empezamos a traducir “Listen to your heart” nos encontramos con el mensaje y dijimos es esta”, cuenta Natalie.
¿Qué recuerdos te trae “Listen to your heart”?
Los mejores, en la casa de mi abuela donde vivía mi madrina que tenía el CD de Roxette y lo
gastábamos de tanto escucharlo para bailar en su cuarto, el que está completamente igual que en ese tiempo. Eso es algo muy loco de las casas de las abuelas porque todo se mantiene como siem pre y eso hace que los recuerdos se mantengan. También aparece en el viaje de egresados o fiestas de quinto porque en los videos está esta canción.
¿Te costó elegir esta canción?
Cuando apareció esta canción no hubo dudas, todo fluyo muy bien con este tema. La idea es hacer un EP de versiones en español de cancio nes pop de los 80, es muy difícil conseguir los derechos porque es una reversión y no un cover, entonces deben aprobar la letra y eso hace que se compliquen un poco las cosas en el camino. Pero desde el momento en que entramos el estudio para hacer “Escucha tu cora” todo se fue dando muy bien, muy natural y conseguimos muy rápi do los derechos. Todo fluyó de una manera ma ravillosa y creo que la gente lo está recibiendo así, hay algo de la nostalgia de recordar esto y de unir generaciones porque puede darse la situación de que una chica de 20 años este escuchando este tema y su mamá diga: “¿Pero esta no es la canción de Roxette?”. Esta es una canción con una letra muy linda y esa era una de las premisas en esta búsqueda, queríamos decir cosas lindas.
En la letra hay cambios sutiles, pero con un significado muy importante, ¿en eso influyo más el español o el significado que vos querías darle?
Yo no sé inglés, por eso me quedo afuera de un montón de canciones que me encantan y creo que esta bueno sentir estas canciones en tu idioma porque te llega de otra forma. La traducción es lo más real que pude hacerla, busqué todas las posibilidades para cada palabra y también vi la versión en español que hizo Roxette, pero esa está llevada más a una historia de amor y la historia original habla de una fan que les escribe una carta donde dice que se quiere suicidar, por eso le escriben esta canción y dice: “Escucha a tu cora zón antes de decir adiós”. Obviamente yo no estoy apuntando a esa historia, pero esa es la esencia de la canción, siempre hay un poquito más por buscar para encontrar la felicidad y no ahogarse en un vaso de agua.
¿En esta canción hay un cambio en el sonido que venías haciendo?
La idea es aggionarme a los nuevos sonidos, pero ya en “Détox” y en “Tus Besos” había experimen tado un poco esta idea. Soy fanática del auto tune, quiero cantar todos los días en el estudio con esta herramienta porque hace cosas muy raras y divertidas, puede lograr cosas muy modernas y estéticas. También me gusta mucho lo orgánico así que siempre hay alguna guitarra, piano o bajo, me gusta que este lo humano y justamente estoy trabajando con Mariano Otero que es un tremendo músico.
¿Ya tienen fecha de lanzamiento para el tercer disco?
Estoy pensando en abril o mayo de 2023, la idea es estrenar una canción antes de fin de año y luego sacar dos o tres más antes del disco.
> MÅNESKIN <
La banda joven de rock italiana dio un show explosivo en el Hipódromo de Palermo de la Ciudad de Buenos Aires y sigue creciendo.
POR TOMÁS DEL VALLE
En su primera visita a argentina, la banda convocó a 12 mil personas, haciendo rock y cantando en italiano. Algo que puede sonar descabellado para muchos.
Conformada por Damiano (voz), Victoria (bajo), Thomas (guitarra) y Ethan (batería), crece de forma abrumadora, y aunque parecían ser una simple sensación del momento (debido a su éxito en las redes sociales con el cover de “Beggin’”), día a día demuestran que hay Måneskin para rato, con canciones que están al nivel de cualquier gran banda internacional de larga trayectoria.
¿El público argentino tiene la misma eufo ria como la de ustedes en el escenario? victoria: Aún más locos que nosotros.
Unas 12 mil personas en Argentina alentan do y cantando en italiano y en inglés, no es algo muy común, ¿son conscientes de eso?
damiano: Sí, es increíble, generalmente no dejo que la gente cante mucho, pero como se sabían todas las canciones lo disfruté. Y fue espectacular, también el hecho de que se tomen el tiempo de aprender canciones en italiano es fantástico, el es fuerzo que ponen para hacerte feliz. Así que tra tamos de devolver eso, y damos el cien por ciento en el escenario.
¿Cómo surgió la idea de empezar a can tar en inglés?
victoria: En realidad surgió al revés, empeza mos a cantar en inglés porque todas las grandes bandas que nosotros admiramos hacen música en
inglés. Entonces la primera canción que escribi mos era en inglés y después cuando empezamos a tocar más en Italia tuvimos que aprender a escri bir más en italiano.
thomas: Cuando empezamos, como Victoria dijo, fue en inglés, pero fue Damiano el que dijo: “Chicos tenemos también que hacer canciones en italiano”, porque somos de ahí obviamente, y logramos tener una mayor conexión con nuestros fans en Italia, pero se dio de forma muy natural.
Ethan, ¿cómo es el proceso creativo de las canciones en inglés?
ethan: Bueno, el idioma viene principalmente de cuál es la intención de la canción. Me voy a ex plicar mejor. Depende también de la instrumen tación, pienso que la parte instrumental cambia mucho en la manera en la que podés fluir, en tonces el ritmo, las rimas y las palabras que usás cambian mucho dependiendo de la pista. Creo que es muy natural, entonces puede ser italiano o inglés, lo importante es que suene bien.
¿Cómo surge la idea de hacer “Beggin’”?
damiano: Cuando empezamos no teníamos de masiadas canciones originales, pero queríamos de todas formas salir a tocar en vivo. Entonces teníamos un bagaje de 40 canciones que solíamos tocar a donde íbamos. Era una canción que nos gustaba escuchar, era pegadiza y decidimos hacer el cover, como con muchas otras canciones, sim plemente sucedió, explotó por sí sola, no hicimos ninguna promoción, ni nada. Es aún mejor por que ves a la gente disfrutándola, en vez de forzar los para que lo hagan.
¿Cómo manejan el éxito?
victoria: Diría que como describimos en “Su permodel” no nos gusta ese mundo donde todo se trata de la fama y ser exitoso. Estamos muy contentos de hacerlo a lo grande porque podemos compartirlo. Cuando estamos abajo del escenario somos gente normal, y estamos con nuestros ami gos de siempre y no nos preocupa todo el sistema de las estrellas, la zona VIP, y los mejores clubes, y todas esas cosas. No nos interesa mucho.
“I Wanna Be Your Slave” es una canción que grabaron también con Iggy Pop. ¿Cómo fue esa experiencia?
damiano: Fue increíble. Tuvimos una llama da por Zoom porque lamentablemente era en la época del Covid, así que no pudimos viajar para hacerlo. Nos llamó por Zoom y fue súper humil de y nos dijo vio lo que estábamos haciendo y que era increíble todo esto, y se sacó la remera.
¿En la llamada de Zoom?
damiano: ¡Sí!
thomas: Una estrella de rock verdadera. damiano: Fue y grabó, y fue increíble. Nos sor prendió que después de cada toma nos pregunta ba: “Ok chicos, ¿esto está bien para ustedes?”. Sos Iggy Pop podés hacer lo que quieras, podés eruc tar en el micrófono, y se lo tomó literal y lo hizo. Es Iggy Pop, sabés.
Tocaron esa canción dos veces en el show, ¿por qué?
damiano: Porque es nuestra mejor canción.
Hot chip vuelve al país con su octavo álbum bajo la manga, . El disco es un nuevo capítulo en la carrera de varias décadas que la banda británica lleva. Una vez más, se trata de una resonante colección de canciones de carne y hueso que encuentra a la banda buscando en la oscuridad para emerger como una verdadera unidad creativa.
En sus 18 años, Hot Chip supo lograr un puente entre el mundo pop y la música bai lable, al igual que otros iconos de la esce na británica como Pet Shop Boys y Depeche
Mode. Su repertorio genera que se muevan los cuerpos y toquen los corazones con el mis mo impacto: “Ese es el propósito de nuestra música: conectar con la gente de forma física y emocional”, cuenta Alexis Taylor, vocalista, tecladista y guitarrista.
“Lo que nos gustaría expresar es que esta mos muy agradecidos de volver a tocar en vivo. El mundo en el que vivimos hace muy difícil tener tiempo y dinero para ir a los conciertos. Con tantas otras cosas llamando la atención, con la guerra y más complejidades, la música puede no ser una prioridad para todos”, agrega.
Lanzaron su nuevo disco, ¿qué hay de nuevo?
Buscamos un sonido un poco más arenoso, distorsionado o grunge en la producción, lo que no significa que nos convirtiéramos en una banda punk o grunge. Pero tratamos de hacer que las texturas de la música adquirie ran un nuevo sonido más alegre.
¿Dónde lo encontramos?
Eso está en canciones como "Down" y "Free kout release" y “The evil that men do". Lo que es nuevo es una perspectiva demasiado polí tica en esa canción "Evil men do" y hay una apertura en la letra y la música en la necesidad de comunidad, de relación y de tu propio bienestar siendo afectado por el aislamiento y la falta de compañía con otras personas. No diría canciones necesariamente tristes, pero algunas canciones se enfocan en el aislamiento y la necesidad de alejarse de él. También hay algunas canciones que intentan ayudar a otras personas. Como "Broken", que trata de inten tar usar el lenguaje incluso cuando es difícil explicar cómo te sentís. Para que haya alguien que te pueda ayudar y viceversa. Acerca de cómo el lenguaje puede ser útil si puedes encontrar una manera de expresar dónde está tu cabeza. Puedes ayudar a alguien más. Y tal vez me puedan ayudar si puedo encontrar el idioma. Se trata del diálogo.
Tienen un gran tour por delante… ¿Cuál es la mejor parte de viajar? ¿Y de venir a Argentina? Siempre tuvimos una linda respuesta del público en Argentina. Buenos Aires es una hermosa ciudad para pasear y explorar. Estuve disfrutando de buena comida, restaurantes locales, ropa vintage en mercados, shopping, libros, pero todas estas cosas son lo divertido de viajar. Estar con amigos. Pero los conciertos son verdaderamente destacables. Creo que es difícil poner en palabras, pero cuando viajás a un lugar lejos y culturalmente diferente de donde venís, pero la gente aún conecta con tu música, es muy poderoso y conmovedor. También, me siento afortunado de hacerlo después de tantos años, y hacerlo en serio. Subirse a un avión, viajar por el mundo y tocar para audiencias es un lujo.
Tienen casi 20 años de historia, ¿cómo conservan la energía? ¿Cómo se reinventan?
Creo que si evolucionás en tus pensamientos y escuchás nueva música, leés nuevas cosas, conversás con gente, pensás sobre dónde estás en el mundo, compras nuevos discos en tien das, inspirándote de películas y el arte, viajás, todo combinado te ayuda a ser creativo. Pero definitivamente hay tiempos en los que podés sentirte menos creativo o menos confiado de la dirección que estás tomando. También es importante que somos cinco en la banda. Si una persona no tiene una idea para algo, otra persona puede tener una idea. Y podemos inspirarnos entre nosotros la creatividad. Así que nos apoyamos entre todos para hacer estas canciones.
Spotify for Artists lanza una poderosa herramienta de marketing para artistas, representantes y sellos discográficos en la región.
Po co invasivo, útil y sin li mitaciones, así define Spotify su nuevo desarrollo. A diferencia de las herramientas de marketing tradiciona les, Marquee permite a los artistas dirigirse a los oyentes según su historial de reproduc ción y los convierte en fans comprometidos. Además, le permite al artista promocionar su música entre los usuarios de la versión gratui
ta y premium de Spotify, mientras eligen qué escuchar.
¿Por qué es mejor promocionar música en Marquee que en redes sociales? Porque a diferencia de otras plataformas, el público se va a encontrar con tu música dentro de un contexto donde hay una predisposición para escuchar música, responden. Además, los que compran Marquee reciben un informe
detallado de la campaña, con el lanzamiento promocionado.
Asimismo, la nueva herramienta de Spotify maximiza el impacto de un lanzamiento al te ner un alcance global el usuario contará con la posibilidad de direccionar su campaña a oyen tes en más de veinticuatro mercados, incluidos 17 países de Latinoamérica (Argentina, Boli via, Chile, Colombia, Costa Rica, Ecuador, El Salvador, Guatemala, Honduras, México, Ni caragua, Panamá, Paraguay, Perú, Puerto Rico, República Dominicana y Uruguay), así como Alemania, Brasil, Estados Unidos, Francia y el Reino Unido.
Marquee permite promocionar su música entre los oyentes de la versión gratuita y premium de Spotify en el momento en que abren la aplicación. Los artistas y sus equipos podrán programar varias campañas en simultáneo para el mismo lanzamiento en un mercado determinado con diferentes opciones de segmentación, esto permite la fidelización de los oyentes. La campaña puede direccionarse a diferentes tipos de audiencias:
audiencia accesible: un conjunto de oyentes que han mostrado interés en tu música y tienen el potencial de convertirse en tus mayores fans.
oyentes con interés reciente: personas que es cucharon tu música de forma activa en los últimos 28 días.
oyentes ocasionales: personas que han reprodu cido tu música en los últimos 6 meses.
oyentes pasados: personas que no reprodujeron tu música de una forma activa en los últimos 6 meses.
Además, Spotify crea una experiencia positiva para los fans que ya escucharon: "Sabemos que Marquee es una gran función porque filtra a las personas que ya han escuchado el lanzamiento", comenta Will Sword, Jefe de Publicidad y Marketing dirigido a fans en ONErpm.
Marquee ya se encuentra disponible en varios mer cados internacionales, como Estados Unidos y Canadá, donde está teniendo mucho éxito. Ya es un hecho que toda persona que compre Marquee se beneficiará, en promedio, de lo siguiente:
Un aumento de 1.7 veces en las reproducciones del lanzamiento promocionado.
Un aumento de 2.2 veces en las canciones guardadas y agregadas a playlists.
Un aumento de 3 veces en los oyentes de los otros lanzamientos del artista.
Los artistas tendrán la posibilidad de recibir informes detallados de la campaña en cuanto a la tasa de clics, las reproducciones por oyente, y las veces que su canción se agregó a una playlist o se guardó durante el período de campaña de 14 días. Las campañas de Marquee pueden comenzar hasta 21 días después de la fecha de lanzamiento y para reservar una campaña tendrán que ponerse en contacto con el equipo de ventas de Spotify a través de artists.spotify.com.
Uno creería que únicamente los artistas emergentes hacen uso de esta interesante herramienta, sin embargo, Justin Bieber y su equipo en Def Jam Recordings la utilizaron cuando se lanzó su álbum Changes. Eligieron Marquee para volver a comprometer a los fans y maximizar el alcance del lanzamiento.
Debido a los grandes resultados conseguidos, decidieron volver a aprovecharla para el lanzamiento de “Anyone” en el 2021. Esto hizo que el 24% de los oyentes lo incorporara en sus bibliotecas o lo agregara a una playlist personal.
Otro artista del mainstream que disfruta los beneficios de Marquee es el puertorriqueño Jay Wheeler. Su equipo de EMPIRE la empleó en el lanzamiento de su single "Suelta", para llegar a Argentina, Brasil y Estados Unidos. La tasa de intención -el porcentaje de usuarios que guardaron una pista del lanzamiento promocionado- fue del 32% en Brasil, el 24% en Argentina y el 22% en Estados Unidos.
En definitiva, Marquee es una herramienta que eligen los músicos emergentes, y los ya consagrados. Los usuarios no la sienten como anuncios, sino que la ven como una recomendación, que es lo que es al fin y al cabo, y esa es la gran virtud de este tipo de campaña.
La banda se acercó a las oficinas de Billboard AR para disfrutar una tarde junto a los 14 fanáticos que ganaron el sorteo realizado a través de nuestras redes sociales.
JULIÁN MASTRÁNGELOLos artistas colombianos tuvie ron la oportunidad de compartir sus experiencias, canciones y novedades mientras disfrutaban una tarde luego de una pequeña presentación en vivo.
David Escobar “DIM”, Juan David Huertas, Pablo Mejía y David Lorduy llegaron acompa ñados de su equipo de Warner Music Latina, con quienes desarrollan su carrera desde 2016 - cinco años después de su formación -. Esta ocasión fue especial ya que la banda se encon traba en una gira de promoción de su nuevo álbum, 777, lanzado el 13 de octubre con el que recorrieron diversas locaciones de la ciu dad de Buenos Aires interpretando algunas de sus canciones.
Además de llevar a cabo el lanzamiento de éste su cuarto álbum, la banda quiso darle un condimento especial al anunciar su colabora ción “Felices Perdidos”, canción que compar ten con Danny Ocean y cuyo videoclip oficial se estrenó en simultáneo con el disco.
Y es que, si algo ha hecho la banda, es dejar el corazón en cada una de sus canciones, dar todos sus sentimientos cuando pisan los esce narios y recordarnos que, en esta vida, la me jor apuesta que puede uno hacer sin pensarlo dos veces es el amor. Fue así que nació 777 y cómo lo comentaron frente a los presentes en nuestras oficinas. De este trabajo se despren
den temas como “Mató Mi Corazón”, “Salva vidas”, al lado de Ñejo, “Los Cachos”, donde sumaron de nueva cuenta a su amigo Manuel Turizo y que llegó al Billboard Argentina Hot 100; y más recientemente, “Que Triste”, donde colaboraron con Carin León. La banda no minada al Latin GRAMMY ha demostrado en cada una de estas piezas, su compromiso y crecimiento en la escena musical.
La versión mejorada del álbum en Spotify (Enhanced Álbum) va desde storie lines: don de Piso 21 cuenta el proceso creativo a viva voz, stories donde a través de videos platican que hay detrás de cada sencillo que compone este álbum, hasta clips que llevan al usuario de la mano mientras escuchan su cuarto material de estudio, incitando a disfrutar de la expe riencia 360 que prepararon junto a Spotify en este Enhanced Album.
A la par de este esperado lanzamiento, la agrupación se prepara para emprender una nueva gira que los lleve a distintas partes del mundo y a donde, sin dudarlo, ofrecerán una fiesta en donde todos sus fans, son los invita dos más importantes.
Domenica maría caicedo Monroy, más conocida en el me dio artístico, musical y teatral como DOME, presentó su quinto single. Con su distintiva voz, la artista radica da en Panamá lanzó una canción que llega con un concepto de empoderamiento femenino. Un pop urbano totalmente pegadizo, que nos recuerda cómo pasar la noche en una disco
después de un desamor.
DOME desde pequeña siempre mostro do tes artísticos y supo que quería ser cantante, actriz y bailarina. A los seis años empezó cla ses de baile en la Academia de Alejandro Que nedit, un famoso bailarín y coreógrafo cubano radicado en Quito.
Su padre Hugo Caicedo P, reconocido em presario internacional, la apoyo incondicio
nalmente para que Dome pueda alcanzar su sueño y en la actualidad es su Manager. Lue go de graduarse en el colegio Knightsbridge School International de Panamá, sus padres la enviaron a Buenos Aires, Argentina a estudiar artes escénicas en el Centro de Investigación Cinematográfica (CIC).
La joven cantautora fue seleccionada por la experiencia Broadway para la obra teatral Shrek que se presenta en el teatro Maipo sien do para ella una experiencia inolvidable. En Buenos Aires complementó sus estudios de canto en la academia Sebastián Mellino, con siderada una de las más grandes de Latinoa mérica y donde se forman reconocidos artistas del mundo del espectáculo.
En la actualidad Dome estudia Marketing Digital en ADEN University y está muy com prometida y enfocada en su carrera musical, pasa la mayoría del tiempo en estudios de gra bación con productores creando, componien do y grabando canciones para sus próximos lanzamientos.
Antes de su llegada a la Argentina en el marco de su gira latinoamericana -que también incluye a México, Colombia y Chile - el madrileño nos habló del desafío de traducir al vivo la complejidad del estudio, de las colaboraciones con grandes colegas como Jorge Dexler y Andrés Calamaro, y de la importancia de reivindicar sus orígenes en cada composición.
POR FLORENCIA MAURO FOTOGRAFIADO POR JAVIER RUÍZ
VESTUARISTA: AGOSTINA HIDALGO | MAQUILLAJE: LORENA LÍO
un
que redefinió
c. tangana se lo ve contento, satisfecho. El motivo de esta buena energía es que minutos antes de la entrevista culminó el ensayo que tenía como objetivo dar “algunos retoques” al show que presentará en Latinoamérica durante este mes cuyo inicio está previsto para el 10 de noviembre en el Auditorio Citi banamex de Monterrey, México. El marco es su gira “Sin Cantar Ni Afi nar Tour”. Mientras conversamos, sostiene su teléfono móvil y camina de lado a lado por el patio de la sala de ensayos.
Para el artista madrileño es ha bitual tener alguna cámara cerca. Sobre todo en las instancias previas a un show, ya que su concierto está pensado como un verdadero rodaje cinematográfico, donde la música y la creatividad visual son la base de lo que quiere que el público perciba y guarde. La puesta, cuidada en cada detalle, está planteada para ser dis frutada con todos los sentidos por lo que hay una gran inversión en arte y tecnología para que estén a la altura de la propuesta musical.
Contento con el aspecto visual del concierto, C.Tangana anticipa que será como una especie de obra de teatro, el rodaje de una película o videoclip. Cuenta que es una de las aristas del show que más orgulloso le da, porque le da un carácter dis tinto y muy emocionante.
El artista traerá a la Argenti na una de las puestas más grandes y desafiantes de la música en vivo de la actualidad. Para darle vida a sus composiciones, Pucho -como lo bautizó su familia de pequeñono deja detalles al azar. “Este show ha estado a punto de arruinarme, pero quería hacer un espectáculo que estuviera a la altura del álbum”, dice sobre la inversión económica que implica montar un concierto de estas características. Y es todo un
desafío posicionarse al nivel de su disco, El Madrileño, que lo llena de orgullo y también a toda la cultura hispana. Sus canciones retoman las tradiciones de otras generaciones para rendirles homenaje y actuali zarlas en composiciones de amor y despecho, excesos y obsesiones.
El entusiasmo por las tablas no es innato. El cantautor siempre se con sideró más hábil en el estudio que en el escenario. “Siempre he tenido algo complejo como intérprete al no ser capaz de llevar la propuesta del estudio al show de una manera que fuese acorde”, confiesa. Para El Ma drileño, su segundo disco, sucesor de Ídolo (2017), el artista luchó con tra ese complejo e invirtió todos sus esfuerzos y capital disponible para construir un show único.
Latinoamérica es un terreno con el que se siente en deu da. Especialmente, la Argen tina, donde tuvo que sus pender su show meses atrás por conflictos con la logísti ca. “Para mí es importante to car en Argen tina, suena un poco egoísta pero la verdad es que signifi ca algo dentro de mi carrera, y también por la gente que me sigue. Lo es pero con mu chísimas ga nas”. Por este motivo, Bue nos Aires es su ciudad elegida para dar cierre a este año de cosechas que inició con el festejo del aniversario del álbum que lo puso en la cima de ventas en su país natal, España.
El Madrileño es, sobre todo, una vidriera de artistas de gran trayecto ria y de nuevas promesas. Participan Niño de Elche, La Húngara, Toquin ho, Ed Maverick, Gipsy Kings (Nico
lás Reyes y Tonino Baliardo), Jorge Drexler, José Feliciano, Omar Apollo, Eliades Ochoa, Carín León, Adriel Favela, Andrés Calamaro, Kiko Ve neno y Pepe Blanco (resucitado en “Cuando olvidaré”). No por nada el día que reveló las colaboraciones lo llamó “el disco de mi vida”.
La presencia de sus referentes se ve en letras como en “Nunca estoy”. Cuando dio a conocer el sencillo en 2020, incluyó el arte de Alejandro Sanz al cantar “Y quién me va curar el corazón partío”, y el de Rosario Flores en “Cómo quieres que te quie ra si no estás aquí”.
Antes de plasmar este trabajo, C. Tangana sentía que su vida personal, la que cobija a Pucho y a las historias guardadas en un rincón del barrio “Puerta del Ángel” de su Madrid na tal, había madurado más que su vida artística y con 26, 27 años empezó a gestar el disco. “Acepto que hasta esa edad había intentado ser exclusiva mente un artista urbano, un rapero, pero la verdad es que el cien por ciento de mis influencias no son esas,
maravilloso, pero no me gustaba mucho la idea de pensar que iba a tratar de ser un “Peter Pan” y conti nuar toda mi carrera haciendo ver que tenía 22 años”, dice.
Tal apertura con el pasado estuvo siempre inscrita en la vida de C.Tan gana, quien se define como un hom bre de pocos prejuicios. Habiendo crecido en una educación estricta en lo artístico, siempre se dejó lle var por sus gustos, algo que lo hizo crecer sin demasiados preconceptos. Es un “abrazador” musical, porque en diversas instancias de su vida se alimentó de muchos estilos, sin quedarse en un género en particu lar. “Siempre me permití disfrutar de cosas distintas y eso se aplica a mi música”, argumenta.
No solo C.Tangana disfruta de haber incorporado las voces de la tradición en su álbum. Su obra tam bién acercó a los jóvenes al flamen co. Sus canciones tendieron puentes entre España y América Latina. “Eso me lo decía mucho [Jorge] Drexler”, comparte sobre su vínculo con el uruguayo. “Te nemos una his toria en común y una cultura que se unen en muchos lugares. Al fi nal, si te pones a indagar un poco, surgen las concesiones y entiendes lo que ha influido el bolero en la música la tina, en Cuba, Puerto Rico, Argentina y España. Hay muchos puntos de unión”.
hay mucha otra música que siempre he escuchado y admirado”, revela.
Encaminado hacia El Madrileño, su misión fue “envejecer con clase”, algo que considera bastante difícil. Quiso hacer algo de lo que aún pu diera sentirse orgulloso con 40 o 45 años, canciones que pudiera cantar con “esa edad”. “Creo que la música urbana tiene algo de juvenil que es
mas adicionales, entre ellos colabo raciones con la estrella del flamenco urbano Omar Montes, la leyenda cubana Omara Portuondo y el pa drino de la bachata, Luis Segura. También exhibió una nueva portada diseñada por el director de cine es pañol Carlos Saura.
La Sobremesa comienza con la ya conocida “Demasiadas mujeres” y finaliza con una novedad, “Para re partir”. A pesar de dejar letras fuera de sus discos, su autor considera que el álbum “define muy bien quién es” porque en él dijo casi todas las cosas que tenía que decir. “Es algo que en otras épocas no me había salido muy bien”, confiesa.
Aunque se considera un amante de las cosas pequeñas y simples en la vida, Pucho cree que en su traba jo de artista le cuesta un poco más conformarse. “Uno de mis mayo res motivadores es exigirme a mí mismo y no quedarme en la zona de confort”. Esta actitud de autoexigen cia se refleja en su postura humilde -y nombre con el que designó a su
gira más ambiciosa hasta la fecha: “Sin cantar ni afinar”-. “Como no canto ni afino, lo que tengo que ha cer son buenas canciones”, arroja. “Canciones tan buenas que permi tan que alguien cantando tan mal como yo no importe, porque la can ción llega igual”, comenta.
La Sobremesa, no cayó del cielo. Luego de hacer historia con su ál bum de oro, continuó el derrotero
en su tiny desk, donde gestionó una puesta ambiciosa y más que original. Montó una pequeña fiesta flamen ca para interpretar algunas de las canciones de El Madrileño, acom pañado de sus principales colabora dores. En 15:30 de sesión, mostró al mundo el valor de una tradicional sobremesa con música, rodeado de músicos -como Antonio Carmonay familiares.
“Fue una forma de completar el disco porque la idea de La Sobre mesa y el concepto de sacar la gui tarra y cantar canciones que todos conocemos es algo que pertenece mucho a nuestra cultura”, comparte aludiendo a la tradición española y latina. El compositor quería que esa “situación” estuviera presente de al gún modo en la totalidad de su obra, cuya propuesta en vivo conforma uno de sus pilares más importantes.
Por más que sea un apasionado del cambio constante y el movi miento, Pucho suele remitir al pasa do para recordar qué sentido tomar en el presente. “Me gusta no perder la raíz”. Mucho antes de convertirse en el músico que conjugó el pasado y el presente en su obra estrella, C. Tangana estudió filosofía. Siempre le preguntan si tiene algún acerca miento diferente a la música, pero él no está seguro: “Algo ayuda, el mun do en general dice que sí”.
En sus orígenes, Antón Álvarez Alfaro, su nombre, ya había tenido un apodo. Inició su carrera musi cal en 2006 bajo el pseudónimo de “Crema”, como integrante del grupo Agorazein. Se consagró dentro del panorama mundial con su single “Mala mujer” en 2017 y éxitos como “Llorando en la Limo” (Disco de Platino) y “Bien duro” (Disco de Oro). Y su pluma le ha dado grandes triunfos: es coautor de la canción “Malamente” interpretada por Rosa lía, trabajo que recibió dos premios Latin Grammy en 2018.
Su obra más ambiciosa, El Ma drileño, se editó en febrero de 2021 bajo el sello Sony Music, obtuvo10 seis nominaciones a los Latin Gram mys y tres victorias: “Mejor Canción Alternativa” por “Nominao” y “Me jor Canción Pop/Rock” por “Hong Kong” -en colaboración con Andrés Calamaro-; y su productor, Alizz, se llevó el reconocimiento a “Mejor Mezcla” por el álbum.
Este año, está “Nominao” en tres
Latin Grammys: su colaboración junto a Jorge Drexler, “Tocarte”, es potencial ganadora en las categorías "Grabación del Año”, "Mejor Video Musical Corto" y "Canción del Año".
El Madrileño tuvo su lugar en los charts de Billboard: ingresó en el N°8 del “Latin Pop Albums” y tres de sus canciones le abrieron las puertas del Billboard Global 200: “Tú me de jaste de querer” (2020), “Ateo” (2021) y “Demasiadas mujeres” (2022).
Hace un par de años que C.Tan gana cuenta con la validación de la industria, pero hoy le presta menos atención que antes. “Sigue siendo un honor la nominación de cual quier tipo de reconocimiento. Que Billboard te preste atención, para mí es un sueño de cuando era pe queño”. Sin embargo, cree que desde que empezó a colaborar con artis tas clásicos y míticos, algo cambió. Como una especie de calma que llegó luego de compartir el estudio con sus referentes, como Eliades Ochoa, Calamaro o Drexler. “Me hizo sentir menos hambriento y más satisfecho. Pero siempre es un honor que otra gente te reconozca con tu música”, agradece.
El Madrileño se proyecta como un álbum que llegó para quedar se. Un clásico. Como resumió él en pocas palabras: “Para mí la música latina es esto, la vanguardia es esto y para mí lo clásico es esto”. Y, por más que no lo haya hecho a propó sito, es un álbum que tiene mucha teoría. Sin dudas, un álbum que es tierra fértil para otra generación de músicos que se inspirarán de ahí y harán florecer sus futuros discos.
Cansado, pero feliz, Pucho sien te que está “como justo después de una siesta”. Como si los últimos me ses de su vida fueran el momento final de una fiesta, cuando la gente comienza a irse a su casa “y estás muy contento, pero también cansa do”. Y es que un gran éxito conlleva un gran esfuerzo.
“Para cualquier persona que haga una pequeña gira por Latinoamérica, estar en Buenos Aires es algo funda mental”. Así será. C.Tangana llegará con su tour el 22 y 23 de noviembre al Movistar Arena con producción de DF Entertainment para celebrar un álbum que se inscribió en el re pertorio de los clásicos del mundo y compartir sus canciones “Sin cantar ni afinar”, pero con el corazón.
¿Cómo llegaron con El Clooy a las voces de Ryan Castro y Blessd para presentar el remix de “Qué Rico”?
Gracias a Dios, con estos muchachos que hoy son de los artistas más importantes de Colom bia somos muy amigos. Todo esto lo hemos construido juntos. Hace varios años venimos trabajando juntos…
Tanto la canción original como el remix se estrenaron con sus videoclips, ¿cómo surgió la idea de la fiesta de quince años a la que se suman a cantar? Es una representación muy icónica de la celebración de los 15 años de las mujeres. El video trata de mostrar ese sentimiento tan importante de la fiesta, y que nosotros somos los artistas invitados a ella. El clip fue rodado aquí en Medellín, y se diferencia con el de la canción original porque el anterior era mucho más íntimo. Causa la curiosidad de las modelos entre las telas e intenta demostrar las ganas de conocer a la persona que te gusta. Los videoclips son muy importantes, y por eso apostamos a hacer uno también para el remix.
Como productor, ¿cuál sentís que es el sello de Colombia en la música?
Siento que el código principal es lo bailable, las canciones tienen que ser agradables y deben darte esas ganas de moverte. Crecí con mi familia reuniéndose a bailar, y a la hora de hacer mis canciones trato de plasmar lo que me transmitían esas canciones que escucha ban mis padres, lo que escuchaba en la calle y demás. Así encontré mi esencia.
Sos reconocido como el productor número uno de Colombia gracias a tu trabajo detrás de éxitos de distintos artistas emergentes, ¿podrías desta car algún proyecto?
Después de llegar al oído de más de 700 mil personas con “Qué Rico” en colaboración de El Clooy, SOG lanzó el remix con las voces de Blessd y Ryan Castro. Actualmente, esta versión ya superó el millón de streams en Spotify y acumuló más de tres millones de reproducciones en YouTube. “He teni do la oportunidad de producir casi todas las canciones de Ryan Castro, y un montón de Blessd; entonces hemos fortalecido una gran amistad, y gracias a eso me han dado la opor tunidad de poder tenerlos en el remix junto a El Clooy”, confiesa el productor colombiano.
No son solamente las plataformas digitales las que muestran el talento de SOG, prue
ba reciente de este éxito es su acercamien to al legendario Daddy Yankee, luego de la propuesta que recibió el productor para que abra sus shows en Colombia. Además, trabajó con artistas como Farruko y Jowell y Randy: en equipo, presentaron “Sensual Inspiration”, canción que hoy supera los 17 millones de reproducciones. “Es increíble colaborar con los artistas que escuché mientras crecía, me llenó de felicidad saber que iba a trabajar con ellos. “Sensual Inspiration” es una canción muy bonita porque fue mi primera colabora ción internacional, y una de las primeras can ciones que logró tantos números e impacto en la gente, eso te da muchas ganas de seguir trabajando…”.
Sí, hay una canción muy especial que se llama “Lejanía” y la hicimos en plena pandemia. Es un sencillo muy bonito para la que le pedí ayuda a Ryan y a Blessd. Quería hacerle una canción a mi novia que vivía en otro país, así que tiene un sentimiento muy real, muy natu ral. Además, nos cambió la vida porque logro que empecemos a tocar y a sonar en las radios, llegó a ser número uno a nivel nacional. Le debo mucho a este tema porque, además, fue hecha con mis amigos, sin forzar nada.
¿Te gustaría colaborar con artistas argentinos?
Se viene algo por ahí. Será una gran sorpresa cuando salga esta canción que une Colombia y Argentina, porque ustedes también tienen un gran movimiento y un montón de exponentes muy duros que me gustan un montón. He tenido la oportunidad de conocer personal mente grandes artistas como Alan Gómez, DJ Tao y Kaleb Di Masi, que ya son grandes amigos con los que pude compartir tiempo en Medellín. Además, ya tuve la oportunidad de conocer Argentina y presentar mi performan ce de DJ SET tocando mis propias produccio nes y me recibieron muy bien, espero pronto poder ir a tocar “Que Rico”.
Los ejecutivos dicen que una avalancha de música nueva, y la dificultad de influir en el algoritmo de TikTok, ha hecho que construir una audiencia sea más difícil que nunca para los nuevos artistas.
POR ELIAS LEIGHTHrs & hrs” de muni long es ver tiginoso y apasionado, un sencillo de R&B contemporáneo construi do sobre la sólida estructura de las baladas clásicas del soul. Muni Long lanzó la canción el año pasado con su propio sello, Supergiant, alcanzando el No. 16 en la Billboard Hot 100 a fines de enero, y dando a la cantante su pri mer éxito y la oportunidad de asociarse con Def Jam. Existe en este momento la sensación en la industria de la música — de managers y publicistas a ejecutivos de artistas y reper torio (A&R) — de que historias como la de Muni Long son pocas en 2022. “Es un campo
de juego más grande y nivelado, y todo como que se pierde”, dice Chris Anokute, manager de Muni Long. “Todos son artistas, pero casi nadie la está rompiendo”. Se puede juzgar y discernir sobre lo que significa actualmente “romperla”. Los ejecutivos de los sellos disco gráficos tienden a usar las cifras de streaming como barómetro, mientras que la mayoría de los managers ponen más atención a las ventas de boletos. Pero la cantidad de nuevos artistas que saltan al Top 10 del Hot 100 ha disminui do precipitadamente en los últimos años. De 2001 a 2004, más de 30 debutantes llegaron al Top 10 por año. En 2019, sin embargo, solo
15 llegaron al Top 10, y 2021 tuvo el número más bajo de nombres nuevos en este milenio: solo 13.
Esta sequía tiene preocupados a algunos managers y ejecutivos de disqueras. “Todos mis compañeros de la industria se preguntan lo mismo: ¿Qué viene ahora?”, dice Anokute. Otros usan un lenguaje más pintoresco para describir el panorama actual. Es “abismal”, afirma un ejecutivo de A&R convertido en manager. “La línea de combate del negocio de los sellos discográficos, la firma de nuevos artistas está en problemas”, dice otro que soli citó mantenerse en el anonimato para poder hablar con franqueza.
Los expertos tienen muchas teorías sobre por qué el mercado de nuevos artistas se ha vuelto más difícil. La principal alude a un di luvio de nueva música. Se ha vuelto tan fácil para los aspirantes a artistas lanzar cancio nes, que están inundando los servicios de streaming y esto dificulta que un solo tema se destaque entre tanta saturación. “Debido a la gran cantidad de cosas que surgen, canciones que hubieran triunfado hace cinco o 10 años ahora tienen que batallar para ver la luz del día”, dice el veterano productor Warren “Oak”
Felder (Usher, Demi Lovato). Incluso las ma yores discográficas se están dando cuenta: “Si cada día se suben 80.000 temas a los principa les [proveedores de servicios digitales], enton ces se va a diluir la cuota de mercado [de los principales sellos] como consecuencia”, dijo este verano Rob Stringer, presidente de Sony Music Group, a los inversionistas.
Además, el alcance y la influencia de me dios que alguna vez fueron poderosos, como la radio y la televisión nocturna, también han disminuido. (“Una canción No. 1 en la radio ya no significa nada”, se lamenta un veterano ejecutivo de A&R).
El auge de TikTok también ha complicado las cosas. La plataforma se ha convertido en creadora de éxitos, pero es una herramienta de marketing impredecible, menos suscep tible a la manipulación y menos receptiva al poder de las estrellas que otras plataformas.
En conjunto, todos estos factores significan que capturar, y luego retener, la atención de las masas melómanas es mucho más desafian te. “Solía ser que lanzabas un álbum, hacías que Rolling Stone lo reseñara, salías de gira, aparecías en la televisión nocturna, y así era como triunfabas”, dice un alto ejecutivo de un
sello importante. “Incluso si la suerte era un factor, el camino estaba abierto”.
Muchas de las fuentes que hablaron para esta historia creen que el negocio de la mú sica necesita reposicionarse para adaptarse a
Disco). “Siempre han sido el filtro para eso. Si se elimina eso — digamos que no hay estre llas y todos tienen sus propios seguidores de culto — ¿qué hace el sello grande?”
Parece que los más grandes ya han tratado de responder a esta pregunta. Stephen Coo per, director ejecutivo saliente de Warner Music Group, dijo en una conferencia en sep tiembre que esa gran empresa había reducido su “dependencia de las superestrellas”, dando prioridad, en cambio, a establecer relaciones con “artistas que empiezan sus carreras”.
Pero los grandes sellos no son los únicos que tendrán que adaptarse. “La forma en que la gente mide el éxito global no es correcta”, argumenta Connor Lawrence, cofundador y director de operaciones de Indify, plataforma que ayuda a artistas independientes a encon trar inversionistas a cambio de una parte de sus ingresos de streaming.
esta nueva realidad. “A falta de estrellas, las grandes discográficas tienen que hacer un cambio”, dice Jonathan Daniel, fundador de Crush Management (Sia, Lorde, Panic! at the
Puede que en el futuro la definición de ha cer llegar al estrellato a un artista tenga que cambiar. “Se ha vuelto tan fragmentado dónde y cómo la gente descubre la música y se vuelve fan de algo”, dice Ben Blackburn, gerente de Girl in Red. “La métrica debe cambiar si se va a valorar correctamente el éxito”.
“
La cantautora habló sobre su llegada en diciembre al Gran Rex, la relación que tiene con las nuevas generaciones y la importancia de su familia luego de tantos años en la industria.
“La música me protege, es como un escudo” MARCELA MORELOpor FLORENCIA MAURO | foto MACHADO CICALA
ara celebrar sus 25 años de trayectoria, Marcela Morelo se presentará en el Tea tro Gran Rex con un show donde repasará algunos de sus éxitos más importantes e interpretará en vivo por primera vez algunas canciones como “Chau -Me Puedo Equivocar”, su último lanzamiento en compañía de Diego Torres. La cantante compuso una cumbia dulce con ayuda de su compañero de siempre, Rodolfo Lugo, quien también estuvo a cargo de la producción. En el videoclip se puede ver el proceso de grabación y la química de ambos artistas que tan bien representan a la canción popular argentina.
A lo largo de todo este tiempo de carrera, Morelo consiguió no sólo crear un cancio nero que forma parte de la historia argenti na, sino que también encontró la manera de hacer que las nuevas generaciones se sientan atraídas por su música. Además, con la ayuda de su familia, ella también se interesa por los nuevos artistas que hacen que la escena na cional siga creciendo a paso firme. “Muchos jóvenes me paran en la calle y me dicen que les traigo muchos recuerdos porque la madre me escuchaba yendo de viaje o limpiando y algunos de ellos ahora me escuchan con sus propios hijos, así que se va expandiendo y puedo atravesar generaciones”, compartió.
Dentro de su largo repertorio se pueden encontrar éxitos como “La Fuerza del Enga ño”, “Corazón Salvaje”, “Luna Bonita”, “Para Toda la Vida” o “Tormento de Amor”, entre muchos otros. Para alegría del público segui dor de la cantante, todas estas canciones se van a poder escuchar el 2 de diciembre, cuan do se presente en el Gran Rex bajo la mirada de todo su equipo, quienes la acompañaron durante la pandemia y estos últimos años a realizar shows vía streaming.
Soy muy exigente y busco una perfección imposible de encontrar, así que cuando llego a momentos en los que me entristezco porque ya ni sé qué me pasa, intento comprenderme. Recuerdo esa noche del streaming cuando era mi cumpleaños y no cantaba en vivo hace un año, no fue mi mejor performance, pero estaba muy feliz por poder tocar con la banda en un escenario después de tanto tiempo.
También trato de comprender al mundo que me rodea mientras estoy metida en ese mundo, para ver qué puedo hacer para aportar mi granito de arena para mejorarlo un poco… Que por momentos es muy cruel, hay mucha desigualdad y cosas que me afectan.
¿QUÉ PAPEL CUMPLE LA MÚSICA PARA AYUDAR A COMPRENDERTE?
La música me protege, es como un escudo. En esos momentos en los que intento compren derme es donde más me meto en la música, tan solo vocalizar me hace sentir contenida.
¿ELEGISTE DICIEMBRE POR ALGÚN MOTIVO EN PARTICULAR?
Diciembre para mí es un mes importante porque es mi cumpleaños, es un mes muy fogoso para todos por las fiestas. La música me acompaña, ya sea en la vida o cuando hago un show que me da muchos nervios, eso no cambió a pesar de los años, pero una vez que estoy arriba del escenario agradezco estar ahí.
del éxito de sus primeros singles y le valió el premio Gardel como Mejor Artista Nuevo. La historia apenas comenzaba.
Morelo lanzó 11 álbumes durante estos 25 años. Su trabajo incansable junto a su compa ñero de carrera y de vida Rodolfo Lugo sigue con el mismo espíritu y para ello no hay más que verlos sobre el escenario en cada uno de sus shows. Ambos formaron un sólido equipo de composición y producción.
Celebrar un aniversario es la oportunidad de revisar el camino recorrido y encontrar la inspiración para lo que está por venir. Queda claro que, en el caso de Marcela, su relación con la música es, como dice en una de sus canciones, “un amor eterno, un amor sagrado”, en definitiva, algo destinado a ser “Para toda la vida”.
DESPUÉS DE TODO ESTE TIEMPO, ¿SIGUE EXISTIENDO ALGÚN MIEDO?
El miedo, las incertidumbres y la inseguridad están presentes permanentemente. Hoy siento que todo es más inseguro que antes, porque cuando todavía no había grabado mi primer disco yo no tenía nada, pero hoy ya recorrí un camino que es una responsabilidad. Ahora saco canciones esperando que gusten, al prin cipio no sabía que podía pasar.
¿CÓMO TE LLEVÁS CON LAS NUE VAS GENERACIONES?
Hay cosas que me gustan mucho de la mú sica nueva y como hay mucha variedad me pa seo por distintos lugares. A las chicas les gusta más Tini, Lali, María Becerra y mi hijo es más melancólico, escucha mezclas de DJs y todo eso me encanta porque yo también me pongo a investigar y a escuchar con ellos para descu brir cosas nuevas.
El sueño de Marcela había comenzado mu cho antes de grabar álbumes. Desde muy niña estudió música y más adelante llegó a cantar en bares o incluso grabar jingles publicitarios. Pero ese camino apenas sería el comienzo de algo que llegaría en el momento indicado.
A finales de los 90s la voz de Marcela irrum pió con “Corazón Salvaje”, su primer tema. Algo se produjo con esa canción. Fue la chis pa que inició todo. Era un single atípico para la época y ese “nuevo sonido” logró hacerse rápidamente un lugar en los medios y el pú blico. Le siguieron “La Fuerza del engaño”, lo que demostró que la artista tenía mucho para dar y que era mucho más que una canción del momento. La fusión de ritmos e instrumentos folclóricos con música pop, acompañados por letras honestas y cercanas fueron la semilla de su primer álbum Manantial y el comienzo de una carrera que se construiría con una gran solidez. Luego llegarían las baladas como “Es perar por ti” o “Tormento de amor”.
Su primer álbum, Manantial, llegó luego
¿CUÁLES SON ESAS CANCIONES QUE TE QUEDARON GRABADAS?
Hay varias canciones, hay una que se llama “Ponernos de Acuerdo” que me gusta mucho y siempre siento que es actual en mi vida. También me gusta mucho “Jamás te Olvida ré”, me emociona muchísimo y más siendo que ahora en los shows puedo poner la voz de Mercedes Sosa. “Argentina Te Quiero” es un tema que me emociona mucho y del que ahora vamos a hacer una versión nueva con unos arreglos con cuerdas muy lindos porque hace bastante que no la toco en vivo. Especial mente me emociona la reacción del público ante las canciones, cuando toco una canción muy conocida como “La Fuerza Del Engaño”, “Corazón Salvaje” o “Luna Bonita”.
¿QUÉ PODÉS ADELANTAR SOBRE EL SHOW EN DICIEMBRE?
Será un show que muy variado, vamos a re pasar todos estos años de música y se le suma una canción nueva que está por salir.
“ ESPECIALMENTE ME EMOCIONA LA REACCIÓN DEL PÚBLICO ANTE LAS CANCIONES ”
“Es un conjunto de sentimientos escupidos, plasmados y convertidos en canciones”, confesó el artista español.
POR ROMINA BARRILEl candidato al Latin GRAMMY a Mejor Nuevo Artista lanzó su pri mer trabajo de estudio: “El concep to me hacía gracia, es un juego de palabras para mí. Siento que tiene un doble sentido en cuanto a la rapidez y a lo efímero, en donde nos podemos encontrar con historias de amor y desamor…”, reveló Pol sobre el título del disco.
A pesar de sus recientes inicios en la música, el cantante y actor ya fue partícipe de una can ción que revolucionó el mundo, acumulando más de 350 millones de reproducciones, junto a dos artistas del nivel de Marc Seguí y Rauw Alejandro: “Tiroteo Remix”. “Todo nació por que un día me junté con Marc en Madrid a ver una idea de canción que me había propuesto en cuarentena. Una vez juntos, hicimos mi par te y nos gustó como quedó todo. Sentimos que tenía una vibra especial y la lanzamos. Rauw Alejandro la escuchó, le encantó y nos propuso hacer el remix que fue increíble…”
A su vez, el artista confesó que en Amor Escupido “solo está la colaboración con León”. León Leiden es el cantante mexicano que lo llevó a Pol a consolidarse como artista interna cional con su lanzamiento en conjunto: “Plati camos”. A su vez, Pol Granch aseguró: “Estoy pensando en las posibles colaboraciones de lo que se viene”, y agregó sobre el material que presenta actualmente: “Quería centrarme un poco más en mí y poder plasmar todo lo que quería. Puedo decir que he sido algo egoísta a nivel compositivo porque quería expresar todo lo que tenía en la mesa. Pero próximamente habrá colaboraciones muy bonitas”.
¿Qué concepto trae el material de Amor Escupido ?
Te mentiría si te dijese un concepto pensado y planeado como tal. Esa parte conceptual y craneal no la he trabajado mucho, sino que más bien son una serie de ingredientes y de sentimientos que me han ido pasando este año y, en vez de apuntarlos en un diario, los hice música. Se podría decir que cada hoja de ese diario es una canción. Por eso el título del álbum es Amor escupido, porque es un con
junto de sentimientos escupidos, plasmados y convertidos en canciones.
¿Cuál es la canción del disco que sintetiza el álbum?
De la totalidad de las canciones del disco creo que sería “Velocidad A Tope”. Es una canción que he producido junto a mi amigo Luis, y eso hace que me sienta muy cercano a la canción.
¿Aprovechas tu faceta de actor en la música? ¿O son dos cosas distintas para vos?
Es verdad que son dos profesiones distintas, pero les saco provecho a ambas al momento de, por ejemplo, hacer el videoclip de una canción. Lo interpreto de cierta forma para que conecte de una misma manera.
¿Qué te generan las nominaciones a premios?
Sinceramente, la primera sensación es de feli cidad, pero también me da un poco de miedo.
Siento la presión de no dejar de tener los pies en el suelo para poder seguir trabajando como hasta ahora, y cada vez más.
¿Cómo fue el proceso que te impulsó a iniciar tu carrera como cantante?
Siempre he hecho música porque lo es todo para mí, pero también me gusta mucho actuar.
Hace un tiempo hice un año de Interpretación en Cristina Rota, pero tuve que dejar de lado un tiempo mi carrera actoral porque vino mi sueño de ser cantante, que comenzó en Factor X. Después se me dio la oportunidad de ac tuar, y si en un futuro me ofrecen algún papel que me guste y pueda adaptarse a los horarios, aceptaré e iré para adelante con eso. Bienveni do todo lo que sea arte.
¿Tenes pensado visitar Argentina?
El objetivo es sacar música y tener un mayor repertorio para llevar a todas partes del mun do, pero si quiero conocer Argentina y cantar allí algún día.
La injusta distribución de la oferta de consumo cultural posiciona a la mayoría de los festivales argentinos e internacionales en la ciudad de Buenos Aires, y no son pocos los jóvenes de todo el país que viajan por horas para ver a sus artistas preferidos. Afortunadamen te esa tendencia comenzó a rever tirse hace unos años, y luego de tres años de espera obligada por la pan demia, Rosario recuperó su plaza festivalera con el Festival Bandera.
La atmósfera en los alrededo res del parque de la independencia respiraba música desde temprano, porque nadie quería perderse nada: a pocas horas de habilitado el in greso al público, el predio ya estaba ocupado casi en su totalidad. La dis posición de los escenarios confirmó que no siempre más es mejor, y con solo tres fue suficiente para disfru tar más de 30 propuestas diferentes, organizadas de manera dinámica, no hubo superposiciones discutidas, y absolutamente todos los shows tuvieron una presencia de públi co considerable. Sin desajustes y en equilibrio, todos ganaron.
Babasónicos fue uno de los desta
cados de la noche, no solamente por la elegancia y sofisticación de su pro puesta sino porque además estaban visiblemente muy contentos. Lejos de patear el penal fuerte al medio a lo seguro, ofrecieron un show que tuvo como columna vertebral su últi mo disco Trinchera: Arrancando con “Bye Bye”, sonaron también “Mimos son Mimos”, “Paradoja”, “Mentira Nórdica” y el bonus “Trinchera”. La banda que posee el catálogo más extenso de la música nacional se siente segura y confiada como para salir a un festival (con un público siempre hambriento de hits) con una propuesta variopinta, dejando a todos contentos. Siempre es un buen momento para ver a Babasónicos, no importa cuando leas esto.
Unas horas antes Dillom fue otro de los puntos altos del festival: quizás el artista nacional del año, este 2022 será recordado por su consagración con Post Morten. A tan solo unos días de haber realizado el recital más importante de su carrera en el Luna Park, el artista podría confundir a cualquier distraído y convencerlo de que realiza shows hace muchos años, porque así se percibe cuando se sube al escenario. Un show con rap, trash,
punk y rock, que dejó al público ro sarino extasiado.
Con una curaduría destacada, la principal virtud de este festival fue la diversidad de géneros: Brunella y The Colorated fueron responsables de comenzar una fiesta que se ex tendió hasta la madrugada, seguidos por (esta vez muy coloridos) 1915 que con su solidez característica siguen confirmando que están para cosas grandes, tocando en esta oca sión en uno de los escenarios princi pales. Luego fue el turno de Sarama lacara, con una buena presentación, pero con una mezcla de sonido rara que le jugó una mala pasada, dejan do su voz por debajo de las pistas. Por su parte, Taichu salió bien arriba con su exquisito blend de hip hop y R&B a pleno con “HI-C”, “Who” y “Tic Tac” a puro groove y con una audiencia entregada que disfrutaba del sol y el show a la vez.
Los locales Groovin Bohemia se presentaron en el escenario oeste y pisaron fuerte dejando impresionado a más de uno; con apenas unos años de carrera y el trabajo a pulmón de la autogestión, la banda crece poco a poco y pronto se presentarán en Ni ceto. Además, se manifestaron por lo
que está ocurriendo en la provincia: "Estamos cansados de respirar humo y que nos prendan fuego las islas. Repudiamos a los que provocan todo eso y se llenan los bolsillos”.
El Kuelgue fue una fiesta en el atardecer: palo y palo, un hit tras otro, la banda definitivamente dis fruta de los festivales y se mueve como pez en el agua en este tipo de eventos. Y por supuesto, el rock nacional tuvo su lugar: Guasones, El Mató y las Pelotas también dijeron presente. Por otra parte, en el esce nario Cynar se dio una mixtura de créditos locales, bandas emergen tes y consagradas para completar la grilla del festival que se consolida y promete para el futuro.
Un párrafo aparte se merece la vibra del público rosarino: pocas quejas, mucho disfrute, placer y alegría. Remeras de bandas de todas las épocas y géneros, el público se lleva el trofeo de ser uno de los más festivos y alegres, recordando las épocas en las que se concurría a los festivales para disfrutar de la música y no para sacar una foto en redes o pasarla mal en una fila. La música y el encuentro fueron siempre el foco. Que se repita.
Con la presencia de 20 mil personas, y luego del hiato de dos años, se realizó la tercera edición del Festival Bandera en el Hipódromo de Rosario. Dillom y Babasónicos, los destacados de la jornada. POR WALTER GARRÉ • FOTOS: TUTE DELACROIX
Si abriéramos el índice de los artistas que escribieron la histo ria de la música latina de este siglo, Cali y el Dandee sería uno de los más destacados. El dúo -junto a su productor, Andrés Torres– es responsable de éxitos como “Yo te esperaré”, “No digas nada” y “Por fin te encontré”, baladas urbanas que quedaron en la memoria del mundo de la música.
Hoy, a 12 años de sus comienzos y luego de atravesar una gira por España, unen fuerzas con Omar Montes para una canción que combina sonidos urbanos y tropicales, con una letra que habla de independencia, liberación y empode
ramiento de las mujeres: “Soltera”. Una canción que, en sus palabras, “rompe una seguidilla más dramática y melancólica”, comparten.
¿Qué sensaciones trajo esta última canción?
dandee: Nos gusta mucho esta canción porque rompe una seguidilla más dramática y melancólica en la que veníamos. Nos sigue encantando ese tipo de música, pero quería mos hacer una pausa alegre. Por eso invitamos a Omar Montes y el boliche que tiene en su garganta. También nos recuerda el reggaetón de la primera década de los 2000.
¿Les sigue sorprendiendo acompañar la vida de la gente?
cali: Completamente, es increíble darse cuenta de cómo tu música ha acompañado momentos a veces tan trascendentales de la gente. En momentos tristes, difíciles. Es muy bonito escuchar esas historias. Pero, al mismo tiempo nos gusta hacer canciones para pasarla bien como «Soltera». A veces hay que hacer una pausa al drama. Como el primer día, seguimos haciendo la música que nos gusta escuchar a nosotros. Si a los otros les gusta, es increíble. Pero si no les gusta, nuestro foco es sacar música simplemente por un hobbie y por pasarla bien.
dandee: Hay canciones famosas que signi fican mucho para la gente, pero también es muy lindo en los conciertos ver que canciones que no son famosas también significan. Que la canción 12 del CD signifique todo para una persona en el show es increíble. Hay canciones que son muy especiales para uno, pero uno no sabe si van a ser especiales para alguien más. Eso es lo bonito de hacer música.
¿Cuán acertadas son sus predicciones de lo que sucede con las canciones?
dandee: Poco. Creo que desde hace rato abandonamos un poco eso. Nos hemos dado cuenta de que las canciones a las que mejor les va nos gustan desinteresadamente a nosotros. Cuando contás con la suerte de que a tus fans les gusta el mismo tipo de música que a vos te gusta, ahí hacés una conexión real con ellos. Tiene que ser algo que a vos te llene porque así la gente lo va a sentir honesto.
¿Qué quieren contar de esta etapa de su proyecto?
cali: Hemos estado hablando de la cantidad de colaboraciones que hemos venido hacien do. Nos ha nutrido mucho colaborar con gente nueva. Pero creo que estamos en un momen to donde las canciones están saliendo muy naturalmente. Antes, hacíamos una canción y trabajábamos en ella por uno, dos, quizás tres años. Sobrepensábamos las cosas. Ahora, las canciones están saliendo de una forma muy natural y contundente. Por esa misma razón, hemos pensado que, en esta siguiente etapa, aunque nos gustan mucho las colaboraciones, queremos hacer muchas canciones de noso tros dos solos. Porque ahorita están saliendo muy bien. Antes nos faltaba la influencia de algo y buscábamos colaboraciones. Pero ahori ta están saliendo muy bien. Creo que ahora viene mucha música del estilo de los princi pios de Cali y el Dandee, las baladas con algo de urbano, pero solamente de nosotros. No buscamos muchas colaboraciones en el álbum que viene.
dandee: También estamos explorando en géneros hace 12 años. Formas de hacer música un poquitito vintage, que nos gustaban cuan do éramos más chicos. Estamos intentando ese tipo de armonías en las voces, grabar y produ cir con ese estilo. Estamos probando muchísi mo reggaetón y pop viejo a ver qué pasa.
El último tramo de 2022 llega con espíritu festivo. Para noviembre, Gonna Go Producciones propone una agenda cargada de shows que prometen llevar alegría, color y baile a distintos puntos del país.
POR BILLBOARD CONTENIDOSEn estos meses artistas de diferentes estilos, nacionali dades y trayectorias brindarán espectáculos que quedarán gra bados en la memoria del público. Ska-P, uno de los grupos españoles más respetados y ad mirados por los argentinos, regresará a Bue nos Aires después de más de dos años, para presentarse el sábado 12 de noviembre en el Estadio GEBA. Cada una de sus presentacio nes devienen en auténticas fiestas populares y esta no será la excepción.
Una semana más tarde, en el mismo recinto se dará otro evento que se convertirá en un encuentro histórico. El sábado 19 de noviem bre, la primera edición del Festival Nacional
y Tropical reunirá por primera vez en una misma fecha a tres grandes referentes de la música popular argentina: Los Auténticos De cadentes, La Delio Valdez y Los Palmeras. La apertura estará a cargo de Sol Pereyra y los tic kets ya están a la venta.
Los Palmeras llegarán a ese show con el áni mo bien arriba porque vendrán de presentar se, la noche anterior, en La Plata. El icónico sexteto de cumbia santafesina, que está giran do por el país con #LaRutaDelOro, celebrará sus cincuenta años en la música el viernes 18 de noviembre en Espacio UNO. En el venue platense ubicado en 1 entre 55 y 57 también se presentará La Konga, el multipremiado grupo de cuarteto, que en agosto pasado fue distin
guido con dos Premios Gardel por su último disco, Universo paralelo (2021), y que vive un gran momento artístico. La cita platense será el sábado 10 de diciembre en Espacio UNO.
Otro artista que potenciará el ánimo del público platense será Juan Ingaramo, que este mes llegará al Teatro Ópera para repasar su re pertorio y compartir los temas incluidos en sus trabajos discográficos más recientes: La Batalla (2021), disco nominado en los Premios Gardel en la categoría Mejor Álbum Pop Alternativo, y Summer Pack (2022), su último EP. El encuen tro será el sábado 12 de noviembre.
En noviembre, el humor bailable llegará también a otros puntos del país con Dancing Mood. El grupo, que después de veintitrés años de carrera se mantiene fiel a su esencia instrumental y a las filas del trabajo indepen diente, llevará su propuesta el viernes 4 al Teatro Rossini de Bahía Blanca y el sábado 5 a Mood Live, en Neuquén.
El cierre de un año renovador respecto a la quietud de los anteriores, algún resultado del Mundial, un cumpleaños o aniversario… Cualquier excusa es válida para celebrar y propuestas para hacerlo hay de sobra en la agenda de Gonna Go, que semana a semana se nutre con nuevos anuncios de shows en sus redes sociales.
En el marco su tour “25 años - Sobrevolando”, la banda llegó a la Argentina para tocar días atrás en el Movistar Arena.
POR JOSEFINA ARMENDARIZTras 25 años de camino, Willy Rodríguez, Eliut González, Omar Silva y Juanqui Sulsona están “muy felices de seguir viviendo un sueño después de tanto tiempo”. Cultura Profética lleva un cuarto de siglo creciendo junto a su público, con el que consideran que tienen un vínculo inquebrantable: “Con nuestro público nos entendemos, sentimos que estamos en una constante retroalimentación e influenciándo nos”. Para el grupo, el vivo es vital, su “inyec ción de vida”.
Desde Canción de Alerta (1998) hasta su álbum más reciente, Sobrevolando (2019) -ga nador del Grammy Latino a “Mejor Álbum Alternativo” y nominado a los Grammy como “Mejor Álbum de Rock Latino o Alternativo” en el 2020- la banda demostró su fuerza paso a paso.
Están hace muchos años y su público ha crecido con ustedes, ¿se sorpren den de esto?
willy: Sí, hay muchos con los que tenemos las mismas vivencias por la edad, pero tam bién tenemos la dicha de tocar para mucho público joven, eso es algo que no le pasa a todo el mundo y por eso lo tomamos en cuenta y lo trabajamos. Es bonito saber que
hay una parte del público que creció junto a nosotros porque les hemos tocado alguna fibra y hemos influenciado algún aspecto de su forma de pensar y hoy, que algunos de ellos son padres de familia, pueden identificarse con canciones como “Despertador Solar”, que trata sobre mi experiencia de mis primeros días siendo padre. Esto nos hace ver cómo han evolucionado y madurado las canciones.
¿Siguen descubriendo cosas nuevas en canciones viejas?
eliut: Siempre, especialmente cuando otra persona nos hace un análisis de la canción, su propia historia. Justamente ayer estuvimos haciendo una entrevista para una radio y el DJ hizo una selección de temas súper rebuscados de la discografía y me sentía redescubriendo esas canciones antiguas porque elegía cual po ner según lo que estábamos hablando y para poder mostrar lo que es Cultura Profética, fue algo bien lindo. Una vez que publicas una can ción deja de ser tuya, se convierte en parte de la historia de cada persona, eso es lo más lin do de la música y es un honor saber que para muchas personas somos referentes y hemos ayudado en decisiones de su vida.
willy: A mí me pasa con mi esposa, que es bastante más joven que yo y me dice: ‘’Uste
des deberían hacer una canción con tambores de Puerto Rico’’, y yo le digo: ‘’Eso lo hicimos cuando tú tenías 5 años’’. Así que busco la can ción y al escucharla le encuentro otra mirada, otra perspectiva que cuando la hicimos… rebuscar en el pasado es muy importante para seguir proponiendo en el futuro.
¿Un momento en estos 25 años que los haya marcado?
willy: Juro que no es porque estemos a punto de ir ni porque estemos hablando con ustedes, pero cuando llegamos a Argentina. Porque llegar a su país fue algo que nos tomó mucho tiempo. Fuimos los primeros en llevar a Los Cafres a tocar fuera de la Argentina en 1999, pero jamás pensamos que ellos podrían llevarnos a su país. Lo hicimos porque en verdad queríamos que la gente de Puerto Rico conociera su música. Nos tardamos casi 10 años en llegar a Argentina, pero cuan do llegamos y conocimos la intensidad del público, nuestra carrera cambió, también nuestra forma de hacer música y nuestra puesta en escena.
eliut: A su vez, sentimos que nos consolida mos como una verdadera banda latinoame ricana porque llegamos al Cono Sur, fue algo muy importante. También quería resaltar el momento en que tocamos en el Festival Viña del Mar en 2015 y ganamos la Gaviota de Plata y de Oro, fue como una graduación para nosotros. Fue algo bien lindo porque ha bía muchísima gente viéndonos: 15.000 en el festival, pero muchísimos más en streaming.
juanqui: Recuerdo con mucho cariño el Es tadio Obras, porque yo he sido siempre bien fanático de Los Fabulosos Cadillacs. Recuer do que tenían un DVD Hola y Chau -de uno de los últimos shows- y tocaban allí. Fue algo bien bonito estar en el mismo espacio en el que estuvieron ellos.
El cantante colombiano visitó nuestras oficinas y habló sobre su nuevo álbum, la relación que tiene con los artistas argentinos y qué sintió al cantar con Maluma en Vélez.
POR JULIÁN MASTRÁNGELODespués de haber lanzado hace poco más de un año Hecho en Mede llín, su álbum debut, Blessd regresó a escena por motivo de su segundo trabajo de estudio, Siempre Blessd. Este lanzamien to llega con la sorpresa que le dio Maluma al ofre cerle cantar con él durante su presentación en el estadio de Vélez el pasado 29 de octubre. “Él es mi padrino en la música. No quiso que abra el show, sino que quería cantar conmigo en el escenario en el mejor momento de la noche”, comenta.
De su primer trabajo discográfico se despren dió “Medallo”, canción que comparte con Justin Quiles y Lenny Tavárez y que se convirtió en un éxito gracias a sus diversos challenges en TikTok y demás redes sociales. La semana de su lanza miento ingresó al Billboard Argentina Hot 100 y consiguió mantener su posición dentro del Top 10 por más de cinco meses.
Ahora, en este disco se destacan la gran canti dad de sonidos, freestyles y variantes del género urbano; una mezcla de sonidos que identifican al sonido Blessd.
Bienvenido a la Argentina…
Muchas gracias. Estoy muy agradecido por poder estar acá. Es mi primera vez en este país y como saben que soy muy futbolero vamos estar visitan do estadios y todo.
¿Hay alguna lista de pendientes que tengas en la Argentina?
Lo primero fue acompañar a Maluma y después ir a la casa de algunos streamers que la están rom piendo. Por otro lado, visitar la cancha de Boca, de River… Como soy colombiano, el fanatismo que hay hacia el fútbol argentino es muy grande, lo disfruto mucho.
Qué bueno que pudieras tener tu primera experiencia acá con alguien como Maluma…
Totalmente, él es como mi padrino en la música. Me ayudó muchísimo en mi carrera y estoy súper contento de que mi primera vez acá fuera con él en un estadio con más de 40 mil personas. Ade
más, es gracioso porque no me dejó abrir el show, sino que quiso que estuviese con él ahí arriba en el momento correcto.
¿Sentiste el apoyo del público argentino cuando llegaste?
Totalmente, cuando subí un par de historias al llegar me mandaron muchísimos mensajes di ciendo: “Ey, si nos avisabas íbamos al aeropuerto a saludarte”. Una página de fans también se hizo presente así que me parece que se corrió la voz de que hay un joven con el pelo azul que la está rompiendo… Ahora es el turno de hacerlo en Argentina también.
¿Pensaste en cambiar el color de pelo? Más adelante seguro que sí. Estoy pensando en dejármelo negro durante un tiempo porque cuando termine esta etapa quiero que se vea un Blessd más serio. Hoy soy chico, tengo 22 años, pero en algún tiempo me lo pintaré de negro y me volveré más serio en cuanto a la estética de mi carrera.
Queda muy poco para el lanzamiento de tu nuevo álbum… Es cierto. Después del éxito del primero, Hecho en Medellín, que tiene la canción “Medallo” y que por suerte sigue sonando como el primer día, es turno de Siempre Blessd. Este álbum tiene un poco de Steven y otro poco de Blessed, siento que
refleja el crecimiento que tuvo mi carrera. Tiene un sencillo muy bueno que se llama “Qué Duro”, del que estoy ansioso que la gente lo escuche. Lo que hice con este álbum fue no esperar a estar a un nivel tan alto sino que intenté devolver lo que la música un día me dio que fue montar dos nuevos artistas jóvenes de Colombia. Esa es la invitación, no hay que estar en lo más alto para ayudar a los demás.
Impresiona el crecimiento de la escena argentina y colombiana últimamente… Es bonito ver que los artistas argentinos van a Colombia y al resto del mundo y llenan todo lugar que pisan. Además, lo mejor de ellos es que son realmente humildes. Me encontré con Duki en una alfombra roja y me saludó con la mejor onda… María Becerra también está rompiendo súper duro… LIT, que es con quien más hablo… Tiago… Es muy bueno ver ese crecimiento y sen tir que siendo nosotros tan jóvenes nos podamos tirar tan buena energía.
¿Quién dirías que es Blessd hoy?
Te diría que Blessd es un artista que intenta dejar su propio legado. No llevamos ni un 1% de lo que queremos llevar y por suerte pudimos llenar lugares que son muy difíciles de llenar. En los festivales de Europa nos fue increíble y ahora es tamos llegando con una nueva etapa y este álbum Siempre Blessd
Tobías medrano y matías rapen no paran de trabajar en nuevo ma terial: en esta ocasión presentaron su tema “No Soy Un 10”, que com parte un mensaje social en el cual los artistas hacen énfasis en que no hay que ser perfecto, sino destacar aquellas cualidades que nos ha cen auténticos.
Además, el tema invita a la unión entre colectividades, ya sea amistades, familiares o amorosas. En pocas palabras, todas las relacio nes que hagan que la gente se sienta completa.
La idea de esta canción original nace desde la propuesta de Angeloopss y Gastón Rodrí guez hacia la banda, donde el principal obje
tivo era la interpretación del concepto de los productores con el sonido de La T y La M, el cual es caracterizado por su alegría y festivi dad. Con esto se pretendió lograr una iden tificación masiva con el público, ya que tiene como característica el poder derribar barreras sociales. “Es un tema para el disfrute de todos, tanto grandes como pequeños”, señalan.
Bajo el sello FaroLatino Music, “No Soy Un 10” fue producido tanto como audiovisual y musical en la Productora de Mariano Zelaya (Zelaya Producciones). Por su parte, el sin gle está acompañado de un videoclip que ya puede verse en el canal oficial de YouTube de la banda.
La T y La M es una banda oriunda de Flo rencio Varela, Buenos Aires. El dúo se originó en pandemia y no para de crecer: ya suma cientos de miles de reproducciones en sus canciones, un promedio de 70.000 oyentes mensuales en Spotify y miles de seguidores en redes sociales. En marzo, recibieron la primera placa de YouTube por conseguir los primeros 100.000 suscriptores en su canal oficial.
Antes de comenzar con el proyecto, Tobías se dedicaba a subir canciones a YouTube. Un día en agosto del 2020, Matías lo encontró y decidió citarlo en su estudio de grabación “Tute Records” para que juntos grabaran un enganchado como solía hacer con varios can tantes zonales. Fue tanta la repercusión del video, los buenos comentarios y la buena rela ción que se generó entre ellos que decidieron formar La T y La M.
Luego de que se levantaran en gran parte del país las restricciones por la pandemia mundial del Covid-19; comenzaron sus pre sentaciones en vivo y pudieron encontrarse con ese público que tanto ansiaba verlos. “La T y La M sabe que recién comenzó esta carre ra que, llena de éxitos y con el apoyo de sus seguidores, los hará recorrer sin dudas todos los lugares de Argentina y la región”, indica ron sus productores.
RAYDEN <
El artista llegó por primera vez a la Argentina para brindar un show en el que repasó sus éxitos y otras canciones.
POR ROMINA BARRIL
Este año, rayden cumple 20 años en la música, y para festejarlos se em barcó en su Gira Latam 20 Aniversa rio, con la que llegó por primera vez a la Argentina.
Homónimo es el álbum que lo acompaña en su aniversario, y cierra su segunda trilogía. “Es un viaje de afuera hacia adentro, del mensaje a la palabra y de la música al concepto” agregó sobre este nuevo trabajo de estudio.
El artista comenzó con el lanzamiento de su LP Estaba Escrito, en 2010, continuado por Mosaico en 2012; y concluyendo la trilogía en 2014 con su disco En Alma y Hueso. En 2017 comenzó la segunda parte que forma esta hexalogía con el lanzamiento de Antónimo, en 2017, y Sinónimo en 2019. En 2021 llegó el disco que le dio cierre a los primeros 20 años de trayectoria de Rayden, sobre el que confe só: “Tenía en mente que si cada dos años iba sacando un disco, cuando sacara el sexto se cumpliría el 20 aniversario”.
¿Cómo te sentís después de 20 años de trayectoria?
Me encanta celebrar todo, y aún más que hace 20 años decidí, de una forma accidental, dedicarme a la música. Estoy muy feliz por la
primera gira extensa en Latinoamérica, otro motivo más para festejar.
¿Siempre te apasionó fue cantar o expresar lo que vivías a través de las canciones?
Creo que era más el tema de contar, mal que bien, yo antes escribía poesía. Fue una noche en la que dos de mis amigos crearon una banda de rap y para no quedarme atrás, me uní. Empecé de la forma más accidental, pero dentro de esa necesidad de abrirme y contar cosas, encontré una forma de acreditar y hacerlo trabajo. Lo de cantar fue poco a poco, es decir, llegó y sobre el camino intenté hacer lo mejor posible.
Siendo el compositor de todos tus temas, ¿cómo surge la narrativa de tus dos trilogías?
Desde que empecé a dedicarme a la música, aunque fuese como hobby, todo lo hacía con la banda en la que estaba antes. Luego del primer disco, rápidamente la otra persona que can taba conmigo quiso sacar su disco solitario, y ahí comencé a plantearme seis discos, dos trilogías, y un viaje desde el continente, hasta el contenido. Un viaje de afuera hacia adentro.
Tenía en mente que si cada dos años iba sa cando un disco, cuando saque el sexto va a ser el 20 aniversario. Lo que no tenía pensado, era que la última canción de esta hexalogía sea la canción número 100.
De las 100 canciones que componen esta hexalogía, ¿cuáles son las más importantes para vos?
A lo mejor, por lo que me hacen sentir en el escenario, “Hacé Luz”. Tiene un significado muy potente de cómo se creó. Iba a ser la banda sonora de un documental que reflejaba la historia de Lucía, una nena que había nacido ciega, y que iba a vivir un tratamiento experi mental para su visión. “Hacé luz” habla de por qué es increíble poder ver las cosas, pero nada es comparable con ver a la persona que quieres tener cerca. Luego, con la pandemia que nos asoló a todos “Quiero Que Nos Volvamos A Ver” fue una canción que se destacó, ya que re fleja el hecho de estar lejos de una persona que quizás está a pocos metros tuyo caminando. Es un tema que me fue sorprendiendo el significa do que fue tomando con el correr del tiempo.
¿Qué podés adelantar de tu nuevo álbum? ¿Será parte de otra trilogía?
Este disco seguramente salga entre marzo y abril, y no creo que sea parte de ninguna trilogía. Es curioso, porque los anteriores seis discos son un viaje de continente a contenido y del mensaje a la palabra, pero este álbum trata mucho de dudar en la palabra de las connotaciones, de los patrones impuestos, de los prejuicios, de la carga, y dudar de los conceptos. Recrear tu propia concepción en torno a tu vivencia. Va a ser un disco cerrado en sí mismo. Me estoy dejando sorprender. Se va a llamar La Victoria Imposible
La Costanera Sur de la ciudad alojó la fecha inaugural de la primera edición del Primavera Sound Buenos Aires, que atrajo más de 15 mil personas con un line-up encabezado por Jack White y Pixies.
POR SOL ROCCATAGLIATA • FOTOS: TUTE DELACROIXNacido en 2001 en Bar celona, el festival se de sarrolló por primera vez en Buenos Aires bajo el nombre “Road to Primavera”, con la presencia de grandes bandas locales e internacionales.
La presentación funcionó como anticipo de lo que ocurrirá en el fin de semana del 12 y el 13 de noviem bre en el mismo lugar (y antes -en tre semana- con un show de Björk, Julieta Venegas, Feli Colina y Javiera Mena). En dicha oportunidad, se presentará una programación varia da que incluirá a Arctic Monkeys, Beach House, Interpol, Father John Misty, Hernán Cattáneo, Travis Sco tt y Lorde.
De esta forma, la primera fecha anticipo contó con shows de Jack White, el gran nombre del rock ac tual, representante tanto de su tradi ción como de su renovación; Pixies, banda emblema del rock alternati vo; Cat Power, con su voz mágica y sus interpretaciones sentidas; y Las Ligas Menores, quinteto de pop rock argentino de guitarras vibran tes y paisajes subjetivos.
La banda surgida de la escena independiente, Las Ligas Menores, fue la encargada de abrir el festival. El quinteto brindó un show de gui tarras vibrantes, a cargo de Anabella Cartolano y Pablo Kemper, com plementadas a la perfección por los teclados de Nina Carrara, el bajo a tono de Angie, la nueva incorpora ción, y la columna vertebral de la batería en manos de Micaela García.
A medida que empezó a caer el
sol, llegó el turno de Cat Power. Chan Marshall, oriunda de los Esta dos Unidos, cautivó al público desde el primer momento. Dueña de una voz tan particular como expresiva, ya sea que cante una de sus com posiciones o interprete algún cover – es muy afecta a hacerlo, tiene tres discos de covers, el más reciente lanzado este año – les imprime a las canciones sentimiento y frescura.
Pixies dejó en claro por qué ocu pan el lugar que mantienen hace tres años: su mezcla de surf rock, punk hardcore y su dinámica de altibajos sigue generando un efecto impactante sobre el público. La ban da acaba de lanzar Doggerel, su oc tavo trabajo discográfico, y el show fue una de las instancias para estre narlo en vivo. Además, no privaron a los fans de cantar con ellos temas de su repertorio de los 90' como “Where is my mind?”.
Cerca de las 23 se comenzó a palpitar la energía que se respira cuando se está por presenciar un gran acontecimiento musical: es lo que genera la figura Jack White lue go de su impresionante trayectoria marcando el rumbo del rock hace más de 20 años y dejando huellas en las vidas de todos, porque hay un Jack White para cada gusto. Lejos de presentar únicamente sus gran des clásicos, White viajó por sus dos trabajos lanzados en 2022, “Fear of the Dawn” y “Entering Heaven Alive”. Pero el estilo del rockero no es el de dejar a nadie con las ganas, de modo que le imprimió un pulso eléctrico tras otro a los fans con clá
sicos como “Seven Nation Army”, hit de The White Stripes con el que cerró la noche.
“Como siempre que desembar ca en un nuevo destino, Primave ra Sound busca integrarse con la cultura y el entorno local desde los valores de la sustentabilidad, la igualdad de género, el compromiso
social y la integración urbanística. Para lograrlo, celebrará la música de increíbles artistas argentinos ade más de acercarnos artistas interna cionales, y repartirá sus actividades entre varios espacios de la ciudad, aprovechando al máximo las posibi lidades de nuestra capital”, destaca ron los organizadores.
El 23 de octubre, el Movistar Arena fue sede de una nueva Final Nacional de Red Bull Batalla, esta vez ante más de 10 mil personas – un número sin precedentes para un evento de estas características -. Luego de la final pudimos compartir unas palabras con el campeón, Mecha.
Fue una jornada apasionante. Los 16 MC’s brindaron batallas memorables a través de octavos, cuartos, semifinales y la gran final, dejando al cordobés Me cha como nuevo campeón nacional. En la batalla definitoria venció a CTZ – el campeón regional de Buenos Aires -, quien había disputado una de las llaves más difíciles de la competencia tras vencer a Jaff, Dybukk y Larrix. “Confíen en sus sueños”, dijo el MC cordobés, muy emocionado, tras reci bir el trofeo de manos del anterior campeón, Klan.
Esta edición tuvo su condimento especial de la mano del underground argentino, ya que entre fases de la competición se vivieron exhibicio nes a cargo del Dj Pacha y el host Shulio, quienes dieron paso a competidores como Roma, Brasita, G5, Santiki, Cold y Mono Strong – a quien Naista utilizó de ejemplo en una de las rimas durante
cuartos de final -.
Jesse Pungaz, quien cayó ante el campeón en semifinales, consiguió la clasificación directa a la Final Nacional 2023 gracias a su victoria frente a Larrix en el tercer y cuarto puesto, siendo así el tercer año consecutivo que dirá presente.
Por último, y como bien dijo Mecha en una de sus rimas con objetos “usen esta cinta y mídanme la espalda para confeccionar la bandera que me llevo a México”, es preciso aclarar que como cam peón nacional, será el representante argentino en la Final Internacional 2022. En esta ocasión, la cita será en México tal como ocurrió en 2008 y 2017 y ya se conocen casi todos los competidores, siendo los MC’s de Chile y Uruguay los que toda vía están en duda.
Luego de la final pudimos compartir unas pala bras con el campeón:
Durante la batalla te señalaste como tu único rival, ¿es difícil pelear contra uno mismo?
La verdad es que lo dije porque durante mucho tiempo uno pelea contra su interior, contra su mente y el sentir que no puede… Ayer me des perté pensando que no podía y hoy me acuesto como campeón, es algo impensado que va a hacer que tenga mucha más confianza. Gracias a la vida tengo gente muy buena a mí al rededor y me dijeron “vos podés salir campeón nacional”.
Se te vio realmente emocionado al levantar el trofeo y luego cuando tus padres te abrazaron…
Ellos son los que me inspiran a seguir día a día y por los que empecé en un primer momento. Les debo todo. Además, no puedo parar de llorar, es una sensación de alegría y liberación muy grande… No puedo parar de pensar en cuando empecé y soñaba con esto. Sobre todo, con la gente que me crucé en el camino y me dio el sí y la esperanza para seguir, en todos y cada uno.
¿Recordás algún momento puntual de esta Final?
La verdad que no me acuerdo nada de la nacional porque estoy pensando en los pibes… Ya decidí vivir el momento porque durante toda la compe reprimí los sentimientos. Para ganar hay que ser una máquina, y una máquina no tiene senti mientos. Decidí salir con mi personaje al frente y ahora que se terminó no puedo dejar de pensar en otra cosa que seguir abrazando a mis viejos y volver a Córdoba y levantar el título en la plaza.
Wos, Coldplay y Maluma estuvieron en Argentinos Juniors, River y Vélez entre el viernes 28 y domingo 30 de octubre. El Luna y el Movistar, también repletos con Soledad, Babasónicos, Nicki Nicole y Callejero Fino. Así, el efecto post pandemia que movilizó a más de 250 mil personas y agota en todos los géneros.
POR MAJO GARCÍA MORENOLa gente tiene ganas de salir, está clarísimo. Y la oferta, por suerte, es cada vez más variada. Aunque se sospechaba que iban a pasar años para que los artistas internacionales volvie ran al país y la sociedad, tras la Pandemia que mantuvo al mundo en vilo y encerrado entre cuatro paredes, se animara a asistir a eventos masivos, las ganas de girar y tocar de un lado y la de ir conciertos en vivo del otro fueron más fuertes que cualquier suspicacia. Todo bien con los streamings que durante
un tiempo se convirtieron en lo más pareci do a tener a nuestros músicos cerca, con los vivos de Instagram que nos sacaron un poco de la embolia de la cuarentena, pero el vivo es el vivo. Estar cara a cara con los músicos, saltar en cada beat, hacer silencio, conmover se, revalorizar el salir a la calle con amigos, abrazarse… no hay sofá, por más cómodo que sea, que le gane. Para los amantes de la música, del ritual del vivo, no hay nada que supere el día que llega el concierto para el que meses atrás sacaste tu entrada. Salir de casa con ropa cómoda para saltar, gritar, escuchar, cantar, bailar y hasta poguear es el antídoto contra todo.
Este fin de semana la Ciudad de Buenos Ai res confirmó que recuperó su pulso, y hasta lo intensificó. Colectivos, subtes, autos llenos de gente trasladándose al anochecer en caravana feliz fueron la postal de un fin de octubre de grandes conciertos en los principales escena rios de la ciudad.
Para los aficionados a la música en vivo no hubo manera de hacer malabares y cumplir con todo. Hubo que elegir.
La variada oferta nacional e internacional que se congregó entre el viernes 28 y domin go 30 de octubre en la Ciudad de Buenos Ai res se tradujo en un hecho curioso que con firma que la capital tiene resto para cobijar a grandes figuras de la escena musical actual, en sus principales escenarios, a capacidad colmada y en simultáneo: Coldplay en River, Wos en Argentinos Juniors, Maluma en Vélez, Babasónicos, Soledad y Nicki Nicole en Mo vistar Arena y Callejero fino en el Luna Park.
Pasó poco más de un año y medio desde que se decretó la cuarentena estricta en Buenos Aires y casi un año desde que, con timidez, los primeros valientes se animaron a volver al show en vivo, con capacidad restringida y un meticuloso protocolo de cuidado para hacer frente al Coronavirus. Pero volver al vivo era una necesidad física, mental y casi vital.
Esas primeras salidas, con distancia social, sillas vacías alternadas entre las ocupadas, burbujas y barbijos, encontraban las calles desoladas, la gente mirándose con perspica cia por arriba del tapabocas, todos y todas éramos sospechosos de tener el virus. Esas iniciáticas y atrevidas salidas al exterior nos mostraban una ciudad abandonada, silen ciosa y temerosa, más parecida a la de una película de George Romero que a la vibrante Buenos Aires.
Por eso, ver que la ciudad se llenó de anun cios de conciertos, Internet de banners de publicidad y las redes sociales de promocio nes de bancos, además de ser muchas veces un agotador súper estímulo visual también se convirtió en la esperanza de que todo, de a poco, vuelve a la normalidad. Y con más vigor que en la pre pandemia. Este fin de semana, hacia los barrios de Núñez y San Nicolás, a Liniers y a Villa Crespo se vivió la peregrinación de centenares de personas con la misma ansiedad: escuchar música, fuerte,
a veces más prolija, a veces con acople, pero siempre codo a codo y sin distancia con los otros miles de asistentes.
Si sumamos, a grandes rasgos, los números de concurrencia al vivo del último fin de semana de octubre (viernes 28, sábado 29 y domin go 30) en los importantes escenarios que mencionamos, podemos arriesgar que hubo más de 250 mil personas distribuidas en los conciertos que se llevaron a cabo en tres de los estadios más importantes del país a cielo abierto y en los dos principales cubiertos de la capital.
Wos llenó viernes y sábado el estadio de Argentinos Juniors en La Paternal con alre dedor de 60 mil personas distribuidas en las dos fechas; Maluma congregó a 30 mil almas el mismo sábado en la cancha de Vélez; Col dplay que se presentó viernes y sábado en River convocó a 110 mil personas en ambos shows (serán 10 conciertos en total en el país); Callejero Fino agotó el viernes el Luna Park con 10 mil tickets cortados; Babasónicos – que también estuvo el miércoles-, Soledad y Nicki Nicole que se presentaron el viernes, sá bado y domingo en el Movistar Arena a esta dio lleno llevaron entre 12 y 13 mil personas cada día. Cabe aclarar que, de todos los shows mencionados, el de Nicki fue con entrada li bre y gratuita como parte de una campaña de la compañía de telecomunicaciones.
Las entradas para los conciertos, en pro medio, rondaron los 10 mil pesos más el famoso costo por servicio. El más austero en los precios fue Callejero fino, con tickets que arrancaban en los 2500 pesos y llegaban hasta 5000 y, por supuesto, las entradas más caras son las de Coldplay con un concierto de grandísimo despliegue que consta de una megaproducción de pantallas e iluminación para una puesta en escena pocas veces vista en el país. Para ver a Coldplay, con entradas agotadas para su decena de conciertos, los fans invirtieron de 9.500 a 23.000 pesos. Los tickets de Maluma se conseguían de 7.000 a 12.000 pesos y los de los locales Wos, Soledad y Babasónicos arrancaban en 4.500, 4.000 y 7.000 respectivamente.
El día después de este fin de semana de vi vos, las redes son el álbum perfecto del fin de fiesta con fotos, videos e historias de amigos, familia, parejas bailando, cantando, querien do captar y compartir algo de lo vivido. Las historias dan cuenta de perreos, saltos de canguro, gritos desaforados, luces en sincro, pulseritas de colores, cantantes volando… y hasta pedidos de casamiento. De a poco, la ciudad va recuperando la calma y buscando el impulso para alguna nueva seguidilla.
Es cierto que con tanto show en vivo no hay bolsillo que aguante, pero después de varios meses de encierro y de angustia sin sa ber cómo seguía la cosa… quién nos quita lo cantado. Octubre nos demostró que la música está más viva que nunca, y que Buenos Aires y su gente, vibran a su ritmo.
El 25 de octubre el estadio de River Plate en Nuñez abrió sus puertas para que los más de 65 mil fanáticos pudieran ingresar y comenzar a palpitar lo que sería el primero de los 10 shows que la banda británica desplegó en la Argentina.
POR JULIÁN MASTRÁNGELO | FOTOS: TUTE DELACROIXEsta gira es un aconteci miento inédito tanto para Coldplay como para la Argentina, y Chris Martin, Jon Buckland, Guy Berryman y Will Champion se encargaron de que sea realmente inolvidable. Del 25 de oc tubre al 8 de noviembre (con algún día intercalado de merecido descan so) tomaron la cancha de River para que cientos de miles vivieran un espectáculo único.
Temprano, en la primera cita, la cordobesa Zoe Gotusso llegó al escenario para interpretar un re pertorio de 20 minutos y presen tarse frente a su público al mensaje: “Coldplay fue una banda que me acompañó durante toda mi vida. Quiero agradecérselo cantando de la mejor forma que pueda para to dos ustedes”, a lo que los fanáticos le devolvieron el saludo y la atención con una primera ovación.
Pasadas las 20hs y ya bajo las luces artificiales del estadio llegó el turno de H.E.R., quien junto a su banda brindó un show de casi 40 minutos y dejó listo el escenario para que Chris Martin y compañía tomasen su lu gar a las 21hs al sonido de la intro de Music Of The Spheres y su éxito “Higher Power” acompañados de los primeros fuegos artificiales de la no che como bienvenida. “Son el mejor público del mundo, Argentina, nos
encanta empezar o terminar las giras acá”, comentó el cantante.
Dentro del repertorio que Coldplay eligió para su primera presenta ción en el país se encuentran éxitos de la talla de “Yellow”, “Paradise”, “A Sky Full of Stars”, “Viva la Vida”, “In My Place” y mucho más. Todas estas canciones estuvieron acompa ñadas de un show de luces provis to por pulseras led entregadas en la entrada por trabajadores del estadio, quienes también indicaban cómo estaban hechas y la forma en que más tarde serían recicladas. Porque a diferencia de sus otros shows, esta ocasión fue especial, la energía que se recolectaba de saltos del público y bicicletas estáticas sería usado para presentaciones a futuro, y todos los materiales de merchandising y sou venirs tenían fines beneficiosos para el medio ambiente.
El show pasó por momentos ím timos, con Martin cantándole al pú blico junto a su piano; momentos de emoción, como cuando el estadio se vistió de amarillo para cantar a coro “Yellow”; y de euforia, cuando pidió que para la última interpretación de “A Sky Full of Stars”, el público no usara sus teléfonos y se dedicara a saltar, gritar y disfrutar acompaña do de la banda y las más de 65 mil personas que estaban presentes en ese momento.
Para un artista puertorriqueño de la música como él existen lugares icónicos para tocar: el Coliseo de Puerto Rico es uno de ellos. El Choliseo, como se lo conoce popularmente, fue su sede durante cuatro conciertos.
POR JULIÁN MASTRÁNGELO | FOTOS: WEBSTER TORRES
“Ver al público emocionado en el Choliseo es un sueño hecho realidad”
Amediados de agosto de este mismo año, Jay Wheeler presen tó su quinto álbum de estudio, Emociones, y afirmó que el título está directamente relaciona do con las letras de sus canciones: producciones melancólicas, algu nas románticas y otras develando una montaña rusa de sentimientos. “Todas mis producciones han sido importantes porque en todas he crecido y aprendido, pero 'Emocio nes' es otro nivel. Es un disco que he trabajado con todo el amor y respeto al público que me sigue y me apoya", aseguró Wheeler durante la salida de este proyecto.
"Para la creación de esta produc ción me entregué por los pasados meses y viví otras facetas de mí, ya no sólo como cantante, también como productor y compositor. Esto es con todo el cariño del mundo para mi gente y estoy loco por ver cómo lo disfrutan", agregó José Ángel.
En estas cuatro funciones fueron
las primeras presentaciones que rea lizó en solitario en la prestigiosa sala y donde la fanaticada de “La Voz Favorita”, como se le conoce, aba rrotó el Choliseo para consolidar el apoyo al intérprete y a su Emociones Tour. A través de sus presentacio nes demostró que su disco Emocio nes era algo más para él, gracias a las sorpresas, invitados especiales y “emociones” que brindó en cada una de esas noches.
“Las cuatro noches fueron un sueño, mejor que todo lo que ima giné algún día. No tengo palabras para expresar cómo me siento, ni lo agradecido que siempre voy a estar con Puerto Rico y todos mis faná ticos. Yo quería que el público bai lara, cantara, riera, se enamorara y llorara conmigo y verlo hacerse rea lidad, es la bendición más grande que he vivido. Ahora mismo, sólo tengo agradecimiento y felicidad. Todavía no me lo creo”, expresó al finalizar la última presentación.
Sobre 60 mil personas acompa
ñaron a Wheeler en el show que se extendió noche tras noche por casi tres horas y donde el cantan te interpretó un repertorio musical completo compuesto por alrededor de 40 canciones que incluían temas desde sus inicios, hasta su más re ciente producción.
En un montaje con una colorida y vibrante escenografía, Whee ler entonó sus más famosos temas acompañado de grandes colegas del género urbano. En la primera ron da, veteranos como Rakim y KenY, Divino e integrantes de la nueva generación del reggaetón como Brytiago, Conep, Mike Towers, Gi golo y la Exce, Juhn El All Star, Nio García, Omy de Oro y Jhayco, fue ron algunos de los que se unieron en las primeras dos noches.
Para la segunda ronda, siguieron las sorpresas con la participación de Yan Block, Robi, Alejo y VF7. Se sumaron también prominentes figuras del género urbano como Lyanno, Eladio Carrión y Farruko
para entonar algunos de sus temas más sonados como “GPS” o “Alejar me de Ti”.
Otro de los momentos más espe rados por el público presente se dio cuando el exponente dominicano de dembow, El Alfa pisó el escenario del Choliseo para cantar el tema “No confío”, por primera vez en vivoéxito que hoy supera los 16 millones de reproducciones únicamente en YouTube -.
Para continuar y dejar claro que las emociones estaban a flor de piel, el cantante pidió que su prometida, Zhamira Zambrano, se uniera a él las cuatro noches, ante un público eufórico que los acompañó ento nando su exitoso tema “Dícelo”, que se ha mantenido entre las primeras posiciones en Puerto Rico desde su lanzamiento.
Ahora, de la mano de su discográ fica Dynamic Records y Flow Music, Jay Wheeler continúa preparándose para sus planes futuros y para la po sibilidad de una gira internacional.
El show comenzó a lo grande con Soledad apareciendo en el lado opuesto al escenario en una plataforma en altura, sorprendiendo a su público no solo por su posición, sino porque lo hace tocando con su guitarra “Sigo Siendo yo”, una de las canciones más autobiográficas de la artista. Una vez finalizada la canción, y haciendo gala de su pasión por la adrenalina, emprendió el primer vuelo de la historia del estadio Movistar Arena. Este vuelo comenzó por sobre el público de la platea con destino a una gran escalera que la esperaba en el escenario, casi 30 metros de trayecto que la llevaron de una punta a otra del estadio. Con su humildad agradeció a la vida, a su público, a su tierra natal y a su familia. Con su hermana Natalia Pastorutti hicieron un dúo cantando “Quién Dijo”, dando la bienvenida al espacio romántico apoyada en su gran coro de cantantes con los que interpretó “Tal como Sien to”, “Aunque me Digas que No” y “Culpable o No”. También la acompañaron Agus y Maxi de MYA llegaron junto a ella con una luna artificial sobre el estadio para cantar uno de los hits del año, “Yo no te Pido la Luna” y luego Karina subió con su carisma para cantar otro de los temas de Soledad de este inolvidable 2022: “Lágrimas y flores”.
Regresó a la Argentina el intérprete y productor discográfico colombiano, José Balvin, uno de los artistas de música latina más exitosos. Presentó las canciones de su quinto álbum José en el esta dio porteño Movistar Arena. También aprovechó la ocasión para hablar sobre su gusto por las costumbres argentinas, cómo descubrió el mate, sus visitas a Carlos Paz y su amor por su esposa, la carlospacense Valentina Ferrer y su hijo Río. Comenzó la noche con grandes éxitos como “Mi Gente”, “Que Más Pues?” y “Con Altura”. Luego, desfiló por otros clásicos muy queridos por sus seguidores como “X” (Nicky Jam cover), “Safari”, “La Canción” (Bad Bunny cover) y “No Es Justo”.
La segunda parte del show comenzó con “Bellacón” para terminar con el hit “No me conoce” (Jhay Cortez cover - Remix).
Y para cerrar una noche a puro reggaetón y con el público de pie, J Balvin presentó el broche de oro: “Ginza”, “I Like It” e “In Da Ghetto”.
Papi Juancho calentó un estadio Vélez repleto: en dos escenarios y muy cerca de su gente repasó los más grandes hits de su carrera en un gran regreso al país. "Argentina es mi segunda casa y siempre soñé con poder hacer un estadio. Esto no podría haber pasado sin ustedes", desatacó. El lugar se llenó de carteles, banderas y mer chandising de todo tipo expresando mensajes de afecto hacia este artista colombiano que viene conquistando el mundo con su música, con el talento y carisma especial que lo elevan a ser hoy uno de los referentes indiscutidos. El show dio inicio con su hit mundial “Hawai” durante el cual el artista tuvo que dejar de cantar de la emoción que lo invadió al ver el estadio lleno y al reencontrarse con su público argentino, que fue el primero que lo abrió las puertas a su carrera internacional. Acompañado de su banda completa y seis bailari nas, el recital pasó por el super exitoso disco Papi Juancho, tocado por primera vez en el país, con temas como “Madrid”, “Love & Sex”, “Medallo” pasando por los hits “Corazón”, “Borro Caset te”, “El Perdedor”, “Vente Pa Ca”, “Chantaje”, “4 Babys”. Tampoco faltaron “Sobrio” y “Junio” su re ciente single. Para el cierre volvió a sonar “Hawai” con Maluma llegando al “Escenario B”, ubicado en el centro del estadio, acercándose aún más a las personas de otros sectores, para que todos pudieran disfrutar del gran espectáculo.
Con localidades agotadas en pocas horas, el show que formó parte del Movistar Fri Music fue una verdadera fiesta. Nicki Nicole brindó un concierto único en dos escenarios para que su público pudiera disfrutarla de cerca; una puesta artística imponente con bailari nas, banda en vivo y tres invitados sorpresa que al unirse con ella lograron que la noche fuera inolvidable.
Pasadas las 21hs, Nicki Nicole subió al escenario del Movistar Arena junto a un gran despliegue coreográfico para interpretar "Tengo To". El primer invitado fue Emiliano Brancciari, cantante de la banda uruguaya No Te Va a Gustar con quien interpretó “Venganza”. Unos minutos más tarde, Wos irrumpió en el escenario para delirio de todos en “Cambiando la piel”. “Dangerous” y “Mamichula” contaron con la participación especial de Trueno, su pareja. En exclusiva, Nicki Nicole presentó "Frío" en el Movistar Fri Music su próximo lanzamiento, que hizo que el público se prendiera en gritos Pasadas las dos horas de concierto y tras una verdadera ovación constante, Nicki Nicole se despidió al ritmo de su éxito “Wapo Traketero”.
El rapero argentino tuvo su debut en Estadio con un sold out en Argentinos Juniors. Fueron dos noches de ‘Oscuro Éxtasis’ que reunieron a 30 mil de sus fanáticos en La Paternal. ‘Wosito’ – tal como gritaba el público de forma continua –preparó un recital de 2 horas y media por fecha, para disfrutar tanto de las canciones de su álbum ganador del Gardel de Oro, Oscuro Éxtasis, como de su disco anterior Caravana y su EP Tres Puntos Suspensivos. La energía recorrió el estadio y puso de pie a todos los presentes con la intro de la apertura que le abrió el paso a “Buitres” – canción de su último disco -. Más tarde, presentó su primera sorpresa con la entrada de Nicki Nicole en el escenario para cantar a dúo “Cambiando La Piel”. Posteriormente, el primer momento de euforia terminó, logrando un clima más íntimo y emotivo con “Mirá Mamá” y, con su hermano –Manuel Oliva - acompañando en la guitarra, en “Arrancármelo”. Llegado el momento de “Que Se Mejoren”, el público volvió a retumbar el espacio con gritos y saltos de ‘Canguro’ que terminaron en pogos. Además, en una noche especial – en referencia a la primera - para Valentín Oliva – Wos -, Acru, klan y DJ Zone felicitaron al artista por su debut en un Estadio, a través una ronda de freestyle en la cual Wos también participó. Al finalizar, Acru se quedó para la interpretación de “Animal”. Sin embargo, el público no terminó de caer en cuenta de las figuras que reunió Valentín en Argentinos Juniors, que Ricardo Mollo dejó boquiabierto a los fans tras mostrarse presente para acompañar y cantar por primera vez entre los dos su canción “Culpa”. Ca7riel también dijo presente cuando fue el turno de “Niño Gordo Fla co” revolucionando a todos los presentes. Como broche de oro en una noche para el recuerdo, el Estadio cerró sus puertas con el clásico que pide estar en toda presentación de Wos: “Púrpura”.
El violinista, director y compositor neerlandés, con más de 40 años de trayectoria, llegó al país junto con su Orquesta Johann Strauss de 60 piezas y brindó un concierto ante un Movistar Arena sold out. En la primera de sus tres noches mágicas en Buenos Aires. Asistieron más de 10 mil personas y el recinto se aisló por completo, sumergiéndose en ritmos y melodías inolvida bles. El encuentro fue un viaje por la historia de la música, desde las canciones más famosas del cine, musicales y ópera, a otros clásicos valses. Entre bailes y coreografías acompañando el clima de cada interpretación hubo una hermosa complicidad con el público, que se emocionó con las primeras piezas hasta las lágrimas. A destacar también fueron las increíbles voces líricas que estuvieron presentes en el concierto. Sin duda la velada dejó muchas postales, pero una de las más bellas fue el instante en que nevó en Buenos Aires en plena primavera. Entre cuer das, melodías que hipnotizan y el Movistar Arena cubierto de blanco se podía apreciar la felicidad completa del público.
Piso 21 le regala a sus fans su cuarto álbum de estudio, 777, con 16 can ciones que siguen conso lidando su título como el grupo pop más prolífico de la música latina en este momento. El set comienza con “Los cachos”, con Manuel Turizo, que puede considerarse la secue la de su gran éxito de 2018 “Déjala que vuelva”. A diferencia de “Déjala”, que trata de un chico convencido de que su ex regresará, “Los cachos” es sobre una chica que ha logrado reponerse oficialmente de su novio infiel y no tiene planes de volver con él. De ahí, el grupo se desplaza a “TDQ”, con el dúo puertorriqueño Gigolo y La Exce. En este reggaetón contundente, el grupo habla de un alma rebelde que rompe las reglas de la cuarentena porque es soltera y está lista para una relación. Ese
mismo tipo de energía se escucha en “Nadie la controla”, un reggaetón convertido en merengue “ripiao” sobre una chica que es el centro de la atención y que no se puede con trolar. En 777, tenemos a Piso 21 en todo su esplendor creativo, entre gando vibras relajadas de afrobeat, como se escucha en “Apaga el celu lar”; una ranchera innovadora como “Qué triste”, con Carin León; un hip hop lleno de soul como “Equivoca do”, con Santa Fe Klan; y hasta punk rock alternativo como en “Elevarte” y “Mató mi corazón”.
En su nuevo álbum de estudio, el 16o de su ca rrera, Silvestre Dangond se puso tan experimental que incluso decidió apodarlo In truso. ¿Será que se siente como un intruso en el ámbito de la música urbana? Por el contrario, Dangond mantiene viva su esencia tropical y de vallenato incluso mientras aprovecha otros ritmos, y como era de esperar, los 13 temas fueron compuestos por él. En “Pa qué”, el músico mezcla sensuales ritmos de trap con su característico sonido de acordeón, mientras que en “No tenemos la culpa”, su primera co laboración con su hijo MONACO, opta por una contagiosa melodía pop-urbana. “Manzana prohibida” incorpora a la debutante dominica na La Ross María en un conmo vedor reggaetón tropical. Intru
so incluye también éxitos lanzados anteriormente como “Justicia” con Natti Natasha, “Vivir Bailando” con Maluma, y la canción definitiva para pedirle a alguien matrimonio, “Cásate conmigo”, con Nicky Jam. El focus-track del álbum, “Se que estás con él” con Reik y Boza, es el que abre el set. Otros de sus colabora dores son Zion y Lennox y Ñengo Flow. “Estoy contento con el resul tado de este nuevo disco, me divertí mucho y admiro a cada uno de los artistas que colaboraron conmigo, incluido mi hijo”, dijo Dangond.
Andrés calamaro y DRO presentaron Hones tidad Brutal Extra Brut (reedición de la obra cumbre de la discografía del artista, Honestidad Brutal), que fue grabada durante nueve meses en distintos es tudios y países. El proyecto original tiene lo que normalmente se supone que conforma un disco de rock; con cepto, repertorio y toda una leyenda detrás de él. Después de 23 años de su publicación, sigue siendo consi derado fundamental en el género de canciones de rock hispano latinas.
En una caja de 6 CDs, Honestidad Brutal Extra Brut contiene el álbum original edit & master por Joe Blaney y Sterling Sound, en NYC y Nashville (Tennessee), el disco “Versión Origi nal” con las primeras grabaciones y mezclas realizadas en mayo de 1998, disponible por primera vez en CD y
edición digital tras su publicación en vinilo en el Record Store Day 2021.
Además, cuenta con 3CDs titula dos “In & Alt”, que contienen material no publicado anteriormente, graba ciones alternativas o inéditas. Son 45 tracks que incluyen la participación de Hugh Mc Craken, Marc Ribot, Charley Drayton, Alejandro Sanz, Fito Páez, Jaime Urrutia y otros músicos y artistas de candela internacional. Y, por otra parte, una libreta con fotos inéditas de Jerónimo Álvarez y Javier Salas, las letras de Honestidad Brutal, un texto editorial de Patricio Pron y una memo ria de grabaciones del puño y letra de Calamaro. Además, se lanzó la edición limitada en vinilo de 180 gramos del disco original. Como novedad, trae una nueva masterización y edición rea lizadas en los estudios Sterling Sound (Nashville) con la dirección del pro ductor e ingeniero Joe Blaney.
El soundtrack de la película dirigida por San tiago Mitre cuenta con 20 canciones producidas por Pedro Osuna, reconocido compo sitor de música para cine, series y videojuegos, quien ha colaborado en películas como “Lightyear”, “007: Sin Tiempo Para Morir” y “Klaus” (2019), entre otras.
La canción principal se titula “Nunca Más”, un track coescrito y coproducido entre Osuna y Victo ria Alonso (presidenta de produc ción física, postproducción, efectos visuales y animación de Marvel Studios), Rafa Arcaute (compositor, productor y ganador de múltiples Latin GRAMMYs y GRAMMYs ) y Kany García (seis veces ganadora del Latin GRAMMY) quien también es intérprete de la canción.
Sobre el lanzamiento Victoria
Alonso señaló: “El arte en cierta manera tiene su responsabilidad, y la nuestra ha sido mostrar un mo mento oscuro y violento de la histo ria argentina, para que los jóvenes de hoy comprendan que los colores de nuestra bandera también son el dolor y la sangre de nuestro pueblo, además de la celeste y blanca”.
“La experiencia de trabajar con artistas tan maravillosos y talento sos como mi querida amiga Kany García, Rafa Arcaute y Pedro Osuna, me llena de orgullo y satisfacción. Hemos puesto nuestro corazón en esta canción y espero que la gente la quiera tanto como nosotros y se apropie de ella”, afirma Alonso, con respecto a la presentación de la can ción “Nunca Más”.
felix álvarez está de estreno. esta vez, “pasan los días” es el nombre de su nueva canción. El artista bonaerense viene de lanzar Con la mañana, un EP de cuatro canciones donde Felix logra crear un espacio de intimidad e introspección con dos elementos infalibles: guitarra y voz. “Pasan los días” marca un quiebre y trae guitarras distorsionadas, volumen y la energía de una banda de rock. El cambio refleja la versatilidad de un artista que conserva su identidad, en la expresividad y el color de voz tan característicos. Inspirado en las canciones del rock nacional, el nuevo sencillo pretende sumarse al repertorio de las cancio nes que escuchamos de chicos y vamos a escuchar para siempre. “Pasan los días” fue producido por Bruno Giroldi, quien estuvo a cargo de la grabación, mezcla y mastering. Además, interpretó bajos y guitarras eléctricas. Actualmente, la dupla trabaja en un próximo proyecto que ambos consideran “indie pop”.
“Desde que empecé a componer canciones siempre me mantu ve dentro de un estilo, donde la guitarra y mi voz eran el elemento principal. Decidí empezar a explorar nuevos estilos como el rock y el indie pop en donde encuentro la posibilidad de transmitir más energía y encarar la canción desde un punto de vista muy distinto al del cantautor y su guitarra. Esta canción fue la primera que sur gió de esa búsqueda, la primera de muchas”, cuenta el artista.
en 2021, viajó a españa a grabar el álbum junto al productor español Dan Hammond. “Este álbum es especial para mí, no solo por ser el primero sino también porque fue la opor tunidad revisar mis primeros 5 años de carrera”, cuenta el artista.
“Al detenerme me encontré con un camino lleno de búsqueda y matices. Luego de indagar en distintos géneros y encontrar in finitas fuentes de inspiración, comencé a escribir canciones que juegan con esas distintas gamas que me componen y hacen a mi trayectoria. Lo nuevo y lo viejo conviviendo”, agrega.
Para Spillmann, Silence es un disco para escuchar con «un buen grupo de amigos, acompañado de buenas charlas y risas; condi mentado con una de esas noches de verano con un vientito divino”.
¿Por qué Silence? “Elegí ese tema como sencillo del disco por dos razones. Una razón es que el sonido que tenía me hizo sentir orgulloso de mis raíces. Al componer el tema sabía desde el pri mer momento que ese era el sonido que quería buscar y creo que se logró muy bien. El sonido latino es muy especial y único, tiene algo muy físico que te mueve y que amo. Esta canción fue como un gusto que me di. Escribo en inglés y tengo muchos referentes angloparlantes, pero eso no quita que ame y sienta muy incorpo rada en mí la música latina. La segunda razón es el mensaje de la letra y melodía. La letra incentiva a ser fiel a uno mismo, no dejar que te tiren hacia abajo en tu proceso, cualquiera sea ese. Que te digan lo que quieran, pero que eso no te cambie y no te pese, que no te desmotiven a mitad del camino. Y la melodía del estribillo tiene ese paso firme casi de protesta que lo apoya”, responde.
“Para mí este álbum es como una milanesa, no hay momento ni formato en el que no lo reciba con brazos abiertos. Pero creo que la mejor manera, tipo «la milanesa con puré que hace mi vie ja», sería con un buen grupo de amigos, acompañado de buenas charlas y risas; condimentado con una de esas noches de verano con un vientito divino. Y ojo que de postre pueden empezar a soltarse unos buenos pasos”, concluye.
el tecladista de la banda platense cruzando el charco lleva adelante su proyecto solista y presenta una versión del bolero escrito por el panameño Carlos Eleta Almarán. “No es fácil versio nar un clásico, menos si es “Historia de un amor”, una de las can ciones en español con más versiones grabadas. Luis Miguel, Héctor Varela, Julio Iglesias, Pérez Prado y Pedro Infante son solo algunos de los artistas que han compartido con éxito sus interpretaciones de este doloroso y popular bolero escrito por el panameño Carlos Eleta Almarán en 1955”, cuenta.
Hoy, Ticky (nombre con el que se le conoce al músico platense Damián Rodríguez, también tecladista de Cruzando el charco) li bera la suya y lo hace de la mano de un sonido moderno y fresco, construido con guitarras eléctricas, elementos electrónicos y me lodías soul. Acompañado por un videoclip realizado por Rancho Producciones y protagonizado por Araceli Torrado y Miguel Án gel Grande, la nueva versión de “Historia de un amor” tiene aires pop que se combinan de manera natural con el género urbano, llevando el clásico a un lugar más vanguardista y arriesgado, con el sello característico de Ticky. Este sonido fue potenciado por la banda que el músico armó para este sencillo: Ariel Colla (Aymará, Pimpinela, Pedro Aznar, Alex Ubago, y más) en guitarras, Guille Salort (Conociendo Rusia, Wos, Cardellino y más) en batería, Mauricio López Sein (Lospatasú) en bajo y Ticky en voz. La can ción fue producida por Ticky y grabada de manera independiente entre su home-studio y el de cada uno de los instrumentistas. La mezcla y masterización estuvo a cargo de Martin Pomares. Ade más de la salida de “Historia de un amor”, Ticky prepara la publi cación de un nuevo EP, el que verá la luz en el mes de noviembre y que el músico celebrará con un show especial el día viernes 11 de noviembre en Guajira, La Plata. El concierto lo abrirá Aymará, banda que lidera el cantante y guitarrista Ariel Colla.
se trata de una colaboración del artista junto a la cantante pop Odd Mami. Sin dejar atrás su sello característico de inmediatez y explosividad alternativa, la banda incorpora con naturalidad crudas bases electrónicas, sintetizadores “8 bit” y sintéticos efectos vocales nunca antes escuchados en su catálo go, dando como resultado una atípica combinación de potencia punk y pop del futuro. Naif, idealista y genuina, “Una Canción” habla sobre la cotidianidad en los vínculos amorosos, reflejados en aquellos íntimos detalles tan específicos a cada pareja. Las dos cantantes abren una ventana a sus experiencias personales en sus respectivos versos, inspiradas por sus personas más cercanas. El track viene acompañado por el videoclip dirigido por Juan Paz Costa Viaggio, baterista del Club, siguiendo la línea de “Madru gada” en la premisa de expandir el imaginario videográfico de la banda. Haciendo alusión a las técnicas de producción musical empleadas en la canción, en el videoclip se entremezclan y coe xisten elementos digitales y analógicos. Presenta a una joven me lómana en su habitación que al reproducir un CD misterioso le da vida a los hologramas de Odd Mami y la banda, quienes inter pretan el track en el espacio construido mediante un render 3D. “Una Canción fue co-producida por Dayvan y Estanislao López, grabada en estudios Unísono, masterizada por Audio Warrior y editada por Casa del Puente Discos.
Hoy en día la banda se encuentra grabando su esperado se gundo álbum en el estudio Unísono, y a su vez presentándose en los escenarios de la ciudad de Buenos Aires como Niceto Club. Y ahora, en noviembre, El Club será partícipe de la primera edición en Argentina del festival español Primavera Sound.
Por primera vez, el disco cae por debajo de las 90.000 unidades de álbum equivalentes semanales (87.000 en la semana que terminó el 29 de septiembre, un 6% menos, según Luminate). Sus unidades totales ascienden a 2,61 millones, el mejor álbum del año y el único con más de 2 millones de ventas.
El lanzamiento de estudio de Drake data de 2011 y se convierte así en el decimosexto álbum en alcanzar al menos 500 semanas en la lista y el decimoquinto desde enero de 2018. The Dark Side of the Moon de Pink Floyd tiene la mayor cantidad de semanas totales: 962 (llegó a la semana No. 500 en 1984).
El álbum de estudio debut de Bridgers, lanzado en 2017, llega al Billboard 200 luego de una reedición del quinto aniversario en vinilo a color (23 de septiembre). De esta forma, vuelve a entrar en el N°4 en la lista de álbumes de vinilo con 8.000 copias vendidas.
5 Seconds of Summer obtiene su sexta entrada entre los 10 primeros en el Billboard 200 con 5SOS5 debutando en el N°2 con 48.000 uni dades de álbumes equivalentes vendidas en los Estados Unidos en la semana que finalizó el 29 de septiembre, según Luminate. Las ventas de álbumes representan 36.000 de esa suma, lo que le valió a 5SOS5 los honores de álbum más vendido de la semana; las unidades de álbumes equivalentes a la transmisión consti tuyen 12.000, lo que equivale a 15,8 millones de transmisiones oficiales bajo demanda de sus canciones; y las unidades de álbum equivalentes a pistas son insignificantes. 5SOS5 estuvo dis ponible en seis variantes de vinilo, combinán dose para vender 13.000, la mejor semana de ventas del grupo en el formato. Aún así, los CD lideraron la carga de ventas con casi 16.500 gra cias a múltiples versiones en empaques colec cionables (que incluyen portadas alternativas para cada miembro de la ban da) y cajas de lujo. Los seis de los 10 mejores álbumes de la banda se ubicaron entre los dos primeros del Billboard 200, con tres alcanzando el número 1. KEITH CAULFIELD
“UNHOLY” DE SAM
y
Petras debuta en el No. 1 en el Billboard Global 200. La animada canción, que llegó el 22 de septiembre, es el primer líder en la lista para los artistas británicos y alema nes. También se sube a la cima del Billboard Global Excl. Estados Unidos, donde también es su primer N° 1. La colaboración suma 76.7 millones de transmisiones oficiales y 20.000 descargas vendidas en todo el mundo en la semana de seguimiento del 23 al 29 de septiembre, según Luminate. Smith y Petras comenzaron a promocionar el sencillo en agosto en TikTok, donde se ha utilizado en más de 450.000 clips (hasta el 3 de octubre). En particular, los últimos cuatro dúos N° 1 en Global 200 han sido de artistas de fuera de los Estados Unidos. Antes de Smith y Petras, Bizarrap (Argentina) y Quevedo (España) lideraron con “Bzrp Music Sessions, Vol. 52” durante cuatro semanas a partir de julio; Coldplay (Reino Unido) y BTS (Corea del Sur) reinaron con “My Universe” durante una semana en octubre de 2021; y The Kid LAROI (Australia) y Justin Bieber (Canadá) reinaron con "Stay" durante 11 semanas a partir de agosto de 2021. (Esa racha siguió a su compatriota canadiense The Weeknd y la temporada de una semana de Ariana Grande nacida en EE.UU. en el N° 1 con " Save Your Tears” en mayo de 2021). Las canciones de shows internacionales han encabezado el Global 200 durante 32 semanas consecutivas, abarcando siete títulos y cinco países, ambas rachas récord desde que se lanzó la lista en septiembre de 2020. “Unholy” sigue a los líderes “Shut Down” y “Pink Venom” de Blackpink de Corea del Sur, “Vol. 52” y tres canciones de artistas del Reino Unido: “Running Up That Hill (A Deal With God)” de Kate Bush, “As It Was” de Harry Styles y “Heat Waves” de Glass Animals. — GARY TRUST
